En 2024, la Rolling Stone incluyó Drivers License, el primer tema en solitario de Olivia Rodrigo, en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Es solo uno de los muchos ejemplos que demuestran cómo desde el lanzamiento de Sour (2021), su álbum debut, la cantante de pop-rock estadounidense se ha convertido en una estrella a nivel internacional.

Este viernes 12 de junio, llegará a plataformas el que será su tercer álbum de estudio, you seem pretty sad for a girl so in love, del que ya conocemos canciones como drop dead, the cure, begged y what’s wrong with me. Esta última, una colaboración con Robert Smith, la presentó en exclusiva hace unos días durante su actuación sorpresa en el festival Primavera Sound de Barcelona.

El disco llega después de Guts (2023), su segundo trabajo junto a su colaborador y productor Dan Nigro, que siguió demostrando que Rodrigo había llegado a la industria musical para quedarse. Sin embargo, esto no estaba tan claro en 2016, cuando la galardonada con el Grammy acababa de convertirse en una ‘chica Disney’. 

Las dos series donde se popularizó

Nacida en California, Rodrigo consiguió un papel protagonista en la serie de Disney Channel Bizaardvark en 2016, con tan solo 13 años. En la sitcom, que tuvo 3 temporadas y 63 episodios, Olivia empezó a desarrollar su carrera como actriz. Más allá del aprendizaje en términos de interpretación, tuvo la oportunidad de conocer a Madison Hu, compañera de reparto que hoy sigue siendo una de sus mejores amigas. 

Al poco de terminar Bizaardvark, Rodrigo consiguió su segundo papel importante, también en una serie de la franquicia de Mickey Mouse. Hablamos de su papel como Nini Salazar-Roberts en la serie High School Musical: el musical: la serie, que se estrenó en noviembre de 2019.

La serie tiene lugar en el instituto East High School, el mismo lugar donde supuestamente se filmó la película original High School Musical, donde un grupo de estudiantes prepara una representación teatral en honor a los personajes originales. Además de las versiones de canciones clásicas de este largometraje, Olivia tuvo la oportunidad de componer una canción para su personaje llamada All I Want, que se volvió muy popular.

Fue precisamente en medio de esta producción de Disney+ cuando Rodrigo lanzó Drivers License, posiblemente sin esperar que la canción se acabaría convirtiendo en uno de los temas más populares de 2021. Un año después, la artista dejó la serie de High School Musical al final de su tercera temporada para concentrarse en su carrera musical. El resto de la historia ya la conocemos. 

Las bandas de rock and roll querían conseguirlo. Ser la más ruidosa del mundo era un honor para la mayoría de ellas. Al principio era algo informal, y los grupos querían salir en la prensa. En los años 60, los diarios ya empezaron a hacerse eco de cómo los grupos de este género tocaban cada vez más fuerte en los conciertos. 

Pero no fue hasta la década de los 70 cuando el Libro Guinness de los récords se unió a la tendencia y creó una categoría propia para hablar de los récords relacionados con los niveles de sonido. La primera banda ampliamente reconocida por la organización fue Deep Purple por el concierto que dieron en Londres en 1972. En él, se registró un nivel cercano a 117 decibelios.

Esto fue suficiente para que la organización de los Guinness los reconociera como la banda más ruidosa del mundo. Sin embargo, cuatro años después, el título les fue arrebatado. La actuación que The Who ofreció el 31 de mayo de 1976 en Charlton, Londres, cambió la historia para siempre. Pete Townshend y sus compañeros consiguieron batir el récord vigente.

El récord fue en un estadio de fútbol

“Utilizaron 100 amplificadores alimentados por un sistema de sonido de 76.000 vatios en el estadio de fútbol Charlton Athletic para crear un sonido tan fuerte que alcanzó los 120 dB a tan solo 50 metros de los altavoces”, recuerda la organización en la página oficial de Guinness World Records.

El de Charlton, al que asistieron unas 75.000 personas aquel día, fue uno de los tres únicos conciertos que la banda británica dio en 1976 en el Reino Unido. Los otros dos también se celebraron en campos de fútbol (Glasgow y Swansea) y, juntos, formaron parte de un breve tour al que llamaron Who Put The Boot In (¿Quién le dio una patada?). 

El peligro de los decibelios

La banda neoyorquina de heavy metal Manowar superó el récord de The Who en 1984 y llegó a registrar 129,5 dB en 1994. Motörhead, por su parte, también llegó a los 130 dB años después, en 1986. Para las bandas era un mérito recibir el título de “ruidosas”, pero los expertos en salud empezaron a mostrar su preocupación. 

Durante los años 80 y 90 se hizo evidente que estos niveles de decibelios podían causar daños auditivos permanentes incluso en exposiciones breves, lo que también llevó a Guinness a perder el interés por promover esta categoría. No tenía sentido incentivar que los artistas y sus promotores pidieran a los técnicos subir el volumen en los conciertos simplemente para ostentar el récord.

El Mojo Music Fest regresa en su sexta edición con más de 23 artistas en nómina que protagonizarán cuatro noches de conciertos en la Plaza de la Música Jerónimo Saavedra, entre el 19 y el 22 de agosto. Entre los artistas más destacados este año figuran los mexicanos Nortec: Bostich & Fussible y el proyecto conjunto defendido por el grupo santanderino Los Estanques con El Canijo de Jerez, pilar de Los Delinquentes e integrante de la súper banda G-5, junto a Kiko Veneno, Muchachito Bombo Infierno, Tomasito y Diego Ratón. Talleres Palermo fue el escenario para la presentación del evento. 

Fiel a su filosofía, el Mojo Music Fest apuesta de nuevo este año por grupos emergentes de la escena alternativa europea y española, que se mueven en distintos géneros musicales -rock, punk, garaje, pop, indie, reggae, shoegaze, electrónica, hardcore-, reflejo de lo que en su día fue la programación del Mojo Club, mítico local de la capital grancanaria ubicado precisamente en la Plaza de la Música. La programación se extenderá desde el miércoles 19 al sábado 22 de agosto en el emplazamiento en el que ya se desarrolló la pasada edición y en la tercera semana de agosto.

Las dos primeras fechas, 19 y 20, los conciertos serán gratuitos y vienen avalados por dos lugares de referencia de la capital grancanaria en el mundo de la música y la cultura, Talleres Palermo y Lambada Records Bar, que además de aportar a sus djs residentes también participan en la programación de los artistas de esas dos noches, en las que actuarán Go Cactus, Cuarto Marginal, Cristina Mahelo, MVBA Dj Set, I Am Dive, Persa, The Conqueror Project vs. Hirahi Afonso, y Discolate Crew + Crissh.

Las dos siguientes, viernes 21 y sábado 22, serán de pago (las entradas ya se pueden adquirir en tickety.es) y contarán con las actuaciones de Nortec: Bostich & Fussible(Mexico); Los Estanques y el Canijo de Jerez (España); Coach Party (Reino Unido); Pynch (Reino Unido); Gazella (Valencia); I Am Dive (Sevilla); Persa (); Heal (Barcelona); Tetas Frías (Barcelona); Hostia Pedagógica (Barcelona); y los proyectos locales Good Franco, Belice, Supersonikka, LAIV Dj Set y Fuckin’ Four Factory. 

La directiva del Real Madrid está haciendo todo lo posible para que el Estadio Santiago Bernabéu vuelva a acoger macroconciertos cuanto antes. El Ayuntamiento de València suspendió este fin de semana el Festival de les Arts en la Ciutat de les Arts i les Ciències, un recinto afectado por una sentencia que instaba a cancelar o reubicar las actividades musicales. Los vecinos de Getafe y del barrio madrileño de Villaverde y hasta el delegado del Gobierno en la Comunidad de Madrid cuestionan que el recinto Iberdrola Music sea idóneo para acoger el macrofestival Mad Cool y la docena de conciertos de Shakira. En Barcelona, la Plataforma Stop Concerts sigue presionando para que el Parc del Fórum reduzca el número de macroeventos que alteran el descanso del barrio de Besòs-Maresme.

Todo estos casos evidencian una problemática creciente generada por los macroeventos musicales: la tensión entre quien quiere disfrutar de los conciertos y quien desea descansar. Es una problemática tan antigua como la música misma. No obstante, las molestias que pudieran causar un concierto en un local para 80 o 200 personas son incomparables con las que provocará un macroconcierto o un macrofestival para 80.000. Ahí ya no se generan solo problemas de volumen sonoro, que llegará muchísimo más allá del vecino del piso de encima, sino de riadas de público, de jornadas de montaje y desmontaje, de colapso en los accesos y servicios... A partir de determinado aforo, lo que queda alterado ya no es el descanso nocturno, sino el día a día de toda la gente que vive alrededor.

Esta problemática ya existía en los años 80 y 90, pero era muy ocasional. Un año actuaba Madonna, al siguiente era Bruce Springsteen, dos años después se reunían los Rolling Stones, U2 retomaba el oficio de estrellas de estadios al verano siguiente... Había tan pocos artistas capaces de llenar un estadio que más que un problema, era una anécdota. Y, por supuesto, no existían los macrofestivales. En la última década, la industria del ocio musical ha pisado con tal fuerza el acelerador de los macrofestivales y los macroconciertos, que cada temporada se celebran más macroeventos que la anterior. Por consiguiente, cada año hay más gente afectada por ellos en España. Y cada año lo está durante más días.

Más grandes, más habituales, más molestos

Por si todo esto no fuera suficiente, empieza a asentarse en España el modelo de residencias: lotes de cuatro, seis, ocho o diez macroconciertos en el mismo recinto. De Coldplay, Karol G, Taylor Swift, Bad Bunny… Y, claro, la paciencia de los vecinos afectados empieza a agotarse. Los que viven cerca de un festivalódromo intuyen que la política de explotación del recinto irá a más. Los vecinos del estadio de fútbol empiezan a asumir que este ya no volverá a usarse solo cada dos fines de semana, cuando haya partido, sino en cuanto lo solicite una promotora de conciertos. Y los clubs los alquilarán siempre que puedan. Son ingresos adicionales para unos recintos que están inutilizados 13 de cada 14 días.

Las remodelaciones del Bernabéu o del Camp Nou suponen inversiones millonarias que habrá que amortizar cuanto antes y ahí entra en juego el alquiler para eventos. Ya hay proyectadas reformas en los estadios Sanchez Pizjuán y el Benito Villamarín; ambos en Sevilla. Y también en Europa se planifican obras faraónicas. El New Trafford sustituirá el viejo estadio del Manchester United y acogerá hasta cien mil espectadores; un aforo altamente atractivo para promotores de grandes giras. En 2028 debiera inaugurarse el nuevo estadio de la Roma, para 61.000. En África también se están proyectando grandes estadios como el marroquí Rey Hassan II, a las afueras de Casablanca y con capacidad para 115.000 espectadores, o el del club egipcio Al-Haly de El Cairo, para 60.000.

