“Los documentales musicales no me gustan mucho, fíjate tú por dónde”. Así arranca nuestra charla con Manuel Chaparro, uno de los integrantes y fundadores del colectivo Califato 3/4, con motivo del estreno de su propio documental. Se justifica explicando que cuesta encontrar cintas “duras y reales”, que se alejen de la fórmula convencional: el de la banda que entra en el estudio o sale de gira y, sobre todo, los relatos excesivamente idealizados. En ese sentido, ’Califato 3/4: Bale el êffuerço que emo exo’ es diferente.

Durante dos años, los directores del documental, Silvia Moreno y Dani Llamas, siguieron los pasos de la banda andaluza y se metieron con sus cámaras, literalmente, hasta la cocina. Y es que el cuartel general de los Califato 3/4, una nave situada en el barrio sevillano del Polígono San Pablo, dispone de un estudio de grabación, varios locales de ensayo, una zona de oficina, fogones e, incluso, una lavadora. Allí conviven cuatro días a la semana, muchas horas, demasiadas, dicen.

“El docu muestra nuestra forma de vivir y trabajar, nuestro día a día. Más real no puede ser”, asegura a elDiario.es el cantante principal del grupo, quien solo pidió a los responsables de la cinta que mostraran su activismo vecinal para visibilizar algunas de sus luchas. “No somos músicos comprometidos de boquilla; nuestro discurso reivindicativo —continúa—, no se queda en las palabras”.

Una de esas luchas es la recuperación del antiguo local de la Asociación de Vecinos La Pancarta para convertirlo en un espacio cultural abierto a todo el barrio. “Nos gustaría que tuviera un pequeño estudio de grabación y unas salas de ensayo y espacio para acoger pequeñas actuaciones. También podría ofrecer cursos de alfabetización digital para gente mayor o talleres para samplear cintas”, enumera el bajista y cofundador de la banda, Esteban Espada, quien recalca la importancia de “hacer red” con vecinos, institutos y entidades del territorio: “Nosotros ya tenemos nuestro local, esto tiene que ser algo comunitario, que la gente lo sienta como propio”. El proyecto, asimismo, podría contribuir a preservar la memoria musical del barrio, muy vinculado al flamenco.

La implicación de Califato 3/4, referentes en la actual escena musical andaluza, fue determinante para conseguir que el Ayuntamiento escuchara la propuesta y accediera a negociar una cesión por 25 años. “Si una banda pequeña como nosotros puede ayudar, imagina lo que podrían ser capaces un Bustamente o un Pablo Alborán”, reflexiona Chaparro, quien prefiere no cantar victoria. Arrancaron algún compromiso por parte del consistorio, pero todavía no han firmado ningún papel. La batalla continúa.

Esa dimensión local y social de los protagonistas tiene un peso específico muy alto en la cinta de Moreno y Llamas, de Wemake Movies. “Todos nuestros documentales tienen un mismo sello: el kilómetro cero. Siempre contamos historias que nos rodean”, subraya Llamas, quien destaca de Califato 3/4 sus ganas de experimentar con otros artistas de diferentes disciplinas e implicarse en “movidas” que no son estrictamente musicales. “El documental muestra el viaje que hicimos nosotros mismos. Con honestidad y entusiasmo, nos contaron su vida, su día a día, su barrio. No hay nada impostado ahí”, añade Moreno, responsable de otros documentales que también transforman la realidad en narrativa cinematográfica como ‘Callejeras’, ‘Un gran salto’ y ‘Steven quiere conocerte’.

Folclore futurista

El filme, que se estrena el próximo 3 de noviembre en el festival In-Edit de Barcelona, también recoge algunas actuaciones en directo y repasa algunos de los capítulos más cruciales en la trayectoria de la banda: desde la gestación esa sorprendente carta de presentación titulada ‘L’ambôcá’, aparecida en 2018, hasta la composición de su cuarto y último largo hasta la fecha, “Êcclabô de Libertâ”, publicado en 2024. Las cámaras acompañan a estos pioneros del llamado Nuevo Flamenco a sus talleres musicales en un instituto de su barrio y a la grabación de videoclips; también se suben a la furgoneta e incluso son testigos de sus largos en la piscina del polideportivo municipal. “Puro neorrealismo, poesía social. ¡Chúpate esa, Pasolini!”, bromea Espadas.

Su música se ha catalogado como Nuevo flamenco o Folclore futurista porque fusiona elementos de la tradición andaluza con electrónica, hip-hop y break beat. Entre sus numerosos colaboradores destaca al malogrado Andrés Cabrales, fallecido en julio de 2025 a los 61 años. El cantaor, conocido artísticamente como Andrés de Jerez, da título al filme con una de sus frases más sentidas. Para Chaparro, tanto su último disco como el documental son un homenaje a su figura: “Tenemos muy buenos recuerdos con ‘tito Andrés’ y tenerlo en el documental es una manera de preservar esos momentos, que no se difuminen con el tiempo”.

Conciencia de clase y andalucismo

En el ideario de este colectivo musical autogestionado confluyen la conciencia de clase obrera, la defensa de los servicios públicos y el andalucismo [en sus trabajos siempre usan el Estándar para el andaluz (EPA), una norma ortográfica especial y no reconocida de los dialectos andaluces del español]. Para el jerezano Llamas, también músico y con varios trabajos fusionando rock y palos del flamenco, la propuesta de Califato 3/4 es tan interesante como necesaria: “Un montón de artistas hemos empezado a mirar hacia lo nuestro sin prejuicios y estamos intentando darle otro sentido, porque habíamos entregado todo nuestro pasado musical al ‘facherío’. Esto va de sentirse orgulloso de dónde venimos, de lo que somos, de creer en el valor cultural que tenemos”.

“Todos los andaluces deberían ser andalucistas, pero está complicada la cosa. No defendemos la independencia, somos soberanistas”, interviene Chaparro, firme defensor de la música como una excelente herramienta para crear conciencia y dar voz a los que no tienen voz.

El encargado de la electrónica y las percusiones, Lorenzo Soria, se incorpora tarde a la conversación. “Me gustaría verlo otra vez. Nos hartamos de llorar, nos hartamos de reír; fueron muchos sentimientos. Más allá de la parte musical, el documental muestra cómo se vive aquí, en los barrios de Sevilla, y esa cotidianidad me parece muy bonita”, explica el músico y productor. La próxima vez que vuelva a verlo, le recuerdan, será en el ‘estreno mundial’: martes 3 de noviembre, en los cines Mooby Aribau de Barcelona.

La edición 2026 del Festival de Cine Europeo de Sevilla (SEFF) contará con un total de 66 títulos andaluces, entre ellos 37 largometrajes y 29 cortos, además de 21 estrenos mundiales. Las obras podrán encontrarse en espacios que abarcan desde la Sección Oficial hasta Panorama Andaluz, Special Screenings o Esenciales.

La gran protagonista andaluza de la Sección Oficial será Taranta, título de Samuel Nacar que competirá por el Giraldillo de Oro con este documental escrito por Ana Puentes y Claudia Barthelemy. El filme se sitúa en Linares (Jaén) y acompaña a cuatro jóvenes en un “insólito proceso de reindustrialización, cuando se vuelve a abrir la antigua fábrica Santana”.

También centrará el cartel Anguita. El hombre de los tres siglos, que podrá verse en primicia en el festival. Hugo Cabezas dirige este filme, también de no ficción, que ahonda en la figura poliédrica del político cordobés.

Ya en la sección Panorama Andaluz podrán encontrarse títulos que exploran la historia, la cultura y las tradiciones de la comunidad. Entre ellos figuran Bajañí, de Fernando Trueba; Rito, de Emilio Belmonte; Bernabé, la sonrisa del flamenco, de Dany Ruz; Caballero Bonald, fragmentos de un navegante, de Paula Romero; Acuérdate de mí, de Remedios Málvarez, y Naquerar, de José Romero y Patricio Hidalgo.

Memoria histórica, música y naturaleza

La memoria histórica y social también está presente en Salta la tapia, de Mariano Agudo; 200 vidas. Paco Rabal, de Vanesa Benítez; Plus Ultra, de Elías Pérez; El abrazo de los peces (15 años después), de Chema Rodríguez, y Todos los días domingo, de Abraham López Feria. A estas propuestas se suman documentales como Como todo mortal, de María Molina Peiró, así como las ficciones Un hombre en un puente, de David Martín de los Santos; El pezón de Elena, de Esteban Magaz, y La ventana abierta, de Ana Graciani Fernández.

En Special Screenings, Sevilla y sus señas de identidad ocupan un lugar destacado con Maestros del Arte, de Lola Álvarez; Magna, el Alma de Sevilla, de Miguel Ángel H. Arango; Fútbol en tu mano: mucho Betis, de Uro Popovic; A la melée, de Antonio Mejías Ruiz y Rocío Rodríguez Cruz, y Blanca Manchón, contra viento y marea, de José Luis Hernández Arango.

La música y la contracultura sevillana protagonizan Merece la pena el effuerço que emo exo, de Silvia Moreno y Dani Llamas; La maravilla que se muerde la cola, de Manuel Correa, y Cuántica Rave, de Paco Campano. La sección incluye también propuestas de ficción como Las 3.000 maravillas, de Carmen Perona Cabrera; Nadie, de Mario L. Fajardo, y Un hijo, de Nacho La Casa.

El vínculo entre arte, naturaleza y patrimonio se aborda en El hombre que siembra árboles, de César Fernández-Ramos; La planta que pinta, de Margarita Morales; Los Pericet. Familia de bailarines y maestros, de Vladimir Ráez y Fali Álvarez; La priora, de Jaime Daza Lucena, y Back In Time!, de Manuel Bellido y Sigfrid Monleón.

Impulsar el talento local

El cortometraje andaluz contará con una amplia representación, con 28 títulos en Panorama Andaluz Cortometrajes, entre ellos Beauty, de Eduardo Muñoz y José del Corral; Noche de amor desesperada, de Jesús Pascual; Pedanía, de David Sainz; Tiempo prestado, de Paco Ortiz; Las malas, de Elisa Moreno; ¿Qué comen los dragones?, de Álvaro León; Rreina, de Rosendo Muñoz, y Pinchu es así, de Carmen Córdoba. La Sección Oficial incluirá además el estreno mundial de Quásares, de Rocío Mesa y Jorge Castrillo.

Durante la presentación, la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, destacó la riqueza y capacidad creativa del cine andaluz y el papel del Festival como plataforma para impulsar el talento local. El director del certamen, Manuel Cristóbal, subrayó la proyección nacional e internacional del evento y su compromiso con el sector audiovisual.

Durante el acto se presentó el tercer cartel del Festival, creado por José Luis Ágreda, que rinde homenaje a Metrópolis, el clásico de Fritz Lang, mediante una propuesta gráfica inspirada en el cartel de las Fiestas de Primavera de Sevilla realizado por Juan Dapena Parrilla en 1930.

Juanjo Guarnido (Granada, 1967) pasea por la San Diego Comic Con como Pedro por su casa. Está acostumbrado a firmar. Ya acudió a la primera edición de Málaga, es un habitual de la de San Diego, y uno de los pocos ilustradores españoles que ha recibido el Premio Inkpot que otorga la Convención, junto a Paco Roca, Marcos Martín, Belén Ortega y Javier Fernández (los tres últimos vinculados a la industria norteamericana del cómic de superhéroes). “Es mi trofeo favorito: un bote de tinta con patitas como reconocimiento a una carrera y que supone que eres un poco hijo adoptivo del Comic Con”, cuenta con orgullo.

Suma también el premio a la mejor serie en el festival de Angoulême, el premio Eisner al mejor álbum internacional y el Premio Nacional del Cómic. Todos, por alumbrar junto a Juan Díaz Canales (guion) a John Blacksad, la particular encarnación de un detective clásico: un gato negro. Traducido a 30 idiomas, Blacksad ha vendido más de tres millones de copias de alguno de los siete álbumes publicados desde el lanzamiento de Un lugar entre las sombras, en el año 200 0. Es el cómic español más vendido de la historia, y sus lanzamientos en Francia miran cara a cara a los de Astérix.  

Sobre una ciudad que traslada a las estampas de los bajos fondos y los clubes de jazz de Nueva York en los años 50, Guarnido lleva más de 25 años dando vida a un investigador que cumple todos los estándares del género (gabardina, cigarro), con la salvedad de las orejas de punta y los bigotes felinos. A su alrededor, perros, comadrejas, gorilas, toros y lagartos, según su rol social, todo ello en un luminoso y expresivo dibujo a acuarela.

“Blacksad surge de la mente de Juan Díaz Canales, su creador. Yo soy su creador gráfico, pero fue Juan quien inventó ese personaje”, cuenta Guarnido, formado en la Facultad de Bellas Artes de Granada. Ambos habían sido compañeros de trabajo, y Díaz Canales le pasó fotocopias de las páginas de un cómic que había propuesto al Víbora y a otras revistas. Era un gato negro, detective, protagonista de una mezcla de novela policíaca con algo de misterio. A Guarnido aquello le fascinó. “Tenía ganas de dibujarlo yo”, recuerda. Un par de años después, su compañero le pasó una historieta para bocetar, “por el placer de hacerla”, un primer Blacksad que no ha visto la luz.

“En ese momento me propuso intentar colocar un álbum en el mercado francés. Le dije que era una locura, demasiado ambicioso, pero conforme le estaba diciendo eso yo ya tenía detrás ahí el runrún”.

¿Tenían expectativas?

No sabíamos qué iba a ser de aquello, pero conforme fue avanzando el proyecto, yo tenía una cierta ambición de hacer algo bonito, en color directo con acuarela, intentar un dibujo espectacular, un dibujo realista con animales, que no se había hecho hasta entonces. No sé si habrá peli de serie B que pueda aparentar algunas escenas de hombres lobos, pero en el cómic los personajes zoomorfos son personajes de humor. Hacerlos realistas era una apuesta atrevida, pero yo estaba convencido. No de que fuera a tener éxito, sino de que funcionaría como producto. Conforme fue avanzando se convirtió en un proyecto de pura pasión por el personaje y por el álbum. Yo eché el resto. Y bueno, el público respondió. Podía no haber respondido, pero respondió a la primera.

¿Qué aporta que sean animales?

