La FIFA y Netflix han anunciado el lanzamiento de FIFA World Cup: Launch Edition, un nuevo videojuego oficial del Mundial 2026 que estará disponible a partir del 11 de junio, coincidiendo con el inicio del torneo que se disputará en Estados Unidos, Canadá y México. El título formará parte del catálogo de Netflix Games y podrá utilizarse desde televisores compatibles empleando un teléfono móvil como controlador.

El juego estará incluido sin coste adicional para los suscriptores de Netflix y ha sido desarrollado junto a Netflix Games y Delphi Interactive como una experiencia de simulación futbolística diseñada para resultar accesible a jugadores con distintos niveles de experiencia. Según sus responsables, el objetivo es facilitar partidas rápidas y sencillas utilizando dispositivos que los usuarios ya tienen en casa.

El móvil hará las veces de mando

El sistema de control constituye una de las principales novedades del proyecto. Los jugadores deberán abrir la aplicación de Netflix en un televisor compatible y escanear con su teléfono móvil un código QR que aparecerá en pantalla. Una vez conectado, el dispositivo funcionará como mando del videojuego, eliminando la necesidad de utilizar mandos específicos.

La propuesta permitirá además partidas para hasta cuatro personas simultáneamente, una característica con la que Netflix busca potenciar la experiencia compartida durante la celebración del Mundial. En cuanto al contenido, FIFA World Cup: Launch Edition incluirá las 48 selecciones clasificadas para el torneo, los 16 estadios oficiales repartidos entre los tres países anfitriones y una plantilla formada por 1.248 futbolistas participantes en la competición.

La nueva estrategia de FIFA tras EA Sports

El lanzamiento forma parte de la estrategia que la FIFA ha desarrollado tras el final de su histórica colaboración con EA Sports. En lugar de depender de un único socio, el organismo apuesta ahora por un modelo basado en acuerdos con distintas compañías para ampliar su presencia en diferentes plataformas y audiencias.

Tanto la FIFA como Netflix han señalado que este videojuego constituye el punto de partida de un proyecto más amplio que incorporará nuevas funciones y contenidos después de su estreno. El objetivo es que la experiencia evolucione a medida que avance el Mundial y continúe creciendo mediante futuras actualizaciones.

Cristian Baño, un desarrollador murciano de Alhama, ha logrado transformar su pasión infantil por el Scalextric en una innovadora realidad digital. Junto a su hermano Víctor, este creador ha conseguido capturar la esencia pura de las pistas electrificadas en un simulador de slot racing de alta fidelidad. El proyecto nació directamente de la nostalgia por aquellas tardes de tantísimos niños que montaban pistas y carreras gracias a uno de los juguetes más deseados. Tras integrarse en el programa de emprendimiento Start IN Up de Madrid, el equipo de BabelGames decidió enfocarse en un nicho que consideraban desatendido por la gran industria. Su objetivo principal era ofrecer un referente de calidad técnica que no existiera previamente para los entusiastas del modelismo y la velocidad.

La propuesta del videojuego, de nombre Speed Rivals, destaca especialmente por una mecánica que resulta sencilla de aprender. Los jugadores deben controlar de forma estratégica la aceleración de sus vehículos en miniatura para ser los más veloces sin llegar a descarrilar nunca. El realismo del simulador recrea fielmente la física de los coches que circulan por raíles, donde cualquier exceso de velocidad es castigado duramente en las curvas. A diferencia de otros títulos genéricos y rudimentarios del pasado, este videojuego murciano respeta la tradición del hobby mientras introduce herramientas tecnológicas de última generación, centrándose totalmente en la precisión y la concentración constante necesaria durante cada una de las vueltas del recorrido.

Uno de los pilares fundamentales del éxito de este videojuego es su potente editor de circuitos, que permite a los usuarios realizar creaciones totalmente personalizadas. Los jugadores pueden diseñar trazados intrincados con rampas muy pronunciadas, curvas desafiantes y ‘loopings’ que desafían la gravedad como si se tratara de una montaña rusa. Esta herramienta creativa ha fomentado una comunidad pequeña pero muy entusiasta que comparte diariamente sus diseños a través de una red de alcance global. También se incluyen adaptaciones de circuitos icónicos como el de Jarama o el recordado trazado murciano de Fuente Álamo. La capacidad de crear y compartir contenido hace que la experiencia del videojuego sea prácticamente infinita para todos sus seguidores.

El coleccionismo de vehículos es otro aspecto esencial que BabelGames ha integrado de manera meticulosa en el garaje virtual de su producción independiente. Gracias a colaboraciones estratégicas con marcas como Toyota, los jugadores pueden pilotar versiones digitales en su versión de miniatura. El catálogo incluye modelos desbloqueables muy variados, desde reproducciones fieles de coches de carreras reales hasta vehículos pintorescos extraídos directamente de la cultura popular. Se pueden encontrar homenajes al coche clásico de Batman de los años sesenta e incluso el surrealista automóvil diseñado por el personaje Homer Simpson. Este enfoque permite atraer tanto a los puristas del slot racing tradicional como a una nueva generación de jóvenes pilotos que descubren el juguete. La personalización de las miniaturas y los diversos elementos decorativos añaden una capa de profundidad que enriquece notablemente la experiencia de simulación.

Tras un proceso de desarrollo de más de un año, el lanzamiento de la versión definitiva marca un hito para el estudio alhameño. El equipo utilizó el programa de acceso anticipado de Steam para refinar la experiencia basándose directamente en las sugerencias de su comunidad activa. Esta metodología de trabajo permitió implementar mejoras constantes, como un nuevo escenario de montaña nevada y un garaje avanzado para personalizar los coches. Los hermanos Baño prometen seguir ampliando los contenidos de forma periódica con nuevos circuitos y modelos para mantener siempre viva la emoción competitiva. 

Del metal al plástico

El mítico juego de Scalextric nació originalmente en Inglaterra en el año 1952, uniendo ingeniosamente los conceptos de escala variable y el uso de motor eléctrico. Su funcionamiento básico consiste en pistas de plástico modulares que, al ensamblarse, forman un circuito cerrado apto para realizar emocionantes carreras de velocidad. El sistema utiliza diversos tramos de rectas y curvas que se sujetan mediante piezas de goma para garantizar la estabilidad total del trazado construido. Un transformador conectado a la corriente eléctrica alimenta los raíles metálicos por los que circulan los vehículos de tracción específica mediante sus escobillas. Aunque las primeras carrocerías de los coches eran metálicas, con el paso del tiempo evolucionaron hacia el plástico para mejorar la ligereza y el rendimiento. 

Más allá del simple entretenimiento, este juguete favorece el desarrollo del juego simbólico y estimula valores educativos que son esenciales en la infancia. Los participantes asumen el rol de pilotos profesionales, lo que fomenta su imaginación y ayuda a gestionar de forma positiva la expresión de diversas emociones. La práctica constante mejora la coordinación mano-ojo y la rapidez de movimientos necesaria para mantener el vehículo bajo un control absoluto durante la carrera. Además, al ser una actividad social de carácter competitivo, aporta un gran dinamismo y facilita los encuentros entre aficionados en clubes organizados por todo el mundo. 

Jean-Claude Van Damme era tan famoso a principios de los 90 como para influir en la industria del videojuego desde dos vías. Por un lado, los diseñadores del Mortal Kombat inaugural de 1992 basaron uno de los personajes en su figura —según el recuerdo de Contacto sangriento, la película que había empezado la fiebre— y le ofrecieron hacer de modelo para ello: la cosa no cuajó, aunque igualmente asistimos al nacimiento de Johnny Cage como una estrella de Hollywood involucrada en ese espectacular torneo gracias a su dominio de las artes marciales.

Por otro lado, y tras negarse en intervenir en el desarrollo de Mortal Kombat, Van Damme no tuvo tantos reparos en protagonizar una de las primeras adaptaciones de un videojuego al cine. Así es como encabezó, en el papel de Guile, Street Fighter: La última batalla en 1994. Incorporándose, curiosamente, a la marca que era rival directa de Mortal Kombat en las recreativas de EEUU. Puede que la gente de Midway Games se sintiera vindicada en ese sentido por las terribles críticas que recibió la película de Street Fighter —recuperándose del desplante de Van Damme—, pero eso no les detuvo a la hora de auspiciar su propia adaptación meses después. En su correspondiente salto al cine, a Johnny Cage le tocó ser interpretado por el desconocido Linden Ashby.

La película de Mortal Kombat tampoco pudo beneficiarse del estrellato del actor belga, aunque al menos tuvo una acogida considerablemente mejor que la de Street Fighter. O a la de la delirante Super Mario Bros., que en 1993 había puesto la primera piedra en la turbulenta historia de las adaptaciones de videojuegos en acción real. Esta Mortal Kombat gustó, tuvo éxito comercial, y dio cuenta del prometedor interés de su director, Paul W.S. Anderson, por la estética de los videojuegos, que luego seguiría explotando admirablemente en otras franquicias. Entretanto, su Mortal Kombat se quedaría como un patrón oro preventivo. Sus ingredientes, que tan buen desempeño habían tenido, debían prefigurar coordenadas básicas para seguir adaptando videojuegos.

Así que parecía que no había que tomarse nada muy en serio. Que había que ir al grano, respetar la iconografía básica de cada obra y acomodarse en lo posible al contexto de la época. Esta Mortal Kombat se recuerda mucho por la flamante irrupción en los créditos iniciales de Techno Syndrome, un enloquecido tema electrónico que se convertiría en la canción oficial de la franquicia complementando un talante festivo y desprejuiciado. Uno que seguirían los videojuegos consecutivos —cuya difusión, entre varios reboots y la compra de Warner en 2009, se extiende a nuestros días— y también la inmediata secuela para cines de Mortal Kombat, estrenada en 1997.

De Mortal Kombat y Mortal Kombat: Aniquilación parecen haber pasado muchos años. Fundamentalmente, porque esas coordenadas básicas de adaptación han cambiado de lo lindo. Hay un nuevo patrón oro y no es el de Paul W.S. Anderson. Este modelo es más serio, está más controlado porque las mismas desarrolladoras y distribuidoras se coordinan para cada adaptación —incluso, como el caso de PlayStation Productions, tienen sus propias productoras dedicadas a ello—, y es capaz de alumbrar algo parecido a un estándar de calidad, normalmente garantizado por tener de fuente unos títulos más legitimados culturalmente que aquel Mortal Kombat del bakalao, la mamarrachada y las ejecuciones sangrientas conocidas como fatalities.

¿Se ha quedado sin espacio este modelo en la actualidad? ¿Ha sido necesario enterrar los años 90? Pues en realidad no lo parece. Hace poco más de un mes que llegó a cines una nueva adaptación de Super Mario. Y ahora se estrena una Mortal Kombat II. Y dentro de unos meses, en octubre, llegará otra película de Street Fighter. La historia se repite. Los 90 han vuelto.

El regreso de Johnny Cage

Esta coincidencia remite, naturalmente, a la lacerante crisis creativa de Hollywood y su angustiosa dependencia de las propiedades intelectuales, sancionada por este cúmulo de conglomerados audiovisuales que lo dan todo mascado sin permitir una sola voz disonante, como podría haber sido en su día la de Anderson o, en otro registro, la de Uwe Boll. Con Mortal Kombat ocurre, por otro lado, que esta saga tiene una conexión con el cine más fuerte e interiorizada de lo habitual, entre el carácter pionero de su primera adaptación y la alargada sombra de Jean-Claude Van Damme.  

En Mortal Kombat II reaparece Johnny Cage. Lo interpreta Karl Urban, recién llegado del éxito de The Boys, estableciendo una curiosa ambivalencia con las Mortal Kombat de los 90: mientras que Johnny Cage moría al inicio de Aniquilación tras haber sido el centro de todas las miradas en el primer film, este nuevo Johnny Cage aparece ahora tras haber estado totalmente ausente en la Mortal Kombat previa. Esta Mortal Kombat —que dirigía, al igual que dirige su secuela, un tal Simon McQuoid cuya experiencia previa se limita a la publicidad— se estrenó en 2021 con la proverbial voluntad de reboot. La idea era relanzar la saga cinematográfica y hacerlo de una forma menos caótica que en los 90, planeándose en paralelo varias secuelas y spin-offs. Lo habitual.

La crisis del coronavirus en medio de la cual se estrenó iba a dificultar un poco las cuentas: como encima Warner había estrenado el filme en el marco de su infausto “Project Popcorn” —esta estrategia para paliar los efectos pandémicos estrenando películas en cines y en HBO Max… ¡de forma simultánea!—, nadie tenía muy claro cómo leer los ingresos. ¿Esos 84 millones de dólares recaudados eran buenos teniendo en cuenta las circunstancias? ¿Eran prometedores?

Lo que sí resultaba inequívoco era la virulencia de las malas críticas, aunque si esto no había sido decisivo en los 90 no tenía por qué serlo en la actualidad. Así que aquí está la secuela, y siendo una propuesta bastante continuista, sí logra prosperar allá donde la primera Mortal Kombat no terminaba de hacerlo gracias a dejar atrás lo que tanto lastraba a aquella. 

La Mortal Kombat de 2021 —acaso por ajustarse a un modelo simpatizante con la narrativa seriada— se parecía demasiado a un prólogo. Aunque era encomiable el esfuerzo depositado en las escenas de acción, el primer filme de McQuoid se limitaba prácticamente a presentar personajes, sin siquiera llegar a divisar el torneo definitivo. Lastrado además por una fotografía opaca que ya adivinábamos como peaje del streaming, se articulaba como un indudable producto de serie B pero no de una serie B “simpática”. No se trataba de una serie B noventera, sino simplemente de un producto zarrapastroso con tanto digital como para que incluso el gore perdiera mordiente.

Algunos de estos pecados se mantienen en Mortal Kombat II. Sigue estando pésimamente escrita, la cámara de McQuoid no sabe qué hacer durante los diálogos, y hay un énfasis expositivo en la mitología del mundo de Mortal Kombat de lo más innecesario. El humor, por otra parte, es tan idiota e infantil que puede llegar a ofender, ahora representado en su mayor parte por un Karl Urban pasadísimo de rosca que no obstante termina conjurando el milagro de la simpatía.

Porque es cierto, Mortal Kombat II resulta simpática. Sobre todo cuando deja que Johnny Cage lleve la batuta, a través de unos comentarios sobre la industria del cine rigurosamente viejunos y, en sintonía a esto, algún guiño a la tradición audiovisual noventera que entra muy bien. La mejor escena de Mortal Kombat II seguramente sea la presentación de este personaje, en un combate con textura VHS perteneciente a una de sus películas ficticias. El sonido de los golpes, la exageración de los movimientos a lo Power Rangers, la sublime ridiculez del asunto en fin, emparenta entonces a Mortal Kombat II con la alegre década que asistió al nacimiento del fenómeno. 

La pena es que la película de McQuoid no se ajuste a esta estética más a menudo, al decantarse por unos efectos visuales tirando a genéricos y sucumbir nuevamente a una gran torpeza a la hora de distribuir los combates por la trama. Afortunadamente, sin embargo, estos combates son muy numerosos. Hay un batiburrillo monumental de personajes, sí, pero parece que solo se debe a la necesidad de encadenar todas las escenas de acción posibles, que en algún caso aislado están estupendamente resueltas —una pelea posterior donde Cage demuestra ser un actor que se puede encargar de sus propias escenas de riesgo, un largo enfrentamiento en el inframundo— y desde luego refrendan la integridad artística de Mortal Kombat II. 

