La conversación entre iguales como forma de resistencia. Sacar las sillas a la calle. Romper el aislamiento. Reconstruir el lazo. Algo así propone el segundo disco de Fillas de Cassandra, Tertúlia (Altafonte, 2026), doce canciones de electrónica a la vez pop y de raíces, con ángulos avanzados y zona de baile. “Nos dimos la libertad de explorar sin límite nuevas oportunidades sonoras”, explica Sara Faro (Vigo, 2001), una de las Fillas. La otra, María Soa (Vigo, 1996), lo confirma, mientras señala la doble columna vertebral del proyecto: los sonidos sintetizados y los tradicionales. Feministas orgullosas desde su primer hit —Lisístrata (varre vasoira)—, la política está en todo lo que hacen. “A veces es sobre una lucha activa”, argumentan, “pero otras veces, hablando de amor en una canción, el hecho de elegir una u otra palabra implica una posición política”. Les preocupa el avance ultra y sus repercusiones en la cultura, pero se conjuran para hacer lo posible para que no suceda.

Fillas de Cassandra, uno de los fenómenos más celebrados del nuevo pop gallego, y en gallego, actúan este sábado en el Womex de Gran Canaria, el 31 de octubre en el Pazo da Cultura de Narón y el 6 de noviembre en La Riviera, en Madrid. Más adelante estarán el Aitzina Folk de Vitoria-Gasteiz, en el Monkey Week del Puerto de Santa María y ya en enero de 2027 en la Sala Apolo de Barcelona.

Cuando salió Tertúlia, lo definieron como “un gesto político de escucha en un contexto de fragmentación social”. Medio año y tantos conciertos después, ¿ha funcionado así?

María SOA: En la situación que vivimos actualmente, hablar por hablar no es la motivación principal, pero con problemas como el de la vivienda, la gente sale, saca las sillas y una parte importante consiste en hablar, estar juntas haciendo comunidad. Es precioso ver cómo se está dando. El motor del disco era hablar por hablar, sacar las sillas y sentarse como reivindicación en sí misma.

Y sus actuaciones, ¿perciben si crean comunidad?

Sara Faro: Es algo que se da en general en los conciertos, pero como observadoras de nuestra propia experiencia, sí vemos cómo se construyen comunidades. También cómo se fragmentan, es natural. Pero los conciertos son un punto de encuentro fundamental que además te permite conectar con personas que en principio no conoces pero a lo mejor cuando acaba el concierto, con todo el hilo musical y las emociones que acompañan, descubre muchas afinidades.

Desde el principio de su carrera, canciones y discos tienen carga conceptual. ¿Qué buscan con esa estrategia?

S. F: Hay una parte que se debe a que nos gusta contar historias. También que es una manera de abonar dos individualidades, las de Sara y María, para construir un relato común. Sirve como una herramienta para encontrarnos en nuestras vivencias y sentimientos y, desde ahí, crear otra cosa que es nuestra obra.

M. F: Cada canción son solo dos o tres minutos de tu vida que vas a escuchar. No es como cuando te colocas delante de un cuadro o cuando puedes leer y releer un libro, pero es así como en las plataformas digitales puedes escuchar nuestra música. Entonces nos permitimos ser lo suficientemente poéticas y lo suficientemente explícitas y, en los directos, nos permitimos explicar ese contexto. Que a lo mejor no haría falta, porque se sentiría igual, pero es algo que nos gusta especialmente. A veces nos pasamos un poco de didácticas, pero es algo que nos gusta y nos emociona mucho.

No solo sucede en los conciertos, también en el discurso que acompaña los discos.

M. S: Nos encanta trabajar el concepto. Y de repente empezamos a ver que se nos hizo una simbología, tantas cosas relacionadas, que se crea un universo casi sin quererlo. Es muy bonito.

Fillas de Cassandra nunca ocultaron su parte política, empezando por el feminismo de su primer éxito, Lisístrata. ¿Por qué?

S. F: Es algo que nos sale de manera orgánica, porque somos dos personas hondamente politizadas. Atraviesa nuestra vida. Cuando nos juntamos Sara y María como amigas, comentamos la actualidad y nos posicionamos. Es imposible distinguir eso del momento del acto creativo, es imposible que no se contamine, que no se contagie, de esas preocupaciones que tenemos.

M. S: No es una condición sine qua non. Quiero decir, si hay una canción que no sale con algo explícitamente político, también nos lo permitimos. No consideramos que todas tengan que tener un mensaje directamente político, pero si una vivencia de amor se ve atravesada por una vivencia política como mujeres, acabamos un poco diciendo “al ataque” [risas]. A veces es sobre una lucha activa, pero otras veces hablando de amor en una canción, el hecho de elegir una u otra palabra implica una posición política, implica un pensamiento asociado. Y de eso sí que no nos podemos deshacer. Ni queremos. No somos dos personas, una la creadora y otra la política, somos la misma.

S. F: Pero para llegar a empatizar con un mensaje sí que le damos muchas vueltas. Porque lamentablemente hay como un lenguaje mando ligado a la revolución y es difícil no caer en él. Le damos muchas vueltas.

También sucede con las canciones de amor: hay un lenguaje muy manido asociado a ellas.

S. F: Sí, claro. Hay que reformular los lenguajes.

¿Por qué decidieron que Tertúlia ahondase en la vertiente electrónica del proyecto?

M. S: La parte electrónica y la parte de tradición son los dos estilos más universales en los que nosotras coincidimos. Porque después hay pop, indie, coral, eclesiástico, yo qué sé... todas las fuentes de las que bebemos. Pero concretamente la electrónica y la tradición se unen en todos los puntos. Las raíces, con sus ritmos diferentes pero que al final se van generando parecidos. Y la electrónica, en la que muchas veces la letra es lo último y hay entonces un ritmo interno que crea comunidad.

S. F: Este disco además lo producimos junto a Çantamarta y Beni, uno de ellos, tiene mucho conocimiento de la electrónica. Nos aportó muchas herramientas que no conocíamos y nos abrió unas oportunidades sonoras que hasta el momento no habíamos podido explorar. Nos dimos la libertad de explorarlas sin límite.

¿Y qué es lo que quedada de tradi en Fillas de Cassandra?

M. S: Cobra cada vez más importancia. Al principio éramos unas sinvergüenzas diciendo “y un poco de esto y un poco de esto y un poco de esto”, pero fue tomando peso en el proyecto y fuimos haciéndonos conscientes. Ahora es una fuerza de identidad. Tenemos consciencia plena de los que significa para nosotras la tradición. Desde el máximo respeto, seguimos usando esas herramientas, nos apasiona. Pero ahora desde un mayor conocimiento, quizás.

S. F: También creo que en este disco, paradójicamente, estando más alejado del tradi es donde nos permitimos hacer una jota, que tiene una estructura, y una muiñeira, cogimos coplas, por ejemplo en Insolación aunque después le diésemos otra melodía, o en Amor, aunque acabase siendo una kizomba... Entonces de algún modo recurrimos más o igual al cancionero popular gallego en este disco que en el anterior, aunque después el resultado se aparte más.

Existe como una estructura profunda relacionada con ritmos tradicionales.

S.F: También hay una manera de estructurar y decir las letras que está basada en la manera de construir las coplas tradicionales. Eso también subyace bastante, aunque después el resultado sea diferente.

¿Cómo reciben a Fillas de Cassandra fuera de Galicia?

M.S: Es increíble. Hay una parte de sorpresa y de seguir sorprendiéndonos con la gente que quizás aquí en Galicia, donde tocamos hasta debajo de las piedras, ya no... aquí se siente en familia y es otro tipo de acercamiento. Pero fuera, en Roma, en Praga, donde puedes bajar y ver a las 100 o 200 personas que están allí, conectas directamente de otra forma. Ver esas caras supone para nosotras una adrenalina a la que somos adictas, claro. Ellos se emocionan, nostras más. El concepto de electrónica y raíces se recibe muy bien. Conecta.

¿Imaginaron alguna vez que la música gallega y en gallego —Baiuca, Tanxugueiras, The Rapants, Grande Amore, las propias Fillas de Cassandra...— iba a alcanzar la repercusión, exterior pero no solo, que está alcanzando?

S. F: Cuando soy plenamente consciente de mi ser esto ya era incipiente, se estaba gestando. Es cierto que cuando era más pequeña, la idea de la música tradicional estaba más vinculada con las asociaciones o los grupos de baile. Como mucho ibas a un certamen y entonces conectabas con otros grupos pero...

M. S: Sí, o ibas a Castrelos [parque de Vigo con un enorme auditorio al aire libre] a escuchar a Carlos Núñez, que era como un hito histórico pero algo mucho más específico. Es cierto que en festivales y así nosotras vivimos un pop en castellano o en inglés. Y creo que normalizamos demasiado rápido la situación actual para lo mucho que costó alcanzarlo.

S. F: Vino como algo muy dado y rápidamente nos sumamos a ser parte de esa escena. Es precioso.

¿Temen que el clima político y el ascenso ultra afecte a la cultura?

M. S: A mí sí me da miedo. Con todas las letras. Y me da infinita pena. Ahora mismo parece imposible que no pudiésemos dar este concierto [en Salesianos, Vigo], pero aún me contaba mi madre que el único palo que le dio la policía fue en la puerta de Salesianos. No hace tantos años. Volver a eso no parece ahora tan lejano y claro que me da miedo. No ya por el hecho de que nosotras no podamos cantar y expresarnos, sino porque es una tristeza que, tras tantos años luchando por el gallego, por ejemplo, haya ahora gente concienciada de que haya que volver atrás. Es surrealista. Pero confío en que no pase. Somos muy activistas, haremos todo lo posible para que no sea así.

S. F: Es algo que nos ocupa espacio mental, a mí por lo menos. Cada vez más, aunque no quiera y me parezca surrealista pensar que en algún momento vamos a sufrir represalias por las cosas que cantamos. ¿Nos van a vetar en determinados espacios? ¿Cuándo vamos a comenzar a vivir esto? Ojalá nunca. Pero hay comunidades en donde ya se está haciendo. Aún hoy salió la noticia de que la Junta de Castilla y León vetará las ayudas al cine en función de la ideología. Ni siquiera hace falta que venga de frente, sino que de repente bajan las contrataciones en determinados ayuntamientos, por ejemplo. Estas cosas se van percibiendo antes de una censura explícita. Habrá que estar muy atentas.

Patti Smith ya es oficialmente Premio Princesa de Asturias de las Artes, y con sorpresa incluida. Este viernes, la 'madrina del punk', la voz que pedía dar el poder a la gente, la autora de Éramos unos niños, la mujer que sigue influenciando a generaciones de artistas ha recogido el galardón de la mano de la princesa Leonor, ha pronunciado un discurso cargado de esperanza y ha cerrado su intervención cantando a capella unos versos de su canción Wing.

“Todos los que estamos aquí seguro que hemos sentido momentos maravillosos, también la frustración de los fracasos y el picor de la derrota, pero hemos seguido adelante”, ha dicho Smith. En ese momento ha aludido a su inmortal People have the power y a algunos de sus versos: “Todo aquello con lo que soñamos puede hacerse realidad con la unidad, somos el mundo que nos rodea, podemos ser la revolución de la tierra”.

Para después, anunciar que dedicaría al Teatro Campoamor una canción. Otra de las más míticas de su repertorio, Wing. “Me gustaría ofrecer otra canción. Para ese corazón que compartimos en un único alma. El que sigue palpitando y nos invita a seguir adelante”, ha añadido. Para a continuación cantar parte de la letra, que además lleva una referencia a España: “Yo era un ala en el cielo azul. Surcaba sobre el océano. Surcaba sobre España. Y era libre. No necesitaba a nadie. Era hermoso”.

Antes, durante su discurso, Smith también ha invitado a los galardonados, al público y a la sociedad a mirar al futuro. “Este premio es un incentivo para seguir trabajando y evolucionando, para encontrar nuevas formas de ayudar del mejor modo posible a la gente y dar esperanza y estabilidad a las nuevas generaciones”, ha asegurado en el Teatro Campoamor de Oviedo.

La cantante ha compartido que recibir el galardón le ha hecho “reflexionar sobre lo que ha logrado en la vida hasta ahora”, pero ni mucho menos se ha quedado ahí. “Ya cerca de cumplir ochenta años, también creo que el premio es un incentivo para seguir trabajando y evolucionando”, ha continuado, sobre todo de cara a inspirar a los jóvenes.

La juventud ha sido precisamente uno de los grandes temas de su discurso. “A título personal, también agradezco las oportunidades que la Fundación me ha brindado de hablar cara a cara, interactuar y actuar para tantísima gente joven y prometedora”.

Smith también ha alabado a sus compañeros en el palmarés de este año, como Timothy Garton Ash, Julian Barnes, Christina Koch o Leo Messi. La estadounidense ha dicho sentirse “unida” a ellos: “Todos han contribuido a mejorar el bienestar del mundo y de las personas, son referentes que promueven la alegría, protegen el medioambiente, exploran con audacia, defienden los derechos humanos, incentivan la curiosidad intelectual y constituyen una fuente de orgullo. Me siento muy afortunada de hallarme entre ellos”.

De hecho, Smith, para cerrar su discurso, después de agradecer de nuevo el “honor” de recibir el Princesa de Asturias y la “amabilidad y la consideración que nos ha ofrecido el equipo al completo”, ha señalado que todos “nos iremos de aquí con un premio mayor que el que anticipábamos, el de la amistad duradera”.

