Benedict Cumberbatch ha acudido este año a Sitges con una doble misión. Por un lado, recoger el premio del Festival de Cine Fantástico llamado 'La Máquina del Tiempo', un reconocimiento a actores, directores, personalidades cinematográficas o instituciones con una carrera prolífica y que han tenido, además, una relación especial con el festival. Un premio que Sitges estrenó en 1992 con Sam Raimi, realizador que le dirigió en la cinta Doctor Strange: el universo de la locura. En este sentido, ha reivindicado en conversación con elDiario.es el papel del cine de terror y fantasía como un estilo cada vez más presente en la industria cinematográfica.

Para este intérprete, que ha dado vida tanto a científicos como Alan Turing o Stephen Hawking como a Sherlock Holmes, o superhéroes como el Doctor Strange, no hay una línea divisoria entre el cine fantástico y el resto. “Creo que nunca hay un momento en el que, quienes realmente canalizan lo que quieren hacer creativa y artísticamente, sientan que están haciendo algo que no es real y que pasa a lo metafórico y fantástico”, dice. “Simplemente se centran en su trabajo y luego el espíritu del proyecto les lleva a adoptar el género más adecuado para concretar la película, ya sea en el ámbito del terror, la comedia, la música o lo que sea”.

“A la gente le gusta la emoción, la aventura, el susto, los ganchos narrativos, lo inesperado”, prosigue y agrega: “Les hace sentir vivos, aunque a menudo se esté hablando de la muerte. Somos humanos frágiles, vulnerables y de corta duración”, añade para explicar que “queremos mirar al límite, al lado oscuro, y apreciarlo, y para eso el terror es un vehículo maravilloso, ya que juega con esos miedos y esas realidades que todos tenemos”.

Pero Cumberbatch, que recientemente se ha distinguido por su compromiso político al colaborar con el concierto multitudinario Together for Palestine contra el genocidio en Palestina, a pesar de que no ha querido efectuar declaraciones al respecto, sí ha dicho que en su opinión, “el terror es una buena manera de hacer cine político, porque habla del miedo al diferente”. “Cuando tú miras a Frankenstein o cualquier otro monstruo, te aterras porque ves a alguien diferente, a quien temes de un modo irracional, y es algo que nos puede llevar a reflexionar sobre las razones y las sinrazones que nos llevan al rechazo del otro sin aproximarnos a su realidad”, ha apostillado en referencia al creciente rechazo a la diversidad que emerge hoy en día en la sociedad occidental.

En defensa de 'Esa cosa con alas'

El segundo objetivo de la visita de Benedict Cumberbatch a Sitges era presentar y defender la película Esa cosa con alas, una alegoría sobre el dolor y el duelo por la muerte de la persona amada que llega a las salas el 31 de octubre y en la que terror y poesía se entremezclan en la figura de un enorme cuervo que acosa a un joven padre viudo que debe encargarse del cuidado de su dos hijos menores.

Cumberbatch, que ha apadrinado el proyecto, ha insistido en numerosas ocasiones durante la conversación en el reto que ha supuesto la adaptación de la historia desde su formato original, un libro entre poético y juvenil –El duelo es esa cosa con alas (Random House, 2023), escrito por Max Porter y que tuvo un gran éxito de crítica y público–, para poder llevarlo a la gran pantalla, no sin antes pasar por la radical adaptación que el dramaturgo irlandés Enda Walsh realizó, para lucimiento teatral de Cillian Murphy en el doble papel de viudo y cuervo a la vez.

“Leí el libro poco después de su publicación y me impresionó mucho”, explica Cumberbatch. “Recuerdo que se lo envié a todos mis conocidos que estuvieran pasando por esa etapa de la vida, de duelo o no, en la que has perdido a un ser querido”, insiste. Asegura que lo que le impresionó del texto de Porter “es el modo de adentrarse en una versión del duelo masculino que en nuestra cultura no tiene un gran registro ni aceptación entre los rituales para los hombres: me refiero a la liberación de esos sentimientos de vulnerabilidad y caos que en teoría no debemos mostrar”.

“Luego vi la extraordinaria actuación de Cillian y fue maravillosa, pero era muy diferente del libro, y los chicos [los dos niños son fundamentales en la cinta como termómetro del proceso de recuperación del padre] no estaban tan presentes”, añade para justificar que cuando recibió la propuesta de Southern de interpretar al padre, le pareció a priori una adaptación demasiado compleja: “La cuestión es que, cuando recibí el guion, pensé: 'No sé si debería hacer esto, y no sé si hay otra forma de hacerlo'”.

