Britney Spears, como princesa del pop, ha dejado varios momentos icónicos a lo largo de su carrera musical, y en parte por sus actuaciones, que regalaban una performance que iba más allá de las propias canciones. Uno de los más recordados por el impacto que generó cumple 25 años y en ella la cantante tuvo como compañera una serpiente.

Hablamos de la icónica actuación de Britney Spears en los Video Music Awards de 2001, tan solo cinco días antes de que sucediera el ataque a las torres gemelas en Nueva York, y que para la cantante tuvo momentos muy complicados.

Britney Spears recuerda una de sus “actuaciones favoritas”

En septiembre de 2001, Britney Spears dejó con la boca abierta a compañeros de la industria, espectadores y fans al salir al escenario de los VMA para interpretar su sencillo ‘I’m Slave 4 U’ con una serpiente pitón albina, una imagen que con el tiempo ha quedado como una de las más icónicas del pop de principios de los 2000.

A pesar de que la artista aseguró que es una de sus actuaciones preferidas, también llegó a recordar en su biografía ‘The Woman in Me’ en 2023 que tiene sentimientos encontrados por el peligro que supuso: “Una de mis actuaciones favoritas fue con una pitón albina... Todavía recuerdo lo asustada que me sentí cuando me entregaron esta serpiente y subí al escenario”, escribió.

Al mismo tiempo, en sus redes sociales también recordó este hecho, y la cantante se preguntó por el destino de la serpiente, a la que el público pronto llamó Banana porque ese se creía su nombre real: - “¿Por qué lo hice? Es tan tonto. A veces me pregunto lo que habrá sido de la serpiente. ¿Alguien sabe dónde está?”, aseguró Britney.

“Yo sostuve una serpiente en los VMAs una vez, pero decidí seguir adelante 20 años más tarde y convertirme en la puta serpiente yo misma. Y como los TRUCOS SON PARA LOS NIÑOS, mierdecillas tramposas... quién sabe de qué color seré la serpiente mañana. CUÍDENSE AMIGOS, y cuidado con las serpientes”, declaró en su perfil en Instagram hace un par de años.

La suerte que corrió la serpiente

De la serpiente pitón blanca que portó Britney Spears, se sabe que en 2016, hace diez años, seguía viva, como confirmó su entrenador, Mike Hano a Variety, aunque ahí fue donde desmontó lo de Banana. Esta pesaba entre 9 y 12 kilos cuando la cogió la cantante, pero al poco tiempo llegó a los 45 kilos y longitud de 4 metros.

El caso es que el peligro que temía Spears resultó estar fundamentado, pero al mismo tiempo, el poder terminar todo bien. “Después de un par de pequeños pasos en falso porque estas personas en la televisión ... a veces simplemente no quieren escuchar, entonces se dan cuenta de que es mejor escuchar al tipo con la serpiente. Al final conseguí quedarme a solas con ella unos minutos para que lo entendiera. En un momento dado, me dijo: ‘No me va a morder, ¿verdad? Y mi respuesta es siempre, y mi agente me odia por esto, ‘Probablemente no’”.

Ambient oscuro, dub experimental, folclore del Cuarto Mundo, gqom, drone psicodélico, techno antipop. Siempre dentro del territorio de la electrónica de vanguardia, el pluralismo estilístico del WOS Festival, en Santiago de Compostela, resulta notable. La edición que se celebra entre el 11 y el 13 de septiembre en nueve escenarios repartidos por la capital gallega lo vuelve a demostrar con propuestas palestinas, ugandesas, kenianas o alemanas en un encuentro que sus promotores denominan “de creación contemporánea” y cuya repercusión ha transcendido fronteras y alcanzado las páginas de la prensa musical internacional más exigente. Esta es una breve selección de los artistas convocados este fin de semana.

La palestina Israa Shalaby, integrante de The Hallways -que se definen como “música drone árabe y experimental”-, usa voz, sintetizadores, percusión e instrumentos tradicionales para articular, asegura la organización, un lugar entre las músicas árabes, el ambient y la experimentación psicodélica. Su última grabación se encuentra en el disco colectivo Letters to the sun, editado por el sello jordano Dreaming Live. Su actuación será el día 12, al igual que la de uno de los platos fuertes del WOS, HHV & The Kampala Unit.

Este proyecto, cuyos discos publica el fundamental sello ugandés Nyege Nyege Tapes, haca colisionar electrónica orientada al baile con ritmos folk del sur del continente africano y la “trompeta feroz” de Florence Lugemwa. Las ideas afrofuturistas alimentan un trabajo que, hasta ahora, ha aparecido en dos magníficos elepés: Lithium Blast (2020) y Turbo Meltdown (2025). También de África -Nairobi, capital de Kenia- llega Frederick M Njau, Slikback, que improvisa sobre su álbum Attrition (2025) y funde, señalan desde el WOS, gqom -un ritmo electrónico originario de Sudáfrica-, dubstep y hardcore techno. Actuará el día 11.

Space Afrika, un dúo con base en Berlín y Manchester, exploran las diferentes tonalidades del ambient, con no pocos ecos trip hop. “Hecho de hormigón, luces de socio y voces superpuestas”, dice la organización. Ellos definen su inminente nuevo disco, Quiet Storm, como “un desafío” a sus “nociones de identidad, clase y diáspora e como las representan los distintos géneros musicales”. “Es música desde el corazón, que posee una particular crudeza, pero que articulamos en una estructura clásico moderna”, añaden. Su concierto será el día 12.

También desde Gran Bretaña produce su música otro dúo, Demdike Stare, activos desde 2009 y en las vertientes más rugosas de la escena: noise, dub tenebroso, ambient oscuro, concomitancias industriales. “Inmersión total, sonido que te rodea”, advierte el WOS de cara a su actuación del día 12. En esa misma jornada, Shackleton mostrará su deconstrucción del dubstep a base de “percusión ritual y atmósferas que bebe de tradiciones árabes, africanas e indias”. Sus discos aparecen con frecuencia entre los más destacado de la electrónica avanzada. El último, de este año, se llama Euphoria Bound.

Cine: el underground neoyorquino y la danza butoh

Además de la música, habrá cine. La sala Numax acogerá la proyección de Nova 78 (Rodrigo Areais), un filme que documenta la Nova Convention, un encuentro en Nueva York de homenaje al mítico escritor William S. Borroughs, vinculado a los Beat, y en el que aparecen Patti Smith, Allen Ginsberg, Laurie Anderson o Frank Zappa. Será el sábado 12 y acompañará el pase el propio director de la película. Al día siguiente, Invisible People (Alisa Berger) trata sobre la danza japonesa butoh, ideada hacia 1950 por Kazuo Ono y Tatsumi Hijikata como reflexión artística sobre un país devastado por las bombas atómicas.

Más allá de Numax, el Teatro Principal, la sede de Afundación, el CGAC, la Igrexa da Universidade, la Fundación Granell, la Sala Capitol, el parque de Bonaval y la Fundación Laboral da Construcción serán los otros escenarios del WOS Festival de Santiago de Compostela.

El Ayuntamiento de Teruel ha presentado una nueva edición de Jazz Teruel, un festival ya consolidado en la programación cultural de la ciudad que vuelve a situar la plaza de la Marquesa como escenario de referencia para disfrutar de la música en directo. La cita mantiene su apuesta por un jazz cercano, abierto y accesible para todos los públicos, con una programación que incorpora diferentes estilos y sonoridades.

El concejal de Cultura, Carlos Méndez, ha presentado esta nueva edición y ha destacado la evolución del festival en los últimos años. Según ha explicado, Jazz Teruel busca conservar la esencia del género, pero también sorprender al público con propuestas diferentes y con artistas que permitan acercar esta música a personas que no son habituales del jazz.

Méndez ha señalado que el festival se ha abierto a estilos como el swing, el soul, el blues, el rockabilly o el jazz contemporáneo, una fórmula que permite que cada edición aporte nuevas experiencias. En esta ocasión, la programación incorpora también una propuesta vinculada al universo del circo con El Gran Ra y su espectáculo, El Violín Infinito.

Precisamente, la programación comenzará el jueves 10 de septiembre, a las 22.30 horas, con El Gran Ra, El Violín Infinito, un espectáculo del violinista y compositor Raúl Márquez que combina música, creación y circo. La propuesta incluye composiciones originales inspiradas en personajes y ambientes circenses y cuenta con la participación del pianista David Sancho y el batería Fran Gayo.

Raúl Márquez, además, mantiene un vínculo especial con la provincia de Teruel, ya que desciende de Utrillas. Su trayectoria incluye colaboraciones con artistas y compañías como Sara Baras, Manuel Liñán, Antonio Canales, Joaquín Cortés, Jorge Pardo, El Cigala o Pasión Vega, entre otros.

El viernes 11 de septiembre llegará el turno de Dómisol Sisters, una formación valenciana nacida en 2011 que centra su repertorio en la música estadounidense de las décadas de los años 20, 30 y 40, con especial protagonismo para el swing. Su propuesta destaca por la vitalidad y el carácter visual de sus conciertos y permitirá al público viajar hasta la época dorada de este estilo musical.

Grauitos

El sábado 12 de septiembre, también a las 22.30 horas, Sara Zamora presentará Butterfly, una propuesta de jazz contemporáneo que combina soul, funk y jazz pop. La vocalista y compositora murciana cuenta con una sólida trayectoria y ha actuado en festivales y escenarios de referencia del panorama jazzístico nacional. Además, ofrecerá un repertorio que incluye composiciones propias.

El programa se cerrará el domingo 13 de septiembre con Laura Blossom y The Jazz Experience, un concierto íntimo y elegante con voz y piano que propone un recorrido por algunas de las grandes canciones de la historia del jazz. La actuación contará con Laura Blossom y el pianista zaragozano Noel Redolar y recorrerá diferentes épocas y sonoridades, desde clásicos del Great American Songbook hasta la bossa nova y el bolero.

Esta última actuación se enmarca además en las actividades con motivo del 150 aniversario de Fundación Ibercaja, entidad a la que Carlos Méndez ha agradecido especialmente su colaboración con el festival.

La plaza de la Marquesa volverá a ser uno de los elementos fundamentales de Jazz Teruel. El concejal de Cultura ha destacado que este espacio se ha convertido en parte de la identidad del festival y ha considerado que se trata de un escenario “especial” y “único” para acoger las actuaciones. El Ayuntamiento prevé instalar entre 300 y 400 sillas para facilitar al público el seguimiento de los conciertos.

Méndez también ha elogiado la colaboración del Hotel Plaza La Marquesa, que facilita espacios para los artistas durante el festival y permite que la programación mantenga su vinculación con este entorno del centro histórico. En esta edición no se incorporará el habitual pasacalles de algunas jornadas, ya que las formaciones contratadas son de “escenario”, ha precisado el concejal.

