Una de las series más exitosas entre la generación Z de los últimos años, “Euphoria”, ha regresado después de tres años con una tercera temporada no exenta de polémica, por un cambio de tono, que no le ha llevado a conectar igual con su audiencia y se intuye que podría ser el final de la ficción con Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney.

En esta tercera temporada de la serie creada por Sam Levinson se ha dado un salto temporal que ha traído también a nuevos personajes, entre los que está Angel, interpretada por una actriz que hemos visto crecer en la televisión española. Hablamos de Priscilla Delgado, que fue una de las protagonistas de ‘Los Protegidos’ a principios de los 2010, y que comparte pantalla con otra española como Rosalía.

Se dio a conocer con apenas 7 años en ‘Los Protegidos’

Nacida el 31 de marzo de 2002 en San Juan, Puerto Rico, la actriz creció en la televisión española siendo una de las caras más visibles de una de las series más famosas de la ficción televisiva a principios de la década de los 2010. Antes, sin embargo, había aparecido en series como “Los Hombres de Paco” o “La Chica de Ayer”.

Y es que con tan solo 7 años Priscilla Delgado se dio a conocer con “Los Protegidos”, donde daba vida a Lucía, una niña con poderes telepáticos, en una serie que fue todo un fenómeno y en la que también crecieron otros actores como Ana Fernández, Luis Fernández ‘Perla’ o Mari Marzo.

A pesar de que la actriz dio vida a uno de los personajes más queridos de la serie, no participó en el regreso en formato secuela, siendo una de las que no formó parte del reparto original. En su lugar, Maggie García dio vida a Lucía en “Los Protegidos: El regreso”, que se estrenó en 2021.

De Almodóvar a probar suerte en Estados Unidos

Después de su éxito en “Los Protegidos”, Delgado fue generando una trayectoria sólida tanto en cine como en televisión, apareciendo en “Julieta” de Pedro Almodóvar o “Las Brujas de Zugarramurdi” de Álex de la Iglesia. En 2019, optó por trasladarse a Estados Unidos y buscar continuar su carrera en Los Ángeles.

Desde entonces, ha ido participando en audiciones, destacando que casi llega a formar parte de proyectos como “West Side Story” de Steven Spielberg o “Stranger Things”, pues estuvo en las fases finales de estas producciones, en la última para hacer de Max, que finalmente dio vida Sadie Sink.

“Ellas dan el golpe” en 2022 fue su primer papel internacional, aunque fue una serie que se canceló tras su primera temporada. Ahora ha recibido su gran oportunidad participando en “Euphoria”, en esta tercera temporada, dando vida a Angel, un personaje del entorno nocturno cuya vida se cruza con la de Rue Bennett (Zendaya).

Las redes sociales se prendaron del estilo noventero y de la trágica historia de amor entre John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, retratada en la serie ‘American Love Story’ y que se ha convertido en lo más visto en la plataforma Hulu y Disney +, así como lo más viral en redes como TikTok.

Si bien fueron dos iconos de los 90, una nueva generación ha descubierto a estos personajes que fallecieron en un accidente aéreo en 1999 como se pudo ver en su capítulo final, estrenado a finales de marzo. Este éxito, además, ha convertido en estrellas a los actores protagonistas, Paul Anthony Kelly y Sarah Pidgeon.

Debido a la buena acogida de la primera entrega de ‘American Love Story’, son muchos los que se preguntan si habrá continuación y formara una antología como es el caso de otras como ‘American Horror Story’, ‘American Crime Story’ o ‘American Sports Story’, todas ellas de la mente de Ryan Murphy.

Elizabeth Taylor y Richard Burton podrían protagonizar la segunda temporada

Poco antes del final de la primera temporada de ‘American Love Story’ con la historia de John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette, fue cuando comenzó la especulación sobre la posible nueva pareja que ocupe la trama de una continuación, y hay una sobre la época dorada de Hollywood que ganó muchas papeletas debido a unas declaraciones.

El director Connor Hines inició los rumores sobre una serie que abarcara la historia de amor entre los actores Elizabeth Taylor y Richard Burton al reconocer a Vanity Fair que “tienen la intensidad adecuada”, aunque de momento no se ha dado confirmación oficial y se ha llegado a afirmar que los ejecutivos no lo han visto con buenos ojos.

En cualquier caso, tampoco se ha desmentido la idea, con lo que se mantiene el hecho de que la pareja que protagonizó dos matrimonios y un amor intenso en el momento dorado de Hollywood. Los actores se conocieron en el rodaje de Cleopatra en Roma, cuando ambos estaban casados, lo que desató la polémica en medio de una de las producciones más caras de la historia del cine.

Elizabeth Taylor llegó a casarse hasta en ocho ocasiones, pero declaró que Burton fue el gran amor de su vida. “Cuando lo vi en el set de Cleopatra, me enamoré y lo he amado desde entonces”, admitía sobre sus años con el también actor, con el que también protagonizó numerosas películas, pero con el que vivió un romance marcado por los excesos, la adicción y peleas.

La broma con Stevie Nicks y Lindsey Buckingham

Aunque no ha habido confirmación oficial, hubo un conato de ello el 1 de abril, un día en el que se suelen hacer bromas, como en España el Día de los Inocentes. La cuenta oficial de Instagram de ‘American Horror Story’ publicó una publicación en la que aseguraba que se confirmaba una segunda temporada de la antología que iría sobre los cantantes Stevie Nicks y Lindsey Buckingham.

Ambos protagonizaron una relación turbulenta en medio del liderazgo de la banda Fleetwood Mac durante cinco décadas hasta que Buckingham dejó el grupo en 2018, pero que parece que ha llevado a intentos de acercamiento desde entonces.

Este 10 de abril vuelve una de las series más icónicas de principios de los 2000, ‘Malcolm in the middle’ con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’, que contará con cuatro episodios donde la familia Wilkerson se reúne con la excusa del aniversario de los padres.

20 años después vuelve la ‘sitcom’ con su reparto casi al completo, a excepción de Erik Per Sullivan, que ha renunciado a regresar a la interpretación para hacer de Dewey, que será interpretado por un actor diferente, Caleb Ellsworth-Clark. Y mientras algunos como Bryan Cranston han seguido siendo rostros conocidos en la pantalla debido a su papel protagonista en ‘Breaking Bad’, gran parte del resto vivieron más alejados de las cámaras, entre ellos su protagonista, Frankie Muniz.

Interpretar a ‘Malcolm’ en la serie le convirtió en uno de los actores infantiles mejor pagados de Hollywood y en toda una estrella adolescente a principios de los 2000, trabajando con también nombres reconocidos de entonces como Hilary Duff o Amanda Bynes. Sin embargo, Frankie Muniz decidió cambiarlo todo cuando estaba en lo más alto.

De estrella adolescente en Hollywood a piloto de carreras

Frankie Muniz nació como Francisco Muniz IV en Nueva Jersey en el seno de una familia trabajadora. Por parte de padre desciende de emigrantes asturianos, mientras que por su rama materna tiene genes irlandeses e italianos. Comenzó en la interpretación por casualidad, al acompañar a su hermana Cristina a una audición para la obra de teatro ‘Un cuento de Navidad’ y ser seleccionado para un papel principal.

De ahí se mudó a California con su familia y en el año 2000 fue seleccionado para dar vida a Malcolm Wilkerson, con tan solo 14 años. Esto lo lanzó al estrellato, y de ahí compaginó durante seis años su trabajo en la serie con películas como como 'Mi perro Skip', 'Agente Cody Banks' o 'Big Fat Liar', todo ello con menos de 20 años.

