¿Te imaginas recorrer algunas de las obras más icónicas del mundo de noche y sin pagar entrada? El Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza ofrecen justamente eso: visitas nocturnas y gratuitas que transforman la forma de vivir el arte. Desde exposiciones temporales hasta experiencias multimedia y música en directo, estos sábados culturales permiten descubrir ambos museos bajo una luz totalmente diferente.

En el caso del Museo del Prado, con la colaboración de Samsung y Radio 3, se mantienen las aperturas nocturnas y gratuitas de El Prado de noche, que tienen lugar el primer sábado de cada mes en horario de 20.30 a 23.30 horas. Este sábado 7 de marzo se abrirá la primera planta del edificio Villanueva, incluyendo la Galería Central, donde se exhiben obras de la exposición Juan Muñoz. Historias de Arte, junto a piezas de la colección permanente.

Además, los visitantes podrán recorrer la galería jónica, que alberga una selección de 56 piezas de las colecciones de escultura y artes decorativas. La iniciativa busca acercar distintos espacios del museo al público de manera secuenciada, combinando visitas culturales con experiencias musicales y multimedia desarrolladas junto a Samsung.

Por su parte, el Museo Thyssen-Bornemisza, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid a través del Área Delegada de Turismo, retoma la iniciativa Noches Thyssen con Uber, que permite disfrutar de manera gratuita de las exposiciones temporales todos los sábados del año, de 21.00 a 23.00 horas. La propuesta ha demostrado un especial atractivo entre los visitantes más jóvenes, con más de 50.000 asistentes en 2025, de los cuales más del 45% tenían menos de 35 años.

Durante 2026, las Noches Thyssen incluirán exposiciones como Hammershøi, Roman Khimei & Yarema Malashchuk. Pedagogías de guerra (3 de marzo al 31 de mayo), Carmen Laffón. Temas y variaciones (23 de junio al 27 de septiembre), Seba Calfuqueo. Cautín (6 de octubre de 2026 al 3 de enero de 2027) y El universo freudiano de Dalí (20 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027). Esta colaboración municipal busca consolidar a Madrid como destino turístico cultural de calidad, ofreciendo a los visitantes experiencias auténticas y enriquecedoras.

Cómo conseguir entrar gratis al Prado y al Thyssen

El acceso al Museo del Prado durante la actividad se efectuará por la puerta de entrada del claustro de los Jerónimos. La entrada será libre y gratuita hasta completar aforo desde las 20.30. A partir de las 23.00 ya no se podrá acceder al edificio. Por ahora, la única fecha confirmada es el 7 de marzo. Se irán añadiendo nuevas citas conforme se acerquen.

En el caso del Thyssen, el museo abre de manera gratuita los sábados desde el 27 de septiembre de 2025, de 21.00 a 23.00, permitiendo la visita a las exposiciones temporales de la planta baja y planta -1. La entrada es libre hasta completar aforo

Regresa la Semana del Arte a la capital, una cita anual en la que Madrid se transforma en un escenario de creatividad, que este 2026 tendrá lugar del 4 al 8 de marzo. Durante esta semana, ferias de referencia a nivel nacional e internacional aterrizan en la ciudad para acercar al público madrileño las tendencias artísticas más destacadas de la actualidad, ya sea a través de intervenciones callejeras o de exposiciones en espacios emblemáticos.

Numerosas ferias, exposiciones y otros eventos se cuelan en hoteles, palacios y hasta centros comerciales de la capital. Además, el Ayuntamiento se suma a la celebración de la Semana del Arte con una programación especial que incluirá exposiciones, cine, ferias, encuentros con creadores y jornadas de puertas abiertas. Los actos, que coinciden con ARCOmadrid, CAN Art Fair Madrid, FORMA Design Fair o Art Madrid, tendrán como principales sedes Matadero Madrid, CentroCentro y la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.

En la ecléctica y vibrante escena artística madrileña hay espacio para todos los estilos y modalidades. Ya sea pintura, escultura, arte moderno o arte urbano, del 4 al 8 de marzo, cada rincón de la ciudad se convierte en un expositor de arte. Recopilamos toda la información sobre las citas imprescindibles en la capital por la Semana del Arte 2026:

Matadero Madrid, epicentro del arte

La artista Mónica Mays presentará Pulgar, una intervención site specific en la Nave 0 de Matadero Madrid, dentro del programa Abierto x Obras. La obra, que podrá visitarse hasta el 24 de mayo, reúne esculturas que conectan memoria, combustión y cuerpo a través de ensamblajes que dialogan con la arquitectura de la antigua cámara frigorífica.

La muestra se inaugurará con un encuentro con la artista y contará, ya en plena Semana del Arte, con una conversación pública este viernes junto a la comisaria Cristina Anglada. La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Por su parte, el Centro de Residencias Artísticas (Nave 16, Matadero) abrirá sus puertas este jueves y sábado, de 11.00 a 15.00 horas, para mostrar los proyectos de residentes en artes visuales, música, arte y educación. En concreto, participarán residentes de artes visuales como Andrea Aguilera, Taxio Ardaz, Antonio Fernández Alvira, Mar Guerrero, Martínez Bellido, Julia Llerena, Elisa Pardo Puch y Simón Sepúlveda, junto a creadores de música, mediación cultural, arte y educación o investigación situada vinculados a Medialab Matadero y otras convocatorias públicas.

Programación especial en Cineteca

Cineteca Madrid también articulará desde este martes al 12 de marzo un programa especial por la Semana del Arte. El ciclo arrancará con el estreno de la última obra de Albert Serra, fe sense obres morta és, aproximación sensorial a Antoni Tàpies. Este miércoles el artista Paul McCarthy presentará dos piezas de A&E, proyecto híbrido que cruza performance, dibujo y cine, en colaboración con Colección SOLO. Igualmente, la historiadora y comisaria Estrella de Diego propondrá sesiones con obras de Buñuel, Man Ray o Clouzot y ofrecerá la conferencia Cineastas coreógrafas: el cine de Maya Deren e Yvonne Rainer.

Por su parte, el investigador Germán Labrador explorará las culturas marginales de la Transición con proyecciones de Viva la muerte, Arrebato y Demonios en el jardín. El ciclo se completará con estrenos como 'El brujo: Julio Zachrisson' e 'Yrupe', además de sesiones colectivas y el programa comisariado With a Little Help From My Friends.

ARCOmadrid

La feria ARCOmadrid celebra del 4 al 8 de marzo en el recinto ferial de Ifema, concretamente en los pabellones 7 y 9, su edición número 45. Un encuentro que reunirá un año más una selección de grandes nombres del galerismo internacional.En esta nueva edición mantendrá los habituales programas de ediciones anteriores. Los contenidos artísticos de la feria se completarán con el eje principal de la feria, el Programa General, formado por galerías seleccionadas por el Comité Organizador, a los que se unen las secciones comisariadas.

Igualmente, se mantienen las secciones comisariadas de ediciones anteriores: Opening, aportando nuevos contenidos y profundizando en el concepto de descubrimiento de ARCO. Por su parte, ArtsLibris acogerá las publicaciones de arte como zona orientada a la iniciación al coleccionismo, al que se sumarán otras iniciativas que la Fundación ARCO pone en marcha dirigidas al impulso del coleccionismo.

El Programa General de la 45ª edición estará integrado por 170 stands, a los que se sumarán los contenidos de las secciones comisariadas: ARCO2045, Opening. Nuevas galerías y Perfiles. Arte Latinoamericano, configurando un recorrido que reúne propuestas de 31 países. Se pondrá de manifiesto la solidez y diversidad de la escena española a través de la participación de galerías como 1 Mira Madrid / 2 Mira Archiv, Alarcón Criado, ATM, Elba Benítez, Elvira González, Leandro Navarro, Nordés, Prats Nogueras Blanchard, ProjecteSD, T20 o Travesía Cuatro, entre los proyectos provenientes de diferentes puntos del país. Junto a estas, Río & Meñaka y Memoria, que se estrenan en esta edición, así como Blue Velvet y Fermay, que se incorporan al programa tras su paso por la sección Opening. Nuevas galerías.

Cabe destacar que Opening. Nuevas galerías volverá a ser el espacio de descubrimiento de innovadoras propuestas en ARCOmadrid. La selección de Rafa Barber y Anissa Touati representará la apuesta del joven galerismo nacional e internacional con 18 stands, entre ellos Callirrhoë, Og Gallery, Reservoir, Selebe Yoon y Villa Magdalena, que repiten su participación en el programa, junto a nuevas incorporaciones como 4710 Gallery, Ada Projects, Gratin, Linse, Method y Windows Project.

Por su parte, la sección dedicada al arte latinoamericano destacará la histórica relación de ARCOmadrid con la escena en Latinoamérica. Comisariada por José Esparza Chong Cuy, se centra en presentar un único artista en cada propuesta y reunirá a 11 creadores, entre ellos Gabriel Branco con Galatea, Harold Mendez con Patron Gallery y Commonwelth and Council, Paloma Contreras con Pequod Co.y Julia Gallo con Yehudi-Hollander Pappi. A esas galerías que participan por primera vez en ARCO se suman otras presencias fieles como A Gentil Carioca con Kelton Campos, Embajada con Las Nietas de Nonó, Isla Flotante con Roberto Jacoby, y N.A.S.A.L. con Miguel Cintra Robles.

Un año más, la feria volverá a reunir la atención de galerías, artistas, coleccionistas, comisarios y profesionales del sector, manteniendo su condición de cita esencial del panorama internacional del arte contemporáneo.

Otras citas imprescindibles

La capital acogerá durante la Semana del Arte la décima edición de CAN Art Fair Madrid, nueva denominación de la antigua UVNT Art Fair. Será en Plaza Matadero, del 5 al 8 de marzo, con más de 50 galerías, la mitad internacionales, la cifra más alta hasta la fecha.

Entre sus novedades figuran tres secciones: Counterflow, comisariada por Saa Bogojev, centrada en prácticas a contracorriente; CAN Design, dirigida por Marisa Santamaría, sobre la intersección entre arte y diseño; y Solo/Duo Projects, dedicada a galerías emergentes con propuestas monográficas. El programa incluirá además Foco LATAM, comisariado por Christian Viveros-Fauné en torno a los Nuevos Surrealismos, y la ampliación de Young Galleries, que duplicará espacio para proyectos de galerías jóvenes.

Junto a CAN Art Fair Madrid, la feria internacional FORMA Design Fair Madrid debutará desde este miércoles al domingo en la Nave 1 de Matadero como primer encuentro español dedicado al diseño de colección. Reunirá a más de 40 expositores entre galerías, estudios, marcas y diseñadores, junto a un programa profesional de charlas y actividades denominado (Per)FORMA, impulsado por Madrid Design Festival en colaboración con el Área de Cultura municipal.

Del mismo modo, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles acogerá desde este miércoles al domingo la 21ª edición de Art Madrid, que reunirá del 4 al 8 de marzo a 35 galerías nacionales e internacionales. El espacio volverá a transformarse en un recorrido expositivo que combina nuevas técnicas, soportes contemporáneos y revisiones de lenguajes tradicionales, con obras que abordan cuestiones como identidad, tecnología, memoria o territorio. En paralelo, CentroCentro reforzará su línea dedicada al coleccionismo con visitas exclusivas a la exposición Madrid Colecciona, dirigidas a coleccionistas nacionales e internacionales invitados en el marco de ARCO.

