La actriz española Karla Sofía Gascón sigue sufriendo las consecuencias de la revelación de una serie de tuits suyos en la red social X en los que vertía comentarios en contra del islam y el cristianismo, calificaba a los musulmanes de “moros”, y tildaba a George Floyd, un estadounidense afroamericano asesinado por la policía, de “estafador” y “drogadicto”, entre otras intervenciones polémicas.

Gascón ha pedido disculpas por las citadas publicaciones, y también ha denunciado una campaña en su contra. Pero ni así ha conseguido frenar la ola de indignación entre la opinión pública en un momento tan crucial como son las semanas previas a la entrega de los Oscar, que tendrá lugar en apenas un mes en Los Ángeles y en la que Emilia Pérez, la película por la que Gascón está nominada como mejor actriz, opta a 13 estatuillas, entre ellas las de mejor dirección y mejor película.

Según desvela el medio cinematográfico estadounidense 'The Hollywood Reporter', la productora de Emilia Pérez ha decidido apartar a Gascón de las distintas galas y eventos de promoción de la película de cara a la ceremonia. Esta semana se esperaba que Karla Sofía Gascón volara a Los Ángeles desde su residencia en España para sumarse a la campaña de los premios, pero finalmente no asistirá a ningún evento, según ese medio.

Sin presencia en los eventos promocionales

El jueves 6 de febrero Gascón tenía previsto participar junto al guionista y director del filme, Jacques Audiard, así como sus coprotagonistas, Selena Gomez y Zoe Saldaña, en el almuerzo de los Premios AFI, que tendrá lugar en el Four Seasons de Beverly Hills, según la web especializada. En esta cita, cada una de las consideradas diez mejores películas y los diez mejores programas de televisión del año según el American Film Institute (AFI), contarán con una mesa.

El siguiente evento de promoción es la noche del viernes 7 de febrero y Gascón y sus compañeros deberían reunirse nuevamente en los Premios Critics Choice, en una mesa en el centro del Barker Hangar de Santa Mónica, un espacio que da lugar a una gran interacción con los medios. Pero, al parecer, ella no estará presente tampoco.

Los siguientes compromisos promocionales de Gascón tenían lugar los días 8 y 9 de febrero, en una agenda muy intensa. El sábado 8, iba a ser enviada a los premios PGA, en el hotel Fairmont Century Plaza de Century City, donde iba a ser presentadora. Al día siguiente, domingo 9, tenía que viajar hasta Santa Bárbara para ser homenajeada como una de las nueve ganadoras del premio Virtuoso de este año en una ceremonia en el Teatro Arlington. Tampoco acudirá a ninguna de estas dos citas, donde la interacción con la prensa suele ser intensa.

Tensión con Netflix

Por otro lado, 'The Hollywood Reporter' también asegura que existe una creciente tensión entre la actriz y la plataforma Netflix, que posee los derechos de distribución de Emilia Pérez en los Estados Unidos, Canadá y el Reino Unido, debido a los comentarios y entrevistas que ha dado Karla Sofía Gascón la última semana para defenderse de las acusaciones por sus mensajes en X. Netflix se queja de que la actriz no se ha coordinado en absoluto con la plataforma a la hora de establecer su estrategia de defensa.

Una muestra de esta mala relación es seguramente el hecho de que en los nuevos carteles promocionales de la película que ha distribuido Netflix no aparece ni la cara ni el nombre de Gascón, cuando antes sí lo hacía. Su imagen como franquicia del filme ha sido sustituida por la de Zoe Saldaña, nominada a los Oscar como mejor actriz de reparto.

Semana negra para los cines en España: la ausencia de grandes estrenos y las limitaciones sanitarias, bien por aforo bien por impedir desplazamientos, ha obligado a muchas salas y multisalas a bajar la persiana hasta que pase el temporal. Cinesa abre sus cines solo tres días a la semana en Madrid, Barcelona, Valencia y Málaga, pero cierra hasta nuevo aviso en el resto del territorio. La cadena Yelmo Cines también cesa su actividad en toda España excepto en Madrid y Canarias. Los cines Aribau y Gran Sarrià cierran en Barcelona. Los cines Lys en Valencia... De hecho se calcula que solo siguen abiertos el 30% de los cines españoles.

Y, sin embargo, se siguen estrenando películas y muchas salas programan algunos títulos de lo más destacables. Esta semana hablamos de Noticias del gran mundo, la nueva película de Paul Greengrass con un Tom Hanks tan nominable a los Oscar como siempre, y de de Lupin III: The First, nueva versión en 3D de la serie de los 70. También rescatamos Crash, el extraño clásico de culto de Cronenberg que vuelve a los cines por su 25 aniversario.

Noticias del gran mundo: Tom Hanks al rescate de la taquilla

Paul Greengrass (2020)

Era el gran título del año para quien fuese Forrest Gump, un activo seguro en taquilla. También uno de los pocos estrenos importantes de las pasadas navidades en los cines estadounidenses. Pero antes de su estreno el 25 de diciembre, se supo que Universal y Netflix habían ultimado un acuerdo para estrenar la película también en la plataforma de la gran N roja. A su paso por cines hizo 9 millones de dólares, pero le queda poco recorrido, puesto que pronto estará en el catálogo del gigante del streaming. En España ha sucedido algo similar: se estrena este fin de semana en pocos cines y prácticamente sin promoción alguna, y el 10 de febrero llegará a Netflix.

Noticias del mundo supone el reencuentro del realizador Paul Greengrass con Tom Hanks tras la intensa Capitán Phillips, que consiguió 6 nominaciones en los Oscar de 2013. Esta vez para narrar la historia de un veterano de la guerra civil estadounidense, convertido en un hombre nómada y solitario que se gana la vida contando noticias de pueblo en pueblo. Un día recibe el encargo de acompañar a una niña de 10 años por todo el país, para llevarla hasta sus nuevos tutores legales. Entre ellos se tejerá una amistad puesta a prueba por las inclemencias y la vileza del ser humano en el salvaje Oeste.

Lupin III: The First: ladrones de poca monta y mucha clase

Takashi Yamazaki (2019)

En 1907 el novelista Maurice Leblanc empezó a escribir una folletinesca serie que le llevó a publicar casi una treintena de novelas. El protagonista, un ladrón de guante blanco llamado Arsène Lupin, se convirtió en uno de los personajes más populares de la literatura francesa del siglo XX. Exactamente 60 años después el mangaka Monkey Punch imaginó las aventuras del nieto de aquel personaje, Lupin III, en un manga que dio lugar a una de las series anime más populares de los 70. Desde entonces el personaje ha seguido ofreciendo productos derivados y largometrajes varios, algunos de ellos realmente brillantes como el dirigido por Hayao Miyazaki en 1979, antes de fundar Studio Ghibli.

Ahora llega a los cines una aventura que revitaliza con un esforzado 3D a todos los personajes de aquel anime clásico. Lupin III: The First sigue los pasos de este ladrón tras el Diario Bresson, una joya que, según cuentan, ni su abuelo pudo robar. Solo que cuando consiga el objeto, Lupin y su equipo destaparán también una oscura trama de una organización nazi que cree poder volver a instaurar un nuevo Tercer Reich.

El Lupin de Leblanc, por cierto, sigue dando sorpresas al margen de esta película animada. Es el caso de la serie homónima protagonizada por Omar Sy y estrenada en Netflix a principios de enero.

Crash: coches, sexo y fascinación

David Cronenberg (1996)

No hay forma de describir Crash sin pisarse los dedos. Se puede decir, por intentar acariciar una sinopsis medianamente lógica, que narra la historia de un productor de cine en crisis que, tras un accidente de coche, empieza un descenso a los infiernos en el que la cercanía a la muerte y el sexo van de la mano. Premio Especial del jurado en Cannes en 1996, esta película de David Cronenberg cumple 25 años y se reestrena en cines de la mano de A contracorriente, que la proyectará en una copia sin cortes en 4K revisada por el mismo Cronenberg.

Contaba la periodista y crítica de cine Desirée de Fez en su libro Reina del grito (Blackie Books, 2020) que esta había sido la película que la había llevado a especializarse en el estudio y análisis del cine de terror y fantástico. “No era una película de terror, al menos en teoría, pero me provocó una angustia y un vértigo propios de ese género que me indignaron de inicio y acabaron convirtiéndose en una adicción para mí”, escribe. “La vi por última vez en el festival de Sitges de 2019, en una copia restaurada espectacular, con una amiga. No dábamos crédito a lo que veíamos”. La copia de la que habla es la que ahora llega a nuestras pantallas.

Este viernes llegan a nuestros cines dos películas sobre desconocidos que empiezan a descubrirse a sí mismos a través de los demás, aunque con sensibilidades muy distintas. Una narra la relación afectiva de un hombre y una mujer de mediana edad a través de unos pacíficos paseos. La otra, la tormentosa relación de un padre y un hijo que apenas se conocen. Y destacamos además un documental emocionante sobre uno de los actores más amados del siglo XXI, fallecido en 2014.

