Hace tres años, la bailarina y artista de circo Greta García (Sevilla, 1992) se daba a conocer como escritora con una de las obras más divertidas y gamberras de las última décadas. Solo quería bailar, publicada por Tránsito, no solo superó los 11.000 ejemplares vendidos, sino que obtuvo el premio Ojo Crítico y el Almudena Grandes de las librerías de Madrid. Luego, García regresó a sus escenarios, como si hubiera sido solo una distraída turista de la literatura. Pero este año regresa, y por partida doble.

La primera cita será el próximo 28 de enero en el Teatro del Barrio de la capital española, donde la actriz malagueña Olalla Hernández va a llevar a escena la celebrada novela. “A Greta la conocía de oídas, sabía de su trabajo con Hermanas Gestring, pero nunca nos habíamos visto”, recuerda. “Cuando una amiga, Olga Magaña, me pasó la novela, vi clarísimo que era el monólogo que yo siempre había querido hacer. Pensé que era probable que alguien se me hubiese adelantado ya, pero parece que la Pili me estaba esperando a mí”.

El personaje principal, que escribe desde la cárcel rememorando su lucha contra la burocracia, enamoró de inmediato a Hernández, pero también le imponía mucho respeto y pudor. “Lo que ha hecho Greta es muy guay, ha calado mucho en determinados círculos, y no es fácil estar a la altura del texto”. Tal vez por eso, la actriz rechazó la posibilidad de adaptar ella misma la novela, y encontró en Sergio Martínez Vila el aliado idóneo para esta empresa. “Con él había hecho un taller de dramaturgia, le hablé del proyecto y un buen día me dijo: ‘Perdona, pero yo me he enamorado de la Pili como tú. Si me lo permites, le meto mano a esto, me veo capaz”.

Enamorados de la protagonista

Según recuerda Hernández, no ha sido un trabajo fácil. “Yo no le hubiera quitado ni una coma, pero la novela es inviable para el lenguaje escénico, así que había que quedarse con lo esencial. Pero sí, ha dolido dejar cosas fuera”, reconoce. También recuerda que “antes de firmar, me pasé dos meses mirando el contrato, porque me daba vértigo estar tan sola en esto. Pero muchos amigos me han orientado y apoyado. Todos se iban enamorando de la protagonista. Lo más bonito del proceso ha sido el modo en que la gente ha ido sumándose al proyecto, y las ganas con que lo han hecho. No sé qué vida tendrá la obra, pero el proceso para llegar hasta aquí ha sido muy gustoso”.

Malagueña afincada en Madrid desde hace 17 años, Olalla Hernández estudió en la ESAD de Málaga antes de iniciar su carrera artística. En su currículum incluye títulos como La llamada de los Javis o El salto de Darwin, en teatro, junto a Natalia Menéndez. En el campo del monólogo, recuerda haber participado junto a Matías Umpiérrez en una experiencia de teatro inmersivo en el que se enfrentaba ella sola a un espectador, durante media hora, con ocho pases diarios. Pero Solo quería bailar es un reto de otra envergadura.    

Y aunque la novela tiene un sello andaluz muy marcado, la actriz está convencida de que su alcance es universal. “La obra se titula Solo quería bailar, pero podría ser Solo quería tener una vivienda, Solo quería sacar adelante mi negocio, Solo quería hablar con una persona y no con una máquina… Estamos en un momento en el que más de uno se va a sentir identificado con la Pili. No sé cómo estamos tan tranquilos delante de una pantallita, mientras vemos cómo unos cuantos manejan toda la movida”, asevera. “Es un mensaje extrapolable a otras regiones de España, y otras circunstancias personales. Todos tenemos la sensación de no poder salir de un sistema sin fisuras, es muy difícil ser disidente dentro de la película que nos han montado. La novela y la adaptación son una llamada a la acción, un recordatorio de la importancia de lo colectivo frente al individualismo que nos han impuesto, haciéndonos olvidar que la unión hace la fuerza”.

Matar al padre

Mientras tanto, Greta García prepara su regreso a los anaqueles de novedades. Como adelantó elDiario.es Andalucía hace unas semanas, Muere, papá es el título de esta nueva entrega, de nuevo publicada por Tránsito. La principal novedad es que se trata de una obra ilustrada por el propio padre de la autora. “Mi padre dibuja. Yo escribo. Decidí que el libro se llamase Muere, papá, como si se tratase de un juego. Fantaseaba con su muerte, como un alivio poético. Como si escribiendo sobre sus miedos los exorcizara. Como si burlándome del mal pudiera sacarlo como una zanahoria fresca. Así, en plena catarsis, mi padre, que lleva años sin salir de casa, resurgiría del viscolátex con una columna vertebral espigada y unos abdominales nuevos, con una actitud zen y una luz que sale de los poros como a toda figura santa. Pero pasan las horas y dudo. ¿Y si he invocado lo contrario? Y si de tanto recrearme en ello, ¿lo he matado? Sería de un morbo repugnante. Pornografía familiar. ¿Es un homicidio alevoso? ¿Me lo publicarían? ¿Qué es un artista si nadie lo conoce? ¿Qué sentido tiene una vida si nadie la cuenta? Hay gente que no sabe hasta dónde es mi persona y hasta dónde el personaje. El problema es que yo tampoco lo sé. Y tú, ¿papá?”

En el volumen, añade, se conjugan “mis palabras y sus dibujos. He escrito a raíz de los dibujos a tinta que mi padre ha ido acumulando a lo largo de los años y nadie ha visto. Junto a los dibujos, planteo la ficción de un padre que no sale de casa, y una hija que vive con él... y van pasando cosas. Con rabia, cariño y humor hablo de la relación entre padre e hija, la familia, el arte, la crisis de la edad... yo me he sentido al escribirlo como una psicoanalisista bastarda petarda”. Está anunciado para el 4 de marzo, “así se lo pueden regalar les hijes a sus padres para el día del padre”, añade con guasa.

El mundo de las artes escénicas andaluzas llora de manera unánime el fallecimiento de José Luis Castro, una figura fundamental en la cultura de su ciudad, Sevilla, donde fue un incansable defensor del teatro y la ópera, y llegó a dirigir importantes coliseos como el Alameda, el Lope de Vega y el Maestranza. Un infarto fulminante sufrido mientras se encontraba en Mallorca ha puesto fin a una vida dedicada a los escenarios y a la pasión por las artes vivas.    

Nacido en la capital hispalense en 1953, su pasión teatral le llevó en los primeros años 80 a militar en la compañía Mediodía, para crear años después la compañía El Globo. Formó parte de montajes como Testamento andaluz, junto a Antonio Gala, Manolo Sanlúcar y Juan Echanove, así como de Tierra adentro, de Cristina Hoyos. Con Echanove también puso en escena en 1993 una celebrada versión de El Cerdo, la novela de Raymond Cousse.

Su trabajo como director de escena contempla asimismo colaboraciones con el Centro Dramático Nacional, Compañía Nacional de Teatro Clásico, Teatro de los Sueños, Centro Andaluz del Teatro, así como en la Gala Lírica Inaugural en el Teatro de la Maestranza, con Montserrat Caballé, Plácido Domingo, José Carreras, Teresa Berganza, Pilar Lorengar, Alfredo Kraus y Josep Pons.

Estuvo desde 1987 al frente del Teatro Lope de Vega, desde 1989 el Teatro Municipal Alameda y, a partir de 1992, se le encargó la dirección del Teatro de la Maestranza, que ocupó hasta 2004. Su cese en este último espacio trajo consigo una sonada protesta del sector.

Óperas sevillanas

Uno de sus empeños fue recuperar montajes vinculados a su ciudad, en especial una versión del Barbero de Sevilla de Rossini que obtuvo una notable repercusión desde su estreno en 1997. También impulsó versiones de La Bohème de Puccini, Las bodas de Fígaro y La flauta mágica de Mozart, Alahor in Granada de Donizetti, La voz humana de Poulenc o el Macbeth de Verdi. Entre otras producciones teatrales, Castro también rescató para el Centro Andaluz de Teatro la obra Estado de sitio de Albert Camus, ambientada en el Cádiz de 1812.

Por otro lado, su gran momento como gestor y programador fue la Expo 92, donde organizó desde un cartel flamenco encabezado por Camarón de la Isla a un ciclo en el Lope de Vega con invitados tan sobresalientes como la Royal Shakespeare Company, Commedie Française, Drammaten Stockholm o Piccolo Teatro de Milán.

Mientras la consejera de Cultura y Deporte, Patricia del Pozo, destacaba a través de sus redes sociales “su importante contribución a la cultura en Sevilla” y el hecho de que hubiera situado al Maestranza como “referente de la ópera en Andalucía”, el exalcalde de Sevilla, Antonio Muñoz, manifestaba que “con enorme tristeza despedimos a José Luis Castro, figura clave de los primeros grupos de teatro de la democracia, como El Globo, semillero de grandes actores como Mariano Peña y de destacados gestores. Fue creador de una nueva forma de entender y dirigir la cultura: revolucionó el Lope de Vega y llevó al Maestranza al mapa internacional con producciones ambiciosas, entre ellas ese Barbero de Sevilla que aún sigue girando. Su legado permanecerá”.

Confianza en el talento

Al mismo tiempo, la periodista Carmen Carballo recordaba en canales similares al “gran profesional de la escena y de la gestión cultural” recién fallecido. “Cuánto aprendimos con él y cuánto le debe esta ciudad. Adiós a un buen amigo, compañero en tantos saraos culturales. Y mi cariño a Carmela, su mujer”, concluía Carballo en su mensaje.

Por su parte, la cantante lírica Ainhoa Arteta lo despedía en estos términos: “Querido José Luis… Me he despertado con la noticia de tu paso a la luz… Yo lo llamo así… Quiero que sepas que siempre fuiste un hombre con un sentido del Arte Superior, colaborar contigo por qué no le puedo llamar trabajar siempre fue una buenísima experiencia y guardo muchísimos detalles en mi vida profesional y personal de tu grandeza y amplitud de miras, ARTISTA, DIRECTOR Y PERSONA EXCELENTES nos volveremos a encontrar estoy segura… Como dice la maravillosa canción de Richar Strausss MORGEN… DEP y sigue en un plano feliz y lleno de Harmonía. Tu amiga siempre, Ainhoa”.

Otro hombre de escena, el actor sevillano Sebastián Haro, recordaba que “este señor fue el primer director que confió en mí para trabajar en una compañía teatral profesional, El Globo Teatro de Sevilla, el espectáculo Jojó, historia de un saltimbanqui, hablamos del año 87”, evocaba. “Hoy nos ha dejado José Luis Castro y mi cabeza vuelve a esos días en los que empezaba mi carrera. ¿Qué hubiera sido de ella si este señor no se hubiera fijado en mí? Gracias. Descansa en Paz”.

Un hombre de carne y hueso

Su compañero Juan Echanove definía ante los micrófonos de la cadena SER a Castro como “un hombre enormemente sensible, con una imaginación fuera de lo normal, un talento para la lírica y la verdad escénica como pocas veces he visto, un sevillano de los pies a la cabeza con una enorme agudeza y sentido del humor. Un ser irrepetible”.

“Sevilla, tan desagradecida con sus mejores hijos, no reconoció nunca su excepcional aportación como dinamizador de la vida teatral y musical de una ciudad siempre ensimismada en su gloria y leyenda”, lamentaba finalmente el músico y gestor cultural Justo Romero en el portal Beckmesser.com. “José Luis Castro espoleó los pilares más rancios y casposos de la ciudad para convertir sus teatros y su oferta cultural en algo más que abanicos, 'toros, flamenco y buena comida', que diría el Emérito. Era un hombre de carne y hueso, no un pelele de tarjeta postal. Lo puso bien de manifiesto como gestor teatral, pero también como director de escena. El teatro, en prosa y lírico, corría por sus venas hoy inertes”, remata.

Desde hace algunos meses, la localidad sevillana de Morón de la Frontera vive volcada en un hecho insólito: los preparativos de una obra de teatro en la que todo el pueblo, o casi, va a verse implicado. Entre actores profesionales, vecinos y hasta reclusos del centro penitenciario, el elenco suma a más de 130 participantes conjurados en una misión: contar el relato de una comunidad que se conjuró para hacer frente al abuso de poder.

El estreno será el próximo 8 de noviembre a mediodía en la plaza de San Miguel, pero el proyecto se remonta a más de una década atrás, según recuerda Raúl Cortés, director de la compañía local La Periférica e impulsor de esta iniciativa. “Decidimos convocar a una serie de personas del pueblo que no escribían teatro, pero que podían ayudarnos a dejar por escrito la leyenda del gallo, la misma que nosotros hemos venido escuchando desde que éramos chicos”, recuerda. “Desde aquel momento empezamos a abrigar la idea de una obra de teatro comunitario en la que los vecinos protagonizasen su propia leyenda, su propia historia”.

Algunas versiones de la leyenda sitúan los hechos en 1597, y todas coinciden en un hecho central: la llegada de un agente externo enviado por la Cancillería de Granada, que trata de imponer su orden social y económico, es decir, recaudar más impuestos. Una frase recurrente para referirse a él era Donde canta este gallo no canta otro, aunque es sabido que su final fue quedarse sin plumas y cacareando. “Ese personaje se desempeñó con tanta arrogancia y con tanta altanería, y violentó tanto a los vecinos, que estos al final terminaron olvidando sus rencillas y se unieron contra el déspota”, apunta Cortés. “Es el relato de una revuelta, de la subversión de un pueblo que se rebela contra los excesos y la arbitrariedad del poder”.

