Los versos inéditos encontrados por el artista Miguel Poveda que aparecieron en el reverso de un manuscrito de Lorca fueron escritos por el poeta. Así lo ha confirmado Poveda a través de redes sociales tras un informe pericial: “En virtud de dichas correspondencias y de los resultados obtenidos en el estudio comparativo, se concluye que los textos manuscritos que aparecen en el documento cuestionado fueron escritos por don Federico García Lorca”.

La investigación llega después de que algunos expertos cuestionaran la autenticidad de estos versos, que estaban escritos en un manuscrito del poema Gacela de la raíz amarga. El informe ha sido elaborado por dos peritos caligráficos de la firma Tintaverum y fechado a 7 de septiembre de 2026, que concluye que “no se han apreciado anacronismos o incompatibilidades de carácter material o documental que permitan cuestionar su autenticidad”.

Miguel Poveda reveló la existencia de estos versos el pasado abril. En aquel entonces, la experta en la obra del poeta, Pepa Merlo, declaró que es un “texto al que nadie ha dado importancia” por estar escrito en el reverso. Además, destacó que es valioso porque “estructura el concepto del tiempo”, uno de los grandes temas de Lorca. Los versos rezan lo siguiente: “Canta el reloj / Cuento maquinalmente las horas / Es lo mismo las siete que las doce / Yo - no estoy aquí / Es la señal de carne que yo dejé, al irme, para saber mi sitio al regresar...”.

Asimismo, Poveda ha anunciado que dio instrucciones de iniciar acciones judiciales contra el medio El Independiente por la publicación de un artículo publicado el 27 de abril titulado “La sospechosa 'operación Lorca' de Miguel Poveda”, así como contra su editor y el autor de dicho artículo. “Más allá de cuestionar la atribución a Federico o del poema encontrado, lo que se puede discutir en buenos términos, el artículo va directo a cuestionar mi honorabilidad y mis intenciones”, ha escrito el cantante en Instagram, que considera que el artículo “una serie de valoraciones y opiniones absolutamente injuriosas y vejatorias”.

“Lo que se dice en ese artículo, empezando por el propio título, es un ataque frontal, grave e injustificado a mi derecho al honor. La prueba de que no tiene ánimo informativo es que no se sometió a contraste: nadie se puso en contacto ni conmigo ni con mi oficina para recoger nuestra versión o nuestras declaraciones. ¿Por qué? Porque la única intención era denigrarme y desprestigiarme”, ha alegado Poveda. “Se ha celebrado ya el acto de conciliación, obligatorio antes de la querella o la demanda, y ni siquiera ha ido el abogado; a fecha de hoy no hemos tenido ni una llamada, ni una explicación, lo que es muy significativo”, ha añadido.

Unos versos que “añaden” a lo que se conoce sobre Lorca

En una entrevista concedida a elDiario.es, Poveda declaró que no pensó que los versos fueran de Lorca y que, cuando le dio la vuelta al manuscrito, entendió que lo que había escrito eran unas notas de Julio José Casal, un poeta uruguayo al que Lorca le dedica Gacela de la raíz amarga. “Ya estaba muy emocionado, y me decían que tuviera mucho cuidado porque es una cuartilla de 1933, es un papel muy delicado, y no quise tocarlo mucho”, reconoció el artista. “Vino un amigo a casa y se lo enseñé, y le dimos la vuelta y le dije: 'Vamos a preguntarle a Pepa Merlo, que es la experta y ha hecho una tesis'. Ella fue la que me dijo: 'Esto es de Federico, es un hallazgo, esto ha estado escondido'”, resaltó.

Poveda señaló que estos versos no cambian nada en cuanto a lo que conocemos del dramaturgo, pero que sí “añaden”. “Es como un Federico que sigue vivo, que sigue regalándonos cosas. Un hombre que fue asesinado y que ha estado tantos años silenciado, sus obras ocultas… Es que algunas de sus obras no salieron hasta bien entrada la democracia. Ya hace tiempo que empieza a normalizarse que Federico está entre nosotros, pero hubo un tiempo en que no, así que cualquier cosa nueva que aparezca es como si siguiera vivo. Como decía [el actor] Ángel Ruiz en El ministerio del tiempo: 'Al final no ganaron ellos, gané yo'”, indicó.

Lo cierto es que la carrera de Miguel Poveda como cantante siempre ha estado atravesada por Federico García Lorca, habiéndole dedicado discos, canciones y actuaciones. El poeta, del que este 2026 se cumplen 90 años de su asesinato, también es el protagonista del reciente documental de Poveda, Enlorquecido. Se estrenó el 23 de abril y emprende un viaje real y profundo tras los pasos de Federico García Lorca, recorriendo las ciudades que forjaron al autor, como Granada, Madrid, Buenos Aires, Cadaqués, Montevideo o La Habana.

Más estrellas, más espacio y propósito de enmienda. A falta de apenas 20 días para que miles de fans traspasen su icónico portal, la San Diego Comic Con ha presentado en Málaga la segunda de las tres ediciones (al menos) que la ciudad acogerá de la gran convención de la cultura popular y el entretenimiento. La cita es del 1 al 4 de octubre.

Donde en 2025 triunfó Terminator, este año se espera a Frodo y Sam; si el año pasado una estrella de Sensación de Vivir, aquella mítica serie de la factoría Aaron Spelling, se paseó entre fans por la capital de la Costa del Sol, este año le toca a la tripulación al completo de la Rodger Young de Starship Troopers, la película de culto de Paul Verhoeven; y donde hace doce meses alrededor de 100.000 fans llenaron hasta rebosar el Palacio de Congresos de Málaga, este año se esperan cifras similares, pero para un espacio mayor, mejor definido y con mejores recorridos.

El reto es multiplicar las caras conocidas que dan valor a este evento (algo conseguido, según sus responsables) y, sobre todo, garantizar que para para todos los asistentes sea una experiencia satisfactoria más allá de la emoción de ver a sus ídolos. “Llevamos meses pensando en los espacios, los flujos y contenidos”, ha admitido Fernando Piquer, nuevo responsable de la cita, que ofrecerá 300 horas de contenido en los 60.000 metros cuadrados del Palacio de Congresos y las zonas exteriores habilitadas.

La masificación y los errores organizativos enturbiaron el disfrute el año del debut. Hubo fans que se pasaron horas en colas, que se alargaban por kilómetros hasta cruzarse unas con otras, y quienes se volvieron de vacío tras invertir cientos de euros. Las organizaciones de consumidores registraron cientos de quejas, los fans volcaron su frustración en redes y el clamor fue tal que el propio presidente de la Junta de Andalucía, Juanma Moreno, y el alcalde Francisco de la Torre dieron un tirón de orejas público a los organizadores. Tanto la Junta de Andalucía (a través de Turismo Andaluz y de la Agencia Digital Andaluza) como el Ayuntamiento de Málaga patrocinan el evento con tres millones de euros y 980.000 euros por edición, respectivamente.

Dentsu, que tiene la licencia para el evento en Europa, fue poniendo a la venta sucesivas remesas de entradas al ver que las que salían volaban. Tras marcarse un objetivo inicial de 45.000, llegaron a admitir que habían rebasado el aforo previsto para el recinto (120.000 asistentes en cuatro días, dijo su director), antes de corregirse y rebajar la cifra a 100.000.

“Queremos una Comic Con preparada para el fan”

La dirección del evento, con nuevos responsables al frente, sabe que aquella imagen lastró el éxito de la primera edición y dice que no volverá a ocurrir: habrá más espacio, al añadirse 50.000 metros cuadrados cubiertos en el exterior del Palacio de Congresos con 90 stands para firmas de artistas, expositores, los funkos o exposiciones de arte, y un nuevo estudio para encuentros más cercanos con las estrellas; se dinamizarán los flujos para evitar los cruces de cola que colapsaron el recinto el año pasado; y se pondrá a disposición de los fans una agenda virtual para ayudarles a organizarse y reservar los eventos a partir del 25 de septiembre, previa activación del “perfil del fan”.

“Queríamos escuchar, trabajar con humildad, construir una Comic Con preparada de verdad para el fan”, ha explicado Fernando Piquer, admitiendo implícitamente que eso no sucedió el año pasado. Piquer, quien ha sustituido a Javier Barbera como director ejecutivo de la cita, sí aporta una sólida experiencia en el entretenimiento, los videojuegos y los e-sports. “La experiencia del año pasado ayuda a saber cómo organizar las cosas para que todo el mundo pueda estar a gusto”, ha advertido este miércoles el alcalde De la Torre. El objetivo, insisten ahora, es que todo el mundo salga contento. “El aforo es 90.000, pero si vemos que hay que restar lo haremos. No buscamos el sold out. Si sucede, estupendo, pero lo que buscamos es la calidad”, resumen.

Las entradas, que en la primera edición costaban 50 euros, ahora cuestan 84,80 € para adultos y 37,10 € para menores de hasta 12 años, con los gastos de gestión ya incluidos.

John Romita Jr., Starship Troopers y Los Serrano

En cuanto al cartel, la presentación en Málaga apenas ha añadido novedades a lo que ya se sabía desde que sus grandes estrellas se desvelaron en Madrid a principios de julio. El evento sigue los pasos del original en San Diego: estrellas televisivas, del mundo del cómic y de todo aquello que pueda tener alguna relación con la cultura pop (los videojuegos, las miniaturas, el cosplay), capaces de atraer al fandom de cada uno de esos mundos. Figuras por las que esos fans se desplazarían desde cualquier otra parte de España e incluso de Europa. El objetivo (cumplido, según Piquer) era multiplicar por cuatro el número de estrellas la primera edición.

En ese espacio hay también concesiones a lo mainstream si cabe sostener la vinculación con el universo propio de la San Diego Comic Con. Arnold Schwarzenegger, invitado de honor de la primera edición, es una figura universal, una estrella super gigante en términos astronómicos. No hay otra comparable en esta edición, pero sí muchas más estrellas: Elijah Wood y Sean Austin (Frodo y Sam en El Señor de los Anillos); Jason Lee y Kevin Smith (Mallrats); Christopher Lambert (Los Inmortales); Mira Sorvino (Poderosa Afrodita); el elenco casi al completo de Starship Troopers (Casper Van Dien, Denise Richards, Michael Ironside, Dina Meyer y Jake Busey); o Karl Urban (The Boys). Además, la concesión patria al reparto de Los Serrano, con Antonio Resines al frente.

Eso, en cuanto al cine y a la televisión. En el cómic, la segunda gran pata de la SDCC, destaca el panel de ilustradores de Spider-Man, con con John Romita Jr, Pepe Larraz, Rick Leonardi y Giuseppe Camuncoli; Carmen Carnero (Capitana Marvel, Miles Morales) o Juanjo Guarnido (Blacksad), entre muchos otros.

Pero el objetivo declarado de los organizadores es que cada disciplina tenga sus estrellas. Desde las de nicho, como la pintura de miniaturas, con Ángel Giráldez, o el doblaje, con un elenco de lo mejor en España, a las mayoritarias, como los videojuegos (Dave Jones, creador de Lemmings o Grand Theft Auto, John Romero, de Doom, o Akira Yamaora, compositor de la banda sonora de Silent Hill) o el anime, donde este año destaca la presencia de Shin'ichirō Watanabe, el creador de la histórica Cowboy Bebop.

“Pero no queremos que sea solo una suma de nombres colocados en un programa, sino cuatro días que quieras recordar”, ha matizado Piquer. La idea es que el fan acabe sintiendo que forma parte del evento. “Que comiencen su viaje como héroes solitarios pero tras su paso se marchen formando parte de algo mucho más grande, un equipo”.  

En una servilleta se pueden firmar contratos, tomar notas o hacer garabatos. Pueden hacer de balón en el fútbol de chapas y con ellas se puede calzar una mesa. Las adaptaciones funcionales de esta pieza de papel son múltiples ya que su cometido, el de limpiarse la boca o las manos, puede resultar inútil. Pero, ¿puede una simple servilleta ser reflejo de la historia y de la cultura? ¿Y de la memoria?

El fotógrafo Felipe Hernández comenzó a coleccionar servilletas en 2014 sin ninguna intención sino por el mero interés por todo objeto con soporte gráfico: flyers, servilletas, carteles, posavasos, azucarillos…. Lo que empezó como una cuenta de Instagram se ha convertido en un libro que aglutina 600 diseños de toda la geografía española. “A la gente le estaba haciendo gracia y ahí ya fue cuando me di cuenta que a lo mejor esta frikada podía ir a algo más”, declara.

Servilletas, publicado por Ojos de Buey, es un archivo de la hostelería del país. El fotógrafo ha dado relevancia a algo que suele acabar en la basura. Ha resignificado un objeto ordinario cuya utilidad sigue en entredicho: ni limpia, ni seca ni es agradable al tacto de los labios. “Ya no era solo hablar de algo gráfico y estético sino que vi que era una cosa como muy propia de España. Era algo típico y que hablaba realmente de nuestra gastronomía, de nuestra cultura y de nosotros”, explica.

