La historia parece ficción, por lo que ha sido transformada en ficción. Tres mujeres afroamericanas, durante la década de los sesenta, actuaron como supercalculadoras humanas para ganar la carrera espacial a la URSS. Como historia de ficción, Figuras ocultas, ha generado mucho interés. La historia, protagonizada por Taraji P. Henson Octavia Spencer y Janelle Monáe, contiene la mezcla necesaria de heroísmo y contexto histórico para incluso haber llegado a los Oscar, aunque finalmente se quedaran sin galardón.

Pero su historia es real. Figuras ocultas se basa en el libro del mismo nombre, escrito por Margot Lee Shetterly, que desentraña la olvidada historia de las matemáticas Dorothy Vaughan, Mary Jackson, Katherine Johnson y Christine Darden que, como trabajadoras de la NASA, ayudaron a poner en órbita al astronauta John Glenn.

El título resulta adecuado. Sirve, además, para definir a una serie de estudios que buscan traer a la luz la más que oscurecida tarea de las mujeres científicas a lo largo de la historia reciente (y no tan reciente).

Ese es el caso de El universo de cristal, de la divulgadora científica Dava Sobel, que ahora publica Capitan Swing. Sobel trata la desconocida historia de las mujeres del observatorio Harvard, que a finales del siglo XIX, trabajaron como astrónomas y participaron -cuando no fueron los principales motores- en los descubrimientos estelares.

La obra de Sobel incide, como la de Shetterly, en el papel femenino en la ciencia, siempre relegado a un segundo puesto y cruzado, necesariamente por la precariedad. La invención de la astrofotografía a mediados del siglo XIX posibilitó ver y descubrir millares de astros que hasta entonces eran invisibles. Con esa nueva realidad, llegó la necesidad de mano de obra barata que pudiera interpretar y clasificar la ingente cantidad de mapas, placas y fotografías espaciales.

Es necesario poner énfasis en “mano de obra barata”. El libro de Sobel trae al primer plano a estas obreras del cálculo y la matemática que, por la mitad de salario que sus compañeros hombres, realizaron tareas cartográficas indispensables para el avance de la astronomía. En la mayoría de ocasiones, solamente pudieron llegar a esos trabajos gracias a la proliferación de instituciones como la liga Seven Sisters, una asociación de facultades que apoyaron la incorporación de mujeres a las universidades, al principio dotando de material, salarios complementarios para frenar la precariedad, y más adelante becas científicas.

El universo de cristal llega acompañado de otras obras que descubren la importancia de las mujeres en el hecho científico, ya no únicamente como sujetos. Si la sociología de la ciencia feminista quería arrojar luz sobre cómo la historia de la medicina y la medicalización habían afectado a las mujeres -entre las que destaca, por ejemplo, el ejemplar trabajo Por tu propio bien de Barbara Ehrenreich y Deirdre English- son ahora las científicas las que llegan a través de los libros para recuperar el rigor histórico.

Las protagonistas de la historia de la ciencia

En España, Sabias, la cara oculta de la ciencia, de Adela Muñoz Páez, cuenta la historia de algunas de las mujeres que han hecho contribuciones relevantes en la ciencia. Paralelamente, hace entender por qué fueron tan escasas y hoy son tan desconocidas.

A través de la recuperación de la abadesa y científica Hildegarda de Bingen, Dorothy Hodking-Crawfoot, la cristalógrafa descubridora de la estructura de la penicilina y de la insulina, u Olivia Sabuco, autora de un tratado médico y filosófico que le fue usurpado con posterioridad, Muñoz Páez traza una obra subversiva en la acumulación de didactismo y descubrimiento.

El espacio de las mujeres en ciencia ha sido inferior porque se les ha prohibido el acceso a la educación superior, en algunos casos, hasta bien entrado el siglo XX. Y además, cuando se ha permitido, ha quedado igualmente silenciado, ya sea por el estigma propio del momento -las mujeres que estudian son peligrosas- o por mero designio político. La llegada de la Guerra Civil, como argumenta Muñoz Páez, truncó la carrera científica de multitud de prometedoras estudiosas.

Y para muestra del silencio, la cantidad de libros que ahora florecen y dan cuenta de todo lo que no conocíamos: Chrysalis de Kim Todd cuenta la fascinante historia de Maria Sybilla Meriam, la fundadora de la entomología moderna... en el siglo XVII, Dorothy Hodgkin: A life, la biografía de la química y ganadora del Nobel, y Rise of the Rocket Girls, de Nathalia Holt, trata toda la historia de la carrera espacial estadounidense a través de sus trabajadoras, y se ha convertido en un best seller en Estados Unidos.

Rise of the Rocket Girls, como Figuras ocultas, puede estar destinado a convertirse en una película. Aunque hay que tener cuidado en lo que a discurso científico en el cine contemporáneo. Y si no, recordemos qué pasó con The Imitation Game, la película que narra la vida de Alan Turing y la historia de Enigma, el código secreto alemán que descifró. Turing no lo hizo solo: entre las 9.000 personas que trabajaron en esa criptoguerra, 6.600 eran mujeres. Solamente la matemática Joan Clarke merece el honor de estar en la película. ¿El resto? Figuras ocultas.

“Chicos, chicos, lo siento. No. Hay un error... Moonlight ha ganado el premio a mejor película. Esto no es una broma”. Fueron las palabras con las que Jordan Horowitz trató de salir al paso de la catástrofe cuando se produjo el fallo histórico en el escenario de los Oscar en el momento cumbre de entregar el premio a la mejor película.

Los responsables de entregar el galardón, los actores Warren Beatty y Faye Dunaway, habían recibido un sobre erróneo. ¿Pero cómo pasó?

Brian Cullinan es presidente del Consejo de Ejecutivo de PriceWhaterhouseCoopers en EEUU y miembro del consejo mundial de la empresa que supervisa la votación de los Oscar. Él fue el responsable del histórico error que llevó a anunciar que La La Land había ganado el premio a la mejor película en lugar de Moonlight.  Warren Beatty y Faye Dunaway recibieron de sus manos el sobre equivocado del máximo galardón de la industria del cine al entregarles “el sobre del premio a mejor actriz en lugar del de mejor película”, según reconoció la empresa en un comunicado.

El diario The Wall Street Journal ha desvelado que momentos antes de que se produjera el error, Cullinan, responsable junto a Martha Ruiz de PwC de la gestión de los sobres, se encontraba entre bastidores tuiteando imágenes de Emma Stone. Aunque luego eliminó la imagen de la red social, sigue estando disponible a través de la caché de Google. Según The Wall Street Journal, esta no fue la única foto y mensaje que tuiteó durante esa noche, aunque ha eliminado los tuits.

