Una banda de punk de finales de los años ochenta formada por Seguis Tóxico, Johnny Cassettes, Lola Metralla y Kike. Un grupo surgido de las faldas del Valle de los Caídos, amamantados a la sombra del régimen. De eso habla Verborrea (hasta el 1 de noviembre en la Nave 10 Matadero de Madrid), que al mismo tiempo es también la historia de una generación —la del autor, Pablo Remón, y de los actores, Javier Cámara entre ellos— que nacieron de las fauces de una dictadura sin saberlo, que fueron descubriendo quiénes eran a golpetazo de dexedrina, speed y socialismo soft.

Para contar esa historia, Remón ha levantado una carpintería teatral de las más sólidas de toda su carrera. El término “carpintería” nada tiene que ver con la escenografía, sino con los mecanismos, reglas, trucos y sabiduría para componer la estructura de la obra, su ritmo y sus transiciones, y el arco emocional de los personajes. Porque esta es una obra de actores: de Israel Elejalde que es Seguis; de Emilio Tomé que es el bateria Johnny Cassettes; de Marta Nieto que es Lola; y de Kike, el hermano de Seguis y manager de la banda, que interpreta Javier Cámara.

Es impresionante cómo Remón conoce a cada actor, escribe para él, y le da espacio para que vaya construyendo con volumen y verdad su personaje. Con un dominio del salto temporal y la escenificación del recuerdo impresionantes, Remón apuesta siempre por un juego escénico que facilite la teatralidad. Cámara será a quien Remón encomiende “tirar del carro”. Suyo es el comienzo de la obra.

Un gesto de Javier Cámara

Un inciso. La obra está llena de humor al que ya podemos llamar 'remoniano'. El relato de Cámara sobre su padre, borracho en el bar del asentamiento donde viven —unas viviendas de Patrimonio Nacional de los trabajadores de mantenimiento del Valle de Cuelgamuros que hoy siguen en pie— es un gran ejemplo. En esa tirada de texto, llena de referentes bien patrios, Remón demuestra su capacidad para hacer emerger toda la cutrez amarga de este país a través de una hilaridad brillante. Cámara cabalga ese humor al galope, dando brío, matizando y metiéndose a toda la platea en el bolsillo.

Pero el gran ejemplo de esa carpintería a favor del actor son los dos papeles, en teoría secundarios, de la obra. Emilio Tomé y Marta Nieto son los que tradicionalmente llamaríamos personajes de reparto. Sin miedo a la caracterización, ambos se arrojan con valor a moldear desde el vértice, con la verdad en una mano y el riesgo de caer en el cliché en la otra. Tomé es el punkarra descerebrado, pero Remón va dejándole espacio para que el personaje vaya cogiendo aristas, encarnando la pureza de la entrega, de la amistad, siendo al final el más clarividente de todos ellos.

A su vez Remón despliega una alfombra a Marta Nieto. Y esta actriz experimentada, más asidua a la interpretación contenida, es capaz de tirarse a la piscina y echarse uno de los órdagos más grandes de su carrera. Nieto construye una Lola roquera de acento marcadísimo que es puro murcianismo lleno de vida. Ambos personajes se van ganando al público y lo que debía ser episódico se carga de verdad y dignidad.

Remón es consciente de los mecanismos y el espacio que cada actor necesita para brillar con luz propia. Es un placer verles con la cercanía que da la Nave 10 y así poder observar cómo van construyendo los personajes. Es un privilegio contemplar, por ejemplo, la solvencia de Cámara que es capaz de hacer reír o emocionar con un gesto, con un pequeño truco que funciona a la perfección. Pero, la obra, en verdad, es de Israel Elejalde.

Elejalde es Segismundo, el que tendrá que despertar del sueño que es la vida, el héroe trágico de esta obra. Y el madrileño lo borda. Seguis es el díscolo, el punki, el que decidió confrontar y atacar su herencia, la de un padre dogmático, brutal, fascista y castrante al que rechaza. Elejalde está gracioso, tiene charme arrabalero y canalla. Y hasta la peluca, un tanto heavy, eso sí, le queda perfecta. Pero al mismo tiempo, a sotto voce, el actor va construyendo un personaje luchador, frágil y equivocado. Es una lección actoral verle sostener la obra sobre sus hombros sin exhibición alguna, sabiendo que en los segundos planos está el misterio.

La segunda parte de la obra acomete la carrera de la banda. Tres discos de culto (Bakaziones nazis, Eskizofrenia pa ti y Parque de atracciones Valle de los Kaídos) y la sacrosanta caída en desgracia. Purismos de actitud punk y un talento justito hacen que todo descabalgue. La elección de que el desencadenante sea una conversación en el Viña Rock entre Seguis y Robe Iniesta es otro de esos aciertos que demuestran que Remón sigue en un gran momento. Lo de Iniesta citando a Foucault, “el sistema somos tú y yo”, es de otro planeta.

La comedia del fracaso y una sombra

Se emparenta esta obra, por temática, estructura y registro a aquel 40 años de paz, en el que Remón nos adentraba en una familia que habitaba la casa de un padre ausente, un militar fascista con dos hijos desnortados, envueltos en su sombra. En las últimas obras (Doña Rosita, Farsantes, Vania x Vania y El entusiasmo), Remón indagó sobre cómo desentrañar la realidad a través de capas de ficción en que lo imaginado y lo real se mezclaban, se confundían y convivían buscando el destello. Aquí Remón abandona esa línea y vira.

Alguien podría argüir que Verborrea es un teatro con acción escasa, donde los personajes nos cuentan su vida y que su final se sostiene en un golpe de guion final que acaba en moraleja. Y es cierto. Incluso la obra pierde el halo pinteriano de 40 años de paz, donde el espacio era otro personaje, el lenguaje era elusivo y los silencios abrían mundos no resueltos e inquietantes. Verborrea es una comedia tradicional, pero perfectamente hilada en la que Remón lo desplaza todo al poder metafórico.

La infancia a las faldas del fascismo, el nombre de Segismundo, esa juventud pretendidamente antisistema propia de los ochenta, el final con el sonido de los helicópteros que llegaron para desalojar a Franco un 24 de octubre de 2019; incluso la riada del 86 o el paso por Soto del Real de Kike por haber desfalcado a una tonadillera… Todo es un aguafuerte de estos últimos 50 años.

La obra se mueve entre dos planos semánticos, de significación: la sombra del padre que nos tocó por genes y aquel que heredamos políticamente. La fina tela que separa las vidas íntimas de los ciudadanos y la vida política y social del país. Ahí es donde Remón trabaja. La obra invita al espectador a ir haciendo paralelismos a lo largo de toda la obra, a llevar esa invitación a la metáfora hasta el extremo. Están bien esas comparaciones, a veces un tanto locas o exageradas, pero no tan descabelladas.

Seguis quiere ser punk, enfrentarse a ese padre desmedido y autoritario. Sobre aquella época Rosendo Mercado cantó en uno de sus temas más imprescindibles, Flojos de pantalón, aquello de: “Son la musa que inspira la ambición / Sueño de libertad / Noches al pie del cañón”. Antes, en el 84, La Polla Records lo dejaría incluso más claro en su tema Muy punk con aquel fraseo que decía: “Punki de postal, lalalala, punk de escaparate”. Si esa fue la contestación musical a 40 años de franquismo, si así fue el punk nacional, una visión algo reduccionista y quizá injusta aunque no exenta de trazas de verdad, ¿cuál fue, entonces, la contestación política? ¿Fue el PSOE el hijo punk del franquismo?

Ese tipo de preguntas sobrevuelan la obra, preguntas que indagan a una sociedad que se creyó contestataria y a la que Remón espeta que quizá no lo fue tanto, que quizá llevábamos al animal mucho más dentro de lo que creíamos. La obra acaba cansada, solitaria, con unos personajes gastados por el tiempo, descreídos, fracasados, mayores al fin y al cabo. Hoy, en el que más de media España está, física o mentalmente, en esa Puerta del Sol —las obras se resignifican por lo que pasa al otro lado de la puerta de la sala de teatro— este final, que es el de toda una generación, debería alertar a las nuevas.

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Veroborrea tiene previstas estas fechas por España: 6, 7 y 8 de noviembre en el Teatro Soho de Málaga. 14 de noviembre en el Teatro Mira de Pozuelo (Madrid). 20 de noviembre en el Teatro Félix Petite de Vitoria. 28 de noviembre en el Teatro Falla de Cádiz. 2 de diciembre en el Teatro Gayarre de Pamplona. 4 de diciembre en el Festival Temporada Alta (Girona). 11 de diciembre en el Teatro Romea de Murcia. 18 de diciembre en el Teatro Bretón de Logroño. En Barcelona, estará en el Teatro Coliseum, del 29 de diciembre de 2026 al 17 de enero de 2027. En Valladolid, estará los días 13 y 14 de marzo de 2027 en el Teatro Calderón.