Hablamos de 23 paseos ,del realizador británico Paul Morrison, y de Más allá de las palabras de, la directora polaco-holandesa Urszula Antoniak. También destacamos El deseo de Robin, un documental sobre Robin Williams y la enfermedad degenerativa que padecía, demencia con cuerpos de Lewy, muy difícil de diagnosticar aún hoy.

23 paseos: ser tierno no significa ser joven

Paul Morrison (2020)

Benji —Dave Johns en un rol en sintonía vital con el de la ganadora de la Palma de Oro Yo, Daniel Blake, de Ken Loach— es un enfermero jubilado que dedica sus mañanas a dar grandes paseos por el norte de Londres con su perra. Un día conoce a Fern —interpretada por Alison Steadman—, una mujer divorciada que también pasea a su can. Aunque empiezan con mal pie, pues ella le riñe por no llevar a su perra atada, tras varios encuentros ambos empiezan a caminar juntos. A caminar y hablar. Es lo único que hacen, pero pronto descubren que es lo que más necesitan.

El realizador Paul Morrison tenía un golden retriever al que sacaba a pasear por los parques y jardines del norte de Londres. Lo hizo religiosamente hasta que el perro falleció a los 16 años. De aquel recuerdo, de aquellos innumerables paseos, el realizador de 76 años ha tejido una historia en la que persiste cierto espíritu flâneur, al recorrer los mismos espacios que tan bien conoció a lo largo de los años. Y en ellos ha situado a dos personajes solitarios, enfrentados a una vejez en la que construir nuevas relaciones es difícil, pero sigue siendo necesario. Un drama romántico sencillo, sin estridencias, sobre la senectud y la búsqueda constante de compañía.

Más allá de las palabras: poética del desconocido

Urszula Antoniak (2017)

Michael intenta aparentar que es un hombre joven y exitoso hecho a sí mismo. Se mueve entre los ambiente de la alta sociedad berlinesa, pero en secreto está obsesionado con encajar, con trabajar su acento alemán y borrar el hecho de que es una persona migrante. Nació en Polonia y emigró tras la muerte de su madre. Su padre era alguien totalmente ausente. Un buen día un hombre polaco llama a su puerta y asegura ser su progenitor. Entre ambos se establecerá una relación complicada asentada sobre el autoodio, las raíces y la asunción de que son, prácticamente, dos desconocidos. Pero no solo el uno para el otro, también son desconocidos para sí mismos.

Tras el éxito de la polaca Ida, Oscar a mejor película de habla no inglesa en 2014, es lógico pensar que la productora Opus Film quisiese abundar en proyectos que cuadrasen con ese poderoso blanco y negro que utilizaba la película de Pawel Pawlikowski para acentuar el dramatismo y, en ocasiones, disimular con elegancia la falta de recursos. Así debieron dar con esta obra de Urszula Antoniak, directora de la sorprendente Nada personal. Más allá de las palabras ha tardado cuatro años en llegar a nuestro país desde que se estrenase en festivales. En ella, Antoniak repite el leitmotiv de dos desconocidos que se buscan a sí mismos, pero con una puesta en escena ambiciosa y seductora.

El deseo de Robin: enfermedad y dignidad

Tylor Norwood (2020)

Robin Williams se suicidó en agosto de 2014 a los 63 años. Hacía tiempo que lidiaba con una depresión y una enfermedad degenerativa: la demencia con cuerpos de Lewy. Se trata de un mal muy difícil de diagnosticar debido a que sus síntomas se confunden con los del Parkinson y el Alzheimer. Williams era un hombre superdotado y obsesionado con el humor. Alguien que empezó en pequeñas salas de stand-up comedy y se convirtió en uno de los rostros más conocidos de Hollywood, una suerte de presencia tranquilizadora y amable para la generación de espectadores que creció con El club de los poetas muertos, Hook, Flubber, la Señora Doubtfire, Jumanji o El indomable Will Hunting. Si le preguntaban cuál era su mayor miedo, contestaba: “Tengo miedo de pasar a ser, no solo aburrido, sino una roca”.

Ahora Filmin estrena el documental El deseo de Robin. Una cinta que explora la vida y la obra de este actor, así como la dignidad con la que vivió su enfermedad y perdió sus facultades. También un retrato de la sordidez con la que los medios explotaron su suicidio. Una película que habla de la enfermedad sin medias tintas, y profundiza en la honestidad de una figura clave para entender la cultura pop de los noventa.

Este viernes llegan a nuestros cines dos películas que abordan la feminidad de ayer y hoy desde ópticas radicalmente distintas: una en forma de comedia francesa y otra de drama argentino. Sin olvidar una joya del cine animado perfecta para dar la bienvenida a 2021.

Hablamos de Manual de la buena esposa de Martin Provost y de Las mil y una de Clarisa Navas. La primera cuenta con Juliette Binoche como principal reclamo y las protestas de mayo del 68 como telón de fondo, la segunda es un drama tenso sobre sexualidades disidentes. También hablamos de El pequeño vampiro de Joann Sfar, adaptación del cómic homónimo del propio director.

Manual de la buena esposa: feminismos tibios para comedias correctas

Martin Provost (2020)

Martin Provost ha dedicado su carrera a retratar las contradicciones de ser mujer en distintas épocas. Desde su debut con Carmen Maura en el 97 (Tortilla y cinéma), pasando por cintas como Violette —que narraba el encuentro de Violette Leduc con Simone de Beauvoir— o Dos mujeres —duelo actoral entre las Catherine Frot y Deneuve—, hasta la película que nos ocupa, ambientada en el mayo del 68.

En Manual de la buena esposa nos presenta a Paulette, directora de la Escuela para amas de casa Van Der Breck, una institución dedicada a enseñar a las mujeres a servir en el hogar. Mientras llueven adoquines en París, Paulette intenta lidiar con su sorpresiva viudedad, con la cantidad de deudas que acarrea el centro que dirige y con las ansias de libertad de unas pupilas que pronto se percatan de que no están aprendiendo a ser mujeres libres sino siervas obedientes. Una cinta tan calculada como biempensante en la que no hay más discurso emancipador que el que podemos encontrar en Criadas y señoras, es decir escaso. Pero que se defiende dignamente como comedia de mejores intenciones que argumentos, en la que destacan no solo Juliette Binoche, también la monja que interpreta Noémie Lvovsky y la cocinera de Yolande Moreau, que parece interpretar otra cara de su personaje en la imprescindible Sans toit ni loi de Agnès Varda.

Las mil y una: adolescencia de barrio y dudas

Clarisa Navas (2020)

La realizadora argentina Clarisa Navas debutó en el largometraje hace tres años con Hoy partido a las tres: una aproximación a la adolescencia a través de un equipo fútbol femenino de barrio. Un debut que sorprendió en el circuito de festivales internacional y que le ha granjeado una segunda obra que parece orbitar sobre los mismos temas. El registro, esta vez, cambia de los planos generales estáticos a la cámara en mano, para descubrirnos un drama sobre la adolescencia tan potente como, a su manera, naturalista.

Las mil y una cuenta la historia de Iris, una joven que ha sido expulsada de su instituto y pasa los días jugando en la calle con sus primos Ale y Darío. Dos chicos que también lidian con una masculinidad tóxica y una homofobia institucionalizada que hace que se odien a sí mismos. Cuando Iris conoce a Renata, una joven con muy mala fama en el barrio, todas sus certezas sobre sí misma empiezan a desmoronarse.

El pequeño vampiro: un regalo para 2021

Joann Sfar (2020)

La series de cómics Petit Vampire nacida 1999, lleva vendidos cientos de miles de ejemplares en Francia, y cuenta con una serie de televisión de 52 episodios y sendas secuelas en formato tebeo que narran las desventuras del protagonista cuando es adulto. Una pequeña joya intergeneracional que se ha convertido en la obra maestra del prolífico Joann Sfar, su creador.

Ahora el mismo Sfar, más de dos décadas después haber parido su creación más popular, decide adaptarla al largometraje como hizo con las excelentes El gato del rabino o Gainsbourg (Vida de un héroe). El resultado es una joya absoluta para amantes de la animación que capta el tono malicioso pero lleno de valores del universo de las viñetas al tiempo que actualiza algunos de sus discursos en el audiovisual. En España, sus tebeos los ha publicado Fulgencio Pimentel y tenemos la suerte de contar con libros como Pequeño Vampir, compilación de los siete tomos originales de la serie, además de Vampir y L'Amour (El amor sin amor), versiones adultas del personaje protagonista.

Este viernes no hay estrenos pero sí los hubo el miércoles: destacamos un drama sobre la vejez, otro sobre la religión, y la restauración en 4K de un clásico absoluto del cine asiático contemporáneo.

Hablamos de El padre, del novelista y dramaturgo francés Florian Zeller con dos actuaciones de Anthony Hopkins y Olivia Colman que ya suenan en la temporada de premios, y de Saint Maud, debut en la dirección de la realizadora británica Rose Glass. También del afortunado reencuentro con las salas de Deseando amar de Wong Kar-Wai, que la distribuidora Avalon ha llevado a cabo por el vigésimo aniversario de la cinta.