No lo ha dicho a la ligera. La cantante ha sido una de las galardonadas que más huella ha dejado este año durante su paso por Asturias. Llegó este martes al Principado y desde entonces, no ha dejado de dar que hablar con numerosos actos e intervenciones y dos conciertos en el Palacio de Deportes de La Guía y el Teatro Jovellanos de Gijón.

Quizás su momento más recordado fue este jueves, cuando unas 3.000 personas sorprendieron a la cantante para cantar con ella su mítico tema People have the power en la antigua Fábrica de Armas de Oviedo. Entre ellas, había una gran representación de varias corales asturianas y que, junto a cientos de voces anónimas, acompañaron a Smith, que aseguró que había escrito la canción precisamente para que momentos como ese sucedieran.

En la rueda de prensa previa a la gala de este viernes, Smith también se deshizo en elogios para España y su arte, particularmente a Pablo Picasso, por el que confesó su devoción. Sobre El Guernica, Smith aseguró que cada vez que va a Madrid lo visita porque es “probablemente, es la mayor obra sobre la destrucción de la guerra”. También cargó contra Donald Trump: “Tenemos un liderazgo deplorable. No tengo nada bueno que decir aunque normalmente uno siempre tiene algo bueno que decir, pero no en este caso”.

“La primera vez que estuve en España, me vi llorando abiertamente en plena calle”

La cantante estadounidense no ha sido la única que ha elogiado nuestro país. Christina Koch, Premio Princesa de Asturias de Cooperación Internacional y única mujer en integrar la tripulación del Artemis II, ha confesado en su discurso que la primera vez que estuvo en España se “vio llorando abiertamente en plena calle”. “Cuando estudiaba en España, me llamó la atención el titular de un periódico. El mensaje era claro, pero no lo podía creer: había perdido la vida la tripulación del transbordador Columbia, esos astronautas que eran mis héroes”, ha explicado.

Partiendo de esa experiencia, Koch ha relatado la responsabilidad que sintió cuando le ofrecieron ser parte de Artemis II, ya que con esa noticia se dio cuenta “de que las repercusiones de los vuelos espaciales tripulados van mucho más allá de las fronteras del país que lanza el cohete”. De hecho, cuando estaba en la nave, ha revelado, volvió a llorar durante una conversación con su marido. “Me dijo que algo estaba sucediendo 'aquí abajo', que la gente se estaba uniendo, sin importar de dónde procedía, sus ideas políticas, su educación o sus recursos económicos. Que estábamos marcando la diferencia. Escuché con incredulidad, me sequé las lágrimas y dije: 'Eso es lo que siempre quisimos'”, ha dicho la astronauta.

Sin embargo, Koch no se conforma con eso: “Hizo falta enviar a personas alrededor de la luna para que el mensaje resultara lo suficientemente convincente y que el amor triunfara. Así pues, esta es la misión de este premio. Háganlo todos los días. No esperen a la próxima misión a la luna para darse cuenta de que sus semejantes son sus compañeros de tripulación. Elijan el mundo en el que quieren vivir en cada interacción, en cada calle. Elijan vivir sabiendo que la verdadera plenitud está en dar, no en recibir. Confíen, sean agradecidos, muéstrense vulnerables”, ha zanjado.

El músico estadounidense Will Hoge actuará este domingo, 25 de octubre, en Liérganes, una cita con la que cierra su gira de diez conciertos por España para presentar en directo su decimoquinto álbum de estudio, 'Sweet Misery' (2025), un disco donde retoma el rock de guitarras eléctricas y poderosos estribillos con el que vuelve a una de las vertientes más enérgicas de su repertorio. El concierto en Liérganes será en el Whisky Bar Los Picos, a partir de las 19.30 horas.

El músico, natural de Nashville, regresa a los directos respaldado por los músicos que integran su 'Rock and Roll Band', con una gira que se inició el 15 de octubre en Valencia y que, tras pasar por Madrid, Segovia, Nerja, Sevilla, Barcelona, llega este viernes a Bilbao y tendrá sus dos últimas paradas en Palma de Mallorca (sábado) y Liérganes (Cantabria).

Este último disco supone un regreso al rock de guitarras tras transitar el músico una etapa más acústica e intimista, cuando a partir de 2012 decidió dejarlo todo y volver a sus orígenes.

Vista en su conjunto, en su trayectoria discográfica, Will Hoge mezcla elementos del lado más vintage del country, folk literario y rock heartland y evidencia ser un músico extremadamente prolífico que, además de publicar sus propios discos, compone otras muchas canciones escritas para otros intérpretes.

JUEVES 22 DE OCTUBRE

Un matrimonio sin filtros

Teatro Leal - 20.00 horas

Marga y Jaime, interpretados por Marta Hazas y Javier Veiga, son una pareja que decide separarse tras 15 años de convivencia. El conflicto estalla cuando ambos reclaman la propiedad de la casa, llevándolos a un duelo televisado de 21 días con cámaras ocultas que exponen su intimidad.

Nicotine swings - Efecto Laguna

Teatro Leal - 22.00 horas

Nicotine Swing presentará en directo su tercer disco, Borrando huellas. La banda tinerfeña cuenta con más de quince años de trayectoria y ha sido galardonada en los Premios Canarios de la Música. Nacida en torno al gipsy jazz y la tradición de Django Reinhardt, su sonido ha evolucionado hacia una propuesta cada vez más personal, incorporando influencias del bolero, estructuras del pop, la expresividad de la canción italiana y ecos de otras músicas de raíz.

VIERNES 23 DE OCTUBRE

Phantom - Danza en breve

Teatro Leal - 19.00 horas

Esta propuesta escénica de Darío Bardam trata de eliminar la distancia entre la danza y la música. El fracaso de ese intento dará lugar a una presencia, a la que el artista denomina fantasma, compuesta de ritmos y figuras.

Cuando el tiempo suena - Achaman

Teatro Leal - 20.30 horas

Achaman celebra su 50º aniversario sobre las tablas del Teatro Leal. Con el espectáculo Cuando el tiempo suena proponen un viaje por la memoria musical de la formación y su historia y por las distintas generaciones de músicos que la han conformado.

VIERNES 23 DE OCTUBRE - MIÉRCOLES 25 DE NOVIEMBRE

Exposición Retrospectum

Convento de Santo Domingo - de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas y sábados de 11.00 a 14.00 horas

Retrospectum repasa dos décadas de la obra de Manolo Yanes. La muestra reúne una selección de cuadros realizados entre 2005 y 2025, que definen su estilo figurativo, con protagonismo del dibujo, el color y la composición, así como la representación del cuerpo humano.

VIERNES 23 DE OCTUBRE - DOMINGO 1 DE NOVIEMBRE

XXIV Festival de Música Antigua de La Laguna

Convento de Santo Domingo - 20.00 horas

El Festival de Música Antigua de San Cristóbal de La Laguna regresa con un nuevo recorrido sonoro dedicado a la música medieval y del Barroco.

SÁBADO 24 DE OCTUBRE

Abraham Cupeiro - Reislas

Teatro Leal - 20.30 horas

En Resonando en el pasado, Abraham Cupeiro propone un viaje por la historia de la humanidad a través de los instrumentos. El artista combinará música y humor para guiar al público en este recorrido en el que empleará su enorme coleccioìn de instrumentos milenarios.

DOMINGO 25 DE OCTUBRE

XVII Festival solidario Yo quiero un mundo contigo

Teatro Leal - 18.00 horas

Esta gala en beneficio del Asilo de Ancianos de La Laguna propone una tarde de música, magia, baile y humor. Para la ocasión, contarán con las actuaciones musicales de Unidos por la música, Virginia Guantanamera, Javi Hernández, Sergio Núñez y Mujeres cantan a México; el espectáculo de magia de Malbert; las propuestas escénicas de los bailarines Aimara Cruz e Iván Morales y el humor de los personajes de En otra clave Chano y Carmen Rosa.

JUEVES 1 DE OCTUBRE - DOMINGO 31 DE OCTUBRE

Festival Internacional de Cine Independiente y de Autoría de Canarias

Sala Cultural El Desleal - 18.00 horas

Hasta finales de octubre, el público podrá disfrutar de las proyecciones de 19 películas con sello canario. El festival también recorrerá puntos del municipio como Punta del Hidalgo, la ULL y el CIFP César Manrique con charlas, debates y encuentros.

LUNES 19 DE OCTUBRE - VIERNES 6 DE NOVIEMBRE

Exposición Luis Rodríguez Figueroa: 150 años de su nacimiento

Centro Ciudadano La Candelaria

Esta edición de Mi barrio es cultura cuenta con una exposición itinerante dedicada a la vida y obra del escritor y político Luis Rodríguez Figueroa.

El frío está haciéndose notar poco a poco y el cambio de armario empieza a ser necesario, pero ojo porque para amenizarlo te traemos libros, películas y canciones en las que adentrarse este fin de semana.

Cinco planes para el fin de semana, por Elena Cabrera

Cine ecuatoriano (Cines Embajadores y otras sedes, Madrid). El Festival de Cine Ecuatoriano trae una cinematografía que no es fácil ver en las pantallas comerciales. Este primer fin de semana arrancan las proyecciones con las propuestas Los ahogados, Nunkui y Hiedra.

Noches de fado y melancolía (Teatro Lope de Vega, Sevilla). El Festival de Fado de Sevilla trae la emoción de la música portuguesa a orillas del Guadalquivir. Destacan las voces de Sara Correia y Beatriz Felício.

Fantasía en Vilagarcía (Vilagarcía de Arousa, Pontevedra). El Curtas Festival do Imaxinario celebra una nueva edición del 23 de octubre al 1 de noviembre reuniendo una muestra de largos y cortos de fantasía, terror y ciencia ficción. ¡También hay un concurso de balcones!

El universo Dalí (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid). Una fascinante exposición que explora el impacto de las teorías de Sigmund Freud en la obra de Salvador Dalí. La muestra reúne célebres piezas del pintor catalán junto a obras de Picasso, Ernst y Tanguy para descifrar el arte a través del psicoanálisis. Puedes ir a verla ya, pero la tienes disponible hasta el 24 de enero.

Barcelona inédita en los cincuenta (Galería Villa Alegre, Barcelona). Una mirada única a la capital catalana a través del objetivo del fotógrafo francés Jacques Léonard. La exposición rescata imágenes e impresiones inéditas que capturan la esencia del día a día y de la comunidad gitana de los años 50.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'Lar', de Bibiana Candia (Alfaguara). Tras contar en 'Azucre' la historia de los gallegos que emigraron a Cuba para buscar un trabajo y un futuro mejor, y se toparon con la esclavitud, la escritora cuenta en su nueva novela qué pasó con los que se quedaron: las mujeres que, solas porque siempre lo estuvieron, porque sus maridos las han abandonado o han muerto, o están en Cuba, luchan para ser ellas quienes saquen a sus hijos adelante, para sostener el mundo. Para ello, ficciona un hecho histórico real: el primer levantamiento obrero protagonizado en 1857 exclusivamente por mujeres, las trabajadoras de la Fábrica de Tabacos de A Coruña.

'El hotel de los sueños', de Laila Lalami (trad. Esther Cruz Santaella, Sexto Piso). La escritora estadounidense de origen marroquí imagina un futuro cercano, en el que un algoritmo, alimentado con los datos de los sueños, calcula la probabilidad de que una persona cometa un crimen. No hacen falta pruebas, basta una puntuación de riesgo demasiado alta, la que obtiene Sara, que en su regreso tras dar una conferencia en el extranjero, es detenida en el aeropuerto porque representa un riesgo inminente para la persona que más quiere, su marido. Con esta historia reflexiona sobre el amor, la libertad y la propia intimidad.

'La era de la revancha', de Andrea Rizzi (Anagrama). Una brújula para orientarse en este momento de gran cambio. El autor conecta en este ensayo una serie de puntos neurálgicos que inician en diciembre de 2001 y continúan hasta la última victoria de Trump en Estados Unidos. En el texto entrelaza las anotaciones geopolíticas, socioeconómicas y humanistas con referencias literarias, como la 'Divina Comedia', 'Memorias de Adriano' y 'Las uvas de la ira', que ayudan a comprender y contextualizar el análisis de esta nueva era.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

En un momento en el que parece que prima la felicidad falsa, esa sonrisa que alguien fuerza en una story de Instagram, la cantante Anni B Sweet reivindica la alegría honesta. Esa alegría que nace después de una necesaria pausa para reconciliarte con la tristeza. Es así cómo ha creado su quinto álbum de estudio, del que recomendamos una canción en nuestra playlist.

'Adiós con alegría'. Anni B Sweet encontró una sensación de alivio leyendo la literatura de André Breton, como ha contado a este periódico. Los libros del escritor francés, caracterizados por su surrealismo, la hizo estar más pendiente de los detalles y encontrar tranquilidad en las grietas que se abren. Esta canción, con la que abre su recién publicado álbum Alegría, es uno de los momentos más apoteósicos de su trabajo.

'I Want Blood' de Twin Temple. “La libertad de expresión, de religión y la proclamación del yo encarnan lo que es el satanismo”, ha explicado a elDiario.es Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acusados de usar sangre de bebés en sus conciertos e invitados por Jack White a abrir uno de los suyos, en esta canción ironizan con que quieren más sangre. Su sensualidad la hace exquisita.

