La primera vez que Sebastião Salgado tomó una cámara entre sus manos fue en 1970. Desde entonces, el fotógrafo la convirtió en un arma contra las injusticias sociales, retratando a través de ella un mundo bello, oscuro, complicado y difícil. Su fallecimiento a los 81 años sirve para recordar la memorable trayectoria del fotorreportero brasileño.

La defensa en 'Génesis' del 46% del planeta todavía virgen

Pingüinos barbijos en un iceberg situado entre Zavodovski y las islas Visokoi, en el archipielago de Sandwich

Las Anavilhanas, islas boscosas del río Negro. Estado de Amazonas, Brasil, 2009

Chamán yanomami realiza un ritual antes de la subida al Pico da Neblina. Estado de Amazonas, Brasil, 2014

Mujer joven asháninka. Estado de Acre, Brasil, 2016

Familia asháninka. Estado de Acre, Brasil, 2016

Mujer indígena yawanawá. Estado de Acre, Brasil, 2016

Mujeres jóvenes suruwahá. Estado de Amazonas, Brasil, 2017

Río Jutaí. Estado de Amazonas, Brasil, 2017

Familia korubo. Estado de Amazonas, Brasil, 2017

Monte Roraima. Estado de Roraima, Brasil, 2018

Río Negro. Estado de Amazonas, Brasil, 2019

Archipiélago fluvial de Mariuá, río Negro. Estado de Amazonas, Brasil, 2019

Indígenas marubo, valle del Yavarí. Estado de Amazonas, Brasil, 1998

Iceberg entre la Isla Paulet y las Islas Shetland del Sur, en el Mar de Weddell. Península Antártica. Enero y febrero de 2005

Región oriental de la cordillera de Brooks. Refugio Nacional de la Fauna y la Flora del Ártico. Alaska

Las ballenas francas australes (Eubalaena australis), atraídas a la Península de Valdés por el resguardo que brindan sus dos golfos, el de San José y el Nuevo. Península de Valdés. Argentina. 2004

Las mujeres Mursi y Surma son las últimas en el mundo en llevar platos labiales. Pueblo Mursi de Dargui en el Parque Nacional Mago, cerca de Jinka. Etiopía. Septiembre y octubre de 2007

El fotógrafo franco-brasileño Sebastião Salgado ha fallecido a los 81 años, ha anunciado la Academia de Bellas Artes francesa, institución a la que perteneció desde 2016 y que lo ha definido en su comunicado como “gran testigo de la condición humana y del estado del planeta”.

Salgado, famoso por sus exposiciones de gran formato, estuvo hace 5 meses en Barcelona presentando Amazonia, una muestra con fotografías de distintos periodos de su carrera en las que retrata tanto a los habitantes indígenas de la cuenca amazónica brasileña como los grandes paisajes de esta vasta extensión de selva y agua.

Con una gran presencia física debido a su estatura y su prominente fisionomía, Salgado explico en aquella ocasión de un modo sumamente sugerente, usando sus dotes de gran comunicador, la importancia del territorio amazónico. Como gran activista por la preservación de la zona, pidió a los periodistas que dieran voz a sus advertencias contra el tratado de libre comercio entre la UE y América latina. En aquel momento, tras aquellas palabras parecía un titán indestructible, aunque por los cuidados de su esposa Leila Wanick se presentía que su salud no era tan buena como su aspecto físico y su elocuencia narrativa.

Salgado había recibido en vida prestigiosos galardones como el Príncipe de Asturias 1998 y el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad y fue protagonista del documental nominado al Oscar La Sal de la Tierra, de Wim Wenders, sobre sus periplos a lugares recónditos como el Círculo Polar Ártico y Papúa Nueva Guinea, que alimentaron su libro Génesis de 2013. Todos estos galardones y la popularidad de la cinta de Wenders le elevaron a la categoría de artista global.

Economista antes de que fotógrafo

Hijo de una familia prominente del estado brasileño de Minas Gerais, Sebastião Salgado estudió economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Vanderbilt (Estados Unidos). En 1968 logró el máster en economía y se mudó a París, ciudad en la que vivió entre los años 1969 y 1971 y en la que obtuvo el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica.

Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café) hasta 1973, pero decide pronto que aquella vida no le motiva y optar por centrarse profesionalmente en la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y como un aficionado.

Aun así, comenzó trabajando para la agencia Gamma, con sede en París, para en 1979 unirse a Magnum Photos, agencia para en la que permaneció hasta 1994, año en que se decide a formar su propia agencia, Amazonas Images, en París con el objetivo de poder presentar su obra.

Fotógrafo socio-documental

A partir de 1994, comienza a desarrollar sus propios proyectos, muchos de los cuales implicaban un gran despliegue técnico y humano, ya que suponían viajes a zonas alejadas y totalmente vírgenes y sin infraestructuras. Retrató así la cuenca amazónica, pero también Papúa Nueva Guinea o el Ártico, siempre a medio camino entre las artes, la aventura y la denuncia social.

Así, Salgado pertenece a la tradición de la fotografía socio-documental, donde destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza, zonas que fue conociendo en su etapa como economista de la patronal mundial cafetera. Salgado abogaba por la defensa de la raza humana como un solo conjunto ligado por la solidaridad y el cuidado del medio ambiente. En 2001 llegó a ser nominado representante especial de Unicef por su labor.

Sus proyectos se caracterizaron siempre por su larga duración, y muchos de ellos acabaron siendo publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas seguramente sean las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil, con mineros (garimpeiros) en condiciones infernales, con el rostro y el resto del cuerpo cubierto de polvo y lodo. Un rasgo característico de su obra, por otro lado, es que es casi exclusivamente en blanco y negro y realizada con una cámara Leica.

En junio de 2007 hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público. Recientemente había promocionado por distintas ciudades del mundo su exposición Amazonia, una suerte de antología de sus trabajos en la cuenca del Amazonas con imágenes de gran formato y un lujoso libro, que se vendía a precio elevado.

Barcelona fue uno de los últimos lugares que le vio defender su compromiso con los más desfavorecidos y con la Amazonia, la tierra que siempre amó y donde fundó junto a su esposa, fiel compañera y consejera desde la juventud, el Instituto Terra. Se trata de una gran haciende de 710 hectáreas en la que Salgado y Wanik han recuperado más de 297 especies de árboles nativos y ha acogido de manera natural a diversos animales. Hoy en día el Instituto Terra es un foco permanente de difusión por la conservación del planeta. 

A partir de este martes podrá verse en el espacio La Capella de Barcelona la exposición Caca banal, una videoinstalación creada por el artista Daniel Moreno Roldán (Barcelona, 1990) en la que muestra, en una treintena de pantallas insertadas en antiguos televisores portátiles analógicos, la colección de memes que ha ido recogiendo y atesorando a lo largo de su vida como nativo digital.

Las imágenes, principalmente montajes burdos que se incluyen en lo que en las redes se denomina como shitposting, están presididas por un panel de tamaño mucho mayor donde Moreno expone las animaciones que él mismo ha creado, en formato y lenguaje de meme, para guiarnos a través de una serie de reflexiones sobre este tipo de contenidos, altamente virales y muchas veces despreciados por su superficialidad y falta de elaboración, pero cuya repercusión ha trascendido en ocasiones a internet para impactar directamente en la política mundial.

Así ocurrió, por ejemplo, con Pepe the frog, un meme del que se apropió la derecha alternativa estadounidense que apoyó a Trump en 2016. En Caca banal, sin embargo, el artista expresa su clara intención de reconquistar el uso de estos montajes con los 322 memes expuestos y clasificados por sus posibilidades expresivas tanto para la política como para el arte e incluso la comunicación comercial.

“Nací en los 90, así que he mamado internet toda mi vida y he crecido viendo memes”, explica este artista, que estudió Bellas Artes y asegura que desde su época universitaria tiene “un conflicto personal con el mundo actual del arte contemporáneo y sus códigos”, los cuales le parecen “elitistas”. Es por ello, explica, que Moreno empezó a valorar los memes que iba recogiendo de su actividad en redes, foros y grupos de mensajería, como objetos artísticos.

“Había muchos memes que me parecían ingeniosos e interesantes más allá de la broma y vi que podían tener un sentido político o artístico”, añade el artista, que finalmente decidió reunirlos en un solo montaje. Ahora la instalación puede verse en La Capella con los memes distribuidos en la treintena de televisores analógicos y un panel con las animaciones de fondo.

'Shitposting', ¿arte u ocurrencia de barra de bar?

El shitposting (del inglés shit, mierda; y posting, publicar) es un concepto utilizado en internet para referirse a la acción de lanzar a propósito en redes sociales contenidos de baja calidad, a veces absurdos u ofensivos, y sobre todo pretendidamente graciosos aunque en realidad de dudoso gusto e irrelevante. En este “lenguaje” –tal como lo define Moreno– de vocación feísta son abundantes los errores ortográficos o gramaticales y los formatos de pantalla propios del teléfono móvil, así como los chistes burdos.

Un ejemplo de shitposting son los montajes con gatitos o bebés, los extraterrestres, los chihuahua bailarines o los cachorros que nos miran con pena. También las frases del tipo “emosio engañado” y similares, o personajes de cómic transmutados en políticos, como la rana Pepe convertida en Trump, la ardilla de Alvise o el Perro Sanxe, en referencia al presidente español.

“El shitposting viene a ser como las ocurrencias de conversaciones de barra de bar, pero llevadas al mundo digital de los grupos de WhatsApp, Instagram y TikTok”, apunta el antropólogo y novelista Víctor Balcells, que ha escrito el folleto de presentación de la muestra.

Para Balcells, quien, como Moreno, reivindica la arqueología internáutica respecto a este tipo de creaciones, el valor del shitposting reside en su elemento espontáneo y popular, sin más pretensiones que las de resultar memes graciosos o de provocar al pensamiento predominante. En este sentido, el escritor no lo ve como un lenguaje en sí, sino como una recopilación de cultura popular, aunque sí le reconoce una vocación contestataria por “su tendencia de inclinarse hacia la incorrección política”.

Piensa distinto Ezequiel Soriano, que además de artista es doctor en Humanidades y Comunicación por la UOC, con una tesis titulada La razón incorpórea del folklore digital. Una etnografía sobre la construcción de valor y sentido en los memes de Internet, en la que estudia la esencia comunicacional del shitposting. “Yo creo que más que un lenguaje es una manera de estar en internet, una actitud”, dice. Soriano explica que, a su juicio, la cultura del meme, más allá de “la tendencia al troleo y la impostura” y engarza con una visión de la cultura en internet que fue mayoritaria antes del auge de las redes sociales.

“A mí lo que me interesa del shitposting es cómo se ordena la creatividad en los memes y cómo estas creaciones muchas veces se sustentan en otras ideas de propiedad intelectual”, explica este estudioso. Se refiere, aclara, a “cómo se entiende la creación ya no basada en la originalidad, sino en la copia; no en la idea de trascendencia, sino en una idea más inmanente del aquí y el ahora; y tampoco en una idea de autoría individual, sino de autoría colectiva”.

Colectivos de 'shitposting', reivindicando el género

Soriano califica de arte al shitposting y lo reivindica como una alternativa a los modelos de producción artística actuales, en los que la propiedad intelectual es un objeto de mercantilización comercial por parte de un solo artista. De todas formas, Balcells también especula con la idea de que “algún día veremos un shitposter con obra en los museos”, no tanto en el sentido de autor único de la obra como por el reconocimiento de la dimensión artística de este tipo de memes.

En realidad, los productores de shitposting , que comulgan con la filosofía que apunta Soriano, se organizan en colectivos donde se crean, se recogen, se valoran, se mejoran y se cuelgan en sus páginas los memes. Uno de ellos, que tiene presencia con sus aportaciones en los laterales del espacio que ocupa Caca banal, complementando la instalación de Daniel Moreno, es Atractive Smithers, un grupo catalán que se dedica a la producción de shitposting con intenciones tanto artísticas como de activismo social desde la izquierda.

“Nos hicimos populares con un conjunto de memes sobre las opiniones que se vertían sobre Ada Colau desde la derecha”, explica un representante de este colectivo, que no desea que su nombre aparezca para que no se diluya la representatividad del grupo. Esta fuente, que si bien defiende el shitposting no solo como arma política sino también “para abrir los debates sociales más variados”, sí cree que el meme constituye una fuente de numerosas expresiones artísticas.

“Nosotros los compartimos, los creamos en nuestros grupos de Whatsapp y finalmente subimos a nuestras páginas los más populares”, apunta. Cita como ejemplo al grupo musical Els cundits, cuyos miembros también pertenecen a Atractive Smithers y realizan videos con composiciones de rap y trap en las que aparecen numerosos memes mientras las mismas letras, en un anhelo casi dadaísta, describen los memes que van apareciendo.

Por otro lado, aunque adicionalmente el shitposting ya se usa como lenguaje de comunicación comercial –Moreno apunta en esa línea a que marcas como MediaMarkt o Kentuky Fried Chikend (KFC) utilizan la clave del meme en sus campañas de marketing–, desde Atractive Smithers creen que son “campañas sin gracia y con memes muy vacíos y un tanto vergonzantes”.

Por su parte Soriano, que detecta este rechazo de los colectivos a la utilización profesional del meme, lo ve como decir: “Somos jóvenes, estamos conectando con estos nuevos lenguajes”, pero sin disimular que “las estructuras son las mismas y los objetivos de venta son los mismos de siempre”.

De 4Chan a Steve Bannon, liberar el 'shitposting' del ultraderechismo

Explica Moreno en la presentación de Caca banal que el origen del shitposting está en un sitio web tan legendario como polémico por su defensa acérrima de la libertad de expresión: 4Chan. En sus foros nacieron este tipo de memes ácratas, iconoclastas, aparentemente estúpidos y banales pero sobre todo plagados de incorrecciones políticas. “Eran una contestación a la corrección imperante”, apunta Soriano, que destaca que no tuvieron signo político hasta que el asesor de Trump Steve Bannon detectó su potencial mediático para los mensajes del futuro presidente.

“Bannon vio en los memes una gran arma para su batalla cultural”, sostiene Soriano, que apunta a que el origen del término shitposting podría estar en la indicación que Bannon da a los internautas de la alt-right: “Let's flood the zone with shit” (Vamos a inundar la zona de mierda). A partir de entonces, explica, el uso del meme se ha extendido a todos los grupos de la extrema derecha global.

