En el 411 a.C., cuando Atenas atravesaba uno de los momentos más delicados de la guerra del Peloponeso, Aristófanes llevó a escena una solución tan imposible en la realidad de su tiempo como eficaz para la comedia: entregar a las mujeres la capacidad de detener el conflicto. En Lisístrata, mujeres atenienses, espartanas y de otros territorios griegos acuerdan negar las relaciones sexuales a los hombres hasta que abandonen las armas, mientras otro grupo se apodera de la Acrópolis y del tesoro allí custodiado para cortar el acceso a los recursos que sostienen la guerra. La inversión es radical: quienes estaban apartadas de las decisiones políticas pasan a tener en sus manos los instrumentos para forzar la paz.

La obra apareció en una Grecia que llevaba dos décadas enfrentada en una guerra encabezada por Atenas y Esparta, al frente respectivamente de la Liga de Delos y la Liga del Peloponeso. El conflicto había comenzado en el 431 a.C. y todavía se prolongaría hasta el 404 a.C. La situación ateniense se había deteriorado especialmente después del desastre de la expedición a Sicilia, desarrollada entre el 415 y el 413 a.C. y terminada con la destrucción de buena parte de las fuerzas enviadas. A partir de entonces se abrió una nueva fase en la que Esparta, respaldada por Persia, apoyó rebeliones en territorios bajo dominio ateniense y debilitó progresivamente a su rival.

Es en ese escenario donde Aristófanes construye su ficción. Lisístrata convoca a mujeres de los distintos bandos y les propone actuar juntas allí donde los hombres no han conseguido acabar con la guerra. La abstinencia sexual constituye la parte más llamativa de su estrategia, pero el control del dinero resulta igualmente decisivo: hacerse con el tesoro significa impedir que esos recursos continúen sosteniendo la actividad bélica. De este modo, la protagonista transforma elementos vinculados a la posición que ocupaban las mujeres en aquella sociedad en herramientas capaces de intervenir en asuntos que normalmente quedaban fuera de su alcance.

Un mundo al revés para hablar de la guerra

La elección de unas mujeres capaces de intervenir en las decisiones sobre la guerra suponía dar la vuelta al orden social que conocían los espectadores atenienses. La mujer ateniense de finales del siglo V a.C. administraba la casa, pero carecía de derechos fuera de ese ámbito y las decisiones importantes recaían en los hombres. Como explica Isabel M.ª Sonia Sardón Navarro, de la Universidad de Valladolid, en un estudio sobre la comicidad de Lisístrata, este recurso al “mundo al revés” era característico de la comedia antigua: permitía invertir el orden establecido y recurrir a la burla para plantear una crítica de las desigualdades sociales y de las diferencias entre los sexos.

Ese cambio de papeles alcanza uno de sus momentos más claros con la ocupación de la Acrópolis. Cuando un grupo de hombres intenta recuperar el recinto con palancas y antorchas, las mujeres les hacen frente y conservan la ciudadela. La obra lleva así a la esfera pública capacidades que la sociedad ateniense situaba en el hogar: frente al representante de la autoridad, Lisístrata sostiene que las mujeres pueden ocuparse de los asuntos de la ciudad del mismo modo que gestionan sus casas. Aristófanes convierte esa confrontación en materia cómica mientras sitúa a sus personajes femeninos ante responsabilidades de las que habitualmente estaban excluidos.

Una alianza por encima de Atenas y Esparta

El poder de estas mujeres tampoco reside únicamente en enfrentarse a los atenienses. Su alianza atraviesa las fronteras creadas por la propia guerra. Entre quienes respaldan a Lisístrata se encuentra la espartana Lampito, representante precisamente de la ciudad enemiga de Atenas. La protagonista plantea que las mujeres del Peloponeso y Beocia unan sus esfuerzos con las atenienses para salvar a Grecia. La solidaridad entre mujeres de comunidades enfrentadas se convierte así en el motor de la acción: el propósito no es que una ciudad derrote a la otra, sino conseguir que se ponga fin al enfrentamiento entre griegos.

La abstinencia sexual proporciona buena parte de las situaciones cómicas y obscenas de la obra, pero la guerra permanece detrás de ese mecanismo humorístico. Aristófanes utilizó sus comedias para criticar el conflicto del Peloponeso, y Lisístrata presenta sus consecuencias desde una perspectiva alejada de la gloria militar: mientras los hombres podían encontrar en el combate una ocasión para demostrar valor, para las mujeres suponía años de sufrimiento como esposas y madres. El estudio de Sardón Navarro sitúa esta combinación de fantasía y provocación dentro de una tradición cómica que utilizaba la risa para abordar cuestiones como el pacifismo, la opresión o las desigualdades sociales.

Finalmente, la presión funciona dentro de la ficción y atenienses y espartanos terminan negociando la paz. Tras el acuerdo se abren las puertas de la ciudadela, las mujeres regresan con sus esposos y las ciudades rivales dejan atrás el enfrentamiento entre cantos, danzas y celebraciones. La consideración posterior de Lisístrata como símbolo feminista, pacifista o de liberación femenina ha generado distintas interpretaciones, algunas construidas muchos siglos después de Aristófanes. Lo que la obra sí pone en escena es una inversión extraordinaria para la sociedad que la contemplaba: mujeres excluidas de las decisiones políticas y militares toman temporalmente el control de los recursos y del espacio público y logran, dentro de la fantasía cómica, detener una guerra cuyas consecuencias también recaían sobre ellas.

El peor enemigo de una pareja es la rutina. Esa frase hecha, tan manida y sobada, amenaza todas las relaciones sentimentales. ¿Hay en lo cotidiano del día a día una tranquilidad o es la muestra de que todo es aburrido? Ahora piensen que una pareja que mira al abismo de intentar entender si dicha afirmación es cierta o no, también se tiene que enfrentar a la vez a un bucle temporal que les hace repetir la misma rutina cada cinco minutos. Cada cinco minutos de reloj, y por un fenómeno que nadie puede explicar, vuelven al mismo sitio donde estaban y vuelta a empezar.

La idea, brillante, terrorífica y afilada, es la que está en el centro de 5 minutos más, la película que ha escrito Berto Romero, que dirige Javier Ruiz Caldera y que compite por la Concha de Oro en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastián. Por suerte la película no se queda en ser solo una ocurrencia ingeniosa, sino que avanza como una comedia bestia, en ocasiones bastante negra, que tiene como corazón dentro de su artefacto de ciencia ficción una disección de una pareja moderna que bordan Berto Romero y Belén Cuesta, obligados a estar en los cinco minutos de la marmota frente a una amenaza con pinta de señoro y los rasgos de un perfecto Javier Cámara.

Romero y Ruiz Caldera construyen una película que funciona con la precisión de un reloj, que es complicada y certera en lo técnico, con esos planos secuencia de cinco minutos que van retorciéndose cada vez más; pero que aciertan al conseguir que su propio artilugio no se quede solo en eso, sino que a través de él el espectador consiga conectar con esos personajes que se enfrentan a un apocalipsis que no consiguen entender mientras afrontan una crisis sentimental que superan a golpe de actos tremendos.

Además, lo cercano que está el mundo cada día de una nueva catástrofe hace que la que ocurre en pantalla no sea ni tan descabellada. Hasta recuerda al apagón. “Hemos llegado a un punto de encadenar apocalipsis, pre apocalipsis o supuestos apocalipsis que ya no nos sorprende nada, como si llegan los extraterrestres mañana. La gente lo considera como algo que puede ocurrir”, dice Berto Romero con humor desde el Festival de San Sebastián. 

De alguna forma 5 minutos más también sirve como metáfora de un mundo absurdo, aunque el guionista y protagonista niega que la escribiera pensando en ello. “La escribí de una forma emocional, intentando escribir una peli que a mí me flipa, que tuviera todos los componentes del cine que a mí me gusta ver tanto de forma como de fondo. Pero una vez digerida la escritura, sí me doy cuenta de que la película dialoga bastante bien con el momento que vivimos, sobre todo por esa sensación que a mí personalmente me angustia mucho y creo que compartimos todos que vivimos en un momento donde no podemos dejar de reaccionar, pero no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo. El bombardeo de momentos, de eventos, es tan continuo y tan buscado para tenernos aturdidos que esta sensación es de un cierto ahogo. Y la forma interesante para mí de representar eso es a través de esa metáfora que plantea la película”, dice de su guion.

No tiene claro si fue antes la voluntad de hablar de una pareja o el mecanismo del bucle que se reinicia cada cinco minutos, pero sí que, al ser un periodo tan corto de tiempo reinventa las reglas del subgénero hasta “no ser una peli de bucles temporales”. “En las películas los bucles temporales siempre son una nueva oportunidad. Esto es otra cosa. Esto es como si se rayara un disco. Cuando yo di con este mecanismo pensé en cómo podría yo aportar algo nuevo, porque estas películas son siempre iguales y nos las sabemos el mecanismo de memoria. Lo que encontré es que la manera de cambiarlo lo que hacía era anularlo”, dice del germen del filme. 

La película dialoga bastante bien con el momento que vivimos por esa sensación de que no podemos entender bien las cosas porque no hay tiempo para ello

Berto Romero — Actor y guionista

Es ahí cuando entra esa radiografía a la pareja moderna y hastiada que se enfrentan en su momento más bajo a ese disco rayado. “Esa idea de repetir y repetir para mí está muy relacionada con la pareja, porque uno de los grandes males que se le atribuyen cuando las parejas van mal es la rutina. Y de repente me pareció que era superpotente, que una historia de pareja desgastada por la rutina se enfrentara a una forma hiperbólica y salvaje de rutina”, subraya.

Aunque la presencia de 5 minutos más parezca una rara avis en un certamen de clase A, Javier Ruiz Caldera ya dejó caer medio en broma medio en serio hace un año que por qué no podía ser el caso de su filme. Lo hizo en la presentación de las películas originales de Movistar+, y entre títulos como Sirat, El ser querido o La bola negra (todas ellas presentadas en Cannes). Al ver que para su filme nadie consideraba posible que acudiera a un festival dijo con ironía que ellos también vislumbraban un festival para estrenarla. El dardo irónico se ha cumplido. Como recuerda Berto Romero, “cuando uno habla en broma siempre dice la verdad”.

Para Ruiz Caldera, “hay una cierta predisposición a descartar la comedia o el género fantástico como películas dignas de representarnos en festivales”. “Los que hacemos comedia estamos acostumbrados a que nos prejuzguen así, pero no tendría que ser así. Las películas son buenas o malas, independientemente del género, y hay que poner en valor la valentía y el criterio de Rebordinos y su equipo para seleccionarla para el festival”, zanja reivindicando la comedia y la ciencia ficción como filmes tan dignos de estar en Sección Oficial como cualquier drama.

“Friends” es sin duda una de las series de los años 90 que más han trascendido a la cultura popular y ha conquistado a varias generaciones, sobre todo al estar disponible en varias plataformas y seguir emitiéndose en algunos momentos en televisión, lo que ha hecho que incluso los más jóvenes conocen a Rachel, Ross, Mónica, Chandler, Phoebe y Joe.

El éxito que tuvo la serie ha hecho que haya influido en varias ficciones, y por eso no extraña que, en su día, desde España se hizo una especie de versión, aunque apenas duró una veintena de capítulos.

La fallida versión española de “Friends”

Producida por Globomedia y emitida en Telecinco entre julio de 1997 y marzo de 1998, “Más que amigos” fue el intento desde España de emitir una serie al estilo “Friends”, con una misma premisa de seguir la vida de un grupo de amigos, aunque en este caso es en Madrid y no en Nueva York.

El primer capítulo de esta serie se estrenó en el verano de 1997, concretamente en julio, y no llegaría a cumplir un año en antena, poniendo fin en marzo de 1998, con su capítulo 29.

Si nos vamos a la información que se compartió en su momento, la sinopsis habla de “con una mezcla conmovedora de drama y humor, esta serie cuenta la historia de un grupo de amigos veinteañeros que tienen que lidiar con los problemas que les surgen en su paso a la edad adulta”.

Evidentemente, la trama recuerda a la de “Friends”, y en cierta manera, como la serie americana, el reparto estaba formado por un elenco de jóvenes prometedores en la escena audiovisual. De hecho, nombres tan habituales en el cine o la televisión como son Paz Vega, Melani Olivares o Alberto San Juan eran algunos de sus protagonistas.

El germen de “Siete Vidas”

Si bien “Más que amigos” no duró mucho en pantalla, fue el precedente a otra sitcom que sí que se llegaría a asentar en televisión como es “Siete Vidas”, por la que decidieron apostar para dar rienda suelta a este formato.

De hecho, recupera en parte la trama de un grupo de amigos que se reúnen, con similitudes como que también hay dos hermanos, un chico y una chica, o que es habitual verlos en la cafetería y siempre en el mismo sofá. Paz Vega, además, formaría parte también del reparto de la serie, junto a Blanca Portillo, Toni Canto, Amparo Baró, Gonzalo De Castro o Javier Cámara.

El éxito de “Siete Vidas”, además, propició que Globomedia se lanzara a dar luz verde a otro proyecto de comedia, “Los Serrano”, que se convertiría también en un éxito entre varias generaciones y se integraría en la cultura popular española.

En pleno bucle de scroll vacío, Adrián Melero y Lucas Pulido, más conocidos como @Alpilpil, consiguen hacer denuncia social y a la vez provocar una carcajada a los 126.000 seguidores que miran desde el otro lado de la pantalla. Unidos por sus estudios de interpretación, y tras un tiempo como compañeros de trabajo en un cabaret, los dos amigos navegan con destreza entre el abismo de las redes sociales, la incertidumbre de la actuación, el singular mundo de la comedia e incluso con una sección en el podcast Carne Cruda.

En un momento de ebullición profesional y personal, entre mudanzas y vacaciones, Melero y Pulido encuentran un momento para charlar con elDiario.es y desgranar los entresijos de un proyecto que se ha convertido en el espejo de sus ansiedades y las de toda una generación.

¿Qué os llevó a grabar el primer vídeo?

Adrián Melero: La idea original era formar una compañía de teatro con dos compañeros más, algo más clásico, pero nos dimos cuenta de que a nuestras obras solo venían nuestros amigos y familiares, que ya estaban un poco hartos de apoyarnos. Las redes nacieron con un fin utilitarista: dar a conocer nuestro humor para que, cuando tuviésemos una función, pudiéramos llegar a más gente.

Lucas Pulido: Exacto. Queríamos llenar las funciones con gente que no fueran solo conocidos a los que ya estábamos agotando. Ahora, cuando nos dicen “os ha salido un show”, nos reímos porque el show era la idea principal; todo lo de las redes ha sido el alimento para poder mantener ese proyecto teatral vivo.

