El artista y diseñador José María Cruz Novillo ha sido nombrado Hijo Predilecto de la ciudad de Cuenca a título póstumo.

El Ayuntamiento de Cuenca lo ha aprobado por unanimidad en el Pleno extraordinario celebrado este lunes. Cruz Novillo nació en Cuenca en 1936 y comenzó su andadura artística entrando como dibujante en Publicidad Clarín en 1957, una faceta que nunca abandonó.

Posteriormente creará su propio estudio de Diseño, desde el que ideará las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Tesoro Público, PSOE, COPE, Grupo PRISA, Diario 16, El Mundo, El Economista, Red Eléctrica, Renfe, Visionlab, Fundación ONCE o el logo de Cuenca 2016, entre muchos otros muy reconocibles.

Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), convirtiéndose en Socio de Honor de la misma, y ha participado como jurado en decenas de premios, incluyendo los Premios Nacionales de Diseño, de Arquitectura y de Cómic. Ha diseñado también múltiples carteles de reconocidas películas y realizado multitud de exposiciones.

En 2019 se estrenó la película documental ‘El hombre que diseñó España’, que repasa la trayectoria de Cruz Novillo tanto en su faceta de diseñador como en la de artista plástico desde su primer logo, en 1957, y exposición individual, en 1972.

La ciudad de Cuenca posee también la Escuela de Arte Cruz Novillo, centro público de enseñanzas artísticas ubicado en el Casco Antiguo. José María Cruz Novillo falleció el pasado 2 de mayo, a los 89 años de edad.

La del diseñador gráfico es una tarea con más responsabilidades de las que aparenta. A él corresponde inventar las formas visuales en que una sociedad se comunica. Dotarlas de lógica y coherencia. Hacerlas bellas según los consensos, o no, de la época. Provocar que hablen. En el caso de Pepe Barro (Pontedeume, A Coruña, 1955) esa sociedad es Galicia y las formas, desde los carteles de oposición a la finalmente no construida central nuclear de Xove en los 70 a la renovación de la Casa da Matanza -el museo de Rosalía de Castro-, de las cajas de huevos de una pequeña empresa rural a la maqueta del único diario en papel redactado en gallego, Nós Diario. “Trabajamos en un lenguaje internacional y en una koiné gráfica internacional”, sostiene Barro, “pero pasaba igual en el Románico. Lo había en Santiago y en Alemania”. Con acentos singulares, sin duda. Los de este artista gráfico, clave en el desarrollo de la disciplina en la comunidad desde la restauración democrática, los recoge ahora O libro de Barro (Didac, 2026), unas memorias gráficas de 400 páginas que concentra “lo esencial” de su trabajo y de su idioma.

Hace tres años, Barro envío a amigos y conocidos uno de esos libritos autoeditados con que los obsequia de vez en cuando. 1973. O ano decisivo, se titulaba. “Estudiaba Filosofía y Letras en la Universidade de Santiago y ese año hice dos o tres carteles para la asociación cultural O Galo”, relata elDiario.es, “me fui enredando y me decanté hacia el diseño. Abandoné la carrera y hasta hoy”. O libro de Barro, que recoge en una vistosa edición la síntesis del archivo del diseñador depositado en la Fundación Didac, de cuadernos manuscritos a reportajes fotográficos de sus labores museográficas, de bocetos de carteles a un catálogo de símbolos y anagramas, arranca con ese primer diseño: un cartel para la Homenaxe a Castelao organizada por O Galo, una de las agrupaciones de referencia en la resistencia cultural antifranquista. “En los años 70 nadie sabía lo que era el diseño en Galicia”, asegura en la entrevista con David Barro que abre el volumen. Fue su generación, de la que formaban parte Xosé Diaz -hijo de Isaac Díaz Pardo- o Lía Santana, la que lo remedió. En su caso, de la mano de Ventura Cores (Cee, 1931- Pontevedra, 2015), pintor e interiorista al que reconoce como maestro.

“El diseño gallego se fue desarrollando en paralelo a la construcción de su mercado”, explica, “cuando yo era joven, los diseñadores éramos pocos, y el mercado estaba reducido a la industria cultural. Ya no. La sociedad ha madurado y comprendido la necesidad de nuestro trabajo”. Barro vivió esa profesionalización durante los 80 y los 90 en solitario o integrado en despachos como BC&D, Grupo Revisión Deseño o Barro Salgado Santana. Pero antes, los años pioneros. Fue cuando Pepe Barro se hizo cargo del diseño de A Nosa Terra, cabecera histórica del nacionalismo gallego resurgida a finales de los 70 con un enfoque izquierdista y moderno, dirigida entonces por la periodista, escritora y cineasta Margarita Ledo. También trabajó para la industria cultural, por ejemplo para la recién constituida editorial Xerais, quizás la pieza clave del libro gallego en la etapa autonómica. A ese mundo ha seguido vinculado, sobre todo a través de las cubiertas para las obras del escritor Suso de Toro, amigo personal, de Caixón desastre (Xerais, 1983) a Terra de sacrificio (Xerais, 2025).

A Nosa Terra no fue la única experiencia periodística de Barro. En 1987 formó arte de la sala de máquinas de Diario de Galicia, un diario progresista y fugaz cuya dirección recayó en Xosé Antonio Gaciño. La subdirección, en Manuel Rivas. “Fue uno de los primeros periódicos del Estado en usar ordenadores para el diseño”, asegura. El cambio tecnológico es otra de las constantes en las reflexiones de Pepe Barro, quien recuerda algunas de las transformaciones con las que ha lidiado su oficio: la fotocopiadora que ampliaba o reducía, “un avance brutal”; la fotocopiadora a color; la fotografía digital. No sale de casa sin tres objetos, de los que nacen no pocos de sus proyectos: un cuaderno, una pluma y su teléfono móvil. “A mi generación le tocó aprender de nuevo a trabajar con la popularización de la informática”, considera, “y vencer el miedo a la homologación, a que todo iba a ser igual hecho por ordenador. No fue así, superamos los fantasmas del cambio tecnológico. La cabeza es la que rige, está claro”.

Tampoco le asusta la llamada -numerosos expertos critican la denominación- inteligencia artificial. “Es otro fantasma que va a ser dominado y una herramienta maravillosa para nosotros”, dice, “veo el problema de si le pides, no sé, el cartel para las fiestas de Pontedeume. Lo hace, pero saqueando nuestro trabajo. Quizás funcione a un nivel popular, pero para el trabajo serio va a seguir confiándose en la cabeza de los diseñadores”. No por nada Pepe Barro asegura que lo que más le interesa de su profesión, cincuenta años después, son los “nuevos retos”. “Tengo que pasarlo bien trabajando, si no, no me sale bien”, afirma divertido. Pero no solo del futuro inmediato vive el artista gráfico.

Historia de las formas gallegas

O libro de Barro recoge además algunas de sus investigaciones sobre la simbología nacional gallega. Las agrupa bajo el epígrafe de Divulgación. La historia de la actual bandera de Galicia es una de sus obsesiones. Según su tesis, la tela blanca con franja azul claro de izquierda a derecha en sentido descendente la ideó el historiador Manuel Murguía, marido de Rosalía de Castro, por encargo del Centro Gallego de La Habana, que le habría solicitado un estandarte para sustituir el de la Cruz de Santiago en el último cuarto del siglo XIX. “Hasta ahora teníamos una descripción del estandarte de Murguía, pero el investigador Sixto Gómez Echemendia ha encontrado una imagen del mismo”, revela. La teoría hasta ahora más aceptada sitúa su origen en la enseña de la provincia marítima de A Coruña, que a finales del XIX eliminó una de las dos aspas azules cruzadas en diagonal para evitar confusiones con otras. Según el diseñador, esto sucedió un mes después del traslado de los restos de Rosalía de Castro a Bonaval, en Santiago de Compostela, el 25 de mayo de 1891. En esa ceremonia habría ondeado la bandera de la franja azul, ideada por Murguía y cosida por Alejandra Murguía de Castro. Barro desarrolla su argumentación en un ensayo publicado en el Boletín da Real Academia Galega.

“Siempre me ha interesado desvendar la historia y los significados de la simbología patriótica gallega, desde el punto de vista político y desde el cultural”, apunta. Aunque insiste en defender que el diseño gráfico es un lenguaje internacional, también sabe que “hay formas que tiene carga simbólica”. Menciona, por ejemplo, los motivos de inspiración celta, que en el caso de Galicia sufrieron una transición, del dolmen o anta como figura principal al trisquel y las representaciones solares. Dos libros “a medio hacer” le servirán para seguir ordenando sus indagaciones al respecto. Porque si un elemento ha caracterizado el medio siglo de trayectoria como diseñador es el pensamiento sobre el propio oficio. Él mismo se lo pregunta al final de esta conversación con elDiario.es: “¿Por qué tiene interés un diseño una vez que su mensaje ha caducado? ¿Por qué tiene interés la imagen de una virgen? No por la representación teológica, sino por cómo está pintada, por esa carga poética”. “Encontrar su expresión es lo que todavía me motiva cada vez que me encargan un trabajo”, concluye.

Barro presentará O libro de Barro en el Museo de Belas Artes da Coruña acompañado de Mónica Maneiro, de la Fundación Didac, y del escritor Suso de Toro el jueves 28 de mayo.

Etiquetar a Víctor Aparicio (Tui, 1958) resulta casi imposible. Aunque marcado para siempre con el nombre de la banda que le dio su primera fama, Los Coyotes, limitarlo al liderazgo de aquel combo que pasó del psychobilly a abrazar antes que nadie los ritmos latinos sería quedarse muy corto. Sobre todo porque Los Coyotes se disolvieron en 1992 y, desde entonces, Víctor no ha parado.

No sólo ha continuado su particular carrera musical sino que la ha compatibilízado con sus trabajos como dibujante, diseñador, cineasta o realizador de videoclips. No en vano, él mismo dice de sí mismo que tiene “más vista que oído”. Sus Traballos de película (Trabajos de película) reunidos en una particular exposición son uno de los platos principales de esta edición del Festival de Cans (O Porriño, Pontevedra), donde estrena un cortometraje inédito.

A continuación, con él como guía, repasamos algunos de los carteles, videoclips o storyboards que se pueden visitar hasta el 31 de mayo.

A verdadeira historia de Carmiña Vacaloura e Pepiño Grilo de Maestro Reverendo (Xabarín Club, 1995)

No muy conocida más allá del telón de grelos, Carmiña Vacaloura protagonizó los terrores de toda una generación de niños gallegos enganchados al Xabarín Club, donde descubrieron a Son Goku o Arale. La canción –“muy rara”– fue compuesta por el Maestro Reverendo, compinche durante años del Gran Wyoming, y el líder de Siniestro Total, Julián Hernández. “Había una parte, la pesadilla de Carmiña, un poco psicodélica, como una especie de hipnosis”, admite Coyote a quien muchos de aquellos pequeños –ahora adultos– le han confesado el miedo que les causó el clip. “Creo que es ese tipo de miedo que los niños necesitan de vez en cuando, ese que tiene el morbo de 'no quiero mirar pero miro'”, reflexiona mientras encuentra antecedentes oníricos en la escena de la borrachera de Dumbo, la de los elefantes rosas. “En el Xabarín lo anunciaban como el primer videoclip de animación hecho en Galicia y por gallegos”, recuerda sobre una producción que fue “agónica” porque los plazos de entrega eran “inminentes”.

Milonga del Marinero y el Capitán. Los Rodríguez (1995)

Los Rodríguez no sabían que apenas les quedaba un año juntos y estaban disfrutando de su mayor éxito cuando a Coyote le surgió la oportuindad de encargarse del clip de la Milonga, el tema que abría el disco Palabras más, palabras menos. La banda, que le ofrecía un “importante presupuesto” y la posibilidad de rodar en cine, “no quería un vídeo con un marinero, un capitán y una rubia loca”. Sin embargo, lo que el artista les ofreció fue justo eso: seguir casi al pie de la letra el argumento de la canción, pero pasándola por su filtro particular, en la que él mismo se encargó de diseñar el vestuario y el decorado. El resultado final dejó “una estética un poco esclava de El gabinete del doctor Caligari y el expresionismo alemán, pasado por el humor español –a veces tonto, a veces completamente absurdo– de La Codorniz”.

Cartel de Matías, juez de línea (La Cuadrilla 1996)

Coyote ya había aparecido con un pequeño papel en Justino, un asesino de la tercera edad, antes de encargarse del cartel de Matías. La Cuadrilla o, lo que es lo mismo, Santiago Aguilar y Luis Guridi, eligieron Lugo, “cerca de Viveiro”, para rodar el segundo film de su trilogía Café, copa y puro –el cierre llegaría dos años después con Atilano, presidente–. En el diseño, el artista podía haber optado de nuevo por las influencias de La Codorniz –muy evidentes en el humor negro de Justino– pero la “onda” de esta comedia invitaba a mirar más allá de las fronteras de la península. “Buscábamos un modelo de película un poco antigua, como las cintas inglesas de los años sesenta, pero que también tuviese algo que ver con lo que les gustaba a Santiago y Luis: el cine de Tati, un poco de Tintín...”.

Sábanas Blancas, Cama estrecha. Mastretta (1998)

“Es un videoclip un poco artie, porque Mastretta también es un músico un poco artie”. Coyote se toma un momento de reflexión y va un paso más allá para completar su definición: cool artie. Recuerda el proceso de creación como “bastante libre”, un trabajo en el que pudo combinar una animación de corte más tradicional con imagen real, aunque de nuevo tocaba rizar el rizo: tras grabar a las gimnastas, acabaron “animándolas frame a frame”. “Es un clip interesante y que creo que está muy adecuado a la música, que es de lo que se trata cuando te encargan algo así”. Que se lo digan a Los Rodríguez.

