La anterior vez que Spike Lee presentó una película en el Festival de Cannes fue en 2018. Venía con Infiltrado en el KKKlan, su comedia contra el racismo y el supremacismo blanco y Donald Trump estaba en el poder durante su primera legislatura. Spike Lee se plantó en la rueda de prensa y usó su altavoz para apodar al presidente como “Agente Naranja” y asegurar que el mundo estaba “presidido por gánsteres”. Anticipó una movilización en las elecciones de mitad de mandato que eran meses después y luego habló de su película.

Han pasado siete años y Spike Lee ha vuelto con una película, Highset 2 Lowest, un remake de El infierno del odio de Akira Kurosawa que esta vez se ha visto fuera de concurso en el certamen. Lo curioso es que Donald Trump está de nuevo en el poder, y Lee se ha sentado en la rueda de prensa con ganas de no liarla. Cuando parecía que se calentaba, que iba a dirigirse a Trump, se acordaba de su pareja. “¡Mi mujer me ha dicho que tenga mucho cuidado con lo que digo!”, dijo entre risas y con su gorra y su camiseta de los Knicks puesta.

Aun así, dejó un recado para Trump cuando fue preguntado por las redes sociales y los valores de EEUU, un tema que está en su filme, donde una decisión moral coloca al espectador en la situación de pensar qué haría si fuera el protagonista. “No sé si hablar de los valores de EEUU viendo quién es el presidente que tenemos”, dijo y se opuso a demonizar las redes sociales. “No creo que sean ellas las que comprometan los valores, no las voy a demonizar”, añadió.

A su lado Jeffrey Wright, uno de los protagonistas —el otro, Denzel Washington, solo estuvo en la gala de la noche anterior donde recibió una Palma de Oro honorífica— aseguró que con los años “parece que vivamos en WestWorld”, dijo haciendo una referencia a la popular serie de HBO donde trabajaba. “Estamos divididos, no nos ponemos de acuerdo ni en los propios hechos, y creo que las redes sí han tenido un papel claro en esto”, puntualizó.

Otro de los temas más candentes de este Cannes ha sido los aranceles anunciados vía, precisamente, red social por Donald Trump, que dijo que impondría uno del 100% a todas las películas rodadas fuera del país. Spike Lee es uno de esos directores que ama rodar en su ciudad y su país, y que lo ha retratado como nadie. El director lo subrayaba diciendo que le encanta “la energía y la vibración” de hacerlo y que es un “afortunado por poder hacerlo”. Apuntó al problema, que es que “la gente de la industria está sufriendo, porque ya nadie trabaja en el cine”, pero se negó a calificar la propuesta de Trump. “No tengo la respuesta, pero el tipo que dijo lo de ese arancel...”, dejó en el aire volviendo a cortarse o acordándose de las palabras de su mujer.

Volvió a salir en su rescate Wright, que actualmente está trabajando en Londres y que cree que parte del problema es que “tenemos 50 estados con 50 leyes de incentivos fiscales”. Algo que cree que se solucionaría con “un esfuerzo colectivo por consolidar y hacer crecer esos incentivos federalmente” para lo qual tiene claro que falta compromiso político: “Para lograrlo hace falta que los líderes de arriba lo empujen, porque pueden parar esa pérdida de trabajos, pero eso requiere comprender el problema y saber cómo resolverlo”. “Lo que vemos a menudo es que se ve el problema, pero en lugar de querer abordarlo se intenta usarlo como un arma política. Es un tema de la calidad de los líderes”, ha remachado Wright.

Hace treinta años, el realizador Spike Lee jugaba un cierto papel de aguafiestas para parte de la ciudadanía y la crítica cinematográfica. Después de despuntar con su primer largometraje profesional, la comedia (¿romántica?) 'Nola Darling', y de la marciana parodia estudiantil 'Aulas turbulentas', fue ratificando su apuesta por un cine fundamentalmente antirracista a través de títulos como 'Haz lo que debas' o 'Malcolm X'. Lee no descartaba de entrada cualquier violencia como algo supuestamente indefendible en cualquier situación, sino que se introducía en mundos conflictivos con una mirada adecuadamente conflictiva y militante.

En las pantallas de los cines multisalas de la época, de finales de los años ochenta y principios de los noventa, encontrábamos que Mel Gibson tenía como compañero a Danny Glover en Arma letal. Después de algunos desencajes, ambos personajes se llevaban bien y se reían y mataban mucho. Hollywood tenía entonces varios actores afroamericanos de gran éxito: los humoristas Eddie Murphy o Richard Pryor podían llegar a ser protagonistas de alguna película, y no solo limitarse a ejercer de graciosos compañeros del hombre de tez blanca.

A pesar de que unas pocas películas al año debía acogerse como una prueba más de igualdad, Lee seguía ejerciendo de Pepito Grillo. Insistente y molesto como el personaje de Pinocho, nos recordaba las muertes injustificables a manos de la policía o señalaba los racismos y malestares cruzados entre diversos sectores de la población.

El establishment representado por los gobiernos de Ronald Reagan y George H. Bush daba por concluido el ciclo de lucha por los derechos civiles que tuvo lugar en los años 60 y 70. La gente de orden parecía dispuesta a acompañar de forma paternalista hasta sus respectivas casas a aquellos ciudadanos que siguiesen preocupados por las discriminaciones, que se mostrasen dispuestos a implicarse en movilizaciones. Se suponía que no hacía falta salir a la calle, porque ya se había conseguido una igualdad efectiva de derechos. Y aún así, Lee insistía en hacer sonar una y otra vez durante su tercer largometraje profesional una canción que se convertiría en un himno: 'Fight The Power', de Public Enemy.

Dentro del marco discursivo de la época, nació una expresión todavía muy en uso: 'corrección política'. Una expresión estrechamente vinculada con el rechazo a políticas como la discriminación positiva, que pretendían revertir diferencias estructurales que desaparecían solo con los éxitos individuales que ejemplificaban el triunfo de la meritocracia. El establishment real parecía decir que ahora dominaban otros: los que defendían las cuotas, los que señalaban la persistencia de techos de cristal en el ascensor social, eran caracterizados como un poder supuestamente hegemónico y asfixiante. En algunos aspectos, la vida política y cultural parece mantenerse en estas extrañas coordenadas.