'A Slow Goodbye' de Dee Holt. “El fantasma en el que te has convertido es mío”. Con esa afirmación recuerda esta artista canadiense a su abuelo, a quien dedica este tema tras un fallecimiento lento. La cantante recuerda los momentos que han pasado juntos y reflexiona sobre el significado de sentir a una persona cuando cada vez está más cerca. El piano aúpa una balada que forma parte de su próximo EP, programado para el 12 de diciembre.

Tres películas, por Laura G. Higueras

'Un amor posible'. El director de 'Burning', Lee Chang-dong estrena este drama romántico en el que un obrero recientemente despedido y desesperado y su mujer aceptan ser los protagonistas de un documental que está grabando una cineasta sobre las luchas sindicales. Esto le lleva a meterse cada más en sus vidas junto a su pareja, un rico empresario por el que la pareja del primero comienza a sentirse atraída. El resultado: una mirada incisiva a la lucha de clases, en el que se mezclan el trauma, la envidia y la pérdida de la dignidad.

'Wildwood'. Vamos con la dosis de animación de la semana, gracias a esta película del estudio Laika, artífice de joyas como Los mundos de Coraline. Dirigida por Travis Knight, está basada en el libro infantil ilustrado 'Las crónicas de Wildwod' de Colin Meloy. La trasma de este filme en stop-motion sigue a Prue McKeel y Curtis Mehlberg mientras intentan salvar al hermano pequeño del primero, Mac, de unos cuervos liderados por Alexandra. Todo ello al tiempo que son atraídos por un bosque mágico oculto. Aventura servida. 

'Moscas'. El mexicano Fernando Eimbcke firma esta película liderada por Olga, una mujer que, cuando se ve obligada por necesidad económica a alquilar una habitación, un hombre se muda a su casa metiendo a escondidas a su hijo de nueve años en el piso. Para su sorpresa, empieza a forjar un inesperado vínculo con el niño. Así, su mundo, controlado hasta entonces con una rutina regulada, sin amistades ni relaciones; comienza a cambiar y sus vidas a entrelazarse.

Hay grietas que se abren y por las que se cuelan cosas diferentes. Entre ellas, los ápices de felicidad en momentos de bajón. Es algo que Ana Fabiola López (Málaga, 1987), conocida artísticamente como Anni B Sweet, ha aprendido leyendo la literatura de André Breton. “No hay que quedarse con lo que se tiene delante, hay que usar la imaginación para meter fantasía dentro de nuestra realidad, que también es parte de ella”, afirma la artista a elDiario.es. Es así cómo nació Alegría, su quinto álbum de estudio y el predecesor de Universo por estrenar (2019).

Tras una etapa marcada por el freno de la pandemia y una extensa gira para promocionar su anterior trabajo, Anni B Sweet ha necesitado siete años para volver a publicar un disco en solitario. Entre medias ha sacado diversos proyectos, como su álbum colaborativo con la banda Los Estanques titulado Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado (2022). Sin embargo, no ha sido hasta que ha intentado combatir la tristeza extrema cuando ha logrado crear canciones que beben de la psicodelia de los 60, inspiradas por los ritmos luminosos de la música brasileña.

“Leer a Breton me ha ayudado a quitarle hierro a las cosas y a ensanchar el paisaje. Me hizo pensar que me estaba perdiendo un montón de historias más y provocó que escribiera de una manera diferente”, confiesa Anni B Sweet. Todas esas historias perdidas se ven reflejadas en sus nuevos temas, en los que cuestiona la obligación constante de tener sentimientos positivos y se deja llevar por la complejidad del ser humano. Los presentará en un tour que arranca en Barcelona el 19 de noviembre y sigue por Valencia, Granada, Madrid, Oviedo y Ponferrada.

El disco nos sumerge en la psicodelia de los 60. ¿Echa algo de menos de esa época?

Lo que veo en la música de los años 60 es mucha imaginación, fantasía y detalle. Había una gran libertad que quitaba el corsé del pop que parece exigirte una estructura fija. Y la gente estaba más habituada a escuchar ese tipo de canciones, donde se iba de un paisaje a otro. El pop era más “redondito”. Esa música siempre me ha inspirado mucho y me ha dejado espacio para hacer cosas en lugar de tener que cerrarme a algo.

Se dice que los artistas hacen mejor música desde el dolor, pero ¿habría que valorar el hacer arte desde la alegría?

A mí la tristeza me gusta mucho porque profundizas y te permite encontrar otras cosas, pero la tristeza extrema no me dejó componer. Cuando estás en un momento muy malo, es difícil tener ganas de levantarte de la cama y ponerte a escribir canciones.

Cuando se mudó a Aranjuez buscaba silencio, pero ha contado que ese silencio también le resultó difícil.

El silencio también te trae la soledad, y no es lo mismo sentirse solo que estar solo. Estar solo físicamente está bien; estás en casa y necesitas tranquilidad para componer, pero hay veces que cuando te metes mucho en ese estado te cala un poquito más. Parece que desconectas de todo, aunque a veces desconectar de todo es conectar más que nunca. Hay un equilibrio que es complicado, y hubo momentos en los que dije: “Creo que me pasé”. Sentí esa soledad que ya no hace tanta gracia.

Hoy parece que es más difícil que nunca alejarse del ruido.

Es muy complicado porque apetece mucho alejarse de todo lo que está sucediendo. Además, yo ya no retengo nada: miro algo y paso rápido a otra cosa. Hablamos de estar conectados, pero estamos superdesconectados. Y ahora también necesitas estar en las redes: haces un disco y tienes que hacer la promoción o parece que desapareces. Lo llevo regular, sobre todo porque cuando hay tanto ruido no me da tiempo ni a pensar, y sin tiempo para pensar es muy complicado saber explicarte y contar las cosas de la mejor manera posible.

¿Estamos usando las redes correctamente?

Según cómo las uses, son un arma de doble filo. Dejando a un lado todo el tiempo que perdemos en las pantallas, siempre está bien compartir y comunicar las cosas importantes que están sucediendo para que ocupen espacio. Para eso están muy bien las redes sociales, pero que no se quede solo en eso. Está bien comunicarse, pero hay que seguir con ese sentimiento reivindicativo cuando no estás con la pantalla delante.

Y también está el problema de los algoritmos.

Eso sí que es terrible. Si miras pájaros un par de veces, ya todo lo que te viene son noticias de pájaros y te puedes llegar a creer que lo que está sucediendo en el mundo va de pájaros, por poner un ejemplo absurdo. Pasa eso con todo. Tenemos que tener en cuenta que lo que hay ahí es solo un añadido y no quedarnos únicamente con eso.

Se comparten todo el tiempo mensajes de que hay que ser felices y aprovechar el tiempo. ¿Acaba siendo un lastre?

Según en qué momento estés de tu vida, te puede venir bien un consejo de esos, pero hay demasiada imposición del tipo “tienes que...”. Al final, trato de escucharme, de atender a los pensamientos que tengo en la cabeza, a cómo me siento y qué es lo que necesito, pero muy difícil por todo el ruido y lo que influye alrededor. Es verdad que a veces resulta dañino dar cierto tipo de consejos que no son tan sencillos, aunque todos queremos estar contentos, claro.

Se dice que la música lo cura todo. ¿Es cierto?

La música hace muchísimo, aunque no sería justo decir que lo cura todo de manera literal. A mí me ha ayudado a salir de muchísimos agujeros. En este último, escuchando música volví a tener ganas de moverme. Me vi bailando en casa estando de bajón; no me sentía bien, pero el cuerpo se movía y pensaba que el cuerpo sabe antes que la cabeza que la cosa va mejorando. Es como cuando ves a un niño chico y le pones música: se mueve de verdad. La música mueve y cura, pero no lo cura absolutamente todo, es solo una forma de hablar.

En su música es productora y arreglista. ¿Las mujeres tienen menos posibilidades como productoras?

Sí, puede ser. Hay muchas y muy buenas, aunque a lo mejor no se les ha dado el espacio o no se les ha dado la importancia cuando lo han dicho. Llevo años diciendo que había producido la demo de mi disco anterior, y en este he entrado mucho más de lleno, pero son cosas que a veces se pasan por alto. Hay una parte del proceso de la que casi nunca se habla, y es esa en la que estás sola componiendo, grabando los teclados, buscando los colores y generando la atmósfera de la canción antes de poder trabajarla con gente que te entienda.

Debutó en la industria con 21 años en 2009. ¿Le da miedo envejecer?

No si envejezco bien. Si la memoria no me falla, voy haciendo las cosas que quiero, aprendiendo nuevos instrumentos y buscando la manera de transmitir lo que quiero siendo leal a ello, me da igual que me pasen los años por encima. Lo único es que en la industria musical parece que hay un poco de miedo a envejecer, sobre todo para las mujeres. Parece que cuando llegamos a ciertas edades ya no estamos dentro de algunas escenas, pero se está hablando de ello y cada vez somos más conscientes. Sería lo suyo que cambiara.

Su agenda de conciertos combina actuaciones en salas con festivales. ¿Qué sigue teniendo una sala que no le aporta un festival?

En la sala tenemos más tranquilidad para hacer una buena prueba de sonido. Para mí es muy importante que el directo suene bonito; todo lo que nos curramos en el estudio hay que llevarlo bien al directo. Necesitamos tiempo para sonorizarnos y estar cómodos para dar el concierto que el público merece cuando va a verte. Los festivales te dan público nuevo que a veces no iría a un concierto tuyo, y eso es muy bueno, pero allí todo es muy rápido. Llegas, no tienes tiempo para hacer pruebas completas y te tienes que ubicar rápidamente.

Sin embargo, parece que se prioriza el recinto: hacer un Movistar Arena o un Metropolitano.

Tal cual. No sé si es tirar piedras sobre mi tejado, pero no me veo haciendo un Movistar Arena. No me gusta si el sonido se pierde, a no ser que el recinto esté preparado increíblemente bien para que el sonido llegue perfecto hasta al que está en la otra punta. Prefiero hacer cuatro o cinco salas más pequeñas que un lugar gigantesco. Hay mucha más conexión. Obviamente, poder decir que has llenado un Movistar Arena sería la leche, pero priorizaría el sonido frente al lugar porque la experiencia va a ser más bonita para todos.

Ahora los precios de los festivales están desorbitados y los horarios muchas veces impiden que vayan los niños. ¿Hay que cuidar más a la audiencia?

Nos debemos a ellos y me preocupo un montón por el público; quiero que escuchen bien lo que llevo años trabajando, porque se lo merecen al venir a verte y quieren llevarse un buen recuerdo. Pasa lo mismo con lo de escuchar música por el teléfono: he estado meses mezclando y masterizando un disco para que luego alguien lo ponga por el altavoz del móvil y no se escuche ni el bajo ni sus matices. También es una manera de educar: decirle a la gente que escuche el disco con buenos altavoces, en el sofá o en el coche porque la experiencia cambia muchísimo.

En el pasado ha reivindicado la necesidad de que haya más mujeres en los festivales de música.

La solución está en manos de los que contratan y de los promotores. Entiendo que necesitan sacar ciertas cantidades para rentabilizar un festival de esas magnitudes, pero hay grupos de mujeres que pueden llevar a eso. Si las vetan o dejan fuera, el público tampoco las descubre; es la pescadilla que se muerde la cola. Se deberían poner normas en las que en un cartel haya la misma cantidad de hombres que de mujeres. Eso obligaría a escuchar a las muchísimas mujeres que están haciendo una música increíble y que no están teniendo el mismo espacio ni trato que los hombres. Hay mujeres de sobra para hacer festivales enteros. Hay que ponerse con ello y no mirar solo los números de escuchas que tiene una persona en plataformas digitales por una o dos canciones.

Quizá también falten más mujeres dirigiendo festivales y en los despachos.

Y más mujeres que quieran escuchar a mujeres. Todo eso sería de gran ayuda. Está empezando a moverse, pero falta muchísimo camino. He estado en varios festivales donde pienso: “¡Qué guay!”. Pero luego me doy cuenta de que soy casi la única mujer allí. Te sorprende todavía un montón en el año en el que estamos y con la de tías que hay haciendo cosas increíbles.

Vídeo de la entrevista completa

“Se compró mi perfume para ponerse mi olor y su mayor fantasía es un día ser yo”. La cita es parte de una canción de la artista argentina Lali Espósito, titulada 'Fanático'. Probablemente te suene (solamente su videoclip ya tiene 27 millones de reproducciones en Youtube). Pero más aún si te llamas Javier Milei.

La cantante lanzó la canción en septiembre de 2024, pero la había grabado meses antes. Fue justo después de los enfrentamientos con el presidente de Argentina, quien la llamó “Lali Depósito”, la acusó de hacer playback y la tachó de “parásito” después de que ella opinase sobre la victoria del ahora presidente en las primarias: “Qué peligroso y qué triste”, dijo.

Espósito respondió al choque con un largo mensaje en redes en el que defendió la importancia de la cultura: “Creo que la demonización de una industria y de las personas que la conforman no es el camino, siento que la asimetría de poder entre usted y los que ataca por pensar distinto y la información falsa vuelve a su discurso injusto y violento”. “Ella empezó”, se justificó Milei, entre más críticas.

La letra llegaba justo después de la polémica. Y no fue casual: “Tuve que hacer una canción para responderle”, dijo en La Revuelta. Entre los versos del tema: “Te encanta hacer como que no tenés idea quién soy / y sé que tenés un póster mío en tu habitación”. También “yo entiendo qué te pasa si sos tan solo un niño / aunque te hagas el malo te está faltando cariño”. En una parte del videoclip, incluso, tiene una estética un tanto familiar para los argentinos y argentinas.