El duelo masculino no tiene una gran aceptación entre los rituales para los hombres: la liberación de esos sentimientos de vulnerabilidad y caos que en teoría no debemos mostrar

Benedict Cumberbatch — Actor

Pero tras leer la propuesta del director y comprobar que esta regresaba al formato original y no a la adaptación teatral de Walsh, decidió aceptar. Aquello fue el principio de una amistad, cuenta, que le llevó a implicarse en el proyecto más allá de sus labores actorales: “Desde el primer encuentro tuvimos conversaciones fantásticas sobre todo menos sobre el guion: sobre la vida, la cultura, la historia o el trabajo, conversaciones que alimentaron nuestra comprensión mutua, nuestra confianza y una amistad que se convirtió en algo muy creativo y colaborativo”. Destaca de Southern su habilidad para tejer el entramado dramático de la cinta “aunque nunca antes había dirigido actores en una narrativa de ficción de larga duración”.

El reto de interpretar el dolor

“He interpretado a muchas personas normales a lo largo de mi carrera”, protesta cuando se le argumenta que en Esa cosa con alas por primera vez recrea a una persona normal, anónima que no es ni un superhéroe ni un científico ni un detective de leyenda, todos ellos personajes tan brillantes como complejos y atormentados. Asegura que el asumir el papel del joven dibujante de cómic que enviuda joven “fue un placer”. “Me gusta que mi trabajo sea variado”, comenta. “Si miras el catálogo anterior de mis papeles, verás que hay tanto gente normal como personajes extremos o fantásticos en lugares como los que se celebran en este festival”, insiste y finalmente se reivindica como “un hombre de mediana edad con hijos que sabe lo que es vivir en un piso en Londres”, en referencia al protagonista de la película.

Aun así, reconoce el reto que es “crear una comprensión lo suficientemente sólida de la historia y el personaje”, ya que interpreta “a un hombre en una situación muy extrema, y la metáfora misma del cuervo enorme y violento habla de lo extremo que es su dolor”. “Así que sí: fue un desafío, pero también una alegría para mí”, remacha. Seguidamente, apunta que “el duelo es un estado que es difícil de actuar”, porque implica una tensión física peculiar cuando se construye de forma ficticia si se quiere tener credibilidad. “De lo contrario, no es auténtico para el personaje ni para la historia”, concluye.

Y para cerrar la entrevista describe el proceso de creación del personaje que realizó: “No podía pensar en mi esposa para desarrollar la idea del duelo porque yo no la he perdido, así que tuve que construirme una idea ficticia sobre una persona amada a la que doté de vida en común, anécdotas, recuerdos, sensaciones cuando fuimos padres... y luego borrar a esa persona y en base a todo ello, sentir esa pérdida”. Y explica que logró de este modo elaborar un duelo ficticio que le ayudó a desarrollar la desesperación y el llanto que despliega magistralmente en las escenas más conmovedoras de Esa cosa con alas.

En junio de 2016, 17 millones de ciudadanos británicos votaron a favor de abandonar la Unión Europea. Un referéndum que provocó, y sigue provocando, un terremoto con muy pocos precedentes en la política británica. Dos años después, la primera ministra Theresa May sigue aplazando la votación definitiva en el Parlamento sobre el acuerdo del Brexit alcanzado entre el Gobierno británico y Bruselas, enfrentándose a sus propias filas en mociones de confianza, a sus rivales en mociones de censura, y buscando apoyos europeos para salvar a su Gobierno de la crisis que vive.

Hay acontecimientos históricos que, de tan cercanos a nosotros en el tiempo, nos cuesta imaginar en una película. Es algo demasiado real, demasiado propio del telediario como para visualizarlo en cines. De ahí que cuando un realizador o realizadora se atreve a hacerlo, se le exija que lo haga con pies de plomo. La distancia para con los hechos es esencial para crear una ficción creíble.

Por eso no se puede por menos que aplaudir la audacia de Toby Haynes al abordar algo de tanta actualidad como el Brexit, en un drama político narrado con el ritmo del thriller moderno. Que haga reflexionar desde la ficción sobre las causas y el origen del estado actual del Reino Unido. Y que lo haga a lo grande con HBO y un actor tan en boga como Benedict Cumberbatch como aliados. Aunque, en el fondo, la película aporte más bien poco al debate.

Una campaña para tiempos de desinformación

“Conspiración, pólvora y traición”, recita Dominic Cummings, Benedict Cumberbatch en Brexit. Alude así a la conspiración de la pólvora, el complot para matar al rey Jacobo I y a gran parte de la aristocracia protestante británica del XVI ideada, entre otros, por Guy Fawkes. Aquel que hiciesen célebre las hermanas Wachowski en su adaptación del cómic de Alan Moore, V de Vendetta.

