El fenómeno mundial de las batallas de aura o farmear aura llegó este domingo a Canarias, en concreto a la isla de Gran Canaria, de la mano del festival de videojuegos y culturas urbanas Gran Canaria Experience, celebrado en el Centro Comercial Alisios de la capital.

Se trata de un duelo entre participantes que realizan acciones, poses o gestos de manera deliberada para acumular carisma, presencia y estilo frente a los demás, como si se tratara de sumar puntos de popularidad en un videojuego.

Hace poco más de una semana este fenómeno mundial recorrió rápidamente las redes sociales despertando pasiones y controversias a partes iguales: las batallas de aura.

El encuentro de videojuegos y culturas urbanas de España se lleva desarrollando desde el pasado miércoles en el Centro Comercial Alisios.

El Festival de videojuegos y culturas urbanas de España, que se lleva desarrollando desde el pasado miércoles en la isla, ha incluido así dentro de su extensa programación un espacio organizado para esta batalla, con premio y presentado por el influencer Zelika, que así lo anunciaba en sus redes sociales, donde acumula más de 19 millones de seguidores en sus plataformas.

¿Qué significa 'farmear aura'?

El término '''farmear'' procede del verbo en inglés farm (cosechar) y en el mundo de los videojuegos significa acumular puntos o experiencia para subir de nivel. En este contexto, el aura se traduce como el carisma, y el objetivo es ganar reputación.

Aunque la irrupción de estos encuentros multitudinarios ha sorprendido a todas las generaciones, los elementos que los forman no son nuevos.

A juicio de los catedráticos de Psicología de la Universidad de Granada Rosa Rodríguez y Sergio Moreno, estas batallas no son un fenómeno nuevo, ya que utilizar el cuerpo, la actitud y la puesta en escena para controlar qué impresión causas en la gente es una práctica repetida desde hace años en actividades como el breakdance, las batallas de rap, las sesiones de jazz o el voguing, un un estilo de baile que nació en los años 80 dentro de la subcultura urbana del Ballroom, un movimiento artístico creado en esencia por personas afroamericanas y latinas de la comunidad LGTBI en Nueva York.

Y aunque no se trata de una apropiación cultural como tal, el bailarín, coreógrafo e impulsor de los estilos voguing y whacking en Canarias, Edu Medina, subraya la importancia de que los jóvenes que practican este farmeo sepan cuáles fueron sus predecesores.

La Coordinadora Sindical del Videojuego (CSVI) de la CGT ha convocado una huelga indefinida de seis días mensuales en Ubisoft Barcelona Mobile, la división de videojuegos para móviles del gigante francés Ubisoft, contra el trabajo presencial obligatorio decretado por la compañía.

La huelga, registrada ante la Inspección de Trabajo desde el pasado mes de julio, está convocada para seis días al mes —que en septiembre serán el 1, 2, 3, 16, 17 y 18—, y ha sido impulsada desde la CGT, el único sindicato en este centro de Barcelona, formado por un centenar de personas.

Los trabajadores disponían de tres días de teletrabajo hasta septiembre de 2024, cuando la compañía les comunicó que deberían trabajar de forma presencial tres días a la semana, y ahora, según les comunicaron en abril, deberán acudir a la oficina los cinco días a la semana a partir de enero.

“Queremos una negociación real y queremos volver a tener el teletrabajo blindado como derecho”, han explicado las mismas fuentes sindicales, las cuales consideran que esta “imposición” es una forma encubierta de la compañía para reducir el número de trabajadores a través de bajas voluntarias.

Los trabajadores han convocado además una manifestación este martes ante las oficinas de Ubisoft Barcelona Mobile y plantean acciones coordinadas con los sindicatos de Lyon, Milán y Düsseldorf, también afectados por la decisión.

El centro de Barcelona tiene sus oficinas en la planta 9 de la Torre Telefónica, ubicada en la avenida Diagonal, y ha trabajado recientemente en Hungry Shark, un juego de supervivencia acuática estilo arcade, y en Invincible: Guarding The Globe, un juego de rol de escuadrones de héroes.

Este centro de videojuegos para móviles es el único de Ubisoft en España, aunque en la misma ciudad, la empresa tiene otra división para consolas y ordenadores, que ha trabajado recientemente en la saga Assassin's Creed y para la que la compañía presentó un ERE de 51 personas en junio, que finalmente acabó afectando a 39 trabajadores.

Es difícil explicarle a una persona ajena a la industria la cantidad de matices que encierra la palabra “jugador”. Las políticas en el término gamer. Mientras que en el mundo del cine un espectador es cualquiera que se sitúe delante de la pantalla, en videojuegos lo que es o no es un jugador está siempre sujeto a los cambios; afectado por la identidad de la persona, la plataforma en la que juega y el tipo de título que escoge, pero también el que no. Sin embargo, una cosa que estaba clara durante la primera década de los 2020 es que la mayoría de mujeres no podían ser jugadoras. Gran parte quedaba apartada y la culpa, al menos eso se decía, era de Los Sims.

“Más de una vez me han dicho que no soy realmente gamer porque juego a Los Sims, te lo dicen como si fuera una broma”, comenta Klayreh, creadora de contenido sobre el juego y responsable de la cuenta de Instagram @SimKlayreh, “pero el hecho de que esa broma exista refleja una idea bastante extendida sobre qué son los juegos (acción, shooters, competitivos) y qué no”.

Alfonso Maté, cofundador de Gaymer, coincide: “Los Sims nos da la libertad a jugadoras y jugadores de crear nuestras propias historias, experimentar con el medio y por qué no, experimentar con la diversidad afectivo-sexual y de género. Es esa naturaleza de cajón de juegos que lo sitúa más en la categoría de juguete que de videojuego de verdad para muchos jugadores”. Durante la campaña promocional del primer título de la franquicia, el creador, Will Wright, definió el juego como “una casa de muñecas”. Y los gamers, por supuesto, no jugaban con muñecas.

Sin embargo, y pese a lo definitorio que han sido Los Sims a la hora de crear una comunidad de jugadores alternativa, parece que llegamos al fin de una era. La semana pasada Jordan Erica Webber publicaba en The Guardian una columna en la que se despedía de la franquicia que la había acompañado los últimos 25 años. Electronic Arts, la compañía que produce el juego ha sido comprada, con la mediación de Jared Kushner, yerno de Trump, por un fondo de inversión de Arabia Saudí. Y Webber no es la única fan que no quiere volver a saber nada de la franquicia. Lo que empezó con la alegría de un beso termina ahora de forma amarga.

Un beso para la historia

Pese a estar considerada una de las franquicias clave al hablar de diversidad en videojuegos, Los Sims no se desarrolló inicialmente como un título inclusivo. A finales de los 90, la consideración de los videojuegos como entretenimiento violento llevaba a muchas instituciones y organizaciones de protección a los menores a monitorizar todos los lanzamientos en búsqueda de cualquier elemento considerado potencialmente pernicioso. Por esto, aunque en un primer momento en Maxis, el estudio de desarrollo, habían considerado permitir cualquier tipo de pareja entre sus personajes, al final decidió dar un volantazo de última hora y centrarse exclusivamente en parejas heterosexuales.

Pero Patrick J. Barret no sabía nada de esto. El programador estaba dirigiendo a mediados de 1999 un pequeño equipo independiente encargado de crear una demo para dar a conocer el juego en el E3, la convención de videojuegos más importante del mundo. La idea era que la presentación situara a los jugadores en tres escenarios distintos en donde podrían controlar a un par de personajes creados previamente. Uno de estos escenarios era una multitudinaria boda en donde tanto el novio como la novia quedaban en manos del jugador, mientras que el resto de personajes de la escena se movían de manera independiente controlados por la inteligencia artificial. De cara a esta demo, Barret no modificó la parte del código que impedía el emparejamiento de personajes del mismo género. Es por eso que cuando el novio y la novia se besaron frente del altar, dos personajes femeninos totalmente secundarios se dejaron llevar por la alegría, imitando a los cónyuges. Fue el primer beso lésbico en un evento de videojuegos multitudinario.

El beso hizo que el pequeño juego se convirtiera en uno de los títulos más comentados de la convención, aupado por una comunidad de jugadores deseosa de verse representada en pantalla. Maxis dio marcha atrás. El volantazo quedaba revocado: Los Sims volvían a ser canónicamente bisexuales. “Para mí siempre ha tenido mucha importancia en este tipo de juegos con tanta personalización la diversidad”, admite Katia, miembro de La Madriguera, comunidad de desarrolladores de videojuegos LGTBI+. “No tanto por la representación de ver que hay gente como yo, sino por la posibilidad de explorar mi identidad en un entorno seguro”.

Pero la inclusión de diversidad en ese primer título no se limitaba a la afectiva-sexual. “Gracias a Los Sims me pude hacer mi primer avatar con cuerpo no normativo”, apunta Nuria Braña, comunicadora de videojuegos, educadora social y sexóloga: “Siempre me ha gustado mucho hacer avatares. Al principio molaba mucho poder hacer personajes diferentes a ti, pero en el momento que pude hacerme a mí misma fui feliz. Y ya no solo a nivel de corporalidad sino en general”.

Siguiendo la estela del primer juego, Los Sims 2 y Los Sims 3 continuaron la senda de la representación de las preferencias sexuales incluyendo uniones entre personajes del mismo género, en la segunda parte, y bodas oficiales en la tercera. El juego se iba convirtiendo poco a poco en una especie de utopía LGTBI+, permitiendo simular una vida mucho más igualitaria que la real.

Sin embargo, el sobresaliente en representación queer no evitaba el suspenso en otras áreas. Los jugadores racializados no tardaron en señalar que las diferentes opciones de maquillaje, accesorios para la cabeza e incluso peinados no se integraban correctamente cuando los personajes tenían la piel oscura. Los Sims era un juego estadounidense que, al comercializarse globalmente, empezó a ser acusado de fetichizar ciertas culturas, presentando la estadounidense blanca como hegemónica. La comunidad disca (personas con discapacidad), por su parte, sigue acusando el ninguneo de limitar su representación al apartado estético de los implantes cocleares o las bombas de insulina. Por todo esto, de cara al desarrollo de la cuarta entrega, Maxis y Electronic Arts quisieron hacer las cosas de otra manera. Ponerse a la altura de su reputación y darle a los jugadores lo que esperaban del juego.

Lanzado en 2014, Los Sims 4 es la entrega más exitosa (y longeva) de la franquicia, gracias a multitud de expansiones y actualizaciones de pago que completan y amplían la experiencia. También admite la participación de la propia comunidad a través de mods, modificaciones fans gratuitas y no oficiales que alteran tanto el aspecto visual como el comportamiento del juego. Lo explica Alfonso: “A pesar de tener que pasar por caja para adquirir nuevas experiencias jugables y personales, la comunidad de jugadoras y jugadores de Los Sims siempre ha sido valor añadido, compartiendo no solo sus anécdotas e historias con el juego, sino también su propio contenido para que todo el mundo tenga acceso a ello y enriquecer la experiencia de juego. Esto es algo que Maxis apoya, pero como empresa necesita sacar tajada y una de las últimas decisiones empresariales ha sido monetizar también este contenido, lo que ha generado el descontento generalizado del jugador asiduo a Los Sims”.