La industria del ocio musical, liderada desde Estados Unidos, está exportando e imponiendo una forma de consumir la música en vivo cada vez más enfocada a los estadios y pabellones, en detrimento de las salas. En España se está viviendo también un boom en el sector de los pabellones. En 2025 se inauguró el Roig Arena de Valencia (con capacidad para 20.000 personas) y el Gijón Arena (cuyo aforo de 3.000 espectadores permite acoger en la ciudad asturiana giras de Anastacia y Love of Lesbian). En Barcelona, el Sant Jordi Club ampliará su aforo de 4.500 personas a 9.000, pese a estar pegado al Palau Sant Jordi (con capacidad para 18.000). Y Madrid ha consumado la ampliación del Movistar Arena a 20.008 localidades para superar por ocho butacas al Roig Arena y ha anunciado su nuevo Arena para 20.000 espectadores junto al Estadio Metropolitano del Atlético de Madrid, en asociación con Live Nation.

Manchester inauguró en 2024 el Co-op Live, cuyo aforo para 23.500 espectadores lo convierte en el mayor recinto cubierto de Reino Unido, superando por 500 al Manchester Arena, y segundo de Europa. El primero sigue siendo el Paris La Defénse Arena de Nanterre, inaugurado en 2017 a diez kilómetros de la capital francesa y con aforo para 30.000 personas. En 2021 y 2023 se estrenaron dos pabellones en Budapest y San Petersburgo con aforo para 20.000 personas. No hay gran ciudad europea que no tenga o que no planee tener cuanto antes su pabellón y estadio para macroconciertos; mejor aún, dos de cada. Las más ambiciosas también aspiran a construir un festivalódromo para macrofestivales.

Hacia un nuevo urbanismo pop

Empieza a asentarse un discurso sospechoso: una ciudad de verdad necesita macrorrecintos. Pero esta no es una demanda ciudadana. Los vecinos, si acaso, reclaman mejores servicios sanitarios, mejor transporte público, una recogida de basuras eficaz o escuelas con más recursos y más personal. Igual que no considerarán una prioridad ampliar el aeropuerto o atraer más turismo, tampoco exigen recintos más grandes para poder ver en su ciudad a las grandes estrellas pop del momento. Y si lo exigiesen tampoco podrían sostener estas peticiones bajo el argumento de que solo defienden sus derechos. La cultura es un derecho, por supuesto. Pero ver en directo a Beyoncé, Foo Fighters o Bad Bunny no lo es.

Esta fiebre por ampliar estadios, construir pabellones y habilitar festivalódromos es una ‘necesidad’ inducida por la industria del espectáculo, la del deportivo y la del musical, en tanto que sectores estratégicos de la madre de todos los motores económicos del país: la industria turística. Una ciudad con atractivo turístico ya no solo debe ofrecer ocio, gastronomía y monumentos, sino también una agenda de macroespectáculos que eternice la temporada alta para así disparar el potencial ya no cultural sino turístico y económico que estas giras puedan reportar a las ciudades. El caso del Movistar Arena es clarificador. En 2024 acogió 213 eventos; su récord hasta la fecha. Según el gabinete de Isabel Díaz Ayuso, el recinto generó un impacto económico en la Comunidad de Madrid de 577 millones de euros. El récord quedó pulverizado un año después, ya que en 2025 acogió 230 eventos. El Roig Arena ya estima que en su primer año de funcionamiento generará un impacto económico superior a los 150 millones de euros.

Todas estas cifras son más que cuestionables. Sobre todo, porque el supuesto impacto económico nunca beneficia al conjunto de la población sino principalmente al sector servicios vinculado a la actividad turística. Sin embargo, dejan entrever que lo que justifica que una ciudad necesite pabellones, estadios y festivalódromos es su condición de gancho turístico. Si tu ciudad no tiene un gran recinto no atraerá grandes giras. Si no acoge grandes giras, otra ciudad lo hará. Ante esta disyuntiva, siempre hay quien apunta que el único lugar donde disfrutar de grandes artistas son los grandes recintos. Es el enésimo chantaje de la industria musical. Resumen: estas son nuestras condiciones porque este es el modelo de negocio que más nos conviene y, por lo tanto, más vale que tu ciudad tenga un recinto adecuado para nuestros artistas porque nos hemos cansado de pasearlos por ocho salas pequeñas y preferimos una sola fecha a lo grande.

Falso dilema, eterno debate

A la industria del espectáculo le interesan recintos muy grandes para vender más entradas y obtener más beneficios por noche. A las ciudades les interesa tener recintos capaces de acoger giras que aumenten el flujo de turistas. A los recintos les interesa acoger el máximo número de eventos para rentabilizar la infraestructura. Pero, ¿dónde quedan las necesidades de los habitantes de las ciudades? El debate que genera la intensificación del uso de estos grandes recintos es un falso dilema impulsado por una industria del ocio musical que pretende que las ciudades se ajusten a su estrategia empresarial. Es el eterno debate entre un modelo de ciudad concebida como maquinaria para atraer turismo y dinero (para unos pocos) y otro modelo de ciudad pensada para satisfacer las necesidades de sus habitantes. Demandas entre las que, por supuesto, estará el ocio musical. Pero no forzosamente a gran escala. Ni, por supuesto, a cualquier precio.

La mayoría de obstáculos que dificultan al público disfrutar de la música son presuntas soluciones a problemas generados por la propia industria musical: pantallas para ver el concierto porque la mitad de las entradas no garantizan la visibilidad, actuaciones solapadas para dispersar al público hacinado en el recinto, zonas VIP para estar cómodo en espacios manifiestamente incómodos... Hasta hoy, estas problemáticas afectaban solo al público del macroevento. Ahora incluso vecinos que ni siquiera irán a esos eventos deberían aceptar sin rechistar las molestias que genera ese nuevo tipo de consumo musical impuesto por la industria. Y a la ciudad no le queda otra que acatar la nueva orden del capital.

En 1973 abrió el primer hipermercado en España y en 1977, el primer centro comercial. Hoy apenas podemos imaginar nuestro quehacer como consumidores de alimentos y complementos sin esos grandes recintos. El capitalismo de concentración ha alterado por completo nuestros hábitos mientras exterminaba el pequeño comercio y nos empujaba a comprar, a menudo, a las afueras de las ciudades. Con la música en directo estamos viviendo un proceso similar.

Bad Bunny no ha logrado arrebatarle a 'El baifo' de Quevedo el número 1 en España en el que lleva estable desde su estreno hace seis semanas. Así consta en la lista oficial de los álbumes de mayor éxito publicada este lunes por Promusicae, con los datos de reproducciones y ventas físicas registradas entre el pasado 29 de mayo y el 4 de junio, que coincide con la celebración de los primeros conciertos del autor de 'Nuevayol' entre Barcelona y Madrid.

De esta forma, el disco Debí tirar más fotos, que ya lleva 74 semanas en esta clasificación y ostenta la categoría de nueve veces platino, repite el puesto número 2, mientras que otro de sus trabajos, 'Nadie sabe lo que va a pasar mañana' (2023), asciende fulgurante hasta la décima posición.

El gran estreno de la semana es Pueblo salvaje I, de Manuel Carrasco, que debuta en el tercer puesto, aunque a falta de ver cómo evoluciona en las próximas semanas es de momento su disco peor parado en clasificación desde 'Inercia' (2008), ya que todos sus álbumes en este tiempo han conseguido la plaza de oro.

Esa distinción no la ha conseguido tampoco en la lista de los vinilos más vendidos, donde aparece en segundo lugar, por detrás de la reedición especial con motivo de su décimo aniversario del álbum 'Dangerous Woman' de Ariana Grande.

El más reciente disco de Paul McCartney, The Boys of Dungeon Lane, es el otro gran estreno de la semana y aparece en la séptima posición en la lista general, mientras que en la de venta de vinilos es el tercer clasificado.

Otras novedades de la semana caen ya fuera del 'top 10', véase La voz favorita de Jay Wheeler (decimotercero), la citada reedición de 'Dangerous Woman' (decimocuarto) o '¿Por qué me miráis así? de La La Love You (puesto 36), por citar algunas.

Entre los puestos de honor no se puede olvidar el ascenso de Los Diozes con su disco Mesón Masón, que en su segunda semana figura en la cuarta posición, una por delante de 'Por si mañana no estoy' de Omar Courtz.

El resto de posiciones del top 10 las ocupan Más cara de Bad Gyal (en sexto lugar), Lux de Rosalía (octavo) y Cuarto azul de Aitana (noveno).

La lista de canciones de mayor éxito en España tampoco registra muchos cambios, con La Graciosa y Al golpito de Quevedo inamovibles de la primera y segunda posición respectivamente, aunque temas del último disco de Bad Bunny han subido algunos lugares, como Baile inolvidable, tercero en esta semana. 

El Partido Popular y las acusaciones ultra que sustentan la causa contra el hermano de Pedro Sánchez han defendido este lunes sus conclusiones finales en el juicio que se celebra en la Audiencia Provincial. En contraposición a las declaraciones de los funcionarios, técnicos y peritos que, en las últimas sesiones, han puesto en entredicho las deducciones incriminatorias de la Unidad Central Operativa (UCO) de la Guardia Civil, los letrados han ensalzado las “demoledoras” conclusiones del instituto armado, que apuntan a que la plaza adjudicada al músico estaba amañada. 

Así, los informes de las acusaciones populares han tratado de desacreditar los testimonios de los testigos que, a excepción de una contrincante del hermano del presidente del Gobierno en el concurso de selección, han apuntalado las tesis de las defensas. Especialmente duro ha sido el letrado del Partido Popular, Alberto Durán, que ha buscado atacar su credibilidad. “Los testigos han aportado bastante poco. O son inducidos, o trabajan para la Diputación, o tienen miedo a decir la verdad, o han sido recientemente ascendidos, que es lo peor, y premiados por su futura declaración en el seno de este plenario”, ha aseverado. 

“No podemos pretender que un informe realizado por la UCO tenga la misma validez que las declaraciones realizadas por personas con el carnet del PSOE que trabajan para la Diputación y que tienen una dependencia orgánica”, había dicho previamente la letrada de Abogados Cristianos, Polonia Castellanos.

El teniente coronel Antonio Balas, jefe del Departamento de Investigación Económica y Anticorrupción de la Unidad Central Operativa (UCO), que participó en el volcado de los correos electrónicos de los empleados de la Diputación de Badajoz, compareció la semana pasada ante el tribunal. Este mando policial aseguró que de la lectura de esos correos se infiere que la decisión de crear ese puesto “partió de un nivel superior con capacidad política”.

En concreto, señaló al expresidente de la Diputación, Miguel Ángel Gallardo, que también se sienta en el banquillo por prevaricación y tráfico de influencias, como la persona que decidió en 2016 crear la plaza de coordinador de los conservatorios e iniciar un proceso que estaba “predeterminado” para que fuera David Sánchez ocupara el puesto.