Una de las muchas personas que han escuchado esta canción es Pedro Sánchez. Hoy lo ha compartido. “Aprovechando que voy en el coche, camino de Burgos, para escuchar este temazo argentino. ¡Me encanta!”, ha publicado en su perfil de X, acompañado de una imagen. En ella, una mano (la del presidente del Gobierno, se supone) sostiene un teléfono en el que se reproduce 'Fanático'. Sánchez está escuchando justo la parte central de la canción, en el que Lali canta: “Se compró mi perfume para ponerse mi olor y su mayor fantasía es un día ser yo”. Puedes escucharla al final de este artículo.

Este tuit llega tras otro, esta misma mañana, en el que el secretario general del PSOE admitía: “Sí, soy zurdo. Y a mucha honra”. “Si subir las pensiones, dar más tiempo a los padres para disfrutar de sus hijos e hijas, subir el salario mínimo todos los años, defender el derecho a abortar de las mujeres y defender el 'no' a la guerra y 'sí' a la paz es ser zurdo, yo soy zurdo”, agregaba en un vídeo.

También su partido ha desplegado este miércoles una lona en su sede de Ferraz, en el que recibía a Milei con una motosierra (símbolo que él abraza sobre sus políticas de recorte, pese a que en su mandato ha empezado a acumular caso de corrupción). “Hola, Milei. Los zurdos y las zurdas te dan la bienvenida a España”, “el país que más crece en Europa”.

El presidente argentino se encuentra en España. Llegó en la tarde del martes y, otra vez más, no plantea reunirse con su homólogo español. Sí se ha reunido con el secretario general de Vox, Ignacio Garriga, y con el presidente del 'think tank' de Vox, la Fundación Disenso: Jorge Martín Frías. Por la tarde, a las 17.00 hará lo propio con Isabel Díaz Ayuso.

De Santiago Abascal y Ayuso, precisamente, ha hablado en su acto matutino Milei: ha dicho ser su “amigo” y cree “que tienen ideas sanas y positivas para sacar a España de la decadencia”. De Sánchez también ha hablado, pero para llamarle “impresentable dictador”.

Puedes ver a continuación el videoclip completo de la canción 'Fanático', de Lali Espósito, publicado en septiembre de 2024.

Sabîl significa camino o sendero en árabe y es el nombre artístico del dúo palestino que integran Ahmad Al Khatib (al oud) y Youssef Hbeisch (percusión). Los músicos se desplazarán a Asturias para participar los días 23 y 24 de este mes en 'Festivalín', el festival de músicas del mundo del concejo asturiano de Piloña, donde se conectan culturas y personas.

Ahmad Al Khatib y Youssef Hbeisch ofrecerán una charla en Infiesto/L'Infiestu dentro de unas jornadas solidarias y culturales sobre Gaza y un concierto en Valles de San Román.

Conciertos y docencia

La terrible situación que se está viviendo en Gaza llevó a los organizadores a programar este evento donde la recaudación irá destinada íntegramente a la ONG Human Appeal para su ayuda de emergencia dirigida a los niños. Es un gesto totalmente solidario, ya que ni los músicos, ni los organizadores cobrarán un solo euro.

Sabîl es el proyecto que Ahmad Al Khatib y Youssef Hbeisch formaron en 2011, aunque tocan juntos desde 1998. Ambos músicos compaginan sus giras internacionales con la docencia en conservatorios de música.

Su propuesta artística se caracteriza por renovar la música clásica tradicional árabe y la mística sufí mediante la experimentación rítmica y la improvisación.

Ahmad Al Khatib

Nació en 1974 en un campo de refugiados palestinos en Irbid (Jordania). Aprendió violín en la escuela y estudió oud (laúd árabe) con Ahmad Abed Qassim. Cursó musicología y violonchelo clásico en la Universidad de Yarmouk, y en 2004 obtuvo un máster en metodología de la educación musical por la Universidad de Gotemburgo.

Dirigió el departamento de música oriental del Conservatorio Nacional Edward Said, en Ramala y Jerusalén Este. En 2002 se vio obligado a abandonar Palestina. Desde entonces enseña teoría modal, educación auditiva y conjunto instrumental en la Academia de Música y Teatro de la Universidad de Gotemburgo, donde reside.

Instrumentista y compositor

Ha coescrito cinco métodos de oud y cinco volúmenes de transcripción bajo el título 'Sharqiat'. Además de Sabîl, dirige los proyectos Karloma, Samara, Sada Trio y Bosphorus Orchestra.

Está considerado uno de los grandes maestros contemporáneos del oud en el mundo oriental. Es el instrumentista y compositor principal del repertorio del dúo. 

Youssef Hbeisch

Nació en 1967 en Galilea. Empezó a tocar percusión a los siete años, enseñado por su hermano. Estudió filosofía y musicología, e investigó los sistemas rítmicos de las tradiciones india, persa, africana, cubana y latina. Toca darbuka, riq y bendir, entre otros instrumentos.

Enseñó ocho años en el Conservatorio Nacional Edward Said (Jerusalén Este, Ramala y Belén) y diez en Beit Al Musica, en Galilea. Imparte seminarios y clases magistrales en universidades y festivales de Brasil, Suecia, Dinamarca e Inglaterra.

Es percusionista de Le Trio Joubran desde 2007. Ha colaborado con Simon Shaheen, Ibrahim Maalouf, Aka Moon y Süleyman Erguner, y ha compuesto para teatro y para las películas 'Le dernier vol 'y 'Fix me'. Vive entre Haifa, París y los escenarios del mundo.

Youssef Hbeisch es un virtuoso de la percusión oriental y su técnica destaca por jugar de forma innovadora con las texturas y los silencios.

Discografía

Las creaciones del dúo están fuertemente conectadas con la identidad del mundo árabe. Su música transita orgánicamente entre la melancolía y la energía luminosa.

En 2012 se editó 'Sabîl', su álbum debut homónimo, grabado poco después de su formación bajo el sello del Institut du Monde Arabe y destacó por su profundidad instrumental.

Dos años después, salió 'Jadayel', un proyecto colaborativo en el que unieron su sonido tradicional al cuarteto de cuerda contemporáneo francés 'Béla'.

'Zabad', en 2019, mostró una evolución sonora descrita por la crítica como un trabajo más ligero y abierto a nuevos vientos creativos.

En 2024 vio la luz 'Tawaf ', su álbum más reciente, grabado en colaboración con el reconocido violonchelista francés Vincent Ségal. 'Tawaf' alude al concepto del movimiento circular y eterno, mezclando danzas kurdas y cadencias clásicas.

Recaudación con fines solidarios

Ahmad Al Khatib y Youssef Hbeisch actúan sin cobrar caché, y la organización tampoco cobra. La totalidad de los beneficios de los dos conciertos —lo recaudado en taquilla una vez descontados los gastos de viaje, estancia y comunicación y las comisiones de venta de entradas y de sala— se dona a la Fundación Human Appeal, junto con las aportaciones que se reciban.

Human Appeal destina esos fondos a sus programas de emergencia en Gaza: asistencia alimentaria, agua y salud. Sabîl ya había colaborado anteriormente con la organización.

La colaboración está recogida en un acuerdo firmado entre Bleu Prod, Silencio Sonoro y la Fundación Human Appeal.

Información práctica

Para las personas que estén interesadas en asistir a estos eventos, se ofrece la siguiente información práctica.

Este viernes, día 23, a las 20:00 horas, habrá entrada libre hasta completar el aforo en La Maléfica, en la calle del Quesu, en Infiesto/L’Infiestu, en el concejo asturiano de Piloña, para asistir a un momento de charla con Youssef y Ahmad sobre Gaza, Palestina, la situación de los artistas allí y las condiciones a las que se enfrentan para seguir creando, componiendo e ideando proyectos artísticos.

El local está gestionado por la asociación cultural La Benéfica, que ha recuperado un antiguo teatro para convertirlo en un espacio vivo de cultura, encuentro y creación en el medio rural. Sus integrantes lo definen como “un proyecto comunitario que impulsa la participación del pueblo y el diálogo entre generaciones, conectando la memoria local con las expresiones del arte de hoy en día”.

No dispone de aparcamiento propio, pero hay un parking público al lado. Hay barra de bar.

Cómo llegar: en el centro de Infiesto/L’Infiestu. Estación de cercanías línea C-6 desde Oviedo/Uviéu; desde Gijón/Xixón, línea C-5 hasta El Berrón y transbordo. Autobuses de ALSA.

El sábado, día 24, a las 13:00 horas, se celebrará el concierto en AMC Bocanegra en Valles de Piloña, con apertura de puertas un cuarto de hora antes. El público asiste de pie.

El coste total de la entrada asciende a 15,36 euros, ya que a los 15 euros de la entrada Entradium añade 0,36 euros de gastos de gestión; unos céntimos que son de la plataforma de venta, no de la organización.

No hay aparcamiento propio: se aparca por las inmediaciones. Hay barra de bar, pero no se sirve comida; hay restaurantes en los alrededores.

Cómo llegar: por la N-634. A 45 minutos de Oviedo/Uviéu (54 kilómetros), 46 de Gijón/Xixón (56 kilómetros) y 10 de Infiesto/L’Infiestu (8 kilómetros). No hay transporte público hasta Valles de San Román: el tren de cercanías (línea C-6) y los autobuses de ALSA llegan solo hasta Infiesto/L’Infiestu.

El dúo actúa también en Madrid el 25 de octubre en Sala Villanos, con Rocío Molina como artista invitada, en el marco de esta misma acción solidaria.

El Tribunal Administrativo de Contratos Públicos de Aragón (Tacpa) ha anulado la licitación convocada por el Ayuntamiento de la localidad zaragozana de Cuarte de Huerva para gestionar las clases de su Escuela Municipal de Música, un contrato con un valor estimado de 472.120 euros, sin IVA. El órgano autonómico ha estimado el recurso presentado por una empresa del sector y ha declarado nulas varias cláusulas de los pliegos por incluir criterios de adjudicación que no estaban suficientemente justificados, no guardaban la necesaria vinculación con el servicio contratado o dejaban un margen excesivo de discrecionalidad en la valoración de las ofertas. Caen 40 de los 70 puntos de calidad: las autorizaciones para exámenes oficiales (15), los certificados ISO 9001 y RSC (5 + 5) y el equipo humano (15).

La resolución, adoptada por unanimidad el pasado viernes 16 de octubre, llega en un momento especialmente delicado para la escuela, cuyo calendario contemplaba el comienzo de las clases este lunes 19 de octubre. El procedimiento de contratación permanecía suspendido cautelarmente desde el 1 de septiembre, por lo que la anulación obliga al Ayuntamiento a corregir los pliegos y convocar una nueva licitación si quiere continuar con esta fórmula de gestión.

Consultado al respecto, fuentes del Ayuntamiento de Cuarte han manifestado que, “debido a situaciones anteriores” –en referencia a informaciones periodísticas previas sobre el Consistorio–, el Gobierno municipal rechazaba “conceder declaraciones a este medio”.

El contrato estaba destinado a cubrir los cursos escolares 2026-2027 y 2027-2028, con un máximo de 3.700 horas de servicio por curso, entre docencia, tutorías y tareas organizativas. La oferta educativa incluye iniciación musical para los más pequeños, lenguaje musical, enseñanza de instrumentos y talleres infantiles, además de la gestión de preinscripciones y matrículas. Las clases se desarrollan en el Centro Cívico Cultural del municipio.

La controversia se centra en los criterios elegidos para adjudicar el contrato, que otorgaban hasta 70 puntos a aspectos relacionados con la calidad y 30 a la oferta económica. Entre los primeros figuraban 15 puntos para las empresas que dispusieran de autorizaciones para realizar exámenes oficiales de enseñanzas musicales, otros diez por determinadas certificaciones de responsabilidad social y gestión de calidad y 15 más por las características del equipo humano propuesto.

El tribunal cuestiona especialmente que se premiara a las empresas autorizadas para realizar exámenes oficiales cuando la Escuela Municipal de Música de Cuarte imparte enseñanzas no regladas. El contrato tampoco incluía programas específicos de preparación para acceder a conservatorios, tutorías orientadas a ese objetivo ni otras actividades que permitieran justificar la ventaja que se pretendía valorar.

El Ayuntamiento defendió que disponer de estas autorizaciones garantizaba una enseñanza de mayor calidad y facilitaba a los alumnos interesados su futura incorporación a estudios musicales oficiales. Sin embargo, el Tacpa considera que los pliegos valoraban una característica previa de la empresa sin concretar cómo se traduciría en una mejora efectiva del servicio municipal.

Criterios establecidos por indicación del equipo de gobierno

Uno de los aspectos más relevantes de la resolución aparece en la propia memoria justificativa de la contratación. El documento señala expresamente que los servicios municipales elaboraron los pliegos incluyendo, “por indicación del equipo de gobierno”, el procedimiento de adjudicación y los criterios de valoración de las ofertas.

La memoria defendía la conveniencia de dar más peso a la calidad que al precio, con el propósito de mejorar la enseñanza y ofrecer nuevas oportunidades formativas al alumnado. El tribunal no cuestiona ese objetivo general, pero concluye que varios de los criterios concretos elegidos no cumplen las exigencias legales para garantizar una valoración objetiva y una competencia efectiva entre las empresas.