El padre: lo confuso de hacerse viejo

Florian Zeller (2020)

Florian Zeller se ha convertido, en los últimos quince años, en uno de los talentos más codiciados de los teatros parisinos y se diría que de toda Europa. No en vano es, junto a Yasmina Reza, el dramaturgo francés vivo más interpretado fuera de su país. De hecho su primera película es británica: El padre es una adaptación al cine de una obra propia y homónima estrenada en 2012.

Ocho años después Zeller dirige su primer largometraje apoyándose en una ambientación orgullosamente teatral, y en dos pesos pesados del cine británico. Anthony Hopkins y Olivia Colman son padre e hija en un drama en el que se lucen ambos, especialmente el primero en un papel hecho a medida que ya suena en la temporada de premios y puede llegar a los Oscar con relativa facilidad. La película, Premio del Público en la pasada edición del Festival de San Sebastián, descubre sus cartas pronto para desubicar al espectador con constantes cambios y alteraciones que le hagan empatizar con la demencia de un hombre mayor que se niega a recibir cuidados.

Saint Maud: culpa religiosa

Rose Glass (2019)

La realizadora birtánica Rose Glass tiene 30 años y contaba con cinco cortometrajes antes de dar el salto al largometraje. Una experiencia que ha convertido su debut en uno de los más alabados del cine británico de los últimos tiempos: Saint Maud. Un drama sobre la religión, el fanatismo y la culpa que huye de etiquetas fáciles aunque su campaña publicitaria haya decidido probar a encajarla como película de terror al uso en nuestro país.

Saint Maud narra la historia de una joven enfermera fervientemente creyente que empieza a trabajar cuidando a una mujer con un cáncer terminal. La primera quiere salvar el alma de la segunda, aún cuando esta no quiera ser salvada de nada. Y lo cierto es que el lenguaje del terror recorre todo el filme, pero lo que construye resulta hipnótico e inquietante por cómo explora la culpa de dos mujeres enfrentadas a sus creencias y a las limitaciones de sus cuerpos. Un debut irregular pero asombrosamente arriesgado.

Deseando amar: eterno Wong Kar-Wai

Wong Kar-Wai (2000)

Deseando amar es una película sobre el amor... sin besos. Porque de lo que se habla es, precisamente, de su ausencia. Del deseo, el aplazamiento y la imposibilidad. Hace veinte años que Wong Kar-Wai marcó, casi sin proponérselo, determinado sentir de la posmodernidad en el cine asiático. Una senda que exploraba la cotidianidad y sus infiernos con un formalismo milimétrico y apasionado en este magnífico filme.

No contenta con reestrenar una versión restaurada en 4K de este clásico moderno, la distribuidora Avalon también ha inaugurado un espacio de visita obligatoria para fans del realizador. Hablamos de ·Universo Wong Kar-Wai·, una exposición que recrea el mundo de las películas del director coincidiendo con el reestreno mencionado. Podrá verse en los cines Renoir Princesa de Madrid (salas 10 y 11, es decir las del pasaje) y los Cinemes Boliche de Barcelona. Además ambos cines exhibirán, a lo largo del mes de enero, otros seis títulos de la filmografía de Kar-Wai acompañados de presentaciones, encuentros y la proyección de contenido y piezas en primicia. Puedes descubrir más aquí.

Una superheroína de cómic y dos autobiografías. O lo que es lo mismo: la película de una amazona, la de un icono feminista nómada y la de un muchacho sin recursos que lucha por llegar a ser un escritor.

Hablamos de Wonder Woman 1984, esperada secuela del éxito de 2017 de nuevo dirigida por Patty Jenkins. También de The Glorias, adaptación del libro Mi vida en la carretera de Gloria Steinem, y de Martin Eden, basada de la novela homónima de Jack London inspirada en su propia vida.

Wonder Woman 1984: el único blockbuster de estas navidades

Patty Jenkins (2020)

Tras sufrir hasta tres retrasos, parecía que el estreno de Wonder Woman 1984 se iba a hacer esperar hasta 2021, dejando este año huérfano de blockbusters —a excepción de la Tenet de Nolan—. Por suerte, ante la retirada constante de sus competidoras, Warner vio la oportunidad de hacerse con la taquilla navideña por inacción: si no movía la fecha de estreno de diciembre la secuela de la superheroína de DC iba a reinar en la taquilla por falta de pretendientes. Así las cosas, la nueva película de Patty Jenkins se nos revela como el gran estreno de finales de 2020. En Estados Unidos se estrenará simultáneamente en la plataforma de streaming HBO Max, algo que no ocurrirá en España, aunque la veremos nueve días antes de su estreno allí.

¿Qué decir de Wonder Woman 1984? Gal Gadot repite como una Diana Prince ahora sumida en plena guerra fría y con dos enemigos poderosos: una amiga de su infancia —Kristen Wiig— y un gran empresario —Pedro Pascal—. Repite también Patty Jenkins como directora, tras haber amasado la nada desdeñable cantidad de 822 millones de dólares con la primera aventura de su Wonder Woman en 2017.

The Glorias: del feminismo de los 60 hasta hoy

Julie Taymor (2020)

“Si a la mujer se la relegaba al espacio doméstico, Steinem conquista la carretera. [...] Steinem devuelve una mirada intensa sobre las últimas décadas, reivindicando cuerpos y anécdotas que conforman el movimiento feminista”, escribía Lucía Lijtmaer en una entrevista a la activista realizada en elDiario.es. Hablaban de Mi vida en la carretera, publicado por la editorial Alpha Decay en 2016 con traducción de Regina López Muñoz.

Ahora el libro prueba suerte en el formato audiovisual en manos de la realizadora Julie Taymor, a quien recordaremos del biopic de Frida Kahlo que protagonizó Salma Hayek en 2002. Esta vez, Taymor confía en Ryan Kiera Armstrong, Lulu Wilson, Alicia Vikander y Julianne Moore para interpretar el papel de Gloria Steinem en distintas etapas de su vida. Todas juntas firman una road movie sobre la vida de Steinem, y su profunda huella en el movimiento feminista norteamericano de la segunda mitad de siglo XX.

Martin Eden: inesperado Jack London

Pietro Marcello (2020)

Martin Eden es la novela más marcadamente autobiográfica de Jack London, que es decir mucho de alguien que impregnó de sus vivencias todos y cada uno de sus relatos. En este texto, sin embargo, adoptaba casi un tono confesional para narrar la historia de un joven sin recursos que quiere llegar a ser un escritor de éxito. Un hombre que se hace y se destruye a sí mismo.

La novela, publicada aquí por Akal en 2016 con traducción de María José Martín Pinto, se tranforma ahora en un imponente drama de época en manos de Pietro Marcello. Un filme que causó sensación en el festival de Venecia, y que se ha ido perfilando como uno de los grandes títulos del cine europeo del año en los premios Gotham y David di Donatello. Llegó a acariciar las nominaciones más importantes de los Premios del Cine Europeo, que finalmente se llevó Otra ronda de Thomas Vinterberg.

Un manga que cambió la forma de comprender la animación japonesa, un thriller español sobre la muerte y el maltrato en los CIE y una nueva versión del mito de Peter Pan desde una óptica atrevida y llena de audacia.

Hablamos de Akira, el clásico de culto de Katsuhiro Ōtomo que llega de nuevo a cines en una versión remasterizada en 4K. También de títulos como La mujer ilegal, nuevo film de Ramon Térmens, o Wendy, el retorno de Benh Zeitlin tras ocho años de silencio desde que se convirtiese en la sorpresa indie del cine nortemaericano con Bestias del sur salvaje.

Akira: el anime que lo cambió todo

Katsuhiro Ōtomo (1988)

Sobre Akira han corrido tantos ríos de tinta que uno podría pensar que ya se ha dicho todo lo que se tenía que decir. Y, sin embargo, cada poco tiempo renace por razones distintas. Baste decir que se nos revela como una obra esencial de la ciencia ficción del siglo XX, en cine, en papel y en cualquier lenguaje artístico. Y que vuelve a los cines con una versión remasterizada en 4K que hará las delicias de los fans y que puede ser la excusa perfecta para descubrirla para los profanos.

La película más cara de la historia del anime en el momento de su estreno es una superproducción animada tradicionalmente, compuesta por 160.000 dibujos con una paleta de 327 colores, que resuena de forma particular en cada generación que la afronta. Su increíble puesta en escena, el alcance de una iconografía cyberpunk que pervive en los lugares más insospechados —de Rosalía a Kanye West—, sus catastrofistas predicciones sobre el ser humano o su insondable trasfondo filosófico bien merecen darse el gusto de verla en pantalla grande.

La mujer ilegal: lo que esconden los CIE

Ramon Térmens (2020)

En principio iba a ser un caso fácil: Fernando Vila debía evitar una deportación de una joven kosovar. Pero todo se complica cuando aparece muerta en un Centro de Internamiento de Extranjeros. Las autoridades dicen que se trata de un suicidio. Él tiene sus dudas. Lo que empieza siendo una investigación rutinaria termina llevándole a descubrir una red de corrupción que implica a todo el sistema de deportaciones del Estado español. 

