El estreno de ‘Elle’, su serie precuela, coincide con un redondo aniversario, el de los 25 años desde que ‘Una rubia muy legal’ (Legally Blonde) llegara a los cines de todo el mundo y se convirtiera en uno de los éxitos inesperados de 2001, con un presupuesto inicial de 18 millones de dólares que se superó en cinco veces, con una recaudación que alcanzó los 95 millones.

Además de todo esto, la película supuso el estrellato definitivo de su actriz protagonista, Reese Witherspoon, que se convirtió en una de las interpretes mejor pagadas de Hollywood y que seguiría una carrera de éxito que la llevaría a ganar el premio Oscar en 2006. Más de dos décadas después, el filme sigue vigente y mantiene una segunda juventud que ahora revive con su precuela en Prime Video.

Reese Witherspoon no fue la primera opción para protagonizarla

‘Una rubia muy legal’ llegó a los cines en 2001, un año prolífico para el cine y también para el género de la comedia romántica, que semanas antes había tenido el estreno de otro clásico como ‘El diario de Bridget Jones’. Lo que pocos saben es que la historia de Elle Woods y su ascenso desde la universidad a graduarse en derecho, aunque todos la tomen como “la chica rubia tonta” está basada en una novela de Amanda Brown.

Sin embargo, entre el libro y la película hay un gran cambio, el de que la protagonista no se matrícula en la Universidad de Stanford. Pero esta diferencia se debe al hecho de que desde la universidad se negaron a que se grabara en ella o apareciera en la historia, al igual que sucedió con el plan B, la universidad de Chicago, así que finalmente fue otra entidad prestigiosa, la de Harvard, en la que Woods se graduaría.

La primera opción tampoco se cumplió en cuanto a la actriz protagonista se refiere. Si bien finalmente fue todo un éxito Reese Witherspoon como Elle Woods, la interprete no fue de las primeras que se consideraron, sino que vino después de una lista de tanteos que incluyó a nombres como Charlize Theron, Gwyneth Paltrow, Alicia Silverstone, Katherine Heigl, Christina Applegate, Jennifer Love Hewitt o Tori Spelling. Fue Witherspoon quien triunfó en el papel de la joven y que la aupó definitivamente en su carrera, pero además de todo ello, la actriz estipuló en su contrato quedarse con todo el vestuario y zapatos que vistiera su personaje en la película, del que, además, se hizo una Barbie inspirada debido a lo icónica que se volvió.

Para la preparación del papel, la actriz pasó dos semanas con una hermandad de universitarias, además de que se fijó en las clientas que entraban en la lujosa tienda Neiman Marcus para tomar referencias para Woods, que acudía a casi todos lados con su perrito chihuahua Bruiser, que en la vida real se llamaba Moonie y que falleció en 2016 con 18 años, una noticia que, además, se conoció gracias a la propia Witherspoon.

‘Una rubia muy legal’ no se quedó en cambios solo en lo que respecta a la universidad y la protagonista, sino también en su final. Y es que en un principio la película terminaba en el juicio, pero en los ‘test screenings’ que se hicieron el público pidió conocer más de Elle Woods y se grabaron nuevas escenas con ella y su interés amoroso al que daba vida Luke Wilson. Esto supuso trabajo de peluquería y ambos llevaron peluca, pues ella se había cortado el pelo para el rodaje de ‘La importancia de llamarse Ernesto’ y él se había rapado para ‘Los Tenenbaums’.

La película que despegó al estrellato a Reese Witherspoon

Tras el éxito de ‘Una rubia muy legal, Reese Witherspoon se consolidó como estrella en Hollywood y despegó una trayectoria que la hizo ser una de las actrices mejor pagadas, además de que la llevaría a lograr el premio Oscar por ‘En la cuerda floja’ en 2006. En los últimos años se ha convertido en un rostro habitual en televisión y plataformas, en parte por su trabajo en la productora ‘Hello Sunshine’ con la que ha acumulado un patrimonio de más de 400 millones de dólares.

Esto se debe a que Witherspoon se ha encargado de comprar derechos de novelas exitosas para adaptarlas al cine y televisión, en parte gracias a su famoso club de lectura ‘Reese’s Book Club’ fundado en 2017 y de cuya colaboración han salido éxitos que ha protagonizado como ‘The Morning Show’, ‘Big Little Lies’ o ‘Little Fires Everywhere’, así como otros títulos como ‘Todos quieren a Daisy Jones’.

Una bolsa llena de helados y polos, muchas botellas de agua fría y ventiladores. Son la clave con la que el equipo de Domani ha afrontado un rodaje cuya última semana (la quinta de las seis que durará) ha coincidido con una ola de calor que ha llevado a los termómetros madrileños a los 40 grados. La película, que supone el debut en la ficción de Santos Bacana, tiene a Madrid como un protagonista más de esta comedia frenética que narra algo más de 24 horas en la vida de un joven que vuelve a la ciudad desde Miami y se enfrentará a una sucesión de líos y enredos que le harán madurar de golpe y cuando menos lo esperaba. 

Todo el equipo la define como “un blockbuster de autor”, y mencionan la comedia felliniana como uno de los referentes de una película que tiene claro que quiere mostrar Madrid como no lo suele hacer el cine. Lejos de la imagen de postal. Siendo una carta de amor, pero una carta de amor realista, y en ese realismo la ola de calor ha entrado de golpe en su planificación. Santos Bacana lo abraza y dice que, de alguna forma, es parte del mismo Madrid, y que como tal hay que incluirlo. 

Eso sí, para ese día el calor ha dado algo de tregua. De hecho, por la mañana, una tormenta ha hecho temer por el rodaje de una escena para la que han montado un travelling en el Lago de la Casa de Campo. La película muestra 24 horas en orden cronológico, y así se ha rodado Domani. Por tanto, esta escena en la quinta semana de rodaje pertenece a un momento que, idealmente, ocurrirá en el atardecer. 

Tienen unas tres horas para lograr la magia. Tienen todo pensado: los raíles del travelling, la figuración corriendo para que la Casa de Campo parezca real… y helados para el equipo que mira desde el combo la conversación entre Daniel Ibáñez (protagonista absoluto) y Milena Smit, que ha entrado en la última parte del filme bajando las revoluciones de la comedia y llevándola a un sitio más reflexivo. Pero nunca puedes controlar todo, y algún grito de una barca al fondo del lago amenaza con colarse en la escena, aunque finalmente se quede en una falsa alarma.

Pocos minutos antes de rodar la escena, Santos Bacana se sienta en una terraza al lado del lago. Está tranquilo. Dice que esa tranquilidad la ha ido ganando con los días de rodaje, pero que las primeras jornadas no se parecían en nada a esta. A pesar de que la temperatura ha bajado, reconoce que la ola de calor les ha venido incluso bien. “Forma parte de ese Madrid en verano, un lugar que a veces se vuelve un poco árido y de pronto mágico cuando ya se mete el sol. Me está ayudando de alguna manera esa energía”, explica. 

Sus productoras coinciden. “La película transcurre en verano en Madrid, y todos sabemos la sensación de angustia que provoca. Esos sitios medio vacíos… Queríamos transmitir esa sensación de agosto en Madrid”, añade Cris Trenas, socia de Bacana desde hace años en Little Spain y codirectora junto a él de Esa ambición desmedida, el documental sobre C. Tangana. Trenas cuenta que su amigo tenía mucha prisa por rodar, pero que le convencieron de que, en la ficción, intentar trasladar que es verano sin serlo es muy complicado.

“Es que se ve en esas pieles, en esa cosa aletargada que te da el calor… Es verdad que los equipos tienen que estar activos, y hemos puesto más agua, más ventiladores… pero para el ritmo del rodaje ha estado bien”, añade a su lado María Zamora, productora de Carla Simón y Premio Nacional de Cinematografía, que recuerda que le sorprendió el guion —que Santos Bacana ha escrito junto a Clara Roquet y Edu Sola—, una comedia fresca, diferente y vibrante “sobre un hombre que no sabe decir que no”, como dice su director de un filme que ha sido el primer anuncio de Movistar Plus tras el cambio de todo su departamento de ficción original y que distribuirá Elastica.

El Madrid que no está en las postales

Domani quiere ser un homenaje a un Madrid que no suele enseñarse. Pero desde que Santos Bacana empezó a escribir esta especie de road movie cañí hasta ahora, Madrid ha cambiado mucho, y eso asegura que lo ha notado y está presente. Cuando él se fue a Los Ángeles en 2014, Madrid era una ciudad más local. “No tenía esta cosa de cruce de caminos, algo que en ese sentido es muy estimulante. No aparecían esas rarezas que a día de hoy se dan”, explica.

Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy. De alguna forma estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global

Santos Bacana — Cineasta

Es consciente de que “depende de en qué entornos se vive la gentrificación”, algo que cree que ha provocado “nuevas dinámicas y una nueva fauna con nuevos personajes”. Pone siempre el mismo ejemplo. Cuando llegaron a Madrid alquilaron una oficina en Las Vistillas y siempre iban a comer al Landó. Todos eran clientes clásicos de toda la vida. Ahora es un restaurante de alto standing donde va gente con mucho más dinero, muchos de fuera de España. 

“Siento que Madrid y el guion se han acompañado en ese sentido. Madrid es un lugar donde cada vez cuesta más encontrar a la abuela de Soledad, que es el personaje que interpreta Milena Smit, porque esos entornos se están alejando y cada vez es más habitual ver a dos francesas haciendo jogging. Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy, donde conviven y luchan muchos Madrides. De alguna forma en muchos casos estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global, y me interesaba eso verlo desde la piel de una persona española y madrileña”, comenta. 

Un blockbuster de autor

Desde las primeras comunicaciones sobre Domani, que buscará su lugar en los festivales de 2027, se ha hablado de ella como “un blockbuster de autor”. Bacana asegura que le gusta el término, pero admite que “hay algo pretencioso en la frase”. “No sé si va a ser un blockbuster ni si tiene la entidad de autor, pero me gusta aspirar a que la puedan entender mis colegas del pueblo, que se puedan echar unas risas, que la vean mi madre y sus amigas, que la entienda la gente de nuestra generación, y que dentro del mundo del cine pueda representar algo o contribuir a algo. Cuando recibes ayudas también interiorizas una responsabilidad por el cine de tu país, y yo quiero hacer algo que la gente se sienta orgullosa y piense que les representa”, señala. 

Cris Trenas añade que la expresión se la escucharon a un amigo de ambos de Los Ángeles y que Santos dijo que precisamente eso es lo que él querría hacer: “Creo que está en el ADN de todo lo que hemos hecho antes. Esta cosa de que Pucho delante de 20.000 personas en el WiZink puso a los flamencos. Colarte algo que a priori no contabas con ello. Que pienses que vas a ver algo más mainstream y que te cuele algo un poco más nicho. Queríamos abrazar esta idea de algo que sepa como un producto más comercial, pero que luego al final tiene algo muy autoral, muy íntimo y muy personal”.

Ahí entra otra de las peculiaridades de la película, que está rodada en 35 milímetros, y tiene una estética que juega a lo autoral. No obstante, como vuelve a subrayar María Zamora, con la confianza de que “puede llegar a un público amplio y a una generación amplia”, intentan que Domani sea “esa película generacional que España hace mucho tiempo que no tiene”.

En el momento en el que Hollywood abraza el efecto nostalgia, en parte por el éxito que conlleva, con nuevas entregas de sagas como ‘Toy Story', el próximo título al unirse a este fenómeno es una comedia romántica que celebra los 25 años desde su estreno en cines en Estados Unidos.

Hablamos de ‘Una rubia muy legal’, que debutó en 2001 y que se convirtió en todo un éxito de taquilla con 95 millones de recaudación con 18 de presupuesto y que llevó a su protagonista, Reese Witherspoon, a ser una de las actrices mejores pagadas de Hollywood. Ahora estrena su serie precuela en Amazon Prime.

