Alfonso Cuarón fue galardonado recientemente con el premio al mejor filme en lengua extranjera y mejor director en los Globos de Oro por su cinta Roma. El director y escritor también ha sido elogiado por las cualidades fílmicas de Roma y las historias cotidianas que cuenta del México de la década de los setenta.

La película contiene, sin embargo, otros elementos sutiles pero importantes que hasta ahora han sido ignorados por los críticos del filme.

Dos de estos elementos son el contexto político de México a principios de la década de los setenta y las condiciones sociales que han caracterizado la vida de las trabajadoras domésticas desde entonces.

El personaje principal de Roma es Cleo (interpretado por Yalitza Aparicio), una trabajadora doméstica cuyo personaje se basa en una niñera llamada Liboria Rodríguez (conocida como Libo), quien trabajaba para la familia de Alfonso Cuarón cuando éste era un niño.

¿Quiénes fueron los Halcones?

Cuarón sitúa a los personajes de Roma en medio de importantes acontecimientos históricos de México: la lucha de algunos mexicanos por el progreso del país y su oposición a un régimen político y autoritario que buscó mantener sus privilegios a través de diversas estrategias.

Una de estas estrategias es ejemplificada en la película por el personaje de Fermín, el pretendiente de Cleo (interpretado por Jorge Antonio Guerrero), que pertenece al grupo paramilitar los Halcones.

Sabemos ahora por varias fuentes de primera mano y documentos desclasificados del gobierno de los Estados Unidos que funcionarios de alto rango del gobierno mexicano organizaron, financiaron, entrenaron y armaron en secreto a varios grupos, incluidos los Halcones, para sofocar los movimientos sociales de fines de los años sesenta y principios de los setenta.

Los Halcones estaban compuestos por alrededor de 2.000 hombres jóvenes, de entre 18 y 29 años, distribuidos en escuadrones con 200 miembros cada uno.

Los líderes de los escuadrones eran estudiantes universitarios de clase media quienes, a cambio de su participación en los Halcones, recibieron becas, pagas semanales y la promesa de un futuro brillante en el partido gobernante, el Partido Revolucionario Institucional (PRI).

Un segundo grupo, el de los agresores y sicarios, estaba constituido por miembros de pandillas así como por jóvenes desempleados y de la clase trabajadora de la Ciudad de México. Estos recibían sólo la mitad de los estipendios que obtenían los líderes.

Los Halcones también fueron entrenados por militares y personal de la policía mexicana, quienes a su vez, y subsidiados por la Agencia de los Estados Unidos para el Desarrollo Internacional, recibieron entrenamiento en la Academia Internacional de Policía en Washington.

El ataque a la democracia mexicana

Alrededor de 10.000 personas, principalmente estudiantes, se manifestaron el 10 de junio de 1971 para exigir mejoras en las condiciones económicas, sociales, y democráticas de México.

En la cinta, y como una alegoría de la vida real, Cleo, la abuela y el chófer —quienes se dirigen a una tienda de muebles— se topan de frente con los manifestantes y con una larga fila de vehículos y policías antidisturbios mientras los Halcones esperan pacientemente en la esquina.

Como sucedió en la vida real, armados con varas de bambú y rifles M1 y M2, los Halcones atacaron a los manifestantes y provocaron el segundo evento más sangriento en la historia mexicana moderna (el Halconazo), tras la masacre de Tlatelolco acaecida en octubre de 1968.

Se estima que alrededor de 120 personas fueron asesinadas y cientos más resultaron heridas, incluidos niños, mujeres y personas mayores. Aunque los militares y la policía conocían de antemano que se iba a producir el ataque, se mantuvieron al margen y no hicieron nada.

Halcones: Terrorismo de EstadoViolencia y masculinidad

Fermín pertenece al segundo grupo de los Halcones descrito anteriormente. En la escena del hotel, Fermín le confiesa a Cleo: “Le debo la vida a las artes marciales [a los Halcones]. Yo crecí con muchas carencias, ¿sabes?”.

Representando a los verdaderos Halcones, la participación de Fermín en ese grupo le permite cierta movilidad socioeconómica, pero a cambio de cometer atrocidades terribles.

La lealtad de algunos jóvenes al grupo de los Halcones y sus decisiones inmorales estuvieron, pues, mediadas por aspiraciones de clase, ideología y violencia.

La violencia de los Halcones también se manifestó en violencia de género. En el filme, Fermín amenaza con golpear a Cleo y a su hija que está por nacer si Cleo insiste en buscarle y pedirle que se haga responsable de su paternidad.

Aún más, al final de la escena, y a pesar de provenir de una clase social baja, Fermín abandona el campo de entrenamiento de Halcones gritándole “gata” a Cleo, un insulto proveniente de las clases medias y altas que se dirige únicamente a las trabajadoras domésticas. Este insulto refleja, por tanto, el bajo estatus social al que las trabajadoras domésticas son relegadas continuamente.

