En la semana de los Premios Oscars, la actriz Liza Minnelli cumple 80 años. Un hecho nada desdeñable si tenemos en cuenta que es una de las leyendas vivientes ligadas a los galardones, pues es de las pocas personas que tiene en su haber premios Tony, Emmy, Globos de Oro, BAFTA y Grammy, además de la estatuilla dorada.

La hija de Vincente Minnelli y Judy Garland, nacida el 12 de marzo de 1946 en Los Ángeles, llegó a lo más alto en 1973 gracias a ‘Cabaret’, que le hizo ganar el premio Oscar a mejor actriz, así como el Globo de Oro y el BAFTA. Sin embargo, tan solo cuatro años después llegaría a tener uno de sus más sonados fracasos y que marcaría en gran parte su longeva carrera, pero que actualmente es considerada una obra de culto.

El fracasado homenaje musical de Scorsese a Nueva York

Estamos a mediados de la década de los 1970, cuando Martin Scorsese estaba decidido a rodar un homenaje musical a la Nueva York en la que había crecido, mientras a su vez quería mostrar su amor por el jazz y sus ambientes de la década de los 40. Así fue como se comenzó a gestar “New York, New York”, que contó con Robert De Niro y Liza Minnelli como pareja protagonista, pero a pesar de todo lo que prometía, fue todo un fracaso de crítica y taquilla. Ellos, sin embargo, no fueron los primeros actores que se tuvieron en mente, pues Ryan O’Neal y Barbra Streisand fueron los primeros que se plantearon, descartados luego. De aquí, Scorsese pensó que Liza Minnelli era perfecta para el personaje femenino principal, mientras para convencer al actor de origen italiano se tuvo que ir hasta Parma, donde estaba rodando “Novecento” de Bernardo Bertolucci.

El unir las agendas de ambos para el rodaje de la comedia musical fue uno de los primeros contratiempos por los que pasó esta película, que se basa en la historia del músico Jimmy Doyle y la cantante Francine Evans, que se conocen y enamoran el mismo día que termina la Segunda Guerra Mundial y forman una pareja artística también, a la que seguimos en su búsqueda del éxito. Si bien Robert De Niro entrenó con el saxofón con clases hasta cuando ya se había comenzado el rodaje, finalmente lo que se escucha en el largometraje es la interpretación de Georgie Auld, que formó parte también del reparto.

El rodaje comenzó sin que el guion estuviera terminado

Uno de los principales problemas que enfrentó “New York, New York” fue que se improvisó continuamente, queriendo seguir el estilo del jazz, en parte porque cuando se comenzó el rodaje el guion todavía no estaba terminado. Lo había comenzado el novelista Earl Mac Rauch, que hizo un trabajo de dos años, lo terminaron Mardik Martin y Julia Cameron, entonces esposa de Scorsese.

El propio Markin contaría lo que eso supuso en el libro Moteros tranquilos, toros salvajes de Peter Biskind: “Seguro que hay muchos que trabajan así, pero yo no podía hacerlo. Fue una pesadilla, estuve escribiendo hasta el momento de filmar el último fotograma”, contó. Todo ello, además, siendo una película de época, lo que obligó a un costoso decorado y elaboradas secuencias musicales que luego se retocaron constantemente por la marcada improvisación del director.

Un proyecto personal para Scorsese

La película se concebía como un homenaje al mundo en el que Martin Scorsese había crecido y exploraba un tema muy característico de su cine: la tensión entre la realidad y la fantasía. Esto fue por lo que lo abordó con un gran impulso creativo, desbordante, a la vez que esto generó un rodaje caótico, que se complicó todavía más por las adicciones y la vida personal del director.

En esos años, el director mantenía un complicado affaire con Liza Minnelli, quien todavía estaba casada con Jack Haley Jr. y, al mismo tiempo, tenía un romance con Mikhail Baryshnikov. Varias historias de ese triángulo amoroso quedaron registradas en los diarios de Andy Warhol, amigo de Minnelli y testigo indirecto de algunas de sus disputas.

El origen del himno de Frank Sinatra

Una vez terminada, el primer montaje alcanzaba cuatro horas y media y si bien el equipo pensó que sería una obra maestra, la reacción de la crítica y del público fue totalmente diferente, siendo un sonado fracaso comercial. Sin embargo, marcó en parte la carrera de Minnelli, que apareció menos en el cine, pero que ganó un himno para siempre.

La canción del mismo nombre que la película había sido compuesta por Leonard Bernstein en 1944, pero la versión de la actriz para la escena final fue una de las más conocidas, hasta que Frank Sinatra la versionó en 1977 para grabar uno de sus grandes éxitos y siendo el último con el que llegó al top 40 en Billboard. Ambos, tanto Minnelli como Sinatra la cantarían en todos sus conciertos.

Taxi Driver, Uno de los nuestros, Casino, El lobo de Wall Street, El irlandés, Shutter Island, Los asesinos de la luna… La filmografía de Martin Scorsese es extensa y, para los grandes fanáticos del cine, fácilmente reconocible tanto por los temas que ha tratado a lo largo de su carrera como por su estilo narrativo. Conseguir esto no solo ha sido mérito del cineasta, sino también de Thelma Schoonmaker, la montadora habitual de sus películas. Su trabajo ha sido fundamental para dar ritmo, coherencia y, sobre todo, personalidad a la obra cinematográfica del director y guionista estadounidense.

Schoonmaker ha trabajado con Scorsese durante más de cincuenta años, montando casi todas las películas de su filmografía. Se conocieron en 1963, en un curso de cine de seis semanas en Nueva York, poco después de que ella terminara sus estudios en la Universidad de Cornell. “Quizá ni siquiera habría llegado a ser cineasta si no lo hubiera conocido”, dijo la editora en una entrevista a la BBC.

La ganadora de tres premios Oscar por el montaje deToro salvaje (1981), El aviador (2005) y Los infiltrados (2007) le explicó a la cadena británica que, pese a ser una labor fundamental dentro de la industria del cine, muchos desconocen lo que hace un montador. “Básicamente lo que hacemos es recibir el material en bruto del rodaje y averiguamos cómo encajan mejor todos los planos. ¿La escena fluye? ¿Es demasiado larga o demasiado corta?¿Estamos potenciando demasiado a un personaje por encima de a otro?”, compartió.

Después de tantos años trabajando juntos, muchos podrían pensar que cineasta y editora habrán protagonizado alguna que otra disputa por el contenido de alguna de las películas en las que han colaborado. Schoonmaker confesó entonces que nada más lejos de la realidad: “Nunca discutimos. Muchos montadores y directores se pelean por las películas. Es una lucha de egos, y eso es terrible para la película. Pero, por suerte, sé lo que le gusta y lo que no”. 

Los estereotipos de género continúan

Aunque a lo largo de sus 86 años“solo” se ha llevado tres galardones, Schoonmaker ha recibido ocho nominaciones al Oscar a mejor montaje cinematográfico. Pero su éxito no la libró de los prejuicios, especialmente durante los 60 y 70. “La primera vez que fui a un laboratorio con una lata de película, un hombre que estaba allí me dijo 'suelta esa lata' porque estaba muy molesto de que una mujer se hubiera atrevido a entrar al laboratorio”, recordó en una entrevista para The Guardian.

En aquella época, ya había editoras como Dede Allen, conocida por montar películas como Bonnie and Clyde (1967) o El club de los cinco (1985); Margaret Booth, quien mucho antes había editado Romeo y Julieta (1936); o Verna Fields, montadora de Tiburón (1975), película por la que ganó el Oscar a mejor montaje en un momento en que las mujeres apenas eran reconocidas en las categorías técnicas.

Un problema que sigue vigente en categorías como la de Mejor dirección. Desde que los Oscar concedieron su primera estatuilla en 1929, más de 400 directores han sido nominados por la dirección de sus películas. Sin embargo, solo nueve mujeres han sido destacadas por la Academia de Cine por el mismo mérito. De esas nueve mujeres, solo tres se han llevado finalmente el galardón: Kathryn Bigelow (En tierra hostil, 2010), Chloé Zhao (Nomadland, 2021) y Jane Campion (El poder del perro, 2022).

Es el director vivo más nominado a los Oscar. Coppola le define como “el cineasta más importante en activo de la historia del cine”. Su carrera está plagada de títulos emblemáticos que han dejado imágenes grabadas para siempre en nuestra retina. Muchas de ellas protagonizadas por su actor fetiche, Robert De Niro: Travis Bickle hablando delante del espejo. Jake LaMotta en el cuadrilátero. Sam Ace Rothstein iluminado por los neones de Las Vegas… 

Martin Scorsese ha creado un corpus fílmico tan apabullante que resumirlo es casi imposible. Quizás por ello realizar un documental intentando abarcar su carrera y su figura es una misión aún más complicada. Sin embargo, la realizadora Rebecca Miller —y pareja de Daniel Day Lewis, con quien Scorsese trabajó en Gangs of New York— decidió que quería intentar descifrar qué había en el cerebro de un cineasta que respira fotogramas en vez de aire. Cuánto de aquel niño de descendencia italiana y criado en el catolicismo de Nueva York había quedado impregnado en sus películas.

Para intentar abarcar lo más posible, Miller ha apostado por el formato de serie documental en Mr. Scorsese, cuyos cinco episodios ya se pueden ver en Apple TV. Una aproximación que utiliza material de archivo cedido por el propio Scorsese en donde se puede ver a su familia y su infancia, además de escuchar al propio cineasta y a muchos de los que han trabajado con él y le han conocido. El resultado es tan fascinante como la obra del director, y una de las mejores aproximaciones a su figura.

Rebecca Miller dice que hacer este documental ha sido “una de las mejores experiencias de mi vida”, porque le han dado “el privilegio de hacer el retrato más honesto posible”. La única forma que encontró para hacerlo era confrontar su figura a “múltiples perspectivas” que le mostraran más que como un ídolo, como una persona compleja, con muchas aristas. Así pasan por la cámara, amigos, familiares, esposas y exesposas, “algunas de ellas”, como aclara Miller y colaboradores de sus películas. “Quería abarcar la mayor cantidad de puntos de vista posible. Casi un enfoque cubista”, subraya.

Pero si piensa en, quizás, la razón más importante por la que decidió hacer el documental, esta sería intentar desvelar el misterio de “la dicotomía de un hombre de fe que está fascinado por la violencia”. Evoca así dos de los temas principales de la filmografía de Scorsese. A veces la fe y la religión adquieren más presencia, como en Silencio, y en otras están intrínsecamente unidas. Miller se pregunta cómo pueden “convivir ambas cosas”. “Una de las cosas que surgió fue esta idea de su fascinación, e incluso identificación, con el pecador. Para mí, eso lo convirtió en un proyecto muy importante, mucho más que un simple proyecto sobre los logros de un hombre; se trataba de quiénes somos como seres humanos y cómo puede un artista abordar esto de forma profunda”, explica sobre su documental.

A este enfoque poliédrico le ayudó que no fuera su amiga. “Lo conocía un poco a nivel social y conocía muy bien sus películas. Así que estaba en terreno desconocido. Hacía mis preguntas con total sinceridad y escuchaba con atención, de una forma radical. Completamente. Tanto que, a menudo, al final de una entrevista, no recordaba lo que había pasado. Preguntaba a mis productores cómo había ido y luego las veía más tarde. Así que no diría que hubiera resistencia de ningún tipo, porque yo no intentaba manipular nada”, analiza sobre el proceso de rodaje.

Mr. Scorsese no es solo una radiografía del director, sino que también intenta desenmarañar leyendas urbanas e historias que se han ido trasladando, como que la MPAA le dijo que tenía que recortar escenas de Taxi Driver para no ser calificada con la temida X. Miller ofrece los puntos de vista de Scorsese, Spielberg y Brian de Palma para intentar entender qué pasó realmente. “Algunas de estas historias llegaban como rumores, y yo quería enterarme realmente de lo que pasó”, confiesa la cineasta.

Hay apariciones emocionantes, como la del “hombre detrás de Johnny Boy”, el personaje al que interpreta Robert De Niro en Malas Calles y que está basado en una persona real del barrio de Scorsese. “Fue una sorpresa porque no creíamos que lo fuéramos a conocer nunca. Y resulta que su hermano lo llamó y apareció. Fue una experiencia extraordinaria”, dice Miller, que explica que de Scorsese ha aprendido sobre todo a buscar la toma perfecta, “la idea de que nada debe filmarse sin un motivo, sin comprender el significado de la toma, la razón por la que se hace”.

Compara a Scorsese con Shakespeare. Y tiene una explicación. Si el escritor fue capaz de crear palabras propias que se añadieron al lenguaje, “Marty ha inventado ciertos recursos de lenguaje cinematográfico y los ha utilizado de una manera que le es propia, creando una especie de estilo barroco o maximalista, que comenzó con Uno de los nuestros, pero que ha permeado nuestra cultura hasta tal punto que casi resulta difícil recordar que esta forma de concebir el cine, de mover la cámara, tiene sus raíces en él”. 

También deja tranquilos a los fans del director. No piensa retirarse. Es más, “siempre está buscando la próxima historia, cree que la próxima idea buena está a la vuelta de la esquina”. “Podría pensar, ‘ya he hecho todas estas grandes películas’. Y se acabó. Pero todavía tiene muchas ganas de explotar su talento”, cuenta Rebecca Miller, que ha conseguido plasmar como nadie ese talento en un documental imprescindible.

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor secundario

Mejor película internacional

Mejor película de animación

Mejor documental

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor diseño de producción

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor diseño de vestuario

Mejor efectos especiales

Mejor montaje

Mejor dirección de fotografía

Mejor sonido

Mejor banda sonora

Mejor canción

Mejor cortometraje de animación

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de acción real

Mucho tiene que cambiar el guion para que la ceremonia de la 96 edición de los Premios Oscar no se convierta en una de las más previsibles, y por tanto, aburridas de los últimos años. A estas alturas pocos dudan de que Oppenheimer acabará la noche coronada como la Mejor película del año por la Academia de Hollywood, la duda es hasta dónde llegará su onda expansiva (prepárense también para los juegos de palabras sobre bombas).

Pero, ¿qué pasará en las categorías interpretativas?, ¿será también un paseo para el filme de Christopher Nolan? Y la pregunta más importante, ¿quién debería ganar el Oscar este año? 

