Oriol Pla lleva siempre en el bolsillo una nariz de payaso. La usa como bola relajante, como objeto con el que tocar tierra y tranquilizarse. Es un elemento que le ancla a sus raíces, a las de una familia formada en el teatro y en el clown que le han hecho amar el teatro y la profesión como si fuera algo sagrado. La llevaba en el bolsillo cuando le dijeron que acababa de ganar el Premio Nacional de Teatro y casi recién levantado de la siesta atendió a la prensa en el pasado Festival de San Sebastián.

Probablemente, la lleva cuando visita la redacción de elDiario.es para hablar de Esta soledad, la ópera prima de Javier Giner, su amigo con quien ya trabajó en la serie Yo, adicto, por la que se convirtió en el primer actor español en ganar el Emmy internacional. Una película sobre cómo la precariedad se cuenta en lo más íntimo y nos hace incapaces de amar, de tener una relación sentimental cuando no hay casi ni un piso donde vivirla.

En ella Oriol Pla vuelve a demostrar que es uno de los mejores actores de su generación. Un terremoto de energía que sabe canalizar para transformarse. Nada tiene que ver su Leo con el personaje de Gula, la obra de teatro donde pone al espectador al límite. Los mismos que él explora, sobre todo encima de unas tablas que siente como hogar.

¿A un amigo le dice usted siempre que sí o es de los que prefieren poner límites?

Depende. Yo basculo mucho. Soy una persona muy curiosa y me gusta conocer todos los rincones, pero es verdad que en la creación artística siempre he aprendido y siempre he estado con amigos o con familia. El proceso es lo único que está en tu mano. Una vez existe la peli a veces piensas que has hecho una mierda y es un éxito. Otras piensas que has hecho una genialidad y nadie la ve. Así que partiendo de ese espacio de amistad y de afinidad artística en lo procesual y en la forma de acercarse a la creación me apetecía un montón trabajar con Marina Salas y con Javi Giner casi sin tener un guion, simplemente por el capital humano. Esa fue la apuesta.

¿Se nota cuando se comparte una forma de trabajar en el resultado final?

Sí. Yo creo que sí. Creo que al menos en lo que es el proceso es guay, porque vas un poquito más allá, como que puedes profundizar un poco más y hay ciertas barreras que desaparecen. Cuando empiezas una relación laboral artística con alguien, como el trabajo es cuerpo a cuerpo, al final hay una cosa de irse conociendo. Con una persona con la que ya has trabajado hay mucho, mucho recorrido.

¿La confianza hace que el trabajo sea más horizontal o siempre hay algo en un rodaje que va a ser vertical, por inercia?

La jerarquía está. Hay trabajos en los que se necesita cierta jerarquía y yo respeto mucho la superioridad moral de ciertas personas, como un director, que tiene la visión de por dónde vas. Yo no voy a decir “esto es por ahí”. No tiene sentido. Sí que hay algo horizontal en que tú tienes voz y quizá tienes algún voto, pero sobre todo tienes voz. Y está bien que sea así, porque alguien tiene que tomar las decisiones. Todo el mundo lo agradece. En este caso Javi tiene muy claro las direcciones que toma, pero hay una fraternidad y una forma de trabajar más horizontal, pero con una jerarquía que ayuda un montón.

¿Qué le tocó de este guion?

Yo soy de procesos muy lentos y me acuerdo que fui a leer el guion a la playa. Hacía tiempo que tenía ganas de leer esa primera versión y había muchas cosas que ya me había contado Javi. Pero creo que lo que me tocó más en ese momento fueron un par de cosas. La primera tiene que ver con Javi y su camino, pensar en qué guay que estuviera yendo hacia un sitio que en ese momento no acababa de ver, que es un sitio nuevo y un poco desconocido. Y luego había muchas cosas que yo podía relacionar con amigos míos, compañeros y gente cercana de mi generación o de mi experiencia.

La película a priori, si lees la sinopsis, parece la historia de una ruptura, pero al final todo lo que atraviesa esas historias es la precariedad, ¿eso se leía ya en el guion?