Patrimonio gráfico

“Las servilletas de bar son quizás el elemento del patrimonio gráfico hostelero que menos apreciamos su valor, muy por detrás de rótulos, posavasos, cajas de cerillas... Pero este libro demuestra la riqueza que hemos tenido entre las manos pringosas”, explica el diseñador gráfico Ricardo Barquín.

Servilletas no sólo recopila diseños de tabernas clásicas como la madrileña Casa Labra o la gaditana Casa Manteca sino que plasma ejemplos de todo tipo de bares, restaurantes, cafeterías, heladerías, freidurías y hasta pizzerías. El proyecto sigue la estela de actividades para la defensa y protección del patrimonio gráfico comercial como las del colectivo madrileño Paco Graco o proyectos como Fuera de Carta, una reivindicación de los menús escritos a tiza de los bares sevillanos de Pablo Vallejo y el propio Barquín.

Belleza efímera

“Ahora todos los bares son iguales y tienen una estrategia de marketing, branding, etc. Antes creo que había más libertad y si estabas en un barrio de Sevilla, Madrid o Cuenca, pues el establecimiento decía algo de ese sitio. En ese sentido creo que hay una pérdida de ese alma aunque muchas veces lo quieran imitar”, señala Hernández.

La apuesta de los establecimientos por las servilletas personalizadas no es baladí. Barquín las defiende frente a esas con “mensajes motivacionales, buenrrollistas o graciosillos”. El diseñador, incluso, prefiere las genéricas –“que tienen su encanto”– del 'Gracias por su visita'.

“Esas servilletas castizas, impresas a un solo color, con una riqueza visual a base de tipografías señeras, iconos apetecibles y mensajes propios de la gráfica popular se están perdiendo”, sentencia. Por ello, destaca, “Servilletas es un archivo popular de esa belleza efímera que acababa arrugada en el suelo del bar junto a serrín y colillas, y un toque de atención ante un presente sin identidad donde los bares se repiten de una ciudad a otra”.

Antes de los navegadores web

Hernández cree que la servilleta tenía una función principalmente publicitaria antes de la llegada de Internet. “Hacían su labor: la gente buscaba la servilleta de aquel sitio en el que se había parado en el kilómetro 400 de la carretera de Barcelona”, dice.

A través de ellas, y sin necesidad de ningún servicio gratuito de mapas digital, se puede conocer que en el kilómetro 124 de la Autovía del Este, en el término municipal de Zafra de Záncara (Cuenca) se encuentra Venta San José mientras que el Restaurante Sotopalacios está en el kilómetro 10,5 de la carretera que une Burgos con Santander. Incluso se puede viajar en el tiempo y saber que en la jienense Despensa del Jamón se permitía fumar. También resaltan las características de las instalaciones como el local climatizado que anuncia el Bar Corder de la localidad alicantina de Gata de Gorgos. “Al final era un poco la carta de presentación”, resume Hernández.

Las servilletas forman parte del imaginario colectivo y dan pistas sobre las historias de los bares y de sus dueños. También de sus clientes. Un repaso al libro hace aflorar la cartografía emocional del gusto: el recuerdo de un bocado, las charlas en la barra de bar con amigos o aquella parada de carretera improvisada por un café.

La colección de Hernández además rinde homenaje a establecimientos que ya han echado la persiana como El Bá de Fran en Badajoz o Bar Esturión en el municipio gaditano de Chipiona. “Todas las servilletas tienen historias”. Y pone un ejemplo: “Hace poco una compañera me dijo que le había hecho retroceder treinta años porque iba a tomar helado a una galería de Córdoba con su familia todos los veranos”.

Servilletas es un archivo gráfico del paso del tiempo y de las costumbres. El fotógrafo madrileño, convertido en el guardián de las mismas, ha sabido inmortalizar el patrimonio del usar y tirar. Incluso, siguiendo con las tendencias ambientales, cuenta con diseños de papel reciclado como el de la Taberna Juantxo de San Sebastián. Su colección es el legado gráfico de lo popular frente a la homogeneización.

El guitarrista flamenco José Antonio Carmona Carmona, más conocido como Pepe Habichuela, ha muerto este martes a los 82 años en Madrid a causa de una enfermedad pulmonar. Fue una de las figuras más influyentes de la guitarra flamenca contemporánea. El tanatorio Servisa de Carabanchel estará abierto durante la mañana del miércoles y después será trasladado a Granada para su entierro.

“En la calle La Alegría donde se pasea mi alma, unos cantan y otros bailan y yo hablo con mi guitarra, y el ritmo me llega/ Alegría que sale de mi, habla al corazón, huele a Yerbabuena”. Esta letra grabada hace 25 suena hoy a epitafio, a manifiesto sobre la manera de estar en el mundo del maestro Pepe Habichuela. La encontramos en Oriente, la rumba que abre Yerbabuena (Nuevos Medios 2001), su disco en colaboración con la orquesta india Bollywood Strings. Entre guitarras y violines, un coro de mujeres deja esta letanía de colores que lo impregna todo. Oriente suena actual y fresco un cuarto de siglo después y ejemplifica la carrera del músico granadino, musicalidad, flamencura y mestizaje con otras músicas.

La curiosidad y la valentía de Pepe Habichuela viene de mucho antes de Yerbabuena, viene de hace 50 años, cuando abandona el sueldo fijo de un tablao para sentarse junto a otro granadino, Enrique Morente, a pegarle tres vueltas al flamenco. Nervios, ilusión y ninguna certeza hacia el futuro ante un ambiente de lo jondo que rechazaba de pleno los caminos de la experimentación. “Me he partido los cuernos yendo todos los días a casa de Enrique a trabajar”, confesó el año pasado en una entrevista en Radio3.

El resultado de esos meses encerrados en el estudio mientras su mujer, Amparo Bengala, mantenía la casa con su sueldo de bailaora en Torres Bermejas, fueron dos discos que se publicaron en 1977, Homenaje a don Antonio Chacón y Despegando. Con ellos, y con los años que siguieron, Enrique Morente y Pepe Habichuela se convirtieron en una de las parejas más decisivas en la actualización y evolución del flamenco.

Pepe Habichuela nació José Antonio Carmona en Granada en 1944 en el seno de una dinastía de artistas. Desde que era un niño subía las cuestas del Sacromonte arrastrando su guitarra para ganarse unas perras en las zambras. El mayor de los hermanos, Juan, antes de embarcarse en una gira internacional le llamó desde Madrid para que ocupase su lugar en el tablao Torres Bermejas. Ahí, codeándose con los grandes artistas del momento, se labró el reconocimiento como profesional y el cariño como persona.

Dicen que cuando los Habichuelas tocaban juntos se producían desconchones en los techos encalados de las cuevas de Granada. Ese rasgueo poderoso y único que necesitaba para que la guitarra se dejase oír en las bullangueras zambras y en los tablaos fue el elemento diferencial de la guitarra de la mítica saga de tocaores. Pero había mucho más en esas guitarras granaínas. El Día de Andalucía de 1993 Morente presentó a sus acompañantes en el concierto del mítico colegio mayor San Juan Evangelista, Juan y Pepe Habichuela como “la orquesta sinfónica del Albaicín”.

Tras acompañar a Enrique en las primeras diabluras jondas, Pepe inició una carrera en solitario que se consagró con el primer disco flamenco del sello Nuevos Medios. Con A Mandeli, Pepe estrenaba la denominación Jóvenes Flamencos que tan de moda se puso posteriormente. En plena grabación del mismo el segundo de los hermanos Habichuela le comentó al jefe de Nuevos Medios, Mario Pacheco, hay unos chavales que están haciendo un flamenco fresco que merece la pena. Eran los Ketama y este golpe de nepotismo visionario hacia su hijo y sus sobrinos impulsó al grupo que puso a bailar a toda España en los años 90.

Gracias a su curiosidad y a la libertad creativa que le daba Nuevos Medios, Pepe Habichuela —con el apoyo incondicional y discreto de su hijo Josemi Carmona— pudo tejer una de las carreras más internacionales del flamenco. Además de la ya citada colaboración con la orquesta india Bollywood Strings, Pepe Habichuela grabó con el trompetista Don Cherry —que decía que su guitarra era “un árbol llorando”— o el bajista Jaco Pastorius. Especialmente fructífera fue su colaboración con el también bajista Dave Holand con quien giró varios años por los mejores festivales de jazz. Hace pocos meses Holland se dejó caer por la casa de los Habichuela en el barrio de Lucero de Madrid para despedirse de su amigo, que ya peleaba con la cruel enfermedad que se lo ha llevado. Los abrazos y las sonrisas sortearon una vez más las barreras de comunicación, aunque no vino mal la ayuda de algún nieto y de la fotógrafa alemana Anya Bartels Suermont, amiga de la casa.

Esta vez no ha hecho falta llegar al día de la despedida para dar vida a la leyenda de un artista. La leyenda y el reconocimiento a Pepe Habichuela no ha hecho nada más que empezar, pero arrancó hace ya algunos años, cuando los que tienen poder de decisión resolvieron que, por su bondad artística y humana, era necesario celebrarlo en vida. Todo empezó en el Circo Price, donde músicos de muy distintas disciplinas le rindieron homenaje en tres días consecutivos; el Festival Flamenco On Fire de Pamplona le nombró desde la primera edición su embajador perpetuo aunque él prefería llamarse “el emBadajoz del flamenconfair”.

El ministro de Cultura José Guirao le concedió la Medalla de Oro del Mérito a las Bellas Artes, algo que el Gobierno actual elevó recientemente a la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio, la más alta distinción de nuestra cultura. El tributo que el mundo del flamenco le brindó el verano pasado en las Noches del Botánico de Madrid, entre otros tantos gestos de agradecimiento por toda España, son la muestra del cariño que ha recibido merecidamente en los últimos años. El regalo más importante que nos deja Pepe Habichuela a todos los aficionados a la música es haberse ido con las botas puestas tocando hasta hace muy pocos meses, bien pasados los ochenta, en los mejores escenarios con la misma sonrisa y la misma flamencura de siempre.

El Museo de Nerja inaugura este jueves 23 de julio, a las 20:00 horas, una nueva exposición temporal en su Sala Ana María Márquez. Se trata de la obra ‘Formas en Diálogo’, de la artista y escultora María Belén Morales.

Tanto la asistencia a la inauguración como el acceso a esta muestra, que permanecerá hasta el domingo 20 de septiembre, son completamente gratuitos.

La exhibición se compone de dibujos, collages y esculturas -a veces de la unión de ellos-, en una investigación continua de configuración y materia que define el proceso de Morales en búsqueda continua por plasmar el paisaje que contempla, reflexionándolo y abstrayéndolo, interpretándolo, y al mismo tiempo reflejándolo con gran certeza.

Se muestran piezas creadas entre 1994 y 2004, que permiten ver la transformación del lenguaje plástico de la artista tinerfeña durante su década más prolífica en creación y en desarrollo artístico. Se trata, además, de un homenaje póstumo de la localidad a Morales, que presentó algunas de sus obras de gran tamaño en el Balcón de Europa de Nerja, en 1994.

Transformando materiales y reinterpretando el paisaje

María Belén Morales nació en Santa Cruz de Tenerife en 1928. Entre su tierra natal y la Península, especialmente en Andalucía, en Córdoba, llevó a cabo su ingente obra.

Creaciones que partían de maquinaria agrícola y hierros cubiertos de herrumbre y que ella sabía transformar en algo absolutamente diferente, en elementos de reflexión, de interrogación… de lenguaje. Desde la abstracción geométrica y la construcción de volúmenes, Morales realiza sus creaciones, que viste con pintura o deja desnudas en su propio óxido, según lo que la artista requiera en la expresión de cada obra.

Esculturas, collages y dibujos, todos concebidos con geometría, algunos con fusiones libres que van representando los diferentes paisajes que llegaban a la artista, los acantilados de su Tenerife, los campos infinitos de Andalucía, la costa mediterránea, las montañas de la sierra de Almijara…

También otros motivos como la obra Alfil, que la artista recrea en una serie de dibujos y collages -algunos de ellos los podemos ver en esta exposición- y que trazan tanto la verticalidad como las caras triangulares en pirámide, además del movimiento diagonal, de esta pieza de ajedrez.

La obra como acción cultural hacia el arte contemporáneo

Su emoción viajera y su creatividad plástica marcan su producción, pero Morales, además, entiende su obra como una acción cultural, en favor del arte contemporáneo, junto con otros artistas de su época como Juan Manuel Brazam, Jacinto Lara o Antonio Povedano.