Que sí, es limitada. Aunque esto se debe seguramente a que ansía la sensación de estar recién salida del videoclub, ofreciendo la oportunidad a los jugadores de pasear por unos cuantos escenarios reconocibles mientras suena techno y se acumulan los fatalities. Es lo que Mortal Kombat II busca y lo que en mayor o menor medida da, con la misma falta de aspiraciones que la reciente Super Mario Galaxy. Porque este es el patrón de consumo ahora, que podría ser deprimente en otros casos pero no particularmente en Mortal Kombat. Hablamos de una saga que en su día ansiaba seducir a Van Damme y que le cambió a “Combat” la C por la K solo para molar. Qué más le vamos a pedir.

La firma estadounidense de videojuegos y consolas GameStop ha presentado una oferta hostil para adquirir la popular plataforma de comercio electrónico eBay por unos 55.500 millones de dólares (unos 47.335 millones de euros), una operación que contempla un precio de 125 dólares por acción, con una prima del 46%. La propuesta, anunciada por GameStop en un comunicado, combina efectivo y acciones a partes iguales y llega después de hacerse paulatinamente con una participación del 5% en el capital del grupo de comercio electrónico y subastas.

En una carta dirigida al consejo de eBay, el consejero delegado de GameStop, Ryan Cohen, defiende que la integración permitiría recortar costes y elevar la rentabilidad, apoyándose en una red de unas 1.600 tiendas en Estados Unidos, que servirían como infraestructura logística, de verificación de productos y de comercio en directo. Cohen asegura financiación comprometida de hasta 20.000 millones de dólares y advirte de que, en caso de rechazo, podría iniciar una batalla por la delegación del voto para trasladar la oferta directamente a los accionistas.

La operación se produce en un contexto de transformación de ambas compañías. GameStop, impulsada en 2021 por el fenómeno de las llamadas 'acciones meme' (de alta volatilidad), mantiene una capitalización cercana a los 11.900 millones de dólares, lejos de los máximos alcanzados entonces, pero por encima de niveles previos. Por su parte, eBay, valorada en torno a 46.000 millones de dólares (unos 39.000 millones de euros), ha tratado de adaptarse a los cambios en el comercio electrónico y a la competencia de plataformas como Amazon o nuevos actores del mercado de segunda mano, con una estrategia centrada en nichos como los artículos de colección.

La oferta, de carácter preliminar y no vinculante, se produce simultáneamente a los planes de eBay para reforzar su posición en el mercado de segunda mano, tras anunciar la compra de la plataforma de moda Depop por unos 1.200 millones de dólares. 

La organización responsable del sistema paneuropeo de clasificación por edades para videojuegos, la Pan-European Game Information (PEGI), anunció a mediados de marzo que durante este año implementará la mayor actualización que ha lanzado en toda su historia. A partir de ahora, anticipó, no solo va a importar el contenido de los juegos sino también el contexto. 

La decisión es una de las múltiples señales que indican que 2026 está actuando como un auténtico punto de inflexión al sacudir como nunca (a escala nacional y mundial) a la población adulta, que ya no puede seguir pasando por alto los riesgos a los que se enfrentan los menores de edad en el mundo online.

“Los padres ahora quieren saber cuánto tiempo van a estar jugando sus hijos, si van a hablar con desconocidos online o si van a gastar dinero”, explicó a principios de mes Jennifer Wacrenier, gerente senior de Operaciones y Comunicación en PEGI S.A, en una jornada de reflexión organizada en Madrid por la Asociación Española de Videojuegos. Unas semanas más tarde, ahonda en ello con elDiario.es. 

¿Cómo diría que ha cambiado el ecosistema de los videojuegos en los últimos 20 años?

Ha cambiado muchísimo. Hemos pasado del clásico formato físico de las tiendas —el cual todavía existe— a un formato digital global de fácil acceso en todo el mundo. Los desarrolladores de los videojuegos también han cambiado mucho. Es decir, antes los videojuegos los hacían principalmente las empresas del sector. Sin embargo, ahora también tenemos usuarios y consumidores que se convierten en desarrolladores. Además, cabe mencionar que algunos juegos ahora son más bien plataformas [como Fortnite o Roblox], lo que ha hecho que tanto la experiencia de juego como el proceso de clasificación por edad sean un poco más complejos, y PEGI ha tenido que adaptarse.

Si no hay moderación en el chat o en los foros —si como jugador no puedes bloquear o silenciar a otro usuario—, eso será PEGI 18

¿Cuáles son los pros y los contras de todos estos cambios?

Bueno, creo que la industria de los videojuegos es una industria creativa increíble que brinda mucha diversión a las familias y donde los juegos son cada vez más inmersivos y realistas. Ahora, además, puedes conectarte con enormes comunidades en todo el mundo. Es decir, es algo que puede ayudar a la hora de hacer amistades, con la salud mental, etc. Pero en cualquier tipo de pasatiempo debe haber algunas reglas y límites, especialmente cuando se habla de menores, para protegerlos. Porque esta evolución también ha traído algunos riesgos o problemas para ellos. Por ejemplo, la expansión al mundo en línea puede presentar peligros. Los padres no quieren que su hijo o hija interactúe con personas desconocidas.

¿Podría explicar la nueva actualización de PEGI? ¿A partir de ahora cómo se clasificarán los videojuegos? 

Uno de los nuevos criterios que estamos integrando está relacionado con la presión para jugar, el llamado “juego por cita”: la mecánica que le pide al jugador que regrese al juego en un momento determinado, como misiones o recompensas diarias. Ese tipo de mecanismo de retención ahora va a ser PEGI 7. Y si se penaliza al jugador por no volver a tiempo, eso será PEGI 12. 

También hemos agregado clasificaciones en base a las interacciones en línea. Si no hay moderación en el chat o en los foros —es decir, si como jugador no puedes bloquear o silenciar a otro usuario—, eso será PEGI 18.

Además, las compras dentro del juego [pagas dinero real por contenido extra dentro del juego] o los artículos aleatorios de pago [pagas por una recompensa, pero no sabes exactamente cuál te tocará] ahora serán PEGI 16. Y cuando simulen casinos o apuestas, pasarán a ser PEGI 18. Así que las cajas de botín, el sistema gacha, y todo eso, será PEGI 18. Todo lo que tenga que ver con elementos de blockchain también será PEGI 18. 

Empezaremos a ver juegos con esas nuevas clasificaciones probablemente a finales del verano

¿Cree que este cambio transformará significativamente el mundo de los videojuegos durante los próximos años? 

Sí. En lo más obvio, los criterios se lanzarán en junio, así que empezaremos a ver juegos con esas nuevas clasificaciones probablemente a finales del verano, y entonces habrá algunos juegos populares que la gente conoce (y que solían ser PEGI 3 o PEGI 7) que se elevarán a 12 o 16. Aún no podemos decir cuáles.

Esto, por otra parte, obviamente llamará la atención y seguramente abrirá una conversación. Las familias querrán entender bien, por ejemplo, por qué un juego de carreras o un juego de deportes que solía ser PEGI 3 ahora ya no lo es. Y, al adquirir esta información más completa sobre los videojuegos, podrán decidir si quieren, por ejemplo, deshabilitar los gastos dentro de ellos, poner herramientas de control parental, etc. Además creemos que esto será como una advertencia para los desarrolladores a la hora de hacer sus juegos. Quizás pensarán: “Si incluimos este elemento nos van a dar un 18. Seremos cuidadosos”. 

¿Cree que, debido a los riesgos que ha traído esa expansión de los videojuegos al océano de internet, las plataformas y tiendas online deberían sentirse responsables de implementar sistemas de verificación de edad garantistas para asegurar que un niño o niña no acceda a según qué juegos?

Nuestras estadísticas muestran que tres de cada cuatro padres insisten en tener la última palabra sobre a qué pueden jugar sus hijos. Es decir: es fácil presentar la verificación de edad como la solución mágica que resuelve todos los problemas, pero esto no debe desviar la atención de que hay que seguir educando a padres y jóvenes. Por ello, es fundamental un debate profundo sobre cómo se podría implementar esto de forma proporcional y segura. 

Por otro lado, si hablamos de clasificación por edades, entonces la respuesta es sí. Creemos que las tiendas y plataformas tienen la responsabilidad de mostrar clasificaciones por edades sólidas y fiables, ya que ayudan a las familias a desenvolverse en el mundo de los videojuegos. La mayoría de las consolas y plataformas en Europa exigen clasificaciones PEGI para los juegos que distribuyen, y valoramos este compromiso. Lamentablemente, Steam sigue siendo la única plataforma importante para PC que no exige a los desarrolladores de sus videojuegos que proporcionen clasificaciones PEGI.

Recomendamos que instalen herramientas de control parental en el momento en el que su hijo o hija reciba una nueva consola o acceda a una plataforma online

Muchos expertos y reguladores llevan tiempo alertando de estos “riesgos interactivos”. Como sabrán, PEGI ha sido criticado por haber tardado en implementar esta actualización. ¿Cuál fue la causa de la demora?

Sí, obviamente lleva tiempo implementar un conjunto de criterios tan nuevo. Esta es un área de especialización nueva a la hora de examinar los juegos. En un primer momento, PEGI empezó a avisar a los jugadores: en 2018 añadió la etiqueta de “Compras dentro del juego”, y en 2020 la de “Artículos aleatorios de pago”. Después, en 2023, endureció las normas al respecto. Y ahora el siguiente paso ha sido reflejar todo esto directamente en la clasificación por edades. Pero creo que había que leer bien la situación, además de escuchar a las diferentes partes, como los expertos, los padres o los gobiernos. Y luego tomó un año desarrollarlo todo. Pero creo que fuimos bastante rápidos si lo pensamos en comparación con, por ejemplo, lo que suelen tardar las medidas legislativas al respecto.

¿Qué consejo le darían a las familias?

El primer consejo es que revisen la nueva actualización de PEGI. Además, también recomendamos que instalen herramientas de control parental en el momento en el que su hijo o hija reciba una nueva consola o acceda a una plataforma online. 

También es fundamental iniciar un diálogo con él o ella: interesarse por qué tipo de juegos le gustan, establecer un horario en el que podrá jugar y en el que no, y decidir si estarán permitidos o no los gastos. ¿Le darán algo de dinero para comprar cosas dentro de los juegos o esto no estará permitido hasta que alcance cierta edad? 

Por último, animamos a que reflexionen acerca de si serán o no flexibles con las categorías de edad de PEGI. Es decir, es preferible que los padres, tras haber entendido realmente de qué va un videojuego, determinen (en base a lo que conoce de su hijo) si un juego es o no apropiado para él/ella a que simplemente se fije en la clasificación y diga: “Este juego está bien y este no está bien”. No es fácil, pero creo que es fundamental hacer este seguimiento con los niños para poder asegurarnos de que disfruten de forma segura de este pasatiempo tan agradable.

“Sé lo que necesitas y lo que necesitas es malo”, te dice el juego nada más empezar. “Serás capaz de disciplinar a la chica cuando alcances el 100%”, te explican entre píxeles. Cuando ganas varias partidas, la chica en cuestión aparece maniatada y te pide que te detengas, que la dejes ir. Sin embargo, la siguiente escena requiere, entre otras cosas, que la violes con un dildo de pinchos. Después animas a otros hombres a que también la violen, tras lo que aparece un panel tipo Candy Crash, y vuelta a empezar, hasta el punto de que algunos de estos personajes femeninos terminan ensangrentados y con la mirada perdida.

Este videojuego de violencia sexual extrema es el “mejor valorado” de la sección “solo para adultos” de Steam, la plataforma distribuidora de videojuegos para PC más popular del mundo. Alrededor de 8.600 resultados aparecen en esta categoría (representan una pequeña parte sobre el total). Más 400 de ellos son gratuitos. Es decir, fácilmente accesibles para cualquier menor.

En un momento en el que otras compañías del sector sí están avanzando hacia un mayor compromiso con la protección de la infancia —Roblox, otra plataforma especialmente polémica, ha implantado recientemente un nuevo verificador de edad, que pretende ser garantista—, Valve Corporation, empresa propietaria de Steam, se está quedando atrás. Y es que el muro de pago es prácticamente el único límite eficaz que la plataforma tiene a la hora de evitar que cualquier niño, niña, o adolescente acceda a este tipo de contenido, además de la opción del pin parental. 

elDiario.es ha analizado, además de esos títulos gratuitos, hasta qué punto un menor puede llegar fácilmente a ellos.

Una puerta relativamente fácil de abrir

Si te llamas “Juan”, tienes 11 años, y te quieres crear una cuenta de Steam, solo tienes que afirmarle a la plataforma que eres mayor de 13 poniendo un aspa en un cuadradito. A partir de ahí, a priori, todos estos títulos no te aparecen, pues los ajustes preestablecidos se encargan de censurarlos (tengas la edad que tengas, solo puedes ver contenido sexual explícito si modificas estos filtros). 

No obstante, si, por ejemplo, lo que te interesan son los juegos de simuladores de citas, o los de anime, y juegas a un par, rápidamente Steam te empieza a sugerir material en el que aparecen personajes femeninos sexualizados (con poca ropa o con poses sugerentes), ya que los juegos que incluyen desnudos o temas sexuales —siempre que no sean el foco principal— no están filtrados.

Uno de esos títulos que sí le pueden aparecer al usuario que se acaba de crear una cuenta es Your Mom (de pago), cuya descripción es la siguiente: “Tu madre está aquí. Ven rápido a jugar felizmente con tu madre”

Uno de esos títulos que sí le pueden aparecer al usuario que se acaba de crear una cuenta es Your Mom (de pago), cuya descripción es la siguiente: “Tu madre está aquí. Ven rápido a jugar felizmente con tu madre”. “Tu madre”, se ve en el tráiler, resulta ser una mujer con los pechos muy grandes a la que puedes dejar en ropa interior. Debajo de la descripción aparece la etiqueta “Contenido sexual”. Si clicas en ella, llegas al agujero negro de “Solo para adultos”, en el que sí hay material explícito.

Eso sí, si quieres jugar a algún videojuego de esta categoría, Steam te avisará: “Este producto incluye contenido que has solicitado no ver”, o te hará poner tu fecha de nacimiento, ante lo que tú podrás clicar en “ver página” o mentir y, simplemente, acceder igualmente. Y, si no quieres pasar por ello cada vez que quieras jugar a algo erótico, puedes simplemente cambiar los ajustes y decir que sí, que Steam te muestre siempre contenido sexual solo para adultos.

Esa pendiente hacia los juegos violentos y de contenido sexual se puede evitar con la intervención de los padres. Pueden iniciar sesión con la cuenta de sus hijos y establecer lo que Steam llama “modo familiar”, donde se pueden configurar los permisos de acceso a los diferentes contenidos, asignar un pin y un correo de confirmación. El sistema de esta plataforma permite crear un grupo donde se añaden o excluyen los juegos.

El Ministerio busca impedir el acceso a los menores

Una vez conoces la existencia de esta sección, puedes jugar de forma gratuita a exponer a una chica “desesperada por dinero” a distintos tipos de violencia sexual; puedes “espiar” a tu vecina, grabarla mientras está desnuda, o instalar cámaras en su casa —pero si quieres violarla, tendrás que pagar por la versión completa del juego—; también puedes ser productor porno, o proxeneta, o una streamer a la que violarán brutalmente en grupo y, a la que, en el fondo, le “gustará”; u observar cómo le causan hematomas en la vagina a un personaje maniatado; o azotar a tu novia-criada hasta que llore; o incluso “romper las barreras mentales” de varias chicas mediante hipnosis para desnudarlas. 

Un niño o adolescente, si no tiene esa ventana de tolerancia a la violencia muy abierta, accederá a un videojuego así, se asustará, y probablemente lo quitará

Aida Gallego-Márquez — Doctoranda en Sociología y Antropología especializada en videojuegos

En España, se calcula que más de la mitad de las personas que juegan a videojuegos en el PC tienen menos de 25 años, de los cuales alrededor del 20% tiene menos de 15. Pese a estos datos, Aida Gallego-Márquez, doctoranda en Sociología y Antropología especializada en analizar videojuegos desde una perspectiva de género, llama a la calma: “Creo que las personas que juegan a estos juegos están ya predispuestas a la violencia, la tienen normalizada. Un niño o adolescente, si no tiene esa ventana de tolerancia a la violencia muy abierta, accederá a un videojuego así, se asustará, y probablemente lo quitará”.