Un cuento en un gueto de Nueva York

En verano de 1989, llegó a las carteleras 'Haz lo que debas'. Quizá la mejor película de Spike Lee hasta entonces, quizá la mejor película de Spike Lee de siempre, aunque eso sería muy discutible tras décadas de dedicación y propuestas muy diversas. En el mundo real, se acercaban las elecciones a la alcaldía de Nueva York (ganaría por primera y única vez un candidato afroamericano, pero, spoiler, eso tampoco supondría el fin del racismo). En la pantalla de cine, se mostraba un día estival de altísimas temperaturas en el barrio (o gueto) de Bedford-Stuyvesant. Un día demasiado soleado como para que no suceda nada drámatico.

Aunque Lee y su director de fotografía habitual (Ernest Dickerson) mostrasen ambiciones estéticas en su apuesta expresionista por los colores cálidos y por evidenciar los momentos de tensión a través de la narrativa visual, 'Haz lo que debas' parece sobre todo una obra de guion, de personajes que cuentan por sus palabras, por sus actos y, a veces, por su apariencia. Su elenco resulta peculiar, aunque Lee intentase huir de algunos tópicos (no atiende a los problemas de drogodependencia o tráfico de estupefacientes) y también contestar al pintoresquismo más desatado y bochornoso del cine blaxploitation poblado por personajes extremos hasta la caricatura, ya fuera por vestidos extremados o sexualidades desbordantes.

Dentro del relato coral, Mookie (interpretado por el mismo Lee) ejerce de hilo conductor, de columna vertebral. Es un repartidor de pizzas, un padre joven y escasamente comprometido, que parece destinar sus esfuerzos a trabajar lo menos posible. En la narración coral aparecen italoamericanos desaforadamente racistas, otros que no lo son... y otros que quizá no lo parecen pero sí lo son. Aparecen jóvenes que no hacen más que pasear por las calles con un gran radiocasette, jóvenes que llevan sus protestas políticas a la decoración de una pizzería, hombres que solo miran la vida pasar mientras permanecen sentados en sillas de camping...

'Haz lo que debas' es una comedia dramática que a ratos parece casi un cuento, pero un cuento para adultos. El resultado podía ser controvertido, pero en algunos puntos no estaba tan lejos de aquel Hollywood clásico de autores como Frank Capra, con ecos en el Hollywood spielberguiano, que nos mostraba comunidades que eran entrañables micromundos de personas que podían sufrir problemas y tener aristas, pero que eran fundamentalmente buenas, que estaban destinadas a superar las dificultades y a mirar el futuro con optimismo. El vecindario de Bedford-Stuyvesant, entonces un gueto y ahora un espacio gentrificado, era un lugar recorrido por la pobreza, la desidia, los discursos racistas y una violencia comunicativa casi omnipresente. Y, con todo, Lee no quiso ofrecer un drama tremendista: nos ofrece un recorrido con sus jóvenes más o menos simpáticos (aunque vagos), sus mayores bienintencionados (aunque sean alcohólicos) y sus espacios de reunión y comunión (aunque terminen incendiados).

En realidad, lo que destaca de la propuesta es que plantea una realidad adversativa. El gueto es un espacio duro, pero bonito, violento pero con treguas en la búsqueda de entendimiento. En 'Haz lo que debas', la realidad no tiene una cara, ni tampoco dos, sino una sucesión de contradicciones que podría alargarse hasta el infinito. Aunque un aspecto trascendental en el cine como es el desenlace de la historia principal, marca el talante amargo de la propuesta.

Si Hollywood nos suele exponer a una narrativa tranquilizadora que retrata problemas que se complican y se complican hasta que finalmente se solucionan, Lee sabotea esa lógica: el clímax de la película pasa precisamente por el hecho de que los problemas no se solucionan rápidamente. En cambio, hay una cosa que sí puede suceder con los problemas: que estallen de golpe.

Para el pirómano final de la película, Lee se inspiró en la historia real de una agresión racista que terminó con un chico negro muerto. “Howard Beach”, gritan los personajes de la película en pleno estallido violento, en recuerdo del suceso. Lee, de nuevo Pepito Grillo, vuelve a incomodar con una escena de brutalidad policial con consecuencias letales. Y las calles arden, aunque sea brevemente, como un estallido de malestar controlado al estilo de esos ataques militares que se califican como quirúrgicos aunque no lo sean.

En el entorno controlado del cine, la violencia sí puede ser quirúrgica... o parecerlo. Unos cuantos ciudadanos liberan su rabia de manera puntual y sin grandes consecuencias, más allá de la quema de un local que reparará la aseguradora. Lee muestra (de manera ventajista, quizá) un estallido popular que apenas tiene consecuencias físicas (no hay muertos, no hay heridos), aunque sí tendrá efectos psicológicos y relacionales. La única violencia que perdurará intensamente será el homicido cometido por la policía.

En todo caso, Lee nos asalta con un último 'pero' que podría considerarse una interesante concesión a la lógica del final que no puede ser demasiado desolador. Las calles arden, sí, los problemas estallan de golpe, también, pero tras el estallido pueden emerger momentos que abren la posibilidad de un precario entendimiento que tendrá lugar en otro momento. Treinta años después, aún sobrevive la misma esperanza.

En 1989, Spike Lee rodaba el homicidio de un joven negro a manos de la policía en Haz lo que debas. La muerte de Radio Raheem se convertía en un suceso que, en la cinta, prendía la chispa de una revuelta. Dos años después, en el mundo real, cuatro agentes le propiciarían a Rodney King una paliza. King no murió, pero la violencia del ataque que sufrió provocaría disturbios por todos Los Ángeles en protesta por el racismo y la brutalidad policial. Volvería a pasar con Eric Garner. Ha vuelto a pasar con George Floyd.

Las historias sobre racismo sistémico en Estados Unidos se repiten hasta tal punto que sería razonable pensar que el cineasta de Atlanta, cuya obra se vertebra en gran medida en la denuncia de dicho racismo, pudiera estar ya extenuado de tanto alzar la voz en un Hollywood que gusta de hacer oídos sordos. Pero nada más lejos.

Con Da 5 Bloods: Hermanos de armas, Spike Lee vuelve al ataque con una película que narra el reencuentro de cuatro veteranos de Vietnam, que vuelven al país del sudeste asiático en busca de un tesoro que dejaron enterrado allí años atrás. Premisa de lo que pronto se descubre como un homenaje a los soldados negros que murieron en aquella guerra y a los que volvieron de una pieza solo para descubrir, atónitos, que su país seguía tratándoles como ciudadanos de segunda.