Se estrena este 1 de julio y lleva por título ‘Elle’, en la que Elle Wood será interpretada por Lexi Minetree, tomando el relevo de Witherspoon, que participa como productora con su empresa, para dar a conocer los orígenes de la abogada antes de su paso por Harvard.

El estreno de la precuela en formato serie ha hecho que el elenco original de la comedia se haya reunido 25 años después y esto ha dado lugar a una interesante y divertida anécdota de uno de sus personajes más queridos, al que dio vida Jennifer Coolidge.

Jennifer Coolidge: “Tontamente pensé que hacía la audición para Elle”

Actualmente Jennifer Coolidge es una de las actrices de comedia más queridas de Hollywood, reinventándose, y venía de saborear el éxito en la saga ‘American Pie’ cuando recayó en el proyecto de ‘Una rubia muy legal’, y ha desvelado una divertida anécdota en la reunión con el reparto en el evento ‘Elle World’.

“No, pero sí quiero decir esto, porque me pareció divertidísimo. Tuve muchísima suerte de ser elegida para esta película, y es uno de mis trabajos favoritos de todos los tiempos, pero tontamente pensé que, durante la audición, iba a ser Elle”, bromeó la actriz, que, finalmente, dio lugar a un personaje muy querido.

Coolidge da vida en ‘Una rubia muy legal’ a Paulette Bonafonté, manicurista y gran amiga de la protagonista Elle Woods, siendo uno de los personajes más icónicos de la comedia junto a la principal, y demostró su carisma, que ha acabado de conquistar Hollywood con el paso de los años.

En el evento por el estreno de ‘Elle’, se reunió Coolidge con Reese Witherspoon, pero también con Ali Larter, Selma Blair, Victor Garber y Matthew Davis, así como también se unió la cantante Vanessa Carlton y el músico Hoku, que interpretaron ‘Perfect Day’ y ‘A Thousand Miles’ que formaron parte de la banda sonora.

La trayectoria de Jennifer Coolidge: de ‘American Pie’ a ‘The White Lotus’

En ‘Una rubia muy legal’ dio vida a uno de los personajes más queridos, y llegaba ya con el éxito de ‘American Pie’, donde interpretó a la madre de Stifler. Más tarde también participó en comedias como ‘Una cenicienta muy moderna’ y ‘Dos chicas sin blanca’.

Sin embargo, pasó por un período complicado, en el que aseguró incluso haberse rendido como actriz y pasar por una depresión, pero entonces le llegó lo inesperado: el reconocimiento de la crítica por el papel de Tanya McQuoid en ‘The White Lotus’, lo que la ha consagrado con varios Emmy y Globos de Oro.

Hubo un tiempo en el que la dupla formada por Seth Rogen y James Franco fue inseparable en el entorno de la comedia en Hollywood, con éxitos como ‘This Is the End’, la polémica ‘The Interview’ y ‘The Disaster Artist’, la última colaboración exitosa de ambos en 2017.

La acusación de acoso sexual por parte de cinco mujeres contra James Franco en 2018 dejó empañada la relación entre ambos de forma pública, tanto que se ha llegado al punto en el que Rogen ha admitido que no tiene planes de volver a trabajar con el que fue su compañero inseparable.

Seth Rogen no planea trabajar de nuevo con James Franco

Desde que se conocieran en la mítica serie de televisión ‘Freaks and Geeks’ en 1999, Seth Rogen y James Franco no solo arrancaron unas trayectorias de éxito, sino que sería el comienzo de una dupla que dominaría la comedia en Hollywood en los años siguientes y que estalló con ‘Pineapple Express’, traducido en España como ‘Superfumados’ después de que se consolidaran por separado por proyectos como ‘Spider-Man’ o ‘Superbad’.

La época dorada de la pareja de Seth Rogen y James Franco fue entre 2013 y 2014 debido al éxito que tuvieron protagonizando ‘Juerga hasta el fin’ (This is the End), una parodia viral del videoclip ‘Bound 2’ con Kanye West y Kim Kardashian, y la controvertida ‘The Interview’ sobre Corea del Norte y que ambos defendieron. El punto álgido, sin embargo, fue en 2017 con ‘The Disaster Artist’ sobre la peor película de la historia, y que le valió un Globo de Oro a Franco.

Sin embargo, todo cambió con las acusaciones de acoso sexual a James Franco en 2018, con una carrera que decreció para el actor, mientras que el que fue su colaborador, Seth Rogen sigue en su ascenso en Hollywood con proyectos como ‘The Studio’, en la que es escritor, productor, director y protagonista y que hizo historia al llevarse 13 premios Emmy.

En una reciente entrevista con The New York Times, el actor fue preguntado por su relación con el que fuera uno de sus mejores colaboradores y ha sido tajante al respecto: “Nada ha cambiado desde la última vez que hablé de todo esto y hace mucho tiempo que no trabajo con él, ni tengo planes de hacerlo”.

“Está el aspecto público, del que ya he hablado, y mantengo la misma postura pública que siempre he tenido, y creo que los hechos hablan por sí solos: no he trabajado con él en años. Pero el aspecto personal es muy complejo e involucra a personas que no sé si debería incluir en esto”, añadió el cómico.

Y es que al principio cuando se conoció la noticia afirmó que volvería a trabajar con él, unas declaraciones de las que se lamentaba más adelante, como en 2021 para Sunday Times: “Lo que puedo decir es que detesto el abuso y el acoso, y jamás encubriría ni ocultaría las acciones de alguien que las comete, ni pondría a sabiendas a alguien en una situación en la que estuviera cerca de una persona así. También recuerdo aquella entrevista en la que comenté que seguiría trabajando con James, y la verdad es que no lo he hecho ni tengo intención de hacerlo por ahora”.

Las acusaciones hacia James Franco

En 2018 fue cuando salieron a la luz las acusaciones de acoso sexual hacia James Franco por varias de sus alumnas de actuación. Algunas aseguraron que habían sido víctimas de la retirada de los protectores de plástico que cubrían la vagina durante el rodaje de escenas íntimas, y la ira del intérprete cuando las actrices se negaban a aparecer en topless. Dos de las denunciantes presentaron una demanda colectiva en 2019, por discriminación sexual, acoso sexual, prácticas comerciales fraudulentas e intimidación, con las que llegaría a un acuerdo extrajudicial en por 2,2 millones de dólares.

En pleno momento del ‘efecto nostalgia’ y del fenómeno ‘Backrooms’ que evidencia el buen momento que vive el terror en el cine, regresa una de las sagas más icónicas de este género, “Scary Movie”, cuya clave de su éxito fue mezclarlo con la comedia y que vuelve trece años después de su última película con una sexta entrega que aspira a batir récords tras su primer fin de semana en las salas.

Y es que ‘Scary Movie 6’ va camino de ser el mejor estreno de toda la franquicia, con una recaudación que superaría los 56 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, según datos de Deadline. Un regreso que hace contando con su reparto original, encabezado por la actriz Anna Faris en su papel principal, más de 25 años de su debut en la saga.

La actriz se convirtió gracias a su aparición en “Scary Movie” en una de las reinas de la llamada ‘comedia gamberra’, y le abrió carrera cuando menos lo esperó: “Nunca me sentí lo suficientemente atractiva para triunfar. Sabía que el rechazo sería parte del camino. La clave era ser valiente”, confesó en el podcast ‘Happy Sad Confused’, donde también admitió que volver fue como ponerse “un viejo par de pantalones vaqueros”.

Unos comienzos que no fueron nada sencillos para Faris, que no acababa de verse mentalmente preparada y sin creerse que fuera la seleccionada por los hermanos Wayans para la película: “Estaba en el avión camino de mi primer rodaje en Hollywood, pensando: No estoy preparada para esto, me van a despedir. Se han equivocado. No tenía representante. Era una desconocida en un lugar desconocido. Y de repente leo el guion y me quedo atónita: ¿de verdad tengo que quedarme pegada al techo por el semen de mi novio? ¿Me salen murciélagos de la entrepierna? No puedo hacer esto”, declaró para la revista Fotogramas.

Le cerró puertas y la encasilló: “Fue duro que me vieran fuera de la comedia”

Si bien la saga “Scary Movie” le dio fama, al mismo tiempo también hizo que se le encasillara dentro de la comedia: “Fue algo que definió mi carrera, porque yo nunca había hecho comedia. Cuando terminamos el rodaje, incluso antes de que se estrenara la película, alquilé un pequeño apartamento en Los Ángeles, cogí mi viejo Honda y empecé a hacer audiciones. Pero la gente en Hollywood tiene una imaginación muy limitada, y todos pensaban que yo solo servía para hacer comedia, así que no conseguía oportunidades en papeles dramáticos”, añadió en Fotogramas.

Todo ello a pesar de que Faris se veía mucho más cómoda en papeles dramáticos: “El drama era lo único con lo que me sentía cómoda. No entendía la comedia. Pero bueno, aquí estoy, aunque creo que todavía no la entiendo del todo. Siento que acabé convirtiéndome por accidente en una actriz de comedia física”, contó en la mencionada revista.

Anna Faris también lamentó en el podcast ‘Happy Sad Confused’ que no la vieran fuera de comedia y relató un ejemplo de ello cuando audicionó para la serie “Six Feet Under”: “Interpreté a una joven bajo los efectos del crack que recibe la noticia de la muerte de su padre. Alan empezó a reír en mitad de mi interpretación. Cuando terminé, solo me dijo: ‘Eres muy divertida’. Ahí comprendí lo difícil que era que me vieran fuera de la comedia”.

De hecho, la actriz también recuerda como esto le afectó en su paso por la película de “Lost in Translation”: “No sabía cómo modular mi personaje, estaba acostumbrada a un volumen alto y pensaba que estaba arruinando la escena. Al final aprendí a confiar en la esencia, aunque pareciera que no encajaba”, contó en el podcast.

Todo esto, sumado a su experiencia a lo largo de su trayectoria le ha llevado a reflexionar sobre la industria cinematográfica y el impacto en la autoestima de los intérpretes: “La industria es muy volátil y siempre me sentí un poco fuera de lugar. Conocí colegas que daban por hecho que el éxito estaba asegurado solo por el ambiente donde crecieron. Yo nunca tuve esa confianza innata”, reflexionó.

La relación de Scream y Scary Movie es simbiótica a varios niveles. Está el detalle tan comentado de que, mientras Kevin Williamson desarrollaba la primera entrega de su afamada saga de terror, fuera justamente Scary Movie el título tentativo. Lo que habría encajado de maravilla, teniendo en cuenta que sus postulados ya eran en sí mismo satíricos antes de que la verdadera Scary Movie se limitara a llevarlos un poco más allá. Scary Movie era la parodia de la parodia, una vuelta de tuerca que simbolizaba hasta qué punto la ironía se nos había ido de las manos a finales de los 90.

Luego está el hecho de que hayan compartido artífices desde el principio. El sello Dimension Films, bajo el paraguas de Miramax, bajo el control de Harvey Weinstein. Un mismo estudio auspició su saga de terror estrella y la saga destinada a burlarse de ella desde el principio, como un juego de ecos autocombustible donde ni siquiera había que disimular nada. Lo tenía todo por ganar, incluso los espectadores potenciales podrían parecerse, y así fue que la primera Scary Movie llegó en el año 2000 precedida por unos pocos meses de Scream 3. Un paisaje similar al que nos ocupa hoy, con una nueva Scary Movie siguiendo el taquillazo de Scream VII hace unos meses.

Que exista esta coordinación, ¿implica que son lo mismo? ¿Que, del mismo modo que el fenómeno Scream se ha ido apagando y sumiendo en una deprimente parálisis creativa, Scary Movie se ha conformado como algo cansino y moribundo? Pues lo cierto es que no del todo. No costaría defender que Scary Movie tenga una mayor integridad artística, un mayor compromiso por cuidar su fórmula, que lo que se ha ido sufriendo recurrentemente en la vecina Scream. Scary Movie, al menos, se ha expandido más allá de su concepción original para arrimarse al cine de terror aledaño y, mejor que peor, ir probando diversas formas de reírse de él con el paso de las entregas.

