Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

Recuperamos un episodio que está (por desgracia) vigente. Hace tres años se cumplía el 20 aniversario de la gala de los Goya que reivindicó el ‘No a la guerra’ contra la guerra de Irak. Hoy, en 2026, ese grito sigue teniendo mucha actualidad en torno a la guerra de Irán. 

Escuchamos a los actores Alberto San Juan y Juan Diego Botto, dos voces que vivieron aquella gala del ‘No a la guerra’ en primera persona. Y hablamos con Javier Zurro, periodista experto en cine de elDiario.es.

 *** Este episodio se emitió por primera vez el 9 de febrero de 2023 ***

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Pasearse por la alfombra roja de un festival de cine pero no saber recomendar ni una película. La presencia de influencers con muchos seguidores en redes sociales se ha convertido en algo habitual en festivales y premios de cine, lo que genera críticas dentro de la propia industria.

“Pues no sé ahora... Una peli, ¿qué rollo?”, respondía la influencer Ona Gonfaus a una reportera que le pedía alguna recomendación en la alfombra roja del Festival de Málaga este fin de semana. “Una peli española, ya que estamos aquí”, lo intentaba la reportera. “Pues, mira, la nueva de Ocho apellidos”, respondía al fin Gonfaus, en referencia a Ocho apellidos marroquís, de 2023. 

Así, la influencer, que acumula 1,8 millones de seguidores en TikTok y más de medio millón en Instagram, hizo explotar un debate que viene años gestándose. Es fácil encontrar el parecido a la escena en la que María Pombo, también influencer, le pregunta al actor Miguel Ángel Silvestre si Terciopelo azul, de David Lynch, “¿no será porno o algo así?”, después de que él se la recomiende en el Festival de Cine de San Sebastián.  

“Situaciones así hacen que se banalice el evento y, en cierto modo, se desvirtúe y se denigre el trabajo de los actores y de toda la industria”, opina el equipo de representantes Ruth Franco, hartos de que cada vez se invite “a más gente que no tiene ningún conocimiento sobre cine ni relación con la industria”. Para ellos, la presencia de influencers resta visibilidad a los profesionales que trabajan en el cine y que, defienden, “son quienes representan y sostienen el sector”.

 “Nada en contra de las influencers, pero yo estaba en pijama en mi casa. Excepto cuando fui nominada y al año siguiente, ni antes ni después me han invitado nunca”, respondía la actriz Yolanda Ramos a un vídeo del actor Marc Biarnés sobre la presencia de creadoras de contenido en la última gala de los Goya.

“¿Qué pintan determinados influencers en la gala del cine español? Nada, ya te lo digo yo”, valora Biarnés en el vídeo. Desde la italiana Chiara Ferragni, hasta las tiktokers Fabiana Sevillano o Elena Gortari, pasando por Dulceida o Laura Escanes, las creadoras de contenido no quisieron perderse la fiesta del cine español el pasado 28 de febrero en Barcelona. “Me parece una falta de respeto por parte de la Academia de Cine y por parte de todas las instituciones que hay detrás, que haya miles de actores, técnicos, que no han pisado jamás la fiesta del cine español y se tiran todo el año haciendo cine”, opina el actor y humorista.

“Es la fiesta del cine español, y lo que tienen que primar son los actores y las actrices. Con todos mis respetos a todo el mundo, yo no voy a una gala del Balón de Oro ni doy un balón de oro a nadie”, incidió en Málaga la actriz Norma Ruiz, que, pese a haber hecho cuatro películas en el último año, tampoco fue invitada a la gala. “Lo de las influencers me parece muy bien pero no hacen cine”, se sumaba Carmen Maura. “Yo creo que los actores deberían estar más presentes en la gala de los Goya”, reivindicaba la actriz Andrea Duro. “¿Quiénes son? ¿Qué hacen?”, preguntaba sarcástica Victoria Vera a los reporteros en Málaga.

“Hemos construido un mundo donde crear algo —una historia, un personaje, una imagen que alguien no olvidará en 20 años— vale menos que acumular seguidores”, escribía al respecto Isabel Coixet en El País. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, también preguntado por la polémica, quiso remarcar que “todo el mundo tiene su lugar” en estos eventos de promoción del cine y dejar claro que las invitaciones de la gala de los Goya dependen de la Academia de Cine.

Por su parte, la Academia ha aclarado a través de Europa Press que los influencers que acudieron a la gala de los Goya lo hicieron “asociados a los patrocinadores” que participan en la organización y promoción de la gala pero que en ningún caso sustituyen a profesionales del sector, reafirmando su política ya habitual en cuanto a la repartición de invitaciones entre las empresas colaboradoras.  

“Yo a nivel cine obviamente no pinto nada, pero creo que a nivel exposición en redes y poder enseñar todo esto y seguir aportando mi granito de arena al cine español, yo, feliz, y lo seguiré haciendo todos los años más que me lo permitan”, declaraba estos días Lola Lolita, con más de 13 millones de seguidores en TikTok, en el Festival de Málaga. 

La selección de los influencers que acuden a este tipo de eventos depende de las propias marcas patrocinadoras o de los organizadores, explica Paloma Miranda, CEO de la agencia de representación de creadores de contenido Grupo Go. “Son ellos quienes invitan a los perfiles que consideran más adecuados según sus objetivos de comunicación, el tipo de audiencia al que quieren llegar y el contenido que esperan generar alrededor del evento. Al igual que son ellos los que pagan a la gala y a la industria como patrocinadores”, explica Miranda, que apunta a la importancia de hacer esa selección “con mayor criterio”, así como de que los influencers que acuden “se preparen y se informen sobre el contexto del evento, las películas o los profesionales presentes”.