Con este tejido de colaboración artística, María Belén participó en dos años en cinco exposiciones individuales en tierras andaluzas, cada una de ellas con creaciones diferentes. Además, se implicó con la comunidad artística local de Córdoba donde pasaba temporadas, como en su contribución a la Colectiva de esculturas: bajo el signo de Mateo Inurria o en su impulso para el Museo del Paisaje Español contemporáneo de Priego.

La exposición se realiza con la colaboración de la Universidad de Córdoba a través de UCOCultura y está comisariada por la artista danesa afincada en Frigiliana Caroline Krabbe.

Exposición accesible

Esta exposición, además, es accesible para todos, con: obras en pared a 1.40 para sillas de ruedas, tres esculturas que se pueden tocar, carteles y libro de visita en braille, vídeo de presentación subtitulado y videosignado para sordos y guía de lectura fácil.

Nueve conciertos para estrenar el otoño con los estilos más variados y a precios económicos. La música volverá a llenar desde septiembre el Patio de la Diputación y diferentes escenarios del área metropolitana de Sevilla con la celebración de la tercera edición del Festival del Patio + Metrópolis, la iniciativa cultural impulsada por la institución provincial, que continúa consolidándose como una de las citas musicales más destacadas del calendario cultural andaluz.

Entre el 11 de septiembre y el 3 de octubre, Abraham Mateo, Café Quijano, Tanxugueiras, Morgan, Los Planetas, Ginebras, Pablo López, Luz Casal y La Plazuela configuran un cartel que vuelve a tender puentes entre estilos, generaciones y territorios. Pop, rock, indie, canción de autor, flamenco contemporáneo, músicas de raíz, electrónica o nuevas sonoridades convivirán en una programación concebida para acercar la música en directo a públicos diversos y extender la actividad cultural más allá de la capital.

Con nueve conciertos distribuidos entre el Patio de la Diputación de Sevilla y los municipios de La Rinconada, Utrera, Alcalá de Guadaíra, Dos Hermanas y Mairena del Aljarafe, el festival reafirma su compromiso con una cultura pública y cercana. Las entradas podrán adquirirse de manera escalonada a partir del próximo lunes 27. Asimismo, una edición más, el festival mantiene una política de precios asequibles: 10 euros para las actuaciones del Patio y 5 euros para los de Metrópolis.

Las entradas para todos los conciertos estarán disponibles en las siguientes fechas: lunes 27, para las actuaciones programadas en el Patio; martes 28, para el concierto de Abraham Mateo (La Rinconada) y Café Quijano (Utrera); miércoles 29 para los conciertos de Pablo López (Alcalá de Guadaíra) y Luz Casal (Dos Hermanas); y el jueves 30 para la actuación de La Plazuela (Mairena del Aljarafe) y podrán adquirirse en la web oficial de esta cita con la música en directo: www.festivaldelpatio.es. Los conciertos del Festival del Patio tendrán un precio único de 10 euros, mientras que las actuaciones de Metrópolis podrán disfrutarse por 5 euros, manteniendo la apuesta de la Diputación Provincial de Sevilla por una programación musical de calidad, abierta a todos los públicos y con precios asequibles.

“Un derecho ciudadano”

El Patio del Olivo de la Diputación de Sevilla ha acogido la presentación de la programación para este 2026 del festival en un acto que, conducido por la actriz y presentadora Cristina Almazán y amenizado por la DJ La Chica Sin Sombrero, ha contado con la participación del presidente de la institución provincial, Javier Fernández; el diputado de Cultura y Ciudadanía, Casimiro Fernández, y el autor de la imagen de este año, Javier Infante del Rosal.

El presidente ha manifestado, “lo hemos dicho muchas veces, y lo reafirmamos con este festival, la cultura es un derecho ciudadano y una inversión irrenunciable, no un gasto”. Ha seguido, “para esta Diputación invertir en cultura es situarla al mismo nivel que los servicios sociales o las infraestructuras, entendiéndola como un bien común que debemos garantizar desde las administraciones”.

Si el Patio es el corazón cultural que late en el centro de Sevilla, Metrópolis es la extensión de ese latido hacia la provincia. Hay que tener en cuenta, ha dicho Fernández, que “la cultura es parte de las herramientas que permiten que la población se asiente en el territorio, por tanto, para la Diputación, esta parte del reto demográfico forma parte de nuestra agenda”.

Además, ha indicado que “la música es una potente herramienta de transformación social capaz de construir comunidad y fortalecer la igualdad, por ello, mantenemos una política de precios populares para asegurar que nadie se quede fuera y que la excelencia artística sea realmente accesible para todos”. El hecho de que se aproveche el patio de la Diputación, con sus más de 1.500 metros cuadrados y se cuente con los cinco municipios mayores de 40.000 habitantes del área metropolitana, “ayuda a compartir la tensión cultural de la capital, además de acercar eventos de primer nivel a los territorios de estos cinco vértices de la provincia”, ha defendido.

El Patio: cuatro noches, cuatro universos musicales

También ha apuntado el presidente que “aunque celebramos nuestra tercera edición, el festival transmite una sensación de arraigo y asiento propio de otros ya consolidados; en definitiva, es la ciudadanía quien aprueba o suspende los festivales, y la aceptación de Patio y Metrópolis demuestra que esta programación ya es una seña de identidad para los sevillanos y sevillanas”. “Las más de 32.000 entradas que se pondrán a la venta en total entre los nueve conciertos, a precios asequibles, es la muestra de que para la Diputación lo público debe tener el mismo nivel que lo privado, así lo demuestra este conjunto de conciertos”, ha subrayado Fernández.

De esta manera, el histórico Patio de la Diputación volverá a convertirse en septiembre en uno de los espacios más singulares de Andalucía para disfrutar de la música en directo. Durante cuatro noches consecutivas reunirá algunas de las propuestas más relevantes del panorama nacional en un entorno único, donde la cercanía entre artistas y el público se convierte en una de las principales señas de identidad de la cita.

La programación arrancará el 16 de septiembre con Tanxugueiras, el trío gallego formado por Sabela Maneiro, Aida Tarrío y Olaia Maneiro que, en apenas una década, ha revolucionado la música tradicional llevando su folclore a nuevos territorios sonoros. Su propuesta combina la fuerza de la tradición con sonoridades urbanas y contemporáneas, convirtiéndose en uno de los proyectos más innovadores de la música española actual. Sevilla será una de las paradas de la gira de presentación de O Cuarto, el álbum más íntimo y personal de su carrera, con el que celebran diez años de trayectoria reivindicando la vigencia del patrimonio musical de su tierra natal.

Morgan, Los Planetas y Ginebras

Tomará el relevo Morgan, el 17 de septiembre. Convertida en una de las bandas más respetadas del panorama nacional, la formación liderada por Nina de Juan ha construido una sólida trayectoria gracias a un sonido que transita con naturalidad entre el rock, el soul y el folk y a unos directos de enorme personalidad. En el Festival del Patio presentarán Hotel Morgan, un disco que supone una nueva etapa creativa y que confirma la madurez artística alcanzada tras más de una década sobre los escenarios.

El 18 de septiembre llegará el turno de Los Planetas, uno de los grupos más influyentes de la música española de las últimas tres décadas. Referentes indiscutibles del rock alternativo y autores de algunos de los discos fundamentales del indie nacional, los granadinos aterrizarán en Sevilla con su directo en formato Esencial, una experiencia que convierte cada concierto en un intenso viaje emocional donde conviven la psicodelia, la tradición y la libertad creativa. Una experiencia de proximidad, lucidez y verdad artística.

La programación del Patio concluirá el 19 de septiembre con Ginebras, Premio Ondas Nacional de Música al Fenómeno Musical del Año 2024 y una de las bandas imprescindibles del nuevo pop español. El cuarteto presentará Donde nada es para tanto, su tercer álbum de estudio, un trabajo que refleja su evolución musical sin perder la frescura, la autenticidad y el humor que lo señalan como uno de los fenómenos más destacados de la escena de nuestro país de los últimos años.

Metrópolis: la música viaja por la provincia

La extensión Metrópolis volverá a llevar una programación de calidad a diferentes municipios del área metropolitana, reforzando una de las principales vocaciones del proyecto: acercar grandes conciertos a nuevos públicos y hacer de la música en directo un punto de encuentro para toda la provincia.

El ciclo comenzará el 11 de septiembre en el Recinto Municipal El Abrazo de La Rinconada con Abraham Mateo, uno de los artistas españoles con mayor proyección internacional de su generación. El cantante gaditano llegará con un repertorio que refleja una carrera marcada por la versatilidad, transitando con naturalidad entre el pop, el R&B y los sonidos urbanos.

Al día siguiente, el 12 de septiembre, la plaza de toros de Utrera recibirá a Café Quijano, que presentará Miami 1990, un trabajo que recupera la esencia sonora que convirtió al trío leonés en uno de los grandes referentes del pop español. Sobre el escenario, sus nuevas canciones convivirán con los grandes éxitos que han acompañado a varias generaciones y con un directo que continúa siendo una de sus principales señas de identidad.

Pablo López, Luz Casal y La Plazuela

El 25 de septiembre, el auditorio Riberas del Guadaíra de Alcalá de Guadaíra acogerá a Pablo López, que llega con su nuevo tour El Niño del Espacio en Concierto. Una propuesta concebida como un viaje profundamente emocional donde el piano, la interpretación y una cuidada puesta en escena sirven de hilo conductor para recorrer tanto los grandes éxitos del artista malagueño como las nuevas composiciones de su esperado próximo trabajo.

La programación continuará el 26 de septiembre en el auditorio Los del Río de Dos Hermanas con Luz Casal, una de las voces imprescindibles de la música española. La cantante gallega presentará Me voy a permitir, un espectáculo que establece un diálogo entre pasado y presente, reuniendo las nuevas canciones de su último trabajo con algunos de los temas más emblemáticos de una trayectoria artística marcada por la libertad creativa y una extraordinaria capacidad interpretativa. El público disfrutará de sus múltiples caras y miradas en una noche única en la que la artista muestra sus cartas como dama de la chanson francesa y voz contemporánea del cancionero latinoamericano.

El cierre de Metrópolis llegará el 3 de octubre al Recinto Hípico de Mairena del Aljarafe con La Plazuela. El dúo granadino formado por Manuel Hidalgo Sierra y Luis Abril Martín se ha convertido en una de las propuestas más originales del panorama nacional gracias a una fórmula que fusiona flamenco, electrónica, nu funk y músicas de raíz desde una mirada plenamente contemporánea. En Sevilla presentarán su segundo y esperado disco, Lugar nº0 (DLY), culminando una gira que ha consolidado definitivamente al grupo como uno de los grandes referentes de la nueva escena andaluza.

El artista Manolo Cuervo ha fallecido a los 70 años. “Con él se marcha un artista incontestable, un sevillano que hizo de la pintura su mejor herramienta para mostrar al mundo que la belleza tiene mil colores y formas”. “Descansa en paz. La ciudad te estará eternamente agradecida por todo el legado que le dejas”.

Así lo ha expresado en sus redes el alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, quien ha trasladado sus condolencias por el fallecimiento de quien fue el autor del cartel de la Macarena en 2019, el de la Semana Santa de Sevilla en 2022; el cartel del II Congreso Internacional de Hermandades, dos años más tarde, y el de la Esperanza de Triana en su Misión al Polígono Sur, entre otros muchos.

Cuervo era un artista influido por la estética pop, la técnica del expresionismo abstracto y “las más avanzadas corrientes de diseño gráfico”. Entre su producción, series muy conocidas como Tratamiento de choque, Ventana al mar, La mirada indiscreta, Help o Jazz, por citar tan solo algunas.

Sus obras están realizadas con técnicas que abarcan el acrílico sobre papel, lienzo y también serigrafías, rescata piezas en las que “desfilan imágenes, personajes, mitos e iconos de una vida entregada al color y a la música”, tales como Miles Davis, Jane Birkin, Amy Winehouse, Bob Dylan, Tom Waitts y Mick Jagger.

Nacido en Isla Cristina (Huelva, 1955), Cuervo vivía en Sevilla desde la infancia. Ha sido el autor de la imagen de los principales acontecimientos culturales de Sevilla de las últimas décadas. Son ya historia sus carteles para los conciertos de Cita en Sevilla, Festivales de Jazz, Festival de Itálica, Festival de Nueva Música y Festival New Age (Universidad de Sevilla), la Expo 92, el Rising Stars (Fundación Cajasol), Territorios Sevilla, Festival de Jazz de Cicus y el Festival Nocturama.