¿El show se parece a lo que hacéis en redes?

Pulido: Lo hemos adaptado. Hemos creado un nicho de gente a la que le gusta lo que hacemos y creamos algo que se complemente con las redes. La idea ha mutado desde una compañía de teatro clásico o cabaret a lo que es Alpilpil ahora.

Melero: El show se ve condicionado por las redes en el sentido de que, si allí hacemos sketches, en el show también los habrá. Pero el salto real fue del teatro a las redes, no al revés.

Entre la interpretación, la comedia y la creación de contenido... ¿Os sentís cómodos con alguna etiqueta?

Melero: Por título académico somos actores, pero me gusta la etiqueta de cómico, no me parece peyorativa; pienso en los Monty Python, gente que es brillante actuando y haciendo comedia a la vez. También respeto mucho lo de “creador de contenido” si se entiende como un oficio de probar cosas nuevas cada día, de lanzarse a la piscina semanalmente.

Pulido: Adrián lo tiene más claro, yo no termino de encontrar una etiqueta. Como cada día hacemos algo diferente, siento que estamos siendo algo nuevo que no sé identificar.

Melero: Es verdad que es raro buscar la etiqueta. Quizá lo que más se parece es “showman”, porque en los sketches y en el show actuamos, pero luego en la sección de Carne Cruda somos nosotros con un texto con gags.

Pulido: Además, para los actores, no somos actores; para los cómicos, no somos cómicos...

Melero: Para los creadores de contenido somos cómicos que subimos nuestro trabajo a redes, pero no somos creadores de contenido...

Pulido: Sí, estamos en una zona gris que no terminamos de identificar, pero creo que también eso es bonito.

Sí se puede hacer humor de todo, lo que no se puede ser gilipollas. Una cosa es guardar un respeto si ha sucedido una tragedia; me parecen igual de mal los programas de televisión que hacen crónica dramática con pornografía de las emociones que si yo me pongo a hacer chistes de eso ese mismo día

Adrián Melero

Entonces, ¿no os habéis sentido acogidos por ningún gremio?

Pulido: Desde el mundo de los cómicos nos han llegado a decir claramente: “Vosotros no sois cómicos”. Pero lo dicen de forma jocosa; en general nos hemos sentido muy acogidos y nos han tratado con mucho respeto en todos los ámbitos.

¿Qué se valora a la hora de elegir un tema para Alpilpil?

Melero: Nos nutrimos de la actualidad o de cosas de las que queramos hablar, pero lo que más prima sobre el tema es el guion: tiene que haber comedia. Si no encontramos la manera cómica de tratar un tema, no lo hacemos.

La pregunta es obligada: ¿se puede hacer humor de todo?

Pulido: Si se hace de manera inteligente, sí. No intentar hacer humor de cosas delicadas y, encima, simplemente ser faltoso y no gracioso.

Melero: Sí, yo creo que sí se puede hacer humor de todo, lo que no se puede ser es gilipollas, pero eso es otra cosa. Una cosa es guardar un respeto si ha sucedido una tragedia; me parecen igual de mal los programas de televisión que hacen crónica dramática con pornografía de las emociones que si yo me pongo a hacer chistes de eso ese mismo día. Pero creo que el humor es una herramienta que puede servir para criticar y para dar un punto de vista respecto a todo. Hacer humor no quiere decir frivolizar. Hay cosas que son tan importantes que hay que tratarlas con humor, porque es la herramienta que te deja ver lo surrealista o denunciar algo sin caer en la melancolía ni el amarillismo.

¿Desde el humor se puede cambiar algo?

Pulido: Quiero pensar que sí. Nos sorprende que gente que está en las antípodas ideológicas nos escriba o se acerque diciendo que le gusta nuestro contenido, quizá porque entramos a temas como la vivienda o la migración desde un lugar muy básico. Nosotros tampoco somos periodistas ni estamos aquí para darle clase a nadie, pero con que haya una personita que tenga una pequeña reflexión gracias a eso, creo que sí se puede cambiar algo.

Melero: Igual nosotros no y simplemente estamos haciendo el imbécil y está bien también; pero sí que creo que la comedia, dentro del campo de la cultura, claro que puede cambiar las cosas. Es una herramienta dramática y una expresión artística que ayuda a que la gente se identifique y a denunciar cosas. Que nosotros lo consigamos, no lo sé, pero que las comedias hayan conseguido cosas, por supuestísimo.

Al escribir un guion, ¿en qué público pensáis?

Pulido: No pensamos mucho en el objetivo final o en un público concreto mientras creamos, sino en que lo que decimos tenga sentido y sea gracioso.

Melero: Creo que lo pensamos más cuando subimos vídeos en los que criticamos a cierta izquierda que creemos que lo hace mal. Ahí decimos “igual esto no cae tan bien”, pero tiramos adelante porque es lo que pensamos. También es que confiamos en que los mensajes que lanzamos son tan básicos: vivienda digna, todos somos humanos, no peguen maricones... Tan básicos que no sé yo si gente, sobre todo de nuestro espectro político, se va a posicionar en contra.

Quizás no son temas tan básicos, pero los mostráis de una forma tan evidente que cómo no estar de acuerdo.

Melero: Te lo compro porque alguna vez sí que nos hemos visto en la situación de querer dar una opinión muy, muy concreta y nos hemos planteado de qué manera hacerlo para que parezca fácil y gracioso.

Nos sorprende que gente que está en las antípodas ideológicas nos escriba o se acerque diciendo que le gusta nuestro contenido

Lucas Pulido

¿Y el hate? ¿Cómo lo lleváis?

Pulido: Somos privilegiados, no nos amenazan con matarnos como les ocurre a muchas mujeres creadoras o a otras personas del colectivo. En ese sentido, tenemos suerte por ahora.

Melero: A veces hay crispación en los comentarios, pero no escala a más, no llega a nuestra bandeja de entrada.

No os afecta hasta el punto de llegar a autocensuraros.

Pulido: Sí que hay un miedo generalizado por la impunidad que hay de la violencia hacia ciertos creadores de contenidos de izquierdas, de pensar que a ver qué hacemos porque igual nos toca que vengan a un show y nos esperen a la salida. Es verdad que es algo que a lo mejor aparece en un momento de crispación muy alto en el que ves que a otros compañeros les está pasando. Por ahora tocamos madera.

Melero: Igual lo único en lo que nos hemos podido censurar es no señalando a personas concretas por su nombre si creemos que no es reparador cuando tratamos la actualidad. Depende de lo que sea, preferimos criticar la conversación que se ha generado en lugar de señalar a un influencer que igual no ha actuado con maldad. Depende de lo que se trate, claro: si es un fascista o una fascista no está de más que lo señalemos.

Ya que seguís tan de cerca la actualidad, ¿cuál es vuestra mayor preocupación ahora mismo?

Pulido: A mí, sobre todo, la deriva ya global de la derecha y la extrema derecha, que cada vez actúan con mayor impunidad para derribar a las izquierdas, como la presión de lo sucedido en Ceuta. Es desesperanzador ver cómo se está poniendo el futuro de cara a los derechos humanos, que parece algo tan básico, y a toda la base de derechos construida. El retroceso que vamos a tener me aterra. Y, por supuesto, el tema de la vivienda, que yo estoy justo ahora con la mudanza y ayudando a mi compañera a buscar y es terrorífico.

Melero: Yo también estoy ahora mirando pisos y es imposible. Coincido totalmente con Lucas, me da mucho miedo este viraje e igual que antes decía que a algunas personas nos ahorramos señalarlas, creo estamos en un momento en el que ciertas personas y ciertas actitudes sí que debemos señalarlas y decir ‘no’. Todo se ha vuelto debate y de repente ahora es '¿democracia sí o no?', me cago en tu puta madre, democracia sí y esto no se debate. Nos tenemos que poner firmes porque por la pena entra la peste. Vamos a tener dos dedos de frente, por dios.

¿Es la vivienda lo que más obsesiona a vuestra generación?

Pulido: La vivienda es troncal porque nos afecta a todos, independientemente de la ideología.

Melero: Yo comparto piso con amigas y tengo suerte porque no estoy en la situación de compartir con gente a la que no conozco o incluso que me cae mal, que mucha gente sí que está ahí. Pero me gustaría irme a vivir con mi novio y es imposible, no hay manera. Es desesperanzador ver que no me lo puedo permitir, da igual el barrio, el extrarradio está carísimo... Yo soy del extrarradio de Barcelona, que también está carísimo, y es que ni en un sitio parecido al que yo he crecido me puedo permitir vivir. Muchas veces me desespera porque pienso que si no nos lo podemos permitir nosotros, que somos gente a la que ahora mismo no nos falta trabajo, la cosa está jodida.

Y hay algo que está relacionado con la vivienda, que es el tema de la meritocracia. Nosotros somos generación Z y hay algo muy desesperanzador en sentir que lo has hecho todo y da igual la tecla que toque, que no consigo salir de la precariedad. Da igual que tenga múltiples curros, lo mucho que trabaje, por mucho que me habéis dicho que era trabajar y estudiar, da igual lo mucho que haga, que no hay manera de dar esa tecla si no vienes de una familia con dinero, no hay otra manera. Y yo ahora mismo me frustro mucho buscando piso porque creo que no me lo merezco, ni se lo merecen mis amigas, que tendrían que poder permitirse vivir en la ciudad en la que trabajan.

Hemos normalizado el hecho de que para cualquier tipo de sector en el que estés o para cualquier cosa, si no tienes redes, no existes. Igual que lo de buscar piso, que requiere pasar por el aro de la especulación

Adrián Melero

¿Qué son para vosotros las redes? ¿Os preocupa el algoritmo?

Pulido: Sí. Hace unos días en Estados Unidos multaron a Meta con más de 500 millones de dólares por uso indebido al utilizarlo para crear adicción a menores. Pero más allá de la adicción, también creo que el algoritmo cada vez está premiando pensamientos más conservadores. Me preocupa mucho esta campaña, con unos intereses muy claros y que me recuerda mucho, citando a Aznar, a lo de “el que pueda hacer que haga”. Y al mismo tiempo, y de esto nosotros también formamos parte, se está creando un ejército de adictos al móvil y a la atención rápida y que creo que en unos años se van a notar unas consecuencias generales en la gente, entre los que consumimos todo esto, que van a ser muy heavies y me preocupa enormemente.

Melero: Es un juego sucio en el que pasas por el aro porque no te queda otra si quieres existir. No lo digo por nosotros, mi hermana tiene un bar y el bar tiene que tener una cuenta de Instagram. Hemos normalizado el hecho de que para cualquier tipo de sector en el que estés o para cualquier cosa, si no tienes redes, no existes. Igual que lo de buscar piso, que requiere pasar por el aro de la especulación. Y ya que estamos dentro, que sea lo más amigable posible e intentar, aunque sea difícil, no hacer de las redes un espacio que sea enemigo del discurso, que por su idiosincrasia lo son, pero intentar que no lo sea.

Habéis publicado un libro recientemente, ¿cómo fue el cambio de formato?

Melero: Fue un reto. Ya nos costó pasar del teatro a las redes, pero todo tenía que ver con la interpretación, que es nuestro fuerte. Evidentemente en el libro nuestro acting da igual. Lo guay es que el libro te permite contar lo que quieras sin límite de presupuesto ni de realidad: si quiero que haya un dragón rojo que escupe Lacasitos, puede haberlo, justo no lo hay, pero sí que puedo sacar a niños pequeños, que es algo que en redes no vamos a hacer, o incluir una rana que habla.

Pulido: Fue bastante bonito tener esa libertad de poder enfocar un tema como a veces nos resulta imposible en un vídeo. Pero sí que fue un reto.

¿Qué le depara el futuro a Alpilpil?

Melero: De momento lo que tenemos asegurado es que continuamos con la gira mientras la gente quiera, el 2 de octubre volvemos a València. También seguiremos dándole caña a las redes y con nuestra sección en Carne Cruda. Y con muchas ganas de crear y de ir cambiando cosas del show y adaptarnos.

“Buena suerte con la democracia y todo eso”. La frase, lapidaria, premonitoria y tan divertida como terrorífica, la dice en un momento de Wild Horse Nine el personaje que interpreta John Malkovich. Él es un agente de la CIA destinado a Chile para preparar el golpe de Estado contra Allende en 1973. Pero la memoria se le desvanece, y pide como último deseo acudir junto a su compañero, Sam Rockwell, a ver las estatuas de Rapa Nui. Allí, para luchar contra esos recuerdos que se pierden, decide también hacer unas memorias irreverentes y sorprendentes.

La frase, llena de mala leche e ironía, se la dice a dos activistas chilenas que están ilusionadas con su nuevo presidente, Salvador Allende. Malkovich sabe lo que va a pasar, y les suelta ese dardo envenenado. El dardo lo lanza al espectador también su director, Martin McDonagh, que ha logrado con Wild Horse Nine su mejor película y ha helado la sonrisa de la crítica en Venecia con una comedia negra que hace reír de pena. Porque lo que se ve es tan hilarante como real. De aquellos polvos, estos lodos. Y de aquellos años de golpes de Estado apoyados o dados por EEUU a cualquier Gobierno de izquierdas en América Latina, estas consecuencias de líderes populistas, de fascistas aupados al poder que niegan la memoria histórica, que acusan al feminismo y que seguramente digan que ya no se puede hacer chistes de nada.

McDonagh ha creado una brillantísima sátira sobre la memoria. La memoria que pierde su protagonista, y la memoria colectiva. La memoria histórica que hay que recordar para que no ocurra lo mismo. La metáfora es bella, pero en este caso es también muy divertida ante la incontinencia y las formas de esa dupla de agentes de la CIA que podrían ser unos Mortadelo y Filemón yanquis y con los que el cineasta hace también una parodia del cine de espías de los 70.

A Martin McDonagh ya se sabe que le encanta ese estilo irónico, pero su problema es que normalmente se gusta demasiado. Se sabe el niño más listo de la clase, y hace decir a sus personajes frases imposibles y pomposas que epatan al público y la crítica y que suelen revertir en elogios a sus libretos (aquí en Venecia tiene dos premios al Mejor guion). Le pasaba en Tres anuncios en las afueras y en Almas en pena en Inisherin. Aquí, sin embargo, consigue el equilibrio entre su propio estilo y el que pedía su personaje. Sí, está esa ironía presente en cada plano, pero sus frases no se comen su historia.

Wild Horse Nine es una comedia divertida que habla de Chile, pero también de EEUU y de cómo el asesinato de Kennedy acaba con muchas esperanzas. Habla de cómo todo aquello remodeló lo que entendemos por democracia, y habla de esos ‘funcionarios’ que siguen órdenes sin importarles nada. Les da igual que gane Nixon, que se asesinen a inocentes en un país a miles de kilómetros de distancia y que se imponga a dictadores a base de golpes de Estado. Ellos cumplen órdenes. La banalidad del mal, abordada desde el humor y la sátira, una propuesta arriesgada pero que de forma milagrosa siempre aterriza bien.