La agresiva campaña de monetización puesta en marcha por la compañía en los últimos años acabó por abrir una brecha con los jugadores. “Ahora mismo la imagen que EA está dando a la comunidad simmmer no es muy buena” apunta Klayreh, “parece que solo quieren que gastemos dinero, pero la calidad de los productos muchas veces no es buena, objetos con texturas pobres o nuevos gameplays que crean más bugs. Tampoco habían tenido competencia hasta ahora, pero esto ha cambiado”.

Una piscina sin escalera

La estrategia de monetización habitual en EA empezó a verse aún peor por contraste con el lanzamiento de dos títulos actuales que se presentan como competidores directos de la franquicia: Inzoi y Paralives, simuladores muy sugerentes en el apartado visual que, sin embargo, aún tienen que crecer a nivel de contenido. Pero para buena parte de la comunidad de jugadores, la principal atracción de los nuevos títulos parece ser la posibilidad de jugar sin remordimientos.

La compra de EA por parte de un fondo de inversión de Arabia Saudí parece algo que la comunidad no puede pasar por alto. “Aunque probablemente a corto plazo no haya cambios porque Arabia Saudí necesita limpiar su imagen, solo habrá que esperar a que tenga una posición dominante para comenzar a imponer su visión”, apunta Katia, “aunque es difícil escapar de todos los conglomerados de empresas malvadas creo que me resulta fácil poner una línea roja en no apoyar a un país que condena a pena de muerte a las personas LGTBI+”.

Alfonso quiere creer que aún hay margen para la esperanza: “Hay voces que claman que Maxis se haga independiente de EA y que Los Sims vuelen libres, lo que puede ser un soplo de aire fresco que evite que una franquicia como Los Sims, que se antoja como paraíso para la diversidad, caiga en dinámicas de poder conservadoras y que todo el trabajo realizado se vea mermado por una resolución corporativa de semejante calibre”.

En lo que coincide una gran mayoría, especialmente comunidades online de seguidores de la franquicia, es que lo menos que se puede hacer es no apoyar económicamente a la compañía. “Desde que conocí la noticia he limitado la compra de nuevo contenido para el juego”, explica Klayreh. “Existe una contradicción entre algunos de los valores de diversidad e inclusión que Los Sims ha defendido durante años y el contexto de derechos humanos de Arabia Saudí. No significa que haya dejado de jugar a uno de mis juegos favoritos y cuyo juego ha hecho que conozca a mucha gente, pero sí ha cambiado mi relación como consumidora”.

Se acabe o no la trayectoria de Los Sims después de 25 años lo que queda claro es que han dejado mucho que celebrar. Los Sims han sido la puerta de entrada de muchas al mundo de los videojuegos, un refugio para los jugadores diversos y un entretenimiento individual que, sin embargo, nos invitaba a salir y socializar. Nuria reflexiona sobre su importancia: “Recuerdo explorar mi sexualidad jugando a Los Sims y dándome besitos con chicas guapas. Incluso meternos en la cama y hacer ñiqui-ñiqui como sale en la interacción. No salía nada explícito, pero a mí me fascinaba y estaba aprendiendo cosas que con el tiempo le di mucha importancia, como es relacionarme con personas de mi mismo género en situaciones románticas o incluso llegar a más. Gracias a Los Sims he podido pasar muchas horas divirtiéndome, experimentando vidas propias y ajenas”.

Rockstar Games ha enseñado por fin en profundidad cómo será 'Grand Theft Auto VI' (GTA 6). Después de dos tráileres, retrasos y numerosas filtraciones, la compañía ha publicado una presentación de casi 27 minutos de duración que combina cinemáticas con largas secuencias de jugabilidad y permite conocer algunas de las principales novedades que encontrarán los jugadores cuando regresen a Vice City. Llamado Grand Theft Auto VI: Una mirada extendida, se estrenó inicialmente para los suscriptores de Netflix y, seis horas después, fue publicada en el canal oficial de Rockstar Games y en la web del videojuego.

La presentación comienza con Jason Duval y Lucia Caminos entrando en territorio de una banda para realizar un encargo. Lo que inicialmente parece una operación rutinaria acaba convirtiéndose en un tiroteo cuando interviene la policía. La secuencia permite comprobar el nuevo nivel de las animaciones, la iluminación y los interiores, pero también algunas mecánicas: coberturas, disparos y una habilidad de concentración que permite ralentizar momentáneamente la acción para apuntar con mayor precisión.

Jason y Lucia, mucho más que dos protagonistas

La relación entre Jason y Lucia será uno de los grandes ejes de GTA 6. Ambos aparecen realizando atracos, conduciendo juntos, descansando en casa o conversando durante sus desplazamientos. Entre las pequeñas interacciones mostradas aparece incluso la posibilidad de cogerse de la mano. Además, determinadas decisiones podrán alterar el estado de su relación y modificar el tono de algunas situaciones.

También regresa una de las características más reconocibles de GTA V: el cambio entre protagonistas. Esta vez, sin embargo, estará mucho más integrado en las misiones. El vídeo muestra cómo el jugador puede alternar entre Jason y Lucia durante persecuciones y tiroteos e incluso cambiar de personaje mientras Lucia desciende en paracaídas desde un rascacielos.

Los delitos también tendrán más detallismo. Robar un coche ya no será solo acercarse y entrar directamente: el jugador podrá romper una ventanilla o utilizar determinadas herramientas, y el tráiler muestra un pequeño minijuego para acceder a un vehículo sin activar su alarma. Los atracos, por su parte, permitirán cubrirse el rostro y adoptar diferentes medidas para dificultar la identificación.

La policía será otro de los sistemas renovados. El gameplay apunta a que las autoridades podrán reconocer el vehículo utilizado, la ropa, el rostro y las personas que acompañan al protagonista. Perder momentáneamente a las patrullas tampoco supondrá haber escapado definitivamente y será posible cambiar de coche o apariencia para dificultar la búsqueda. Además, regresan las seis estrellas de nivel de búsqueda.

Muchas actividades secundarias por hacer

Rockstar también ha aprovechado los 27 minutos para mostrar la enorme variedad de Leonida, el estado ficticio inspirado en Florida donde transcurre la historia. Además de las calles y playas de Vice City, aparecen pantanos, autopistas, zonas residenciales, rascacielos, discotecas y espacios industriales, con numerosos peatones y personajes capaces de reaccionar a las acciones de los protagonistas.

Las redes sociales tendrán también una presencia destacada. Jason y Lucia pueden consultar vídeos y publicaciones desde el teléfono, incluso mientras el otro conduce. En una escena, un personaje cae de un puente mientras se graba con el móvil, mientras que en otra un hombre encerrado en el maletero de un vehículo retransmite lo que va pasando.

La lista de actividades secundarias mostradas es especialmente extensa. GTA 6 permitirá practicar baloncesto, billar, boxeo, lucha, motocross, buceo, natación, kayak, carreras callejeras e incluso paracaidismo, además de utilizar motos acuáticas o acudir a gimnasios, fiestas y discotecas. El hecho de poder practicar ejercicios físicos recuerda al sistema de GTA: San Andreas, aunque Rockstar todavía no ha confirmado si el cuerpo de los protagonistas cambiará dependiendo de sus hábitos.

En el tráiler también se destacan la densidad de personajes, los reflejos, las animaciones faciales y las transiciones entre escenas y partes jugables. Todavía quedan incógnitas sobre el mapa completo, GTA Online o algunos de sus sistemas, pero la cuenta atrás ya tiene una fecha marcada: GTA 6 llegará el 19 de noviembre de 2026 a PlayStation 5 y Xbox Series X|S. Y por ahora, no se ha anunciado una versión para PC.

Aunque la mitad de las personas que juegan a videojuegos son mujeres, solo una minoría se dedican a crearlos. En concreto, ellas apenas representan el 25% de toda la fuerza laboral de esta industria a nivel mundial, según datos recopilados por la organización Women in Games en un informe publicado el año pasado.

Si los estereotipos de género y la falta de referentes femeninos siguen siendo un problema en la actualidad, imaginemos cómo sería el panorama al que tuvo que hacer frente Carol Shaw a finales de los años 70. Considerada como la primera mujer diseñadora de videojuegos profesional, esta ingeniera estadounidense es reconocida por haber creado el legendario River Raid.

Para conocer su historia, debemos remontarnos a 1955, año en el que nació. Hija de un ingeniero mecánico y de una bibliotecaria, Carol se interesó por la informática siendo muy joven. “En la secundaria y el bachillerato, se me daban bien las matemáticas. Participé en muchos concursos de matemáticas y gané premios. Claro, la gente decía: ‘Vaya, se te dan bien las matemáticas... para ser una chica’. Eso era un poco molesto. ¿Por qué no iban a ser buenas las chicas en matemáticas?”, recordó la ingeniera en una entrevista concedida en 2011.

En esa época de instituto descubrió que podía utilizar el ordenador para jugar, así que cuando llegó el momento de ir a la Universidad no dudó. Se licenció en Ingeniería Eléctrica y Ciencias de la Computación en la Universidad de Berkeley y, antes de terminar el Máster en Ciencias de la Computación, la empresa Atari ya la había contratado.

Un contrato que llegó a sus manos a pesar de no tener experiencia en la industria. “Nunca había escrito un videojuego, pero Atari me contrató porque sabía de programación”, compartió. Su primer trabajo, y el que le dio el título de primera desarrolladora de videojuegos, fue Polo (1978), un juego de caballos que formaba parte de una acción de marketing que acompañaría el lanzamiento de la fragancia de Ralph Lauren.

Su gran videojuego de disparos

Tras dos años en Atari, en 1980 abandonó la empresa para trabajar en Tandem, donde dejó a un lado los videojuegos para dedicarse a trabajar en un procesador y seguir desarrollando sus conocimientos en programación. Aquello le duró poco, pues a principios de 1982, Shaw fichó por Activision, una compañía entonces nueva en la que creó el que fue el mayor éxito de toda su carrera: River Raid.

En este juego de acción de desplazamiento vertical, el jugador controlaba un avión de combate que debía atacar territorio enemigo siguiendo un río conocido como Río sin Retorno. El piloto debía evitar chocar con las orillas del río y con los enemigos, destruir aviones, helicópteros y todo tipo de vehículos, y no olvidarse de repostar para evitar quedarse sin combustible.

River Raid fue muy innovador para su época, llegando a convertirse en uno de los juegos más vendidos de 1983 y el segundo videojuego más vendido para la consola Atari 2600 de ese año, después de Ms. Pac-Man. Después de aquel gran éxito, Carol Shaw siguió diseñando videojuegos, pero en 1990, con solo 35 años, decidió jubilarse anticipadamente. A partir de entonces, se dedicó a colaborar como voluntaria en distintas organizaciones sin ánimo de lucro.

Cuando una amenaza aparece y parece imposible de detener, muchas historias regresan al mismo punto: alguien tiene que levantarse y acudir al rescate. Link encarna esa idea una y otra vez, porque su papel consiste en enfrentarse al peligro cuando otros ya no pueden hacerlo. Esa repetición ha ayudado a que varias generaciones identifiquen al personaje con la aventura, el valor y la superación de obstáculos.

También explica por qué la serie ha mantenido su prestigio durante décadas, ya que cada nueva entrega recupera ese impulso de partir hacia lo desconocido para ayudar a otros. Esa forma de entender la aventura ha dejado una larga huella en la creación de mundos imaginarios.