El día en que a Mariana Pineda le arrebataron la vida por garrote vil cuando apenas tenía 26 años, no solo estaban cercenando una vida, sino mandando un mensaje de disciplinamiento. La granadina, que fue asesinada durante el reinado absolutista de Fernando VII por haber sido presuntamente hallada bordando una bandera en favor de la libertad, continuó siendo víctima de su propia valentía incluso después de su muerte. Ahora, casi dos siglos después, su figura no solo va recuperando su relevancia, sino que parte de su legado renace con la puesta a la venta por parte de unos propietarios privados de documentos que formaron parte de su archivo.

La librería Astarloa, ubicada en Bilbao, vende por 40.000 euros parte del archivo que Mariana Pineda pudo recopilar en vida. Un archivo que tiene un valor mucho más elevado que el monetario porque entre las piezas se encuentra una carta: el único manuscrito completo que se conserva de la propia Mariana. Pero más allá de ello, lo que dice también esta herencia física es que todo cuanto se trató de borrar de la joven granadina, asesinada el 26 de mayo de 1831, nunca fue suficiente para acabar con el rastro de una mujer tan importante y pionera. Una feminista cuando el feminismo ni siquiera se contemplaba como palabra.

Según explican fuentes de la negociación, la Junta de Andalucía es la administración pública que está negociando la compra de un legado que lleva más de dos años en venta y cuya recuperación permitiría al público y a la cultura general tener en su poder los retazos que construyen el recuerdo de una Mariana Pineda cercenada en su vida, pero también en su propia biografía. De ella sabe como pocas personas Antonina Rodrigo, la escritora granadina que ha dedicado más de 25 años en estudiar quién fue y qué no supimos suficiente sobre Mariana.

Hablamos con ella para valorar la importancia del legado y para partir de un supuesto desconocido: se trató de borrarla tanto tanto, que incluso se le hurtó el “de” que anticipaba su apellido Pineda y que denota que no procedía de un estrato social bajo, lo que eleva la importancia de su figura y de su propia reivindicación política.

Rodrigo, que siente un agradecimiento vital a Mariana por haber abierto camino para muchas mujeres como ella, llegó a adquirir en su momento la llave de la celda en la que Pineda pasó sus últimas horas de vida. “Esa llave es simbólica no solo por la puerta que cerraba, sino porque esa puerta fue a la que Mariana miraba y a través de la que escuchaba su sueño de volver a ver a sus hijos”. Porque parte del borrado histórico de la granadina pasa porque no todo el mundo sabe que tuvo descendientes y que, seguramente hoy, siga teniendo familia incluso en Granada capital.

Un archivo que sobrevivió al intento de borrar a Mariana

La propia Antonina Rodrigo reconoce que cuando conoció la existencia del archivo sintió una mezcla de sorpresa y alivio. “Estuve casi 25 años investigando y no encontré nunca una carta o un documento personal de Mariana”, explica la escritora a elDiario.es Andalucía. Por eso considera que el fondo que ahora se encuentra a la venta tiene un valor que trasciende cualquier cifra económica. “Eso es un tesoro para nosotros”, explica.

La importancia del legado no reside únicamente en la carta manuscrita de Mariana, sino en el conjunto documental que la acompaña. Según explica Iker, propietario de la librería Astarloa, el archivo está compuesto en gran medida por documentación relativa a los hijos de la granadina, un aspecto sobre el que apenas han sobrevivido testimonios documentales. “Es un archivo del entorno familiar de Mariana Pineda; sobre todo está compuesto por bastante documentación relativa a su hijo”, señala.

Entre todas las piezas destaca precisamente esa carta escrita y firmada por la propia Mariana, que, tras el estudio realizado por los especialistas de la librería, constituye “el documento manuscrito suyo más extenso que se conserva en la actualidad”. Hasta ahora, explica el librero, únicamente se conocían algunas firmas en documentos oficiales y una carta incompleta conservada en Granada.

La aparición de este fondo ayuda también a comprender hasta qué punto la memoria material de Mariana Pineda fue deliberadamente desmantelada tras su ejecución. Rodrigo recuerda que, una vez condenada a muerte, las autoridades irrumpieron en su vivienda y se llevaron prácticamente todas sus pertenencias. “Entraron en su casa y lo arramblaron con todo”, explica. Aquel saqueo, unido al paso del tiempo, convirtió en excepcional cualquier documento original relacionado con la joven liberal.

Quizá por eso la historiadora insiste en que el archivo no puede acabar nuevamente oculto en una colección privada. “La Junta de Andalucía está casi obligada”, afirma. No habla únicamente de una compra patrimonial, sino de una responsabilidad con la memoria colectiva. “Que todo eso esté a disposición de los historiadores y del mundo entero”, reclama. Incluso reconoce que, si hubiera podido permitírselo, ella misma habría adquirido el fondo. “Si yo tuviera 40.000 euros lo compraba”, asegura entre risas.

Paradójicamente, el archivo no acaba de aparecer. Lleva más de dos años buscando comprador sin éxito. Según explica Iker, durante ese tiempo fue ofrecido a distintas administraciones públicas, aunque ninguna mostró interés por adquirirlo. La situación cambió hace apenas unas semanas, cuando el Archivo Histórico Provincial de Granada, dependiente de la Junta de Andalucía, contactó con la librería para solicitar toda la documentación técnica sobre el legado. Desde entonces, la venta permanece paralizada mientras la Administración estudia la operación.

“La pieza está reservada”, explica el librero. El procedimiento, añade, será largo. Primero deberá completarse la valoración técnica del fondo, posteriormente determinar su interés patrimonial, encontrar la correspondiente partida presupuestaria y, finalmente, negociar la adquisición. “Como toda relación con la administración, los procesos son bastante lentos. Llevará meses seguramente”, resume. Astarloa está acostumbrada a este tipo de operaciones. Entre sus principales clientes figuran el Ministerio de Cultura y distintas bibliotecas y archivos públicos autonómicos y provinciales, por lo que el proceso, aunque lento, entra dentro de la normalidad en el mercado del patrimonio documental.

Una oportunidad para reparar parte de la historia

La posible adquisición del archivo llega en un momento en el que la figura de Mariana Pineda ha recuperado parte del reconocimiento institucional y ciudadano que le fue negado durante décadas. Durante el franquismo su nombre desapareció de colegios, homenajes y espacios públicos por representar precisamente aquello que el régimen combatía: la defensa de las libertades y los ideales constitucionales.

Para Rodrigo, sin embargo, todavía queda mucho por recuperar. “Mariana es una figura extraordinaria, no solamente para España, sino para el mundo”, sostiene. La escritora la define como “una de las primeras feministas”, una mujer que defendió la libertad en una época en la que ni siquiera existía un movimiento organizado que reclamara la igualdad entre hombres y mujeres. “Es una persona de estos días nuestros”, resume.

Esa es precisamente la trascendencia del archivo. No solo permitiría conservar el manuscrito más importante que se conoce de Mariana Pineda, sino reconstruir parte de una biografía que durante casi dos siglos permaneció incompleta por la desaparición de buena parte de sus documentos personales. Un legado que sobrevivió a registros, saqueos, al olvido y al paso del tiempo, y cuya incorporación al patrimonio público supondría recuperar una parte de la historia de Andalucía que estuvo a punto de desaparecer para siempre.

Pese a la insistencia de elDiario.es Andalucía por conocer el estado de las negociaciones, la Consejería de Cultura ha preferido no realizar declaraciones sobre la operación, aunque fuentes oficiales sí confirman que se ha preguntado por el lote que está en venta. En todo caso, el desenlace de las negociaciones determinará si uno de los hallazgos documentales más relevantes en torno a Mariana Pineda pasa a formar parte del patrimonio público o continúa en manos privadas.

La presidenta del Congreso de los Diputados, Francina Armengol, ha inaugurado este miércoles el acto de conmemoración del Día Internacional del Orgullo LGTBI, que ha contado con un coloquio y la proyección del documental Un hombre libre, dirigido por la cineasta Laura Hojman, columnista en elDiario.es Andalucía, sobre la figura de Agustín Gómez Arcos. En el evento ha estado presente la ministra de Igualdad, Ana Redondo.

El acto se ha celebrado en la Sala Constitucional con un discurso de la presidenta de la Cámara Baja, Francina Armengol, y un coloquio posterior entre Hojman, la escritora Alana S. Portero y el periodista David Martos. A su término, se ha proyectado el documental sobre Agustín Gómez Arcos, escritor exiliado en Francia durante el franquismo y cuyas obras abordaron cuestiones como la memoria democrática y la identidad de género.

Aquel fue un viaje hacia su libertad creativa y personal. El escritor, nacido en un pueblo de Almería, vivía en represión junto a la comunidad homosexual de Madrid, pero se fue a París. Allí escribió, en francés, algunas de las mejores novelas de la literatura española del último siglo como El cordero carnívoro o María República. Sin embargo, su nombre sigue siendo un desconocido para la gran mayoría de españoles, mientras que en Francia es una institución, sus libros se estudian en los colegios y hasta se han adaptado en óperas.

Según ya informó este periódico, para la cineasta siempre estuvo la idea de conseguir, a través de Gómez Arcos, hablar de “la memoria de nuestro país”. Por eso es importante que la obra del escritor “naciera del dolor, de la rabia y de la necesidad de dar un relato a todas aquellas historias que el franquismo pretende aniquilar, no solo expulsándolas físicamente de nuestro país, sino poniéndoles encima una losa de silencio”. 

La directora de Un hombre libre ha reconocido que hay preguntas que solo podría contestar el protagonista del documental, pero se aventuró a compartir su propia hipótesis: “Supongo que no volvió por ese dolor tan profundo que le dejó la infancia en la posguerra, el señalamiento de su familia republicana... hay heridas a las que es muy difícil volver, lo hacía con sus libros, pero físicamente es otra cosa”.

La bailaora gaditana Sara Baras inaugurará la XXIV Bienal de Flamenco de Sevilla los próximos 11, 12 y 13 de septiembre con su nuevo espectáculo, Infinita, una obra dedicada a las mujeres y a Andalucía con la que ha descubierto que existen “puentes donde antes veía fronteras entre el folclore y el flamenco”. Sobre las tablas del Teatro de la Maestranza se podrá ver esos días a una artista más madura: “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”.

En una entrevista concedida a Europa Press, la artista ha confesado que recibir la noticia de que sería la encargada de inaugurar la Bienal le produjo una enorme emoción. La bailaora, que regresa al festival 14 años después de su última actuación, ha asegurado sentirse ilusionada porque abrirá la cita con un espectáculo dedicado a la tierra. “Estoy realmente feliz y espero que salga tan bonito como yo lo siento”, ha señalado.

Sobre Infinita, ha expuesto que la idea de rendir homenaje a Andalucía surgió de una necesidad personal, pues la artista ha explicado que ha realizado “creaciones a las emociones, al flamenco, a los maestros, a personajes históricos y a muchos momentos que han marcado mi carrera y mi crecimiento artístico, pero la tierra es el origen de todo. Me planteé cómo devolverle a mi tierra todo lo que me ha dado, porque soy quien soy gracias a ella”, ha desgranado. La bailaora ha reconocido además que “nunca pensé que lo haría así, pero coincide con la vigésima creación de la compañía y llega en un momento precioso”.

El recuerdo de Paco de Lucía

En este contexto, la artista ha recordado que su anterior montaje, Vuela, estuvo dedicado a Paco de Lucía por “la necesidad de agradecer al maestro”, al tiempo que ha rememorado que el previo a éste, titulado Alma, fue un homenaje a su padre. “Últimamente mis trabajos nacen de esa necesidad de dar las gracias. Mi baile se ha convertido en puro agradecimiento”, ha expresado.

Así, ha desvelado que ese tributo a Paco de Lucía nació tanto desde una vertiente profesional como personal. “Tuve la gran suerte de conocerle y no tengo palabras suficientes para agradecer haberle tenido tan cerca”. En este sentido, ha explicado que con Vuela ha podido agradecérselo.

Aunque la gira nacional de este espectáculo ya ha concluido, ha avanzado que ahora arranca el periplo internacional, que los llevará a China el próximo mes de noviembre. Por este motivo, ha subrayado que “la esencia de Vuela es como la de Infinita: ese homenaje al maestro nunca va a terminar, siempre formará parte de nuestra manera de bailar y de crear”. “Tras Alma y Vuela, la continuación natural era Infinita”, ha apostillado.

Con respecto a este nuevo espectáculo, Baras ha señalado que existen “muchas diferencias” en comparación con los anteriores, destacando que “al profundizar te das cuenta de que lo que creías sentir por tu tierra es aún mayor, y descubres la grandeza de Andalucía en todos los sentidos”, tras apuntar que este proceso le hace ver que “todavía queda mucho por aprender”.

