Si es martes, es asesinato ya está disponible para los usuarios de Disney+. La serie propone a los espectadores una historia de misterio al más puro estilo 'Cluedo', aderezada con un sinfín de giros y una elevada dosis de costumbrismo español. Con motivo de su estreno en la plataforma, el reparto principal toma asiento con verTele para concedernos una entrevista donde abordan todo tipo de detalles. El más sorprendente tiene que ver con una escena durante el rodaje, a juzgar por la reflexión de Inma Cuesta: “Es un peligro, lo hicimos nosotros jugándonos la vida”.

Los intérpretes Álex García, Ana Wagener, Inma Cuesta y Biel Montoro se someten a una batería de preguntas relacionadas con una ficción plagada de ingredientes clave como “Lisboa, misterio, comedia y personajes muy eclécticos”. Como ya avanzamos en la crítica, este título cumple en la plataforma con voz propia más allá de Solo asesinatos en el edificio. Preguntados precisamente por esta aparente similitud, el elenco valora la comparación de los espectadores como “un piropazo”: “Es una de las referencias que teníamos”.

Otra de las grandes diferencias destacadas por los actores tiene que ver con el tipo de humor que la serie lleva por bandera: “La comedia que tenemos en España no tiene nada que ver, hay mucha diferencia”. Esa esencia costumbrista es posible gracias al elenco, como destaca García: “La serie tiene un casting muy tierno, es un logro y una ventaja para el espectador”. Sea como fuere, los miembros del reparto evidencian una conexión que, a juzgar por las tramas abordadas durante los episodios, puede tener continuidad.

La escena más complicada: “Pensaba que morían”

Como en toda obra audiovisual, los equipos humanos invierten mucho esfuerzo durante los rodajes para lograr un producto redondo. Las anécdotas suelen ser un asunto recurrente de conversación entre ellos, y Si es martes, es asesinato no es una excepción. Biel Montoro destapa durante la entrevista una situación de lo más sorprendente a la par que peligrosa junto a Luisa Gavasa por las cuestas de Lisboa: “Íbamos en los GoCars, que son como coches turísticos, y conducía yo”.

La escena requería que el vehículo tomase cierta velocidad —no entramos en más detalles para evitar spoilers—, mientras los intérpretes recibían órdenes a través de un walkie-talkie. Para evitar que el dispositivo irrumpiera en imagen, Montoro decidió sacarlo: “Mientras estábamos bajando, empezaron a decir 'corten, que está saliendo un coche'. No lo escuché. ¡Pero por qué salió un coche ahí en medio!”. Recordando esta situación, en un ambiente distendido y con humor, Inma Cuesta comparte su valoración: “Yo pensé que morían”.

Así es 'Si es martes, es asesinato', la serie de Disney+

El gigante Disney+ apuesta por una historia protagonizada por un variopinto grupo de turistas españoles que viajan a Lisboa. Sin esperarlo, un aparente error de planificación los lleva a un hotel con estética decadente que esconde varios secretos. El primer día ya vaticina que su estancia no será del todo agradable tras encontrar a uno de ellos muerto en la bañera de su habitación. En ese momento, cuatro amantes de los misterios y las novelas policiacas unen fuerzas para averiguar quién es el responsable.

A medida que avanza su particular investigación, incluso sospechando de algunos compatriotas, el cuarteto se enfrenta a diversos escollos: la inoperancia de la Policía, la aparición de nuevos sospechosos y la amenaza de ser expulsados de la ciudad. Poco a poco, sus propios secretos van saliendo a la luz mientras el tiempo corre antes de que sus vacaciones terminen. La serie cuenta con siete episodios y se estrenó el pasado martes, 31 de marzo, a nivel global.

Un parque de perros y siete personas que interactúan entre sí mientras pasean a sus mascotas. Así de sencillo es el planteamiento de Vida perra, la nueva serie española de Prime Video. La ficción, desvelada en exclusiva por verTele a principios de diciembre y disponible desde este viernes 27 de marzo en la plataforma de Amazon, es una sucesión de breves sketches repartidos en 10 capítulos de 25 minutos de duración, en cada uno de los cuales se abordan con ironía y humor temas actuales y atemporales.

Producida por Dynamo con Mediterráneo Mediaset España Group, su formato es muy parecido al de Camera Café, cuya aparición a principios de siglo supuso toda una novedad por la brevedad de sus tramas. Una brevedad que ahora resulta pertinente en la era de TikTok, los reels de Instagram, los shorts de YouTube y la aparición de las primeras series verticales. En definitiva, un nuevo escenario digital del que no son ajenos ni los responsables de esta ficción, para la que se han grabado escenas hechas específicamente para las redes, ni sus protagonistas. “Esta serie se podría ver perfectamente en un móvil, no es Ben-Hur. Está claro”, comenta sin rodeos Jordi Sánchez a este portal durante una entrevista promocional de la serie, que fomenta la adopción de animales en colaboración con S.P.A.P. (Sociedad Protectora de Animales y Plantas de Madrid).

El actor de La que se avecina, que define Vida perra como “teatro grabado” por su sencillez visual, asume que los tiempos están cambiando. También lo hace Elvira Mínguez, una de sus compañeras en este proyecto. “No se pueden poner puertas al campo (...) La horizontalidad ha dejado paso a la verticalidad. Es un hecho y es lo que hay. Lo que tenemos que intentar, como siempre, es hacer eso de la mejor manera posible”, declara la actriz con una mezcla de resignación e indignación.

“El paternalismo está invadiendo todos los campos”

A medida que avanza la entrevista, lo segundo va comiendo terreno a lo primero. De hecho, la intérprete siente que las series actuales la toman “como una espectadora imbécil a la que hay que darle todo muy mascadito para que se entienda”, como ya defendió durante la promoción de La sombra de la tierra. El problema no es suyo, sino de cómo creen las cadenas y plataformas que se comporta el público actual: “Ya cuentan con que se va a levantar a comer y que va a mirar el móvil al mismo tiempo que está viendo la serie. Por eso se repiten tantas veces las cosas, que dices 'que esto ya lo he dicho, que no es imbécil la persona que está ahí'. Pero resulta que igual está en el baño o respondiendo a un WhatsApp. A mí esto me parece terrible, francamente”.

“El paternalismo está invadiendo todos los campos: la política, el trabajo...”, añade Sánchez. “A mí me parece terrible, y si el momento en el que estamos es ese, y tenemos que pensar, graduar y hacer nuestro trabajo de tal manera que tenemos que pensar que un señor está respondiendo un WhatsApp pues santo dios, qué horror”, lamenta Mínguez, para la que hay una cosa que nunca cambiará: que la labor de actores, guionistas y directores “se resume en contar una historia” por encima de todo, independientemente del formato y la duración que ésta tenga.

Cuarenta y cinco años después del secuestro de Quini (el mayor goleador del FC Barcelona en 1981), Movistar Plus+ estrena Por cien millones, la serie que recuerda aquel sorprendente suceso que tuvo en vilo a la sociedad española durante casi un mes. Por suerte (dicho esto entre comillas), el jugador cayó en manos de tres mecánicos de Zaragoza. Ni ETA ni los GRAPO. Sus secuestradores eran tres desempleados asfixiados por las deudas. Tres hombres que creyeron que la libertad de Quini bien valdría un cheque lleno de ceros.

La serie que firman Nacho G. Velilla y Oriol Capel aborda el tema desde la comedia. Además de poner el foco sobre las situaciones absurdas que se produjeron durante el secuestro, han humanizado a los autores del mismo, pero todo ello sin olvidar que la familia del futbolista sufrió un auténtico calvario hasta que la Policía localizó el zulo en el que llevaba 25 días retenido. Difícil encontrar un equilibrio entre el drama y el humor en un caso así, de modo que los creadores de la serie han querido que los hijos del barcelonista supervisaran el guion.

“Es un tono muy delicado de encarar (...) Sería gracioso si fuera una comedia de los Coen, pero es un hecho real”, reconoce el actor Raúl Arévalo, que da vida a uno de los secuestradores. Los otros dos están interpretados por Vito Sanz y Gabriel Guevara.

Entrevistados por verTele, manifiestan su sorpresa por la forma en la que se desarrollaron los acontecimientos, tanto por la pésima gestión del secuestro como por la manera en la que el futbolista afrontó la situación. Quini perdonó a sus captores e incluso les libró del pago de la indemnización. “Creo que él entendía quiénes eran esas personas”, comenta Vito Sanz, convencido de que el 'pichichi' del Barça llegó a empatizar con aquellos tres hombres desesperados.

Pero Quini era especial. Tenía el aprecio de la afición y no aparentaba tener una lujosa vida como las que tienen los 'astros' del fútbol actual. “Estaba más anclado a la calle. Ahora viven en un mundo de dinero y soberbia”, lamenta Arévalo, que no tiene muy claro si podría darse hoy en día un perdón tan generoso como aquel. En cualquier caso, añade, tampoco quiere comprobarlo.

Por cien millones se estrenó al completo en Movistar Plus+ este jueves 26 de marzo. Su reparto lo completan Agustín Otón, Natalia Huarte, Julia de Castro, Aixa Villagrán y María de Nati.

Candela Peña entró este martes en el plató de La Revuelta pidiendo a David Broncano unos minutos para lanzarle “una crítica” por lo que él y Grison hicieron el pasado jueves durante la visita de Pedro Almodóvar al programa. La actriz, colaboradora de habitual del espacio de humor de RTVE, afeó a los cómicos que jugaran a lanzarse un trozo del flan casero que el reputado cineasta les había llevado y que había sido preparado horas antes por su hermana. “Te voy a regañar Davi. Y a ti también”, advirtió a sus compañeros.

“No se juega con esa tontada del arrojo de la comida”, empezó diciendo Candela Peña, al tiempo que Grison y Broncano se defendían asegurando que siempre “se come todo” lo que el presentador de la pública le lanza. “Sois unos 'heteruzos' de mucho cuidado. Que le tires una migaja o un cacahuete, vale. Pero que María Jesús Almodóvar Caballero ha comprado 24 huevos para hacer dos flanes. Que ese flan es como ganar un Oscar”, reprochó la intérprete, incidiendo en la buena fama que tiene el flan de la hermana de Almodóvar dentro de la industria del cine.

“Yo soy María Jesús en mi piso, fregando el resto de todos los hueveríos, y veo que estos maricones se están tirando mi flan... Os regaño, Davi”, insistió Candela Peña, abroncando entre bromas a Broncano y Grison por la desconsideración que tuvieron con el regalo del manchego. “Pero si el propio don Pedro dijo: écheselo a la boca”, aseguró el cómico, que dijo que era cosnciente de “que el flan de Almodóvar es una cosa mítica dentro del mundo del cine” y que en todo momento contó “con la connivencia de Pedro”. “Él dijo 'ok' a hacerlo, ¿eh?”, defendió el de Orcera.

Candela Peña abronca a Broncano y Grison: “Fue una ordinariez”

Candela Peña replicó a su compañero, haciéndole ver que Almodóvar se pudo haber sentido comprometido: “¿Pero qué te va a decir una persona que está aquí y ya estás tú con el cacho de flan en la mano? ¿Qué te va a decir?”, cuestionó la colaboradora. “Pero Almodóvar tiene mucho mando, si el no quiere hacerlo, no se hace”, afirmó Broncano.