Shigeru Miyamoto llevó sus recuerdos de infancia al reino de Hyrule

La historia de The Legend of Zelda comenzó en 1986 con el lanzamiento del juego original de Nintendo. Diseñado por Shigeru Miyamoto y Takashi Tezuka, el proyecto se apartó de muchas normas habituales de la época al proponer una aventura en la que los jugadores podían recorrer un amplio territorio sin seguir un camino completamente fijado. Aquel planteamiento convirtió rápidamente al título en un éxito y abrió la puerta a una de las franquicias más duraderas del sector.

Gran parte de la personalidad de la saga nació de experiencias infantiles de Miyamoto. El diseñador japonés quería trasladar a un videojuego la sensación que recordaba de sus exploraciones por bosques, cuevas y caminos rurales cercanos a su hogar. Su intención consistía en reproducir la curiosidad que surge al descubrir algo oculto tras una colina o al adentrarse en un lugar desconocido.

Mientras tanto, Tezuka aportó una historia inspirada por la literatura fantástica, lo que ayudó a construir el reino imaginario que acabaría dando forma a Hyrule.

El primer juego cambió la forma de explorar y guardar la partida

Aquella visión creativa estuvo acompañada por avances técnicos importantes. El juego original ofrecía una perspectiva aérea poco habitual y permitía guardar la partida para continuar la aventura más adelante. Esa posibilidad resultó fundamental para una experiencia que no se resolvía en una sola sesión.

Además de explorar, los jugadores debían combatir, resolver rompecabezas, buscar objetos y completar misiones repartidas por distintos escenarios. El resultado fue una propuesta mucho más amplia que la mayoría de títulos de acción disponibles en aquellos años.

La trama también estableció elementos que acabarían definiendo la identidad de la serie. Link aparece como un joven héroe encargado de rescatar a la princesa Zelda y detener a Ganon, un enemigo que busca hacerse con el poder de la Trifuerza. Ese artefacto legendario está dividido en tres partes asociadas al poder, la sabiduría y el valor.

En el primer juego, Zelda dispersa fragmentos de la Trifuerza de la Sabiduría por varias mazmorras para impedir que caigan en manos de Ganon. A partir de ahí, Link debe reunirlos, derrotar al villano y liberar a la princesa. Con distintas variantes, esa estructura narrativa reapareció en numerosas entregas posteriores.

Nintendo amplió la franquicia con nuevas entregas y distintos estilos

El éxito inicial impulsó una larga lista de secuelas. Zelda II: The Adventure of Link introdujo una estructura muy diferente, con un desarrollo lateral y una mayor presencia de elementos de rol. Sin embargo, Nintendo regresó después a las bases del título original con The Legend of Zelda: A Link to the Past, publicado en 1991 para Super Nintendo. Ese juego recibió elogios por equilibrar exploración, combate y narrativa, además de introducir la existencia de dos mundos paralelos, uno de luz y otro oscuro.

Más adelante llegaron títulos como Link's Awakening, Majora's Mask, Wind Waker, Twilight Princess, Skyward Sword, A Link Between Worlds y muchos otros que ampliaron el universo de la franquicia.

La llegada de Nintendo 64 marcó otra transformación importante. Ocarina of Time trasladó la aventura a entornos tridimensionales y estableció nuevas referencias para el diseño de videojuegos de acción. El sistema de selección de objetivos durante el combate y la incorporación de elementos como la equitación ayudaron a definir estándares que después adoptaron numerosos títulos.

Años más tarde, Breath of the Wild volvió a cambiar las reglas al apostar por una exploración todavía más abierta, con una enorme libertad para recorrer el mundo y afrontar desafíos en distintos órdenes. Tears of the Kingdom continuó esa línea al incorporar herramientas que permitían construir soluciones propias para muchos problemas del juego.

Mientras la serie evolucionaba, también fue desarrollando una cronología cada vez más amplia. Varias entregas comparten personajes, descendientes o acontecimientos relacionados, aunque Nintendo ha dado prioridad a la jugabilidad por encima de una secuencia estrictamente lineal. Esa flexibilidad permitió que cada nueva aventura presentara escenarios, mecánicas y estilos distintos sin perder la identidad que caracteriza a la franquicia.

The Legend of Zelda se convirtió en una de las sagas más influyentes

La dimensión alcanzada por The Legend of Zelda queda reflejada en sus cifras y en su presencia cultural. La serie ha vendido más de 150 millones de copias en todo el mundo y ha dado lugar a adaptaciones en formatos tan distintos como cómics, juegos de mesa o series de animación, además de tener una película en camino.

Sin embargo, su importancia no depende únicamente de esos números. La franquicia ayudó a ampliar las posibilidades narrativas de los videojuegos, impulsó nuevas formas de exploración y demostró que una aventura podía desarrollarse durante decenas de horas sin perder el interés. Esa búsqueda permanente de nuevas ideas explica que, décadas después de su nacimiento, Link siga emprendiendo el mismo viaje y que millones de personas continúen acompañándolo.

Empezar siendo un fontanero y acabar convertido en el héroe de una aventura fue una de las ideas que hicieron diferente a Super Mario. Al menos en su forma más primigenia, todo gira alrededor de seguir avanzando hacia la derecha, superar lo que aparece en el camino y descubrir qué espera un poco más adelante. Cada salto sirve para esquivar un peligro, alcanzar una plataforma o encontrar un objeto que ayuda a continuar.

Con muy pocas reglas, el juego consigue que el recorrido tenga sentido desde el primer momento y que avanzar se convierta en el objetivo natural. Esa manera de plantear el viaje acabó influyendo en la forma de crear muchos videojuegos.

Nintendo creó un juego que se enseñaba por sí solo

El desarrollo de Super Mario Bros., según explica Nintendo y recogen medios como Eurogamer, buscó crear una experiencia que se enseñara sola. Shigeru Miyamoto, diseñador de videojuegos, y Takashi Tezuka, colaborador en el proyecto, dirigieron un equipo pequeño que transformó limitaciones técnicas en decisiones creativas. El resultado fue un juego donde cada elemento tiene una función precisa y donde el jugador entiende las reglas sin necesidad de texto.

El hardware de la época imponía un espacio muy reducido y una capacidad gráfica limitada, lo que obligó a trabajar con piezas reutilizables. Los escenarios se construyeron mediante bloques que se repetían con variaciones, lo que permitía generar entornos distintos sin gastar memoria extra.

Esa restricción llevó a priorizar controles simples, centrados en correr y saltar, con una física coherente que se mantiene igual en todo momento. Esa consistencia facilita que el jugador anticipe lo que va a pasar y actúe con seguridad.

World 1-1 enseñó las reglas sin dar explicaciones

El proceso de creación no se resolvía de una sola vez, sino que avanzaba paso a paso. Los niveles se dibujaban primero en papel y después se llevaban al código, lo que permitía ajustar cada detalle. El equipo probaba una y otra vez cada tramo, observando cómo reaccionaban los jugadores y modificando lo necesario. Esa dinámica de prueba y corrección fue afinando el ritmo del movimiento, la dificultad y la colocación de cada obstáculo.

En ese trabajo, el primer nivel adquirió una función especial. World 1-1 se diseñó como un tutorial que enseña sin explicar. El propio Miyamoto detalla en Eurogamer cómo el primer enemigo que aparece obliga al jugador a reaccionar y a entender que saltar es la mejor opción para progresar: “Si aparece un enemigo sospechoso, el jugador tendrá que saltar por encima”. Ese aprendizaje se produce en segundos y se queda para el resto de la partida.

Esa misma pantalla introduce también la relación entre riesgo y recompensa. El jugador descubre que los bloques pueden esconder objetos y que algunos cambian la forma de jugar. Miyamoto describe ese momento de descubrimiento como un incentivo para seguir explorando: “Si ven una moneda, les hará felices y querrán intentarlo otra vez”. Esa reacción convierte la curiosidad en una herramienta de progreso.

La lógica del aprendizaje se apoya en la repetición con variaciones. Elementos como enemigos, tuberías o bloques aparecen varias veces para que el jugador entienda su función, y luego se presentan en contextos distintos que obligan a adaptar lo aprendido. Esa estrategia activa la percepción de patrones y refuerza la sensación de control. El propio Miyamoto resume ese proceso al afirmar que el equipo simulaba continuamente lo que haría el jugador para ajustar cada detalle.

El sonido completa esa experiencia y la refuerza en cada acción. Koji Kondo, compositor integrado en el equipo, ajustó la música al ritmo del movimiento para que saltos y carreras encajaran con la melodía. Los efectos también cumplen una función clara, ya que indican cuándo se obtiene un objeto o cuándo se elimina un enemigo. Esa respuesta inmediata convierte el sonido en una guía que acompaña al jugador sin interrumpir la acción.

El diseño de Mario superó las limitaciones de su época

El propio personaje refleja ese equilibrio entre claridad y necesidad técnica. Mario fue creado por Miyamoto como una figura fácil de reconocer dentro de las limitaciones gráficas. Su gorra evita dibujar el cabello en movimiento, y su bigote permite distinguir el rostro con pocos píxeles.

El diseño, pensado para que se entienda rápido, terminó definiendo una identidad que ha logrado mantenerse con el tiempo pese a los avances tecnológicos, que han ayudado a que ese fontanero y todo su universo se vean ya muy realistas tanto en los nuevos videojuegos como en las dos películas que se han estrenado.

El impacto de ese trabajo se percibe en la forma en que otros juegos han intentado replicar su estructura. IGN destaca que muchos títulos han tratado de mejorar esa fórmula sin lograr sustituirla. La manera en que Super Mario Bros. convierte un conjunto reducido de acciones en una experiencia completa sigue siendo un punto de referencia para la industria.

Ese avance perpetuo hacia adelante, que empieza con un fontanero y termina con un héroe en movimiento, mantiene su fuerza porque cada paso tiene sentido dentro de un recorrido que nunca deja de empujar.

El actor británico Henry Cavill estaría inmerso en la adaptación en formato de serie animada de una franquicia de ciencia ficción, en la que también participa en su versión real, junto a Amazon MGM Studios para la plataforma Prime Video, según informa Variety.

En este sentido, se trata de una serie de animación de ‘Warhammer 40k’, en la que Henry Cavill sería una de las personas en cabeza, y que formaría parte de la antología animada ‘Secret Level’, siendo una especie de ‘spin-off’ del episodio que ya apareció en ella.

No son muchos detalles los que se conocen en este momento al respecto de este proyecto, aunque una de las cosas que ha trascendido es su trama, que se trataría de una historia expandida enfocada en Vigías de la Muerte, conocidos como ‘Deathwatch’ y que son el cuerpo de Marines Espaciales más letal.

Henry Cavill también protagonizará la película relacionada

Este proyecto tiene lugar en paralelo a otro en el que también está involucrado Henry Cavill, pues será el protagonista de la película de ‘live-action’ que se prepara sobre este universo, siendo también productor ejecutivo. Este lleva más tiempo en desarrollo y no se conoce mucho sobre él.

En el caso de la serie animada sí se sabe, por ejemplo, algunas de las personas detrás, como es el caso de Tim Miller, fundador de Blur Studio y responsable de la antología ‘Secret Level’, y que será productor junto a Cavill. Dave Wilson será el creador y director junto al guionista John Orloff, que participó en la escritura de la aclamada ‘Band of Brothers’ de HBO.