El letrado del PP, Alberto Durán, ha defendido que son esos correos los que “dicen la verdad de lo que aquí ha ocurrido”, dado que “nadie deja por escrito en un expediente administrativo su propósito delictivo”. Previamente, el abogado del partido minoritario Iustitia Europa, Luis María Pardo, había definido ese expediente administrativo como “el envoltorio de una voluntad omnímoda ya consumada”. “Se ha convertido la potestad reglamentaria y administrativa en una herramienta de vasallaje al servicio de intereses particulares y también de intereses políticos”, ha añadido este mismo abogado. 

“Lo que nos dice la UCO es que hay un impulsor que va más allá del área de Recursos Humanos, que también está implicada, que va más allá del área de Cultura, que es el área de Presidencia del señor Gallardo”, ha defendido Polonia Castellanos, la representante de Abogados Cristianos, que ha calificado las conclusiones del instituto armado de “demoledoras” y “aplastantes”. “La UCO hace una relación de acciones y responsabilidades de cada uno de los autores que ponemos en valor y que entendemos que es correcto”, ha añadido otro de los letrados, Alexis Aeneas, representante de Liberum, un colectivo antivacunas.  

Por su parte, la representante de Vox, Marta de Castro, ha sacado a colación la declaración del teniente coronel Balas, quien defendió que “el motivo del impulso y el núcleo de decisiones” está en la Diputación de Badajoz. Basándose en los atestados de la UCO, la letrada ha defendido que esa institución tenía la “capacidad política” y que desde ahí fue descendiendo por todos los órganos necesarios para conseguir la finalidad perseguida: “crear un puesto a medida del máximo beneficiado de David Sánchez, adaptarlo a sus preferencias profesionales y personales, incluyendo incluso una nueva contratación mediante un procedimiento similar”.

Además, al inicio de la sesión, el tribunal ha rechazado la petición de la defensa del hermano de Pedro Sánchez de volver a declarar después de que todas las acusaciones populares menos Manos Limpias duplicaran su petición de pena hasta los seis años. Las acusaciones argumentan que, aunque el delito de aceptación de nombramiento ilegal esté prescrito, no lo están los hechos, por lo que ahora lo califican como prevaricación.

Al considerar el tribunal que ese hecho estaba prescrito, Emilio Cortés, el abogado del principal investigado no le hizo preguntas al respecto. Este lunes, tras el cambio en la petición de pena, el letrado ha solicitado poder interrogar de nuevo a su cliente. Tras retirarse brevemente a deliberar, el tribunal ha rechazado su petición al considerar que no hay una modificación sustancial de los hechos que justifique una nueva declaración. 

Ansu Fati ha sorprendido a sus seguidores anunciando que, en apenas unos días, dará sus primeros pasos dentro de la industria musical. El canterano del F.C. Barcelona, que jugaba actualmente cedido en el Mónaco, ha anunciado que su primera canción, Sea como sea, estará disponible en plataformas digitales el próximo viernes 19 de junio. 

“Es un proyecto muy especial que he creado con muchísima ilusión y que tenía muchas ganas de compartir con todos vosotros. Espero que os acompañe, os emocione y lo hagáis vuestro tanto como yo”, ha escrito en su perfil de Instagram, red social en la que ha dado a conocer la sorpresa. 

La noticia con tinte musical llega poco después de que se hiciera pública la intención del Mónaco de comprar al futbolista por once millones de euros tras disputar la última temporada en calidad de cedido. Durante su etapa en el club, que actualmente disputa la Ligue 1 de Francia, el delantero marcó 12 goles en 30 partidos, el mejor registro goleador de su trayectoria.

El canterano, que heredó el '10' tras la salida de Lionel Messi del Barça, se estrenó con el primer equipo en la temporada 2019-20, pero las continuas lesiones complicaron su progreso en el club catalán. En la temporada 23-24, el jugador ya fue cedido al Brighton con la esperanza de demostrar que podía volver a su mejor nivel, y hoy sigue sin terminar de encontrar la continuidad. 

Otros futbolistas a los micrófonos

Con este anuncio, Ansu Fati se suma al resto de futbolistas que, desde hace años, han dejado el balón a un lado para ponerse al frente de los micrófonos, al menos durante un momento. El último en hacerlo fue Sergio Ramos, que en su tema Cibeles habló de su salida del Real Madrid y dejó decenas de indirectas a Florentino Pérez. 

“Todo fue como lo soñé, hasta que tocó despertar / Te olvidaste de mí, me dejaste de la'o / Sin poder decidir, eso es lo que más me duele”, cantó el exfutbolista del Sevilla en el tema que publicó el año pasado. No era la primera vez que el de Camas se ponía a cantar, pues antes de esta canción en solitario el defensa ya había hecho colaboraciones con Demarco Flamenco o Los Yakis.

Ni él ni Fati son los únicos que han dado este salto. Pinto Wahin, exfutbolista español que pasó por el Real Betis, Celta de Vigo y F. C. Barcelona, lleva años trabajando como productor musical. Jesé Rodríguez, que ahora juega en Las Palmas, lanzó Pakata en 2019 bajo el nombre artístico de Jey M, con el que se ha puesto en la piel de cantante de reguetón. Memphis Depay también ha lanzado varios temas de rap, y Neymar ha participado en varios videoclips.

El cantante y actor francés Patrick Bruel, de 67 años, ha sido puesto bajo custodia policial este lunes en el marco de una investigación por presuntas violencias sexuales, según informó la Fiscalía de Nanterre (a las afueras de París) en un comunicado.

La investigación en curso se origina tras las denuncias presentadas por tres mujeres que acusan a Bruel de presuntas agresiones sexuales y tentativas de violación ocurridas entre 1997 y 2001, según indico la Fiscalía al confirmar una información avanzada por Franceinfo.

El Ministerio Público señaló además que el expediente incluye otras denuncias formuladas por varias mujeres en Francia y Bélgica por presuntos hechos de violación o tentativa de violación, agresiones sexuales y acoso. Según Franceinfo, son al menos diez los casos en marcha tanto en Francia como en Bélgica. La primera de las denuncias fue publicada por Mediapart, quien recogió el testimonio a cámara de la conocida presentadora de televisión Flavie Flament que alegó haber sido violada por el cantante cuando ella tenía 16 años, en 1991.

Las autoridades señalaron que la investigación sigue en curso y que la custodia policial forma parte de las diligencias destinadas a esclarecer los hechos denunciados. Hasta el momento no se ha informado de ninguna imputación formal contra el artista.

El cantante “había indicado durante varias semanas que estaba a disposición de la justicia para responder finalmente, dentro del marco del procedimiento judicial, ante la autoridad competente. Responderá a todas las preguntas de los investigadores y transmitirá todos los elementos necesarios para demostrar su inocencia”, declararon sus abogados, Christophe Ingrain, Céline Lasek y Fanny Collin.

Hace cuatro días Bruel suspendió las últimas representaciones en París de la obra de teatro Deuxième Partie (Segunda parte), que protagonizaba.

El actor y cantante había anunciado el pasado 29 de mayo la cancelación también de todos sus conciertos previstos hasta septiembre, incluidos los programados en varios festivales y tres actuaciones en París, para no alterar la “serenidad” de esos eventos mientras están abiertas investigaciones judiciales en su contra.

En un comunicado difundido por su productora, 14 Productions, dirigida por el propio artista, el equipo de Bruel explicó que varios organizadores de festivales habían denunciado presiones y dificultades para garantizar el desarrollo “sereno” de sus eventos.

“No deseamos en ningún caso exponer ni a los organizadores ni al público a un clima de tensión”, señaló la productora dos días después de que un grupo de mujeres de una asociación feminista gritasen “¡Violador, Bruel!” al inicio de una representación de la obra Deuxième Partie en el Teatro Édouard VII.

Entre las actuaciones canceladas de su gira musical figuran los conciertos previstos del 16 al 18 de junio en el Cirque d'Hiver de la capital francesa. También se han suspendido una docena de actuaciones en festivales de Francia, Bélgica y Suiza. Bruel también decidió retirarse temporalmente de los espectáculos benéficos de Les Enfoirés, un colectivo muy famoso en Francia del que forma parte desde 1993. En cuanto a sus futuros conciertos, las fechas previstas para octubre y noviembre se mantienen por el momento.

El autor de Casser la voix o Place des grands hommes, convertido en himno nostálgico sobre el paso del tiempo y los reencuentros entre amigos, niega todas las acusaciones.

El municipio pacense de Castuera celebrará el próximo sábado la vigésimo cuarta edición del Festival Flamenco 'Porrina', una cita ya consolidada en el calendario cultural extremeño que volverá a reunir sobre el escenario a destacados nombres del cante, el toque y el baile flamenco.

El festival ha sido presentado este lunes por el vicepresidente primero de la Diputación de Badajoz, Juan María Delfa; la primera teniente de alcalde de Castuera, Piedad Roso; el coordinador del programa, Sergio García; y el bailaor Diego Andújar, uno de los artistas participantes.

El cartel de esta edición estará integrado por los cantaores Alicia Gil, Miguel de Tena y Jesús Méndez; el bailaor Diego Andújar; Cristina Tovar al cante para el baile; los guitarristas Manolín García, Vicente Santiago y Lito Espinosa; y Jorge Pérez y Dani Bonilla a las palmas.

Durante la presentación, Juan María Delfa destacó la apuesta de la Diputación de Badajoz por reforzar la presencia de Extremadura en el panorama flamenco nacional e internacional. En este sentido, señaló que iniciativas como el circuito Pasión por el Flamenco o festivales como el de Castuera contribuyen a proyectar el talento de la región y a consolidar una programación cultural de referencia.

Por su parte, Sergio García explicó que el cartel ha sido diseñado con el objetivo de reflejar la diversidad del flamenco, combinando artistas extremeños con otros procedentes de distintos territorios. Una propuesta que, según indicó, busca mostrar “lo nuestro” sin renunciar al intercambio artístico y cultural que enriquece este género.

La organización del festival cuenta con la colaboración de la Federación Provincial de Peñas Flamencas y de la peña flamenca de Castuera, una entidad que, según destacó Piedad Roso, reúne a más de 300 socios y socias y desempeña un importante papel en la dinamización cultural del municipio.

El bailaor Diego Andújar aprovechó su intervención para recordar cómo ha vivido el festival desde la infancia y para reivindicar el papel de los artistas extremeños dentro del flamenco actual. En este sentido, destacó el esfuerzo que muchos profesionales realizan al desarrollar parte de su carrera fuera de la región, aunque manteniendo siempre el vínculo con su tierra de origen.

Asimismo, defendió la autenticidad del flamenco extremeño, que definió como un arte “de verdad” capaz de conectar con públicos de distintos lugares. A su juicio, el respaldo institucional a través de programas culturales permite que exista relevo generacional y que continúe creciendo una cantera de artistas que mantiene viva la tradición flamenca en Extremadura.