Todos los espectáculos de Jazz Teruel son gratuitos. Con esta nueva edición, Teruel volverá a convertir la Plaza de la Marquesa en un punto de encuentro con la música y la cultura, con una programación que apuesta por la diversidad de estilos y por un festival próximo a todos los públicos.

¿Está Oasis anunciando las fechas de su próxima gira a través de vídeos crípticos en redes sociales? Sus fans están convencidos de que sí, y uno de los lugares que visitarán los hermanos Gallagher apunta a ser Barcelona. En la última publicación del grupo se puede observar a un hombre tocando la guitarra en una sala que cuenta con el cartel del pintor catalán Joan Miró, lo que muchos de sus seguidores han interpretado como una pista obvia de que la ciudad está en los planes de un nuevo tour.

Previamente, la banda compartió un vídeo en el que dos chicos esperaban en una tienda de patatas fritas mientras sonaba en un televisor su canción Little By Little (2002). Los más observadores se percataron de que los números de los folletos colocados por todo el local sumaban la longitud y la latitud del estadio Celtic Park en Glasgow. Desde entonces, los fans especularon que la pista podría significar que el recinto, con capacidad para 60.000 espectadores, es la primera parada de la gira.

Los hermanos Gallagher publicaron después otro vídeo que mostraba a dos niños jugando al fútbol contra una pared de ladrillos. Uno de ellos escribía en la pared el número de goles (11), mientras que el otro jugueteaba con el balón. Al final, el niño con el balón marcaba otro gol, lo que llevó a los seguidores del grupo a pensar en una confirmación de 12 noches en el estadio Etihad de Manchester. De hecho, una pequeña luna azul al fondo reforzaba esta teoría, dado que el himno del Manchester City es Blue Moon de The Marcels.

Además de Barcelona, Glasgow y Manchester, otro de los lugares que visitará el dúo musical atendiendo a esta estrategia de marketing es Múnich. En otro vídeo de Oasis, se podía ver a una mujer liando un cigarrillo al volante de un coche con volante a la izquierda aparcado en un campo, mientras sus amigas jugaban fuera. Los fans del grupo se fijaron en los colores rojo y blanco de las camisetas e inmediatamente pensaron en el club de fútbol Bayern de Múnich. Asimismo, la voz que hablaba por la radio del coche era alemana.

El grupo viene de arrasar en el Festival de Venecia con la proyección de su documental Don't look back in anger, en el que cuenta su vuelta al ruedo después de años de separación. El filme llega a las salas el próximo 11 de septiembre trasladando el mensaje de dejar atrás el rencor. Los hermanos muestran en la película que han superado sus diferencias y hacen de esa reflexión una metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado. El documental es un regalo para todo aquel que se ha enamorado de la música de Oasis.

Oasis terminó en noviembre del año pasado su gira de reencuentro tras pasar por América, Asia, Australia y Reino Unido. A su país dedicaron casi 1 de cada 3 fechas. No obstante, parece que su próximo tour por Europa está más cerca que la publicación de nuevas canciones. Así lo hizo constar Liam Gallagher cuando un fan le preguntó al respecto en X: “No, es que no estoy preparado para las críticas si no vende 100 millones de copias en la primera hora, si no cura el mal aliento y el estreñimiento de todo el país, si no hace retroceder el tiempo a Cher y otras tonterías por el estilo… Vamos a dar unos conciertos y a ser felices, gracias”.

Las grabaciones de Oasis, a subasta

Este lunes se ha conocido la preocupación de Oasis respecto a la inminente subasta de un archivo inédito de sus grabaciones, que comprenden 63 conciertos en directo, así como pruebas de sonido y más de 100 horas de ensayos de los hermanos Gallagher en la década de 1990. El ingeniero de sonido Huw Richards, quien trabajó con Oasis desde el lanzamiento de su álbum debut de 1994, Definitely Maybe, hasta 2001, recopiló todo este material, que saldrá a subasta el próximo mes.

La casa de subastas Littleton Auctions ha calificado la venta como una “oportunidad única tanto para fans como para coleccionistas” y ha confirmado que la banda no la apoya. El director general, Ben Homer, ha declarado que “el entorno de Oasis está al tanto de la subasta y ha expresado su preocupación”. “Es totalmente comprensible dada la magnitud y la importancia del material”, ha expresado Homer.

“Estamos gestionando todo con total transparencia y siguiendo los procedimientos legales correspondientes”, ha hecho constar Ben Homer en un comunicado enviado a la prensa. “Nuestro objetivo es simplemente presentar estos artículos de forma responsable, con procedencia verificada, y permitir que coleccionistas e instituciones se conecten con una parte importante de la historia de la música británica”, ha añadido.

Entre las muchas formas de defender Ceuta algunos se han puesto innovadores y han elegido plantarse en la Plaza Mayor de Palencia envueltos en la bandera española para tratar de impedir que tres artistas españolas canten en gallego. Y otro grupito de patriotas eligió reventar a gritos una actuación de danza en Manzanares, intentar apagar la mesa de sonido y hasta lanzar una silla al escenario. Seguro que hay ceutís agradeciéndolo muchísimo. Tampoco debería sorprendernos demasiado porque estamos rodeados últimamente de personas que aman tanto España que no dejan de esforzarse por hacerla más pequeña, tan reducida como sus propias convicciones.

Los dos episodios ocurrieron en el mismo lapso temporal coincidente con las manifestaciones en apoyo a Ceuta. En Palencia, el objetivo fue Tanxugueiras. En Manzanares, el bailarín Juan Berlanga, ganador del Premio Max a Mejor Intérprete Masculino de Danza. El artista estaba representando Juancaballo, precisamente la obra por la que recibió el galardón. Era el espectáculo inaugural de CallejeArtes, un ciclo de danza en la calle de Manzanares, y llevaba semanas anunciado para el 2 de septiembre a las ocho de la tarde en la plaza de la Constitución. A esa misma hora y en ese mismo lugar se convocó una protesta por Ceuta. Según relató después el propio bailarín en un post en sus redes sociales, durante la función hubo insultos, se desenchufaron los altavoces, se intentó apagar la mesa de sonido y hasta una silla salió volando y terminó dentro del espacio escénico. Las fuerzas de seguridad tuvieron que intervenir.

Algo parecido había sucedido en Palencia con Tanxugueiras, plato fuerte del final de las fiestas de San Antolín. Su concierto tuvo que retrasarse cerca de cuarenta minutos porque un grupo bastante numeroso de manifestantes procedentes de una concentración en apoyo a Ceuta se plantó en la plaza agitando banderas españolas, gritando “fuera” o “Pedro Sánchez dimisión” e impidiendo que las artistas comenzasen su actuación.

Aida Tarrío, Olaia Maneiro y Sabela Maneiro han convertido el gallego, las panderetas y la cultura popular gallega en música capaz de atravesar fronteras. Su éxito es la prueba viviente de justo lo contrario de lo que decían defender los que intentaron impedirlo: se puede cantar y tocar en gallego en Palencia, el público puede corearlo, bailarlo y disfrutarlo, y a nadie se le cae por eso ni un gramo de españolidad porque esta no es tan frágil como la muestran quienes dicen protegerla.

Las artistas gallegas publicaron un vídeo en el que pedían respeto por la cultura y calificaban lo que vivieron en Palencia como un “momento muy desagradable”. El Ballet Nacional de España tuvo que hacer lo mismo, sacar un comunicado condenando lo ocurrido con Berlanga y reivindicando unas artes escénicas “libres y democráticas”.

Qué extrañísima esa defensa de la nación que pasa por boicotear actos culturales españoles, ¿verdad? Aunque lo que buscan estos sujetos, en el fondo, no es ni nuevo ni original. Quieren reducir España hasta que solo quepan dentro los que hablan, cantan, bailan, piensan o protesten exactamente como ellos quieren protestar, hablar, cantar y bailar; y encima tienen el cuajo de llamarlo amor a la patria.

Tanxugueiras vivieron este miércoles un intento de boicot de su concierto en Palencia. El trío gallego era el plato fuerte del fin de las fiestas de San Antolín pero la actuación se vio empañada por los restos de la manifestación que se celebró en la ciudad en apoyo a Ceuta, en el marco de las protestas celebradas por toda España convocadas por el PP y apoyadas por Vox. Un grupo de ultras ataviados con banderas rojigualdas y con gritos de “Pedro Sánchez dimisión” y “alcaldesa dimisión” obligaron a retrasar el concierto casi 40 minutos.

Tres días después, Aida Tarrío junto con Olaia y Sabela Maneiro se han pronunciado por primera vez sobre lo sucedido a través de un vídeo que compartieron este sábado en sus redes sociales para dar las gracias al público de Palencia por hacer que “ese mal momento quedase en segundo plano” a pesar de que “hay mucha gente con mucho odio dentro”. “Estamos bien, estamos tranquilas. Fue un momento muy desagradable”, aseguraron Tanxugueiras que desde su paso por el Benidorm Fest han defendido y reivindicado la presencia de las lenguas cooficiales, como el gallego, en la música.

“Hay que darle importancia a lo que pasó. Tenemos que reflexionar, tenemos que darle una vuelta a la cabeza, ya que tanto la violencia verbal como física no lleva a ninguna parte y es muy peligrosa”, reconoce Olaia Maneiro. “Estos debates son necesarios, pero busquemos el respeto y el afecto más que el odio y los insultos”, añade Sabela Maneiro.

“El mundo se está poniendo bastante oscuro”, expone Aída Tarrío que apunta que desde la posición que tiene el trío gallego solo quieren trasladar el mensaje de que van a “seguir llevando nuestra lengua y nuestra cultura por todo el mundo con todo el orgullo que sentimos por ella”. “La cultura, el respeto y la educación deben prevalecer por encima de todo si queremos ser una civilización civilizada”, apunta la artista.

Tanxugueiras aprovecharon este vídeo para solidarizarse con todos aquellos artistas que han sufrido situaciones similares y para mandar un mensaje tranquilizador a sus fans: “Mientras brille la luna, seguiremos cantando”.

El 28 de agosto de 2009, los asistentes al concierto de Oasis en París fueron avisados por megafonía de que, tras una discusión entre Noel y Liam Gallagher, el evento se cancelaba. Era la enésima bronca entre los hermanos, la gente estaba acostumbrada a sus idas y venidas, pero aquella vez, parecía la definitiva. Desde entonces, nunca se habían juntado de nuevo. No había ningún síntoma de acercamiento entre ellos, pero en 2023 los rumores empezaron a sonar.

Días antes de la final de la Champions League que enfrentaba al Manchester City —el equipo de los Gallagher— contra el Inter de Milán, Liam dejó un tuit en el que decía lo siguiente: “Si el Manchester City gana la Champions League, voy a llamar a mi hermano y reunir a la maldita banda”. El City ganó la Champions, y nadie sabe si fue ese triple lanzado al aire el que hizo que levantara el teléfono o no, pero un año después, y 15 años tras aquella cancelación, Oasis anunció que se juntaba de nuevo para una gira histórica.