Cabe tener en cuenta que Dave Wilson ya dirigió el episodio de ‘Secret Level’ que se hizo sobre ‘Warhammer 40k’, por lo que ya conoce la franquicia y cómo es llevarla a la pantalla. Y es que participó ya en la mencionada antología, lanzada a finales de 2024 en la plataforma Prime Video.

Fue concretamente en el quinto capítulo, que fue a su vez uno de los mejor recibidos por el público, y que ya tuvo animación a cargo del mismo estudio, Blur Studio, que va a participar en la serie. Un proyecto en el que tampoco extraña la participación de Henry Cavill, que ha mencionado en varias ocasiones ser fan del juego y que ya tuvo interés de llevarlo al cine y a la pequeña pantalla.

Los orígenes de ‘Warhammer 40k’

La franquicia de ciencia ficción ‘Warhammer’ nació como un juego de mesa de guerra a finales de la década de 1980, con figuras en miniatura que los jugadores se encargaban de armar y pintar, siendo un formato que todavía sigue vigente y que tiene todavía una amplia base de fans. Pero a su vez, luego dio el salto a la industria de los videojuegos, con varias adaptaciones, entre ellas la saga dentro del universo, ‘Space Marine’

Actualmente, si hablamos de sagas exitosas y longevas dentro de la industria de los videojuegos, la franquicia Pokemón es una de ellas, capaces, además de generar todo un conjunto de productos derivados, tanto de merchandising como de una propia serie de televisión, que no hizo más que aumentar su fama.

Sin embargo, lo que pocos conocen es que, en 1999, pocos años después de su lanzamiento en Japón, la saga afrontaba un posible final después de un inicio discreto en el mercado, pero lo que se planeó como los últimos videojuegos de Pokemón acabarían siendo su mayor éxito y marcarían a toda una generación.

De final a principio de un éxito generacional: Pokemón Oro y Plata

Los que fueron niños a finales de los 90 y principios de los 2000 son conscientes de lo que significó la salida de los videojuegos Pokemón Oro y Plata, que superaron todas las expectativas y serían el inicio de toda una serie de videojuegos de fama, especialmente en las consolas Nintendo portátiles, primero con Game Boy y luego con sus sucesoras. Estos dos videojuegos, sin embargo, fueron planteados como el final de la saga por parte de sus creadores, Game Freak, después de que sus antecesores tuvieran “una recepción tan discreta y normalita que era imposible imaginarse la enorme fama que llegaría a cobrar la serie”.

Y es que los primeros videojuegos de Pokemón, Pokémon Rojo y Verde en Japón, estaban previstos para ser lanzados en octubre de 1995 para aprovechar la temporada de Navidad, pero no pudieron llegar a tiempo en su desarrollo y no se pudieron poner a la venta hasta febrero de 1996, que según sus creadores es “el peor momento del año para llegar a las tiendas”. A pesar de que su recepción fue discreta, gracias al boca a boca fue ganando en ventas y colocarse en el top 10, tanto que fue cuando se planteó la serie de televisión protagonizada por Ash y Pikachu.

Esta supondría un problema más adelante porque su éxito también implicó que los planes de sus creadores sufrieran cambios. Y es que Tsunekazu Ishihara, presidente de The Pokémon Company, y Shingeki Morimoto, de Game Freak, revelaron en su día en una entrevista que plantearon poner fin a los videojuegos de Pokemón antes de llegar al siglo XXI con lo que sería los juegos Oro y plata, para “dedicarse a algo diferente.

Fue entonces cuando el ‘boom’ de ventas de esta serie de videojuegos en noviembre de 1999 en Japón los pilló por sorpresa, un hecho que además coincidió con el aterrizaje en Occidente con “Pokémon: Azul”, “Pokémon: Rojo” y “Pokémon: Amarillo”. Los nuevos se vendían más rápido ya en sus primeras semanas, y viendo todo lo generado, se descartó que fuera el final de la saga en cuanto a videojuegos. Tras ello, la serie de televisión siguió adelante, se estrenaron películas y se fueron generando nuevos videojuegos para consolas, pero también llegaría la locura con ‘Pokemón Go’ en smartphones hace diez años, en 2016.

El curioso origen de la franquicia Pokemón

La idea de Pokemón nació en 1989 como idea de Satoshi Tajiri, aunque no se comenzaría a desarrollar hasta 1990 y tardaría seis años, porque Game Freak, la empresa del anteriormente mencionado solo disponía entonces de cuatro programadores y tenía problemas para conseguir su lanzamiento, hasta que pudo llegar a un acuerdo con Nintendo.

Tajiri tomó la idea de Pokemón de la que fue su mayor pasión de pequeño, la de recorrer bosques en su ciudad natal Machida, en Tokio, y coleccionar insectos. Después de fundar junto al ilustrador Ken Sujimori la empresa Game Freak, que primero fue una revista, luego desarrollarían videojuegos y fue así como le llevó a crear una serie basada en su pasatiempo de niño. Los primeros bocetos tuvieron el título de ‘Capsule Monsters’ debido a la dinámica de atraparlos en una cápsula, la ‘pokebola’.

Assassin’s Creed Black Flag Resynced llegó a ordenadores y consolas el 9 julio convirtiéndose de forma instantánea en una de las entregas más queridas de la franquicia. Tal y como anunció Ubisoft en redes sociales, el título superó los dos millones de copias vendidas el día de su lanzamiento, estableciendo además un nuevo récord de jugadores concurrentes en Steam. Ha sido todo un éxito. Sin embargo, en Ubisoft Barcelona no están de celebración.

A pesar de que buena parte del título se ha desarrollado en el estudio catalán, los artistas, los programadores, los diseñadores y el resto de profesionales que han hecho posible Black Flag fueron informados el pasado día 10 de junio de un recorte en la plantilla que iba a afectar al 28% de los empleados. 51 trabajadores entre los que se encuentran absolutamente todos los que forman parte de la división de Assassin’s Creed.

“El anuncio del ERE sucedió apenas unos días después de que termináramos de trabajar en el proyecto y obviamente no sentó nada bien en la plantilla”, comenta Carlos, el presidente del comité de empresa, a elDiario.es. Su compañero Manel, tech animator que lleva más de tres años en Ubisoft, amplía sus impresiones: “La noticia del ERE no fue exactamente una sorpresa dado el estado en el que se encuentra la empresa y la propia industria, pero nos han dolido las formas, el timing. Una semana después de terminar el proyecto, se considera que somos prescindibles. El lanzamiento ha quedado manchado por esta noticia. Nos quedamos con la sensación de que merecíamos más”.

Inmersos en la última semana de negociación en contra de este ERE, el recién formado comité de empresa (que terminó de tomar forma el pasado mes de abril) ha convocado una huelga entre el martes 14 y el jueves 16 de julio, que han iniciado a partir de una concentración a las puertas del estudio en Torre Diagonal 00. “El equipo humano detrás de Assassin’s Creed Black Flag Resynced falleció corporativamente justo antes del lanzamiento, despedidos por la avaricia de la directiva en el momento de mayor éxito”, se lee en el manifiesto entregado a los asistentes. A las nueve de la mañana, una treintena de trabajadores se agolpaban tras una pancarta en la que podían leerse, en inglés, las palabras “Avaricia Corporativa” en la conocida tipografía de la franquicia Assassin’s Creed.

Al ser preguntada por el último objetivo de las negociaciones que están llevando a cabo, Lidia, secretaria del comité de empresa, especifica que lo ideal sería “salvar a las 51 familias afectadas”, aunque coincide en que no parece una expectativa muy realista: “Seguimos sin entender los datos exactos que han llevado a esta decisión (…), pero buscamos, sobre todo, que afecte a las menos personas posibles. Estamos en el mes de julio y es difícil encontrar trabajo en el sector en este momento, tanto en Barcelona como internacionalmente”.

Otro trabajador del equipo afectado por el ERE afirma que las negociaciones están siendo “muy intensas” porque desde el comité tienen tres propósitos en mente: recolocar a la mayor cantidad de personas en otros proyectos, sumar más días de compensación y la garantía de que no se va a aplicar otro ERE cuando pase el periodo legal de 90 días. “No queremos que usen las mismas excusas contra el equipo del juego Rainbow Six. Sabemos que trabajan muy bien, que son rentables”, dice.

Según detallan varios miembros del comité y trabajadores que están siguiendo de cerca las negociaciones, la directiva de Ubisoft Barcelona parece receptiva al diálogo, a pesar de que han retrasado las conversaciones en referencia a “lo que afecta de verdad a los trabajadores”. “Llegamos a esta última semana con muy poco margen. Hemos tardado mucho en llegar a las compensaciones económicas y las desafectaciones”, explica Lidia de nuevo. Uno de sus compañeros de comité le da la razón. “Hasta ahora hemos hablado mucho de las causas. Esta va a ser la semana de negociación más complicada”, señala.

Asimismo, desde el estudio aseguran que son conscientes de la convocatoria de huelga y que respetan el derecho de los trabajadores a expresar sus opiniones: “La propuesta de reestructuración de Ubisoft Barcelona sigue estando sujeta al periodo de consultas actualmente en curso, y todavía no se ha tomado ninguna decisión definitiva. Seguimos comprometidos con un diálogo constructivo con los representantes de los empleados y a apoyar a los empleados durante todo este proceso”.

Estableciendo precedentes

Esta no es la primera huelga convocada por el equipo de Ubisoft Barcelona. El 13 de febrero de 2025, estos mismos trabajadores sentaban un histórico precedente en la industria del videojuego español convocando la primera jornada de paro en el sector; un movimiento que respondía tanto al despido de más de 500 profesionales en los diferentes estudios que Ubisoft tiene en todo el mundo como a lo que definían como una “escalada de abusos” por parte de la directiva que se había tornado “intolerable”.

Dentro de Ubisoft Barcelona, tanto el 2025 como esta primera mitad del 2026 se han caracterizado por los enfrentamientos, las negociaciones y los sucesivos arbitrajes entre la directiva y los trabajadores a causa de las medidas impuestas para acabar con el teletrabajo. Lo que durante la pandemia fue un sistema esencial para funcionar con relativa normalidad, se ha convertido en el pilar esencial para la vida y la conciliación de muchos empleados. Ubisoft ha ido recortando progresivamente el tiempo de trabajo desde el hogar hasta anunciar, con un margen muy estrecho, que había decidido eliminar la posibilidad de trabajar fuera de las oficinas y en horarios flexibles.

Una empleada, que prefiere mantener el anonimato al no estar afectada por el ERE actual, explica que a pesar de no ver peligrar su puesto considera que su situación es dramática. Las condiciones de trabajo han cambiado radicalmente desde que se incorporó a la compañía y la directiva ha ido ignorando todas y cada una de las garantías que le presentaron en su día como soluciones definitivas. “Muchos empleados no han sido despedidos estos meses, sino que han abandonado su puesto de forma voluntaria a causa de estos cambios”, apunta.

Otro de los trabajadores no afectados por el ERE que ha decidido sumarse a la huelga cuenta a este periódico que “lo normal en Ubisoft era que, cuando acababas un proyecto, te mantenían en plantilla hasta que te asignaran otro”.“ Es una cosa que siempre hemos valorado mucho. Una de las mayores virtudes de la empresa es que quería mantener el talento. Por eso hay compañeros que llevan 20 años en la empresa”, detalla. Para este empleado, ver así a sus compañeros ha generado internamente “rabia e impotencia”, pero también temor respecto al futuro. De ser un estudio multiproyecto, Ubisoft Barcelona se ha convertido en un equipo dedicado exclusivamente al juego Rainbow Six y, por tanto, un estudio más débil que “ha decidido poner todos los huevos en la misma cesta”.

