1994. Dos jóvenes, ambos surgidos de la escena del cine fantástico que tiene puntos de reunión como el Festival de Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia, iniciaban los respectivos rodajes de sus nuevas películas. Álex de la Iglesia ya había despuntado con su primer largometraje, Acción mutante, y buscaba consolidarse con El día de la bestia. Un habitual del mundillo de los fanzines, Arturo de Bobadilla, estaba rodando su propia película de homenaje a los clásicos del género. Ambas producciones tenían en su reparto a un emergente Santiago Segura y a Manuel Tallafé. Una de las obras se convierte en un gran éxito. La otra deviene un proyecto maldito que alimentará mil y una anécdotas.

Poco hay que contar de El día de la bestia, un gran éxito del cine pop español, comedia de fantasía y terror que escenificó que un cine freak español podía resultar artísticamente convincente y también comercialmente lucrativo. De Bobadilla, por su parte, se había impuesto una verdadera misión divina, como aquel Jules (Samuel L. Jackson) de la contemporanea Pulp Fiction. Se proponía resucitar la tradición del fantaterror español, de los licántropos interpretados por Paul Naschy en La marca del hombre lobo y tantos otros títulos, de los zombis templarios ideados por Amando de Ossorio en La noche del terror ciego y sus secuelas. Y cruzar este material con las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. El mismo Naschy, entonces en una etapa de bache profesional, quería confiar en la película firmada por De Bobadilla como trampolín para recuperar la popularidad.

Finalmente, Los resucitados se estrenó en el año 2017 en espacios afines. Quedó al descubierto un fan film enaltecido por la inusual presencia de profesionales. La intrahistoria de la obra puede recordar a otras inusuales alianzas creativas del audiovisual de serie Z, como los rodajes de Ed Wood (Plan 9 del espacio) con su mitificado Bela Lugosi, intérprete de unos cuantos vampiros y científicos locos en los primeros años del cine sonoro (incluido el Drácula firmado por Tod Browning). O las colaboraciones de otro voluntarioso del fantástico, el prolífico director Fred Olen Ray (Hollywood chainsaw hookers), con un veteranísimo John Carradine.

Unos años después de la presentación de la película, y ya con una cierta perspectiva, el realizador Victor Matellano (Vampyres) recupera la accidentada y larga historia de confección del filme a través del documental Mi adorado monster. Lo hace con muchos testigos directos, como los mencionados Segura y Tallafé, junto con otro rostro del fantaterror como Antonio Mayans, un habitual de los filmes del cineasta compulsivo Jesús Franco (Las vampiras). También comparecen otros habituales y no tan habituales de la escena fantástica, como el divulgador y director del Festival de Sitges, Ángel Sala, la cantante Alaska, los intérpretes Carlos Areces y Macarena Gómez… o el mismísimo Álex de la Iglesia, para cerrar el círculo.

Este rodaje es una ruina

“Esta historia nos ha animado muchas sobremesas”, afirma Tallafé en un momento del filme. Y Matellano ha optado por dotar al documental de un tono humorístico. “Es una película cómica, pero hecha con respeto, con cariño, con simpatía”, precisa el realizador. Matellano se muestra gustoso de que los documentales asuman el tono de un cierto tipo de cine “para contar las historias, para guiar al espectador, y más en el caso de Mi adorado monster, porque es una obra difícil de explicar”. “En el caso de Regresa el cepa, mi mirada sobre El crimen de Cuenca, sabía que debía emplear la forma de thriller. En esta ocasión, sabía que tenía que acercarme a la comedia”, afirma.

El proyecto comenzó a construirse a partir de un monólogo donde Tallafé cuenta recuerdos del rodaje de Los resucitados. No faltan las imitaciones al director de la película ni las bromas a costa de su inexperto entusiasmo. A partir de este núcleo cómico, Matellano y compañía fueron añadiendo capas: los recuerdos de otros participantes del rodaje, las consideraciones de gente de la familia del fantástico que conocía la historia de manera indirecta y las reacciones de otros invitados (algunos de ellos son inesperados, como Antonio Miguel Carmona o Pedro Ruiz) a quienes se les descubre el fenómeno.

El filme consigue conjurar una atmósfera de reunión de amigos donde se cuentan historias graciosas. El variado perfil de los participantes, que mantienen grados de relación diferentes respecto a Los resucitados, quizá facilita que la audiencia pueda sentirse partícipe en una fiesta que no solo está destinada al disfrute de los iniciados. Por el camino, se detallan mil y un momentos pintorescos. Despierta cierta perplejidad imaginar a la comitiva de rodaje caminar tras una filmación porque no había dinero para pagar billetes de metro. Y sorprenden las anécdotas sobre unos emparedados, supuestamente preparados por la madre del director, donde proliferaban de manera antiestadística las tapas del pan de molde que muchos evitan comer. Las evocaciones pueden tener algo de reivención por parte de Tallafé… o del propio Matellano. En todo caso, el director afirma que se han quedado cosas reales en el tintero: “He desechado anécdotas que podrían malinterpretarse y ser un poco sangrantes. Es un límite que me autoimpuesto porque Arturo no me ha exigido nada”.

El recorrido abraza tonos múltiples. Tallafé o Segura se muestran más bien guasones. Otros, como Álex de la Iglesia o Alaska, optan por envolver en un cierto manto de cariño y por priorizar el valor de crear algo, aunque los resultados puedan ser muy imperfectos. Uno de los perplejos descubridores de Los resucitados, afirma que “esto es lo que hacen los niños cuando se hacen mayores”. Matellano concede que él también se ha alimentado del gusto por los monstruos y de historias concebidas en la juventud. “Mi primera película, Wax, tiene el mismo argumento que una obra de teatro que escribí de niño en el colegio. Vas cumpliendo pequeños sueños”, explica.

El director de Mi adorado monster matiza que sus trabajos parten de una aproximación industrial y profesional que no estaba presente en la génesis de Los resucitados. “En esto me alejo del acercamiento propio del fan que podía tener Arturo entonces”, matiza. “Para Arturo, el hecho mismo de rodar era una razón en sí misma. Quería jugar con los monstruos que había mitificado y con sus propios fantasmas. Se encontró con el acceso a alguien como Paul Naschy, y se dijo que porqué no. Fue inventando, y en esa huida hacia adelante está parte del motivo de no terminar nunca. Porque lo que tenía sentido para él era el proceso de hacer la película, más que la película en sí”, afirma el autor de Regresa El Cepa.

El fin del mito, la llegada del silencio

Cuando finalmente se presentó al público, Los resucitados provocó cierta estupefacción. Más allá de las apariciones y desapariciones de personajes, o la narración fragmentada y difícilmente comprensible, la película partía de una concepción arcaizante, de unos diálogos que recordaban las formas de la literatura romántica (que el realizador, explican, dictaba sobre la marcha a los intérpretes). El resultado era fantaterror en su variante más solemne, sin rastro de humor o de ironía posmoderna, y también sin la competencia técnica de los profesionales del género. Matellano considera que es un reflejo del joven De Bobadilla: “Era altivo, tenía mucha capacidad de convicción y por eso convenció a gente como Naschy. Siempre le he tenido respeto, y ahora le tengo cariño, pero entonces me resultaba antipático”.

En las proyecciones en San Sebastián o Sitges, se evidenció el desencaje entre las intenciones del director como creador de mitos y una recepción estupefacta. La audiencia, fogueada en mil batallas del fantástico, reaccionó con unas cuantas carcajadas al empeño quijotesco. En el documental, el realizador de Los resucitados no parece afectado por ello y defiende el intento de hacer disfrutar. Matellano afirma que “él ha estado en estas proyecciones, sabe que son una fiesta, y que la risa era parte de la respuesta, que lo peor es la indiferencia. Creo que el drama viene después con el silencio. Hay un par de críticas muy duras, y ya está. Cualquier realizador ha vivido eso, pero esta depresión postparto, digamos, unida a otros problemas a los que aludimos, está magnificada por la duración de todo el proceso”.

Después de las risas, los minutos finales de Mi adorado monster abordan momentos dramáticos. Sobrevuelan varios duelos por pérdidas de familiares y la posibilidad de problemas de salud. “En un momento dado, Arturo se abrió ante la cámara, hasta el punto que él consideró oportuno. Fue muy generoso ahí”, afirma el realizador. Tras dar por concluido ese mito construido a base de años de prometer una película por venir, tocaban nuevas etapas condicionadas por la muerte de seres queridos. Cuando llega el momento de tratar de los monstruos y las pesadillas dentro de la mente de cada uno, Matellano opta por un tratamiento cuidadoso.

Con todo, De Bobadilla no es retratado como un heroico realizador vocacional: tras muchos minutos de humor, no cabe la idealización, pero sí que es posible el cariño y la empatía. Y la posibilidad de afrontar nuevos desafíos y quimeras, como la posibilidad de impulsar una segunda parte de aquella fantasía fílmica vocacional, caótica e improvisada. Por el camino, se preserva un pequeño halo de misterio relativo sobre lo sucedido durante ese lapso de dos décadas. “Creo que hay muchas cosas que las explicamos o las damos a entender. Que existe un miedo a terminar, que se vive mejor en lo mítico. Hay otras cosas que sé, muy mundanas, y otras que no sé, o que desconozco que tienen de real y que tienen de mítico. No creo que importe”.

Mi adorado monster se proyectó en la pasada Semana del Cine Fantástico y de Terror de Donostia y en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera (Tenerife), donde Matellano recibió un galardón honorífico. Está previsto que el documental llegue de manera limitada a diversas salas comerciales del país.

30 monedas es el mejor Álex de la Iglesia: imaginativo, desbordante, excesivo. En la serie que se estrena hoy en HBO y semanalmente a partir de ahora, Eduard Fernández interpreta a un sacerdote equivalente a un padre Karras de El exorcista que se hubiera tragado a Indiana Jones y se viera envuelto en una aventura como la de El código Da Vinci, con los brazos de Toro Salvaje, eso sí, porque es un cura exorcista, custodiando una reliquia que puede cambiar la historia, y además boxea. El bilbaíno Álex de la Iglesia, director, guionista, productor, que fue historietista y presidente de la Academia de Cine, señala algunas claves de su serie.

Los ocho episodios de esta primera temporada a veces se toman la historia muy en serio, otras con cierto humor oscuro. Con la ayuda de la música potentísima y efectista de Roque Baños, no se ahorra en gore o en sustos, que a veces se convierten en una traca brutal. Pero su director tenía de niño y tiene ahora otros terrores: “Me daba miedo de pequeño y ahora exactamente lo mismo. El sinsentido, la irracionalidad, el desequilibrio, el no saber qué va a pasar. Me da miedo la maldad real, no la de ficción. Me da miedo el abuso legal, cuando se convierte ya en lo institucional. Todo eso me da miedo”.

“La religión católica es la más antigua y por tanto la más auténtica”

La historia se apoya en gran medida en la rica tradición católica, que tan bien se lleva con el cine de terror. Para De la Iglesia, es lógico: “La religión católica es la más pegada a nosotros y ha mantenido la liturgia. Mantiene, por ejemplo, el misterio del pan y del vino, la comunión, la confesión, mantiene un montón de cosas que son, desde el punto de vista narrativo, apasionantes. Perdonad esta burrada, pero yo, como creyente, diré que la religión católica es una religión seria. Las demás me parece que han tenido más concesiones, se han intentado adaptar a los tiempos y sobre todo a las condiciones sociales y económicas más claramente que la católica. La católica es la más antigua, entre comillas, y por tanto la más auténtica”.

Este estreno es la culminación de cinco años de trabajo que comenzaron con la escritura del esquema de la serie, pensada para tener tres temporadas, por parte de De la Iglesia con su colaborador habitual, el prestigioso guionista Jorge Gerricaechevarría. “Soy monógamo narrativamente –explica el director vasco–. Con Jorge me une una tremenda amistad, probablemente sea una de las personas a las que más quiero en el mundo y por otro lado eso me facilita mucho el trabajo, es muy egoísta. No hay intermediarios, no hay obstáculos, no hay cortafuegos: 'Esto me gusta', 'Esto no me gusta', y no pasa nada. Es tu amigo. Los amigos son los hermanos que eliges y, en este caso, Jorge es la persona que tengo más cercana a nivel emocional, a nivel laboral, me entiende perfectamente. Y, de una manera práctica, se ahorra mucho tiempo, no tengo que dar explicaciones. Hemos tenido educaciones semejantes, recuerdos semejantes, conocemos a las mismas personas, y eso hace que, de pronto, generemos una especie de entidad”.