Observa Moreno en su videoinstalación que el motivo desenfadado y en apariencia inocente del meme puede invitar, si se usa con mala fe, a banalizar y relativizar ideas como las que componen el fascismo. En consecuencia, tanto él como Soriano, y el resto de los entrevistados para este reportaje, juzgan fundamental recuperar el shitposting para la batalla mediática progresista.

Así lo pone en práctica la podcaster Estela Ortiz, que realizará desde La Capella una emisión en directo de contenido shitposting junto a otro colectivo shitposter, el Proyecto Una, como actividad complementaria a Caca banal. “No sé muy bien de qué vamos a hablar”, explica Ortiz, que aduce que “llenar un espacio con contenido meme va a ser todo un reto”.

Ahora bien, es clara a la hora de reclamar la recuperación del shitposting para el activismo progresista: “El tema es que el shitposting se enmarca en unas redes sociales que tienen algoritmos que tienden a visibilizar y radicalizar el discurso del usuario”. Recalca seguidamente: “Es una herramienta que utilizan tanto desde la izquierda como desde la derecha, aunque la derecha dice que en la izquierda no sabemos hacer memes, pero yo no estoy de acuerdo con eso”.

Pone con ejemplo su serie de Instagram El hombre vs el oso, en la que a base de memes plantea qué le gustaría más a una mujer encontrarse en un bosque, un hombre o un oso. “Este trend [meme, tendencia] ha servido para abrir multitud de debates y compartir muchas experiencias, no solo entre mujeres, sino también de otros colectivos oprimidos”, concluye la podcaster.

Inicio del Sónar 2024 de buena mañana en el recinto de la Feria de Montjuic, en Barcelona, poniendo todo el foco en la inteligencia artificial (IA) y todos los retos que implica para los creadores y artistas. Acreditaciones, café y reunión de periodistas y creadores en torno al debate inaugural, en Sonar Àgora, una sala cercana a la entrada de acreditaciones donde se desarrollarán la mayoría de debates y conferencias, junto a algunas performance.

El festival ha querido entrar de lleno en el tsunami que puede suponer la IA en nuestras vidas, especialmente si vivimos de generar contenidos, en este caso musicales y artísticos. Para ello ha organizado numerosos debates al respecto, pero también ha querido que su sección Project Area, donde reúne en cada edición diferentes iniciativas, tanto de arte como de investigación científica y música digital, cuente con propuestas que contemplen o utilicen directamente esta tecnología.

Ya en el apartado musical, cabe destacar las actuaciones de Olof Dreijer y Diva Cruz, Toya Delazy, Sevdaliza, Aïza Devi y el productor italiano Folamour entre otros, en una primera jornada que no cuenta con Sónar de Noche, que se celebra en el recinto ferial de Gran Vía, a tres kilómetros de distancia.

Generando pánico?

El título del debate inaugural lo decía todo: Generating Panic? Referencias claras al arte y la música generativa, es decir ayudada, o completamente realizada con herramientas de AI. La interrogante final es realmente el eje de la conferencia: ¿es la inteligencia artificial un peligro inminente para los creadores y sus derechos? Para Eduard Alarcon, profesor de Ingeniería Electrónica de la UPC y moderador del debate junto con Antònia Folguera, directora del Sónar+D, “la IA es una herramienta ambivalente, un arma de doble filo que puede ser muy útil pero también peligrosa para el gremio”.

Folguera, por su parte, ha destacado la audacia de muchos artistas en el uso de la IA, pero también ha resaltado que viene a ser “una caja negra que puede escapar a su control”. Una visión distinta ha ofrecido Rebecca Fiebrink, profesora de Informática Creativa en la University of the Arts London, para quien la IA no tiene por qué ser necesariamente peligrosa o dañina. Ha puesto el ejemplo de algunos programas generativos de música por IA que están ayudando a los profesores de música a vincular a los alumnos con la materia de un modo muy positivo.

También Artur García, investigador del Barcelona Supercomputing Center (BSC), quiso relativizar los miedos. “No vamos a poner bombas nucleares en manos de la IA, así que no creo que hablar de pánico sea lo correcto” ironizo respecto al nombre del debate. También opinó que “la gente cree que las tecnologías tienen un crecimiento exponencial, y esto se piensa de la IA, pero realmente los que trabajamos en computación sabemos que los progresos son mucho más lentos”.

Por su parte, la periodista Marta Peirano, que suele escribir advirtiendo de los peligros de la tecnología relacionada con los intereses del capitalismo, quiso dejar claro desde un principio que el peligro no es la tecnología (la IA) en sí sino la industria que hay detrás de ella. “Los modelos de IA existentes no son un producto sino un servicio que te da respuestas a preguntas, y tu crees que lo usas pero en realidad te usa él sacándote información”. A este respecto los ha comparado con las actitudes polémicas de Google y otras grandes corporaciones digitales.

Peirano también se mostró refractaria respecto la extensión de las aplicaciones de IA: “lo que hace la IA es recolectar palabras y asignarles números para luego combinar eso números”, dijo y señaló que en este sentido: “no tienen contacto con la realidad humana, sus respuestas son simplemente del mundo ideal de las matemáticas”.

IA en la Project Area

Además de en los debates y conferencias, la IA manda también entre las empresas e iniciativas que este año se presentan en el área de proyectos del festival. Cris Checa, comisaria de la llamada Project Area, explica que “organizamos un buzón abierto para que la gente de todo el mundo nos mandara sus propuestas, y se llenó en poco tiempo con iniciativas tanto privadas como de escuelas y universidades de países tan diversos como Dinamarca, Corea o EEUU”.

Seleccionaron una parte de las propuestas presentadas y reservaron una parte para las iniciativas que ellos deseaban que estuvieran presentes, procurando que “50% de las iniciativas presentadas fueran locales”. Las hay que juegan con el arte generativo, como el Museo de Arte Generativo, una organización sin ánimo de lucro que alberga obras generadas por distintas tecnologías de programación y las aloja en un edificio virtual que se encuentra en el metaverso.

“Cada tres meses cambiamos de exposición y vendemos algunas de las obras generadas, que se entregan a la persona compradora en tecnología digital NFT”, explica Xavier Hernández, ingeniero de telecomunicaciones y uno de sus fundadores. Aseguran que el dinero conseguido va destinado en su integridad al mantenimiento de las obras. “Se precisa de ordenadores muy potentes y costosos para mantener el museo”, añade Hernández.

También el Barcelona Supercomputing Center (BSC) presenta algunos de sus proyectos realizados junto a artistas en los que emplea inteligencia artificial. Uno de ellos es el del italiano Filippo Nassetti, llamado Breathing Architecture y que utiliza patrones de estructuras pulmonares cedidos por hospitales para estudiar cómo se ensancha este órgano. Nassetti asegura que “la estructura que genera a partir de los datos la IA puede servir en el diseño de productos”.

Otro proyecto del BSC es Electric Atmospheres, en colaboración con Richard Vijgen, en el que se construyen mapas de interferencias electromagnéticas en ámbitos urbanos a través de la IA, para luego estudiar la instalación de antenas de telecomunicaciones. Y finalmente un tercer proyecto es Impossible Larynx, que trabaja con la voz de la cantante Maria Arnal para a partir de IA concebir la estructura de su laringe. La idea es luego ver cómo las modificaciones en el ordenador de esa estructura generan distintas voces artificiales.

Tecno y ritmos africanos

En el plano musical las ofertas han sido en la primera jornada ricas y variadas, destacando las actuaciones que tuvieron lugar en el escenario principal, como la del productor y disc jockey sueco Olof Dreijer, que junto a la percusionista de origen colombiano Diva Cruz organizaron una sesión memorable que a ratos parecía un duelo entre las habilidades el sueco con los sintetizadores y la capacidad rítmica de la colombiana, que trajo los mejores ritmos afro de su país.

Fue una sesión que navegó entre los aromas de los trabajos de Frederic Galliano y las alucinaciones sonoras de Bill Laswell en el disco Imaginary Cuba, pero que supo también mantener el ritmo festivo que todo evento afroadescendiente debe mantener para lograr su éxito. Al éxtasis de de Dreijer y Cruz le sucedió el terremoto de la rapera zulú sudafricana Toya Delazy, que trajo su peculiar estilo, que ella misma ha bautizado como afrorave.

Consiste en una mezcla de drum'n'brass, jungle, dancehall y otros ritmos urderground de la noche londinense que habita Delazy en los últimos años. A base de ritmo, descaro y un sonido que parecía una sala de pachinko de Tokio transportada a Johanesburgo, se ganó al público, que se mantuvo fiel durante los 40 minutos de potente concierto.

Paralelamente a la exhibición de energía de la sudafricana, tuvieron lugar otros conciertos más intimistas y brumosos, como el de la artista iraní Sevdaliza, un icono LGTBI que emplea en sus canciones desde el trip-hop al r&b o el tecno más industrial para sus exuberantes actuaciones, en las que tanto puede recordar al Marc Almond más oscuro como a los himnos de las divas de la música disco.

Y una mención especial merecen dos actuaciones que se situaron más cerca de la performance que de la música propiamente dicha. La primera es la que desarrollaron la artista digital canadiense Myriam Bleau y la coreógrafa también canadiense de origen taiwanés Nien Tzu Weng. Ambas desarrollaron una especie de diálogo hipnótico a oscuras entre ellas y entre distintos soportes con diodos LED que se activaban al contacto de sus dedos.

Por otro lado, la artista, productora y vocalista suiza Aïsha Devi desarrolló una peculiar sinfonía sonora sintetizadores y ordenador en la que jugó con sonidos que iban desde el metal industrial a las nieblas del trip-hop más portuario. Su perfomrance se vio acompañada del montaje del escenógrafo Emmanuel Biard: un alucinante decorado de telas estampadas que resaltaban sus colores con la iluminación ambiental.

Cerró la noche de la primer jornada el disc jockey francés Fulamour, considerado uno de los mejores productores de house de su país y acaso de toda Europa continental. Ofició de demiurgo para la sesión final, con el público ya bien macerado en alcoholes y sustancias varias, presto a bailar los ritmos de soul, funk, cumbia y afrobeat que el galo propuso.

Todo empezó con unas estadísticas: solo un 1% de las agencias creativas están dirigidas por mujeres o personas no binarias. Demasiado poco para un sector en el que precisamente abundan las profesionales. Los números hicieron saltar la alarma de Jessica Walsh, diseñadora, directora de arte, ilustradora y educadora estadounidense que decidió crear una iniciativa sin ánimo de lucro precisamente para invertir la tendencia. Hoy esa iniciativa, llamada Ladies, wine & design, suma acciones en 285 ciudades de todo el mundo, y Sevilla ha vuelto a participar en ella este fin de semana en el marco del Festival Offf.

Allí se dieron cita la diseñadora onubense Granada Barrero, cabeza visible de Ladies, wine & design en Andalucía, y sus colegas granadinas del Colectivo Verbena, Susana Aguilera y Enka Corrales. Barrero explica que hace unos años, cuando era presidenta de la Asociación Andaluza de Diseñadores, pensó que sería buena idea llevar el espíritu de Walsh a tierras sureñas, y desde hace tres años concurre regularmente en el Offf. “La realidad actual es que un 70% del alumnado en las escuelas de diseño son mujeres, pero solo el 11% tienen perfiles de CEO. Queremos que tengan un ejemplo a seguir, y que no vuelva a pasar lo de antaño, donde era posible que yo me viera como la única ponente mujer en un festival de tres días”, comenta.

Sus compañeras asienten: “En mis clases de Bellas Artes, las mujeres llegábamos al 80%”, apunta Aguilera. “Solo se nos enseñaban referentes masculinos. Las mujeres estaban siempre a la sombra de los hombres, lo que trabajaban lo firmaban ellos. Hay mucha arqueología que hacer ahí, pero creo que las escuelas se están poniendo las pilas y rescatando perfiles y hablando de retos y dificultades”.

Modelos democráticos

Ese camino está ya iniciado con proyectos como Referentas de Amanda Lázaro, pero no se queda solo en el rescate de nombres valiosos. Para Barrero, la evolución que el feminismo está experimentando en los últimos años “está generando una nueva manera de liderar, que no replica el modelo patriarcal que conocíamos. Está cambiando todo a base de empatía”.

“Nosotras en Verbena funcionamos como cooperativa”, agregan Aguilera y Corrales. “Creemos en un modelo democrático. Cuando perteneces a una minoría oprimida o sientes en tus carnes la discriminación, eres más sensible a estas cosas. Que todo sea consensuado y que cada persona valga lo mismo que la que tiene al lado es un valor feminista”.

Corrales recuerda que, cuando el colectivo echó a andar, lo primero fue redactar “un manifiesto que era como una carta a los Reyes Magos. ¿Cómo te gustaría que fuera tu trabajo? ¿No tener jefes, no tener presiones, pasarlo bien en él, conciliar…? ¿Tener horarios flexibles? No éramos tan conscientes de que se podía hacer todo”. Para Aguilera, parte del inmovilismo del modelo empresarial pasa por “la desconfianza: hacia los empleados, hacia el teletrabajo… Lo más bonito que podemos regalar a las nuevas generaciones es la demostración de que las cosas pueden hacerse de otra manera”.

Liderazgo no autoritario

Porque lo cierto, aseveran todas, es que la incorporación de las mujeres a puestos de responsabilidad ha supuesto a menudo la reproducción de los vicios del modelo masculino de trabajo o de éxito. Barrero asegura que “he tenido situaciones en las que se ha dudado de mi liderazgo por no ejercerlo de manera autoritaria. Se me recriminaba que no era lo bastante fuerte, pero a lo mejor he hecho crecer esa organización no solo en números, sino también en bienestar de las personas que la integran”.

Para Corrales, hay una clave en torno a los cuidados y los autocuidados. “Sentirse bien es beneficioso para todos, y si estar con la familia o ir al gimnasio te hace falta para ello, tienes que hacerlo. Como expresar lo que nos pasa. Nosotras celebramos una reunión trimestral que llamamos Mondongo, donde hablamos de nuestros estados de ánimo, unas de forma más expresiva y otras más retraída, pero eso es darle valor al equipo”.