Tan solo unos minutos después de hacer la foto y tuitearla, el socio de PwC entregaba a los encargados de otorgar el galardón a mejor película el sobre con el premio a mejor actriz que había recibido Emma Stone por La La Land, en lugar del ganador a mejor película.

Según una fuente citada por The Wall Street Journal, Cullinan había solicitado permiso a la Academia para tuitear imágenes durante la gala, pero no se lo habían concedido porque su única labor esa noche debía ser repartir y verificar los sobres con los premios.  

Tim Ryan, presidente de PwC ha reconocido que el error fue de la compañía y en una entrevista con TWSJ asegura que ha tenido oportunidad de hablar con Cullinan y que “no cree que un tuit causara el error”, añadiendo que el socio de PwC “se siente absolutamente horrible”. 

¿Cómo funciona la custodia de los premios?

El martes previo a la ceremonia la Academia de Hollywood envía las papeletas con los ganadores a PricewaterhouseCoopers. Sólo dos miembros de la firma conocen los resultados (en este caso Brian Cullinan y Martha Ruiz). Cada uno tiene una copia del premio que se entrega, es decir que hay dos sobres por premio. Cada miembro de PwC se situaba a un lado del escenario, y en función de si el presentador del premio sale por un lado u otro, el ejecutivo que está a ese lado entrega el sobre, mientras que el otro destruye la copia.

Sin embargo, Cullinan, liado en otros menesteres entre bambalinas, entregó la copia del premio a mejor actriz que ya se había otorgado en lugar del correcto.

Tuvieron que pasar dos minutos después de que se leyera el sobre equivocado en el escenario para que Cullinan y Ruiz, la otra responsable de PwC en los Oscar, corrieran hacia el escenario con el sobre correcto. En ese tiempo dos productores de La La Land ya habían dado su erróneo discurso como ganadores. 

Ambos trabajadores de PwC conocían de memoria la lista de premiados, por eso fueron conscientes del error. Ruiz comprobó la copia del sobre con el premio a mejor película que tenía ella para confirmar que realmente se estaba cometiendo ese fallo. 

Perdón, perdón, perdón

La auditora PricewaterhouseCoopers (PwC) lamentaba este lunes a través de un comunicado el error sucedido en la gala y aseguró que está investigando lo sucedido.

“Pedimos perdón sinceramente a Moonlight, La La Land, Warren Beatty, Faye Dunaway y a los espectadores de los Oscar por el error que fue cometido durante el anuncio del Óscar a la mejor película”, expresó la compañía en un comunicado. 

La Academia de Hollywood también ha emitido un comunicado pidiendo disculpas. La institución presidida por Cheryl Boone Isaacs destacó que en los últimos 83 años encomendó a PwC la gestión de los resultados, y recordó que la auditora asumió ayer “toda la responsabilidad” por las “rupturas de los protocolos” establecidos para la ceremonia.

“Hemos pasado la última noche y hoy investigando las circunstancias (de lo sucedido), y determinaremos qué acciones son apropiadas en el futuro. Estamos firmemente comprometidos con la defensa de la integridad de los Oscar y de la Academia”, concluye el escrito.

Adrien Brody ganó su único Oscar a mejor actor protagonista con 29 años, 11 meses y 21 días. Lo consiguió gracias a su papel del músico polaco Wladyslaw Szpilman, en la película El pianista, dirigida por Roman Polanski. Es el único actor que ha ganado el premio a mejor actuación principal con menos de 30 años en toda la historia de los Oscar.

Por el contrario, hasta 31 actrices se han llevado el galardón a mejor protagonista sin haber cumplido treinta primaveras. La última, Emma Stone, que se hizo con la estatuilla a mejor actriz por su papel en La La Land imponiéndose a otras candidatas como Isabelle Huppert (63 años) que optaba al premio por su interpretación en Elle.

A la hora de premiar las mejores interpretaciones del año, Hollywood tiene en cuenta la complejidad del personaje, la fuerza expresiva, la verosimilitud y, en el caso de las mujeres, también la juventud. El análisis de las 1.689 nominaciones a actores y actrices en la historia de los Oscar realizado por eldiario.es revela que las mujeres son, de media, seis años más jóvenes que sus compañeros varones. 

Los actrices principales y secundarias tenían, de media, 39 años a la hora de ser nominados para un Oscar. Los actores, 45. Una brecha que no diferencia entre papeles protagonistas y secundarios, ganadores y nominados o incluso si estamos en el siglo XX o XXI. 

Edad media de los ganadores y nominados a los premios de actuación en los Óscar desde 1927

En amarillo, los actores hombres, en violeta, las actrices

Fuente: Premios Óscar, NNDB

¿Maltrata la industria del cine a las actrices que han cumplido los 35? Maggie Gyllenhaal, nominada a mejor actriz de reparto en 2009, aseguró en una entrevista para The Wrap que la rechazaron para una película por ser demasiado vieja, con 37 años, cuando tendría que interpretar a la amante de un actor de 55.

“Demasiado vieja” es la expresión de los productores para hablar de las actrices por encima de la treintena, según denuncian las propias artistas. La discriminación por edad –ageism en inglés– en la industria del cine lleva a que se opte por actrices más jóvenes que sus personajes en la película.

Angelina Jolie interpretó a la madre de Alejandro Magno en el largometraje Alexander (2004), protagonizado por Colin Farrell, aunque ambos actores solo se llevaban 10 años. Situación parecida entre Tom Hanks y Sally Field, que al parecer tenía la edad suficiente para aparentar ser la madre de Forrest Gump cuando solo se llevan una década de diferencia.

La oscarizada Anne Hathaway por su papel en Los miserables se vio en esta tesitura con apenas 32 años cumplidos. “Cuando tenía 20, conseguía papeles que estaban escritos para mujeres de 50”, cuenta. Ahora, ya cumplidos los treinta, se pregunta: “¿Por qué esa actriz de 24 años consiguió ese papel?”.

El análisis de las nominaciones de toda la historia de los Oscar señala que la edad de oro para ser nominado si eres actriz está entre los 20 y los 40. Para los hombres, entre los 30 y los 50.

La edad de todos los nominados a mejor actuación en los Óscar desde 1927

En amarillo, los actores hombres, en violeta, las actrices

Fuente: Premios Óscar, NNDB

Desde los primeros Oscar que se entregaron en 1929, la brecha de edad entre actores y actrices no se ha reducido. Es más, en los últimos años la brecha se ha ampliado con respecto a principios de siglo.