Álex de la Iglesia es de relaciones largas en el trabajo y desarrolla este concepto: “Yo no soy yo, yo soy el actor que hace de Álex de la Iglesia. Álex de la Iglesia es un monstruo aberrante como los de la serie, es una especie de entidad formada por Jorge, por ”Arri“ y ”Biafra“ (José Luis Arrizabalaga y Arturo García), mis decoradores, por Roque Baños, mi músico, por mi mujer, Carolina (Bang), la productora o Raúl (García), mi cámara, que es indispensable. Voy añadiendo seres que van conformando mi personalidad, mi identidad. Tengo muchísimo tiempo ganado trabajando con personas a las que ya conozco. Así que con Jorge casi no hablamos, nos miramos, escribimos casi automáticamente, uno dice: 'Quita', y se pone al ordenador y hace un diálogo, el otro dice: '¿Qué te parece?'. Es muy orgánico todo, por eso trabajo con él”.

En el rodaje necesitas irreductibles que defiendan tus intereses a muerte

Este sistema tan ventajoso no surge solo, como aclara: “También hay que saber ser así. Hay que saber compartir las cosas. Hay otros a los que no les gusta compartir. A mí sí. Soy muy familiar en ese sentido. Gracias a eso la serie existe. Necesitas la complicidad de mucha gente. Hay que estar años escribiendo una cosa. Y la gente se puede desinflar o puede decir: ”Mira, ya no quiero apostar más por esto“. Necesitas irreductibles. Cuando estás rodando pasa lo mismo, necesitas gente irreductible, que defienda el set a muerte. Gente que defienda tus intereses a muerte”.

La serie se ubica en Pedraza, el precioso pueblo medieval de la provincia de Segovia. A partir de ahí se visita Roma, París, Siria... Está protagonizado por Eduard Fernández, Megan Montaner y Miguel Ángel Silvestre, pero muchos más actores tienen personajes importantes. Está lleno de acción, efectos especiales, criaturas, fenómenos fantásticos. Es una producción enorme. Para De la Iglesia: “Ha sido una de las experiencias más duras de mi vida, sin duda, pero de las más gratificantes después, en el sentido de decir: '¡Dios mío! Esto parecía imposible y lo hemos hecho'. Parecía imposible incluso para la gente de HBO o para parte del equipo, que nos veía desde fuera y nos decía: '¿Cómo habéis conseguido sacar esto adelante?'. En un tiempo récord. Tú dices: 27 semanas, pero divídelas en ocho episodios. Cada episodio es una película. Un reto, un auténtico reto. Lo repetiría todo entero. Y, de hecho, lo voy a hacer. Estamos terminando los episodios de la segunda y la estructura general está escrita desde hace años. Resulta muy emocionante ver cómo se va construyendo ese puzle gigantesco”.

“Gracias a los actores todo esto tiene sentido. Han asumido el riesgo y ha sido difícil”

Y es que, a pesar de reconocer los inconvenientes, el director ha disfrutado: “En este rodaje tan grande me he sentido como pez en el agua. Depende de cuánto tiempo has invertido. Son cinco años pensando una cosa, cinco años trabajando cada diálogo, cada secuencia, con treinta mil alternativas. Teníamos 450 localizaciones diferentes. ¡450! La serie, por efectos prácticos, era imposible de rodar respetando la cronología, así que no hemos rodado primero un episodio, luego el segundo, luego el tercero, sino que rodábamos todo a la vez. Era la única manera de abaratar, de hacerla más rentable. Si no, hubiera sido imposible de abarcar, estaríamos todavía rodando”.

Más que de una secuencia o efecto de los que abundan en la temporada, de lo que más orgulloso se siente el director es de la coherencia del conjunto y de los intérpretes: “La coherencia y esa narración se sostiene sobre actores. Sobre personajes que llevan la trama, así de claro. Gracias a ellos esto tiene sentido. Han asumido el riesgo, han asumido la dificultad física de aguantar el tirón. Ha habido veces que ha sido difícil. Eduard Fernández se levantaba a las cinco de la mañana para rodar ocho horas y después preparar conmigo el día siguiente o preparar con los de efectos otro truco, por ejemplo. Había jornadas inenarrables, muy largas, para sacar adelante el proyecto y eso requiere de una gran complicidad, sobre todo de una entrega especial, que puedes encontrar en poca gente. Eduard es uno de ellos. Si cree en el proyecto va con él a muerte. O Megan Montaner y Miguel Ángel Silvestre, Megan y Miguel han aguantado desde todo tipo de moratones hasta llorar en el rodaje por cansancio o por impotencia, a reírse a carcajadas para levantar el ánimo a los demás… Una locura”.

De la Iglesia se manifiesta encantado de la colaboración con HBO: “La idea de la serie es muy anterior a ellos, la estuvimos moviendo mucho tiempo, en diferentes plataformas. La serie tiene cinco años y empezamos a trabajar con HBO hace unos tres. Durante dos años, dos años y medio estuvimos moviéndola por todo tipo de televisiones y plataformas, compañías, productoras, estudios... A la mayor parte de ellos les daba mucho miedo enfrentarse a una serie como esta y necesitábamos gente que apostara. HBO ha sido la que ha apostado más fuertemente por ella, desde el primer momento. Dijeron: 'Nos gusta, la queremos'. Las cosas se hacen así, cuando alguien te dice: 'Nos gusta, la queremos'. Esa es la manera de trabajar. Y diré también que nosotros no trabajamos para HBO, HBO trabaja 'con' nosotros en la elaboración de la serie. Han sido compañeros de trabajo y de viaje. Esa es una diferencia radical con muchas otras compañías”.

Se convertiría en un director de taquillazos, pero emergió de la cultura de los fanzines y de los tebeos underground: Álex de la Iglesia sacudió el panorama del cine fantástico nacional, inmerso en una cierta crisis por falta de inversión y de relevos generacionales a cineastas como Jorge Grau, Jose Ramón Larraz o Juan Piquer Simón, con sus primeros largometrajes. Y lo hizo en aquellos primeros años noventa en que el audiovisual masivo comenzaba a ser tomado por la cultura freak, cuando Batman, Darkman y demás héroes enmascarados comenzaban a marcar un camino posible para ese Hollywood que acabaría dominado por los superhéroes.

Coproducida nada menos que por Pedro Almodóvar, Acción mutante fue una de las primeras obras industrialmente ambiciosas que nacían de la cultura friqui estatal, una especie de superproducción para los estándares españoles. Ahora recuperada en soporte Blu-ray gracias a la editora Cameo, supuso una aportación local y con acento propio a las corrientes de esta tendencia que ha acabado deviniendo temporalmente hegemónica. De la Iglesia incluyó referencias evidentes a Star Wars o Alien, pero las marcó con un humor negrísimo castizo (¿berlanguiano?) en sintonía con las crueldades misántropas de los primeros largos de los hermanos Coen o Sam Raimi.

Ciberpunk español en un futuro pijo

Si el cine slasher nos hablaba de nerds que se vengaban de su exclusión social y sexual apuñalando a los deportistas y las animadoras de su instituto, Acción mutante significaba una elaboración en clave notoriamente festiva y sci-fi de los resentimientos del marginado. En un futuro distópico que aparece esbozado de manera esquemática, los pijos pasaban a dominar (más) el mundo. Y la resistencia tomaba la forma de un grupo terrorista de personas con cojeras y jorobas, incluso hermanos siameses.

Esta variopinta banda, interpretada por cómicos como Álex Angulo o Antonio Resines, irrumpía a tiros en una boda de lujo concebida por un diseñador loco en los estertores de la movida madrileña (con visita de Bibiana Fernández y Rossy de Palma incluida). La trama de la película era sencilla de resumir: los protagonistas secuestraban a la hija de un multimillonario (y aristocrático) empresario, pretenden recibir un rescate y organizan el intercambio en una lejana colonia minera ubicada en el planeta Asturias. Evidentemente, las cosas se complicaban, porque los personajes concebidos por De la Iglesia acostumbran a fracasar y sufrir.

El realizador bilbaíno y su coguionista Jorge Guerricaechevarría destilaron el resentimiento posible del friqui a través del alambique de un humor faltón, materializado en la canción correspondiente del grupo musical Def Con Dos (“mens sana in corpore tullido”, cantaban sus miembros). El resultado manaba en forma de un géiser escarlata de sangre falsa con aderezos gore. Su bullicioso espectáculo de rarezas podía incorporar rastros de la dolorosa realidad (algunas estampas del grupo recuerdan la iconografía de ETA), pero estaba más dominado por las referencias a ficciones (tema musical de Misión: imposible incluido).

El contenido guiñolesco, esperpéntico, no implicó ninguna dejadez estética. La fotografía de Carlos Gusí brilló, cuidadosamente iluminada, en los paisajes urbanos que se pueden contemplar al inicio del filme. Como la posterior El día de la bestia, Acción mutante nos mostraba unas calles oscuras, palpitantes de violencias policiales y paramilitares, que pueden tomarse como variantes caricaturescas del opresivo cine vasco que representaron Alas de mariposa o A ciegas, los primeros filmes de Juanma Bajo Ulloa y Daniel Calparsoro. Estos escenarios también conectaban, por supuesto, con las atmósferas depresivas de la iconografía del ciberpunk contemporáneo, de sus futuros de desigualdades sociales extremas y ruinas tecnológicas.

Una narración mutante

Lo que comienza como una película de atracos pasaba a ser rápidamente un thriller ubicado en los pasillos metálicos de una nave espacial de carga (con Alien en el recuerdo).

Posteriormente, la acción se transformaba en una aventura itinerante localizada en un árido planeta cualquiera que remite a Star Wars, pero que podría haber aparecido en algún episodio de la serie original Star Trek. Y ahí irrumpen lugareños agresivos, versión local de los rednecks monstruosos de La matanza de Texas o Las colinas tienen ojos. El resultado es casi un zapeo narrativo, una narración mutante que quizá pierde agilidad en un último tercio razonablemente agónico que refleja los padecimientos de los personajes.

A lo largo del recorrido, la abundancia de humor negro y cruel genera un visionado puntiagudo. El papel de la protagonista femenina puede leerse como una broma hiriente y misógina o como una sátira sobre la invisibilidad masculina. Incluso cuando la secuestrada dispone de información muy importante que transmitir, no puede hablar porque la ignoran... y porque sus labios están grapados.

La agresiva lascivia de los habitantes del hipermasculinizado planeta Asturias puede remitir tanto a los espacios del machismo tradicional como a las derivas babosas de los templos de la cultura freak de la época y, quizá, de la actualidad. Esta representación fantasiosa de androcentrismos extremos que normalizan la violación no tiene por qué leerse como una sátira protofeminista, sino que parece una emanación más de la ácida mirada de un autor gustoso de revolcarse en el fango tragicómico, de abundar en las conductas más miserables de sus guiñoles de aspecto (y, a veces, un cierto aliento) humano. Sea como sea, De la Iglesia rehuyó las imágenes sexploitation, los desnudos femeninos absurdos al estilo de la factoría Corman y otras escuelas del cine de serie B, y cualquier erotización del sufrimiento femenino.

El día de la bestia ofrecería un relato más homogéneo que Acción mutante. La elección fue premiada con unas cifras de recaudación muy superiores a las conseguidas con la obra anterior. Junto con el productor Andrés Vicente Gómez, su realizador intentaría después una especie de aventura americana mediante Perdita Durango, una road movie comercialmente fallida que le marcaría el camino a seguir. Con excepción de otra escapada angloparlante (Los crímenes de Oxford), su autor no volvería a alejarse de su ámbito cultural… hasta ahora, porque su nuevo filme Veneciafrenia será otra producción en lengua inglesa y orientada a competir en el mercado internacional.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha tramitado más de 2.500 solicitudes para grabaciones cinematográficas y publicitarias en diferentes emplazamientos del territorio castellano-manchego, habiendo aprobado cerca de 600 permisos desde que se puso en marcha en la región la Film Commission, la ventanilla única del Ejecutivo regional para la gestión y promoción de los trámites cinematográficos en Castilla-La Mancha.

La consejera de Economía, Empresas y Empleo, Patricia Franco, ha visitado hoy el set de rodaje de la serie ’30 monedas’, cuya grabación se desarrolla estos días por parte de la productora Pokeepsie Film en Aldea del Rey, en el entorno del Castillo de Calatrava La Nueva, y que también visitará otros emplazamientos como Viso del Marqués y Guadamur.

