ChatGPT, Gemini, DeepSeek, Grok, CapCut... Las 25 primeras posiciones entre las principales páginas web con servicios de inteligencia artificial están copadas por Estados Unidos y China. Sin embargo, este año ha aparecido en el puesto número 11 una pequeña aldea, no gala sino malagueña, que resiste las dos superpotencias.

Es Freepik, una empresa radicada en la capital de la Costa del Sol que no solo ha logrado erigirse en una de las referencias europeas en el negocio de la IA. También es un caso de éxito internacional sobre cómo adaptarse a esta tecnología, ya que se fundó mucho antes de que comenzara la revolución. Durante una década, Freepik fue un banco de imágenes, una plataforma desde la que descargar fotografías e ilustraciones con licencia.

Era “un producto que buscaba solucionar un problema que tenía mucha gente”, pero que estaba “un poco fuera de ese ambiente de hiperambición” que rodea a las startups tecnológicas, reconoce Joaquín Cuenca, fundador y director ejecutivo de la empresa, en conversación con elDiario.es. Hasta que llegó la inteligencia artificial.

La generación de imágenes con IA era el tipo de tecnología que podía echar abajo todo su negocio. “Nos dimos cuenta de que lo que hacíamos ya no tenía mucho sentido si queríamos sobrevivir”, sigue Cuenca. Pero en vez de dejarse acastillarse contra las herramientas que pueden crear la imagen perfecta para cada proyecto, las abrazaron. Freepik llegó a acuerdos con ellas y se convirtió en una plataforma desde la que se puede acceder a los principales modelos generativos de imágenes.

Ahora es una especie de navaja suiza para creativos, creadores de contenido y empresas que necesiten recursos gráficos, con más de 20 herramientas de IA generativa que se suman al banco de imágenes. “Para nosotros la misión sigue siendo la misma, que es ayudar a la gente a que plasme lo que tiene en mente. Al principio podíamos hacerlo de una forma torpe con lo que teníamos, que eran dándoles recursos ya hechos para que los puedan usar. Ahora vamos mucho más allá. La IA nos permite responder de verdad a la necesidad exacta de cada persona y ayudarla a cristalizar sus ideas en algo concreto”, cuenta el responsable de Freepik.

Desde entonces el negocio de Freepik ha superado los 90 millones de euros de facturación. En poco más de dos años, el conjunto de herramientas de IA ha sobrepasado los beneficios que le sigue reportando el banco de imágenes construido desde 2012. Su web suma más de 100 millones de visitas al mes, está llegando al millón de suscriptores de pago, la plantilla se acerca ya a los 500 empleados y además de en Málaga, ha abierto una oficina en Silicon Valley.

La primera europea

Así, comenzando con un producto “poco sexy” y creciendo a partir de él, es como Freepik ha llegado a ser la undécima web de IA más usada del mundo. El ranking lo elabora el fondo Andreessen Horowitz, ha sido publicado esta semana e incluye, además de servicios nativos de IA como ChatGPT o DeepSeek, a empresas como la malagueña, que han reconducido su producto para que esta tecnología forme parte de su núcleo central.

En el ranking particular de empresas con negocios previos a la IA que han logrado reconvertirse, Freepik ocupa la tercera posición. Solo tiene por delante a Canva, un servicio para crear presentaciones o publicaciones para redes sociales; y Notion, una app de productividad que combina notas, documentos, bases de datos y gestión de proyectos en un solo espacio.

Pese a ser la primera empresa europea de esta tabla y que acumula 15 años de trayectoria, sigue siendo una gran desconocida para muchos, incluso en España. “Somos cuatro veces más grandes que Mistral, pero casi nadie habla de nosotros”, lamenta Cuenca, en referencia a la startup francesa que se ha convertido en el centro de todos los debates sobre soberanía tecnológica europea.

Su fundador explica que es una combinación de varios factores. Por un lado, recuerda que la empresa no lanza rondas de financiación. Un proceso que obliga a explotar las relaciones públicas para atraer a inversores y fondos de capital riesgo, y que es el origen de gran parte del humo que rodea al ecosistema startup. Su fundación como banco de imágenes y que “nunca hemos necesitado ese tipo de visibilidad para llegar a nuestros usuarios”, son otros de los motivos.

En 2020, el fondo sueco de capital riesgo EQT, especializado en invertir en empresas maduras para hacerlas crecer y luego revender, adquirió el 53% de Freepik, valorándola en 225 millones de euros. Sus fundadores mantienen la minoría y la gestión del día a día.

Con todo, Cuenca cree que hay una razón determinante para esa falta de visibilidad respecto a otras empresas de IA: “Sinceramente, creo que si hubiéramos estado en Madrid, siendo exactamente la misma empresa, nos conocería todo el mundo”. Pese a que Málaga se ha convertido en un polo tecnológico tanto español como europeo, cree que les ha alejado de los medios de comunicación de tirada nacional.

No obstante, también les ha permitido “un valioso espacio de tranquilidad” para trabajar en “lo que de verdad importa, que es la empresa en sí, sin tanta distracción”. Cuenca recalca además que la provincia cuenta con “mucho talento local” y que es un factor muy importante para retener tanto a estos trabajadores como a otros profesionales que podrían “tener más movilidad” pero prefieren quedarse en “la ciudad del paraíso”, como la denominó el poeta Vicente Aleixandre. “Es un pequeño imán”, coincide el CEO de Freepik.

En el centro del debate de los diseñadores

El negocio de Freepik la ha colocado justo en el centro de la conversación sobre el futuro de profesiones como la de los diseñadores, una de las que más están sufriendo el impacto de la IA. Plataformas como la suya, que combinan bibliotecas masivas de recursos gráficos con herramientas generativas, están automatizando buena parte de los flujos de trabajo. Según un informe sobre el futuro del empleo del World Economic Forum publicado en 2025, los diseñadores se encuentran entre los trabajos con la caída más rápida y con mayor destrucción neta de empleo en cifras absolutas para los próximos cinco años.

Otros análisis indican que hasta un 65% de las tareas que desempeñan los diseñadores tienen un riesgo alto de automatización. Cuenca no esquiva la pregunta, pero tampoco ofrece falsas certezas. “No lo minimizo”, admite. “Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla”.

Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla

Joaquín Cuenca — fundador y CEO de Freepik, sobre los diseñadores

Su argumento de fondo es histórico: todos los grandes cambios tecnológicos siguen el mismo patrón. Pone el ejemplo de su propio padre, contable en la era pre-ordenador, que pasaba horas sumando columnas de números y desarrollando trucos mentales para verificar que las cuentas cuadraban. Ese trabajo desapareció. Pero el coste cero de hacer multiplicaciones hizo posible los videojuegos en tres dimensiones, una industria entera con sus propios diseñadores y creativos que nadie podía imaginar cuando salió la calculadora.

El problema, continúa Cuenca, es precisamente ese: “Es muy fácil empatizar con el contable que ya no tiene trabajo de sumar. Es muy difícil ver que tal vez con esas herramientas se genere la industria del videojuego en el futuro”.

Desde su visión, la IA está a punto de crear una industria nueva. “Nuestra tesis es que con la evolución de la IA lo que se va a crear es una industria en torno a la creatividad. Imagínate que tú eres un creativo y quieres hacer una película. Hasta ahora, te habría sido casi imposible. Necesitabas convencer a mucha, mucha gente para hacer una película indie. Y una gran inversión, estamos hablando de unas decenas de miles de euros”, explica.

“La gente no podía tener como hobby hacer una película. No podía permitirse contar historias en ese medio. Pero ahora sí que lo va a poder hacer. Eso cambia completamente el panorama”, argumenta Cuenca. Lo compara con los libros: antes de la llegada de Internet, la autopublicación y difusión era extremadamente más complicada. Pero la apertura del mercado digital permitió que no hiciera falta ser escritor profesional ni tener un gran mercado para poder rentabilizar las obras.

Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente

Joaquín Cuenca

“Creemos que las películas se van a hacer como se hacen los libros. Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente”, asegura.

Hacía ahí es a donde se dirige el negocio de Freepik, que está desarrollando herramientas de generación de vídeo para hacer posibles proyectos como estos. La empresa que empezó poniendo fotografías e ilustraciones al alcance de cualquiera quiere ahora hacer lo mismo con las películas. Si la tesis de Cuenca se cumple, el siguiente creativo que ruede una película que valga la pena puede que no necesite ni productora ni presupuesto millonario. Solo una idea y las herramientas adecuadas. La aldea malagueña que este 2026 resiste ante las dos superpotencias de la IA aspira a que esas herramientas sean las suyas.

Las autoridades mexicanas exigieron el pasado miércoles la suspensión inmediata de la comercialización del modelo de zapato “Oaxaca Slip On”, lanzado por la marca deportiva Adidas e inspirado en los huaraches (sandalia mexicana), típicos del municipio de Villa Hidalgo Yalalag, en el estado de Oaxaca (oeste del país).

En un comunicado, la Secretaría de las Culturas y Artes del Gobierno del Estado de Oaxaca (SECULTA) expresó su “firme rechazo ante el caso de apropiación cultural cometido por el diseñador estadounidense Willy Chavarría y la empresa Adidas, quienes presentaron el modelo ‘Oaxaca Slip On’ sin autorización ni reconocimiento a la comunidad de Villa Hidalgo Yalalag, cuyos huaraches tradicionales fueron utilizados como base estética del calzado”.

La SECULTA señaló que las sandalias presentadas el pasado lunes “invisibiliza a los verdaderos creadores del patrimonio cultural y reproduce dinámicas históricas de despojo”.

“La adopción de elementos culturales de nuestros pueblos originarios con fines comerciales sin consentimiento libre, previo e informado constituye una violación a sus derechos colectivos y transgrede la Ley Federal de Protección del Patrimonio Cultural de los Pueblos y Comunidades Indígenas y Afromexicanas”, advirtió en el documento la secretaría.

Por ello, pidieron que se suspenda la comercialización de la sandalia, que se adelante un proceso de diálogo y reparación de agravios con la comunidad de Yalalag, así como el reconocimiento público del origen cultural de los diseños apropiados.

La gran diferencia es que el calzado de Adidas tiene una suela más gruesa que las originales, de cuero, pero su estilo con tiras trenzadas de este material es prácticamente igual que el de los huaraches.

Solo dos días después, Adidas contactó con el Gobierno de Oaxaca para abordar la polémica. Por su parte, el diseñador Chavarría eliminó de sus redes sociales las publicaciones en la que se le apreciaba con un par de los huaraches comercializados por Adidas. En una declaración enviada a la BBC, Chavarría afirmó: “Lamento profundamente que el zapato haya sido apropiado para este diseño y no desarrollado en asociación directa y significativa con la comunidad oaxaqueña”.

Apropiación cultural indebida recurrente

En los últimos años, el Gobierno mexicano ha dirigido cartas a distintas empresas de ropa en las que se pronuncia en contra de la apropiación cultural indebida de diseños textiles de varias comunidades del país.

En julio de 2023, el Gobierno de México informó que envió una carta a la empresa de moda china Shein, en la que se expresa en contra de la apropiación cultural indebida de varias prendas típicas de la cultura e identidad del pueblo náhuatl de San Gabriel Chilac, en el estado de Puebla, centro de México.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, precisó -en aquella oportunidad- que además de los “daños económicos, hay daños morales, en tanto que los han despojado también de su identidad como grupo”.

A inicios de enero de 2021, México pidió a la marca de lujo australiana Zimmermann, acusada de plagiar dos textiles de la comunidad indígena mazateca del estado sureño de Oaxaca, que trabajaran de forma ética y con respeto a esos grupos. La marca australiana ofertaba el diseño de un vestido de playa sin darle ningún crédito a la comunidad.

Entre otros plagios también está el cometido en 2015 por parte de la diseñadora francesa Isabel Marant con elementos tradicionales de la cultura mixe, también de Oaxaca. Además, la firma Carolina Herrera fue acusada de apropiación cultural al tomar elementos de la cultura otomí y la artesanía del sarape mexicano de Saltillo, en el norte de México, para sus diseños en 2019.

El dissenyador mallorquí Miguel Adrover ha rebutjat treballar amb Rosalía, una de les cares més visibles de la música urbana i de la reinvenció del flamenc en l’última dècada, a causa de la seva manca de suport públic al poble palestí. “Ho sento, però en Miguel no treballa amb cap artista que no doni suport públicament a Palestina”, ha respost de manera concisa una de les seves representants en un correu electrònic adreçat a la responsable de gestionar la imatge personal de l’artista, i que el dissenyador ha fet públic a les xarxes socials.

Adrover, en un missatge més personal que ha compartit a través d’Instagram, ha manifestat que cal “fer el que és correcte” i que “el silenci és complicitat”. El dissenyador mallorquí considera que, quan una persona té un gran altaveu, amb milions de persones que l’escolten, també té la responsabilitat de “fer servir aquest poder per denunciar aquest genocidi”. El text ha anat acompanyat de l’admiració personal d’Adrover per la seva música. “Rosalía, això no és res personal. T’admiro per tot el teu talent i per tot el que has aconseguit. I crec que ets molt més que aquests artistes que només es dediquen a l’espectacle i a l’entreteniment”, ha expressat.

elDiario.es s’ha posat en contacte amb Seven 7 Management, companyia que treballa amb l’artista catalana, per preguntar sobre aquesta qüestió, però no ha rebut cap resposta en el moment de la publicació d’aquesta notícia.

L’actitud —o, concretament, l’absència de posicionament— de Rosalía contrasta amb la d’altres artistes nacionals o internacionals que han mostrat el seu rebuig a la guerra contrària al dret internacional que manté Israel contra Palestina. En un dels últims festivals de música celebrats a Espanya, el FIB, s’han retirat multitud d’artistes importants. Entre ells, Residente —fundador del desaparegut grup Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre i John Talabot van mostrar el seu rebuig a participar en el festival de Benicàssim, entre el 17 i el 19 de juliol, a causa del seu vincle amb el fons israelià KKR.

Cancel·lacions generalitzades al FIB

“Condemno el genocidi i la neteja ètnica que el Govern d’Israel està duent a terme a Palestina”. Amb aquestes paraules va anunciar Samantha Hudson, el passat 15 de juny, que no actuaria al FIB, ni tampoc al Sónar —pels mateixos motius—. Cal recordar que el festival està controlat pel promotor Superstruct, que el va adquirir per 1.300 milions d’euros. Aquest promotor, el segon més important del món, ha passat a controlar 30 festivals a l’Estat espanyol.

En un vídeo publicat a través de les xarxes socials, Residente va reconèixer que no sabia si la seva sortida de l’esdeveniment musical li portaria “conseqüències legals”, tot afegint que, “honestament”, no li importava: “La meva posició sempre ha estat clara respecte a aquest tema, sempre ha estat així i sempre ho serà. Gràcies per entendre-ho i que visqui Palestina lliure”. L’artista porto-riqueny va explicar que KKR “inverteix i dona suport econòmicament a empreses d’Israel relacionades amb tecnologia militar, sistemes de vigilància i fins i tot espionatge, i finança projectes immobiliaris en assentaments il·legals en els territoris palestins ocupats, contribuint, d’aquesta manera, al genocidi i la violació sistemàtica dels drets humans contra el poble palestí”.