Cuando llegó el final de ‘Malcolm’ en 2006, el actor reflexionó sobre su vida, entonces formada por rodajes largos, presión constante y una identidad que iba ligada a un personaje. Pensando en lo que sería su futuro, no dudó en explorar otra de sus pasiones y en 2007 se embarcó en una carrera profesional como piloto, llegando a competir en campeonatos como el Atlantic Championship o la Indy Lights.

Aunque no cerró la puerta a su trayectoria como actor, la fue aparcando en detrimento al motor y también a la música, pues formó un grupo cuando las lesiones y dolencias físicas no le dejaron competir. Se dejó ver menos, aunque participó en televisión en programas como ‘Dancing with the Stars’, y fue noticia cuando debido a varios accidentes sufrió lesiones cerebrovasculares que le llevó incluso a olvidar parte de su tiempo en ‘Malcolm’, aunque ahora asegura que eso fue parte de una exageración.

“Literalmente eres Malcolm”: Frankie Muniz sobre su personaje más famoso

20 años después vuelve a ponerse en la piel de su icónico personaje y lo hace como padre de familia. Frankie Muniz asegura que no quiere que su hijo se dedique a la interpretación: “No es que haya tenido una experiencia negativa, porque, para ser sincero, mi experiencia fue totalmente positiva. Pero conozco a muchísima gente, amigos cercanos, que han tenido experiencias terriblemente negativas. Y creo que el mundo en general es feo. A mí nunca me afectó el rechazo, pero hay muchísimo rechazo en la industria”, afirmó en una entrevista en Australia.

El volverse a poner en la piel de su personaje más icónico le hace estar “muy contento” y sentirse “como en casa”, tanto que compartió una anécdota que sucedió cuando revisitó la serie con su mujer: “Entonces me di cuenta de que mi personaje no era tan buen tipo. Ella me miró y me dijo: ‘No actuabas nada. Literalmente eres Malcolm’. Y yo le dije: 'No sé cómo tomármelo porque Malcolm era un desastre'. ¡Era el peor personaje de esa serie!”, dijo en una entrevista en People.

La vuelta a ser Malcolm no ha apartado a Muniz de su carrera en el motor. En 2024 se reincorporó como piloto de NASCAR en 2024 y tuvo que compaginarlo con su rodaje para ‘Malcolm: de mal en peor’, lo que hizo que se diera un calendario atípico de un programa de domingo a jueves: “Era agotador, pero también sé lo genial que es tener la oportunidad de volver a hacerlo, así que no me iba a quejar en absoluto. Estoy muy agradecido a todo el equipo de producción por adaptarse a mi agenda”.

En un momento en el que la nostalgia sigue acaparando gran parte de la producción en cine, música o series, se da un nuevo capítulo con el regreso de la mítica ‘Malcom in the middle’, que en España se conoció como ‘Malcolm, el de en medio’ o ‘Malcolm’.

Será con la miniserie ‘Malcolm: de mal en peor’ que contará con cuatro episodios en total, y que se estrena este 10 de abril directamente en la plataforma Disney +, donde ya se encuentra la serie previa al completo, con más de 150 episodios.

En este ‘revival’ estarán de nuevo en sus papeles Bryan Cranston, Frankie Muniz, Jane Kaczmarek, Christopher Kennedy Masterson, Justin Berfield y Emy Coligado, que compartirán reparto con nuevas caras como es el caso de Keeley Karsten, y entre las que no estará la única gran ausencia del ‘cast’ original.

Se trata de Erik Per Sullivan, que daba vida a Dewey, el hermano pequeño de Malcolm, y que no volverá para ‘Malcolm: de mal en peor’, a pesar de que habría obtenido una oferta millonaria para volver al reparto. En su lugar, su papel será interpretado por otro actor, Caleb Ellsworth-Clark.

Los motivos detrás de la ausencia del actor Erik Per Sullivan para esta nueva entrega de ‘Malcolm’ las dio uno de los rostros más conocidos de esta sitcom, Jane Kaczmarek, que hace de su madre en la pantalla. En una entrevista con The Guardian, afirmó que el intérprete ha priorizado su formación universitaria:

“Está estudiando a Dickens y es un estudiante increíble. Le ofrecieron muchísimo dinero para volver, y simplemente dijo: ‘No, gracias’”, comentó. Se había revelado antes que Sullivan se había querido centrar en su doctorado en la Universidad de Harvard, y no le importó rechazar millones para volver a la serie que lo hizo famoso.

De qué va ‘Malcolm: de mal en peor’, el último producto de la nostalgia

De la celebración del 20 aniversario de ‘Hannah Montana’ no dejamos Disney + y llegamos a otro producto de la nostalgia cultural como es ‘Malcolm: de mal en peor’, en el que durante cuatro episodios volveremos a entrar dentro de la caótica vida de los Wilkerson.

En estos cuatro episodios la trama gira en torno al regreso de Malcolm al entorno familiar después de haberse mantenido alejado junto a la familia que había formado, con hija incluida, debido a que sus padres lo invitan a su 40 aniversario.

Linwood Boomer, creador original, es guionista y productor ejecutivo de un regreso que firma como director Ken Kwapis. Keeley Karsten es una de las nuevas caras, como hija de Malcolm, junto a Vaughan Murrae como la hermana menor de Malcom, Kelly, y Kiana Madeira como Tristan, la novia.

Lisa Kudrow es un rostro querido por millones de personas debido a su papel de Phoebe Buffay en la icónica serie ‘Friends’, lo que la ha hecho mundialmente conocida por diferentes generaciones. Recientemente se hizo viral por las reflexiones que hizo respecto a su carrera en Hollywood, en la que también admitió que hubo errores.

En el Club Random Podcast, conducido por Bill Maher, la actriz de ‘Friends’ relató la que considera su peor audición y el error más torpe que cometió cuando comenzaba en el mundo de la interpretación, los que ve como dos momentos que influyeron en su carrera profesional.

Los dos momentos más humillantes en la carrera de Lisa Kudrow

Así, Lisa Kudrow contó los dos momentos que para ella resultaron más determinantes a nivel negativo en su trayectoria, aunque también le valieron para su desarrollo. Uno de ellos fue el de la que considera su audición más incómoda, que tuvo lugar cuando postuló al elenco de la serie ‘The Larry Sanders Show’.

En el mencionado podcast, la actriz de Friends contó cómo le ofrecieron una prueba para interpretar el personaje que finalmente interpretaría Janeane Garofalo: “Me emocioné mucho cuando Gary Shandling, creador de la serie, me propuso leer juntos la escena, y yo solo atiné a decir: ‘Ah, ok. No lo leo sola, perfecto.’”

Después de esto, Kudrow contó como el ambiente resultó desconcertante y no logró generar complicidad, algo de lo que salió convencida: “Recuerdo a Gary asomándose por la puerta, con cara de susto, solo para decir: ‘Llamaremos. En serio, llamaremos.’ En ese momento entendí que de verdad no había logrado conectar”, confesó.

A la actriz de ‘Friends’ le impactó también el error que cometió cuando comenzaba en Hollywood, al emitir un juicio que no tocaba sobre un guion sin saber que estaba escrito por los que tenía delante de ella. “Cuando empecé, no sabía que los productores también eran los guionistas, así que en una lectura de guion dije ‘¿Quién escribió esto?’, sin considerar que quienes me escuchaban eran justamente los autores”, contó entre risas en el podcast.