La resolución también anula la valoración de determinados certificados de responsabilidad social y calidad por las deficiencias apreciadas en su justificación y vinculación con la prestación contratada.

La resolución también cuestiona los 15 puntos reservados a la valoración del equipo humano. Los pliegos no concretaban suficientemente qué titulaciones, experiencia o cualificaciones se tendrían en cuenta, pese a que el contrato contemplaba la subrogación de la plantilla docente de la empresa saliente. Ante las dudas planteadas por GABOU sobre cómo podía diseñarse y valorarse un equipo de profesores cuyas características solo conocía plenamente la empresa que prestaba el servicio, el Ayuntamiento respondió que los licitadores debían realizar un “ejercicio de abstracción” para plantear una plantilla adecuada. El tribunal considera “poco razonada” esta respuesta municipal y concluye que las explicaciones ofrecidas no despejaban las dudas ni permitían preparar las ofertas con las garantías necesarias.

Dos empresas presentaron ofertas

La licitación se publicó el 7 de agosto y el plazo de presentación de ofertas finalizó el día 24 del mismo mes. Durante ese periodo concurrieron dos empresas. La mercantil GABOU SL presentó el recurso el 21 de agosto, sin llegar a participar en la licitación, una circunstancia que el tribunal no considera obstáculo para reconocer su derecho a impugnar unas condiciones que podían limitar la competencia.

ACA Música y Danza SL, una de las empresas participantes, presentó alegaciones para defender la legalidad de los pliegos y solicitó que se desestimara el recurso. Está vinculada a un centro privado de Zaragoza que se presenta como autorizado para impartir enseñanzas profesionales de música y obtener titulaciones oficiales. Se trata precisamente de la condición que los pliegos municipales premiaban con hasta 15 puntos y que el tribunal ha considerado injustificada para el servicio contratado. La empresa defendió expresamente la legalidad de este criterio en sus alegaciones al recurso, al sostener que contribuía a garantizar la calidad de la enseñanza. ACA cuenta, con experiencia en contratos públicos de formación musical en municipios como Caspe, Alagón y Fraga, y figura como adjudicataria de un contrato anterior de la propia Escuela Municipal de Música de Cuarte de Huerva, y este sería, con diferencia, el mayor contrato de ACA.

El Tacpa ha estimado finalmente la impugnación y ha declarado la nulidad de las cláusulas afectadas, del anuncio de licitación y de los actos relacionados con su aprobación. El Ayuntamiento deberá modificar los documentos para corregir las deficiencias detectadas antes de convocar un nuevo concurso, si persiste la necesidad de contratar el servicio.

La resolución es ejecutiva y pone fin a la vía administrativa, aunque puede recurrirse ante el Tribunal Superior de Justicia de Aragón en el plazo de dos meses.

El Festival Sonora 2026 cerró el pasado fin de semana una edición “histórica” en la plaza de Santa Ana, en Las Palmas de Gran Canaria, con la asistencia de más de 16.000 espectadores que llenaron el aforo de este espacio urbano en las jornadas de viernes y sábado.

En un nota, la organización destaca el alto porcentaje de jóvenes espectadores que se han incorporado al público del festival en las dos últimas ediciones, seguidores del talento canario de la escena urbana.

Una escena que este año tuvo de protagonistas a Juseph, Daniela Garsal, Nacho LPZ y Juli & Mckenzy, además de una de las apuestas nacionales de 2026, Barry B, y Good Franco, banda ganadora del concurso Sonora 2026.

La organización apostó por diseñar un cartel de artistas en el que tuvieron cabida los sonidos urbanos que son tendencia y referencia para las nuevas generaciones; el rock y el lenguaje de las guitarras que está insertado en la historia del proyecto desde sus comienzos; y la fusión de la música sinfónica con el pop rock con el estreno de Efecto Pasillo Sinfónico, proyecto que llevó al terreno orquestal las canciones más emblemáticas de la banda grancanaria junto a la Orquesta Universitaria Maestro Valle y Barrios Orquestados, y que puso el broche de oro en la clausura.

En vísperas del 20º aniversario de Sonora que se conmemora el próximo 2027, el festival ha vuelto a posicionarse como la gran convocatoria de música en directo en el mes de octubre en la capital grancanaria.

El festival contó con la presencia en la jornada del sábado de artistas de la talla de la banda murciana M-Clan, los extremeños Sanguijuelas del Guadiana, la formación británica The Molotovs, y Los Blody, ganadores del certamen.

El broche de oro a esta edición histórica del festival Sonora 2026 lo puso el excepcional concierto Efecto Pasillo Sinfónico. Una producción de estreno impulsada por Sonora que reunió en el escenario a unas 150 personas entre músicos y cantantes con la banda grancanaria Efecto Pasillo, con el cantente Iván Torres, Javi Moreno a la batería, Arturo Sosa al bajo y Nau Barreto a las guitarras, además de Tato Latorre, director musical, guitarras y teclados; la Orquesta Universitaria Maestro Valle de Barrios Orquestados, dirigida por José Brito, con 60 músicos, y dos coros: Orfeón Tagoror un coro participativo con 58 voces adultas de Barrios Orquestados y el Coro infantil Barrios Encantados que son 22 niños y niñas, bajo la dirección de Héctor Rodríguez de Armas.

Apertura de inscripción del concurso Sonora 2027

La organización de Sonora ya tiene en el horizonte la edición del 20º aniversario que se conmemora en 2027 con la apertura el 1 de diciembre del plazo de inscripción del concurso Sonora 2027. Una convocatoria especial que supone una nueva oportunidad para que solistas y proyectos emergentes de cualquier estilo musical presenten sus propuestas. Las inscripciones se pueden realizar a través de la página web.

Una nueva apuesta por el talento y la música de las Islas y sus protagonistas en una convocatoria que vuelve a defender con firmeza la creatividad, la innovación y la diversidad.

La organización recuerda que se puede presentar cualquier propuesta musical, ya sea urbana, pop, rock, autor, músicas del mundo, folk, jazz, contemporánea, experimental o electrónica, creada por una banda o artista residente en Canarias, abierto a todos los formatos y todos los estilos, sin importar géneros musicales.

Sonora es un evento patrocinado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Turismo de Gran Canaria, Gobierno de Canarias, Promotur Turismo de Canarias y la colaboración de Cadena SER Las Palmas.

Cualquiera que haya acudido al concierto de su grupo o artista favorito ha sentido esa emoción cuando empiezan a sonar los primeros acordes de esa canción, justo la que más se deseaba escuchar. Y es que en un concierto, el público normalmente grita el título de su canción favorita y confía en que el artista tenga el oído fino. Sin embargo, el Movistar Arena de Madrid ha sido el escenario de un acontecimiento único; un show en el que el público votó una canción que no había sonado en toda la gira. 

El artista protagonista fue Jorge Drexler y la canción ‘La trama y el desenlace’, que no se había tocado antes en ningún concierto anterior de la gira. Así lo decidieron, a través de su móvil, los 7.000 asistentes. La iniciativa llevaba la firma de Telefónica, que aprovechó la cita para estrenar sobre el escenario —o más bien, frente a él— una plataforma de participación en tiempo real pensada para eventos de gran afluencia. 

La mecánica era sencilla. Desde una hora y media antes del inicio, un código QR visible en las pantallas del recinto daba acceso a la votación sin necesidad de bajarse aplicaciones ni de rellenar formularios, solo se escaneaba, se miraba la lista de canciones propuestas por el propio artista y se votaba. Los resultados aparecían al instante en las pantallas del Movistar Arena, lo que propició que la votación se convirtiese en parte del espectáculo. Y así, el resultado fue uno de esos pequeños detalles que hacen que un concierto sea irrepetible, con una canción que no había sonado antes en el repertorio. Y por si eso fuera poco, hubo propina, ya que Drexler quiso interpretar también la segunda más votada, Milonga del moro judío.

No fue el único detalle de una experiencia que quería que el público conectara con la música de una forma especial, ya que la preparación para el evento empezó mucho antes de que se apagaran las luces. Quienes habían comprado entradas recibieron previamente un vídeo exclusivo que repasaba la historia de la gira: de las primeras canciones esbozadas en el estudio al nacimiento del disco, y de ahí a los escenarios y a las ocho nominaciones a los Latin Grammy® con las que llega Drexler a esta etapa. Y ahí sí, el aviso añadido de que esa noche podrían influir en el programa.

Y para concluir, cuando los espectadores creían que la experiencia había terminado al apagarse las luces, hubo un nuevo bis. Al día siguiente, los asistentes recibieron un vídeo resumen de todo lo vivido esa noche durante el concierto, acompañado de un mensaje del mismo Drexler. Un gesto que cierra el círculo de una experiencia que se extiende mucho más que un concierto. 

Toda la ingeniería que había detrás 

Quien haya intentado alguna vez conectarse a una red wifi en un evento multitudinario sabrá la dificultad real del asunto que se esconde en esto, que la red funcione cuando miles de personas están haciendo lo mismo, en el mismo sitio y a la vez. Según Telefónica, la plataforma se apoyó en tecnologías en la nube y en la red de comunicaciones que la compañía tiene desplegada en el recinto. Incorporaba autoescalado —es decir, ajustar los recursos disponibles a medida que sube o baja la demanda— y una red de distribución de contenidos (CDN) para garantizar que todo fuera fluido incluso en el momento de máxima concurrencia. La compañía puso la tecnología al servicio de una experiencia cultural más conectada, avanzando en su propósito de facilitar a los ciudadanos nuevas formas de acceso y relación con las tecnologías digitales

Telefónica ha multiplicado por cuatro las instalaciones móviles de nodos en el Movistar Arena, con una mejora de la cobertura 4G y, sobre todo, de la 5G, incluida la modalidad 5G SA (Stand Alone), que permite funciones como el network slicing y el edge computing. El recinto cuenta además con cobertura en bandas milimétricas (mmWave), desplegada sobre todo en la zona Bowl, para ofrecer más velocidad, menos latencia y mejor respuesta a los picos de tráfico, tanto en conciertos como en eventos deportivos. Lo que supone que hay más antenas y están mejor repartidas, para que subir un vídeo del bis no suponga una espera que agote la paciencia. 

Así pues, la experiencia del concierto de Jorge Drexler supuso que el público pudiese, en tiempo real y por una vez, decidir una canción del repertorio, algo que cualquier aficionado agradece. Y por si eso fuera poco, la tecnología funcionó de la mejor manera posible, haciendo que nadie tenga que pensar en ella. 

Raül Refree (Barcelona, 1976) va a la panadería y escucha lo siguiente: “¡A ver si nos traes el Oscar!”. Es algo que el músico nunca había podido llegar a imaginar y que, sin embargo, se ha convertido en una enorme posibilidad tras el estreno de La bola negra. La película con la que Javier Ambrossi y Javier Calvo conquistaron el Festival de Cannes se ha convertido en una de las grandes favoritas de Hollywood en la próxima temporada de premios. Tanto, que todos los que participaron en el filme también empiezan a acaparar los focos.

El productor es el responsable de la banda sonora de La bola negra, un trabajo en el que ha tenido que encontrar el equilibrio para acompañar una historia marcada por la represión y el miedo a ser homosexual sin subrayar demasiado las emociones. No era una tarea sencilla. “Siempre sentía que caminaba por la cuerda floja”, explica sobre el proceso de composición. Después de trabajar con los Javis en La Mesías, Refree vuelve a colaborar con ellos en una cinta en la que cantantes como Judeline o Guitarricadelafuente embellecen lo que se ve gracias a lo que suena.

Siendo reconocido por su trabajo en Los Ángeles de Rosalía, disco debut de la artista a la que le acaban de otorgar el Premio Nacional de las Músicas Actuales, y tras colaborar con Rodrigo Cuevas, C. Tangana o Niño de Elche, Raül Refree recuerda la fuerza de cantar en comunidad y la importancia de escuchar de verdad. Lo hace en su libro Cuando todo encaja, pero es algo que lleva constantemente al estudio. En una industria que parece exigir resultados inmediatos, el productor prefiere perseguir otra cosa: hacer música que pueda sobrevivir al momento en el que fue creada.

¿Se ve ya en los Oscar?

Intento no pensar mucho en los Oscar. Quieras o no, vas recibiendo inputs no solo de lo que está pasando aquí, sino también del interés en EEUU, y trato de vivirlo con toda la alegría, como algo nuevo que llega a mi vida. Aparte de que la gente le dé mucha importancia a los premios, lo que más satisfacción me da es ver cómo la película y la música han llegado a un público tan variado, desde gente muy joven hasta personas mayores. Estoy recibiendo un montón de mensajes y esa es la mejor sensación que puedes tener.

¿Lo esperaba?

Confiaba y creía que la película llegaría a mucha gente. Si tanta o no, es difícil de decir, pero la primera vez que leí el guion tuve la sensación de que era una película necesaria.

En su libro Cuando todo encaja dice que su primer recuerdo de la música es el de escuchar a su abuela tocando a Mozart. ¿Qué hay en esa escena que le sigue emocionando?

Me costó mucho encontrar la forma de explicar cómo entiendo la música, y fue entonces cuando recurrí al recuerdo de la infancia de ver a mi abuela tocar el piano. Ella ya era muy mayor, le fallaban las manos y hasta la memoria, pero me resultaba profundamente emocionante verla tocar, todo lo contrario a lo que sentía con mi profesora de piano, que tocaba con la posición y la técnica perfectas, pero no me despertaba ninguna emoción. A través de esa historia me vi capaz de explicar que para mí el objetivo fundamental de la música es la emoción; la técnica y todo lo demás no dejan de ser herramientas que, si no logran emocionar, no sirven para nada.