Mejor película 

Lo que ganará: Oppenheimer

La Academia debería protagonizar uno de los giros más locos de toda su historia para que el filme de Christopher Nolan perdiera. No ha dejado premio libre. Se ha llevado el del sindicato de productores, el BAFTA, el Globo de Oro y el Critics Choice. Por si fuera poco también el de Mejor reparto en el sindicato de actores (el gremio que compone la masa de votantes más numerosa). Es una película de consenso, la consagración de un cineasta fundamental del cine reciente y encima un éxito rotundo de taquilla en un año que necesitaba títulos como este.

Lo que debería ganar: La zona de interés

Que Hollywood se haya acordado de una película tan arriesgada y compleja como La zona de interés es de agradecer. Se merece más que la nominación. La zona de interés es la película que cambia el cine sobre el Holocausto. Que hace que cuestionemos cómo se había mostrado hasta ahora y que nos hace vernos representados en el perpetrador en vez de sufrir con la víctima. Una película que sobrecoge sin mostrar un solo muerto y que está destinada a quedar en el recuerdo. 

Mejor dirección

Lo que ganará: Christopher Nolan, por Oppenheimer

Ha ganado el premio del sindicato de directores y el Critics Choice y la fuerza de Oppenheimer se extiende también a esta candidatura. La Academia de Hollywood siempre había despreciado a Nolan. De hecho, esta es solo su segunda nominación a pesar de tener en su filmografía varias de las películas más taquilleras y populares de las últimas dos décadas. Este es su gran momento, y lo saben. Si perdiera empezaríamos a estar ante un caso como el de Scorsese, que tuvo que esperar demasiado para ser reconocido.

Lo que debería ganar: Jonathan Glazer, por La zona de interés

De nuevo Glazer, pero es que su coherencia ética y estética a la hora de hablar del Holocausto está en otra liga. Una película en donde cada cuadro, cada escena y cada decisión está tomada pensando en su significado y en la representación que hace. Su forma de alejarse de las narrativas y las dramatizaciones de las historias sobre los campos de concentración merecería el Oscar a la mejor dirección.

Mejor actor protagonista

Lo que ganará: Cillian Murphy, por Oppenheimer

Parece difícil que una película que tiene el nombre de su personaje protagonista y que parece dispuesta a arrasar no se lleve el premio al mejor actor protagonista. A Hollywood le gustan los biopics, y este por suerte no se parece a esas películas académicas y aburridas de líderes musicales. Cillian Murphy está estupendo en el filme de Nolan, su rostro anguloso y su mirada perdida son un elemento fundamental y la Academia parece que lo reconocerá. Ganó el Globo, el BAFTA y el premio del sindicato de actores y llega con más fuerza que sus rivales.

Lo que debería ganar: Paul Giamatti, por Los que se quedan

A Giamatti los Oscar le deben, al menos, un par de nominaciones. Si no gana este año le deberán también el Oscar. Su interpretación del profesor cascarrabias de Los que se quedan es un prodigio de humanidad, de emoción y de complejidad que él afronta con una sencillez que hace que parezca fácil. Es el típico trabajo que suele quedar en segundo plano y que este año tiene la oportunidad de ganar. Es la alternativa a Murphy.

Mejor actriz protagonista

Lo que ganará: Emma Stone, por Pobres criaturas

Sí, Emma Stone es lo mejor del filme de Yorgos Lanthimos. Y sí, es una interpretación arriesgada en una industria tan pacata, pero también es la interpretación más efectista. El papel que, en las manos adecuadas, huele a Oscar de lejos y Stone no lo ha dejado de aprovechar. La locura y excentricidad de su Bella, que la actriz domina a su antojo, son un terremoto difícilmente ignorable. 

Lo que debería ganar: Sandra Huller, por Anatomía de una caída

Lo que hace la actriz alemana en el filme de Justine Triet es complicadísimo. Siempre en la línea perfecta para que el espectador no termine de empatizar con ella pero no la demonice. El guion de Triet es un caramelo envenenado, hay que tener muchas tablas para que funcione y no quede acartonado. Cada palabra, cada pausa, cada cambio de idioma es fundamental. Huller tiene parlamentos larguísimos que tienen su propia evolución dramática gracias a cómo es capaz de decirlos. Tampoco nos importaría que ganara Lily Gladstone, auténtico centro emocional de Los asesinos de la luna y que, además, seguramente daría el mejor discurso de la noche.

Mejor actor de reparto

Lo que ganará: Robert Downey Jr., por Oppenheimer.

Llega a los Oscar después de haber ganado todo y con dos factores a su favor. Uno, la importancia de su personaje, muy protagonista y con más metraje que muchos de sus competidores. Dos, la narrativa del hijo pródigo que tanto le gusta a Hollywood. El actor descarriado que se reintegra tras sus problemas de drogas y mal comportamiento. Un clásico que en este caso viene acompañado de una gran interpretación.

Lo que debería ganar: Robert De Niro, por Los asesinos de la luna

Actor de reparto es una categoría un poco pocha en esta edición, donde la Academia ha obviado trabajos mucho más destacables, como el de Dominic Sessa en Los que se quedan, el de Charles Melton en Secretos de un escándalo o el de Paul Mescal, en Desconocidos. De las cinco interpretaciones nominadas la de Robert De Niro destaca, no por mucho, pero es uno de esos actores que imponen con un gesto, y Scorsese lo juega todo a su favor con un personaje que debe dar miedo con una mirada.

Mejor actriz de reparto

Lo que ganará y lo que debe ganar: Da’Vine Joy Randolph, por Los que se quedan

Parece que será el único premio de Los que se quedan, pero este es uno de los más cantados de la noche. Pocos premios ha dejado sin recoger este año la actriz que interpreta a esa madre que ha perdido su hijo en Vietnam y que ve cómo los niños pijos blancos celebran la Navidad con su familia mientras ella se queda trabajando en el colegio de élite donde está empleada como cocinera. El acierto de esta interpretación está en su contención. Podría haber sido un cliché pero Randolph y Payne como dirección apuestan por la mesura hasta en la gran escena de su personaje, donde se rompe con elegancia en vez de con histrionismo. 

“This is cinema!”. “Absolute cinema”. El meme es bien conocido para los usuarios de las redes sociales: la frase viene acompañada de una fotografía de Martin Scorsese en blanco y negro y suele utilizarse, con bastante sentido del humor, para acompañar alguna película o vídeo al que no se toma muy en serio: ya sea Supermario Bros. o a un chaval que graba cómo es una mañana con su abuela yendo al supermercado.

A sus 81 años, Martin Scorsese sigue en plena forma. Este año se ha convertido en el cineasta que más veces ha sido nominado a los Oscar en la categoría de mejor dirección, superando al mismísimo Steven Spielberg: ha recibido un total de 10 nominaciones por Toro salvaje, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, Gangs Of New York, El aviador, Infiltrados, La invención de Hugo, El lobo de Wall Street, El irlandés y Los asesinos de la luna, su trabajo más reciente. Eso sí, el italoamericano solo ha ganado una estatuilla dorada a mejor director, por Infiltrados.

Su nombre sigue siendo sinónimo no solo de buen cine, sino sobre todo de amor por el cine. Una fama, la de cineasta cinéfilo, que él mismo ha cultivado: ahí están sus documentales Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano (1995) o Mi viaje a Italia (1999), en los que el director recorre aquellas películas que más le han marcado (no necesariamente las mejores) del cine estadounidense y del italiano, respectivamente.

El mundo de las redes sociales también ha recogido esa vertiente del Scorsese más cinéfilo, y su rostro se ha convertido en todo un símbolo para representar a esos usuarios anónimos que dicen sentir una pasión similar a la suya por el séptimo arte.

Scorsese también ha estado muy presente estos últimos años en las redes por sus críticas a las películas de Marvel y hacia las películas de superhéroes en general: “He visto unas pocas y no son para mí, me parece que están más cerca de un parque temático que de las películas que he conocido y amado a lo largo de mi vida. Para mí, eso no es cine”, dijo en una entrevista con la revista Empire.

Unas palabras que el cineasta posteriormente matizaría en una tribuna en The New York Times: “Muchas de estas películas están hechas por gente de considerable talento. Lo puedes ver en la pantalla. El hecho de que esas películas no me interesen es un tema de gusto personal y de mi carácter. Sé que si fuera más joven me habría emocionado con estas películas y puede que incluso hubiera querido hacer una yo mismo”.

También explicaba que la principal crítica que tiene hacia este tipo de películas es que considera que les falta tomar ciertos riesgos creativos que considera imprescindibles en el cine como forma artística, que el problema es “la misma naturaleza de las franquicias de películas: basadas en investigaciones de mercado, probadas con el público, revisadas, modificadas, revisadas de nuevo y de nuevo modificadas hasta que están listas para el consumo”.

“El cine que me interesa consiste en una revelación: estética, emocional o espiritual. El cine que me interesa trata sobre personajes: la complejidad de la gente, sus naturalezas contradictorias y a veces hasta paradójicas, la forma en la que se hacen daño mutuamente y en la que se aman y en cómo de repente se enfrentan cara a cara con ellos mismos”. Unas declaraciones que el mundo de los aficionados a los cómics y al cine de superhéroes se han tomado, en general, con mucho sentido del humor.

Pero el lanzamiento más reciente de Scorsese como fenómeno de las redes sociales ha venido de la mano de su hija, Francesca Scorsese, de 24 años, una estrella de TikTok. Francesca graba vídeos con su padre en los que, por ejemplo, el cineasta hace un casting a su mascota (un perro que se llama Oscar, por cierto) e intenta dirigirlo. O en los que Scorsese padre va eligiendo con un movimiento de cabeza su película favorita de entre dos opciones, en un campeonato de eliminatorias en el que se acaba quedando con un solo filme (a ver si adivinas al verlo cuál es el que gana).

El impacto de esos vídeos es tal, especialmente entre la gente más joven, que cuando Francesca acompañó a Martin en la pasada gala de los Globos de Oro se hicieron varias bromas en internet que subrayaban lo adorable que era ver cómo las estrellas mostraban su lado más tierno al llevarse a las entregas de premios a sus propios padres.

La simpatía hacia Francesca por parte de internet es enorme, motivada también por declaraciones en las que asegura que está dispuesta a ser “la mejor nepo baby posible”, refiriéndose así al término usado en el mundo anglosajón para describir a quienes o se dedican a lo mismo que sus progenitores, o tienen padres de alguna forma famosos y que, presumiblemente, los habrían ayudado en sus carreras, poniéndoselo más fácil, aunque solo sea gracias a contactos y a visibilidad. Una idea que en España se manifiesta con la broma, también muy frecuente en internet, que dice “me encanta cuando me meto en la Wikipedia de mis artistas favoritos y veo siempre que el nombre de sus padres aparece en azulito”. Es decir, que esos padres también tienen su propia ficha de Wikipedia, y de algo les habrá servido eso a sus hijos.

Padre e hija protagonizan este 2024 también un anuncio para la Superbowl, han comunicado recientemente que escribirán un libro juntos y, además, han dejado caer que hay un par de cosas más en las que trabajan, sugiriendo que podría tratarse de una película. Y es que esa segunda juventud de Scorsese no solo se manifiesta como fenómeno de internet, sino también en su cine. En los últimos 10 años ha estrenado películas mucho más ambiciosas en su magnitud, duración y envergadura (Los asesinos de la luna, Silencio, El irlandés y El lobo de Wall Street), que en los 10 años anteriores (La invención de Hugo, Shutter Island, Infiltrados, El aviador). Además, ya ha comentado en más de una ocasión que su nuevo trabajo será una película sobre Jesucristo ambientada en la actualidad y que se centrará en el núcleo de sus enseñanzas. Se basará en un libro Shūsaku Endō, el mismo autor japonés que escribió otra novela que el cineasta ya adaptó: Silencio. Esa es su forma de responder como católico a la llamada del papa Francisco a los artistas, según hizo saber.

Ese nuevo trabajo en marcha será la segunda adaptación del cineasta de una historia protagonizada por Jesucristo, después de su famosa (y polémica) La última tentación de Cristo (1988), basada en la novela del griego Nikos Kazantzakis. Scorsese tiene ya el guion escrito, asegura que su rodaje arrancará este mismo año y que la duración de la película no superará los 80 minutos, una idea de la que ya se andan haciendo bromas en redes sociales, puesto que la mayoría de sus películas, y muy especialmente sus proyectos más recientes, no han bajado de las dos horas y media de duración, y superando en muchas ocasiones las tres horas. De hecho, su largometraje más corto fue uno de los primeros que rodó: El tren de Bertha, estrenada en 1972, y duraba 85 minutos.

Veremos si el cineasta puede “mejorar su marca” y hacer su obra más breve. Pero, sobre todo, veremos si nos regala una nueva película compleja, arriesgada y que nos cause algún tipo de revelación, sea espiritual o artística. Lo que parece asegurado es que Scorsese nos seguirá iluminando con su amor por el cine, y que internet y las redes sociales lo seguirán con mucho interés, también de la mano de Francesca.

Francis Ford Coppola lo dijo hace poco sin dudar: Martin Scorsese es el director vivo más importante. Pocos cineastas han influido tanto en la historia del cine. Scorsese, y eso que se hizo llamar el 'nuevo cine de Hollywood', empujaron a la industria a una modernidad que necesitaba a gritos. Consiguieron, además, una conexión con el público. Scorsese es de esos nombres que todos alaban, de los que salen en el quesito rosa del Trivial, de los que si uno pregunta a un desconocido en la calle probablemente conozca, y hasta haya visto, varias de sus obras.

Todo aquello se notaba en la Academia de Cine Española el viernes, donde Scorsese acudió para, de alguna forma, promover Los asesinos de la luna de cara a los Oscar. La sala estaba a reventar. Actrices como Candela Peña, Elena Anaya, Irene Escolar o Pilar Castro. Realizadores como Borja Cobeaga, Paula Ortiz o Pablo Berger. Productores, distribuidores… nadie quería perderse la masterclass que ofició Rodrigo Cortés, cuya próxima película, Escape, cuenta con Scorsese en la producción ejecutiva. Hasta la reina Letizia apareció por sorpresa. Como dijo el presidente de la institución, en la misma sala estaban “la reina de España y el rey de la comedia”, en una referencia a una de las grandes películas del director de Nueva York.

