Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

A Emilia Llanos el olvido la sometió en vida, eligiendo su propia muerte social, y la persigue hasta el día de hoy, más de medio siglo después de su fallecimiento. Leyendo estas líneas, quizás pocas personas puedan saber quién fue, salvo por el titular de este reportaje, pero Emilia resultó ser tan relevante en la Granada de hace un siglo, que su sola presencia fue esencial en la vida de Manuel de Falla, Ismael González de la Serna y sobre todo Federico García Lorca. Era la dama de la Granada más cultural de principios del siglo XX y hoy es su seña invisible.

Nacida en Villanueva del Arzobispo (Jaén) en 1885, su vida sería la de una cuna de clase media-alta. Hija de Guardia Civil, hermana y descendiente de militares, Emilia Llanos vivió rodeada de un abolengo del que, cuando los años y una enfermedad respiratoria la recluyeron durante algún tiempo en la casa de Granada a la que fue a vivir, logró escapar a través del arte y la literatura. Encerrada entre cuatro paredes, la que acabaría siendo el amor platónico de Lorca, fue la mujer más intelectual de los años 10, 20 y 30 del pasado siglo de la ciudad.

Interesada por escritores de otros países, por el arte menos conocido y por los temas que merecían ser debatidos en tertulias, logró situarse como el referente para la generación de plata del ambiente artístico granadino. Así lo recuerda José Javier García Montero, uno de sus mayores estudiosos: “Ismael de la Serna, Manuel de Falla o Federico acudían a ella atraídos por su conocimiento del arte y la literatura”. Causando, además, un interés físico que, por su belleza, era prácticamente obligatorio.

Pero cómo no iba a causar interés una mujer que además vivía en la Alhambra. Primero en la Puerta del Vino y después en la Calle Real del monumento nazarí, Emilia Llanos estableció en la ciudad palatina su cuartel general de sueños. Allí leyó, aprendió y divulgó las novelas, los ensayos y las líneas que llegaban a sus manos y que permitieron ser libre a una mujer de una época en la que la libertad no siempre estaba disponible para ellas. A principios del pasado siglo, comenzó a moverse por el ambiente intelectual granadino, lo que acabaría uniéndola de por vida a Federico García Lorca.

La musa de Federico

De hecho, el encuentro entre Federico García Lorca y Emilia Llanos tiene algo de mito fundacional. Agosto de 1918. Él, un joven inquieto que todavía no había construido el nombre que hoy lo atraviesa todo y ella, una mujer ya formada, trece años mayor, que leía a Maurice Maeterlinck cuando casi nadie en Granada sabía siquiera pronunciarlo. Bastó una visita para que al día siguiente Lorca regresara solo con un ejemplar dedicado de “Impresiones y paisajes”. “A la maravillosa Emilia Llanos, tesoro espiritual entre las mujeres de Granada”, escribió. No era una fórmula. Era una declaración de intenciones.

A partir de ahí, la relación se sostuvo en algo más profundo que la fascinación inicial. Paseos por la Alhambra, conversaciones interminables, libros que iban y venían, versos leídos en voz alta antes de ser publicados. “Llegaron a ser confidentes absolutos”, dice García Montero. Y añade una afirmación que tensiona el relato más conocido: “Yo creo que sí hubo romance”. Las cartas, con su lenguaje de cortejo, y la insistencia de Lorca en convertirla en interlocutora única, apuntan a una relación que desborda lo estrictamente intelectual sin necesidad de ser reducida a una historia de amor convencional.

Un intercambio de misivas entre ambos es lo que mejor explica esta relación. A finales de 1920, un Federico que ya vive en la Residencia de Estudiantes de Madrid y que está completamente embelesado por Emilia, le escribe confesándole su admiración romántica: “Ayer paseaba por la Carrera de San Jerónimo y vi a una mujer que se parecía a ti: igual de alta, igual de elegante”. Llega incluso a rogarle que le envíe una fotografía “para que pueda verte más a menudo” y a cambio él le dedicaría un poema. A lo que la propia Emilia contesta días después rebajando las expectativas y la emoción del artista granadino. “Le dice amigo varias veces en su respuesta”, explica García Montero.

Un rechazo que, lejos de suponer el final de la relación entre los dos, acabará teniendo episodios que algunos estudiosos asumen que fueron de algo más que amigos, sobre todo en sus encuentros madrileños. Hay pruebas incluso de que Emilia fue importante en la creación de “Doña Rosita la soltera”. Todo pese a que a Vicenta, la madre de Federico, no le gustaba demasiado por ser “demasiado avanzada a su época”. Pese a ello, la relación entre ambas también acabó siendo duradera y cordial.

Porque si algo define a Emilia Llanos en ese vínculo es que no ocupa el lugar que la historia suele reservar a las mujeres: no es musa, no es acompañante, no es nota al pie. Es parte activa de la conversación cultural de su tiempo. Participa en la organización, junto con Manuel de Falla, del Concurso de Cante Jondo de 1922, se sienta en las tertulias donde apenas había presencia femenina y se convierte en referencia para quienes pasaban por la ciudad. “Era la persona a la que acudían cuando venía alguien importante a Granada”, explica el investigador. No estaba en los márgenes: sostenía el centro.

Marchante de antigüedades

Su vida, además, desborda cualquier etiqueta simplificadora. Comerciante de antigüedades, intermediaria en operaciones de alto nivel artístico, anfitriona de intelectuales, modelo en campañas publicitarias de la época. Amiga de Zenobia Camprubí, la mujer de Juan Ramón Jiménez, con la que llega a establecer una relación en el mundo de la compraventa de reliquias. Emilia, en palabras de su estudioso, “era muy importante, influyente en muchos aspectos”. Y, sin embargo, sometida a un control constante: no podía pasear sola, necesitaba acompañante, vivía dentro de un corsé social que limitaba incluso la expresión de sus propios deseos. “Qué tonta fui”, llegaría a escribir años después al recordar un poema que Lorca le dedicó. La conciencia de lo que no pudo ser también forma parte de su biografía.

El verano de 1936 rompe definitivamente ese equilibrio precario. El asesinato de Lorca no sólo acaba con una vida: desmantela otra. Emilia intenta intervenir, mover contactos, llegar a quienes podían frenar lo inevitable. “Hizo lo imposible”, señala García Montero. Hay constancia de gestiones incluso con el militar golpista Queipo de Llano, que le contestó quitándose la responsabilidad. Hubo llamadas e intentos de activar influencias en el entorno del poder fascista. No fue suficiente. Y ese fracaso -más que una culpa directa- se convierte en una losa que ya no abandonará.

A partir de ahí, el relato se vuelve opaco. Emilia se encierra en su casa de Plaza Nueva, a la que se trasladó después de abandonar la Alhambra, reduce su vida al mínimo, desaparece del espacio público. “La vida se le rompe”, resume el investigador. Durante años apenas hay rastro de ella, más allá de una existencia suspendida, atravesada por la ausencia. Se sabe que llegó a ser contratada en la propia Alhambra como guía, puesto que pocas personas la conocían mejor que ella. Pero ni escribe, ni publica, ni reconstruye su lugar en la ciudad que había habitado con tanta intensidad. El olvido, en este caso, no llega desde fuera: comienza como una decisión íntima, como una forma de supervivencia.

No será hasta mediados de los años cincuenta cuando vuelva a asomarse, empujada por la investigación de Agustín Penón sobre la muerte de Lorca. Entonces colabora, aporta información, incluso plantea la posibilidad de adquirir terrenos donde podría estar enterrado el poeta. También desliza una idea que sigue incomodando décadas después: que Lorca no se encuentra en Víznar. Su papel en la construcción de la memoria del escritor es activo, pero vuelve a quedar en segundo plano.

El olvido de ser mujer

¿Por qué? La respuesta, en realidad, es más estructural que biográfica. “Lo que ha pasado en Granada es lo que le ha pasado a las mujeres”, afirma García Montero. Emilia no dejó obra firmada, no publicó libros, no construyó un legado que pudiera archivarse en bibliotecas. Su aportación fue otra: tejer relaciones, sostener espacios, impulsar conversaciones. Y esa forma de estar en el mundo, fundamental pero invisible, es la que la historia ha tendido a borrar.

Falleció en agosto de 1967, 31 años después del asesinato de Lorca. Hoy, su tumba en el cementerio de Granada -elegante, discreta, casi silenciosa- funciona como metáfora de todo lo demás. Hace unos años estuvo a punto de ser desahuciada por los impagos propios de una descendencia que tampoco la recuerda. “Tuve que pagar 1.500 euros de mi bolsillo para salvar el nicho porque la querían trasladar a un osario común”, confiesa García Montero.

Afortunadamente, la intervención del estudioso salvó el espacio físico en el que reposa una mujer tan adelantada a su tiempo, que el tiempo se olvidó de ella. Allí descansa una persona que fue central en su época y que, sin embargo, ha quedado fuera del relato. No por falta de relevancia, sino por la manera en que decidimos contar la historia. Porque a veces no se trata de quién estuvo, sino de a quién decidimos mirar.

Josefina Molina, directora pionera del cine español, ha fallecido este sábado a los 89 años en Madrid. La noticia ha sido confirmada por la Academia de Cine. Junto a Pilar Miró y Cecilia Bartolomé, fue una de las pocas mujeres de su generación que pudo dedicarse al séptimo arte, siempre desde una mirada feminista y comprometida con los derechos de las mujeres. 'Función de Noche' (1981) y 'Esquilache' (1988) fueron dos de las películas que componen su valioso legado.

La directora de cine y teatro, guionista, realizadora de televisión y novelista nació en Córdoba en 1936, poco tiempo después de que estallase la Guerra Civil. Su padre era tendero y comerciaba con calzado y productos de droguería, mientras que su madre se dedicaba a las labores del hogar. Gracias al buen rendimiento del negocio familiar, pudo acudir a buenos colegios y disfrutar una infancia sin privaciones, pese a estar en periodo de posguerra.

El cine formó parte de su vida desde pequeña, ya que sus padres solían llevarla todos los domingos por la tarde. Pero fue 'El río' de Jean Renoir, cuando ya tenía quince años, la película que le dejó fascinada y germinó su vocación de querer contar historias. No tardó en empezar a forjarse su camino, siendo asidua en videoclubs y coloquios sobre cine, fundó el colectivo dramático Teatro Ensayo Medea. En 1962 empezó a colaborar en el programa radiofónico 'Vida de espectáculos', emitido por Radio Vida, a través de una sección titulada 'La mujer y el cine'.

La primera directora de la Escuela Oficial de Cine

Josefina Molina tuvo pronto claro que quería estudiar cine, pese a que sus padres le rogaron que optara por una carrera 'normal'. Pese a que consiguió convencerles, tuvo que esperar hasta cumplir 21 años para entrar en la Escuela Oficial de Cine, antes denominado Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.

Terminó presentándose a sus exámenes de ingreso tras cumplir 26 y, de los 103 aspirantes, solo ocho logaron entrar. Todos hombres, salvo ella. Sus primeros trabajos dentro del cine marcaron el tipo de obras que realizaría después, con cortometrajes en los que las protagonistas, siempre mujeres, escapaban de los estereotipos femeninos de las películas de la época.

El cineasta Carlos Saura fue uno de sus profesores, cuyo suspenso provocó que tuviera que repetir curso. Solo dos alumnos pasaron a segundo, y ella estuvo a punto de dejarlo. Finalmente, continuó, y en 1969 se convirtió en la primera mujer en obtener el título de directora/realizadora en la institución. Al año siguiente siguió sus pasos Cecilia Bartolomé, y después, Pilar Miró, en la especialidad de guion.

En aquella época trabajó como ayudante de realización de varios espacios dramáticos para Televisión Española, como 'Estudio 1' y 'Hora 11'. En 1968 le encargaron una adaptación de 'La metamorfosis de Kafka', y a partir de ahí se afianzó como una de las principales realizadoras de La 2. Adaptó y dirigió otros montajes como 'Motín de Brujas' de José María Benet, 'No puede ser el guardar una mujer' de Agustín Moreto y 'La Lozana Andaluza' de Rafael Alberti.

Entre las series de televisión más destacadas está 'Teresa de Jesús' (1984), en la que narró la vida de Santa Teresa, encarnada por Concha Velasco, en también uno de los papeles más destacados de su carrera. En la pequeña pantalla filmó igualmente 'El camino' (1978) y 'Entre naranjos', adaptando la novela de Vicente Blasco Ibáñez. Josefina Molina es también la responsable de la exitosa adaptación de 'Cinco horas con Mario' inmortalizada por Lola Herrera.