Lisa Kudrow enfatizo que esto suele suceder “cuando eres joven y no entiendes los roles en la industria”, pero que su error la llevó a asumir la dificultad de identificar responsabilidades en una producción y la necesidad de tiempo para saber quién verdaderamente toma las decisiones en una sala. “A veces siento que puedes casi arruinar tu futuro por una frase fuera de lugar”, concluyó.

No le importa que la recuerden por Phoebe

Recientemente, la actriz también se hico viral debido a que en una entrevista en la CBS admitió no tener ningún problema en que la recuerden por el personaje de Phoebe Buffay en ‘Friends’, porque nunca sintió la necesidad de distanciarse de la serie.

“Friends me lo dio todo”, admitía. “Si todo lo que conoces de mí es eso, está bien”, a la vez que también reconoció estar sorprendida por como la serie conecta con nuevas generaciones, pero que entiende que puede funcionar como “una especie de refugio, una conexión emocional que ayuda a combatir la soledad”.

“Solo espero que la gente no se canse de mí”, empezó diciendo la actriz hace unos días en una entrevista de la promoción de El drama, una de las últimas películas que ha protagonizado junto a Robert Pattinson (Crepúsculo) y que se estrenará en España el próximo 29 de mayo. Zendaya tiene razones para estar preocupada. Solo en 2026, podremos verla en cinco nuevos proyectos.

La intérprete de Hollywood que debutó en la serie Shake It Up de Disney Channel confesó al medio que necesitará tomarse un descanso. “Agradezco mucho a cualquiera que apoye mis películas o mi carrera de cualquier manera. Se lo agradezco profundamente. Solo espero que no se cansen de mí este año porque, les digo una cosa, después de esto, voy a desaparecer por un tiempo. Voy a tener que esconderme un rato”. 

Además del largometraje junto a Pattinson, el primero que podremos ver de ella este año, Zendaya aparecerá en tres películas y una serie de televisión más a lo largo de 2026. 

Los cinco proyectos

En El drama, película dirigida por Kristoffer Borgli, seguimos a una pareja totalmente enamorada que está a punto de casarse pero que, después de que ciertos secretos salgan a la luz, ve cómo toda su felicidad empieza a tambalearse. A partir de ese momento, la espera de los protagonistas hacia el día de su boda se convierte en una auténtica pesadilla. 

Pero antes de poder ver este largometraje en España, llegará una serie. La tercera temporada de Euphoria se estrenará en España el 13 de abril de 2026, tras un descanso de cuatro años desde la segunda temporada. La producción de HBO regresa con Zendaya y el elenco original, entre ellos Jacob Elordi y Sydney Sweeney. La premisa de esta entrega es la siguiente: un grupo de amigos de la infancia lidian con la virtud de la fe, la posibilidad de redención y el problema del mal.

Luego tendremos que esperar hasta verano. La Odisea, la próxima película escrita, dirigida y producida por Christopher Nolan, también contará con Zendaya. El largometraje contará la historia de Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca, y su largo viaje de regreso a casa tras la guerra de Troya. En esta adaptación del poema de Homero, la actriz interpretará a la diosa Atenea.

Ese mismo mes será el momento de que Spider-Man: Brand New Day llegue a cines. La película, cuyo estreno está previsto para el 31 de julio, se ambienta tras Spider-Man: Sin camino a casa. Peter Parker (Tom Holland) intenta centrarse en la universidad y abandonar a Spider-Man hasta que una nueva amenaza pone en peligro a sus amigos, cuando decide que debe romper su promesa y volver a convertirse en superhéroe.

Por último, a finales de 2026, podremos ver Dune 3, la tercera entrega de la trilogía dirigida por Denis Villeneuve y basada en la novela homónima de Frank Herbert. En la película, que llegará a los cines el 18 de diciembre (coincidiendo con el estreno de Vengadores: Doomsday), Zendaya volverá a interpretar al personaje de Chani. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Rebecca Ferguson (Jessica), Florence Pugh (Irulan) y Javier Bardem (Stilgar) volverán a formar parte del reparto, al que se unen Robert Pattinson como el villano Scytale y Anya Taylor-Joy como Alia Atreides. 

“¿Tiene su dibujo alguna influencia clara?”, le preguntó el entrevistador a Akira Toriyama en Daizenshū 6 (1995), el sexto volumen de una serie de enciclopedias oficiales japonesas dedicadas a Dragon Ball. El mangaka y diseñador japonés, que entonces ya era un icono global, lo tuvo claro. “Creo que son Walt Disney y Osamu Tezuka”, respondió entonces. 

Toriyama ponía sobre la mesa los nombres de dos de los máximos pioneros de la animación moderna. Uno consiguió sorprender con personajes como Mickey Mouse y películas como Blancanieves y los siete enanitos (1937), toda una revolución en la época. El otro se llevó el título de “Dios del manga” y hoy sigue siendo reconocido como padre del manga moderno. 

Pero el creador de Dragon Ball fue más allá, y en esa entrevista de mediados de los años 90, también reveló cuál fue la película que más le marcó en su vida. Hablamos del largometraje que lo inspiró para ponerse a dibujar cuando solo era un niño y sin el que, quién sabe, nunca habría creado personajes tan emblemáticos como Goku, Vegeta, Bulma o Piccolo. 

“Cuando era niño había una escuela para aprender a dibujar, se llamaba Zugaya San. Dibujaba con muchos niños de por ahí, nos divertíamos. Un día gané un premio dibujando a los 101 Dálmatas. Eso me encantó y por eso estoy aquí ahora”, confesó. La película de Disney llegó a cines en 1961, pero no fue hasta 1984 cuando el primer capítulo del manga de Dragon Ball se publicó. Toriyama tuvo tiempo de crear su universo.

Otras influencias de ‘Bola de dragón’

Los dálmatas no fueron la única creación de Disney que el mangaka tuvo en cuenta a la hora de crear su historia. También tomó como referencia Bibidi Babidi Bu, uno de los clásicos que suena en Cenicienta (1959), tema que incluso se llevó la nominación a Mejor canción en los Oscar de la época.

Muchos fans de Bola de dragón reconocerán que el título de esta canción infantil corresponde a los nombres de tres personajes del universo creado por Toriyama: el malvado mago Bibidi, su hijo Babidi, y la poderosa creación de Bibidi, Bu. Una referencia directa al hada madrina que transforma una calabaza en el carruaje que lleva a Cenicienta al baile.

Si nos concentramos en la parte narrativa, la historia que el ilustrador japonés creó para Dragon Ball se inspiró directamente en Viaje al Oeste, novela clásica china que narra la peregrinación del monje Tang Sanzang hacia la India para recuperar textos sagrados budistas. Este viaje lo hace acompañado de tres discípulos inmortales: Sun Wukong (el Rey Mono), Zhu Bajie (el cerdo) y Bonzo Sha (el ogro).

Se cumple 20 años del estreno de la serie ‘Hannah Montana’ y esto se ha celebrado con un especial estrenado en Disney + que ha contado con la presencia de su protagonista, Miley Cyrus, y con el que los fans de la mítica ficción juvenil han podido revivir los momentos y canciones que dejó.

Un especial que ha dejado una ligera decepción en los fans por el hecho de que se han producido dos marcadas ausencias, las de Emily Osment y Mitchel Musso, los actores que interpretaban a los mejores amigos de Miley Stewart (Miley Cyrus). La primera explicó que no pudo participar por estar en pleno rodaje de la serie ‘Georgie & Mandie’, spin-off de ‘El joven Sheldon’, mientras el segundo ha tenido una limitada presencia después de ser arrestado para conducir bajo los efectos del alcohol hace años.