Por eso, prosigue, es tan importante controlar la violencia que “consume” la infancia, “para poder saber que nuestros hijos/as se van a asustar o que directamente no van a abrir esos juegos. Pero si Tiktok le está mostrando a un menor imágenes de muertos en no sé dónde, o si está viendo pornografía mainstream, esa ventana de tolerancia se está abriendo. No obstante, entre la pornografía y estos videojuegos hay un salto, una línea roja que cruzas, porque en la primera eres solo un espectador, pero en un videojuego eres tú ‘el que está violando’”. 

El Ministerio de Juventud e Infancia ha asegurado a este diario que “la Ley de Protección de Personas Menores de Edad en Entornos Digitales (en trámite en el Congreso) contempla la implementación de una herramienta de verificación de edad eficaz, cuyo incumplimiento puede suponer hasta multas de 2 millones de euros, que garantizará que los menores no puedan acceder a contenidos inapropiados como ultraviolencia o material pornográfico”. Esto, aseguran, aplicará a todas las plataformas online (también de videojuegos).

No es tanto el contenido, sino dónde se muestra

Pero lo alarmante de estos videojuegos no acaba con los menores de edad. La socióloga explica que lo que le parece especialmente preocupante es el hecho de que esta violencia sexual extrema se encuentre disponible en el “Netflix de los videojuegos”: “Para un adulto con una predisposición a este tipo de contenido violento, que sepa que hay ‘comunidad’ creo que es lo peor. Se puede interpretar que todo esto es algo ‘normal’”. No obstante, puntualiza que no hay que caer en tomar la parte por el todo y demonizar los videojuegos en general y los eróticos en particular ya que “no todos capitalizan esa violencia”.

Por otra parte, Steam sí tiene normas sobre lo que permite publicar y lo que no. Por ejemplo, no se pueden publicar narrativas que “promuevan el odio, la violencia o la discriminación contra grupos de personas por motivos de etnia, religión, género, edad, discapacidad u orientación sexual”. Tampoco está permitido que haya “imágenes de desnudos o sexualmente explícitas de personas reales”. 

La violencia contra las mujeres, en el mundo en el que vivimos, da dinero. El patriarcado y el capitalismo hacen un matrimonio perfecto

Aida Gallego-Márquez — Doctoranda en Sociología y Antropología especializada en videojuegos

Pero una de las que más llaman la atención es la siguiente, por su falta de concreción: “No está permitido publicar contenido claramente ofensivo o destinado a escandalizar, indignar o asquear al público”. Ante la pregunta de por qué cree que escenas de violaciones brutales no aplican a esta norma, Gallego-Márquez responde: “Porque la violencia contra las mujeres, en el mundo en el que vivimos, da dinero. El patriarcado y el capitalismo hacen un matrimonio perfecto”.

El lucrativo negocio de los videojuegos para adultos

Y es que los videojuegos para adultos no son algo exclusivo de Steam, sino que están por todo Internet (aunque, eso sí, el resto de las plataformas más conocidas no los distribuyen). Existen prácticamente desde que lo hace la industria de los videojuegos, pero fue a partir de 2018 cuando comenzaron a llegar a Steam.

Es imposible encontrar una cifra oficial acerca de cuánto dinero gana Steam con esta categoría de “solo para adultos”, pero sí que puede intuirse la demanda que hay al visitar el Top 50 de los creadores que más financiación recaudan de todo Patreon, una plataforma de crowdfunding (financiación colectiva). 

Según Petri Lankoski, doctor en Artes y uno de los académicos que más ha estudiado este nicho, el crowdfunding es la manera en la que una amplia parte de estos videojuegos se financian. En el momento en el que elDiario.es visitó la web, 7 de las 50 cuentas de Patreon más lucrativas se dedicaban a hacer videojuegos o animaciones “para adultos”, ganando decenas de miles de euros mensualmente. 

Los financiadores pueden influir en el desarrollo votando sobre qué misiones, tipos de escenas sexuales, fetiches o tipos de personajes aparecerán, o incluso llegando a diseñar una escena sexual para el juego

El modelo de financiación de Patreon ofrece a los desarrolladores una forma de monitorear de cerca los deseos de sus financiadores, que pueden influir en el desarrollo de diversas maneras: votando sobre qué misiones, tipos de escenas sexuales, fetiches o tipos de personajes aparecerán, o incluso llegando a diseñar una escena sexual para el juego, concluye uno de los estudios de Lankoski.

Un debate que está lejos de cerrarse

En 2025, una campaña impulsada por Collective Shout, un grupo activista australiano dedicado a combatir “la sexualización de niñas y mujeres” —vinculado con sectores cristianos conservadores— desembocó en la retirada de varios juegos pornográficos de Steam de violencia sexual extrema o incesto.

Pero no es la única polémica que ha tenido la plataforma. También el año pasado tuvo que retirar un videojuego que se vendía como un “simulador de sexo no consentido”. Ante las críticas, la firma creadora del mismo emitió un comunicado lamentando que “mucha gente confunda la realidad con la ficción” y pidiendo más apertura de mente hacia “los fetiches humanos que no hieren a nadie, aunque puedan resultar repugnantes”.

Todo sucedió a raíz de que las autoridades británicas exigieran que la plataforma lo retirase del catálogo disponible para usuarios del Reino Unido mediante presión política y mediática, alegando que dicho contenido era “ilegal en virtud de la legislación vigente”. Muchas personas han tachado a estos episodios de “censura” moral y/o religiosa. 

Sin duda, a mí esta idea de estos videojuegos me genera repulsión, pero que pudiera prohibirse o perseguirse penalmente me genera muchas dudas. Ello podría abrir la puerta a otros tipos de censura

Ana Valero — Jurista y autora de ‘La libertad de la pornografía’ (2022)

Ana Valero, jurista y autora de libros como La libertad de la pornografía (2022) o Una mirada cinematográfica hacia el consentimiento sexual (2025) comparte algunas reflexiones en este sentido: “Para mí, como jurista, sí, la línea roja para no caer en el puritanismo está en la censura moralizante. No existe un derecho a no sentirnos disgustados, ni alarmados, ni desconcertados. Sin duda, a mí esta idea de estos videojuegos me genera repulsión, pero que pudiera prohibirse o perseguirse penalmente me genera muchas dudas. Ello podría abrir la puerta a otros tipos de censura”. 

“Yo siempre he sido muy reacia a entender que hay conductas que producen un daño a la sociedad en su conjunto, porque es muy difícil demostrar un nexo de causalidad entre la conducta supuestamente dañosa y ese daño generalizado. Sobre todo cuando hablamos de ficción y siempre y cuando los usuarios sean personas adultas”, opina.

Este medio ha intentado contactar con Valve Corporation (Steam) para que dé su perspectiva sobre todo lo expuesto, pero no ha obtenido ninguna respuesta.

Aunque la adaptación con personajes reales de The Legend of Zelda no llegará a cines hasta el 7 de mayo de 2027, empiezan a conocerse algunos datos interesantes de la película inspirada en el popular videojuego. Hace unos meses, les pusimos cara a los que serán sus protagonistas: Benjamin Evan Ainsworth y Bo Bragason darán vida a Link y Zelda en la gran pantalla.

Y en los últimos días, también ha trascendido información sobre el rodaje. Aunque ya sabíamos que el largometraje iba a grabarse en Nueva Zelanda, no se sabía exactamente qué zonas del país se convertirían en el reino de Hyrule en esta ocasión. Hasta ahora. La película de Zelda ha rodado varias escenas en la región de Otago, incluyendo el pueblo de Glenorchy.

A los fans de El Señor de los Anillos es probable que les suene esta zona, pues algunos de los escenarios naturales más importantes de la trilogía dirigida por Peter Jackson se rodaron allí. Otago, situada en la isla sur de Nueva Zelanda, cuenta con una combinación de ríos y terreno montañoso que la hizo ideal para recrear la Tierra Media de J.R.R. Tolkien.

En las películas, esta zona del país sirvió para ambientar el Vado de Bruinen, por donde Arwen transportó a Frodo Bolsón mientras estaba herido, así como Isengard, la fortaleza de Saruman. Por su parte, la Reserva de Poolburn, también en Otago, se utilizó para representar las tierras de Rohan, específicamente las llanuras donde los Rohirrim vivían y donde se filmó el ataque de los orcos a la aldea en la película de Las Dos Torres.

Aquí destaca la naturaleza

A principios de los 2000, Nueva Zelanda se convirtió en la Tierra Media principalmente por una convicción de Peter Jackson, neozelandés de nacimiento. El país ofrecía paisajes naturales espectaculares, con montañas, valles, bosques, ríos, lagos y otros entornos muy poco alterados por el ser humano, lo que le venía de perlas al cineasta, que conocía perfectamente estos paisajes.

Jackson quiso aprovechar este potencial natural para darle autenticidad a la historia, algo que ahora también podría tener en mente Wes Ball, el estadounidense que dirigirá la adaptación de Zelda. La elección de Nueva Zelanda como escenario sugiere que Nintendo está trabajando para ofrecer una gran aventura épica llena de naturaleza que no dependa tanto de los efectos especiales generados por ordenador.

La película más reciente de Ball, El reino del planeta de los simios, recurrió en gran medida a estos efectos para dar vida a sus primates. Algunos creían que The Legend of Zelda seguiría un poco esta dinámica, pero el cineasta lo negó en 2024, al declarar que en este caso quería que la película se sintiera más “real” y “con los pies en la tierra”. De momento, no tenemos ni sinopsis ni tráiler del live-action, así que toca esperar para ver cómo se traduce esto a la pantalla.

Son tiempos de cambio para la industria de los videojuegos. Las empresas del sector se han percatado de que ya no se puede seguir estirando el chicle ante una realidad inaplazable: los peligros de los videojuegos de ahora no tienen nada que ver con los de antes y los padres están cada vez más preocupados. 

Es por ello que 2026 está trayendo consigo dos grandes anuncios en esta materia. El sistema europeo de clasificación de videojuegos por edad y contenido PEGI implementará en junio la mayor actualización desde su creación y Roblox, una de las plataformas de videojuegos más polémicas de los últimos años, avanza, por fin, hacia un mayor compromiso a la hora de proteger a sus usuarios menores de edad.

Los padres ahora también quieren saber cuánto tiempo van a estar jugando sus hijos, si van a hablar con desconocidos online, si van a gastar dinero…

Jennifer Wacrenier, gerente senior de Operaciones y Comunicación en PEGI

“Cuando se creó PEGI, todo el enfoque estaba centrado en el contenido de los juegos. En si había violencia, sexo, drogas o lenguaje soez. Sin embargo, ahora la preocupación se ha desplazado del contenido al contexto”, resumió este jueves Jennifer Wacrenier, gerente senior de Operaciones y Comunicación en PEGI S.A, en una jornada de reflexión organizada por la Asociación Española de Videojuegos.

“No es que el contenido no sea importante, pero los padres ahora también quieren saber cuánto tiempo van a estar jugando sus hijos, si van a hablar con desconocidos online, si van a gastar dinero…”, ha continuado. El organismo subirá la edad recomendada de los videojuegos que incluyan ciertas funcionalidades concretas, como algunos tipos de compras dentro del juego, sistemas de azar o comunidades en línea que no estén debidamente moderadas. 

Por su parte, Roblox —una plataforma que ha generado polémica por la existencia de incidentes reportados relacionados con acoso a menores por parte de adultos— a finales de 2025 implementó un sistema de verificación de edad mucho más estricto, que seguirán perfeccionando en 2026. “Si tienes nueve años, no deberías poder hablar con alguien de veinte”, ha explicado Sofia Gkiousou, directora de Asuntos Públicos de la compañía.

“¿Qué es lo que hace este sistema de verificación? Que si quieres usar las funciones de chat en Roblox, tendrás que pasar una estimación de edad facial diseñada para detectar si haces trampas. ¿Estás fingiendo? ¿Subiste una imagen de Al Pacino para hacerte pasar por un adulto...? El sistema verifica todo eso y te clasifica por edades: de 9 a 11 años, de 12 a 15, etc. Al entrar al juego, no puedes chatear con nadie que esté muy fuera de tu rango de edad”, ha profundizado.

Controles parentales cada vez más personalizables

Rosa Gil Bernabé, integrante del equipo de Relaciones Públicas de Nintendo España, señaló en el encuentro que, además de todas estas medidas que las compañías están implementando, las familias también han de hacer un esfuerzo por acercarse a este mundo: Creo que hay veces que les cuesta más entrar en el mundo de sus hijos cuando se refiere a videojuegos que cuando tiene que ver con películas, dibujos animados, cuentos. Necesitamos también cierta implicación por parte de los padres“.

Puedes establecer una restricción por edad, limitar las compras, o controlar cosas como el tiempo de juego

Rosa Gil Bernabé, integrante del equipo de Relaciones Públicas de Nintendo España

Además, ha recordado todas las maneras en las que las familias pueden intervenir en la configuración de su consola: “Puedes establecer una restricción por edad, limitar las compras, o acceder a la app Control Parental de Nintendo Switch, desde la que se pueden controlar cosas como el tiempo de juego o incluir un tiempo de descanso nocturno. También se puede recibir información sobre los juegos a los que juegan tus hijos o limitar el juego online”.

Tanto Roblox como Nintendo puntualizan que ninguna de las herramientas de seguridad que tienen son aún perfectas. “Siempre habrá margen de mejora. Perfeccionamos nuestras herramientas de seguridad a diario. El año pasado implementamos 150 mejoras. Es por eso que no solo contamos con una herramienta, sino que son muchas actuando a la vez”, expresaba Gkiousou. 

Desde PEGI, ha afirmado Wacrenier, esperan que los cambios que se van a implementar incentiven a los editores y desarrolladores a seguir aplicando controles estrictos en la fase de creación de los videojuegos. Pese a que 2026 podría actuar como un punto de inflexión, las grietas en cuanto a protección que tiene la industria —al igual que ocurre con las redes sociales— siguen siendo muchas (sobre todo en lo relativo a los juegos en línea) y suponen un verdadero reto.

2.400 euros. No es el precio de un ordenador de última generación o de una joya de oro, sino lo que cuesta un envase de plástico con forma de dinosaurio verde del tamaño de un cubo de palomitas. El estreno de la esperada secuela de Super Mario Bros., que vuelve a llevar a los cines el universo de la figura más famosa de Nintendo, ha desatado una auténtica locura por el palomitero de Yoshi, un objeto que ha pasado de ser un simple recuerdo para los fans a convertirse en el centro de una guerra de reventa.

Yoshi es uno de los personajes más entrañables del mundo de Mario Bros. El icónico compañero dinosaurio de Mario apareció por primera vez en el juego Super Mario World de 1990 y se ha convertido en uno de los más queridos de la exitosa franquicia, habiendo lanzado al mercado sus propias sagas como protagonista y participando en otras tan aclamadas como Mario Kart. No es de extrañar, por ende, que un palomitero exclusivo con forma de Yoshi haya despertado tanto interés entre los seguidores más acérrimos.

Sin embargo, el cubo de palomitas, que en España se ha vendido en cadenas de cine como Yelmo o Cinesa por un precio de 40 euros, no ha tardado en agotarse y empezar a revenderse por cientos o incluso miles de euros en plataformas como Wallapop, eBay o AliExpress. Esto ha sido a consecuencia de que, como Yelmo ha afirmado a través de su cuenta de Instagram, “puedes hacerte con tantas unidades como quieras con tu entrada”. Los palomiteros se pusieron a la venta el miércoles 1 de abril, el día de estreno de la película.

