La iniciativa 'Tipos Tabacalera', que desde este viernes se incorpora al programa anual del festival de diseño Tipos, servirá de punto de encuentro en Santander para dar a conocer el trabajo de los diseñadores gráficos de Cantabria.

Así lo han explicado, en rueda de prensa, la concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santander, Noemí Méndez, y los responsables del proyecto, Rafa San Emeterio y Celia Andrés.

'Tipos Tabacalera' tendrá carácter trimestral, como una cita periódica para la comunidad creativa, siendo la primera sesión este viernes, 10 de abril, de 19.00 a 21.00 horas, en el espacio municipal La Fábrica de Creación, situado en el centro cívico Tabacalera, con entrada libre hasta completar aforo.

Esta primera entrega contará con la participación de 'La Caja de Tipos', un estudio formado por María Sáez y Ander Sánchez, con base en Guriezo, que darán una charla de unos 45 minutos y, a continuación, los estudiantes Raquel Díaz y Javier San Miguel presentarán sus proyectos en intervenciones de 15 minutos cada una.

Y es que el programa dará visibilidad a profesionales que han sido reconocidos con el premio Tipos, galardón anual del festival que distingue proyectos en distintas categorías del diseño gráfico, además de dar espacio para que estudiantes y recién graduados puedan presentar sus porfolios y proyectos en un entorno profesional.

En este sentido, Rafa San Emeterio y Celia Andrés han asegurado que esta iniciativa alarga el certamen Tipos y lo acerca a nuevos públicos, y han elogiado la “savia nueva”, la cantera de diseñadores debutantes con los que cuenta Santander.

También han destacado que 'Tipos Tabacalera' es un proyecto abierto a todos los vecinos que busca, además, acercar el diseño gráfico a la ciudadanía.

El ciclo continuará el 28 de mayo con la participación de Isabel de la Sierra y el 24 de septiembre con Carlos Calahorra, manteniendo en cada sesión el formato de un profesional invitado y dos participantes emergentes.

'Tipos Tabacalera' no solo visibilizará el trabajo de diseñadores cántabros reconocidos, sino que abrirá oportunidades a estudiantes y jóvenes creadores para que puedan acceder a contextos profesionales que contribuyan a su desarrollo, ha apostillado la concejala. 

ChatGPT, Gemini, DeepSeek, Grok, CapCut... Las 25 primeras posiciones entre las principales páginas web con servicios de inteligencia artificial están copadas por Estados Unidos y China. Sin embargo, este año ha aparecido en el puesto número 11 una pequeña aldea, no gala sino malagueña, que resiste las dos superpotencias.

Es Freepik, una empresa radicada en la capital de la Costa del Sol que no solo ha logrado erigirse en una de las referencias europeas en el negocio de la IA. También es un caso de éxito internacional sobre cómo adaptarse a esta tecnología, ya que se fundó mucho antes de que comenzara la revolución. Durante una década, Freepik fue un banco de imágenes, una plataforma desde la que descargar fotografías e ilustraciones con licencia.

Era “un producto que buscaba solucionar un problema que tenía mucha gente”, pero que estaba “un poco fuera de ese ambiente de hiperambición” que rodea a las startups tecnológicas, reconoce Joaquín Cuenca, fundador y director ejecutivo de la empresa, en conversación con elDiario.es. Hasta que llegó la inteligencia artificial.

La generación de imágenes con IA era el tipo de tecnología que podía echar abajo todo su negocio. “Nos dimos cuenta de que lo que hacíamos ya no tenía mucho sentido si queríamos sobrevivir”, sigue Cuenca. Pero en vez de dejarse acastillarse contra las herramientas que pueden crear la imagen perfecta para cada proyecto, las abrazaron. Freepik llegó a acuerdos con ellas y se convirtió en una plataforma desde la que se puede acceder a los principales modelos generativos de imágenes.

Ahora es una especie de navaja suiza para creativos, creadores de contenido y empresas que necesiten recursos gráficos, con más de 20 herramientas de IA generativa que se suman al banco de imágenes. “Para nosotros la misión sigue siendo la misma, que es ayudar a la gente a que plasme lo que tiene en mente. Al principio podíamos hacerlo de una forma torpe con lo que teníamos, que eran dándoles recursos ya hechos para que los puedan usar. Ahora vamos mucho más allá. La IA nos permite responder de verdad a la necesidad exacta de cada persona y ayudarla a cristalizar sus ideas en algo concreto”, cuenta el responsable de Freepik.

Desde entonces el negocio de Freepik ha superado los 90 millones de euros de facturación. En poco más de dos años, el conjunto de herramientas de IA ha sobrepasado los beneficios que le sigue reportando el banco de imágenes construido desde 2012. Su web suma más de 100 millones de visitas al mes, está llegando al millón de suscriptores de pago, la plantilla se acerca ya a los 500 empleados y además de en Málaga, ha abierto una oficina en Silicon Valley.

La primera europea

Así, comenzando con un producto “poco sexy” y creciendo a partir de él, es como Freepik ha llegado a ser la undécima web de IA más usada del mundo. El ranking lo elabora el fondo Andreessen Horowitz, ha sido publicado esta semana e incluye, además de servicios nativos de IA como ChatGPT o DeepSeek, a empresas como la malagueña, que han reconducido su producto para que esta tecnología forme parte de su núcleo central.

En el ranking particular de empresas con negocios previos a la IA que han logrado reconvertirse, Freepik ocupa la tercera posición. Solo tiene por delante a Canva, un servicio para crear presentaciones o publicaciones para redes sociales; y Notion, una app de productividad que combina notas, documentos, bases de datos y gestión de proyectos en un solo espacio.

Pese a ser la primera empresa europea de esta tabla y que acumula 15 años de trayectoria, sigue siendo una gran desconocida para muchos, incluso en España. “Somos cuatro veces más grandes que Mistral, pero casi nadie habla de nosotros”, lamenta Cuenca, en referencia a la startup francesa que se ha convertido en el centro de todos los debates sobre soberanía tecnológica europea.

Su fundador explica que es una combinación de varios factores. Por un lado, recuerda que la empresa no lanza rondas de financiación. Un proceso que obliga a explotar las relaciones públicas para atraer a inversores y fondos de capital riesgo, y que es el origen de gran parte del humo que rodea al ecosistema startup. Su fundación como banco de imágenes y que “nunca hemos necesitado ese tipo de visibilidad para llegar a nuestros usuarios”, son otros de los motivos.

En 2020, el fondo sueco de capital riesgo EQT, especializado en invertir en empresas maduras para hacerlas crecer y luego revender, adquirió el 53% de Freepik, valorándola en 225 millones de euros. Sus fundadores mantienen la minoría y la gestión del día a día.

Con todo, Cuenca cree que hay una razón determinante para esa falta de visibilidad respecto a otras empresas de IA: “Sinceramente, creo que si hubiéramos estado en Madrid, siendo exactamente la misma empresa, nos conocería todo el mundo”. Pese a que Málaga se ha convertido en un polo tecnológico tanto español como europeo, cree que les ha alejado de los medios de comunicación de tirada nacional.

No obstante, también les ha permitido “un valioso espacio de tranquilidad” para trabajar en “lo que de verdad importa, que es la empresa en sí, sin tanta distracción”. Cuenca recalca además que la provincia cuenta con “mucho talento local” y que es un factor muy importante para retener tanto a estos trabajadores como a otros profesionales que podrían “tener más movilidad” pero prefieren quedarse en “la ciudad del paraíso”, como la denominó el poeta Vicente Aleixandre. “Es un pequeño imán”, coincide el CEO de Freepik.

En el centro del debate de los diseñadores

El negocio de Freepik la ha colocado justo en el centro de la conversación sobre el futuro de profesiones como la de los diseñadores, una de las que más están sufriendo el impacto de la IA. Plataformas como la suya, que combinan bibliotecas masivas de recursos gráficos con herramientas generativas, están automatizando buena parte de los flujos de trabajo. Según un informe sobre el futuro del empleo del World Economic Forum publicado en 2025, los diseñadores se encuentran entre los trabajos con la caída más rápida y con mayor destrucción neta de empleo en cifras absolutas para los próximos cinco años.

Otros análisis indican que hasta un 65% de las tareas que desempeñan los diseñadores tienen un riesgo alto de automatización. Cuenca no esquiva la pregunta, pero tampoco ofrece falsas certezas. “No lo minimizo”, admite. “Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla”.

Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla

Joaquín Cuenca — fundador y CEO de Freepik, sobre los diseñadores

Su argumento de fondo es histórico: todos los grandes cambios tecnológicos siguen el mismo patrón. Pone el ejemplo de su propio padre, contable en la era pre-ordenador, que pasaba horas sumando columnas de números y desarrollando trucos mentales para verificar que las cuentas cuadraban. Ese trabajo desapareció. Pero el coste cero de hacer multiplicaciones hizo posible los videojuegos en tres dimensiones, una industria entera con sus propios diseñadores y creativos que nadie podía imaginar cuando salió la calculadora.

El problema, continúa Cuenca, es precisamente ese: “Es muy fácil empatizar con el contable que ya no tiene trabajo de sumar. Es muy difícil ver que tal vez con esas herramientas se genere la industria del videojuego en el futuro”.

Desde su visión, la IA está a punto de crear una industria nueva. “Nuestra tesis es que con la evolución de la IA lo que se va a crear es una industria en torno a la creatividad. Imagínate que tú eres un creativo y quieres hacer una película. Hasta ahora, te habría sido casi imposible. Necesitabas convencer a mucha, mucha gente para hacer una película indie. Y una gran inversión, estamos hablando de unas decenas de miles de euros”, explica.

“La gente no podía tener como hobby hacer una película. No podía permitirse contar historias en ese medio. Pero ahora sí que lo va a poder hacer. Eso cambia completamente el panorama”, argumenta Cuenca. Lo compara con los libros: antes de la llegada de Internet, la autopublicación y difusión era extremadamente más complicada. Pero la apertura del mercado digital permitió que no hiciera falta ser escritor profesional ni tener un gran mercado para poder rentabilizar las obras.

Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente

Joaquín Cuenca

“Creemos que las películas se van a hacer como se hacen los libros. Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente”, asegura.

Hacía ahí es a donde se dirige el negocio de Freepik, que está desarrollando herramientas de generación de vídeo para hacer posibles proyectos como estos. La empresa que empezó poniendo fotografías e ilustraciones al alcance de cualquiera quiere ahora hacer lo mismo con las películas. Si la tesis de Cuenca se cumple, el siguiente creativo que ruede una película que valga la pena puede que no necesite ni productora ni presupuesto millonario. Solo una idea y las herramientas adecuadas. La aldea malagueña que este 2026 resiste ante las dos superpotencias de la IA aspira a que esas herramientas sean las suyas.

La nueva imagen del Ayuntamiento de Madrid no ha pasado desapercibida, por mucho que el Gobierno de José Luis Martínez-Almeida la haya anunciado por la puerta de atrás (sin acto oficial ni comunicación pública). Dos expertos creativos arremetían en declaraciones a este medio contra la falta de concurso, al indicar que “el Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle o que le diseñe un proyecto para un edificio”.

Pero cuestionaban también el propio diseño: “Es un contraste raro. El árbol está excesivamente sobresimplificado [elimina hasta sus frutos] y el oso, que parece hecho con prisas, demasiado poco”, opinaba Nico Ordozgoiti. “Es desequilibrado”, aportaba Fernando de Córdoba. Por ahí van la mayoría de tiros en redes sociales. O, directamente, por la guasa.

“Tengo sospechas de que lo del escudo no es un árbol”, desliza en Blue Sky el diseñador gráfico Mikel Navarro, en un clip donde descubre el verdadero uso de ese Madroño ultraestilizado.

Claro que hay otras interpretaciones: “A mí me parece que es uno de los toldos de la puerta del Sol...”, le responden. Unas alusiones a los caros toldos de la céntrica plaza que ha concentrado una buena cantidad de comentarios.

La modificación del arbolado ha deparado un buen número de chanzas debido al perfil arboricida que muchos madrileños achacan al alcalde, después de que en la capital se sucedieran diversas talas frente a la oposición vecinal. “El nuevo diseño del escudo [en realidad cambia el logo pero la enseña oficial se mantiene] se come medio madroño. En la próxima actualización no habrá árbol, de eso ya se encarga Almeida”, expresa un usuario en X.

Otras personas han elaborado su propia creación a partir de la que ha impulsado la Dirección de Comunicación del Consistorio. El oso se convierte en alguien que se dispone a talar con una sierra eléctrica el madroño, que muestra su caída solo con un leve desplazamiento de la recta que sirve de tronco y la curva que hace las veces de copa.

La pieza ha dado lugar incluso a readaptaciones de andar por casa, hechas también sin concurso. Un ejemplo es la siguiente, que recupera la idea de una copa no de árbol, sino repleta de cervecita. “Refleja los atributos de Madrid: el oso y la cañita en copa en una terracita de tardeo”, expresa su autor.

Madrid renueva su marca. El encendido de las luces de Navidad del pasado sábado, donde se congregaron más de 150.000 personas, sirvió de puesta largo del nuevo logo e identidad del Ayuntamiento. Un cambio en la imagen gráfica del Consistorio, no así del escudo oficial, que seguirá siendo el mismo. En la peana donde estaba el pulsador que dio brillo a las fiestas se pudieron diferenciar las dos enseñas, evidenciando el contraste. En el nuevo se observa un renovado concepto del emblema de la ciudad, ese que protagonizan el Oso y el Madroño.

Ambos elementos se reconfiguran siguiendo la “tendencia a la sobresimplificación”, como lo define Nico Ordozgoiti, director creativo y ejecutivo de la agencia Svalbard-21gramos. El caso del árbol es especialmente significativo, ya que su representación se reduce a dos líneas (una curva para la copa y otra recta para el tronco). Una merma que algunos usuarios no han dejado pasar en redes dada la fama arboricida del alcalde José Luis Martínez-Almeida. El oso, en cambio, mantiene un aspecto semejante al habitual. “Es un contraste raro. El árbol está excesivamente sobresimplificado y el oso, que parece hecho con prisas, demasiado poco”, opina Ordozgoiti.