Cummings declama las célebres palabras desde un trastero situado en las oficinas en las que está a punto de iniciar una campaña para que la ciudadanía vote a a favor de que el Reino Unido abandone la Unión Europea. Así, la película de Toby Haynes deja claro uno de sus objetivos: probar que las campañas políticas siguen siendo claves para los posibles futuros de un país. Y que los complots, las confabulaciones de carácter social entre gente poderosa o no, ya no se rigen por las mismas normas que lo hacían cuando Guy Fawkes intentó volar la Casa del Parlamento. Vivimos en una sociedad sobreinformada y mediada por las redes sociales. Una que el protagonista de este relato quiere hackear.

Toby Haynes sigue los pasos de Cummings en la concepción y desarrollo de la campaña del Vote Leave  en las semanas anteriores al referéndum (actualmente, por cierto, condenada por violar la ley electoral). Y lo hace con una intensidad que viene siendo habitual en su trayectoria. El realizador de episodios como USS Callister de Black Mirror  o el gran The Reichenbach Fall  de Sherlock, se muestra hábil en las formas. Su historia funciona como aluvión de giros que tantean el tono del drama político y el de la comedia sofisticada con la misma destreza.

Su salto al largometraje no se resiente pues en términos de ritmo, sino de profundidad. Brexit aborda sin remilgos temas muy complejos, pero cuando estos parecen estar apuntando hacia algún discurso, los obvia en pos de otros nuevos y aparentemente más estimulantes.

Las luchas de poder entre unionistas y euroescépticos, la intelectualización del argumentario laborista, la intrusión fundamental de las nuevas tecnologías y el Big Data en campaña, el hastío generacional del británico medio... Haynes parece aburrirse de cada juguete argumental que tiene en sus manos y va pasando de uno a otro sin meditar sobre ninguno.

Y esto, que ya resulta frustrante per se  en cualquier film, se torna más grave cuando la propia película aborda con descaro los flecos de la sociedad sobreinformada. “En una era asediada por la desinformación, era deber de los creadores de este drama sobre el referéndum no sumarse al caos. Pero no, no tuvieron éxito”, decía la escritora y columnista Lucy Mangan en su crítica de la película publicada en The Guardian.

No ayuda a comprender el conjunto la actuación de Cumberbatch. No por su falta de esfuerzo, sino por una sensación de Déjà vu algo desalentadora. El actor británico encarna a Dominic Cummings igual que a Sherlock Holmes, a Alan Turing o a Julian Assange. Genial, arrogante, débil, arrebatado...

Nueva contra vieja política

A pesar de su mareante hiperactividad, Brexit  acierta en plantear un debate de fondo: que la victoria de la salida de la Unión Europea en el referéndum que hizo dimitir a David Cameron fue, esencialmente, una victoria de nuevas formas de hacer política. Una idea con la que se podrá estar más o menos de acuerdo, pero que Haynes aborda con claridad.

Películas como No, de Pablo Larraín, narraban una campaña política como fue el plebiscito chileno de 1988 que acabó con la dictadura de Pinochet, desde la audacia visual pero sobre todo, desde la pericia de su estudio de la utopía: ese sentimiento que tanto cuesta empacar con un buen lema. Sin embargo, en Brexit, Haynes y el guionista James Graham deciden apuntar en dirección contraria para analizar cómo la campaña de Vote Leave fue, realmente, mercadeo del descontento.

Sentimiento que se contagió como la pólvora gracias al papel de las redes sociales. Como menciona la propia película, Dominic Cummings fue capaz de colocar mil millones de anuncios mediante publicidad dirigida, exclusiva para cada usuario, con datos obtenidos por AggregateIQ en los días previos al referéndum. Cada muro de Facebook y cada tuit les dijo que estar en la Unión Europea les costaba 350 millones de libras a los contribuyentes.

Arron Banks -hombre de negocios y gran benefactor del UIKP, partido de derechas pro-abandono de la UE-, admitió que su web leave.eu  también contrató a una empresa de datos especializada en el enfoque selectivo de votantes: Cambridge Analytica. Después del referéndum negaba haberlos contratado.

Y detrás, tanto de AggregateIQ como de Cambridge Analytica está el empresario multimillonario Robert Mercer, que después se convirtió en uno de los donantes más importantes de la campaña electoral de Donald Trump.

El año pasado, la comisión electoral halló culpable a la campaña Vote Leave de vulnerar la ley, y los responsables deberán pagar una multa de 70.000 euros. Posteriormente, la web leave.eu  fue llevada ante la agencia nacional del crimen para investigar posibles vulneraciones de la ley electoral. Pero esos mil millones de anuncios ya habían calado. Y quienes realizaron la campaña por la permanencia en la EU ni los vieron venir.