Desde entonces, conseguir uno de estos cubos de palomitas se ha vuelto toda una proeza, sobre todo porque hay quien se ha hecho con cientos de ellos con la única intención de venderlos después a un precio más alto. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, destaca que esto “es algo habitual cuando son ediciones muy limitadas”, pero que no sería un fraude mientras que nadie se invente que solo existen cinco unidades como esa en el mercado. “La cuestión es si encuentras a alguien dispuesto a pagar ese pastizal, igual que hay quien puede pagar decenas de miles de euros por un cómic de los años 50 de Superman”, explica.

En esta ocasión, sin embargo, se da la circunstancia de que no se trata de un producto histórico lanzado hace varias décadas, sino que acaba de salir al mercado e inmediatamente se agota. “Eso provoca que, precisamente por el funcionamiento de la ley de la oferta y la demanda, quienes han podido ya tener uno lo estén vendiendo a un precio que puede ser a ojos de mucha gente disparatado”, argumenta Sánchez a elDiario.es, que insiste que “no habría ilegalidad de por medio”.

La única reventa de un particular donde está regulada su prohibición es en las entradas de eventos, como puede ser un concierto, pues no se permite la reventa física en la calle. “A nivel de internet está pendiente de aprobarse una ley por la que se prohibirá la reventa lucrativa; es decir, la reventa donde le incluyas un margen de beneficio, que no afectará a la reventa de entradas por el mismo precio cuando alguien se pone malo y no puede ir al evento”, cuentan desde de Facua-Consumidores en Acción. No obstante, esto sigue sin aplicarse a los objetos de coleccionistas.

Los revendedores, al acecho del fenómeno fan

“Estamos hablando de un mercado libre. Esto es como si te compras un Van Gogh en una subasta porque tienes dinero y luego lo intentas vender al doble”, comenta Sánchez. “Un Van Gogh es único, pero cuando se trata de un producto del que ha habido 3.000 unidades en el mercado y de repente desaparecen de la venta y son particulares o tiendas las que quieren revenderlo, tampoco hay ningún problema en que se revenda mucho más caro. No hablamos de un servicio público, de un producto de precio regulado”, agrega, especificando que, de haber algún conflicto, podría haberlo “entre empresas, pero no de cara al consumidor”.

La alta demanda provocada por los palomiteros ha sido objeto de polémica en redes sociales. “Especulador de Yoshis que debe de ir a la cárcel”, reza la biografía de TikTok de un usuario llamado Rubén, que ha publicado varios vídeos en la aplicación con muchísimos de estos cubos. “A ver si pasamos menos tiempo revendiendo y más haciendo un currículum”, le ha respondido Inés. Quien también ha comentado es un usuario llamado Mente Millonaria, en su caso dando las “gracias” a Nintendo: “Compré cuatro y los vendí en dos días por más del doble”.

Rubén ha especificado en la sección de respuestas, donde le han llovido las críticas, que no trabaja en ningún cine. “Solo fui a un cine y pregunté si vendían, me dijeron que sí. Yo dije: '¿Cuántos tienen?'. Y así empezó”, ha indicado el usuario, que también ha señalado que ha vendido 89 unidades y que ya no le quedan más. Asimismo, hubo quien persiguió a diferentes empleados de un cine de México para grabarlos tras negarle la compra de este producto por no ser socio. Este hombre arrancó hojas del mostrador y acusó al personal de que lo estaban “discriminando” e “infringiendo la ley”, como se aprecia en un vídeo que ahora es viral en redes sociales.

Desde Facua-Consumidores en Acción resaltan que una empresa puede decidir cómo y a quién vender este tipo de producto. “Ahí realmente no estamos hablando de un bien de consumo habitual, como sí lo sería si vendieras refrescos o palomitas a personas que tengan un tipo de entrada y al resto no se los vendes. En este caso no estamos hablando de un establecimiento abierto al público que está ejerciendo una limitación en el derecho de admisión desproporcionada”, apunta Rubén Sánchez, ya que se trata de “reunir unos requisitos para poder acceder a un determinado tipo de producto”.

“Al igual que un banco puede decidir que los clientes que tengan unos requisitos podrán acceder, por ejemplo, a un tipo de interés del 2% en remuneración de su cuenta, pero para ello está condicionado a que hayan depositado tanto dinero o a que tengan domiciliada la nómina, aquí sucede lo mismo”, insiste Sánchez, declarando que es posible vender este producto exclusivo solamente a quien sea socio o, por ejemplo, a quien haya comprado más de diez entradas a lo largo del último mes, si así el cine lo desea. Seguiría sin cometerse una ilegalidad independientemente de que sea o no moral hacerlo.

Unas cifras de taquilla espectaculares

El fenómeno de los cubos de palomitas no se limita a esta película, pues en 2024 el palomitero de Dune ya inspiró memes y hasta un sketch del Saturday Night Live. Más allá del éxito del cubo de palomitas de Yoshi, las cifras de taquilla de Super Mario Galaxy también son un enorme triunfo, arrasando como ya hiciera la primera película a pesar de las malas críticas por parte de la prensa especializada. El filme ha logrado recaudar 372,5 millones de dólares durante sus primeros cinco días en cines en todo el mundo y se ha convertido en el mejor estreno del año tanto en EEUU como internacionalmente.

Además, la franquicia ha hecho historia al ser la primera animada en tener dos debuts por encima de los 350 millones de dólares. La entrega inicial acumuló unos ingresos mundiales de 1.360 millones de dólares, por lo que aún queda pendiente ver si su secuela es capaz de alcanzarlos. Lo que parece evidente es que superará con creces la marca de los mil millones, toda una hazaña cuando el presupuesto ha sido de unos 100 millones de dólares.

En España, Super Mario Galaxy se ha adjudicado el segundo mejor miércoles de estreno de la historia en España, así como el segundo mejor estreno para una película animada, solo por detrás de Del revés 2. En total, más de 625.000 espectadores acudieron el pasado miércoles a las salas, provocando la mayor asistencia al cine desde julio de 2023, cuando coincidieron en cartelera Barbie y Oppenheimer. La cinta ha hecho en su primer día más de 2,5 millones de euros de recaudación, superando así la taquilla del primer día de Torrente, presidente, que se quedó con 2,4 millones de euros.

Los videojuegos Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2 son sendas obras maestras del medio. A decir verdad lo son dentro de una franquicia a la que le sobran las obras maestras, pero igualmente hay que rendirse a su apabullante diseño de niveles, a sus virtuosas mecánicas y a las variaciones milimétricas que mueven a pensar que ambos están compuestos de múltiples videojuegos (y todos buenísimos). El díptico Galaxy arrastra por lo demás otra particularidad, y es su poderosa resonancia histórica: fueron publicados entre 2007 y 2010, inseparables de un contexto amedrentador. Una crisis económica mundial. Una crisis que Nintendo se las apañó para esquivar.

Las ganancias responsables de este logro, en rigor, le pertenecen más al exitoso lanzamiento de la Wii —y a las experiencias directamente derivadas en forma de Wii Sports o Wii Fit— que al fontanero, pero como en esta etapa pocas obras rivalizaron con la excelencia de los Galaxy el titular sigue siendo tentador: Super Mario Galaxy simbolizó la resistencia del videojuego (como medio e industria) a las fuerzas de declive neoliberal que espolearon la Gran Recesión. De ahí que fuera inevitable sentir cierto resquemor cuando, tiempo después, se cumplían 40 años del nacimiento de Super Mario durante un Nintendo Direct, y a la compañía nipona no se le ocurría otra cosa para celebrarlo que anunciar un remaster de los dos Super Mario Galaxy para Switch y Switch 2. 

También se anunciaba una película basada en los susodichos Galaxy. El remaster, de hecho, obedecía a su existencia. Y resultaba descorazonador. En lugar de anunciar un nuevo Mario, uno que intentara ser tan revolucionario como los Galaxy, Nintendo se complacía en abrillantar su trato con Illumination, confirmando la obligada secuela de Super Mario Bros. La película. Este es, entonces, el objetivo de Super Mario Galaxy: La película, adaptar dos catedrales absolutas del videojuego, y tratar de responder nuevamente a la temible pregunta: ¿cómo hacer algo así sin hacer el ridículo? ¿Sin demostrar, a cada minuto de metraje, que es una misión abocada al fracaso?

Illumination y Nintendo, condenadas a entenderse

Difícilmente podríamos argumentar, por otro lado, que la anterior película de Super Mario fuera eso, un fracaso. Sobre todo si lo comparábamos con lo que había sucedido en los años 90, con aquella delirante película en acción real que, al tiempo de inaugurar la tradición de adaptaciones cinematográficas de videojuegos, también las condenaba a aplazar por unas cuantas décadas el punto en que estas pudieran cuajar y gustar al público. Es lo que hizo Super Mario Bros. La película. Ganó 1360 millones de dólares. En 2023, solo Barbie pudo superar su recaudación.

Ante la euforia de todas esas masas que gozaron con Super Mario Bros., hablar de fracaso se antoja una tontería. Sin embargo, y puesto que en buena medida Super Mario Galaxy calca su plantilla a la hora de acercarse a estos videojuegos de plataformas, mínimo habría que estudiar cómo es esa plantilla. Y en ese sentido podríamos proponer que la clave del triunfo estuvo en asociarse con Illumination. Illumination y Nintendo sin duda se entienden. ¿Incluso se parecen un poco?

En sus respectivos campos de cine animado y videojuegos —y frente a las desiguales aspiraciones de la amplia competencia—, Illumination y Nintendo se contentan en líneas generales con tener al público infantil como destinatario. Con diseñar juguetes, juguetes con la capacidad de dejar hipnotizados a los críos gracias a estímulos poderosos y chillones. Illumination hace películas baratas, de animación no demasiado pulida (de hecho la subcontrata a una empresa de Francia), que fundamentan su impacto en el colorido y el humor tan bobalicón como, sobre todo, veloz. 

La velocidad resulta determinante si nos acercamos a Super Mario: su impacto se fundamenta en que todo vaya rapidísimo. En el movimiento constante, en resumen, que fue lo que más quiso respetar el primer film animado de Super Mario. El argumento era tan idiota como el que nos habíamos ido encontrando en los juegos, una mera excusa para empezar a moverse. Solo cuando esta síntesis era traicionada atisbábamos ciertas grietas. Grietas atribuibles a la propia Illumination como hogar de Gru y los Minions (la música licenciada para gustar a los padres, por ejemplo), pero también a nociones más amplias que nos hablaban de un momento industrial concreto.

Este momento industrial es muy distinto al de hace 15 años. Sin necesidad de entrar en si las cosas van algo mejor para el videojuego —lo cierto es que no, y los múltiples despidos y estudios cerrados son solo una muestra—, desde luego nos topamos con un entramado corporativo tan dado a la expansión como a la estandarización. Esto es, que cada vez puede haber más empresas distintas trabajando, pero con una coordinación perfecta que ahogue las fricciones capaces de volver a impulsar, por ejemplo, algo como la película de Super Mario de los 90. Este entramado facilita cosas estilo las series de The Last of Us y Fallout, o las películas de Uncharted y Super Mario. 

Es decir, productos homogéneos. Ninguno está lo que se dice bien, pero ninguno está demasiado mal. Se impone una estética aglutinante, reconocible de cabo a rabo —basta verse seguidos los tráilers de las últimas versiones de Vaiana y Harry Potter para hacerse la idea más ajustada y apocalíptica del asunto—, que favorece la transformación de los productos en anuncios simultáneos de otros productos. Escaparates que explicarían, tanto en Super Mario Bros. como en Super Mario Galaxy, la dócil afloración de cameos y guiños a varios rincones de la franquicia.

Super IP Galaxy

No es que Illumination haya incorporado esto a Super Mario. Hasta cierto punto, de hecho, podríamos darle a Nintendo la responsabilidad de haber avanzado los Universos de Propiedades Intelectuales a finales de los 90, con el inicio de la saga Super Smash Bros. Fue Nintendo —antes que Fornite o La LEGO Película— la primera que reunió a buena parte de sus licencias para combatir, entendiéndose a sí misma como un catálogo de personajes e historias intercambiables. Ante la frustración que entraña encontrarse con tantas referencias en las películas de Super Mario, la gente de Illumination bien podría replicar que solo se ciñen a las enseñanzas de Nintendo.

Y sería un buen argumento. Galaxy añade al adorable Yoshi para acompañar a los personajes principales (Mario, Luigi, Peach y Toad) mientras Bowsy intenta liberar a su padre y dominar la galaxia, combinando las sinopsis de Galaxy y el previo Super Mario Sunshine (donde debutó este hijo de Bowser). Hasta ahí todo bien. El caso es que la secuela también añade escenarios y motivos de otro prestigioso título de la saga como es Super Mario Odyssey —acaso avanzando que la tercera entrega, seguramente ya en preproducción, se titule justo así—, y a personajes como Fox McCloud en calidad de Han Solo: el protagonista de una saga de los 90, Star Fox, que los chavales de hoy día difícilmente reconocerán a menos que se lo hayan pedido en el Smash Bros.

Así con todo. Super Mario Galaxy es otra película-escaparate, donde a cada rincón hay una referencia a un juego previo con el que seguramente disfrutaste mucho más que viendo este artefacto, pero con el que de todas formas es grato reencontrarse. La prioridad es ampliar el escaparate todo lo posible y eso va en detrimento de cualquier narración mínimamente funcional, así que añadiendo la comedia marca de la casa —mucho más sarcástica que la vista en las consolas porque al fin y al cabo hablamos de un equipo mayoritariamente estadounidense—, ya tenemos todas las piezas para conseguir un nuevo film IP que arrase en taquilla. 

Todo es de lo más previsible y continuista de forma que, aceptando que esto es lo que hay, quepa divisar algún consuelo. La irritante radiofórmula boomer —que nos condenaba en Super Mario Bros. a escuchar a AC/DC o A-ha— ha sido completamente sustituida por los inmortales temas de Koji Kondo, debidamente editados para que suenen como Hans Zimmer, pero reteniendo parte de su belleza. Eso que nos llevamos. Y, además, hay un abandono más contundente al movimiento por el movimiento, coreografiado en varias tomas continuas para hacer brillar lo que definió en primer lugar a todos estos personajes. Sus saltos, sus esquivas, sus vuelos.

Fueron los verbos que nos enamoraron durante años de los videojuegos de Super Mario, y de lo que aquí se trata simplemente es de verlos impresos desde una distancia nostálgica. Puede ser agradable, por qué no. Porque aquí ya nadie engaña a nadie y de lo que se trata es de ofrecer una experiencia cuidadosamente delimitada, que no deje poso alguno ni fuerzas para ofrecer una opinión enfática. Porque para qué, qué sentido tendría. Si tanto se habla hoy de “consumir” obras culturales ha de deberse a artefactos como el que nos ocupa, que difícilmente vamos a encontrar más pulidos y depurados en otra parte. He aquí el grado cero, el patrón oro, del producto de consumo. 

Salió en 2011, pero Minecraft está más vivo que nunca. Su éxito no solo queda reflejado en los más de 13 millones de usuarios que entran diariamente a jugar, sino también en la cantidad de productos inspirados en el videojuego que se han lanzado en los últimos años. La última gran apuesta fue Una película de Minecraft, el largometraje basado en la estética del MMO que se estrenó en 2025.

Durante un tiempo, llegó a ser la producción de Hollywood más taquillera del año, un puesto que a solo un mes de su estreno le fue arrebatado por el live-action de Lilo & Stitch. Al final, 2025 acabó con un ranking totalmente diferente: Ne Zha 2: El renacer del alma, Avatar: Fuego y cenizas y Zootrópolis 2 fueron las tres películas que más recaudación consiguieron el año pasado.

