Mucho había llovido desde que Bram Stoker publicó su obra maestra cuando Anne Rice (Nueva Orleans, 1941 - Rancho Mirage, California, 2021), por entonces una escritora en ciernes que acababa de perder a su hija de cinco años por una leucemia, decidió escribir una novela sobre vampiros. Entrevista con el vampiro (1976), cuyo éxito fue fulgurante, dio comienzo a un ciclo que sumaría un total de trece volúmenes, Crónicas vampíricas (1976-2018), que no hay que confundir con la saga homónima de L. J. Smith. La autora, que durante el intenso proceso de redacción se documentaba de día y escribía de noche, se alejó del arquetipo de Drácula (1897) e introdujo un nuevo modelo de vampiro en la cultura popular que influyó en autoras como Stephenie Meyer o Charlaine Harris.

En España, la publicación estuvo en manos de Ediciones B, con traducción de Marcelo Covián Fasce. No obstante, es probable que muchos conozcan la obra no por el original de Anne Rice, sino por la adaptación de 1994 a cargo de Neil Jordan, que inmortalizó a unos jóvenes Tom Cruise, Brad Pitt, Antonio Banderas y Kirsten Dunst como los cuatro vampiros protagonistas, unas criaturas de aspecto andrógino y sensual que cautivaron al público juvenil y establecieron, con su estética gótica, un nuevo paradigma del género.

De forma más reciente, en 2022, se hizo una serie de televisión dirigida por Rolin Jones y este lunes 8 de junio AMC+ estrena El vampiro Lestat, adaptación del segundo volumen de Crónicas vampíricas en el que el inmortal al que hace referencia el título se convierte en estrella del rock. De un modo u otro, su historia sigue presente cincuenta años después de su publicación, por lo que merece la pena analizar algunas claves de esta reinvención del mito.

Quién inventó al vampiro

En su origen, y aunque cada cultura tiene sus variantes, el vampiro se presentaba como una criatura siniestra, poco más que un monstruo macabro que atacaba con saña a unas víctimas inocentes. Durante la Edad Media, a raíz de las grandes epidemias, arraigó en el folclore europeo la figura del vampiro ligada a personajes históricos, que dio lugar a numerosas supersticiones y acusaciones. Sin embargo, fue en la región de Transilvania donde se fraguó el mito que ha moldeado el imaginario occidental, gracias al legendario príncipe Vlad III de Valaquia, el Empalador, la base del Conde Drácula de Bram Stoker. Un vampiro cruel y poderoso que se debilita con el sol, el ajo y los crucifijos.

Junto con Drácula (1897), hubo dos títulos en la literatura moderna que asentaron esta figura: el cuento El vampiro (1816), del malogrado John Polidori –que surgió en aquel emblemático verano en Villa Diodati orquestado por Lord Byron que también inspiró el Frankenstein (1818) de Mary Shelley–, y Carmilla (1872), de J. T. Sheridan Le Fanu, inspirada en la legendaria condesa Elizabeth Báthory, a quien se atribuye la tortura y la muerte de miles de chicas jóvenes, de quienes se decía que extraía la sangre para usarla como antídoto de belleza, una suerte de fuente de la eterna juventud.

Esos vampiros decimonónicos ya tenían un lado seductor, que Anne Rice potencia con sus libros. Entrevista con el vampiro parte de la táctica clásica del personaje que cuenta su historia a un interlocutor que solo interviene de forma tímida al comienzo y al final del relato –como Frankenstein, a propósito– para contar la vida de Louis de Pointe, un vampiro de más de cien años. Su periplo comenzó en Nueva Orleans en el siglo XVIII, cuando era el propietario de una plantación. La muerte de su hermano menor le sumió en una crisis, y en ese estado se cruzó en su camino el misterioso Lestat de Lioncourt, un vampiro que lo convierte en uno de los suyos, y con quien vive un intenso romance a lo largo de un siglo.

Criaturas de la noche sureña

Los vampiros de Anne Rice siguen ligados a la noche, la transgresión y la sangre, pero ni el ajo, ni las estacas, ni la luz los dañan. La autora introduce variaciones con respecto al modelo europeo; del mismo modo, el escenario difiere también del paraje donde vive el Conde Drácula: una plantación del sur de Estados Unidos, que da pie a tratar la cuestión de la esclavitud, las supersticiones y los rituales del lugar. En cierto punto de la historia, los protagonistas viajan a Europa en busca de sus ancestros. Allí, entran en escena otros vampiros, con particularidades diferentes en sus costumbres, como el seductor Armand, que enreda todavía más el conflicto amoroso.

La principal novedad, con todo, es la “humanización” del vampiro, al menos del recién convertido Louis: a diferencia de Lestat, que se alimenta de sangre humana, lo hace con animales; como harán sus homólogos de Crepúsculo (2005), de Stephenie Meyer. Su nueva condición le genera un problema moral: su mente sigue funcionando según los valores de la sociedad humana, pero el cuerpo, el instinto, lo empuja en una dirección que no le gusta, porque, para él, matar sigue siendo un pecado. En su intento por no degradarse, se reprime, pese a la tensión constante en la que vive.

El hecho de conseguir que los vampiros resulten, además, sensuales y atractivos, tiene algo que ver con esta dimensión psicológica: es necesario dotarlos de personalidad, de matices, de sombras, para que fascinen al lector y no sean meros monstruos matarifes. La atracción, los remordimientos, la culpa, la tentación o el trauma son algunas de las emociones que experimentan, y que hacen del libro una novela llena de pasiones, unas pasiones que también despierta —en un polo u otro: las críticas nunca fueron unánimes— en los lectores. Y, por supuesto, está la erotización del vampiro, aquí un ser asexuado para el que no existen tabús cuando se trata de amar.

La palabra “tóxico” se quedaría corta si tuviéramos que juzgar el tipo de relación que establecen los personajes. Buena parte de la polémica que rodea la obra se debe, no en vano, a todas las fronteras que cruza, como el homoerotismo o, incluso, cierta pederastia al introducir el personaje de Claudia, una vampira convertida a los cinco años, que madura como cualquier mujer pero que mantiene el mismo cuerpo, que no crece ni crecerá; otro ejemplo del sufrimiento que padecen estos vampiros. Y hay, además, triángulos, alianzas entre amantes y tentativas de venganza; todo gira en la corriente de un amor obsesivo, que en un periodo tan largo da tantos giros que el interés del lector no decae.

Y, cuando se habla de amor, hay que hablar también de soledad. La herida incurable del vampiro, una criatura que se siente tentada por la inmortalidad para luego descubrir que, en la práctica, trae más desdicha que placer. La naturaleza eterna, además, frustra sus pretensiones de romper por completo con el otro cuando la situación no es grata. Y, en otro orden de cosas, los empuja a matar a más humanos, en un intento desesperado por tener compañía. El vampiro es, desde esta perspectiva, un ser débil, impulsivo, voluble, con un profundo dolor enquistado imposible de sanar.

Entrevista con el vampiro es una novela oscura, porque oscuras eran las circunstancias de la autora cuando la escribió: sumida en una grave depresión por la pérdida de su hija, el libro, que tuvo su origen en un relato escrito años antes, fue un refugio y a la vez tuvo un efecto catártico en ella. De algún modo, su inclinación por los extremos —la soledad y el apego enfermizo, la muerte y la pulsión sexual, el amor y la destrucción, la culpa y el castigo, la carnalidad y el espíritu, la lujuria y la moral— actúa asimismo sobre el lector como la buena narrativa gótica, que a través de la ficción, de las atmósferas lúgubres, la pasión encendida y los escenarios tétricos, canaliza el lado más turbio del ser humano.