La producción está dirigida por Álex de la Iglesia y se rueda para HBO. La consejera ha destacado que la llegada de la productora al enclave de Aldea del Rey es fruto de la visita institucional que se realizó por parte del Gobierno regional el pasado mes de noviembre a Los Ángeles y a las reuniones mantenidas con productoras de cine norteamericanas para hablar de las potencialidades de Castilla-La Mancha como escenario de rodajes. “Ahora lo que queremos es pasar de ser un plató de cine a ser una productora de contenidos”, ha dicho Patricia Franco.

La puesta en marcha de la Film Commission respondía al objetivo del Gobierno de Castilla-La Mancha de convertir el turismo en un importante sector dinamizador de nuestra tierra, y en la búsqueda de un turismo de calidad que explote de manera sostenible el patrimonio natural y cultural con el que cuentan las ciudades y localidades de la región. Dentro de esa estrategia se enmarca la labor de la Film Commission, que se encarga de presentar a las productoras aquellas localizaciones del territorio castellano-manchego que puedan encajar como escenario para todo tipo de grabaciones cinematográficas.

Desde su puesta en marcha, la Films Commission ha completado más de 1.600 contactos con profesionales y ha ofrecido cerca de 10.000 localizaciones a demanda de las productoras. Además, desde el comienzo de esta herramienta se han incrementado en un 52% los proyectos cinematográficos interesados en nuestra tierra, habiendo crecido no sólo en número sino en envergadura.

La consejera ha hecho hincapié en que la región es un territorio ‘film friendly’. “Somos favorables y atendemos bien todos los trámites, hacemos de ventanilla única para facilitar todo el trabajo que realizan las productoras aquí”, ha asegurado, al tiempo que ha reconocido que el Ejecutivo regional trabaja en el trámite de cuatro nuevos proyectos audiovisuales.

José Manuel Caballero, presidente de la Diputación, ha destacado el ejemplo de Calatrava La Nueva como algo a extender al resto de la provincia para potenciar el patrimonio con este tipo de proyectos, y ha destacado “la exitosa estrategia en materia de turismo del Gobierno regional y que nos implica al resto de administraciones”. Por su parte, el alcalde de Aldea del Rey ha reconocido que el rodaje de ’30 monedas’ servirá para poner al monumento más emblemático de la localidad “en el primer orden internacional”.

Un rodaje con un “gran impacto” para la localidad

La llegada de productoras como Pokeepsie Film que sitúan al patrimonio cultural e histórico de Castilla-La Mancha como escenario de sus grabaciones no sólo supone que estos emplazamientos de la región vayan a estar en las pantallas de todo el mundo, sino que también tiene un gran impacto para las localidades que acogen las grabaciones.

En el caso de Aldea del Rey, y del rodaje de ’30 monedas’, un equipo de un centenar de personas pernocta estos días en Ciudad Real, encargado del rodaje, que también ha supuesto la contratación de hasta una veintena de empresas locales para cubrir distintos servicios. Además, el pasado mes de julio se desarrolló un casting en la localidad para seleccionar a más de medio centenar de personas que participan de manera activa en las grabaciones, y al que asistieron cientos de interesados e interesadas.

“En el rodaje, además, se está contando con personas que hacen servicios directos a la productora, como carpintería y herrería, y hay al menos 20 empresas que están implicadas en muchas de las tareas del rodaje”, ha remarcado la consejera.

’30 monedas’ es una serie de terror épico de ocho capítulos dirigida por Álex de la Iglesia para HBO, y protagonizada por Eduard Fernández, Macarena Gómez, Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner, Manolo Solo y Pepón Nieto. Además de los emplazamientos elegidos en nuestra región, el rodaje se desarrollará también en localizaciones como Pedraza, Salamanca, Madrid, Roma y Jerusalén.

Castilla-La Mancha siempre ha sido un destino de rodaje dada su proximidad con Madrid y por los beneficios que ofrece para la producción audiovisual. De hecho, hace unos días, la Comunidad Autónoma ha sido noticia y en concreto, el castillo de Calatrava La Nueva, en el término municipal de Aldea del Rey (Ciudad Real) porque ha sido una de las localizaciones elegidas para la grabación de la serie de HBO '30 monedas', dirigida por Álex de la Iglesia.

La serie, protagonizada por Eduard Fernández, Macarena Gómez, Miguel Ángel Silvestre, Megan Montaner, Manolo Solo y Pepón Nieto, está rodada en localizaciones como Pedraza, Madrid, Salamanca, Roma, Jerusalén y el propio castillo aldeano. Además se grabará en otras localizaciones de Castilla-La Mancha como Guadalajara o Toledo.

En los últimos años, el número de productoras interesadas en nuestra región ha ido creciendo, especialmente desde la creación de la Castilla-La Mancha Film Commission, una institución sin ánimo de lucro que busca promocionar la región como lugar de rodaje y apoyar a las empresa y profesionales de la industria audiovisual en la logística de sus producciones. El Gobierno de Castilla-La Mancha, a través de esta iniciativa ha colaborado activamente con HBO en la búsqueda de localizaciones, para el desarrollo de la nueva serie de Álex de la Iglesia. 

El yacimiento de Calatrava la Nueva está situado al sur del municipio de Aldea del Rey, en la provincia de Ciudad Real y comprende un conjunto formado por el Convento, la Iglesia y el Castillo de Calatrava la Nueva. Fue un recinto fortificado desde la Edad de Bronce. Adquirió relevancia histórica tras la Batalla de las Navas de Tolosa (1.212), teniendo una posición geográfica privilegiada ya que dominaba el Puerto de Calatrava, vía natural de paso hacia Sierra Morena desde la Meseta Sur de España. El castillo permanecerá cerrado entre los días 29 de julio y 22 de septiembre con motivo de la grabación.

¿Cómo se elige una localización?

“Recibimos una referencia de los proyectos donde nos solicitan espacios con ciertas características. Les hacemos llegar las propuestas para que las valoren, y cuando están interesados en alguna hacemos una visita técnica con la gente que va a poner en marcha el proyecto. Si está dentro de lo que están buscando hacemos toda la tramitación, para que todo se haga de la forma más rápida posible”, explica Miguel Ángel Villanueva, coordinador general del proyecto Film Commission.

Esta institución se puso en marcha en 2017 y actualmente se encuentra trabajando en seis o siete proyectos simultáneos. “Desde que comenzamos hasta la fecha hemos notado un incremento anual pero además España atraviesa un gran momento de producción audiovisual, son muchas las plataformas que están llegando y están descubriendo que nuestro país es un gran sitio para rodar, que cuenta con personal muy cualificado, con un clima excelente para rodajes, y que tiene unas infraestructuras que permiten hacer casi de todo”.

“Somos una localización que está a mano y que ofrece ventajas competitivas como por ejemplo mejores tiempos para tramitar localizaciones y obviamente nuestros precios comparados con Madrid o con otras ciudades son mas amplios”, asegura Villanueva. “Estamos trabajando con proyectos que van desde series de televisión, largometrajes y cosas más pequeñas como videoclips o cortometrajes. Tratamos de brindar apoyo a toda la escala de producciones para que todos encuentren facilidades”.

Por ejemplo, en el caso de la provincia de Albacete, Castilla-La Mancha Film Commission ha colaborado con otras producciones no menos importantes, como en documentales, programas de televisión y una serie documental. Además uno de los últimos trabajos en los que ha colaborado ha sido en la grabación de la prueba de un vehículo BMW en el Circuito de Velocidad de Albacete. “También estamos estableciendo dinámicas muy interesantes de colaboración con empresas locales para que desarrollen servicios para la industria audiovisual”, explica Villanueva.

Entre las películas que se estrenan este año y en las que ha colaborado Castilla-La Mancha Film Commission destacan 'Intemperie', de Benito Zambrano; 'Terminator 6', de Tim Miller, rodaba en algunas localizaciones de Toledo y Guadalajara y 'Mientras dure la guerra', de Alejandro Amenábar, grabada parte en Toledo, y que tendrá su estreno internacional fuera de España, en Toronto, pero unos días mas tarde competirá por la Concha de Oro en el Festival de San Sebastian.

El director madrileño Zoe Berriatúa ha presentado en Toledo 'En las estrellas', su última cinta, junto a su productor Álex de la Iglesia y el director de comunicación de Seguros Soliss, Eduardo Sánchez Butragueño. Berriatúa explicaba en grandes rasgos que la cinta se trata de una descripción de la relación de un niño y su padre, y cómo “la realidad se llega a comer nuestros sueños en una parte de nuestras vidas. Es un drama, con tintes de comedia, de fantasía, una mezcla de géneros que es lo que más me divierte en una película”, afirmó.

Por su parte, de la Iglesia ha asegurado que se trata de una película “hermosa”, algo que “cada vez cuesta encontrar más”. “Es disfrutar del cine como una manera de enfrentarse a la vida. A muchos, el cine nos sirve de escudo frente a las adversidades que todos vivimos”, explicó. Esto lo relacionó con 'En las estrellas', porque “la vida en el cine siempre es algo maravilloso, como vivir en decorados”, aludiendo también a su película '800 balas'.

En 'En las estrellas', Víctor es un director de cine superado por sus propias desgracias. Son estas desgracias las que muestran a su hijo, Ingmar, que su padre no es la figura “épica” que había creído, sino un hombre que incluso miente y engaña. “Al final, lo bonito es que esa mentira, esa trampa, se convierten en poesía y se entiende que la vida merece ser vivida”, explicaba de la Iglesia. Junto a Berriatúa, recalcó que parte de la importancia de la obra recaía en la necesidad de “sorprender” a su público. “Es una obligación, un reto”.

Berriatúa recalcó que la película incluso llega a mencionar al Quijote, que aparece como una referencia m´s en el entramado metalingüístico creado dentro de 'En las estrellas', todo convertido en un “transgénero” que pasa del cine social al fantástico, pasando incluso por el de terror. “Sin productores como Carolina (Bang) o Álex, esta película no existiría”, agradeció.

Recalcó igualmente que se ha grabado parte de la obra en Castilla-La Mancha, concretamente en las ruinas de Segóbriga en Cuenca. “Es un lugar maravilloso donde hemos podido rodar uno de los grandes caprichos de esta película. Unas ruinas impresionantes que han funcionado como decorados de cine”. Finalmente, recalcó que en España cada vez hay “menos competencia” en el cine de fantasía y que por eso, la película funciona como un homenaje a estos “quijotes” que aman el cine fantástico.

Finalmente, de la Iglesia se ha referido a la bajada del IVA en el cine: “cualquier cosa que beneficie o construya, nos parece bien, pero siempre hay mundos mejores. No nos quejemos, hemos tenido suerte y esperemos que las cosas vayan a mejor”, concluyó.

Patxi el Herrero era un hombre malvado. Tres diablos fueron, uno por uno, enviados desde el infierno para llevárselo en vida, acusado de haber causado grandes males. Todos cayeron en sus trucos y ninguno consiguió su objetivo. Cuando a Patxi le llegó su hora, se dirigió al infierno, donde los diablos, aterrados, no le abrieron las puertas. Fue al cielo a probar suerte y se encontró con una anciana que, intimidada por su presencia, comenzó a hablar maravillas de él. San Pedro le abrió las puertas al oír tales cosas y Patxi consiguió entrar.

Es la historia de Patxi Errementaria, personaje de la mitología vasca que ahora el director alavés Paul Urkijo ha transformado para las salas de cine. Con una nueva mirada y habiendo madurado el antiguo cuento, Urkijo preestrenó 'Errementari' el 26 de febrero en Vitoria-Gasteiz. Tres salas de los cines Florida acogieron la obra de Urkijo, mientras que el estreno oficial será el 2 de marzo. La versión original es en euskera, en el euskera alavés de hace dos siglos en cuya recuperación ha colaborado el lingüista e investigador Koldo Zuazo.

Es precisamente en la Álava del siglo XIX donde se sitúa la historia. 10 años después de la primera Guerra Carlista, un comisario del Gobierno investiga un suceso en un pequeño pueblo. El rastro le lleva hasta una herrería en lo más profundo del bosque, donde vive Patxi el Herrero. La fama que le atribuyen los vecinos de los alrededores no es buena, pues sobre él rondan historias oscuras e infernales. Una niña huérfana consigue entrar en la misteriosa herrería, destapando la verdad sobre el temido hombre.

Urkijo ha invertido siete años en convertir su cuento favorito en un largometraje. Junto a él ha trabajado parte del equipo de 'Handia': de la película que obtuvo diez premios Goya, participan en 'Errementari' el actor Eneko Sagardoy, la empresa vasca de efectos especiales Drama FX y el compositor Pascal Gaigne. En conjunto, y con las alabanzas del propio Urkijo, han creado una historia inspirada en el personaje que cuenta con una nueva visión e interpretación con “todos los conceptos del mundo medieval, de los grabados y las pinturas barrocas, los tormentos infernales y las aberraciones demoníacas”.