Las bambalinas de aquel tour, que ahora se rumorea con que seguirá el año que viene con más citas en Reino Unido y, supuestamente, en Madrid y Barcelona, también se rodaron para un documental que se ha presentado en el festival de Venecia, donde además los Gallagher, aunque no han atendido a la prensa, sí han posado en el photocall y la alfombra roja. Oasis: Don’t look back in anger es el título del filme, que además llega a las salas el próximo 11 de septiembre para contentar a los fans.

La propuesta del creador y productor Steven Knight —responsable de series como Peaky Blinders y guionista del próximo James Bond— responde al título del filme, que no es más que el de una de las canciones más míticas del grupo. Don’t look back in anger, o 'No mires atrás con ira', es el mensaje que traslada el filme. Los hermanos han superado sus diferencias, y al final ese mensaje se eleva como metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado.

Si Liam y Noel han podido reconciliarse todos podemos, parece decir un filme que sigue a los hermanos desde los ensayos del tour, cuando Noel todavía duda de que eso vaya a llegar a buen puerto. 15 años sin hablarse son muchos, y Noel sigue siendo Noel, un terremoto volcánico tan carismático como impredecible. Para esos ensayos se usaron 12 cámaras que se escondieron para ver cómo se desarrollaban esos momentos. Los primeros compases son tensos. No se tocan. No se miran.

Todo cambia cuando llega la gira, cuando ven a la gente rendida a sus canciones y a sus himnos. Ahí empieza esa reconciliación. Es Noel quien lleva la voz cantante del documental, quien muestra su sorpresa cuando en el primer concierto, tras no haberse casi dirigido la palabra, su hermano le agarró de la mano y la levantó delante de todos como si fuera el ganador de un combate de boxeo. Confiesa que durante cuarenta minutos no dio pie con bola, pero que, sin embargo, Liam se comió el escenario. Le vio salir con sus maracas, colocarse su mítica pandereta como si fuera el halo de un santo y cantar como si el tiempo no hubiera pasado. Es cierto. Escuchar la voz de Liam es una máquina del tiempo a los mejores momentos de Oasis.

Ahí radica uno de los elementos más bellos del filme, el reconocimiento de ambos al talento del otro. Sí, las canciones las escribía Noel Gallaguer. Sin él no habría Wonderwall ni Don’t look back in anger, y hasta Liam lo reconoce en el documental. Pero sin la personalidad a contracorriente, revolucionaria y provocadora de Liam no se hubieran convertido en aquella banda que golpeó el panorama musical en los 90, a la que compararon por éxito con los Beatles, y que además pusieron el foco en la clase obrera de la que habían salido.

No se olvidan de esa clase obrera, la mencionan varias veces en el filme. A los que no se pueden permitir pagar una entrada en Mánchester y les escuchan desde una colina les dedican una canción, y dejan claro que no saben lo que son, pero sí lo que no son. “No somos de derechas”, dice Noel Gallagher en la entrevista conjunta con la que el documental entra en su último y conmovedor tercio, en el que cuentan que sus hijos apenas se conocían y que ahora salen de fiesta juntos y son amigos porque ellos también se han reencontrado. “Esta gira ha cambiado la narrativa sobre nosotros”. Una narrativa que se centraba en el caos, y que ahora vuelve a la gloria.

Esa reconciliación se va forjando concierto a concierto, donde los directores Dylan Southern y Will Lovelace colocaron 18 cámaras entre bambalinas y público para captar cada gesto, cada detalle. Para dominarlas, cuatro directores de fotografía diferentes que captaran la luz de lugares como Cardiff, Mánchester, Londres, Buenos Aires o São Paulo.

Una polémica superada

Aunque los Gallagher no estuvieron en la rueda de prensa, Steven Knight y los directores explicaron las decisiones creativas y narrativas en torno al filme, como por ejemplo el porqué no se centra en lo que ocurrió en aquella noche del 28 de agosto de 2009. “No miramos a lo que pasó. Algunos lo saben, otros no… pero esta película es sobre lo que pasa ahora. Y la intención es, en esta época de redes sociales y anonimato, hablar de personas que se reconcilian y se perdonan. Es una película sobre el ahora y el futuro”, dijo Knight que además dejó claro que lo que salió al grabarles “es mejor que cualquier ficción posible”. “Además, nadie puede interpretar a Liam Gallagher… excepto Liam Gallagher”, añadió jocoso Dylan Southern.

Para Dylan Southern y Will Lovelace era fundamental desaparecer durante los ensayos. Por eso escondieron esas 12 cámaras. Ahí vieron los primeros compases y dinámicas de ambos hermanos tras tantos años separados. Y apenas hubo relación. Sin embargo, “al ver cómo reaccionaba la gente a sus canciones en el tour, eso les afectó a ellos”. Al final, captaron “cómo se reconcilian en el escenario delante de todo el mundo”.

Una reconciliación que se materializa en esa entrevista conjunta donde hablan de nostalgia, de cómo han cambiado el relato sobre Oasis, sobre los años 90, las fiestas de entonces y las de ahora, sus ansiedades y miedos, y de que ahora se mandan vídeos por WhatsApp y hablan más de la vida y del mundo que cuando estaban en la cresta de la fama. Todo eso entre las 179 veces que entre ambos dicen la palabra ‘cunt’ [coño, en inglés, aunque vulgarmente se utiliza como “imbécil” o “cabrón”], una cifra dada por los directores entre risas y tras la que dan su opinión sobre si hay reunión de los Gallagher para rato o se enfadarán de nuevo: “No parece que vaya a ocurrir, se llevan muy bien”.

20 millones de dólares. Es el montante total que Olivia Rodrigo ha conseguido recaudar con Daisy Chain Fields, el festival de música benéfico que se celebró a finales de agosto en California y contó con 45.000 asistentes pese al calor. El dinero recaudado se destinará a diez organizaciones benéficas diferentes, todas ellas centradas en los derechos de las mujeres y la infancia.

El Daisy ha sido el primer gran proyecto de Rodrigo más allá de su estricta carrera musical, que empezó en 2021 con el lanzamiento de Drivers License y continúa en marcha ahora, con la promoción del que ha sido su tercer álbum de estudio, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love (2026).

Para su festival, la artista invitó a compañeras de profesión como Chappell Roan, Doechii, Bikini Kill, Garbage, The Breeders, Mitski o Not for Radio. La propia Rodrigo subió al escenario para interpretar varias canciones de su discografía, además de cantar con las históricas Alanis Morissette y Stevie Nicks. La única condición para formar parte del cartel era ser mujer y no cobrar por actuar.

Pero la idea de este evento a gran escala no nació de cero del equipo de Olivia pues, años antes de que ella naciera, otra artista ya había tenido una idea parecida. Hablamos de Sarah McLachlan, compositora canadiense que a finales de los años 90 decidió montar un festival que terminó marcando a toda una generación.

La historia de Lilith Fair

La idea surgió después de que McLachlan se diera cuenta de que, en la industria musical, la desigualdad entre sus compañeras y compañeros de profesión seguía siendo un problema. Ellos copaban los carteles de los grandes festivales de música y, muchas de ellas, quedaban relegadas a un segundo plano, con menos oportunidades de actuar en los escenarios principales y una presencia minoritaria en grandes eventos.

Así fue como se le ocurrió crear Lilith Fair, un festival con un cartel íntegramente femenino que terminó convirtiéndose en una gira alrededor de distintas ciudades de Estados Unidos, llegando a recaudar más de 16 millones de dólares en su primera edición, celebrada en 1997. Por el evento pasaron artistas como Sheryl Crow, Jewel, The Indigo Girls, Lisa Loeb o Fiona Apple, entre muchas otras.

Olivia Rodrigo nació en 2003 y no pudo vivir en primera persona el icónico festival que reunió a algunas de las mujeres más populares del momento, pero cuando la invitaron a participar en un documental sobre la historia del evento se le encendió la bombilla. ¿Y si pudiera existir algo así en pleno 2026? Artista y equipo se pusieron entonces manos a la obra.

A lo largo de su carrera, la cantante de 23 años ha utilizado su enorme influencia en los más jóvenes para alzar la voz, implicándose políticamente. A través de sus redes sociales, ha criticado la administración de Donald Trump, la guerra en Gaza y defendido los derechos reproductivos de las mujeres. Daisy Chain Fields ha sido su último proyecto en esta línea.

Poc abans d’eixir a l’escenari del recinte de Festes de Picassent, La Fúmiga sopa entrepans en taules de càmping. No hi ha encara llums, ni decibels ni una multitud botant a l’uníson. Entre bastidors hi ha família, amics i aquella normalitat estranya que envolta un grup que ha decidit acomiadar-se quan podria continuar omplint concerts. Uns minuts després, alguns ballaran des d’un lateral mentre milers de persones canten davant. Potser l’última gira de La Fúmiga va precisament d’això: de tornar al principi quan ja es veu el final.

La formació ha convertit així el seu final en una gira a la inversa. En lloc de convocar tothom en un únic punt per a dir adeu, ha decidit tornar als llocs que la van veure créixer. “No volíem acabar en un espai únic i que tothom vinguera, sinó al contrari: visitar tots els llocs que ens han vist créixer”, explica Martínez

Artur Martínez, un d’aquells col·legues d’Alzira que van començar a fer música junts, parla abans del concert amb la serenitat de qui fa mesos que assaja un adeu que, paradoxalment, cada vegada sembla més llarg. No sap ben bé si el de Picassent o Elda és el penúltim, l’antepenúltim o simplement un altre dels abraços abans de l’últim. Tampoc importa massa. “Crec que hui ens acomiadem del nostre públic més fidel”, comenta.

Havíem de vindre a les places, als recintes de festes, on la cultura popular brolla i naix, perquè nosaltres venim d’ací

Perquè, abans dels grans escenaris, La Fúmiga va ser plaça, carrer, banda i festa de poble. “Havíem de vindre on la cultura popular brolla i naix, perquè nosaltres venim d’ací. Necessitem això”, reivindica el vocalista.

Mentrestant, sonen els clàssics. Mediterrània, Havia de passar, Tot està per fer o La penúltima permeten ara lectures que segurament no tenien quan van ser escrites. Si durant anys La Fúmiga ha cantat que encara quedava tot per fer, ara intenta convéncer el seu públic que també hi ha una manera digna d’acabar. I si alguna cosa havia de passar, era probablement comprovar com aquells amics que van començar fent música junts poden arribar al final continuant sent, en essència, els mateixos.

Això és, almenys, el que Martínez voldria conservar quan arribe de veritat l’última abraçada. “Sentir que res ha canviat des de la part més interna i més personal del grup. Saber que som els mateixos”, respon.