Y es que los vampiros, como los zombis, son las criaturas que mejor parecen captar el aire de estos tiempos: seres narcisistas, atractivos en la apariencia y seductores por sus promesas, pero atormentados consigo mismos y chupópteros con los demás. La estética sórdida de su mundo no deja de ser un reflejo de su alma doliente y pérfida, que ejerce tanta fascinación como miedo. Nadie quiere toparse con un “vampiro” de carne y hueso, pero disfrutarlo en los mundos de la imaginación es, nunca mejor dicho, otra historia. Y, además de las nuevas versiones que llegan a las librerías y al cine, esta Entrevista con el vampiro de Anne Rice, convertida ya en todo clásico moderno, sigue siendo una lectura capaz de levantar pasiones entre los lectores, para bien o para mal.

Desde que llegó a Prime Video, la historia de amor entre Hannah Wells y Garret Graham sigue generando conversación entre los espectadores. Hablamos de Off Campus, el nuevo fenómeno televisivo basado en la saga superventas Kiss me de Ellen Kennedy sobre un grupo de jugadores de hockey de la Briar University y sus relaciones de amor y amistad. 

Los ocho capítulos de la primera temporada de la serie se estrenaron el pasado 13 de mayo y, aunque la plataforma ya confirmó hace semanas que esta tendrá una segunda temporada, todavía no sabemos cuándo saldrán los nuevos episodios. ¿Cómo podemos llevar mejor la espera hasta entonces? Aquí algunas propuestas.

‘El verano en que me enamoré’

¿Team Conrad o team Jeremiah? Son muchos los que tienen clara su respuesta. El verano en que me enamoré fue uno de los grandes fenómenos televisivos el año pasado, cuando se estrenó en Prime Video la tercera y última temporada de la serie basada en las novelas de Jenny Han. El triángulo amoroso entre Belly y los hermanos Conrad y Jeremiah Fisher es una apuesta segura si lo que queremos ver es un buen drama de romance juvenil.

‘La vida sexual de las universitarias’

Esta serie estadounidense creada por Mindy Kaling y Justin Noble cuenta la historia de cuatro chicas universitarias y sus vivencias en la Universidad de Essex en Vermont. Con tres temporadas de diez episodios cada una, la producción de HBO nos presenta un lugar lleno de hormonas y nuevas aventuras en el que las protagonistas van descubriendo quiénes son en una de las etapas más importantes de sus vidas.

‘Maxton Hall’

La cosa va de novelas. Esta serie de televisión disponible en Prime Video está basada en la saga de libros Save Me de Mona Kasten, y sigue a James Beaufort, un jugador de lacrosse, y Ruby, una estudiante ejemplar. Aunque en un principio son solo compañeros de la escuela privada Maxton Hall, todo da un giro cuando Ruby descubre un secreto comprometedor relacionado con la poderosa familia de los Beaufort. Diferencia de clase, tensión y mucha, mucha atracción. 

‘Mi vida con los chicos Walter’

Esta serie de dos temporadas disponible en Netflix también está basada en un libro (la novela homónima de Ali Novak) y sigue a Jackie Howard, una adolescente de Manhattan que, tras quedar huérfana, se muda a la zona rural de Colorado después de ser acogida por los Walters, una familia de ocho hijos. La dualidad entre “chico bueno” y “chico malo” vuelve a estar presente en este drama adolescente, en el que Jackie tendrá que elegir entre los hermanos Alex y Cole Walter. 

‘Heated Rivalry’

El hockey nunca estuvo tan de moda. Más que rivales fue todo un fenómeno el pasado mes de febrero, cuando la serie llegó a España a través de la plataforma Movistar Plus. La serie, que adapta la novela de Rachel Reid, sigue a Ilya y Shane, dos jugadores de hockey que compiten en equipos contrarios y que mantienen un romance secreto fuera del campo. Ambos tendrán que ver si el amor puede ser posible en un deporte tan competitivo y heteronormaitvo como el suyo. 

Tras 12 años y 8 temporadas en pantalla, ‘Outlander’ se ha despedido con la emisión de su capítulo final este fin de semana y pone fin a la que ha sido una de las series principales del drama romántico e histórico en televisión y plataformas, con el prestigio conseguido con varios premios Saturn Awards, People's Choice Awards y nominada en varias ocasiones a Globos de Oro y Emmy.

Caitriona Balfe, como protagonista de la serie en el papel de Claire, se han ganado el reconocimiento individual con un premio BAFTA, dos Saturn, dos People’s Choice y cuatro nominaciones en total en los Globos de Oro. Pero con el final de la historia de Claire y Jamie Fraser, ¿qué van a hacer los fans de la ficción ahora que terminó? Hay varias propuestas que pueden ayudar a superar el ‘duelo’.

“Outlander: Sangre de mi sangre” (2025-)

Es la opción más evidente. Antes del estreno de la última temporada de ‘Outlander’, este verano nació su precuela oficial, en la que se cuenta de forma paralela la historia de amor de los padres de Jamie en la Escocia de los clanes y la de los padres de Claire en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Protagonizada por Harriet Slater, Jamie Roy, Hermione Corfield y Jeremy Irvine.

“Poldark” (2015-2019)

Si nos salimos del universo de ‘Outlander’, la serie más similar por argumento y tono es ‘Poldark’, que se centra en la vida de un soldado británico durante el siglo XVIII. Ross Poldark, su protagonista, tiene que volver a su casa y construir su vida en la Inglaterra rural de entonces. Es un drama romántico e histórico también, con un contexto social diferente, pero que puede conectar en cierta manera con lo que vemos en la serie basada en los libros de Diana Gabaldón.

“Beforeigners” (Los Visitantes) (2019-2022)

Esta serie noruega de dos temporadas es una historia de ciencia ficción que, al igual que ‘Outlander’ también gira en torno a viajes en el tiempo, aunque en este caso son personajes del pasado los que viajan al presente. En concreto una antigua guerrera vikinga que se ve en el año 2020, lo que la conecta con una trama de suspense y acción que ha sido aplaudida por la crítica. Está disponible en HBO Max.

“Shogun” (2024- )

Si se quiere seguir en el género del drama histórico, una opción interesante y que sale de la historia del mundo occidental es la que ofrece la serie ‘Shogun’ de FX y disponible en Disney plus. Basada también en una novela y tiene como protagonista al marino inglés William Adams, que naufraga en Japón y debe comenzar su vida en una tierra cuya cultura le es desconocida. En los premios Emmy 2024 hizo historia al conquistar 18 estatuillas de 25 nominaciones.

“El ministerio del tiempo” (2015-2020)

Si mencionamos los viajes en el tiempo y el argumento histórico, la serie española que nos sale es ‘El ministerio del tiempo’, que se emitió durante cinco años y cuatro temporadas en RTVE y que sigue disponible en su plataforma RTVE Play, pudiéndose ver también en HBO Max.

Ha sido, además, una de las ficciones nacionales con más seguidores de los últimos años, con un argumento que gira en torno a personajes que trabajan en un ministerio secreto del Gobierno de España en el que tienen que evitar y controlar que no haya cambios en acontecimientos de la historia de España, así como no pueden dejar que alguien del pasado llegue al presente y viceversa.

El efecto nostalgia continúa dando sus frutos en la industria del cine y la televisión y se ha anunciado un nuevo proyecto que se basa en un título ya conocido como es el caso de ‘El jovencito Frankenstein’, un éxito de hace 50 años que regresará en formato serie de la mano de FX y Hulu, producida por 20th Television.

La serie, que llevará originalmente el título de ‘Very Young Frankenstein’, estará basada en una de las comedias de terror más queridas del cine, aunque según un ejecutivo de FX a Variety será “una versión completamente original”, todo ello aprobado por Mel Brooks, director de la película de 1974.

De los detalles que se conocen de esta nueva serie, lo que se sabe es que el piloto será dirigido por Taika Waititi, escrito por Stefani Robinson, ambos también como productores ejecutivos de un proyecto que los vuelve a unir en una comedia de terror con FX después del éxito de ‘What We Do in the Shadows’, que tuvo seis temporadas y buenas críticas.

