Desde el estreno el pasado 10 de marzo de su segunda temporada, la serie live-action de ‘One Piece’ se ha convertido en lo más visto de la plataforma Netflix, lo que evidencia las buenas sensaciones entre los aficionados al anime y espectadores, que siguen las aventuras de Monkey D. Luffy y sus amigos.

‘One Piece’ fue una serie creada por Eiichiro Oda en 1997 a través de una serie en la revista Weekly Shonen Jump que creó basándose en su afición a las historias de piratas, en parte gracias a la serie de dibujos animados de ‘Vickie, el Vikingo’. Una narración que tenía su origen en ‘Romance Dawn’, que sentó las bases de lo que sería la aventura de Luffy.

Sin embargo, fue la serie anime de televisión de 1999 la que dio popularidad a los personajes creados por Oda y que quedaron en la infancia y cultura popular para muchos, y que ahora convive con la serie de la plataforma digital.

Uno de los retos del live-action era que los actores fueran capaces de mantener la esencia de los personajes de anime, algo nada sencillo, sobre todo con algunos tan icónicos como los de ‘One Piece’, y un detalle que ayudó fue el hecho de que su creador había dado clara nacionalidad a cada uno de ellos.

De dónde procede cada personaje de ‘One Piece’

Habitualmente, en los volúmenes impresos de ‘One Piece’ aparece una sección que se conoce como SBS, derivado de palabras como ‘Shitsumon’ o ‘Boshuu Suru’ que hacen referencia a un estilo “respondo a tus preguntas”, como un Q&A de los lectores y aficionados al propio escritor de la serie. En el volumen 56 es el que nos da una información valiosa para conocer la nacionalidad y el origen de cada uno de los personajes del anime trasladándolos al mundo real. Así, Eiichiro Oda fue claro sobre lo que tenía en mente como lugar de nacimiento para cada uno, siendo en algunos más concreto, en otros menos.

Por ejemplo, con el protagonista, Monkey D. Luffy, Oda siempre lo situó en Latinoamérica, concretamente en Brasil, un detalle que combina perfectamente con el actor mexicano Iñaki Godoy, que lo interpreta en el live-action de Netflix. En otras situaciones, como en la de Usopp, Eiichiro Oda la referencia que da es un continente entero, al escribir “Africa” como lugar de origen del personaje, que en el live-action es interpretado por Jacob Gibson, de Jamaica.

El más claro y que en la serie de Netflix coincide plenamente es Zoro, con su mítico pelo verde, que es originario de Japón, al igual que su actor, Mackenyu. En el caso de Sanji, por ejemplo, sí que cumple el hecho de ser europeo, pero no en el país, pues mientras Oda lo imaginó francés, el actor Taz Skylar es español, de islas Canarias, con ascendencia británica.

Uno de los personajes principales que tiene origen diferente en el comic respecto a la serie de live action es Nami, que mientras su creador la vio de Suecia, Emily Rudd, quien le da vida, es proveniente de Estados Unidos. Otros orígenes que también fueron desvelados es que Robin proviene de Rusia, Franky de Estados Unidos, Chopper de Canadá o Brook de Austria. Algunos de ellos debutan precisamente en esta segunda temporada.

Hay alimentos que entran por los ojos. Y luego está el natto.

Si alguna vez lo has visto, sabrás de qué hablo: pequeñas habas de soja cubiertas por una especie de hilos pegajosos que parecen desafiar las leyes de la física. Lo remueves con los palillos y se estira como si fuera queso fundido. Lo hueles y… bueno, digamos que no es precisamente perfume de primavera.

Y, aun así, en Japón es uno de los desayunos más tradicionales y saludables que existen.

Qué es exactamente el natto

El natto es soja cocida y fermentada con una bacteria llamada Bacillus subtilis. Durante ese proceso de fermentación, las habas desarrollan esa textura viscosa tan característica y un aroma potente, ligeramente amoniacal, que no deja indiferente a nadie.

La fermentación transforma por completo el alimento. Igual que ocurre con el yogur o el kéfir, la soja cambia su perfil nutricional y sensorial: se vuelve más digestiva, desarrolla propiedades probióticas y potencia su sabor umami. Ese sabor profundo que recuerdas cuando comes parmesano curado o ciertas setas, pero con un punto punzante que, sinceramente, no todo el mundo tolera a la primera.

De hecho, el natto tiene fama de ser uno de los alimentos más “desafiantes” del mundo. Pero en Japón es cotidiano, humilde y profundamente identitario.

Origen y por qué es tan importante en Japón

El natto es barato de producir y extremadamente nutritivo. Aporta proteínas vegetales de alta calidad, vitamina K2 (clave para la salud ósea), enzimas como la nattokinasa y bacterias beneficiosas para la microbiota.

Su origen se pierde entre historia y leyenda. Algunos relatos lo sitúan en el siglo VII, cuando alguien olvidó soja cocida envuelta en paja de arroz y descubrió que el calor la había fermentado. Otros lo vinculan con guerreros que transportaban provisiones en condiciones húmedas y terminaron “descubriendo” la magia de la fermentación accidental.

Sea como sea, terminó convirtiéndose en uno de los desayunos más populares del país. Y cuando digo popular, hablo de millones de japoneses comiéndolo cada mañana con arroz caliente.

¿A qué sabe el natto?

No queremos mentir... el natto tiene un sabor intenso, profundamente umami, con matices que recuerdan al queso muy curado. Pero también tiene un aroma fuerte, algo amoniacal, y una textura viscosa que puede resultar chocante si no estás acostumbrado.

Es un alimento que se ama o se odia. No suele haber término medio.

Cómo hacer natto en casa

Sí, se puede preparar en casa. Y no es ciencia espacial, pero exige higiene y algo de paciencia.

Ingredientes:

Paso a paso:

Ahora bien: siendo honestos, mucha gente opta por comprarlo ya preparado en tiendas asiáticas. Viene en pequeñas bandejas individuales y, en ocasiones, incluye sobres de salsa de soja y mostaza japonesa (karashi).

Cómo se come el natto

La forma más clásica es el natto gohan: arroz blanco caliente en un bol y el natto por encima. Se mezcla bien hasta que se vuelve aún más filamentoso y se añade salsa de soja y un toque de mostaza. Algunos incorporan una yema de huevo cruda y cebolleta picada.

Pero hay más combinaciones.

Con tofu sedoso, el contraste es brutal: la cremosidad neutra del tofu suaviza la potencia del natto.

Con aguacate, la mezcla es sorprendentemente armónica. La grasa vegetal del aguacate equilibra la intensidad.

Con okra, el resultado es casi extremo, porque ambos comparten textura mucilaginosa. Es un festival de viscosidad que, contra todo pronóstico, funciona.

Incluso puede incorporarse a platos de fideos como los udon, convirtiendo un desayuno tradicional en un almuerzo contundente.

Entonces, ¿merece la pena probarlo?

Si te interesa la fermentación, la salud intestinal o simplemente entender la cultura gastronómica japonesa desde dentro, sí. Rotundamente sí.

El natto no es un alimento pensado para impresionar en Instagram. Es tradición, es funcionalidad, es microbiota feliz.

Puede que la primera cucharada te desconcierte. Pero también puede que descubras que detrás de esa apariencia extraña hay uno de los superalimentos más honestos y completos del mundo.

Y eso, en cocina, siempre merece una oportunidad.

Hay un momento en todo restaurante japonés en el que alguien mira la carta, ve “yakisoba”, ve “udon” y piensa: “Bueno, serán lo mismo, ¿no?”. No. Rotundamente no.

Ambos forman parte del universo de los fideos japoneses clásicos, ambos están hechos con trigo y ambos pueden llevar carne y verduras. Pero ahí terminan las coincidencias. Lo que cambia es la textura, la forma de cocinarlos, el tipo de salsa y hasta el ambiente en el que suelen comerse.

Vamos por partes.

Yakisoba: el rey del street food japonés

Los yakisoba son, probablemente, uno de los platos más populares del verano en Japón. Si alguna vez has visto imágenes de un matsuri —los festivales tradicionales japoneses— habrás visto también planchas humeantes y montañas de fideos salteados. Eso son yakisoba.

A pesar de lo que sugiere el nombre, no se elaboran con soba (los fideos de trigo sarraceno), sino con fideos de trigo similares a los del ramen. Se preparan en una plancha llamada teppan: primero se saltean verduras como col, zanahoria o cebolla, junto a carne de cerdo o pollo; después se añaden los fideos y, lo más importante, la salsa yakisoba, que les da ese sabor intenso, ligeramente dulce y umami que los define.

El toque final es puro espectáculo visual y aromático: aonori (polvo de alga), katsuobushi (virutas de bonito seco que “bailan” con el calor) y beni shoga, ese jengibre encurtido rojo que aporta acidez y frescura.

El resultado es un plato contundente, sabroso y pensado para comerse al aire libre, entre farolillos y ruido de festival. Es calle, es plancha, es informalidad.

Udon: los fideos gruesos del confort japonés

Los udon, en cambio, juegan en otra liga. Son los fideos más gruesos de Japón, elaborados simplemente con harina de trigo, agua y sal. Blancos, lisos y con una textura elástica y ligeramente gomosa que los hace inconfundibles.

Si los yakisoba son puro fuego, los udon son abrazo caliente.

Tradicionalmente se sirven en caldo, especialmente en preparaciones como el kake udon, donde flotan en un caldo dashi con cebolleta; o el kitsune udon, que lleva por encima aburaage (tofu frito dulce). También existen versiones salteadas como el yaki udon, pero incluso ahí la sensación es distinta: el fideo es más grueso, más protagonista, más masticable.

Otra diferencia clave es el contexto. Los udon forman parte de la cocina cotidiana japonesa. Son reconfortantes, versátiles y pueden servirse tanto calientes como fríos (como el zaru udon, que se come con salsa para mojar).

Su origen se remonta, según la tradición, al siglo VIII, cuando un monje los habría introducido desde China en la actual prefectura de Kagawa. Hoy, esa región es casi sinónimo de udon, y en ciudades como Takamatsu abundan restaurantes especializados únicamente en este tipo de fideo.

Entonces, ¿en qué se diferencian realmente?

La diferencia más evidente está en el grosor: los udon son gruesos y elásticos; los yakisoba, más finos y pensados para absorber salsa. Pero hay más.

Los yakisoba siempre se saltean y dependen de su salsa característica para existir. Los udon, en cambio, brillan especialmente en caldo y tienen una identidad mucho más amplia dentro de la gastronomía japonesa.

Uno nace en la plancha humeante de un puesto callejero. El otro en un cuenco profundo de sopa caliente.

Ambos son fideos clásicos japoneses. Ambos son deliciosos. Pero confundirlos es como decir que una hamburguesa y un cocido son lo mismo porque ambos llevan carne.

No lo son. Y Japón, en esto, es exquisitamente preciso.

El cerezo marca un momento concreto del año y no dura mucho abierto. En Japón, el festival de cerezos gira en torno a ese florecimiento breve que tiñe parques y templos de rosa y que cada primavera reúne a familias, amigos y visitantes bajo las ramas. Ese árbol no se valora solo por su aspecto, sino porque el florecimiento señala el cambio de estación y acompaña celebraciones al aire libre, comidas y fotografías que se repiten generación tras generación. Al mismo tiempo, cuando el turismo masificado entra en juego, esa imagen delicada puede quedar sometida a una presión que altera el ritmo normal de barrios enteros y obliga a replantear cómo se organiza la acogida de viajeros internacionales.

