El Espacio Joven del Ayuntamiento de Santander ha reforzado su apuesta por el talento emergente con la puesta en marcha de un programa de mentorías artísticas, que se desarrolla en paralelo a la reciente mejora y ampliación del espacio expositivo del centro juvenil.

La concejala de Cultura y Juventud, Noemí Méndez, ha explicado que este proyecto combina la renovación física de las instalaciones con un sistema de acompañamiento profesional dirigido a jóvenes creadores en el ámbito de las artes plásticas.

Así, tras una reforma integral del área expositiva del Espacio Joven, la nueva mentoría -que se suma a las ya existentes en el centro- está coordinada por la galerista y docente Alexandra García Núñez, directora de Espacio, quien aporta su experiencia en gestión expositiva para guiar a los jóvenes artistas en sus primeras muestras.

El acompañamiento se estructura en distintas fases que incluyen una entrevista previa, la selección de obra, la supervisión del texto de sala y la asistencia técnica durante el montaje, así como el asesoramiento en la construcción de la identidad artística.

Este proceso permite a los participantes enfrentarse a su primera exposición con una base profesional sólida, abordando aspectos clave como la conceptualización del proyecto, la disposición de las obras o la relación con el público.

El primer artista en beneficiarse de este proyecto es Sandro Ribera, que actualmente expone en Espacio Joven la muestra 'Los Días y las Noches', que se puede visitar hasta el 30 de abril y reúne una serie de ilustraciones simbólicas, retratos y escenas surrealistas, acompañadas de diarios de dibujo y bocetos que permiten al público adentrarse en su proceso creativo.

Novedades de la sala expositiva

Entre las principales mejoras acometidas en la sala destacan la ampliación de la superficie, que permite una mayor sensación de continuidad espacial; la incorporación de nuevos soportes expositivos, como planos horizontales y un murete con doble soporte para obras de pequeño formato; o la actualización del equipamiento técnico, con la instalación de campanas de metacrilato para piezas instalativas.

Por su parte, Alexandra García ha subrayado la importancia de este tipo de iniciativas para facilitar el salto al ámbito profesional. “El objetivo es acompañar a los artistas en todo el proceso expositivo, ayudándoles a tomar decisiones coherentes y a construir un discurso propio que refuerce su identidad artística”, ha señalado.

La XIX edición de la exposición ‘Artistas del Casco Antiguo de Badajoz’ se ha inaugurado en la Sala Vaquero Poblador de la Diputación de Badajoz. La mejor sala de la provincia y una de las mejores de Extremadura, según dijo el propio comisario, José María Soriano, quien, un año más, hizo gala de “la importancia de dar a conocer la creatividad de toda la gente que vive o ha vivido en este barrio emblemático”.

En efecto, la muestra, que estará disponible del 26 de marzo al 2 de mayo, la protagonizan 27 nombres de hombres y mujeres a los que hay que sumar las solicitudes restantes hasta las 40 personas que han mostrado interés en participar y cuya solidaridad, como ha recalcado Soriano, ha permitido una selección.

El resultado lo presentó el diputado de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional, Ricardo Cabezas. Durante su intervención, aludió al pulso creativo de la provincia y al hecho de que muchos de los y las artistas que han participado en la exposición a lo largo de su historia, “han podido también dar el salto a escenarios de primer nivel como la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de España ARCO con el apoyo de la Institución provincial”.

Y para que esto pueda seguir siendo así, el relevo tiene que llegar desde la Asociación de Vecinos Casco Antiguo. Por ello, Laura Sánchez, presidenta de la Junta Directiva de la Asociación vecinal, tomó ayer la palabra para agradecer a la Diputación y “a todas las artistas y los artistas del Casco Antiguo que han participado, por poder mantener tanto tiempo una iniciativa así y por creer en la participación social de los barrios”. Igualmente mostró su disposición para poner en marcha “todo tipo de propuestas, culturales o sociales, de todo el tipo, que sirvan para dinamizar social y culturalmente nuestro barrio, que lo que queremos mucho”.

Sánchez, acompaña de la vicepresidenta con la que comparte nombre, Laura Nogales, aprovechó la inauguración para reivindicar la apertura de la Escuela de Artes y Oficios, cuyo compromiso reclamó al Ayuntamiento de Badajoz.

Badajoz se convierte en el epicentro del diálogo cultural entre Extremadura y el continente africano. El Proyecto Extremadura, la alianza estratégica formada por la Fundación Caja Extremadura y la Fundación Cajalmendralejo, inauguró este jueves la exposición ‘4 Miradas. Colección Pi Fernandino. Arte Africano’. La muestra, que podrá visitarse en la Sala Vaquero Poblador del Hospital Centro Vivo hasta el próximo 5 de abril, propone un recorrido que rompe estereotipos a través de la memoria, la identidad y la espiritualidad.

La jornada inaugural no solo sirvió para presentar las piezas, sino para profundizar en su significado mediante una mesa redonda liderada por Bruno Leitão, comisario jefe de Obra Abierta_Formación. Durante el encuentro, se analizó la evolución del arte en África desde el modernismo hasta la rabiosa contemporaneidad, contando con la participación activa de las comisarias en formación: Ilda Caeiro, Clara Nchama, Davinia Uriel y Belén Quejigo Sánchez-Guijaldo.

Durante el acto, Pilar García Ceballos-Zúñiga, presidenta de la Fundación Caja Extremadura y representante de Proyecto Extremadura, destacó la importancia de la colaboración institucional. Agradeció el respaldo de la Diputación de Badajoz y la generosidad de los coleccionistas Emilio Pi y Helena Fernandino, cuya visión ha permitido traer este patrimonio a la región.

“Con esta exposición, Proyecto Extremadura refuerza su compromiso con una cultura abierta, contemporánea y en diálogo con los grandes discursos artísticos internacionales”, señaló Ceballos-Zúñiga, subrayando que esta iniciativa es una apuesta estratégica por el desarrollo económico y social del territorio a través del conocimiento y la innovación.

Cuatro ejes para entender un continente

La exposición no es una muestra lineal, sino que se articula en torno a cuatro ejes temáticos que invitan a la reflexión crítica: Ecos y Resistencias y Resistir al archivo: Enfoques sobre la historia y la memoria; Lo sagrado y lo profano: Una mirada a las prácticas espirituales; African Life: Un análisis de los ancestros y la vida urbana actual.

La Colección Pi Fernandino es hoy un referente internacional. Su llegada a Extremadura permite establecer diálogos transversales entre las modernidades africanas del siglo XX y las prácticas actuales de autorrepresentación y crítica social.

Fiel a su vocación de impacto real en la ciudadanía, la muestra incluye un ambicioso programa de actividades, como talleres infantiles los días 10, 18 y 24 de marzo, donde alumnos de Primaria de Badajoz trabajarán conceptos como el retrato, la máscara contemporánea y el sonido como memoria.

El 18 de marzo habrá talleres para adultos con la sesión “Geometría ritual: joyería contemporánea y códigos de identidad”, y los miércoles 15 de febrero y 11 de marzo habrá visitas guiadas en horario de tarde.

La muestra permanecerá abierta en el Hospital Centro Vivo (Plaza Minayo, Badajoz), consolidando este espacio como un motor de dinamización cultural para toda la provincia.

¡Lonja negra, BESTIAPARDA, Ajuntaera, La distribuidora, La navaja producciones, La innovadora, Rancho rosa, Studio2020! Quizá no termine de encajar como cántico hooligan, pero esa retahíla de nombres funciona como antídoto contra la angustia que provoca un paseo por el lado salvaje de la Cultura Murciana. Se lo digo porque lo he probado: sale uno del Almudí con cara de acelga después de leer sobre la canonización de las manos del alcaldísimo, pronuncia esos nombres con la cadencia de las viejas clavadas en las traviesas de los bancos eclesiásticos y a la altura de Verónicas se ven las cosas de otra manera. Cierta esperanza, cierto orgullo. Hay más nombres, decenas de ellos han atado a lo largo de los años los nudos de una red de cultura alternativa basada en diferentes grados de autogestión que cubre buena parte de esta tierra extraña. “¿Alternativa a qué?”, me dirán. Echen un ojo a las agendas del concejal de Cultura de Murcia y de la Consejera y me entenderán.

Empecemos por Belén Conesa. Belén fue la madre de La Postiza, aquella residencia-artística-que-no-daba-lache en la que uno podía darse un garbeo apoyando a los Amigos de Ritsona, hincarse una exposición vacilona con una lata fresca en la mano y echarse unos bailes con el gran Renatus Semper y sus vinilos de Machito. Ahora tiene otro proyecto: “Hace un tiempo se me ocurrió recuperar La Postiza, pero en seguida me di cuenta de que ese no era el camino, necesitaba hacer las cosas de una manera diferente —apunta— . En La Postiza me acabaron comiendo los gastos, tú necesitas que el proyecto respire y, a la vez, sacarte un sueldo para poder vivir. Buscaba algo más horizontal y en el que no dependiera de un sitio que no es mío”. Así nació BESTIAPARDA, un colectivo de “comisariado quinqui” formado por ella misma, Ale Carbonell, Pablo López Jordán y Romu López. “Somos cuatro personas con experiencia en diversos ámbitos de la cultura y con una idea común, de ahí nace eso de 'comisariado quinqui', que se puede resumir en que queremos hacer algo profesional pero para todo el mundo, huyendo de todo tipo de ínfulas y conceptos elitistas de la cultura”, explica.

Otra cosa no, pero ideas tienen: de momento han organizado Réquiem, un festival de electrónica experimental en Kasablanka, y Fotomaratón, un concurso de fotografía en la galería Efímera.

Acaban de cerrar La ciudad de las personas: “Estará dentro del Open House [el festival de arquitectura y cultura de Murcia] y lo que queremos es que los hijos de los migrantes nos enseñen edificios o zonas de la ciudad que sean importantes para ellos”, dice Conesa. Pretenden montar Huerta paraíso, un ciclo de conciertos –un domingo al mes, paella y rocanrol, no dirán-, y un club de lectura para preadolescentes. “Estará enfocado en la novela gráfica y habrá una serie de encuentros en los que abordaremos cuestiones que se plantean a esas edades”, resume.