Trabajadoras domésticas en México

Un segundo elemento que no ha sido analizado por los críticos y al que se alude en Roma son las condiciones históricas y sociales de las trabajadoras domésticas en México.

En junio de 2018 había 2,2 millones de trabajadoras domésticas en el país. Alrededor del 95 por ciento son mujeres, en su mayoría jóvenes y de mediana edad, aunque algunas son todavía niñas.

En 2010, el 58% de las indígenas mexicanas del área metropolitana de Monterrey eran trabajadoras domésticas, y muchas habían emigrado del campo a la ciudad. Esto significa, como afirma la investigadora en migración indígena Séverine Durin, que el trabajo doméstico está fuertemente determinado por la etnia de la persona.

No es una coincidencia, pues, que la exniñera de Cuarón, Libo, y los personajes de Roma Cleo y Adela sean jóvenes, mujeres e indígenas.

Condiciones laborales desventajosas

Las leyes mexicanas no ofrecen a las trabajadoras domésticas los mismos derechos y beneficios que otros trabajadores disfrutan, como pago de días festivos o incapacidad laboral. Aún más, las trabajadoras domésticas pueden ser despedidas legalmente en cualquier momento y sin previo aviso.

Apenas en diciembre de 2018 la Suprema Corte de Justicia de México determinó que es inconstitucional que los empleadores nieguen a las trabajadoras domésticas el acceso a la seguridad social, lo que significa principalmente el acceso a los servicios de salud pública.

También es común que las trabajadoras domésticas tengan salarios bajos, que trabajen largas horas, incluyendo sábados y domingos, y que carezcan de vacaciones. Algunas empleadas también se enfrentan a tratos humillantes, maltrato y discriminación debido a sus rasgos físicos, o por hablar su lengua indígena, usar ropas tradicionales, o mantener sus costumbres y tradiciones.

Algunas también padecen confinamiento forzado o abusos sexuales por parte de los maridos o los hijos adolescentes de sus empleadores. Y a pesar de todo lo anterior, se espera que las trabajadoras domésticas agradezcan a sus “patrones” por la “oportunidad” de tener un trabajo.

Sólo una de cada 10 mujeres acude a denunciar ante la policía cuando se suscita algún problema con sus empleadores, muchas veces por miedo a perder el único ingreso económico o empleo que pueden obtener.

Las trabajadoras domésticas con hijos también deben hacer arreglos extraordinarios para que sus propios hijos sean atendidos, lo que conduce a una larga separación familiar al mismo tiempo que ellas cuidan a los niños de otras familias. El cuidado y afecto que proporcionan estas mujeres, pues, no sólo se mercantiliza sino que además se fragmenta.

No son realmente parte de la familia

Algunos empleadores consideran a las trabajadoras domésticas como “parte de la familia”. Sin embargo, las desiguales relaciones de poder, las diferencias de clase, la discriminación y el racismo hacen que no sean realmente parte de la familia.

El propio director Alfonso Cuarón reconoce que fue recientemente cuando se dio cuenta de que Libo era una mujer indígena y lo que eso conlleva. Se dio cuenta de que Libo tenía también “necesidades afectivas y deseos sexuales”, y de que vivía en “un mundo de injusticia”, “con el bagaje de la clase más desposeída”.

En Roma, los miembros de la familia desconocen la vida social y personal de las trabajadoras domésticas.

Cuando llevan a Cleo a la sala de partos, una enfermera le pregunta a la abuela Teresa sobre el apellido de Cleo, su fecha de nacimiento y si tiene seguridad social. Pero Teresa no puede contestar esas preguntas.

Cleo recoge los excrementos del perro de la familia, cocina y sirve la mesa familiar, prepara a los niños para que vayan a la escuela y también los acuesta, lava y plancha la ropa y limpia la casa. Sin embargo, la abuela ignora todo sobre Cleo a pesar de vivir en la “misma” casa (por lo general, las trabajadoras domésticas duermen aparte e incluso comen lejos de la familia).

Consideran a Cleo “parte de la familia”, pero realmente no lo es.

Violencia cotidiana

La película Roma contiene varias historias que revelan sutilmente distintas formas de violencia: pobreza, exclusión social y violencia de género, que son promovidas por masculinidades sexistas y misóginas.

Además, el trabajo silencioso pero interminable de las trabajadoras domésticas, que en Roma abarca la mitad de la película, esconde relaciones de poder desiguales, mediadas por la clase social, el género, la edad, los afectos, el origen étnico, la raza y la división entre el mundo urbano y lo rural.

Estos elementos se entrecruzan para mantener a las trabajadoras domésticas, principalmente mujeres indígenas, en posiciones subordinadas y dependientes. Las trabajadoras domésticas son, pues, convenientemente imaginadas como “de la familia”, pero ellas nunca son realmente parte de la familia, ni en México ni en ningún otro lugar del mundo.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation. Lee el original.The Conversationoriginal

Netflix ha decidido cambiar los subtítulos en español para la película Roma, de Alfonso Cuarón, tras la polémica surgida por la diferencia entre las partes habladas con expresiones del español de México y los rótulos 'adaptados' al español de España.