Aquest fons proisraelià també ha desembarcat a l’escena de la música electrònica eivissenca, prenent el control de festes com Elrow, Boiler Room i Brunch Electronik. Les dues primeres estan lligades a dos dels clubs amb més prestigi dins la cultura de la música electrònica d’Eivissa. Mentre que Elrow estarà a UNVRS —discoteca que acaba d’inaugurar després d’una reforma d’una empresa de l’omnipresent Abel Matutes, juntament amb el seu soci Yann Pissenem— i a Ushuaïa —també de Matutes, exministre d’Afers Exteriors amb Aznar durant la seva primera legislatura—, Boiler Room estarà a Amnesia, la discoteca fundada pel filòsof Antonio Escohotado.

Mobilitzacions en zones turístiques

La vinculació d’aquestes festes amb el fons d’inversió proisraelià ha desencadenat el malestar dels moviments socials propalestins de l’illa, com ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea)’, que han dut a terme diferents mobilitzacions en zones turístiques —així com als accessos d’UNVRS— per protestar contra el que consideren “connivència amb el sionisme de KKR i per conscienciar la població perquè no gastin els seus diners en empreses que col·laboren directament amb la matança de civils a Palestina”, tal com va declarar a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En l’última de les protestes, realitzada la setmana passada a l’aeroport d’Es Codolar, un grup d’activistes va protestar a la zona d’arribades per mostrar el seu rebuig davant un vol procedent de Tel Aviv. En aquest vol, suposadament, viatjaven membres de l’exèrcit israelià, així com simpatitzants sionistes que estarien de visita a l’illa. Gaudeixen de les seves vacances “enmig d’un genocidi en directe”, va lamentar la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. Durant la protesta, les activistes van desplegar pancartes denunciant que els infants de Gaza s’estan morint de fam —una situació que també és provocada pel bloqueig d’aliments imposat per Israel—.

Aquest dilluns, el president Pedro Sánchez ha tornat a fer una crida per aturar la fam a Gaza provocada pel bloqueig de l’ajuda humanitària: “És una vergonya per a la humanitat. Aturar-la és un imperatiu moral, polític i humanitari. Espanya està preparant un enviament de milers d’aliments mitjançant l’ús de paracaigudes i avions A400”, ha dit Sánchez. Malgrat aquestes declaracions públiques, que se sumen al reconeixement oficial de Palestina com a Estat, cal recordar que Espanya és el país de la UE que més “armes i municions” ha importat d’Israel entre febrer i maig de 2025, tal com va publicar elDiario.es.

Dues organitzacions israelianes denuncien el genocidi

Dues importants organitzacions de drets humans amb seu a Israel, B’Tselem i Metges pels Drets Humans, han afirmat que Israel està cometent un genocidi contra els palestins a Gaza i que els aliats occidentals del país tenen l’obligació legal i moral de detenir-lo. Les dues entitats asseguren, en informes publicats aquest dilluns, que Israel ha atacat civils a Gaza únicament per la seva identitat com a palestins durant gairebé dos anys de guerra, causant danys greus i, en alguns casos, irreparables a la societat palestina.

Aquestes organitzacions internacionals se sumen a moltes altres que qualifiquen la guerra de “genocidi”, però els informes d’aquestes dues —entre les més respectades d’Israel i Palestina, amb dècades documentant abusos sistemàtics— podrien incrementar la pressió per a mesures més contundents.

Els informes detallen crims com l’assassinat de desenes de milers de dones, infants i gent gran, desplaçaments forçats massius i fam, així com la destrucció d’habitatges i infraestructures civils que han deixat la població palestina sense accés a l’atenció sanitària, l’educació i altres drets bàsics. “El que veiem és un atac clar i intencionat contra la població civil amb l’objectiu de destruir un grup”, afirma Yuli Novak, directora de B’Tselem, que ha demanat mesures urgents. “Crec que tota persona hauria de preguntar-se: què faries davant un genocidi?”. Així, Novak sosté que és fonamental reconèixer que s’està produint un genocidi, encara que no hi hagi una sentència formal del Tribunal Internacional de Justícia. “El genocidi no és només un delicte legal. És un fenomen social i polític”.

“No podria succeir sense el suport d’Occident”

Tant B’Tselem com Metges pels Drets Humans denuncien que els aliats occidentals d’Israel estan permetent aquesta campanya genocida i comparteixen la responsabilitat pel patiment a Gaza. “No podria succeir sense el suport del món occidental”, diu Novak. “Qualsevol líder que no estigui fent tot el possible per aturar-ho forma part d’aquest horror”.

El diseñador mallorquín Miguel Adrover ha rechazado trabajar con Rosalía, una de las caras más visibles de la música urbana y la reinvención del flamenco en la última década, debido a su falta de apoyo público al pueblo palestino. “Lo siento, pero Miguel no trabaja con ningún artista que no apoye públicamente a Palestina”, ha respondido escuetamente una de sus representantes en un correo electrónico dirigido a la encargada de realizar la gestión de su imagen personal, y que el diseñador ha hecho público en redes sociales.

Adrover, en un mensaje más personal que ha compartido a través de Instagram, ha manifestado que hay que “hacer lo correcto” y que “el silencio es complicidad”. El diseñador mallorquín considera que cuando una persona tiene un gran altavoz, con millones de personas que la escuchan, tiene también la responsabilidad de “usar ese poder para denunciar este genocidio”. El texto ha ido acompañado de la admiración personal de Adrover por su música. “Rosalía, esto no es nada personal. Te admiro por todo tu talento y por todo lo que has logrado. Y creo que eres mucho más que esos artistas que solo se dedican al espectáculo y al entretenimiento”, ha manifestado.

elDiario.es se ha puesto en contacto con Seven 7 Management, compañía que trabaja con la artista catalana, para preguntarle sobre esta cuestión, pero no ha recibido respuesta en el momento en que se publica esta noticia.

La actitud —o, concretamente, la ausencia de posicionamiento— de Rosalía contrasta con la de otros artistas nacionales o internacionales que han mostrado su rechazo a la guerra contraria al derecho internacional que mantiene Israel contra Palestina. En uno de los últimos festivales de música que se ha celebrado en España, el FIB, se han caído multitud de artistas importantes. Entre ellos, Residente —fundador del extinto grupo Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre y John Talabot mostraron su rechazo a acudir al festival de Benicássim, entre el 17 y 19 de julio, debido a que está vinculado al fondo israelí KKR.

Cancelaciones generalizadas en el FIB

“Condeno el genocidio y la limpieza étnica que el Gobierno de Israel está llevando a cabo en Palestina”. Con estas palabras anunció Samantha Hudson, el pasado 15 de junio, que no iba a actuar en el FIB, ni tampoco en el Sónar —por los mismos motivos—. Cabe recordar que el festival está controlado por el promotor Superstruct, que lo adquirió por 1.300 millones de euros. Este promotor, que es el segundo más importante del mundo, se ha hecho con el control de 30 festivales españoles.

En un vídeo que fue publicado a través de las redes sociales, Residente reconoció que no sabía si su salida del evento musical le traería “consecuencias legales”, añadiendo que, “honestamente”, no le importaba: “Mi posición siempre ha sido clara en torno a este tema, siempre ha sido así y siempre lo será. Gracias por entenderlo y que viva Palestina libre”. El artista puertorriqueño explicó que KKR “invierte y apoya económicamente a empresas de Israel relacionadas con tecnología militar, sistemas de vigilancia y hasta espionaje, y financia proyectos inmobiliarios en asentamientos ilegales en los territorios palestinos ocupados, contribuyendo, de esta manera, al genocidio y la violación sistemática de derechos humanos contra el pueblo palestino”.

Este fondo proisraelí también ha desembarcado en la escena de la música electrónica ibicenca, haciéndose con el control de fiestas como Elrow, Boiler Room y Brunch Electronik. Las dos primeras fiestas están ligadas a dos de los clubes con más prestigio de la cultura de la música electrónica de Eivissa. Mientras que Elrow estará en UNVRS —discoteca que acaba de ser inaugurada tras una reforma de una empresa del omnipresente Abel Matutes, junto a su socio Yann Pissenem— y Ushuaïa —también de Matutes, exministro de Asuntos Exteriores de Aznar en su primera legislatura—, Boiler Room estará en Amnesia, la discoteca fundada por el filósofo Antonio Escohotado.

Movilizaciones en zonas turísticas

La vinculación de estas fiestas con el fondo de inversión proisraelí ha desencadenado el malestar en los movimientos sociales propalestinos de la isla, como ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea), que han realizado diferentes movilizaciones en zonas turísticas —así como junto a los accesos de UNVRS— para protestar por lo que consideran “connivencia con el sionismo de KKR y para concienciar a la población para que no gasten su dinero en empresas que colaboran directamente con la matanza de civiles en Palestina”, como manifestó a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En la última de las protestas, realizada la semana pasada en el aeropuerto de Es Codolar, un grupo de activistas protestó en el área de llegadas para mostrar su rechazo ante un vuelo procedente de Tel Aviv. En él, supuestamente viajaban miembros del ejército de Israel, así como simpatizantes sionistas que estarían de visita en la isla. Disfrutan de sus vacaciones “en medio de un genocidio en directo”, lamentó la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. En esta protesta, las activistas desplegaron pancartas en las que denunciaban que los niños y niñas de Gaza se están muriendo de inanición —lo que está ocurriendo también debido al bloqueo de alimentos que está realizando Israel—.

Este lunes, el presidente Pedro Sánchez ha vuelto a hacer un llamamiento para detener la hambruna de Gaza motivada por el bloqueo de la ayuda humanitaria: “Es una vergüenza para la humanidad. Detenerla es un imperativo moral, político y humanitario. España está preparando un envío de miles de alimentos mediante el uso de paracaídas y aviones A400”, ha dicho Sánchez. Pese a sus declaraciones públicas, que se suman al reconocimiento público de Palestina como Estado, cabe recordar que España es el país de la UE que más “armas y municiones” ha importado desde Israel de febrero a mayo de 2025, como publicó elDiario.es.

Dos organizaciones israelíes denuncian el genocidio

Dos importantes organizaciones de derechos humanos con sede en Israel, B'Tselem y Médicos por los Derechos Humanos, han dicho que Israel está cometiendo un genocidio contra los palestinos en Gaza y que los aliados occidentales del país tienen la obligación legal y moral de detenerlo. Las dos organizaciones afirman, en informes publicados este lunes, que Israel ha atacado a civiles en Gaza únicamente por su identidad como palestinos durante casi dos años de guerra, causando daños graves y, en algunos casos, irreparables a la sociedad palestina.

Estas organizaciones internacionales se suman a muchas otras que califican la guerra de “genocidio”, aunque los informes de las dos mencionadas organizaciones de derechos humanos —entre las más respetadas de Israel y Palestina—, llevan décadas documentando abusos sistemáticos, por lo que probablemente aumentarán la presión para que se tomen medidas más contundentes.

En este sentido, los informes detallan crímenes como el asesinato de decenas de miles de mujeres, niños y ancianos, desplazamientos forzados masivos y hambruna, y la destrucción de viviendas e infraestructuras civiles que han privado a los palestinos de la asistencia sanitaria, la educación y otros derechos básicos. “Lo que vemos es un ataque claro e intencionado contra la población civil con el fin de destruir a un grupo”, afirma Yuli Novak, directora de B'Tselem, quien ha pedido que se tomen medidas urgentes. “Creo que todo ser humano debe preguntarse: ¿qué harías ante un genocidio?”. Así, Novak sostiene que es fundamental reconocer que se está produciendo un genocidio, aunque no haya una sentencia de la Corte Internacional de Justicia. “El genocidio no es solo un delito legal. Es un fenómeno social y político”.

“No podría suceder sin el apoyo de Occidente”

Tanto B'Tselem como PHR denuncian que los aliados occidentales de Israel están permitiendo la campaña genocida y comparten la responsabilidad por el sufrimiento en Gaza. “No podría suceder sin el apoyo del mundo occidental”, dice Novak. “Cualquier líder que no esté haciendo todo lo posible para detenerlo es parte de este horror”.

Shalev dice que Estados Unidos y los países europeos tienen la responsabilidad legal de tomar medidas más enérgicas que las que han tomado hasta ahora. “Se deben utilizar todas las herramientas disponibles. Esto no es lo que pensamos, es lo que exige la Convención sobre el genocidio”.

Israel, en cambio, niega que esté llevando a cabo un genocidio y afirma que la guerra en Gaza es una medida de autodefensa tras los ataques transfronterizos de Hamás del 7 de octubre de 2023.

Gleicy Silva comenzó su camino en la moda de la forma más íntima posible: cosiendo con su madre una falda blanca de tablas para una presentación en la iglesia. Desde niña, observó a su madre y a sus abuelas dar forma a la ropa que vestían, transformando retales en prendas funcionales y hermosas. Aquella vivencia le dejó una huella profunda.

A los 17 años abrió su primer taller en el garaje de su casa, en un pequeño pueblo de Brasil. Sin formación reglada y sin academias cercanas, se volcó en el aprendizaje autodidacta: compró libros en mercadillos, recibió otros donados y aprovechó los pocos vídeos sobre moda que encontraba en YouTube. Así, a base de prueba y error, aprendió a diseñar, patronar, ilustrar y rematar sus piezas. “La formación y el conocimiento nunca son demasiados”, afirma.

Tuvo que cerrar ese taller y pasó cuatro años alejada del mundo de la moda. Cuando se trasladó a Almendralejo, encontró el entorno propicio para retomar su vocación. Primero con el proyecto Colabora (organizado por AlmaNatura, Acciona y el Ayuntamiento de Almendralejo), y después en la Fundación Mujeres, especialmente en el programa Sin Brechas, Gleicy halló el apoyo necesario para volver a emprender. “A menudo he dudado de mis capacidades, especialmente por no tener una formación académica. Pero he aprendido a confiar más en mí misma, y eso me ha traído muchos frutos”, reconoce.

Su primera colección estuvo inspirada en el poema Libertad de la escritora Carolina Coronado, y se presentó en el certamen de jóvenes diseñadores Code 41 de Sevilla en 2023. Desde entonces ha mostrado nuevas colecciones en SIMA 2024, IFEBA 2024 y 2025, y recientemente participó en el Beauty Málaga 2025, un evento solidario que elabora pelucas para mujeres que están en tratamiento oncológico.

Su trabajo también ha llegado a la alfombra roja. Actrices como Alba Loureiro (en el festival de cine de Almería), María Valero (en el festival de San Sebastián), Blanca Paloma o Marina Campos han lucido sus diseños. Para Gleicy, cada uno de esos hitos es una victoria que la impulsa a seguir creciendo: “Me enfoco en aprender y ofrecer un trabajo impecable. Mis clientas son la razón por la que me entusiasma crear”.