Un espacio propio

La navaja producciones se definen como “una promotora de carácter asociativo para gente que busca una programación fuera del circuito musical habitual y con dos señas de identidad: pasión por la música y cero intención de ganar perras en el proceso”.

Es probable que la mayoría de conciertos guapos de punk, emo y pop chiquitico que hayas visto en Murcia últimamente se los debas a ellos. Nacieron a mediados de 2023. “Un poco por aburrimiento y necesidad de crear un espacio propio dentro de Murcia y de la falta de una agenda con nombres que nos gustaran”, explican. Se puede uno hacer socio y por 15 euros al mes le permiten participar -editan un fanzine- y votar bandas.

Más en los aledaños, aunque también con querencia por el negro y el vello facial, se pueden ustedes topar con Lonja negra, el colectivo que forman varios sospechosos habituales de las escenas de eso que Alfonso Alfonso suele llamar rock heterodoxo. Después de varios tumbos por la periferia de la ciudad han puesto el huevo en Dinero estudio, una nave en un solar de Churra a la que han llevado a figuras del nivel de Negro, La Joya, Dame Area o Pablo und Destruktion.

De vuelta al centro, La distribuidora tiene su sede en la calle Mariano Vergara. Desde allí, Murcia subcultura lleva casi dos años organizando exposiciones, conciertos, presentaciones y cualquier historia que enarbole la bandera DIY. Además, han creado la Asociación Subcultural de Creadores Independientes.

Al otro lado del puerto de la cadena, la artista y gestora cultural María Garberí montó Studio 2020 hace cinco años. Lo que en principio fue un “proyecto multidisciplinar que mezclaba tatuaje con exposiciones de artistas emergentes” se mudó el año pasado al casco viejo de Cartagena para convertirse en “un espacio abierto, alternativo y contemporáneo de encuentro cultural donde sucediesen cosas independientes de la programación cultural de la ciudad”.

Exposiciones, charlas, conciertos...Garberí habla de “una cultura abierta, de comunidad” y de crear lo que a ella misma le faltaba en Cartagena. El movimiento en 2020 demuestra que no era la única.

“La cara oscura de la autogestión”

“El principal escollo al que nos enfrentamos es la absorción del trabajo asalariado de los que estamos dentro —cuentan desde La navaja— . Eso hace que a veces no estemos lo conectados que deberíamos, problemas de no tener gente profesionalizada y que se dedique a esto al 100%. A veces también tenemos problemas económicos, pero bueno, esa es la cara oscura de la autogestión”.

A María Garberí tampoco le sobran los billetes: “Vengo de una familia de clase trabajadora y sin grandes recursos económicos, vivo a expensas de convocatorias y subvenciones”. Dice que echa en falta “educación cultural y apoyo estructural por parte de las instituciones”: “No deben vivir al margen de los espacios independientes, igual que nosotras no deberíamos vivir al margen de las instituciones. Proyectos como este mueven público, generan programación cultural, descentralizan el arte, apuestan por lo local y lo emergente y abren nuevos formatos, todo ello sin los recursos que sí tiene la institución”.

“Lo que falta es infraestructura para la creación -continúa-. No pueden ser los espacios independientes y pequeños los únicos lugares donde encontrarnos. Harían falta aulas-taller, estudios o talleres compartidos donde artistas emergentes puedan desarrollar su obra, encontrarse y crecer juntas, pero también espacios para quienes ya estamos en un punto intermedio de la carrera y necesitamos lugares donde seguir creando, investigando y generando sinergias”.

También reclama “un espacio cultural público dedicado a la creación contemporánea: un lugar donde se produzca, se dialogue, se compartan procesos, se hagan coloquios y encuentros”. Más aún: “Y, sobre todo, que se cedan espacios y recursos con libertad de organización, sin dirigir los contenidos. Eso me parece clave. Hay ejemplos muy buenos de este tipo de modelos en otros puntos del territorio español y creo que Cartagena tiene potencial de sobra para algo así”. “Si en Cartagena no hay condiciones para crear, producir y vivir del trabajo artístico, el talento acaba yéndose, y sin artistas no puede existir un tejido cultural real”, remata.

Belén Conesa también echa de menos “más profesionalidad de la gente que gestiona lo público”: “En la Región hay un montón de gente que se busca la vida en la autogestión porque no hay manera de lidiar con lo público”, apunta. También le falta “un mayor apoyo a los centros y colectivos independientes desde lo público y mayor colaboración entre espacios y colectivos independientes”. Dice que “eso se logra saliendo de lo precario”: “Desde ahí ocurrirán muchas cosas. A menor precariedad, menor envidia, menos empujones y mas compañerismo y respeto en general”.

En La navaja no quieren ni oír hablar de las palabras 'Instituto', 'Industrias' y 'Culturales': “No tenemos relación con las administraciones y no pretendemos tenerla a no ser que nos den un bolsón de perras sin pedirnos absolutamente nada a cambio”. ¿Se lo imaginan? Diego Avilés y Carmen Conesa arrastrando el bolsón de perras por callejuelas por las que ni siquiera cabe el trono de una virgen menúa. Yendo a Fitur, pasando de reuniones con inversores y bolis con la cruz de Caravaca, camisetas de 'Conoce Cruce del Raal', escuchando con el contoneo con el que escucha un cargo del Partido Popular y luego levantando un índice. Diciendo: “¿Tienen ustedes un minuto para que les hable de la Murcia sin caspa?”. Lo pienso y me crujen hasta los pelos.

Marina Abramovic, la gran maestra global del arte performativo, regresa a sus 80 años al Liceu, donde ya presentó en 2023 un anterior espectáculo, como todos sus proyectos, lleno de intensidad, color y exceso físico: The 7 deaths of Marina Callas, donde representaba a la diva de la ópera en siete de sus representaciones.

Ahora la serbia –o antigua yugoslava, como se autodenomina ella– regresa con Balkan Erotic Epic al teatro lírico barcelonés, una coproducción de varias instituciones que, en su presentación, Víctor García de Gomar, director artístico del Liceu, ha tildado de “inclasificable”. “De alguna forma no es una ópera, pero tiene muchos elementos que podrían hablar de una ópera contemporánea”, ha señalado Gomar. “Hay elementos de danza, de música en vivo, performance, tradición, raíz y la vez una gran ruptura con lo anterior”.

Para Gomar, el espectáculo supone “una reflexión en profundidad y constante sobre la obra de la propia Marina Abramovic, que habla sobre el cuerpo, la sexualidad, los límites de la experiencia humana”. “Muestra esta memoria que contiene el propio cuerpo cuando la historia ya ha olvidado su acontecimiento, y es una memoria profunda, subterránea, de lo atávico que tiene el erotismo como una fuerza primigenia”, ha añadido el director artístico, que ha remachado su descripción sentenciando: “Con Balkan Erotic Epic entendemos que el deseo es una energía cósmica y presentada aquí casi como una oración”.

Coproducción con la Factory International de Manchester

Balkan Erotic Epic, que tal como ha destacado García de Gomar, es una coproducción de la Factory International de Manchester –como institución productora original– con el Gran Teatro del Liceu, el Teatro Schiller de Berlín, el Park Avenue Armory de Nueva York y otros organismos, se representará en el Liceu desde el próximo sábado y hasta el viernes 30 de enero en cinco únicas sesiones y en una adaptación desde su formato original de performance duracional.

“A partir de la propuesta de Manchester nos hemos asociado y nos hemos mancomunado desde el principio, incluso antes de ver el propio espectáculo”, ha confesado con entusiasmo Gomar, que también ha desvelado el importante esfuerzo de la directora de escena asistente, Georgine Balk, para aterrizar una obra performativa pensada para grandes centros de arte a un teatro lírico de estructura clásica como es el Liceu.

Para concluir su intervención, Gomar ha destacado que la jornada inaugural ya tiene un 85% de entradas vendidas y el resto de los días (26, 28,29 y 30 de enero), “están con una media del 80% de ocupación”, lo que ha considerado como “un éxito”. Seguidamente ha proclamado que “entre el Tristán [en referencia a Tristán e Isolda, la ópera actualmente en cartel en la que la soprano Lise Davidsen canta por primera vez el papel completo de Isolda] y ahora Marina, los principales focos internacionales están en este momento puestos en Barcelona”.

Una obra de gran carga erótica

La obra, de la que se destaca su fuerte carga erótica, cuando no explícitamente sexual, pretende en palabras de Abramovic, su creadora y directora principal –que además participa en ella bailando en varios momentos de sus largas cuatro horas de duración– “explicar la conexión de los seres humanos con aquellos fenómenos de la naturaleza que no conseguimos comprender con la razón y con los que generalmente hemos intentado conectar a través de la vía genital”.

Así, la artista ha detallado que una de las escenas de Balkan Erotic Epic describe una danza antigua en la que las mujeres de los países de la zona de los Balcanes salían al campo cuando no paraban las lluvias torrenciales: “Se levantaban las faldas y bailaban mostrando sus vaginas para espantar a los dioses de la lluvia”.

Pero, para Abramovic, este espectáculo significa también algo muy personal: la indagación en sus orígenes y en los de su país, que ha reivindicado como “la ya inexistente Yugoslavia”. “La obra se inicia con el funeral de Tito [presidente de la Yugoslavia de la posguerra hasta su muerte], no porque sea un momento divertido sino porque después de él, mi país se convirtió en seis”, ha indicado en referencia a la implosión yugoslava, que generó una terrible guerra civil. “Pero para mí, mi país siempre será esa Yugoslavia que ya no existe”, ha apostillado.

Sin embargo, más allá de las referencias políticas, Abramovic ha querido destacar que Balkan Erotic Epic pretende reflejar el sentir balcánico más allá de las fronteras, incluyendo Bulgaria, Albania, Rumanía, parte de Grecia y de Turquía, Serbia, Montenegro o Macedonia. “Los balcánicos somos gente que siempre sufre: si estamos en nuestro país sufrimos y si lo abandonamos, todavía sufrimos más, así que esta alma angustiada también se refleja en la obra”.

Referencias a la difícil relación con su madre

Otro aspecto de la obra importante para ella hace referencia al personaje que hace el rol de su madre. “Mi madre fue una heroína nacional de la Yugoslavia que salió de la Segunda Guerra Mundial, además de una comunista estricta que siempre se mantuvo firme en sus ideas, por lo que tuve una relación difícil con ella, totalmente carente de muestras de afecto”, ha desvelado.