Cartel de Crimen ferpecto (Álex de la Iglesia, 2004)

Desde su estudio madrileño Pocateja, Coyote y su socio fueron derivando su trabajo de las discográficas hacia el mundo del cine, donde lo mismo se encargaban del diseño que del atrezzo. Crimen ferpecto transcurre casi íntegramente en un ficticio centro comercial, Yeyos. Pocateja tuvo que crear todo el grafismo de aquel espacio: “los anuncios de rebajas, los nombres de las secciones... hasta el logotipo de los grandes almacenes”. Finalmente, el director les propuso, también hacerse cargo del cartel de la película. “Álex ya tenía una idea bastante clara de lo que quería, porque es muy solvente en el aspecto gráfico, dibuja mucho, hace muchos stories...”. Todo eso se completó con la edición de un libreto, una revista para los medios y hasta una publicación destinada a la prensa internacional para la proyección en el extranjero.

Storyboard de la documovie Siñor Afranio (2008).

“Yo no tengo formación audiovisual, pero siempre trabajé en el comic”. Para Víctor Coyote, la única diferencia entre el arte secuencial y el cine es que en éste último “hay más fotogramas”. Por eso, él siempre tiró de storyboards para sus vídeos o sus documentales (Traballadores de contrabando, Só concertinas), antes incluso de que esa práctica estuviese extendida. En Siñor Afranio dio un paso más. La historia del político republicano Antonio Alonso Ríos, que sobrevivió a la Guerra Civil haciéndose pasar durante tres años por un mendigo portugués, incluía escenas de ficción, en las que el líder agrarista era interpretado por Luís Tosar. Esa recreación, “bastante espectacular”, exigió “subir el nivel técnico”. “Es uno de los stories más currado de todos los que hice y fue muy importante para el rodaje”, concluye.

Joven de cuello vuelto. Víctor Coyote (2014)

Este videoclip, para un tema propio, necesitaba ir “muy pegado a la línea de la canción” y, por eso, para su autor la “clave” era conseguir a personajes muy adecuados a los protagonistas. Encontró a un “auténtico” joven de cuello vuelto, “uno que había sido mod y había pasado de eso a convertirse en poeta o fan de la poesía”. Lo mismo le sucedió con la actriz Arantxa de Juan, a quien reclutó para el papel de “la mujer madura”. Por el medio, de la trama jugó con los ambientes porque “los clips no pueden ir remarcando demasiado la lectura de la letra” (¿En qué quedamos, Víctor...?).

Cabecera de la serie Poquita Fe (Pepón Montero y Juan Maidagán, 2023)

“Es uno de los trabajos más recientes y de los más satisfactorios a nivel artístico de los últimos años”. Coyote llegó como compositor a una comedia sin música incidental. “Un tema central y punto” para una cabecera de “quince o veinte segundos” que buscaba “ser diferente en cada capítulo y que la gente no se la saltase”. Acabó encargandose él mismo de la animación. “No querían que fuese una alusión directa a la serie –que presentase a los actores o adelantase lo que iba a pasar– sino al ambiente, al mundo de la serie”. Que Poquita fe se convirtiese después en un gran éxito sólo fue la guinda del pastel. “Una maravilla, por la libertad artística, por ponerle a los dibujos la banda sonora que una mismo compuso...”. Una banda sonora que, al igual que la cabecera, también varía. “En la primera temporada, dividida en los meses del año, adecuábamos el ritmo a la época: en agosto, calypso; en otoño, más pausados y melancólicos...”. Para la segunda, que transcurría en cuestión de días, jugaron con la melodía y los ambientes. El músico reivindica además el “costumbrismo” que impregna la serie: “Woody Allen es puro costumbrismo judío neoyorkino. Cuando los americanos ven a un detective en Minnesotta ven al típico... tío de Minnesota”. Por un momento, pareció que iba a mencionar al típico español, pero no era necesario: a ése ya le cantaron Los Coyotes cuando los 80 estaban a punto de despedirse.

El equipo de Gobierno del Ayuntamiento de Cuenca propondrá el nombramiento de José María Cruz Novillo, artista y diseñador clave a nivel nacional e internacional, como Hijo Predilecto de la ciudad. El alcalde Darío Dolz ha señalado que esta propuesta se hará a través de una moción en el próximo Pleno, tal y como se lo ha dado a conocer ya a su hijo Pepe Cruz.

Nacido en Cuenca en 1936, José María Cruz Novillo comenzó su andadura artística entrando como dibujante en Publicidad Clarín en 1957, faceta que ya nunca abandonó. Posteriormente creará su propio estudio de Diseño, desde el que ideará las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Tesoro Público, PSOE, COPE, Grupo PRISA, Diario 16, El Mundo, El Economista, Red Eléctrica, Renfe, Visionlab, Fundación ONCE o el logo de Cuenca 2016, entre muchos otros muy reconocibles.

Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), convirtiéndose en Socio de Honor de la misma, y ha participado como jurado en decenas de premios, incluyendo los Premios Nacionales de Diseño, de Arquitectura y de Cómic. Ha diseñado también múltiples carteles de reconocidas películas y realizado multitud de exposiciones.

En 2019 se estrenó la película documental ‘El hombre que diseñó España’, que repasa la trayectoria de Cruz Novillo tanto en su faceta de diseñador como en la de artista plástico desde su primer logo, en 1957, y exposición individual, en 1972.

En la ciudad contamos en su honor con la Escuela de Arte Cruz Novillo, centro público de enseñanzas artísticas ubicado en el Casco Antiguo de la ciudad.

José María Cruz Novillo, el 'hombre que diseñó España' ha fallecido a los 89 años. El diseñador conquense, nacido el 21 de mayo de 1936, es el creador de logotipos tan reconocidos como el de Correos, la Policía Nacional, Renfe, Fundación ONCE o los billetes de pesetas del Banco de España, entre otros.

Así lo adelantaba el medio especializado Gráffica, que señalaba que su muerte “deja al diseño español sin una de sus figuras esenciales”.

Cruz Novillo se inició en la pintura en Cuenca, su ciudad natal en 1950, y en 1958 se trasladó a Madrid, hasta que cinco años después fundó su propio estudio de diseño, convirtiéndose en un pionero.

Además de ser el diseñador de diferentes logotipos, como el puño y la rosa del PSOE, las identidades corporativas de la cadena COPE, Endesa, Repsol, así como coautor del escudo y la bandera de la Comunidad de Madrid, junto a Santiago Amón Hortelano; también diseñó carteles de películas de éxito como 'Barrio', 'Los lunes al sol', 'El espíritu de la colmena' o 'La escopeta nacional'.

A lo largo de su trayectoria ha recibido varios premios, tales como el Premio Nacional de Diseño (1997), Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2012) o el Premio Gràffica (2017). En su Cuenca natal existe también la Escuela de Arte Cruz Novillo.

En el año 2020, se estrenaba un documental acerca de su carrera, en el que Cruz Novillo destacaba que “el arte es un viaje de ida, el diseño es un viaje de vuelta”.

“Un referente del diseño”

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, ha lamentado la muerte del conquense José Cruz Novillo, creador de identidades corporativas e institucionales que forman parte de la historia reciente de España, al que ha situado como un “referente” del diseño.

“Construyó una imagen de país moderno y compartido. Su visión y creatividad estarán para siempre vinculadas al Partido Socialista”, ha asegurado el jefe del Ejecutivo en una publicación en su perfil en la red social X, en referencia al puño y la rosa que confeccionó Novillo y que han servido de emblema del Partido Socialista. “Todo mi cariño a su familia y seres queridos”, ha concluido.

El presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha expresado su más sentido pésame a los familiares y seres queridos del diseñador conquense José María Cruz Novillo, fallecido este sábado.

“Si hay alguien a quien seguiremos recordando cada vez que miremos los símbolos y diseños de la España democrática, es al conquense Pepe Cruz Novillo. Su obra forma parte de la memoria colectiva de nuestro país y deja un legado inmenso e imborrable”, ha expresado García-Page en sus redes sociales, según recoge Europa Press.

En el mismo sentido, se ha expresado el presidente de la Diputación de Cuenca, Álvaro Martínez Chana, al asegurar que “hoy despedimos a un conquense universal. Mi más sentido pésame a la familia y a todos los que han compartido vida y camino con José María Cruz Novillo”.

En un mensaje en su cuenta de Instagram, Martínez Chana asegura que “su obra no necesita presentación: está en la vida cotidiana de millones de personas. Diseñó símbolos que han acompañado a varias generaciones y que forman parte de cómo entendemos y reconocemos nuestro país”.

“Desde Cuenca llevó su talento a toda España, dejando una huella que va mucho más allá del diseño: claridad, sencillez y una forma de hacer que ha perdurado en el tiempo”, continúa el presidente de la Diputación, quien asegura que “se va una figura imprescindible, pero su legado seguirá presente cada día”.

También ha trasladado sus condolencias por el fallecimiento de José María Cruz Novillo, el alcalde de Cuenca, Darío Dolz, a través de su cuenta en X. “Diseñador clave de logos que forman parte del imaginario colectivo nacional. Descanse en paz”, ha manifestado.

El presidente regional del PP, Paco Núñez, ha empleado también esta red social para lamentar el fallecimiento de José María Cruz Novillo, “un artista de una talla enorme que forma parte de la historia de España gracias a sus trabajos, de los que todos hemos podido disfrutar”, y trasladar sus condolencias a familia y amigos. “Se va un gran castellanomanchego”, ha rematado.

La empresa malagueña Freepik, fundada en 2010 como un buscador de recursos gráficos, cambia de nombre a Magnific, un movimiento con el que la empresa busca definir mejor su actividad como líder mundial en el desarrollo de herramientas creativas, distribución de contenidos gráficos y audiovisuales y herramientas de Inteligencia Artificial (IA) generativa.

Como ha explicado este martes en su web, el nombre Freepik “con el tiempo dejó de representar aquello en lo que se había convertido, una plataforma de herramientas creativas de IA, junto con una biblioteca de más de 250 millones de recursos de stock”, según recoge EFE.

“La utilizaban más de un millón de suscriptores. Las herramientas y la biblioteca evolucionaron más rápido que la marca. Freepik ya no describía lo que los usuarios hacían a diario. Magnific sí. Una plataforma para pensadores visuales que exigen precisión, profundidad y variedad creativa. Todo en un mismo sitio”, añade el anuncio.

El nombre de una herramienta fundada en Murcia

La industria creativa se enfrenta a “la mayor transformación de su historia”, de acuerdo con el comunicado, algo que va más allá de ser “una moda pasajera”, sino que se va a “descubrir cómo se manifiesta el poder creativo cuando todos cuentan con las herramientas para ejercerlo”. “El trabajo que hace cinco años requería un estudio, un equipo y un presupuesto de seis cifras, ahora se realiza en una computadora portátil, a veces por todo un equipo que trabaja en tiempo real, a veces por una sola persona con la idea y una pestaña del navegador”, ha resaltado Magnific.

“Durante quince años, Freepik ha contribuido a democratizar la creatividad proporcionando las herramientas adecuadas. Primero, creamos acceso a la creatividad; ahora, construimos infraestructura creativa”, ha añadido la compañía.

Magnific era el nombre de la herramienta de inteligencia artificial que adquirió Freepik en mayo de 2024, en lo que se anunció entonces como la mayor compra estratégica de su historia.

Dicha herramienta había sido fundada cinco meses antes en Murcia por Javier López y Emilio Nicolás, quienes desarrollaron la herramienta desde cero y lograron un triunfo inmediato, ya que más de 60.000 personas se apuntaron a la lista de espera en las primeras 24 horas tras su lanzamiento.

La iniciativa 'Tipos Tabacalera', que desde este viernes se incorpora al programa anual del festival de diseño Tipos, servirá de punto de encuentro en Santander para dar a conocer el trabajo de los diseñadores gráficos de Cantabria.

Así lo han explicado, en rueda de prensa, la concejal de Cultura del Ayuntamiento de Santander, Noemí Méndez, y los responsables del proyecto, Rafa San Emeterio y Celia Andrés.

'Tipos Tabacalera' tendrá carácter trimestral, como una cita periódica para la comunidad creativa, siendo la primera sesión este viernes, 10 de abril, de 19.00 a 21.00 horas, en el espacio municipal La Fábrica de Creación, situado en el centro cívico Tabacalera, con entrada libre hasta completar aforo.

Esta primera entrega contará con la participación de 'La Caja de Tipos', un estudio formado por María Sáez y Ander Sánchez, con base en Guriezo, que darán una charla de unos 45 minutos y, a continuación, los estudiantes Raquel Díaz y Javier San Miguel presentarán sus proyectos en intervenciones de 15 minutos cada una.

Y es que el programa dará visibilidad a profesionales que han sido reconocidos con el premio Tipos, galardón anual del festival que distingue proyectos en distintas categorías del diseño gráfico, además de dar espacio para que estudiantes y recién graduados puedan presentar sus porfolios y proyectos en un entorno profesional.

En este sentido, Rafa San Emeterio y Celia Andrés han asegurado que esta iniciativa alarga el certamen Tipos y lo acerca a nuevos públicos, y han elogiado la “savia nueva”, la cantera de diseñadores debutantes con los que cuenta Santander.

También han destacado que 'Tipos Tabacalera' es un proyecto abierto a todos los vecinos que busca, además, acercar el diseño gráfico a la ciudadanía.

El ciclo continuará el 28 de mayo con la participación de Isabel de la Sierra y el 24 de septiembre con Carlos Calahorra, manteniendo en cada sesión el formato de un profesional invitado y dos participantes emergentes.

'Tipos Tabacalera' no solo visibilizará el trabajo de diseñadores cántabros reconocidos, sino que abrirá oportunidades a estudiantes y jóvenes creadores para que puedan acceder a contextos profesionales que contribuyan a su desarrollo, ha apostillado la concejala. 

ChatGPT, Gemini, DeepSeek, Grok, CapCut... Las 25 primeras posiciones entre las principales páginas web con servicios de inteligencia artificial están copadas por Estados Unidos y China. Sin embargo, este año ha aparecido en el puesto número 11 una pequeña aldea, no gala sino malagueña, que resiste las dos superpotencias.

Es Freepik, una empresa radicada en la capital de la Costa del Sol que no solo ha logrado erigirse en una de las referencias europeas en el negocio de la IA. También es un caso de éxito internacional sobre cómo adaptarse a esta tecnología, ya que se fundó mucho antes de que comenzara la revolución. Durante una década, Freepik fue un banco de imágenes, una plataforma desde la que descargar fotografías e ilustraciones con licencia.