Pero a Una película de Minecraft no le hizo falta acabar en la cabeza del podio para dar que hablar. La adaptación con personajes reales demostró que el videojuego de Mojang Studios seguía generando interés a nivel global, y ahora el estudio ha anunciado su próximo gran proyecto basado en este universo en el que los jugadores colocan y destruyen bloques para sobrevivir.

Se trata de Minecraft World, un parque temático ubicado en Chessington World Adventures, a apenas una hora del centro de Londres. El proyecto será resultado de la colaboración entre Mojang Studios y Merlin Entertainments, responsable de otros parques temáticos como Legoland y, si todo sale bien, abrirá sus puertas en 2027, aunque todavía no hay una fecha concreta de apertura.

“Inspirado en los biomas, criaturas y objetos más emblemáticos del juego, Minecraft World traerá el videojuego más vendido de todos los tiempos al mundo físico por primera vez en un gran parque temático”, compartió la organización al dar a conocer la noticia. El parque contará con atracciones inspiradas en este mundo, incluyendo una montaña rusa, aventuras interactivas y escenarios del juego a gran escala, además de tiendas y restaurantes temáticos.

Coincidirá con el estreno de la secuela

La apertura de Minecraft World coincidirá con el estreno de la secuela de Una película de Minecraft, que también llegará a los cines el año que viene (23 de julio de 2027). La última novedad de esta segunda parte es que Kirsten Dunst, protagonista de Spider-Man y Civil War, se incorporará al reparto del largometraje para interpretar al personaje de Alex.

Sin embargo, el parque temático no se basará en estas adaptaciones cinematográficas, sino que se inspirará de manera directa en el producto original. “No han tomado los decorados de la película ni nada por el estilo. (...) Pensaban en cómo se vería el videojuego y luego cómo sería ese modo de juego en la vida real. [Los visitantes] Descubrirán una experiencia única e inmersiva que da vida a lo que querrían ver si pudieran entrar en un mundo real de Minecraft y experimentar la gravedad, la física y el olor de los diferentes biomas”, ha explicado Kayleen Walters, directora de Mojang Studios y desarrollo de franquicias de Microsoft Gaming.

El primer tuit se publicó el 29 de agosto de 2019: “Eres la típica malfollada a la que nunca le han dado polla”. Lo que siguió fue un aluvión de mensajes durante cuatro años para “humillar”, en palabras de la Fiscalía, a una experta en videojuegos, conocida por denunciar las actitudes machistas del sector. El acusado se sienta en el banquillo este miércoles.

La Audiencia de Barcelona escuchará a una víctima de una realidad que no suele verse en una sala de vistas en España: el acoso machista de un incel a una mujer del sector de los videojuegos. Originaria de Estados Unidos, la comunidad incel está formada por hombres jóvenes y machistas que culpan a las mujeres de su falta de relaciones sexuales.

Como toda comunidad de Internet, pero guiados por el odio a las mujeres, los incels han construido un lenguaje propio. Algunas de estas expresiones se encuentran en los mensajes que el joven acusado profirió a la denunciante entre 2019 y 2022, e incluso los nombres de las cuentas que usaba, tal y como relata el abogado de la víctima, Daniel Amelang, en su escrito de acusación.

“El mundo del videojuego todavía sigue siendo parte de una tecnocultura machista tóxica muy fuerte, y el hecho de que empiecen a llegar mujeres les genera un rechazo muy fuerte y se coordinan para echarlas”, explica la filósofa de la tecnología e investigadora Eurídice Cabañes.

El joven está acusado de enviar, al menos, 13 mensajes en Twitter y 14 a través de Instagram a la víctima. De culpar a la denunciante del coronavirus se pasa a una escalada en la agresividad de los mensajes, con referencias explícitas a violarla o dejarla embarazada. También se arremete contra el feminismo de la denunciante y sus críticas al sesgo machista de algunos videojuegos.

Entre los términos empleados en los mensajes, se encuentran palabras habituales de los incels, como “cucks” (cornudos en inglés, pero que esta comunidad emplea para describir a los hombres que apoyan políticas igualitarias); “chad” (ejemplo de hombre atlético que despierta el deseo en las mujeres); “kek” (una forma de reírse); “alfa y beta” (la diferenciación entre hombres dominantes y sumisos); o “golden” (la referencia incel para describir el equilibrio entre dos personas).

La violencia que recibió la denunciante no fue solo verbal: el acusado también envió una fotografía de su pene sin el consentimiento de la experta en videojuegos.

La Fiscalía no tiene dudas: a través de sus mensajes públicos y privados, el acusado pretendió “menoscabar la dignidad” y “denigrar” a la denunciante “y a las mujeres por el mero hecho de serlo”, además de perjudicarla en el ejercicio de su profesión. El Ministerio Público solicita dos años de cárcel para el acusado por un delito de incitación al odio o bien por el delito de acoso y una indemnización de 3.000 euros.

La acusación particular de la víctima eleva la petición de pena a tres años de cárcel por un delito de odio por motivos misóginos y otro de acoso, además de una indemnización de 20.000 euros. La denunciante, recalca el abogado Amelang, se vio “vejada de forma grave y sostenida en el tiempo” ante toda la comunidad gamer por parte del acusado, y tuvo que contactar con la entidad Fembloc, de lucha contra las violencias digitales.

Las consecuencias para la denunciante fueron severas: se vio obligada a reducir su presencia en redes y a desactivar los mensajes privados, y tampoco participó en medios de comunicación tradicionales “para llamar menos la atención y minimizar el riesgo de que continuara el acoso”, sostiene su abogado.

Lo ocurrido a esta experta en videojuegos llega a un juicio, pero el acoso digital es una realidad para muchas mujeres jugadoras. Así lo expone el último estudio sobre diversidad en el videojuego en España de la asociación cultural Arsgames, del que Cabañes fue una de sus autoras: el 59% de las jugadoras ocultan su género para evitar el acoso, y el 77% lidian con comportamientos no deseados.

Todo ello pese a que en 2024, por primera vez, las mujeres representaron la mayoría del público jugador en España, alcanzando los 11,1 millones, un 50,5% del total tras un crecimiento del 77% desde 2019 en el número de jugadoras, según el estudio.

Cabañes recuerda la “responsabilidad” de las empresas a la hora de atajar los acosos machistas en el videojuego. “Igual que no se nos ocurriría permitir a un restaurante actitudes sexistas, tampoco pueden ocurrir en el espacio digital”, destaca la experta, que lamenta que algunos juegos que todavía no cuentan con formas de protección contra el acoso.

La experta pone como ejemplo lo ocurrido con el Gamergate, la campaña de ciberacoso machista de hace una década a distintas mujeres en la industria de los videojuegos, que perdió peso durante unos meses pero cuyos métodos fueron “precursores” de ataques como el asalto al Capitolio de EEUU. “El videojuego es un campo de innovación donde se puede redirigir a los hombres que ya son misóginos para que pasen a la acción”, resalta Cabañes.

La capital asturiana se convertirá este mes en una 'cumbre' de la cultura fan y digital. Más de un centenar de creadores de contenido y profesionales que suman la astronómica cifra de 102 millones de seguidores en plataformas digitales participarán en el 'FanMedia Con' que, en esta primera edición, se desarrollará en el Palacio de Exposiciones y Congresos Ciudad de Oviedo.

Sus organizadores reconocen que es una cifra inédita en un evento cultural celebrado hasta la fecha en España, por lo que todas las miradas se dirigirán hacia el conocido popularmente como “edificio Calatrava” que debe su nombre al arquitecto que lo diseñó.

Cultura 'geek'

El festival integra entretenimiento, divulgación, cultura 'geek' y pop, cine, música, arte, 'gaming' y gastronomía y servirá para abrir aún más al turismo el Principado de Asturias y posicionar a la ciudad como sede de grandes eventos culturales y digitales, además de ser un reclamo turístico.

Una oportunidad que los representantes tanto del Gobierno asturiano como del Ayuntamiento de Oviedo no van a pasar por alto.

Creatividad

Esta mañana se ha llevado a cabo la presentación oficial del 'FanMedia Con' y entre las autoridades presentes se encontraban el director general de Reto Democráfico del Gobierno de Asturias, Marcos Niño, y el concejal al frente del área de Hostelería, Turismo y Congresos, Alfredo García Quintana. Ambos han intervenido en el acto.

“Eventos como este sitúan a Asturias en esa conversación global que se mueve en redes y comunidades digitales y refuerzan la imagen del Principado como un territorio dinámico, innovador y abierto a la economía del talento y la creatividad”, ha asegurado Marcos NIño.

El patrimonio del 'Paraíso Natural'

El director general ha resaltado que esta iniciativa, que se celebra en plena temporada baja, convierte Asturias en un gran escaparate al tener lugar ante audiencias de 102 millones de personas.

“Es una oportunidad -ha señalado- para que quienes siguen a estos creadores conozcan también nuestra gastronomía, nuestro patrimonio y todo lo que hace único al Paraíso Natural. Iniciativas como esta diversifican la oferta, conectan con nuevos públicos y contribuyen a generar actividad durante todo el año, en línea con nuestra estrategia turística”.

Eventos como este sitúan a Asturias en esa conversación global que se mueve en redes y comunidades digitales y refuerzan la imagen del Principado como un territorio dinámico, innovador y abierto a la economía del talento y la creatividad

Marcos Niño — Director general de Reto Demográfico del Gobierno de Asturias

La oferta

Alfredo García Quintana no ha quedado atrás a la hora de dar la bienvenida a eventos que atraen a la capital asturiana a miles de personas, lo que representa un aliciente importante.

“Este tipo de iniciativas ponen en valor nuestra firme apuesta por atraer turismo que se identifique con nuestra ciudad y nuestros valores, diversificar nuestra oferta cultural y consolidar Oviedo como un destino moderno, dinámico y abierto a las nuevas tendencias culturales”, ha asegurado.

La innovación y el talento joven

El concejal destaca la propuesta innovadora que representa 'FanMedia Con' y que viene a reforzar el compromiso municipal con la creatividad, la innovación y el talento joven.

Además, opina que este tipo de eventos contribuye a posicionar a la ciudad como referente en el ámbito cultural y digital a nivel nacional, y permite avanzar en la desestacionalización turística, uno de los objetivos estratégicos del Ayuntamiento de Oviedo.

Estas citas no solo proyectan la imagen de la ciudad, sino que también generan oportunidades reales de crecimiento y desarrollo para nuestra economía local. Es una apuesta decidida por una iniciativa que sabemos que se convertirá en referente nacional en este ámbito

Alfredo García Quintana — Concejal de Hostelería, Turismo y Congresos del Ayuntamiento de Oviedo

Un referente nacional

“Estas citas no solo proyectan la imagen de la ciudad, sino que también generan oportunidades reales de crecimiento y desarrollo para nuestra economía local. Es una apuesta decidida por una iniciativa que sabemos que se convertirá en referente nacional en este ámbito”, explica el edil.

'FanMedia Con' está impulsado por el asturiano Julio Fernández (Pola de Lena, 1987), conocido en redes sociales como 'The Corvus Clan', que acumula más de ocho millones de seguidores entre todas las plataformas y se ha convertido en uno de los perfiles más influyentes del ecosistema 'gaming' en español.

La identidad

Para 'The Corvus Clan' este evento va a ser muy especial, no solo porque juega en su tierra, sino que para él también supondrá hacer realidad un proyecto muy especial: “Quienes formamos parte de la organización vivimos la cultura fan como parte de nuestra identidad y creemos firmemente en su capacidad para conectar a las personas. Poder reivindicarla y compartirla con el público -dice- es uno de los grandes objetivos de FanMedia Con”.

El creador de contenido y comunicador Daniel Fez, con más de tres millones de seguidores en TikTok y más de un millón en Instagram, ejercerá como maestro de ceremonias del festival, aportando su estilo personal y capacidad de conexión con el público a una programación que combina formatos exclusivos, contenidos inéditos, shows y experiencias participativas.

Daniel Fez considera que este evento “brinda la oportunidad de conectar cara a cara con nuestras comunidades, compartir nuestras creaciones y celebrar juntos cómo la cultura digital y la cultura fan transforman la manera en que vivimos, creamos y disfrutamos el entretenimiento”.

Divulgación digital

La divulgación ocupa un lugar central dentro de la programación. Entre los divulgadores confirmados se encuentra 'Doctor Fisión', una de las cuentas de divulgación científica en español más seguidas del mundo, con más de 10 millones de seguidores; 'Lechero Fett', divulgador especializado en actualidad e historia con casi 3,5 millones de seguidores; 'El Cubil de Peter', canal centrado en divulgación histórica y militar con cerca de 1,2 millones de seguidores; 'The Valkyries Vigil', historiadora y divulgadora especializada en cultura nórdica y vikinga con casi 140.000 seguidores; y 'SizeMatters', referente en divulgación científica y nanotecnología, conocido por vincular ciencia y universos 'geek'.

Las sesiones abordarán la ciencia detrás del cine y la televisión, la historia real que inspira universos fantásticos y el papel de la divulgación en la cultura pop contemporánea.

 'Gaming' y 'eSports'

Los organizadores han destacado al videojuego como uno de los grandes ejes del festival, con la participación de algunos de los creadores más influyentes del panorama digital como 'Nexxuz', referente internacional vinculado al universo 'Ark: Survival Evolved' con más de 13 millones de seguidores; el colectivo 'Los Arkeanos', uno de los grupos más reconocibles del panorama gaming nacional, con cerca de un millón de seguidores; 'Tanizen', streamer especializado en GTA V Roleplay y creador con más de un millón de seguidores; y 'Churches', creador centrado en Grand Theft Auto V, seguido por 2,7 millones de personas.

Junto a ellos participarán SrSerpiente, con 800.000 seguidores; Catacroquer, con 700.000; y Elopi23, con 375.000 seguidores. La zona 'gaming' contará con torneos de 'eSports', experiencias inmersivas, cultura retro, consolas clásicas, juegos AAA y dinámicas como 'Beat the Pro'.

De los juegos de mesa a la gastronomía

El universo del juego se amplía con una zona dedicada a juegos de mesa, rol y 'wargames', con partidas abiertas, demostraciones y la participación de comunidades especializadas, reforzando el carácter intergeneracional del evento.

La gastronomía se consolida como una de las áreas más experienciales del festival. Participarán creadores gastronómicos como 'Cenando con Pablo', con 1,8 millones de seguidores; Sandra Gómez Yugueros, creadora del proyecto 'Saltando la Dieta', con más de 500.000 seguidores; 'Denis Diazzzz10', con 150.000; y 'Paisano con Bigote', con 140.000 seguidores.

Junto a ellos, el área contará con chefs reconocidos como Xune Andrade, chef con estrella Michelin, y Casa Belarmino, representada por Ramona y Juan Luis, distinguida con Sol Repsol, integrando alta cocina y cultura fan en un formato lúdico y participativo.

Cine, música y arte

El área de cine, música y arte amplía la experiencia del festival con conciertos, cine y encuentros con profesionales de la industria audiovisual. La música tendrá uno de sus momentos centrales con el concierto sinfónico de la Orquesta de la Fundación Filarmónica de Oviedo, dedicado a grandes bandas sonoras del cine, además de las actuaciones de MeryLauren, con repertorio inspirado en el universo Disney y el anime, y Sir Teclas, que fusiona piano, tecnología y videojuegos en directo.

El área cinematográfica contará con la participación de Franco Carlesimo, Rafa Zabala, especialista en efectos visuales y ganador de un premio Emmy; Dany Ramos, especialista de acción y 'stuntman' en producciones del universo Marvel; Pepe Mora, artista de maquillaje y efectos prácticos ganador de un Emmy por su trabajo en 'The Mandalorian'; y Carolina Jiménez, profesional de VFX con experiencia en 'Man of Steel 'y 'The Hobbit'.