Junto a ellos estarán como productores ejecutivos también Garrett Basch, Michael Gruskoff y Kevin Salter, así como Mel Brooks, que ha dado visto bueno a la adaptación que tendrá la película que en su día escribió junto a Gene Wilder.

Además, se conoce que el elenco será liderado por Zach Galifianakis como protagonista junto a Dolly Wells, Spencer House, Cary Elwes, Kumail Nanjiani y Nikki Crawford. La sinopsis podría girar en torno a los anteriores Dr. Frankenstein que intentaron dar vida a los muertos, aunque con resultados más hilarantes de lo esperado.

La parodia de las películas de terror de Universal que se convirtió en clásico

Con esta nueva serie, la película estrenada hace más de 50 años vuelve a la actualidad. El proyecto nació en su día como una parodia cariñosa del cine de terror de Universal de la década de los 30 y 40, y es por eso por lo que se rodó en blanco y negro por expreso deseo de imitación de Brooks, que se impuso a las exigencias de la productora, que la quería en color.

De hecho, Mel Brooks también consiguió usar el equipamiento original de ‘Frankenstein’ de 1931 porque descubrió que seguía existiendo y que se guardaba en el garaje de Ken Strickfaden, que lo había fabricado expresamente, dándole además el crédito que no tuvo con Universal.

‘El jovencito Frankenstein’ es uno de sus éxitos que superaron expectativas, contando con un presupuesto inicial de apenas 3 millones de dólares y recaudando finalmente más de 86, además de incluir dos nominaciones a Premios Oscar a Mejor Guion Adaptado y Mejor Sonido. La idea original había nacido del actor Gene Wilder, que escribió el guion necesitado de un proyecto después de varios fracasos en taquilla y para el que contó con Mel Brooks, con quien tuvo desavenencias y al que pidió no hacer un cameo en la cinta, como solía hacer.

Ambos no volvieron a trabajar juntos después de esto. Gene Wilder falleció hace diez años, en 2016, mientras Mel Brooks es una de las míticas figuras del cine que sigue vivo, a punto de cumplir los 100 años el próximo junio y con un resurgimiento no solo por el próximo proyecto, sino también con una secuela de su comedia ‘History of the World, Part I’ y con el próximo estreno de ‘Spaceballs: The New One’, con los papeles duales del presidente Skroob y Yogurt.

En época en el que la nostalgia vende más que nunca en la música, el cine y la televisión también se han apuntado a este fenómeno con el anuncio continuado de ‘remakes’, secuelas, biopics sobre personajes famosos o también spin-offs, es decir, productos relacionados con algo ya conocido como franquicias o sagas.

Y esto es lo que sucede con la saga ‘Fast and Furious’ que desde que arrancara con una primera película del mismo nombre en 2001 como un filme sobre una historia de carreras de coches callejeras y delincuencia, se ha ido convirtiendo en algo más allá de eso, incluyendo giros argumentales inverosímiles, pero con gran éxito en la taquilla y ahora se convertirá en una serie o varias.

Cuatro series de ‘Fast and Furious’ planteadas

El hecho de que tenga tantos fans ha hecho que el universo se haya estirado con 11 películas estrenadas y una, ‘Fast Forever’, que se espera llegue a los cines en primavera de 2028, con la que finalizará la franquicia principal. Y también supone que será otra franquicia más que pase del cine a la televisión con hasta cuatro series planteadas por Universal.

De esta forma, la saga de ‘A todo gas’ (como se tradujo el título de las primeras películas en España) podrá seguir viva más allá de las salas de cine, llegando al streaming, en Estados Unidos en Peacock, sin saber dónde se podría estrenar en España o Europa, según recoge el diario especializado Deadline.

El hecho de que ‘Fast and Furious’ se convertirá en serie ha sido desvelado por el actor protagonista de la saga, Vin Diesel en una entrevista reciente: “Durante la última década llegamos a la conclusión de que los fanáticos querían más. Queríamos que expandiéramos las historias de los personajes clásicos. Y durante la última década nuestro deseo fue el de ingresar al mundo de la TV”.

Por el momento, lo que ha trascendido es que la primera serie se encuentra ya en desarrollo, siendo las otras tres todavía ideas en fases de producción, y contará con Vin Diesel como productor ejecutivo, aunque sin saber si recuperará su personaje de Dominic Toretto o contará con otros protagonistas.

Lo que se sabe de la primera serie

La serie de ‘Fast and Furious’ que está más desarrollada tendrá como ‘showrunners’ a Mike Daniels y Wolfe Coleman, que se encargaran de escribir también el episodio piloto. El primero participó con éxito en ‘Sons of Anarchy’ y los dos juntos ya trabajaron en ‘Shades of Blue’, serie con Jennifer López y Ray Liotta.

No han trascendido detalles argumentales, lo que sí que se ha podido saber según informa el portal Hipertextual es que serían ‘spin-offs’ de la saga cinematográfica.

Esta no será la primera incursión de la franquicia en televisión, pues ya hubo un proyecto relacionado como fue la ficción animada ‘Fast and Furious Spy Racers’ que se enfocaba en un grupo de jóvenes que lideraba Tony Toretto, primo de Dominic, y que fue estrenada en Netflix.

Capítulos cortos de entre 20 y 30 minutos, con tramas autoconclusivas en cada episodio y un reparto fijo de personajes que aparece en ubicaciones recurrentes. Es la definición más sencilla que podemos hacer de lo que es una “sitcom” o “comedia de situación”. Ejemplos encontramos cientos, con Modern Family, Cómo conocí a vuestra madre o The Big Bang Theory como algunas de las más míticas que llegaron a nuestra televisión.

Pero si hay una que fácilmente encabeza el ranking de las sitcoms más emblemáticas de la historia de la televisión esa es Friends. La serie creada por Marta Kauffman y David Crane se emitió entre 1994 y 2004 y, con un total 236 episodios en diez temporadas, ayudó a definir cómo debía ser una sitcom moderna.

El reparto interpretado por Jennifer Aniston (Rachel Green), Courteney Cox (Monica Geller), Matthew Perry (Chandler Bing), Matt LeBlanc (Joey Tribbiani), Lisa Kudrow (Phoebe Buffay) y David Schwimmer (Ross Geller) sin duda jugó un papel clave en este trabajo. Los seis protagonistas tenían personalidades muy marcadas, así que el grupo de amigos se acabó convirtiendo en el eje de todas las tramas, algo que fue una constante de muchas sitcoms que se estrenaron después.

A esto se sumaron los diálogos ágiles, los chistes y los escenarios repetidos, como el apartamento o la cafetería Central Perk, que acabaron siendo tan protagonistas como los propios personajes. Los premios hablan por sí solos del impacto que tuvo la serie. En total, esta recibió 62 nominaciones a los Emmy, obteniendo seis victorias, incluido el Emmy a la Mejor Serie de Comedia en 2002 y el de Mejor Actriz para Jennifer Aniston. 

La historia de la sitcom

Pese a los reconocimientos que obtuvo Friends, el género televisivo de la sitcom existía mucho antes de que Rachel y Ross salieran juntos. De hecho, la primera llegó a la televisión de Reino Unido hace ya 80 años. En concreto, fue en 1946 cuando la BBC estrenó Pinwright’s Progress, considerada la primera comedia de situación de la historia. 

La serie estuvo protagonizada por James Hayter y solo tuvo diez episodios, los cuales se lanzaron cada dos semanas. Una de las cosas más curiosas de esta sitcom es que los capítulos se emitían en directo y, como estos no se grabaron, no se conserva nada de aquel material. Los únicos recuerdos son fotografías que se hicieron durante la grabación del programa. 