A la lista se suma SAM - Salón de Arte Moderno, que celebra su novena edición en el Círculo de Bellas Artes del 3 al 8 de marzo, y que toma como referencia grandes nombres de la historia del arte como Pablo Picasso. Cabe recordar otras propuestas ya veteranas como Flecha Madrid en el Centro Comercial Arturo Soria Plaza hasta el 15 de marzo, JustMad Contemporary Art Fair en el Palacio de Neptuno del 5 al 8 de marzo, Hybrid Art Fair en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara y Artist 360 en el Hotel Ilunion Pío XII, ambas abiertas al público hasta este domingo.

En 2024 se cumplieron cien años del nacimiento de Eduardo Chillida, uno de los escultores españoles más reconocidos de los últimos tiempos. El artista, originario de San Sebastián, dejó parte de su legado en las calles y edificios de Madrid, una ciudad que durante más de un año y con motivo de la señalada fecha se ha dedicado a conmemorar su vida y obra. Ahora, como broche de oro a la celebración de su centenario, el Centro Cultural Conde Duque acoge una extraordinaria exposición que repasa toda su trayectoria.

El alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida, acompañado de la delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, inaguró este martes, 17 de febreroi, la muestra Eduardo Chillida. Soñar el espacio, que estará disponible en la Sala 1 de Exposiciones de Conde Duque hasta el 21 de junio. En ella, se presenta un amplio conjunto de obras fundamentales de uno de los artistas más relevantes del siglo XX.

Este 2026, se cumplen 25 años después de la última gran exposición dedicada a Chillida en la ciudad y ahora se podrá disfrutar de nuevo de su obra, convertida en “sinónimo de valores” como “la creatividad, el esfuerzo, el trabajo y el talento”, según subrayó durante la inauguración el alcalde de la capital. La muestra, organizada por el Ayuntamiento y la Fundación Ibercaja, incluye 102 piezas entre esculturas, obra gráfica, dibujos, collages y retratos, muchas de ellas especialmente significativas dentro de su trayectoria artística. A su vez, cuenta con el apoyo de la Fundación Eduardo Chillida-Pilar Belzunce y supone el cierre de la programación conmemorativa del centenario del nacimiento del escultor guipuzcoano.

Son 20 las esculturas de Chillida expuestas, que se organizan en un recorrido que permite una relación más directa y sutil con el propio espectador. Están hechas en materiales como el yeso (Forma), el alabastro (Lo profundo es el aire XXI), el hierro forjado (Proyecto para Monumento a la tolerancia, Topos, Lo profundo es el aire, Estela V o Elogio al horizonte), el hormigón armado o la tierra chamota, como el caso de sus famosas Lurrak, bloques compactos y macizos de arcilla que Chillida apenas manipulaba y con unas tonalidades diferentes según el tiempo que permanecían en el horno de leña.

La obra gráfica ocupa también un lugar destacado en la exposición, ya que conecta de manera directa con el pensamiento plástico del artista y permite comprender la evolución de su lenguaje. En este caso, y a diferencia de otros creadores, no se trata de obras preparatorias, ya que tienen una singularidad y una autonomía completamente propias. Boceto para la plaza de los Fueros de Vitoria o Jaula de libertad son algunas de las obras que se pueden encontrar. Se suma una selección de dibujos y grabados hechos en tinta, carbón o sanguina muy próximos en su concepción a las esculturas, así como otros que representan sus propias manos abiertas o entrelazadas, en un intento de captar el volumen, el espacio y la energía del trabajo.

La parte más figurativa del recorrido está compuesta por retratos de la mujer y los hijos de Chillida, junto a algunos autorretratos. Se añaden collages realizados con papeles rasgados y cortados, así como la serie Gravitaciones, iniciada a partir de 1985, producciones estrechamente vinculadas a su trabajo escultórico que generan una tercera dimensión a través de los recortes que las conforman.

Eduardo Chillida (1924-2002) fue un escultor vasco reconocido internacionalmente por su exploración del espacio, la materia y la forma. Nacido en San Sebastián, desarrolló una obra profundamente enraizada en su tierra natal, trabajando con materiales como el hierro, el acero, la piedra y el hormigón.

Su lenguaje escultórico, caracterizado por la fuerza y una intensa dimensión espiritual, le otorgó un lugar destacado en el arte del siglo XX. Es autor de obras emblemáticas como El peine del viento y su legado permanece vivo en el museo Chillida Leku, dedicado íntegramente a su obra y a su pensamiento.

Los proyectos colectivos y comunitarios no son nada sencillos. Pero cuando sirven para dar cobijo a otras iniciativas de las mismas características, se vuelven indispensables. Un lugar de Lavapiés lleva demostrándolo desde 2022, aunque en los últimos meses había detenido su actividad debido a una reorganización interna. Espacio Loseta regresa con un nuevo impulso al número 32 de la calle de la Torrecilla del Leal, con un equipo renovado detrás y las mismas ganas de llenar de cultura y buenos barrios el céntrico barrio de Madrid.

La puesta en marcha de esta nueva etapa será el sábado 21 de febrero, en una jornada larga e intensa que arrancará a las 12.00 y concluirá a las 23.00. La entrada será libre (como casi todo en Loseta) e incluirá actividades culturales, música en directo, la presentación del nuevo equipo y los nuevos proyectos, así como la participación de comercios y agentes culturales del barrio.

La reapartura llega, según informan a Somos Lavapiés, después de “varios meses de trabajo interno y reorganización”. Lo hace con con un equipo ampliado de 13 personas y una estructura de gestión colectiva y transparente. Durante este tiempo de parón, sus impulsores han dado forma a un proyecto que desea consolidarse en este rincón del centro de la capital, que definen como “un entorno complejo pero profundamente vivo, con el objetivo de seguir sumando iniciativas que hagan el barrio más habitable y fortaleciendo el tejido comunitario”.

En la fiesta del sábado habrá chocolatada con churros, vermut, bingo, conciertos, tatuajes o sesiones de DJ. A continuación, detallamos la programación del día:

El día se completará con una recogida de libros para la creación de una biblioteca comunitaria y otra esquejes y plantas. Además, se grabará un episodio de Suena Madrid Podcast a lo largo del evento. Todo este programa se despliega con el apoyo y las aportaciones de personas o entidades de Lavapiés como el Teatro del Barrio, la librería Grant, Universo Vegano, Swinton Gallery, los Cines Embajadores, Enraizarte, Cerámica Nuwa, Víctor Salmerón y David Gutiérrez. El espacio contará asimismo con fotografías de Miguel Trillo cedidas por la Swinton Gallery y el propio artista, en el marco de la exposición Miguel Trillo. Existencias.

Cuatro años de respaldo e intercambio cultural en Lavapiés

Espacio Loseta es un proyecto comunitario y asociativo que nació en 2022 con la idea de compartir, cuidar y construir colectivamente. Promueve el intercambio de saberes, técnicas manuales y prácticas artísticas desde una mirada inclusiva, interseccional y multicultural. Todo ello bajo criterios de accesibilidad, transparencia y participación, tanto en lo económico como en la toma de decisiones, que ponen en el centro el respeto, la escucha y la creación de un entorno acogedor donde todas las personas puedan sentirse parte. Quiere consolidarse como una casa común: un lugar donde estar sin que todo tenga que ser productivo o transaccional. Un punto de encuentro intergeneracional que fomenta el pensamiento crítico y el vínculo social, posicionándose como alternativa al modelo de ciudad actual.

El espacio, anteriormente conocido como la librería asociativa Marabunta, cuenta con 79 metros cuadrados modulables, mesas plegables, baño y una zona compartida con utensilios básicos de cocina. Acoge eventos, talleres, residencias artísticas, conciertos o proyectos de cooperación y vinculación social con otras entidades del barrio de Lavapiés.

El proyecto vivió ya un relanzamiento en noviembre de 2023, después de completar con éxito un crowdfunding para completar los permisos y licencias, afrontar gastos de asesoramiento legal y hacer frente al alquiler del espacio. Todo ello con el objetivo de dar un respaldo riguroso a las iniciativas culturas que acoge.

Después de un freno en sus actividades a finales del pasado año (en noviembre acogiño la exposición Ya nadie es de ninguna parte), vuelve a pleno rendimiento con un equipo de 13 personas al frente. Perfiles heterogéneos vinculados al periodismo, la gestión cultural, la música, el cine, la fotografía o el mundo editorial. Su dirección es “compartida, colectiva y abierta, basada en la inteligencia comunitaria y la gestión participativa”, resaltan.

El año 1625 marcó un antes y un después en la historia educativa de Madrid y de España. Se inauguraron los Reales Estudios, una institución que centralizó gran parte de la actividad didáctica que se desarrollaba en la capital y que aspiraba a convertirse en un modelo ideal de formación para las élites de la época. Su fundación se remonta al 1603, cuando nació como Colegio Imperial a petición de la emperatriz María de Austria. Un par de décadas después el rey Felipe IV lo dejó en manos de la Compañía de Jesús, quienes se encargaron de su gestión hasta 1845, cuando se convirtió en el Instituto San Isidro, tal y como se le conoce actualmente.

Su claustro y sus aulas han sido testigos directos de estos 400 años de historia. La bóveda de su capilla ejemplifica bien todos los capítulos por los que pasó la institución hasta llegar a nuestros días. En ella, aparecen representados diecisiete santos fundadores de las órdenes religiosas que hubo por aquel entonces en Madrid, entre los que destacan San Ignacio de Loyola y la Inmaculada Concepción, figuras de especial relevancia para el ideario jesuítico. Imágenes que fueron tapadas y modificadas cuando se produjo la expulsión de los jesuitas en 1836 con la desamortización de Mendizábal, que estuvieron al frente del instituto más de dos siglos, y que ahora han sido restauradas.

De alguna forma, sus paredes han sido partícipes de los capítulos más convulsos de la historia de España estos últimos cuatro siglos, aunque también han sido cuna de algunos de los intelectuales más célebres del país, e incluso, del mundo. Ahora, con motivo de su cuarto centenario, la institución ha querido abrir sus puertas a todo el mundo para enseñar el inmenso patrimonio educativo y científico que ha ido recopilando durante tantos años a través de la exposición Las raíces de la ciencia.

“Este aniversario es una oportunidad para mostrar a la ciudad el valor histórico y educativo de nuestro instituto”, explica María José Gómez, antigua jefa de estudios adjunta del centro. “Aquí se ha formado a generaciones de alumnos, se ha hecho ciencia y se ha cultivado la cultura durante cuatro siglos. Cada espacio y cada objeto nos recuerda el papel que ha tenido este centro en la historia de Madrid y de España”, cuenta.

En una época en la que las universidades españolas no eran grandes referentes de divulgación científica, el Instituto San Isidro asumió un papel pionero en la promoción del conocimiento. Ejemplo de ello son los objetos que se exponen en esta muestra. Entre los más emblemáticos se encuentra la primera radiografía española, hecha por Bernardo Rodríguez Largo en 1896, apenas seis meses después del descubrimiento de Röntgen, con una rana como protagonista. “Fue un trabajo pionero y arriesgado”, señala Gómez. También se pueden encontrar condensadores eléctricos, amperímetros, una bombilla original de Edison y libros científicos elaborados por los propios docentes del instituto.