Plataforma 'FanMedia'

La agenda completa del evento ya está disponible en la plataforma FanMedia, que conecta la experiencia presencial y digital antes, durante y después del festival y ya está en marcha el primer sorteo del festival, con un premio valorado en 10.000 euros, reforzando la implicación activa de la comunidad.

El acto de presentación de la primera edición de FanMedia Con ha contado además con la asistencia de algunos de los principales creadores de contenido, muchos de ellos asturianos, que suman millones de seguidores, como 'Serebo9', David Rionda, 'Jartoka', 'Diazzzz10', 'Edrian.exe', 'Asturias Esencia Folixera', 'Saltando la Dieta' y 'Borjín El Mago', además de varios cosplayers.

Las previsiones del impacto

'FanMedia Con' aspira a situar a Oviedo como uno de los nuevos puntos de referencia de la cultura digital en España, con impacto cultural, turístico y económico para la ciudad.

Los organizadores resaltan que más allá de las fechas presenciales, este evento se articula como “un proyecto con continuidad a lo largo del año”, situando a la capital asturiana como sede de una de las citas más ambiciosas de la cultura fan y digital contemporánea en España.

'FanMedia Con' está organizado por 'TheCorvusClan S.L.' y cuenta con Oviedo -Origen del Camino- como patrocinador principal y Principado de Asturias y Grupo Adarsa-Mercedes Benz como patrocinadores oficiales. Las entradas ya están disponibles a través de la plataforma FanMedia Con y de www.vivaticket.es. 

“Se traspasa o se alquila”. Así de frío es el mensaje que se puede leer desde hace algunos días en el escaparate de un comercio de la localidad sevillana de Utrera. No dejaría de ser un mensaje más en un comercio más que quiere cambiar de manos empresariales por distintas razones, pero tras ese cartel hay mucho más. Porque cuando ese local cierre sus puertas quedarán atrás más de 30 años de historia de su actividad empresarial y, al mismo tiempo, se cerrará una página de una forma de disfrutar el ocio que no tiene camino de vuelta: llegar a casa con una película para ver tranquilamente tras haberla alquilado en un videoclub.

Sí, el cierre de este comercio, ‘Videoclub Consolación’, conlleva decir adiós al último lugar para alquilar películas que quedaba en la provincia de Sevilla, y también se van tachando casillas en la lista de estos lugares en el territorio español.

No hay datos concretos de cuántos videoclubs quedan en activo en los 9.000 municipios y ciudades españoles, pero una respuesta a esa pregunta por parte de la Inteligencia Artificial cita que hay entre 200 y 300 locales operativos (cifras de 2023), mientras que en 2005 eran 7.000. Son datos recogidos de la Asociación Nacional de Empresarios Mayoristas del Sector Videográfico (Anemsevi), entidad que tiene entre sus fines el sostenimiento de una ventana de exclusividad para el alquiler videográfico, y colaborar con la Federación Antipiratería en la lucha contra la venta de copias ilegales y las descargas realizadas de Internet, así como por el desarrollo y consolidación de una legislación que proteja de un modo efectivo al sector videográfico frente a los que delinquen.

Pero no ha sido la piratería la que ha terminado con estos negocios, sino internet. Eso y que por poco más de cinco euros al mes se puede tener en casa una plataforma que ofrezca centenares de títulos sin necesidad de salir a la calle a buscar el DVD o el Blu-Ray. Con todo añadido, el próximo 31 de marzo, María del Rosario Lobo y su marido, Antonio Castejón, cerrarán el negocio que abrieron en 1993, el último videoclub que quedaba en los 106 municipios de la provincia sevillana.

“La gente esperaba en la calle a que hubiese hueco para entrar”

Por eso, entrar en su local de la calle Santiago Apóstol de Utrera, en un barrio de gente trabajadora nada más entrar en el pueblo desde Sevilla capital, es como meterse en el Roxy, el local que Joan Manuel Serrat recuperó para siempre en una canción, en la que contaba cómo cuando cerró ese cine en 1969, los protagonistas de sus películas siguieron recorriendo sus pasillos, en lo que después se convirtió en un banco. “Echaban NO-DO y dos películas de esas que tú detestas y me chiflan a mí, llenas de amores imposibles y pasiones desatadas y violentas”, cantaba Serrat. Ahora, en un local de unos 70 metros cuadrados, el 'Videoclub Consolación' se prepara para que sus propios fantasmas del celuloide recorran sus losetas cuando el 1 de abril ya no levante su persiana.

María del Rosario (todas las personas que entran en su negocio la llaman Chari) lleva con resignación y paz al mismo tiempo la decisión que han tomado en casa. “Son muchos años trabajando, y ha llegado la hora de la jubilación, y sostener un negocio como este ya es imposible”, asegura a SevillaelDiario.es mientras cuenta que, en 1993, su marido y ella se hicieron con un local en la calle Álvarez Hazañas del mismo municipio, que rápidamente llenaron de cintas VHS en sus estantes.

“En aquella época era increíble el movimiento que tenía el videoclub. Había hasta gente en la calle esperando que hubiese hueco para entrar”, recuerda, y, sobre todo, dice, cuando llovía. Era el momento en el que los utreranos se pertrechaban de las películas que verían en casa tranquilamente mientras salía o no el sol. En aquellos días, Utrera tenía unos 47.000 habitantes, y convivían hasta diez videoclubs, que, sobre todo los viernes, se preparaban para la avalancha de visitas en busca del VHS que acababa de llegar a sus baldas.

A aquel primer videoclub le nació un hermano. En 1997, la pareja alquiló un local para ampliar el negocio, y todo iba bien. Pero para unificar todo en un mismo sitio, hace 23 años compraron el local de la calle Santiago Apóstol, donde el negocio ha ido sobreviviendo, hasta que “el efecto Netflix” ha ido minando poco a poco su caja registradora. En su día, tuvieron que prescindir de la empleada que tenían contratada, porque no había para más.

“Hemos probado con tener más cosas disponibles, como servicios de telefonía, juegos de la ONCE o venta de terminales móviles, pero ya no se puede seguir”, dice Chari, que cita que su clientela está formada, sobre todo, por gente de mediana edad, “que le gusta tener el disco en sus manos, ponerlo y disfrutarlo”, una costumbre que se va extinguiendo, igual que los más jóvenes están dejando de alquilar juegos para sus consolas, el otro nicho de su negocio.

Nueva etapa

No obstante, al hablar con ella se percibe que si no fuese porque le ha llegado la hora de la jubilación puede que hubiese intentado seguir tras el mostrador, pero es complicado pensar en la viabilidad de un negocio en el que solo cuesta dos euros llevarse una película a casa, con flexibilidad incluso para tenerla el fin de semana por el mismo precio. “Estaba esperando la ocasión de jubilarme. He aguantado más por eso, y me he ido sacando mi sueldo, pero ya no se puede”, lamenta.

Ahora, sus películas se pondrán a la venta a precio de saldo. Chari está manteniendo sus estanterías llenas hasta el último momento, renovadas con los últimos títulos de estreno, y confía en que, cuando cierre sus puertas, todos sus actores y actrices se hayan ido a las casas de Utrera, donde tendrán una nueva vida, como los juguetes de Andy, el niño de Toy Story, cuando se fue a la Universidad.

Bajará la persiana, eso sí, sin que hayan vuelto a sus estanterías algunas de las películas y juegos que fueron alquilados en su día, a pesar de que su marido recorría las calles en ocasiones par ir a buscar a las viviendas esa cinta o disco que “por olvido” no había vuelto a la estantería de donde fue fue recogida. Es un “olvido” que, por cierto, ha afectado siempre a este negocio. Chari asegura que cobrar el recargo que suponía era el peor rato que pasaba ante el cliente.

Ha llegado el momento de que alguien se haga con el alquiler del local para otra actividad, aunque ella confía en que aparezca quien quiera seguir con la actividad del alquiler de películas en el primer cuarto del siglo XXI. De momento, va tachando días en el calendario, y no hay que descartar que, como pasó con el Roxy, los fantasmas de sus películas recorran el videoclub, como recorrían el banco en el que se convirtió el cine barcelonés un trasatlántico en el que Fred Astaire y Ginger Rogers se marcaban 'El continental’. Casi parafraseando a Serrat, son los fantasmas del cine, que no descansan en paz, pero esa, ya es otra historia.

Un 27 de febrero de 1996 el mundo del videojuego cambió para siempre con la publicación en Japón de Pokémon Rojo y Pokémon Verde. Treinta años después, celebra su aniversario siendo la franquicia de entretenimiento con más ingresos del mundo. Para llegar a ese punto, primero tuvo que conquistar a una generación que se enamoraría de aquellas criaturas y su universo. El hecho de que se lanzaran a la vez dos versiones distintas de la misma obra, en la que los objetivos consistían en ser el mejor entrenador que habrá jamás y hacerse con todos es significativo, pues estas siguen siendo las piedras angulares que definen una estrategia que ha demostrado con creces su éxito. 

“Pokémon presenta de forma digerible algunas tradiciones muy arraigadas del juego de rol japonés más clásico, ofreciéndolas en un paquete muy accesible y en el que aun así hay bastante espacio para la complejidad”, explica a este diario el periodista de videojuegos en Anait Games Víctor Martínez. Para la ilustradora y fanática de la saga Inanilux, su continua notoriedad reside en que “sus juegos son generacionales”, lo que le permite estar “siempre presente”. Los hermanos detrás del proyecto Umbral Friki comentan precisamente que, gracias a que “se ha adaptado muy bien sin perder su esencia”, mucha gente mantiene el interés y captan nuevos fans. Como agrega el aficionado Juan Marcos Segura, “es una franquicia que, si te pilla a una buena edad, te atrae con monstruitos graciosos y ya te quedas siempre en ella”.

El amor de un niño por capturar y analizar bichos fue el origen de todo. La nostalgia por una afición que estaba desapareciendo debido a la pérdida de naturaleza en las ciudades niponas llevó al diseñador Satoshi Tajiri a desarrollar un concepto que emulase aquel sentimiento. Por tanto, ese afán de acumulación y exploración es intrínseco a Pokémon, que “ha sabido explotar muy bien la mecánica del coleccionismo, pues desde el principio te invita a ‘hacerte con todos’, a construir tu propio equipo y a ponerte a prueba contra otros entrenadores”. “Esa mezcla de colección, personalización y competición lo hace muy rejugable y culturalmente relevante”, considera la Dra. Anna Morales sobre los atractivos del videojuego.

A esto se suma que “funciona a varios niveles, y cada persona puede tener una experiencia completamente distinta”, según describe Segura, quien también destaca cómo la compilación, lejos de quedarse en una acción individual, está muy relacionada con la comunidad. La desarrolladora Game Freak publica dos ediciones del mismo título a la vez porque determinadas criaturas solo aparecen en una de ellas, de manera que para conseguir todas es necesario el intercambio. En su momento hacía falta un cable especial que conectara dos consolas Game Boy, pero la irrupción del modo online facilitó la creación de comunidades globales. “El intercambio es su mayor lastre y su mayor virtud. Cuando juegas, es una lata tener que hablar con alguien que tenga la otra versión para conseguir los que te faltan, pero inevitablemente acabas creando comunidad, ya sea ‘en la vida real’ en Reddit, en Telegram, en el barrio con gente que juega a Pokémon Go… el coleccionismo de Pokémon te acaba haciendo crear muchísimos lazos diferentes”, relata Segura. 

Bien lo demuestra el citado fenómeno surgido en 2016, cuando debutó la aplicación Pokémon Go, que devolvió al intercambio su fisicidad, desencadenando una nueva oleada de pokemanía que, pese a haber perdido algo de fuerza, sigue celebrando eventos recurrentes que congregan a multitud de aficionados. “Es bastante divertido, yo suelo ir sola a algunas quedadas que se hacen en el Retiro. Todos te acogen sin problema. Al fin y al cabo, estamos haciendo lo mismo y necesitamos la ayuda del otro”, reconoce Inanilux, quien se confiesa “encantada” con esta comunidad, “porque se nota que no hay esa hostilidad como puede haber en VGC [Campeonato de Videojuegos Pokémon, es decir, competiciones oficiales] o TCG [el Juego de Cartas Coleccionables Pokémon]”.

Especulación, te elijo a ti

Las mecánicas de coleccionismo e intercambio tienen una vertiente tangencial más allá del videojuego a través del juego de cartas que ya triunfó tras su lanzamiento en los 90. “Las cartas Pokémon (en gran medida gracias a las falsificaciones, omnipresentes y mucho más accesibles que las cartas legítimas) son otro buen ejemplo de por qué la serie es exitosa: se pueden usar para jugar, y es un buen juego de cartas, pero también se pueden intercambiar, se pueden coleccionar, se pueden tener porque te gustan las ilustraciones, son un lugar común alrededor del que hacer grupo, son más o menos unisex…” expone Martínez, quien define la afición a Pokémon como “una que se retroalimenta con mucha facilidad, y que no tiene un ‘origen’ claro u obligatorio: puedes empezar con las cartas, con los videojuegos, con las series o simplemente porque te gustan las ilustraciones que hay en la ropa o en las mochilas”.

Pero, si las cartas se han puesto tan de moda ahora es debido a los precios astronómicos que están alcanzando algunas piezas. Recientemente, el youtuber Logan Paul vendió a AJ Scaramucci –hijo del ex director de comunicaciones de la Casa Blanca– una rareza diseñada por Atsuko Nishida, la creadora original de Pikachu, por una cifra récord que supera los 16 millones de dólares. “Claramente es un problema, muchísima gente que desconoce el hobby está entrando a sacar provecho de la situación, dejando sin stock a verdaderos coleccionistas o quienes realmente les gustaría iniciarse en el coleccionismo de toda la vida, y también está provocando que algunos lo dejen por la dificultad y el coste del producto”, alegan desde Umbral Friki, conocedores del sector ya que tienen una máquina de vending.

Desde el proyecto familiar también declaran que “mucha gente fan de la franquicia empezó abrir sobres digitales en el videojuego para móviles JCC Pokémon Pocket [estrenado en octubre de 2024] y luego decidieron hacerlo también en físico”. Además, asegura, “la cantidad de influencers que empezaron a hacer aperturas buscando las cartas más raras” y las “colecciones nuevas con protagonistas como Pikachu o Eevee” crearon un “hype imposible de parar”. 

Todo el foco que la franquicia pone en el coleccionismo ha llevado a que las 151 criaturas iniciales hayan dado paso a 1025 especies actuales, en cuyos diseños está gran parte del encanto. Para Inanilux, que ya dibujaba los Pokémon que veía en la televisión cuando tenía dos años, “funcionan porque no son criaturas complejas, son monstruos muy reconocibles”. Considera además que el “diseño juega un papel crucial en todos los aspectos”, y que no es casualidad que “todos los Pokémon iniciales tengan en su paleta de color rojo, azul o verde, dependiendo del tipo, para que sea identificable de primeras”. Martínez añade que “a lo largo de estas décadas han conseguido, y todavía consiguen de vez en cuando, llegar a abstracciones muy evocadoras que hacen que los Pokémon, que a estas alturas son ya tantos que casi es imposible conocerlos a todos, tengan más vida de lo que tendrían si fueran solo dibujos, si no existieran primero dentro de un videojuego”. 

El atractivo de las criaturas ha dado lugar a colecciones ingentes de merchandising, pero también a creaciones más interesantes, como las realizadas por la Dra. Anna Morales, para quien “Pokémon es una buena excusa para divulgar sobre casi cualquier cosa”. Ella, de hecho, emplea este universo en muchos de sus vídeos para hablar de la física detrás de los ataques o del algoritmo de captura de los videojuegos. “Llevo tiempo usando la ficción como puente para hablar de la realidad y como Pokémon es una de las sagas que más he jugado desde pequeña —y además es tan conocida—, me salió de forma natural”, comenta. Aclara que su público es “relativamente específico” porque “suele ser gente interesada en cultura pop y en ciencia”, aunque a veces le sigue “gente que no consume contenido científico habitualmente”, algo que le gusta porque su “objetivo es acercar la ciencia también a quienes creen que ‘no es para ellos’”. En definitiva, el carisma que desprenden estos seres es capaz de romper muchas barreras.