Era “un producto que buscaba solucionar un problema que tenía mucha gente”, pero que estaba “un poco fuera de ese ambiente de hiperambición” que rodea a las startups tecnológicas, reconoce Joaquín Cuenca, fundador y director ejecutivo de la empresa, en conversación con elDiario.es. Hasta que llegó la inteligencia artificial.

La generación de imágenes con IA era el tipo de tecnología que podía echar abajo todo su negocio. “Nos dimos cuenta de que lo que hacíamos ya no tenía mucho sentido si queríamos sobrevivir”, sigue Cuenca. Pero en vez de dejarse acastillarse contra las herramientas que pueden crear la imagen perfecta para cada proyecto, las abrazaron. Freepik llegó a acuerdos con ellas y se convirtió en una plataforma desde la que se puede acceder a los principales modelos generativos de imágenes.

Ahora es una especie de navaja suiza para creativos, creadores de contenido y empresas que necesiten recursos gráficos, con más de 20 herramientas de IA generativa que se suman al banco de imágenes. “Para nosotros la misión sigue siendo la misma, que es ayudar a la gente a que plasme lo que tiene en mente. Al principio podíamos hacerlo de una forma torpe con lo que teníamos, que eran dándoles recursos ya hechos para que los puedan usar. Ahora vamos mucho más allá. La IA nos permite responder de verdad a la necesidad exacta de cada persona y ayudarla a cristalizar sus ideas en algo concreto”, cuenta el responsable de Freepik.

Desde entonces el negocio de Freepik ha superado los 90 millones de euros de facturación. En poco más de dos años, el conjunto de herramientas de IA ha sobrepasado los beneficios que le sigue reportando el banco de imágenes construido desde 2012. Su web suma más de 100 millones de visitas al mes, está llegando al millón de suscriptores de pago, la plantilla se acerca ya a los 500 empleados y además de en Málaga, ha abierto una oficina en Silicon Valley.

La primera europea

Así, comenzando con un producto “poco sexy” y creciendo a partir de él, es como Freepik ha llegado a ser la undécima web de IA más usada del mundo. El ranking lo elabora el fondo Andreessen Horowitz, ha sido publicado esta semana e incluye, además de servicios nativos de IA como ChatGPT o DeepSeek, a empresas como la malagueña, que han reconducido su producto para que esta tecnología forme parte de su núcleo central.

En el ranking particular de empresas con negocios previos a la IA que han logrado reconvertirse, Freepik ocupa la tercera posición. Solo tiene por delante a Canva, un servicio para crear presentaciones o publicaciones para redes sociales; y Notion, una app de productividad que combina notas, documentos, bases de datos y gestión de proyectos en un solo espacio.

Pese a ser la primera empresa europea de esta tabla y que acumula 15 años de trayectoria, sigue siendo una gran desconocida para muchos, incluso en España. “Somos cuatro veces más grandes que Mistral, pero casi nadie habla de nosotros”, lamenta Cuenca, en referencia a la startup francesa que se ha convertido en el centro de todos los debates sobre soberanía tecnológica europea.

Su fundador explica que es una combinación de varios factores. Por un lado, recuerda que la empresa no lanza rondas de financiación. Un proceso que obliga a explotar las relaciones públicas para atraer a inversores y fondos de capital riesgo, y que es el origen de gran parte del humo que rodea al ecosistema startup. Su fundación como banco de imágenes y que “nunca hemos necesitado ese tipo de visibilidad para llegar a nuestros usuarios”, son otros de los motivos.

En 2020, el fondo sueco de capital riesgo EQT, especializado en invertir en empresas maduras para hacerlas crecer y luego revender, adquirió el 53% de Freepik, valorándola en 225 millones de euros. Sus fundadores mantienen la minoría y la gestión del día a día.

Con todo, Cuenca cree que hay una razón determinante para esa falta de visibilidad respecto a otras empresas de IA: “Sinceramente, creo que si hubiéramos estado en Madrid, siendo exactamente la misma empresa, nos conocería todo el mundo”. Pese a que Málaga se ha convertido en un polo tecnológico tanto español como europeo, cree que les ha alejado de los medios de comunicación de tirada nacional.

No obstante, también les ha permitido “un valioso espacio de tranquilidad” para trabajar en “lo que de verdad importa, que es la empresa en sí, sin tanta distracción”. Cuenca recalca además que la provincia cuenta con “mucho talento local” y que es un factor muy importante para retener tanto a estos trabajadores como a otros profesionales que podrían “tener más movilidad” pero prefieren quedarse en “la ciudad del paraíso”, como la denominó el poeta Vicente Aleixandre. “Es un pequeño imán”, coincide el CEO de Freepik.

En el centro del debate de los diseñadores

El negocio de Freepik la ha colocado justo en el centro de la conversación sobre el futuro de profesiones como la de los diseñadores, una de las que más están sufriendo el impacto de la IA. Plataformas como la suya, que combinan bibliotecas masivas de recursos gráficos con herramientas generativas, están automatizando buena parte de los flujos de trabajo. Según un informe sobre el futuro del empleo del World Economic Forum publicado en 2025, los diseñadores se encuentran entre los trabajos con la caída más rápida y con mayor destrucción neta de empleo en cifras absolutas para los próximos cinco años.

Otros análisis indican que hasta un 65% de las tareas que desempeñan los diseñadores tienen un riesgo alto de automatización. Cuenca no esquiva la pregunta, pero tampoco ofrece falsas certezas. “No lo minimizo”, admite. “Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla”.

Puede haber veces que no vean una salida, que no vean algo de mayor nivel donde puedan aportar valor y tienen que encontrar otra cosa que hacer. No es una situación sencilla

Joaquín Cuenca — fundador y CEO de Freepik, sobre los diseñadores

Su argumento de fondo es histórico: todos los grandes cambios tecnológicos siguen el mismo patrón. Pone el ejemplo de su propio padre, contable en la era pre-ordenador, que pasaba horas sumando columnas de números y desarrollando trucos mentales para verificar que las cuentas cuadraban. Ese trabajo desapareció. Pero el coste cero de hacer multiplicaciones hizo posible los videojuegos en tres dimensiones, una industria entera con sus propios diseñadores y creativos que nadie podía imaginar cuando salió la calculadora.

El problema, continúa Cuenca, es precisamente ese: “Es muy fácil empatizar con el contable que ya no tiene trabajo de sumar. Es muy difícil ver que tal vez con esas herramientas se genere la industria del videojuego en el futuro”.

Desde su visión, la IA está a punto de crear una industria nueva. “Nuestra tesis es que con la evolución de la IA lo que se va a crear es una industria en torno a la creatividad. Imagínate que tú eres un creativo y quieres hacer una película. Hasta ahora, te habría sido casi imposible. Necesitabas convencer a mucha, mucha gente para hacer una película indie. Y una gran inversión, estamos hablando de unas decenas de miles de euros”, explica.

“La gente no podía tener como hobby hacer una película. No podía permitirse contar historias en ese medio. Pero ahora sí que lo va a poder hacer. Eso cambia completamente el panorama”, argumenta Cuenca. Lo compara con los libros: antes de la llegada de Internet, la autopublicación y difusión era extremadamente más complicada. Pero la apertura del mercado digital permitió que no hiciera falta ser escritor profesional ni tener un gran mercado para poder rentabilizar las obras.

Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente

Joaquín Cuenca

“Creemos que las películas se van a hacer como se hacen los libros. Ya no va a hacer falta que una película consiga millones de euros para que valga la pena. Vamos a poder tener películas hechas con IA que generen miles o decenas de miles de euros y que valgan la pena igualmente”, asegura.

Hacía ahí es a donde se dirige el negocio de Freepik, que está desarrollando herramientas de generación de vídeo para hacer posibles proyectos como estos. La empresa que empezó poniendo fotografías e ilustraciones al alcance de cualquiera quiere ahora hacer lo mismo con las películas. Si la tesis de Cuenca se cumple, el siguiente creativo que ruede una película que valga la pena puede que no necesite ni productora ni presupuesto millonario. Solo una idea y las herramientas adecuadas. La aldea malagueña que este 2026 resiste ante las dos superpotencias de la IA aspira a que esas herramientas sean las suyas.

La nueva imagen del Ayuntamiento de Madrid no ha pasado desapercibida, por mucho que el Gobierno de José Luis Martínez-Almeida la haya anunciado por la puerta de atrás (sin acto oficial ni comunicación pública). Dos expertos creativos arremetían en declaraciones a este medio contra la falta de concurso, al indicar que “el Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle o que le diseñe un proyecto para un edificio”.

Pero cuestionaban también el propio diseño: “Es un contraste raro. El árbol está excesivamente sobresimplificado [elimina hasta sus frutos] y el oso, que parece hecho con prisas, demasiado poco”, opinaba Nico Ordozgoiti. “Es desequilibrado”, aportaba Fernando de Córdoba. Por ahí van la mayoría de tiros en redes sociales. O, directamente, por la guasa.

“Tengo sospechas de que lo del escudo no es un árbol”, desliza en Blue Sky el diseñador gráfico Mikel Navarro, en un clip donde descubre el verdadero uso de ese Madroño ultraestilizado.

Claro que hay otras interpretaciones: “A mí me parece que es uno de los toldos de la puerta del Sol...”, le responden. Unas alusiones a los caros toldos de la céntrica plaza que ha concentrado una buena cantidad de comentarios.

La modificación del arbolado ha deparado un buen número de chanzas debido al perfil arboricida que muchos madrileños achacan al alcalde, después de que en la capital se sucedieran diversas talas frente a la oposición vecinal. “El nuevo diseño del escudo [en realidad cambia el logo pero la enseña oficial se mantiene] se come medio madroño. En la próxima actualización no habrá árbol, de eso ya se encarga Almeida”, expresa un usuario en X.

Otras personas han elaborado su propia creación a partir de la que ha impulsado la Dirección de Comunicación del Consistorio. El oso se convierte en alguien que se dispone a talar con una sierra eléctrica el madroño, que muestra su caída solo con un leve desplazamiento de la recta que sirve de tronco y la curva que hace las veces de copa.

La pieza ha dado lugar incluso a readaptaciones de andar por casa, hechas también sin concurso. Un ejemplo es la siguiente, que recupera la idea de una copa no de árbol, sino repleta de cervecita. “Refleja los atributos de Madrid: el oso y la cañita en copa en una terracita de tardeo”, expresa su autor.

Madrid renueva su marca. El encendido de las luces de Navidad del pasado sábado, donde se congregaron más de 150.000 personas, sirvió de puesta largo del nuevo logo e identidad del Ayuntamiento. Un cambio en la imagen gráfica del Consistorio, no así del escudo oficial, que seguirá siendo el mismo. En la peana donde estaba el pulsador que dio brillo a las fiestas se pudieron diferenciar las dos enseñas, evidenciando el contraste. En el nuevo se observa un renovado concepto del emblema de la ciudad, ese que protagonizan el Oso y el Madroño.

Ambos elementos se reconfiguran siguiendo la “tendencia a la sobresimplificación”, como lo define Nico Ordozgoiti, director creativo y ejecutivo de la agencia Svalbard-21gramos. El caso del árbol es especialmente significativo, ya que su representación se reduce a dos líneas (una curva para la copa y otra recta para el tronco). Una merma que algunos usuarios no han dejado pasar en redes dada la fama arboricida del alcalde José Luis Martínez-Almeida. El oso, en cambio, mantiene un aspecto semejante al habitual. “Es un contraste raro. El árbol está excesivamente sobresimplificado y el oso, que parece hecho con prisas, demasiado poco”, opina Ordozgoiti.

“Ha costado cero euros y ha sido diseñado por la Dirección General de Comunicación”, ha remarcado el regidor este lunes en declaraciones a los medios de comunicación. Explica que esta nueva imagen complementará el renovado eslogan municipal: Madrid, donde se cruzan los caminos. Apostilla que la antigua identidad “se irá remplazando en distintos soportes a lo largo del tiempo” e insiste en aclarar que “no supone modificar el escudo y la bandera del Ayuntamiento de Madrid”.

Otra novedad es que las estrellas dejan de estar distribuidas por el marco del escudo y pasan a colocarse sobre él. Sustituyen así a los elementos ornamentales que aparecían bajo la corona. Fernando de Córdoba, consultor y estratega de marcas, explica en conversación con Somos Madrid por qué este aspecto no le convence: “El Partido Popular ha criticado que se eliminaran coronas de logotipos de la administración pública. Han querido evitarlo y el resultado es de pastiche con dos lenguajes de diseño. Por un lado el Oso y el Madroño, simplificados y más conceptuales. Por otro las estrellas y la corona, que mantienen un nivel de detalle sorprendente. Es desequilibrado”.

Ordozgoiti explica a este diario que este nuevo estilo más aséptico, visible también en el que el Ayuntamiento de Barcelona presentó el mes pasado, facilita su adapatación a muchos formatos, sobre todo a los de menor tamaño. “Eliminar detalles hace que funcionen mejor en Instagram”, apunta, aunque “lo que en un principio era una necesidad funcional se ha acabado convirtiendo en moda”. El resultado con estos logos “minimalistas” suele ser “correcto, no cantan mucho, pero se pierde riesgo o particularidad”.

El “coste cero” cabrea a profesionales del sector: “El Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle”

Preguntado acerca de la nueva identidad gráfica, Ordozgoiti cree que “no se puede valorar porque no existe como tal”. De hecho, cuestiona que el Gobierno de Almeida no haya convocado un concurso y el regidor reivindique el “coste cero” para las arcas públicas (fuentes municipales también presumen de que este aspecto “tiene bastante significado”): “Se habla de que los logos son muy caros, pero es que es un trabajo complejo de elaborar, en el cual lo que creas tiene que poder adaptarse a muchos casos y situaciones. Aquí no existe ese trabajo, ni un estudio sobre cómo se declinará el diseño. Es un apaño para ir tirando y ya. Pero las cosas no se hacen así, una ciudad merece más cariño y trabajo”.