En España hay actualmente siete CIE. Las condiciones de las personas migrantes que los habitan siguen siendo denunciadas periódicamente por las ONG. Multitud de organizaciones han documentado malos tratos, hacinamiento, incomunicación, indefensión legal de los internos y ausencia de asistencia sanitaria permanente. Ramon Térmens utiliza este marco para denunciar la situación de un colectivo absolutamente vulnerable, al tiempo que construye un hábil thriller que apunta hacia cómo la vulneración de derechos humanos se puede convertir en un negocio si no se combate y se arranca de raíz.

Wendy: lo nunca visto de Nunca Jamás

Benh Zeitlin (2020)

Benh Zeitlin debutó en el largometraje hace ya ocho años y su primera película, Bestias del sur salvaje, sigue siendo una de las aproximaciones a la infancia más singulares y honestas del cine norteamericano contemporáneo. La historia de Hushpuppy —interpretada por una Quvenzhané Wallis que se convirtió en la persona más joven en ser nominada al Oscar a Mejor Actriz—, fue un fenómeno en Sundance y Cannes, pero nada le aseguró un futuro al realizador. Pasaban los años y cada nuevo proyecto suyo parecía desvanecerse. Tanto es así que se podía pensar que Zeitlin iba a pasar a la numerosa reserva de realizadores y realizadoras debutantes que jamás consiguen levantar su segundo filme.

Sin embargo, y por suerte para todos, este fin de semana por fin estrena su segundo largometraje. Hablamos de Wendy, una nueva versión del universo de Peter Pan y Nunca Jamás creado por James Matthew Barrie. Aproximación radical que repite el tono entre el salvajismo de las emociones infantiles y el aire apocalíptico de cierto realismo mágico que hiciese tan especial a Bestias del sur salvaje. Un improbable encuentro entre Donde viven los monstruos de Spike Jonze y El señor de las moscas de Peter Brook. Nada que ver con los artificiales remakes en acción real de Disney.

El Dart es un festival pionero en nuestro país: el único certamen español que programa exclusivamente cine documental dedicado al arte contemporáneo. Pero hasta ahora se celebraba en salas de Barcelona y quienes no tenían el gusto de acercarse a la ciudad condal, se perdían algunos de los mejores títulos del género año tras año. 

Este año, sin embargo, ofrecerá su programación online a través de la plataforma Filmin, como han hecho casi todos los certámenes nacionales en lo que va de 2020. Sus 20 documentales —15 largometrajes y 5 cortos— se podrán ver hasta el 8 de diciembre. Destacamos aquí los mejores títulos para pasar un puente lleno de arte. 

The Proposal

Jil Magid (2018)

En 1980 Luis Barragán consiguió el reconocimiento mundial con el Premio Pritzker —el mayor reconocimiento del mundo en el terreno de la arquitectura—. Ocho años después falleció, no sin antes encerrar gran parte de su trabajo en un búnker suizo, bajo llave y oculto al mundo. La obra de sus últimos años en activo es, todavía hoy, un misterio. 

Una incógnita que la artista y escritora Jill Magid utiliza como leitmotiv de su magnífico documental dedicado a la figura de aquel arquitecto mexicano. The Proposal es una película tan inquisitiva como llena de dudas, un thriller arquitectónico si es que eso existe. También es el viaje personal de una artista singular hacia la mente de un creador rodeado de misterio. El resultado le ha valido el galardón a Mejor Película de la Sección Internacional del Dart festival 2020. 

JR, el arte sin fronteras (#JR)

Daniel Ablin, Serge July (2018)

En 2017, el artista urbano JR se alió con la gran Agnès Varda, fallecida en 2019, para recorrer Francia con una furgoneta y la firme intención de transformar espacios y vidas a través del arte. El resultado, un largometraje titulado Caras y lugares, fue una de las películas más bellas y, sencillamente, conmovedoras de los últimos años. 

Aun sin la brillante mirada de la cineasta que le acompañaba en aquel documental, JR, el arte sin fronteras (#JR) capta algunos momentos de inspiración para subrayar la tesis de Caras y lugares: el arte puede transformar identidades, limar aristas en crudos conflictos y hacernos ver el mundo con otros ojos. Poco más se puede pedir a una película en tiempos como los que vivimos. 

Tierras construidas

Arturo Dueñas (2015)

“¿Qué voy a hablar yo de mi vida?”, se pregunta Félix Cuadrado Lomas en los primeros minutos de este documental de Arturo Dueñas, sin darse importancia, sin tomarse muy en serio, para acto seguido contar cómo vivió los bombardeos en Valladolid y la época en la que “el que tenía pa' comer comía, y el que no, ayunaba”. 

Lo cierto es que Cuadrado Lomas es el último representante vivo del Grupo Simancas, un movimiento artístico que en los años 60 decidió asentarse en un pueblo de lo que hoy se llamaría 'la España vaciada' para convertirlo en un referente cultural del país. Con una sencillez apabullante, Tierras construidas reconstruye su vida y reinterpreta la obra de un artista que en 2017 decidió rechazar el Premio Castilla y León de las Artes por “coherencia con su carrera artística”. Arturo Dueñas captura con una mirada realmente apasionada y actual los mismos paisajes castellanos que caracterizaron toda su carrera. El documental le ha valido el reconocimiento de Mejor Película de la Sección Nacional del Dart festival 2020. 

Ai Weiwei: Yours Truly 

Cheryl Haines, Gina Leibrecht (2019)

Tras más de 30 años dedicada a hacer exposiciones en todo el mundo, Cheryl Haines decidió montar una que le cambiaría la vida a ella y a muchas otras personas. En 2014 organizó una controvertida muestra en la prisión más célebre del mundo. Titulada @Large: Ai Weiwei on Alcatraz, el proyecto permitía al artista y activista chino Ai Weiwei reivindicar la obra de presos políticos de todo el mundo. 

Con esta exposición como punta de lanza, este documental explora la obra de Weiwei, sus inicios y sus propios problemas con las autoridades chinas, así como lo que significó para los visitantes de la exposición situada en la isla de Alcatraz, y cómo conectaron a través del arte con la situación realmente preocupante de presos políticos cuyos derechos humanos son vulnerados diariamente.

Flower Punk

Alison Klayman (2019)

Puede parecer que enviar flores al espacio, o sumergirlas en grutas submarinas, sea una extravagancia más de las muchas que se permiten los artistas. Pero este cortometraje documental ahonda en la filosofía que subyace en las performances del artista japonés Azuma Makoto, demostrando la íntima unión del devenir de sus esculturas florales con su forma de pensar y ser. 

Flower Punk es una aproximación atrevida y veraz a la cultura floral nipona de la mano de la cineasta y periodista Alison Klayman. Pero también un hábil retrato de un artista singular que viajó a Tokio con su banda de punk, y empezó casualmente a trabajar en una floristería en la que encontraría su pasión. La película ha ganado el premio a Mejor Película en esta edición del Dart, en la sección de cortos. 

Body of truth

Evelyn Schels (2019)

Marina Abramovic, Sigalit Landau, Katharina Sieverding y Shirin Neshat: todas estas artistas utilizan su propio cuerpo como materia prima de su arte. Todas son mujeres. Y todas convierten sus obras y perfomances en una herramienta de denuncia política para llamar la atención sobre conflictos como la guerra de Siria, la crisis de refugiados o el auge de la extrema derecha.

La cineasta alemana Evelyn Schels se acerca a estas cuatro figuras hasta la distancia justa para establecer un espacio de debate sobre el alcance político del cuerpo de las mujeres en el siglo XXI. Así, Body of Truth es al mismo tiempo un homenaje y un afilado documental lleno de reflexiones sobre el potencial revulsivo y emancipador del cuerpo y el arte políticio y politizado. 

Keith Haring: Street Art Boy

Ben Anthony (2019)

El icono de la generación pop y el street art neoyorquino Keith Haring falleció en 1990. Fue uno de los artistas estadounidenses más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Pero el séptimo arte aún no había realizado ningún documental realmente ambicioso sobre su figura y su obra. 

Ben Anthony se propone salvar la falta con Keith Haring: Street Art Boy. Estamos ante un mediometraje que cuenta con abundantísimo material de archivo, gran parte inédito hasta ahora, además de multitud de testimonios de artistas que le conocieron, conformando una suerte de collage audiovisual realmente atractivo. De las veinte películas programadas en el Dart, esta es la única que podrá verse en cines. Será el próximo domingo 6 diciembre a las 19 horas en los Cinemes Girona. También se puede ver en Filmin hasta el día 8 de diciembre.

Un potente drama sobre los problemas actuales de la sociedad mexicana, un tenso thriller español hecho con pocos recursos pero muchísima inventiva y un rodaje sobre una película que no existe, pero debería.

Hablamos de Sin señas particulares, estupendo debut en el largometraje de la directora y guionista mexicana Fernanda Valadez. También de Amigo, una película de Óscar Martín con las actuaciones estelares de Javier Botet y David Pareja, y de Lux Æterna, nuevo mediometraje del polémico Gaspar Noé con dos grandes del cine galo: Béatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg.