El XXIV Festival Flamenco 'Porrina' se celebrará en el Centro Cultural de Castuera y volverá a convertir al municipio en uno de los principales puntos de encuentro para aficionados y profesionales del flamenco en la región.

Radio Televisión Española será la televisión oficial de la X edición del Maspalomas Costa Canaria Soul Festival, lo que ampliará la proyección de esta cita musical, una las más destacadas de Canarias y referencia entre los festivales de soul en Europa.

Según el acuerdo entre el festival y RTVE, la televisión pública ofrecerá una cobertura especial acercando a los espectadores las actuaciones, entrevistas y los momentos más destacados de una edición especialmente significativa, la de su décimo aniversario. La colaboración contribuirá además a reforzar la visibilidad de Gran Canaria y de Maspalomas Costa Canaria como destino turístico y cultural.

El festival, organizado con el apoyo del Ayuntamiento de San Bartolomé de Tirajana y dirigido y producido por DD&Company, se celebrará del 17 al 19 de julio de 2026 en la Playa de San Agustín, escenario que se ha consolidado como uno de los espacios más singulares para disfrutar de la música soul al aire libre. Declarado de Interés Turístico Local, el evento reúne cada año a miles de asistentes atraídos por una programación de calidad y de acceso gratuito.

Santander reivindica la cultura en la calle con una nueva edición del ciclo 'Tentemplé' que llenará de música, teatro, danza, narración oral y espectáculos familiares el templete de los Jardines de Pereda y el Auditorium del Sardinero durante los tres primeros domingos de junio.

La programación arranca este domingo, 7 de junio, en el templete de los Jardines de Pereda, con la compañía Borrón y Cuento Nuevo, referente nacional en narración oral, que ofrecerá por la mañana 'Abeceando', una propuesta familiar que convierte las letras y las palabras en juegos e historias participativas, y por la tarde 'Sonidos', una sesión dirigida al público adulto que explora los relatos y emociones escondidos tras los sonidos cotidianos.

Este mismo domingo, el Auditorium del Sardinero acoge el concierto de Borja Feal y Annie Chambers, una propuesta musical que recorre algunas de las bandas sonoras más reconocidas de la historia del cine mediante la combinación de flauta, gaita y arpa.

El domingo 14 de junio, la Banda Municipal de Santander protagonizará la actuación matinal en los Jardines de Pereda. Por la tarde, Rebanal Teatro representará 'Ganas de reñir', una divertida comedia costumbrista de los hermanos Álvarez Quintero basada en los desencuentros y la complicidad de una pareja.

Por su parte, el Auditorium recibirá a Pere Hosta con 'Woof', un espectáculo internacional de clown y humor gestual para todos los públicos que invita a mirar el mundo desde la perspectiva de un perro, combinando improvisación, participación y humor visual.

La programación de junio concluirá el domingo 21 con una nueva actuación de la Banda Municipal en los Jardines de Pereda y, por la tarde, con la participación de Kon-Arte del Norte, una agrupación de jóvenes bailarinas que ofrecerá un recorrido por diferentes estilos de la danza española, poniendo en valor una de las expresiones artísticas más representativas de nuestro patrimonio cultural.

Finalmente, el Auditorium del Sardinero será escenario de la actuación de Arrayán, formación cántabra dedicada al flamenco poético, que fusiona la emoción del cante flamenco con textos de grandes autores de la literatura universal.

Hay auditorios construidos junto al mar –como el de Sidney–, en el corazón de grandes ciudades o integrados en modernos edificios de vanguardia –como la majestuosa obra barcelonesa–. Pero pocos auditorios pueden presumir de encontrarse dentro de una antigua cavidad creada por una erupción volcánica. En Lanzarote existe uno de esos lugares excepcionales. Se trata del auditorio de Jameos del Agua, un espacio escénico levantado en el interior de un enorme túnel volcánico y considerado una de las obras más sorprendentes del patrimonio cultural canario.

Este auditorio se encuentra realmente dentro de una formación geológica creada por la lava. Los Jameos del Agua están situados en el interior del túnel volcánico originado por la erupción del Volcán de la Corona. Lo que hoy contemplan los visitantes como un espacio cultural comenzó siendo una gigantesca galería natural excavada por la propia actividad volcánica de la isla hace miles de años.

Según explica la web oficial del Cabildo de Lanzarote, “designa a la abertura provocada por el hundimiento del techo de un tubo volcánico como consecuencia de la pérdida de los gases acumulados en su interior”. Gracias a ese fenómeno natural se generaron los espacios que hoy forman parte de uno de los lugares más emblemáticos de Lanzarote.

Cómo la lava creó los Jameos del Agua

Todo comenzó con el Volcán de la Corona, situado en el norte de la isla. Durante la erupción, la lava avanzó formando largos conductos subterráneos. Cuando el flujo volcánico cesó, algunas de esas galerías quedaron vacías y terminaron convirtiéndose en enormes túneles naturales. En determinados puntos, el techo colapsó y aparecieron las aberturas conocidas como jameos.

Uno de los elementos más sorprendentes del complejo es el lago interior que da nombre al lugar. La web oficial explica que esta “formación geológica singular se originó por la filtración, al encontrarse por debajo del nivel del mar”. Además, no es un simple estanque, pues tiene vida. “En este lago natural de aguas transparentes viven varias especies de fauna endémica de la isla, destacando la especie Munidopsis polimorpha, un cangrejo minúsculo, albino y ciego de origen desconocido”, que se ha convertido en uno de los símbolos biológicos de la isla.

El valor natural del entorno es tan importante que la zona se encuentra protegida como Sitio de Interés Científico de los Jameos y forma parte del Parque Natural del Volcán y Malpaís de La Corona. Además, posee la consideración de Bien de Interés Cultural, una figura que reconoce tanto su relevancia geológica como su importancia patrimonial.

El auditorio de Jameos del Agua, una obra única en el mundo

La transformación de este espacio natural en un centro cultural está estrechamente ligada a la figura de César Manrique, el artista lanzaroteño que dedicó buena parte de su vida a integrar arte y naturaleza sin alterar la esencia del paisaje insular. Gracias a esa filosofía, una antigua cavidad volcánica acabó convirtiéndose en uno de los espacios culturales más originales del planeta.

El Cabildo describe el auditorio de Jameos del Agua como “un espectacular espacio escénico erigido en el interior de la gruta volcánica”. Con capacidad para unos 500 espectadores, este recinto aprovecha la morfología natural de la cavidad para crear un entorno imposible de reproducir mediante arquitectura convencional. Además, destaca que debido a sus características geológicas y a sus peculiares condiciones acústicas se trata de un espacio único en el mundo. Las propiedades del propio túnel volcánico contribuyen a generar una experiencia sonora excepcional, motivo por el que el auditorio se ha convertido en la sede principal del Festival de Música Visual de Lanzarote.

Hoy, los Jameos del Agua forman parte de cualquier lista sobre qué ver en Lanzarote. Sin embargo, más allá de su belleza paisajística, representan algo todavía más singular: la demostración de que una formación creada por la lava puede transformarse en un espacio cultural de referencia sin perder su esencia natural. El resultado es un lugar donde geología, arte y música conviven dentro de un mismo túnel volcánico, ofreciendo una experiencia que difícilmente puede encontrarse en otro rincón del mundo.

La ciudad de Cáceres celebrará el próximo jueves, a las 19.00 horas, un acto de homenaje a Pablo Guerrero en la Biblioteca Pública del Estado. La iniciativa reunirá a un amplio grupo de voces del ámbito cultural extremeño con el propósito de reconocer la vigencia de una obra que ha acompañado a varias generaciones y que continúa siendo un referente ético, estético y social.

El acto contará con la participación de Javier Arroyo, Víctor Asuar, Elisa Blázquez, Francisco de Borja, Manolo Cañada, Jeremías Clemente, Enrique Cidoncha, Santos Domínguez, Pilar Galán, Antonio Guerrero, Miguel Ángel Lama, Celia Muriel, Miguel Ángel Naharro, Nando Juglar, Teresa Rejas y Ada Salas, entre otros nombres vinculados a la creación literaria y musical en Extremadura. La diversidad de perfiles convocados refleja la amplitud de la huella que Guerrero ha dejado en la cultura contemporánea.

Una trayectoria singular

El homenaje coincidirá con la presentación del libro Pablo Guerrero. Porque amamos el fuego, una obra en la que Manuel Cañada propone un recorrido por la dimensión humana, artística y comprometida del cantautor. El volumen se articula a partir de testimonios, recuerdos y reflexiones que permiten situar la figura de Guerrero en el contexto social y político de las últimas décadas, alejándose de la biografía convencional para ofrecer una lectura más profunda de su legado.

El título, tomado de uno de los versos más reconocibles del universo poético del artista, subraya la importancia de la palabra como herramienta de resistencia, de belleza y de conciencia crítica. Cañada, conocido por su activismo social y por su defensa de los derechos de las personas más vulnerables, aporta una mirada que conecta la obra del cantautor con los movimientos sociales y con las transformaciones culturales del país.

Un referente de la canción de autor

Nacido en 1946 en Esparragosa de Lares, Pablo Guerrero es autor de canciones emblemáticas como A cántaros, convertida en un símbolo de esperanza durante los últimos años del franquismo y la Transición. Su producción, que abarca más de cinco décadas, se caracteriza por la búsqueda estética, el compromiso social y una profunda vinculación con el paisaje, la memoria y la cultura popular.

Su obra ha influido en varias generaciones de músicos y escritores, y ha contribuido a consolidar una forma de entender la canción de autor en la que la poesía, la sensibilidad social y la experimentación musical conviven de manera natural. Guerrero es considerado una figura clave para comprender la evolución de la música de autor en España y su relación con los cambios políticos y culturales del país.

Un reconocimiento colectivo

La cita en la Biblioteca Pública de Cáceres aspira a convertirse en un acto de reconocimiento colectivo a un creador que ha trascendido el ámbito estrictamente musical para convertirse en una referencia ética y cultural. El encuentro pretende celebrar la palabra, la poesía y las canciones de una de las voces más singulares surgidas de Extremadura, y reivindicar la vigencia de una obra que continúa interpelando al presente.

La tercera y última jornada extensa del Primavera Sound en el Parc del Fòrum contaba con varios cabezas de cartel de peso, pero The XX firmaron el concierto más multitudinario y recibieron una acogida especialmente cálida. En cierto modo, el trío del sur de Londres, formado por Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie Smith, jugaba en casa. Como banda ya habían tocado otras tres veces (en 2010, 2012 y 2017), y otras tantas con sus respectivos proyectos en solitario. “Es nuestro festival favorito”, aseguraron desde el escenario.

El repertorio escogido en esta ocasión combinó una generosa selección de canciones extraídas de su aclamado debut, ‘XX’, de 2009, con otras compuestas por Romy, como la bailable ‘Enjoy your Life’, y ‘Loud Places’ y ‘Wanna’, de Jamie XX, nombre artístico de Smith. El público reunido en la explanada frente al escenario Revolut cantó y bailó unas y otras, sin distinción.