Estratégicamente, todas estas decisiones forman parte del plan de tres años anunciado el pasado febrero por Yves Guillemot, CEO de la multinacional que pretende recortar 200 millones de dólares en costes. Además de múltiples cancelaciones de juegos, los estudios internacionales de Ubisoft han afrontado en el último año y medio tanto cierres definitivos como miles de despidos. Entre los últimos, y más allá de este ERE que pretende aplicarse en el estudio de Barcelona, los estudios de Winnipeg (Canadá) y Belgrado han echado el cierre definitivamente, dejando en la calle a más de 165 personas. En San Francisco, los despidos se cuentan por docenas, aunque no se haya difundido ninguna cifra exacta.

Un game over transversal en toda la industria

Los despidos masivos, las cancelaciones y los cierres de estudios importantes se han convertido en una constante en los últimos años dentro de la industria del videojuego. Es fácil ver esto como una especie de resaca tras el crecimiento desmesurado que muchas compañías apuntaron durante la pandemia, pero lo cierto es que los motivos por los que el desarrollo de videojuegos parece enfrentar una crisis sin precedente son complejos, aunque no totalmente exclusivos. Muchos de los problemas en la industria del videojuego son comunes a los que sufren otras industrias culturales.

A raíz del crecimiento multimillonario experimentado durante la pandemia, justo cuando muchos sectores no podían, sino declararse en crisis, el videojuego se abrió a la entrada de inversores procedentes de otras industrias, como la tecnológica, que apostaron por el futuro inmediato de varios estudios y proyectos. Esto llevó al anuncio de juegos marcados por un corte extremadamente ambicioso, con presupuestos muy altos y dirigidos al público más amplio posible.

Pero los videojuegos tienen un proceso de desarrollo largo que no casa bien con este tipo de inversiones a corto plazo. Mientras que un blockbuster puede iniciar su producción y llegar a las salas en algo más de un año, los videojuegos de alto presupuesto tardan de media unos cinco en finalizar su desarrollo. Esto, unido a una fiebre de adquisiciones y formación de grandes conglomerados aún más salvaje que la que ha visto la industria del cine, sumado a la escasez de microcomponentes esenciales y la marcha de muchos grupos de inversión a otros sectores como el de la IA, ha hecho que la industria del videojuego enfrente una crisis mundial que se está cebando con los trabajadores.

Un sector “antes desclasado” se organiza

Solo en este mes de julio, Microsoft ha anunciado despidos masivos en la división de Xbox y cierres totales de algunos de sus estudios. Se trata de un cambio de estrategia que ya ha dejado sin trabajo a más de 1600 personas y que terminará por cobrarse el sustento de 4.800 trabajadores de aquí a final de año. Estos despidos tienen previsto afectar a empleados en los estudios catalanes de Blizzard, Activision y King, entre otros. También a proyectos que contaban con financiación de la multinacional.

IO Interactive confirmó hace apenas una semana que, aunque pretende seguir adelante con el juego que está desarrollando, ha decidido cerrar su estudio en Estambul y despedir a varios empleados en Suecia y Barcelona. El número de afectados aún no se ha hecho público, pero fuentes internas aseguran que se mantiene por debajo de lo que se considera legalmente un ERE.

En España, esta crisis ha propiciado la formación de CSVI, la coordinadora sindical del videojuego, que está viendo cómo un sector “antes desclasado” está empezando poco a poco a organizarse. Como cuenta uno de sus representantes, las convocatorias de huelga y manifestaciones que se han vivido son el reflejo de un “trabajo prolongado en el tiempo”. “El sindicato no solo se activa en momentos concretos, como el anuncio de un ERE, sino que está activo en el día a día de la plantilla para hacer frente a todos los ataques que sufrimos, y también para dar avances en nuestras condiciones materiales y de trabajo”, alega. Precisamente por esto son tantos los trabajadores que están dando el paso. Si la industria del videojuego está obligada a una vez más a transformarse, ahora son los propios trabajadores los que quieren impulsar los cambios.

Minecraftéate nació hace 11 años casi por casualidad, cuando su creador, el diseñador gráfico burgalés Gabriel García, propuso a un amigo suyo recrear monumentos de su ciudad natal en el popular videojuego Minecraft. Lo que comenzó como un pasatiempo entre amigos para explorar la arquitectura, ha evolucionado hasta convertirse en un proyecto con una clara misión divulgativa que busca difundir la historia de la arquitectura española. Su trabajo más reciente en YouTube se centra en la capital guipuzcoana, Donostia, una ciudad con la que García mantiene un vínculo emocional.

Con raíces familiares en la ciudad y habiéndola visitado cada año desde su infancia, García confiesa haber estado siempre “enamorado” de su arquitectura. Las réplicas de Donostia comenzaron a gestarse en 2015, incluyendo edificios emblemáticos como el kotel María Cristina y la catedral del Buen Pastor. La complejidad de cada construcción dicta los tiempos de ejecución: mientras que el caserío Zabalaga (Chillida Leku, en Hernani) le llevó una semana y el palacio de Miramar 15 días, el Ayuntamiento requirió tres meses de trabajo y la catedral ascendió a los seis meses.

El proceso creativo de García comienza con una fase exhaustiva de documentación, en la que emplea planos, modelos 3D públicos y, de forma muy personal, fotografías que él mismo toma en sus visitas anuales a Donostia para captar múltiples perspectivas.

El mayor reto técnico es la ausencia de curvas en el juego: “No podemos hacer curvas porque trabajamos con cubos”, explica. Es motivo por el cual decidió realizar las réplicas a gran escala para lograr un efecto visual detallado y realista. Para asegurar la proporción, inicia la construcción por las partes más complejas, como las torres del Ayuntamiento, que sirven como guía para el tamaño del resto del monumento.

Originalmente, los resultados se compartían en un blog y redes sociales de forma puramente visual, con música de fondo pero sin contexto histórico. Sin embargo, la entrada de su compañera Nora Pulido en 2021 marcó un punto de inflexión.

Gracias al interés de Pulido por la historia y la narración, el proyecto adquirió su actual faceta pedagógica mediante vídeos narrados que profundizan en el pasado de los edificios. Con más de una década de trayectoria, Minecraftéate atesora ya un catálogo diverso de réplicas que abarcan desde la catedral de Burgos hasta la torre de Hércules en A Coruña, la iglesia de Javierrelatre en Huesca o la iglesia de San Nicolás en Bilbao.

Sony dejará de producir videojuegos de PlayStation en formato físico a partir de 2028. Sus famosos discos, que acompañan a la firma desde la PlayStation 1 de 1994, pasarán a mejor vida y con ellos, las cajas que han servido de trofeo para millones de jugadores durante tres décadas. La empresa japonesa asegura que solo sigue “las preferencias de los consumidores y la industria” y, de hecho, podría ser emulada próximamente por la otra gran plataforma, Xbox. No obstante, la decisión pone fin a una era en los videojuegos y ha generado protestas tanto entre jugadores como entre las tiendas que los venden.

“A medida que las preferencias de los consumidores y la industria del entretenimiento en general se alejan cada vez más de los discos físicos en favor de lo digital, la producción de discos físicos para todos los nuevos juegos que se lancen en las consolas PlayStation se interrumpirá a partir de enero de 2028”, ha comunicado Sony. “Después de esta fecha, los nuevos juegos estarán disponibles en PlayStation Store y en tiendas físicas únicamente en formato digital”, añade.

La firma japonesa afirma que la “transición no afecta a los juegos que ya se lanzaron o se lanzarán antes de enero de 2028 en formato físico”, pero sí aparecerá antes de esa fecha en sus principales buques insignias. El esperado GTA VI, que lleva 8 años en desarrollo y cuyo lanzamiento está previsto para el próximo 19 de noviembre, no tendrá una versión física. La caja, que sí se venderá en tiendas, solo incluirá un código de descarga para el formato digital.

“Esta es una evolución natural para Sony Interactive Entertainment, que busca adaptarse a las tendencias de consumo, ya que la preferencia general por los medios digitales supera con creces la de los discos físicos. Esta transición nos permitirá alinearnos mejor con la forma en que la mayoría de nuestra comunidad prefiere acceder a los videojuegos y jugarlos hoy en día”, añade Sony.

Aproximadamente el 85% de las ventas de videojuegos durante el último trimestre de Sony fueron digitales, según las cuentas del ejercicio que finalizó el 31 de marzo. Y si bien la empresa lo enfoca como una decisión meramente comercial, lo cierto es que la medida parece querer aliviar la presión sobre las acciones de la compañía, que habían caído un 20% desde que comenzó 2026.

Problemas en la mayor industria cultural

La industria de los videojuegos se ha convertido en la mayor industria cultural del planeta. Según los datos de la consultora IDC, su facturación se acerca ya a los 175.000 millones de euros al año, más que el cine y la música juntas. Sin embargo, sus dos gigantes, Sony y Xbox, atraviesan problemas económicos.

Sony arrastra el fracaso de la compra del estudio Bungie, autor de sagas como Halo y Destiny, por unos 3.000 millones de euros. Tras una serie de lanzamientos poco exitosos, las últimas cuentas de la compañía japonesa evidenciaron que el estudio le está suponiendo un agujero de pérdidas millonarias, de unos 480 millones de euros solo en el último trimestre. Una crisis similar atraviesa a su competencia Xbox, que esta semana anunció el despido de 3.400 trabajadores. “Nuestro negocio hoy no está sano. Operamos con márgenes entre tres y diez veces inferiores a los de plataformas y empresas similares”, justificó su consejera delegada.

El fin de los formatos físicos en ambas plataformas (diversas filtraciones apuntan a que las próximas vídeoconsolas de las dos marcas no incluirán ninguna versión con lector de discos) supone un alivio de costes. Los juegos digitales eliminan los costes de producción y distribución de discos, así como la necesidad de dejar margen para que los minoristas añadan su comisión.

En el caso de Sony, el anuncio supuso un respiro para sus acciones de casi un 8%, que ayudó a mitigar la caída arrastrada desde enero. Tras esa subida, su consejero delegado vendió la mitad de los títulos de la compañía que poseía, en una operación que le reportó casi 5 millones de dólares.

Los juegos digitales y la cuestión de la propiedad

La decisión de Sony de abandonar el formato físico ha reavivado el debate sobre la propiedad real de los videojuegos digitales. Aunque los usuarios pagan por ellos de igual forma a como lo hacen por los discos físicos, en la práctica lo que se adquiere es una licencia de uso vinculada a una cuenta y sometida a las condiciones de la plataforma. Esto implica que el acceso al juego depende de que el servicio siga operativo y de que el distribuidor mantenga los derechos necesarios para ofrecerlo.

Es precisamente este argumento el que ha expresado la cadena de tiendas Game para criticar la decisión de Sony. “Cada vez que desaparece una edición física, perdemos la libertad de disfrutar de nuestra afición tal y como queremos: la posibilidad de prestar un juego a un amigo, de revenderlo, de coleccionarlo, de conservarlo o, simplemente, de elegir dónde y cómo lo compramos, sin monopolios”, ha manifestado la empresa en un comunicado.