Todo ello tiene que ver con el vino del nombre Ladies, wine & design, una idea de charla natural en la que, por cierto, no se trata de contar lo bien que le va a todo el mundo. “Esas reuniones en las que todos alardean de éxito pueden ser muy frustrantes para quien empieza”, interviene Corrales. “No siempre puedes decir que todo te va increíble. Y se puede aprender mucho de aquel a quien no le va tan bien”.

Fe en la gente joven

Por otro lado, las tres participantes del Offf son conscientes de que la inclusión de las personas no binarias en el proyecto no está a salvo de la controversia en el debate actual del feminismo. “Nos gustaría mostrar más diversidad, pero los estudios no suelen expresar sus valores al respecto, o las personas que los componen. Es un tema delicado”, admite Barrero, mientras que Corrales ve positivo el debate: “Si hoy soy mujer y por lo que sea mañana me siento hombre y mi estudio es todo de mujeres, ¿cómo hacemos? Lo cierto es que estamos en el camino de que las cosas cambien y de construir en función de las personas que no tienen que encasillarse en algo”.

En este sentido, muestran una fe absoluta “en la gente joven. Estamos aquí para escucharla”, dice Aguilera, quien celebra que “si hemos logrado crear un sitio acogedor e inclusivo, como nos han hecho saber algunas becarias, algo estamos haciendo bien. Y esa gente me da una esperanza total, son mucho más libres y empoderadas que nuestra generación”.

“Los cambios van a su ritmo, pero siento que todavía se pueden acelerar mucho más y romper más trabas culturales”, concluye Barrero.  “Estas chicas nuevas son herederas de la pandemia, tienen por delante un mercado laboral muy complejo, no están para tonterías y reivindican lo suyo”.

¿Ha llegado ya la Inteligencia Artificial al mundo del cómic? ¿De qué forma se han abordado los universos virtuales desde el considerado ‘noveno arte’? ¿Podrán ser tan inteligentes los personajes de las viñetas hasta tal punto de cobrar vida? Algunas de estas cuestiones pone sobre la mesa MetarGenX, el espacio de realidad virtual que aborda el metaverso y la IA dentro del cómic.

“Se trata de un experimento interesante que combina arte en un espacio virtual como una alternativa a las galerías físicas”, explica el artista y fundador de ArtFutura, la muestra de arte y creatividad digital Montxo Algora a elDiario.es durante la presentación ante los medios este viernes en una de las tiendas Generación X de Madrid. Además hace hincapié en que se trata “de un proyecto más indie, porque no tiene un nivel masivo”, pero que a diferencia de otros cuenta “con una libertad creativa interesante”. Por su parte, Miguel Ángel Martín, dibujante y guionista de cómics, prosigue la estela de Entrialgo al considerar que han hecho “un metaverso indie” y que el objetivo es “atraer un público que le interese el arte” y que pueda “interactuar con el propio artista u otros lectores de cómics”.

Son cuatro los espacios virtuales multiusuario que componen MetarGenX. En ellos se conjuga realidad virtual, recreaciones gráficas y las obras de los artistas mencionados. Sin embargo, no se trata solo de una mera exposición, ya que algunas piezas en 2D y 3D de los propios historietistas están a la venta, junto con sus cómics y merchandising elaborado con IA para los más aficionados. La cuestión técnica es “tener una plataforma de metaverso propia” sin depender de terceros, incorporar artistas de nuevas generaciones y seguir creando universos virtuales.

Cabe destacar que los asistentes podrán entrar con gafas de realidad virtual para poder sumergirse al entorno tridimensional de MetartGenX. Tres serán los sistemas (PC VR, Meta Quest y Pico) de gafas diseñados por la empresa Cyberiada Innovación. Uno de los principales objetivos que se persigue es brindar una exploración de las nuevas o futuras narrativas del cómic, plasmar un repaso temporal desde el arte en el paleolítico hasta la actualidad o la recreación de mundos imaginarios. En definitiva, reflejar que “el arte del siglo XXI es interactivo y digital”, tal y como expresaron en rueda de prensa.

Los artistas en el metaverso del cómic 

Si se están preguntado a qué llaman ‘metaverso’, simplemente es un término que viene de una novela de ciencia ficción titulada Snow Crash (1992), de Neil Stephenson. Sin embargo, se ha utilizado para describir espacios tridimensionales virtuales. En este caso, el llamado ‘metaverso del cómic’ viene a ser un mundo virtual sujeto a la interacción entre los artistas y aficionados. Antes de la aceleración de la IA, en 2021 se hablaba del metaverso en el que trabaja la compañía matriz de Facebook, Meta, bajo la pregunta de si sería el futuro o una nueva burbuja de internet. En 2022 no existía pero las marcas ya registraban sus espacios. En 2023, la IA se ha comido todas las miradas hacia el futuro aunque Apple ha presentado sus gafas, competencia de las de Oculus Quest de Meta, que ya van por la versión tres.

Ahora bien, dentro de este nuevo metaverso alternativo creado en España, cada artista ocupará un espacio. Hay dos estancias principales en la entrada (Hall de acceso y Atrio) inspirados en la cultura oriental antigua. En los cuatro espacios dedicados a los artistas se podrán conseguir sus obras emblemáticas. En primer lugar, el toque transgresor lo pone Miguel Ángel Martín cuya obra está ligada a la tecnología. Una apuesta rompedora y visionaria representada en un apartamento loft icónico con vistas 3D de las ciudades que el artista dibuja en sus obras. 

Por su parte, el grupo Aviador Dro irrumpe con Mecanisburgo, ciudad ficticia y nombre de unos de sus álbumes, proponiendo una travesía futurista basada en una plataforma que conduce a un rascacielos con vistas panorámicas. Mauro Entrialgo despliega su Metabase Entrialgo, una estación planetaria con imágenes y personajes del llamado ‘Universo Entrialgo’. Los espacios virtuales de Aviador Dro y Entrialgo incluyen cortes de su música. Por último, Montxo Algora expone una galería donde reúne su cosmos de los primeros años 80. 

MetartGenX propone un viaje a otras dimensiones virtuales. Afirman que quieren ser “la parte indie del metaverso” y alejarse “del estándar impuesto por los videojuegos”. Los exponentes del cómic que participan en la exposición tiran de narrativas futuristas para crear lo que creen que será “un nuevo paradigma”. “Hay que visitar la exposición, porque es una experiencia única para conocer artistas pioneros en estas lides, poder adquirir una parte de su obra si se quiere o simplemente realizar, en función museística, un recorrido en una galería de artistas independientes”, concluye Aviador Dro.

La sexta edición del Festival Internacional OFFF Sevilla, del 14 al 16 de diciembre de 2023, presenta varias novedades, como la nueva sede en el Monasterio de la Cartuja junto a la Real Fábrica de Artillería. Este evento puntero en creatividad, diseño y cultura digital también ofrecerá más actividades gratuitas para el público general.

Explorando campos como nuevos medios, Inteligencia Artificial, arte inmersivo, así como los últimos avances en motion graphics, 3D, VFX y CGI, OFFF Sevilla 2023 contará con la participación de destacados artistas de todo el mundo. Entre ellos, se encuentran el compositor y productor musical finlandés Tero Heikkinen, la dupla creativa David Cordero y Dormida, y el “all stars” de la música electrónica local, Krewmachine.

Bajo el lema 'Made for the curious', el festival se llevará a cabo en la Real Fábrica de Artillería y se extenderá al nuevo Centro Magallanes de Industrias Culturales y Creativas, ofreciendo también experiencias gastronómicas locales a los asistentes.

OFFF Sevilla 2023 mantiene tradiciones como Ladies, Wine & Design, con la participación de destacadas artistas como Jessica Walsh, fundadora de esta iniciativa inclusiva. El evento, organizado por la Asociación Cultural Agostadero, cuenta con el respaldo del Ayuntamiento de Sevilla y la Junta de Andalucía.

Recordarás el icónico principio de la película ‘Matrix’ (Wachowski, 1999), donde una cortina de símbolos nos adentraba en un mundo de imágenes y voces sintéticas. Un entorno tan creíble y realista donde nada podía delatar a quienes lo habitaban que era irreal, a excepción, tal vez, de algunos fallos que se manifestaban en forma de ‘deja vú’. 

‘Ya sé kung-fu’ es el nombre con el que se conoce la escena en la que Neo, el protagonista de ‘Matrix’, pasa de un instante a otro a conocer las reglas y los movimientos de ese arte marcial gracias a la precarga de un modelo informático en su sistema, algo así como una IA de kung-fu. 

Como Neo, ahora tú también eres capaz de generar una imagen en cuestión de segundos al estilo de Van Gogh. Cualquiera puede hacerlo. Es decir, cualquiera con acceso a internet o un ordenador. La IA lo hace por ti.

Los símbolos que codificaban el mundo de Matrix, y que en nuestros ordenadores podían representarse en última instancia como la base del lenguaje binario de ceros y unos, ahora representan un lugar de encuentro para voces, proteínas, imágenes y artículos periodísticos... En estos momentos la producción artística y científica confluyen como nunca, y sin complejos, en un tsunami de matrices numéricas donde los datos se relacionan, se afectan y se generan. 

Desde los primeros sistemas de computación, la idea de diseñar máquinas que pudiesen crear por sí mismas siempre estuvo presente. El campo de la creatividad computacional específicamente se ha dedicado a estudiar la relación entre la creatividad y los sistemas artificiales en un campo de confluencia con disciplinas tan interesantes como la psicología cognitiva. 

Actualmente, los algoritmos estrella en la generación de arte están basados en IA de aprendizaje profundo, una inteligencia artificial capaz de crear nuevos datos a partir de patrones y estructuras encontrados en otros datos pre-existentes. Lo que muchos no sospechaban es que todos estos años en que hemos almacenado gratuitamente nuestras fotos, además de etiquetarlas, han servido no solo para que los algoritmos fueran capaces de identificar un gato en la imagen, sino que debido a la cantidad y variabilidad de imágenes de gatos ‘vistos’ se han entrenado para generar versiones de gatos con atributos alucinantes. 

¿Pero esta capacidad de generar variaciones es suficiente para denominar arte a ‘eso’? ¿La imagen generada por inteligencia artificial de un gato al estilo de Johannes Vermeer se puede considerar arte o se le debería exigir algo más? Toda incursión de una nueva tecnología remueve los cimientos en torno a la figura de la obra, el artista, y su proceso creativo. En el año 1935, Walter Benjamin reflexionaba en torno a la obra de arte y el concepto de aura en la era de la reproducción mecánica. En la actualidad, el debate ya no es tanto en torno a la reproducibilidad mecánica de un original sino a si ese original ha sido en realidad generado por una máquina o no.

Los algoritmos generativos lo hacen en base a patrones que han extraído de otras obras artísticas, siendo el límite entre lo realmente generado o parcialmente copiado fuente constante de discusión y debate. En este texto, la intención no es establecer un veredicto, sino tratar algunos puntos que pueden facilitar argumentos para la reflexión. 

Dentro de la generación de arte digital podemos encontrar dos aproximaciones basadas en el grado de intervención del artista. Se puede generar una obra programando los parámetros que configuran los objetos de una escena, interviniendo a nivel de píxel o polígono; o bien directamente incorporando ecuaciones matemáticas que permiten definir, por ejemplo, estructuras geométricas o definir el comportamiento físico. Y, por otro lado, tenemos un tipo de arte digital generado desde el aprendizaje de otras obras de arte. En este punto el artista no debe preocuparse por parametrizar matemáticamente el objeto y/o su comportamiento, ya que puede obtener un resultado casi inmediato mediante la entrada de texto u otra imagen de referencia. Entre ambos modelos generativos, el mayor grado diferencial es sin duda el modo de aprendizaje. 

El aprendizaje de la máquina

Si consideramos al algoritmo como a un estudiante, lo importante como profesores sería ofrecerle las condiciones de aprendizaje idóneas. En el ámbito de la IA, esto consistiría en proporcionar datos representativos en términos de cantidad y variabilidad y, por otro lado, asegurarnos de que el estudiante no memorice sino que sea capaz de entender. 

Si tuvieras que recordar una de las siguientes secuencias, ¿cuál crees que recordarías mejor? 

–¿La secuencia primera: abc,abc,abc,abc,abc,abc? 

–¿O la secuencia segunda: baa,caa,abc,aba,bab,cba?

Es muy probable que contestes la primera, ¿verdad? Y esto es debido al hecho de que encontraste un patrón, el de recordar seis veces ‘abc’. Esa forma de comprimir la información tiene una doble ventaja: por una lado, la más evidente, el hecho de que requiere menos espacio de almacenaje; y, por otra parte, la de obligar a extraer estructuras no evidentes y características en nuestros datos. 

De la misma manera que existen escuelas con metodologías de aprendizaje diferentes, existen diseños de entrenamiento de IA con tal fin: aquellos que se basan en reconstruir el original (VAE); los que compiten entre sí mediante una red generadora; y otra que es evaluadora (GAN) y actúa como base de la generación de los famosos ‘deep Fakes’. 

 También hay otras estrategias, como las basadas en los modelos de difusión, donde se corrompe el contenido original mediante ruido y se obliga a la red original a reconstruirlo guiada por algún otro tipo de contenido como texto o imagen. Este tipo de aproximación es la base de IA conocidas como Dall·e-2, Stable Diffusion o Midjourney, los tres capaces de generar contenido con alta calidad y variabilidad. 

Espacio latente 

El de ‘espacio latente’ es uno de los términos clave en esta revolución y constituye algo así como el mundo de las ideas platónico contenido en matrices numéricas. Tras el entrenamiento, la red ha cristalizado lo más relevante de los datos de entrada y cierto nivel semántico traducido en distancias dentro de la distribución de ese espacio. 

Cuando decimos que dos objetos son similares en un modelo de generación, lo que realmente significa es que dentro de ese espacio latente estarán más próximos que otros dos con significado diferente. 

Por su parte, para generar contenido podemos hacerlo desde cuadernos Colab, integrados en aplicaciones como Photoshop o, directamente, desde la web de la empresa como es el caso de Dall·e-2. La mayoría de las veces generaremos la imagen mediante texto, que funciona como una llave entre una imagen ruido y una imagen reconocible. Esa es la razón por la que estas entradas de texto a modo de códigos secretos se pueden comercializar. También existe una comunidad y webs como Léxica donde es posible encontrarse referencias estructuradas del tipo: el objeto clave que quieres generar (gato), el estilo (arte conceptual) y un artista de referencia (Marcel Duchamp), además de anexar otras palabras que mejoran el resultado como el de referenciar algunos portales artísticos como Artstation. 