La primera gran serie de este estilo que triunfó llegó un poco más tarde. Fue I Love Lucy (Te quiero, Lucy), comedia estadounidense que se transmitió por la CBS entre 1951 y 1957, la cual llegó a ser la serie más vista de Estados Unidos durante sus primeras cuatro temporadas (tuvo nueve en total). La sitcom se vendió a numerosos países, ganó cinco premios Emmy y catapultó la carrera de su actriz principal, Lucille Ball. 

Desde su estreno en 2016, ‘The Crown’ ha sido una de las series de ficción más destacadas de la plataforma Netflix, con récords históricos de ser una de las más premiadas con varios Emmy, así como de presupuesto, llegando a costar más de 130 millones de euros su última temporada, siendo todo un fenómeno de visualizaciones, pero también de prestigio.

La sexta temporada de la serie finalizó con el matrimonio entre Carlos y Camilla en 2005 y la reina Isabel II afirmando su compromiso con la corona británica, y se daba por sentado el desenlace de la ficción, pero esta podría tener una precuela que tendría, además, un acuerdo de presupuesto de 500 millones de libras. Según los detalles que publican medios británicos como The Telegraph y Daily Mail, este spin-off the ‘The Crown’ abarcaría desde la muerte de la Reina Victoria hasta la boda de la reina Isabel II con Felipe de Edimburgo, es decir, de 1901 a 1947, lo que serían un total de 46 años de historia en los que el Reino Unido tuvo cuatro diferentes monarcas entre las dos reinas mencionadas y muchos eventos históricos de alto alcance.

El caos en el fallecimiento y el funeral de la Reina Victoria

Esta serie precuela de ‘The Crown’ podría comenzar con la noticia del fallecimiento de la Reina Victoria, una de las monarcas más longevas de la historia del Reino Unido, que tuvo lugar el 22 de enero de 1901 en la Isla de Wight, en el castillo de Osborne House que la familia tenía en propiedad allí.

Unos días que fueron de cierto desconcierto, no solo porque fallecía una reina que había reinado durante más de 63 años, sino porque desde 1837 no se realizaba el funeral de un monarca, lo que hizo que no se estuviera familiarizado con el procedimiento, lo que llevó a un plan más caótico de lo esperado, como dejó por escrito Sir Frederick Ponsonby, caballerizo mayor, como relata un artículo de Vanity Fair al respecto. La reina Victoria murió junto a su nieto, el que sería el último emperador de Alemania, Guilermo II, no había féretro preparado y se tuvo que construir a toda prisa, se trasladó el cuerpo en yate real debido a que falleció fuera de Londres y un aguacero caía sobre la capital cuando tuvo lugar el funeral finalmente el 2 de febrero.

De la austeridad de Victoria a la modernidad y carisma de Eduardo VII

El comienzo del reinado del hijo de la reina Victoria fue una ruptura con el estilo que había hasta entonces, pasando de la austeridad a la modernidad con Eduardo VII. Su vida estuvo llena de extravagancias y fue un hedonista que disfrutaba con la comida, las apuestas y mujeres, además de que tuvo acontecimientos como ser el primer rey británico en visitar oficialmente a un Papa, a Pío X, y su carisma le han hecho ser llamado “influencer” de su época, con lo que podría abarcar tramas interesantes para la serie.

Jorge V vs Guillermo II: dos primos enfrentados en la Primera Guerra Mundial

Con el rey Eduardo VII se vivía una Europa en tensión que derivaría en el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, un hecho que no llegaría ver el monarca, que falleció a los 68 años con menos de diez años de reinado. Le sucedió su hijo Jorge V, que ocuparía la corona entre 1910 y 1936, durante 26 años, y al borde también de una guerra mundial. Esta época tiene también detalles interesantes como el hecho de que en el bando contrario estaba Guillermo II como uno de los líderes, también nieto de la Reina Victoria, por tanto, primo del rey del Reino Unido.  

Fue bajo su reinado cuando se rebautizó a la Casa Real como Windsor, eliminando cualquier referencia al origen alemán de la monarquía británica. También hubo hechos destacados como la Huelga General de 1926 o que fue el primer rey que se dirigió al pueblo por radio, en la Navidad de 1932.

La abdicación de Eduardo VIII y sus simpatías con el nazismo

Sin lugar a dudas uno de los momentos que más juego puede dar para el spin-off de ‘The Crown’ es durante el reinado más breve, el de Eduardo VIII, sucesor de su padre Jorge V y que abdicó para poder casarse con Wallis Simpson, una divorciada estadounidense, que no fue aceptada por la iglesia anglicana. Sin embargo, su historia da para más: se ha escrito sobre sus vínculos con el nazismo, llegándose a reunir con Hitler durante la guerra, unas simpatías que despertaron gran alarma en el gobierno y la sociedad.

Jorge VI, el sucesor inesperado y la Segunda Guerra Mundial

Así, con la abdicación de su hermano, Jorge VI subió al poder sin estar preparado ni desearlo, debido a su timidez y tartamudez, que quedó inmortalizada para el gran público en la película ‘El discurso del rey’ en 2010. Su figura, sin embargo, fue subiendo en popularidad, al convertirse en una de las principales personalidades de la resistencia, quedándose en Londres durante los bombardeos, lo que reforzó la imagen de la monarquía, que heredaría su hija mayor, Isabel II.

La cuarta temporada de la serie de HBO ‘The White Lotus’ ha dado recientemente que hablar al haber perdido a una de sus grandes estrellas y reclamos, Helena Bonhnam Carter, una vez ya comenzado el rodaje debido a que “no encajaba en el personaje”, según aseguró el medio Deadline a través de un portavoz de la plataforma.

La ficción creada por Mike White afrontaba un duro problema y un importante reto de encontrar una sustitución a la altura, un hecho que se había anunciado a través de un comunicado que rezaba: “se ha replanteado, se está reescribiendo y se buscará una nueva actriz en las próximas semanas”.

El anuncio oficial se hizo tan solo una semana después, cuando se confirmó que la actriz Laura Dern sustituirá a la británica, un hecho que ha despertado teorías debido a que no es la primera vez que aparecería en la serie, en la que ya interpretó una voz en off y que podría crear un enlace entre diferentes temporadas, tal y como ya se dio con el personaje de Jennifer Coolidge entre la primera y la segunda.

El personaje que Laura Dern podría interpretar en ‘The White Lotus 4’

Si recordamos, la segunda temporada de la serie ‘The White Lotus’ se ambientó en Italia, en concreto en Sicilia, y en ella ya participó Laura Dern con un pequeño cameo, aunque solo con su voz. Entonces interpretó a Abby, la mujer de Dominic Di Grasso, productor de Hollywood al que dio vida Michael Imperioli, y este personaje fue también mencionado por otros como su suegro Bert y su hijo Albie.

Esto no ha pasado desapercibido para los fans de la serie, que en redes sociales han comenzado a crear teorías sobre el papel al que podría dar vida Laura Dern, pues muchos han pensado que su fichaje significaría que se escribiera más sobre Abby y crear así conexión con la familia Di Grasso que apareció en la segunda temporada.

Cabe recordar que Di Grasso interpretaba a un productor de Hollywood y teniendo en cuenta que se ha desvelado que ‘The White Lotus 4’ está ambientado en torno al festival de Cannes, son muchos que ven la conexión factible, creando así un interés importante teniendo en cuenta la perdida de Bonham Carter.

Actualmente, la cuarta campaña de la serie de HBO se está rodando en la Riviera Francesa, Saint-Tropez y Mónaco, y entre el reparto también confirmado están actores de la talla de Steve Coogan, Rosie Perez, Heather Graham, Max Greenfield, Kumail Nanjiani, Vincent Cassel y Chloe Bennet, Sandra Bernhard, Frida Gustavsson, Charlie Hall, Jarrad Paul, Ben Schnetzer y Laura Smet.