Nos permite jugar con los estereotipos. Como dice Juan, en un medio tan condensado como es el cómic, eso permite ganar mucho terreno y si lo usas con animales, además, puedes usar un montón de clichés que vienen de las fábulas, la cultura popular, el cine, los dibujos animados, los refranes… Todo eso es muy útil para contar una historia. El challenge era mezclar ese aspecto fabulístico, en la medida en que representa caracteres humanos con animales, con un género tan moderno como el policíaco. En ese sentido, es un experimento narrativo. Y lo mismo el experimento salió bien.

¿Quién imagina los personajes?

Juan siempre escoge los personajes en el guion. El casting está hecho ahí. Cada nuevo personaje lleva entre paréntesis el animal que es. No llega un 5% de los casos que cambiamos el animal previsto porque a mí me sugiere otra cosa o viene mejor en el guion o hay un aspecto que puede ser interesante cambiarlo a tal animal porque va a cumplir una función específica. Tenemos la buena costumbre heredada de nuestra experiencia en animación de someter tu trabajo a validación de otra persona. Entre nosotros no hay la jerarquía de la animación, que es una industria: tienes supervisor y en última instancia el director del proyecto tiene que validar tu trabajo. Nosotros nos lo damos el uno al otro para validar porque es nuestro, nuestro bebé y los dos tenemos paternidad asumida.

¿Cómo se refleja su experiencia en Disney en el dibujo de Blacksad?

Trabajar en cine de animación te aproxima a la narrativa de una manera bastante cinematográfica. El medio es diferente, pero hay ideas, nociones que puedes trasponer, con mayor o menor fortuna, a la narrativa en cómic. Eso puede dar productos interesantes.

Se fue de Disney en un momento en el que se estaba reorientando a la animación 3D.

Cerraron el estudio en el que yo trabajaba, a las afueras de París y no había alternativa para la mayor parte de la gente. Algunos fueron a Estados Unidos, a Australia y otros montaron estudios en Francia, que por desgracia no duraron. Otras cuantas personas habíamos ya puesto un pie en el cómic.

Ahora estamos en otro salto en el mundo de la ilustración con la aplicación de la inteligencia artificial. ¿Es una amenaza para ustedes?

(Resopla) ¿Qué quieres que me parezca? La inteligencia artificial lo que hace es copiar y recomponer el trabajo que creadores humanos han hecho ya. Al final es un pastiche. Te están haciendo un puzzle con mucha inteligencia, a veces es sorprendente ver lo que hace, pero para mí no tiene ningún valor. Es un robo, apropiación de cosas que además han ido robando de manera subrepticia durante muchos años, diciendo: “Aquí podéis presentar vuestro trabajo y tener una plataforma para enseñar lo que hacéis, vuestro arte”. Y resulta que al final era para robarte. Nunca he hecho ninguna prueba de nada hecho por inteligencia artificial con mi estilo, porque me imagino que se puede hacer y no me interesa en absoluto.

Aquí el ladrón son las empresas más poderosas del planeta.

Te da por pensar si estaba todo muy planificado para alimentar esa base de datos colosal. Por otro lado, no hay manera de evitarlo. Aunque tú no pongas tu dibujo en internet, otro fulano lo va a hacer porque escanea una página, o un medio de prensa va a reproducirlas. Al final todo se encuentra en Internet. No hay ninguna imagen que haya buscado que no haya encontrado en Internet. Cuando necesito el puñetazo de Vindicator a Lobezno en el número no sé cuántos de X-Men, para mí el mejor puñetazo que se ha dado en cómic, no tienes más que buscarlo. Es muy deshonesto. Espero que se legisle.

Y no soy un enemigo de la inteligencia artificial en sí, me parece que las aplicaciones que puede tener en otros campos como la salud… Hay que ver qué pasa con eso. Tampoco soy fatalista, no me da miedo tema de Terminator y la aniquilación de la especie humana. Es curioso ver cómo alguna gente se preocupa, yo creo que no hay que ser demasiado pesimista, que tampoco esto es Skynet. Me parece que hay aplicaciones muy buenas, incluso en arte. Pero en este momento lo único que hay es la generalización de un plagio vergonzoso, un abuso y una situación catastrófica para todo un sector de gente que podía vivir, o por lo menos aspirar a vivir del dibujo, de la ilustración, de la animación y que está muy amenazada. A mí me da pena.

Blacksad 7 se publicó hace tres años. ¿Están trabajando en el volumen ocho?

No, el ocho viene de camino. Pero, entre tanto, tengo otro proyecto con el guionista de El Buscón [Alan Ayroles] y justo antes he hecho un libro ilustrado que sale la semana que viene en Francia y el año que viene en principio lo publicará Norma aquí, un libro muy bonito de una novelista francesa que se llama Ganas de darte.

Un documento histórico del que se llegó a dudar de su existencia y que finalmente un vecino se había llevado a su casa. La Guardia Civil ha recuperado en el municipio sevillano de El Viso del Alcor una bula papal original del siglo XVI que llevaba décadas desaparecida y cuya existencia formaba parte de la memoria histórica de la localidad y que la vinculaba con la batalla de Lepanto.

La bula fue otorgada durante el pontificado de Pío V a la parroquia visueña de Santa María del Alcor y está vinculado a Fernando Arias de Saavedra, VII señor de El Viso y IV Conde de Castellar, y a la participación de éste y de un grupo de hombres de la localidad en la batalla de Lepanto de 1571.

La existencia del documento se había transmitido durante generaciones en el municipio, pero hacía décadas que se había perdido su rastro. Ante lo que la falta de información sobre su paradero se llegó incluso a poner en duda su propia existencia y su verdadero alcance histórico.

Esto llevó a la Guardia Civil en octubre del 2024 a iniciar una investigación para esclarecer qué había ocurrido con la bula, localizarla y comprobar su autenticidad, de modo que los agentes comenzaron a reconstruir la historia del documento y a buscar indicios que permitieran determinar dónde podía encontrarse.

A su casa para protegerla

La operación ha sido llevada a cabo por guardias civiles del Área de Investigación de la Uprona (adscrita al Seprona) y del Grupo de Patrimonio de la Policía Judicial de la Comandancia de la Guardia Civil en Sevilla. Los agentes localizaron referencias a la bula en diferentes publicaciones, entre ellas un artículo publicado en el año 2000 y otro, aparecido en mayo de 2025 en una revista de una asociación cultural de la localidad, que incluían una representación gráfica del documento.

A partir de estos indicios, la investigación permitió centrar las sospechas sobre un vecino de El Viso del Alcor que podía encontrarse en posesión de la pieza y quien tras prestar declaración el pasado 2 de septiembre, entregó voluntariamente a los agentes un pergamino doblado que conservaba en el interior de su vivienda.

Según manifestó, conocía el valor histórico de la bula y decidió llevársela a su domicilio con la intención de protegerla y preservarla, sin ánimo de obtener ningún beneficio económico. Una vez recuperado, el documento fue depositado temporalmente en el Archivo Histórico Provincial de Sevilla de la Junta de Andalucía, donde fue sometido a un estudio técnico.

Segunda mitad del siglo XVI

El análisis determinó que el pergamino presentaba características materiales, paleográficas y gráficas compatibles con un documento pontificio original de la segunda mitad del siglo XVI, correspondiente al pontificado de Pío V. Para completar la investigación, la Benemérita obtuvo además una copia del asiento registral original de la bula conservado en el Archivo Apostólico Vaticano. Su comparación con el documento recuperado permitió confirmar su autenticidad y acreditar que se trata de la bula cuya pista se había perdido hacía décadas.

La investigación ha permitido recuperar una pieza documental de gran valor histórico y devolver a la memoria de El Viso del Alcor un documento estrechamente relacionado con uno de los episodios más importantes de su historia: la batalla de Lepanto. La bula ha formado parte durante años de la tradición cultural de la localidad, donde su historia ha sido recordada en jornadas y recreaciones históricas que incluso han representado la llegada de los hombres de Lepanto y la entrega del documento.

Cuando estaba en la cima de su carrera, Mira Sorvino desapareció del mapa. Había ganado un Oscar y un Globo de Oro por una interpretación deslumbrante en Poderosa Afrodita (Woody Allen, 1995), y luego había saltado a la comedia más o menos gamberra (Romy y Michelle, 1997) y el cine de acción más comercial (Mimic -1997- y Asesinos de reemplazo -1998-), algo más o menos lógico para una estrella. Se codeaba con la farándula de la mano de parejas icónicas como Quentin Tarantino o Olivier Martínez. Hasta que se esfumó.

O la esfumaron. Años después, Mira Sorvino (Nueva York, 1967) contó que su nombre fue vetado de grandes producciones por Harvey Weinstein, entonces considerado un rey Midas de Hollywood, en realidad un abusador de mujeres que atormentó a decenas de actrices. Peter Jackson confirmó que Miramax (la productora de Weinstein) le pidió no contar con Sorvino para El Señor de los Anillos.

Casi tres décadas después de aquello, está de paso por España para la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Consciente de su papel de abanderada del movimiento MeToo, no rehúye su pasado ni tiene problema en explicarlo: “Durante veinte años estuve vetada en la industria. Entre 1998 y 2018 prácticamente no participé en grandes producciones de estudio. La influencia de Harvey Weinstein fue enorme y devastadora”, cuenta a elDiario.es.

Una escena “terapéutica”

Sorvino, que fue acosada por Weinstein antes de que este la metiera en una lista negra, lo pasó mal, pero subraya que nunca sabes por qué derroteros te va a llevar la vida: aquel paréntesis forzoso le sirvió para volcarse con una familia a la que adora. “Tengo cuatro hijos extraordinarios y probablemente no habría sido la madre que soy si hubiera mantenido ese éxito profesional”, explica: “Así que la vida es extraña: sí, me enfada profundamente que alguien me arrebatara algo que merecía, pero también siento gratitud porque la vida me dio otras cosas hermosas”.

Años después, la serie Hollywood (Ryan Murphy, 2020) le pondría ante una escena catártica, en la que interpreta a una actriz de los años 40 atrapada en una relación desigual con un productor, de la que solo sale gracias a la empatía de la mujer de este. “Fue una escena preciosa y bastante triste”, rememora la actriz, que lloró realmente en el rodaje: “Era muy consciente de que estaba inspirada en mi propia historia, pero también tenía un punto terapéutico: me permitió enfrentarme a ese dolor y liberarme un poco de él”.

Después de una década, ¿cree que Hollywood ha cambiado? “Sí, sin duda. ¿Siguen existiendo depredadores que creen que nunca serán descubiertos? Claro, porque es la naturaleza humana. Siempre ha habido depredadores y ladrones y asesinos. No podemos erradicar el crimen, pero sí podemos dejar claro que un plató, una sala de casting o cualquier lugar de trabajo no son espacios para eso”, advierte: “Ya no se salen con la suya. Durante décadas, ese comportamiento estuvo muy integrado en la industria de Hollywood desde su comienzo. Y creo que el movimiento ha tenido un impacto real. Hoy las mujeres están más protegidas. Los hombres también. Y los niños que trabajan en producciones audiovisuales están más seguros que antes. ¿Es perfecto? No. Pero sí creo que es mejor de lo que era”.

Recuerdos de Marbella

Sorvino rodó una de sus primeras películas en España (Barcelona, 1994) y otra, más desconocida, en la Semana Santa de Sevilla, donde pasó una larga temporada. No eran sus primeras veces en España. Tendría unos cuatro años cuando su padre, Paul Sorvino, rodó una película en la Costa del Sol junto a George Segal y Glenda Jackson. “Algunos de mis primeros recuerdos visuales son de Marbella”.

La actriz acaba de rodar con Lisa Kudrow la secuela de Romy y Michele (1997), una comedia que exploraba en tono ligero el camino del empoderamiento femenino y la sororidad. Treinta años después, la perspectiva de una nueva boda de una amiga vuelve a situarlas en un punto similar: “¿Nos hemos olvidado de casarnos? ¿Nos hemos olvidado de encontrar el amor?”. La respuesta es que han hecho con su vida lo que han querido.

Justo antes de rodar Romy y Michele 2 terminó That’s amore, un musical con John Travolta en la que tuvo que cantar O sole mío en napolitano. Una canción eterna que, cuenta, está inspirada en la hermana de su abuelo. “Al menos, según cuenta mi familia. Mi padre lo confirmó con la familia del autor de la letra. ¡Podría ser un mito, ¡pero quizá sea verdad!”, exclama.

Alta, imponente y con una vistosa cruz que le cuelga del cuello y acredita sus convicciones cristianas, la actriz creció en el seno de una familia de raíces italianas muy tradicional en la que su padre la trataba como “el hijo que nunca tuvo”: “Compartía conmigo sus referentes: Muhammad Ali, Martin Luther King, Desmond Tutu… Veíamos juntos combates de boxeo, partidos de tenis de Björn Borg y, sobre todo, Star Trek. Yo estaba fascinada con el capitán Kirk. Puede que tuviera un pequeño enamoramiento infantil, pero también quería ser como él: valiente, decidido, aventurero”.

Este fin de semana, Sorvino se ha dado un baño de masas que, además, ha acompañado de un premio honorífico del Festival de Cine de Málaga. “Cuando hablas cara a cara con una persona y te cuenta lo que una película o una serie representó para ella, sientes que tu trabajo ha tenido un impacto real”, agradece la actriz: “En el cine normalmente no tienes ese contacto directo. No es como actuar en teatro, donde escuchas las risas, los aplausos o saludas a la gente a la salida. Aquí las películas se estrenan y luego quedan ahí, mientras tú te quedas bastante alejada del público. Por eso estos eventos son tan especiales”. Mira Sorvino está de vuelta y agradecida a la vida, a pesar de que una vez la tiraran de la cima.

Tres películas, casi 3.000 millones de dólares de recaudación acumulada (diez veces lo que costaron) y 17 Oscar (once de ellos a la tercera parte de la trilogía). El estreno ahora hace 25 años de La Comunidad del Anillo, a la que seguirían Las Dos Torres (2002) y El retorno del Rey (2003) pegó un tremendo revolcón al panorama cinematográfico solo a la altura del estatus de las novelas de culto de J.R.R. Tolkien.