La charla supo a poco, y estuvo demasiado centrada en el apartado técnico de sus títulos. Dejó la sensación de que se rascó poco en la personalidad y las inquietudes de alguien cuyo cine ha mostrado la cara oculta de EEUU, un país creado sobre valores como la avaricia y la traición, hasta el genocidio, como cuenta en su última obra maestra, que ha sido nominada a 10 premios Oscar, un galardón que Scorsese solo ha ganado en una ocasión.

Cortés comenzó la charla nombrando el número de películas que ha rodado, excluyendo documentales y cortos: 27. Scorsese le confesó que no sabía el número, porque es algo que no le preocupaba: “Creo que sí, pero no lo sé porque intento ir hacia adelante, no mirar hacia atrás”. Dejó una de sus mejores perlas al comienzo de la charla, y la concluyó con el momento más emotivo, cuando explicó por qué había decidido aparecer en el final de Los asesinos de la luna, en un ficticio programa de radio en el que, de alguna forma, entona el mea culpa por la masacre de nativos realizada por EEUU.

Explicó que aquel programa era real. Que el FBI realizó shows radiofónicos para promocionarse y que algunos hablaron de la masacre contra los Osage. “Tenían un guion muy malo, pero lo que me llamó la atención es que después de todo lo que había pasado, después de aquella tragedia, de aquel sufrimiento, del trauma que habían pasado todos… se había convertido en entretenimiento. Todos decidieron que era mejor volver a sus vidas, y me hizo plantearme si mis películas son solo entretenimiento”, explicó.

Antes de rodar visitó las tumbas de la familia nativa que protagoniza su filme. “Me golpeó… me di cuenta de que se había convertido en algo muy sensible para mí. Podría haber puesto a un actor y dirigirle desde fuera, pero creo que me di cuenta de que yo también era culpable y esta era mi forma de pedir perdón. No era solo una recreación, ni un homenaje, era más”, dijo emocionado antes de poner a todo el mundo en pie.

Me fuerzo a pensar en algo diferente, a sentir algo diferente, que no sea solo pirotecnia. Hay que buscar otras formas de contar historias

Martin Scorsese — Cineasta

No mide la vida en años, sino en proyectos. “Cada película es un universo, un lugar en el que vives un tiempo determinado y donde entra también tu vida privada. Yo no pienso en años, pienso en términos de dónde estaba cuando hacía Hugo o El cabo del miedo…”, dijo de su filmografía, donde siempre ha intentado “explorar y empujar la técnica” todo lo que puede, “y jugar con la estructura narrativa como si fuera música, que es la forma más pura del arte”.

Por ello cree que hay que intentar explorar los límites de la dramaturgia y de la puesta en escena y ahí entra la consolidación de un estilo que se aleja de “la narrativa clásica”. “Muchas veces no sé cuál es la trama de mis películas”, añadió de forma irónica y puso de ejemplo Infiltrados. Lo que intenta, cuando piensa en un proyecto, es hacer avanzar el cine: “Me fuerzo a pensar en algo diferente, a sentir algo diferente, que no sea solo pirotecnia. Hay que buscar otras formas de contar historias”.

Sobre todo en un mundo donde “hasta en los anuncios se ruedan planos maravillosos que nosotros antes no podíamos hacer”. Por ello pide pensar en lo que dice cada imagen, porque de repetirlas pueden perder todo su sentido. De paso dejó una lección para cineastas del futuro en tiempos de Marvel y plataformas: “Si las imágenes ya no quieren decir nada, tendremos que reinventarlas. No podemos imitar el cine dominante”.

Citó a varios de sus maestros, desde los cineastas soviéticos y su montaje a Max Ophuls pasando por Renoir, Truffaut o Godard, y dejó claro que se puede coger lo mejor de las influencias de cada uno para poder ser personal finalmente. Puso de ejemplo la banda sonora de Casino, donde había música americana, italiana, rocanrol… y donde su habitual colaborador, Robbie Robertson, fallecido el año pasado, le sugirió utilizar la banda sonora ya compuesta por George Delerue para El desprecio de Godard.

“Me dije que por qué no usar bandas sonoras de otras películas, creo que ahora se dice samplear. Yo lo mezclé con las baterías de Ginger Baker… Me di cuenta que es bueno traer desconocimiento a algo, porque así es como intentas cosas nuevas. Y mientras pagues los derechos de autor puedes hacer lo que quieras con la música”, comentó.

Cada película es un universo, un lugar en el que vives un tiempo determinado. Yo no pienso en años, pienso en términos de dónde estaba cuando hacía 'Hugo' o 'El cabo del miedo'

Martin Scorsese — Cineasta

Para Scorsese una película empieza desde el primer fotograma… o incluso antes. Piensa en qué es lo primero que va a ver el espectador, y por ello suele dar unos segundos de calma, para que “el proyeccionista pueda ver que el sonido va bien, el público tenga tiempo para sentarse…”, pero a veces rompe su propia norma, como en Infiltrados, un filme que nació “de mi ira contra el mundo y necesitaba que empezara con violencia, y a partir de ahí que todo fuera más loco. Empujar al espectador directamente a la película, como hacía Sam Fuller, que empezaba con una acción a veces violenta y no le daba miedo comenzar así”.

Piensa incluso en los logos de las productoras que van a salir al comienzo, algo que le parecía bonito antes, pero no ahora “donde hay alguna película hasta con 10 logos y yo me equivoco y creo que eso es ya la película y la gente se distrae”. Contó cómo la primera vez que vio Sed de mal sin créditos pudo por primera vez fijarse por completo en el plano secuencia que realizó Orson Welles y que hasta ese momento lo había visto filtrado por los créditos del filme. Pero no todos los créditos le molestan, y ahí lanzó el único piropo de la mañana para un cineasta español (quitando al propio Cortés, cuya película avanzó que es “fantástica”): “Los créditos de Almodóvar sí que son hermosos”.

2023 ha estado marcado por un fenómeno: el Barbenheimer. La unión de Barbie y Oppenheimer ha sido fundamental para revitalizar la asistencia a las salas, para animar las charlas cinéfilas y para debatir durante horas. ¿Eres de Barbie o de Oppenheimer? Era la pregunta que durante meses se hizo mucha gente. Sin duda son las dos películas más importantes del año, y seguramente son las dos que ha visto todo el mundo. La sorpresa es que además las dos fueron buenas.

De esas dos películas se seguirá hablando, porque están destinadas a marcar la carrera de premios que culminará en marzo con el Oscar, así que de momento dejémoslas en el arcén. Ni el filme de Nolan ni el de Gerwig están en esta selección de 10 películas que debes ver antes de que se acabe el año.

10 joyas estrenadas en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre. Algunas están en salas. Otras se estrenan en los próximos días y muchas están ya en plataformas para verlas en los días de vacaciones.

'Babylon' (disponible en Prime Video)

Ostentosa, excesiva, irregular… todo lo que quieran, pero la mirada de Damien Chazelle sobre el cambio del cine mudo al sonoro en Hollywood es un festín divertido, arriesgado, original y maravilloso. Una película destinada a convertirse en un título reivindicado dentro de años. Chazelle es un director superdotado que siempre había estado con el freno puesto, aquí se despendola con ese Hollywood lleno de sexo, cocaína y juguetes rotos. Margot Robbie está magnética, Brad Pitt tiene una escena para el recuerdo y Diego Calva es un descubrimiento. A eso sumen un cierre que es un triple salto mortal, que rompe cualquier coherencia temporal del filme y que es uno de los mejores homenajes a una sala de cine vistos en mucho tiempo (y eso que han llegado películas sobre directores y homenajes a las salas en los últimos años).

'Creatura' (disponible en Filmin)

Había mucha curiosidad por ver cómo continuaba Elena Martín Gimeno su carrera como directora tras la interesante Julia Ist, lo que nadie contaba es que iba a llegar con la mejor película española del año y una que aborda de forma frontal un tema que sigue siendo tabú en el cine: el deseo femenino. Lo hace además en diferentes edades, desde la infancia hasta la madurez pasando por la complicada adolescencia. El guion de la directora con Clara Roquet es atrevido, huye de lugares comunes e indaga. Lo hace sin caer en subrayados ni explicaciones. Plantea preguntas, abre debates y muestra el cuerpo como pocas veces lo hace el cine. Un salto de gigante para una cineasta que va a dar mucho que hablar.

'Decision To Leave' (disponible en Movistar+)

Lo de Park Chan-Wook es un espectáculo. Cada película suya es una lección de puesta en escena, de ver cómo su imaginación se saca de la manga decisiones visuales y estéticas que otros nunca podrían plantear. En Decision To Leave logra su mejor película desde Oldboy. Un thriller donde un policía se enamora de la sospechosa de un crimen, una trama propia de Hitchcock que él usa para dar rienda suelta a su virtuosismo y también para plantear cómo una cita no es tan diferente a un interrogatorio en una comisaría. Así, entre pregunta y pregunta, los personajes se conocen… o no. 

'El sol del futuro'

Si a alguien le cae mal Nanni Moretti que no se acerque a esta película, porque aquí Moretti es más Moretti que nunca. El director italiano hace lo que mejor sabe, ese juego de autoficción que nos enamoró en Abril y Caro Diario. Con esta última tiene mucho que ver esta joya emocionante. Sustituye su famosa vespa por un patinete eléctrico y plantea una película llena de canciones italianas (el momento Voglio vederti danzare, de Battiato es inolvidable). Pero como siempre en su cine hay mucho detrás. Un sopapo a Netflix. Una utopía comunista. Un análisis sobre el poder y la responsabilidad del cine. Una radiografía del divorcio. Todo encaja y todo culmina en una escena de la que mejor no hacer spoiler pero que quien ame el cine de Moretti va a recibir como un abrazo de un amigo y con lágrimas en los ojos.

'Ellas hablan' (disponible en Prime Video)

El libro de Miriam Toews es de esos que parecen imposibles de adaptar al cine. Las actas de las mujeres de una comunidad menonita que se plantean si abandonar a los hombres tras los abusos sexuales sufridos son excesivamente narrativas y con pocos asideros para plantear una versión en imágenes. Pero ahí llega Sarah Polley, que tras años sin dirigir firma un guion que capta la esencia del libro y que convierte en una pieza de cámara de diálogos poderosos, con fugas oníricas de una belleza sobrecogedora y que se elevan con la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir.

'Fallen Leaves' (estreno en salas el 27 de diciembre)

Ha pasado demasiado tiempo sin la mirada humanista de Aki Kaurismaki. Le echábamos de menos. Su regreso ha sido a lo grande. Fallen Leaves (premio del jurado en Cannes) puede ser acusada de ser otra vez la película que se esperaba del director finlandés. Por supuesto, ¿y qué tiene de malo? Ojalá más directores que vean con tanta dignidad a la clase obrera. Capaces de dar esperanza a quienes se parten el lomo. Sus personajes beben, deambulan, se enamora, escuchan música, van al cine… y lo hacen en un barrio que Kaurismaki mira como nadie, con la esencia de Chaplin y de Tati. La historia de amor más bonita del año.

'Los asesinos de la luna' (disponible en alquiler en Apple TV+ y Filmin)

Otro que no falla. Coppola ha descrito a Scorsese como el mejor director vivo, y seguramente tiene razón. Solo alguien con un talento sobrenatural es capaz de dirigir, con 81 años, una película tan vibrante y política como Los asesinos de la luna, una adaptación sobresaliente del ensayo periodístico de David Grann. Scorsese vuelve a uno de sus temas favoritos, la fundación de EEUU basada en la avaricia y el asesinato. Lo hace fijándose en aquellos olvidados por la historia y por el cine, las comunidades nativas que fueron masacradas para quedarse con sus tierras… y hasta con su petróleo. Tres horas y medias que no pesan y que culminan con una escena tan personal y emotiva que parece destinada a ser una de las mejores de una carrera descomunal.

'Los osos no existen' (disponible en alquiler en Movistar+)

¿Se puede rodar si te han prohibido salir de tu casa?, ¿se puede rodar con la amenaza constante de ser detenido y encarcelado? Jafar Panahi ha demostrado durante los últimos años que sus ganas de contar historias, de denunciar al Gobierno iraní y de ser el azote del poder pueden cualquier imposición. Ha rodado desde un taxi, desde su casa y ahora, sin poder salir de su país, se las apaña para nunca pisar la frontera en una historia donde se interpreta a sí mismo, un cineasta que rueda a distancia mientras él descubre el miedo, la censura y el conservadurismo de Irán. Un juego de espejos e historias que se superponen que confirman que no hay barreras para él.

'Passages' (disponible en alquiler en Movistar+ y el 22 de diciembre en Filmin)

El mejor actor del momento se llama Franz Rogowski. Le hemos visto a las órdenes de Haneke, de Malick, de Petzold, y siempre brilla. Ahora está en un momento pletórico y lo confirma con su papel de director de cine ególatra e insoportable en Passages. Un drama sobre un triángulo amoroso entre Rogowski y otras dos fuerzas de la naturaleza, Ben Whishaw y Adèle Exarchopoulos. Ambos caen rendidos a este personaje tan repugnante como hipnótico. Ira Sachs realiza un retrato complejo y nada complaciente de las relaciones sentimentales y demuestra que las escenas de sexo pueden ser eróticas, narrativas y realistas (lo que le costó su carrera comercial en EEUU).

'Tar' (disponible en Movistar+)

Tar parece realizada por robots perfectos y mejores que los seres humanos, porque todo en ella es de una precisión que asusta. Desde el guion de Todd Field a su puesta en escena que funciona como un reloj. Sus planos largos, fijos. Su tempo. Su construcción de la tensión sin artificios. Y luego llega ella, Cate Blanchett, inmejorable como esta conductora de orquesta que ha triunfado imitando los comportamientos de los señores que ha visto. Un retrato sobre el abuso de poder que huye de maniqueísmos y que tiene hasta un dardo para Plácido Domingo.