Sin señas particulares: los muros invisibles de México

Fernanda Valadez (2020)

El hijo de Magdalena abandonó su pequeño pueblo natal para cruzar la frontera hacia Estados Unidos. No ha tenido ninguna noticia de él desde hace meses y las autoridades migratorias mexicanas le exigen que firme unos papeles en los que reconoce su defunción. Ella se niega, porque firmar es tanto como darlo por muerto o, peor, matarle. Entonces empieza un viaje por todo México siguiendo los pasos de su hijo, para averigüar si sigue vivo.

El pulso de este drama social, con la cuestión migratoria siempre de fondo, asume con presteza su mayor virtud: la rotundidad de unas imágenes que perturban con una fuerza del todo inesperada. Como si el Denis Villeneuve de Incendies se encontrase con el Cuarón de Hijos de los hombres en el México que reconocemos en el telediario. Que este sea el primer largometraje de Fernanda Valadez y que fuese Premio del Público en el Festival de Sundance y Premio Horizontes a la Mejor película latinoamericana en el pasado festival de San Sebastián, solo auguran un futuro brillante para esta realizadora y guionista mexicana.

Amigo: los amores van y vienen, las amistades duelen siempre

Óscar Martín (2019).

Las amistades hay que cuidarlas. Así, cuando estemos en el peor momento y no tengamos a nadie que cuide de nosotros, esas amistades estarán ahí. Aunque la mayoría de veces sea por obligación moral. Es lo que debe pensar David cuando decide hacerse cargo de su amigo de la infancia Javi, que sufre diversos males tras un accidente. Lo que ocurre es que pronto empiezan a saltar las chispas entre los dos, y lo que fue un acto de amor casi fraternal se convierte en una pesadilla para ambos.

Entre la tensión latente en el detalle del cine más calculador de Haneke, y el juego con el terror cotidiano que tan bien manejó Chicho Ibáñez Serrador, esta pequeña película de Óscar Martín demuestra sobradas virtudes como particular thriller. Especialmente en un guion que no tiene miedo a coquetear con la comedia negra y que, precisamente, coescribieron el realizador y los dos actores principales: unos fantásticos Javier Botet y David Pareja.

Lux Æterna: fuego a los rodajes imposibles

Gaspar Noé (2019)

Si la semana pasada se estrenaba la historia del rodaje de Ciudadano Kane, esta semana destaca en la cartelera la historia de otro rodaje: el de una película que no existe pero ojalá lo hiciese. Hablamos de Lux Æterna, que narra la historia de la primera película dirigida por la actriz francesa Beatrice Dalle. La que fuese uno de los rostros más célebres de terror galo decide ponerse tras las cámaras y contar con su compañera, Charlotte Gainsbourg, para el papel protagonista. Gainsbourg deberá interpretar a una bruja a punto de ser quemada en la hoguera. Pero las cosas, durante el rodaje, se les irán de las manos a ambas.

De existir, la película de Beatrice Dalle sería fascinante. Pero lo que existe en realidad es el último proyecto de Gaspar Noé, un mediometraje de 50 minutos que aprovecha el envoltorio de 'cine dentro de cine' para explorar las tensiones que se generan en muchos rodajes, y el deje tiránico y profundamente retrógrado que desarrollan muchos realizadores, como él, en el set. Una reflexión sobre si el cine puede y debe hacerse de otra forma, al tiempo que una excusa para dar rienda suelta a la vena más estroboscópica de su obra. Una película de peripecias formales y mucho lenguaje metarreferencial cinéfilo no apta para personas fotosensibles.

Una película que reúne todas las características para convertirse en uno de los títulos del año, un thriller rural vasco y una comedia absurda y genial sobre un amor extraño, unos lagartos y una Barcelona irreconocible.

Hablamos de Mank, la nueva película de David Fincher, un filme en blanco y negro sobre la figura de Herman Mankiewicz, el guionista de Ciudadano Kane. También de Hil Kanpaiak, o Campanadas a muerto, adaptación de la novela 33 ezkil de Miren Gorrotxategi dirigida por Imanol Rayo, y de La reina de los lagartos, la nueva película del inclasificable dúo de cineastas catalán Burnin' Percebes, formado por Fernando Martínez y Juan González.

Mank: Rosebud fue solo el principio

David Fincher (2020)

Hacía seis años que David Fincher no estrenaba nada en cines. Su último largometraje, Perdida, era una absoluta delicia envenenada, una película fascinante por cómo destapaba la maldad de imágenes aparentemente inocuas. Ni que decir de La red social, Zodiac o El club de la lucha son algunas de las mejores películas de las últimas décadas. Era de esperar que la expectación se disparase con su nuevo trabajo.

Más si tenemos en cuenta todo lo que rodea Mank: es un biopic sobre Herman Mankiewicz —guionista de Ciudadano Kane—, se ambienta en el tumultuoso rodaje de la obra maestra de Orson Welles y se basa en un guion escrito por el padre del realizador, Jack Fincher, fallecido en 2003. Es, por tanto, un doble homenaje: a una de las obras más importantes del séptimo arte y a la memoria de quien más cine enseñó a quien ahora estrena este filme. En España se podrá ver en algunos cines seleccionados, además de en Netflix.

Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto): los huesos nunca olvidan

Imanol Rayo (2020). Novela: Miren Gorrotxategi.

Un día en apariencia normal, Fermín y Karmen encuentran un esqueleto enterrado en un caserío. Incapaces y atemorizados, deciden llamar a su hijo, Néstor, para que se ocupe del cuerpo y averigüe su procedencia. Pero tras acercarse al hallazgo, Néstor desaparece sin dejar rastro y unas campanas de una ermita cercana empiezan a doblar por un muerto sin nombre.

Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto en castellano) es un tenso y absorbente thriller inspirado en la novela 33 ezkil (33 campanadas) de Miren Gorrotxategi. Es el segundo largometraje de Imanol Rayo, un realizador que en esta ocasión apuesta por crear atmósferas opresivas e imágenes que hablen ante el silencio de quienes las habitan. El resultado es un filme hipnótico, que genera en el espectador una incomodidad de la que no se quiere escapar. Un relato policíaco rural hecho con pocos recursos, maravillosamente utilizados para extraer lo mejor de unos actores y una puesta en escena realmente poderosas.

La reina de los lagartos: surrealismo y amores extraterrestres

Burnin' Percebes (2019)

Berta conoció a Javi en un verano extraño de Barcelona, mientras lidiaba con su hija Margot y su atribulada vida de madre soltera. Ahora Javi dice que debe marcharse porque debe volver a su planeta, pues en realidad es un extraterrestre. Ella acepta la despedida, pero no tiene del todo claro que Javi sea quien dice ser. O tal vez sí lo sepa y se niegue a aceptarlo.

La reina de los lagartos se rodó en Super8 a toma única, con un pequeñísimo equipo de producción y en tan solo 10 días. Es una historia de amor, una extraña aventura de ciencia ficción y una comedia absurda. Cuenta con unos soberbios Bruna Cusí y Javier Botet, al son de una banda sonora inclasificable. Es, en definitiva, todo lo que podría ser una película del dúo de cineastas catalán Burnin' Percebes, formado por Fernando Martínez y Juan González. Como una fiesta en la que no terminas de encajar, hasta que aceptas que nadie encaja nunca y te dejas llevar.

Un documental sobre Siria que acarició el Oscar, otro que muestra la cara B de España durante el año de la Expo de Sevilla y los Juegos Olímpicos de Barcelona, y una hábil reinterpretación de una figura clave del folclore sobrenatural hispanoamericano utilizada para hablar del genocidio guatemalteco.

Hablamos del documental Para Sama dirigido por Waad al-Kateab, el monumento fílmico de casi tres horas y media de Luis López Carrasco y la nueva película de Jayro Bustamante tras la interesantísima Temblores.

Para Sama: desde Siria con más amor que miedo

Waad al-Kateab y Edward Watts (2019)

Para Sama es uno de los documentales más alabados de los últimos tiempos, por derecho propio. Fue nominado al Oscar a Mejor Documental, galardón que le arrebató la bastante menos punzante American Factory. No obstante, ganó en los Premios del Cine Europeo, los Bafta y los Bifa entre muchos otros.

Narra la increíble historia de la documentalista Waad al-Kateab a lo largo de cinco años de guerra en Alepo, Siria, y sus esfuerzos por asegurarle un futuro a su recién nacida hija, en una ciudad y un país sumidos en el caos más absoluto.

Armada de una honestidad brutal, Waad al-Kateab se graba a sí misma, a su marido y a su recién nacida hija para convertir sus vidas a merced de las bombas en un relato universal sobre existencias que nacen aprendiendo a sobrevivir antes que a vivir. Las imágenes de al-Kateab tienen la capacidad de demoler cualquier barrera de distancia emocional para con el espectador, que se sume en la crueldad y el realismo de la propuesta de una forma inmediata.

El año del descubrimiento: en el 92 empezó todo

Luis López Carrasco (2020)

El año del descubrimiento parece haber estado presente en todos los festivales de no ficción que se han celebrado este año pandémico. Estuvo en Cinéma du Reél, en el Thessaloniki, en Jeonju, en Hamburgo, en Taipei y en el reciente Festival de Cine Europeo de Sevilla. Fue galardonado con el premio a Mejor Película en el Festival de Cine de Bogotá y ha recibido menciones especiales del jurado en un buen puñado de citas cinéfilas importantes. Y por si fuera poco estará a finales de este mes en el Festival Internacional de Cine de Mar de Plata, el único certamen latinoamericano de clase A.