“Eso fue una ordinariez”, lamentó la actriz, que definió el flan de Almodóvar como “el Santo Grial” y contó varias anécdotas que recalcaban el honor que era que el cineasta te invitase a probar este afamado postre. “Claro, tú probándolo como un momento importante y yo aquí tirándoselo a Grison a la boca”, admitió el presentador de La 1. “Pues no me parece bien”, opinó Peña mientras Broncano celebraba “desacralizar ese tipo de cosas”.

Finalmente, La Revuelta volvió a emitir este cuestionado momento que, según el cómico, “quedó muy elegante”: “Mira qué contento está Pedro, con una carilla de ilusión...”, justificó Broncano. “Lo que la cabeza me está mandando me lo voy a guardar para mí”, se contuvo Candela Peña antes de continuar con su sección en el programa.

Netflix estrenó el pasado viernes Esa noche, su nueva serie 'anti-thriller' protagonizada por Claudia Salas, Paula Usero y Clara Galle. Tres actrices que tras iniciar sus carreras en la interpretación a muy corta edad, lideran el nuevo gran título del gigante del streaming convertidas en referentes de una generación.

Sobre este asunto reflexionan con verTele en una entrevista realizada previa al estreno, y en la que hablan tanto del proyecto en sí como de ese salto que han experimentado desde personajes juveniles a mujeres adultas en series de televisión. “Esa noche es un thriller que viaja entre la comedia delirante y el drama más profundo”, apunta Salas, a lo que Usero explica que han construido su relación de hermanas en ficción desde la verdad: “No somos actrices que trabajemos desde la falsedad, nos hemos cuidado mucho”, afirma.

Sobre su papel en esta serie, una madre joven que se enfrenta a una situación insólita y que busca desesperadamente proteger a su hija, Clara Galle se muestra satisfecha por haber podido abordar un personaje así después de títulos más juveniles como Olympo o A través de mi ventana: “Estoy muy contenta de todos los proyectos que he hecho para un público más juvenil, pero este ha sido muy especial porque era el primero en el que el target único no era ese”, comenta, al tiempo que Paula Usero manifiesta su voluntad de “abordar personajes más complejos” en sus próximos proyectos.

El caramelo envenenado de ser referentes: “Hay que tener mucho cuidado”

Por último, preguntadas por su compromiso como actrices que cuentan con un gran altavoz en sus redes sociales, dejan varias reflexiones interesantes. “Es vital utilizar bien tu altavoz, porque puedes usarlo mal. Todo se ha digitalizado tanto que eres un referente sin pretender serlo, y te colocan en un sitio que es un caramelo envenenado porque de repente te encuentras con la responsabilidad de que llegue un mensaje que es importante para ti. Hay ausencia de buenos referentes. Yo quiero ser buena referente y me preocupo por serlo”, comenta Claudia Salas. “Hay un deseo en mí de ejercer este poder que me han dado porque no quiero desperdiciarlo, pero me parece que hay que tener mucho cuidado”, agrega.

Paula Usero, por su parte, se muestra convencida de que tanto sus compañeras como ella están “en el lado bueno de la historia porque somos de verdad, somos personas reales con inquietudes y cosas que nos preocupan. Y lo más importante si tienes un altavoz es que lo uses de la manera más verdadera posible contigo misma”.

Luke Thompson y Yerin Ha están más que orgullosos con el resultado de la cuarta temporada de Los Bridgerton, que este jueves 26 de febrero estrena su segunda parte -que comprende del capítulo 5 al 8- en Netflix. Los intérpretes que dan vida a Benedict Bridgerton y Sophie Baek, protagonistas de la actual entrega de la ficción, aseguran durante un encuentro con verTele que los fieles fans de la saga “van a quedar muy satisfechos” con su desenlace.

Para la actriz, Los Bridgerton supone su gran salto al estrellato tras haber tenido papeles secundarios en otras series populares como Halo (Paramount+) o Dune: La Profecía (HBO Max). Una oportunidad que la australiana define como “un regalo” y “un viaje mágico”, a pesar de la tensión previa por las expectativas que pusieron sobre ella los seguidores de la franquicia: “Creo que incluso me puse presión extra a mí misma”, confiesa. “Pero tuve que dejar un poco eso a un lado, asegurarme de centrarme en el trabajo y simplemente confiar en que dar lo mejor de mí sería suficiente para los fans”, expresa.

Luke Thompson, por su parte, admite que nunca imaginó un destino así para Benedict en el amor, a quien cree que la cuarta temporada “lo desafía de verdad y pone de relieve todos sus defectos y todas sus grietas como personaje”. En esta línea, el actor británico destaca la importancia que su personaje y su historia han tenido para las personas bisexuales, en especial para los hombres bisexuales que tan poca representación tienen tanto en la ficción como en los espacios públicos de la sociedad.

“Es realmente refrescante ver a un personaje masculino que no esté preocupado por el sexo”, empieza diciendo Thompson a verTele, tal y como se puede ver en el vídeo de la entrevista completa que aparece en la parte superior de esta pieza. “Siento que el sexo masculino muchas veces se retrata de una forma muy rígida, muy encasillada, como si fueras una cosa o la otra. Y permitirle existir en un mundo donde en realidad todo vale, y donde eso no parece estresarlo ni afectar a su sentido de identidad, creo que es algo muy refrescante de ver”, reflexiona antes de que ambos pongan también en valor el “mensaje de amor” que se envía desde Los Bridgerton en un momento en el que el odio campa a sus anchas por “un mundo bastante dividido”.

Luke, sin desvelar detalles del final de esta cuarta temporada, ¿es este el destino que esperabas para Benedict cuando comenzaste la serie?

Luke Thompson: No, no, y la verdad es que me parece genial... porque creo que no está sobre el papel. Creo que lo bonito de esta historia es que, sobre el papel, cuando miras atrás en las tres primeras temporadas, esta no es la historia de amor que necesariamente imaginarías que alguien como Benedict viviría, aunque hay algunos elementos de ello.

Me hace gracia porque, en cierto modo, Benedict es muy relajado y eso quizá no encaja del todo con el tópico del 'amor a primera vista', pero hay pequeños indicios de que sí tiene esa vena romántica. Y me parece bonito, porque refleja muy bien cómo funciona el amor, supongo. Simplemente pasa, surge donde surge, y resulta que esa es su historia. Así que me gusta porque es una historia que encaja con una parte de él, pero que también lo desafía de verdad y pone de relieve todos sus defectos y todas sus grietas como personaje.

Yerin, ¿cómo ha sido para ti incorporarte ahora a una serie tan exitosa a nivel mundial como 'Los Bridgerton'? ¿Te preocupaba cómo iban a recibirte los fans?

Yerin Ha: Sí, o sea, la presión estaba ahí. Creo que incluso me puse presión extra a mí misma. Pero, al mismo tiempo, es un regalo poder entrar en una serie que sabes que es tan exitosa y que tiene una base de fans tan grande, así que la verdad es que ha sido un viaje mágico. Creo que sabía que los fans son muy apasionados con las parejas que les encantan, así que realmente quería hacerle justicia a Sophie. Pero tuve que dejar un poco eso a un lado, asegurarme de centrarme en el trabajo y simplemente confiar en que dar lo mejor de mí sería suficiente para los fans.

Me encanta que 'Los Bridgerton' sea una vía de escape en un mundo que ahora mismo está bastante dividido

Yerin Ha, actriz de 'Los Bridgerton'

Luke, ¿cuánto de importante crees que es tu personaje y tu historia en 'Los Bridgerton' para las personas bisexuales y, en concreto, para los hombres bisexuales?

L.T.: Creo que lo bonito del personaje, en general, es que todo tipo de personas pueden verse reflejadas en él. Desde luego, no me corresponde a mí decirle a la gente qué experiencia representa para cada uno. Creo que es un personaje individual, y pienso que mucha gente podrá verlo así. Y creo que tienes razón: es realmente refrescante ver a un personaje masculino que no esté preocupado por el sexo. Supongo que eso será tanto cultural como algo innato, la verdad es que no tengo la respuesta, no soy psicólogo. Pero siento que el sexo masculino muchas veces se retrata de una forma muy rígida, muy encasillada, como si fueras una cosa o la otra. Y permitirle existir en un mundo donde en realidad todo vale, y donde eso no parece estresarlo ni afectar a su sentido de identidad, creo que es algo muy refrescante de ver. Y sí, simplemente es bonito ver una versión diferente de esa historia, supongo.

¿Creéis que es clave el mensaje de amor que enviáis desde la serie ante el odio que hoy en día se extiende por el mundo?

L.T.: Bueno, es bonito formar parte de una serie que puede levantar el ánimo, ¿no? La realidad es cada vez más y más complicada, y “complicada” es un término que se queda corto. Pero es agradable estar en una serie que va un poco de fantasía, de un poco de esperanza y un poco de magia, porque creo que todos necesitamos eso. Y creo que hay una verdadera sed de un poco de imaginación y de ligereza.

Y.H.: Voy a citar a Bad Bunny, pero...

L.T.: Eso es muy, muy útil.

Y.H.: Pero, ya sabes, él dijo que la única forma de combatir el odio es a través del amor, y creo que necesitamos más de eso en nuestras vidas. Y creo que eso es algo que Los Bridgerton hace muy bien: anima a la gente y le recuerda que, en realidad, a través de la conexión y de la comunidad somos más fuertes juntos. Y me encanta que Los Bridgerton pueda hacer eso y al mismo tiempo ofrecer una vía de escape, sobre todo en un mundo que ahora mismo está bastante dividido. Es una forma de recordarnos que también necesitamos ser más amables unos con otros.

L.T.: Eso es el oficio de la interpretación en su mejor versión, ¿no? Creo que la razón por la que quieres actuar es porque quieres comunicar, quieres recordarles a las personas que no somos tan diferentes y que podemos hablar entre nosotros. Creo que esa es, literalmente, la mejor parte, o la más significativa al menos para mí, del trabajo de actor.

¿Creéis que los fans de los libros quedarán satisfechos con el final de esta temporada?

L.T.: ¡Sí!

Y.H.: Van a quedar muy satisfechos.

L.T.: Sí, creo que ha sido una temporada muy fiel al libro, la verdad, pero que también lo ha ampliado, ¿sabes? Y además hay muchas sorpresas. Así que sí, eso espero, espero que les guste, sí.

Y.H.: Estoy de acuerdo.

¿Qué Bridgerton os gustaría que protagonizara la próxima temporada de la serie? ¿Sobre qué personaje os gustaría saber más?

L.T.: ¡No lo sabemos! [Risas].

Y.H.: [Risas] Voy a decir... voy a decir John, el lacayo ¡y ni siquiera es un hermano Bridgerton!

L.T.: Creo que me interesan todos, la verdad, como que...

Y.H.: Buena respuesta.

L.T.: Pero es cierto, miras a todos los hermanos...

Y.H.: Me interesa la dama de compañía, me interesa si vamos a tener un perro... [Risas].

L.T.: Sí, hay de todo. Pero no, en serio, creo que la serie hace un buen trabajo de honrar a cada hermano, ¿sabes?

Y.H.: Y va a contar una historia preciosa, una historia nueva, sea cual sea el personaje que venga después, así que...

L.T.: Exactamente, sí.

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Luis Tosar y Claudia Salas viajan al corazón de la extrema derecha con Salvador, la nueva serie española de Netflix. Él interpreta a un médico que trabaja para enmendar los graves errores que cometió en el pasado, y ella es una joven desencantada con la vida que se refugia en una organización neonazi de Madrid. Que sus caminos acaben entrelazados es una cuestión de puro azar.