Bonus: 'Extraña forma de vida' (disponible en Movistar+)

Los vaqueros también hacen la cama después de follar. Con esa frase se podría resumir la magia y lo especial del cortometraje que dirigió este año Pedro Almodóvar. Solo él es capaz de coger un género tan machirulo como el wéstern y hacer algo que rezume erotismo y romanticismo. Ayuda la banda sonora de Alberto Iglesias. Si alguno se pregunta cómo sería ese Brokeback Mountain que Almodóvar nunca rodó aquí tiene una pista. “Hace años me preguntaste qué podrían hacer dos hombres viviendo juntos en un rancho. Te responderé ahora”, una frase final hermosísima que abre una película que nunca veremos.

El cambio que ha sufrido Hollywood en los últimos años en cuestiones de diversidad ha sido radical. A pesar de los ataques de los ‘antiwoke’ y la derecha reaccionaria, en la industria del cine se dieron cuenta que tenían serios problemas. Sus historias las contaban hombres blancos y hablaban de hombres blancos y casi siempre heterosexuales. Había mucha gente que no se estaba viendo representada en las historias, o que cuando lo hacía notaba que su presencia era estereotipada y llena de tópicos denigrantes.

Mientras que muchos de ellos se han ido superando o están en proceso (la brecha de género es todavía bastante amplia), otros empiezan a ser alumbrados. Es el caso de la representación de las comunidades nativas, que durante décadas han visto cómo el cine ha perpetuado un imaginario que les mostraba como los villanos de la función, avariciosos, borrachos y salvajes. Los “indios”. Como dijo a este periódico el cineasta chileno Felipe Gálvez, director de Los colonos: “El wéstern fue cómplice de los genocidios que sufrieron dichas comunidades”.

Quizás por ello Martin Scorsese no se había atrevido hasta ahora con un género que adora desde niño pero que nunca ha abordado como cineasta. Lo hace con Los asesinos de la luna, la adaptación del libro de David Grann que estrena este viernes y que cuenta y documenta el genocidio de la comunidad Osage en los años 20 en Oklahoma, en EEUU.

Los Osage fueron movidos de sus tierras originales y les obligaron a establecerse en un nuevo lugar que contenía en su subsuelo una cantidad ingente de petróleo. Eso hizo que pasaran de la noche a la mañana a ser una de las comunidades más ricas de EEUU, lo que provocó que las autoridades obligaran a las mujeres a tener tutores legales blancos para manejar su dinero, una decisión que llevó a la matanza indiscriminada de nativos Osage para acumular su riqueza. 

Un capítulo desconocido de la historia de EEUU. Uno de los que nunca se contarían en un wéstern clásico y el único que ha hecho que Scorsese se atreva con el oeste. Aunque nunca lo hubiera hecho, de alguna forma el director siempre ha hablado de un tema que tiene en común con el wéstern, y es la fundación de América. Para Scorsese todo se basa en lo mismo, en la avaricia. El capitalismo crea monstruos y los perpetúa. Los mismos monstruos que estaban en Gangs of New York están en Los asesinos de la luna y repetirían en su cine de gánsteres hasta llegar al capitalismo desaforado de El lobo de Wall Street. 

El director explicó en una rueda de prensa que para él fue muy importante ser fiel a lo que viven esas comunidades. “Tan pronto como me dieron el libro dije que, si querían que me involucrara en ello, teníamos que hacerlo con los pueblos nativos”, comenzó diciendo y recordó que durante mucho tiempo fue “inconsciente sobre cuál era su situación”. Fue en los años 70 cuando empezó a tomar conciencia y durante años ha estado “fascinado”.

La pregunta que se hizo todo el tiempo fue: “¿Cómo tratar esta cultura siendo respetuoso pero sin ser hagiográfico?”. “No quería caer en Rousseau y mostrarlos solo como los nativos nobles, sino ser auténtico, hablar de ellos con respeto y dignidad y lidiar con la verdad de forma honesta y de la mejor manera que pudiéramos”. Esa forma fue “involucrándose en los Osage” y haciendo que ellos fueran parte del filme. 

No íbamos a caer en el cliché de victimizarlos, o en el cliché del indio borracho, o el del indio salvaje, todo este tipo de cosas… Queríamos contar la historia de la forma más directa posible

Martin Scorsese — Director de cine

Los Osage fueron “cautelosos”. “Tuve que explicarles que iba a intentar tratarles de la forma más honesta y sincera posible. No íbamos a caer en la trampa. No íbamos a caer en el cliché de victimizarlos, o en el cliché del indio borracho, o el del indio salvaje, todo este tipo de cosas… Queríamos contar la historia de la forma más directa posible”, dijo Scorsese, que confesó que hubo algo que le costó entender, y es que todos esos temas no se habían hablado en la generación de descendientes de nativos actual ni en la anterior: “Las personas que vivieron lo que cuenta la película siguen ahí de alguna forma, porque son sus familiares, son sus descendientes”. Fue Margie Burkhart, pariente de Ernest (el personaje de Leonardo DiCaprio), quien señaló una de las claves para encontrar el punto de vista de la película: “Ernest amaba a Molly, y Molly amaba a Ernest. Es una historia de amor. En ese momento reelaboramos el guion y ya no iba sobre descubrir quién lo hizo, sino quién no lo hizo. Esta es una historia sobre el silencio cómplice, sobre pecar por omisión”.

El Oeste como un sitio en donde “no se necesita la ley”. “Estaba la ley, pero la ley no funciona de esa manera, porque puedes hacer que la ley funcione para ti si eres lo suficientemente inteligente, como sabemos ahora que mucha gente lo hace. Pero en aquel sitio, además, tienes un territorio abierto. Un lugar que, por muy hermoso que sea, puede volverse muy siniestro, y lo que quería capturar en última instancia era la naturaleza misma del virus, el cáncer que crea esta sensación en estas personas de que pueden realizar una especie de genocidio de forma sencilla”, explicó sobre Los asesinos de la luna.

Aunque los nombres más conocidos del cartel son los de Leonardo DiCaprio y Robert De Niro, dos sospechosos habituales del cine de Scorsese, quien se está llevando todos los elogios es Lily Gladstone, la actriz descubierta por Kelly Reichardt en Certain Women y descendiente de una comunidad nativa que impresionó al director por “su presencia, su inteligencia y la emoción que hay en su cara”, pero también “por su activismo”. “Su activismo estaba en el arte. Después de ver la película es posible que estés pensando más en ella que en una persona que te da un sermón. Teníamos la sensación de que la necesitábamos. Necesitábamos que ella nos ayudara a contar la historia de aquellas mujeres. Siempre consultábamos todo con ella y trabajamos con ella en el guion. Hubo escenas que se agregaron y escenas que se reescribían constantemente”, subrayó del trabajo de la actriz.

Para De Niro y DiCaprio tiene una palabra, “confianza”. La que han creado durante años y años de trabajo juntos. “En el caso de Robert De Niro pasamos la adolescencia juntos. Él es el único que realmente sabe de dónde vengo y la gente que conocí. Algunos de ellos todavía están vivos. Él los conoce, y yo conozco a sus amigos, a sus viejos amigos. Tuvimos un verdadero campo de pruebas juntos en los años 70, donde probamos todo y descubrimos que confiábamos el uno en el otro. Se trata de confianza y amor. Eso es lo que es. Eso puede ser también un gran problema, porque muy a menudo si un actor tiene mucho poder, y él tenía mucho poder en ese momento, puede hacerse cargo de tu película. Yo nunca sentí eso. Juntos había experimentación y no había miedo a nada. Nunca tuve miedo de hacer algo. Solo lo hice”, rememoró.

Robert De Niro y yo tuvimos un verdadero campo de pruebas juntos en los años 70, donde probamos todo y descubrimos que confiábamos el uno en el otro. Se trata de confianza y amor

Martin Scorsese — Director de cine

En sus recuerdos aparece “ese niño”, como se refirió De Niro a DiCaprio. Así le llamó cuando se lo recomendó a Scorsese tras trabajar juntos en Vida de este chico. Llegó de forma casual y nunca se fue. A partir de El aviador desarrollaron una relación más estrecha, y fue ahí cuando el director vio “una madurez en él”. “Descubrí que, aunque había 30 años de diferencia, teníamos sensibilidades similares. Él está abierto siempre a ver partes de nuestra cultura más antiguas. Tiene curiosidad por otras personas y otras culturas”, dijo recordando cuando DiCaprio le contó que había descubierto el cine de Ozu. Socios que siempre están ahí y gracias a los cuales el cine de Scorsese se ha mantenido vivo todos estos años hasta convertirse, como dijo hace poco Coppola, en el mejor cineasta vivo.

Sigue la actualidad en el nuevo canal de WhatsApp de elDiario.es con las claves del día y las últimas horas más importantes.

El cine construye relatos e imaginarios. El wéstern, el genero que dominó Hollywood durante años, inculcó una historia oficial que poco tenía que ver con la realidad. Para ellos, en el lejano Oeste los malos eran los indios. Salvajes, despiadados y crueles. Daba igual que les hubieran arrancado sus tierras y masacrado a su gente, para Hollywood eran los colonizadores los que tenían el derecho sobre el paisaje y sobre el relato. El resultado fue impecable. Los niños juegan a indios y vaqueros, pero son los segundos los buenos y los primeros los enemigos, a los que hay que matar. 

Mientras que el cine y la ficción han ido corrigiendo representaciones, especialmente en los últimos años, el ajuste de cuentas con la comunidad nativa americana no terminaba de darse. Las revisiones del wéstern se han hecho desde el género, o desde una mirada posmoderna, pero nunca atacando a esos principios fundacionales que establecieron esas películas. De alguna forma lo hacía Kelly Reichardt, mostrando en First Cow que en el inicio de todo solo estaba el capitalismo más desatado, pero no prestaba atención a la cantidad de reservas indias destrozadas y aniquiladas.

Ha tenido que llegar Martin Scorsese para clavar su bisturí a los cimientos de la historia de EEUU. El director decía en la previa de estreno del filme en el Festival de Cannes que esta era una película importante. Ese era el adjetivo que utilizaba. Y vaya si lo es. Killers of the flower moon es un acto de memoria histórica, de justicia y una petición de perdón. Y por empezar por el final lo hace con una última escena que, si bien conviene no revelar, es uno de los momentos más potentes que uno recuerde en la filmografía de un director que ha regalado decenas de ellos. En vez de acabar con las dichosas cartelas que cuentan lo que ocurrió después con las personas reales en las que se basan los personajes, Scorsese se saca de la manga un truco de absoluto genio para contar la historia de la comunidad Osage y para entonar un mea culpa que todavía no ha llegado desde la ficción. Es imposible no emocionarse con esa declaración sincera y honda entonada por el director. Puede que en su conjunto el filme no sean tan redondo e impecable como El irlandés, pero su honestidad cala hondo.

La adaptación del libro de David Grann se convierte en el primer wéstern de Scorsese, aunque pasado por su filtro se transforma en un wéstern de mafiosos. Podría ser perfectamente uno de los filmes de gánsters del director, solo que en los años 20. Los temas de Killers of the flower moon son los que siempre le han obsesionado: la corrupción y la avaricia como el comienzo de todo. La desaparición de los valores. Lo que aquí es diferente es que une todo ello al inicio de EEUU como país moderno. Un país que se construye sobre el genocidio, primero de las comunidades nativas, y luego de la comunidad negra. Un país que se basa en la corrupción y el racismo. En un supremacismo blanco que se materializa en cuanto aparece el dinero.

La película cuenta la historia real de la comunidad Osage, que desde 1920 y durante años se convirtió en la más rica del país. La tierra que les concedieron estaba llena de petróleo, lo que les transformó en nuevos ricos, algo que los blancos no iban a permitir. A través de la obligación de tener tutores legales establecieron una red de asesinatos que acabó con la vida un gran número de miembros de la comunidad. A través de la historia real de Molly Burkhart, Scorsese cuenta una página oscura de la historia de EEUU, pero una que sirve como resumen de otras muchas. Una que, por supuesto, no suele contarse en los colegios.

Hay que decir que a Killers of the flower moon le falta la hondura histórica que sí tiene el ensayo periodístico de Grann. Scorsese comienza dubitativo, con la imperiosa necesidad de contar muchas cosas en poco tiempo, y eso hace que no se explique en profundidad la historia de los nativos, su transformación en ricos y cómo poco a poco fueron privados de sus derechos. También prescinde de la parte que el libro dedica a la creación del FBI, a la aparición de investigadores privados que sustituyen a la obsoleta figura del sheriff en un país que busca imponer algo de orden en su salto a la modernidad. A cambio une la aniquilación de los Osage con la aparición del Ku Klux Klan y con los motines raciales de Tulsa en el Black Wall Street de 1921 que también (y tan bien) retrató la serie Watchmen.

Entre los cambios destaca la poca importancia que le da Scorsese en mostrar quiénes son ‘los malos’ desde casi el comienzo. No le interesa el suspense, sino mostrar el modus operandi que la comunidad blanca ideó para acabar con el resto. Para imponer un supremacismo racial que todavía hoy sigue. Calma su nervio cinematográfico, aunque sus largos y virtuosos planos siguen ahí. El montaje de Thelma Schoonmaker es una filigrana. Un ejercicio de estilo que logra que todo cuadre a pesar de la complejidad de la historia. Se ha hablado mucho de la duración del filme, que roza las tres horas y media, pero es imposible contarla en menos tiempo. Hasta falta. Uno podría estar dentro de Killers of the Flower moon durante horas y seguiría siendo apasionante. 

La capacidad de Scorsese de seguir creando escenas que se claven en la retina sigue siendo sorprendente. Desde el baile inicial de los Osage entre petróleo a cámara lenta; al terrorífico plano de toda la mafia (blanca) mirando al personaje de Leonardo DiCaprio. El actor se arriesga con una interpretación que comienza en la mueca y acaba convenciendo. Un personaje patético que se cree sus mentiras. Que ama el dinero por encima de todo. A su lado un Robert De Niro descomunal como el tío de DiCaprio. Un personaje escrito para él que le sienta como un guante. Suyas son las mejores escenas y los mejores diálogos que paladea como dardos envenenados. A su lado la sorpresa de Lily Gladstone, descubierta por Kelly Reichardt en Certain Woman y que estaba a punto de dejar la actuación cuando Scorsese le hizo este regalo como actriz y como descendiente de nativos americanos. Una película contundente, eléctrica y, aunque a muchos no les guste, necesaria. Un ajuste de cuentas con la historia a través de uno de los grandes maestros de la historia del cine.