“Puentes entre el folclore y el flamenco”

A través del flamenco, ha descubierto que donde antes veía fronteras, “ahora hay puentes”. “Antes veía diferencias entre el folclore y un palo del flamenco, y ahora entiendo que están unidos porque nacen de la identidad de un mismo lugar, puedes compartirlo con un lenguaje más ordinario o más exquisito, pero todo viene de la misma raíz. Esa es la gran diferencia de Infinita: ver desde otro punto de vista unas fronteras que toda la vida creí que existían y que realmente no están”, ha desgranado.

En este sentido, la artista ha aclarado que el espectáculo se centra en el baile femenino, aunque huye de simplificaciones geográficas. “Está dedicado al baile de mujeres, sólo hay baile de mujeres, pero no significa que cada bailaora represente a una provincia. De hecho, puede ocurrir que una provincia, vista desde el corazón de una mujer, esté interpretada únicamente por los músicos”, ha matizado.

“Son intérpretes con distintas personalidades que se unen para generar un mismo latido: el alma de Andalucía. Hay coreografías en las que somos siete sobre el escenario y otras en las que estoy yo sola; quizás yo represente a una provincia en solitario, sin necesidad de que se asocie de forma literal una mujer a cada territorio”, ha detallado.

Baras ha señalado que la inspiración para este montaje proviene de “todas las mujeres” y de la propia cultura popular. “La identidad de una provincia no sólo está en el flamenco, sino también en lo que se baila en la calle”, ha apuntado, poniendo como ejemplo que en Málaga se bailan los verdiales, pero “puedes interpretarlos de forma compleja o adaptarte a ese momento de compartirlo con el pueblo, y eso es algo muy bestia”. En este sentido, ha explicado que el reto ha sido “coger esa esencia y llevarla al escenario, combinar la naturalidad de la calle con la seriedad que exige levantar un telón, nos está haciendo crecer muchísimo”, ha confesado.

La “esencia” de cada provincia

De igual modo, ha apuntado que la labor de guion, coreografía y dirección ha sido muy intensa, pues “no se trata simplemente de enlazar palos del flamenco; es la esencia y la identidad de cada provincia pasada por un colador”.

Al hilo de lo anterior, la artista ha subrayado que de Andalucía le inspira “todo”. “El flamenco me ha enseñado que el arte no es cuestión de lucirse, sino de entregarse”, ha destacado, indicando que “no entiendo mi baile sin esa entrega, y ahí está la esencia de todo lo que te rodea”. “Esta tierra es tan rica que puedes inspirarte en un paisaje, en los colores, en un sabor, en un ritmo, en un palo del flamenco, en una forma de cantar o en una manera de recoger aceitunas. Hay un sinfín de cosas importantes que te inspiran”, ha manifestado.

Para la bailaora, Infinita representa a “Andalucía como una flor”. “Las cosas infinitas son maravillosas porque nosotros estamos de paso; esto venía de antes, nosotros lo dejamos y otra persona lo continuará”, ha manifestado, para aclarar que “las cosas verdaderas son infinitas”. “El arte no tiene fronteras porque va directo al corazón y, según quién lo haga, en qué momento y dónde, ejerce una atracción única”, ha explicado.

En defensa de las nuevas tendencias

Sobre sus proyectos de futuro, Baras ha confesado que le queda un sueño muy importante por cumplir: “Que la investigación del síndrome de Rett consiga algo para aliviar esta enfermedad”. En este contexto, ha explicado que es madrina de la asociación Mi Princesa Rett para asegurar que “los años que haga falta seguiré ahí, intentando poner mi granito de arena, porque eso sí que sería una meta grande”.

Respecto a la evolución del flamenco, Baras ha asegurado que “el flamenco vive un gran momento”, algo que atribuye al legado de sus grandes referentes, reafirmando que siente “una profunda admiración por mis maestros como Paco de Lucía, Carmen Amaya, Antonio Gades o Camarón”. “Ellos han hecho que hoy el flamenco sea respetado en todo el mundo; ellos empezaron la evolución y nosotros seguimos intentando mostrar nuestra forma de hacerlo desde el respeto a la tradición”, ha desgranado.

De igual modo, ha defendido las nuevas tendencias actuales, subrayando que “es muy importante que las cosas que se hacen hoy y las fusiones sumen, algo que ocurre siempre que uno tenga su identidad muy marcada”. “Son propuestas que unen y que atraen a otros públicos, a gente que a lo mejor piensa que el flamenco no le gusta y lo descubre a través de otros registros. Me parece muy interesante que la gente lo haga como lo está haciendo actualmente”, ha abundado.

Por último, la artista ha definido Andalucía con el mismo nombre de su espectáculo, señalando que esta tierra es “infinita”. En este sentido, ha concluido que se identifica con palabras como “soñar, sentir, corazón, emoción y pasión”, conceptos que, a su juicio, hacen a esta región una tierra inagotable.

Ha vuelto después de un tiempo y la gente no ha podido ocultar su alegría. ¡Ay, que no se noten las ganas! Cada vez que Manuel Carrasco (Isla Cristina, 1981) canta en Sevilla se viene la emoción.

En los aledaños del estadio de la Cartuja todo han sido sonrisas y nervios. Incluso ansia: “Estoy esperando ya no solamente el concierto de hoy, sino el de mañana”, decía María, que ha sacado entradas para las cuatro citas del artista onubense en la ciudad hispalense en este mes de junio.

Han sido días de mucha purpurina, muchas camisetas personalizadas para la ocasión y muchas neveritas portátiles. Y también mucho abanico para combatir el calor. Ha habido muchas parejas, muchos grupos de amigos y muchas familias que se han juntado para dejarse la garganta y vivir el momento. Y ha habido mucha gente que se ha estrenado, como Martina, de 7 años: “Lanzan fuegos artificiales y confeti”. “Ha llorado dos veces”, apunta su madre.

“Sevilla es punto y aparte”

“Le sigo desde el disco Bailar el viento y desde entonces voy a cada concierto que ha hecho en Sevilla. Sus letras me apasionan y me hacen aflorar muchos sentimientos”, decía Reyes. “Me encanta su lucha por el mundo, por Andalucía… y canta unas canciones a Sevilla del carajo”, contaba Emilio justo antes entrar al estadio.

El amor de Manuel Carrasco con Sevilla es planetario. Es un amor que durará para toda la vida y que no cabe en una sola canción. Como él mismo canta, la ciudad “es punto y aparte”.

Sevilla, la-ra-ra-ra, ha acogido su último proyecto, Salvaje desde la raíz. Esta residencia musical, dividida en cuatro conciertos que ha tenido su última estación en la noche de este sábado, ha servido para repasar los discos de esta última década: Bailar el viento, La cruz del mapa, Corazón y flecha, Pueblo salvaje II y el recién estrenado Pueblo salvaje I.

Un proyecto salvaje

“Se pega casi dos horas y pico dando saltos, cantando, sin parar de animar… es que todo lo que te puedo contar es superchulo”, dice María. “El concierto ha superado mis expectativas. La producción audiovisual ha sido increíble, con un despliegue que no he visto hasta ahora”, describe Migue.

Más de 250.000 espectadores “de toda España, México, Venezuela, Argentina, Puerto Rico y hasta de Estados Unidos” han disfrutado de Salvaje desde la raíz, una ocasión para la que Carrasco se ha rodeado de su banda habitual. También le ha acompañado una orquesta sinfónica con más de una treintena de integrantes y numerosos amigos y artistas como Pastora Soler, Amaral, Miguel Poveda, Vanesa Martín, David Bisbal, Dani Fernández y La Mari de Chambao, entre otros.

Las sorpresas se han sucedido en una residencia que se ha convertido en la mayor producción técnica en directo de un artista español. Un escenario monumental con más de 110 metros de pasarelas, casi 950 metros cuadrados de pantallas 4K y 1.180 focos, drones, fuegos artificiales… El montaje, que ha sido posible gracias al trabajo de más de 1.000 personas es ya uno de los acontecimientos de la carrera del artista isleño.

Pese a algunas críticas por el sonido de los invitados y la altura del escenario o la colocación de las torres de luces y de sonido que reducen la visibilidad, el músico ha sabido meterse a la gente en el bolsillo. “Se comprende que hubiera gente un poco cabreada porque no veía perfectamente el escenario. Pero en todo momento ha habido un rollo brutal. Esa es la tónica general”, señala María. “Me ha parecido un acierto el escenario circular para que pudiera acercarse a todas las zonas de la pista y que así se le viese mejor”, asegura Pilar.

El grito del niño

“Ser salvaje desde la raíz es que no te importe lo que digan mientras tú sepas que tu trabajo y tu corazón van de la mano. Significa defender tus raíces, de donde seas, y llevarlo por bandera por el mundo [...] Porque no hay nada más importante que creer en ti y sentirte orgulloso de lo que eres”, ha explicado el propio Carrasco entre canciones.

Pueblo Salvaje I y II, representan la madurez y la constancia de los años en el sector musical. Los reveses y también el reconocimiento. Con estos álbumes el músico isleño es más reivindicativo. Hace sonar los tambores de guerra y no se calla. Prueba de ello fue su actuación en la Gala Latin Grammy Celebra: La Música de Andalucía donde se puso serio para cantar contra el conflicto de Gaza. “Si la política sirve para cambiar los destinos / no sé qué estáis esperando para acabar con el llanto de los niños palestinos”.

Y también hay sitio para el lado más íntimo, para ese Lolo al que su madre lo llamaba desde el balcón. El músico lleva siempre a Huelva y a Andalucía en la boca. Su tierra, de la que es Hijo Predilecto, es donde encuentra su sitio y donde germina una raíz de la que brota el flamenco y el carnaval. De ahí florece también el arrebato del sur, el lado más salvaje de un pueblo que grita para no dejarse morir.

El origen de todo

El músico onubense se siente como en casa en el estadio de la Cartuja. El 11 de junio de 2016 Sevilla le regaló, durante la gira de Bailar el viento, el concierto más multitudinario de su carrera hasta entonces. Reunió a 45.000 personas que fueron testigos del inicio de su ascensión mediática.

Es sin duda uno de los nombres más reconocidos del panorama musical español y cuenta con el récord de asistencia a un concierto en España: 74.345 entradas vendidas para una sola sesión. Fue precisamente otro 11 de junio, esta vez de 2022, y en el mismo escenario. En esa ocasión se presentó con el trabajo La cruz del mapa (Hay que vivir el momento).

Además, fue el primer solista español en anunciar un concierto en el estadio Wanda Metropolitano donde también agotó las entradas. El directivo que le aseguró que “era un artista para teatros y no daba para más”, erró. A esos que tiran a matar, el músico les entrega una risa –ja ja ja–.

“Orgulloso de lo nuestro”

Con poco más de 20 años, Manuel Carrasco participó en la segunda edición de Operación Triunfo. Quedó segundo en el concurso televisivo y comenzó un largo camino con actuaciones por bares y salas. El joven autor de temas como Sabrás, Tan solo tú o Sígueme nunca dejó de soñar y ahora abarrota estadios.

“Creo que Manuel es un claro ejemplo de que estamos quitándonos ciertos complejos en cuanto a que lo de fuera es lo bueno y lo de aquí no vale. Sentimos orgullo de lo nuestro y de los nuestros. Además, lo ha conseguido desde Isla Cristina, un pueblito donde no pasan tantas cosas como en Madrid o Barcelona, y sin apoyos, lo que, unido a la perseverancia, su humildad y lo más importante, la calidad de sus canciones, hacen que la gente lo compre en Sevilla, en España, y ya incluso en Latinoamérica”, explica Alberto.

“Se sale del concierto con ganas de vivir”, dice María. “¡Vaya espectáculo!”, exclama Carmen. “Lo que más me gusta es que lo veo disfrutar en el escenario… que no es un tío que hace conciertos por hacerlos”, destaca Pilar.

Manuel Carrasco, que ha anunciado un descanso hasta 2028, ha finalizado su residencia en Sevilla haciendo lo que ha querido: repartir música y dar cariño. También recibirlo. Es un afortunado y tiene el poder. Quien quiera pararlo, no podrá.

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

A Emilia Llanos el olvido la sometió en vida, eligiendo su propia muerte social, y la persigue hasta el día de hoy, más de medio siglo después de su fallecimiento. Leyendo estas líneas, quizás pocas personas puedan saber quién fue, salvo por el titular de este reportaje, pero Emilia resultó ser tan relevante en la Granada de hace un siglo, que su sola presencia fue esencial en la vida de Manuel de Falla, Ismael González de la Serna y sobre todo Federico García Lorca. Era la dama de la Granada más cultural de principios del siglo XX y hoy es su seña invisible.

Nacida en Villanueva del Arzobispo (Jaén) en 1885, su vida sería la de una cuna de clase media-alta. Hija de Guardia Civil, hermana y descendiente de militares, Emilia Llanos vivió rodeada de un abolengo del que, cuando los años y una enfermedad respiratoria la recluyeron durante algún tiempo en la casa de Granada a la que fue a vivir, logró escapar a través del arte y la literatura. Encerrada entre cuatro paredes, la que acabaría siendo el amor platónico de Lorca, fue la mujer más intelectual de los años 10, 20 y 30 del pasado siglo de la ciudad.