Parte del atractivo de la exposición reside en la participación del alumnado, que admite sentir cierta presión por estudiar en el mismo centro del que salieron cuatro premios Nobel. Gabriela, estudiante de primero de Bachillerato Internacional, explica que su participación en la exposición se debe a las horas de voluntariado que le exige la modalidad de sus estudios, pero admite que disfruta haciéndolo. “La participación del alumnado es fundamental”, destaca Gómez.

Gabriela, de forma abreviada, explica el nacimiento del Instituto San Isidro después de la expulsión de los jesuitas. En 1846, los Reales Estudios se convirtieron en la primera sede de la Universidad Central de Madrid, antecedente directo de la actual Universidad Complutense. Poco después, con la Ley Pidal de 1845, nació el Instituto de Segunda Enseñanza San Isidro tal y como lo conocemos hoy.

Durante el primer tercio del siglo XX, las aulas del instituto se impregnaron de las ideas renovadoras de la Institución Libre de Enseñanza, que introdujeron métodos pedagógicos progresistas y una visión más abierta del conocimiento. La Guerra Civil trastocó por completo la vida del edificio: además de servir como refugio antiaéreo, se mantuvo una pequeña escuela para hijos de milicianos. Durante la posguerra, el régimen franquista modificó la naturaleza educativa del centro, transformándolo en un instituto exclusivamente masculino, situación que se mantuvo hasta 1983, razón por la que entre sus alumnos más ilustres las mujeres son minoría.

El San Isidro también fue escenario de los efectos personales y políticos de la guerra. Algunos docentes fueron depurados, como el botánico Luis Crespí Jaume, que no pudo retomar la enseñanza hasta 1954, o Enrique Rioja Lo Bianco, director del centro desde 1931 y participante en las Misiones Pedagógicas, que tuvo que exiliarse en México tras cruzar los Pirineos junto a Antonio Machado. La institución vivió así las dos caras del franquismo: por un lado, la imposición de la enseñanza nacionalcatólica y, por otro, el impulso estudiantil a la oposición al régimen.

Mirando las vitrinas se puede saber mucho más que la historia del centro, como que Antonio Machado suspendió Latín e Historia de España o que Jacinto Benavente era un estudiante ejemplar que, para sorpresa de nadie, sacaba sobresaliente en Retórica y Poética. También pasaron por sus aulas el rey Juan Carlos I y su padre, de los que se conservan fotos en sus graduaciones o haciendo experimentos en el laboratorio.

Una fábrica de premios Nobel

No son excepciones los talentosos estudiantes que han pasado por el Instituto San Isidro, de hecho ha sido cuna de cuatro premios Nobel de Literatura, de los cinco que se han concedido en España. Esta singularidad convierte al centro en un referente histórico y cultural, no solo por su antigüedad, sino también por la huella literaria que han dejado sus antiguos alumnos.

José Echegaray fue el primero de ellos. Obtuvo el cuarto premio Nobel de Literatura de la historia en 1904, convirtiéndose en el primer español en recibir esta distinción de la Academia Sueca. Echegaray completó su educación secundaria en el Instituto San Isidro, donde estudió desde 1846, tras haber iniciado parte de sus estudios en Murcia. Su paso por el centro quedó registrado en los exámenes de bachillerato que hizo, documentos que hoy forman parte del patrimonio histórico del instituto.

El dramaturgo Jacinto Benavente siguió sus pasos, recibiendo el Nobel en 1922. Su vínculo con el San Isidro también está reflejado en los registros académicos conservados, que muestran su trayectoria educativa y preparatoria en el centro. Más adelante, Vicente Aleixandre, galardonado en 1977, cursó un ciclo de secundaria en el instituto tras comenzar su educación en Málaga, mientras que Camilo José Cela completó sus estudios en el San Isidro a partir de 1934, antes de recibir el premio Nobel en 1989.

“Que cuatro premios Nobel hayan pasado por nuestras aulas es un motivo de orgullo, pero también nos recuerda que la educación y la curiosidad son los cimientos del éxito intelectual”, afirma la antigua jefa de estudios adjunta del instituto. Entre los documentos expuestos en la institución se encuentran expedientes académicos, notas y fotografías que permiten acercarse al recorrido de estos escritores antes de alcanzar la cúspide literaria.

Prohibido no tocar: aquí se sigue estudiando

Al finalizar la exposición, la visita sigue en el museo de la institución. En uno de los laterales del claustro se abre una puerta de madera. Al cruzarla, el Instituto San Isidro se transforma en un museo. Aunque en esta parte del edificio ya no se imparten clases, el espacio conserva intacta un aula del siglo pasado, con su disposición original y sus elementos escolares. Los alumnos reconocen que, cuando toca visitarlo, la jornada lectiva se hace más llevadera. El recorrido culmina en la escalera monumental, concebida como una metáfora del ascenso del conocimiento: cuanto mayor es el esfuerzo, mayor es el saber adquirido.

En esta última parte de la visita hay un protagonista indiscutible. Se trata de Nicolás, un esqueleto humano que hoy recibe al público tras haber sido reconstruido por los propios alumnos de Biología, debido al deterioro acumulado tras años de uso y descuido. “Las manos y los pies son falsos”, explica Julia, una de las estudiantes que ejerce como guía durante las visitas. “Y que sea bajito no significa que sea un niño, en aquella época la gente era más baja que ahora”, aclara ante la curiosidad de los visitantes.

El museo reúne más de un millar de piezas que abarcan distintas disciplinas y épocas: láminas didácticas, mapas, carteles, programas de teatro, maquetas, antiguos aparatos científicos, dispositivos de proyección, placas de linterna mágica, así como animales y modelos procedentes del antiguo Gabinete de Historia Natural. Todos estos objetos permiten reconstruir cómo se enseñaba y se aprendía en el instituto a lo largo de los siglos, y muestran la estrecha relación entre educación, ciencia y cultura que ha caracterizado al centro desde sus orígenes.

Más allá de su valor patrimonial, el museo funciona como seña de identidad y elemento diferenciador de este instituto madrileño. Es, al mismo tiempo, un recurso educativo y una forma de acercarse a la historia desde dentro, no como algo distante o ajeno, sino como una experiencia que se puede recorrer, tocar y comprender.

En el San Isidro, el pasado no se contempla únicamente detrás de una vitrina: se camina, se explica y se vive. “Abrir estos espacios históricos permite a todos conocer la dimensión educativa y científica del instituto, que ha sido pionero en muchos aspectos”, señala Gómez. La exposición puede visitarse todos los jueves y viernes hasta junio en horario de 16.30 a 18.30.

La Fundación Canal estrena el año en su sede de Plaza Castilla con una potente exposición gratuita llamada Arte urbano. De los orígenes a Banksy, que tiene todos los ingredientes para ser un éxito de público. Es un recorrido por la historia del arte urbano desde una perspectiva internacional, con obras de algunos de los nombres más conocidos del estilo: Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, SEEN, Blek le Rat, JR, Invader, Os Gêmeos o Banksy.

Se añaden a la ensalada unas pocas referencias españolas, como Suso33, EL XUPET NEGRE o PichiAvo. La ausencia en Madrid de flecheros –Muelle y sus epígonos– se podría explicar, supongo, por el enfoque internacional de la propuesta.

El recorrido expositivo comienza con los pioneros norteamericanos de finales de los sesenta y los setenta, escritores de origen migrante en barrios populares de Nueva York que encontraron en la pintura una forma de alzar la voz y, poco a poco, irán añadiendo elementos a su firma para diferenciarse del resto. “No eligieron las pistolas, sino la pintura”, dijo en la presentación a la prensa la comisaria de la muestra, Patrizia Cattaneo Moresi.

La transición hacia el mundo del arte oficial llegará con los consabidos Jean-Michel Basquiat y Keith Haring. “A Basquiat le reclaman de los museos y Haring sacará el museo a la calle”, dirá Cattaneo. Luego, el graffiti y el arte urbano darán el salto a Europa antes de internet, a través de los viajes de los propios escritores y de artefactos de las subculturas populares como los fanzines. A París, Berlín –y a su muro–, Marsella, Milán o Roma.

Resulta interesante el repertorio de técnicas artísticas y enfoques desplegado en las salas a continuación. Hay mucha obra y son variados los lenguajes. Especialmente reseñable resulta la primera de las dos obras que el madrileño Suso33 ha aportado, que tienen la virtud de insistir en el nexo, irremediablemente borroso desde un interior, entre la obra urbana y la calle.

El artista ha ido poniendo su arte cada vez más al servicio del contexto. Sobre una de las paredes de la Fundación Canal aparece recortada una casa baja en Puerta del Ángel. Hay puntos de fuga y las reconocibles ausencias/presencias del artista, condensación silueteada de la firma–“una vez te vas, queda la sombra”–, que ponen en valor las texturas urbanas como obra.

La exposición enseña más que explica y transmite la evolución del arte contemporáneo de pintar en las paredes de una forma sencilla pero efectiva. Sirve a los efectos de una introducción a la historia del arte urbano para no iniciados en la que también los que saben pueden disfrutar de la diversidad e interés de las obras expuestas. Estas son sus cualidades, que no son pocas: es una muestra que le recomendaría a la mayoría de las personas a mi alrededor para pasar un buen rato.

Encuentro sus límites en la renuncia a problematizar la dicotomía grafiti/arte urbano u ofrecer una capa reflexiva sobre el estilo artístico. Son debates que el espectador sí puede encontrar reflejados en muchas de las obras de arte seleccionadas, pero que no han sido suficientemente tratadas, o eso me parece, a nivel expositivo.

Cuando uno entra a la penúltima sala, la dedicada al omnipresente Banksy, se topa de frente con la icónica figura de la niña y el globo, exactamente la misma referencia que utiliza el llamado Museo Banksy en Madrid. A su alrededor, también hay posters originales del artista de Bristol que, en su mayoría, hemos visto reproducidos en numerosas ocasiones. La sala pretende poner en primer término la globalización del arte urbano y su dependencia de las redes sociales, pero sucumbe a la tentación de mostrarse como el rincón donde ver mucha obra del artista más conocido del mundo.

El intento de reflexión llega en la última de las salas, una estrecha galería de ladrillo abovedada donde la exposición se titula ¿Arte o vandalismo? El debate se resuelve mostrando, en primer lugar, una colección de grandes murales de encargo realizados por artistas urbanos en distintas ciudades del planeta (en Madrid, la estación de metro Paco de Lucía por Okuda y Rosh333). Ya tendríamos el arte. A continuación, se muestran una serie de fotografías de elementos patrimoniales tageados, pintadas en el cuarto de abaño o grosores en infraestructuras urbanas. Vandalismo.

La seguridad con la que se resuelve la pregunta –desconectada de la primera sala, que recuerda que todo nació de la escritura– resulta un tanto sorprendente en 2026. Puestos a limitarse a mostrar, se echa en falta que aparezcan obras en el medio del haz, trazos con inequívoco valor artístico hechos fuera de la legalidad, que también los hay.

El debate se complejiza a punto de salir, al final de la misma sala, con la segunda intervención ad hoc de Suso33. De forma sencilla, pero efectiva, enseña una de sus plastas –icono que el artista pintaba en la calle hace años– sobre el muro de un solar del cercano barrio de La Ventilla. La plasta pintada se recrea en una tabla y, a continuación, aparece la foto de la pared a la que se le habría extirpado el dibujo. Se llama i-Legal.