'Vera, un cuento cruel', su ópera prima

El salto al cine de Josefina Molina llegó en 1973, con la adaptación de 'Vera, un cuento cruel', protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Julieta Serrano y Alfredo Mayo. El guion lo coescribió junto a Lola Salvador Maldonado. Fue la única película de terror del tardofranquismo escrita y dirigida por mujeres. El filme aportó la visión femenina de un subgénero tradicionalmente masculino, el 'fantaterror' español.

En la cinta, una joven enterrada en la cripta de su mansión empieza a aparecerse a su marido, que tiene la progresiva locura que le hace pensar que aún está viva. Su oscuro mayordomo es, sin embargo, su única compañía. El largometraje fue a su vez el debut cinematográfico de los hermanos Miguel Bosé y Lucía Dominguín.

Su siguiente trabajo en la gran pantalla llegó seis años después, con su participación en 'Cuentos eróticos', donde dirigió uno de los relatos que conforman la película, 'La tilita'. El golpe definitivo encima de la mesa lo dio con 'Esquilache' (1988), por la que obtuvo 12 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor película y Mejor dirección. El drama situaba la acción en la era napoleónica, trazando un lúcido paralelismo con la España de finales de los años ochenta, liderada por Felipe González.

Tres años más tarde, Josefina Molina dirigió su última película, 'La Lola se va a los puertos', adaptación de los hermanos Machado con Paco Rabal y Rocío Jurado.

'Función de noche', su obra maestra

Josefina Molina es la responsable de una de las grandes joyas del cine español, 'Función de noche'. Dirigida en 1981, y a caballo entre la ficción y el documental, desgrana hasta las últimas consecuencias el final de un matrimonio. En ella, Lola Herrera y Joaquín Dicenta se interpretan a sí mismos en una durísima conversación que mantienen en el camerino donde la actriz se prepara para la siguiente función de 'Cinco Horas con Mario'.

El largometraje fue toda una revolución, por cómo mostró a una mujer hablando son tapujos sobre el yugo del patriarcado al que estuvo sometida desde niña y sus condenatorias consecuencias. La dificultad para deshacerse de él y el dolor de darse cuenta de todas las veces que no se puso por delante, que aceptó un trato que no merecía y se sometió por el mero hecho de 'ser mujer'.

El testimonio de Lola Herrera es poderoso porque, a pesar de la profunda tristeza y sacudida a los cimientos –por mucho que no fueran los mejores– implica poder elegirse, en singular, y pensar en qué quiere hacer a partir de entonces con una reveladora información que atañe a su insatisfacción sexual, la normalización de las infidelidades de su pareja y el desentendimiento de este por sus hijos tras su divorcio.

Un legado para todas

Josefina Molina fue una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), de la que era presidenta de honor, junto a Inés París, Chus Gutiérrez, Itziar Bollain, Helena Taberna e Isabel Coixet, entre otras muchas profesionales.

En 2012 logró otro hito ganando el Goya de Honor, convirtiéndose en la primera mujer directora de cine en llevárselo. “Sé que estoy aquí representando a otras mujeres de generaciones anteriores que se han dedicado a este oficio del cine, cuando no era nada fácil”, pronunció al recoger el galardón en la voz de Patricia Ferrera. La cineasta compartió su reconocimiento tanto con ellas como con CIMA, por haber sabido “sustituir el aislamiento por la solidaridad” y “cuya labor por la visibilidad de las mujeres cineastas de este país es constante”. En 2019 recibió el Premio Nacional de Cinematografía.

La Academia del Audio ha anunciado, en su primera reunión presencial celebrada este jueves en el contexto de Prosodia, la próxima convocatoria de la primera edición de sus premios. La recepción de candidaturas se abrirá antes de que finalice el año, probablemente en octubre, con la intención de celebrar la entrega de estos galardones en marzo del próximo año. La entidad que reúne a los profesionales del audio en español reconocerá el talento, la creatividad y el impacto de podcasts y audiolibros en distintas categorías, aún por definir, entre las que se encontrarán mejores producciones de narrativa de ficción, narrativa de no ficción, conversacional o audiolibro, por ejemplo.

Prosodia, el encuentro del podcast en español, ha reunido en su cuarta edición a más de un centenar de profesionales del audio que asistieron este 28 de mayo a un acto inaugural en el que participaron Silvia Pozo, delegada de la Consejería de Salud y Consumo de la Junta de Andalucía en Sevilla; Carmen Rodríguez Quirós, directora gerente de Inpro, de la Diputación de Sevilla; y Fernando Mañes, director del Área de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla.

Exilio español a Chile

Entre los distintos momentos destacados del evento figuran la intervención de Juanlu Sánchez, subdirector de eldiario.es y director de Un tema al día, sobre la convivencia del podcast diario informativo con la radio convencional; la presentación del Informe sobre el podcast conversacional en España, en el que la profesora Emma Camarero y la productora Ángela Ruiz analizan el formato de más éxito en el sector; o la grabación en directo de la presentación del nuevo capítulo de Hechos Reales, en colaboración con Las Raras, sobre el patrocinio de Pablo Neruda del buque Winnipeg en el que miles de republicanos españoles salieron en 1939 camino del exilio en Chile.

En la tarde del jueves, las responsables de comunicación del Hospital Reina Sofía de Córdoba y el Hospital Clínic de Barcelona, Gema Timón y Laia Sánchez, relataron de forma detallada el formato testimonial del podcast Lo grabé en silencio, en el que mujeres supervivientes de cáncer de mama cuentan su experiencia, incluso lo que nunca se atrevieron a compartir con familia y amigos. Los profesionales de la comunicación, la salud mental, la investigación biomédica y la oncología que gestionaron la iniciativa han detallado sus beneficios para la salud de las pacientes y han anunciado que ya trabajan para convertirla en un ensayo clínico durante 2027 que, si concluye con éxito, convertirá la grabación testimonial en una herramienta terapéutica más con la que podrán contar los oncólogos en el tratamiento de sus pacientes.

En otros momentos de Prosodia, el centenar de profesionales de la creación, producción y difusión que se ha reunido estos dos días en Sevilla ha compartido sus últimos proyectos y ha debatido sobre temas tan diversos como el necesario rigor en el diseño, grabación y publicación; la búsqueda de la belleza y la poesía en el audio; el éxito de productos infantiles y juveniles, o los de formación; y la potencialidad del podcast para transformarse en otros formatos audiovisuales.

Prosodia se ha celebrado gracias al respaldo de Fundación Cajasol, que ha acogido el encuentro en sus instalaciones de la Plaza de San Francisco. Además, con el apoyo de la Junta de Andalucía, la Diputación de Sevilla, el Ayuntamiento de Sevilla, la Universidad Internacional de Andalucía y la compañía biofarmacéutica Sobi; y la colaboración de la Asociación de la Prensa de Sevilla (APS) y la Asociación para el Progreso de la Comunicación (APC).

Eurovisión, Cannes, las olas de calor… las señales de que el verano está a la vuelta de la esquina se multiplican. En el sur, sin duda, una de las más significativas para los amantes del cine es la celebración del Festival de Cine Africano (FCAT), que se celebra a caballo entre Tarifa y Tánger. Desde hace casi un cuarto de siglo el festival liderado hasta el año pasado por la brillante Mane Cisneros ha tendido puentes entre las dos orillas del Estrecho de Gibraltar, para satisfacer nuestros deseos cinematográficos más exigentes.

El FCAT ha arrancado este fin de semana apostando por esa vanguardia cinematográfica africana, que no se deja encorsetar por los géneros: la joya Memoria de la princesa Mumbi, un falso documental de ciencia ficción dirigido por el keniano Damian Hauser. A lo largo de una semana, más de medio centenar de películas de una veintena de países africanos conformarán una programación exquisitamente curada, en la que el 40% de las obras seleccionadas están dirigidas por mujeres.

Quien no solo quiera disfrutar del cine en pantalla grande, sino también aprender más sobre este arte centenario, tendrá la oportunidad de hacerlo con expertos en cine africano de la talla de Javier H. Estrada –codirector de la Seminci–, o de antirracismo audiovisual como Beatriz Mbula.

De Cádiz a Huelva, pasando por Granada y haciendo un alto en un pueblito de Jaén, en Sorihuela del Guadalimar, donde la emprendedora actriz Amada Santos y su socio Sitoh Ortega han sacado adelante un familiar festival de cine, que ha conseguido, por derecho propio, formar parte del circuito de festivales de cortometrajes adscritos a los Premios Fugaz. Este año van, entre el 8 y el 13 de junio a por la cuarta edición. A finales de julio celebraremos que Granada recupera un clasicazo: Cines del Sur, dirigido por el mítico productor andaluz José Sánchez Montes, que vuelve a abrirle una ventana europea al mejor cine de Asia, África y Latinoamérica.

Pero antes, el día 4 de julio viajamos hasta otro enclave privilegiado del litoral andaluz como Islantilla, la bella mancomunidad onubense mecida por las brisas del océano Atlántico. En manos del prolijo Esteban Magaz, un cinéfilo capaz de conformar una extraordinaria programación con un centenar de cortometrajes y una decena de documentales, tras visionar más de 1.000 obras procedentes de medio centenar de países.

El festival más largo del mundo

Superada la mayoría de edad (el festival, no Esteban…), el director del festival –y también de cine– ha logrado que Islantilla se convierta en un punto cinematográfico imprescindible de la temporada estival. A las agradables temperaturas de la costa onubense se suman la alta calidad de las obras seleccionadas, la acogedora familia que Magaz ha ido conformando a lo largo de estos años y una corte de grandes cineastas homenajeados como Antonia San Juan, Alberto Rodríguez o Roberto Álamo, Terele Pávez, Ana Torrent, Verónica Forqué o Chico Ibáñez Serrador, entre otros.

Y como anécdota: es, posiblemente, uno de los festivales más largos del mundo… ya que dura desde comienzos de julio hasta finales de agosto. Dos meses.

El relevo a Islantilla nos llega desde Cádiz. En concreto, desde Chiclana, donde se celebra Generamma, uno de los festivales más singulares de nuestro país, ya que es el único organizado exclusivamente por una asociación feminista: la Asociación Andaluza de Mujeres de los Medios Audiovisuales (Aamma), presidida por la productora Pilar Crespo.

Especializado en cine dirigido por mujeres (un valor inapelable del cine español que ha marcado algunos de los mayores éxitos de nuestra cinematografía a nivel internacional), Generamma atrae un ambiente alegre, festivo y relajado propiciado por sus propias socias y un equipo entregado y encantador.

De Chiclana a Conil

Entre el 15 y el 19 de septiembre de este año, el festival llega a su sexta edición estrenando nueva dirección: la de Cristina Consuegra, una experimentada periodista, comunicadora, programadora y gestora de eventos cinematográficos, que coordina la programación extendida del Festival de Málaga (MaF) y Forbes la eligió en 2023 una de las profesionales más creativas del mundo empresarial.

Sin salir del litoral gaditano, el colofón a este verano de cine lo pone Conil, que, con su tercera edición a finales de septiembre, se consolida como una de las citas estivales imprescindibles para los cinéfilos de nuestro país.

Al frente de Conil de Cine se encuentra un artístico triunvirato formado por la actriz Raquel Guerrero (hilarante en su papel de la exitosa serie Machos alfa), la también actriz y productora Noelia Muñoz y la gestora cultural Isabel Sánchez.

Conil ofrece así un fin de semana de cine a orillas del litoral gaditano, con una mezcla explosiva de cortometrajes internacionales, encuentros profesionales y amor por una de las joyas de la historia de la cinematografía española: el cine quinqui.

El largometraje Memory of Princess Mumbi (Memorias de la princesa Mumbi), de Damien Hauser, ha abierto este viernes la 23ª edición del Festival de Cine Africano de Tarifa y Tánger (FCAT) reivindicando el “nuevo misticismo africano”. Una inauguración que ha recuperado la Cinemateca de Tánger como espacio de proyección y que ha acogido una gala inaugural en la que se ha nombrado como nueva embajadora del festival a la actriz, productora y periodista Cayetana Guillén Cuervo, quien se une así a Rossy de Palma en el madrinazgo de la cita con los cines de África.

Memory of Princess Mumbi fue la ganadora de FCAT LAB 2025 y se estrenó mundialmente en el Festival de Venecia. El joven cineasta keniano-suizo Damien Hauser, junto a la actriz protagonista de la película, Shandra Apondi, han acudido a la gala de apertura para acompañar este original filme que reivindica el misticismo africano. Según ha compartido el director, la película se pudo terminar gracias al FCAT LAB y “venir aquí a presentarla es como cerrar el círculo”.