“Entendemos perfectamente las críticas que han surgido desde parte de la industria”, reconoce la experta en influencia. “Sin embargo, creo que hay una parte que no están poniendo en valor: las nuevas audiencias descubren películas, series o eventos culturales a través de redes sociales y de los creadores en los que confían; y en ese sentido, la presencia de influencers puede ayudar a amplificar estos eventos y a acercarlos a públicos más jóvenes. Ese es exactamente el papel que tienen allí y no otro”, defiende Miranda, que anima a plantearlo como una convivencia de roles en lugar de una sustitución.  

Tras el gran éxito en el cuadragésimo aniversario de los premios Goya, donde cosechó cinco galardones, entre ellos el de “mejor dirección” y “mejor película del año”, Alauda Ruiz de Azúa -junto a la joven Blanca Soroa- llenó este jueves el salón de actos KMK, en el convento de Santa Teresa de Donostia. En el ciclo 'Diálogos de cineastas 2026: Cine e interpretación', la directora y la actriz protagonista desgranaron el proceso creativo de la película aclamada por el público, 'Los domingos'.

La historia de Ainara, una chica de 17 años con vocación religiosa que quiere ser monja y genera un conflicto familiar, nace de la curiosidad. Durante su etapa universitaria, la guionista y directora, conoció el caso de una joven que había ingresado en una orden religiosa de clausura. Con una educación laica, Ruiz de Azúa reconoció en ese mundo desconocido “una posible historia”.

Aunque la idea le parecía “una locura”, la directora confiesa haberla compartido con los productores de 'Cinco lobitos'. Recuerda que, al principio, “les chocó”, pero al comenzar a discutirla se dieron cuenta de que “generaba muchísimas conversaciones y dilemas”. A partir de ahí, en 2022, comenzó a documentarse de manera rigurosa sobre las vocaciones religiosas actuales y su impacto en las familias.

De esa rigurosidad nació el guion, del cual la directora reconoce haberse desprendido, sobre todo cuando aparecieron los intérpretes. “Sabes que eso que has escrito va a cambiar de alguna manera, pero va a ser para bien, porque entran ellos con sus sensaciones y sus ideas”, afirma. Soroa lo corrobora recordando una conversación con Ruiz de Azúa sobre cómo se comunicaría en uno de los diálogos; al día siguiente, la directora tenía reescrita la escena.

El hecho de que “una dramaturga reescribiera y escuchase tanto a a los actores” fue una grata sorpresa que Soroa se llevó en su primera experiencia como actriz. Para la directora, esta metodología resulta coherente para lograr mayor naturalidad en los diálogos. Algunos cambios también surgieron de improvisaciones. Durante los ensayos, Ruiz de Azúa grababa conversaciones y pruebas actorales para capturar los “pequeños destellos que se sienten muy naturales”, que terminaron integrándose en la historia.

En esa misma línea de naturalidad se desarrolló el 'casting' de Soroa. La directora asegura no haber descartado “ninguna vía”, ya que la convocatoria se extendió a escuelas de interpretación. Sin embargo, el equipo de casting recomendó ampliarla a colegios de Bizkaia. Entre entrevistas, improvisaciones de siete minutos y pruebas actorales, Blanca Soroa se hizo con el papel de Ainara. La actriz reconoce haber ido al casting “a probar y jugar”, describiendo el proceso como divertido, pero triste de terminar.

Durante el rodaje, emprendió otro camino: tratar de entender a su “yo actriz”. En ese camino descubrió que “actuaba desde la verdad, desde creer realmente lo que le está pasando al personaje”. Cuando Ainara experimenta “la llamada” en el funeral de su abuela, Soroa utilizó un pinganillo para escuchar susurros de Ruiz de Azúa interpretando a dios. La actriz afirma haber vivido un intensivo de interpretación durante cinco meses junto a actores profesionales como Patricia López Arnaiz o Miguel Garcés. Terminará el bachillerato este junio y espera estudiar psicología y realizar cursos más específicos de interpretación.

De cara al futuro, Ruiz de Azúa desea reducir su carga de trabajo tras siete años y cuatro proyectos terminados. Aun así, asegura que mantendrá su misma forma de trabajar en próximos proyectos: historias que nacen de preguntas personales y se transforman a través del proceso creativo compartido con el reparto. “El trabajo conjunto con los actores es el corazón”, subraya la directora, resumiendo su proceso.

“En 40 años de Goyas en esta categoría, que yo sepa solo han ganado tres mujeres”, empezó diciendo Alauda Ruiz de Azúa al recibir el premio a Mejor Dirección en la pasada gala de los Goya. La directora, que consiguió cinco estatuillas con su película Los domingos, terminó el discurso haciendo referencia a las diferencias que han marcado esta categoría. 

“Por esa razón me gustaría agradecer el reconocimiento a todas las personas que han entendido que el talento no entiende de género, pero que las oportunidades históricamente sí han entendido de género”, añadió durante su discurso la cineasta que consiguió el Goya a Mejor dirección novel en 2022 gracias a Cinco Lobitos. 

