La Policía de Los Ángeles arrestó este jueves al rapero D4vd como sospechoso de la muerte de una joven de origen hispano, cuyo cadáver apareció hace unos meses en el maletero de un vehículo Tesla registrado a su nombre. El cuerpo estaba en estado avanzado de descomposición.

El artista, cuyo nombre real es David Burke, permanece detenido sin derecho a fianza. Su caso, según un comunicado policial, será presentado ante la fiscalía el próximo lunes. Por el momento no han precisado cuáles han sido las pruebas que motivaron la detención.

Los restos humanos fueron encontrados en el coche vinculado al rapero el pasado mes de septiembre. Este había permanecido en la vía pública durante semanas antes de ser remolcado a un depósito municipal en Los Ángeles. Nadie lo había reportado como robado.

Las autoridades identificaron a la víctima como Celeste Rivas Hernández, que tenía 13 años cuando fue reportada como desaparecida en 2024 en Lake Elsinore (California). Su cuerpo fue hallado el 8 de septiembre de 2025, un día después del que habría sido su decimoquinto cumpleaños.

El rapero D4vd, por su parte, ha colaborado con músicos como Kali Uchis, Laufey y 21 Savage; y varias de sus canciones han ingresado en las listas de éxitos de Billboard.

En un momento marcado por la polarización, la capacidad de un artista para mantenerse fiel a un discurso reivindicativo es un acto de resistencia. Y lo es porque, en la actualidad, reivindicar no solo consiste en gritar contra la injusticia, sino también en obligar al oyente a detenerse y reflexionar en medio de los bulos y del ruido que inundan las redes sociales. Domingo Antonio Edjang Moreno, conocido como El Chojin, lleva 25 años haciendo de la palabra la fortaleza de su música.

Convertido hoy en un referente tras un cuarto de siglo triunfando en la escena de rap, el cantante ha construido su legado basándose en la importancia del mensaje por encima del propio sonido. Desde sus orígenes en un Torrejón de Ardoz profundamente influenciado por la cultura urbana que entraba a través de la base aérea estadounidense, ha llevado a cabo una amplia carrera defendiendo el poder que tiene el rap para abordar temas sociales desde distintas perspectivas y no quedarse con los brazos cruzados.

Su nuevo disco, Balance, está compuesto por 27 temas y reúne a más de 40 artistas de una docena de países diferentes. Desde el peligro del auge de la ultraderecha hasta la disparidad de opiniones y la aceptación de las imperfecciones, El Chojin presenta un proyecto que lo ayuda a hacer balance tanto de su carrera como del mundo que lo rodea.

¿Qué supone conmemorar 25 años de carrera en un disco?

Es motivo para hacer balance, que es como se titula el disco. Darte la vuelta, mirar hacia atrás y ver si todo este tiempo has conseguido conectar con la gente, si has conseguido dejar huella en algún sitio. Por la vorágine en la que estamos metidos, el tiempo no te permite pararte y examinar qué es lo que estás haciendo. Ha sido un ejercicio muy bonito porque me he recordado a mí mismo muchas veces que el éxito no es alcanzar el número que tú tenías en la cabeza, sino continuar ahí y haber dejado cierta huella en la gente.

Que la gente se pregunte cuántas horas pasa mirando la pantalla del teléfono. Invertimos más tiempo en mirar a gente a la que no conocemos, haciendo cosas que realmente no nos interesan, que mirando dentro de nosotros o a nuestro alrededor. ¿Qué puedo hacer para que sea un poquito más feliz la persona que tengo a mi lado? ¿Qué puedo hacer para ser un poquito más feliz? Estamos en esa dinámica, y entiendo que no va a cambiar a mejor, porque los tiempos son así y ya está, pero darle una pensada y una reflexión tampoco viene mal.

¿Suele hacer balance de su vida?

Intento mirar lo menos posible hacia atrás, porque eso me mantiene alejado del foco. El futuro tampoco existe, pero es más interesante y divertido imaginar cómo puede ser algo que recordarlo. Cuando lo estás recordando, al final te lo estás inventando y cambiando cómo fue. No reniego de nada de lo que me ha pasado, pero procuro estar en el presente.

¿Es este disco una aceptación de nuestras imperfecciones?

Sí. Llevo un tiempo trabajando mucho en ese sentido. La única forma de sentirte cómodo contigo mismo es entendiéndote, y para entenderte necesitas ver tanto lo que te gusta ver como lo que no. Muchas veces apartamos lo que no nos gusta y hacemos como que no está ahí, pero siendo así, creo que es muy complicado terminar queriéndote. De modo que la forma que he encontrado de quererme es a través de mis imperfecciones, de estar tranquilo y cómodo con ellas, trabajando para que sean cada vez un poquito más pequeñas, pero no soñando con la posibilidad de no tenerlas.

Ahora eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo inteligente es estar a favor de que se bombardee una escuela

El Chojin — Rapero

Si hace balance de lo que está ocurriendo ahora mismo en el mundo, ¿a qué conclusión llega?

Soy muy poco optimista. Tengo la sensación de que los buenos están perdiendo. Cuando ahora dices que estás en contra de la guerra en Irán, hay quien te tacha de ser demasiado inocente. Eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo adulto, lo inteligente y lo lógico es estar a favor de que se bombardee una escuela y maten a 150 niñas. Se están imponiendo una serie de valores que hablan de la imposición por la fuerza. Y me refiero a los tiros, pero también a los gritos o al hecho de ser un abusón.

La lectura que se está dando ahora es que el abusón lo es porque naturalmente merece más. Si eres frágil, si eres débil, mereces estar abajo, mereces sufrir. Si eres pobre es porque no te lo has currado lo suficiente. También se está instaurando de forma errónea la idea de la meritocracia, que alguien se inventó un día y es el comodín en todas las conversaciones. Me gustaría pensar que podemos retomar un mensaje que gire en torno a la bondad, la bondad, la empatía, a esas cosas que cuando las dices delante de estos hombres tan duros y tan fuertes te tachan de blando y de idealista.

¿Cómo se lucha cuando un discurso de odio cala más en la sociedad que el mensaje de un artista?

Sin resignarme. No se puede soñar con ganar todas las batallas, ni siquiera aquellas en las que estás convencido de que tienes razón, porque la justicia es un concepto estúpido. A nadie le importa la justicia. Aunque tenga razón, eso no quiere decir que cuando combata al que no la tiene vaya a ganar. Por eso acepto que va a haber conversaciones en las que pierda, va a haber bulos que se va a terminar creyendo la gente, va a haber malinterpretaciones. Y perderé, volveré a perder la siguiente, y al final ganaré una. Will Smith dijo una vez: “Yo no soy el mejor, pero si yo me subo a una cinta de andar contigo pueden pasar dos cosas. O que tú te bajes primero, o que yo me muera en la cinta”. Esa es mi actitud.

¿Y cree que la música tiene el poder de hacer algo cuando está ocurriendo un genocidio en Gaza?

Sí, lo tiene y lo hemos intentado. Hicimos un tema para la banda sonora de un corto que estuvo nominado a los Goya, Todos somos Gaza. Tuve la oportunidad de viajar para allá para verlo en primera persona y poder nutrirme de lo que estaba ocurriendo allí. Lo que puedas hacer se puede considerar más o menos importante, pero no hay ningún vaso que se llene si no entra una primera gota. Lo que voy a hacer es, siempre que pueda, aportar lo poco o lo mucho que tenga en las causas en las que yo creo que es justo hacerlo. Que no sea porque yo no me posicioné o no lo intenté.

Estamos ahora en un momento de negación de la existencia del fascismo, que me parece fascinante. “El fascismo nunca existió, eso se lo han inventado los historiadores, ¿eh?”. Todo el mundo es libre para tomar la decisión que considere. La mía es que necesito saber en el futuro que, pase lo que pase, yo estuve en contra del fascismo, y lo voy a trabajar desde la posición que tengo, que es desde la música y desde el escaparate que puedan darme a mí.

¿Cómo le afecta a su sentimiento de pertenencia el auge de la ultraderecha en España?

La diversidad es que exista esta gente. Hay gente que dice que no, pero a mí sí me gustaría que todo el mundo pensara como yo. Estaría mucho más tranquilo. Pero no es así, y con la ultraderecha pasa lo mismo. No me preocupa que exista, lo que me preocupa es que gane el relato. Eso sí me preocupa, pero no quiero que se implante una idea autoritaria en la sociedad en la que vivo. Quiero ser un agente activo, no esperar a que las cosas ocurran. Quiero hacer algo para intentar que no pasen.

Si pasan, si al final terminan votando lo que creo que no se tiene que votar, pues me lo tendré que comer igual que ellos se comen el resultado cuando es al revés, pero no significa que me vaya a quedar con los brazos cruzados. Esta es mi sociedad y, me guste o no, esta gente existe. Lo que toca ahora es intentar que sean lo menos posible a través del convencimiento, no a través de lo que intentan ellos, que es hacerte desaparecer.

¿Pero cree que todas las ideas merecen ser respetadas?

Para nada. Hay muchísimas ideas que no respeto, pero que no las respete no quiere decir que no existan. Hemos de tener la capacidad de entender que una cosa es el mundo tal y como nos gustaría que fuera, y otra cosa es el mundo tal y como es. En un mundo en el que hay gente que dice cosas con las que estoy absolutamente en contra, puedo hacer dos cosas: taparme la cabeza y hacer como que no están ahí, como que no existen, o escuchar qué están diciendo para a partir de ahí saber cómo puedo pelear contra eso. Yo intento ser realista. No respeto tus ideas, pero las combato con argumentos. En función de cómo de grave sea el problema, así tiene que ser también la forma en la que te defiendas.

La culpa de gran parte del auge de la ultraderecha la tienen los dos partidos mayoritarios de España, porque llevaban más de 40 años prometiendo unas cosas que luego no nos estaban dando. Entonces, de repente, hay un montón de gente que cree que son todos lo mismo, que dicen que el PSOE y el PP son la misma mierda y que todos son unos mentirosos. Así es como ha aparecido un señor que dice “Yo tengo la solución, los inmigrantes son el problema”, y la gente responde “Bueno, pues vamos a votar a este señor porque sí, parece que él tiene la solución”.

Nos venden que España está fatal, pero cuando no viajas crees que la normalidad es la que tienes a tu alrededor

El Chojin — Rapero

En el álbum colabora con artistas de Latinoamérica. ¿Tienen algo ellos que no hay en España en cuanto a fuerza reivindicativa?

Totalmente. Estamos en una época en la que nos venden que España está a punto de implosionar, que todo es horrible y está megafatal, y da la sensación de que cuando no viajas, cuando no sales de un sitio, te terminas creyendo que la normalidad es la que tienes a tu alrededor. El mundo ahí fuera es mucho, mucho, mucho peor de lo que lo es aquí. En Latinoamérica en concreto tienen el rap como herramienta de lucha social porque es prácticamente lo que les queda. Sin embargo, aquí somos como más burgueses, somos como niños pijos que se quejan porque papá no les deja coger el coche el fin de semana. Allí se están quejando de cosas realmente importantes y tienen un espíritu más reivindicativo que aplaudo muchísimo. Es parte del motivo por el que quería que hubiera artistas latinoamericanos en mi disco.

¿Le da miedo envejecer en la industria?

Me da mucho miedo envejecer en general. No me gusta hacerme mayor, quedarme fuera del argot de la calle, pero que no me guste tampoco implica nada. La vida es como es, no hay nadie que no envejezca y yo no voy a ser una excepción. Pero si pudiera elegir, si tuviera un superpoder, no sería ni volar ni nada, sino tener todo el rato 21 años. Sigo en contacto con la calle, pero es un contacto muy diferente, porque una cosa es cuando pasas por la calle y hablas con gente que está en la calle, y otra cosa es cuando la calle es tuya, que es lo que pasa cuando estás en los diecipico o veintipico.

Ocurre porque haces que ocurra, porque están tus amigos, tu gente, y es tu ambiente. Lo que nos ocurre a nosotros, a los que hemos tenido mucha calle pero que ya somos más mayores, es que recordamos nuestra calle y creemos que esa es la calle que hay ahora. Pero es diferente porque hay otras personas. Por mucho que la tengamos cerca y que nos la cuenten, ya no estás ahí.

Rap, psicología e intervención social, son los tres pilares de Rap Terapéutico, proyecto del zaragozano Rubén Lapesa, de 29 años. “Lo que pretende Rap Terapéutico es poder conectar con esos chicos que no son capaces de admitir que tienen que ir a terapia”, explica Lapesa, integrador social y psicólogo, que comenzó este proyecto hace menos de un año, con el que conjuga sus dos pasiones: rap y salud mental.

En redes sociales ha creado una pequeña comunidad y en sus vídeos, que acumulan miles de visualizaciones, analiza desde un punto de vista psicológico las letras de canciones de rap: “Ayuda a entender que el rap no es sólo una música agresiva o dramática, hay mucho trasfondo y quería darle visibilidad a esos artistas, que tienen mucho detrás”, dice el psicólogo. Sin embargo, más allá de las redes, con las que intenta llegar a más público, la base del proyecto gira en torno a los talleres de rap terapéutico que dirige, en los que se llevan a cabo distintas dinámicas de presentación, improvisación, análisis de canciones o escritura, generando un lugar en el que los participantes puedan expresarse con total libertad.

Como rapero, Lapesa empezó a escribir hace ya 10 años en las calles de Zaragoza bajo el nombre artístico de Big Propa. Como psicólogo, ahora se encuentra en Valencia terminando el máster general sanitario para poder ejercer la profesión y acaba de empezar en la ONG Psicólogas sin Fronteras, interviniendo en un barrio afectado por la DANA, haciendo terapia con población migrante y vulnerable. Admite que está siendo una experiencia de gran aprendizaje: “Es cierto que hay personas que les cuesta conectar con según qué dinámicas, pero todas terminan con la sensación de que el espacio ha sido agradable, han podido expresarse y liberar algo de su emocionalidad, que han podido rapear”. 

Entre medias, 10 años de música, estudios y una pequeña crisis existencial. Desde sus inicios en el mundo del rap estuvo en contacto con distintos profesionales como Francesc Tamarite conocido —como Fran Fuethefirst—, rapero, actor y psicólogo. Conforme avanzaba en su formación y trayectoria académica, Fuethefirst fue contando con él para participar en diversos trabajos con menores en riesgo de exclusión social o grupos de diversidad funcional, a través de talleres de rap y ritmo. También en diversos talleres en institutos de Zaragoza. Después se fue a Valencia a estudiar, rechazando su lado artístico, su identidad como rapero y creador, frustrado por no haber llegado a nada con la música. Paradójicamente, allí volvió a reconectar con la música y con el freestyle, aceptando que era una parte de su vida que podía integrar en su carrera profesional, la psicología. Y así nació su proyecto: Rap Terapéutico.