Sí, hablamos mucho de eso. Es curioso como al final crees que tienes muchas lecturas cuando trabajas y al final te quedas en la que tienes que ejecutar, que es la de tu personaje. Pero es verdad que hablábamos mucho de ese contexto y de cómo son cuerpos atravesados por el cansancio. Es algo que ha tomado un color muy bueno, muy vivo ahora que la gente lo está viendo. Es un marco en el que están los personajes y aun así ese marco está cobrando mucha importancia y es muy bonito porque realmente es eso. Lo que creo que nos toca es pensar que qué pena que en este vivir que tenemos lo emocional, el amor, el desamor, el espacio interior o el vínculo se nos escape porque no tenemos tiempo, porque no tenemos espacios.

Es curioso como el timing de estreno de una película puede hacer que se vea con otros ojos. La película no es la misma incluso después de lo que está pasando con la vivienda y lo que ha pasado con Maricarmen. ¿Cree que es una película atravesada por lo que está pasando en España?

Es así. Ahora es notorio, tenemos el foco ahí y estamos viendo eso. El otro día pasé por la Puerta del Sol y es como una conmoción. Y está pasando en Madrid, pero en toda España ha habido casos como el de Maricarmen. Ahora tenemos la suerte de que todo el mundo lo está viendo. Pero este es el mundo en el que vivimos, la España en la que estamos, la que habitamos o la que alquilamos. Y Javi, al final, creo que he hecho un retrato de algo que está ahí. Es superbonito, y de pronto coge un valor, pero ya lo tenía antes.

Es un cine político que se acerca quizás a lo que hace Mike Leigh que desde lo íntimo muestra las grietas de un sistema que está fallando.

Sí. Toda pieza es política. No podemos escapar de eso. Cuando los personajes están felices y viven en cierto lugar, tú estás decidiendo representar una parte del mundo que, aunque parece laica, blanca, estás haciendo un acto político. No hablar de ciertas cosas, es política. La de esta película quizás es más clara o más reconocible, pero no es demagogia panfletaria. Es el terreno en el que viven, en el que bailan los personajes. Y eso llama la atención en la película.

Ha mencionado que toda obra es política, ahora hay un debate sobre si usar o no el altavoz que tiene un actor, ¿qué opina?

Yo en mis creaciones y en mi forma de trabajar, sobre todo en la parte más íntima, es donde yo expreso mi posición humanista, política o social. Creo que es guay poder hablar desde ahí, porque así es como yo me expreso. Un orador se expresará orando, y yo, escribiendo. Es muy importante que personas públicas, actores o no actores, puedan expresar sus posiciones políticas y ser altavoces. Me pasa también que, como seres vanidosos y egocéntricos que somos, hay algo peligroso en eso que yo me planteo. Porque quizás ya somos protagonistas en muchos sitios. No lo sé del todo, pero obviamente hay un poder mediático y un altavoz que vale la pena también utilizar. 

Ha mencionado el ego pero no tiene redes sociales, ¿no le pica leer lo que se dice de usted?

Intento no leer nada, y si no tengo redes es justamente porque sé que soy sensible a eso. De vez en cuando voy al Instagram de familia Travy, que es el espectáculo que dirigí con mi familia y ahí he vivido la máquina succionadora del algoritmo. Además, no miro nada, simplemente me enseña vídeos de cosas y vas entrando ahí… y estoy mal, y me lo quito y ya no estoy tan mal. Hostia, está clarísimo. Es una máquina que no está hecha para mi bien.

¿Está afectando al arte? Ya se dice que las películas se encuadran con todo en el centro para poder poner reels, incluso.

Pero, ¿qué es arte? Claro. Es que si estamos hablando de hacer cosas para que la gente se quede enganchada igual estás haciendo otra cosa increíble y muy válida… Yo vengo del slapstick y del clown y yo, como fricción, prefiero una propuesta artística que me lleve a otro lado. El mercado, de alguna forma, marca unos tempos. Y el arte entra en el mercado. No hemos conseguido que el arte sea un bien común, gratis. Me fui a actuar a Suecia, y el festival de teatro era gratis y estaba el teatro lleno. Esto sería increíble. Pero no, todo está sesgado por su valor mercantil, por lo que genera, pero eso no puede ser la vara de medir de todo.

No pinta bien en ese sentido.