Lo hace porque tiene clarísimo su punto de vista moral. Aunque los agentes de la CIA sean sus protagonistas no les da las coartadas morales que McDonagh suele dar a sus ‘malos’ (como pasaba con el personaje de Sam Rockwell en Tres anuncios en las afueras). Aquí son dos mindundis, y esa memoria en descomposición hace que uno de ellos empiece a plantearse todo lo que ha hecho, y es ahí, desde el arrepentimiento y la sinceridad cuando llega la empatía hacia él. El bisturí satírico de McDonagh alcanza su cima en un clímax violento, casi de justicia poética y con un monólogo para el recuerdo de Malkovich sobre cómo evitar el próximo golpe de Estado.

Malkovich ofrece una interpretación para el recuerdo. Consigue caminar por la finísima línea entre la sobreactuación y el no llegar a un tono endiablado. Lo clava. Está magnético y uno no puede quitar la mirada de su personaje, que pasa de la ternura a lo repugnante en una sola frase y que probablemente le vaya a granjear bastantes premios en los próximos meses. A su lado, un Sam Rockwell que repite con McDonagh y que nunca falla y un volcánico y divertidísimo Steve Buscemi. Todo en su sitio para que Wild Horse Nine sea una de las películas de la temporada.

McDonagh defendió en la rueda de prensa este paso adelante en su cine donde ha entrado en algo que le interesa desde hace tiempo, “lo que la CIA ha hecho en las últimas décadas, las cosas horribles que hizo”. En la película hablan de Guatemala, Congo o Bahía de Cochinos como ejemplos de los golpes de Estado donde EEUU participó. “Se ha hablado mucho de la KGB y lo que hizo, pero creo que no hemos cuestionado las actividades de la CIA tanto como debíamos, y ese fue uno de los puntos de inicio para hacer esta película”, señaló sobre un filme que “pasó de ser una comedia a algo más profundo, oscuro y triste”.

El cineasta y dramaturgo también respondió cuando el equipo fue preguntado si lo que muestra Wild Horse Nine tiene ecos en la operación de EEUU en Venezuela. “No parece que ya hagan las cosas ni de forma encubierta, al menos en los 70 la inteligencia lo intentaba mantener en secreto”, comenzó diciendo para subrayar que, aunque su película “habla del Chile del 73, sus tentáculos y conexiones hacen que se lea como una película que habla del momento actual”.

El XXIII Festival de Cine de Comedia de Tarazona y El Moncayo ‘Paco Martínez Soria’ ha puesto este sábado el broche final a su vigésimo tercera edición con una gala de clausura en la que ‘Cara de cona’, de Guillermo de Oliveira, y ‘Nuda propiedad’, de Alberto Utrera, han sido reconocidos como los grandes ganadores de las dos Secciones Oficiales del certamen. El proyecto de Oliveira ha recibido el premio al Mejor Cortometraje, mientras que la película de Alberto Utrera ha obtenido el Premio AECID del Jurado al Mejor Largometraje Iberoamericano de la primera edición de esta nueva sección, así como el Premio del Público.

Estos reconocimientos ponen el cierre a una edición especialmente significativa para el festival, que este año ha ampliado su apuesta por la comedia con la creación de una Sección Oficial de Largometrajes Iberoamericanos, junto a una de cortometrajes que ha reunido 44 trabajos seleccionados entre las 361 obras recibidas.

El jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, integrado por Beatriz de Silva, Tamara Berbés, Samuel Rodríguez, Vicky Calavia y Germán Roda, ha decidido otorgar el premio al Mejor Cortometraje a ‘Cara de cona’, de Guillermo de Oliveira. Además, ‘In memoriam’, de Teresa Bellón y César Calvillo, ha sido reconocido con el Premio del Público al Mejor Cortometraje.

Por su parte, ‘Nuda propiedad’, dirigida por Alberto Utrera, ha recibido el Premio AECID del Jurado al Mejor Largometraje Iberoamericano, convirtiéndose así en la primera película en obtener el máximo reconocimiento de esta nueva sección del festival.

La selección de largometrajes ha reunido siete películas procedentes de España, México y Puerto Rico, consolidando la vocación iberoamericana que el festival ha incorporado a su programación en esta vigésimo tercera edición.

La película de Utrera ha cerrado una sección en la que también han participado ‘Cómo salvar el mundo’, de Alejo Levis; ‘Café Chairel’, de Fernando Barreda Luna; ‘Sobriedad, me estás matando’, de Raúl Campos; ‘Hasta que la celda nos separe’, de Mariana M. Emmanuelli; ‘No se requieren traducciones’, de Rafael Altamira, y ‘El Taser’, de Borja Echeverría.

“Estar en el festival ya me ha parecido lo mejor porque ha sido nuestro primer test con público y hemos podido saber el pulso que tiene la peli”, asegura Alberto Utrera, director de ‘Nuda Propiedad. Del mismo modo, añade que este proyecto, aunque tiene la crisis de la vivienda como “escaparate”, habla de “encontrar tu sitio en el mundo, que es la crisis más atómica que hay”. Sostiene además que la mediana edad es un momento en el que te planteas si has hecho lo correcto, si has tomado buenas decisiones, si estás con la pareja que quieres y hacia donde vas.

Un palmarés que reconoce el talento

El jurado ha reconocido también diferentes trabajos artísticos y técnicos de la sección de cortometrajes. El premio a la Mejor Dirección ha sido para Tania Watson por ‘OMG’, mientras que el de Mejor Guion ha recaído en Jordi Farga por ‘Tenéis que verlo’.

El premio a la Mejor Música Original ha sido para Joan Albareda ‘alka’ por ‘El príncipe nigeriano’; el de Mejor Dirección Artística, para Luís Sorando por ‘En trámite’; el de Mejor Montaje, para Vicente Ibáñez por ‘El revisor’; y el de Mejor Dirección de Fotografía, para Enrico Bárbaro Jr por ‘¡Hasta enterrarlos!’.

En interpretación, el Premio ‘Alex Angulo’ al Mejor Actor ha sido concedido ex aequo a Chete Guzmán y Pablo Gómez-Pando por ‘Epifanía’, mientras que el Premio ‘Laura Gómez-Lacueva’ a la Mejor Actriz ha recaído en Cristina Soria por ‘In Memoriam’.

El palmarés se completa con una Mención Especial para ‘Influyencers’, de Thomas Barrera; el Premio Moira Distribución para ‘Quinto Primera’, de Fran Menchón, y el Premio Especial ‘El Blog del Cine Español’ para ‘Montecarlo 67’, de Rubén Guindo.

Reconocimiento a las trayectorias vinculadas a la comedia

La Gala de Clausura ha sido también el escenario para los homenajes de esta XXIII edición, con los que el festival ha reconocido distintas trayectorias vinculadas al cine, la televisión y la comedia. Este año, el certamen ha distinguido como Talentos de Comedia a Salva Reina y Toni Acosta, mientras que Susana Abaitua ha recibido el reconocimiento como Talento Joven y Mariona Terés ha sido distinguida como Talento Revelación.

Con la mirada puesta en una carrera que entiende desde la vocación y el oficio, Salva Reina recoge el homenaje al Talento de Comedia midiendo el éxito no tanto como con premios sino con la posibilidad de seguir trabajando en aquello que le apasiona. “Uno no trabaja en pos de esto. Se trabaja en pos de contar historias, de trabajar, de interpretar personajes”, afirma.

Para Reina, poder dedicarse a una profesión “tan vocacional” es ya el mayor reconocimiento, aunque admite que las muestras de cariño que acompañan premios como el de Tarazona resultan “muy bonitas” y “abrumadoras”.

Por otro lado, Acosta asegura sentirse “completamente reconciliada y agradecida de hacer comedia”, ya que, cuando el público o la gente te para por la calle y te asocia con ella, “te sonríe”. La actriz, que además participa en la Sección Oficial con los cortometrajes ‘In Memoriam’ y ‘La otra mitad’, reivindica el valor de este formato como espacio para contar historias y descubrir talentos: “Me encanta hacer cortos porque creo que es una manera fantástica de hablar del mundo”.

Toni Acosta defiende también la capacidad de la comedia para abordar cuestiones sociales y hacer reflexión. Para ella, este género es una manera “fantástica” de hablar de temas serios, ironizar, reírnos de nosotros mismos y hacer reflexionar. En este sentido, considera que festivales como el de Tarazona “generan un espacio seguro para trabajar, para compartir trabajos, para ayudarnos y para difundir”, especialmente para quienes todavía no tienen la posibilidad de afrontar un largometraje.

Además, sobre los límites del humor, apuesta por una comedia que haga pensar sin ofender: “Yo quiero hacer un humor que no ofenda, así que creo que los límites los pone el comediante y el público. Tu libertad de expresión acaba cuando no respetas a la otra persona”.

Por su parte, Susana Abaitua afronta su reconocimiento como Talento Joven con especial agradecimiento y pone en valor el vínculo y el cariño que rodean al festival. “Estoy muy agradecida. Sé que es un festival muy bonito, con mucho cariño, que se trata con mucho cuidado”, señala la actriz, que explica que en anteriores ediciones había sido invitada, pero las dificultades de agenda habían impedido su presencia.

Este año, finalmente, ha conseguido cuadrar el calendario para acompañar al certamen y recibir un reconocimiento que considera “un honor enorme”. Al mismo tiempo, Abaitua destaca la especial relación del premio con la comedia, un género que le gusta especialmente pese a que su trayectoria ha estado más vinculada al drama.

Asimismo, Mariona Terés se muestra “muy emocionada” por recibir el Premio Talento Revelación en Tarazona, localidad que conoció gracias a la serie Paquita Salas, en la que participó. Como indica, este homenaje lo vive “un poco en shock” por ser uno de los primeros premios de su trayectoria como actriz y llegar en un momento activo en su carrera. “Estoy trabajando un montón y que me llegue ahora es todavía más bonito”, agrega.

Los homenajes han permitido poner en valor no solo las carreras de los profesionales reconocidos, sino también la diversidad de perfiles y generaciones que encuentran en la comedia un espacio de creación, interpretación y conexión con el público.

Una semana de cine más allá de las salas

El festival ha vuelto a extender su programación por distintos espacios y localidades de la comarca, reforzando su vocación de acercar la cultura y el cine a todos los públicos.

Una de las iniciativas ha sido el Programa Matinal Infantil, que durante la semana ha llevado una selección de cortometrajes realizados por alumnado de Primaria del CEIP Serrerías de Valencia a Vierlas, Litago, Trasmoz, Añón de Moncayo, Tarazona y Grisel. A través de estas piezas, niños y niñas han podido acercarse al cine y reflexionar sobre cuestiones como la igualdad, la convivencia, la interculturalidad, la salud emocional, el medio ambiente o la protección del patrimonio.

La programación ha contado además con encuentros con profesionales, como la grabación en directo de ‘El Podcast de Pelocas’, conducido por Marta Tai, que permitió acercar al público el trabajo que hay detrás de un formato de conversación vinculado al sector audiovisual.

También el Off Festival ha ampliado los escenarios de la comedia con las actuaciones de David Puerto, Bianca Kovacs y Salva Reina, llevando el humor a la noche turiasonense y complementando la programación cinematográfica del Teatro Bellas Artes.

David Puerto, que además ha participado en el Taller de Realización de Cortometrajes, inauguró esta programación paralela con ‘Bien’, un espectáculo que combina stand-up, improvisación, música y crowdwork. Por su parte, Bianca Kovacs presentó ‘Una rumana muy legal’ y Salva Reina ha cerrado las propuestas de humor en directo con ‘Prohibido echarle cacahuetes al mono’.

Con el cierre de esta vigésimo tercera edición, el Festival de Cine de Comedia de Tarazona y El Moncayo vuelve a reivindicar su papel como punto de encuentro para profesionales, creadores y espectadores alrededor del género de la comedia, al tiempo que mantiene su apuesta por descubrir nuevos talentos.

La jornada ha contado asimismo con una amplia representación de actores, actrices, directores, guionistas y profesionales vinculados al cine y la comedia, entre ellos Luis Larrodera, Kira Miró, Maxi Iglesias, Malena Alterio, Martín Cuervo, Carlos Iglesias, Melani García, Gorka Aguinagalde, Mariano Venancio, Luisa Gavasa, Ana Turpin, Miguel Ángel Lamata, Coria Castillo, Bianca Kovacs, David Puerto, Lluvia Rojo, Zorion Eguileor, Alberto Utrera, Rulo Pardo, Chete Guzmán, Pablo Gómez-Pando, Teresa Bellón, César Calvillo, Cristina Soria, Jandro, Caye Casas, William Miller, Vicky Calavia, Bea de Silva, Tamara Berbés y Germán Roda, entre muchos otros profesionales que acompañarán al festival en su clausura.

Acompañando al director del festival Raúl García Medrano en la clausura de esta cita del séptimo arte, han estado el alcalde de Tarazona, Tono Jaray; el presidente de la Comarca de Tarazona y El Moncayo, Jacob Ramírez; la concejal delegada de cultura del Ayuntamiento de Tarazona, Ana Calvo; la subdirectora adjunta de Promoción Cultural de la AECID, Mónica Redondo; jefa de contenidos y nuevos proyectos en Aragón TV, Natalia Martínez; responsable de contenidos de DAMA, Juan Zavala; el delegado de la Fundación AISGE en San Sebastián/País Vasco, Mario Pardo, y el coordinador ejecutivo de Moira Pictures, Fernando González.

Al respecto, el director del festival, Raúl García Medrano, hace un balance “muy positivo” de esta XXIII edición y destaca la respuesta del público turiasonense y de toda la comarca durante los diez días de programación. “Estamos muy contentos con la respuesta un año más, ya que todo el mundo, también gente de fuera, se ha volcado con el festival”, dice.

García Medrano pone además en valor el éxito de la primera edición de la Sección Oficial de Largometrajes Iberoamericanos de Comedia, que ha permitido incorporar al certamen películas procedentes de países como México o Puerto Rico y que, según explica, “anima a seguir por esta línea”. “Ver el teatro lleno es un lujo”, admite.

El certamen mantiene asimismo su condición de festival calificador para los Premios Goya y los Premios José María Forqué al Mejor Cortometraje Cinematográfico, además de formar parte de los festivales calificadores de los Premios Fugaz.

Una clausura que pone el broche a la XXIII edición

La jornada de clausura ha comenzado con el encuentro ‘Un vermú con… Luis Larrodera’, celebrado en la terraza de la Cafetería El Itury, antes de trasladarse al Teatro Bellas Artes para la gala de entrega de premios y reconocimientos.