Interesada por escritores de otros países, por el arte menos conocido y por los temas que merecían ser debatidos en tertulias, logró situarse como el referente para la generación de plata del ambiente artístico granadino. Así lo recuerda José Javier García Montero, uno de sus mayores estudiosos: “Ismael de la Serna, Manuel de Falla o Federico acudían a ella atraídos por su conocimiento del arte y la literatura”. Causando, además, un interés físico que, por su belleza, era prácticamente obligatorio.

Pero cómo no iba a causar interés una mujer que además vivía en la Alhambra. Primero en la Puerta del Vino y después en la Calle Real del monumento nazarí, Emilia Llanos estableció en la ciudad palatina su cuartel general de sueños. Allí leyó, aprendió y divulgó las novelas, los ensayos y las líneas que llegaban a sus manos y que permitieron ser libre a una mujer de una época en la que la libertad no siempre estaba disponible para ellas. A principios del pasado siglo, comenzó a moverse por el ambiente intelectual granadino, lo que acabaría uniéndola de por vida a Federico García Lorca.

La musa de Federico

De hecho, el encuentro entre Federico García Lorca y Emilia Llanos tiene algo de mito fundacional. Agosto de 1918. Él, un joven inquieto que todavía no había construido el nombre que hoy lo atraviesa todo y ella, una mujer ya formada, trece años mayor, que leía a Maurice Maeterlinck cuando casi nadie en Granada sabía siquiera pronunciarlo. Bastó una visita para que al día siguiente Lorca regresara solo con un ejemplar dedicado de “Impresiones y paisajes”. “A la maravillosa Emilia Llanos, tesoro espiritual entre las mujeres de Granada”, escribió. No era una fórmula. Era una declaración de intenciones.

A partir de ahí, la relación se sostuvo en algo más profundo que la fascinación inicial. Paseos por la Alhambra, conversaciones interminables, libros que iban y venían, versos leídos en voz alta antes de ser publicados. “Llegaron a ser confidentes absolutos”, dice García Montero. Y añade una afirmación que tensiona el relato más conocido: “Yo creo que sí hubo romance”. Las cartas, con su lenguaje de cortejo, y la insistencia de Lorca en convertirla en interlocutora única, apuntan a una relación que desborda lo estrictamente intelectual sin necesidad de ser reducida a una historia de amor convencional.

Un intercambio de misivas entre ambos es lo que mejor explica esta relación. A finales de 1920, un Federico que ya vive en la Residencia de Estudiantes de Madrid y que está completamente embelesado por Emilia, le escribe confesándole su admiración romántica: “Ayer paseaba por la Carrera de San Jerónimo y vi a una mujer que se parecía a ti: igual de alta, igual de elegante”. Llega incluso a rogarle que le envíe una fotografía “para que pueda verte más a menudo” y a cambio él le dedicaría un poema. A lo que la propia Emilia contesta días después rebajando las expectativas y la emoción del artista granadino. “Le dice amigo varias veces en su respuesta”, explica García Montero.

Un rechazo que, lejos de suponer el final de la relación entre los dos, acabará teniendo episodios que algunos estudiosos asumen que fueron de algo más que amigos, sobre todo en sus encuentros madrileños. Hay pruebas incluso de que Emilia fue importante en la creación de “Doña Rosita la soltera”. Todo pese a que a Vicenta, la madre de Federico, no le gustaba demasiado por ser “demasiado avanzada a su época”. Pese a ello, la relación entre ambas también acabó siendo duradera y cordial.

Porque si algo define a Emilia Llanos en ese vínculo es que no ocupa el lugar que la historia suele reservar a las mujeres: no es musa, no es acompañante, no es nota al pie. Es parte activa de la conversación cultural de su tiempo. Participa en la organización, junto con Manuel de Falla, del Concurso de Cante Jondo de 1922, se sienta en las tertulias donde apenas había presencia femenina y se convierte en referencia para quienes pasaban por la ciudad. “Era la persona a la que acudían cuando venía alguien importante a Granada”, explica el investigador. No estaba en los márgenes: sostenía el centro.

Marchante de antigüedades

Su vida, además, desborda cualquier etiqueta simplificadora. Comerciante de antigüedades, intermediaria en operaciones de alto nivel artístico, anfitriona de intelectuales, modelo en campañas publicitarias de la época. Amiga de Zenobia Camprubí, la mujer de Juan Ramón Jiménez, con la que llega a establecer una relación en el mundo de la compraventa de reliquias. Emilia, en palabras de su estudioso, “era muy importante, influyente en muchos aspectos”. Y, sin embargo, sometida a un control constante: no podía pasear sola, necesitaba acompañante, vivía dentro de un corsé social que limitaba incluso la expresión de sus propios deseos. “Qué tonta fui”, llegaría a escribir años después al recordar un poema que Lorca le dedicó. La conciencia de lo que no pudo ser también forma parte de su biografía.

El verano de 1936 rompe definitivamente ese equilibrio precario. El asesinato de Lorca no sólo acaba con una vida: desmantela otra. Emilia intenta intervenir, mover contactos, llegar a quienes podían frenar lo inevitable. “Hizo lo imposible”, señala García Montero. Hay constancia de gestiones incluso con el militar golpista Queipo de Llano, que le contestó quitándose la responsabilidad. Hubo llamadas e intentos de activar influencias en el entorno del poder fascista. No fue suficiente. Y ese fracaso -más que una culpa directa- se convierte en una losa que ya no abandonará.

A partir de ahí, el relato se vuelve opaco. Emilia se encierra en su casa de Plaza Nueva, a la que se trasladó después de abandonar la Alhambra, reduce su vida al mínimo, desaparece del espacio público. “La vida se le rompe”, resume el investigador. Durante años apenas hay rastro de ella, más allá de una existencia suspendida, atravesada por la ausencia. Se sabe que llegó a ser contratada en la propia Alhambra como guía, puesto que pocas personas la conocían mejor que ella. Pero ni escribe, ni publica, ni reconstruye su lugar en la ciudad que había habitado con tanta intensidad. El olvido, en este caso, no llega desde fuera: comienza como una decisión íntima, como una forma de supervivencia.

No será hasta mediados de los años cincuenta cuando vuelva a asomarse, empujada por la investigación de Agustín Penón sobre la muerte de Lorca. Entonces colabora, aporta información, incluso plantea la posibilidad de adquirir terrenos donde podría estar enterrado el poeta. También desliza una idea que sigue incomodando décadas después: que Lorca no se encuentra en Víznar. Su papel en la construcción de la memoria del escritor es activo, pero vuelve a quedar en segundo plano.

El olvido de ser mujer

¿Por qué? La respuesta, en realidad, es más estructural que biográfica. “Lo que ha pasado en Granada es lo que le ha pasado a las mujeres”, afirma García Montero. Emilia no dejó obra firmada, no publicó libros, no construyó un legado que pudiera archivarse en bibliotecas. Su aportación fue otra: tejer relaciones, sostener espacios, impulsar conversaciones. Y esa forma de estar en el mundo, fundamental pero invisible, es la que la historia ha tendido a borrar.

Falleció en agosto de 1967, 31 años después del asesinato de Lorca. Hoy, su tumba en el cementerio de Granada -elegante, discreta, casi silenciosa- funciona como metáfora de todo lo demás. Hace unos años estuvo a punto de ser desahuciada por los impagos propios de una descendencia que tampoco la recuerda. “Tuve que pagar 1.500 euros de mi bolsillo para salvar el nicho porque la querían trasladar a un osario común”, confiesa García Montero.

Afortunadamente, la intervención del estudioso salvó el espacio físico en el que reposa una mujer tan adelantada a su tiempo, que el tiempo se olvidó de ella. Allí descansa una persona que fue central en su época y que, sin embargo, ha quedado fuera del relato. No por falta de relevancia, sino por la manera en que decidimos contar la historia. Porque a veces no se trata de quién estuvo, sino de a quién decidimos mirar.

Josefina Molina, directora pionera del cine español, ha fallecido este sábado a los 89 años en Madrid. La noticia ha sido confirmada por la Academia de Cine. Junto a Pilar Miró y Cecilia Bartolomé, fue una de las pocas mujeres de su generación que pudo dedicarse al séptimo arte, siempre desde una mirada feminista y comprometida con los derechos de las mujeres. 'Función de Noche' (1981) y 'Esquilache' (1988) fueron dos de las películas que componen su valioso legado.

La directora de cine y teatro, guionista, realizadora de televisión y novelista nació en Córdoba en 1936, poco tiempo después de que estallase la Guerra Civil. Su padre era tendero y comerciaba con calzado y productos de droguería, mientras que su madre se dedicaba a las labores del hogar. Gracias al buen rendimiento del negocio familiar, pudo acudir a buenos colegios y disfrutar una infancia sin privaciones, pese a estar en periodo de posguerra.

El cine formó parte de su vida desde pequeña, ya que sus padres solían llevarla todos los domingos por la tarde. Pero fue 'El río' de Jean Renoir, cuando ya tenía quince años, la película que le dejó fascinada y germinó su vocación de querer contar historias. No tardó en empezar a forjarse su camino, siendo asidua en videoclubs y coloquios sobre cine, fundó el colectivo dramático Teatro Ensayo Medea. En 1962 empezó a colaborar en el programa radiofónico 'Vida de espectáculos', emitido por Radio Vida, a través de una sección titulada 'La mujer y el cine'.

La primera directora de la Escuela Oficial de Cine

Josefina Molina tuvo pronto claro que quería estudiar cine, pese a que sus padres le rogaron que optara por una carrera 'normal'. Pese a que consiguió convencerles, tuvo que esperar hasta cumplir 21 años para entrar en la Escuela Oficial de Cine, antes denominado Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.

Terminó presentándose a sus exámenes de ingreso tras cumplir 26 y, de los 103 aspirantes, solo ocho logaron entrar. Todos hombres, salvo ella. Sus primeros trabajos dentro del cine marcaron el tipo de obras que realizaría después, con cortometrajes en los que las protagonistas, siempre mujeres, escapaban de los estereotipos femeninos de las películas de la época.

El cineasta Carlos Saura fue uno de sus profesores, cuyo suspenso provocó que tuviera que repetir curso. Solo dos alumnos pasaron a segundo, y ella estuvo a punto de dejarlo. Finalmente, continuó, y en 1969 se convirtió en la primera mujer en obtener el título de directora/realizadora en la institución. Al año siguiente siguió sus pasos Cecilia Bartolomé, y después, Pilar Miró, en la especialidad de guion.

En aquella época trabajó como ayudante de realización de varios espacios dramáticos para Televisión Española, como 'Estudio 1' y 'Hora 11'. En 1968 le encargaron una adaptación de 'La metamorfosis de Kafka', y a partir de ahí se afianzó como una de las principales realizadoras de La 2. Adaptó y dirigió otros montajes como 'Motín de Brujas' de José María Benet, 'No puede ser el guardar una mujer' de Agustín Moreto y 'La Lozana Andaluza' de Rafael Alberti.

Entre las series de televisión más destacadas está 'Teresa de Jesús' (1984), en la que narró la vida de Santa Teresa, encarnada por Concha Velasco, en también uno de los papeles más destacados de su carrera. En la pequeña pantalla filmó igualmente 'El camino' (1978) y 'Entre naranjos', adaptando la novela de Vicente Blasco Ibáñez. Josefina Molina es también la responsable de la exitosa adaptación de 'Cinco horas con Mario' inmortalizada por Lola Herrera.

'Vera, un cuento cruel', su ópera prima

El salto al cine de Josefina Molina llegó en 1973, con la adaptación de 'Vera, un cuento cruel', protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Julieta Serrano y Alfredo Mayo. El guion lo coescribió junto a Lola Salvador Maldonado. Fue la única película de terror del tardofranquismo escrita y dirigida por mujeres. El filme aportó la visión femenina de un subgénero tradicionalmente masculino, el 'fantaterror' español.

En la cinta, una joven enterrada en la cripta de su mansión empieza a aparecerse a su marido, que tiene la progresiva locura que le hace pensar que aún está viva. Su oscuro mayordomo es, sin embargo, su única compañía. El largometraje fue a su vez el debut cinematográfico de los hermanos Miguel Bosé y Lucía Dominguín.

Su siguiente trabajo en la gran pantalla llegó seis años después, con su participación en 'Cuentos eróticos', donde dirigió uno de los relatos que conforman la película, 'La tilita'. El golpe definitivo encima de la mesa lo dio con 'Esquilache' (1988), por la que obtuvo 12 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor película y Mejor dirección. El drama situaba la acción en la era napoleónica, trazando un lúcido paralelismo con la España de finales de los años ochenta, liderada por Felipe González.