En la década de los cincuenta, las actrices tenían en promedio 36 años, cuatro menos que los hombres. Desde 2010 hasta la actualidad, la brecha se mantiene en los siete años de diferencia.

Aunque es verdad que ya existe un sesgo dentro de la propia industria, también entre los académicos que eligen a los nominados la falta de presencia femenina podría tener su efecto en las decisiones finales. 

Una investigación de Los Ángeles Times reveló el perfil tipo de los académicos que deciden las mejores películas y actores del año: blanco, hombre y mayor de 50 años. De los cerca de 6.000 académicos que votaron los galardones de 2012, solo el 23% eran mujeres. 

Ese año, las actrices nominadas tenían, de media, 43 años. Los hombres, 55.

Evolución de la edad media de los nominados a mejor actuación por sexo desde 1927

En amarillo, los actores hombres, en violeta, las actrices

Fuente: Premios Óscar, NNDB

Es uno de los momentos más emocionantes de los Oscar, aquel en el que se recuerda a las personalidades del mundo del cine que fallecieron en el último año. Con un vídeo In Memoriam proyectado durante la ceremonia, Hollywood homenajeaba a Carrie Fisher, Debbie Reynolds, Gene Wilder o Prince entre otros.

Pero entre las fotografías de aquellos que ya no se encuentran entre nosotros, una que sí que está. Jan Chapman, productora de cine australiana, ha afirmado sentirse “devastada” tras ver su foto en este vídeo acompañando el nombre y fecha de fallecimiento de su amiga Janet Patterson. Patterson, que optó en cuatro ocasiones al Oscar a mejor vestuario, falleció en octubre de 2016.

En un correo electrónico enviado a la revista Variety, Chapman afirma:

La Academia de Hollywood todavía no se ha pronunciado sobre el error.

Esta confusión no fue la única de la noche (aunque tal vez sí la peor). Los Oscar 2017 serán recordados por el error garrafal que se produjo en el trascendental momento de anunciar el Oscar a la mejor película.

Los auditores dieron el sobre equivocado a los presentadores, que anunciaron el premio a mejor película a La La Land cuando la ganadora real era Moonlight.

“Se han equivocado de sobre, el premio a Mejor Película es para Moonlight”, decía uno de los productores de La La Land justo después de dar un discurso fallido.

Todo empezó con este fallo. El actor Warren Beatty iba a leer el sobre que revelaba la mejor película. Pero no se lanzó. La que sí lo hizo fue su compañera Fawe Dunaway, que no dudó: anunció la victoria de La la land como ganadora de este año. Pero todo esto respondía a un error de la empresa auditora de la ceremonia, PricewaterhouseCoopers: el sobre que estaban leyendo era el de Mejor Actriz. Y claro, Internet reaccióno...

En una noche de los Oscars con una única sorpresa, los protagonistas del momento más reivindicativo de la gala fueron Asghar Farhadi y Donald Trump. Y ninguno de los dos se encontraba en la gala. El cineasta iraní, que no asistió a la ceremonia en confrontación a las políticas migratorias del presidente, escribió un comunicado que leyó la ingeniera Anousheh Ansari al aceptar, en su nombre, el galardón a Mejor Película Extranjera por El viajante.

En el texto, Farhadi -doblemente ganador de la estatuilla después de vencer en 2012 por Nader y Simin. Una separación-, lanzó un alegato a favor de la diversidad y de la apertura hacia otras culturas. El director subrayaba la necesidad de romper con los muros ideológicos, como ya había hecho junto al resto de directores de la categoría en una carta conjunta publicada horas antes del espectáculo.

“Es un honor increíble recibir este valioso galardón por segunda vez”, rezaban las palabras de Farhadi que leía Ansari y que continuaban agradeciendo el premio a la Academia y al resto de nominados a Mejor Película de Habla No Inglesa.

Sin embargo, la parte central del texto era una arenga en contra del veto al extranjero de Trump y con esa intención justificaba el cineasta “no estar con ustedes esta noche”. “Mi ausencia es por respeto hacia las gentes de mi país y de las otras seis naciones que han sido faltadas al respeto por una ley inhumana que prohíbe la entrada de inmigrantes en Estados Unidos”, añadía.

Tras la ovación que el Dolby Theatre de Los Ángeles dedicó a esa frase, Ansari prosiguió con un mensaje en el que no había duda de quién era el destinatario de su indignación: “Dividir al mundo en categorías de 'nosotros' y 'nuestros enemigos' crea miedo. Una justificación engañosa para la guerra y la violencia”.

Farhadi finalizó su manifiesto agregando que estas guerras “impiden la democracia y los derechos humanos en países que han sido víctimas de la agresión” e interpelando a sus compañeros cineastas. “Los directores pueden girar sus cámaras para mostrar cualidades humanas que todos compartimos y romper con los estereotipos que hay sobre diversas nacionalidades y religiones. Crear empatía entre nosotros y los otros. Una empatía necesaria hoy más que nunca”, concluía.

Se mascaba la tragedia. Parecía que la 89 edición de los premios de la Academia de Hollywood, reconocida como los Oscar menos blancos, se había rendido también a los pies de La La Land. Alzado como ganador a Mejor Película, el equipo del musical al completo subió al escenario a recoger su última estatuilla. De repente, caras de desconcierto, trapicheo de sobres rojos y un murmullo ensordecido. “Se han equivocado de sobre, el premio a Mejor Película es para Moonlight”, decía uno de los productores de La La Land justo después de dar un discurso gratuito.

Ya sea como un giro del guion, otro chascarrillo del presentador Jimmy Kimmel o fruto de una bochornosa equivocación, el último minuto de esta gala pasará a la historia de los Oscar. Primero, por haber jugado la carta de la diversidad en el galardón más goloso de la noche, pero también por romper el inmaculado currículum de La La Land como apuesta invencible de los festivales.

Barry Jenkins recogía, con una mueca dividida entre el asombro y el fastidio, el tercer premio a su película. “Quiero que mis alumnos de cine sepan que pueden reflejar su estilo de vida en una película. Ahora la Academia les va a apoyar”, dijo el director al hacerse con el Oscar a Mejor Guion Adaptado. Al comienzo de la gala, el imparable Masherhala Ali había agradecido su papel como traficante bonachón con el figurín de Mejor Actor de reparto en las manos. Un premio que, por cierto, recae por primera vez en un actor musulmán.