Desde que se proyectó Tender Loving Care en el Festival de San Sebastián el certamen quedó prácticamente sentenciado. Era complicado que una película de la Sección Oficial igualará en sensibilidad, inteligencia y brillantez al filme con el que Mike Leigh se despedía del cine. El director británico ya había contado, y confirmó en el Zinemaldia, que esta será la última vez que dirija. Una enfermedad que afecta a sus ojos ha afectado a la movilidad del cineasta, que no se siente en las condiciones físicas necesarias para volver a rodar.

Algún malpensado podría pensar que ese factor sentimental, el que Tender Loving Care fuera la despedida de uno de los directores fundamentales del cine británico de las últimas décadas, podría afectar al jurado, pero tras ver la película es evidente que su calidad hablaba por sí sola. Si la crítica se rindió al maestro en contar el cine social desde lo íntimo, el jurado no se quedó atrás y claramente quedó enamorado de esta historia sobre cómo los cuidados son fundamentales, pero solo para aquellos que cuenten con una red familiar o de amigos. Un retrato magistral que, desde la relación de dos amigos y los padres de una de ellas, acaba creciendo a una crítica sobre la destrucción del estado de bienestar. 

No solo reconoció la película con una Concha de Oro tan previsible como incontestable, sino que el filme casi acaparó el palmarés llevándose también el premio al Mejor guion y el de Mejor actriz para Kate O’Flynn, que culmina su año dorado. La actriz británica llegaba de ganar el Emmy por La maldición de Widow's Bay y ahora se lleva la Concha de Plata por un trabajo de tono complicado donde se pasa de la comedia casi física al drama cotidiano. O’Flynn, eso sí, lo tuvo que compartir con Asta Kamma August, actriz noruega que protagoniza Growth of the soil, el filme de Hans Petter Moland que también logró el galardón a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Desde Nueva York, Leigh mandó un vídeo agradeciendo por todos los premios para el filme. Tan escueto como acostumbra, solo dio las gracias y dijo un “Os quiero” que supo a poco.

El cine español, que venía encadenando tres Conchas de Oro consecutivas —O Corno, Tardes de Soledad y Los domingos— se tuvo que conformar en esta ocasión con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto (en el Zinemaldia no hay división por género en las categorías interpretativas, pero sí por protagonistas y secundarios) para Javier Cámara por su personaje despreciable e hilarante en la divertida 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera. 

El palmarés dejó fuera a otra de las grandes favoritas de la edición, The debut, de Jesse Eisenberg, una de las películas mejor recibidas y que muchos contaban con que no se iría de vacío. Las interpretaciones de Julianne Moore y Paul Giamatti o su guion parecían sus mejores bazas, pero el jurado, presidido por el cineasta Ira Sachs, decidió apostar por filmes más actorales y dejar, por esta vez, a Hollywood fuera de la ecuación. En su lugar apostaron por darle la Concha de Plata a la Mejor dirección a Amanda Kernell por la estupenda Brace your heart, retrato de independencia de una mujer en la comunidad Sami. Para cerrar el palmarés, el jurado apostó por una de las películas más radicales de la Sección Oficial, la china Border, de Ah Biao, a la que reconocieron con el premio del jurado. 

El público se rinde a 'La bola negra'

Tras convertirse en el evento del Zinemaldia, al realizar su premiere española en el marco del festival, donde competía en la Sección Perlak, que recoge lo mejor de otros certámenes internacionales, La bola negra regresó a Donostia al llevarse el premio del público. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi logró una puntuación de 9,4, la segunda más alta de la historia del galardón tras la obtenida por La voz de Hind el año pasado (9,52).

Los cineastas regresaron al festival tras conseguir en el primer día en la taquilla más de un millón de euros, el segundo mejor viernes para una película española de los últimos diez años y solo por detrás del de Torrente, presidente, este mismo año. Un comienzo inmejorable para la que ya es, sin duda, la película española del año. 

El premio del público a la mejor película europea fue para Naza, el documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, que no pudieron viajar a Donostia. Ambos han sido amenazados por la extrema derecha israelí por su filme, en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí cuentan los crímenes de guerra realizados contra la población palestina en Gaza. Un trabajo que ha hecho que desde el gobierno israelí se realice una campaña de desprestigio para un trabajo estremecedor, producido por The Guardian y que se estrenará en España el próximo 9 de octubre. Un mes después, The Guardian, uno de los productores del filme, la liberará en Youtube para que todo el mundo pueda verla. 

Muchos de los asistentes a la ceremonia de clausura posaron con carteles en defensa de los cineastas, y al anunciar el título del filme todo el auditorio saco las hojas que ponían We are naza too“. Enrique Costa, de la distribuidora del filme, Elástica, leyó unas palabras de los cineastas en donde agradecían el premio y esperaban que el galardón ”sirva para esparcir la voz de lo que la película representa y lo que el gobierno israelí está haciendo con la matanza de palestinos en Gaza“.

Cierra así una 74.ª edición que también será recordada como la última de su director, José Luis Rebordinos, que se despide tras 16 años al frente y al que se le dedicó una calurosa ovación para cerrar la ceremonia. Deja el testigo a Maialen Beloki, que desde el año que viene ejercerá las funciones convirtiéndose en la primera mujer al frente del festival más importante de España.

El peor enemigo de una pareja es la rutina. Esa frase hecha, tan manida y sobada, amenaza todas las relaciones sentimentales. ¿Hay en lo cotidiano del día a día una tranquilidad o es la muestra de que todo es aburrido? Ahora piensen que una pareja que mira al abismo de intentar entender si dicha afirmación es cierta o no, también se tiene que enfrentar a la vez a un bucle temporal que les hace repetir la misma rutina cada cinco minutos. Cada cinco minutos de reloj, y por un fenómeno que nadie puede explicar, vuelven al mismo sitio donde estaban y vuelta a empezar.

La idea, brillante, terrorífica y afilada, es la que está en el centro de 5 minutos más, la película que ha escrito Berto Romero, que dirige Javier Ruiz Caldera y que compite por la Concha de Oro en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián. Por suerte la película no se queda en ser solo una ocurrencia ingeniosa, sino que avanza como una comedia bestia, en ocasiones bastante negra, que tiene como corazón dentro de su artefacto de ciencia ficción una disección de una pareja moderna que bordan Berto Romero y Belén Cuesta, obligados a estar en los cinco minutos de la marmota frente a una amenaza con pinta de señoro y los rasgos de un perfecto Javier Cámara.

Romero y Ruiz Caldera construyen una película que funciona con la precisión de un reloj, que es complicada y certera en lo técnico, con esos planos secuencia de cinco minutos que van retorciéndose cada vez más; pero que aciertan al conseguir que su propio artilugio no se quede solo en eso, sino que a través de él el espectador consiga conectar con esos personajes que se enfrentan a un apocalipsis que no consiguen entender mientras afrontan una crisis sentimental que superan a golpe de actos tremendos.

Además, lo cercano que está el mundo cada día de una nueva catástrofe hace que la que ocurre en pantalla no sea ni tan descabellada. Hasta recuerda al apagón. “Hemos llegado a un punto de encadenar apocalipsis, pre apocalipsis o supuestos apocalipsis que ya no nos sorprende nada, como si llegan los extraterrestres mañana. La gente lo considera como algo que puede ocurrir”, dice Berto Romero con humor desde el Festival de San Sebastián. 

De alguna forma 5 minutos más también sirve como metáfora de un mundo absurdo, aunque el guionista y protagonista niega que la escribiera pensando en ello. “La escribí de una forma emocional, intentando escribir una peli que a mí me flipa, que tuviera todos los componentes del cine que a mí me gusta ver tanto de forma como de fondo. Pero una vez digerida la escritura, sí me doy cuenta de que la película dialoga bastante bien con el momento que vivimos, sobre todo por esa sensación que a mí personalmente me angustia mucho y creo que compartimos todos que vivimos en un momento donde no podemos dejar de reaccionar, pero no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo. El bombardeo de momentos, de eventos, es tan continuo y tan buscado para tenernos aturdidos que esta sensación es de un cierto ahogo. Y la forma interesante para mí de representar eso es a través de esa metáfora que plantea la película”, dice de su guion.

No tiene claro si fue antes la voluntad de hablar de una pareja o el mecanismo del bucle que se reinicia cada cinco minutos, pero sí que, al ser un periodo tan corto de tiempo reinventa las reglas del subgénero hasta “no ser una peli de bucles temporales”. “En las películas los bucles temporales siempre son una nueva oportunidad. Esto es otra cosa. Esto es como si se rayara un disco. Cuando yo di con este mecanismo pensé en cómo podría yo aportar algo nuevo, porque estas películas son siempre iguales y nos las sabemos el mecanismo de memoria. Lo que encontré es que la manera de cambiarlo lo que hacía era anularlo”, dice del germen del filme. 