“Ha costado cero euros y ha sido diseñado por la Dirección General de Comunicación”, ha remarcado el regidor este lunes en declaraciones a los medios de comunicación. Explica que esta nueva imagen complementará el renovado eslogan municipal: Madrid, donde se cruzan los caminos. Apostilla que la antigua identidad “se irá remplazando en distintos soportes a lo largo del tiempo” e insiste en aclarar que “no supone modificar el escudo y la bandera del Ayuntamiento de Madrid”.

Otra novedad es que las estrellas dejan de estar distribuidas por el marco del escudo y pasan a colocarse sobre él. Sustituyen así a los elementos ornamentales que aparecían bajo la corona. Fernando de Córdoba, consultor y estratega de marcas, explica en conversación con Somos Madrid por qué este aspecto no le convence: “El Partido Popular ha criticado que se eliminaran coronas de logotipos de la administración pública. Han querido evitarlo y el resultado es de pastiche con dos lenguajes de diseño. Por un lado el Oso y el Madroño, simplificados y más conceptuales. Por otro las estrellas y la corona, que mantienen un nivel de detalle sorprendente. Es desequilibrado”.

Ordozgoiti explica a este diario que este nuevo estilo más aséptico, visible también en el que el Ayuntamiento de Barcelona presentó el mes pasado, facilita su adapatación a muchos formatos, sobre todo a los de menor tamaño. “Eliminar detalles hace que funcionen mejor en Instagram”, apunta, aunque “lo que en un principio era una necesidad funcional se ha acabado convirtiendo en moda”. El resultado con estos logos “minimalistas” suele ser “correcto, no cantan mucho, pero se pierde riesgo o particularidad”.

El “coste cero” cabrea a profesionales del sector: “El Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle”

Preguntado acerca de la nueva identidad gráfica, Ordozgoiti cree que “no se puede valorar porque no existe como tal”. De hecho, cuestiona que el Gobierno de Almeida no haya convocado un concurso y el regidor reivindique el “coste cero” para las arcas públicas (fuentes municipales también presumen de que este aspecto “tiene bastante significado”): “Se habla de que los logos son muy caros, pero es que es un trabajo complejo de elaborar, en el cual lo que creas tiene que poder adaptarse a muchos casos y situaciones. Aquí no existe ese trabajo, ni un estudio sobre cómo se declinará el diseño. Es un apaño para ir tirando y ya. Pero las cosas no se hacen así, una ciudad merece más cariño y trabajo”.

En la misma línea se manifiesta Fernando de Córdoba: “Me cabrea un poco el argumento de que el ciudadano no ha pagado nada y se ha hecho internamente. Parece que el diseño gráfico es el único ámbito en el que es un punto a favor que algo no cueste nada. El Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle o que le diseñe un proyecto para un edificio. Sin embargo, esto no se valora al crear una imagen común. Los políticos lo ven como un adorno, en vez de como algo que nos representa a todos”.

El Ayuntamiento no buscaría alguien que le diseñe gratis un proyecto para un edificio. Sin embargo, esto no se valora al crear una imagen común. Los políticos lo ven como un adorno, en vez de como algo que nos representa a todos

Fernando de Córdoba — Consultor y estratega de marcas

En el caso de Barcelona, el proyecto fue diseñado por el estudio Principi, ganador de un concurso convocado por la Asociación de Diseño Gráfico y Comunicación Visual (ADG-FAD). El proceso de selección constaba de dos fases, según recoge el portal de la agencia de diseño Genieri. En la primera, los interesados presentaron un portafolio anónimo con un mínimo de cinco proyectos de identidad visual y comunicación gráfica, junto con una carta de motivación y un currículum. Un comité asesor seleccionó tres finalistas, quienes en la segunda fase desarrollaron una propuesta creativa. Cada uno recibió 3.250 euros (IVA excluido), mientras que Principi fue adjudicatario del encargo por 36.750 euros más IVA.

Una presentación errática mediante “política de hechos consumados”

La presentación de la identidad también sorprende. No se ha hecho en un acto propio dedicado a ello, ya que según fuentes municipales “no había mejor ocasión que el encendido”. Tampoco ha habido comunicación al respecto en redes sociales, pese a que en ellas ya lucen el nuevo estandarte como foto de perfil. Ni siquiera han publicado o remitido, por el momento, nota de prensa a unos medios que sí han empezado a hacerse eco de la novedad desde el pasado sábado. El nuevo logo, o al menos parte de él (Oso y Madroño), sí aparece en luminosas de entornos como la plaza de Callao, aunque la imagen se alterna con otras campañas que mantienen el diseño previo.

“Presentarlo así de repente, con política de hechos consumados y sin exposición ante los grupos políticos, también transmite la sensación de un trabajo memorable. Y a la vez inncesario, más allá de las ínfulas de algún político por dejar su huella”, traslada Fernando de Córdoba.

Almeida potencia la herencia chulapa de Carmena

“Se adapta a las exigencias de comunicación de estos días, respetando los elementos básicos del anterior. No se tocaba el logotipo desde hace 20 años”, ha recordado Almeida este lunes. Posteriormente, el Ejecutivo de Manuela Carmena ajustó aspectos de identidad corporativa municipal para fomentar su sencillez, aunque sin alterar el propio logo. De Córdona se pregunta “por qué no vale ese diseño de 2016, que sigue plenamente vigente y no presenta ningún problema que hiciera necesario cambios”. Sostiene que “el único problema era que lo hizo una administración de otro partido y hay que cambiarlo todo”.

La imagen sí acepta y resalta una herencia de la etapa de Carmena: la tipografía empleada para sobreimpresionar la palabra “Madrid”. La Gill Sans da paso a la Chulapa. De uso libre y gratuito, así como netamente madrileña, fue creada en 2019 y lanzada por el equipo de Gobierno liderado por la exalcaldesa.

Inspirada en la tipografía creada por el ceramista Alfredo Ruiz de Luna para el callejero histórico de Madrid, la diseñadora Silvia Fernández Palomar ideó como proyecto de estudiante la Ferpal Sans. Se utilizó en la cartelería de San Isidro 2018, junto a las ilustraciones de Mercedes Debellard. El éxito de la campaña provocó que el Gobierno de Carmena apostara por emplearla en acciones o en el programa de fiestas como San Isidro, antes de que pasara a inspirar la Chulapa. Esta se usó por primera vez en San Isidro 2019 y desde entonces ha cobrado un gran protagonismo en festejos o anuncios municipales.

Ordozgoiti valora positivamente este aspecto: “Lo de la Chulapa me parece bien, está inspirada en la señalética tipica de las calles de Madrid, es un aspecto propio de Madrid y está bien ejecutada. Cuando aparece un elemento de diseño tan apropiable, clásico por su herencia pero a la vez moderno porque es muy limpio, tiene sentido apostar por él”. De Córdona coincide: “Queda como un guiño bastante elegante y no es otro logo sin personalidad, como sí pasó con los últimos rediseños de la Junta de Andalucía o la Xunta de Galicia, que eliminaron tipografías muy vinculadas a la cultura y el territorio por otras genéricas”.

Este consultor aprovecha para expresar de nuevo sus dudas ante la normalización del azul como color identitario de la capital: “Viene de la época de Alberto Ruiz-Gallardón como alcalde, pero no tiene razón de ser. La bandera del Ayuntamiento es carmesí, como las castellanas. La única explicación es que cuando gobierna el PP se cambia del color que hubiera al azul, lo hemos visto también en Alcobendas. Algunos manuales de identidad corporativo recogen explicaciones como el cielo de Madrid o que Madrid en árabe significa ciudad de aguas subterráneas. Pero son explicaciones sobrevenidas y poco consecuentes”. En Madrid los caminos se cruzan, pero siempre llevan al azul.

Tony Stella, Bill Gold, Stephen Frankfurt, Saul Bass o John Alvin son algunos de los popes del cartelismo cinematográfico y los responsables de que cuando uno piense en Espartaco, Sin Perdón, Alien, Blade runner o El rey león algo en su hipotálamo le conduzca irremediablemente a los pósteres que en su momento anunciaban su lanzamiento. Y es que aunque algunos se empeñen en lo contrario y se tienda a homogeneizar la cultura de arriba abajo y de abajo arriba, los carteles de cine siguen siendo un lienzo en blanco para que artistas de todo el mundo den rienda suelta a su creatividad.

Gabriel Moreno (Baena, Córdoba, 1973) es uno de los escogidos y su obra preside ahora marquesinas y salas de cine por todo el mundo. Todo ello porque su trabajo ha llegado a oídos de los responsables de promocionar Una batalla tras otra, el último film de una auténtica leyenda de la historia moderna del séptimo arte. “Un día recibí un mail de una agencia en el que me decían que Paul Thomas Anderson estaba discutiendo la opción de tener un cartel artístico para su última película. Ya tenían el fotográfico y estaban barajando esa opción”, cuenta Moreno.

El artista se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y más tarde sería seleccionado como uno de los 100 ilustradores más influyentes del mundo por la prestigiosa editorial Taschen. Ha sido portada de Los Angeles Times, The Wall Street Journal o Rolling Stone y ha colaborado con agencias internacionales (McCann, Erickson NY, Wieden + Kennedy Shanghai, BBDO Moscow) en campañas para Nike, Rolex, Coca-Cola o Victoria’s Secret.

“La agencia me dijo que fue él quien me pidió, pero la verdad no sé si fue la agencia la que le presentó varias opciones o si él me nombró por su cuenta. Uno de los primeros trabajos que hice y que me abrió muchas puertas fue para Los Angeles Times cuando nombraron a Gustavo Dudamel director de la Orquesta filarmónica de Los Ángeles, y esa ha sido una de las referencias por las que se me conoce desde entonces. Me dijeron que si me interesaba, firmé un montón de documentos de confidencialidad y me pidieron que armara dos propuestas distintas: una de ilustración y otra de lo que en el sector llamamos, fine art. Esta última es algo más elaborado, más único y yo estaba seguro desde el principio que eso es lo que iba a querer Paul, pero entiendo que la agencia quisiera proponer todas las alternativas posibles”, añade.

Como el andaluz sospechaba, la cosa se inclinó hacia el fine art: “En la primera conversación que tuve con los responsables del proyecto me quedó claro que PTA —acrónimo de Paul Thomas Anderson por el que se le conoce en Hollywood— querría hacer algo único y quería algo más similar a un cuadro que una ilustración, que son cosas muy distintas. Por explicarlo de forma muy genérica: un cuadro es un elemento único de una sola capa y la ilustración te permite más versatilidad. ¿Qué me apetecía más? No tenía que pensar en lo que yo quería, sino en lo que me estaban pidiendo además de tener en cuenta que mi obra iba a convivir con el cartel fotográfico”.

En 2017 Moreno centró su carrera como artista plástico y, desde entonces, su obra ha estado presente en las principales en ferias y galerías de Miami, París, Mónaco, Venecia, Londres, Nueva York y Hong Kong. Influenciado por artistas del Renacimiento y la estética barroca, con un estilo hiperrealista y foco en la figura femenina, su obra moderniza la iconografía tradicional con elementos contemporáneos. “Una de las razones por las que fui escogido por el peso de la figura femenina en mi obra y eso es lo que me pidieron que destacara en el cartel. Querían algo que reflejara el rol de Chase Infinity que posee la ternura, pero también la fortaleza de su personaje”, cuenta.

Sin embargo, a la hora de la verdad, el reto pasó de grande a mayúsculo. “No se podía hacer una foto a la actriz y yo siempre quiero hacer una foto con la modelo con los distintos elementos, telas, poses, conceptos, que usaré más adelante en la composición. Igual te salen 600 imágenes. ¿Cómo podía hacer ese cuadro si no tenía ni una foto? Pues haciendo magia”, dice entre risas. “Me mandaron un montón de fotos de la actriz en distintos posados, monté una sesión con una modelo de cuerpo y a través de un programa encajé el rostro de uno en la cara de la otra para que se integrase. Todos los bocetos que realicé fueron a partir de esa fotografía. Solo me pidieron añadir la chaqueta de cuadros que luce DiCaprio en el filme, yo propuse unas polaroids con escenas de la película y una vez aprobado todo, pues a dibujar. Siempre digo que para mí el proceso creativo es la foto y lo demás es pura técnica”, cuenta.

Cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea

Gabriel Moreno — Artista

Moreno nunca habló directamente con Anderson durante el tiempo que duró el proceso, aunque sus mensajes llegaban diáfanos a la bandeja de entrada del artista: “Me decían, ‘PTA ha dicho tal o PTA ha dicho cuál’, pero siempre a través de la agencia. Ya conozco un poco el negocio, así que sé perfectamente que todas las agencias tienen miedo a sus clientes y si hablamos de Paul Thomas Anderson y de una película con un presupuesto de 150 millones hay que hacerlo todo con calma y precaución”.

Así lo hizo hasta que llegó un mail en que el propio director decía: “Yo me fío de Gabriel y lo vamos a hacer como él diga”. “Desde ese momento y hasta cuando lo envié ya hecho no tocaron ni una sola cosa del resultado final, ni siquiera el tono de un color. Nada”, dice. Aun así, el español aclara que, el nivel de libertad artística es “toda y ninguna”. “Yo tengo libertad cuando hago algo para mí o para mi galería, pero si trabajo para un tercero trabajo para un tercero. Lo bueno es que cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea”, explica.

Una batalla tras otra, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro y la mencionada Chase Infinity, nos sumerge en la historia de un exrevolucionario que vuelve a la carga cuando secuestran a su hija. “Paul Thomas Anderson es un mito y estoy muy contento de que me escogieran, de haber podido ejecutarlo tal y como deseaba y de que haya salido de este modo. Hay que ser muy valiente para atreverse a hacer algo así en los tiempos que corren y le estoy muy agradecido”, remata Moreno.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha aprobado establecer la gratuidad de la matrícula para el alumnado que inicie el primer curso de las enseñanzas artísticas superiores en Castilla-La Mancha. Así lo ha expresado la portavoz del Ejecutivo autonómico, Esther Padilla, quien ha señalado que la iniciativa responde al compromiso del Ejecutivo de García-Page con “la igualdad de oportunidades en el acceso a la educación superior”.

Hasta ahora, según ha relatado la consejera, quienes comenzaban estos estudios en música, diseño y arte dramático debían abonar 540 euros por curso, un coste que desaparece para quienes decidan continuar su formación en la comunidad autónoma.