La programación se completa con la Fiesta de Clausura en el Palacio de Eguarás, que contará con las actuaciones de The William Miller Band, Roberta Fauteck y DJ Easy Rider, poniendo el punto final a una semana en la que el cine y la comedia han vuelto a tomar las calles y espacios culturales de Tarazona y su comarca.

El festival está organizado por el Ayuntamiento de Tarazona y AC Secuencias, y cuenta con la colaboración de la Comarca de Tarazona y El Moncayo, Fundación Ibercaja, Fundación AISGE, Moira Pictures, Dama Autor, AECID Cultura, Diputación de Zaragoza, Gobierno de Aragón, Film & Co, Heraldo de Aragón, El Español de Aragón, Pelocas, Aragón TV y Aragón Radio. Patrocinan también Embou, Bodegas Aragonesas, Ambar, La Siesta, Premios Fugaz y la Academia de Cine.

Se estrenó el pasado 26 de junio en Estados Unidos y ha conseguido una recaudación de 23,5 en el país y unos 18 millones a nivel mundial, en los territorios en los que se ha exhibido en cines, pues en España no se espera que llegue hasta octubre. Hablamos de ‘The Invite’, la que para muchos ya es la comedia del año.

Dirigida por Olivia Wilde, que también la protagoniza junto a Penélope Cruz, Edward Norton y Seth Rogen, se basa en una película española, ‘Sentimental’ de Cesc Gay, que es una versión en inglés después de existir largometrajes en alemán o italiano.

De qué va la película ‘The Invite’ de Olivia Wilde

La película, de la productora A24, se basa en la historia que ya estrenó en 2020 Cesc Gay, ‘Sentimental’, que nos presentaba una historia de enredo entre dos parejas formadas por Javier Cámara y Griselda Siciliani por un lado y Belén Cuesta y Alberto San Juan por el otro.

En este caso, en su versión en Hollywood con ‘The Invite’ las parejas las forman Olivia Wilde y Seth Rogen que dan vida a Angela y Joe; y Penélope Cruz y Edward Norton que son Pina y Hawk, a los que invitan a cenar en un encuentro que cambiará la vida de los cuatro. Y es que en ambas películas hay un matrimonio aburrido de la monotonía que de repente se encuentra con una pareja más joven y atrevida, aunque esto da lugar a un intercambio de visiones sobre las relaciones humanas.

Sin embargo, en España no se verá en cines hasta el 16 de octubre de 2026, la fecha de estreno prevista, meses después. Olivia Wilde está en la dirección, mientras el guion es obra de Rashida Jones y Will McCormack, una dupla creativa que se ha centrado en la comedia.

“No hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva”

‘The Invite’, sin embargo, no ha tenido un camino sencillo para el estreno en cines, sino que la directora asegura que ha tenido que luchar e incluso “perder dinero” para lograr que se exhiba en salas de cine de todo el mundo y no fuera directamente a plataformas. En parte gracias a su buena acogida en el Festival de Sundance, donde obtuvo buenas críticas:

“Pensé: ‘Esto es mágico. Tenemos que escucharlo… tenemos que luchar por ello’. Si no luchas por ello, escucha, ya sabes esto… te sobornan para que no estrenes en cines. Es un soborno. Te pagan más. No a mí, ni al cineasta. Los inversores ganarán mucho más dinero con el streaming, y puedes aceptar ese soborno y renunciar a eso si esas son tus prioridades”, declaró en una rueda de prensa en el Festival de Cine de Locarno donde participa la película.

En este sentido agradeció a la productora Megan Ellison de Annapurna por su apoyo a su deseo de llevar la película a los cines y por aceptar la oferta de A24 para su distribución en salas, aunque las plataformas ofrecieran más. “Realmente creo que no hay ningún género que se beneficie más de la experiencia colectiva que la comedia… es una parte ancestral de nuestra cultura. Como seres humanos, nos hemos reunido, contado historias y reído juntos durante miles de años de diferentes formas y maneras.”, apuntó al respecto.

Susana Abaitua no teme decir que le dio miedo interpretar a la protagonista de El último mono. Lleva el suficiente tiempo en esto para saber que la línea que separa la comedia de la defensa es, a veces, muy fina. Por eso quiso asegurarse de que esta comedia, que protagoniza junto al cómico y actor Juan Dávila, no jugara a la ambigüedad. Al ‘ni machismo ni feminismo’ que, por desgracia, sigue presente en muchas capas de la sociedad. La imposible historia de amor entre una cómica feminista y un youtuber de la fachosfera solo podía darse si el que cambiaba, si el que quedara en el foco, fuera el hombre machista.

Lo tenía claro, lo trasladó y al final saltó a la piscina para hacer esa comedia loca que le apetecía. Una que le venía bien para quitarse también el peso de un drama como el de Un fantasma en la batalla, donde como infiltrada de ETA en el filme de Agustín Díaz Yanes logró su primera nominación al Goya. Su cambio de registro la confirma en su solidez como una representante de una generación de actrices que rompen con prejuicios, clichés y que hablan sin miedo de todo.

¿Qué pensó cuando leyó el guion de esta comedia?

Este guion me llegó porque me llamó Fernando Bovaira, productor y me dijo: “Tengo este proyecto y me gustaría que lo hicieras, quiero que lo leas”. Tenía mucho interés en que lo hiciera una actriz comprometida con el feminismo. También para hablar, para modificar si había que modificarlas… Entonces, al principio, fue un poco de susto. Es verdad que luego vi que estaba escrita por Joaquín Oristrell y Yolanda Serrano, y con Joaquín Mazón como director. Tuvimos varias reuniones de guion, yo dije algunas cosas, hablamos un montón y luego me apetecía tirarme a la locura de una comedia. Yo había hecho ya Loco por ella, pero es una comedia más feelgood movie con su drama debajo, y venía de hacer mucho drama. Yo en mi vida soy supergansa y creo que es algo que no he enseñado como actriz.

Siempre se dice el topicazo que hacer comedia es mucho más complicado.

Es muy difícil. Para mí era un reto este personaje. Yo no quería pasarme y no tener verdad. Pensaba en cómo, desde la verdad, iba a encontrar la comedia. Y también te digo, cuando yo veía a Joaquín [Oristrell] meado de risa en combo… [el monitor para seguir el rodaje].

Lo ha mencionado, que escriben Oristrell y Yolanda García Serrano, dos de los popes de la comedia en España, que siempre dicen que la comedia es la mejor forma de hablar de temas importantes y aquí lo hace, ¿eso le apetecía?

Sí, me apetecía, pero era justo lo que me daba miedo también. Lo que pasa es que Joaquín Mazón me dijo desde el minuto uno: “Aquí no es ver quién gana. Para mí hay una clara verdad y lo otro es ridículo. Entonces vamos a buscar el camino, sobre todo de encontrar que Mariela pueda pillarse por este tío. Este es el gran objetivo de esta película, pero nunca se va a salvar al personaje de él porque no tiene sentido lo que hace”. Entonces eso sí me gustó y me lancé.

Yo no sabía lo de la machosfera, los incels y todo este mundo. Hay youtubers ahora, que no voy a mencionar porque no quiero darles publicidad, pero donde la realidad supera la ficción. Es muy heavy la de cursillos que hay en contra de las mujeres, en contra de derechos fundamentales. Me quedé… Todos investigamos bastante, todo el equipo de actores y actrices y flipamos. Entonces, y además con Juan Dávila, que tiene un público muy diverso, si hay alguna manera de que puedan ver la película, que se puedan reír, pero a la vez vean que esto de aquí no tiene sentido. Creo que es una manera bonita de llegar a la gente.

Ha dicho que le daba miedo, es cierto que había un riesgo con la película, y era caer en el ‘ni machismo ni feminismo’, ¿cuánto miedo le daba que eso pudiera ocurrir y cómo vive que algo así todavía se piense?

Es una mierda. Primero, respecto a la película. Nunca sentí lo de 'ni machismo ni feminismo'. De hecho, es una de las cosas que me convenció para hacer la película. Para mí era una red flag. Si yo hubiese visto que la energía del proyecto tiraba por ahí, no la hubiese hecho. Y tanto el productor como los guionistas y el director lo tenían clarísimo. Esto no va de 'ni machismo ni feminismo', esto es feminismo. Y hablamos de lo que está pasando con el machismo y cómo poder evolucionar en ese sentido. Y en la vida sigue pasando.

Es verdad que en mi entorno quizá lo noto menos, pero también es un entorno más artístico. Hay algo como que cuando salgo de Madrid lo sigo notando muchísimo y pienso cuánto trabajo queda. Ya no es el movimiento feminista de ahora, es que nuestras abuelas también estaban luchando con esto y pienso, ¿se acabará en algún momento? ¿Se llegará realmente a una igualdad? ¿Se entenderá que el feminismo no pretende aplastar al hombre, que es un tema de derechos, de igualdad, de oportunidades, de salarios, de violencia? Eso de las feminazis… Ese término ya está bien, es que no tiene sentido.

Es un movimiento en contra por parte de ciertos hombres que veo, además, muy violento. Como actriz imagino que está expuesta a esos comentarios en redes, en su día a día… ¿Lo nota?

Lo noto en general. Ya no solo con el feminismo, en todo. El otro día, en una conversación, pensaba: “¿Por qué está pasando esto?”. Y creo que algo que todo el mundo está que salta a la mínima, hay mucho odio y se ha perdido un poco la empatía… No sé si tiene que ver con las redes, con el individualismo, con que todos miramos hacia abajo en la calle, al teléfono… Falta ponerse en la piel de la otra persona. Creo que nos escuchamos menos.

Y aunque suene naif, pero, ¿el cine y el arte qué pueden hacer frente a esto?, ¿esta comedia puede hacer que alguien cambie en algo?

Yo sí lo creo. No que una peli vaya a cambiar todo, pero sí contribuir a que haya una conciencia cultural. El arte siempre ha servido para mover, para reivindicar. Yo me doy cuenta cuando viajo mucho en países donde todavía el machismo es más fuerte, y veo que en contraposición hay muchísimas más pintadas, hay mucho más movimiento, hay más manifestaciones, hay más películas. El tema se habla más. Y sí creo que hay algo que el arte es una manera de hablar de lo que no se puede hablar tanto, lo que no se puede confrontar y te provoca cosas. Me da más miedo la gente que decide no ir. Por eso creo que la comedia es importante. Muchas veces, si esto lo plantas en drama, hay cierto sector que decide que no va a ir al cine. Y creo que la comedia tiene un punto que puede reunir a mucha más gente. ¿Quién no ha visto películas y se ha replanteado algo? En mi caso, muchísimas veces, muchas películas me han tocado. ¿Tú qué piensas?

Cada vez pienso una cosa diferente. Me gusta pensar que sí, pero luego salgo a la calle y cada vez soy más misántropo y me cuesta más confiar, pero quiero pensar que sí.

¿Tú no crees también que hay algo de la estética de la mujer, que todo también está unido a que en las publicidades nos ponen delgadas, perfectas y en las series de televisión están los guapos y las guapas y que si todo eso estuviese cambiado…? Por eso digo que no creo que sea una película, sino que creo que es un todo.

Eso es muy interesante, porque mira que hemos hecho cambios, pero es verdad que en los personajes femeninos hay cosas que no cambian.

Se está volviendo heavy. Y eso es fuerte porque a mí también me pasa. Yo hacía tiempo que ya no me agobiaba con mi físico y es inevitable. De repente estoy viendo actrices que admiro, de Hollywood, hiperdelgadas, extremadamente delgadas y digo: “Ay, estoy gorda”. Solo el hecho de pensarlo… Me castigo también de pensarlo y digo, no puedes pensar eso. Pero está pasando. Y hay algo de ahí que sigue pasando y ojalá cambie.

¿Hasta qué punto todo eso influye en los personajes que elige?

Un montón. Por ejemplo, esta película si hubiese leído un guion que iba por un lado que no me gustaba no la hubiese hecho. Yo puedo hacer un personaje que sea la más mala de todas, eso no tengo ningún problema, pero nunca haría una película que esté a favor de unos valores que estén en contra de los míos. Si puedo hacer un cine que no tenga un contenido político o social enorme, pero si va en contra de valores en los que creo… No, no lo haría. Incluso te diría que de más pequeña también, cuando no tenía trabajo, y he estado trabajando en hamburgueserías y tiendas, me atreví a decir que no sabía cosas porque no estaba de acuerdo con los valores.

La película es una comedia romántica, y apuesta porque el amor es posible. Eso llega en un momento en que hemos pensado mucho en eso del amor romántico, ¿cómo encaja la película en el momento actual y cuál es su opinión?

Pienso que es complicado a día de hoy eso de estar casados y felices para siempre. Yo pienso, ¡qué dices!

¡Mucho tiempo!

¿Que yo voy a estar toda la vida con alguien? Me parece difícil mantener esto que todavía nuestros padres estaban ahí, en la fidelidad para siempre y para toda la vida. Yo hablo muchísimo de esto con amigas. Me parece para hablarlo también, cómo encajar la libertad de hoy en día con la pareja. Somos como esa generación que estamos ahí transitando entre esa libertad y, a la vez, también quiero que me elijan para siempre. Pero, por otro lado, me parece una idea que ya no me creo. Entonces, bueno, estamos deconstruyendo eso. En mi caso, por lo menos, a mí no me digas voy a estar contigo toda la vida y no te voy a ser infiel nunca porque, sinceramente, no me lo creo.

No sé, igual estoy diciendo cosas muy locas, y me estoy metiendo en un lío. Es como que hay una 'Susana Disney' que sueña con ese 'para toda la vida' y la otra Susana, que es superterrenal, que mira a su alrededor y dice: “Disfruta de los tres o cuatro años que estés con tu pareja”. Tengo la mezcla de las dos. El sueño de que ojalá sea para siempre y la realidad que veo es que la gente se separa.

Hay una cosa que mencionamos mucho a las actrices de esta nueva generación que es el ver cómo os apoyáis, tirando viejos clichés machistas sobre la competitividad entre las mujeres.

No sé cuánta competitividad había antes realmente, o cuánto se fomentaba o era que se quería vender esa competitividad porque, por ejemplo, Penélope Cruz y Salma Hayek llevan siendo amigas toda la vida. Sí es verdad que yo, desde mi lado, lo que puedo decir es que, por ejemplo, Carolina Yuste es mi amiga, y mira que hemos estado en dos películas que las han colocado como rivales. Y Carol y yo nos queremos, nos admiramos. Me pasa con un montón de amigas de la profesión.