¿Esa profesora le hizo querer abandonar la música?

Que viviera una mala experiencia con la educación más clásica y con la forma rígida de enseñar a un niño a tocar el piano no significó que mi amor por la música disminuyera. Entiendo que en la educación clásica deben establecerse métodos generalizados, pero mi forma de acercarme a la música era muy libre y puramente emocional. Me resultaba mucho más fácil inventarme una pequeña melodía, aunque fuera una tontería, que reproducir algo exactamente como ellos querían. Eso me alejaba del método y me hacía sentir incómodo, hasta el punto de que me provocaron cierto trauma con el piano. Tardé muchos años en volver a tocarlo, pero mi amor por la música seguía intacto. Hoy me sigo considerando más melómano que músico; lo que más me gusta es escuchar, y así es como más he aprendido a componer.

Hace hincapié en la emoción. ¿Cómo puede una banda sonora transmitir el miedo a ser gay y a la represión?

La música tiene una potencia emocional enorme. Es el arte más abstracto de todos: no se ve, no se toca; la percibimos por pura abstracción y quizás por eso puede llegar a lo más profundo de nosotros. Pero eso también entraña un peligro: en una película con una carga emocional tan fuerte, la música puede pasarse de frenada y subrayar demasiado la emoción. En La Mesías encontré el equilibrio musical con cierta facilidad, pero en esta película siempre sentía que caminaba por la cuerda floja: si me inclinaba un poco a la derecha o a la izquierda, me caía. Tenía que encontrar el punto exacto, porque la historia no te permitía irte hacia los extremos para no subrayar de más ni resultar demasiado frío.

Judeline interpretó Soldadito español en La Revuelta y recibió muchas críticas, acusándola de embellecer un tema ligado a la guerra colonial.

No he visto mucho sobre el tema. Sí vi que ella la cantó muy bien. Al final, lo hace porque es parte de la historia de la película, tiene un significado concreto dentro del relato y simplemente está interpretando lo que ocurre en La bola negra. Con Soldadito español, los directores me pidieron una versión para ver qué se me ocurría; les mandé una demo con mi propia voz de fondo que era muy parecida a lo que terminó siendo. Recuerdo que me dijeron que era increíble porque les ayudó a visualizar el inicio de la película a partir de la música, y esa es la idea que ha sobrevivido hasta la pantalla.

Estamos tan sobreestimulados que la escucha real se ha vuelto un acto revolucionario

Raül Refree — Productor y cantante

Ha sido elogiado por La Nieve, que canta Guitarricadelafuente.

Los Javis tenían claro que, a pesar de que Álvaro [Guitarricadelafuente] actúa en la cinta, querían que cantara la canción original, pero sin que pareciera un paréntesis; querían que formara parte del diálogo narrativo y musical de toda la película. Álvaro me enseñó un primer esbozo de melodía antes de irse de gira, y yo pude trabajar con total libertad para que funcionara tanto como canción como banda sonora. Acompaña uno de los momentos más emocionantes de la película: cuando el personaje sube la montaña y van cayendo los esquiadores. Es preciosa y, aunque la he visto miles de veces, me sigo emocionando.

Usted suele trabajar en equipo. ¿Hemos perdido la capacidad de disfrutar la música en comunidad?

El espacio público es cada vez menor. Me sorprende ver plazas nuevas, de esas duras, donde los bancos no están enfrentados para mirarse los unos a los otros, como si pretendieran que toda la comunicación fuera digital y la presencial se redujera al mínimo. A lo largo de la historia, la música ha sido un gran factor cohesionador. El sentimiento de pertenecer a una comunidad nos hace fuertes, y cantar junto a alguien por el simple disfrute de hacerlo no solo es placentero, sino un nexo de unión poderosísimo que estamos perdiendo.

¿Este individualismo deriva de las pantallas?

Lo veo exactamente así. Estamos sobreestimulados, y eso complica la reflexión, la observación, la escucha y el silencio. Muchas veces hablo con mis amigos sobre cómo la “escucha real” —y no me refiero a oír algo de fondo, sino a estar escuchando a la persona frente a ti, como espero que estemos haciendo nosotros ahora— se ha vuelto un acto superrevolucionario. Hoy en día se escucha y se observa poco, dándole prioridad a ese estímulo constante y a ese crecimiento absurdo de querer estar haciendo cosas todo el rato.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales.

Lo recibí con muchísima alegría. Rosalía me parece una superartista; aparte de nuestra historia común y de que me llevo bien con ella, le tengo una admiración inmensa. Ojalá se lo dieran siempre a artistas de su envergadura.

¿Siente que el premio también es, en parte, suyo?

No, para nada.

¿Usted podría haber estado en los créditos de Lux?

Me considero un músico muy versátil y con muchas ganas de probar cosas nuevas. Ahora, con perspectiva, creo que he sido muy valiente al meterme en según qué proyectos, y me veo capaz de adaptarme a muchos sitios distintos. Al final tomo mis decisiones de forma muy poco racional y muy intuitiva; si siento algo especial por un artista o proyecto, me tiro de cabeza, sin importarme si es exactamente el estilo que domino.

Como músico, no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa

Raül Refree — Productor y cantante

¿Hacemos bien en ver a los músicos como genios?

Desde el Romanticismo se ha exagerado la figura del artista, subiéndolo a un pedestal casi como si tuviera una conexión superior con Dios. Yo creo cien por cien en la figura del artesano, y me siento como tal. Me gusta aprender, le dedico muchísimas horas a mi trabajo, pero no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa. Al final, son trabajos útiles; el mío emociona, pero un buen mueble o el trabajo de cualquier otro profesional también te puede emocionar. Lo fundamental es que el trabajo de los demás nos llegue y nos toque.

¿La industria musical se ha vuelto elitista?

Me ha ocurrido infinidad de veces que alguien se me acerca tras un concierto y me dice: “Me ha encantado, pero bueno, yo es que no sé de música”. ¡Como si no pudieras dar tu opinión sin haber estudiado un montón! La música y el arte tienen que traspasarnos y convertirse en emoción. Si te llega, no hace falta haber estudiado nada para expresar lo que sientes.

En esta era de TikTok, donde la música se consume y se desecha, ¿cómo alcanza la atemporalidad?

La gran obsesión de mi vida siempre ha sido que la música que hiciera me pudiera sobrevivir. Me ha importado mucho menos lo efímero de la moda actual y siempre he trabajado para conseguir cierta inmortalidad a través del arte. Últimamente, me he dado cuenta de que, en el fondo, hay una parte de ego importante en ese deseo de trascender, algo que antes no quería admitir. No existe una receta mágica para la atemporalidad. Intento estar conectado con el día a día y me encanta trabajar con gente mucho más joven, pero en el momento de tomar una decisión creativa final, nunca pienso en si va a ser un éxito inmediato o si se va a poner de moda; siempre tomo la decisión buscando lo que considero mejor para la música en sí misma.

Más de tres décadas después de su formación, los Backstreet Boys siguen llenando estadios y pabellones, con una exitosa residencia en Las Vegas, a las que se ha unido una de 12 conciertos en Düsseldorf (Alemania) recientemente y una en Canadá el próximo invierno, demostrando que siguen estando vigentes a nivel musical. 

Aunque la que es considerada la boyband más exitosa de todos los tiempos no habría logrado todo esto si no fuera por una canción que les abrió definitivamente la puerta de su país, Estados Unidos, que se les había resistido en un primer momento y por el que tuvieron que probar suerte en Europa.   

Del lanzamiento de ese sencillo, ‘Quit playing games with my heart’, se cumplen 30 años este octubre, justo cuando Nick Carter, Brian Littrell, AJ McLean, Howie Dorough y Kevin Richardson lograron finalmente el éxito en EE.UU que luego propiciaría que se convirtieran en uno de los grupos de chicos más importantes y una de las figuras más relevantes de la música de finales de los 90 y principios de los 2000. 

'Quit playing games with my heart' y el inicio del fenómeno Backstreet Boys 

Los Backstreet Boys se habían formado en 1993 en Orlando, Florida, pero no sería hasta dos años después cuando grababan su primer disco en Estocolmo junto a Denniz Pop y un entonces desconocido Max Martin. Este trabajo, bautizado luego por el grupo como ‘álbum rojo’, se lanzó en 1996, pero no encontró éxito en USA. Es por eso por lo que, debido a que sí que tuvo buena acogida en Europa, los chicos comenzaron allí a actuar, aunque no se rindieron hacia su país de origen. Así fue como Jive Records les volvió a dar una segunda oportunidad. 

Esta vino con ‘Quit Playing games with my heart’ publicada el 14 de octubre de 1996, escrita por Max Martin y Herbie Crichlow y que fue número uno en varios países europeos, dos en Reino Unido y en abril de 1997, alcanzaría también la segunda posición en la lista Billboard Hot 100 con lo que derribaron el obstáculo americano con el que se habían topado la primera vez, vendiendo además más de dos millones de copias. 

Y es que el primer intento había llegado con su primer single, ‘We’ve Got it Goin’ On’ que no llegó a tener éxito en Estados Unidos, pero que habían grabado en diciembre de 1994 junto a ‘Quit Playing Games with my heart’, en una misma sesión de grabación, en tan solo dos días. En ese momento, sin embargo, no estaba Nick Carter, que, con 14 años, no pudo cantar porque estaba en pleno cambio de voz en la pubertad. 

Es por lo que cuando se decidió que sería el relanzamiento del grupo en Estados Unidos, se optó por una regrabación con Nick Carter que tuvo lugar en el verano de 1996. Aunque antes de esto, Backstreet Boys tuvieorn que pelear con su discográfica para que la canción fuera la escogida, pues desde Jive Records tenían planificado que fuera con ‘If You Want it to Be Good Girl (Get Yourself a Bad Boy)’, saliéndose finalmente el grupo con la suya y que el tiempo daría la razón. 

Gracias al éxito en listas de esta canción, llegó ‘Backstreet Boys’ en agosto de 1997, el primer disco del grupo en USA, en el que se recopilaron canciones del debut en Europa y algunos inéditos, como fue ‘Everybody’, uno de sus primeros himnos a nivel global. Después de todo esto, el resto es historia. 

Backstreet Boys se convirtió en todo un fenómeno de masas que escapó a la escena musical, especialmente con la publicación del disco ‘Millenium’ en el que llegó su gran himno, ‘I Want it That Way’. Sin embargo, a pesar de haber vendido más de 150 millones de discos a nivel mundial y ser uno de los grupos más exitosos de la historia de la música, nunca llegaron a tener un número 1 en la lista Billboard, precisamente siendo ‘Quit playing games with my heart’ siendo su punto más alto, y que acaba de llegar a las tres décadas. 

La música y el baile tradicional volverán a darse cita en los Valles Pasiegos este sábado, 24 de octubre, con motivo del III Encuentro de Folclore organizado por la Asociación Juvenil La Velorta.

La jornada se celebrará en el bar La Fonda, en Bárcena de Carriedo, y contará con talleres participativos y actuaciones abiertas al público.

Desde La Velorta defienden que conocer el patrimonio es el primer paso para conservarlo, por lo que sus propuestas buscan acercar las tradiciones y los saberes locales a vecinos y visitantes.

El programa comenzará a las 12.00 horas con un taller de pandereta impartido por Soltxu. A las 13.30 tendrá lugar la actuación de Las Pandereteras de La Central, mientras que a las 16.30 se celebrará un taller de baile tradicional con Danitu. La programación concluirá a las 17.30 horas con la actuación de Picayos, Grupo de Danzas Virgen de Palacios.

Todas las actividades son gratuitas y para participar en los talleres es necesario realizar una inscripción previa a través del correo electrónico lavelorta@gmail.com.

La asociación pone así el acento en “la participación de la juventud en la conservación del patrimonio cultural que nos une”. En este sentido, los organizadora señalan que el objetivo es que las tradiciones no queden vinculadas únicamente al pasado, sino que sigan presentes en la vida cotidiana y puedan transmitirse entre generaciones.

El circuito 'Origen' de la Consejería de Cultura continúa en 2026 con su iniciativa de divulgación del patrimonio cultural inmaterial de Cantabria a través de una nueva serie de diez píldoras audiovisuales, la primera de las cuales aborda la tradición oral y la importancia de documentarla como herramienta para preservar el patrimonio cultural inmaterial.

Estos materiales tienen como objetivo compartir conocimientos sobre el folclore de Cantabria, acercar sus tradiciones al público general y contribuir a su conservación y transmisión a las nuevas generaciones.

El folclore se ha transmitido de generación en generación a través de la palabra, la memoria y la práctica, gracias a personas que han mantenido vivas canciones, melodías, coplas, jotas y romances.

En Cantabria, mujeres como Adela Gómez y Lines Vejo fueron importantes guardianas de este legado, compartiendo generosamente sus conocimientos al calor de la lumbre de sus cocinas o durante los días a jorra, acompañadas de la pandereta, ha indicado el Gobierno.

Junto a esta transmisión cotidiana, la labor de recopilación y documentación ha resultado fundamental para conservar estos saberes.