El Ayuntamiento de Fujiyoshida anunció que suprimía la cita para frenar el colapso en la zona

En ese escenario de afluencia creciente, las autoridades de la ciudad de Fujiyoshida han anunciado la cancelación del Festival de Cerezos en Flor del Parque Arakurayama Sengen por el impacto del sobreturismo en la vida diaria de los vecinos, según la agencia japonesa Kyodo.

El evento, que se celebraba desde hace aproximadamente una década en uno de los miradores más conocidos del monte Fuji, quedará fuera del calendario oficial esta primavera. El consistorio tomó la decisión tras recibir quejas por congestión, suciedad y comportamientos inapropiados que ponían en riesgo la convivencia y la seguridad.

El parque Arakurayama Sengen atraía cada año a una media de 200.000 personas, con picos superiores a 10.000 visitantes diarios en los días de mayor floración. Este año se esperaba un nuevo récord, impulsado por la debilidad del yen, que ha convertido a Japón en un destino más accesible para viajeros extranjeros, y por la difusión masiva de imágenes en redes sociales. En este sentido, la combinación de tipo de cambio favorable y fotografía viral ha llenado de visitantes un lugar con infraestructuras limitadas.

Las quejas de los residentes fueron en aumento por conductas que invadían su día a día

El alcalde de Fujiyoshida, Shigeru Horiuchi, explicó a medios locales que “el monte Fuji no es solo un atractivo turístico, es nuestro propio modo de vida”. En otra declaración añadió que “detrás de este paisaje tan hermoso se están viendo amenazadas la tranquilidad y la dignidad de nuestros vecinos”. Horiuchi lamentó el deterioro de la calidad de vida en el municipio y defendió que el bienestar de la población debía situarse por delante de la promoción del evento.

Las quejas vecinales se han acumulado en los últimos años. De acuerdo con el Straits Times, se registraron intrusiones en viviendas privadas para usar el baño y casos de personas que hacían sus necesidades en jardines particulares. También se denunciaron cruces peligrosos en calles con tráfico intenso, incumplimientos de semáforos y acumulación de basura en propiedades cercanas al parque.

Para colmo, los padres y vecinos alertaron de que las multitudes empujaban a los escolares fuera de las aceras cuando intentaban hacerse fotos con la pagoda Chureito y el monte Fuji al fondo.

Las autoridades mantendrán controles y tasas porque la avalancha no se limita a un solo punto

Aunque el festival no se celebrará, el Ayuntamiento asume que muchos viajeros acudirán igualmente durante la temporada de floración. Por eso desplegará guardias, instalará aseos portátiles y habilitará aparcamientos temporales para mitigar el impacto en abril. Se pedirá a los visitantes que utilicen transporte público, que eviten zonas residenciales y que no tomen fotografías no autorizadas. Aun así, se prevé que el mirador continúe saturado y que las colas para obtener la imagen más buscada superen las tres horas.

La presión turística, no obstante, no se limita a este municipio. El gobierno prefectural de Yamanashi, responsable de las actividades de senderismo en el monte Fuji, introdujo el verano pasado una tasa de acceso de 4.000 yenes, unos 24,70€, para quienes suben por cualquiera de las cuatro rutas principales en temporada alta. Además, ya existía un cupo diario de 4.000 personas en la ruta Yoshida, la más concurrida, junto con una contribución destinada a la limpieza del entorno declarado Patrimonio Mundial por la UNESCO.

En la cercana Fujikawaguchiko se adoptó otra medida llamativa. Las autoridades levantaron una valla de 20 metros de largo y 2,5 metros de alto, cubierta con malla negra, que bloqueaba la vista del monte Fuji desde un punto popular para selfis.

La barrera tuvo que desinstalarse en agosto ante la previsión de un tifón, y después no volvió a colocarse porque ya había reducido el número de visitantes, aunque el Ayuntamiento advirtió de que podría reinstalarla si regresan en grandes cantidades.

El actor japonés Tatsuya Nakadai, habitual en producciones del influyente director Masaki Kobayashi (1916-1996) y en la filmografía del legendario Akira Kurosawa (1910-1998), murió a los 92 años, informó este martes la cadena pública japonesa NHK.

El prolífico actor Nakadai, sobre quien no se reveló información sobre las causas del fallecimiento, es especialmente conocido por la trilogía de La condición humana y Harakiri (1962), de Kobayashi, y Kagemusha, la sombra del guerrero (1980) y Ran (1985), de Akira Kurosawa. Nacido el 13 de diciembre de 1932 en Tokio bajo el nombre de Motohisa Nakadai, debutó a los 22 años en teatro y a lo largo de su carrera participó en más de cien películas y, en total, cerca de 200 producciones, sumando obras teatrales y producciones de televisión.

En 1954 apareció en la obra maestra de Kurosawa Los siete samuráis, como un ronin sin diálogo. Su debut como actor principal en una película fue con Phoenix, en 1956. Tres años mas tarde obtendría el papel protagonista en La condición humana, la adaptación cinematográfica de Kobayashi de la exitosa novela de Junpei Gomikawa, consolidándose como una estrella en el panorama cinematográfico nacional.

Sus papeles en Kagemusha y Ran terminarían de catapultar su nombre a la esfera internacional. Ran, el filme que le hizo más popular intenacionalmente, transcurre en el Japón medieval y seguía la historia de un anciano señor de la guerra que se retira y cede su imperio a sus tres hijos. Sin embargo, con el tiempo, sus hijos se vuelven unos contra otros y contra él cuando el poder recién adquirido los corrompe.

Respecto a La condición humana, dirigida por Masaki Kobayashi, fue un drama bélico épico japonés que se centraba en Kaji, interpretado por Nakadai. El actor interpreta a un pacifista japonés que intenta sobrevivir en el mundo totalitario y opresivo del Japón de la Segunda Guerra Mundial. La trilogía constaba de No Greater Love, Road to Eternity y A Soldier’s Prayer . Nakadai también interpretó a Hanshiro Tsugumo en Harakiri, también dirigida por Kobayashi, un cinra que la historia de Hanshiro Tsugumo, un samurái sin amo, que solicita cometer seppuku en el palacio de un señor feudal.

En 1957 se casó con la actriz y guionista Yasuko Miyazaki, con la que permaneció hasta su fallecimiento en 1996. Juntos fundarían la escuela de actores y teatro Mumeijuku. Nakadai fue declarado Persona de Mérito Cultural en 2007 y recibió la Orden de la Cultura en 2015, entre otros reconocimientos y premios a lo largo de su prolífica carrera.

Un día cambió el ramen por el cocido madrileño, los pintxos de Donosti y el chocolate con churros. Ahora, después de tres años compartiendo experiencias, su despedida se hace notar. El idilio de Takahiro Nakamae con España empezó con una primera visita en los ochenta y se consolidó en 2022, cuando aterrizó en Madrid como el nuevo representante oficial de Japón. Lo llaman el embajador influencer: acumula más de 21.000 seguidores en X y casi 16.000 en Instagram.

Hace unos días, la embajada anunció que el diplomático más cuqui de las redes se jubila. Lo hizo al estilo de Operación Triunfo cuando se expulsa a un concursante muy querido: con un vídeo de los mejores momentos en su paso por España. Casi todos acabaron en alguna publicación viral.

Algunos de estos posts superaron las dos millones de visualizaciones, algo poco habitual en cargos institucionales de este tipo. Su estilo cercano e informal no le hará irse con la nacionalidad española bajo el brazo pero, como decía Belén Esteban, lo que sí se ha ganado ha sido “el cariño de toda esta gente”.

“Ha sido muy divertido tenerle en España. Ojalá su sustituto también se gane nuestro cariño”, respondía uno de los usuarios en X a este homenaje de la Embajada de Japón a Nakamae, que lo compartió con sus seguidores. El vídeo fue publicado el 24 de octubre y, en apenas tres días, suma más de 125.000 visualizaciones. Por hacer una comparación, solo uno de los cuatro tuits compartidos ese día en la cuenta de Pedro Sánchez rebasaron esta cifra. El resto no superó los 80.000 clicks.

Pero el embajador influencer arrastra éxitos mayores a sus espaldas. Uno de sus posts más celebrados lo escribió el pasado mes de septiembre en el Día Internacional del Chocolate, cuando compartió una simpática fotografía en la que desayunaba unos churros “quebrando la rutina” al no acompañarlos de café. Ese selfie del embajador japonés –muy parecido al que cualquier padre de Albacete hubiera enviado a sus hijos– logró dos millones y medio de visualizaciones.

Hace un año, en abril de 2024, a Nakamae lo invitaron a una reunión de la agrupación Amigos de la Boina, que ensalza el valor de esta prenda tan característica. ¿Cómo explicar en qué consiste a sus compatriotas nipones? El japonés lo describió así en otra publicación triunfal, que quedó cerca de las 220.000 reproducciones: “La boina es como una gorra de forma más sencilla, pero con la que es difícil ponerse guapo”.

El sucesor de Takahiro Nakamae será Hiroshi Yamauchi, hasta ahora embajador en Argentina y quien curiosamente comparte nombre y apellido con el fundador de Nintendo, la mayor empresa multinacional japonesa de videojuegos. La expectación es alta para los fans de la cultura nipona en España y también para los amantes de Nakamae, que ya desde su primer tuit como embajador dejó claro el tono bromista que siempre le ha caracterizado: “Con una semana de retraso, me alegra poder compartir mi llegada al aeropuerto de Barajas [...] Como se dice, más vale tarde que nunca”.

La palabra geisha (芸者) significa literalmente “mujer del arte”: gei es arte y sha, persona. Lejos de la idea errónea que circula en occidente, no se trata de acompañantes ni de figuras de entretenimiento sexual, sino de profesionales altamente entrenadas en las artes tradicionales japonesas. Esto incluye música, danza, ceremonia del té y habilidades sociales que hacen que cada reunión sea memorable.

En Kioto, se les llama geiko, mientras que en otros lugares de Japón, como Aizu-Wakamatsu o Niigata, reciben el nombre de geigi.

De maiko a geisha: la ceremonia del erikae

Una maiko es una aprendiz de geisha. Para convertirse en geisha de pleno derecho, realiza la ceremonia erikae, o “cambio de cuello”, alrededor de los 20-21 años. En este ritual cambia el cuello de su kimono de rojo y blanco a completamente blanco, señal de su nueva categoría profesional. También sustituye el kimono furisode de mangas largas por uno de mangas más cortas, acorde a su estatus de mujer adulta y experimentada.

Durante los días posteriores al erikae, la recién estrenada geisha pasea por el barrio, entregando noshigami, pequeños papeles que anuncian su transformación y solicitan el apoyo de los establecimientos locales. Finalmente, adopta su vestimenta habitual, elegante pero sobria, dejando que su arte y personalidad sean la verdadera fuente de asombro.

Maiko: el espectáculo de la juventud

Mientras la maiko atrae con kimonos llamativos, obi coloridos y peinados elaborados, la geisha adulta sorprende con su destreza artística y conversación inteligente. La apariencia de la geisha madura es más discreta: el atractivo reside en la combinación de talento, educación y capacidad de improvisar juegos o mantener una charla interesante.

Esta diferencia es clave para entender la profundidad del oficio: no es un trabajo de maquillaje ni disfraces, sino de maestría cultural y presencia.

Mizuage: un rito ya desaparecido

Históricamente, la transición de maiko a geisha incluía la controvertida ceremonia mizuage, vinculada a la venta de la virginidad de la aprendiz. Esta práctica dejó de realizarse hace décadas y fue prohibida formalmente en 1958. Hoy, las ceremonias modernas solo celebran el erikae, centradas en la evolución profesional y artística de la geisha, dejando atrás los malentendidos que popularizó la literatura occidental.