En la presentación de la exposición el artista trasladó brevemente la idea de la obra. Lo que es ilegal en la calle pasa a ser legal dentro del espacio expositivo. “Cuando el arte urbano comenzó a entrar en las galerías, estas estafaron muchas veces a los artistas, ellos fueron los ilegales”, añadió a modo de reivindicación.

Podría parecer, leyendo la segunda parte del artículo, que nos hemos puestos pejigueros pero, repetimos, la visita a la exposición es un buen plan sabiendo en qué consiste. La propuesta de la Fundación Canal queda clara desde su nombre: Arte urbano. De los orígenes a Banksy y los visitantes encontrarán en ella un recorrido divulgativo que se ajusta bien al enunciado.

Una exposición itinerante por diferentes municipios de la Comunidad de Madrid invita a ver lo invisible. Madrid. Cartografía fantasma traza un mapa sobre la ciudad a través de sus ausencias, silencios y memorias ocultas. Comisariada por Enrique Piñuel Martín, propone un viaje por la capital desde una mirada crítica y contemporánea. Toda una invitación al público para establecer una relación activa con su historia.

La muestra reflexiona sobre los múltiples significados que la ciudad despliega: cómo se narra a sí misma, qué relatos privilegia y cuáles silencia. El recorrido, que se detendrá en una docena de localidades de la región durante 2026, se articula a través de una selección de obras contemporáneas, junto a algunas de carácter histórico, de hasta una quincena de artistas o colectivos de creación.

Las propuestas, con una gran variedad de formatos que van del vídeo a la fotografía pasando por la pintura o el grabado, trazan un mapa plural de la ciudad a partir de tres ejes: el Madrid desparecido, el oculto y el invisible. Abordan temas como la pérdida de patrimonio por especulación inmobiliaria o intereses políticos, la gentrificación, la vida de los barrios o la ciudad subterrénea. Descampados, bocetos de edificios derruídos, vestigios de la represión franquista, carteles de un Madrid que se diluye o pabellones vacíos de Ifema son algunos de los elementos que componen esta travesía artística.

La exposición propone una forma alternativa de retratar y comprender la ciudad, recurriendo al arte como aliado de la memoria, para poner en valor aquello que escapa a las narrativas hegemónicas en la representación urbana, alejándose a su vez de una mirada nostálgica y complaciente en pos de una relectura crítica del pasado que permita repensar el presente y proyectar el futuro.

Madrid. Cartografía fantasma fue seleccionado por la RED Itiner de la Comunidad de Madrid, en su convocatoria de 2025 y resultado de ello durante el 2026 la exposición recorrerá varias localidades de la Comunidad de Madrid, con inauguración el próximo lunes 9 de febrero en el Centro Cultural Casa del Rey de Arganda del Rey, donde permanecerá hasta el 3 de marzo. Luego pasará por El Atazar, Alcalá de Henares, Torrejón de Ardoz, Hoyo de Manzanares o Humanes de Madrid. Terminará en San Martín de la Vega, del 4 al 28 de diciembre.

Las obras multidisciplinares que componen el proyecto pertenecen a los y las artistas Amalia Avia, Amaya Hernández, Espíritu Escalera, Eugenio Ampudia, Florencia Rojas, Irene de Andrés, Javier Campano, Joseph de Arze, Marisa Flórez, Miguel Fisac, Nicolás Combarro, Ninotchka Art Project, Paco Graco, Ramón Masats y Víctor Moreno. El comisario, Enrique Piñuel Martín, es cofundador de la plataforma de investigación y gestión cultural Playtime Audiovisuales, desde donde ha desarrollado proyectos diversos para múltiples centros de arte.

Los números redondos raramente son buenos banderines de la ciencia histórica y solo el tiempo fijará cuándo ingresamos realmente en el siglo XXI. Nos ha costado –nos cuesta– desprendernos del XX, una centena marcada por el avance sin precedente de la ciencia, la entronización de la cultura popular… y la sombra permanente de la guerra total. Estos días se puede ver en la Residencia de Estudiantes –es imperativo salir del centro alguna vez– Intolerancia. España en una Europa convulsa.1914-1945, que ayuda a acercarse de una forma muy física a las primeras décadas del siglo.

La muestra está construida sobre la parte de la Colección José María Castañé, que custodia –y que ha digitalizado– la Residencia de Estudiantes. Castañé (1938) es un empresario y financiero conocido también como gran coleccionista de la cultura política y material del siglo XX (ha sido vocal del Real Patronato del Museo del Prado). Intentó donar su ingente colección al Estado, pero, ante la negativa de este, una parte importante acabó en la universidad de Harvard y otra en la Residencia de Estudiantes.

La materia prima –publicaciones, manuscritos, carteles, dibujos, etc.– era espectacular, pero había que darle sentido y sacarle lustre. La misión se ha conseguido con magníficos extractos de los textos fuente, ampliación de imágenes de las publicaciones, inclusión discreta de audiovisuales y, sobre todo, un orden muy meditado. Tuvimos la fortuna de ver el resultado con Miguel Ángel Martorell, catedrático de Historia Social y Pensamiento Político en la UNED, que ha comisariado la exposición.

El hilo conductor parte de la guerra del 14, “me gusta hablar de Gran Guerra, solo fue la primera cuando empezamos a numerarlas, después de la segunda”, advierte el comisario de la muestra. Después de la guerra total, cuya intensidad podríamos ejemplificar en los 11 meses de frente de trincheras en Verdún, el mundo occidental no volvió a ser el mismo. Según la tesis de la muestra –pues las exposiciones también tienen opiniones y propuestas– ese mundo nuevo, de lenguaje brutalizado, parirá la revolución y el fascismo como reacción a esta, que acabará impregnando todo de su nacionalismo y del intento de expulsión del enemigo interior.

Martorell señala con pesar la imagen de un diploma deportivo alemán en el que aparece una joven deportista llamada Ruth Päshler. “Es de 1934. Ruth es un nombre judío y ella aún podía competir, pero al año siguiente se promulgaron las Leyes de Núremberg”, explica el historiador, que ha tratado sin éxito de recuperar el rastro de la joven y saber cuál fue su destino.

Después de una presentación del siglo–ya se sabe, el corto siglo XX de Hobsbawm– Intolerancia avanza en su segunda sala hacia el golpe de Estado Franquista y la revolución. Martorell nos guía por los objetos de la estancia y se detiene ante una serie de dibujos sobre la revolución catalana salida de la mano del anarquista José Luis Rey Vila SIM, y en su contraparte falangista, firmada Carlos Sáenz de Tejada. Los primeros, de gesto expresivo, actuales, son todo curva. “Movimiento”, destaca Martorell. Los segundos, de factura hierática, similar a la que se llevaba en los medios alemanes de la época (aunque beben también del cómic más temprano, advierte el comisario), están compuestos a base de rectas. “Reflejan una sociedad de orden”, añade el historiador.

No es de extrañar que en la Historia de la cruzada española, de donde proviene la obra del falangista, se incluyeran algunos de los dibujos de SIM como ejemplo de la antiespaña, el enemigo interior que estará muy presente en el resto de la exposición a partir de este momento. “La idea de una comunidad nacional homogénea conlleva, necesariamente, la eliminación del otro”, explica el historiador durante nuestra visita.

Y de esa manera entramos en una tercera sala en la que se enseña la España franquista inserta en el panorama del fascismo internacional. “No sé si esto lo tiene ni siquiera la Biblioteca Nacional”, explica Martorell señalando una serie de folletos que reproducen los discursos de Hitler en español. La colección abunda en la presencia de lo nazi y lo fascista en la España de la primera posguerra: naipes, banderines o ilustraciones que hermanaban las banderas del Reich, la italiana, la del protectorado de Marruecos y la portuguesa; la película de Heinrich Himmler visitando España, el autógrafo de Hitler a un divisionario español… en contrapartida, también encontramos publicaciones de aquellos países ocupándose del hermano español.

La cuarta parte de la muestra entra de lleno en la represión y se abre con los espacios de reclusión al otro lado de los Pirineos. “Esta fotografía muestra la marcha hacia los campos desde la parte española de la frontera, se ve cómo se burlan de ellos”, dice con desazón Martorell señalando una de las imágenes de campos como Barcarés o Argelés prendidos de las paredes.

El discurso se amplía a Mathausen y al anticomunismo imperante, que no se refiere en este contexto al odio al comunista sino al rechazo a todo lo que no cabe en la idea de los vencedores sobre lo que es ser español. Para subrayarlo, nuestro anfitrión fija la atención en una pequeña pintura que representa a unas milicianas “como brujas en un aquelarre” y que, avisa, es la visión sobre todas las mujeres republicanas y de las que, en general, se atrevieron a ocupar el espacio público y alzar la voz.

La exposición se cierra con una muestra de fondos de la Residencia de Estudiantes sobre su propia represión, la de los maestros o los intelectuales. Un cuarto propio que da sentido al espacio expositivo dentro de la narrativa armada. “Este es el real espacio de la tolerancia”, dice con rotundidad el comisario.

Después de su acceso a las riendas de la enseñanza, la Iglesia Católica no perdonaría que la Institución Libre de Enseñanza llevara décadas birlándoles el monopolio educativo e introduciendo el ideario laico en las aulas. En la muestra está el papel de la intervención de la sede –en Martínez Campos– por parte de Falange. “El auditórium quiso derribarse para construir encima la iglesia del Espíritu Santo pero el arquitecto, Miguel Fisac, convenció a Franco de que se podía mantener una parte y el frente del templo es el que tenía el anterior edificio”, explica el investigador señalando lo retorcido de una política de dominación simbólica nada inocente.

Merece la pena, por último, prestar atención a los dibujos de Álvaro Delgado, que ilustraban el libro de poemas Pueblo cautivo de Eugenio de Nora, editado clandestinamente en 1946 por una reconstruida FUE (Federación Universitaria Escolar). Un acto de resistencia en lo más duro de la represión que llevó a Cuelgamuros a compañeros como Nicolás Sánchez Albornoz y a otros al exilio, pero que permite acabar con un hálito de esperanza el camino de sufrimiento delineado por las últimas postas de la exposición. Un recorrido que se expresa bien en la cita de Fernández de los Ríos hablando ante las Cortes Españolas en el exilio: Europa, dijo, no había estado a la altura porque no había comprendido «las dimensiones históricas del drama español“.

¡Ovejas en la ciudad! Esta imagen, que hoy parece impensable, no era tan extraña hace solo unas décadas en algunas zonas de la periferia madrileña. La imagen de pastoreo que adorna esta entrada de nuestra sección El Retrovisor está tomada en 1958 en la zona situada al inicio del Paseo de Juan XXIII, junto a la Avenida de Pablo Iglesias. Lo sabemos por la investigación sobre la foto que hicieron en su día en el blog Amigos de la Dehesa.

El lugar, hoy irreconocible por el paso de la urbanización, estaba cercano a la Quinta de los Pinos, que fue parte de la antigua Dehesa de Amaniel (antecedente, mucho más grande, de la Dehesa de la Villa). Tal y como constataron en dicho blog hace quince años, las casas altas que se ven a la izquierda están situadas entre las calles Reina Victoria, Beatriz de Bobadilla, Juan Montalvo y Estudiantes, enfrente del colegio del Buen Consejo (se aprecia el patio), cerca de donde estuvo el primer estadio Metropolitano. Los hotelitos de la derecha, de menor altura, parecen ser edificaciones ya desaparecidas de la colonia Metropolitano. El barranco en el centro de la foto sería, según el avezado ojo de los Amigos de la Dehesa, el actual Paseo de Juan XXIII (por donde antaño discurría el arroyo de Amaniel).