Lo que sí que creo es que hay que currárselo, que la amistad hay que trabajarla. Porque claro que entras en momentos de vulnerabilidad y de inseguridad, porque a una amiga tuya le pueda estar pasando algo que te apetece que te pase a ti, pero es bonito hablarlo y decirle que te alegras un montón. Creo que hay que hablarlo y ser sincera. Porque esto no deja de ser una carrera donde tienes objetivos, donde hay personajes, dónde estás buscando metas, donde hay una ambición y, entonces, creo que es cuidarse, hablar. Hay menos rivalidad de la que se cree, pero ya desde hace tiempo.

Entrevista completa

El actor Fernando Tejero debutará en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con Cómicos de Roma, la segunda comedia de la presente edición del certamen, una adaptación basada en un texto del dramaturgo estadounidense David Mamet que rinde homenaje al mundo de la interpretación, al amor y a la supervivencia de los artistas en la Roma imperial.

Durante la presentación de la obra este lunes, Tejero explicó que dará vida a Strabo, un actor “en crisis” que lucha por salir adelante y cuya pasión por el teatro le lleva a enfrentarse a situaciones “muy locas y extremas”.

“Es un personaje que tiene pasión por su trabajo y haría cualquier cosa por conseguir hacer teatro”, señaló el actor, quien destacó que el personaje está impulsado tanto por el amor hacia una integrante de su compañía como por su amor incondicional al escenario. “Es un personaje que a mí me encanta porque le promueve el amor, el amor por una persona de su compañía y el amor por el teatro”, añadió.

El director del montaje, José Pascual, explicó que la obra contrapone dos mundos: el de una pequeña compañía de actores que intenta sobrevivir y el del estamento militar, que ejerce un férreo control sobre la sociedad romana.

Según detalló, la acción transcurre en un momento en el que el Imperio romano comienza a mostrar síntomas de decadencia. “Vuelve a haber militares, con golpes de Estado, y los espectáculos se han vuelto muy depravados, con torturas y sacrificios humanos. En medio de ese mundo decadente hay una pequeña compañía de actores que intenta sobrevivir”, resumió.

Pascual destacó que David Mamet enfrenta ambos universos para construir una historia donde el humor, los equívocos y la crítica social conviven con una reivindicación del oficio teatral.

El reparto está integrado también por Rafa Castejón (Pelargón), Daniel Arias (Philius), Adrián Expósito (Heraldo), Jorge Asín (Ramus), Daniel Morato (Quintus), Álvaro Tejero (Mensajero y Sacerdote), Pedro Moreno (Titus), Michel Serrano (Lupus Albus) y Mario Gallardo (Armero).

Daniel Arias explicó que su personaje, Philius, es un joven aprendiz de actor que admira profundamente a Strabo y que representa la vocación como un elemento inseparable de la identidad de quienes se dedican a la interpretación.

“No es solo nuestro trabajo, ni nuestra forma de hacer dinero o de conseguirnos una vida, sino que también es un gran porcentaje de nuestra identidad y de quienes somos, y la función habla mucho de eso”, afirmó.

Durante la presentación, el concejal de Cultura de Mérida, Antonio Vélez, contextualizó la obra recordando que el emperador Augusto, fundador de Augusta Emerita, instauró la denominada Pax Romana, un periodo en el que la cultura y el entretenimiento adquirieron un papel protagonista tras años de conflictos bélicos.

Por su parte, el director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro, definió Cómicos de Roma como “una historia donde el humor y el enredo hablan sobre las dificultades, las ambiciones y la pasión de subirse al escenario”, en una propuesta que combina comedia, reflexión y homenaje al mundo del teatro.

El estreno de ‘Elle’, su serie precuela, coincide con un redondo aniversario, el de los 25 años desde que ‘Una rubia muy legal’ (Legally Blonde) llegara a los cines de todo el mundo y se convirtiera en uno de los éxitos inesperados de 2001, con un presupuesto inicial de 18 millones de dólares que se superó en cinco veces, con una recaudación que alcanzó los 95 millones.

Además de todo esto, la película supuso el estrellato definitivo de su actriz protagonista, Reese Witherspoon, que se convirtió en una de las interpretes mejor pagadas de Hollywood y que seguiría una carrera de éxito que la llevaría a ganar el premio Oscar en 2006. Más de dos décadas después, el filme sigue vigente y mantiene una segunda juventud que ahora revive con su precuela en Prime Video.

Reese Witherspoon no fue la primera opción para protagonizarla

‘Una rubia muy legal’ llegó a los cines en 2001, un año prolífico para el cine y también para el género de la comedia romántica, que semanas antes había tenido el estreno de otro clásico como ‘El diario de Bridget Jones’. Lo que pocos saben es que la historia de Elle Woods y su ascenso desde la universidad a graduarse en derecho, aunque todos la tomen como “la chica rubia tonta” está basada en una novela de Amanda Brown.

Sin embargo, entre el libro y la película hay un gran cambio, el de que la protagonista no se matrícula en la Universidad de Stanford. Pero esta diferencia se debe al hecho de que desde la universidad se negaron a que se grabara en ella o apareciera en la historia, al igual que sucedió con el plan B, la universidad de Chicago, así que finalmente fue otra entidad prestigiosa, la de Harvard, en la que Woods se graduaría.

La primera opción tampoco se cumplió en cuanto a la actriz protagonista se refiere. Si bien finalmente fue todo un éxito Reese Witherspoon como Elle Woods, la interprete no fue de las primeras que se consideraron, sino que vino después de una lista de tanteos que incluyó a nombres como Charlize Theron, Gwyneth Paltrow, Alicia Silverstone, Katherine Heigl, Christina Applegate, Jennifer Love Hewitt o Tori Spelling. Fue Witherspoon quien triunfó en el papel de la joven y que la aupó definitivamente en su carrera, pero además de todo ello, la actriz estipuló en su contrato quedarse con todo el vestuario y zapatos que vistiera su personaje en la película, del que, además, se hizo una Barbie inspirada debido a lo icónica que se volvió.

Para la preparación del papel, la actriz pasó dos semanas con una hermandad de universitarias, además de que se fijó en las clientas que entraban en la lujosa tienda Neiman Marcus para tomar referencias para Woods, que acudía a casi todos lados con su perrito chihuahua Bruiser, que en la vida real se llamaba Moonie y que falleció en 2016 con 18 años, una noticia que, además, se conoció gracias a la propia Witherspoon.

‘Una rubia muy legal’ no se quedó en cambios solo en lo que respecta a la universidad y la protagonista, sino también en su final. Y es que en un principio la película terminaba en el juicio, pero en los ‘test screenings’ que se hicieron el público pidió conocer más de Elle Woods y se grabaron nuevas escenas con ella y su interés amoroso al que daba vida Luke Wilson. Esto supuso trabajo de peluquería y ambos llevaron peluca, pues ella se había cortado el pelo para el rodaje de ‘La importancia de llamarse Ernesto’ y él se había rapado para ‘Los Tenenbaums’.

La película que despegó al estrellato a Reese Witherspoon

Tras el éxito de ‘Una rubia muy legal, Reese Witherspoon se consolidó como estrella en Hollywood y despegó una trayectoria que la hizo ser una de las actrices mejor pagadas, además de que la llevaría a lograr el premio Oscar por ‘En la cuerda floja’ en 2006. En los últimos años se ha convertido en un rostro habitual en televisión y plataformas, en parte por su trabajo en la productora ‘Hello Sunshine’ con la que ha acumulado un patrimonio de más de 400 millones de dólares.

Esto se debe a que Witherspoon se ha encargado de comprar derechos de novelas exitosas para adaptarlas al cine y televisión, en parte gracias a su famoso club de lectura ‘Reese’s Book Club’ fundado en 2017 y de cuya colaboración han salido éxitos que ha protagonizado como ‘The Morning Show’, ‘Big Little Lies’ o ‘Little Fires Everywhere’, así como otros títulos como ‘Todos quieren a Daisy Jones’.

Una bolsa llena de helados y polos, muchas botellas de agua fría y ventiladores. Son la clave con la que el equipo de Domani ha afrontado un rodaje cuya última semana (la quinta de las seis que durará) ha coincidido con una ola de calor que ha llevado a los termómetros madrileños a los 40 grados. La película, que supone el debut en la ficción de Santos Bacana, tiene a Madrid como un protagonista más de esta comedia frenética que narra algo más de 24 horas en la vida de un joven que vuelve a la ciudad desde Miami y se enfrentará a una sucesión de líos y enredos que le harán madurar de golpe y cuando menos lo esperaba. 

Todo el equipo la define como “un blockbuster de autor”, y mencionan la comedia felliniana como uno de los referentes de una película que tiene claro que quiere mostrar Madrid como no lo suele hacer el cine. Lejos de la imagen de postal. Siendo una carta de amor, pero una carta de amor realista, y en ese realismo la ola de calor ha entrado de golpe en su planificación. Santos Bacana lo abraza y dice que, de alguna forma, es parte del mismo Madrid, y que como tal hay que incluirlo. 

Eso sí, para ese día el calor ha dado algo de tregua. De hecho, por la mañana, una tormenta ha hecho temer por el rodaje de una escena para la que han montado un travelling en el Lago de la Casa de Campo. La película muestra 24 horas en orden cronológico, y así se ha rodado Domani. Por tanto, esta escena en la quinta semana de rodaje pertenece a un momento que, idealmente, ocurrirá en el atardecer. 

Tienen unas tres horas para lograr la magia. Tienen todo pensado: los raíles del travelling, la figuración corriendo para que la Casa de Campo parezca real… y helados para el equipo que mira desde el combo la conversación entre Daniel Ibáñez (protagonista absoluto) y Milena Smit, que ha entrado en la última parte del filme bajando las revoluciones de la comedia y llevándola a un sitio más reflexivo. Pero nunca puedes controlar todo, y algún grito de una barca al fondo del lago amenaza con colarse en la escena, aunque finalmente se quede en una falsa alarma.

Pocos minutos antes de rodar la escena, Santos Bacana se sienta en una terraza al lado del lago. Está tranquilo. Dice que esa tranquilidad la ha ido ganando con los días de rodaje, pero que las primeras jornadas no se parecían en nada a esta. A pesar de que la temperatura ha bajado, reconoce que la ola de calor les ha venido incluso bien. “Forma parte de ese Madrid en verano, un lugar que a veces se vuelve un poco árido y de pronto mágico cuando ya se mete el sol. Me está ayudando de alguna manera esa energía”, explica. 

Sus productoras coinciden. “La película transcurre en verano en Madrid, y todos sabemos la sensación de angustia que provoca. Esos sitios medio vacíos… Queríamos transmitir esa sensación de agosto en Madrid”, añade Cris Trenas, socia de Bacana desde hace años en Little Spain y codirectora junto a él de Esa ambición desmedida, el documental sobre C. Tangana. Trenas cuenta que su amigo tenía mucha prisa por rodar, pero que le convencieron de que, en la ficción, intentar trasladar que es verano sin serlo es muy complicado.

“Es que se ve en esas pieles, en esa cosa aletargada que te da el calor… Es verdad que los equipos tienen que estar activos, y hemos puesto más agua, más ventiladores… pero para el ritmo del rodaje ha estado bien”, añade a su lado María Zamora, productora de Carla Simón y Premio Nacional de Cinematografía, que recuerda que le sorprendió el guion —que Santos Bacana ha escrito junto a Clara Roquet y Edu Sola—, una comedia fresca, diferente y vibrante “sobre un hombre que no sabe decir que no”, como dice su director de un filme que ha sido el primer anuncio de Movistar Plus tras el cambio de todo su departamento de ficción original y que distribuirá Elastica.

El Madrid que no está en las postales

Domani quiere ser un homenaje a un Madrid que no suele enseñarse. Pero desde que Santos Bacana empezó a escribir esta especie de road movie cañí hasta ahora, Madrid ha cambiado mucho, y eso asegura que lo ha notado y está presente. Cuando él se fue a Los Ángeles en 2014, Madrid era una ciudad más local. “No tenía esta cosa de cruce de caminos, algo que en ese sentido es muy estimulante. No aparecían esas rarezas que a día de hoy se dan”, explica.

Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy. De alguna forma estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global

Santos Bacana — Cineasta

Es consciente de que “depende de en qué entornos se vive la gentrificación”, algo que cree que ha provocado “nuevas dinámicas y una nueva fauna con nuevos personajes”. Pone siempre el mismo ejemplo. Cuando llegaron a Madrid alquilaron una oficina en Las Vistillas y siempre iban a comer al Landó. Todos eran clientes clásicos de toda la vida. Ahora es un restaurante de alto standing donde va gente con mucho más dinero, muchos de fuera de España. 

“Siento que Madrid y el guion se han acompañado en ese sentido. Madrid es un lugar donde cada vez cuesta más encontrar a la abuela de Soledad, que es el personaje que interpreta Milena Smit, porque esos entornos se están alejando y cada vez es más habitual ver a dos francesas haciendo jogging. Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy, donde conviven y luchan muchos Madrides. De alguna forma en muchos casos estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global, y me interesaba eso verlo desde la piel de una persona española y madrileña”, comenta. 

Un blockbuster de autor

Desde las primeras comunicaciones sobre Domani, que buscará su lugar en los festivales de 2027, se ha hablado de ella como “un blockbuster de autor”. Bacana asegura que le gusta el término, pero admite que “hay algo pretencioso en la frase”. “No sé si va a ser un blockbuster ni si tiene la entidad de autor, pero me gusta aspirar a que la puedan entender mis colegas del pueblo, que se puedan echar unas risas, que la vean mi madre y sus amigas, que la entienda la gente de nuestra generación, y que dentro del mundo del cine pueda representar algo o contribuir a algo. Cuando recibes ayudas también interiorizas una responsabilidad por el cine de tu país, y yo quiero hacer algo que la gente se sienta orgullosa y piense que les representa”, señala. 

Cris Trenas añade que la expresión se la escucharon a un amigo de ambos de Los Ángeles y que Santos dijo que precisamente eso es lo que él querría hacer: “Creo que está en el ADN de todo lo que hemos hecho antes. Esta cosa de que Pucho delante de 20.000 personas en el WiZink puso a los flamencos. Colarte algo que a priori no contabas con ello. Que pienses que vas a ver algo más mainstream y que te cuele algo un poco más nicho. Queríamos abrazar esta idea de algo que sepa como un producto más comercial, pero que luego al final tiene algo muy autoral, muy íntimo y muy personal”.

Ahí entra otra de las peculiaridades de la película, que está rodada en 35 milímetros, y tiene una estética que juega a lo autoral. No obstante, como vuelve a subrayar María Zamora, con la confianza de que “puede llegar a un público amplio y a una generación amplia”, intentan que Domani sea “esa película generacional que España hace mucho tiempo que no tiene”.