Juventud, salud mental y género 

Depresión, ansiedad y trastornos del comportamiento son algunas de las principales causas de enfermedad en la adolescencia. En todo el mundo, uno de cada siete jóvenes de entre 10 y 19 años padece un trastorno mental y el suicidio es la tercera causa de defunción en las personas de entre 15 y 29 años, según datos de la Organización Mundial de la Salud. “Hay un gran problema en la salud mental infanto-juvenil, está habiendo datos muy altos de suicidios e intentos de suicidios, pensamientos muy complejos y mucho malestar psíquico en edades muy tempranas”, explica Lapesa, y señala la necesidad de implementar intervenciones preventivas y terapéuticas dirigidas específicamente a esta población. 

Sin embargo, y aunque cada vez menos, al igual que durante muchos años el rap estuvo estigmatizado y relegado, también lo ha estado la importancia de la salud mental y el hecho de ir a terapia, especialmente en la población masculina. “Para entender el proyecto, el tema del género es importante. Creo que, así como las mujeres por la construcción de género y social sí que encuentran muchos espacios donde poder expresarse emocionalmente y están más dispuestas a ir más a terapia, los hombres no”, reflexiona el psicólogo. “Es uno de los problemas del patriarcado: la realidad emocional de los hombres tiene que esconderse y si se expresa que sea a través de la violencia, pero llorando no, mostrándote vulnerable no porque entonces te pisan”.

Teniendo esto en cuenta, Rap Terapéutico busca acercarse a esos jóvenes y conectar con ellos a través del rap, crear un espacio en el que jugar y divertirse, donde se sientan cómodos y puedan mostrarse vulnerables. “En esos momentos es cuando surge la expresión emocional espontánea y es ahí cuando se valida, se da lugar al penar y a poder decir: ‘oye esto que has comentado no ha debido ser fácil, si necesitas hablar de ello puedes contar conmigo’”, comenta Lapesa. 

Club de PsicoRappers

El proyecto busca desarrollar una metodología con base en la experiencia práctica y la investigación y el estudio, para llegar a más jóvenes y todo tipo de personas que puedan beneficiarse de estos talleres e intervenciones, generando una comunidad internacional. Lapesa admite que se trata de un plan un poco ambicioso: “La idea es unificar a muchos profesionales del sector, unificar una idea de intervención lo más adecuada posible para cada sector de la población y poder formar a profesionales de todo el mundo para que en su ciudad o en su pueblo hagan rap terapéutico”. Que la intervención se realice en la calle y no se quede solo en el despacho del psicólogo. 

“Estoy creando un club de PsicoRappers”, expone el psicólogo, que busca con ese objetivo en mente integrar a distintos profesionales de la salud mental, educación, campo de lo social, intervención de calle, baile, rap…; y reunirlos en sesiones quincenales en las que pensar el rap desde una mirada clínica y cultural.

Recientemente, Lapesa ha comenzado una colaboración en redes junto al Festival Rocanrola, el mayor festival de rap en español, y reflexiona sobre la necesidad de encontrar espacios saludables y terapéuticos en la vida y su día a día, más allá de la terapia: “Para mí Rocanrola puede ser uno de esos espacios, donde puedes conectar con iguales que también disfrutan tu pasión”.

Después de toda una vida haciendo música juntos, los raperos zaragozanos Sharif Fernández y Rapsusklei han lanzado su primer disco en común. 'La música de los días rotos' es casi un ejercicio de resistencia a la vida real, como se puede apreciar en el título de sus canciones, en la profundidad de sus letras y en la mayoría de los escenarios de sus videoclips: un edificio abandonado en el que los raperos aparecen reflexivos, conversando, leyendo, guanteando... Música que nace de los escombros para acompañar al oyente en esa realidad universal y cruda que llamamos vida.

“Empezamos a rapear hace muchos años sentados en los bordillos de las calles donde crecimos”, explican Sharif y Rapsusklei (Diego Gil). “Ha llovido mucho desde entonces, y aunque nunca hemos dejado de hacer música juntos, este disco ha sido el resultado de una voluntad antigua, como si por fin se cumpliese la promesa que nos hicimos de niños”. Una promesa que ha ido tomando forma progresivamente y de manera orgánica desde su juventud, ya desde sus inicios en Fuck Tha Posse, grupo local conformado a mediados de los 90 por ambos junto a Johann y Oscar a Secas. 

Niños que crecieron y forjaron carreras por separado, canción tras canción, disco tras disco, siempre con alguna colaboración entre medias en sus respectivos trabajos, hasta llegar a convertirse en referentes del rap en castellano. En 2014 lanzaron junto a Juaninacka el disco 'Curso Básico de Poesía', en el que se podían ver atisbos de esa promesa realizada, pero no sería hasta el pasado 13 de febrero cuando cumplirían con esa voluntad antigua. “Ahora sentíamos que por fin estábamos a la altura de ese sueño que tuvimos hace mucho”, dice Sharif.

Un trabajo que no habría sido posible sin la producción de los zaragozanos Gordo del Funk y Bombony Montana —quién además rapea en dos de los temas—, figuras indispensables que aportan creatividad y juventud al disco, adentrándose en ritmos innovadores más allá del boom bap característicos de este género urbano. Además, la obra gana en musicalidad con las voces de Kyra, Luis Cortes o Brock Chavez, entre otros artistas, que contrastan con las voces rasgadas de estos dos raperos.

'La música de los días rotos' está compuesto por diez canciones. La primera, 'Intro', no es más que una voz sobre una instrumental que lee un texto del poeta libanés Kahlil Gibran, que deja entrever que estas canciones son “hijas de la vida” y tanto Sharif como Rapsusklei son el arco con el que, como flecha viva, este disco es lanzado al mundo.

El breve huracán

Como no podía ser de otra manera, la gira del disco empezará en Zaragoza, una cita especial para ambos. “Pertenecer y representar a Zaragoza es una mezcla de orgullo y de miedo, de privilegio y de responsabilidad, porque esta es una tierra prolija en el cardo y en el milagro, en el arte y en la lucha, y hay que saber estar a su altura”, reflexiona Sharif. “Nosotros escribimos a lo que amamos, y en esta tierra no solo están nuestra familia y nuestros amigos, sino las calles donde crecimos y aprendimos del honor y del respeto”. 

El 17 de abril, la Sala Oasis acogerá el primer concierto de la gira de estos dos raperos, niños que crecieron en las calles de Zaragoza, que soñaron con sacar un disco juntos y, tras más de 30 años haciendo música, lo han conseguido, han cumplido su promesa. Un evento que demuestra que “hasta el tiempo es un tirano porque se escapa corriendo como el agua entre las manos” —verso perteneciente a su canción conjunta ‘Agua entre las manos’ de 2012—.

La gira, que lleva por nombre 'El breve huracán', continuará en Alicante (30 de abril), Barcelona (15 de mayo), Madrid (16 de mayo) y Gandía (8-11 de julio), con más fechas por confirmar. Quién sabe si después de recorrer las salas y festivales de toda España, estos dos raperos zaragozanos crucen el Atlántico y se lancen a hacer una gira por Latinoamérica, tierra en la que cuentan con un público devoto y fiel a sus letras.

La veu de Dollar (Jamel Selmouni Guerrero) és una de les més singulars de l’escena urbana espanyola. Una veu que aquest cap de setmana es podrà escoltar en directe a Inverfest, el festival d’hivern de Madrid, i que ara torna amb un nou disc del qual ja se’n coneixen alguns avançaments i que desafia, des d’una honestedat radical, les regles i els trucs del màrqueting musical actual. Va néixer a la presó de Soto del Real, va créixer a Mallorca i resideix a Madrid des de fa dos anys, amb la idea de pujar un esglaó en la seva carrera. La seva barreja de rap, soul, flamenc i R&B l’ha convertit en un referent allunyat dels clixés musicals.

Lluny de voler construir un personatge artificial, el cantant reivindica la música com a eix principal de la seva obra i qüestiona la lògica de la polèmica i dels conceptes forçats que dominen la indústria. El seu nou projecte, Paso a paso, reflecteix aquesta recerca d’autenticitat i de connexió genuïna amb un públic cada vegada més ampli que, segons l’artista, comença als barris més desafavorits i arriba “fins al Palau de la Zarzuela”.

A més de la seva carrera musical, Selmouni ha ampliat la seva creativitat viatjant cap al món audiovisual, participant com a actor en projectes de cinema i televisió. Va formar part del repartiment de la pel·lícula Hasta el cielo (2020), dirigida per Daniel Calparsoro, i va repetir col·laboració amb el mateix cineasta a Centauro (2022). També ha participat en la sèrie Fanático (2022) per a Netflix, consolidant així el seu perfil d’artista total que combina música, interpretació i presència en pantalla més enllà dels escenaris.

Han passat cinc anys des de Dollar Selmouni, l’últim àlbum. Com han estat aquests anys i en quin punt vital i artístic arriba ara aquest nou moment?

Doncs hem estat vivint més, vivint la música, vivint el que és ser artista i col·laborant molt amb gent, fent moltes coses. També hem canviat de mànager, d’oficina i tot plegat, i ara ja està tot molt millor. Al mateix temps, estic girant per molts concerts, molts festivals, cosa que abans no feia. Abans tenia el millor: més de mig milió de seguidors i feia dos concerts.

Durant aquest temps, hi ha hagut pressió per publicar un nou disc?

La veritat és que no. A veure, el que em mata de la llei actual del disc, de fer un disc, és la merda que s’hi posa. El fet d’haver-lo de vendre, no? El fet d’haver de vendre la polèmica perquè el teu disc vagi bé. Fer alguna cosa que no té res a veure amb la música, però que és el que farà que el teu disc funcioni.

El que em mata de la llei actual del disc, de fer un disc, és la merda que s’hi posa. El fet d’haver de vendre’l, no? El fet d’haver de vendre la polèmica perquè el teu disc vagi bé

Ja. Dedicar-se al màrqueting quan es fa música, no?

No m’agrada això que s’està fent ara. No m’agrada gens. Abans un artista treia un disc i deia: “Jo soc en Pepe i faig música, i aquest és el meu disc”, on sí que parles de la vida i tal. Això és el mínim que se li pot dir a algú. “Mira, en aquest disc es parla de violència”, o “aquest altre tracta no sé què”. Però ara és com que fins i tot has de ser astronauta. No sé si m’explico.

Cal tenir un missatge amb el qual la gent s’hagi de sentir identificada perquè el disc vagi bé. Després les xarxes i tot plegat… És una merda com s’està portant la direcció de tot això. Jo soc dels artistes que no busquen polèmica. Fer la meva música, la meva feina i prou. Que parlin de la polèmica, d’acord, però polèmica de la música: de per què aquests puntejos, de per què sona així una cançó concreta.

El disc ja està gravat. Ha estat un procés llarg de preparació?

No, ha estat molt ràpid. Bé, uns mesos. Una mica de mal de cap sí que queda, és clar. Perquè la gent ara, doncs ja m’ho diràs, no sap quin concepte donar a les coses. Pensen que avui dia cal utilitzar moltes coses. Mira, Fercho —alter ego del cantant colombià Feid—, per exemple: tothom amb la caixa verda. JC Reyes va tot de verd també. Molts artistes han estat així sense voler, però molts ho busquen, molt rebuscat. I jo el que no vull és que es vegi alguna cosa forçada. Sempre he pensat que no cal. Aquest és una mica el missatge del meu disc.

La gent ara no sap quin concepte donar a les coses. Pensen que avui dia cal utilitzar moltes coses [...]. Molts artistes han estat així sense voler, però molts ho busquen, molt rebuscat. I jo el que no vull és que es vegi alguna cosa forçada. Sempre he pensat que no cal. Aquest és una mica el missatge del meu disc

En aquest context, ha estat possible mantenir una postura centrada només en la música amb el nou disc?

Bé, simplement hem comptat amb gent per a les xarxes i algunes col·laboracions. Ara, per exemple, per a un vídeo hem agafat en Manu Lombardo, de Mujeres y Hombres y Viceversa. Un tio molt normal, amb molts seguidors, que apareix en un teaser i al vídeo d’AY NO. Donarà joc, perquè la gent es preguntarà: “Aquest què fa amb el Dollar?”. Però és per posar sorpresa amb persones conegudes. Res més.

Els avançaments publicats fins ara són força diferents entre si. Aquest caràcter defineix el disc?

Jo sempre he estat així, molt versàtil. El disc mostra què és Dollar: un tio molt versàtil, que pot estar en qualsevol pal, en qualsevol gènere, i còmode. No em veig fent música clàssica, com ha fet Rosalía, però mai dic mai.

En aquest tipus de propostes, creu que pesa més el concepte que la música?

No ho sé, no m’hi he centrat gaire. És allò de la religió, no? Però avui dia s’estudia molt els artistes. Tots tenen un concepte: un deixa la droga, un altre es posa una màscara, un altre una espasa. Jo no em disfressaré d’alguna cosa que no soc. Estic segur que més d’un es mira a si mateix i diu: “Qui soc?”. Jo no vull això. A mi, el dia de demà, se’m coneixerà com a Dollar, res més.

I Dollar és molt de “carrer” per al “carrer”, no?

Jo faig música per a la gent. Els meus missatges connecten més amb gent patidora, és veritat, però qualsevol pot sentir-s’hi identificat, fins i tot al Palau de la Zarzuela. Això del “carrer” abans tenia un altre sentit. Ara ja no existeix aquesta idea. El rap ha canviat moltíssim. Abans veure un pijo fent rap era raríssim. Avui veus pijos fent rap i són els millors, encara que no hagin patit res. I està bé.

En aquest sentit, recentment també ha sorgit el debat sobre els polèmics rapers de dretes o afins a VOX.

Jo aquí no m’hi fico. Respecto tothom per la llibertat d’expressió, però no hi entro.

Quin llegat li agradaria deixar com a artista?

Que se’m recordi per la música. Que es digui: “Artistàs”. Com quan penses en Zatu, en La Mala Rodríguez. Penses en la seva música, no en res més.

[M’agradaria] que se’m recordi per la música. Que es digui: “Artistàs”. Com quan penses en Zatu, en La Mala Rodríguez. Penses en la seva música, no en res més

Pensant en artistes d’aquesta talla, amb qui li agradaria col·laborar?