Google, Meta, Microsoft, OpenAI, StabilityAI son actores fundamentales en la industria en herramientas de imágenes impulsadas por AI, pero de todos ellos fue StabilityAI la que se atrevió a desconectar del resto al participar junto con la empresa Runwayml, LAION y el grupo de investigación CompVis en la generación de StableDiffusion, un modelo de código abierto liberado a la comunidad desde donde se comenzó a desarrollar mejoras y nuevas funcionalidades al modelo original. 

Se puede generar una obra programando los parámetros que configuran una escena o a base de patrones extraídos de otras obras

Otro de los aspectos en los que se diferencia el tipo de acceso a los modelos es el nivel de customización en el proceso generativo. Podemos controlar, por ejemplo, cómo de literal es la generación respecto al texto o imagen de entrada (margen creativo), además del número de iteraciones en el proceso con el fin de añadir más precisión al resultado (margen de perfección). 

A pesar de que utilicemos lenguaje natural en la generación, muchas veces es difícil conseguir el resultado que esperábamos, por ejemplo, que las figuras estén en una determinada pose o que entre dos imágenes generadas haya consistencia. Es por ello que constantemente se van sumando mejoras, como la reciente ControlNet, que permite guiar la generación con entradas de texto, esbozo o poses de cuerpo entre otros. Hugging Face que es otro de los agentes en esta revolución permite probar todas estas características en interfaces amigables dentro de su web. 

La secuencia de generación Texto_a_Imagen es la más usual y en la que más nos hemos centrado, pero podemos generar mediante Texto_a_Audio, Texto_a_Texto. 

Hasta aquí hemos hablado de datos, de estrategias de aprendizaje y de la forma de navegar por ese espacio latente, pero ¿qué otras comparaciones podríamos establecer? Ha llegado el momento de hablar del proceso.

Es complejo hablar de copia porque también los humanos ven muchas obras de arte y producen variaciones a partir de esa experiencia

Al artista se le presume una motivación en proyectar parte de su personalidad en la obra mientras que el algoritmo debe ser guiado. Un ser humano cuenta con experiencia vital, mientras que un algoritmo lo que tiene a su disposición son datos que, además, en su mayoría han sido extraídos de forma desordenada en internet, algo que, por otro lado, podría cambiar cuando la mayoría de datos puedan provenir de máquinas presentes en el mundo, como los robots. 

Otro aspecto desde el que podemos valorar la obra directamente es a través de su resultado o producto final. Aquí es más difícil discernir. La razón es que a pesar de que los algoritmos requieren guía, no podemos asegurar que el producto sea una copia, porque la tarea de los modelos es justamente aprender de los datos, no ajustarse a ellos. Desde el punto de vista filosófico, ¿no habría algo parecido en este proceso a lo que hacen algunos humanos cuando están creando? Es decir, ver muchas obras y a continuación producir variaciones a partir de esa experiencia.

La producción de inteligencia artificial no está limitada a imágenes fijas y cada día más se expande hacia la música, al vídeo, al 3D... Y es obvio que los tiempos de espera en la generación son cada vez menores.

Gracias a estos avances, ¿se plantea un servicio de generación de películas a la carta? ¿Se podrán generar infinitas variaciones de la serie ‘Star Wars’ con incluso algún personaje parecido a ti? ¿Es un peligro generar una burbuja de arte customizado que limite nuestra experiencia y experimentación hacia el descubrimiento y la experimentación de nuevas corrientes artísticas?

En nuestra mano está el decidir si co-creamos con la IA o nos conformamos con sus resultados. La pregunta de si es arte lo que genera la IA seguirá latente, pero lo que sí parece casi incuestionable es que el propio algoritmo ya lo es.

En las últimas semanas han existido múltiples debates acerca de las imágenes generadas mediante inteligencia artificial (IA). Softwares como DALL-E 2, Midjourney y Stable Diffusion están en el epicentro de la crítica debido a la utilización que se les está dando. ¿Se puede otorgar un prestigioso premio de fotografía a una imagen realizada sin una cámara fotográfica? ¿Es ético que una oenegé utilice imágenes generadas por estos softwares para denunciar la violencia policial? ¿La IA puede entrenarse y utilizar sin permiso fotografías con copyright?, son las preguntas que los profesionales ponen sobre la mesa.

En el marco de PHotoEspaña 2023 (del 31 de mayo al 3 de septiembre), elDiario.es dialoga con el editor y docente Gonzalo Golpe (Madrid, 1975). La editorial La Fábrica publica el 5 de junio When the wind, uno de los primeros libros del mundo en los cuales se ha utilizado la IA como una herramienta para generar imágenes. En este trabajo pionero, el autor de la obra, Gonzalo Golpe, relata de manera visual una fábula distópica –creada con la asistencia de Martín Bollati y DALL-E 2 (IA desarrollada por la compañía Open AI, desarrolladora de ChatGPT y participada por Microsoft)– que invita a observar los miedos de nuestra sociedad y a cuestionarnos cómo usamos la tecnología. “La IA no es inteligente en términos humanos. La IA no es imaginante”, asegura Golpe.

El pasado 13 de abril, por primera vez en la historia, una imagen creada mediante IA ganó un reconocido premio fotográfico, el Sony World Photography Awards 2023 en la categoría “Creatividad”. No obstante, el artista alemán que la presentó, Boris Eldagsen, renunció al premio de 5.000 dólares porque, según afirmó en su discurso, “las imágenes IA y la fotografía no deberían competir en un premio como este. Son diferentes. La IA no es fotografía”. Eldagsen realizó este acto performativo con el fin de hacer ver que los concursos de este tipo no están preparados para el auge actual que está viviendo la IA. “No entender lo que supone llamar a estas imágenes sintéticas ‘fotografías’ es peligroso”, señala, por su parte, Gonzalo Golpe.

Qué es y qué no es real

Dos semanas más tarde, el 2 de mayo, la división noruega de Amnistía Internacional publicó un informe acerca de la violencia policial que se ejerció durante las protestas de 2021 en Colombia. A pesar de que el Paro Nacional del país se documentó gracias al fotoperiodismo, la organización en defensa de los derechos humanos acompañó esta campaña con varias imágenes generadas mediante IA.

La organización informó de ello en los pies de las imágenes. Sin embargo, la utilización de estas fue muy criticada en redes sociales, lo que provocó que Amnistía Internacional retirase las imágenes sintéticas. Según Amnistía, la decisión de no utilizar fotografías de fotoperiodistas en primera instancia fue tomada para proteger la identidad de las personas que sufrieron la brutalidad policial.

¿Qué sentido tiene que la IA llegue a un lugar donde el ser humano ya llegó? El noema de la fotografía –teorizado en La cámara lúcida (1980) de Roland Barthes– es: “Esto ha sido”. En el caso de estas no-fotografías, fabricadas mediante modelos de IA que crean imágenes a partir de texto, el “esto ha sido” barthiano carece de sentido alguno. “Las imágenes que generan son producto de un entrenamiento desprovisto de sentido crítico y moral. Estos programas son herederos y representantes de un sistema visual basado en el privilegio, en la discriminación, en la ocultación y el escarnio. Por eso toma lo humano como masculino, joven y blanco”, analiza Golpe.

Los softwares que generan este tipo de contenido se han entrenado y se nutren de fotografías disparadas por seres humanos que, en muchas ocasiones, tienen derechos de autor. Motivo por el cual Getty Images, una de las agencias de fotografía más populares, ha denunciado ante el Tribunal Supremo de Londres a Stability IA, empresa propietaria de la IA generativa de código abierto Stable Diffusion que, según Getty, está infringiendo la propiedad intelectual de millones de imágenes con copyright. Ilegalidad que individualmente también están sufriendo profesionales de la fotografía de todo el mundo.

Como destapó Newtral, en el marco español, al menos el trabajo de 55 fotógrafas y fotógrafos nutre ilícitamente a LAION, el dataset que entrenó a Stable Diffusion. “Creo que es necesario, urgente e incluso obligatorio establecer controles legislativos que obliguen a definir e identificar estas imágenes así como controlar su uso, sobre todo en ciertos ámbitos”, propone Golpe.

“Estos modelos han sido educados a partir de sesgos, responden a intereses segregacionistas que buscan aislar las diferencias para poder ejecutar sobre ellas políticas de control y represión. Son instrumentos. No solo del progreso humano, sino también de la degeneración y la pérdida de humanidad. Ya nacieron viciadas. Su actual desarrollo está siendo soportado por una mano de obra vulnerable que es explotada y además está desconectada de la agenda de objetivos que manejan las empresas titulares de sus patentes. Es alarmante”, avisa Gonzalo Golpe.

Esto no es un fotolibro

Citando a Susan Sontag, “la fotografía en un libro es, obviamente, la imagen de una imagen”. En el caso de When the wind (La Fábrica, 2023) –el primer libro publicado en España obra de un ser humano con la asistencia de una IA generadora de imágenes– no estamos ante un fotolibro. Esta narrativa visual, argumentada mediante los textos (prompts) que Gonzalo Golpe tecleó en DALL-E 2, es una obra de autor. Una fábula de ciencia ficción postapocalíptica que encierra un mensaje ecologista. En When the wind se experimenta un discurso visual sinestésico en un contexto de tristeza. Un extraordinario trabajo semiótico (y siniestro) con un halo melancólico en los tonos flúor que caracterizan a este tipo de modelos.

“Me sirvo de esta tecnología para ejecutar una composición visual [...] Mientras creaba, editaba y secuenciaba las imágenes lo que estaba haciendo era proyectar mi ánimo en una suerte de sinfonía visual, como si tararease las imágenes”, cuenta Golpe.

Gonzalo Golpe no es fotógrafo. Lleva toda una vida trabajando en el entorno de las imágenes. Su mirada y su ritmo se puede encontrar entre las páginas de importantes fotolibros firmados por artistas de la talla de Cristina de Middel, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix y Alessandra Sanguinetti. “Soy un intermediario entre la obra y su autor, entre la comunidad y las obras y también dentro del sistema”, opina el editor. Golpe ha publicado decenas de textos, los más recientes son los ensayos Curso Discurso y Atestado (Cabeza de Chorlito, 2020 y 2021, respectivamente). Junto a Marina Meyer y Sara Arroyo, es miembro de la plataforma educativa Ensambles, que actualmente está realizando foros de debate acerca la IA, y desde 2014 forma parte del colectivo gráfico La Troupe. When the wind es la primera obra de autor de Golpe. “Vengo de la palabra poética, de trabajar de forma obsesiva entre lo que media entre el lenguaje verbal y el visual, así que esta tecnología ha sido para mí una suerte de epifanía. Ahora puedo nombrar aquello que veo en mi interior y manifestarlo, materializarlo visualmente”, confiesa.

“Siempre he sentido el deseo de hibridar mi voz, de ir más allá de la palabra y hacer de la imagen algo más que un sonido elocuente que puede tomar una forma visual en la mente. Antes me servía de fotografías propias y de archivo para expandir mi escritura, pero me parecía extremadamente violento cuando aparecían personas, que en el fondo es lo que a mí me interesa. Hacer ficción con gente que no conozco, servirme de su imagen para contar mis historias siempre me pareció un acto de violencia, una usurpación. Ahora al menos sé que esas personas que recreo nunca existieron y eso me libera”, analiza Golpe.

Desde hace varios años, Golpe está dando forma a una investigación acerca del origen del lenguaje. Es un ensayo llamado Verba Volant, una conclusión a su búsqueda. “Me considero un gestor de distancias, tanto en la labor de editor como en la de profesor o comunicador”, opina.

Por qué la obra de la IA no es fotografía

La fotografía no reemplazó a la pintura. El cine no reemplazó al teatro. El vídeo no reemplazó al cine. La televisión no reemplazó a la radio. ¿Por qué temer que la IA reemplace a la fotografía?

Etimológicamente la palabra fotografía proviene del griego donde “foto” significa luz y “grafía”, escritura. Si la fotografía es el arte de escribir con luz, generar una imagen mediante texto que es enviado a una IA, ¿qué es? “Son imágenes sintéticas generadas de forma computacional a partir de un algoritmo. Nada de lo que muestran es real”, responde Golpe. Con la popularización de la IA se han acuñado nuevos términos, como syntography (sintografía) y promtography, que aún no acaban de calar entre la sociedad. Ambos hacen referencia a la síntesis y a los textos (prompts), respectivamente, que el ser humano tiene que introducir para que la IA genere imágenes. Ese es el proceso: un cálculo computacional en función de una propuesta proposicional.

“En términos artísticos, lo veo como una herramienta más, no creo necesario distinguirlas de otras tecnologías visuales, pero cuando estas imágenes son tomadas como fotografías, es decir, como capturas de ‘la realidad’, su uso debería ser auditado por especialistas y referenciado. De todos modos, las fake news son solo unos de los usos deshonestos que se me ocurren, hay muchos otros y probablemente más perturbadores y nocivos”, zanja Gonzalo Golpe.

Seguro que has oído hablar de los NFT pero no sabes exactamente qué son. Se trata de imágenes creadas por sistemas de inteligencia artificial, y están ya en las subastas de arte y en las galerías, ya que son únicas y llevan la firma digital de su creador.

Desde Ciberacademy te explican exactamente qué es este concepto, cómo se elaboran y cuál es el futuro de los NFT. Lo puedes ver en el siguiente vídeo:

*Este videoconsejo es fruto de la colaboración entre la Fundación Cibervoluntarios.org y eldiario.es con el ánimo de reducir la brecha digital en la sociedad española con ejemplos concretos y prácticos.

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Acercar el arte y la cultura a todo tipo de personas, con una clara intención de hacerles reflexionar. Ese es uno de los objetivos que el centro cultural Azkuna Zentroa lleva impulsando desde su nacimiento, pero que este 2023 planea llevar un paso más allá. “Aspiramos a partir de 2023 a llegar a un público que tiene más dificultades de acceso a la cultura, con recursos y capacidades diferentes, por eso muchos de los servicios son de acceso libre, y sobre todo, trabajar desde el servicio público para todos con la complejidad que eso conlleva”, ha asegurado su director Fernando Pérez este martes durante la presentación de la nueva programación.