El director vasco Álex de la Iglesia ha apadrinado la película. Produce 'Errementari', una obra más que pasa por su trampolín. Así lo han hecho otras producciones de jóvenes realizadores, como lo hizo, por ejemplo, Eduardo Casanova con 'Pieles', apoyándose en la oportunidad que el cineasta les ha brindado para “lograr una buena postproducción y distribución”, según Urkijo.

El filme se ha paseado por varios festivales como el de Sitges o el francés de cine fantástico de Gérardmer, donde ha sido aplaudido. A partir del 2 de marzo, es el turno de las salas comerciales. En el 95 % 'Errementari' se ofrecerá en versión original, reproduciendo una historia fantástica en su lengua materna. Ya ha conseguido el Premio al Mejor Largometraje de la 28ª edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donostia y, con su nueva versión de 'Patxi Errementaria', Urkijo aspira a “mostrar al mundo” esa historia que entraña mitología y cultura vasca.

En el episodio 57 de Kinótico, el podcast de cine y series de eldiario.es, nos desplazamos hasta el Festival de Málaga, que celebra su vigésima edición con un cambio importante en su sección oficial: la incorporación de películas latinoamericanas. Entrevistamos a las actrices Laia Costa y Nathalie Poza tras su paso por la muestra y repasamos el estado del cine español según FAPAE, la federación de productores.

01:45.- Repaso a la sección oficial de Málaga con Javier Zurro, de El Español

05:15.- Entrevista con Laia Costa, coprotagonista de Nieve negra

18:00.- Las series, con María José Arias

27:10.- La letra y la música, con Pedro Moral

30:55.- Entrevista con Nathalie Poza, coprotagonista de No sé decir adiós

41:30.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

45:00.- Observatorio desde Bremen, con Janina Pérez Arias

47:45.- El estado del cine según FAPAE

54:00.- Los estrenos de la semana

Pedro Rodríguez acumula ya tres premios Goya de maquillaje y peluquería por su trabajo en Balada triste de trompeta, Las Brujas de Zugarramurdi y Musarañas. Colabora habitualmente con Álex de la Iglesia para hacer realidad las pesadillas del director vasco. Nos descubre los secretos de su trabajo en un nuevo ¿Cómo lo haces?

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

La grancanaria Paola Torres es, desde hace años, una diseñadora con nombre propio en la industria cinematográfica española. A lo largo de los últimos años, la canaria ha trabajado con directores de la talla de Pedro Almodóvar, Rodrigo Sorogoyen o Álex de la Iglesia, entre otros. Además, y como broche de oro a un gran año, Torres consiguió el pasado 4 de febrero su primer Goya por el trabajo hizo para Los últimos de Filipinas, de Salvador Calvo. Parte del rodaje de esta película se hizo en Canarias.

Paola Torres entró en el mundo del vestuario cinematográfico “por casualidad”, según cuenta, y además tuvo la suerte de poder participar en La mala educación, de Pedro Almodóvar. A partir de ahí y de la mano de su amigo y mentor Paco Delgado, su carrera como diseñadora no ha dejado de crecer y crecer.

¿Qué ha supuesto para usted ganar este Goya por Los últimos de Filipinas? ¿Se lo esperaba?Los últimos de Filipinas

Siempre me he hecho muchas preguntas alrededor de la naturaleza y el motivo de los premios, y ahora, con la realidad de haber ganado un Goya, pienso que la gran satisfacción es poder hacer feliz a la gente que me quiere. Es un orgullo que consideren tu trabajo y que reconozcan tu esfuerzo, pero sin un afán excesivo de ser admirado. La posibilidad de trabajar es el mejor premio posible. Y que si me lo esperaba… Nunca fui consciente de ello. Sobre este rodaje he comentado que fue muy complicado conseguir el material correcto para los uniformes de los soldados españoles y que además se trabajó a contrarreloj.

¿Cuánto tiempo tuvo para acabar este proyecto y qué fue lo más difícil de gestionar?

En el cine siempre vamos a contrarreloj. Fueron nueve semanas de preparación: las dos primeras, dedicadas exclusivamente a la documentación, con reuniones con el director y con los historiadores Miguel Ángel López y Miguel Leiva, que nos ayudaron a profundizar en esta apasionante historia. Las tres semanas siguientes fueron para recopilar todo el material que necesitábamos y para confeccionar los uniformes, con el problema añadido de que no encontraba el tejido adecuado y por tiempo ya era imposible encargar su fabricación. Necesitábamos 900 metros de tela de rayadillo (100% algodón) y este tejido apenas se usa hoy en día. Al final, de milagro, encontramos un viejo stock de un fabricante de Barcelona. A partir de ahí fue todo una locura de pruebas con los actores y la realización de uniformes para la figuración, tintes y ambientación. Lo más difícil de esta película fue el día a día del rodaje porque había que ir destruyendo los uniformes a medida que rodábamos las secuencias. Fueron diez semanas de rodaje en las que no paramos ni un momento.

Aparte de este Goya, usted ya estuvo nominada por Mi gran noche, de Álex de la Iglesia. ¿Qué tipo de vestuario considera que es el más complicado: uno de época, como en Los últimos de Filipinas, o uno actual, como en la cinta de Álex de la Iglesia? ¿Con qué estilo se siente más a gusto?Mi gran nocheLos últimos de Filipinas

Este trabajo es complicado per se. En contra de lo que se cree, un vestuario contemporáneo es muy delicado de diseñar porque está supeditado al gusto del espectador. No se trata de distinguir entre época y actual, sino de definir el personaje dentro de la historia. Un buen vestuario cinematográfico tiene que contarte quién es esa persona, a qué se dedica. Su ropa debe hablar por él; es su tarjeta de presentación. Luego también cuenta la atmósfera y el ambiente que el director de la película, junto al de fotografía, le quieran dar al filme. Considero que nunca un traje debe estar por encima de la narrativa. Un vestuario no debe llamar la atención pero sí tiene que acompañar al actor. Personalmente, me siento muy a gusto con el cine contemporáneo.

Usted es una mujer que no para. Dentro de este año, se estrenan tres películas que cuentan con su colaboración: En zona hostil, de Adolfo Martínez Pérez, y dos películas de Álex de la Iglesia, El bar y Perfectos desconocidos. ¿Qué nos puede adelantar de estos trabajos? ¿Con cuál se siente más satisfecha?En zona hostilEl barPerfectos desconocidos.

Bueno, digamos que ha sido un año muy productivo, pero no siempre es así. Desgraciadamente, en nuestro sector puedes hacer tres películas un año y al siguiente ninguna. En zona hostil es una película bélica rodada con muchas dificultades en el desierto de Tabernas, con un tiempo infernal y rodeados de helicópteros. El diseño del vestuario no tuvo mayor complicación, ya que eran los uniformes reglamentarios del Ejército español en Afganistán. En cuanto a las películas de Álex de la Iglesia, las dos son vestuarios únicos porque el tiempo de ficción es una noche en cada una de ellas. Quizá El bar tiene más interés a la hora de rodar porque los personajes van deteriorándose hasta quedarse en ropa interior, y hay un proceso de ambientación muy complicado.

Parece que el director vasco cuenta ya con usted para todas sus películas. ¿Qué tal es trabajar con Álex de la Iglesia y qué valora más?

He tenido la suerte de poder hacer sus últimas tres películas como jefa de vestuario, pero ya había trabajado anteriormente en varios de sus proyectos como ayudante de Paco Delgado. Trabajar con Álex es siempre un placer; es una persona tremendamente creativa y con una visión del cine única en su género. ¡Simplemente es un genio!

Ha vestido a los personajes de muchos grandes directores españoles, pero ¿con quién le gustaría trabajar que aún no lo haya hecho?

Hay muchísimos directores jóvenes que están contando historias increíbles. Con cualquiera de ellos sería un placer trabajar.

Siempre ha comentado que su salto al cine fue “casual”, de la mano de otro gran diseñador canario, Paco Delgado. Él ha estado dos veces nominado a los Oscar. ¿Echa de menos el mundo de la moda o su futuro sigue estando dentro del cine?

Ciertamente, fue casual porque, cuando me surgió la oportunidad de estar en una película, yo estaba trabajando con la diseñadora de moda Sybilla, pero también es cierto que yo llegué a Madrid para estudiar Imagen y Sonido en la Facultad de Ciencias de la Información. El cine no me era extraño. Siempre me apasionó. Parafraseando al genial A. Einstein: “No pienso nunca en el futuro porque llega muy pronto”.

¿Se plantea trabajar fuera de España? ¿En qué proyecto se encuentra ahora?

No, yo adoro España, sobre todo porque trabajo con la gente que me gusta y me divierte. Tengo algunos proyectos pendientes de confirmación, pero prefiero no revelarlos, por si acaso.

Volviendo a sus inicios, ¿cómo comenzó en este mundo?

Yo he sido una mujer muy afortunada. Como he comentado, trabajaba en la moda cuando el director Pedro Almodóvar me invitó a participar en su película La mala educación, donde el responsable de vestuario era Paco Delgado. Paco se convirtió en mi mentor; es la persona que me ha enseñado todo lo que sé de este oficio. Siempre le estaré agradecida por haber sido tan generoso conmigo en lo profesional. En lo personal, tanto Pedro como Paco son algo más que mis amigos; son parte de mi familia.

Como diseñadora canaria, ¿qué opina de lo que se hace hoy en día en su tierra? ¿Considera que hay futuro para los jóvenes diseñadores que hoy se están preparando?

Estoy encantada de que en Canarias se estén haciendo tantos proyectos. Yo misma he tenido la suerte de trabajar tanto en Tenerife como en Las Palmas, y he de decir que es una maravilla rodar ahí. Por encima del clima y las exenciones fiscales, está la gente: su disponibilidad, amabilidad y hospitalidad. Es un orgullo del que presumo siempre delante de mis compañeros. Creo que se han abierto muchas puertas para los jóvenes que quieran dedicarse a este oficio, que como tal requiere práctica y experiencia. Hay gente muy valiosa. Yo misma lo he podido comprobar cuando contrato refuerzos para ayudar en mi departamento, pero también es verdad que se necesita preparación, dedicación y trabajar mucho. Las oportunidades siguen siendo escasas. Hay que enseñar a los jóvenes que no hay secretos para triunfar, sino que esto siempre es el resultado de un gran esfuerzo y de una larga paciencia.

En el episodio número 52 de Kinótico, el podcast de cine y series de eldiario.es, recuperamos la entrevista que mantuvimos en Toronto con Natalie Portman, la protagonista de Jackie. Además hemos charlado en el Festival de Berlín con Álex de la Iglesia, productor de Pieles y director de El bar.

Contenidos del podcast

01:45.- Jackie, de Pablo Larraín, llega a la cartelera. Incluye la entrevista con Natalie Portman en el Festival de Toronto. También la burbuja de opinión sobre la película, con Begoña Donat

07:30.- Continúa la sección oficial de la Berlinale. Repasamos la sección oficial con Víctor Esquirol

13:10.- Entrevista con Álex de la Iglesia en la Berlinale 2017

29:00.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

32:30.- La sección de series, con María José Arias

40:30.- Los estrenos de cine. Incluye Bigas x Bigas, El nacimiento de una nación, La gran muralla...

Escucha la entrevista completa con Álex de la Iglesia desde Berlín este jueves, en el episodio 52 del podcast de cine y series de eldiario.es

Nos encontramos con Álex de la Iglesia en el hall del Hotel Palace de Berlín, durante un anochecer muy frío. Él recibe a Kinótico en camiseta, una camiseta promocional de su próximo proyecto como productor. El cineasta vasco está en la Berlinale porque este miércoles presenta El bar en sección oficial fuera de concurso... y porque ha producido Pieles, de Eduardo Casanova, que ha sido elegida para la sección Panorama. Con Álex de la Iglesia charlamos de producción, de la naturaleza de lo español y de los avatares de la Academia de Cine, de cuya presidencia salió por discrepancias “discursivas” con sus órganos directivos.

¿Por qué produce cine?

Yo lo que pretendo es seguir haciendo cine, es la cosa más egoísta del mundo. E intento llenar mis huecos con las películas de los demás. Me apetece muchísimo que existan aunque no sean mías. ¡O hacerlas mías! Ahora voy a producir una película fantástica de Paulo Urkijo que se llama Errementari, una película vasca...