N’hi ha moltíssims. Et puc dir Estopa, El Barrio, Alejandro Sanz, El Cigala, Chambao, Manuel Carrasco, Pablo Alborán… Tenim una cultura musical brutal a Espanya. Des del flamenc, el pop i fins al rock. Hi ha un munt de gent bona.

Per acabar. El nou disc es titula Paso a Paso. Quins són aquests pròxims passos?

Bé, ve de la filosofia amb què jo m’agafo la vida. Saps?

Una cosa així com anar a poc a poc, amb calma?

A poc a poc no, això és de perdedors. Perquè dir-se a un mateix “a poc a poc” és com dir-se una cosa que mai arribarà. Paso a Paso, per a mi, és posar-se objectius, baixar i arribar allà on un vol. Doncs, com hi arribo? Amb pas a pas. Ja sigui caminant o en cadira de rodes. Per això el disc té aquest pes per a mi. És aquest estira, estira, aquest “vesteix-me a poc a poc que tinc pressa”. Hi ha moltes dites així. És tot un continuar avançant.

La voz de Dollar (Jamel Selmouni Guerrero) es una de las más singulares de la escena urbana española. Una voz que este fin de semana se podrá escuchar en directo en Inverfest, el festival de invierno de Madrid, y que ahora regresa con un nuevo disco del que ya se conocen algunos adelantos y que desafía, desde una honestidad radical, las reglas y los trucos del marketing musical actual. Nació en la cárcel de Soto del Real, creció en Mallorca y reside en Madrid desde hace dos años, con la idea de subir un escalón en su carrera. Su mezcla de rap, soul, flamenco y R&B le ha convertido en referente alejado de los clichés musicales. 

Lejos de querer construir un personaje artificial, el cantante reivindica la música como eje principal de su obra y cuestiona la lógica de la polémica y los conceptos forzados que dominan la industria. Su nuevo proyecto, Paso a paso, refleja esa búsqueda de autenticidad y de conexión genuina con un público cada vez más amplio que, según el artista, empieza en los barrios más desfavorecidos y llega “hasta el Palacio de la Zarzuela”.

Además de su carrera musical, Selmouni ha ampliado su creatividad viajando al mundo audiovisual, participando como actor en proyectos de cine y televisión. Formó parte del reparto de la película Hasta el cielo (2020), dirigida por Daniel Calparsoro, y repitió colaboración con el mismo cineasta en Centauro (2022). También ha intervenido en la serie Fanático (2022) para Netflix, consolidando así su perfil de artista total que combina música, interpretación y presencia en pantallas más allá de los escenarios.

Han pasado cinco años desde Dollar Selmouni, el último álbum. ¿Cómo han sido estos años y en qué punto vital y artístico llega ahora este nuevo momento?

Pues hemos estado viviendo más, viviendo la música, viviendo lo que es el ser artista y colaborando mucho con gente, haciendo muchas cosas. También hemos cambiado de mánager, de oficina y todo, y ahora ya está todo mucho mejor. Al mismo tiempo, estoy rotando por muchos conciertos, muchos festivales, cosa que antes no hacía. Antes tenía lo mejor: más de medio millón de seguidores y daba dos conciertos. 

Durante este tiempo, ¿ha habido presión por publicar un nuevo disco?

La verdad es que no. A ver, a mí lo que me mata de la ley de ahora del disco, de hacer un disco, es la mierda que se le pone. El tener que venderlo, ¿no? El tener que vender la polémica para que tu disco vaya bien. Hacer algo que no tiene nada que ver con la música, pero que es lo que va a hacer que tu disco funcione.

A mí lo que me mata de la ley de ahora del disco, de hacer un disco, es la mierda que se le pone. El tener que venderlo, ¿no? El tener que vender la polémica para que tu disco vaya bien

Ya. Dedicarse al marketing cuando se hace música, ¿no?

No me gusta eso que se está haciendo ahora. No me mola nada. Antes un artista sacaba un disco y decía: “Yo soy Pepe y hago música, y este es mi disco”, donde sí que hablas de la vida y de tal. Eso es lo mínimo que se le puede decir a alguien. “Mira, en este disco se habla de violencia”, o “este otro trata de no sé qué”. Pero ahora es como que hasta hay que ser astronauta. No sé si me explico.

Hay que tener un mensaje con el que la gente se tenga que sentir identificada para que el disco vaya bien. Luego las redes y todo… Es una mierda cómo se está llevando la dirección de todo esto. Yo soy de los artistas que no buscan polémica. Hacer mi música, mi trabajo y ya está. Que hablen de la polémica, bien, pero polémica de la música: de por qué estos punteos, de por qué suena así una canción concreta. 

El disco ya está grabado. ¿Ha sido un proceso largo de preparación?

No, ha sido muy rápido. Bueno, unos meses. Un poco de dolor de cabeza sí queda, claro. Porque la gente ahora, pues tú me dirás, no sabe qué concepto darle a las cosas. Piensan que hay que utilizar muchas cosas hoy en día. Mira, Fercho -alter ego del cantante colombiano Feid-, por ejemplo: todos con la caja verde. JC Reyes va todo de verde también. Muchos artistas han sido así sin querer, pero muchos son buscados, muy rebuscados. Y yo lo que no quiero es que se vea algo forzado. Siempre he pensado que no hace falta. Ese es un poco el mensaje de mi disco.

La gente ahora no sabe qué concepto darle a las cosas. Piensan que hay que utilizar muchas cosas hoy en día [...]. Muchos artistas han sido así sin querer, pero muchos son buscados, muy rebuscados. Y yo lo que no quiero es que se vea algo forzado. Siempre he pensado que no hace falta. Ese es un poco el mensaje de mi disco

En ese contexto, ¿ha sido posible mantener una postura centrada solo en la música con el nuevo disco?

Bueno, simplemente hemos contado con gente para redes y algunas colaboraciones. Ahora, por ejemplo, para un vídeo hemos cogido a Manu Lombardo, de Mujeres y Hombres y Viceversa. Un tío muy normal, con muchos seguidores, que aparece en un teaser y en el vídeo de AY NO. Va a dar juego, porque la gente se preguntará “¿Este qué hace con el Dollar?”. Pero es por meter sorpresa con personas conocidas. Nada más.

Los adelantos publicados hasta ahora son bastante distintos entre sí. ¿Ese carácter define el disco?

Yo siempre he sido así, muy versátil. El disco muestra lo que es Dollar: un tío muy versátil, que puede estar en cualquier palo, en cualquier género, y cómodo. No me veo haciendo música clásica, como ha hecho Rosalía, pero nunca digo nunca.

En ese tipo de propuestas, ¿cree que pesa más el concepto que la música?

No lo sé, no me he centrado mucho en ella. Es lo de la religión, ¿no? Pero hoy en día se estudia mucho a los artistas. Todos tienen un concepto: uno deja la droga, otro se pone una máscara, otro una espada. Yo no me voy a disfrazar de algo que no soy. Estoy seguro de que más de uno se mira a sí mismo y dice: “¿Quién soy?”. Yo no quiero eso. A mí el día de mañana se me conocerá como Dollar, nada más. 

Y Dollar es muy de “la calle” para “la calle”, ¿no?

Yo hago música para la gente. Mis mensajes conectan más con gente sufridora, es verdad, pero cualquiera puede sentirse identificado, hasta en el Palacio de la Zarzuela. Eso de “la calle” antes tenía otro sentido. Ahora ya no existe esa idea. El rap ha cambiado muchísimo. Antes ver a un pijo haciendo rap era rarísimo. Hoy ves a pijos haciendo rap y son los mejores, aunque no hayan sufrido nada. Y está bien.

En ese sentido, recientemente también ha surgido el debate sobre los polémicos raperos de derechas o afines a VOX.

Yo ahí no me meto. Respeto a todo el mundo por la libertad de expresión, pero no entro ahí.

¿Qué legado le gustaría dejar como artista?

Que se me recuerde por la música. Que se diga: “Artistazo”. Como cuando piensas en Zatu, en La Mala Rodríguez. Piensas en su música, no en nada más.

[Me gustaría] que se me recuerde por la música. Que se diga: 'Artistazo'. Como cuando piensas en Zatu, en La Mala Rodríguez. Piensas en su música, no en nada más

Pensando en artistas de esa talla ¿Con quién le gustaría colaborar?

Hay muchísimos. Te puedo decir Estopa, El Barrio, Alejandro Sanz, El Cigala, Chambao, Manuel Carrasco, Pablo Alborán… Tenemos una cultura musical brutal en España. Desde el flamenco, el pop y hasta el rock. Hay un montón de gente buena.

Por terminar. El nuevo disco se titula Paso a Paso. ¿Cuáles son esos próximos pasos?

Bueno, viene de la filosofía que me tomo yo de la vida. ¿Sabes? 

¿Algo así como ir poco a poco, con calma?

Poco a poco no, eso de perdedores. Porque decirse a uno mismo “poco a poco” es como decirse a uno mismo algo que nunca va a llegar. Paso a Paso, para mí, es ponerse objetivos, bajar y llegar a donde uno quiere. Pues, ¿cómo llego ahí? Con Paso a Paso. Ya sea caminando o en silla de ruedas. Por eso el disco tiene ese peso para mí. Es ese tira, tira, ese vísteme despacio que tengo prisa. Hay muchos dichos así. Es todo un seguir continuando.

La banda Oques Grasses, que recientemente han vendido 250.000 entradas para cuatro conciertos de despedida en 2026 en el Estadi Olímpic, la navarra afincada en Barcelona Amaia o el guipuzcoano Fermín Muguruza destacan entre los numerosos artistas que participarán el próximo día 29 de enero en el concierto organizado por la plataforma de entidades cívicas Act x Palestine para mantener la conciencia del genocidio cometido por el ejército Israelí en la franja de Gaza.

A ellos se les sumarán otras presencias eminentes como Lluis Llach, Guillem Gisbert o Yerai Cortés, así como las hermanas Farelo, Bad Gyal y Mushka, Ana Tijoux, La Zowi, Morad, Gemma Humet, el ex Obrint Pas Xavi Sarrià, los gazatíes Sol Band o los malienses Tinariwen, entre otros. Pero el centro de gravedad de la propuesta es, sobre todo, la presencia de voces palestinas como Zeyne o Lina Makoul, entre otros referentes con una enorme proyección internacional.

Además, participará el Coro Al-Balad (coro del pueblo) –creado especialmente para el partido entre la selección catalana y la palestina que tuvo lugar el pasado mes de noviembre en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona– y el Coro Ovidi Cor Gran, en el que el cuarteto Ovidi 4 cantará acompañado de Anna Mira, Feliu Ventura, Ginestà, La Maria, Pinan 450f, Sandra Monfort, Sergi Carbonell y Svetlana.

Destacará además la presencia del actor, reciente Premio Nacional de Cinematografía 2025, así como la del entrenador de fútbol del Manchester City Pep Guardiola. También colaborará el grupo de teatro La Fura dels Baus. Las entradas podrán adquirirse desde mañana día 19 en la web del concierto y los precios oscilarán entre los 25 y los 45 euros.

Un cartel intergeneracional

Abel González, representante de Primavera Sound dentro de Act x Palestine y responsable de la contratación de los artistas, ha observado que “se trata de un cartel intergeneracional, donde gente de las más diversas edades podrá reconocerse en los músicos que actúan”. También ha destacado la buena predisposición de todos los artistas a colaborar. “No solo se ofrecieron muchos de ellos, sino que también trajeron a otros compañeros suyos que querían participar”, ha asegurado González.

Por su parte Mohamed Rabah, representante en Catalunya de la Palestinian Performing Arts Network (PPAN), ha recordado que “desde el falsco acuerdo de paz conseguido hace unos meses han sido asesinadas 380 personas en Gaza que se unen a las más de 70.000 víctimas de los ataques israelíes”. En este sentido, ha desvelado, “el concierto busca mantener la conciencia del genocidio a través de la plataforma, en la que participan más de 600 entidades, como la cooperativa Abacus o la promotora Primavera Sound”.

Finalmente Maravillas Rojo, presidenta de Abacus, que además de participar en la organización del concierto ha editado el libro Un grito por la infancia de Gaza / Un crit pels infants de Gaza, coordinado por la periodista Cristina Más Andreu junto a la también periodista Txell Feixas, ha destacado el poder de la cultura para despertar las conciencias ante situaciones como las de Palestina.

Agorazein vuelve. El grupo de rap español en el que se integra C. Tangana volverá a subirse a un escenario una década después de su último lanzamiento. Será una sola fecha: en Madrid, en el Movistar Arena, el 15 de noviembre de 2026.

Así lo ha anunciado AGZ (la abreviatura por la es conocido) este domingo en sus redes sociales. Un regreso tan esperado que en apenas unas horas acumula cientos de miles de visualizaciones en X y más de un millón en Instagram.

El colectivo, formado por C. Tangana, Sticky M.A., Jerv.AGZ, I-Ace y DJ Fabianni, sigue contando con cerca de dos cientos mil oyentes mensuales en Spotify, a pesar de que su último lanzamiento conjunto —el álbum Siempre— se remonta a 2016.

Las entradas estarán a la venta a partir de las 12.00 horas del próximo martes de 16 de noviembre.

El concierto de Ajax y Prok programado en Logroño el próximo 11 de abril ha sido cancelado. Logroño se cae del cartel de gira que los propios raperos han eliminado de sus redes sociales, acusados de abusos sexuales durante años, según se ha denunciado a través de más de 80 testimonios publicados en redes sociales, además de los relatos de maltrato compartidos por sus exparejas.

Las acusaciones de abuso, acoso, maltrato físico y psicológico, violación y sumisión química se produjeron hace más de un año. A pesar del impacto que habían tenido los graves testimonios, a principios del pasado mes de noviembre, anunciaron la gira de 2026, que incluía el concierto de Logroño, como una vuelta a los escenarios y a la que titularon “Indestructibles”.

Más recientemente, el rapero Fernando Costa menciona directamente estas acusaciones en una canción, en la que habla de “violencia psicológica y abortos forzados”. Tras ello, los conciertos han empezado a cancelarse.

En el caso de Logroño, la Sala Concept, donde se iba a celebrar, ha confirmado la cancelación, si bien ha aclarado que la sala no organizaba el concierto sino que solo alquilaba el espacio. Así mismo, apuntaba a que el promotor musical les había confirmado la suspensión del concierto justificando “una cancelación de toda la gira por parte de los artistas”.