De alguna manera, Haynes plantea con Brexit  un Black Mirror  muy real. Uno en el que el votante es más vulnerable a la manipulación que nunca. También la misma capacidad de decisión que se le espera. Pero no tiene forma de cribar verdades, de encontrar certezas y de decidir con objetividad. Y eso da mucho más miedo que cualquier pesadilla de Charlie Brooker.

Una de las series de la temporada pasada confiaba, sin reservas, su poder de convicción a una toma de conciencia del tipo de trama que era. Westworld ofrecía a sus espectadores una progresiva evidencia de sus trampas argumentales y de sus verdaderas intenciones para, al final, revelarse como una de la ficciones más interesantes del panorama.

Sherlock ha recorrido el camino inverso: a medida que ha ido definiendo -de manera cada vez más evidente- el tipo de serie que quiere ser, ha perdido fuelle. La prueba es una cuarta temporada tan vacua como llena de alambicadas aventuras sin un objetivo claro.

La serie arrancó en 2010 siendo una de las mejores producciones de la BBC. Una gran adaptación que combinaba novedad y clasicismo de manera ciertamente exitosa. En esta última temporada, tres episodios de hora y media intentan, de manera desigual, expresar su idea del celebérrimo personaje de Arthur Conan Doyle.

Las seis Thatchers

El primer episodio de la cuarta temporada hizo saltar las alarmas de muchos fans. Durante años, la serie creada por Steven Moffat y Mark Gatiss había cosechado suficientes buenas críticas y datos de audiencia como para ser cada vez más independiente. La BBC tenía plena confianza en sus responsables y estos se divertían tanto con el material, que empezaron a perder de vista la cautela con la que levantaron el proyecto.

La elección de Rachel Talalay como la encargada de dirigir la primera historia de esta nueva temporada era a todas luces arriesgada. Talalay es una directora de culto gracias a su adaptación de Tank Girl, el cómic de Alan Martin y Jamie Hewlett que tuvo su película correspondiente a mediados de los noventa. Pero ni entonces ni ahora se la conocía por su sutileza ni elegancia.

Ambas características brillan por su ausencia en este episodio: una sucesión de descabellados giros dramáticos que venía a demostrar lo inflamable del material original. Las características que hasta entonces habían servido para dotar de un cariz moderno a los relatos escritos por Sir Conan Doyle no terminaban de cuajar. Ni la superposición de textos en pantalla, ni los montajes descabellados, ni el escaso respeto por la linealidad temporal, ni el uso de la cámara lenta...

Tampoco cumplía su principal objetivo: Las seis Thatchers es un capítulo esencialmente emocional. Todo su empeño se dirige a poner entre las cuerdas las relaciones de Holmes (Benedict Cumberbatch), el doctor Watson (Martin Freeman), y su amada Mary (Amanda Abbington), pero no funciona. La excelente química que había caracterizado a los intérpretes se exageraba a niveles poco razonables. El resultado final dejaba mucho que desear pero aún quedaban dos episodios para tratar de remontar la temporada.

El detective mentiroso

El segundo episodio lo dirigía Nick Hurran, un realizador británico que repetía en la serie después de haber dirigido el cierre de la tercera temporada.

En aquella ocasión Hurran había puesto al servicio de los personajes una complicada trama planteada como duelo de inteligencias supremas. Su último voto estaba repleto de efectismos que se justificaban argumentalmente (gran parte de su acción se desarrollaba dentro de la cabeza de Sherlock) y el combo Cumberbatch/Freeman funcionaba a pleno pulmón para dar músculo emocional al asunto.

Ahora tenía que repetir la jugada en El detective mentiroso: una historia que utilizaba el 'caso por resolver' de forma intrascendente para abordar un conflicto dramático entre la pareja protagonista. Una trama en la que un esforzado Toby Jones ejerciendo de villano no era más que un figurante para la reconciliación de Watson y Sherlock.

Tal vez por su falta de miras, y por saberse poco relevante para el conjunto de la serie, El detective mentiroso resulta un entretenimiento más que digno. Sin complejo alguno, esta historia funcionaba con buen ritmo, con toques de humor bien engalanados y un final tan descabellado como simpático. Es decir, que manejaba las características y los hallazgos que habían hecho de la serie una joya del entretenimiento. Parecía que la temporada iba a remontar.

El problema final

Así llegábamos a la última oportunidad de redención. Sherlock debía superar lo que había significado Las seis Thatchers y encarrilar la senda que había retomado El detective mentiroso. Pero tenía que hacerlo siendo consciente del punto al que había llegado el personaje interpretado por Cumberbatch. La responsabilidad de Benjamin Caron, el director, no era menor en este sentido: en esta serie hemos visto morir y resucitar a Sherlock. Hemos visto como se sumía en depresiones severas y salía de ellas. Hemos visto como se peleaba con Watson y se reconciliaban en un par de capítulos. ¿Ahora qué?