En la gala inaugura, el alcalde de Tarifa, José Antonio Santos, ha reconocido en su intervención que “la cultura hay que transmitirla desde la infancia, es el dinero mejor invertido”. Por su parte, José María Davó, delegado de Cultura de la Embajada de España en Rabat, ha recalcado la importancia cultural de los pueblos hermanos: “Hay que convertir a España y Marruecos en un centro de intercambio cultural”.

El FCAT ha recibido en Tánger a Cayetana Guillén Cuervo, nueva embajadora del FCAT, “una mujer que hace y protege el cine”. La presentadora y actriz ha querido agradecer al FCAT considerarla como madrina por su “energía, marca y activismo cultural”. En palabras de Guillén Cuervo, “este festival ayuda a entendernos a nosotros mismos y a entender al otro, teje una telaraña de protección, de respeto y de cercanía a la cultura”.

Batucada y proyecciones especiales en Tarifa

La gala ha sido presentada por la actriz y cantante Mouna Diaj, y ha contado con la bienvenida musical de la agrupación local Dakka Marrakchia y la actuación de Chica del Bosque & Sirifo Kouyate, cantautora sevillana y cantautor senegalés, que fusionan la kora africana con la guitarra y voz andaluza.

En Tarifa se ha celebrado de forma simultánea el arranque de la 23ª edición, también con la proyección de Memory of Princess Mumbi, en un acto de bienvenida acompañado por Bastián Castillo, coordinador de Árbol de las Palabras, y Daniella Verektenidi, responsable de personas invitadas.

El inicio de esta bienvenida ha corrido a cargo de la batucada Levantuka, que ha llenado de ritmo y música las calles de Tarifa en un recorrido desde la Calzada hasta la Alameda. El pasacalles, iniciado en la iglesia de San Mateo y culminado en el teatro, ha congregado a numeroso público y ha creado un ambiente festivo en las inmediaciones del FCAT.

También ha tenido lugar, de forma previa a la inauguración oficial, la proyección especial de El sueño de Íñigo, un guión imaginado, de Nieves García Benito. La tarifeña ha presentado el documental junto a Valeria Reyes, una obra concebida para honrar la memoria de su hijo, Íñigo Vallejo, y arrojar luz sobre las circunstancias de su fallecimiento en 2010 mientras trabajaba en Salvamento Marítimo. El joven perdió la vida en un accidente de helicóptero y, años después, su madre ha querido profundizar en las causas de aquel trágico suceso a través de esta película.

El Teatro de la Maestranza de Sevilla ha presentado la programación para 2026/27, una temporada que tiene al amor por bandera y que incluye propuestas de grandes títulos como Rigoletto, de Guiseppe Verdi, y La bohème, de Giacomo Puccini, así como recitales de estrellas de la lírica como Ainhoa Arteta. Además, acogerá los tradicionales conciertos de Navidad y de Año Nuevo, por parte de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS), el espectáculo La Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach, y la obra de Anderesen El patito feo destinada al público infantil.

El coliseo del Paseo Colón se suma, además, a la conmemoración del centenario de la Generación del 27 con el estreno de la ópera Bodas de sangre, de Manuel Busto. El Maestranza también prevé actuaciones de artistas andaluces de la talla de Javier Perianes, Pablo Heras-Casado y Tomatito.

El acto de presentación oficial de la nueva temporada, que tiene como lema Amor en vivo, ha estado presidido por la consejera de Cultura y Deporte en funciones, Patricia del Pozo, en calidad de presidenta del Consejo Rector, y ha contado con la participación del presidente de la Diputación, Javier Fernández; la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Paz Santa Cecilia Aristu, y el director general del Teatro, Javier Menéndez, entre otros.

El Maestranza ofrecerá 12 propuestas de “altísimo nivel” en esta nueva temporada, que se inaugura oficialmente el 2 de septiembre con una “espectacular” Gala Wagner a cargo de la prestigiosa Orquesta del Festival de Bayreuth. Esta modalidad destaca este año por recuperar títulos históricos y presentar proyectos largamente esperados.

El talento de la tierra

Entre los grandes acontecimientos líricos sobresale el regreso de Roméo et Juliette de Gounod, que vuelve a las tablas del Maestranza 20 años después, con funciones programadas para finales de octubre de 2026. Asimismo, la emotiva La bohème regresa “por todo lo alto” tras una década de ausencia, con un despliegue de funciones en el mes de diciembre que incluirá un preestreno especial para menores de 30 años.

El talento de la tierra “se reivindica con fuerza” a través de dos hitos contemporáneos: el estreno en Sevilla de La clausura del amor, de la compositora Reyes Oteo (26 y 27 de febrero de 2027), y el estreno de la nueva ópera Bodas de sangre (6 y 8 de mayo de 2027), firmada por el compositor palaciego Manuel Busto. Esta última cita contará además con la voz de la soprano de Los Palacios Aurora Galán, y la participación de la Escolanía de esta localidad.

El broche final a este bloque lo pondrá la ópera Rigoletto de Verdi, cuyas funciones se extenderán desde finales de junio hasta su clausura definitiva el 3 de julio de 2027. La propuesta lírica se completará con citas de gran nivel como el XXII Certamen de Nuevas Voces Ciudad de Sevilla, la Gala Lírica con Anna Netrebko, la producción barroca L'Orfeo de Monteverdi, una Gala de Zarzuela con Ainhoa Arteta y José Bros, la célebre obra Luisa Fernanda y un recital lírico de Ermonela Jaho.

Programación de danza

El Maestranza recibirá siete propuestas internacionales y nacionales de primer orden en un formato dinámico. La danza arrancará en noviembre de 2026 con el prestigioso Béjart Ballet Lausanne y su espectáculo De Béjart a Béjart, seguido en Navidades por la original propuesta Duck Pond de la compañía Circa.

El año 2027 se iniciará con el Ballet Nacional de Ucrania interpretando La bayadère, para continuar con las producciones de Les Ballets Espagnols de La Argentina y el Malandain Ballet Biarritz con Las cuatro estaciones en febrero, lo que se completa con el toque de humor de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo en abril. El ciclo se cerrará los días 21 y 22 de mayo de 2027 con la esperada producción Afanador a cargo del Ballet Nacional de España.

Asimismo, el sinfonismo y los grandes solistas internacionales se darán cita en 12 propuestas repartidas a lo largo de la temporada. El público podrá disfrutar de citas como el Réquiem de Mozart con la Camerata Salzburg a principios de noviembre de 2026, el piano del virtuoso Javier Perianes, o el tradicional El Mesías de Händel con la Orquesta Barroca de Sevilla antes de Navidad.

Ya en 2027, será el turno de la Orchestra Filarmonica della Scala bajo la batuta de Riccardo Chailly el 20 de enero, el piano de Yuja Wang el 5 de febrero y la Royal Concertgebouw Orchestra, dirigida por Klaus Mäkelä, el 13 de febrero.

Conciertos y jóvenes audiencias

En el apartado de músicas actuales, el artista sevillano Manuel Lombo interpretará el 20 de febrero de 2027 su espectáculo Piano piano. Compartirá cartel de temporada con referentes como María José Llergo, Kiki Morente & Lagartija Nick reviviendo el mítico Omega, el fado de Carminho, Salvador Sobral, la guitarra flamenca de Tomatito en abril, Ute Lemper y el pop histórico de Los Secretos en junio de 2027.

Por su parte, el compromiso formativo y familiar se consolida con más de 14 propuestas que incluyen los reconocidos ciclos de la Fundación Barenboim-Said y Juventudes Musicales, junto a espectáculos didácticos para colegios y familias como Soñando el carnaval de los animales y Alicia en el país de las maravillas.

Durante el encuentro, las autoridades han coincidido en señalar la relevancia de este espacio escénico de primer nivel como el “auténtico corazón cultural de Sevilla y de todo el sur de España”. El director del Maestranza se ha mostrado convencido de que “la mejor forma de enamorar es la honestidad, jamás renunciar a la esencia y creer en nuestra grandísima capacidad de conquista”.

En palabras de Del Pozo, bajo el reclamo de Amor vivo, el Maestranza vuelve a convocar para su nueva temporada a los mejores intérpretes, orquestas y compañías. “Más de 80 días de actuaciones, con fuerte acento y talento andaluz, en la que destaca la ópera de Manuel Busto sobre Bodas de sangre”.

Por su parte, Javier Fernández ha ratificado “el firme compromiso de la Diputación con el sostenimiento y proyección del espacio, felicitando expresamente a todos los agentes implicados en el diseño de una programación excelente”. “La institución que represento no sólo participa como un propietario más de este edificio, sino que en su día tuvimos mucho que ver en la construcción y en la participación de lo que hoy significa el gran corazón cultural de la capital y la provincia”.

La obra Gramática del desorden, del onubense Enrique Zumalabe, ha sido la ganadora de la 46 edición del Premio Iberoamericano de Poesía Juan Ramón Jiménez, dotado con 25.000 euros y la publicación del libro. Con este premio la Diputación de Huelva rinde homenaje al Nobel moguereño y gran poeta universal, al tiempo que incentiva la producción literaria en el ámbito de la poesía. Además, es la primera vez que gana este premio un onubense.

Los encargados de comunicar el fallo y el nombre del ganador han sido el presidente de la institución provincial, David Toscano; el alcalde de Moguer y presidente de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Gustavo Cuéllar, acompañados por el director de la Fundación Zenobia-Juan Ramón Jiménez, Antonio Ramírez Almansa, y el presidente del Jurado de esta edición, Juan José Téllez.

El presidente de la Diputación ha apuntado que este año se han recibido 654 obras y con “importante presencia iberoamericana: 88 poemarios de la República Argentina, 58 de Colombia, 49 de México y 30 desde Chile.

El presidente del jurado ha indicado que “ha sido complicado por la calidad notable de los textos presentados”, mientras que el autor, al que han llamado para comunicarle el fallo, ha agradecido el precio y ha mostrado su sorpresa porque ha confesado que creía que “no tenía posibilidades de poder ganarlo, toda vez que ha comentado que, además, ha estado destinado algunos años por sus labores profesionales en Moguer.

Obra

Enrique Zumalaba (Huelva, 1977) cursó Magisterio y Psicología en la Universidad de Sevilla. Entre otros quehaceres, formó parte del consejo editorial de la publicació La Cinta de Moebius. También fue creador de la revista Psiqueactiva. Ha sido colaborador de Uniradio (la radio de la Universidad de Huelva) en programas dedicados a la cultura y a la literatura entre los años 2007 y 2014.

Entre sus obras, se encuentra No todo es Juan Ramón, todo es Juan Ramón (2006), Literatur. I Encuentro de narrativa breve, y dentro de la colección Poesía Nueva que con motivo del Ciclo de Conferencias, Acercamiento (Huelva: Diputación Provincial, 2006). Parte de su obra poética permanece inédita, entre ella los poemarios Tus poemas (diez intentos fatales de huida desesperada) (2001), Donde nunca has estado (2001) y Resurrección de un libro (en preparación). También, ha publicado Además del Llanto (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2014) y La lluvia o la mañana (Sevilla: La Isla de Siltolá, 2018). En cuanto a la narrativa, tiene un libro de relatos inédito Cometiendo errores (2001).

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte, ha incorporado a su colección la donación de obras de arte y fondos documentales pertenecientes al reconocido gestor cultural y referente del arte contemporáneo José Guirao Cabrera, que fuera ministro de Cultura con Pedro Sánchez. Esta aportación, que reúne 204 obras de arte y 1.824 piezas documentales, ha sido posible gracias a la mediación de su hermana, Beatriz María Guirao Cabrera, quien “ha cumplido con el deseo expresado por el gestor cultural en vida de que su colección y biblioteca pasaran a formar parte de los fondos del CAAC”.

La colección --cuya donación publica este jueves el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía (BOJA)-- reúne obras de diversas tipologías artísticas, con 107 obras gráficas, 35 dibujos, 32 fotografías, 24 pinturas y 6 esculturas. Entre los nombres más destacados figuran Manuel Rivera, Antoni Tàpies, José Guerrero, José Luis Cuevas, Antoni Miralda, Miguel Ángel Campano, Luis Gordillo, Sigfrido Martín Begué, Guillermo Pérez Villalta, Eduardo Arroyo, Antonio Saura, Juan Navarro Baldeweg, José María Sicilia, Daniel Vázquez Díaz, Manuel Ángeles Ortiz, Cristino de Vera, Francisco Peinado, Jacques Lipchitz, Antonio Rodríguez Luna, Txomin Badiola e Ilan Wolff, entre otros.