En la misma línea se manifiesta Fernando de Córdoba: “Me cabrea un poco el argumento de que el ciudadano no ha pagado nada y se ha hecho internamente. Parece que el diseño gráfico es el único ámbito en el que es un punto a favor que algo no cueste nada. El Ayuntamiento no buscaría alguien que le reforme gratis una calle o que le diseñe un proyecto para un edificio. Sin embargo, esto no se valora al crear una imagen común. Los políticos lo ven como un adorno, en vez de como algo que nos representa a todos”.

El Ayuntamiento no buscaría alguien que le diseñe gratis un proyecto para un edificio. Sin embargo, esto no se valora al crear una imagen común. Los políticos lo ven como un adorno, en vez de como algo que nos representa a todos

Fernando de Córdoba — Consultor y estratega de marcas

En el caso de Barcelona, el proyecto fue diseñado por el estudio Principi, ganador de un concurso convocado por la Asociación de Diseño Gráfico y Comunicación Visual (ADG-FAD). El proceso de selección constaba de dos fases, según recoge el portal de la agencia de diseño Genieri. En la primera, los interesados presentaron un portafolio anónimo con un mínimo de cinco proyectos de identidad visual y comunicación gráfica, junto con una carta de motivación y un currículum. Un comité asesor seleccionó tres finalistas, quienes en la segunda fase desarrollaron una propuesta creativa. Cada uno recibió 3.250 euros (IVA excluido), mientras que Principi fue adjudicatario del encargo por 36.750 euros más IVA.

Una presentación errática mediante “política de hechos consumados”

La presentación de la identidad también sorprende. No se ha hecho en un acto propio dedicado a ello, ya que según fuentes municipales “no había mejor ocasión que el encendido”. Tampoco ha habido comunicación al respecto en redes sociales, pese a que en ellas ya lucen el nuevo estandarte como foto de perfil. Ni siquiera han publicado o remitido, por el momento, nota de prensa a unos medios que sí han empezado a hacerse eco de la novedad desde el pasado sábado. El nuevo logo, o al menos parte de él (Oso y Madroño), sí aparece en luminosas de entornos como la plaza de Callao, aunque la imagen se alterna con otras campañas que mantienen el diseño previo.

“Presentarlo así de repente, con política de hechos consumados y sin exposición ante los grupos políticos, también transmite la sensación de un trabajo memorable. Y a la vez inncesario, más allá de las ínfulas de algún político por dejar su huella”, traslada Fernando de Córdoba.

Almeida potencia la herencia chulapa de Carmena

“Se adapta a las exigencias de comunicación de estos días, respetando los elementos básicos del anterior. No se tocaba el logotipo desde hace 20 años”, ha recordado Almeida este lunes. Posteriormente, el Ejecutivo de Manuela Carmena ajustó aspectos de identidad corporativa municipal para fomentar su sencillez, aunque sin alterar el propio logo. De Córdona se pregunta “por qué no vale ese diseño de 2016, que sigue plenamente vigente y no presenta ningún problema que hiciera necesario cambios”. Sostiene que “el único problema era que lo hizo una administración de otro partido y hay que cambiarlo todo”.

La imagen sí acepta y resalta una herencia de la etapa de Carmena: la tipografía empleada para sobreimpresionar la palabra “Madrid”. La Gill Sans da paso a la Chulapa. De uso libre y gratuito, así como netamente madrileña, fue creada en 2019 y lanzada por el equipo de Gobierno liderado por la exalcaldesa.

Inspirada en la tipografía creada por el ceramista Alfredo Ruiz de Luna para el callejero histórico de Madrid, la diseñadora Silvia Fernández Palomar ideó como proyecto de estudiante la Ferpal Sans. Se utilizó en la cartelería de San Isidro 2018, junto a las ilustraciones de Mercedes Debellard. El éxito de la campaña provocó que el Gobierno de Carmena apostara por emplearla en acciones o en el programa de fiestas como San Isidro, antes de que pasara a inspirar la Chulapa. Esta se usó por primera vez en San Isidro 2019 y desde entonces ha cobrado un gran protagonismo en festejos o anuncios municipales.

Ordozgoiti valora positivamente este aspecto: “Lo de la Chulapa me parece bien, está inspirada en la señalética tipica de las calles de Madrid, es un aspecto propio de Madrid y está bien ejecutada. Cuando aparece un elemento de diseño tan apropiable, clásico por su herencia pero a la vez moderno porque es muy limpio, tiene sentido apostar por él”. De Córdona coincide: “Queda como un guiño bastante elegante y no es otro logo sin personalidad, como sí pasó con los últimos rediseños de la Junta de Andalucía o la Xunta de Galicia, que eliminaron tipografías muy vinculadas a la cultura y el territorio por otras genéricas”.

Este consultor aprovecha para expresar de nuevo sus dudas ante la normalización del azul como color identitario de la capital: “Viene de la época de Alberto Ruiz-Gallardón como alcalde, pero no tiene razón de ser. La bandera del Ayuntamiento es carmesí, como las castellanas. La única explicación es que cuando gobierna el PP se cambia del color que hubiera al azul, lo hemos visto también en Alcobendas. Algunos manuales de identidad corporativo recogen explicaciones como el cielo de Madrid o que Madrid en árabe significa ciudad de aguas subterráneas. Pero son explicaciones sobrevenidas y poco consecuentes”. En Madrid los caminos se cruzan, pero siempre llevan al azul.

Tony Stella, Bill Gold, Stephen Frankfurt, Saul Bass o John Alvin son algunos de los popes del cartelismo cinematográfico y los responsables de que cuando uno piense en Espartaco, Sin Perdón, Alien, Blade runner o El rey león algo en su hipotálamo le conduzca irremediablemente a los pósteres que en su momento anunciaban su lanzamiento. Y es que aunque algunos se empeñen en lo contrario y se tienda a homogeneizar la cultura de arriba abajo y de abajo arriba, los carteles de cine siguen siendo un lienzo en blanco para que artistas de todo el mundo den rienda suelta a su creatividad.

Gabriel Moreno (Baena, Córdoba, 1973) es uno de los escogidos y su obra preside ahora marquesinas y salas de cine por todo el mundo. Todo ello porque su trabajo ha llegado a oídos de los responsables de promocionar Una batalla tras otra, el último film de una auténtica leyenda de la historia moderna del séptimo arte. “Un día recibí un mail de una agencia en el que me decían que Paul Thomas Anderson estaba discutiendo la opción de tener un cartel artístico para su última película. Ya tenían el fotográfico y estaban barajando esa opción”, cuenta Moreno.

El artista se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y más tarde sería seleccionado como uno de los 100 ilustradores más influyentes del mundo por la prestigiosa editorial Taschen. Ha sido portada de Los Angeles Times, The Wall Street Journal o Rolling Stone y ha colaborado con agencias internacionales (McCann, Erickson NY, Wieden + Kennedy Shanghai, BBDO Moscow) en campañas para Nike, Rolex, Coca-Cola o Victoria’s Secret.

“La agencia me dijo que fue él quien me pidió, pero la verdad no sé si fue la agencia la que le presentó varias opciones o si él me nombró por su cuenta. Uno de los primeros trabajos que hice y que me abrió muchas puertas fue para Los Angeles Times cuando nombraron a Gustavo Dudamel director de la Orquesta filarmónica de Los Ángeles, y esa ha sido una de las referencias por las que se me conoce desde entonces. Me dijeron que si me interesaba, firmé un montón de documentos de confidencialidad y me pidieron que armara dos propuestas distintas: una de ilustración y otra de lo que en el sector llamamos, fine art. Esta última es algo más elaborado, más único y yo estaba seguro desde el principio que eso es lo que iba a querer Paul, pero entiendo que la agencia quisiera proponer todas las alternativas posibles”, añade.

Como el andaluz sospechaba, la cosa se inclinó hacia el fine art: “En la primera conversación que tuve con los responsables del proyecto me quedó claro que PTA —acrónimo de Paul Thomas Anderson por el que se le conoce en Hollywood— querría hacer algo único y quería algo más similar a un cuadro que una ilustración, que son cosas muy distintas. Por explicarlo de forma muy genérica: un cuadro es un elemento único de una sola capa y la ilustración te permite más versatilidad. ¿Qué me apetecía más? No tenía que pensar en lo que yo quería, sino en lo que me estaban pidiendo además de tener en cuenta que mi obra iba a convivir con el cartel fotográfico”.

En 2017 Moreno centró su carrera como artista plástico y, desde entonces, su obra ha estado presente en las principales en ferias y galerías de Miami, París, Mónaco, Venecia, Londres, Nueva York y Hong Kong. Influenciado por artistas del Renacimiento y la estética barroca, con un estilo hiperrealista y foco en la figura femenina, su obra moderniza la iconografía tradicional con elementos contemporáneos. “Una de las razones por las que fui escogido por el peso de la figura femenina en mi obra y eso es lo que me pidieron que destacara en el cartel. Querían algo que reflejara el rol de Chase Infinity que posee la ternura, pero también la fortaleza de su personaje”, cuenta.

Sin embargo, a la hora de la verdad, el reto pasó de grande a mayúsculo. “No se podía hacer una foto a la actriz y yo siempre quiero hacer una foto con la modelo con los distintos elementos, telas, poses, conceptos, que usaré más adelante en la composición. Igual te salen 600 imágenes. ¿Cómo podía hacer ese cuadro si no tenía ni una foto? Pues haciendo magia”, dice entre risas. “Me mandaron un montón de fotos de la actriz en distintos posados, monté una sesión con una modelo de cuerpo y a través de un programa encajé el rostro de uno en la cara de la otra para que se integrase. Todos los bocetos que realicé fueron a partir de esa fotografía. Solo me pidieron añadir la chaqueta de cuadros que luce DiCaprio en el filme, yo propuse unas polaroids con escenas de la película y una vez aprobado todo, pues a dibujar. Siempre digo que para mí el proceso creativo es la foto y lo demás es pura técnica”, cuenta.

Cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea

Gabriel Moreno — Artista

Moreno nunca habló directamente con Anderson durante el tiempo que duró el proceso, aunque sus mensajes llegaban diáfanos a la bandeja de entrada del artista: “Me decían, ‘PTA ha dicho tal o PTA ha dicho cuál’, pero siempre a través de la agencia. Ya conozco un poco el negocio, así que sé perfectamente que todas las agencias tienen miedo a sus clientes y si hablamos de Paul Thomas Anderson y de una película con un presupuesto de 150 millones hay que hacerlo todo con calma y precaución”.

Así lo hizo hasta que llegó un mail en que el propio director decía: “Yo me fío de Gabriel y lo vamos a hacer como él diga”. “Desde ese momento y hasta cuando lo envié ya hecho no tocaron ni una sola cosa del resultado final, ni siquiera el tono de un color. Nada”, dice. Aun así, el español aclara que, el nivel de libertad artística es “toda y ninguna”. “Yo tengo libertad cuando hago algo para mí o para mi galería, pero si trabajo para un tercero trabajo para un tercero. Lo bueno es que cuando me buscan a mí es que quieren mi estilo, pero nunca olvido que estoy currando para un cliente, sea quien sea”, explica.

Una batalla tras otra, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Benicio del Toro y la mencionada Chase Infinity, nos sumerge en la historia de un exrevolucionario que vuelve a la carga cuando secuestran a su hija. “Paul Thomas Anderson es un mito y estoy muy contento de que me escogieran, de haber podido ejecutarlo tal y como deseaba y de que haya salido de este modo. Hay que ser muy valiente para atreverse a hacer algo así en los tiempos que corren y le estoy muy agradecido”, remata Moreno.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha aprobado establecer la gratuidad de la matrícula para el alumnado que inicie el primer curso de las enseñanzas artísticas superiores en Castilla-La Mancha. Así lo ha expresado la portavoz del Ejecutivo autonómico, Esther Padilla, quien ha señalado que la iniciativa responde al compromiso del Ejecutivo de García-Page con “la igualdad de oportunidades en el acceso a la educación superior”.

Hasta ahora, según ha relatado la consejera, quienes comenzaban estos estudios en música, diseño y arte dramático debían abonar 540 euros por curso, un coste que desaparece para quienes decidan continuar su formación en la comunidad autónoma.

Hay estudios en Albacete, Ciudad Real, Tomelloso y Cuenca

Actualmente, estos estudios se imparten en cuatro centros de la Comunidad Autónoma: el Conservatorio Superior de Música de Albacete, las Escuelas de Arte y Superiores de Diseño de Ciudad Real y Tomelloso, y la Escuela Superior de Arte Dramático de Cuenca.

Según ha revelado la consejera, la gratuidad beneficiará cada año a unas 125 personas, de las cuales 65 acceden por primera vez a estas enseñanzas y el resto procede de otras comunidades autónomas con intención de continuar su formación en Castilla-La Mancha. La medida, por tanto, representa una apuesta decidida “por retener y atraer talento”, además de situar a la región entre las pocas comunidades que apuestan por la gratuidad en este tipo de enseñanzas, ha resaltado la portavoz.

Según Padilla, el Gobierno regional defiende una oferta educativa “inclusiva, de calidad y con capacidad real para generar oportunidades”. Además, ha aclarado que las enseñanzas artísticas superiores conducen a títulos equivalentes a los universitarios de grado. “Estos estudios son indispensables para cultivar la creatividad, la sensibilidad y la capacidad de expresión, si bien invertir en formación artística también ayuda a impulsar sectores estratégicos para nuestra economía, como las industrias culturales, generadoras de empleo, innovación y proyección internacional”, ha remarcado la portavoz, quien ha incidido en que la cultura es “un pilar democrático y un motor de desarrollo”.

El coste estimado de la medida asciende a 67.500 euros, la exención tendrá efectos inmediatos y, según ha ultimado Padilla, en caso de que algún estudiante ya haya abonado la matrícula correspondiente al curso 2025/2026, podrá solicitar la devolución del importe.

La portavoz ha recordado, además, que esta decisión se suma a otras iniciativas en la misma línea, como la gratuidad en la primera matrícula universitaria de la Universidad de Castilla-La Mancha y de la Universidad de Alcalá en el Campus de Guadalajara, que beneficiará a más de 5.100 estudiantes y supondrá una inversión cercana a cinco millones de euros.