No pinta bien. Pero, ¿y la disidencia? Quizás es más solitaria y esa es la renuncia. Rosalía misma lo dijo hace un tiempo: no puedo seguir el tempo que me pide el mercado para crear música. Lauryn Hill también lo dijo en su momento. Y te entra ansiedad. ¿Debería hacer otro espectáculo o no? Quizá tienes que parar, escuchar y ver y aceptar ese ritmo. Pero claro, cuando nos empujan a que tienes que petarlo, a que tienes que sacar algo… A vosotros os pasa también en el mundo del periodismo con los clics. Y alejarse de eso es difícil.

¿Esa fricción que ha mencionado se materializa en este momento en donde acaba de ganar un premio Emmy internacional y el premio nacional de teatro?, ¿siente que debe aprovechar este momento o necesita parar y no hiperproducir?

Es muy interesante. El otro día, Iván Morales, un amigo y mentor, me cogió de los hombros y me dijo: “Oriol, lo has conseguido. Ya está. Te puedes relajar, puedes disfrutar”. Y dije, hostia es que hace mucho tiempo que sueño con parar. Con generar un espacio vacío para que pueda ser llenado, pero es que primero tienes que tener ese espacio. El otro día me di cuenta de que es que nunca cambio la narrativa. Siempre pienso: “Es un mal momento, hay que apretar”. O si no: “Es un buen momento, hay que apretar ahora”. Siempre hay que apretar, pero podría decir lo contrario: “Es un mal momento, me voy a retirar” o “Es un buen momento, me puedo retirar”. Yo tengo un problema, y es que tengo una forma de ser muy golosa. Siento que la vida se me escapa y que hay que hacer las cosas ya. Pero es verdad que me sienta mal, o no del todo bien.

¿Cómo vivió la explosión de ganar un Emmy internacional?

Sin redes es otra cosa. El recuerdo que tengo es de Nueva York, del hotel, del piso 42. Las entrevistas, y el respeto. En las redes, por ejemplo, había muchos compañeros que compartían con mucho cariño, con mucha alegría porque me lo hubieran dado. Entonces es superbonito, pero creo que mi experiencia es un poco diferente. 

También soy lento. A veces estoy en casa, cojo el Emmy y pienso: “Qué loco”. Hay algo de una especie de madurez, de respeto moral… para eso sirven algunos premios. Ahora hay una cierta horizontalidad. A mí me han dicho una vez: “Oriol, no dudamos de tu falta de compromiso, dudamos de tu exceso de compromiso”. Eso se me dijo a los 23 años en una producción y ahora no se me dice eso, se me pregunta si tengo algo que aportar, se me escucha. Y puedo cagarla igual, pero es guay eso.

¿Dice que 'no' a muchos papeles?

Mi proceso de elección lo estoy afinando cada vez más, pero tiene que ver con este centro [se toca el estómago] que cuando algo me apetece y hace ilusión hay una respuesta como sacra y ahí es donde tengo que poner la energía. Y este centro responde a muchas cosas, por ejemplo he participado en la película Citas porque nunca había hecho una comedia romántica. No hago solo esta línea editorial. Obviamente, tengo un gusto, pero soy muy curioso. Cuando en la decisión entra el pensar en el otro, en el qué dirán si digo que no… cuando entra la cabeza, es una liada. Lo que intento es darme tiempo, leer y escuchar mucho. He dicho que no a muchísimas, muchísimas cosas. 

¿No le da miedo decir tanto que 'no'? Que digan, ese actor siempre dice que 'no'.

Claro, yo lo he pensado. En teatro, por ejemplo, ya no me llaman. O me llaman muy poco. Porque sí que es verdad que para hacer personajes yo hago cine, pero para crear yo hago teatro. Ese es mi espacio de juego y creativo, más religioso. Cuando estoy con la compañía de circo tengo que medir bien lo que hago. Si tengo que hacer teatro, pues ya puestos que sea con mi familia o que sea una creación mía, o que sea una cosa con mi colega Pau. Entonces he dicho que no a muchísima gente. Y cuando te llama la misma persona por cuarta vez ya te sientes mal.