De hecho Scary Movie vendría a engrosar una tradición que la trasciende, todo un género al que se ha comprometido con mucha más firmeza que Scream con respecto al terror. Nos referimos a la spoof movie, a la parodia que tantos ilustres referentes tiene detrás, habiéndole regalado una fórmula sencillísima para fluir indefinidamente. Y por supuesto que terminó siendo excesivo, por supuesto que se convirtió en algo grotesco. La fiebre por los títulos de Leslie Nielsen acabados en “... como puedas” (según oportunistas traducciones al castellano) no fue nada comparada con las “movies”.

Lo que Scary Movie estaba haciendo con el terror bien podía hacerse con otros tipos de películas (incluso con cinematografías enteras, ahí tuvimos Spanish Movie en 2009), y hubo tal frenesí productivo como para que a mediados de la década pasada el asunto se considerara totalmente agotado. Pero ha pasado un tiempo prudencial. Del mismo modo que Scream regresó en 2022, ¿por qué no iba a hacerlo Scary Movie? ¿Manteniendo, como está mandado, esa ridícula moda del último cine de terror consistente en eliminar el número de la secuela si ya llevamos demasiadas y se pretende algún tipo de lavado de cara? Esta Scary Movie 6 vuelve a titularse Scary Movie a secas. Y aún así, cuenta con unas particularidades muy jugosas fuera de lo obvio de su razón de ser.

Los Wayans contraatacan

Lo interesante, entonces, de toda esa explosión de parodias facilonas estrenadas entre el 2000 y el 2013 —cuando, a un par de años de que con Scream 4 Ghostface se tomara un descanso, también se diera el asunto por rentabilizado en Scary Movie 5—, es que dejó cuentas pendientes por el camino. Los hermanos Wayans (Keenen Ivory como director más Marlon y Shawn en tanto a guionistas y actores) habían sacado adelante la Scary Movie inaugural. También Scary Movie 2. Llegada la tercera, sin embargo, Miramax prescindió de ellos para en su lugar darle la batuta creativa a David Zucker. Dado que este venía del trío de los ZAZ que tan central había sido en una fase previa de la spoof movie (entre Aterriza como puedas y Agárralo como puedas) era un cambio lógico.

Muy desagradable, aun así. Los Wayans no solo se quedaron fuera de Scary Movie, sino que vieron cómo sus competidoras directas —Disaster Movie, Epic Movie, Casi 300, etcétera— venían firmadas por Jason Friedberg y Aaron Seltzer, acreditados como cocreadores de la saga Scary Movie pese a que los hermanos juran y perjuran que no usaron nada de su guion. Los conflictos en esta dinastía de la spoof movie se hicieron si cabe más enrevesados cuando Marlon Wayans, años después, se lanzó a hacer sus propias parodias al margen de la marca estrella. Nacieron dos entregas de Paranormal Movie y una parodia de Cincuenta sombras de Grey llamada Fifty Shades of Black. Esto pasaba en 2016, así que hubo de enterrar la fiebre de explotación de una vez por todas.

Es importante acordarse de estos últimos títulos porque la nueva Scary Movie está más relacionada con ellos que con las últimas entregas de la saga titular. Más aún que su carácter de recuperación de una marca sumamente rentable, aquí está el gran reclamo de la sexta Scary Movie: vuelven los Wayans. Han recuperado su saga, han resistido al torbellino de movies de los 2000 y a la debacle de Miramax (con Weinstein apartado de la industria por las acusaciones de agresiones sexuales) para seguir riéndose de las últimas entregas de Scream y de cualquier éxito de terror circundante que les apetezca.

Que dirija Malcolm D. Lee (colaborador habitual de Marlon) confirma que esta reapropiación se ha completado del todo, con los Wayans escribiendo el guion mientras Marlon y Shawn retoman unos personajes ausentes desde Scary Movie 2. Así que la reapropiación va más allá de lo nominal. Verdaderamente hay una vuelta al estilo de las dos primeras películas porque los Wayans tienen unas preocupaciones cómicas concretas y definidas, tan proclives a brillar en la parodia como en propuestas tan personales —y tan memorables al cabo— como su película de 2004 Dos rubias de pelo en pecho. Todo un clásico que también tiene su incidencia en la última Scary Movie.

Un regreso muy personal

Los aciertos y errores de Scary Movie pertenecen, entonces, a la autoría exclusiva de los Wayans. Regresando a su vez Anna Faris y Regina Hall como protagonistas tras su ausencia en Scary Movie 5 no hablamos de una continuidad estricta sino de un retorno a las esencias, que llega a sorprender en algunos aspectos. Es decir. La costumbre de lanzar gracietas alrededor de un presente inmediato, estilo South Park, es endeble y tiene cerquísima su fecha de caducidad, al igual que un trasnochado talante 'antiwoke' favorecido por el devenir de la política estadounidense. Scary Movie hace muchos chistes sobre identidad de género y guerras culturales, del mismo modo que entregas previas se reían de las figuras públicas de Lindsay Lohan o Charlie Sheen. Es lo que toca. Es la saga que es.

Habría sido insensato esperar algo revulsivo de la nueva Scary Movie. Tampoco habría tenido sentido pedirle que refinara la fórmula de la spoof movie, como por cierto sí hizo admirablemente la última Agárralo como puedas el verano pasado. En este caso Akiva Schaffer apenas necesitó parapetarse en alguna película concreta para lanzar sus gags —si acaso Misión imposible—, con lo que Scary Movie vendría a ser su reflejo negativo. Hay tal fruición en ella por referenciar películas de terror (o películas a secas) que al parecer los Wayans incluso quisieron grabar más escenas a última hora este año para añadir chistes de Los pecadores o el biopic de Michael Jackson.

Y bien puede ser agotador. Y pedestre, por cuanto a veces solo son citas caprichosas o comentarios sobre la actualidad hollywoodiense. Pero entonces, ¿cómo se las apaña Scary Movie para conservar parte de la frescura de las entregas iniciales? Por fuerza, gracias a los Wayans. En su retorno providencial a una saga que sin duda echaban de menos los hermanos no han podido resistirse a insertar referencias a su drama tras las cámaras, con constantes guiños meta que llegan a ser indigestos en los minutos finales de la película. Es el peaje a pagar, por suerte, en este reencuentro con un discurso cómico propio. No especialmente original ni pulido, pero sí muy honesto.

Scary Movie, entonces, vuelve a hacer multitud de chistes sobre la experiencia afroamericana en EEUU —no puede resistirse a cubrir por ejemplo Déjame salir, pese a que ya haya transcurrido casi una década del estreno—; casi tantos como sobre drogas recreativas. En este sentido destaca evidentemente el personaje de Marlon, Shorty, vertebrando con él alguna concesión nostálgica a la primera entrega que por suerte se ejecuta con imaginación y mucha gracia, otorgándole a toda la película un aire de adolescencia revivida que en algunos puntos llega a ser hasta encantadora.

No es, en fin, una gran comedia. Ni siquiera hablaríamos de una “buena” comedia. Aun así tiene la suficiente cantidad de chistes como para permitirse funcionar por mera acumulación —y algún que otro chispazo de brillantez: las parodias de La sustancia y Weapons funcionan de maravilla—, manteniendo una entidad muy depurada dentro de los márgenes de la gamberrada cutre. Márgenes a los que se ajusta escrupulosamente, sin querer dejarse nada en el tintero ni respetarse un poco a sí misma —hay un extenso gag sobre Las guerreras k-pop que es bastante probable que se haya diseñado con Inteligencia Artificial—, para dar la sensación final de que los Wayans han dado todo lo que podían dar. Que se han pasado más de 20 años queriendo hacer esta chorrada, y se han quedado muy a gusto. Cómo no va a caer simpático un filme así.

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

Stephen Colbert ha hecho mucho más que hacernos reír los últimos 20 años. Su sátira política ha servido para explicar la financiación de los partidos o los abusos de poder. Su empatía ha canalizado conversaciones sobre el luto, la fe o la violencia. Puede que los guiones fueran mejores que los de otros shows, pero su sutileza detrás de los chistes es lo que probablemente marcaba la diferencia con los demás. 

Su despedida anoche, con elegancia y gratitud, fue una muestra más de lo que hacía a su programa especial. Con agradecimiento a la audiencia y al equipo, y sin la acritud de los tiempos marcados por el actual presidente. Fue una noche para la historia de la televisión en el teatro Ed Sullivan donde se grababa el programa y donde los Bealtes actuaron en 1964, en su mítica gira por Estados Unidos.

El final del Late Show este jueves, forzado por la CBS, es reflejo del momento en la vida pública de Estados Unidos: la operación inédita de control gubernamental de la televisión; la deriva autoritaria que no aguanta la crítica del poder, y todavía menos si tiene gracia; la crisis de los canales de información tradicionales en medio de la competencia de cualquier cosa en las redes, el volumen sin freno de contenido malillo, la falta de atención y la desconfianza de todo lo que suene a institución. 

Pensando en las últimas dos décadas se puede trazar una línea desde el debut de Colbert. Su primer programa en solitario, The Colbert Report, parodiaba a Bill O'Reilly, presentador de Fox News durante 15 años y opinólogo ultraconservador del programa más exitoso de la televisión por cable (Fox lo echó en 2017 después de años pagando para silenciar acusaciones de abusos sexuales). 

En 2005, en el primer episodio de su programa parodia, Colbert habló de la palabra “truthiness” (algo así como “apariencia de verdad”). Metido en su personaje de tertuliano ultra, Colbert explicaba que “no era fan de los diccionarios” porque eran “elitistas”. “No me creo los libros. Son todo hechos, no tienen corazón. Eso es lo que está separando al país… Estamos divididos entre los que piensan con la cabeza y los que saben con el corazón”, decía mientras en la pantalla aparecía un cartel “cabeza, mal; corazón, bien”. Y decía que el entonces presidente George W. Bush “sentía la verdad”, poniendo como ejemplos la invasión de Irak y un polémico nombramiento en el Tribunal Supremo. “La verdad viene de las entrañas”, decía Colbert, embebido en su personaje, que reflejaba bien lo que ya pasaba entonces. Los frutos más crudos de esa política de las entrañas están ahora a la vista. 

El papel de la televisión era y ha seguido siendo un elemento esencial que también ha alimentado los peores instintos amplificados después por las redes sociales y la potencia sin freno de Internet. Incluso los late shows como el que ahora presentaba Colbert.

Su antecesor en el programa nocturno de entrevistas y humor en la CBS, David Letterman, se disculpó hace unos años por haber contribuido a retratar a Donald Trump como alguien que no era, un multimillonario lleno de éxitos incluso cuando estaba al borde de la quiebra y exprimía a los contribuyentes neoyorquinos a fuerza de favores políticos.

Revistas y periódicos retrataron a Trump como un emblema del éxito e incluso la belleza -el primer perfil publicado en el New York Times, en 1976, lo comparaba con Robert Redford-. Pero cuando ya estaban claros sus trapicheos, bien entrados los 90, Letterman lo entrevistaba entre bromas y halagos sobre su fortuna sin el más mínimo escepticismo. Incluso poco antes de que Trump lanzara su campaña presidencial le pidió perdón por haberle llamado “racista” por la falsedad que repetía Trump de que Barack Obama no había nacido en Estados Unidos y, por lo tanto, no tenía derecho a ser presidente. Como otros, Letterman no se lo tomó suficientemente en serio y el vendemotos daba audiencia.

Hace unos días, como parte de la despedida del show que ha dejado de existir, Colbert y Letterman arrojaron sillones del plató de la CBS desde el tejado del edificio en el centro de Manhattan donde se ha grabado durante más de tres décadas el show que ambos han presentado. Era un desafío a las reglas de la televisión de no dañar sus propiedades ni arrojar nada desde el tejado, y, sobre todo, una forma de protesta por la cadena que ha capitulado ante las presiones del presidente. Tal vez era un buen símbolo de la tragicomedia. La que queda por contar no tiene buena pinta. 