La zona tiene hoy otra urbanización y es un área de edificaciones relativamente recientes, pero aún existen varias zonas verdes que dejan testigo de un pasado no tan lejano: el parque del Canalillo, el conocido como de El Quijote o el parque Almansa. Un itinerario que se podría conectar, tal y como vienen reclamando desde hace algún tiempo los vecinos, con la Dehesa de la Villa a través del antiguo recorrido del Canalillo. Se trataba de una acequia con paseo arbolado que se hizo para aprovechar el agua sobrante de la traída de aguas del Canal de Isabel II (a partir de 1868) con el fin de regar las huertas y tierras de labranza que circundaban el extrarradio madrileño.

La fotografía que encabeza el artículo la sacó José Luis Berzal, como otras que se podrán ver a partir del 24 de enero en el Centro de Educación Ambiental de la Dehesa de la Villa. En la muestra se podrán ver fotos de escenas que forman parte de su recorrido vital y que, como buen fotógrafo, supo inmortalizar con su cámara para que ya sean para siempre imágenes en la retina de la memoria histórica de los barrios de Tetuán, Valdezarza y, sobre todo, el entorno de la Dehesa de la Villa.

José Luis Berzal, que falleció recientemente, nació en Tetuán en 1930 y de su obra se han hecho numerosas exposiciones en distintos centros culturales y expositivos, como el Eduardo Úrculo o las salas del Canal de Isabel II. Instantáneas que dotan de profundidad histórica el paisaje urbano –y boscoso– del barrio, con los rebaños de ovejas que pastaron hasta los años 70, las bandas de chavales que recorrían los descampados del barrio, o las estampas del Canalillo o el Cerro de los Locos.

Los visitantes de El Retiro están acostumbrados a intercalar las visitas artísticas con el paseo por los jardines. La mayoría de las veces son en interiores –en la Casa de Vacas, el Palacio de Cristal, etc.– y las menos en los exteriores del propio parque, como suele suceder en los últimos años con las muestras fotográficas que acompañan a la Feria del Libro.

Actualmente, está teniendo mucho éxito –a pesar de las temperaturas invernales– la exposición exterior de fotografía en gran formato (dos por dos metros) que se puede visitar en el Paseo de Fernán Núñez (junto a la Puerta de Madrid). Se trata de Madrid. Memoria visual de la Transición (1976-1979), una colección de 48 fotografías en color que se asoman a un Madrid desaparecido a través del objetivo de Manuel Durán Blázquez y Juan Miguel Sánchez Vigil.

La exposición está pensada en el marco del Festival Robert Capa estuvo aquí por la Fundación Fernández Lito, que se celebra desde 2018 durante los meses de noviembre y diciembre (aunque esta muestra se prolonga hasta el próximo 16 de febrero.

El origen del repertorio es curioso, procede de los fascículos publicados por Espasa Calpe bajo el nombre Madrid a partir de 1978 con el lema “la obra más completa de toda la ciudad”, que se ha convertido en un tesoro para coleccionistas del madrileñismo. El proyecto, de carácter enciclopédico, se planteó en 1975 desde el Instituto de Estudios Madrileños y contó con el patrocinio del Ayuntamiento de Madrid. Se editaron un centenar de fascículos de 24 páginas.

Entre las fotos seleccionadas para ser ahora expuestas están representados 14 de los 21 distritos de la ciudad. El trabajo de filtro ha sido duro, pues la colección cuenta con más de un millar de imágenes, que podrían dar para varias exposiciones más. Se encuentran fotoss poco conocidas sobre el desarrollo de los barrios, pintadas reivindicativas de la época de la transición, petición de llegada del transporte público, reivindicaciones de los habitantes de las corralas del centro o la señora que vendía buñuelos junto a cartelería de las primeras elecciones democráticas, entre muchas otras imágenes de un Madrid en cambio.

Los propios autores de las fotografías están llevando a cabo visitas guiadas, que se han de reservar mandando un correo a fundacionlito@fundacionlito.es o un mensaje de WhatsApp al 638 418 245.

Cipriano Mera tendrá un homenaje a su altura cuando se cumplen 50 años de su muerte. Un albañil convertido en mito libertario, primero desde el Sindicato Único de la Construcción (escisión de UGT en Madrid que se acercó al sindicalismo revolucionario de CNT) y más tarde como líder de las columnas anarquistas que en la Guerra Civil derrotaron a los sublevados en las batallas de Madrid y Guadalajara.

Será en las jornadas Mera: el albañil anarquista que cimentó nuestra esperanza, organizadas por CNT Madrid del 23 al 31 de octubre en la Fundación Anselmo Lorenzo de Estudios Libertarios (en el número 41 de la calle de las Peñuelas). Una cita que incluye dos mesas redondas y una exposición con documentación histórica, además de una ruta por el Tetúan que le vio nacer y dar sus primeros pasos militantes.

La celebración arranca este jueves 23 de octubre a las 18.30 en la Fundación con la mesa Mera, anarquista. La impartirá Luis de la Cruz, historiador, bibliotecario y periodista de este periódico. Es además autor de Mera, hombre de las afueras (Editorial Decordel), un trabajo de investigación que rescata los primeros años del militante en el extrarradio madrileño. Junto a él se sentará Alfredo González, experto en cultura libertaria y miembro del equipo de Tierra y Libertad, así como integrante de la publicación científica Germinal y la editorial Antorcha.

Al día siguiente y a la misma hora se celebrará otra mesa, Mera, Guerra y Revolución. Contará con Ana Garrudo, divulgadora y creadora de contenido especializada en la Guerra Civil, es presidenta de la Asociación Histórica Frente de Guadalajara y colaboradora del proyecto internacional bunker58.eu. Con ella estará Julián Vadillo, profesor e historiador, especializado en el movimiento obrero y autor de trabajos como Historia de la CNT o Por el pan, la tierra y la libertad: el anarquismo en la Revolución rusa.

El domingo 26, a las 10.00, el propio Luis de la Cruz guiará una ruta por el Tetuán de Mera. Para apuntarse, solo hay que solicitarlo en alguna de las mesas redondas o escribir al correo madrid@cnt.es entre el 22 y el 24 de octubre, indicando datos personales básicos con el asunto Ruta: El Tetuán de Mera.

Además, entre el 23 y el 31 de octubre la Fundación Anselmo Lorenzo albergará una exposición temporal titulada con fotografías y documentación sobre su vida, militancia y legado. Podrá visitarse gratuitamente de lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de martes a viernes de 17.00 a 20.00.

En octubre de 2023 Disney cumplió cien años. Una fecha muy especial que quiso celebrar por todo lo alto. La compañía, organizó una serie de evento con motivo de su centenario por ciudades de todo el mundo. También llegó a Madrid con un espacio interactivo, una exposición al aire libre y el alumbrado navideño de ese año. Ahora, aunque han pasado casi dos años del señalado aniversario, la magia de Disney regresa a la capital con una muestra interactiva.

La Fundación Canal acogerá desde este miércoles Disney. The Exhibition - 100 Años de Magia, el homenaje al centenario de la compañía de entretenimiento. La muestra cuenta con más de 250 piezas, obras de arte y documentos junto a 9 galerías de exposición inmersivas y 14 instalaciones interactivas, entre las que se encuentran el zapato de cristal de la acción en vivo de Cenicienta o e casco de Iron Man.

La exposición, que celebra “un siglo de historias, personajes, música y experiencias” creadas por The Walt Disney Company, ofrece a fans de todas las generaciones la oportunidad de “sumergirse y redescubrir” algunas de sus historias preferidas de Disney. Después de su paso por ciudades como Filadelfia, Múnich, Londres, Chicago, Kansas City, Seúl y París, llega ahora a la capital para mostrar las piezas más reseñables de los Archivos Walt Disney.

Los visitantes también pueden conocer la historia detrás de la creación de algunos de los personajes, las películas y los espectáculos, así como participar de las experiencias de la compañía alrededor del mundo, desde Disneyland París hasta Walt Disney World.

Un archivo de más de medio siglo

Desde hace más de 55 años, Walt Disney Archives, los archivos oficiales de la compañía, preservan algunas de las “joyas de la corona”. Se han necesitado cuatro años para planificar y reunir los objetos que se exhiben en Disney: The Exhibition - 100 Años de Magia.

En Madrid se exponen ahora obras de arte, esculturas utilizadas para la animación, así como vestuarios y accesorios de las películas de acción real. Entre otros, esto incluye tanto el caballo del tiovivo de Mary Poppins (1964) --utilizado por la leyenda de Disney Dick Van Dyke--, como el vestido rojo de Cruella (2021), llevado por la actriz Emma Stone.

También otros objetos y accesorios emblemáticos adicionales, como los libros del atrezzo original de Cenicienta (1950) y Merlín el Encantador (1963), la zapatilla de cristal de la versión de acción real de Cenicienta (2015), el casco de Iron Man de la película Vengadores: Infinity War (2018), o también el conjunto de Indiana Jones en Indiana Jones y el Dial del destino (2023).

Las galerías temáticas incluyen una “experiencia inmersiva”, e incluyen un paseo por una réplica de los parques Disney, así como oportunidades fotográficas que permiten a los visitantes posar junto a esculturas e impresiones de algunos de lo personajes como Mickey Mouse, del que también se exponen sus primeros bocetos, la familia Parr de Los Increíbles (2004), Goofy o el Hada Madrina de Cenicienta (1950).

La exposición incorpora además un componente. Los visitantes podrán encontrar cuentacuentos en algunas galerías, destacando objetos relevantes y compartiendo historias. Con esta propuesta, la exposición trata de combinar lo educativo con lo experiencial.

Esta muestra es posible gracias a las contribuciones creativas combinadas de Walt Disney Archives, Walt Disney Animation Research Library, Walt Disney Imagineering, Disney Theatrical Group, Lucasfilm, Marvel Studios, Pixar Animation Studios, Walt Disney Music y The Walt Disney Family Museum. “Nos emociona traer esta fantástica exposición a Madrid”, ha dicho la directora de Walt Disney Archives, Becky Cline, quien ha deseado que “los visitantes disfruten algunas de sus historias, personajes y atracciones favoritas de Disney de una forma nueva y envolvente”.

Cream, Los Tres Tenores, La Máquina de Hacer Pájaros, Audioslave o La Pandilla Voladora son supergrupos. Es decir, bandas de música formadas por la reunión de artistas que ya habían tenido éxito antes por separado. La idea puede salir mejor o peor, pero a menudo se corre el peligro de poner a competir por las fortalezas de los músicos de la mezcla. Algo así sucede con las exposiciones colectivas, que probablemente son aquellas que necesitan de una mayor curatoría a fin de alcanzar coherencia.

Estos días se puede ver en la sala expositiva del Canal de Isabel II de la calle de Santa Engracia una exposición colectiva de fotografía que, en realidad, enseña las mejores galas de la colección fotográfica de la Comunidad de Madrid conservada en el Museo CA2M de Móstoles. Los visitantes encontrarán 175 fotografías y 15 fotolibros de un centenar de fotógrafos, pertenecientes a la institución creada en 1993. Muchos de estos fotógrafos, por cierto, han actuado antes en solitario en la misma sala del depósito de aguas elevado de Santa Engracia.