La controvertida serie documental de Netflix Sean Combs: The Reckoning ya fue calificada como “una vergonzosa pieza difamatoria” por los abogados del magnate caído en desgracia tras el lanzamiento del tráiler el lunes. Ahora, después de que los cuatro episodios se hayan estrenado en Netflix, los críticos la han calificado de “sombríamente necesaria” y de retrato “implacable” de “un individuo aterrador”.

La serie, producida por Curtis “50 Cent” Jackson, rival de Combs desde hace mucho tiempo, narra su ascenso a la fama y detalla algunas de las acusaciones que se le han hecho a lo largo de los años. Cuenta con una amplia gama de voces, entre las que se incluyen antiguos miembros de su círculo más cercano, varios antiguos empleados y socios, amigos de la infancia, artistas que firmaron con su discográfica Bad Boy Records, dos miembros del jurado de su juicio federal y varias personas que han presentado demandas civiles contra Combs, algunas de ellas acusándolo de agresión sexual, algo que Combs ha negado.

El documental llega varios meses después de la condena a Combs por dos delitos de transporte con fines de prostitución. Por otro lado, le declararon inocente de los cargos más graves de tráfico sexual y conspiración para cometer extorsión que también se le imputaban. En octubre, Combs, que se había declarado inocente de todos los cargos, fue condenado a 50 meses de prisión.

Combs cumple actualmente su condena en el complejo penitenciario de Fort Dix, en Nueva Jersey, y ha recurrido tanto la pena como la sentencia. Sigue enfrentándose a docenas de demandas civiles que le acusan de abusos sexuales. Ha negado todas las acusaciones que se le imputan.

Tras el estreno de la serie el martes, Juda Engelmayer, portavoz de Combs, dijo en un comunicado que no querían “comentar las acusaciones individuales que se repiten en el documental”, y añadió: “Muchas de las personas que aparecen tienen rencores personales de largo recorrido, motivos económicos o problemas de credibilidad que han sido documentados durante años”.

“Varias de estas historias ya se han abordado en los tribunales, y otras nunca se han planteado en ningún foro legal porque simplemente no son ciertas”, añadió. “El proyecto se ha construido en torno a una narrativa unilateral liderada por un adversario que se ha manifestado públicamente, y repite acusaciones sin contexto, pruebas ni verificación”. “Sean Combs seguirá abordando los asuntos legítimos a través del proceso legal, no a través de una producción sesgada de Netflix”, afirmó su representante

“Hemos visto las dos caras de la moneda y hemos llegado a nuestras propias conclusiones”

Dos miembros del jurado del juicio federal de Combs salen como testimonios en la serie y hablan por primera vez desde que el jurado de 12 personas emitió un veredicto dividido a principios de este año. “Cuando estábamos en la sala de deliberaciones y llegamos a un acuerdo y solo dijimos que era culpable de estos dos cargos, mis palabras exactas fueron: ”M-i-e-r-d-a“, explica una de las miembros del jurado, una mujer identificada como la miembro 160.

Durante el juicio de dos meses celebrado este verano, los fiscales acusaron a Combs de traficar con mujeres con fines sexuales coaccionándolas para que participaran en maratones sexuales con acompañantes masculinos bajo los efectos de las drogas. Para su caso fueron fundamentales las acusaciones de la exnovia de Combs, la cantante Casandra “Cassie” Ventura, quien testificó que, durante su relación de diez años, Combs la maltrató físicamente, la coaccionó y la chantajeó para que participara en estos encuentros sexuales.

Los abogados de Combs han reconocido casos de violencia doméstica en el pasado, pero han negado que se hubiera producido coacción o tráfico sexual, insistiendo en que todas las actividades sexuales fueron consentidas.

Tras tres días de deliberaciones, el jurado, compuesto por ocho hombres y cuatro mujeres, llegó a un veredicto y condenó a Combs por los dos cargos relacionados con la prostitución.

En la serie, el entrevistador pregunta a la jurado 160 —que había dicho previamente que pertenecía a “esa generación que básicamente creció escuchando” la música de Combs, aunque no era “fan suya”—, si creía que Combs era una “persona violenta”. Ella responde que, basándose en el vídeo de vigilancia del hotel de 2016 en el que se veía a Combs golpeando a Ventura y que se mostró al jurado en el tribunal, “puede serlo”. “Es imperdonable, sinceramente, no se puede golpear a una chica tan pequeña como lo hizo él”, dijo la jurado 160. Sin embargo, añadía: “Se puede decir que era una persona horrible, pero la violencia doméstica no era uno de los cargos”.

El otro jurado entrevistado, un hombre identificado como el jurado 75, que dijo que no tenía “ningún conocimiento” de Combs antes del juicio, afirma que durante el juicio se sintió “confundido” por la relación entre Ventura y Combs. Le preguntaron si había visto alguna prueba de “fuerza, fraude o coacción entre Cassie y Sean”, y el hombre respondió: “Era una relación muy, muy interesante. Son dos personas enamoradas, están demasiado enamoradas. No se puede explicar. Ella quería estar con él. Él la daba por sentado. Nunca pensó que ella lo dejaría. Es como aplaudir con ambas manos. No se puede aplaudir con una sola mano. Con ambas manos se obtiene el sonido”.

El jurado 75 señala los mensajes de texto afectuosos entre Ventura y Combs después de la agresión en el hotel que presentó la defensa durante el juicio. “Al día siguiente se ve cómo vuelven a estar juntos e intercambian mensajes de texto como si nada hubiera pasado”, dijo. “Así que ahora estamos confundidos... ¿Qué está pasando aquí? Él la golpea y, al minuto siguiente, salen a cenar y se van de viaje. Es como ir y venir, ir y venir, ir y venir”.

“Esa es mi respuesta”, dijo el jurado. “Quiero decir, si no te gusta algo, te vas por completo. No puedes tenerlo todo. Disfrutar del lujo y luego quejarte de ello, no lo creo”. Cuando se le preguntó si creía que se había hecho justicia en este caso, el jurado 75 respondió: “Al 100 %”, y añadió: “Vimos las dos caras de la moneda y llegamos a nuestras conclusiones”.

“Estaban deslumbrados”

Una de las antiguas empleadas de Combs que aparece en la serie documental es Capricorn Clark, su antigua asistente y ejecutiva de Bad Boy Entertainment. Clark, quien testificó en su contra en el juicio y dijo al jurado que Combs la secuestró una vez y amenazó su vida, explica en el documental que sentía que el jurado “no creyó nada” de lo que ella contó.

“Los observo mientras se relacionan con él, creo que todos sentían algo por Puff, cada vez que miraban a Puff era como si fueran amigos”, dice en la miniserie. “Estaban deslumbrados”.

“Ni siquiera sé si me violaron”

En el tercer episodio, la cantante Aubrey O'Day, antigua miembro de la banda femenina de Combs, Danity Kane, alega que Combs le envió correos electrónicos sexualmente explícitos durante el rodaje del programa Making the Band. En el documental, O'Day lee un correo electrónico explícito que, según ella, le envió Combs, y también afirma que él le envió fotos de su pene por correo electrónico.

“No solo quiero follarte. Quiero convertirte”, decía parte del supuesto correo electrónico. “Puedo verte con algún hijo de puta al que le dices lo que tiene que hacer. Yo hago que mi mujer haga lo que yo le digo, y a ella le encanta”.

En la entrevista, O'Day dice: “Es tu jefe en el trabajo quien te envía ese correo electrónico”. Y continúa: “¿Qué le pasa a cualquier otra persona en la vida real? A tu jefe lo despiden. Seis meses después, me despidieron a mí”. “Estoy convencida de que me despidieron por no seguirle el rollo sexualmente”, asegura.

En la serie, O'Day también habla de las declaraciones de una mujer en un caso civil diferente, en el que la testido aseguró que, en 2005, entró sin querer en una habitación donde vio a la propia O'Day, “muy ebria” y desnuda de cintura para abajo, siendo agredida sexualmente por Combs y otro hombre. O'Day dice en el documental que no tiene “ningún recuerdo de esto”. “¿Significa esto que me violaron? ¿Es eso lo que significa? Ni siquiera sé si me violaron”, denuncia. “Y no quiero saberlo”.

“A veces te suceden cosas violentas”

El documental también incluye acusaciones de antiguos socios de Bad Boy Records, entre ellos Kirk Burrowes, cofundador de Bad Boy Entertainment junto con Combs, de que Combs estuvo involucrado en el asesinato del rapero Tupac Shakur, entre otras acusaciones. Combs siempre ha negado cualquier implicación en la muerte de Shakur.

“Sean estaba locamente celoso de la amistad entre Biggie y 'Pac”, dijo Burrowes. “Para Sean, ser comercializador significa ser manipulador. Y hay envidia hacia las personas que tienen éxito y fama, sin manipulación”. Burrowes añade en su capítulo: “Sean a veces te humilla. A veces te pone como ejemplo. A veces te suceden cosas violentas. A lo largo de los años, les sucedieron muchas cosas malas a buenos amigos”. “Creo que Sean, ahora que tengo una mente madura, tuvo mucho que ver con la muerte de Tupac”, dijo Burrowes.

“El negocio más sucio de los negocios sucios”

La serie también incluye imágenes inéditas filmadas en los seis días previos a la detención de Combs en septiembre de 2024, cuando la investigación federal se estaba cerrando.

Según el documental, Combs tenía un camarógrafo que lo documentaba durante ese tiempo, y los realizadores afirman que obtuvieron las imágenes tras la detención de Combs.

El documental comienza con algunas de esas imágenes, en las que se ve a Combs en una habitación de hotel de Nueva York hablando por teléfono con su abogado, discutiendo la percepción pública contra él en redes sociales.

“Tenemos que encontrar a alguien que trabaje con nosotros, que se haya dedicado al negocio más sucio de los medios de comunicación y la propaganda”, dice Combs. “Estamos perdiendo”. Días después, Combs fue detenido y acusado de tráfico sexual, conspiración para cometer extorsión y transporte con fines de prostitución.

La directora de la serie, Alexandria Stapleton, declaró que las imágenes “llegaron a nosotros” y que fueron obtenidas legalmente. “Una cosa que caracteriza a Sean Combs es que siempre se graba a sí mismo, y ha sido una obsesión durante décadas”, dijo. “También nos pusimos en contacto con su equipo legal en múltiples ocasiones para solicitar una entrevista y comentarios, pero no obtuvimos respuesta”.

Stapleton ha dicho que espera que el documental “sea una llamada de atención sobre cómo idolatramos a las personas y nos haga comprender que todo el mundo es un ser humano”.

El lunes previo al estreno, los abogados de Combs enviaron una carta exigiendo la retirada del documental. Critican que “Netflix se ha basado en imágenes robadas que nunca fueron autorizadas para su publicación” y que Combs llevaba décadas acumulando material para contar su propia historia. Denuncian que se usaran imágenes privadas y conversaciones con abogados que no estaban destinadas al público.

También declaran que Combs había estado trabajando en su propio documental antes de su detención y que había mantenido conversaciones con Netflix, pero que el proyecto se paralizó por cuestiones de control creativo. En su declaración, Engelmayer calificó de “sorprendente” que Netflix hubiera cedido control creativo a Jackson, a quien describió como “un adversario de toda la vida con una venganza personal”.

Más, más, más. Más dopamina. Si se puede más, que sea más. Sagita Magma, el Seminario-Dopamina de Estética Política y Ontología de la Comunicación, que está abordando la condición contemporánea bajo la presión del exceso, examinando cómo nuestras sociedades gestionan su actualidad social, política y ecológica. Llegamos a la novena sesión, con un enésimo giro de guión que introduce nuevos elementos en cada una de sus sesiones. En esta ocasión, la propia disposición del espacio revisaba el concepto mismo de espacio académico, como si Divine pudiera irrumpir en cualquier momento por la puerta de ojo de buey ante la mirada perpleja de un claustro de profesores togados de hace dos siglos. Una atmósfera a medio camino entre la performance y la provocación intelectual, que rompe los límites entre lo visual y lo conceptual, y posibilita que el pensamiento se mezcle con la acción artística.

El Salón Antonio Saura se cubrió de proyecciones magmáticas en paredes y techo de Marta Feiner, que estuvo presente, convirtiendo esta sala en un espacio híbrido entre ponencia e imagen, creando esa pasarela entre arte y filosofía de la que hablarían Alberto Morán Roa (ESIC University) & Bea k.m-p., protagonistas de la sesión. “La relación siempre es mucho más magmática: se alimentan mucho más, se apoyan mucho más y al final cuesta incluso hacer una línea clara de dónde empieza y dónde acaba una cosa u otra”, explica Alberto Morán. “Suelen ir de la mano; al final son movimientos culturales y, de hecho, son puntos de vista que cuando los unes enriquecen el debate”, refuerza Beatriz k.m-p.

La sesión llevaba por título 'más, Más, MÁS: Afectos, compulsiones y expresiones del deseo en el capitalismo' y la película de Waters Pink Flamingos, de la que posteriormente hablarían en la sesión, es la metáfora perfecta de un mundo que parece potenciar únicamente lo higiénico y lo productivo. Una propuesta que situaba el foco en ese régimen de excitación constante que demanda ampliar siempre los propios límites. Como explicó Morán: “Una cosa es saber que deberías estar cuidándote más por dentro y otra muy distinta poder hacerlo”. Una brecha casi estructural en una sociedad que conduce al borde del agotamiento.

En esa “magmaticidad”, como la llamó Morán, que posibilita el mestizaje disciplinar imprescindible, articulando filosofía y arte como estrategia para pensar nuevas disposiciones afectivas y otros modos de exponerse digitalmente. Morán lo describe con un énfasis revelador: “No es solamente una pata económica, no es solamente un diseño tecnológico; es también mitos, símbolos, imágenes, relatos, narraciones. Al final es todo un entramado muy denso”.

“Hablamos de cosas como lo aspiracional, el individualismo, la libido objetual, la compulsión, el asesinato, la figura de acabar con el otro, la sociedad como política, el castigo, las mecánicas de desactivación política”. Se trata, explica Morán, de un sistema complejo que organiza la vida desde dentro de los sujetos, sus deseos, su sentimiento de culpabilidad o su tendencia a la autoexplotación. Y añade: “La configuración de una forma de estar en el mundo no se puede hacer a partir de dos o tres pinceladas, sino que requiere de una urdimbre, de toda una serie de vectores trabajando de forma muy bien sincronizada”.