La puesta en escena acompañó a la perfección su música. Una enorme X luminosa suspendida sobre el escenario y planos de imágenes en blanco y negro amplificaron la elegancia y sensualidad de sus canciones.

Bestia Bebé y The Sophs: jóvenes valores

Una de las canciones más populares de Bestia Bebé lleva por título ‘El rock and roll pasó de moda’, incluido en su trabajo ‘Vamos a destruir’ de 2023. Evidentemente, la formación argentina pregona esto con todo el sarcasmo del mundo. La suya fue una actuación rebosante de energía y vitalidad, con canciones herederas del rock alternativo de Dinosaur Jr y Guided By Voices, que recuerdan inevitablemente a sus compatriotas Él Mató a un Policía Motorizado.

El sábado por la tarde presentaban su último elepé, ’Yendo rápido a ningún lugar’, otro título con mensaje juguetón que agrupa canciones sobre amistades, antihéroes cotidianos y la vida de barrio. De este álbum salieron piezas como ‘Algo que siempre te quise decir’, ‘El atrevido’, ‘Planes perfectos’ y ‘Si me voy no significa que te quiera menos’, en la que participó Diego Ibáñez, vocalista de Carolina Durante.

Otros que presentaban nuevo disco por la tarde eran The Sophs, la última gran apuesta del emblemático sello londinense Rough Trade. Su debut lleva por título ‘Goldstar’ y el joven sexteto de Los Ángeles se entregó a fondo para presentarlo como merece ante un público que empezaba a llenar el recinto. En directo, cabe decir, ‘Goldstar’, ‘Blitzed Again’, ‘House’ y ‘Sweetpie’ ganaron muchos enteros.

Del folk de Big Thief al pop de Olivia Rodrigo

Poco después, en la otra punta del recinto del Fòrum, en uno de los escenarios más grandes del festival, Big Thief confirmaron por qué siguen siendo una de las bandas más veneradas del folk rock independiente contemporáneo. Con todo, la intensidad del arranque fue diluyéndose a medida que avanzaba el concierto.

Adrianne Lenker, Buck Meek y James Krivchenia, los tres componentes oficiales de la banda, llegaron a la capital catalana con nuevo disco bajo el brazo,‘Double Infinity’, su sexto trabajo de estudio. Verá la luz en septiembre de la mano de 4AD pero el viernes pudimos escuchar en directo algunos adelantos —como ‘Incomprehensible’, ‘Words’ y la pieza que da título al disco—, arropados por joyas de orfebrería pretéritas.

Una de las sorpresas de la tarde la protagonizó Olivia Rodrigo, que anunció pocas horas antes su actuación en el festival. Con su tercer trabajo a la vuelta de la esquina, con el título ‘You Seem Pretty Sad for a Girl So In Love’, la estrella pop estadounidense se limitó a cantar tres cuartos de hora. El mejor momento: su dueto en ‘What’s Wrong With Me’, con Robert Smith, el héroe de la noche del viernes.

Rusowsky y Touché Amoré: contrastes junto al mar

El madrileño Rusowsky, responsable de uno de los discos nacionales de la pasada cosecha para buena parte de la prensa especializada, demostró encima del escenario Cupra con ayuda de una docena de músicos —de riguroso blanco todos, incluyendo el artista madrileño— que sus giros estilísticos funcionan y muy bien en directo. Y es que puede pasar del pop minimalista a una bachata para, acto seguido, abrazar la música urbana. Sin duda, uno de los artistas con más potencial de la escena española actual.

A escasos metros, una propuesta en las antípodas. Los hardcoretas Touché Amoré celebraban el décimo aniversario de ‘Stage Four’, uno de los trabajos más queridos y, sobre todo, personales de su discografía. El título tiene doble lectura: es el cuarto álbum del quinteto californiano, pero también es una referencia directa al cáncer que acabó con la vida de la madre de Jeremy Bolm, cantante y principal letrista del grupo. Pues bien, tocaron todo ese disco, de cabo a rabo, para disfrute de los varios centenares de personas que escogieron verles a ellos. La otra opción guitarrera a esa misma hora era muy tentadora: My Bloody Valentine.

El solape era doloroso, pero cabía la posibilidad de ver el inicio de Touché Amoré, cruzar todo el Primavera Sound y sumergirse en la maraña de guitarras que My Bloody Valentine tenía preparada para la parte final de su actuación.

Si el viernes Slowdive habían abanderado el shoegaze en su versión más amable y contemplativa, My Bloody Valentine aparecieron el sábado bien entrada la noche para recordarnos que el género también puede ser una experiencia física. Kevin Shields y Bilinda Butcher lideraron una descarga de guitarras distorsionadas, texturas envolventes y melodías etéreas que siguen sonando tan influyentes como hace tres décadas.

Gorillaz cumplen y Knocked Loose arrasan

Más tarde llegó el turno de Gorillaz. El proyecto ideado por Damon Albarn y Jamie Hewlett celebró sus 25 años de trayectoria repasando una carrera que comenzó con aquel debut homónimo de 2001 y que ahora suma un noveno álbum, The Mountain (2026). Así, no faltaron ’Tranz’, ‘Dirty Harry’, ‘Feel Good INC’, ‘On Melancholy Hill’ y ‘Clint Eastwood’.

Mientras Albarn y sus personajes animados desplegaban todo su imaginario visual y musical, sin arriesgar demasiado, en otro punto del recinto el sismógrafo del festival parecía registrar una actividad fuera de lo normal. Knocked Loose volvieron a demostrar por qué son considerados los grandes referentes del metal moderno. Los de Kentucky repasaron a fondo su último largo, 'You Won't Go Before You're Supposed To', y consiguieron crear uno de los ‘circle pits’ más grandes y numerosos de la historia del festival. Su secreto: riffs demoledores, baterías arrolladoras y la voz abrasiva de Bryan Garris llevando cada canción al límite.

Rap en irlandés para cerrar

Kneecap puso el punto final a una jornada dominada por nombres británicos. Su mezcla de hip hop, identidad irlandesa y reivindicación política mantuvo el nivel hasta el final, con una sobriedad que pudo sorprender a los que esperaban mucho más desparrame por parte del trío de Belfast, aunque ante una audiencia algo más reducida de lo que cabía esperar.

Aunque la jornada del sábado pone el broche al festival, todavía queda la fiesta de clausura oficial Primavera Bits. Será mañana, 7 de junio, y transformará el parque del Fòrum en una enorme pista de baile liderada por referentes del acid house, el techno y la electrónica como Carl Cox, Joseph Capriati, Blond:ish y Greta. Esta jornada de clausura empezará a primera hora de la tarde y se alargará hasta las once de la noche.

Millones de personas han escuchado canciones en las que ha trabajado el aragonés Diego García. Aunque no aparece sobre el escenario, detrás del sonido final de artistas como Malú, Pole, Edurne, Omar Montes, Antonio Carmona, Estrella Morente o José Luis Perales está el trabajo de este ingeniero de sonido que, desde Zaragoza, participa en proyectos que viajan por España, Latinoamérica y Estados Unidos.

En una industria en la que durante años parecía imprescindible estar en Madrid, Miami o Los Ángeles para formar parte de los grandes proyectos musicales, García ha construido una carrera internacional desde Aragón. Desde su estudio recibe grabaciones realizadas en Londres, México o cualquier otro punto del planeta y las convierte en el producto final que terminará llegando a plataformas digitales, radios o auditorios.

“Lo más grande de lo que hago viene de fuera”, reconoce, aunque matiza que la distancia ha dejado de ser un obstáculo en una profesión transformada por la tecnología. “Si hace falta voy donde sea, pero hoy puedo trabajar con cualquiera desde aquí y eso es fantástico”, explica.

Su nombre comenzó a sonar con más fuerza después de su nominación a los Grammy Latino y después de participar en trabajos que han alcanzado discos de oro y platino. Sin embargo, él rechaza la idea de que exista un momento concreto que cambiara su trayectoria. Frente a los relatos de éxito fulgurante que abundan en la industria musical, reivindica una carrera construida con paciencia.

“Lo mío ha sido pico y pala”, resume, además de añadir que a pesar de que “la gente muchas veces piensa que hay un punto de inflexión, una canción que cambia tu vida o un golpe de suerte que hace que todo explote”, en su caso no ha sido así. “Ha sido trabajar cada día, mirar hacia atrás un año después y darte cuenta de todo lo que ha pasado”, comparte.

Su relación con la música comenzó mucho antes de los reconocimientos. Melómano desde la adolescencia, guitarrista aficionado y empleado durante años en una tienda de instrumentos musicales, estudió inicialmente Empresariales antes de tomar una decisión que cambiaría su vida profesional. “Dejé un trabajo fijo que me iba bien, cogí mis ahorros y me fui a estudiar Producción de Audio”, recuerda. Aquella apuesta lo llevó a Madrid, donde cursó el grado de Producción de Audio de la Universidad de Middlesex y comenzó una nueva etapa que describe como una auténtica revelación.

Un cambio que lo llevó a lo que más le gusta

“Desde la primera clase aquello era un parque de atracciones para mí. Cada cosa que aprendía me interesaba muchísimo”, recuerda. Al finalizar sus estudios, empezó a trabajar junto al histórico productor Óscar Gómez, ganador de varios premios Grammy y colaborador de figuras como Celia Cruz, Miguel Bosé, Julio Iglesias, Rocío Jurado o Albert Hammond. Allí aprendió el oficio desde dentro y comenzó una carrera que, con el paso de los años, lo ha convertido en uno de los ingenieros de mezcla españoles más solicitados.

A la hora de hablar sobre el trabajo de un ingeniero de mezcla, García suele responder con una metáfora sencilla: “Yo uno todas las piezas del puzle”. De hecho, cuando una canción ha sido compuesta, producida y grabada, todavía queda una fase decisiva. Como subraya, voces, guitarras, percusiones, coros o teclados existen como elementos separados que deben ensamblarse hasta convertirse en una única obra coherente.

“Lo que le das al play y escuchas es el resultado de ese ensamblaje”, apunta, por lo que su trabajo consiste en que “la canción llegue a la mejor versión posible de lo que el artista y el productor soñaban que fuera”.

A pesar de ser una labor invisible para la mayoría del público, se trata de una fase determinante para el resultado final. “A mí lo que me gusta es que la gente escuche la canción, no que piense en mí. Que desaparezcan las costuras y solo quede la música”, afirma.

Desde Zaragoza, ese trabajo le ha permitido participar en muchos proyectos, tanto de artistas aragoneses como a nivel nacional e internacional. Entre los trabajos más recientes, menciona “Puro Chanela”, de Chanela Clicka, una propuesta que mezcla flamenco, música regional mexicana y sonidos contemporáneos y en la que colaboran artistas como Carín León, Adriel Favela, Niña Pastori y otras figuras de ambos lados del Atlántico.