Tras dejar su impronta en Patria y Entrevías, el creador y productor vasco Aitor Gabilondo se ha propuesto hacer una detallada radiografía del fenómeno político que tiene amenazada a la democracia, como analizamos en nuestra crítica. Es eso Salvador, un retrato de ficción “muy pegado a la realidad”.

Así lo describe su actor protagonista, que en una entrevista con verTele destaca la profundidad de la serie y la pluralidad de ideas que en ella se han plasmado para que la audiencia pueda sacar sus propias conclusiones. En un momento como el actual en el que “hay una absoluta falta de diálogo”, Tosar tiene la “esperanza” de que este proyecto de Netflix provoque una reflexión general, que “el espectador haga un análisis propio que no esté totalmente sesgado y polarizado”.

La manera de hacerlo, añade su compañera Claudia Salas, es ofreciendo al público una serie de alto impacto sobre la violenta naturaleza de la extrema derecha, sin olvidar que el sistema democrático también tiene sus propias fallas. “Esta historia tiene que incomodar”, defiende la actriz, que se adelanta a las críticas que, muy probablemente, se lanzarán contra esta ficción: “Una premisa de Salvador es generar un espacio sano y seguro de diálogo. Si alguien quiere hacer de ese espacio seguro un espacio de odio, no está en nuestra mano”.

Can Yaman consolida su presencia en la industria audiovisual con el estreno de El Turco, ficción que ya está disponible en Movistar Plus+. El actor, que está asentado temporalmente en Madrid por el rodaje de su primer trabajo en español con Secuoya Studios, ha aprovechado el lanzamiento de esta ambiciosa producción internacional para abordar las polémicas que rodearon a la serie, incluyendo su detención en un control antidrogas y la abrupta cancelación del proyecto en Turquía: “Hicimos una serie con coraje”.

El intérprete toma asiento para responder a las cuestiones planteadas por verTele, donde también se pronuncia sobre la “buena racha” que experimenta su carrera. “Cuando rodábamos la serie, otros actores decían que el papel estaba escrito para mí, que habían cosido todas las características para mí”, asegura, poniendo sobre la mesa que la historia está ambientada en Italia. Precisamente, Yaman se ha consolidado como un perfil clave en el país transalpino.

Con el reto de grabar una serie íntegramente en inglés por primera vez en su trayectoria, el natural de Estambul se pone en la piel de un héroe cubierto de barro. Lejos de ser ese “hombre perfecto” al que el público está acostumbrado, interpreta a un soldado gravemente herido durante el segundo asedio de Viena en 1683. Todas las escenas, como asegura, se concibieron con una “mirada internacional”; sin embargo, no lograron escapar de la censura en otras partes del mundo.

La polémica cancelación del proyecto en Turquía

La trayectoria de Yaman no está exenta del ruido mediático, quizás por su repercusión internacional. Durante la promoción de la serie en Rusia, unas declaraciones donde comparaba su vida en Italia y Turquía generaron cierto revuelo en su país de origen. De hecho, la plataforma Gain —especializada en el streaming otomano— emitió un comunicado donde se destacó que esa intervención había sido objeto de “diversas interpretaciones”, que incluso “hirieron sensibilidades”. Con este mar de fondo, la serie se canceló.

Con la intención de conocer su opinión al respecto, desde verTele ofrecimos la posibilidad de explicarse. “Dije que Italia porque vivía allí en aquel momento, pero no es algo malo. Yo estoy enamorado de Estambul. Si eliges a Cristiano Ronaldo, no dices que Messi es malo o viceversa. Se han ofendido y han cancelado. Pero nuestro objetivo era internacional y estoy muy contento porque lo está petando”, sentencia al respecto. Insiste además en que “si a causa de una tontería pasan algunas cosas”, en ningún caso sería “culpa” suya: “Eso no cambia el hecho de que es una tontería”.

La censura en la ficción turca

Cuando la ficción turca desembarcó en España generó un curioso fenómeno entre la audiencia, aunque poco a poco fue disminuyendo. La censura en las producciones que se estrenaban en nuestra televisión suscitó la curiosidad de parte de la industria, puesto que el Consejo Supremo de Radio y Televisión —RTÜK, por sus siglas en turco— pretende velar por los “valores familiares”. En consecuencia, no hay representación LGTBIQ+, escenas de sexo explícito, besos intensos o incluso consumo de alcohol.

Años atrás, la actriz Cansu Dere se pronunció al respecto frente a la prensa española en un evento al que asistió verTele: “Obviamente, hay limitaciones en nuestro trabajo. Hay normas que tenemos que cumplir por las condiciones del país donde estamos viviendo. No es muy bueno tener tantas limitaciones, pero tenemos que cumplir”. Tras plantear esta declaración, Can Yaman aborda la cuestión: “Nosotros hicimos esta serie con una mentalidad internacional, con coraje”.

La cuestión de la censura no es algo exclusivo de Turquía, según explica el actor: “Mediaset adquirió esta serie en Italia, y canceló todas las escenas de sexo”. Con este planteamiento, el intérprete deja claro que El Turco se planteó como un producto capaz de encajar en diferentes mercados a nivel global. Sin embargo, no todo tiene que ver con el país de nacimiento de una serie, sino con las ventanas en las que se exhibe. La existencia de filtros en distintos países, en palabras del propio Yaman, invitan a la reflexión: “Contéstame tú”.

Su nueva vida (temporalmente) en Madrid

El idilio del actor con España ha pasado de ser una visita de cortesía a una residencia temporal. Después de tres meses rodando en Tenerife, el actor se ha trasladado a Madrid para continuar con su nuevo proyecto junto a Secuoya Studios. En El laberinto de las mariposas comparte reparto con intérpretes como María de Nati o Andrea Duro, lo que le llevó a estudiar castellano. La producción de esta serie coincide con la promoción El Turco: “Es una coincidencia, una buena racha para mí, a nivel de mi carrera en España”.

No descarta un futuro en nuestro país: “Estoy muy ilusionado. ¡A ver si me gusta! Intentaré averiguar, porque trabajo muchísimo, cómo se vive y cómo es la movida. A lo mejor un día decido venir a vivir a Madrid como vivo en Roma”. Sea como fuere, Can Yaman sigue aumentando su relevancia entre la audiencia patria tras un primer contacto que se produjo en 2019 —gracias al canal Divinity— tras el estreno de Erkenci Kuş (Pájaro soñador). La ficción El Turco es solo un paso más para el intérprete en esta particular carrera de fondo.

Cristina, Olivia y Tinho, ganadora y finalistas de OT 2025, se enfrentan ya a su gran salto al vacío. Con el eco de los aplausos todavía resonando en sus oídos, y el destello de los focos aún grabado en sus retinas, los concursantes del talent musical de Amazon Prime Video se encuentran durante sus primeros días fuera de la Academia en una suerte de tan ilusionante como incierto limbo. En el umbral de un portal, como el que cruzaba Jim Carrey al final de El show de Truman, que separa ese catódico 'mundo de las ideas' en el que han permanecido aislados a lo largo de los últimos tres meses y el de la vida real que les espera tras un vertiginoso trampolín a la fama cargado de miedos e inquietudes.

Nosotros les esperamos al otro lado, dispuestos a ahondar, a través de una calmada y reflexiva charla, en esas primeras sensaciones, balances y expectivas que invaden sus pensamientos una vez han roto la burbuja en la que hasta ahora han estado protegidos. Apenas unas horas después de dejar atrás la escuela del histórico formato de Gestmusic, Cristina, Olivia y Tinho llegan a la redacción de verTele aún con la resaca -emocional y física- de todo lo vivido en las 48 horas previas y custodiados por un grupo de fans -y varios escoltas- que los han perseguido hasta nuestros dominios en un breve paseo por la siempre caótica Gran Vía de Madrid.

Una vez dentro, les invitamos a hacer una pausa y pararse a reflexionar sobre el impacto personal y profesional que creen que les ha dejado su paso por Operación Triunfo, siempre desde tres perspectivas temporales. Primero de pasado, echando la vista atrás para explicar los motivos que les llevaron a probar suerte en el programa y hacer un escrutinio sobre todo lo que les ha aportado, o no, el concurso presentado por Chenoa. Después de presente, con una mirada al interior de cada uno en la que hablar con franqueza de sus aspiraciones de éxito, sus responsabilidades discursivas frente a temas sociales o políticos, y su preparación para todo lo que les viene.

Y, finalmente, otra de futuro, con la sevillana, la madrileña y el gallego proyectándose en el tiempo para expresar los deseos que tienen para sus respectivas carreras musicales: “A mí me haría ilusión que la gente piense en que el trabajo siempre te lleva a donde tú quieres llegar”, comenta Olivia. “Me gustaría que me recordaran por las actuaciones que he hecho”, añade Cris. Y Tinho sentencia: “Sería guay que te recordasen por lo que hiciste después, por los temas que has sacado. Que te recuerden por el músico que fuiste después de Operación Triunfo”. Que así sea.

*Puedes ver el vídeo de la entrevista completa encima de estas líneas

¿Cuál era vuestro objetivo al presentaros a Operación Triunfo?

Tinho: Yo creo que todos teníamos un poco el objetivo de dedicarnos a lo que nos gusta, o sea, a hacer música.

Cristina: Para mí, creo que fue más la formación incluso, porque yo no había recibido, por ejemplo, clases de técnica vocal. Me interesaba mucho recibir formación porque es lo que más me gusta hacer.

Olivia: Yo también eso, y luego coger experiencia en cuanto a platós y las cámaras. O sea, eso me parecía muy heavy y algo que no puedes practicar fuera.

¿Qué referentes entre concursantes de otras ediciones teníais cuando decidisteis probar suerte en el casting?

Cristina: Yo tengo varios. Del año pasado me gustaban mucho Ruslana, Violeta... De OT 2017 todos realmente, pero me gustaban mucho Amaia, Aitana, Miriam...

Tinho: A nivel de inspiración de carrera me gusta mucho Ruslana, por ejemplo. Me encanta Amaia también y me encanta mucha gente de OT, pero no sé si haría exactamente algo parecido. Aún tengo que probar un poco mi sonido.

Olivia: Yo también quiero probar mi sonido y jugar a ver qué sale. Pero si tuviera que decir algún nombre diría que me encantan Aitana y Amaia.

En 'OT 2025' he podido enseñar mucho más de lo que yo quería. He aprendido un montón de estilos y he hecho géneros que nunca me hubiera visto haciendo

Olivia, segunda finalista de 'OT 2025'

Ahora que el programa ha terminado, ¿creéis que habéis podido enseñar todo lo que sois como artistas?

Olivia: Yo creo que sí. En el contexto en el que estábamos, creo que por mi parte he podido enseñar mucho más de lo que yo quería. Y he aprendido un montón de estilos y he hecho géneros que nunca me hubiera visto haciendo. Yo estoy muy agradecida por la cantidad de cosas que hemos podido hacer.

Cristina: El haber llegado a la final, y haber hecho todas las galas que se pueden hacer, también nos ha dado un abanico más grande de posibilidades. Y también hemos cantado mucho en la Academia con el piano, hemos mostrado otras cosas y composiciones que hemos hecho. Entonces, ha sido una oportunidad muy guay.