Una bandera feta de drets humans

Però seria massa fàcil llegir La Fúmiga únicament des de la festa i l’emoció. El grup se’n va en un moment en què les paraules pàtria, nació, identitat i frontera han tornat a ocupar bona part de la conversa política. I Artur Martínez no defuig el debat. “El món està molt pitjor que fa uns anys i crec que, amb el pas del temps, empitjora una miqueta més”, afirma. Al seu parer, s’està produint una tornada cap a discussions que semblaven superades: “Tornem a lluitar per drets que pensàvem que estaven completament aconseguits i, sobretot, a la recerca de l’enemic invisible per tal d’aconseguir que el poder torne al poder”.

Davant d’això, diu preferir la cosa pròxima. El poble. La plaça. La gent que gaudeix d’un concert. “M’agrada pensar que als concerts compartim aquests espais amb gent que vol construir un altre futur”. És un optimisme que ell mateix qualifica de relatiu. No oculta que les imatges que ofereix el món actual li semblen “lamentables” ni que el futur que albira és “bastant depriment”.

La bandera de La Fúmiga sempre seran els drets humans

I quan toca triar bandera, Martínez no necessita cap combinació de colors. “La bandera de La Fúmiga sempre seran els drets humans”. La frase resumeix probablement millor que qualsevol proclama una posició que el grup ha anat construint durant aquests anys. “No ens han agradat mai les lluites de banderes perquè ens semblen lluites absolutament artificials”, sosté. I va més enllà: “El que no pot ser és que per defensar un tros de tela siguem capaços de perdre tota mena de principis i no tindre gens d’empatia ni sensibilitat amb la gent que més ho necessita”. I sentencia, clar i ras: “Si això és la bandera d’un país, la meua no és”.

No deixa de resultar significatiu que una banda tan identificada amb el valencià, amb la cultura popular i amb una determinada manera d’entendre el territori arribe al final fugint precisament del patriotisme de tela. La seua idea de pertinença sembla estar més prop d’aquell recinte de festes ple, de la família ballant darrere de l’escenari o de milers de persones cantant una mateixa cançó que de qualsevol frontera dibuixada en un mapa.

Cantar en valencià i les crítiques des de dins

La llengua, inevitablement, també ha sigut frontera per a La Fúmiga. Però Artur Martínez assegura que els insults pel fet de cantar en valencià fa temps que van deixar de preocupar-los. “La crítica de la gent que insulta un grup per cantar en valencià ens importa ben poc”.

Més complexa és la crítica que ha arribat des d’espais ideològicament més pròxims. Tampoc diu que faça mal, però sí que la considera reveladora d’una esquerra que sovint consumeix energies en disputes internes. “En lloc d’anar tots en el mateix camí, tenint molt clar on està l’obscuritat, sempre hi ha gent que necessita el seu protagonisme”.

El que hem fet nosaltres molt bé és no donar mai protagonisme a tuiters barats i a penya així

La recepta de La Fúmiga ha sigut bastant menys sofisticada que qualsevol guerra cultural: no contestar. “El que hem fet nosaltres molt bé és no donar mai protagonisme a tuiters barats i a penya així”, diu Martínez. Davant els atacs de les xarxes, contraposa una realitat molt més física: “Nosaltres estem aclaparats per l’estima i aquesta gent continua a casa amb les seues xarxes i ja està. Crec que els donem massa importància moltes vegades”.

I després, tornar a la consulta

Potser la part més desconcertant de l’adeu és que Artur Martínez no té preparat el capítol següent. La Fúmiga ha planificat el final amb precisió, però no allò que vindrà en acabant. “No tinc cap mena de pla de vida. El meu pla de vida acabava l’octubre de 2026”. Ho diu somrient, però no sembla una frase preparada. Després d’anys d’agendes, concerts, viatges i escenaris, el buit també forma part del projecte. Martínez imagina continuar vinculat d’alguna manera a la música, però “des de l’absoluta ombra”, ajudant altres projectes o treballant en la producció de directes. Sense pretensions. “Tornar a pencar com sempre, a la meua consulta, als meus pacients i a la meua podologia. No ho entenc, però n’hi ha algun que encara em troba a faltar”, bromeja.

La Fúmiga interpreta els seus clàssics, però aquesta vegada els títols pesen d’una altra manera. Tot està per fer ja no parla només del que vindrà; també del que quedarà quan ells no hi siguen. La penúltima s’ha convertit quasi en una broma recurrent perquè cada adeu en precedeix un altre. I aquell grup d’amics nascut de la cultura de banda continua demorant tant com pot una última abraçada que Artur Martínez assegura haver somiat moltes vegades. Perquè, com dirien ells mateixos, “encara que el món caiga, cantarem”.

Cáceres volverá a transformarse en septiembre en un punto de encuentro para los amantes de la música y la cultura irlandesas. El Cáceres Irish Fleadh, único festival de estas características en España y referencia dentro del circuito europeo de música tradicional, celebrará su edición de 2026 del 17 al 20 de septiembre, ampliando su duración y reforzando su vocación internacional. La ciudad se prepara para recibir a músicos y músicas, bailarinas y visitantes que encuentran en este encuentro un modo de vivir la tradición irlandesa desde un territorio que ha sabido hacerla propia sin perder su identidad.

La tarde del 4 de septiembre dejó una imagen que resume dos décadas de trabajo cultural sostenido: la música irlandesa sonando en un salón diplomático madrileño mientras Extremadura reafirmaba su lugar en el mapa cultural europeo. La residencia del Embajador de Irlanda acogió la presentación oficial de la 22ª edición del festival, un acto que confirmó al Fleadh como uno de los grandes puentes culturales entre España e Irlanda.

Durante la presentación, Patricia Bravo, directora del festival, evocó la reciente visita a Dublín, donde el Fleadh fue presentado ante la prensa irlandesa con una acogida excepcional. Más de una decena de medios de la capital se hicieron eco del evento cacereño, consolidando una proyección que sitúa a Cáceres en el circuito internacional de la excelencia cultural. Bravo defendió que esta visibilidad no es un gesto simbólico, sino una estrategia que atrae turismo cultural de calidad y refuerza la imagen de la ciudad como escenario patrimonial vivo. También reivindicó el espíritu democrático del festival, ese modo de ocupar las calles con música, convivencia y respeto, donde las sesiones improvisadas y el tránsito de músicos entre palacios se convierten en la esencia del Fleadh.

La edición de 2026 llega marcada por una ampliación que refuerza su dimensión territorial y educativa. El festival suma un día más de programación y comenzará el jueves 17 de septiembre, extendiendo su presencia en la ciudad y en la provincia. La jornada del sábado 19 crecerá en número de conciertos, con actuaciones en la Plaza de Santa María y la participación de grupos procedentes de Irlanda, Reino Unido y Bélgica. Además, gracias al apoyo de la Diputación Provincial de Cáceres y MÁS MEDIO, el Fleadh desplegará talleres bilingües sobre el cuidado del agua y la naturaleza en cuatro municipios —Malpartida de Plasencia, Cadalso, Rosalejo y Arroyo de la Luz— los días 15 y 16 de septiembre. Estas actividades, impartidas por el grupo irlandés The Armagh Rhymers, buscan conectar la tradición musical con la educación ambiental y el vínculo entre territorio y cultura.

La presentación en Madrid estuvo arropada por más de treinta músicos y bailarines llegados de distintos puntos del país, que quisieron acompañar este arranque institucional. Uno de los momentos más emotivos lo protagonizó Sergio Gómez, El Gato con Jotas, quien interpretó música tradicional extremeña junto a varios integrantes del colectivo, marcando un hito histórico: nunca antes la flauta y el tamboril extremeños habían sonado en la residencia del Embajador de Irlanda. Ese gesto simbolizó la esencia del festival: un intercambio cultural que no diluye identidades, sino que las fortalece. Bravo lo expresó con claridad al reivindicar la importancia de conocer y valorar el propio legado para comprender la riqueza musical de otras culturas.

Con miles de visitantes cada año y más de un centenar de músicos y bailarinas, el Cáceres Irish Fleadh vuelve a convertir la Ciudad Monumental en un escenario abierto donde conviven conciertos, pasacalles, talleres y las célebres sessions en tabernas y plazas. La nueva edición, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, confirma que el festival ya no es solo una cita musical: es un puente cultural que une dos países a través de la tradición, la hospitalidad y la música que se comparte sin fronteras.

La edición de 2026, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, llega además en un momento decisivo para Cáceres, que avanza en su candidatura a Capital Europea de la Cultura en 2031. La presentación en Madrid, arropada por la diputada provincial Elisabeth Martín y el alcalde de Cáceres, Rafael Mateos, evidenció, sin embargo, la ausencia de representantes políticos de la Junta de Extremadura, un “vacío llamativo” en un acto que reforzaba precisamente la dimensión europea del festival, según la queja de la propia organización. Sí participó Amparo Jiménez Rubio, directora del CEMART, el Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura, dependiente de la Junta.

Más llamativo aún resulta que, pese a todo lo demostrado, el proyecto de capitalidad haya dejado fuera al Irish Fleadh. La organización recibió una comunicación en la que se insistía en que la programación para 2031 debía ser muy limitada y estrictamente alineada con los criterios de la Comisión Europea, y que solo más adelante se valorarían iniciativas con una dimensión europea nítida y con presencia de artistas internacionales. La contradicción es difícil de obviar: mientras el Fleadh acredita cada año su capacidad para tejer vínculos culturales entre países, activar patrimonio y proyectar a Cáceres en el mapa europeo, su exclusión en la capitalidad y la ausencia política autonómica en la presentación abren una duda legítima sobre la coherencia institucional en un momento en que cada gesto pesa en la ambición cultural de la ciudad.

Romántico, el nuevo trabajo discográfico de Los Gofiones, se presentará en Auditorio Alfredo Kraus el próximo 10 de octubre. “Será”, señala un comunicado remitido a Canarias Ahora, “un viaje emocional al corazón del bolero y la canción romántica que ha marcado a muchas generaciones”.

Con este espectáculo, la agrupación grancanaria “reivindica una vez más la fuerza de este género a la par que demuestran que su sonido no tiene edad ni fronteras. Inspirado en grandes tríos como Los Panchos o Los Tres Ases, y en voces inolvidables como Lucho Gatica o Antonio Machín, el espectáculo hace un recorrido por canciones de amor, desamor, ternura y nostalgia que viajan con el propio paso de los años”. Una cita donde la raíz permanece, pero el grupo la utiliza como punto de partida para ampliar su lenguaje y dialogar con sonidos, artistas y públicos de distintas generaciones.

Romántico contará en esta presentación especial en el Auditorio capitalino con artistas invitados por Los Gofiones, que se irán desvelando a través de las redes sociales de la formación grancanaria conforme el evento esté próximo a celebrarse.