La herida de los combatientes negros en Vietnam

Como viene siendo habitual en las últimas películas de Spike Lee, la conexión con la realidad, el peso del hecho histórico tras la denuncia enarbolada en la ficción, se produce con rapidez y contundencia. En 2017, su documental Rodney King arrancaba con la llamada real que efectuó a urgencias la persona que encontró el cuerpo de King flotando en una piscina. En 2018, Infiltrado en el KKKlan abría con imágenes de Lo que el viento se llevó, que recientemente protagonizaba una polémica a raíz de su momentánea eliminación del catálogo de HBO Max por su contenido racista. En ambos casos funcionaba casi como una advertencia para incautos: este cine no va de ficciones alienadas ni analgésicas, va de denuncias directas a un sistema que hace aguas.

Lo primero que vemos en Da 5 Bloods , de hecho, es una entrevista real en la que Muhammad Ali protestaba contra la guerra de Vietnam en el 78. Acto seguido, imágenes de manifestaciones, discursos de Martin Luther King, y grabaciones de ataques en suelo vietnamita acaban por ponernos los pelos de punta. Solo entonces conocemos a los protagonistas de este relato, cuatro hombres que ya peinan canas y se reencuentran felizmente en un hotel de Hanói.

Los protagonistas de Da 5 Bloods son veteranos de Vietnam. Invadieron el país, mataron y murieron en nombre de una democracia que, hoy, sigue dando muestras de no tenerles demasiado en cuenta. Aunque ellos crean que sí, como es el caso del personaje interpretado por Delroy Lindo, negro y trumpista que viste orgulloso una gorra de Make America Great Again. Todos vuelven al lugar que arrasaron para coger 'lo que es suyo' y creen que les pertenece: un tesoro que es, a su vez, una vuelta de tuerca a uno de los conceptos más debatidos de la campaña de Tump en las presidenciales.

Más interesado en reflexionar sobre la posición de la comunidad negra frente al concepto de patria por el que muchos de ellos se dejaron la piel, Da 5 Bloods se desenvuelve desigualmente en múltiples campos. No se decide a ser filme bélico ni suerte de secuela espiritual de Miracle at St. Anna, del propio Lee. Tampoco un drama racial, blaxploitation selvática, comedia de colegas ni película coral de acción. No acierta en el tono, ni parece preocuparse por desarrollar con aplomo los arcos narrativos de redención de cada uno de los protagonistas. Cayendo, en ocasiones, en cierta pereza narrativa al tratar emociones del todo sonrojante.

Pero, con todo, se mantiene firme como aproximación a un sentir generacional: el de la generación a la que pertenece el mismo Spike Lee. Un realizador nacido en el 1957 y hoy situado en primera línea de las manifestaciones, a pesar de sus 63 años, exigiendo unos derechos y una igualdad por la que llevan años desgañitándose.

En su anterior largometraje, la brillante Infiltrado en el KKKlan, Lee convertía a David Duke —histórico líder del Ku Klux Klan que felicitó a Vox por su resultado en las elecciones andaluzas— en un personaje esencial para deshojar el conflicto al que se enfrentaba su protagonista. Aquí convierte en un personaje más a Trịnh Thị Ngọ, quien fuese también conocida como Hanoi Hannah, locutora de radio durante la invasión. En Da 5 Bloods ella se convierte en la única conexión de los soldados con el país que los ha enviado a la selva a morir. La voz gracias a la cual se enteran del asesinato de Luther King, ferviente opositor del despliegue norteamericano en Vietnam.

En esa trinchera, en ese espacio oscuro en el que los protagonistas tienen que lidiar con su identidad racial, sentimiento de pertenencia a una comunidad, lealtad a unos principios y búsqueda de sentido al conflicto bélico, es donde Da 5 Bloods juega su mejor baza. El resto podría bien describirse como fuegos de artificio.

Cine de denuncia como festival referencial

Fuegos de artificio, decíamos, que no por más obvios resultan menos divertidos. Al fin y al cabo, Spike Lee lleva tanto tiempo discurriendo sobre los mismos mimbres que es lógico, y hasta se diría que sano, que se permita la fuga por placer.

Así, Da 5 Bloods es otra muestra de severo cine militante, sí, pero también es una celebración hedonista. Un festival referencial en el que Spike Lee pica de donde le apetece, celebrando el cine como espacio para el diálogo social y artístico a partes iguales.

La sombra de El tesoro de Sierra Madre se extiende sobre el desarrollo de la trama, tendiendo puentes entre el choque de voluntades individuales al que asistíamos en el clásico de John Huston y el que vemos en esta cinta. También asoma una intención de despojar de épica el legado de Apocalypse Now, y se puede leer cierta preocupación por investigar el duelo, las heridas no cerradas de la guerra y las despedidas malogradas como lo haría, por ejemplo, Richard Linklater en La última bandera.

Sin olvidar conatos de humor y camaradería masculina al más puro estilo del Soderbergh de la saga Ocean's. Incluso guiñando el ojo a los fans de The Wire con el rol de Clarke Peters —eterno Lester Freamon—, y con la mítica proclama de Isiah Whitlock Junior. Aunque si quieren ver qué queda del senador Clay Davis y sus improperios, deberán quedarse hasta el final de los créditos.

Un mensaje acompaña el cortometraje 3 Brothers-Radio Raheem, Eric Garner And George Floyd. En letras rojas sobre fondo negro, el cineasta Spike Lee escribe “¿La historia dejará de repetirse?”.

Tras eso, 3 Brothers presenta imágenes intercaladas de las detenciones reales de George Floyd y Eric Garner, junto con la del personaje de ficción Radio Raheem, que intepretaba Bill Nunn en Haz lo que debas, una de las más célebres películas de Spike Lee rodada a finales de los ochenta.

Con el cortometraje, Spike Lee se une a las protestas que estos días se han extendido por Estados Unidos, denunciando sin medias tintas la brutalidad policial y apuntando a que su filme del 89 ya predijo exactamente los hechos acontecidos. En Haz lo que debas, la muerte de Radio Raheem a manos de la policía, que le ahogaba con una porra, se tornaban en disturbios callejeros.

Un cineasta combativo

George Floyd murió el pasado lunes 25 mayo en un acto de brutalidad policial. Le arrestaron por haber usado, presuntamente, un billete falso de 20 dólares en una tienda. Lo esposaron, lo tumbaron en el suelo y, a pesar de que el detenido no ofreció resistencia, como se puede ver en las imágenes que han trascendido del suceso, uno de los policías, Derek Chauvin, aplastó con su rodilla el cuello de Floyd durante 8 minutos y 46 segundos.