A pesar de ello, sí que han estado otros miembros del reparto como es el caso de Cody Linley, Moisés Arias, Shanica Knowles, Anna Perez, así como Billy Ray Cyrus, padre en la serie y en la vida real de Miley Cyrus, y también Jason Earles, quien interpretaba al hermano de la protagonista, Jackson.

Jason Earles mintió para ser el hermano de ‘Hannah Montana’

Precisamente este último ha sido uno de los grandes protagonistas en el especial de ‘Hannah Montana’ en su 20 aniversario por una confesión que hizo antes del estreno en el podcast relacionado con la serie, ‘Best of Both Our Worlds’, donde contó que mintió sobre su edad real para poder obtener el papel de Jackson Stewart.

Jason Earles fingió tener 18 años cuando realizó el casting para la serie porque quería conseguir ese papel, pero en realidad tenía diez más, 28 años, algo que le mantuvo nervioso por temor a ser descubierto: “Tenía muchísimo miedo de que me despidieran y reemplazaran porque tenía un gran secreto”, explicó en el podcast.

Este detalle, sin embargo, fue finalmente descubierto por uno de los ejecutivos de la serie durante la primera temporada, y este lo confrontó directamente. El actor confesó que efectivamente tenía 28 años, pero que a pesar de que finalmente se supo la verdad, mantuvo su papel en la ficción de Disney Channel.

Este no fue el único detalle sobre el que mintió Jason Earles, o que ocultó al menos a los productores, sino que tampoco contó nada de su vida personal, como su estado civil, porque pensaba que esto podía afectar a su trabajo en ‘Hannah Montana’. Tanto es así que cuando acudía una joven al set junto a él aseguraba que era tan solo una amiga, cuando era realmente su mujer, aunque al final también fue descubierto:

“Sí, esa chica con la que me ven besándome. Es mi esposa”, detalló. Tras el descubrimiento de ambos secretos, los ejecutivos bromeaban preguntando si tenía hijos, a lo que Earles respondió que no.

Una de las series de moda del momento es la producción estadounidense Los Bridgerton. Ambientada en la alta sociedad londinense de la Regencia británica (1813-1827) está basada en las novelas de Julia Quinn y es un ejemplo del concepto color conscious casting, la elección consciente de un elenco de actores y actrices donde la raza o la etnia es algo clave.

Las distintas temporadas de la serie entrelazan historias de una época en la que ‘casarse bien’ era lo importante para la alta sociedad, pero aquí se rompen moldes introduciendo el elemento de la diversidad racial, incluso en la realeza británica.

Este tipo de práctica surgió en el ámbito teatral en Estados Unidos, según explica la profesora de guion audiovisual de la Universidad de Alcalá (UAH), Julia Sabina Gutiérrez. El musical Hamilton (2016), creado por Lin-Manuel Miranda, revolucionó el casting de Broadway al implementar una política de casting consciente del color donde actores afroamericanos, latinos y asiáticos interpretan a los padres fundadores de Estados Unidos, que eran blancos.

No fue algo al azar sino una estrategia consciente para reflejar la diversidad del país norteamericano y para que la historia tuviera un tono más inclusivo y actual.

“Todos hemos visto en España como en la representación del rey Baltasar ha sido habitual pintar la cara de negro a una persona blanca, lo que se conoce como blackface. Si lo llevamos a Hollywood, durante mucho tiempo no solo no había diversidad, sino que cuando la había la interpretaba un blanco”, comenta esta doctora en Ciencias de la Comunicación y Estudios Cinematográficos.

Hay muchos ejemplos en la historia del cine. Solo por citar algunos, podemos ver a Katharine Hepburn en Dragon Seed (1944) interpretando a una aldeana china o a Scarlett Johansson en Ghost in the Shell (2017), en la piel de un personaje de manga japonés.

El debate, más o menos público, siempre ha estado sobre la mesa, pero emergió con fuerza entre 2015 y 2016 en EEUU. “Era un problema en un país tan diverso. Recuerdo el hashtag en redes sociales durante la celebración de una edición de los Oscar para denunciar que todos los premiados eran blancos, ese #OscarSoWhite”, comenta la profesora, quien subraya que “el cine no deja de ser una representación de la sociedad” o que “siempre ha habido esa tensión entre la realidad social y lo que se proyectaba en las pantallas”.

En el contexto de ese debate ya había surgido antes, en los años sesenta del siglo XX, el término color blind casting, la idea de obviar el color de piel. “Al principio fue bonito”, comenta Julia Sabina Gutiérrez. También estuvo asociado al teatro. “Ahí siempre ha habido una especie de contrato con el espectador y más capacidad para hacer creíbles las cosas increíbles: imaginemos la obra La tragedia del rey Lear, de Shakespeare, donde una cacerola en la cabeza simula una corona real o una máscara para cambiar la apariencia. Eso en el cine no es posible”.

Sin embargo, cuando la idea saltó a la televisión y al cine para buscar al mejor o a la mejor para un papel, sin tener en cuenta su color de piel, no funcionó. “Lo que parecía muy bueno derivó en que se estaban proyectando personajes que tampoco eran reales”, explica. Surgió entonces el llamado post-racismo, que defiende la idea de que la raza no es un factor determinante para una narrativa o producción cinematográfica y que tampoco resultó ser muy real.

El color conscious casting fue una evolución crítica del color blind casting. “La apuesta es por la diversidad, pero sin que sea algo forzado”. Para la profesora, el caso de Los Bridgerton es “muy interesante” y en ello la productora, Shonda Rhimes, ha jugado un importante papel. “Una mujer negra a la que gustan las series de época en las que nunca se ha sentido representada. Ha creado un mundo en el que nunca existieron diferencias raciales. Es una distopía”.

Pese a que algunos críticos subrayan que se aborda de manera superficial la cuestión racial, evitando hablar de las barreras sociales reales, lo cierto es que este tipo de series proyectan una mirada más inclusiva sobre los dramas de época. Pero es un debate complejo. La cuestión, por ejemplo, es si hay que respetar la precisión histórica o apostar por la diversidad y la inclusión.

La “ingeniería del casting” o normalizar la diversidad

Para Julia Sabina Gutiérrez es muy sugestiva “la provocación que se pone en bandeja al espectador”, con una serie “agradable en la que también se juega con lo sexual”. Y sobre todo destaca el hecho de que se haya utilizado para este tipo de serie de época lo que define como “ingeniería de casting” porque, abunda, “normalmente el casting es lo último: te dan un guion, hay una historia y a partir de ahí se elige el elenco. Lo habitual es tender a seleccionar a personas blancas y guapas”.

Para introducir elementos como la diversidad el proceso debe ser otro. Era algo que ya explicaba la conocida guionista y autora estadounidense Linda Seger (1945-2026). Sus libros son objeto de estudio en las facultades de Comunicación Audiovisual, como la que la Universidad de Alcalá tiene en Guadalajara. “Son cosas que explico a mis alumnos. En este 2026 celebramos el Año Azcona y él, por ejemplo, escribía sus guiones ya pensando en qué actor iba a interpretar el papel”.

Hablar en clase a los futuros creadores sobre la representatividad y la identidad en los guiones audiovisuales es algo habitual. Una parte más de la asignatura. La profesora cree que se deben seguir “dando pasos” para normalizar la diversidad en el ámbito cinematográfico.

 “El cine tiene gran responsabilidad, sobre todo cuando hablamos de productos de consumo masivo. Quién interpreta qué, es importante. El sector también debe reajustarse al ritmo que lo hace la sociedad”.