De esta manera, desde este jueves 10 de enero los usuarios de la plataforma que accedan a la película podrán ver cómo se corresponden las partes habladas por los actores con los subtítulos en español, los cuales también se incluyen para las conversaciones en mixteco, una lengua indígena. 

En cines de España, Roma únicamente se mantiene en cartelera en los cines Verdi y en Conde Duque Aguilera, ambos en Madrid. Una de las críticas a esta situación vino del académico de la RAE Pedro Álvarez de Miranda, quien considera “sorprendentes e innecesarios” los subtítulos en español, que además han supuesto “una pérdida de tiempo y dinero” para los responsables de la distribución de la cinta.

“No se trata tampoco de poner el grito en el cielo, porque no es para tanto, pero sí que alguien tendría que decir a los distribuidores que en cierto modo están perdiendo el tiempo y el dinero subtitulando una cosa que ya estamos entendiendo y que podría ser chocante fuera de España, en otros países hispanohablantes”, señalaba en declaraciones a Europa Press el académico.

En cualquier caso, el académico no se mostró “muy partidario de las quejas” e insistía en la idea de “no poner el grito en el cielo” con este asunto. “Simplemente recordar que no es necesario, nunca lo ha sido, y desde luego la asociación de academias insistimos en que es un gran beneficio mutuo la unidad de la lengua española, por encima de la diversidad”, concluía.

El debate de las exhibidoras frente al sistema de distribución bajo demanda de plataformas como Netflix, sigue abierto.  Y el último en posicionarse de forma clara ha sido Alfonso Cuarón, que se alzó en defensa del gigante del VOD durante las preguntas del backstage de los Globos de Oro.

Tras ser preguntado por un periodista, que le exigía una posición en torno al debate de lo que él llamaba “la muerte del cine independiente”, el director decidió contestar con otra pregunta, acompañada de una reflexión que recogía Variety.

“Mi pregunta es: ¿cuántos cines crees que proyectarían una película mexicana en blanco y negro? ¿Rodada en español y mixteco? ¿Que además es un drama sin ninguna gran estrella? ¿Cómo de grande crees que sería su estreno en el circuito convencional de distribución? Yo he tenido un estreno mejor que eso”, decía Cuarón.

Sobre si el estreno de Roma en cines ha sido solamente una estrategia para que la película pudiera figurar en la temporada de premios -pues es requisito indispensable haber tenido estreno en salas de cine de Los Ángeles para competir en los Oscar, el cineasta decidía poner los puntos sobre las íes. “No fue un lanzamiento estético... la película se estrenó hace más de un mes y todavía se está viendo. Y eso es muy raro para una película extranjera”, argumentaba.

“Creo que es muy injusto decir eso”, respondía a la opinión de que el cine independiente se encontraba con dificultades para estrenar por la intromisión de Netflix en el mercado. “¿Por qué no tomas la lista de películas extranjeras este año y comparas el estreno teatral que han tenido y durante cuánto tiempo han estado proyectadas? Observa cuántas de esas películas están proyectando en setenta milímetros...”.

Hasta ahora, Cuarón había defendido la necesaria coexistencia del sistema de distribución tradicional y las nuevas formas de consumo online. Ahora, sin embargo, se muestra más taxativo: “Creo que la discusión entre Netflix, y todas las plataformas en general, con las salas debería haber terminado”, continuaba, “Creo que esos tipos, plataformas y cines, deberían ir juntos y darse cuenta de que esta discusión está perjudicando al cine. Juntos pueden elevar al cine, y más importante, aportar diversidad. Porque debemos ser muy conscientes de que la experiencia en cines se ha gentrificado y se ha centrado en un tipo específico de producto”, dijo.

Cuarón se alzó con los galardones de Mejor Dirección y Mejor Película Extranjera. La única nominación que se le escapó fue la del premio a Mejor Guión, que fue a parar a las manos de Peter Farrelly, Nick Vallelonga, y Brian Hayes Currie por Green Book.

Roma se convierte así en la segunda película mexicana en la historia de los premios en llevarse el premio en esta categoría tras Tizoc (Amor Indio), en 1958. Además, Cuarón repite victoria como mejor director después de ganar el mismo globo por Gravity.

El comienzo de Roma es una declaración de intenciones desde el punto de vista visual. Arranca con un plano cenital sobre unas losas en forma de rombo, desgastadas e imperfectas. Sobre ellas, se ve una corriente de agua agitándose como si fueran las olas del mar mientras que, sobre su reflejo, aparece un avión que en ese momento surca el cielo de México. Parece la libertad, pero en realidad es el agua del cubo de la fregona de Cleo.