Metidos “hasta la médula en el presente y sin duda, en uno de los momentos más álgidos de su trayectoria, han demostrado que su música puede viajar mucho más lejos, pudiendo dialogar con el pop urbano o incluso con la música electrónica internacional”. Los Gofiones “siguen siendo raíz pero la raíz ya no es una frontera para ellos”.

Las entradas están muy cerca de agotarse; para este concierto se adquieren mediante la web y la taquilla del Auditorio Alfredo.

Llega el primer fin de semana de septiembre y te dejamos una selección de planes para que se te haga más amena la vuelta a la rutina, desde libros y canciones hasta conciertos, exposiciones o películas de estreno.

'Brett' en Madrid. Es difícil que exista un fotógrafo que haya tomado más fotos del cantante de Suede, Brett Anderson, en España que el fotógrafo Óscar L. Tejeda, especializado en fotografía de conciertos y que le ha disparado desde 1997 hasta hoy. Para celebrar este idilio, Tejeda ha inaugurado una exposición en las paredes del bar madrileño Fotomatón, inaugurada ayer 3 de septiembre y que podrá visitarse durante unas cuantas semanas. Brett de rodillas, Brett abrazado por el público, Brett entre sombras, Brett espasmódico, Brett So Young, Brett Lazy, Brett absolutamente entregado. ¿Cuál es tu Brett favorito?

Cómic en Pamplona. Ana Miralles (con la exposición de originales Eva/Ava) y Paco Alcázar son dos de los invitados al Salón del Cómic de Navarra, del 4 al 27 de septiembre.

CometCon en Gijón. Evento de ocio joven y alternativo que reúne a algunos creadores de contenido como El Quinto Emperador (principal creador de contenido de One Piece de habla hispana), el actor de doblaje Jon Samaniego (Monkey D. Luffy en el live action de One Piece, Ekko en Arcane, Colin Bridgerton en Los Bridgerton, Aerion Targaryen en El Caballero de los Siete Reinos, o Coriolanus Snow en Los Juegos del Hambre), y locutor desde hace 15 años.

Extreme Barcelona. Del 4 al 6 de septiembre, el Parc del Fòrum reunirá a destacados nombres de la escena internacional de atletas de BMX como Kenneth Tencio, Arseny Lubishkin, Jude Jones, Gustavo Batista, Kieran Reilly y Natalya Diehm, además del rider de Streetboard Sergi Nicolás.

Humor en Luco de Jiloca (Teruel). Enluquecidos es un festival de llenará de risas la localidad turolense del 4 al 6 de septiembre. Entre los invitados, los actores de doblaje de Los Simpson, Rafa Maza y Clara Ingold.

Cultura japonesa en Reus. Hikari, la feria de cultura japonesa se celebra el sábado 5 de septiembre. Hay demostración de shodō, baile inaugural Bon Odori, taller participativo de Bon Odori y taller de caligrafía sobre farolillo tradicional.

Tenerife Phe Festival. Fat Dog, Getdown Services, VVV [Trippin’ You], Phil Hartnoll (Orbital) o Alexis Taylor (Hot Chip) forman el cartel de este festival de música electrónica que se celebra en Puerto de la Cruz el 4 y el 5 de septiembre.

Homenaje al Lyceum Club Femenino en Soria. Gracias al Instituto de la Mujer, llega a Soria esta exposición titulada Ellas nos hicieron modernas, dedicada a la institución del Lyceum Club, asociación de intelectuales españolas fundada por María de Maeztu en Madrid en 1926. La muestra reconoce, con 24 paneles, la memoria democrática e histórica haciendo genealogía feminista de la generación del 26. La exposición de se complementa con este pódcast de 10 episodios. Después, la muestra seguirá itinerando por España.

Teatro en Madrid. El invencible verano de Liliana es un monólogo basado en el libro de Cristina Rivera Garza que narra la historia de la hermana de la autora, asesinada en 1990 a manos de su expareja, quien a día de hoy no ha sido atrapado. La prestigiosa actriz mexicana Cecilia Suárez lo interpreta, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher (Prima facie) se ha estrenado el 3 y aguantará hasta al 13 de septiembre en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque.

Ciencia ciudadana en Sierra Nevada. La Universidad de Granada organiza del 4 al 6 de septiembre las Jornadas Lagunas de Sierra Nevada, que reunirán a investigadores, voluntarios y Agentes de Medio Ambiente para estudiar más de 40 lagunas glaciares. La programación incorpora dos propuestas artísticas: la presentación del nuevo libro de fotografía de Andrés Ureña, Sierra Nevada. Ecos del paisaje, y la Acción Sonora de Ilaria Degradi, Music for Territories–Paisajes sonoros y música electrónica experimental (el 5 de septiembre a las 22h en Hoya de la Mora, entrada gratuita).

Tres libros, por Laura G. Higueras

'La noche en el corazón', de Nathacha Appanah (trad. Elia Maqueda, AdN). Inspirada por el feminicidio de Chahinez Daoud, a la que su marido quemó viva en la calle después de que ella le hubiera denunciado varias veces por múltiples episodios de violencia de género; la obra lleva a la autora a explorar su propio pasado (una prima que fue asesinada en circunstancias similares) y la violencia que ella misma sufrió. Finalista del premio Goncourt, rescata del silencio a las mujeres que la violencia quiso borrar.

'Los años secos', de Raquel Zas (Temas de hoy). Vamos con una novela debut que explora el duelo tras una ruptura, la autoestima y las exigencias que pesan sobre las mujeres que sienten que tienen esa presión por “tenerlo todo”. Lo hace a través de la historia de Clara, una joven que regresa al pueblo de sus padres dejando atrás la vida que había construido con su expareja. Entre trabajos provisionales, rutinas familiares y amistades que sobreviven al paso del tiempo, empezará a revisar su relación con el deseo, desde los primeros contactos al miedo a ser tocada.

'Mi vida en la carretera', de Gloria Steinem (trad. Regina López Muñoz, Alpha Decay). Este jueves recibíamos la triste noticia de la muerte de Gloria Steinem. Qué mejor manera de rendirle homenaje que precisamente leyéndola (o regalándole alguno de sus libros a quien conozcas que aún no lo haya hecho). Mi vida en la carretera es una apuesta segurísima. En ella relata cómo fueron creciendo tanto ella misma como el movimiento revolucionario por la igualdad, desde su primera experiencia de activismo en India a su trabajo como periodista en los sesenta, del torbellino de las campañas electorales a la fundación de la revista Ms.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Este viernes se publica The Fatal Flaw, el nuevo disco de la promesa británica Paris Paloma. Y ojo, porque una de las canciones que te recomiendo, y que ya está en nuestra playlist, es necesario acompañarla de otros de sus temas. Good Girl y Good Boy son dos caras de la misma moneda, poniendo el foco en los hombres que pisotean a las mujeres para alcanzar sus objetivos y que, por lo tanto, perpetúan sistemas que a la larga acaban perjudicándoles también a ellos. Ambas canciones juegan con la idea de los modelos a seguir y las expectativas de ser quien se espera que seamos.

'Good Girl' de Paris Paloma. La cantautora da un golpe sobre la mesa con este alegato feminista contra la tiranía estética impuesta a los cuerpos femeninos. “Y puedes gritarme todo lo que quieras que el mayor romance es conmigo misma”, afirma la artista a lo largo del tema, desafiando las exigencias de sumisión y control sobre el físico que la sociedad patriarcal dicta a las mujeres. Lo hace entre guitarras acústicas de corte folk que van sumando intensidad percusiva y dramática a la canción.

'I Can't Wait' de Phoebe Bridgers. Durante mis vacaciones, Phoebe Bridgers ha publicado uno de los mejores álbumes del año, Lost Weekend. La compositora californiana presenta un proyecto completísimo, con letras finísimas y producciones espléndidas, muy a lo Sufjan Stevens. Hasta más de diez ingenieros de sonido participan en cada una de las canciones. Entre las más potentes, este tema en el que comparte armonías vocales con Cameron Winter. “Cariño, si me dejas, ¿puedes llevarme contigo?”, suplica la artista al inicio de una pista que explora el anhelo obsesivo y la dificultad de sobrellevar vínculos rotos.

'Hipster Runoff' de Lex Walton. “Wall Street fue ocupada, a Kony le hicieron lo de 2012 / ¿Qué hemos conseguido con todo esto? / La policía está matando a madres en sus coches”. Así de tajante se muestra Walton en esta pieza de rock producida por Dan Boeckner. “Te desprecio a ti y a todo lo que representas”, clama con rabia el artista a lo largo del tema, cargando contra la apatía generacional, el activismo de fachada y el conformismo político. La canción toma el nombre del icónico blog de la era indie para enfrentarse al cinismo actual.

Tres películas, por Javier Zurro

'Jim Queen'. Cine de animación para adultos y divertidísimo. Solo la idea de esta película es hilarante, un virus que vuelve heteros a los gays... una excusa para hacer una comedia que cuestiona los clichés del colectivo LGTB, pero sobre todo la homofobia que todavía hay en la sociedad. La muestra de que los dibujos no son para niños, sino para cualquier historia que quiera explorar sus posibilidades expresivas.

'El olor a leche quemada'. Hay una nueva generación de directoras alemanas que está ofreciendo una mirada diferente al cine que, habitualmente llega de allí. El año pasado fue Masha Shilinski con El sonido de la caída. Pero ojito con Justine Bauer, que tiene solo 36 años y ha dirigido esta película tan especial que se aleja de los clichés del coming of age y las películas rurales.

'Cronos'. La apuesta taquillera de la semana llega de la mano del cine español. Fernando González Molina dirige este thriller sobre la investigación policial para detener a los terroristas tras el atentado de las Ramblas en Barcelona. Cine adulto, de buena factura, con un reparto brillante (Enric Auquer está en un momento dulce) y hecho con inteligencia para demostrar el gran momento de la industria.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Más de 80 festivales cancelados. Este es el balance, al menos hasta ahora, de encuentros musicales de todo tamaño y género que se habían anunciado pero no se han celebrado: por causas económicas o ambientales.

Zurro en Venecia. Ha comenzado el gran festival italiano y no te pierdas la extensa cobertura desde allí: empezamos con George Clooney, seguimos con Danny Boyle y con Martin McDonagh. Síguelo aquí.

Nerea. Te damos dos cosas, lo difícil es elegir qué va primero: una maravillosa entrevista con vídeo (y texto) con Nerea Pérez de las Heras o un capítulo entero de su nuevo libro Fantasma, sobre la pérdida de su pierna.

La ciudad de Toledo prepara más de 15 conciertos hasta el mes de abril de 2027 que se desarrollarán en el Palacio de Congresos El Greco.

La programación comenzará el próximo 11 de octubre con Estrella Morente y Rafael Riqueni, y continuará el 12 de octubre con Maldita Nerea. El 1 de noviembre será el turno de Marta Santos, mientras que el 8 de noviembre actuará Rafa Sánchez, de La Unión.