Habitamos en un régimen de atención 24/7 que disuelve la frontera entre ocio y trabajo, exigiendo una continuidad laboral forzada. “Trabajo más horas de las que puedo y aun así siento que todo se me escapa”, explica Morán. La exigencia se vuelve una forma de tortura aceptada, una manera de rendirse ante un orden que no se cuestiona, sino que se interioriza. “Mejoraría si supiera decir que no, pero luego digo que sí a todo”, replica Beatriz Morales, una frase que condensa la dimensión afectiva y política del sometimiento cotidiano.

“Estamos en un modelo en el que, si no has conseguido esto, es tu culpa. La responsabilidad se deposita exclusivamente en el individuo, aunque lo que te han entregado está ya diseñado para engancharte”, señala Morán. El diseño afectivo del capitalismo acaba convirtiendo al sujeto en culpable de su propio agotamiento. La culpa funciona como energía inagotable del rendimiento. “Tengo que ver cuál es mi marco de límites y cuánto me permito y cuánto no quiero permitirme”, explica, señalando que la renegociación de los bordes subjetivos se convierte en el único lugar donde aún puede ejercerse un mínimo de libertad.

“No es cuestión de protegerte frente a un mandato externo, sino precisamente… protegernos frente a lo que queremos”, explican. Es una defensa, la necesidad de una “ética del límite” como contrapunto al exceso neoliberal, de la que habla el filósofo coreano Byung-Chul Han, sobre el que Alberto Morán realizó la tesis doctoral titulada 'Las redes de la nada: Cartografía del pensamiento de Byung-Chul Han: trazados y recepción crítica', (UNED, 2022).

La conversación avanza hacia la idea de una “totalización del aquí”, un tiempo devorado por la presencia obligatoria, donde la simultaneidad se convierte en forma de vida. Beatriz lo expresa: “Me siento como si existiera siempre en varios sitios a la vez, pero sin estar del todo en ninguno”. El sujeto queda disperso entre pantallas, notificaciones y demandas que nunca cesan. “Me despierto y tengo cincuenta mensajes. Me duermo y tengo cincuenta más”, replica Morán, añadiendo que “parece que todo el rato estás llegando tarde a algo”. Este miedo a quedarse fuera de algo, FOMO, Beatriz Morales lo resume en la frase “Quiero una vida menos llena”.

Mirar ya no es solo ver, como diría Berger: es exponerse. “Siento que tengo que documentarlo todo para que no se pierda”, explica Alberto, mientras Beatriz completa el diagnóstico: “Al final, subo cosas que no quiero solo porque parece que toca”.

La ausencia de una política capaz de frenar a las grandes tecnológicas, que no solo gestionan información, sino también afectos e imaginarios, desactiva incluso la posibilidad de decir “hasta aquí”. Morales lo expresa con precisión: “A veces cierro todo y dejo de postear durante semanas, pero esa retirada no me protege del mandato invisible que me vigila desde la interfaz”. En medio de todo ese ruido, la creatividad funciona como un pequeño respiro. Morán lo formula con un “Cuando escribo, algo se recoloca”. Y Beatriz le hace eco: “Cuando dibujo, descanso de mí”. Pequeñas defensas contra el desbordamiento permanente.

A veces cierro todo y dejo de postear durante semanas, pero esa retirada no me protege del mandato invisible que me vigila desde la interfaz

Alberto Morán — Filósofo

Durante la sesión llegó el momento de las lentejuelas desbordadas y los cardados imposibles con una lectura conjunta del film de John Waters, Pink Flamingos (1972), que sirvió como base para una lectura del capitalismo como espejo de la inmundicia. “Nos dimos cuenta de que se podría establecer una analogía entre el deseo capitalista y el concepto de inmundicia que se va desarrollando durante toda la película… pequeños detalles de cómo interpretar la suciedad de un Estados Unidos capitalista. Divine se venga de los Marvel y su decisión es ejecutarlos y además humillarlos ante los medios. La suciedad es mi política”. Y añaden: “Esa suciedad como política es algo que vemos en el trato deshumanizado del otro, particularmente del otro migrante”.

Quizá el arte anticipa debates… en el arte se está discutiendo, quizá de manera intuitiva, debates que todavía socialmente no están puestos sobre la mesa

Beatriz k.m.-p, artista interseccional

Waters no se limitaba a burlarse del sueño americano. En Pink Flamingos, lo grotesco expone sin rodeos un mundo que clasifica cuerpos, que decide quién merece respeto y quién debe quedarse fuera. La suciedad, dentro de esa lógica, no es un gag ni una provocación gratuita, sino una forma de señalar las fronteras invisibles del sistema. Como explicó Alberto: “Los Marvel son villanos porque se creen el modelo aspiracional… Quieren destruir a Divine”. Lo que Waters ridiculizaba en los setenta habla directamente del poder y de las jerarquías que siguen estructurando nuestra vida social.

Quizá la única resistencia, un término tan desgastado, pueda pasar por aceptar menos, frente al “más, Más, MÁS” del título de la sesión. Menos velocidad, menos exposición, menos productividad. “Hay días en que siento que todo puede ir mejor”, explica Beatriz, y Alberto replica: “Cuando estoy con gente que me quiere, me calma”. Una pausa en el tiempo-mercancía.

Ese “todavía puede ir mejor” funciona como una ética mínima del cuidado, una apuesta por una subjetividad que consiga sobrevivir a la extracción infinita del presente. Beatriz lo enlazó de inmediato con el arte: “Quizá el arte anticipa debates… en el arte se está discutiendo, quizá de manera intuitiva, debates que todavía socialmente no están puestos sobre la mesa”. Recuperar una temporalidad que no esté devorada por la lógica algorítmica. Como escribió Byung-Chul Han en La esencia del tiempo: “La crisis temporal solo se superará en el momento en que la vita activa, en plena crisis, acoja de nuevo la vita contemplativa en su seno”.

Nota del autor: La conversación con Beatriz k.m-p. y Alberto Morán Roa tuvo lugar poco antes de su participación en la novena sesión de Sagita Magma, Seminario-Dopamina. Estética Política y Ontología de la Comunicación, celebrada el 20 de noviembre de 2025 en el Salón de Actos Antonio Saura de la Facultad de Bellas Artes del campus de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha.

La sesión, titulada más, Más, MÁS: afectos, compulsiones y expresiones del deseo en el capitalismo, los reunió en un dispositivo híbrido entre ponencia, ensayo visual y conversación performativa. Este ciclo, coordinado por Ignacio Escutia, Andrés M. García Romero y Laura Budia Piña, con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes, la Facultad de Comunicación y la Facultad de Educación y Humanidades, se desarrollará a lo largo de trece encuentros que entrelazan teoría crítica, arte y pensamiento contemporáneo.

Sam Rivers, bajista y miembro fundador de la banda de rap metal Limp Bizkit, falleció la noche del pasado domingo por causas que todavía no han sido reveladas, según ha comunicado la banda en su cuenta de Instagram. Anteriormente, Rivers había tenido problemas de salud a causa de su adicción al alcohol. Dichos problemas le habían alejado temporalmente de la música, ya que desarrolló una enfermedad hepática que finalmente requirió un trasplante. Rivers se une así a Ozzy Osbourne entre las pérdidas este último año en el sector del heavy metal.

Según explica la revista Rolling Stone en el obituario que le dedica, Rivers tuvo que dejar Limp Bizkit en 2015 por su precaria salud. “Me sentía fatal, y unos meses después me di cuenta de que tenía que cambiarlo todo porque tenía una enfermedad hepática muy grave”, revela Rivers en el libro Raising Hell (Backstage Tales From the Lives of Metal Legends), citado por la publicación. En dicho libro, el músico asegura que dejó de beber e hizo todo lo que me dijeron los médicos. Finalmente, tras el éxito del trasplante, regreso a la banda en 2018 y permaneció en ella como miembro hasta el pasado domingo 19.

“Sam Rivers no era solo nuestro bajista: era pura magia. El pulso de cada canción, la calma en el caos, el alma en el sonido”, aparece escrito al inicio del comunicado publicado en la cuenta de Instagram del grupo. Y para cerrar, sus compañeros de grupo destacan del él que “fue un ser humano único en la vida. Una auténtica leyenda de leyendas. Y su espíritu vivirá para siempre en cada ritmo, cada escenario, cada recuerdo”.

En el cuerpo del mensaje, aseguran que “desde la primera nota que tocamos juntos, Sam trajo una luz y un ritmo que nunca podrán ser reemplazados”. “Su talento era natural, su presencia inolvidable, su corazón enorme”, añaden y aseguran que juntos compartieron “muchos momentos —salvajes, tranquilos, hermosos— y cada uno de ellos significó más porque Sam estaba allí”. El texto está firmado por los otros miembros de la banda, Fred Durst, Wes Borland, John Otto y DJ Lethal.

Limp Bizkit fue una de las principales bandas de la segunda generación de rap metal estadounidense, junto a otras formaciones como Linkin Park, que siguieron la estela de grupos anteriores como Korn o, sobre todo Rage Against The Machine, que a su vez se inspiraron en las experiencias de bandas de los ochenta como los Beastie Boys o los trabajos conjuntos de los metaleros Aerosmith y los raperos Run DMC.

Aparecidos en Jacksonville, 1999 en Florida, su éxito se dibujó ya en su primer disco Significant Other, que vendió cuatro millones de copias. El siguiente trabajo, Chocolate Starfish and the Hotdog Flavored Water, cuyo tema Take a look around fue incluido en la banda sonora de la película Misión Imposible 2, les confirmó en el olimpo del nuevo metal del siglo que se iniciaba. La banda tenía previsto regresar a España, después de 14 años, como cabeza de cartel en el Resurrection Fest 2026, que se celebra entre el 1 y el 4 de julio en Viveiro, Galicia, sin que por el momento se conozcan los planes del grupo a partir de ahora.

Liam Óg Ó hAnnaidh, conocido con el nombre artístico de Mo Chara y rapero de 27 años integrante de la banda de rap Kneecap, famosa por cantar en gaélico y por sus letras sobre drogas y la situación en Irlanda del Norte, no tendrá que sentarse finalmente en el banquillo de la corte británica acusado de terrorismo por haber exhibido una bandera del grupo islamista chií libanés Hezbolá durante en concierto en el O2 Forum de Londres en noviembre de 2024. Hezbolá es una organización considerada terrorista por el Reino Unido desde 2019.

La anulación de la causa se produce no por la consideración de que su actuación no pueda ser considerada como acto de terrorismo al ensalzar a la milicia libanesa, sino por una cuestión técnica de plazos. Después de una audiencia en el Tribunal de Magistrados de Westminster, el juez encargado del caso, Paul Goldspring, ha dictaminado que “el cargo es ilegal y nulo, y este tribunal no tiene jurisdicción para juzgarlo”, tras observar que el artista fue acusado fuera del plazo de seis meses establecido por la ley para este tipo de imputaciones.

 Mo Chara, que ha acudido a la audiencia del Tribunal de la Corona de Woolwich, ha manifestado su júbilo tras el fallo del juez Goldspring, y a su salida del edificio se ha abrazado a los numerosos seguidores que le esperaban para ofrecerle su apoyo. Por otro lado, la Ministra Principal del Irlanda del Norte, del Sinn Féin, Michelle O'Neill, ha celebrado el fallo en su cuenta de X (antes Twitter).

“Se han retirado todos los cargos contra Mo Chara de Kneecap y acojo con gran satisfacción esta decisión”, ha escrito O'Neill, que ha asegurado que “estas acusaciones fueron parte de un intento calculado de silenciar a quienes se levantan y denuncian el genocidio israelí en Gaza”. La mandataria norirlandesa concluye que “Kneecap ha utilizado su plataforma en escenarios de todo el mundo para exponer este genocidio, y es responsabilidad de todos nosotros seguir hablando y oponiéndonos a la injusticia en Palestina”.

También Daniel Lambert, mánager de Kneecap, ha manifestado su alegría en redes sociales.

“Hemos ganado; Liam Óg es un hombre libre”, ha escrito Lambert. “Dijimos que lucharíamos contra ellos y ganaríamos”, a añadido. “Lo hicimos (dos veces). Kneecap no tiene cargos ni condenas en ningún país, nunca. La vigilancia política ha fracasado. Kneecap está en el lado correcto de la historia. Gran Bretaña, no. Palestina libre”, dice para terminar su comentario en X. El pasado julio, la banda actuó en el Primavera Sound y posteriormente en el BBK Live de Bilbao, con gran éxito de público en ambos conciertos.

La edición especial de verano del programa de ocio alternativo 'La Noche es joven' finaliza este fin de semana con dos actividades: la batalla de rap y la noche de terror.

Así lo ha detallado la concejala de Juventud de Santander, Noemí Méndez, quien ha animado a los jóvenes de la ciudad a sumarse a estas últimas propuestas del ciclo de verano municipal, que tienen el objetivo de ofrecer un ocio “saludable, accesible y no consumista”.

Este viernes se desarrollará la batalla de rap, a partir de las 21.00 horas en el centro cívico Tabacalera. La actividad, que es gratuita, no necesita inscripción previa y la entrada es gratuita hasta completar aforo.

En las 'batallas de gallos' los participantes se adaptan a una base musical y demuestran su ingenio y dominio del freestyle, improvisando sobre una temática escogida de forma aleatoria o bien respondiéndose entre ellos directamente por turnos. El torneo pretende impulsar la cultura juvenil urbana, premiando a los ganadores y ofreciendo a los finalistas un espacio donde poder mostrar su arte.

El evento será la final de los ganadores de las diferentes jornadas de freestyle realizadas en el Espacio Joven Santander en mayo de 2025.

Además, a los más destacados de entre los participantes que hayan nacido o residan en Santander se les tendrá en cuenta para participar en próximos eventos organizados por el Espacio Joven del Ayuntamiento o de otros consistorios con los que el Espacio Joven mantiene acuerdos de intercambios de artistas, siempre dentro de las condiciones que permita cada situación.

El festival, organizado por Cocuu Eventos y North Music, además de las batallas de gallos contará con la participación de artistas invitados y un DJ en vivo, ha informado el Ayuntamiento.

Ya el sábado se celebrará la Noche de Terror Zombie, a partir de las 22.00 horas, en el pabellón polideportivo de Numancia. Las plazas están agotadas y se ha establecido una lista de reserva a través del correo juventud@santander.es, donde se debe enviar el nombre, edad y móvil de contacto.

En este 'real game' urbano los participantes deberán 'rolear', escapar y sobrevivir superando pruebas por diferentes lugares del centro de la ciudad, donde se encontrarán con actores que interpretarán distintos personajes y con pruebas que medirán su valentía y habilidades. Los jóvenes tendrán que moverse por diferentes puntos de la ciudad para superar en equipo diferentes pruebas.