Y en Pieles... ¿cuánto hay de apuesta por Eduardo Casanova y cuánto de intentar remover el panorama cinematográfico español?Pieles

Hay una intención de todo. Primero de conseguir sacar adelante películas que a mí me parecen interesantes y apuestas arriesgadas, claro. La productora empieza a tener un estilo. Noto que nos estamos dirigiendo hacia un tipo de cine y un tipo de directores. Me gustan las películas de terror y me gustan las películas extrañas. Los directores que necesitan protección porque están muy locos o quieren hacer cosas muy locas... y es posible que acaben con ellos. No, no, vamos a conseguir que esos directores hagan lo que quieren. Soy una especie de Robin Hood de los directores locos. No, no me hagas caso [risas].

O sea, que sin usted... Pieles no existiría...Pieles

Hombre, es una película... ¡Vamos a contarlo! Es una película que no tiene una televisión detrás porque nadie se ha atrevido a hacerla. No hay un productor “al uso” porque no había ninguno que se atreviera con ella. Tampoco ha habido una respuesta previa al guión de distribuidoras, se echaban atrás, es una película muy radical. Ahora que está hecha pasa todo lo contrario. Todo el mundo la quiere, todo el mundo quiere verla. Eso es muy fácil. Lo interesante del cine es apostar por una idea. Ahí está el riesgo y está la aventura. Ahora dice la gente que es una película muy valiente y que les encanta. Claro, porque está hecha.

Y a la hora de hacer sus propias películas, ¿tiene en cuenta que no puede hacer todo lo que querría... si es que quiere venderlas?

Totalmente. La Primera División funciona así. Todos somos conscientes de eso, el público también. Estamos viendo el cine que es posible. No estamos viendo cosas imposibles. En la Primera División, donde se mueven las películas de producción más cara, tenemos mucha suerte de que haya gente que apueste. Por eso estamos tan acostumbrados a que no existan las películas “diferentes” de los años 70. Todas son iguales. Queremos gustar a las madres, gustar a los niños, que tengan un toque picante pero no demasiado picante... ¿Al final qué hacemos? Pan Bimbo.

¿Hasta dónde ha llegado en El bar? ¿Hasta dónde ha llegado hurgando en la naturaleza humana... o en la naturaleza de lo español?El bar

Pues ocurre lo mismo. En este caso yo no tengo un productor que se arriesgue y que apueste más que yo mismo. El bar es una película que incide en lo más sucio, en las alcantarillas del alma de los personajes. Y es terrible, a la vez que fascinante, el efecto que produce. En las típicas películas americanas de catástrofes surge el altruismo maravilloso, e igual hay solo uno que es “el malo”; eso no pasa en El bar. En El bar todos son “el malo”, el que intenta sobrevivir, el que no tiene escrúpulos. Todos somos así. El miedo nos pone en nuestro sitio. En una situación de angustia pisaríamos a quien fuera para salir corriendo.

¿Pero eso es la naturaleza humana... o la del español?

En mi cine hablo de lo que me rodea. No hay una intención directa de elaborar un discurso sobre la idea que tengo de España, o de lo español, pero como vivo aquí y soy de aquí... eso se nota. Hablo de cómo veo a la gente. Vivimos en una situación de encierro. Yo, mis amigos, mi familia, los españoles y los europeos. Vivimos con una serie de problemas que nos angustian y, para sobrevivir, tenemos que poner en la picota a los demás. ¡Vamos a elegir quién va a morir para que los demás podamos sobrevivir! Esa lucha intestina es lo que lleva a que, efectivamente, El bar se destruya.

¿Cómo vivió la campaña contra Fernando Trueba?

Adoro a Fernando, le conozco de toda la vida. Creo que ha sido una situación compleja que desde luego él no se merece.

¿No le parece que nadie entendió lo que quiso decir?

Él ha dicho lo que ha dicho y lo dice... de una manera muy clara y distinta. Él no se anda con tonterías y dice lo que piensa. Los demás también tienen derecho a opinar y a llegar a sus conclusiones. Pero yo creo que una cosa es Fernando y otra cosa son sus películas.

¿Vio los últimos Goya?

Sí, yendo y viniendo, porque estaba con la niña [su hija recién nacida]. Los vi en casa.

¿Ha cambiado su manera de ver los premios desde que fue presidente de la Academia de Cine?

Hombre, claro, porque yo hice dos galas... Lo recuerdo todo con angustia y sobre todo con mucha solidaridad. Mientras lo veo pienso si están ganando tiempo, que menos mal que la gente no recuerda siempre a su madre... ¡Las veo como realizador! Los guionistas me parecieron particularmente buenos. No tanto las intervenciones, me gustaría que la gente fuese un poco más humilde y tardase menos en recoger un premio. No pido que digan gracias y se vayan, que sería glorioso, pero que tengan pensado un agradecimiento... y fuera. Sería todo mucho más sano para todos.

¿Le han tirado los tejos las nuevas plataformas para dirigir televisión?

¡Yo estoy tirándoles los tejos a ellos! Sí que me gustaría hacer cosas, tengo un montón de ideas. Es algo que... digamos... pronosticamos que iba a ocurrir. Dijimos hace ya tiempo que Internet era el presente y el futuro de la producción y del cine español. Y en este momento lo estamos comprobando. Amigos, gracias por darme la razón. Lamentablemente no reaccionamos cuando deberíamos haber reaccionado y haber hecho las plataformas nosotros, no que vinieran ellos con sus plataformas. Eso lo intentamos, pero digamos que en ese momento estaba muy mal visto. Ahora todo el mundo habla bien de Internet porque, amigos míos, Internet es la que está produciendo.

¿Cómo ve la Academia? Quizá su salida se ha quedado pequeña en comparación con los últimos meses...

No sé, yo la veo bien. Soy de la Academia, sigo siendo un miembro activo y sigo queriendo a la gente que está en la Academia y que quiere hacer del cine español algo mejor. Me gustaría que todo fuera bien. Es un sitio muy complicado, hay muchas tensiones, muchas presiones... El conflicto en el fondo es bueno, quiere decir que estamos vivos, pero tenemos que aclararnos y, sobre todo, no quejarnos. Hay que dar una imagen de trabajo y de ganas.

“El bar”, el nuevo thriller coral de Álex de la Iglesia que protagonizan, entre otros, Blanca Suárez, Mario Casas, Carmen Machi y Jaime Ordóñez, se estrenará el próximo 20 de enero, informa hoy la distribuidora Sony Pictures Releasing España.

En la cinta participan también Secun de la Rosa, Joaquín Climent, Terele Pávez, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García.

La trama de “El bar” se desencadena cuando un grupo de personas “absolutamente heterogéneo” se encuentra desayunando en un café del centro de Madrid y uno de ellos recibe un disparo en la cabeza al salir del establecimiento.

El rodaje, que duró siete semanas hasta el pasado 23 de marzo, se desarrolló entre Valencia y la capital española y sus alrededores.

Pokeepsie Films y Nadie es perfecto, con la colaboración de Atresmedia Cine y la coproducción de Pampa Films, producen este filme que será el regreso de Álex de la Iglesia tras “Mi gran noche” (2015), en la que también participaban Blanca Suárez, Mario Casas Carmen Machi y Jaime Ordóñez.

El juego de las sillas que agita el organigrama de la Academia de Cine se ha cobrado hoy sus últimas víctimas. El presidente Antonio Resines y su mano derecha, Edmond Roch, han anunciado su renuncia inminente de los cargos por “serias discrepancias con la Junta Directiva”. Fuentes cercanas al organismo han desvelado que la elección del actor cántabro no fue bien acogida entre los académicos y que Resines tuvo varios desencuentros con el director general, Porfirio Enríquez.

Sin embargo, según cuentan desde la Academia, las tensiones terminaron de quebrarse en la anterior gala de los premios Goya. Antonio Resines había creado una empresa privada para sufragar los gastos de la ceremonia llamada Premios Goya 2016 AIE, en una iniciativa nunca antes vista en sus 30 años de historia. Según comprobaron en el diario Ctxt, al ser la Academia una asociación sin ánimo de lucro, esta no podría constituir una agrupación de interés económico. Varios académicos mostraron en junio su indignación al descubrir que se mantuvo oculta y exigieron la dimisión de Resines de inmediato. El actor, sin embargo, siempre sostuvo que esta sociedad mercantil era legal.

La otra gran polémica en la entrega de los cabezudos situó en el paredón al mencionado director general, Enríquez, después de discriminar en la alfombra roja a destacados profesionales, algunos de ellos guionistas nominados a los premios. La elección de este experto en fotografía cinematográfica también levantó ampollas entre ciertos académicos, que la tomaron como una estrategia de la Junta Directiva para garantizarse el control de la institución. Este órgano representa todas las especialidades del mundo del cine -14 en total- y cuenta con dos vocales asignados a dedo por su gremio.

A diferencia de los cargos designados por la Junta, la presidencia y vicepresidencia de la Academia de Cine son electos y no reciben remuneración. Una formalidad que ayuda a que las dimisiones y salidas con portazo se sucedan con más frecuencia de la habitual. Eso ocurrió el mes pasado con Gracia Querejeta, cuya labor como cineasta prevaleció sobre la de vicepresidenta porque, además de no dar dinero, la Academia es un polvorín. “Estuve dándole vueltas y vi que era complicado compatibilizarlo en este momento con mi asistencia a las juntas y cosas de las que hay que ocuparse”, admitió.

La renuncia de la directora de 15 años y un día fue un remanso de paz en comparación con otros abandonos célebres que han alimentado titulares durante estos 30 años. Repasamos la constante polémica desde aquella cena de amigos que originó la primera asociación de trabajadores del séptimo arte.

Los Goya contra su propia Academia

La primera vez que se habló de la Academia de Cine fue durante una comida en un restaurante gallego en el corazón de Madrid. Era noviembre de 1985, y Luis García Berlanga, Carlos Saura y los actores José Sacristán y Charo López acudieron a aquel almuerzo en O'Pazo. En total, trece personalidades del cine fueron convocadas por el productor Alfredo Matas para debatir sobre los problemas que afectaban al sector.

Tres meses después, la Academia de Cine fue presentada ante la opinión pública en el Círculo de Bellas Artes, avalada por la firma de 87 profesionales. Su primer presidente, José María González Sinde, tomó posesión de su cargo en junio del 86. Tres décadas después, han pasado 14 personas diferentes por el sillón de dirección ubicado en la calle Zurbano de Madrid. La institución que se creó con el propósito de unir a todos los trabajadores del sector ha vivido tiempos convulsos, polémicas relacionadas con sus miembros y desavenencias entre los diferentes órganos de la Junta.

Todo empezó con José Sancho en 1998. En su discurso durante la gala de los Goya, aprovechó para romper una lanza a favor de su colega de profesión Pedro Almodóvar. “No entiendo por qué le tienen tanta manía. Espero que un año de estos por fin le premien”, dijo. Y no solo eso, también criticó el sistema de votación de la Academia, reclamando que se hiciera público el tanto por ciento de votos que recibía cada película.

La “racha” la continuó José Luis Garci un año después. Era enero de 1999 y también la víspera de entrega de los Premios Goya, cuando el director de El Abuelo anunciaba su baja de la Academia y su ausencia en la gala de entrega. En los meses previos fue acusado de comprar votos, aunque un informe de la propia Academia lo desmentiría más adelante. “No lo entiendo -llegó a declarar Garci en su día-, por no enturbiar la gala de los Goya se sacrifica a alguien que lleva trabajando 30 años con una trayectoria ejemplar”.

El toque de atención que realizó José Sancho sobre la Academia para que tuvieran en cuenta a Almodóvar no cayó en saco roto. En 2006, el actor ganaría un premio. Pero en su enésima candidatura en 2005, él y su hermano Agustín se dieron de baja de la Academia como protesta por lo que ellos consideraron un sistema de votación injusto. Ambos consideraron que la cinta La mala educación había sido maltratada, ya que ninguno de sus actores estuvo nominado a premio alguno. No era la primera vez que saltaban chispas entre Almodóvar y la Academia: en 1988 llegó a decir que los premios Goya que otorgaba la institución “no representaban al cine español”.

Las presidencias más polémicas

Cuatro años después del incidente Almodóvar, los Goya vivirían una de sus ediciones más polémicas por la suma de dos factores: el no a la guerra de Irak y las críticas contra el gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero.

Ángeles González-Sinde había sustituido en la presidencia de la Academia a Mercedes Sampietro en 2006, pero eso fue antes de convertirse en ministra de Cultura de Zapatero. Por el camino quedan las declaraciones de la exdirectora de la Academia, Ana Arrieta, en las que confesaba su desencuentro con Sinde, y el discurso de esta en los Goya, que fue más bien un alegato en contra de las descargas gratuitas de archivos en Internet.