La película dialoga bastante bien con el momento que vivimos por esa sensación de que no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo para ello

Berto Romero — Actor y guionista

Es ahí cuando entra esa radiografía a la pareja moderna y hastiada que se enfrentan en su momento más bajo a ese disco rayado. “Esa idea de repetir y repetir para mí está muy relacionada con la pareja, porque uno de los grandes males que se le atribuyen cuando las parejas van mal es la rutina. Y de repente me pareció que era superpotente, que una historia de pareja desgastada por la rutina se enfrentara a una forma hiperbólica y salvaje de rutina”, subraya.

Aunque la presencia de 5 minutos más parezca una rara avis en un certamen de clase A, Javier Ruiz Caldera ya dejó caer medio en broma medio en serio hace un año que por qué no podía ser el caso de su filme. Lo hizo en la presentación de las películas originales de Movistar+, y entre títulos como Sirat, El ser querido o La bola negra (todas ellas presentadas en Cannes). Al ver que para su filme nadie consideraba posible que acudiera a un festival dijo con ironía que ellos también vislumbraban un festival para estrenarla. El dardo irónico se ha cumplido. Como recuerda Berto Romero, “cuando uno habla en broma siempre dice la verdad”.

Para Ruiz Caldera, “hay una cierta predisposición a descartar la comedia o el género fantástico como películas dignas de representarnos en festivales”. “Los que hacemos comedia estamos acostumbrados a que nos prejuzguen así, pero no tendría que ser así. Las películas son buenas o malas, independientemente del género, y hay que poner en valor la valentía y el criterio de Rebordinos y su equipo para seleccionarla para el festival”, zanja reivindicando la comedia y la ciencia ficción como filmes tan dignos de estar en Sección Oficial como cualquier drama.

El actor riojano Javier Cámara actúa este fin de semana en el Teatro Bretón en el estreno de ‘Vania x Vania’ dos versiones distintas de ‘Tío Vania’ de Chéjov dirigidas por Pablo Remón. Se podrá disfrutar mañana viernes y el sábado, 19 y 20 de abril, a las 20:00 horas, interpretadas por Javier Cámara, Juan Codina, Israel Elejalde, Marta Nieto, Manuela Paso y Laura Galán.

‘Vania x Vania’ pretende mostrar dos caminos posibles de acercarnos a esta obra, entre tantos posibles. Una reescritura de Chéjov en dos tiempos: Rusia, finales del XIX; Castilla, hoy en día. Un juego teatral. ¿Cómo dialoga la obra original con una reescritura actualizada? ¿Hasta qué punto las preguntas de la obra original siguen vigentes hoy?

Por otro lado, el domingo 21 de abril a las 18:30 horas el Teatro Bretón acogerá ‘La fábula de la ardilla’ dirigida todos los públicos a partir de 3 años. Una de las características de las fábulas es que siempre acaban con una conclusión moral. Por lo tanto, ¿de qué nos habla La fábula de la ardilla? Con este espectáculo, La Baldufa nos propone pensar, reflexionar y ahondar en la diferencia y el mestizaje. El erizo y la ardilla son muy diferentes, pero tienen infinidad de oportunidades para aprender y compartir juntos.

El gran erizo vive plácidamente, a la sombra de un gran roble, y cuida de los suyos, mientras disfruta de su pedacito de mundo. Pero un día, esta paz se verá perturbada, por la llegada de una ardilla amable, traviesa y juguetona. Su convivencia no será fácil. Descubriremos un erizo arisco y protector, y una ardilla con ganas de saber y compartir.

Hace tiempo que Javier Cámara (Albelda de Iregua, La Rioja, 1967) alcanzó ese estatus en el que, a fuerza de aparecer en las pantallas, una cara se integra en el imaginario hasta confundirse con rostros cotidianos. Así que no le sorprende cuando, a punto de comenzar la entrevista, alguien le dice que ya era hora de coincidir, porque siempre le dicen cuánto se parecen. “¡Qué maravilla!”, celebra el actor: “Ya me pasa eso que le pasaba Antonio Resines, que decía que se parecía a todos los cuñados de España. Eso debe ser la popularidad”.

Otro síntoma son los premios y homenajes, y por eso ha venido a Málaga, donde se le entrega el Premio Málaga-Sur en reconocimiento a su trayectoria cinematográfica, que abarca ya tres décadas, dos premios Goya y dos Biznaga de Plata en el festival que ahora le rinde homenaje. Aunque su salto a la popularidad lo diera con Siete vidas, hace tiempo que Cámara dejó de ser un actor de tele o un actor de comedia. Ha trabajado con Pedro Almodóvar, David Trueba, Isabel Coixet o Paolo Sorrentino, en cine o en televisión. Y ahora vuelve al teatro con Vania x Vania.

Está aquí para recoger un premio a su trayectoria. ¿Se ha imaginado alguna vez una vida paralela en la que no hubiese sido actor?

Ya no me acuerdo de si tenía planes B o planes C. Había posibilidades de que todo esto no funcionara. Visto de la perspectiva de un chico de 20 años, si no sale esto, pues me tendré que ir de aquí cuando se me acabe el dinero. A otra provincia, otro lugar, otro grupo de teatro. La apuesta fue por Madrid y fue apuesta ganadora. Pero bueno, también costó. Ahora funciona muchísimo, es un privilegio recibir tantas propuestas, que te den un premio por toda tu trayectoria...

Desde aquellos comienzos, ¿ha cambiado su forma de preparar los personajes?

Soy muy torpe con eso. Admiro mucho a los actores que tienen un método muy claro. Yo soy muy intuitivo, muy de improvisar. Es verdad que pienso 24 horas al día en los personajes. Ahora, por ejemplo, preparando Tío Vania, vivía dentro de ese personaje. Hay veces que quieres irte a tu casa, dejar el personaje ahí y hacer tus compras en el Carrefour, pero si te atrapa y tienes algo que contar a través del personaje, es maravilloso.

¿Qué personaje repetiría para meter algún matiz que vio en su momento?

No los repetiría porque ya no es tiempo, porque son personajes que has hecho hace 20 años y no tienes el físico. Sí hay esa sensación de que ahora lo haría distinto, pero si te eligieron en ese momento es porque querían algo de ti que tenías entonces y que ya no tienes.

Pongamos un ejemplo: vista la evolución política de los últimos años, ¿añadiría algo al personaje de Juan Carrasco en Vota Juan?

Hombre, es que es un personaje actualísimo ahora mismo con el caso Koldo, con montones de casos… Diego San José, que es el guionista y showrunner de la serie, y yo, nos escribimos todo el rato: “Oye, ¿resucitamos a Juan Carrasco, lo traemos de los fiordos?”. Con todo lo que pasó en la pandemia, imagino que habrá políticos buenos y hay ejemplos terroríficos de cosas que se han hecho muy mal. Entonces, Juan Carrasco seguiría viviendo in eternum.

¿Algún político le ha dicho alguna vez que se ha sentido representado en esa serie?

Una vez nos dijo un expolítico del PP: “No habéis hecho una serie, sino un documental. Os habéis quedado cortos”.

Tres décadas en el cine dan para observar la evolución de la industria. ¿Hace 30 años hubiésemos podido ver denuncias de violencia sexual contra directores consagrados?

Es un signo de los tiempos, una lucha feminista y de la mujer impresionante que es un símbolo no solamente en el cine. Las víctimas son tremendamente valientes a la hora de decir lo que les ha pasado y cuentan con el apoyo de la sociedad y de todas las mujeres. Todos los hombres tenemos que estar detrás de ellas. Creo que es el momento. Llega tarde, evidentemente, porque hay muchas, muchas, muchas mujeres que han sufrido muchísimo. Es el momento de estar con ellas, de apoyarlas, de limpiar y de intentar que todo esto sea de una forma distinta.

El cine, el teatro o la televisión miran a la realidad social y política, pero también hay políticos que observan con resquemor a la cultura. ¿Le preocupa que cale esa visión expresada por el portavoz de Vox en Castilla y León, eso de que “en el cine hay mucho señorito"?

Yo creo que ni cala ni se asienta. Son insultos que se echan al aire y que calará donde cale, pero yo creo que para nada. No hay más que salir a la calle y ver la aceptación y la popularidad que tienen muchos y muchas artistas y muchos cineastas. El amor, el cariño que se recibe en la calle. Eso, frente a una palabra de un tipo estentóreo que ha dicho una barbaridad... Es que no entro ni al trapo. Es que es mentira.

Su formación es teatral, pero ha hecho un paréntesis de las tablas que ha durado décadas y ahora regresa con Vania x Vania.

No lo he podido evitar. Entre tanto cine y tanta televisión, no sé hacer dos cosas a la vez. Tengo que dedicarle al teatro el tiempo, y luego lo dedicaré al cine o a la televisión o lo que aparezca. Hay compañeros y compañeras muy prolíficos que hacen varias cosas y muy bien a la vez. Yo no sé. Necesito estar en mi casa también, tocarme las narices y tumbarme en el sofá un rato y vivir la vida, e invitar a mis amigos a tomar algo. Necesito también tener mi vida personal llena de momentos bonitos.