Pero no siempre ha sido así y no siempre tiene que serlo. En un discurso a los recién graduados de 2006, Colbert alertaba contra quienes ya estaban de vuelta o decían estarlo: “El cinismo se enmascara en sabiduría, pero no puede estar más lejos de serlo. Porque los cínicos no aprenden nada, porque el cinismo es una ceguera autoimpuesta, un rechazo del mundo”. 

La sátira política seguirá pese a Trump y quien venga detrás. Entretanto, se notará la ausencia de Colbert, siempre irónico, nunca cínico.

El efecto nostalgia continúa dando sus frutos en la industria del cine y la televisión y se ha anunciado un nuevo proyecto que se basa en un título ya conocido como es el caso de ‘El jovencito Frankenstein’, un éxito de hace 50 años que regresará en formato serie de la mano de FX y Hulu, producida por 20th Television.

La serie, que llevará originalmente el título de ‘Very Young Frankenstein’, estará basada en una de las comedias de terror más queridas del cine, aunque según un ejecutivo de FX a Variety será “una versión completamente original”, todo ello aprobado por Mel Brooks, director de la película de 1974.

De los detalles que se conocen de esta nueva serie, lo que se sabe es que el piloto será dirigido por Taika Waititi, escrito por Stefani Robinson, ambos también como productores ejecutivos de un proyecto que los vuelve a unir en una comedia de terror con FX después del éxito de ‘What We Do in the Shadows’, que tuvo seis temporadas y buenas críticas.

Junto a ellos estarán como productores ejecutivos también Garrett Basch, Michael Gruskoff y Kevin Salter, así como Mel Brooks, que ha dado visto bueno a la adaptación que tendrá la película que en su día escribió junto a Gene Wilder.

Además, se conoce que el elenco será liderado por Zach Galifianakis como protagonista junto a Dolly Wells, Spencer House, Cary Elwes, Kumail Nanjiani y Nikki Crawford. La sinopsis podría girar en torno a los anteriores Dr. Frankenstein que intentaron dar vida a los muertos, aunque con resultados más hilarantes de lo esperado.

La parodia de las películas de terror de Universal que se convirtió en clásico

Con esta nueva serie, la película estrenada hace más de 50 años vuelve a la actualidad. El proyecto nació en su día como una parodia cariñosa del cine de terror de Universal de la década de los 30 y 40, y es por eso por lo que se rodó en blanco y negro por expreso deseo de imitación de Brooks, que se impuso a las exigencias de la productora, que la quería en color.

De hecho, Mel Brooks también consiguió usar el equipamiento original de ‘Frankenstein’ de 1931 porque descubrió que seguía existiendo y que se guardaba en el garaje de Ken Strickfaden, que lo había fabricado expresamente, dándole además el crédito que no tuvo con Universal.

‘El jovencito Frankenstein’ es uno de sus éxitos que superaron expectativas, contando con un presupuesto inicial de apenas 3 millones de dólares y recaudando finalmente más de 86, además de incluir dos nominaciones a Premios Oscar a Mejor Guion Adaptado y Mejor Sonido. La idea original había nacido del actor Gene Wilder, que escribió el guion necesitado de un proyecto después de varios fracasos en taquilla y para el que contó con Mel Brooks, con quien tuvo desavenencias y al que pidió no hacer un cameo en la cinta, como solía hacer.

Ambos no volvieron a trabajar juntos después de esto. Gene Wilder falleció hace diez años, en 2016, mientras Mel Brooks es una de las míticas figuras del cine que sigue vivo, a punto de cumplir los 100 años el próximo junio y con un resurgimiento no solo por el próximo proyecto, sino también con una secuela de su comedia ‘History of the World, Part I’ y con el próximo estreno de ‘Spaceballs: The New One’, con los papeles duales del presidente Skroob y Yogurt.

Capítulos cortos de entre 20 y 30 minutos, con tramas autoconclusivas en cada episodio y un reparto fijo de personajes que aparece en ubicaciones recurrentes. Es la definición más sencilla que podemos hacer de lo que es una “sitcom” o “comedia de situación”. Ejemplos encontramos cientos, con Modern Family, Cómo conocí a vuestra madre o The Big Bang Theory como algunas de las más míticas que llegaron a nuestra televisión.

Pero si hay una que fácilmente encabeza el ranking de las sitcoms más emblemáticas de la historia de la televisión esa es Friends. La serie creada por Marta Kauffman y David Crane se emitió entre 1994 y 2004 y, con un total 236 episodios en diez temporadas, ayudó a definir cómo debía ser una sitcom moderna.

El reparto interpretado por Jennifer Aniston (Rachel Green), Courteney Cox (Monica Geller), Matthew Perry (Chandler Bing), Matt LeBlanc (Joey Tribbiani), Lisa Kudrow (Phoebe Buffay) y David Schwimmer (Ross Geller) sin duda jugó un papel clave en este trabajo. Los seis protagonistas tenían personalidades muy marcadas, así que el grupo de amigos se acabó convirtiendo en el eje de todas las tramas, algo que fue una constante de muchas sitcoms que se estrenaron después.

A esto se sumaron los diálogos ágiles, los chistes y los escenarios repetidos, como el apartamento o la cafetería Central Perk, que acabaron siendo tan protagonistas como los propios personajes. Los premios hablan por sí solos del impacto que tuvo la serie. En total, esta recibió 62 nominaciones a los Emmy, obteniendo seis victorias, incluido el Emmy a la Mejor Serie de Comedia en 2002 y el de Mejor Actriz para Jennifer Aniston. 

La historia de la sitcom

Pese a los reconocimientos que obtuvo Friends, el género televisivo de la sitcom existía mucho antes de que Rachel y Ross salieran juntos. De hecho, la primera llegó a la televisión de Reino Unido hace ya 80 años. En concreto, fue en 1946 cuando la BBC estrenó Pinwright’s Progress, considerada la primera comedia de situación de la historia. 

La serie estuvo protagonizada por James Hayter y solo tuvo diez episodios, los cuales se lanzaron cada dos semanas. Una de las cosas más curiosas de esta sitcom es que los capítulos se emitían en directo y, como estos no se grabaron, no se conserva nada de aquel material. Los únicos recuerdos son fotografías que se hicieron durante la grabación del programa. 

La primera gran serie de este estilo que triunfó llegó un poco más tarde. Fue I Love Lucy (Te quiero, Lucy), comedia estadounidense que se transmitió por la CBS entre 1951 y 1957, la cual llegó a ser la serie más vista de Estados Unidos durante sus primeras cuatro temporadas (tuvo nueve en total). La sitcom se vendió a numerosos países, ganó cinco premios Emmy y catapultó la carrera de su actriz principal, Lucille Ball. 

Santiago Segura ha dicho muchas cosas durante la promoción de Torrente presidente, sobre todo en lo relativo a los periodistas. Ha dicho que tienen “este rollo de pedófilo en la puerta de un colegio”, les ha llamado “hijos de puta”, y durante una tensa entrevista ha lanzado asimismo unas ideas muy criticadas sobre el colectivo trans. Y acto seguido se ha disculpado. En otra entrevista aseguró que adora disculparse. “Me encanta pedir disculpas, soy feliz pidiendo perdón, es una liberación”.

Todo esto le da unos matices interesantes a la personalidad mediática de Segura, que salvo excepciones suele manejarse en público con perfecta humildad y palabras suaves que enmarquen un discurso levemente autolesivo. Es alguien, en efecto, que adora pedir perdón y admitir que no deja de equivocarse. Asume que esa es la mejor forma de nutrirse de un sentido común ciudadano al que su cine va dirigido, y que ateniéndonos a las cifras de taquilla sin duda logra abrazar con éxito. La cuestión es que ese sentido común contempla que los cameos de Torrente presidente sean figuras acusadas de violencia sexual y voceros de ultraderecha mientras la película afirma burlarse de su posible articulación política.

¿Cómo podemos leer esto? ¿Hay una contradicción, o simplemente el pobre Segura no deja de cometer errores? Vamos a proponer que Segura es consciente de lo que hace y que esto suscribiría una lógica de balanza: en cuanto dice o hace algo cuestionable, la disculpa sistemática desplaza al peso hacia el otro lado y forja un equilibrio, un (extremo)centro. Un lugar donde se supone que todo el mundo puede estar cómodo. La garantía tranquilizadora de la disculpa alivia la intensidad del apunte rancio y sobre todo —al eximir de una verdadera responsabilidad, pues todo se reduce a la imagen performativa— permite regresar al otro lado una y otra vez. Encogiéndose de hombros, siempre con una nueva y cínica disculpa asomando en los labios.

De eso va el fenómeno Torrente. De decir y hacer cosas espantosas, amparándose en una disculpa conceptual (la sátira, lo esperpéntico del personaje o lo que sea). Desahogar pulsiones con el freno de mano: un mecanismo tan sencillo como para reencontrarse con él en una película muy distinta a priori como es La familia Benetón +2. Aquí lidiamos con un filme destinado al público familiar y envuelto en otra coartada progresista. Mientras Torrente presidente se burla de la ultraderecha (con la complicidad de la ultraderecha), La familia Benetón +2 aboga por la multiculturalidad, alrededor de un padre cuyos hijos proceden de múltiples países a lo largo del mundo.

Así que el clan de Toni Benetón (Leo Harlem) lidia esporádicamente con el racismo de dos vecinos, interpretados por Llum Barrera e Iñaki Miramón. Estos, en la primera secuencia del filme, tachan de “menas” a los niños Benetón y temen que su familia haga un efecto llamada. Son, evidentemente, los malos de la película. La prueba de que La familia Benetón +2 tiene los valores en su sitio.

¿Qué ocurre más tarde, sin embargo? Minutos después de que el guion entienda como gracioso que una mujer negra tenga un pariente trabajando en el musical de El rey león, la trama se desplaza a algún lugar de África y nos ofrece una visión tremendamente estereotipada del continente. Apenas atina a distinguir país o región en él, siquiera, mientras nos planta al personaje de un brujo guiando el recorrido espiritual de Toni Benetón y, en un giro presuntamente cómico, resulta que la cabra que ha atacado al protagonista minutos antes es el dios de la tribu. 

Es una representación evidentemente (ferozmente) racista. De una caricatura obscena, análoga a cuando en la primera entrega de La familia Benetón el romance del hijo marroquí era visualizado como una parodia de Aladdin. ¿Tiene entonces los valores en su sitio? Pues se supone que sí, porque se ha disculpado. En este caso lo ha hecho de forma anticipada, gracias a la presencia de esos vecinos maledicentes como racistas extremos (y mezquinos, en oposición al racismo afable del resto de la película) que ejercen de contrapeso. La lógica de la balanza. Mejor pedir perdón que permiso.

El ocaso del cuñado

Ahora bien. Que estas sean las fuerzas en juego dentro de La familia Benetón no implica necesariamente que exista una maldad. En realidad volvemos a hablar de pulsiones, de inercias, que han perfilado un modelo de producción económicamente muy beneficioso. Es Bowfinger International Pictures (la productora fundada por Santiago Segura y María Luisa Gutiérrez) la que está detrás de este modelo, y este es sumamente dúctil acorde a las necesidades del mercado. Puede alumbrar Torrente, por qué no. También toda una ganadora al Goya a Mejor película, La infiltrada. Y desde luego puede producir cine familiar. A espuertas.

Como de lo que se trata es de nutrirse del sentido común —y este sentido común, con toda su normalización y su ventana de Overton escorada a la derecha, encaja bien con la lógica de la balanza—, podemos hablar de cálculo pero, insistimos, no necesariamente de maldad. Porque si existiera una maldad real las películas expresarían algo de sí mismas, existiría una voluntad (malvada) de intervenir la realidad mediante el cine. No vamos a ser tan paranoicos o tan benevolentes como para concederle eso a estas películas. Porque lo que caracteriza a todas estas películas, antes que cualquier otra cosa, es que están muertas. Todas y cada una.