Un cuarto de siglo después, Frodo y Sam, Elijah Wood y Sean Austin, los inseparables (pero separados) amigos del fabuloso viaje de La Comarca a Mordor, y vuelta, para destruir el Anillo se reencontraron en Málaga; entre ellos, pero también con un público devoto: 3.000 personas que llenaron el Hall M, el espacio habilitado por la San Diego Comic Con Málaga para los grandes eventos.

El fenómeno de El Señor de los Anillos, la gran saga dirigida por Peter Jackson en la era pre-Marvel, impactó de lleno en un público que hoy mayoritariamente pasa la cuarentena, y que acudió a la llamada de la comunidad este domingo en Málaga. “25 años después, viendo lo que está pasando en el mundo, es necesario acercar las ideas de bien y mal y de compañerismo”, comentó Austin.

“Hay una parte maravillosa de participar en la vida de la gente. Hay personas a quienes estas películas le hacen sentir bien y nos cuentan historias increíbles. Tienen un impacto inmenso, lo recibimos y eso es un intercambio maravilloso”, celebró Sean Austin: “Es muy bonito que estas películas den un refugio a la gente que está sufriendo, y que les ayude a procesar sus emociones”.

“En el día a día no soy consciente de la relevancia que tuvo el Señor de los Anillos. Pero el hecho de ser parte de la cultura popular, generar este entusiasmo, conectar con la gente, es increíble”, explicó luego Wood. Ambos llevan una decena larga de convenciones y conferencias para celebrar la efeméride y sienten con pena de que este viaje también está llegando a su fin.

16 meses de rodaje

Uno de los objetivos declarados de la convención es acercar a las estrellas al fan que siente obras como El Señor de los Anillos como parte esencial de su identidad. Dejar caer la pantalla que las separa del espectador para mostrarlos cercanos, dicharacheros, divertidos, falibles, mortales.

A eso, Sean Austin ganó a Elijah Wood por goleada. Austin ganó peso en la charla igual que Sam, un personaje supuestamente secundario, acaba por tener un papel decisivo en la historia de la Tierra Media. Incluso animó al público, en español, a tomar la palabra. “No tiene (sic) miedo. Lord of the Rings”. A Austin le declaró su amor una fan preguntona que lo calificó de “achuchable”.

El hombre explicó que en las entrevistas previas al rodaje tenía dudas de que el público fuese a conocer realmente a su personaje. Los productores le escogieron porque percibieron que podía transmitir lealtad y bondad. “Es que es cierto que eres un buen ser humano, y eso lo transmites porque no se puede separar”, le elogió Wood, que recordó que Austin ha sido elegido presidente del Sindicato de Actores precisamente por esas cualidades.

Ambos recordaron un rodaje que se prolongó durante 16 meses en los bosques de Nueva Zelanda. Tiempo más que suficiente para generar unos vínculos duraderos. “Pasábamos todo el día juntos, seis días a la semana, sabíamos cómo sonábamos, nos conocíamos muy bien. Eso crea una intimidad muy especial”, admitió Austin.

Wood apenas tenía 18 años, pero se manejaba con suavidad, ligereza y aplomo. Austin estaba más nervioso, le imponía aquel set de rodaje impresionante, Ian McKellen, Peter Jackson. Incluso les enseñó esgrima Bob Anderson, que había trabajado con Errol Flynn e interpretado a Darth Vader en los duelos con el sable de luz.

Cuando regresaron a su país eran otros. “Estábamos tan lejos de nuestra realidad, de nuestra familia... Fue raro volver a reintegrarnos en nuestras vidas, porque nuestra realidad había quedado marcada por estas películas y por el rodaje. No era sencillo contar nuestra experiencia”, ha recordado Wood. “¡Como los astronautas!”, según Austin: “Volvíamos y luego podías darte cuenta de lo que era realmente importante para ti, a qué querías dedicar tu tiempo”.

Sin colas excesivas en esta edición

El reencuentro de Sam y Frodo era el plato fuerte cinematográfico de esta edición de la San Diego Comic Con Málaga, la segunda de las tres que al menos habrá. Una edición que no ha contado con una gran superestrella como Arnold Schwarzenegger, pero sí con muchas estrellas del cine (Christopher Lambert, Josh Brolin, Mira Sorvino, Denise Richards, Kevin Smith), la televisión (Richard Dean Anderson —MacGyver—, Paul Bettany), el cómic (John Romita Jr. —Spiderman—), el anime (Sinchiro Watanabe —Space Bebop—, Yoichi Takahashi —Campeones—) o el videojuego (Dave Jones —Lemmings y GTA—, John Romero —Doom—).

La organización de este año, prácticamente impecable, contrasta con el desastre de masificación y colas de la primera edición, en la que muchos asistentes guardaron horas de cola para irse de vacío. La ampliación de los espacios, con una segunda gran carpa de stands en el exterior, y un cuidado circuito de flujos que ha evitado cuellos de botella han obrado el milagro. Responsables de la organización cuentan que, este año sí, se ha puesto al visitante en el centro. Eso explica que se haya evitado llenarlo todo, a diferencia del año pasado, donde el antiguo CEO llegó a asegurar en prensa que se habían vendido 120.000 entradas, más que el aforo permitido.

Este año el aforo era de 15.000 asistentes por jornada. A las entradas, que han subido a 85 euros, se suma el patrocinio de la Junta de Andalucía (3,35 millones por la edición de este año) y del Ayuntamiento (casi un millón), a quienes Dentsu, que tiene la licencia para explotar la marca en Europa, fue a buscar hace ahora dos años.

También se ha notado el potente músculo desplegado, con alrededor de 3.000 personas al servicio de que todo saliera bien. Tantas, que hasta cuadriplicaban posiciones y a veces algunas parecían ociosas. Ni siquiera el tremendo chaparrón caído en los minutos previos a la charla de los hobbits ha empañado el éxito. Este año no habrá la avalancha de quejas que hubo el año pasado. Con 15.000 asistentes por jornada, el evento encara ya la tercera de las ediciones garantizadas por contrato, antes de decidir si continuará en 2028 y más allá.

Hubo un tiempo, era en los 80, en que las películas y series populares eran artefactos de diversión pura. En esas series, los guionistas jugaban duro con la suspensión de la incredulidad que debe operar en la cabeza del espectador para que la cosa funcione. Así se explica cómo los protagonistas sobrevivían a un puñado de tiroteos en cada episodio o cómo eran capaces de desactivar una bomba con un clip y un chicle: era todo por la diversión.

MacGyver representa el modelo: un héroe de acción sin traumas, dobleces ni pasado, capaz de distinguir sin problema el bien del mal y con una característica que lo distinguía de todos los demás: su rechazo radical al uso de armas de fuego, que suplía con un profundo conocimiento científico y el ingenio para aplicarlo a las situaciones más dramáticas.

Hoy, Richard Dean Anderson, MacGyver, es un señor de 76 años de verbo pausado, que achina los ojos y aleja y acerca el teléfono para leer el mensaje de su hija, y al que le dan sofocos de los calores que pasa en Málaga, donde está pasando unos días como special guest de la segunda edición de la San Diego Comic Con Málaga. Así que, cuando ve que con el abanico no se apaña, alguien del público le ofrece un aparato portátil que el presentador no es capaz de poner en marcha. MacGyver se ofrece gentil: “Te lo puedo macgyvear”. Público rendido.

El peligro de imitar a MacGyver

Si en inglés existe el verbo to macgyver es porque el personaje trascendió en la cultura popular hasta el punto de que el diccionario Oxford tuvo que recogerlo. Si el canon lo marcan Los Simpson, ahí está Anderson, sujeto de deseo de las hermanas Bouvier. Si lo es el lenguaje coloquial, todo el mundo conoce a alguien que se cree MacGyver.

Más tarde, en una charla con elDiario.es, Anderson explica que nunca hubiera imaginado que aquel papel que consiguió le seguiría proporcionando tanto cariño tantos años después. “Lo considero un enorme cumplido”, admite: “No soy una persona que se sienta especialmente cómoda con los elogios. Fue mi hija quien hace unos años me habló de la idea de 'legado'. Nunca había pensado en esos términos”. Él era solo un trabajador, sin éxito ni muchas expectativas hasta que dio con MacGyver: “Fui consciente de lo especial que era el personaje y de la singularidad de la serie, especialmente por el hecho de que no utilizaba armas. Y lo aproveché desde el principio”.

Aquellas bacanales de tiros las suplía MacGyver con soluciones basadas en la Física y Química aplicadas, Electrónica y Mecánica. “Teníamos asesores de escuelas técnicas de la zona de Los Ángeles. Les preguntábamos: ”Si MacGyver estuviera en tal situación, ¿cómo lo resolvería con estas cosas en la habitación?“. Y entre productores, guionistas, y directores, yo a veces decía algo, lo adaptábamos y salía la forma de hacer posible lo imposible”. El criterio no era el rigor científico, sino que fuera “creíble”. “¿Hubo alguna vez una escena en la que pensara: 'Esto es demasiado, nadie va a creerlo'?”. “¡Constantemente!”, ríe.

Eso sí, siempre obviaban un elemento para que la idea fuera imposible de replicar en casa. “Hubo un chico alemán que se quemó los dedos asegurando que había aprendido el procedimiento viendo MacGyver. Los abogados investigaron el caso y finalmente se determinó que no era responsabilidad nuestra porque nunca explicábamos exactamente cómo hacerlo”, recuerda.

“Vergüenza” de Trump y su gobierno

El Equipo A o MacGyver no tenían pretensiones de trascendencia ni se prestaban a lecturas políticas. Qué se diría hoy de una cuadrilla de renegados del ejército de Estados Unidos, o del agente de una oscura agencia de espionaje que se adentra en bosques de los Pirineos para rescatar a una geóloga de un grupo de “montañeros vascos” que descienden las rocas haciendo rappel y lanzando un irrintzi.

Hoy se da la paradoja de que MacGyver trabajaría para el Gobierno de Estados Unidos. En su encuentro con el público, Anderson ha pedido “disculpas por el comportamiento de nuestro Gobierno” y ha arremetido contra Donald Trump, a quien ha definido como “pedazo de mierda”.

Más tarde, en la conversación con este periódico, explica que siente “vergüenza” de lo que “Donald Trump, su Administración y esta época de caos político están haciendo al mundo”. “Vengo a un país extranjero al que quiero y admiro, para celebrar algo con la gente, y mientras tanto tenemos aranceles, sanciones y este tipo de políticas. Para mí es vergonzoso. Soy estadounidense, pero me niego a permitir que él me represente de ninguna manera mientras esté en el cargo. Me parece horrible lo que hace”.

“Creo que hoy MacGyver pediría a Google que le echara una mano”

MacGyver tuvo siete temporadas con 139 capítulos. “No me enfadé cuando se tomó la decisión de terminar”, dice Anderson, que ya estaba cansado de combatir delincuentes. También machacado: tuvo incontables lesiones en los rodajes.

Años después, y durante diez temporadas, rodó otra serie de relativo éxito, Stargate SG-1, hasta que puso fin a su carrera para ver crecer a su hija. “No tenía tiempo para pasarlo con ella, con un ser que yo había ayudado a crear. Y nada merece tanto la pena como para perderte eso”, cuenta, mientras se emociona. “Esto es así. Hay un vínculo y una relación por la que merece la pena sacrificarse o dejar una serie de televisión que tiene éxito”. “Ahora ella dirige, escribe y produce películas. Y ese es mi propósito en la vida, ayudarla”, cuenta luego.

Retirado de la vida pública en una casa de California, Anderson se ha volcado en los últimos años en causas benéficas, principalmente en defensa de los animales: “Tengo tanto amor por los animales que no puedo ni matar arañas, aunque no me gusten mucho; el animal más minúsculo tiene algo para mí: sienten. Dolor físico o algo más espiritual. Sé que suena un poco raro. Pero tengo esa compasión”.

Ya nunca estará para carreras y persecuciones, tampoco para frenar fugas de ácido con chocolate o para improvisar un cañón de patatas convirtiendo el ácido del limón con esquirlas de metal en un propulsor más potente que la pólvora. “Siempre he pensado que sería interesante hacer una nueva versión con un MacGyver más mayor. Ya no tan ágil ni tan rápido, pero con más experiencia”.

Hoy, seguramente MacGyver llevaría un móvil en el bolsillo. “Creo que estaría fascinado por las nuevas posibilidades tecnológicas y probablemente acabaría diciendo: 'Bueno, qué demonios, voy a llamar al señor Google para que me eche una mano'. Pero la esencia seguiría siendo la misma: buscar soluciones prácticas, observar tu entorno y utilizar lo que tienes a mano”.

Dolores Jiménez fue una mujer libre y rebelde que tuvo que esconder sus libertades cuando las troncharon de un cuajo. Republicana a pesar del franquismo, empresaria a pesar del machismo, libre a pesar de la dictadura y su propia ceguera, para la mayoría Dolores es “sólo” la Niña de la Puebla, la cantante de flamenco y copla detrás de la versión más popular de 'Los Campanilleros', una de las canciones más arraigadas en la cultura popular andaluza. Durante siglos fue cantada para el Rosario de la Aurora, y luego adoptada como villancico flamenco navideño por el propio padre de la Niña de la Puebla.

Hace ahora un par de años, la actriz malagueña Adelfa Calvo decidió rescatar la historia de su abuela Dolores, viva en las conversaciones registradas en decenas de casetes que ella misma había grabado, y aquel viaje al de Calvo a la vida de su abuela fue documentado por Remedios Malvárez (Pico Reja, Fandango) en Acuérdate de mí, una película documental estrenada en el pasado Festival de Málaga.

Un momento central de esa película es la versión descarnada, profunda, convulsa, que María Peláe (Málaga, 1990) y Alba Reig han hecho de la canción que un día la Niña de la Puebla hizo suya. Una versión particularísima, que recoge los versos libertarios y dolientes escritos en su día por la propia Dolores, escondidos luego durante décadas: “Toas las flores del campo andaluz/regadas con sangre de los campesinos/que perdieron su vida luchando/pidiendo justicia por esos caminos/Y al amanecer toas las madres/lloran a sus hijos/y se vuelven locas sin poderlos ver”. “Libertad, sublime palabra, la idea más hermosa de la humanidad”.

Por eso, cuando se lo propusieron Peláe no dudó: “Pelos de punta, p’alante y contad conmigo”.