La solución que la comisaria de la exposición (Olga Fernández López) ha encontrado para luchar contra la necesaria heterogeneidad de la materia prima ha sido dividir la exposición temáticamente. Las primeras imágenes con las que se encuentra el visitante al entrar por la puerta enseñan una colección de cotidianidades diversas de nuestra ciudad. Retazos del Madrid castizo de Cos Oorthuys en la cuesta de Moyano; o los más conocidos interiores pugilísticos de Ramón Massats, ambientes suburbiales de García-Alix o sublimaciones imaginativas de Ouka Lele. Hay instantáneas míticas, como la pareja desnuda en la Plaza del Dos de Mayo de Felix Lorrio, y otras de autores perfectamente desconocidos para el gran público. En la planta baja, en todo caso, el grupo suena perfectamente ensamblado gracias a la partitura que dibuja la geografía común.

La primera planta deja atrás el blanco y negro –metafórico y real– para centrarse en imágenes de contenido más artístico donde la ciudad de Madrid no aparece ya más que de forma anecdótica. Son los inevitables Chama Madoz y otros artistas menos sonoros, como Ana Casas o Jorge Lens, entre muchos otros.

La siguiente planta nos introduce en las muchas interpretaciones posibles del paisaje y las naturalezas (vivas y muertas). Para terminar, justo debajo de la cúpula del viejo depósito de aguas –seguimos con los temas clásicos– encontramos una muestra de cómo el retrato y la plasmación del cuerpo humano pueden actualizarse para desvelar, por ejemplo, la precariedad.

El concierto de este supergrupo formado por un centenar de artistas no alcanza finalmente a sonar como una orquesta, se queda en combo de jazz venido a más donde cada músico tiene ocasión de tocar un solo. No es, sin embargo, un intento fallido, sino una miscelánea interesante en la que raro será que espectador no se lleve alguna imagen potente prendida de la retina.

Palestina vuelve a tomar protagonismo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (CBA), después del encierro de docentes para reclamar la aprobación del embargo de armas a Israel por parte del Gobierno central. Esta vez es la propia institución la que fomenta una actividad para dar visibilidad a la realidad palestina. En concreto, fotografías familiares de la vida en Gaza, Cisjordania o Jerusalén más allá de las imágenes de masacres y bombardeos que aparecen en los telediarios.

La muestra Para contar mi historia. Fotografías de The Palestinian Museum 1948-2023, comisariada por el escritor y cineasta Pablo Llorca, puede visitarse la próxima semana. Será en la sala Minerva del CBA desde el lunes 6 de octubre, con inauguración a las 18.30, hasta el domingo 12. Una aplaudida exposición que ya pasó por la sala Nadie, Nunca, Nada, No (en la calle Arganzuela) a comienzos de este mismo año.

Según Llorca, la iniciativa “nos invita a mirar más allá de las imágenes trágicas con las que a menudo se vincula al pueblo palestino”. Con un título inspirado en el poema de Refaat Alareer, la muestra se compone de 125 fotografías familiares (seleccionadas de un total de 20.000) que la propia población palestina ha ido depositando en el Palestinian Museum Digital Archive (PMDA).

“La idea surgió hace unos meses, cuando visité una exposición del fotógrafo sudáfricano David Goldblatt. En ella retrataba la vida cotidiana durante el apartheid, especialmente de la población negra. En la cotidianidad estas personas se humanizan, pero a la vez ves también la opresión. Pensé que sería interesante hacer lo mismo con la vida de los palestinos”, explicaba Llorca el pasado enero en conversación con Somos Madrid. “Dos personas me hablaron del PMDA y estuve un mes investigando su archivo. Pensé que había material para una expo. El museo de la ciudad de Birzeit, en Cisjordania, respondió rápidamente y cedió las imágenes solicitadas en alta definicación”, explicaba Llorca.

La selección arranca en 1948, año de la Nakba, el proceso de expulsión de más de 800.000 palestinos de su tierra. Llega hasta la actualidad: “Las fotografías abarcan temas diferentes, con técnicas y estilos también muy distintos, como corresponde a un conjunto de procedencia múltiple donde muy pocos autores son profesionales. Todas ellas son, no obstante, testimonios espectaculares de una realidad que se muestra sin afectación ante las cámaras”.

Las fotos capturan el día a día de Gaza, Jerusalén o Cisjordania a lo largo de las últimas décadas. “Es una sociedad que, más allá de la violencia constante a la que se ve sometida, goza y se ocupa con las mismas cosas que la mayor parte de personas de cualquier país: las ceremonias, la vida en la calle, los espectáculos...”, apuntaba Llorca. Las imágenes transcurren entre clases, trabajos, ocio, fiestas, bodas, bautizos o actividades culturales (en un recuerdo de que la población palestina tiene potestad para ser creativa, y también desarrolla el arte sin que tenga que estar necesariamente vinculado a la violencia que sufre por parte del Gobierno israelí).

La opresión, eso sí, se filtra en la muestra igual que lo ha hecho en la vida de los palestinos: “En torno al 15% de las fotos sí pertenecen al conflicto o están directamente relacionadas con él, aunque esas imágenes se integran en el resto”. Porque incluso en la mayoría de este tipo de fotos hay algo de cotidianidad sobrevenida, no muestran la represión que ejerce Israel sobre la población palestina de forma descarnada, sino a través de procesos coercitivos incorporados al día a día en Palestina: desde varias mujeres caminando hacia un puesto de control hasta un grupo de palestinos que se registran en la oficina para refugiados de Jerusalén.

Como novedad respecto a la muestra de enero, la web de Para contar tu historia aglutina instantáneas que dan cuenta de las numerosas muestras de activismo que se han producido en España a lo largo de los últimos meses en soldaridad con Gaza y contra el genocidio promovido por el Gobierno de Netanyahu. Acampadas en la Universidad Complutense, denuncias de la masacre desde figuras e instituciones culturales o manifestaciones ciudadanas a lo largo y ancho del país.

El pasado mes de junio se inauguró en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque la exposición Madrid Art Déco, 1925: El estilo de una nueva época. Es posible que la llegada de la temporada estival hiciera que su estreno pasara algo desapercibido, pero tenemos hasta el próximo mes de noviembre para verla.

Nada más entrar a la Sala Sur del complejo cultural, el espectador se encuentra con un texto en la pared bajo el epígrafe Madrid, la ciudad en obras. La tipografía, metálica e inconfundiblemente moderna, es por cierto uno de los grandes aciertos en el diseño de una exposición que, por lo demás, se muestra desnuda frente al espectador.

Volvemos a lo de Madrid y las obras. “Muy atemporal la frase”, pensará inmediatamente el visitante. Pero también se trata de un aserto certero para introducir al espectador en el meollo de la cuestión: el cambio de una ciudad a través de su crecimiento. Su ingreso definitivo en las modas estéticas internacionales y en las corrientes centrífugas de la economía de consumo.

Los años veinte y treinta son los de la gran transformación de las ciudades. Madrid rebasaba el millón de habitantes y las obras del tercer tramo de la Gran Vía tocaban a su fin. El debate de la modernidad y el estilo art decó se asentaban así en construcciones señeras de la ciudad como el de Telefónica o el Carrión, edificios que presentaban una mezcla de usos (oficinas, viviendas, tiendas) hasta el momento inusitada. Todo se llenó de formas geométricas, líneas estilosamente fileteadas y detalles de inspiración industrial. El art decó como paradigma decorativo de lo moderno.

Pero mucho de lo mejor del art decó madrileño se perdió con sus interiores, más vulnerables al paso del tiempo que las fachadas de los edificios. Aunque se muestran algunas fotografías de los ricos interiores del Capitol, de salas de fiesta como La Granja Florida, de cafés y bares, como Zahara o el Miami, el despliegue queda algo corto.

Resulta interesante cotejar en la sala cómo el diseño internacional se hibridó con la tradición castiza, ocupando, por ejemplo, los carteles de fiestas patronales. En este sentido, un aspecto interesante de la muestra es que presta atención a la potencia cultural del estilo al enseñar cómo sus peculiares líneas llegaron a permear en objetos de uso cotidiano y a extenderse a través de la sociedad de consumo.

La eclosión del tiempo libre, la popularización del deporte, el diseño editorial, la publicidad o la moda son algunos de los aspectos sociales vinculados a lo material y al diseño que nos traslada Madrid Art Déco, 1925. Se trata, en suma, de una propuesta interesante, aunque modesta, en cuyas líneas los amantes del estilo pueden deleitarse un buen rato; pero también de un esfuerzo al que se le adivinan algunas carencias de medios (en cuanto a la presencia de maquetas, audiovisuales o más objetos), que le harían dar un salto de calidad dentro del panorama expositivo madrileño de este otoño.

“No te das cuenta, pero al igual que el resto de los 3,4 millones de habitantes que tiene la ciudad de Madrid, tiendes a acumular”. Con esta frase se presenta una exposición que propone replantear la relación con los objetos (y los archivos digitales) de nuestro entorno. Un vínculo material, pero también personal, en el que el apego puede confundirse con el consumo desaforado.

Distrito Diógenes llega del 25 al 28 de septiembre a la sala El Umbral de Primavera, en la calle Primavera de Lavapiés, con activaciones abiertas a la participación del público los días 25 y 26 (previa inscripción a través del formulario de este enlace). Lo hace de la mano de la 12ª muestra de creación escénica Surge Madrid. Sus responsables, Pablo Villa Sánchez y Pablo Alamá (de la Compañía CRÁTER), ponen una pregunta sobre la mesa: ¿Cuánto podemos llegar a acumular, no solo en el mundo físico, sino también en el digital?

La muestra se presenta como “una pieza insostenible por la sostenibilidad”. En ella, enseres de todo pelaje son depositados por los participantes junto a unas descripciones de su origen o su pasado. De esta forma, el espectador podrá atender a tres dispositivos: una instalación interactiva, donde el público es invitado a desprenderse de un objeto que haya traído a propósito de la pieza (el cual pasará a formar parte de la instalación para ser expuesto) así como contar brevemente su historia en una tarjeta; una subasta gratuita en la que los asistentes podrán pujar por lotes formados por esos objetos, siendo el postor ganador quien mejores argumentos brinde para adquirirlo, y un recorrido itinerante que discurrirá por calles y comercios emblemáticos del barrio de Lavapiés.

Distrito Diógenes aterriza en un contexto social y político en el que, según sus dos creadores, “buscamos la manera de alargar la vida de los objetos que tenemos o de darles una segunda vida a aquellos que ya no queremos, pero que siguen siendo útiles”. Muestra de ello es el anteproyecto de Ley de Consumo Sostenible anunciado el pasado julno por el Gobierno central, en el que se menciona el derecho a reparar para acabar con la obsolescencia programada.

“La idea nace pensando en personas con el Síndrome de Diógenes no como afectadas por un trastorno, sino que sufren una enfermedad fruto del mundo en el que vivimos”, explica Pablo Alamá en conversación con Somos Lavapiés. Después de explorarla desde un enfoque más teatral en un proyecto anterior, Vacío, ahora se lanzan con una concepción expositiva a la par que interactiva. “El mundo nos empuja a poseer por encima de nuestras posibilidades y las del planeta. Cuesta desprenderse de las cosas y eso afecta de forma individual, pero también de manera colectiva”, añade su cocreador.