La consejera de Cultura y Deporte, Patricia del Pozo, ha manifestado la relevancia de este legado, destacando que “es un gesto de generosidad que enriquece el patrimonio cultural público y permitirá a las futuras generaciones disfrutar y aprender de estas obras y fondos documentales”. “Esta colección que ingresa en los fondos del CAAC es un testimonio del compromiso y la pasión de José Guirao Cabrera por la cultura y por Andalucía. Su generosidad abre nuevas vías de investigación y enriquece la oferta cultural”, ha indicado Del Pozo, quien ha resaltado la “calidad humana extraordinaria” de Guirao, con un “gran amor por la cultura y el patrimonio andaluz”.

José Guirao Cabrera (Pulpí, Almería, 1959 - Madrid, 2024) fue una figura clave en el ámbito de la cultura y el arte contemporáneo en España. A lo largo de su trayectoria, desempeñó cargos fundamentales en la gestión cultural, entre ellos la dirección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Mncars) de Madrid, La Casa Encendida y la Fundación Montemadrid, así como su labor como ministro de Cultura y Deporte entre 2018 y 2020.

Fue también patrono de diversas fundaciones culturales (Fundación Federico García Lorca y Fundación Antonio Gala, entre ellas) y profesor invitado en el máster de Gestión Cultural de la Universidad Carlos III de Madrid. Guirao Cabrera mantuvo siempre un estrecho vínculo con la cultura andaluza: fue director general de Bienes Culturales en la Consejería de Cultura y Medio Ambiente en el momento de la creación del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en 1991, institución de la que también formó parte durante años como miembro de su Comisión Técnica. Esta contribución constituye un valioso legado que enriquece el patrimonio cultural de Andalucía y que estará próximamente disponible para consulta y disfrute del público, tanto en los nuevos espacios del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) dedicados a la colección como en formato digital.

A veces, el miedo se apodera de nosotros, causando un bloqueo físico y mental tan grande que las palabras se traban en nuestra garganta. Nanen García-Contreras, la autora de este libro, responde con firmeza al miedo: “Sapo de ti, me voy. Me voy y no cuervo”. De esta manera, se apropia del tartamudeo y juega con las palabras creando una fauna esperanzadora. La protagonista se vuelve “loba” en vez de “bola”; su sentimiento de culpa se vuelve “pulga”; y poco a poco, paso a paso, todo se va volviendo más jilguero, más ligero. Muchas personas sufren abusos a los que no saben o pueden responder. No me tigres presenta una llamada a la libertad. Porque todos queremos ser “liebres”.

La ilustradora granadina nos cuenta que este libro, editado por A Buen Paso, surgió a raíz de una faringitis por la que estuvo de baja casi un mes. “El otorrino me prohibió hablar y aproveché para crear. Hacía tiempo un compañero me había contado un chiste sobre una persona que cambia las sílabas al hablar y que acababa con la frase ”¡A mí no me tigres!“, y empecé a darle vueltas a la idea de jugar con las palabras. Había estado en uno de los Laboratorios de creación de Alicia Bululú y trabajamos con la métrica y la rima, así que decidí atreverme con la poesía”.

“Pretendo que se diviertan con las palabras mientras juegan a adivinar la original, que disfruten las imágenes y colores acompañando a la protagonista en su proceso de aprender a poner límites y hacerse valer”, asegura Nanen García-Contreras, granadina residente en Sevilla. 

Herramienta para trabajar en el aula y fuera de ella

En el proceso de este proyecto Nanen se marcó un reto, confiesa que le funciona bien este método para activar la creatividad. Ese reto era, además de buscar la rima, centrarse en juegos de palabras con animales. “Fue un proceso muy divertido, y también algo obsesivo, buscando nombres de animales para reordenar sílabas y crear nuevos significados, componiendo las estrofas, cuidando la métrica… Quería darle un tono a lo Gloria Fuertes, salvando las distancias, ¡claro!, pero es una autora que leía desde muy pequeña y fuente de inspiración. He aprendido que este proceso de cambiar de posición sílabas en una palabra se llama metátesis, muy frecuente cuando estamos aprendiendo a hablar. De hecho, me preocupó que pudiese confundir a los pequeños lectores, pero investigando sobre el tema, encontré que los juegos con el lenguaje, pueden ser muy estimulantes para la conciencia fonológica. Como en otros libros texto e imagen nacen casi a la vez para narrar con ambos”.

No me tigres es un libro que habla del miedo, de la culpa,… “Creo que el álbum infantil debe priorizar el placer literario y estético. Me ilusiona pensar que los lectores disfrutarán con el ritmo, el juego sonoro, que desarrollarán la creatividad a través de la conciencia fonológica y de las imágenes… Pero también es verdad, que ya sólo el título, contiene toda una declaración de intenciones”, afirma Nanen García-Contreras. “Como en álbumes anteriores, este también me ha servido un poco de catarsis. He sido educada en la sumisión, me ha costado poner límites y hacerme valer; por eso, en este trabajo he volcado parte de esas experiencias, he alzado la voz junto a la protagonista, para decir: ‘¡No me tigres!’ Y con ella, me he sentido ”jilguera“. Si sirve para reflexionar sobre ello y como herramienta para trabajar en el aula y fuera de ella, me sentiré también muy satisfecha”.

Si hablamos de las ilustraciones, están realizadas con lápiz de color digital, imágenes más realistas que otros trabajos de Nanen, que combinan la línea y la mancha. “En las primeras ilustraciones, el magenta chillón representa eso, lo estridente, el grito, ocupando gran parte del fondo, pero conforme la niña va poniendo límites, ese fondo pierde intensidad, pierde protagonismo hasta convertirse en las últimas ilustraciones en agua que fluye. Las imágenes se van tornando más ligeras, más libres, como la protagonista”, confiesa Nanen.

El paseo marítimo de Fuengirola presentaba un oleaje animado en la tarde del sábado, casi como si el mar anunciase un importante acontecimiento a punto de ocurrir. Las previsiones meteorológicas volvieron a fallar en el sur del país: el cielo se despejó, y en la ladera que se deja caer del Castillo Sohail a la playa, se sentía la vuelta a los escenarios de El Último de la Fila, una de las bandas más importantes de la historia del pop-rock español. Un evento muy esperado por toda una generación de puretas, pero también jóvenes millennials, que hacían cola alrededor del recinto de Marenostrum Fuengirola, el lugar elegido por el grupo para ofrecer su primer concierto en más de 30 años. Con todas las entradas agotadas, según datos de la organización un total de 18.500 personas de distintos puntos del país se congregaban en los accesos; algunos seguidores habían hecho cola desde las 7 de la mañana.

Dentro del recinto, un conjunto de mariachi escondido entre el público daba la bienvenida con clásicas rancheras, mientras el escenario, aun a oscuras, dejaba ver peces colgando del techo a modo de atrezo. Unos ‘pescaos’, insurrectos, parte de la iconografía recuperada por Manolo García y Quimi Portet para la ocasión, y que encajaban perfectamente delante del mar de Alborán. En las pantallas, una propuesta interactiva: un comecocos donde un boquerón dispara a una serie de pulpos superando niveles; una original entradilla elegida por la banda para anticipar su primer directo desde 1996, al estilo de las máquinas recreativas de videojuegos de los 90. De repente, un apagón, unas sombras cruzándose por el escenario y el sonido de unos violines. Mucho alboroto, y por fin la aparición del grupo en escena, generando electricidad en el ambiente que encendía las sonrisas de sus seguidores en primera fila. Los primeros acordes de Huesos iluminaron el espectáculo, con una banda dispuesta y un Manolo García absolutamente entregado. Luces, humo, la brisa marítima y la sensación a cámara lenta de estar presenciando algo histórico.

Una rápida bienvenida para pasar a Conflicto armado, que concluyó con un “No a la guerra” del cantante, sonando como en los primeros discos del grupo, con la voz intacta. “Como dijo Fray Luis de León, Unamuno después, y como decíamos ayer: Querida Milagros”, anunciaba el músico ante la emoción del público. “En esta configuración no estábamos desde el 95, el último año en el que estuvimos aquí”, explicaba Manolo antes de pasar el micrófono a Quimi. El guitarrista bromeaba: “Estamos muy contentos, esta gira solo trae cosas buenas: huimos una temporada de la familia, ellos descansan de nosotros, pero el factor más importante de esta ecuación es encontrarnos con vosotros. Ya lo decía Manolo cuando empezamos con los Burros y los Rápidos: muchas gracias por multiplicaros”.

“Es nuestra vida, recordando nuestros momentos de juventud. Estas canciones nos identifican con nuestra historia”, explicaban Susana, de 50, y José María de 53 años, llegados de Andújar (Jaén) para asistir al inicio de gira de la banda, que incluye 12 conciertos por toda la geografía nacional, y que concluirá el próximo 9 de julio en Valencia. Los acompañaban sus hijos, Lucía, de 22 y Jorge, de 18 años, que han crecido con esas canciones en casa. Anteriormente, en un trayecto del Cercanías Málaga-Fuengirola, un grupo de amigos recién llegados de Salamanca explicaban la importancia de poder estar en este primer directo. “Venimos por Manolo García, gracias a él conocimos mejor la discografía de El Último de La Fila. Verlos esta noche es un sueño cumplido, y vamos a volver a verlos en Madrid”, explicaban. Por su parte, Iván, Juan Carlos, y Vishal, todos de 46 años y con viaje en helicóptero de por medio, venían desde Ceuta y explicaban que el grupo era autor “de la banda sonora de nuestra juventud y nuestras primeras salidas, una etapa clave en la vida”.

La noche expandía el enclave espaciotemporal en la localidad malagueña. La banda, con una energía impecable, conjugaba a la perfección una experiencia que, a pesar de su carácter conmemorativo, escapaba de la nostalgia fácil gracias a su mejor armamento: una discografía impecable. Revisitarla supone encontrarse con la poesía del pop-rock español que escuchaba en discotecas españolas en los 80 y 90, con sus características percusiones y una aproximación al sonido cósmico de las guitarras.

Sin Llaves, Aviones Plateados (especialmente vitoreada), El loco de la calle, No me acostumbro, Dios de la lluvia… Se encadenaban los éxitos mientras el cielo seguía libre y la fugacidad del momento se grababa en la mirada de los asistentes. Después de interpretar Soy un accidente, Manolo García dio las gracias a Fuengirola, y a toda Andalucía -nombrando las 8 provincias- por haber estado siempre ahí/aquí. Procedieron con La piedra redonda, Mar antiguo y Disneylandia con unos emotivos vídeos de conciertos y fans del grupo en sus primeros años de vida. “Hostias, la he cagado con la gorra, me he despeinado”, espetó García al público, exhibiendo su capacidad para ganárselo fácilmente con su humor y lenguaje cercano. La autenticidad del evento se respiraba de forma simbiótica: la banda mostró la misma satisfacción que sus seguidores porque esto estuviese ocurriendo. Tras Cuando el mar te tenga y El que canta su mal espanta, Manolo se sinceraba: “aquí estamos mejor que unas castañuelas, Pepe y yo somos muy felices en el escenario. Y notamos que es importante también para vosotros, así que gracias de verdad por hacerlo posible”.

Hits tras hits en lo que fue un concierto incesante de 2 horas y 10 minutos, y acercándonos al final, presentaron a una nueva incorporación de la banda para esta gira: la guitarrista Sara García, hija de Manolo García. En este gesto se contenía el paso del tiempo, el espejo generacional de tantas personas que de la misma forma ilustraban a sus hijos la importancia de esta banda en sus vidas. Sonó Sara, la canción, y le siguieron Llantos de pasión, Lápiz y tinta, Lejos de las leyes de los hombres y Dulces sueños, y entonces se empezaba a entender que 30 años son una simple medida cuando existe una discografía de tal envergadura. Desde su separación oficial en 1998, tanto García como Portet han desarrollado fructíferas carreras en solitario, pero el clamor general por una reunión nunca ha cesado.

Un breve descanso de menos de 3 minutos fue lo único que necesitó la formación para volver y hacer un bis con un combo imbatible: Los Ángeles no tienen hélices, Insurrección y Como un burro amarrado en la puerta del baile sonaron y entonces el clamor se convirtió en éxtasis. Se levantaban smartphones para guardar el momento, y se apreciaba un halo de autenticidad y conexión vital por razones obvias, rara avis dentro del ecosistema de festivales gentrificantes de la Costa del Sol.

Como guiño al inicio de la tarde, la banda se despidió entusiasmada y agradecida con una versión de la ranchera El Rey, de Vicente Fernández. Todo encajaba, como si alguien hace más de 30 años hubiese pronosticado que un mítico grupo del imaginario pop español de los 80 volvería para hacernos pensar en lo que de verdad es legítimo y real en nuestras vidas, y cantarnos eso de que “viene el día en que seremos puros, como un cielo de verano sobre el mar. Cantaré por ti, si no estás tú aquí”, como en su canción, para conseguir que nos multiplicásemos al menos en la noche junto al romper de las olas.