La última película de Alfonso Cuarón ha conquistado a la crítica y público desde que se pudo ver en el pasado Festival de Venecia, donde ganó el León de Oro a Mejor Película. Las buenas sensaciones (al menos para la mayoría) fueron confirmadas con su estreno en Netflix del pasado 14 de diciembre, que además ha servido para reabrir el debate en torno al panorama de la distribución del séptimo arte.

Pero, independientemente de si estamos ante la “obra maestra” a la que medios como New York Times apuntan, las alabanzas de la cinta también se dirigen a otro apartado más allá del narrativo: el fotográfico. El encargado de obras como Gravity, Hijos de los hombres o Y tu mamá ha utilizado el blanco y negro para hablar de un México carente de color, uno en el que diferentes tipos de desigualdades ya sean sociales, raciales o de género, están presentes.

La imagen sirve como conductor de un relato bañado de nostalgia que en realidad denuncia elementos aún de actualidad, y justo eso es lo que la convierte en fundamental. Por ello, la Casa de México (Madrid) acoge del 7 al 14 de enero una exposición con imágenes sobre la película con la que ofrece un curioso punto de vista: escenas en movimiento ahora se transforman en estáticas

Las doce fotografías y tres abstractos que componen la muestra fueron realizados por el fotógrafo mexicano Carlos Somonte, que captó los momentos más íntimos detrás de las cámaras, pero también ha sido revisada por el propio Cuarón. Y, aunque pudiera parecer extraño ver una exposición sobre una película (como también podría parecerlo ver cine en el sofá de casa), esta funciona a la perfección como ente complementario del relato audiovisual.

Si el cine son 24 fotogramas por segundo y Roma posee una duración de 135 minutos, podríamos afirmar que tiene 194.400 imágenes sobre las que detenerse y reflexionar, ya sea sobre su mensaje o sobre su magia compositiva. Porque, aunque en un principio el encargado de la fotografía iba a ser Emmanuel Lubezki (Birdman, Gravity, El renacido), al final ha sido Cuarón el responsable del tridente de la dirección, el guion y la imagen.

“No quería una película que pareciera vintage, que se viera vieja. Quería hacer una película moderna que mirara hacia el pasado”, afirmó el cineasta en una entrevista con la página de cine IndieWire. Es esa la razón por la que, incluso optando por el monocromo, decidió utilizar la calidad digital de 6.5K (6.560 x 3.102 píxeles) que ofrece una cámara como la Arri Alexa 65.

Además de la resolución, el dispositivo también cuenta con un gran rango dinámico que sirve para apreciar toda la gama tonal de grises entre el punto más blanco y el negro absoluto. Es, precisamente, lo que distinguió a fotógrafos míticos de la era monocromática como Ansel Adams, reconocido por una técnica de exposición que ampliaba notablemente la riqueza visible de sus paisajes.

Sin entrar en spoilers, se podría decir que una de las escenas más potentes de Roma se sitúa a final, en un espacio abierto. Sin embargo, aunque como espectadores podríamos pensar que fue la más difícil de rodar, la verdadera complejidad se encuentra en momentos a priori menos llamativos. “Lo más complicado fue hacer cosas simples, como un movimiento circular dentro de la casa. Cuando Cleo apaga las luces tenemos 45 tomas diferentes con la cámara, ya que esta no puede estar en un único lugar”, explica el director en la entrevista sobre la dificultad de grabar en espacios pequeños.

Son instantes, fragmentos de la totalidad de un discurso sobre la clase más desfavorecida de México que adquieren valor a través de miradas reveladoras como la de Cleo. Y, por eso, nunca está de más dar al pause para apreciar la majestuosidad fotográfica en todo su esplendor.

Un año en la vida de cualquier persona no tiene que empezar el 1 de enero. Puede empezar, por ejemplo, mientras limpia las baldosas del patio en la casa en la que está empleada. Agua que se desagua y refleja el mundo. Y ese año puede terminar otro día diferente al 31 de diciembre, frente al mar, mientras te abrazan los seres humanos a los que más quieres. En manos de Alfonso Cuarón, ese ciclo se convierte en un homenaje casi enteramente visual, en blanco y negro, a las mujeres que marcaron su infancia en la colonia Roma de México D.F. al inicio de la década de los 70 del siglo pasado.

Uno de los grandes maestros del plano-secuencia del cine contemporáneo ha decidido abandonar la épica de su viajes distópicos y espaciales para atar a su cámara sus recuerdos infantiles. Una nostalgia que es tan íntima como comprensible para el espectador, porque hipnotiza los sentidos en cada imagen para participar en el drama de las mujeres luchadoras que marcaron su niñez, especialmente en la historia de una de las trabajadoras domésticas de su casa. Yalitza Aparicio interpreta a esta última, a Cleo, de forma tan sencilla que no se adivina a la actriz (es profesora de preescolar). Solo a una joven perdida en la inocencia de su juventud.