¿Por qué vuelve ahora al teatro?

La razón es que conocí a Pablo Remón cuando dirigí un capítulo [de Vamos Juan] con Diego San José. Se empeñó en que yo dirigiera un capítulo y me dijo que no iba a poder decir que no, porque el texto lo iba a escribir el mejor guionista que había en España, que es Pablo Remón. Había oído de él en el teatro y al final yo dirigí dos capítulos suyos. Fue una relación maravillosa. Con el tiempo me dijo que tenía una obra de teatro, Los farsantes y ahora es Chéjov. No le puedes decir que no a un Tío Vania. Los chicos tenemos 10 personajes importantes a lo largo de tu vida como actor teatral. Y es la primera vez que me viene uno de ellos. Romeo ya no te viene, y Hamlet estoy un poco mayor.

Una vez llegado al punto en el que puede elegir, ¿qué criterios le mueven para aceptar un papel?

Imagino que una mezcla de emoción, miedo, riesgo, tener al lado a gente muy brillante que haya escrito o participado, que vayan a interpretarlo... Igual de repente pues te dicen “vamos a ir a rodar a no sé dónde”. Pero lo más importante es que tenga calidad y que te toque el corazón. Y luego ya entra todo lo demás.

Cuando hay gente que aún cree, al menos en España, que la política es lo que nos han mostrado series norteamericanas como 'El ala oeste de la Casa Blanca' o 'House of cards' -o quizá la danesa 'Borgen'-, la emisión de una producción nacional como 'Vota Juan' nos pone ante los ojos la meridiana evidencia: que muchos de nuestros políticos se asemejan más a Juan Carrasco o Luis Vallejo que a Josiah Bartlet o Frank Underwood.

Esta comedia ideada por Diego San José y Juan Cavestany, con tres temporadas emitidas hasta ahora, constituye un monumental repaso al paisanaje de lo que, desde la Transición, hemos podido encontrar en muchos de los gobiernos municipales, autonómicos y nacionales de este país. Porque, sin duda, aquellos que llevamos en este oficio que es el periodismo casi tantas décadas como democracia disfrutamos en España, hemos conocido, a lo largo de todos estos años, a personajes como los que, de manera tan fiel y certera, refleja la serie, sobre todo en su primera entrega, ocupando despachos oficiales. 

Por supuesto que esta no es una situación generalizada, pues de lo contrario el nuestro sería un país más próximo a una república bananera -aunque haya quien asegure que, con el tiempo, todo se andará-, pero lo cierto y verdad es que los guionistas de Vota Juan o han estado muy cerca de los personajes y las situaciones que reflejan o su capacidad para documentarse es similar a la misión que desempeña una esponja con el agua y el jabón: la de empaparse bien.

Hace tiempo que a muchos nos quedó claro que a la política española no solían llegar los mejores, ni los más cualificados, ni siquiera los más preparados. En nuestra Región, por ejemplo, hemos vivido recientemente acontecimientos tan chuscos que bien pudieran tener cabida en cualquiera de los episodios de esta tronchante serie. Porque, sin lugar a dudas, la realidad puede superar a la ficción en esta nuestra comunidad autónoma, siempre tan genuinamente original. Lástima que las televisiones de aquí no tengan capacidad suficiente para producir series autóctonas, como sí hacen la catalana TV3, la vasca ETB o la gallega TVG. A buen seguro que San José y Cavestany habrían obtenido un inmejorable caldo si, por un casual, parte del argumento lo hubieran podido cocinar a fuego lento con lo vivido, pongo por caso, en la Asamblea Regional en marzo de 2021. 

Y es que el personaje al que da vida ese fenomenal actor como es el riojano Javier Cámara, bien pudiera encajar en el engranaje de la moción de censura y sus atrabiliarias consecuencias. Seguro que a muchos paisanos que hayan visto la serie no les sonará de nuevas el perfil de ese político trepa, ambicioso, sin escrúpulos, inculto y desinhibido que representa Juan Carrasco. Porque cuántos -y cuántas- como él habrán pasado por nuestras narices y, lo que es peor, seguirán pasando. Todos los tenemos muy presentes y, en algún caso, nos quedan muy recientes. Solo se trataría de que hiciéramos un pequeño ejercicio de memoria y repasáramos la implacable e insobornable hemeroteca.

Héctor Abad Gómez fue asesinado por paramilitares la tarde del 25 de agosto de 1987 en Medellín. Colombia atravesaba uno de los periodos más sangrientos de su historia. Abad, 65 años, médico, profesor, defensor de los derechos humanos, candidato a la alcaldía de su ciudad, había visto morir a lo largo de su vida de forma violenta a muchos compañeros, alumnos, colegas. En 2006, su hijo, el escritor Héctor Abad Faciolince, publicó 'El olvido que seremos'. Lo que iba a ser en palabras de su autor “un perdón, un olvido y, en parte, también, una venganza, pero una venganza simbólica”, se ha convertido en uno de los libros más tiernos y desgarradores de este siglo, y también en uno de los más vendidos. Fernando Trueba, con dudas iniciales, aceptó el reto de llevar la historia al cine. La película, rodada en Medellín, protagonizada por Javier Cámara y ganadora de un Goya, se estrena este viernes en España. Hablamos con Héctor hijo sobre su padre, el libro y las emociones que se desataron durante el rodaje.

Es difícil imaginar una película de un libro tan denso en emociones, tan prolijo en detalles, tan íntimo… Al propio Trueba le costó ver que se podía hacer…

Sí, cuando se lo pedimos, tanto él como su esposa, Cristina, lo releyeron y nos dijeron que lo sentían mucho, pero que no era posible. Por eso que dices, en parte, y también por motivos técnicos. Lo que en un libro no nos cuesta nada hacer, que pasen veinte años, en una película complica mucho las cosas: hay que envejecer a los actores demasiado tiempo. Cambian los decorados, los coches, la manera de vestir, todo, y se vuelve muy caro y complejo. Además, lo que mencionas, lo íntimo, eso pasaba por nuestra experiencia, la mía y la de mi familia, y era difícil para Trueba meterse en esas faldas y en mis pantalones. Pero al fin, con ayuda de David, el hermano de Fernando, vieron que era posible hacerlo, haciendo uso de herramientas muy cinematográficas de guión y de saltos temporales, incluso de color. Y los productores y yo, que le insistimos a Fernando para que aceptara, al ver el resultado, supimos que teníamos razón: él era la persona que podía dirigir esta película.

Recuerda a su padre como un “radical alegre”…

Sí. Tenía opiniones muy claras sobre las prioridades que debería haber en los gastos políticos, gubernamentales, de un país como Colombia: había que satisfacer primero las necesidades básicas de toda la población, como son el agua potable, la vivienda, la salud, la educación, el alimento... Le parecía increíble que un país con tantos recursos naturales y humanos no pudiera brindar a toda la población lo básico, lo más importante, lo ineludible antes de empezar a gastar en otros lujos. Pero él no pedía estas cosas con ira, sino con alegría, con una sonrisa, con buenas maneras incluso, porque era un hombre muy dulce y muy cortés. Pero sin perder nunca de vista sus objetivos: nada de violencia, y lucha pacífica por obtener lo básico para todos. Todavía hoy estas cosas básicas no se suministran a todos los colombianos. Su mensaje, muy sencillo, sigue vivo, por lo tanto. Cuando se satisfaga lo fundamental, hablamos de lo otro.

Y estaba convencido de que Javier Cámara podía encarnar el papel de su padre… sorprendió al propio Trueba con su sugerencia ¿acertó?

Yo había visto en Cámara, primero, un gran parecido físico con mi padre. Luego sabía también que era un gran actor, capaz de saltar de una personalidad a otra, de un tipo de personaje a otro sin sentirse incómodo. Tenía también esa alegría y esa dulzura que emanaba mi padre incluso cuando se enojaba. En un principio, cuando lo sugerí, los productores dijeron que todos los actores debían ser colombianos, y sobre todo el protagonista. Cuando los mejores actores, los que quizá podrían haber hecho bien el papel, declararon que no podían, Fernando y los productores volvieron a pensar en Cámara. Tampoco fue fácil convencerlo a él: tenía que aprender otro acento, otra forma de ser; tenía que actuar en medio de un montón de actrices colombianas que no conocía, de fotógrafos, camarógrafos, y en Medellín, que no tiene la mejor fama. Pero un día, en casa de Fernando Trueba, por Arturo Soria, creo que le dimos los últimos argumentos para que no se negara. Y Javier hace un papel extraordinario. Tanto que a veces me confundo en las fotos y no sé si estoy viendo a Cámara o a mi padre. Fue una especie de reencarnación muy conmovedora.