El problema final acepta mal su responsabilidad y encierra a los personajes en un experimento al estilo Saw, en el que nuestros héroes tienen que ir resolviendo enigmas para salvarse. ¿Hay algo malo en esto? A priori no si cada cosa que viésemos no resultase previsible. El espectador ya sabe que no hay giro insalvable y que la serie no va a acabar a la ligera con ninguno de los protagonistas. Pero El problema final se empeña en olvidarse de esto.

La serie ha llegado a demasiados callejones sin salida. Presenta a supervillanos más fuertes y listos que todos los anteriores juntos si no sabe avanzar. Hace que los protagonistas se apunten con pistolas si no sabe resolver momentos clave. Resuelve de un plumazo todos los enigmas si se marea con tanto giro de guión.

Ya no tenemos ganas de justificarlo todo con un “Ho ho, never mind. That’s Sherlock” (No importa, es Sherlock), que decía Stuart Heritage, periodista de The Guardian. La paciencia del espectador ha tocado fondo hasta en el caso de los británicos -más familiarizados con el personaje-. Y, mal que nos pese, la serie se ha convertido en una parodia de sí misma. Es una pena, pero igual que Sherlock no podía fabricar ladrillos sin arcilla, el espectador no puede picar sin cebo.

- Dr. Strange (2016)

- Dirección: Scott Derrickson

- Reparto: Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Mads Mikkelsen, Tilda Swinton, Benjamin Bratt y Michael Stuhlbarg

Dr. Strange, el personaje creado en los años sesenta por Stan Lee y Steve Ditko, no es de los superhéroes más conocidos de la editorial Marvel. Pero no por ello deja de ser, desde mi punto de vista, uno de los más interesantes. Su toque hechicero, su carga espiritual y su mundo interior lo distancian en gran medida de sus compis de acción.

En este escenario de magia y superstición se mueve muy bien su director, Scott Derrickson, que abandona el cine de terror al que nos tenía acostumbrados (El exorcismo de Emily Rose, Sinister o Líbranos del mal) para sumergirse en el espectacular mundo de los superhéroes.

Derrickson narra con humor y toques barrocos la historia de Stephen Strange, un prestigioso médico egocéntrico y carismático que pierde la movilidad de las manos tras un accidente de tráfico. Cuando ve que todo su mundo se le viene abajo por no poder ejercer la medicina, viaja a Katmandú en busca de otras soluciones menos convencionales para su cura, concretamente en la comunidad Kamar-Taj. Allí descubre que hay un mundo que escapa a sus conocimientos, donde el espacio tiempo se pierde y los mundos se doblan (entre otras muchas cosas), y comprende que ese mundo está amenazado por fuerzas oscuras. Una vez consigue manejar sus energías y es consciente de su magia y su poder, tendrá que elegir si su don lo quiere para recuperar la vida anterior y volver a la cirugía o bien para luchar contra los estados del mal y defender al mundo de caer en esas redes.

Cumberbatch es sin duda uno de los mejores actores que hay en el panorama actual. Su solvencia interpretativa es otro punto muy positivo a tener en cuenta en esta cinta de superhéroes. Con este trabajo vuelve a demostrar su versatilidad a la hora de interpretar personajes. ¿Quién iba a decir que podría ser un superhéroe después de verlo en la estupenda The imitation game o en Agosto?

La calidad del resto de personajes es inmejorable, empezando por una siempre creíble Rachel MacAdams (Spotligth, Una cuestión de tiempo o El Diario de Noa), en el papel de compañera, amiga, amante de Strange; seguida muy de cerca por la polifacética Tilda Swinton, de la que no deja de sorprender su capacidad camaleónica; si no, recuerden pelis como El Gran Hotel Budapest, El curioso caso de Benjamin Button, Quemar después de leer, Michael Clayton u Orlando.

En los personajes masculinos se encuentra Chiwetel Ejiofor, conocido sobre todo por su papel principal en la oscarizada Doce años de esclavitud, así como también en cintas como Marte o Salt. El papel de villano lo interpreta Mads Mikkelsen, actor danés que ya lo hemos visto haciendo de malo en pelis como Casino Royale, aunque prefiero destacar sus trabajos en Europa con películas como La caza o Un asunto real.

Kinótico

podcast de cine y series de eldiario.es

, charlamos con el actor británico, que protagoniza la nueva cinta de Marvel:

Doctor Strange

El protagonista de la serie Sherlock o de la película El quinto poder se mete desde este viernes en la piel del Doctor Strange, un neurocirujano que descubre nuevas dimensiones tras un terrible accidente de tráfico. Hemos charlado en Londres con Benedict Cumberbatch, que nos cuenta qué supone para su carrera unirse al Universo Marvel.