Cine al servicio de la forma

Cleo es el eje rotatorio de un relato que no tiene nada de original, pero sí de conmovedor. ‘Roma’ es el ejemplo del cine puesto al servicio de la forma, un ejercicio de estilo tremendamente complejo al que deberían someterse todos los que algún día quieran ponerse detrás de una cámara. La anti-revolución estética. El clasicismo arropado por las nuevas tecnologías. La complejidad de la ambientación más cotidiana.

El contenido queda así relegado a una historia muy simple, que incluso olvidamos en algunos momentos del metraje porque estamos subiendo al escenario de unos suburbios, a unas revueltas sociales, a una clase magistral de artes marciales, a un paritorio infernal o a un baño en el mar donde nos ahogamos de impotencia. Sus fabulosos planos y movimientos recuerdan otras ‘romas’ de Fellini, nos contagian otra nostalgia diferente a la de Cuarón: la necesidad de un tipo de cine naturalista, preelaborado hasta el infinito, pero presentado como con un realismo sin límites.

Por si fuera poco, es un auténtico placer investigar sobre una banda sonora que refleja la diversidad musical setentera de aquellos años en México, desde el rock hasta los ritmos tropicales y el pop nacional. Suenan algunos 'hits' muy conocidos en España como ‘La nave del olvido’ de José José, ‘Cuando me enamoro’ de Angélica María o ‘Más bonita que ninguna' de la española Rocío Dúrcal, que fue todo un fenómeno en México. Aparecen en radio o en vinilos, con un sonido rasgado y transparente, tímidamente tarareadas por Cleo.

La nueva película de Cuarón, ganadora del Festival de Venecia, favorita para la categoría de habla no inglesa de los próximos Oscar y arropada inmensamente por la crítica (parece que no tanto por el público), es una aventura dolorosa y tierna. Está repleta de simbología y guiños al propio cine, y sobre todo y más importante, es un llamamiento a un tipo de amor, aquel que sale a la primera capa de tristeza. Cuando más necesario es.

Roma, la película del mexicano Alfonso Cuarón, que se hizo con el León de Oro en la pasada Mostra de Venecia y que va lanzada a por el Oscar a la Mejor Película [al menos Extranjera], ha concitado también el apoyo de los casi 100 votantes del topKinótico, la votación de las mejores película del año que cada año convoca Kinótico, el podcast de cine y series de elDiario.es. Ha sido la película que ha centrado la gran polémica en Netflix y el Festival de Cannes, pero también entre Netflix y los exhibidores españoles, que han mostrado la película en la gran pantalla de forma muy limitada.

La dirección de Kinótico ha pedido a casi 100 periodistas de cine y críticos [24 de ellos internacionales, de países como Reino Unido, Alemania, Finlandia o Japón], que envíen una lista de sus 10 películas preferidas de 2018, ordenadas del 1 al 10. Ese orden se ha convertido en una puntuación de 10, 9, 8 puntos, y así sucesivamente. Eso ha dado como resultado una lista de 188 películas, las que han recibido puntuación. En la votación, los informadores podían incluir largometrajes estrenados comercialmente en 2018 [cines, Internet, televisión, formato físico] o estrenados en festivales durante el ultimo año. A continuación, la lista.

No hay apenas premios este año por los que Roma, la última película del director mexicano Alfonso Cuarón, no haya pasado. Tras ganar el León de Oro en el Festival de Venecia, ha estado en los Spirit, BIFA, Gotham, Satellite y ahora también opta a tres Globos de Oro y al Goya a Mejor película iberoamericana. El  Círculo de Críticos de Nueva York, la National Board of Review y el American Film Institute la han reconocido como una de las mejores películas del año. Y, como no podía ser de otra manera, se postula como una de las favoritas de los Oscar. Pero la produce Netflix.

¿Qué significa esto? Que su estreno en la plataforma limita las posibilidades de su paso por las salas de cine. La mayoría de exhibidores han decidido no proyectarla ante la inamovible fecha de llegada al catálogo de todo aquél que tenga cuenta en Netflix. Así pasó con otras películas de la compañía de Reed Hastings como Okja, La balada de Buster Scruggs o Aniquilación.

Y sin embargo, este es el caso que más debate ha generado en los últimos tiempos debido a la envergadura que la película ha ido cogiendo de cara a los Oscar. Mientras cadenas como CINESA se han pronunciado sobre el fenómeno, aludiendo que únicamente reproducen “películas que cumplen con el período de exclusividad teatral”, Ted Sarandos, director de contenido del gigante del VOD, no ha dudado en asegurar que los exhibidores “viven anclados en el pasado”.

Entre unos y otros, cinco cines españoles han decidido proyectarla. La película se puede ver en los cines Verdi de Madrid y Barcelona, y en el Cine Albéniz de Málaga. Cinco de las 3.618 salas que habitan el panorama patrio. ¿Qué está pasando con Roma? ¿Qué significa la última película de Alfonso Cuarón para la industria del cine actual?

Hija de una industria en plena ebullición

En nuestro país, la distribución cinematográfica sigue un sistema de 'ventanas' que marca los tempos de explotación de un producto. Un film se ve primero en cines, luego en dvd y otros formatos domésticos, luego en alquiler digital -en plataformas como iTunes-, y en última instancia en streaming o suscripción -en Netflix, HBO y otros tantos-.