El nombre de Hannah Murray puede que no te suene a priori, pero esta actriz británica ha participado en dos de las series más relevantes de las últimas décadas. Dio vida al personaje de Cassie en el drama adolescente Skins (2007-2013) y, más tarde, a Gilly en la adaptación que hizo HBO de las novelas de fantasía de George R. R. Martin. A la vista de todos, Murray parecía tener una vida de éxito, pero había un lado oculto que pocos conocían.

Es esta parte más oscura de su vida la que ha contado en detalle en The Make-Believe, un libro que saldrá a la venta el 28 de mayo y en el que revelará su experiencia retirándose del mundo de la actuación por problemas de salud mental. Las “exigencias diarias de la actuación”, las “humillaciones” que vivía en las audiciones para los papeles y la repetición que tuvo que hacer de ciertas “escenas violentas” la dejaron totalmente devastada, según revela la sinopsis del libro.

Acabó en una organización con rituales sectarios

En búsqueda de una solución para encontrarse mejor, Murray recurrió a una organización con un “líder carismático” que le prometió “más recompensas espirituales” si se involucraba. “Las promesas de conocimiento y los rituales cada vez más complejos resultan seductores, casi sectarios, y en última instancia destructivos”, continúa la descripción de sus memorias. Hannah acabó participando en curso de una semana, alejada de sus amigos y familiares, donde su cordura se desmoronó.

Todo este escenario llevó a Murray a sufrir una crisis nerviosa sin precedentes, y acabó ingresada en un centro psiquiátrico, donde recibió el diagnóstico de que padecía un trastorno bipolar. Esta información no había trascendido hasta ahora y se conoce por primera vez del puño y letra de la protagonista de la historia. 

“Estoy muy orgullosa de este libro, cuya escritura me ha llevado siete años”, declaró la actriz en exclusiva a People. “Durante todo este proceso me he sentido empoderada para contar mi propia historia y recuperar mi propia narrativa. Me entusiasma compartirla con los lectores. Vivir los acontecimientos fue difícil, pero el proceso de escribir sobre ellos ha sido la experiencia más gratificante”. 

De ídolo adolescente a sufrir un infierno

Hannah Murray se convirtió en un icono adolescente a gracias a su papel en Skins, donde interpretó a Cassie Ainsworth. El suyo fue uno de los personajes más recordados de la primera generación de la serie, y logró conectar con la audiencia más joven gracias a su trama, marcada por los problemas de ansiedad y de identidad que sufría Cassie. 

Después de este éxito, llegó su papel en Juego de Tronos, donde siguió expandiendo su carrera, pero esto no la libró de los problemas que sufrió después, como muchos otros artistas que empezaron en la industria siendo muy jóvenes. Recordamos el caso de Britney Spears, Lindsay Lohan, Macaulay Culkin, Justin Bieber o Demi Lovato, por nombrar algunos. 

Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).

Las redes sociales se prendaron del estilo noventero y de la trágica historia de amor entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, retratada en la serie ‘American Love Story’ y que se ha convertido en lo más visto en la plataforma Hulu y Disney +, así como lo más viral en redes como TikTok.

Si bien fueron dos iconos de los 90, una nueva generación ha descubierto a estos personajes que fallecieron en un accidente aéreo en 1999 como se pudo ver en su capítulo final, estrenado a finales de marzo. Este éxito, además, ha convertido en estrellas a los actores protagonistas, Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon.

Debido a la buena acogida de la primera entrega de ‘American Love Story’, son muchos los que se preguntan si habrá continuación y formara una antología como es el caso de otras como ‘American Horror Story’, ‘American Crime Story’ o ‘American Sports Story’, todas ellas de la mente de Ryan Murphy.

Elizabeth Taylor y Richard Burton podrían protagonizar la segunda temporada

Poco antes del final de la primera temporada de ‘American Love Story’ con la historia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, fue cuando comenzó la especulación sobre la posible nueva pareja que ocupe la trama de una continuación, y hay una sobre la época dorada de Hollywood que ganó muchas papeletas debido a unas declaraciones.

El director Connor Hines inició los rumores sobre una serie que abarcara la historia de amor entre los actores Elizabeth Taylor y Richard Burton al reconocer a Vanity Fair que “tienen la intensidad adecuada”, aunque de momento no se ha dado confirmación oficial y se ha llegado a afirmar que los ejecutivos no lo han visto con buenos ojos.

En cualquier caso, tampoco se ha desmentido la idea, con lo que se mantiene el hecho de que la pareja que protagonizó dos matrimonios y un amor intenso en el momento dorado de Hollywood. Los actores se conocieron en el rodaje de Cleopatra en Roma, cuando ambos estaban casados, lo que desató la polémica en medio de una de las producciones más caras de la historia del cine.

Elizabeth Taylor llegó a casarse hasta en ocho ocasiones, pero declaró que Burton fue el gran amor de su vida. “Cuando lo vi en el set de Cleopatra, me enamoré y lo he amado desde entonces”, admitía sobre sus años con el también actor, con el que también protagonizó numerosas películas, pero con el que vivió un romance marcado por los excesos, la adicción y peleas.

La broma con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Aunque no ha habido confirmación oficial, hubo un conato de ello el 1 de abril, un día en el que se suelen hacer bromas, como en España el Día de los Inocentes. La cuenta oficial de Instagram de ‘American Horror Story’ publicó una publicación en la que aseguraba que se confirmaba una segunda temporada de la antología que iría sobre los cantantes Stevie Nicks y Lindsey Buckingham.

Ambos protagonizaron una relación turbulenta en medio del liderazgo de la banda Fleetwood Mac durante cinco décadas hasta que Buckingham dejó el grupo en 2018, pero que parece que ha llevado a intentos de acercamiento desde entonces.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

En un momento en el que la nostalgia sigue acaparando gran parte de la producción en cine, música o series, se da un nuevo capítulo con el regreso de la mítica ‘Malcom in the middle’, que en España se conoció como ‘Malcolm, el de en medio’ o ‘Malcolm’.

Será con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’ que contará con cuatro episodios en total, y que se estrena este 10 de abril directamente en la plataforma Disney +, donde ya se encuentra la serie previa al completo, con más de 150 episodios.

En este ‘revival’ estarán de nuevo en sus papeles Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado, que compartirán reparto con nuevas caras como es el caso de Keeley Karsten, y entre las que no estará la única gran ausencia del ‘cast’ original.

Se trata de Erik Per Sullivan, que daba vida a Dewey, el hermano pequeño de Malcolm, y que no volverá para ‘Malcolm: de mal en peor’, a pesar de que habría obtenido una oferta millonaria para volver al reparto. En su lugar, su papel será interpretado por otro actor, Caleb Ellsworth-Clark.

Los motivos detrás de la ausencia del actor Erik Per Sullivan para esta nueva entrega de ‘Malcolm’ las dio uno de los rostros más conocidos de esta sitcom, Jane Kaczmarek, que hace de su madre en la pantalla. En una entrevista con The Guardian, afirmó que el intérprete ha priorizado su formación universitaria:

“Está estudiando a Dickens y es un estudiante increíble. Le ofrecieron muchísimo dinero para volver, y simplemente dijo: ‘No, gracias’”, comentó. Se había revelado antes que Sullivan se había querido centrar en su doctorado en la Universidad de Harvard, y no le importó rechazar millones para volver a la serie que lo hizo famoso.

De qué va ‘Malcolm: de mal en peor’, el último producto de la nostalgia

De la celebración del 20 aniversario de ‘Hannah Montana’ no dejamos Disney + y llegamos a otro producto de la nostalgia cultural como es ‘Malcolm: de mal en peor’, en el que durante cuatro episodios volveremos a entrar dentro de la caótica vida de los Wilkerson.

En estos cuatro episodios la trama gira en torno al regreso de Malcolm al entorno familiar después de haberse mantenido alejado junto a la familia que había formado, con hija incluida, debido a que sus padres lo invitan a su 40 aniversario.