“Es un disco del que estoy especialmente orgulloso porque me ha permitido sumergirme en sonoridades muy distintas y aprender muchísimo”, señala.

También habla con entusiasmo de los trabajos realizados para Malú, de la música de Leire Martínez tras su salida de La Oreja de Van Gogh o de los nuevos proyectos en los que participa junto a artistas como Mafalda Cardenal o Lia Kali. 

A lo largo de los años, ha podido trabajar con Marlena, Delaossa, Nena Daconte, Hens, Funzo, Lasso, Diego El Cigala, Marlon, JC Reyes, Taburete, Paul Alone, Pignoise, Despistaos, Mala Rodríguez, Diana Navarro, Carmen París, Mar Lucas, Ara Malikian, Álex Ubago, Ana Guerra, Aitana, Ana Belén, Los del Río, Locomía, y otros muchos nombres del panorama musical en español e internacional.

A su vez, ha trabajado en la banda sonora original de la película “Cariñena, vino del mar”, compuesta por su primer profesor de guitarra Gonzalo Alonso.

No obstante, insiste en que el tamaño del artista nunca determina su implicación: “Todo el mundo merece la misma dedicación”. “Da igual que sea alguien que está empezando o una persona que llena estadios. Cuando me envían una canción, mi responsabilidad es exactamente la misma”, subraya.

Esa filosofía explica en parte la confianza que muchos artistas depositan en él. Más que una cuestión técnica, considera que su trabajo consiste en interpretar y potenciar la visión creativa de otras personas.

“Cuando alguien te envía algo importante está depositando una confianza enorme en ti. Sabe que eso no puede salir mal y espera que le devuelvas una versión mejor de lo que te ha enviado”, admite.

El sector ante las nuevas tecnologías

En los últimos años, además, el sector ha tenido que afrontar el impacto de la inteligencia artificial en la creación musical. Lejos de las posiciones catastrofistas, García observa el fenómeno con cautela y sin dramatismos: “Cuando la inteligencia artificial nos hace la vida más fácil, la tomo como una herramienta”.

Aun así, cree que existe una diferencia fundamental entre automatizar procesos y sustituir el criterio creativo. “Al final siempre hay alguien que decide. Igual que cuando utilizas ChatGPT le pides siete veces que te cambie algo porque no es exactamente lo que quieres, en la música también existe una sensibilidad y un criterio detrás de cada decisión”, sostiene.

Por eso considera prematuro anunciar la desaparición de profesiones como la suya. “No sé qué va a pasar dentro de veinte años y tampoco me gusta jugar a la bola de cristal”, admite, pero, mientras tanto, añade que “seguimos haciendo música y a mí me sigue gustando mucho lo artesanal”.

Quizá ahí resida parte de la paradoja de una profesión tan desconocida como imprescindible. Mientras las canciones acumulan reproducciones, los artistas llenan recintos y los focos apuntan al escenario, profesionales como Diego García continúan trabajando lejos de la vista del público, ajustando detalles que forman parte de la emoción que transmite una canción.

Y aunque millones de personas escuchen cada año trabajos que han pasado por sus manos, él sigue definiendo su carrera con la misma sencillez con la que comenzó. Porque, como repite, detrás de cualquier reconocimiento, nominación o éxito internacional, lo suyo sigue siendo, sobre todo, “pico y pala”.

Después de una primera jornada oficial deslucida por la lluvia y polémica por las cancelaciones y la falta de información, el Primavera Sound volvió a brillar en todo su ecléctico esplendor el viernes. El macrofestival musical por antonomasia —con permiso del californiano Coachella— volvió a conectar las diferentes generaciones de la música moderna: de la oscura melancolía de The Cure al pop 'tiktokero' de Addison Rae, pasando por la irreverencia guitarrera de Water From Your Eyes, el shoegaze hipnótico de Slowdive, el pop bailable de Ralphie Choo, la intensidad emocional de Texas Is The Reason y la electrónica abrasiva de Skrillex.

Muchos nombres apetecibles repartidos por hasta 17 escenarios diseminados por el vasto Parc del Fòrum, pero pocos tan esperados como The Cure. Cuando las luces se apagaron en el escenario principal y apareció Robert Smith, una ovación recorrió el recinto y dio paso a la larga introducción de ‘Alone’, el tema encargado de abrir su último largo hasta la fecha, ‘Songs of a Lost World’, publicado en 2024.

Formados en 1978 en Crawley, The Cure han sobrevivido a modas y transformaciones culturales sin perder jamás su identidad. Smith, único miembro fundador que permanece en la banda, sigue siendo una figura irrepetible: cabello imposible, maquillaje corrido y una sensibilidad artística que convirtió al grupo en uno de los grandes referentes del rock gótico y la new wave. En el Fòrum ofrecieron un recital de dos horas —la banda ostenta el récord del concierto más largo en la historia del festival: tres horas en la edición de 2012— en el que no faltaron ya clásicos de su repertorio como ‘Pictures of You’, ‘Just Like Heaven’, ‘Play for Today’ y ‘Burn.

Asociado al existencialismo de autores como Camus y Sartre, Smith ha dedicado décadas a escribir sobre aislamiento, vacío, amor y espiritualidad. Y esas emociones siguen conectando con varias generaciones al mismo tiempo, como se demostró en una explanada a rebosar de gente frente al escenario Estrella Damm.

“Por desgracia no puedo hablar español”. Con estas palabras, ni una más, Smith encaró un bis repleto de éxitos como ‘Lullaby’, ‘Let’s Go To Bed’, ‘Friday I’m In Love’ y ‘Boys don’t Cry’, encargada de poner el broche a una actuación tan entretenida como majestuosa. Por cierto, en ese mismo escenario estuvieron tocando unas horas antes las irlandesas NewDad, alumnas aventajadas de Smith y compañía por su capacidad para crear canciones profundas con vocación atemporal. Tomen nota si no las conocen.

Skrillex: baile, humo y llamaradas

Mientras varios cientos de asistentes abandonaban lentamente la explanada de los escenarios gemelos Revolut y Estrella Damm, en la zona denominada antiguamente ‘Mordor’ por su ubicación, la mayoría se quedó por la zona con ganas de bailar al ritmo de Skrillex, otro de los grandes reclamos del viernes. Ganador de múltiples premios Grammy y fundador del sello OWSLA, Moore ha trabajado con artistas tan diversos como Justin Bieber, Beyoncé o Mariah Carey, convirtiéndose en uno de los productores más influyentes de su generación.

Este DJ y productor, nacido como Sonny Moore, puso el contrapunto perfecto a la noche con su mezcla explosiva de dubstep, hip hop, metal y cultura de club. Como curiosidad, las pantallas gigantes permanecieron apagadas durante la mayor parte de su actuación. La propuesta artística de Skrillex, que sí contaba con cañones de humo y llamaradas, convirtió ese extremo del Parc del Fòrum en una gigantesca pista de baile.

Slowdive: culto vigente

Antes, sobre las seis y media de la tarde, el ambiente era mucho más contemplativo con Slowdive. Pioneros del shoegaze y el dream pop, la banda liderada por Neil Halstead y Rachel Goswell atraviesa una segunda juventud desde su regreso en 2014, después de casi dos décadas de silencio. Lejos de vivir únicamente de la nostalgia, han conseguido ampliar su audiencia y consolidar una influencia que no ha dejado de crecer. Sonaron compactos y evocadores, con graves pesados, guitarras cristalinas, ‘loops’ hipnotizantes y voces celestiales.

Las canciones de ‘Souvlaki’, aquel clásico de 1993 enriquecido por la magia atmosférica de Brian Eno, convivieron con material más reciente. Temas como “Star Roving”, “Sugar for the Pill” o “Alison” fueron recibidos como auténticos himnos contemporáneos, mientras que las composiciones de ‘Everything Is Alive’, como ‘Shanty’ y ‘Kisses’, sirvieron para confirmar la vigencia de la banda.

Texas is the reason y Water From Your Eyes: legado y futuro

El bajista de Slowdive, por cierto, lucía una camiseta de Texas is the Reason, otra de las bandas imperdibles de la jornada del viernes. Y es que los neoyorquinos pasaron por Barcelona para celebrar el 30 aniversario de su primer y único largo, ‘Do You know Who You Are’. Porque su carrera musical apenas duró tres años, pero este trabajo lanzado en los noventa dejó una huella importante entre los seguidores del llamado emocore, la rama más emotiva e introspectiva del hardcore.

La leyenda cuenta que se separaron justo antes de firmar con una gran discográfica que llevaba tiempo cortejándolos para sacar una secuela. Sea como sea, Garrett Klahn, acompañado por Scott Winegard, Chris Daly y John Herguth —este último sustituyendo al cofundador Norman Brannon—, defendieron con una energía contagiosa un legado tan breve como influyente en una parte del recinto que ya había acogido a otros padrinos del emocore como Cap’n Jazz, American Football o Mineral en anteriores ediciones. Faltaban ellos.

No hubo demasiadas sorpresas en un repertorio inevitablemente limitado por su escasa discografía, reducida al citado álbum y un EP homónimo publicado un año antes. Interpretaron “Antique”, “Johnny on the Spot”, “The Magic Bullet Theory”, “A Jack with One Eye” y “Back and to the Left”, canciones que provocaron un gran pogo. Visiblemente emocionado y agradecido, Klahn preguntó al entregado público cuántos estaban “viéndoles en directo por primera vez” y la respuesta fue rotunda: la gran mayoría. Y es que, aunque resucitaron un par de veces, mucha gente llevaba muchos años esperando este reencuentro que dudo mucho, y ojalá me equivoque, tenga continuidad o se traduzca en un nuevo trabajo.

Con los últimos acordes de Texas is the Reason todavía resonando en el aire, salieron al escenario de enfrente otros vecinos de la Gran Manzana como Water From Your Eyes, un proyecto que desafía etiquetas, combina melodías pop, guitarras frenéticas y humor surrealista. Gran parte del repertorio de Water From Your Eyes giró alrededor de ‘It's a Beautiful Place’, su último trabajo para Matador, del que destacaron “Life Signs”, “Nights in Armor” y “Playing Classics”. La música del dúo formado por Nate Amos y Rachel Brown, que defendieron su directo con ayuda de otros dos músicos, remite tanto a Frank Zappa como a los Pixies más salvajes o a la hiperactividad cacharrera de 100 gecs. ¿Quién dijo que las guitarras habían pasado de moda?

El Primavera Sound afronta este sábado su última gran cita en el Parc del Fòrum con un póker de ases: My Bloody Valentine, The XX, Gorillaz y Kneecap.

La cantante Malú recorrerá varios puntos de Castilla-La Mancha con la gira de su nuevo trabajo, 'Quince', que salió a la luz este pasado mes de mayo.

La artista de hits como Aprendiz, Invisible o Mil batallas, y coach del programa de televisión La Voz visitará el 3 de septiembre la localidad ciudadrealeña de Alcázar de San Juan para presentar su nuevo álbum. Tendrá lugar en el Recinto Ferial del municipio a las 22.00 horas.