Con esto parecía que la noche había acabado para Moonlight, pero quedaba una sorpresa más para Jenkins. Él, negro, homosexual y criado en un entorno de drogadicción, ha convertido su experiencia ficcionada en la película más famosa del año. Una cinta rodada en 25 días y con un presupuesto irrisorio que hoy copa las portadas del mundo entero.

Esa ha sido la gran lección de los Oscar en un año liderado por los dramas raciales. Premiar a La La Land en la categoría reina habría echado por tierra el buen rumbo de las nominaciones, así que la Academia ha optado por ser consecuente. Aún así, el musical se ha llevado a casa un lote muy digno de seis estatuillas, que incluye la de Mejor Director para Chazelle y la de Mejor Actriz principal. Emma Stone se ha impuesto sobre sus poderosas contrincantes, rompiendo con el papel de Mia la vis dramática de sus antecesoras y abanderando la dignidad de la comedia.

En el caso de su homólogo masculino, Casey Affleck, fue el patetismo de su personaje en Manchester by the sea lo que le coronó frente a otros como Denzel Washington. El actor ha agradecido a este último su pasión heredada por el cine, pero sobre todo ha centrado su discurso en el director de la película. Kenneth Lonergan le ha devuelto el cariño al recoger el Oscar a Mejor Guion Original, un libreto que escribió sobre una idea base de Matt Damon.

Pero no todo han sido abrazos y palabras afables hacia el pequeño de los Affleck. Aunque la industria parece querer olvidarlo, las redes han rescatado las denuncias por acoso sexual contra el actor. El nombre de Nate Parker ha resonado fuera del teatro Dolby, mientras que dentro planeaba otra vez la pregunta: ¿tiene Hollywood un doble rasero para medir estos casos?

No había interrogación posible, en cambio, ante la elección de Viola Davis como Mejor Actriz de reparto. La protagonista de Fences justificaba así su incoherente presencia en la categoría de secundarias, ya que su papel tiene el mismo peso que el de Denzel Washington. Un ardid que olvidamos en cuanto Davis tomó el atril con el discurso más memorable de la noche. “Quiero contar historias de personas que soñaban a lo grande y que murieron antes de ver sus sueños convertidos en realidad”, dijo la actriz en homenaje al dramaturgo August Wilson, autor original de su guion.

Trump, objetivo sin ser protagonista

Viola Davis ha sido la única en pujar por un discurso digno de engrosar los anales de los Oscar. Los demás, sobrados de agradecimientos y faltos de mensaje. El presidente del Gobierno de EEUU ha sido el gran ausente de una gala donde la industria no ha querido hacerle protagonista. Tan solo el cineasta iraní, Asghar Fahardi, apeló a la falta de respeto de “una ley inhumana” en un comunicado al recoger su premio por El viajante.

También Gael García Bernal ha aprovechado su breve presencia en el escenario para recordar “como mexicano, como latinoamericano, como inmigrante y como ser humano, que estoy en contra de cualquier tipo de muro”.

En esa línea, pero más sutil, ha ido el discurso de los ganadores a Mejor Corto documental por Los cascos blancos, una cinta sobre los voluntarios que buscan supervivientes en el conflicto de Siria. “Pongámonos de pie para mostrar que todos estamos a favor de que esta y todas las guerras se terminen”, pedía su director, cuyo responsable de fotografía no pudo asistir a los Oscar por tener pasaporte sirio.

Sin sutilidad ninguna, el presentador de la gala recogía el testigo anti-Trump proyectando su móvil en la pantalla gigante que coronaba el escenario. El objetivo de Jimmy Kimmel era uno: superar en retuits a Ellen DeGeneres y su selfie de los Oscar 2014 con apenas una línea. “Hola, Donald Trump, ¿estás despierto?”, escribía el humorista en Twitter con mención directa al presidente.

Incluso sin demasiadas referencias políticas, la gala ha sido una de las más ligeras de los últimos años gracias a la ironía natural de Kimmel. Han sido los pequeños actos y la meditada repartición de Oscars lo que ha definido la actitud combativa de esta edición. Una de estas muestras ha sido la apertura de puertas a un grupo de turistas despistados, que se ha encontrado de pronto rodeado por la flor y nata de Hollywood.

Pocos momentos más de la ceremonia se harán virales. La sobria puesta en escena y el tono personal de los discursos de agradecimiento ha entorpecido el ritmo de las manecillas del reloj.

Solo al final, como un acto premonitorio, la interpretación de la banda sonora de La La Land por John Legend ha acaparado los recursos. Farolas movedizas, decenas de bailarines y un cielo estrellado anticipaban al legítimo dueño de los Oscar musicales: Justin Hurwitz.

Sus hermosas partituras -y pegadizas, como ha dicho Samuel L. Jackson- se han impuesto en la categoría de álbum y canción, con City of stars. Los jóvenes músicos recordaron que también se puede apelar a la esperanza y al futuro en la fiesta de la reivindicación política. Una frase que resume el espíritu de su película, de la magia del cine y de los que lo hacen posible. “A todos esos niños que cantan bajo la lluvia y a las madres que se lo permiten”.

Los Oscars han declarado la guerra abierta contra Donald Trump y sus políticas migratorias. Ya no solo afecta a Asghar Farhadi, ganador del Oscar por Nader y Simin. Una separación, sino a todos los nominados de este año. Por ello, el propio Farhadi y sus colegas cineastas en la categoría de Mejor Película Extranjera han firmado un comunicado en el que abogan por la unión entre pueblos y la fraternidad, independientemente del color de la piel, la sexualidad o la religión.

Maren Ade (Toni Erdmann), Martin Zandvliet (Land of Mine), Bentley Dean y Martin Butler (Tanna), Hannes Holm (Un hombre llamado Ove) y el propio Asghar Farhadi por El viajante firman un texto en el que claman por el “clima de fanatismo y nacionalismo que vemos en Estados Unidos y en otros países”, donde arengan que “los derechos humanos no son algo que haya que exigir” y donde se niegan, categóricamente, “a pensar en este premio en términos de fronteras”.

Puede que, contra todo pronóstico, este domingo La La Land no resulte ser la gran vencedora de la noche. Cabe la posibilidad de que se lleven el premio gordo Figuras Ocultas, Lion o incluso Fences. ¿Pasarían a la historia estas películas? No tiene por qué.

Cuando se concedió el primer Oscar a Mejor Película, la categoría no se llamaba así. Alas, un impresionante drama bélico de efectos especiales avanzados a su época, se llevó en 1928 el “Oscar a Película Sobresaliente” (Outstanding Picture) y pasó a la historia por ser la primera en conseguir tal mérito.