“El mejor método de educación es la felicidad”, decía su padre…

Mi papá creía en eso. Toda la vida fue profesor. Lo que le gustaba era encontrar en cada uno de sus estudiantes, y también de sus hijos, lo que pensaba que eran sus talentos, sus cualidades. No le interesaba tanto corregir lo malo, sino más bien resaltar, estimular lo bueno. Sabía descubrir quién sería bueno para mirar imágenes (un radiólogo) o para encontrar detrás de una serie de síntomas dispersos la asociación con una enfermedad rara (un internista). Sabía cuál de mis hermanas sería mejor para dedicarse casi exclusivamente a la maternidad y cuál a los números o a la medicina. Creo que descubrió muy pronto que yo podía ser feliz escribiendo, mucho más que hablando, y me insistía mucho para que escribiera, no para que fuera famoso, ni nada por el estilo, sino para que fuera feliz en la soledad de la escritura, en la corrección de las palabras, en el acto de imaginar y contar lentamente una historia, frase por frase. Creo que los buenos maestros son así: ven para qué sirven sus pupilos, y se lo dicen, para que lo desarrollen y puedan ser felices en un trabajo que no será trabajo, porque será exactamente lo que les gusta. Por eso insistió también en que la más musical de mis hermanas fuera música... y así sucesivamente.

Guardó por años la camisa ensangrentada que llevaba su padre el día del asesinato y la quemó cuando escribió el libro, en 2006. “La única venganza, el único recuerdo, y la única posibilidad de olvido y de perdón consistía en contar lo que pasó”. ¿Fue una liberación?

Fue muchas cosas, escribir ese libro. Un perdón, un olvido y, en parte, también, una venganza, pero una venganza simbólica. Al príncipe Hamlet se le aparece el fantasma de su padre, que también se llamaba Hamlet, y le pide dos cosas: recuérdame y véngame, porque fui asesinado. Hamlet casi se enloquece al no saber cómo vengarse; provoca que su novia, Ofelia, se enloquezca más que él, y la lleva al suicidio. Al fin encuentra una forma simbólica de venganza: el teatro dentro del teatro, la representación del asesinato de su padre. Yo he releído muchas veces Hamlet, una de las obras más grandes de la literatura universal. Antes y después del asesinato de mi padre. En las dudas de Hamlet veía mis propias dudas, mis propias obsesiones, el mismo hecho de que por muchos años tenía que recordar a mi padre diariamente. Pero a pesar de mi nombre heroico, Héctor, no soy un guerrero. Siempre he pensado que soy, como en el verso de Quevedo, “un cobarde con nombre de valiente”. Y por eso me pareció bien que mi venganza se limitara al acto simbólico de escribir un libro con los hechos, una representación del injusto asesinato. Y nada más. Creo que aprendí así la mejor manera de recordar a mi padre, y también la forma de no tener que seguir recordándolo todos los días: mis recuerdos son ahora un libro, una película, unos recuerdos ajenos.

Huyó a Europa para no estar presente durante el rodaje en Medellín, pero al final una circunstancia familiar le obligó a regresar y sí presenció algunas tomas…

Lo más importante de ese regreso a Colombia (por fuerza mayor, mi esposa estaba enferma y la operaron) fue que el tiempo pasado con Fernando, Cristina y Javier en el rodaje, hicieron que una simpatía inicial se convirtiera en una amistad que sé que va a durar toda la vida, para siempre. Y pude ver la forma en que Fernando dirige, que fue una escuela para todos los que trabajaron y actuaron para él, una cátedra también para los mismos productores, que le dieron vía libre de modo que su talento y creatividad se pudieran desplegar. Pude asistir también, sin intervenir nunca, al rodaje, y ver lo largo y difícil (e incluso tedioso, a veces) que puede ser hacer una película. También pude ver cómo Fernando sacaba lo mejor del talento de mi país, y cómo el punto de vista de un extranjero le convenía mucho a la historia, porque podía dirigir con toda la libertad del mundo, sin los prejuicios locales que todos tenemos. Mi esposa sabe que le agradezco su oportuna enfermedad, que por suerte no pasó a mayores. Y pude estar sin estorbar ni molestar a nadie, que era lo que menos quería hacer. No soy persona de cine, y no sé nada de todo eso. Así que miraba y me quedaba callado.

“Si me mataran por lo que hago, ¿no sería una muerte hermosa?”, aseguró su padre años antes de su asesinato…

Hay un verso de Petrarca que quizá está detrás de esa frase: “Un bel morir tutta una vita onora”, una bella muerte honra toda una vida. Sin embargo la muerte heroica, aunque tenga algo de belleza, sin duda, en el hecho de sacrificarlo todo por una idea, tiene también algo muy duro para los demás, en especial para la familia del héroe. Puede llevar a actos muy trágicos y muy tristes. El hijo de Héctor, en la Ilíada, llora al ver a su padre vestido con las armaduras de guerrero. Su esposa sabe que va a morir cuando salga al campo de batalla a enfrentarse con Aquiles. Su padre, Príamo, tiene que besarle la mano al asesino de su hijo para que al menos le deje llevarse el cadáver y hacerle las honras fúnebres. Sin duda queda una larga memoria de los héroes, pero quizá el hijo de Héctor hubiera querido tener un padre menos heroico, más cobarde, más anónimo. Estoy muy orgulloso de mi papá, claro que sí, pero su muerte heroica casi nos destruye. No es bueno un país que necesita héroes, no sé quién lo dijo, pero estoy de acuerdo. Y en últimas mi padre también dijo que no quería que lo mataran, dijo que detestaba las armas... pero bueno, nunca lo detuvo el miedo.

Su madre, Cecilia Faciolince, sus cuatro hermanas, usted, todos han sido testigos del rodaje de la película de sus vidas, se han encontrado con los actores y actrices que les han dado vida en la pantalla…

Esa es una experiencia muy rara y muy bonita. Los actores nos visitaban, nos espiaban, nos observaban de un modo que no es el normal. Patricia Tamayo visitó muchas veces a mi madre, para encarnarla. Averiguó el tipo de color exacto que usaba para pintarse las uñas, incluso el perfume, así el realismo del cine no incluya el olor. Copió su forma de mover las manos, de reírse o llorar. El actor que hacía mi papel en la edad adulta copió mi manera de hablar, mis tics nerviosos, mi forma de estar siempre despeinado. Al niño le quedó más difícil, porque yo ya no tenía mucho de niño... Las actrices que representaban a mis hermanas, las estudiaron también, las visitaron. Mi mamá le decía a Patricia, y le dice aún: “la mía”. Una de mis hermanas se ofendió porque ella “no era gorda”; otra se puso muy feliz porque ella “no era tan bonita”. Esto de representar a personas vivas, y no imaginadas, sino ya más viejas, pero todavía vivas, tiene que ser un reto especial para los actores. Eso me ha hecho reflexionar mucho sobre su trabajo. No hace mucho tiempo, este mismo año de la peste, en Alcalá de Henares, en la casa de Cervantes, encontré un fragmento de él en el que dice cuáles son las cualidades que debe tener un actor.

Su padre fue un militante por los derechos humanos. Un profesor, un médico más preocupado por solucionar los problemas que causaban las enfermedades que por curarlas, un activista de la no violencia que hablaba del aire, el agua, el alimento, el abrigo y el afecto como las cinco cosas que lo solucionarían casi todo. ¿Qué cree pensaría hoy, en este mundo tan radicalizado ideológicamente, tan desigual y sumido en una pandemia global?

Fue siempre un médico y un profesor. Como médico, no le gustaba la medicina más activa y, digámoslo así, carnicera, la de los cirujanos. Por supuesto que los respetaba mucho, pero nunca fue un buen cirujano: le gustaba la medicina no violenta: la preventiva, la higiene, la salud pública. Vacunaba por los pueblos y las selvas, ayudaba a construir acueductos y alcantarillados. Enseñaba a las mujeres del pueblo, a simples campesinas, normas elementales de higiene y salud. Su última lucha por los derechos humanos fue también una lucha médica: según las estadísticas, que lo obsesionaban como una herramienta muy útil para entender los problemas de una sociedad, la primera causa de muerte en Colombia ya no eran las diarreas en los niños, como al principio de su carrera médica, sino la violencia: la muerte propinada por unos hombres contra otros. Publicó artículos sobre “epidemiología de la violencia”, en los años 50, cuando eso no se usaba mucho todavía. Y cayó contagiado, como los médicos de hoy, por la misma peste que combatía, la violencia asesina. Creo que hoy estaría muy satisfecho al ver que cada día hay más personas que se convencen de que las armas más importantes que tenemos contra la pandemia son la higiene, el lavado de manos, las mascarillas y, sobre todo, las vacunas. Se sentiría muy orgulloso de que las hayan podido desarrollar en solo un año los científicos. Pero estaría dando gritos, gritos muy educados, para que la distribución de las vacunas fuera más equitativa en el mundo entero, en la India, en Colombia, en otros países que necesitan las vacunas como si fueran agua para la sed. Y estaría muy triste y muy alarmado por la violencia de estos días en Colombia, con muchos manifestantes muertos por exceso de fuerza policial, y mucha infraestructura destrozada por manifestantes violentos. Mi padre participó en muchas manifestaciones en las que ni sus hijas ni su único hijo, yo, lo acompañábamos. Pero en sus marchas se usaban pañuelos blancos y mucho silencio, nunca bates o martillos, nunca piedras y mucho menos fuego o gasolina. Seguiría haciendo y diciendo lo mismo, creo yo.