Tinho: Yo estoy muy orgulloso de todo lo que he hecho. Además, a nivel de canciones, he hecho cosas igual no tan comunes y de eso estoy también muy contento.

Uno de los asuntos de los que más se ha hablado este año ha sido de las limitaciones en el repertorio por los derechos musicales. ¿Os habéis sentido limitados de alguna forma por este conflicto? ¿Las alternativas las proponía el programa, o vosotros?

Tinho: A ver, tú planteabas varias opciones y siempre había alguna que te decían: “Bueno, pues esta no va a poder ser”. Pero yo creo que todos estamos muy contentos con las canciones que hemos hecho escogiéndolas nosotros. Yo igual he planteado varias y a una me han dicho que no, a otra me han dicho que sí, a otra me han dicho que se mira, a ver si se consigue o no...

Cristina: Algunas tardaban como un tiempo. Decían: “Bueno, no podemos tenerla ya, pero a lo mejor si aguantas hasta la gala 11, dentro de un mes, pues sí te la podemos dar”.

Tinho: Evidentemente, el tema de los derechos es algo que no ayuda, pero al final sí que yo estoy muy contento y he hecho cosas que yo quería hacer aquí.

Olivia: Totalmente de acuerdo. Tampoco te quedabas con una canción que odias, o sea, por mi parte no estaba nunca disgustada con la canción. Yo daba muchas opciones y a ver cuál salía.

¿Qué canciones teníais en vuestras listas y no habéis podido cantar?

Tinho: A mí la que se me quedó por ese motivo fue Life on mars, de David Bowie. Fue la única que me dijeron que no por derechos. Luego hice cosas que me gustaban lo mismo, así que no pasa nada.

Olivia: Yo quería hacer al principio una de Ariana Grande y al final no pude. No recuerdo cuál. Al final hice Break Free, que también me encanta, pero iba a hacer otra. [Hace memoria].

Cristina: Yo es que me hice una playlist de canciones cuando nos dijeron que entrábamos. Quería hacer algo de Mecano y 'Eungenio' Slavador Dalí me parece un tema brutal. Me habría gustado hacer una salsa de Nathy Peluso, Erótika o La Presa. Y en la final quería hacer Golden Slumbers, de los Beatles, y tampoco pude. Diría esas.

Olivia: ¡Y yo no me acuerdo! ¡Perdón! Quería hacer una de Ariana Grande y al final no se pudo, pero estuve supercontenta. Al final me convencí y, en verdad, Break free me gustó hasta más, así que me quedé muy contenta.

Las expectativas en una industria en la que no caben todos

Tras cada edición de Operación Triunfo, independientemente del mayor o menor seguimiento o repercusión que haya podido tener el concurso, surge siempre la misma reflexión: “En la industria musical no hay hueco para 16 nuevos cantantes”. Al contrario de lo que ocurría en los primeros años de vida de OT, y paradójicamente en contra de la vocación con la que fue creado el formato -la de una catapulta rápida hacia el éxito-, a los jóvenes que se animan a entrar en la Academia ya no se les miente ni se les vende motos: el programa no asegura una carrera musical a nadie.

En las últimas etapas de OT, tanto en TVE a partir de OT 2017 como en Prime Video desde 2023, Noemí Galera y el resto de responsables han insistido mucho a los concursantes en esta advertencia. ¿Pero es un mensaje y un aviso que cala entre los triunfitos? ¿Se pueden rebajar expectativas tras colocarlos de la noche a la mañana en uno de los espacios televisivos más seguidos entre los jóvenes? Ejemplos como el de Lucas, finalista de OT 2023 que tuvo que volver a trabajar como camarero para ganarse la vida, parecen haberles servido para mantener los pies en el suelo.

Durante el programa habéis tenido muchas visitas de exconcursantes de OT, y todos os han ido orientando y dando consejos para ayudaros en vuestra salida. ¿Ha habido alguno que os ha marcado más?

Cristina: Yo voy a decir la visita de Salma. Me gustó un montón porque, claro, la gente que viene también te cuenta la parte que no es guay. Y Salma nos contó un poco sobre el hate que recibió. Me pareció que fue supersincera, superhonesta y me llegó mucho como persona.

Tinho: Yo me acuerdo también mucho siempre de la visita de Ricky Merino, que fue como superpráctica y muy guay. Tocó todos los puntos posibles y habló del dedicarte a la música sin ser necesario tener una carrera propia superimportante. Me pareció muy interesante.

Olivia: Yo iba a decir la misma, en verdad.

Cristina: Ricky nos habló de temas de contratos, de otras salidas como el teatro musical, de componer... Fue muy práctico la verdad.

Todos los exconcursantes han sido muy honestos a la hora de hablaros sobre lo que vais a encontraros. ¿Os ha asustado algo de lo que os han contado sobre la industria?

Tinho: A mí no. Yo creo que, después de tantas ediciones, también nosotros venimos un poco preparados para eso. Yo que sé, si esta edición hubiera venido detrás de OT 2017, y te plantas aquí, pues igual vendrías con otras expectativas. Pero, al final, nosotros sabemos lo difícil que es entrar en la industria musical y somos bastante conscientes de eso. Creo que venimos muy preparados en ese sentido.

Cristina: Dentro lo hablábamos mucho, que ha cambiado todo mucho desde OT 2017. Desde esa edición, sabemos que la gente que se presenta a OT no va a tener el mismo boom que entonces, porque es imposible. Por eso yo creo que venimos más preparados y más conscientes de que, obviamente es una oportunidad muy grande, pero que puede ser que no te acabes dedicando directamente a la música y que hay otras salidas.

Lucas Curotto os contaba que, a pesar de haber sido finalista, había tenido que volver a trabajar como camarero para poder ganarse la vida. ¿Vosotros estáis preparados para volver a vuestras vidas antes de OT en el caso de que vuestros proyectos no salieran adelante según las expectativas?

Cristina: Totalmente.

Olivia: Hombre, es que claro, yo creo que hay que estar abierta a todo por si acaso, porque nunca se sabe. Y está bien también escuchar esas cosas e ir asumiéndolo. Porque esto no es un boom para siempre. Yo creo que hay que tener eso en cuenta, obviamente.

Cristina: Y que la música es muy cara, lo hemos hablado. Si te quieres dedicar a la música, es muy cara y hay que tener mucha pasta.

Tinho: Si tienes dinero es fácil, pero si no...

Cristina: Si no, pues tienes que trabajar en otras cosas y no pasa nada, con toda la decencia del mundo en dedicarte a este trabajo como a cualquier otro.

¿Entrasteis a OT con un 'plan B' por si esto no funciona?

Tinho: Yo en mi caso no, estaba estudiando música e igual no sabía exactamente a qué dedicarme dentro de la música. Ahora tengo el objetivo y si no, pues seguiré estudiando y seguiré formándome para trabajar de lo que sea que tenga que ver con la música.

Cristina: Yo estaba estudiando Periodismo y Comunicación Audiovisual. Que, por cierto, estoy flipando con las entrevistas yendo a todos los estudios y platós, me gusta un montón. A mí me gustaba mucho la tele, me quería dedicar al mundo del entretenimiento. Y tampoco lo dejaría de lado, ¿eh? A lo mejor un día vuelvo a estudiarlo. Me gustaba mucho, la verdad.

Olivia: Yo estaba estudiando Teatro Musical, pero también me llama mucho la atención hacer una serie o una peli. Me encantaría.

Perfilando sus carreras desde dentro de la Academia

En las últimas ediciones de OT, Gestmusic ha acelerado la maquinaria, invitando a los triunfitos a componer y producir canciones durante su estancia en la Academia. Para ello, el programa ha puesto cada semana a su disposición a un equipo de 'A&Rs', responsables de 'artistas y repertorio' que los sellos discográficos tienen en sus filas como 'cazatalentos' en busca de potenciales estrellas de la música. Esta maniobra, que tiene como resultado un primer single que desde dentro definen como un 'trabajo de fin de curso' pero que se trata sin duda de la carta de presentación de los participantes, abre debate sobre esa lucha entre la libertad del proceso creativo y la imposición temporal que marca un voraz mercado.

Durante estos meses habéis tenido encuentros con 'A&Rs' [productores discográficos] para ir preparando vuestras carreras. ¿Os ha abrumado tener que empezar a componer un primer single, cuando quizás todavía no tenéis clara vuestra identidad como artistas? ¿O por el contrario os ha ayudado a definiros y encontrar vuestros sonidos?

Tinho: A mí un poco de las dos cosas. Sí que hay cierto punto de que te abruma, porque yo al principio, cuando entré a OT, venía de hacer música con mi grupo y no tenía el foco en qué querría hacer yo si estuviese haciendo algo totalmente mío. Entonces, te empiezan a reunir con gente y dices: “Buah, tengo que saber quién soy yo ya y qué quiero hacer”. Y realmente las cosas no se tienen que hacer tan de prisa. Sí que había cierto punto de tener reunión con los 'A&Rs' y pasarlo mal, en la primera reunión con ellos yo lo pasé mal, estaba muy agobiado. Pero luego creo que nos fuimos relajando y en la última reunión que tuve salí supercontento. Dije: “Qué guay, voy a hacer lo que me gusta, voy a intentarlo y me están dando la oportunidad”.

Cristina: No había ninguna presión tampoco. Era como: “Id allí, si tenéis algo, guay, y si no, empezad a hacer cosas”. Había gente que tenía canciones hechas, había gente que no... No era la obligación de tener que sacar una canción. Era cuestión de ir viendo e ir encontrando un poco lo que te gusta, con calma.

Olivia: A mí justo me ayudaba cogerlo desde ese punto de vista, porque para mí era muy nuevo todo. Yo estaba también hipertensa las primeras veces porque era todo muy nuevo para mí. Pero intenté verlo como jugar a ver qué sale y poco a poco me fui relajando más. Y me pareció superdivertido. Tengo muchísimas ganas de aprender y seguir haciéndolo.

Todos tenemos dentro cierta presión, eso de creer que el primer single te tiene que representar totalmente como artista. Pero puede que sí o puede que no. Me representa ahora y mañana a lo mejor no

Cristina, ganadora de 'OT 2025'

Aitana en su visita os dijo que podéis equivocaros a la hora de sacar singles y reconoció que a ella no le terminaba de gustar 'Teléfono' en su momento. ¿De qué manera cogéis ese consejo a la hora de sacar un primer single? ¿Os están dando tranquilidad porque podéis tomároslo con calma o tenéis que sacar algo ya?

Olivia: A mí me da mucha tranquilidad. Yo opino eso de que ahora hay que experimentar un poco y a ver qué sale. Y si no me gusta, pues bueno, cambio para el siguiente. Tampoco siento que tengo que esperar hasta el momento de encontrar mi sonido, porque es que puede que tarde años y prefiero simplemente ir sacando y a ver qué tal.

Cristina: Sí hay cierta presión. Que no nos la pone nadie, pero sí siento que la tenemos todos dentro. Eso de creer que el primero te tiene que representar totalmente como artista. Pues bueno, puede que sí o puede que no. Me representa ahora, de hoy que me he metido en el estudio y he hecho esto y me representa. ¿Mañana? A lo mejor no, pero bueno.

Tinho: Hemos hablado mucho entre nosotros que es muy probable que este single, en muchos casos, salga en el momento en el que mayor foco vayamos a tener de nuestra carrera y en el que más atención vamos a tener. Entonces, yo en mi caso tengo claro que no voy a sacar algo con lo que no esté muy contento, pero claro, eso no significa que un año después quiera redirigirme artísticamente a otra cosa. Yo creo que tenemos que ir sin prisa, con calma, y que nos puede gustar hoy y mañana no.