Hay estudios en Albacete, Ciudad Real, Tomelloso y Cuenca

Actualmente, estos estudios se imparten en cuatro centros de la Comunidad Autónoma: el Conservatorio Superior de Música de Albacete, las Escuelas de Arte y Superiores de Diseño de Ciudad Real y Tomelloso, y la Escuela Superior de Arte Dramático de Cuenca.

Según ha revelado la consejera, la gratuidad beneficiará cada año a unas 125 personas, de las cuales 65 acceden por primera vez a estas enseñanzas y el resto procede de otras comunidades autónomas con intención de continuar su formación en Castilla-La Mancha. La medida, por tanto, representa una apuesta decidida “por retener y atraer talento”, además de situar a la región entre las pocas comunidades que apuestan por la gratuidad en este tipo de enseñanzas, ha resaltado la portavoz.

Según Padilla, el Gobierno regional defiende una oferta educativa “inclusiva, de calidad y con capacidad real para generar oportunidades”. Además, ha aclarado que las enseñanzas artísticas superiores conducen a títulos equivalentes a los universitarios de grado. “Estos estudios son indispensables para cultivar la creatividad, la sensibilidad y la capacidad de expresión, si bien invertir en formación artística también ayuda a impulsar sectores estratégicos para nuestra economía, como las industrias culturales, generadoras de empleo, innovación y proyección internacional”, ha remarcado la portavoz, quien ha incidido en que la cultura es “un pilar democrático y un motor de desarrollo”.

El coste estimado de la medida asciende a 67.500 euros, la exención tendrá efectos inmediatos y, según ha ultimado Padilla, en caso de que algún estudiante ya haya abonado la matrícula correspondiente al curso 2025/2026, podrá solicitar la devolución del importe.

La portavoz ha recordado, además, que esta decisión se suma a otras iniciativas en la misma línea, como la gratuidad en la primera matrícula universitaria de la Universidad de Castilla-La Mancha y de la Universidad de Alcalá en el Campus de Guadalajara, que beneficiará a más de 5.100 estudiantes y supondrá una inversión cercana a cinco millones de euros.

Actualización de los currículos Danza y Música

También en relación con las enseñanzas artísticas, la portavoz ha informado de que el Consejo de Gobierno ha aprobado los nuevos decretos que regulan la ordenación y el currículo de las enseñanzas elementales de Música y Danza en Castilla-La Mancha, “con el objetivo de ofrecer una formación artística inicial de mayor calidad y mejor adaptada a las necesidades actuales, que permita al alumnado acceder posteriormente a las enseñanzas profesionales”.

La actualización normativa, que sustituye al Decreto 75/2007, introduce cambios relevantes. “Ambos decretos determinan condiciones básicas y comunes, pero también desarrollan aspectos específicos para cada disciplina, reconociendo la singularidad de la danza y de la música”, ha explicado Padilla.

La portavoz ha señalado que en Danza se diversifican las asignaturas, por ejemplo, con la incorporación de ‘Danza clásica’ y ‘Danza española’ en sustitución de ‘Aproximación a la danza’. Además, ha añadido que “se incrementa progresivamente la carga lectiva semanal”, con especial intensidad en los últimos cursos.

En los primeros niveles se pasará de dos a dos horas y media semanales, mientras que en cuarto curso el aumento será aún más significativo, al duplicarse la carga de cinco a diez horas semanales.

En el caso de las enseñanzas elementales de música, una de las principales novedades es la incorporación de una nueva asignatura de práctica grupal, “diseñada para fomentar las habilidades necesarias para la interpretación colectiva desde las primeras etapas formativas”, ha explicado la consejera.

Ambos decretos entrarán en vigor de forma integral en todos los cursos a partir del curso académico 2025-2026. “Actualmente, hay 1.740 alumnos y alumnas matriculados en las enseñanzas elementales de música en los conservatorios de Castilla-La Mancha y 180 en danza”, ha puntualizado.

“El periodo de Allende en Chile puede compararse con la II República en España en lo que respecta al esfuerzo por cambiar la sociedad de arriba abajo, no solo a través de las estructuras de poder, sino también de la concienciación de la población y la mejora de sus condiciones, y para ello se apostó por el poder transformador del diseño”. La frase, que refleja la importancia de la figura del líder chileno, la dice Xavier Marcé, concejal de Cultura del ayuntamiento de Barcelona.

Lo asevera durante la presentación de la exposición del Disseny Hub Barcelona (antes Museu del Disseny) Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño, una muestra que refleja el sorprendente florecimiento del diseño industrial y gráfico chileno al calor de los proyectos del gobierno socialista para cambiar el país tanto en el plano social como en el cultural, el económico, el educacional o el sanitario.

Se trata de una exposición de 250 piezas que van desde los carteles de las distintas campañas que lanzaba el gobierno –y que se pegaban en los muros con cola–, hasta las carátulas de los discos que financiaba la Discoteca del Cantar Popular (DICAP), perteneciente a las Juventudes Comunistas de Chile, pasando por objetos como muebles, un tocadiscos o una calculadora.

Reproducciones y originales salvados tras el golpe

La mayor parte son reproducciones de los objetos originales, de los que se conservan unas pocas unidades. Muchos de los diseños tuvieron una mala conservación o bien terminaron destruidos, la mayoría de ellos por el paso del tiempo o directamente por los militares tras el golpe de estado del general Pinochet.

Hugo Palmarola, profesor asociado de la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC Chile) y uno de los comisarios de la muestra, explica el caso de “un conjunto de afiches [carteles] que Salvador Allende tenía que inaugurar el mismo 11 de septiembre de 1973 en la universidad y que estaban pensados para concienciar en la lucha contra el fascismo”.

Tras la exposición de los 18 carteles, 500 copias de cada uno serían distribuidos por todo el país en sacas, pero ese mismo día llegó el golpe de Pinochet y las copias fueron todas quemadas. “Excepto una de las sacas, que alguien escondió en un altillo y ha conseguido llegar hasta hoy”, matiza Pedro Ignacio Alonso, otro de los comisarios, arquitecto y también vinculado a la PUC Chile. Alonso destaca que las reproducciones de los afiches se pueden ver en su totalidad en Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño.

La fascinate sala Cybersyn

La tercera comisaria es la investigadora del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Eden Medina. La institución estadounidense ha colaborado con la universidad chilena en la reproducción de algunas de las piezas más complejas, como los asientos con botones de la sala Cybersyn.

Esta habitación de estilo space age, que recuerda a la estética de una cabina de la película 2001: A Space Odyssey, fue ideada como centro de control de la economía chilena, aunque solo se hizo un prototipo pensado para ubicarlo en el Palacio de la Moneda.

“La idea era poder visualizar en grandes pantallas los datos de la economía de las distintas empresas chilenas a través de los botones y poder así tomar decisiones gubernativas”, explica Medina, que destaca lo avanzado y visionario del proyecto a principios de los años 70. Los botones del respaldo de los asientos servían para ir seleccionando los distintos sectores empresariales a estudiar.

Un medidor de leche en polvo como símbolo de 'la revolución'

Pero para Hugo Palmarola, el espíritu de aquellos tres años de explosión del diseño en todas sus variantes se puede resumir en una simple cuchara de plástico blanco que sujeta en la mano. “Es un medidor de leche en polvo”, aclara para proseguir explicando que no se trata simplemente de un diseño bonito y funcional, sino que “fue pensado para combatir la desnutrición infantil”.

El medidor tenía la función de dar las dosis exactas de leche en polvo que precisa un bebé: “Es fácil de usar y de guardar, así que contribuía a que las madres no se olvidasen de suplementar a sus hijos y de este modo a reducir la mortalidad infantil, que era muy elevada entre las clases pobres”, resume el comisario. “Se trataba de aprovechar al máximo el poder transformador del diseño” apostilla su colega Alonso.

Alonso también destaca de la exposición su simbólico inicio, con dos piezas tan características como la carátula del disco Canto al Programa, del grupo de folk Inti-Illimani, diseñada, como tantas otras carátulas y carteles de aquel periodo por la Agencia Larrea, liderada por Vicente y Antonio Larrea y Luis Albornoz.

Junto a la carátula, los comisarios han situado la citada cuchara medidora de dosis de leche en polvo. Asegura así Alonso que esta conjunción pretende explicar la amplitud de la función de diseño en la era de Allende: tanto buscaba alimentar espiritual y culturalmente, como hacerlo físicamente. Y concluye: “El diseño buscaba preparar el país para el niño nuevo que debía nacer en una sociedad transformada”. Una sociedad que mirase al progreso, la nutrición, la educación y la independencia tecnológica entre otros muchos retos que se vieron frustrados por el golpe militar.

Siete ámbitos en una sola panorámica

Por su parte, Eden Medina agrega que la exposición se divide en siete ámbitos y que su distribución está pensada para que “se vean todas las piezas de la exposición de una sola mirada panorámica, con la intención de poner en evidencia la riqueza de formas del diseño en aquellos tres años”. Así, los ámbitos se suceden en las paredes de un gran cubículo en cuyo centro se sitúa la reproducción de la sala Cybersyn creada por PUC Chile y el MIT.

El primer ámbito se centra en la administración de la economía, y tiene como pieza estrella la citada sala Cybersyn, a la que el público puede acceder e incluso sentarse en sus galácticos sillones y apretar los botones de sus respaldos, que emiten mensajes para las pantallas principales.

El segundo ámbito se denomina Cómo llamar a la acción colectiva y muestra la gran producción de cartelería destinada a motivar a la población al trabajo o la defensa frente a los sectores contrarrevolucionarios. Destacan los trabajos de la Agencia Larrea, con su estilo gráfico característico. La mayor parte son reproducciones e incluso algunos afiches solo se conservan en viejas fotografías que los muestran pegados en las paredes. A partir de dichas imágenes se ha podido conocer su contenido original.

El tercer ámbito versa sobre la nutrición de la infancia y en él se encuentran los distintos diseños de medidores de leche en polvo, así como campañas de concienciación de las madres para que suplementen a los niños e incluso los vacunen.

Las carátulas de la música chilena

El cuarto ámbito es el que refiere a la ya citada Discoteca del Cantar Popular (DICAP) y todas sus producciones, que se resumen en numerosas carátulas de discos expuestas, desde la célebre foto de Víctor Jara que ilustrara El derecho a vivir en paz, hasta diseños de corte psicodélico para discos de Ángel Parra o la Orquesta Riverside. Junto a las carátulas se expone el proyecto para un tocadiscos portátil de distribución popular que nunca se llegó a fabricar.

El quinto ámbito se centra en reducir la dependencia tecnológica, y muestra los numerosos dispositivos ideados por el área de diseño industrial del Comité de Investigaciones Tecnológicas de Chile, todos ellos pensados con una filosofía opuesta a la obsolescencia programada imperante hoy en día. Desde muebles a calculadoras, televisores, autos o el citado tocadiscos populares pueden apreciarse en imágenes.

El sexto ámbito hace referencia a los planes de fomento de la lectura a través de libros y revistas para reducir el analfabetismo. A este respecto, la editorial estatal Quimantú distribuyo más de once millones de ejemplares en sus tres años de vida. Y, finalmente, el séptimo apartado de Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño se centra en las propuestas de nuevos pictogramas, señales y logotipos para la convivencia en espacios públicos.

Juan nos recibe en su casa, luminosa, moderna y transgresora, como es él. Lo hace junto a la inagotable sonrisa de Nacho y los ladridos de bienvenida de su querida Braza. Este recibimiento constituye la antesala de la conversación que nos depara esta cita, para hablarnos del trabajo más íntimo, de momento, de toda su carrera.

Si hubiese que ponerle música a esta exposición, su banda sonora sería la de Rigoberta Bandini, pues sus “poemas cantados” conectan a la perfección con la obra gráfica que Juan Jareño (Gijón, 1968) ha elegido para conformar Pensar en imágenes. Diferentes formas de..., su proyecto más personal y aquel en el que desnuda su alma para contarle al mundo lo que piensa, siente o percibe de todo lo que le rodea, bien desde su entorno más cercano o de otros más alejados.

Acostumbrado a plasmar lo que sus clientes piden durante las últimas tres décadas, este diseñador y también artista gijonés expone en el marco de POEX25, los encuentros de poesía que desde 2020 se celebran en Gijón, 21 serigrafías en blanco y negro que constituyen, en su mayoría, su respuesta emocional a lo que sucede en el mundo y que ven la luz por primera vez. En esta agrupación de trabajos sigue apostando por el blanco y negro porque “el peso de la imagen lo tiene que ser todo”, asegura este creativo para quien el color continúa siendo decoración que no le ayuda a contar nada.

El peso de la imagen lo tiene que ser todo. El color continúa siendo decoración que no me ayuda a contar nada

Impactos visuales de lo que le impresiona, le afecta o le aterra, Jareño identifica en Diferentes formas de belleza sus contradicciones, reconociendo su vulnerabilidad y asumiendo y enfrentándose a cómo es y cómo debería ser.

Desde una fortísima discusión con su hermano, que le tuvo días sin dormir, o la enfermedad que borró de un plumazo los recuerdos de su madre, tía y abuela, y que a él le aterroriza acabar padeciendo, la obra gráfica que Juan Jareño ha decidido compartir con el público tiene también un recuerdo para Juana Rivas, a través de la escenificación de la violencia vicaria, o los golpes de timón que a veces damos en la vida, afrontando nuevas incorporaciones como las protagonizadas por la paternidad o maternidad.

“En esta exposición hablo de mis cosas, me da vértigo porque es la primera expo en la que el contexto de artístico de exhibición es expositivo. Mostrarse es peligroso”, asegura este creador que no se considera artista, pues el de artista “es un traje que mucha gente se pone y a casi todo el mundo le queda grande”.

Estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca cuenta de sí mismo que pudo empezar a construirse cuando descubrió lo que no era, en vez de lo que era. Ese momento llegó a su vida cuando conoció a su compañero de piso durante la etapa universitaria, el pintor Daniel Verbis, quien le enseñó lo que verdaderamente era un artista. “Yo llegué a Bellas Artes con una imagen muy romántica de lo que era el dibujo, la pintura y no fue hasta 3º de carrera cuando descubrí lo confortante que me resultaba que la gente me encargase cosas y fue cuando en mi vida apareció la asignatura de Diseño Gráfico”.