Todo empezó, según cuenta el realizador Luis López Carrasco, cuando le preguntó a sus padres qué sabían del incendio del parlamento autonómico de la Región de Murcia. Nadie recordaba que en 1992 unas protestas obreras terminaron con el edificio, situado en la ciudad de Cartagena, en llamas. Ese año, el de la inauguración de los Juegos Olímpicos y la Exposición Universal de Sevilla, en Cartagena la tensión se respiraba en las calles. Los sucesivos cierres de varias empresas del sector naval, minero y químico habían terminado con el presidente de la Comunidad Autónoma Carlos Collado compareciendo en el pleno de la Asamblea para explicar la cesión de unos terrenos obtenidos por recalificaciones de dudosa legalidad —un caso por el que más tarde dimitiría—.

Una mañana de febrero, los trabajadores se manifestaban a las puertas de la asamblea, cuando la manifestación empezó a ser fuertemente reprimida. Aquello provocó la salida a la calle de todos los trabajadores de la ciudad y los estudiantes universitarios. Cartagena se convirtió en un polvorín con lanzamiento de cócteles molotov y el incendio del parlamento regional incluido. Era la cara B de la sociedad moderna y europeísta que la política nacional intentaba vender por entonces.

La llorona: fantasmas del pasado de Guatemala

Jayro Bustamante (2020)

A principios de los ochenta, las fuerzas armadas del Estado en Guatemala asesinaban de media a tres mil personas al mes. Muertos de una guerra civil que duró casi cuarenta años y se saldó con más de doscientos mil muertos, cuarenta y cinco mil desaparecidos, y cerca de cien mil desplazados.

En la actualidad, un general que estuvo al frente del genocidio es absuelto de una causa penal contra él. Un juicio que la opinión pública considera amañado. Un escándalo. Una noche, el general empieza a escuchar un llanto, la voz de una mujer que llora sin cesar. Dicen que es la célebre Llorona, el fantasma de la mujer que vio morir a sus hijos y clama venganza desde el más allá.

El realizador guatemalteco Jayro Bustamante estrena su nuevo filme tras el éxito de Temblores, una cinta que ya utilizaba un ambientación sobrenatural opresiva para narrar un drama fundamentalmente político: las terapias de reconversión que se aplican a los homosexuales en el país. Con La llorona perfecciona la fórmula y consigue un equilibrio preciso entre el uso de los recursos del lenguaje del cine de terror, y la denuncia punzante de la maltrecha memoria de un país que aún lidia con muchos fantasmas.

Estas últimas semanas, desde La Sala de Cine de elDiario.es hemos intentado seleccionar lo mejor de una cartelera que necesita el apoyo de su público. La cultura es segura y las salas de cine, comprometidas con la salud de todos, así lo han demostrado. Pero no solo de los estrenos habituales vive el cine que se proyecta en España estos meses tan complicados, también de festivales online y físicos que batallan por llevar el mejor cine contemporáneo hasta la audiencia, contra viento y marea.

Por eso, esta semana queremos hacer un especial de La Sala dedicado a la III edición del Festival Cine por Mujeres, un evento cinematográfico que se celebra en Madrid y que, en esta ocasión, también hace un esfuerzo por incorporar la ventana online dada la situación de restricciones a la movilidad y aforos reducidos. “Creemos que este festival es más necesario que nunca, no sólo por su apoyo a la mujer creadora, sino por la urgencia de retomar nuestras vidas 'congeladas', volver a las salas de cine y al mismo tiempo, aprovechar las posibilidades del online”, afirma Carlota Álvarez Basso, directora del certamen. “Quizá este parón global nos ayude a tomar las ineludibles medidas para reescribir la historia de las mujeres, de sus creaciones, de sus logros, de su posición en la sociedad y en el relato cinematográfico”.

Este año participan en el festival 55 largometrajes proyectados en 16 sedes de la capital, desde el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes a Cineteca Madrid, pasando por el Goethe-Institut, el Institut Français, el Palacio de la Prensa y hasta el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. En Filmin se podrán ver 49 películas disponibles en el canal habilitado para el festival, hasta el 15 de noviembre. Seleccionamos lo mejor de esta edición del Festival Cine por Mujeres, para que no te pierdas nada.

Nevia

Nunzia De Stefano (2019)

Sorprendente drama juvenil que sigue los pasos de la joven del título, una adolescente de 17 años que ha crecido con su abuela en un pueblo pobre de Italia llamado Ponticelli. Cuando un circo monta su carpa cerca de su hogar, la joven, rebelde por naturaleza, se pregunta si acaso alguno de sus talentos tiene cabida allí.

Apadrinada por Matteo Garrone —director de fenómenos como Gomorra, pero también de rarezas fascinantes como El cuento de los cuentos—, Nevia es la ópera prima de Nunzia De Stefano. Se pudo ver en un único pase el jueves 5 en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes, pero a partir del 6 de noviembre estará disponible en Filmin.

The House of Us

Yoon Ga-eun (2019)

Hana acaba de terminar quinto de primaria y le gustaría poder ir de vacaciones con su familia, pero las maratonianas jornadas de trabajo de sus padres lo impiden. Lo mismo le pasa también a Yoomi, cuya familia está a punto de ser desahuciada de su hogar. Los adultos pasan poco tiempo con los más pequeños, mientras trabajan día y noche para poder pagarles un futuro y un hogar.

El primer largometraje de la realizadora surcoreana Yoon Ga-eun es un preciso análisis de las contradicciones familiares a las que empuja una sociedad tan capitalista como desalmada. Tras su paso por la Berlinale se podrá ver este viernes 6 de noviembre en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes y desde este día estará también en Filmin.

For Sama

Waad al-Kateab y Edward Watts (2019)

Uno de los documentales más alabados de los últimos tiempos, por derecho propio: nominado al Oscar a Mejor documental, y ganador en los Premios del Cine Europeo, los Bafta y los Bifa entre muchos otros. Narra la increíble historia de la documentalista Waad al-Kateab a lo largo de cinco años de guerra en Alepo, Siria, y sus esfuerzos por asegurarle un futuro a su recién nacida hija, en una ciudad y un país sumidos en el caos más absoluto.

Se podrá ver el viernes 6 de noviembre en la Casa Árabe de Madrid y el viernes 13 de noviembre en la Casa Árabe de Córdoba. Ese mismo día, desde la distribuidora Surtsey Films afirman que estrenarán la película en más cines de España, pese a la alerta sanitaria y el cierre de cines en Cataluña.

Sanmao: la novia del desierto

Marta Arribas y Ana Pérez de la Fuente (2019)

Sanmao es una de las escritoras asiáticas más fascinantes del siglo XX pero una gran desconocida en nuestro país. Nació en 1943 con el nombre de Chen Maoping. Chen, significa narrar o explicar. Maoping, su nombre de pila, se podría traducir como 'espléndida calma'. Se diría que ambas casualidades designaron su destino entre las letras más destacadas de la literatura china contemporánea.

En los años 70, Sanmao vivió una apasionante historia de amor con el submarinista español José María Quero, que las realizadoras Marta Arribas y Ana Pérez de la Fuente tuvieron a bien rescatar en este fantástico documental. Se podrá ver el sábado 7 de noviembre en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE. Además, en España sus libros los ha venido recuperando la editorial :Rata_. Tienen publicados, tanto en castellano como en catalán, los libros Diarios del Sáhara, Diarios de las Canarias y Diarios de ninguna parte. Los puedes encontrar en tu librería de proximidad aquí.

System Crasher

Nora Fingscheidt (2018)

Benni tiene 9 años, pero también un largo historial de expulsiones de centros educativos por su actitud y violencia para con los demás, sin distinciones entre adultos e infantes. Los servicios sociales la consideran una 'System Crasher', término referido para casos que no encajan en el sistema y chocan frontalmente con el funcionamiento de sus instituciones. Ella, por su parte, solo quiere reunirse de nuevo con su madre, de quien la alejaron tiempo atrás.

Fue una de las sensaciones de la Berlinale de 2019 y un gran éxito en el país germano, que la eligió para representarlo en los Oscar. Se podrá ver el domingo 8 de noviembre en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes y ya se puede ver en Filmin hasta el 15 de noviembre.

La vida sin Sara Amat

Laura Jou (2018)

El debut de Laura Jou en el largometraje, que en elDiario.es incluimos entre las mejores películas españolas del año sin nominaciones en los Goya, es una contundente declaración de intenciones en muchos sentidos. La vida sin Sara Amat es un coming of age de talento evidente, defendido por unos actores prácticamente desconocidos, y con un dispositivo formal de clara línea continuista con trabajos tan memorables como Verano 1993.

Una pena que de las trece candidaturas a las que optaba se quedase sin ninguna nominación. El trabajo de Jou tras la cámara merecía optar a dirección novel, y María Morera Colomer podía haber competido por el Goya actriz revelación. Se podrá ver el martes 10 de noviembre en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE.