Durante el último siglo, varias personas han dedicado voluntariamente su tiempo a localizar informantes y recoger sus testimonios mediante escritos, grabaciones y publicaciones. Un trabajo que ha permitido preservar expresiones de la cultura popular que, de otro modo, podrían haberse perdido, y que hoy constituyen una valiosa fuente de conocimiento sobre la identidad cultural de Cantabria.

David Pérez-Gómez Natural, músico, luthier y docente, ha sido una de esas personas que ha documentado la tradición y ha publicado diversos artículos y libros sobre el patrimonio cultural inmaterial de Cantabria.

A través de vídeos breves, el programa vuelve a apoyarse en personas y saberes vinculados al folclore para ofrecer información accesible sobre la cultura tradicional de la comunidad.

La iniciativa da continuidad al trabajo iniciado el año pasado, cuando se publicaron ocho píldoras dedicadas a distintas manifestaciones musicales y tradiciones populares.

Los nuevos materiales, realizados por la productora El Cuartuco, se difundirán a través del perfil de redes sociales @culturadecantabria y podrán solicitarse a la Consejería de Cultura para su utilización gratuita por parte de medios de comunicación, centros educativos, ferias y eventos culturales o turísticos interesados en divulgar el patrimonio de la región.

Durante las próximas semanas la Consejería irá difundiendo las demás píldoras que versan sobre temas concretos como la tonada, las albarcas o las danzas vivas o más generales como la importancia de la mediación, la educación superior y la enseñanza informal.

Satanás siempre ha sido incomprendido o malinterpretado, así que tenerlo como referente intelectual y filosófico no es lo más recomendable si no quieres que tus vecinos murmuren a tus espaldas. Por lo tanto, sí, se puede decir que Satanás está en el corazón del rock & roll y también de la esencia del punk, porque cuestionar la autoridad lo convirtió en un paria. Básicamente, el satanismo ateo —que es el que defienden desde Anton La Vey a Lucien Greaves— viene a ser eso: subversión y rebeldía contra lo establecido. Una manifestación social o artística que, al presentarse con una estética teatral —arte gótico, calaveras, rituales, capas, la figura de la mujer desnuda, el símbolo de Baphomet— hace pensar en lo peor.

“La libertad de expresión, de religión, la proclamación del yo y nuestros derechos a ejercer todo eso encarnan lo que es el satanismo”, explica Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acaban de sacar su tercer álbum, Doomed Lovers, y han estado embarcados en una gira por EEUU. Zack James, marido y compañero de grupo de Alex, declaró hace un tiempo que “EEUU es, en esencia, algo satánico”, y ella insiste en que “lo es porque se trata de un país construido sobre la idea del individualismo, el libre albedrío, la innovación y, sobre todo, la libertad”.

Así pues, si mañana Twin Temple actúa cerca de tu casa —el dúo ya tocó en ciudades españolas en 2022 y 2024, y está anunciado para el Azkena Rock de 2027—, ningún bebé corre peligro. Esta última observación puede parecer tremendista, pero no es ninguna exageración. En su país ambos sufrieron el acoso del periodista conspiranoico de ultraderecha Alex Jones, que les dedicó uno de sus podcasts de InfoWars, acusándoles de usar en sus conciertos sangre de bebés a los que habían asesinado. Y este verano, el músico country Charley Crockett los despidió como teloneros de su gira contrariado por su puesta en escena, alegando que “pensaba que eran como Black Sabbath, y no lo son”.

La decisión abrió un debate en los medios acerca de la libertad de expresión, pero, antes de eso, Jack White ya le había pedido al dúo, a través de sus redes sociales, si le harían el honor de abrir su concierto en Los Ángeles el 29 de septiembre, cosa que hicieron. “El amor es la ley”, afirma Alex ante la pregunta de si ser satanista en la América de Trump es una buena opción. “Si logramos fomentar un sentido de comunidad e inclusión bajo el estandarte del libre albedrío, la búsqueda del conocimiento, la libertad creativa, la libertad religiosa y la libertad de expresión, entonces, en cierto modo, habremos cumplido con nuestra misión. Queremos unir a personas con ideas afines y erradicar la intolerancia y la ignorancia en todas sus formas”, alega.

En su libro Satanismo. Historia del culto al mal (Editorial Almuzara, 2024), el periodista Javier Cavanilles presenta al dúo de esta manera: “Twin Temple puede considerarse la banda sonora del nuevo satanismo. La calidad de su música inspirada en los cincuenta, el compromiso de sus letras y el sentido del humor son lo mejor que le ha pasado al maligno en décadas. Temas como I Am A Witch, Satan Is A Woman, Be A Slut o Burn Your Bible son auténticas declaraciones de principios de satanismo ateo, progresista y social. El dúo ha confirmado que el diablo, como dicen los ingleses, siempre tiene las mejores melodías”. “Zack y yo nos conocimos en la escena punk de Los Ángeles cuando éramos adolescentes”, cuenta Alex acerca de los orígenes de Twin Temple.

“Los dos estábamos en bandas que tenían un lado muy Johnny Thunders, por eso ambos grupos compartieron cartel alguna vez. Creo que lo nuestro fue amor a primera vista, y nuestra relación romántica se desarrolló en paralelo a la artística y viceversa. Definitivamente, Twin Temple es el niño mágiko, la combinación de nosotros dos y de nuestras pasiones”. Eso explica que, desde que en 2019 lanzaron Twin Temple (Bring You Their Signature Sound... Satanic Doo-Wop), la mayoría de sus canciones sean de amor. Ahora mismo, son el grupo musical romántico por antonomasia, y su tercer álbum así lo confirma. “Muchas de las canciones de Doomed Lovers hablan de lo que ocurre cuando amas alguien sin contar con una red de protección que te proteja en una posible caída. Celos, obsesión, traición, dolor, deseo, cosas que hacemos ver como que no forman parte de lo que es el amor, cuando en realidad son parte del concepto”, indica.

La gran novedad de Doomed Lovers respecto a sus discos anteriores reside en la producción. Shooter Jennings —cuyo currículo incluye nombres como Brandi Carlisle, Waylon Jennings o Marilyn Manson— le ha dado un sonido majestuoso a unas canciones que provienen de las raíces de la música popular norteamericana. Country, balada, rock & roll y, cómo no, doo wop. “Shooter acababa de meterse en los Sunset Sound Studios cuando nos animó a trabajar con él. Estar ahí era como ser un niño en una tienda de dulces. Estaba el piano con el que se grabó Purple Rain, el estudio donde estuvieron los Stones haciendo Beggar’s Banquet y The Mamas & The Papas cantaron California Dreaming. Estando ahí nos entraron ganas de probar si podíamos hacer un disco de corte clásico. Escuchamos discos de Roy Orbison y Patsy Cline, música triste, suave, con arreglos sofisticados. Música romántica que también podía resultar devastadora”, dice.

La aparición de Jennings resultó providencial. En aquel momento, Alex y Zack estaban pasando por una mala racha debida a una serie de circunstancias personales y profesionales. “Perdí a mi halmeoni”, apunta Alex, usando el término coreano —su padre era de allí— para nombrar a la abuela. “Ella fue quien me crio y fue como una madre, así que su muerte me dejó hundida. También perdimos a nuestro niño [se refiere a su mascota, un perro de raza pug]. Sentí que dos de las cosas más bellas de mi vida me habían sido arrebatadas. Además, teníamos problemas editoriales que afectaban a nuestros discos. Durante años estuvimos envueltos en una batalla legal para poder publicar God Is Dead [su segundo álbum, que finalmente salió en 2023]. Vivíamos en una especie de cárcel creativa que nos impedía hacer lo que queríamos. Doomed Lovers fue un intento de curar esas heridas, o al menos dejar plasmadas todas esas cosas en el disco”, añade.

El doo-wop satánico de Doomed Lovers suena cien por cien clásico e intemporal, igual que esas canciones antiguas que cita Alex. Pero ella defiende la contemporaneidad de su estilo, más allá del detalle de que hayan hecho giras con bandas de metal como Danzig o Uncle Acid. “Creemos que, en muchos aspectos, incorporamos un carácter distintivo y una filosofía especial a nuestra música. Y a nivel lírico, en las tiendas de batidos no escucharás sonar letras como las que escribimos nosotros. Musicalmente, nos sentimos comprometidos al rock & roll americano clásico, y esa es una búsqueda que durará siempre. Pero a la vez, dentro de ese ámbito no dejamos de encontrar música que también nos inspira”, alude.

Toledo acogerá el próximo la actuación de Spark · Die klassische Band, el quinteto alemán del que forma parte la toledana Isabel García Castro.

El grupo, galardonado con el prestigioso Echo Klassik en la categoría 'Música clásica sin fronteras', ofrecerá sendos conciertos en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Madrid el sábado 24 de octubre y el domingo 25 en el Teatro de Rojas de Toledo.

Su nuevo trabajo, con el que ha obtenido un rotundo éxito de crítica y público a lo largo del verano durante su gira de presentación en los más prestigiosos escenarios alemanes, lleva por lema 'Libertad, fantasía y chispas ardientes' e incluye música de George Bizet, Hector Berlioz, Fréderic Chopin, Leo Delibes, Francis Poulenc y Ernest Krähmer; la Sérenade de Pauline Viardot-García y Paris 1830 de Sebastian Bartmann, así como piezas de Adam Ilyas Kuruc, Elena Kats-Chernin y Michael Nyman, además de sendas composiciones de la flautista Andrea Ritter y del pianista Christian Fritz, que junto con Daniel Koschitzki (flauta de pico, melódica), Stefan Balazsovics (violín) y la mencionada Isabel García Castro integran Spark_Die_Klassische_Band.

Una identidad artística singular

Spark ha construido una identidad artística singular a partir del diálogo entre la tradición musical europea y los lenguajes de nuestro tiempo. El quinteto alemán se define como una formación que “reinventa lo clásico”, situando el patrimonio histórico junto a nuevas composiciones, arreglos y sonoridades que amplían las posibilidades expresivas de la música de cámara y la abren al presente y al futuro.

El grupo destaca por su singular combinación instrumental y por una propuesta en la que conviven rigor interpretativo, innovación artística y una concepción abierta del repertorio.

“Una pandilla de rockeros con instrumentos musicales clásicos” -en definición del Ausburger Allgemeine- que interpretan “música de cámara al más alto nivel y al ritmo de la actualidad”, de acuerdo con la crítica musical del Frankfurter Allgemeine.

“Queremos abrir la música clásica también a personas que hasta ahora no la hayan escuchado. Nos gusta utilizar patrones del rock, el pop y la música de cine, lo que facilita la conexión con el público joven y con amantes de la buena música que no se habían interesado por los repertorios clásicos”, señalan los músicos de Spark.

“Una de las ideas de Spark es que sobre el escenario tienen que suceder cosas. Que el público no tenga delante únicamente atriles y pies, sino que pueda ver actuar a los intérpretes y que éstos también interactúen con él”.

“Nos agrada, nos entusiasma, la doble oportunidad de ofrecer este otoño nuestra música al público español. Hacía tiempo que no tocábamos en España, lo hicimos en el Liceo de Barcelona hace unos catorce años a través del Goethe-Institut. La incorporación de Isabel a Spark en mayo del año pasado reavivó nuestro deseo de regresar a los escenarios españoles”, explican sobre la participación de la toledana.

“Valoramos y agradecemos muchísimo el interés del Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid” por incluir a Spark en la 54 edición de su festival anual ‘Grandes autores e intérpretes’ en el Auditorio Nacional; y la oportunidad y las facilidades que nos ha brindado la gerencia del Teatro de Rojas para llevar también nuestro “espíritu bohemio” a la maravillosa “ciudad de las tres culturas”, señalan los y las integrantes del quinteto.

Amy Winehouse murió hace más de quince años, pero su música todavía sigue presente, estando viva en forma de legado, con una clara influencia en la música contemporánea, especialmente por el resurgimiento del soul y el jazz dentro del pop y rock. Una figura que, además, ha cobrado vida de forma especial después de que Sunday Times haya recuperado una entrevista no publicada que tuvo lugar en 2007 y en la que hablaba de sus mayores miedos y de cómo vivía el éxito. 

Amy Winehouse: “La idea de morir sin haber dejado huella era mi mayor miedo” 

En mayo de 2007, la periodista Ariel Leve de Sunday Times se sentó junto a Amy Winehouse y tuvieron una conversación en la que la cantante reveló algunos de sus miedos y de cómo sobrellevaba la fama de su disco ‘Back to Black’, que se convirtió en uno de los grandes discos de principios del siglo XXI. 

Por aquel entonces, Winehouse tenía solo 23 años y acababa de contraer matrimonio con Blake Fielder-Civil, al mismo tiempo que disfrutaba del éxito mundial del álbum ‘Back to Black’. Sin embargo, la entrevista quedó archivada por motivos editoriales y de publicación y no ha sido recuperada y publicada hasta este octubre, casi dos décadas después. 

Uno de los detalles que más ha llamado la atención es cómo habla de su mayor miedo, lo que ha causado especial impacto si tenemos en cuenta que la artista fallecería tan solo cuatro años después: “Cuando era más joven, sí. La idea de morir sin haber dejado huella era mi mayor miedo. Sé que solo tengo 23 años, pero...”. 

Amy Winehouse murió el 23 de julio de 2011 a los 27 años a causa de una intoxicación etílica en su apartamento en Camden, en el norte de Londres, lo que la hizo entrar en el fatídico ‘Club de los 27’ en el que varias estrellas de la música fallecieron a esta edad, entre los que se encuentran también Kurt Cobain, Jim Morrison, Jimi Hendrix o Janis Joplin. 