Fue entonces cuando se dio cuenta de que para él era mucho más fácil plasmar lo que los demás sentían que aquello que habitaba en su interior, pues identificar y reconocer sus propios sentimientos era una viaje que, al menos de momento y durante muchos años, fue costoso para él.

Ese es el motivo por el que durante casi tres décadas, Juan Jareño ha sido creador de campañas publicitarias e imágenes icónicas y ha vestido las calles de Asturias, comenzando por Gijón, dando forma a eventos culturales, mensajes en el ámbito de lo social o comunicaciones institucionales como suyos fueron la mayor parte de los carteles con los que el Ayuntamiento de Gijón/Xixón se comunicó con la ciudadanía durante el confinamiento.

Pensar en imágenes. Diferentes formas de... es un punto de inflexión en una prolija carrera en la que, a partir de ahora, comenzarán a convivir las creaciones profesionales con las que surjan de la emoción del propio artista.

A lo largo de todos estos años, el trabajo de Juan Jareño ha sido reconocido con varios galardones regionales, nacioales e internacionales, como los International Graphic Awards, Emporia, LAUS, Anuaria, MOTIVA o Asturias Diseña.

De hecho, esta exposición cuenta con dos de las obras gráficas de Jareño que han sido galardonadas. Cántame al oído, creada para el Festival de Música Antigua de Gijón 2023, reconocida con el LAUS Bronce al mejor cartel en ese mismo año, en la que una imagen dedicada al canto vocal y también a los derechos, que entraña un doble mensaje: la necesidad de abrir la boca para aportar cosas bellas a la vida, y la escenificación del veto que en la antigüedad sufrían las mujeres para dedicarse a las disciplinas musicales.

Otra de las obras expuestas galardonadas es Leer es la leche (2024), que asemeja cualquier forma de literatura a un producto básico de la cesta de la compra, reclamando para el libro una de las características que convierten en “básicos” a algunos alimentos, imprescindibles para el crecimiento: “leer para crecer”.

Una letras y un tacón

Poco podía imaginar en el año 1992, tras su primer trabajo, el logotipo para una empresa turística de Llanes, que 19 años después, de su puño saldría el diseño vectorializado de lo que iba a convertirse en símbolo de la ciudad de Gijón, con permiso de Eduardo Chillida y su Elogio del Horizonte, más fotografiado, las 'Letronas'. El empeño de la entonces alcaldesa, Paz Fernández Felgueroso, reivindicando un Gijón turístico e industrial, regalo de la Federación de Empresarios del Metal (FEMETAL) a la ciudad y materializado en 2011, es a día de hoy la foto de Xixón.

“Les daba una vida de tres años, pues para mí era una decoración que ponía en la ciudad”, cuenta Jareño, para quien con las Letronas el ayuntamiento gijonés logró algo con lo que “mercantilizar” la marca de Gijón, evitando que el Elogio de Chillida, una obra de arte, acabase convertido en puro merchandising.

Y Jareño precio cogerle el gusto a la configuración de iconos partiendo de imágenes ya creadas, pues doce años después de las Letronas de Gijón, y ya como responsable de la imagen corporativa y de marca de la Fundación Princesa de Asturias, el creador gijonés fue el responsable del diseño a escala del tacón gigante que, en un guiño a la actriz y Premio Princesa de las Artes 2023, Mery Streep, estuvo expuesto en la Fábrica de Armas de La Vega, en Oviedo, durante la edición de los galardones más internacionales de Asturias.

Fue tal la repercusión que tuvo esa instalación, obra en corcho con acabado en poliéster y fibra de vidrio de los artesanos falleros valencianos Salva Banyuls y Néstor Ruiz, que el tacón acabó convirtiéndose en símbolo del poderío de las mujeres. Así, cuando algunas de las integrantes del colectivo Cincuenter, nacido para inspirar, conectar y visibilizar a mujeres de más de 50 años, tuvieron claro que no podía salir de Oviedo y pusieron en marcha una recogida de firmas para lograr su objetivo. Y así fue como la huella de Meryl Streep, una imponente pieza de 4,3 metros de alto por 6,3 de largo, quedó instalada, por orden del Ayuntamiento de Oviedo, dentro del Palacio de Exposiciones y Congresos del edificio Calatrava.

Pensar en imágenes... permanecerá abierta al público en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón hasta el próximo 22 de marzo. La idea de su autor es que esta sea solo la primera parada de un largo recorrido que lleve la exposición más allá de las fronteras de Asturias.

La capital hispalense ha activado este jueves 28 de noviembre el modo creatividad con la inauguración de la séptima edición de OFFF Sevilla, el festival que invita a las mentes inquietas a explorar las fronteras del diseño, la animación y la cultura digital bajo el lema Made for the Curious. Hasta el próximo día 30, la Real Fábrica de Artillería será el escenario donde se darán cita más de 40 artistas y estudios de renombre internacional, que compartirán sus experiencias y proyectos que están “marcando un antes y un después” en campos como la ilustración, la robótica, la animación, el videojuego, la realidad virtual o el metaverso.

Gracias a las conferencias y charlas magistrales que se van a celebrar en el marco del festival, el público podrá descubrir lo último en materia de creatividad e innovación digital. Entre los creadores de vanguardia que se van a reunir en la ciudad de la Giralda estos días, destacan la neoyorkina Ceren Arslan, conocida por transformar el diseño espacial y la arquitectura efímera en experiencias inmersivas para firmas como Tiffany & Co; el estudio Collins, con sede en San Francisco y Nueva York, conocido por su capacidad transgresora para reconfigurar las estrategias de Spotify o Nike; o el estudio Mayda, cuyas obras audiovisuales interdisciplinares abarcan publicidad, cine y realidades inmersivas, combinando diseño, tecnología y medios digitales de manera única y visionaria.

La programación del festival la completa una oferta de actividades paralelas de acceso libre denominada Artillería ON, impulsada por el área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, con el objetivo de “que el público general se acerque a disciplinas como la ilustración, la animación o la robótica y qué cada vez más gente se sume a la comunidad creativa”, como ha explicado Virginia Moriche, directora del festival, durante el acto de inauguración. Así pues, de forma gratuita, los asistentes podrán sumergirse en experiencias inmersivas, contemplar la exposición The Sevillaner o profundizar en la obra de 19 artistas locales, como Pablo Little.

Creatividad ON

El ciclo de actividades comienza este jueves 28 con Suso Saiz y Alba G. Corral, quienes crearán una atmósfera envolvente con música ambiental y visuales generados en directo. Ya el viernes, el artista argentino Federico Durand y Mayte Gómez Molina ofrecerán una experiencia sensorial única, mientras que el 30 de noviembre, la banda experimental de Berlín VROUW! cerrará el ciclo con una propuesta sonora y visual única que mezcla lo artesanal y lo tecnológico.

En paralelo, el público podrá vivir experiencias inmersivas gratuitas, como 'Órbita', una instalación inmersiva que invita a explorar nuevos territorios digitales en colaboración con ASUS, o 'Invernaderos', una propuesta de Syntroφ Art Studio que ofrece un recorrido sensorial entre lo natural y lo tecnológico, con un enfoque que reflexiona sobre la convivencia entre ambos mundos.

Asimismo, las noches de OFFF Sevilla en esta edición estarán marcadas por el ciclo 'Microclima: Música & Visuales', un espacio de experimentación sonora y visual comisariado por LaSuite. Durante estas citas nocturnas, artistas de vanguardia presentarán actuaciones inmersivas que fusionan música y visuales en tiempo real, invitando al público a explorar nuevas formas de creación sensorial.

Historias de vida y de aprendizaje

Junto a lo anterior, la Real Fábrica de Artillería acogerá a 19 artistas locales que expondrán sus obras en los diferentes 'Pop Up Studios' en los que se divide el espacio, mostrando sus procesos creativos al público en disciplinas que van desde el arte textil y el collage hasta la ilustración y la cerámica. El Studio 1 está liderado por LAB Sevilla y reúne a talentos de la ilustración y el arte contemporáneo, con nombres como Meri Merino, Mar García Ranedo, Josema López Vidal, Irene Mala, Jesús Prudencio, Lola Yriarte, Manifiesto Taller, Daniel Páez, Jota Erre, Rosa Nogueras, Pablo Jiménez y Ana Langeheldt.

El Studio 2 presenta exclusivas piezas de cerámica firmadas por Little, Virgen y Floki. En el Studio 3 cobra vida la fuerza del arte urbano, donde artistas como Zësar Bahamonte, DRILI y Galleta María trasladan el impacto de los murales al lienzo. Finalmente, el Studio 4, titulado Tattooing Textiles, explora la innovadora conexión entre tatuaje y diseño textil bajo la dirección de Debaga.

Durante la inauguración han estado presentes algunos de los artistas que participan en esta edición, como el cordobés Pablo Little, quien invita a las almas curiosas a pasarse estos días por la Fábrica de Artillería de Sevilla para buscar inspiración e ir preparando “las primeras compras navideñas”. Little es una de las mentes creativas que forman parte de OFFF Sevilla y que encarnan el espíritu del festival: “Yo dibujo porque tengo mucha curiosidad por el mundo”. A los 27 años decidió dar “un volantazo” a su vida y apostar por dedicarse a su pasión: el dibujo.

“Al principio pasé un poquito de hambre, pero empecé a trabajar con periódicos digitales, con prensa escrita, con revistas de moda, a hacer mis primeras exposiciones y cuando me di cuenta, de repente tenía un sueldo como artista y podía vivir de esto”, recuerda este artista afincado en Sevilla que define su dibujo como “puramente intuitivo y emocional”.

Tomando café en un establecimiento que tenía taller de cerámica, “me di cuenta de que quería ver mis dibujos en muchos otros formatos y ahí nació la cerámica, que ha sido un lenguaje que en principio lo entendí como un soporte en el cual extrapolar el dibujo y ahora se ha convertido como en un objeto artístico en sí”, cuenta quien se confiesa como “un fetichista del objeto” y de los valores sentimentales que le atribuimos los seres humanos.

Little ha descubierto que “el dibujo no tiene límites” después de que su famosa tirita –que él mismo dibujó como un mantra para sanar su corazón roto– haya dado la vuelta al mundo y se haya convertido en una especie de “amuleto” y de “elemento de la cultura popular” asociado a sentimientos de cuidado y esperanza.

Historias de vida y de aprendizaje como la que comparte Pablo Little con SevillaelDiario.es son las que puede conocer el público durante los tres días de OFFF, como explica la directora del festival: “Los artistas van a compartir sus experiencias vitales y sus proyectos, pues conocer su trayectoria vital ayuda a entender cómo han llegado a estar donde están ahora, siendo referentes”.

Son las ocho de la mañana en las oficinas de Agencia Creativa Mira, en pleno centro de Écija. Aquí, en un espacio moderno y diáfano donde las ideas fluyen “sin jerarquías”, empieza otra jornada llena de retos creativos. Mira Creativa, fundada en 2004 por un grupo de cinco entusiastas del diseño gráfico, se ha consolidado como un referente en su sector gracias a su enfoque colaborativo y horizontal. La empresa destaca por su capacidad para desarrollar proyectos gráficos de alta calidad que incluyen branding, diseño web, y la creación de catálogos e infografías 3D.

Desde sus comienzos en la Calle Córdoba, el equipo de Agencia Creativa Mira ha querido que su misión sea “ofrecer diseño gráfico de calidad, abarcando desde proyectos locales hasta encargos de alcance nacional e internacional”. En 2022, se trasladaron a su ubicación actual en la Calle José Herrainz Caraballo, donde optimizaron el espacio para responder mejor a las necesidades de sus clientes.

En Mira, las reuniones no siguen un guion estricto; son encuentros de intercambio de ideas donde los roles se entrelazan y los problemas se resuelven “en bloque”, como señala David Rodríguez, director comercial y diseñador. “Aquí no hay espacio para las jerarquías. Nos nutrimos del diálogo constante, y cada idea, por disparatada que parezca, merece ser discutida”, añade.

Uno de los proyectos más significativos para los integrantes de Agencia Creativa Mira fue el mural del centro comercial N4 de Écija, elaborado en el año 2008. Esta obra, de más de 80 metros de largo, destaca por la integración de fotografías de los monumentos más emblemáticos de la ciudad, unificando varias imágenes panorámicas de la misma. José Antonio Gálvez, encargado de administración y finanzas, recuerda: “Fue un proyecto muy especial, no solo por su magnitud, sino porque nos permitió aportar algo significativo a nuestra ciudad”.

Pintura, tecnología, diseño

El equipo de Agencia Creativa Mira se distingue por las diversas aficiones de sus integrantes. Ángel García, director de arte y diseñador gráfico, también es pintor y ha obtenido premios en concursos internacionales como el cartel del Sicab. “Mi formación artística me ha ayudado a abordar los proyectos desde diferentes ángulos”, señala García.

Antonio Sarabia, aficionado al mundo de las tecnologías desde muy temprana edad, es quien se encarga de que todo funcione. Desde las redes sociales hasta la infraestructura técnica, Sarabia es el que soluciona problemas y se asegura de que cada copia de seguridad esté al día. “Desde muy pequeño ya jugaba a trastear con los aparatos tecnológicos que había en casa; hoy esta afición continua, pero los equipos con los que trabajamos son mucho más caros y complejos”, bromea. Su habilidad para entender los entresijos técnicos se ha vuelto esencial en un mundo digitalizado en el que se integra la empresa.

Ángel Carmona, conocido como “Jarit” por su inusual segundo apellido, es el miembro más joven de la empresa y el único que no es socio fundador. Tras iniciarse en el ámbito de los sistemas informáticos, descubrió que su pasión real era el diseño gráfico. Así, decidio matricularse en un grado en dicha especialidad y hacer las prácticas en Mira Creativa, ya que sus integrantes eran antiguos compañeros de trabajo de su padre. Estas prácticas se alargaron y, después de acabar, Ángel pasó a ser trabajador contratado. “Al empezar aquí, sentí que el diseño era lo mío y cuando me ofrecieron quedarme, no lo pensé dos veces”, cuenta.