Aspecto visua, kimonos y la esencia del iki

La geisha viste kimonos sobrios, a menudo negros o colores discretos, con obis elegantes y peinados menos recargados que los de la maiko. Los kimonos incluyen insignias de la okiya, la casa de geishas, y reflejan su estatus. Los ornamentos y el maquillaje blanco, con detalles discretos en labios y ojos, subrayan la tradición sin exagerar el impacto visual.

Ser geisha significa dominar el arte del iki: elegancia, discreción y profundidad cultural. Cada movimiento, conversación y presentación está cuidadosamente entrenada para transmitir armonía, cultura y respeto. En barrios como Gion (Kioto) o Kobu, las geishas son guardianas de un legado que combina historia, estética y socialización refinada.

Los pancakes japoneses no son los típicos pancakes planos que conoces. Se caracterizan por su textura ultraesponjosa, ligera y jugosa, que hace que cada bocado se deshaga como una nube de sabor. También conocidos como soufflé pancakes, se preparan con una técnica que incorpora merengue batido a la masa, lo que les da esa altura y suavidad únicas.

Esta tendencia, nacida en Tokio, ha llegado a España con fuerza, apareciendo en cafeterías especializadas y cadenas de brunch que buscan ofrecer un desayuno espectacular y muy fotogénico. No solo son un plato, sino toda una experiencia: ver cómo se preparan, se dan la vuelta con delicadeza y se montan en el plato es casi un show culinario en sí mismo.

Cómo se preparan los pancakes japoneses

La clave de estos pancakes japoneses está en la mezcla de ingredientes y la técnica de cocción:

Ingredientes básicos:

Pasos esenciales:

El resultado son torres de pancakes jugosos y suaves, con un ligero rebote al tocarlos. Se sienten casi como comer una nube dulce y caliente.

Por qué se han vuelto virales en España

El fenómeno de los pancakes japoneses en España se debe a varios factores. El principal es su estética, su altura y color dorado los hacen perfectos para redes sociales; pero su textura no deja a nadie indiferente, son esponjosos, ligeros y suaves, muy distintos de los pancakes tradicionales.

Además, se pueden preparar en casa, aunque requieren paciencia y control del calor para conseguir la textura perfecta. Aunque muchas cafeterías ofrecen pancakes normales, algunas destacan por traer directamente la versión japonesa:

Si quieres probar los auténticos pancakes japoneses sin salir de España, estos locales son el mejor punto de partida.

Los soufflé pancakes japoneses no son solo un desayuno, son toda una experiencia. La combinación de suavidad, altura y presentación los convierte en un plato imprescindible para cualquier amante de lo dulce. Y aunque requieren paciencia en la cocina, cada bocado recompensa el esfuerzo con creces.

El ministro de Economía, Comercio y Empresa, Carlos Cuerpo, está estos días en Japón donde busca fortalecer los vínculos económicos y comerciales con el país asiático o fomentar la cooperación en distintas áreas frente a la imposición de aranceles por parte de Estados Unidos. Sin embargo, lo que más ha llamado la atención, especialmente entre los japoneses, ha sido su capacidad para expresarse en lengua japonesa.

Cuerpo, que ha mantenido este jueves un encuentro en Tokio con su homólogo el ministro japonés de Economía Yoji Muto, apostó por arrancar su diálogo en japonés, como ya hiciera horas antes al reunirse con inversores de este país para transmitirles “el buen momento que vive la economía española”.

El ministro, que agradeció a Muto su recibimiento para dar seguimiento a su primer viaje al país en julio de 2024, dijo que esperaba que su japonés hubiera sido “decente”, ante lo que el japonés respondió según informa EFE: “Excelente. Puede hablar un japonés que algunos japoneses no pueden, me ha sorprendido”, comentario por el que el ministro español se mostró agradecido.

Antes, Carlos Cuerpo se dirigía en japonés durante más de dos minutos a los inversores y empresarios japoneses presentes en Tokio a los que señaló que era “un honor y un verdadero placer” estar allí este jueves. También quiso agradecer la asistencia a todos los participantes en un encuentro que, dijo, “supondrá una nueva oportunidad para estrechar nuestros vínculos”. El ministro afirmó así mismo que el encuentro empresarial permitirá “un mejor entendimiento de nuestras realidades empresariales” y que abrirá la puerta a nuevos proyectos en común. Para ello, Cuerpo ofreció todo el apoyo y colaboración del Gobierno español “para que estas oportunidades se traduzcan en resultados concretos” y se puso a disposición de los inversores japoneses.

Lo cierto es que no es la primera vez que el ministro de Economía se arranca a hablar japonés. Ya lo hizo en 2024 en el Encuentro Empresarial España-Japón ante las autoridades del país y más de 400 empresarios interesados en invertir en España. Tras aquel viaje oficial, Carlos Cuerpo reconoció que estudió “durante un año” el idioma, aunque afirmó también que lo había “usado muy poco”.

Cuerpo, que pondrá fin a este viaje a Japón el viernes con una visita a los pabellones de Japón y España en la Exposición de Osaka, al oeste del archipiélago, mantuvo una reunión de en torno a media hora con el ministro japonés en la que coincidieron en el gran potencial del sector de las renovables. El comercio bilateral entre ambos países alcanzó en 2024 un récord de 7.800 millones de euros tras una década de crecimiento constante tanto en el intercambio de bienes como de servicios.

El okonomiyaki お好み焼き es uno de los platos más representativos de la gastronomía japonesa, y a pesar de ser conocido como la “pizza japonesa”, en realidad se asemeja más a una especie de torta o tortilla que se puede personalizar con una variedad infinita de ingredientes.

Su nombre, que significa literalmente “lo que te guste, a la plancha”, refleja a la perfección la esencia de este delicioso manjar. Con su base de harina, huevo, col y una salsa deliciosa, el okonomiyaki ofrece una experiencia única, adaptable a los gustos de cada persona.

El origen del Okonomiyaki y sus variantes regionales

El okonomiyaki tiene su origen en dos ciudades clave de Japón: Osaka y Hiroshima, donde los locales han desarrollado sus propias versiones del plato. El okonomiyaki de Osaka es el más conocido, y se caracteriza por ser cocinado directamente en la plancha, mientras que en Hiroshima se prepara en capas, lo que le da una textura y sabor únicos.

La tradición de comer okonomiyaki tiene siglos, pero su popularidad se disparó tras la Segunda Guerra Mundial, cuando la comida sencilla y económica se convirtió en una opción ideal para muchas familias. Hoy en día, el okonomiyaki es una verdadera joya culinaria japonesa que se puede encontrar en restaurantes especializados y en pequeñas tabernas, conocidas como “okonomiyaki-ya”.

Cómo se prepara el Okonomiyaki: la receta básica

Aunque el okonomiyaki es sumamente versátil y se puede adaptar a los ingredientes disponibles, su receta básica incluye una mezcla de col, harina, huevo y caldo de pescado. En muchos casos, también se incorporan dados de bacon, calamares, alga nori y mayonesa japonesa. A continuación, te compartimos la receta básica para que puedas preparar tu propio okonomiyaki en casa.

Ingredientes para 2 raciones

Elaboración del Okonomiyaki

Variaciones del Okonomiyaki: creatividad sin límites

El okonomiyaki es un plato tan versátil que puedes añadirle casi cualquier ingrediente que desees, desde mariscos y carne hasta queso o verduras. Algunas de las combinaciones más populares incluyen okonomiyaki con ternera, okonomiyaki vegetariano o incluso okonomiyaki con tofu para los más curiosos. La clave es que cada uno puede personalizar su bocadillo japonés a su gusto.

¿Por qué el Okonomiyaki es tan especial?

Lo que hace único al okonomiyaki no solo es su increíble sabor, sino también la experiencia de prepararlo. En muchas ciudades de Japón, especialmente en Osaka, los comensales tienen la oportunidad de cocinar su propio okonomiyaki en la mesa, utilizando una plancha incorporada en el centro. Esto convierte la comida en un evento social, donde amigos y familiares se reúnen alrededor de la plancha para disfrutar de la creación conjunta.

Con la llegada del verano, los hogares se ven expuestos a la invasión de mosquitos, especialmente en zonas con altos niveles de humedad o en entornos rurales. Estos insectos, además de generar molestias constantes, pueden dificultar el descanso y convertirse en un foco de preocupación, particularmente durante las noches.

Las soluciones comerciales proliferan, desde dispositivos electrónicos hasta sprays con compuestos sintéticos, aunque no todos los consumidores están dispuestos a recurrir a productos artificiales o a métodos costosos.

En medio de esta búsqueda de opciones más naturales, discretas y económicas, surge una alternativa originaria de Japón que ha logrado mantenerse vigente desde hace más de un siglo: una espiral de incienso con función repelente, conocida como Katori Senkō. Esta técnica, que se ha convertido en una imagen típica de los veranos en el país asiático, sigue utilizándose en numerosos países como una herramienta eficaz contra los mosquitos.

A diferencia de los métodos modernos que dependen de pilas, recambios o enchufes, este sistema destaca por su sencillez y autonomía. No requiere contacto directo con la piel, no emite ruido y tampoco depende de la electricidad. Su forma de uso es accesible a cualquier persona: basta con encender un extremo de la espiral para que el humo generado mantenga alejados a los mosquitos durante horas. ¿Qué hace que una técnica tan simple siga resultando útil en plena era digital?

¿En qué consiste el método japonés?

El Katori Senkō es una espiral de incienso diseñada para repeler mosquitos mediante la combustión lenta de sus componentes. Al encender uno de sus extremos, el incienso arde de forma progresiva, liberando un humo suave que resulta molesto para los insectos y los aleja del entorno donde se utiliza. Su estructura en espiral no es un elemento decorativo, sino funcional: permite una combustión continua y controlada que puede durar entre 6 y 12 horas, dependiendo del tamaño y la composición del producto.

El ingrediente clave de estas espirales suele ser la piretrina, una sustancia de origen vegetal presente en ciertas variedades de crisantemo. Su eficacia como repelente ha sido ampliamente reconocida por su capacidad de afectar el sistema nervioso de los insectos sin resultar perjudicial para las personas o los animales domésticos, siempre que se utilice de manera adecuada y en espacios ventilados. Además del piretro, estas espirales incorporan serrín, aglutinantes naturales y, en algunas versiones modernas, fragancias como citronela o lavanda.

El uso del Katori Senkō no presenta grandes complicaciones: se coloca sobre un soporte metálico —habitualmente incluido con el producto— que lo aísla del contacto directo con superficies, y se enciende con una cerilla o mechero. Una vez iniciada la combustión, la espiral va quemándose lentamente, desprendiendo un humo característico que ahuyenta a los mosquitos en un radio limitado. Su aplicación es recomendable en terrazas, jardines, porches, e incluso en interiores bien ventilados, siendo especialmente útil durante las noches de verano o en zonas tropicales.

Ventajas prácticas frente a métodos convencionales

Una de las principales fortalezas del Katori Senkō es su simplicidad. No necesita enchufes ni baterías, lo que lo convierte en una opción útil en cualquier contexto, desde viviendas urbanas hasta entornos rurales sin acceso a electricidad.

Además, su bajo coste lo hace accesible y competitivo frente a soluciones como difusores eléctricos o aerosoles con recambios frecuentes. Se comercializa en paquetes con varias unidades y soporte incluido, lo que permite una protección prolongada sin mantenimiento ni instalación.