Para ello, a lo largo de este año el centro contará con más de 200 actividades, dos festivales internacionales y un centenar de artistas que presentarán sus trabajos relacionados con la literatura, el arte contemporáneo, el cine, las artes plásticas o la danza. Todos ellas con una mirada social. “Azkuna Zentroa no es solo un centro de arte. Siempre intentamos que las exposiciones vayan más allá y planteen nuevos debates. Muchas veces desde el arte vamos hacia lo social, pero a veces también es a la inversa, y desde lo social se va hacia el contexto artístico”, ha explicado Pérez.

Como ejemplo de lo que le espera al público a lo largo de 2023, el director, en una rueda de prensa que ha contado con la presencia del alcalde de Bilbao, Juan Mari Aburto, ha adelantado 'Somewhere from here to heaven', una exposición en torno a la obra de Bruce Baillie, cineasta esencial de los años 60 y uno de los promotores del cine experimental que estará disponible hasta el 16 de abril. De cara al verano, concretamente en junio, será el turno de 'Decrecer', una exposición de la escultora bilbaína Bene Bergado comisariada por Juan Luis Moraza. Bergado buscará a través de sus instalaciones y esculturas, hablar sobre la necesidad de desaceleración frente al crecimiento ilimitado de la producción y el consumo de la sociedad actual. La exposición 'The Artwork As Living System (1992-2022)', de los artistas Christa Sommerer y Laurent Mignonneau, también llegará al centro cultural con la intención de hacer reflexionar al público, pero esta vez sobre el uso de las nuevas tecnologías y la videovigilancia de la sociedad a través de dispositivos electrónicos.

Estas tres, junto con 'Ciencia fricción', la exposición que imagina un mundo en el que animales y humanos tienen los mismos derechos, de María Ptqk, forman parte de una programación que se irá destapando hasta sacar a la luz otras cuatro composiciones de artistas. Más allá de las exposiciones, como viene siendo habitual, Azkuna Zentroa contará con su Festival Internacional de las Letras, Gutun Zuria, desde el 28 de marzo hasta el 1 de abril y con su Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas, del 30 de mayo al 3 de junio. También será sede de dos simposios internacionales, el primero, que tuvo lugar el pasado 10 de enero bajo el título de 'La ola de la mente' y el Simposio Internacional de Comisariado 'El ensayo de la exposición (1977-2007)' los próximos 8 y 9 de febrero. Por último, a lo largo de 2023, llegará también a Azkuna Zentroa 'Hitza 22', un Foro Internacional de Pensamiento que se lleva a cabo desde 2019.

Otra de las cuestiones que alejan a Azkuna Zentroa de ser un mero museo son las actuaciones de artes escénicas que diversos artistas realizarán a lo largo del año. Desde el próximo marzo y hasta junio artistas como Ane Pikaza y Gheada, Macarena Recuerda Shepherd, Poliana Lima, Alberto Cortés o Sergio Luque y Juan Carlos Blancas llevarán su música experimental al centro cultural.

Tras dejar atrás la pandemia, Azkuna Zentroa ha recuperado el número de visitantes que obtuvo en 2019 y se ha plantado en 2022 con más de 2 millones de visitas. Su exposición 'Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans' ha sido la más vista de la historia del centro, ya que un total de 27.000 personas se acercaron a verla, cifra que aumentó hasta 40.000 el pasado verano si se suman las visitas a todas las exposiciones. Más allá del presencial, con la pandemia se descubrió otro tipo de público al que, desde Azkuna Zentroa, no han querido dejar a un lado: las personas que disfrutan del arte desde casa. Por ello, en el último año se ha impulsado la creación de nuevos formatos digitales de los que han disfrutado más de 23.000 personas y los podcast de AZ Irratia, la radio de Azkuna Zentroa, que han alcanzado las 15.7666 escuchas.

Este año, el premio de pintura digital de la feria de arte de Colorado fue a parar a Jason M. Allen por una imagen llamada “Théâtre D’opéra Spatial” (la foto superior). Hasta ahí todo es normal, las imágenes digitales se han convertido ya en una forma de expresión artística habitual.

Los artistas gráficos utilizan tabletas y pantallas de ordenador para crear sus imágenes, en lugar de pinturas y lienzo. Pero en este caso, ningún artista había pintado la imagen del cuadro.

La obra premiada es la creación de un sistema de inteligencia artificial creada por Midjourney, un laboratorio de investigación independiente. La aplicación de Midjourney es de código abierto y se abrió al público en julio de este año. 

Midjourney crea imágenes a partir de descripciones en texto. La aplicación funciona como un chat público en la comunidad Discord, y basta con escribir el comando “/imagine” seguido de una descripción en inglés, en este caso “cumbres nevadas en un día soleado”, para obtener en unos segundos una imagen muy detallada.

También es posible escribir un término más abstracto, como “exultación”, y dejar que la inteligencia artificial cree una imagen a su gusto, si es que las inteligencias artificiales pueden tener gusto.

La creación de imágenes por sistemas de inteligencia artificial apareció hace unos pocos años, al igual que también hay piezas musicales e incluso películas creadas por IA desde hace tiempo. La pregunta es: ¿pagarías por el arte creado por máquinas? La respuesta parece ser afirmativa.

Quién cobra cuando el artista es un robot

En 2018, una obra de arte creada por un programa de inteligencia artificial se vendió en una subasta de Christie's por 432.500 dólares, casi 45 veces su estimación máxima. La pintura, “Retrato de Edmond Belamy”, fue generada por un algoritmo al que se alimentó con 15.000 retratos pintados entre los siglos XIV y XX.

Este es el principio básico por el que opera una inteligencia artificial: consumir una gran cantidad de información para encontrar patrones, y generar resultados siguiendo esas líneas.

En el caso de Midjourney, cada vez que se escribe un comando, el sistema busca por Internet miles de imágenes relacionadas, y obtiene así la “esencia” de lo que el usuario ha pedido. 

En muchos sentidos, es así como la mente humana aprende: absorbiendo información y extrapolando. Sin embargo, los derechos de autor de la inteligencia artificial están generando muchas dudas.

Es muy sencillo pedir a Midjourney que imite el estilo de artistas famosos en sus imágenes. ¿Deberían estos artistas cobrar por la inspiración de la inteligencia artificial?

Por el momento, la ley de copyright dice que no. Este año, seis desarrolladores de software de Endel, que no son músicos, fueron acreditados como “compositores” de las 600 pistas de audio generadas por IA que vendieron a Warner Music. 

Pero, ¿hay dinero para los artistas? Cualquier fotógrafo o ilustrador puede poner sus trabajos en bancos de imágenes y recibir royalties cada vez que se descargan. Muchos artistas (y no artistas) estaban subiendo imágenes generadas por IA a la agencia Shutterstock, y recibiendo ingresos por ellas, hasta que la empresa decidió poner límites a esta práctica el mes pasado.

El primer paso fue eliminar las imágenes generadas por IA de los usuarios, y el segundo, poner a la venta imágenes generadas por su propio sistema de inteligencia artificial. La empresa afirma que los creadores humanos cuyo trabajo inspiró a la IA serán compensados, aunque mínimamente.

La pregunta no es ya si pagarías por el arte creado por una inteligencia artificial, sino cuándo vas a empezar a hacerlo, si es que no lo has hecho ya.

Es muy probable que la imagen de un banco que descargaste (y pagaste) para imprimir en una camiseta, la música que compraste para un vídeo de presentación o incluso el guión de la película que veas en el cine no tengan a una persona detrás, sino a una máquina. El dinero, eso sí, lo estará cobrando una persona que no es artista.  

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En el último año, el número de galerías de arte se ha multiplicado en Menorca. Solo en Maó hay casi dos decenas. Las casas más antiguas, como Kroma y Argos, pertenecen a una larga tradición de familias vinculadas a la producción y comercialización de artes plásticas en la isla. Las más nuevas son firmas de peso en la industria del arte y el comercio de pinturas, esculturas, instalaciones y grabados en todo el mundo.

La llegada de la firma suiza Hauser & Wirth a la Isla del Rey -un islote de 1500m2 dentro del puerto de Maó al que solo se accede por mar- ha movilizado un gran mercado de alto poder adquisitivo proveniente de Suiza y Francia que, además de arte, comenzó a adquirir bienes inmuebles, lo que disparó el valor de las viviendas.

La galería Cayón, por su parte, compró el edificio de dos plantas donde se ubicaba el mítico Cine Victoria, para reconvertirlo en un imponente centro de arte contemporáneo. Con esta adquisición, la galería suma la M de Menorca a las M de Manila y de Madrid, donde se emplazan las otras dos sedes de la firma. 

Solamente estas dos firmas gestionan parte de las obras de artistas de la talla de Andy Warhol, Chillida, Picasso o Anne Liebovitz, y aunque sus representantes insisten en su intención de “trabajar con la comunidad local y potenciarla”, lo cierto es que solo abren sus puertas en los meses de verano, durante la temporada turística. En sus paredes tampoco cuelgan cuadros de artistas locales. Los horarios tampoco permiten un acceso generalizado a la cultura para la mayoría de los residentes, que durante la temporada alta, extienden sus jornadas hasta 10 y 12 horas por día para atender la demanda turística.

Jordi Cárdenas y Claudia Ferrer son dos menorquines especializados en pintura y grabado, respectivamente. Ambos coincidieron el año pasado por primera vez exponiendo en Oxímoron, una muestra impulsada por artistas locales. “Aquello fue una iniciativa del pintor Pol Marbán que nos permitió a los artistas de aquí mostrar lo que hacemos. Estuvo muy bien aunque lamentablemente no hay muchos espacios así”, afirma Jordi.

En el mismo sentido se expresa Cristòfol Pons, pintor de Ciutadella de larga trayectoria en la isla y fuera de ella: “La marca Menorca vende, pero sirve sólo como escaparate porque el arte que circula y se expone no es, en general, el de los artistas locales. Galerías como Hauser o Cayón no están aquí para patrocinar a nuestros artistas al exterior. El problema es que los artistas locales acabamos girando y configurando la realidad del arte en la isla de la manera como la conciben estas grandes firmas de la industria cultural. Se rompe el desarrollo orgánico o espontáneo del arte en el territorio. Y eso mismo les pasa a las instituciones públicas”. 

Si algo queda claro es que el arte, cualquiera sea el formato, no está alejado de las tendencias y las fluctuaciones del mercado. Quizás por eso en Menorca floreció una de las primeras galerías de NFT’s (Token No Fungible, por sus siglas en inglés). Andrés Rabosto, sociólogo, doctorando y experto en criptomonedas define así los NFT: “Viene a ser un certificado digital que garantiza que, aunque la obra, imagen, cuadro o mercancía se reproduzca miles de veces, tiene un original y le pertenece a quien posee ese certificado. En el mercado del arte funciona así, pero puede haber NFT de cualquier cosa, por ejemplo, puedes comprar parcelas de Google Earth. Es decir, compras la representación virtual de la parcela”.

Jeremy tiene 52 años, nació en Cambridge y fue DJ en Ibiza durante los años noventa. En enero de este año, abrió The Flat, una galería de arte NFT en el centro de Maó: “La tecnología blockchain -con la que funcionan las criptomonedas y los NFT- tiene cosas buenas y cosas malas. Los certificados NFT de las obras están asociados a una criptomoneda, si ésta baja, entonces baja el precio de la obra. La parte positiva es que por cada venta que se hace, el artista cobra un porcentaje de por vida”.

A diferencia de otras galerías, The Flat sí cuenta con una importante presencia de artistas locales. “Casi todas”, afirma Jeremy mientras señala los cuadros e instalaciones de su colección. Una de las pintoras que más presencia tiene en la galería es Tessa Pons Livermore, quien se muestra prudente sobre el balance del vínculo entre arte y mundo crypto: “Al principio, me costó comprender el hecho de que vendas la imagen del cuadro y puedan comprarla desde cualquier parte del mundo con moneda virtual. Creo que es pronto para hacer una valoración”. 

“Si me llegan a decir hace 10 o 15 años que hoy en día habría una inteligencia artificial que podría replicar una obra de arte tal y como las que hacía Van Gogh, no me lo habría creído”, comentaba el pasado 15 de junio el científico e investigador Ricard Solé, en una ponencia en Barcelona durante el Simposio de Arte Electrónico ISEA 2022, en la que reflexionaba sobre ciencia, arte y evolución e invitaba a la audiencia a pensar sobre “los juegos de lo posible”. Solé hacía en su ponencia un paralelismo constante entre el funcionamiento real del cerebro y las formas en que se tratan de diseñar los algoritmos actuales y los sistemas de Inteligencia Artificial, siempre intentando emular al primero. 

Lo que pasa con la Inteligencia Artificial es parecido al famoso meme “Cuando lo pides en Aliexpress vs Cuando te llega a casa”. Entre el diseño original y los inescrutables caminos de los usuarios que popularizan las herramientas siempre hay un mundo. Y estos días vemos como lo que probablemente naciera como un experimento para intentar probar los mecanismos con el objetivo de generar imágenes artificialmente con fines académicos o investigadores, ha terminado por ser el nuevo juguete digital de moda que ha servido para poblar las redes sociales de memes e imágenes surrealistas. 

Un Pikachu que parece un carlino o Darth Vader tomando el té con Pingu. Estas imágenes han sido creada artificialmente usando DALL-E Mini: una inteligencia artificial capaz de generar imágenes a partir de lo que escribimos en ella y usando como base de datos millones de imágenes que ya hay publicadas en internet. Esto ya plantea ciertos debates de partida: ¿cómo se podría reconocer e incluso remunerar las imágenes que usan aplicaciones como esta como base para generar sus creaciones? ¿Cuáles son los límites en términos de propiedad intelectual de este tipo de imágenes? ¿Cómo reclamarle derechos de autor a una máquina? De momento surgen muchas preguntas. 

El algoritmo original fue escrito por el programador Boris Dayma, quien desarrolló una aplicación como parte de una competición organizada por Google en julio de 2021. El lenguaje de dicha aplicación está disponible en GitHub (un repositorio de software libre) y Google ha generado su propia versión. DALLE-2 en la que está experimentando con un grupo cerrado de usuarios la generación de imágenes de alta calidad. DALL-E Mini es algo así como la versión low cost de DALLE-2.