Cristina: Todo el mundo de los que han pasado por aquí dicen que el primer single ya no les gusta, pero bueno, no pasa nada.

Tinho: También es normal, porque lo acabas quemando.

Olivia: Pero está guay que se vea también la evolución y ver quién eras. Yo creo que eso también es muy bonito.

En la Academia se ha comentado que no todos vais a tener un contrato discográfico con Sony. ¿Ha habido conversaciones o alguna oferta sobre la mesa?

Olivia: Todavía no.

Tinho: Es que nosotros llevamos solo 24 horas en el mundo exterior. Entonces, no tenemos mucha información. Sí que sabemos que hay compañeros que están en sus negociaciones, pero claro, por nuestra parte no tenemos nada que decir aún.

Cristina: Hemos hablado con nuestros padres y ya está. Es lo único que hemos hecho.

¿O sea que dentro de la Academia esas conversaciones con discográficas no se han producido?

Tinho: No, no. [Coinciden los tres].

El compromiso social y político como referentes de jóvenes

Los concursantes de OT 2025, como suele ocurrir siempre que una edición del programa sucede a otra de gran éxito o mayor impacto entre el público, han sido expuestos durante estos meses a una inevitable comparativa con la generación anterior. Más allá de su voluntad para abrirse más o menos ante las cámaras, sus 'trucos' para saber cuándo poder abordar ciertas conversaciones o el autocontrol de sus emociones, los participantes de la actual temporada del talent han reflejado la imagen de una nueva hornada de jóvenes, como analizábamos en este otro artículo, aparentemente anestesiados con el mundo que les rodea.

En equiparación a lo que ocurría en años anteriores, con los de OT 2018 como grandes referentes de la conciencia social -presumiendo incluso desde su propio himno de ser “la generación de valientes que no callan ante el miedo”- y con el OT 2023 de la representación de la diversidad sexual y el “go lesbians, go!”, lo cierto es que este año han sido contados los momentos en los que los concursantes de OT 2025 han compartido sus inquietudes sobre asuntos de índole social o política. La reciente charla de Inés Hernand en las últimas semanas de convivencia, cuando les informó sobre la retirada de España de Eurovisión por la presencia de Israel, acabó subrayando un atronador silencio que dejaba en el aire una gran pregunta. ¿Las generaciones más jóvenes no se pronuncian por falta de información o por miedo a un mundo polarizado que traerá represalias para ellos por dar sus opiniones?

Hace unas semanas, durante la visita de Inés Hernand a la Academia se os advirtió de la responsabilidad y el altavoz que tenéis sobre diferentes asuntos sociales o políticos. ¿Os sentís presionados a tener un discurso o creeis que es importante tenerlo?

Tinho: Yo pienso que, en parte, somos artistas y tampoco tenemos por qué opinar de ciertos temas. Pero sí que es verdad que hay otros asuntos, como lo que estuvimos hablando de Eurovisión con el tema de Israel, que aparte de estar relacionados con la música caen de cajón. Si hay un genocidio, hay un genocidio, se dice lo que es y se actúa en consecuencia. Pero yo no siento una responsabilidad de que tenga que hablar de política. [Mira a sus compañeras]. No sé vosotras cómo lo veis.

Cristina: Aunque no me dedicase a esto, hay algo que me sale como persona y como ser humano. Es decir, es una cosa de derechos humanos. No es que como soy artista tengo que decirlo.

Tinho: Es que es de cajón. Todo es político, pero [ejemplos como ese] van más allá de la política.

Olivia: 'RT' [retuit, compartiendo la opinión de sus compañeros].

Estamos en un momento, con las redes sociales, en el que hay mucha desinformación. Además, hemos llegado a un punto de mucho conflicto en general con la política y apetece menos hablar de esos temas

Tinho, tercer finalista de 'OT 2025'

Durante esa visita, se os veía un poco callados y algunos reconocisteis no estar muy bien informados. Desde fuera algunos destacaban entonces la diferencia entre vuestra generación y la de OT 2018, donde hubo mucha más significación social o política. Siendo sinceros, ¿creeis que vuestro silencio es desinformación o pesa más el miedo a las consecuencias de expresar vuestras opiniones?

Tinho: Yo creo que estamos en un momento, con las redes sociales, en el que hay mucha desinformación. Además, hemos llegado a un punto de mucho conflicto en general con la política. Entonces, es verdad que es un momento en el que apetece menos hablar de esos temas. Pero yo, por ejemplo, sí que con Max he tenido conversaciones sobre la representación lingüística, sobre el problema de la vivienda, sobre muchas cosas. Cosas que al final están presentes en nuestra vida.

Cristina: Obviamente, ahí dentro daba miedo. Ahí dentro da miedo todo lo que digas, literalmente. Al principio un poco más, luego ya dijimos: “Mira, pues si no les gusta, pues ya está, ¿qué podemos hacer?”. Yo creo que ahora que estamos fuera y vemos un poco la realidad, estamos un poco más calmados todos.

Olivia: Yo voy a ser totalmente honesta y en mi caso creo que es desinformación. Esto es algo sobre lo que ahora siento responsabilidad. Siento responsabilidad de tener que informarme porque es algo que tenemos que hacer todos. No es una cuestión de presión, es ya por mí, de que quiero enterarme para poder hablar. Porque no es miedo a opinar, sino el tener que informarme bien antes de dar mi verdadera opinión.

Desde fuera tal vez se ha podido dar la imagen de una generación menos sensibilizada con el mundo que os rodea. ¿A vosotros os preocupa, por ejemplo, el avance de ideas retrógradas y el recorte de derechos? No tiene por qué ser a nivel personal, sino como generación.

Tinho: Sí, a nivel personal sí, pero sí que veo que, como generación, la tendencia actual es lo contrario, por desgracia.

Cristina: Yo siento que sí estamos sensibilizados. Recuerdo ahora que también hablamos una vez con Guillo algo sobre las personas bisexuales...

Tinho: Sí, igual no ha sido algo general como pudo ser en el de 2018.

Cristina: Sí, en OT 2018 es verdad que estuvo todo el rato presente y me pareció increíble.

Tinho: Y que luego hay gente que está más informada, o más sensibilizada con ciertas cosas, pues por su contexto, y gente que menos. Pero yo creo que es más por la tendencia actual.

Una mirada al futuro, siempre con cariño por 'OT'

A punto de cruzar ese umbral de incertidumbre que hablábamos al comienzo de la entrevista, Cristina, Olivia y Tinho sí tienen algunas certezas. De momento, en el horizonte, los finalistas de OT 2025 divisan ya la salida de sus primeras canciones como artistas en solitario y la gran gira de conciertos que darán junto a sus compañeros a través de 13 fechas y 13 ciudades de nuestra geografía.

¿Cómo os gustaría que os recordaran los fans de OT?

Olivia: A mí me haría ilusión que la gente piense en que el trabajo siempre te lleva a donde tú quieres llegar, en que hay que esforzarse para ver evolución y así siempre van a ver resultados. El trabajo solo va a dar buenas cosas.

Cris: Me gustaría que me recordaran por las actuaciones que he hecho. He intentado trabajar lo máximo posible, he intentado también dar mucha variedad... Así que sí, por las actuaciones, por cuando llegaban los lunes y hacía las galas.

Tinho: Yo diría por las actuaciones pero, sobre todo, sería guay que me recordasen por lo que hiciste después, por los temas que has sacado. Que me recuerden por el músico que fui después.

Olivia: Y por el haber sido uno mismo y que te dé igual lo que la gente piense, por ser auténtico.

¿Cómo creéis que recordaréis la experiencia en el futuro? ¿Qué percepción imagináis que tendréis de vuestro paso por el concurso?

Tinho: Yo creo que cuanto más tiempo pase, con más cariño lo voy a recordar. Ayer me puse a ver tiktoks por la noche en mi habitación y me entraba la llorera.

Olivia: Sí, sí, a mí me daba un poco de pena, de querer volver.

Tinho: Pero yo creo que se va a hacer más fuerte cuanto más tiempo pase.

Olivia: ¿Qué miedo eh?

Cristina: Yo, perdón, pero ahora mismo no estoy nada nostálgica. [Risas]. Necesitaba salir, lo siento.

Tinho: Necesitábamos salir todos y ver a la gente. Ahora mismo estoy como 'meh'.

Tinho: Cuando ya nos habituemos a nuestra vida normal vamos a... va a ser una cosa terrible.

Olivia: Es que estás muy seguro ahí dentro. Es como una burbujita, es muy cómodo.

¿Os ha dicho algo en especial Noemí Galera después de que se rompiera este cascarón y hayáis salido al exterior?

Tinho: A mí me ha dicho Noe que me vaya apuntando a la oficina del paro. [Risas] Ahora mismo me escribió.

Cristina: Nos ha enviado una foto superbuena, dándonos un abrazo, que mucha suerte y que descansemos también. Y que la tenemos ahí para lo que necesitemos.

El futuro de Operación Triunfo se encuentra ahora mismo en el aire después de que Amazon Prime Video no haya confirmado su renovación por una tercera temporada en la plataforma. Habrá que esperar para descubrir si finalmente el gigante del streaming sigue apostando por el formato o da vía libre a Gestmusic para que encuentre un nuevo destino. Mientras tanto, OT sigue demostrando que, cuando se van a cumplir 25 años desde su estreno en TVE, es todavía el mayor escaparate de talento en televisión, y el único capaz de ejercer de revulsivo de la industria musical con cada una de sus 'hornadas'.

Movistar Plus+ se guardaba para el tramo final de este año 2025 una de sus series más esperadas. Y desde este jueves 20 de noviembre, un 20N en el que se conmemora el 50 aniversario de la muerte del dictador Francisco Franco, sus suscriptores ya pueden ver Anatomía de un instante. Una ficción que ya hemos analizado en verTele, que adapta el libro homónimo de Javier Cercas para contar la Transición Española con el golpe de Estado fallido del 23F como eje.

Decir que “sus protagonistas son de sobra conocidos” vale tanto para los aquí personajes, como para sus actores. Porque para conocer más de ella, hemos podido entrevistar por un lado a Álvaro Morte (Adolfo Suárez), Eduard Fernández (Santiago Carrillo) y Manolo Solo (Gutiérrez Mellado), que encarnan a “los tres traidores” que se mantuvieron sentados en sus escaños del Congreso cuando retumbaron los disparos y el “¡Quieto todo el mundo!”; y por otro a David Lorente (Antonio Tejero) y Miki Esparbé (rey Juan Carlos I), el golpista y la figura monárquica que tantas dudas ha dejado con el tiempo.

Álvaro Morte protagoniza el primer capítulo como Adolfo Suárez, y del expresidente del Gobierno opina que fue una persona “que viene de una trayectoria dentro del movimiento franquista de la que sabe separarse, que no está anclada a nada y que tiene un objetivo ulterior mucho más potente”. Para el actor, su personaje “sabe que tiene un objetivo, no se casa con nadie” y que parte de su éxito nacía de su enorme capacidad de persuasión: “Hablaba con un falangista, o con un comunista, o con quien sea, y era capaz de llevarse bien con esa persona, intentar entenderse y hacerle creer a ese interlocutor que era su mejor amigo y que estaba a favor de todo lo que le pudiera decir”.