Están muertas a un nivel tanto narrativo como formal: hablamos de una estética que ya no es la del contrapeso o la de la normalización conservadora sino la del vacío. La estética de Padre no hay más que uno, otro gran buque insignia de Bowfinger, al que La familia Benetón fija como referente indiscutible. Las sagas de Padre no hay más que uno y La familia Benetón (asumiendo prudentemente que habrá más entregas de esta última) están discurriendo del mismo modo. Sus entregas inaugurales nos presentaban a un personaje masculino (el Javier de Segura, el Benetón de Harlem) que debía aprender una lección. Debían pasar de ser un padre irresponsable y un irresponsable con dejes racistas, respectivamente, a ser luminosas figuras paternas.

Hablábamos de un arco que ya quedaba completo en estas películas inaugurales. Así que, ¿cómo seguir a partir de ahí? Pues acudiendo a los brazos de la sitcom familiar. Poniendo en suspenso cualquier desarrollo de personaje en función a las peripecias y las tramas de la semana. Desde aquella primera película —y hasta que Segura echó demasiado de menos a Torrente, porque en el papel de Javier no podía decir cosas tan divertidas—, Padre no hay más que uno huyó hacia adelante. Y es lo que apunta a ser La familia Benetón +2, una vez el personaje de Harlem ya es un padrazo y lo único que le queda por hacer es ayudar a sus hijos con los avatares del día a día.

En La familia Benetón +2 es especialmente acusada la sensación de ver varios episodios de una serie ensamblados sin organicidad alguna. Ni siquiera termina de fluir el componente coral que aclimató Médico de familia como patrón oro al que se arrima Bowfinger, y tan pronto hay que centrar el metraje en los nuevos bebés que debe cuidar Toni como marcharse a toda prisa a esa África exotizada. La película va totalmente a la deriva, sin que ninguna risa enlatada acuda a legitimar esos chistes mientras sufre una rampante crisis de identidad.

De esto último la promoción de La familia Benetón +2 ha sido bastante ilustrativa, pues ha colocado a Harlem en primer plano con dos vídeos (Máster en Cuñadismo 1 y Máster en Cuñadismo 2) donde el actor echa mano del personaje que desarrolló en su etapa de monologuista, y que a partir de El mejor verano de mi vida en 2018 ascendió a criatura cinematográfica. Mediante este personaje —que alegremente acepta la palabra “cuñado” como descripción—, Harlem vende La familia Benetón +2… pero el personaje ya no existe como tal. Toni Benetón ya no es un cuñado. Solo es un buen hombre superado por las circunstancias, tal y como lo es El Langui, su escudero en el filme.

Así que estos Másters en Cuñadismo son publicidad engañosa. Prometen una determinada propuesta cómica y apuntan a vender un filme continuista de Torrente que en realidad no es tal (o que, si lo es, no lo aparenta desde el tono y grosor de sus chistes). Un lío, en fin, que a la larga no le importará a nadie pero puede dar medida de lo gris y despersonalizado que es todo este entorno. Ayuda a recontextualizar la película, además, y a tener algo en lo que pensar por lo menos.

Una de las subtramas de La familia Benetón +2 es capaz de propiciarlo también. Por suerte, por unos instantes. Alude al hijo marroquí, que quiere ser cantante y ficha por una discográfica. Esta discográfica, sin embargo, propone limar todas sus particularidades culturales pues sostiene que lo que más vende es el término medio, la falta de carácter. Así que le obliga a modificar su aspecto y su personalidad en pos de estos condicionantes. Al final el chaval lo rechaza, se obstina en ser él mismo y en celebrar su identidad, y resulta ciertamente desconcertante, pues la película, este modelo de producción nocivo y agotador, trabaja en las mismas coordenadas exactas que la discográfica. ¿Estará otra vez pidiendo perdón?

La familia no es siempre ese refugio instaurado en el imaginario colectivo. En ocasiones, los lazos de parentesco son una bomba cargada de deudas emocionales y roles perpetuados desde la infancia. Esto, que se ha visto frecuentemente en el cine de Cesc Gay (Barcelona, 1967), caracterizado por exponer las debilidades humanas, se vuelve a apreciar en la comedia que el director acaba de estrenar en Netflix. Disponible en la plataforma desde este viernes, 53 domingos usa la reunión de tres hermanos para diseccionar el mito de que el amor fraternal es un espacio seguro y abordar el tabú de cómo gestionar el cuidado a los padres cuando se convierten en personas dependientes e irreconocibles.

Protagonizada por Javier Cámara, Carmen Machi, Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez, la película es la adaptación de la obra de teatro homónima del cineasta. La historia obliga al espectador a asomarse a un espejo incómodo en el que se reflejan las estructuras de cuidado, las jerarquías familiares y el impacto del envejecimiento en una generación que trata de cuidar a sus progenitores enfrentándose a la realidad de la falta de tiempo y recursos. Es una generación que ha alcanzado la edad adulta y que, además de lidiar con sus propias crisis vitales y laborales, intenta encontrar cuáles son sus personas de confianza al percatarse de que los vínculos de sangre quizá no lo son todo.

De hecho, el motor de 53 domingos no es el padre, sino la relación que mantienen los tres hermanos y su evolución a lo largo de la cinta. Cesc Gay explica a elDiario.es que creer que la familia debe ser un bloque sin fisuras es “como pensar que todos los matrimonios son felices”, una falacia que ignora que “el ser humano es así, se pasa el día peleándose” y que no existe diferencia entre la dinámica de unos hermanos y la de una “reunión de vecinos intentando ponerse de acuerdo en si arreglan el ascensor o no”. “No hay lugar en el que no haya conflicto”, señala el director, que agrega que quien se dedica a escribir se aprovecha de eso para crear dramas o, en este caso, comedias.

La cinta recoge un combate de egos entre hermanos que se manifiesta en discusiones que el director califica de “absurdas y ridículas”, como la disputa por cambiar una bombilla. Son problemas que evidencian cómo la familia es capaz de ignorar el problema real —el futuro del padre— para centrarse en sus propias rivalidades. La película juega con roles de envidia y competitividad a menudo aprendidos en la niñez, mostrando patrones que se repiten constantemente mientras el tiempo pasa fuera de la casa en la que se ambienta la trama. El final es muy significativo, pero 53 domingos pone el foco en aquellos cierres que no se producen, en esas rencillas que nunca acaban desapareciendo.

La estructura de la película indica lo difícil que es llegar a acuerdos mediante cuatro intentos fallidos de una cena, una muestra de la disfuncionalidad familiar donde los hermanos no se sientan en la mesa hasta que es demasiado tarde. “La primera vez que como director afrontas un guion siempre vas un poco más perdido”, advierte Cesc Gay. “Aquí ya venía con esa ventaja, y mi trabajo se trataba, sobre todo, de adaptar y reescribir cosas. Quería que fuera una película muy ágil, y no quise que se sentaran a hablar hasta la última secuencia, que es la estructura irónica que tiene. Cuando finalmente se sientan, aparece Alexandra con malas noticias”, explica.

El papel de la mujer en los cuidados familiares

En el ring doméstico de 53 domingos, es la hermana Natalia quien intenta ejercer un “papel conciliador” que el director define como un lugar “donde lo que ella siente no es lo importante, pues lo importante es encontrar y generar siempre un ambiente agradable”. Aunque al final todo salta por los aires, el personaje interpretado por Carmen Machi representa a la mujer que asume la carga, algo a lo que pone el foco Cesc Gay en una España donde la mayoría de cuidadores siguen siendo ellas. “Las mujeres son quienes más pringan eso. Es una realidad en las familias y en la forma de funcionar en esta sociedad, pues nos cuesta cuidar a los padres y acaba siendo más la mujer la que lo hace”, señala el cineasta.

Es por esta razón que Gay quería que, al estar Natalia entre dos hombres, tomara ese rol. “Es un personaje que tiene este equilibrio de querer siempre que no haya conflictos, que no haya peleas. En este caso, además, lo que quiere es ponerse de acuerdo con sus dos hermanos”, argumenta el director. No obstante, este utiliza a Carol, interpretada por Alexandra Jiménez, para que sea la narradora que rompe la cuarta pared. “No es ninguno de los tres hermanos. Por eso mira a cámara, se relaciona directamente con el espectador y le avisa de que van a ver una película donde los hermanos se van a pelear”, cuenta, agregando que era una estructura que tenía la versión teatral y no quiso eliminarla.

Carolina alude al espectador en los interludios y en la reflexión final. “Todo el rato te está recordando, con el hecho de mirarte, de hablarte un poco, que es la narradora. Y no estamos acostumbrados en las películas. Cuando hay una voz en off es más fácil, por ejemplo, que el espectador se asocie o se vincule con esa voz en off. Pero a mí me gustó la energía que tenía hacerlo de esta manera, por eso quise abrir con ella andando por la calle y contando cosas”, argumenta el cineasta.

Asimismo, el filme también juega con la influencia que tiene la posición económica de cada hermano, esa disparidad de clases que existe dentro de una misma familia. “Es radicalmente importante”, reflexiona Cesc Gay. “En muchos momentos de la película es clave que a tu hermano mayor le vaya muy bien, que tenga una vida de lujo y no porque se la haya ganado él, sino porque se casó con la hija del jefe, que es la frase literal que tiene Javier Cámara. Él interpreta a un actor y, como cuenta Alexandra al público, no le han ido tan bien las cosas. Se lleva al extremo lamentable y patético por mi parte, con toda la ironía posible, de que lo contratan para hacer de tomate en un anuncio de gazpacho”, añade.

Pese a que Cesc Gay ha apostado por el humor para hablar de estos temas y mostrar en pantalla los conflictos familiares, considera que también se puede abordar esto desde otra perspectiva y llamar la atención de la gente. “Un director o directora podría hacer esta película, hacerla muy dramática e intensa y que saliera una grandísima película que tuviera mucho éxito. Al final las películas conectan con el espectador, sean dramas o sean comedias”, afirma el cineasta, que concluye que “todo se puede hablar desde muchos lugares y todos tocamos los mismos temas”, siendo lo que cambia “la mirada y la intención del director y del escritor”.

La IX edición del Festival del Humor de Castilla-La Mancha, Gachas Comedy ha sido el marco elegido para rendir homenaje a una figura imprescindible de la comedia en nuestro país, Millán Salcedo, que además ha actuado en el Teatro Circo de Albacete.

Durante el evento se entregaba al conocido humorista natural de Brazatortas (Ciudad Real) y que formó parte de Martes y Trece, la Mención 'Sancho Panza' del Gachas Comedy. Se rendía así homenaje a una trayectoria dedicada a hacer reír a generaciones enteras. Ha sido “algo así como ‘un abrazo colectivo’, un ‘gracias’ compartido y una forma de seguir reivindicando que la cultura y, en particular, el humor, es una de las mejores maneras de encontrarnos”, ha dicho el presidente de la Diputación Provincial.

“La noche ha estado llena de cercanía y espontaneidad. De esas que no se ensayan y que derrochan admiración sincera. Porque hablar de Millán es hablar de un mito del humor en España, de un talento único capaz de convertir lo cotidiano en brillante, lo absurdo en inolvidable y la risa en idioma universal”, como ha señalado Santi Cabañero.

Junto al presidente de la Diputación de Albacete y del Consorcio Cultural Albacete participaban en el acto tanto el gerente de Cultural Albacete, Ricardo Beléndez; la concejala de Cultura, Elena Serrallé, y el propio equipo impulsor del festival. “Se vuelve a demostrar que el humor, además de hacer reír, es una poderosa herramienta para unir y construir sociedades inteligentes y humanas”, señalaban.

El Ayuntamiento de Albacete entregó al humorista una navaja artesana, símbolo de Albacete y de la identidad local. La concejala de Cultura, Elena Serrallé, ha puesto en valor la firme apuesta del Consistorio por la promoción y el impulso de la cultura en nuestra ciudad durante su asistencia al último espectáculo del humorista Millán Salcedo, ‘Digamelón’, en el Teatro Circo, en el marco de la IX edición del Festival del Humor de Castilla-La Mancha, ‘Gacha’s Comedy’.