Seguidamente, el 7 de septiembre actuará en la Caseta de los Jardinillos en Albacete a las 22.00 horas; el 11 de septiembre en la Plaza de toros de Almodóvar del Campo (Ciudad Real) a las 23:00 horas, y el 19 de septiembre en el Estadio Municipal 'Fuente de La Niña' de Guadalajara comenzando a las 19:00 horas.

Las entradas pueden adquirirse a través de este enlace en la web oficial de la artista, y los precios rondan entre los 20 y los 60 euros, dependiendo del concierto y la ubicación en el emplazamiento.

Carlos Alberto “Indio” Solari, uno de los artistas más influyentes de la historia del rock argentino, ha muerto este viernes a los 77 años. El músico atravesaba desde hace años un cuadro de Parkinson, enfermedad que él mismo había hecho pública y que lo había alejado definitivamente de los escenarios en 2023. Su última aparición en directo fue en 2017 con Los Redonditos de Ricota en Olavarría. Después, formó parte de recitales de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado a través de técnicas holográficas. Fue la banda sonora de la vida de varias generaciones de argentinos.

De acuerdo a las primeras informaciones, Solari fue hallado a las 8 horas de este viernes por su cuidadora, quien al llegar a su casa de Parque Leloir, en la calle Calixto Oyuela al 4000, lo encontró en en el suelo, a metros de la pileta en el jardín de la residencia. De inmediato, llamó al servicio de emergencias médicas que se trasladó al lugar para darle asistencia, pero los sanitarios no pudieron hacer nada por su vida. A las 8:30, dieron el alerta a las autoridades y, por protocolo, se abrió una investigación de las causales de muerte, a cargo del fiscal Lucio Rivero, titular de la UFI Descentralizada N°2 de Ituzaingó, quien convocó a personal de la Policía Científica y adelantó se le realizará una autopsia al cuerpo del músico.

Un símbolo cultural en Argentina

Solari fue mucho más que un cantante: fue un símbolo cultural. Su figura, envuelta en misterio, hermetismo y una poética única, moldeó la identidad de varias generaciones. Su voz —barítono áspero, inconfundible— y sus letras cargadas de metáforas lo convirtieron en un referente de la contracultura argentina. Sus recitales en vivo, convocaban multitudes irrepetibles.

De Los Redondos al mito colectivo

Nacido en Paraná en 1949 y criado en La Plata, Solari fundó en 1975 junto a Skay Beilinson Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda que redefinió la escena musical argentina con un modelo autogestivo, sin exposición mediática y con un culto que creció de boca en boca.

Los Redondos editaron nueve discos de estudio hasta su separación en 2001 y construyeron una de las comunidades de seguidores más intensas del país. Sus recitales, multitudinarios y rituales, se convirtieron en un fenómeno social sin precedentes.

Tras la disolución, Solari continuó su camino con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, con quienes publicó cinco álbumes y mantuvo vivo el magnetismo de sus presentaciones. Su último show presencial fue en Olavarría en 2017, un concierto que reunió a cientos de miles de personas y que terminó marcado por una tragedia con dos muertos y decenas de heridos.

El retiro, la enfermedad y la obra final

En 2023, el Indio confirmó públicamente su retiro de los escenarios debido al avance de la enfermedad de Parkinson. Desde entonces se dedicó a trabajar en estudio, publicar libros y experimentar con formatos virtuales, como el concierto holográfico de 2020.

En mayo de 2026 recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Universidad de Buenos Aires, un reconocimiento institucional inédito para una figura históricamente reacia a los homenajes.

Un legado que excede la música

Solari deja una obra que atraviesa generaciones y que se expandió más allá del rock: poesía, artes visuales, narrativa y una forma de entender la cultura popular argentina. Su figura pública —escasa, controlada, casi mítica— convivió con un impacto masivo que ningún otro artista del país logró replicar.

Su muerte cierra una era. Pero su obra, sus canciones y la comunidad que lo acompañó durante décadas seguirán alimentando un mito que ya forma parte del ADN cultural argentino.

Entre sus acercamientos más recientes al público, el artista recibió un homenaje por parte de la Universidad de Buenos Aires que le otorgó el doctorado Honoris Causa, con un acto en el Aula Magna de la Facultad de Medicina y el músico envío un mensaje en agradecimiento por la distinción.

En el mismo acto, el guitarrista e integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Gaspar Benegas, junto a un octeto de cuerdas, interpretaron diez canciones del Indio, que fueron ovacionados por el público presente.

El 6 de diciembre pasado, un show de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado en el Estadio Único Diego Armando Maradona de la ciudad de La Plata, dejó uno de los momentos más conmovedores del año: la aparición del Indio Solari a través de un video especialmente grabado para la ocasión.

El estadio quedó en silencio cuando el músico irrumpió en las pantallas gigantes con su tono inconfundible y visible emoción. De esa manera, el Indio le habló directamente a los “ricoteros”:

“Me acompañaron durante ese tiempo hasta que la providencia quiso que se cruzaran conmigo un par de cositas que me impiden… ya saben ustedes de qué hablo”, dijo, en referencia a la enfermedad de Parkinson que padecía.

“No quería dejar pasar este momento para jugar a que estoy con ustedes. Los quiero mucho, los respeto mucho como público. Son de los mejores del planeta”, expresó.

El mensaje, breve pero contundente, despertó una ovación unánime que recorrió todo el estadio. Esa aparición del Indio volvió a confirmar que su legado va mucho más allá del escenario y acompañará por siempre a los fans.

Sus últimas entrevistas

Hemos pasado a hablar de nuestras casas (de las que no tenemos, de las que no podemos pagar, de las que nos echan) a hablar de la casita de Bad Bunny, que es un decorado y un símbolo en mutación. Todo tiene sentido conceptual en la instalación de una típica casita puertorriqueña en mitad del estadio en el que tenga lugar el concierto: Benito invita a la fiesta familiar que se abre a esa familia ampliada que son los amigos, los vecinos y los que se cuelan pero ya los quieres, los balcones están ahí para eso. El cantante se traslada del escenario principal a la casita a la vez que el show transita hacia las canciones más sexuales y personales.

Decimos que tener vivienda es un privilegio, y entrar en la casita también lo es. Caben unas 30 personas dentro y es el lugar más codiciado para los asistentes. Bad Bunny invita a celebridades y algunas personas que entran en la categoría de, digamos, normales. La fiesta se desparrama.

Todo tiene tanto sentido conceptual que a la casita le salen grietas simbólicas. Ponte en el lugar de quien ha pagado 150 euros y la casita le tapa la visión del escenario, pero puede pasarse la noche viendo a personas bellas e inalcanzable bailando a sus anchas, bebiendo en la barra que se ha instalado dentro o sentadas en el sofacito.

O en el lugar de Ramón Carrasco Delgado, de 84 años, propietario de la casita a la que copia esta, diseñada por la directora de arte Mayna Magruder Ortiz (quien por cierto tiene prohibidas las entrevistas) y a cuya casita real no para de acudir gente a tirarse fotos allí. Carrasco firmó un contrato para el uso de su casa en el documental con el que Bad Bunny acompañó la salida del disco, pero afirma que no se le explicó las verdaderas dimensiones del proyecto, por lo que demanda al cantante por enriquecimiento injusto.

No sabemos los costes de la gira Debí tirar más fotos, pero tienen que ser elevados. Lo que sí podemos es hacer una cuenta de la vieja de lo que más o menos ingresa por venta de entradas a su paso por España: 600.000 entradas vendidas de 12 conciertos, a una media de 150 euros, ponte que alcance los cien millones de euros, eso sin contar el merchandising. Ramón Carrasco Delgado le pide a Bad Bunny cinco millones de euros por menoscabo de sus intereses económicos y un millón más por la mala vida que le están dando las personas que pasan a husmear a ver si les dan por la mañana café o por la tarde ron, a ver si hay fiesta en la casita.

Madrid es un lugar difícil estos días: la visita del Papa ha cortado arterias principales, los hoteles rebosan, hace calor y hay colas hasta para entrar a La Placita. Con este follón, la Feria del Libro, que suele ser el foco cultural los primeros días de junio en la capital, pasa desapercibida. En el medio del caos, dos chavales que no han cumplido los 20 años y sin entrada para ver a Bad Bunny, se inventan un negocio para sacarse unas pelas en este inicio del verano: el guardacolas.

Tres libros

'Infiltrados en Amazon y Starbucks. Cómo montar un sindicato con todo en contra' de Jaime Caro Morente (Lengua de Trapo y Círculo de Bellas Artes)'. Este investigador granadino, experto en la historia del socialismo estadounidense, los discursos de la extrema derecha y el trumpismo, ha escrito un breve ensayo clave para adentrarnos en el sindicalismo USA, casa de grandes corporaciones internacionales de explotación laboral como las que aparecen en el título del libro y que, por tanto, nos afectan en el mundo entero. (Si tienes la sensación de que hay un Starbucks en cada esquina, te gustará saber que la cifra concreta es de 15.000 establecimientos en 50 países, y 210.000 trabajadores solo en EEUU).

Caro nos lleva al momento en el que un grupo de baristas en 2021 funda el primer sindicato en la historia de Starbucks en Estados Unidos. O cómo dos jóvenes comienzan a tejer una red de confianza y solidaridad con los trabajadores de Amazon en Staten Island.

'La puntada subversiva. El bordado y la creación de lo femenino' de Rozsika Parker (trad. Ana Useros Martín y Jesús Espino Nuño, Akal). Es la primera vez que se publica en castellano este revelador ensayo escrito en 1984 capaz de reenfocar la historia del arte con mirada feminista. El hilo y la aguja, dos herramientas unidas siempre a la mujer, tanto en el ámbito familiar como en el profesional, son un símbolo patriarcal pero también pueden serlo de resistencia. Esta de Parker es una de las investigaciones más rigurosas sobre la historia social del bordado y su relación con las mujeres. Si estás en Madrid, te recomiendo una cosa bonita para el 14 de junio en la Feria del Libro: un taller-presentación en el que además de hablar del libro, se bordará.

'La chica de nadie (Nobody's Girl)' de Virginia Roberts Giuffre (Planeta). Una de las víctimas del pederasta Jeffrey Epstein trabajó junto a la periodista de investigación Amy Wallace durante varios años para dar forma a estas memorias. Virginia Roberts fue una de las mujeres que más se expuso para enfrentarse contra el poder de Epstein y su cómplice Ghislaine Maxwell. Además de testificar contra ellos, demandó al príncipe Andrés de Inglaterra. Pero sintió que la Justicia la traicionaba cuando en 2008 esta llegó a un acuerdo de no enjuiciamiento con Epstein (que se ahorcó en su celda en 2019), a espaldas de las víctimas, lo cual le hizo salir a la luz, dar la cara. Este es su legado póstumo, ya que Virginia Roberts se quitó la vida en 2025.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Aunque no seas futbolero, a veces es imposible separar este deporte de la música. Que se lo digan a Madonna, Shakira y BTS, que actuarán en el descanso de la final del Mundial. Sin embargo, hay himnos más discretos que también reúnen la magia que rodea a esta competición. El grupo escocés Belle and Sebastian regresa con una propuesta que no se puede separar demasiado de un balón, y que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde están también las de semanas anteriores.