Todo ello les llevó a plantearse “cómo vivimos, sobre todo en las ciudades: qué es basura y qué no, qué tiene valor y qué no”. De ahí el sentido de que la propia exposición “se nutra de los objetos que trae la gente”, hasta el punto de que “si sigue creciendo en algún momento no habrá espacio para albergarla, un poco lo que pasa en el mundo”. Distrito Diógenes comenzó a forjarse con bienes entregados por los propios integrantes de la Compañía CRÁTER y luego fue creciendo con otros depositados en las primeras pruebas del proyecto. Ahora se enfrenta a su primera apertura a la ciudadanía.

Según Pablo Villa Sánchez, lo paradójico es que despedirte de una propiedad puede implicar valorarla por primera vez en mucho tiempo: “Contar la historia de un objeto al desprenderte de él revela los motivos por los que lo estabas conservando. Es la propia narrativa del objeto, más allá de su utilidad práctica, lo que nos lleva a acumular. Pienso por ejemplo en el ticket del Metro que cogimos en un día muy especial. En las tarjetas que acompañan a los enseres hay patrones que dibujan las razones por las que acumulamos. Hay algo bonito en que les demos valor, pero a la vez también encarna que convertimos nuestra casa en una acumulación continua”.

“De las historias nos sorprenden tanto las repeticiones o los puntos en común (por ejemplo la nostalgia) como las variantes, los relatos completamente diferentes que aparecen. Por eso es importante contar con gentes de todas las edades, de niños a personas ancianas. Es un rango muy grande de tanto de historias como de objetos desprendidos, desde algo que acabas de encontrar en la cartera hasta un elemento que has tenido por casa desde hace 30 años. Es bastante curioso, yo creo que si lo hacemos 100 veces va a a seguir sorprendiéndonos”, asegura el cocreador de la instalación.

Porque muchas veces ese valor reside más en las narrativas que en lo físico, de ahí la idea de organizar pujas dialécticas: “Diseñamos las subastas para que los objetos circulen, pero tenían que ser sin dinero. Hay que pujar con argumentos, de manera democrática, para ver qué ocurre si en lugar de valor económico le damos un valor sentimental a las cosas”, describe Alamá.

Cuestionar ese componente pecuario de todo objeto explica también otra actividad programada para el día 25, cuando los participantes visitarán el icónico establecimiento de la Asociación Traperos de Emaus (en el número 8 de la calle de San Cayetano). “Se dedican a recoger de las casas objetos que sus habitantes ya no quieren. Lo que pueden vender lo llevan a su tienda, sino lo trasladan a un punto limpio. Nos sirve para reflexionar sobre la acumulación en la ciudad, porque al llegar a su sede ves y sientes esa acumulación encapsulada en un único lugar. Además, nos interesaba mucho que el precio de las cosas sea en parte arbitrario. Le preguntas al dependiente cuánto vale una vajilla y te dice una cifra en función de cómo le hayas caído o de lo bien que se te dé regatear”.

Dice Alamá que precisamente les interesaba llevar su idea Lavapiés por estar cerca de El Rastro, donde se concentran “antigüedades que nunca sabes cómo han llegado ahí”. Pero además, el conjunto del barrio es una zona que “los fines de semana se llena de gente, que es céntrica pero todavía barrial, por mucho que sufra la gentrifiación”. “Se mezclan muchos temas que nos llevaban a pensar en acumulación (objetos, turistas, bares...), aunque al mismo tiempo nos planteamos llevarnos a otros barrios y ciudades. Ver qué pasa, por ejemplo, si lo hacemos en la España vaciada”, apostilla.

El viernes 26, los participantes continúan su particular exploración: se dedicarán a “rescatar objetos de la basura que alguien ha creído que no valían, pero que para otra persona pueden servir”. Esos objetos se colocarán sobre un plano 2x2 del municipio de Madrid, dividido por distritos, para ver cómo queda la ciudad si todos los objetos se sitúan sobre plano encima de ella. “La idea es pensar cuántos objetos puede haber en Madrid por metro cuadrado y cuáles serían: un coche, una cartera, una maleta... Que todo eso quepa en un solo metro cuadrado a priori es imposible, pero es lo que pasa en la ciudad con tanto nivel de acumulación”.

¿Y dónde queda en todo eso ese aspecto de sobreposesión digital que también pretende cuestionar Distrito Diógenes? Alamá apunta que les preocupa igualmente “qué pasa con todas las fotos que almacenamos, los mails que enviamos o las newsletters a las que nos suscribimos, todo eso también afecta al planeta”. Una forma de escenificarlo será el traslado a la tienda de la Asociación Traperos de Emaus, que se completará siguiendo las indicaciones de un audio y sin recurrir a Google Maps. Una forma de recuperar la orientación, un paseo por la ciudad en el que reparamos en ella y nos preocupamos por su estado.

“Lo digital aparece menos en la exposición en sí, pero tiene peso en la parte itinerante”, resume Pablo Villa Sánchez. Recalca asimismo el volcado de lo que suceda a un Instagram específico del proyecto (todavía no habilitado), que funcionará “a modo de anexo”. “Durante la pieza, se insta al público a que saque fotos o vídeos (la base de la acumulación digital) y nos etiquete para acumular puntos de vista que las actividades han ido generando”, cuenta.

Porque la acumulación digital, y sus efectos contaminantes o en la promoción de la escasez de recursos, son igual de reales aunque pasen desapercibidos: “No reparas en que en tu portátil o tu móvil también hay acumulación hasta que te peta el disco duro o te quedas sin espacio”, opina Villa Sánchez. Aunque estos archivos, en cambio, no pueden despositarse en una de las tiendas con más solera de Lavapiés.

Madrid se convierte este otoño en escenario de un viaje al corazón del Egipto helenístico. El MAD (Madrid Artes Digitales) Centro de Experiencias Inmersivas inauguró el pasado 16 de septiembre una propuesta única que invita a redescubrir la figura de Cleopatra, la última gran reina del Antiguo Egipto, a través de un espectáculo sensorial que combina historia y tecnología de vanguardia.

La exposición, abierta de martes a domingos, promete transportar al público al siglo I a.C. La puesta en escena incluye recreaciones históricas, proyecciones envolventes en 360º, un recorrido por el metaverso y, por primera vez, el uso de tecnología holográfica en este tipo de experiencias.

Después del éxito de producciones como Tutankamón, Los últimos días de Pompeya y La leyenda del Titanic -que han recorrido 12 países de 4 continentes y superado los 3 millones de espectadores-, MAD presenta ahora su proyecto más ambicioso hasta la fecha.

Más que una exposición, la propuesta se concibe como una travesía multisensorial que permite descubrir a Cleopatra no solo como mito legendario, sino también como estratega política, figura divina y mujer clave en la historia del poder. La narrativa se enriquece además con la presencia de dos personajes fundamentales en su vida: Julio César y Marco Antonio.

Cuatro experiencias, un mismo viaje

La muestra se estructura en cuatro momentos que guían al visitante en un recorrido único por la vida y el mito de Cleopatra. El viaje comienza con recreaciones escénicas que, a través de escenografías, réplicas y objetos inspirados en el siglo I a.C., permiten al público sumergirse en la atmósfera de la Alejandría de su tiempo. Paneles informativos acompañan estas recreaciones para ofrecer el contexto necesario y situar al espectador en la época.

La segunda parte está protagonizada por proyecciones envolventes en 360 grados que narran la trayectoria de Cleopatra desde su coronación hasta su trágico final. En estas imágenes aparece no solo como soberana, sino también como encarnación de la diosa Isis, como científica que cultivó el conocimiento, como aliada política en un mundo convulso y como leyenda que trascendió las fronteras de Egipto y del propio tiempo.

El recorrido continúa con una inmersión en el metaverso, que abre la posibilidad de explorar virtualmente lugares emblemáticos vinculados a su figura. Entre ellos destacan las catacumbas ptolemaicas, el oasis de Siwa, su alcoba privada y el campamento militar en plena batalla de Accio. Esta sección ofrece al visitante la sensación de adentrarse en espacios inaccesibles en la realidad, pero fundamentales para comprender la magnitud del personaje.

Finalmente, la experiencia culmina con el uso de tecnología holográfica, que revive episodios decisivos de la dinastía ptolemaica y reinterpreta la figura de Cleopatra en todas sus facetas. La reina aparece así como niña destinada al poder, como soberana de un imperio, como madre y amante, y como mito eterno de la historia universal.

La exposición se puede visitar hasta el próximo 8 de diciembre en la Nave 16 de Matadero Madrid. La entradas tienen un precio que oscila entre los 19,90 y los 26,90 para adultos y entre 15,90 y 18,40 para menores de 13 años. Para niños de entre 0 y 3 años, el acceso es gratuito.

En los últimos años han proliferado protestas de carácter medioambiental que materializan el descontento por la emergencia climática a través de ataques a piezas de arte. En medio del debate sobre la legitimidad de estas protestas y la sacralización de las obras, el colectivo Capitalism se propone llevar la discusión un paso más allá con una propuesta audaz. Así, se preguntan si esas representaciones vandalizadas no son también arte.

Lo hacen a través de la exposición Artivism, un proyecto artístico que transforma protestas icónicas en museos en piezas únicas de coleccionista que se expondrán en la galería de arte Corner Gallery & Studio, en el distrito de Carabanchel (Madrid), hasta el viernes 19. Las ocho obras, que podrán ser adquiridas una a una en una substa online este jueves a las 19.00, recrean ataques sufridos por activistas e incluyen el arma (sopa de tomate, pintura, bolígrafo permanente...) con el que las piezas fueron vandalizadas en diferentes pinacotecas europeas.

Entre las obras se encuentra La Gioconda con las salpicaduras de sopa después del ataque que sufrió el lienzo en 2005 cuando dos mujeres vandalizaron la obra de Leonardo Da Vinci en nombre de la alimentación sostenible; el cuadro de Monet intervenido con puré de patatas en el Museo Barberini (Berlín, Alemania) para exigir medidas contra la crisis climática en 2022; petróleo sobre un cuadro de Klimt para denunciar la inacción contra el cambio climático o la sopa de tomate vertida sobre el cuadro Los girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres para llamar la atención sobre el calentamiento global.

La iniciativa parte de la premisa de que arte y protesta son formas de expresión humana y propone las manifestaciones contra el objeto artístico como una nueva expresión artística. Las obras a la venta de la colección Artivism se pueden ver en su página web, donde el jueves tendrá lugar la puja virtual. El portal incluye detalles de la agresión artística, la técnica para elaborar los cuadros o los productos que fueron utilizados para vandalizarlos. La técnica es óleo sobre lienzo, los cuadros respetan el tamaño de las piezas originales y están intervenidos con los materiales originales usados en la agresión. Tres de las piezas se pueden visitar en Corner Gallery & Studio.

Artivism es el quinto proyecto de Capitalism, colectivo con base en Madrid que irrumpe en en la escena artística para agitar el sistema convirtiendo las paradojas de la sociedad moderna en productos y servicios. Capitalism se estrenó el pasado mes de diciembre con The Uncomfortable, una mesa de 34 patas diseñada para democratizar la incomodidad de las cenas navideñas. En junio estrenó Tag Tee, una camiseta blanca diseñada con un bolsillo transparente a la altura del pecho para insertar etiquetas a discreción que ironizaba sobre la exclusividad, lo preestablecido y la construcción identitaria en torno a las marcas.