La muerte de Floyd ha prendido la llama. Solamente este fin de semana, al menos 2.500 personas han sido detenidas en Estados Unidos en unos disturbios que ya se han extendido a 75 ciudades. Se han vivido protestas de extrema violencia e incontables escenas de brutalidad policial, se ha movilizado a 5.000 soldados para patrullar las calles y más de 20 ciudades han impuesto el toque de queda.

Eric Garner murió el 17 de julio de 2014 en parecidas circunstancias. Pasó en Staten Island, después de que un oficial del Departamento de Policía de Nueva York lo estrangulara.

Spike Lee es uno de los realizadores en activo más críticos del Hollywood actual y con menos pelos en la lengua contra la administración Trump. La mezcla de imágenes de sus obras con metraje real no es nueva: en su última película, Infiltrado en el KKKlan, utilizaba imágenes del atropello del neonazi James Alex Fieles Jr. a un grupo de manifestantes en Charlottesville, en el que mató a una persona e hirió a otras 28. Actualmente, el supremacista está condenado a cadena perpetua por 29 delitos de odio y homicidio en primer grado.

Spike Lee (Atlanta, 1957), tiene la certeza de que el mundo recibe un espejismo falaz de Estados Unidos a través de Hollywood. Quizá por eso, el cineasta se infiltró hace cuatro décadas en la maquinaria mejor engrasada del séptimo arte, como también lo hace a su manera el protagonista de su nueva película, Infiltrado en el KKKlan. 

Desde dentro, Lee ha podido contar las tensiones raciales de Brooklyn en Haz lo que debas, crear el mejor biopic de Malcolm X en su película homónima o simplemente hacer una aportación brillante al cine de acción con La hora 25 u Old Boy, en las que el activismo antirracista no desaparece pero queda relegado a un segundo plano. Con Infiltrados en el KKKlan, en salas desde el pasado día 31, el director recupera su pulso combativo en un momento crucial donde las sutilezas no tienen cabida.

El presidente Trump no merece ser nombrado para él, por eso le refiere como Agente Naranja, y sin embargo es inevitable que aparezca en cada una de las entrevistas que Spike Lee concede en Madrid. Su nueva película se ambienta en los años 70, pero sin Trump y el auge de los nacionalismos en todo el mundo no sería tan oportuna como lo es hoy en día. 

Infiltrado en el KKKlan parte del caso real de Ron Stallworth (interpretado por John David Washington), el primer policía afroamericano de Colorado Springs que acabó siendo guardaespaldas de David Duke, líder cuasi político del Ku Kux Klan. Lo irónico de la situación, y más en la época auge del movimiento Black Power, le ha servido a Lee para elaborar su conocido maridaje entre comedia y drama también en este filme.

Su vuelta al cine militante no ha dejado indiferente a la crítica ni a Cannes, donde fue laureado con el Gran Premio del Público. “Si eres un artista, ya seas un músico, poeta, pintor o cineasta, y decides que tu pieza de arte no tenga contenido político, esa ya es una decisión política en sí misma. ¿Cómo podría el arte no ser político?”, asegura Spike Lee ataviado con una gorra de los Yankees, sellos de oro en las manos y una chupa vaquera plagada de parches.

“Pero el artista también tiene derecho a contar la historia que quiera. Esta es mi cuarta década como director, he hecho alrededor de treinta largometrajes, y no todos se identifican como políticos. No me considero a mí mismo como un cineasta político, sino un contador de historias”, puntualiza en conversación con eldiario.es. 

Lee hace uso de otras películas como Lo que el viento se llevó (1939) o El nacimiento de una nación (1915) para demostrar lo fácil que es destilar contenido racista a través del cine. Precisamente la segunda, según él, fue la que despertó al KKK tras años de letargo. “Como dice uno de los personajes, el Klan estaba desaparecido hasta que se estrenó la película de D.W Griffith. El nacimiento de una nación lo resucitó y condujo al linchamiento de afroamericanos. A los asesinatos”, sentencia el cineasta.

“La pregunta importante es si el público es capaz de separar la persona de la obra. ¿Puede gustarte la canción pero no el o la que la interpreta por sus ideas políticas?”, lanza. “Yo acabé mi grado en la escuela de cine en 1982. En el primer año, el primer filme que vimos fue El nacimiento de una nación. Y nos dijeron lo gran cineasta que era D. W. Griffith y lo que supusieron sus innovaciones. El problema fue que no nos dijeron que esta película provocó que mucha gente negra fuera asesinada. Así que, si vamos a proyectar Lo que el viento se llevó o El nacimiento de una nación, al menos contemos la historia completa”, resuelve.

Los presidentes esclavistas

No es ningún secreto que la Historia es una asignatura pendiente en Estados Unidos, como ya demostró el catedrático James Loewen en el libro Patrañas que me contó mi profe. Los manuales están desfasados y normalmente se enseña desde la perspectiva del salvador, donde las invasiones quedan maquilladas sin consecuencias culturales ni antropológicas. Para Spike Lee, el problema se remite al principio de los tiempos.

“La historia de EEUU está basada en una mentira. La narrativa es una mentira. Nos vendemos como la cuna de la democracia, pero es una mentira. La verdad en la que yo creo es que los cimientos de los Estados Unidos de América se han erigido sobre el genocidio de los nativos y la esclavitud”, declara. 

Y continúa: “Robaron la tierra a los nativos y robaron a mis ancestros de sus hogares en África para que trabajaran esa tierra que habían robado. La gente negra ha construido los Estados Unidos de América. Trabajaron en la sombra de la mañana hasta la oscuridad de la noche. Y ahora los nativos americanos son prácticamente invisibles. Están relegados en, ni siquiera reservas, sino campos de concentración”, dice lanzando un dardo hacia el sistema educativo de su país.

Sin atarse demasiado las manos con las cifras, Lee asegura que “los primeros cuatro o cinco presidentes de Estados Unidos tenían esclavos. Pero en las escuelas no te hablan de los esclavos de George Washington; te hablan de si cortó un cerezo y no sé qué estupideces más como que nunca dijo una mentira”.

“Y no os enfadéis por lo que voy a decir”, prosigue. “En 1492 Colón atravesó el océano azul”, te cuentan el primer día de colegio. ¡Y una mierda! Cristóbal Colón fue un terrorista. Seamos sinceros, ¡un terrorista! Pero la Historia se cuenta para perpetuar el supremacismo blanco. Todo en la narrativa oficial es supremacismo blanco, supremacismo blanco y supremacismo blanco“, clama.