Actualmente trabaja desde su propio taller en casa, una dinámica que describe como “cómoda, aunque un verdadero caos”. También ha tenido experiencias en showrooms en Madrid y en las Galerías Cuna de Sevilla.

Proveedores locales

Trabajar desde Almendralejo le permite mantener el vínculo directo con las personas que usan sus prendas y con quienes apoyan su labor. “Vengo de un pueblo y valoro mucho esa cercanía. Siempre doy prioridad a proveedores locales, lo que influye directamente en mis colecciones. Se trata de crear con lo que está cerca y reinventarse”, explica.

Aunque reconoce que para muchas personas trabajar desde Extremadura puede suponer una limitación, su experiencia ha sido positiva. “Prefiero desarrollar mi marca de manera más pausada y con producción limitada. Aquí hay grupos de mujeres emprendedoras y encuentros profesionales muy valiosas. No me imagino cambiando Extremadura”.

Costureras versus diseñadores

Gleicy no ha sentido barreras directas por ser mujer en el sector del diseño, aunque sí ha percibido limitaciones y diferencias de trato. “Se espera que seamos exitosas, que tengamos familia, que lo logremos todo antes de cierta edad. Además, a menudo se minimiza nuestro esfuerzo. Un hombre que cose casi siempre será reconocido como diseñador, mientras que una mujer que cose, diseña y crea patrones será llamada costurera. Y las costureras son profesionales sumamente capacitadas”.

Desde su marca Aaura María, diseña pensando en la comodidad y versatilidad. Cada prenda está concebida para adaptarse a distintos cuerpos y realidades, y si es necesario, se ajusta individualmente. “Cuando me dicen que les queda bien, es una emoción indescriptible”, asegura.

Rechaza la lógica del consumo rápido: crea piezas únicas, con acabados cuidados y diseños que se puedan usar durante años. “No me gusta la idea de que alguien compre un producto, lo use un par de veces y lo deseche. Quiero que las personas valoren las horas invertidas y el trabajo artesanal”.

Redes

También cultiva redes con otras profesionales del entorno. Su última colaboración fue con Raquel Diosdado, del estudio creativo The Pueblo Studio, y mantiene relaciones con modelos de la región como Isabella. Además, forma parte del grupo Creativas Emprendedoras y mantiene un vínculo especial con Fundación Mujeres y Sin Brechas. “Susana Gallardo, del proyecto Sin Brechas, tiene un lugar muy especial en mi trayectoria”, reconoce.

Cree firmemente en la importancia del apoyo entre mujeres. “Es vital sentirse acogida y compartir experiencias. Escuchar a alguien decir que ha pasado por lo mismo reconforta. He resuelto muchos dilemas gracias a los ejemplos de otras compañeras”.

En el último año ha comenzado a ser reconocida en Almendralejo, un proceso que vive con esfuerzo y gratitud. “Estoy trabajando para convertirme en un referente. Sé que eso lleva tiempo y dedicación”.

Entre sus proyectos actuales, la brasileña está centrada en lanzar su línea deportiva, que está a punto de ver la luz. Para el próximo año tiene prevista una colección cápsula de novias, y trabaja también en una propuesta muy personal sobre sus orígenes. Mientras tanto, su marca comienza a abrirse camino en países como Francia y Bélgica, sin perder el foco en mantener una vida equilibrada: “A veces olvidamos que también necesitamos cuidarnos”.

La diseñadora Juana Martín Manzano ha sido galardonada con el Premio Nacional de Diseño de Moda, correspondiente al año 2025, a propuesta del jurado reunido hoy. Este premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros y en anteriores ediciones fue para nombres como Palomo Spain, Teresa Helbig, Ángel Fernández Ovejero, Ana Locking, Antonio Alvarado o Miguel Adrover,

El jurado, por unanimidad, ha destacado la labor de “una diseñadora que, desde una raíz profundamente gitana y andaluza, ha construido un lenguaje propio que conjuga emoción, vanguardia, excelencia técnica y una visión poética del diseño, comprometida con el papel de la moda como forma de expresión cultural”.

Además, han destacado a Martín Manzano por ser “un referente en la alta costura internacional, la primera mujer española que ha desfilado en el calendario oficial de la Alta Costura de París, avalada por la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, contribuyendo a posicionar a España como un país con voces creativas propias”.

Una labor en la que ha “defendido el trabajo artesanal y del patrimonio cultural andaluz”. “Una de las señas de identidad del trabajo de Juana Martín es su estrecha colaboración con artesanos y talleres tradicionales de Andalucía”, dice el acta del jurado que también hace hincapié en cómo Martín ha recuperado técnicas textiles tradicionales, bordados, encajes y tejidos locales, dándoles una nueva vida dentro de una propuesta de diseño contemporáneo.

“Este enfoque no solo aporta un valor añadido a sus creaciones, sino que representa un compromiso con la sostenibilidad cultural y económica. Su modelo de producción impulsa el tejido económico local, preserva oficios en peligro de desaparición y pone en valor el trabajo manual frente a la producción industrializada y anónima”, añaden y destacan su “estilo único, fusionando el flamenco, la arquitectura andaluza, la fuerza de lo femenino y la emoción de lo identitario”.

El galardón también pone en valor que Juana Martín “es la primera mujer gitana que ha alcanzado un reconocimiento de esta magnitud en el mundo de la moda”. Cuando se conmemoran los 600 años de la llegada del pueblo gitano en España, su historia es la de una superación individual y colectiva. En un sector que tradicionalmente ha estado alejado de las comunidades gitanas, su éxito representa un acto de visibilidad, de ruptura de estereotipos y de afirmación de una identidad cultural que ha sido históricamente marginada“.

“Lo que está ocurriendo en Gaza es de un nivel insoportable”. Una conversación telefónica con una amiga que vive en Barcelona y un café temprano han dado un giro al proyecto de esta riojana, afincada en Madrid, y que desde hace más de un mes ofrece una segunda vida a camisas de seda con la esperanza de que el pueblo palestino pueda recuperar la suya.

"Me di cuenta de que mi manera de expresión iba a ir más por la parte gráfica que por la escrita

Ana Escalera (Logroño 1977) se define como “diseñadora y artesana especializada en serigrafía desde hace más de 20 años”. Técnica que descubrió de forma autodidacta y que se ha convertido en eje de su práctica creativa. Escalera también es periodista y, de hecho, fue finalizando sus estudios de Periodismo cuando descubrió este método de estampación del se enamoró. También estudió Diseño Gráfico. “Me di cuenta de que mi manera de expresión iba a ir más por la parte gráfica que por la escrita”. Así abrió su primer estudio al que le siguió el actual, El presente Perfecto, un estudio taller en Carabanchel en el que Escalera compagina su trabajo personal con la docencia en grados y másteres en Madrid centrados en el storytelling, la capacidad de comunicar ideas con fuerza, y en la comprensión de los procesos productivos y la reivindicación de la artesanía.

Y en El presente Perfecto nació el proyecto 'Soledad Gómez' en honor a una mujer de la que encontró toda su ropa en la puerta de un geriátrico y que ha estado vistiendo durante años. “Todas las prendas estaban etiquetadas con su nombre de forma que este es mi pequeño homenaje a esta mujer desconocida que ha tenido un impacto grande en mi vida”. Y así comenzó la búsqueda de prendas para darles una segunda vida. Escalera eligió camisas de seda. Una compra que va más allá porque establece un diálogo con sus propietarios “tratando de hacer una especie de trazabilidad emocional de las prendas y transcribiendo las conversaciones a las propias prendas”. El resultado, “prendas especiales y únicas” porque para su autora, “el vestir es un acto poético, de expresión y también de reivindicación”. Ahora su reivindicación es denunciar la situación en Gaza, ahora sus camisas de seda piden una 'Palestina Libre'.

"Si ella se va a Gaza a poner el cuerpo para que pase la ayuda humanitaria, algo podré hacer yo

A principios de junio, una conversación con una amiga que vive en Barcelona y que iba a participar en la Marcha Mundial a Gaza le hizo reflexionar. “Si ella se va a Gaza a poner el cuerpo para que pase la ayuda humanitaria, algo podré hacer yo”. Porque considera que todos podemos hacer algo “como decir lo que piensas en estos momentos tan relevantes. No nos tiene que dar vergüenza decir que defendemos al ser humano”, asevera. “Todo cuenta”, insiste, “todo el mundo puede aportar algo, lo primero diciendo lo que opina y evitar que la situación que está padeciendo el pueblo gazatí se olvide”. Escalera sigue distintos grupos de Telegram de la Marcha Global y esa es una de las principales reivindicaciones, la visibilización: “que ahora con las vacaciones de verano no nos olvidemos del genocidio que allí se está cometiendo”. Y ella ya se ha puesto manos a la obra.

Llaves y amapolas impresas en seda

Y es que tras la conversación con esta amiga que vive en Barcelona, solo quedaba un café con otra amiga para echar a andar el proyecto. En un desayuno temprano, le comentó a otra amiga su proyecto. Continuar dando una segunda vida a las camisas de seda, pero modificando las camias y mensajes pro Palestina. Esta conversación tuvo lugar a las ocho de la semana, a las nueve, su proyecto comenzó a andar.

Más de un mes después, sus camisas de seda ya llevan impresos los símbolos que utilizan los palestinos para reivindicar su causa. Símbolos como las llaves que guardaron las mujeres palestinas en la Nakba en 1948 y que desde entonces pasan de generación en generación convencidas de que algún día podrán volver. Símbolos como la sandía que además de reflejar la riqueza de la tierra de Palestina, también tienen los mismos colores que la bandera: rojo, blanco y verde o la amapola, como símbolo de resistencia.

Imágenes que esta riojana afincada en Madrid acompaña de textos. “Amo la ropa. Para mí es manifestación, acción, creatividad pura. He intervenido esta prenda como firme gesto poético. Un modo de acompañar desde lo que tenemos: el cuerpo, el gesto, la palabra. Al usarla estás acuerpando una causa urgente. Una causa que es todas las causas... ¡VIVA PALESTINA LIBRE!”. “Esta camisa ya había sido usada antes por alguien. Es de seda, suave e intensa, delicada y resiliente como todas nosotras. La he rescatado y estampado en mi estudio, El Presente Perfecto, queriendo hacer lo que mejor sé para poner mi grano de arena. La mitad de lo recaudado con las piezas de esta serie será donado a UNWRA para ayuda humanitaria al pueblo palestino”, son algunos de los textos que acompañan a las camisas de seda de en su viaje a una segunda vida y que dejan patente la voluntad de Escalera “de no mirar hacia otro lado porque no queremos ser cómplices de este genocidio”.

Y parece que está funcionando. De hecho, las camisas de Escalera ya han llegado a los armarios de personajes públicos comprometidos con la causa como Ana Wagener en la Fiesta del Cine Español. “También muchas personas anónimas que están acuerpando esta causa y que están colaborando con esta comunicación” y denunciando a la vez el genocidio que se está cometiendo allí. Gaza es un tema que le duele y así, entre sollozos, afirma que “esto es una cuestión de humanidad. No podemos dejarnos avasallar, no se pueden apoyar ciertos valores que no tienen ningún sentido, no nos tiene que dar vergüenza ni tenemos que tener miedo de decir que defendemos al ser humano”.

Cuando surgió el “gran apagón” del país, el pasado 28 de abril, el joven diseñador de producto y artista Tasio Ranz (Burgos, 1998) trabajaba en la composición del vestuario de una bailarina con lana ripollesa que le había entregado un amigo pastor. “En el momento del corte de luz, mi reflexión fue que yo mismo estaba lavando los vellones de lana con agua de un calentador eléctrico, porque es más rápido que ir a un lavadero, o incluso al río”, revela. Puede que un habitante del siglo XXI, de naturaleza urbana y con un estrecho vínculo tecnológico, no identifique ninguna contradicción en esta circunstancia.

Para un convencido de lo rural como Ranz —investigador del proceso productivo en una España artesanal que prácticamente se ha extinguido—, este hecho supone sufrir en primera persona todo aquello de lo que se ha propuesto huir. “Debemos ir más allá de los recursos tecnológicos, identificar qué podemos extraer de las zonas rurales en la llamada España vacía que nos ayude a ser menos dependientes, a tener redes de seguridad y comunitarias, a contar en casa con materiales que nos permitan elaborar otros elementos que necesitamos”, reflexiona, aún más seguro si cabe, del camino personal y profesional emprendido.

No es el único que lo piensa. La dolorosa pandemia —origen de un cambio social hacia lo rural, lo sostenible y lo natural aún insuficiente— y el desconcertante corte eléctrico han vuelto los ojos al pasado, sobre un ingenio humano en claro riesgo de extinción: ahí están de nuevo las velas de cera, las radios a pilas o el reencuentro social en calles y plazas, habituadas al individualismo que obliga, en la actualidad, el frenético ritmo laboral del día a día.

Prácticamente en unas pocas horas (aquel lunes imborrable), Tasio Ranz había visto desfilar ante sí varios de los pilares del proyecto personal que defiende y desarrolla antes, incluso, de su paso por la universidad. “La ciudad ha demostrado ser un fracaso como ejemplo del triunfo y del éxito, como territorio de las oportunidades; nos hemos dado cuenta, tras una pandemia y un apagón, de que hay una situación tremenda de incertidumbre y de lo que nos puede ofrecer el mundo rural, sin tener necesariamente que romantizar un modo de vida que ha sido muy duro”, reflexiona. 

Pero, ¿qué propone Ranz para neutralizar esa sensación de desasosiego propia de un presente marcadamente tecnológico y digital? ¿En qué nos puede ayudar lo que aprendieron (y sufrieron) nuestros mayores? En los pueblos “había una materialidad, unas técnicas de fabricación y de obtención de materias, una herencia y una memoria que he ido revisitando para sentarla en la base de mi proceso creativo”, argumenta. La afirmación, que puede pecar de conceptual, se traduce en una realidad mucho más sencilla: el ciudadano de hoy ya no tiene la necesidad de fabricar con sus manos aquello que necesita, valiéndose de lo que encuentra en su entorno más inmediato. Todo un avance que, no obstante, presenta un evidente reverso negativo.

“El eje central de todo lo que hago se dirige a cómo el usuario, el consumidor, puede volver a participar en el proceso creativo, intervenir en la fabricación de los objetos, porque hay un contexto actual en el que nos limitamos a comprar una lámpara o una silla, pero no somos parte del proceso productivo en ninguna de sus etapas”, explica. Como ejemplo, la “silla raíz”, un proyecto que desarrolló en el Grado de Diseño, en Navarra, que se traduce en un mueble inacabado que el usuario puede terminar, personalizándolo para responder a sus necesidades personales.