Sabotaje al presente

Comenzaron entonces las alianzas: a La Periférica se sumó, desde Colombia, el Teatro Experimental Fontibón, especializado en teatro de calle; y a partir de ahí, de manera entusiasta, los vecinos, las administraciones, “incluso el propio cuerpo social y empresarial del pueblo, generando un clima de cohesión muy bonito”, explica Cortés. “A mí me interesa mucho el carácter democrático de la tradición oral. Por un lado, tenemos un relato que es inestable, porque se va transformando con el paso del tiempo. Según con quién tú hables, la leyenda adquiere un cariz u otro, y esto sucede porque la autoría es diversa, difusa, coral, polifónica. De alguna manera, lo que estamos haciendo es cuestionar y tensionar todas las narrativas únicas que están tan instaladas en nuestra sociedad. Por cierto, unas narrativas únicas que son las responsables del clima de polarización que vivimos, porque todas se convierten en estandartes de verdades absolutas. Al mirar atrás y hacerlo a través de la cultura popular, con estas narrativas que como digo son mutantes, parciales y resbaladizas, en el fondo está muy cerca de convertirse en un acto de sabotaje contra los engranajes del presente, tan rígido”.

Johan, actor colombiano de la compañía Fontibón, comenta que “es muy emocionante estar acá. Nos hemos encontrado con gente que nos hace reír y nos llena de entusiasmo en cada ensayo, que tiene un enorme compromiso con esta historia que toca las fibras de su propia esencia como habitantes de este territorio”, dice. “Empezamos haciendo teatro de calle en Bogotá, hemos hecho cosas parecidas pero no de esta envergadura: a lo sumo, 50 o 70 personas. Esta obra tiene una visión mucho más amplia gracias a esa fantasía que se aplica a la obra, los juegos escénicos, las sorpresas, los personajes… Eso hace que sea un trabajo especial y diferente para nosotros. Y eso nos llena de gozo. Ojalá el público quede con la sensación de querer seguir participando y ver más veces la obra”.  

Uno de los primeros colectivos en incorporarse fue el de los reclusos del Centro Penitenciario Sevilla II, próximo a Morón. “Fuimos con cierta cautela, porque no sabíamos cuál iba a ser la reacción de los funcionarios de prisiones, pero la subdirectora saludó el proyecto con efusividad. Para luchar contra ese estigma social que persigue a las personas privadas de libertad, decidimos cambiar por completo el rol que la sociedad le reserva: en la representación ellos son soldados, es decir, la policía de la época. Han tenido que aprender lucha escénica, esgrima… ¡Imagínate la cara de la gente cuando llegábamos intentando entrar los sables al centro penitenciario!”

Condesa por un día

Le siguió la banda municipal de música, el coro, agrupaciones de carnaval, escuelas de danza, de baile flamenco y hasta los jinetes de la escuela de equitación de Mercedes Galán: nadie quería perderse esta fiesta de las artes escénicas. Hasta el cartel es de un artista moronense, Alejandro Pérez. “Con todos los vecinos convocamos un casting y aquello se desbordó, porque se inscribieron muchísimas personas y dijimos, ¿y ahora qué hacemos con todo esto? Pues vamos a buscar la manera de que todo aquel que ha querido participar, participe. A pesar de la estrechez presupuestaria, este capital de ilusión, de entusiasmo, no podemos desperdiciarlo, no podemos derrocharlo”.

Como botón de muestra, cabe señalar que la actriz más joven de elenco tiene unos 6 años, y la más veterana se acerca a los 80. “Conviven diferentes nacionalidades, por la participación del grupo colombiano, diferentes razas, diferentes etnias, diferentes inclinaciones sexuales, diferentes preferencias ideológicas. Y personas libres y personas privadas de libertad. Es el recordatorio de que la salvación está en la vida, de que la salvación está en lo colectivo, y de que hay mucho más. Compartimos mucho más, y que hay muchas más razones y muchos más elementos que nos unen de lo que nos separan, a pesar de todos los discursos y las narrativas individualistas, competitivas y narcisistas de este tiempo”, agrega Cortés.

Una de esas vecinas es Ángeles Escalante, con 66 años recién cumplidos y una obra de teatro de hace 20 años como única experiencia en este campo. Ahora se alegra de “ser por una vez en mi vida rica y noble, porque soy condesa, y mi marido en la vida real es conde”, bromea. “No es fácil poner a tanta gente de acuerdo. Raúl tiene un equipo fantástico e, inteligentemente, nos han repartido por grupos. Somos como un tetris, las piezas van encajando poco a poco y solo ahora estamos empezando a ver la obra entera. Ahora solo nos da miedo que en los números de esgrima pierdan un segundo de sincronización y se peguen un castañazo [risas] Pero está siendo un proyecto precioso: a mí me han logrado despertar de nuevo el gusanillo del teatro, y en lo colectivo nos han unido a todos en el interés de que esto salga bien”.    

Romper el aislamiento

El director reconoce que ha tenido dos referentes fundamentales: Fuenteovejuna y El alcalde de Zalamea. “De hecho, la gente de Fuente Ovejuna nos ha ayudado mucho, cada vez que hemos tenido una duda ha estado ahí. Ese es nuestro horizonte: generar desde las periferias unos relatos propios que miren sin complejo a los grandes centros de producción. De alguna manera es una forma de luchar contra la despoblación, contra el aislamiento, y reivindicar también la creación de las áreas rurales y de las zonas periféricas. Así que nace con voluntad de continuidad. Queremos instaurar una tradición a ser posible anual. De momento, el año que viene, está garantizado que se repite”.

“No es montar una obra sin más”, concluye el director, que celebra que todas las entradas se agotaran en pocos minutos. “Lo que pretendemos es reivindicar a la comunidad, y más concretamente, el espíritu comunitario de las áreas rurales, que muchas veces están olvidados, despreciadas por las grandes capitales en su condición de grandes centros de producción. Que los vecinos de Morón se junten hoy para protagonizar una sublevación que otros moroneros protagonizaron cinco siglos atrás, pues tal vez puede ser la forma simbólica de despertar un grito dormido tan necesario en nuestras sociedades de hoy en día”.

Pero hay algo más: un intento de romper un aislamiento que se ha ido acentuando cada vez más. “Por aquí pasaba el tren, y ya no pasa. Nos hemos quedado fuera de toda la red de autovías. Somos un pueblo grande, de veintitantos mil habitantes, pero estamos perdiendo densidad demográfica”, lamenta Cortés. “Este montaje es sobre todo es una oportunidad para reforzar la cohesión del pueblo, para fortalecer un sentimiento identitario, una identidad que nada tiene que ver con esas inflamaciones artificiales que hoy están tan en boga, sino con la conciencia crítica: primero de ser lo que somos, periferia, y admitirlo sin ningún tipo de complejo, pero también sin ningún tipo de complejo mirar a los centros, mirar al centro, y no pedirle permiso al centro para existir. Reivindicar un concepto de periferia que no se resigne o que no es indiferente ante las injusticias sociales, sino una periferia capaz de comprometerse con el otro y desafiar el poder en cualquiera de sus formas, cuando el poder nos avasalla, porque eso es realmente lo que cuenta la leyenda del gallo. Aquella rebelión, aquel mito de la sublevación, sigue haciendo, sigue hoy construyendo sentido como pueblo a Morón”.

La sala La Fundición de la capital hispalense acoge este fin de semana un montaje en el que el actor y director sevillano Selu Nieto hace memoria de su abuela, poniendo el foco en un momento en que él atravesaba una mala racha y ella luchaba contra las sombras de la depresión. Tras su fallecimiento, sola en un hospital, el actor se propuso escribir una obra de teatro con la intención de devolverla a la vida, reuniéndose con ella en escena dentro del mismo cuerpo “para limpiar los errores del pasado” y “reescribir juntos un final”. El resultado lleva por título Soledad: vida y obra de mi abuela, y podrá verse en la citada sala este sábado a las 20:00 y el domingo a las 19:00 horas.   

Premios Lorca Revelación en 2016 por Los perros y al Mejor Autor en 2018 por La última boqueá, Nieto recuerda que de niño pasaba mucho tiempo con aquella mujer que llevaba una vida perfectamente normal hasta que cayó en la depresión. “A partir de la historia real de mi abuela, escogí episodios de su vida y me inventé muchos otros, con el objeto de construir el relato de la relación entre un nieto y su abuela, en relación con el tema de la salud mental”, subraya.

“Aunque se cuente en primera persona, y sacamos elementos personales de ella, fotos que le hice y hasta alguna grabación de audio real, podemos decir que la obra no va únicamente de ella: hablamos de muchas abuelas y de muchas generaciones diferentes”, asevera. Además, agrega, “se da la circunstancia de que, a consecuencia de la depresión, mi abuela tenía visiones que le impedían distinguir a veces la realidad de lo que no es real. Me apetecía plantearle al espectador ese doble juego, que él también llegara a dudar si lo que le contaban era verdad o no”, desvela el director.

Un tabú vigente

Una de las reflexiones que Selu Nieto ha querido plantear en este trabajo con sus compañeros de Teatro a la Plancha es la mirada de la sociedad en general hacia los ancianos: “Tengo la sensación de que a las personas mayores se las deja de escuchar. Dejan de tener razón, parece que ya no son útiles para nada. En lugar de escucharlos, algo que necesitan ellos y nosotros, porque son una fuente de sabiduría increíble, los silenciamos. Los nietos estamos en nuestro día a día, en nuestras cosas, y no nos damos cuenta a veces de lo mucho que podemos hacer por ellos”.

Por otro lado, el sevillano considera que el tema de la salud mental, “para estas madres y abuelas, era un tabú, y en cierto modo lo sigue siendo. Pero en sus tiempos era aún peor, porque no tenían a quién acudir, ni recursos de ninguna clase. No había ayuda ni personal ni profesional para quienes caían en la depresión, y eso también hemos querido ponerlo sobre el escenario”.

Todo ello obliga a los artífices del montaje a mantener un equilibrio entre los hechos reales y el respeto a la intimidad del personaje. “Tenemos claro que la autoficción no puede ser un diario personal para desahogarte, hay que ir más allá. Todos los escritores del mundo han partido de sucesos personales para elaborar sus historias, pero hay muchas maneras de moldear ese material o disfrazarlo. En este caso, supe que para que el mensaje encajara bien tenía que contarlo desde mí”, cuenta el actor y director sevillano.

Humor disfrazado

Con estas premisas, Selu Nieto es un firme defensor de la función del teatro como herramienta para “culturizar”, en el sentido de “hacer pasar al espectador por un choque, un ¿esto qué es?”. “Se parece mucho a cuando te das un golpe, de entrada te duele pero solo después vas siendo poco a poco consciente de lo que te ha pasado. Esto es lo que queremos provocar en el público. Fuera de eso, no hay otra intención que la de hacer que vengan, lo pasen bien y, a ser posible, tomen conciencia de un asunto que nos concierne a todos”, añade Selu Nieto.

De hecho, a lo largo del recorrido que Soledad: vida y obra de mi abuela lleva ya realizado por la geografía nacional, el actor ha podido comprobar el efecto que produce su actuación en el respetable. “Es increíble la cantidad de gente que se acerca emocionada tras la función, contándome que se han acordado de sus tías, de sus abuelas… La medida de edad suele ser de unos 60 años, pero hay de todo, y cada cual entra de una manera distinta en los códigos. Un señor mayor vino a darme la mano y me dijo acabas de contar la vida, mientras que un adolescente que vino se emocionó tanto, que quiso repetir al día siguiente viniendo con sus propios abuelos”, rememora emocionado.

Aunque Nieto ha levantado este montaje junto a sus compañeros Susana Hernández (codirección, dramaturgia, adaptación y coreografía), Paloma de Alba (vestuario) o Guillermo Jiménez Aguilar (iluminación), tenía claro desde el primer momento que debía estar solo sobre las tablas: “Pero me lo paso muy bien, se respira una mirada muy amorosa, hay humor cuando tiene que haberlo, y emoción cuando corresponde, también”.

¿Humor, tratándose de un tema tan duro? El actor asiente con rotundidad: “De cada dos frases, la tercera es un chiste, y algunos con muy mala leche”, confiesa. “Es una forma de hacer comedia, desde la convicción de que los mejores golpes se dan disfrazadas de chiste. Esta obra contiene muchas dagas que a simple vista parecen bromas”, sentencia.

Silvia Garzón llegó en 1998 al laboratorio TNT de Sevilla, un espacio de formación e investigación en torno a las artes escénicas, y se incorporó a la compañía Atalaya al año siguiente. Desde entonces, ha ido acumulando las enseñanzas de los profesores visitantes que han venido de todas partes del mundo a lo largo de estos años y poniendo en práctica sobre el escenario todo ese bagaje. No parecía descabellado reunir todas esas experiencias en un libro. Y eso es lo que ha hecho con 'Danzando con maestros', un volumen autopublicado que empezó como un pasado a limpio y va camino de convertirse en una preciosa herramienta de trabajo.

“El libro ha sido y está siendo todo un viaje”, explica la autora. “Todo empezó con el rescate de mis apuntes que guardaba, como buena alumna, de mis 26 años de laboratorio. En principio no lo iba a editar, solamente se iba a quedar en una estantería de TNT como documento: unas 50 páginas para un boleTiNT, revista que publica Atalaya TNT. Pero se me fue la mano, me pudieron las ganas de seguir con entrevistas, viajes… ¡Este acaba de salir y ya estoy con la segunda parte!”. 

Garzón (Sevilla, 1973) celebra haber podido asomarse a lo largo de estas dos décadas y media a disciplinas tan diferentes como el kathakali de la India, el teatro Nō y la danza butō de Japón, el teatro brechtiano, el isabelino, la Commedia dell’arte… Y todo ello de la mano de grandes conocedores y docentes de cada especialidad. En este sentido, la danza del título no se refiere tanto al baile, que también, como al movimiento con estos referentes fundamentales. 

El maletín del aprendizaje

Los recuerdos se agolpan en la memoria de esta actriz desde aquel primer taller de teatro brechtiano del Berliner Ensemble de 1999 hasta hoy mismo. “Tuvimos como profesor al bailaor flamenco Israel Galván mucho antes de ser premio Nacional, también a Isabel Vázquez y Manuela Nogales en contemporánea. Tomas todo ese aprendizaje y te lo llevas como un maletín, y al final cada uno vamos tomando lo que nos llama la atención. Una compañera hizo un taller y desde entonces va cada año a la India a seguir formándose, otra a Bali, hay quien siguió aprendiendo la técnica de Roy Hart…”.