En el episodio 34 de Kinótico charlamos con Benedict Cumberbatch, el protagonista de Doctor Strange, con Antonio de la Torre, que estrena Que Dios nos perdone, y recuperamos la charla en la Berlinale con Greta Gerwig, la actriz de Maggie's Plan.

Contenidos del episodio:

01:21.- Entrevista con Benedict Cumberbatch por Doctor Strange

05:15.- Burbuja de opinión sobre la película, por Alejandro G. Calvo

09:38.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

14:10.- El regreso de The walking dead

16:18.- Entrevista con Antonio de la Torre por Que Dios nos perdone

42:32.- Entrevista con Lone Scherfig, Premio Mirada Internacional en el Festival de Cine de Madrid

44:45.- Los estrenos de cine de la semana [incluye la entrevista con Greta Gerwig]

49:40.- Observatorio en Bremen, con Janina Pérez Arias

51:50.- La actualidad del mundo de las series, con María José Arias

Desde Dioses y monstruos (1998), Bill Condon estuvo buscando en todos los guiones que llegaban a sus manos la oportunidad de volver a dirigir a Ian McKellen. Si el dueto había triunfado en el amargo retrato del cineasta James Whale en el mundo del Hollywood clásico y sus glorias venidas a menos, ahora les ha unido otro personaje conocido. Esta vez, sin embargo, salido de la ficción: de la literatura, primero, del cine e incluso la televisión después, donde Sherlock Holmes ha encontrado otro espacio en el que morar, sin ir más lejos en la serie de éxito en la que, de la mano de Benedict Cumberbatch, el detective da un salto en el tiempo hasta el siglo XXI.

El Sherlock propuesto por Mr. Holmes, presentada a competición en el Festival de Berlín, da otra pirueta en el tiempo, pero esta vez hasta su propia jubilación. Por el camino ha perdido el “Sherlock”, al Doctor Watson, el domicilio en Baker Street, su memoria e incluso la sombra de Sir Arhtur Conan Doyle, su creador, aunque haya ganado las artes de quien le interpreta, Sir Ian McKellen, en lo más alto en cuanto alcurnia actoral británica se refiere.

En el film de Bill Condon, Holmes es un señor de 93 años, un personaje real que se queja de la imagen que el público se ha forjado de él gracias a las novelas de su amigo Watson. Curiosos lazos los que traza el oficio del cine y que el Watson televisivo esté encarnado por Martin Freeman, compañero de metraje y fatigas en la Tierra Media con Ian McKellen en la trilogía de El Hobbit.

Mr. Holmes, pues, es un detective perspicaz, sí, pero que reniega de su carga icónica, de la pipa al sombrero. Su imagen no encaja con la que el público espera, como si a McKellen se le pudiera esperar sólo con el atuendo y las barbas de Gandalf, olvidando que, como el actor se encargó de recordar en la rueda de prensa en Berlín, lleva interpretados ya más de 200 personajes entre cine y teatro a lo largo de su carrera.

La película se toma al pie de la letra La vida privada de Sherlock Holmes el título con el que Billy Wilder se enfrentó al detective de Baker Street en 1970. Bill Condon lo presenta luchando contra la pérdida de memoria, los achaques de salud y el intento de reconciliarse con el recuerdo de una mujer, su último caso. Fuera del hábitat refinado en Londres, Holmes vuelve a “casa”, al campo. Le esperan su casera (Laura Linney) su hijo (Milo Parker), sus colmenas y las heridas aún visibles en el paisaje de la Segunda Guerra Mundial.

“Es un Sherlock Holmes que no es Sherlock Holmes”, resume el actor, que vuelve a dar prueba de su calibre como actor. En él y en el trabajo de Linney reside el principal atractivo de Mr Holmes. Un caso de realidad versus ficción, de humanización del mito, no del todo resuelto.

La acogida del film fue tibia y las cosas en la sección oficial competitiva de este tramo del festival no mejoraron con la anticipadísima reaparición de Terrence Malick con Knight of Cups. Es sabido que Malick, escurridizo como su cámara, elude a la prensa pero sus películas siguen lanzándose en los festivales de cine internacionales como el de Cannes, Venecia y ahora Berlín, donde ya tuvo su première El nuevo mundo (2005).

La excelencia de su obra, de Malas tierras (1973) a Días del cielo (1978) o La delgada línea roja (1998), y los silencios entre ellas le han dado a sus estrenos el aire de un avistamiento del cometa Halley. Pero las cosas han cambiado, las colas en la proyección de prensa y el sentimiento de agitación y expectativa en Berlín fueron las habituales, lo que vino después, harina de otro costal.

El bonsai de la vida

El árbol de la vida (2011) suscitó el aplauso de la crítica, quizá no unánime pero abriendo un debate apasionado, en To the Wonder (2012) hubo más bajas. Y, después del paso por la Berlinale, la crítica que aplaude Knight of Cups ha quedado aún más diezmada.