El ciclo continuará el 22 de noviembre con Julio Iglesias Jr., el 8 de diciembre con Antonio José, el 11 de diciembre con Mikel Erentxun, el 27 de diciembre con José Mercé y finalizará el año el 29 de diciembre con Melody.

El concejal de Festejos y Juventud, José Vicente García-Toledano, ha señalado que se trata del “mejor año en la historia de la ciudad de Toledo a nivel de conciertos”, poniendo en valor el trabajo conjunto entre el Ayuntamiento de Toledo y los promotores privados para seguir incrementando la oferta musical de la ciudad.

Una programación que ya no termina con el verano

La nueva temporada supone un paso más en el crecimiento de ‘Toledo en Concierto’. Tras la intensa actividad desarrollada durante los meses estivales, el proyecto extiende ahora su calendario hasta la primavera con el objetivo de que los grandes conciertos y espectáculos no queden circunscritos únicamente a la temporada de verano.

La programación está concebida, además, para llegar a diferentes generaciones y perfiles de público mediante una combinación de flamenco, pop, canción de autor y algunos de los nombres más reconocibles de la música española.

Premio Talento Joven Ciudad de Toledo

El concejal de Juventud y Festejos, ha anunciado también que Marco e Ismael Givica, responsables de SYS Producciones, han sido reconocidos con el Premio Talento Joven Ciudad de Toledo en la categoría de Emprendimiento. El edil ha vinculado este reconocimiento al trabajo desarrollado por ambos durante el último año y a su apuesta por impulsar, en colaboración con el Ayuntamiento, una programación musical estable y de primer nivel en la ciudad. García-Toledano ha felicitado públicamente a los hermanos Givica y ha destacado su capacidad para promover iniciativas y eventos que están contribuyendo a reforzar la oferta cultural y de ocio de Toledo.

La información sobre entradas, horarios y nuevas incorporaciones a la programación se dará a conocer progresivamente contando con los espacios habituales de venta en los portales de Sys Producciones y Toledo Entradas, entre otros.

Enrique Iglesias es uno de los cantantes españoles más exitosos de la historia, con más de 180 millones de copias vendidas entre álbumes de estudio y sencillos, además de que ostenta el récord mundial de 27 singles que han llegado al puesto número uno en la lista latina de Billboard.

Uno de ellos y la que es una de sus canciones más reconocidas es ‘Héroe’, que se lanzó tanto en español como en inglés (‘Hero’), y que cumple 25 años desde que se publicara y quedara como uno de los principales temas del artista, pero también de ese mismo año y la década.

Fue usada por la radio en el 11S

‘Héroe’ es una de las canciones más populares de Enrique Iglesias y una de sus baladas más reconocidas, siendo cantada, por ejemplo, por la artista Dua Lipa en su pasada gira ‘Radical Optimism Tour’ en su paso por Madrid.

Publicada el 3 de septiembre de 2001, como parte de su álbum de estudio y el segundo en inglés ‘Escape’, que a día de hoy es su disco más vendido con más de 10 millones de copias en todo el mundo, además de uno de los más reconocibles.

Apenas una semana después de su lanzamiento se produjo el atentado del 11S en el World Trade Center, y la canción fue una de las pocas que sonaron ese día en Radio DJs Nueva York durante la distinta información que se daba durante ese trágico acontecimiento.

Las lágrimas de Enrique Iglesias fueron reales

Pero no es la única ‘tragedia’ que tiene vinculada esta canción, pues el videoclip tiene su propia intrahistoria. En ella se puede ver como el propio Enrique Iglesias sale con lágrimas en su rostro, y que fueron reales, como confirmó la actriz Jennifer Love Hewitt, que fue la co-protagonista de la historia que se contaba.

Y es que como declaró más tarde la actriz durante una entrevista en Entertainment Tonight, esas lágrimas de Iglesias se debían a la tristeza que sentía al haber conocido recientemente el cantante el fallecimiento de su amiga, la también artista Aaliyah: “El detalle más loco de ese rodaje, que creo que la gente no sabe, es que Enrique y Aaliyah eran amigos muy cercanos, y la noche en que filmamos ese video, fue la noche en que ella falleció”, explicó.

Love Hewitt también desveló detalles de cómo afectó esto al rodaje: “Enrique tuvo que filmar todas esas escenas de llanto, y realmente estaba llorando porque ella había muerto. Sólo recuerdo que fue una noche realmente intensa”, añadió Hewitt al mencionado medio, quien describió que ese día el ambiente en el set era solemne y respetuoso.

Aaliya Dana Haughton, solo conocida como Aaliyah a nivel artístico, falleció el 25 de agosto de 2001 a los 22 años en un accidente de avión en las Bahamas, de donde volvía tras haber rodado el videoclip para su canción ‘Rock the Boat’. En este trágico suceso murieron ocho personas más y se produjo al poco de despegar.

Depresión, agresión sexual, intento de suicidio, anorexia, colon irritable, fibromialgia y muchísima, muchísima rabia, son las protagonistas que vertebran La noche cayó y ya nadie pudo salvarme (La Esfera de los Libros), las polémicas memorias de Cristina Llanos Fayos, en las que la que fue cantante de Dover ha volcado –o más bien vomitado– el infierno con el que convivió mientras la banda triunfaba encima de los escenarios. Aunque también antes, y después.

Un libro recibido con sorpresa por llegar tras diez años de silencio de la artista desde que se disolviera el grupo en 2015, y sobre todo por sus controvertidas opiniones sobre Israel y la ley trans. También arremete contra quien no le gustan The Beatles, el “puto viento” de Madrid, Freud e Íñigo Errejón. Todo en un tono cabreadísimo, con frases cortas, a veces formadas por una sola palabra, cargadas como una metralleta de bilis sin ningún tipo de seguro. Insulta con y sin ironía, maldice, amenaza.

El primer sujeto contra el que arremete en el texto es su psiquiatra, al que asegura que no soporta y que tiene cara de “maníaco escapado de un psiquiátrico”, de “sádico”, “animal”, “salvaje” y “asesino”; aunque asegura que le “da igual”: “Lo que haga o deje de hacer ese señor en sus ratos libres me la suda hasta el infinito”. Las memorias, articuladas como un diario, con capítulos dedicados a distintas jornadas que empiezan y también terminan en el mes de noviembre de 2023, transitando distintas jornadas y meses entre medias, sin especificar el año.

Concluyen con la reacción de Cristina Llanos a la muerte de su hermano Mariano, de quien relata que “fumaba base de cocaína desde hacía veintitantos años”, cuando trabajaba junto a ella y su hermana Amparo Llanos (cofundadora de Dover) conduciendo la furgoneta y gestionando el merchandising de la banda. Terminó viviendo en la Cañada Real y fue la Policía Nacional quien por vía telefónica le comunicó la noticia de su fallecimiento.

La “deuda” con el pueblo judío

Más allá de los apuntes biográficos, la músico vierte igualmente opiniones con enojo como el capítulo ubicado en la noche de un domingo 5 de marzo (no menciona el año, pero podría suponerse que de 2023), en el que comienza hablando de la cantidad de tiempo que pierde al día y termina reivindicando que “la humanidad le debe al pueblo judío el Estado de Israel”.

“Me parece que se acerca una oleada de antisemitismo. Y bien gorda esta vez. Traidora. Cobarde, como todas las ocurridas a lo largo de la historia. Repugnante, en una palabra”, señala Cristina Llanos. La artista asegura que “desde la destrucción del Segundo Templo no se les ha parado de perseguir. Diáspora que te crio, un siglo detrás del otro. Ya está bien cacho cabrones”, dice. “YA ESTÁ BIEN”, apostilla en mayúsculas. La artista revela que ella no quiere “eso” sobre su conciencia y plantea que “ojalá esté equivocada” y “sea exageración”, cosa que al mismo tiempo duda, “desgraciadamente”.

Cristina Llanos Fayos no había compartido su opinión sobre Israel hasta ahora. Su público no sabía que la intérprete de Devil Came To Me, Serenade y Let Me Out temía las “oleadas de antisemitismo” a las que hace referencia en su volumen. Unas memorias que llegan a las librerías de la mano de La Esfera de los Libros, editorial que ha publicado biografías de otras figuras como Mar Flores, Cayetano Martínez de Irujo, Isabel Pantoja, Carmen Lomana y Lydia Lozano.

De la 'ley trans fluida' a Íñigo Errejón

A raíz de recordar uno de los múltiples paseos que da con su hermana Amparo, Ampi, a quien dedica el libro, que funciona a su vez como una carta de amor a ella, Cristina Llanos acaba reivindicando a las mujeres que “dieron gran parte de su tiempo, murieron, fueron perseguidas o/y torturadas” por luchar por los derechos de las mujeres, desde Kate Millet a Emeline Pankhurst, pasando por Britney Spears, Emilia Pardo Bazán, Mahsa Amini, Nevenka Fernández y Emily Davinson.

Insiste en que alude a los derechos de “todas las mujeres”. “Mujeres machistas incluidas. Sí, los míos, los tuyos, los de ella, los de aquella, la otra, la del más allá. Al final son todos lo mismo. Derechos humanos. No me hartaré de repetirlo. Al que le aburra que cierre el libro y lo tire por la ventana. Me trae al fresco”, arremete.

Cristina hace referencia a Malcom X cuando hablaba del 'demonio blanco', para explicar que ella identifica al “demonio con pene, del color que sea, tanto él como su pene”; e insiste en identificar esta como su batalla. La artista explica que esta su lucha, irá siempre por encima de cualquier otra, sobre las que antes de especificarlas, avisa: “Oy, oy, oy, qué mala soy”.

Es entonces cuando enumera “la reivindicación de la ayuda para los pobrecitos niños de África y otros tantos lugares dejados de la mano divina, la oposición a las guerras de aquí o allá, la colaboración con las plataformas secuestradas por cualquier desastre y, por supuesto, los anhelos 'femeninos' de algunos hombres, algunos, llamados de género fluido, que mezclan a lo tonto churras con merinas, tan temidos hoy en día, inquisidores de primer orden, aprovechando la mínima crítica a la 'ley trans/fluida' para intentar quemarte en la hoguera”.

La cantante aclara que no quiere “caer en generalizaciones” y que es consciente de que “no todos” son así, y que se refiere a la ley entre comillas porque “una ley que protege a unos y desprotege a otras no es una ley, es un despropósito”.

La autora lamenta que, “ocurra lo que ocurra” alrededor, las mujeres se enfrentan “simultáneamente a la opresión y la violencia sexual, que nunca descansan”. Para sostener como argumento menciona los informes anuales de la ONU al respecto, en los que “el demonio con pene está siempre a la que salta”. Habla de las violaciones por conflicto bélico o catástrofe natural como el Katrina, pero también de España. En concreto sobre el “cacareado movimiento” del 15M.