Entre esos alumnos del último cuarto de siglo figuran nombres tan respetados hoy como el de Juan Dolores Caballero, Pepa Gamboa o Vicente León, y siguen formándose jóvenes talentos de la escena, ahora con la visita de siete maestros internacionales cada año. Cuando se le pregunta a Garzón quiénes dejaron una huella más profunda en ella, le resulta difícil escoger, pero al final se decanta por la actriz Roberta Corrieri. “Es mi madrina. Me enseñó, entre otras cosas, lo que era un menú: la necesidad de ir a la sala cada día teniendo lo que quieres hacer por escrito”.   

Tampoco olvida enseñanzas como la de Doreen Thobekile, “que vino a enseñarnos canto zulú. Eso es algo difícil de compartir por escrito, se trata de estar presente y punto, pero aun así he intentado plasmarlo”, explica. “Ella me enseñó a no decir nunca ‘no puedo’. Me veo con ella en la plaza de San Lorenzo, tocando un arpa de boca, me hice daño y no quería seguir. ‘Silvia, tengo 60 años, si digo no puedo me cierro un camino’. Me demostró la importancia de alinear tu pensamiento con tu actitud”. 

Generosidad y amor

Por otro lado, el butō que aprendió de Natsu Nakajima “es lo que más me ha tocado. Se produce una conexión muy potente con el cuerpo, que roza la espiritualidad. Es como parar el tiempo, auténtica meditación en movimiento que incorporamos mucho, por ejemplo, en nuestro espectáculo Marat-Sade”, apunta. 

“El maestro de mimo Tom Leabhart, por su parte, nos ayudó a aceptar los errores y a verlos como enseñanzas”, añade Garzón. “Esperanza Abad, que hizo todo el trabajo de técnica vocal de base para Atalaya, nos enseñó a trabajar de manera integral. Con John Kalamandalam nos puso en contacto la periodista Rosalía Gómez, fuimos a la India y nos ayudó mucho a trabajar la coordinación, la mirada, el centro del cuerpo. Él a veces actúa con una vela, al aire libre, con el campo detrás… Y es impresionante”. 

Al final, concluye la actriz, “de todos ellos, aprendes la generosidad de compartir, el amor y la dedicación por el oficio”. Una voluntad y una dedicación a las que Garzón quiere corresponder con su libro. “Los diez primeros años en TNT pasaba doce horas diarias en el teatro, pero ya voy encontrando tiempo para otras cosas”, sonríe. 

Técnica al servicio de la creatividad

Cuando piensa en los jóvenes que recién están empezando, opina que “hay que tener en cuenta que al principio no te encuentras todo esto de golpe. Lo primero, de hecho, es formar tu cuerpo para poder recibir distintas técnicas, no vas a empezar del tirón haciendo commedia dell’arte o kathakali. Es necesario un entrenamiento previo, antes de pasar por entrenamientos distintos, con la idea de crecer poco a poco, cada día. El objetivo último es poner esas técnicas al servicio de la creatividad”. 

“Todo el mundo necesita seguir aprendiendo para dar lo mejor de ti, quien deja de aprender se oxida, está muerto”, concluye la actriz. “Incluso para dar clases, quiero mejorar mis herramientas, en el escenario y en el aula. Acabo de hacer una formación en midfullness, por ejemplo. Cuando empiezo un nuevo proyecto, me pregunto, ¿cómo está mi cuerpo? Tengo que prepararlo, escuchar música nueva, leer cosas nuevas… No hablo solo de técnica. Para mí la técnica va ligada a ser cada vez más íntegra y coherente. A ser, en definitiva, mejor persona”.  

El teatro es, desde su origen, un espejo crítico de la sociedad. Un espejo en el que no todo el mundo parece querer mirarse. Al menos, así lo demuestran sucesos como el que ocurrió en Linares hace apenas unas semanas, cuando la representación de 'Lisístrata' fue suspendida por orden de la concejala de Igualdad del Ayuntamiento, María del Carmen Muñoz (del Partido Popular), a los pocos minutos de comenzar. La edil alegó que la obra era “inadecuada” para parte del público, ya que había menores en la sala. La reacción fue inmediata: desconcierto entre el público, indignación de los organizadores y una ola de críticas por lo que muchos consideran un acto de censura cultural.

Ahora, otra versión de esa misma obra llega a Sevilla. Y lo hace cargada de simbolismo. Representada por el grupo teatral Casiopea, compuesto por jóvenes actores y actrices locales, esta Lisístrata es “irreverente, moderna, profundamente feminista y, sobre todo, necesaria”, en palabras del director de la pieza. “Su puesta en escena demuestra que un texto con más de 2.000 años puede seguir removiendo conciencias, provocando risa y reflexión a partes iguales”, añade.

El texto original de Lisístrata es una comedia clásica de Aristófanes que narra cómo un grupo de mujeres griegas, lideradas por la protagonista que da nombre a la obra, decide iniciar una huelga sexual como medida de presión para poner fin a la guerra que asola sus ciudades. En esta versión, adaptada y dirigida por Fernando Lahoz, el conflicto bélico y las tensiones de género se abordan con humor y referencias contemporáneas, manteniendo la estructura coral original e incorporando teatro físico, danza y símbolos actuales. La obra reflexiona sobre el poder de la acción colectiva y el papel de la mujer en la toma de decisiones sociales y políticas.

Una obra censurada en otra ocasión

La suspensión de la obra en Linares tuvo lugar durante los actos del Día Internacional de la Mujer. Tras la entrega de reconocimientos a ocho mujeres y una actuación musical, comenzó la función en el espacio escénico El Pósito. Apenas habían pasado cinco minutos cuando la concejala decidió interrumpirla, alegando que no era apropiada para los menores presentes.

“Cuando la concejal paró la obra, el público no entendía qué estaba pasando; incluso pensaron que formaba parte del espectáculo”, explicaba Ana Latorre, secretaria de Juventudes Socialistas. Para ella, el hecho demuestra un desconocimiento del “espíritu feminista” de la obra y un desprecio por el valor cultural del teatro.

Desde el PSOE y varios colectivos feministas, como la Asamblea 8M Jaén, se pidió la dimisión de la concejala, al considerar el acto un ejemplo de censura. “Es algo casi surrealista y propio del franquismo más duro”, afirmó Juana Peragón, una de sus integrantes. Eso sí, la dimisión ni ha ocurrido, ni se espera. 

Un clásico renovado con mirada contemporánea

El grupo Casiopea se define por hacer “comedia con pellizquito”, según Lahoz. “Era necesario actualizar la obra. Aristófanes era hijo de su tiempo, y aunque nuestra representación la puede disfrutar todo el mundo, nos gusta darle un toque fresco y moderno, que se note que tanto el reparto como la dirección está compuesta por jóvenes”, explica.

Los días 24 y 25 de abril se podrá disfrutar de esta obra que introduce, también según su director, “referencias directas al movimiento Me Too y otros temas actuales como los conflictos en Ucrania y Gaza”. Para él, la obra sigue siendo vigente porque plantea una pregunta esencial: “¿Por qué no somos capaces de dialogar y alcanzar la paz?”.

En un contexto global marcado por la violencia, el retroceso en derechos fundamentales, la polarización política y la censura, Lisístrata resuena con fuerza. Su huelga de sexo como acto de protesta no solo representa una rebelión en el contexto de la antigua Grecia, sino una metáfora atemporal del poder colectivo frente a la injusticia. Las mujeres de la obra se niegan a ser cómplices de la guerra. Reivindican su posición en una sociedad que las relega. Hoy, ese gesto tiene eco en las luchas feministas, pacifistas y en todos los movimientos que buscan cambiar estructuras injustas desde la base.

La obra también lanza un mensaje directo sobre cómo el sexo, la violencia o el control del cuerpo siguen siendo campos de batalla ideológica. “Lo que Aristófanes planteó en clave de comedia sigue siendo incómodo porque sigue siendo cierto”, sentencia Lahoz. En una época donde aún se debate sobre educación sexual, derechos reproductivos o la visibilidad del deseo femenino, Lisístrata entra como un torbellino de humor que desenmascara tabúes.

Juventud, humor y compromiso

Una de las claves de este montaje es la edad y energía de su elenco. Marina Redondo, actriz y fundadora de la asociación que da origen al grupo, recuerda que decidieron crear Casiopea cuando, tras acabar un curso juvenil en Viento Sur, no encontraron continuidad. “No queríamos disolvernos, queríamos seguir actuando juntos. Por eso montamos nuestra propia asociación”, explica Redondo.

Ella interpreta a Calónica, y aunque tiene otro personaje menor, destaca que la obra es coral. “Lo más importante es el mensaje colectivo. La guerra, el sexo, la doble moral... Todo eso se pone sobre la mesa con comedia, pero también con respeto”. Para la fundadora del grupo, la representación tiene un toque “entre Gen Z y millenial” que la conecta con el público joven.

Irene Flores, otra de las actrices, subraya la frescura que aporta el humor: “Cada público reacciona distinto. A veces se ríen donde no lo esperas, y eso hace que cada función sea diferente. Eso es lo más divertido de hacer comedia”.

Una obra con trayectoria y reconocimiento

La versión de Casiopea ha sido galardonada como Mejor Obra en el Certamen Nacional de Teatro de Olvera y seleccionada en el Certamen de Teatro Villa de Ardales. Críticos como los de la Zentralita la han calificado como “una joya” y la revista Achtung destacó que “trasciende el valor de la palabra sororidad”. El Festival Cultura con Orgullo (FOC) fue el lugar de su estreno, y tras varios llenos absolutos, su programación se ha ampliado.

El vestuario, que mezcla camisetas blancas y pantalones verdes militares simulando un uniforme, y la escenografía, cargada de simbología bélica, refuerzan el mensaje de la obra: la guerra está en todas partes, incluso en lo cotidiano. Y el sexo, lejos de ser un tabú, es una herramienta de poder, de negociación y de reflexión.

Las entradas pueden comprarse a través de este enlace, con un descuento para estudiantes, personas con discapacidad, de la tercera edad y desempleados.

Que el teatro se nutre a menudo de asuntos de la actualidad política y social es algo bien sabido por los espectadores. Autores y autoras se inspiran en temas como la memoria histórica, la corrupción o la incidencia de las nuevas tecnologías para inspirar sus creaciones, sin rehuir ninguna polémica. Tampoco lo ha hecho la dramaturga María Díaz (Sevilla, 1986) con su obra 'Mater dolorosa', con la que obtuvo el V premio Ana Diosdado.

Un texto que aborda el fenómeno de la gestación subrogada desde distintas ópticas, con el objeto de abrir un debate que cree “muy necesario”. Lo curioso es que, acabada y premiada, a 'Mater dolorosa' no le está resultando fácil encontrar compañía que la lleve a escena. “Intentamos moverla por teatros públicos en busca de alguna coproducción, pero no hubo manera. Sí he podido hacerla en algunas lecturas dramatizadas, y es muy interesante ver las reacciones. No es una obra para espectadores de izquierda ni de derecha, ni a favor ni en contra, así que las preguntas que surgieron fueron de una disparidad impresionante”.

La idea de 'Mater dolorosa' surgió mientras cursaba sus estudios de Dramaturgia. “Tenía que escribir mi proyecto de fin de carrera y ese tema llevaba años rondándome”, recuerda. “Era algo que generaba en mí mucha contradicción, pero cuando me planteé escribirlo me di cuenta de que se trataba de algo verdaderamente complejo y que iba a requerir mucha investigación”.

En particular, algo de lo que Díaz quería evitar a toda costa era una visión maniquea del asunto. “No me interesaba para nada reflejar en mi escritura una historia de malos y buenos, no podía caer en esos roles. Mi intención fue entonces elevar el discurso y analizar lo que está pasando detrás de lo que vemos. Me centré en eso, en el mercado reproductivo y los intereses que lo mueven, y cómo aprovechan el deseo de las personas de ser padres y madres para saltarse a la torera un montón de leyes”, agrega. 

Profunda investigación

La escritura teatral es, para esta sevillana afincada en Madrid desde hace más de una década, “simplemente una manera de expresarme”, pero sentía que podía aportar mucho a un debate de candente actualidad. “Cuando acabé la investigación, tenía miedo de volcar todo lo que había aprendido y que acabara resultando un tostón, por lo que decidí poner toda esa información al servicio del juego escénico. Y ayudó mucho”.

Asegura Díaz que no le gusta caer en el discurso de qué tiene que hacer o decir el teatro en nuestro tiempo, “porque para mí es algo inmenso, pero personalmente tiendo a usarlo como reflejo de la sociedad”, subraya. “En el caso de la gestación subrogada, veo que es muy habitual colocarse a favor de una forma emocional, sin tener toda la información sobre la mesa. Por eso me parecía importante que la obra mostrase todo lo que no vemos y lanzara la reflexión al público. Hay muchas cosas que desconocemos y que, si se dieran a conocer correctamente, harían que la gestación subrogada no estuviera tan bien vista”.   

Cuando empezó con este proyecto, María Díaz no tenía a su alrededor ningún caso de gestación subrogada. “Me hubiera gustado contar con gente cercana en el proceso, pero no fue así. Hay quien ha recurrido a ella y lo esconde, pero en todo caso no supuso para mí ninguna limitación especial. Al final me pilló a mí misma en un momento personal muy reflexivo, planteándome si quería ser madre o no, y eso enriqueció la obra. La idea de maternidad que manejamos hoy día me llevó a preguntarme si el deseo de maternidad era algo mío de verdad, o algo que he ido recibiendo a nivel educacional. Y de ahí pasé a preguntarme cómo influye esta idea en las mujeres. El mero hecho de no saber responder a la pregunta de si ese deseo no es mío me generó mucha controversia y me ayudó a terminar”.