Actualización de los currículos Danza y Música

También en relación con las enseñanzas artísticas, la portavoz ha informado de que el Consejo de Gobierno ha aprobado los nuevos decretos que regulan la ordenación y el currículo de las enseñanzas elementales de Música y Danza en Castilla-La Mancha, “con el objetivo de ofrecer una formación artística inicial de mayor calidad y mejor adaptada a las necesidades actuales, que permita al alumnado acceder posteriormente a las enseñanzas profesionales”.

La actualización normativa, que sustituye al Decreto 75/2007, introduce cambios relevantes. “Ambos decretos determinan condiciones básicas y comunes, pero también desarrollan aspectos específicos para cada disciplina, reconociendo la singularidad de la danza y de la música”, ha explicado Padilla.

La portavoz ha señalado que en Danza se diversifican las asignaturas, por ejemplo, con la incorporación de ‘Danza clásica’ y ‘Danza española’ en sustitución de ‘Aproximación a la danza’. Además, ha añadido que “se incrementa progresivamente la carga lectiva semanal”, con especial intensidad en los últimos cursos.

En los primeros niveles se pasará de dos a dos horas y media semanales, mientras que en cuarto curso el aumento será aún más significativo, al duplicarse la carga de cinco a diez horas semanales.

En el caso de las enseñanzas elementales de música, una de las principales novedades es la incorporación de una nueva asignatura de práctica grupal, “diseñada para fomentar las habilidades necesarias para la interpretación colectiva desde las primeras etapas formativas”, ha explicado la consejera.

Ambos decretos entrarán en vigor de forma integral en todos los cursos a partir del curso académico 2025-2026. “Actualmente, hay 1.740 alumnos y alumnas matriculados en las enseñanzas elementales de música en los conservatorios de Castilla-La Mancha y 180 en danza”, ha puntualizado.

“El periodo de Allende en Chile puede compararse con la II República en España en lo que respecta al esfuerzo por cambiar la sociedad de arriba abajo, no solo a través de las estructuras de poder, sino también de la concienciación de la población y la mejora de sus condiciones, y para ello se apostó por el poder transformador del diseño”. La frase, que refleja la importancia de la figura del líder chileno, la dice Xavier Marcé, concejal de Cultura del ayuntamiento de Barcelona.

Lo asevera durante la presentación de la exposición del Disseny Hub Barcelona (antes Museu del Disseny) Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño, una muestra que refleja el sorprendente florecimiento del diseño industrial y gráfico chileno al calor de los proyectos del gobierno socialista para cambiar el país tanto en el plano social como en el cultural, el económico, el educacional o el sanitario.

Se trata de una exposición de 250 piezas que van desde los carteles de las distintas campañas que lanzaba el gobierno –y que se pegaban en los muros con cola–, hasta las carátulas de los discos que financiaba la Discoteca del Cantar Popular (DICAP), perteneciente a las Juventudes Comunistas de Chile, pasando por objetos como muebles, un tocadiscos o una calculadora.

Reproducciones y originales salvados tras el golpe

La mayor parte son reproducciones de los objetos originales, de los que se conservan unas pocas unidades. Muchos de los diseños tuvieron una mala conservación o bien terminaron destruidos, la mayoría de ellos por el paso del tiempo o directamente por los militares tras el golpe de estado del general Pinochet.

Hugo Palmarola, profesor asociado de la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC Chile) y uno de los comisarios de la muestra, explica el caso de “un conjunto de afiches [carteles] que Salvador Allende tenía que inaugurar el mismo 11 de septiembre de 1973 en la universidad y que estaban pensados para concienciar en la lucha contra el fascismo”.

Tras la exposición de los 18 carteles, 500 copias de cada uno serían distribuidos por todo el país en sacas, pero ese mismo día llegó el golpe de Pinochet y las copias fueron todas quemadas. “Excepto una de las sacas, que alguien escondió en un altillo y ha conseguido llegar hasta hoy”, matiza Pedro Ignacio Alonso, otro de los comisarios, arquitecto y también vinculado a la PUC Chile. Alonso destaca que las reproducciones de los afiches se pueden ver en su totalidad en Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño.

La fascinate sala Cybersyn

La tercera comisaria es la investigadora del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Eden Medina. La institución estadounidense ha colaborado con la universidad chilena en la reproducción de algunas de las piezas más complejas, como los asientos con botones de la sala Cybersyn.

Esta habitación de estilo space age, que recuerda a la estética de una cabina de la película 2001: A Space Odyssey, fue ideada como centro de control de la economía chilena, aunque solo se hizo un prototipo pensado para ubicarlo en el Palacio de la Moneda.

“La idea era poder visualizar en grandes pantallas los datos de la economía de las distintas empresas chilenas a través de los botones y poder así tomar decisiones gubernativas”, explica Medina, que destaca lo avanzado y visionario del proyecto a principios de los años 70. Los botones del respaldo de los asientos servían para ir seleccionando los distintos sectores empresariales a estudiar.

Un medidor de leche en polvo como símbolo de 'la revolución'

Pero para Hugo Palmarola, el espíritu de aquellos tres años de explosión del diseño en todas sus variantes se puede resumir en una simple cuchara de plástico blanco que sujeta en la mano. “Es un medidor de leche en polvo”, aclara para proseguir explicando que no se trata simplemente de un diseño bonito y funcional, sino que “fue pensado para combatir la desnutrición infantil”.

El medidor tenía la función de dar las dosis exactas de leche en polvo que precisa un bebé: “Es fácil de usar y de guardar, así que contribuía a que las madres no se olvidasen de suplementar a sus hijos y de este modo a reducir la mortalidad infantil, que era muy elevada entre las clases pobres”, resume el comisario. “Se trataba de aprovechar al máximo el poder transformador del diseño” apostilla su colega Alonso.

Alonso también destaca de la exposición su simbólico inicio, con dos piezas tan características como la carátula del disco Canto al Programa, del grupo de folk Inti-Illimani, diseñada, como tantas otras carátulas y carteles de aquel periodo por la Agencia Larrea, liderada por Vicente y Antonio Larrea y Luis Albornoz.

Junto a la carátula, los comisarios han situado la citada cuchara medidora de dosis de leche en polvo. Asegura así Alonso que esta conjunción pretende explicar la amplitud de la función de diseño en la era de Allende: tanto buscaba alimentar espiritual y culturalmente, como hacerlo físicamente. Y concluye: “El diseño buscaba preparar el país para el niño nuevo que debía nacer en una sociedad transformada”. Una sociedad que mirase al progreso, la nutrición, la educación y la independencia tecnológica entre otros muchos retos que se vieron frustrados por el golpe militar.

Siete ámbitos en una sola panorámica

Por su parte, Eden Medina agrega que la exposición se divide en siete ámbitos y que su distribución está pensada para que “se vean todas las piezas de la exposición de una sola mirada panorámica, con la intención de poner en evidencia la riqueza de formas del diseño en aquellos tres años”. Así, los ámbitos se suceden en las paredes de un gran cubículo en cuyo centro se sitúa la reproducción de la sala Cybersyn creada por PUC Chile y el MIT.

El primer ámbito se centra en la administración de la economía, y tiene como pieza estrella la citada sala Cybersyn, a la que el público puede acceder e incluso sentarse en sus galácticos sillones y apretar los botones de sus respaldos, que emiten mensajes para las pantallas principales.

El segundo ámbito se denomina Cómo llamar a la acción colectiva y muestra la gran producción de cartelería destinada a motivar a la población al trabajo o la defensa frente a los sectores contrarrevolucionarios. Destacan los trabajos de la Agencia Larrea, con su estilo gráfico característico. La mayor parte son reproducciones e incluso algunos afiches solo se conservan en viejas fotografías que los muestran pegados en las paredes. A partir de dichas imágenes se ha podido conocer su contenido original.

El tercer ámbito versa sobre la nutrición de la infancia y en él se encuentran los distintos diseños de medidores de leche en polvo, así como campañas de concienciación de las madres para que suplementen a los niños e incluso los vacunen.

Las carátulas de la música chilena

El cuarto ámbito es el que refiere a la ya citada Discoteca del Cantar Popular (DICAP) y todas sus producciones, que se resumen en numerosas carátulas de discos expuestas, desde la célebre foto de Víctor Jara que ilustrara El derecho a vivir en paz, hasta diseños de corte psicodélico para discos de Ángel Parra o la Orquesta Riverside. Junto a las carátulas se expone el proyecto para un tocadiscos portátil de distribución popular que nunca se llegó a fabricar.

El quinto ámbito se centra en reducir la dependencia tecnológica, y muestra los numerosos dispositivos ideados por el área de diseño industrial del Comité de Investigaciones Tecnológicas de Chile, todos ellos pensados con una filosofía opuesta a la obsolescencia programada imperante hoy en día. Desde muebles a calculadoras, televisores, autos o el citado tocadiscos populares pueden apreciarse en imágenes.

El sexto ámbito hace referencia a los planes de fomento de la lectura a través de libros y revistas para reducir el analfabetismo. A este respecto, la editorial estatal Quimantú distribuyo más de once millones de ejemplares en sus tres años de vida. Y, finalmente, el séptimo apartado de Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño se centra en las propuestas de nuevos pictogramas, señales y logotipos para la convivencia en espacios públicos.

Juan nos recibe en su casa, luminosa, moderna y transgresora, como es él. Lo hace junto a la inagotable sonrisa de Nacho y los ladridos de bienvenida de su querida Braza. Este recibimiento constituye la antesala de la conversación que nos depara esta cita, para hablarnos del trabajo más íntimo, de momento, de toda su carrera.

Si hubiese que ponerle música a esta exposición, su banda sonora sería la de Rigoberta Bandini, pues sus “poemas cantados” conectan a la perfección con la obra gráfica que Juan Jareño (Gijón, 1968) ha elegido para conformar Pensar en imágenes. Diferentes formas de..., su proyecto más personal y aquel en el que desnuda su alma para contarle al mundo lo que piensa, siente o percibe de todo lo que le rodea, bien desde su entorno más cercano o de otros más alejados.

Acostumbrado a plasmar lo que sus clientes piden durante las últimas tres décadas, este diseñador y también artista gijonés expone en el marco de POEX25, los encuentros de poesía que desde 2020 se celebran en Gijón, 21 serigrafías en blanco y negro que constituyen, en su mayoría, su respuesta emocional a lo que sucede en el mundo y que ven la luz por primera vez. En esta agrupación de trabajos sigue apostando por el blanco y negro porque “el peso de la imagen lo tiene que ser todo”, asegura este creativo para quien el color continúa siendo decoración que no le ayuda a contar nada.

El peso de la imagen lo tiene que ser todo. El color continúa siendo decoración que no me ayuda a contar nada

Impactos visuales de lo que le impresiona, le afecta o le aterra, Jareño identifica en Diferentes formas de belleza sus contradicciones, reconociendo su vulnerabilidad y asumiendo y enfrentándose a cómo es y cómo debería ser.

Desde una fortísima discusión con su hermano, que le tuvo días sin dormir, o la enfermedad que borró de un plumazo los recuerdos de su madre, tía y abuela, y que a él le aterroriza acabar padeciendo, la obra gráfica que Juan Jareño ha decidido compartir con el público tiene también un recuerdo para Juana Rivas, a través de la escenificación de la violencia vicaria, o los golpes de timón que a veces damos en la vida, afrontando nuevas incorporaciones como las protagonizadas por la paternidad o maternidad.

“En esta exposición hablo de mis cosas, me da vértigo porque es la primera expo en la que el contexto de artístico de exhibición es expositivo. Mostrarse es peligroso”, asegura este creador que no se considera artista, pues el de artista “es un traje que mucha gente se pone y a casi todo el mundo le queda grande”.

Estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca cuenta de sí mismo que pudo empezar a construirse cuando descubrió lo que no era, en vez de lo que era. Ese momento llegó a su vida cuando conoció a su compañero de piso durante la etapa universitaria, el pintor Daniel Verbis, quien le enseñó lo que verdaderamente era un artista. “Yo llegué a Bellas Artes con una imagen muy romántica de lo que era el dibujo, la pintura y no fue hasta 3º de carrera cuando descubrí lo confortante que me resultaba que la gente me encargase cosas y fue cuando en mi vida apareció la asignatura de Diseño Gráfico”.

Fue entonces cuando se dio cuenta de que para él era mucho más fácil plasmar lo que los demás sentían que aquello que habitaba en su interior, pues identificar y reconocer sus propios sentimientos era una viaje que, al menos de momento y durante muchos años, fue costoso para él.

Ese es el motivo por el que durante casi tres décadas, Juan Jareño ha sido creador de campañas publicitarias e imágenes icónicas y ha vestido las calles de Asturias, comenzando por Gijón, dando forma a eventos culturales, mensajes en el ámbito de lo social o comunicaciones institucionales como suyos fueron la mayor parte de los carteles con los que el Ayuntamiento de Gijón/Xixón se comunicó con la ciudadanía durante el confinamiento.

Pensar en imágenes. Diferentes formas de... es un punto de inflexión en una prolija carrera en la que, a partir de ahora, comenzarán a convivir las creaciones profesionales con las que surjan de la emoción del propio artista.

A lo largo de todos estos años, el trabajo de Juan Jareño ha sido reconocido con varios galardones regionales, nacioales e internacionales, como los International Graphic Awards, Emporia, LAUS, Anuaria, MOTIVA o Asturias Diseña.

De hecho, esta exposición cuenta con dos de las obras gráficas de Jareño que han sido galardonadas. Cántame al oído, creada para el Festival de Música Antigua de Gijón 2023, reconocida con el LAUS Bronce al mejor cartel en ese mismo año, en la que una imagen dedicada al canto vocal y también a los derechos, que entraña un doble mensaje: la necesidad de abrir la boca para aportar cosas bellas a la vida, y la escenificación del veto que en la antigüedad sufrían las mujeres para dedicarse a las disciplinas musicales.

Otra de las obras expuestas galardonadas es Leer es la leche (2024), que asemeja cualquier forma de literatura a un producto básico de la cesta de la compra, reclamando para el libro una de las características que convierten en “básicos” a algunos alimentos, imprescindibles para el crecimiento: “leer para crecer”.