Desde una perspectiva de salud y comodidad, el método destaca por no requerir contacto con la piel, una ventaja especialmente valorada por personas con alergias o sensibilidad dérmica. Al no emitir ruidos ni luces, también resulta compatible con el descanso nocturno, y su uso en exteriores o espacios ventilados lo hace ideal para terrazas, jardines o campings. Las versiones con fragancias naturales, como lavanda o citronela, han ampliado su aceptación entre quienes buscan una experiencia olfativa agradable además de protección.

En el plano ambiental, cada vez más fabricantes apuestan por ingredientes de origen vegetal y envases biodegradables, reduciendo el impacto ecológico en comparación con dispositivos plásticos o desechables. La ausencia de residuos electrónicos y la combustión limpia en espacios adecuados refuerzan su perfil como una solución sostenible que se alinea con las nuevas preferencias de consumo responsable.

La artista japonesa Chiharu Shiota (Osaka, Japón, 1972) mira al suelo mientras confiesa de qué manera su arte le salvó la vida tras ser diagnosticada de cáncer de ovarios en 2016. Lo hace rodeada de 5.000 hilos rojos que sostienen kilómetros de tubos que portan sangre sin parar mientras un grupo de espectadores pasea por debajo de ellos. Es el propio cuerpo humano en forma de instalación artística. Es el cuerpo de la artista, dividido, pero aún vivo. “Celebro mi propia resistencia. Un sufrimiento superado tras el cáncer. He podido sobrevivir porque el arte me dio un impulso durante el tratamiento”, confiesa a este periódico junto a la comisaria Tereza de Arruda en una de las salas del centro cultural Azkuna Zentroa que acoge su exposición 'My house is your house', por primera vez en Euskadi.

La obra de Shiota es intensa, significativa y, en ocasiones puede resultar hasta incómoda. Se trata de una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo mundial y, como otras tantas, pasó de los dibujos expresivos a las instalaciones gigantes y la performance en la que ella misma es la protagonista. Entre sus performances más llamativas y expuestas en Bilbao, se encuentra su obra 'Becoming painting' (1994) que muestra una serie fotográfica en la que se la ve, con solo 22 años, embadurnada de una pintura roja como si se tratase de una escena macabra. Otra de sus obras en forma de serie fotográfica, 'Try and go home' (1997), muestra su cuerpo desnudo en plena naturaleza. Tras pasar cuatro días de ayuno trató de cavar una cueva en Kerguéhennec, Francia, y de escalar una pared rocosa completamente desnuda. El espectador ve su cuerpo tirado en el suelo, frágil, dañado y solo.

Desde lo individual y su propia imagen, con los años, Shiota pasa a lo colectivo y gigante, como sus instalaciones compuestas por kilómetros de hilo rojo que crean un dibujo complejo y expandido por toda la sala que no tienen un principio ni un final claros. Según detalla la artista, simbolizan “caminos, historias y sus propias experiencias”. Los temas que trata de abordar en sus obras son el hogar, la memoria, la migración, la vida y la muerte y, para ello, utiliza objetos cotidianos. “Puede que no tengan mucho valor económico, pero para mí, tienen un gran valor sentimental”, reconoce al señalar una de sus instalaciones en las que se ve una imagen gigante con cientos de maletas y cinco maletas con objetos de la propia Shiota, como luces de Navidad o huevos de Pascua. “Tuve que salir de Japón para expandir mi obra artística, pero no fue un abandono de mi país, siempre he estado ligada a él. Hay diversas razones para migrar, puede ser por razones voluntarias, peor también políticas o culturales”, sostiene.

Además de una panorámica de las obras producidas en las tres últimas décadas, Shiota ha desarrollado, en exclusiva para Azkuna Zentroa, una pieza colaborativa en la que ha participado la ciudadanía vasca a través de cartas y dibujos sobre sus propios hogares. Se trata de una instalación que ocupa toda una sala y en la que los visitantes se adentran para ser testigos de cada una de las historias particulares que forman parte de una historia colectiva más amplia: una historia de pertenencia y cambio que trasciende lo individual y habla de lo universal. Ese encuentro entre personas y el lograr conectar con el espectador es uno de los ejes de todas las obras de la artista japonesa. “A Shiota le sana compartir su obra”, explica la comisaria Tereza de Arruda.

Shiota, cuyos padres eran originarios de la prefectura de Kōchi, en la costa de Shikoku, supo desde muy pequeña que no quería dedicarse a la fábrica de pescado familiar. Decidió estudiar Pintura en la Universidad Seika de Kioto (1992-1996) y después viajar para estudiar Artes Visuales en la Escuela Superior de Arte de Braunschweig (1997-1999) y en la Academia de Arte de Berlín (1999-2003). Actualmente, reside en la capital alemana. Sus obras han viajado por galerías y museos de ciudades como Madrid, París, Nueva York, Londres, Helsinki, Berlín e Hiroshima, además de su Osaka natal para ahora recalar por primera vez en Euskadi.

La muestra se enmarca en Prototipoak Bilbao, la Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas que se celebra desde este martes, 27 de mayo hasta el próximo 31 en Azkuna Zentroa. Antes de la inauguración, que tendrá lugar a las 19.00 en la sala de exposiciones, Chiharu Shiota charlará sobre su exposición y su obra con la comisaria Tereza de Arruda. Se trata de la primera muestra monográfica de la artista en Euskadi y estará disponible en el centro cultural bilbaíno hasta el 28 de septiembre.

“Bruja” y “zorra” han sido dos adjetivos que han acompañado a Yoko Ono a lo largo de su vida. Ella ha sabido reírse de ambos, pero lo cierto es que su vida y su carrera han estado marcadas por el rechazo. Un libro escrito por el periodista David Sheff, el primero que cuenta con la total implicación de la artista, cuenta su historia desde el punto de vista de la protagonista.

Hasta ahora, la versión de Yoko Ono acerca de su propia historia estaba desperdigada en entrevistas. De construir su relato se han encargado distintas firmas, casi siempre uniéndolo al de John Lennon y explotando el sensacionalismo. Hoy en día, Ono sigue siendo vista como la mujer que rompió los Beatles, la arpía que embrujó a Lennon para convertirlo en un pelele, la insufrible que canta vociferando y crea obras de arte que muchos consideran tomaduras de pelo, por no hablar de la codiciosa negocianta que administra el legado artístico de su marido y, por lo tanto, de una parte del de los Beatles.

Como dice la escritora Kate Milet en el libro de David Sheff sobre Ono, “por ser abiertamente feminista, nunca encajó con el estereotipo de esposa asiática sumisa y obediente ni con el de geisha seductora. Yoko se plantaba delante de la gente y berreaba. A la sociedad no le gustaba ver a una japonesa vociferando; o, mejor dicho, a la sociedad no le gustaba ninguna mujer que vociferase. La combinación de ambas, es decir, una mujer japonesa vociferando, les hacía entrar en cólera”.

El gran problema con Yoko Ono es que hay que invertir tanta energía para limpiar la mierda que durante décadas se le ha estado lanzando, que sus méritos artísticos, que no son pocos, acaban siendo una reivindicación secundaria. Hace muchas décadas que su estilo vocal, gutural, visceral, primitivo, está presente en mujeres como Siouxsie, Nina Hagen o Björk. Quizá las que más evidenciaron esa influencia fueron Kate Pierson y Cindy Wilson, vocalistas de B-52's. Cuando en 1980 John Lennon escuchó Rock Lobster durante una estancia en Bahamas con su hijo Sean, se dio cuenta de que su mujer había dejado de ser una incomprendida y la animó a que ambos volvieran al estudio de grabación. Evidentemente, pecó de excesivo optimismo.

A día de hoy, y a pesar de que Kim Gordon, Peaches, Boy George, John Zorn, Anohni o Death Cab For Cutie reivindican su importancia musical, el poder de su obra sigue enterrado por una tonelada de prejuicios. Y, sin embargo, una canción como Why?, grabada en 1970 junto a John Coltrane, adelantó unos cuantos años la propuesta musical de James Chance & The Contortions, por citar un caso evidente. Cabía esperar pues que Yoko. Unas memorias escritas por David Sheff contribuyera a presentar con éxito una historia marcada por el rechazo, el conflicto y el dolor. Que fuese un texto que analizara un canon musical que va más allá de lo meramente experimental, ya que Ono es autora de estupendas canciones en los más diversos registros: el pop en Sisters, O Sisters, la balada en Toyboat, la música de baile con Walking On Thin Ice, o el rock en Woman Power.

Ni todo son alaridos ni los alaridos, a estas alturas de la historia de la cultura pop, deberían ser un problema para respetarla. Lo que sí es un problema es el resultado final que arroja el texto de Sheff. El periodista conoció a Ono en diciembre de 1980, cuando realizó la que sería la última entrevista de Lennon, hecha tan solo unas horas antes de que lo asesinaran. Sheff no oculta que desde entonces ha mantenido una estrecha relación con el sujeto de su relato. Eso le concede una posición privilegiada a la hora de acceder a la información. Pero también es un notable lastre a la hora de explicar quién es ella. Hay sobreabundancia de datos superfluos –la vida cotidiana cuando se recuperaba del asesinato de Lennon– y, a veces, el ansia por certificar que el mundo ya está capacitado para aceptar su valía como artista, le lleva a confeccionar índices de logros, de loas que apenas van más allá.

Sheff intenta ser imparcial pero no puede. Hay tanto que rebatir acerca de ella que parece imposible no terminar arrastrado por esa corriente. Además, no hay que olvidar lo que dice el subtítulo del libro. Esto no es una biografía, son unas memorias escritas por una tercera persona. Así y todo, el libro aporta datos fundamentales para conocer mejor a Yoko Ono. Por ejemplo, las heridas emocionales que arrastra desde la infancia. Sus padres, pertenecientes a una acaudalada familia japonesa, le negaron el afecto. El padre banquero fue un pianista frustrado que también quiso para su hija una vida convencional. Como consecuencia, ella terminaría rompiendo con la música tradicional y abrazando la experimentación.

El pacifismo de Ono proviene del hecho de haber sido testigo de los bombardeos que asolaron Tokio, de escuchar en la radio los espeluznantes mensajes que los pilotos kamikazes dejaba a sus familiares antes del sacrificio. Para guarecerse de la realidad construyó un mundo imaginario donde el cielo es una esperanza y el idealismo una meta. A veces lo expresó creando textos como manuales para realizar actos sencillos, y de ahí surgirían la letra y el concepto de Imagine, cuya autoría también le pertenece a pesar de que inicialmente su nombre no apareciera en los créditos.

El escarnio público la persiguió desde el primer momento, porque con su arte se atrevió a cuestionar lo incuestionable. La Pieza Corte, por ejemplo, escenificada en 1964, en la que ella aparecía en el escenario y dejaba que miembros del público se acercaran con tijeras para ir cortándole la ropa. Su turbulento matrimonio con Tony Cox propiciaría una mala relación con Kyoko, la hija de ambos, aunque en el libro también queda claro que Ono no supo estar cerca de ella en su infancia. Lo peor llega cuando conoce a Lennon y, tres años después, se rompen los Beatles. Comienza una lucha conjunta por ejercer el derecho a ser quienes quieren ser, y no quienes el público quiere que sean. Se convierten en activistas políticos, Yoko imbuye a su marido con ideas feministas –ahí está Woman Is The Nigger Of The World– y lo único que consiguen es animadversión. Hoy es fácil ver que vivían inmersos en una constante tensión social, artística, personal.