El mítico grupo El Último de la Fila regresa a los escenarios tres décadas después con una nueva gira que recorrerá 12 ciudades españolas y que arranca este sábado en el Marenostrum Fuengirola, en Málaga, un reencuentro con el público que afrontan con “responsabilidad”. A ello unen la emoción de volver a Andalucía, una tierra a la que, recuerdan, acudían en sus inicios para tocar “en entrañables casetas” y con cuyo público siempre han sentido una conexión especial, marcada por “una fluidez y una facilidad fuera de lo común”.

Así lo han explicado Manolo García y Quimi Portet en una entrevista concedida a Europa Press, donde han rememorado su evolución desde aquellos primeros conciertos hasta actuaciones en plazas de toros y grandes recintos. En su opinión, Andalucía ha sido siempre un lugar donde han encontrado “un público entregado y receptivo a nuestra propuesta”, algo que confían en volver a vivir en esta nueva etapa.

En este sentido, han querido destacar las “facilidades” recibidas en Fuengirola para preparar los ensayos generales, por lo que se muestran “sumamente agradecidos”. De cara al concierto inaugural en la ciudad malagueña, su deseo es que “el público conecte con la emotividad del repertorio y disfrute tanto como nosotros”.

“Una charla rutinaria de sobremesa”

Respecto a su regreso tras tres décadas, ambos explican que la idea de volver a girar bajo el nombre de El Último de la Fila surgió mientras trabajaban en el estudio en distintos proyectos, al recuperar con “suma facilidad la dinámica habitual” del grupo, lo que les llevó a plantearse de nuevo los directos. “La conversación definitiva fue, curiosamente, una charla rutinaria de sobremesa”, revelan, señalando que “después de esa conversación todo fue muy fácil y natural”.

En este contexto, han asegurado ser “perfectamente conscientes de la expectación que generan estos nuevos conciertos y la asumimos plenamente”, al tiempo que han subrayado que la única manera de responder a ella es centrarse en su oficio y preparar cada actuación con “absoluto respeto” hacia las canciones y lo que significan tanto para el público como para ellos, cuidando al máximo tanto los ensayos como la parte técnica del espectáculo.

En cuanto a este regreso, no descartan que pueda ir más allá de algo puntual, aunque prefieren dejar la puerta abierta y señalan que “ya lo iremos viendo”. “El reto de esos 12 conciertos es suficientemente serio como para concentrar toda nuestra energía en ellos y permitirnos la frivolidad de negligir el futuro por unos meses”, han explicado.

Canciones “altamente significativas”

Por otro lado, Manolo García y Quimi Portet han detallado que estos conciertos se articulan en torno a unas dos docenas de canciones “altamente significativas para nosotros y para el público”, al tiempo que han avanzado que la interpretación será “lo más fiel posible” a las versiones originales. No obstante, han subrayado que “no es un concierto nostálgico en absoluto”, ya que “esas canciones nos continúan interpelando de una forma natural y genuina”.

Asimismo, sobre su vuelta a trabajar juntos, se han sincerado señalando que son dos personas que, “por diversos motivos, tenemos una gran facilidad para trabajar con eficiencia y con absoluto respeto”. En este sentido, han recalcado que ambos son conscientes de que el concepto de El Último de la Fila “está por encima de nuestras individualidades”, aunque han apuntado que “quizá” la única diferencia respecto a etapas anteriores es que ahora están “un poco más relajados”.

En la misma línea, han señalado que su relación siempre se ha caracterizado por un entendimiento sólido en todos los niveles, especialmente en el artístico. “Eso sucedió antaño, continúa sucediendo actualmente y, eventualmente, continuará sucediendo en un hipotético futuro”, han apostillado.

Una música “válida durante decenios”

En este sentido, han explicado que el repertorio del grupo, surgido en los años 80 y 90, pertenece a ese género menor al que les gusta denominar “música popular contemporánea”, en el que las canciones “pueden resultar válidas durante decenios”. “Eso ha sucedido con material musical desde los años 60 del pasado siglo”, afirman, y por ello confían en poder permitirse “la pequeña vanidad de que nuestro material musical pueda también resultar interesante después de prácticamente 30 años”.

En relación con el panorama actual de la música, los artistas han reconocido que es “completamente diferente” al de sus inicios, aunque han subrayado que lo que no ha cambiado es la esencia de su oficio. “Hacemos canciones de música popular para el propio placer y para el presumible placer de nuestros coetáneos”.

Por último, han destacado que existen “muchos artistas” actuales que les gustan, al tiempo que han remarcado que “siempre habrá músicos increíbles haciendo música altamente inspiradora y cada generación tendrá, afortunadamente, sus propios músicos, independientemente del estado y del funcionamiento de la industria”.

La organización de la San Diego Comic-Con Málaga, la franquicia de la popular feria de cultura popular con origen en San Diego, han anunciado este viernes que las entradas a la venta para la edición de este año se pondrán a la venta este jueves 23 de abril a las 10:00, y estarán reservadas a los asistentes en 2025. La Comic-Con Málaga 2026 se celebrará del 1 al 4 de octubre. Aún no se ha desvelado ningún detalle de su programación, que el año pasado contó con Arnold Schwarzenegger como estrella indiscutible.

Cada persona podrá comprar dos entradas: una para sí mismo/a y otra para un acompañante. Las entradas estarán disponibles por jornada (jueves 1 de octubre, viernes 2 octubre, sábado 3 de octubre o domingo 4 de octubre) y también estará disponible un pack de cuatro días.

El precio de la entrada general por día para los mayores de 13 años será de 84,80 euros (gastos de gestión de 4,80€ incluidos), mientras que la entrada para niños y niñas que no hayan cumplido doce años a la fecha del evento tendrá un precio de 37,10 euros (gastos de gestión de 4,80€ incluidos). Tal y como anunció el año pasado, la organización ha subido el precio un 60%: la entrada general ha pasado de 50 a 80 euros.

Para poder adquirir entradas en esta primera ventana de compra anticipada será imprescindible el Registration ID de 2025 y una cuenta de Ticketmaster. Quienes no recuerden su Registration ID o deseen modificar su email asociado a su ID podrán hacerlo. Toda la información para ello estará disponible a partir del lunes. Mientras tanto, SDCC Málaga ha publicado una Guía de compra de entradas que recopila información útil. 

Éxito de público y críticas por la masificación en 2025

La edición europea oficial de la popular convención internacional de cultura pop regresa este año a Málaga después de la primera edición, que se saldó con un notable éxito de público, pero también con críticas y denuncias por la masificación por parte de muchos asistentes, organizaciones de consumidores e incluso de responsables políticos, que animaron a los organizadores a plantear una ampliación del recinto o un mejor uso de los espacios del Palacio de Congresos de Málaga para que el evento ganara accesibilidad.

El evento reúne a fans, creadores, estudios, editoriales y empresas del sector del entretenimiento en torno al cine, las series, el cómic, los videojuegos, la animación y otras industrias creativas. Arnold Schwarzenegger, Aaron Paul (Breraking Bad), Taz Skylar (One Piece), Norman Reedus y Melissa McBride (The Walking Dead), y las estrellas del cómic Jeph Loeb, Peach Momoko y Jim Lee pasaron por Málaga, donde además se estrenaron Tron: Ares y Predator Badlands. La presencia de estas estrellas y de un evento ya muy consolidado en la cultura pop, con una sólida base fan, disparó el interés.

Acudieron alrededor de 100.000 personas, según la organización, que fue sacando a la venta nuevas remesas de entradas a la vista de que se agotaban con rapidez. Cuando terminó el evento dudó de las cifras finales. Su principal responsable entonces, Javier Barbera, llegó a decir que habían sido 120.000 asistentes, lo que, de ser cierto, habría implicado que se superó el aforo, con implicaciones para la seguridad. Finalmente, esa cifra se rebajó a 96.000. En todo caso, muchas más de las 60.000 inicialmente previstas. Todo ello provocó que las colas fueran interminables y que muchos asistentes se quejaran de no haber podido acceder a eventos por los que se habían interesado.

El evento está financiado con dinero público: más de 4,5 millones de euros invirtieron para la pasada edición entre la Junta de Andalucía (3.025.000 Turismo Andaluz y 484.000 la Agencia Digital Andaluza) y el Ayuntamiento de Málaga (986.000). Sobre el papel, bajo la fórmula de promocionar las marcas respectivas, aunque en realidad el evento fue “adquirido” (y así lo admitían los responsables) por Andalucía y la ciudad de Málaga porque encaja como un guante en su estrategia de promoción cultural y turística. El patrocinio se abona a Dentsu Spain, S.L., la empresa que tiene la exclusiva para la explotación en España de la licencia de la Comic-Con.

Hace pocas semanas se presentó la nueva edición en Matadero Madrid, pero poco se desveló allí. La organización señala que se mantendrá el aforo de 90.000 asistentes -22.500 por jornada-, mientras ampliará de forma significativa sus espacios y contenidos con, entre otros, la incorporación de un pabellón adicional de más de 9.000m2 en su Exhibitor Hall, un Artists’ Alley más amplio y un nuevo auditorio.

También ha habido un cambio de responsables. Fernando Piquer ha sustituido a Javier Barbera como director general de San Diego Comic-Con Málaga. Piquer, con experiencia en Movistar, en la animación, los videojuegos y los esports, aseguró en marzo que la pretende “elevar la experiencia del fan”, “cuidar mejor los detalles y a hacer que cada nueva edición sea todavía más memorable que la anterior”. El objetivo “no es meter más gente”, ha dicho en una entrevista con Sur, asumiendo las limitaciones de crecimiento. “Esto es, y seguirá siendo, un evento para fans”. 

El Ministerio de Cultura ha anunciado este viernes que los retratos de Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma pintados por Goya en 1789 han sido asignados a la colección permanente del Bellas Artes de Sevilla, museo de titularidad estatal y gestión transferida a la Junta de Andalucía.

Así se lo ha comunicado el Ministerio a la Consejería de Cultura y Deporte de esta comunidad autónoma. La decisión, tomada después de que el Tribunal Supremo reconociera que la propiedad de los retratos del pintor zaragozano siempre ha sido del Estado, permitirá que las pinturas permanezcan definitivamente en Sevilla, ciudad para la que fueron creadas desde su encargo por la Real Fábrica de Tabacos, informa el Ministerio en una nota de prensa.

Actualmente, una de las obras forma parte de la exposición temporal 'El arte de preservar la memoria' en el Archivo General de Indias (Sevilla), institución que custodia ambos lienzos. Una vez la exposición finalice, el 15 de junio, las dos obras serán trasladadas al Museo de Bellas Artes, en coordinación con el museo.

Tras su encargo para la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla, los cuadros cambiaron de ubicación, entre Sevilla y Madrid, a lo largo de su historia, de acuerdo con las transformaciones que experimentó la gestión y comercialización del monopolio público del tabaco en España desde el siglo XVIII hasta convertirse en la empresa pública Tabacalera. en el siglo XX. En 2017, Altadis, empresa privada sucesora de aquella, reclamó la propiedad de las dos pinturas de Goya.

A partir de ese momento comenzó un largo litigio contra el Estado que se resolvió finalmente el pasado mes de marzo con la publicación de la sentencia del Tribunal Supremo (TS) que reconoce que los retratos siempre han sido de titularidad pública. Tras la resolución quedaba pendiente el destino definitivo de los bienes que queda ahora definido con la decisión adoptada por Cultura, que asigna los dos retratos al Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Una historia unida a Sevilla

Francisco de Goya y Lucientes pintó los retratos del rey Carlos IV y su esposa, la reina María Luisa de Parma, en 1789 por encargo de los trabajadores de la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla con motivo de las fiestas que se realizaron en la ciudad para celebrar la jura de los monarcas. Los cuadros fueron concebidos para ser expuestos en un monumento efímero como parte de las galas con las que la ciudad de Sevilla festejaba el comienzo del nuevo reinado.

La estructura resultante, conocida como 'Templo de la Fama', se ubicó en la plaza de la Fama, donde tuvieron lugar algunas de las celebraciones y donde se encontraba el edificio de la Fábrica de Tabacos. Tras los festejos, los cuadros pasaron a adornar las dependencias interiores del edificio.

Ahora, la adscripción de estos dos retratos a las colecciones públicas ofrecerá al Bellas Artes la oportunidad de completar su discurso expositivo y la posibilidad de su disfrute por el público acompañados de otras pinturas que permitan su contextualización histórica y artística.