Josh Nicholas, el periodista especializado en datos de The Guardian, explicaba hace unos días el funcionamiento del algoritmo: “Lo que estamos viendo son redes neuronales (algoritmos que supuestamente imitan cómo las neuronas se envían señales unas a otras) entrenadas para generar imágenes a partir de un texto. Básicamente implica un montón de matemáticas”. Matemáticas que devienen en arte. De hecho, Nicholas iba más allá y decía: “La razón por la que estamos oyendo mucho hablar sobre AI Art (arte basado en Inteligencia Artificial) es por la habilidad de crear imágenes a partir de ideas que nadie ha expresado antes”. Y es por eso que este 'juguete' resulta tremendamente sugerente para las mentes creativas. 

La “Jungla de Cristal como película de Semana Santa”, “coches de choque en Tiananmén” o “la película Crash de David Cronenberg representada en bicicletas” son algunas de las búsquedas que ha probado y compartido el cineasta Nacho Vigalondo estos días en Twitter. A cada búsqueda que le proponemos, DALL-E Mini devuelve secuencias de nueve imágenes con evidentes dosis de imperfección. Sin embargo, las redes parecen haber obviado dicha imperfección para abrazar y celebrar las locas asociaciones que proponen los usuarios. De hecho, detrás de dicha imperfección hay dos corrientes estéticas que parecen haber confluido y que no son recientes en internet: las cursed images y el shitposting. 

“Imágenes malditas” podría ser la traducción de este tipo de imágenes. Esta cuenta de Twitter, por ejemplo, estuvo activa durante solo seis meses, pero consiguió más de 150.000 seguidores. Provenía, a su vezç, de una cuenta de Tumblr que se dedicaba a publicar “imágenes o fotografías que pueden ser inquietantes para el espectador, por la mala calidad de las mismas o por su naturaleza anormal e ilógica” (tal y como define Know your meme, la enciclopedia de la cultura memética). Y, desde luego, la imagen de “un televisor incrustado en una vaca con la cara de Sadam Husein” bien podría ser una sugerencia creativa para DALL-E hoy. 

Un usuario comentaba hace unos días: “DALL-E es la epítome del shitpost y lo amo”. El shitposting (que podría ser traducido como 'publicación de mierda') podría ser otra fuente estética de la que parece beber el tipo de imágenes que generan estas inteligencias artificiales. Se entiende el shitposting como una forma de referirse a un contenido que se publica de forma intencional sin cuidar en exceso los filtros editoriales. Es una tendencia muy vinculada a la ironía, al sarcasmo e incluso a la cultura trol, que busca generar humor a partir de contenidos donde el aspecto visual es pretendidamente cutre. Abundan en este tipo de contenidos diseños gráficos que se alejan del canon de belleza y que juegan con esa imperfección como parte de su estilo. 

DALL-E se suma a una tendencia en la que cada vez surgen más proyectos de algoritmos o programas que incorporan sistemas de inteligencia artificial para refinar la generación de imágenes. Es el caso de Midjourney. Una herramienta a la que de momeneto solamente se puede acceder por invitación pero que tiene un funcionamiento muy parecido a DALL-E solo que ofrece resultados aparentemente algo más elaborados. El proceso de creación de imágenes es muy parecido: escribir un texto y esperar a que el bot nos devuelva la imagen. A partir de ahí, las imágenes creadas pueden ser modificadas por otros usuarios en lo que son consideradas variaciones. Algunos de los resultados son tan sugerentes que han llevado a algunas personas a plantearse el futuro de la creación artística. 

“Tengo una sensación inquietante sobre todo el arte generado por Inteligencia Artificial porque creo que devorará la sostenibilidad económica de los ilustradores. No porque el arte sea reemplazado por la IA en su totalidad, sino porque será mucho más barato y lo suficientemente bueno como para la mayoría de personas y empresas. Parece como si los artistas digitales se fueran a desvanecer lentamente en la oscuridad, limitados a proyectos independientes y artísticos”, comentaba la ilustradora Freya Holmér en Twitter. Sin embargo, por cada tecnología que surge y parece amenazar los usos y costumbres de una determinada profesión o disciplina creativa, surgen nuevas y creativas maneras de usarla. 

“Decenas de mujeres madrileñas posan con sus cápsulas de café usadas antes de su reciclaje”, “gemelos empatan a piedra papel o tijera eternamente”, “foto policial de la abuela que se te cuela en cualquier cola imaginable”, “pareja comprobando la cuenta en la Tagliatella” o “fotos de 1980 de una moda masculina que nunca existió” son algunos de los textos que acompañan la cuenta AItraditionsofspain (Tradiciones de Inteligencia Artificial de España), un experimento artístico de Christian Flores que utiliza la inteligencia artificial para juguetear con un costumbrismo made in Spain de ciencia ficción hiperrealista.

La cuenta desvela algo que está presente en las búsquedas de Vigalondo: los algoritmos van avanzando rápidamente y mostrando imágenes que incluso hacen dudar a los científicos y a las personas que se dedican profesionalmente a un sector creativo. Pero lo realmente fascinante no está exclusivamente en la capacidad de la máquina para emular el arte humano, sino en la creatividad de quien es capaz de poner dicha tecnología al servicio de ideas desconocidas e inexploradas. 

Al igual que el Photoshop no acabó con el pintor, es muy probable que la IA no acabe con los artistas digitales. Pero sí los desplaza hacia otros lugares y nos ofrece un paisaje digital cada vez más complejo. Divertido. Y adictivo, tal y como decía Félix Guattari sobre los mecanismos de producción de subjetividad maquínica “todo lo que contribuye a proporcionar el sentimiento de pertenecer a algo, de estar en alguna parte; y también al sentimiento de olvidarse”. 

Julia llega al Palacio de Neptuno y pregunta por la exposición de Frida Kahlo. Una empleada le señala unas gafas de realidad virtual, después una galería fotográfica y le dice que la inmersión está una planta más arriba. “¿No están aquí sus obras?”, dice disgustada la octogenaria. “Se ha confundido usted de exposición”, admite la recepcionista. “Yo no quería esta, pero ya que estoy aquí...”, se resigna.

Lo que le ocurrió a Julia es justamente lo que temen que pase en la Casa de México de Madrid, donde se acaba de inaugurar Frida Kahlo: Alas para volar con 31 obras originales. Que el público se confunda y termine pagando por la muestra equivocada. No sería difícil, pues los carteles, marquesinas y posicionamientos en Internet inclinan la balanza hacia la Frida mainstream.

La experiencia inmersiva de Frida Kahlo es una competidora más fuerte y con más recursos. Aterrizó en Madrid el pasado noviembre y desde entonces ha ampliado fechas un par de veces por la buena acogida. Alas para volar tiene el señuelo perfecto, pero mucho menos dinero para invertirlo en publicidad. “Eso sí fue muy complicado. Yo llevo 25 años viviendo en este país y no había escuchado hablar de Frida en todo este tiempo. Y justo cuando organizamos nuestra exposición, tiene que coincidir con esa fridomanía y estas inmersiones”, lamenta Ximena Caraza, directora de Casa México. “Por eso en todas nuestras comunicaciones ponemos que hay 31 obras originales”, añade con sorna. Esta última se mantendrá hasta el Día de Todos los Santos, cuando la despedirán con un “altar de muertos”.

Sacar a Frida Kahlo de México es una misión casi imposible. La última vez que Madrid acogió una exposición con obras originales de la idiosincrática artista corría el año 1985, y se celebró en la Biblioteca Nacional. A aquella fue Julia con su marido, aunque ambos llevaban tiempo tras su pista. Él era un fan absoluto del Surrealismo, pero cuenta que fue ella quien le descubrió a Kahlo. “Aún no se hablaba de ella y yo recortaba sus cuadros de los periódicos”, explica la mujer de 83 años. Le atrajo “lo raro, lo difícil, su vida y sus sufrimientos” cuando pocos la conocían. Hoy Frida es un mito y no hace falta ir a una exposición para llegar a su imaginario: está estampada en tazas, camisetas, tote bags y hasta en zapatillas Converse.

“Antes la seguía, pero ahora me cuesta porque estoy sola y tengo que venir de lejos”, dice Julia. La tecnología también le ha supuesto una traba. Su hijo le ayudó a sacar las entradas y pinchó en el primer enlace que aparecía. “Esto está muy bien, es muy moderno, pero claro, no es lo mismo”, admite en plena sala inmersiva, con una bonita música de fondo y coloridas ilustraciones flotando por el techo y las paredes.

Además de Julia, hay un par de personas de su edad, un grupo de veinteañeras y dos parejas. Son los resquicios de público que acude antes de que acabe mayo y con él la exposición de Next Exhibition, una de las empresas líderes del mundo en experiencias inmersivas. No quieren desvelar los números de visitantes porque son “datos sensibles”, pero presumen de haber organizado más de un centenar de muestras y de seguir sumando. La entrada general cuesta 16 euros y tienen opción de pase VIP por 28, que incluye una bebida y observar la exposición en un alto dispuesto a dos metros del suelo. En viernes víspera de festivo y por la mañana, la sala VIP está cerrada y no hay rastro del mezcal.

César y Sara son una de las parejas que rondan por el palacio Neptuno. Han venido desde Murcia para pasar el puente y reconocen que se les encendió la bombilla al ver las marquesinas del metro. “Yo soy fan de Frida, pero no conozco mucho su obra”, reconoce ella. Están satisfechos con lo que les ha ofrecido la inmersión, a pesar de que no incluye ni un solo cuadro original de la artista mexicana.

La totalidad de Frida Kahlo: la experiencia se basa en fotografías de su vida y en montajes audiovisuales con colores chillones, frases célebres y enormes ilustraciones. Al inicio el visitante se sienta en una butaca con unas gafas de realidad virtual que recrean un paseo por el exterior de la Casa Azul, donde Frida y Diego Rivera vivieron y concibieron sus obras. El resultado es aceptable y original, aunque lo acompaña una locución con acento español que expulsa al visitante de la atmósfera mexicana.

Al viaje virtual le sigue una sucesión de fotografías que advierten en las cartelas que son “impresiones digitales modernas”. En ellas aparece Frida con su familia, en la cama, con sus amigos, con sus animales, con sus camaradas del Partido Comunista y, por supuesto, con Diego. Ya arriba se tuerce la cosa.

La inmersión se divide en cinco actos, pero es difícil diferenciarlos. De nuevo, alguna fotografía en blanco y negro se mezcla con la técnica de videomapping. Hay flores, elefantes y el tranvía que se accidentó con Frida dentro y cuyo barrote le atravesó el cuerpo. La información biográfica se queda abajo, con las fotografías. Arriba se sube a “sentir”, pero hay demasiada artificialidad. Y sin embargo, la exposición está comisariada por Alejandra López, una experta reconocida y encargada de la restauración del legado y de Kahlo en México. En Next Exhibition tampoco dan información sobre la obtención –o denegación– de los derechos de sus obras.

A unos pocos kilómetros de allí, Frida Khalo: Alas para volar consigue una atmósfera lúgubre que transmite el sufrimiento, la desesperación y la pasión de la artista mexicana. Las 31 obras y 90 fotografías que se exponen en Casa México proceden de la mayor coleccionista privada de cuadros de Kahlo y de Diego Rivera, Dolores Olmedo. La directora Ximena Caraza define la logística “como un parto”. Los contratos para sacar a Frida de México son muy minuciosos y ellos estuvieron a punto de renunciar. Pero lo consiguieron y lograron alargar la muestra siete meses. La entrada cuesta 15 euros y todo lo que se recaude irá a parar a becas para estudiantes mexicanos en España. “No vamos a compensar ni los gastos de la exposición”, promete Caraza.

Tanto ella como uno de los coleccionistas privados que han cedido sus cuadros y acompañan el debut de la exposición se muestran reacios hacia la fridomanía. “Si Dolores Olmedo levantara la cabeza y viera las exposiciones inmersivas, se moría de nuevo”, bromea él. “En mi opinión esos dibujos gigantescos la distorsionan”.

El Museo Dolores Olmedo es dueño de cuadros icónicos como La niña Virginia (1929), una obra fundacional, o El camión, que representa toda la sociedad mexicana, desde el obrero, el ama de casa, el hombre blanco o la mujer pobre mestiza. La segunda sala se dedica a la simbología sexual y al aborto. Incluye Sol y vida, donde unas plantas en forma de falo eyaculan sobre una vagina, o Frida y el aborto, un dibujo casi científico donde narra sus tres embarazos fallidos. La artista quedó estéril después de sufrir el accidente de tranvía donde la barra le atravesó el útero. La última sala se reserva a su enfermedad y a su compromiso social. En ella está el primer cuadro que representó un feminicidio, Unos cuantos piquetitos, La columna rota o Autorretrato con changuito, donde aparecen los animales que le dieron consuelo físico y espiritual.

A diferencia de la Frida Kahlo inmersiva, el público que acude a Casa México sabe lo que va a encontrar y lo busca. Quiere ver de cerca uno de los inaccesibles lienzos de la pintora mexicana más famosa de todos los tiempos. “Si uno conoce su vida y ve el cuadro, se da cuenta de su frustración”, dice Caraza, que cree que la fridomanía ha romantizado los aspectos más dramáticos de la vida de Kahlo. “Pero yo creo que todo lo que sea promover a Frida nos nutre y es positivo. Ojalá la gente que haya ido a la Frida inmersiva tenga ganas de conocer la original”, acaba concediendo la directora. “Además, en ninguno de sus vídeos están nuestros cuadros”, añade.

Si La experiencia de Frida Kahlo comienza con una galería de fotos enormes, Alas para volar hace lo propio al terminar: 90 fotografías, pero a tamaño real y originales. Algunas son obra del mítico retratista Manuel Álvarez Bravo y apuntalan todo lo percibido con los cuadros. El sentimiento de desazón aumenta con un gigantesco móvil formado por páginas del diario de Frida. Son bocetos, frases, dibujos y poemas que se suspenden fantasmagóricos al final de la exposición. En uno de ellos se lee: “Pinto flores para que así no mueran”. Las de Frida son eternas y por primera vez en mucho tiempo florecen en Madrid.

Con el Día del Padre cercano –se celebra el 19 de marzo en España–, puede que muchos de nosotros nos estemos haciendo la gran pregunta: ¿qué podemos regarle? Una opción original, aunque útil, puede encontrarse en las cámaras instantáneas: modelos que continúan la tecnología de las cámaras Polaroid.