A consecuencia de esto, Yoko termina echando a John de casa. Cuando se reconcilian, tienen a Sean y parecen haber encontrado, al fin, la paz. Ella se ocupa de los negocios, él ejerce de padre y de amo de casa. Entonces un demente lo asesina en la puerta de su casa. Yoko Ono no solamente conoce muy bien el dolor, también ha tenido que aprender a mitigarlo en una atmósfera de odio y violencia. Nadie puede aspirar a tener un alma pura después de haber superado tantos traumas. La periodista Betty Rollins, que fue compañera suya en la universidad Sarah Lawrence afirma en el libro que “Yoko también era ambiciosa. No dudaba en pasar por encima de quien consideraba que se anteponía a su visión artística. Si no le interesabas, no existías”.

Yoko es también la amante que, cuando considera que su relación con Sam Havadtoy ha tocado fondo, cambia las cerraduras de su casa aprovechando un viaje de él. Es la que, cuando le preguntan si algún día perdonará al asesino de su marido como hizo el papa Juan Pablo II con aquel que intentó asesinarle, contesta: “Yo no soy el Papa”. Tenemos la costumbre de exigirle a los artistas que sean las personas que nosotros tampoco podemos ser. Les exigimos que ostenten una ética que nosotros, seres anónimos, no siempre alcanzamos. Lo dijo Séneca, la fama es horrible porque depende del juicio de muchos. Entre esa multitud están los que creen que Ono secuestró a uno de los más grandes ídolos mundiales de la historia. Sheff recuerda que en aquella entrevista que le concedió en 1980, Lennon afirmó: “Ella es la maestra, y yo el alumno”. ¿Qué puede haber más subversivo que eso?

Sheff también apunta muy atinadamente cuando se habla del final de los Beatles, y aludiendo a los problemas que ya amenazaban a la unidad del cuarteto: “Quizás en lugar de ser atacada por ser la culpable del final de los Beatles, Yoko debería ser aplaudida con contribuir a mantener los Beatles juntos durante esa última etapa tan fértil”. Y una vez más, se vuelve a intentar probar su inocencia en ese interminable juicio, en detrimento del análisis su obra. Una obra que contribuyó a definir el arte conceptual, que posee mucho más humor del que parece, y que ha dejado un legado musical que debería ser recordado y reivindicado. El libro de Sheff documenta muy bien esa bruma de dolor y violencia que ha marcado a Yoko Ono. Reflejar con mayor profundidad cómo ella ha logrado transformar todo eso en un legado creativo único hubiese dado de sí un libro más interesante.

Hablar de gastronomía italiana es hablar de una herencia milenaria. La pasta en sus infinitas versiones, los quesos artesanos, los embutidos, las salsas que han cruzado fronteras, los panes crujientes, el espresso...

Italia ha sabido llevar su comida a cada rincón del mundo no solo por sus platos, sino también una forma de vivir la cocina: familiar, emocional y profundamente ligada al territorio.

Pocas culturas han convertido el acto de comer en una experiencia tan social y ritual como la italiana, en la que cada región —del Piamonte a Sicilia— tiene su identidad culinaria bien definida.

Aunque, a decir verdad, la apertura del país nipón al mundo nos permitió comprender que no es solo rasgo identitario de la gastronomía Mediterránea.

El imparable fenómeno global de la cocina japonesa

Frente al carácter cálido y rotundo de la tradición italiana, la cocina japonesa ha crecido con fuerza en las últimas décadas por todo el planeta, conquistando paladares con su precisión técnica, su respeto por el producto y su estética minimalista.

Sushi, sashimi, ramen, tempura o wagyu se han convertido en palabras comunes para los amantes del buen comer. Japón ha demostrado que la delicadeza, la textura y el umami pueden ser tan seductores como el mejor queso parmesano o una lasaña recién horneada.

Amelia: donde Italia y Japón se dan la mano en clave vasca

En pleno paseo de La Concha, en San Sebastián, el restaurante Amelia by Paulo Airaudo ha logrado que esa combinación de tradición italiana y refinamiento japonés no solo funcione, sino que brille con luz propia.

Reconocido con dos estrellas Michelin, este espacio exclusivo liderado por el chef argentino Paulo Airaudo ofrece una experiencia creativa e internacional que rompe moldes.

Ubicado en el elegante hotel Villa Favorita, Amelia es todo menos convencional. Solo dispone de tres grandes mesas y una barra con vista directa a la cocina, donde los chefs presentan personalmente cada plato.

La propuesta es clara: un único menú degustación (con opción de maridaje, incluso con champán) que pone en valor productos escogidos de todo el mundo, desde bogavantes enteros hasta atrevidas combinaciones como banana, mole y ron.

Fusión elevada a arte

La cocina de Amelia se mueve entre lo vasco, lo italiano, lo japonés y lo que el mundo tenga a bien ofrecer. El marisco y el pescado son protagonistas, pero también hay lugar para técnicas de fermentación, ingredientes asiáticos y un uso sorprendente de partes del animal poco habituales.

Aquí no hay cartas ni concesiones al gusto común: todo responde a una idea clara de cocina personal, valiente y sin fronteras.

Una de las experiencias más curiosas del menú ocurre antes incluso de empezar: el equipo muestra los ingredientes que se utilizarán, como si de una ceremonia previa se tratase. Un gesto que recuerda tanto al respeto japonés por el producto como a la teatralidad mediterránea del compartir.

San Sebastián, la nueva capital del mestizaje

Con Amelia, Donostia suma una joya más a su corona gastronómica. No solo por el nivel técnico y la creatividad del proyecto, sino porque demuestra que la cocina de raíces puede seguir mutando sin perder profundidad.

En este restaurante, el queso parmesano y el miso conviven con naturalidad, y el Mediterráneo y el Pacífico parecen estar más cerca de lo que pensábamos.

Una visita obligada para quienes creen que comer bien es también cruzar fronteras.

Toledo acoge los próximos días 5 y 6 de abril una nueva edición de la feria especializada en cultura japonesa Toledo Matsuri. Por tercer año consecutivo tendrá lugar este evento cultural que aglutina tradición, modernidad y mucha diversión. Se ubicará en las instalaciones deportivas del Salto del Caballo.

Una carpa de 350 metros cuadrados albergará su ya clásica zona de juegos de mesa con las editoriales “más punteras y las últimas novedades”, según detallan desde la organización del evento. La zona de talleres, con cinco zonas repletas de actividad. La zona de videojuegos, con 12 estudios independientes, algunos como el castellanomanchego Infinite Thread Games, con su título “Hidalgo”, el toledano Dos Estrellas, con una propuesta de videojuego interesantísima, o los exitosos Altered Alma (2Awesome Studio) y Among Ashes (Rat Cliff Games).

Volverán a celebrarse las finales para las paradas de Circuito Tormenta en Toledo para los videojuegos Valorant y League of Legends. La zona de tatami contará con la presencia un año más del luchador MMA Colombo, recién llegado de su combate estelar en la velada de Ilia Topuria en Madrid. En la zona de artistas participarán más de ochenta representantes elegidos entre más de quinientas solicitudes. La zona de comercios, zona de restauración y zona familiar y de descanso, refuerzan sus contenidos para cerrar esta oferta dedicada al manga y al anime. 

Muchos nombres de importante calado profesional, como actores de voz, destacan en la edición de este año: Iván Priego Posada, voz reconocida de Lucas de Stranger Things; Rafael de Azcárraga, voz actual del personaje Kratos de God of War en español o del Emperador Palpatine de Star Wars; Ana de Castro, con trabajos referentes en Marvel o videojuegos y, en la ficción sonora, dentro del podcast ficcionado ganador con un Ondas 2023 Titania. Entrando en el terreno anime, Alicia Bueno y Joel Gómez, responsables de poner voz a algunos de los protagonistas más destacados del anime actual y Claudio Serrano, que ha prestado su voz a Batman en la trilogía del Caballero Oscuro, Lego Batman, o la saga de videojuegos Arkham. 

Además, dentro del ámbito cosplayer, Toledo Matsuri contará con Luzbel, Nekroquantum, Mina e Ittara, presentadora del escenario principal; en el ámbito de artistas contarán con la presencia del japonés Mitsuru Nagata, Jennifer Giner y Daniel Azconegui, responsable del cartel oficial de Toledo Matsuri 2025, en el ámbito de la creación de contenidos en videojuegos, los creadores de contenidos Noni Gamer, Mr.keroro y Protocolo Ralux.

Por último, en el escenario de videojuegos, se realizará la Primera Gala del Videojuego Toledo Matsuri, repasando algunos de los estrenos más importante del panorama nacional y conoceremos a 4 de los nombres más destacados del videojuego actual como son David Canela, Game Designer de Rime, Gylt y Game Director del videojuego Son of Nunu, Maikel Ortega, Game Designer de Blasphemous 1 y 2 y Game Director de Stone of Madness y los creadores del videojuego Neon Blood, Alex Chipelo y Daniel Pérez.

Toledo Matsuri, un festival distinto y singular, con una oferta de ocio diversa y sugerente para que todo el mundo encuentre su mejor momento para el esparcimiento y el disfrute.

Para la gestión de venta de entradas y más información en https://toledomatsuri.com/

La Fundación Global del Reciclaje celebra cada 18 de marzo el Día Mundial del reciclaje, un día en el que se reivindica la importancia de la reutilización de residuos, y en el que también se premian diferentes proyectos que impulsan esta actividad. Un lugar que se ha convertido en referente del reciclaje ha sido Japón, no solo por haber sido promovido por el gobierno, sino también gracias al arraigo de un método de vida que ha llevado a buscar el residuo cero.

Mottainai, el concepto japonés del reciclaje

Japón se ha propuesto como objetivo para 2030 reducir la producción de plástico a un 25%, siendo el segundo mayor productor de este material tras Estados Unidos. Además, también se ha impuesto el objetivo del reciclaje de los componentes de electrodomésticos y automóviles para 2035 en la misma medida.

Un objetivo que se antojaría difícil para cualquier lugar en el mundo, pero en Japón cuentan con un concepto de vida que precisamente ayuda a que haya lugares en los que se acerquen al residuo cero, con ciudades como Yokohama con un sistema estricto, en el que incluso no reciclar o hacerlo mal conlleva multa.

El concepto que ayuda a Japón hacia el objetivo de residuo cero es el ‘mottainai’, un término que se puede traducir al español como “sentir pesar ante el uso inapropiado de un objeto o un recurso” o “arrepentimiento por desperdiciar”. Este vocablo tendría su origen ya en el siglo XVII en la antigua ciudad de Tokio, pero sería tras la Segunda Guerra Mundial cuando se desarrollaría a mayor nivel, coincidiendo, además, con un momento de escasez de productos.

Así, el reciclaje en Japón basado en el ‘mottainai’ se basa en las 4R: reducir, reutilizar, reciclar y respetar, y tiene tres reglas básicas que son el llevar la basura antes de las ocho de la mañana al depósito, hacer caso a los días establecidos para ello y desprenderse de los desechos en bolsas semitransparentes. Esto es lo que une a las diferentes localidades, con cada una con un método y unas normas específicas sobre el reciclaje.

Kamikatsu, el pueblo de Japón referente en reciclaje

El ‘mottainai’ llega a su máxima expresión en una pequeña localidad de Japón, en concreto en Kamikatsu, de poco más de 1.300 habitantes y ubicado en las montañas de la isla de Shikoku, y que gracias a su sistema de reciclaje se ha convertido en un referente a nivel mundial.

Desde 2002, los vecinos de Kamikatsu siguen un método de reciclaje con 45 clasificaciones de tipos de basura y que ha sido enseñado a través de cursos. Este sistema se basa en utilizar los productos y darles una nueva vida: en el caso de los orgánicos crean composta para jardines y huertos, los plásticos y envases se secan tras lavado y el cartón se desmonta para llevar a un punto establecido.