Serallé le ha agradecido su importante contribución a la historia de la comedia en nuestro país, recordando que como integrante del inolvidable dúo ‘Martes y Trece’ marcó a generaciones enteras con un estilo “único, irreverente, inteligente y absolutamente inolvidable”.

Gachas Comedy: talento, territorio y visión compartida

El festival tiene su germen en la provincia de Albacete y se ha consolidado como una “referencia nacional”, señala la Diputación albaceteña, gracias a una idea clara: “apostar por la cultura con identidad propia, abierta y cercana”. Un proyecto que no sólo trae a grandes figuras del panorama nacional, sino que impulsa el talento local y hace que la risa viaje por toda la provincia y la región.

En ese camino, el papel del director Jesús Arenas y su equipo, tal y como ha resaltado Cabañero, resulta clave. Su trabajo “constante, sincero, llano y, sobre todo, muy comprometido ha sido el motor que ha permitido que este festival crezca, se diversifique y llegue cada vez más lejos. Detrás de cada espectáculo hay muchas horas, muchas decisiones y, sobre todo, mucha pasión por el humor bien entendido”.

“Somos la cantera de los monólogos en Barcelona. Muchos de los humoristas que ahora llenan teatros empezaron aquí”. Con esta rotundidad se expresa Juanjo Ferrer, propietario del bar El Medi, en el 129 de la calle de Balmes, en el corazón de Barcelona. Suscriben sus palabras los cómicos y cómicas consultados para este artículo sobre el stand-up comedy en Barcelona, una ciudad con más de medio centenar de espacios de todos los tamaños entregados a la comedia. 

Ferrer responde las preguntas del elDiario.es frente a la puerta del local, mientras echa un pitillo rápido. Son las ocho de la tarde de un miércoles gris, acaban de subir la persiana y la gente ya está cogiendo sitio para troncharse de risa. “El 80% de la programación por las tardes son monólogos y por la noche solo hay música en directo”, puntualiza el empresario del establecimiento con capacidad para unas 60 personas sentadas. “Muchas noches se llena y no cabemos”, asegura.

Su bar de copas y cócteles entró en el circuito de la comedia recogiendo el testigo de su otro local, 37 Grados, situado a unas pocas calles. “En 2005, David Guapo vino a hacer una prueba como músico con su guitarra. Se presentó con su nombre real, David Callejón”, recuerda Ferrer. Entonces, ya iba introduciendo el humor entre tema y tema y eso gustaba al público. Así que, desde el bar, decidieron dedicar una noche de micro abierto con él ejerciendo de maestro de ceremonias. Cuando el 37 Grados cerró, toda la actividad chistosa se concentró en El Medi.

Ese bar vio nacer a un pionero del videopodcast como ‘El sentido de la birra’, el espacio de humor y entrevistas dirigido por Ricardo Moya. Una placa de YouTube, el reconocimiento físico que la popular plataforma otorga cuando un canal o creador supera los 100.000 suscriptores, acredita su vinculación. “Aquí comenzó Ricardo”, recuerda con orgullo Ferrer, “entrevistando sobre todo a cómicos, y luego a todo tipo de personalidades. Le dejaba las llaves; venía cuando quería”.

Otros nombres conocidos de la comedia y el espectáculo como Berto Romero, Charlie Pee y Tomás Fuentes también empezaron en El Medi, continúa Ferrer, quien presume de tener un póster de Eugenio con un elevado valor sentimental. “No, aquí no empezó Eugenio, ya me gustaría. Pero sí te puedo decir que me lo regaló Gerard, uno de sus hijos”, subraya con una sonrisa, poco antes de que empiece otra velada de micro abierto.

Prueba y error en los open mics

Sube el volumen de la música en El Medi y aparece en el escenario Josep Maria Raventós, Rave para los amigos. Él se encargó de escoger a los siete participantes en este open mic y también los irá presentando. Entre gritos, con su estilo estridente, muy físico. “Cuando programo, busco una mezcla de gente que empieza, personas con más recorrido y también algún colega que ya sea profesional”, apunta el maestro de ceremonias. Todos tienen el mismo tiempo, unos ocho minutos, y la taquilla es inversa.

La primera participante es una cómica aficionada, docente en una universidad privada. “Con 44 años que tengo solo puedo decir que soy una joven promesa en la uni”, suelta Andrea. La sala se llena de risas, empieza bien. ¿Será el público de El Medi agradecido? “Cada tarde es un misterio. Viendo las cuatro primeras reacciones de la gente, ya puedes ver por dónde irá la cosa”, cuenta Raventós, un veterano de los open mics que acabó apostando por la comedia después de trabajar de “muchas cosas”.

Su vocación artística, dice, pudo más que la seguridad económica. Ahora hay muchos más cómicos y cómicas, también muchas más salas para hacer comedia que cuando empezó, hace 20 años. “Ayudó mucho el programa El club de la comedia, que hizo llegar los monólogos al gran público”, asegura. De hecho, ahora hay tantos humoristas que, para participar en los open mics, es necesario apuntarse antes. Hace años, recuerda, no era necesario. Podías llegar al local y apuntarte en ese mismo momento, como el que entra en el karaoke bar.

Pódcast de humor en vivo

Actualmente, la principal ocupación de Raventós es el podcast de humor ‘Vull ser’, un espacio totalmente independiente y autoproducido que realiza junto al también cómico Dani Morlà. Monetizan su trabajo organizando programas especiales con público, donaciones o micromecenazgos. Suelen grabar en la librería La Llama Store, situada en la calle de Tamarit, en el barrio de Sant Antoni. “La Llama es otra pieza clave del humor en la ciudad”, asegura. Su trastienda acoge monólogos y podcasts con público y también son impulsores del festival de comedia alternativa La Llama Fest.

Como Raventós, muchos humoristas de stand-up comedy han encontrado en los podcasts y videopodcasts independientes una extensión del escenario. Ahí está el tándem Ignasi Taltavull y Tomàs Fuentes, creadores y conductores del exitoso ‘La Ruïna’, con más de 187 mil suscriptores en YouTube. O Magí Garcia Modgi, pieza imprescindible en ‘La Sotana’, un referente en la podcastfera catalana con más de 400 episodios emitidos.

“Supongo que hay gente joven que ha empezado a hacer su propio pódcast con amigos después de escuchar 'La Sotana'. Debe ser así, porque nos invitan a muchos podcasts”, comenta Modgi, de 43 años. “Creo que hemos contribuido a generar la sensación, totalmente errónea —continúa—, de que se puede vivir bien haciendo lo que te gusta con tus amigos. Es mentira. No se puede vivir de eso. No lo hagáis. Pero lo podéis intentar”.

Modgi empezó su carrera humorística colaborando en la versión web de El Jueves. Eso sí, sin dejar la jornada completa en el Bus Turístic de Barcelona. Tenía 30 años y la llamada del stand-up comedy no tardó mucho en llegar, explica. Se apuntaba a todos los micros abiertos que podía, martes y jueves noche. “Ahora lo pienso y son unos horarios demenciales. Debía ir a trabajar con una pinta horrible”, bromea quien finalmente ha conseguido vivir principalmente de la comedia después de casi nueve años.

Además de ‘La Sotana’, que se sostiene con un sistema de micromecenazgo y espectáculos en teatros, gana dinero con guiones por encargo y colaboraciones televisivas, que le permiten vivir razonablemente bien: “No depender de un solo empleo es la única forma que he encontrado de no tener miedo de decir las cosas que quieres decir en ese trabajo, lamentablemente”.

Como Modgi, la humorista Irene Minovas, de 43 años, también hace muchas cosas porque “vivir únicamente del stand-up en ese país es muy difícil”, explica. En su caso, con una larga trayectoria como actriz, apostó por los monólogos para tener más control sobre su carrera. “Puedes preparar tu propio texto y presentarlo, hacer y deshacer tú misma; no tienes que estar esperando a que te llamen para trabajar”, argumenta una catalana que se visualiza en Madrid para tener más oportunidades laborales: “Estoy en mi mejor momento profesionalmente hablando, pero todavía podría irme mejor. Me veo en un futuro trabajando en Madrid, pero no viviendo. Muchos van y vienen”.

Con un pie en la carcajada madrileña

“En Barcelona hay entre 50 y 70 espacios en los que puedes hacer monólogos; y en Madrid hay alguno más, pero no muchos más”, sostiene el humorista Pablez, nacido Pablo Fernández, de 31 años, quien vive a caballo entre las dos ciudades desde octubre de 2023. El circuito humorístico en la capital catalana es rico y diverso, con espacios como el Teatre Coliseum (1.400 butacas) y establecimientos que acogen comedia en vivo con capacidad para unas 40 personas como La Off o Macabra Bar.

“La comedia es un mundo muy difícil. Muy pocos ganan mucho dinero, y muchísimos ganan muy poco y tienen que dedicarse a otras cosas para vivir. Existe también una clase media, muy reducida, que puede vivir de sus chistes, quizá más en Madrid que Barcelona”, añade Pablez.

Este cómico nació y creció en el barrio de Bon Pastor de Barcelona, se licenció en Comunicación Audiovisual y empezó a trabajar en una empresa del sector. “Tenía la espinita de actuar y me la quité en 2017 en el Parc de la Trinitat. Ese fue mi primer monólogo con público. Lo organizaba Andreu Buenafuente y había unas mil personas. Quedé segundo, pero lo mejor fue conocer a tótems del humor como Pepi Labrador, Andrea Farina y Beni Pla”, recuerda este joven humorista, quien dejó su trabajo en diciembre de 2019 para perseguir un sueño.

Se apuntó a un curso de guion de comedia en Madrid, encontró trabajo en una cadena de televisión de pago y ahí empezó a conocer la escena y el circuito madrileño del humor. “Allí hay muchos más cómicos porque va gente de todo el país a probar suerte. Piensa que en Asturias, por ejemplo, quizá solo hay un teatro de comedia”, sostiene un cómico que ahora tienen hasta cuatro funciones en marcha. Tres son propias, como ‘La edad del paro’, ‘Ghosting’ y ‘En Bruto’, y la cuarta es ‘Los 30’, con guion de Jorge Santos.

Para Pablez, en términos generales, Madrid tiene un humor más “generalista” y Barcelona tiene un acento más “alternativo”. Coincide en buena medida el cómico catalán Xavi Daura, miembro del dúo Venga Monjas, junto a Esteban Navarro. Para este cómico y colaborador televisivo, hay más trabajo en Madrid principalmente porque en la capital se concentran muchas televisiones y otras empresas del sector audiovisual.

“En Barcelona no hay ni la mitad de trabajo; pero eso nos permite arriesgar más, hacer cosas más extrañas, alternativas y originales”, subraya el responsable del espectáculo ‘Báilenlo’, que está llenando por igual el Golem’s Teatre barcelonés y el madrileño Teatro Alcázar. El primero tiene capacidad para unas 130 personas, mientras que el segundo tiene más de 700 butacas. “Meter a tanta gente en el Alcázar fue un subidón, un récord personal”.

Daura, con más de 51 mil seguidores en Instagram, no olvida sus raíces. Esos primeros monólogos fueron en El Medi de la calle de Balmes, un establecimiento que sigue visitando con cierta asiduidad. “Tiene algo de cueva, de hervidero, donde puedes probar cosas en un ambiente muy receptivo”, destaca el cómico, quien también trabaja en La Llama. Allí organiza un open mic mensual, junto a sus amigos y colegas de profesión Adri Romeo, Ignasi Taltavull, Irene Minovas, Kike García, Tomàs Fuentes y Vanessa Valero.

“En Madrid, con todo lo que tiene, no he encontrado algo parecido a La Llama: una librería con mucha personalidad, un espacio vivo, muy orgánico, que genera una sensación de colectivo”, apostilla.