La soledad, el vacío de la vida de un actor de éxito en Hollywood (Christian Bale), que pasa de los hiperactivos brazos de una mujer 10 a otra (de Cate Blanchett a Natalie Portman, Imogen Poots o Freida Pinto) y se cruza con el recuerdo de un padre agresivo, un hermano problemático, y una larga de lista de cameos como el de Antonio Banderas, es lo que Malick propone en Knight of Cups. La voz en off, los silencios, la fascinación por el cuerpo, la sinfonía de la vida y sus coreografías, la religión, la problemática presencia del padre, la gestión de un pasado en un presente sin rumbo son marca de la casa. Pero lo que en El árbol de la vida llegaba a alcanzar resortes profundos aquí entra en un bucle de diseño y unos personajes que a pesar de andar descalzos, no tocan de pies en el suelo, perdidos en piscinas, residencias y fiestas con derroche de lujo. Da la impresión que Malick acabó con las existencias de las agencias de modelos en Los Ángeles y de cloro de las piscinas de Beverly Hills, para contar algo que él mismo y otros (Sorrentino y La gran belleza, por ejemplo) contaron antes y mejor.

Lujos y lujos: dos películas a tener en cuenta

Entre los títulos que dejarán poso de ésta Berlinale está la chilena El club, de Pablo Larraín. Después de Tony Manero (2007), presentado en la Quinzena de Realizadores en Cannes, Post mortem (2010) a competición en Venecia y No, nominada al Óscar a mejor film en lengua no inglesa en 2012, su nuevo trabajo como director se ha posicionado como una de las candidatas fuertes al palmarés berlinés.

La película arranca con el bíblico “y se hizo la luz”, pero luz, luz hay poca en esta dura historia de curas en retiro carcelario en una casa al borde del mar y otros precipicios. Los adorables “curitas” que se nos presenta al principio esconden un pasado de pecados muy graves por los que no han rendido cuentas ante la justicia. La Iglesia “administra” la cuestión con una supuesta penitencia, un descenso a los infiernos con más de un desvío inesperado que ha arrancado aplausos en la Berlinale.

Confrontar a las víctimas con sus verdugos es lo que hace también desde el terreno del documental el norteamericano Joshua Oppenheimer. Tras la magnífica y premiada The Act of Killing, vuelve a Indonesia y la masacre perpetrada por su régimen militar en 1965 con The Look of Silence, una película que opera a modo de contra plano de la primera. Si en una los asesinos detallaban con trivial y macabra precisión las matanzas que cometieron ante la atónita mirada de Oppenheimer, aquí los mismos asesinos confrontan con más incomodidad al familiar de una de las víctimas. Su hermano fue torturado y asesinado, uno de los nombres propios de los millares y millares de personas víctimas de la represión interna de Indonesia.

The Look of Silence le acompaña en su encuentro con algunos de los responsables políticos y materiales de la masacre, más incómodos ante la justificación moral de sus crímenes que ante la posibilidad de hacerse la foto en el lugar del crimen, como si de una cacería se hubiera tratado. El sereno rostro del hermano de la víctima intentado entender el por qué de tanta barbarie, y buscando una sombra de arrepentimiento en los ojos de sus interlocutores se cuenta, sin duda, entre el cine más interesante de ésta Berlinale. Rara vez la mirada hacia el otro ha sido tan elocuente en su silencio. Tras su paso aplaudido paso por Venecia participa fuera de competición.

Sherlock catapultó al británico de ojos hipnóticos a la estratosfera en julio de 2010. Desde el estreno de la serie de la BBC, Benedict Cumberbatch ha pasado de elemental a indispensable. Ya sea representando al maniático detective de Baker Street, como leyendo en off un documental de Stephen Hawking o recitando una canción de R. Kelly en un night show, su voz de barítono y rasgos distópicos desafían los límites de la física y crean una fuerza centrífuga alrededor de la pantalla.

El tiempo ha jugado en su favor. Por una parte, su tardío éxito le ha descubierto en una etapa lo suficientemente madura como para no tener pelos en la lengua y asegurarse su presencia en las rotativas con algunos titulares jugosos. Por la otra, en apenas tres años, ha transmutado de “ese actor secundario de cara peculiar” a objeto de fanatismos de rango intocable. Todo ello aderezado con su presencia imponente, su inteligencia y alguna nota sarcástica que ha conquistado a plumillas y críticos de todos los rincones del globo.

Pese a que el actor ha admitido que su talón de Aquiles es la retentiva y el esfuerzo extremo que le cuesta memorizar los guiones, las principales productoras y los directores más reputados han rendido sus presupuestos a la imperfección de Cumberbatch. Y, hasta cuando era un actor desconocido, le han confiado la interpretación de grandes personajes históricos y literarios.