“Trabajar más no siginifica trabajar mejor”

La pandemia de la COVID-19 supuso un desafío, pero también una oportunidad para reestructurar el funcionamiento de Mira Creativa. El equipo pasó de un horario convencional distribuido entre la mañana y la tarde a uno intensivo de 8.00 a 15.00, “porque a veces menos es más”. “Aprendimos que trabajar más no siempre significa trabajar mejor. Cuidar nuestro bienestar es esencial para mantener la creatividad”, afirma David Rodríguez.

El último gran proyecto de Mira Creativa es la identidad visual de la Feria Andaluza del Hogar, un reto que ha implicado desde el nuevo nombre del evento hasta la creación de un logo que encapsule la diversidad del hogar. Gálvez explica: “Queríamos algo que comunicara la riqueza y variedad del sector. Ha sido un desafío, pero creemos que el resultado sorprenderá y atraerá a expositores y visitantes por igual”.

Agencia Creativa Mira también ha llevado su talento fuera de España, trabajando en proyectos internacionales como catálogos de complejos hoteleros ubicados en República Dominicana o Brasil. Este amplia trayectoria se ha visto premiada con la obtención de varios galardones, como el Premio Emprendedores a la Innovación Empresarial 2004 de Andalucía Emprende, el Premio a la Mejor Iniciativa Empresarial de la X Edición de los Premios Amigos de Écija por el gran mural alusivo a la silueta arquitectónica de la ciudad, y el Premio a la Mejor Empresa Sevillana en el V Encuentro de Emprendedores de Sevilla, otorgado por la Consejería de Economía, Innovación y Ciencia.

En Agencia Creativa Mira, cada proyecto se aborda con el mismo entusiasmo y compromiso que al principio. Ahora, lo que comenzó hace 20 años como el sueño de un grupo de amigos sigue siendo una historia de constante aprendizaje y evolución, pero manteniendose fiel a sus raíces astigitanas.

“Por la mañana churros, por la tarde pollos asados, patatas y almendras”. La frase del diseñador gráfico Ricardo Barquín Molero refleja la tradición de la churrería sevillana que muchas empresas familiares desempeñan en la capital y en distintos municipios de la provincia.

La historia de “Las de Pruna” parece el inicio de un chiste. No lo es. Un empleado de un taller de carpintería metálica y un dueño de un bar, amigos del pueblo, compran la maquinaria de una antigua fábrica que echó el cierre y deciden emprender un negocio de patatas fritas. 

José María Grande y José Manuel Ponce tienen desde 2017 una “empresa chiquitita” de cuatro trabajadores en la localidad de Pruna. “Yo soy el que fríe las patatas”, dice Grande que va a la nave junto a su hijo mientras que Ponce hace las veces de comercial con otro empleado. “Empezamos con una furgoneta de segunda mano y nos tiramos a la calle para vender”.

Hace más de 40 años que en la calle Perpetuo Socorro del municipio de Olivares, los García Rodríguez abrieron una churrería tras un accidente laboral del padre de familia, Cástulo. “La tienda comenzó poco a poco”, recuerda una de las hijas, Encarna García. De los churros a las patatas fritas casi por inercia: “A mis padres les gustaba trabajar y como les iba bien pues avanzaron otro poco”. Y posteriormente vinieron los pollos asados. 

Estos son los inicios de las “Hijas de Cástulo” que se han convertido en un referente de las patatas fritas en esta localidad aljarafeña. Desde principios de siglo, las hermanas Encarna y Pepa están al frente de un negocio de cuatro empleados que echa al perol entre 400 y 600 kgs de patatas a diario. En Pruna, por su parte, Grande puede llegar, en temporada alta, a freír 1.000 kgs al día de patata nacional siendo el 90% de patata agria que son “las mejores para freír”. 

Patatas, aceite y sal

Las patatas de las “Hijas de Cástulo” son “aptas para paladares exigentes que buscan sabor y tradición” como detallan las hermanas García. Estas empresas familiares sevillanas se ciñen a la antigua usanza. No hay más ingredientes que patata, aceite y sal. Pese a las innovaciones técnicas conservan la forma artesanal de freír, utilizan productos naturales y el resultado es una patata frita crujiente, poco aceitosa y que no cuenta con ningún tipo de conservantes ni aditivos.

En Papita Frita, proyecto de Cristina Portolà y del propio Barquín que documenta la gráfica popular de patatas fritas locales, son unos “puristas”: “No solemos meter marcas que hagan sabores como las de jamón, huevo frito, payoyo… sólo las de toda la vida y las de ajillo”, dice Barquín.

“En 1982 no había los paladares de ahora. Al final, los saborizantes van en función del gusto del consumidor”, dice García. Así en los supermercados se pueden encontrar todo tipo de patatas fritas de sabores. “Las patatas que se usan son de mala calidad y su sabor se oculta con los aditivos”, dice Grande. Como cuando se adoba un pescado para enmascarar su frescura.

Lo popular

Tanto Grande como García tienen claro que su expansión se debe al boca-oreja y su reto es afianzarse en sus pueblos y en otras localidades de la provincia. “Las de Pruna” han centrado sus esfuerzos en ganarse a sus vecinos que los recibieron “muy bien y con mucha ilusión”. Han sabido aprovechar su localización en la Sierra Sur sevillana para llegar a las provincias limítrofes de Cádiz y Málaga. Incluso se asientan en negocios de Sevilla capital, Dos Hermanas y el Aljarafe. “Nos va bastante bien”, dice Grande.

Las hermanas García, que rechazaron una oportunidad para suministrar a un gran supermercado, lo tienen claro: “Queremos tener trato con el público; que el cliente no sea un número sino que venga a decirnos cómo están las patatas”. Y la mayoría de esos consumidores son sus vecinos. “Tenemos clientes de todas las generaciones y que vienen al puesto porque sus abuelos o padres compraban aquí”.

“Por presión para entrar en las grandes superficies, hay empresas que cambian su estilo y todas comienzan a parecerse”, avisa Barquín sobre la uniformidad “horrible” que se está instaurando en el diseño de las bolsas de patatas fritas. “Se pierde singularidad y las imágenes castizas”, argumenta.

Barquín resalta que estos proyectos son “de los más puros que hay” en cuanto al diseño de sus envases. “Mi padre, que era bético y andaluz, no se comió la cabeza y eligió el color verdiblanco. La virgen del Perpetuo Socorro es la patrona del barrio y el eslogan ”manténgase al alcance de los niños“ se lo puso el de las bolsas”, dice García. En “Las de Pruna”, el Castillo del Hierro domina el paquete en una estampa clásica del municipio.

Estas señas de identidad son las que documenta el proyecto Papita Frita en su defensa del uso de los elementos locales como siluetas del pueblo, hitos históricos de la localidad, devociones religiosas junto con “una tipografía que si no la hace el dueño la hace el de la imprenta”. “En la gráfica popular no hay diseñadores ni equipos de marketing sino que emana de la propia gente”, concluye Barquín.

El Ayuntamiento de Logroño presentó este viernes la nueva marca de ciudad con un acto en El Espolón con el nombramiento de personas embajadoras y la inauguración de unas letras con las que poder fotografiarse. El alcalde Conrado Escobar y los creadores de la imagen de marca, Daniel Morales y Javier Euba, de la agencia de comunicación MORUBA, explicaron los detalles, mientras la cara sonriente que forman las letras LO resultaban muy familiares.

Y es que el Equipo de Gobierno actual ha recuperado la imagen que encargó en 2017 el Ayuntamiento de Cuca Gamarra a la misma agencia y de la que surgió la marca 'Hola, soy Logroño'. Siete años después, el consistorio ha contratado a través de un contrato menor de 14.520 euros la revisión y actualización de la misma marca, aunque este viernes se anunciara como nueva.

Una imagen que para sus creadores refleja la personalidad “abierta, alegre y hospitalaria que tienen Logroño y sus habitantes” con la sonrisa. “Logroño nos evoca bienestar, se expresa de una forma positiva, agradecida y entusiasta”, añadieron en la presentación, destacando el componente “humano” de la marca, pensada para invitar a interactuar con la ciudad.

Logroño deja atrás la marca 'Visita Logroño' que el Ayuntamiento del socialista Pablo Hermoso de Mendoza impulsó en 2021 y recupera actualizada una imagen ya conocida. Y no ha pasado desapercibido. Muchas personas han compartido en redes sociales el tuit con el que Cuca Gamarra presentó 'Hola, soy Logroño' en 2017, han recuperado los objetos promocionales de entonces o han criticado que se presente una nueva marca, que no es nueva.

La inteligencia artificial generativa ha revolucionado la creación de imágenes, pero también ha puesto en riesgo la originalidad de los ilustradores y diseñadores. La llegada de estas herramientas permite que cualquier persona con muy pocos conocimientos técnicos pueda replicar fielmente el estilo que hasta ese momento había hecho únicas sus creaciones. Ese estilo por el que empresas o instituciones les encargaban nuevas obras.

Algunos desarrolladores de esos modelos de IA e investigadores intentaron poner en marcha herramientas de protección para los artistas. La mayoría de ellas funcionan ofuscando la imagen que ve la inteligencia artificial, distorsionándola o añadiéndole ruido informático. El objetivo es que su aspecto siga siendo el mismo al ojo humano, pero que los modelos generativos engendren imágenes informes si se les ordena replicarlas.

El problema es que estas herramientas no funcionan, a pesar de que se han hecho extremadamente populares y suman millones de descargas. “No protegen a los artistas de la imitación de su estilo”, concluye el primer estudio sobre ellas realizado por investigadores de la Universidad de ETH Zúrich y de Google DeepMind, la división de investigación en IA de la multinacional.

“Todas las protecciones existentes pueden eludirse fácilmente, dejando a los artistas vulnerables al mimetismo de estilo”, advierten.

Esto implica, a juicio de los autores del estudio, que el uso de estas herramientas puede llegar a ser contraproducente. Ofrecen “una falsa sensación de seguridad”, alegan: “No tener herramientas de protección es preferible a tener unas inseguras. Las protecciones inseguras pueden engañar a los artistas haciéndoles creer que es seguro publicar su trabajo, lo que permite la falsificación y los pone en una situación peor que si hubieran sido más cautelosos en ausencia de cualquier protección”, argumentan.

Para lleva a cabo el estudio, los autores aplicaron técnicas simples como la ampliación y reducción de las imágenes, que podrían eliminar o reducir ese ruido introducido con objetivo de dificultar la visión de las inteligencias artificiales. Después entrevistaron a voluntarios para evaluar si las imágenes con protecciones seguían siendo reconocibles o si la IA generativa todavía podía imitar su estilo. Finalmente compararon los resultados antes y después de aplicar las técnicas de resistencia y el estudio con usuarios, concluyendo que estas herramientas no representan una protección confiable.

En este momento, si alguien piensa que la IA realmente puede afectar a su modelo de negocio, la opción más segura es no publicar su arte online

Javier Rando — coautor del estudio

Además, destacan que las técnicas que han usado para vulnerarlas ya estaban disponibles cuando esas herramientas de protección salieron al mercado, lo que implica que nunca fueron realmente seguras. “En este momento, si alguien piensa que la IA realmente puede afectar a su modelo de negocio, la opción más segura es no publicar su arte online porque como demuestra nuestro estudio, incluso las mejores protecciones que existen no pueden garantizar que su arte no va a ser copiado”, explica en conversación con elDiario.es Javier Rando, coautor del estudio.

Diferencias entre artistas

Uno de los aspectos llamativos que han encontrado los investigadores durante su análisis es que las herramientas de protección sí funcionaban bien para impedir que la IA copiara el estilo de un puñado de artistas.

En este caso Rando no puede detallar exactamente por qué. “No lo sabemos bien, y probablemente haría falta un estudio mucho más grande y expertos para juzgarlo. Estudios previos, como el de Glaze [una de las herramientas de protección analizadas], comentaban que los artistas 'contemporáneos' que no habían estado en los datos de entrenamiento, estaban mejor protegidos. En nuestro estudio no hemos encontrado diferencias notables entre artistas históricos y contemporáneos”, resume.

Desde Glaze (desarrollada por la Universidad de Chicago) han agradecido a los autores haber puesto a prueba su herramienta y comunicarles los resultados. “En nuestras pruebas, verificamos algunas de las afirmaciones de los autores: su método tuvo un impacto significativo en la eliminación de la protección Glaze V1, y tuvo cierto impacto en la protección Glaze V2.0. Sin embargo, al igual que muchas técnicas de eliminación anteriores, este ataque suele pagar el precio de una calidad de imagen significativamente degradada. La degradación es especialmente problemática en el caso de los rostros, las ilustraciones con textura y las ilustraciones de alto contraste”, destacan.

En este sentido, los autores del estudio afirman que las diferencias de efectividad entre diferentes trabajos artísticos que proporcionan las herramientas colaboran a esa “falsa sensación de seguridad a todos los artistas”. “Las protecciones deberían valer para todos los artistas por igual, mientras que un método de imitación podría dirigirse con éxito sólo a determinados artistas”.

Sin soluciones en el horizonte

Los autores explican que con las soluciones tecnológicas actuales no hay demasiadas opciones para los artistas que quieran impedir a toda costa que su trabajo sea replicado con inteligencia artificial. Las grandes compañías que la desarrollan, como OpenAI, han habilitado sistemas para que los autores puedan indicarle a sus sistemas que no deben absorber un determinado contenido. Sin embargo, eso no evita que un ataque que pretenda copiar una obra lanzado por un tercero.

“Las limitaciones de las protecciones contra la imitación de estilos son inherentes. Los artistas están necesariamente en desventaja, ya que tienen que actuar primero (es decir, una vez que alguien descarga el arte protegido, la protección ya no puede modificarse)”, recuerda el estudio. Destacan además que este tipo de protección (añadiendo ruido a la imagen) no puede actualizarse una vez que la obra haya sido publicada en Internet, lo que las expone a la copia con herramientas más desarrolladas.

En la era de los filtros, las visualizaciones, los likes, los trends o el “desliza hacia la derecha para no volver a ver a esta persona”, gran parte del juego social tiene lugar en el tablero de las redes. Jugamos a ser creativos, fotógrafos, modelos, prescriptores y, sobre todo, a proyectar una imagen, ya sea auténtica o puro postureo. 