Una letras y un tacón

Poco podía imaginar en el año 1992, tras su primer trabajo, el logotipo para una empresa turística de Llanes, que 19 años después, de su puño saldría el diseño vectorializado de lo que iba a convertirse en símbolo de la ciudad de Gijón, con permiso de Eduardo Chillida y su Elogio del Horizonte, más fotografiado, las 'Letronas'. El empeño de la entonces alcaldesa, Paz Fernández Felgueroso, reivindicando un Gijón turístico e industrial, regalo de la Federación de Empresarios del Metal (FEMETAL) a la ciudad y materializado en 2011, es a día de hoy la foto de Xixón.

“Les daba una vida de tres años, pues para mí era una decoración que ponía en la ciudad”, cuenta Jareño, para quien con las Letronas el ayuntamiento gijonés logró algo con lo que “mercantilizar” la marca de Gijón, evitando que el Elogio de Chillida, una obra de arte, acabase convertido en puro merchandising.

Y Jareño precio cogerle el gusto a la configuración de iconos partiendo de imágenes ya creadas, pues doce años después de las Letronas de Gijón, y ya como responsable de la imagen corporativa y de marca de la Fundación Princesa de Asturias, el creador gijonés fue el responsable del diseño a escala del tacón gigante que, en un guiño a la actriz y Premio Princesa de las Artes 2023, Mery Streep, estuvo expuesto en la Fábrica de Armas de La Vega, en Oviedo, durante la edición de los galardones más internacionales de Asturias.

Fue tal la repercusión que tuvo esa instalación, obra en corcho con acabado en poliéster y fibra de vidrio de los artesanos falleros valencianos Salva Banyuls y Néstor Ruiz, que el tacón acabó convirtiéndose en símbolo del poderío de las mujeres. Así, cuando algunas de las integrantes del colectivo Cincuenter, nacido para inspirar, conectar y visibilizar a mujeres de más de 50 años, tuvieron claro que no podía salir de Oviedo y pusieron en marcha una recogida de firmas para lograr su objetivo. Y así fue como la huella de Meryl Streep, una imponente pieza de 4,3 metros de alto por 6,3 de largo, quedó instalada, por orden del Ayuntamiento de Oviedo, dentro del Palacio de Exposiciones y Congresos del edificio Calatrava.

Pensar en imágenes... permanecerá abierta al público en el Centro de Cultura Antiguo Instituto de Gijón hasta el próximo 22 de marzo. La idea de su autor es que esta sea solo la primera parada de un largo recorrido que lleve la exposición más allá de las fronteras de Asturias.

La capital hispalense ha activado este jueves 28 de noviembre el modo creatividad con la inauguración de la séptima edición de OFFF Sevilla, el festival que invita a las mentes inquietas a explorar las fronteras del diseño, la animación y la cultura digital bajo el lema Made for the Curious. Hasta el próximo día 30, la Real Fábrica de Artillería será el escenario donde se darán cita más de 40 artistas y estudios de renombre internacional, que compartirán sus experiencias y proyectos que están “marcando un antes y un después” en campos como la ilustración, la robótica, la animación, el videojuego, la realidad virtual o el metaverso.

Gracias a las conferencias y charlas magistrales que se van a celebrar en el marco del festival, el público podrá descubrir lo último en materia de creatividad e innovación digital. Entre los creadores de vanguardia que se van a reunir en la ciudad de la Giralda estos días, destacan la neoyorkina Ceren Arslan, conocida por transformar el diseño espacial y la arquitectura efímera en experiencias inmersivas para firmas como Tiffany & Co; el estudio Collins, con sede en San Francisco y Nueva York, conocido por su capacidad transgresora para reconfigurar las estrategias de Spotify o Nike; o el estudio Mayda, cuyas obras audiovisuales interdisciplinares abarcan publicidad, cine y realidades inmersivas, combinando diseño, tecnología y medios digitales de manera única y visionaria.

La programación del festival la completa una oferta de actividades paralelas de acceso libre denominada Artillería ON, impulsada por el área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, con el objetivo de “que el público general se acerque a disciplinas como la ilustración, la animación o la robótica y qué cada vez más gente se sume a la comunidad creativa”, como ha explicado Virginia Moriche, directora del festival, durante el acto de inauguración. Así pues, de forma gratuita, los asistentes podrán sumergirse en experiencias inmersivas, contemplar la exposición The Sevillaner o profundizar en la obra de 19 artistas locales, como Pablo Little.

Creatividad ON

El ciclo de actividades comienza este jueves 28 con Suso Saiz y Alba G. Corral, quienes crearán una atmósfera envolvente con música ambiental y visuales generados en directo. Ya el viernes, el artista argentino Federico Durand y Mayte Gómez Molina ofrecerán una experiencia sensorial única, mientras que el 30 de noviembre, la banda experimental de Berlín VROUW! cerrará el ciclo con una propuesta sonora y visual única que mezcla lo artesanal y lo tecnológico.

En paralelo, el público podrá vivir experiencias inmersivas gratuitas, como 'Órbita', una instalación inmersiva que invita a explorar nuevos territorios digitales en colaboración con ASUS, o 'Invernaderos', una propuesta de Syntroφ Art Studio que ofrece un recorrido sensorial entre lo natural y lo tecnológico, con un enfoque que reflexiona sobre la convivencia entre ambos mundos.

Asimismo, las noches de OFFF Sevilla en esta edición estarán marcadas por el ciclo 'Microclima: Música & Visuales', un espacio de experimentación sonora y visual comisariado por LaSuite. Durante estas citas nocturnas, artistas de vanguardia presentarán actuaciones inmersivas que fusionan música y visuales en tiempo real, invitando al público a explorar nuevas formas de creación sensorial.

Historias de vida y de aprendizaje

Junto a lo anterior, la Real Fábrica de Artillería acogerá a 19 artistas locales que expondrán sus obras en los diferentes 'Pop Up Studios' en los que se divide el espacio, mostrando sus procesos creativos al público en disciplinas que van desde el arte textil y el collage hasta la ilustración y la cerámica. El Studio 1 está liderado por LAB Sevilla y reúne a talentos de la ilustración y el arte contemporáneo, con nombres como Meri Merino, Mar García Ranedo, Josema López Vidal, Irene Mala, Jesús Prudencio, Lola Yriarte, Manifiesto Taller, Daniel Páez, Jota Erre, Rosa Nogueras, Pablo Jiménez y Ana Langeheldt.

El Studio 2 presenta exclusivas piezas de cerámica firmadas por Little, Virgen y Floki. En el Studio 3 cobra vida la fuerza del arte urbano, donde artistas como Zësar Bahamonte, DRILI y Galleta María trasladan el impacto de los murales al lienzo. Finalmente, el Studio 4, titulado Tattooing Textiles, explora la innovadora conexión entre tatuaje y diseño textil bajo la dirección de Debaga.

Durante la inauguración han estado presentes algunos de los artistas que participan en esta edición, como el cordobés Pablo Little, quien invita a las almas curiosas a pasarse estos días por la Fábrica de Artillería de Sevilla para buscar inspiración e ir preparando “las primeras compras navideñas”. Little es una de las mentes creativas que forman parte de OFFF Sevilla y que encarnan el espíritu del festival: “Yo dibujo porque tengo mucha curiosidad por el mundo”. A los 27 años decidió dar “un volantazo” a su vida y apostar por dedicarse a su pasión: el dibujo.

“Al principio pasé un poquito de hambre, pero empecé a trabajar con periódicos digitales, con prensa escrita, con revistas de moda, a hacer mis primeras exposiciones y cuando me di cuenta, de repente tenía un sueldo como artista y podía vivir de esto”, recuerda este artista afincado en Sevilla que define su dibujo como “puramente intuitivo y emocional”.

Tomando café en un establecimiento que tenía taller de cerámica, “me di cuenta de que quería ver mis dibujos en muchos otros formatos y ahí nació la cerámica, que ha sido un lenguaje que en principio lo entendí como un soporte en el cual extrapolar el dibujo y ahora se ha convertido como en un objeto artístico en sí”, cuenta quien se confiesa como “un fetichista del objeto” y de los valores sentimentales que le atribuimos los seres humanos.

Little ha descubierto que “el dibujo no tiene límites” después de que su famosa tirita –que él mismo dibujó como un mantra para sanar su corazón roto– haya dado la vuelta al mundo y se haya convertido en una especie de “amuleto” y de “elemento de la cultura popular” asociado a sentimientos de cuidado y esperanza.

Historias de vida y de aprendizaje como la que comparte Pablo Little con SevillaelDiario.es son las que puede conocer el público durante los tres días de OFFF, como explica la directora del festival: “Los artistas van a compartir sus experiencias vitales y sus proyectos, pues conocer su trayectoria vital ayuda a entender cómo han llegado a estar donde están ahora, siendo referentes”.

Son las ocho de la mañana en las oficinas de Agencia Creativa Mira, en pleno centro de Écija. Aquí, en un espacio moderno y diáfano donde las ideas fluyen “sin jerarquías”, empieza otra jornada llena de retos creativos. Mira Creativa, fundada en 2004 por un grupo de cinco entusiastas del diseño gráfico, se ha consolidado como un referente en su sector gracias a su enfoque colaborativo y horizontal. La empresa destaca por su capacidad para desarrollar proyectos gráficos de alta calidad que incluyen branding, diseño web, y la creación de catálogos e infografías 3D.

Desde sus comienzos en la Calle Córdoba, el equipo de Agencia Creativa Mira ha querido que su misión sea “ofrecer diseño gráfico de calidad, abarcando desde proyectos locales hasta encargos de alcance nacional e internacional”. En 2022, se trasladaron a su ubicación actual en la Calle José Herrainz Caraballo, donde optimizaron el espacio para responder mejor a las necesidades de sus clientes.

En Mira, las reuniones no siguen un guion estricto; son encuentros de intercambio de ideas donde los roles se entrelazan y los problemas se resuelven “en bloque”, como señala David Rodríguez, director comercial y diseñador. “Aquí no hay espacio para las jerarquías. Nos nutrimos del diálogo constante, y cada idea, por disparatada que parezca, merece ser discutida”, añade.

Uno de los proyectos más significativos para los integrantes de Agencia Creativa Mira fue el mural del centro comercial N4 de Écija, elaborado en el año 2008. Esta obra, de más de 80 metros de largo, destaca por la integración de fotografías de los monumentos más emblemáticos de la ciudad, unificando varias imágenes panorámicas de la misma. José Antonio Gálvez, encargado de administración y finanzas, recuerda: “Fue un proyecto muy especial, no solo por su magnitud, sino porque nos permitió aportar algo significativo a nuestra ciudad”.

Pintura, tecnología, diseño

El equipo de Agencia Creativa Mira se distingue por las diversas aficiones de sus integrantes. Ángel García, director de arte y diseñador gráfico, también es pintor y ha obtenido premios en concursos internacionales como el cartel del Sicab. “Mi formación artística me ha ayudado a abordar los proyectos desde diferentes ángulos”, señala García.

Antonio Sarabia, aficionado al mundo de las tecnologías desde muy temprana edad, es quien se encarga de que todo funcione. Desde las redes sociales hasta la infraestructura técnica, Sarabia es el que soluciona problemas y se asegura de que cada copia de seguridad esté al día. “Desde muy pequeño ya jugaba a trastear con los aparatos tecnológicos que había en casa; hoy esta afición continua, pero los equipos con los que trabajamos son mucho más caros y complejos”, bromea. Su habilidad para entender los entresijos técnicos se ha vuelto esencial en un mundo digitalizado en el que se integra la empresa.

Ángel Carmona, conocido como “Jarit” por su inusual segundo apellido, es el miembro más joven de la empresa y el único que no es socio fundador. Tras iniciarse en el ámbito de los sistemas informáticos, descubrió que su pasión real era el diseño gráfico. Así, decidio matricularse en un grado en dicha especialidad y hacer las prácticas en Mira Creativa, ya que sus integrantes eran antiguos compañeros de trabajo de su padre. Estas prácticas se alargaron y, después de acabar, Ángel pasó a ser trabajador contratado. “Al empezar aquí, sentí que el diseño era lo mío y cuando me ofrecieron quedarme, no lo pensé dos veces”, cuenta.

“Trabajar más no siginifica trabajar mejor”

La pandemia de la COVID-19 supuso un desafío, pero también una oportunidad para reestructurar el funcionamiento de Mira Creativa. El equipo pasó de un horario convencional distribuido entre la mañana y la tarde a uno intensivo de 8.00 a 15.00, “porque a veces menos es más”. “Aprendimos que trabajar más no siempre significa trabajar mejor. Cuidar nuestro bienestar es esencial para mantener la creatividad”, afirma David Rodríguez.

El último gran proyecto de Mira Creativa es la identidad visual de la Feria Andaluza del Hogar, un reto que ha implicado desde el nuevo nombre del evento hasta la creación de un logo que encapsule la diversidad del hogar. Gálvez explica: “Queríamos algo que comunicara la riqueza y variedad del sector. Ha sido un desafío, pero creemos que el resultado sorprenderá y atraerá a expositores y visitantes por igual”.

Agencia Creativa Mira también ha llevado su talento fuera de España, trabajando en proyectos internacionales como catálogos de complejos hoteleros ubicados en República Dominicana o Brasil. Este amplia trayectoria se ha visto premiada con la obtención de varios galardones, como el Premio Emprendedores a la Innovación Empresarial 2004 de Andalucía Emprende, el Premio a la Mejor Iniciativa Empresarial de la X Edición de los Premios Amigos de Écija por el gran mural alusivo a la silueta arquitectónica de la ciudad, y el Premio a la Mejor Empresa Sevillana en el V Encuentro de Emprendedores de Sevilla, otorgado por la Consejería de Economía, Innovación y Ciencia.

En Agencia Creativa Mira, cada proyecto se aborda con el mismo entusiasmo y compromiso que al principio. Ahora, lo que comenzó hace 20 años como el sueño de un grupo de amigos sigue siendo una historia de constante aprendizaje y evolución, pero manteniendose fiel a sus raíces astigitanas.