A sabiendas de que su carrera ha ido mucho más allá, nos atrevemos a preguntar a Álvaro Morte si, como estratega, Adolfo Suárez tiene puntos en común con El Profesor de La casa de papel, el personaje que le lanzó a la fama mundial. Y el actor es claro: “Yo no los he buscado. No sé si la gente encontrará algo, eso depende del público. La gente encontrará las similitudes que tenga que encontrar. Yo, desde luego, para Suárez no he tenido en cuenta ni El Profesor ni ningún otro personaje que haya hecho antes”.

Eduard Fernández centra el segundo episodio como Santiago Carrillo. El actor reconoce que ha “llevado bien” encarnar al mítico líder comunista, y confiesa que le “apetecía mucho hacer de Carrillo y hacerle un gran homenaje, darle el lugar que yo creo que se merece por todo lo que hizo por este país, por la democracia, y que fue arrasado por un vendaval que se llamaba Felipe González”. Tras la experiencia, el intérprete confiesa que le ha gustado interpretarlo porque “cuando lo encarnas, entiendes ese dolor de vivir 30 años en el exilio”, y resalta el dolor que impuso la dictadura: “Hubo gente que no podía vivir en su casa y tenían que estar fuera, y hay algunos que vivían en su casa pero no podían ser ellos mismos”. Por eso, celebra: “Creo que es bueno que se emita esta serie y que la gente joven la vea, que se vea lo que se luchó en este país y cuánto costó conseguir la democracia”.

El intérprete explica que para preparar su personaje empleó las muchas entrevistas e imágenes de Carrillo, pero que lo que más le gustó fue crear e “inventarse” sus escenas privadas, más íntimas. Destaca una en la que Carrillo y Suárez se reúnen a escondidas, que además fue la primera que tuvo que rodar (“dije: 'hostia, me pones la primera, la más difícil'”, bromea) por lo especial de ese paso de la política a las personas: “Era una escena muy bonita en la que se veía a dos personas que tenían que administrar la política y la llegada de la democracia a un país. Y al final todo se resume, creo yo, en lo personal: dos personas que se miran frente a frente, y como dice Suárez, 'si no lo solucionamos tú y yo, esto no lo soluciona nadie'”.

Manolo Solo encabeza el tercer capítulo como Gutiérrez Mellado, el único militar que en la serie muestra su faceta más frágil y familiar. El actor se ríe al señalarle ese contraste: “Una cosa no quita la otra. Se puede ser serio y recto cuando se tiene que ser. Yo creo que que Gutiérrez Mellado lo era cuando tenía que serlo. Y luego puedes ser cariñoso con los tuyos”. Del que llegó a ser vicepresidente de Suárez, al que mostró máxima lealtad pese a tener que ir “en contra de sus propios intereses o su propia estabilidad espiritual y mental”, resalta lo mal que lo tuvo que pasar: “Es un calvario lo que le supone ayudar a Suárez, es una inmolación a la que se presta”. Por lo que destaca haber podido dar vida a “un personaje lleno de contrastes”, bromeando con que ha intentado “no parecer un bailarín de contemporáneo, sino tener un porte militar”.

Al preguntarles si les da miedo encarnar a estos personajes en un momento con tanta polarización, los tres declaran que “no” al unísono. Manolo Solo sabe que habrá “gente que no le va a parecer bien”, pero Álvaro Morte defiende que es incluso “necesario” y que la serie puede ayudar a “clarificar” a la gente: “Que descubra hasta qué punto la democracia fue tan frágil, y que gozamos de lo que gozamos hoy por hoy gracias al esfuerzo de esta gente en aquel momento. Fue una cosa tremendamente complicada, y podíamos haber dado millones de pasos hacia atrás para volver a algo verdaderamente negro y oscuro”.

Queriendo valorar lo que tenemos, la entrevista acaba preguntándoles si esas sombras negras y oscuras se ciernen en la actualidad, y quien concluye es Eduard Fernández: “Hay un 17% de los chavales que dicen que les parece mejor la dictadura que la democracia. Es muy preocupante”.

David Lorente y Miki Esparbé son Tejero y el rey Juan Carlos

En otro set facilitado por Movistar Plus+ podemos entrevistar a David Lorente y a Miki Esparbé, que en Anatomía de un instante encarnan al golpista Antonio Tejero y al rey Juan Carlos I, respectivamente.

La primera aparición de Miki Esparbé en la serie destaca por cómo se impone con la voz del rey Juan Carlos, aunque explica que “era algo que no sabía exactamente si acabaría siendo así o no”, y que fue él quien lo propuso aún en la fase de casting, reconociendo que era “raro si hacemos algo y raro si no lo hacemos”, pero que al final tratar de imitar su característica voz “les gustó”. Pero el actor incide en que no han querido imitar: “Lo que hemos intentado el reparto es no llegar a hacer una imitación, porque no era la voluntad. Sí una aproximación”.

El actor bromea con que no pudo preparar el personaje con el ahora emérito, y aunque valora mucho la labor de los documentalistas de la serie, reconoce que le “habría encantado” poder preguntar directamente a los protagonistas de la historia sobre todo porque él aprecia que la serie tiene una virtud: “Navega todo el rato en la tensión entre lo privado y lo público. Nos interesaba adentrarnos en lo privado, en tratar de hacer una propuesta de cómo son estos personajes en la intimidad, en una reunión, en un despacho, en su casa...”. De rebote, el no poder acceder a la verdad de lo que sucedió el 23F, destacando que Cercas en el libro lo llama “un golpe sin documentos” por esos archivos que siguen clasificados, le lleva a una reivindicación como ciudadano: “No lo sabremos, al menos de momento. Es una injusticia muy grande no poder saberlo”.

No queda clara la implicación del rey en el 23F

Miki Esparbé

Una censura que le afectó al interpretar al rey: “Esto de no tener la información original, fue vencer un poco el prejuicio en torno a la figura”. Miki Esparbé nos explica también si le costó interpretar a “ese” rey, el de 1980 que aún dejaba dudas, pero sabiendo lo que sabemos del ahora emérito: “Teníamos que centrarnos en ese momento, ese rey”, sitúa, añadiendo que al final ha tenido que trasladar el relato de Javier Cercas, y valora: “Apunta a que más que el rey como salvador de la democracia, fue también el salvador de la Corona. Lo que quería por encima de todo era proteger la monarquía, y coge un sistema como el democrático para arraigar mejor esa monarquía”. Una reflexión que le hace volver a la misma valoración: “No queda clara la implicación del rey en el 23F. No lo sabemos ni lo sabremos nunca, creo, desgraciadamente. Pero deberíamos saberlo”.

David Lorente, siempre sonriente y con un tono aún más distendido, empieza por reconocer que Antonio Tejero era “un fanático de armas tomar, un prototipo de fanatismo”, pero explica que él ha intentado “encontrarle la contradicción” buscando qué le hacía ser así, y pone un ejemplo: “Descubrí es que era un cachondo con la gente. Tenía mucho carisma con sus subordinados, porque era un tío muy cercano, muy cachondo”. Aunque entre risas, tiene que añadir: “Estos son muy, muy peligrosos”. Se ríe aún más cuando le recordamos que, hace un mes, llegaron a publicarse noticias de que Tejero había muerto: “Alberto Rodríguez me puso un mensaje. Fue muy fuerte, sobre todo que resucitó. Le dieron la extrema unción, y este señor dijo: No, no, qué hostia, espérate, que todavía... ¡Y se fue a su casa!”.

Al actor le preguntamos por la escena que grabó en el Congreso real, encarnando a Tejero y pistola en mano gritando “¡Quieto todo el mundo!” para encabezar el golpe de estado. Y él reconoce: “Pelos de punta. Fue muy emocionante. Uno se mete a este oficio para hacer estas cosas”. Además, desvela que fue lo primero que se rodó de la serie, porque sólo podían lograr permiso en enero (“fuimos tres días a saco”, rememora) pero las grabaciones se retomaron en marzo, y de nuevo bromea y agradece la oportunidad: “Dije '¡Quieto todo el mundo!' 250 veces. Pero siempre... bueno, siempre no, ya a partir de las 150 se me fue bajando un poquito la cosa, pero también... Había como 200 figurantes, todo ambientado, era la hostia. Una suerte muy grande poder hacer todo esto”.

Los políticos actuales están todo el rato coqueteando con la tragedia, con enfrentarnos los unos a los otros

David Lorente

Para acabar, casi como un juego, les preguntamos si creen que los políticos actuales en unos años podrán merecerse una serie, y si se verían interpretando a alguno de ellos. Miki Esparbé es más políticamente correcto (como el gran rey Juan Carlos que ha interpretado, probablemente el mejor en nuestra ficción): “No hay ningún personaje a priori que diría que no. Para mí no es el qué, es el cómo. Lo importante es cuál es el enfoque”. Pero David Lorente juega y se moja:

“La verdad es que estos políticos de ahora son muy poco interesantes. Curiosamente se parecen mucho entre ellos, digo en las facciones que hay. Y además me preocupa que la serie tenga un final trágico, porque están todo el rato coqueteando con la tragedia, con enfrentarnos los unos a los otros. Si somos consecuentes y hacemos una buena serie, tendría que tener ese final. No sé si son conscientes de que ese final no lo queremos, pero a veces parece que no. Aquí, en esta comunidad autónoma [Madrid], oímos a nuestra líder decir cosas que si la hiciéramos caso estaríamos en la calle pegándonos. Es una barbaridad. Entonces, prefiero que no salga la serie”. Y acaba, como siempre, con una sonrisa.

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William Levy y Paula Echevarría apenas tuvieron tiempo para conocerse antes de empezar el rodaje de Camino a Arcadia, serie de Secuoya Studios y ViX en colaboración con William Levy Entertainment que llega este lunes 10 de noviembre a España de la mano de SkyShowtime. “Te vamos a contar la verdad. Nos conocimos media hora antes, en la comida antes de empezar a grabar nuestra primera secuencia donde ya somos una pareja que se ama y se quiere con locura”, confiesa la actriz a verTele en esta entrevista.

La intérprete explica que su compañero venía de hacer otro proyecto fuera de España y “no habíamos tenido tiempo de conocernos ni de ensayar antes”: “Y la verdad es que desde el primer momento... Hay una cosa que une mucho a la gente, que es la risa, y él y yo somos de risa fácil los dos, y yo creo que eso nos puso en el mismo punto a la par”, reflexiona al tiempo que él destaca “la energía tan positiva” de la asturiana y revela una divertida anécdota sobre ese primer almuerzo juntos antes de ponerse en faena.

En la serie, William Levy da vida a Pablo, un hombre que huyó junto a su hijo recién nacido de una violenta y turbulenta vida en México, dejando atrás a su mujer y un oscuro pasado. Se instala en Tenerife, en el ficticio pueblo de Arcadia, donde trabaja como entrenador de un equipo juvenil de lucha canaria y donde vive con su nueva pareja Irene, una cocinera a cargo de su propio restaurante en la isla a la que interpreta Paula Echevarría. “El proyecto en sí me pareció una maravilla. Me leí el guión, me gustó muchísimo. Me leí el primer guión y quería seguir leyendo el segundo, el tercero y el cuarto. Y cuando eso te pasa y te provoca esa sensación de querer saber qué va a pasar, es que tiene algo que te engancha”, asegura la actriz.