Conexión con los pastores

A Tasio Ranz la pasión por la España rural le vino de sus ancestros, todos pastores. “Conocer a mi bisabuela Cayetana, que era pastora, despertó en mí la curiosidad sobre un mundo que yo no había vivido, donde se daban términos como la parva, aventar el trigo, las ovejas modorras… Aquella experiencia me permitió darme cuenta de la fuerte desconexión que se había producido en tan solo una generación, y este hecho me marcó mucho”. Ese pasado inspiró su proyecto de grado, que consistió en recorrer la sierra de la Demanda en Burgos —territorio conocido como la Laponia del Sur, por su crítica densidad de población— para “entender cómo era allí el proceso productivo”.

Emulando el método del artista italiano Bruno Munari sobre la génesis de los objetos, Ranz recorría las plazas de los pueblos, donde extendía una manta negra en la que iba colocando los objetos que los vecinos le iban entregando, para fotografiarlos y estudiarlos a continuación. O, mejor dicho, artilugios que habían ido “apañando”. Porque “la idea del apaño (cómo habían fabricado un objeto valiéndose únicamente de elementos de su entorno) se convirtió en el corazón de mi proyecto”, sintetiza Ranz.

Sobre esa manta, logró reunir los más curiosos ingenios, desde cencerros con badajos practicados en distintos materiales a las albarcas de las que le había hablado su bisabuela. “En la España de los 50 y los 60 se convirtió en algo muy común fabricar alpargatas a partir de neumáticos viejos, se trataba de aprovechar un elemento que en otro contexto se consideraba un desecho”, subraya. La investigación le permitió identificar cómo el mundo rural construía lo que necesitaba en su vida cotidiana de manera autónoma, con recursos presentes en el medio, al margen de la cuestión estética.

“De repente, tengo un somier viejo, unas cuerdas y un palo y construyo la puerta de un corral: ahí hay una composición y una estructura, y yo quería entender a esos diseñadores anónimos, poseedores de un conocimiento oral y, por esto mismo, muy frágil”, argumenta. El estudio en profundidad de esas técnicas de origen popular le ayudó a identificar las fases de ese “apaño”, concepto nuclear de su proyecto, y que se traducía en “añadir, alterar y aprovechar” los elementos más cercanos.

Más allá de los neumáticos, del hueso o de la madera, existían materiales (hoy en extinción) que llamaron especialmente la atención de Ranz, desde la identificación misma de su pasado de pastores: la lana y el esparto. “El esparto, procedente de Andalucía, era uno de los materiales que más se utilizaban en esta zona, de naturaleza trashumante”, precisa el diseñador. Con este elemento se “apañaban” cinchas (correas), escriños (canastas) o las alforjas de los animales de carga.

“Todos estos utensilios eran nómadas, se llevaban consigo, como la red que los pastores fabricaban a medida que iban caminando: trenzaban el esparto para formar una especie de red con forma de rombos, con la que rodeaba el ganado para encerrarlo, clavando en el suelo grandes picos de madera”, describe el joven burgalés, quien cita otros ejemplos ilustrativos: “También se utilizaba la piel de gato para hacer cordones más resistentes o la crin de los caballos era muy valiosa para fabricar cuerdas”. Pero si ha habido una materia con la que Ranz ha trabajado especialmente en su condición de diseñador de producto (un perfil cercano al de ingeniero industrial) y de artista, esa es la lana. En el Centro de Acercamiento a lo Rural de Madrid entró en contacto directo con un pequeño rebaño de ovejas, una experiencia rural a escasa distancia de la gran ciudad.

Romper con un mundo estándar

La experiencia adquirida —el conocimiento del proceso de fabricación de objetos con recursos del medio en el ámbito rural— permitió a Tasio Ranz tocar la tecla de su proyecto personal: romper con un mundo industrializado, donde todos los objetos que se compran en una tienda o a través del teléfono móvil son casi idénticos, para permitir que el usuario final pudiera personalizarlos. “Esto se manifiesta en la ”silla raíz“, un elemento uniforme y único que el consumidor puede transformar en algo único y personal, y que permite volver a desarrollar el ingenio de uno mismo”, detalla el diseñador.

En realidad, la silla de la que Ranz ofrece los planos a quien quiera completar la tarea, era solo una excusa para demostrar cómo esa antigua condición de “hacedor” del habitante rural podía encajar también en el ámbito urbano. De nuevo, evitando caer en un planteamiento quimérico. “No quiero ser el abanderado de cosas que no son viables, porque ni siquiera tenemos los conocimientos de nuestras abuelas que, sin haber ido al colegio, sabían tejer o hacer queso”, matiza Ranz, consciente de la lógica “complejización” de los modos de vida actual, donde “el Homo sapiens ha perdido capacidad creativa” y los materiales del medio rural, buena parte de su valor, como la lana, que “ha pasado de ser el oro español a un residuo en la actualidad”, ejemplifica.

Aquel proyecto de grado que obtuvo el premio extraordinario era, en realidad, una pasión y convicción personales que Tasio Ranz ha ido desarrollando —primero en Madrid y ahora en Barcelona— a través de colectivos como Patrimonio para jóvenes, con su participación en diferentes exposiciones, compartiendo experiencias con niños y jóvenes en talleres, o tras los pasos de referentes en el mundo del diseño industrial, como el diseñador catalán Curro Claret.

Aunque la filosofía de Ranz va más allá de su visión de los objetos como algo aislado y trasciende hacia lo social. “Ahora se trabaja mucho en cómo conseguir, por ejemplo, que los barrios y las ciudades se conviertan en pequeños pueblos donde se desarrollen actividades colectivas, intercambios que vayan más allá de lo económico, porque también hemos perdido las actividades que se hacían en común, cuando se hilaba en grupo, se lavaban los vellones o se celebraban filandones (reuniones donde se compartían relatos)”, analiza Ranz.

Ante una propuesta que va a contracorriente, que desafía procesos imparables como la digitalización o la inteligencia artificial, resulta interesante conocer cuál ha sido la reacción social. “Desde lo urbano, la acogida ha sido en muy buena sintonía, porque yo creo que todo el mundo es consciente de que necesitamos transformarnos hacia la sostenibilidad”, afirma. Y asume que corresponde a ingenieros, diseñadores o arquitectos facilitar, guiar, esa metamorfosis que tenga efectos en lo económico. Una transformación “muy complicada” en la actualidad por el conjunto de desafíos a los que se enfrenta el ser humano, pero “necesaria”. “Ha habido un cambio muy fuerte hacia el individualismo, hacia el beneficio de unos pocos, pero creo que en los contextos más cercanos, como el barrio, las asociaciones o el grupo de amigos sí se puede generar esa transformación”, confía.

El Centro de la Cultura del Rioja será el escenario del desfile ‘Elígete, moda con sabor a vino’, un evento que reunirá a cuatro destacados diseñadores riojanos en una cita donde “la creatividad, la identidad local y el vino se funden en un mismo lenguaje artístico”, tal como ha explicado el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz.

La gala tendrá lugar el sábado 31 de mayo a las 19:30 horas, y las entradas ya pueden adquirirse por 3 euros en logrono.sacatuentrada.es. La pasarela contará con las colecciones de cuatro diseñadores riojanos con proyección nacional: Jack Rincón, Gema Tejeiro, Violeta Arellano y Claudia Gumiel, quienes presentarán piezas originales creadas especialmente para esta ocasión, con el vino y el territorio como fuente de inspiración. Durante la gala, presentada por el experto en moda Eduardo Viladés, se alternarán entrevistas con los diseñadores y los desfiles de sus propuestas.

Sainz, ha destacado que “este evento es una forma de reforzar la identidad cultural y creativa de nuestra comunidad, vinculándola a uno de los elementos que mejor nos representan dentro y fuera de nuestras fronteras: el vino”. En este sentido, ha subrayado que “el objetivo es dar visibilidad al talento local y consolidar el CCR como un espacio en el que conviven la tradición, la innovación y la vanguardia”.

Por último, el edil ha subrayado que esta iniciativa “no solo busca impulsar el talento creativo de diseñadores locales, sino también consolidar el Centro de la Cultura del Rioja como espacio de encuentro entre la moda, la cultura y la enogastronomía, en el corazón de nuestra ciudad”.

Diseñadores participantes

Jack Rincón, nacido en Logroño y formado en el taller de Lorenzo Caprile en Madrid, ha sido dos veces ganador de la ‘Pasarela de las Verduras’ de Calahorra. Sus diseños exclusivos para mujer se elaboran en su taller en Avenida de la Paz en Logroño.

Gema Tejeiro, única diseñadora logroñesa especializada en alta costura, proviene de una saga de modistos. Se formó en la ESDIR y en la Fundación Balenciaga de Guetaria, y trabaja tanto para hombre como para mujer desde su atelier en la plaza San Bartolomé de Logroño.

Violeta Arellano, calagurritana, fue la primera de su promoción en la ESDIR, es conocida por sus colecciones ‘The sinuous line’ y ‘House of Wind’. Combina moda con escenografía y vídeos musicales.

La logroñesa Claudia Gumiel ha consolidado su estilo con colecciones como ‘Denominación de Origen’ y ‘Vacío’, donde el vino y la tradición son ejes estéticos fundamentales. Diseña tanto para hombre como para mujer. Vive actualmente en Madrid.

Por último, hay que destacar que este evento será conducido por Eduardo Viladés, dramaturgo, periodista y experto en moda con una trayectoria internacional de casi tres décadas. Ha sido galardonado con más de 55 premios de teatro y literatura. Su conocimiento de la moda, combinado con su enfoque artístico, lo convierte en el presentador ideal para esta pasarela con acento riojano.

La ciudad de Toledo se prepara para acoger las jornadas 'Castilla-La Mancha es moda', un encuentro con diseñadores consagrados y jóvenes promesas que presentan sus nuevas colecciones, así como su perspectiva en este sector. Se celebrará los días 21 y 22 de mayo en emplazamientos como el Salón Rico -Plaza Corral de Don Diego-, aunque también dispondrá de exposiciones y desfiles en otras ubicaciones, y van a participar casi treinta diseñadores de la región.

Se trata de su segunda edición, tras la experiencia el año pasado en Cuenca y, según ha destacado en la presentación del evento la directora general de Turismo, Comercio y Artesanía de Castilla-La Mancha, Ana Isabel Fernández Samper, tuvo un “rotundo éxito”.

La organizadora del evento, Carmen Martín, ha señalado que se trata de un espacio que buscar crear “diálogo entre artesanía y moda, dando también protagonismo a los nuevos talentos de la región castellanomanchega”.

Coloquios y otras actividades

El 21 de mayo desde las 10:30 horas hasta las 11:15 horas en el Salón Rico de Toledo, se celebrará el coloquio 'La moda como puente entre la tradición y la innovación', donde participarán Félix Ramiro, Alejandro de Miguel, Lidia Ibáñez -más conocida como Belinda Wings- y Arnelio Cruz, y que contará con la moderación de Maribel Uriel.

Por otro lado, en el mismo emplazamiento tendrá lugar otro coloquio titulado 'Inclusión y diversidad en la moda', en el que participan Ana Locking, David Moss, La Pili y Violeta Porté, que será moderado igualmente por Maribel Uriel. Se producirá desde las 11:30 hasta las 12:15 horas.

A las 12:30 se inaugurará en el Salón Rico la II Edición de 'Castilla-La Mancha es moda', así como de la exposición 'De la mano al hilo: un diálogo entre diseñadores y artesanos de Castilla-La Mancha', que estará disponible en este lugar el 21 y 22 y de mayo, y que se trasladará a la Escuela de Arte de Toledo al día siguiente, pudiéndose visitar hasta el 5 de junio.

A las 13:00 horas tendrá lugar la presentación del primer libro del diseñador Juan Carlos Pajares, titulado 'Elaboración de prototipos', una guía con enfoque práctico para aquellas personas que quieren diseñar.

Desfiles de moda

La moda no solo se queda en las palabras o en las exposiciones, sino que toma forma a partir de diferentes desfiles. La jornada continúa el 22 de mayo y Carmen Martín, coordinadora del evento, ha destacado sobre los diseñadores que “algunos desfilan por primera vez, otros han creado colecciones específicas para 'Castilla-La Mancha es moda' para rendir un poco homenaje a este evento. Otros diseñadores presentan su colección primavera-verano y en algún caso concreto anticipan la colección que verá la luz en distintas pasarelas a lo largo del año de cara al otoño-invierno”.

Primeramente, ocurre el desfile de jóvenes talentos y diseñadores consagrados que se localiza en el claustro del Museo de Santa Cruz. Contará con la presencia de Adrián Nieto, galardonado con el Premio Talento de la I Edición de 'CLM es Moda' así como: Antonio Rabadán, Manu Campayo, Genoveva Hita, Emilio Salinas, Marta Villaruiz, Señorito Ortega, Laura Lomas y el diseñador Candelas y Felipa. Se desarrollará desde las 12 de la mañana hasta las 13:45 horas, concluyendo con un brindis de cerveza.

Por otro lado, de cara a la tarde, a las 17:00 horas tendrá lugar en Puerta de Bisagra el desfile de las nuevas colecciones de los diseñadores Ulises Mérida, Raquel López, Carmen Alba y Félix Ramiro. La jornada concluirá a las seis de la tarde para disfrutar de una cata de vino.

Exposiciones de moda en la ciudad

Desde el 20 al 22 de mayo en la Puerta del Sol de Toledo se localizará la exposición exterior 'Paseo de la moda castellanomanchega', que homenajeará a diseñadores de la región y acercará la moda a la ciudad toledana.

Los días 21 y 22 de mayo estará disponible en el Hotel Carlos V la exposición 'Looks de alfombra roja', del diseñador Emilio Salinas. Por otro lado, desde 20 de mayo hasta el 5 de junio se podrá visitar la exhibición 'Nuevos talentos de la moda en Castilla-La Mancha' en el Centro Comercial Luz del Tajo, que contará con piezas creadas por los alumnos y alumnas de la Escuela de Arte de Toledo.

Inspirada por la artesanía africana y evocando el ambiente del continente vecino, la arquitecta Marta Melián ha creado en ARCO 2025 un espacio que no solo tenía la intención de acoger a los invitados de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España, sino que también pretendía hacerse sentir muy vivo. Su propuesta, bañada en tonos terracota y envuelta en texturas naturales, ha hecho de uno de los rincones de IFEMA todo un refugio de calma y autenticidad bajo la búsqueda de “creatividad, valor y respeto”.

El proyecto, desarrollado en apenas dos días, se ha basado principalmente en una decoración natural y artesanal. “Todo nuestro espacio está inspirado en África, en toda su artesanía y su cultura”, ha explicado en la presentación Marta Melián, que ha comentado que traer un trocito de la “tradición africana” ha sido “el foco principal” de su nuevo trabajo. La diseñadora cuenta a elDiario.es que su objetivo ha sido transmitir “la creatividad de los valores que tienen los africanos”, destacando la importancia de apostar por “lo natural” para realizar futuros espacios.