Linwood Boomer, creador original, es guionista y productor ejecutivo de un regreso que firma como director Ken Kwapis. Keeley Karsten es una de las nuevas caras, como hija de Malcolm, junto a Vaughan Murrae como la hermana menor de Malcom, Kelly, y Kiana Madeira como Tristan, la novia.

Lisa Kudrow es un rostro querido por millones de personas debido a su papel de Phoebe Buffay en la icónica serie ‘Friends’, lo que la ha hecho mundialmente conocida por diferentes generaciones. Recientemente se hizo viral por las reflexiones que hizo respecto a su carrera en Hollywood, en la que también admitió que hubo errores.

En el Club Random Podcast, conducido por Bill Maher, la actriz de ‘Friends’ relató la que considera su peor audición y el error más torpe que cometió cuando comenzaba en el mundo de la interpretación, los que ve como dos momentos que influyeron en su carrera profesional.

Los dos momentos más humillantes en la carrera de Lisa Kudrow

Así, Lisa Kudrow contó los dos momentos que para ella resultaron más determinantes a nivel negativo en su trayectoria, aunque también le valieron para su desarrollo. Uno de ellos fue el de la que considera su audición más incómoda, que tuvo lugar cuando postuló al elenco de la serie ‘The Larry Sanders Show’.

En el mencionado podcast, la actriz de Friends contó cómo le ofrecieron una prueba para interpretar el personaje que finalmente interpretaría Janeane Garofalo: “Me emocioné mucho cuando Gary Shandling, creador de la serie, me propuso leer juntos la escena, y yo solo atiné a decir: ‘Ah, ok. No lo leo sola, perfecto.’”

Después de esto, Kudrow contó como el ambiente resultó desconcertante y no logró generar complicidad, algo de lo que salió convencida: “Recuerdo a Gary asomándose por la puerta, con cara de susto, solo para decir: ‘Llamaremos. En serio, llamaremos.’ En ese momento entendí que de verdad no había logrado conectar”, confesó.

A la actriz de ‘Friends’ le impactó también el error que cometió cuando comenzaba en Hollywood, al emitir un juicio que no tocaba sobre un guion sin saber que estaba escrito por los que tenía delante de ella. “Cuando empecé, no sabía que los productores también eran los guionistas, así que en una lectura de guion dije ‘¿Quién escribió esto?’, sin considerar que quienes me escuchaban eran justamente los autores”, contó entre risas en el podcast.

Lisa Kudrow enfatizo que esto suele suceder “cuando eres joven y no entiendes los roles en la industria”, pero que su error la llevó a asumir la dificultad de identificar responsabilidades en una producción y la necesidad de tiempo para saber quién verdaderamente toma las decisiones en una sala. “A veces siento que puedes casi arruinar tu futuro por una frase fuera de lugar”, concluyó.

No le importa que la recuerden por Phoebe

Recientemente, la actriz también se hico viral debido a que en una entrevista en la CBS admitió no tener ningún problema en que la recuerden por el personaje de Phoebe Buffay en ‘Friends’, porque nunca sintió la necesidad de distanciarse de la serie.

“Friends me lo dio todo”, admitía. “Si todo lo que conoces de mí es eso, está bien”, a la vez que también reconoció estar sorprendida por como la serie conecta con nuevas generaciones, pero que entiende que puede funcionar como “una especie de refugio, una conexión emocional que ayuda a combatir la soledad”.

“Solo espero que la gente no se canse de mí”, empezó diciendo la actriz hace unos días en una entrevista de la promoción de El drama, una de las últimas películas que ha protagonizado junto a Robert Pattinson (Crepúsculo) y que se estrenará en España el próximo 29 de mayo. Zendaya tiene razones para estar preocupada. Solo en 2026, podremos verla en cinco nuevos proyectos.

La intérprete de Hollywood que debutó en la serie Shake It Up de Disney Channel confesó al medio que necesitará tomarse un descanso. “Agradezco mucho a cualquiera que apoye mis películas o mi carrera de cualquier manera. Se lo agradezco profundamente. Solo espero que no se cansen de mí este año porque, les digo una cosa, después de esto, voy a desaparecer por un tiempo. Voy a tener que esconderme un rato”. 

Además del largometraje junto a Pattinson, el primero que podremos ver de ella este año, Zendaya aparecerá en tres películas y una serie de televisión más a lo largo de 2026. 

Los cinco proyectos

En El drama, película dirigida por Kristoffer Borgli, seguimos a una pareja totalmente enamorada que está a punto de casarse pero que, después de que ciertos secretos salgan a la luz, ve cómo toda su felicidad empieza a tambalearse. A partir de ese momento, la espera de los protagonistas hacia el día de su boda se convierte en una auténtica pesadilla. 

Pero antes de poder ver este largometraje en España, llegará una serie. La tercera temporada de Euphoria se estrenará en España el 13 de abril de 2026, tras un descanso de cuatro años desde la segunda temporada. La producción de HBO regresa con Zendaya y el elenco original, entre ellos Jacob Elordi y Sydney Sweeney. La premisa de esta entrega es la siguiente: un grupo de amigos de la infancia lidian con la virtud de la fe, la posibilidad de redención y el problema del mal.

Luego tendremos que esperar hasta verano. La Odisea, la próxima película escrita, dirigida y producida por Christopher Nolan, también contará con Zendaya. El largometraje contará la historia de Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca, y su largo viaje de regreso a casa tras la guerra de Troya. En esta adaptación del poema de Homero, la actriz interpretará a la diosa Atenea.

Ese mismo mes será el momento de que Spider-Man: Brand New Day llegue a cines. La película, cuyo estreno está previsto para el 31 de julio, se ambienta tras Spider-Man: Sin camino a casa. Peter Parker (Tom Holland) intenta centrarse en la universidad y abandonar a Spider-Man hasta que una nueva amenaza pone en peligro a sus amigos, cuando decide que debe romper su promesa y volver a convertirse en superhéroe.

Por último, a finales de 2026, podremos ver Dune 3, la tercera entrega de la trilogía dirigida por Denis Villeneuve y basada en la novela homónima de Frank Herbert. En la película, que llegará a los cines el 18 de diciembre (coincidiendo con el estreno de Vengadores: Doomsday), Zendaya volverá a interpretar al personaje de Chani. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Rebecca Ferguson (Jessica), Florence Pugh (Irulan) y Javier Bardem (Stilgar) volverán a formar parte del reparto, al que se unen Robert Pattinson como el villano Scytale y Anya Taylor-Joy como Alia Atreides. 

“¿Tiene su dibujo alguna influencia clara?”, le preguntó el entrevistador a Akira Toriyama en Daizenshū 6 (1995), el sexto volumen de una serie de enciclopedias oficiales japonesas dedicadas a Dragon Ball. El mangaka y diseñador japonés, que entonces ya era un icono global, lo tuvo claro. “Creo que son Walt Disney y Osamu Tezuka”, respondió entonces. 

Toriyama ponía sobre la mesa los nombres de dos de los máximos pioneros de la animación moderna. Uno consiguió sorprender con personajes como Mickey Mouse y películas como Blancanieves y los siete enanitos (1937), toda una revolución en la época. El otro se llevó el título de “Dios del manga” y hoy sigue siendo reconocido como padre del manga moderno. 

Pero el creador de Dragon Ball fue más allá, y en esa entrevista de mediados de los años 90, también reveló cuál fue la película que más le marcó en su vida. Hablamos del largometraje que lo inspiró para ponerse a dibujar cuando solo era un niño y sin el que, quién sabe, nunca habría creado personajes tan emblemáticos como Goku, Vegeta, Bulma o Piccolo. 

“Cuando era niño había una escuela para aprender a dibujar, se llamaba Zugaya San. Dibujaba con muchos niños de por ahí, nos divertíamos. Un día gané un premio dibujando a los 101 Dálmatas. Eso me encantó y por eso estoy aquí ahora”, confesó. La película de Disney llegó a cines en 1961, pero no fue hasta 1984 cuando el primer capítulo del manga de Dragon Ball se publicó. Toriyama tuvo tiempo de crear su universo.