Personajes de relumbrón

Todavía no hacía mucho ruido y no salía apenas de Shakespeare, cuando destacó interpretando a la critatura de Frankenstein. Fue a las órdenes del oscarizado director Danny Boyle y junto a su amigo Jonny Lee Miller, que también hace de Sherlock Holmes en la serie Elementary. Su papel desencadenó una ola de ovaciones en el National Theatre Live y le valió el Premio Lawrence Olivier, el más importante del teatro británico.

En la pantalla pequeña, sus rasgos alienígenas se han adaptado a personajes tan legendarios como el pelirrojo pintor desorejado en Van Gogh: painted with wordsVan Gogh, una suerte de documental que incluye pinturas y cartas originales del artista entre las escenas ficticias de Benedict. También le recordamos como uno de los científicos contemporáneos más influyentes en Hawking, una TV movie que relata los primeros años de la vida del teórico antes de que le diagnosticasen la enfermedad motoneuronal. Este papel le valió una nominación a los BAFTA.

Pero, sin duda, el motor de su imparable ascenso al firmamento de los actores británicos ha sido un papel cedido por el imaginario de Sir Arthur Connan Doyle. El primer episodio de Sherlock le puso de pronto en el mapa de los más deseados, todo el mundo cinéfilo quería contar con el Holmes más elocuente de la historia de las pantallas. En palabras del mismo Steven Spielberg, la mejor interpretación del detective jamás realizada. Sin olvidar a su compinche de correrías, Martin Freeman, en el elemental papel del querido Watson.

Los incondicionales de este tándem pudimos disfrutarlo en pantalla grande gracias a El Hobbit. Aunque en apariencia no compartan metraje, la profundidad fónica de Smaug conversando con Bilbo nos evoca los mejores momentos de este dúo. Como él mismo afirma: “Se está publicando que yo 'doblo' a Smaug y pienso, ¡qué demonios! Es mi voz y son mis movimientos ¡Me rompí el culo interpretando a ese dragón!”.

Igual de célebre, y no menos controvertida, también destaca su fiel caracterización como Julian Assange en El quinto poder. Aunque el resultado no convenció ni a crítica ni a público, sí aunó opiniones respecto a la interpretación de Cumberbatch, que calcaba los movimientos y el comportamiento solipsista del hacker más buscado del mundo. ¡Y el acento! Aunque Assange no apoyó la interpretación del británico en la película, hasta él mismo se rindió en elogios respecto a las dotes interpretativas de Benedict. Su último papel prometedor es el del brillante matemático homosexual Alan Turing en The imitation game, todavía en producción.

Estas interpretaciones se suman a la lista de personajes literarios adaptados de novelas destacadas como Peter Guillam en El Topo, Little Charles Aiken en la recientemente estrenada Agosto, o el “benevolente” negrero William Ford de 12 años de esclavitud. Y su filmografía completa la de importantes directores como Steven Spielberg, J.J. Adams y Tomas Alfredson.

Los ingredientes de la sopa

La prensa amarillista espera como una hiena a que Benedict Cumberbatch abra la boca para cumplir sus deseos más morbosos. Al conservar bien camuflada su vida privada, miles de paparazzi esperan a la salida de su casa para pillarle in fraganti y tener carnaza que publicar y así alimentar la curiosidad de los fanáticos cumberbitches. Ante esta situación irremediable, el actor ha abanderado una técnica que poco a poco lleva su firma: salir en las fotografías alzando un mensaje escrito en un folio.

Con esto, da por satisfechas las necesidades más rosas de los medios de comunicación y, de paso, demuestra su irreverente carácter pronunciándose en temas poco prodigados por los famosos. En algunas de estas pancartas a pequeña escala hemos visto protestas sobre el Estado del Bienestar, las revueltas árabes, el gobierno de David Cameron e incluso sobre sus fakers en Twitter.

Como vemos, la sopa a la Benedict no solo se nutre de su sempiterna aparición en la gran pantalla, sino también de sus provocaciones en las que los periodistas pican sin dudar y que al actor, al fin y al cabo, le divierten. Ya sea oficiando una boda gay en Ibiza o declarando su “amor” por Matt Damon, Cumberbatch va sumando apariciones, tweets, noticias y memes con su nombre.

En esta temporada que huele a premios y a alfombras rojas, tendremos más dosis de elegancia y facciones felinas paseándose por el Dolby Theatre, la Royal Opera House y el Beverly Hilton. Con un poco de suerte, en 2014, agregará alguna estatuilla que acompañe a las de Frankenstein y Sherlock en la estantería de quien seguro que va a tener que ir haciendo hueco para muchos más laureles.