Precisamente, Infiltrado en el KKKlan es una continua muestra de que esos alegatos racistas no se circunscriben a los años 70 ni a una panda de radicales que queman cruces frente a los hogares afroamericanos. “Me alegra que se puntualice que este ascenso de los populismos y los fascismos no solo se da en Norteamérica. El fenómeno de la derecha es universal. Tenemos que repudiar las mentiras que nos cuentan una y otra vez”, reconoce.

En su opinión, “el cine es un gran medio para hacerlo, pero no es el único”. Al final, la mirada del cine es tan personal como la que se lanza en los mítines políticos. Incluso Spike Lee ha reconocido que en ocasiones su filmografía, centrada en la lucha racial, ha caído en prácticas machistas, algo que segura estar revisando en su madurez. 

Infiltrados en el KKKlan es una historia encabezada por dos hombres: el policía negro Ron Stallworth y su compañero Flip (interpretado por Adam Driver), que se infiltra en la secta en una operación orquestada por el primero. Sin embargo, Lee reserva un gran espacio entre sus protagonistas para Patrice, una joven estudiante afroamericana y militante de las Panteras Negras.

“El personaje está basado en Angela Davis y Kathleen Cleaver, dos mujeres negras y fuertes que fueron portavoces de las Panteras Negras”, asegura orgulloso con una sonrisa de oreja a oreja.

“Lo que la gente olvida es que todo proviene del movimiento por los derechos civiles y que la lucha de los afroamericanos en EEUU puso los cimientos para el movimiento de los homosexuales y para los derechos de las mujeres. Todo va unido. El objetivo es que la gente sea libre; no puedes picotear y elegir uno y otro. No puedes ser feminista y antigay, ¿cómo funciona eso? Es una locura”, afirma concluyendo que, en efecto, la lucha feminista y antirracista deben ir ligadas. 

Al enterarse de que su paso por Madrid coincide con la visita de Angela Davis para la conferencia El feminismo será antirracista o no será, Spike Lee pega un brinco sobre la mesa e implora a su acompañante que concierte una cita con ella. Y así es como el cineasta sexagenario demuestra que nunca se es demasiado mayor ni demasiado famoso para admirar con pasión, ni para aprender de las mujeres y hombres que se dejaron la piel por un mundo mejor.

01:30.- Junto a Alejandra Musi, corresponsal de 'El Universal' en Nueva York', analizamos la película 'Nuestro tiempo' y escuchamos la entrevista con Carlos Reygadas

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38:45.- Entrevista con Spike Lee

44:30.- Estrenos de la semana: 'Carmen y Lola' y 'Las distancias'

48:40.- Palillos en los ojos: 'Un lugar tranquilo'

Spike Lee dice que no recuerda la primera vez que vio la vieja grabación de Rodney King siendo golpeado por agentes de la policía de Los Angeles en marzo de 1991. Grabadas por el fontanero de 31 años George Holliday, aquellas temblorosas e infames imágenes dieron la vuelta a Estados Unidos, primero, y al mundo después.

La paliza desencadenó una ola de acontecimientos que culminó en la absolución de los agentes involucrados y cinco días de protestas, violencia y saqueos. Murieron 53 personas. “No me acuerdo, pero la usamos para el principio de la película Malcolm X”, recuerda el director.

Lee incorporó esa grabación en los créditos iniciales de su biopic de 1992 con un audio de Denzel Washington pronunciando “yo acuso al hombre blanco”, un discurso mordaz de Malcolm X. El objetivo: unir el racismo contra el que luchaba Malcolm X con el que en ese momento se seguía viviendo en Estados Unidos.

Lee habla de una fotografía “muy poderosa” de Stanley Forman, que ganó el premio Pulitzer. “Se ve a un hombre negro que va a ser apuñalado con la bandera estadounidense. Cuando vi esa foto tuve la misma reacción que al ver la grabación de Rodney King. La reacción fue la misma en todo el mundo: la gente estaba atónita, y aún más cuando aquel jurado dejó libres a los tipos. Inevitablemente, luego vendría el levantamiento, no lo voy a llamar disturbios”.

Disturbios, levantamiento, toque de atención: da igual como se llame a los sucesos de finales de abril y principios de mayo de 1992, ha habido un gran intento de revisar lo que ocurrió hace 25 años. Se han hecho cinco documentales de televisión sobre el veredicto de Rodney King y la agitación que le siguió. Desde el cineasta John Ridley hasta el periodista de hip hop convertido en documentalista Sacha Jenkins y John Singleton, el famoso retratista de la vida afroamericana estadounidense, todos han dirigido proyectos apasionados.

La importancia de las etiquetas

La película que Lee ha dirigido para Netflix se llama simplemente Rodney King y es una adaptación del monólogo teatral de Roger Guenveur Smith sobre el hombre que en los años noventa se convirtió en sinónimo de problemas policiales y raciales. La documentada y vívida interpretación de Smith comienza con la historia de King desde su juventud en Altadena, sigue con la etapa anterior a la paliza y termina con los problemáticos años que llevaron a su muerte prematura en 2012, cuando a los 47 años se ahogó en su piscina. Según Lee, la película añade matices muy necesarios en una historia que a menudo se ha simplificado demasiado.

“Vivimos en una sociedad que etiqueta a la gente”, dice Lee al otro lado de la mesa en el restaurante Chateau Marmont. “Las etiquetas pueden usarse para demonizar y para despreciar a los demás y es propia de perezosos”, dice.

Su película comienza con Smith imitando a todos los que se burlaron de King como un nuevo Tío Tom por aquella frase que pronunció en el punto álgido de las revueltas: “¿No podemos llevarnos bien todos?”. Para Lee, la película trata de entender que “hay otro lado”. “[King] Era un ser humano, tenía una madre y un padre”, añade.

Algunos momentos de la película parecen trazar paralelismos entre King y otros hombres negros que han sufrido a manos de la policía en Estados Unidos. En una secuencia, Smith recuerda el consejo que le dieron a King de no testificar en su propio juicio. Le dijeron que la imagen de un hombre negro de 1,88 metros alegando brutalidad policial podría no quedar bien. Recuerda el testimonio de Darren Wilson, el policía que mató de un tiro al adolescente negro Michael Brown, que describió al joven de 18 años “como un demonio”.