La incompatibilidad para ejercer el cargo de ministra de Cultura y presidenta de la Academia de Cine hizo que en junio de 2009, Alex de la Iglesia se pusiera al frente de la institución. Sin embargo, dos años después dimitió el día después de la gala de los Goya de 2011. ¿Los motivos? PSOE, PP y CiU se pusieron de acuerdo para sacar adelante la popularmente conocida Ley Sinde, una ley que cercenaba los derechos de los internautas, permitía cerrar páginas webs que violasen los derechos de autor y penaba con cuantiosas multas las descargas de según qué contenidos. Ni que decir tiene que la ley había sido impulsada por su predecesora en el cargo, Ángeles González-Sinde, hija del primer presidente de la Academia.

Después llegaría Enrique González-Macho, que siempre fue una de las voces más mediáticas del cine en los últimos años. En la época de Ángeles González-Sinde como ministra de Cultura defendió su controvertida Ley homónima y con sus discursos, principalmente el que realizó en la gala de los Goya de 2012 como presidente, se ganó la animadversión de numerosos internautas. Curiosamente, González-Macho tenía un alegato opuesto al de su predecesor Álex de la Iglesia sobre el cine e Internet, aunque fuese uno de los fundadores de la plataforma Filmin.

El empresario y distribudor dimitió en febrero de 2015. En la carta que González Macho envió a los académicos comunicando su decisión, argumentaba que no podía compaginar su “actividad personal con la Presidencia de forma cuanto menos correcta”, y aseguraba que no existían otros motivos. Apenas unos meses después, la Fiscalía le acusó de inflar la taquilla y la recaudación de la película Rosa y Negro en uno de los mayores escándalos del sector conocido como “el taquillazo”.

En un balcón sobre la calle Alcazabilla de Málaga -qué escenario tan propicio para un entrevistado tan castizo-, Álex de la Iglesia reposa la presentación de su nueva película, El bar. Será otra comedia negra, claustrofóbica y coral... como Mi gran noche, 800 balas o La comunidad. En Kinótico aprovechamos la puesta de largo de la cinta [se presentaron sus primeros cinco minutos el pasado mes de abril, en el seno del Festival de Málaga] para charlar con, quizá, el director más cinéfilo del panorama nacional. Y tiene claro que el circuito festivalero, a veces, no sirve para los estrenos.

“Escribiendo disfruto mucho, y luego rodando”, confiesa el cineasta cuando se le pregunta por el proceso de hacer cine. “El momento del rodaje es el momento en el que te desapegas de la realidad. No estás en el mundo, estás habitando en tu cabeza. Eso es algo alucinante”. El bar es otra historia de espacio cerrado, en la que repite con muchos de sus actores fetiche, como Terele Pávez o Mario Casas. “Lo mismo que haces una película para mejorar la manera de contar una historia, que en el fondo es una historia única que tienes en la cabeza, manejas herramientas que ya conoces de antemano... te es más fácil llegar a donde quieres”.

Nos quedamos con el nombre de Casas. Hace dos años, cuando recogió el primer Feroz del actor, Álex de la Iglesia defendió su figura como la de un trabajador del cine. “Mario me recuerda al cine de los años 50, es como un actor de Hollywood. Quizá es de los pocos actores de Hollywood que tenemos en España, es un actor a la vieja usanza y hace películas de galán. De género, románticas. Es una especie de Tony Curtis, de Cary Grant, de Rock Hudson”, matiza el director, aunque añade que en la cinta que prepara hará un papel de cobarde. Como compañera de viaje en el guión, la actriz Blanca Suárez.

El reflejo político de España

La películas de Álex de la Iglesia, sin ser intencionadamente políticas, acaban mostrando siempre cómo va el país. ¿Cómo ve el cineasta vasco el circo electoral en el que estamos inmersos? “Hoy decía el New York Times que España es un circo, y es algo que ya habíamos comentado en alguna película... No tengo intención de hacer un reflejo de nada, pero no puedes evitar contar el mundo cercano y coloquial en el que estás. No puedes evitar jugar con material icónico. No es premeditado pero no me desagrada que ocurra”.

¿Y para cuándo prepara el estreno de El bar? “La podría estrenar en septiembre u octubre, pero el mercado está muy duro. No quiero volver a enfrentarme a Star Wars. El otoño está copado por grandes producciones y las películas no tienen un espacio mínimo. Pido una semana de atención hacia mi peli, la taquilla ahora es la jungla. Prefiero estrenar la segunda semana de enero. A mí me apetecería ir tranquilamente a taquilla sin pasar por ningún festival”, afirma De la Iglesia.

Al entrar en las oficinas de la productora de Álex De La Iglesia, Pokeepsie Films, parece como si estuvieses en una atracción de feria con miles de cachivaches a los que atender: pósteres de películas, muñecos coleccionables, el cineasta Zoe Berriatua trabajando en un rincón, pistolas de fogueo o cómics, muchos cómics, que te va descubriendo, a saltos, hiperactivo, el cineasta. Quedamos para hablar sobre Mi gran noche, una comedia coral, clásica, que estrena este viernes en cines. A pesar de llegar corriendo y sudadísimo, me noto contento. Creo que él lo está también.

¿Qué querías hacer en Mi gran noche?Mi gran noche

Hablar del sinsentido de la vida y de lo absurdo que es todo, ejemplificado en un programa de Nochevieja que a mí me resulta como un símbolo, un icono de este país. Es ese momento en el que hace 10 años todos coincidíamos, toda España se reunía para disfrutar un momento en el que todas nuestras cabezas estaban pensando en lo mismo: “¿Cuál iba a ser el próximo número de Martes y 13?”. Con esa excusa, divertirnos. En este momento, ahora más que nunca, deberíamos reírnos. No solo a nivel terapéutico sino como única salida, el único camino que nos podría llevar a una solución. La risa no solamente es eso que dicen las madres de “hay que pasárselo bien para luego ir a trabajar al día siguiente”. La risa es el arma, es el escudo que nos permite soportar el infierno que supone vivir todos los días.

Al ver Mi gran noche, me acordé mucho de Blake Edwards porque es una comedia contenida, coral, con canciones que arreglan cosas... Y de torpezas.Mi gran noche

Echo de menos ese tipo de cine. Estamos tan preocupados con lo que funciona o lo que no funciona, si va a ser bien recibido por el público, por la crítica, por los jóvenes, por las madres... Al final, uno se agota y piensa que lo mejor es seguir su instinto. ¿Y qué me pide ahora el cuerpo? Reírme como en los viejos tiempos, como cuando veía el sábado por la tarde una película y daban El mundo está loco, loco, loco o Aquellos locos en sus locos cacharros, ese tipo de comedia que no quiere contar nada más que su propia risa, la felicidad de estar hora y media divirtiéndote con unos personajes que están mucho peor que tú. Eso también es el cine: rodearse de situaciones y personajes que de alguna manera solucionan tu vida.

Pero para hacer comedia tienes que rodearte de actores cojonudos. ¿Interpretar comedia es más difícil que interpretar drama u otros géneros?

Hacer e interpretar comedia es muchísimo más difícil. El drama o la película seria es una cosa en la que tú te sientas y dices “qué importante es todo lo que me están contando”. Y, si te estás coñeando un poco, piensas “esto es importante, el que tiene un problema soy yo”. Y participas en ella buscando relaciones o detalles que mejoran la calidad de la película. La comedia, no. Es “me río o no me río”. Se acabó la reflexión. A mí eso me parece infinitamente más complicado. Meterte en la cabeza de alguien para que se ría es una cosa compleja que requiere incluso más reflexión que un drama, en el que tienes más tiempo.

¿Cómo haces que tus actores entiendan esto? Porque tú escribes, piensas, pero luego tienes que explicárselo...

Antes me pegaba unas parrafadas brutales... cuando eres joven estás muy preocupado con el tema del ensayo, haciéndoles entender cada cosa. Llevas escribiendo el guión dos o tres años y tienes en la cabeza exactamente el tono de cada puta frase y te desesperas porque no lo dicen cómo tú quieres. Con el tiempo, descubres que es importante que las cosas no sean así, que es mucho mejor que las cosas estén hechas por un grupo de peña que interpreta o que traduce a su propia cabeza la historia que estás contando. ¿Cómo conseguir que la gente haga lo que tú quieres? Primero, no pedírselo nunca. Porque si se lo pides, ya están forzados. Te ahorras tiempo, porque esa es la cuestión. ¿Cómo llegar a lo que yo quiero antes? Entonces preguntas, “¿cómo lo ves tú?” y el actor desarrolla su idea y le dices “es magnífico, vamos por aquí”. Y se sienten seguros y que controlan el personaje.

Es cierto: tú les dejas el personaje a ellos. Hay un momento en el que el actor, el técnico, el director de foto... Empieza a sentir cierta inseguridad. “¿Qué pasa que este tío no me dice nada?”. Entonces, dices “quizá, si aquí hacemos más hincapié en el inicio de la frase...”, entonces lo hacen, y ahí te vuelves a dar cuenta de que tu idea inicial no funcionaba, que la buena era la suya, y montas la primera toma donde no les habías dado instrucciones.

Es un juego y una estrategia de engañar: en un rodaje, el que más actúa es el director. Y es un juego en contra del tiempo... Si en una película de siete semanas quieres rodar Víctor o Victoria, tienes un problema. No hay posibilidad de equivocarse: entonces la dirección de actores se complica mucho más. Más que dirección de actores, es de soldados...

Aunque hay actores que se escapan, que casi te construyen el personaje, como Mario Casas.

Mario es increíble. Vas con el pelotón y les dices “allí está la colina” y “allí están los nazis”. “Vamos a por ellos”. De pronto, uno de ellos ya ha salido corriendo al ataque... Entonces, le dejas hacer y te centras en los que te preguntan. Hay que tener cuidado porque a la colina tenemos que llegar todos juntos, a Mario solo hay que pararle para centrarnos. Debes conseguir todo eso sin perder comunicación entre unos y otros y, sobre todo, sin que se enteren unos y otros de que estás utilizando diferentes técnicas de dirección. A unos quizás los tratas con más dureza, con otros practicas la ignorancia... Es un arma que busca conseguir un todo unitario.

Y en el pelotón está Raphael. ¿Cómo trabajas con alguien que lleva 30 años sin actuar? Suponiendo, claro, que no actúe cuando está en escena...

Empezaría por ahí. Este señor actúa todos los días. Si vais a un concierto de Raphael, es un tipo que está haciéndose su propia película. Esa canción increíble No me mires así con el espejo, es una actuación maravillosa de un hombre que se ve en el espejo y rechaza a su imagen porque ya no representa lo que él es realmente. Es un poco su historia: un hombre de 25 años de edad que está en un cuerpo de un señor que tiene unos 70. ¿Cómo dirigirle? Con mucho cuidado, con mucha paciencia y que él me tenga también mucha paciencia. ¿Cómo es posible que Raphael haya permitido que hagamos esto con él? Es un tipo que cuando ve algo que le sorprende, se lanza.

La película se estructura en tres capas. Una que está fuera, que es una protesta, una España en huelga; la de dentro, que está todavía más loca, con los productores, cantantes, técnicos... y luego la ficción del programa y que parece que tiene un cierto orden, pero que es justamente lo único que ven los de fuera, los de la primera capa.

Me parece muy interesante lo que dices. Nunca va a haber una comunicación entre el caos exterior que se queja y el verdadero funcionamiento de las cosas. Siempre va a haber un espejo, un mundo ficticio, que es el que nos cabrea. Si nosotros supiésemos cómo funcionan las cosas, quizá las entenderíamos mejor y ayudaríamos a que todo siguiera para adelante.

Hay una necesidad enferma por fingir una cosa que no somos. Todos queremos ser guays: hacer los deberes, quedar bien... Deberíamos reconocer que no somos ese tipo que se ríe desde la distancia de Sancho Panza y del Quijote, sino que somos Sancho Panza y El Quijote. Solo tenemos dos alternativas: yo veo molinos absurdos donde no los hay o, peor, soy el colega que ve que no hay molino y sigo al del molino. Esas son nuestras opciones.

¿Por qué crees que en la España de la crisis no ha ocurrido lo que ocurre en el exterior del plató, con esa huelga violenta? Es decir, una revolución...