Desde entonces, 88 cintas han batallado por el premio y han alcanzado la gloria... por lo menos la noche de la gala. Obtener el máximo galardón de la industria del séptimo arte actual no es óbice ni razón suficiente para trascender. Una prueba: muy pocos son los que recuerdan las películas que siguen.

Cabalgata (1933)

CabalgataEste filme dirigido por Frank Lloyd robó el galardón a películas que, con el paso de los años, han ido convirtiéndose en clásicos incontestables. Es el caso de Adiós a las armas, adaptación de la novela de Hemingway dirigida por el prolífico pero no brillante Frank Borzage, o de Soy un fugitivo, precursora del subgénero del drama carcelario con un Paul Muni en estado de gracia.

Cabalgata también le valió el Oscar a Mejor Dirección a Frank Lloyd. Curiosamente, el realizador de Glasgow contaba ya con otra estatuilla que había ganado en 1929 con Trafalgar: uno de los rarísimos casos en los que un director se llevaba este galardón sin estar su obra entre las candidatas a Mejor Película.

El gran Ziegfeld (1936)

El gran ZiegfeldEn 1936 no parecía descabellado que un director con oficio pero escasa originalidad como Robert Z. Leonard llegase a los Oscar. Lo cierto es que su carrera es extensa pero escueta en obras memorables. Es una de las contrapartidas de ser un 'hombre de la compañía' -la Metro-, tener proyectos para pagar facturas pero no para hacer historia.

El gran Ziegfeld es un musical sobre la vida de un anunciante de feria, interpretado por William Powel, que se ve atrapado en un extraño trío amoroso. Sin grandes atributos como creador, Robert Z. Leonard siguió haciendo películas tres décadas más, pero nunca volvió a estar tan cerca de conseguir la fama.

La vida de Émile Zola (1937)

La vida de Émile ZolaLos años treinta fueron sin duda la edad de oro de Paul Muni: de la ya mencionada Soy un fugitivo a la tremenda Scarface, pasando por el Oscar de La tragedia de Louis Pasteur. El director que le brindó la estatuilla, William Diertele, fue quien le hizo volver a ponerse en la piel de un personaje histórico con La vida de Émile Zola. Este drama judicial desgranaba el llamado 'Caso Dreyfus', el juicio de un soldado marcado por el antisemitismo a raíz del cual Zola escribiría su famoso Yo acuso.

Lo cierto es que la cosecha del año en que la película de Diertele se hizo con el Oscar no fue especialmente buena: es difícil discernir si filmes como Loca por la música o La pícara puritana podrían haberle robado la estatuilla.

La señora Miniver (1942)

La señora MiniverAños antes de coronarse con una de las películas más premiadas de la historia de la academia, Ben-Hur, William Wyler ganaría su primer Oscar con una producción hoy muy olvidada: La señora Miniver. En este pequeño drama, Greer Garson se hizo también con el Oscar a mejor actriz por su interpretación. La película sintetizaba el sentir de Hollywood, pues la mayor parte de la producción en el contexto de la Segunda Guerra mundial estaba al servicio de una propaganda vestida de ficción. La señora Miniver no es una excepción y se puede entender como una reacción de Wyler al sentimiento antibritánico del momento.

Marty (1955)

MartyUna década después del fin de la Segunda Guerra Mundial, Hollywood había recuperado la fe en el romance y el cine menos grave. Marty -un drama amoroso sencillo pero efectivo- se hacía de repente con el Oscar a Mejor Película sin armar demasiado revuelo.

Marty cuenta la historia de un hombre entrado en la treintena que vive con su madre hasta que un día conoce a Clara, una tímida profesora con la que empieza una relación. Delbert Mann debutaba en el cine dirigiendo esta película y seguiría en activo hasta entrados en los noventa con un pie en la gran pantalla y otro en la televisión.

Tom Jones (1963)

Tom JonesBasada en la novela homónima de Henry Fielding, Tony Richardson consiguió hacerse con la preciada estatuilla con este raro entretenimiento de escarceos amorosos ambientado en la Inglaterra del siglo XVIII. Tom Jones fue un éxito en su momento, pero los años le pasaron factura al fenómeno hasta llegar a pervertirlo.

En 1977 Richardson volvería a repetir la fórmula con Joseph Andrews, película que estuvo muy lejos de emular a su antecesora.

Gente corriente (1980)

Gente corrienteRobert Redford debutó tras las cámaras con un imponente drama sobre adolescencias conflictivas que hizo las delicias de la Academia en 1980. Con cuatro Oscars bajo el brazo, incluido el de dirección, Redford inició con esta cinta una irregular carrera de la que forman parte El hombre que susurraba a los caballos, La leyenda de Bagger Vance o Leones por corderos. La historia ha decidido prestar más atención a la magistral El hombre elefante de David Lynch, que se fue de vacío en aquella gala de los Oscar, o a la memorable Toro Salvaje, que se tuvo que conformar con dos premios.

Argo (2012)

ArgoLa segunda década de los 2000 no se está caracterizando por tener grandes ganadoras del Oscar a Mejor Película. Empezó con la poco arriesgada El discurso del rey imponiéndose a películas tan valiosas como Cisne negro o La red social. Luego le tocó a The Artist, un homenaje al cine mudo y en blanco y negro cuyo galardón presagiaba un futuro brillante para el realizador Michel Hazanavicius, pero que desde entonces no ha conseguido remontar su carrera.

Argo no fue una excepción de la tendencia, un thriller funcional que visto hoy parece haber envejecido demasiado. Suponía, también, la confirmación de Ben Affleck como realizador, algo que el fracaso de Vivir de noche nos hace dudar.

A finales de enero, la Academia de Hollywood anunció a bombo y platillo la lista de nominados de la 89º edición de los Oscar. Mientras La La Land copaba el plantel con 14 nominaciones, un récord que sólo habían conseguido antes Titanic y Eva al desnudo, muchas películas se quedaban fuera. Nada menos que 336 eran los títulos que aspiraban a ser elegidos en las categorías genéricas, 31 más que el año anterior.

Para poder pisar la alfombra roja más vista del mundo, los filmes tenían que cumplir varios requisitos: haberse estrenado comercialmente en Los Angeles antes del 31 de diciembre de 2016, proyectarse en 35 o 70 milímetros o en algún formato digital calificado y haber aguantado en salas al menos siete días consecutivos.