La actividad está gestionada por Tarín Eventos y es necesaria la inscripción previa online. Si las plazas están completas las personas interesadas puedes apuntarte en la lista de espera enviando un email con sus datos personales, edad y móvil de contacto a juventud@santander.es.

A menos de un mes de la publicación de su segundo álbum de estudio 'Am I the drama?' (¿Soy yo el drama?), la polifacética rapera estadounidense Cardi B ha convertido sin proponérselo un juicio contra ella en Los Ángeles en la mejor promoción de su carrera musical. Solamente tuvo que ser ella misma frente al juez. Y las redes hicieron el resto.

La cantante ha tenido que enfrentarse a lo largo de la última semana de agosto a un juicio a raíz de la denuncia que una agente de seguridad de una clínica interpuso contra ella. La demandante, Emani Ellis, aseguraba que Belcalis Marlenis Almánzar, conocida por su nombre artístico Cardi B, la había agredido físicamente en febrero de 2018.

Según el relato de Ellis, Cardi B, que por aquel entonces estaba embarazada de cinco meses, la había agredido con tal brutalidad que había tenido incluso que someter su rostro a una cirugía estética. Por ello, exigía una indemnización de 24 millones de dólares.

La rapera relató cómo la encargada de seguridad de la clínica médica la siguió hasta la quinta planta del edificio hospitalario, móvil en mano y grabándola. Cardi B, quien solo anunciaría mes y medio más tarde su embarazo, explicó que temía que la agente filtrase aquellas imágenes y que este fue el motivo de la discusión. Alegó además que en ningún momento llegaron a las manos.

Sin embargo, la artista estadounidense, criada en el Bronx entre pandilleros, ha enamorado a los usuarios de las redes sociales con su desparpajo a la hora de responder a las preguntas, no siempre pertinentes, del magistrado y de los abogados. En uno de los momentos que más virales se han hecho, el juez pregunta a la cantante si llamó “gorda” a la agente de seguridad, ante lo que Cardi B responde, tajante: “No, la llamé zorra”, y acto seguido explica que el tamaño de Emani Ellis dejaba claro sus capacidades para “proteger el edificio”.

Otro de los momentos “estelares” de Cardi B se produce cuando el abogado le pregunta si estaba “mirándole la cara” a la demandante en el hospital. Con su expresividad característica, la rapera responde que estaba “mirándole a la cara”, pero que no estaba “mirándola así”, tras lo que recrea con un gesto cómico cómo “no estaba mirándola” para justificar que no sabía si tenía algún tipo de cicatriz en el rostro. Éxito asegurado. En pocas horas sus caras y sus gestos ya se habían convertido en gifs y memes compartidos por doquier.

Por momentos el juicio llegó a tener momentos cómicos además de inapropiados. El abogado de la demandante llegó a preguntarle a la artista por “el verdadero color de su pelo” o por sus uñas, después de que acudiera con dos pelucas diferentes, una rubia y otra morena, a los juzgados. Ante ello, Cardi B solamente pudo decir, con cara de incrédula: “Son pelucas...”

Eso no evitó, sin embargo, que hubiera más momentos tensos frente al abogado de la acusación que intentó “probar” la presunta agresión en base a una “pelea verbal” que llegó a pedir a la rapera que repitiera frente a la agente de seguridad, ante lo que el juez tuvo que intervenir por las quejas del abogado defensor.

Por si el juicio no fuera suficiente, a su salida de los tribunales, Cardi B se encontró con un enorme grupo de periodistas entre los que se encontraba uno que, de forma insistente, le preguntaba sobre un supuesto cuarto embarazo de la cantante con Offset, padre de sus tres hijos e integrante de la banda de Atlanta Migos, ella le lanzó un objeto mientras le increpaba: “Eres desrespetuoso. No hagas eso. ¿Ves a alguna mujer haciéndome ese tipo de preguntas? ¿Ves a mujeres haciéndome esas preguntas? ¿Por qué crees que tú como hombre puedes hacerme este tipo de preguntas? ¿Actúa como si tuvieras modales! Tu madre te enseñó: Respeta a las mujeres.”

No estamos acostumbrados. En España, los grandes conciertos —que no con mucho público— tienen que ver con el reguetón, el pop, el rock o el funk, no con el hip-hop. A la hora de organizar sus giras, tampoco es normal que vengan a nuestro país los raperos norteamericanos más conocidos. Menos aún que vengan dos de una vez y en el momento cumbre de su carrera. Kendrick Lamar y SZA abarrotaron el Lluis Companys de Barcelona. Su Grand National Tour surge con un planteamiento internacional tras su actuación conjunta en la Super Bowl. Abarcan un total de 39 fechas conjuntas entre Europa y Norteamérica, además de siete conciertos de Lamar en Latinoamérica y Australia.

Kendrick Lamar visita por primera vez España sin ser bajo el cartel de un festival. Y lo hace en uno de los años más exitosos de su carrera. El rapero de Compton viene de ganar cinco Grammys por su canción Not Like Us, donde le tira beef a Drake. Pero va más allá: su obra se ha caracterizado por su complejidad lírica, compromiso social y experimentación sonora. Lamar sabe condensar la esencia de su tiempo. La joven SZA sigue un camino similar. También ganadora de varios Grammys en 2022 y su capacidad para mezclar géneros como el R&B, hip-hop, jazz y soul y sus letras personales la posicionan como una artista identitaria. En Barcelona tocaron ante más de 50.000 personas. Rozaron el sold out, pero en tiempos de inflación de asistencia se agradece que dos superestrellas así no tengan la necesidad de celebrar hitos que no logran.

No llenar el estadio no les supone problema alguno. Solo por su etapa de inicio de tour en EEUU esta es ya la gira conjunta más rentable de la historia —superando a la de Beyoncé y Jay-Z en 2018— con ingresos de más de 256 millones de dólares solo en Norteamérica, según indica el Financial Times. Las expectativas ante el concierto son altas.

Un show entre el éxtasis y la relajación

En los aledaños del estadio se ve gente de diferentes orígenes, pero una bandera destaca sobre el resto, la de Palestina. Ya dentro, DJ Mustard inicia el espectáculo. Ante él se alarga una plataforma que prácticamente se introduce en el público de forma circular. El concierto irá alternando actos de Kendrick y SZA. Pero para empezar, no podía ser de otra manera; fundido a negro, sale Lamar ante los rugidos del público. Él hace su aparición como un verdadero OG de los 90: desde un Buick GNX, envuelto en visuales monocromáticos y estética vintage que refuerzan su narrativa en vivo. Detrás de él, dos pantallas horizontales y una vertical se irán abriendo como las puertas al olimpo. Es un rapero ritualizado, cerebral y dominador del espacio donde se mueve en cada momento.

Empieza con wacced out murals acompañado por 15 bailarines, que coincide también con la primera canción de su último disco, GNX. A propósito o no, el tema empieza con la voz de la cantante mexicana Deyra Barrera, en español. Aquí deja claras algunas de las temáticas de la noche: introspección, luchas personales, autenticidad y resistencia ante las adversidades. En todo momento está seguido por coreografías sincronizadas mientras cae el atardecer, algo que no es tan común en su género. El público inicia los pogos que serán un habitual cada vez que canta Lamar.

Kendrick Lamar, pese a su pequeña estatura, hipnotiza al público con su energía, sus bailes y su actitud. Continúa con el empoderamiento y otro de sus éxitos, squabble up. La sigue King Kunta, que hace referencia a un personaje africano de una novela de Alex Haley, al que venden como esclavo en Norteamérica. El personaje resiste contra la exclavitud y le cortan la pierna por intentar escapar y Lamar se compara con él. El rapero es un artista que, pese a los intentos de la industria y la sociedad por cortarle las piernas, él es el rey de su género y controla su destino. Tras ella continúa con Element, de su exitoso disco DAMN, que le valió un Pulitzer. Como si fuese un periodista, él busca contar la realidad. “No lo hago por los Grammys, lo hago por Compton”, rapea en inglés. Prosigue con la primera parte de su canción tv off.

Tras un fundido a negro, es el turno de SZA. Se cierran y se abren las puertas de más de 30 metros de altura y comienza junto a Kendrick con 30 for 30, una canción que va desde la vulnerabilidad y los sentimientos de la cantante de Missouri hasta su seguridad y aceptación que se merece lo que a ella le complazca. Sigue, ya sola, con Love Galore o The Weekend y otros 16 bailarines que la acompañan, que versan sobre el amor abierto desde el R&B más puro. Las partes de la cantante, más tranquilas y melódicas, contrastan con la efusividad que se vive en el turno del rapero. En las pantallas se ve continuamente la imagen de una mantis religiosa y finaliza su actuación con fuegos artificiales que salen por encima del estadio.

Vuelve a salir Lamar en un tercer acto. Ahora contrasta la parte anterior con su parte más agresiva: el beef a Drake. En euphoria, serie de la que fue productor el canadiense, crítica de las vinculaciones del rapero canadiense con menores, sus manipulaciones culturales. Él reivindica de su hogar: todos los bailarines llevan gorras con el símbolo de LA [Los Ángeles. Aprovecha aquí algo que retuerce por dentro a Lamar: la desconexión de Drake hacia la comunidad negra. “Con Tommy Hilfiger sobresaliste, pero FUBU nunca ha sido de tu colección”, le increpa entendiendo los comentarios racistas de la marca y su rechazo hacia la población negra y cómo ignora FUBU, una marca que sí representa sus valores.

Después de otras como hey now o reincarnated proyecta en las pantallas una entrevista. “Soy adicto a la atención”. A continuación toca uno de sus himnos: HUMBLE. Es su tema más escuchado en plataformas, solo en Spotify tiene 2.700 millones de reproducciones. Y su mensaje contradice el éxito de la canción. En una época en la que criticaron a Lamar por un exceso de ego, el rapero se recordó a sí mismo en 2017 la importancia de la humildad en los contextos de exceso. “Estoy harto de todo ese montón de Photoshop, muéstrame algo real, como el afro de Richard Pryor. Muéstrame algo real como un culo con estrías”, rapea en algunos versos. “Sit down, be humble [siéntate, sé humilde]”, resuena en el estribillo. Los fans aquí montan pogos enormes en la pista que asemejan una ola que va y viene. Humildes puede ser, pero de todo menos sentarse.

Este acto lo continúa con su reflexión sobre la cultura de la fama con family ties y Backseat freestyle, donde se compara incluso con Martin Luther King. Antes que uno de los mejores raperos que la historia, Kendrick Lamar se siente antirracista y al servicio de su gente. “Claro que odiamos a la policía. Quieren matarnos y dejarnos muertos en la calle”, escupe al micrófono en Alright. “Esto no es una canción de rap sobre como muevo crack o cocaína”, deja claro acto seguido en m.A.A.d city, uno de sus primeros éxitos, de hace ya 13 años. Él siempre tuvo la intención de ser el vehículo de crítica la realidad que viven muchas personas oprimidas en los barrios americanos. Su rabia y su lírica sirven como la máxima celebración de que el hip-hop es una forma válida de expresión artística. Para pasar de turno desciende con el coche en la plataforma.

A esto lo sigue de nuevo SZA para bajar pulsaciones en el público con canciones como Scorsese Baby Daddy. Desciende desde el techo del escenario como un hada empoderada con sus alas. Parece un jardín de fantasía y calma tras la brutalidad y caos del rapero. Hay momentos en los que su actuación es incluso es demasiado contemplativa. El ritmo previo no la ayuda. Tras ello contrasta con Garden caminando estilo voguing y pone a todo el estadio a perrear. Si algo tiene SZA es estilo. Su actuación está acompañada por este clímax de relax, hasta que, de nuevo, la acompaña Lamar para tocar algunos de sus éxitos juntos. Empiezan con Doves in the Wind, All the Stars y LOVE, que aunque la colaboración fuese con Zacari, SZA la interpreta a la perfección y se escapan del contenido tan político que coge el show.

Pero de nuevo, Lamar vuelve a estar solo y saca toda la energía posible del público en Barcelona. Se apoya en canciones como peekaboo o Like That, de nuevo hacia Drake. Con DNA vuelve a sus canciones antiguas para cuestionar los dramas que ha vivido la comunidad negra, la industria musical y su introspección personal propia. Lo continúa con tres de sus grandes éxitos históricos: Bitch don’t kill my vibe, Money Trees y Poetic Justice. En los tres combina su narrativa personal con temas sociales mucho más amplios.

Tras esa rememoración vuelve a salir SZA a escena. Toca alguno de sus grandes éxitos como Kill Bill, de SOS, pegajosa y sobre un drama sentimental. La siguen otras como Snooze y remata esta parte con Kiss me more. Tras ello sale de nuevo con su éxtasis Kendrick Lamar tocando N95, que hace referencia a las máscaras del COVID: algo que nos protege pero que a la vez oculta nuestra verdadera identidad. Él hace un llamamiento a que todo el público se quite esas capas que no permiten ser quienes realmente somos.

Ahora sí, igual que en el espectáculo de la Super Bowl, continúa con su crítica a la sociedad con la segunda parte de tv off. Detrás de él tiene un coche enorme de unos 20 metros de alto. Y, a continuación, la canción de canciones. En Not like us deja claro su animadversión hacia Drake. Lo señala como un colonizador que muestra interés superficial en su comunidad. Incluso en el videoclip de la canción consiguió juntar a miembros de Crips y Bloods, de las pandillas más peligrosas que dominan California, mostrándose a sí mismo algo superior a cualquier otro rapero anterior y como un nexo de la cultura afroamericana. Esta canción es el culmen a una histórica pelea que se decantó claramente del lado de Lamar. “Other time! [¡Otra vez!]”, le corea el estadio para que repita el beef.

Y faltaba el broche final con luther y gloria. En estos momentos de dueto entre ambos artistas se siente la química entre ambos y su complicidad artística. Sin embargo, en un concierto dónde lo que más destacó fue la energía del rapero, el final quizá se quedase algo corto. El ritmo del espectáculo pedía un final apoteósico y no tan melódico y relajado. Eso sí, SZA aprovechó para coger regalos de los fans, firmar autógrafos y atreverse con el español: “Te amo, Barcelona. La gente de España tiene mi corazón para siempre”. Se agachó a atenderlos incluso mientras cantaba.

Kendrick Lamar es un artista de época. Si otros músicos fuera de su género, como Bruce Springsteen, lo han elogiado, es porque se ha convertido en la voz de una generación versátil, que fluye y se adapta. Y el californiano aprovecha su gran exposición para aupar a otros artistas a escala internacional como SZA, que cumplen cada vez que sale al escenario. Son muy distintos entre ellos, con ritmos casi contrarios, pero en su variedad también está su riqueza. El macroconcierto vivido en Barcelona es un espectáculo que no se había vivido en el género urbano aún en España. Y traerá cola.