El museo, con los dos retratos de Goya, podrá completar un episodio destacado de la historia de la ciudad, sumándose a los ocho cuadros de Domingo Martínez que ya posee, que reflejan el desfile de carrozas con los obreros de la Real Fábrica de Tabacos pintados para la celebración de la coronación de Fernando VI y Bárbara de Braganza, y que también fueron utilizados en los festejos de la llegada al trono del Carlos IV.

Los retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma fueron pintados por Goya el mismo año de la Revolución Francesa, de ahí la imagen tan medida que proyecta de los monarcas, presentándolos como personas cercanas y tolerantes. Carlos IV es mostrado con una expresión afable, alejada de la pomposidad de los retratos regios pero sin olvidar los símbolos distintivos de la realeza, como la corona y la capa de armiño en color púrpura que aparecen en el lado derecho del cuadro.

El óleo sobre lienzo de 128 x 95.5 cm. representa al monarca vestido de rojo, con el Toisón de Oro y la insignia de la orden de San Jenaro. Por su parte, el 'Retrato de María Luisa de Parma' es un óleo sobre lienzo 126 x 94 cm. en el que la reina aparece retratada a la edad de 37 años con un vestido de seda azul. Está representada con un tocado, brazos desnudos y sosteniendo un abanico con la mano derecha, mientras que en el pecho luce la Orden Imperial de la Cruz Estrellada.

En el mueble de la izquierda aparecen los mismos atributos que se observan en el retrato de Carlos IV, la corona y el manto de armiño. Ambas pinturas tuvieron un coste de 4.000 reales de vellón, tal y como se recoge en el recibo firmado por Goya el 11 de mayo de 1789, y en el que se refleja el acuerdo aceptado por el pintor de realizar las obras sin la participación de sus ayudantes.

Christine Ruiz-Picasso falleció este pasado lunes, 6 de abril, a las 18.00 horas a los 97 años, en su casa de Provenza, en Francia. Nacida en Francia en 1928, y vinculada al mundo del arte desde joven, era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga (MPM), junto con su hijo Bernard.

El Museo Picasso es el más visitado de Andalucía, con 800.000 visitantes al año. Abrió en octubre de 2003, fruto del empeño personal de Christine, presidenta de Honor junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía, y fue punta de lanza en la transformación cultural de Málaga, que hoy cuenta con espacios de referencia como el Pompidou o el Museo Carmen Thyssen.

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, académico, investigador del arte y por entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. El contexto político no era el más favorable. 

Cuatro décadas después, Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, acudió a Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada en el Palacio Episcopal de Málaga. Y salió tan satisfecha al contemplar el entusiasmo entre la ciudadanía malagueña por contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 reiniciuó el proyecto de su suegro. 

En 1997 la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista, un palacete del siglo XVI, y poco después, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la Fundación Museo Picasso Málaga Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, fundada ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. Sigue constituyendo el grueso de la colección del museo. Cincuenta años de que el artista malagueño concibiera la idea, el Museo Picasso Málaga se hizo finalmente realidad: fue inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Reconocimientos

Christine recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio y ese mismo año fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. Veinte años después, el Auditorio del museo fue rebautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el recinto. Ella no pudo asistir por motivos de salud.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía han lamentado la pérdida de una mujer “que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

“Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno”, han señalado desde el MPM.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha trasladado el pésame de Málaga a la familia, recordando en un mensaje en X que Christine Ruiz-Picasso “fue artífice del impulso cultural de la ciudad”. “Su generosidad, junto a su hijo Bernard, permitió la creación del Museo Picasso Málaga, uno de los hitos de la Málaga cultural, en 2003”. El regidor que ha recordado que Christine “donó el grueso de la colección permanente del museo, contribuyendo a que seamos un referente internacional, acercando la obra de Picasso a las generaciones presentes y a las futuras”. “Transmito con este mensaje el pésame de Málaga a su familia y la gratitud, enorme gratitud, de la ciudad. Descanse en paz”, ha concluido el hilo de mensajes De la Torre.

Decía el historiador Ian Gibson en 1998 que de Federico García Lorca aún quedaban muchas cosas por saber. En el centenario de su nacimiento, el conocimiento sobre el poeta y dramaturgo granadino estaba en plena etapa de exploración. Ahora, casi 30 años después, de Federico se sabe casi todo, pero nunca lo suficiente. Cada cierto tiempo aparecen retales de una vida que el tiempo ha convertido en leyenda, pero que fue la de un hombre magistral, a la vez que profundamente terrenal. Algo que queda reflejado en las cartas que se envió con su madre Vicenta y que el periodista Víctor Fernández ha recogido en el epistolario ‘No te olvides de escribir’.

Un documento esencial para conocer mejor la dimensión familiar de un Federico de carne y hueso. Con preocupaciones y problemas cotidianos, tan lejos del misticismo sobre el que reposa su recuerdo y tan cerca de ser cualquier hijo de vecino, que lo que se lee en estas misivas cobra otra dimensión. No es la primera vez que salen a la luz las cartas que Lorca se envió con sus familiares y amigos, pero sí es la primera vez en las que conocemos algunas inéditas.

Entre las letras que Vicenta Lorca y su hijo Federico se intercambian, vemos a un joven de veintipocos años que pasa frío en la Residencia de Estudiantes de Madrid, al tiempo que convierte a su madre en editora, enviándole en primicia sus creaciones para que esta se convierta en su mejor crítica. “Yo creo que las cartas lo humanizan. Nos ofrecen una imagen muy humana de él: el hijo que escribe a sus padres o el hermano que escribe a sus hermanos”, explica Víctor Fernández, autor del epistolario.

Vicenta, la madre tras el poeta

“Fue precisamente su madre la que le contó que habían ido a un teatro en Granada y que habían visto a una actriz que les impresionaba”. Esa actriz resultó ser Margarita Xirgú, a la que Vicenta conoció antes que Federico, y a la que ese azar le cambió la vida. Xirgú fue la musa teatral de Lorca, llegando a ser Mariana Pineda o Doña Rosita. Aquella misiva catapultó a la fama a la actriz catalana, que acabaría exiliada por el franquismo en Uruguay sus últimos días, y muestra cómo Federico y su madre construyeron juntos la carrera artística del poeta granadino.

Pero el papel de Vicenta Lorca va mucho más allá de la anécdota o del acompañamiento emocional. En las cartas, se dibuja como una figura clave en la construcción del propio Federico García Lorca. “Se convierte casi en una agente literaria”, explica el periodista Víctor Fernández. Es ella quien pregunta por editoriales, quien se interesa por las revistas en las que se publican los textos de su hijo y quien incluso gestiona aspectos económicos de sus primeras obras.

Una de las piezas que mejor ilustra ese rol es la carta que Vicenta envía al impresor Gabriel García Maroto con motivo de la publicación de ‘Libro de poemas’. En ella, se detallan cuestiones relativas al pago de la edición, que corría a cargo de la familia. La escena es tan descriptiva como emocionante: detrás del mito literario, hay una madre pendiente de cada paso, sosteniendo -también económicamente- los inicios de una de las voces más importantes de la literatura española.

Ese acompañamiento no termina con la muerte del poeta. Años después de su asesinato, Vicenta sigue preocupándose por la difusión de su obra, interesándose por su traducción y circulación en otros países y preguntando incluso por figuras clave de la cultura internacional. Una continuidad que, en palabras de Fernández, “cierra el círculo” y refuerza la idea de que el legado de Lorca también es, en parte, una construcción familiar.

El trabajo de investigación que sostiene este epistolario no ha sido menor. Fernández partía de una publicación anterior, centrada únicamente en las cartas de la madre, pero decidió ampliarla para incorporar también la voz del hijo. El proceso, sin embargo, ha sido fragmentario, casi detectivesco: documentos dispersos en archivos públicos, colecciones privadas y referencias en investigaciones previas que obligaban a reconstruir el mapa pieza a pieza. “Construyes un primer borrador y cuando lo das por cerrado aparece otra carta”, explica.

Una investigación atemporal

En ese rastreo han intervenido nombres clave del lorquismo como Ian Gibson o Christopher Maurer, pero también anónimos y familiares que han preservado el legado y archivos menos accesibles. Algunas cartas han llegado a través de fondos institucionales y otras gracias a copias conservadas por investigadores. Algunas han aparecido también en colecciones privadas. Incluso hoy, reconoce Fernández, hay archivos que permanecen cerrados, como el del escritor y amigo de Lorca, Rafael Martínez Nadal, donde podrían seguir guardándose documentos desconocidos.

Ese carácter abierto de la investigación no es una excepción, sino casi una constante en el universo lorquiano. A lo largo de los años han seguido apareciendo materiales inesperados: desde nuevas fotografías hasta epistolarios desconocidos que emergen, literalmente, de cajones familiares tras una herencia. “A veces ocurren estos milagros”, explica el autor, que recuerda cómo recientemente apareció un conjunto de cartas dirigidas a una persona hasta ahora desconocida para los estudiosos. No obstante, faltan documentos clave como el manuscrito de Bodas de Sangre o sus cartas con Dalí, con el que mantuvo una relación amorosa en la que estaba también Buñuel.

Porque, aunque hoy sabemos mucho más que hace décadas -hace tan solo unas semanas trascendieron imágenes en vídeo de él junto a su compañía teatral-, el legado de Lorca sigue atravesado por ausencias. Se han perdido manuscritos, cartas y poemas -algunos destruidos durante la Guerra Civil por miedo- y otros cuyo paradero sigue siendo un enigma. Ni siquiera se conserva el manuscrito de algunas de sus obras más conocidas. Y, sin embargo, lo que ha llegado hasta hoy resulta casi milagroso. “No nos podemos quejar de lo mucho y bueno que tenemos”, apunta Fernández.

En ese equilibrio entre lo descubierto y lo perdido se mueve también el futuro de la investigación. No parece probable que aparezca una gran obra inédita que cambie el canon literario, pero sí nuevos documentos que completen el retrato. Pequeñas piezas que, sumadas, siguen ampliando la comprensión de un autor que nunca termina de agotarse.

Quizá el mayor misterio pendiente sea otro. La posibilidad de escuchar su voz. Federico García Lorca participó en emisiones de radio en sus últimos años en ciudades como Madrid o Barcelona, y no se descarta que alguna grabación haya sobrevivido en archivos sonoros, incluso fuera de España. “Yo soy optimista con que pueda aparecer”, señala Fernández. El problema, advierte, no sería tanto encontrarla como poder demostrar que realmente es suya.

Mientras tanto, estas cartas cumplen una función más inmediata y, quizá, más necesaria: devolver a Federico a un lugar reconocible. Alejarlo del pedestal sin restarle altura. Mostrarlo no sólo como el símbolo universal que representa, sino como lo que también fue: un hijo que escribía a su madre. Y, en ese gesto cotidiano, profundamente humano, encontrar una forma distinta y más cercana de leerlo.

El Ayuntamiento de Sevilla, a través del Área de Turismo y Cultura, ha informado de la adhesión del Teatro de la Maestranza “al compás” de la XXIV Bienal de Flamenco, con una programación, conformada por propuestas de “gran formato”, que combina cante, toque y baile en dos estrenos y “una serie de noches irrepetibles”, comenzando por la puesta de largo del nuevo espectáculo de Sara Baras, que regresa 14 años después para presentar Infinita.

Se trata de un estreno creado exclusivamente para esta cita, que marcará, además, la inauguración de esta edición y el inicio de la temporada escénica de la ciudad. Junto a esta esperada creación, el teatro acogerá también el estreno del nuevo espectáculo de Israel Galván, así como una serie de actuaciones enmarcadas bajo el concepto de noches únicas: “piezas concebidas como acontecimientos exclusivos, con encuentros singulares entre artistas, espacios y repertorios que nacen con vocación de excepcionalidad y para suceder una sola vez”, señala el Consistorio en un comunicado.

En este sentido, la delegada de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla, Angie Moreno, ha destacado que “la presencia del Teatro de la Maestranza en la Bienal reafirma el papel de Sevilla como capital indiscutible de lo jondo a nivel internacional, con una programación que combina excelencia artística, grandes formatos y propuestas únicas pensadas para emocionar al público”.

“Gran escaparate mundial del flamenco”

Al respecto, Moreno ha subrayado que “hablamos de un escenario de primer nivel que acoge estrenos absolutos y encuentros irrepetibles entre artistas, consolidando a la Bienal como el gran escaparate mundial del flamenco”. Asimismo, la edil ha señalado que desde el Ayuntamiento se sigue apostando por “una cultura diversa, accesible y de máxima calidad, que conecta la tradición con la creación contemporánea y que sitúa a nuestros artistas en el centro”.