Un acto de respeto

A la rueda de prensa más concurrida del festival de Cannes no solo acudieron Scorsese, DiCaprio, De Niro y Galdstone, sino que junto a ellos se encontraba el líder de la nación Osage, Geoffrey Standing Bear, que explicó la importancia para ellos de una película en la que se les ha escuchado en todo momento. “Se ha restaurado la confianza”, dijo sobre el valor de Killers of the flower moon. “Cuando me presentaron el guion entendí rápidamente que para acercarse a esta tribu había que hacerlo con mucho respeto”, añadió Scorsese.

Cuando me presentaron el guion entendí rápidamente que para acercarse a esta tribu había que hacerlo con mucho respeto

Martin Scorsese — Director de cine

Un proyecto que ha sido costoso, no solo por el dinero, sino por verse afectado por la pandemia y por el mimo con el que Scorsese se ha acercado a un tema tan espinoso.“¿Que por qué me arriesgo a mi edad? ¿Qué otra cosa voy a hacer? ¿Algo cómodo?”, decía el director sobre su filme. También señaló que gracias a este rodaje ha descubierto “valores sobre el amor, el respeto y la tierra” que le unen a la comunidad nativa. “No me refiero en este momento a una cuestión política, sino a entender realmente cómo vivir en este planeta. Y descubrí que esos valores eran muy importantes para mí. Hablar con ellos y todo el proceso de documentación me ha reorientado en cuanto a lo que estamos haciendo aquí en la tierra”.

Quienes si hablaron de política fueron Lily Gladstone y Robert De Niro. La primera subrayó una diferencia clave de esta adaptación, y es que estaba contada desde un punto de vista de ellos. “Lo que hicimos trasciende lo antropológico. ¿Por qué diablos el mundo no sabe todas estas cosas que pasaron? Nuestras comunidades siempre han estado ahí, necesitamos estos aliados”, dijo Lily Gladstone. 

Para de Niro, en los últimos años ha habido un resurgir que le ha hecho darse cuenta del “racismo sistémico que hay tras lo ocurrido con George Floyd”. “Lo que pasó con los Osage nunca lo supimos, nunca supimos del Black Wall Street. Es la banalidad del mal”, dijo y atizó al expresidente de EEUU: “Ya todos sabemos de quién voy a hablar, pero no voy a decir el nombre porque ese tío es estúpido. Bueno, sí, Trump. Es algo sistémico y esa es la parte que más asusta”, zanjó.

El momento emotivo lo puso DiCaprio cuando le preguntaron por qué creía que Scorsese era uno de los directores más importantes de la historia del cine. “Crecí viendo las películas. Ha influido todo lo que he hecho como actor, pero también en toda nuestra industria”, dijo y destacó “su deseo por contar la verdad en sus historias, por muy feas y sucias o raras o incómodas que sean, es lo que le ha convertido en un maestro y en uno de los grandes directores que no tiene comparación. Es el director más singular de nuestro tiempo y sigue haciendo películas increíbles que cuentan historias importantes, como ésta”.

Hay cosas que no cambian, que se mantienen fijas a unas normas no escritas que forman parte de una especie de tradición. Cannes es una de ellas. El Festival tienen un ojo puesto en el futuro, en las nuevas tecnologías, y fue el primero que se apuntó a TikTok, patrocinador sorpresa del certamen. El otro lo tiene donde siempre, en las viejas glorias que pueblan su sección oficial a concurso. La competencia por la Palma de Oro suele ser una reunión de antiguos conocidos. Nombres que se han repetido durante años una y otra vez. Es cierto que son apuestas seguras. Quién se puede resistir a la última obra de Nuri Bilge Ceylan, uno de los autores que siempre está en Cannes; o a la alfombra roja que te va a asegurar tener a Wes Anderson. Son apuestas que uno sabe que siempre van a estar.

Esa tendencia a repetir nombres y leyendas han que haya poco espacio para la novedad y la sorpresa. Es cierto que ha sido Cannes quien ha descubierto a nombres que han marcado el cine de autor reciente como Alice Rohrwacher, que también repite este año con su cuarta película. Fueron ellos los que no dudaron en introducir El hijo de Saul, una ópera prima tan contundente que terminó con el Oscar a la Mejor película internacional. O a Ladj Ly con su antisistema Los Miserables. Pero ese espacio es una excepción, el resto parecen destinados a los popes de la cinefilia. 

El análisis de la Sección Oficial de este año arroja un ejemplo perfecto de esas tendencias. Los nombres son los que se esperan, con alguna sorpresa que apunta a descubrimiento, pero lo que abundan son los directores blancos de más de 60 años. Entre los 21 títulos que compiten por la Palma de Oro, hay 14 realizados por hombres y siete para mujeres. 67% frente a 33%. A pesar de esa cifra, todavía muy mejorable y lejos de la paridad, es el año en el que más mujeres han sido seleccionadas para la Sección Oficial en las 76 ediciones de todo el certamen. La edad media es mucho mayor en los hombres que en las mujeres de la Sección Oficial. 65 años tienen ellos como promedio, mientras que ellas la bajan hasta 51. 

Hay muchos directores que han superado la edad de jubilación. El récord lo marca Ken Loach, que estrenará en La Croissette con 86 años la que parece que será su última obra, The old oak. Con 83, le sigue otra leyenda del cine europeo, Marco Bellocchio, que tras la maravillosa serie Exterior Noche regresa con Rapito (Secuestro). El podio lo completa Martin Scorsese, que finalmente estrenará en Sección Oficial, pero fuera de concurso, su esperadísima Killers of the Flower moon (Los asesinos de la luna). 80 años y todavía muchos proyectos en la cartera para el cineasta de EEUU. Si nos ceñimos solo a aquellos que compiten por el premio más preciado, el bronce sería para Wim Wenders con Perfect Days y sus 77 primaveras.

En la otra parte de la tabla destaca la juventud aplastante de Ramata-Toulaye Sy, la debutante de origen senegalés que estrenará en competencia por la Palma de Oro su debut Banel y Adama con 36 años. A su lado Sam Levinson, con 38 años, pero fuera de concurso presentando los dos episodios que el responsable de Euphoria ha dirigido de The Idol para HBO. La tercera más joven es otra mujer, la italiana Alice Rohrwacher, que tras ganar un Premio del Jurado con El país de las maravillas, otro al Mejor guion con Lazzaro Feliz y estar nominada al Oscar con su corto Le pupille, regresa con la esperada La chimera. Un talento más que consagrado con 41 años. El bronce en competición lo cierra la directora francesa Justine Triet con 44 años y el drama judicial Anatomía de una caída. Por tanto, mientras que los tres directores más veteranos son hombres, aquellas que traen frescura, y un cambio generacional a la Sección Oficial son las mujeres.

La diversidad también se nota en la entrada de directores de otras nacionalidades y etnias. Hay un director asiático, una mujer de origen senegalés, un realizador turco, otro de origen vietnamita y el mítico japonés Kore-Eda, otro de los nombres que nunca falla en la Sección Oficial, y más desde que en 2018 ganara la Palma de Oro por Un asunto de familia. Sin embargo, el porcentaje vuelve a estar lejos de la igualdad real. De los 21 directores luchando por la Palma de Oro, 14 son hombres y mujeres blancas y solo siete son racializados. 

El director del Festival de Cannes, Thierry Frémaux, no quiso congratularse por el aumento de la presencia de mujeres, algo que consideró una “cuestión fundamental”. “No quiero felicitaciones, es una evolución”, dijo y volvió a dejar claro que en su certamen “no se mira el género, se seleccionan películas”. También reconoció que la presencia mayoritaria de hombres ha creado un imaginario masculino que se repite. Se acordó de Agnès Varda, que le puso una vez el ejemplo de cómo el cine bélico siempre lo dirigían hombres y habían creado unas formas concretas de contarlo. Fremaux destacó ese cambio de imaginario al que contribuyen las directoras. Ahora solo queda ver si también cambian las estadísticas de vencedoras, ya que en 76 años solo dos mujeres (Jane Campion y Julia Ducournau) han logrado la Palma de Oro.

Indiana Jones regresa al Festival de Cannes. Hace 15 años el personaje creado por George Lucas y Steven Spielberg presentó en el certamen su anterior aventura, y esta edición volverá a hacerlo con Indiana Jones y el dial del destino, la nueva entrega que, por primera vez, no estará dirigida por Spielberg, que sí produce el filme. El encargado de coger el testigo ha sido James Mangold, director de Logan y Ford Vs Ferrari. Mangold tampoco es un novato en Cannes, ya que hace casi 30 años presentó su debut en la realización.

En un comunicado emitido por Disney, que distribuirá la película, Mangold se muestra “orgulloso de regresar con un espectáculo un poco más grande”. Aunque la nota de prensa de Cannes no lo especificaba, Disney ha publicado un póster que deja claro que el filme se verá fuera de concurso por la preciada Palma de Oro. Eso sí, Harrison Ford recibirá un galardón honorífico como el que el año pasado se le entregó a Tom Cruise, que presentó en la ciudad francesa otro blockbuster, Top Gun: Maverick.

Ford retoma el personaje del famoso arqueólogo, pero le acompañará Phoebe Waller-Bridge, la creadora de Fleabag; John Rhys-Davies, Toby Jones, Boyd Holbrook, Ethann Isidore, Mads Mikkelsen y Antonio Banderas. Se espera que todos ellos acudan a la que será una de las alfombras rojas más esperadas de este Cannes y que tendrá lugar el jueves 18 de mayo.

Poco a poco, la 76 edición del festival va cogiendo forma y va confirmando los rumores que sonaban con más fuerza. La semana pasada anunció la presencia de Martin Scorsese, que regresa a Cannes 37 años después de su última visita a la Sección Oficial. Lo hará con Killers of the flower moon, adaptación del libro del mismo nombre y junto a Leonardo DiCaprio y Robert DeNiro.

Martin Scorsese regresará a Cannes 37 años después. El director visitará por primera vez el certamen más importante del mundo desde que estuviera en 1986 con Jo, ¡qué noche!. Lo hará para presentar su nueva película, la esperadísima Killers of the flower moon, que ha rodado de la mano de Apple Studios. Cannes ha confirmado lo que era un rumor insistente desde hace semanas. La película de Scorsese era el título más deseado por todos, y el propio director del certamen, Thierry Frémaux, había dicho públicamente que su objetivo era lograr que el filme estuviera en la Croissette. Lo ha logrado. El sábado 20 de mayo será la puesta de largo de la que promete ser la alfombra roja más deseada de este Cannes, ya que llevará a la ciudad francesa a Leonardo DiCaprio y a Robert DeNiro, los dos protagonistas y los dos actores fetiche de Scorsese.

Killers of the flower moon se presentará en su premiere mundial, y parece que no competirá por la Palma de Oro. Se trata de una adaptación de Eric Roth del aclamado bestseller del mismo título de David Grann. Killers of the Flower Moon está ambientada en la década de 1920 en Oklahoma y narra los asesinatos en serie de varios miembros de la nación indígena Osage, rica en petróleo: una serie de crímenes brutales que llegaron a ser conocidos como 'el reinado del terror'. La película, además de tener Leonardo DiCaprio y Robert DeNiro en su reparto cuenta con Lily Gladstone, Jesse Plemons, Cara Jade Myers, JaNae Collins, Jillian Dion y Tantoo Cardinal. 

Scorsese cuenta con una Palma de Oro en su vitrina, la que ganó en 1976 por Taxi Driver, su obra maestra que comenzó su camino triunfal en Cannes. Diez años después presentó allí Jo, ¡qué noche!, con la que ganó el premio a la Mejor dirección, y desde entonces no había regresado al Gran Teatro Lumiere. La presencia de Killers of the flower moon es un éxito también para Apple Studios, ya que la plataforma confirma con este acuerdo que su apuesta pasa por las salas, algo que Netflix se negó a hacer y por ello se encuentra fuera del certamen desde hace años.

Hace unos días Apple TV+ confirmaba el estreno en pantalla grande en todo el mundo de la película, que llegará a España el 20 de octubre de la mano de Paramount. Un anuncio que también allanaba el camino para la presentación de la película en Cannes. Un anuncio que llega dos semanas antes de que se conozca una sección oficial donde se espera que haya presencia española. Pedro Almodóvar ya confirmó que su corto Extraña forma de vida se presentaría allí, y muchos medios franceses dan como probable la visita de Víctor Erice con Cerrar los ojos, su primer filme en 30 años.

El cine de 2023 mirará de frente a la taquilla. Tras un año en el que la venta de entradas se ha recuperado pero lejos de las cifras de 2019, las salas se enfrentan al reto de volver a algo parecido a la normalidad. Lo harán con un buen puñado de grandes producciones de Hollywood, que seguirá recurriendo a la nostalgia y las franquicias, y a unos cuantos nombres conocidos de la industria.

En el cine español la lucha será no palidecer frente a la etiqueta de ‘el gran año del cine español’ que se colocó a 2022. La calidad de las películas españolas ha sido tan alta que el reto será mantenerlo y seguir convenciendo a los espectadores para acudir a ver historias propias, lejos de fórmulas y grandes estudios. Esto es lo que nos espera en 2023.

Cine español

Los popes

En 2023 se producirá un acontecimiento histórico, el regreso de Víctor Erice tras 30 años sin dirigir un largometraje. Cerrar los ojos es el nombre de su obra, que contará la historia de la amistad entre un director de cine y un actor desaparecido desde hace años. Es el filme más esperado del año en el cine español y habrá que ver si consigue estar presente en los festivales más prestigiosos. Cannes, donde Erice presentó sus dos últimas películas, sería el lugar idóneo.

Precisamente será en el certamen francés donde otro de los popes del cine español, Pedro Almodóvar, estrene su cortometraje Extraña forma de vida. Un wéstern queer que ha sido definido como su respuesta a Brokeback Mountain —proyecto que le rondó hace décadas— y que tiene a Ethan Hawke y Pedro Pascal como protagonistas.

Entre los veteranos que estrenarán película este año, también está Jaime Chávarri, con La manzana de oro y Fernando Trueba, que tiene dos filmes. Su vuelta a la animación, técnica que ya probó con Chico y Rita y que le vuelve a unir a Mariscal. El nuevo proyecto se llama They shot the piano player. También estrenará Haunted heart, que ha rodado con Matt Dillon y Aida Folch.