Estamos acostumbrados a la mirada irónica, crítica y deformante de Paolo Sorrentino sobre Italia, y en su recorrido por todos los rincones sociales y políticos del país... le ha llegado el turno al Vaticano. Este sábado, el cineasta ha presentado en la Mostra de Venecia The young Pope, una serie de la HBO que cuenta la historia de un joven pontífice, muy conservador, que altera el rumbo de la Santa Sede desde el primer día de su papado. “Es un problema del Vaticano, no un problema mío. Y no es ni siquiera un problema. Si tienen la paciencia de examinarlo a fondo, podrán comprobar que es un trabajo honesto que no pretende provocar”, decía el cineasta sobre las posibles críticas que llegarán desde la Iglesia.

El encargado de encarnar al pontífice es el actor Jude Law, que además elige como su secretaria personal a la monja que lo ha cuidado desde pequeño, la actriz Diane Keaton. En rueda de prensa tras la proyección de los dos primeros capítulos de la serie, Law ha reconocido que al arrancar el proyecto tuvo miedo de tener que interpretar a tan alta autoridad: “Paolo me recordaba que se trataba de un hombre complicado, con muchas capas... porque si yo tenía que hacer de Lenny [el personaje], él tenía que hacer de Papa”. En la serie, el español Javier Cámara interpreta al camarlengo Bernardo Gutiérrez, que comparte muchas escenas con Jude Law y se convierte en su confidente dentro de la curia.

La serie de Sorrentino muestra corruptelas en los pasillos del Vaticano, intrigas políticas y diplomáticas que retrata con humor, y que trufa con escenas de monjas jugando al fútbol, un Secretario de Estado que tiene fantasías con la Venus de Willendorf... o una responsable de Marketing que solo quiere producir platos con la efigie del Santo Padre para poder reforzar el presupuesto pontificio.

La competición se mantiene en el terreno del drama

La competición se mantiene en el terreno del dramaLas dos películas a competición del sábado se han mantenido en el terreno del drama, aunque desde puntos de vista muy distintos. La primera es Frantz, la nueva obra del director François Ozon [Concha de Oro en San Sebastián por En la casa]. Basada en una obra de teatro de Maurice Rostand, cuenta la historia de un soldado francés que es sorprendido dejando flores en la tumba de un soldado alemán tras la Primera Guerra Mundial. Lo sorprende su prometida, que acaba atrayendo al joven soldado hacia su vida. El otro título a competición es Brimstone, un “western de mujeres” firmado por Martin Koolhoven. Inspirado en el mundo de los colonos daneses en Estados Unidos, y protagonizado por Guy Pierce y Dakota Fanning, es el relato de la vida de una joven, que crece bajo el protectorado de un reverendo radical.

“Me he reencontrado con La Palma después de 20 años”. El actor riojano Javier Cámara ha presentado este viernes la película ‘Truman’ en el Cine Teatro Chico de Santa Cruz de La Palma y ha dialogado sobre este filme con la escritora Elsa López. “Hacía 20 años que no venía a La Palma y la estoy disfrutando mucho en compañía de mis amigos”, ha señalado a La Palma Ahora. El actor se encuentra en la Isla invitado por la Fundación CajaCanarias.

Cámara, que protagoniza ‘Truman’ junto al actor argentino Ricardo Darín, señaló que “recordaba una isla verde, llena de gente bella, con una lava negra que lo inundaba todo y que hacía resaltar los colores; me alegro mucho de estar aquí con amigos y de visitar esta isla rodeado de gente”. “Estoy disfrutando mucho la estancia”, ha insistido.

Solo porque guarda entre sus secuencias el abrazo más conmovedor de la historia del cine español, 'Truman' ya merece la penaTruman. Sucede entre un padre y su hijo. En unos cinco o seis planos, sabemos lo que ambos están sintiendo, si ‘saber’ es la palabra adecuada. Es sencillo, arrebatador, transparente. Es una de las decenas de chispas visuales con las que esta nueva película de Cesc Gay acaba convirtiéndose en una llamarada emocional, interiorizada y viva.  De nuevo en tándem con el actor, escritor y dramaturgo Tomás Aragay, el cineasta catalán ha querido convertir los elementos de guion que mejor domina -diálogos, personajes, naturalismo- en probablemente su mejor película, dándose codazos con 'En la ciudad' en ese podio.

Pero más allá de ese abrazo, casi todo es admirable en 'Truman'. Cuenta la llegada de Tomás (Javier Cámara) desde Canadá hasta Madrid para visitar a su amigo Julián (Ricardo Darín) que ha decidido no combatir el cáncer que padece y dejarse morir. Con sus planos casi siempre fijos, la anatomía de su historia se resuelve sin casquería sentimental. Algo que puede parecer imposible, con un punto de partida tan difícil, por melodramático y aparentemente facilón. Sin embargo Cesc Gay convierte un relato sobre la muerte en una agria semicomedia plagada de su obsesión por la amistad, la lealtad y el respeto.

¿Cómo se hace eso? ¿Cómo, previendo un traumático descenso a los infiernos, resulta ser todo lo contrario, un ascenso a la resignación de “morir como se pueda”? Probablemente dejando que suceda. Julian y Tomás avanzan por los cuatro días que permanecen juntos sin hacerse muchas preguntas pero respondiendo a casi todo. La factura más impecable de la película es sin duda el haber puesto el foco sobre ambos. Uno se muere, el otro no. Peroambos sufren, ambos se quieren lo mismo, ambos tratan de comprenderse. Y evolucionan al final tomando la actitud del perro de Julián, cuyo nombre da título a la película, y que no puede hacer nada por impedir lo que le pasa, salvo imponer su miradas brillantes y la devoción a su dueño.

Y el hecho de que las interpretaciones de sus dos protagonistas prácticamente se salgan de la pantalla no es baladí. Ambos son muy conocidos entre el gran público y además en muchos registros. Pasa con muchos grandes actores. Es muy meritorio conseguir que olvidemos todo lo anterior, y que Cámara y Darín (premio ‘ex aequo’ en el pasado Festival de San Sebastián) se hayan embarcado en este ‘tour de coeur’ (si se nos permite la expresión) con absoluta naturalidad. Es un tránsito pausado hacia la muerte donde encontramos maravillosas sorpresas en el leve y firme paseo de secundarios de lujo como Dolores Fonzi (impresionante su interpretación), Eduard Fernández, Javier Gutiérrez, Elvira Mínguez, José Luis Gómez, Silvia Abascal o Nathalie Poza, entre otros.

Se cuela además entre todos ellos, o casi se impone, esa sensibilidad especial de Cesc Gay a la hora de ponerle música a sus escenas. Para esta ocasión ha echado mano de las composiciones del músico argentino Nico Cota y del gran guitarrista barcelonés Toti Soler. Entre medias, la voz de Luis Alberto Spinetta y de su mítica banda porteña Pescado Rabioso. Todo es la vez tan pequeño y tan grande en 'Truman'. Resulta hasta un poco absurdo, llegados a este término, hablar de la película, adornarla con tantas palabras. Porque acabamos pensando que Julián y Tomás ya dicen todo lo que se pueda decir al respecto. Saben lo que va a pasar y lo asumen. Nos enseñan que en realidad siempre estamos muriendo para alguien, y todas sus secuencias son un abrazo para consolarnos.

Jornada de rostros conocidos en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. La muestra que presume no ser “un festival de alfombra roja” sucumbe sin embargo un día cada año al poder de visibilidad mediática y atracción de espectadores que supone ser el marco del estreno mundial de una película como El tiempo de los monstruos, el filme más valiente, arriesgado, extremo y visceral que haya firmado hasta la fecha Félix Sabroso (Los años desnudos, Perdona bonita pero Lucas me quería a mí...). Para empezar, por conseguir un reparto coral (un término gastado pero aquí es cierto que todos los actores ejercen de protagonistas) por el que desfilan Javier Cámara, Candela Peña, Julián López, Secun de la Rosa y Jorge Monje. Actores dotadísimos, que se muestran sin contención, cada uno con su fuerza, su potencia individual y su magnetismo.

Hay que seguir con el hecho de que sea ésta la primera película que Sabroso ha realizado sin su inseparable Dunia Ayaso (con quien comparte todos sus títulos anteriores), fallecida en pleno proceso creativo de El tiempo de los monstruos; para finalizar con un guión medido al milímetro que, sin embargo, fue escrito “en tres semanas”. “En realidad no lo escribí, tuve que dictarlo, casi vomitarlo”, recuerda Sabroso, debido “al estado de ansiedad con el que viví la enfermedad de Dunia y el momento vital al que sabía que me enfrentaba”.