Pero lo que la directora y guionista puso sobre la mesa no es caso único en los premios del cine español. Desde que los Oscar entregaron su primera estatuilla en 1929, más de 400 directores han sido nominados a Mejor dirección. Sin embargo, solo nueve mujeres han sido destacadas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en esta misma categoría. 

De ellas, tan solo tres han conseguido llevarse el galardón. La primera fue Kathryn Bigelow (2010), que consiguió el premio con su película En tierra hostil. Luego fue el turno de Chloé Zhao (2021), que se convirtió en la segunda ganadora por su trabajo en Nomadland; y después de Jane Campion (2022), la tercera galardonada por haber dirigido El poder del perro. 

Los nombres que hicieron historia

En España, las tres mujeres que además de Ruiz de Azúa han conseguido llevarse a casa el Goya a Mejor dirección son Pilar Miró, Icíar Bollaín e Isabel Coixet.

La primera en conseguirlo fue Miró, que se alzó con el galardón en 1996, cuando los Goya ya llevaban diez años entregando estatuillas. El premio lo ganó con El perro del hortelano, penúltimo largometraje que dirigió antes de su fallecimiento, el cual estaba basado en la comedia homónima escrita por Lope de Vega.

Siete años después del reconocimiento a Miró fue el turno de Bollaín, Mejor directora por Te doy mis ojos en los premios al cine español celebrados en 2004. El largometraje, que tuvo como protagonistas a Laia Marul y Luis Tosar, puso sobre la mesa el tema de la violencia machista, y también consiguió llevarse el premio a Mejor película en aquella edición de los Goya. 

La tercera protagonista de esta historia es Coixet, que en 2006 consiguió la estatuilla con su película La vida secreta de las palabras. La cineasta es la única mujer que ha conseguido el galardón dos veces: el segundo fue con La librería, adaptación de la novela homónima de la escritora inglesa Penelope Fitzgerald.

La gala de los Goya discurrió entre el glamour de la alfombra roja y los dardos reivindicativos característicos de este tipo de actos de la industria cinematográfica, en un día que amaneció con la noticia de las bombas caídas sobre Irán, fruto de un nuevo ataque preventivo, ilegal y unilateral de los EEUU y de su aliado Israel, provocando un nuevo conflicto que tiene al mundo en vilo. De hecho, la velada empezó con los presentadores, Luis Tosar y Rigoberta Bandini, luciendo ostensiblemente un pin con la bandera palestina en la solapa, para denunciar el genocidio en Gaza, y con una explícita condena de la violencia, marca de la casa, pues ya tuvo lugar algo similar en la misma ceremonia con motivo de las guerras de Irak o Ucrania, como se encargó de recordar el actor gallego. Bandini lamentó incluso la orden israelí de expulsar a las ONG de Gaza y Cisjordania, entre ellas a Médicos Sin Fronteras, que ha ahondado más si cabe en la crisis humanitaria que sufre la asediada población gazatí. 

Además, muchos de los asistentes a la gala lucían en su pechera chapas donde se leía el mensaje Free Palestine. Con una chapa de 'Free Palestine' recogió precisamente su Goya de honor una emocionada Susan Sarandon. También hizo lo propio Nagore Aramburu, la primera premiada de la noche como mejor actriz revelación por su papel en Los Domingos. Miki Esparbé, en una breve alocución, significó que “El mundo está muy mal (…) Tenemos que aprovechar esta alfombra roja para utilizar nuestro altavoz y recordar que la cosa sigue estando muy cruda allí”, en relación al conflicto de Palestina. “Parece que estemos en una especie de distopía donde hay unos señores jugando al Risk”, en velada referencia a Donald Trump y al conocido juego de estrategia sobre cómo conquistar el mundo.

Pero no en todas partes sucede lo mismo. Como si de un caso de justicia poética se tratara, la película Yellow Letters, del cineasta turco-alemán Ilker Çatak, sobre la censura de las autoridades turcas a una pareja de artistas, ganó hace unos días el Oso de Oro a la mejor película del festival de cine de Berlín. Y es que el prestigioso certamen estuvo marcado desde el inicio por las declaraciones del jurado presidido por Wim Wenders, en las que lejos de condenar la matanza de Gaza abogó por mantener a la Berlinale alejada de la política, en línea con la pusilánime actitud de gobiernos como el alemán y de la UE en el caso de Gaza, y anticipándose a la posición de los gobiernos teutón. Británico y francés en el caso de Irán. Y claro está, tanta tibieza no hizo más que enojar a gente como Arundhati Roy, autora de El dios de las cosas pequeñas, que canceló su visita a Berlín por entender que se estaba silenciando un crimen contra la humanidad. En este proceloso contexto, el director palestino-sirio Abdallah Alkhatib, premiado por la mejor Ópera Prima con Chronicles From the Siege al recoger su galardón acusó al gobierno alemán incluso de complicidad con el genocidio de Israel en la Franja. La directora de la Berlinale, Tricia Tuttle, tuvo que salir al paso al final diciendo que alzar la voz forma parte de la democracia. Pero al parecer esto no la ha salvado de estar en la cuerda floja pues puede que sea sustituida en cualquier momento. Quizás haya entendido que la libertad de expresión es un elemento que debe estar presente en la creación, y especialmente en el corazón de Europa en estos momentos. Lo contrario es el triunfo definitivo del autoritarismo de Trump, Putin o Xi Jingping. 