Por su parte, para el director de la Bienal, Luis Ybarra, “el Maestranza es un coliseo de la cultura en la ciudad, y el flamenco, a través de la Bienal, ha tomado por costumbre llenarlo durante el mes de septiembre cada dos años; de esta forma, la cultura jonda se muestra ante cerca de 20.000 personas”.

“Celebraremos lo gitano con Marina Heredia, José Mercé y el espectáculo A canela y clavo. Nos abrazaremos a lo clásico con el maestro Cañizares junto a la ROSS [la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla] y nos deleitaremos ante lo nuevo de Israel Galván, Farruquito y Manuel Liñán, quien ha creado un espectáculo para mostrar sus credenciales en Sevilla”, ha añadido Ybarra.

Triple cita de 'Infinita'

El regreso de Sara Baras a la Bienal abrirá la programación en el Teatro de la Maestranza con una triple cita. Infinita, que podrá verse los días 11, 12 y 13 de septiembre, se asienta sobre la identidad, la herencia y la fuerza simbólica de Andalucía. “El espectáculo propone un viaje escénico a través de ocho miradas femeninas que encarnan el latido flamenco de las ocho provincias andaluzas”. “Una creación que, según la artista, nace de una tierra que nos da y nos enseña, de un palpitar que no se detiene”.

También estrenará espectáculo en la Bienal y sobre las tablas del Teatro de la Maestranza el bailaor Israel Galván. El 26 de septiembre mostrará al público sevillano y visitante su Bolero de blanco y negro, en el que rendirá homenaje a Maurice Ravel interpretando Boleros y otras piezas, además de boleros de los cantantes Ramón Calabuch Batista (Moncho) y Juan José Amador Amador, dos referentes de este género musical.

Como apunta el propio Galván, “vamos a quitarle al bolero el color, la pastelería, el merengue, los candelabros. Vamos a dejarlo en un cuarto austero haciendo que susurre al oído suavemente y, al mismo tiempo, que continúe una maquinaria rítmica que no para nunca”.

Espectáculos de grandes figuras

La programación de la Bienal en este espacio se completa con un variado rosario de noches únicas que tendrán como protagonistas a grandes figuras del arte flamenco. El toque de Juan Manuel Cañizares, reconocido en 2023 con el Premio Nacional de Música en la modalidad de Interpretación, abrirá el 19 de septiembre las noches únicas en el Maestranza con Cañizares Sinfónico, un recital de gran formato en el que el guitarrista y compositor estará acompañado por la ROSS e interpretará dos de sus obras más significativas para guitarra y orquesta: el Concierto Al-Andalus, a la memoria de Paco de Lucía; y el Concierto Mediterráneo, dedicado a Joaquín Rodrigo.

La noche siguiente, el 20 de septiembre, el cantaor jerezano José Mercé presentará Toquen a rebato, haciendo alusión al título de una seguirilla del cantaor jerezano Juanito Mojama (Aunque toquen a rebato); expresión que indica dar una señal de alarma urgente, tradicionalmente mediante campanas.

El 22 de septiembre será el turno del bailaor y coreógrafo granadino Manuel Liñán, que, en su reencuentro con el público sevillano, presentará Bailaor@, un recital de baile con varios artistas invitados en el que el artista celebra quién es.

La profunda huella dejada por la comunidad gitana en el flamenco llegará al Teatro de la Maestranza en forma de homenaje la noche del 24 de septiembre. Los cantaores Esperanza Fernández, Duquende y José Valencia, y los bailaores Pepe Torres y Nazaret Reyes pondrán en escena A canela y clavo, un espectáculo dirigido por Pedro María Peña que celebra un encuentro con las raíces del flamenco que, lejos de quedarse anclado en la nostalgia, se proyecta hacia el presente y el futuro transformando el legado en algo vivo y renovado.

Farruquito, Marina Heredia y Carmen Linares

Por su parte, el bailaor Farruquito presentará el 28 de septiembre Serás Farruquito, espectáculo basado en la producción cinematográfica del mismo título. En esta propuesta escénica, Juan Manuel Montoya repasa su vida y su carrera, estrechamente vinculada a su familia, una de las dinastías señeras del flamenco, encabezada por su abuelo Farruco, uno de los grandes innovadores del baile, hasta llegar a su hijo, la joven promesa Juan El Moreno.

Para inaugurar octubre, en la noche del día 1, Marina Heredia también se hará acompañar de la ROSS en ¡En libertad! El camino de los gitanos. Coincidiendo con la celebración del sexto centenario de la llegada documentada del pueblo gitano a la península ibérica, la cantaora granadina, habitual en grandes escenarios de la música y en festivales de prestigio nacionales e internacionales, ha creado una obra en consonancia con esta fecha tan significativa.

El Teatro de la Maestranza será también escenario de la clausura de la Bienal la noche del 3 de octubre. Carmen Linares festejará el 30 aniversario de la publicación de su disco Antología de la mujer en el cante con el espectáculo Perlas a Millares, en el que se acompañará de otras grandes voces de lo jondo como Marina Heredia y María Terremoto, y el baile de Rafaela Carrasco.

“Durante la última excavación, salió algo bastante interesante, parecido a lo que nosotros ya habíamos visto a unos cien metros de allí”. El arqueólogo José Luis López Castro habla de uno de los descubrimientos más importantes de la antigua ciudad fenicia de Baria (siglo VII a. C.), que hoy permanece intacta bajo los cimientos del pueblo de Villaricos (Cuevas del Almanzora, Almería), de un millar de habitantes. “Encontramos los restos de unos postes sobre las rocas que no terminábamos de interpretar”. En efecto, su equipo obtuvo años atrás la pista inicial, insuficiente para formular una hipótesis. Con los resultados de la última investigación, todo quedaba aclarado. “Pensamos que puede tratarse de una ‘neoria’”. Los griegos utilizaban esta palabra para definir los cobertizos navales que se construían junto al mar para guardar y preparar embarcaciones de pequeño tamaño. “No hay ningún otro precedente en la Península Ibérica; se conocen en el mundo griego en lugares como Grecia, Chipre o Marsella, pero en el ámbito fenicio este caso es único”, valora el catedrático de la Universidad de Almería.

Nadie dudaría de que zonas como esta en un yacimiento fenicio de casi 3.000 años de antigüedad deberían estar protegidas bajo llave. Sin embargo, una serie de circunstancias históricas —dejadez administrativa, conflicto de competencias e intereses inmobiliarios en un área costera de irresistible tirón turístico— han abocado a una situación surrealista. El pasado 21 de febrero, decenas de vecinos y representantes de diferentes colectivos y grupos ecologistas se manifestaban junto al enclave arqueológico para tratar de frenar la construcción de 24 viviendas de lujo que amenazan con sepultar definitivamente una parte (pequeña, pero muy valiosa) de la antigua Baria.

Bajo eslóganes como 'La memoria colectiva no es edificable', los convocados dieron lectura a un manifiesto en el que piden “la paralización cautelar de cualquier actuación que comprometa la integridad de las estructuras arqueológicas documentadas”, además del acceso a la documentación de las excavaciones más recientes a las que se refería el profesor López Castro y, en un futuro próximo, “la protección efectiva y la puesta en valor del enclave” a través de “un parque arqueológico” que cuente la dilatada historia del paraje.

La reivindicación no es nueva, como tampoco lo es el enésimo intento de edificar sobre los restos arqueológicos. “El día 1 de diciembre, aprovechando que todo el mundo estaba de vacaciones y la Administración prácticamente cerrada, veinte camiones de alto tonelaje con cuatro máquinas para cargar empezaron a demoler el yacimiento”. Juan Grima, presidente del colectivo Unidos por Baria, no se refiere a la promoción de apartamentos por la que protestaban en febrero (el denominado sector 9), sino a otra anterior, de hace veinte años, que dio origen a la asociación. Aquel proyecto quería sepultar una zona adyacente, el sector 8. Entonces, Grima implicó a la Junta de Andalucía para paralizar los primeros trabajos y obligar a la constructora a realizar una investigación en el subsuelo.

“Lo vallaron todo y no se podía ver nada en el interior, pero empezaron a aparecer restos antiguos en una escombrera”. Grima apunta a la chispa que prendió el movimiento vecinal, receloso de lo que podría estar ocurriendo ahí dentro. “Como no nos dejaban ver nada, alquilamos un avión ultraligero para tomar fotografías de todo y enviarlas a la prensa”, relata este profesor de Historia jubilado. El revuelo mediático acabaría dando sus frutos: “Conseguimos parar la construcción”. La Junta indemnizó a la constructora con dos millones de euros en concepto de lucro cesante (lo que la empresa dejaba de ganar por no construir, pese a contar con licencia), y el citado sector 8 recuperó la protección que tenía desde 1979.

Amenazada desde el siglo XIX

Entonces nadie (o casi nadie) podría imaginar que el caso aún no estaba cerrado. La amenaza del hormigón seguía latente hasta dar la cara en la actualidad. Nada extraño, por otro lado, en una ciudad fenicia que no ha parado de afrontar desafíos desde el siglo XIX. Entonces, el atractivo de la zona era la riqueza mineral del subsuelo. En 1842 se instaló en la costa de Villaricos una fundición que aprovecharía el plomo rico en plata que se extraía en la Sierra Almagrera, una industria que generó un notable desarrollo industrial durante décadas. A principios del XX, la actividad continuó, aunque de una manera mucho más reducida. La infraestructura ya creada —galerías, túneles y caminos que permitían extraer y transportar los minerales hasta las fundiciones y las zonas de embarque— se siguió utilizando. “Hacia 1925, la minería comenzó a caer en desgracia por la fuerte competencia del sector del hierro en Marruecos”, explica Juan Grima. El régimen franquista trató de reactivar las minas de plomo, plata y hierro con la creación de una nueva empresa, pero en 1959 “aquello se fue a pique directamente y no volvió a haber más actividad minera”, aclara el profesor de Historia y editor.

Desde entonces, el auge del turismo comenzó a sustituir el extinto pasado minero. Los terrenos de Villaricos situados junto al mar eran demasiado apetecibles como para respetarlos. “El auge como zona de veraneo hizo que la gente comenzara a apropiarse de los terrenos”, continúa Grima. Terrenos que terminarían en manos privadas, así que el ladrillo estaba llamado a convertirse en el nuevo peligro para Baria ya en el siglo XXI. Primero, con la promoción de apartamentos turísticos en el sector 8 que los vecinos lograron frenar. A continuación, con los planes inmobiliarios para edificar en el número 9. Este solar, de unos 1.300 metros cuadrados, se había declarado bien de interés cultural (BIC), pero el Tribunal Superior de Justicia de Andalucía decidió suprimir esa protección en 2013 en la mitad de los terrenos, unos 600 metros. Una nueva promoción de 24 apartamentos de lujo hacía que la historia volviera a repetirse. “Como a finales de 2020 habían comenzado las excavaciones, en enero de 2021 hicimos una concentración junto a grupos ecologistas como la del mes pasado”, relata el presidente de Unidos por Baria.

La presión social, también de nuevo, logró frenar las obras. La Justicia paralizó la promoción y obligó a la constructora a realizar previamente una extensa excavación arqueológica, que se ha llevado a cabo en 2023. “Esta documentación es la clave para saber qué hay ahí abajo”, apunta Juan Grima. “Desde entonces, hemos hecho todo lo posible para que no empiecen a construir”, sostiene el profesor, que denuncia la falta de acceso a toda esa información. “No nos han dado ni un solo papel”, lamenta. Ante el riesgo real de que el proyecto siga adelante, Unidos por Baria decidió presentar una demanda con un amplio dosier informativo sobre la importancia de la antigua ciudad fenicia.

“Hemos escrito al alcalde (Antonio Fernández Liria, PSOE) y le hemos dicho que si da la licencia para construir puede arruinar el pueblo”, revela Grima, ante la posibilidad de que el solar multiplique su valor, y se repita la historia de hace dos décadas. “Nosotros queremos que toda la zona se convierta en un parque arqueológico, aprovechando los antiguos túneles mineros que conectan con la antigua necrópolis y la zona de los templos”, expone el presidente de Unidos por Baria. En Villaricos piensan en un nuevo desarrollo para la zona, esta vez, basado en el patrimonio y la arqueología, con referentes como la Geoda de Pulpí, la cavidad subterránea almeriense que se ha convertido en un fenómeno social y aspira a ser Patrimonio de la humanidad.