¿Qué ofrece una cámara instantánea frente a las digitales? Básicamente, y como su propio nombre indica, la posibilidad de tener la foto pocos segundos después de hacerlas. Aunque se popularizasen en el siglo pasado y las mirrorless parezcan copar el mercado, la realidad es que cada vez es más común ver cámaras de película en las tiendas de tecnología de consumo habituales.

Sobre todo entre los más jóvenes, estas cámaras están viviendo una segunda edad de oro gracias a que se relacionan con el fenómeno “vintage”. Ahora son muchas las personas a las que podemos ver utilizarlas en encuentros, festivales o a través de las redes sociales para dar un toque “analógico” a las fotografías que realizan.

Su funcionamiento, además, es muy sencillo: introduces la película en la cámara, sacas la fotografía y esta sale del cuerpo. Después de unos segundos, podremos tener nuestra imagen ya impresa.

En ConsumoClaro, te recomendamos algunos de los mejores modelos en relación calidad/precio.

Kodak C300R

Una de las marcas clásicas, y que no podía faltar entre las recomendadas, es Kodak con su C300R. Se trata de una cámara instantánea de formato cuadrado (76x76) que, además, ofrece la posibilidad de guardarlas al mismo tiempo en nuestro teléfono móvil.

Respecto a la cámara en sí, la Kodak C300R cuenta con dos formatos de fotografía: uno cuadrado con bordes blancos –Retro– y otra sin bordes, más moderno. Cuenta con un pequeño visor digital que nos muestra exactamente cómo saldrá la fotografía, algo que nos facilita mucho el trabajo –y evita decepciones–.

instax Mini 11

Una de las cámaras instantáneas más populares son las instax Mini. Las características más llamativas de este modelo son: un diseño muy original redondeado que trata de alejarse de la idea de “cámara” y un visor óptico.

La instax Mini 11 cuenta con un objetivo Fujinon (de Fujifilm) que funciona realmente bien en la mayoría de ambientes, además de detectar la luz ambiente de la imagen que queremos fotografiar para reducir o aumentar la ganancia.

Polaroid Now

La marca por excelencia es Polaroid, que fue una de las pioneras en este tipo de cámaras. La Polaroid Now es un modelo que imita la forma de las clásicas OneStep de los años 70: objetivo, flash y visor “arriba”, mientras que la película sale por la zona de abajo de la parte delantera.

Este cámara cuenta con un sistema de dos lentes para el autoenfoque de manera que da una mayor profundidad a las fotografías y un contador que nos indica cuánta película queda. Además, dispone de un flash que, según el fabricante, es menos intrusivo que otros.

Kodak Printomatic

Pero si buscamos una cámara pequeña, con un diseño simple pero bonito y bien de precio, entonces la Kodak Printomatic puede ser nuestra opción. Se trata de una cámara de apenas 12 centímetros en su lado largo y un peso de 200 gramos, lo que la hace ideal para llevarla siempre encima para cualquier ocasión.

Dispone de memoria interna y una ranura microSD para que podamos guardar nuestras fotos. En el apartado técnico, encontramos un sensor de 5 MP, apertura de f/2 y una batería de larga duración.

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El plato fuerte de la galería àngels barcelona, que expone estos días en ARCO, es un código QR diferente, con aspecto artesanal. A lo lejos no dista de cualquier cuadrado blanco y negro que permite abrir en el móvil el menú de un restaurante o buscar un paquete de Correos. Pero de cerca, el ojo percibe que se trata de una pintura acrílica sobre lienzo, aunque tiene poco trabajo artesano puesto que la ha dibujado un robot.

El autor de la obra es Daniel G. Andújar y es uno de los cuatro artistas que han presentado un NFT (Non Fungible Token) en la última feria de arte contemporáneo de Madrid. Los NFT son una tecnología de funcionamiento complicado pero que, a grandes rasgos, permite registrar la autenticidad y la propiedad de un archivo digital, algo que cada vez interesa más a las galerías y sobre todo a los creadores.

Si hay una temática que puede presumir de haber acaparado la atención de esta edición de ARCO es el criptoarte. Es decir, piezas que están alojadas en la blockchain, que es la misma que da soporte a las criptomonedas. Digital Economy Principles QR –que así se llama la obra de Andújar– es en efecto un QR. Si el visitante apunta con la cámara de su móvil al cuadro, se abre una pestaña de OpenSea, el mayor mercado online de las NFT.

Ahí encontrará el mismo código QR pero en formato digital y NFT. Ambas obras, la tangible y la intangible, son independientes y cuestan un Ethereum cada una, cuyo valor fluctúa en relación al mercado de esta criptomoneda. En el momento de escribir este artículo, un Ethereum equivale a 2.393,74 euros. Como todo el arte, están gravadas con un 21% de IVA, lo que quedaría aproximadamente en 3.000 euros por obra.

“El coleccionista que se interese debe decidir si se lleva uno, el otro o los dos”, explica Andújar. “El que compra el formato físico puede hacer una foto a su cuadro y ver si el valor del NFT que está en OpenSea ha incrementado o no. En esta burbuja inflacionista, un día puede tener un valor muchísimo más alto o literalmente no valer nada”, explica el artista, que resume su trabajo como “un trampantojo”.

La pieza de Andújar da respuesta a uno de los principales debates sobre el criptoarte. ¿Qué compramos cuando adquirimos un NFT? En el caso del QR de la galería àngels, el cliente puede decidir si prefiere una pieza de arte al uso que decore su casa o un activo digital exclusivo dentro del mercado de la blockchain. O ambos, pero en ese caso tendrá que comprar dos obras. Es normal que haya un objeto tangible que represente el NFT en una feria. Pero la naturaleza de los activos digitales es permanecer en la red y lo que realmente adquiere el cliente es el contrato que vincula el token NFT a la obra.

Solimán López, otro de los artistas que exponen un NFT en ARCO, lo explica de la siguiente forma: “La criptomoneda tiene un smart contract, un contrato inteligente, que rige su comportamiento dentro de la blockchain: cuántas unidades de moneda hay, cuánto valen, cuándo se lanzan o quién es el propietario”. Eso es lo que da autenticidad y exclusividad a la pieza de arte.

López fue el pionero de los NFT en la feria y el único al que se le permitió exponer una obra de estas características en 2021. Se trataba de The Hash, la digitalización de un bonsái real, cuya geolocalización estaba conectada a la obra en formato NFT. La vendió por 10.400 euros. En esta ocasión regresa a ARCO con OLEA, una moneda gigante en la que ha fundido el código informático del contrato NFT con código de ADN y lo ha implantado en un recipiente de aceite de oliva.

“Consigo conectar dos economías: la más antigua que viene de la tierra, el aceite, con una emergente que ha venido para quedarse”, explica López. Como ocurre con el QR, el comprador obtiene varios activos en el intercambio: “Con OLEA te regalamos unidades de la criptomoneda, pero también un NFT audiovisual puro y duro”. Pero Solimán López todavía no ha establecido un precio.

“Estamos en la fase ICO (Inicial Coin Offer). Lanzaremos a principios de abril después de pasar por Dubái y después se establecerá el valor. Ahora tiene un valor ficticio”, dice sin desvelar ni siquiera una cifra aproximada. Esa es otra de las cuestiones que subraya la obra de Daniel G. Andújar, el único que se ha atrevido a darle un precio cerrado a su obra: un Ethereum. “Nos interesa más el cuestionamiento de las cosas y el debate crítico que el valor”, dice un portavoz de la galería ángels barcelona, que representa a Andújar.

“Quería ver si se especula más con la pieza digital o con la pieza física, el óleo sobre lienzo”, explica el autor del QR. ¿Es más justo el precio establecido por el mercado del arte o el de la blockchain? “Muchas veces el mercado del arte hace que una pieza se revalorice, volviéndola a vender en otra galería, por ejemplo. Ahora es muy muy pronto para saber si va a afectar. En unos años tendremos esta conversación y se verá si la burbuja NFT ha reventado”, propone Andújar.

Estoy totalmente de acuerdo en que no es arte. Hay mucha confusión porque es un protocolo de propiedad digital. Nada más

Solimán López

De lo que está seguro, más allá del arte, es de que “hay todo un sistema económico en el que el dinero y el valor económico en euros, tal y como lo entendemos, prácticamente no existe”. Lo que está por ver es si los galeristas y coleccionistas tradicionales se quieren sumar a él.

Los NFT, ¿arte o no?

Decir que ARCO ha abrazado los NFT en su última convocatoria es una exageración. Y tanto la dirección de la feria como los pocos artistas que han sido agraciados para exponerlos lo saben. “El NFT abre posibilidades que hasta ahora no existían y tiene un potencial increíble, pero no hay que tener tanta prisa por igualarlo al arte: no hay que confundir el arte con el márketing”, dijo la directora Maribel López el primer día.

La galería Baró, que acoge tanto la obra NFT de Solimán López como otra de Amparo Sard, una destacada artista mallorquina, lo defiende. “Es un activo para ver el arte como un valor de intercambio. Eso nos interesa mucho y también que haya una depuración de calidad porque ahora está todo muy confuso”, reconoce María Baró, fundadora de la galería pionera en NFT dentro de ARCO.

En cuanto a la cautela, Baró considera “inteligentes” las palabras de la directora. “Todos los galeristas estamos preocupados por este boom tan rápido y desmesurado sin que haya tenido evolución suficiente para fijar un criterio de calidad depurado”, expresa. Pero a diferencia de Maribel López, que manifiesta sus dudas, María está segura de que los NFT “han venido para quedarse” y que en cuestión de meses estarán mucho más asentados.

“El NFT no es arte en sí mismo porque tampoco lo es todo lo que se pinta ni es una escultura todo lo que se crea en tres dimensiones”, comparte Sard. Ella ha creado un NFT que forma parte de toda una instalación. Por una parte hay un árbol de plástico reciclado que irrumpe en el estand “como si hubiera crecido antes de tiempo”. La obra NFT es un autorretrato táctil que el visitante puede perforar “como si estuviese rompiendo la carne del artista”. “Es lo que deberíamos sentir frente a las noticias desgarradoras de que nos estamos cargando el planeta”, expresa la artista.

Su compañero de galería, Solimán López, está “totalmente de acuerdo en que no es arte”. “Hay mucha confusión porque es un protocolo de propiedad digital. No es más que eso. Lo que pasa es que las oportunidades que tiene de firma son infinitas”, explica el creador de OLEA.

Hay coleccionistas que compran por el mero placer de disfrutar una obra de arte y otros que lo hacen por inversión. Lo mismo ocurre con el NFT, si lo quieres lo cuelgas y si no, lo tienes como una inversión en criptomonedas

Amparo Sard

En los últimos meses se han vendido obras de arte digitales como NFT por cantidades desorbitadas, llegando a 57 millones de euros por un cuadro virtual. Pero a Sard no le genera desconfianza este boom y lo entiende como una prolongación del fetichismo en el arte contemporáneo tradicional. “Hay coleccionistas que compran por el mero placer de disfrutar una obra de arte y otros que lo hacen por inversión. Se han llevado obras mías a casa y las han metido en un almacén. Las van acumulando. Lo mismo ocurre con el NFT, si lo quieres lo cuelgas o si no, lo tienes como una inversión en criptomonedas”, compara.

Las ventajas para el artista

Precisamente la firma, la autoría y los derechos de autor son las cuestiones que lo hacen más goloso para los artistas. “NFT quiere decir que es una pieza hecha con la idea de que ser autentificada. Hasta ahora, los artistas digitales lo tenían muy difícil, porque copias o duplicas, y ya está”, lamenta Amparo Sard, que cree que “el desdén surge porque no hay conocimiento sobre cómo funciona”.

“Yo tenía muy claro que a la producción digital le hacía falta ese marchamo de propiedad, y ahora con los NFT y la blockchain la sociedad ha entendido que un activo intangible tiene valor. Es la bomba. Porque hasta ahora estábamos asociando el valor a las cosas materiales”, opina Solimán López, que puede presumir de ser el primero en apostar por un sistema que hoy se ha multiplicado por cuatro en ARCO.

Ver que hay gente que está ganando muchísimo dinero es muy tentador

Daniel G. Andújar

“Es muy atractivo, ten en cuenta que los artistas viven en un sistema de precariedad absoluta y más con la pandemia, donde ha habido muy poca empatía social, incluso de las propias instituciones de la cultura o del arte. Y los artistas nos vamos a coger absolutamente a todo como a un clavo ardiendo”, reconoce Daniel G. Andújar. “Si ves que hay gente que está ganando muchísimo dinero, pues es muy tentador”.

Este último señala también algo clave. Mediante estos “contratos minados”, si una obra se revaloriza, el artista sigue recibiendo un procentaje de ese valor el resto de su vida. Es lo que se conoce como efecto Van Gogh. “Para los artistas es una reclamación histórica. Está en la ley, pero no opera igual en todas las leyes europeas. De hecho yo no he conocido a casi ningún artista, salvo a los herederos de Picasso, que reciban el 3% estipulado por ley cuando se vende en (las subastas de) Sotheby's un cuadro por 100 millones de dólares”, critica el autor del QR.

“Es decir, que si alguien explota o está especulando con tu obra, a ti te llega un porcentaje de este valor de forma automática a tu monedero digital”, destaca. Aun no se atreven a vaticinar si esto mejorará sus condiciones de vida, pero merece la pena intentarlo.

Desde hace algunos años, uno de los puntos más importantes a la hora de escoger móvil es la cámara que lleve. El objetivo es sacar buenas fotografías con tu móvil. Y, aunque algunos puedan pensar lo contrario, esto no supone que las imágenes que saquemos sean peores que si utilizáramos una cámara.

La realidad es que los móviles se han convertido en la cámara más vendida y la más utilizada, y se pueden obtener resultados realmente buenos. Pero como todo, hace falta un poco de empeño para lograr esas fotografías perfectas para nuestro álbum, red social o para nuestra privacidad. Son muchos, y muy fáciles, los errores que cometemos, sobre todo con el móvil.

Errores comunes a evitar

Hay algunos “males endémicos” a la fotografía móvil en los que muchos de nosotros caemos sin darnos cuenta. Por eso, repasamos cuáles creemos que son los principales fallos:

1. Fotos inclinadas.

Un clásico es inclinar la cámara para que la fotografía se vea torcida. Si este enfoque no se hace con un motivo claro -como crear un efecto visual en una calle muy vertical-, perderemos información y ganaremos ruido visual.