Según este sistema, para que una película pueda verse en cines su estreno debe ser exclusivo durante un tiempo determinado. Es decir que para que Roma  hubiese sido exhibida como cualquiera de los tantos títulos que se estrenan cada viernes, tenía que permanecer un tiempo -que suele fijarse alrededor de los tres o cuatro meses-, pudiendo verse únicamente en cines. Sin embargo, Netflix la estrena el día 14 de diciembre. Y esta fecha no se ha movido en el calendario de nadie: todo aquel que esté suscrito, podrá verla tranquilamente en su casa ese día.

De ahí que la mayoría de exhibidores españoles se hayan negado a proyectarla: la película de Cuarón no iba a estar ni dos ni tres meses en barbecho en las salas, sino apenas unas semanas antes de poder verse en los salones de medio país.

Pero cinco salas españolas se han atrevido a saltarse las normas no escritas y se han llenado durante días. Aunque desde Espectarama, la empresa gestora de los cines Verdi, han afirmado a este periódico que, “no estamos autorizados a hablar con prensa sobre Roma”, y tampoco hayan trascendido datos de espectadores, sólo había que acercarse a las salas de Madrid y Barcelona para ver el nivel de expectación. Había que pelearse para conseguir entradas, y las salas estaban hasta los topes. Un fenómeno cada vez menos común en nuestros días.

Roma  podría verse como una película sin más, pero la realidad de su estreno se ha significado -se diría que a su pesar-, como un símbolo de una industria en pie de guerra contra sí misma. Netflix y otras plataformas están cambiando el panorama de la distribución a nivel mundial. Su última producción podría ser el próximo Oscar, sin ir más lejos. Pero los exhibidores aún no se han adaptado del todo a este nuevo panorama.

“Las salas de cine tienen que hacer frente a altos costes fijos que, a medida que ha bajado el consumo, les ha abocado a buscar fórmulas creativas. La mayoría, como es natural, prefieren tomar medidas más estructurales y defender sus ventanas de exclusividad puede ser una de ellas”, describe a eldiario.es Enrique Lozano, coordinador del Máster en distribución audiovisual de la ECAM. “Los exhibidores están acostumbrados a lidiar con grandes 'enemigos' como el sol o el fútbol. Pero las OTT son un actor muy reciente en el mercado y, aunque los cines propongan acciones de este tipo [el veto], es muy normal acogerlas con recelo. Mi opinión personal es que no podemos detener la realidad del consumo audiovisual ni del ocio. Solo sobrevivirán los que se adapten al nuevo entorno. Así que en este caso, y hablo sin conocer los detalles con precisión, estoy de acuerdo con la postura de los Verdi”, explica el profesor universitario.

“En las luchas entre grandes, siempre pierde el pequeño. En este caso, el espectador”, cuenta Eneko Gutiérrez, productor audiovisual y profesor del Master en Film Business de la ESCAC. “La decisión de CINESA es totalmente legítima, del mismo modo que lo es la alegría del publicista de Netflix que ve como se alimenta el hype de su película a costa de las decisiones de otros”, explica el profesional.

Así las cosas, no parece descabellado que el fenómeno la convierta en la primera película de una plataforma de streaming en ganar un Oscar a Mejor Película. Pero será uno que en este país se habrá podido ver en muy pocos cines. La mayoría de espectadores la descubrirán en sus casas o en sus dispositivos móviles. Porque Roma es hija del signo de sus tiempos, mucho más que Green Book, Ha nacido una estrella, El vicio del poder y tantas otras películas bien posicionadas en esta temporada de premios que ahora iniciamos.

Cine lejos de las salas de cine

Las ventanas de distribución, así como los ritmos de exhibición son “el pasado”, según Enrique Lozano. “Siguen existiendo pero el valor que percibe el cliente nunca puede ser solo ése, porque entonces todo se reduce a tasar el tiempo que el espectador está dispuesto a esperar”, cuestiona. “La clave siempre ha estado en la experiencia de usuario. Antes se iba al cine con los amigos. Era el plan de ese día y era una experiencia muy grata. Ahora hay salas -en Madrid, al menos- haciendo cosas muy diferentes y ofreciendo servicios innovadores”, cuenta sobre cómo las salas de cine resisten el embate de los nuevos consumos audiovisuales.

Según él, “Netflix no produce cine ni televisión. Es mucho más. Netflix crea eventos y lo hace magníficamente. Es una empresa con un enorme componente de analítica de datos en su toma de decisiones. Nada está al azar”, explica.

El prestigio que la plataforma de streaming  gana con una película que triunfa en todos los festivales -menos en Cannes-, no es azaroso ni mucho menos. Aunque sí difícil de cuantificar. De la misma forma que resulta complejo medir lo que gana el gigante del VOD produciendo y estrenando películas que se creían perdidas como Al otro lado del viento de Orson Welles. Pero se percibe, eso sí, que está invirtiendo en términos de prestigio de marca: ahora también puede ser vista como la empresa que recupera cine clásico y proyectos perdidos del Hollywood.