“Por eso, cuando [la artista performativa hispano-serbia] Maria Stamenković encarna a mi madre y se entrega a sus sentimientos y a todo tipo de pasiones vitales y sexuales, que son cosas que mi madre en vida nunca pudo hacer, experimento una gran liberación”, ha señalado en tono provocador la creadora. 

Finalmente, respecto a la duración del espectáculo –cuatro horas de bailes sin interrupciones– Marina Abramovic ha señalado que la idea es que “los espectadores puedan entrar y salir libremente de la sala para tomar el aire o bajar al bar y luego regresar”. “Sabemos que no es fácil estar cuatro horas mirando un espectáculo que además requiere atención, que puede resultar agotador, por eso hemos propuesto esta solución”, ha puntualizado García de Gomar.

Este también ha advertido, no obstante, que a aquellas personas que acudan a ver Balkan Erotic Epic se les facilitará una funda que impedirá el uso del móvil dentro del recinto “para evitar la captura de imágenes del escenario”. “Si alguien quiere pagar en el bar, tendrá que llevar tarjeta física”, ha puntualizado el director del Liceu para cerrar la rueda de prensa.

En su obra, la figuración suele tender hacia la abstracción y viceversa. Un aire como de tiempo arcaico se mezclaba con lo conceptual. Y la marcaron, sostienen quienes la han analizado, historia, memoria y viajes. El pintor José Freixanes, un nombre clave del arte gallego contemporáneo, vinculado al Grupo Atlántica en los 80, murió este miércoles en Madrid a los 72 años.

Freixanes había nacido en Pontevedra. Su hermano es el novelista, periodista y expresidente de la Real Academia Galega Víctor Freixanes. Su formación artística comenzó en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y más tarde en la de Madrid, ciudad donde residía desde hace más de tres décadas. Y, aun así, su lazo con Galicia y la escena artística gallega nunca se rompió. En la década de los 80 se integró en el Grupo Atlántica -del que formaban parte artistas como Antón Lamazares, Menchu Lamas, Ánxel Huete o Manuel Moldes-, que buscaba la modernización de las artes plásticas conectando lo singular con las nuevas corrientes internacionales.

La huella expresionista de sus inicios evolucionó hacia lo onírico y lo simbólico. Y, desde 1995 y sus primeras estancias en la India, lo oriental se incorpora a su producción. En los últimos años, materiales efímeros se colaron en sus piezas. Su última exposición en Galicia la tituló Fíos, fue en 2023, y en ella procuraba “tender un puente entre occidente y oriente” e integraba técnicas artesanales. Sostenía que arte y artesanía era igual de importantes.

Importantes colecciones acogen su pintura, entre otras las del Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) de Santiago de Compostela, Afundación o el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco. El conselleiro de Cultura de la Xunta de Galicia, José López Campos, lamentó en las redes sociales el fallecimiento de Freixanes.

Patricia Belli se ha alzado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas, correspondiente al año 2025, un galardón que está dotado con 100.000 euros. El jurado ha destacado “la repercusión de su obra en el contexto latinoamericano, específicamente en Centroamérica, y su compromiso con la educación en un contexto de fragilidad”.

Asimismo, el comité ha considerado que “su trabajo sobre la memoria de cuerpos vulnerables, la cicatriz que deja el miedo y la vergüenza, así como su activismo cultural, son referencia en diversas generaciones de artistas”. Patricia Belli (Nicaragua, 1964) obtuvo una Maestría en Artes Visuales en escultura en el Instituto de Arte de San Francisco en 2001. Su trabajo involucra la sensorialidad del público para proponer reflexiones vinculadas a la subjetividad, el trauma, el desequilibrio y los mecanismos de poder.

La unión de los opuestos es un eje transversal en la obra de Patricia Belli, en la que reflexiona sobre asuntos como opresor-oprimido, placer-dolor y naturaleza-civilización. Por otro lado, presta especial atención al inconsciente colectivo, del que obtiene referencias simbólicas, lo que ha sido valorado por el jurado.

Patricia Belli participó en Mesótica II (1996-1997), Políticas de la diferencia (2001-2002) y Estrecho Dudoso (2006), tres exposiciones de relevancia histórica para el proceso de visibilización del arte centroamericano en esos años. También fue invitada a las Bienales de La Habana (1989 y 2000), Centroamérica y el Caribe (Domingo Santo, 1994 y 2001), Lima (1997), Cuenca (2011), Irlanda (2018), Berlín (2018) y FEMSA, México (2020-21) y a la 58 Carnegie International (2022), así como a diversas ediciones de la Bienal Nicaragüense y la Centroamericana. Una exposición antológica de su obra recorrió San José, Managua y Ciudad de Guatemala entre 2016 y 2017.

En 2001, Belli fundó EspIRA, una organización para la formación sensible y crítica de los artistas, que influyó profundamente en el devenir del arte centroamericano durante 20 años. En 2022 se trasladó a Alemania con la beca Artistas en Berlín del DAAD. Con este premio se une a una lista de galardonados que incluye a Francesc Torres, Marisa González o Tania Bruguera.

La Sala de Arte El Brocense de la Diputación Provincial de Cáceres renueva su propuesta expositiva la muestra 'La ciudad en que me habitas', del artista zamorano Miguel Villarino, con una treintena de trabajos de reciente creación en las que invita al espectador a establecer un vínculo entre la pintura y los entresijos de una ciudad.

Esta exposición se introduce en el mundo plástico del artista a través de trazos de aspecto infantil y forma reducidas a sus elementos esenciales, arquetípicos, a lo que se suman colores en estado puro “que nos recuerdan cómo las cosas pueden ser afrontadas plásticamente de la manera más directa, para conservar una impronta genuina y llena de fuerza y placer”, explica la Diputación de Cáceres

'La ciudad en que me habitas' puede visitarse hasta el 15 de noviembre.

El artista

Miguel Villarino (Morales del Rey, Zamora, 1959) estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de Madrid, interesándose en un primer momento por el grabado, y que ha terminado marcando una parte importante de su carrera. Su deseo de profundizar en la obra gráfica, le lleva a entrar en el taller del maestro grabador Theo Dietrich en Madrid y posteriormente a cursar estudios en la Escuela de Artes Gráficas.

En 1983 crea su propio taller y en 1989 funda la editorial dedicada a la obra gráfica “M MÁS M Ediciones”. A lo largo de los años, ha colaborado con talleres de Italia, Francia, Alemania, Portugal, ha realizado exposiciones individuales en diversas ciudades españolas, así como en Costa Rica, Shanghai, Nueva York o Ginebra, y ha participado en casi un centenar de colectivas, incluyendo varias ediciones de ARCO y muestras en galerías y museos de Bolivia, Chile, Buenos Aires, Eslovenia, Colombia, Ecuador, Jordania, et.

Entre sus distinciones y galardones cabe destacar la obtención en 2017 del premio BMW de Pintura así como otros como el Premio Ciudad de Valdepeñas, el Primer Premio en la II Bienal Fundación Rafel Botí de Córdona o el Premio de Pintura del Parlamento de la Rioja, estando su obra presente en múltiples colecciones y museos como el Centro de Arte Reina Sofía, el, Museo Nacional de Grabado de Málaga, la Colección Caja España, la Fundación BBVA o en la Colección de la Diputación Provicnal de Cáceres.

Además, Villarino ha estado siempre vinculado a la cultura: en 1986 es uno de los creadores de la revista de arte CYAN y en 1990 funda Estación Central, publicación centrada en dos de sus pasiones, el grabado y la poesía. En 1993, junto a otros artista, funda CRUCE, Centro de Arte y Pensamiento, una asociación de artistas, críticos y teóricos de Madrid cercana a las corrientes artísticas más independientes. Y también ha sido director del Centro Español de Arte Gráfico.

La artista conceptual catalana Fina Miralles ha sido galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2025, a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros. El jurado ha destacado de esta creadora “su rol pionero desde los años 70 en el marco del feminismo”, en el que fue un estandarte junto a otras creadoras como la pintora y escultura pop Mari Chordà.

También ha señalado como motivo para concederle el premio su “posturas ecologistas tempranas, reivindicando la relación del ser humano con la naturaleza”. Además, el jurado ha señalado que “su obra posee una iconicidad muy poderosa que prolonga su vigencia hasta el presente”.

“Lleva cabo a cabo una aguda reflexión crítica del poder en todos sus aspectos. En los últimos años, ha realizado una profunda reflexión textual en que aborda la experiencia humana adoptando una perspectiva holística”, dicen los miembros del jurado en su comunicado.

El premio reconoció en su pasada edición a Pedro G. Romero, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Teresa Lanceta, Rogelio López Cuenca, Dora García, José María Yturralde, Àngels Ribé, Ángel Bados, Ángela de la Cruz o Juan Hidalgo, entre otros.

Crítica con las estructuras del patriarcado

Fina Miralles (Sabadell, 1950) es una artista pionera en prácticas conceptuales con las que comenzó a experimentar en la década de los 70. Formada en Barcelona, pasó largas temporadas en América del Sur, Francia e Italia. Su práctica artística suele vincularse al land art y a las relaciones entre cuerpo y naturaleza. En sus acciones también aborda la crítica política y las estructuras del patriarcado.

Entre sus primeras obras destacan Natura morta (1972), Dona-arbre (1973), o Relació del cos amb elements naturals en accions quotidianes (1975). Durante esta época se vincula a espacios emblemáticos de la vanguardia catalana como Sala Vinçon, Sala Tres o Espai 13 de la Fundació Joan Miró.

A partir de los años ochenta explora lo matérico a través del empleo de la pintura y el dibujo. Proyectos como Doble horitzó (1979-1981) muestra la simbiosis entre lo performativo y la práctica pictórica. Un camino que le llevará a una creación progresivamente más introspectiva. 

Con el cambio de siglo se retira a Cadaqués, donde seguirá trabajando en las conocidas como “fotoacciones”. Entre sus exposiciones e intervenciones más relevantes destacan De les idees a la vida (Museu de Sabadell, 2001), la Nadala de la Fundació Joan Miró de Barcelona (2014) Naturaleses naturals 1973-2016 (Museo Arqueológico Nacional, 2016) o Soc totes les que he sigut (MACBA, 2020).