Realidad y ficción

El jurado del premio Ana Diosdado definió 'Mater dolorosa' como una propuesta donde la “teatralidad y la frescura se abrazan para visibilizar la maternidad y la presión que ejercen la sociedad y la familia para traer hijos al mundo”. Señalaba, además, que la pieza se presenta “desde una mordaz crítica a las clínicas de maternidad subrogada y a sus campañas publicitarias, con el humor muy presente”. 

La autora muestra a dos mujeres, “sus deseos como motor de vida desde los extremos de la transacción: todo ello, arropado por un coro de mises embarazadas de diferentes países, donde está permitido esclavizar úteros. Un nicho de negocio que se ejerce sobre el cuerpo de las mujeres desde el capitalismo”, afirman. Ante todo, este texto es una “reflexión sobre el deseo y el derecho, e invita a cuestionarse de dónde nace ese deseo, si es una construcción inculcada desde la infancia o si realmente se elige libremente”. “Habría que preguntarse si el derecho a ser madre o padre es un privilegio que ejercen quienes lo pueden comprar”.

“Después de haberla escrito, tuve la sensación de que me quedaba corta”, apunta Díaz. “Al poco tiempo pasó lo de Ana Obregón y me dije, ¿ves? La realidad siempre llega y lo supera todo”. 

Engranajes del sistema

La autora recalca que “detrás de las personas que acuden a cumplir su sueño no podemos olvidar que hay un negocio que mueve millones cada año. Y quienes optan son engranajes de ese sistema. Los partidarios aseguran que las personas que gestan a los hijos para cederlos luego lo hacen porque quieren, pero ¿qué hacemos porque queremos, y qué porque estamos condicionados por nuestra situación económica, social, educativa, etc.?

De momento, María Díaz tiene en cartel 'Farra' con la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la Compañía de Lucas Escobedo, mientras espera la ocasión para llevar 'Mater dolorosa' a escena. “Siempre hay textos guardados esperando su momento. Ahora estoy en una etapa más mía, en proceso de saber qué nuevos textos puedo generar, optar quizá a alguna beca, preguntarme de qué me apetece escribir”. 

Aquel mantra que algunos políticos esgrimieron durante la crisis de 2008 (“Hemos vivido por encima de nuestras posibilidades”) se invirtió para convertirse en un “por debajo de nuestras posibilidades” y bautizar una de las citas imprescindibles del calendario cultural sevillano. Así, 'Hemos vivido' ha cumplido este año su séptima edición, que acaba de culminar con una serie de experiencias y debates en torno a las artes escénicas que parecen haber dejado huella.

Con el respaldo de la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) desde 2024, 'Hemos vivido' ha cambiado esta vez su tradicional emplazamiento otoñal y se ha pasado a la primavera. Para su coordinador, el actor, dramaturgo y director David Montero, “cuando las cosas se mantienen en el tiempo, la gente las reconoce y las espera, y eso ha ocurrido con 'Hemos vivido'. Esta edición tendría que haberse celebrado el otoño pasado, pero lo desplazamos a la primavera porque detectamos que había un overbooking en la agenda cultural sevillana. Con todo, ha sido muy gratificante comprobar la cantidad de gente que preguntaba cuándo era la próxima”.

Según recuerda este sevillano, “empezamos en 2018 y hemos ido cambiando conforme la escena hispalense ha ido evolucionando también, en sintonía con los cambios que experimenta la propia realidad. Hemos querido estar pendientes de ello, atender las lagunas o los puntos débiles del sector y enfocarnos en ellos”, comenta. “Por ejemplo, en nuestros inicios era más difícil que gente de distintas generaciones y estéticas se juntara. Era algo poco habitual que ha ido generalizándose poco a poco, hasta el punto de que muchas iniciativas van ahora en esa línea, y un fenómeno como el de las residencias artísticas son más habituales que antes”. 

24 horas de creación

También desde su arranque, 'Hemos vivido' ha venido atendiendo una doble vertiente: por un lado, la pedagógica, por otro la creativa. Así, los pasados días 22 y 23 de marzo se celebró en el Espacio Vacío el taller 'Dramaturgia con ‘D’ de Deseo' a cargo de la autora y directora de escena María Velasco, quien, a partir de la convicción de que “crear es resistir”, trató de hacer convivir la pulsión de placer creativa con la conciencia y la responsabilidad que tienen los creadores y creadoras del siglo XXI. “Fue un intensísimo fin de semana, algo muy guay porque la gente venía con proyectos propios y todo el mundo ha terminado dándole un vuelco después de trabajar con María”, dice Montero. “Ella tiene una mirada clínica para detectar las flaquezas de un proyecto, y logra que todo el mundo salga reforzado y lo que es aún más importante, con ganas de seguir”.  

Asimismo, se convocó en La Fundición un encierro creativo de la mano de Rosa Romero. “Se trataba de convivir durante 24 horas para poner en pie juntos un montaje. La gente se llevó sacos, les suministramos comida y en esas 24 horas habían inventado una pieza que interpretaron para el público al día siguiente”, explica Montero. “Ha sido un trabajo muy físico, con el bolero de Ravel de fondo. Cuando vienes del cansancio de 24 horas siempre ocurren cosas muy emocionantes. Todos se han convertido en familia. ¡Con decirte que creamos un grupo de whatsapp solo para este evento, con la promesa de clausurarlo cuando acabara todo, y me han escrito para pedirme por favor que no lo cierre! Es la prueba de que se establece un vínculo super poderoso entre ellos, pero también con el público”.   

Por otro lado, este año 'Hemos vivido' ha organizado también una serie de encuentros con distintas personalidades para reflexionar sobre las artes escénicas desde ángulos muy diversos, “algo de lo que pensamos que adolece nuestra escena”, apunta el coordinador. “Se trata de repensar qué queremos decirle a la gente. Al final, si nos fijamos, esto supone volver a hacerse una y otra vez las mismas preguntas, que se resumen en dos: qué es esto, y por qué lo hago, Y conforme profundizas te das cuenta de que en nuestro campo no hay decisiones arbitrarias. Si optas por hacer una obra de texto o una distinta, siempre hay algo detrás que hace que te decantes por una”.

Cuerpos y bidones

Así, la primera cita fue este lunes con el divulgador Santiago Alba Rico para debatir sobre 'La escena como pensamiento y el pensamiento como escena'. “Él tiene una relación con la escena un poco periférica, y eso es justo lo que queríamos, y que nos hablara de temas que están en su obra, como el cuerpo. La escena es el lugar que necesita que haya cuerpos que no pueden ser destruidos. Fue muy interesante oírlo hablar de lo analógico no respecto a lo digital, sino como lo contrario de identidad”.

Otra de las citas que no ha pasado desapercibida, empezando por su llamativo título, ha sido la de Jaron Rovan, 'Manual para quemar el Maestranza (entre otros)'. “Rovan ha publicado un libro titulado Manual para quemar el Liceo, le propuse que lo adaptáramos aquí con el Maestranza, que sería en cierto modo el equivalente, y fue muy gracioso porque él entendió que queríamos quemar la Maestranza”, recuerda Montero. “Lo que plantea este autor es de qué hablamos cuando hablamos de la importancia de la cultura, al servicio de quién está. La gente del Maestranza no se ha quejado para nada, ha entendido que era una metáfora. Lo que no sabe es que iremos con bidones cuando acabe el encuentro”, rie Montero. 

Otras convocatorias similares prolongarán el séptimo 'Hemos vivido' hasta este sábado, 3 de abril. “Nuestra intención es continuar en estas fechas primaverales, y parece que la UNIA nos respalda. Esto empezó como guerrilla, y si el día de mañana no hay apoyo mutará de nuevo como guerrilla, pero si hay alternativas siempre es mejor, porque te permite traer a gente maravillosa con total libertad para programar”. 

Cecilia, docente y madre de tres hijos adolescentes, era una asidua del Teatro Lope de Vega de toda la vida. Sus dos muchachos crecieron acudiendo al coliseo sevillano, y hasta el cierre de este emblemático espacio las representaciones nunca faltaban en sus planes de fin de semana. Desde que en 2023 el Ayuntamiento de Sevilla decidiera clausurarlo debido a la necesidad de practicar obras “urgentes” que impedían que siguiera funcionando, según se adujo en su momento, la afición teatral de la familia ha sufrido un menoscabo importante. Y no solo porque desplazarse a espacios como el Cartuja Center o la sala TNT les plantee problemas logísticos, sino porque la taquilla de los lugares donde se reacomodó la programación del Lope tiene precios significativamente más caros. 

“El cierre del Teatro Lope de Vega ha supuesto dejar de ir al teatro con la asiduidad que íbamos”, afirma esta sevillana. “Cuando se cerró se anunció que la cartelera se repartiría por otros teatros de la ciudad, pero esto, si ha ocurrido, ha sido en condiciones diferentes. Los precios de las entradas no se han respetado, lo que hace inviable acudir con normalidad porque no me lo puedo permitir”. 

“Esto me da bastante rabia, especialmente porque se había convertido casi en una costumbre ir al teatro los domingos por la tarde. Mis hijos y yo disfrutábamos de lo que hubiese programado ese día. Había logrado que les interesase ir al teatro en vez de cualquier otra opción. Esto se está perdiendo porque ahora solo podemos ir de vez en cuando, ya que entradas de unos 20 euros por persona (y somos cuatro) es algo difícil de gastar todos los meses”. 

Resulta difícil calcular cuánta gente, en las mismas condiciones que Cecilia, ha dejado de ir al teatro desde que el Lope cerró sus puertas, pero cabe imaginar que no son pocos. Antes de este cierre, el precio por entrada que habitualmente abonaba Cecilia rondaba los 9 euros. “Las había incluso de 4 euros con visión reducida”, apunta, “y ahora son 20 o más”. 

Ciudad y ciudadanos

Las entradas para algunos espectáculos recientes de la TNT han costado 12 euros, “aunque los precios no los hemos puesto nosotros en ningún caso”, señala su responsable, Ricardo Iniesta. En el Cartuja Center, una obra como 'El Palermasso' costará en febrero entre 23,76 y 30,24 euros: más del doble y del triple del precio familiar del Lope de Vega. Ver a Héctor Alterio en marzo con el montaje 'Una pequeña historia' será un poco más económico: entre 24,84 y 28,08. “Así es muy difícil mantener la afición. Si a eso le añades un taxi que cojas, que tomes algo… Se te va un dineral en un solo día de teatro”, lamenta Cecilia. Esta temporada, está previsto que los espectáculos se trasladen a Artillería, lo que supondrá un problema añadido, ya que carece de condiciones técnicas para determinados espectáculos. 

Teresa, jubilada de 79 años, se siente otra de las damnificadas por el cierre del Lope. A pesar de su edad, esta sevillana despliega una actividad cultural de lo más intensa, desde su participación en un club de lectura a la pertenencia a los amigos de la Orquesta Barroca y de la Sinfónica, pero no poder ir al Lope de Vega “me ha afectado muchísimo. Desde hace muchísimo tiempo, cuando trabajaba como profesora, iba al teatro con grupos de alumnos. Siempre venían compañías muy buenas y a unos precios muy asequibles. Ahora, el TNT está lejísimos para mí, el Cartuja Center igual. Es cierto que voy a menudo al Central, pero no es lo mismo, no es lo mismo”, repite.

“Echo muchísimo de menos mi teatro de fin de semana en el Lope de Vega, pero lo que más me desespera es que, hasta donde sé, no están haciendo nada”, protesta Teresa. “Creo que Sevilla tendría que cuidar más esto, más aún en esta época en que la ignorancia parece estar apoderándose de todo. Por mi parte, me da pena porque me parece que, a este paso, no voy a volver a entrar en ese teatro”.

Brasa en las redes

Después de la polvareda que levantó la noticia del cierre, en el sector se vive un silencio llamativo. Apenas unas pocas voces dispersas claman contra la situación y reclaman explicaciones por parte del Ayuntamiento de Sevilla. Una de ellas es la de La Zentralita, un espacio de creación, producción, encuentro y difusión de las artes escénicas. “Todos los días damos la brasa en nuestras redes con la cuestión del Lope”, comenta María, una de sus portavoces. “Llamamos al Ayuntamiento y no contesta nadie, pero nuestra obligación es hacerlo y mover a la gente de la profesión, a la que se le olvida que el Lope lleva casi dos años cerrado. Es indignante que esté así durante tanto tiempo y nadie diga nada”. 

Para las chicas de La Zentralita es precisamente el hecho de que no haya un clamor en torno al Lope lo que más inquieta. ¿Desdén? ¿Indolencia? ¿Miedo a señalarse? “A nosotras no nos cuesta nada enarbolar esta bandera”, aseguran. “Estamos hablando de patrimonio público. Luego nos damos golpes en el pecho defendiendo la cultura, mientras estamos viendo morir un edificio histórico que nos pertenece a todos y que, por lo que hemos ido averiguando, está sufriendo un deterioro cada día mayor. Si cerraran el Benito Villamarín, veríamos sin duda las manifestaciones de protesta”.

Los rumores de que el teatro podría estar listo para la conmemoración del centenario de la exposición del 29 tampoco parecen un consuelo para estas mujeres de escena. “Los teatros públicos no pueden estar cerrados, tienen que estar abiertos las 24 horas, de lunes a domingo. ¿Sabes por qué? Porque hay muchas compañías sin sitio para ensayar, sin poder hacer residencias, sin nada. De todos modos, estamos aún más indignadas como ciudadanas que como profesionales de las artes escénicas. La ciudad es del ciudadano, no del que viene a tomarse cuatro cañas. Y queremos saber. Luego se quejan de que salgan teorías conspiranoicas, pero con el silencio del Ayuntamiento nos están dando pie”. SevillaelDiario.es también ha intentado obtener una respuesta del Consistorio sobre la situación del teatro, sin éxito hasta la fecha. 