“Nos estamos cargando el mundo y contar con la artesanía para la elaboración de todos los proyectos es muy importante”, ha declarado Melián a este periódico, que ha reivindicado este arte y su acción de producir porque sin artesanía “está muerto el mundo”. “Hay que apoyar a los artesanos de manera general a nivel mundial. La artesanía es, precisamente, la base de la economía de muchos países”, ha manifestado con contundencia la arquitecta canaria, que quería visibilizar esta realidad con la idea base del proyecto y la decoración de la sala.

La diseñadora está detrás de Studio Mo, que ha sacado adelante el espacio con el equipo de profesionales que la propia Melián dirige. “Todos nuestros proyectos son muy naturales. Siempre utilizamos maderas, linos y algodones, e intentamos meter plantas y vegetación”, ha señalado. Eso se refleja en la sala “privada y muy exclusiva” que ha diseñado. La habitación destaca principalmente por unos biombos que incluían los símbolos africanos de la creatividad, el valor y el respeto, palabras que han reiterado los encargados en varias ocasiones.

Este evento, propuesto por ARCO a Marta Melián, además de homenajear la cultura africana, busca captar nuevos clientes y dar visibilidad a una profesión que “mucha gente no sabe que existe”. Así lo explica Melián a este periódico, subrayando la relevancia del interiorismo y enfatizando que es primordial que cada vez haya muchas más personas que acudan a los servicios de profesionales “para darle un punto diferenciador a sus casas, a sus locales y a sus negocios”.

La diseñadora apunta que “la gente piensa que [acudir a profesionales] es demasiado caro o que no se lo pueden permitir”, lo cual considera un error, porque al final “es alguien que tienes a tu lado y que te acompaña en todo el proceso de crear algo bonito para ti”. Melián añade que es más barato de lo que se piensa y que hay demasiada desinformación al respecto: “Si vas a hacer una obra en tu casa, el hecho de que no contrates a un profesional para hacer la obra implica que tienes que dedicarle mucho más tiempo sin conocimiento, y eso genera más quebraderos de cabeza”.

La arquitecta expone que contar con profesionales como ella durante el proceso de diseño hace a las personas “ahorrar más dinero y tiempo”, ya que habrá quien no sepa cómo funcione el tema de los precios o los acabados, por lo que acaba siendo positivo tener a alguien detrás “respaldando y ayudando”. Melián dice que hay un retraso notable en España con respecto al resto de países europeos en este aspecto, ya que “en el norte” de Europa sí es más normal que “la gente” contrate “a alguien para que le haga sus casas”, así como en “el uso de artesanía y cosas naturales en general”.

Para hacer que la experiencia sea igualmente sensorial, Alberto De Armas, quien ha colaborado con Melián en la presentación del proyecto, ha señalado la conexión con el continente africano desde un enfoque sostenible y de comercio justo. Los invitados han podido probar dos tipos de café, uno etíope y otro keniano, que han servido para reivindicar “la tradición” y “la familia”: “Es un proceso muy artesanal. En España compramos a través de comercio justo para que todas las familias que lo fabrican reciban el dinero”. Alberto De Armas asemeja la importancia del café en África con la del aceite en España, apuntando que también “se unen como cooperativas”.

“Cada familia lleva sus granos de café como puede, porque, poniendo de ejemplo Kenia, allí es muy difícil su traslado en el monte”, explica De Armas, “así que se reúnen en cooperativas y ya lo venden a Europa”. El compañero de Melián indica que los cafés en África son “muy suaves” porque “no pelean con el clima” y los ofrece a los invitados para que generar un ambiente más apropiado. La música ayuda: mientras tanto, sonaban de fondo canciones como The Captain of Her Heart (2016) de Flora Martínez o Adventure of a Lifetime (2016) de Sarah Menescal, temas con influencias latinas.

Las obras seleccionadas para acompañar el espacio reflejaban también esta conexión con la artesanía y la naturaleza. Entre ellas, destacó Espejo (Castillo Rojo) (2020) de Diego Delas, una pieza elaborada en colaboración con el artesano Pedro Izquierdo utilizando maderas como enebro, olmo, nogal, roble, cerezo y pino. La obra aportaba cierta calidez al ambiente y encajaba a la perfección en la estancia.

Belén Rodríguez, junto a Tintoreros Sustentables, aparecía con Hoja Verso (2020), obra compuesta por 30 telas de algodón teñidas con tintes naturales que dialogaba de maravilla con la atmósfera de la sala. Asimismo, otra propuesta relevante fue Dunia, Mulk, Yabarut (2019) de Asunción Molinos Gordo, creada con la ayuda del artesano Francisco Javier Barreno Pérez, que combinaba forja mixta, talla y alfarería para ofrecer un toque tradicional y rústico.

Los dos espacios divididos por los biombos aguardaban secretos para los más observadores, pequeños regalos para aquel que se detuviera y prestara atención a los detalles. En una de las estanterías había una edición antiquísima del libro El hijo de Tarzán de la colección de Aventuras de Tarzán, toda una reliquia para los más coleccionistas. Este no era el único ejemplar antiguo en la sala, pues hasta dos volúmenes estropeados por el paso del tiempo decoraban la mesa principal.

Las lámparas, causantes de la tenue iluminación de la estancia, merecían que se las analizara detenidamente. Una de ellas, pese a que no lo parecía de lejos, representaba un pájaro por la forma de sus patas. Encima de la bombilla de esta lámpara, una sola pluma por si quedaba alguna duda de su figura. Justo detrás, la obra S13,R19,Z26 (2018) de Elena Alonso, creada junto al tornero Francisco Martín Sánchez y que llama la atención por su uso de escayola, madera de boj, resina y otras exóticas como el mopane y el ébano, proporcionando un interesante contraste de materiales.

La propuesta de Marta Melián para ARCO 2025 deja claro que la arquitectura puede ser una poderosa herramienta para crear experiencias que trasciendan lo estético y transmitan un mensaje, como en este caso lo es de reivindicación de las culturas que no nos son tan cercanas pero que conviven también entre nosotros. La obra Deep Hamra (2018) de Carlos Monleón, realizada con yute, algodón y lana, ofrecía un tapiz de texturas suaves y orgánicas para completar así el proyecto.

Con respecto a los artistas seleccionados que forman parte de la sala de invitados, Melián opina que ARCO te propone “una serie de obras” y, a partir de ahí, “eliges la que consideras que te va mejor con la decoración del espacio”. Aunque solo tardaron dos días en montarlo, la diseñadora lleva con la idea en la cabeza “un par de meses”, que es el tiempo que pasa desde que la organización propone la estancia. Con el resultado final, Melián recuerda que es posible enriquecer el entorno con diversidad y que el arte puede ser un puente hacia diferentes realidades.

Se llama Elena Echeverría y su cartel, 'Todos somos sardinas', vestirá los carnavales de Bilbao del 27 de febrero al 4 de marzo. El trabajo de esta diseñadora ha sido el ganador de entre los 185 presentados al concurso este año. Un primer premio para esta logroñesa de 28 años que desde hace seis meses ya camina sola con el objetivo de crear su propia empresa de diseño gráfico.

Siembre tuvo claro que su futuro estaba ligado al arte. Se formó en Logroño, primero en el IES Batalla de Clavijo y posteriormente en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, ESDIR. De ahí, a la empresa logroñesa, B:Water. Comenzó como estudiante en prácticas y luego pasó a formar de la plantilla de la empresa en la que permaneció tres años hasta que decidió continuar sola. “Me apetecía ponerme por mi cuenta, y desde hace seis meses soy freelance”. Está convencida de que “cada idea tiene el potencial de transformarse en algo único y sorprendente y eso es lo que hacemos en Una vuelta, darle una vuelta a los conceptos, explorarlos desde nuevas perspectivas y convertirlos en diseños visuales que marcan la diferencia”. Diseños como Da Lua Herbals, “un proyecto pionero de vida regenerativa, sostenible y consciente o Juan Pineda, primero soñar, después diseñar”.

La igualdad en la diversidad

Esta logroñesa ha logrado darle una vuelta a los carnavales de Bilbao y diseñar el cartel ganador con el que quiere trasmitir un mensaje. “El carnaval es un espacio para todos, un tiempo para reír, transformase y disfrutar sin perder de vista la igualdad que nos une como comunidad”. Y así en 'Todos somos sardinas', Echeverría ha fusionado la igualdad en la diversidad. “Unas sardinas que son todas iguales, pero diferentes a la vez, ya que van disfrazadas de forma única y colorida, un cartel con el que he querido comunicar visualmente que todos somos iguales y diferentes a la vez y que todos formamos parte de una comunidad unida”.

Reconoce que le hace muchísima ilusión ver Bilbao engalanado con su trabajo, a la vez que sueña que suceda lo mismo en su ciudad, “estaré atenta para participar en el concurso del cartel de las fiestas de Logroño, eso me haría muchísima ilusión”, porque esta logroñesa, que vive en Logroño, visualiza su futuro en la capital riojana. “En un futuro me veo trabajando en Logroño porque con el trabajo online ya no hay distancias, aunque no me cierro ninguna puerta”.

La diseñadora asegura que hay nivel en La Rioja. “Hay muy buenos profesionales del diseño” y aprovecha para resaltar su importancia en las empresas. “Un libro se juzga por su portada y el diseño gráfico es como la carta de presentación de las diferentes empresas, por eso la identidad corporativa de cualquier marca debe representar exactamente la filosofía de la empresa. Conocer la filosofía de la empresa es el secreto para poder diseñar un el mejor logotipo y una buena identidad corporativa”, insiste.

A sus 28 años tiene claro lo que quiere y está luchando por ello. “Ahora mismo, estoy trabajando en afinar mi estilo”. Y es que esta diseñadora se define como “versátil y capaz de sacar bien el concepto de cada marca para que esté caracterizado y sea homogéneo”. Y aunque es consciente de la competencia que hay, “porque hay diseñadores y diseñadoras muy buenas, confío en hacerme un hueco”. No ha empezado nada mal, vistiendo Bilbao durante las próximas fiestas de carnaval.

La Sociedad Textil Lonia, con sede en Pereiro de Aguiar (Ourense), ha adquirido el 100% de la Maison francesa Christian Lacroix, fundada en 1987, sumándola así a su proyecto empresarial.

En un comunicado recogido por Europa Press, la firma gallega ha explicado que la compra de Christian Lacroix amplía su grupo de marcas, “reforzando su presencia internacional en el mundo de la alta moda”.

“Nos ilusiona enormemente incorporar el legado y la imaginación sin límites de la Maison Lacroix a nuestro proyecto empresarial. Daremos lo mejor de nosotros para que el talento único de su creador y su invaluable aportación al mundo de la moda alcancen todo su potencial”, ha añadido la compañía.

Según indica, Christian Lacroix entiende la costura como “emoción y belleza, exuberancia e imaginación”, con creaciones que encarnan en “combinaciones espectaculares” sus raíces provenzales, su pasión por la cultura española y su fascinación por el arte y el savoir-faire.

“Una constante en todo su trabajo que se refleja a través de una refinada capacidad de mezclar diferentes culturas y el amor por la artesanía, la teatralidad y la alta costura”, ha reivindicado Textil Lonia.

De esta manera, la empresa ourensana suma así una nueva marca a su equipo actual, que se compone de más de 2.500 personas, con 600 puntos de venta en 43 países y firmas como Purificación García y CH Carolina Herrera.

La pasada edición de la MET Gala terminó con un vencedor entre las sombras. No desfiló, no se llevó los flashes, pero su nombre volvió a la boca de todos tras años sin atreverse a pronunciarlo. Se trata de John Galliano, el diseñador que revolucionó la moda en los años 90 y comienzos de los 2000 hasta que en 2011 protagonizó varios incidentes borracho en una terraza donde profirió insultos antisemitas a desconocidos que acabaron con su fulgurante carrera. Era el modisto más arriesgado, el más revolucionario, el que se atrevía con todo y el que todas las famosas querían para las galas, pero aquel suceso hizo que se tomara un retiro forzoso. Dior le despidió y los que antes vestían sus galas ahora preferían mirar hacia otro lado.

Desde entonces poco se había sabido de Galliano. En 2014 fichó por Maison Margiela, pero su nombre seguía siendo como un tabú entre las celebrities. Por eso esta MET Gala ha servido como rito de resurrección para él. Que la anfitriona y gran estrella de la noche, Zendaya, vistiera dos diseños suyos, inspirados además en trabajos anteriores para otras casas, fue una declaración de intenciones. Él, además, posó con Kim Kardashian, que también llevó un diseño suyo igual que la actriz Gwendoline Christie y otro de los anfitriones, el cantante Bad Bunny.

Este regreso coincide casi en el tiempo con el estreno en salas de cine (posteriormente llegará a Filmin) de Auge y caída de John Galliano, el documental que ha dirigido Kevin Macdonald y que comienza precisamente con aquellos insultos antisemitas que provocaron el final (temporal) de su carrera. El filme indaga en su infancia en Gibraltar, sus traumas de la infancia, la complicada relación con su padre, su abuso del alcohol y la presión sometida por un mundo de la moda que cada vez fue más devorado por el dinero. Todo para intentar entender cómo pudo ocurrir aquello. 

Macdonald quería realizar una película sobre la cancelación. Decidió buscar personas que consideraba que habían sido canceladas, pero tenía claro que no podían ser casos recientes y pensó en John Galliano. “No soy una persona muy aficionada a la moda, sabía algunas cosas, pero no los detalles. Me acordaba del vídeo de 2011, y que fue una de los primeras personas en ser cancelada, que es el término que usamos ahora, por un vídeo grabado por el móvil. Empezamos a hablar y contacté con él, fuimos a verle, y finalmente grabamos la primera entrevista con él en agosto de 2021 en el sur de Francia”, dice sobre el inicio del proyecto.

No fue difícil convencerle. Para el director esto ocurrió por dos motivos: “Primero, quería que la gente lo entendiera. Como dice en la película, no espera que todos le perdonen, pero quiere que la gente le entienda. Creo que él lo ve como parte de su viaje de redención. Pero también creo que también hay una parte de ego, y que él piensa que hay otros muchos diseñadores que tienen documentales sobre ellos y que por qué no hay un documental sobre él. Lo difícil no fue persuadirle, sino que se diera cuenta de que podía confiar en mí y de que iba a hacer una película equilibrada”.

A finales de los años 80 se dieron cuenta de que podían hacer un gran negocio con la moda. Entonces sí, esta es una historia sobre el capitalismo y su efecto en el artista

Kevin Macdonald — Cineasta

Una vez logró esa confianza, Galliano le dio libertad creativa total. Nunca le vetó preguntas ni testimonios, ni trató con relaciones públicas que complicarían las gestiones. Así, Macdonald pudo cumplir una de sus normas cuando hace documentales, y es nunca hacer hagiografías. “Me interesa el ser humano, no su imagen. Yo quería hacer un retrato psicológico, complejo y equilibrado de esta persona. Tratar de entender qué le pasó y hacer preguntas morales sobre si debería ser perdonado o no, pero sin posicionarme a un lado o al otro. Quería que ésta fuera una película que provocara conversación, debate y discusión, porque muchas de las preguntas que son centrales en esta película no tienen respuesta”, añade.