La obra de Fina Miralles está presente en las colecciones del Museu d'Art de Sabadell, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y el MACBA de Barcelona. En 2018 fue galardonada con el Premi Nacional d'Arts Visuals, que concede el Consell Nacional de la Cultura i de les Arts de la Generalitat de Catalunya.

La Sala de Exposiciones Vaquero Poblador de la Diputación de Badajoz presentó ayer la muestra del extraordinario trabajo de la escultora portuguesa Maria Leal da Costa, cuyo título es ‘Bestiário de Maria Leal da Costa’. Con esta selección de obras, su autora invita a un viaje por su universo creativo, donde la dureza y frialdad del metal da paso, mediante la transformación que se opera en la creación artística, a la delicadeza y la fuerza de formas animales de una impronta única y personal.

Con una trayectoria marcada por la experimentación con diversos materiales, Maria Leal da Costa ha encontrado en el metal el medio perfecto para dar vida a una serie de figuras animales, desde una una perspectiva necesariamente artística y no naturalista. Cada pieza es un ejemplo de la maestría técnica de la artista, que a través de la soldadura, el corte y el modelado, además de un potente y audaz tratamiento del color logra infundir a sus creaciones un movimiento y una vitalidad que parecen desafiar la inmovilidad inherente al material.

Las obras expuestas son un desfile de criaturas que nos resultan familiares, porque no se tata de un bestiario de animales mitológicos o imaginarios, híbridos y extraños, según perviven en nuestra memoria de antiguas épocas de la historia del arte y la cultura, sino de animales más propios de un entorno doméstico y cercano, homenajeados, dignificados y redescubiertos desde el momento en que son objeto de un tratamiento artístico contemporáneo y emergen desde la imaginación, la sensibilidad y la inteligencia con las que Maria Leal da Costa trabaja el metal.

En su inauguración, el diputado de Cultura, Deportes y Juventud, Ricardo Cabezas, afirmó que así “se tiende la mirada hacia los creadores de nuestra vecina Portugal, ofreciendo en la Sala Vaquero Poblador (en sus dos ubicaciones), a la ciudadanía pacense y a quienes nos visitan, una muestra de la excelencia artística de Maria Leal da Costa, aquí en Palacio, y de Ricardo Gigante, en El Hospital Centro Vivo”.

Por su parte, la creadora, que destaca por ser una de las pocas mujeres escultoras de metal y mármol que desafía la fuerza necesaria para ello, agradeció a la Institución el interés en sus “animales” y explicó uno a uno su forma adquirida. María Leal da Costa confesó haberse basado en el entorno del que tiene alrededor para alumbrar el hilo conductor de su obra y afirmó que “permite conectar con nosotros mismos y con la naturaleza que nos rodea”.

El Centro Cultural La Confianza de Valdepeñas acaba de abrir las puertas de la que supone ya la 86 Exposición Internacional de Artes Plásticas de esta localidad de Ciudad Real, coincidiendo con sus Fiestas de la Vendimia y el Vino.

Este año la pintura realista 'Nube XIX', del japonés Teruhiro Ando, ha obtenido la Medalla de Oro del certamen, que cuenta con 73 obras de pintura y escultura seleccionadas que han sido expuestas y que se pueden visitar hasta el próximo 3 de octubre.

Al acto han asistido la teniente de alcalde de Cultura, Vanessa Irla; el delegado de Educación, Cultura y Deportes, José Jesús Caro, y la diputada provincial María del Rocío Zarco.

El alcalde, Jesús Martín, inauguraba la muestra y decía “es importante que, de cara a la sociedad, tan perturbada últimamente, instituciones gobernadas por diferentes ideologías se sienten en una mesa y se comprometan con un proyecto como la Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas, porque a estas alturas, después de un siglo, es obvio que la exposición es algo más que una convocatoria, es un proyecto de territorio y de apoyo a nuestra identidad”.

En este sentido, ha agregado que “como alcalde espero que esta corporación no haya traicionado la emoción, el espíritu y el sueño de quienes hacen 86 años empezaron esta exposición y que hoy, y después los que vengan, no es que estemos obligadas a mantenerla es que estamos obligados a recordar a los que hicieron y a engrandecerla para el bien de nuestra identidad”.

Es importante que, de cara a la sociedad, tan perturbada últimamente, instituciones gobernadas por diferentes ideologías se sienten en una mesa y se comprometan con un proyecto como la Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas

Jesús Martín — Alcalde de Valdepeñas

Teruhiro Ando, Medalla de Oro del certamen ha querido agradecer el reconocimiento y ha señalado sobre la obra, que le ha llevado a ganar la medalla de la exposición, que “este cuadro quería contar que vivimos en una sociedad en la que contaminamos todo, la naturaleza y nosotros mismos, y es una manera de buscar en la humanidad y naturaleza la mejor manera de convivir”.

La pintura de Ando ha destacado entre las 298 obras presentadas este año por 235 artistas de 13 nacionalidades, con el voto del jurado por unanimidad. Junto a la Medalla de Oro, la 86 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas cuenta con el reconocido Rafael Canogar como artista invitado. Un escultor que ha puesto en valor la teniente de alcalde de Cultura, Vanessa Irla, recordando que es autor de la escultura 'Cabeza de hombre', que se puede ver en la rotonda de la Avenida del Sur dentro del museo al aire libre del que dispone Valdepeñas, “dando así identidad a un barrio como el de Virgen de la Cabeza”.

El fondo de adquisición sigue sumando obras

En relación al fondo de adquisición, de las obras presentadas el jurado decidió por unanimidad adquirir para la colección del Museo Municipal de Valdepeñas la pintura titulada 'Profecías de un desorden' de Santiago Talavera. También pasará a formar parte del fondo municipal la escultura 'Koré', de la que es autor Diego Peribáñez, según ha informado el Ayuntamiento en nota de prensa.

Del mismo modo, por delegación, el jurado seleccionó para la colección de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha la pintura 'Sin título' de la que es autora David Calderón, así como la escultura denominada 'Hafiz' de Ángela Pareja. Por otro lado, la pintura 'Ser Savia/2023', de Lau Rodríguez, irá a parar a los fondos de la Diputación de Ciudad Real.

En esta edición se han incrementado la cuantía de los premios del certamen. En total se aportan 15.000 euros como premio de la exposición, así como 15.000 euros de fondo de adquisición por parte del Ayuntamiento de Valdepeñas, entre fondo de adquisición y mecenas la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha con 10.000 euros, la Diputación de Ciudad Real con 7.000 euros, Francisco Delgado Abogados con 3.000 euros, Tecnobit-Grupo Oesía con 3.000 euros, Fundación Globalcaja con 3.000 euros y Moisés Argudo con otros 3.000 euros.

Las obras adquiridas por el Consistorio van a formarán parte de los fondos de la pinacoteca municipal, donde también se encuentran otras valiosas obras de arte de autores tan reconocidos como Antonio López, Manuel López Villaseñor, Pancho Cossío, Agustín Redondela, Agustín Úbeda, Antonio Guijarro, Juan Barjola, Venancio Blanco, Santiago de Santiago, José Luis Sánchez, David Lechuga o Juan Manuel Castrillón, entre otros.

Una uña postiza suelta y caída en el suelo no deja de ser para muchos de nosotros un desecho lanzado por alguna persona irresponsable con el medio ambiente, la limpieza urbana o el civismo. Nos produce sorpresa encontrarla, incluso rechazo y asco. Sin embargo, para la italiana Ludovica Carbotta (Milán, 1982) puede resultar un objeto preciado o fascinante, que da rienda suelta a la imaginación, la especulación y el juego.

“Viví desde pequeña fuera de la ciudad, en un entorno más bien rural con casas aisladas, por lo que cada vez que acudía a la ciudad no la concebía como un espacio agobiante sino como un ámbito misterioso y fascinante, lleno de posibilidades”, explica esta artista plásctica.

Ahora vive y trabaja en Barcelona, donde reside desde hace ocho años. Pero el hecho de residir en una ciudad no le ha impedido conservar lo que ella denomina “una mirada de niña”, sobre el entorno de la rodea. Y eso es precisamente una de las cosas que reivindica su exposición Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro para el Espai 13 de la Fundacio Joan Miró: una mirada diferente sobre la ciudad y los objetos que la habitan que podrá contemplarse en este museo hasta el 2 de noviembre..

La ciudad con mirada infantil

Carbotta se refiere a una mirada infantil que permita reimaginar el espacio urbano de una manera ficticia y diferente, que es lo que, al fin y al cabo, hacen los niños al pasar los objetos que van encontrando por el prisma de su curiosidad y su portentosa imaginación.

Así, entre numerosas estructuras de madera, encontramos en esta muestra algunos objetos peculiares como uñas postizas, pero también chicles, muelles de suspensión, cristales de botellas rotas, sacos de obra, pajitas para sorber, montañas de palés, un colchón abandonado o ruedas de bicicleta atadas con una cadena, señal esta de que ha sido robado el cuerpo que las poseía, esto es la bicicleta.

Son objetos habituales en el entorno urbano de Barcelona, que nos producen impresiones muy diferentes según la edad o la mirada que les apliquemos. “A una mirada adulta muchos de ellos le producirán rechazo o asco”, aduce la artista. “Pero bajo la óptica infantil son objetos que estimulan la imaginación y el juego, que ofrecen mil posibilidades”, replica.

Para la exposición, que ha sido comisariada por Carolina Jiménez, responsable de programas de investigación de Hangar-Centro de investigación y producción artística y previamente responsable de docencia del Programa de Estudios Independientes del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Carbotta ha utilizado reproducciones a escala aumentada de los objetos, empleando los materiales más diversos, desde tubos de PVC para las pajitas o resinas y madera.

Reivindicación del espacio ciudadano

El segundo llamamiento de Ludovica Carbotta en Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro es la recuperación de la ciudad para quienes la habitan. Carbotta incide así en cómo las grandes ciudades han sido arrebatadas de las manos de sus moradores “por parte de las grandes corporaciones, el turismo, la gentrificación y el poder municipal”.