Por su parte, Levy, que también forma parte de la producción ejecutiva de la serie, afirma que “tener la oportunidad de ser parte del proceso de creación del proyecto me dio la oportunidad de disfrutar todo desde un principio”. En ese sentido, el cubano expresa su deseo de seguir produciendo ficción en nuestro país: “Lo que me gusta y lo que más me mueve a mí, la verdad, es el drama, es el thriller, es la acción”, declara, sin mojarse sobre con qué actores españoles le gustaría trabajar. “Yo creo que en este punto de mi carrera lo más importante es un actor o una actriz que sea buen compañero. No importa qué tan bueno seas actuando o cuánta carrera tengas en tu carrera, yo quiero trabajar con buenos compañeros”, señala.

Paula Echevarría cierra la puerta a 'MasterChef'

Aprovechando que su personaje en Camino a Arcadia es una cocinera, y que su marido, el exfutbolista Miguel Torres, es uno de los semifinalistas de la actual edición de MasterChef Celebrity en RTVE, Paula Echevarría se pronuncia sobre si, al verlo ahora desde cerca, se animaría a participar en el talent culinario de la pública: “Lo descarto. No me gusta cocinar. No me gusta nada cocinar. Y ya tengo en casa a alguien que cocina fenomenal, así que no, no. Cocino cuando no me queda otra, a ver si creéis que nunca he hecho un huevo. Claro que cocino, pero no es algo que me atraiga para nada. No lo disfruto, entonces participar en ese programa para mí sería una catástrofe”, argumenta la actriz en una idea que ya Miguel Torres avanzó a verTele durante una entrevista previa al estreno del programa.

Lo cierto es que tras una temporada centrada en el entretenimiento, con participación en Mask Singer y ejerciendo de jueza de Got Talent, Paula Echevarría ha retomado ahora su carrera como actriz tras varios años de parón. ¿Fue algo elegido, o no recibió proyectos que la sedujeran? “No le echo la culpa a los proyectos. Empezó siendo una obligación a nivel mundial, que fue una pandemia, que tenía un proyecto justo para grabar en ese año y se cayó por lo que todos ya sabemos. Después de eso me quedé embarazada y mis embarazos no son de los que se pueden tapar con una blusa holgada, créeme. Son de 30 kilos”, explica con humor, añadiendo que entonces decidió centrarse en su vida personal y en la crianza de sus hijos hasta que le llegó la oportunidad de involucrarse en Camino a Arcadia.

“Yo ya sentía que esa etapa ya estaba bien, estaba cumplida, donde a mí ya me pedía el cuerpo la necesidad un poco de volver a sentir esa adrenalina de un rodaje y el meneo de vida que te da una serie o una película, y llegó en el momento perfecto”, concluye.

Por su parte, William Levy se pronuncia sobre si él se atrevería a participar en algún talent show de los que ofrece la parrilla de nuestro país. “Prefiero quedarme con la interpretación”, advierte. “Yo creo que uno se divierte mucho en esos programas, ya sea como participante o sea parte del jurado. No te podría decir que no, porque quién sabe el día de mañana si quiero divertirme haciendo algo diferente. Pero por ahora prefiero estar donde estamos ahora, haciendo lo que estamos haciendo”, sentencia.

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Mientras el dueño de Mercadona reivindica a los cuatro vientos el “orgullo de ser empresario” y la “satisfacción” de ganar dinero, Alberto Casado y Rober Bodegas promocionan la serie Entrepreneurs, su nueva comedia satírica protagonizada por un grupo de emprendedores que ni han tenido ni tendrán tanta suerte como el multimillonario Juan Roig.

Los creadores de Pantomima Full ascienden de categoría con este nuevo proyecto recién estrenado en Disney+, donde ya están disponibles sus 10 capítulos.

“Siempre habíamos fantaseado con hacer una serie”, reconocen durante su entrevista con verTele, pero la rutina del día a día y la falta de oportunidades les dejaron con las ganas de lanzarse a la pequeña pantalla. “La gente no nos ve como alguien a quien darle una serie”, lamenta Bodegas, aunque considera que él y su compañero, tras años de éxito en los teatros y las redes sociales, ya están “consolidados dentro del panorama de cómicos nacional”. También lo creen Disney+ y Álex de la Iglesia (director y productor ejecutivo de la serie), que les han dado el apoyo que necesitaban para sacar adelante Entrepreneurs.

Bodegas y Casado no solo han escrito los guiones de la serie, sino que también protagonizan esta historia en la que dan vida a dos emprendedores con la cabeza llena de grillos. Aura Garrido, Gonzalo de Castro, Victoria Martín, Luis Bermejo y Aníbal Gómez también forman parte del reparto.

El mundo de la empresa siempre ha estado muy presente en los sketches de Pantomima Full, desde los que se ríen sobre las costumbres y modas de la sociedad actual.

Son expertos en repartir estopa contra los gurús y vendehúmos que tiran de palabrería para engañar a sus seguidores con discursos baratos sobre el sacrificio y las buenas energías. “El público nos atribuye el humor sobre eso. Cuando sale uno de esos personajes virales de Instagram que está flipadísimo con hacerte ganar dinero, todo el mundo exige que Pantomima haga un vídeo ajusticiando a estos flipados y farsantes”, destaca Bodegas.

Su humor levanta ampollas incluso entre sus amigos porque es fácil identificarse con los personajes a los que han ridiculizado ante millones de personas. “Al principio sí había más ofendidismo”, recuerda Casado, pero ahora que son archiconocidos, hasta los ofendidos quieren verse retratados. Al parecer, no eres nadie si Pantomima Full no se ríe de ti.

Sinopsis de 'Entrepreneurs'

La serie presenta a un grupo de emprendedores que, orgullosos de haber salido de la zona de confort, aspiran a cambiar el mundo desde lo más alto de sus empresas. Sin embargo, apenas se pueden mantener a sí mismos.

Para conseguirlo acuden cada día a un lugar llamado No Comfort Zone, un coworking creado por Gonzalo (Rober Bodegas), un millonario ocioso, y Jacobo (Alberto Casado), autoproclamado gurú del emprendimiento, en el que se esforzarán por sacar adelante sus proyectos.

La aplastante realidad del día a día les hará ver que el mundo del emprendimiento está lleno de humo, que casi siempre es más importante tener buenos contactos que buenas ideas y que quizás no tomaron la decisión correcta cuando renunciaron a tener trabajos convencionales.

Netflix ha estrenado este 3 de octubre Animal, su nueva serie de comedia con Luis Zahera y Lucía Caraballo. Una ficción que se desmarca como la mejor de todas las que la plataforma ha estrenado este 2025, como analizamos en nuestra crítica, y que practica un género que su propio director y creador Víctor García León define como “grimedia” con su mezcla de grima y comedia.

Así lo expresan, entre risas, sus propios protagonistas en esta entrevista con verTele. El actor gallego afirma que con este trabajo vuelve a su infancia, en su retrato de una Galicia rural: “De niño convivía mucho con los animales, era de esos niños que iban a la aldea a pasar el verano. Esta serie es recuperar la infancia”. Mientras, la actriz madrileña se muestra agradecida por la oportunidad de ser “alienígena” en ese entorno.

Luis Zahera, que al fin lidera una serie propia (aunque parezca increíble tras verle tantísimo, aunque nunca como número 1), celebra acometer un tipo de personaje que no le suelen ofrecer: “Generalmente estoy alejado de estos personajes de comedia, estoy encasillado de malo. Hacer comedia siempre es agradable”, reconoce.

Además, también agradece la temática de Animal, que de una vez por todas deja a un lado la cocaína y los narcos para contar otra Galicia: “Aunque el narcotráfico es un género en sí mismo, llama la atención que se incida tanto en el narco en Galicia. Estoy encantado de hacer esta variante, una cosa blanca para toda la familia y con situaciones cómicas maravillosas. Es de agradecer”, celebra.

El actor abraza el término de su director para definir esta nueva serie de Netflix como una “grimedia”: “Practica esta mezcla de grima y comedia que siempre está bien, aunque ya esté todo inventado en la comedia”, opina, mientras Caraballo asegura que las situaciones que se ven en los capítulos son como “coger al típico clown, dejar que se caiga, quitarle la nariz de payaso y hacerle el primer plano. Estos personajes son payasos en los que te reconoces”.

Aprovechando la fiesta por el 25 aniversario de verTele, nuestra compañera Paula Hergar se convirtió en reportera para entrevistar a los presentadores, actores y actrices que desfilaron por el photocall y quedaron inmortalizados en nuestra fotogalería.

Además de hablar con muchos de ellos, como recogimos en nuestro Instagram, quisimos trasladarles a todos una misma pregunta: “¿Qué titular de verTele te gustaría protagonizar en el futuro?”.

Nos respondieron Adela González, Ana Garcés, Iñaki López, Ana Rosa Quintana, Roberto Leal, Josep Pedrerol, Elena Rivera, Jorge Fernández, María del Monte, Ion Aramendi, Sandra Golpe, Jesús Cintora y también aprovechamos a hablar con el director de elDiario.es, Ignacio Escolar.

Con ayuda de Adrián Ruiz, Izaskun Pérez y Lourdes Jiménez, sus deseos a nuestro micrófono en el photocall del evento mostraron disparidad de ideas por ejemplo sobre hasta cuándo se ven presentando, o en qué próximos proyectos de ficción les gustaría embarcarse.

OT 2025 afronta este lunes 29 de septiembre la primera expulsión de la edición en su gala 2 en Amazon Prime Video. Una temporada del talent show de Gestmusic que sus profesores encaran convencidos del talento de los 16 concursantes seleccionados, pero también conscientes de que las expectativas de todos ellos no se pueden cumplir.

Así lo valoran Noemí Galera, Manu Guix, Mamen Márquez y La Dani, directora y docentes de la Academia que el programa pone a disposición de 16 jóvenes artistas para su formación, durante una entrevista con verTele realizada en la previa de su arranque. “Cada vez que hacemos una edición de Operación Triunfo, el talento siempre me sorprende. Vuelve a ser un casting muy talentoso y con mucho carisma”, explica el director musical, elogiando a sus nuevos pupilos.

Sin embargo, preguntados por el trabajo de gestión de expectativas que los responsables de OT realizan antes de cada temporada, Noemí Galera es sincera: “Desde el principio les dejamos claro que esto es un escaparate que puede salir bien o mal, y que también es importante el factor suerte. La industria discográfica no puede asumir a 16 artistas cada vez que hacemos una edición, así que nosotros no les aseguramos una carrera exitosa”, aclara. “Los que entran han visto varias ediciones y no son tontos, saben que todos no consiguen el éxito. No todos son Aitana”, agrega Manu Guix.

En la charla, tanto la directora de la Academia como sus compañeros descartan la existencia de la “maldición del ganador” a la que se refirió el productor Tinet Rubira meses atrás. “Es algo que durante unas ediciones sí que pasó, tenía más éxito el segundo que el primero, pero es una chorrada como una casa. Para mí, la carrera de Amaia es superexitosa, cada vez que toca el piano se para el mundo y para mí eso es éxito. Famous hace El rey león de prota, Nía ganó Viña del Mar...”, enumera Galera, al tiempo que La Dani relativiza el éxito y deja clara cuál debería ser la mentalidad de los aspirantes: “Aitana es un sueño, pero no tiene que ser la meta”.