Beyond the visible – Hilma af Klint

Halina Dyrschka (2019)

Hilma af Klint está considerada la primera pintora abstracta de la historia del arte. Trabajó la disciplina antes de que existiese un término para definirla, y antes de que Kandinsky o Mondrian lo universalizasen en el siglo XX, pero como muchas otras mujeres artistas, su nombre se ha silenciado durante más de un siglo.

En 2019 el Museo Guggenheim le dedicó una brillante retrospectiva. Ese mismo año, la realizadora Halina Dyrschka realizó un documental sobre su vida y obra que actualmente gira por pinacotecas de medio mundo. Gracias al apoyo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Filmin estrenará en exclusiva este largometraje documental el próximo 13 de noviembre, como parte de la Sección Creadoras destacadas del III Festival de Cine por Mujeres.

Una nueva adaptación de Jane Austen siempre es una buena noticia, pero además la acompañan en la cartelera un viaje hipnótico por los fantasmas que habitan la costa de Galicia y una comedia con actuaciones estelares de Javier Cámara, Griselda Siciliani, Alberto San Juan y Belén Cuesta.

Hablamos del primer largometraje de Autumn de Wilde, de la nueva y premiada película de Lois Patiño y del retorno al cine de Cesc Gay tras su paso por el teatro y el terreno de las series con Félix. Todas, eso sí, son películas que tendremos que ver por la tarde porque el toque de queda ha hecho que se anulen las sesiones nocturnas de muchos cines españoles.

Emma: Jane Austen rejuvenecida

Autumn de Wilde (2020)

La inteligente hija soltera del rico e hipocondríaco señor Woodhouse, Emma, acaba de despedirse de la compañía de su antigua institutriz, a quien tenía por su mejor amiga. Buscando retomar sus amistades toma bajo su tutela a una joven de familia humilde llamada Harriet Smith. Entonces empieza un periplo como celestina que la lleva a tejer múltiples intrigas para encontrarle un esposo a su amiga. Nada saldrá como estaba planeado.

En 2015, Penguin Clásicos lanzó una edición conmemorativa de esta novela de Jane Austen para rememorar el bicentenario de la publicación original de la novela en 1815. “Desde su aparición”, rezaba la intriducción crítica de aquel volúmen, “Emma ha sido criticada por su falta de acción y elogiada por su ajustada descripción de la vida cotidiana.A Walter Scott, uno de sus primeros críticos, le pareció que la obra tenía «incluso menos argumento» que Sentido y sensibilidad o que Orgullo y prejuicio, pero aun así admiró el «conocimiento del mundo por parte de la autora, y el tacto característico con el que presenta a unos personajes que el lector reconoce de inmediato».

Casi dos siglos después, actitudes parecidas se encuentran entre los lectores en general, que siguen deleitándose en la habilidad de Austen para crear personajes y situaciones verosímiles, y entre críticos de orientación histórica, que acuden a sus novelas en busca de información sobre el estilo de vida de la gente en el siglo XIX.

Bien es sabido que Austen es inmortal, y que su prosa sigue siendo capaz de conectar y sorprender a cualquier lector. De hecho, Austen es una de las escritoras más adaptadas al cine y la televisión de la historia. Emma, precisamente, ha sido trasladada al audiovisual en innumerables ocasiones: cuenta con hasta ocho series de televisión, una de ellas bollywoodiense, y varios largometrajes entre los que destacan el que protagonizaron Gwyneth Paltrow y Toni Collette en el 96 y el de Kate Beckinsale el mismo año. Lo que sorprende, sin embargo, es el ímpetu que la realizadora Autumn de Wilde insufla al relato clásico, modernizando su tono y adaptando su discurso tanto en el fondo como en la forma, absolutamente moderna e incisiva.

Sentimental: airear las vergüenzas

Cesc Gay (2020)

Nuestras casas actuaban como espacios asfixiantes y sin escapatoria desde mucho antes de la pandemia. Los vecinos ya formaban parte de nuestro día a día, sus ruidos, sus horarios, sus voces. Cesc Gay, director y guionista de Truman, se lanzó a hablar sobre ello —aunque en realidad sobre mucho más— en su obra de teatro Los vecinos de arriba. Función que él mismo se ha encargado de adaptar para la gran pantalla con Sentimental. En la película, el responsable de En la ciudad y Ficción vuelve a demostrar su capacidad para hacer bailar las palabras hasta que se retuerzan. Juega con la comicidad para que quien lo recibe disfrute, se emocione y divierta. Así es como consigue que, cuando llega la hora de lanzarse a la reflexión en forma de bofetón, nadie se escape de su propia apertura en canal.

En el largometraje reúne a cuatro personajes a cenar en una velada que se torna entre incómoda, tensa y subida de tono. Ana (Griselda Siciliani) y Julio (Javier Cámara) invitan a su apartamento a Salva (Antonio San Juan) y a Laura (Belén Cuesta). Una pareja que, según la noche, hace temblar sus muebles por el fervor de sus relaciones sexuales. Sacar o no el tema será una de las primeras preocupaciones de Ana, que tiene por bandera el “quedar bien”, mientras que Julio irá poco a poco desesperándose con las “ocurrencias” de sus compañeros de edificio.

Aun así, el poso más enriquecedor de Sentimental es cómo subyace su retrato sobre las relaciones, que pueden alcanzar un estado de soledad, aburrimiento, falta de líbido e intimidad, dejadez, inseguridades y estrés añadido por los trabajos de cada uno. Y cómo todas estas circunstancias pueden actuar como elementos de separación o unión definitivos. Con todos sus grises, Gay consigue que la comedia lidere en su primera parte, para que cuando le pone nombre y apellidos a lo que está ocurriendo —y no camuflando los problemas en disputas por la alfombra del salón o el por qué de los paseos desnuda por la casa con las persianas subidas— el puñetazo (a estómago y corazón) sea aún más realista. Todo ello con un tono nada fatalista, a través de una cena con dos personas prácticamente desconocidas, que se convierten en la mejor terapia para una de tantas parejas que han dejado de tocarse alejando sus cuerpos por las rencillas y el quemazón de lo que por dejarse pasar, acaba destruyendo.

Lúa vermella: fantasmas y brujas de Galicia

Lois Patiño (2020)

Un marinero desaparece en el mar, a orillas de un pequeño pueblo de la costa de Galicia. Su madre empieza a buscarlo, y a orar por él pidiendo a las meigas que le devuelvan a su hijo. De alguna forma, poderes ocultos presentes desde hace siglos en tierras gallegas empiezan a despertar. Entonces aparecen tres mujeres misteriosas para buscarlo, el tiempo parece pararse y una luna roja se alza sobre el cielo nocturno.

Lois Patiño se ha convertido, por derecho, en uno de los nombres propios más prometedores del llamado Novo Cinema Galego, junto a Diana Toucedo u Oliver Laxe. Como artista visual ha realizado videoinstalaciones que se han podido ver en centros de arte como el Centro Cultural San Martín (Buenos Aires), Casa Encendida (Madrid), CCCB (Barcelona), y como cineasta sus películas se han podido ver en festivales de autor como Locarno (Suiza), Rotterdam (Holanda), New York Film Festival (USA), BAFICI (Argentina), Viennale (Austria), y la lista sigue.

Desde Montaña en sombra, premiado en el certamen de Clermont-Ferrand, sus cortos y largos como Costa da Morte han convertido el paisaje en un elemento plástico más con el que trabajar y al que transformar. Lúa vermella se encuadra perfectamente en su trayectoria, y lo confirma como un realizador sólido en lo dramático, al tiempo que orfbre de extrañas, perturbadoras e indelebles imágenes.

Dos separaciones traumáticas, la que provoca que Tilda Swinton observe con pavor las maletas de su amante ausente, y la que hace que Annette Bening y Bill Nighy se replanteen sus vidas y la distinta relación que ambos tienen con su hijo. Y, además, una batalla épica de acción con bomberos y robots gigantes en tonos pastel.

Hablamos del cortometraje que acaba de estrenar Pedro Almodóvar, a quien entrevistamos esta semana, y de la nueva película de William Nicholson, más conocido como guionista de Gladiator de Ridley Scott o Los miserables de Tom Hooper. También de la nueva película del prestigioso Studio Trigger, responsable de algunas de las más sorprendentes series anime de los últimos años.

La voz humana: maravilloso autohomenaje

Pedro Almodóvar (2020)

Una mujer que vive en un piso falso dentro una nave industrial, decorado de un rodaje de una película que jamás veremos. Una mujer que tenía un amante. Una mujer que revalúa, a través de una llamada de teléfono, lo que ha significado amar a la persona que la ha abandonado, para enfrentarse a la pregunta cuya respuesta se le escapa: ¿cómo volver a empezar?

La premisa de La voz humana ya nos pone en directa conexión con la obra precedente de Almodóvar: nos recuerda al monólogo del teléfono que interpretaba Carmen Maura en La ley del deseo, mientras su hija en la ficción fingía cantar Ne me quitte pas. Un texto, claro, que había escrito Jean Cocteau, a quien el cineasta vuelve a reinterpretar ahora. Aunque muy pronto aparecen más elementos, puentes tendidos entre filmes: el hacha, que bien le servía a Maura en la misma película, el fuego con el que la misma actriz hacía arder una cama en Mujeres al borde de un ataque de nervios, el piso, sus muebles y libros que recuerdan a la vivienda de Antonio Banderas en la maravillosa Dolor y gloria...