30 años más de Pikachu

Como parte de las celebraciones de aniversario, Pokémon ha optado por mantenerse fiel a su lema e intentar hacerse con todos, más incluso que antes. En los últimos años se han sucedido propuestas de todo tipo, desde merchandising variado hasta aplicaciones para medir el sueño. La apertura hace unas semanas del parque de atracciones PokéPark Kanto en Japón –que emula algunas áreas de los videojuegos originales, con réplicas de cientos de criaturas– e incluso su campaña con famosos como Lady Gaga o Lamine Yamal debutada en la Super Bowl son claras muestras de este empeño globalista. Una nueva colección de Lego o colaboraciones con otras grandes marcas como Adidas, además de eventos presenciales y el inminente estreno de Pokémon Pokopia, una propuesta que recuerda más a Animal Crossing y Minecraft que a los videojuegos originales, demuestran que no hay barreras que frenen a Pikachu.

“A veces casi da la sensación de que se ha diversificado más de la cuenta; llevo siguiendo Pokémon desde sus inicios, y muchas veces parece que la cara más creativa y feliz de la serie está fuera de los videojuegos, con los que es fácil sentir que están en un segundo plano o, por no ser muy apocalíptico, que para The Pokémon Company son iguales que el resto de merchandising”, señala Martínez. Agrega que cada vez tiene “menos claro que los videojuegos sean realmente nucleares” y que “hay una falta de ambición que hace que se pueda hablar de algo así como potencial desaprovechado, especialmente desde que las consolas portátiles que eran hogar de Pokémon (y donde era menos relevante ‘estar a la altura’ en lo técnico) desaparecieron”.

Como consecuencia, “la serie avanza a un ritmo que no es el que se esperaría de ella”. Juan Marcos Segura resalta que “ha habido un estancamiento”, ya que “cada juego nuevo ofrece una mejora sustancial a cambio de dejar atrás algo que ya parecía mejorado”, detalle que achaca a “los cortos ciclos de producción, para que la franquicia siga siendo relevante”. A la vez, opina que la saga “es pura nostalgia, y es difícil que los treinteenagers enganchados consigamos escapar de ella”. 

Sin embargo, Inanilux plantea que “ha tenido una gran estrategia de marketing, porque cada generación es totalmente distinta a la anterior y no necesitas jugar los anteriores juegos para poder comprar el nuevo”, lo que invita al relevo generacional. “Como padre, te podría decir que, con estas cosas, a veces tengo la sensación de que somos los adultos los que nos parapetamos detrás de la idea de la nostalgia para darle un sentido a nuestras aficiones, o para justificarlas, como si fueran una debilidad o una anomalía”, razona Víctor Martínez, para quien “muy mal tiene que darse para que Pokémon no mantenga su popularidad, teniendo en cuenta que es la IP más lucrativa del mundo y que tiene incluso el apoyo institucional del gobierno japonés”.

Eso sí, el periodista destaca que a título personal querría que “se reconciliara con sus orígenes en el videojuego y que buscara recuperar algo de relevancia creativa, sobre todo teniendo en cuenta que la relevancia comercial parecen tenerla más o menos asegurada”. Como bien resume la Dra. Anna Morales, “si algo ha demostrado Pokémon es que sabe mantener el interés en una fórmula con 30 años de recorrido”, por lo que la clave es que con ella “siga atrayendo a público joven”. “Mientras esa rueda siga girando, no parece una franquicia que vaya a frenarse pronto”.

El próximo 27 de febrero se celebra el Día de Pokémon, una fecha que conmemora el lanzamiento en Japón de Pokémon Rojo y Pokémon Verde, que tuvo lugar el 27 de febrero de 1996. Este año, los fans de la franquicia de videojuegos esperan una celebración por todo lo alto, ya que Nintendo ha anunciado un Pokémon Presents, donde se presentarán novedades. 

Pero no es el único anuncio que ha hecho la compañía japonesa y que ha revolucionado a los fanáticos de Pikachu. A partir del próximo viernes, los usuarios de Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 también podrán adquirir Pokémon Edición Rojo Fuego y Pokémon Edición Verde Hoja, los títulos de Game Boy Advance que conquistaron a toda una generación de jugadores hace 20 años.

Estas versiones se lanzaron en 2004 para la Game Boy Advance (GBA), consola portátil que se fabricó desde 2001 hasta 2008 y que contó con títulos tan populares como Mario & Luigi: Superstar Saga, The Legend of Zelda: A Link to the Past, Metroid Fusion, Fire Emblem o Final Fantasy VI, entre muchos otros.

Ambos juegos, disponibles en español, se pueden reservar ya por 19,99 euros cada uno en la tienda virtual de Nintendo. La noticia ha sido muy comentada en redes sociales y ha dividido por completo a la legión de jugadores de Pokémon. ¿Tiene sentido pagar esa cantidad por un juego tan antiguo?

El debate está servido

Poder jugar al Rojo Fuego y al Verde Hoja en una consola actual, como es el caso de la Nintendo Switch, es algo que podría haber contentado a prácticamente todos los jugadores de esta franquicia. Volver a disfrutar de un título así es para muchos un disparo directo al corazón de la nostalgia que tanto está de moda ahora, pero la cuestión es otra.

La noticia ha sido criticada por algunos usuarios que creen que el juego debería ser más barato, teniendo en cuenta que este no ofrece ninguna novedad con respecto a la edición que todos conocimos en 2004. Otros incluso sostienen que debería ser gratuito para aquellos que ya pagan por el pase Nintendo Switch Online. 

Y luego están aquellos que han lamentado que el nuevo lanzamiento solo esté disponible en versión digital. Únicamente en Japón han lanzado una edición coleccionista exclusiva, que incluye incluye dos réplicas de las cajas de los juegos de Game Boy Advance japonesas, un set de pokeball de cristal con Bulbasaur, Charmander y Squirtle, y un estuche para guardarlas. 

Actualmente, la saga Animal Crossing es una de las más vendidas de Nintendo, con millones de copias. Así, por ejemplo, su versión para Nintendo Switch Animal Crossing: New Horizons es el segundo con más ventas de la historia de esta consola con casi 50 millones.

Una saga que se ha consolidado como una de las más importantes de Nintendo, y que celebra este 2026 su 25 aniversario desde su primer lanzamiento, que fue para la extinta Nintendo 64, que fue superada por la PlayStation a principios del milenio. Su historia, sin embargo, esperaba ser diferente a lo que ha sido.

Los inicios de Animal Crossing: el intento de salvar la Nintendo 64

Nos situamos en 2001. Entonces se daba una competición de consolas entre la Nintendo 64 y la Sony PlayStation por hacerse con este segmento del mercado, y en él parece que iban ganando los últimos. Sin embargo, la marca japonesa no quería rendirse y quería dar un nuevo título desarrollado para esta.

Así, para la consola de 64 bits, Nintendo quería dar una experiencia completamente distinta, que por eso generó una gran expectación, y aquí nació “Dōbutsu no Mori” (Animal Forest en japonés) que inauguró un nuevo género llamado “comunicación”. El 14 de abril de 2001 apareció la primera publicación en formato cartucho para Nintendo 64, desarrollado por Takashi Tezuka, Katsuya Eguchi y Hisashi Nogami.

En Animal Forest, el jugador tomaba el papel de un humano que se iba a vivir a un pueblo habitado por animales, con los que tenía que llevarse bien para prosperar. Todo ello en tiempo real, es decir, que siempre que se comenzaba a jugar era siempre el mismo día y hora, con sus rutinas, horario comercial de tiendas y fechas señaladas del calendario real.

El cambio al actual nombre Animal Crossing se produjo cuando se lanzó una versión para GameCube en diciembre de 2001, apareciendo con esta denominación para el mercado europeo. Esto hizo que esta saga haya aparecido en cada una de las consolas lanzadas por Nintendo desde entonces, siendo uno de los videojuegos más consolidados.

El origen e historia de Animal Crossing: una idea inicial diferente

En sus orígenes, la saga Animal Crossing tenía otro concepto, y es que podría haber sido un juego de rol. Esta era la primera idea que tuvieron sus creadores, como reveló Satoru Iwata en una entrevista para NintendoWorld Report en 2008:

“Durante las fases iniciales de planificación ni siquiera se había pensado en hacer algo parecido a lo que es ahora”, reconocía a la vez que explicaba que en la primera idea el jugador era un héroe que tenía que pasar por diferentes mazmorras guiado por animales, que como compañeros le otorgaría una fortaleza distinta.

El problema llegó cuando se planteó que en un punto necesitaría la ayuda de otro jugador para tener mayor fortaleza, porque estaba destinado a usar la herramienta multijugador y el accesorio 64DD, que hacía que tuvieran que “comunicarse entre sí”. Pero el fracaso de esta herramienta, que permitía conexión en Internet, hizo que se cambiara de opinión y se modificara el juego hasta crear el actual Animal Crossing.

Aunque la saga Animal Crossing cuenta desde su debut con apasionados seguidores, atraídos por la estética adorable y la experiencia de juego relajada, era imposible prever el éxito mundial que cosecharía debido a la pandemia de covid. New Horizons se publicó menos de una semana después del confinamiento y, rápidamente, supuso un oasis de paz, un refugio donde encontrar rutina en una situación de excepcionalidad y desde el cual generar vínculos, ya fuera con los adorables animales antropomórficos que pueblan ese universo o con otros jugadores. Tras seis años de su lanzamiento, el título acaba de recibir una actualización gratuita, que ha reavivado el interés por la obra a la vez que las conversaciones acerca de su mensaje. ¿El motivo? Entre las novedades de la versión 3.0 se incluye un hotel, cuya apertura deviene en turistificación.

New Horizons sigue a un aldeano que se muda a una isla desierta, a la que van llegando vecinos y servicios, como una tienda, una mercería o un museo. Sin objetivos marcados ni rutas predefinidas, la libertad creativa y la tranquilidad que emanan de la experiencia han hecho las delicias de los casi cincuenta millones de personas que lo han comprado. Por eso, muchos usuarios se quejan de cómo la irrupción del turismo está trastocando su manera de jugar. Cuando la familia del Capitán —una tortuga marina inspirada en los kappa japoneses— abre un alojamiento en el muelle, empiezan a aparecer nuevos personajes, que se alojan en una de las nueve habitaciones disponibles y pululan a su ritmo por los terrenos. Como consecuencia, las redes se han llenado de carteles de “Tourist go home” plantados por los usuarios en la entrada del polémico establecimiento.

Para un gran seguidor de la saga como Eric Rodríguez, de Leyendas & Videojuegos, “la nueva actualización altera el juego”. “Es una sensación muy extraña estar en tu isla, con los vecinos con los que has creado relaciones, en las calles que has pavimentado, haciendo lo que después de años ya se ha convertido en una rutina, pero con cuatro o cinco turistas deambulando en todo momento”, relata. De esta forma, se reproduce la dinámica del turista que, con su presencia, transforma los procesos sociales dentro del territorio que visita. Esta sensación entronca con los comentarios de Nerea Pérez de las Heras en el programa de Saldremos mejores dedicado a la turistificación, en el cual argumentaba que en el madrileño barrio de Malasaña “ya no hay personas, solo NPC [personajes no jugables]”, “relleno de videojuego”. El malestar que identificaba la comunicadora tiene ahora su reflejo en un entorno virtual que era considerado un espacio seguro.

“Hay demasiados turistas, no aportan nada y hablar con ellos es un rollo porque las personalidades se repiten”, explica a este diario Alicia, una jugadora que no está conforme con los cambios. Añade que, aunque suene superficial, encima estos suelen ser “modelos de personaje feos”. No es la única para quien esta cuestión ornamental importa, pues muchos se quejan de que la aparición de turistas rompe con la estética que habían creado, en la que, por ejemplo, un viajero de aspecto estridente como la oveja payaso Kikolor no encajaba con su cuidada atmósfera otoñal de tonos neutros. La videoensayista FlurryMoon señala en su canal que este malestar se debe a que es el único elemento sobre el que los usuarios no tienen control en un juego que te convierte en un “dictador en un entorno limitado”.

Esa es la razón por la cual estima refrescante la aparición de animales que añaden aleatoriedad. De la misma opinión es el streamer Salva Gamer, quien, aunque bromeó en sus redes creando una habitación de hotel que emulase una cárcel para “dar voz a las quejas”, en realidad disfruta “conociendo otros vecinos diferentes a los de tu isla”. Al mismo tiempo, es consciente de que, a diferencia de lo que sucedía en el título para Wii Animal Crossing: City Folk, donde había visitantes externos al foco de la acción en una zona comercial, las interacciones en esta ocasión resultan demasiado efímeras, lo que impide conectar con estos personajes tan “independientes”.

Omnipotencia decorativa

Animal Crossing nace con la vocación de generar comunidad, primero local al fomentar compartir la experiencia entre integrantes del núcleo familiar, y después global, con la inclusión de modos de juego o intercambio online, algo que terminó de explotar durante la pandemia, cuando se celebraban reuniones grupales digitales en un espacio libre de carga vírica. Pese a la importancia que tuvo el encuentro en su lanzamiento, las actualizaciones han otorgado mayor relevancia al diseño, algo en sintonía con los últimos videojuegos de la franquicia, con spin-offs como Happy Home Designer o la versión para móviles Pocket Camp, donde la acumulación de objetos y el colocarlos se convierten en el gran foco. Para Rodríguez, “la saga ha dejado atrás las raíces sociales y de convivencia compartida, para centrarse en la personalización y la decoración”.

Parece lógico el cambio, dado que la decoración cautiva a muchos jugadores. Alicia asegura que disfruta “ese aspecto de ir desbloqueando y descubriendo muebles, suelos o paredes nuevos”. Ella, que se considera una jugadora que va bastante a su aire, reconoce que “ver otras islas a veces inspira o da rabia”, dependiendo de las decisiones tomadas por esos otros usuarios. Salva, por su parte, opina que la saga fomenta más compartir que competir, pues “la comunidad de Animal Crossing se divierte precisamente compartiendo sus creaciones”. “Me encanta enseñar en mi canal cómo evoluciona mi isla o cómo construyo desde cero, para que todo aquel que piensa que es muy difícil hacer zonas chulas sepa que no lo es tanto, vea cómo hacerlo paso a paso y pueda coger ideas”, expresa. 

Pero potenciar la decoración implica primar la acumulación de enseres —que incluyen de manera más habitual colaboraciones con marcas, con la reciente aparición de muebles o vecinos inspirados en otras franquicias de Nintendo como Splatoon o The Legend of Zelda que normalizan el merchandising dentro del juego como algo aspiracional— y permitir al jugador controlar cada vez más elementos, desde cómo es la orografía de la isla hasta cómo son los hogares de sus vecinos, quienes se convierten en meros elementos del escenario, como destaca la periodista Paula García en Eurogamer. También Eric Rodríguez comentaba en un reciente videoensayo que, al poner la isla entera a disposición del jugador, New Horizons va en contra de la esencia original de su creación. Lejos queda esa primera entrega, donde una fuente mágica revelaba si el pueblo estaba equilibrado con la naturaleza y la vida seguía sin la presencia del jugador. Ahora, esa naturaleza queda supeditada a la voluntad del usuario que, pese a su poder infinito, no es capaz de controlar el turismo. 