Su familia es aficionada al flamenco. ¿Conocía ya la figura de la Niña de la Puebla?

Conocía, sobre todo, la parte artística. De la parte personal, no tenía mucha idea y esperé a la grabación del documental para hacerle preguntas a su propia nieta y que me contara algunas curiosidades. Precisamente por eso también es necesario que haya documentales como este, que a figuras tan importantes las veamos más claro y podamos hacer la radiografía de un país a través de una artista como ella.

De su faceta artística, hay un rasgo muy singular que suele destacarse: la voz de Niña de la Puebla apenas cambió en toda su vida. La tesitura en las primeras grabaciones registradas, en los años 30, es similar a la que tuvo en sus últimas apariciones, ya casi en el año 2000.

Tenía un carácter especial a la hora de cantar. Ella no empezó cantando flamenco y tenía una formación muy buena en cuanto a canto. Precisamente, saber colocar bien la voz y ser estudiosa y aficionada del flamenco, viniendo de otras músicas, es lo que le hizo mantener esa manera de cantar. Yo misma me escucho hace seis años y digo: “María, eres otra”. Da igual el tiempo que pase, [ella mantenía] sensibilidad y saber. Y yo creo que eso lo da también lo estudiosa de los palos que era.

Háblenos de 'Los Campanilleros'. Es una canción que populariza Niña de la Puebla, pero está clavada en la tradición oral desde hace siglos. ¿Qué dice hoy 'Los Campanilleros' a los andaluces y andaluzas?

Si en una canción mezclas palabras como 'Andalucía' y 'libertad', y, en este caso, se añade la letra concreta que hace la Niña de la Puebla, donde se recoge parte del sufrimiento femenino en plena guerra… Manuel Torres fue el primero que la aflamencó, pero después cada uno hizo sus propias versiones y ella tuvo a bien, en plena Guerra Civil, llevar ese dolor desde el punto de vista de las mujeres que estaban sosteniendo a una familia, que estaban esperando a sus hijos a que volvieran, o no, de la guerra... Se me ponen los pelos de punta. Es una parte de la historia que también tiene que ser contada. Es muy bonito que haya sido cantada y que hayan contado conmigo para eso.

Remedios Málvarez dice que es una versión de 'Los Campanilleros' que estuvo “exiliada”. Quizá en esa misma situación hay otras muchas historias, canciones y voces registradas que se han permanecido ocultas muchos años y que quizás siguen ahí, a la espera de que alguien, algún día, las rescate.

Totalmente. Por eso yo creo que en el documental sean esos cassettes, y que su propia nieta le da al play, es muy gráfico. Me hubiera encantado tener cassettes con mi abuela contándome su historia.

¿Cómo se enfrenta a algo que ya está tan identificado con un artista a la que respeta y admira?

El respeto estaba desde el momento en el que me mandaron ya la letra y me dijeron: “Haz esto, pero sé completamente libre”. Para no pasarnos de modernas ni de antiguas, hemos intentado que tenga una progresión cinematográfica. Sientes cómo la ansiedad comienza desde un punto y acaba en otro completamente diferente. De hecho, comienza con el ritmo normal de 'Los Campanilleros' y termina por bulería, porque así lo sentíamos, o así al menos lo sentía yo, que iba a poder relajarme más cantándola. Y creo que siendo fiel a cómo yo la sentiría más, iba a ser más fiel todavía a lo que creo que ella quería decir con esa letra.

¿Cuál es la historia de esa versión?

En la versión que se hizo conocida la letra era de su padre, que era un gran revolucionario. Esa letra fue la que se quedó grabada. Pero después, ya en la guerra y posguerra, no se sabe exactamente bien la fecha, ella escribió estos versos, que no sé si llegó a cantarlos en directo, y que gracias a su familia han llegado a nosotras. Aun siendo versión, es muy inédita porque tiene partes de los versos escritos por ella y que no se han podido escuchar.

La película reivindica también un legado personal de Niña de la Puebla como referente feminista y republicana. ¿Qué papel cree que tendría la Niña de La Puebla hoy?

Creo que como persona tan culta que era, estaría muy puesta en todo lo que está ocurriendo y sería muy consciente de las clases sociales. Por lo que me han podido contar y por lo que hizo, me la quiero imaginar revolucionaria. Es una mujer que criada en plena República, a la que justo después le pilló la guerra y encima una mujer ciega en aquel entonces que se salva casi de chiripa. Es una historia compleja: tiene una educación en plena libertad y luego tiene que exiliarse en sí misma, porque no pudo cantar algunas cosas, aunque me han comentado que si las seguía cantando la letra que le daba la gana. Pero claro, la historia es la que es y España se quedó como se quedó. Creo que a ella precisamente no se le iba a olvidar la Historia, como creo que está pasando ahora, que parece que se nos olvida.

¿Cree que en algún momento podríamos tener que guardarnos las libertades para cantar, hacer cine, hacer teatro o, simplemente, para expresar ideas?

Estoy en un momento de reflexión, porque yo intento de verdad llevar la libertad en mis canciones, decir lo que creo coherente, pero el hecho de decirlo últimamente y tener un poco de miedo a las reprimendas, hacía mucho que no me pasaba. Creo que se está apoderando de la sociedad la agresividad, el insulto fácil. Se está apoderando partes que ya no son muy humanas. Lo siguiente es el odio. Lo que más miedo me da el que la gente deje de ser gente, que dejen de ser personas. Muchas veces miramos atrás y decimos: “Pero por Dios, ¿cómo pudieron hacer esto? ¿Cómo pudo hacer lo que hizo y seguirle tanta gente? ¿Cómo puede estar pegando una paliza a esta persona? ¿O cómo puede estar diciendo esto y después dormir tan tranquila o tan tranquilo? Creo que ese deshumanizarnos viene de cosas pequeñitas. Últimamente, cuando comparto determinadas cosas o las digo, con todo el respeto del mundo –porque intento estar lo más formada posible, informarme y si cometo algún error, [admitir que] tendría que haberme informado más sobre esto–, pero desde un diálogo y un amor recíproco, estoy viendo exceso de odio y eso es lo que me da miedo.

Usted ya ha sufrido un episodio de escarnio por expresarse libremente. ¿Ha tenido la tentación de apartarse de ese debate o de amoldar su discurso?

Te cuidas muy mucho de cómo decir las cosas. Pero como todo está tan en ebullición, está el agua y el caldero tan caliente, que da igual lo que digas. Es como el chiste: “Buenos días”. “¡Buenos días tú!”. Es la sensación constante que eso está pasando en la calle, porque después en el Congreso de Diputados vemos cómo se faltan al respeto. Luego la gente sale a la calle con sus problemas reales y terminan insultándose porque es que lo ven, se ha normalizado. Ese punto es el que yo no me voy a callar, porque si no volvemos a donde veníamos. Es lo que decía mi abuela: “no te enfades, Mariquilla, no, no digas esto…” Yo lo he vivido siendo pequeña. No me quiero imaginar si llega una Niña de la Puebla a ver muchas cosas de las que están pasando ahora. No me voy a callar, evidentemente, pero algunas cosas se hacen con miedo, porque después [llega] la reprimenda. Tú enciendes el móvil y yo no quiero decir la de mensajes que tengo restringidos. Eso es una barbaridad y quiero pensar que mucha de esa gente después se levanta y hace puchero con su madre tan tranquilo y va incluso a misa y todo está genial.

Muchos de quienes le insultan en redes no serían capaces de decirselo cara a cara.

Si esa red estuviera ligada a un DNI, no pasaría tanto esto y volveríamos todo a ser un poco más humanos, creo.

¿Le preocupa que le encajen en un determinado sitio?

Si es que da igual. La perspectiva de cada uno en su cabeza es algo incontrolable para una. A veces saco canciones que no son flamencas y me siguen poniendo en flamenco. Entonces me digo que un día voy a sacar algo de Michael Jackson, y me van a poner flamenco. Venga andaluza, flamenca, flamenco. Pues esto igual.

Mientras hablamos, en la Plaza de la Constitución, a unos cientos de metros, hay mucha gente acampada pidiendo que algo cambie para poder tener casa. Usted es de una generación que se ha comido toda esta crisis de la vivienda.

A mí me da por pensar en todos los caseros que he tenido. Desde la primera casa, en la que solo cabía mi cama de 90, una ventana que daba a otra ventana que era el poyete de otra persona que olía horrible, y que pagaba 500 euros. Hasta el bajo en el que caía el agua cada vez que llovía. Son cosas que tenían que pasar. Lo que no sé, evidentemente, es cómo no se ha podido hacer antes, pero las movilizaciones y los cambios tienen que venir del pueblo y la ley tiene que adaptarse al pueblo. Yo sigo viviendo de alquiler. He tenido opción de invertir en Málaga, y me he negado a hacerlo porque me sentiría fatal conmigo misma. De hecho, la última bresca en internet que me ha caído fue por compartirlo. ¿Y por qué no piensas en los okupas? ¿Para hablar de A, tengo que hablar de también de la B hasta la Z? Estamos hablando de A. Pero la gente está tan en ese caldo de ebullición que da igual lo que digas.

Los primeros visitantes de la exposición Atizar lumbre interior, la selección pictórica de Manolo García (Barcelona, 1955) que acaba de inaugurar la Fundación Cajasol de Sevilla, se sorprenden de encontrarse al propio autor en la sala, comentando sus obras con periodistas o simples curiosos. Algunos se acercan a manifestarle su admiración como músico, una faceta que, según afirma, se entiende a la perfección con ésta de los lienzos y los pinceles. “No tengo ninguna ambición comercial, ni aspiro a tener un nombre en el mundo de las artes plásticas. Yo soy feliz haciéndolo y luego, si la gente viene y pasa un rato entretenido mirando, oye, pues estoy encantado. Me llena”.

La muestra, que comprende casi medio centenar de piezas entre pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones, dialoga también muy bien con la poética de las canciones de El Último de la Fila, el dúo que lo dio a conocer al gran público, o de sus temas en solitario. “Las inquietudes son las mismas, soy la misma persona. Concienciación social, naturaleza en decadencia por nuestra acción... Todo está ahí. Y los personajes, yo pinto mucho animal y mucho humano en situaciones dolientes, expectantes, alucinadas, en el asombro por la vida”.

La mirada que proyecta Manolo García sobre la realidad podría ser más o menos oscura o pesimista, si no fuera porque el color acude a redimirlo todo.  “Ese colorido vivo, alegre, significaría esperanza, curiosidad, ilusión… La luz, las ganas de seguir, hacen balanza contra la sombra. Es el afán de los humanos por sacar el cuello y respirar, se contrapone a esas fuerzas que intentan todo lo contrario, tenernos siempre con el agua al cuello, que no podamos movernos… Esa es la lucha de mis personajes en los cuadros”.

Un camino propio

García empezó a pintar con 14 años, tres años después se matriculó en Artes Aplicadas, pero esta disciplina le ha acompañado desde siempre, incluso en los momentos más intensos de dedicación a la música. “He ido a museos toda mi vida, en todas las ciudades en que he tocado aprovechaba para visitarlos, y han sido casi todas. He sido siempre muy disfrutón con este tema, me gustan todos prácticamente, porque todos tienen un ángel. Empezando por los grandes desde Velázquez hasta Caravaggio, pasando por cualquier pintor: Sorolla, Fortuny –uno de mis preferidos–, Anglada Camarasa, Romero de Torres...”

Cuando se le señala un azul de Chagall o un perfil de De Chirico, García admite todas las influencias sin dejar de añadir: “Pero soy yo. Tengo mi propio camino. Evidentemente, todos aprendemos de todos. Y la gente que hacemos música empezamos aprendiendo de los Beatles hace 50 años. Con la pintura pasa igual. Ves tanta pintura, yo he visto tanta, y me ha gustado tanto y me gusta tanto, que he ido aprendiendo de todos. Uno de mis favoritos es Hockney, descubrió una manera de pintar muy intensa, muy pasional, muy alegre”.

El surrealismo es otra de las corrientes que han dejado su poso en la pintura de Manolo García. “Como en las canciones, me gusta que la imaginación camine, la imaginación camine. Darlo todo masticado nunca ha sido de mi interés. Igual que no me gusta que me den un discurso masticado”.

Espíritu de reciclaje

El cantante ha encontrado siempre ocasiones para dar rienda suelta a su vena artística. “Alguna vez me he propuesto hacer un dibujo cada día del concierto. Preguntaba a qué hora pasaban a recogerme, y después de comer me ponía. De hecho, en esta exposición quise traer cinco de esos dibujos, pero al desembalarlos solo había llegado uno, por el despiste. Así que me fui al hotel e hice los otros cuatro. Mira, uno está fechado el 30 de septiembre, justo antes de la inauguración. Me sigue gustando mucho el contacto con el carbón, su vibración y su calorcillo. No me gusta trabajar con medios digitales”, comenta.

Junto a una de sus instalaciones, hay incluso unos paneles que alguna vez fueron parte del escenario adonde se subía cada noche. “Mientras ensayábamos, el escenario me pareció muy frío, muy neutro y me puse a pintar verticalmente, en el suelo, de pie, con un rodillo. Aquí hay seis partes, pero tengo noventa, porque el escenario era enorme”.

A menudo, los lienzos vienen decorados por marcos que el propio Manolo García ha preparado a partir de leños encontrados en cualquier parte, y hasta de material de embalaje repintado. El espíritu del reciclaje se manifiesta también en algunas de las instalaciones, donde los falsos brillos del consumismo desaforado vienen representados por el papel de plata que envuelve las chocolatinas o las patatas fritas. Otras lucen llaves antiguas o cepos para cazar pajaritos que su propio padre empleó en los años de escasez. Su lema creativo es, de hecho, “con lo que tengo, hago lo que puedo”.

“Yo me meto por sitios donde no hay nadie, por carreteras y caminos”, prosigue. “Y voy encontrando cosas y lleno la parte de atrás del coche, y la gente dice: ‘Y la gente dice que este tío está loco’. Cuando termina una gira, necesito dedicarme a todo lo contrario de lo que es un concierto, que es a la soledad. Pero la soledad es compartida con árboles, piedras, busco objetos, paseo por la playa, cojo guijarros”.