Lo mejor es tratar de buscar líneas rectas horizontales para crear “suelos”. Muchas veces basta con fijarnos en las propias líneas del paisaje (horizonte) o de la ciudad (bajos de coches o aceras).

2. Contraluz.

¿A quién no le gusta reflejar el precioso atardecer que tiene a la espalda? No es raro que nos saquemos fotografías con el ocaso de fondo y que finalmente no se vea absolutamente nada. Y es que las fotografías a contraluz son complicadas. Normalmente resulta o que el cielo queda quemado -blanco, sin colores-, o que la persona aparece completamente negra.

Una solución puede ser activar el HDR y el flash (aunque sea de día), para relajar este efecto. Otra es evaluar las condiciones de luz. A veces, cuando hablamos de una puesta de sol bonita, es mejor dejar el atardecer como protagonista absoluto.

3. El flash, el último recurso.

Sobre todo en fotografía nocturna, cuando estamos cenando con amigos, podemos recurrir al flash del móvil que tiene la cámara. Este, en la mayoría de situaciones, provoca que se note la iluminación artificial y que haya detalles (como los famosos ojos rojos) que estropeen la imagen.

Lo más recomendable es tenerlo desactivado y utilizar otros elementos para iluminar la situación. Estos pueden ser los móviles de tus amigos, linternas o incluso aprovechar farolas o focos de la ciudad.

4. Cuantas más aplicaciones, mejor.

Algunas personas utilizan tres o cuatro aplicaciones para sacar, y editar, sus fotografías. En la actualidad, la mayoría de apps “de serie” que traen los móviles son bastante completas y hacen menos necesario el uso de otras externas.

Aun así, no está de más tener una o dos aplicaciones más que te gusten. Esto no significa, en ningún caso, tener cinco, seis o siete apps, ya que no solo alargarás el proceso, sino que muchas veces no utilizarás más de dos.

5. El zoom.

Hay que evitarlo a toda costa. Aunque algunos móviles ya cuentan con zoom óptico (o híbrido), la mayoría de los terminales cuenta con un zoom digital. Esto significa, básicamente, que al utilizarlo no se acerca la imagen, sino que se recorta. Hay que evitar utilizar el zoom digital, ya que quita mucha calidad a la fotografía (salvo algunos modelos).

6. No moverte.

Otro de los errores más comunes es que, al ver algo que queremos fotografiar, anclamos los pies en el suelo. ¡Hay que acercarse, moverse! Cuanto más cerca estemos de la situación, mejor la fotografiaremos. Por eso, no hay que tener miedo a correr un poco o a acercarnos a aquello que queremos fotografiar -siempre y cuando no estemos poniendo en peligro ni a nosotros mismos ni a nadie-.

7. No usar el ISO.

El ISO, en resumidas cuentas, es un valor que aporta ganancia a la fotografía. Es decir, cuanto más ISO, “más luz” tendrá la foto. Este es un apaño que, aunque útil, hay que tener muy en cuenta, ya que puede estropear un fotografía.

La mayoría de cámaras móvil viene con el ISO en automático; si podemos ponerlo en manual y jugar con él para ver exactamente qué es, ganaremos mucha calidad en nuestras fotografías.

Consejos útiles para sacar fotografías

Después de repasar los errores más comunes y tratar de evitarlos, ¿cómo sacamos fotografías realmente buenas con nuestro móvil? Aquí te damos algunos consejos:

1. Limpia la lente.

Aunque obvio, a muchos se nos olvida limpiar de vez en cuando las lentes del móvil. Al estar siempre en nuestra mano o encima de diversas superficies, es realmente fácil que se ensucie. Por eso, es recomendable que una vez a la semana la limpiemos con una gamuza o, si no tenemos, una camiseta o trapo de algodón suave. Es importante no frotar con fuerza, para evitar rayar la lente.

2. Aprende nociones básicas.

Sobre todo si nos atrae la fotografía, es buena idea informarse más acerca de los conceptos básicos: apertura (‘F’, cuanto más baja sea, más luz permite captar), velocidad de obturación (cuánto tarda en sacar la fotografía), ISO, etc. Hay otros conceptos, como la distancia focal -el zoom de un objetivo-, que en la cámara de un móvil apenas tiene valor. 

3. Conoce el móvil.

Otra obviedad: hay que revisar bien qué ofrece nuestro móvil. No solo en lo que respecta a los valores antes mencionados (como la apertura) o el tamaño del sensor, sino también en, por ejemplo, qué cámaras tiene.

La mayoría de terminales ya no se limitan a una cámara frontal y otra trasera, sino que cuentan con un equipo variado. Si nuestro móvil tiene tres cámaras traseras: una “normal”, otra angular y un teleobjetivo; entonces tendremos que aprovecharlas para, por ejemplo, evitar utilizar el zoom.

También es importante “jugar” con la app de la cámara. Probar el modo manual, el zoom, la proporción, el balance de blancos, los modos y un largo etcétera. De esta manera, aprenderemos qué tiene y qué no nuestra cámara.

4. Activa la cuadrícula.

Muchas veces sacamos las fotografías “a lo loco”, pero es buena idea tratar de buscar una composición concreta o, al menos, pensarte un poco las fotos. Una buena manera es activar la cuadrícula de la cámara del móvil. Esto ayuda a visualizar dónde podemos situar la silueta de una persona o a qué altura colocar el horizonte.

5. El centro no siempre es bonito.

Aunque para algunas situaciones pueda quedar estético, colocar en el centro aquello que fotografiamos no siempre resulta la mejor alternativa. Lo más habitual es tratar de colocar aquello que queremos fotografiar, como una persona, hacia uno de los laterales -siguiendo la cuadrícula-.

6. Buscar simetrías.

Una fotografía muy bonita, y que siempre funciona, es aquella que es simétrica o juega con la simetría para crear efectos visuales. Muchas ciudades y pueblos tienen zonas donde es fácil crear estos efectos.

7. Busca perspectivas.

Como dijimos antes: muévete. Muchas veces tendemos a sacar las fotografías frontalmente, pero no hay que tener miedo a cambiar de lugar y buscar perspectivas.

8. Acércate.

Hay que evitar quedarse lejos de la acción o del protagonista de nuestra fotografía, ya que entonces podemos crear mucho ruido a su alrededor. Lo mejor es siempre acercarse lo máximo posible a aquello que queremos retratar.

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Los artistas recurren a los píxeles, los metadatos y los memes para ver cómo los cuerpos transgéneros e intersexuales, las memorias colectivas, las identidades y el tiempo se reflejan en las pantallas. En esta nueva y a la vez cotidiana realidad, el lienzo se ha convertido en pantalla. Por eso, La Galería  nos invita a recorrer la irrenunciable presencia de lo digital en nuestras vidas. 

El fotógrafo y profesor de la Universidad Rey Juan Carlos Tomás Zarza indaga en la historia y los referentes del arte digital con José Ramón Alcalá, catedrático de Tecnología y Nuevos Medios y autor de “Ser Digital”, y junto al investigador Juan Alonso Iniesta.

Después, con la comisaria artística Victoria Rivers y la diseñadora gráfica de Carne Cruda, Paz Galiana, aterrizamos en el arte digital en nuestro país, las diferentes disciplinas y los procesos de producción junto a los artistas visuales-digitales Soliman López, Lola Zoido y Filip Custic.

Y nos preparamos para el fin de semana con un viaje por los Derroteros de Santiago Alba Rico. 

¿Un píxel puede considerado una valiosísima obra de arte? Para el inversor que ha pagado 1.355.555 dólares (1,1 millones de euros) y para otros cuatro con pujas superiores al millón, sí. Es la cifra por la que se ha subastado la obra digital The Pixel, que se compone de un solo pixel 1x1. El pixel se ha registrado como NFT o token no fungible, una tecnología que permite autentificar la propiedad de archivos digitales y que está provocando una auténtica explosión en la venta de obras de arte virtuales, así como un ascenso imparable en sus precios. Aunque los 69 millones de dólares pagados por el cuadro digital del artista conocido como Beeple siguen siendo la cifra tope, el millón pagado por The Pixel marca un nuevo hito en esa escalada por lo abstracto de la obra.

“The Pixel es una declaración de un solo píxel. Fue creada para validar”, explica sobre ella el autor, Pak. La obra forma parte de una colección de NFT para la que el artista se ha aliado con la conocida casa de subastas Sotheby's, fundada en 1744 en Londres. “The Pixel es una obra de arte nativa digital representada visualmente por un solo píxel (1x1). Es un token que simboliza la unidad más básica de una imagen digital en una casa de subastas global tradicional. Es una marca diminuta para llevar el arte nativo digital a una potencial historia futura”, añade.

Pak, un artista anónimo, se autodefine como “diseñador/desarrollador/hechicero omnisciente” que “se encuentra actualmente en un espacio inexplorado experimentando con nuevas formas de creación y comunicación, descubriendo, aprendiendo y enseñando a lo largo del viaje”. Sotheby's recalca que lleva más de dos décadas creando obras de arte digitales, como Archillect, una inteligencia artificial que rastrea la red y comparte en sus perfiles de redes sociales imágenes “estimulantes” sin intervención humana. “En el floreciente espacio NFT, Pak se ha establecido como referente de creaciones artísticas sorprendentes”, añade la casa de subastas.

La colección de Park incluye otras cinco obras. Por ahora solo se ha cerrado la subasta de otra de ellas, que ha alcanzado un precio de 1,4 millones de dólares. El papel de Sotheby's ha hecho que la subasta se celebre dólares en vez de en ethers, la moneda de la cadena de bloques Ethereum. Esta red es paralela a Bitcoin y aunque su criptomoneda aún cotiza por debajo (unos 2.000 euros por ether, por los 50.000 que se están pagando por un bitcoin) es la que se está usando mayoritariamente para registrar estos archivos vendidos como obras de arte digitales.

Los NFT se basan en esta tecnología de cadena de bloques (o blockchain), la misma que sustenta las criptomonedas, para registrar la propiedad y trayectoria de un archivo digital. La cadena de bloques funciona como un libro de contabilidad virtual que no se puede falsificar ni hackear sin que todos los miembros de la red se enteren. Pese al gran auge que está teniendo con obras de arte digitales, este no es su único uso potencial. “El arte digital es sólo una forma de utilizar los NFT. En realidad, pueden utilizarse para representar la propiedad de cualquier activo único, como una escritura de un artículo tanto digital como físico”, presume la red Ethereum.

Una parte de la industria de contenidos se relame con los NFT

La fiebre de los NFT artísticos que se ha producido en los últimos meses y que suma desembolsos millonarios se está produciendo a la vez que otros experimentos sobre los posibles usos que se le podría dar a esta tecnología. “Es un campo en el que están conviviendo casos de uso reales con otros con mucho humo”, explica Sergio Carrasco, abogado especializado en tecnología e ingeniero informático. “Los NFT pueden ser útiles en determinados casos, para programarlos o que sirvan como acceso a contenidos que no estén en abierto, que puede tener un cierto valor”, añade, “pero al final todo el mundo se queda con locuras que se pagan por tontunas o casos como el de este píxel”.

Una de las industrias que investiga su potencial para cambiar el modo en el que los contenidos se han distribuido hasta ahora en Internet es la mediática. “La revista Time subastó tres de sus portadas más famosas a finales de marzo y, a la vez, publicaron una oferta en LinkedIn para encontrar un nuevo director financiero. Uno de los requisitos que pedían era que se sintiera cómodo con las criptomonedas”, afirma en conversación con este medio Covadonga Fernández, directora del Observatorio Blockchain. “El periodismo va a sufrir una transformación brutal. Los NFT van a suponer un cambio similar al que ocurrió cuando se inventó la web”, asegura Fernández, que presidió Telemadrid entre noviembre de 2015 y marzo de 2016.

Los NFT pueden ser útiles en determinados casos, para programarlos o que sirvan como acceso a contenidos que no estén en abierto, lo que puede tener un cierto valor. Pero también hay mucho humo

Una de las subastas de NFT que han tenido un mayor eco y que no tienen una relación directa con el arte o el coleccionismo fue la de una columna del New York Times que ascendió a medio millón de euros. La columna fue escrita por uno de sus redactores de Tecnología expresamente con este fin. Se titula ¡Compre esta columna en la Blockchain!. “Este es el primer artículo en los casi 170 años de historia del New York Times en ser distribuido como NFT, y si esta tecnología acaba siendo tan impactante como sus fans prevén, tenerlo será cómo poseer la primera emisión de televisión de NBC o la primera dirección de email de AOL”, explicaba su autor en el texto.

Días después, el medio estadounidense entrevistó al ganador de la puja. Este prefirió no dar su nombre (las transacciones en la cadena de bloques son anónimas) aunque su cuenta en la plataforma de subastas estaba vinculada con un perfil de Twitter, gestionado por una productora de música con sede en Dubái; y con uno de Instagram, perteneciente a un hombre llamado Farzin Fardin Fard, el director general de la empresa.

“Nuestro equipo administrativo está en constante colaboración con algunos asesores de arte bien informados y con mucha experiencia que creen que debemos desarrollarnos con movimientos tecnológicos que nos ayuden no solo a promover nuestra empresa, sino también a apoyar a los artistas y al mercado del arte. Así que, con orgullo, hemos decidido destinar suficientes fondos y recursos a la inversión en NFT como pioneros en esta industria”, explicó el autor de la puja ganadora al New York Times de manera anónima, ya que el medio no puede confirmar que sea Fard.

El autor de otra de las pujas más altas fue Jiannan Ouyang, que llegó a ofrecer unos 400.000 euros. Es un ex científico investigador de Facebook que ha puesto en marcha empresas basadas en tecnología blockchain. “Esta columna plasma las ideas que intercambiamos a diario sobre cómo la tecnología NFT reestructurará la industria de la publicidad y los medios de comunicación modernos”, explicó. Aunque cree que el valor de los NFT es “todavía muy especulativo y subjetivo”, también comentó que confía en que los tokens no fungibles y otras tecnologías basadas en las cadenas de bloques reestructuren el entorno de los medios de comunicación y reinventar cómo los creadores de contenido ganan dinero con su trabajo: “Por eso creo que la columna es valiosa”.