“Cada pocos años vuelve a saltar la chispa”

¿Piensa Lee que la mentalidad estadounidense está condicionada para ver a los hombres negros como irremediablemente peligrosos? “Ya sabe la respuesta”, afirma. “Solo hay que ver que los hombres negros aún somos percibidos como depredadores. Eso no ha cambiado desde Rodney King. La raza siempre va a ser un problema en este país. La gente no quiere asumirlo, pero las burbujas salen una y otra vez a la superficie. Cada pocos años hay una chispa y el tema vuelve al frente”, añade.

La película se aparta del típico enfoque de Lee con el objetivo de tocar los puntos de inflexión en la historia afroamericana, en general trabajados con el formato más directo del documental. Su 4 Little Girls se centró en las bombas que en Birmingham, Alabama, mataron en 1963 a cuatro niñas afroamericanas. En When the Levees Broke, contó en una miniserie de cuatro episodios para HBO lo ocurrido con el huracán Katrina en Nueva Orleans.

¿Cree que es su deber prestar testimonio sobre estos acontecimientos? “Depende del tema”, responde. “No me siento obligado. Para esta película, mi responsabilidad fue ayudar a que la cámara estuviera en el sitio adecuado para que fuese respetuosa con la obra”.

Aun así, Lee sigue siendo visto como una voz crítica en nombre de la América negra. Según Michael L. Pfleger, el predicador de Chicago que inspiró al personaje interpretado por John Cusack en su película Chi-raq, Lee es la “conciencia de Hollywood”. No es algo que le guste mucho a Lee. “La verdad es que no pienso sobre mí en esos términos”.

Pese a todo, convirtió en una de las personas más influyentes en la campaña de presión #oscarssowhite y en el boicot de la ceremonia de los premios en 2016, después de que, por segundo año consecutivo, ninguna de las categorías de actuación incluyera intérpretes afroamericanos.

Este año, la noche de los premios fue histórica para los actores negros, ¿acaso cambió la tendencia? “No es descabellado pensar que el próximo año no habrá ninguna persona negra nominada otra vez”, asegura Lee. ¿No hay cambio entonces? “Yo estoy esperando a ver qué pasa. Estoy contento, pero quiero ver si se sostiene y no es uno de esos gráficos de Wall Street que van arriba y abajo”.

Críticas al anuncio de Pepsi

Según Lee, el problema que surge desde los años noventa es estructural: no hay la suficiente diversidad entre los directivos de los estudios y dentro de las redes que den la luz verde y pasen las ideas por el filtro de sensatez. Según Lee, “cada diez años hay una era de oro y luego viene la sequía”. “Así que no voy a dar ninguna voltereta de alegría por ahora. Me pone contento, pero tampoco es que me deje arrastrar por lo que dicen otros”, añade.

Para el director, una señal de todo lo que falta aún es la reciente campaña publicitaria de Pepsi. En el anuncio, Kendall Jenner regala una lata del refresco a un policía durante una protesta. “¿No había ningún afroamericano en ese grupo que dijera: ‘¿Sabes qué? Tal vez no sea la mejor idea apropiarse del movimiento Black Lives Matter y convertir el deseo de querer cambiar el mundo en un refresco para un policía’?”, denuncia. “¿No había una sola persona negra en la habitación cuando alguien dijo que esa publicidad era una gran idea? Ese anuncio se hizo así porque alguien tiene que haber pensado que era una gran idea. Pero ahora nadie quiere reconocerla como propia. ¿Se ha hecho sola? Una publicidad de millones de dólares que aparece de la nada”.

El color de piel sigue siendo un asunto central en el trabajo de Lee porque sigue siendo central en la política de todos los días. “Hermano, existe este mito de que no hay racismo en Reino Unido. Pero la gente ahí simplemente lo practica de una forma un poco más encubierta. Además, tienen el sistema de clases como una forma de disfrazar eso, en mi opinión”, indica.

Una muestra de eso es la polémica que despertó hace poco el casting de John Ridley para Guerrilla. Ambientada en los años setenta, su producción sobre los Panteras Negras Británicos no incluye a mujeres negras entre los personajes principales, pese a que fueron centrales para el movimiento. Spike Lee no ha visto la serie aún pero dice que la furia que despertó ese reparto tiene que ver con el hartazgo por lo que en cine se conoce como 'whitewashing' (blanqueo).

“La gente quiere representaciones auténticas de personajes históricos. La gente quiere ver a su gente y a su historia tal y como fueron y que dejen de mentir y de cambiar la historia. Pongámonos todos del lado de la verdad. Todos. Pongámonos del lado de la verdad”.

Traducido por Francisco de Zárate

“¡Bernie, Bernie, Bernie!”, coreó el auditorio. Cuando el 'hijo de Brooklyn' cruzó el arco del Washington Square Park (un famoso parque al sur de Manhattan) fue recibido por el público más numeroso de toda su campaña. Bernie Sanders –socialista, demócrata, 72 años, senador por Vermont–, cuya agitada campaña ha complicado inesperadamente la carrera de Clinton por hacerse con la candidatura demócrata, subió al podium y observó atento.

“¡Hay mucha gente esta noche!”, gritó con la voz quebrada. Su organización calcula que unas 27.000 personas asistieron al mitin en el Washington Square Park. Bajo el cielo sin estrellas de Nueva York, Sanders dio, básicamente, el mismo discurso que ha venido dando a sus seguidores a lo largo del país: los ciudadanos americanos han perdido la voz en su propia democracia.

“Esto no es solo sobre la elección de presidente”, dijo Sanders. “Es sobre la creación de una revolución política. Sobre la creación de un gobierno que trabaje para todos nosotros, no solo para los contribuyentes ricos de la campaña”. La multitud estalló en aplausos.

Desde su estrado en el Greenwich Village de Manhattan, un barrio liberal lleno de estudiantes universitarios, Sanders destripó a los grandes bancos de Wall Street y a la “clase multimillonaria”, que desde sus balcones mira con desdén Central Park, el inmenso parque neoyorquino.

Pero el discurso de Sanders estuvo impregnado de una sensación de urgencia de cara a la próxima semana, crucial en las primarias. Las encuestas muestran sistemáticamente a Clinton muy por encima suyo por más de dos dígitos en su Estado adoptivo. Un pinchazo aquí podría acabar con sus posibilidades de alcanzar los más de 200 delegados con los que toma la delantera. Incluso una victoria podría no ser suficiente.