Los antecedentes españoles de John Galliano tienen presencia en el filme, y para Macdonald son “importantes en muchos sentidos”, ya que le convertían en un “outsider en Londres, en un inmigrante y eso hace que se sintiera como un extraño”. “A eso hay que sumar ser gay, que en aquel momento en España y en Gran Bretaña estaba muy mal visto, y esas dos cosas lo convirtieron en un doble outsider. Entendiendo por qué se refugió en el mundo de la moda. Lo pasó fatal en la escuela. No lo abordé en profundidad en la película, pero él lo pasó realmente mal en la escuela por el acoso, y se escapó a un mundo de fantasía”, opina el cineasta.

Un documental que se acaba convirtiendo también en una reflexión sobre las adicciones y, sobre todo, la presión del capitalismo hasta en un arte como la moda, que se convirtió en un negocio que explotaba a sus diseñadores. Galliano llegó a producir 32 desfiles al año. “A finales de los años 80 y principios de los 90 se dieron cuenta de que podían hacer un gran negocio con la moda. Entonces sí, esta es una historia sobre el capitalismo y su efecto en el artista. A John nunca lo impulsó el dinero, nunca le interesó el dinero. Alguien lo dice en la película, si le hubieran ofrecido hacer sus espectáculos y nunca le hubiera pagado dinero, habría dicho que sí”.

Por eso cree que fue “la industria la que se apoderó de él y le exigió cada vez más, y él como un artista quiso mantener el control de todo, pero es una persona vulnerable”. La conclusión de Kevin Macdonald es contundente: “Nunca le tendrían que haber puesto en esa situación. Así que sí, creo que esta es una historia sobre cómo el individuo es aplastado por las fuerzas brutas de la industrialización y el capitalismo”.

Artista, iconoclasta, anarquista, punk, hippie, rebelde y romántico. Así describía el galerista John Marchant a Jamie Reid en un comunicado anunciando su fallecimiento el pasado 9 de agosto. Reid fue una figura clave junto a Malcolm McLaren y Vivienne Westwood para entender el lado visual del nacimiento del punk en Reino Unido de la mano de los Sex Pistols, y uno de los máximos exponentes del diseño artístico.

Jamie Macgregor Reid nació en Londres en 1947. Su interés casi obsesivo por las obras de Jackson Pollock, la filosofía de McLuhan, el situacionismo, y el jazz le llevaron a dedicar su carrera a las artes visuales con una faceta comunitaria, y con el activismo político en el centro de sus trabajos. El trabajo de Reid evidencia la importancia de la imagen en las luchas radicales y el proceso de resignificación que han vivido en las últimas décadas. Y, más allá de algo tan icónico como la portada del single God Save the Queen de los Sex Pistols, la evolución de su obra más desconocida se mantuvo en el camino de las luchas obreras, colaborando en sus últimos años de vida con grupos de protesta como Occupy o Extinction Rebellion

Reid creció en Croydon y procedía de una familia políticamente activa. Durante su época en el Croydon Art College participó en el movimiento estudiantil de 1968, en el conoció a Malcolm McLaren, con el que organizó una ocupación de la universidad. En 1970 cofundó la revista política radical Suburban Press, donde desarrolló su estilo único de gráficos recortados y eslóganes en torno al situacionismo anarquista, en el que hacían mensajes en favor del movimiento de liberación de personas racializadas, inmigrantes en situación ilegal o los derechos de las mujeres. Su estilo y sus influencias dadaístas le permitieron generar una gráfica deconstructiva con fotocopiadoras y un efecto de tipografía accidentada a base de recortes, ramson-note (nota de rescate), ya que no podía costearse Letraset (tipografías de pegado en seco). Un día, McLaren le invitó a participar en un intrigante proyecto nuevo que resultó ser los Sex Pistols, y que le supuso a Reid un gran salto cultural.

La llegada del punk y los Sex Pistols: una oportunidad para Reid

Lo que ocurrió después lo conocemos, más o menos. En nuestras retinas se identifica rápidamente una imagen familiar cada vez que nos encontramos con dicha portada de los Sex Pistols, la de “la reina”. God Save The Queen se publica en 1977 y para ello Reid había preparado un collage con tres principales ingredientes: un fondo con la bandera de la Union Jack, un recorte en blanco y negro del retrato que Peter Grugeon, fotógrafo oficial de Isabel II, le había realizado. La guinda del pastel fue colocar las palabras “God Save The Queen” sobre su mirada y “Sex Pistols” sobre su boca. El single, el tercero de Never Mind the Bollocks, único elepé de los Sex Pistols, fue un éxito que recogió el sentimiento antimonárquico de gran parte de la sociedad del momento. Se publicó cuando se cumplían 25 años del reinado de Isabel II, y existió una versión menos popularizada pero más polémica; una en la que la boca de la reina estaba cerrada con un imperdible, y sus pupilas eran dos esvásticas. Una visión más certera de la opinión de Reid sobre la familia real inglesa, motivada por sus conexiones con la Alemania nazi, recientemente rescatadas en la serie The Crown de Netflix, con la fotografía del príncipe Eduardo, el Duque de Windsor, junto a Hitler.

Resulta irremediable poner el foco en cómo ha evolucionado el movimiento punk, y su imaginería visual en todos estos años, pues además de su carácter revolucionario y disidente, pone de manifiesto la importancia de la imagen como un dispositivo más de la lucha, uno que formaba parte de este movimiento. La intervención de la tecnología sobre lo visual ha supuesto la desidentización de estos artefactos.

Hoy es fácil encontrar una camiseta de los Sex Pistols en cualquiera de las tiendas de Inditex, pero ya no recogen este sentimiento de liberación contra la monarquía, por ejemplo. “Creo que en ese momento había una verdadera desconfianza de la clase trabajadora sobre la Familia Real. Pero creo que esto les enseñó el arte de los medios de comunicación, y cada vez que veo los posavasos de oro y los lápices de colores de la marca de la Familia Real, pienso que estamos bajo una supresión completa”. Hace un año que Verse publicaba una de las últimas entrevistas con el artista, que resaltaba la importancia de señalar la historia imperialista de la Commonwealth.

Cuando el arte cala y conecta con el público se produce el hito cultural. En el momento en el que el consumo entró a desvirtuar muchas de estas imágenes, el usuario no procesaba el mensaje. “El medio es el mensaje” era, precisamente, una de las máximas del canadiense McLuhan, una de las grandes influencias de Reid. El arte soviético, los impresionistas, la fotografía de guerra, las grandes imágenes de la historia de luchas políticas han mantenido este sencillo planteamiento que por momentos se desvanece.

Una vida profesional dedicada al activismo

La obra y carrera de Jamie Reid trascendió mucho más allá de su trabajo haciendo todas las portadas de Sex Pistols; sus creencias, vinculadas a la crítica al sistema, seguían tirando de lo absurdo, la sátira y la burla, aunque hubo concesiones a otro tipo de piezas más abstractas en el ámbito artístico. Margaret Thatcher fue uno de los objetivos políticos de este y otros movimientos sociales, y en apoyo al movimiento laborista ante unas inminentes elecciones publicó la litografía Vote For Light (1987), señalando las ‘oscuras’ política de Thatcher. Unos años después, produjo la ilustración Boy George As Putto (1988), para el single de George No Clause 28, un golpe contra la Ley de Gobierno Local de Thatcher, cuya cláusula 28 prohibía específicamente la promoción de la homosexualidad por parte de los ayuntamientos.

Su línea más subversiva se enfatizó en los últimos años con trabajos como Stop Demonising Our Future (2006), un encargo de The Guardian, y que señalaba la criminalización de los medios hacia jóvenes de recientes generaciones en difíciles contextos sociales, los llamados chavs. Respecto a ‘colegas’ de profesión en una entrevista con Paul Moody para el diario británico en 2018, Reid relataba: “Me parece irónico que gente como Damien Hirst y Tracey Emin hablen del punk como una gran influencia. No hay nada remotamente escandaloso en lo que hacen”. El comentario estaba suscitado por la colaboración de ambos con la galería de Charles Saatchi, cuyo hermano Maurice estaba cargo de la campaña de publicidad del partido conservador británico.

En una narrativa de revulsión ante las políticas de Putin, Jamie Reid trabajó para apoyar a las Pussy Riot con el collage Free Pussy Riot (2012), en el que rescataba un estilo propio; ya había “encapuchado” en 1989 al multimillonario empresario Richard Branson, entre otros. El trabajo artístico nunca cedió la crítica a las instituciones, y lo puso en evidencia con el macropóster Be Afraid (2020). El artista señalaba de esta manera las políticas del Gobierno británico durante los primeros días de la pandemia de la COVID-19, que según él consistían más en fomentar el control que la cooperación y el cuidado.

La imagen como dispositivo de lucha

La obra de Reid supuso el inicio de un tejido artístico y provocador para el desafío a la opresión de la autoridad y la institución, y estimular el pensamiento crítico para una sociedad más justa, y estos últimos trabajos así lo constatan. “Quería mostrar hasta qué punto el mundo del espectáculo es una exageración. Intentaba decir que las ideas son más importantes que las personalidades y el producto”, describe Reid en Up The Rise, su ensayo recopilatorio de sus trabajos “incompletos”, escrito junto a John Savage y publicado en 1987.

El legado de un artista visual vive más allá del medio, vive gracias a su mensaje, y el de Reid supo tocar la tecla de una generación y un movimiento cultural indispensable para entender el activismo. Su trabajo fue uno al que volver en esas necesarias observaciones reparadoras del pasado porque sus compromisos con la vida social venían de su humanidad. A Reid lo necesitábamos ahora más que nunca para entender un mundo de tazas de Mr. Wonderful, de casas Pinterest y de obras de Kaws.

Es inquietante el papel que jugará en esto la Inteligencia Artificial, no tanto por su potencial de irrupción en el mercado corporativista, sino precisamente por esa posibilidad de que las imágenes en algún momento existan sin existir, sean sin ser, y cada vez tengan menos humanidad. Quizás es hora de sacar las tijeras en homenaje a Jamie Reid y a su forma de hacer collages porque, ciertamente, hay mucha tela que cortar.

Cuando la Fundación Cristóbal Balenciaga fue consciente de la existencia de una serie de archivos del diseñador guipuzcoano, comenzó a buscar la forma de adquirirlos con el objetivo de exponerlos en el museo que lleva su mismo nombre ubicado en su Getaria natal. No fue hasta 2021 cuando se dio el primer paso, que suponía en contactar con Lorenzo Riva, propietario de la -hasta ese momento- desconocida colección de documentos del diseñador. Riva, actual propietario de la empresa Arts Consulting, trabajó como director artístico para Balenciaga entre 1980 y 1982 y, al salir de la empresa, negoció una indemnización económica y otra en archivos del diseñador, que por aquel entonces no eran considerados como un patrimonio valioso. No obstante, hoy en día su valor ha cambiado y el Gobierno vasco ha adquirido la colección compuesta por 8.362 documentos por 650.000 euros.

La colección está compuesta por bocetos de complementos, modelos, tejidos, atelier encargado y otras informaciones complementarias. 1.000 de ellos contienen muestras de tejidos, en su mayoría de los años 60, pero se incluyen bocetos de ideas de los 50, anotaciones de fechas y lugares concretos en los que se realizaban las presentaciones de las colecciones de los vestidos y, para asombro de los expertos, figurines para teatro de mediados de los años 40, otra de las pasiones del diseñador de moda. A pesar de ello, ninguno de los bocetos está firmado por Balenciaga, pero los exámenes realizados determinan que el 18% de la colección incluye anotaciones y dibujos hechos a mano por el diseñador, mientras que el resto corresponde a colaboradores sin identificar que formaban parte de su equipo.

Según ha confirmado el consejero de de Cultura y Política Lingüística y portavoz del Gobierno vasco, Bingen Zupiria, que ha presentado la colección en Bilbao junto a la directora del Museo Balenciaga de Getaria, Miren Vives, el presupuesto de la adquisición ha ascendido a 650.000 euros. Sin embargo, Vives ha recalcado que su valor cultural es “mucho más”. “¿Cuál es el valor de unos fondos culturales? Para saberlo hay unas características objetivas y subjetivas. Las más objetiva es el precio al mercado, pero no había referencias similares, porque ha habido ventas de bocetos, pero no de la cantidad que nos encontramos hoy. Otro de los factores a estudiar para determinar el valor es la autenticidad, si se puede constatar que ha habido una transmisión directa, si constituyen una entidad única, la singularidad, si hay más o no, y, sobre todo, qué aporta desde un punto de vista estratégico a una entidad como la nuestra”, ha explicado Vives.

Este archivo, según ha detallado, abre la puerta a nuevas investigaciones centradas no en los diseños de Balenciaga, sino en el proceso de elaboración de los mismos. “Se trata del único archivo conocido de semejante magnitud e importancia. Ningún otro museo del mundo conserva un fondo documental específico de Balenciaga de esta naturaleza, y solo la actual firma Balenciaga, que carece de una vocación de acceso público a sus archivos, dispone de un fondo mayor”, ha asegurado. En este sentido, Vives ha aclarado que existen exposiciones temporales y periódicas de los diseños de Balenciaga, pero desde un ámbito privado, ya que el carácter privado de la firma lo lleva a realizar actividades sin fines públicos.

150 bocetos expuestos en el Museo Cristóbal Balenciaga en primavera

Por su parte, Zupiria ha destacado que la adquisición de la colección “enriquece el patrimonio documental de Euskadi”. “Este fondo documental ayudará a entender la manera de trabajar del modisto de Getaria y el proceso de trabajo en los talleres de costura, además de ser testimonio de una parte de la sociedad de mediados del siglo XX. Será la primera colección de Balenciaga de este tipo que esté en manos públicas. El resto está en manos privadas, concretamente en poder de la marca Balenciaga París, por lo que resulta muy enriquecedor desde el punto de vista patrimonial para la conformación del patrimonio cultural vasco”, ha indicado.

A partir de ahora, el Archivo Histórico de Euskadi en colaboración con el Museo Cristóbal Balenciaga, deberá realizar el inventariado de los archivos y digitalizarlos para que las investigaciones posteriores que se realicen no dañen los documentos, que si bien han sido correctamente guardados por el diseñador italiano Lorenzo Riva durante todos estos años, no han tenido una protección especial para evitar que se dañen. Una vez los digitalicen y realicen los trabajos de reestructuración necesarios, 150 de los bocetos se expondrán a lo largo de la primavera en el museo de Getaria. “Los ámbitos de investigación y de conocimiento que abre esta colección son muy importantes y gracias a ello podremos entender mejor el proceso creativo de Cristóbal Balenciaga, el aspecto que menos documentado está de todos y el que, por la tipología de los documentos que hay aquí, más nos va a ayudar. Para mí eso no tiene precio”, ha sentenciado la directora del museo.

elDiario.es/Euskadi recoge en una fotogalería algunos de los bocetos adquiridos:

El jubileo de plata de Isabel II sucedió en 1977, el año punk por antonomasia en el Reino Unido. Pero quizás habría que decirlo al revés: el punk surgió en 1977, entre otros motivos, también a causa de la celebración de los 25 años de reinado de Isabel II. Su rostro, y el rostro del punk, quedarían hibridados para siempre. 