El resultado fue recibido este domingo con aplausos, la sala llena a rebosar y el larguísimo aliento de los amigos de Félix que viajaron a Sevilla y dotaron aún más si cabe a este festival de la atmósfera festiva y colorida que sólo pueden aportar personajes como Bibiana Fernández, Santiago Tabernero, Jimmy Barnatán, David Delfín, Elena Benarroch y Jossie, entre otros.

Aquelarre de amigos para asistir a la proyección de un aquelarre fílmico. El que plantea Félix Sabroso en esta película pirandelliana que, a modo de juego de espejos, coquetea con el clásico concepto estético del cine dentro del cine, los límites entre realidad y ficción, el ser humano y su personaje o el artista ante los procesos de creación. El punto de partida es el siguiente:

Víctor (Javier Cámara), una suerte de cineasta que dice haber rodado algunas películas pero que sin embargo no ha conseguido nunca estrenar, reúne alrededor de su lecho de muerte a sus más fieles colaboradores, con el fin de poner en marcha lo que probablemente sea su obra póstuma. Todos ellos, Candela Peña, Pilar Castro, Julián López, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jorge Monje y Yaël Barnatán, se reúnen en una insólita convivencia dentro de una mansión de inspiración hitchkockiana para sacar a pelear a sus demonios.

“Tardé tres semanas en escribirla, pero era una idea largamente perseguida, la obra que siempre quise contar, pero para la que nunca había encontrado el momento de enfrentarme. Ahora estaba en el momento vital adecuado para hacerla realidad, es una película que responde a un estado de las cosas”, relató ayer a los medios Félix Sabroso, que reconoció que ha realizado un ejercicio de desnudez emocional en este filme por donde se pasean sus referencias cinematográficas (de Hitchkock a Buñuel) y que le ha enseñado a “relacionarme con mis miedos”.

Una película “sin género”

A partir de aquí se sucede un filme que no es una comedia, ni un thriller psicológico, ni un drama, pero que es todas esas cosas a la vez. Que le planteó tantas preguntas a los actores cuando se encerraron en la mansión a rodar como a los espectadores que anoche acudieron a la sala; una película que juega al desconcierto, a que nadie sabe lo que está pasando, al quien es quien o a quien representan. “No voy a alimentar a espectadores malcriados, que hay que guiar de un principio a un final, con todo mascadito, azucarado y digerible para que vengan al cine y no tengan ni que pensar”, reivindicó Sabroso, para quien esta película tiene otros valores “más allá de que se entienda todo o no”. “Querer tener todas las claves, además, me parece muy pretencioso”.

Así lo defendió también Carmen Machi, para quien esta película “sin género” no es más que “cine en estado puro”; o Javier Cámara, que aseguró que más allá del trabajo actoral -aquí insuperable y generoso, en el que cada intérprete aporta luz a su adversario y nunca lo ensombrece-, las películas “son de sus directores, que es el que se tiene que desnudar”.

En este sentido, en esta película delirante y alucinada (que a veces puede darle bocados a títulos tan dispares como 'El ángel exterminador' de Buñuel' o 'Los amigos de Peter'), Félix Sabroso ha sido “un talibán con el guión”, según Candela Peña. ParecE, tras visionar el filme, la única manera de concebir esta película guionizada como una liturgia, como un “decálogo de vida” de su director (Javier Cámara dixit) y, al fin y a la postre, un acto de homenaje a Dunia Ayaso, para quien fueron las emociones finales de una fiesta del cine por el cine.

La historia de un adolescente de 16 años que tiene que vivir con un padre alcohólico, al que desprecia por ser ejemplo del absoluto fracaso, que regresa a un lugar de infancia y experimenta entre la incertidumbre reinante de una época tan aleatoria y terrorífica como la adolescencia cosas como el primer amor, las primeras experiencias sexuales o las primeras resacas, ha sido la ganadora de la Concha de Oro en la 63 edición del Festival Internacional de San Sebastián. Es una película de iniciación en un contexto desolador, en un paisaje lleno de fiordos y rodada por Rúnar Rúnarsson con sensibilidad, una película que no molesta pero que es demasiado pequeña para un festival de clase A.

La actriz Paprika Steen presidía el jurado de esta edición. De ella dependía mediar si los demás miembros no se ponían de acuerdo. Ocurrió justo eso, el jurado se había fracturado en dos corrientes distintas defendiendo títulos completamente contrarios. Había que poner orden y la decisión de Steen fue premiar a la película de consenso. Y eso significa premiar a Sparrows, una decisión desapasionada que no ayudará ni a la película ni al festival. Salvo por la descripción de la virilidad bruta y salvaje en una sociedad tan civilizada como la nórdica, formalmente tampoco tiene sentido el veredicto. 

Zinemaldía se ha dado un disparo en el pie, porque no solo premia a una película con el mismo recorrido (nulo) que la Concha de Oro de hace dos años, Pelo Malo, si no que el resto del palmarés exceptuando quizá la interpretación -el ex aequo de Javier Cámara y Ricardo Darín por su magnífico trabajo en Truman y el premio a Yordanka Ariosa por su desgarrado papel en El Rey de la Habana- está lleno de pequeños despropósitos.

Yordanka Ariosa se emocionó muchísimo al recibir la Concha de Plata a Mejor actriz. Su personaje es pura carne. Ariosa está fantástica en su mirada triste y animal, en su forma de moverse salvaje y libre y su violenta forma de herir con su palabras que llegan de la frustración y las heridas de un país como Cuba, al que por supuesto dedicó parte de su discurso de agradecimiento: “Un abrazo muy especial a mi querido archipiélago cubano, que si ese espíritu no me saliera por todos los poros de mi cuerpo, este personaje no habría salido”.

Por otro lado Javier Cámara dedicó su premio a toda la gente que está pasando por una enfermedad “y a toda la gente que acompaña a esa gente”. En eso consiste, precisamente, su papel en Truman. Un inmenso trabajo por su contención y su capacidad para escuchar y acompañar a Ricardo Darín. Saber escuchar hace grande a los actores y sin el trabajo de Cámara, Darín no hubiera brillado tanto. Por eso este premio a los dos es incontestable y muy justo.

Unos cuantos despropósitos

La gran derrotada del festival es High-Rise, la propuesta más interesante de toda la sección oficial es una desquiciada película de Ben Wheatley, salvaje, kafkiana y llena de lecturas anticapitalistas. Una película importante que se va de vacío, una oportunidad perdida para el festival de apadrinar a un director con tantísimo potencial. Cuando Wheatley se convierta en uno de los nombres propios más radicales e importantes del séptimo arte ya nunca será hijo de San Sebastián.

El francés Joachim Lafosse se llevó la Concha de Plata a Mejor director por Les Chevaliers Blancs. Un premio intrascendente y equivocado ya que es la historia que lleva al límite la intervención humanitaria de las ONG en el Chad. Es una reflexión brutal y muy interesante sobre las organizaciones de ayuda al Tercer Mundo pero que sin embargo no está bien contada, es dispersa y fallida. El Premio al Mejor Guión es otra torpeza incuestionable, el libreto de la última película de los hermanos Larrieu es una gran tontería con diálogos dispersos donde el personaje de Karin Viard se lleva las mejores frases, mientras los demás personajes deambulan entre chistes sobre penes, bastante reprimidos y bastante infantiles. Cuando recibieron el premio como una especie de justificación dijeron: “Es una película muy francesa”. Eso no es razón de nada, claro.

La fotografía de Evolution, una de las pocas películas de la sección oficial dirigida por una mujer, Lucile Hadzihalilovic, es sin duda, uno de los pocos premios con más o menos acierto. El filme es una especie de cuento freudiano sin demasiado sentido que al menos construye una perturbadora atmósfera que consigue que un paisaje tropical y precioso se convierta en una cárcel. Era una de las favoritas del jurado y también se llevó el Premio Especial del Jurado. Y así finaliza esta edición del festival que se recordará por la poca importancia de sus películas premiadas y por el fantástico recorrido que tendrán las olvidadas, como High-Rise, Les demóns o Terrence Davis y su Sunset Song.