Arranca la Semana de la Movilidad en la capital con el taxi como protagonista. Por primera vez, este servicio público se suma a la celebración con descuentos en los viajes y una exposición de vehículos históricos.

En una iniciativa promovida por la Federación Profesional del Taxi de Madrid (FPTM), el sector ofrecerá rebajas de tres euros a los usuarios que reserven y paguen este servicio a través de la aplicación Pide Taxi. Esta promoción estará disponible del 15 al 22 de septiembre para las 10.000 primeras reservas.

Además, el domingo 21 de septiembre se instalará una exposición al aire libre en el eje Atocha-Colón que pondrá en valor el papel de los taxis a lo largo de la historia. En esta exhibición, la ciudadanía podrá disfrutar de una colección de vehículos que irán desde el más antiguo, un Citroën 11 que se remonta al año 1948, al más reciente, un Xpeng G6 del año 2025.

El taxi compartirá espacio con los autobuses históricos de la Empresa Municipal de Transportes (EMT) de Madrid, que volverán a salir a la calle. En el paseo del Prado, entre Atocha y Neptuno, se situarán una decena de vehículos antiguos del autotaxi para que los madrileños recuerden o conozcan su evolución durante el pasado siglo, e inmortalicen a modo de postal los recuerdos que le ofrece esta exposición singular.

Durante el paseo, los transeúntes se toparán con el Citroën 11, conocido coloquialmente como “pato”, un modelo de taxi muy popular en Madrid durante las décadas de los años 40 y 50. Este vehículo histórico, que utilizaba la tecnología de tracción delantera y una carrocería autoportante, se convirtió en un hito en la historia del automóvil y fue uno de los pilares del servicio de taxi en la capital española junto a otros modelos de la época.

El Seat 1500 no podía faltar a esta cita. Este taxi icónico en Madrid desde su aparición en 1963 hasta la década de 1970, fue un símbolo de la época debido a su robustez, capacidad para seis pasajeros y la influencia del diseño estadounidense en sus líneas. Aunque inicialmente era un vehículo de gasolina para gente adinerada, su conversión a motores diésel de marcas como Perkins o Barreiros fue muy popular en el sector para optimizar el consumo y la eficiencia.

Otro de los taxis más populares que volverán a la calle este domingo será el Seat 131, muy extendido desde su lanzamiento en 1975 hasta 1984, gracias a su fiabilidad y diseño elegante, cualidades que le hicieron gozar de una gran aceptación. Este automóvil derivado del Fiat 131, se caracterizó por ser un coche de tres volúmenes y propulsión trasera, además de incorporar mejoras mecánicas como la suspensión McPherson.

Tampoco faltará a la cita dominical el Seat 132, una berlina de lujo fabricada por SEAT de 1973 a 1980. Aunque no fue el taxi predominante, algunos ejemplares con el motor diésel Mercedes-Benz servían como taxis de gama alta, sustituyendo al anterior taxi SEAT 1500. Caracterizado por su espacio, confort y un diseño exclusivo, fue un coche de representación y un símbolo de estatus en la época.

El resto de modelos de la muestra con motivo de la Semana de la Movilidad madrileña avanzarán hasta llegar a nuestros días, permitiendo conocer la evolución del taxi en la ciudad. También, se podrá conocer el progreso de la tecnología en los taxímetros hasta llegar a las últimas innovaciones tecnológicas. Además, el sector desarrollará actividades y regalos para los niños y niñas que se acerque a la exposición.

La participación del taxi en este recorrido con sus vehículos más clásicos y reconocibles por los madrileños ha sido posible gracias a la implicación de la Federación del Taxi de Madrid y Pide Taxi, responsables de la producción y la organización logística de los taxis que integran la exposición.

Una movilidad para todos

La Semana Europea de la Movilidad (SEM) es una iniciativa europea dirigida a sensibilizar, tanto a los responsables políticos como a los ciudadanos, sobre las consecuencias negativas que tiene el uso irracional del coche en la ciudad para la salud pública, así como para el medio ambiente, y los beneficios del uso de modos de transporte más sostenibles como el transporte público, la bicicleta y los viajes a pie. Este año se celebrará del 16 al 22 de septiembre y contará una vez más con la participación del Ayuntamiento de Madrid.

El lema de este año es “Una movilidad para todos” y contará con el taxi como invitado de honor, un sector que ha vivido una auténtica revolución en Madrid desde la renovación de la flota en 2019 y gracias al esfuerzo que han llevado a cabo los titulares de las licencias.

Durante la presentación de la programación, Carabante recordó que la capital cumple por tercer año consecutivo con la directiva europea de Calidad del Aire y la aportación del taxi para este hito ha sido clave. Los vehículos con clasificación ambiental A desaparecieron hace años y los que cuentan con etiqueta B representan un 0,22 % del total de taxis, habiendo pasado de los 4.486 vehículos B que había en 2018 a 34 (todos eurotaxi), es decir, un 99,2 % menos.

Además, el taxi madrileño es eminentemente ECO. De los 15.585 vehículos que hay en total, 13.745 cuentan con esta clasificación ambiental (el 88,2 %) y un 5 % (786), CERO. En cinco años, el Gobierno municipal ha destinado 13.829.000 euros en subvenciones para este sector, según apuntan, “acogidas con gran aceptación”.

32,5 kilómetros dan para mucho. Si además esa distancia se convierte en una frontera física, alrededor de ella pueden convivir las realidades más diversas. Tradición y modernidad. Lujo y precariedad. Barrios humildes y espacios para las élites. Mansiones y casas de cartón. Los contrastes marcan el papel de la M-30 en Madrid y el fotógrafo Edu León (Madrid, 1977) se propuso retratarlos.

El resultado toma ahora forma de exposición, bautizada como Calle 30 (igual que la empresa público-privada que gestiona su explotación) y visitable hasta el 18 de septiembre en el Centro Cultural Lope de Vega de Puente de Vallecas. La conforman 62 imágenes, una selección de entre las más de 200 que León filtró después de sacar miles de fotos durante dos años. La criba final, así como la disposición de las instantáneas, corresponde al comisario búlgaro Dimitri Stevanof.

La muestra ilustra cómo la circunvalación que separa la almendra central del resto de la capital no es solo la vía más transitada de España. Mientras más de 300.000 vehículos la atraviesan cada día, alrededor de la autopista se desarrollan otros cientos de miles de vidas. Personas que trabajan en mantenerla limpia, segura y eficiente. Que residen a pocos metros, en algunos de los 15 distritos por los que pasa. Que encuentran cobijo en sus puentes y sus muros, lugares donde personas sin hogar se refugian de la intemperie. O que gracias a sus privilegios casi se desentienden de la existencia de la carretera, mirando la ciudad desde más arriba.

En la propia sala de exposición, Edu León cuenta a Somos Madrid que el proyecto comenzó como un acercamiento al fenómeno del sinhogarismo. Lamenta que las duras condiciones personales de estas personas, así como la persecución que sufren por parte de las autoridades, dificulta mantener el contacto con ellas un tiempo prolongado. Cuenta el caso de John, un hombre de Níger al que visitó varias veces y al que tomó una treintena de fotografías. “No sé nada de él desde hace un año y medio”, denuncia.

Pronto, sin abandonar el interés ni el respeto por las personas que sufren la falta de una vivienda, se dio cuenta de que la M-30 podía servir para analizar otras cuestiones entrelazadas: “A la hora de retratar su realidad, no quise caer en el cliché de captar solo a gente sin hogar. Preferí tomar la M-30 como una excusa para contar la realidad de Madrid, con su diversidad y con su desigualdad”. Optó entonces por “patear Madrid”, ya que “el 80% de las fotos nacen de acercarme a alguien”.

Se aproximó así a un entorno que para miles de personas es solo lugar de paso “que no se paran a mirar”, pero para muchas otras es una estampa permanente. El escenario en el que desarrollan sus vidas. El fotógrafo destaca “la oportunidad de retratar lugares emblemáticos y tan dispares como la Mezquita [oficialmente el Centro Cultural Islámico de Madrid], el tanatorio, el Pirulí de Torrespaña, las viviendas de El Ruedo en Moratalaz, el Hipódromo de la Zarzuela o los campos de golf que hay en el norte”. Apunta León que es a estos últimos espacios, que le requerían solicitar permisos, a los que más le costó acceder. Y apostilla que “la Mezquita abrió sus puertas mucho más fácilmente que las iglesias”.

Son los espacios en los que se desarrollan los contrastes de “un Madrid que viene de la inmigración, tanto interna como externa, de una ciudad que supuestamente acoge pero que muchas otras expulsa”. León cuenta que vivió muchos años en Quintana, en el distrito de Ciudad Lineal, y cuando se desplazaba con su madre a Goya (en el lujoso distrito de Salamanca) aquello le parecía “otro mundo”. Un abismo que conectaba (o que creaba) el paso de la M-30, que lleva más de medio siglo marcando el núcleo y la periferia de la ciudad. Esa periferia cada vez más extensa, más mayoritaria, que se esfuerza en reclamar a las instituciones que existe vida fuera de la M-30.

Con sus imágenes, León recuerda que esa vida está fuera, dentro y sobre la propia vía. Vidas eclécticas, de costumbrismo y vanguardia, de elitismo y otredad: obreros que trabajan en el mantenimiento de la M-30, vecinas ataviadas con vestidos castizos de chulapa por San Isidro, golfistas en el parque deportivo de Puerta de Hierro, una drag queen que posa junto a las colmenas del Barrio de la Concepción, chavales que juegan con un cable en Vallecas, mujeres y hombres durmiendo al raso a lo largo de sus 32,5 kilómetros… Instantáneas de una ciudad, dice León, que “está cambiando y parece diseñada para el turista, pero en la que todavía resisten ciertos elementos”. Por eso en las fotos cabe desde la escopeta de un armero de El Pardo hasta una mujer de origen asiático que practica taichí cerca de Príncipe Pío.

Como las fotos dan cuenta de una ciudad así de viva, su autor también desea que la exposición no se quede en un único punto y no se limite a su trabajo individual: “Lo interesante es que a través de los centros culturales y de las asociaciones vecinales podamos hacer talleres en cada barrio con adultos mayores y con jóvenes. Que los primeros lleven sus fotos antiguas de la zona para que los jóvenes vean que la fotografía tiene ese valor en el tiempo como objeto de memoria. Pero también queremos que estos jóvenes enseñen a los mayores nuevas formas de comunicación con las que puedan retratar sus barrios y resignificarlos”. Así, espera que sus fotos lleguen a otros puntos, en muchos casos añadiendo algunas que se han quedado fuera en esta primera muestra.

En el caso del Centro Cultural Lope de Vega, un grupo de objetos complementan a las fotografías. Algunos aluden a espacios específicos, como el cementerio de San Isidro. Otros no tienen un origen tan claro, como la cristalera que guarda una silla desvencijada junto a un bastón y un pantalón vaquero manchado de tierra.

Reliquias personales que cuentan historias colectivas, las de las casas surgidas del barro alrededor de un arroyo, el Abroñigal, luego sepultado por el asfalto. Así es la M-30, de todos y de nadie, camino y obstáculo, nexo y frontera. Quizá por esos choques impresionan tanto las fotos en las que León juega con los contrastes. Esas en las que la oscuridad domina el cuadro, pero una fuente de luz emerge para poner rostro y dignidad a quienes viven arrinconados en las sombras.