Uno de los hechos más llamativos del método de reciclaje es la existencia de un mercado de trueque en el que los vecinos intercambian materiales y productos que ya no usan para lo hagan otros, y también se usan diferentes materiales para crear artesanía u obras de arte para venderlo posteriormente.

El primer fin de semana de diciembre, los personajes de series y videojuegos más populares del momento saltan de la pantalla y se cuelan en los metros de Barcelona, convertidos en personas de carne y hueso. Centenares de fans de la cultura japonesa se caracterizan como sus ídolos, imitando la vestimenta y los accesorios, y se lucen en el Saló del Manga, una convención insignia de la cultura del cómic y el anime, que cumple 30 años.

Pero no son simples disfraces. A esta práctica se la conoce como cosplay y es una moda en auge entre las generaciones más jóvenes, que se vuelve especialmente visible durante los tres días que dura esta cita. El evento, además de ser una oportunidad para hacerse con las últimas novedades del mercado, también es un punto de encuentro entre aficionados y acoge, entre otras muchas actividades, competiciones, charlas y actuaciones dedicadas al cosplay.

En el Saló del Manga, los pasillos quedan recurrentemente bloqueados por grupos de cosplayers a quienes les piden fotos y que, orgullosos de su trabajo, posan para la camera. “No me daba tiempo a acabarlo y he dormido 4 horas”, explicaba Sara, de 22 años, luciendo su traje hecho a mano de la protagonista de la serie Akatsuki no Yona.

Algunos han decidido tomar este arte como algo profesional, como es el caso de Ayuru, cosplayer e ilustradora. Esta artista con más de 28.000 seguidores en las redes sociales lleva más de una década confeccionando y vistiendo trajes. “Es un homenaje a las cosas que te han gustado y te han hecho ser como eres”, afirma la joven.

Ayuru fue, juntamente con su compañero Galefic, representante española de la competición internacional Clara Cow's Cosplay Cup en 2018. Además de competiciones, recibe invitaciones a eventos que la han llevado a lugares como México, Suecia o Kazajistán, y patrocinios con marcas que le permiten generar ingresos. “He colaborado con Bernina, que es una marca de máquinas de coser, además de RIOT, la empresa del videojuego League of Legends, así como con tiendas de cosplay y pelucas”, cuenta.  

Una vuelta de tuerca a la costura tradicional

Este hobbie en auge, que muchas veces se hace de forma amateur, puede llegar a consumir muchas de horas de trabajo y materiales.Tanto que estos jóvenes están dando una bocanada de aire fresco a sectores en crisis como las mercerías o tiendas de costura. Lo sabe bien Dani P., responsable de la sastería La Pimpinela en Barcelona. Después de casi cuatro décadas sirviendo principalmente a producciones teatrales, su local empezó a recibir las primeras peticiones de cosplay hará diez años.

Los precios de estos encargos pueden oscilar desde los 50 euros para las piezas más simples a los 1.500 o 2.000 para las vestimentas más complejas. “Buscan la calidad, el trato con la persona que lo confecciona, que sea lo más fiable posible y que se valore su personalidad”, explica la sastra.

La responsable de La Pimpinela, que inicialmente se formó en escenografía y vestuario de ópera, añade que los cosplayers suelen ser bastante jóvenes, entre los 20 y los 30 años. Explica que invierten sus primeros ahorros en trajes complejos e incluso llegan a pedirlos pieza a pieza a medida que pueden, para poder completarlos. “Los clientes nos han abierto las puertas de un mercado nuevo y hay que aceptar su evolución”, afirma.

En su tienda no solo han recibido peticiones para eventos o convenciones como el Saló del Manga: también han adaptado vestidos de boda a los personajes ficticios favoritos de la pareja. Dani recuerda especialmente el caso de un novio que decidió casarse con un traje inspirado en el personaje de Squall Leonhart del videojuego Final Fantasy VIII. “Te abren una pequeña mirada a su personalidad -asegura- y esa relación es algo que en el negocio echábamos mucho de menos”.

Un hobbie que crea comunidad

Mientras que algunos cosplayers optan por comprar o encargar sus trajes, sobre todo al inicio, tanto la comunidad como las competiciones valoran más los trajes hechos a mano, lo que anima a muchos a probar la costura por primera vez. Es el caso de Bea Muñoz, de 23 años, más conocida en redes y entre sus amigos como Trixxi.

Ella empezó comprando sus cosplays pero, después de varias competiciones y conociendo a otros cosplayers, se animó a intentar su primer traje, para lo que recibió ayuda de otros miembros de la comunidad para aprender a personalizar su peluca y accesorios. “Si los conoces, los cosplayers son bastante amistosos. Son de tu mundo y te comprenden”, afirma Muñoz.

Como ella, muchos cosplayers encuentran en la comunidad un lugar de refugio, donde poder representar un personaje sin juicios. Hay practicantes que incluso deciden vestirse del género opuesto simplemente porque se sienten interpelados por el personaje que representan. Los cosplayers aseguran que no hay requerimientos a la hora de optar por un personaje y que todos los cuerpos y géneros son bienvenidos.

“En el cosplay se trata de adaptar el personaje original al cuerpo de la persona que lo quiere llevar”, afirma Virgine Verrier, escultora y modista de 53 años que regenta el taller Muchafibra en el centro de Barcelona. En su coworking y escuela hace ya 8 años que recibe a cosplayers que quieren adquirir habilidades para confeccionar sus trajes. “Vienen con una referencia del personaje y les enseñamos a hacer el patrón a su medida, luego el prototipo y después la prenda final. Los acompañamos en todo el trayecto”, explica Verrier.

Según apunta la modista, notó el inicio de esta tendencia con la llegada de las grandes sagas de superhéroes de Marvel y luego, a medida que el anime y el manga fueron popularizándose más, también aparecieron personajes de la ficción nipona. Pero el gran boom vino después de la pandemia. “No había mucha ropa para comprar, no llegaban productos de fuera y las tiendas no estaban abiertas, así que la gente empezó a hacerse su ropa a mano”, cuenta la regente de Muchafibra.

Verrier afirma que la costura “engancha” y que cosplayers que inican su trayecto en el patronaje y confección para representar un personaje pueden acabar descubriendo una nueva pasión. Ese fue el caso de Prune Colin, de 21 años, una estudiante de Muchafibra que dedicó un año a aprender a hacer trajes de cosplay.

Después de desarrollar trajes de animes como One Piece o Kimetsu no Yaiba, tanto para ella como para sus amigos y familiares, decidió agrandar sus horizontes. Estudió cursos de marroquinería, origami textil y patronajes varios y ahora quiere iniciar un emprendimiento en el mundo textil en su tierra natal, Francia.  

Aunque hay muchos hombres cosplayers, la mayoría son mujeres. Verrier asegura que la costura pertenece al “linaje femenino” y que muchas mujeres buscan esa conexión con sus abuelas y madres en la confección de ropa. “Vienen a buscar ese momento de transmisión e intercambio”, afirma.

Esta relación también se da en el cosplay, donde muchos principiantes empiezan pidiendo ayuda a sus seres queridos, sobretodo a abuelas. “Enganché a mi yaya a que me hiciera mi primer traje de Kagome de Inuyahsa cuando tenia 10 años”, explica Marina, más conocida como Azania. “A partir de los 15 le pedí si me podía enseñar”.

Ahora esta joven ya lleva más de 18 años haciendo sus propios cosplays a mano. Pero todo este tiempo después y tras haber ganado habilidades y conocimientos, sigue reutilizando un traje de Katara, de la serie Avatar el último maestro del aire, que hizo junto a su abuela. 

30 años del Saló del Manga

Hace ya años que el Saló del Manga acumula éxitos en venta de entradas, con existencias agotadas casi cada día del certamen. La participación de la comunidad aficionada al anime y el manga es tanta que incluso los servicios de tren de la Generalitat de Catalunya han reforzado este año durante los días del evento su servicio en las líneas Llobregat-Anoia, que llevan al recinto de Fira Gran vía donde se celebra.

También este aumento se puede apreciar en las ventas de mangas, que según un informe de FNAC aumentaron un 184% entre los años 2020 y 2021 y que ahora se han unido a la llegada de los manhwa y manhua (cómics de origen coreano y chino). Según datos publicados por el especialista Marc Bernabé, solo durante el año 2023 llegaron al mercado español un total de 1698 nuevos títulos contando traducciones en castellano, catalán y euskera.

Yoshitomo Nara (Hiroshaki, 1959), a diferencia de otros artistas, no se pone traje para presentar su primera exposición en el museo Guggenheim de Bilbao y la primera retrospectiva en Europa de sus 40 años de carrera. En su lugar, prefiere llegar al acto con una sudadera amarilla de la escuela de surf de Mundaka, una marca local de Euskadi, en la que, al señalar el logo sonríe y dice con orgullo “Mundaka beach”.

“Prefiero trabajar con gente que no busca hacer un negocio de todo. No me gusta el merchandising. En el caso de la moda, que sea moda sostenible, que comparta mi modo de ver la vida. Me gusta trabajar con marcas pequeñas, con personas con las que mantengo conversaciones y contacto aunque vivamos lejos. He colaborado con marcas de gente que me ha invitado a su casa a comer, que he conocido a su familia, que pueden ser mis amigos. Eso es un tesoro”, reconoce a preguntas de este periódico el artista japonés más cotizado del mundo.

Nara, que saltó a la fama en los 90 gracias a los dibujos y pinturas de niñas gigantes, logró la venta en 2019 de su obra Cuchillo detrás de la espalda (2000) por 25 millones de dólares (22 millones de euros) convirtiéndose en el artista japonés más cotizado del mundo y adentrándose de lleno en la lista de los artistas vivos más cotizados, por delante incluso que el enigmático Banksy. Sin embargo, el propio Nara confiesa que ni el reconocimiento internacional ni el dinero le han cambiado.

“No he cambiado nada. Tengo miedo de que el dinero me cambie. En mi cuenta bancaria a lo mejor hay más saldo que antes y ahora tengo más exposiciones, pero la época más feliz de mi vida fue cuando viví en Alemania, era estudiante y no tenía ninguna exposición. En esa época era capaz de pintar 120 obras al año y me pasaba las noches y madrugadas hablando con mis compañeros de Universidad. Cosas que no se pueden comprar con dinero. A mí me gusta coger el tranvía, viajar en metro. No me gusta montarme en un Rolls Royce porque no me gustan esas pretensiones”, detalla.

El artista nació en una pequeña ciudad del norte de Japón llamada Hirosaki, en la prefectura de Aomori, conocida por ser la mayor productora de manzanas del país. Su infancia fue feliz, pero solitaria, aunque no lo recuerda como algo negativo. Nara disfrutaba de su soledad. Los personajes y el universo que ha creado son un reflejo de él mismo, sus pensamientos y emociones. “Nunca pensé en dedicarme al arte, pero más que estudiar lo que me gustaba era dibujar y pintar. Me expreso mejor dibujando que hablando. Lo que veis en mis dibujos es una parte de mí”, explica Nara.

Tras graduarse en la Universidad de las Artes de la Prefectura de Aichi en 1987, Nara se trasladó a Alemania para estudiar en la Kunstakademie de Düisseldorf. Sin conocer el idioma ni la cultura, pasaba su día a día dibujando. Allí, protagonizó sus primeras exposiciones individuales y, gracias a la venta de sus obras pudo comenzar a dedicarse exclusivamente a la producción artística. Ese fue el comienzo de una carrera que dura más de 40 años y recorre el mundo entero, pero que no ha llegado a su fin. “Soy mayor, pero aún me queda mucho por madurar. De joven dibujaba de forma impulsiva, 120 obras al año. Ahora hay años en los que solo hago dos, porque tengo más tiempo para pararme y pensar”, detalla.