Es evidente que La voz humana se interpreta y se disfruta más si se lee manejando los códigos que permiten detectar del diálogo que este cortometraje establece con otras películas del manchego. De hecho, se diría que es de los pocos reproches que uno puede dedicarle al filme: no es que esté rodado en inglés, es que está rodado en 'almodovarés' y quien no suela hablar este particular dialecto corre el peligro de quedarse fuera de la conversación.

Pero qué más da si el resto son treinta minutos de una fantástica Tilda Swinton recorriendo ese decorado que evidencia el cartón-piedra de la ficción, al tiempo que reflexiona sobre el autoengaño que se ejerce en las relaciones afectivas que uno se empeña en mantener, pero hay que aprender a soltar. Qué más da si todo lo que ofrece La voz humana resulta tan evocador y emancipador que uno sale revitalizado del cine. Estamos ante un Almodóvar vibrante, que anuncia con La voz humana un prometedor renacer que muchos estamos deseando disfrutar.

Regreso a Hope Gap: cine de terapia

William Nicholson (2019)

Grace y Edward han tenido 29 años de lo que parecía ser un sólido matrimonio. Pero entre ellos ya no queda más que rutina y silencio. Cuando Edward decida que quiere separarse de Grace, ambos reconsiderarán lo que fueron y lo que significaron los años que estuvieron juntos. Y se dejarán acompañar y aconsejar por un hijo al que le deben mucho más de lo que creen.

Durante su etapa como dramaturgo, William Nicholson ya trató el divorcio de sus padres en la aclamada The Retreat from Moscow. Ahora vuelve sobre su propia obra para reevaluar lo que el tiempo le ha hecho ver y añadir capas de lectura en el terreno audiovisual, una vez alejado de las tablas. Una suerte de ejercico artístico terapéutico que recuerda al Baumbach de Historia de un matrimonio y Una historia de Brooklyn, pero aquí à la british.

Lo cierto es Regreso a Hope Gap podría bien haberse conformado con ser una traducción del ejercicio teatral, pero la pericia de Nicholson eleva la propuesta gracias a una emoción contenida en el montaje y una ambientación fabulosa en las playas y acantilados de Seven Sisters. Qué duda cabe de que Annette Bening y Bill Nighy cumplen con creces en el papel de los padres del director.

Promare: explosión de color y acción

Hiroyuki Imaishi (2019)

En un futuro incierto, una epidemia de combustiones espontáneas ha acabado con gran parte de la población del planeta. La conocida como República de Promepolis resiste gracias a un cuerpo de bomberos especial, en el que trabaja Galo. Tras una operación en la que el joven captura a un 'burnish', una persona que causa las combustiones, Galo descubre un complot para encerrar y torturar a los que padecen la afección.

En tiempos pandémicos, cualquier película que enfrente un apocalipsis debido a una enfermedad resuena de una forma inesperada y especial en el espectador. Promare no es una excepción, menos si tenemos en cuenta la particularidad de la afección que asola el mundo de esta propuesta animada: las personas arden cuando no son capaces de controlar sus emociones.

Por lo demás, Promare no deja de ser una película de acción bastante obvia, llena de brocha gorda en su desarrollo de personajes y su narrativa abundante en lugares comunes de subgéneros mecha y kaiju. Destaca, sin embargo, su estupendo apartado formal: una auténtica explosión de colores y formas cuyo atractivo subsana cualquier pormenor narrativo.

Un joven delincuente que se hace pasar por un cura, otro que tiene una noche terrible que le cambia la vida y una madre en busca de su hija adolescente: destacamos tres propuestas de la cartelera de esta semana. 

Hablamos de la nueva película del realizador polaco Jan Komasa, nominada al Oscar a Mejor Película Internacional, del solvente thriller de David Victori protagonizado por Mario Casas y del rotundo debut en el largometraje de David P. Sañudo con una de las actuaciones del año de la mano de Patricia López Arnaiz. 

Corpus Christi: excelente drama social sobre un quinqui convertido en sacerdote

Jan Komasa (2019) ★★★★

Daniel ha cumplido los 20 años entre rejas. Ahora está a punto de salir y quiere hacer algo con su vida. En el internado ha descubierto la fe y cuando salga quiere ser sacerdote, pero el clero polaco no aceptaría nunca a nadie con antecedentes, a nadie como él. Para evitar trabajar en un aserradero de una pequeña población rural, un día se hace pasar por cura. Pero lo que empieza siendo una pequeña tropelía, le lleva a ocuparse durante meses de unos feligreses que arrastran sus propios odios y pecados. 

El realizador Jan Komasa estrena en nuestro país un filme turbio y a la vez esperanzador. Un afortunado encuentro entre el drama social sobre la posibilidad de ser mejores y el agorero discurso de quien sostiene que siempre cometeremos los mismos errores. Un filme que maneja prodigiosamente la tensión relativa al engaño: tanto al que vertebra la trama de un joven que no es quien dice ser y que corre el peligro de ser descubierto, como al autoengaño en el que viven los habitantes de una pequeña población rural, vengativa y cruel aunque se plazca de vivir pacíficamente. 

Una cinta que consiguió llegar a los Oscar pero que se fue de vacío porque la estatuilla se la arrebató Bong Joon-ho con una película que, precisamente, iba sobre personas que se hacen pasar por otras personas. Corpus Christi, de hecho, dialoga con Parásitos en su sentencia sobre las máscaras sociales pero sustituye lo que en la cinta surcoreana eran ascensos y descensos en la clase social, por cercanía o alejamiento del llamado 'sendero de Dios'. Caminos que terminan, además, como empezaban: dejando a cada uno en su lugar. 

Ane: la búsqueda de una hija como retrato de un conflicto generacional vasco

David P. Sañudo (2020) ★★★

Lide trabaja como guardia de seguridad en las obras del tren de alta velocidad. Tras una larga jornada de trabajo, despierta en casa y prepara el desayuno para ella y para su hija, Ane. Sin embargo, esa mañana no aparece. Empieza entonces una búsqueda en la que Lide se enfrenta a la inacción de su exmarido, la falta de comprensión de las autoridades y las ideas políticas de una generación muy distinta a las suya.

David P. Sañudo debuta en el largo con un relato sobre el mal cicatrizar de las heridas de la historia reciente del País Vasco, y la ruptura generacional de una juventud que ha crecido sin los miedos de sus mayores. Un largometraje que se podría considerar ampliación conceptual del cortometraje homónimo que el realizador presentó en 2018. Pero que además abunda en aspectos psicológicos y dramáticos que resultan del todo pertinentes en la política actual. 

Una propuesta sin épica, pero construida con el nervio de un thriller con muchas preguntas y pocas respuestas que resulta especialmente brillante en su estructura: a cada paso que Lide da para acercarse a Ane, más lejos se encuentra de ella por paradójico que parezca. Ane resulta una aproximación íntima, veraz e incisiva a cierto sentir contemporáneo vasco. Una cinta de una naturalidad facilitada por un rodaje en euskera —por favor, más películas en lenguas cooficiales, gracias— del que no puede hacer gala Patria, por ejemplo. Y apuntalada por unas actuaciones medidísimas, especialmente memorable el trabajo de Patricia López Arnaiz. 

No matarás: un thriller ejemplar y magnético en su apuesta formal

David Victori (2020) ★★★

Mario Casas es Dani: un joven tranquilo, se diría que apático, que trabaja en una agencia de viajes y no tiene demasiadas aspiraciones en la vida. Ha perdido a los pocos amigos que tenía tras años de dedicarse a cuidar a su padre enfermo, pero cuando este fallece, decide empezar un viaje alrededor del mundo. La noche que celebra su decisión, aún sin salir de Barcelona, conoce a Mila —interpretada por Milena Smit—, una joven tatuadora que hará que su vida dé un giro radical. 

Nada en el argumento de No matarás destaca especialmente por su originalidad: noches horribles ha habido muchas en el cine, tantas que se diría que se trata de un subgénero en sí mismo. Sus giros argumentales no resultan sorprendentes y su sedimento conceptual —¿Alguien normal, en una situación límite, sería capaz de algo terrible?— no se construye con la suficiente entereza como para subsanar la suspensión de la incredulidad. De hecho se diría que las ideas y el arrojo conceptual de David Victori se encontraban mucho más presentes en la sugestiva El Pacto. 

Sin embargo, lo que sorprende de No matarás es que lo dicho no importe especialmente. Tan resolutiva y rotunda es su apuesta por el thriller a contrarreloj, tan magnético su aparato formal para plasmar el descenso a los infiernos —esa cámara pegada al cogote de Casas, ese montaje que no da tregua—, que el conjunto proporciona un visionado intenso. Como si de una especie de cruce improbable entre ¡Jo, qué noche! de Scorsese y El hijo de Saúl de László Nemes se tratase.