Tres años más tarde, Josefina Molina dirigió su última película, 'La Lola se va a los puertos', adaptación de los hermanos Machado con Paco Rabal y Rocío Jurado.

'Función de noche', su obra maestra

Josefina Molina es la responsable de una de las grandes joyas del cine español, 'Función de noche'. Dirigida en 1981, y a caballo entre la ficción y el documental, desgrana hasta las últimas consecuencias el final de un matrimonio. En ella, Lola Herrera y Joaquín Dicenta se interpretan a sí mismos en una durísima conversación que mantienen en el camerino donde la actriz se prepara para la siguiente función de 'Cinco Horas con Mario'.

El largometraje fue toda una revolución, por cómo mostró a una mujer hablando son tapujos sobre el yugo del patriarcado al que estuvo sometida desde niña y sus condenatorias consecuencias. La dificultad para deshacerse de él y el dolor de darse cuenta de todas las veces que no se puso por delante, que aceptó un trato que no merecía y se sometió por el mero hecho de 'ser mujer'.

El testimonio de Lola Herrera es poderoso porque, a pesar de la profunda tristeza y sacudida a los cimientos –por mucho que no fueran los mejores– implica poder elegirse, en singular, y pensar en qué quiere hacer a partir de entonces con una reveladora información que atañe a su insatisfacción sexual, la normalización de las infidelidades de su pareja y el desentendimiento de este por sus hijos tras su divorcio.

Un legado para todas

Josefina Molina fue una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), de la que era presidenta de honor, junto a Inés París, Chus Gutiérrez, Itziar Bollain, Helena Taberna e Isabel Coixet, entre otras muchas profesionales.

En 2012 logró otro hito ganando el Goya de Honor, convirtiéndose en la primera mujer directora de cine en llevárselo. “Sé que estoy aquí representando a otras mujeres de generaciones anteriores que se han dedicado a este oficio del cine, cuando no era nada fácil”, pronunció al recoger el galardón en la voz de Patricia Ferrera. La cineasta compartió su reconocimiento tanto con ellas como con CIMA, por haber sabido “sustituir el aislamiento por la solidaridad” y “cuya labor por la visibilidad de las mujeres cineastas de este país es constante”. En 2019 recibió el Premio Nacional de Cinematografía.

La Academia del Audio ha anunciado, en su primera reunión presencial celebrada este jueves en el contexto de Prosodia, la próxima convocatoria de la primera edición de sus premios. La recepción de candidaturas se abrirá antes de que finalice el año, probablemente en octubre, con la intención de celebrar la entrega de estos galardones en marzo del próximo año. La entidad que reúne a los profesionales del audio en español reconocerá el talento, la creatividad y el impacto de podcasts y audiolibros en distintas categorías, aún por definir, entre las que se encontrarán mejores producciones de narrativa de ficción, narrativa de no ficción, conversacional o audiolibro, por ejemplo.

Prosodia, el encuentro del podcast en español, ha reunido en su cuarta edición a más de un centenar de profesionales del audio que asistieron este 28 de mayo a un acto inaugural en el que participaron Silvia Pozo, delegada de la Consejería de Salud y Consumo de la Junta de Andalucía en Sevilla; Carmen Rodríguez Quirós, directora gerente de Inpro, de la Diputación de Sevilla; y Fernando Mañes, director del Área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla.

Exilio español a Chile

Entre los distintos momentos destacados del evento figuran la intervención de Juanlu Sánchez, subdirector de eldiario.es y director de Un tema al día, sobre la convivencia del podcast diario informativo con la radio convencional; la presentación del Informe sobre el podcast conversacional en España, en el que la profesora Emma Camarero y la productora Ángela Ruiz analizan el formato de más éxito en el sector; o la grabación en directo de la presentación del nuevo capítulo de Hechos Reales, en colaboración con Las Raras, sobre el patrocinio de Pablo Neruda del buque Winnipeg en el que miles de republicanos españoles salieron en 1939 camino del exilio en Chile.

En la tarde del jueves, las responsables de comunicación del Hospital Reina Sofía de Córdoba y el Hospital Clínic de Barcelona, Gema Timón y Laia Sánchez, relataron de forma detallada el formato testimonial del podcast Lo grabé en silencio, en el que mujeres supervivientes de cáncer de mama cuentan su experiencia, incluso lo que nunca se atrevieron a compartir con familia y amigos. Los profesionales de la comunicación, la salud mental, la investigación biomédica y la oncología que gestionaron la iniciativa han detallado sus beneficios para la salud de las pacientes y han anunciado que ya trabajan para convertirla en un ensayo clínico durante 2027 que, si concluye con éxito, convertirá la grabación testimonial en una herramienta terapéutica más con la que podrán contar los oncólogos en el tratamiento de sus pacientes.

En otros momentos de Prosodia, el centenar de profesionales de la creación, producción y difusión que se ha reunido estos dos días en Sevilla ha compartido sus últimos proyectos y ha debatido sobre temas tan diversos como el necesario rigor en el diseño, grabación y publicación; la búsqueda de la belleza y la poesía en el audio; el éxito de productos infantiles y juveniles, o los de formación; y la potencialidad del podcast para transformarse en otros formatos audiovisuales.

Prosodia se ha celebrado gracias al respaldo de Fundación Cajasol, que ha acogido el encuentro en sus instalaciones de la Plaza de San Francisco. Además, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Diputación de Sevilla, el Ayuntamiento de Sevilla, la Universidad Internacional de Andalucía y la compañía biofarmacéutica Sobi; y la colaboración de la Asociación de la Prensa de Sevilla (APS) y la Asociación para el Progreso de la Comunicación (APC).

Eurovisión, Cannes, las olas de calor… las señales de que el verano está a la vuelta de la esquina se multiplican. En el sur, sin duda, una de las más significativas para los amantes del cine es la celebración del Festival de Cine Africano (FCAT), que se celebra a caballo entre Tarifa y Tánger. Desde hace casi un cuarto de siglo el festival liderado hasta el año pasado por la brillante Mane Cisneros ha tendido puentes entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar, para satisfacer nuestros deseos cinematográficos más exigentes.

El FCAT ha arrancado este fin de semana apostando por esa vanguardia cinematográfica africana, que no se deja encorsetar por los géneros: la joya Memoria de la princesa Mumbi, un falso documental de ciencia ficción dirigido por el keniano Damian Hauser. A lo largo de una semana, más de medio centenar de películas de una veintena de países africanos conformarán una programación exquisitamente curada, en la que el 40% de las obras seleccionadas están dirigidas por mujeres.

Quien no solo quiera disfrutar del cine en pantalla grande, sino también aprender más sobre este arte centenario, tendrá la oportunidad de hacerlo con expertos en cine africano de la talla de Javier H. Estrada –codirector de la Seminci–, o de antirracismo audiovisual como Beatriz Mbula.

De Cádiz a Huelva, pasando por Granada y haciendo un alto en un pueblito de Jaén, en Sorihuela del Guadalimar, donde la emprendedora actriz Amada Santos y su socio Sitoh Ortega han sacado adelante un familiar festival de cine, que ha conseguido, por derecho propio, formar parte del circuito de festivales de cortometrajes adscritos a los Premios Fugaz. Este año van, entre el 8 y el 13 de junio a por la cuarta edición. A finales de julio celebraremos que Granada recupera un clasicazo: Cines del Sur, dirigido por el mítico productor andaluz José Sánchez Montes, que vuelve a abrirle una ventana europea al mejor cine de Asia, África y Latinoamérica.

Pero antes, el día 4 de julio viajamos hasta otro enclave privilegiado del litoral andaluz como Islantilla, la bella mancomunidad onubense mecida por las brisas del océano Atlántico. En manos del prolijo Esteban Magaz, un cinéfilo capaz de conformar una extraordinaria programación con un centenar de cortometrajes y una decena de documentales, tras visionar más de 1.000 obras procedentes de medio centenar de países.

El festival más largo del mundo

Superada la mayoría de edad (el festival, no Esteban…), el director del festival –y también de cine– ha logrado que Islantilla se convierta en un punto cinematográfico imprescindible de la temporada estival. A las agradables temperaturas de la costa onubense se suman la alta calidad de las obras seleccionadas, la acogedora familia que Magaz ha ido conformando a lo largo de estos años y una corte de grandes cineastas homenajeados como Antonia San Juan, Alberto Rodríguez o Roberto Álamo, Terele Pávez, Ana Torrent, Verónica Forqué o Chico Ibáñez Serrador, entre otros.

Y como anécdota: es, posiblemente, uno de los festivales más largos del mundo… ya que dura desde comienzos de julio hasta finales de agosto. Dos meses.

El relevo a Islantilla nos llega desde Cádiz. En concreto, desde Chiclana, donde se celebra Generamma, uno de los festivales más singulares de nuestro país, ya que es el único organizado exclusivamente por una asociación feminista: la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (Aamma), presidida por la productora Pilar Crespo.

Especializado en cine dirigido por mujeres (un valor inapelable del cine español que ha marcado algunos de los mayores éxitos de nuestra cinematografía a nivel internacional), Generamma atrae un ambiente alegre, festivo y relajado propiciado por sus propias socias y un equipo entregado y encantador.

De Chiclana a Conil

Entre el 15 y el 19 de septiembre de este año, el festival llega a su sexta edición estrenando nueva dirección: la de Cristina Consuegra, una experimentada periodista, comunicadora, programadora y gestora de eventos cinematográficos, que coordina la programación extendida del Festival de Málaga (MaF) y Forbes la eligió en 2023 una de las profesionales más creativas del mundo empresarial.

Sin salir del litoral gaditano, el colofón a este verano de cine lo pone Conil, que, con su tercera edición a finales de septiembre, se consolida como una de las citas estivales imprescindibles para los cinéfilos de nuestro país.

Al frente de Conil de Cine se encuentra un artístico triunvirato formado por la actriz Raquel Guerrero (hilarante en su papel de la exitosa serie Machos alfa), la también actriz y productora Noelia Muñoz y la gestora cultural Isabel Sánchez.

Conil ofrece así un fin de semana de cine a orillas del litoral gaditano, con una mezcla explosiva de cortometrajes internacionales, encuentros profesionales y amor por una de las joyas de la historia de la cinematografía española: el cine quinqui.

El largometraje Memory of Princess Mumbi (Memorias de la princesa Mumbi), de Damien Hauser, ha abierto este viernes la 23ª edición del Festival de Cine Africano de Tarifa y Tánger (FCAT) reivindicando el “nuevo misticismo africano”. Una inauguración que ha recuperado la Cinemateca de Tánger como espacio de proyección y que ha acogido una gala inaugural en la que se ha nombrado como nueva embajadora del festival a la actriz, productora y periodista Cayetana Guillén Cuervo, quien se une así a Rossy de Palma en el madrinazgo de la cita con los cines de África.

Memory of Princess Mumbi fue la ganadora de FCAT LAB 2025 y se estrenó mundialmente en el Festival de Venecia. El joven cineasta keniano-suizo Damien Hauser, junto a la actriz protagonista de la película, Shandra Apondi, han acudido a la gala de apertura para acompañar este original filme que reivindica el misticismo africano. Según ha compartido el director, la película se pudo terminar gracias al FCAT LAB y “venir aquí a presentarla es como cerrar el círculo”.

En la gala inaugura, el alcalde de Tarifa, José Antonio Santos, ha reconocido en su intervención que “la cultura hay que transmitirla desde la infancia, es el dinero mejor invertido”. Por su parte, José María Davó, delegado de Cultura de la Embajada de España en Rabat, ha recalcado la importancia cultural de los pueblos hermanos: “Hay que convertir a España y Marruecos en un centro de intercambio cultural”.

El FCAT ha recibido en Tánger a Cayetana Guillén Cuervo, nueva embajadora del FCAT, “una mujer que hace y protege el cine”. La presentadora y actriz ha querido agradecer al FCAT considerarla como madrina por su “energía, marca y activismo cultural”. En palabras de Guillén Cuervo, “este festival ayuda a entendernos a nosotros mismos y a entender al otro, teje una telaraña de protección, de respeto y de cercanía a la cultura”.

Batucada y proyecciones especiales en Tarifa

La gala ha sido presentada por la actriz y cantante Mouna Diaj, y ha contado con la bienvenida musical de la agrupación local Dakka Marrakchia y la actuación de Chica del Bosque & Sirifo Kouyate, cantautora sevillana y cantautor senegalés, que fusionan la kora africana con la guitarra y voz andaluza.

En Tarifa se ha celebrado de forma simultánea el arranque de la 23ª edición, también con la proyección de Memory of Princess Mumbi, en un acto de bienvenida acompañado por Bastián Castillo, coordinador de Árbol de las Palabras, y Daniella Verektenidi, responsable de personas invitadas.