Al escribir la palabra “libro” en Pinterest, la red social de las imágenes inspiradoras, el buscador sugiere automáticamente “libros aesthetic” y la búsqueda devuelve innumerables imágenes de portadas en tonos pastel, páginas cubiertas con flores y lecturas en escenarios bucólicos. En Instagram triunfan las citas, los subrayados y el libro como elemento decorativo. En TikTok el hashtag #BookTok nos arroja miles de vídeos que recomiendan novedades, sobre todo juveniles, y que las grandes cadenas de librerías ya han llevado al mundo analógico otorgándoles un espacio propio en forma de estantería.

“Las redes sociales han influido totalmente en el diseño editorial. Desde hace unos años hay una tendencia a postear todo lo que consumimos, incluidas las lecturas, y estoy 100% segura de que muchos libros se quedan fuera de esos posts porque no son estéticamente bonitos”, opina Marta Taboada, directora de arte y el criterio tras la cuenta de Instagram @portadasbien. “Ahora hay un esfuerzo en que [el libro], además de la lectura, también merezca la foto, y eso se nota cuando entras en una librería”. 

Para Taboada, las “portadas bien” son aquellas que cumplen tres pilares: coherencia, sencillez y buenos acabados. En su cuenta, además de exponerlas cual coleccionista de arte, explica de manera muy didáctica el proceso que hay detrás de cada diseño y reconoce el trabajo de sus creadores. Una afición con la que, confiesa, nunca pensó que fuera a conseguir tan buen feedback: “Ponerle nombre y apellidos a la persona que se había encargado de la cubierta del libro no era algo que interesase especialmente a los lectores. Por suerte, hoy sí que pasa”.

“Hay muchos factores que influyen a la hora de comprar un libro”, apunta Artur Galocha, diseñador de las portadas más icónicas de Libros del K.O., como la de Fariña. “Quién lo escribe, el tema, la promoción que haya tenido… Pero una buena portada puede hacer que un libro traspase esas barreras y entre por el ojo”. Él mismo reconoce que más de una vez se ha llevado a casa un libro malo por culpa de una buena portada.

“No creo que las redes hayan cambiado tanto la forma de diseñar libros sino más bien la de promocionarlos. Antes los libros te hablaban solo desde las estanterías de la librería, ahora te hablan desde la estantería de Internet, que es mucho más grande, más porosa, más concreta a veces, más ruidosa otras”, valora Galocha, que sí reconoce estar viendo un cambio en la forma de diseñar portadas en España desde hace unos años. “Ahora se arriesga un poco más y hay más libertad creativa”.

Ahora se percibe un esfuerzo por que [el libro], además de la lectura, también merezca la foto, y eso se nota cuando entras en una librería

Marta Taboada — directora de arte tras la cuenta de Instagram @portadasbien

De interés literario internacional

Precisamente las lecturas de uno de los mayores exponentes de libertad creativa de nuestro país, Rosalía, han sido causa de grandes revuelos en redes. Cada vez que publica una foto en la que se atisba un resquicio de libro, comienza una comisión de investigación acelerada para lograr descifrar los títulos que acompañan a la cantante catalana. Lo primero en esclarecerse suelen ser el sello y la colección, después, la ronda de apuestas permanece abierta hasta que, con suerte, la editorial entra en juego para arrojar luz.

“Creo que hay una tentación muy fuerte a extrapolar la conexión que se tiene con la obra de un artista a otros campos vinculados con su gusto o su biografía. Si eres fan de la música de Rosalía, probablemente acabes desarrollando una fascinación hacia ella en el terreno emocional. Y, precisamente por ello, es fácil que pronto te interese todo lo que la rodea”, comenta Eva Blanco Medina, redactora de Cultura de Vogue España que ha ahondado en el fenómeno de la cantante catalana como prescriptora literaria. “Además, hay que decir que sabe rodearse de libros bastante suculentos. O a mí, al menos, me lo parecen”.

Si nos interesa qué lleva en el bolso Victoria Beckham y queremos saber dónde compra los vaqueros Hailey Bieber, por qué no íbamos a querer saber con qué libros ocupan su tiempo. En nuestro día a día todo se entremezcla e interactúa: música, arte, moda, cine, gastronomía, literatura… En esta línea de enlazar disciplinas, la Maison Chanel creó el club de lectura Les Rendez-Vous Littéraires rue Cambon con Carlota Casiraghi en 2021, donde los libros eran el punto de partida para conversar con autoras entorno a la emancipación femenina y hermanar moda y literatura. Para Eva Blanco Medina, “independientemente de los intereses comerciales que puedan motivar estas uniones, este tipo de sinergias son de lo más natural”.

“Es más, si el planteamiento es bueno y la marca en cuestión se alía con autoras contemporáneas con las que comparta valores creativos y cierto imaginario estético, creo que ambas partes pueden salir ganando. Y también, por qué no, sus respectivos públicos”, considera la periodista. 

Un ejemplo totalmente diferente y muy visual de esa asociación libre de moda y literatura “sin ninguna pretensión” es el hilo de Twitter publicado por la librería valenciana Bartleby tras la reciente Met Gala. Su artífice, Manu Garrido, que además de copropietario de la librería es historiador del arte y librero, era ajeno a la existencia de la gala benéfica y feria de vanidades que el Metropolitan Museum de Nueva York acoge anualmente, y tampoco le ponía cara a Zendaya hasta esa misma noche cuando su pareja le mostró fotos del evento.

“Tengo una buena memoria fotográfica y al ver aquel vestido de Zendaya enseguida me acordé del colibrí de la portada de El ministerio del dolor, de Dubravka Ugrešić (Impedimenta, 2024). Pensé que era gracioso y seguí mirando vestidos con mi pareja y relacionándolos formalmente por su parecido a otras portadas que recordaba”, dice.

Las originales asociaciones de Garrido fueron bien recibidas por los usuarios de X, que le llegaron a felicitar con el clásico “te has pasado Twitter”. “Me hicieron gracia algunos retuits de especialistas en redes sociales y posicionamiento en Internet, que alababan el hilo y hablaban de la 'hábil estrategia' de aquella pequeña librería de València que había sabido subirse a una tendencia relacionándola con su marca, y yo pensaba '¿qué estrategia?', si solo soy un tipo en bermudas en el sofá de su casa con el móvil en una mano y su gata en el regazo”, recuerda.

Los coffee table books que triunfan en Instagram

Además de este cameo anecdótico en el evento de moda del año, los libros han empezado a ocupar espacio en las tiendas de moda. ¿Quién dijo que el papel estaba muerto? Urban Outfitters, el espacio de ropa multimarca WOW Concept e incluso H&M apuestan por reservar un lugar dentro de sus establecimientos a ciertas cubiertas, principalmente las que podrían catalogarse como coffee table books.

Se trata de libros bonitos, generalmente de carácter artístico y grandes, que sirven como piezas decorativas. Es fácil reconocerlos al darse un paseo por las cuentas de las influencers más famosas. El del fotógrafo Peter Lindbergh con Kate Moss en la portada, el Sofia Coppola Archive en rosa, el de la top Naomi Campbell o las coloridas guías de viaje de Assouline, que reinan en esta categoría y de las que es probable que tengas varios ejemplares si eres “una persona bien vestida con un hogar bien decorado”, según la revista Forbes.

Su estética y precio –más de cien euros el ejemplar– les ha llevado a colarse en los salones con más likes de Instagram y a volverse deseables hasta tal punto que ya sufren la aparición de réplicas baratas de sus portadas, eso sí, vacías en su interior.

Si identificamos que el algoritmo es el causante de que todas las casas parezcan la misma y de que se tome ramen en Sevilla, Kyle Chayka, autor de Mundofiltro. Cómo los algoritmos han aplanado la cultura (Gatopardo Ediciones, 2024), le atribuye también la homogeneización de la cultura. “Al recompensar determinados temas y priorizarlos en los flujos, basándose en qué es lo que atrae mayor atención de forma inmediata, las recomendaciones algorítmicas imponen géneros culturales”, escribe. Por supuesto, no se puede pasar por alto que del número de seguidores expuestos a cada estímulo dependerá la repercusión.

La receta de los libros virales tiene, por supuesto, múltiples ingredientes. Pero en lo referente al diseño, Marta Taboada considera que “hoy en día atrae mucho un libro con portada limpia, de tipografía bold en grande, con colores planos y llamativos y sin muchos más elementos”. Como ejemplos de éxito cita ‘Yellowface’, de R. F. Kuang (publicado en España por Hidra, 2023) o la edición en inglés de ‘The Guess’, de Emma Cline (Random House, 2023). “Son como una señal de tráfico que atrae a los ojos”.

Al recompensar determinados temas y priorizarlos en los flujos, basándose en qué es lo que atrae mayor atención de forma inmediata, las recomendaciones algorítmicas imponen géneros culturales

Kyle Chayka — autor de 'Mundofiltro' (Gatopardo Ediciones, 2024)

Más allá de las pantallas

Ajenas a la dictadura del algoritmo –sí, también hay vida después de las redes–, Toya Legido y Lucía Moreno han recibido este lunes uno de los premios que el Ministerio de Cultura otorga cada año a los libros mejor editados por su trabajo en Ellas ilustran botánica: arte, ciencia y género (CSIC, 2023).

El jurado las ha premiado por la calidad del acabado, el diseño y la elegancia de la tipografía y los cantos, entre otras cosas. Para ellas, las redes sociales no han formado parte del proceso creativo. “Personalmente creo que cada libro, cada diseño, empieza de cero. Te tienes que plantear para qué es, qué contiene y qué sensación quieres dar”, defiende Moreno. “En nuestro caso, las redes sociales pueden acompañar, pero a posteriori, no tienen nada que ver con ninguna decisión de diseño”.

En su caso, además, el libro nace como recopilación de una exposición e investigación previa. “Somos cuatro profesoras de la Facultad de Bellas Artes que teníamos la idea de sacar a la luz mujeres ilustradoras, científicas, botánicas desde el siglo XVI hasta la época contemporánea”, aclara Legido. Se plantearon el libro como una obra de arte, “con mucho cuidado, con muchos detalles” y con la suerte de contar con la libertad total del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. “La verdad es que han creído mucho en el proyecto y no han puesto ni una queja a ninguna propuesta de diseño o materiales”, agradecen, aunque reconocen que ellas no han cobrado nada por el libro. “Era la manera de difundir la investigación y nos interesaba más la calidad del libro que lo demás”.

En ese mismo bando, el de la calidad frente a la viralidad –si es que fuera necesario elegir–, se posiciona el diseñador Artur Galocha: “Me gusta pensar que la portada de un libro es la ropa con la que se presenta y hay que saber vestirse para cada ocasión”. Para él lo más importante es “que tenga sentido con el tema y el tono del libro, después, que llame la atención del lector, como una especie de grito desde la estantería y, por último, que sea bonita”.

Me gusta pensar que la portada de un libro es la ropa con la que se presenta y hay que saber vestirse para cada ocasión

Artur Galocha — diseñador de portadas para Libros del K.O.

¿Qué nos encontramos cuando rompemos la burbuja, tanto de las redes como de nuestro propio entorno, y salimos a la calle? “Creo que el metro es un buen termómetro de la actualidad de una ciudad y lo que la gente lee en el metro es algo muy democrático y muy inclusivo”, señala Luis Alonso Agúndez, que en su cuenta @leyendoenmetro juega con su hermano a registrar la vida literaria del transporte subterráneo de Madrid.

“En el metro te das cuenta de que lo que te aparece en las redes es una ficción y un mundo realmente muy pequeñito”, reflexiona. Agúndez, que entre sus fotografías predilectas tiene a una señora mayor leyendo Crepúsculo o a un hombre con El Quijote, asegura que en el transporte público se rompen muchos estereotipos y percibe una tendencia a los libros de autoayuda, psicología y salud mental.

En una de sus fotos, una joven que lleva una gabardina de la marca catalana Laagam lee Te di ojos y miraste las tinieblas (Anagrama, 2023) de la también catalana Irene Solà y da la sensación de que a veces las piezas encajan. “Es una de las imágenes que más repercusión ha tenido”, admite Agúndez. “La chica que un día quise ser”, menciona un comentario. “No soy yo pero podría ser yo”, reza otro. Y el mundo real analógico nos lleva de vuelta al aspiracional, al de las redes.

Hace unos años, en pleno boom literario de Sally Rooney entre millennials, fue bastante comentada una crítica negativa a la autora irlandesa de Jessa Crispin en The Guardian que decía: “Sus libros han sustituido a los de figuras como David Foster Wallace o Joan Didion como los libros con los que ser sorprendido: 'Oh, ¿se me ha caído esta novela superventas pero a la vez aclamada por la crítica del bolso en el bar justo al lado de la persona que me atrae? ¡Qué torpe!' – Y mostrar hábilmente a todos tu buen gusto y tu interés por las novedades culturales”.

Crispin hablaba de ese componente generador de identidad asociado a ciertos fenómenos culturales, también libros, como si fuera nocivo, cuando resulta todo un logro como escritor conseguir llegar a la gente de manera tan íntima que todos te quieran llevar en el bolso. “No sé quién lo dijo, pero creo que hay mucha verdad en eso de que uno es la suma de las películas que ha visto, los viajes que ha hecho, los libros que ha leído, las personas que ha amado… Todo forma parte del paisaje sentimental de una persona y creo que es imposible ser indiferente a todo ese bagaje”, reflexiona Agúndez. “Además, creo que un libro dice mucho de una persona. Todo comunica y un libro comunica. No es lo mismo leer a Camilo José Cela que a Milena Busquets, y yo mismo he leído a ambos, pero el libro que estás leyendo en un momento concreto es generador de identidad”.

El cine ha echado mano en múltiples ocasiones de este recurso para mostrar la personalidad de un personaje. Así, a la hora de crear un perfil femenino con inquietudes y un poco de profundidad, una opción recurrente es que lean a Sylvia Plath. Lo hacen Kat Stratford en 10 razones para odiarte, Lisa en Los Simpson, o Rory, de Las chicas Gilmore.