Y sin embargo, en última instancia, hablamos de cine que no se ve en cines. Películas como Bright, Aniquilación, Okja o La balada de Buster Scruggs -nada menos que la última película de los hermanos Coen-, no se han podido ver en salas. Y no hay mayor problema con eso más allá de herir la sensibilidad del espectador romántico. Pero Roma  sí se ha podido ver, aunque fuere en poquísimas salas: es una excepción y de ahí su relevancia. Podría haber abierto una puerta en el complejo panorama de la distribución actual. Y recordemos que Netflix es la productora de The Irishman, la nueva película de Martin Scorsese con Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci y Harvey Keitel. Y también del Pinocho de Guillermo del Toro. 

Hace unos días, sin ir más lejos, este último fue preguntado en Kinótico acerca de si le daba miedo que su película no fuera a verse en salas de cine. “Más miedo me da no hacerla”, confesaba el realizador en la entrevista.

“Cuando explico en mis clases las ventanas de distribución siempre intento hacer ver a los alumnos que cada una de ellas supone una posible vía de financiación de la película”, cuenta Eneko Gutiérrez. “Los que hacemos cine muy raras veces contamos con la financiación anticipada necesaria para producir películas y debemos salir 'afuera' a vender nuestro proyecto. Las películas se prevenden en la televisión en abierto, en televisión de pago, e incluso con suerte, las distribuidoras (Sony, Warner, Acontracorriente, etc.) adelantan parte del coste que tiene lanzar una película”, describe el profesor de la ESCAC y productor de cine y series. “Cuando termino de explicar esto, los alumnos suelen preguntar siempre: ¿y los cines compran también las películas? Es una lástima, pero hoy en día la taquilla no está ayudando a que se produzcan películas. Como mucho, la taquilla sanea el balance. Por lo tanto es lógico pensar en un nuevo orden que permita producir las películas que el público demanda”, sentencia.

Netflix está invirtiendo en el cine de mañana. Está produciendo proyectos que llevaban años estancados, proyectando la imagen de que dedica recursos a ideas que los grandes estudios no se atrevían a realizar. Casi una década le ha costado a del Toro encontrar financiación para su Pinocho, después de haber llamado a las puertas de todos y cada uno de los estudios de Hollywood. Y es difícil pensar en un estudio clásico que hubiese apostado por lo que propone la película de Cuarón. Así que puede que el cine de hoy ya no se vea en el cine, y puede que esto no tenga nada de malo. Pero gracias al ejemplo de Roma, podría haber una luz al final del túnel.

Una mirada personal a la historia de México

Y todo esto, al margen de una consideración fundamental: Roma es una película excelente. La nueva obra de Alfonso Cuarón ha hecho historia porque se significa como ejemplo perfecto de una industra que está cambiando delante de nuestros ojos. Pero es que, además, resulta ser la mejor película de su realizador y una de las obras más bellas y significativas del año.

Con este film, el mexicano parece haber ha encontrado el equilibrio perfecto entre su faceta de experimentador formal y su discurso narrativo en torno a los temas que han marcado a fuego su cine.

El montaje y la utilización expresiva del plano secuencia de Hijos de los hombres, el control absoluto de los elementos que componen cada plano de Gravity, o las metáforas visuales que habitaban el particular universo de Harry Potter y el prisionero de Azkabán, habitan en Roma. Pero también conviven en ella la reflexión sobre las clases sociales y su influencia en las relaciones emocionales de Y tu mamá también, y el clasicismo cinéfilo de La princesita o Grandes esperanzas.

Aún así, de todas las películas que son Roma puede que la más trascendental resulte ser la más inesperada: la lectura política de la historia de su país que Cuarón realiza a través de los ojos de Cleo -Yalitza Aparicio-, una joven sirvienta de una familia del barrio que bautiza el film.

A través del viaje interior de una joven sin voz ni voto en su entorno, representación de la obliteración consciente de la mujer en una sociedad profundamente patriarcal, asistimos a un bellísimo retrato social del México de los años setenta. Uno en el que hombres ausentes y mujeres valientes dejaron una profunda huella en una generación que hoy, por casualidades del destino, podría estar dedicándose a hacer cine.

01:30.- Análisis de 'ROMA', de Alfonso Cuarón

13:20.- 'The favourite', lo nuevo de Yorgos Lanthimos

17:15.- Los ecos de la 'Suspiria' de Guadagnino

23:10.- 'A star is born' y la actuación de Lady Gaga

27:50.- Otras películas de Venezia 75. El panel sobre el futuro del cine y las reflexiones de David Cronenberg

38:05.- Entrevista con Blanca Suárez

Gravity

Dirección: Alfonso Cuarón.

Intérpretes: Sandra Bullock, George Clooney.