Mis padres, por ejemplo, desde pequeño me inculcaron mucho la cosa del actor como creador soberano. Mi padre en especial nos decía: nunca seas un actor que espera al teléfono, nunca. Tenía la concepción del actor que tiene que saber tocar la guitarra, escribir, coser, dirigir, hacer más o menos luces. Yo desde los 19, a título totalmente propio, tenía un espectáculo de slapstick con el que fuimos al Teatro del Barrio. A mí, si no me llaman, yo tengo mi trabajo, que es mi expresión artística. El espacio que tengo quizás vaya a ser un poco precario porque ya lo he visto con mis padres, pero por suerte no soy un trabajador asalariado. No podría. Tengo mi propio camino y mi propia forma de darme trabajo a mí y a mi gente. Eso es como una especie de red que hace que los ‘noes’ los digas sabiendo que estás diciendo que sí a esto.

¿Cómo marca ser parte de una familia que se dedica a esto, marca el carácter?

Sí, yo creo que sí que me ha marcado mucho el carácter, el dar valor a las cosas, el respeto por el trabajo de los referentes. La admiración y la escucha a la old school, siempre. Esto es una cosa que he aprendido un montón de escuchar siempre y ver a los y a las mayores currando, incluso si no me gusta lo que hacen. Yo sé que están ahí por algo, y verlos y saber dónde está ese camino de oficio, es saber dónde estás. Eso me ha dado una cosa que es un núcleo muy íntimo de hierro forjado de decir: esto es casa, esto es mi patria, es el teatro. Entonces se puede tambalear todo, pero eso no se tambalea nunca. 

Entrevista completa

Matthew Rhys ha vivido un recorrido profesional difícil de imaginar cuando, hace 26 años, llegó a plantearse abandonar la interpretación. Tras trabajar junto a Kathleen Turner en The Graduate en 2000, el actor galés pasó más de un año y medio sin encontrar un nuevo papel. La situación le llevó incluso a valorar una alternativa radical, entrar al ejército británico. Sin embargo, las Fuerzas Armadas también rechazaron su candidatura. 

De quedarse sin papeles a hacer historia 

El propio Matthew Rhys recordó aquella etapa en una entrevista con la BBC y explicó que llegó a reunirse con un oficial del ejército para valorar las posibilidades que tenía de alistarse. Muy a su pesar, la respuesta no tardó demasiado en llegar y fue negativa. En una carta le comunicaron que agradecían su interés y le deseaban suerte en su carrera. Sin embargo, años después aquel rechazo adquiere un significado completamente distinto, teniendo en cuenta la trayectoria que ha acabado teniendo el actor galés. 

Actualmente, ha conseguido uno de los mayores hitos de su carrera durante la 78ª edición de los premios Emmy. Rhys se llevó dos estatuillas en una misma noche, ambas por trabajos diferentes y en categorías protagonistas. Es decir, que la Academia de Televisión confirmó su victoria como mejor actor protagonista de comedia por La maldición de Widow's Bay y como mejor actor protagonista en una serie limitada o antología por The Beast in Me. 

No solo eso, sino que Rhys se convirtió en el primer intérprete que gana dos Emmy por interpretaciones protagonistas en un mismo año. El logro amplía también un palmarés que ya incluía el premio conseguido en 2018 por The Americans. Con sus nuevas victorias, el actor ha conseguido premios como protagonista en las tres grandes categorías interpretativas de televisión: drama, comedia y serie limitada o película. 

Dos personajes totalmente diferentes 

Uno de los premios llegó por su trabajo en The Beast in Me, producción de Netflix en la que Rhys interpreta a Nile Jarvis. La serie sigue a Aggie Wiggs, una escritora interpretada por Claire Danes que se ha apartado de la vida pública después de la muerte de su hijo. La llegada de Jarvis a la vivienda vecina altera su rutina y acaba convirtiéndose en una inesperada fuente de inspiración para ella. Rhys obtuvo el Emmy por encarnar a este personaje. 

Por otro lado, la segunda estatuilla llegó gracias a La maldición de Widow's Bay, una producción de Apple TV en la que interpreta a Tom Loftis. Su personaje es el alcalde de una pequeña localidad situada en una isla marcada por una misteriosa maldición. Loftis trata de convertir el lugar en un destino turístico para conseguir recursos y promocionarlo como una especie de nuevo Martha's Vineyard. La serie se mueve entre la comedia y el terror y también terminó llevándose el Emmy a mejor comedia. 

Además, el éxito de La maldición de Widow's Bay convirtió la ficción en una de las grandes protagonistas de la gala. La serie consiguió seis premios y terminó la temporada de los Emmy con 14 galardones, superando el récord que había establecido The Studio el año anterior con 13. 