Aun cumpliendo estas normas, es inevitable que muchos títulos se queden fuera de la selección; la que centra el foco y el debate en unas pocas afortunadas. También es inevitable tener que hacer una criba en este texto, pues no se han incluido películas que a pesar de contar con alguna nominación merecían muchas más, como Elle, la increíble película de Paul Verhoeven, Animales nocturnos, que tan bien cayó en Cannes, o el religioso retorno de Martin Scorsese a la palestra con Silencio. Además de títulos tan imponentes como la magna Sieranevada o el drama portugués Aquarius que no tenían opciones por no cumplir alguna de las normas.

Así las cosas, las películas que siguen podrían haber optado a los premios de la Academia de Hollywood y se cuentan entre lo mejor del año, digan lo que digan los Oscar.

La doncella

La doncella

Era una de las mejores y más seductoras películas del año pero no ha sido suficiente para encandilar a la Academia. Un cuento truculento ambientado en la ocupación japonesa de Corea, dirigido con el excelente talento para el detalle de Park Chan-wook. Un laberinto sume al espectador en un estado de hipnosis, mientras presencia la historia de una criada contratada por una rica mujer recluida en una mansión oscura y llena de secretos.

Su puesta en escena, su guión adaptado de una novela de Sarah Waters o las actuaciones (y la química) de Kim Min-hee y Kim Tae-ri. Es difícil enumerar todas sus virtudes. Basta con verla.

Sing Street

Sing Street

El realizador irlandés John Carney se ha especializado en ofrecer una comedia musical cada pocos años. Obviando todas esas historias de que el musical estaba muerto, apostó por llevarlo al terreno del drama romántico independiente con Once y le funcionó a las mil maravillas. Repitió la jugada con Begin Again y, sin alcanzar las cotas de calidad de la anterior, salió bien parado de la jugada.

Con Sing Street cambia ligeramente las normas para dejarse llevar por una comedia teen absolutamente encantadora. En el Dublín de 1980, la historia de Sing Street sigue los pasos de Conor, un joven y talentoso músico que, cautivado por una chica llamada Raphina, decide formar una banda para que ella protagonice sus videoclips.

Paterson

Paterson

Jim Jarmusch daba en el clavo con este poco velado homenaje al poeta William Carlos Williams, originario de Paterson, Nueva Jersey. En la misma ciudad, el personaje interpretado por Adam Driver, también llamado Paterson, conduce un autobús público y escribe poemas. Una semana de su vida, eso es todo lo que cuenta el filme.

La película es un delicado canto a la creatividad, se encuentre donde se encuentre, y a la capacidad de apreciar la belleza de las pequeñas cosas. Un relato emotivo y amable, pero nada sentimental, que llega a lo más profundo sin apenas esfuerzo. Esta joya se ganó múltiples alabanzas a su paso por Cannes, por los Premios Gotham y por los galardones de la crítica de Los Angeles.

Buscando a Dory

Buscando a Dory

Buscando a Dory no tenía fácil enfrentarse al recuerdo que había dejado la anterior aventura submarina de Pixar. Buscando a Nemo es, a día de hoy, una de las mejores películas de la factoría.

Pasa con casi todas las secuelas inesperadas: mancillan el buen nombre de la primera, o resultan ser correctas pero sin estar a la altura. Lo cierto es que Buscando a Dory es una película excelente tanto en su factura como en su más que digno desarrollo. Pero ser una de las mejores películas de animación del año no le ha servido de nada al estudio del flexo esta vez.

Un monstruo viene a verme

Un monstruo viene a verme

Se podrán decir muchas cosas de Un monstruo viene a verme: que es demasiado exagerada, que busca la lágrima fácil, que es un dramón… pero es difícil obviar que es también una película sincera. No cuenta, ni lo pretende, una historia sencilla, de las que se olvidan al salir del cine. Su mera sinopsis podría asustar a más de uno: es la vida de un joven que debe cuidar de su madre enferma de cáncer mientras lidia con el bullying que sufre en el colegio.

Fábula de fábulas, Un monstruo viene a verme reflexiona sobre el poder transformador de la tradición oral. Rompe, también, con el significado obvio de moraleja, pervirtiendo el efectismo de la lección fácil. Nada es blanco o negro ni tiene sólo una lectura: ni en el cine, ni en la literatura.

Your Name

Your Name

Antes de su estreno comercial previsto para abril, se pudo ver en el pasado Festival de Sitges, donde se hizo con el premio a Mejor Película de Animación. También fue nominada a los Annie, los más prestigiosos del sector, y a una ristra de premios suficientemente extensa para, como mínimo, llamar la atención de cualquier amante del cine.

Cierto es que pesa sobre ella un aire ingenuo que puede costar de superar, y que su preciosismo visual disimula problemas narrativos. A pesar de ello, la última película del cada vez más reconocido realizador Makoto Shinkai se cuenta entre los mejores títulos que nos ha brindado la animación nipona en lo que va de década.

En Japón ya ha conseguido romper el récord de taquilla de esa obra maestra llamada El viaje de Chihiro. Pero para la Academia, no ha sido suficiente ni para colarse en la categoría en la que la película de Hayao Miyazaki hizo historia.

Neruda

Neruda

Pablo Larraín bien podría haber sido premiado por más de una película en la 89º edición de los Oscar. La mirada chilena dispuesta a revolucionar el biopic compite en tres categorías gracias a Jackie. Puede o no ser relevante el hecho de que ésta sea su primera película norteamericana, pero lo cierto es que la misma impronta visual y narrativa tenía una hermana gemela inmediatamente anterior: Neruda.

La particular biografía del poeta chileno estuvo nominada a los Globos de Oro, fue muy bien recibida en Cannes y para la National Board Review es una de las mejores películas del año. Todos tienen parte de razón: el talento de Larraín merece un reconocimiento acorde a su visión. Mientras la Academia se decide, Neruda se confirma como un biopic libre y voraz. Como Pablo Neruda, sin ir más lejos.

The Neon Demon

The Neon Demon

Sabido es que la Academia no es amiga del terror ni del fantástico. Poco tenía que hacer una película en la que ambos géneros están más que presentes, aunque no de manera manifiesta. El caso es que última película Nicolas Winding Refn ha quedado como uno de los más provocadores ejercicios fílmicos del año. Tantos detractores como amantes hacen evidente que, aunque ponga de los nervios, su cine no es agradable pero tiene algo.

El caso es que The Neon Demon cuenta con una de las mejores direcciones de fotografía del año, y su dominio de la puesta en escena y de las posibilidades del sonido juegan a favor de su mejor baza: la inmersión. Aunque solo fuese por la polémica, The Neon Demon merecía algo más de atención.