Varias pinturas muestran planos y perspectivas múltiples, con las que Manolo García afirma querer huir de la bidimensionalidad de las pantallas. “Yo detesto esa sensación, intento alejarme de ella. Hay quien busca ampliar su percepción con opiáceos o alcohol. Yo, de una manera muy sencilla, a través de mi pintura, busco otro tipo de espacio que no veo, que no existe, pero que intuyo que está ahí y yo lo consigo para mí. Si ya eso sucede también con el espectador o la persona que mira el cuadro, pues miel sobre hojuelas”.

Fuera máscaras

Otro elemento que se repite en la muestra, que permanecerá abierta hasta el 28 de octubre, son los antifaces y las máscaras. “Todo el mundo tiene que soportar a veces una máscara, una farsa. A veces la portamos nosotros, a veces la tenemos enfrente. Mi idea es que, si alguien ha de llevarla, que sean otros. No llevarla tú. Ir a pecho descubierto a lo que venga y enfrentar las cosas. Pero esta mascarada no es algo actual, siempre ha sido así. El ser humano en sí es un mono loco, un bicho bastante curioso que lucha por la supervivencia y no se conforma con sobrevivir o convivir. Quiere más, siempre quiere más. Es insaciable. Y para obtener ese más y más, en una persecución eterna que no para nunca, hay que llevar máscara”.

El artista asegura tener en torno a 700 u 800 obras. Lleva exponiendo desde los años 90, pero hace una mueca cuando se le pregunta si no ha pensado en explotar esa producción en galerías de arte. “A veces alguien me pregunta: ‘Oye, ¿qué me cobrarías por hacerme un dibujo?’ Yo se lo hago y se lo regalo. Cuando me pongo soy rápido, pues son años ya que los que llevo ejercitándome”.

A la pintura no le pide dinero ni reconocimientos, sino calma. “Yo tengo una añoranza de un tiempo que no he conocido, donde las distancias eran muy cortas porque todo el mundo vivía en cuarenta kilómetros a la redonda y los artesanos tenían una función insustituible. No quiero que se vayan esas cosas manuales, ese tiempo lento, esa manera de vivir antigua. Mira ahora el mundo de la burocracia: llame aquí, vaya allí, mande un mail. No, a mí me gusta hablar con la gente, ir a la tienda. No quiero apretar una tecla y que Amazon me mande un bolígrafo. Yo quiero comprar el bolígrafo en la tienda de la esquina, que haya una dependienta muy simpática y hablemos de fútbol porque a ella le gusta el fútbol y a mí también”.

Los andaluces Amalia Fernández, en la modalidad de Creación, y Marco Flores, en la de Interpretación, han obtenido este miércoles los Premios Nacionales de Danza correspondientes a 2026. Estos galardones, que concede anualmente el Ministerio de Cultura, están dotados con 30.000 euros cada uno.

Los Premios Nacionales de Danza se conceden como recompensa y reconocimiento a la labor de personas o entidades de este ámbito cultural, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el 2025, aunque también pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha otorgado el galardón a Amalia Fernández por la “singularidad” de Familia, una pieza que demuestra una mirada “personal como creadora, definida por una capacidad única para innovar en la composición coreográfica y para explorar nuevos lenguajes escénicos, que se reflejan en creaciones con una enorme delicadeza expresiva y un profundo conocimiento de la relación entre el cuerpo, el espacio y la musicalidad”. Asimismo, ha destacado que en su amplia carrera, además, han sido siempre esenciales su apoyo y su colaboración a nuevos artistas de la escena contemporánea, así como una destacada trayectoria como docente.

“Adelantado a su tiempo”

Por su parte, de Marco Flores el jurado ha subrayado la “fascinante” interpretación en sus creaciones Tierra virgen (2025) y la gira de Rayuela, en las que ha demostrado una “técnica excepcional, con un dominio del compás y un virtuosismo que transforman el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica”.

“Bailaor en un momento de enorme madurez profesional e incuestionable trayectoria, ha demostrado siempre estar adelantado a su tiempo, creando desde un discurso propio y sin dejar de indagar, convirtiéndose en un referente y un ejemplo de generosidad en el apoyo a generaciones de creadores y creadoras más jóvenes, y abordando temas complejos y socialmente comprometidos”, concluye el jurado.

Amalia Fernández, de lo convencional a lo expositivo

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina y coreógrafa. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el Real Conservatorio de Sevilla y en la Escuela de Teatro de la Danza de Madrid. Completó su formación con coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta 2005 en la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional hasta el formato expositivo. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir (2010) y En Construcción versión 1 (2010) y En Construcción versión 2 (2013), Perrita China (2014) y Expografía (2017).

Asimismo, ha participado en proyectos de otros artistas como Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore, Cuqui Jerez o Sonia Gómez, como interprete, coach, coreógrafa, y colaboradora puntual. Como docente, colabora en el Máster de Práctica Escénicas y Cultura Visual de la UCM y también ha participado como artista-docente de profesores de primaria en el marco del proyecto LOVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje). En la actualidad está desarrollando la segunda fase del proyecto Ser o no ser un cuerpo con la colaboración de Santiago Alba Rico, un proyecto de investigación artística y corporal nacido en 2014.

Marco Flores, del flamenco a la creación coreográfica

Por su parte, Marco Flores (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1981) es bailaor y coreógrafo. Tras unos años de aprendizaje autodidactas, se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. Posteriormente entró a formar parte de compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.

Desde el año 2004 trabaja como codirector y coproductor de sus propios espectáculos como Dos en Compañía junto a Manuel Liñán; En sus 13 y En clave junto a Manuel y Orlga Pericet; y Chanta la mui, Complot y Recital junto a Olga y Daniel Doña.

En 2010, formó su propia compañía, Cia Marco Flores, con la que estrenó su primer espectáculo DeFlamencas, Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Otras producciones de la compañía son Tránsito (2012), Laberínticas (2014), Paso a Dos (2015), Entrar al Juego (2016) y Fase Alterna (2016). En 2018, la compañía estrenó su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto. Además, recientemente estrenó su primer solo, Extrema.

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios como El Ojo Crítico de Danza de Radio Nacional de España (2019), y los Premios Carmen Amaya, Antonio Gades, Mario Maya y el Premio Especial del Baile en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en el año 2007, entre otros.

Eduardo Rodríguez Rodway vivió lo suficiente para saber que Triana, el grupo sevillano que formó con el cantante Jesús de la Rosa y Juan José Palacios ‘Tele’ a mediados de los años 70, se convertía en algo más que un clásico de la música o en el buque insignia del llamado rock andaluz: en una verdadera leyenda, un legado inmarchitable que todavía hoy sigue inspirando a músicos de todo género y condición.

La luz del guitarrista, el último superviviente de aquel trío, se apagaba esta madrugada en el hospital de Puerto Real (Cádiz), a la edad de 81 años, dejando un precioso legado de canciones memorables.

Como afirmó el director Gonzalo García-Pelayo, quien dedicó a este grupo un filme documental, “Triana fueron nuestros Beatles”. El soplo de modernidad y atrevimiento que necesitaba aquella Andalucía que se disponía a inaugurar una nueva era coincidiendo con los últimos estertores del dictador. Y una modernidad que bebía de la música de raíz, que bebía nítidamente del flamenco sin ser flamenca, conectando con una memoria humillada que ahora, por la magia de la fusión y los nuevos sonidos progresivos, se volvía fresca y hasta bailable.

En el cielo de Sevilla

Procedente de los grupos Flexor’s y Los Payos, Eduardo Rodríguez Rodway integra otro proyecto, Tabaca, del que desertarían otros miembros y al que se incorporarían en seguida De la Rosa y Tele para conformar Triana junto aquellos Manuel Molina y Dolores Montoya que muy pronto se desgajarían para hacer su propio dúo, no menos mítico. “Triana reivindicó el rock andaluz fuera de los tópicos, inventó una música con luz propia”, afirmaba Rodríguez Rodway, afincado durante décadas en la localidad gaditana de Caños de Meca. “Después de 40 años, esa música sigue sonando en el cielo de Sevilla”.

Así ocurriría con discos como El Patio (1975), Hijos del Agobio (1977), Sombra y luz (1979) y sobre todo Un encuentro (1980), Un mal sueño (1981) o Llegó el día (1983), describiendo una carrera única en menos de una década. Ya con Triana disuelta, publicó dos discos en solitario, Velo de amor (1986) y Noche y día (1987), que pasaron prácticamente desapercibidos.

En esos mismos años 80, Tele recuperó el nombre del grupo para volver a escena con artistas jóvenes como Pepe Bao, Raúl Fernández o Andrés Herrera El Pájaro, entre otros, con los que grabó dos discos más. Tras el fallecimiento del batería en 2002, Juan Reina quiso mantener en activa la banda y llegó a grabar sendos álbumes con material nuevo, lo que encontró la oposición frontal de Eduardo Rodríguez Rodway. El Tribunal Supremo acabaría fallando este año a favor de los demandados, subrayando que el guitarrista no era propietario ni de las canciones ni de la denominación de la banda.

Colores frente a la grisura

Poco después del fallecimiento de otro tótem de la música sevillana de la época, Antonio Smash, y de aquel rey Midas de la producción discográfica que fue Ricardo Pachón, se apaga la última estrella de aquel rock andaluz, las seis cuerdas que mejor pusieron colores psicodélicos a la grisura del franquismo tardío y la inminente transición a la democracia. Y un ser humano afable y cercano, que amaba reír y compartir con sus amigos, y que entregó su vida a la música.     

Uno de los teatros romanos mejor conservados de Andalucía acaba de ser descubierto en Antequera (Málaga). El edificio presenta unas dimensiones aproximadas de 52 metros de diámetro, lo que pone de manifiesto la entidad del conjunto monumental y el potencial arqueológico que todavía conserva el yacimiento. Las excavaciones, las primeras en 35 años, han permitido descubrir parte del graderío medio del teatro, cuyos grandes sillares presentan un excepcional estado de conservación.

Los trabajos desarrollados durante este mes en la ciudad romana de Singilia Barba han permitido sacar a la luz nuevos restos del teatro, en una intervención que supone el regreso de la investigación arqueológica al yacimiento tras más de tres décadas, ha informado la Universidad Complutense de Madrid.

Los resultados obtenidos han superado las expectativas iniciales del equipo científico. Según los investigadores, la relevancia de lo descubierto radica en el buen estado de conservación de los sectores superiores de los teatros romanos, que generalmente presentan más deterioro como consecuencia de derrumbes, procesos de expolio y reutilización de sus materiales constructivos.

Los trabajos en Antequera son el primer paso dentro de un proyecto de investigación que requerirá nuevas campañas de excavación y estudio para conocer con mayor precisión la configuración, cronología y evolución del teatro.

La intervención arqueológica ha sido autorizada por la Junta de Andalucía y financiada en el marco del proyecto 'Redescubriendo Singilia Barba: entre la geoarqueología y la caracterización de la cultura material', de la Comunidad de Madrid y la Universidad Complutense.

Singilia Barba se encuentra en el actual Cortijo del Castillón, a unos siete kilómetros al noroeste de Antequera y a apenas dos del río Guadalhorce, en un emplazamiento estratégico que explica su importancia en la Antigüedad; es de origen túrdulo; está documentada al menos desde el siglo III antes de Cristo y pronto se integró en la órbita romana.

Los trabajos han sido dirigidos por Manuel Romero Pérez y los investigadores complutenses Sergio España Chamorro, del departamento de Prehistoria, Historia Antigua y Arqueología, y Luis Romero Novella, especializado en arqueología e Historia Antigua, y han contado con la colaboración del Ayuntamiento de Antequera.

Los versos inéditos encontrados por el artista Miguel Poveda que aparecieron en el reverso de un manuscrito de Lorca fueron escritos por el poeta. Así lo ha confirmado Poveda a través de redes sociales tras un informe pericial: “En virtud de dichas correspondencias y de los resultados obtenidos en el estudio comparativo, se concluye que los textos manuscritos que aparecen en el documento cuestionado fueron escritos por don Federico García Lorca”.

La investigación llega después de que algunos expertos cuestionaran la autenticidad de estos versos, que estaban escritos en un manuscrito del poema Gacela de la raíz amarga. El informe ha sido elaborado por dos peritos caligráficos de la firma Tintaverum y fechado a 7 de septiembre de 2026, que concluye que “no se han apreciado anacronismos o incompatibilidades de carácter material o documental que permitan cuestionar su autenticidad”.

Miguel Poveda reveló la existencia de estos versos el pasado abril. En aquel entonces, la experta en la obra del poeta, Pepa Merlo, declaró que es un “texto al que nadie ha dado importancia” por estar escrito en el reverso. Además, destacó que es valioso porque “estructura el concepto del tiempo”, uno de los grandes temas de Lorca. Los versos rezan lo siguiente: “Canta el reloj / Cuento maquinalmente las horas / Es lo mismo las siete que las doce / Yo - no estoy aquí / Es la señal de carne que yo dejé, al irme, para saber mi sitio al regresar...”.

Asimismo, Poveda ha anunciado que dio instrucciones de iniciar acciones judiciales contra el medio El Independiente por la publicación de un artículo publicado el 27 de abril titulado “La sospechosa 'operación Lorca' de Miguel Poveda”, así como contra su editor y el autor de dicho artículo. “Más allá de cuestionar la atribución a Federico o del poema encontrado, lo que se puede discutir en buenos términos, el artículo va directo a cuestionar mi honorabilidad y mis intenciones”, ha escrito el cantante en Instagram, que considera que el artículo “una serie de valoraciones y opiniones absolutamente injuriosas y vejatorias”.

“Lo que se dice en ese artículo, empezando por el propio título, es un ataque frontal, grave e injustificado a mi derecho al honor. La prueba de que no tiene ánimo informativo es que no se sometió a contraste: nadie se puso en contacto ni conmigo ni con mi oficina para recoger nuestra versión o nuestras declaraciones. ¿Por qué? Porque la única intención era denigrarme y desprestigiarme”, ha alegado Poveda. “Se ha celebrado ya el acto de conciliación, obligatorio antes de la querella o la demanda, y ni siquiera ha ido el abogado; a fecha de hoy no hemos tenido ni una llamada, ni una explicación, lo que es muy significativo”, ha añadido.