Creo que, primero, es gracias a Internet. Tenemos que hacer un montón de cosas en Facebook y Twitter y no hay tiempo de revoluciones. Segundo, el hecho de vivir en un Estado hipotético del bienestar que, aunque no sea cierto, nos da mucho miedo perderlo. Quizá habría que llegar a ese nivel de desesperación brutal para que se diera una revolución. Y, por último, está esa conciencia latente de que nos merecemos lo que nos pasa.

Muy católica, por otra parte.

Todos, no solo los que son católicos, los que luchamos contra una visión cristiana de la vida, los que intentamos proponer otro planteamiento vital, estamos totalmente condicionados por él. El primer tipo que cree en Dios y el demonio es Buñuel, “ateo, gracias a Dios”, lo mismo que Unamuno. Somos deudores de un pensamiento que nos condiciona. En Mi gran noche hay una sensación, como en El ángel exterminador, de que si seguimos la canción igual encontramos un hueco entre los dientes de la rueda del mecanismo.

En tu película, no revelo nada, al final un recurso de ficción, una canción, coloca a nivel moral a los personajes donde se merecen.

Por ejemplo, en Milagro en Milán, al final, los pobres se van volando. ¿Se ha solucionado el problema de la pobreza? No. Pero ha habido un momento que existe la ilusión de que sí. ¿Qué prefieres el final de Ladrón de bicicletas o de Milagro en Milán? Yo, el de Milagro de Milán. Quizá en la constatación del absurdo y en la lucha con el absurdo por convertirlo en una melodía inversa podríamos encontrar una solución. Igual el problema es intentar que todo se arregle. A veces, esto es así, y punto. Por ejemplo, decimos “todos los días llueve” y hay que buscarle una solución. No. Lo que tienes que dar es gracias a Dios porque llueve porque los días de sol tienen más fuerza. Asumir el caos y que forme parte de nuestro vestido.

Han pasado 22 años de Acción mutante, aparte de tu oficio, ¿qué ha sido el cine para ti?Acción mutante

Una caída libre. Me siento como el Coyote cuando cae por los barrancos, que lleva tanto tiempo cayendo que hasta se siente cómodo, llega un sofá y se tumba, hasta que llega la superhostia. Pero, de momento, no me la he dado. De momento, seguimos cayendo. Eso sí, entre Acción mutante y esta no creo que haya una madurez, solo que ruedo mejor. Y luego, se aprende a esquivar: puedo presumir de perro apaleado, es decir, me van a dar pero por lo menos esquivo alguna. Es a lo máximo que podemos aspirar: creo que todo lo que hemos pensado y reflexionado lo hicimos de los 18 a los 25. Lo que más defiendo de mi cine es la técnica, mi trabajo como realizador, el “joder, esta peli la he hecho en siete semanas y los resultados han sido buenos”.

Hablemos de tu coguionista en la mayor parte de tus películas, Jorge Guerricaecheverría.

No hubiera pasado de la segunda película sin Jorge. Mis pelis se habrían visto abocadas a la incomprensión total o a la ininteligibilidad. El peso de la esquizofrenia lo llevo yo y Jorge es quien racionaliza un discurso imposible. Hay películas que llevan más el peso de Jorge, como por ejemplo, La comunidad. La idea inicial era un edificio en el que hay que asesinar a los inquilinos porque todos tienen rentas bajas y, al final, acabamos en un ancianito que tenía el dinero de todos. ¡Jorge y yo formamos un organismo vivo! [nos reímos].

¿Echas de menos la Academia?

Sí. Era muy divertido.

¿Divertido? Es justo la última palabra que aplicaría a semejante marrón.

Hacer una película también es un marrón. Es enfrentarse a una situación imposible. Por las películas, debatir y dialogar se me da muy bien. Pero tenemos que tener claro que el acuerdo final ni va a ser la comedia que quieres tú, ni la película desenfrenada que quiero yo. Va a ser un punto en común que nos interese a todos y no nos guste a ninguno. La parte del debate que la gente rechaza es el “hola, cedo”. Muy poca gente cree que está equivocada.

Tu último marrón: Pokeepsie Films, donde acabas de producir Musarañas, de Juanfer Andrés y Esteban Roel, y Los héroes del mal, de Zoe Berriatua.MusarañasLos héroes del mal

Soy un niño hiperactivo que no lo ha superado y no me basta con mis pelis. Al hacer pelis siempre hay un impás inevitable en el que yo pienso: “¿Y si hacemos otra cosa?”. Pues vamos a producir películas. Y gracias a Carolina Bang, a mi socio Kiko y a la gente que estamos metidos aquí, hemos sacado adelante Musarañas y Los héroes del mal, de las que estoy jodidamente orgulloso.

Te lo estás pasando de puta madre.

Me lo estoy pasando mejor que nunca. ¿Qué ocurre cuando, de pronto, los problemas se convierten en algo apasionante? “Como esto no funcione, morimos este mes”. Qué guay. La única manera de mantener la cabeza viva es si la tienes llena de problemas. Cuando tengas un problema, búscate otro peor y entonces el anterior será pequeño y portátil.

Preguntarse por la existencia, por lo que somos, de dónde venimos o hacia dónde vamos es uno de los temas más recurrentes en cualquier actividad humana, en el arte o en la ciencia. Las respuestas son complicadas. Koreeda opta por la sencillez en sus planteamientos, por la naturalidad a la hora de encajar golpes. Álex de la Iglesia siempre ha tirado por el esperpento y luego está Charlie Kaufman, que prefiere golpearnos con una (otra) realidad en la que unas marionetas intoxicadas por eso de estar vivas. Un poco como nosotros. Los últimos trabajos de estos tres directores se han proyectado en San Sebastián.

¿Dónde están nuestros hilos?

En Tiempos Modernos Charlie Chaplin nos comparaba con ovejas, en la canción de The Beatles Piggies, George Harrison nos llamaba cerditos: “Everywhere there’s losts of piggies, living piggy lives…” y ahora Charlie Kafuman nos ha convertido en marionetas. Su último trabajo, codirigido con Duke Johnson, se titula Anomalisa, y en él reflexiona sobre la identidad, sobre el marrón que significa simplemente vivir, sobre el amor, lo único que no salva (o no) y también deja sitio para las máscaras, la teatralidad de todo lo que nos rodea y la importancia de la representación.

La historia de Kaufman y Johnson empieza con un congresista, que llega a un hotel muy corriente, en una ciudad muy normal y se hospeda en una habitación completamente anodina. Pero hay algo que no funciona en este desesperanzador universo. Al protagonista le cuesta horrores empatizar con la gente y con una intencionada mala leche por parte de los creadores, resulta que su oficio es ser un experto, (casi gurú) de la atención al cliente.  

La película transcurre tranquila pero el que hay detrás es Kafuman. Esta Anomalisa no tarda en hacer honor a su título y todo se vuelve grotesco, enfermizo y lo más terrible es que todo nos suena de algo.¿Cómo escapar de los demás? ¿Y de nosotros mismos? ¿Para qué diablos estamos aquí? Pero no hace falta agobiarse la comedia negra no deja de ser comedia. Además, en esta película rodada en stop motion con marionetas está la escena de sexo más íntima jamás rodada, al menos con muñecos. Y en fin, alabado sea los que invirtieron en el crowfunding que hizo real esta anómala y genial película.  

La poesía de lo cotidiano, por Koreeda

Una de las sensaciones más gratificantes en el arte cinematográfico es comprobar que los genios no desaparecen cuando mueren. Yasujiro Ozu era uno de esos directores de sabiduría infinita, tenía un talento desmesurado para contar la vida de forma pausada, sin la necesidad de utilizar muchos diálogos. El director japonés mezclaba con maestría todo tipo de emociones. Sus películas siempre viraban hacia el drama, a veces hacia la tragedia, pero siempre había trozos de vida alegres en sus íntimas historias de familia. No es fácil ese equilibrio. Como tampoco lo es describir con tanta pureza y con tanta sencillez la sociedad japonesa. Pues bien, Koreeda ha heredado algunos de estos talentos y cada película que hace es una demostración más de que estamos ante uno de los directores asiáticos más inspirados de la actualidad.

En la sección de Perlas del Festival de San Sebastián se ha proyectado su último trabajo, Nuestra pequeña hermana. Con un argumento muy sencillo Koreeda construye una película preciosa: Tres hermanas conocen a su a su hermanastra adolescente cuando van al entierro de su padre, al que no han visto en 15 años. El director ofrece una dosis de felicidad y entusiasmo por vivir que el espectador absorbe irremediablemente. Lo consigue con cuatro actrices que están maravillosas, que en los momentos dramáticos callan para que el espectador se sumerja en su mirada (y en sus pensamientos) sin necesidad de aclarar nada con diálogos. Pero no solo callan, los personajes también hablan en esta película que contempla la comedia desde un punto de vista inteligente y realista.

Al contrario que en De tal padre, tal hijo (Premio del Jurado en Cannes) Nuestra pequeña hermana acumula algunos convencionalismos. Pero al final da un poco igual, sobre todo cuando el director convierte lo cotidiano en poesía. Cuando consigue hacerte reír y tocarte el corazón. ¿Demasiado sentimentalismo? Eso dependerá de cada uno.

El día que Raphael pasó a ser Darth Vader

Está muy claro después de Balada triste de trompeta que Álex de la Iglesia se quedó con ganas de rodar algo más con Raphael. Mi gran noche es el esperpéntico homenaje al cantante, un delirio que cuando es gracioso hace mucha gracia, pero que la mayoría de las veces es una gran tontería. El primer problema que se encuentra la película es el de seguir el ritmo a esa jauría de personajes (todos absolutamente mezquinos y despreciables) cuyos conflictos se acumulan en la grabación de una gala especial de Nochevieja (en pleno agosto) donde todo se descontrola después de semana y media encerrados día y noche.  

Un pobre diablo enviado por una ETT como figurante que se enamora de una chica muy guapa y también muy gafe. Dos presentadores que se odian y que se despellejan para poder ganarse la confianza de la cadena. Una joven estrella, Adanne que le está quitando protagonismo al gran Alphonso (Raphael) que es una especie de Darth Vader tragicómico cuyo hijo quiere matarle.

El segundo problema es acertar con todos los chistes que se van agolpando en el guión, algunos son muy graciosos pero la mayoría se caen sin remedio. Si tiene algo bueno esta película es la ridiculización del cantante latino que hace Mario Casas, que es espléndida. 

Sundance, Berlín, Toronto y Cannes. Septiembre es el mes festivalero por excelencia del panorama cinematográfico, una maratón que comienza con Venecia y continúa con Telluride, Toronto y por fin, San Sebastián. El festival español se nutre de una interesante mezcla de títulos que llegan desde todos los rincones del mundo. Los programadores juguetean con todos los géneros posibles para ofrecer al público una variedad de películas que van desde taquillazos asegurados, futuras galardonadas de la temporada de premios, irremediables obras de culto, el mejor cine independiente y también, claro, alguna que otra propuesta aburridísima y fuera de lugar.

Lo mejor de Zinemaldia es que al ser uno de los últimos festivales del año puede reunir en la sección de Perlas las películas más importantes del resto de festivales. Lo peor es que su fatigosa responsabilidad como ventana europea para el cine latino le ha impedido en numerosas ocasiones premiar verdaderas (y a veces desconocidas) joyas cinematográficas. Esta 63 edición del Festival de San Sebastián pinta demasiado bien como para cometer injusticias de este tipo. Por ejemplo.

La sensibilidad de Terence Davies y la mala baba de Ben Wheatley

En 2011 el realizador británico compitió con The Deep Blue Sea y, aunque no ganó, todos recuerdan el papelón de Rachel Weisz. Ahora regresa con una tragedia de tintes épicos, un drama romántico ambientado a comienzos de la Gran Guerra. Sunset Song se basa en la importante novela escocesa de Lewis Grassic, y presenta la durísima vida de una joven agricultora del noreste de Escocia a principios del siglo XX. Los protagonistas son la modelo Agyness Deyn y ese actor salvaje y con olor a pinta de cerveza llamado Peter Mullan.

También en sección oficial se presenta High-Rise de Ben Wheatley, un provocador que agitó a la crítica con su película de culto Down Terrace, una magnífica comedia negra donde brillaba el thriller y donde también había hueco para el cine social. High Rise, protagonizada por Tom Hiddleston, retrata la vida de un edificio donde parece existir la sociedad ideal. Si esta película es la mitad de negra que su anterior cinta, Turistas, podría hacer que La semilla del diablo parezca Sonrisas y Lágrimas 2.