Además, el cine y la política van unidos desde siempre, todo lo contrario de lo que afirmó el admirado realizador de París Texas, para quien el cine —dijo— es el contrapeso de la política. Al contrario, como arte de masas, el cine ha contribuido a entretener, pero también a crear universos de poder simbólico como vehículo de propaganda de regímenes totalitarios —recordemos las películas de Leni Riefensthal al servicio del gabinete de propaganda de Goebbels o los noticiarios fascistas al estilo NO-DO de la España de Franco) o la cruda denuncia, ya en democracia, de conflictos como los de los Balcanes (En tierra de nadie), la guerra de Irak (En el valle de Elah o Fahrenheit 9/11) o Ucrania (Mariupol). Ciertamente, gran cantidad de películas del Hollywood actual —la saga de Star Wars, Independence Day, En tierra hostil o El francotirador— han cultivado la idea de que EEUU está librando una batalla en el marco de un choque de civilizaciones como el que preconizaba Samuel Huntington, en el que los malos son identificados con terroristas armados hasta los dientes y los buenos gozan de poderes especiales para salvar a la humanidad. Pero también ha habido en el cine preguntas profundas y de signo contrario, por ejemplo sobre la proliferación negativa de las armas y las matanzas indiscriminadas (Bowling for Columbine). La emergencia del cine independiente (indie) no deja de ser el resultado de la voluntad de separar el cine de arte de este Hollywood de moral uniforme. 

Existe, pues, una tradición cinematográfica crítica con las injusticias, las guerras o el poder de las grandes corporaciones. Quién no recuerda películas tan celebradas como Caballero sin espada, de Frank Capra, donde se proyectaba una imagen vigorosamente idealizada de la democracia en un país como el estadounidense, que no pasa por su mejor momento bajo la égida de Donald Trump. O las de denuncia de todo tipo de villanías públicas como Todos los hombres del presidente, de Alan J. Pakula, sobre el caso Watergate, o sobre la discriminación racial como Do the right thing o Malcom X de Spike Lee. O incluso filmes que evidencian el crecimiento de las desigualdades y del malestar por una prosperidad con grandes diferencias entre la población (El capital o Comportarse como adultos de Costa-Gavras, El Lobo de Wall Street de Martin Scorsese, La Gran Apuesta de Adan MacKay, e Inside Job de Charles Ferguson).

En suma, si el cine es un vehículo que ha servido para evidenciar la corrupción, defender los derechos civiles o criticar el estilo de vida desaforado del capitalismo especulativo que exacerba los peores instintos, es lógico que en la gala de los Goya o en el festival de Berlín —o en los César, los BAFTA o los Gaudí— se quiera reflexionar sobre el pacifismo o denunciar las maldades de la geopolítica actual, a menos que una industria cultural tan potente como el cine se deje colonizar también por el creciente autoritarismo posdemocrático y el capitalismo falto de moralidad que desgraciadamente parecen regir nuestros destinos.

Con cinco estatuillas, Los domingos se convirtió en la gran triunfadora de los Premios Goya 2026, al ganar las categorías más relevantes como son, por ejemplo, las de Mejor película, mejor dirección y mejor guion original, así como el de mejor actriz y mejor actriz de reparto.

Un camino que completa el que comenzó al ganar la Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián 2025, y que confirma a su directora, Alauda Ruiz de Azúa tras ganar el Goya a Mejor dirección novel por Cinco Lobitos y triunfó también con la miniserie Querer, en la que habla de la violencia silenciada en el matrimonio.

Los domingos es una película que Alauda Ruiz de Azúa comenzó a gestar sin ser consciente hace tres décadas, cuando le tocó de cerca una historia que 30 años después le serviría de inspiración para el largometraje con el que se ha consagrado en los Premios Goya.

De qué trata ‘Los Domingos’, la película protagonista de los Goya 2026

Tras los cinco Goya, Los Domingos se ha convertido en la película del momento del cine español. El largometraje se centra en Ainara, una joven de 17 años de una familia de clase media de Bilbao, huérfana de madre, que decide ser monja de clausura, una noticia que trastoca a su familia, creando diferentes bandos y que nos lleva a crear debate sobre temas como la razón y la fe. Aunque más allá de ello, Alauda Ruiz de Azúa vuelve a poner a la familia como el centro de la historia, al igual que en la mayoría de sus anteriores trabajos, mostrando el carácter complicado de las relaciones familiares.

De ahí que el origen del título, confirmado por la directora, viene tanto de la jornada en el que se suelen producir las reuniones familiares, así como el día de la liturgia en la religión católica, siendo su día sagrado, con lo que cubre los dos temas principales sobre los que gira la película.

La historia real que inspiró a Alauda Ruiz de Azúa

Alauda Ruiz de Azúa es tanto la directora como guionista de Los domingos, que se basa en parte en una historia real, como confirmó en una entrevista en la revista Fotogramas: “Es una historia que me acompaña desde hace mucho tiempo cuando, con 18 o 19 años, una chica cercana a mí ingresó en una orden religiosa. Me llamó mucho la atención que alguien tomara esta decisión tan radical que yo viví como una renuncia a la vida”.

Recordó también en Onda Cero como esta historia se produjo en un momento en el que entre su generación se dio también “fascinación por esas mujeres que se casaban con Dios” y así fue como este tema estuvo en una libreta durante tres décadas, pensando en los motivos desde su perspectiva laica.