“Por la mañana churros, por la tarde pollos asados, patatas y almendras”. La frase del diseñador gráfico Ricardo Barquín Molero refleja la tradición de la churrería sevillana que muchas empresas familiares desempeñan en la capital y en distintos municipios de la provincia.

La historia de “Las de Pruna” parece el inicio de un chiste. No lo es. Un empleado de un taller de carpintería metálica y un dueño de un bar, amigos del pueblo, compran la maquinaria de una antigua fábrica que echó el cierre y deciden emprender un negocio de patatas fritas. 

José María Grande y José Manuel Ponce tienen desde 2017 una “empresa chiquitita” de cuatro trabajadores en la localidad de Pruna. “Yo soy el que fríe las patatas”, dice Grande que va a la nave junto a su hijo mientras que Ponce hace las veces de comercial con otro empleado. “Empezamos con una furgoneta de segunda mano y nos tiramos a la calle para vender”.

Hace más de 40 años que en la calle Perpetuo Socorro del municipio de Olivares, los García Rodríguez abrieron una churrería tras un accidente laboral del padre de familia, Cástulo. “La tienda comenzó poco a poco”, recuerda una de las hijas, Encarna García. De los churros a las patatas fritas casi por inercia: “A mis padres les gustaba trabajar y como les iba bien pues avanzaron otro poco”. Y posteriormente vinieron los pollos asados. 

Estos son los inicios de las “Hijas de Cástulo” que se han convertido en un referente de las patatas fritas en esta localidad aljarafeña. Desde principios de siglo, las hermanas Encarna y Pepa están al frente de un negocio de cuatro empleados que echa al perol entre 400 y 600 kgs de patatas a diario. En Pruna, por su parte, Grande puede llegar, en temporada alta, a freír 1.000 kgs al día de patata nacional siendo el 90% de patata agria que son “las mejores para freír”. 

Patatas, aceite y sal

Las patatas de las “Hijas de Cástulo” son “aptas para paladares exigentes que buscan sabor y tradición” como detallan las hermanas García. Estas empresas familiares sevillanas se ciñen a la antigua usanza. No hay más ingredientes que patata, aceite y sal. Pese a las innovaciones técnicas conservan la forma artesanal de freír, utilizan productos naturales y el resultado es una patata frita crujiente, poco aceitosa y que no cuenta con ningún tipo de conservantes ni aditivos.

En Papita Frita, proyecto de Cristina Portolà y del propio Barquín que documenta la gráfica popular de patatas fritas locales, son unos “puristas”: “No solemos meter marcas que hagan sabores como las de jamón, huevo frito, payoyo… sólo las de toda la vida y las de ajillo”, dice Barquín.

“En 1982 no había los paladares de ahora. Al final, los saborizantes van en función del gusto del consumidor”, dice García. Así en los supermercados se pueden encontrar todo tipo de patatas fritas de sabores. “Las patatas que se usan son de mala calidad y su sabor se oculta con los aditivos”, dice Grande. Como cuando se adoba un pescado para enmascarar su frescura.

Lo popular

Tanto Grande como García tienen claro que su expansión se debe al boca-oreja y su reto es afianzarse en sus pueblos y en otras localidades de la provincia. “Las de Pruna” han centrado sus esfuerzos en ganarse a sus vecinos que los recibieron “muy bien y con mucha ilusión”. Han sabido aprovechar su localización en la Sierra Sur sevillana para llegar a las provincias limítrofes de Cádiz y Málaga. Incluso se asientan en negocios de Sevilla capital, Dos Hermanas y el Aljarafe. “Nos va bastante bien”, dice Grande.

Las hermanas García, que rechazaron una oportunidad para suministrar a un gran supermercado, lo tienen claro: “Queremos tener trato con el público; que el cliente no sea un número sino que venga a decirnos cómo están las patatas”. Y la mayoría de esos consumidores son sus vecinos. “Tenemos clientes de todas las generaciones y que vienen al puesto porque sus abuelos o padres compraban aquí”.

“Por presión para entrar en las grandes superficies, hay empresas que cambian su estilo y todas comienzan a parecerse”, avisa Barquín sobre la uniformidad “horrible” que se está instaurando en el diseño de las bolsas de patatas fritas. “Se pierde singularidad y las imágenes castizas”, argumenta.

Barquín resalta que estos proyectos son “de los más puros que hay” en cuanto al diseño de sus envases. “Mi padre, que era bético y andaluz, no se comió la cabeza y eligió el color verdiblanco. La virgen del Perpetuo Socorro es la patrona del barrio y el eslogan ”manténgase al alcance de los niños“ se lo puso el de las bolsas”, dice García. En “Las de Pruna”, el Castillo del Hierro domina el paquete en una estampa clásica del municipio.

Estas señas de identidad son las que documenta el proyecto Papita Frita en su defensa del uso de los elementos locales como siluetas del pueblo, hitos históricos de la localidad, devociones religiosas junto con “una tipografía que si no la hace el dueño la hace el de la imprenta”. “En la gráfica popular no hay diseñadores ni equipos de marketing sino que emana de la propia gente”, concluye Barquín.

El Ayuntamiento de Logroño presentó este viernes la nueva marca de ciudad con un acto en El Espolón con el nombramiento de personas embajadoras y la inauguración de unas letras con las que poder fotografiarse. El alcalde Conrado Escobar y los creadores de la imagen de marca, Daniel Morales y Javier Euba, de la agencia de comunicación MORUBA, explicaron los detalles, mientras la cara sonriente que forman las letras LO resultaban muy familiares.

Y es que el Equipo de Gobierno actual ha recuperado la imagen que encargó en 2017 el Ayuntamiento de Cuca Gamarra a la misma agencia y de la que surgió la marca 'Hola, soy Logroño'. Siete años después, el consistorio ha contratado a través de un contrato menor de 14.520 euros la revisión y actualización de la misma marca, aunque este viernes se anunciara como nueva.

Una imagen que para sus creadores refleja la personalidad “abierta, alegre y hospitalaria que tienen Logroño y sus habitantes” con la sonrisa. “Logroño nos evoca bienestar, se expresa de una forma positiva, agradecida y entusiasta”, añadieron en la presentación, destacando el componente “humano” de la marca, pensada para invitar a interactuar con la ciudad.

Logroño deja atrás la marca 'Visita Logroño' que el Ayuntamiento del socialista Pablo Hermoso de Mendoza impulsó en 2021 y recupera actualizada una imagen ya conocida. Y no ha pasado desapercibido. Muchas personas han compartido en redes sociales el tuit con el que Cuca Gamarra presentó 'Hola, soy Logroño' en 2017, han recuperado los objetos promocionales de entonces o han criticado que se presente una nueva marca, que no es nueva.

La inteligencia artificial generativa ha revolucionado la creación de imágenes, pero también ha puesto en riesgo la originalidad de los ilustradores y diseñadores. La llegada de estas herramientas permite que cualquier persona con muy pocos conocimientos técnicos pueda replicar fielmente el estilo que hasta ese momento había hecho únicas sus creaciones. Ese estilo por el que empresas o instituciones les encargaban nuevas obras.

Algunos desarrolladores de esos modelos de IA e investigadores intentaron poner en marcha herramientas de protección para los artistas. La mayoría de ellas funcionan ofuscando la imagen que ve la inteligencia artificial, distorsionándola o añadiéndole ruido informático. El objetivo es que su aspecto siga siendo el mismo al ojo humano, pero que los modelos generativos engendren imágenes informes si se les ordena replicarlas.

El problema es que estas herramientas no funcionan, a pesar de que se han hecho extremadamente populares y suman millones de descargas. “No protegen a los artistas de la imitación de su estilo”, concluye el primer estudio sobre ellas realizado por investigadores de la Universidad de ETH Zúrich y de Google DeepMind, la división de investigación en IA de la multinacional.

“Todas las protecciones existentes pueden eludirse fácilmente, dejando a los artistas vulnerables al mimetismo de estilo”, advierten.

Esto implica, a juicio de los autores del estudio, que el uso de estas herramientas puede llegar a ser contraproducente. Ofrecen “una falsa sensación de seguridad”, alegan: “No tener herramientas de protección es preferible a tener unas inseguras. Las protecciones inseguras pueden engañar a los artistas haciéndoles creer que es seguro publicar su trabajo, lo que permite la falsificación y los pone en una situación peor que si hubieran sido más cautelosos en ausencia de cualquier protección”, argumentan.

Para lleva a cabo el estudio, los autores aplicaron técnicas simples como la ampliación y reducción de las imágenes, que podrían eliminar o reducir ese ruido introducido con objetivo de dificultar la visión de las inteligencias artificiales. Después entrevistaron a voluntarios para evaluar si las imágenes con protecciones seguían siendo reconocibles o si la IA generativa todavía podía imitar su estilo. Finalmente compararon los resultados antes y después de aplicar las técnicas de resistencia y el estudio con usuarios, concluyendo que estas herramientas no representan una protección confiable.

En este momento, si alguien piensa que la IA realmente puede afectar a su modelo de negocio, la opción más segura es no publicar su arte online

Javier Rando — coautor del estudio

Además, destacan que las técnicas que han usado para vulnerarlas ya estaban disponibles cuando esas herramientas de protección salieron al mercado, lo que implica que nunca fueron realmente seguras. “En este momento, si alguien piensa que la IA realmente puede afectar a su modelo de negocio, la opción más segura es no publicar su arte online porque como demuestra nuestro estudio, incluso las mejores protecciones que existen no pueden garantizar que su arte no va a ser copiado”, explica en conversación con elDiario.es Javier Rando, coautor del estudio.

Diferencias entre artistas

Uno de los aspectos llamativos que han encontrado los investigadores durante su análisis es que las herramientas de protección sí funcionaban bien para impedir que la IA copiara el estilo de un puñado de artistas.

En este caso Rando no puede detallar exactamente por qué. “No lo sabemos bien, y probablemente haría falta un estudio mucho más grande y expertos para juzgarlo. Estudios previos, como el de Glaze [una de las herramientas de protección analizadas], comentaban que los artistas 'contemporáneos' que no habían estado en los datos de entrenamiento, estaban mejor protegidos. En nuestro estudio no hemos encontrado diferencias notables entre artistas históricos y contemporáneos”, resume.

Desde Glaze (desarrollada por la Universidad de Chicago) han agradecido a los autores haber puesto a prueba su herramienta y comunicarles los resultados. “En nuestras pruebas, verificamos algunas de las afirmaciones de los autores: su método tuvo un impacto significativo en la eliminación de la protección Glaze V1, y tuvo cierto impacto en la protección Glaze V2.0. Sin embargo, al igual que muchas técnicas de eliminación anteriores, este ataque suele pagar el precio de una calidad de imagen significativamente degradada. La degradación es especialmente problemática en el caso de los rostros, las ilustraciones con textura y las ilustraciones de alto contraste”, destacan.

En este sentido, los autores del estudio afirman que las diferencias de efectividad entre diferentes trabajos artísticos que proporcionan las herramientas colaboran a esa “falsa sensación de seguridad a todos los artistas”. “Las protecciones deberían valer para todos los artistas por igual, mientras que un método de imitación podría dirigirse con éxito sólo a determinados artistas”.

Sin soluciones en el horizonte

Los autores explican que con las soluciones tecnológicas actuales no hay demasiadas opciones para los artistas que quieran impedir a toda costa que su trabajo sea replicado con inteligencia artificial. Las grandes compañías que la desarrollan, como OpenAI, han habilitado sistemas para que los autores puedan indicarle a sus sistemas que no deben absorber un determinado contenido. Sin embargo, eso no evita que un ataque que pretenda copiar una obra lanzado por un tercero.

“Las limitaciones de las protecciones contra la imitación de estilos son inherentes. Los artistas están necesariamente en desventaja, ya que tienen que actuar primero (es decir, una vez que alguien descarga el arte protegido, la protección ya no puede modificarse)”, recuerda el estudio. Destacan además que este tipo de protección (añadiendo ruido a la imagen) no puede actualizarse una vez que la obra haya sido publicada en Internet, lo que las expone a la copia con herramientas más desarrolladas.

En la era de los filtros, las visualizaciones, los likes, los trends o el “desliza hacia la derecha para no volver a ver a esta persona”, gran parte del juego social tiene lugar en el tablero de las redes. Jugamos a ser creativos, fotógrafos, modelos, prescriptores y, sobre todo, a proyectar una imagen, ya sea auténtica o puro postureo. 

Al escribir la palabra “libro” en Pinterest, la red social de las imágenes inspiradoras, el buscador sugiere automáticamente “libros aesthetic” y la búsqueda devuelve innumerables imágenes de portadas en tonos pastel, páginas cubiertas con flores y lecturas en escenarios bucólicos. En Instagram triunfan las citas, los subrayados y el libro como elemento decorativo. En TikTok el hashtag #BookTok nos arroja miles de vídeos que recomiendan novedades, sobre todo juveniles, y que las grandes cadenas de librerías ya han llevado al mundo analógico otorgándoles un espacio propio en forma de estantería.

“Las redes sociales han influido totalmente en el diseño editorial. Desde hace unos años hay una tendencia a postear todo lo que consumimos, incluidas las lecturas, y estoy 100% segura de que muchos libros se quedan fuera de esos posts porque no son estéticamente bonitos”, opina Marta Taboada, directora de arte y el criterio tras la cuenta de Instagram @portadasbien. “Ahora hay un esfuerzo en que [el libro], además de la lectura, también merezca la foto, y eso se nota cuando entras en una librería”. 

Para Taboada, las “portadas bien” son aquellas que cumplen tres pilares: coherencia, sencillez y buenos acabados. En su cuenta, además de exponerlas cual coleccionista de arte, explica de manera muy didáctica el proceso que hay detrás de cada diseño y reconoce el trabajo de sus creadores. Una afición con la que, confiesa, nunca pensó que fuera a conseguir tan buen feedback: “Ponerle nombre y apellidos a la persona que se había encargado de la cubierta del libro no era algo que interesase especialmente a los lectores. Por suerte, hoy sí que pasa”.