Exigir respuestas

Tampoco le satisface la alternativa de los otros espacios que han pasado a albergar la programación del Lope. “Lo de reubicar montajes pensados para el Lope en otros teatros, con escenografías que no cabían y otros problemas similares, ha sido un quedar mal que ha generado no poco descontento. Por no hablar de cómo afecta a los espectadores, que antes podían ir por 5 euros al paraíso y ahora deben pagar bastante más”.

Ricardo Iniesta, de TNT, cree no obstante que el precio es “el menor de los problemas. El verdadero problema es que Sevilla no puede estar sin teatro municipal, nunca había estado tanto tiempo en esta circunstancia. Nosotros estamos encantados de acoger cualquier espectáculo, pero lo deseable es que el Lope vuelva a abrir sus puertas cuanto antes. Me consta que Federico Jaime López, persona cercana y trabajadora, tiene toda la prisa del mundo. Al parecer ya se han cambiado las butacas y el escollo pendiente sigue siendo el telón de fuego, que es algo más complicado de cambiar. Aunque en algún momento he estado inquieto, este gestor me da confianza y espero que el año que viene tengamos teatro”.  

Lo seguro es que La Zentralita no va a cejar en su empeño hasta que no tenga una respuesta satisfactoria por parte de la Delegación de Cultura. “Hay gente que nos ha dicho que nos olvidemos del tema, ‘está en obras, déjalo’. Yo solo sé que está cerrado, ¿tú ves andamios ahí? Mira como de La Magna nos hemos enterado de todos los detalles con pelos y señales. Nosotras no acusamos de nada, solo queremos que nos cuenten. Tendremos paciencia, pero queremos saber. Queremos creer que el poder cuida de nosotras, de lo contrario nos volveríamos locas. Pero eso no quita que exijamos respuestas, o de lo contrario todo irá a peor”.     

Dos días atrás, las redes sociales registraron cierto revuelo en torno a un hecho aparentemente insólito: la salida a la venta de las entradas para una representación en el Teatro Central de Sevilla había sido suspendida en apenas unos minutos. Los usuarios colapsaron las líneas preguntando si se trataba de un error informático, o si había una bolsa de entradas reservadas para algún colectivo determinado, pero resultó ser algo mucho más sencillo: las entradas se habían vendido en un abrir y cerrar de ojos. 

La obra en cuestión es '1936', la nueva propuesta del director madrileño Andrés Lima, protagonizada por Blanca Portillo, Antonio Durán “Morris”, Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Guillermo Toledo, Juan Vinuesa y el Coro de Jóvenes de Madrid, y que gira en torno al golpe de Estado del general Franco en la fecha que da título al montaje, así como la sangrienta Guerra Civil que le sucedió. Su duración, cuatro horas y cuarto, no parece amilanar al respetable, que ya conoce la potencia, el compromiso y la amenidad de los trabajos de Lima y su equipo, habituales en la programación del Central.

“Es una buena señal, indica el interés que el teatro actual suscita en el público”, comentan fuentes del coliseo de la Isla de la Cartuja consultadas por SevillaelDiario.es. “No es, desde luego, la primera vez que sucede algo así. Recientemente pudimos ver cómo 'The second woman', un trabajo de 24 horas de la actriz María Hervás, agotaba también todas las entradas para el acceso a la totalidad del espectáculo en un abrir y cerrar de ojos. Y también ha sucedido con Breve historia del ferrocarril español, sobre un texto de Joan Yago y bajo dirección de Beatriz Jaén, o Frenia, de Julia Moyano, Rocío Hoces y La Rara, que llega este mismo fin de semana al Central”.

El interés de los abonados

Desde el teatro se informa también de que las localidades puestas a la venta para este tipo de espectáculos son de medio millar por cada función (dependiendo de las características del montaje), mientras que el número de abonados asciende a unos 250. “En las redes de nuestros abonados solemos detectar cuándo hay un interés por encima de lo normal por alguna propuesta, y el que se venía mostrando por '1936' estaba siendo así. No nos ha sorprendido que se venda todo, aunque la rapidez ha sido extraordinaria”.

Tras el éxito de las obras Shock 1: El Cóndor y el Puma y Shock 2: La Tormenta y la Guerra, que tienen como base argumental el avance del capitalismo del desastre a través de los golpes de estado y las guerras, la reflexión de Andrés Lima y su compañía surge de la necesidad de comprender nuestra historia contemporánea marcada por el primer gran shock del siglo XX tras la Primera Guerra Mundial: el golpe de estado del 18 de julio de 1936 contra la II República Española.

En el texto de presentación de '1936', firmado por el propio Andrés Lima, se subraya que “el golpe de estado militar del 18 de julio de 1936 en España dio lugar a una guerra civil que duró tres largos años. Si entendemos el ‘shock’ como el golpe violento sobre una sociedad que da lugar a implementar un régimen económico, político y social, España en el 36 es el inicio de un gran shock que durará 40 años y que todavía tiene una influencia decisiva en todos los estamentos y clases de la sociedad española”.

“Un desgarro emocional”

“Durante muchos años, la historia oficial en este país ha sido contada desde el prisma de los vencedores (triste palabra), de los sublevados”, añade el director. “Y esta falta de educación histórica nos alcanza hasta hoy. Pero la mirada teatral de este montaje no se basa en la dicotomía de los vencedores y los vencidos, de los amigos y enemigos. Nuestra mirada será analítica, crítica y documental. Nuestra responsabilidad es la de reencarnar una guerra. Y una guerra no sólo es un fracaso como sociedad, sino un enorme desgarro emocional. Una guerra civil, entre hermanos, es posiblemente la peor de las guerras. El teatro puede reflejar esa emoción. Queremos que el espectador reflexione, que nuestros adolescentes y jóvenes comprendan, y que todos podamos ponernos en el lugar del otro. ¿Qué se siente bajo un bombardeo, refugiado en una estación del metro, junto con tus vecinos, que posiblemente te denunciaran por tus ideas?, ¿qué se siente huyendo por una carretera de Málaga mientras la armada alemana y los aviones italianos exterminan a heridos, ancianas y niñas y niños?, ¿qué se siente tomando la decisión de arrasar Guernica?, ¿cómo se vive en una trinchera a la espera de la muerte?, ¿qué es un ”paseo“?, ¿qué es el terror?”.

“Es demasiado grande el conflicto, sus ramificaciones, causas y consecuencias. Pero vamos a intentar hacer teatro”, concluye Lima. “Vamos a intentar pintar un paisaje lo suficientemente elocuente que sirva para recordar e imaginar, para hacernos preguntas que nos lleven a comprender mejor, a descubrir dónde están las heridas. Porque sangre hubo y mucha. La guerra dio lugar a un régimen franquista sostenido por la iglesia, el ejército, la aristocracia y una gran masa social. Es el pueblo el que me hace cuestionarme más. ¿Cómo y por qué se apoya un régimen basado en la represión? Siendo un ser humano, ¿cómo no se es humanista?, ¿y hoy? Antes la ultraderecha se imponía por golpes de estado, pero hoy son votados en las urnas. ¿Por qué?”.

De momento, y a pesar del éxito de venta, el Teatro no se ha planteado aumentar algún día más la propuesta escénica.

El fenómeno de Rancio, sobrenombre con el que se conoce al periodista y escritor sevillano Julio Muñoz Gijón, trascendió los límites de la literatura hace tiempo para encarnarse sobre las tablas del teatro. Empezó con la primera entrega de su saga más popular, El asesino de la regañá, y continuó con la secuela El crimen del palodú, cosechando un notable éxito de público. Ahora regresa con una tercera parte, El diario del asesino de la regañá, que se presenta como un más-difícil-todavía que volverá a hacer las delicias de los incondicionales de la serie. La obra estará en la Sala Cero de la capital hispalense en cartel hasta el 10 de noviembre con funciones de jueves a domingo, y el equipo llamado a sacarlo adelante es básicamente el mismo que se ocupó de los montajes anteriores.

“La tercera entrega de una saga supone una gran responsabilidad, el público conoce las anteriores producciones y tenemos un mayor nivel de autoexigencia”, admite Sofía Aguilar, de Producciones de Arte. “Siendo conscientes de estas circunstancias, acometemos la labor con toda nuestra entrega e ilusión, como no puede ser de otra manera en un oficio tan pasional. En este espectáculo continuamos desarrollando nuestra línea de trabajo sobre la comedia contemporánea andaluza, esperando una similar acogida por parte del público. Que vengan al teatro y lo disfruten es uno de nuestros objetivos primordiales”.

Otro de los productores, Elías Sevillano, de Producciones Circulares, comenta que “para esta tercera entrega buscábamos un nuevo planteamiento, pero sin desviarnos demasiado de los anteriores espectáculos y mucho menos de este registro de comedia loca. Ahora todo es más psicológico, y creemos que eso enriquece la saga. El escenario es una clínica psiquiátrica, y la línea a seguir es la que nos caracteriza: ahondar en la comedia con muy buen acabado, ofrecer espectáculos de calidad. El reto era muy grande, y la presión muy fuerte después de dos éxitos incontestables. Teníamos mucha presión para darle muy buen acabado y que guste, manteniendo el nivel. El resultado final es muy, muy divertido, y convencerá a los fans más exigentes”.   

Amor por las tradiciones

Como advierten los propios productores, El diario del asesino de la regañá es una precuela de la historia del criminal más sevillita, convertida ahora en un texto que mezcla diario, thriller psicológico, y comedia de enredo cercana al hilarante absurdo. La dramaturga Ana Graciani, también experta en el peculiar universo del autor y en su característica guasa, sonríe al comentar que “esta obra me ha dado la misma guerra que las anteriores”, para explicar a renglón seguido que “he intentado tratar las tres piezas de manera diferente, para que el público no se encuentre más de lo mismo. Guardando la esencia de Rancio, su humor y sus sevillanas maneras, pero intentando que cada obra tenga su propia identidad”.  

“En esta ocasión se trata de explicar cómo se construye un asesino, su anatomía”, prosigue Graciani. “Como recordarán los seguidores de la saga, el Asesino de la Regañá empieza cometiendo siete asesinatos durante la Semana Santa de Sevilla, y en El crimen del palodú sigue haciendo de las suyas. A diferencia de las anteriores, aquí no comparecen ni el inspector Villanueva ni el agente Jiménez, que todavía no han aparecido en la historia. No hay rastro de la trama policiaca, sino todo lo anterior: una persona aparentemente normal, muy amante de las tradiciones y de Sevilla, ante la cual nos preguntamos cómo llega a convertirse en un asesino”.

Así pues, la nueva propuesta se limita a dos personajes, el paciente y su psiquiatra, mientras que el público fiel juega con la ventaja de saber cómo acabará todo: en un baño de sangre lleno de sevillanía recalcitrante. “El médico intenta ayudar a este señor aparentemente normal, amante de Sevilla y de sus tradiciones. No sabemos si lo consigue o no, pero trabaja para que los brotes que le dan no vayan a más. De este modo hemos conseguido armar una historia muy divertida, que estoy deseando que el público vea y se ría tanto como nos hemos reído nosotros escribiéndola”.  

Contra la homogenización

El director Antonio Campos señala además que el trabajo actoral desarrollado por Candela Fernández y José María Peña, “dos actores con una vis cómica fantástica”, ha sido “muy enriquecedor, se han fiado de mí y al mismo tiempo hemos probado muchas cosas, han propuesto mucho, y eso es normal cuando tienes en las manos un texto vivo y libertad para mover lo que quieras. Ahora, antes del estreno, afloran los nervios, pero en el fondo lo que estamos deseando todos es hacerlo ya”.

“Siempre me provoca mucha ilusión, ves algo que has escrito en la soledad de tu escritorio, y de pronto lo ves ahí, encarnado”, añade por su parte el propio Julio Muñoz Gijón. “Pero este era además el super-reto, porque el libro en que está basado es el diario de un tipo donde ocurren muchas cosas en muchos lugares. Anclar todo eso en una única localización como es un teatro, es complicado. No sabía cómo iba a salir, pero estoy muy contento con el resultado. Y saber que se han agotado las localidades sin saber si esto está bien o mal, es para estar muy agradecido”.

Para el escritor, lo más importante es “que se trata de pasar un buen rato en el teatro, pero también hacer una reflexión de la deriva que lleva una ciudad, o todas las ciudades, si nos estamos homogeneizando y dentro de poco no tendrá sentido viajar, porque en todas partes tendremos las mismas tiendas y estaremos vestidos con las mismas marcas. La obra también va de eso”.  

Quizá se piense que una persona privada de libertad en un centro penitenciario sueña normalmente con salir de la prisión, con volver a ser libre, con dejar atrás los barrotes de su celda y con olvidar aquel mal paso que dio con sus huesos en la cárcel. Con disfrutar de la libertad, de poder abrazar a su familia sin barreras físicas que lo impidan. O quizás tienen pesadillas cada noche, o una mala conciencia o un arrepentimiento tardío no les deja siquiera conciliar el sueño. ¿Y si les dijéramos que pueden saber qué pasa por las cabezas de las personas presas mientras duermen? ¿Y si tuviéramos acceso a su inconsciente?

Pues es lo que justamente pretende en cierta forma la obra de teatro 'Atrapasueños', de la Asociación Hestia, que se representará este sábado a las 21.00 en el Teatro TNT de Sevilla y que, tras participar el año pasado en el Festival Internacional de Teatro en la Cárcel de Venecia, forma parte ahora del 17º MITIN (Muestra Internacional de Teatro de Investigación). En ella, internos del Centro Penitenciario Las Palmas I a los que conceden permiso de salida para su representación, así como exinternos y voluntarios afines al proyecto, tienen la oportunidad de servirse del teatro como una herramienta de reinserción social.

Entre la fantasía y la realidad, quince internos del taller de teatro de la cárcel canaria se han convertido más allá de las rejas en actores de sus propios sueños entre los barrotes de sus celdas. Los mensajes de sus pensamientos durmientes, como si de aprendices de Freud se tratasen, se reinterpretan sobre el escenario en un planetamiento original en el que se trata de descifrar los enigmas del pasado de los presos, destilar las angustias de su presente y averiguar las promesas del porvenir. “Se abrieron unos espacios para conocerse a sí mismos de una forma diferente”, según explica a este medio Elena Martín, directora del taller de teatro del centro Las Palmas II, uno de los dos donde se imparten estos talleres de teatro.