Género: ciencia ficción. EE UU, 2013.

Duración: 90 minutos.

‘Gravity’ es una película con voluntad de convertirse en un hito revolucionario en el ámbito de la ciencia-ficción cinematográfica y su mayor virtud es mostrar al espectador el espacio exterior de un modo técnicamente superior a cintas precedentes.

El film comienza sobre la atmósfera de la Tierra, donde orbita la lanzadera Shuttle Explorer. La astronauta especialista Ryan Stone (Sandra Bullock), unida a un brazo robótico, está instalando un nuevo sistema de escaneado en el telescopio Hubble. El obvio malestar de la doctora Stone en la gravedad cero contrasta claramente con la aparente soltura del comandante de la misión, Matt Kowalski. En su último viaje al espacio, Kowalski (George Clooney), disfruta probando la solidez de una nueva mochila cohete que le deja volar sin las restricciones de las fijaciones habituales.

En el otro lado del planeta, la demolición intencionada de un satélite obsoleto ha hecho que algunos fragmentos afilados salgan volando por el espacio, provocando una reacción en cadena que pone el campo de escombros, que crece rápidamente, en trayectoria de colisión con la Explorer. El ineludible impacto es catastrófico, destroza la lanzadera y deja a Stone y Kowalski como únicos supervivientes. Toda comunicación con el Control de la Misión se ha perdido. También cualquier posibilidad de rescate. A la deriva en el vacío, los dos deben encontrar la manera de ver más allá de sus limitaciones y escapar de su inercia para tener alguna oportunidad de volver a la Tierra.

‘Gravity’ está dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón cuya anterior película fue la perturbadora historia futurista ‘Hijos de los hombres’, en la que desplegaba un notable poderío técnico al servicio de un sugerente argumento. Antes de esa cinta, realizó con gran éxito de público la tercera entrega de la saga del legendario mago de Hogwarts en ‘Harry Potter y el prisionero de Azkaban’. Aunque su segunda película en Hollywood fuese una moderna adaptación de ‘Grandes esperanzas’ de Dickens con un estelar reparto de la categoría de Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow y Robert De Niro; Cuarón se dio a conocer y obtuvo prestigio con la personal ‘Y tu mamá también’, que protagonizaron Gael García Bernal, Diego Luna y Maribel Verdú. Las obras de Alfonso Cuarón se caracterizan por un potente esplendor a nivel formal y cuando tiene entre manos un material jugoso el resultado es sobresaliente. Su habitual mimo a los aspectos técnicos de la narrativa cinematográfica alcanza en ‘Gravity’ un grado de maestría llamado a ser referente en los años venideros pues para la consecución de las imágenes que la componen se han creado sorprendentes herramientas específicas. El guión está escrito por el propio director y su hijo Jonás. Lamentablemente es el elemento menos cuidado y más vulgar de la refinada pieza de orfebrería audiovisual que es ‘Gravity’ en el plano estilístico. Si bien el comienzo del relato es prometedor, original e interesante, a partir de ahí la película se mueve en círculos repletos de recursos sobados en el género que, salvo en una ocasión, destierran la sorpresa del libreto y desde ese momento la fuerza de la película se limita a las deslumbrantes postales espaciales que incluye el film. El conflicto externo que afronta el personaje de Sandra Bullock actúa como metáfora del interno que tiene toda persona que debe superar una fuerte adversidad vital para seguir adelante pero el desarrollo de la historia no la arropa lo necesario como para dotarla de atractivo. Más prosaicamente, por si no existiesen variados temas con potencial de generar preocupación, la historia nos “regala” uno más: el peligro de la basura espacial que flota sobre nuestras cabezas.

Al no existir el sonido en el espacio, dejando a un lado los diálogos y monólogos que tienen lugar en la cinta; la música adopta la función de banda sonora referida más al marcaje de los sonidos que se escucharían de no darse tal circunstancia. El trabajo en esas áreas debe ser merecedor de intensa admiración hacia sus responsables, así como el resto de departamentos técnicos, destacando de forma espectacular el director de fotografía Emmanuel Lubezki y su equipo, por su contribuir a materializar unas imágenes nunca vistas, tan sólo soñadas. George Clooney da vida a un personaje secundario que es resuelto con su acostumbrada destreza y Sandra Bullock se enfrenta a un desafiante papel que afronta con grandes dosis de entrega.

En definitiva, ‘Gravity’ es un impactante híbrido de acción real, animación e imágenes generadas por ordenador, con escenarios, fondos e incluso trajes representados digitalmente; una maravilla técnica. Pero en este caso, el complicado equilibrio en toda expresión artística entre forma y fondo, se inclina claramente a favor de la forma dejando sin peso a un rutinario y perezoso fondo. Existen en el film repetidas referencias a “una historia que dejará a todos alucinados” pero no termina de llegar en forma de historia hechizante. ‘Gravity’ es como si un avión reactor albergarse un motor de bicicleta eléctrica.