Las mujeres siguen al frente

Como ha pasado en 2022, en este nuevo año muchos de los proyectos más interesantes los traen las directoras. Casi todas se encuentran sin fecha, esperando el mejor momento de estreno teniendo en cuenta su posible presencia en festivales. Destaca el regreso de Paula Ortiz, que adapta un texto de Juan Mayorga en Teresa, película sobre la santa que en 2022 estuvo en boca de todos por la censura a Paco Bezerra. Será su primera película en España desde La novia. 

También regresa a su cine más personal Arantxa Echevarría que, tras sorprender a todos con Carmen y Lola —Goya a la Mejor dirección novel y presencia en Cannes incluida—, probó suerte en el cine comercial y ahora retoma su ansiado proyecto Chinas, sobre dos niñas chinas de segunda generación pero en situaciones muy diferentes.

También estrenarán su segunda película Elena Martín Gimeno (Creatura), Celia Rico (Los pequeños amores) o Carlota Pereda que, tras el fenómeno de Cerdita, sigue abonada al terror con La ermita, que protagoniza Belén Rueda y que acaba de terminar su rodaje. Elena Trapé presentará Els encantats, y habrá que estar atentos a dos debuts que prometen mucho: el de Estíbaliz Urresola, que ha rodado su primer largo de ficción justo después de triunfar con su corto Cuerdas (nominado al Goya). Una historia sobre una niña trans que se llama 20.000 especies de abejas. Por su parte, Itsaso Arana se pasa al otro lado de la cámara y ha juntado un reparto donde destacan Bárbara Lennie e Irene Escolar en Las chicas están bien.

Desde comienzo de año, las películas españolas estarán en los festivales de cine. Sica, de Carla Subirana, estará en Berlín en la sección Generation 14plus y la venezolana Patricia Ortega estrenará en Sundance Mamacruz, una producción española con Kiti Mánver como protagonista.

Los (presumibles) éxitos

El cine español también buscará éxitos de taquilla y público. Hay muchas expectativas por ver cómo estrena Netflix su gran apuesta de este año: La sociedad de la nieve, el esperadísimo nuevo filme de Juan Antonio Bayona que cuenta la historia de los supervivientes del accidente de avión que se contó en Viven. Un tema que le obsesiona desde hace años y para el que ha estado documentándose mucho tiempo. Una película ambiciosa que ha producido la plataforma, como también ha hecho con Hermana Muerte, el spin-off de Verónica que ha dirigido también Paco Plaza y que recupera uno de los personajes más emblemáticos para contar una historia en un convento en la posguerra española.

Las salas esperarán con ganas la llegada de CampeoneX, secuela del filme de Javier Fesser que ganó el Goya a la Mejor película con esta comedia que arrasó en taquilla convirtiéndose en un inesperado fenómeno de masas que espera repetir ahora ese éxito. También debería funcionar en los cines Mi soledad tiene alas, debut en la dirección de Mario Casas que ha producido con Warner y que ha terminado su rodaje antes de navidad. Una historia sobre su propia vida en el barrio y que protagoniza su hermano, Óscar Casas.

El cine de autor

El tridente del cine de autor español, Lois Patiño, Albert Serra y Oliver Laxe, podría coincidir estrenando en 2023. Quien lo hará seguro será el primero, que tiene Samsara en postproducción. Serra podría presentar este año su documental sobre la tauromaquia, y Laxe prepara proyecto producido por El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar, pero no ha empezado a rodar y lo más lógico sería que llegara en 2024.

Otros habituales de los festivales de cine que estrena en 2023 son Manuel Martín Cuenca, que acaba de terminar de rodar en Cádiz El amor de Andrea; El salto, drama sobre la inmigración de Benito Zambrano; Pablo Berger con su primera película de animación, Robot Dreams; y Antonio Méndez Esparza, que adapta a Millás en Que nadie duerma, con guion de Clara Roquet. Prometen también La desconocida, adaptación de Pablo Maqueda de una obra de Paco Bezerra; La casa, traslación a acción real del cómic de Paco Roca que ha rodado Alex Montoya y Golem, de los inclasificables Burning Percebes.

Hollywood y Europa

Marvel vs DC

Como siempre, Marvel llenará salas con las nuevas aventuras de sus héroes. La primera en llegar será la nueva entrega de Ant-Man, que lo hará el próximo 17 de febrero y presentará al gran villano de esta nueva fase: el Kang que interpreta Jonathan Majors. En 2023 regresarán con su última aventura juntos los Guardianes de la Galaxia (5 de mayo); y The Marvels, secuela de Capitana Marvel que llegará el 28 de julio.

Fuera de su universo cinematográfico y de la mano de Sony y no de Disney, llegarán la animada Spider-Man: Cruzando el multiverso el 2 de junio y Kraven the Hunter (6 de octubre), con la que el estudio quiere seguir explotando los villanos del hombre araña como hizo con Venom.

Será interesante ver cómo funcionan y qué ocurre este año con las películas de DC. El fichaje de James Gunn ya se sabe que llevará consigo una reestructuración de los planes cinematográficos que había, y eso conllevará el final de la presencia de Gal Gadot como Wonder Woman y de Henry Cavill como Superman. Gunn anunciará en breve los primeros títulos, pero de momento tendrá que ver el estreno de cuatro películas de la anterior hornada: Shazam, la furia de los dioses (17 de marzo); The Flash (16 de junio); Blue Beetle (18 de agosto) y Aquaman and the Lost Kingdom (22 de diciembre).

Franquicias y nostalgia

Para intentar revitalizar la taquilla (que con Avatar 2 parece que ha recobrado la salud de 2019), Hollywood recurrirá, como en los últimos años, a la nostalgia y las franquicias. Veremos nuevas entregas de Fast and Furious, que estrenará su décima parte el 19 de mayo. Misión Imposible llegará con su séptima parte, que intentará aprovecharse de la nueva popularidad de Tom Cruise tras Top Gun: Maverick, el 14 de julio. Habrá nuevas películas de Tranformers, John Wick y, la más esperada, Indiana Jones y el dial del destino, que verá la luz el 30 de junio. Lo hará con cambio en la dirección, Steven Spielberg cede el testigo a James Mangold.

Dune 2 llegará en noviembre, y veremos secuela tardía de El exorcista con el regreso de Ellen Burstyn en octubre dirigida por David Gordon Green, que ya revitalizó otra franquicia como Halloween. Habrá película animada de Mario Bros, una de acción real de Dragones y Mazmorras y secuela de Posesión Infernal aprobada por Sam Raimi. Su primer tráiler promete sangre y vísceras a partir del 21 de abril.

El duelo más gracioso (y viral) del cine se vivirá el 21 de julio, cuando se enfrenten en taquilla dos de las películas más esperadas del año y dos de las pocas que son historias originales y no secuelas. Barbie bajo la mirada de Greta Gerwig, y con guion de ella junto a Noah Baumbach, se las verá en las salas con Oppenheimer, película sobre el creador de la bomba atómica dirigida por Christopher Nolan.

Los autores y los festivales

Aunque la taquilla parezca rendida a las franquicias y a los superhéroes, todavía hay hueco para los autores en Estados Unidos. Muchos han tenido que refugiarse en las plataformas, como Martin Scorsese, que estrenará su esperadísima Killers of the Flower Moon de la mano de Apple. Muchos dan por segura su presencia en Cannes, pero para ello debe asegurar su estreno en salas, igual que ocurre con el Napoléon de Ridley Scott con Joaquin Phoenix como protagonista. Phoenix también está en lo nuevo de Ari Aster, director de Hereditary y Midsommar. Se llama Beau is afraid y tiene fijado su estreno —al menos en EEUU— en abril.

Quien debería estrenar este año es Francis Ford Coppola, que ha salido de su retiro para dirigir su soñada Megalópolis. Debería porque los últimos problemas en el rodaje con los efectos especiales han retrasado el proyecto, que empieza a tener ecos de Apocalypse Now. Quien sí estrenará es su hija, Sofia Coppola, que mirará a Elvis desde los ojos de su pareja en Priscilla. Regresa también Alexander Payne y lo harán por partida doble Wes Anderson —con Asteroid City, rodada en Chinchón, y The Wonderful Story of Henry Sugar— y el griego Yorgos Lanthimos, que tendrá que cuadrar los estrenos de Poor Things y AND.

Los festivales pueden ser el sitio donde muchos veteranos presenten sus nuevas películas. Roman Polanski tendrá que ver si se atreven a llevarle con su nuevo filme, The Palace. También está terminado el filme, todavía sin título, que ha rodado Woody Allen en Francia. Cannes parece el sitio perfecto para que Ken Loach luche por su tercera Palma de Oro con una nueva muestra de cine social en The Old Oak. Otro habitual de Cannes, el ruso Kirill Serebrennikov ha rodado la versión cinematográfica de Limonov, el inmenso libro de Emmanuel Carrère; y se espera con ansias la primera película de Jonathan Glazer tras Under the skin. Zone of interest huele al festival francés con una historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial.

Quien en 2023 trae un buen arsenal es el cine italiano, que tiene listas las nuevas obras de Marco Bellocchio (La conversione), Mateo Garrone (Lo capitano), Nanni Moretti (Il sol dell’avvenire) y Alice Rhorwacher, la directora de una de las mejores películas de los últimos años, Lazzaro feliz, que regresa con La chimera. Sin embargo, el acontecimiento más esperado para el cine de autor será descubrir el legado fílmico de Jean-Luc Godard, que podría haber dejado rodadas dos obras, Scenario y Funny Wars. Sería el testamento cinematográfico del padre de la modernidad y uno de los eventos más bonitos y emocionantes del cine en 2023.

El director Martin Scorsese contó con los Clash para su película El rey de la comedia. Aparecen en una escena callejera, durante unos segundos de nada; lo suficiente para que Scorsese viese posibilidades cinematográficas en los miembros del grupo británico y quisiese contar con ellos para una próxima película.

Desde hacía tiempo, la idea rondaba por la cabeza de Scorsese: un proyecto de riesgo inspirado en el libro del periodista Herbert Asbury, titulado Bandas de Nueva York, y donde se trata del origen y nacimiento de las primeras bandas criminales organizadas en la ciudad. El colosal trabajo de Asbury fue editado por primera vez en 1927 y con el tiempo se convirtió en libro de culto. Baste decir que en su día fue elogiado por Jorge Luis Borges.

Pero volvamos a principios de los años 80, cuando los Clash andaban por Nueva York, esperando a convertirse en estrellas alternativas de cine. Ya lo eran como músicos de rock. Su último álbum Sandinista era la cristalización de distintos estilos, desde rockabilly, hasta hip-hop, pasando por ska y todo ello repleto de letras combativas. Si por algo se diferenciaban los Clash de los demás grupos de la escena punk londinenense, ese “algo” era la conciencia de clase.

Sandinista fue un álbum triple de 36 temas, 6 de ellos en cada lado y una ruina en lo que se refiere a derechos de autor. El grupo, a sabiendas de que sus seguidores teníamos que rascarnos el bolsillo, lo decidió sacar a precio de disco sencillo. Tras el éxito de su anterior disco, London Calling, los Clash perdieron la oportunidad de percibir emolumentos en concepto de derechos de autor. Los Clash nunca fueron de limusinas. Eran felices con lo que tenían. Marihuana y birras; con eso se daban por satisfechos. Así lo contaron en su libro coral, escrito a cuatro voces, y titulado The Clash, autobiografía grupal, que acaba de aparecer en España publicado por libros del Kultrum.

Los miembros del grupo van relatando cómo se conocieron en la cola del paro o de dónde salió su legendaria canción Spanish bombs, inspirada en los años de plomo del País Vasco. Por las páginas del libro aparecen Malcolm McLaren y Vivienne Westwood cuando todavía eran tenderos en King's Road. También aparece Chrissie Hynde, de peluquera, y el crítico Lester Bangs, al que el bajista Paul Simonon metió papeles de periódico por las perneras acampanadas de sus pantalones y prendió fuego.

Una metralla de anécdotas no exentas de conciencia de clase, como cuando grabaron London Calling frente a un campo de cemento en el que jugaban al fútbol con los ejecutivos discográficos. No escatimaban en patadas hacia ellos. Así hasta principios de los años 80, cuando viajan a Nueva York para grabar su último disco antes de separarse. Porque Combat rock fue grabado en Londres y regrabado en Nueva York, en los estudios Electric Ladyland. Un disco de despedida donde el poeta Allen Gingsberg pone voz a la canción Ghetto Defendant, que escribió allí mismo.

No era la primera vez que los Clash visitaban Nueva York. Un año antes habían conquistado la ciudad durante quince noches seguidas. The Clash era un fenómeno sociológico. Scorsese aprovechó y llamó al grupo para un cameo, una aparición breve en la película El rey de la comedia, protagonizada por Robert De Niro y Jerry Lewis. Según cuenta el guitarrista Joe Strummer, de haberlo sabido, no hubiese sido tan inocente, se habría abalanzado sobre la espalda de Robert De Niro y hubiese chupado cámara. Aunque al final el nombre de Strummer aparece en los créditos, en la película sólo se le ve la nuca.

Años después, finalizando el siglo, Scorsese rueda la historia de un enfermero titulada Al límite con Nicolas Cage y Patricia Arquette como protagonistas. En la película no olvida a los Clash y saca una canción de su primer disco, la titulada Janie Jones. La canción arranca con una batería a piñón fijo y guitarras tocadas con rabia que van a dar paso a unas voces que entonan como quien escupe al cielo.

Pero, según Scorsese, la canción Janie Jones sigue siendo la mejor canción del rock and roll británico. Eso es fidelidad, o tal vez otra cosa, quién sabe, pues para su siguiente trabajo, que iba a ser Bandas de Nueva York, Scorsese ya no contó con los Clash para que saliesen en su película. Habían pasado algo así como una veintena de años y los Clash ya no existían.

Parece que 2019 está siendo, mal que nos pese, un año de testamentos fílmicos. Con Dolor y gloria, Pedro Almodóvar se enfrentaba a sí mismo en un viaje hacia lo íntimo lleno de recuerdos que alimentaron, de una forma u otra, su obra. Con Érase una vez en... Hollywood, Quentin Tarantino se recreaba en sus días de cinéfilo empedernido ofreciendo una lectura nostálgica de una industria de Hollywood en plena era de cambio de paradigma. 