“Hay que joderse, hubo intentos de agresión y agresiones totales, según denunciaron varias mujeres de las que estaban allí, como ellos, para protestar públicamente contra los gobiernos. Hubo agresiones todas las noches de acampada, repito, con el cabronazo 'aliade' de Errejón entre sus filas”, añade sobre el exportavoz de Sumar, sobre el que posteriormente indica que no pretende “dar a entender que cometió ningún delito” durante el 15M. Sí que señala que “ahora todos sabemos cómo se las gasta en las distancias cortas, admitido por él mismo en televisión tras ser denunciado públicamente”.

“Yo misma conmigo misma, en mi cabeza, puedo sacar las conclusiones que me dé la gana. Siempre he creído mucho en el humo y el fuego. Para mí, los hombres que cruzan la raya en lo más mínimo, por ejemplo, miradas cerdas y agresivas, están en el mismo saco que los que te violan, torturan y matan. Son puntos distintos de la misma línea. Me importa una mierda cómo y cuanto quiera la ley diferenciarlos”, concluye.

La cantante continúa sus memorias, cada vez más semejantes a un sumidero de enfados, dolor y rencor, con la angustia que le genera que se le apilen los platos sin fregar, la fobia que tiene al ginecólogo y la nostalgia por el “verdadero” febrero de Madrid, “el de las novelas de Galdós, el republicano, el de las películas de la guerra y la posguerra”. Cristina Llanos Fayos escribe que dejó de comer durante diez años, de los treinta a los cuarenta: “La anorexia es un aspirador de vidas. Te la roba, y sin pedir permiso, encima”.

El final se lo dedica a su hermano fallecido, a quien transmite que le quiere y pide perdón. “Si me perdonaste, gracias con toda el alma. Si no te dio tiempo, por favor, perdóname ahora. Si no puedes, no te preocupes, no pasa nada, lo entiendo”, son sus últimas palabras. Un testimonio sobre el que no vamos a poder preguntar, ya que la editorial comunica que la autora no va a conceder entrevistas. Cristina Llanos Fayos ha roto su silencio diez años después, en la manera que ha sabido y podido, con unas duras memorias escritas con tinta bañada en hiel, y afilados dardos repartidos por diversas dianas.

El teclista de la banda mexicana de synthpop e indierock Camilo Séptimo, Jonathan Meléndez (conocido como Honas), ha sido asesinado, junto a su esposa embarazada, su hija de tres años y la empleada del hogar, en su casa de Atizapán de Zaragoza (México).

Las autoridades mexicanas detuvieron este miércoles a dos hombres por ser los presuntos responsables del homicidio múltiple. Los cuerpos fueron hallados al interior de su residencia en los primeros minutos del miércoles, después de que vecinos de la torre residencial alertaran a la policía municipal tras escuchar disparos y gritos en el interior del departamento. Según la información difundida por las autoridades, el suceso habría ocurrido entre las 17:30 y las 19:40 horas del martes, mientras que los primeros agentes llegaron al inmueble alrededor de las 23:50 horas.

Al ingresar en la vivienda, los agentes localizaron sin vida a Meléndez, de 38 años; a su esposa embarazada Ana Paola, de 35 años; a la hija de ambos, de tres años, y a la empleada del hogar, de 21 años. Según información publicada por medios mexicanos, Meléndez, su esposa y la niña recibieron disparos en la cabeza, mientras que la trabajadora del hogar presentaba una herida de bala en la espalda. La mascota de la familia también fue encontrada sin vida.

En el lugar de los hechos, los servicios de emergencia localizaron además al otro hijo de la pareja, un menor de seis años, que fue encontrado tras el ataque, se encontraba dentro del domicilio sin signos aparentes de violencia física.

La banda ha publicado en sus redes sociales una despedida, en la que “con profundo dolor” despiden a su “querido hermano”. “Vivirán por siempre en nuestros corazones”, añaden, despidiendo también a su familia asesinada. “Honas, celebramos tu música, tu vida y tu luz”, terminan en el comunicado.

Artistas mexicanos como Enjambre, Caifanes, Motel, Ximena Sariñana o Silvana Estrada se han sumado a las condolencias.

Detenciones

Las detenciones de Diego Sebastián “N”, identificado como socio de Meléndez y señalado por las autoridades como presunto autor del crimen, y de Gerardo “N” se ejecutaron tras un operativo coordinado entre la Fiscalía General de Justicia del Estado de México (FGJEM), la Secretaría de Seguridad y Protección Ciudadana (SSPC) y la policía de la Ciudad de México. El secretario de Seguridad y Protección Ciudadana, Omar García Harfuch, afirmó que la coordinación entre las distintas instituciones permitió localizar y detener a ambos sospechosos en menos de 12 horas.

Fuentes federales confirmaron a EFE que la principal línea de investigación apunta a un robo que terminó en una masacre, facilitado por la relación comercial que unía a las partes; Diego Sebastián “N”, identificado como socio de la víctima de iniciales J.S.M.O., habría aprovechado la confianza mutua para acceder al domicilio con el consentimiento de la familia antes de perpetrar el ataque.

Las autoridades investigan también la relación entre los dos detenidos y su posible participación en los hechos. La Fiscalía de México identifica a Diego Sebastián “N” como el presunto autor material, mientras que por el momento no se ha precisado públicamente qué papel habría desempeñado Gerardo “N” en el homicidio múltiple.

Jonathan Meléndez era teclista, productor y fundador de Camilo Séptimo, una de las bandas mexicanas de indie rock más conocidas en el país. El músico y su familia residían en un apartamento en Grand Viure, en la zona de Bosque Esmeralda, en Atizapán de Zaragoza, al noroeste de Ciudad de México.

FACUA-Consumidores en Acción ha denunciado a VLZGZ SL, la promotora del Festival Vive Latino Zaragoza, que se celebra los días 4 y 5 de septiembre en la capital aragonesa, por impedir la entrada con comida y bebida adquirida en el exterior del evento y por impedir el reacceso al recinto una vez empezados los conciertos.

La denuncia ha sido interpuesta ante la Dirección General de Interior y Protección Civil del Gobierno de Aragón, ha informado la asociación de consumidores.

Facua ha podido comprobar que en la web del festival aparece como condición que “no está permitido entrar comida ni bebida del exterior” y que “el festival ofrece, además de horas de música en directo, una variedad de opciones gastronómicas para todos los gustos y preferencias”.

Además, también señala que “el horario de salida permitido será desde las 17.00 hasta las 21.00 horas, pudiendo entrar nuevamente cuando se quiera mientras dure el festival. Del mismo modo, a partir de las 21.00 horas se podrá salir, pero no volver a entrar”.

En este sentido, FACUA se dirigió al Gobierno de Aragón para preguntarle si, tal y como recoge la normativa autonómica de espectáculos públicos, estas condiciones impuestas por el Vive Latino habían sido “visadas” por la administración autonómica, es decir, si el órgano competente había tenido conocimiento de ellas y dado su beneplácito.

El Gobierno de Aragón, sin embargo, respondió a la asociación indicando que “la Dirección General de Interior y Emergencias del Gobierno de Aragón no ha visado condiciones, instrucciones y reglas particulares de admisión al festival Vive Latino, en su edición del año 2026”.

Cláusulas “abusivas”

Facua ha recordado que la prohibición de acceder con alimentos del exterior no obedece a la necesidad de preservar la seguridad ni la higiene dentro del festival ni a ninguna otra causa objetiva, sino “exclusivamente a motivaciones económicas y al afán de obtener mayores beneficios”, forzando a los consumidores a adquirir bienes de consumo dentro del recinto a precios “notablemente superiores” a los que podrían encontrar en el mercado, restringiendo su libertad de elección y causándoles un perjuicio económico.

Así, esta práctica es la imposición indirecta de servicios accesorios no solicitados, además de una limitación de los derechos de los usuarios y un desequilibrio en las relaciones contractuales en detrimento del consumidor, ya que comer y beber dentro del recinto sí esta permitido, prohibiéndose únicamente si los alimentos no son adquiridos en el interior.

De igual forma, en cuanto a la prohibición del reacceso desde una determinada hora, la asociación ha considerado que esta medida se sustenta única y exclusivamente en criterios de rentabilidad para la promotora, buscando la empresa del festival su “enriquecimiento de manera ilícita”.

A su vez, entiende que no hay justificación para la aplicación de esta norma, pues si las entradas y salidas del recinto pudieran afectar al normal desarrollo del espectáculo o suponer un problema de seguridad, en ningún caso se permitiría el reacceso a las mismas durante todo el evento.

Por todo ello, Facua ha instado a la Dirección General de Interior y Protección Civil del Gobierno de Aragón a que investigue al Vive Latino Zaragoza por la imposición de cláusulas abusivas y le abra el correspondiente expediente sancionador.

Hay canciones del verano que sobreviven más allá de este período del año y una de ellas es ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira, que cumple diez años desde que se convirtiera en uno de los grandes éxitos de 2016 y alcanzara el número 1 en más de 20 países, entre ellos España.

Un hecho que logró, además, en tiempo récord, no siendo el único hito, pues además ganó dos Grammy Latino como Canción y Grabación del año, además de que consiguió estar 20 semanas consecutivas en el primer puesto de ventas en Colombia, país originario de ambos artistas.

El homenaje a Colombia de Carlos Vives y Shakira

Lanzada a finales de mayo de 2016, ‘La bicicleta’ fue una canción colaboración entre Carlos Vives y Shakira, que fue incluida en el álbum ‘Vives’ del artista colombiano, y en la que ambos dieron homenaje a su Colombia natal, uniendo además el sonido de dos de sus artistas más globales y el folclore.

Este tema, que fue una de las revoluciones de ese año a nivel musical, recorre lugares icónicos de Colombia a través de su letra, aunque en especial de Santa Marta y Barranquilla, las ciudades natales de los dos cantantes.

Las dos localidades colombianas no solo son protagonistas de la letra, sino también en el videoclip, que llegó al billón de visitas, y en los que ambos se muestran recorriendo las dos ciudades mientras van en bicicleta y saluda a distintos vecinos, al mismo tiempo que bailaban y disfrutaban de sus paisajes.

Shakira fue la que puso título a la canción

Uno de los hechos más curiosos de ‘La bicicleta’ es que Carlos Vives llegó a ser nombrado Embajador de Buena Voluntad de la ONU por el Medio Ambiente debido al mensaje ecológico de la canción, que invita a moverse con este medio de transporte.

Aunque la gran curiosidad de este tema es como se llegó a poner este título, porque no fue el primero que tuvo, un hecho que desveló el propio artista y cuyo crédito se lleva la cantante colombiana: “Cuando entregué este álbum al presidente de Sony le mandó esa canción que no se llamaba ‘La Bicicleta’, se llamaba ‘Vallenato Desesperado’. Shaki tenía un tiempo sin grabar y le mandó esa conexión y Shaki empezó a comunicarse conmigo directamente y me decía, voy a hacerle unos arreglos a ‘La Bicicleta’, ahí te mando ‘La Bicicleta’. Y ya me le cambió el nombre a la canción. ‘La Bicicleta’ terminó llamándose por ella”, declaró el artista en una entrevista.