“Esta es una contienda dura para nosotros”, reconoció Sanders al final de su discurso. “Pero, ¿sabéis lo que pienso? Cuando miro a las miles de personas que están aquí esta noche, las miles de personas que vimos en Buffalo, en Siracusa y en Rochester... creo que tenemos una sorpresa para la élite”.

Antes de que Sanders hablase, una lista de oradores y de artistas calentó a sus seguidores. Vampire Weekend, una banda de rock que se unió a Sanders la noche anterior en el caucus de Iowa, cantó a cappella una versión de su conocida canción 'Cape Cod Kwassa Kawassa'.

Más tarde subió al escenario el actor Tim Robbins, neoyorquino de nacimiento. “Yo solía jugar en este parque. Yo protesté contra la guerra de Vietnam en este parque cuando era solo un niño, y estoy entusiasmado de veros aquí a todos. ¡A esto debe parecerse la democracia!”

Sin embargo, varios de los participantes encargados de hablar antes que Sanders también expresaron su frustración contra el proceso de primarias. La actriz Rosario Dawson provocó abucheos entre el público cuando mencionó que las primarias de Nueva York estaban cerradas, lo que significa que solo los demócratas que estuvieran registrados podrían votar a Sanders.

El director nacido en Brooklyn Spike Lee fue el que habló justo antes que Sanders. “¿Estáis cansados de que os empujen por todas partes?”, preguntó. “¿Estáis cansados de que os engañen? ¿De que hagan salvajadas con vosotros? ¿De juerguistas? ¿De golfos? ¿De sucias novatadas? Lee rió antes de dar la bienvenida al escenario a Sanders y su mujer Jane.

El mitin tuvo el espíritu de las protestas contra la guerra de los años 60 en las que Sanders participó en su juventud. Un grupo de gente joven con pegatinas de 'Bernie' en sus pómulos bailaba alrededor de un músico que rasgaba su guitarra. Los seguidores ondearon letreros hechos en casa y se unieron a los llamamientos para una revolución política. Los bolsillos de la gente olían indudablemente a marihuana.

El mensaje de su campaña ha calado hondo entre los jóvenes activistas, especialmente entre aquellos que alcanzaron la mayoría de edad durante el Occupy Wall Street. Entre ellos estaba Oscar Salazar, un chico de 20 años de Westchester, Nueva York, que llevaba una camiseta decorada con el rostro de Sanders y un cartel ofreciendo “abrazos de Bernie gratis”. Salazar contó que sus amigos le llaman “Bernie Boy” por su profunda admiración hacia el senador de Vermont.

“Nunca había entrado en política antes”, confesó Salazar. “Bernie me hizo entrar. Ahora estoy inscrito para votar y toda mi familia está registrada como demócrata. Todos votaremos en estas elecciones”.

Traducido por Cristina Armunia Berges

El director de cine Spike Lee ha dado su apoyo a la candidatura presidencial de Bernie Sanders en una cuña de radio dirigida a los votantes de Carolina del Sur, a cuatro días de las primarias demócratas en ese estado. “¡Despierta!”, se empieza oyendo en el anuncio, sobre un acompañamiento de música soul. “¡Despierta, Carolina del Sur! Soy tu colega Spike Lee. Y sé que sabes que el sistema está amañado. Durante mucho tiempo hemos dado nuestro voto a los títeres de las grandes empresas. Lo hemos vendido todo”.

El cineasta prosigue: “El 99% de los estadouonidenses ha sufrido las consecuencias de la gran recesión de 2008, y muchos están aún recuperándose. Por eso estoy apoyando oficialmente a mi hermano Bernie Sanders. Bernie no acepta dinero de grandes empresas. Nada. Lo que significa que no está en venta. Y cuando Bernie llegue a la Casa Blanca, hará lo correcto”.

“¿Cómo podemos estar seguros? Bernie estuvo en Washington en la Marcha con el doctor King. Fue detenido en Chicago por una protesta contra la segregación en las escuelas públicas. Ha luchado por la igualdad en la riqueza y en la educación a lo largo de su carrera”, defiende Lee en el anuncio.

Los afroamericanos representan más de la mitad del electorado de las primarias demócratas de Carolina del Sur. La cuña no menciona a la rival de Sanders, Hillary Clinton, que según las encuestas es la favorita tanto en el estado como a nivel nacional entre los votantes que no son blancos.

Spike Lee, neoyorquino nacido en Atlanta, es el director de Haz lo que debas, Malcolm X, Fiebre salvaje, el documental sobre el huracán Katrina When the Levees Broke y, más recientemente, Chi-Raq, una historia de amor y violencia en Chicago inspirada en Lisístrata. La cuña de radio es ligeramente diferente de un texto que ha circulado en la campaña de Sanders, en la que Lee llama a Sanders su “hombre principal” en lugar de su “hermano”.

L'avenirMia Hansen-Love

L'avenir

“No os voy a dar mi opinión sobre la política”, dice la protagonista de L'avenir a sus alumnos. Ella es profesora de filosofía en un instituto. Está casada con un maestro de filosofía. Tiene a su madre enferma. Lucha contra las nuevas pautas de enseñanza. Y está interpretada por Isabelle Huppert. Es la primera vez que la directora, Mia Hansen-Love, cuenta con una actriz de renombre para protagonizar una de sus películas.

Huppert imprime el equilibrio necesario, entre la comedia y el mal humor, a su personaje, una mujer en plena crisis que decide salir adelante por sus propios medios, de la mano de su amor por los libros y por el pensamiento. L'avenir es una de las mejores películas de la Berlinale, un relato sobre el paso del tiempo y un retrato de la intelectualidad. Se trata de un film con una importante carga política, por mucho que su personaje principal diga que no quiere hablar de ello.

Chi-raqSpike Lee

Chi-raq

Chi-raq es el nombre con el que los raperos del sur de Chicago bautizaron su ciudad. La película de Spike Lee se abre con un rap y con una serie de cifras, que señalan cómo en los últimos 15 años, los muertos en la capital de Illinois (EEUU) superan la suma de las bajas norteamericanas en las guerras de Irak y Afganistán. El director de Haz lo que debas ha hecho una película trasgresora por su argumento, que, como Lisístrata, relata la huelga sexual de un grupo de mujeres. En este caso, son las novias de los raperos de Chicago las que la llevan a cabo, hartas de la violencia que perpetúan sus parejas. No peace, no pussy, reza uno de los eslóganes de este grupo de mujeres.