Desde su estreno el pasado 12 de febrero, la primera entrega de American Love Story se ha convertido en la serie del momento, sobre todo en su conversación en redes sociales. La ficción retrata de forma íntima el romance entre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr, que finalizó trágicamente con el fallecimiento de ambos en un accidente aéreo en 1999.

El desenlace previsto se da en el capítulo final que llega este viernes 27 de marzo en la plataforma Disney +, donde es la serie más vista a nivel global, según datos de FlixPatrol, y que también se evidencia con la tendencia de conversación sobre Carolyn Bessette y John F. Kennedy Jr en TikTok, Instagram o X.

Precisamente, el éxito de la serie no solo ha revivido la fascinación por los personajes reales que retrata, sino también por los actores que dan vida a los protagonistas como es el caso de Paul Anthony Kelly, que se ha convertido en uno de los hombres del momento tras meterse en la piel de JFK Jr, por lo que ha pasado de ser un desconocido a uno de los actores de moda.

Quién es Paul Anthony Kelly, el nuevo actor de moda

Paul Anthony Kelly nació en el pequeño pueblo Port McNicoll, en Ontario, Canadá, en octubre de 1988, “un lugar en medio de la nada” para el actor, que, si bien tuvo claro que su pasión era la actuación, comenzó como modelo. Trabajó con marcas internacionales y viajó por todo el mundo, pero se mantuvo en su idea de dedicarse a la interpretación, por lo que estudió en Stella Adler Studio.

Desde entonces, Kelly compaginó su carrera como modelo junto con la de actor, que arrancó en producciones teatrales. Así, se centró y encontró sus primeros pasos en el teatro independiente, lo que le valió para perfeccionar su técnica y adquirir experiencia para buscar su oportunidad en la televisión o en el cine.

Tuvieron que pasar, sin embargo, diez años para que encontrara el papel que lo ha convertido en estrella. El actor se preparó el personaje a conciencia, estudiando biografías, entrevistas y grabaciones de John F. Kennedy Jr, pero el casting fue un proceso largo por el que tuvo que imponerse a más de cien aspirantes. Su apariencia acabaría siendo clave para hacerse con él.

A los productores les costó encontrar a su JFK Jr: “Ya no hacemos ese tipo de chicos”

Y es que mientras Paul Anthony Kelly buscaba su lugar, los productores de American Love Story comenzaban a estar desesperados por no encontrar a su JFK Jr perfecto, un hecho que ha confirmado recientemente en una entrevista el productor ejecutivo Brad Simpson:

“Estábamos a tres semanas de empezar a rodar y todavía no lo habíamos elegido. Habíamos visto a todos los actores masculinos de entre 25 y 38 años. En parte, se trataba simplemente de esa masculinidad de los 80, de la vieja escuela: un hombre con pelo en el pecho, al estilo de Richard Gere o Tom Selleck, con ese aspecto clásico y musculoso. Por alguna razón, ya no hacemos hombres así, y él realmente necesitaba tener eso”, afirmó al respecto.

Finalmente encontraron a Kelly, que no solo se parecía físicamente a John F. Kennedy Jr, sino que además tenía ese corte clásico que buscaban desde la producción y que en parte se ha convertido en tendencia en redes sociales, con un cierto regreso a la moda de los 90.

Para muchos niños nacidos entre los 80, 90 e incluso principios de los 2000, ‘Dragon Ball’ ha supuesto más que una serie de anime, sino todo un fenómeno cultural que marcó su infancia e identidad, y que en España llegó de la mano de las cadenas televisivas autonómicas, donde primero se vio esta ficción que sigue a Goku y los guerreros Z.

Así, muchos niños han crecido con ‘Bola de Dragón’ o ‘Bola de Drac’ dependiendo de donde la vieron, ya fuera en la televisión andaluza, gallega, catalana o valenciana. Sin embargo, todo esto pasará a ser historia porque la productora de la serie, Toei Animation, ya no permite las traducciones del título del anime.

Es un hecho que ha desvelado el doblador de Goku en catalán, Marc Zanni en una entrevista en el podcast VozCast. “Se hizo una presentación por todo lo alto en el teatro Victoria, en Barcelona, y en rétulos ponía; 'Dragon Ball', y yo me quedé un poco alucinado, porque si es para TV3, ¿por qué no se podía poner 'Bola de Drac'?”, comentó.

Un hecho que se debe a que Toei Animation ha prohibido explícitamente la traducción del título no solo en España, sino en todo el mundo con el objetivo de unificar la franquicia desde Japón para que todos los aficionados se refieran a la ficción de la misma manera.

Los openings traducidos tampoco se pueden traducir

Una decisión que no solo afecta al título de ‘Dragon Ball’, sino que también lo hace a los openings, que ya no tendrán canciones dobladas, aunque este hecho todavía no se aplica en Estados Unidos, donde todavía se realizan episodios con la versión de los créditos de entrada en inglés. Lo que sí que todavía está permitido es el doblaje, que seguirá pudiendo entretener a niños y adultos de todo el mundo.

A pesar de todo esto, los títulos de ‘Bola de Drac’ o ‘Bola de Dragón’ se pueden ver todavía en algunos productos de merchandising, pero ya no se hará referencia a ella en el anime. Este tiene planes de futuro con un remake de ‘Dragon Ball Super’ y la llegada al streaming de ‘Dragon Ball Super: The Galatic Patrol’, este último sin fecha de estreno, pero con el primero esperandose en otoño de 2026 en la televisión japonesa.

Una serie icónica de la televisión autonómica en España

Canal Sur fue la primera cadena televisiva que decidió apostar por la serie anime emitiéndose por primera vez en 1989, aunque no tuvo el éxito esperado y tras 18 capítulos fue retirada. Sin embargo, con la llegada a las televisiones de Galicia (TVG), Euskadi (EiTB) y Catalunya (TV3) en febrero de 1990 se convirtió en un fenómeno cultural.

Un año después, en 1991, Canal Sur recuperó la serie y se estrenó también en Canal 9. En la cadena televisiva valenciana fue todo un fenómeno social con audiencias del 50 % de share dentro del club ‘A la Babalà’, pero fue la única que no cedió los audios de su doblaje a las ediciones de VHS y DVD.

Una de las series británicas más vistas y queridas de los últimos años está de vuelta, aunque de forma especial. El pasado 20 de marzo se estrenó la película ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, en un formato diferente con el que se hizo conocida, y que en esta ocasión ha sido producida por Netflix y no por BBC, encargada de las seis temporadas anteriores.

La película de ‘Peaky Blinders’ llega cuatro años después del último episodio de la sexta temporada como ese complemento final para la historia de la familia Shelby protagonizada por Cillian Murphy en el papel de Thomas Shelby, que ha incorporado también otros actores de la talla de Rebecca Ferguson o Barry Keoghan.

Sin embargo, esto también quiere decir que hay ausencias de personajes icónicos de la serie como es el caso de Arthur Shelby, el mayor de los hermanos, que interpretado por el actor Paul Anderson no está en ‘Peaky Blinders: el hombre inmortal’, algo que no pilla del todo por sorpresa tanto por la trama de la ficción como por la situación personal del interprete.

Y es que a finales de 2024 se publicaron fotos preocupantes sobre el estado desmejorado del actor en las calles de Londres después de salir de la cárcel por una condena de consumo y posesión de drogas, una adicción sobre la que estaría actualmente luchando, como ha reconocido en los medios de comunicación donde ha roto el silencio sobre su participación en la película de la serie en la que fue uno de los personajes principales.