Julieta

Julieta

Con dos Oscars en su haber, Pedro Almodóvar ya no debe sorprenderse cuando le llaman para decirle que se ha quedado fuera de los Oscar. Sin embargo, Julieta suponía un regreso al escenario de un realizador más sosegado y maduro que el que poco antes había estrenado aquella debacle cinematográfica llamada Los amantes pasajeros.

Esta vez nos enfrentábamos a un drama sobre la maternidad elegante, sin estridencias en su ejecución e inteligente en su desarrollo. Un regreso al cine de calado, que no exactamente de calidad, que bien podría haber supuesto el regreso a Hollywood del director de Calzada de Calatrava.

Actores y actrices no blancos nominados para los premios Oscar de 2017: Denzel Washington, Ruth Negga, Mahershala Ali, Dev Patel, Viola Davis, Naomie Harris, Octavia Spencer.

Actores y actrices no blancos nominados a los Oscar de 2016 y 2015: cero.

Después de dos años sin actores afroamericanos, hispanos o asiáticos, Hollywood se rehace con los Oscar más diversos de la historia, igualando el récord de siete nominados no blancos en 2007.

Un número que no esconde la escasa multiculturalidad dentro de la historia de los premios de la Academia. Un análisis de las 89 ediciones de los Oscar desde 1929 muestra que apenas el 7% de las nominaciones a mejor actuación principal y de reparto han sido para actores no blancos. Desde el 2000, solo 51 actores no blancos (el 14% del total) han sido candidatos.

El cálculo se ha realizado recopilando las 1.689 nominaciones a mejor actor y actriz protagonista y de reparto de la web de los premios Oscar. La información sobre los actores se ha recogido a partir de la web Notable Names Database (NNDB).

Listado de todos los nominados a mejor actuación en los Óscar desde 1927

En amarillo, los actores blancos, en gris oscuro, los no blancos

Fuente: Premios Óscar, NNDB

Cuando la Academia anunció sus nominados a los premios Oscar en 2016, el mundo respondió con una campaña de indignación ante la falta de diversidad en los principales premios con un lema: #OscarsSoWhite. Por segundo año consecutivo, solo estaban nominados actores blancos.

Una estampa mayoritaria durante las primeras décadas de los premios. Hasta los años 80, ver a un solo actor no blanco entre los nominados era una excepción a la regla. En los primeros veinte años (1929-1949), solamente Merle Oberon (india), Hattie McDaniel (afroamericana) y José Ferrer (hispano) fueron candidatos a mejor actuación. De los tres, solo McDaniel terminó la ceremonia con el galardón a mejor actriz de reparto.

Entre 1977 y 1981, por ejemplo, no hubo ni un solo nominado de otros grupos raciales. Tuvo que llegar el nuevo siglo para que afroamericanos, latinos y asiáticos fueran habituales entre los candidatos de las cuatros grandes categorías de actuación.

Los blancos, además, han estado siempre sobrerrepresentados en los Oscar en comparación con otros grupos demográficos, según datos del censo de los Estados Unidos. En la década de los noventa, los blancos acumularon el 91% de las nominaciones pero suponían el 76% de la población estadounidense. En la primera década del siglo XXI, ya suponían el 69% del censo y seguían acaparando el 84% de las candidaturas.

Número de nominaciones a actores y actrices no blancos en los Óscar desde 1927

Fuente: Premios Óscar, NNDB

¿Por qué son los Oscar tan blancos? Una investigación de Los Ángeles Times reveló el perfil tipo de los académicos que deciden las mejores películas y actores del año: blanco, hombre y mayor de 50 años. Los datos, referentes a las cerca de 6.000 personas que votaron en los premios de 2012, mostraron que el 94% eran blancos, el 77% hombres y la edad media se ubicaba en los 62 años.

Al final, si la mayoría de académicos son blancos, es más fácil que premien las películas que muestren su punto de vista y a los actores con los que se sientan más identificados. Sin embargo, tampoco hay que separar las decisiones de la Academia con la estructura del sector del cine en Estados Unidos.

Un estudio de la Universidad de California mostró la existencia de una brecha racial en las producciones de Hollywood. “Por cada tres personas no blancas en Estados Unidos, hay solo una en la gran pantalla que les representa”, según la revista Time. Asimismo, los actores de minorías raciales (al menos en Estados Unidos) cobran menos que sus compañeros blancos, tienen menos oportunidades para que sus películas sean financiadas o incluso se enfrentan al miedo de las propias productoras a hacer películas que no hablen sobre blancos.

Ridley Scott, uno de los directores más nominados por la Academia, reconoció en una entrevista que no contrató actores egipcios para rodar Exodus: Dioses y Reyes. “No puedo montar una película de este presupuesto y decir que mi actor protagonista es Mohamed tal y tal de no sé dónde”, afirmó el director.

Desde el 2010, solo el 12% de las nominaciones a mejor papel protagonista y secundario han sido para actores no blancos. 

Distribución de todas las nominaciones a mejor actuación en los Óscar desde 1927

En amarillo, los actores blancos, en gris oscuro, los no blancos

Fuente: Premios Óscar, NNDB

El año pasado contábamos que Hollywood había relegado la perspectiva humana a la categoría de película extranjera. El equipo visitante dio una lección en los Oscar con cintas que superaron todo tipo de obstáculos financieros por su compromiso político. Ahí estaban Mustang y su feminismo en tiempos de Erdogan, o el corto paquistaní A Girl in the River: The Price of Forgiveness, que despertó la indignación mundial por una ley abusiva contra las mujeres de su país.

Las favoritas a mejor película, en cambio, se decantaron por el artificio y guiones con un estudiado tufo a blockbuster. Los académicos equilibraron la balanza premiando a la única historia de relevancia social, el hito periodístico que destapó los abusos a menores por parte de la Iglesia. Spotlight marcó un tanto en la buena imagen de los Oscar, pero todavía quedaban cuentas importantes por saldar.

El intencionado olvido de los artistas afroamericanos entre los nominados llegó más lejos que el año anterior. Por segunda vez consecutiva, ningún intérprete negro (ni de ninguna otra minoría) figuraba entre los favoritos para el Oscar. Este año, con Trump en el centro de todas las dianas, la Academia no podía permitirse elegir de nuevo el bando incorrecto. Y no lo ha hecho.