Un mensaje contra el 'hate' de los fans

Además, la directora aprovecha para lanzar un mensaje a los seguidores del programa, tras ser preguntada por la intensidad con la que los grupos de fans viven cada edición en redes. “Cada vez nuestros fans y la sociedad están más enloquecidos con esto y es muy fácil poner un tuit detrás de una foto de un huevo. Pido a los fans que apoyen a las personas que les gusten, pero que no se dediquen a fastidiar y malmeter por competencia. Que tengan claro que es un programa de TV y se enfoquen en positivo”, apunta.

Palabras que han cobrado incluso más sentido en los últimos días, en los que La Dani ha tenido que salir al paso de las críticas a uno de los nominados, Iván Rojo, por los mensajes que se leen constantemente en Twitter sobre él: “Hacer daño me parece una locura”, ha llegado a decir el nuevo responsable de interpretación.

Prime Video emite este lunes 22 de septiembre la gala 1 de OT 2025, donde el renovado jurado del programa decidirá las siempre temidas primeras nominaciones. Una función que Leire Martínez, Abraham Mateo, Guille Milkyway y Cris Regatero afrontan con la intención de romper con los roles polémicos que habitualmente se han erigido protagonistas en ediciones anteriores de Operación Triunfo, pero sin dejar de ser honestos.

Así lo afirman los cuatro en una entrevista a verTele realizada en el interior de la Academia pocos días antes de su debut. Charla en la que los tres artistas y la periodista musical se mostraron rotundos al preguntarles si aguno de ellos va a ser el nuevo “poli malo” de OT tras la salida de Buika. “Nos planteamos cambiar ese tipo de jurado que tenía roles muy marcados, ya que forma parte de otras épocas. Para nada es lo que nosotros creemos que tiene que ser un jurado en 2025”, apuntó el líder de La casa azul, explicando que la empatía va a marcar sus valoraciones.

“Pienso ser honesto y justo con ellos, darles mi ayuda y experiencia para que puedan mejorar. No vamos a quedarnos en la parte negativa. Queremos que se lleven algo bueno”, apunta por su parte Abraham, mientras Leire descarta que las opiniones y críticas de los siempre intensos seguidores del talent show de Gestmusic vaya a influenciarles: “Si basamos nuestras valoraciones en ese miedo o qué van a pensar los fans, no haríamos bien nuestro trabajo. Eso va a ocurrir, habrá gente que no lo digiera bien, pero no tenemos que estar pendientes de eso porque no haríamos nada bien a los concursantes”, asegura la ex de La Oreja de Van Gogh.

Con todo, Milkyway opina que no tiene por qué haber polémicas relacionadas con el jurado para que se ponga el foco sobre el programa y gane más atención: “OT es un formato de éxito porque está preparado para que como show televisivo funcione, y nosotros formamos parte de ello. Pero lo personajes que podamos ser nosotros ya lo somos”, dice. Por su parte, Cris, la única repetidora, afirma sentirse “muy contenta” con sus nuevos compañeros.

Netflix ha estrenado este viernes 29 de agosto Dos tumbas, su nueva serie española y la primera que hace junto a Agustín Martínez (creador), Jorge Díaz y Antonio Mercero (guionistas), los autores del colectivo literario Carmen Mola.

Los tres firman esta ficción dirigida por Kike Maíllo y protagonizada por Álvaro Morte, Hovik Keuchkerian y Kiti Mánver, quien da vida a una anciana que, sin nada que perder, decide emprender una investigación al margen de la ley para descubrir qué pasó realmente con su nieta, desaparecida en extrañas circunstancias dos años atrás.

“La idea de una abuela que emprende una venganza viene de los productores de la serie, Toni Carrizosa y Verónica Vila-San Juan. Era darle la vuelta a la típica historia de venganza que hemos visto un montón de veces y ver cómo cambia si la protagonista no es un hombre, sino una mujer, y además una mujer de 70 años”, explica Martínez a verTele.

“Queríamos un personaje que tuviera mucho contraste, el contraste de moverse por amor pero llegando a la violencia y encontrando la forma de que llegara ahí. Lo más importante de una historia es hacerla creíble. Entonces, si la historia es de una mujer de 70 años que se está vengando, tenemos que trabajar para que el público se la crea y la acompañe”, añade Díaz.

“Nadie puede salir indemne de una historia como esta, así que queríamos reflejar que ella empieza una venganza pero, cuidado, ella ya no va a volver a ser la misma”, añade el guionista en alusión al peligro que corre el personaje principal, que Maíllo resume así: “La serie te propone un espejo en el que mirarte y decirte '¿tú también lo harías?'”.

“En este dilema está la grandeza de la serie, porque la protagonista va habitando lugares moralmente reprochables”, añade el director, que también ha tenido que caminar entre dos aguas rodando Dos tumbas: “Lo difícil es no caer en lo sentimental teniendo a una abuela como protagonista, ni tampoco en lo descarnado ni en lo deshumanizado, pues lo que está pasando es bastante turbio”.

Netflix estrena este viernes 29 de agosto Dos tumbas, su nueva serie original española. La ficción creada por Agustín Martínez y guionizada por Jorge Díaz y Antonio Mercero, sus compañeros del colectivo Carmen Mola, sigue el caso de dos adolescentes que desaparecieron dos años atrás. Ante la falta de pruebas y sospechosos, las autoridades deciden cerrar el caso, pero la abuela de una de las chicas, sin nada que perder, decide llevar a cabo una investigación al margen de la ley para descubrir toda la verdad.

En la ficción, esa abuela está interpretada por Kiti Mánver, que se identifica con ella por ese “impulso de conseguir algo para calmar esa desazón que tiene de falta de justicia”. Aun así, la actriz reconoce a verTele que “identificarse totalmente con un personaje es complicado”: “Casi nunca me ha pasado. Les robas cosas a los personajes que te las quedas, y a veces los personajes sacan cosas de ti que tú ni pensabas que podías dar”.

Hablando de 'robos', se da la casualidad de que Mánver protagoniza Dos tumbas junto a otros dos ex de La casa de papel. Ella, que interpretó a la madre de Raquel Murillo (Lisboa) en los inicios de la célebre serie, comparte ahora cartel con Hovik Keuchkerian (Bogotá) y Álvaro Morte, quien justo viene de retomar su papel de 'El Profesor' en Berlín. “Es un personaje que me ha dado muchísimas, muchísimas alegrías (...) Me pidieron que hiciera una aparición muy pequeñita en la segunda temporada de Berlín y me pareció, de cara a los fans, que siempre nos han demostrado muchísimo cariño y fidelidad, decir como 'venga, pues un poquito más de Profesor'. Fue muy chulo hacerlo”, asegura sobre esa incursión.

En Dos tumbas, Morte sorprenderá con un “tosco y sucio” acento andaluz, uno de esos “que no estamos acostumbrados a ver en las producciones audiovisuales”. Con él pretende dar un añadido extra a un personaje con el que busca, hilando con lo que decía antes Mánver, lo que siempre persigue en cada proyecto: “Yo trabajo, más que para identificarme yo, para que el público se pueda identificar. Lo interesante cuando hacemos un proyecto es que el público se ponga en la piel de estos personajes y se pregunte 'hostia, ¿yo qué haría en un caso así?'”.

Si por algo se está llevando titulares Furia, la nueva comedia negra de HBO Max, es por su brillante elenco de actrices que llevan al límite a sus personajes. Intérpretes como Nathalie Poza, Pilar Castro y Cecilia Roth que lideran una historia donde sus conflictos se entrelazan en un poderoso efecto mariposa, y que defienden y reivindican “sin etiquetas” en una entrevista con verTele.

Las protagonistas -junto a Carmen Machi, con la que también hablamos- se meten en la piel de Adela, Vera y Victoria para sacar a las justicieras que llevan dentro. “Todas ellas viven fuera del sistema, intentan incluirse en él y no lo consiguen”, detalla Castro. Sin embargo, por detrás de este enfoque también hay una denuncia:

“Si estas mujeres están en ese estado es precisamente porque han llegado a un punto en el que, si eres más joven, tienes toda una vida por delante. Pero cuando ya tienes casi 60 años y la sociedad todavía te lo pone tan difícil, es mucho más fácil estallar de una manera trágica, como le ocurre a los personajes que llevan muchos años de lucha y de intentar sobrevivir en un mundo despiadado”, cuenta Poza.

El director de la serie, Félix Sabroso, ha sido elogiado por su capacidad de escribir personajes femeninos complejos. El también creador ha construido un mosaico social en la que expone a la mujer y refleja sus cosas desde lo bueno hasta lo malo. “El problema es cuando nos tenemos que seguir preguntando si hay suficientes personajes femeninos. El día que dejemos de poner esas etiquetas, será que estamos contando la vida”, incide la intérprete.

Furia es un espejo poderoso y doloroso. Una serie que da voz a las silenciadas, que coloca en el centro a quienes durante décadas fueron relegadas a los márgenes. Una historia sobre el peso de ser mujer en un mundo que todavía, incluso hoy, sigue midiendo el valor en años y apariencias. “Poner en el centro de la escena a la mujer es lo que hay que hacer. Contar la vida. Y esta, por fin, es también la nuestra”, concluyen sus actrices.

Carmen Machi estrena este viernes 11 de julio la nueva apuesta de Max por la ficción española, Furia. La serie, que combina la crítica social con el humor negro, retrata la vida de cinco mujeres (Machi, Candela Peña, Nathalie Poza, Pilar Castro y Cecilia Roth) que, desde distintos puntos de partida, llegan al límite emocional y vital. El efecto mariposa de sus decisiones las une en un retiro de sanación, donde la rabia se convierte en motor de transformación.

La actriz encarna el personaje de Marga, una artista manipulada por su marido, y cuenta a verTele que lo atractivo no está en los personajes de cada una, sino en la historia que se quiere contar, y cómo su creador y director Félix Sabroso ha construido ese mosaico social: “El personaje es una gloria y me lo he gozado lo más grande, pero creo que la serie en su conjunto es la gloria completa”. Sobre Sabroso, valora: “No es necesario ser mujer para escribir buenos personajes femeninos, solo tener una mente abierta”.

La intérprete valora que el enfoque de la serie muestre la riqueza del universo femenino sin necesidad de etiquetarlo como 'feminista', solo como una narrativa auténtica: “Lo que llamará la atención es que son mujeres maduras las que dan un golpe en la mesa porque no pueden más con la humillación, la traición, la infidelidad o la injusticia. Y ellas actúan con una violencia inusitada y con decisiones increíbles que las convierte en mujeres muy poderosas”. “Esta serie muestra que el universo femenino tiene muchísimo que contar”, celebra.

Una afirmación que secunda Claudia Salas, destacando que Sabroso ha buscado retratar todo esto, pero incorporando el humor: “Ha sabido abordar todo desde la comedia, lo que, paradójicamente, lo hace aún más doloroso”, señala.

Tras verla en La Mesías, Celeste, recientemente en la cinta La viuda negra y después de grabar la película Aída y vuelta, Carmen Machi explica que aunque desde fuera parezca que ahora tiene más proyectos, su carrera no ha cambiado mucho con el paso de los años. “Salir de Aída fue simplemente una decisión derivada del tiempo que llevaba. Pero la salida no me ha repercutido en tener más proyectos ahora, yo antes de irme ya tenía varios trabajos”, aclara, para señalar que sigue trabajando con la “misma intensidad y continuidad” que cuando estaba en la ficción de Telecinco.