Ningún género musical ha abierto una brecha generacional tan grande entre padres e hijos como el reguetón. No solo es que los adolescentes abracen un estilo de música muy diferente al que encumbraron sus mayores hace ya bastante tiempo, sino que estas canciones, que escuchan a diario ya sea en la ducha, en discotecas o mientras estudian, son descritas por las antiguas generaciones como monótonas, machaconas, sexistas, artificiales y vacías. Mientras que Bad Bunny llenará más de 10 veces el Metropolitano en 2026, algunos todavía continúan preguntándose qué es lo que los jóvenes encuentran en su catálogo que tanto dista de sus discos favoritos.

La cuestión trasciende lo estrictamente musical y toca cambios socioculturales que el escritor, crítico y divulgador Oriol Rosell abarca en su recién publicada obra Matar al papito (Libros Cúpula). El autor se sumerge en la transformación que ha experimentado la industria pop en los últimos años y en la animadversión de muchas madres y padres ante el reguetón, el género que domina sin competencia en las listas de éxito españolas. “[La antipatía] no me parecía ni medio normal. Siempre ha habido música comercial mala, pero nunca había visto una cosa tan, tan agresiva”, cuenta Rosell a elDiario.es sobre la polarización generacional en torno a este tipo de artistas y canciones.

Entre los muchos motivos que explican por qué el reguetón conquista a un sector de la población y provoca el rechazo de la otra parte, Oriol Rosell hace especial referencia a aquel que alude a la diferencia de edad: “La distancia que hay entre el reguetón y la música pop-rock blanca ha hecho que las generaciones adultas seamos conscientes de que nuestro tiempo ya ha pasado”. El escritor señala que “vivimos en una época donde se nos está intentando convencer a diario de que todavía somos jóvenes y de que lo más importante en la vida es ser joven hasta el día que te mueres”, por lo que “las condiciones de vida también nos invitan a sentirnos jóvenes”.

Sin embargo, este sentimiento de juventud se ve frustrado cuando la gente se da cuenta de que los valores asociados a la edad adulta, como la estabilidad laboral y la seguridad económica, se han disuelto. “Pienso en mi padre a mi edad y veo a un señor con una vida organizada y estable que dista muchísimo de la mía, que no sé qué voy a hacer el mes que viene para pagar el alquiler”, dice Rosell. “Esto, acompañado del machaque cultural continuo que exalta los valores de la juventud, que exige que cuando te jubiles hagas puenting, sigas con la piel tersa y tengas las erecciones de actores porno, hace que te lo acabes tragando”, añade.

El problema, por otro lado, no radica únicamente en que el reguetón esté triunfando de una forma descomunal. Subyace también en la creencia generalizada de que los álbumes que antaño eran los más escuchados, siguen siéndolo en la actualidad. “Nos encontramos en una burbuja algorítmica que hace que la música de ‘nuestra época’ siga estando vigente. Las bandas no se separan o incluso vuelven, como Oasis. Y vienen, tocan sus discos míticos de los 90 de cabo a rabo y a todos les parece lo más normal del mundo”, señala el escritor, “así que tú te sigues sintiendo joven, sobre todo porque no puedes sentirte otra cosa”.

“De repente aparece el reguetón, que no tiene nada que ver con tu cultura, que se ha ido cociendo a tus espaldas, que es un relato paralelo de la música popular de la que nunca habíamos tenido noticia, y eso te hace ser consciente de que hay otra generación que es distinta a la tuya y a la que tus valores no les sirven para nada”, afirma Oriol Rosell, que agrega que “el trauma no es la muerte del padre, en términos freudianos, sino que quien muere se acaba de dar cuenta de que es padre”. Pero la aparición del reguetón no llega por arte de magia, pues se engarza en un relato musical que nace con el reggae, que sigue con el folk y que tiene que ver con los movimientos migratorios.

El reguetón como conciencia de clases

Precisamente por los movimientos migratorios empieza a hacerse hueco el castellano en Panamá, cuyos sonidos rebotan en Nueva York y los recuperan los puertorriqueños que viven allí, que mezclan esta música con el hiphop. “Estamos hablando de un fenómeno totalmente transnacional y en perpetuo movimiento”, apunta el divulgador cultural. Esto también permite plantear por qué los hijos de la clase media blanca europea se identifican antes con una figura competente de entornos marginales que con otra, cuya reflexión de Oriol Rosell deriva en que se trata de una generación que sufre directamente numerosas crisis.

“Impacta de lleno la crisis del 2008, resuena la crisis de la imaginación política, hay un capitalismo completamente salido de madre, una escucha constante de que no hay posibilidades, de que el futuro va a ser desastroso... Todo esto resuena en el auge y, sobre todo, en la capacidad del reguetón para conectar con las ansiedades de los jóvenes”, declara el escritor. “Es muy significativo que el mismo año que Nirvana llega al número 1 en las listas americanas, se acaba definitivamente la Unión Soviética, manteniendo la posibilidad de que hubiera otras formas de hacer política. Esto excitaba la imaginación política, del mismo modo que el underground o lo alternativo excitaba la imaginación pop”, alega. Lo cierto es que el pop-rock blanco llevaba en su ADN una promesa de libertad, de desvincularte del sistema.

El crítico musical explica que “el día en el que lo alternativo se convierte en una mercancía más que forma parte del mismo mainstream, ahí empieza a hundirse todo un poquito”, y hace referencia al filósofo británico Mark Fisher al sentenciar que, “después de Nirvana, no ha habido ni un solo grupo de música rock que haya tenido una trascendencia más allá de lo musical”. “Se han hecho muy buenos discos de rock, no digo lo contrario, pero no han tenido resonancias sociales ni culturales”, cuenta a este periódico, indicando que “la música pop-rock blanca se ha ido quedando atrás en su propia tradición y lo otro ha ido tirando millas”.

El cambio de ciclo musical se da en 2004, cuando Daddy Yankee publica su clásico Gasolina, haciendo así que muera la tradición pop-rock blanca y logrando que el reguetón traspase las fronteras idiomáticas. “Ya se estaba escuchando el reguetón fuera de Panamá y fuera de Puerto Rico, sobre todo en círculos hispanoparlantes, pero Gasolina lo lleva más allá”, sostiene el autor de Matar al papito, que destaca un “sesgo de etnia y de clase muy importante”, así como un “cierto rencor poscolonial” en la audiencia española. “Esto de que los hispanoamericanos nos hayan ganado de calle la batalla por la hegemonía cultural en el pop no lo llevamos demasiado bien. Siempre se ha sentido una jerarquía simbólica en la cual España está por encima de Latinoamérica”, señala.

En el ámbito internacional, tan solo Rosalía ha sentado una relevancia considerable en los últimos años. Por el contrario, Puerto Rico y otros países latinoamericanos han impulsado a todo un grupo de artistas que están movilizando la cultura. Bad Bunny es el líder de esta nueva ola, que va camino de adjudicarse el disco más escuchado del año en Spotify con su Debí Tirar Más Fotos, lanzado en plataformas de streaming el pasado enero. Además, su trabajo Un Verano Sin Ti se convirtió en el primer proyecto en español nominado al mejor álbum del año en los Grammy, lo que demuestra su poder en el mercado anglosajón. Esto, indirectamente, repercute en que los mayores echen en falta que sus respectivos ídolos hubieran alcanzado ese nivel de éxito.

Y, pese a ello, habrá quien siga rechazando el reguetón. Muchos, por sus letras machistas. Sin embargo, como comenta Oriol Rosell, toda la música es machista: “Se fundamenta en unas superestructuras que son, por definición, heteropatriarcales”. La diferencia está en que el reguetón es explícito. “No hay metáfora, no hay poesía, no hay secreto. Pero porque vivimos tiempos en los que todo tiene que ser transparente”, reflexiona el escritor. “La gente no sale de casa sin contarlo cinco veces en una red social”, advierte. Y pone el foco en la “falta de confianza en el criterio de los hijos e hijas”: “Todo el mundo está convencido de que la música tiene que tener un mensaje, tiene que decir algo importante, tiene que poder cambiar el mundo”. Quizás no sea necesario.

Aunque la lluvia ha condicionado la segunda jornada del BBK Live de 2025, con suspensiones incluidas de algunas actuaciones, como la de Amaia, nada ha frenado al grupo de rap en gaélico Kneecap aunque en otros festivales en el Reino Unido hayan sido criticados. Los norirlandeses son actualmente una de las voces más fuertes por los derechos del pueblo de Palestina en el mundo cultural. “Cuando está ocurriendo a un genocidio televisado, hay que alzar la voz”, sostienen sobre la situación en Gaza.

Han exportado desde Belfast, en Irlanda del Norte, a todo el mundo sus proclamas, sin importar a cuántas autoridades se enfrentan por el camino. Con el pasamontañas de la bandera irlandesa característico de DJ Próvaí, y la energía en el escenario de Mo Chara y Móglai Bap, han hecho voltear las cabezas a todo tipo de medios de comunicación y dirigentes políticos. La actual lideresa ‘tory’ en el Reino Unido, Kemi Badenoch, les negó una subvención al arte cuando era ministra. Mo Chara, en noviembre del año pasado en una presentación en el O2 Forum de Londres, fue grabado sosteniendo una bandera del grupo terrorista Hezbollah que le fue lanzada desde el público. Así las cosas, su última actuación en Glastonbury no fue televisada en vivo por la BBC y el primer ministro británico, su primer ministro, el laborista Keir Starmer, dijo que sus contenidos “no eran apropiados”. Y esta misma semana no pudieron actuar en un festival en Glasgow porque el ministro principal de Escocia, John Swinney, del partido nacionalista SNP, opinaba lo mismo. Tuvieron que buscar un escenario alternativo y agotaron las entradas en apenas un minuto y 20 segundos.

A pesar de las controversias que han surgido a su alrededor, el grupo norirlandés no ha bajado el tono de voz. Muy al contrario, ha mantenido su posición firme. Piden a la clase política que no meta sus “narices” en la libertad de expresión. Aunque también critican duramente a los medios de comunicación por silenciarles, Kneecap ha recibido a elDiario.es/Euskadi en el ‘backstage’ del BBK Live, a cuyo cartel se sumaron a última hora. Durante unos pocos minutos de entrevista en Kobetamendi, en Bilbao, el grupo explica quiénes son y qué hacen. Después, han salido al escenario con guiños en euskera a Euskal Herria -ya lo habían hecho antes en X e Instagram- y han tributado un homenaje a un grupo de palestinos, que han podido cantar en árabe con ellos.

“En el Bilbao BBK Live siempre habrá espacio para las voces que incomodan, que cuestionan y que se niegan a callar. La presencia de Kneecap en Kobetamendi es un acto de resistencia cultural, una celebración de la libertad de expresión y de quienes, como ellos, no temen alzar la voz ante la injusticia”, ha argumentado el director del certamen, Alfonso Santiago. [La entrevista se ha realizado en inglés y ha sido traducida al castellano]

Su obra está cargada con mensajes políticos. Sin embargo, sus líricas también están llenas de sátira y humor. ¿Ustedes piensan que su público debería enfocarse más en ese lado político o en disfrutar de su música y en conectar con ustedes?

Mo Chara: Se puede hacer ambas cosas. Venimos de un lugar [Irlanda del Norte] con una historia violenta y allí la gente ha sentido que no puede hablar de ello. Ahora ha pasado el suficiente tiempo como para que podamos hacer nuestra música y dentro de ella incluir temas políticos. Lo presentamos de manera cómica. Por eso digo que podemos hacer ambas cosas.

Móglaí Bap: Hay quienes vienen y disfrutan de la música sin meterse en la política, pero esperamos que con la exposición que tenemos podamos hacer que las personas hablen de estos temas, por ejemplo de Palestina.

Hay otros artistas con un cierto nivel de exposición que no se pronuncian, sea cual sea su motivo. ¿Ustedes piensan que en ciertos temas, cuando se puede hacer uso de esa fama, se debería alzar la voz?

Mo Chara: No se tiene que alzar la voz para cada problema. Pero cuando existe un genocidio televisado, entonces hay que alzar la voz sí o sí. No importa si tienes una cierta exposición o no. Cuando se tiene un escándalo pasando en frente de ti, en mi opinión, es completamente desagradable no hablar de ello. Todos ven lo que está pasando, todos tenemos un móvil. Espero que sea algo que el mundo recuerde, genuinamente.

Móglaí Bap: Habrá un día en el que serán más juzgadas las personas que no dijeron nada en su momento.

Cuando escuchan la palabra “Palestina”, ¿qué les viene a la mente?

DJ Provaí: Venimos de un lugar que ha sufrido bajo el yugo del imperialismo durante 800 años. Fuimos el primer paso de Inglaterra en sus ambiciones coloniales. Por eso sentimos que sabemos qué se siente al ser oprimido. Solo recientemente el gaélico ha revivido. Y eso es lo que sucede en Palestina, están tratando de eliminar su cultura, de eliminarlos como raza.

Mo Chara: El hecho de que hayamos sobrevivido 'por los pelos' como nación, que sigamos teniendo cultura, deporte y lengua propios, nos hace saber que aún hay esperanza. Lo he dicho en otras presentaciones, entiendo que nos miren y piensen que solo hablamos de estos temas porque es una 'herramienta' para nosotros. Pero no voy a perder una sola oportunidad de hablar de esto en el escenario. Si podemos convencer a alguien que aún no esté seguro, obviamente vamos a continuar haciéndolo. Ver a 40.000 personas en Glastonbury con banderas de Palestina gritando 'Free Palestine!' te da un poco de esperanza.

Moglaí Bap: Es un poco por solidaridad. Cuando sufrimos de una hambruna en Irlanda, los Choctaw, un pueblo indígena de América, donaron dinero a los irlandeses que morían de hambre. Pienso que esta solidaridad ayudó a que las personas se sintiesen escuchadas. A Palestina mucha gente la ha desdeñado, y si podemos hacer que eso cambie lo haremos. En el transcurso de la historia, ha habido casos donde los grandes sistemas de poder han caído, por ejemplo en Sudáfrica. Hay a quienes les gusta decir que nuestros esfuerzos son fútiles y que el apoyo a Palestina es pequeño, pero pensamos que es mucho más grande

Sobre su actuación en Glastonbury, el primer ministro Keir Starmer la calificó como “no apropiada”, y la BBC decidió no transmitirla en vivo. ¿Qué opinan al respecto?