Ella aboga por la reapropiación de los entornos, las calles, los barrios, a través de los movimientos vecinales como los que ella ha visto crecer en su barrio de Vallcarca, en la parte alta de la ciudad, un barrio situado en la frontera entre la Barcelona patricia de Sant Gervasi y la obrera de Gràcia y Horta, que más arriba se convierte en El Carmel.

Explica que Vallcarca es un barrio en el que la lucha vecinal ha crecido mucho en los últimos meses al calor el desahucio de una serie de edificaciones precarias en las que vivían desde hace más de una década varias familias de etnia gitana con muy pocos recursos, pero que recibían gran apoyo de los vecinos. A este respecto, la movilización vecinal en Vallcarca frenó hace apenas una semana nuevos desalojos de edificios ocupados.

Carbotta, que se siente muy implicada con las entidades vecinales de su barrio, quiere reflejar en la muestra su compromiso, y lo hace especialmente sellando con maderas una de las puertas que presenta el espacio expositivo. Las maderas, el elemento más abundante en Constructoras de mundos muy parecidos al nuestro, tapan el espacio y ofrecen una pared ideal para que la ciudad se exprese a través de carteles reivindicativos o de anuncios de eventos.

“Son las voces de la ciudadanía, que resultan además efímeras aunque estén pegadas, ya que pronto alguien las arrancará o pegará otro cartel encima, pero es como si estas paredes fueran la boca por la que podemos hablar los habitantes para que nos escuchen los demás”, apunta.

Pero cuando se refiere a “habitantes”, Carbotta también incluye a algunos de los moradores no humanos de la ciudad. Por ello, en la esquina de este muro de madera, ha dejado un orificio por el que asoma un personaje que acaso también merece ser reivindicado por los ojos infantiles de Carbotta: una cucaracha gigante realizada con resina.

Madera para encofrar y proteger

Las tablas de madera, similares a las que se utilizan para embalar objetos delicados como obras de arte, aunque también para encofrar estructuras, son abundantes en la exposición y constituyen en sí mismas distintas obras de arte. “Algunas de ellas corresponden a la matriz de encofrar que se habrá usado para crear algunas de las columnas o paredes de la sala, vienen a ser su negativo; un negativo de las superficies y ángulos que presenta la ciudad”, dice la artista.

En otros casos, la disposición de los tablones simula la protección de monumentos: una Venus agachada y una suerte de pedestal sobre el que sitúa una cabeza, también tapada por las tablas, entre las que asoma una gran oreja. “Tiene una doble significación”, explica: “puede ser que protejan las esculturas del entorno, pero también que las oculten, que tapen su significado”.

Alude Carbotta tanto a la preservación de la pureza del símbolo que supone el monumento, como a una cierta ocultación tras este mismo símbolo de verdades complejas que deben esclarecerse, en la línea de lo propuesto por Manuel Borja-Villel en su exposición Fabular paisajes.

Una gran maqueta

Todas las obras de la exposición, tanto las estructuras con tablones de madera como las producciones de los desechos en formato maxi realizadas en resina, se distribuyen por la sala de una forma intencionada a la que alude la artista como “una gran maqueta”.

A este respecto, Carbotta cuenta que “una maqueta es aquello que creamos para proyectar en pequeño la visión que tenemos de algo más grande, a la vez que también proyectamos sobre ella un esfuerzo imaginativo y la recreación de un deseo que queremos materializar”.

Pero una vez más recuerda desde su “perspectiva infantil”, que asegura que no ha perdido con el paso de los años, que “los niños suelen jugar con reproducciones en pequeño de cosas grandes, que al fin y al cabo son maquetas: desde cocinas a casas de muñecas o castillos, etc.” Y cierra la conversación asegurando que “si recuperásemos Barcelona con la mirada de niños que está en nosotros, la ciudad sería un espacio mucho más agradable de habitar”.

La edición de elDiario.es en la Región de Murcia cumple este 2025 una década informando con independencia sobre la actualidad diaria de esta comunidad y lo ha celebrado con una fuerte apuesta por la cultura regional. El aniversario se celebró este miércoles 11 y jueves 12 de junio en la terraza de Los Molinos del Río, a orillas del Segura, con el Festival de Cultura Total Murciana 'A Gallete', que se planteó en cuatro coloquios con artistas emergentes y consagrados de la Región y moderadores especializados en cada una de las disciplinas que se pondrán a debate: literatura, cine, artes plásticas y música.

El primer conversatorio del pasado jueves giró en torno a las artes plásticas, con la socióloga y especialista en Cultura, Arte y Pensamiento Feminista, Cristina Guirao, y la pintora Noelia Muriana, moderado por la divulgadora de Historia del Arte María Ponce. Se debatió sobre nuevas formas de expresión, la evolución de las galerías y la relación entre arte y territorio.

“Cuando me invitaron a participar en este Festival saqué mi libreta e hice mis deberes; me he dedicado a recorrer las galerías de arte de Murcia pero las exposiciones aquí me aburren, no veo a mujeres en las salas”, reivindicó Noelia Muriana, quien insistió en que un 80% de las exposiciones son de hombres.

“Creatividad individual”

“Es verdad que hay una explosión muy interesante en el arte, pero es una creatividad individual que no se debe a procesos culturales que haya habido en la Región de Murcia apoyados desde instituciones”, opinó Cristina Guirao.

De 20:30 a 21:45h, le tocó el turno al conversatorio de música con Antonio García y José Ángel Mercader de Arde Bogotá y las artistas emergentes Hoonine e Irene Riquelme, 33% de Perdón. Moderado por el periodista musical Miguel Tébar, se habló sobre la industria musical, la profesionalización, el equilibrio entre creatividad y mercado y la presencia de la mujer en festivales y otros espacios.

“La figura de manager es muy cambiante. Debe ayudarte a llevar tu música a la gente”, apuntó García. “Si tienes un manager que busque mover la cultura alejada de las dinámicas capitalistas del beneficio se nota, porque es un trato más humano. Imagino que en escalas más grandes, cuando entra el dinero en la ecuación, será más perverso”, abundó Riquelme. “El localismo es importante, si te lleva gente de Murcia y eres de Murcia puede hacer cosas más interesantes”, añadió Mercader.

Hoonine mencionó una figura de la producción musical desconocida por el público, la editorial: “Una editorial es el que divide el pastel de la canción. Lo que tiene para quien es más compositor o autor es que pelean por sus artistas, por defender sus derechos y pelear por su porción del pastel”.

Hoonine insistió en la calidad de la industria musical de la Región: “Hay muchas bandas muy grandes murcianas, y esto se debe a la calidad que hay atrás. Lo veo con Viva Suecia y la gente que trabaja en Arde Bogotá. Hay muy buenos profesionales construyendo cosas interesantes en Murcia”.

“Es importante poder trabajar dignamente en la industria”

“Muchas veces hablamos de que Murcia triunfa musicalmente, ¿qué significa eso? Al final nos estamos yendo a medir en éxito en lo mercantilizada que está la música. Hay muchos proyectos pequeños que son muy interesantes, aunque no generen dinero”, reivindicó Riquelme. “Es importante que los chavales puedan trabajar dignamente hagan lo que hagan dentro de la industria. Parece evidente en otras industrias que hasta el becario pueda tener unas condiciones mismamente dignas, pero en la música parece que no queda claro”, añadió García.

Para terminar la jornada, hubo una sesión de 21:45 a 23.00 horas con la música de la DJ Sofía Bertomeu y un cóctel ofrecido por elDiario.es Región de Murcia y la colaboración de Cervezas Alhambra, Bodegas San Isidro, Andalusí Destilerías, AMC Global, Patatas Rubio y Fundación Ronald McDonald.

El objetivo del Festival Cultura Total Murciana 'A Gallete' es fomentar el diálogo intergeneracional entre referentes consolidados de la cultura y nuevas voces emergentes en diferentes disciplinas artísticas, además de visibilizar el talento murciano, generando un espacio de encuentro abierto al público donde compartir ideas, procesos y experiencias y promover la cultura como herramienta de cohesión social, acercándola a nuevos públicos desde una mirada plural y contemporánea.

El Museo de Bellas de Artes de Murcia (MUBAM) vuelve a conectarse el sábado con el olor a pintura y el arte urbano en vivo. Dante Arcade realizará en directo un mural preparado para la ocasión, que podrá ser contemplado por todo aquel que se acerque por el museo que acoge la exposición 'De vándalos a leyendas'.

El artista murciano ubicado en Barcelona, comenzó su andadura en los años 90 motivado por la cultura hip–hop y el skate. Desde entonces, el universo retro y la sociedad cibernética han estado muy presentes en su obra. A lo largo de su arte “se examina la cultura pop mezclada con lo vintage, creando imágenes fragmentadas por líneas aerodinámicas e íconos”.

Dante, como todos los artistas que ya han realizado sus intervenciones en directo, demostrará al público la variedad de estilos, formatos y útiles de trabajo que pueden dar forma al arte urbano.

Obra inédita de coleccionistas privados

Darío Vigueras es el comisario de la exposición 'De vándalos a leyendas', además de marchante de arte. Se declara “consciente” del interés que han despertado todas estas muestras, ya que, realmente, se trata de una verdadera delicatessen para los amantes del arte urbano. Más de un centenar de obras procedentes de más de 20 países con referentes como Bansky, Blek Le Rat, Blade o el pionero Taki 183. Como él mismo comenta: “Hemos recopilado mucha obra inédita procedente de coleccionistas privados. Se trata de una muestra que será muy difícil de repetir en cualquier otra parte de mundo”.

El writing y el grafiti

Isaac Garrido, conocido como Isaak (Murcia, 1979) además de escritor de grafiti y muralista, es graduado en Historia del Arte y diplomado en Turismo (UMU). Al hilo de esta exposición considera que “la muestra sobresale, entre otras cosas, por el buen criterio que se ha tenido a la hora de comprar muchas de las obras. Creo que Dario Vergara se ha asesorado muy bien. Me ha encantado poder ver obras de gente que se ha criado en su barrio y han llegado lejos”.

“De pequeño me gustaba mucho dibujar y cuando vi los primeros grafitis por la ciudad dije: joder ¡esto qué es! ¡yo quiero hacer eso! Conforme lo vas entendiendo, te va gustando más y más e intentas participar, hasta formar parte de algo que es más grande que tú”, afirma el muralista. “El título está muy bien tirado. Es cierto que hay gente que no ha sido vándala en su vida, pero la mayor parte de gente que está en la expo, sí”, añade.