Cómo se gestó la película ‘Los domingos’

La directora recuperó este tema e historia de hace 30 años cuando después de rodar Cinco Lobitos, sus productores le preguntaron por su siguiente proyecto y ella vio que era el momento idóneo para dar vida a esa inspiración que había escrito en su bloc de notas a los 18 años.

En el momento de ponerse a desarrollar Los domingos, quiso hacerlo más como “una antropóloga o una socióloga”, y es ahí cuando entrevistó a chicas que habían vivido ese proceso, familiares con monjas de clausura, educadores religiosos y sacerdotes, para representar todo con fidelidad. Porque desde el principio, Alauda Ruiz de Azúa quiso contar dos puntos de vista: “A mí me interesaba generar un relato en el que el espectador se preguntara hasta qué punto la decisión de Ainara es algo genuino, espiritual o si hay también factores como la soledad o los conflictos psicológicos”, relató en una entrevista.

“¡Que vivan los Fernández!”. Claro, corto y al pie, el discurso de Antonio (Toni) Fernández Gabarre ha trascendido más allá de las palabras. Ciudad sin sueño, la película que le hizo subir al escenario de los Premios Goya y recibir la estatuilla al Mejor Actor Revelación, narra una vida que él conoce bien: la que aún resiste en la Cañada Real Galiana, el asentamiento chabolista más extenso de Europa que se quedó sin luz en octubre de 2020. En el filme de Guillermo Galoe, Toni interpreta a un joven con una vida similar a la suya, e incluso el mismo nombre.

Su personaje pertenece a una familia gitana de chatarreros que vive en la Cañada Real. Con el avance de los derribos de viviendas a su alrededor, tiene que plantearse si abandonar aquel hogar o luchar para quedarse. El largometraje dibuja un conflicto social lleno aristas, ya que mientras su abuelo se niega a marcharse de un paraje que considera único, su madre trata de convencerle desde el otro lado para que sus hijos crezcan en un lugar con suministro eléctrico, agua, espacios culturales o zonas de ocio. La noche del domingo, cuando Toni Fernández –el actor, no el personaje– levantó su galardón ante la mirada del cine español no habló de cumplir un sueño, ni de cómo es desfilar por la alfombra roja. Habló de su barrio.

“Se lo quiero dedicar a toda mi familia, que está en la Cañada”, concluyó en un discurso breve y donde no olvidó agradecer la oportunidad al equipo de producción de la película, al director que retrató su casa o a sus compañeros de nominación, “que son unos cracks”. Para esta categoría competía con actores más experimentados como Julio Peña (El cautivo), Hugo Weizel (Enemigos), Jan Monter Palau (Estrany riu) o Mitch (Romería). En los pasillos del Auditorio Fòrum de Barcelona, cuando la gala ya había terminado, el joven reconoció lo nervioso que estaba.

“Tengo un nudo de nervios que no se va del todo. Pero estoy súper feliz y, bueno, ¡me lo llevo!”, respondió a preguntas de los periodistas sujetando su primer cabezón. Poco después de su victoria, Toni admitió que sus vecinos en la vía pecuaria ya le estaban “petando el móvil” y celebrando la noticia. “Yo creo que están chillando, saltando...”, dedujo. El ganador a Mejor Actor Revelación vive en el sector VI de Cañada, el más perjudicado por los cortes de luz y el único que aún a día de hoy continúa sin ningún tipo de suministro eléctrico. La suya es la historia de una familia que sobrevive entre apagones, estigmatización o promesas políticas que nunca llegan a fraguarse.

Nos interesaba algo más que solo hablar de un espacio y de un contexto sociopolítico. Queríamos ver cómo ese contexto sociopolítico afecta en lo íntimo

Guillermo Galoe — Guionista y director de 'Ciudad sin sueño'

El filme, dirigido por una cineasta que también hace su debut en el mundo del largometraje, trata de describir una realidad ajena a la de la mayoría sin regodearse en lo dramático. “Nos interesaba algo más que solo hablar de un espacio y de un contexto sociopolítico. Ver cómo ese contexto sociopolítico afecta en lo íntimo. Son personajes que podían haber ocupado tramas y tropos de películas de género, de wéstern o de noir, y están en ese espacio. Nos interesa ver cómo se sienten, cómo se enfrentan al desvanecimiento del mundo en el que viven. Nos interesaba la idea del fin de la comunidad”, contó Guillermo Galoe en una entrevista con elDiario.es, en mayo del año pasado.

La Cañada Real Galiana está dividida en varios sectores y se extiende a lo largo de 15 kilómetros de vía. El año de la pandemia se quedó sin luz después de que Naturgy, la empresa privada que suministra electricidad a la zona, comenzara a eliminar conexiones sobre el terreno al considerarlas sospechosas o vincularlas a plantaciones de marihuana. El 26 de febrero del año pasado, el Comité Europeo de Derechos Sociales del Consejo de Europa falló en contra de España por dejar sin luz a la Cañada a raíz de una demanda colectiva en la que varias entidades expusieron los perjuicios a los que se ven expuestos sus habitantes.