Recordemos que Arthur Shelby tiene un final ambiguo en la sexta temporada de ‘Peaky Blinders’, donde envía una carta de despedida a su hermano Tommy al no acudir a la cena, y asegura que prefiere ir a “un lugar que su hermano visitará más temprano que tarde”, lo que llevó a insinuar que se podría haber suicidado, aunque podría no ser así.

“Las cosas son como son. Yo no soy el que toma las decisiones sobre mi personaje”, aseguró en una reciente entrevista Paul Anderson sobre su participación en ‘Peaky Blinders’. A su vez que define la película recién estrenada como “magnífica”, pero que no le acaba de convencer: “Hicimos una gran serie y me parece que no suficientes temporadas. Deberíamos haber rodado al menos un par más, para ser sincero, no entiendo por qué hacen una película”, explicó.

El final de ‘Peaky Blinders’ que pudo ser

En sus declaraciones, el actor va más allá y también ha desvelado el final alternativo de ‘Peaky Blinders’ que tenía en mente su creador, Steven Knight. Este había imaginado un cierre circular con Tommy, Arthur y John Shelby en el que escuchaban las campanas que anunciaban la Segunda Guerra Mundial mientras sus hijos partían hacia el conflicto, lo que aportaba una potente imagen de un relevo generacional ‘maldito’ y que conectaba el trauma con otra nueva tragedia.

Sin embargo, este final se cayó cuando el actor que daba vida a John Shelby, Joe Cole, se marchó del proyecto y con ello se dio muerte a su personaje en la cuarta temporada, lo que alteró también la trama de los Shelby en la ficción. Ahí fue también donde se comenzó a plantear la película como continuación de la historia después de desbaratarse el plan inicial.

Aun así, Netflix y Knight han anunciado que ‘Peaky Blinders’ no acaba en ‘El Hombre inmortal’, sino que habrá dos series de trama consecutiva, cada ella de seis episodios que tratará sobre la reconstrucción de Birmingham durante la posguerra y la búsqueda de los Shelby de hacerse con el control de la ciudad.

La segunda temporada del live-action de One Piece se estrenó en Netflix el pasado 10 de marzo de 2026, con 8 nuevos episodios que vuelven a seguir a Luffy y sus amigos, esta vez durante su entrada a la Grand Line. El estreno de la nueva entrega ha vuelto a poner a Iñaki Godoy, el actor que interpreta a Luffy en esta versión del popular anime japonés, en el punto de mira.

El actor mexicano conquistó a la audiencia con su interpretación en una primera temporada que también fue todo un éxito para la plataforma de streaming. En su primer fin de semana, la serie alcanzó el número uno en 84 países, superando los récords de debut previamente establecidos por Stranger Things y Miércoles, con 140 millones de horas vistas por 18,5 millones de espectadores.

Dar vida a Monkey D. Luffy no era una tarea fácil. Hablamos de uno de los personajes más peculiares del anime japonés, que se ha caracterizado siempre por su personalidad enérgica pero también aleatoria. “A veces hay momentos donde no entiendo por qué reacciona de cierta forma o por qué hace o dice las cosas que hace”, confesó el actor en una entrevista reciente para Fotogramas. 

Pero Godoy consiguió estar a la altura y hoy muchos siguen al actor de 22 años que, antes de ponerse en la piel del capitán fundador de los Piratas de Sombrero de Paja, ya había hecho otros trabajos en la industria del cine y la televisión. Hoy recordamos uno de sus interpretaciones, que se alejó bastante de la comicidad y epicidad que caracterizan One Piece. 

Una película de miedo

Hace unos años, Iñaki protagonizó No abras la puerta (2022), un thriller de terror dirigido por el cineasta mexicano Humberto Hinojosa Ozcariz. La película sigue la historia de Fausto y Esther, dos personas que sufrieron una infancia atormentada. Mientras él intenta escapar de su padre, ella sufre maltrato por parte de su cuñado.

Cuando Fausto y su madre Rosario deciden mudarse a otra ciudad para comenzar una nueva vida y escapar de su pasado, empiezan los sucesos sobrenaturales. Una serie de apariciones, misteriosas muertes y una fuerza oscura empiezan a perseguirlos, transformando la vida que tenían hasta ese momento. 

El tono del filme, disponible en el catálogo de Vix (suscripción que forma parte de Atresplayer), permite ver a Godoy en un registro completamente diferente al que ofrece en la serie de One Piece. El actor también ha participado en otros proyectos, como la serie ¿Quién mató a Sara? (2021) o The Imperfects (2022), ambas disponibles en Netflix.

España está de moda en las películas y series internacionales. Ocurrió con Juego de tronos hace años, pero es una tendencia que está más en auge que nunca. Producciones como la reciente tercera temporada de The Walking Dead: Daryl Dixon o la nueva película de Los Juegos del Hambre, que se estrenará en noviembre de este año, confirman que nuestro país sigue funcionando como escenario de rodaje.  

El último ejemplo lo encontramos en El joven Sherlock, una de las últimas series que ha lanzado Prime Video. La producción dirigida por Guy Ritchie, disponible en la plataforma desde el pasado 4 de marzo, se ambienta en 1871 y sigue a un joven Sherlock Holmes antes de convertirse en el prestigioso detective. 

Ambientada tanto en la Inglaterra victoriana como en el extranjero, la serie muestra las primeras aventuras de este adolescente que se ve arrastrado a una investigación por asesinato que pone en peligro su libertad. Hero Fiennes Tiffin, popular por su papel en la saga de películas After, se encarga de dar vida al joven Holmes. 

Las localizaciones de la serie

Aunque la historia nos traslada a la Inglaterra victoriana, a París en medio de la revolución e incluso a la antigua Constantinopla, una parte de la serie fue grabada en España. Concretamente, en las ciudades andaluzas de Cádiz y Sevilla, tal como se han hecho eco los diarios locales de ambas localidades.

A lo largo de los capítulos, se utilizan distintos escenarios históricos para recrear ambientes de época. Por ejemplo, La Casa de Pilatos de Sevilla aparece cuando los personajes están en Constantinopla. Con su patio principal y su arquitectura mudéjar tan característica, esta se convierte en un mercado en pleno Imperio Otomano.

Durante su estancia en la capital andaluza, también grabaron en el Rectorado de la Universidad, antigua Real Fábrica de Tabacos de la ciudad. Este lugar aparece en el séptimo episodio, cuando los protagonistas están en París, convertido en un hospital parisino de la época. 

El equipo también se desplazó a Cádiz, donde aparecen principalmente la plaza de Argüelles y el barrio de San Carlos para recrear la Comuna de París. En la provincia gaditana, también viajaron a Jerez de la Frontera, donde utilizaron espacios tan emblemáticos como el Alcázar, el Cabildo Viejo, la plaza de la Yerba y la Real Escuela Andaluza del Arte Ecuestre.

Allison Mack se hizo conocida gracias a su papel como Chloe Sullivan en Smallville, la serie de televisión estadounidense sobre los orígenes de Superman que se emitió durante una década a partir de 2001. Sin embargo, su nombre volvió a aparecer en los medios años después, no por su carrera artística, sino por su implicación en una organización sectaria.

Mack fue arrestada en 2018 acusada de participar en una red de tráfico sexual vinculada a NXIVM, secta liderada por Keith Raniere. Dentro del grupo, la actriz desempeñó un papel activo en el reclutamiento de mujeres para la estructura conocida como “DOS” (Dominus Obsequious Sororium), donde las mujeres sufrían manipulación, coerción y abuso sexual.