La pasada gala de los Premios Emmy 2025 tuvo a ‘The Studio’, ‘The Pitt’ y ‘Adolescencia’ como las series protagonistas al ganar en las categorías de comedia, drama y miniserie, pero también hubo espacio para más durante la ceremonia de premios y uno de los momentos más aplaudidos y compartidos fue la reunión de las actrices principales de ‘Las chicas Gilmore’ (Gilmore Girls).

La que es considerada una de las series por excelencia en otoño celebró el 25 aniversario de su estreno con una pequeña reunión entre Lorelai y Rory Gilmore, o lo que es lo mismo, Lauren Graham y Alexis Bledel, las actrices que dan vida a estos icónicos personajes, algo que ha revivido la posible continuación de la mítica ficción.

¿Habrá continuación de ‘Las chicas Gilmore’?

A pesar de que ‘Las chicas Gilmore’ solo lograron un premio Emmy durante su emisión de siete temporadas, el de mejor maquillaje, fue en esta ceremonia que entrega los premios de la televisión en Estados Unidos quien consiguió el reencuentro entre las dos actrices principales.

Con esta reunión de ‘Las chicas Gilmore’ por los 25 años de su estreno, las redes sociales se han llenado de especulación sobre una posible continuación, teniendo en cuenta el momento que se vive en el cine y la televisión con remakes y sagas enfocadas a una generación milenial.

De hecho, Laura Graham, quien da vida a Lorelai Gilmore en la serie, fue preguntada al respecto y comentó que estaría abierta a retomar su personaje y que ella participará en todo en lo que también lo hagan los creadores de la serie, aunque no hay nada en concreto.

Esto también hace referencia al documental ‘Searching For Stars Hollow’ que se está creando sobre el papel de la serie en la televisión estadounidense, en el que no participan las dos protagonistas, pero sí actores como Kelly Bishop, quien daba vida a Emily Gilmore o Jared Padalecki y Chad Michael Murray, quienes interpretaban a Dean y Tristin.

Este documental es de momento lo único que se ha hecho como celebración de 25 aniversario sin que sea exactamente una continuación, de una serie que arrancó en el año 2000 y duró siete temporadas, para luego tener una miniserie secuela llamada ‘Las cuatro estaciones de Gilmore Girls’ en 2016 para Netflix.

¿Por qué ‘Las chicas Gilmore’ es la serie por excelencia del otoño?

Parece que ‘Las chicas Gilmore’ y el otoño llegan siempre de la mano, un hecho que parece darse sobre todo si tenemos en cuenta que las dos primeras temporadas de la serie empiezan en esta época del año y con la vuelta a estudiar de Rory Gilmore, cuyas tramas junto a su madre Lorelai, sus amigos y su familia son la historia principal de la serie.

La sensación además de nostalgia y comodidad que otorga la ficción en todo momento, así como la estética visual y las tramas que se repasan ayudan a enfatizar la sensación de ser otoño el momento perfecto para disfrutar de ‘Las chicas Gilmore’.

Los premios Emmy, que otorga la Academia de la televisión estadounidense, en su 77ª edición, ha coronado a las series ‘The Studio’, ‘The Pitt’ o ‘Adolescencia’ como las grandes sensaciones de la temporada en una gala celebrada en el Peacock Theater de Los Ángeles, en una gala en la que Nate Bargatze hizo de maestro de ceremonias.

‘The Studio’ fue la gran triunfadora haciendo historia al ser la serie de comedia con más premios en una sola edición con 13 galardones y con Seth Rogen igualando el récord de más premios de una sola persona en una misma noche con cuatro estatuillas, al igual que lograron Moira Demos en 2016, Amy Sherman-Palladino en 2018 y Dan Levy en 2020.

‘The Studio’: la mejor comedia en los Emmys 2025

Hollywood se ha sabido reír de sí misma en los Premios Emmy 2025 premiando con 13 galardones en total a ‘The Studio’, una serie que gira en torno a la falta de creatividad en la actual meca del cine en un sin parar de secuelas y sagas en forma de sátira.

La serie, creada por Seth Rogen junto a Evan Goldberg, se ha llevado los premios más importantes en la categoría de comedia, con las estatuillas de ‘mejor comedia’, ‘mejor actor de comedia’ y ‘mejor dirección’, que ha premiado el capítulo ‘The Oner’, con un plano secuencia de 20 minutos.