En el momento en el que Hollywood abraza el efecto nostalgia, en parte por el éxito que conlleva, con nuevas entregas de sagas como ‘Toy Story', el próximo título al unirse a este fenómeno es una comedia romántica que celebra los 25 años desde su estreno en cines en Estados Unidos.

Hablamos de ‘Una rubia muy legal’, que debutó en 2001 y que se convirtió en todo un éxito de taquilla con 95 millones de recaudación con 18 de presupuesto y que llevó a su protagonista, Reese Witherspoon, a ser una de las actrices mejores pagadas de Hollywood. Ahora estrena su serie precuela en Amazon Prime.

Se estrena este 1 de julio y lleva por título ‘Elle’, en la que Elle Wood será interpretada por Lexi Minetree, tomando el relevo de Witherspoon, que participa como productora con su empresa, para dar a conocer los orígenes de la abogada antes de su paso por Harvard.

El estreno de la precuela en formato serie ha hecho que el elenco original de la comedia se haya reunido 25 años después y esto ha dado lugar a una interesante y divertida anécdota de uno de sus personajes más queridos, al que dio vida Jennifer Coolidge.

Jennifer Coolidge: “Tontamente pensé que hacía la audición para Elle”

Actualmente Jennifer Coolidge es una de las actrices de comedia más queridas de Hollywood, reinventándose, y venía de saborear el éxito en la saga ‘American Pie’ cuando recayó en el proyecto de ‘Una rubia muy legal’, y ha desvelado una divertida anécdota en la reunión con el reparto en el evento ‘Elle World’.

“No, pero sí quiero decir esto, porque me pareció divertidísimo. Tuve muchísima suerte de ser elegida para esta película, y es uno de mis trabajos favoritos de todos los tiempos, pero tontamente pensé que, durante la audición, iba a ser Elle”, bromeó la actriz, que, finalmente, dio lugar a un personaje muy querido.

Coolidge da vida en ‘Una rubia muy legal’ a Paulette Bonafonté, manicurista y gran amiga de la protagonista Elle Woods, siendo uno de los personajes más icónicos de la comedia junto a la principal, y demostró su carisma, que ha acabado de conquistar Hollywood con el paso de los años.

En el evento por el estreno de ‘Elle’, se reunió Coolidge con Reese Witherspoon, pero también con Ali Larter, Selma Blair, Victor Garber y Matthew Davis, así como también se unió la cantante Vanessa Carlton y el músico Hoku, que interpretaron ‘Perfect Day’ y ‘A Thousand Miles’ que formaron parte de la banda sonora.

La trayectoria de Jennifer Coolidge: de ‘American Pie’ a ‘The White Lotus’

En ‘Una rubia muy legal’ dio vida a uno de los personajes más queridos, y llegaba ya con el éxito de ‘American Pie’, donde interpretó a la madre de Stifler. Más tarde también participó en comedias como ‘Una cenicienta muy moderna’ y ‘Dos chicas sin blanca’.

Sin embargo, pasó por un período complicado, en el que aseguró incluso haberse rendido como actriz y pasar por una depresión, pero entonces le llegó lo inesperado: el reconocimiento de la crítica por el papel de Tanya McQuoid en ‘The White Lotus’, lo que la ha consagrado con varios Emmy y Globos de Oro.

Hubo un tiempo en el que la dupla formada por Seth Rogen y James Franco fue inseparable en el entorno de la comedia en Hollywood, con éxitos como ‘This Is the End’, la polémica ‘The Interview’ y ‘The Disaster Artist’, la última colaboración exitosa de ambos en 2017.

La acusación de acoso sexual por parte de cinco mujeres contra James Franco en 2018 dejó empañada la relación entre ambos de forma pública, tanto que se ha llegado al punto en el que Rogen ha admitido que no tiene planes de volver a trabajar con el que fue su compañero inseparable.

Seth Rogen no planea trabajar de nuevo con James Franco

Desde que se conocieran en la mítica serie de televisión ‘Freaks and Geeks’ en 1999, Seth Rogen y James Franco no solo arrancaron unas trayectorias de éxito, sino que sería el comienzo de una dupla que dominaría la comedia en Hollywood en los años siguientes y que estalló con ‘Pineapple Express’, traducido en España como ‘Superfumados’ después de que se consolidaran por separado por proyectos como ‘Spider-Man’ o ‘Superbad’.

La época dorada de la pareja de Seth Rogen y James Franco fue entre 2013 y 2014 debido al éxito que tuvieron protagonizando ‘Juerga hasta el fin’ (This is the End), una parodia viral del videoclip ‘Bound 2’ con Kanye West y Kim Kardashian, y la controvertida ‘The Interview’ sobre Corea del Norte y que ambos defendieron. El punto álgido, sin embargo, fue en 2017 con ‘The Disaster Artist’ sobre la peor película de la historia, y que le valió un Globo de Oro a Franco.

Sin embargo, todo cambió con las acusaciones de acoso sexual a James Franco en 2018, con una carrera que decreció para el actor, mientras que el que fue su colaborador, Seth Rogen sigue en su ascenso en Hollywood con proyectos como ‘The Studio’, en la que es escritor, productor, director y protagonista y que hizo historia al llevarse 13 premios Emmy.

En una reciente entrevista con The New York Times, el actor fue preguntado por su relación con el que fuera uno de sus mejores colaboradores y ha sido tajante al respecto: “Nada ha cambiado desde la última vez que hablé de todo esto y hace mucho tiempo que no trabajo con él, ni tengo planes de hacerlo”.

“Está el aspecto público, del que ya he hablado, y mantengo la misma postura pública que siempre he tenido, y creo que los hechos hablan por sí solos: no he trabajado con él en años. Pero el aspecto personal es muy complejo e involucra a personas que no sé si debería incluir en esto”, añadió el cómico.

Y es que al principio cuando se conoció la noticia afirmó que volvería a trabajar con él, unas declaraciones de las que se lamentaba más adelante, como en 2021 para Sunday Times: “Lo que puedo decir es que detesto el abuso y el acoso, y jamás encubriría ni ocultaría las acciones de alguien que las comete, ni pondría a sabiendas a alguien en una situación en la que estuviera cerca de una persona así. También recuerdo aquella entrevista en la que comenté que seguiría trabajando con James, y la verdad es que no lo he hecho ni tengo intención de hacerlo por ahora”.

Las acusaciones hacia James Franco

En 2018 fue cuando salieron a la luz las acusaciones de acoso sexual hacia James Franco por varias de sus alumnas de actuación. Algunas aseguraron que habían sido víctimas de la retirada de los protectores de plástico que cubrían la vagina durante el rodaje de escenas íntimas, y la ira del intérprete cuando las actrices se negaban a aparecer en topless. Dos de las denunciantes presentaron una demanda colectiva en 2019, por discriminación sexual, acoso sexual, prácticas comerciales fraudulentas e intimidación, con las que llegaría a un acuerdo extrajudicial en por 2,2 millones de dólares.

En pleno momento del ‘efecto nostalgia’ y del fenómeno ‘Backrooms’ que evidencia el buen momento que vive el terror en el cine, regresa una de las sagas más icónicas de este género, “Scary Movie”, cuya clave de su éxito fue mezclarlo con la comedia y que vuelve trece años después de su última película con una sexta entrega que aspira a batir récords tras su primer fin de semana en las salas.

Y es que ‘Scary Movie 6’ va camino de ser el mejor estreno de toda la franquicia, con una recaudación que superaría los 56 millones de dólares en su primer fin de semana en Estados Unidos, según datos de Deadline. Un regreso que hace contando con su reparto original, encabezado por la actriz Anna Faris en su papel principal, más de 25 años de su debut en la saga.

La actriz se convirtió gracias a su aparición en “Scary Movie” en una de las reinas de la llamada ‘comedia gamberra’, y le abrió carrera cuando menos lo esperó: “Nunca me sentí lo suficientemente atractiva para triunfar. Sabía que el rechazo sería parte del camino. La clave era ser valiente”, confesó en el podcast ‘Happy Sad Confused’, donde también admitió que volver fue como ponerse “un viejo par de pantalones vaqueros”.

Unos comienzos que no fueron nada sencillos para Faris, que no acababa de verse mentalmente preparada y sin creerse que fuera la seleccionada por los hermanos Wayans para la película: “Estaba en el avión camino de mi primer rodaje en Hollywood, pensando: No estoy preparada para esto, me van a despedir. Se han equivocado. No tenía representante. Era una desconocida en un lugar desconocido. Y de repente leo el guion y me quedo atónita: ¿de verdad tengo que quedarme pegada al techo por el semen de mi novio? ¿Me salen murciélagos de la entrepierna? No puedo hacer esto”, declaró para la revista Fotogramas.

Le cerró puertas y la encasilló: “Fue duro que me vieran fuera de la comedia”

Si bien la saga “Scary Movie” le dio fama, al mismo tiempo también hizo que se le encasillara dentro de la comedia: “Fue algo que definió mi carrera, porque yo nunca había hecho comedia. Cuando terminamos el rodaje, incluso antes de que se estrenara la película, alquilé un pequeño apartamento en Los Ángeles, cogí mi viejo Honda y empecé a hacer audiciones. Pero la gente en Hollywood tiene una imaginación muy limitada, y todos pensaban que yo solo servía para hacer comedia, así que no conseguía oportunidades en papeles dramáticos”, añadió en Fotogramas.

Todo ello a pesar de que Faris se veía mucho más cómoda en papeles dramáticos: “El drama era lo único con lo que me sentía cómoda. No entendía la comedia. Pero bueno, aquí estoy, aunque creo que todavía no la entiendo del todo. Siento que acabé convirtiéndome por accidente en una actriz de comedia física”, contó en la mencionada revista.

Anna Faris también lamentó en el podcast ‘Happy Sad Confused’ que no la vieran fuera de comedia y relató un ejemplo de ello cuando audicionó para la serie “Six Feet Under”: “Interpreté a una joven bajo los efectos del crack que recibe la noticia de la muerte de su padre. Alan empezó a reír en mitad de mi interpretación. Cuando terminé, solo me dijo: ‘Eres muy divertida’. Ahí comprendí lo difícil que era que me vieran fuera de la comedia”.

De hecho, la actriz también recuerda como esto le afectó en su paso por la película de “Lost in Translation”: “No sabía cómo modular mi personaje, estaba acostumbrada a un volumen alto y pensaba que estaba arruinando la escena. Al final aprendí a confiar en la esencia, aunque pareciera que no encajaba”, contó en el podcast.

Todo esto, sumado a su experiencia a lo largo de su trayectoria le ha llevado a reflexionar sobre la industria cinematográfica y el impacto en la autoestima de los intérpretes: “La industria es muy volátil y siempre me sentí un poco fuera de lugar. Conocí colegas que daban por hecho que el éxito estaba asegurado solo por el ambiente donde crecieron. Yo nunca tuve esa confianza innata”, reflexionó.

La relación de Scream y Scary Movie es simbiótica a varios niveles. Está el detalle tan comentado de que, mientras Kevin Williamson desarrollaba la primera entrega de su afamada saga de terror, fuera justamente Scary Movie el título tentativo. Lo que habría encajado de maravilla, teniendo en cuenta que sus postulados ya eran en sí mismo satíricos antes de que la verdadera Scary Movie se limitara a llevarlos un poco más allá. Scary Movie era la parodia de la parodia, una vuelta de tuerca que simbolizaba hasta qué punto la ironía se nos había ido de las manos a finales de los 90.

Luego está el hecho de que hayan compartido artífices desde el principio. El sello Dimension Films, bajo el paraguas de Miramax, bajo el control de Harvey Weinstein. Un mismo estudio auspició su saga de terror estrella y la saga destinada a burlarse de ella desde el principio, como un juego de ecos autocombustible donde ni siquiera había que disimular nada. Lo tenía todo por ganar, incluso los espectadores potenciales podrían parecerse, y así fue que la primera Scary Movie llegó en el año 2000 precedida por unos pocos meses de Scream 3. Un paisaje similar al que nos ocupa hoy, con una nueva Scary Movie siguiendo el taquillazo de Scream VII hace unos meses.

Que exista esta coordinación, ¿implica que son lo mismo? ¿Que, del mismo modo que el fenómeno Scream se ha ido apagando y sumiendo en una deprimente parálisis creativa, Scary Movie se ha conformado como algo cansino y moribundo? Pues lo cierto es que no del todo. No costaría defender que Scary Movie tenga una mayor integridad artística, un mayor compromiso por cuidar su fórmula, que lo que se ha ido sufriendo recurrentemente en la vecina Scream. Scary Movie, al menos, se ha expandido más allá de su concepción original para arrimarse al cine de terror aledaño y, mejor que peor, ir probando diversas formas de reírse de él con el paso de las entregas.

De hecho Scary Movie vendría a engrosar una tradición que la trasciende, todo un género al que se ha comprometido con mucha más firmeza que Scream con respecto al terror. Nos referimos a la spoof movie, a la parodia que tantos ilustres referentes tiene detrás, habiéndole regalado una fórmula sencillísima para fluir indefinidamente. Y por supuesto que terminó siendo excesivo, por supuesto que se convirtió en algo grotesco. La fiebre por los títulos de Leslie Nielsen acabados en “... como puedas” (según oportunistas traducciones al castellano) no fue nada comparada con las “movies”.

Lo que Scary Movie estaba haciendo con el terror bien podía hacerse con otros tipos de películas (incluso con cinematografías enteras, ahí tuvimos Spanish Movie en 2009), y hubo tal frenesí productivo como para que a mediados de la década pasada el asunto se considerara totalmente agotado. Pero ha pasado un tiempo prudencial. Del mismo modo que Scream regresó en 2022, ¿por qué no iba a hacerlo Scary Movie? ¿Manteniendo, como está mandado, esa ridícula moda del último cine de terror consistente en eliminar el número de la secuela si ya llevamos demasiadas y se pretende algún tipo de lavado de cara? Esta Scary Movie 6 vuelve a titularse Scary Movie a secas. Y aún así, cuenta con unas particularidades muy jugosas fuera de lo obvio de su razón de ser.

Los Wayans contraatacan

Lo interesante, entonces, de toda esa explosión de parodias facilonas estrenadas entre el 2000 y el 2013 —cuando, a un par de años de que con Scream 4 Ghostface se tomara un descanso, también se diera el asunto por rentabilizado en Scary Movie 5—, es que dejó cuentas pendientes por el camino. Los hermanos Wayans (Keenen Ivory como director más Marlon y Shawn en tanto a guionistas y actores) habían sacado adelante la Scary Movie inaugural. También Scary Movie 2. Llegada la tercera, sin embargo, Miramax prescindió de ellos para en su lugar darle la batuta creativa a David Zucker. Dado que este venía del trío de los ZAZ que tan central había sido en una fase previa de la spoof movie (entre Aterriza como puedas y Agárralo como puedas) era un cambio lógico.