La actriz se declaró culpable en 2019 tras reconocer su papel en la estructura criminal y, en 2021, fue condenada a tres años de prisión. Su cooperación en el caso fue decisiva para las condenas contra Raniere, fundador de la organización, y otros integrantes del núcleo de poder de NXIVM. Tras cumplir parte de su sentencia, Mack quedó en libertad en 2023.

“Fui agresiva y contundente de una manera que resultó dolorosa para las personas, les hice sentir que no tenían otra opción y fui increíblemente abusiva con ellas, traumática para ellas. Todas esas acusaciones son ciertas al cien por ciento”, llegó a decir la actriz en el podcast Allison After NXIVM, en el que rompió su silencio.

La historia de NXIVM

NXIVM fue una organización fundada en Estados Unidos en 1998 que se presentaba al mundo como un grupo de desarrollo personal y empresarial. Sin embargo, detrás de los talleres de crecimiento personal y liderazgo se escondía una red abusiva que llevaba a cabo prácticas ilegales y coercitivas que incluían desde manipulación psicológica hasta explotación sexual.

Hace unos años, los documentalistas Jehane Noujaim y Karim Amer se interesaron por esta historia y decidieron explorar en profundidad el funcionamiento de NXIVM para comprender cómo operaban sus líderes y qué impacto tuvo la secta en las personas que estuvieron involucradas. El resultado lo podemos ver en la serie documental The Vow (El juramento).

Los seis episodios que se estrenaron en HBO en 2020 combinan entrevistas con exmiembros y material de archivo sobre la organización, y también desarrollan la implicación que tuvo Allison Mack en las actividades coercitivas y de control que la actriz realizó durante el tiempo que formó parte de NXIVM. 

Comenzó tocando el órgano. Luego empezó a experimentar con la guitarra. Con el tiempo, montó su propia banda de rock. Y pronto descubrió que lo que más le gustaba de la música era la parte instrumental. Entonces se mudó a Estados Unidos para estudiar en el Berklee College of Music de Boston. 

Películas como Los siete magníficos o Star Wars fueron su despertar, aquellas que le demostraron el papel que puede tener la música en la gran pantalla. Había encontrado lo que quería hacer en la vida. Así empieza la historia de Ramin Djawadi, compositor germano-iraní, creador de algunas de las bandas sonoras más populares de los últimos tiempos. 

Algunos ya lo ponen a la altura de John Williams, compositor de películas como Harry Potter y Parque Jurásico, o Hans Zimmer, autor de la música que suena en Interstellar y Piratas del Caribe; el cual, además, fue su mentor. Hoy vuelve a hablarse de Djawadi, hijo de madre alemana y padre iraní, después de que un clip se haya viralizado en redes sociales. 

En el vídeo, escuchamos la canción principal de Juego de Tronos en una versión arreglada por Reza Sajjadi e interpretada por un grupo de mujeres con el daf iraní, un instrumento fundamental en la música persa y tradicional. El clip, que en unos días ha alcanzado un millón de visualizaciones en X (antes Twitter), vuelve a destacar el trabajo de Djawadi. 

Las composiciones de Ramin Djawadi

La carrera de Ramin Djawadi no puede entenderse sin Remote Control Productions, la empresa de bandas sonoras liderada por Hans Zimmer en la que el compositor entró en 1999 para trabajar como asistente y compositor técnico. “Fue un gran mentor y le debo mucho. Me enseñó cómo funcionan las cosas durante la producción de grandes películas y cómo abordar las reuniones con directores”, destacó en una entrevista para DW. 

Su primer gran trabajo fue en Iron Man (2008), cuya banda sonora le valió una nominación al Grammy. Sin embargo, casi todo el mundo le conoce por las composiciones que ideó para Juego de Tronos, la producción de HBO en la que trabajó a lo largo de sus ocho temporadas. Djawadi también creó la música de La casa del dragón, precuela que se ambienta 200 años antes de los acontecimientos que conocimos en la serie original. 

“¿Te inspiraste musicalmente en tus raíces iraníes?”, preguntó el medio antes mencionado al compositor. “Absolutamente. Y creo que eso fue algo que los productores de la serie encontraron interesante. Querían un sonido global. El hecho de que estemos en este mundo de fantasía con personajes como Daenerys Targaryen y el pueblo Dothraki con sus rasgos étnicos nos permitió abrir la puerta a instrumentos como el taiko y el duduk”, compartió Djawadi.

Convertida en una de las series policíacas más populares de la televisión estadounidense, The Rookie también ha logrado conquistar al público internacional. La ficción se estrenó en 2018 en la cadena ABC y, desde entonces, ha ido ampliando su audiencia más allá de Estados Unidos. En España, puede verse a través de plataformas como Netflix, Disney Plus o Movistar Plus+.

Este drama policíaco, creado por Alexi Hawley, sigue la historia de John Nolan (interpretado por Nathan Fillion), un hombre de 45 años que decide cambiar su vida por completo. Después de ayudar a la policía durante un robo, el personaje se da cuenta de que eso de perseguir delincuentes y resolver crímenes es algo que le apasiona realmente.

Y en este contexto, Nolan decide dejar atrás Pensilvania para mudarse a Los Ángeles con el objetivo de entrar en la academia de policía, una de las únicas del país que admite a reclutas mayores de 37 años. Allí, se gradúa como el novato de mayor edad del cuerpo de policía y empieza su nueva vida. Lo que muchos no saben es que la premisa de la serie está basada en una historia real: la historia de William Norcross.

Dejar el negocio para cumplir un sueño

Norcross tenía 44 años a finales de 2015 cuando decidió dejar el negocio familiar en el que trabajaba en Doylestown, Pensilvania, para cumplir el sueño de toda su vida: unirse al cuerpo de policía. La decisión no fue fácil para él, teniendo en cuenta la edad que tenía para aquel momento. 

“Trabajaba en un negocio familiar y, cuando estaba en la universidad, mi madre falleció. Era una parte importante del negocio familiar y, cuando falleció, el negocio quedó en un gran vacío. Volví a casa para ayudar, y de repente, ya habían pasado 20 años”, recordó en una entrevista para el New York Post en 2019. 

Para Norcross, el Departamento de Policía de Los Ángeles era una de sus únicas opciones, ya que no tiene límite de edad, siempre y cuando cumplas con los requisitos. Allí no conocía a nadie excepto a algunos amigos de la universidad, entre los que se encontraba Jon Steinberg, quien acabó siendo productor ejecutivo de The Rookie.

Solían almorzar juntos aproximadamente una vez al mes, momento en el que Norcross contaba sus experiencias como policía recién graduado. “Historias divertidas, historias que te llegaban al corazón... Jon es un gran narrador y empezó a destilarlas y a seleccionarlas”, contó al medio estadounidense. Este fue el origen de una serie que en 2026 acaba de lanzar su octava temporada. 

Hay muchas personas que seguro tienen una serie en mente que les transporta a las mañanas de verano, en las que las cadenas de televisión centraban su atención en los más pequeños y jóvenes de las casas, y para la generación que creció a principios de los 2000, “H20” es una de esas ficciones con las que desayunaban o pasaban las horas de después del desayuno.

Y es que “H20”, una serie que seguía la vida de tres jóvenes que por una casualidad se convierten en sirenas cuando tocan el agua, traspasó fronteras con su éxito de su Australia natal a ser un fenómeno global de más 250 millones de espectadores, y siendo doblada en 120 idiomas.