Ahora es Martin Scorsese quien vuelve sobre su cine para ofrecer una visión madura y desmitificadora de la figura del gánster tal y como la conocemos. Una vuelta a los orígenes de un realizador que cambió el cine criminal, y que ahora reevalúa el significado de sus creaciones.

El Irlandés es un recorrido por la filmografía de su director, por su lenguaje y sus hallazgos, claroscuros y lugares comunes. Es, también, una ofrenda a sí mismo y a gran parte del cine más influyente del pasado siglo, generosa en tanto a su duración y las entregadas actuaciones de Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci. Se trata además de una maravillosa crónica negra de un país cuya historia ha estado siempre manchada de sangre.

América se forjó en las calles (y en los despachos)

El Irlandés es la crónica de la vida de tres hombres que cambiaron el devenir de su país. Todo comenzó por casualidad cuando un veterano de guerra llamado Frank Sheeran -interpretado por Robert De Niro-, conoció a Russell Bufalino -al que da vida Joe Pesci-, padrino de la mafia de Pennsylvania, en una gasolinera alejada de la mano de Dios. Sheeran trabajaba como repartidor de carne y se le había estropeado el motor del camión. Bufalino le ayudó a ponerlo en marcha y nació entre ellos una amistad que, más tarde, le convertiría en su 'chico de los recados'.

Durante años, Sheeran, conocido como 'El Irlandés', fue un sicario de la mafia de probada eficacia y sangre fría. Pero un buen día Bufalino le presentó a Jimmy Hoffa -Al Pacino-, uno de los líderes sindicales más poderosos de Estados Unidos. Entonces se convirtió en el hombre de confianza de este y pasó a formar parte de las amistades íntimas de algunos de los círculos más poderosos -y peligrosos- del país.

Conjungando de forma magistral el relato micro y el macro, Scorsese narra los momentos álgidos y los más bajos de un tríangulo de poder. Al tiempo que conforma una crónica a través de cuarenta años de siglo XX.

En 2002, Scorsese gustaba de manchar de rojo sangre la nieve cuajada en las calles de Five Points -mítico barrio marginal de Manhattan-. Lo hacía  en Gangs of New York, coreografiando de forma epatante las batallas callejeras de los Bowery Boys -nativos americanos de ascendencia británica-, con los Conejos Muertos -inmigrantes irlandeses-. Los anuncios y los pósters de aquella película tenían un eslogan que vertebraba gran parte de la filmografía del realizador italoamericano: “América se forjó en las calles”.

En El Irlandés, Scorsese aborda de forma contundente un relato sobre cómo los ideales siempre estuvieron un escalón por debajo de los intereses en Estados Unidos. Cómo líderes sindicales se codeaban con la mafia mientras decían defender los derechos de la clase trabajadora. Cómo la Cosa Nostra apoyó a líderes conservadores como Nixon y este les devolvió el favor mediante indultos. Cómo los Kennedy cargaron con el peso de la legalidad contra el crimen organizado, y cómo este supo defenderse pero también atacar.

Es decir que, además de en las calles, América se forjó también en despachos sindicales y restaurantes italianos de lujo. Casi veinte años después de Gangs of New York, ha quedado sobradamente probado que el cine de Scorsese se significa como la historia negra de Norteamérica -si no quedó probado ya en los setenta-. La de sus bajos fondos y pesadillas alienantes urbanitas.

Pero con El Irlandés su obra se entiende y se significa más que nunca como una crónica de sus cloacas sistémicas por su gravedad y rigor, también por su condena dramática. Lejos del -contagioso- cinismo de El lobo de Wall Street, del goce esteta de Gangs of New York, de los excesos dramáticos de El aviador o de la toxicidad de Taxi Driver.

Sobre el castigo y la posibilidad de perdón

Con todo, decíamos, El Irlandés no se limita a ser una crónica de tiempos aciagos -que ya es mucho-. Es también una suerte de reescritura audaz de una forma de entender el cine criminal y sus héroes. Un cine que Scorsese ha trabajado durante años y del que él mismo es y será adalid.

Desde Malas Calles hasta Boardwalk Empire, pasando claro está por Uno de los nuestros, Scorsese siempre se ha servido de determinados tropos exlusivamente masculinos para configurar su cine. Johnny Boy, Travis Bickle, Jake La Motta, Rupert Pupkin, Henry Hill, Nicky Santoro... no son solo protagonistas de sus películas: son y han sido modelos de conducta ampliamente influyentes en la ficción contemporánea -y fuera de ella-.

Sin embargo, con El Irlandés, Scorsese ha dado a sus 76 años un paso adelante para abordar el crepúsculo de todos ellos. Ha reescrito lo que significaban para él aquellos mafiosos, para ofrecer una solvente lectura moral de lo que serían ahora si tuviesen su edad. Lo ha hecho captando y profundizando en la vejez y la degradación moral y física de los personajes de De Niro, Pacino y Pesci. El resultado es del todo fascinante.

Se puede argumentar, sin embargo, que El Irlandés fracasa en el cometido emocional de un tercer acto cuyo concepto resulta más atractivo que eficientemente ejecutado. Scorsese propone una especie de búsqueda de redención emprendida por Frank Sheeran en sus últimos años de vida, todo ello para ofrecer un retrato de un hombre completamente solo y abandonado por su familia y amistades. Pobre y benevolente castigo para un asesino a sangre fría, si nos ponemos serios.

Pero además, resulta casi ridículo que recurra para ello a personajes secundarios de los que ha prescindido absolutamente durante todo el relato. El Irlandés es una película que no atiende a casi nadie más allá del trío protagonista. Y en ella, las mujeres que rodearon a Sheeran, Bufalino y Hoffa son poco más que mobiliario. Cuerpos que fuman, visten bañador o son diana de chistes machistas. Bueno, también hijas a las que proteger o nietas a las que amenazar.

Especialmente grave es el caso de Anna Paquin, cuyo personaje cuenta con, a lo sumo, dos frases pero cuyo drama definitorio es que dejó de hablar con su padre, Frank Sheeran, después de corroborar a qué se dedicaba. Sobre ella y el resto de hijas de Sheeran carga Scorsese la responsabilidad de un clímax emocional que nunca conecta por la invisibilización narrativa a las que se las ha sometido durante más de dos horas de metraje.

Pero incluso en este tercer acto, El Irlandés se muestra eficaz como reinterprecación de las escrituras scorsesianas. No en vano, la vejez y el remordimiento llevan a Frank Sheeran a considerar su relación con la fe. Hace despertar en él un sentimiento religioso más apegado al perdón que a la tradición.

Scorsese, que desde Malas Calles a Silencio, pasando por Kundun, se ha preocupado siempre por elaborar discursos sobre lo que significa la fe en el contexto contemporáneo, nos propone ahora un De Niro esforzado en aprender a rezar cuando el habla, por la edad, ya le resulta complicada.

De hecho, el realizador italoamericano deja en manos de un clérigo, que le pide confesión, la posibilidad de redención de este sicario. Pero los años y la experiencia, le han dicho a Scorsese que esta resulta ser realmente complicada. Que los mafiosos nunca podrán dormir tranquilos y por eso duermen siempre con la puerta entreabierta.

La primera vez que Frank 'El Irlandés' Sheeran llamó a Jimmy Hoffa estuvieron hablando sobre pintar casas y hacer trabajos de carpintería. “Me han dicho que pintas casas”, le dijo Hoffa, el líder sindical más famoso de Estados Unidos, en aquella conversación telefónica. “Y también hago trabajos de carpintería”, contestó 'El Irlandés'.

En el lenguaje de la mafia pintar casas es un eufemismo: la pintura es la sangre que salpica la pared después de disparar a alguien. Deshacerse de los cuerpos después de pintar una casa son los trabajos de carpintería. A esto es a lo que se dedicó Frank Sheeran para el sindicato de camioneros hasta el 30 de julio de 1975, el día que Jimmy Hoffa desapareció de la faz de la Tierra.

Hoffa se había evaporado de la noche a la mañana. El único rastro de su paradero lo encontró el FBI en su casa de veraneo. Tres palabras escritas en un taco de notas amarillo: “Russ y Frank”. Hoffa sabía que alguien acabaría pintando su casa y también sabía quiénes serían los únicos que se atreverían a cruzar esa línea: Russell Bufalino, el todopoderoso padrino de la mafia de Pennsylvania, y Sheeran, su chico para todo. 'Russ' daría la orden y 'Frank' se encargaría de apretar el gatillo.

Qué pasó con Hoffa y qué papel jugaron Bufalino y 'El Irlandés' son las dos preguntas que trata de responder Charles Brandt en I heard you paint houses [He oído que pintas casas]. Un libro publicado en España como El Irlandés. Jimmy Hoffa. Caso cerradoEl Irlandés. Jimmy Hoffa. Caso cerrado (Crítica), que busca resolver las grandes incógnitas que el FBI no pudo atajar antes de darle carpetazo al caso en el año 2002.

Desde entonces se han escrito decenas de libros sobre la desaparición de Hoffa y las relaciones de su sindicato con la mafia, pero Brandt consiguió aportar un elemento que diferencia su libro del resto. Caso cerrado es el testimonio de 'El Irlandés'; es la historia de lo que pasó la noche de julio del 75 contada por el hombre que tuvo que pintar la casa de Jimmy Hoffa. Una confesión que ha servido de base para el guion de The Irishman (El Irlandés), la última película de Martin Scorsese.

“El hombre más poderoso del país”

A finales de los años cincuenta, casi veinte años antes de esfumarse, Hoffa era uno de los líderes sindicales más poderosos de Estados Unidos. Su leyenda se había forjado como activo en la Fraternidad Internacional de Camioneros, una agrupación de sindicatos locales que acabaría dirigiendo y de la que dependía todo el servicio de transporte de mercancías y abastecimiento del país. Según explica Brandt, si los camioneros decidían ir a la huelga, podían llegar a paralizar por completo EEUU.

El poder de Jimmy, al que políticos como Robert 'Bobby' Kennedy definían como “el hombre más poderoso del país junto con el presidente”, se sostenía sobre la base de sus relaciones con otro de los grandes sindicatos estadounidenses: la Cosa Nostra. El fondo de pensiones que Hoffa había creado para garantizar la jubilación de los camioneros no era más que la tapadera de una especie de “concesionario de préstamos” para el sindicato nacional del crimen organizado.

A cambio de disponer de su propio “banco privado”, la Cosa Nostra se encargó de pintar casas y resolver aquellos problemas de los que ni Jimmy ni el sindicato podían encargarse. “Las alianzas establecidas por Hoffa con los mafiosos de todo el país a medida que su sindicato crecía”, explica Brandt, “son ahora parte del registro histórico, pero en los años 1950 era un tema que apenas empezaba a salir a la luz”. Russell Bufalino fue uno de esos mafiosos.

Corría el año 1955 cuando Frank Sheeran conoció a 'Russ'. “Yo me dedicaba al reparto de carne para Food Fair con un camión refrigerado”, cuenta en Caso cerrado. “Me dirigía a Syracuse cuando el motor empezó a darme problemas [...]. Aparqué en un área de descanso y abrí el capó para echar una mirada cuando apareció un italiano mayor y bajito que se acercó al camión y me preguntó: '¿Te puedo echar una mano, muchacho?”. “Cuando nos dimos la mano, [...] no tenía ni idea de quién era”. 

Mientras Sheeran luchaba en Sicilia contra los nazis bajo las órdenes del general Patton, participaba en la liberación de Dachau y daba sus primeros pasos en el sindicato de camiones tras el final de la guerra, ese “italiano mayor y bajito” hacía carrera en el mundo del crimen organizado. Desde las sombras, sin caer en los excesos del resto de familias, Bufalino dirigió la mafia de Pensylvania hasta convertirse en lo más parecido a un líder para la Cosa Nostra. Nada se decidía sin su aprobación. Bufalino lo controlaba todo.

Fue 'Russ' quien ayudó a Sheeran a ascender. 'El Irlandés' empezó haciendo pequeños recados: llevar un paquete del punto a al punto b, sustituir a algún camionero, dar palizas o hacer de chófer. Hasta que le pidieron que hiciera “lo que hay que hacer”: “No era necesario ir a matricularse en un curso en la Universidad de Pennsylvania para saber qué quería decir”.

Frank hizo de sicario para Bufalino hasta que Hoffa decidió cobrarse un favor. Jimmy necesitaba un hombre eficaz y de confianza para solucionar los problemas del sindicato con los empresarios y políticos de Detroit, y Russell se ofreció a presentarle a su chico de los recados. “¿Quieres ser parte de esta historia?”, le preguntó Hoffa en su primera conversación.

“Se va a desatar un auténtico infierno”

El imperio de Jimmy Hoffa empezó a tambalearse en 1957. La discreción de la Cosa Nostra les había permitido operar sin llamar demasiado la atención, pero la detención de 58 capos en una cumbre de la mafia en Apalachin (Nueva York) les había colocado en el centro del foco mediático y judicial. Lo que hasta entonces parecía un rumor, la existencia de una organización criminal en EEUU, era ya una realidad evidente.

Acorralada por la comisión de investigación del Senado, al frente de la que estaba Bobby Kennedy, la Cosa Nostra se convirtió en uno de los grandes enemigos del FBI. Hoffa pasó de ser un héroe de la lucha sindical a convertirse en un peón más en el tablero de juego de la mafia. Un peón que el joven Kennedy esperaba poder destruir y encerrar en una prisión federal para el resto de sus días.

“Cada vez que ganaba un juicio, Jimmy creía que jamás sería derrotado. Y que no queden dudas: odiaba a Bobby Kennedy con toda su alma”, explica Sheeran. Sí, su nombre había quedado manchado, pero la comisión no consiguió condenarle y en plena persecución había logrado vencer en las elecciones para presidir la Federación Internacional de Camioneros.

Apenas se había recuperado de ese primer golpe cuando John Fitzgerald Kennedy ganó las elecciones presidenciales de 1960. Nada más llegar a la Casa Blanca, J.F.K. nombró a su hermano Bobby como nuevo fiscal general de EEUU. Bobby Kennedy tenía ahora la oportunidad de hacer aquello que no pudo llevar a cabo desde la comisión del Senado: acabar de una vez por todas con la Cosa Nostra.