Grafiti deriva del italiano graffiti, cuyo origen puede estar en el latín scariphare. Este verbo hace referencia a la forma en la que se hacían grabados sobre tablilla, por medio de un punzón. También se refiere al propio estilo que nace derivado de la práctica de la escritura. Seguramente, por todas las connotaciones que lleva implícitas desarrollar un determinado estilo y porque no hay dos formas de escribir que sean iguales.

Isaak señala que la obra del neoyorquino Blade no está colocada de manera muy visible en la exposición. Este artista urbano desarrolló un estilo muy particular dentro del writing. Si bien hoy día se denomina grafiti a los murales callejeros con letras y puede que también con dibujos, el término grafiti fue acuñado después de que apareciera el fenómeno de las firmas –tags–. Aquellos que comenzaron firmando y sentando las bases de toda esta cultura, se llamaban a sí mismos writers (escritores en inglés). 

Además de la cuestión identitaria y territorialista, Isaak añade que “la vida es inesperada. Por mucho control que pretendamos tener, no es real, vivimos en un caos aparentemente ordenado. Una firma te recuerda que en un momento dado, se te puede caer una maceta en la cabeza mientras pasas por debajo de un edificio. También siempre se ha dicho que es una forma de publicitarse ¿Acaso toda la publicidad que consumimos la hemos pedido? Pues las firmas hacen lo mismo: no piden permiso, aparecen. Y tampoco piden perdón”.

“El writing – continúa– consiste en reivindicar como un arte la caligrafía y, con ella, el estilo de escribir tu nombre. La pintura, tal y como se enseñaba hace unos años, no contemplaba el fenómeno de la escritura en sí como algo que podía ser bello. La tradición del grafiti, rompe con esa dinámica: muestra que, al pintar letras, también puede haber belleza”.

“'De vándalos a leyendas' promueve que se le dé más crédito a quienes han destacado en el writing como modelo de grafiti. Ellos son quienes realmente impulsaron una nueva era en las artes plásticas”, abunda el muralista.

“Desaprobación y prejuicio”

Son más de 30 años los que lleva Isaak pintando. En Murcia, como en el resto del país, la cultura del grafiti viene de la mano del hip-hop que aterriza en la década de los 80. La labor de su asentamiento en cada ciudad fue trabajo de mucha gente que lo construyó prácticamente desde cero.

“En los grafitis hay un estilo de pintura totalmente fantástico, nuevo, donde puedes usar mucho la imaginación. En mi caso, he ido formando parte de distintos colectivos de gente y según la sintonía que había con unos u otros, nos agrupábamos para ser cada vez mejores en la pintura. Si veías que alguien destacaba, querías estar cerca para que te enseñara. Pero era fundamental trabajar tu propio estilo. Estaba mal visto parecerte o imitar el estilo de otro”.

“Nuestra generación, así como los que fueron por delante de mí, hicimos el trabajo sucio de enfrentarnos a la desaprobación y a los prejuicios que despertábamos. En los años 90, los que estuvimos ahí, nos enfrentamos a un rechazo social muy grande”. El grafitero considera que han podido allanar el camino para que la gente que ahora estudia en las escuelas de artes y oficios, se planteen el muralismo como una posibilidad de futuro. “Antes ni lo pensabas”.

“Para aprender a pintar, hacen falta sprays. Así es que, en mis tiempos, intentábamos ahorrar lo poco que nos daban nuestros padres los fines de semana y cuando tenías para comprarte unos botes de spray, pues a darle caña. No queríamos ser delincuentes, al contrario. Queríamos demostrar que éramos buena gente y que podíamos hacer cosas guapas que, hasta entonces, apenas se habían visto”.

El muralista también valora de aquella primera época la labor de apertura mental que tuvieron muchas personas con él. “Cuando le pedía permiso a un vecino para pintar en una pared o iba a una nave abandonada, había gente que, al verme, se me acercaba y me decía: oye ¿por qué no me pintas un dibujo en la persiana que la tengo estropeada? En mi desarrollo, tengo mucho que agradecer a esa parte de la ciudadanía que se fijaba en lo que hacía. Gracias a esas personas, pude empezar a profesionalizar mi trabajo”.

El arte urbano, en los museos

No es la primera vez que Murcia acoge una exposición de arte urbano. La primera fue en 2017 en el MUBAM y a ella acudieron más de 30 mil personas. La historia se repitió en 2019 en el Museo de Arte Moderno (MURAM) de Cartagena. Ambas exposiciones tuvieron en común, además de la temática, el hecho de haber sido posibles gracias al empuje de la plataforma Murcia Street Art Project y a la receptividad de diferentes instituciones públicas.

Pero la Región no solo cuenta con museos que acogen este tipo de arte. En los últimos años, diferentes ayuntamientos, empresas o particulares, han puesto a disposición de los artistas, fachadas de edificios y paredes para ser renovadas con diversas técnicas de muralismo o grafiti. Un caso destacable es el de la ciudad de Alcantarilla donde su Ayuntamiento, acaba de presentar una nueva ruta del grafiti compuesta por 60 obras. Este museo al aire libre ha ubicado al municipio, en la lista de los lugares que cuentan con un mayor número de obras de los mejores artistas urbanos del mundo.

La exposición 'De vándalos a leyendas' se podrá visitar hasta el 27 de julio en el MUBAM.

El puente que separa la ciudad ucraniana de Irpin con Kiev se convirtió en un símbolo de guerra cuando en 2022 las autoridades de Ucrania decidieron volarlo para evitar así que los tanques del ejército ruso traspasasen la zona. Se trató de una acción realizada con el objetivo de frenar el avance de las tropas rusas en una localidad que fue escenario de bombardeos y que, aun a día de hoy, sigue siendo testigo de intensos combates entre fuerzas ucranianas y rusas. Para mostrar el dolor por la destrucción y las masacres que están viviendo, además de su deseo de que la paz llegue lo antes posible, los alumnos de la Facultad de Economía de Irpin han pintado un mural inspirado en el 'Guernica' de Picasso y titulado 'All children's dreams in one word “Peace”' ('Todos los sueños de los niños en una sola palabra “Paz”').

A 12.000 kilómetros de allí, pero con la misma inspiración y el mismo objetivo, los alumnos de la Escuela Secundaria Himi de Nagasaki, Japón, también han querido realizar un mural inspirado en el bombardeo de Gernika tomando como referencia el lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima y Nagasaki, el 6 y el 9 de agosto de 1945, y, concretamente, la historia de Kayoko Hayashi, estudiante víctima de aquella bomba. La obra se titula 'Kayoko Sakura III Project' y muestra a través de los pétalos de flor, huellas de manos y banderas cómo Gernika y Nagasaki han sabido crear, con sabiduría y valentía, ciudades pacíficas y felices desde sus ruinas. 

Estos dos murales han recorrido el mundo para llegar hasta Bilbao a través del proyecto 'Kids’ Guernica', un proyecto artístico cultural que fomenta la cultura de la paz entre la población infantil de todo el mundo. Con motivo del 88 aniversario del bombardeo de Gernika, las obras se mostrarán hasta el 27 de abril en el Atrio de las Culturas de Azkuna Zentroa.

Durante la presentación de los murales, que ha tenido lugar este miércoles en el centro cultural bilbaíno, ha estado presente el japonés Minoru Watanabe, promotor de la iniciativa que visita Gernika todos los años. Watanabe comenzó a trabajar desde París con Kenzo Takada para animar las zonas afectadas por el desastre tras el Gran Terremoto del Este de Japón de 2011. Desde entonces, ha participado en la producción de este 'Guernica' infantil en Francia, España, Italia, Ucrania, Taiwán, Nepal y Fujinomi, trabajando para garantizar el futuro de los niños en una sociedad sin guerra.

“La Tierra está sufriendo terriblemente. En una situación en la que toda la humanidad necesita cooperar y trabajar unida para resolver problemas como los ambientales, como el calentamiento global, los movimientos de la corteza terrestre que causan terremotos y erupciones volcánicas, los residuos plásticos y el agotamiento de los recursos para su propia supervivencia, la peor opción es la guerra”, ha alertado mientras sonaba la melodía de un violín que sobrevivió a la bomba atómica de Hiroshima  y que Watanabe ha traído para la ocasión, interpretado por el músico vizcaíno Gontzal Rodríguez Agudo.

“Desde el genocidio de Gernika, la humanidad ha cometido muchos errores sin aprender de la historia, como los de Hiroshima y Nagasaki. Las matanzas masivas continúan en todo el mundo. Crearemos juntos un mundo para nuestros hijos en el futuro, libre de guerras, en paz y felicidad, donde las personas se amen y se ayuden mutuamente”, ha pedido en un acto que ha contado con la presencia del lehendakari Iñigo Urkullu y la concejala de Igualdad y Fiestas y adjunta a Cultura del Ayuntamiento de Bilbao, Itziar Urtasun, quien ha recordado que la paz es un “Derecho Humano incuestionable que solo puede llegar a través del diálogo, el entendimiento mutuo y la cooperación”.

'Kids’ Guernica' es una ONG creada en 1995 por los japoneses Toshifumi Abe, Tadashi Yasuda y Kaoru Mizuguchi y el estadounidense Tom Anderson con motivo del 50.º aniversario de la bomba sobre Hiroshima. Con el objetivo de fomentar la cultura de la paz entre la población infantil, el proyecto recorre el mundo visitando países que han sufrido el impacto de la violencia. Hasta la fecha, niñas y niños de 50 países han creado alrededor de mil murales. Cada año, en diferentes países, se organizan exposiciones para mostrar estos murales y promover un mensaje de paz y solidaridad global. La iniciativa une comunidades afectadas por conflictos, fomentando el arte como herramienta de expresión y reconciliación. 

En el año en el que celebra su centenario, Cervezas Alhambra convierte la creatividad en el hilo conductor de este nuevo encuentro de Murcia Inspira, una invitación a disfrutar sin prisa de la fusión entre herencia y vanguardia a través del arte. En esta ocasión, las creadoras Ana Martínez y Beatriz Alonso compartirán su visión única sobre la ilustración botánica y la indumentaria tradicional murciana, dos disciplinas que, bajo su mirada, reinterpretan y capturan la esencia del paisaje regional. El encuentro tendrá lugar el miércoles 9 de abril en Paparajote Lounge.