Creo que un libro dice mucho de una persona (...) No es lo mismo leer a Camilo José Cela que a Milena Busquets, y yo mismo he leído a ambos, pero el libro que estás leyendo en un momento concreto es generador de identidad

Luis Alonso Agúndez — cocreador de la cuenta de Instagram @leyendoenmetro

Desde su librería, Manu Garrido observa un sentimiento de pertenencia más ligado a los grupos editoriales: “Tenemos clientes que compran todo lo que publican sellos concretos con los que se sienten representados, en los que proyectan algo de su personalidad o de aquello con lo que les gustaría ser asociados”. “Al final, no solo están vendiendo una mercancía sino que están generando una comunidad de personas que quizás se sentían desatendidas”, considera. “Algunas editoriales, además, utilizan todo ese poder y ese respaldo de sus seguidores para posicionarse en temas sociales y políticos. Por ejemplo, en contra del genocidio en Gaza, como está haciendo ahora Blackie Books con la publicación sin ánimo de lucro del libro Quiero estar despierto cuando muera, del autor palestino Atef Abu Saif”.

Cuando prohibieron la venta de Fariña, de Nacho Carretero (Ediciones del K.O., 2015) y lo retiraron de las librerías por orden judicial, los lectores se volcaron con la causa y no dudaron en presumir de sus ejemplares en las redes. Fue una reivindicación que partió de una simpatía y provocó la viralización de esa portada de Galocha. Él, sin embargo, lo ve como una reacción excepcional: “Eso de la identificación pasa más con los periódicos que con los libros. Ahí sí que veo un elemento generador de identidades”. “Aunque si veo a alguien leyendo un libro que me gustó mucho, siento que hay un vínculo con esa persona, aunque no la conozca de nada”, reconoce. “Los libros son vínculos”.

El Ministerio de Juventud e Infancia ha retirado una campaña con motivo del Día Internacional de la Mujer y la Niña en la Ciencia tras las críticas suscitadas por utilizar imágenes creadas con inteligencia artificial. La campaña apenas ha durado unas horas.

“Este debate merece una profunda reflexión y el sector, una disculpa. El Gobierno apoya a los creadores y escuchará e incorporará sus demandas para regular la IA”, ha afirmado el Ministerio a través de un mensaje en X en el que anunciaba la retirada de la campaña.

La iniciativa del Ministerio de Juventud e Infancia apostaba por el uso de imágenes de creaciones de Disney como Ariel, protagonista de 'La Sirenita', y que aparecía sentada ante un microscopio. “No era una princesa. Era una bióloga marina”, se lee en uno de los carteles.

La campaña añadía el lema “no es magia, es ciencia” y tenía como objetivo conmemorar este 11 de febrero la importancia de las aportaciones de las mujeres en ciencia.

El uso de las imágenes creadas por inteligencia artificial, que habría servido al Ministerio para enfatizar la importancia y el valor de los avances científicos, se ha vuelto sin embargo en contra de la campaña.

La apuesta por imágenes creadas artificialmente en vez de utilizar las elaboradas por artistas o diseñadores ha valido una disculpa de parte del Ministerio al sector. Éste ya ha protagonizado reivindicaciones en otros países como Estados Unidos, donde una huelga de actores y guionistas ha paralizado la industria mientras negociaban sus derechos ante el avance de la IA.

Artistas y diseñadores gráficos también han protestado por el hecho de que estas herramientas, que escanean y aprenden de sus trabajos para crear imágenes nuevas, no reviertan en un incremento de sus beneficios. A esto se añade, además, el temor a que la tecnología acabe reemplazando sus creaciones.

Miguelturra (Ciudad Real) y Almansa (Albacete) están separados por algo menos de 300 kilómetros pero el año pasado se sintieron más unidos que nunca gracias al cartel de las fiestas mayores del primer pueblo y del Carnaval del segundo. Eran tan parecidos que el periódico digital local La Tinta de Almansa se aventuró a decir que por su “enorme similitud” las fiestas habían quedado “unidas”. 

En el caso de Almansa, diferentes figuras de medio cuerpo, colocadas al pie de varias arquitecturas reconocibles en el pueblo, como son el Castillo y la Iglesia de la Asunción, habían sido introducidas dentro de una gran A. Un halo blanco rodea cada elemento. En el de Miguelturra, algo parecido pero con una M. La misma mano se encuentra detrás de los dos carteles: la de Rubén Lucas García, un ilustrador cuya obra está siendo observada con lupa en las redes sociales.

No era la primera vez que Rubén Lucas García ganaba el diseño de carteles para los Carnavales de Miguelturra. Empezaba a ser un viejo conocido de este pueblo manchego porque en 2015 y 2022 también dibujó para ellos. El concejal de Festejos del pueblo quedó muy satisfecho: “Representa la esencia miguelturreña”, dijo en su presentación en Madrid. No obstante, otro periódico local, el Diario de Miguelturra, también había detectado que la esencia miguelturreña se parecía a la esencia almanseña, y por ello, se preguntaba capciosamente: “¿Carteles idénticos?”.

De profesión, concursante

La actividad de Rubén Lucas García como cartelista es frenética, a pesar de que él se ha definido a sí mismo más como un aficionado que como un profesional. El bloguero canario Mogro se dedicó a recopilar información en su blog sobre los concursos que había ganado este artista y encontró hasta 170 premios entre 2012 y 2023, por los que habría obtenido unos 115.000 euros según sus cálculos, sumando remuneraciones que podían ir entre los 300 y los 2.000 euros, unas cuentas que dan menos de 900 euros brutos al mes. Títeres, fiestas, carnavales, moros y cristianos, ferias del libro, fallas y todo tipo de fiestas populares. De Arzúa a Denia, de Majadahonda a Huesca, el cartelismo de este murciano se extiende por las vallas de los pueblos de toda España. Escribió sobre él: “De profesión: concursante de carteles de carnaval”.

Es otra vez Carnaval y han vuelto los carteles de Rubén Lucas García. En el de Irún, regresa ese estilo de rodear las figuras con un halo blanco y colocar los monumentos locales al fondo. La protagonista es una mujer de pelo cano que oculta su mirada tras una máscara con plumas coloridas, mientras maneja sonriente una máquina de coser. La misma mujer, las mismas plumas, la misma máquina de coser, aparecen también en los carteles de Pedro Muñoz en Ciudad Real, Barbadás en Ourense, Irún en Gipuzkoa y Sestao en Bizkaia. “Qué cara más dura”, escribió en un tuit el cartelista leonés César Núñez, que este año ha conseguido ganar tres concursos de cartelería carnavalesca: La Carolina (Jaén), Villafranca de los Barros y Cabeza del Buey (ambos en Badajoz).

Pero el cartel de Pedro Muñoz fue el primero de todos, explican fuentes de este Ayuntamiento. De hecho, el técnico de Cultura, nada más saberse la decisión del jurado, se aseguró rutinariamente de que no era un plagio haciendo una búsqueda inversa en Google. Los cuatro ayuntamientos, involuntariamente hermanados, aceptan la polémica con humildad y cierta incomodidad. A Xosé Carlos Valcárcel, alcalde de Barbadás, le hubiera gustado tener un cartel exclusivo pero entiende que “vivimos en un mundo global”.

Valcárcel, al teléfono con elDiario.es, pone como ejemplo a Murillo y sus múltiples cuadros de vírgenes ciertamente similares: acaso un artista no explota una misma idea con el objetivo de despachar múltiples encargos, en el siglo XVII y en el XXI. “No me gusta que se repita pero me parece un cartel bonito que representa el sentido del carnaval. Para años sucesivos podemos enfatizar sobre la originalidad en las bases pero ¿cómo podemos los concellos saber si una obra es original y no es una copia o un remake? Imposible”, dice resignado el alcalde, consciente de que su Ayuntamiento no es el Museo del Prado, pero al menos tiene un buen cartel para animar las fiestas a los barbadeses.

Una escena de cartelistas de festejos

Los concursos de carteles conforman un circuito estable con el que ganar dinero, aunque requieren mucho trabajo de aplicación y documentación. Para César Núñez, Lucas es “un pedazo de artista de sobra demostrado durante años”, explica a las preguntas de este periódico y considera que es uno de entre la docena aproximada de cartelistas que han “aguantado el ritmo” de presentarse a concursos de manera constante en los últimos años. Según la web Deconcursos ―que informa, bajo suscripción, de todo tipo de certámenes a nivel nacional y cuyo responsable no ha querido contestar a las preguntas de este medio― hay unos 600 concursos anuales de carteles en España. Una escena, podría llamarse así, a la que Núñez incorpora otros nombres como Juan Diego Ingelmo, Sergio Iborra, Iñaki Fernández Iturmendi, Ángel Ligero, Jaume Gubianas Escudé, Alfredo León o Alfonso Giménez Ventura. Iborra señaló en una entrevista en el Diario de Teruel que ganaba el 15% de los concursos a los que se presentaba. “Todos intentamos ganar” pero “al final siempre ganan los mismos”, indica César Núñez.

Tomando solo la información de noticias aparecidas en prensa en 2024, Ingelmo ha ganado siete concursos; Iborra, tres; Gubianas, cuatro; Ligero, por su parte, se vio envuelto también en una polémica reciente al admitir el uso de la Inteligencia Artificial (IA) para su cartel del Carnaval de Badajoz. La paciencia de César Núñez ha llegado a su límite por la llegada de “la puñetera IA” a su oficio. Por eso estalló en redes. 

Lo que digan las bases

La irrupción de la IA está sacudiendo el mundo, entre muchos otros, de la ilustración. La tensión es tal, que muchos usuarios de redes sociales están realizando un trabajo de 'caza IA', señalando manos de seis dedos, ojos sin pupilas y bocas sin dientes o trazos que no llevan a ningún sitio; fallos habituales de las obras generadas por estos programas, a día de hoy. Dentro de tres meses, es probable que Dall-e o Midjourney hayan aprendido de sus errores.

Las cuatro variantes de Rubén Lucas García han sido objeto de esas acusaciones. Pero cuando el Ayuntamiento de Pedro Muñoz llamó al autor y le preguntó si había usado IA, este dijo que no. En cualquier caso, no habría incumplido las normas del concurso y en el consistorio no lo ven con malos ojos, pues entienden que puede ser una herramienta de apoyo.

La radio local de Pedro Muñoz entrevistó a Rubén Lucas García hace pocos días. Cuando la locutora le pregunta por la técnica utilizada, él contesta: “Es una ilustración normal y corriente”. Pero hay quien no está convencido de que sea tan normal y tan corriente. MiguelXMIG recortó una parte del cartel de Irún en el que se ve la fachada del Ayuntamiento que parece que se cae a pedazos. “Son inconsistencias propias de las imágenes generadas mediante IA”, indica la ilustradora Beatriz Albir a elDiario.es, quien tiene la “seguridad absoluta” de que se ha utilizado este software para la realización del cartel irunés. Esos detalles reveladores suelen ser “manos deformes, mechones de pelo y prendas de ropa que se funden con la piel”, así como que no se “delimiten los contornos de cada cosa” y “la falta de composición” que provoca que los elementos estén “flotantes, sin ningún orden. No hay un suelo, una perspectiva o una línea de horizonte”. Hay usuarios, como Alba o Almassora, que incluso han creado sus propias variantes construyendo una instrucción (prompt) en programas de IA que daría como resultado algo semejante y este periódico también lo ha intentado, pero nunca devuelve una variación de estilo tan semejante a los del autor.

No obstante, la posibilidad de ganar concursos utilizando IA enfurece a algunos ilustradores que compiten por los mismos en condiciones menos ventajosas. “Está bien que cada uno tenga su estilo pero pedirle a la IA una tejedora con antifaz y con plumas de colores, y las ocho versiones que te ofrece utilizarlas para distintos sitios con el monumento correspondiente detrás, no es ético, no es justo”, se queja César Núñez.

Existen ya aplicaciones que, mediante ingeniería inversa, analizan si una imagen ha sido generada por un humano o por una IA. Sus creadores advierten que no son cien por cien fiables y aconsejan pedir una segunda opinión a un experto. En una prueba realizada por este diario, según Illuminarty, la probabilidad de que se haya usado IA en el cartel del Carnaval de Irún es menor del 4%. En cambio, Huggingface valora que, con un 94% de probabilidades, ha sido obra de una máquina. César Núñez señala que estas herramientas aún no están lo suficientemente desarrolladas para confiar en ellas.

El escrutinio en redes al trabajo de Rubén Lucas viene de atrás. A Cristina le llamaron la atención en 2020 al menos 10 carteles parecidos, premiados entre 2019 y 2020, en los que se utiliza el mismo concepto: extremidades vestidas con una tela estampada o bien figuras que en su interior se colorean con la misma paleta. Las fuentes que conocen esta manera de trabajar del ilustrador, se extrañan de que sea ahora cuando llama la atención.

Rubén Lucas ha declinado contestar las preguntas de este periódico, preocupado por lo que considera “bulos” y un ataque a su reputación en los medios de comunicación, y ha indicado que son asuntos que ha dejado en manos legales.

Definir lo original

Puño, un reconocido profesor e ilustrador madrileño, se estudió las bases del concurso de Irún e interpretó que la obra elegida estaba incumpliendo uno de los requisitos: ser un “original del autor”. En el Ayuntamiento no lo ven así. Puño explica a este diario que considera “imposible” que el uso de la IA pueda encajar en el concepto de “originalidad”. “Si encargas el dibujo a otra persona, no es tuyo original. ¿Si se lo encargas a un software sí lo es?”, se pregunta.

El dibujante de cómics David Rubín, que ha sido jurado en premios a carteles, reclama que se incorpore a las bases de este tipo de concursos la exclusión explícita del uso de IA, pero también señala que “el golpeteo constante” de carteles de baja calidad “que inundan gran parte de las calles de pueblos y ciudades anunciando festejos” no es un problema que se iniciara con la explosión de la IA sino una consecuencia de la “escasez de interés y conocimiento” de los jurados e instituciones.

Abordar el impacto de la IA es complejo, hay una parte que tiene que ver con “el progreso”, dice el dibujante Kike Infame, de la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP): “Y los ilustradores no estamos en contra del progreso, estamos en contra de que el progreso se sustente sobre el derecho de los ilustradores”, explica a este periódico. A esta entidad le parece “esperanzador” que la sociedad se sensibilice por los problemas de su profesión, como se ha visto estos días en redes, y espera que eso desemboque en que las instituciones se pongan en contacto con ellos antes de redactar las normas de los concursos, para asegurar tanto “la calidad” como “la ética” de los ganadores. Por otro lado, Infame observa con preocupación que haya instituciones que “les de igual el producto con tal de conseguir un precio”: “Hay gente que considera que la IA es un atajo para evitar los intermediarios, que en este caso son los profesionales del medio, por lo que piensan más en tiempos y en plazos que en el ecosistema”.