“Para millones de jugadores no es solo una caja en una estantería: son recuerdos, colecciones, ediciones especiales, historia del videojuego y, sobre todo, derechos como consumidores”, continúa Game: “Nos quieren hacer creer que esto es una evolución natural, pero nosotros creemos que el futuro no debería construirse eliminando opciones, sino ampliándolas. Digital y físico pueden convivir; de hecho, llevan años haciéndolo”.

Esta misma reivindicación se lee en foros y redes sociales de todo el mundo, con miles de aficionados llamando incluso al boicot contra Sony.

Protestas y llamamientos al boicot

Las cuentas oficiales en redes sociales de PlayStation quedaron en completo silencio durante varios días después del anuncio del fin de la producción del formato físico. Este martes retomaron las publicaciones, lo que fue aprovechado por decenas de miles de jugadores para expresar su disconformidad con su decisión.

La primera publicación en X del perfil de PlayStation acumula ya 65.000 respuestas con quejas, memes y críticas por el final de los discos, con miles de jugadores compartiendo imágenes que aseguran que “sin discos, no hay compra”.

La animosidad ha continuado en las siguientes publicaciones de la marca, que ha retomado su actividad de redes normal. “Las compras digitales son licencias, no propiedad. Sony puede revocar el acceso. Esto genera preocupaciones sobre la propiedad a largo plazo, la preservación de juegos, la reventa, el préstamo y la dependencia de servidores/tiendas”, reza la nota de la comunidad que los usuarios han incluido en una de las publicaciones, una herramienta de X mediante la cual se puede añadir contexto a un tuit sin el consentimiento de su autor original.

Las quejas han avivado también el debate sobre la preservación de los videojuegos como patrimonio cultural. A diferencia de un libro o una película en formato físico, un videojuego digital puede dejar de ser accesible cuando desaparecen las tiendas en línea, expiran los acuerdos de licencia o los servidores dejan de funcionar. Museos, investigadores y organizaciones dedicadas a conservar la historia del medio llevan años alertando de que buena parte del catálogo de videojuegos corre el riesgo de perderse simplemente porque las plataformas no tienen ningún incentivo económico para mantenerlos.

Es una preocupación que comparte por ejemplo Fran Cifaldi, fundador de Video Game History Foundation y una de las figuras más reconocidas en este ámbito. Tras el anuncio de Sony, el especialista sostuvo que, mientras la industria no ofrezca una vía legal para garantizar la conservación de los juegos, las copias no autorizadas seguirán siendo la única alternativa para preservar parte de ese legado. “Como director de una institución dedicada a la preservación de videojuegos históricos, y habiendo dedicado toda mi vida adulta a esta causa, puedo afirmar que esto es cierto. Hemos intentado colaborar con la organización gremial del sector para encontrar una vía legal, pero se niegan a ofrecer una alternativa viable”, ha afirmado.

Microsoft ha anunciado la reducción de 4.800 empleos, lo que supone el 2,1% de su plantilla global, impactando sobre todo a la división Xbox, con 1.600 despidos ahora y un plan de reducción para su nuevo ejercicio fiscal de otros 1.600 empleos, lo que eleva el total anunciado a 6.400 puestos de trabajo menos.

El gigante tecnológico estadounidense ha sostenido que estos empleos no se deben a una sustitución de la IA, sino que la aplicación de la IA está provocando cambios en la manera de trabajar, con cada vez mayores tareas automatizadas, lo que están cambiando las necesidades de los clientes y la forma de trabajar.

Xbox ha informado de su nuevo plan de reestructuración que, además de los 3.200 despidos, supone desvincularse de cuatro de sus estudios de videojuegos en un intento por reducir su estructura de costes y relanzar su negocio.

“Nuestro negocio hoy no está sano. Operamos con márgenes entre tres y diez veces inferiores a los de plataformas y empresas similares. Entramos en la Generación 9 con una base de usuarios más pequeña y una estructura de costes más elevada”, ha explicado la consejera delegada de Xbox, Asha Sharma, en una carta a los empleados publicada también en su blog.

Nuestro negocio hoy no está sano. Operamos con márgenes entre tres y diez veces inferiores a los de plataformas y empresas similares. Entramos en la Generación 9 con una base de usuarios más pequeña y una estructura de costes más elevada

Asha Sharma — consejera delegada de Xbox

Entre otras cuestiones, Xbox busca reducir sus niveles jerárquicos a un máximo de cinco, frente a los 14 con los que cuenta actualmente, y así crear un estructura más horizontal. Igualmente, optimizarán la forma de trabajar de sus herramientas, con un código más limpio, servicios compartidos y una reducción del 50% en el gasto en proveedores.

“Estos cambios buscan un futuro más prometedor para Xbox, no uno más modesto. La próxima década de los videojuegos será más ambiciosa, global y creativa que nunca. Este año, invertiremos en Xbox tanto como siempre, pero con mayor enfoque, disciplina y claridad, todo ello con el objetivo de convertir a Xbox en la plataforma donde el mundo juega y crea”, ha señalado Sharma.

Más reducciones en el segmento comercial

Otra de las divisiones afectadas es el segmento de Comercial que, tras el anuncio de hace unos días sobre la creación de una nueva unidad de negocio centrada en impulsar la transformación digital mediante la IA —denominada Microsoft Frontier Company—, verá reducida su plantilla.

La directora de Recursos Humanos de Microsoft, Amy Coleman, ha destacado que están “transformando la forma de trabajar e integrando a los expertos en ingeniería junto a los clientes para ayudarlos a acelerar la implementación de sus tecnologías”.

Microsoft anunció el pasado jueves una inversión de 2.500 millones de dólares (2.185 millones de euros) y la movilización de hasta 6.000 empleados a Microsoft Frontier Company con el objetivo de desarrollar “continuamente” sistemas de IA a gran escala, de tal manera que aspira a convertirse en la división de ingeniería “más grande, capaz y orientada a resultados del sector”.

El salto hacia lo digital ha dejado sin espacio a los discos en el futuro inmediato de PlayStation y ha colocado a las tiendas físicas ante un cambio que afecta a cómo se venden los juegos desde hace décadas. Sony Interactive Entertainment ha confirmado que dejará de producir juegos en formato físico a partir de enero de 2028, una decisión que cambia la forma de acceder a los nuevos lanzamientos.

Los nuevos títulos se venderán mediante descargas y códigos

La compañía ha explicado que el cambio afectará únicamente a los títulos que lleguen después de esa fecha, ya que los juegos ya publicados o previstos antes de 2028 seguirán disponibles en disco, según Sony Interactive Entertainment en su blog oficial. Además, ha indicado que los nuevos títulos se venderán en formato digital tanto en PlayStation Store como en tiendas físicas, donde podrían distribuirse mediante códigos en caja o tarjetas.

El recorrido del disco dentro de PlayStation ayuda a entender el alcance de esta decisión, ya que la consola original de 1994 popularizó este formato hasta convertirlo en la referencia del sector durante años, frente a otras opciones que utilizaban cartuchos. Ese impulso marcó la evolución de la industria y consolidó un modelo que después adoptaron otras compañías, aunque con el paso del tiempo fue perdiendo presencia frente a las descargas digitales.

Esa transformación se ha ido asentando con los años, ya que hace una década la descarga era minoritaria en PlayStation y ahora concentra la mayor parte de las compras, mientras fabricantes como Sony o Microsoft lanzaron versiones de sus consolas sin lector en 2020. En ese contexto, la empresa ha explicado que este paso responde a una preferencia creciente por lo digital y ha señalado que “esta es una dirección natural para adaptarse a las tendencias de los consumidores a medida que la preferencia general por los juegos digitales supera a los discos físicos”.

Rockstar anunció que GTA VI llegará únicamente mediante descarga

El cambio también se ha visto reforzado por decisiones recientes en grandes lanzamientos, como el caso de Rockstar Games, que ha anunciado que Grand Theft Auto VI llegará sin versión en disco y solo podrá adquirirse en formato digital. Esa elección ha servido como señal de que la distribución sin soporte físico ya no se limita a casos aislados y empieza a extenderse entre los títulos más esperados.

Parte de la comunidad ha reaccionado con críticas en foros y redes, donde varios jugadores han señalado que la desaparición del disco elimina la posibilidad de revender juegos o prestarlos entre amigos, además de reducir las opciones de encontrar precios más bajos en tiendas físicas. Algunos usuarios han comentado que valoran cambiar de plataforma ante este escenario, mientras otros consideran que el paso hacia lo digital era previsible por la evolución del mercado. Hay quien intuye que otras consolas también se unirán a esta tendencia tarde o temprano.

La propia compañía ha defendido la decisión al insistir en que seguirá ofreciendo opciones de compra en distintos canales y ha señalado que “seguiremos priorizando nuestros recursos para impulsar la innovación en cómo los jugadores acceden a los juegos y ofrecer opciones sobre dónde prefieren comprar los nuevos títulos”. Con ese planteamiento, Sony sitúa el final del disco como parte de un cambio más amplio en la industria, donde el acceso digital se impone como vía principal para jugar en los próximos años.

Samuel Noval e Isabel López son los protagonistas de esta historia, los responsables de Erveca Studio, una iniciativa que fusiona programación y folclore riojano. Un éxito, el de sus proyectos digitales, que también ha tenido que superar la falta de vivienda de alquiler en el medio rural riojano. En Pradillo, un pueblo de unos 20 habitantes, esta joven pareja han puesto en marcha su empresa de desarrollo tecnológico y utilizar los píxeles como herramientas para rescatar del olvido las tradiciones locales.

Él es natural de Pradillo, aunque creció en la vecina aldea de Peñalocintos. Estudió Geología en Salamanca donde hizo sus primeros pinitos en programación y un máster en Zaragoza. “No me he movido mucho de Los Cameros, solo para estudiar”, reconoce. Todo lo contrario a su pareja, natural de Palma de Mallorca. “Estaba muy cansada del ajetreo propio de la ciudad y encima una ciudad tan masificada como Palma de Mallorca”. Se conocieron en internet hablando de videojuegos. Después comenzarían las visitas hasta que llegó el momento de cambiar la capital balear por Pradillo. “Decidió quedarse aquí” y emprender una nueva vida en la sierra riojana.

En 2028, Samuel comenzó a diseñar el primer prototipo del videojuego Erveca, un videojuego de mundo abierto ambientado en los Cameros que tuvo que dejar “pausado por la magnitud del proyecto en solitario”. En 2023, ya con la ayuda de Isabel en Pradillo, deciden retomar este proyecto “con una nueva estética y una forma de trabajo más asequible”. Y así nace Almazuela Picross a partir de los minijuegos desarrollados para Erveca “donde los jugadores deberán resolver diferentes nonogramas o picross para desbloquear retales de almazuelas. Con ellos podrán completar una almazuela final al superar cada nivel, combinando lógica, creatividad y tradición textil”.

Y desde Pradillo, estos desarrolladores tratan de rescatar del olvido tradiciones locales porque “el juego cuenta con 19 almazuelas reales, cedidas generosamente por las artesanas que cada año participan en la Fiesta de la Almzuela de Pradillo a las que se suma una almazuela especial creada por la comunidad de fans del estudio, ganadora del concurso anual de diseño de patrones que coincide con esta celebración”.

El bagaje de Samuel como antiguo guía de las cuevas de Ortigosa y técnico en la oficina de turismo local nutre de contenido cultural cada nivel. “De pequeño veía que había muchos chavales en el pueblo y actualmente quedamos veinte todo el año. No queremos que se pierdan estas tradiciones; queremos que la gente las conozca a través del mundo digital”, reivindica el joven geólogo. Su próximo proyecto será un juego de puzles en 3D donde los coleccionables serán los icónicos bancos de azulejos de Pradillo.