De hecho, si bien Vives ya había compuesto y dedicado varias canciones a una bicicleta, debido a su fuerte vínculo con este deporte y medio de transporte, nunca había formado parte de un título: “No es mi primera canción que hablo de una bicicleta, siempre en mis canciones hablo de la bicicleta porque estuve en los primeros ciclos de motocross de mi país”, desvelaba.

La colaboración, además, se gestó de una manera peculiar. Y es que, si bien los dos son de los cantantes más globales de Colombia, sus estilos diferentes parecían no casar, uno más abrazando el folclore y la otra más enfocada al pop anglosajón. Pero, sin embargo, decidieron tener una buena amistad desde que coincidieran en la televisión en Bogotá:

“No pensaba mucho en si iba a grabar con una diva porque lo de uno estaba en un segmento que el camino que tomé estaba en otra cosa. No pensé que pudiera acercarme a una artista que ya estaba como en lo anglo, en otra cosa”, aseguraba en una entrevista.

La industria del reguetón ha vencido: después de que el dúo de productores jamaicanos Steely & Clevie demandara a más de 150 artistas del género alegando que poseía los derechos del famoso ritmo dembow (la base del reguetón), un juez ha desestimado la demanda para dar la razón a artistas entre los que se incluyen Bad Bunny, Karol G, Pitbull, Drake, Daddy Yankee y Luis Fonsi, según se ha hecho eco Billboard. El juez apunta que el supuesto ritmo patentado de Steely & Clevie no aparece en su totalidad en ninguna de las tres canciones de su propiedad.

Pese a que Steely & Clevie reclamaba al principio que el característico compás que suena de fondo en los temas latinos había sido robado de una sola canción de 1989, Fish Market, el juez ha declarado que el reciente argumento de los abogados de Bad Bunny lo había llevado a reconsiderar su fallo. El puertorriqueño señalaba que los demandantes habían armado un monopolio temporal juntando elementos de esa canción con otras dos: Dem Bow y Pounder.

Estas tres canciones son importantes porque, a medida que avanzaba el caso legal, los abogados de Steely & Clevie ampliaron su reclamo de derechos de autor e incluyeron los temas Dem Bow y Pounder. Argumentaban que, como estas dos canciones derivaban originalmente de su canción Fish Market, cualquier artista de reguetón que haya copiado o sampleado fragmentos de cualquiera de esos tres temas en realidad estaba infringiendo la propiedad intelectual de Steely & Clevie.

No obstante, el juez ha escrito que, “tras un examen más detenido del expediente, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra protegida por derechos de autor contiene la selección y disposición supuestamente protegibles que pretenden hacer valer”. Asimismo, ha agregado que la ley de derechos de autor de Estados Unidos no otorga protección a una “amalgama abstracta de elementos extraídos de múltiples obras existentes de forma independiente”.

El juez ha explicado que los elementos deben existir en una sola canción y no pueden ser simplemente una “colección de similitudes reunidas con fines litigiosos”. “Dado que los demandantes no han identificado una sola obra protegida por derechos de autor que contenga la supuesta selección y disposición protegibles, no pueden, legalmente, proceder con la teoría actualmente alegada”, ha afirmado el juez, que en julio pretendía que el caso se solucionara por parte de un jurado, lo que lo habría alargado.

En declaraciones a Billboard, el abogado de Bad Bunny, Kenneth D. Freundlich, ha elogiado al juez por emitir un fallo que “vio este caso tal y como era”: “No se pueden registrar los derechos de autor de un ritmo mediante ingeniería inversa a partir de tres canciones diferentes una vez que el litigio está en los tribunales. Los derechos de autor protegen la creación original del artista, no un montaje elaborado durante el proceso judicial. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.

La resolución del juez es un gran triunfo para Bad Bunny y el resto de los cantantes acusados, ya que cierra la mayor parte del caso. Aunque todavía hay demandas pendientes por canciones que presuntamente usaron fragmentos directos de las grabaciones de Steely & Clevie, estos reclamos son mínimos en comparación con el conflicto sobre la autoría de la composición musical que fue archivado este martes.

Jugar al fútbol le sirvió a Iván para redescubrirse. Lo que para los demás eran apenas gritos habituales en un campo de balompié, para él acabó siendo una revelación. Allí, entre carreras, insultos y voces que se atrevesaban entre sí, comprendió que su vocación era la ópera. Su voz y su temple lo llevarían años más tarde hasta la emblemática calle de Triana de Las Palmas de Gran Canaria para regalarle a los transeúntes un pasatiempo inasible del que disfrutar. Ellos se sientan en las terrazas. Iván canta y, durante unos minutos, la calle evoca el Teatro alla Scala de Milán.

Muchos lo conocen como el Pavarotti de Triana, algo que para él es “un gran honor y una responsabilidad”, confiesa en una entrevista concedida a Canarias Ahora. Aunque no es el único cantante en su radar de referentes e influencias musicales. Entre ellos, disfruta escuchando a tenores como Franco Corelli, Mario del Monaco, Giuseppe Giacomini y, cómo no, Alfredo Kraus, la voz eterna de Gran Canaria. Iván lo califica como “un cantante brillante, apasionado y maravilloso” y reivindica, además, la necesidad de mantener viva su figura en la tierra que lo vio nacer: “¡Mucha gente lo conoce y lo recuerda! Creo que Gran Canaria definitivamente debería tener un concurso y un festival con el nombre de Alfredo Kraus en el futuro. Podría ser un gran evento cultural”, propone.

Antes de sumergirse en la ópera, estudió lingüística y filosofía. Después llegó el canto lírico y, con él, una nueva forma de entenderlo como “un fenómeno sociocultural”. A Gran Canaria no lo trajo únicamente el avión. También lo hizo la pandemia. Cuando miles de teatros cerraban sus puertas y el mundo entero se encerraba en casa por miedo a una nueva plaga, a Iván no se le ocurrió mejor idea que abrir la ventana y cantarle a todo el vecindario. Pero después vino el silencio. Muchos de sus colegas cayeron en una profunda depresión y abandonaron para siempre la profesión. El fin de la pandemia seguía sin atraer contratos ni trabajo y entonces dio el salto. “No podía quedarme más tiempo sentado en casa”, cuenta.

La pandemia, el punto de partida

Fue en ese preciso instante cuando apareció Mischa, amigo y creador de @operaonthestreet. Le propuso algo que, en otro momento, le habría parecido una excentricidad. Sacar la ópera a la calle, sin micrófono, con un altavoz para la música y la voz desnuda por delante. Cantar para quien pasara por allí, sin escenario ni butacas, y comprobar qué ocurría cuando un cantante lírico se plantaba en mitad de la calle y empezaba a cantar. Iván aceptó. Ahí decidió permanecer en el anonimato y darse a conocer como Storm Opera. Desde entonces, ambos analizan qué despierta la ópera en la gente cuando no ha pagado una entrada para escucharla. Quién se detiene, quién se emociona, quién se marcha y quién, quizá, descubre que aquello también es para él o ella.

Escuchar a Iván cantar O sole mio desde la otra punta de Triana, sin micrófono ni amplificador, es uno de esos momentos que obligan a girar la cabeza. La voz llega antes que él. Se mete entre las conversaciones de las terrazas, los coches e incluso el ruido de la calle. Algunos siguen caminando; otros se paran; y hay quienes se quedan hasta el final.

Él guarda unas cuantas anécdotas de esos encuentros. Como, por ejemplo, cuando una mujer después de una actuación se acercó para pedirle un abrazo. O cuando un hombre en situación de calle cayó de rodillas delante de él y le dijo que no tenía nada que darle, pero que “cantaba a la perfección”. Otro que le pidió el Ave María por su esposa fallecida y, después de estrecharle la mano, empezó a llorar.

Son experiencias que no ocurren en todas partes. Y quizá por eso insiste en cantar ahí, aunque reconoce que le gustaría interpretar “canciones más dramáticas y serias”, pero que “no son adecuadas para la calle; eso requiere un auditorio y un concierto”. Aun así, asegura que prefiere darle a la gente “una emoción brillante y radiante aquí y ahora”.

Pero también sabe cuándo no cantar. El vocalista cuenta que “a veces hace falta parar para descansar y no convertir aquello que uno ama en una obligación”. “Cantar sale del alma”, explica. Cuando no lo hace, lee, hace ejercicio, pesca y dedica tiempo a obras de caridad.

La misma idea aparece cuando se le pregunta por el escenario en el que le gustaría actuar. No tiene uno en mente. “No importa dónde, sino cómo cantas. Cantar en Triana delante de personas que simplemente pasaban por allí puede significar más que hacerlo ante miles de espectadores si al otro lado no hay emoción”, cuenta a este periódico.

Y es que no parece demasiado interesado en esa carrera hacia ninguna parte que suele acompañar a la palabra éxito. Habla, en cambio, de conservarse. “Hoy en día, nos dicen que el éxito es lo que importa, pero esa es una búsqueda inútil si te sientes vacío por dentro”. Lo demás, relata, tiene más que ver con encontrarse a uno mismo, no perderse por el camino y rodearse de amigos y personas con las que compartir una forma parecida de entender la vida.

En Gran Canaria, además, ve posibilidades. Le gustaría cantar con una orquesta en la Filarmónica y volver a interpretar Rigoletto, un papel que ya conoce. No quiere quedarse en O sole mio. “Me gustaría mostrar toda mi capacidad como cantante y actor”, explica.

Storm Opera, el futuro de Iván

Aunque, por el momento, sus planes se centran en Storm Opera. Junto a Iván, su manager, Luigi (Marcanaria), está poniendo en marcha una agencia de conciertos para ayudar a otros cantantes con talento a encontrar un público. Buscan patrocinadores, inversores y mecenas para sacar adelante el proyecto y seguir defendiendo esa idea de hacer ópera en directo, sin micrófonos, delante de personas que quizá nunca comprarían una entrada para escucharla.

Habla entonces de las guerras, las pandemias y las nuevas tecnologías y se pregunta cómo seguir siendo humanos en medio de todo eso. Su respuesta es la empatía. En ese sentido, cree que la ópera puede ayudar a desarrollarla.

La isla no sabe todavía cuándo volverá a escuharle. Iván ya ha regresado a su ciudad de origen, aunque quizá vuelva en diciembre. Sostiene que aquí encontró una atmósfera que le resulta difícil de explicar: “Como en la infancia, cuando la gente es amable contigo y el sol brilla”.

Y quizá sea eso lo que busca cuando se planta en mitad de Triana. No exactamente un escenario. Tampoco un público. Solo gente que pasa por allí y, durante unos minutos, decide quedarse.