Curso de stand-up: el humorista también se hace

Joan Antoni Martín Piñol es escritor, humorista, guionista y profesor de comedia. Por este orden, precisa el autor de más de 38 libros publicados, la mayoría de estos dirigidos al público infantil y juvenil. “Desde pequeño quería ser escritor y, de pura casualidad, cuando estaba estudiando Comunicación Audiovisual, acabé haciendo una prueba para unos cazatalentos de Paramount Comedy en 2001”, rememora Martín Piñol, de 47 años, quien comparte en un curso toda su experiencia para combatir el miedo escénico y salir airoso de un monólogo con público.

“Viene gente que se quiere dedicar al humor, pero también médicos, ejecutivos de empresas, profesores… Algunos se apuntan para perder la vergüenza —continúa—, otros porque son actores y quieren tener otros registros… El perfil de los alumnos es muy diverso, lo cual es muy enriquecedor”.

 ¿El humorista nace o se hace? Martín Piñol responde con una metáfora. Considera que hay personas con un talento innato como Superman, poderosos en este planeta casi sin esforzarse, y luego hay personas que entrenan duro como Batman, humoristas con 20 planes y otros tantos remates listos para ser usados.

“Cuesta mucho destacar y poder vivir de la comedia de una manera sostenida y no angustiosa, pero muchos han encontrado la manera de compaginar el humor con otros trabajos y profesionales. Monetizar no debe obsesionarnos, no siempre es necesario. Como afición es mucho más saludable que los deportes de impacto”, bromea este profesor de stand-up comedy desde 2007.

En los cursos intensivos de Martín Piñol, cada vez hay más mujeres y actualmente rondan el 40% de su alumnado. Una de ellas es Georgina Cordobés, de 32 años, que abandonó la psicología para dedicarse al humor. No hubo ningún momento epifánico; lo más parecido sería la gala de final de curso, también llamada bautizo: “Tuve claro que me quería dedicar a esto, aunque no sea fácil. Estaba muy quemada en mi trabajo, porque de alguna manera trabajaba con los problemas de la gente y eso afectaba a mi vida personal”.

De eso ya hace un año y medio. Ahora trabaja por las mañanas con jóvenes como técnica de prevención en alcoholismo, visitando centros educativos, y por las tardes prepara textos que pone a prueba en El Medi, ese pequeño santuario de la comedia de la calle de Balmes que vio nacer a tantas estrellas del humor.

El debate en torno a la educación es un tema presente en todas las familias. Para una persona de izquierdas, que defiende con uñas y dientes la educación y la sanidad pública, una de las dudas que siempre aparece cuando tiene que elegir a qué colegio quiere llevar a sus hijos es si uno cae en la incoherencia si eligiera uno privado después de haber puesto decenas de mensajes en redes sociales defendiendo lo público. ¿Le hace menos progresista escoger una escuela bilingüe donde van las familias más modernas y se imparten los métodos educativos más finos?

Eso no quiere decir que ya no apoye lo público, pero sí que es algo que suele ser señalado, porque a la hora de elegir para sus hijos se ha optado por el otro modelo del que no hablaba. Es en esa fricción tan actual y tan habitual, donde los guionistas Víctor García León y Borja Cobeaga, dos de los mejores escritores de humor del cine español, han sacado los colores a muchas personas (y a ellos mismos) en Altas capacidades, la brillante comedia con la que compiten en la Sección Oficial del Festival de Málaga y que se estrena el 27 de marzo en cines.

La comedia que dirige el mismo García León es una película llena de mala leche, pero fina en su bisturí, sobre una pareja (Israel Elejalde y Marián Álvarez) que se engaña a sí misma sobre que su hijo tiene altas capacidades para autoconvencerse de que tienen que sacarle del colegio público al que va y meterle en uno privado donde acude el hijo del jefe de él (un Juan Diego Botto que despliega el encanto de una serpiente de cascabel). Un colegio modernísimo, lleno de gente superprogre, escritores, artistas… y narcos. Uno que, además, les cuesta un riñón y va en contra de todo lo que han defendido. 

La película nació de una noticia de 2018, la de un señor que murió acribillado en la puerta de un colegio muy pijo. A la productora Marisa Fernández Armenteros —responsable de Altas capacidades, pero también de Los domingos junto al mismo equipo— le llamó la atención y se la mandó a Víctor García León para ver si había una comedia. “Le hacía mucha gracia que estos señores tan progres tuvieran esa reunión del AMPA para echar a la familia del narco colombiano, pero yo le decía que eso no era una comedia, pero ella me decía que sí, porque lo del ascensor social era muy divertido”, recuerda el director de los inicios del proyecto.

Víctor García León vio que en esa conversación había algo en el fondo que le incomodaba. “Yo llevo a mis hijos a un colegio privado que no podía pagar y le decía a Marisa, es que estas contradicciones que te matan de risa son las mías. A mí me estás jodiendo con esa conversación. Y entonces ella llamó a Cobeaga y él le dijo que estaba en ese momento haciendo un casting de colegios. Y es horrible, porque los colegios progres fenomenales no los puedo pagar, los de derechas son más baratos, pero son de derechas… era todo una mierda espantosa”, reconoce sobre esa incoherencia de la que nace su propia película. 

Casi contra su “voluntad” empezaron a escribir sobre un tema que les dolía a los dos guionistas. “El tema es doloroso y hay algo de eso que hemos escrito un poco torcidos. Borja es el guionista más listo de España y eso es una gozada y al final ya no podía, pero no se hacen comedias sobre este tema porque duele, porque nadie se pone a hacer una cosa sobre sus contradicciones, sus miedos, sobre dónde metes a tus hijos. Es que mis contradicciones tienen nombre y apellido y me iba a poner a hacer chistes sobre eso”, dice con humor.

Afirma que esa incoherencia es una de las más evidentes en la izquierda actual, pero también una que “dentro de unos años va a venir fuerte”. “Habrá un momento en el que nosotros, como generación de izquierdas, los que sean de izquierdas, pero yo, con todas mis contradicciones, me reconozco como alguien de izquierdas, veamos que en un momento dado hemos apostado por una educación lesiva contra nuestros principios y eso… hostia, rasca”, cuenta.

No se hacen comedias sobre este tema porque duele, porque nadie se pone a hacer una cosa sobre sus contradicciones, sus miedos

Víctor García León — Cineasta

Puede que todo se resuma en la frase que preside el cartel de Altas capacidades y que dice “Lo que sea por cambiar de clase”. Porque en esa decisión de llevar a los hijos a un colegio de pago progre hay mucho de complejo, de vergüenza de clase y de escapar. Víctor García León lo explica con la misma brillantez que en su película: “Cuando estás hablando de la educación de tus hijos, normalmente entras en un terreno viscoso ideológicamente. Quieres pensar que es por tus hijos, pero al mismo tiempo estás pensando que mejor que sean amigos del ministro, que no de un señor que tiene una ferretería. De alguna manera les colocas, cuando eliges colegio para ellos, en otro punto de partida. Entonces, si tú pudieras elegir ese punto de partida, ¿en cuál les colocas? Y es una mierda de pregunta”. 

Esa pregunta le enfrenta a sus “miedos, inseguridades y contradicciones”, porque en el fondo sabe que va de que “aprendan inglés”, si no de que “si tienes que elegir novios o novias para tus hijos intentas escaparte del reguetonero para elegir al chico que estudia una oposición”. No esconde todos los ‘ismos’ que hay detrás de esa decisión: “Es muy jodido porque sale todo nuestro racismo, nuestro clasismo y las cosas con las que uno debería luchar. Cuando eres padre salen solas cosas que son un material enorme”, asegura.

Altas capacidades se convierte en una rara avis, una comedia adulta, que mete el dedo en el ojo y que provoca una risa incómoda. Algo que, en un momento donde se producen mayoritariamente comedias familiares y blancas es una rareza, y García León cree que eso se debe a “que el imperialismo cultural tiene una aplicación clara”. “Si piensas en las diez películas españolas que más gustan, alguien puede poner Arrebato, o Lo imposible, pero lo normal es que salgan Saura, Trueba, Almodóvar, Berlanga… autores que tienen reparto y medios para hacer una película popular, pero que tiene un aliento creativo”, opina. 

“En ese terreno mixto es donde han salido nuestras mejores películas en la historia del cine español. Ese modelo de película no se da. Las televisiones privadas y las distribuidoras norteamericanas han empujado al cine español a hacer películas muy pequeñas de cine de autor y luego comedias muy obvias, de cómicos locales, que son justo las dos cosas que ellos no pueden hacer. Para todo lo demás están ellos. Entonces al final estamos en una carnicería donde nos dicen: hombre, si tienes algún solomillo exquisito puedes entrar, pero la carne picada es mía”, apunta sobre el momento actual de la industria. Por eso Altas capacidades “ha costado tres o cuatro años levantar la financiación”. Finalmente, la logró, y en su espíritu Azconiano, en el año del centenario del guionista, triunfa por su capacidad de clavar su bisturí al españolito medio para que sea vea por fin en el espejo de su incoherencia.

El actor Steve Carell vuelve a la comedia televisiva con una nueva serie, ‘Rooster’, que se estrena en HBO Max con 10 episodios de media hora cada uno. Esto ha hecho que el intérprete se haya embarcado en una gira promocional, en la que ha repasado también otros puntos de su carrera, como el de una de sus películas más recordadas, que se estrenó hace 15 años.

Hablamos de ‘Crazy, Stupid, Love’, en la que coincidió con nombres que siguen de actualidad en Hollywood como es el caso de Ryan Gosling y Emma Stone, y que se ha convertido en una de las películas de comedia romántica más queridas de la década de 2010, sobre la que uno de sus protagonistas ha desvelado una curiosidad poco conocida.

A Steve Carell no le gustó el título de ‘Crazy, Stupid, Love’

Han pasado quince años desde su estreno en 2011, pero ‘Crazy, Stupid, Love’ sigue estando entre una de las comedias románticas más populares, algo que no es de extrañar con un reparto como el que tuvo con Ryan Gosling, Emma Stone, Juliane Moore y Steve Carell, que también es conocido por éxitos como ‘The Office’, ‘Virgen a los 40’ o ‘Sigo Como Dios’.

Con motivo de su último estreno, la serie ‘Rooster’, Carell habló con medios como Entertainment Tonight, donde desveló una anécdota desconocida por los 15 años de la película y que ha llamado la atención como es el hecho de que no le gustó el título de la mencionada comedia romántica: “Nunca me gustó ese título, pero ahora sí. Cuando Dan Fogelman lo escribió, no le puso título. No le puso ningún nombre, era ‘Proyecto Dan Fogelman sin título’ cuando entré en ella”, reconoció.

De hecho, Carell también contó la peculiar manera con la que se dio finalmente con título definitivo: “Todos tenían una idea de cómo debería llamarse la película, pero nadie se le ocurrió una sola. Así que finalmente Warner Bros. dijo: ‘La llamaremos 'Loco, estúpido, amor’”. Igualmente, el actor declaró que “si una película es buena, a la gente le gustará el título. Da igual como se llame”.

Un éxito de crítica y taquilla hace 15 años

Estrenada en 2011, esta comedia romántica fue escrita por Dan Fogelman y dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, y fue tanto un éxito comercial como de crítica con una recaudación de más de 145 millones de dólares en todo el mundo, que superaron el presupuesto inicial de 50 millones.

Además, en premios obtuvo nominaciones a Mejor Comedia en los Premios de Críticos de Cine y Ryan Gosling obtuvo nominación en los Globos de Oro. De hecho, para el actor canadiense fue uno de sus primeros papeles conocidos en la comedia, que luego explotaría en “Dos buenos tipos”, “Barbie” y “El especialista”.

En la película interpreta a Jacob Palmer, un soltero que ayuda a Cal Weaver (Steve Carell) a cambiar su imagen y su vida después de divorciarse de su novia de toda la vida. Más tarde, se entrelazan diferentes personajes, lo que lleva a una combinación de humor y romanticismo que fue clave de su éxito.