Bobby tomó el control del ministerio de Justicia y del FBI y organizó un nuevo equipo de fiscales y agente federales. Un grupo seleccionado personalmente por él y al que, según cuenta Sheeran en el libro de Brandt, decidieron llamar “El equipo para atrapar a Jimmy Hoffa”. Y esta vez Robert Kennedy sí iba a conseguirlo.

El fiscal general logró encerrar a Hoffa, aunque fue una victoria agridulce. Hoffa había sido condenado a 13 años de prisión, pero cuatro años después el gobierno de Richard Nixon decidió indultarle. Los camioneros habían apoyado a Nixon cuando era el candidato republicano que se enfrentó -y perdió- contra Kennedy en 1960, así que Jimmy buscó la forma de cobrarse ese favor. Aceptó dejar la presidencia de la Federación y no volver a realizar acciones sindicales hasta los años 80, como le pedía el presidente, y quedó en libertad.

A pesar de haber logrado algo prácticamente imposible, alguien con las aspiraciones de Jimmy Hoffa no iba a quedarse sentado viendo pasar la vida por delante de sus narices. Nada más salir de prisión decidió luchar hasta el final para recuperar el poder perdido, deshaciéndose de la prohibición de volver al mundo sindical que le había impuesto Nixon para el indulto y recuperando la presidencia de los camioneros. Pero la mafia tenía otros planes.

Bufalino y la Cosa Nostra habían sobrevivido sin Hoffa. Les había bastado con colocar a uno de sus peones al frente de los Camioneros; alguien más sumiso, que siguiera facilitando el flujo de dinero y que asegurara sus intereses. Según 'El Irlandés', Bufalino hizo todo lo posible por convencer al todopoderoso Hoffa de dar un paso atrás, de retirarse y dejarles hacer. Jimmy ya se había convertido entonces en una piedra en el camino de Bufalino.

Hoffa era un lastre, y lo sabía. También sabía que intentarían quitarle de en medio, pero no estaba dispuesto a renunciar a lo que era. “Si a Hoffa le sucede cualquier cosa fuera de lo normal, te puedo asegurar que se va a desatar un auténtico infierno”, le dijo Jimmy a Sheeran cuando este trató de hacerle entrar en razón. “Tengo más registros y listados de los que puedas imaginarte preparados para ser enviados a los medios de comunicación”.

Sheeran cuenta en Caso cerrado que Hoffa había guardado todos los registros de las actividades que hacían para la Cosa Nostra: préstamos, transportes, hombres y sobornos. “Hay secretos que sé, que he visto y que he apoyado que serían capaces de remover todo el país”, aseguró Hoffa. Y uno de esos supuestos secretos, que Sheeran nunca conoció y nunca llegó a confirmar, tenía que ver con el asesinato de J.F.K., la detención de Lee Harvey Oswald y el papel de la mafia en el magnicidio.

Esa última amenaza fue la sentencia de muerte de Jimmy Hoffa. Bufalino dio la orden: organizar una falsa cumbre en una casa de Detroit de la que el líder sindical más poderoso de EEUU no saliera con vida. El 30 de julio de 1975, 'El Irlandés' llevó a Hoffa hasta la casa y nunca más se le volvió a ver.

¿Qué pasó entonces con Hoffa? “Cuando vio que la casa estaba vacía, que nadie salía de ninguna de las habitaciones, supo al instante de qué se trataba. Se dio la vuelta rápidamente, aún pensando que estábamos juntos en todo aquello, que yo era su respaldo. Si vio la pistola que llevaba yo en la mano, debió de pensar que era para protegerlo. [...] Cuando fue a coger el pomo de la puerta, Jimmy Hoffa recibió dos disparos a una distancia decente -no demasiado cerca o te salta la pintura encima- en la nuca, detrás de su oído derecho. Mi amigo no sufrió”.

Cuando Frank 'El Irlandés' Sheeran acabó de pintar la casa de Jimmy Hoffa, alguien recogió el cadáver y lo quemó. Nadie volvió a saber nada de él hasta que, muchos años después, en diciembre de 2003, con la investigación cerrada y a pocas semana de morir, Sheeran le confesó a Charles Brandt que había matado a Hoffa.

Las fotografías de 'El Irlandés', de Hoffa y de la casa en la que fue asesinado forman parte del libro Jimmy Hoffa. Caso Cerrado y han sido cedidas por Frank Sheeran y Charles Brandt.

Bob Dylan anunció el pasado mes de diciembre que iba a pasar por España. Concretamente había elegido ocho ciudades, entre las que se encontraban Murcia o Fuengirola (Málaga). Pero, para sorpresa de muchos, entre las seleccionadas no había ni rastro de las principales capitales del país, aquellas que suelen ser de paso obligado para todos los artistas que quieren hacer caja con sus actuaciones. Ni en Madrid ni en Barcelona se iba a poder escuchar Like a Rolling Stone.

Es cierto que con su “gira interminable”, la Never Ending Tour que arrancó en 1988 y que lleva más de cien actuaciones, ya ha tenido oportunidad de pisar casi cada urbe habida y por haber independientemente de si son grandes o pequeñas. Sin embargo, la fijación por aquellas localidades en el extrarradio no es algo nuevo.

El músico estadounidense no parece sentirse demasiado cómodo bajo un foco mediático que a estas alturas le es imposible abandonar. No puede. Y si lo intenta, como cuando en 2016 intentó librarse de ir a buscar el Nobel de Literatura por tener “otros compromisos”, al final acaba pasando por el aro y recogiéndolo con cuatro meses de retraso.

Gran parte de este espíritu se puede contemplar en la Rolling Thunder Revue, una gira iniciada en 1975 con la que Dylan quiso desviarse de la carretera principal para llegar a los pueblos que estaban en los márgenes. La intención era llevar su música en caravana ambulante más allá de los enormes auditorios y de los estadios de fútbol, un método útil para alcanzar a esas personas que no podían permitirse pagar la entrada de sus actuaciones en el Madison Square Garden de Nueva York.

No había mucho planeado, ni siquiera el setlist de cada concierto (que se improvisaba el día antes), pero Dylan decidió ponerse al volante sin rumbo concreto poco después de volver a los escenarios con Bob Dylan and The Band tour (1974) tras pasar ocho años desaparecido. ¿El motivo? Un accidente de motocicleta que sufrió en 1966 en Woodstock, el cual también le sirvió para alimentar su propio mito de artista alejado de la sociedad.

Por estos motivos, la gira del 75 no fue una cualquiera. La Rolling Thunder Revue, como se puede comprobar en el documental homónimo estrenado en Netflix, se convirtió en un road trip que condensó en una sola caravana gran parte del espíritu musical y contrarrevolucionario de la época. Entre el equipo se encontraban artistas como Joan Báez, Roger McGuinn o T-Bone Burnett, aunque puntualmente también se unían otros de forma ocasional. No era un viaje muy estipulado.

El encargado de guiarnos a través de este viaje es Martin Scorsese, que repite documental sobre la estrella del folk. El primero fue No Direction Home (2005), en el que narraba desde los comienzos de Dylan hasta su paso de la guitarra acústica a la eléctrica. Pero el director de Taxi Driver (1976), ya experimentado en el reportaje musical con los Rolling Stones o George Harrison, ha querido extender todavía más las casi cuatro horas que duraba su documental inicial de Dylan.

Y no fue tarea fácil, ya que el film de Scorsese se ha confeccionado a partir de más de 100 horas de grabación realizadas durante el tour, tanto de las actuaciones como del backstage. Lo único que se hizo con ese material fue película dirigida por Dylan llamada Renaldo and Clara. O, lo que es lo mismo: cuatro horas de surrealismo ininteligible que levantó las miradas más escépticas durante su presentación en el Festival de Cannes del 78.

Las historias como ilusión óptica

El cineasta tras Toro salvaje (1980) no solo ha cogido ese material y lo ha transformado en un largo de dos horas y media. Lo ha hecho tejiendo una compleja telaraña documental en la que se mezclan entrevistas reales con otras ficticias, justo como ha ocurrido con la figura de Bob Dylan a lo largo de la historia. El resultado de lo que ahora conocemos de él no es lo que fue, sino una parte confeccionada con rumores, leyendas y una pizca de verdad.

“No recuerdo nada de Rolling Thunder. Sucedió hace tanto que ni siquiera nací”, dice el propio Dylan al comienzo del reportaje. Si en No Direction Home el cantante abría una venta a su pasado, aquí la entrecierra y nos deja a nosotros, espectadores y fans, juzgar lo que ocurrió desde nuestro prisma contaminado por la subjetividad. El subtítulo del documental, “una historia de Bob Dylan por Martin Scorsese”, define a la perfección su contenido. No es un reportaje fiel al cantante, sino un cuento orquestado con maestría por el guionista neoyorquino.

No es gratuito que Scorsese haya decidido comenzar este documental con el corto The Vanishing Lady (1896) de Georges Méliès en el que un mago hace desaparecer a una mujer con la técnica cinematográfica llamada stop trick. Solo había que empezar a grabar, parar, sacar el objeto del plano y reanudar el rodaje. Es precisamente lo que ocurre con Bob Dylan: no se sabe en qué momento alguien apretó el botón para sustituir la verdad como por arte de magia.

El sarcasmo está presente prácticamente en cada fragmento de Rolling Thunder Revue. Por ejemplo, aparece Sharon Stone diciendo que fue con su madre a un concierto de Dylan y que este, ante toda la multitud, les invitó a pasar con un gesto chulesco. Otro surrealista momento es en el que el propio cantautor confiesa a cámara de dónde procedía la idea de pintarse la cara de blanco para la gira: del grupo KISS, a quienes vio en un concierto en Nueva York.

La Rolling Thunder es una gira confusa incluso para los fans más acérrimos de Dylan. Y, aunque el documental de Scorsese muestra una buena cantidad de material inédito, incluyendo conciertos e imágenes en los momentos más íntimos de los artistas, realmente tampoco sirve para aclarar del todo una etapa definida por un espectáculo que tomaba forma sobre cuatro ruedas. Al igual que hacían las compañías italianas de teatro nacidas en el siglo XVI, quizá esa sea parte de la magia: que solo quienes vieron la función pueden contar su versión de lo que sucedió.

“Podríamos decir que esta es la cima de su carrera, pero este tipo tiene más picos que la cordillera del Atlas”. Con esta frase describía Martin Scorsese a su amigo Robert de Niro, minutos antes de entregarle la Estrella de Oro del Festival Internacional de Cine de Marrakech. Una broma del director estadounidense, que acaba de completar su novena película, The Irishman, con su actor fetiche, el neoyorquino de 75 años al que se reconocía una trayectoria impresionante.

The Irishman

“Hicimos nuestras primeras películas juntos hace 45 años, creo, es una de las cosas más grandes de mi vida”, le respondía un Robert De Niro que recordaba haber crecido en el mismo barrio italiano de Nueva York. Hizo gracias a él Malas calles en 1973 y filmó con él varias de sus películas más célebres, como Taxi Driver, Palma de Oro en Cannes en 1976, y Toro salvaje, que le valió un Oscar en 1981. Inasequible al desaliento, la estrella de 75 años aprovechó la ceremonia de homenaje en Marrakech para denunciar “la versión grotesca del nacionalismo” que representa en su opinión la política del presidente de Estados Unidos, Donald Trump.“Desafortunadamente mi país está atravesando una versión grotesca del nacionalismo (....) marcado por la avaricia y el egoísmo bajo el lema 'America First'”, dijo ante una audiencia que lo aclamó. El actor, director y productor ha participado en varias manifestaciones contra Donald Trump e incluso llegó a insultarlo públicamente en junio pasado durante la ceremonia de los premios Tony, que recompensa a las obras de Broadway. “Voy a decir una cosa: ¡jódete Trump!”, dijo entonces al público. En octubre, fue uno de los destinatarios de las trece presuntas bombas enviadas por correo por un seguidor del presidente estadounidense.Con 38 películas en su haber Robert de Niro ha trabajado con los más grandes directores de su época, entre ellos Francis Ford Coppola, Brian de Palma, Elia Kazan, Sergio Leone, Michael Cimino, Michael Mann y Quentin Tarantino. Su próxima película, The Irishman, que será difundida en Netflix en 2019, está inspirada en una historia real del asesino a sueldo de la mafia Frank Sheeran.

Malas callesTaxi DriverToro salvaje

The Irishman

Martin Scorsese (Nueva York, 1942) ha recibido hoy el Premio Princesa de Asturias de las Artes manos de los reyes en el Teatro Campoamor de Oviedo. El cineasta ha comenzado mostrando su sobrecogimiento por encontrarse en la tierra de “Picasso, Lorca, Cervantes y Luis Buñuel”, sobre todo por este último, al que ha destacado como “uno de los más grandes artistas de la historia del cine”.

Al meterse en la materia que le ocupa, el séptimo arte, el director de Taxi Driver y Toro Salvaje ha lanzado un alegato a favor del impulso de coger una cámara, porque “eso es lo más precioso e inspirador para mí, porque así fue en mi caso: yo no podía descansar hasta que hice aquella película, de aquella manera”.

Pero justo después, Scorsese ha mostrado su preocupación “por el futuro del cine”, y la razón, como ha desvelado más adelante, tiene que ver con las nuevas tecnologías. “El cine se ha convertido en sólo una corriente dentro de un enorme torrente de imágenes en movimiento: los anuncios, los episodios de una serie de TV, un vídeo de gatos o perros, vídeos didácticos, los reality shows Lawrence de Arabia, reportajes y así sucesivamente”, ha enumerado.

A pesar de las oportunidades que brinda a los jóvenes y que el propio director ha destacado, su mensaje entorno a la tecnología ha tendido al pesimismo: 

“Se ha dicho que los molinos de viento pueden haber representado la tecnología de su época. Así que, para preservar el espíritu, luchó contra esa tecnología. Y con esa imagen en mente, una de las grandes y duraderas imágenes de nuestra civilización, podemos encontrar la manera de conquistar nuestra propia tecnología para que los artistas puedan usar esa tecnología en lugar de al contrario, donde la tecnología utiliza al artista”.