Un año después, la situación no ha cambiado en exceso. Los desalojos forzosos, que se mencionan en la película, comenzaron a raíz de un pacto regional entre administraciones para desmantelar los asentamientos y realojar en otras viviendas a sus vecinos. La resolución del órgano paneuropeo ya pidió a España que garantizara un acceso “estable, constante y seguro” a la energía entre la población de la Cañada, pero de momento no ha establecido ningún tipo de régimen sancionador en caso de que el país incumpla el dictamen. En diciembre de 2027 solicitarán un nuevo informe al Gobierno español y una rendición de cuentas. Mientras esperan en un largo periplo, la estatuilla para Toni ha dado algo de luz a una zona a oscuras.

Este sábado el cine español vivió su gran noche anual con la gala de los Goya. Los grandes ganadores de los Premios Goya 2026 han sido dos películas: 'Los domingos', de Alauda Ruiz de Azúa, la gran triunfadora, y 'Sirat', de Oliver Laxe. También han recibido premio la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad; y Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi.

Las películas de los Goya 2026 están en las diferentes plataformas y algunas en las salas de cine. Aquí va una guía para no perderse.

Dónde ver 'Sirat'

Es la película española más importante de 2025. Tanto, que el filme de Oliver Laxe va a representar al país en los Oscar, habiendo logrado dos nominaciones por la Academia de Hollywood: Mejor Película Extranjera y Mejor Sonido. El largometraje ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y, desde entonces, su éxito ha sido irrefutable. No solo ha tenido éxito en la taquilla española, sino que ha conquistado a cinéfilos de todo el mundo. Actualmente se exhibe en más de 80 cines del país, como en los Cinesa Proyecciones y Renoir en Madrid, en los Parque Principado en Asturias, en los Renoir Floridablanca en Barcelona o en los Serrallo en Granada. Además, está disponible en Movistar Plus+ para disfrutrar en streaming.

Dónde ver 'Los domingos'

La película de Alauda Ruiz de Azúa ha sido la gran ganadora para los Goya. Fue un éxito en taquilla y se trata de una cinta que no da soluciones y plantea muchas preguntas. La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, una sobresaliente Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso. Actualmente se exhibe en la mayoría de cines del país, y también puede verse en streaming a través de Movistar Plus+.

Dónde ver 'Sorda'

La ópera prima de Eva Libertad que lleva al largo el corto por el que estuvo nominada al Goya, en el que contaba los miedos y barreras que se encuentra una mujer sorda que decide ser madre, es una de las películas revelación del año. La cinta fue desarrollada de la mano de su hermana, Miriam Garlo, sorda desde los siete años y protagonista del filme. Asimismo, el estreno de Sorda hizo posible que esta comunidad pudiera asistir a los cines a ver una película española con completa normalidad, pues todas sus sesiones tuvieron subtítulos en español. Aunque ya no está en cartelera, la película se puede ver por suscripción en Movistar Plus+ y por alquiler en Filmin, Apple TV y Prime Video.

Dónde ver 'Maspalomas'

aspalomas visibiliza con sensibilidad la vejez queer, retratando cómo ancianos LGTB a menudo se ven obligados a volver al “armario” en residencias de mayores. La película aborda la lucha por la identidad, el deseo en la tercera edad y la presión social. Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga son los que dirigen este filme que cuenta la historia de Vicente, que abandonó a su hija para poder vivir su homosexualidad sin tapujos en la localidad canaria. Allí ha ido a sitios de cruising, a locales donde se practica sexo de forma abierta y ha conocido una forma de vida que termina de bruces cuando le da un ictus y tiene que volver a Euskadi para entrar en una residencia. Se puede ver en streaming a través de Movistar Plus+ y Filmin.

Dónde ver 'La cena'

La cena en honor a Franco es la última oportunidad para huir de unos prisioneros republicanos. Manuel Gómez Pereira adapta la obra de teatro del mismo nombre y consigue en La cena una estupenda comedia sobre la posguerra con un hilarante Alberto San Juan. Gómez Pereira y sus guionistas de siempre montan una comedia actual, divertida, que no tiene miedo a mojarse y que tiene en el duelo (con tinte homoerótico) de Alberto San Juan y Mario Casas su mejor baza. Afortunadamente, la película todavía puede verse en algunos cines del país, como en los Cinesa Principe Pío en Madrid, en los Diagonal de Barcelona o los Camas de Sevilla. De igual forma puede verse en streaming a través de Movistar Plus+.

Dónder ver 'Tardes de soledad'

El Festival de Cine de San Sebastián otorgó la Concha de Oro el documental que el cineasta catalán Albert Serra había rodado sobre la tauromaquia. No existe un Zinemaldia sin su polémica, y en aquella ocasión los toros mostraron que el debate estaba abierto convirtiéndose en el tema de un festival de cine, donde un elemento como la tauromaquia no suele aparecer ni de lejos. Tardes de soledad suponía acercar el ojo a una mirilla para observar lo que nadie quiere ver. Por mucho que se niegue, la tortura animal sigue existiendo en una plaza pública delante de miles de personas, y su película intentaba mostrar lo que ocurría dentro —y fuera, en las bambalinas de la cuadrilla—, para que esa tradición siguiera manteniéndose. Se puede ver por streaming en Movistar Plus+ y está para alquilar en Filmin, Rakuten TV o Apple TV.

Dónder ver 'La furia'

La furia, con Ángela Cervantes como protagonista y Gemma Blasco en la dirección novel, aborda el trauma de una agresión sexual sufrida por Alex tras una fiesta de Nochevieja, explorando así la soledad de la víctima, la culpa y la venganza, mientras ella canaliza su dolor interpretando a Medea en el teatro. Pese a que ya no puede verse en los cines, hay muchas opciones para ver la película en streaming: HBO Max, Movistar Plus+ y Filmin.