Jamie Reid, como director artístico de los Sex Pistols, es el culpable. En ese momento tenía 30 años. Era mayor que el grupo que manejaba su amigo Malcolm McLaren y, además, sabía bien lo que se hacía cuando fotocopió la cara de la reina y le rasgó los ojos y la boca, sustituyéndolos con palabras recortadas de otros sitios que decían “GOD SAVE THE QUEEN” y, debajo, “SEX PISTOLS”. Ese décollage se usó en la portada del single God Save The Queen / Did You No Wrong publicado por Virgin en mayo de aquel legendario año. En esa ilustración no había ningún insulto literal, ninguna crítica evidente. La hazaña estaba, simplemente, en ponerla ahí a la reina, justo en ese momento, y pegar sobre su boca el nombre del grupo. Cegar su mirada con las palabras de su propio himno. Una versión más salvaje, creada por Reid, muestra la misma imagen de la reina con un imperdible entre los labios y sendas esvásticas sobre sus pupilas. (Los botones-esvásticas oculares reaparecerían en un trabajo más reciente de Jamie Reid sobre los ojos de Trump). De una manera indirecta, los elementos que censuran la cara de la reina están reclamando la abolición de la monarquía. “Dios salve a la reina, no es un ser humano”, dice la letra de la canción.

Pocos minutos antes de conocerse el fallecimiento de la reina de Inglaterra, este periódico se pone en contacto con John Merchant, el galerista de Jamie Reid y custodio de su archivo. En ese momento, están juntos. Antes de hacer ninguna pregunta, Merchant advierte: “Puedo suponer cuál es el interés. Jamie dice, simplemente, ‘sin comentarios”. Un poco más tarde, Reid añade un mensaje algo más extenso: “Venga. Superadlo. Nuevos Horizontes”.

En 1975, Inglaterra vive con una tasa de inflación del 26%. Aunque en el 77 ya ha bajado al 15% y los economistas explican que el país se está recuperando de la crisis con una política de “moderación salarial” y recorte del gasto, la juventud punk, con Jonny Rotten y los demás a la cabeza, piensan que “no hay futuro”. Aprovechando un momento tan importante para la sociedad británica como el jubileo —que se ha vuelto a celebrar en 2022, esta vez de platino— Reid tapa los ojos a la reina para denunciar que ella no mira lo que está pasando en la calle.

Así se hizo

Reid utilizó, volteada, una fotografía de Peter Grugeon tomada dos años antes por uno de los retratistas oficiales de la reina, fallecido en 1980. El artista la recortó de un ejemplar del Sunday People del 6 de febrero de 1977 compaginada bajo el lema “Nice Work By A Nice Lady” (el buen trabajo de una buena dama).  Era, sin duda, la imagen más reconocible de la reina: sonriendo, coronada, enjoyada.

Las palabras las recortó de los periódicos y, además de la urgencia y la reutilización de otros materiales, el mensaje también traía un recuerdo a las notas de rescate de los secuestros.

En el número 286 de Portobello Road había un taller de chapas llamado Better Badges, abierto un año antes por Joly MacFie y que usarían todos los grupos punk para hacer insignias. Allí, MacFie tenía una antigua copiadora, una process camera que Jamie Reid utilizó para crear la plancha litográfica con la que reimprimir la imagen.

Así se crearon los primeros originales y, uno de ellos, se seleccionó para la portada del single de vinilo de 7''. Cuando los trabajadores de artes gráficas que tenían que imprimir las copias de la carátula recibieron el encargo, se sintieron ofendidos por la utilización imagen de la reina, según explica la documentación que guarda el Victoria and Albert Museum, e inicialmente se negaron a imprimirlo. La historia, no obstante, le quitaría la razón y esa portada, esa imagen, es probablmente el gran símbolo del movimiento punk. De hecho, en 2001 la prestigiosa —pero ya desaparecida— revista Q la eligió como la mejor portada de disco de todos los tiempos.

Reid le dio varios usos a la ilustración, además de la portada del single, que se imprimió en azul. Creó flyers, pósteres para el interior de una tirada de un disco posterior, un diseño sobre la bandera Union Jack en color, y hasta se estamparon camisetas en 1977. Se hicieron variaciones pegando sobre la reina imágenes de tacitas de té, macetas de rosas, las mencionadas esvásticas —un símbolo que el punk utilizó con frecuencia— y un cuchillo. La imagen apareció por todas partes, incluida una campaña en los autobuses para promocionar la salida del single.

Hace no mucho que Jamie Reid tuvo conocimiento de que su nombre aparecía en los archivos del MI5, el Servicio de Seguridad británico. Debido a este trabajo, le habían clasificado como “traidor” y estudiaron si debían acusarle, a él y a los demás implicados en la imagen del single de los Sex Pistols, de deslealtad a la Corona. En 1981, la estrutura del arte establecido ya había asimilado el punk y el Victoria and Albert Museum compró su colección de diseños para los Sex Pistols por mil libras.

Quién es, hasta donde se puede saber, Jamie Reid

Su galería de arte le define como “un iconoclasta, anarquista, punk, hippie, rebelde y romántico”. Es, en definitiva, un icono del agitprop, la estrategia política artística de agitación y propaganda.

Jamie se empezó a interesar por el movimiento situacionista, creado por Guy Debord, mientras estudiaba Bellas Artes en Croydon. Luego, viajó a París siguiendo la senda de la Internacional Situacionista y en busca de neoanarquistas, con la buena suerte de que el viaje sucedió en mayo de 1968. Y allí estaba con otro estudiante amigo suyo, Malcolm McLaren, que tomaba nota de todo y más adelante se convertiría en mánager de los Sex Pistols e incitador de un lucrativo pero contestario movimiento. A su vuelta, Reid y McLaren alentaron protestas de apoyo en Croydon, un municipio a las afueras de Londres saqueado por la corrupción política y los promotores inmobiliarios. Lo cual les dio pie para sus campañas.

En los pocos meses de actividad de los Sex Pistols, Jamie convivía con Sophie Richmond en Londres, la secretaria cuyo indispensable diario forma parte de Dios salve a los Sex Pistols, el libro de Fred y Judy Vermorel. Ella se unió al proyecto que Reid creó con dos amigos en 1970, la editorial marginal Suburban Press. 

Mario Riviere es un dibujante, músico y diseñador, corresponsable de la línea gráfica de la editorial La Felguera y admirador del trabajo de Reid, al que considera “un gigante”. “El poder y la aparente crudeza de las portadas para los Sex Pistols está a la altura del impacto musical y estético de la banda”, explica. “Reid no solo estaba alineado ideológicamente con las intenciones del grupo sino que además estaba equipado con un arsenal de talento con el que creó un lenguaje gráfico superpoderoso que es imposible separar de los Pistols”, añade. Para Riviere, la portada de God Save the Queen no es solo “una obra maestra” sino también “un arma perfecta para meter el dedo en donde dolía”. “En esa época había que tener valor y mucha inteligencia para perpetrar semejante artefacto, es una auténtica bomba si se tiene en cuenta el contexto”, recalca. Solo una portada definió el lenguaje gráfico del punk, del que muchos grupos beberían después y “revolucionó el mundo del diseño gráfico”, creando un lenguaje “rabiosamente personal” que fue “asimilado por millones de personas”. 

Reid siempre se ha dedicado al activismo y ha realizado campañas contra, por ejemplo, un impuesto a la comunidad que no era progresivo ni proporcional al ciudadano (el Poll Tax). En una reciente campaña contra el Patrimonio Británico que, según dijo en una entrevista, “representa todo lo conservador y lo peor de la historia inglesa”, dejando fuera una “historia no contada ni registrada”, pintó a Boris Johnson como un emperador romano, a Trump como un cowboy y a Putin como un zar. Además, ha hecho carteles para Occupy London, Pussy Riot o el grupo de activistas ante la emergencia climática Extinction Rebellion. Pero también trabajó en la industria musical y creó diseños para Dead Kennedys, Boy George o Transvision Vamp.

Jamie Reid tiene una importante vertiente espiritual y de entrega a la naturaleza, en la que ha ahondado en sus trabajos más reicentes, que le viene de familia. Su tío abuelo fue George Watson MacGregor Reid, socialista, sindicalista y… druida. Reid se inserta también dentro de esta práctica neopagana y una de sus últimas obras es un proyecto que consiste en unas 700 obras basadas en el calendario druida.

El diseño de las ciudades comunica y tiene una intención ideológica. Dónde se coloca un banco, se planta un árbol o se construye un edificio forma parte de la política urbanística de una institución. Ocurre lo mismo con lo que a priori parecen meros objetos decorativos y tienen más subtexto que muchos eslóganes. Como los carteles que anuncian unas verbenas de barrio, por ejemplo. Los de la próxima celebración de La Mercè, patrona de Barcelona, han causado sensación por su cuidado diseño pero también por lo que representan más allá de colores y formas.

David de las Heras es el brazo ejecutor de las ilustraciones, que muestran a tres generaciones de mujeres observando los fuegos artificiales. “Quise bajar el diseño a la ciudad y hacer un retrato costumbrista, aunque odio esa palabra”, dice en una entrevista con elDiario.es.

Es natural de Euskadi, pero ha vivido muchos años en Barcelona y La Mercè no le es ajena, aunque también le recuerda a las fiestas bilbaínas donde veía los fuegos de niño con la espalda apoyada sobre sus padres: “Quise extrapolar la idea de fiesta compartida con los seres queridos”.

Aunque la inspiración de un artista tiene mucho que ver con sus antecedentes, De las Heras no niega que su dibujo comunique otros valores. “Intento ser lo más comprometido que puedo en mis diseños. Tengo unos principios innegociables a la hora de crear”, asegura. En este caso, que aparezcan tres mujeres no es una casualidad. “Sería raro que fuesen hombres siendo La Mercè la celebración de una virgen, pero a veces también pienso que estoy ilustrando a mujeres siendo yo un hombre, aunque creo saber cuál es mi lugar”, admite sobre sus contradicciones.

Para las campañas institucionales debe haber una sintonía entre el ilustrador y los encargados del diseño gráfico de la ciudad. La de David de las Heras y Nacho Padilla, director creativo del Ayuntamiento de Barcelona, fue total. “Cualquier mensaje que lances nunca va a ser inocente o inofensivo, todo tiene una visión cultural detrás”, asegura el último.

Padilla es la cabeza pensante de la campaña de La Mercè y también lo fue del San Isidro de 2018, con Manuela Carmena en el Ayuntamiento de Madrid, y cuyos carteles –diseñados por Mercedes DeBellard– todavía son recordados como los más bonitos que ha tenido el patrón de la capital en los últimos años.

“Hay puntos de conexión entre ambas, por la estética y por haber sabido tocar la misma tecla”, asegura el director creativo madrileño. “Este tipo de fiestas cosen la vida y las generaciones a lo largo del tiempo, porque las han vivido tu madre, tu abuela y la vivirán tus hijos”, compara. El responsable del arte público tiene muy claro que quien acometa el encargo debe saber a quién se dirige y dónde está trabajando. “No tiene que ser un ejercicio artístico, tiene que hablar de quiénes somos, quiénes queremos ser y apelar a cualquier ciudadano, piense como piense y sienta lo que sienta”, aclara.

David de las Heras coincide con él y recuerda que, antes de llegar los ilustradores a la administración pública, se encargaban las campañas a artistas que no son diseñadores. “Hacían carteles que no cumplían la función del cartel”, precisa. “Su obra puede ser muy buena y reconocida, pero no funciona porque hay que tener en cuenta al público. Es algo innegociable, es una imagen que van a ver cientos de miles de personas, tiene que ser comprensible y utilizar símbolos colectivos”, explica.

Aun así, siempre hay un espacio para imaginar a lo grande y diseñar una ciudad mejor. Estas ilustraciones a veces son toda una declaración de intenciones. “No solo me gusta que mi arte transmita valores, es algo importante”, concede Rocío Cañero, ilustradora y encargada del cartel de los Carnavales del Ayuntamiento de Madrid en 2019. Reconoce que trabajando para instituciones siente “más presión”: “Sabes que tu trabajo, para bien y para mal, va a estar expuesto a los ojos de la ciudad. El feedback que recibes es inmediato y viene desde cualquier vecino o vecina”, explica.

Dibujando la ciudad deseada

Nacho Padilla cuenta que el diseño creativo de una institución se aborda en una reunión anual. Ahí también se decide a qué celebraciones, hitos o campañas se les va a dar más relevancia y a cuáles menos. “Cuando me fui de Madrid, el Ayuntamiento decidió hacer campañas del 12 de octubre que antes no se habían hecho, o que la del 8M tuviera otro tono”, menciona como ejemplos de “editorialización”, algo parecido a lo que ocurre en los periódicos.

Ada Colau presentó el pasado jueves el cartel de La Mercè acompañada por David de las Heras y por la cineasta Carla Simón, y también estaba mandando un mensaje. Por un lado, transmitió que es un festejo importante para el consistorio y que las ilustraciones de David serían su carta de presentación. Por el otro, que no es un diseño dejado al azar.

“Para mí todo tiene que ver con el pan y las rosas. La belleza y la cultura forman parte de nuestro paisaje y la administración tiene mucha responsabilidad en ello”, dice Nacho Padilla, para el que estas campañas tienen un fin último: dignificar el espacio público. “Aunque haya gente que lo quiera negar”, el director creativo cree que cualquier diseño “lanza mensajes en una nube de conceptos” y transforma el espacio urbano. Para él, este arte sí es política, “pero no en su sentido sucio” ni partidista.

Uno de los valores a los que se refería David de las Heras es el cuidado por la naturaleza, algo que intenta repetir en toda su obra. Por eso su gran línea roja sería colaborar para algún proyecto taurino o que venda el maltrato animal. “Nunca lo haría. En mi vida”, asegura. “Siempre he pensado que dice más de mi trabajo y de mi persona los proyectos que he rechazado que los que he sacado adelante”, coincide la ilustradora Rocío Cañero. “Como dice Rosalía, yo mi lealtad nunca la pierdo, ni por el dinero”.

En los carteles de La Mercè, de forma muy sutil, De las Heras ha incluido estos ideales. “Ademas de aparecer esas mujeres gigantes que superan incluso a la Sagrada Familia, hay unas aves y unas flores que por escala son más importantes que otros conceptos en el diseño”, desvela.