Muy desagradable, aun así. Los Wayans no solo se quedaron fuera de Scary Movie, sino que vieron cómo sus competidoras directas —Disaster Movie, Epic Movie, Casi 300, etcétera— venían firmadas por Jason Friedberg y Aaron Seltzer, acreditados como cocreadores de la saga Scary Movie pese a que los hermanos juran y perjuran que no usaron nada de su guion. Los conflictos en esta dinastía de la spoof movie se hicieron si cabe más enrevesados cuando Marlon Wayans, años después, se lanzó a hacer sus propias parodias al margen de la marca estrella. Nacieron dos entregas de Paranormal Movie y una parodia de Cincuenta sombras de Grey llamada Fifty Shades of Black. Esto pasaba en 2016, así que hubo de enterrar la fiebre de explotación de una vez por todas.

Es importante acordarse de estos últimos títulos porque la nueva Scary Movie está más relacionada con ellos que con las últimas entregas de la saga titular. Más aún que su carácter de recuperación de una marca sumamente rentable, aquí está el gran reclamo de la sexta Scary Movie: vuelven los Wayans. Han recuperado su saga, han resistido al torbellino de movies de los 2000 y a la debacle de Miramax (con Weinstein apartado de la industria por las acusaciones de agresiones sexuales) para seguir riéndose de las últimas entregas de Scream y de cualquier éxito de terror circundante que les apetezca.

Que dirija Malcolm D. Lee (colaborador habitual de Marlon) confirma que esta reapropiación se ha completado del todo, con los Wayans escribiendo el guion mientras Marlon y Shawn retoman unos personajes ausentes desde Scary Movie 2. Así que la reapropiación va más allá de lo nominal. Verdaderamente hay una vuelta al estilo de las dos primeras películas porque los Wayans tienen unas preocupaciones cómicas concretas y definidas, tan proclives a brillar en la parodia como en propuestas tan personales —y tan memorables al cabo— como su película de 2004 Dos rubias de pelo en pecho. Todo un clásico que también tiene su incidencia en la última Scary Movie.

Un regreso muy personal

Los aciertos y errores de Scary Movie pertenecen, entonces, a la autoría exclusiva de los Wayans. Regresando a su vez Anna Faris y Regina Hall como protagonistas tras su ausencia en Scary Movie 5 no hablamos de una continuidad estricta sino de un retorno a las esencias, que llega a sorprender en algunos aspectos. Es decir. La costumbre de lanzar gracietas alrededor de un presente inmediato, estilo South Park, es endeble y tiene cerquísima su fecha de caducidad, al igual que un trasnochado talante 'antiwoke' favorecido por el devenir de la política estadounidense. Scary Movie hace muchos chistes sobre identidad de género y guerras culturales, del mismo modo que entregas previas se reían de las figuras públicas de Lindsay Lohan o Charlie Sheen. Es lo que toca. Es la saga que es.

Habría sido insensato esperar algo revulsivo de la nueva Scary Movie. Tampoco habría tenido sentido pedirle que refinara la fórmula de la spoof movie, como por cierto sí hizo admirablemente la última Agárralo como puedas el verano pasado. En este caso Akiva Schaffer apenas necesitó parapetarse en alguna película concreta para lanzar sus gags —si acaso Misión imposible—, con lo que Scary Movie vendría a ser su reflejo negativo. Hay tal fruición en ella por referenciar películas de terror (o películas a secas) que al parecer los Wayans incluso quisieron grabar más escenas a última hora este año para añadir chistes de Los pecadores o el biopic de Michael Jackson.

Y bien puede ser agotador. Y pedestre, por cuanto a veces solo son citas caprichosas o comentarios sobre la actualidad hollywoodiense. Pero entonces, ¿cómo se las apaña Scary Movie para conservar parte de la frescura de las entregas iniciales? Por fuerza, gracias a los Wayans. En su retorno providencial a una saga que sin duda echaban de menos los hermanos no han podido resistirse a insertar referencias a su drama tras las cámaras, con constantes guiños meta que llegan a ser indigestos en los minutos finales de la película. Es el peaje a pagar, por suerte, en este reencuentro con un discurso cómico propio. No especialmente original ni pulido, pero sí muy honesto.

Scary Movie, entonces, vuelve a hacer multitud de chistes sobre la experiencia afroamericana en EEUU —no puede resistirse a cubrir por ejemplo Déjame salir, pese a que ya haya transcurrido casi una década del estreno—; casi tantos como sobre drogas recreativas. En este sentido destaca evidentemente el personaje de Marlon, Shorty, vertebrando con él alguna concesión nostálgica a la primera entrega que por suerte se ejecuta con imaginación y mucha gracia, otorgándole a toda la película un aire de adolescencia revivida que en algunos puntos llega a ser hasta encantadora.

No es, en fin, una gran comedia. Ni siquiera hablaríamos de una “buena” comedia. Aun así tiene la suficiente cantidad de chistes como para permitirse funcionar por mera acumulación —y algún que otro chispazo de brillantez: las parodias de La sustancia y Weapons funcionan de maravilla—, manteniendo una entidad muy depurada dentro de los márgenes de la gamberrada cutre. Márgenes a los que se ajusta escrupulosamente, sin querer dejarse nada en el tintero ni respetarse un poco a sí misma —hay un extenso gag sobre Las guerreras k-pop que es bastante probable que se haya diseñado con Inteligencia Artificial—, para dar la sensación final de que los Wayans han dado todo lo que podían dar. Que se han pasado más de 20 años queriendo hacer esta chorrada, y se han quedado muy a gusto. Cómo no va a caer simpático un filme así.

Llegar a Netflix es para algunas películas toda una bendición, pues pasan de estar olvidadas por el gran público a convertirse en virales y encontrar su audiencia, que las descubre en muchos casos por primera vez, o bien aquellos que no la recordaban y que reviven viejos recuerdos. Así, no es de extrañar que ciertos títulos de cine aparezcan entre lo más visto de la plataforma a pesar de que ya tienen varios años o décadas.

En esta ocasión la beneficiada por ello ha sido una comedia romántica que se estrenó hace 21 años, pero que parece haber envejecido mejor de lo que muchos pensaban. Hablamos de ‘En sus zapatos’ (In Her Shoes), que se ha emplazado en el top 10 de Netflix con su entrada en el catálogo.

Reparto de lujo, pero denostada por la crítica española: “Cosas de chicas”

‘En sus zapatos’, película estrenada en 2005, es una comedia dirigida por Curtis Hanson, y que cuenta con un trío protagonista formado por Cameron Díaz, Toni Collette y Shirley MacLaine que encabeza el reparto y que es uno de los puntos fuertes de la cinta. La historia gira alrededor de dos hermanas huérfanas que son muy diferentes entre ellas y se pasan el día discutiendo, pues mientras Maggie triunfa en lo social con una vida laboral inestable, su hermana Rose es una exitosa abogada de Filadelfia que no se preocupa por su aspecto físico. Todo cambiará entre ellas cuando descubren que su abuela materna, aquella que creían muerta, no lo está.

Esa abuela es Shirley MacLaine, uno de los personajes más destacados de la película y que le valió ser nominada a mejor actriz de reparto a los Globos de Oro. Además, fue una gran defensora del largometraje, que, si bien contó con algunas reseñas positivas, especialmente en Estados Unidos, en España, por ejemplo, fue tildada de ser “cosas de chicas”, “solo para chicas (y novios bienintencionados” o “rozar la ñoñería”, como se puede leer en las críticas del momento en El País, ABC o Fotogramas, recogidas por el portal Filmaffinity.

Sin embargo, la veterana actriz, que protagonizó ‘El apartamento’ con Jack Lemmon en 1960, defendió que era algo más que una “película para mujeres, solo por el hecho de estar protagonizada por tres actrices”: “Es la historia de una familia que finalmente supera una tragedia terrible. La hija de mi personaje se suicidó. La madre de estas chicas también se suicidó y mi yerno —el marido de mi hija— no les ha dicho que tienen abuela. Vamos, es algo muy dramático. No es una película romántica. Es algo que afecta a toda la familia, y todas las familias del mundo viven algo parecido. Todas las familias son un ejemplo de una pequeña civilización”, aseguraba en su día durante la promoción del estreno.

Cameron Diaz no fue la primera opción

La película se basó en el libro del mismo título publicado por la escritora Jennifer Weiner, tuvo algunos pequeños cambios con la historia principal, pero uno de los más emotivos es el hecho de que se cambió la raza de la mascota de Maggie para promocionar la adopción de perros. Y es que pasó de ser un pug a raza mixta para inspirar al público.

Sin embargo, una de las curiosidades más desconocidas es que Cameron Diaz, una de sus principales estrellas protagonistas, no fue la primera opción para interpretar a Maggie Feller, sino que lo fue su compañera de reparto Toni Colette. Pero ella finalmente aceptó cambiar e interpretar a Rose después de que Sarah Michelle Gellar (‘Buffy Cazavampiros’) se retirara del proyecto y se necesitara una nueva actriz para el elenco.

‘En sus zapatos’ tiene además el extraño hito de ser una de las primeras películas que se lanzó solo en DVD, sin pasar por VHS, en un momento en el que este formato se encontraba en declive. Esta comedia romántica tiene también un pequeño guiño a su directora, pues en una escena en la que Maggie audiciona para MTV, en el ‘teleprompter’ se puede leer que se va a estrenar un nuevo videoclip de Eminem, y es que él fue quien dirigió ‘8 Mile’ que se basó en la vida del rapero.

Stephen Colbert ha hecho mucho más que hacernos reír los últimos 20 años. Su sátira política ha servido para explicar la financiación de los partidos o los abusos de poder. Su empatía ha canalizado conversaciones sobre el luto, la fe o la violencia. Puede que los guiones fueran mejores que los de otros shows, pero su sutileza detrás de los chistes es lo que probablemente marcaba la diferencia con los demás. 

Su despedida anoche, con elegancia y gratitud, fue una muestra más de lo que hacía a su programa especial. Con agradecimiento a la audiencia y al equipo, y sin la acritud de los tiempos marcados por el actual presidente. Fue una noche para la historia de la televisión en el teatro Ed Sullivan donde se grababa el programa y donde los Bealtes actuaron en 1964, en su mítica gira por Estados Unidos.

El final del Late Show este jueves, forzado por la CBS, es reflejo del momento en la vida pública de Estados Unidos: la operación inédita de control gubernamental de la televisión; la deriva autoritaria que no aguanta la crítica del poder, y todavía menos si tiene gracia; la crisis de los canales de información tradicionales en medio de la competencia de cualquier cosa en las redes, el volumen sin freno de contenido malillo, la falta de atención y la desconfianza de todo lo que suene a institución. 

Pensando en las últimas dos décadas se puede trazar una línea desde el debut de Colbert. Su primer programa en solitario, The Colbert Report, parodiaba a Bill O'Reilly, presentador de Fox News durante 15 años y opinólogo ultraconservador del programa más exitoso de la televisión por cable (Fox lo echó en 2017 después de años pagando para silenciar acusaciones de abusos sexuales). 

En 2005, en el primer episodio de su programa parodia, Colbert habló de la palabra “truthiness” (algo así como “apariencia de verdad”). Metido en su personaje de tertuliano ultra, Colbert explicaba que “no era fan de los diccionarios” porque eran “elitistas”. “No me creo los libros. Son todo hechos, no tienen corazón. Eso es lo que está separando al país… Estamos divididos entre los que piensan con la cabeza y los que saben con el corazón”, decía mientras en la pantalla aparecía un cartel “cabeza, mal; corazón, bien”. Y decía que el entonces presidente George W. Bush “sentía la verdad”, poniendo como ejemplos la invasión de Irak y un polémico nombramiento en el Tribunal Supremo. “La verdad viene de las entrañas”, decía Colbert, embebido en su personaje, que reflejaba bien lo que ya pasaba entonces. Los frutos más crudos de esa política de las entrañas están ahora a la vista. 

El papel de la televisión era y ha seguido siendo un elemento esencial que también ha alimentado los peores instintos amplificados después por las redes sociales y la potencia sin freno de Internet. Incluso los late shows como el que ahora presentaba Colbert.

Su antecesor en el programa nocturno de entrevistas y humor en la CBS, David Letterman, se disculpó hace unos años por haber contribuido a retratar a Donald Trump como alguien que no era, un multimillonario lleno de éxitos incluso cuando estaba al borde de la quiebra y exprimía a los contribuyentes neoyorquinos a fuerza de favores políticos.

Revistas y periódicos retrataron a Trump como un emblema del éxito e incluso la belleza -el primer perfil publicado en el New York Times, en 1976, lo comparaba con Robert Redford-. Pero cuando ya estaban claros sus trapicheos, bien entrados los 90, Letterman lo entrevistaba entre bromas y halagos sobre su fortuna sin el más mínimo escepticismo. Incluso poco antes de que Trump lanzara su campaña presidencial le pidió perdón por haberle llamado “racista” por la falsedad que repetía Trump de que Barack Obama no había nacido en Estados Unidos y, por lo tanto, no tenía derecho a ser presidente. Como otros, Letterman no se lo tomó suficientemente en serio y el vendemotos daba audiencia.

Hace unos días, como parte de la despedida del show que ha dejado de existir, Colbert y Letterman arrojaron sillones del plató de la CBS desde el tejado del edificio en el centro de Manhattan donde se ha grabado durante más de tres décadas el show que ambos han presentado. Era un desafío a las reglas de la televisión de no dañar sus propiedades ni arrojar nada desde el tejado, y, sobre todo, una forma de protesta por la cadena que ha capitulado ante las presiones del presidente. Tal vez era un buen símbolo de la tragicomedia. La que queda por contar no tiene buena pinta. 

Pero no siempre ha sido así y no siempre tiene que serlo. En un discurso a los recién graduados de 2006, Colbert alertaba contra quienes ya estaban de vuelta o decían estarlo: “El cinismo se enmascara en sabiduría, pero no puede estar más lejos de serlo. Porque los cínicos no aprenden nada, porque el cinismo es una ceguera autoimpuesta, un rechazo del mundo”. 

La sátira política seguirá pese a Trump y quien venga detrás. Entretanto, se notará la ausencia de Colbert, siempre irónico, nunca cínico.

El efecto nostalgia continúa dando sus frutos en la industria del cine y la televisión y se ha anunciado un nuevo proyecto que se basa en un título ya conocido como es el caso de ‘El jovencito Frankenstein’, un éxito de hace 50 años que regresará en formato serie de la mano de FX y Hulu, producida por 20th Television.