Ana Martínez, conocida artísticamente como ‘El Buen Limón’, transforma la naturaleza en arte a través de su dominio de la acuarela y las técnicas digitales. Su trabajo es una exploración minuciosa de las formas y colores del entorno, retratando la belleza efímera de las plantas con un trazo delicado y evocador. Sus ilustraciones han trascendido fronteras, consolidando su presencia en el panorama internacional con colaboraciones para marcas como IKEA o Artlink. En esta cita, compartirá su metodología artística, sus fuentes de inspiración y la manera en que el paisaje murciano impregna cada una de sus obras.

Por su parte, Beatriz Alonso, fundadora de ‘Zagalejo Murciano’, ha rescatado y reinventado la vestimenta folclórica murciana para adaptarla al presente. Su amor por la confección la llevó a emprender un proyecto donde cada prenda se diseña con esmero, respetando los tejidos y las técnicas de elaboración que han definido la indumentaria de la región. Cada zagalejo es una pieza única, pensada para resaltar la feminidad y el colorido que caracteriza las fiestas murcianas. Su atelier es un refugio creativo en el que el diseño y el saber hacer se funden para vestir el futuro sin perder su raíz auténtica.

Ambas creadoras hablarán sobre su relación con el arte y la moda, el valor del trabajo hecho a mano y la importancia de preservar el legado cultural a través de nuevas perspectivas. Un diálogo que reivindica la tradición murciana desde la ilustración y la artesanía, mostrando cómo la herencia artística sigue presente en cada detalle.

El acceso será gratuito con invitación descargable a través de las redes sociales de Murcia Inspira. Una oportunidad única para sumergirse en la riqueza creativa de la ciudad y disfrutar del talento con la atención que merece.

El claustro de Santa Clara de Mérida acoge hasta el 13 de abril la muestra 'Uno x uno' de la artista Lourdes Murillo, en la que, a través de la pintura, reflexiona sobre la tecnología digital y ofrece otra perspectiva del entorno, analizando cómo el píxel ha transformado el sistema de proporciones existente desde la época antigua, estableciendo, a la vez, conexiones con este mismo periodo.

Todo ello con una intervención específica para este espacio, donde, de alguna manera, rinde homenaje a la antigua ciudad imperial Augusta Emérita, desde una perspectiva “absolutamente contemporánea”, según recoge la Junta en nota de prensa. Un total de ocho piezas componen la exposición que “envuelve al espectador en una atmósfera relajante que contrasta con la velocidad del mundo actual”.

Sin utilizar ningún elemento tecnológico para realizar su obra, a pesar de la temática, todas las piezas son hechas a mano, con técnicas artesanales y reivindicando los procesos manuales.

La muestra forma parte del circuito de exposiciones de la Secretaría General de Cultura y es fruto del “compromiso” de la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes con los artistas visuales de la región, ha destacado el Ejecutivo.

El secretario general de Cultura, Francisco Palomino, ha acompañado a la artista Lourdes Murillo en la inauguración, junto con responsables del Servicio de Museos de la Consejería y el jefe del Servicio de Restauración de la Junta de Extremadura y autor del texto que acompaña a esta muestra, Javier Cano.

La exposición propone “una reflexión sobre la tecnología digital hecha desde lo manual”, ha apuntado Francisco Palomino, quien ha equiparado el actual momento del arte, influido por la transformación digital, con otros momentos de la historia, como el descubrimiento de la perspectiva en el Renacimiento o la aparición de la fotografía. Mientras tanto, Lourdes Murillo ha definido su muestra como “una recreación de la unidad del mosaico, que es la unidad del píxel”, con el rojo como color dominante estableciendo un diálogo con otra de sus piezas, instalada en el edificio de Presidencia de la Junta de Extremadura.

Por su parte, Javier Cano ha reseñado que esta muestra crea “una atmósfera reflexiva”, al tiempo que ha señalado que las obras de Lourdes “son obras para pensar”. En este punto, ha afirmado que se ha de mirar su trayectoria, “siempre coherente, relacionando un pensamiento con un espacio; su experiencia con el tiempo, dando paso a la idea de memoria”.

Javier Cano ha añadido que las obras de Lourdes Murillo son obras que “conjugan el verbo transitar”, por lo que sus obras son “como recorrer el tiempo; son sentimiento, experiencia y recorrido, memoria”.

“Un iceberg de la Antártida pierde su último trozo de hielo desapareciendo para siempre. En Groenlandia se ve volar una gaviota, un ave jamás vista antes. En Nepal, una multinacional de comida rápida lanza 10.000 panfletos sobre el Himalaya. Una botella de plástico llega a la playa de una isla del mar de las Molucas. Al otro lado del mundo, en las antípodas, una tribu desconocida comienza su éxodo. El progreso ha llegado y lo estamos registrando en tiempo real”. Así empieza 'Progreso', una obra de teatro que muestra un documental en directo sobre la historia del plástico y el maltrato que la especie humana da al planeta para reflexionar sobre quiénes son los responsables.

“'Progreso' se trata de un documental, dentro de un documental que está dentro de otro documental. Somos un grupo de documentalistas que estamos en escena aprovechando que solemos trabajar mucho el teatro documento. Trabajamos mucho la cámara en vivo y grabamos un documental sobre el plástico en directo donde hacemos planos de cine y utilizamos lenguaje audiovisual. De repente, nos encontramos con una sociedad en el escenario que está empezando a desarrollarse desde los albores, desde el principio de su historia. Y el tercer documental somos nosotras viendo cómo miramos a esa sociedad, qué estamos contando nosotras a través de la cámara. Ese tercer documental hablasobre nosotras que estamos en escena”, explica a este periódico su autora, la dramaturga y directora Olatz Gorrotxategi.

Al presentar la obra, que se estrenará en el auditorio de Azkuna Zentroa en Bilbao el 9 de febrero, a las 13 horas, en castellano para todos los públicos y el día 10 de febrero, a las 12 horas, en euskera y solo para público escolar, Gorrotxategi lanza un mensaje de alerta: “La obra es apta para todos los públicos siempre que sea un público responsable: cualquier ruido o movimiento brusco puede alterar a la nueva sociedad de Homo sapiens que evolucionará durante la obra, ya que esta especie animal, que ocupa el último lugar en la escala evolutiva, puede ser muy susceptible y atacar”. Preguntada por esta cuestión, habla sobre la vulnerabilidad del ser humano. “Somos animales y a veces se nos olvida que somos vulnerables, que nos podemos sentir atacadas, de manera metafórica también, y podemos llegar a atacar y hacer daño. Ese daño puede ser emocional, pero también con acciones como las guerras o la destrucción”, reconoce.

En la mayoría de sus obras, la dramaturga realiza analogías para hacer llegar su mensaje. En esta ocasión, la analogía es la propia historia del plástico. “Es un material que viene a ayudar a toda la humanidad a crear objetos a bajo costo para que lleguen absolutamente a todo el planeta, para que todo el planeta pueda tener un cubo de plástico, por ejemplo, que son necesidades básicas para nosotras, pero que le cambian la vida a gente que viven en otros lugares. Entonces, una cosa que nace como algo tan maravilloso de repente puede ser nuestra destrucción. Y es un paralelismo con la propia historia del ser humano, de los homo sapiens, que algo que podría ser maravilloso, como la creación de una especie que ha evolucionado, que es inteligente, puede llegar también al fracaso de la especia, a maltratar el planeta o a generar guerras. Esa es la analogía de este espectáculo”, explica.

A pesar de ello, Gorrotxategi busca con su obra dejar claro que los responsables no son los individuos, sino el propio sistema que empuja a consumir. “Creo que las personas hacemos todo lo que podemos. Creo que la responsabilidad no es nuestra. Podría serlo en un porcentaje muy bajo, pero nosotras consumimos porque se nos obliga a consumir, porque es algo que se potencia. Consumimos de manera tan exagerada porque las empresas, las fábricas y la gente que crea estos productos no buscan otras maneras de consumo. No les importa con tal de que ese material sea fácil, rápido de construir y sea barato. No les interesa buscar otro tipo de materiales y no piensan qué va a ser de ese objeto después de que termine su vida útil. Es absurdísimo. Te dan una pajita de papel dentro de un pástico en los zumos. No tiene sentido. Es algo que no necesitamos. Nadie necesita consumir así. Pero la responsabilidad no creo que sea de las consumidoras, nos obligan a hacerlo, nos meten necesidades en la cabeza. Y este mundo precario tampoco ayuda porque la gente prefiere comprar ropa de China porque es más barata que apostar por productos locales. La responsabilidad es de alguien que está bastante por encima de nosotras”, concluye la autora de la pieza, que en clave de humor, es un trabajo de teatro documento con vídeos en directo a cargo de la fotógrafa y editora Indi Costa.

Entrar a La Anguila es como entrar en un útero. El ambiente está oscuro, los cristales tintados y el sonido de unos latidos crean la escena perfecta. La falta de luz empuja, irremediablemente, hacia los focos que iluminan una pared donde cuelgan cuadros de una veintena de fetos. Muchos ya están muertos. El resto no sobrevivirá.

Están deformados, inertes, borrosos. Pequeñas manchas rosáceas en un fondo oscuro que nunca verán la luz. Y frente a ellas está la pintora Paula Bonet. Esos fetos son los primeros cuadros que se ven en esta exposición que aborda las violencias, la muerte perinatal y las consecuencias de todo lo que el patriarcado ha hecho con el cuerpo de las mujeres. Pero también aborda la luz y la sanación.

Esta exposición comparte nombre y buena parte de las obras con la que Bonet ya presentó en 2021 en València. Pero la que se puede ver hasta el 12 de febrero en el museo Can Framis de Barcelona es distinta. Es una revisión de su trabajo anterior. Pero lo importante no son los cuadros nuevos, sino lo que los motiva.

“No hago esta revisión por placer”, asegura Bonet. Explica que tras la primera Anguila se sintió atrapada. “Nunca me había pasado antes, pero no estaba inspirada. Tenía ideas, pero no podía trabajarlas”, recuerda. Ahí se dio cuenta de que no había cerrado una etapa ni había sanado heridas, tal como pensaba.