Las vimos juntas por primera vez en el papel de María y Susana, dos amigas que se encuentran en un campamento religioso y que demuestran estar más interesadas en el reguetón y el electrolatino que en otra cosa. Pero las carreras de Anna Castillo y Macarena García no hicieron más que crecer después de esta aparición en la película de Javier Ambrossi y Javier Calvo.

Tras La llamada (2017), llegó la primera temporada de Paquita Salas (2017), la primera producción seriada de Los Javis en la que las actrices volvieron a aparecer (aunque nunca llegaron a compartir escena). Y luego continuaron por separado: desde La Mesías (2023) y Casa en llamas (2024) para García hasta Un cuento perfecto (2023) y Su Majestad (2025) para Castillo.

Han pasado casi diez años desde ese primer encuentro en la pantalla, y en nada tendremos la oportunidad de volver a ver a las intérpretes juntas. Será en mayo, cuando Movistar Plus+ estrenará Se tiene que morir mucha gente, una nueva serie original creada por la cómica y guionista Victoria Martín y basada en su novela homónima. 

Todo lo que sabemos de la serie

La serie, que constará de seis episodios de unos 30 minutos cada uno, estará protagonizada por García, Castillo, Laura Weissmahr (premio Goya a mejor actriz revelación por Salve María) y Sofía Otero (Oso de Plata a la mejor interpretación por 20.000 especies de abejas). Alba Galocha, Óscar de la Fuente, Ramón Rados y Yunez Chaib completan el reparto.

Se tiene que morir mucha gente sigue la estela otras producciones como Sexo en Nueva York o Girls, donde la amistad entre un grupo de mujeres es el centro de la historia. Así, la serie sigue a Bárbara, Maca y Elena, quienes 20 años después de conocerse siguen siendo amigas. 

Bárbara está completamente frustrada por su trabajo y enganchada a las benzodiacepinas Maca, por su parte, intenta ganarse la vida como actriz, aunque no le queda más remedio que ponerse detrás de la barra de un bar para ganarse el sueldo. Y luego tenemos a Elena, embarazada tras casarse con un señor de 60 años que dirige hoteles 

Solo con el primer adelanto que ha publicado la plataforma, ya podemos hacernos una idea de cómo será Se tiene que morir mucha gente. Escenas de la vida cotidiana que pueden ser vistas como un auténtico drama pero en el que no falta el toque de humor ácido que tanto ha caracterizado la carrera de Martín, directora de la serie junto a junto a Sandra Romero y Nacho Pardo.

La Fundación Soliss ha renovado su acuerdo de patrocinio con el Festival Gachas Comedy y su plataforma itinerante, el Escenario Soliss, consolidando así su compromiso con la promoción del humor y la dinamización cultural en Castilla-La Mancha.

Con esta renovación, la Fundación reafirma su apoyo a uno de los proyectos culturales más dinámicos y participativos de la región, acercando espectáculos de comedia de primer nivel a numerosos municipios y facilitando el acceso a propuestas culturales de calidad para públicos de todas las edades.

Humoristas del Escenario Soliss

El cartel del Escenario Soliss vuelve a reunir a reconocidos nombres del panorama nacional junto a artistas con fuerte vinculación regional. Entre los humoristas que forman parte de esta edición destacan:

Un elenco variado que combina monólogo, humor gestual, sátira social y propuestas contemporáneas, garantizando una programación diversa y atractiva.

Localidades del Escenario Soliss

El Escenario Soliss recorrerá distintas provincias de Castilla-La Mancha, con paradas en los municipios de Hellín, La Roda, Villarrobledo, Madrigueras, Almansa, Casas Ibáñez y Munera (Albacete), de Miguelturra, Herencia y Pedro Muñoz (en la provincia de Ciudad Real), la localidad conquense de Belmonte y Quintanar de la Orden (Toledo).

La inclusión de Toledo dentro del recorrido refuerza el carácter regional del festival y su vocación de acercar la cultura a todos los rincones de la comunidad.

Compromiso con la cultura regional

Con esta renovación, la Fundación Soliss mantiene su firme apuesta por el desarrollo cultural, el apoyo al talento artístico y la cohesión social en Castilla-La Mancha. El humor, como lenguaje universal, se convierte así en una herramienta de encuentro, participación y dinamización del territorio.

La colaboración con el Festival Gachas Comedy y el Escenario Soliss se enmarca dentro de la estrategia de la Fundación de respaldar iniciativas sociales, culturales y deportivas que generen un impacto positivo y sostenible en la región.

¡Disfruta de un festival donde el humor y la cultura brillan gracias al apoyo de Fundación Soliss!

Tal y como afirma Ignatius Farray “la risa es el camino más corto entre dos personas”. No cabe duda de que reír tiende puentes con otros seres humanos; además alivia tensiones, libera endorfinas e incluso mejora el sistema inmunitario. Reír es sano y necesario. Y de risas y comedia bien sabe Mariano Bartolomé, dueño de El Refugio del Crápula desde la pandemia, el bar zaragozano que en estos últimos años se ha convertido en el templo del humor de la capital aragonesa. Ahora, a partir del 13 de febrero, la nueva sala Belushi —también de Bartolomé— coge el testigo del bar de la Madalena para convertirse en un espacio referente en comedia; al igual que lo hiciera el ya desaparecido Juan Sebastián Bar.

“La comedia nos une. Cuando hay comedia, a la gente le da igual que seas de un rasgo político o religioso, que al final te ríes de todo; si estás a gusto y relajado, y si está bien hecho el chiste, por supuesto”, asegura. Por otro lado, Bartolomé explica que la comedia tiene ese punto crápula, literalmente: “Si estás en un bar y la gente tiene cervezas y tú estás haciendo un monólogo, eso ayuda a que se te vaya un poco al lado canalla. Está todo el mundo más relajado, y cuando el cómico está relajado puede ser una bomba. Eso es lo bueno. Ese es el ambiente que siempre intentamos buscar, y lo solemos conseguir. Por eso a la gente le gusta venir a actuar a este local o a los locales que he tenido yo, porque hacemos que esté muy relajado el cómico y eso hace que sea muy directo, muy improvisado todo”.

Si bien es cierto que este bar ha sido conocido por la música, desde el año 2020, en El Crápula no solo ha actuado lo mejor de la comedia de Zaragoza, sino de España. La cercanía que ofrece el bar o la sala pequeña, en comparación con el teatro, es un aspecto que valoran los profesionales de este sector. Así, el pasado enero se celebró la XVIII edición del Zaraguasa, todo un clásico ya en la capital aragonesa. Iggy Rubín, Vanessa Valero, Xavi Daura, Quique Macías o el propio Juako Malavirgen (codirector junto a Bartolomé del festival) fueron algunos de los cómicos y cómicas que actuaron en esta cita anual del humor.

Porque no hay que olvidar la exigencia del público zaragozano: “Zaragoza es una plaza difícil, lo dice todo el mundo. Si te das cuenta, cualquier prueba que tienen que hacer en España, se hace aquí. El público no es difícil, sino exigente, que no es lo mismo. Llevamos tantos años viendo comedia que la gente ya es muy crítica, ya sabe a lo que va, se lo tienen que pasar bien. Y en Zaragoza, la gente se lo sabe pasar bien”. 

Además, añade que ver comedia es casi un ritual: “Tienes que relajarte, estar sentado, disfrutar, apagar el móvil… es como ir al cine. Un monólogo es media hora o una hora, y hay cosas del final que tienen que ver con el principio. Por eso, hay que estar pendiente”.

Zaragoza es también cantera de talento, ya que “hay más cómicos que nunca”. Aunque Bartolomé recuerda que esto no es nuevo, la comunidad es tierra de humor desde los tiempos de Esteso o Marianico ‘El Corto’: “Desde entonces y hasta ahora, ha habido mucha comedia aquí, en Aragón”. 

Belushi Club de Comedia

“Nosotros decimos que de las cenizas de Juan Sebastián Bar nació la comedia del Crápula y, ahora, con Belushi es la continuación. Es lo que yo he querido siempre, y lo que conseguimos con Juan Sebastián Bar. La gente venía a ver comedia sin saber quién actuaba”, comenta. La nueva sala Belushi, cuyo nombre rinde homenaje al cómico estadounidense John Belushi, se ubicará en la calle de Bernardo Fita, 11.

Su inauguración se espera este próximo 13 de febrero con el show ‘Los 40: con lo que yo he sido’ de Patxi Zubeldia. Mientras, El Crápula continuará con conciertos y espectáculos y siendo sede de la noche zaragozana. El bar de La Madalena seguirá haciendo honor a su nombre. 

El Festival Internacional de Cine de Comedia de Cuenca (FICCUE) celebrará su cuarta edición los días 11 y 16 de mayo.

Entre las principales novedades anunciadas figura la creación del Premio DAMA al Mejor Guion FICCUE 2026, patrocinado por la homónima entidad española de gestión de derechos de autor de creadores audiovisuales, reforzando el reconocimiento a la autoría y al trabajo de guonistas.

La delegada de la Junta de Castilla-La Mancha en Cuenca, Marian López, ha asistido este jueves en Madrid a la presentación oficial de la cuarta edición del festival, celebrada en la Oficina de Turismo de Castilla-La Mancha. El acto ha sido presentado por el director de FICCUE, Javier Muga, junto a la actriz Belinda Washington, que vuelve a ejercer como madrina del festival y será de nuevo la presentadora de la gala.

Por otro lado, la edición 2026 “refuerza también su apuesta por la inclusión, que será protagonista en la dimensión social del festival”, explican desde el Gobierno regional. FICCUE contará con la participación de personas de AMIAB, entidad en favor de las personas con discapacidad, que además concederá el Premio a la Inclusión.

Ana Morgade u Óscar Reyes, algunos de los que integrarán el jurado

Durante el acto se ha presentado el cartel y la composición del jurado, tanto de la sección oficial como de la nueva sección paralela. Así, el jurado de la sección oficial estará integrado por Ana Morgade, cómica y actriz; Óscar Reyes, actor y director; Helher Escribano, directora de cine y directa de IBICINE; Yolanda García Serrano, guionista, directora y escritora; y Ana Ortiz Wienken, compositora de bandas sonoras y directora.

Por su parte, el jurado de la sección paralela estará formado por Irene Rojo, actriz; Andrea Casaseca, directora de cine; Daniel Chamorro, actor; y Diego Ferro, actor y productor.

Otras actividades paralelas ligadas a FICCUE 2026

Además de las proyecciones y de la gala de clausura, prevista para el 16 de mayo, FICCUE 2026 desarrollará durante toda la semana una programación paralela con “actividades de networking, charlas, coloquios, encuentros profesionales, visitas guiadas y estrenos en primicia, con el objetivo de facilitar contactos dentro de la industria y reforzar la presencia de profesionales en la ciudad”. El festival impulsará también que cineastas y productoras conozcan Cuenca como posible escenario de rodajes y futuras localizaciones.

Asimismo, se ha avanzado la celebración en abril de un acto en la sede de DAMA, con la presentación de la mención de honor y la lectura de nominados.

Durante su intervención, Marian López ha subrayado que “FICCUE es un ejemplo de cómo un proyecto cultural nacido en Cuenca ha sabido crecer edición tras edición hasta ganar presencia y proyección nacional, atrayendo a profesionales de primer nivel y generando oportunidades para la ciudad”.

La delegada provincial ha añadido que “el Gobierno regional seguirá apoyando este festival, por su aportación cultural y también por su dimensión social”, y ha mostrado el respaldo del Ejecutivo autonómico a FICCUE en su objetivo de convertirse en certamen calificador de los Premios Goya.

Por su parte, el director del festival, Javier Muga, ha anunciado que este mismo viernes se han puesto a la venta las acreditaciones y se ha abierto el plazo de inscripción de los proyectos audiovisuales participantes a través de la web Festhome, habiéndose recibido ya más de un centenar de propuestas.