‘The Studio’ como serie original de Apple TV se puede ver en esta misma plataforma, así como también en Movistar plus y Prime Video si se cuenta con la suscripción correspondiente, para poder disfrutar de los 10 capítulos que tiene la primera y única temporada de momento que tiene, todos ellos auto conclusivos.

La ficción, que se estrenó el 15 de marzo, en esta primera temporada sigue a Matt Remick, al que da vida Seth Rogen, que es un ejecutivo de Continental Studios y que se encuentra en una crisis continua a nivel laboral por la situación actual de Hollywood por los egos, presupuestos o la competición con el streaming y consumo rápido.

‘The Pitt’: el mejor drama de los Emmys 2025

En la categoría de drama, la gran ganadora de la 77ª edición fue ‘The Pitt’, con los premios a ‘mejor serie dramática’, ‘mejor actor de drama’ para Noah Wyle y ‘mejor actriz de reparto en drama’ para Katherine LaNasa, de una serie que muestra el día a día de un hospital de Estados Unidos desde el punto de vista de los médicos y que muestra sin filtros la realidad que esconde este sistema sanitario.

‘The Pitt’ se estrenó el 9 de enero de este 2025 y se puede ver en HBO Max a través de su suscripción, pero también si se tienen los contenidos de esta plataforma a través de Movistar plus o Prime Video.

‘Adolescencia’: la mejor miniserie de los premios Emmy

Los premios Emmy han premiado también a una de las sensaciones de la temporada de series, la ficción de Netflix ‘Adolescencia’, que hablaba sobre la historia de un supuesto asesinato en un instituto por parte de un menor de 13 años, y cuya interpretación le ha supuesto el galardón de mejor actor a Owen Cooper.

Otros premios que se llevó ‘Adolescencia’ fue el de mejor miniserie o telefilme, el de mejor actor en miniserie para Stephen Graham o mejor actriz de reparto en miniserie para Erin Doherty, con seis estatuillas en total de las ocho nominaciones que acumulaba. La serie se puede ver en Netflix.

El español Javier Bardem, nominado al Emmy a mejor actor de reparto por la antología 'Monsters: la historia de Lyle y Erik Menendez', ha hecho un llamamiento al apoyo del pueblo palestino y a condenar el genocidio de Israel en Gaza. Y lo hizo ataviado con una kufiya, el pañuelo tradicional palestino, en apoyo a Gaza.

El actor ha aprovechado cada aparición en la televisión estadounidense durante los últimos meses para denunciar el genocidio en Gaza, llegando a acusar a EEUU de colaborar con el mismo. A ello se ha sumado su adhesión a distintas iniciativas, como la de más de un millar de actores y artistas en contra de trabajar con empresas israelíes que se benefician del genocidio.

“Hay que denunciar lo urgente, el genocidio de Israel en Gaza. La Asociación de Escolares Internacional ha declarado un genocidio lo que está sucediendo en Gaza y por eso tenemos que llamar al bloqueo comercial, diplomático con Israel”, alertó Bardem en declaraciones a EFE durante su paso por la alfombra roja de los premios más prestigiosos de la televisión estadounidense que se celebran este domingo en Los Ángeles.

Portando una kufiya palestina al cuello en apoyo a los gazatíes, el actor español alzó la voz para llamar a “las sanciones que deben darse al estado genocida de Israel, no solamente por el genocidio en curso, sino también por el estado de apartheid que provoca tanto desgarro”.

Bardem aludió a Film Workers por Palestinian, una agrupación “que se está sumando cada vez más gente”, para condenar “las compañías cinematográficas e instituciones que o bien lavan la imagen de Israel o lo justifican”.

“Esas son las cosas que queríamos ver, que estamos haciendo y que en un día como hoy es importante traerlo aquí al debate”, agregó. “Hay miles, decenas de miles de niños muriéndose de hambre y lo llaman autodefensa. Ahora el mundo por fin sabe lo que está sucediendo”, afirmó.

A los más de 60.000 muertos en Gaza, hay que sumar “los que están metidos bajo las los escombros. Lo importante es que es que no se deje de hablar de lo que es importante”, sentenció.