Dónder ver 'Los tortuga'

Otra de las películas más comentadas del año es Los tortuga, un largometraje que muestra su sensibilidad, su inteligencia para hablar de temas importantes sin subrayar y para hacer un cine social sin recurrir a lo melodramático. En su corazón, Los tortuga esconde una historia sobre el duelo, sobre cómo superar una muerte. Pero lo que en el cine se cuenta como un proceso casi interno, sin más condicionantes, en la película de Belén Funes encuentra un acercamiento radicalmente honesto, político y social: el duelo, como todo, está atravesado por una cuestión de clase. Puede verse por suscripción en Movistar Plus+ y por alquiler en Apple TV, Filmin, Prime Video y Rakuten TV.

Dónde ver 'Un fantasma en la batalla'

Juan Antonio Bayona, Belén Atienza y Sandra Hermida se asociaron con Netflix para producir un guion que Agustín Díaz Yanes tenía desde hace años en un cajón. ¿El argumento? Una infiltrada —esta vez de la Guardia Civil— en ETA. La misma historia que se contaba en La infiltrada regresaba un año después y se presentaba en el Festival de Cine de San Sebastián fuera de concurso con Un fantasma en la batalla. La cinta supuso no solo la vuelta de Agustín Díaz Yanes tras ocho años de ausencia, sino que fue su regreso a su mejor cine. Está disponible para ver por streaming a través de Netflix.

Menuda semanita. La previa de los Goya hizo que se llegara a la gala en un punto de ebullición, Qué ironía que esta vez no lo provocó un cargo político, como cuando hace dos años el entonces vicepresidente de la Junta de Castilla y León de Vox llamó señoritos a los trabajadores del cine español, sino que haya sido un cineasta cabreado (Juanma Bajo Ulloa) el que haya dado gasolina para que la derecha mediática haya aprovechado para azuzar a toda una industria.

Las palabras de Juanma Bajo Ulloa en el programa de Iker Jiménez diciendo que las ayudas se dan siguiendo la “dictadura woke” y que por eso él no tuvo (obviando los 700.000 euros que pagó RTVE por adquirir su filme) han levantado la alfombra para que los falsos mantras y las mentiras contra el cine español vuelvan a salir. Cuenten cuántos podcasts se han dedicado en los medios de derechas para comprar esas acusaciones esta última semana. No se han preocupado de buscar un dato, ni de mirar una resolución de ayudas ni de leerse las resoluciones de ayudas del ICAA.

Las palabras de Bajo Ulloa les venían de perlas. La guerra cultural pasa, de nuevo, como ocurrió en Argentina, por convertir al cine español en el enemigo. Esta semana todo les ha venido mal: Si Susan Sarandon defendía la posición española ante el genocidio de Palestina… MAL. Si Luis Tosar decía que lo raro en este contexto sería no hablar… MAL. Hasta el impecable discurso del Goya de Honor de una leyenda como Gonzalo Suárez ha sido dedicado por la prensa conservadora. Solo les viene bien quien se alinee con el ataque a un cine español que ha demostrado que es plural, variado, que tiene para todos los gustos.

Y por eso los Goya han sido la mejor medicina para todos los haters de la derecha. Primero, no se han achantado. El cine español ha sido contestatario por naturaleza, y lo raro sería que no hubieran hablado contra el genocidio en Gaza o el auge de la extrema derecha. Lo hicieron en una gala que fue política, pero que también supo celebrar y homenajear el gran cine español del año y de estas cuatro décadas. El cumpleaños de los galardones sirvió para que unos elegantes vídeos recordaran los éxitos del cine español. Los otros, El bola, Todo sobre mi madre, La comunidad, Ay, Carmela, As bestas, Tarde para la ira, Blancanieves, Mar adentro… Todas ellas, por cierto, ayudadas con dinero público. Ese que desde la derecha quieren despreciar llamándolo 'paguita'. 

Pero sobre todo, los premios y los nominados de este año quitan la razón a los haters de la derecha de un plumazo. El cine español nominado ha demostrado que es plural, variado, que no sigue ningún mandato (ni ninguna dictadura woke). Que es capaz de en un año tener una comedia nominada (La cena), un fenómeno internacional de un cineasta de autor premiado en Cannes (Sirat), un documental sobre la tauromaquia (Tardes de soledad), una película sobre el sida y la memoria (Romería) y una ganadora que habla del terremoto familiar provocado por la decisión de una niña de 17 años que decide meterse a monja de clausura (Los domingos). Monjas y toros, super woke.

La victoria de Los domingos, además, les ha tenido que sentar a cuerno quemado. La película de Alauda Ruiz de Azúa ha sacado su peor versión. Primero la alabaron, dijeron que era un ejemplo de cómo tratar la fe con respeto. Destacaron su capacidad de escuchar a todos los personajes. Su inteligencia para no juzgar… Hasta que Alauda Ruiz de Azúa habló en los premios Forqué. Seguramente al ver que la Iglesia Católica intentaba apropiársela, la cineasta dejó claro que era “una película que explora cómo el adoctrinamiento religioso puede distorsionar tu percepción o tus sentimientos”.