“Hay muchos factores que influyen a la hora de comprar un libro”, apunta Artur Galocha, diseñador de las portadas más icónicas de Libros del K.O., como la de Fariña. “Quién lo escribe, el tema, la promoción que haya tenido… Pero una buena portada puede hacer que un libro traspase esas barreras y entre por el ojo”. Él mismo reconoce que más de una vez se ha llevado a casa un libro malo por culpa de una buena portada.

“No creo que las redes hayan cambiado tanto la forma de diseñar libros sino más bien la de promocionarlos. Antes los libros te hablaban solo desde las estanterías de la librería, ahora te hablan desde la estantería de Internet, que es mucho más grande, más porosa, más concreta a veces, más ruidosa otras”, valora Galocha, que sí reconoce estar viendo un cambio en la forma de diseñar portadas en España desde hace unos años. “Ahora se arriesga un poco más y hay más libertad creativa”.

Ahora se percibe un esfuerzo por que [el libro], además de la lectura, también merezca la foto, y eso se nota cuando entras en una librería

Marta Taboada — directora de arte tras la cuenta de Instagram @portadasbien

De interés literario internacional

Precisamente las lecturas de uno de los mayores exponentes de libertad creativa de nuestro país, Rosalía, han sido causa de grandes revuelos en redes. Cada vez que publica una foto en la que se atisba un resquicio de libro, comienza una comisión de investigación acelerada para lograr descifrar los títulos que acompañan a la cantante catalana. Lo primero en esclarecerse suelen ser el sello y la colección, después, la ronda de apuestas permanece abierta hasta que, con suerte, la editorial entra en juego para arrojar luz.

“Creo que hay una tentación muy fuerte a extrapolar la conexión que se tiene con la obra de un artista a otros campos vinculados con su gusto o su biografía. Si eres fan de la música de Rosalía, probablemente acabes desarrollando una fascinación hacia ella en el terreno emocional. Y, precisamente por ello, es fácil que pronto te interese todo lo que la rodea”, comenta Eva Blanco Medina, redactora de Cultura de Vogue España que ha ahondado en el fenómeno de la cantante catalana como prescriptora literaria. “Además, hay que decir que sabe rodearse de libros bastante suculentos. O a mí, al menos, me lo parecen”.

Si nos interesa qué lleva en el bolso Victoria Beckham y queremos saber dónde compra los vaqueros Hailey Bieber, por qué no íbamos a querer saber con qué libros ocupan su tiempo. En nuestro día a día todo se entremezcla e interactúa: música, arte, moda, cine, gastronomía, literatura… En esta línea de enlazar disciplinas, la Maison Chanel creó el club de lectura Les Rendez-Vous Littéraires rue Cambon con Carlota Casiraghi en 2021, donde los libros eran el punto de partida para conversar con autoras entorno a la emancipación femenina y hermanar moda y literatura. Para Eva Blanco Medina, “independientemente de los intereses comerciales que puedan motivar estas uniones, este tipo de sinergias son de lo más natural”.

“Es más, si el planteamiento es bueno y la marca en cuestión se alía con autoras contemporáneas con las que comparta valores creativos y cierto imaginario estético, creo que ambas partes pueden salir ganando. Y también, por qué no, sus respectivos públicos”, considera la periodista. 

Un ejemplo totalmente diferente y muy visual de esa asociación libre de moda y literatura “sin ninguna pretensión” es el hilo de Twitter publicado por la librería valenciana Bartleby tras la reciente Met Gala. Su artífice, Manu Garrido, que además de copropietario de la librería es historiador del arte y librero, era ajeno a la existencia de la gala benéfica y feria de vanidades que el Metropolitan Museum de Nueva York acoge anualmente, y tampoco le ponía cara a Zendaya hasta esa misma noche cuando su pareja le mostró fotos del evento.

“Tengo una buena memoria fotográfica y al ver aquel vestido de Zendaya enseguida me acordé del colibrí de la portada de El ministerio del dolor, de Dubravka Ugrešić (Impedimenta, 2024). Pensé que era gracioso y seguí mirando vestidos con mi pareja y relacionándolos formalmente por su parecido a otras portadas que recordaba”, dice.

Las originales asociaciones de Garrido fueron bien recibidas por los usuarios de X, que le llegaron a felicitar con el clásico “te has pasado Twitter”. “Me hicieron gracia algunos retuits de especialistas en redes sociales y posicionamiento en Internet, que alababan el hilo y hablaban de la 'hábil estrategia' de aquella pequeña librería de València que había sabido subirse a una tendencia relacionándola con su marca, y yo pensaba '¿qué estrategia?', si solo soy un tipo en bermudas en el sofá de su casa con el móvil en una mano y su gata en el regazo”, recuerda.

Los coffee table books que triunfan en Instagram

Además de este cameo anecdótico en el evento de moda del año, los libros han empezado a ocupar espacio en las tiendas de moda. ¿Quién dijo que el papel estaba muerto? Urban Outfitters, el espacio de ropa multimarca WOW Concept e incluso H&M apuestan por reservar un lugar dentro de sus establecimientos a ciertas cubiertas, principalmente las que podrían catalogarse como coffee table books.

Se trata de libros bonitos, generalmente de carácter artístico y grandes, que sirven como piezas decorativas. Es fácil reconocerlos al darse un paseo por las cuentas de las influencers más famosas. El del fotógrafo Peter Lindbergh con Kate Moss en la portada, el Sofia Coppola Archive en rosa, el de la top Naomi Campbell o las coloridas guías de viaje de Assouline, que reinan en esta categoría y de las que es probable que tengas varios ejemplares si eres “una persona bien vestida con un hogar bien decorado”, según la revista Forbes.

Su estética y precio –más de cien euros el ejemplar– les ha llevado a colarse en los salones con más likes de Instagram y a volverse deseables hasta tal punto que ya sufren la aparición de réplicas baratas de sus portadas, eso sí, vacías en su interior.

Si identificamos que el algoritmo es el causante de que todas las casas parezcan la misma y de que se tome ramen en Sevilla, Kyle Chayka, autor de Mundofiltro. Cómo los algoritmos han aplanado la cultura (Gatopardo Ediciones, 2024), le atribuye también la homogeneización de la cultura. “Al recompensar determinados temas y priorizarlos en los flujos, basándose en qué es lo que atrae mayor atención de forma inmediata, las recomendaciones algorítmicas imponen géneros culturales”, escribe. Por supuesto, no se puede pasar por alto que del número de seguidores expuestos a cada estímulo dependerá la repercusión.

La receta de los libros virales tiene, por supuesto, múltiples ingredientes. Pero en lo referente al diseño, Marta Taboada considera que “hoy en día atrae mucho un libro con portada limpia, de tipografía bold en grande, con colores planos y llamativos y sin muchos más elementos”. Como ejemplos de éxito cita ‘Yellowface’, de R. F. Kuang (publicado en España por Hidra, 2023) o la edición en inglés de ‘The Guess’, de Emma Cline (Random House, 2023). “Son como una señal de tráfico que atrae a los ojos”.

Al recompensar determinados temas y priorizarlos en los flujos, basándose en qué es lo que atrae mayor atención de forma inmediata, las recomendaciones algorítmicas imponen géneros culturales

Kyle Chayka — autor de 'Mundofiltro' (Gatopardo Ediciones, 2024)

Más allá de las pantallas

Ajenas a la dictadura del algoritmo –sí, también hay vida después de las redes–, Toya Legido y Lucía Moreno han recibido este lunes uno de los premios que el Ministerio de Cultura otorga cada año a los libros mejor editados por su trabajo en Ellas ilustran botánica: arte, ciencia y género (CSIC, 2023).

El jurado las ha premiado por la calidad del acabado, el diseño y la elegancia de la tipografía y los cantos, entre otras cosas. Para ellas, las redes sociales no han formado parte del proceso creativo. “Personalmente creo que cada libro, cada diseño, empieza de cero. Te tienes que plantear para qué es, qué contiene y qué sensación quieres dar”, defiende Moreno. “En nuestro caso, las redes sociales pueden acompañar, pero a posteriori, no tienen nada que ver con ninguna decisión de diseño”.

En su caso, además, el libro nace como recopilación de una exposición e investigación previa. “Somos cuatro profesoras de la Facultad de Bellas Artes que teníamos la idea de sacar a la luz mujeres ilustradoras, científicas, botánicas desde el siglo XVI hasta la época contemporánea”, aclara Legido. Se plantearon el libro como una obra de arte, “con mucho cuidado, con muchos detalles” y con la suerte de contar con la libertad total del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. “La verdad es que han creído mucho en el proyecto y no han puesto ni una queja a ninguna propuesta de diseño o materiales”, agradecen, aunque reconocen que ellas no han cobrado nada por el libro. “Era la manera de difundir la investigación y nos interesaba más la calidad del libro que lo demás”.

En ese mismo bando, el de la calidad frente a la viralidad –si es que fuera necesario elegir–, se posiciona el diseñador Artur Galocha: “Me gusta pensar que la portada de un libro es la ropa con la que se presenta y hay que saber vestirse para cada ocasión”. Para él lo más importante es “que tenga sentido con el tema y el tono del libro, después, que llame la atención del lector, como una especie de grito desde la estantería y, por último, que sea bonita”.

Me gusta pensar que la portada de un libro es la ropa con la que se presenta y hay que saber vestirse para cada ocasión

Artur Galocha — diseñador de portadas para Libros del K.O.

¿Qué nos encontramos cuando rompemos la burbuja, tanto de las redes como de nuestro propio entorno, y salimos a la calle? “Creo que el metro es un buen termómetro de la actualidad de una ciudad y lo que la gente lee en el metro es algo muy democrático y muy inclusivo”, señala Luis Alonso Agúndez, que en su cuenta @leyendoenmetro juega con su hermano a registrar la vida literaria del transporte subterráneo de Madrid.

“En el metro te das cuenta de que lo que te aparece en las redes es una ficción y un mundo realmente muy pequeñito”, reflexiona. Agúndez, que entre sus fotografías predilectas tiene a una señora mayor leyendo Crepúsculo o a un hombre con El Quijote, asegura que en el transporte público se rompen muchos estereotipos y percibe una tendencia a los libros de autoayuda, psicología y salud mental.

En una de sus fotos, una joven que lleva una gabardina de la marca catalana Laagam lee Te di ojos y miraste las tinieblas (Anagrama, 2023) de la también catalana Irene Solà y da la sensación de que a veces las piezas encajan. “Es una de las imágenes que más repercusión ha tenido”, admite Agúndez. “La chica que un día quise ser”, menciona un comentario. “No soy yo pero podría ser yo”, reza otro. Y el mundo real analógico nos lleva de vuelta al aspiracional, al de las redes.

Hace unos años, en pleno boom literario de Sally Rooney entre millennials, fue bastante comentada una crítica negativa a la autora irlandesa de Jessa Crispin en The Guardian que decía: “Sus libros han sustituido a los de figuras como David Foster Wallace o Joan Didion como los libros con los que ser sorprendido: 'Oh, ¿se me ha caído esta novela superventas pero a la vez aclamada por la crítica del bolso en el bar justo al lado de la persona que me atrae? ¡Qué torpe!' – Y mostrar hábilmente a todos tu buen gusto y tu interés por las novedades culturales”.

Crispin hablaba de ese componente generador de identidad asociado a ciertos fenómenos culturales, también libros, como si fuera nocivo, cuando resulta todo un logro como escritor conseguir llegar a la gente de manera tan íntima que todos te quieran llevar en el bolso. “No sé quién lo dijo, pero creo que hay mucha verdad en eso de que uno es la suma de las películas que ha visto, los viajes que ha hecho, los libros que ha leído, las personas que ha amado… Todo forma parte del paisaje sentimental de una persona y creo que es imposible ser indiferente a todo ese bagaje”, reflexiona Agúndez. “Además, creo que un libro dice mucho de una persona. Todo comunica y un libro comunica. No es lo mismo leer a Camilo José Cela que a Milena Busquets, y yo mismo he leído a ambos, pero el libro que estás leyendo en un momento concreto es generador de identidad”.

El cine ha echado mano en múltiples ocasiones de este recurso para mostrar la personalidad de un personaje. Así, a la hora de crear un perfil femenino con inquietudes y un poco de profundidad, una opción recurrente es que lean a Sylvia Plath. Lo hacen Kat Stratford en 10 razones para odiarte, Lisa en Los Simpson, o Rory, de Las chicas Gilmore.

Creo que un libro dice mucho de una persona (...) No es lo mismo leer a Camilo José Cela que a Milena Busquets, y yo mismo he leído a ambos, pero el libro que estás leyendo en un momento concreto es generador de identidad

Luis Alonso Agúndez — cocreador de la cuenta de Instagram @leyendoenmetro

Desde su librería, Manu Garrido observa un sentimiento de pertenencia más ligado a los grupos editoriales: “Tenemos clientes que compran todo lo que publican sellos concretos con los que se sienten representados, en los que proyectan algo de su personalidad o de aquello con lo que les gustaría ser asociados”. “Al final, no solo están vendiendo una mercancía sino que están generando una comunidad de personas que quizás se sentían desatendidas”, considera. “Algunas editoriales, además, utilizan todo ese poder y ese respaldo de sus seguidores para posicionarse en temas sociales y políticos. Por ejemplo, en contra del genocidio en Gaza, como está haciendo ahora Blackie Books con la publicación sin ánimo de lucro del libro Quiero estar despierto cuando muera, del autor palestino Atef Abu Saif”.

Cuando prohibieron la venta de Fariña, de Nacho Carretero (Ediciones del K.O., 2015) y lo retiraron de las librerías por orden judicial, los lectores se volcaron con la causa y no dudaron en presumir de sus ejemplares en las redes. Fue una reivindicación que partió de una simpatía y provocó la viralización de esa portada de Galocha. Él, sin embargo, lo ve como una reacción excepcional: “Eso de la identificación pasa más con los periódicos que con los libros. Ahí sí que veo un elemento generador de identidades”. “Aunque si veo a alguien leyendo un libro que me gustó mucho, siento que hay un vínculo con esa persona, aunque no la conozca de nada”, reconoce. “Los libros son vínculos”.