El inicio de esta bienvenida ha corrido a cargo de la batucada Levantuka, que ha llenado de ritmo y música las calles de Tarifa en un recorrido desde la Calzada hasta la Alameda. El pasacalles, iniciado en la iglesia de San Mateo y culminado en el teatro, ha congregado a numeroso público y ha creado un ambiente festivo en las inmediaciones del FCAT.

También ha tenido lugar, de forma previa a la inauguración oficial, la proyección especial de El sueño de Íñigo, un guión imaginado, de Nieves García Benito. La tarifeña ha presentado el documental junto a Valeria Reyes, una obra concebida para honrar la memoria de su hijo, Íñigo Vallejo, y arrojar luz sobre las circunstancias de su fallecimiento en 2010 mientras trabajaba en Salvamento Marítimo. El joven perdió la vida en un accidente de helicóptero y, años después, su madre ha querido profundizar en las causas de aquel trágico suceso a través de esta película.

El Teatro de la Maestranza de Sevilla ha presentado la programación para 2026/27, una temporada que tiene al amor por bandera y que incluye propuestas de grandes títulos como Rigoletto, de Guiseppe Verdi, y La bohème, de Giacomo Puccini, así como recitales de estrellas de la lírica como Ainhoa Arteta. Además, acogerá los tradicionales conciertos de Navidad y de Año Nuevo, por parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el espectáculo La Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach, y la obra de Anderesen El patito feo destinada al público infantil.

El coliseo del Paseo Colón se suma, además, a la conmemoración del centenario de la Generación del 27 con el estreno de la ópera Bodas de sangre, de Manuel Busto. El Maestranza también prevé actuaciones de artistas andaluces de la talla de Javier Perianes, Pablo Heras-Casado y Tomatito.

El acto de presentación oficial de la nueva temporada, que tiene como lema Amor en vivo, ha estado presidido por la consejera de Cultura y Deporte en funciones, Patricia del Pozo, en calidad de presidenta del Consejo Rector, y ha contado con la participación del presidente de la Diputación, Javier Fernández; la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Paz Santa Cecilia Aristu, y el director general del Teatro, Javier Menéndez, entre otros.

El Maestranza ofrecerá 12 propuestas de “altísimo nivel” en esta nueva temporada, que se inaugura oficialmente el 2 de septiembre con una “espectacular” Gala Wagner a cargo de la prestigiosa Orquesta del Festival de Bayreuth. Esta modalidad destaca este año por recuperar títulos históricos y presentar proyectos largamente esperados.

El talento de la tierra

Entre los grandes acontecimientos líricos sobresale el regreso de Roméo et Juliette de Gounod, que vuelve a las tablas del Maestranza 20 años después, con funciones programadas para finales de octubre de 2026. Asimismo, la emotiva La bohème regresa “por todo lo alto” tras una década de ausencia, con un despliegue de funciones en el mes de diciembre que incluirá un preestreno especial para menores de 30 años.

El talento de la tierra “se reivindica con fuerza” a través de dos hitos contemporáneos: el estreno en Sevilla de La clausura del amor, de la compositora Reyes Oteo (26 y 27 de febrero de 2027), y el estreno de la nueva ópera Bodas de sangre (6 y 8 de mayo de 2027), firmada por el compositor palaciego Manuel Busto. Esta última cita contará además con la voz de la soprano de Los Palacios Aurora Galán, y la participación de la Escolanía de esta localidad.

El broche final a este bloque lo pondrá la ópera Rigoletto de Verdi, cuyas funciones se extenderán desde finales de junio hasta su clausura definitiva el 3 de julio de 2027. La propuesta lírica se completará con citas de gran nivel como el XXII Certamen de Nuevas Voces Ciudad de Sevilla, la Gala Lírica con Anna Netrebko, la producción barroca L'Orfeo de Monteverdi, una Gala de Zarzuela con Ainhoa Arteta y José Bros, la célebre obra Luisa Fernanda y un recital lírico de Ermonela Jaho.

Programación de danza

El Maestranza recibirá siete propuestas internacionales y nacionales de primer orden en un formato dinámico. La danza arrancará en noviembre de 2026 con el prestigioso Béjart Ballet Lausanne y su espectáculo De Béjart a Béjart, seguido en Navidades por la original propuesta Duck Pond de la compañía Circa.

El año 2027 se iniciará con el Ballet Nacional de Ucrania interpretando La bayadère, para continuar con las producciones de Les Ballets Espagnols de La Argentina y el Malandain Ballet Biarritz con Las cuatro estaciones en febrero, lo que se completa con el toque de humor de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo en abril. El ciclo se cerrará los días 21 y 22 de mayo de 2027 con la esperada producción Afanador a cargo del Ballet Nacional de España.

Asimismo, el sinfonismo y los grandes solistas internacionales se darán cita en 12 propuestas repartidas a lo largo de la temporada. El público podrá disfrutar de citas como el Réquiem de Mozart con la Camerata Salzburg a principios de noviembre de 2026, el piano del virtuoso Javier Perianes, o el tradicional El Mesías de Händel con la Orquesta Barroca de Sevilla antes de Navidad.

Ya en 2027, será el turno de la Orchestra Filarmonica della Scala bajo la batuta de Riccardo Chailly el 20 de enero, el piano de Yuja Wang el 5 de febrero y la Royal Concertgebouw Orchestra, dirigida por Klaus Mäkelä, el 13 de febrero.

Conciertos y jóvenes audiencias

En el apartado de músicas actuales, el artista sevillano Manuel Lombo interpretará el 20 de febrero de 2027 su espectáculo Piano piano. Compartirá cartel de temporada con referentes como María José Llergo, Kiki Morente & Lagartija Nick reviviendo el mítico Omega, el fado de Carminho, Salvador Sobral, la guitarra flamenca de Tomatito en abril, Ute Lemper y el pop histórico de Los Secretos en junio de 2027.

Por su parte, el compromiso formativo y familiar se consolida con más de 14 propuestas que incluyen los reconocidos ciclos de la Fundación Barenboim-Said y Juventudes Musicales, junto a espectáculos didácticos para colegios y familias como Soñando el carnaval de los animales y Alicia en el país de las maravillas.

Durante el encuentro, las autoridades han coincidido en señalar la relevancia de este espacio escénico de primer nivel como el “auténtico corazón cultural de Sevilla y de todo el sur de España”. El director del Maestranza se ha mostrado convencido de que “la mejor forma de enamorar es la honestidad, jamás renunciar a la esencia y creer en nuestra grandísima capacidad de conquista”.

En palabras de Del Pozo, bajo el reclamo de Amor vivo, el Maestranza vuelve a convocar para su nueva temporada a los mejores intérpretes, orquestas y compañías. “Más de 80 días de actuaciones, con fuerte acento y talento andaluz, en la que destaca la ópera de Manuel Busto sobre Bodas de sangre”.

Por su parte, Javier Fernández ha ratificado “el firme compromiso de la Diputación con el sostenimiento y proyección del espacio, felicitando expresamente a todos los agentes implicados en el diseño de una programación excelente”. “La institución que represento no sólo participa como un propietario más de este edificio, sino que en su día tuvimos mucho que ver en la construcción y en la participación de lo que hoy significa el gran corazón cultural de la capital y la provincia”.

La obra Gramática del desorden, del onubense Enrique Zumalabe, ha sido la ganadora de la 46 edición del Premio Iberoamericano de Poesía Juan Ramón Jiménez, dotado con 25.000 euros y la publicación del libro. Con este premio la Diputación de Huelva rinde homenaje al Nobel moguereño y gran poeta universal, al tiempo que incentiva la producción literaria en el ámbito de la poesía. Además, es la primera vez que gana este premio un onubense.

Los encargados de comunicar el fallo y el nombre del ganador han sido el presidente de la institución provincial, David Toscano; el alcalde de Moguer y presidente de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Gustavo Cuéllar, acompañados por el director de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Antonio Ramírez Almansa, y el presidente del Jurado de esta edición, Juan José Téllez.

El presidente de la Diputación ha apuntado que este año se han recibido 654 obras y con “importante presencia iberoamericana: 88 poemarios de la República Argentina, 58 de Colombia, 49 de México y 30 desde Chile.

El presidente del jurado ha indicado que “ha sido complicado por la calidad notable de los textos presentados”, mientras que el autor, al que han llamado para comunicarle el fallo, ha agradecido el precio y ha mostrado su sorpresa porque ha confesado que creía que “no tenía posibilidades de poder ganarlo, toda vez que ha comentado que, además, ha estado destinado algunos años por sus labores profesionales en Moguer.

Obra

Enrique Zumalaba (Huelva, 1977) cursó Magisterio y Psicología en la Universidad de Sevilla. Entre otros quehaceres, formó parte del consejo editorial de la publicació La Cinta de Moebius. También fue creador de la revista Psiqueactiva. Ha sido colaborador de Uniradio (la radio de la Universidad de Huelva) en programas dedicados a la cultura y a la literatura entre los años 2007 y 2014.

Entre sus obras, se encuentra No todo es Juan Ramón, todo es Juan Ramón (2006), Literatur. I Encuentro de narrativa breve, y dentro de la colección Poesía Nueva que con motivo del Ciclo de Conferencias, Acercamiento (Huelva: Diputación Provincial, 2006). Parte de su obra poética permanece inédita, entre ella los poemarios Tus poemas (diez intentos fatales de huida desesperada) (2001), Donde nunca has estado (2001) y Resurrección de un libro (en preparación). También, ha publicado Además del Llanto (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2014) y La lluvia o la mañana (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2018). En cuanto a la narrativa, tiene un libro de relatos inédito Cometiendo errores (2001).

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha incorporado a su colección la donación de obras de arte y fondos documentales pertenecientes al reconocido gestor cultural y referente del arte contemporáneo José Guirao Cabrera, que fuera ministro de Cultura con Pedro Sánchez. Esta aportación, que reúne 204 obras de arte y 1.824 piezas documentales, ha sido posible gracias a la mediación de su hermana, Beatriz María Guirao Cabrera, quien “ha cumplido con el deseo expresado por el gestor cultural en vida de que su colección y biblioteca pasaran a formar parte de los fondos del CAAC”.

La colección --cuya donación publica este jueves el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía (BOJA)-- reúne obras de diversas tipologías artísticas, con 107 obras gráficas, 35 dibujos, 32 fotografías, 24 pinturas y 6 esculturas. Entre los nombres más destacados figuran Manuel Rivera, Antoni Tàpies, José Guerrero, José Luis Cuevas, Antoni Miralda, Miguel Ángel Campano, Luis Gordillo, Sigfrido Martín Begué, Guillermo Pérez Villalta, Eduardo Arroyo, Antonio Saura, Juan Navarro Baldeweg, José María Sicilia, Daniel Vázquez Díaz, Manuel Ángeles Ortiz, Cristino de Vera, Francisco Peinado, Jacques Lipchitz, Antonio Rodríguez Luna, Txomin Badiola e Ilan Wolff, entre otros.

La consejera de Cultura y Deporte, Patricia del Pozo, ha manifestado la relevancia de este legado, destacando que “es un gesto de generosidad que enriquece el patrimonio cultural público y permitirá a las futuras generaciones disfrutar y aprender de estas obras y fondos documentales”. “Esta colección que ingresa en los fondos del CAAC es un testimonio del compromiso y la pasión de José Guirao Cabrera por la cultura y por Andalucía. Su generosidad abre nuevas vías de investigación y enriquece la oferta cultural”, ha indicado Del Pozo, quien ha resaltado la “calidad humana extraordinaria” de Guirao, con un “gran amor por la cultura y el patrimonio andaluz”.

José Guirao Cabrera (Pulpí, Almería, 1959 - Madrid, 2024) fue una figura clave en el ámbito de la cultura y el arte contemporáneo en España. A lo largo de su trayectoria, desempeñó cargos fundamentales en la gestión cultural, entre ellos la dirección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Mncars) de Madrid, La Casa Encendida y la Fundación Montemadrid, así como su labor como ministro de Cultura y Deporte entre 2018 y 2020.

Fue también patrono de diversas fundaciones culturales (Fundación Federico García Lorca y Fundación Antonio Gala, entre ellas) y profesor invitado en el máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid. Guirao Cabrera mantuvo siempre un estrecho vínculo con la cultura andaluza: fue director general de Bienes Culturales en la Consejería de Cultura y Medio Ambiente en el momento de la creación del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en 1991, institución de la que también formó parte durante años como miembro de su Comisión Técnica. Esta contribución constituye un valioso legado que enriquece el patrimonio cultural de Andalucía y que estará próximamente disponible para consulta y disfrute del público, tanto en los nuevos espacios del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) dedicados a la colección como en formato digital.