El proyecto surgió en 2018 cuando se invitó a los internos a compartir los sueños que hubieran tenido durante la semana: los relataban en voz alta, mientras el grupo escuchaba con los ojos cerrados. “Vieron que soñaban cosas parecidas, con sus preocupaciones, sus familias, y decidieron que era una buena idea y se convirtieron en una especie de tribu”, comenta Martín.

“Son sus voces las que se escuchan”

Una experiencia colectiva que, alimentada a través de ejercicios teatrales, daba pie a explorar diversas formas de comunicar el mensaje del sueño narrado y trasladarlo al lenguaje del teatro. El objetivo úlitmo del taller de teatro del centro penitenciario Las Palmas I es facilitar un espacio donde los internos puedan tomar conciencia de sí mismos y de los demás, desarrollar competencias personales como identificar y expresar emociones, reforzar la autoestima y el autoconcepto y mantener un compromiso con un grupo de trabajo. 'Atrapasueños' es la unión de los procesos internos de las personas presas en una obra de teatro elaborada de manera colectiva. “Son sus voces las que se escuchan en el escenario”, incide Elena Martín.

También pareció importante a los promtores del proyecto abordar la cuestión del estigma. “A la hora de sacar la obra a los teatros, aparte de la reinserción, vimos muy interesante el hecho de que el público general pueda relacionarse directamente con esta realidad, con la realidad que son las personas reclusas, y pueda de primera mano escucharles y estar en contacto con ellos, y que eso favorezca a cambiar un poco todos los estereotipos y a romper esa figura estigmatizada del recluso”.

La obra, que se estrenó en la Sala Insular de Teatro (SIT) en Las Palmas de Gran Canaria los días 24 y 25 de noviembre de 2023, ha sido creada de forma colectiva a partir de las experiencias oníricas de los participantes, tejiendo los hilos de sus sueños junto al equipo de la Asociación Hestia. Tras dar al salto desde los recintos pnitenciarios a las salas de tearo, la obra recibió una gran acogida en Canarias por parte del público y aquella dos funciones colgaron el cartel de “no hay billetes”. 'Atrapasueños' volvió a las islas para representarse en el Centro Penitenciario Las Palmas I en dos funciones, los días 22 y 23 del pasado marzo, y tiene previstas dos nuevas funciones los próximos 10 y 11 de mayo.

El Teatro TNT de Sevilla, Premio Nacional de Teatro en 2008, presentó el martes el arranque de la temporada a través de cuatro festivales donde las protagonistas son la investigación e innovación teatral con propuestas tanto nacionales como internacionales. Esta temporada tiene un carácter especial, ya que el centro celebra 30 años de trayectoria, que serán conmemorados durante la clausura del 17º MITIN, del 25 de octubre al 3 de noviembre y que acogerá 10 funciones a cargo de 7 compañías procedentes de Latinoamérica, Cataluña, Canarias, Madrid, y Andalucía.

Un escenario, un texto, cien hombres y 24 horas de actuación por delante. Así se resume la propuesta de The second woman, el maratón interpretativo al que se enfrenta María Hervás hoy (desde las 18.00 horas) en el Teatro Central de Sevilla. En él, la actriz y sus sucesivos partenaires representan una y otra vez una escena entre un hombre y una mujer en una relación que ha perdido su creatividad y romance, inspirada en la película Opening Night de John Cassavetes. Pero el resultado final es impredecible en cada una de ellas, ya que ninguno de los cien Martys diferentes ha conocido antes a Virginia –el personaje que encarna Hervás– y la mayoría de ellos no son actores profesionales. Una experiencia que también es cinematográfica, ya que se ofrece al público una vista de gran angular de la acción, mientras múltiples cámaras capturan y comparten primeros planos en vivo

Claro que antes de esas 24 horas hay unas 24 horas previas en las que la protagonista debe hacer un fuerte ejercicio de concentración. “Soy muy diurna, y para la primera función que hicimos en Barcelona intenté ir cambiando mis hábitos y acostarme cada vez más tarde. Al final me salió fatal, acabé permaneciendo despierta 37 horas”, recuerda. “Soy bastante capaz de dejar el miedo y los nervios a un lado, pero cuando llega el momento de encontrármelo de frente, empiezo a dormir peor, son cosas que no puedo controlar, se me desorganizan las comidas, me pide el cuerpo más dulce…”.

Producto de una colaboración entre el Grec 2024 Festival de Barcelona y el Teatro Central de Sevilla, este trabajo dirigido por Anna Breckon y Nat Randall tiene para Hervás el atractivo de no haber hecho un solo ensayo con ninguno de sus eventuales compañeros. “Eso es lo más emocionante, estar ahí y preguntarme quién es ese ser humano, por qué me mira así, cómo es su voz, sus gestos. Encontrar la particularidad de cada uno de ellos”, explica. “Es una de las cosas que investiga The second woman, hasta qué punto la identidad es una cosa fija, o es un constructo que se fabrica en relación con la gente que tienes delante. Para mí, se trata de conectar con personas desconocidas, intentando adaptarme a lo que propone esa persona en ese momento”.

Escuchar el propio deseo

Pero el desarrollo del montaje ha permitido a María Hervás explorar también zonas ocultas de sí misma. “Una de las cosas que me ha enseñado es a conectarme con mi propio deseo. A las mujeres nos han enseñado siempre a satisfacer el deseo masculino y a tapar el propio. Hemos sido desde niñas tan obedientes, que cuando he querido preguntarme qué quiero, no he sabido darme respuesta. Una vez me lo preguntó mi terapeuta, y le respondí ‘No sé’. ‘Pues tenemos que trabajar para estar conectados con lo que quieres’, me dijo”.

“Eso puedo hacerlo en la obra, y las directoras me insistieron mucho en ello”, prosigue. “Su quieres reírte, hazlo, si quieres bailar, hazlo. Si no quieres, para. Hay algo antojadizo en todo eso visto desde fuera, pero todo parte de una escucha del propio deseo. Es de las cosas más revolucionarias que se pueden hacer en un escenario”.

¿Supone esto, de algún modo, un posicionamiento feminista? “Creo que las directoras no han mencionado nunca ese término, lo que no significa que no lo sea”, comenta Hervás. “Pero yo antes iría al humanismo, es un trabajo que incide mucho en la conexión entre los seres humanos. Ahí está nuestra vulnerabilidad, nuestro miedo, nuestra alegría. Es más universal, también. Dialoga e interroga mucho a la relación del binarismo de género. Permite con mucha facilidad que el espectador vea lo anclados que estamos en nuestros roles. No es mi objetivo desmontarlo, pero sí me permito cuestionarlo desde donde estoy”.

Como comer pipas

Tras la mencionada primera experiencia en Barcelona, donde “no me esperaba muchas cosas que sucedieron, y creo que el público se sorprendió también”, Hervás confía en que la cita de Sevilla volverá a ser una página en blanco que se irá llenando de situaciones completamente inesperadas. “El nivel de sorpresa es tan alto, que hay gente que piensa ‘venga, me veo dos o tres y me voy’, pero es como comer pipas, no puedes parar. Y hay quien acaba quedándose las 24 horas”.

Por último, cuando se le pregunta si tiene alguna clase de miedo por el hecho de ser una mujer sola ante tantos hombres, Hervás recuerda una encuesta reciente en la que a muchas mujeres se les preguntaba: si anduvieras sola de noche por un bosque, ¿a quién preferirías encontrarte, a un hombre, o a un oso? Y un alto porcentaje respondió que a un oso. “Es un fracaso de la hermandad y el entendimiento que tendría que haber entre sexos”, afirma. “Pero no, no tengo miedo. La diferencia con la vida del día a día de una mujer es que nos enfrentamos a esa masculinidad hegemónica que nos objetualiza sin haberlo elegido. Se nos aparece como una situación de emergencia en una selva. Aquí todo lo he elegido yo, conscientemente, para dar un marco que sirva como espejo a una comunidad, los espectadores, y a partir de ahí podamos sacar conclusiones y reflejos de nuestros comportamientos”.

“Es más, siento entusiasmo”, concluye. “Estoy subrayando algo para que esa comunidad pueda analizar cosas para las cuales no tiene tiempo en su día a día. Me siento muy respaldada por todo el equipo, llevo los mandos de la función en todo momento y, si alguien me violenta, lo saco de escena de inmediato. Y la gente empatiza tanto con lo que sucede en escena, que si me pasara algo estoy segura de que saltarían a comerse vivo a quien fuera”.         

Aunque Carlus Padrissa, director de La Fura del Baus, lleva muchos años recorriendo el mundo con su compañía, no siempre tiene la oportunidad de trabajar en una playa con 3.000 años de Historia como La Caleta. “Es una maravilla estar aquí, ver cómo el sol se va poniendo y va cambiando la luz”, suspira. Pero la calma del atardecer es solo el presagio de un gran espectáculo concebido expresamente para Cádiz, que tendrá lugar este sábado como broche a un programa de actividades que durante toda la semana han recordado el pasado fundacional de la ciudad.

Orgullos@s de nuestra Historia es el título de la iniciativa de carácter anual que pretende revisitar los principales episodios de la Historia de Cádiz, y que en su primera edición se ha centrado en el mundo fenicio. Según anunció el Ayuntamiento, en las próximas ediciones se conmemorará el Cádiz romano (2025), el Cádiz del Emporio del Orbe (2026) y el Cádiz de la Constitución de 1812 (2027). Pero ahora toca celebrar esa dimensión mediterránea mediante un centenar de actividades entre conferencias, pasacalles, visitas guiadas, mercadillos fenicios y la instalación en distintos puntos de figuras representativas de mitos de la época, que culminarán a las 22.30 horas de este sábado con el espectáculo de La Fura en la citada playa.

Gadir, el resurgir de los fenicios es el título de este montaje encargado por el consistorio gaditano al grupo que encabeza Padrissa, y que integrará a más de 200 personas entre personal de plantilla y voluntarios. “Tenemos preparado un buen lío, va a ser un pollo muy grande”, sonríe el director. “Venimos con nuestros cacharros voladores, haremos redes humanas, un ritual de antorchas… Por una vez, 2 más 2 no van a ser 4, van a ser 22, y hay muchas ganas de demostrarlo”.

Atención desviada

En los últimos días, los ensayos se han sucedido en dos espacios simultáneos del centro cultural Ecco. Entre las colaboraciones locales, destaca la música compuesta por los autores carnavalescos los autores de coros carnavalescos José Manuel Pedrosa, Miguel Ángel García Argüez y Juan Antonio Verdía junto al productor musical Calde Ramírez, así como el bailaor flamenco Eduardo Guerrero, “el gran gaditano junto a Mágico González”, señala Padrissa con buen humor. “Lo vimos trabajar hace tiempo y quedamos impresionados, teníamos claro que tenía que estar con nosotros”.

La llegada de la Fura dels Baus a Cádiz no ha estado, sin embargo, exenta de polémica. El hecho de plantear una selección de numerosos voluntarios ha provocado algunas protestas, como las de un grupo de actores profesionales de la ciudad que han lanzado en redes la campaña “Actor de Cádiz busca director de La Fura como voluntario para que dirija mi espectáculo”. El director defendía su postura ante elDiario.es Andalucía, asegurando que “es la gente de aquí la que hace el espectáculo, la fuerza la hace el hecho de coordinarnos todos, y eso permite que el espectáculo sea único. Nuestro secreto es saber hacer, saber organizar. Llevamos 45 años en esto, aprendimos mucho con las Olimpiadas de gente como los de la Super Bowl de Estados Unidos, que vinieron a enseñarnos, y ahora podemos enseñar nosotros. Pero a muchas otras cosas venimos a aprender. Aún estoy asimilando todo lo que se está creando”.  

Otros incidentes, como un fallido pasacalles celebrado días atrás que quedó deslucido por la fuerza del viento de levante, o la rotura de un trozo de balaustrada a causa de una maniobra del camión de La Fura, rápidamente reparada, han hecho que la atención se desvíe y se planteen dudas. Hasta el punto de que el rotativo local Diario de Cádiz afirmaba en una de sus informaciones que el Ayuntamiento “se la juega” con la propuesta de La Fura. Nadie es ajeno al hecho de que en la ciudad sureña, los errores técnicos o logísticos no solo son objetos de crítica, sino también de una guasa que puede llegar a viralizarse, como fue el caso del célebre “oso perjudicado” de la cabalgata de Reyes de 2022.

Regreso al Sur

Tampoco ha pasado percibido el coste de algunas de las iniciativas de esta primera edición de Orgullos@s de nuestra Historia, como los 88.000 euros que han costado las imponentes obras escultóricas que el artista valenciano Alejandro Santaeulalia, o los 170.000 euros presupuestados para La Fura dels Baus.

Sin embargo, todas las polémicas se disolverán en el aire previsiblemente cuando la magia del espectáculo se desate este sábado de la mano de una compañía que no se ha prodigado demasiado en los últimos años en Andalucía Occidental, exceptuando la visita al Muelle de la Sal de Sevilla, con motivo de los fastos del Quinto Centenario, así como a Cádiz en 2006, para participar en las actividades paralelas de un congreso de arquitectos.

“Nuestra relación con esta tierra es buenísima”, concluye Carlus Padrissa. “Cataluña se ha creado con andaluces. Recuerdo que mis padres eran de una aldea y nos fuimos a un pueblo de 3.000 habitantes donde había muchos emigrantes procedentes de El Rubio, de Torredonjimeno… Yo solo había hablado catalán hasta los seis años, no entendía a aquellos niños, pero sí que querían jugar. Aprendí más de ellos que de los niños catalanes. ¡Y también tengo un diente roto de un golpe que me llevé en aquellos juegos!”.