Unos versos que “añaden” a lo que se conoce sobre Lorca

En una entrevista concedida a elDiario.es, Poveda declaró que no pensó que los versos fueran de Lorca y que, cuando le dio la vuelta al manuscrito, entendió que lo que había escrito eran unas notas de Julio José Casal, un poeta uruguayo al que Lorca le dedica Gacela de la raíz amarga. “Ya estaba muy emocionado, y me decían que tuviera mucho cuidado porque es una cuartilla de 1933, es un papel muy delicado, y no quise tocarlo mucho”, reconoció el artista. “Vino un amigo a casa y se lo enseñé, y le dimos la vuelta y le dije: 'Vamos a preguntarle a Pepa Merlo, que es la experta y ha hecho una tesis'. Ella fue la que me dijo: 'Esto es de Federico, es un hallazgo, esto ha estado escondido'”, resaltó.

Poveda señaló que estos versos no cambian nada en cuanto a lo que conocemos del dramaturgo, pero que sí “añaden”. “Es como un Federico que sigue vivo, que sigue regalándonos cosas. Un hombre que fue asesinado y que ha estado tantos años silenciado, sus obras ocultas… Es que algunas de sus obras no salieron hasta bien entrada la democracia. Ya hace tiempo que empieza a normalizarse que Federico está entre nosotros, pero hubo un tiempo en que no, así que cualquier cosa nueva que aparezca es como si siguiera vivo. Como decía [el actor] Ángel Ruiz en El ministerio del tiempo: 'Al final no ganaron ellos, gané yo'”, indicó.

Lo cierto es que la carrera de Miguel Poveda como cantante siempre ha estado atravesada por Federico García Lorca, habiéndole dedicado discos, canciones y actuaciones. El poeta, del que este 2026 se cumplen 90 años de su asesinato, también es el protagonista del reciente documental de Poveda, Enlorquecido. Se estrenó el 23 de abril y emprende un viaje real y profundo tras los pasos de Federico García Lorca, recorriendo las ciudades que forjaron al autor, como Granada, Madrid, Buenos Aires, Cadaqués, Montevideo o La Habana.

Más estrellas, más espacio y propósito de enmienda. A falta de apenas 20 días para que miles de fans traspasen su icónico portal, la San Diego Comic Con ha presentado en Málaga la segunda de las tres ediciones (al menos) que la ciudad acogerá de la gran convención de la cultura popular y el entretenimiento. La cita es del 1 al 4 de octubre.

Donde en 2025 triunfó Terminator, este año se espera a Frodo y Sam; si el año pasado una estrella de Sensación de Vivir, aquella mítica serie de la factoría Aaron Spelling, se paseó entre fans por la capital de la Costa del Sol, este año le toca a la tripulación al completo de la Rodger Young de Starship Troopers, la película de culto de Paul Verhoeven; y donde hace doce meses alrededor de 100.000 fans llenaron hasta rebosar el Palacio de Congresos de Málaga, este año se esperan cifras similares, pero para un espacio mayor, mejor definido y con mejores recorridos.

El reto es multiplicar las caras conocidas que dan valor a este evento (algo conseguido, según sus responsables) y, sobre todo, garantizar que para para todos los asistentes sea una experiencia satisfactoria más allá de la emoción de ver a sus ídolos. “Llevamos meses pensando en los espacios, los flujos y contenidos”, ha admitido Fernando Piquer, nuevo responsable de la cita, que ofrecerá 300 horas de contenido en los 60.000 metros cuadrados del Palacio de Congresos y las zonas exteriores habilitadas.

La masificación y los errores organizativos enturbiaron el disfrute el año del debut. Hubo fans que se pasaron horas en colas, que se alargaban por kilómetros hasta cruzarse unas con otras, y quienes se volvieron de vacío tras invertir cientos de euros. Las organizaciones de consumidores registraron cientos de quejas, los fans volcaron su frustración en redes y el clamor fue tal que el propio presidente de la Junta de Andalucía, Juanma Moreno, y el alcalde Francisco de la Torre dieron un tirón de orejas público a los organizadores. Tanto la Junta de Andalucía (a través de Turismo Andaluz y de la Agencia Digital Andaluza) como el Ayuntamiento de Málaga patrocinan el evento con tres millones de euros y 980.000 euros por edición, respectivamente.

Dentsu, que tiene la licencia para el evento en Europa, fue poniendo a la venta sucesivas remesas de entradas al ver que las que salían volaban. Tras marcarse un objetivo inicial de 45.000, llegaron a admitir que habían rebasado el aforo previsto para el recinto (120.000 asistentes en cuatro días, dijo su director), antes de corregirse y rebajar la cifra a 100.000.

“Queremos una Comic Con preparada para el fan”

La dirección del evento, con nuevos responsables al frente, sabe que aquella imagen lastró el éxito de la primera edición y dice que no volverá a ocurrir: habrá más espacio, al añadirse 50.000 metros cuadrados cubiertos en el exterior del Palacio de Congresos con 90 stands para firmas de artistas, expositores, los funkos o exposiciones de arte, y un nuevo estudio para encuentros más cercanos con las estrellas; se dinamizarán los flujos para evitar los cruces de cola que colapsaron el recinto el año pasado; y se pondrá a disposición de los fans una agenda virtual para ayudarles a organizarse y reservar los eventos a partir del 25 de septiembre, previa activación del “perfil del fan”.

“Queríamos escuchar, trabajar con humildad, construir una Comic Con preparada de verdad para el fan”, ha explicado Fernando Piquer, admitiendo implícitamente que eso no sucedió el año pasado. Piquer, quien ha sustituido a Javier Barbera como director ejecutivo de la cita, sí aporta una sólida experiencia en el entretenimiento, los videojuegos y los e-sports. “La experiencia del año pasado ayuda a saber cómo organizar las cosas para que todo el mundo pueda estar a gusto”, ha advertido este miércoles el alcalde De la Torre. El objetivo, insisten ahora, es que todo el mundo salga contento. “El aforo es 90.000, pero si vemos que hay que restar lo haremos. No buscamos el sold out. Si sucede, estupendo, pero lo que buscamos es la calidad”, resumen.

Las entradas, que en la primera edición costaban 50 euros, ahora cuestan 84,80 € para adultos y 37,10 € para menores de hasta 12 años, con los gastos de gestión ya incluidos.

John Romita Jr., Starship Troopers y Los Serrano

En cuanto al cartel, la presentación en Málaga apenas ha añadido novedades a lo que ya se sabía desde que sus grandes estrellas se desvelaron en Madrid a principios de julio. El evento sigue los pasos del original en San Diego: estrellas televisivas, del mundo del cómic y de todo aquello que pueda tener alguna relación con la cultura pop (los videojuegos, las miniaturas, el cosplay), capaces de atraer al fandom de cada uno de esos mundos. Figuras por las que esos fans se desplazarían desde cualquier otra parte de España e incluso de Europa. El objetivo (cumplido, según Piquer) era multiplicar por cuatro el número de estrellas la primera edición.

En ese espacio hay también concesiones a lo mainstream si cabe sostener la vinculación con el universo propio de la San Diego Comic Con. Arnold Schwarzenegger, invitado de honor de la primera edición, es una figura universal, una estrella super gigante en términos astronómicos. No hay otra comparable en esta edición, pero sí muchas más estrellas: Elijah Wood y Sean Austin (Frodo y Sam en El Señor de los Anillos); Jason Lee y Kevin Smith (Mallrats); Christopher Lambert (Los Inmortales); Mira Sorvino (Poderosa Afrodita); el elenco casi al completo de Starship Troopers (Casper Van Dien, Denise Richards, Michael Ironside, Dina Meyer y Jake Busey); o Karl Urban (The Boys). Además, la concesión patria al reparto de Los Serrano, con Antonio Resines al frente.

Eso, en cuanto al cine y a la televisión. En el cómic, la segunda gran pata de la SDCC, destaca el panel de ilustradores de Spider-Man, con con John Romita Jr, Pepe Larraz, Rick Leonardi y Giuseppe Camuncoli; Carmen Carnero (Capitana Marvel, Miles Morales) o Juanjo Guarnido (Blacksad), entre muchos otros.

Pero el objetivo declarado de los organizadores es que cada disciplina tenga sus estrellas. Desde las de nicho, como la pintura de miniaturas, con Ángel Giráldez, o el doblaje, con un elenco de lo mejor en España, a las mayoritarias, como los videojuegos (Dave Jones, creador de Lemmings o Grand Theft Auto, John Romero, de Doom, o Akira Yamaora, compositor de la banda sonora de Silent Hill) o el anime, donde este año destaca la presencia de Shin'ichirō Watanabe, el creador de la histórica Cowboy Bebop.

“Pero no queremos que sea solo una suma de nombres colocados en un programa, sino cuatro días que quieras recordar”, ha matizado Piquer. La idea es que el fan acabe sintiendo que forma parte del evento. “Que comiencen su viaje como héroes solitarios pero tras su paso se marchen formando parte de algo mucho más grande, un equipo”.  

En una servilleta se pueden firmar contratos, tomar notas o hacer garabatos. Pueden hacer de balón en el fútbol de chapas y con ellas se puede calzar una mesa. Las adaptaciones funcionales de esta pieza de papel son múltiples ya que su cometido, el de limpiarse la boca o las manos, puede resultar inútil. Pero, ¿puede una simple servilleta ser reflejo de la historia y de la cultura? ¿Y de la memoria?

El fotógrafo Felipe Hernández comenzó a coleccionar servilletas en 2014 sin ninguna intención sino por el mero interés por todo objeto con soporte gráfico: flyers, servilletas, carteles, posavasos, azucarillos…. Lo que empezó como una cuenta de Instagram se ha convertido en un libro que aglutina 600 diseños de toda la geografía española. “A la gente le estaba haciendo gracia y ahí ya fue cuando me di cuenta que a lo mejor esta frikada podía ir a algo más”, declara.

Servilletas, publicado por Ojos de Buey, es un archivo de la hostelería del país. El fotógrafo ha dado relevancia a algo que suele acabar en la basura. Ha resignificado un objeto ordinario cuya utilidad sigue en entredicho: ni limpia, ni seca ni es agradable al tacto de los labios. “Ya no era solo hablar de algo gráfico y estético sino que vi que era una cosa como muy propia de España. Era algo típico y que hablaba realmente de nuestra gastronomía, de nuestra cultura y de nosotros”, explica.

Patrimonio gráfico

“Las servilletas de bar son quizás el elemento del patrimonio gráfico hostelero que menos apreciamos su valor, muy por detrás de rótulos, posavasos, cajas de cerillas... Pero este libro demuestra la riqueza que hemos tenido entre las manos pringosas”, explica el diseñador gráfico Ricardo Barquín.

Servilletas no sólo recopila diseños de tabernas clásicas como la madrileña Casa Labra o la gaditana Casa Manteca sino que plasma ejemplos de todo tipo de bares, restaurantes, cafeterías, heladerías, freidurías y hasta pizzerías. El proyecto sigue la estela de actividades para la defensa y protección del patrimonio gráfico comercial como las del colectivo madrileño Paco Graco o proyectos como Fuera de Carta, una reivindicación de los menús escritos a tiza de los bares sevillanos de Pablo Vallejo y el propio Barquín.

Belleza efímera

“Ahora todos los bares son iguales y tienen una estrategia de marketing, branding, etc. Antes creo que había más libertad y si estabas en un barrio de Sevilla, Madrid o Cuenca, pues el establecimiento decía algo de ese sitio. En ese sentido creo que hay una pérdida de ese alma aunque muchas veces lo quieran imitar”, señala Hernández.

La apuesta de los establecimientos por las servilletas personalizadas no es baladí. Barquín las defiende frente a esas con “mensajes motivacionales, buenrrollistas o graciosillos”. El diseñador, incluso, prefiere las genéricas –“que tienen su encanto”– del 'Gracias por su visita'.

“Esas servilletas castizas, impresas a un solo color, con una riqueza visual a base de tipografías señeras, iconos apetecibles y mensajes propios de la gráfica popular se están perdiendo”, sentencia. Por ello, destaca, “Servilletas es un archivo popular de esa belleza efímera que acababa arrugada en el suelo del bar junto a serrín y colillas, y un toque de atención ante un presente sin identidad donde los bares se repiten de una ciudad a otra”.

Antes de los navegadores web

Hernández cree que la servilleta tenía una función principalmente publicitaria antes de la llegada de Internet. “Hacían su labor: la gente buscaba la servilleta de aquel sitio en el que se había parado en el kilómetro 400 de la carretera de Barcelona”, dice.

A través de ellas, y sin necesidad de ningún servicio gratuito de mapas digital, se puede conocer que en el kilómetro 124 de la Autovía del Este, en el término municipal de Zafra de Záncara (Cuenca) se encuentra Venta San José mientras que el Restaurante Sotopalacios está en el kilómetro 10,5 de la carretera que une Burgos con Santander. Incluso se puede viajar en el tiempo y saber que en la jienense Despensa del Jamón se permitía fumar. También resaltan las características de las instalaciones como el local climatizado que anuncia el Bar Corder de la localidad alicantina de Gata de Gorgos. “Al final era un poco la carta de presentación”, resume Hernández.

Las servilletas forman parte del imaginario colectivo y dan pistas sobre las historias de los bares y de sus dueños. También de sus clientes. Un repaso al libro hace aflorar la cartografía emocional del gusto: el recuerdo de un bocado, las charlas en la barra de bar con amigos o aquella parada de carretera improvisada por un café.

La colección de Hernández además rinde homenaje a establecimientos que ya han echado la persiana como El Bá de Fran en Badajoz o Bar Esturión en el municipio gaditano de Chipiona. “Todas las servilletas tienen historias”. Y pone un ejemplo: “Hace poco una compañera me dijo que le había hecho retroceder treinta años porque iba a tomar helado a una galería de Córdoba con su familia todos los veranos”.

Servilletas es un archivo gráfico del paso del tiempo y de las costumbres. El fotógrafo madrileño, convertido en el guardián de las mismas, ha sabido inmortalizar el patrimonio del usar y tirar. Incluso, siguiendo con las tendencias ambientales, cuenta con diseños de papel reciclado como el de la Taberna Juantxo de San Sebastián. Su colección es el legado gráfico de lo popular frente a la homogeneización.