El próximo cine americano

En Zinemaldia se podrá ver Freeheld, de Peter Sollett, un esperado drama sobre la homosexualidad basado en hechos reales que protagonizan Julianne Moore y Ellen Page. Es un plato fuerte, y no solo del festival, sino también de la temporada de premios. ¿Julian Moore interpretando a una mujer homosexual con cáncer que lucha para que le permitan dejar su pensión a su pareja de hecho? Huele a una de las interpretaciones del año. Huele a Oscar.

En Perlas está Anomalisa, rodada en stop motion por Charlie Kaufman, que es uno de los guionistas vivos más originales, y Duke Johnson. Viene de ganar el Gran Premio del Jurado en Venencia y en ella se retratan los temas candentes del cine de Kaufman, una comedia deprimente en la que un motivador personal lucha contra su incapacidad de conectar con otras personas. También se podrá ver la esperadísima interpretación de Johnny Depp como Jimmy Bulguer en Black Mas y Sicario de Denis Villeneuve, el hombre detrás de la magnífica Incendies y actual responsable de la secuela de Blade Runner.

La vida de estos chicos

Esta edición de Zinemaldía llega repleta de historias de iniciación. La de Reinaldo, una cinta de Agustí Villaronga que va de cine social, ternura y mucho (mucho) sexo y se titula El Rey de la Habana. La de Ari, un chaval de 16 años que tendrá que lidiar con la difícil relación con su padre y unos cambiados amigos de la infancia en Sparrows. Y la de Félix en The Demons, un chico de diez años que le tiene miedo a todo, al divorcio de sus padres, a los maniacos, a los vecinos, al SIDA. Tres propuestas muy atractivas que competirán por la Concha de Oro.

La animación se abre paso (todavía más)

Esta será la primera edición del festival que recoge en su sección oficial una película de animación japonesa. Es el caso de The boy and the beast, un filme de aventuras donde un niño cruza al mundo imaginario y se hace amigo de una especie de criatura que se convierte en su guía espiritual, es bastante probable que el nombre de Hayao Miyazaki esté muy presente durante la proyección. En Perlas, el festival ha recogido The Assassin, presentada a los Oscar por Taiwan y ganadora del premio al Mejor Director en Cannes, Mountains may depart, la última película de Jia Zhang-Ke, el director de Un toque de violencia y el siempre imprescindible Hirokazu Koreeda que presenta el drama familiar Our Little Sister.

Cine en español

Si el año pasado fue el de Magical Girl y Loreak encandilaron a todos los asistentes del festival y hoy pujan para representar a España en los Oscar. Este año la presencia del cine español y latino vuelve a ser abrumadora. Destaca el regreso de Alejandro Amenábar con Regression, seleccionada como película de inauguración fuera de concurso. El director ha vuelto al thriller de misterio, lo que mejor se le da. Un extraño caso, un detective perseverante, satanismo… Amenabar declara que se ha basado en el cine de los 70 para encontrar el tono de su película. ¿Quizá le empieza a seducir la serie B?

También estrena Cesc Gay una película donde el cáncer obliga a dos amigos a despedirse para siempre, Ricardo Darín y Javier Cámara. Si Gay sigue en su línea, predecimos una película repleta de diálogos inteligentes, realistas y, sobre todo, muy negros. Por otro lado veremos lo último de Alex de la Iglesia, que no se quedó contento con su pequeño homenaje a Raphael en Balada Triste de Trompeta y por eso le ha convertido en un auténtico tirano en su última película, Mi gran noche.

Es difícil saber qué esperar del director vasco pero sin duda merece la pena averiguarlo. La novia, que está basada en Las bodas de sangre y dirigida por Pilar Ortiz, se presenta en la sección de Zabaltegi. El tráiler muestra un lirismo abrumador, probablemente sea una de las sorpresas del Festival.

De Sundance, Berlín y Cannes

De Sundance podremos ver su ganadora (mejor película y premio del público) Yo, él y Raquel. De Berlín nos llega Taxi Teheran del interesante director Jafar Panahi, otro lienzo sobre la sociedad iraní cuya distribución no ha sido autorizada por El Ministerio de Orientación Islámica de su país. La película de Panahi ganó el Oso de oro y el de plata se lo llevó El club, lo último de Pablo Larraín, que también se podrá ver en San Sebastián.

Y de Cannes nos llega Son of Saul, la película que ya han catalogado como la más veraz y honesta jamás realizada sobre el holocausto, según el crítico Luis Martínez estaríamos ante “una obra maestra incuestionable que duele, arrasa y abre los ojos”. El hype está por las nubes. Veremos si sobrevive a San Sebastián.

The Order: 1886, el prometedor shooter en tercera persona de Ready at Dawn, está a la vuelta de la esquina, y ayer sus responsables organizaron un gran acto en Madrid para presentarlo a la prensa. El evento, que se celebró en el Teatro Off de La Latina, nos permitió sumergirnos en la época del juego gracias a su cuidada decoración. Porque no estuvimos “realmente” en el teatro, sino en la concurrida taberna victoriana 'The Galahad'.

A la presentación acudieron invitados de auténtico lujo, como el director técnico del juego, Andrea Pessino, co-fundador de Ready at Dawn, el reconocido director y guionista ganador de cinco Goyas Álex de la Iglesia, y el periodista y escritor Santiago Camacho, experto en órdenes secretas.

Durante la celebración, en la que pudimos probar una pequeña demo del juego, Pessino nos dio algunos detalles de la trama de The Order: 1186. El título, ambientado en el Londres victoriano de un mundo alternativo, nos presenta a la Orden, una organización secreta que se remonta a los tiempos del Rey Arturo y ha jurado proteger a la humanidad de los licanos, unos seres sobrenaturales que surgieron hace cientos de años de forma misteriosa. Los caballeros de la Orden se diferencian de los humanos normales gracias al Grial, una extraña sustancia que les permite curarse más rápidamente. Sin embargo, su número es reducido, debido a que para unirse a la Orden antes tiene que morir uno de sus miembros. Tras siglos de dedicación y lealtad a la Orden, algunos de sus miembros comenzarán a cuestionarla cuando les obligan a matar seres humanos, rebeldes cansados del poder ilimitado de las clases gobernantes.

Ambientado en plena Revolución Industrial, el juego introducirá personajes históricos reales, como el inventor Nikola Tesla o el Marqués de Lafayette. Pessino explicó que el objetivo del equipo al desarrollar este juego fue unir fantasía y realidad hasta que la línea que las dividía fuera casi invisible, haciendo que los jugadores se pregunten dónde acaba lo real y dónde empieza la ficción.

“Es difícil de creer que el juego esté terminado y listo para distribución” comentó Pessino. “Desde nuestro inicio del proyecto en 2010, en estos cuatro años de duro trabajo y crecimiento como equipo, hemos volcado toda nuestra energía y pasión en este juego y esperamos que los jugadores disfruten jugándolo tanto como nosotros lo hemos hecho durante el desarrollo”.

Por su parte, De la Iglesia, que se ha encargado de dirigir el doblaje del juego al castellano y ha dado su voz a algunos personajes secundarios, aseguró estar maravillado con la trama de The Order: 1886, y expresó su deseo de participar en las posibles futuras entregas. “Estoy muy agradecido de haber tenido la oportunidad de dirigir el doblaje de un videojuego con esta factura, cuya calidad visual y aspecto cinematográfico son absolutamente impresionantes” comentó.

El evento terminó con una presentación de Santiago Camacho, que utilizó sus conocimientos sobre órdenes secretas para explicar a los asistentes que, aunque la trama de The Order: 1886 es claramente ficticia, podría sustentarse en una base real, ya que el Londres victoriano era especialmente dado a creer en el esoterismo y los criptogrupos.

The Order: 1886, que saldrá a la venta el próximo 20 de febrero, se ha convertido en uno de los títulos más esperados por los jugadores de PlayStation 4, llegando a ser calificado por sus creadores como “el primer gran juego de la nueva generación de consolas”. ¿Quieres conocer más detalles de su jugabilidad y su apartado técnico? No te pierdas nuestro avance.

En España el thriller psicológico se hace con abundancia y se hace bien. Mientras duermes consiguió que no nos fiáramos del portero de nuestro edificio con un ejercicio de suspense excepcional por parte de Jaume Balagueró y Los Otros se convirtió en un mito del cine de terror que además ha envejecido mejor que El Sexto Sentido, su película hermana. Y ahora Musarañas entra en la lista de las mejores cintas de género a pesar de sus humildes aspiraciones, o precisamente, gracias a ellas.

La película dirigida por Juanfer Andrés y Esteban Roel es angustiosa, terrorífica y sangrienta, pero sobre todo es costumbrista. Su sentido del humor se entiende en el mundo entero, pero hace más gracia si has nacido aquí. Su casquería es gratuita y excesiva pero arranca aplausos como ningún otro título de la Serie B castiza lo ha conseguido antes. Macarena Gómez se convierte en una diosa o todo lo contrario, la amas y la temes, te divierte y te horroriza. Andrés y Roel hacen un ejercicio de suspense psicológico durante la primera parte de la película para explotar con un violento clímax (de media hora) al final.

España, corren los años 50. Montse (Macarena Gómez) ha dedicado su vida a cuidar de su hermana pequeña tras la muerte de su madre y el abandono de su padre. Montse, además, está totalmente desequilibrada, tiene brotes violentos y sufre de agorafobia. Cuando un joven vecino con el atractivo rostro de Hugo Silva llama a su puerta comienza la pesadilla. Si Stephen King hubiera nacido y vivido en la posguerra española en una ciudad como Madrid o Barcelona, esta historia podría estar firmada por él y perfectamente podría titularse Misery.

El rey de la casquería

Los puntos en común entre la obra del escritor estadounidense y ésta producción de Alex de la Iglesia son la excusa para que Juanfer Andrés y Esteban Roel moldeen su thriller psicológico hasta convertirlo en una fiesta de casquería, sangre y horror. Un espectáculo cuyo final hubiera sido desastroso si el director de El día de la Bestia hubiera estado detrás de la cámara. El filme comienza como un capítulo de Amor en tiempos revueltos pero a medida que avanza su argumento se retuerce y la relación entre las dos hermanas protagonistas se tiñe de oscuridad. Hay algo que no funciona bien en esa casa, pero los secretos se mantienen fuera del alcance del espectador.

Stephen King jugaba de la misma manera con los tiempos en Misery, empleando en sus páginas un ritmo pausado que Rob Reiner trasladó a las escenas de la película homónima que dirigió, una obra que quizá supere al propio libro. Kathy Bates tarda en desquiciarse y Macarena Gómez se expone bastante antes, sin embargo a diferencia del personaje de Macarena el de Bates entra en una imperdonable e injustificable vorágine de violencia psíquica y física que en Musarañas tiene cierta disculpa, dependiendo, claro, de la capacidad que tenga el espectador de comprender el trauma.

Andrés y Roel elevan su obra por encima de lo que habrían conseguido adaptando a Stephen King. Esta película bebe de toda esa violencia enfermiza con la que Jess Franco compuso cada una de sus películas. Sin el coqueteo por la pornografía, ni la estética cómic o de cine fantástico, pero sí con ese sentido del humor surrealista y esos charcos de sangre desmedidos que provocan que Musarañas sea una rara avis dentro del género comercial español. Y en esa sangre no solo se ve el reflejo de Franco o del escritor de It, también aparece otro genio, uno llamado Fernando Fernán Gómez.

Revisando ‘El extraño viaje’

La cinta de Fernando Fernán Gómez fue un absoluto fracaso comercial en su época, El extraño viaje era demasiado moderna para gustar al público. Sin embargo, este thriller rural es una de las películas más importantes que se han hecho en nuestro país. A través de los retraídos personajes de Paquita y Venancio, interpretados magistralmente por Rafaela Aparicio y Jess Franco, se narra los crímenes llevados a cabo por un músico de Madrid (Carlos Larrañaga). El señorito de la capital mantiene una relación con Ignacia, una dominante mujer de un pueblo de provincias (Tota Alba). Una relación que se mueve entre el travestismo, el fetichismo y el sado.

Estas prácticas sexuales fueron una provocación para un régimen que evidentemente no estaba preparado. Sin embargo, no hay nada procaz en ellas y sí algo oscuro en ese costumbrismo disimulado por un maravilloso humor negro que convirtió la película de Fernán Gómez en una pieza de culto. De ese estilo para retratar a los personajes se nutre Musarañas una película que a pesar de todas sus (enormes) referencias no tiene grandes aspiraciones salvo divertir y si acaso descolocar al espectador. Que llegue más allá dependerá del grado de implicación del que mira. No se debe tener miedo a celebrar la sangre, el costumbrismo y a unos guionistas que son lectores fervientes de Stephen King.