Y es que esta exposición parte de dos abortos involuntarios de la autora y se adentra en las “violencias invisibilizadas”: las del lenguaje, las de relaciones amorosas o las familiares. Es un grito que da voz a todos “los mensajes que envían las víctimas y que la sociedad no ha sabido ver”. Era algo que Bonet necesitaba explicar, pero su primera exposición no tuvo el efecto catártico que creyó.

“La hice desde el miedo”, asegura hoy. “Me adentré en ese proyecto desde un lugar que no había habitado antes”. Bonet se caracteriza por sus trazos libres, en apariencia anárquicos aunque, en realidad, guardan todo un sentido y conexión. Pero la primera versión de La Anguila se hizo desde “el respeto absoluto por el trabajo y el contenido. Y el respeto se convirtió en miedo”, explica.

“Normalmente, pinto y voy hacia lo desconocido. Y, cuando acabo, intento entenderlo. Pero en la primera exposición, teoricé en exceso. Eso fue un error, porque perseguía la idea romántica de desaparecer en la obra. Y eso me fulminó”, relata. Tan escondida quedó que renunció a uno de sus rasgos característicos: el retrato.

Bonet pinta desde la “libertad y el placer” y donde encuentra más esas sensaciones es en los retratos, especialmente los de gran formato. Y esos han vuelto a aparecer en esta nueva versión de La Anguila, donde se exhiben rostros que recuperan la esencia pictórica de la autora y que han venido a sustituir diversas piezas que han sido descartadas de la primera muestra.

Bonet no reniega de su trabajo anterior, sino que muchas obras -como los fetos- se mantienen. La cuestión es que las nuevas dialogan con las antiguas, abrazando el dolor que las motivó y llevándolo a un lugar más sereno. Y, sobre todo, dándole el peso y poniéndolo en el lugar que le corresponde. Literalmente.

Hay piezas que, ni siquiera, están colgadas en las paredes. Una de las series que se mantiene es la de los penes flácidos, ubicada en el espacio dedicado a las violencias. Una decena de cuadros de miembros viriles sin entidad a los que Bonet les ha quitado del todo el poder dejándolos en el suelo.

“Esta parte originalmente ocupaba dos espacios, pero en esta versión decidí dejarle solo uno. Así que tenía que pensar bien cómo colocaba estos cuadros. Siempre se ponen en el suelo para visualizar cómo quedarán y cómo los ordenarás, pero estos nunca los colgaba… Y, finalmente entendí que tenía que dejarlos así”, cuenta Bonet.

Según la autora, esta disposición fue liberadora para ella, pero provocó cierta incomodidad en el museo. Tanta que tuvieron que añadir un epígrafe en el contrato estableciendo que la sala no tendría ninguna responsabilidad en caso de que alguna obra se rompiera. “Me parecería bien que alguien tocara uno de estos cuadros o le diera alguna patada”, dice, mientras ella misma desmonta uno con su pie.

“Nunca me he sentido demasiado apegada a mis piezas. No me importa lo que les pase y no hay ninguna que quiera conservar”, añade. De hecho, hay algunos de los cuadros de esta exposición -entre ellos, los penes- que van a desaparecer.

Esto se debe a que Bonet escogió una técnica nada ortodoxa que se basa en poner acrílico encima del aceite y no a la inversa, lo que da como resultado que la pieza se irá cuarteando con el paso del tiempo y quedará irreconocible. “No les quedan muchos años”, afirma, mirando esas obras.

El poder de soltar

En esta versión de La Anguila, Bonet deja ir. Deja ir el dolor, el miedo y la culpa. Pero también partes de su pasado como pintora. En la sala de las violencias se pueden escuchar y leer frases de su novela homónima. Para el audio se grabó a sí misma con la voz ligeramente distorsionada. Para las letras, escogió una tipografía que recuerda a la etapa que se hizo más viral, la que dedicó a retratos naifs, de colores vívidos y mensajes feministas con esa misma tipografía.

Es una etapa que Bonet hace tiempo que quiere dejar atrás. “Cuando algo tiene tanta acogida, ¿en qué quedas tú? Te puede devorar”, asegura la pintora. Y precisamente por eso ha cedido un espacio a esa fase antigua, “porque se va a quedar aquí”, sentencia.

Lo que también se va a quedar atrás es el miedo con el que la pintora abordó el proceso en primera instancia, lo que la llevó a dar mucho más peso a la parte oscura de lo que quería contar. Y es que La Anguila es un viaje “desde el infierno al paraíso” y en esta revisión la luz tiene mucha más importancia.

Es en la última de las salas donde se ve verdaderamente el trabajo de la nueva exposición: allí hay una gran “mancha” luminosa e impulsiva que dialoga con lo oscuro del inicio. Además, también están los dos retratos que dan sentido a la nueva muestra. Uno de ellos está en construcción y sólo se aprecia que muestra la cara de alguien cuando te acercas y miras detenidamente. El otro es más nítido pero a la vez ambiguo.

Representan a dos niñas importantes para Paula Bonet. Una es su hijastra y la otra es ‘Júlia’, el único cuadro que tiene título y que es una figuración de cómo podría haber sido su hija no nata. “Es ahora cuando miro a los ojos a la anguila, cuando la presento sin que me tiemble la voz y cuando puedo decir que esta, quizás, habría sido la hija que yo habría tenido, cuando sé que el proceso está cerrado”, asegura la pintora, mirando con orgullo su obra.

Esta exposición es una “reconciliación” con la maternidad y con la pérdida. Bonet explica que, durante la primera versión de La Anguila entendió que, a pesar del luto, no quería ser madre. Pero eso no aligeró su dolor ni le impidió tener una reacción “infantil” y buscar respuestas y culpas donde no las había.

Y no ha sido hasta que revisó su trabajo y se permitió volver al lugar donde empezó todo que ha podido cerrar. “Muchas veces la obra se te avanza y te da respuestas. El problema es que a menudo no te das cuenta y tienes que dejar que el tiempo pase”.

Eso hizo Bonet. Tras dos años durante los que intentó desprenderse de la anguila, ha vuelto a su nido. “Ahora sí me siento libre y en paz. He cerrado una etapa que no era sólo artística, sino que era un rapto personal”, reflexiona.

Ahora, dice, se siente lista de seguir adelante. Todavía le quedan unas semanas de vida a esta versión de La Anguila y Bonet reconoce que se siente “hastiada” de tener que seguir explicando y hablando de esta obra y de temas a los que ya no quiere dedicar “ni tiempo ni energías”. Pero no tendrá que hacerlo durante mucho tiempo, ya que en marzo estará lista para presentar su nuevo proyecto.

No quiere dar detalles sobre lo que se trae entre manos, pero sí deja claro que ha tenido bastante autobiografía por el momento. “Tengo ganas de hablar desde un lugar nuevo y de entregarme otra vez a la pintura. A esa que exige tanto a quien la pinta como a quien la mira”, asegura, prometiendo un trabajo en el que se podrá volver a ver a Paula Bonet en su máxima expresión.

La Consejería de Cultura, Turismo y Deporte inaugurará este miércoles 18, a las 19.00 horas en la sala 'Concepción Arenal' del Centro Cultural Los Arenales de la Biblioteca Central de Cantabria, la exposición 'Salto', comisariada por Laura Olea, que muestra las obras ganadoras y finalistas de los últimos Premios de Artes Plásticas, así como las adquisiciones realizadas por el Gobierno en la feria ArteSantander de este año, y que se podrá visitar hasta el 2 de febrero.

Según ha explicado la comisaria, 'Salto' hace referencia a la diversidad en las obras que conforman esta exposición colectiva, “un conjunto de artistas en distintos momentos de sus trayectorias, con disciplinas, medios, temáticas e intereses variados”.

La muestra se divide en dos espacios, uno dedicado a los últimos premios de Artes Plásticas, donde se incluye la narración pictórica de José Luis Serzo, ganador del premio, quien invita al espectador a descubrir historias entre la teatralidad del lienzo. Así como la fotografía de Nuria Sal, ganadora del Premio al Artista Cántabro, que explora la poética del retrato. Junto a ellas, se expondrán obras de los finalistas Quique Ortiz, Manuel Diego Sánchez, Juan Sarramián, Mina K., Lau Rodríguez, Miguel Ángel García, y Verónica Bueno.

También en este apartado están las investigaciones artísticas de Nieves Moriano Gómez, con su homenaje a Juanjo Viota, y las experimentaciones desde la fotografía de Pilar Otí y Raúl Lucio.

La pintura ocupa un lugar central para los finalistas del premio: Guillermo de Foucault reflexiona sobre el proceso creativo, Amaia Bregel descompone los elementos materiales de la pintura mientras que experimenta con poliuretano líquido. Por su parte, Peta Rodríguez revela en su pintura honesta los procesos y capas de trabajo en su soporte de madera.

Los finalistas y dos ganadores aquí reunidos han sido seleccionados por un jurado compuesto por Jesús Alberto Pérez Castaños, artista; Jaime Sordo, coleccionista; y la propia Laura Olea López.

NUEVAS ADQUISICIONES

La exposición también invita a descubrir nuevas miradas en la creación artística actual a través de las nuevas adquisiciones realizadas por el Gobierno de Cantabria en la última edición de ArteSantander, que pasan a formar parte de la Colección Norte de Arte Contemporáneo.

La selección de las mismas se llevó a cabo por un comité experto formado por Alejandro Alonso Díaz, Laura Olea López y Carmen Quijano.

Las obras incluidas en este apartado que se integran en la exposición son 'Centre Sportif Santa Cruz' de Mauricio Limón de León, que mapea los espacios urbanos de Ciudad de México a través de experiencias comunitarias.

También, dos esculturas en acero inoxidable de Zuhar Iruretagoiena, que reinterpretan las técnicas manuales tradicionales desde un enfoque contemporáneo; una pieza cerámica única del mexicano Gustavo Pérez, que evoca paisajes marinos y formas orgánicas, consolidando la presencia del medio cerámico en la colección; y dos grabados calcográficos de Jacobo Castellano, donde la tradición del retablo se reimagina desde la labor de la técnica gráfica y la textura de la madera.