Más allá de los personajes del universo creado por Nara, sus obras son una prueba de momentos históricos como el gran terremoto de Japón oriental en 2011 o el accidente nuclear de la central de Fukushima. El alcance de la destrucción provocada por el poder de la naturaleza tuvo un impacto transformador en la vida de Nara. Aquello hizo que se replanteara su papel como artista y le acercó aún más si cabe a su región y a aquellas zonas rurales que salieron peor paradas tras aquellas catástrofes.

Nara creció escuchando la música que retrasmitía una emisora de radio del ejército estadounidense. Compró su primer disco en 1967 y, posteriormente, descubrió la llamativa estética del glam rock de los años 70 y el espíritu agresivo del punk. La conciencia política de Nara, sus preocupaciones humanitarias y su antibelicismo también tienen sus raíces en la contracultura y la música folk y blues de los 50 y 60. A pesar de no haber estado en servicio activo, en 2002 viaja a Afganistán para documentar la guerra, reaccionando ante ella con dibujos y fotografías. “Ahora hay una bomba explotando en algún lugar del mundo. Pero también debe haber una nueva vida que viene al mundo justo en este instante. ¡Detened las bombas! Siento esto desde el fondo de mi corazón”, escribió una vez Yoshitomo Nara y está escrito en una de las paredes del Guggenheim de Bilbao que acogen su obra. Nara jamás ha dejado de lado su conciencia social.

La exposición, que se inaugurará este viernes y estará disponible hasta el el próximo 3 de noviembre en el museo bilbaíno, se trata de la primera gran exposición individual de la obra de Nara en España y en un museo europeo, en general. Tras su paso por Bilbao, la exposición viajará a la ciudad alemana de Baden-Baden y a Londres. “Estoy muy emocionado de tener mi primera gran exposición en Europa. Es un sueño hecho realidad. Aun recuerdo cuando no tenía exposiciones ni vendía cuadros. A día de hoy sigue habiendo gente que piensa y dice que no pinto bien, que ellos podrían hacerlo mejor. Hay opiniones variadas y a mí no me interesa. Mis obras son creadas por mis instintos, pinto lo que sale del fondo de mi corazón”, concluye el artista.

Kay Ochi todavía recuerda el pequeño sobre marrón que su familia recibió del Departamento de Justicia de Estados Unidos hace más de 30 años. Parecía ser un correo oficial más de la Administración con un sello de Washington DC. Pero dentro había una carta impresa firmada por el presidente George Bush padre y dos cheques por valor de 20.000 dólares (más de 18.600 euros), uno por cada uno de sus progenitores.

Sus padres estaban entre los 82.000 estadounidenses japoneses que recibieron una indemnización a modo de reparación por haber sido internados en campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, supuestamente por cuestiones de seguridad nacional, en uno de los capítulos más oscuros de la historia moderna de EEUU.

Los pagos eran la culminación de un movimiento –dirigido por los sansei o tercera generación de estadounidenses japonenes como Ochi– que había luchado duramente a lo largo de 20 años para hacer justicia para sus mayores.

Los padres de Ochi necesitaban el dinero –su encarcelación había estancado sus carreras– y lo utilizaron para un nuevo tejado, la renovación de su cocina y luego compartieron una parte con sus cuatro hijas. Pero se trataba de algo más que dinero. “Fue un reconocimiento hacia nosotros”, dice Ochi, una mujer de 76 años en la actualidad. “Comenzó a librarnos del peso que hemos llevado la mayoría de nosotros”, cuenta.

Más que dinero

Los cheques convirtieron a los estadounidenses japoneses en el único grupo étnico que ha obtenido una reparación por parte del Gobierno de EEUU. Ahora, décadas después, su triunfo está ganando nuevamente peso con la lucha de los estadounidenses negros por obtener su propia reparación histórica.

Hay propuestas en marcha en todo EEUU para compensar a los descendientes de los esclavos por los daños y por la discriminación que todavía perduran. La iniciativa más destacable viene de California, donde un grupo de trabajo pionero recomendó recientemente pedir perdón formalmente realizar pagos en efectivo a los descendientes de las personas esclavizadas y otras medidas para abordar la discriminación actual. Pero esos esfuerzos han provocado también la ruidosa reacción de sus oponentes y se enfrentan a una larga batalla para conseguir el apoyo de la ciudadanía y de los políticos.

Muchos veteranos del movimiento de estadounidenses japoneses por la reparación están volviendo a la lucha para resarcir los daños. Una vez más, dicen, es lo correcto. Y es una cuestión de reciprocidad: el movimiento de los estadounidenses japoneses se inspiró especialmente en el movimiento por los derechos civiles y hubo congresistas negros que fueron aliados clave para convencer al Gobierno de que los apoyara.

Estos activistas aportan un mensaje poco habitual al movimiento, un mensaje de esperanza. “Se puede señalar, se puede usar la experiencia de los estadounidenses japonenes para demostrar que las reparaciones [históricas] son posibles”, sostiene Ochi. “Ha pasado aquí. Es posible y es necesario”.

Aunque ahora es bien conocida la historia de lo que les sucedió a los estadounidenses japoneses durante la Segunda Guerra Mundial, apenas se habló de ella durante décadas.

Como muchos de su generación, June Hibino creció oyendo a sus padres mencionar solo brevemente los campos de concentración. Estaban entre las 120.000 personas descendientes de japoneses en la costa oeste de EEUU a las que acorralaron y metieron en campos de concentración que abarcaban desde California hasta Arkansas bajo acusaciones de espionaje y deslealtad. Muchos supervivientes preferían no hablar de su traumática experiencia y los padres, a menudo, querían proteger a sus hijos del racismo que ellos experimentaron.

Movimiento por la reparación histórica

Fue el movimiento por la reparación histórica lo que arrojó algo de luz sobre esta atrocidad para su gente y para la nación entera.

Los esfuerzos en busca de una reparación comenzaron en los años 70 del siglo pasado, cuando la Liga Ciudadana de Japoneses Americanos (JACL, por sus siglas en inglés) pidió una ley que enmendara el daño sufrido por los encarcelados durante la guerra. Pero no fue hasta principios de los años 80 cuando cientos de supervivientes y sus familiares testificaron por todo el país en distintas vistas de una comisión federal dando fuerza al movimiento.

Involucrarse en el movimiento por la reparación años después de la universidad llevó a Hibino a hablar por fin con sus padres sobre lo que les pasó a ellos. Después testificó en su nombre en una vista de la comisión en agosto de 1981 en el Golden Gate College de San Francisco.

Habló de la cosecha echada a perder en su granja familiar; de su padre, a quien forzaron a interrumpir sus estudios en la Universidad de California (Berkeley) y nunca pudo retomarlos; y de su abuela, que enfermó por una infección un par de meses después de su encarcelación y murió sola en el hospital porque el Gobierno no permitió que su familia la visitara en el lecho de muerte. Y habló del racismo al que ella se seguía enfrentando como parte de la tercera generación de estadounidenses japoneses.

“Para mis padres, para mi gente, pido una compensación monetaria”, dijo entonces. “Y como una sansei, pido que se saque a la luz la verdad para que todo el mundo la conozca. Tenemos derecho a la reparación y va con 40 años de retraso. Cualquier otra cosa no sería más que un regalito y una tapadera [para ocultar lo sucedido]”, expuso.

Cuenta cómo quienes escuchaban estaban al borde de sus asientos, mientras los supervivientes hablaban de cosas que ni siquiera habían compartido con sus propias familias. “La gente rompía a llorar”, relata Hibino, de 70 años, a The Guardian. “Otros estaban tan enfadados que golpeaban la mesa porque al fin les permitían decir lo que les había pasado”, asegura.

Ochi, miembro de la Coalición Nacional para el Resarcimiento y la Reparación (NCRR), uno de los mayores grupos de presión de estadounidenses japoneses que trabajan por la reparación, recuerda no dar crédito. “¿Cómo era posible que todo esto se hubiera ocultado durante cuatro décadas?”, se pregunta. Fue entonces cuando se dio cuenta de la magnitud del sufrimiento de su gente, así como de sus pérdidas: de negocios, casas y tierras, de libertad y dignidad.

Todas eran historias que no habían sido documentadas. “Nosotros, como comunidad, teníamos que escribir nuestra propia historia”, afirma Ochi.

La lucha en los tribunales y en el Congreso

Por fin, la verdad quedaba al descubierto, pero conseguir la reparación histórica también significaba luchar en los tribunales y en el Congreso. En un frente, un equipo de abogados estaba decidido a hacer caer la justificación legal de los campos de concentración.

Reabrieron el caso de Fred Korematsu, que en 1942, cuando comenzaron las redadas contra personas descendientes de japoneses, desafió las órdenes de los militares y se escondió hasta que al final fue detenido y juzgado. Su caso llegó al Tribunal Supremo, que confirmó la constitucionalidad de la encarcelación de estadounidenses japoneses en tiempos de guerra.

Pero cuatro décadas después, unos abogados encontraron documentos que demostraban que el Gobierno había mentido y ocultado pruebas sobre la supuesta amenaza militar que suponían los estadounidenses japoneses. La pena de Korematsu se anuló en 1983, lo que debilitó una de las principales objeciones al resarcimiento, que la encarcelación en tiempos de guerra había sido constitucional.

“Ese era el último argumento contra la reparación”, dice Don Tamaki, uno de los abogados del caso que recientemente participó en el grupo de trabajo para la reparación en California como el único miembro no negro. Sus propios padres estuvieron encarcelados en Topaz, Utah. “Teníamos una misión”, asegura Tamaki sobre el caso Korematsu. “Habíamos salido a reivindicar [justicia para] nuestras familias”, explica.

En otro frente, una comisión federal que estudió la encarcelación concluyó en 1983 que ésta fue el resultado de un “prejuicio racial, histeria bélica y un fallo en el liderazgo político”, lo que impulsó el caso más aún a favor de la reparación.

Norman Mineta, un congresista estadounidense japonés de San José que fue encarcelado de niño, fue uno de los impulsores de un nuevo proyecto de ley para la reparación histórica en el Congreso, y cientos de estadounidenses japoneses fueron en tropel a Washington DC para apoyarla. Urgía su aprobación: la comunidad de estadounidenses japoneses se quería asegurar de que los supervivientes ya ancianos recibieran su indemnización antes de morir.

Ochi, que voló a Washington para apoyar el proyecto de ley, recuerda caminar por el Capitolio repartiendo dosieres de prensa y presionando a los congresistas para convencerles. La mayoría de los grupos de comunicación generalistas ignoraban al movimiento, así que llamaba por teléfono a periódicos estadounidenses japoneses para ponerles al día de lo que iba sucediendo.

Justo antes de que el proyecto de ley se votara en el Congreso, llegó una delegación de 141 estadounidenses japoneses a Washington, recuerda Miya Iwataki, una de los organizadores de la NCRR. “Había jardineros, camioneros, médicos, abogados, estudiantes y profesores universitarios, veteranos, niños pequeños, madres, issei [la primera generación de inmigrantes]”, enumera.

El movimiento también era multirracial. Uno de los aliados clave a nivel legislativo fue Mervyn Dymally, un congresista negro de Los Ángeles, dice Iwataki. Le había conocido años antes, cuando ella acudió a una suerte de junta municipal en su distrito. Le habló para convencerle sobre el resarcimiento, él admitió que no conocía el movimiento pero le pidió que le contara más. Más adelante, el congresista acabó contratando a Iwataki como jefa de prensa.