'It Only Takes One Lion' de Belle and Sebastian. Concebido como el himno oficial de Escocia para el Mundial de 2026, este temazo de indie disco sigue el viaje de la selección nacional de Escocia durante los últimos 50 años. En la portada aparece un jovencísimo Stuart Murdoch vestido de futbolista. La banda pasará por España en julio con conciertos en el Bilbao BBK Live y las Noches del Botánico de Madrid. 

'Down South' de Paul McCartney. El legendario músico demuestra que sigue siendo importante recordar el pasado. En esta canción de su nuevo disco The Boys of Dungeon Lane, McCartney regala una pieza acústica preciosa que habla con cariño de su amistad adolescente con George Harrison. Con una guitarra acústica muy sencilla, repasa cómo se conocieron en el autobús escolar y cómo hacían autostop de jóvenes, mucho antes de que todo el planeta se pusiera a bailar con Twist and Shout.

'Caravaggio' de Dellafuente. El artista granadino regresa con un adelanto de su próximo disco, Brigado, que se publicará este 19 de junio. Esta canción de flamenco experimental, que homenajea al famoso pintor italiano, la ha acompañado de un videoclip que emula un videojuego interactivo para simular el robo de un museo. El cantante ha sido la sorpresa del cartel del Weekend Beach Festival, que se celebrará el próximo julio. 

Tres películas, por Javier Zurro

'La luz'. Fernando Franco es uno de nuestros cineastas más interesantes y menos obvios, y por eso su acercamiento a los abusos en la Iglesia adopta un punto de vista tan poco obvio como interesante, el de un cura abusador que, en un momento dado, parece arrepentirse de sus actos. Un filme adulto, complejo, lleno de aristas y con una interpretación excelente de Alberto San Juan.

'Los ilusos 13+13'. En 2013 Jonás Trueba estrenó Los ilusos, la película que terminó poniendo nombre a su productora y a una forma de hacer cine que va a la contra del modelo industrial español. Trece años después, el director la reestrena con escenas en el color original en vez de en blanco y negro para establecer un diálogo entre aquel filme y el momento actual. Una oportunidad genial para recuperarla en salas de cine.

'Este cuerpo mío'. Carolina Yuste ya no es solo una actriz estupenda, sino una directora prometedora que vuelve a mostrar su personalidad arrolladora en este documental en el que acompaña a su amigo Rafael en sus primeros años de transición de género. Un testimonio íntimo, hermoso, político y tremendamente actual.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

FIRE! (Barcelona). Bajo el lema Mil y una historias queer, este festival pondrá este año el foco en las miradas del cine árabe y persa, reuniendo historias, creadores y voces que atraviesan fronteras, cuestionan imaginarios y abren nuevas conversaciones. Se celebrará hasta el próximo domingo 14 de junio en el Instituto Francés. Entre las películas que van a proyectarse están ¿Dónde estás? de María Moreno Novoa, ¿Quién mató a la cucaracha? de Juan Escribano Tamayo y 3670 de Park Joon-ho.

Misterio, ingravidez y dos mundos (Sagunto, Valencia). Este viernes se inaugura esta exposición en la Casa Capellà Pallarés, sobre la obra de la artista valenciana Lorena García Mateu. Su proyecto pictórico invita al público a adentrarse en un universo simbólico donde lo natural y lo cósmico dialogan en equilibrio. La muestra reúne una serie de obras en gran formato realizadas en óleo sobre lino, en las que ha plasmado escenarios pictóricos que sugieren la existencia de múltiples planos de realidad.

Los mismos lugares (Madrid). El Museo ICO alberga esta exposición que forma parte de PhotoEspaña, sobre la obra de Jorge Yeregui. La exhibición se articula en torno a cuatro cuerpos de trabajo que, mediante fotografía, vídeo, instalación y otros formatos, proponen una reflexión sobre el impacto de las industrias extractivas en el territorio, los efectos de la crisis del mercado inmobiliario, las distintas formas de crecimiento urbano y los modelos de relación entre el ser humano y la naturaleza.

¿No hay nada como el hogar? (León). El MUSAC propone esta muestra que analiza el concepto de hogar como algo inestable y polifacético, moldeado por las condiciones sociales, las expectativas culturales, las experiencias emocionales y las realidades vitales. Lo hace combinando obras sobre diferentes soportes, instalaciones y material audiovisual, que exploran este tema desde diversos ángulos: el hogar añorado o inalcanzable, el idealizado, el físico y el mental, el frágil, el peligroso o el inestable. Esta constelación de miradas incluye la de quienes carecen de hogar, a quienes lo han dejado atrás y a quienes lo buscan o lo reinventan.

K-Power (Valladolid). El centro comercial Vallsur será la sede este fin de semana del fenómeno K-Pop, con una programación gratuita que combinará música, maquillaje temático y espectáculos en directo, como K-Power, el musical K-Pop. También habrá una clase de coreografía para aprender los pasos más característicos de este estilo, y un espacio inspirado en los artistas del género donde los visitantes podrán experimentar con diferentes looks y maquillajes.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Shego. La banda de punk-pop formada en 2021 utiliza sus letras para poner de manifiesto la incomodidad, llenando sus canciones de desahogo, rabia contenida e incluso violencia. Si no la conoces, te la presentamos.

Teo Lucadamo. El joven rapero denuncia el genocidio en Gaza o retrata el infierno disfrazado de paraíso que supone Silicon Valley en las canciones de un disco que reivindica la importancia de ser político.

Candela Peña. Tercer nombre propio de la semana con una tercera pedazo de entrevista también en nuestra redacción, que además la vas a gozar si la ves en vídeo: “No me apetece estar eternamente buena”.

“Cada función que usted escucha en el Teatro Real exige años de formación, preparación constante y un altísimo nivel artístico y profesional. Sin embargo, quienes formamos el Coro Titular llevamos más de 16 años sufriendo una pérdida continuada de poder adquisitivo”. Con este mensaje han recibido los integrantes del Coro del Teatro Real al público en los estrenos de las últimas semanas, como parte de su protesta por la parálisis salarial que sufren desde hace más de quince años.

También denuncian que perciben alrededor de 20.000 euros anuales menos que sus homólogos de otros grandes teatros como el Liceu de Barcelona. “Estamos cobrando practicamente lo mismo que en 2010”, aseguran a este periódico.

El conflicto del coro con el Teatro Real viene de lejos. En 2019 la institución operística fue multada con 50.000 euros por la Dirección de Trabajo de la Comunidad de Madrid por cesión ilegal. Los cantantes del Coro están contratados por la Asociación Intermezzo pero son el coro titular y estable de las producciones del Teatro Real. De las 19 obras previstas para la presente temporada, participan en un total de diez.

Ya en 2023 comenzaron con una convocatoria de paros parciales y huelgas para denunciar una situación laboral “muy precaria”, “cláusulas abusivas” en los contratos y la falta de un convenio propio. Tres años después, los integrantes del Coro vuelven a hacer público el “profundo malestar” que atraviesa la plantilla tras más de 16 años de pérdida progresiva de poder adquisitivo.

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo Programaciones Musicales señala que aunque el contrato entre la compañía y el Teatro Real contempla mecanismos de revisión económica vinculado al índice de precios de consumo (IPC), dichas actualizaciones “no se han traducido de forma efectiva” en los salarios del coro, “consolidando una congelación salarial de facto durante casi dos décadas”.

Este Coro es el responsable de actuar en todas aquellas funciones que lo precisan por las características de los espectáulos que se programan en el Real. Los cantantes tienen contratos indefinidos que incluyen una cláusula de exclusividad. “No podríamos cantar ni en una boda, nos debemos en exclusiva al Real”, aclaran sobre un modelo de subcontratación poco frecuente en los grandes escenarios a nivel mundial, “en un teatro de referencia de estas magnitudes, solo está el Real. Londres, Nueva York o el propio Liceu tienen su propio coro”. No obstante, sostiene que estar subcontratados “no debería ser” un problema, “salvo si deriva en estas condiciones laborales”.

Otra de las acciones impulsadas por el Comité ha sido la confección de camisetas con el mensaje “subida salarial ya”. “Excelentes críticas, sueldos low cost” y “16 años perdiendo poder adquisitivo” son otras de las frases con las que están protestando por sus condiciones laborales.

Este periódico se ha puesto en contacto con la Asociación Intermezzo, la empresa externa a la que pertenece el Coro, desde donde afirman que están “actualmente en un proceso de negociación del convenio colectivo” y añaden que “solo” responderán a cuestiones relativas a su “actividad artística”. Desde el Teatro Real confirman estar en las citadas “negociaciones”, y que su voluntad es que tengan como resultado “la mejora de las condiciones de los cantantes en lo que se refiere a su actividad” en la institución.

La fuga de talentos a otros coros

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo incide en que esta situación de precariedad está generando un “importante desequilibrio” respecto a otros teatros líricos de referencia de España, ya que como indican, los miembros del coro “perciben aproximadamente 20.000 euros anuales menos” que sus homólogos en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona o Les Arts de Valencia, pese a que el Real cuenta con mayor presupuesto público-privado. El organismo advierte de que esta diferencia resulta “incompatible” con el nivel de excelencia artística y exigencia profesional que requiere una institución cultural de referencia internacional.

“Mucha gente se ha tenido que ir por las condiciones laborales y económicas. Si sale una plaza en otro coro donde se cobra más, muchos se están yendo”, lamentan desde el Coro: “Queremos frenar la fuga de talentos a otros sitios”. También por la pérdida de atractivo que supone para la propia formación ir perdiendo valiosos integrantes.

“La situación de los artistas del coro y nuestra paciencia ha llegado a un límite”, comunican a elDiario.es. “Llevan dos años toreándonos con esto, ha llegado un punto en el que de tantas largas nos hemos cansado”, aseguran y avanzan que, en caso de no llegar a un acuerdo, “no descartan la huelga”. “Se votó en el colectivo y hubo un 94% de votos a favor de iniciar movilizaciones mayores”, señalan. Los trabajadores “subrayan que no reclaman privilegios, sino dignidad profesional y unas condiciones compatibles con el nivel artístico y la estabilidad que exige un proyecto como el Teatro Real”.

Dispuestos a seguir luchando por la mejora de sus condiciones, el Comité ha acudido igualmente al Ministerio de Cultura, al que solicitaron una reunión el pasado 25 de mayo, pero todavía no han obtenido respuesta. Este periódico se ha puesto en contacto con el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), desde donde prefieren no hacer ninguna valoración.