“Actor de Cádiz busca director de La Fura como voluntario para que dirija mi espectáculo”. El anuncio, plasmado en el perfil de Facebook de Javier Sánchez Vázquez, conocido en el mundo artístico como Monano, se volvió viral en pocos días y puso sobre la mesa un debate pendiente: hasta qué punto es legítimo recurrir a voluntarios para nutrir espectáculos, prescindiendo de los profesionales de la escena.

La Fura de dicha entrada no es otra que la compañía catalana La Fura dels Baus, que el próximo sábado representará en la capital gaditana el espectáculo Gadir, el resurgir de los fenicios, en el marco del ciclo de eventos Orgullos@s de nuestra Historia, que pretende recorrer momentos estelares del pasado de la ciudad. A tal efecto, se publicó una convocatoria para formar parte del montaje, tanto en su aspecto dancístico –coordinado por el bailaor y coreógrafo Eduardo Guerrero– como en otros cometidos, por ejemplo la formación de una red humana.

“Es algo que se ha convertido en una costumbre”, comenta Monano. “Una vez lo planteé en la Mesa del Teatro de Cádiz y no tuve respuesta, así que se me ocurrió la coña de Facebook. Para mí era una broma, un chiste, pero que parece que ha tenido cierta repercusión. Y no oculto que un poco de mosqueo sí tenemos, porque te aseguro que el que maneja la grúa cobra, pero los actores participantes no. Y cuando yo quiero preparar un espectáculo nuevo, necesito directores y los tengo que pagar”.

Tener arte y ser artista

El actor reclama, después de una pandemia muy dura y una pospandemia aún más difícil, con los teatros al 30 por ciento, “un poco de sensibilidad. No parece lógico que se plantee un casting con un día de casting, tres o cuatro ensayos y una actuación. Eso parece más bien un trabajo con unos horarios y unas cualidades determinadas. Y esas convocatorias para proyectos no remunerados es algo que no sucede en otras profesiones. En la nuestra, mucha gente ha tenido que marcharse por la precariedad, ya no están en la industria cultural”.

Por otro lado, Monano entiende que “no se trata de molestar a la gente que hace voluntariado, porque yo también soy voluntario. He trabajado en proyectos de Payasos sin Fronteras y de Payasos en Rebeldía, he estado en Sarajevo, en Etiopía… Pero por la gente vulnerable. Una actuación en Europa no puede ser lo mismo. ¿Dónde está la voluntariedad del individuo? No lo sé. Lo que se transmite al final es que esto no es una profesión. Por supuesto que arte podemos tener todos, pero ser artistas, vivir de ello, es más complicado”.  

Lo cierto es que la cuestión ha levantado polvaredas en las redes sociales de manera periódica. Sin salir de Cádiz, el veterano Festival Iberoamericano de Teatro ha realizado en las últimas ediciones, bajo la dirección de Isla Aguilar, numerosas convocatorias de este tipo, defendiendo una idea de artes escénicas participativas. Pepe Bablé, miembro del comité de programación creado para este año, comenta que el asunto “es complicado”, suspira. “Hay gente que se presta a ello por el afán de hacer cosas más profesionales sin ellos serlo. Y, por el contrario, hay profesionales que no se prestan a un trabajo de voluntario porque para no serlo se han preparado y formado. ¿Dónde termina el voluntario y comienza el profesional?”.

“Ahora se han puesto de moda las residencias artísticas y los espectáculos comunitarios y creo que tienen parte de culpa en toda esta confusión, ya que las únicas personas que obtienen un pago económico son los creadores que los lideran, dejando la mano de obra en manos de personas que no cobran”, agrega. “Puedo entender el voluntarismo cuando se produce en un espectáculo donde la participación del voluntario es incidental y sin peso específico en el desarrollo de la trama ni de la puesta en escena, pero cuando sí lo es, defiendo que deberían ser tratados de una manera tan profesional como la de los que dirigen ese espectáculo”.

Experiencia compartida

Carlus Padrissa, director de La Fura dels Baus, explica a elDiario.es Andalucía que el equipo desembarcado en Cádiz está integrado por 14 personas, a los que vienen a sumarse los compositores de música locales, los responsables de las coreografías y los voluntarios. “Nosotros lideramos el proyecto, pero sin los voluntarios no podría salir la propuesta adelante, porque es la gente de aquí la que hace el espectáculo”.

El director argumenta asimismo que “tenemos 45 años de experiencia, aprendimos mucho de otros en las Olimpiadas de Barcelona y ahora enseñamos a otra gente. Entiendo que los profesionales quieran trabajar, pero nosotros estamos aquí solo un día, ellos tienen todo el año para hacer cosas en Cádiz. Ojalá haya muchos proyectos para todo el mundo”.

Por su parte, Javier Sánchez Vázquez, Monano, asegura que hasta ahora no ha recibido respuesta por parte de ningún director que quiera ser voluntario. “No, no he tenido esa suerte”, ríe. “Parece que la voluntariedad no está en la dirección de actores, es más bien cosa del eslabón de debajo de la cadena”.   

Las tablas del olvido crujen a destiempo cuando Jesús Bienvenido sube a escena como ‘El Rámper’. La magia del circo hilvana un espectáculo músico-teatral que abre los cajones de la represión fascista y saca del armario a las víctimas del franquismo. “Si no te araña, no es carnaval”, dice el autor. Y el “hijo cantor de la clase obrera” es un payaso en la memoria histórica. Una faena que desgarra las cunetas de las coplas carnavaleras. Una forma, acaso, de pintar la cara a la tiranía de la desmemoria.

“Cuento la historia de este país, no la de Cádiz o del Carnaval, es la historia de España, la que no hemos conocido porque nos la han enterrado”, retrata Jesús Bienvenido (Cádiz, 1976) en conversación con elDiario.es Andalucía. Un viaje al pasado reciente que ‘El Rámper’ trae a la actualidad de una tierra marcada a sangre por la violencia golpista que suma cifras de víctimas desde julio de 1936.

“Es una historia que, con otro disfraz, se repite en el país entero”, anuncia ante su aterrizaje en Sevilla, en el Teatro Pathé, viernes 24 y sábado 25. La apuesta teatral avista las “60 representaciones” pegando el pellizco tricolor en las entrañas. “No esperaba tanto, como en Madrid, sabía que iba a funcionar porque llevamos ya un recorrido pero no que iba a gustar tanto”, confiesa Bienvenido.

“Se corre la voz y la gente quiere ver El Rámper”, apunta de un personaje que protagoniza además el documental Cádiz, más allá del olvido (Producciones Singulares). Y sobre una función compuesta desde el compromiso social y el marcado estilo de un creador que, entre la artillería del pasado carnaval gaditano, hizo virales las letras dedicadas a las lenguas cooficiales de la comparsa infantil 'Las hijas de Neptuno'.

Golpistas contra el Carnaval

Un autor del Cádiz de la II República crea la exitosa murga ‘Los Rámpers catastróficos’ en referencia a su apodo. En esa figura encuadra Jesús Bienvenido a ‘El Rámper’, con el influjo de la añeja y prolífica leyenda carnavalera Manuel López Cañamaque (1882-1953) y un mote inspirado a su vez en el famoso payaso Ramón Álvarez Escudero, el mejor artista de variedades en las décadas de los 20 a los 40 del siglo XX en España.

El libreto hila la escena “a través del lenguaje circense, que es mágico, poético” y propicia que la representación “camine por un marco algo más liviano que el público entienda mejor”, explica. Un enfoque que viste también a ese “personaje ficticio” que refleja y revive a las decenas de autores, directores e intérpretes de la murga y el coro de aquellos años que sufrieron la represión franquista. “Algunos fueron asesinados”, apunta.

Un escenario social que muta de aquella “eclosión cultural” de la clase obrera que prohibió Franco, como escribe el historiador Santiago Moreno, a la pedagogía del terror que desvela El verano que trajo un largo invierno, libro de Alicia Domínguez. Dos trabajos de investigación que arman el discurso histórico de la obra. “Todo lo que hago en ‘El Rámper’ está sustentado en sus tesis”, agradece Bienvenido.

“En los años de la II República el carnaval había sido muy libre y la represión y los asesinatos fueron en venganza”, por escribir y cantar “de temas políticos pero, sobre todo, religiosos”, resume. Una libertad creativa cuyas costuras saltan hoy con las tijeras “del odio” que enarbola el “franquismo sociológico” y la memoria nostálgica de la dictadura.

Arte contra el odio

“Al principio de –representar– ‘El Rámper’ venía gente que se levantaba y se iba, que no aplaudía, que decidía castigarme con el silencio… y yo me preguntaba en qué momento el Carnaval de Cádiz ha vendido esto, en qué nos hemos equivocado, porque el carnaval nace de la clase obrera y tiene que defender a la clase obrera”, en palabras de Jesús Bienvenido.

“Si lo que quieres es una letra bonita de La Caleta, eso no es carnaval y a lo mejor estamos haciendo un perfil de aficionado que no tiene nada que ver con esto”, reflexiona. “Los autores buscan letras que levantan al público, y eso es concursero y te da premios, pero no entran en estos temas”, señala. Y “si no te araña, no es carnaval”, reitera, como escribe para que lo diga El Rámper.

“El arte es exponerse, si no, no estás haciendo arte”, asume. Como ocurre ahora con el asedio “genocida” de Israel a Palestina, advierte. “Es el día a día, la rutina y naturalizamos lo que sale en la tele y no somos capaces de plantarnos”. El pueblo va camino a ser “inmune” al odio, dice. Un peligro global. Y la cultura es “una manera de llegar al interior de la gente de una forma directa, de llegar al corazón y humanizar estos temas”.

Los artistas “tienen esa responsabilidad”, subraya. También en las tablas del Teatro Falla. “Yo del Carnaval no me he ido nunca, sigo escribiendo con mis niñas aunque sea a través del carnaval infantil”, puntualiza al caso. Una suerte de “experimento”, quizás más puro “y sencillo”, desde el que “cantar y aprender”. Un ejercicio educativo que evoca también la obra de teatro ‘El Rámper’, donde el “hijo cantor de la clase obrera” expone la cara pintada de un payaso en la Memoria que saca del olvido a las víctimas del franquismo.

Javier Menéndez, director general del Maestranza, ha asegurado este lunes en rueda de prensa que este coliseo sevillano tenía una deuda con Los Gavilanes. El centenario libreto de José Ramos Martín con música de Jacinto Guerrero, uno de los grandes títulos del repertorio de la zarzuela, nunca había sido representado antes en este espacio. Un compromiso que se saldará los próximos días 9 y 11 de mayo (20.00 horas) de la mano del director musical Óliver Díaz, la dirección de escena de Mario Gas y la producción de Teatro de la Zarzuela de Madrid, con la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y el Coro Teatro de la Maestranza.

Una fábula social sobre el poder del dinero, las hipocresías sociales, las mentiras escondidas y el deseo irracional, que cumplió un siglo en 2023, pues se estrenó en 1923 en el propio Teatro de la Zarzuela de Madrid, y que revivirá en el escenario del Paseo de Colón de la mano del barítono Javier Franco y la soprano María Rodríguez en el reparto, en los papeles de Juan y Adriana respectivamente.

Con una duración de una hora y 40 minutos sin descanso, Los Gavilanes se ambienta en una aldea sin nombre de la Provenza francesa, en 1845, en la que una serie de personajes reviven las ilusiones del pasado cuando uno de sus miembros, Juan, un indiano que ha retornado desde el Perú y al que en la aldea consideraban muerto, regresa a su origen enriquecido y poderoso. Cuando vuelve, con el municipio proyectando sobre él la esperanza interesada de que sufrague el arreglo de los problemas del pueblo, su antiguo amor de juventud, Adriana, ya es viuda y tiene una hija, Rosaura, a la que Juan, que ha pagado todas las deudas de su familia para obligarla a deberle algo, perseguirá en matrimonio, como un gavilán rondando a una paloma, en un ambiente de gran escándalo y trastorno.

Números cómicos

El libreto lo escribió José Ramos Martín y la música, que convirtió al título en uno de los más populares y apreciados de los aficionados a la zarzuela, es de Jacinto Guerrero, un compositor toledano que gozó de gran éxito internacional. La obra, “fresca y sencilla, de contagiosa inspiración melódica”, según los reclamos publicitarios del Maestranza, es innegablemente una zarzuela regionalista, “pero también cosmopolita y moderna, que despliega las mezquindades sociales sobre un brillante tapiz musical”.

Para el director, se trata, “seguramente, de una de las obras más grandes del género”, de corte “verista, pero trufada de números cómicos, como corresponde a la época. Probablemente era muy difícil enfrentarse a la dureza de algunas situaciones, y esto hacía que la historia se inclinara hacia el humor”.     

La pasión por la zarzuela de Mario Gas vuelve a ponerse de manifiesto una vez más, respaldado por el diseño de escenografía y vestuario de los oscarizados Ezio Frigerio y Franca Squarciapino, el Maestranza nos presenta una aplaudida producción del Teatro de la Zarzuela con Óliver Díaz en la dirección musical y Javier Franco, María Rodríguez, Sofía Esparza y Alejandro del Cerro encabezando el reparto.

Un compositor 'arrevistado'

Gas ha destacado la importancia de Los Gavilanes recordando que “cuando una temporada no empezaba bien, los responsables siempre pensaban en este título para llenar la sala”, ha comentado. “Todo el mundo conoce la gran vena lírica que tenía el maestro Guerrero para ponerse al piano y componer melodías sin fin que la gente cantaba al salir de los estrenos, una tras otra. Fue un hombre que descubrió la riqueza con sus zarzuelas. De hecho, en Madrid se compró el edificio donde actualmente está ubicado el Teatro Coliseum, y ahí hacía sus zarzuelas y sus revistas”.

“De hecho, una de las cosas que se le reprochaban, pero a él no le importaba porque iba de éxito en éxito, era que se trataba de un compositor un tanto arrevistado. Pero bueno, es que hizo magníficas revistas en su no demasiado larga vida. Saboreó las mieles del éxito, y sus zarzuelas todavía se tararean”, concluye Gas.