Fantasía capitalista o escapista

Mucho se ha discutido sobre si Animal Crossing propone modelos organizativos alternativos o solo proporciona una vía de escape capitalista. Su propio punto de partida parte de esta disyuntiva: el jugador siempre contrae una hipoteca con el mapache Tom Nook, quien, sin embargo, nunca presiona para recuperar el dinero. Animal Crossing encapsula así muchas de las contradicciones de los cozy games y, como bien resumía Pablo Algaba en su ensayo La aldea feliz, un viaje a través de Animal Crossing, la franquicia es “medicina para un desencanto”, pero “producida, empaquetada y vendida por una multinacional que responde ante sus accionistas”. Desde su perspectiva, estas mecánicas demuestran que “resulta más sencillo imaginarnos nuestra utopía como un capitalismo guay que como un paradigma completamente nuevo”.

Con esta nueva actualización, queda patente que el progreso en la isla pasa necesariamente por el intercambio económico. Alicia afirma que la apertura del hotel “apoya el discurso de que un lugar solo puede desarrollarse a través del turismo”. De ahí que, pese a que le parece “genial alargarle la vida a un juego de forma significativa sin tener que gastar dinero en expansiones”, cavila que “normalizar la gentrificación resulta bastante peligroso”, en especial para jugadores jóvenes.

Salva Gamer indica que, como simulador, es normal que Animal Crossing presente similitudes con la realidad, aunque matiza que “no se están eliminando recursos de nuestros residentes para dedicarlos a los turistas”, así que no le parece que “el turismo se haga de una manera ‘agresiva’, permitiendo que los residentes sigan conviviendo de la misma manera agradable que antes”. Bad Bunny no cantará sobre lo que le pasó a esta isla, pero es relevante que haya surgido un debate que dialoga con cómo el videojuego ha explorado la crisis de la vivienda.

Para Eric Rodríguez, que inició su canal precisamente para “utilizar los videojuegos como forma de hablar de temas variados”, esta actualización “está revelando a mucha gente lo que se siente al vivir en un lugar masificado”. En su caso, que dejó “una ciudad que vive casi completamente del turismo” para mudarse a un pueblo pequeño donde atesora el ambiente “íntimo y familiar”, cavila que, “si de la noche a la mañana empezase a ver a turistas dando vueltas sin respetar las costumbres locales”, probablemente le “molestaría de una forma muy parecida a cómo a los jugadores les está molestando encontrarse a NPC en sus construcciones de New Horizons”. Termina reflexionando sobre cómo hay gente que ha dedicado mucho tiempo a sus islas, “por lo que verlas ahora convertidas en atracción turística, y sin forma ninguna de gestionar por dónde se desplazan esos personajes o cómo interactúan con ella, es comprensible que genere resentimiento y divida a la comunidad”. 

A mediados de los 2000 ya era común meter a Uwe Boll (Wermelskirchen, 1965) en el mismo saco que Ed Wood o Tommy Wiseau. Pero, mientras que la pasión e incompetencia de estos cineastas tenían un poso entrañable —el suficiente para que se les quisiera homenajear en películas posteriores, Tim Burton con Ed Wood y James Franco con The Disaster Artist—, este alemán iracundo no estaba dispuesto a que nadie convirtiera la etiqueta de “peor director de todos los tiempos” en algo adorable. No era ninguna mascota. De hecho se parecía más a un hábil empresario.

Las películas que Boll desarrollaba entre Canadá y Alemania recibían críticas pésimas y se estrellaban en taquilla. Y también solían basarse en videojuegos. Licencias tirando a baratas en un momento donde nadie de la industria pensaba que fuera buen negocio adaptar dichas obras, explotadas en función a ciertas ayudas fiscales de su país natal que Boll sabía perfectamente cómo aprovechar. Hasta que alrededor de 2006 se cerró el grifo. Poco después, Boll acaparaba los titulares de todo el mundo con la iniciativa Raging Boll (una referencia ácida a Toro salvaje, originalmente Raging Bull). El director de House of the Dead había desafiado a todos aquellos críticos que alguna vez le hubieran faltado al respeto a un combate de boxeo. Y hubo críticos que picaron.

Boll —quien, como luego se supo, era aficionado a este deporte— tumbó a todos en el cuadrilátero. Uno de ellos fue Carlos Palencia, fundador de la web CineCutre que luego auspiciaría la CutreCon. Y es justamente por la CutreCon por la que Boll se ha desplazado recientemente a España, como invitado estrella de su última edición. Animarse a acudir a un evento que suele celebrar películas más o menos “malas” podría indicar, bien que Boll sigue sumido en esta vorágine publicitaria, bien que prefiere tomarse con humor su fama. Seguramente sea una mezcla de ambas.

“Aprendí a reírme de mí mismo tras toda aquella movida del boxeo”, reconoce Boll a elDiario.es. “Decidí liberarme a través del humor”. Por eso su siguiente película fue Postal (2007): otra adaptación de un videojuego no muy conocido, que por primera vez buscaba ser abiertamente una comedia. “Fue lo mejor para mi salud”. Postal, por otro lado, también se atrevía a ironizar sobre el terrorismo islámico, reforzando una tendencia que el alemán ha seguido explorando. Al tiempo que hace películas de acción descerebradas, también se preocupa por temas sociales o políticos. Asegura que Rampage (2009) o Asalto a Wall Street (2013) son reflexiones valiosas sobre el colapso social de EEUU. Aunque es difícil distinguir si habla completamente en serio.

En una escena de Postal aparece interpretándose a sí mismo y diciendo: “Odio a los videojuegos”. ¿Es eso cierto?

En cierto modo, los videojuegos arruinaron mi reputación como cineasta. Eso no era más que un chiste, claro, aunque ahora sí odio de verdad los videojuegos porque mis hijos están todo el rato jugando y es muy difícil lograr que se pongan a hacer los deberes. Ahora sí que los odio.

Desde que empezó a adaptar videojuegos en los primeros 2000, la industria ha cambiado mucho. Antes los fans odiaban estas adaptaciones y fracasaban, pero ahora Super Mario Bros. y Minecraft arrasan en taquilla y The Last of Us tiene grandes críticas.

Sí, han ido mejorando. No me ha gustado demasiado la segunda temporada de The Last of Us, pero, indudablemente, es una serie muy bien hecha. Y Fallout también. La industria ya va entendiendo que los superhéroes están un poco desfasados y estas son las propiedades intelectuales en las que deberían centrarse. Así que hay mejores directores y mejores guiones en películas sobre videojuegos. Antes todo el mundo me odiaba por ser el primero. Estaban Wing Commander (1999), Street Fighter (1994) y poco más, y yo de pronto cogí esas queridas IPs y las convertí en películas. Ahora la gente de Hollywood me dice que fui un pionero.

En esa época también empezó Paul W.S. Anderson, otro director de culto no muy apoyado por la crítica que justo ahora está preparando otra adaptación de House of the Dead: el primer videojuego que adaptó usted, en 2003.

Paul W.S. Anderson ha hecho alguna buena película. Me gusta su primera Resident Evil; el resto, no tanto. Pero nunca ha dejado de hacer la misma mierda. Pone a su mujer Milla Jovovich de protagonista y hace lo mismo todo el rato. Así que cuando me enteré de que quería volver a House of the Dead, me enfadé. Al parecer, quiere que sea una película oscura y aterradora, creo que es una idea malísima. House of the Dead era estúpida y camp, y hay que hacer eso para conectar con los fans originales. Por eso he empezado a preparar 23 años después: Regreso a Zombie Island. He sacado un crowdfunding y quiero que vuelvan los actores originales. Y tenemos un guion muy bueno, que reflexionará sobre la absurdez del hecho de ser zombi.

Hay algunos directores, como Clint Eastwood y Steven Spielberg, que hacen poquísimas tomas. Se podría decir que trabajo exactamente de la misma forma que Clint Eastwood y Steven Spielberg

Uwe Boll — Cineasta

Antes ha mencionado el cine de superhéroes, con el que siempre ha sido muy crítico. Incluso hizo una parodia de Marvel, Blubberella (2013).

Marvel y DC están acabadas. No quiero ver otro Batman. El caballero oscuro fue una obra maestra y es suficiente. Pero no me gusta nada el personaje de Superman, representa todo lo que odio. Conozco personalmente a James Gunn, dirigió Slither (2006) en mi mismo estudio de Canadá. Y es un tipo divertido, pero ahora es el gran jefazo de DC y quiere hacer pasar por importantes cosas que no lo son. Su Superman quería ser importante y no lo es. JFK de Oliver Stone sí lo es. No todas las películas tienen que ser importantes, pero deben ser entretenidas. Mira lo que ha hecho Kathleen Kennedy. Ha destruido Star Wars. Acaban de despedirla pero va a ser muy difícil relanzar la saga ahora. Aunque The Mandalorian no estaba mal. 

Quizá sea No esperes demasiado del fin del mundo (2023), donde volvía a interpretarse a sí mismo, la película con mejores críticas en la que haya trabajado. ¿Cómo surgió esta colaboración con Radu Jude?

Él me preguntó si quería ir a Bucarest a hacer un cameo. A mí me había encantado su película anterior, Un polvo desafortunado o porno loco, y dije que por supuesto. Tuvimos una cena muy agradable y me dio completa libertad porque le dije que yo no era actor, que solo podía hacer algo tipo Postal. Quedó gracioso. El New York Times dijo que nunca se había imaginado que pudiera estar en una película tan buena. Y rodamos en el mismo estudio donde hicimos BloodRayne en los 2000, así que fue interesante regresar y ver qué había cambiado. Y… no había cambiado nada. Seguía siendo un sitio horrible, tal y como lo era cuando fui ahí a rodar BloodRayne.

En el documental Que os den a todos: La historia de Uwe Boll, un actor habitual suyo, Clint Howard (hermano de Ron Howard) dice algo interesante. Dice que en su cabeza siempre están discutiendo el Uwe Boll director y el Uwe Boll productor, y siempre gana el segundo.

Sería feliz si tuviera un productor que lo pagara todo y me permitiera hacer 50 tomas, pero no es el caso. A lo que Clint se refería es a que siempre tengo presente el tiempo del que disponemos y no quiero malgastarlo. Hay que exprimir todo al máximo. Por eso grabo los ensayos, lo grabo todo. Ahora con el digital es más fácil, no es tan caro y puedo tener un montón de metraje disponible para montarlo. Ron Howard, a quien conozco muy bien gracias a Clint, suele hacer entre 30 y 40 tomas… pero hay algunos directores, como Clint Eastwood y Steven Spielberg, que hacen poquísimas tomas. Se podría decir que trabajo exactamente de la misma forma que Clint Eastwood y Steven Spielberg (risas).

¿Diría que esta etiqueta de “peor director del mundo” ha sido útil en términos de marketing?

No, en absoluto. Porque los productores y distribuidores se asustan. A lo mejor sí que sirve de publicidad para un espectador casual, pero no es nada bueno cuando tratas de sacar adelante proyectos y lidias con esta reputación. Solo puedo aspirar a que, en algún momento, alguien diga: “Uwe Boll siempre ha sido un incomprendido”. Porque, evidentemente, yo no soy el peor director de todos los tiempos. De las 39 películas que he hecho te diría que 10 son realmente buenas. Rampage, Postal, Asalto a Wall Street, Heart of America… son muy buenas, de verdad, pero cuando ya estás metido en ese círculo de chorradas es difícil salir. Da igual lo que yo diga, eso lo tiene que escribir una tercera persona. Alguien tiene que ver 20 películas de Uwe Boll, y descubrir que las 100 últimas películas de Netflix son mucho peores.

Postal hacía chistes con el 11-S, y ahora ha recibido críticas por trabajar con Armie Hammer tras sus acusaciones de abuso sexual y rumores de canibalismo. ¿Cree que parte del trato que ha recibido por parte de la prensa se debe a cuestiones políticas?

No lo sé. Desde luego la gente tiene problemas con mis películas. Con Postal me atacaron mucho por reírme supuestamente del 11-S, pero lo que yo estaba haciendo era burlarme de esos terroristas suicidas que creían que conseguirían vírgenes en el cielo si mataban a todo el mundo. Ese era el chiste, no era nada contra las víctimas. Supongo que me gusta hacer cosas controvertidas. Run (2025), que he hecho junto a Amanda Plummer y Barkhad Abdi (Capitán Phillips), es una película sobre la inmigración en Italia, sobre un barco de refugiados que llega y todo se descontrola. Es una película sobre la desigualdad que trata a los inmigrantes con empatía, pero no es una película pro-inmigración. Muestra el lado positivo y el negativo y eso parece que es políticamente incorrecto. 

Europa está llena de gente que tiene miedo de tener una opinión. Y en EEUU pasa lo mismo. Mira Marty Supreme o Los pecadores. No se posicionan por nada. Pero ahí tienes mis películas Asalto a Wall Street o Rampage: películas más en la tradición del cine de Oliver Stone. Stone siempre ha sabido poner el dedo en la llaga, con películas como Salvador o JFK. No ha temido meterse en esas teorías conspiratorias que nos llevan directamente al caso Epstein, solo por plantear que quizá Lee Harvey Oswald no fuera el único culpable. Esas son las películas importantes y las que me importan a mí. Por mucho que yo sea el peor director de la historia. 

La Iglesia católica se ha volcado con San Valentín y ha creado un videojuego con el que “mostrar la belleza del matrimonio cristiano”. La historia trata de un chico y una chica —cómo no— que se conocen y forjan su relación. Y, para subir de nivel (en el juego y en la vida en pareja), solo hay un cometido: superar dificultades. “Porque el matrimonio es la aventura más épica”, dicen en un comunicado.

El procedimiento es similar a Los Sims, pero con muchas menos opciones. La toma de decisiones es limitada en esta iniciativa de la Conferencia Episcopal. Una paloma cruza la pantalla y 'riega' los objetos que serán determinantes en la trama: aquellos que esconden 'dones', que sirven para construir “una buena relación”. Estos son: la integridad, la paciencia, la modestia o la empatía, entre otros. Pero, ¡cuidado! Porque no todo es tan sencillo. Debes obrar bien; de lo contrario, te expones a perder tus vidas (que en este juego no se llaman vidas, sino inocencia). Y, si pierdes la inocencia, empiezas de nuevo. Hasta que lo hagas bien.

El videojuego se llama Level UP! El juego de dos y forma parte de 'Matrimonio es+', una iniciativa que los obispos ponen en marcha por quinto año consecutivo en torno a la fecha de San Valentín, que se celebra el próximo sábado 14 de febrero. Ha sido ideado por alumnas de publicidad de la Universidad Pontificia de Salamanca (UPSA) —un centro católico y privado— y desarrollado por el diseñador Federico Peinado y Artax Games.

La campaña ha sido promovida, concretamente, por la Subcomisión Episcopal de Familia y Defensa de la Vida, que en 2022 criticó la “colonización ideológica” y la “perversión” de la 'teoría queer' con la Ley Trans a punto de ser aprobada, en un mismo comunicado en el que cargaba contra la “imposición” de un “adoctrimaniento” por parte del Gobierno de coalición.

El propósito, según declara el director del secretariado de la subcomisión episcopal, Miguel Garrigós, es promover el matrimonio como “vocación”, debido al descenso de bodas por la Iglesia, que ha caído hasta las 31.462 en 2024 —una caída de más del 6% respecto a 2023). Unos datos “innegables”, según ha dicho Garrigós en una rueda de prensa, que vincula con dificultades económicas y problemas de vivienda, principalmente.

Esta vez, la Iglesia ha optado por un videojuego. Pero se trata del quinto año que lo llevan a cabo en lo que llaman 'semana del matrimonio'. Antes, habían apostado por otras opciones, como un cuento animado, un 'tinder' en el que preguntaron en la calle la opinión de jóvenes sobre el “amor para siempre”, una receta para el amor “para siempre” o una iniciativa para mostrar los “valores esenciales” del matrimonio. Sin embargo, el número de bodas por la Iglesia sigue mermando.