Otras influencias de ‘Bola de dragón’

Los dálmatas no fueron la única creación de Disney que el mangaka tuvo en cuenta a la hora de crear su historia. También tomó como referencia Bibidi Babidi Bu, uno de los clásicos que suena en Cenicienta (1959), tema que incluso se llevó la nominación a Mejor canción en los Oscar de la época.

Muchos fans de Bola de dragón reconocerán que el título de esta canción infantil corresponde a los nombres de tres personajes del universo creado por Toriyama: el malvado mago Bibidi, su hijo Babidi, y la poderosa creación de Bibidi, Bu. Una referencia directa al hada madrina que transforma una calabaza en el carruaje que lleva a Cenicienta al baile.

Si nos concentramos en la parte narrativa, la historia que el ilustrador japonés creó para Dragon Ball se inspiró directamente en Viaje al Oeste, novela clásica china que narra la peregrinación del monje Tang Sanzang hacia la India para recuperar textos sagrados budistas. Este viaje lo hace acompañado de tres discípulos inmortales: Sun Wukong (el Rey Mono), Zhu Bajie (el cerdo) y Bonzo Sha (el ogro).

Se cumple 20 años del estreno de la serie ‘Hannah Montana’ y esto se ha celebrado con un especial estrenado en Disney + que ha contado con la presencia de su protagonista, Miley Cyrus, y con el que los fans de la mítica ficción juvenil han podido revivir los momentos y canciones que dejó.

Un especial que ha dejado una ligera decepción en los fans por el hecho de que se han producido dos marcadas ausencias, las de Emily Osment y Mitchel Musso, los actores que interpretaban a los mejores amigos de Miley Stewart (Miley Cyrus). La primera explicó que no pudo participar por estar en pleno rodaje de la serie ‘Georgie & Mandie’, spin-off de ‘El joven Sheldon’, mientras el segundo ha tenido una limitada presencia después de ser arrestado para conducir bajo los efectos del alcohol hace años.

A pesar de ello, sí que han estado otros miembros del reparto como es el caso de Cody Linley, Moisés Arias, Shanica Knowles, Anna Perez, así como Billy Ray Cyrus, padre en la serie y en la vida real de Miley Cyrus, y también Jason Earles, quien interpretaba al hermano de la protagonista, Jackson.

Jason Earles mintió para ser el hermano de ‘Hannah Montana’

Precisamente este último ha sido uno de los grandes protagonistas en el especial de ‘Hannah Montana’ en su 20 aniversario por una confesión que hizo antes del estreno en el podcast relacionado con la serie, ‘Best of Both Our Worlds’, donde contó que mintió sobre su edad real para poder obtener el papel de Jackson Stewart.

Jason Earles fingió tener 18 años cuando realizó el casting para la serie porque quería conseguir ese papel, pero en realidad tenía diez más, 28 años, algo que le mantuvo nervioso por temor a ser descubierto: “Tenía muchísimo miedo de que me despidieran y reemplazaran porque tenía un gran secreto”, explicó en el podcast.

Este detalle, sin embargo, fue finalmente descubierto por uno de los ejecutivos de la serie durante la primera temporada, y este lo confrontó directamente. El actor confesó que efectivamente tenía 28 años, pero que a pesar de que finalmente se supo la verdad, mantuvo su papel en la ficción de Disney Channel.

Este no fue el único detalle sobre el que mintió Jason Earles, o que ocultó al menos a los productores, sino que tampoco contó nada de su vida personal, como su estado civil, porque pensaba que esto podía afectar a su trabajo en ‘Hannah Montana’. Tanto es así que cuando acudía una joven al set junto a él aseguraba que era tan solo una amiga, cuando era realmente su mujer, aunque al final también fue descubierto:

“Sí, esa chica con la que me ven besándome. Es mi esposa”, detalló. Tras el descubrimiento de ambos secretos, los ejecutivos bromeaban preguntando si tenía hijos, a lo que Earles respondió que no.

Una de las series de moda del momento es la producción estadounidense Los Bridgerton. Ambientada en la alta sociedad londinense de la Regencia británica (1813-1827) está basada en las novelas de Julia Quinn y es un ejemplo del concepto color conscious casting, la elección consciente de un elenco de actores y actrices donde la raza o la etnia es algo clave.

Las distintas temporadas de la serie entrelazan historias de una época en la que ‘casarse bien’ era lo importante para la alta sociedad, pero aquí se rompen moldes introduciendo el elemento de la diversidad racial, incluso en la realeza británica.

Este tipo de práctica surgió en el ámbito teatral en Estados Unidos, según explica la profesora de guion audiovisual de la Universidad de Alcalá (UAH), Julia Sabina Gutiérrez. El musical Hamilton (2016), creado por Lin-Manuel Miranda, revolucionó el casting de Broadway al implementar una política de casting consciente del color donde actores afroamericanos, latinos y asiáticos interpretan a los padres fundadores de Estados Unidos, que eran blancos.

No fue algo al azar sino una estrategia consciente para reflejar la diversidad del país norteamericano y para que la historia tuviera un tono más inclusivo y actual.

“Todos hemos visto en España como en la representación del rey Baltasar ha sido habitual pintar la cara de negro a una persona blanca, lo que se conoce como blackface. Si lo llevamos a Hollywood, durante mucho tiempo no solo no había diversidad, sino que cuando la había la interpretaba un blanco”, comenta esta doctora en Ciencias de la Comunicación y Estudios Cinematográficos.

Hay muchos ejemplos en la historia del cine. Solo por citar algunos, podemos ver a Katharine Hepburn en Dragon Seed (1944) interpretando a una aldeana china o a Scarlett Johansson en Ghost in the Shell (2017), en la piel de un personaje de manga japonés.

El debate, más o menos público, siempre ha estado sobre la mesa, pero emergió con fuerza entre 2015 y 2016 en EEUU. “Era un problema en un país tan diverso. Recuerdo el hashtag en redes sociales durante la celebración de una edición de los Oscar para denunciar que todos los premiados eran blancos, ese #OscarSoWhite”, comenta la profesora, quien subraya que “el cine no deja de ser una representación de la sociedad” o que “siempre ha habido esa tensión entre la realidad social y lo que se proyectaba en las pantallas”.

En el contexto de ese debate ya había surgido antes, en los años sesenta del siglo XX, el término color blind casting, la idea de obviar el color de piel. “Al principio fue bonito”, comenta Julia Sabina Gutiérrez. También estuvo asociado al teatro. “Ahí siempre ha habido una especie de contrato con el espectador y más capacidad para hacer creíbles las cosas increíbles: imaginemos la obra La tragedia del rey Lear, de Shakespeare, donde una cacerola en la cabeza simula una corona real o una máscara para cambiar la apariencia. Eso en el cine no es posible”.

Sin embargo, cuando la idea saltó a la televisión y al cine para buscar al mejor o a la mejor para un papel, sin tener en cuenta su color de piel, no funcionó. “Lo que parecía muy bueno derivó en que se estaban proyectando personajes que tampoco eran reales”, explica. Surgió entonces el llamado post-racismo, que defiende la idea de que la raza no es un factor determinante para una narrativa o producción cinematográfica y que tampoco resultó ser muy real.

El color conscious casting fue una evolución crítica del color blind casting. “La apuesta es por la diversidad, pero sin que sea algo forzado”. Para la profesora, el caso de Los Bridgerton es “muy interesante” y en ello la productora, Shonda Rhimes, ha jugado un importante papel. “Una mujer negra a la que gustan las series de época en las que nunca se ha sentido representada. Ha creado un mundo en el que nunca existieron diferencias raciales. Es una distopía”.