Más allá de esta intriga alentada por la colectividad de las redes, este caso hace aflorar la tensión actual que se vive en el mundo de la creación artística debido a la penetración incontrolable de las herramientas de Inteligencia Artificial y la necesidad de una regulación, como piden las asociaciones profesionales.

Todo empezó con unas estadísticas: solo un 1% de las agencias creativas están dirigidas por mujeres o personas no binarias. Demasiado poco para un sector en el que precisamente abundan las profesionales. Los números hicieron saltar la alarma de Jessica Walsh, diseñadora, directora de arte, ilustradora y educadora estadounidense que decidió crear una iniciativa sin ánimo de lucro precisamente para invertir la tendencia. Hoy esa iniciativa, llamada Ladies, wine & design, suma acciones en 285 ciudades de todo el mundo, y Sevilla ha vuelto a participar en ella este fin de semana en el marco del Festival Offf.

Allí se dieron cita la diseñadora onubense Granada Barrero, cabeza visible de Ladies, wine & design en Andalucía, y sus colegas granadinas del Colectivo Verbena, Susana Aguilera y Enka Corrales. Barrero explica que hace unos años, cuando era presidenta de la Asociación Andaluza de Diseñadores, pensó que sería buena idea llevar el espíritu de Walsh a tierras sureñas, y desde hace tres años concurre regularmente en el Offf. “La realidad actual es que un 70% del alumnado en las escuelas de diseño son mujeres, pero solo el 11% tienen perfiles de CEO. Queremos que tengan un ejemplo a seguir, y que no vuelva a pasar lo de antaño, donde era posible que yo me viera como la única ponente mujer en un festival de tres días”, comenta.

Sus compañeras asienten: “En mis clases de Bellas Artes, las mujeres llegábamos al 80%”, apunta Aguilera. “Solo se nos enseñaban referentes masculinos. Las mujeres estaban siempre a la sombra de los hombres, lo que trabajaban lo firmaban ellos. Hay mucha arqueología que hacer ahí, pero creo que las escuelas se están poniendo las pilas y rescatando perfiles y hablando de retos y dificultades”.

Modelos democráticos

Ese camino está ya iniciado con proyectos como Referentas de Amanda Lázaro, pero no se queda solo en el rescate de nombres valiosos. Para Barrero, la evolución que el feminismo está experimentando en los últimos años “está generando una nueva manera de liderar, que no replica el modelo patriarcal que conocíamos. Está cambiando todo a base de empatía”.

“Nosotras en Verbena funcionamos como cooperativa”, agregan Aguilera y Corrales. “Creemos en un modelo democrático. Cuando perteneces a una minoría oprimida o sientes en tus carnes la discriminación, eres más sensible a estas cosas. Que todo sea consensuado y que cada persona valga lo mismo que la que tiene al lado es un valor feminista”.

Corrales recuerda que, cuando el colectivo echó a andar, lo primero fue redactar “un manifiesto que era como una carta a los Reyes Magos. ¿Cómo te gustaría que fuera tu trabajo? ¿No tener jefes, no tener presiones, pasarlo bien en él, conciliar…? ¿Tener horarios flexibles? No éramos tan conscientes de que se podía hacer todo”. Para Aguilera, parte del inmovilismo del modelo empresarial pasa por “la desconfianza: hacia los empleados, hacia el teletrabajo… Lo más bonito que podemos regalar a las nuevas generaciones es la demostración de que las cosas pueden hacerse de otra manera”.

Liderazgo no autoritario

Porque lo cierto, aseveran todas, es que la incorporación de las mujeres a puestos de responsabilidad ha supuesto a menudo la reproducción de los vicios del modelo masculino de trabajo o de éxito. Barrero asegura que “he tenido situaciones en las que se ha dudado de mi liderazgo por no ejercerlo de manera autoritaria. Se me recriminaba que no era lo bastante fuerte, pero a lo mejor he hecho crecer esa organización no solo en números, sino también en bienestar de las personas que la integran”.

Para Corrales, hay una clave en torno a los cuidados y los autocuidados. “Sentirse bien es beneficioso para todos, y si estar con la familia o ir al gimnasio te hace falta para ello, tienes que hacerlo. Como expresar lo que nos pasa. Nosotras celebramos una reunión trimestral que llamamos Mondongo, donde hablamos de nuestros estados de ánimo, unas de forma más expresiva y otras más retraída, pero eso es darle valor al equipo”.

Todo ello tiene que ver con el vino del nombre Ladies, wine & design, una idea de charla natural en la que, por cierto, no se trata de contar lo bien que le va a todo el mundo. “Esas reuniones en las que todos alardean de éxito pueden ser muy frustrantes para quien empieza”, interviene Corrales. “No siempre puedes decir que todo te va increíble. Y se puede aprender mucho de aquel a quien no le va tan bien”.

Fe en la gente joven

Por otro lado, las tres participantes del Offf son conscientes de que la inclusión de las personas no binarias en el proyecto no está a salvo de la controversia en el debate actual del feminismo. “Nos gustaría mostrar más diversidad, pero los estudios no suelen expresar sus valores al respecto, o las personas que los componen. Es un tema delicado”, admite Barrero, mientras que Corrales ve positivo el debate: “Si hoy soy mujer y por lo que sea mañana me siento hombre y mi estudio es todo de mujeres, ¿cómo hacemos? Lo cierto es que estamos en el camino de que las cosas cambien y de construir en función de las personas que no tienen que encasillarse en algo”.

En este sentido, muestran una fe absoluta “en la gente joven. Estamos aquí para escucharla”, dice Aguilera, quien celebra que “si hemos logrado crear un sitio acogedor e inclusivo, como nos han hecho saber algunas becarias, algo estamos haciendo bien. Y esa gente me da una esperanza total, son mucho más libres y empoderadas que nuestra generación”.

“Los cambios van a su ritmo, pero siento que todavía se pueden acelerar mucho más y romper más trabas culturales”, concluye Barrero.  “Estas chicas nuevas son herederas de la pandemia, tienen por delante un mercado laboral muy complejo, no están para tonterías y reivindican lo suyo”.

El pasado 30 de noviembre finalizó la cuarta edición de MU-TANTES, un festival que engloba diferentes disciplinas artísticas desarrolladas en la Cárcel Vieja, pero… ¿los murcianos y las murcianas conocen la historia de las cuatro ediciones de este proyecto? El diseñador gráfico Cristóbal Sanchez Nicolás, formado en la Escuela Superior de Diseño, es uno de los organizadores que conforman el equipo junto con Roberto Navarro, Lola Baños, Adrián Marzal y Jose Lorente.

¿Cuándo surge MU-TANTES? Para ello nos tenemos que remontar al pasado, a los orígenes de Cristóbal: “En mi casa me inculcaron la música y la lectura. Desde pequeño he ido a conciertos y siempre he sido un crío con inquietudes. Me llamaba la atención cómo se hacían las cosas. A lo largo de mi vida he comprado muchos discos y mi cabeza se iba componiendo gracias a la música hasta que descubrí el diseño gráfico”. No fue hasta el proyecto final de carrera cuando, junto con uno de sus compañeros de Diseño, crearon el prototipo de MU-TANTES. “Todo el mundo nos decía que teníamos que hacerlo realidad, así que fuimos tocando puertas hasta conseguir realizar la primera edición en el Centro Cultural Puertas de Castilla, donde tuvimos el apoyo de Jesús de la Peña. Tras muchas reuniones con el Ayuntamiento, el ICA y el Centro Párraga, nos dieron la oportunidad de hacerlo posible”.

“Aun así, al ser la primera, todo fue muy humilde y totalmente autogestionado, sin subvenciones, en una sala pequeñísima donde doce artistas expusieron colectivamente. Creo recordar que cada uno tenía 2 metros de pared. Y a pesar de eso, vinieron más de 400 personas. Fue apoteósico”. Recordaba entre risas. “Ahí empecé a tener una inquietud, ese momento me hizo ver las posibilidades que tenía el evento y fue un poco el ‘click’, es decir, fui consciente de que estaba generando un festival sin tener experiencia en la gestión cultural, pero con una madurez que solo me la pudieron dar los festivales a los que he ido durante toda mi vida. Eso hizo que las inauguraciones de MU-TANTES se convirtieran en un acto social, donde toda la gente de la cultura y el diseño venían a vernos”.

“La segunda edición se realizó gracias a que me concedieron una ayuda para el proyecto y nos trasladamos al Cuartel de Artillería pasado el Covid-19, el primer acto cultural que se hizo en Murcia. Recuerdo que teníamos que hacer pases cada veinte personas para que subieran a ver la exposición y vinieron un total de 600 personas. Recuerdo que volví a sentir lo mismo que la edición anterior, y eso hizo que me dieran ganas de volver a programar una nueva”.

“Aun así, la tercera edición no habría sido posible si no fuera por mi equipo. Son maravillosos. Se nos encendió la bombilla de lanzar la propuesta de funcionar como un festival que se realizara en la Cárcel Vieja y lo presentamos con un dossier bastante potente. Mamen Navarrete y Mercedes Hidalgo, se quedaron con la boca abierta y dijeron ”queremos hacer esto en Murcia“. Desde ese momento el festival pegó una explosión fuerte, incluso a nivel nacional, y es ahí cuando fuimos conscientes de que lo que estaba pasando era algo grande, aun tratándose de un proyecto independiente que reivindica el movimiento underground. Me quedo con que llegue a los profesionales del ámbito cultural de toda España y que flipen porque es un festival que abarca muchas vertientes. Me llena más un mensaje de un amigo diciendo ”tío lo estás haciendo genial“”.

“En esta cuarta edición hemos recibido un total de 134 propuestas con un nivel altísimo, una absoluta locura, y quedarnos con los artistas de este año nos ha llevado dos días intensos a todo el equipo. No somos quien para juzgar, pero sí quien decide los que encajan mejor en el proyecto”.

Después de repasar las cuatro ediciones de MU-TANTES, comienza a hablar del panorama cultural de la Región de Murcia, finalizando con: “Es una ciudad de oportunidades, un sitio perfecto para evolucionar creativamente. Creo que se tienen las herramientas para desarrollar un proyecto, solo tienes que poner ganas y constancia. Si no lo haces tú, no va a ser posible y nada llega solo. Eventos como MU-TANTES u otros que se están realizando ahora mismo están abriendo puertas a nuevas generaciones que poco a poco empiezan a calar en Murcia. Solo falta que nos ayuden a ser pioneros.”

El Senado estrena este miércoles un nuevo logo institucional más minimalista que utilizará a partir de ahora en sus redes sociales y servicios digitales. La imagen representa ahora la fachada del Hemiciclo de la Cámara Alta en la madrileña calle Bailén y utiliza el rojo y el blanco para representar a la institución.

La aprobación de este nuevo logo ha sido posible gracias a la mayoría absoluta que tiene el PP en el Senado y tiene como objetivo “lograr la identificación de la institución en todos los ámbitos de la comunicación” y “reducir el estrés visual”. Sin embargo, la actualización no termina de convencer a la extrema derecha.

El líder de Vox, Santiago Abascal, criticó la desaparición del escudo en su cuenta de X (antes Twitter) y calificó la decisión del Partido Popular como “una maldita broma”.

A la crítica de Abascal se han sumado otros tantos representantes de la extrema derecha, como Rocío Monasterio, que ha señalado este jueves que lo que a ella le provoca estrés visual es la bandera de la Comunidad de Madrid por sus “estrellas comunistas”. “A ver si tenemos que proponer desde VOX recuperar la original…” ha dicho la portavoz de la formación en la Asamblea de Madrid.

Por su parte, Pepa Millán, portavoz de Vox en el Congreso de los Diputados, se ha referido directamente al partido de Feijóo para arremeter contra el cambio de imagen del Senado. “El PP, como siempre, en lo importante”, ha ironizado Millán en sus redes sociales.

A pesar de la incorporación del nuevo diseño adaptado a los formatos digitales, la Cámara Alta prevé mantener su tradicional escudo para determinados usos, como la fachada o los elementos de papelería (sobres, carpetas...).

Los premios que otorga el Certamen de Diseño Gráfico Tipos cumplen este año su séptima edición con el objetivo de celebrar el diseño cántabro y consolidar esta cita en la región. Por eso, este año aumentan el número de categorías y abren la participación a todos los estudios y diseñadores gráficos de Cantabria.

Las categorías de los premios Tipos23, que hasta ahora reconocían la mejor Trayectoria y la mejor Empresa, añaden cuatro áreas: Identidad Visual, Cartel, Diseño Editorial y Packaging. Las cuatro, que engloban buena parte del trabajo que realizan los profesionales del sector, reconocerán las mejores propuestas realizadas por un diseñador cántabro entre el año 2022 y 2023.

Por su parte, los ya consolidados premios a la Trayectoria y la Empresa mantendrán sus requisitos. Para el primero, se seleccionará un estudio o diseñador que desarrolle su labor profesional en la comunidad autónoma y que cuente con más de diez años de experiencia. A lo largo de estos años han recibido el galardón Beusual, Pepe Terán, Toña Maoño, Creando, Mutta y Jesús Allende.

Asimismo, el premio Empresa/Asociación valorará a aquellas empresas o instituciones que cuidan y dan importancia a la comunicación gráfica en sus tareas diarias. En ediciones previas ha recaído en Justina de Liébana, Librería Gil o en asociaciones como Sol Cultural, Acai y la revista Peonza.

Las inscripciones están disponibles en la web certamentipos.es y el plazo permanecerá abierto del 1 al 30 de noviembre. Los premios serán fallados por un jurado de prestigiosos diseñadores y su entrega se celebrará a finales de año en la sede del Colegio de Arquitectos de Cantabria (COACAN).

Aparte de estos premios, el certamen continuará durante los dos próximos meses con los encuentros sobre sostenibilidad y propiedad intelectual, una exposición de carteles dedicada a las periferias de Santander, la muestra 69 del Type Directors Club de Nueva York, el concurso de Jóvenes Diseñadores y una intervención de Street Design en un colegio público.

Tipos23 cuenta también con el patrocinio de MARE, el Centro Universitario Cesine, la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria, Now Estudio y la Consejería de Industria, Empleo, Innovación y Comercio.