Rocío Cañero también aprovecha estos espacios para incluir guiños más o menos enmascarados. “Hay mucha simbología en mis dibujos y, siempre que puedo me expreso a través de la figura de la mujer, a las que transformo en protagonistas. Hace casi una década, mucho antes del body positive, puse un culo con toda su naturalidad y su celulitis en la portada de una revista”, ejemplifica. “N solo me gano la vida con mi trabajo, también intento promover unos valores”, algo que a veces también buscan las instituciones. Para ella, es clave la “visión prodigiosa” de Nacho Padilla, con quien colaboró en 2019.

Por ejemplo, en la campaña de San Isidro de DeBellard, Padilla cuenta que intentaron llevar a 2018 “una tradición que se había vuelto un poco casposa y rancia”. “La revestimos de contemporaneidad, era un San Isidro feminista y Mercedes incluso metió el símbolo del veganismo en los carteles”, recuerda el director creativo. Pero a la vez fue una campaña muy transversal y hasta gente del PP del Ayuntamiento la tiene colgada en sus casas. Por el contrario, la última campaña de San Isidro tiene un diseño mucho más conservador, que apela a Goya y destaca la imagen típica del chulapo y la chulapa.

Padilla dice no tener un truco para que un proyecto funcione bien, pero con algunos se lo huele de antemano. Distingue entre dos tipos de campaña: “Unas que dan un servicio público y te recuerdan que tienes que pagar el IBI, se abre el plazo de los colegios o que te vacunes; y otras más simbólicas, de fiestas, en las que puedes hacer más hincapié en temas como el feminismo o el ecologismo, y donde los artistas pueden sacar su creatividad”. Estas últimas también están más sujetas a críticas.

“Estaba preparado para que dijesen cosas malas sobre el cartel de La Mercè. Al final las críticas no tienen que ver con el grafismo, el diseño o la ilustración, sino que son la excusa para arrojar opiniones personales”, concluye. El director creativo del Ayuntamiento de Barcelona cree que es un soporte donde merece la pena arriesgarse, a pesar de todo: “La estética nutre la propia fiesta y esos carteles se convierten en imágenes recurrentes para las generaciones posteriores”.

Concebida como una introducción perfecta para conocer a este influyente ilustrador y diseñador gráfico nacido en Bellefontaine (Ohio, EEUU), la exposición El Arte en Alta Fidelidad de Jim Flora se puede visitar en La Fiambrera Art Gallery (Madrid) hasta el 3 de septiembre. Es la primera vez que se exhiben juntas tantas portadas originales, casi medio centenar de entre las que pintó para sellos capitales como Columbia y RCA Victor. Se acompañan, además, de más trabajos de Flora en forma de grabados, serigrafías o giclées, pertenecientes a su fondo privado.

Flora dio vida en forma de inquietos trazos al ritmo de genios del jazz como Louis Armstrong, Benny Goodman, Gene Krupa o Bing Crosby, entre otros, aunque también se atrevió con cadencias latinas y criollas. Su estilo, tan innovador como irreverente para la década de los 40, es inconfundible. Reconocía el autor que “no podía soportar un espacio estático”, intención que demuestran unas portadas llamativas, protagonizadas por figuras en constante movimiento, a las que no dudaba en añadir brazos o piernas a modo de fascinante mutación.

Aunque no exista una discografía oficial completa, El Arte en Alta Fidelidad de Jim Flora muestra la mayoría de las carpetas originales de los vinilos que diseñó entre 1946 y 1961. Forman parte de la colección que coordina su biógrafo, archivista, Irwin Chusid, a quien el comisario de la exposición de La Fiambrera Art Gallery, Francisco Santelices, reconoce haber tardado “casi seis años en convencer” para unirse al proyecto. Muchas de las serigrafías, impresiones y grabados que acompañan a las portadas son pruebas o ediciones limitadas agotadas.

Tuvo un considerable impacto en su época, pero el reconocimiento actual a su obra se debe en buena parte, sin duda, a la publicación de volúmenes como The Mischievous art of Jim Flora (2004), The Curiously Sinister Art of Jim Flora (2007), The Sweetly Diabolic Art of Jim Flora (2009) y The High Fidelity Art of Jim Flora (2013). Para Chusid, quien los concibió junto a la restauradora Barbara Economon y la diseñadora Laura Lindgren, estos libros son “mucho más extensos de lo que podríamos mostrar en una exposición física” y “más biográficos que simplemente presentar su arte”. Los define, en definitiva, como “exposiciones en sí mismos”.

Pocas personas conocen de manera tan profunda el trabajo del norteamericano. No duda Chusid en definir a Flora como un ilustrador “influido por los vientos artísticos cruzados de su época”. Y es que en su obra se pueden reconocer vanguardias europeas como el surrealismo o el cubismo, pero también la sombra de Diego Rivera y José Clemente Orozco. Para el biógrafo, fueron cruciales “también sus viajes, particularmente el de México a principios de la década de los cincuenta”, que emprendió acompañado por su familia.

Resulta lógico pensar que esto influyó además en el peculiar “sentido del humor sobre la anatomía humana” que mostraba. Además, Flora sentía que su arte era “menos elevado” y de corte popular en comparación con el de “una artista plástica superior” como su mujer, Jane Sinnicksen, a quien conoció mientras estudiaba en la Academia de Arte de Cincinnati. Para Chusid eso no fue óbice para convertir en una fortaleza algo que “otros considerarían un defecto”. Flora trabajó “con las habilidades que tenía y creó algo maravillosamente propio, idiosincrásico”, añade.

Aunque Chusid afirme que no puede pensar “en ningún músico que esté conectado con Flora” a día de hoy, los homenajes, más o menos directos, han sido continuos. Desde un póster para un concierto de Pearl Jam en Detroit en 1988 a las portadas del disco Oscillate My Metallic Sonatas (2000) de la banda The Lothars o el poemario Conviction (2003) de Taylor Mali. Incluso Pixar deslizó un personal tributo en una de las divertidas secuencias de su película de animación Monstruos, S.A.. Hay quien intuye también la sombra de su trazo en algunos diseños de space age pop, ese subgénero que cautivó a multitud de artistas, de Esquivel (cuyas reediciones en cedé son precisamente autoría de Chusid), a Stereolab.

Un dato curioso que nos descubre es la relación de Flora con los músicos para quienes creaba. Era conocido por ser muy aficionado al jazz y la clásica, además de poseer una completa colección. Sin embargo, aunque conociera a la perfección a esos compositores, “rara vez escuchaba los discos antes de crear” las ilustraciones para los vinilos. Según el biógrafo, “improvisaba la portada sin escuchar lo que estaría dentro de lo que estaba diseñando”, un curioso acercamiento que Chusid, en cierto modo, comparte: “Yo mismo tengo sus mejores versiones y nunca he escuchado los discos”.

Flora tuvo un posterior renacimiento artístico que le hizo superar una última etapa como creador de portadas en la que para Chusid “la magia simplemente ya no estaba ahí”, e incluso considera las de Inside Sauter-Finegan Revisited y After The Riot at Newport, ambas de 1961, como “feas” según sus estándares. El aire fresco llegó con libros infantiles como The Fabulous Firework Family (1955) o The Day the Cow Sneezed (1957), obras “más amables y amigables” que supusieron “un éxito fabuloso”. Padre de cinco hijos, Flora entendió que “hay que comunicarse con ellos de una manera más simple” y esos libros reflejan momentos en los que “les contaba historias mientras dibujaba”.

Si Flora fue pionero en el diseño de vinilos y Stefan Sagmeister revolucionó el de los cedés cuando tintó de azul el jewel case del Set The Twilight Reeling de Lou Reed, ¿qué artista sería equivalente en unos tiempos extraños dominados por el streaming? Chusid declina nombrar herederos, alegando que no compra “música contemporánea en formato físico, solo digital”, pero cuando ha producido discos a figuras imprescindibles como las de Sun Ra o Raymond Scott se ha asegurado de que “sus portadas fueran visualmente interesantes”. Cita de hecho la intención de Flora de “crear un poco de emoción”.

Acostumbrado a nuevos formatos, ve “muchas portadas digitales y físicas geniales y muchas malas, nada nuevo bajo el sol”. Tampoco se enroca en posturas nostálgicas, algo fundamental teniendo en cuenta que, además de autor, locutor e historiador musical, también gestiona los derechos de un inclasificable como el citado Sun Ra. Es una tarea que define como “muy compleja”, ya que “no solo era músico; también poeta, director de orquesta, compositor, pensador, showman, renegado, líder espiritual e icono de la moda”. Con una carrera discográfica que se extendió durante 45 años, se alegra de “amar tanto su música” como para que esa función se convierta en “un placer”.

Otro aspecto del trabajo de artistas cuyo legado defiende, de Flora a Sun Ra, en el que Chuswid parece reflejarse, es en el humor y la ironía. Dado que él mismo se ha definido como “un connoisseur de los márgenes”, ¿quién mejor para hacer predicciones sobre las modas musicales inminentes? “No tengo idea de lo que vendrá después”, ataja, antes de aclarar que lleva “cincuenta años prediciendo un gran resurgimiento del calipso que aún no ha sucedido”. Cuadra con otra de las citas que se le atribuyen, esa que le cataloga como “un pésimo barómetro del gusto popular”.

La industria textil utiliza un 97% de sus materias primas de fuentes vírgenes y solo el 2% de fuentes de reciclaje, mientras que el 12% del material se desperdicia durante la producción. 150 millones de árboles son cortados cada año solo para fabricar celulosa que después se convertirá en la tela viscosa. Por si fuera poco, además de las gran cantidades de agua que se utilizan para la producción de fibras como el algodón, para crear tejidos sintéticos, como el poliéster, se necesitan unos 70 millones de barriles de petróleo al año. Estas son algunas de las razones que han hecho que los diseñadores investiguen y estudien nuevos materiales para realizar sus tejidos como pelo humano, piel de pescado y hasta lo que se conoce como MusicCloth, un material creado con el plástico de los antiguos casetes.

Eduardo Loreto, venezolano afincado en Bizkaia, forma parte de esa nueva generación de diseñadores y modistos conscientes con la sostenibilidad y el impacto de la industria textil en el medio ambiente. Por ello, ha sido la primera persona en el mundo en desarrollar una técnica con la que crea un tejido para sus diseños a partir de restos de zanahoria. “Mi proyecto se basa en la utilización de la zanahoria para hacer un tejido o material. El material es un bioplástico en el que he podido serigrafiar utilizando una tinta también obtenida por la zanahoria y así generar menos microplásticos. Es completamente biodegradable que incluso puede servir de fertilizante y se puede reciclar”, explica a este periódico mientras muestra un vestido y un bolso realizados con el material creado por él.

Su diseño forma parte de la exposición 'La moda será verde o no será' que se encuentra en el espacio BBK Kuna de Bilbao durante la semana de la moda sostenible organizada por Fashion Revolution. “Esa zanahoria es una biomasa que proviene de una parte más científica que es la fitorremediación, que es la extracción de metales pesados del ambiente. La zanahoria que se utilizaba para extraer esos metales pesados y después se quemaba porque no sabían qué hacer. Yo he buscado una aplicación nueva para esa biomasa para construir productos con bastantes acabados, vestidos, chaquetas, bolsos...”, indica.

Loreto confiesa que la idea se le ocurrió experimentando. Al principio, creó un catálogo de tejidos, desde un látex hasta materiales resistentes y duros, con solo tres ingredientes: la zanahoria, gelatina y glicerina. Ahí se dio cuenta de cómo podía moldear ese tejido para crear sus diseños. El siguiente paso que tiene que seguir, es estabilizar el producto para que tenga una mayor resistencia. “Le pasa igual que al plástico, que se puede llegar a derretir con el calor. Quiero darle un nuevo toque para que sea más resistente y poder llevarlo a industrias para que lo utilicen como material”, detalla.

Según asegura, él es la primera persona que ha utilizado la zanahoria como material para crear tejidos y para la tinta de la serigrafía. “No sabía que era el primero. Cuando empecé a investigar quise ver proyectos de personas que lo habían hecho para ver cómo se hacía y descubrí que no se había hecho nada. Incluso, gente experta en la materia me llamó para preguntarme cómo lo estaba haciendo. Fue algo increíble”, señala. Su proyecto, más allá de Bilbao, viajará a Milán y a otras ciudades con el objetivo de conseguir la financiación necesaria para mejorar el producto y que termine utilizándose en industrias textiles.

La realidad que se esconde tras la etiqueta de 'sostenible'

La coordinadora de Fashion Revolution en España Nadège Seguin ha visitado la exposición en Bilbao y ha asegurado que su objetivo, al igual que el de la organización es “que la gente entienda cuál es el impacto de la industria textil” y aportar soluciones. “Intentamos concienciar no solo a las personas para que cambien el chip, sino también a las pequeñas marcas para que vayan realizando cambios y, por supuesto, obligando a las grandes a que dejen de realizar prácticas dañinas, algo que es más difícil”, confiesa a este diario.

Uno de los objetivos de la asociación este año, es lograr una ley en el Parlamento Europeo que asegure que las fábricas textiles de las empresas europeas de moda paguen, al menos, el salario mínimo del país en el que residan a todos sus trabajadores. Para lograr que los trabajadores de fábricas textiles trabajen en condiciones dignas y con salarios justos, han comenzado una campaña de recogida de firmas. “Durante demasiado tiempo, las marcas de moda han prometido hacer lo correcto. No lo han hecho. No podemos esperar a las medidas voluntarias de las marcas individuales. La industria necesita ser regulada y responsabilizarse”, incide la campaña, que busca recoger un mínimo de un millón de firmas para realizar la petición.

Preguntada por qué razón la sociedad desconoce o desoye cuestiones que se esconden tras la industria textil, Seguin asegura que el problema reside en que “la industria de la moda vende glamour”. “Vende huir de las cosas malas y sentirse bien con uno mismo. Entonces, el lado oscuro que esconde es tabú y no se puede mostrar porque si se hace, las personas van a reflexionar y dejar de consumir. En eso también nos queremos centrar: tenemos que cambiar nuestros hábitos, pero también nos lo podemos pasar bien haciéndolo”, aún así ha alertado de que hay muchas marcas que colocan etiquetas de 'sostenible' sin serlo en realidad. “Es muy fácil colocar una etiqueta que suena a verde, pero sin explicar lo que hay detrás, por eso insistimos mucho en la transparencia más que en las etiquetas. Una etiqueta en la que pone 'sostenible' solo indica que la empresa ha pagado a alguien para poner la etiqueta, no que significa que detrás de ella hay algo real. Con lo cual, la transparencia sigue siendo lo primordial”, argumenta.

Durante la semana de la moda en Bilbao del 25 de abril hasta el 1 de mayo, tendrán lugar en el edificio de BBK Kuna una serie de talleres para transformar la ropa usada en una nueva, conferencias sobre la industria textil y la precariedad laboral que hay en sus fábricas, una exposición permanente en la que se mostrarán vestidos hechos con materiales sostenibles, una máquina expendedora de ropa y hasta un mercadillo.