Ellos marcan el ritmo de su día a día en Pradillo. “Aquí no tenemos presión alguna, el día que estamos cansados, nos vamos a dar un paseo por el monte y en el bar del pueblo siempre encontramos a alguien con quien hablar y desconectar de las pantallas”. Mientras Isabel trabaja en el bar del pueblo, Samuel ejerce como programador freelance. Juntos dedican las primeras horas del día a dar forma a sus videojuegos. Una vida “cómoda” en un pueblo de apenas 20 habitantes. “Curiosamente, soy el que más velocidad de internet tiene: somos los únicos conectados al repetidor de fibra óptica del pueblo, así que descargo todo mucho más rápido que mis antiguos compañeros en Zaragoza”, cuenta.

El muro de la vivienda: el gran desafío de la repoblación

Sin embargo, a pesar del idilio rural, del abandono del ajetreo de la ciudad y de las ventajas del teletrabajo, también esta pareja se ha topado con el problema de la vivienda. “Aquí la oferta de vivienda es muy baja porque hay pocas casas en alquiler y que estén en condiciones para vivir”. Les costó medio año encontrar su casa. “No hemos cambiado un par de veces porque en una de ellas las ventanas no estaban bien aisladas y la vida aquí en invierno es dura”.

La vivienda y la distancia con Logroño porque cada vez que tienen que realizar algún trámite en la capital “perdemos prácticamente todo el día”. Aun así, Pradillo seguirá siendo su hogar mientras se sigan conservando servicios esenciales. “Tenemos una entidad bancaria a diez minutos en Torrecilla en Cameros; tiendas en Ortigosa y la carretera nacional que al ser una principal se limpia mucho en invierno, algo importante de cara a cualquier urgencia”.

Alrededor de una de cada cinco mujeres que dedican tiempo a los videojuegos online es objeto de mensajes sexuales no consentidos que suponen un impacto emocional alto que a menudo pasan desapercibidos por los sentimientos de vulnerabilidad y de vergüenza que generan en la víctima.

Así se desprende de una investigación pionera a partir de 1.812 entrevistas a jugadores adultos de toda España del 25 de junio al 5 de julio de 2024 dentro del proyecto GamerVictim, del 'Centro Crímina para el Estudio y Prevención de la Delincuencia' de la Universidad Miguel Hernández (UMH) de Elche para analizar la victimización, el acoso y las conductas tóxicas en las comunidades digitales y los videojuegos.

El 51,2 por ciento de los encuestados se identificó como mujer, el 48,1 hombre, el 0,4 no binario y el 0,3 restante evitó responder, y 12 de cada cien manifestó pertenecer al colectivo LGTBIQ+, y todos ellos dedican entre dos y cuatro horas semanales a los videojuegos multijugador ya sea en consola o en el 'smartphone'.

De las mujeres que participan en comunidades asociadas a los videojuegos, el 19,7 por ciento admite que ha recibido mensajes sexuales no consentidos, el 7,2 ha sido coaccionada para el envío de contenido íntimo (por ejemplo imágenes), el 5,4 ha sido amenazada con la difusión de fotografías sexuales suyas previamente intercambiadas y también en torno al 5 ha sido “presionada” para una relación íntima o romántica online, o incluso un encuentro sexual presencial.

Prestar atención al mundo del videojuego

El director de Crímina y catedrático de Derecho Penal de la UMH, Fernando Miró, ha explicado a EFE que las mujeres han acabado por entrar en el mundo del videojuego, un entorno “cerrado y privado donde nadie informa de lo que ocurre dentro y no siempre se denuncian” conductas inadecuadas o delictivas, por lo que se trata de un lugar “al que hay que prestar mucha atención”.

Tal y como ocurre en otros ámbitos digitales, a ellas “les pasan algunas cosas distintas” por “el simple hecho de ser mujer” en un mundo, el de los videojuegos, que inicialmente fue concebido para un usuario masculino y al que muchos hombres se resisten a incluir a la mujer.

En el estudio se refleja que los videojuegos no terminan de quitarse etiqueta predominantemente masculina y que los efectos psicológicos de estas conductas pueden ser “particularmente graves” en las jugadoras, con secuelas “dañinas” especialmente desde el punto de vista social y emocional.

Por ejemplo, el 41,5 por ciento de las víctimas por estos comportamientos de naturaleza sexual manifiesta que reaccionan con una reducción del consumo de videojuegos, el 40,1 con cambios de hábitos a la hora de conectarse (por ejemplo dejar el multijuego, variar el horario u ocultar la identidad y género) y una de cada tres abandona este tipo de ocio, según una de las autoras del estudio, Esther Nanclares.

'Mujer gamer' frente a la masculinidad hegemónica

Otros efectos más perjudiciales son un sentimiento de vulnerabilidad, en la mitad de los casos mientras que el 46,4 siente vergüenza, una de cada tres empieza a tener dificultad para tener relaciones de amistad y nota síntomas físicos y acumulación de tensión y nervios, cuatro de cada diez tristeza, el 28,5 se nota un comportamiento autodestructivo e, incluso, el 25,1 llega a tener ideas suicidas.

En la investigación del Centro Crímina, que divulga sus investigaciones y titulaciones en la cuenta de Instagram @criminaumh, también han participado Mario Santisteban y Aiala Tejada, y ésta última ha considerado que la “mujer gamer” es víctima de un perfil de hombre que cree en una “masculinidad hegemónica” en las pantallas y “que los videojuegos son su espacio, sin lugar para ellas”.

Asimismo, según Santisteban, estas prácticas misóginas son reproducidas en otras plataformas como pueden ser X, Discord o YouTube, donde jugadores cargan contra cualquier intento de inclusión de la mujer en la producción cultural en torno al videojuego.

Los anuncios conviven con nosotros en muchos medios de comunicación y de entretenimiento, ya no solo los vemos en televisión, sino que también aparecen en internet, en redes sociales, siendo las plataformas audiovisuales las últimas que los han incorporado a sus planes más económicos, y ahora se unen los videojuegos, en este caso los de la empresa EA.

Si bien ya se habían explotado algunas formas de hacer llegar publicidad dentro de videojuegos como el FIFA, ahora conocido como FC, esto irá todavía a más a través de una nueva plataforma anunciada por la empresa de conocidos juegos como Los Sims o Madden NFL, según un comunicado de prensa emitido por la compañía.

EA Advertising: cómo EA incluirá anuncios en videojuegos

Debido a las prácticas que han realizado en los últimos años, la empresa EA no es de las favoritas entre los jugadores a pesar de sus juegos populares que son disfrutados por millones de personas en todo el mundo, debido a que algunas decisiones de negocio han comenzado a afectar a la experiencia de los usuarios.

Ahora, ademas, se van a implementar anuncios dentro de los juegos y serán difíciles de escapar con la plataforma EA Advertising, con la que va a integrar publicidad directamente mientras se disfruta del juego, pasando de ser algo anecdótico en pantallas de inicio o en vallas de los estadios ficticios del EA Sports FC a entrar de lleno en la experiencia de juego.

De esta forma, EA impondrá un modelo con el que los anuncios publicitarios serán parte más del juego, que funcionará como una capa que operará en tiempo real, por ejemplo, en el conocido como FIFA podrían salir como contenido tras anotar un gol o integrado completamente como en Ultimate Team (FUT).

Así, la principal diferencia es que son dinámicos, es decir que no hace falta actualizar el juego, sino que de esta forma EA introducirá la publicidad en tiempo real, ya que la plataforma ha sido construida sobre un servidor de anuncios y SDK propio específicamente para el motor Frostbite.

Los usuarios con temor a que cambie la experiencia de juego

Desde EA justifican la construcción de esta plataforma y su implementación en el hecho de que sus juegos atraen a anunciantes debido a los más de 129 millones de usuarios, además de que insisten en que no afectará a la experiencia de juego y que se imitará a las retransmisiones deportivas en muchos casos, verificada antes mediante una medición por parte de Integral Ad Science.

Mientras EA asegura esto y que la plataforma se irá ampliando conforme crezca, los usuarios mantienen su preocupación por el hecho de que cambie todavía más la experiencia del juego y se convierta en algo más parecido a un escaparate de publicidad, interrumpiendo pantallas.

No es normal meterse con alguien para hacerse el guay. No es normal tener miedo a ir al colegio. Ni jugar al Roblox, Fornite, Rocket League, Brawl Stars o GTA. Ni ser el raro de clase por no tener móvil con once años, ni llegar a casa y que los padres estén mirando el móvil.

Los alumnos y alumnas 'ayudantes' del CEIP Vicente Ochoa de Logroño han lanzado un vídeo a través de las redes sociales del centro con un mensaje muy claro e importante para sus familias y para la sociedad. A través de diferentes imágenes en las que aparecen ellos mismos con el encabezado “Tengo 11 años y no es normal”, van lanzando una serie de realidades que se han normalizado. Con ello quieren difundir el mensaje de que no se puede normalizar el mal trato entre compañeros y compañeras, ni en el colegio ni en los entornos digitales.

Es una llamada de atención a las familias, a quienes les piden directamente que controlen el uso de las pantallas y las conductas que se normalizan tanto en entornos privados como sociales. “Familias, escuchad bien este mensaje ya que vuestra labor es fundamental”, dice la publicación.

Dejan claro que no es normal hacer cosas que no quieres sólo para encajar, normalizar el insulto o sentir que nadie va a ayudarte. “Tengo once años y no es normal que este mensaje llegue tarde”, continúa el vídeo, “y no es normal que os pidamos que nos protejaís de las pantallas porque no queremos ser niños adictos”.

Con esta llamada a la acción, los alumnos ayudantes del Vicente ochoa recuerdan que la construcción de espacios libres de violencia no es un asunto exclusivo de las direcciones de los centros o del profesorado. Se trata de una responsabilidad comunitaria compartida entre las instituciones, el propio alumnado y unas familias que deben ejercer de primera línea de defensa emocional, garantizando el derecho fundamental de la infancia a crecer en un entorno de respeto y dignidad.

Una espada guardada durante años puede volver a salir de su funda cuando aparece una nueva amenaza. Esa idea ha acompañado a la saga Zelda desde sus primeros juegos y ayuda a entender por qué se ha mantenido entre las franquicias más conocidas de Nintendo.

El protagonista es Link, un joven aventurero que suele emprender un viaje para proteger su reino, superar pruebas, recorrer territorios desconocidos y enfrentarse a fuerzas que ponen en peligro el equilibrio del mundo. Sus historias cambian de una entrega a otra, pero siempre giran alrededor de la exploración, el descubrimiento y el crecimiento personal a través de desafíos cada vez mayores.

Nintendo confirma una nueva versión para Switch 2

Nintendo confirmó durante el último Nintendo Direct que The Legend of Zelda: Ocarina of Time tendrá un remake completo para Nintendo Switch 2 y que llegará este mismo año. Las primeras imágenes mostradas apuntan a una reconstrucción profunda del clásico de Nintendo 64, con un apartado visual renovado y una presentación mucho más ambiciosa que la de anteriores reediciones. El anuncio pone de nuevo en primer plano a una obra que sigue siendo una referencia para la industria casi tres décadas después de su estreno.