Palmarés de la 63º edición del Festival de San Sebastián

Concha de Oro: Sparrows de Rúnar Rúnarsoson

Premio Especial del Jurado: Evolution de Lucile Hadzihalilovic

Concha de Plata al Mejor Director: Joachim Lafosse por Les Chevaliers Blancs

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Yordanka Ariosa por El Rey de la Habana

Concha de Plata ex aequo al Mejor Actor: Ricardo Darín y Javier Cámara por Truman

Premio del Jurado a Mejor Fotografía: Manu Dacosse por Evolution

Premio del Jurado al Mejor Guión: Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu por 21 Nuits Avec Pattie

Mención especial del Jurado: El Apóstata :de Federico Veiroj

Premio Kutxabank Nuev@s Director@s: Le Nouveau de Rudi Rosenberg

Premio Horizontes: Paulina de Santiago Mitre

Premio del Público a la Mejor película: Our Little Sister de Hirokazu Koreeda

Premio Irízar al Cine Vasco: Amama de Asier Altuna

Un hombre con cáncer que ha llegado al límite de la enfermedad decide terminar con el tratamiento y dejarse ir, se llama Julián. El otro hombre es Tomás, un amigo de la infancia que vive en Canadá y que decide ir cinco días a Madrid para despedirse de Julián. Cinco días que ambos emplearán para encontrar unos dueños al perro de Julián, Truman. Cesc Gay es el único capaz de contar esta historia sin abusar de sentimentalismos. El humor negro se combina con el drama de forma excepcional en Truman, una película que ha conmovido profundamente a toda la crítica y a todo el público de este Festival de San Sebastián. Difícilmente se irán de aquí sin rascar nada en la gala de clausura.

Julián es Ricardo Darín, cuyo darinismo, o sea, ser Darín en mayor o menor intensidad, ha tocado techo con esta película. Su trabajo es sublime, se lleva el personaje hacia dentro y lo convierte en él. A este actor le da lo mismo ser Julián, que Tomás, que el propio Truman (el perro): clavaría todos los papeles. Tomás es Javier Cámara cuyo trabajo, aunque no brilla tanto como el de su compañero, es bastante más complicado. Cámara es nuestros ojos en este periplo hacia la tragedia, probablemente no haya actores tan generosos como él. El resultado es claro, intenso, crudo, reconciliador, divertido y emocionante.

Nos encontramos con el realizador catalán en el Hotel María Cristina, rodeados de cámaras, actores, periodistas, jefas de prensa, agentes, guardaespaldas y huéspedes. Cesc es un tipo carismático y rotundo al que no le cuesta empatizar y que disfruta de la conversación.

La película es delicada, realista... Has tenido que vivir algo parecido.

Sí, y evidentemente no la del personaje de Ricardo Darín, pero lo viví como acompañante. A partir de todos esos meses empecé a escribir las cosas que iban pasando. Era algo más de necesidad, no lo hacía pensando en hacer una película. Pero vivía escenas de mucha intensidad y crueldad, situaciones que me fueron atrapando y que fui acumulando mientras observaba la reacción de la gente. Me sorprendía mucho lo complicado que era gestionar estos momentos. Era una especie de diario caótico. Después de Una pistola en cada mano me di cuenta que era un temazo y empecé a darle forma.

Últimamente me da la sensación de que el cáncer es el detonante favorito de los que hacéis ficción.

Me imagino que a nivel estadístico los directores que ahora tienen 25 años no harían este guión nunca. Pero la gente de cierta edad... Bueno yo tengo 48 y ya se te muere la gente. Te rodea el cáncer como te rodea la enfermedad y la muerte y desgraciadamente cada vez se te muere gente más joven. Como director y a esta edad puedo hablar de ello. No sé qué pasará cuando tenga 70, (se ríe) ¡A los 70 la comedia puede ser tremenda! Imagínate ya con esa distancia, que te ha pasado de todo y tú sigues ahí, vivo. Yo, Truman la he hecho desde el miedo.

Lo desagradable, lo crudo de la enfermedad lo eliminas. ¿Por qué?

No me interesaba. Es la historia de alguien que tiene que ver a un amigo porque se va. No quería a un tipo en crisis o hecho polvo. Quería a alguien que ya ha tomado todas las decisiones y que quiere terminar bien, rápido y bonito. El problema lo tienen los que le rodean.

¿Elegiste a Darín antes o después de escribir el guión?

Me obligo a no pensar en nadie cuando escribo; primero porque te decepcionas, porque no pueden y segundo porque entonces escribes como él (el actor en cuestión) habla. Un guionista tiene que construir un personaje, darle identidad y que él solo se defienda.

En una escena Ricardo Darín está en un bar con Javier, y observa como un viejo conocido entra en el bar y aunque le ve no le saluda. Actúa así por incomodidad o hipocresía no por mala educación. Darín se levanta y le reprende en una de las escenas más violentas y también más divertidas de la película. En todas tus películas colocas a tipos que desenmascaran a otros. ¿Te gustaría que abundaran más?

Por suerte, la gente es hipócrita. Es la base de la vida en común. Si nos estuviéramos todos diciendo lo que pensamos los unos de los otros sería un desastre. Hoy en día con la impunidad de nuestros móviles decimos cosas brutales. ¿Qué necesidad hay de hacernos daño? La hipocresía está infravalorada, es respeto a fin de cuentas. “Tu novia me parece fea y estúpida”, no hombre, si estás enamorado qué más da.

Truman, el perro, es el mcguffin de la película pero también simboliza la lealtad. Hay gente a la que no le gustan los perros, no sé si lo van a entender tan bien.

Es cierto que la gente que tiene perros es como si fueran sus hijos. Simplemente me gustaba que Darín no fuera un personaje rodeado de una familia, le quería solo, con una ex (ni siquiera una novia) y que su hijo fuera ya mayor y viviera fuera. El perro es el compañero ideal y además yo buscaba que durante esos cinco días de ficción que dura la película él tuviera que hacer algo. Eso es muy importante. Sea porque el personaje tiene que matar a alguien o porque no sabe qué hacer con el perro. Además ayuda a equilibrar el drama y la tragedia.

¿Te costó mucho no caer en el chantaje sentimental?

Era uno de los trabajos que teníamos que hacer. La película tiene que ganarte en lo emocional. Hay giros muy negros, muy bestias, pero intentamos no frivolizar, porque cuando te pasas con el humor, cambias de tono. Esta es una película que toca bien, no me gusta hacer ese cine angustioso donde se pasa mal. Con Truman puedes salir tocado pero contento de haber pasado por esa experiencia.

Hoy quiero hablar de cine, de películas que te hacen soñar y que esperas que se hagan realidad. De CINE con mayúsculas y de cine español y de los Goya. Os preguntaréis qué tiene que ver Robin Hood con los premios Goya y con Richard Curtis, Piratas del Caribe, Walking Dead y Love Actually.

Hoy Oxfam Intermón lanza el video Noticias del futuro escrito por Richard Curtis. En este video intervienen actores de renombre como Billy Nighy, Haeike Mataksch, Clemence Poesy, Andrew Lincoln y nuestro recién premio Goya al Mejor Actor, Javier Cámara. ¿Sois capaces de imaginar la estatuilla de los goya con un gorrito de Robin Hood?goya Pues hacedlo, porque tiene sentido.

Noticias del futuro trata de una tertulia televisiva que tiene lugar dentro de 10 años, y se da por hecho que 11 países de la Unión Europea han puesto en marcha la Tasa a las Transacciones Financieras (popularmente conocida como Tasa Robin Hood) y han destinado los fondos a luchar contra la pobreza, tanto en Europa como en el resto del mundo. En la tertulia vemos a representantes de Francia, Alemania y España sentados a un lado, contando cómo la Tasa Robin Hood ha cambiado la vida de muchas personas, y al otro lado a un representante del Reino Unido, país que no apoyó esta Tasa, deseando que pase el momento.

Javier Cámara es el banquero representante español que defiende cómo una pequeña tasa, 0,05%, que se cobra a los bancos por el movimiento de productos financieros especulativos y que supone un ingreso de 5.000 millones de euros anuales para España ha mejorado la vida de miles de familias españolas y ha ayudado a salir de la pobreza a muchas personas en los países más desfavorecidos. ¿A que ahora si veis a la estatuilla de los Goya con un gorro de Robin Hood?

Estamos ante una fecha clave para que ese video se haga realidad, para que Robin Hood por fin exista y le quite el dinero a los ricos para dárselo a los pobres. Hoy están reunidos los ministros de Economía de la UE para avanzar en la puesta en marcha de la Tasa a las Transacciones Financieras por 11 países de la UE, entre ellos España.

Diferentes organizaciones que formamos la Alianza Robin Hood hemos enviado una carta al Presidente del Gobierno, Mariano Rajoy, pidiéndole que no pierda la oportunidad de ser el artífice que hace realidad el video “Noticias del futuro”. Le pedimos que impulse la aprobación de una Tasa Robin Hood que se aplique a un amplio número de productos financieros para que haya un mayor control de la especulación y se puedan recaudar esos 5.000 millones de euros. Le pedimos que se mantenga firme frente a la presión del sector financiero. Y sobre todo, le pedimos que ese dinero no vuelva a quienes han sido los culpables de la crisis, sino a los que la sufren. Le pedimos que se comprometa a destinar parte de los fondos para luchar contra la pobreza y la desigualdad dentro y fuera de España.

Cada vez estamos más cerca de que el mito de Robin Hood se haga realidad.

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