El guitarrista flamenco José Antonio Carmona Carmona, más conocido como Pepe Habichuela, ha muerto este martes a los 82 años en Madrid a causa de una enfermedad pulmonar. Fue una de las figuras más influyentes de la guitarra flamenca contemporánea. El tanatorio Servisa de Carabanchel estará abierto durante la mañana del miércoles y después será trasladado a Granada para su entierro.

“En la calle La Alegría donde se pasea mi alma, unos cantan y otros bailan y yo hablo con mi guitarra, y el ritmo me llega/ Alegría que sale de mi, habla al corazón, huele a Yerbabuena”. Esta letra grabada hace 25 suena hoy a epitafio, a manifiesto sobre la manera de estar en el mundo del maestro Pepe Habichuela. La encontramos en Oriente, la rumba que abre Yerbabuena (Nuevos Medios 2001), su disco en colaboración con la orquesta india Bollywood Strings. Entre guitarras y violines, un coro de mujeres deja esta letanía de colores que lo impregna todo. Oriente suena actual y fresco un cuarto de siglo después y ejemplifica la carrera del músico granadino, musicalidad, flamencura y mestizaje con otras músicas.

La curiosidad y la valentía de Pepe Habichuela viene de mucho antes de Yerbabuena, viene de hace 50 años, cuando abandona el sueldo fijo de un tablao para sentarse junto a otro granadino, Enrique Morente, a pegarle tres vueltas al flamenco. Nervios, ilusión y ninguna certeza hacia el futuro ante un ambiente de lo jondo que rechazaba de pleno los caminos de la experimentación. “Me he partido los cuernos yendo todos los días a casa de Enrique a trabajar”, confesó el año pasado en una entrevista en Radio3.

El resultado de esos meses encerrados en el estudio mientras su mujer, Amparo Bengala, mantenía la casa con su sueldo de bailaora en Torres Bermejas, fueron dos discos que se publicaron en 1977, Homenaje a don Antonio Chacón y Despegando. Con ellos, y con los años que siguieron, Enrique Morente y Pepe Habichuela se convirtieron en una de las parejas más decisivas en la actualización y evolución del flamenco.

Pepe Habichuela nació José Antonio Carmona en Granada en 1944 en el seno de una dinastía de artistas. Desde que era un niño subía las cuestas del Sacromonte arrastrando su guitarra para ganarse unas perras en las zambras. El mayor de los hermanos, Juan, antes de embarcarse en una gira internacional le llamó desde Madrid para que ocupase su lugar en el tablao Torres Bermejas. Ahí, codeándose con los grandes artistas del momento, se labró el reconocimiento como profesional y el cariño como persona.

Dicen que cuando los Habichuelas tocaban juntos se producían desconchones en los techos encalados de las cuevas de Granada. Ese rasgueo poderoso y único que necesitaba para que la guitarra se dejase oír en las bullangueras zambras y en los tablaos fue el elemento diferencial de la guitarra de la mítica saga de tocaores. Pero había mucho más en esas guitarras granaínas. El Día de Andalucía de 1993 Morente presentó a sus acompañantes en el concierto del mítico colegio mayor San Juan Evangelista, Juan y Pepe Habichuela como “la orquesta sinfónica del Albaicín”.

Tras acompañar a Enrique en las primeras diabluras jondas, Pepe inició una carrera en solitario que se consagró con el primer disco flamenco del sello Nuevos Medios. Con A Mandeli, Pepe estrenaba la denominación Jóvenes Flamencos que tan de moda se puso posteriormente. En plena grabación del mismo el segundo de los hermanos Habichuela le comentó al jefe de Nuevos Medios, Mario Pacheco, hay unos chavales que están haciendo un flamenco fresco que merece la pena. Eran los Ketama y este golpe de nepotismo visionario hacia su hijo y sus sobrinos impulsó al grupo que puso a bailar a toda España en los años 90.

Gracias a su curiosidad y a la libertad creativa que le daba Nuevos Medios, Pepe Habichuela —con el apoyo incondicional y discreto de su hijo Josemi Carmona— pudo tejer una de las carreras más internacionales del flamenco. Además de la ya citada colaboración con la orquesta india Bollywood Strings, Pepe Habichuela grabó con el trompetista Don Cherry —que decía que su guitarra era “un árbol llorando”— o el bajista Jaco Pastorius. Especialmente fructífera fue su colaboración con el también bajista Dave Holand con quien giró varios años por los mejores festivales de jazz. Hace pocos meses Holland se dejó caer por la casa de los Habichuela en el barrio de Lucero de Madrid para despedirse de su amigo, que ya peleaba con la cruel enfermedad que se lo ha llevado. Los abrazos y las sonrisas sortearon una vez más las barreras de comunicación, aunque no vino mal la ayuda de algún nieto y de la fotógrafa alemana Anya Bartels Suermont, amiga de la casa.

Esta vez no ha hecho falta llegar al día de la despedida para dar vida a la leyenda de un artista. La leyenda y el reconocimiento a Pepe Habichuela no ha hecho nada más que empezar, pero arrancó hace ya algunos años, cuando los que tienen poder de decisión resolvieron que, por su bondad artística y humana, era necesario celebrarlo en vida. Todo empezó en el Circo Price, donde músicos de muy distintas disciplinas le rindieron homenaje en tres días consecutivos; el Festival Flamenco On Fire de Pamplona le nombró desde la primera edición su embajador perpetuo aunque él prefería llamarse “el emBadajoz del flamenconfair”.

El ministro de Cultura José Guirao le concedió la Medalla de Oro del Mérito a las Bellas Artes, algo que el Gobierno actual elevó recientemente a la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio, la más alta distinción de nuestra cultura. El tributo que el mundo del flamenco le brindó el verano pasado en las Noches del Botánico de Madrid, entre otros tantos gestos de agradecimiento por toda España, son la muestra del cariño que ha recibido merecidamente en los últimos años. El regalo más importante que nos deja Pepe Habichuela a todos los aficionados a la música es haberse ido con las botas puestas tocando hasta hace muy pocos meses, bien pasados los ochenta, en los mejores escenarios con la misma sonrisa y la misma flamencura de siempre.

El Museo de Nerja inaugura este jueves 23 de julio, a las 20:00 horas, una nueva exposición temporal en su Sala Ana María Márquez. Se trata de la obra ‘Formas en Diálogo’, de la artista y escultora María Belén Morales.

Tanto la asistencia a la inauguración como el acceso a esta muestra, que permanecerá hasta el domingo 20 de septiembre, son completamente gratuitos.

La exhibición se compone de dibujos, collages y esculturas -a veces de la unión de ellos-, en una investigación continua de configuración y materia que define el proceso de Morales en búsqueda continua por plasmar el paisaje que contempla, reflexionándolo y abstrayéndolo, interpretándolo, y al mismo tiempo reflejándolo con gran certeza.

Se muestran piezas creadas entre 1994 y 2004, que permiten ver la transformación del lenguaje plástico de la artista tinerfeña durante su década más prolífica en creación y en desarrollo artístico. Se trata, además, de un homenaje póstumo de la localidad a Morales, que presentó algunas de sus obras de gran tamaño en el Balcón de Europa de Nerja, en 1994.

Transformando materiales y reinterpretando el paisaje

María Belén Morales nació en Santa Cruz de Tenerife en 1928. Entre su tierra natal y la Península, especialmente en Andalucía, en Córdoba, llevó a cabo su ingente obra.

Creaciones que partían de maquinaria agrícola y hierros cubiertos de herrumbre y que ella sabía transformar en algo absolutamente diferente, en elementos de reflexión, de interrogación… de lenguaje. Desde la abstracción geométrica y la construcción de volúmenes, Morales realiza sus creaciones, que viste con pintura o deja desnudas en su propio óxido, según lo que la artista requiera en la expresión de cada obra.

Esculturas, collages y dibujos, todos concebidos con geometría, algunos con fusiones libres que van representando los diferentes paisajes que llegaban a la artista, los acantilados de su Tenerife, los campos infinitos de Andalucía, la costa mediterránea, las montañas de la sierra de Almijara…

También otros motivos como la obra Alfil, que la artista recrea en una serie de dibujos y collages -algunos de ellos los podemos ver en esta exposición- y que trazan tanto la verticalidad como las caras triangulares en pirámide, además del movimiento diagonal, de esta pieza de ajedrez.

La obra como acción cultural hacia el arte contemporáneo

Su emoción viajera y su creatividad plástica marcan su producción, pero Morales, además, entiende su obra como una acción cultural, en favor del arte contemporáneo, junto con otros artistas de su época como Juan Manuel Brazam, Jacinto Lara o Antonio Povedano.

Con este tejido de colaboración artística, María Belén participó en dos años en cinco exposiciones individuales en tierras andaluzas, cada una de ellas con creaciones diferentes. Además, se implicó con la comunidad artística local de Córdoba donde pasaba temporadas, como en su contribución a la Colectiva de esculturas: bajo el signo de Mateo Inurria o en su impulso para el Museo del Paisaje Español contemporáneo de Priego.

La exposición se realiza con la colaboración de la Universidad de Córdoba a través de UCOCultura y está comisariada por la artista danesa afincada en Frigiliana Caroline Krabbe.

Exposición accesible

Esta exposición, además, es accesible para todos, con: obras en pared a 1.40 para sillas de ruedas, tres esculturas que se pueden tocar, carteles y libro de visita en braille, vídeo de presentación subtitulado y videosignado para sordos y guía de lectura fácil.

Nueve conciertos para estrenar el otoño con los estilos más variados y a precios económicos. La música volverá a llenar desde septiembre el Patio de la Diputación y diferentes escenarios del área metropolitana de Sevilla con la celebración de la tercera edición del Festival del Patio + Metrópolis, la iniciativa cultural impulsada por la institución provincial, que continúa consolidándose como una de las citas musicales más destacadas del calendario cultural andaluz.

Entre el 11 de septiembre y el 3 de octubre, Abraham Mateo, Café Quijano, Tanxugueiras, Morgan, Los Planetas, Ginebras, Pablo López, Luz Casal y La Plazuela configuran un cartel que vuelve a tender puentes entre estilos, generaciones y territorios. Pop, rock, indie, canción de autor, flamenco contemporáneo, músicas de raíz, electrónica o nuevas sonoridades convivirán en una programación concebida para acercar la música en directo a públicos diversos y extender la actividad cultural más allá de la capital.

Con nueve conciertos distribuidos entre el Patio de la Diputación de Sevilla y los municipios de La Rinconada, Utrera, Alcalá de Guadaíra, Dos Hermanas y Mairena del Aljarafe, el festival reafirma su compromiso con una cultura pública y cercana. Las entradas podrán adquirirse de manera escalonada a partir del próximo lunes 27. Asimismo, una edición más, el festival mantiene una política de precios asequibles: 10 euros para las actuaciones del Patio y 5 euros para los de Metrópolis.

Las entradas para todos los conciertos estarán disponibles en las siguientes fechas: lunes 27, para las actuaciones programadas en el Patio; martes 28, para el concierto de Abraham Mateo (La Rinconada) y Café Quijano (Utrera); miércoles 29 para los conciertos de Pablo López (Alcalá de Guadaíra) y Luz Casal (Dos Hermanas); y el jueves 30 para la actuación de La Plazuela (Mairena del Aljarafe) y podrán adquirirse en la web oficial de esta cita con la música en directo: www.festivaldelpatio.es. Los conciertos del Festival del Patio tendrán un precio único de 10 euros, mientras que las actuaciones de Metrópolis podrán disfrutarse por 5 euros, manteniendo la apuesta de la Diputación Provincial de Sevilla por una programación musical de calidad, abierta a todos los públicos y con precios asequibles.

“Un derecho ciudadano”

El Patio del Olivo de la Diputación de Sevilla ha acogido la presentación de la programación para este 2026 del festival en un acto que, conducido por la actriz y presentadora Cristina Almazán y amenizado por la DJ La Chica Sin Sombrero, ha contado con la participación del presidente de la institución provincial, Javier Fernández; el diputado de Cultura y Ciudadanía, Casimiro Fernández, y el autor de la imagen de este año, Javier Infante del Rosal.

El presidente ha manifestado, “lo hemos dicho muchas veces, y lo reafirmamos con este festival, la cultura es un derecho ciudadano y una inversión irrenunciable, no un gasto”. Ha seguido, “para esta Diputación invertir en cultura es situarla al mismo nivel que los servicios sociales o las infraestructuras, entendiéndola como un bien común que debemos garantizar desde las administraciones”.

Si el Patio es el corazón cultural que late en el centro de Sevilla, Metrópolis es la extensión de ese latido hacia la provincia. Hay que tener en cuenta, ha dicho Fernández, que “la cultura es parte de las herramientas que permiten que la población se asiente en el territorio, por tanto, para la Diputación, esta parte del reto demográfico forma parte de nuestra agenda”.

Además, ha indicado que “la música es una potente herramienta de transformación social capaz de construir comunidad y fortalecer la igualdad, por ello, mantenemos una política de precios populares para asegurar que nadie se quede fuera y que la excelencia artística sea realmente accesible para todos”. El hecho de que se aproveche el patio de la Diputación, con sus más de 1.500 metros cuadrados y se cuente con los cinco municipios mayores de 40.000 habitantes del área metropolitana, “ayuda a compartir la tensión cultural de la capital, además de acercar eventos de primer nivel a los territorios de estos cinco vértices de la provincia”, ha defendido.

El Patio: cuatro noches, cuatro universos musicales

También ha apuntado el presidente que “aunque celebramos nuestra tercera edición, el festival transmite una sensación de arraigo y asiento propio de otros ya consolidados; en definitiva, es la ciudadanía quien aprueba o suspende los festivales, y la aceptación de Patio y Metrópolis demuestra que esta programación ya es una seña de identidad para los sevillanos y sevillanas”. “Las más de 32.000 entradas que se pondrán a la venta en total entre los nueve conciertos, a precios asequibles, es la muestra de que para la Diputación lo público debe tener el mismo nivel que lo privado, así lo demuestra este conjunto de conciertos”, ha subrayado Fernández.

De esta manera, el histórico Patio de la Diputación volverá a convertirse en septiembre en uno de los espacios más singulares de Andalucía para disfrutar de la música en directo. Durante cuatro noches consecutivas reunirá algunas de las propuestas más relevantes del panorama nacional en un entorno único, donde la cercanía entre artistas y el público se convierte en una de las principales señas de identidad de la cita.