Contra todas las previsiones y pronósticos, este año el número de actrices que asumen papeles de creación, dirección y dramaturgia dentro del mundo de las artes escénicas continúa siendo bastante inferior al que asumen sus compañeros, los hombres. Lo dice Ricardo Iniesta, director del Centro Internacional de Investigación Teatral TNT, de Sevilla, en vísperas del Día de la Mujer. El teatro TNT se ha abanderado también de morado y ha anunciado el inminente estreno de tres piezas protagonizadas por mujeres para reivindicar precisamente el papel y el valor de las mismas como protagonistas y creadoras en el sector.

“Por eso resulta necesario seguir reivindicando el trabajo de las mujeres creadoras”, argumenta Iniesta ante la apertura de la VIII edición del ciclo ‘Ni una menos’, cuya primera edición comenzó antes de la explosión del movimiento 'MeToo' en octubre de 2017, recogiendo el nombre de la multitudinaria marcha feminista que se celebró en Argentina dos años antes. De este modo, tres compañías conforman la programación del teatro para los próximos días 9 y 10 de marzo, llevando a los escenarios tres obras de diversa índole.

La primera de ellas tendrá lugar el sábado 9 a las 20:00, apenas 24 horas después de que multitud de personas se manifiesten en la tarde-noche del 8M. Esta representación titulada Dance is my heroine será protagonizada por Cristina Gómez, coreógrafa y bailarina manchega, quien declarará junto a su alter-ego Fanny De Funny su profundo amor a la danza. Un trabajo que invita a repensar las rutinas de ocupación del espacio público y la relación con el propio cuerpo y que es un tributo a tres mujeres que han marcado la Historia de la Danza: Yvonne Rainer, Pina Bausch y Deborah Hay.

Seguidamente, a las 21:00, tendrá lugar el monólogo Casandra de manos de la compañía Tríade Teatro, una revisión contemporánea del famoso mito griego convertido en un grito de inconformismo y libertad ante la sociedad patriarcal. El broche final al ciclo lo pondrá la obra Enlorquecidas, de Hartateatro, a las 19:00 del domingo 10 de marzo. En ella se da vida a siete mujeres nacidas de las obras de Lorca a través de palabras, baile, cante y música en vivo. Mujeres que, como todas, han crecido en un entorno de opresión con marcados roles de género. Como dijo Juan en Yerma, “las ovejas en el redil y las mujeres dentro de sus casas”.

Las entradas a las mismas se pueden encontrar en una horquilla de precios que oscila desde los 10 a los 12 euros en la página web del teatro o en su taquilla en la avenida Parque de Despeñaperros.

María Moreno, locutora del programa radiofónico con música en directo Jazz en la pecera, recibe una noticia inesperada sobre su identidad que puede cambiar la historia del jazz tal y como la conocemos hasta hoy. 'Jazz en la Pecera' es un espectáculo teatro-musical que realiza un recorrido muy especial por la historia del jazz y, por tanto, por la historia del siglo XX. En él se celebra la obra de figuras como Buddy Bolden, Django Reinhardt, Charlie Parker, Bessie Smith, Nat King Cole, Nina Simone o Miles Davis. Una obra en la que el teatro y el jazz se unen para crear una propuesta original con música en directo que se presenta el próximo 10 de marzo en Sevilla dentro de la programación de Cartuja Center Cite, informan a SevillaelDiario.es desde la compañía Teatro del Gallinero.

Desde su estreno en 2018, el espectáculo ha contado con éxito de crítica y público, y ha sido galardonado con el Premio Especial del Jurado de Palma en la Feria de Teatro en el Sur y nominado a Mejor Espectáculo en los Premios Lorca de las artes escénicas de Andalucía. Ha abierto el ciclo 'Jazz en noviembre' del Teatro Central y ha formado parte de la programación del Festival Internacional Jazz Vejer y el Festival de Jazz de San Roque. Además, ha sido invitado en dos ocasiones al Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami. 

Jazz en la pecera une sobre el escenario a Teatro del Gallinero y La Pecera Jazz Quartet con la coproducción de GNP Producciones. Una apuesta en la que interpretación y música en directo dan vida a una propuesta única cargada de comedia, intriga, radio, drama y pasión por el jazz.   

Teatro del Gallinero nace en Sevilla en el año 2012 de mano de los creadores María J Castañeda y Jorge Dubarry. Utilizando las Piezas Cortas, en principio, como fórmula para sus montajes, evoluciona convirtiéndose en una compañía sólida con 10 años de trayectoria y cinco montajes que han rodado por el circuito nacional. Teatro del Gallinero se centra en el teatro de autor con creaciones propias que cuentan historias de vidas, retales de realidades con un espíritu crítico y comprometido con la actualidad contemporánea.  Jazz en la Pecera, es el quinto montaje de la compañía, tras el éxito de otros espectáculos como Culto a la Abundancia o Paulina A Secas Psicodrama Musical.  

Los responsables de la música en directo de este espectáculo son La Pecera Jazz Quartet, un cuarteto integrado por músicos con mucha experiencia en proyectos relacionados con el swing, el hot jazz de los años 20/30 y otros géneros relacionados con el jazz tradicional, miembros a su vez de las conocidas bandas de O Sister!, Très Bien!, Tamal Hot Band o The DixieLab. Han colaborado en diferentes ocasiones con reconocidos intérpretes del estilo, tanto nacionales como internacionales. A su vez han participado en proyectos de otra índole jazzistica con un carácter más moderno (bossa, bebop, funk…).

El patronato del Festival Iberoamericano Teatro (FIT) que se celebra anualmente en Cádiz ha decidido el “desistimiento” del contrato vigente con la directora artística del festival, Isla Aguilar, que fue nombrada en 2020 y reconfirmada en 2021. Su contrato finalizaba en 2025. Se ha decidido que sea una comisión de “diferentes profesionales de prestigio” quien la dirija este año. Entre ellos se encuentra Pepe Bablé, quien ya fue durante 27 años director del festival. En una sesión constituyente celebrada el pasado 22 de febrero se decidió también iniciar un “nuevo proceso de selección para la dirección artística del FIT para las siguientes ediciones”. Proceso que anuncian comenzará en “las próximas semanas”.

La comisión que dirigirá el FIT, aparte de Bablé, estará formada por Abel González Melo (de origen cubano, actual director del teatro Corral de Comedias de Alcalá de Henares, Madrid); Isabel Pérez Izquierdo (de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales); Ramiro Osorio Fonseca (director del Teatro Julio Mario Santo Domingo de Bogotá); Débora Staiff (de origen argentina, es experta en el desarrollo internacional de artistas latinoamericanos); y María Moreno (bailaora y coreógrafa gaditana).

Era una historia anunciada. La entrada hace cuatro años de Isla Aguilar, que en ese momento compartía la dirección con Miguel Oyarzun, nunca fue fácil. El Ayuntamiento de Cádiz aduce falta de enraizamiento del festival en la ciudad. Isla Aguilar, a su vez, argumenta que es el propio Ayuntamiento quien ha dificultado la labor de la dirección, “por supuesto ha habido motivos ideológicos, discrepancias en el modelo y un sentimiento patrimonial de algunas personas que se piensan que el FIT les pertenece”, afirma Isla Aguilar a este periódico.

En la última edición del festival, Miguel Oyarzun abandonó la dirección dejando a Isla Aguilar al frente. Una edición en la que se pudieron vivir las tensiones entre el Ayuntamiento de Cádiz y la dirección del festival que tuvo que afrontar el duro golpe de que dos de los espectáculos principales, Multitud y Ofrenda para el monstruo, se tuvieran que suspender. Ambos estaban dirigidos por la uruguaya Tamara Cubas, quien adujo problemas de producción para poder presentar estas dos propuestas; ambas necesitaban de la colaboración de numerosos voluntarios.

Isla Aguilar denuncia a este periódico la tardía incorporación en esta última edición del equipo técnico del festival, “llegaron un mes antes de comenzar el festival”. Era el primer año que trabajaba con el nuevo equipo de Gobierno del Partido Popular en el Ayuntamiento de Cádiz: “La edición fue muy compleja desde el punto de vista administrativo con el nuevo equipo entrante. Sin el apoyo de la administración local se hace inviable el trabajo de la dirección artística. Los vacíos administrativos y la mala gestión repercuten en todo: contrataciones, equipo insuficiente, el trabajo de preproducción y producción, logística, compra de billetes… ―explica― lo que deriva en sobrecostes y un impacto presupuestario. Reporté lo que estaba pasando en varias ocasiones, pero me encontré con un vacío administrativo por parte del Ayuntamiento y su fundación municipal de cultura”.

Este viernes, en rueda de prensa, Maite González García-Negrotto, segunda teniente alcalde del Ayuntamiento de Cádiz y responsable de Economía, Hacienda, Función Pública y Cultura ha afirmado que los motivos del cese son que el patronato “piensa que el Festival había perdido su esencia, algo que se ha visto en la participación de la ciudadanía. El FIT siempre había sido una fiesta, una fiesta de color en la calle donde la gente participaba. Eso se ha perdido. No se ha conseguido involucrar a la ciudadanía ni a las compañías de Cádiz que estaban antes presentes”. Afirmó también la responsable política ante los medios que en ningún momento “se ha dudado de la calidad profesional de Isla Aguilar, ni de los contenidos que ha programado. Durante años se ha tenido un modelo, tenemos que volver a recuperar la importancia del festival”.

Un proyecto innnovador

En 2020, ante la jubilación de Pepe Bablé, el Instituto de las Artes Escénicas, miembro del Patronato, propuso a los gestores Isla Aguilar y Miguel Oyarzun que eran conocidos por la creación del Festival BE FESTIVAL (Birmingham European Festival), y la dirección del Centro de Cultura Conde Duque (Madrid). En esos momentos la alcaldía de Cádiz estaba regentada por José María González Santos, 'Kichi', del partido de Adelante Cádiz.

Si a la dirección del Conde Duque accedieron bajo concurso público, el nombramiento en Cádiz fue mediante un procedimiento directo y extraordinario. Algo que se justificó por los momentos delicados de la pandemia y por la falta de tiempo para poder llegar a celebrar el festival. La primera edición de la nueva dirección fue semipresencial y activando proyectos on line que sustituyeran la imposibilidad de los viajes necesarios que un festival iberoamericano necesita. Una edición que fue contestada en su momento por la oposición del Partido Popular que acusaba de la “ideologización” del festival y de malas praxis en la contratación poniendo como ejemplo el caché recibido por Marcelo Expósito que en esos momentos era miembro de Podemos y había sido secretario del Congreso de los Diputados entre 2016 y 2019.

Para el segundo año, Aguilar y Oyarzun tuvieron que volver a revalidar su dirección mediante concurso público, lo cual hicieron en 2021. En la votación del patronato, la Junta de Andalucía, en manos del PP, se abstuvo, pero obtuvo el voto favorable del resto de integrantes –Ayuntamiento, INAEM del Ministerio de Cultura, la Agencia Española para la Cooperación y el Desarrollo (AECID), la Diputación Provincial de Cádiz y la Universidad de Cádiz–, quienes destacaron que era el proyecto “el más completo y adecuado” de los presentados, así como su carácter “transgresor e innovador”. En el proyecto se destacaba la mirada decolonial y contemporánea hacia Iberoamérica y se resaltaban el abordaje de conceptos tales como la identidad, la desigualdad, la memoria, la frontera, el patriarcado o el medioambiente.

Crónica de un cese anunciado

El cese llega tres ediciones después de ganar el concurso. Ediciones donde ha primado una programación de creación contemporánea y transversal en la que entraba de manera vertebral la danza y la performance entre otras artes escénicas híbridas, algo que contrastaba con la dirección anterior del festival, más tradicional. Durante estas ediciones, una corriente de público asiduo al FIT durante años dejó sentir su desacuerdo con la línea artística de la nueva dirección, en las entradas y salidas a los teatros.

Además, las obras de teatro político y que abordaban temáticas como el patriarcado, el feminismo o el pensamiento decolonial fueron parte vertebral de la programación. “Creo que es un ataque transversal al modelo de un festival comprometido políticamente, un ataque a la inclusión, al desarrollo de audiencias, a mantener espacios abiertos para el apoyo a la creación en libertad, de pensamiento crítico y debate”, explica Aguilar, quien afirma que con la programación para este año presentada, el Ayuntamiento no se había puesto en contacto con ella para confirmar espacios y apoyos además de haberle negado la posibilidad de viajar a festivales: “Una forma más de desautorizarme, ningunearme y boicotear mi trabajo. Es un ataque consciente al modelo de festival y cultural que representaba, quieren volver a lo anterior”, concluye.

Esta historia resuena. En Madrid, cinco meses después de que el Partido Popular accediese al Gobierno de la ciudad, el Ayuntamiento de Madrid decidió cesar a Aguilar y Oyarzun aduciendo que fue necesario activar por parte del Comité de Empresa de Madrid Destino el protocolo de actuación frente al acoso en el entorno laboral debido a los diversos problemas que se estaban ocasionando entre los trabajadores y la dirección. Se adujo “mala praxis” en la gestión y “sobreprogramación” lo que no pudo contrarrestar las protestas del sector que denunciaban causas ideológicas. Ahora, la historia se vuelve a repetir a menos de un año de la entrada como alcalde de Cádiz de Bruno García de León, del Partido Popular.

Con respecto al futuro próximo del festival, la segunda teniente alcalde del Ayuntamiento, González García-Negrotto, ha afirmado que “de manera paralela al funcionamiento de esta comisión va a salir una licitación, unas bases, para elegir el próximo director. Por tiempos no podía hacerse ahora. Queremos que el nuevo director esté ya nombrado en junio y pueda haber una transición”. Pero para este año “quien va a estar trabajando desde Cádiz, quien va a ser la cara visible, quien va a estar trabajando de manera más constante, obviamente será Pepe Bablé”, explicó. El festival se realiza en el mes de noviembre.