Seis actores afroamericanos y uno asiático se juegan los laureles contra la mayoría blanca. Un récord que solo se había dado en 2006, cuando Dreamgirls y Babel rompieron el perfil homogéneo de la bancada de nominados. Si había un momento en el que repetir la proeza, era justo este. La presidenta de la Academia, Cheryl Boone Isaacs, salió orgullosa de su mutismo para anunciar que los 683 nuevos miembros de la academia serán un 46% mujeres y un 41% personas negras. “No solo representamos la industria tal y cómo es, sino como debería ser”, manifestó rotunda.

Un golpe en la mesa que se traduce en el catálogo menos arquetípico que recuerda la historia de los premios. Hollywood ha desempolvado el cajón de los guiones para tiempos de cólera. Historias de interés racial, que tocan la fibra sensible y reconcilian al público con lo peor de la industria. Lion, Fences, Figuras ocultas, Loving y Moonlight emocionan por su trasfondo y el domingo podrían dar un buen susto al equipo de La La Land.

Un triunfo sin taquilla

Esta cura de reputación no siempre refleja las preferencias reales del público. Los espectadores aplauden el cambio de rumbo en sus redes, mientras que por lo bajo siguen eligiendo la carnaza. Solo hay que echar un vistazo a la taquilla del año pasado para entender que las últimas nominadas a Mejor Película son un intento desesperado de favorecer la imagen de Hollywood. No así a sus bolsillos.

Marte, El renacido y Mad Max alcanzaron cifras desorbitadas en las salas en 2016. Con 600, 507 y 360 millones de euros respectivamente, las favoritas provocaron consenso entre los espectadores y la Academia. También es cierto que la ganadora absoluta, Spotlight, fue una de las menos taquilleras de la lista (con recaudación internacional de 84 millones). Una suma que, aún así, supera con creces a dos de las historias más aplaudidas de nuestra selección: Moonlight (21 millones) y Loving (9 millones), aunque esta última no aspire a mejor película.

La La Land compite en otra liga con sus 322 millones, pero Figuras ocultas no se queda atrás. 156 millones de euros lleva el trío de “calculadoras” afroamericanas que salvó la carrera espacial de Estados Unidos contra la URSS. ¿Es esto una ventaja frente a las demás? En su ejercicio de vanidad, Hollywood se decanta a veces por los esfuerzos hercúleos de producción o el mejor marketing. Y si los actores han pasado meses en ayunas o en medio de la tundra, mejor. Pero quizá este sea el año en el que también eso cambie.

Suburbios, homosexualidad y grandes mujeres

Si algo tienen en común estas apuestas, además de su bajo número en taquilla, es que son muy poco artificiosas. No encontraremos grandes coros ni efectos especiales. Pero sí varios recursos dramáticos, algo trillados, que han conseguido disfrazar la alfombra roja de los Oscar 2017 de conciencia política.

Para muchos, Moonlight es la justa ganadora del próximo domingo, sobreviviendo incluso a la fiebre La La Land. Los calificativos que llegaban del otro lado del charco no bajaban de “obra maestra”. La cinta de Barry Jenkins es un cuento perverso sobre el triple estigma de nuestro tiempo: ser homosexual, pobre y negro. La cámara permanece pegada a la espalda del protagonista, Chiron, durante tres etapas de su vida, cada cual más despiadada.

Jenkins desgarra con los silencios, haciendo homenaje a todos los afroamericanos gays que viven amordazados en un país racista y homófobo con saña. “Conocía la historia como la palma de mi mano”, dijo el director durante la promoción. Ahora lidera las apuestas, pero conviene recordar que Moonlight se rodó en 25 días y con un presupuesto ínfimo de cinco millones de dólares.

Loving rescata una de esas historias indispensables, como la de Figuras ocultas, que no merecía permanecer tantos años en un cajón. Richard, blanco, y Mildred, negra, formaron el matrimonio interracial que logró poner fin a la ley antimestizaje vigente en los Estados Unidos de los años 50. Este testimonio conmovió a la prensa del país, que cubrió su romance como si fuese a cambiar el mundo. Y lo hizo. Lo irónico es que los Loving eran lo opuesto a unos adalides de la justicia social. Ellos solo se amaban.

El director Jeff Nichols piensa que ahí se encuentra la grandeza de sus personajes. “Fue la gente la que marcó la diferencia. Los individuos, no la maquinaria política”. Loving tenía todos los ingredientes para dar grandes soliloquios, partituras orquestales y un guión lacrimógeno. Pero Nichols no es ese tipo de director. Gracias al respeto, y a los geniales intérpretes, Loving se vuelve tan real como la humillación que sufrieron los protagonistas por su diferente color de piel.

Denzel Washington se dirige a sí mismo en Fences, la película con menos opciones de la lista de nominadas. Esta obra de teatro era una joya intocable porque su creador, el dramaturgo August Wilson, echó abajo durante años cada intento de adaptación a la gran pantalla. Trata sobre la vida de Troy, un exjugador de béisbol de la Liga negra que, de viejo, debe sobrevivir como basurero en un entorno racista. La magna Viola Davis interpreta a su mujer, que termina sustentando la trama tanto o más que Washington.

¿Por qué está nominada entonces a actriz secundaria? Algunos alegan motivos de aforo en la categoría principal. Otros dicen que era el encaje de bolillos necesario para que Davis se lleve por fin a casa su ansiado premio Oscar. Y ojalá sea así, porque virtudes no le faltan.

Lion parte de un recurso cinematográfico muy ventajoso: el de historia real. Solo ver al pequeño Saroo perdido entre la masa sorda de Calcuta ya nos estremece en la butaca. Por si eso fuera poco, luego llega el momento de la adopción, cuando una familia australiana se lo lleva miles de kilómetros y le obliga a comer con cuchillo y tenedor.

A partir de entonces, la historia se centrará en cómo el Saroo adulto encuentra a su verdadera familia gracias a Google Maps y a un ataque de nostalgia. A diferencia de Loving, la película de Garth Davis se regodea en monólogos de madres dolientes y largos planos amargos. Lo bueno es que nos ayuda a reconciliarnos con el trato de la India por parte de Hollywood después de Slumdog Millionaire. Ya no hay numeritos de Bollywood ni una visión pop de la miseria. Y eso siempre es de agradecer.

Por suerte, quedan pocas cosas que contar de Figuras ocultas. La película protagonizada por Taraji P. Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe ha puesto en conocimiento del público las proezas de la mujer negra en la NASA. El director, Ted Melfi, ha conseguido dar equilibrio a las fantásticas historias personales de tres afroamericanas y además rodar un producto ágil y vistoso en la pantalla. Un doble combo que suele gustar mucho en la Academia de Hollywood. ¿Estamos ante la encargada de desbancar a La La Land en el Olimpo del cine?