Pese a que algunos críticos subrayan que se aborda de manera superficial la cuestión racial, evitando hablar de las barreras sociales reales, lo cierto es que este tipo de series proyectan una mirada más inclusiva sobre los dramas de época. Pero es un debate complejo. La cuestión, por ejemplo, es si hay que respetar la precisión histórica o apostar por la diversidad y la inclusión.

La “ingeniería del casting” o normalizar la diversidad

Para Julia Sabina Gutiérrez es muy sugestiva “la provocación que se pone en bandeja al espectador”, con una serie “agradable en la que también se juega con lo sexual”. Y sobre todo destaca el hecho de que se haya utilizado para este tipo de serie de época lo que define como “ingeniería de casting” porque, abunda, “normalmente el casting es lo último: te dan un guion, hay una historia y a partir de ahí se elige el elenco. Lo habitual es tender a seleccionar a personas blancas y guapas”.

Para introducir elementos como la diversidad el proceso debe ser otro. Era algo que ya explicaba la conocida guionista y autora estadounidense Linda Seger (1945-2026). Sus libros son objeto de estudio en las facultades de Comunicación Audiovisual, como la que la Universidad de Alcalá tiene en Guadalajara. “Son cosas que explico a mis alumnos. En este 2026 celebramos el Año Azcona y él, por ejemplo, escribía sus guiones ya pensando en qué actor iba a interpretar el papel”.

Hablar en clase a los futuros creadores sobre la representatividad y la identidad en los guiones audiovisuales es algo habitual. Una parte más de la asignatura. La profesora cree que se deben seguir “dando pasos” para normalizar la diversidad en el ámbito cinematográfico.

 “El cine tiene gran responsabilidad, sobre todo cuando hablamos de productos de consumo masivo. Quién interpreta qué, es importante. El sector también debe reajustarse al ritmo que lo hace la sociedad”.

Desde su estreno el pasado 12 de febrero, la primera entrega de American Love Story se ha convertido en la serie del momento, sobre todo en su conversación en redes sociales. La ficción retrata de forma íntima el romance entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr, que finalizó trágicamente con el fallecimiento de ambos en un accidente aéreo en 1999.

El desenlace previsto se da en el capítulo final que llega este viernes 27 de marzo en la plataforma Disney +, donde es la serie más vista a nivel global, según datos de FlixPatrol, y que también se evidencia con la tendencia de conversación sobre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr en TikTok, Instagram o X.

Precisamente, el éxito de la serie no solo ha revivido la fascinación por los personajes reales que retrata, sino también por los actores que dan vida a los protagonistas como es el caso de Paul Anthony Kelly, que se ha convertido en uno de los hombres del momento tras meterse en la piel de JFK Jr, por lo que ha pasado de ser un desconocido a uno de los actores de moda.

Quién es Paul Anthony Kelly, el nuevo actor de moda

Paul Anthony Kelly nació en el pequeño pueblo Port McNicoll, en Ontario, Canadá, en octubre de 1988, “un lugar en medio de la nada” para el actor, que, si bien tuvo claro que su pasión era la actuación, comenzó como modelo. Trabajó con marcas internacionales y viajó por todo el mundo, pero se mantuvo en su idea de dedicarse a la interpretación, por lo que estudió en Stella Adler Studio.

Desde entonces, Kelly compaginó su carrera como modelo junto con la de actor, que arrancó en producciones teatrales. Así, se centró y encontró sus primeros pasos en el teatro independiente, lo que le valió para perfeccionar su técnica y adquirir experiencia para buscar su oportunidad en la televisión o en el cine.

Tuvieron que pasar, sin embargo, diez años para que encontrara el papel que lo ha convertido en estrella. El actor se preparó el personaje a conciencia, estudiando biografías, entrevistas y grabaciones de John F. Kennedy Jr, pero el casting fue un proceso largo por el que tuvo que imponerse a más de cien aspirantes. Su apariencia acabaría siendo clave para hacerse con él.

A los productores les costó encontrar a su JFK Jr: “Ya no hacemos ese tipo de chicos”

Y es que mientras Paul Anthony Kelly buscaba su lugar, los productores de American Love Story comenzaban a estar desesperados por no encontrar a su JFK Jr perfecto, un hecho que ha confirmado recientemente en una entrevista el productor ejecutivo Brad Simpson:

“Estábamos a tres semanas de empezar a rodar y todavía no lo habíamos elegido. Habíamos visto a todos los actores masculinos de entre 25 y 38 años. En parte, se trataba simplemente de esa masculinidad de los 80, de la vieja escuela: un hombre con pelo en el pecho, al estilo de Richard Gere o Tom Selleck, con ese aspecto clásico y musculoso. Por alguna razón, ya no hacemos hombres así, y él realmente necesitaba tener eso”, afirmó al respecto.

Finalmente encontraron a Kelly, que no solo se parecía físicamente a John F. Kennedy Jr, sino que además tenía ese corte clásico que buscaban desde la producción y que en parte se ha convertido en tendencia en redes sociales, con un cierto regreso a la moda de los 90.

Para muchos niños nacidos entre los 80, 90 e incluso principios de los 2000, ‘Dragon Ball’ ha supuesto más que una serie de anime, sino todo un fenómeno cultural que marcó su infancia e identidad, y que en España llegó de la mano de las cadenas televisivas autonómicas, donde primero se vio esta ficción que sigue a Goku y los guerreros Z.

Así, muchos niños han crecido con ‘Bola de Dragón’ o ‘Bola de Drac’ dependiendo de donde la vieron, ya fuera en la televisión andaluza, gallega, catalana o valenciana. Sin embargo, todo esto pasará a ser historia porque la productora de la serie, Toei Animation, ya no permite las traducciones del título del anime.

Es un hecho que ha desvelado el doblador de Goku en catalán, Marc Zanni en una entrevista en el podcast VozCast. “Se hizo una presentación por todo lo alto en el teatro Victoria, en Barcelona, y en rétulos ponía; 'Dragon Ball', y yo me quedé un poco alucinado, porque si es para TV3, ¿por qué no se podía poner 'Bola de Drac'?”, comentó.

Un hecho que se debe a que Toei Animation ha prohibido explícitamente la traducción del título no solo en España, sino en todo el mundo con el objetivo de unificar la franquicia desde Japón para que todos los aficionados se refieran a la ficción de la misma manera.

Los openings traducidos tampoco se pueden traducir

Una decisión que no solo afecta al título de ‘Dragon Ball’, sino que también lo hace a los openings, que ya no tendrán canciones dobladas, aunque este hecho todavía no se aplica en Estados Unidos, donde todavía se realizan episodios con la versión de los créditos de entrada en inglés. Lo que sí que todavía está permitido es el doblaje, que seguirá pudiendo entretener a niños y adultos de todo el mundo.

A pesar de todo esto, los títulos de ‘Bola de Drac’ o ‘Bola de Dragón’ se pueden ver todavía en algunos productos de merchandising, pero ya no se hará referencia a ella en el anime. Este tiene planes de futuro con un remake de ‘Dragon Ball Super’ y la llegada al streaming de ‘Dragon Ball Super: The Galatic Patrol’, este último sin fecha de estreno, pero con el primero esperandose en otoño de 2026 en la televisión japonesa.

Una serie icónica de la televisión autonómica en España

Canal Sur fue la primera cadena televisiva que decidió apostar por la serie anime emitiéndose por primera vez en 1989, aunque no tuvo el éxito esperado y tras 18 capítulos fue retirada. Sin embargo, con la llegada a las televisiones de Galicia (TVG), Euskadi (EiTB) y Catalunya (TV3) en febrero de 1990 se convirtió en un fenómeno cultural.

Un año después, en 1991, Canal Sur recuperó la serie y se estrenó también en Canal 9. En la cadena televisiva valenciana fue todo un fenómeno social con audiencias del 50 % de share dentro del club ‘A la Babalà’, pero fue la única que no cedió los audios de su doblaje a las ediciones de VHS y DVD.