El Mediterráneo español, referente fenicio

“Se trata de un yacimiento de primera magnitud, una ciudad fenicia y luego romana que funcionó durante siglos, y que está entera, completa”, valora José Luis López Castro. El arqueólogo —que ha tomado el relevo de las primeras excavaciones, llevadas a cabo hace un siglo por el belga Luis Siret— señala los pasos a seguir para preservar el yacimiento y ponerlo en valor: “Lo primero sería que todas las zonas fueran de propiedad pública; a partir de ahí, habría que hacer un plan director para establecer futuras investigaciones e intervenciones, desenterrando lo que ya está excavado y ampliando lo necesario”.

En su opinión, Baria se convertiría en el principal referente de la civilización fenicia en la provincia de Almería —junto con la ciudad de Abdera, hoy Adra— y pasaría a formar parte de la nómina de enclaves más importantes del país, con la primitiva Cartago Nova (Cartagena, Murcia), La Fonteta (Guardamar del Segura, Alicante), Puig des Molins (Ibiza), Sexi (Almuñécar, Granada), Malaka (Málaga) o Gadir (Cádiz). “En España conocemos más de los fenicios que en otros países por la política de protección arqueológica de los últimos cuarenta años, que ha permitido recuperar información antes de que se ejecuten muchas obras”, explica López Castro.

Pero ¿por qué preservar la huella fenicia? Básicamente, porque muchos de los avances de lo que disfrutamos hoy por hoy proceden de esta cultura. El arqueólogo López Castro destaca “la escritura, el concepto de vida urbana y de ciudad y, después, la metalurgia o la arboricultura, con la introducción de cultivos específicos como los frutales, la vid o el olivo”. Como docente universitario, López Castro cree que “en términos generales, la cultura fenicia se conoce bien dentro de un programa que es muy amplio”, teniendo en cuenta también que el estudio de los fenicios “depende mucho de la arqueología, ya que hemos perdido su literatura”. No tan optimista se muestra en la enseñanza básica, donde “el currículum está perdiendo el estudio de la cultura clásica”. De ahí que preservar yacimientos como Baria sea la llave para conocer a nuestros antepasados, cuando lo clásico vuelva a ser moda.

“!La noche! Y estos pavos reales dormidos en las ramas de los árboles!”. Así comienza el texto La tardes de la Moncloa o Las brujas de Don Francisco, la obra teatral de los hermanos Machado que acaba de ser descubierta al público, y que quedó interrumpida por la Guerra Civil y el exilio y el fallecimiento en Collioure de Antonio Machado. La Fundación Unicaja, depositaria de la colección de manuscritos de los Machado, presentaba esta semana el primero de los tres actos previstos de este texto inédito, editado por el Servicio de Publicaciones de la entidad.

Según el responsable de Literatura de la Fundación Unicaja, Francisco Cañadas, junto a los investigadores Rafael Alarcón y Antonio Rodríguez Almodóvar, Las tardes de la Moncloa retrata en tono satírico y crítico la vida política y social de la España de finales del siglo XVIII.

Al igual que con La diosa Razón, la obra igualmente inédita inspirada en la Revolución Francesa, los investigadores han partido de una copia en limpio realizada por José Machado, el hermano pintor que se ocupaba habitualmente de preparar los textos de Manuel y de Antonio para mandarlos a la imprenta. “Al poco de hacer la segunda gran adquisición de manuscritos de los Machado, en 2018, nos dimos cuenta de que podía haber algo más que La diosa Razón”, comenta Rodríguez Almodóvar. Cuando apareció el primer acto de esta nueva obra junto a algunos borradores, empezamos a buscar en otros archivos en busca de noticias sobre ella, pues no teníamos ni idea de su existencia. En este sentido, fue muy importante dar con el dramatis personae que hizo Manuel, donde figuran muchos más personajes de los que comparecen en el primer acto“.

Intrigas políticas

Así, Las tardes de la Moncloa o las brujas de Don Francisco aparece como una sátira humorística con algunas partes cantadas siguiendo el esquema del llamado género chico, que retrata la vida política y social de la España de la corte de Carlos III y los prolegómenos de la de Carlos IV. A través del humor, la ironía y elementos cercanos al esperpento, los autores presentan a don Francisco –Goya– y a una serie de personajes caricaturescos que simbolizan el poder, la hipocresía y las intrigas políticas. La obra combina crítica social y entretenimiento, utilizando el diálogo ágil y la exageración para denunciar los vicios de la política y las falsas apariencias de la sociedad de su tiempo.

Para Rodríguez Almodóvar, “lo fundamental de este texto es que pone de manifiesto cómo el taller de los Machado, con las dos obras que hemos rescatado, iniciaba un giro muy importante, que superaba los esquemas de su teatro anterior, tanto el orientado hacia los melodramas históricos, como La duquesa de Benamejí, como las comedias dramáticas con elementos folklóricos, como La Lola se va a los puertos, todas ellas acogidas con gran éxito. Pero en los años 30, con la llegada de la República, los hermanos se sienten más libres de ataduras e inician con La diosa Razón una nueva tarea, que para mí va a traer lo mejor de su dramaturgia”.

Todo ello ha sido posible, no obstante, gracias a una concienzuda tarea de restauración y recomposición, pues en muchas partes lo que había eran fragmentos dispersos que ha sido necesario encajar como las piezas de un puzle. En cuanto al fondo de Las tardes de la Moncloa, “se trata de una obra plenamente republicana, en la que la sátira es muy fina y a la vez muy divertida”, señala Rodríguez Almodóvar. “Es una carga de profundidad contra la frivolidad de palacio, porque no debemos olvidar que los Machado eran republicanos a carta cabal. La obra refleja esa sintonía entre Antonio y Manuel en el año 1935, cuando la escriben. Se sienten absolutamente libres”.

Guiño a Guiomar

Por sus páginas desfilan personajes que son trasuntos del gran seductor Godoy, de María Luisa de Parma (esposa de Carlos IV), de la duquesa de Alba y del futuro duque Álvarez de Toledo. “El círculo se cierra y todos tienen amoríos con alguien distinto de su pareja”, ríe Rodríguez Almodóvar. “Es un vodevil, que tiene cierto aire a La corte de los milagros y a Don Perlimplín, estrenada no hacía mucho, con gran polémica por los temas licenciosos que trataba. Los trajines amorosos de los Machado tienen mucho que ver con los ambientes que reflejaban Valle-Inclán y García Lorca”.

De manera paralela a la publicación, Fundación Unicaja ha organizado la exposición El nuevo teatro de los Machado, comisariada por el propio Rodríguez Almodóvar, que realiza un recorrido por el estado y carácter novedoso de las citadas obras teatrales a través de manuscritos de los hermanos, fotografías, libros, relatos históricos y comentarios, la exposición muestra el cambio en la dramaturgia de los Machado hacia el drama histórico sentimental o la comedia dramática con tintes locales. La muestra se puede visitar hasta el 19 de julio en el Centro Cultural Fundación Unicaja de Sevilla (Avenida de la Palmera, 45) con entrada gratuita de lunes a sábados de 10 a 14 horas y de 16 a 19 horas, y domingos y festivos de 10 a 14 horas.

Finalmente, Rodríguez Almodóvar señala la singularidad del título, “que en la parte propuesta por Antonio, Las tardes de la Moncloa, es un guiño a Guiomar, pues se encontraba con ella precisamente en la Moncloa, donde hoy está la residencia del presidente del Gobierno, mientras que Manuel propuso el de Las brujas de Don Francisco, pues hay tres brujas que escapan de un cartón de Goya, se meten en la acción y recriminan a Godoy su condición de donjuán”.

En 1851, apenas seis meses después del descubrimiento del procedimiento fotográfico del colodión húmedo, la Comisión de monumentos históricos de Francia dirigida por Prosper Merimée pidió a varios fotógrafos la toma de imágenes de una serie de monumentos importantes. A este encargo se le conoce como Misión Heliográfica, y ha sido la inspiración de innumerables aventuras similares. También lo es de Misión Andalucía, un proyecto de colaboración del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH) y el Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) que reúne a ocho fotógrafos para plasmar en imágenes el paisaje rural de la comunidad.

Según el comisario de la muestra, Juan María Rodríguez, “ahora que nos asomamos al abismo de la IA, cuando la fotografía vuelve a sentirse acosada, volvemos a los orígenes. Por eso hemos hecho nuestra propia misión, reivindicando el valor y la encrucijada de nuestro propio paisaje”. En cuanto a los nombres seleccionados, que han contado con la asesoría científica de de Silvia Fernández Cacho, destaca que son “muy distintos entre sí”, y han llevado a cargo el desafío “siendo ellos mismos, sin hacer fotoperiodismo, ni una bonita colección de postales; ni tampoco un documentalismo contemporáneo gélido. Necesitábamos plasticidad y belleza”.

Por otro lado, Rodríguez admite que se trataba de una idea “un poco kamikaze”, por lo que supone pretender concentrar toda la riqueza del paisaje andaluz en solo 129 imágenes. “Al menos hemos logrado una síntesis del territorio, planteada de manera de manera autoral, subjetiva y contemporánea”. Entre los seleccionados figura María Clauss, la fotógrafa onubense que falleció junto a su marido en el trágico accidente ferroviario de Adamuz, y a la que se dedica la muestra a modo de homenaje. “Recuerdo que María se sentía un poco abrumada por este trabajo, pero acabó haciendo una de las mejores aportaciones del equipo. Verla crecer en este proyecto fue maravilloso”.  

Alto nivel

El resto del catálogo está integrado por Santi Donaire, Manuel Espaliú, Susana Girón, Laura León, Pablo López, David Jiménez y Julián Ochoa, una nómina que “reivindica también el alto nivel de los fotógrafos andaluces de hoy, aunque estén muy dispersos”, señala Rodríguez. De paso, se plantea la pregunta de qué es un paisaje, cuestión que para los organizadores tiene una respuesta simple: “Es todo aquello que el ciudadano percibe como tal. El paisaje no solo son arbolitos, también es el polo químico. Eso permite que veamos algunas intervenciones del hombre, como placas solares o huellas de destrucción, como el rastro de los incendios. Todo está planteado de manera sutil, incluyendo poesía y abstracción, y por supuesto mucho guiño metafotográfico”.

“Es un intento de dejar un testimonio del paisaje andaluz, y a la vez de la mirada de varios autores”, comenta David Jiménez, uno de los fotógrafos invitados. “En mi caso particular me tocó una serie de comarcas en la provincia de Almería, un lugar al que tengo mucho apego emocional. He quedado fascinado al descubrirla con más detalle, en particular el desierto de Tabernas, un lugar único y mágico, así como la comarca de Los Vélez, el yacimiento de los Millares, las canteras de Macael… Ha sido una experiencia muy grata, haciendo un trabajo a medio camino entre lo descriptivo y lo poético, lo artístico y lo documental. Algo hermoso que esperamos que perdure en la memoria”.

Laura León, también participante en el proyecto, comenta que trabajó en las provincias de Sevilla y Córdoba, “antiguos yacimientos mineros, asentamientos romanos, etc. No me tocó una parte especialmente icónica, y muy difícil por las temperaturas estivales, pero ha tenido momentos maravillosos”, añade. “Se ha trabajado sobre una representación subjetiva, evitando los hitos reconocibles… Que por otro lado, en mi caso, eran inexistentes. Yo me he centrado en espacios donde hay mucha huella humana, y eso le da una estructura muy concreta al trabajo. Una de las imágenes que más me ha interesado es la de unas personas de San José de la Rinconada que seguramente no pueden irse de vacaciones, y pasan el verano viendo despegar los aviones del aeropuerto de Sevilla y comiendo pipas. Ha sido una experiencia que me ha permitido abandonar la mirada cotidiana y activar una observación mucho más atenta. Al contemplar el paisaje desde ahí, se comprende su valor patrimonial y su condición de fenómeno en permanente transformación”.   

Continuidad de las dunas

En cuanto a la muestra resultante, que puede verse en la sede almeriense del CAF desde esta semana hasta el 24 de mayo, crea “una secuencia visual, una especie de horizonte común que pudiéramos llamar Andalucía, con las muchas ambigüedades que eso pueda tener”, subraya Rodríguez. “Hay muchos tipos de engarce visual, y no queríamos organizar las imágenes por provincias ni tipos de paisaje. Aquí optamos por un continuum, dando como resultado una exposición ondulada: la duna de Almería puede tener continuidad en la de Huelva”.

Asimismo, las casi 500 imágenes que conforman el trabajo global pasarán a formar parte del archivo del CAF, y el IAPH las colgará en su página web “para darle un valor utilitario, permitiendo que el ciudadano pueda acceder a ellas y descargárselas gratuitamente, y dotando al proyecto de un contenido pedagógico y didáctico. Esta muestra permite, entre otras cosas, ver cómo ha cambiado Andalucía”, concluye Rodríguez, “y no nos cabe duda de que seguirá cambiando”.