España fue uno de esos países donde la serie alcanzó el éxito, con espectadores que seguían los pasos de Emma, Rikki y Cleo, interpretadas por las actrices Carina Heine, Claire Holt y Phoebe Tonkin. Debutó en la cadena Network Ten de Australia en 2006, de cuyo estreno se cumplen 20 años, y fue creada por Jonathan M. Shiff.

La isla de Mako es ficticia

La historia principal de “H20”, que en su versión original portaba el subtítulo de “Just add water” (solo añade agua), se desarrolla en parte en la isla de Mako, un lugar ficticio que se inspira en otras de la Costa Dorada de Australia, donde fue rodada la serie, siendo el Sea World de Queensland otra de sus localizaciones.

En la isla de Mako, un lugar mágico, es donde las jóvenes, movidas por la curiosidad de un antiguo volcán activo, caen de forma accidental en una cueva que guarda un estanque oculto, del que al bañarse en luna llena toman los poderes de convertirse en sirenas al tocar el agua. Solo bastan diez segundos para que se transformen, lo que hace que deban pasar por situaciones rocambolescas para no ser descubiertas, ya que solo confían su secreto a su amigo Lewis.

El éxito alargó la serie y se crearon dos spin-off

En un principio, los creadores de “H20” preveían solo dos temporadas de 52 episodios, pero debido a todo el fenómeno que se generó, se llevó a cabo una tercera que se estrenó con dos y tres años de diferencia respecto a las anteriores. Todo ello a pesar de que una de sus protagonistas, Claire Holt, que interpretaba a Emma, dejó la serie.

Aunque fue una producción australiana, la televisión pública alemana ZDF estaba detrás como coproductora y facilitó su distribución a nivel mundial. Tan solo un año y medio después del final, se anunció un spin-off que se llamó “Las sirenas de Mako” con tres protagonistas diferentes, y que llegó a tener 26 capítulos. Existe también una adaptación en dibujos animados llevada a cabo por la plataforma Netflix, que se tituló “H20: Mermaid Adventures”.

La canción de inicio cambió de cantante tres veces

Otra de las curiosidades de “H20” es sobre su canción de intro, compuesta para la serie de sirenas y que se llamó “No Ordinary Girl”. El tema fue interpretado por hasta tres artistas, una por temporada, comenzando con Ellie Henderson, seguida de Kate Alexa en la segunda e Indiana Evans en la tercera. La que se distribuyó en un CD fue la interpretada en la temporada 2, por Kate Alexa.

El 3 de marzo de 1986 llegó al mundo Master of Puppets, el tercer álbum de Metallica que terminó de consolidar a la banda como un referente del thrash metal. La canción que da título al álbum, la segunda dentro del disco, se convirtió en una obra central del repertorio de la banda: hoy sigue siendo una de las canciones que más han tocado en sus conciertos.

El tema se convirtió en un clásico, pero no fue hasta 2022 cuando este se volvió viral incluso entre aquellos que no son fanáticos del género. Todo fue gracias a la cuarta temporada de Stranger Things, cuyos creadores decidieron incorporar Master of Puppets como banda sonora de una de las escenas más míticas de toda la serie. 

Hablamos del momento del último episodio de la temporada en el que el personaje de Eddie Munson, interpretado por el actor británico Joseph Quinn, decide sacrificarse para salvar al grupo formado por Dustin, Mike, Lucas y compañía. El líder del Hellfire Club interpreta la canción de Metallica para atraer a los murciélagos del Upside Down y que así sus amigos puedan ejecutar el plan previsto.

En el momento en que se emitió el capítulo, la canción consiguió el segundo puesto en iTunes de Estados Unidos, solo por detrás de Running up that hill, sencillo de Kate Bush lanzado en 1985 que la misma serie de los hermanos Duffer también había conseguido popularizar gracias a otro momento de un episodio anterior; en este caso, protagonizado por el personaje de Max, interpretado por la actriz Sadie Sink. 

Otras canciones que trajeron de vuelta los Duffer

No son las únicas canciones de la vieja escuela que Matt y Ross Duffer han conseguido que los jóvenes de ahora escuchen por primera vez. Desde su primera temporada, Stranger Things, que presenta una historia ambientada en la década de 1980, convirtió su banda sonora en un especie de puente intergeneracional. 

La serie no solo ha recreado la estética y el vestuario que marcaron aquellos años, sino que también ha utilizado la música de entonces como un elemento distintivo de su trama. Clásicos como Should I Stay or Should I Go de The Clash, Never Ending Story de Limahl, Every Breath You Take de The Police, Material Girl de Madonna o Africa de TOTO son solo algunos de los ejemplos más recordados por los fans que han sonado en la ficción.

En la última temporada, los hermanos Duffer decidieron incorporar Purple Rain, el clásico de Prince. “Nunca habíamos hablado tanto sobre la elección de una canción como lo hicimos en ese momento. Fue emocionante porque no se había usado. Los herederos de Prince no suelen permitir que esa canción se licencie”, explicó Ross a Netflix.

En 2022, Jennette McCurdy sorprendió a todos, especialmente a aquellos niños y jóvenes que crecieron viéndola como protagonista de iCarly, la popular serie de Nickelodeon que estuvo en emisión entre 2007 y 2012. La actriz, que encarnó al personaje de Sam Puckett, publicó entonces su novela autobiográfica cuyo título ya era una declaración de intenciones.

Me alegro de que mi madre haya muerto es el nombre del debut editorial de McCurdy, en el que la actriz contó sin ningún tipo de filtro cómo fue su infancia, su carrera como actriz infantil y la relación problemática que entabló con su madre, incluyendo experiencias en primera persona de control emocional, abusos físicos, trastornos alimentarios severos y alcohol.

El libro, en el que McCurdy optó por utilizar el humor negro y sarcástico para relatar el infierno que vivió en su casa y como estrella infantil de Nickelodeon, se volvió rápidamente viral en redes sociales al momento y llegó a encabezar durante varias semanas el ranking de los más vendidos de no ficción en The New York Times. 

Su madre, Debra, la educó en casa junto a sus tres hermanos mayores y proyectó en ella sus aspiraciones frustradas de convertirse en actriz. Con solo 6 años, Jennette ya estaba frente a una cámara. Se duchó con ella hasta que cumplió 16 años, le afeitaba las piernas y le practicaba exámenes vaginales y mamarios con frecuencia. 

“Quería algo que fuera audaz y también algo que se sintiera sincero. Nunca usaría un título llamativo si no fuera auténtico”, aseguró a la prensa durante la promoción del libro. 

La historia de McCurdy volverá a televisión

Pero el relato de McCurdy no va a quedarse en las páginas de un libro. El verano pasado, Apple Tv+ confirmó que adaptará a televisión la novela autobiográfica de la actriz con una serie de diez episodios. Ya sabemos también que Jennifer Aniston será la actriz encargada de ponerse en la piel de Debra, la madre controladora y manipuladora. 

La adaptación televisiva mostrará “la relación codependiente entre una actriz de 18 años en un exitoso programa infantil y su madre narcisista que se deleita con su identidad de ser la madre de una estrella”, según compartió la cadena de streaming en el comunicado en el que dio a conocer la noticia. 

Además de protagonista, Aniston también ejercerá como productora ejecutiva a través de su compañía Echo Films, marcando una nueva colaboración con Apple tras protagonizar y producir la serie The Morning Show. Por su parte, Jennette estará directamente involucrada como guionista, showrunner y productora ejecutiva junto a Ari Katcher.