Mo Chara: Por supuesto que no es apropiado para Starmer. Es lo último que Starmer piensa que es apropiado, y eso dice mucho. Ver a tres personas sobre un escenario, hablando con 40.000 ciudadanos del país que representa y que concuerdan con lo que él activamente rechaza, eso es claramente lo que él dice que no es apropiado.

DJ Provaí: El líder de un país no debería tener influencia sobre quién se presenta en un festival. No debería meter sus narices en eso. Tienen cosas más importantes que afrontar, como por ejemplo un genocidio en Palestina. Por eso, que presionen a los festivales es ridículo.

Móglaí Bap: Él está tratando de desviar la atención y poner presión sobre las personas que en verdad hablan del problema. Por eso ataca a quienes alzan su voz en festivales. Solo quiere que la percepción sea que el problema es ese.

Han publicado en su cuenta de X una cita de Fred Hampton que dice: “Puedes matar al revolucionario pero no a la revolución”. ¿Se ven representados en esa frase?

Mo Chara: No, no nos podemos comparar con Fred Hampton. Solo somos músicos. Sí pensamos que, por ejemplo en Glastonbury, representamos a la cultura popular. Los medios de comunicación no quieren que el movimiento de apoyo a Palestina sea parte de esa cultura. Por eso no nos transmiten.

Móglaí Bap: Los medios tradicionales han intentado no mostrarnos, pero no pueden pararnos a través de redes sociales. Nuestros fans a veces transmiten nuestras presentaciones en TikTok y han llegado hasta un millón de espectadores. Por eso pienso que por medios alternativos pueden conocer mejor a Kneecap.

¿Qué mensaje querrían dejarle a quienes les siguen en Euskadi?

DJ Provaí: Que se adueñen de su cultura y de su lengua e intenten impulsarlo. Intenten que más jóvenes hablen el idioma [vasco]. En esta sociedad monolingüista y capitalista no se protegen los intereses de la humanidad. Crear una comunidad a través del lenguaje propio es una forma de protegerse los unos a los otros en vistas al futuro.

Mo Chara: Siento que en Irlanda y tal vez en Euskal Herria a veces hablamos mucho de lo dura que ha sido nuestra historia, pero pienso que también es importante que disfrutemos de nuestra cultura. Nos merecemos disfrutar y poder salir y que se respete nuestra cultura sin importar de dónde somos. Pero hay esperanza de que en el futuro será mejor. Puede que tengamos una historia triste, eso no significa que no pueda mejorar. Por eso tenemos esperanza, ¿no?

Pocas ciudades respiran el aroma a rap que destila Zaragoza. Natural o ajeno, la ciudad del Ebro ha sido cuna y lugar de acogida de grandes artistas del género urbano, desde Violadores del Verso (ahora por separado) hasta Sharif. Fuera de las fronteras mañas, ya hace años que se ha venido forjando una tormenta en Argentina, que ha arrojado un nuevo chaparrón de talento como lo hiciera la capital aragonesa en el pasado, de la mano de Trueno.

El barrio de La Boca, lleno de sus casas de azul y oro, está latiendo fuerte con las bases y las letras de esta generación. Entre las nubes, un nombre sobresale indudablemente ligado a la historia de esta barriada: el de Mateo Palacios. El joven ‘wacho’, como acostumbra a llamarse, comenzó a asombrar a Hispanoamérica con su talento en la Freestyle Master Series (FMS) de Argentina en 2019.Años después, su noviazgo con la rosarina Nicki Nicole los elevó como pareja de éxito del hip hop sudamericano. Ahora, en solitario, continúa cosechando las inspiraciones y tempestades que sembró en el pasado, materializadas en ‘El Último Baile’, su más reciente álbum que da nombre a la gira que ha pasado este jueves por Zaragoza.

Unas 3.500 personas han vibrado, cantado y alentado al artista en la Sala Multiusos de la capital aragonesa, en un ‘show’ que comenzó muy temprano para un grupo de seguidores que acamparon hasta que abrieron las puertas del recinto. Dentro, fueron agolpándose los ‘fans’: muchos, con la equipación del club de fútbol Boca Juniors, otros, con el rostro del cantante en la camiseta.Los más tempraneros recibieron la sorpresa de KMI420, un talento emergente del mismo barrio, que puso ya los primeros versos del concierto acompañado del padre de Mateo, Pedro Peligro. Casi una hora después, y tras algún signo de impaciencia, las luces se volvían a apagar, un video en blanco y negro y se escuchaban tonadas de ‘Grandmaster’. La tormenta había llegado.Había entrado por todo lo alto: con un chándal azul nubarrón, capucha y una actitud de protesta. Todo el Auditorio de Zaragoza ya prendía el espectáculo con su sesión de freeestyle con Bizarrap y se mantuvo con ‘Fuck El Police’ (el tema más político de la noche, al que se sumó también el público) y ‘Rain III’, donde el rapero hizo uso de las luces y plataformas del escenario, que simulaban la lluvia bajo la Luna.‘Feel Me??’ prosiguió con la misma tónica, aunque con una mayor presencia de los músicos. Tras ella, Trueno levantó al público con un ritmo más afilado. Pero cuando más tembló el suelo fue con ‘Real Gangsta Love’.

Un fondo rojo neón contrastaba con el brillo de los celulares que no querían perderse la canción más viral del artista, fruto de un sinnúmero de videos en la red social ‘TikTok’, y que fue seguida por su colaboración con el colombiano Feid, ‘Cruz’.La ola de calor que se sentía más dentro que fuera del edifico no disminuyó cuando Trueno pidió “un poco más de rap”. ‘Bien o Mal’ fue el tema elegido para seguir con la parte más argentina del ‘show’. Mateo reivindicó sus raíces y la importancia de la cultura hispanoamericana como nexo de unión entre países hermanos.“Bajo un mismo techo y una fiesta de hip hop no importa el continente ni el color de piel”, reivindicaba el artista antes de cantar ‘Tierra Zanta’, tema dedicado a su país con gran componente tribal. El público armaba “quilombo”, así lo pedía Trueno, y más lo hizo con ‘Panama’, su colaboración con el también argentino Duki, aunque fuera únicamente a una mano.El ‘setlist’ continuó con otros temas emblemáticos de ‘El Último Baile’, como ‘Night’, ‘344’ o ‘Lauryn’, más calmados, que daban un aderezo melódico a esta mezcla de géneros con esencia de rap clásico que tanto ha encumbrado al joven de La Boca. Al fondo, las banderas de Argentina, Aragón y Colombia ondeaban entre los deslumbrantes focos.“Una ciudad bien rapera” es lo que vaticinaba Peligro, y eso es lo que recibieron hacia el último tercio del espectáculo, especialmente durante ‘Tranky Funky’ y ‘The Roof is on Fire’, cuando el escenario comenzó a arder literal y metafóricamente.

Aunque quizá lo que más desconcertó fue cuando decidió usar ‘Volando Voy’, la clásica canción de Camarón, como base de su freestyle, que entona en cada concierto y que adapta al público y la ciudad en la que aterriza.Trueno referenció a la cultura, el deporte y las expresiones de la capital aragonesa ante un público entregado. “Me hice leyenda en Zaragoza, me siento Pablito Aimar”, rapeaba el argentino, apelando a su compatriota y exjugador del Real Zaragoza.

Tampoco se olvidó del conjunto de rap más conocido de la ciudad, a los que agradeció por aprender a “violar el verso”. Tras el freestyle, ‘No Cap’ fue otro de los temas más coreados, algo natural teniendo en cuenta la popularidad que ganó en España al servir como cabecera del popular programa ‘La Revuelta’.Ya hacia el fin del concierto, la expectación fue triple. Primero, con ‘Mamichula’, colaboración con Nicki Nicole que los fans rememoran cada vez que aparece en la ‘setlist’ de sus conciertos. Después, un gran pogo con sus seguidores más allegados donde era rodeado y manteado, aunque ya sin sudadera ni camiseta, que de poco servían con el ambiente tan caluroso que presentaba el recinto.Finalmente, cuando el pogo finalizó y las luces se apagaron, varios asistentes se disponían a abandonar la sala. Fue entonces cuando Trueno, antes de marcharse, decidió ofrecer un “último baile” de verdad, uno que sonase como ‘Dance Crip’, el tema de ‘hip hop’ más célebre del argentino.

Fue entonces cuando, agradecido y entregado a la ciudad, posó con una gran enseña del Real Zaragoza. Envuelto en la bandera del conjunto maño, mostró cómo, sea el azul con el oro o con el blanco, el rap es universal. Y, con sus propias palabras, pronunció: “gracias Zaragoza, co”.

Cuando el pasado 25 de junio Zohran Mamdani consumó su sorpasso y se hizo con la victoria en las primarias que elegían al candidato demócrata para la alcaldía de Nueva York, subió al escenario con sus padres. Durante toda la campaña, Mamdani no solo ha prometido congelar el precio del alquiler y autobuses gratis, sino que también ha hablado de los valores que le habían inculcado sus progenitores. Unos valores que, finalmente, solidificaron en su activismo político y en su paso adelante para posicionarse como el primer alcalde musulmán de la historia de la ciudad. También el primero que se define como “socialista”, una palabra que en EEUU tiene una connotación que la coloca más a la izquierda que la habitual “demócrata”.

Aquellas dos personas que estaban con él en el estrado no eran dos personas normales. Zohran Mamdani no ha trepado por la escalera social, sino que su posición era de privilegio. Su padre, Mahmood Mamdani, es un conocido comentarista político y profesor universitario especializado en ciencias políticas y estudios africanos. Sin embargo, la más acostumbrada a estar bajo los focos y a posar en una alfombra roja es su madre, Mira Nair, conocida cineasta nacida en Mumbai que es una de las siete mujeres que han logrado el León de Oro de Venecia en 81 ediciones. Nair fue la tercera en lograrlo con su película más popular, La boda del monzón. Lo hizo en 2001.

No era la primera vez que Nair alcanzaba el éxito con una de sus películas, sino que era la culminación de una cineasta que había colocado el cine indio en el foco del cine mundial moderno. La llegada de Nair al mundo del cine fue como el monzón que daba título a su León de Oro. Tras un corto y dos documentales debutó con Salaam Bombay, en 1988. Ganó la Cámara de Oro en Cannes y fue nominada como Mejor película de habla no inglesa en los Oscar de 1989 siendo la representante de India. Su siguiente film, Mississippi Masala, ganó el premio al Mejor guion en Venecia en 1991; y, tras varios proyectos de menos repercusión internacional, llegó el boom de La boza del monzón.

Tras aquel título probó suerte en Hollywood con el drama clásico La feria de las vanidades en 2004 o el biopic de la aviadora Amelia Earhart en 2009. En 2016 dirigió para Disney+ La reina de Katwe, una película que, si bien pasó sin pena ni gloria —a pesar de estar protagonizada por David Oyelowo y la ganadora del Oscar Lupita Nyong’o—, sirve como perfecto flashback de la foto de hace unas semanas. Si uno mira en los créditos del filme, descubre que como supervisor de la banda sonora aparece un nombre que hasta ahora no era conocido, el de Zohran Mamdani. Su hijo, que entonces tenía 25 años, se encargó de supervisar el apartado musical del filme. Se puede ver en varias imágenes al ahora candidato demócrata bailando y celebrando tras la premiere de la película junto a sus actores como uno más del equipo

No solo se encargó de supervisar la banda sonora, sino que hasta compuso una canción para la misma. Se llamaba #1 Spice, y la cantaba junto a HAB y bajo el seudónimo de Young Cardamom, un nombre artístico que repetiría en el LP que publicó el mismo año, también junto a HAB, titulado Sidda Mukyaalo —una expresión dicha en Uganda— y que incluía seis canciones de rap.

Ya en sus pinitos musicales mostraba sus preocupaciones políticas. Cantaba en seis idiomas diferentes, y en una entrevista en el medio Okay Africa contaba que él era “un ugandés de tercera generación cuya familia llegó a África Oriental a principios del siglo XX”. Hablaba de cómo en canciones como Askari, que significa ‘guardia de seguridad’, se habla de “la obsesión persistente de las sociedades poscoloniales con la blancura y su valoración de la misma” o cómo casi todos los temas habían nacido de sus experiencias personales. “Cada vez que alguno de mis amigos o familiares no negros llega a casa, la puerta se abre de golpe. Cuando se trata de un amigo o familiar negro, siempre tarda un poco más”, aseguraba.

También citaba el racismo en EEUU. Contaba cómo en Uganda se le consideraba poco negro, pero que, al revés, en EEUU, donde había pasado ya gran parte de su vida, le pasaba “lo contrario”. “Allí, los departamentos de seguridad me ven como negro y musulmán, y por lo tanto me ven como una amenaza”, decía.

De Youn Cardamam pasó tres años después a llamarse Mr. Cardamom, nombre con el que en 2019 sacó la canción Nani, cuyo videoclip —en el que salía la autora de libros de cocina y actriz Madhur Jaffrey como si fuera su abuela— fue rescatado por la CNN en una entrevista realizada durante la campaña para las primarias. En él, Mamdani salía con el torso desnudo cubierto con un delantal, rapeando. Cuando se lo enseñaron en la entrevista salió del paso con humor. “No pensé que esto fuera a verse en la CNN”, esbozó con cierta vergüenza.

Muchos han visto en las declaraciones del político la influencia de sus padres. Mira Nair siempre se ha caracterizado por hablar claro. En una ocasión contó cómo un productor le pidió que hiciera espacio para “personajes blancos” en su película. “Le aseguré que todos los camareros de la película serían blancos”, le respondió. También fue comentada su declinación para acudir a un festival de cine en Israel. En redes sociales dijo que no iría al país hasta que “acabara el apartheid”, en referencia a las acciones sobre Palestina, un tema en el que Zohran Mamdani ha sido mucho más contundente que sus rivales demócratas en las primarias.

De hecho, ellos mismos han hablado en la prensa sobre si su trabajo y activismo ha podido influir en su hijo. Mientras que Mahmood Mandani cree que “cada uno es una persona independiente”, Mira Nair se mojó y contradijo a su marido. “¡No estoy de acuerdo! Claro que el mundo en el que vivimos, y lo que escribimos, filmamos y pensamos, es el mundo que Zohran ha absorbido profundamente”, zanjó, dejando claro que sus películas, la música que escuchó, y la educación recibida ha sido clave en el político que es ahora y que, probablemente, consiga ser alcalde de Nueva York.