La entrevista perdida de Amy Winehouse 

En esta entrevista que ha recuperado Sunday Times, Amy Winehouse también reflexiona sobre el enorme éxito que tuvo ‘Back to Black’, del que se han cumplido 20 años de su publicación y con el que superó el millón de copias vendidas en el Reino Unido: “Me ha ido bien, ¿sabes? Acabo de grabar un álbum del que estoy muy orgullosa. Si muero mañana, pues genial”, afirmaba. 

Esta entrevista se quedó archivada y nunca fue publicada debido a un conflicto interno de horarios, y especialmente porque tan solo una semana después se publicó en una publicación hermana, en el Saturday’s Times Magazine, una entrevista con la cantante que habían comprado de una agencia y que también había publicado Rolling Stone. Además, la discográfica y su equipo de managers tampoco estaban contentos con cómo fue llevada la conversación. 

En el principio del milenio, la mezcla de estilos dentro del rock distaba mucho de lo que es actualmente, y si hoy en día el rock alternativo y la mezcla del jazz o el rap en este género está asentado es en parte por un grupo y una canción que supusieron todo un punto de inflexión en este sentido. 

Hablamos de Linkin Park, una banda que fue pionera en democratizar el rock alternativo, y que se hizo famosa al fusionar rock, hip-hop, música electrónica en géneros como el nu metal, y que en parte se demuestra en su tema más popular y alabado, “In the End”, que a su vez escondía la triste historia de su fallecido vocalista Chester Bennington, que, sin embargo, no estuvo muy de acuerdo en publicarla. 

El origen de la canción que acercó el rock alternativo a las masas 

“Al tocar ”In the End“ en directo, al llegar al puente, siempre hay tanto ruido que no se nos escucha. Naturalmente, en algunos momentos hemos dejado de tocar. Chester y Mike sostenían los micrófonos y encendían las luces”, declaraba Brad Delson, guitarrista de Linkin Park en una entrevista en 2020 sobre la experiencia de tocar la canción más popular de la banda y todo un himno generacional. 

“In the End” fue publicada en septiembre de 2001 en radios y en octubre de 2001 como CD comercial, hace 25 años, como tercer single (cuarto en Europa) del disco ‘Hybrid Theory’ de Linkin Park, banda originaria de California con más de tres décadas de historia actualmente. 

La canción surgió nueve meses después de la publicación del disco, y aunque ya era un éxito con sus singles anteriores, pero que llegó a un nivel superior con este tema, que cambió la percepción del rock alternativo para el público general y cambió la jerarquía de sonidos, en palabras de Mike Shinoda, uno de los fundadores y líderes del grupo: “Fue parte de la evolución hacia la ruptura de las barreras entre los estilos musicales”, aseguró en una entrevista. 

Shinoda contaría más tarde que ‘In the End’ surgió en un local de ensayo en West Hollywood, un barrio en el que por entonces “había prostitutas y traficantes de drogas”, y donde en una habitación sin ventanas se encerró para componer en tan solo un día la canción, que, al mostrarla a sus compañeros, fue ya un éxito: “Desde que llegó esa maqueta, todos supimos que era especial”, comentó. 

Chester Bennington y la triste historia que esconde ‘In the End’ 

Pero ‘In the End’ no solo esconde su humilde origen, sino también la triste historia del vocalista Chester Bennington, quien falleció en 2017 a los 41 años tras quitarse la vida, tan solo unos pocos meses después de la muerte de uno de sus mejores amigos, Chris Cornell, a quien le dedicó una carta diciéndole que no se imaginaba un mundo sin él.  

Bennington, quien se unió al grupo en 1999, aportó una dura vivencia de abuso y adicciones a la canción, plasmando todas sus emociones con una voz capaz de sonar angelical a gutural. Sin embargo, a pesar de la popularidad que tuvo el tema y lo que supuso para la banda, al cantante no le convenció y llegó a comentar: “Nunca me gustó y ni siquiera quería que estuviera en el disco”. 

A pesar de ello, desde su lanzamiento como sencillo en el otoño de 2001, la canción llegó al número 2 de Billboard Hot 100, el punto más alto en la lista para Linkin Park, así como ser top 10 en varios países alrededor del mundo. Aunque el éxito no fue inmediato, sino que surgió por sorpresa tras un lento inicio, lo que se conoce en música como ‘sleeper hit’. Desde entonces, la banda la toca en sus conciertos, ahora con la voz de la nueva vocalista Emily Armstrong. 

En Marruecos era “la cristiana”, como llaman allí a los europeos, pero cuando llegó a España tampoco terminó de sentir que se la acogiera bien. La cantante Restinga, nacida en Tetuán bajo el nombre de Herminia Loh Morenoha, ha experimentado lo que significa crecer con raíces en dos países y sentir que, a ojos de los demás, nunca terminas de formar parte de ninguno. “Lo que aprendes y lo que te hace ver la gente es que no perteneces a un lado u otro”, recuerda. Hoy, en cambio, reivindica que la cultura marroquí tenga su espacio en la música que se escucha en España: le gustaría que las canciones en árabe pudieran sonar en nuestra radio.

La artista refleja una realidad que atraviesa a jóvenes con raíces marroquíes que moldean nuestra cultura y que ya no quieren verse obligados a elegir entre dos identidades. De hecho, muchos de ellos son los autores de la música urbana que triunfa en España. Es el caso de Yassir, que ha compuesto canciones para artistas como Quevedo, Lola Índigo o La Zowi. Las experiencias de ambos tienen puntos en común, pero también muestran distintas formas de relacionarse con sus orígenes. Mientras ella vivió en Marruecos hasta la adolescencia y se mudó a Sevilla para estudiar una carrera, recuperando en su música elementos de la cultura popular marroquí, él ha construido aquí su identidad.

Ambos representan la lucha de quienes defienden que las fronteras no deben decidir quién merece ser aceptado en una sociedad. Restinga, de hecho, sostiene que el rechazo a las personas migrantes no se explica únicamente por sus costumbres, su origen o su religión, sino también por las desigualdades económicas. “No se trata de cosas culturales, sino de quién es pobre y quién no”, cuenta la artista a elDiario.es, señalando que “lo que molesta es la pobreza”. “Luego viene un noruego a pagar un alquiler por 1.500 euros que tú no puedes pagar como español y a la gente le da igual porque a los rentistas les conviene. Como son ricos, no pasa nada, pero cuando se trata de un moro empieza a molestar”, apunta.

Para Yassir, la dificultad por encontrar un lugar propio apareció durante su infancia. Aunque pasó sus primeros años en Madrid, cuando empezó a tener uso de razón vivía en un pueblo de Valencia donde no había otras personas marroquíes. Fue allí donde notó que tenía que amoldarse a los demás para encajar. “Es donde sentí que me tenía que adaptar y dejar de lado mis raíces para sentirme acogido”, afirma. Con el tiempo, no obstante, su relación con sus orígenes ha cambiado y asegura que cada vez conecta más con ellos, sin sentir que deba renunciar a una parte de sí mismo para formar parte de la sociedad española.

La historia de Restinga está atravesada, a su vez, por privilegios que no están al alcance de todo el mundo. Aunque nació y creció en Marruecos, su madre es española y ella tenía pasaporte español, una ventaja que le permitió plantearse marcharse para estudiar en Sevilla a los 18 años. “Sabía que podía irme de ahí”, reconoce. Sin embargo, durante su adolescencia no era plenamente consciente de lo que significaba disponer de esa opción mientras otras personas no podían plantearse la misma salida. “Me han educado un poco en el no opinar, en el silencio y en el 'tú tira pa'lante'”, recuerda, aunque con el paso del tiempo ha revisado aquella educación.

Yassir también considera que la posición desde la que cada persona observa la realidad condiciona la manera en que interpreta las experiencias ajenas. Respecto al debate sobre migración, reclama que hace falta escuchar más a quienes atraviesan momentos difíciles. “Deberíamos de entender más a las personas y saber que la situación de cada una es complicada”, insiste el músico. Este considera que “hablar desde una posición más privilegiada te hace ver las cosas de distinta manera” y cree que “hay que intentar entender más a las personas que necesitan ayuda”.

Restinga, por su parte, mantiene una mirada crítica sobre lo que sucede en Marruecos y sobre las personas que se ven obligadas a abandonar el país. “Ahora veo cómo la gente se está moviendo con una rabia muy bien colocada que me abruma y me enorgullece”, relata la artista, que viajó hasta Ceuta cuando empezó a ver en redes sociales vídeos de personas que cruzaban la frontera y de otras que morían en el intento. Impactada por aquellas imágenes, se marchó con unas amigas y pasó allí cuatro días para echar una mano. La joven, además, cuenta que se quedó impactada por la poca ayuda que encontró en la ciudad.

“Me acuerdo que decía: '¿Qué pasa que no están aquí las organizaciones que tienen que estar?'. Y no me refiero a las no gubernamentales, sino al Gobierno. ¿Dónde coño está, tío?”, rememora Restinga, que tuvo que escuchar “comentarios inhumanos” y “muy heavys” durante su breve estancia allí. “Puedo entender que abrume el hecho de que de repente en tu ciudad hayan entrado muchas personas doblando la población, porque de pronto dices: '¡Hostia! ¿Qué hacemos? ¿Qué pasa con esto?'. Pero otra cosa son las barbaridades que escuchaba, que es para mirárselo”, detalla.

“En España está entrando un fascismo que miedo me da ahora con las elecciones”, declara la artista, quien expresa su temor ante la normalización de discursos que presentan a las personas migrantes como una amenaza. “España es un país muy, muy racista”, comenta. “La gente no se queja cuando vienen migrantes de España para arriba. Es puro racismo y xenofobia, no consigo entenderlo”, alega. Yassir incluso indica que la diversidad cultural ha de ser motivo de celebración: “Cada cultura y cada persona tiene tanto cosas positivas como cosas negativas, pero deberíamos de entender que cada uno que tiene su forma de pensar y su forma de ver las cosas, siempre con el respeto por delante”.

Canciones en español y en árabe

Para no olvidarse nunca sus raíces, Restinga canta en español y en dariya, la variedad del árabe marroquí. Después de tantos años en España, la artista reconoce que a veces olvida palabras porque ya no las utiliza habitualmente en Madrid. Escribir en esa lengua le permite recuperar vocabulario y mantener vivo un vínculo con su lugar de origen. Además, ha observado que las letras en español suelen llevarla hacia asuntos íntimos y románticos, mientras que las que escribe en dariya tienden a abordar cuestiones relacionadas con Marruecos, la familia o su entorno social. Es algo que está presente en Free Baby, su álbum debut publicado el año pasado.

Las referencias al imaginario popular marroquí también conforman las canciones del disco. Una de ellas es Aisha Kandisha, que hace referencia a una figura vinculada a las historias que escuchaba en casa y cuya función se parecía a la del coco en España, un personaje con el que se asustaba a los niños. “Hay cosas que no quiero dejar atrás y que pertenecen a mí a día de hoy”, detalla la cantante. Otro tema de Free Baby se llama Cashcash, que significa “escondite” en dariya, e incluso el mismo título del proyecto hace alusión a un cántico infantil que le gustaba mucho cuando era pequeña. “Es un disco muy nostálgico que tira de la infancia para traerlo a tu persona actual”, cuenta.

La necesidad de decidir quién es también atraviesa su experiencia como artista queer. Restinga publicó en 2023 Abrazaditas, una canción que cuenta una historia de amor entre dos chicas. “Viviendo en España siento comodidad escribiendo de ciertas cosas. En el disco también compongo sobre cómo quiero a una persona y esa persona es una mujer. Estuve en noviembre del año pasado de gira en Marruecos y la canté”, afirma, aunque confiesa que no está segura de si el público siquiera llegó a comprender lo que contaba. “Obviamente, el miedo existe allí, y cuando voy tengo miedo y es algo muy serio. Mucha gente que se quiere ir es porque son personas queer y no pueden vivir allí como ellos quieren”, subraya.

Por su parte, Yassir dio sus primeros pasos lejos de los grandes estudios. Cuando quiso empezar a grabar, preguntó en uno cercano a su casa y descubrió que una sesión costaba 200 euros, una cantidad que no podía permitirse. Así que decidió aprender por su cuenta a través de tutoriales en internet. “Quería empezar a hacer música, así que opté por mirar vídeos de YouTube”, explica sobre aquellos comienzos, cuando aprendió a producir, grabar y crear sus propias canciones sin apenas recursos. Con el tiempo, Yassir ha encontrado su lugar en una industria en la que muchas veces el público conoce las canciones, pero no a todas las personas que han participado en su creación.

A él, sin embargo, no le preocupa demasiado ocupar un segundo plano. “Mi sueño al final siempre ha sido vivir de la música y hacer música”, comenta. Cuando trabaja con otros artistas, disfruta aportando ideas tanto en la composición como en el ambiente del estudio, sin reservarse sus propuestas por miedo a que otra persona se lleve el reconocimiento. Esa forma de entender su oficio también le ha llevado a valorar el trabajo en equipo: “Siempre he sido muy de ayudar y aportar y eso me ha llevado a donde estoy ahora”. Ahora, ambos tienen puesta la vista en el BIME Bilbao 2026, donde Restinga actuará en directo como parte del cartel de propuestas emergentes y Yassir será ponente en la charla Banger makers: el código del reggaeton contemporáneo, sobre la creación y composición de éxitos urbanos.