Chi-raq es subversiva también en su forma, la de un musical rap, la de un delirio visual, la de la sátira política, la de un sentimentalismo exacerbado hasta la parodia. En un festival que apuesta por la diversidad, resulta curioso ver cómo la película más diferente en su lenguaje, más radical en su propuesta formal, es un film estadounidense, obra de un cineasta que, sin duda, ha hecho caso omiso a los cánones del cine hollywoodiense.

A quiet passionTerence Davies

A quiet passion

Terence Davies

En la rueda de prensa de A quiet passion, el director Terence Davies afirmó que su película no es un biopic de Emily Dickinson, que su intención no era ser fiel a los hechos. En verdad, A quiet passion se debe sobre todo a las palabras, a los versos y a la actitud vital de la poetisa norteamericana. La primera parte del film es un homenaje al verbo, que pesa, en boca de unos personajes que a menudo están recitando el texto. Es, también, el retrato de una mujer de convicciones fuertes, de una amante de la literatura que vio cómo su obra permanecía silenciada (no fue hasta después de su muerte que Dickinson gozó de pleno reconocimiento).

La segunda parte de la película muestra la decadencia física de la escritora, su encierro en la casa familiar en la que vivió, sus dificultades y su fragilidad. La entereza de Dickinson se vehicula a partir de sus palabras, cuando dice que no tiene por qué ir a la iglesia para demostrar algo a Dios o cuando insiste en que cualquier conflicto es una cuestión de género. A quiet passion representa, con permiso de L'avenir, el mejor retrato femenino que ha dado la Berlinale.

A lullaby to the sorrowful mysteryLav Diaz

A lullaby to the sorrowful mystery

La película más esperada del festival fue A lullaby to the sorrowful mystery, del filipino Lav Diaz. Sus ocho horas de duración se celebraron como un gesto de atrevimiento por parte de un festival que tuvo que hipotecar su parrilla de programación para dar cabida a la colosal obra de Diaz. Lo de colosal, sin embargo, es relativo, porque A lullaby to the sorrowful mystery se presenta mediante una puesta en escena que premia los momentos mínimos. Diaz ha realizado una película que desecha la amplitud del cuadro y que relata el deambular de sus personajes como si su film fuese una pieza de cámara.

Tras la ejecución de un líder revolucionario, un grupo de personas atraviesa un bosque, y un hombre se dispone a vengar a su compañero perdido. Ellos son los héroes de este relato en torno a la revolución filipina de finales del siglo XIX, un momento histórico que convive (y en el film de Diaz este dato no es casual) con el nacimiento del cinematógrafo.

Midnight specialJeff Nichols

Midnight special

El nombre de Jeff Nichols comenzó a estar en boca de todos con Take Shelter, un film apocalíptico en torno a la paranoia que se ha instalado en EEUU. Con Midnight special, el director regresa al género fantástico y vuelve la mirada al pasado, especialmente al cine de los 80. La historia de un padre que ha secuestrado a su propio hijo, sacándole de la secta religiosa en la que ambos vivían, le sirve a Nichols para tramar un discurso en torno a la paternidad y en torno a la fe.

De hecho, Take Shelter ya era una película sobre la capacidad de creer. En Midnight special, la creencia pasa más que nunca por el filtro del fantástico, pues el niño protagonista demuestra tener misteriosos poderes que lo convierten en alguien único. Nichols maneja con maestría la información que va transmitiendo al espectador, en un juego de pistas que, hasta el final, omite más de lo que explicita.

Spike Lee boicoteará la gala de la entrega de los Oscar 2016 en protesta por la ausencia de actores negros en la lista de candidatos por segundo año consecutivo. 

Lee recibió un Oscar honorario en una ceremonia en noviembre de 2015 por su trabajo como cineasta. Pero en un mensaje en Instagram el lunes el director de Haz lo que debas y Chi-Raq dijo que ha decidido no asistir a la entrega de premios de este año. 

“Me gustaría agradecer al presidente, Cheryl Boone Isaacs, y al consejo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas por concederme el Oscar honorario en noviembre”, escribió. “Lo agradezco de verdad. Sin embargo, mi esposa, Tonya Lewis Lee, y yo no asistiremos a la ceremonia de los Oscar en febrero. No podemos apoyar este acto, con todo el respeto para mis amigos, el presentador de la gala, Chris Rock, el productor Reggie Hudlin, el presidente Isaacs y la Academia. ¿Pero cómo es posible que por segundo año consecutivo los 20 candidatos en la categoría de actores y actrices sean blancos? Y mejor no nos fijamos en otras categorías. 40 actores blancos en dos años y nadie de color oscuro. ¿No sabemos actuar? WTF!!”.

No está claro si era la respuesta de Lee a la sugerencia de Jada Pinkett Smith en Twitter el sábado de que un boicot de los Oscar por los actores de minorías étnicas estaría justificado. “En los Oscar... la gente de color es siempre bienvenida para entregar premios..., incluso para dar espectáculo”, escribió Pinkett Smith. “Pero raramente se reconocen sus méritos artísticos. ¿Debería la gente de color negarse a asistir? Sólo nos tratarán de la forma que permitamos. Con todo el respeto mientras siento una profunda decepción”. 

Chi-Raq, de Spike Lee, una comedia musical bien recibida por la crítica sobre una mujer que convoca una huelga de relaciones sexuales para protestar contra la violencia entre negros en Chicago, no pudo conseguir candidaturas en los Oscar a pesar de la campaña publicitaria del estudio, Amazon. Pinkett Smith está casada con el actor Will Smith, que se quedó sin candidatura a mejor actor por su papel en la película Concussion.

Otras ausencias en la lista de los candidatos a los Oscar incluyen al actor británico Idris Elba, del que muchos esperaban que sería candidato a mejor actor de reparto por su papel como señor de la guerra africano en el drama de Netflix Beasts of No Nation después de ser nominado en los Globos de Oro y en los premios del Sindicato de Actores, Benicio del Toro por Sicario, y Michael B Jordan por Creed.

Además, Will Packer, productor de Straight Outta Compton, describió la lista de los Oscar 2016 como “vergonzosa” en un largo mensaje en Facebook, después de que la única candidatura para la película fuera para sus guionistas blancos Jonathan Herman y Andrea Berloff. Boone Isaacs ha definido como “decepcionante” la ausencia de actores de minorías étnicas, que ha sido destacada por los usuarios de Twitter con el hashtag #Oscarssowhite.