La programación arrancará el 16 de septiembre con Tanxugueiras, el trío gallego formado por Sabela Maneiro, Aida Tarrío y Olaia Maneiro que, en apenas una década, ha revolucionado la música tradicional llevando su folclore a nuevos territorios sonoros. Su propuesta combina la fuerza de la tradición con sonoridades urbanas y contemporáneas, convirtiéndose en uno de los proyectos más innovadores de la música española actual. Sevilla será una de las paradas de la gira de presentación de O Cuarto, el álbum más íntimo y personal de su carrera, con el que celebran diez años de trayectoria reivindicando la vigencia del patrimonio musical de su tierra natal.

Morgan, Los Planetas y Ginebras

Tomará el relevo Morgan, el 17 de septiembre. Convertida en una de las bandas más respetadas del panorama nacional, la formación liderada por Nina de Juan ha construido una sólida trayectoria gracias a un sonido que transita con naturalidad entre el rock, el soul y el folk y a unos directos de enorme personalidad. En el Festival del Patio presentarán Hotel Morgan, un disco que supone una nueva etapa creativa y que confirma la madurez artística alcanzada tras más de una década sobre los escenarios.

El 18 de septiembre llegará el turno de Los Planetas, uno de los grupos más influyentes de la música española de las últimas tres décadas. Referentes indiscutibles del rock alternativo y autores de algunos de los discos fundamentales del indie nacional, los granadinos aterrizarán en Sevilla con su directo en formato Esencial, una experiencia que convierte cada concierto en un intenso viaje emocional donde conviven la psicodelia, la tradición y la libertad creativa. Una experiencia de proximidad, lucidez y verdad artística.

La programación del Patio concluirá el 19 de septiembre con Ginebras, Premio Ondas Nacional de Música al Fenómeno Musical del Año 2024 y una de las bandas imprescindibles del nuevo pop español. El cuarteto presentará Donde nada es para tanto, su tercer álbum de estudio, un trabajo que refleja su evolución musical sin perder la frescura, la autenticidad y el humor que lo señalan como uno de los fenómenos más destacados de la escena de nuestro país de los últimos años.

Metrópolis: la música viaja por la provincia

La extensión Metrópolis volverá a llevar una programación de calidad a diferentes municipios del área metropolitana, reforzando una de las principales vocaciones del proyecto: acercar grandes conciertos a nuevos públicos y hacer de la música en directo un punto de encuentro para toda la provincia.

El ciclo comenzará el 11 de septiembre en el Recinto Municipal El Abrazo de La Rinconada con Abraham Mateo, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional de su generación. El cantante gaditano llegará con un repertorio que refleja una carrera marcada por la versatilidad, transitando con naturalidad entre el pop, el R&B y los sonidos urbanos.

Al día siguiente, el 12 de septiembre, la plaza de toros de Utrera recibirá a Café Quijano, que presentará Miami 1990, un trabajo que recupera la esencia sonora que convirtió al trío leonés en uno de los grandes referentes del pop español. Sobre el escenario, sus nuevas canciones convivirán con los grandes éxitos que han acompañado a varias generaciones y con un directo que continúa siendo una de sus principales señas de identidad.

Pablo López, Luz Casal y La Plazuela

El 25 de septiembre, el auditorio Riberas del Guadaíra de Alcalá de Guadaíra acogerá a Pablo López, que llega con su nuevo tour El Niño del Espacio en Concierto. Una propuesta concebida como un viaje profundamente emocional donde el piano, la interpretación y una cuidada puesta en escena sirven de hilo conductor para recorrer tanto los grandes éxitos del artista malagueño como las nuevas composiciones de su esperado próximo trabajo.

La programación continuará el 26 de septiembre en el auditorio Los del Río de Dos Hermanas con Luz Casal, una de las voces imprescindibles de la música española. La cantante gallega presentará Me voy a permitir, un espectáculo que establece un diálogo entre pasado y presente, reuniendo las nuevas canciones de su último trabajo con algunos de los temas más emblemáticos de una trayectoria artística marcada por la libertad creativa y una extraordinaria capacidad interpretativa. El público disfrutará de sus múltiples caras y miradas en una noche única en la que la artista muestra sus cartas como dama de la chanson francesa y voz contemporánea del cancionero latinoamericano.

El cierre de Metrópolis llegará el 3 de octubre al Recinto Hípico de Mairena del Aljarafe con La Plazuela. El dúo granadino formado por Manuel Hidalgo Sierra y Luis Abril Martín se ha convertido en una de las propuestas más originales del panorama nacional gracias a una fórmula que fusiona flamenco, electrónica, nu funk y músicas de raíz desde una mirada plenamente contemporánea. En Sevilla presentarán su segundo y esperado disco, Lugar nº0 (DLY), culminando una gira que ha consolidado definitivamente al grupo como uno de los grandes referentes de la nueva escena andaluza.

El artista Manolo Cuervo ha fallecido a los 70 años. “Con él se marcha un artista incontestable, un sevillano que hizo de la pintura su mejor herramienta para mostrar al mundo que la belleza tiene mil colores y formas”. “Descansa en paz. La ciudad te estará eternamente agradecida por todo el legado que le dejas”.

Así lo ha expresado en sus redes el alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, quien ha trasladado sus condolencias por el fallecimiento de quien fue el autor del cartel de la Macarena en 2019, el de la Semana Santa de Sevilla en 2022; el cartel del II Congreso Internacional de Hermandades, dos años más tarde, y el de la Esperanza de Triana en su Misión al Polígono Sur, entre otros muchos.

Cuervo era un artista influido por la estética pop, la técnica del expresionismo abstracto y “las más avanzadas corrientes de diseño gráfico”. Entre su producción, series muy conocidas como Tratamiento de choque, Ventana al mar, La mirada indiscreta, Help o Jazz, por citar tan solo algunas.

Sus obras están realizadas con técnicas que abarcan el acrílico sobre papel, lienzo y también serigrafías, rescata piezas en las que “desfilan imágenes, personajes, mitos e iconos de una vida entregada al color y a la música”, tales como Miles Davis, Jane Birkin, Amy Winehouse, Bob Dylan, Tom Waitts y Mick Jagger.

Nacido en Isla Cristina (Huelva, 1955), Cuervo vivía en Sevilla desde la infancia. Ha sido el autor de la imagen de los principales acontecimientos culturales de Sevilla de las últimas décadas. Son ya historia sus carteles para los conciertos de Cita en Sevilla, Festivales de Jazz, Festival de Itálica, Festival de Nueva Música y Festival New Age (Universidad de Sevilla), la Expo 92, el Rising Stars (Fundación Cajasol), Territorios Sevilla, Festival de Jazz de Cicus y el Festival Nocturama.

El día en que a Mariana Pineda le arrebataron la vida por garrote vil cuando apenas tenía 26 años, no solo estaban cercenando una vida, sino mandando un mensaje de disciplinamiento. La granadina, que fue asesinada durante el reinado absolutista de Fernando VII por haber sido presuntamente hallada bordando una bandera en favor de la libertad, continuó siendo víctima de su propia valentía incluso después de su muerte. Ahora, casi dos siglos después, su figura no solo va recuperando su relevancia, sino que parte de su legado renace con la puesta a la venta por parte de unos propietarios privados de documentos que formaron parte de su archivo.

La librería Astarloa, ubicada en Bilbao, vende por 40.000 euros parte del archivo que Mariana Pineda pudo recopilar en vida. Un archivo que tiene un valor mucho más elevado que el monetario porque entre las piezas se encuentra una carta: el único manuscrito completo que se conserva de la propia Mariana. Pero más allá de ello, lo que dice también esta herencia física es que todo cuanto se trató de borrar de la joven granadina, asesinada el 26 de mayo de 1831, nunca fue suficiente para acabar con el rastro de una mujer tan importante y pionera. Una feminista cuando el feminismo ni siquiera se contemplaba como palabra.

Según explican fuentes de la negociación, la Junta de Andalucía es la administración pública que está negociando la compra de un legado que lleva más de dos años en venta y cuya recuperación permitiría al público y a la cultura general tener en su poder los retazos que construyen el recuerdo de una Mariana Pineda cercenada en su vida, pero también en su propia biografía. De ella sabe como pocas personas Antonina Rodrigo, la escritora granadina que ha dedicado más de 25 años en estudiar quién fue y qué no supimos suficiente sobre Mariana.

Hablamos con ella para valorar la importancia del legado y para partir de un supuesto desconocido: se trató de borrarla tanto tanto, que incluso se le hurtó el “de” que anticipaba su apellido Pineda y que denota que no procedía de un estrato social bajo, lo que eleva la importancia de su figura y de su propia reivindicación política.

Rodrigo, que siente un agradecimiento vital a Mariana por haber abierto camino para muchas mujeres como ella, llegó a adquirir en su momento la llave de la celda en la que Pineda pasó sus últimas horas de vida. “Esa llave es simbólica no solo por la puerta que cerraba, sino porque esa puerta fue a la que Mariana miraba y a través de la que escuchaba su sueño de volver a ver a sus hijos”. Porque parte del borrado histórico de la granadina pasa porque no todo el mundo sabe que tuvo descendientes y que, seguramente hoy, siga teniendo familia incluso en Granada capital.

Un archivo que sobrevivió al intento de borrar a Mariana

La propia Antonina Rodrigo reconoce que cuando conoció la existencia del archivo sintió una mezcla de sorpresa y alivio. “Estuve casi 25 años investigando y no encontré nunca una carta o un documento personal de Mariana”, explica la escritora a elDiario.es Andalucía. Por eso considera que el fondo que ahora se encuentra a la venta tiene un valor que trasciende cualquier cifra económica. “Eso es un tesoro para nosotros”, explica.

La importancia del legado no reside únicamente en la carta manuscrita de Mariana, sino en el conjunto documental que la acompaña. Según explica Iker, propietario de la librería Astarloa, el archivo está compuesto en gran medida por documentación relativa a los hijos de la granadina, un aspecto sobre el que apenas han sobrevivido testimonios documentales. “Es un archivo del entorno familiar de Mariana Pineda; sobre todo está compuesto por bastante documentación relativa a su hijo”, señala.

Entre todas las piezas destaca precisamente esa carta escrita y firmada por la propia Mariana, que, tras el estudio realizado por los especialistas de la librería, constituye “el documento manuscrito suyo más extenso que se conserva en la actualidad”. Hasta ahora, explica el librero, únicamente se conocían algunas firmas en documentos oficiales y una carta incompleta conservada en Granada.

La aparición de este fondo ayuda también a comprender hasta qué punto la memoria material de Mariana Pineda fue deliberadamente desmantelada tras su ejecución. Rodrigo recuerda que, una vez condenada a muerte, las autoridades irrumpieron en su vivienda y se llevaron prácticamente todas sus pertenencias. “Entraron en su casa y lo arramblaron con todo”, explica. Aquel saqueo, unido al paso del tiempo, convirtió en excepcional cualquier documento original relacionado con la joven liberal.

Quizá por eso la historiadora insiste en que el archivo no puede acabar nuevamente oculto en una colección privada. “La Junta de Andalucía está casi obligada”, afirma. No habla únicamente de una compra patrimonial, sino de una responsabilidad con la memoria colectiva. “Que todo eso esté a disposición de los historiadores y del mundo entero”, reclama. Incluso reconoce que, si hubiera podido permitírselo, ella misma habría adquirido el fondo. “Si yo tuviera 40.000 euros lo compraba”, asegura entre risas.

Paradójicamente, el archivo no acaba de aparecer. Lleva más de dos años buscando comprador sin éxito. Según explica Iker, durante ese tiempo fue ofrecido a distintas administraciones públicas, aunque ninguna mostró interés por adquirirlo. La situación cambió hace apenas unas semanas, cuando el Archivo Histórico Provincial de Granada, dependiente de la Junta de Andalucía, contactó con la librería para solicitar toda la documentación técnica sobre el legado. Desde entonces, la venta permanece paralizada mientras la Administración estudia la operación.

“La pieza está reservada”, explica el librero. El procedimiento, añade, será largo. Primero deberá completarse la valoración técnica del fondo, posteriormente determinar su interés patrimonial, encontrar la correspondiente partida presupuestaria y, finalmente, negociar la adquisición. “Como toda relación con la administración, los procesos son bastante lentos. Llevará meses seguramente”, resume. Astarloa está acostumbrada a este tipo de operaciones. Entre sus principales clientes figuran el Ministerio de Cultura y distintas bibliotecas y archivos públicos autonómicos y provinciales, por lo que el proceso, aunque lento, entra dentro de la normalidad en el mercado del patrimonio documental.

Una oportunidad para reparar parte de la historia

La posible adquisición del archivo llega en un momento en el que la figura de Mariana Pineda ha recuperado parte del reconocimiento institucional y ciudadano que le fue negado durante décadas. Durante el franquismo su nombre desapareció de colegios, homenajes y espacios públicos por representar precisamente aquello que el régimen combatía: la defensa de las libertades y los ideales constitucionales.

Para Rodrigo, sin embargo, todavía queda mucho por recuperar. “Mariana es una figura extraordinaria, no solamente para España, sino para el mundo”, sostiene. La escritora la define como “una de las primeras feministas”, una mujer que defendió la libertad en una época en la que ni siquiera existía un movimiento organizado que reclamara la igualdad entre hombres y mujeres. “Es una persona de estos días nuestros”, resume.

Esa es precisamente la trascendencia del archivo. No solo permitiría conservar el manuscrito más importante que se conoce de Mariana Pineda, sino reconstruir parte de una biografía que durante casi dos siglos permaneció incompleta por la desaparición de buena parte de sus documentos personales. Un legado que sobrevivió a registros, saqueos, al olvido y al paso del tiempo, y cuya incorporación al patrimonio público supondría recuperar una parte de la historia de Andalucía que estuvo a punto de desaparecer para siempre.

Pese a la insistencia de elDiario.es Andalucía por conocer el estado de las negociaciones, la Consejería de Cultura ha preferido no realizar declaraciones sobre la operación, aunque fuentes oficiales sí confirman que se ha preguntado por el lote que está en venta. En todo caso, el desenlace de las negociaciones determinará si uno de los hallazgos documentales más relevantes en torno a Mariana Pineda pasa a formar parte del patrimonio público o continúa en manos privadas.