La serie, que llevará originalmente el título de ‘Very Young Frankenstein’, estará basada en una de las comedias de terror más queridas del cine, aunque según un ejecutivo de FX a Variety será “una versión completamente original”, todo ello aprobado por Mel Brooks, director de la película de 1974.

De los detalles que se conocen de esta nueva serie, lo que se sabe es que el piloto será dirigido por Taika Waititi, escrito por Stefani Robinson, ambos también como productores ejecutivos de un proyecto que los vuelve a unir en una comedia de terror con FX después del éxito de ‘What We Do in the Shadows’, que tuvo seis temporadas y buenas críticas.

Junto a ellos estarán como productores ejecutivos también Garrett Basch, Michael Gruskoff y Kevin Salter, así como Mel Brooks, que ha dado visto bueno a la adaptación que tendrá la película que en su día escribió junto a Gene Wilder.

Además, se conoce que el elenco será liderado por Zach Galifianakis como protagonista junto a Dolly Wells, Spencer House, Cary Elwes, Kumail Nanjiani y Nikki Crawford. La sinopsis podría girar en torno a los anteriores Dr. Frankenstein que intentaron dar vida a los muertos, aunque con resultados más hilarantes de lo esperado.

La parodia de las películas de terror de Universal que se convirtió en clásico

Con esta nueva serie, la película estrenada hace más de 50 años vuelve a la actualidad. El proyecto nació en su día como una parodia cariñosa del cine de terror de Universal de la década de los 30 y 40, y es por eso por lo que se rodó en blanco y negro por expreso deseo de imitación de Brooks, que se impuso a las exigencias de la productora, que la quería en color.

De hecho, Mel Brooks también consiguió usar el equipamiento original de ‘Frankenstein’ de 1931 porque descubrió que seguía existiendo y que se guardaba en el garaje de Ken Strickfaden, que lo había fabricado expresamente, dándole además el crédito que no tuvo con Universal.

‘El jovencito Frankenstein’ es uno de sus éxitos que superaron expectativas, contando con un presupuesto inicial de apenas 3 millones de dólares y recaudando finalmente más de 86, además de incluir dos nominaciones a Premios Oscar a Mejor Guion Adaptado y Mejor Sonido. La idea original había nacido del actor Gene Wilder, que escribió el guion necesitado de un proyecto después de varios fracasos en taquilla y para el que contó con Mel Brooks, con quien tuvo desavenencias y al que pidió no hacer un cameo en la cinta, como solía hacer.

Ambos no volvieron a trabajar juntos después de esto. Gene Wilder falleció hace diez años, en 2016, mientras Mel Brooks es una de las míticas figuras del cine que sigue vivo, a punto de cumplir los 100 años el próximo junio y con un resurgimiento no solo por el próximo proyecto, sino también con una secuela de su comedia ‘History of the World, Part I’ y con el próximo estreno de ‘Spaceballs: The New One’, con los papeles duales del presidente Skroob y Yogurt.

Capítulos cortos de entre 20 y 30 minutos, con tramas autoconclusivas en cada episodio y un reparto fijo de personajes que aparece en ubicaciones recurrentes. Es la definición más sencilla que podemos hacer de lo que es una “sitcom” o “comedia de situación”. Ejemplos encontramos cientos, con Modern Family, Cómo conocí a vuestra madre o The Big Bang Theory como algunas de las más míticas que llegaron a nuestra televisión.

Pero si hay una que fácilmente encabeza el ranking de las sitcoms más emblemáticas de la historia de la televisión esa es Friends. La serie creada por Marta Kauffman y David Crane se emitió entre 1994 y 2004 y, con un total 236 episodios en diez temporadas, ayudó a definir cómo debía ser una sitcom moderna.

El reparto interpretado por Jennifer Aniston (Rachel Green), Courteney Cox (Monica Geller), Matthew Perry (Chandler Bing), Matt LeBlanc (Joey Tribbiani), Lisa Kudrow (Phoebe Buffay) y David Schwimmer (Ross Geller) sin duda jugó un papel clave en este trabajo. Los seis protagonistas tenían personalidades muy marcadas, así que el grupo de amigos se acabó convirtiendo en el eje de todas las tramas, algo que fue una constante de muchas sitcoms que se estrenaron después.

A esto se sumaron los diálogos ágiles, los chistes y los escenarios repetidos, como el apartamento o la cafetería Central Perk, que acabaron siendo tan protagonistas como los propios personajes. Los premios hablan por sí solos del impacto que tuvo la serie. En total, esta recibió 62 nominaciones a los Emmy, obteniendo seis victorias, incluido el Emmy a la Mejor Serie de Comedia en 2002 y el de Mejor Actriz para Jennifer Aniston. 

La historia de la sitcom

Pese a los reconocimientos que obtuvo Friends, el género televisivo de la sitcom existía mucho antes de que Rachel y Ross salieran juntos. De hecho, la primera llegó a la televisión de Reino Unido hace ya 80 años. En concreto, fue en 1946 cuando la BBC estrenó Pinwright’s Progress, considerada la primera comedia de situación de la historia. 

La serie estuvo protagonizada por James Hayter y solo tuvo diez episodios, los cuales se lanzaron cada dos semanas. Una de las cosas más curiosas de esta sitcom es que los capítulos se emitían en directo y, como estos no se grabaron, no se conserva nada de aquel material. Los únicos recuerdos son fotografías que se hicieron durante la grabación del programa. 

La primera gran serie de este estilo que triunfó llegó un poco más tarde. Fue I Love Lucy (Te quiero, Lucy), comedia estadounidense que se transmitió por la CBS entre 1951 y 1957, la cual llegó a ser la serie más vista de Estados Unidos durante sus primeras cuatro temporadas (tuvo nueve en total). La sitcom se vendió a numerosos países, ganó cinco premios Emmy y catapultó la carrera de su actriz principal, Lucille Ball. 

Santiago Segura ha dicho muchas cosas durante la promoción de Torrente presidente, sobre todo en lo relativo a los periodistas. Ha dicho que tienen “este rollo de pedófilo en la puerta de un colegio”, les ha llamado “hijos de puta”, y durante una tensa entrevista ha lanzado asimismo unas ideas muy criticadas sobre el colectivo trans. Y acto seguido se ha disculpado. En otra entrevista aseguró que adora disculparse. “Me encanta pedir disculpas, soy feliz pidiendo perdón, es una liberación”.

Todo esto le da unos matices interesantes a la personalidad mediática de Segura, que salvo excepciones suele manejarse en público con perfecta humildad y palabras suaves que enmarquen un discurso levemente autolesivo. Es alguien, en efecto, que adora pedir perdón y admitir que no deja de equivocarse. Asume que esa es la mejor forma de nutrirse de un sentido común ciudadano al que su cine va dirigido, y que ateniéndonos a las cifras de taquilla sin duda logra abrazar con éxito. La cuestión es que ese sentido común contempla que los cameos de Torrente presidente sean figuras acusadas de violencia sexual y voceros de ultraderecha mientras la película afirma burlarse de su posible articulación política.

¿Cómo podemos leer esto? ¿Hay una contradicción, o simplemente el pobre Segura no deja de cometer errores? Vamos a proponer que Segura es consciente de lo que hace y que esto suscribiría una lógica de balanza: en cuanto dice o hace algo cuestionable, la disculpa sistemática desplaza al peso hacia el otro lado y forja un equilibrio, un (extremo)centro. Un lugar donde se supone que todo el mundo puede estar cómodo. La garantía tranquilizadora de la disculpa alivia la intensidad del apunte rancio y sobre todo —al eximir de una verdadera responsabilidad, pues todo se reduce a la imagen performativa— permite regresar al otro lado una y otra vez. Encogiéndose de hombros, siempre con una nueva y cínica disculpa asomando en los labios.

De eso va el fenómeno Torrente. De decir y hacer cosas espantosas, amparándose en una disculpa conceptual (la sátira, lo esperpéntico del personaje o lo que sea). Desahogar pulsiones con el freno de mano: un mecanismo tan sencillo como para reencontrarse con él en una película muy distinta a priori como es La familia Benetón +2. Aquí lidiamos con un filme destinado al público familiar y envuelto en otra coartada progresista. Mientras Torrente presidente se burla de la ultraderecha (con la complicidad de la ultraderecha), La familia Benetón +2 aboga por la multiculturalidad, alrededor de un padre cuyos hijos proceden de múltiples países a lo largo del mundo.

Así que el clan de Toni Benetón (Leo Harlem) lidia esporádicamente con el racismo de dos vecinos, interpretados por Llum Barrera e Iñaki Miramón. Estos, en la primera secuencia del filme, tachan de “menas” a los niños Benetón y temen que su familia haga un efecto llamada. Son, evidentemente, los malos de la película. La prueba de que La familia Benetón +2 tiene los valores en su sitio.

¿Qué ocurre más tarde, sin embargo? Minutos después de que el guion entienda como gracioso que una mujer negra tenga un pariente trabajando en el musical de El rey león, la trama se desplaza a algún lugar de África y nos ofrece una visión tremendamente estereotipada del continente. Apenas atina a distinguir país o región en él, siquiera, mientras nos planta al personaje de un brujo guiando el recorrido espiritual de Toni Benetón y, en un giro presuntamente cómico, resulta que la cabra que ha atacado al protagonista minutos antes es el dios de la tribu. 

Es una representación evidentemente (ferozmente) racista. De una caricatura obscena, análoga a cuando en la primera entrega de La familia Benetón el romance del hijo marroquí era visualizado como una parodia de Aladdin. ¿Tiene entonces los valores en su sitio? Pues se supone que sí, porque se ha disculpado. En este caso lo ha hecho de forma anticipada, gracias a la presencia de esos vecinos maledicentes como racistas extremos (y mezquinos, en oposición al racismo afable del resto de la película) que ejercen de contrapeso. La lógica de la balanza. Mejor pedir perdón que permiso.

El ocaso del cuñado

Ahora bien. Que estas sean las fuerzas en juego dentro de La familia Benetón no implica necesariamente que exista una maldad. En realidad volvemos a hablar de pulsiones, de inercias, que han perfilado un modelo de producción económicamente muy beneficioso. Es Bowfinger International Pictures (la productora fundada por Santiago Segura y María Luisa Gutiérrez) la que está detrás de este modelo, y este es sumamente dúctil acorde a las necesidades del mercado. Puede alumbrar Torrente, por qué no. También toda una ganadora al Goya a Mejor película, La infiltrada. Y desde luego puede producir cine familiar. A espuertas.

Como de lo que se trata es de nutrirse del sentido común —y este sentido común, con toda su normalización y su ventana de Overton escorada a la derecha, encaja bien con la lógica de la balanza—, podemos hablar de cálculo pero, insistimos, no necesariamente de maldad. Porque si existiera una maldad real las películas expresarían algo de sí mismas, existiría una voluntad (malvada) de intervenir la realidad mediante el cine. No vamos a ser tan paranoicos o tan benevolentes como para concederle eso a estas películas. Porque lo que caracteriza a todas estas películas, antes que cualquier otra cosa, es que están muertas. Todas y cada una.

Están muertas a un nivel tanto narrativo como formal: hablamos de una estética que ya no es la del contrapeso o la de la normalización conservadora sino la del vacío. La estética de Padre no hay más que uno, otro gran buque insignia de Bowfinger, al que La familia Benetón fija como referente indiscutible. Las sagas de Padre no hay más que uno y La familia Benetón (asumiendo prudentemente que habrá más entregas de esta última) están discurriendo del mismo modo. Sus entregas inaugurales nos presentaban a un personaje masculino (el Javier de Segura, el Benetón de Harlem) que debía aprender una lección. Debían pasar de ser un padre irresponsable y un irresponsable con dejes racistas, respectivamente, a ser luminosas figuras paternas.

Hablábamos de un arco que ya quedaba completo en estas películas inaugurales. Así que, ¿cómo seguir a partir de ahí? Pues acudiendo a los brazos de la sitcom familiar. Poniendo en suspenso cualquier desarrollo de personaje en función a las peripecias y las tramas de la semana. Desde aquella primera película —y hasta que Segura echó demasiado de menos a Torrente, porque en el papel de Javier no podía decir cosas tan divertidas—, Padre no hay más que uno huyó hacia adelante. Y es lo que apunta a ser La familia Benetón +2, una vez el personaje de Harlem ya es un padrazo y lo único que le queda por hacer es ayudar a sus hijos con los avatares del día a día.

En La familia Benetón +2 es especialmente acusada la sensación de ver varios episodios de una serie ensamblados sin organicidad alguna. Ni siquiera termina de fluir el componente coral que aclimató Médico de familia como patrón oro al que se arrima Bowfinger, y tan pronto hay que centrar el metraje en los nuevos bebés que debe cuidar Toni como marcharse a toda prisa a esa África exotizada. La película va totalmente a la deriva, sin que ninguna risa enlatada acuda a legitimar esos chistes mientras sufre una rampante crisis de identidad.

De esto último la promoción de La familia Benetón +2 ha sido bastante ilustrativa, pues ha colocado a Harlem en primer plano con dos vídeos (Máster en Cuñadismo 1 y Máster en Cuñadismo 2) donde el actor echa mano del personaje que desarrolló en su etapa de monologuista, y que a partir de El mejor verano de mi vida en 2018 ascendió a criatura cinematográfica. Mediante este personaje —que alegremente acepta la palabra “cuñado” como descripción—, Harlem vende La familia Benetón +2… pero el personaje ya no existe como tal. Toni Benetón ya no es un cuñado. Solo es un buen hombre superado por las circunstancias, tal y como lo es El Langui, su escudero en el filme.

Así que estos Másters en Cuñadismo son publicidad engañosa. Prometen una determinada propuesta cómica y apuntan a vender un filme continuista de Torrente que en realidad no es tal (o que, si lo es, no lo aparenta desde el tono y grosor de sus chistes). Un lío, en fin, que a la larga no le importará a nadie pero puede dar medida de lo gris y despersonalizado que es todo este entorno. Ayuda a recontextualizar la película, además, y a tener algo en lo que pensar por lo menos.

Una de las subtramas de La familia Benetón +2 es capaz de propiciarlo también. Por suerte, por unos instantes. Alude al hijo marroquí, que quiere ser cantante y ficha por una discográfica. Esta discográfica, sin embargo, propone limar todas sus particularidades culturales pues sostiene que lo que más vende es el término medio, la falta de carácter. Así que le obliga a modificar su aspecto y su personalidad en pos de estos condicionantes. Al final el chaval lo rechaza, se obstina en ser él mismo y en celebrar su identidad, y resulta ciertamente desconcertante, pues la película, este modelo de producción nocivo y agotador, trabaja en las mismas coordenadas exactas que la discográfica. ¿Estará otra vez pidiendo perdón?