Parte de la explicación de este regreso está en el momento que atraviesa la serie. Según el análisis publicado por IGN, el calendario actual de Zelda favorece proyectos capaces de cubrir los largos periodos que separan a las grandes entregas principales. Entre Breath of the Wild y Tears of the Kingdom transcurrieron seis años, una distancia considerable incluso para una franquicia acostumbrada a desarrollos extensos.

Recuperar Ocarina of Time permite ofrecer una producción de gran tamaño sin esperar a una aventura completamente nueva, aprovechando además una historia que ya cuenta con un enorme prestigio entre los jugadores.

Ocarina of Time mantiene un prestigio excepcional

Ese prestigio sigue siendo uno de los mayores argumentos a favor del proyecto. Ocarina of Time aparece de forma habitual en las listas de los mejores videojuegos de todos los tiempos y muchos analistas consideran que transformó la manera de diseñar aventuras de acción en tres dimensiones.

Su estructura basada en la exploración de Hyrule, los viajes temporales y las mazmorras llenas de puzles ayudó a definir fórmulas que más tarde adoptaron numerosos títulos. El propio material promocional presentado por Nintendo insiste en esa herencia al recrear escenas muy reconocibles para quienes jugaron al original, como Link durmiendo en su casa del Bosque Kokiri.

La nueva versión también responde a un problema práctico. El remake lanzado para Nintendo 3DS en 2011 estaba diseñado alrededor de una consola portátil con dos pantallas, un formato difícil de trasladar de forma directa a los sistemas actuales.

IGN destaca que buena parte del catálogo de Nintendo DS y Nintendo 3DS continúa atrapado en esas máquinas porque adaptarlo exige rehacer elementos importantes de su diseño. Desde esa perspectiva, volver a construir Ocarina of Time desde cero resulta más lógico que intentar trasladar sin cambios una versión pensada para un hardware muy distinto.

A esa cuestión se suma la situación actual de la propia saga. Nintendo ha mantenido el interés de los seguidores con lanzamientos de menor escala durante los años de espera entre las producciones más grandes como Hyrule Warriors, pero la distancia hasta la próxima aventura principal todavía parece larga. Un remake de Ocarina of Time suena bien en ese espacio porque aprovecha una base ya conocida y permite ofrecer un lanzamiento de gran repercusión mientras continúa el desarrollo de futuros proyectos.

También existe un factor comercial evidente. La película de acción real basada en The Legend of Zelda tiene previsto su estreno en 2027 y la llegada del remake unos meses antes crea una oportunidad perfecta para acercar la saga a nuevos jugadores. Nintendo ya ha utilizado estrategias parecidas en otros momentos, situando juegos clásicos renovados cerca de grandes estrenos audiovisuales. La compañía puede presentar así una de las aventuras más emblemáticas de su catálogo a una generación que nunca tuvo contacto con la versión original.

Varias dudas siguen abiertas tras la presentación

Las incógnitas empiezan precisamente donde termina el anuncio. El material mostrado apenas enseña algunos escenarios, un narrador y una breve imagen de Link descansando, de modo que siguen abiertas muchas preguntas sobre el alcance real del proyecto. Una de las más repetidas tiene que ver con la fidelidad al original. Todavía no está claro si Nintendo apuesta por una recreación muy cercana al juego de 1998 o si introducirá nuevas zonas, contenido adicional y cambios importantes en el diseño.

Las mecánicas también estarán bajo escrutinio. Los controles de Ocarina of Time marcaron una época, pero algunas decisiones resultan menos cómodas para los estándares actuales. La gestión de objetos, la cámara o ciertos momentos concretos de la aventura forman parte de los aspectos que los aficionados esperan ver actualizados. Al mismo tiempo, cualquier modificación corre el riesgo de provocar debate entre quienes desean una reproducción casi exacta y quienes prefieren una revisión más moderna.

La expectación es enorme porque el juego lleva años encabezando las listas de remakes más deseados. Metacritic sigue situándolo entre los títulos mejor valorados de la historia y el anuncio ha convertido una vieja aspiración de muchos seguidores en una realidad. Ahora queda por conocer la fecha exacta de lanzamiento y comprobar hasta qué punto Nintendo logra modernizar una obra legendaria sin alterar aquello que la convirtió en una referencia para varias generaciones de jugadores.

El primer móvil llega en Euskadi a los 11,18 años de media, el acceso a contenidos pornográficos se produce, por término medio, a los 12 años, en uno de cada tres casos de forma fortuita, y el 73,7% de menores de 13 años está ya registrado en alguna red social, según los datos recogidos en el informe 'Infancia, Adolescencia y Bienestar Digital', elaborado por Unicef España, la Universidad de Santiago de Compostela, el Consejo General de Colegios Profesionales de Ingeniería Informática y Red.es.

La presentación del informe en Bilbao ha corrido a cargo del presidente de Unicef Comité Euskadi, Joseba Madariaga; el director del Observatorio Nacional de Tecnología y Sociedad y de Red.es, Juan Miguel Márquez; el decano del Colegio de Ingeniería Informática de Euskadi, Álvaro Vicente Gómez; el miembro asesor científico del estudio, Juan Manuel Machimbarrena (EHU); la coordinadora de Unicef Comité Euskadi, Elsa Fuente, y tres jóvenes del Grupo Asesor Juvenil de Unicef.

El informe a escala de Euskadi ha recogido las respuestas de más de 7.600 niños, niñas y adolescentes de entre 10 y 20 años de Bizkaia, Gipuzkoa y Álava y constata que las y los adolescentes vascos están registrados en redes sociales de forma masiva, con el 93% en, al menos, una red social y hasta el 77,7% en tres o más, según recoge Europa Press. Además, la mitad de los adolescentes tiene más de un perfil en una sola red social, lo que evidencia, según el informe, que optan por un perfil 'blanco' de cara al posible seguimiento de sus padres.

En cuanto al tiempo dedicado, el 7,1% de las y los adolescentes vascos que han participado afirma que dedica más de 5 horas diarias entre semana, porcentaje que se dispara hasta el 16% de los que afirman estar más de 5 horas durante el fin de semana. Además, el 77% sigue “de forma activa a algún influencer, el 17% cree que podría convertirse en uno y otro 7% afirma que ya está dedicando tiempo a convertirse en influencer.

En cuanto a los usos problemáticos y el riesgo de adicciones, el informe concluye que el 4,3% de la adolescencia en Euskadi realiza “un uso problemático” de las redes sociales, siendo ese porcentaje mayor entre las chicas (5,5%) que entre los chicos (2,8%), al tiempo que van aumentando con la edad. La tasa de jugadores y jugadoras problemáticos relacionado con el juego o las apuestas (problem gambling) asciende al 2,1% y se registra mayoritariamente entre los chicos.

Pornografía y 'sexting'

El acceso a contenidos pornográficos se produce, de media, a los 12 años, y en uno de cada tres casos el primer acceso se produce de manera fortuita. El 30% de los niños, niñas y adolescentes encuestados admite haber consumido pornografía alguna vez, un porcentaje que es mayor entre los chicos 45% que entre las chicas 14,3%. Aunque el consumo habitual se sitúa en el 11,1%, la prevalencia de un posible consumo problemático entre quienes la consumen es elevada, según el estudio, que lo estima en aproximadamente uno de cada seis jóvenes.

En cuanto al acoso escolar, en Euskadi asegura haberlo sufrido el 21,4%, y el 6% ciberacoso, que se asocian con mayor malestar emocional entre quienes la sufren. Aun así, se constata un descenso significativo respecto al estudio de 2021 (32,3% y 19% respectivamente). Se percibe también violencia digital en pareja, de forma que en Euskadi, uno de cada cuatro adolescentes (25,6%), que tiene o ha tenido pareja en algún momento de su vida refiere haber sufrido alguna manifestación de este tipo de violencia de manera frecuente, un porcentaje que de media en España crece hasta el 31,3%.

En cuanto a riesgos como mantener contacto con desconocidos online o de practicar 'sexting', casi el 54% ha hablado con desconocidos en redes sociales, Internet o en videojuegos, el 33% ha aceptado contactos que no conocía de nada, el 14,3% ha quedado con alguien que solo conocía online y el 7% (el 4,9% de estos menores de 16 años) ha recibido proposiciones sexuales de adultos. En este aspecto, los niveles de 'sexting' pasivo y activo encontrados en Euskadi se sitúan en el 14% y el 6,2%, valores similares a los del conjunto de España (14,9% y 6,4%, respectivamente).

El informe se detiene en analizar el malestar emocional y un posible riesgo suicidad, de forma que el 13,9% de los niños, niñas y adolescentes encuestados en Euskadi presenta síntomas de malestar emocional (ansiedad, somatización o depresión), y el 6,1% un riesgo suicida elevado, un punto menos que el promedio español (7,1%). Los niños y niñas que presentan un uso problemático de las redes sociales presentan también un mayor malestar emocional con porcentajes significativamente mayores de ansiedad, somatización y depresión. En estos casos el riesgo suicida se multiplica por 4.

Frente a estos datos, el informe plantea a los encuestados si han sentido la necesidad de desconectar, ámbito donde más de la mitad de las y los adolescentes vascos asegura que ha empezado a manifestar cierta necesidad de desconexión del entorno digital. Ante estas evidencias, el informe constata que, a pesar de que el 90% hacen un uso no problemático de las redes sociales, “estamos ante un reto relevante de salud pública y prevención”, ha asegurado Madariaga, quien ha subrayado la recomendación del informe que apunta a que la mediación parental “sigue siendo un área de mejora en los hogares vascos”.

En este sentido, más de la mitad de los progenitores (51,6%) habla habitualmente con sus hijas e hijos de los riesgos de Internet, pero mientras el 42,4% suele poner normas o límites respecto a las horas que utilizan el móvil, Internet o las redes sociales, sólo uno de cada cuatro (27,5%) limita los contenidos que suben. El estudio subraya “cómo algunos hábitos sencillos, como no dormir con el móvil en la habitación o evitar su uso durante las comidas familiares se asocian con tasas más bajas de usos problemáticos y conductas de riesgo online”.

En todo caso, para los autores del informe, “la mediación parental en solitario no es suficiente” ya que considera “necesario un abordaje comunitario para afrontar los desafíos que genera el uso intensivo y sin acompañamiento de la tecnología”. En este sentido, “las instituciones, el entorno escolar, las familias y el sector privado tienen la responsabilidad de actuar, contando con la participación activa de niños, niñas y adolescentes”.

El estudio recuerda que más del 90% de la ciudadanía expresa preocupación por los riesgos del entorno digital, un dato que refleja la urgencia de actuar de manera coordinada ya que, ha concluido Madariaga, “el bienestar digital debe abordarse desde las perspectivas de la salud, la convivencia, la educación y el enfoque de derechos de infancia, no solo desde el uso de pantallas”. El director del Observatorio Nacional de Tecnología y Sociedad (ONTSI) de Red.es, Juan Miguel Márquez, ha destacado que “la transformación digital debe construirse desde la responsabilidad compartida porque los menores no simplemente usan tecnología: crecen dentro de ecosistemas digitales diseñados para captar atención e influir en comportamientos”.

A su entender, “ya no basta con hablar de tiempo de pantalla, debemos hablar también de diseño responsable, transparencia algorítmica, educación digital crítica y protección efectiva de la infancia en el entorno digital”, ha explicado el decano del Colegio de Ingeniería Informática de Euskadi.