Dymally, que presentó en 1982 un proyecto de ley diferente para la reparación histórica, había ayudado a la hora de facilitar el trabajo de nuevos grupos de presión llegados a Washington, cuenta Iwataki. Presentó a los activistas a otros congresistas, les consiguió reuniones, les dejó usar su despacho como sede central e, incluso, se encargó de que pudieran quedarse en casas del personal. Dymally presidía el Comité Negro del Congreso, por lo que este fue “de los primeros” que firmaron a favor de cualquier proyecto de ley de reparación, según Iwataki. Congresistas negros de California, incluido Ron Dellums, tuvieron un papel imprescindible.

Finalmente, siete años después de las primeras vistas de la comisión y 46 años después de que comenzaran las encarcelaciones, Ronald Reagan firmó la Ley de Libertades Civiles de 1988, que ofrecía una disculpa “por esas violaciones fundamentales de las libertades civiles básicas y de los derechos constitucionales” y creó un pequeño fondo para financiar la enseñanza de la historia y cheques por valor de 20.000 dólares a modo de reparación para los supervivientes aún con vida.

“A menudo la gente mira esa icónica foto del presidente Reagan firmando la Ley de Libertades Civiles, rodeado de congresistas radiantes, y piensan que eso representa el movimiento de resarcimiento y reparación”, lamenta Iwataki. “Pero no es así. Fue un movimiento, y un triunfo, por y de la gente”, aclara.

Fue una victoria con mayúsculas, pero el trabajo en la enseñanza y en el activismo no ha cesado nunca.

Apoyo entre comunidades

Ahora Iwataki dedica su tiempo a asuntos organizativos y a viajar por el país, asiste a conferencias sobre la reparación e intenta aprender todo cuanto puede sobre el movimiento para la reparación de personas negras, mientras trata de convencer a otros estadounidenses japoneses de que ellos también deberían apoyarlo.

Los estadounidenses japoneses tienen una larga trayectoria de solidaridad interracial en temas de justicia social, desde las protestas contra la guerra de Vietnam hasta el apoyo al movimiento anti-apartheid o la lucha contra la islamofobia tras el 11-S y el veto migratorio que Donald Trump impuso a países de mayoría musulmana y su política de separación familiar para migrantes.

“Los estadounidenses asiáticos reconocen que si no fuera por el movimiento por los derechos civiles… ¿dónde estaríamos?”, se pregunta Tamaki al explicar que la legislación que salió del movimiento también abrió las puertas a los estadounidenses asiáticos. “Seguramente, estaríamos donde estábamos tras las redadas”, reflexiona.

Tras la introducción de la AB3121, el proyecto de ley en California para crear un grupo de trabajo que estudie la posible reparación histórica para los ciudadanos negros, la veterana activista de la NCRR, Kathy Masaoka, ayudó a organizar a los estadounidenses japoneses para que llamaran a congresistas de ese estado y pedirles que votaran a favor del proyecto de ley.

La NCRR y el grupo Progresistas Nikkei también crearon un comité conjunto para empezar a estudiar las peticiones de afroamericanos, al igual que la propia historia de resarcimiento de la comunidad de estadounidenses japoneses.

Muchos activistas y grupos de la comunidad de estadounidenses japoneses también se han involucrado a nivel nacional testificando y escribiendo cartas en apoyo al HR40, el proyecto de ley federal para establecer una comisión que estudie las posibles reparaciones para los afroamericanos. Pero los activistas estadounidenses japoneses recalcan que siguen las directrices de los organizadores y grupos de la comunidad negra que trabajan en ello. “No queríamos decir ‘nosotros sabemos cómo hacerlo’”, asegura Masaoka.

Tamaki pasó dos años en el grupo de trabajo para la reparación en California, escuchando testimonios de expertos y las historias de ciudadanos que llevaban toda la vida en ese estado. La experiencia le ayudó a ver que la discriminación que sufrían los estadounidenses japoneses no era más que una subtrama en la amplia historia del racismo estadounidense.

Se acordó de Tanforan, un circuito de carreras de caballos en la bahía de San Francisco donde sus padres y otros estadounidenses japoneses estuvieron retenidos antes de los campos de concentración, que tenían baños y fuentes de agua separadas para blancos y personas no blancas. “Es muy ilustrativo sobre lo que comenzó como una patología contra los negros que atrapa a otros también”, señala. “De hecho, es unificador darse cuenta de que este juego afecta a todos”, opina.

Aunque los activistas estadounidenses japoneses son cautos al decir que no tienen ninguna lección específica que dar al movimiento por la reparación de las personas negras, dicen que su éxito hace 35 años puede ser motivo de optimismo, y eso que el éxito parecía estar muy lejos por entonces.

“Yo pensaba que no pasaría”, reconoce Ochi. “Eso no nos paró, porque sabíamos que hacíamos lo correcto”, indica.

Tamaki dice que, aunque hay “diferencias notables” entre el resarcimiento a favor de los estadounidenses japoneses y el movimiento actual para la reparación de los afroamericanos, ve paralelismos en la forma en la que ha cambiado la opinión pública. “Al principio la reacción de la gente en general era de ‘no’ y ‘ni hablar’”, cuenta sobre el resarcimiento de los estadounidenses japoneses. “Llevó 20 años cambiar la forma de pensar, pero cambió”, dice.

Ahora nos encontramos ante un creciente empuje, similar, sin precedentes, con la reparación de los afroamericanos. Destaca las más de 350 organizaciones que han firmado su adhesión a la reparación en California, al igual que otros esfuerzos similares en Illinois y Nueva Jersey para estudiar posibles reparaciones. ¿Es posible conseguir de nuevo la reparación? “Tengo esperanza”, afirma Tamaki.

Traducción de María Torrens Tillack

Cuenta Juan Manuel Suárez Japón que cuando Caballero Bonald visitó la estatua de Hasekura Tsunenaga en Coria del Río, a orillas del Guadalquivir, murmuró: “Más que historia, lo que aquí se contiene es mucha literatura”. Las palabras del escritor quedaron rondando al político y catedrático de Geografía Humana de la Universidad Pablo de Olavide, que muchos años después ha convertido la historia de los samuráis que visitaron Sevilla en el siglo XVII en una novela histórica, La katana perdida, recientemente publicada por Renacimiento.   

“Me jubilé en el 2015 y en el 2016 publiqué un libro de relatos, Aquello era Doñana, donde hablaba de la transformación en la marisma, la desaparición de la pesca, el papel que el propio río jugaba en la sociedad en mis años juveniles”, recuerda Suárez Japón, coriano de 1945. “El profesor José Manuel Rubio Recio, el catedrático con el que me formé, me lo presentó junto a Manolo Sanlúcar, y me dijo: ‘No sé si te va a gustar lo que voy a decirte, pero este es el mejor libro de Geografía Humana que tú has hecho’. Luego escribí una novela con carácter histórico, Los caminos de la orilla, sobre la emigración. Y finalmente, me metí con esto porque el mundo de lo japonés se ha ido metiendo en mi vida y ocupando la mayor parte de los espacios”.

En efecto, las conexiones histórico-culturales entre Japón y las tierras del sur español, y la comunidad de los apellidados Japón en Coria del Río han atraído en los últimos años el interés del escritor, autor de libros de referencia como Japones y japoneses a orillas del Guadalquivir (2007), De Sendai a Coria del Río: historias de japoneses y japones (2014), o La trastienda de Virginio (Memoria Gráfica) (2018). Asimismo, ha participado como autor invitado en la magna obra Japón archipiélago de cultura (2021), es fundador y vicepresidente Ejecutivo de la Asociación de Amistad Hispano Japonesa Hasekura y en 2016 el Gobierno de Japón, en nombre del Emperador, le otorgó la Orden del Sol Naciente, “la distinción más alta que ellos dan a extranjeros que ayudan a la amistad hispano-japonesa”.

Verdad y verosimilitud

Pero la ficción narrativa era un reto muy diferente a todo lo hecho antes: ahora se trataba de contar el viaje del noble japonés Hasekura Tsunenaga desde el puerto de Sendai hasta España en 1613, acompañado del monje franciscano español Luis Sotelo y de un nutrido séquito de samurais y comerciantes nipones, con el objetivo de establecer relaciones políticas y comerciales con la corona española y solicitar su apoyo para, entre otras cosas, acrecentar el cristianismo en su país.

“Cuando Hasekura viene a Sevilla, el presente de amistad que le entrega al Asistente de Sevilla es una carta que desaparece y no se encuentra hasta bien entrado el siglo XIX, y una katana, el arma síntesis de la lucha de los samuráis pero que, según descubrí entre las miles de lecturas que hice y sigo haciendo sobre Japón, había un tipo de katana que no tenía tanto carácter de arma como de pieza de orfebrería, y que los japoneses entregaban en las recepciones oficiales”, explica. “Esa katana llega a Sevilla, desaparece también, y nunca vuelve a encontrarse. Ese es el punto de partida de una trama en la que he mezclado tiempo pasado y presente, de la mano de un investigador español que trabaja en Japón y viene a indagar este asunto”.

En ella, el escritor ha tenido que combinar rigor científico e imaginación. “La novela es un producto de ficción, pero si es histórica tiene que ser respetuosa con los hechos, incluso añado un apéndice bibliográfico con los textos fundamentales sobre los cuales me he basado”, agrega Suárez Japón. “Leí hace algún tiempo, quizá en Juan Eslava Galán, que el concepto de novela histórica es complicado, porque novela es cualquier estudio al que puedes llamar como tal, e histórica significa no tanto la búsqueda de la verdad, como de la verosimilitud. La fabulación no puede ir contra los hechos reales”.

Un apellido inequívoco

¿Y por qué Coria? “Esta gente viene a Coria en un momento bueno, en que el pueblo es el antepuerto de Sevilla, aquí se completaban las cargas y se descargaban para que el barco pudiera entrar a puerto. Debió de haber una actividad muy grande”, comenta el autor. “El primer pueblo era Sanlúcar la Mayor, y el segundo era Coria. El hecho de que partieran de aquí y también regresaran fue determinante. Nadie sabe cuántos se quedaron ni dónde, pero como los propios japoneses han afirmado, nuestro apellido Japón solo puede tener un origen, y es la conexión de aquella época”.

“Eso hace que una parte de la trama la centre en el eje Sevilla-Coria”, concluye. “Pero para que el lector sepa quiénes son Hasekura, Luis Sotelo o Sebastián Vizcaíno, todo está filtrado a través de la figura de Eikichi Hayashiya, embajador japonés que estuvo aquí del 81 al 84, y volvió a Sevilla como jefe de la delegación que acompañó al príncipe Naruhito en el año 1992, con motivo de la Expo”.

Elogiado por autores de reconocido prestigio como José Calvo Poyatos o Fernando Iwasaki, Suárez Japón no tiene dudas de que La katana perdida no será su última novela. “Escribo sobre todo porque estoy jubilado, he tenido un accidente aórtico del que me he recuperado por suerte, pero necesito tener una actividad creativa e intelectual”, apostilla. “Decidí cerrar la maleta de la Geografía Humana, me jubilé en 2015 y me dedico ahora a leer y a escribir lo que me gusta. Necesito tener una tarea por delante que me anime a salir de la cama por la mañana y mantenerme activo. Estoy trabajando en algunos relatos, pero sin plazo y sin prisa. Lo que quiero es tener tareas por hacer”.