A partir de ahí dejó de gustarles. La película no cambiaba. Pero ellos sí. A pesar de que habían defendido la tolerancia de la cineasta y su habilidad para escuchar y respetar todos los puntos de vista, dejaron de respetar el punto de vista de la autora de la obra. Una autora que, por cierto, desde el primer día dijo que ella no era creyente.

Pero sin duda hay dos datos que les cabrearán y que hacen que los Goya les quite la razón de un plumazo. El primero, el de audiencia. Después de siete días diciendo que los premios y que el cine español no interesan a nadie, y que quién va a querer escuchar a actores hablar de Gaza, el resultado dice justamente lo contrario: la ceremonia tuvo un 26% de cuota de pantalla, la cifra más alta desde el año 2020 (cuando alcanzó un 26.1%) y la segunda más alta desde 2010. Entre los jóvenes de 13 a 24 años, la cuota asciende hasta un 37%. Incluso en espectadores, con un consumo de televisión absolutamente fragmentado y desplomado desde hace años, los Goya suben de espectadores respecto a los dos últimos años. 

Las películas nominadas de este año destrozan, además, otro argumento que siempre usan: que a nadie le interesan las películas que se premian y que son una panda de subvencionados deficitarios. Pues bien, repasemos las películas ganadoras y nominadas de los Goya a ver qué ha pasado este año en el que llevan con la cantinela una semana. Las cinco nominadas a Mejor película recibieron 5,2 millones de euros. Su recaudación conjunta es de casi 12,5 millones de euros.

La ganadora, Los domingos, según la web del ICAA, recibió un millón de euros de las ayudas a la producción. Su recaudación en estos momentos, sin tener en cuenta lo que haga tras su arrase en los premios, es de 4.279.000 euros. Pasamos a Sirat, que recibió 1,2 millones. Ha recaudado tres millones de euros. La cena recibió de las arcas públicas un millón. Ha recaudado 3,7 millones de euros. Romería recibió 1,2 millones. Ha hecho en taquilla 1,8. Sorda logró una recaudación de 740.459 euros, casi lo mismo que su subvención: 800.000 euros.

De las nominadas a Mejor película, solo Maspalomas recauda algo menos que su ayuda: 730.000 euros frente a 1,2. Este año hasta un documental como Tardes de soledad derriba el argumento: le dieron 291.550 euros de ayuda y ha recaudado 346.595 euros. A esas cifras de recaudación hay que sumar las ventas a plataformas, televisiones y a otros países, además del dinero generado en impuestos y puestos de trabajo de cada una de ellas. Y no pasaría nada si no hubieran recuperado el dinero que les han dado. Las ayudas públicas no deben medirse con un criterio de rentabilidad. Pero ya que ese argumento es el más usado por la derecha anti cine español, está bien saber que tampoco se cumple.

Nada mal para un cine que no interesa, para películas endogámicas que interesan solo a los miembros de la secta woke.

Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa partía como la gran favorita de los premios Goya 2026 y acabó consagrándose con cinco galardones: película, dirección, guion, actriz protagonista y de reparto. “Estamos muy felices. Desde que nació el proyecto sentimos que era una propuesta arriesgada, así que recibir todo el cariño de los compañeros ha sido muy especial”, afirmó su directora tras triunfar con su largometraje sobre una adolescente que decide hacerse monja.

La cineasta, autora de Cinco lobitos –por la que se alzó con el cabezón a Mejor dirección novel en 2022– y la serie Querer, explicó que “nunca” había vivido un proyecto que “creciera tanto”, en cuanto a espectadores, repercusión en medios y conversación social. Un contexto que en un momento determinado se terminó volviendo “un poco incómodo”, pero que revirtió aprendiendo que “si abres una conversación incómoda, la promoción y lo que rodea a la película tiene que serlo en algún momento”.

Alauda Ruiz de Azua reconoció que cuando piensa en sus obras, su foco está en el “tipo de dilemas y de preguntas que vaya a generar, no en prever las reacciones de ninguna generación”. En lo que ha supuesto Los domingos, comentó que han comprobado que en el caso de los mayores de cuarenta, han detectado que el debate se ha centrado más en lo religioso, mientras que la gente joven “usaba lo religioso para conectar con la película desde otro sitio, como la libertad individual o lo difícil que es verte juzgado en la familia”. “Ha sido bonito que la vocación haya sido una excusa para hablar de otras cosas”, destacó.

La directora aprovechó para lanzar un mensaje esperanzador y motivador a todas las mujeres que se planteen dedicarse al cine: “Levantar una película nunca es fácil, pero a por ello sin miedo, y no os dejéis embaucar por el síndrome de la impostora, que yo le tengo mucha manía a eso. No es obligatorio sentirse una impostora, ni en el cine ni en la vida”.

Recibir un proyecto cuando lo necesitas

Patricia López Arnaiz, que recibió el Goya a Mejor actriz protagonista por su papel como la tía de la joven que quiere hacerse monja, explicó que le hacía ilusión ser galardonada por este personaje, porque para ella había sido “especialmente especial, valga la redundancia”.

La intérprete compartió que, en una conversación con el resto de nominadas de su categoría (Ángela Cervantes, Nora Navas, Susana Abaitua y Antonia Zegers), coincidieron en que es “muy curioso cómo te llegan personajes en un momento superoportuno de tu vida. Que de repente tienes que ponerte en la piel de alguien que por algún motivo en tu vida personal, necesitas o te viene bien. Ocurren sincronías”. “Siento un vínculo muy íntimo con este personaje, como si este era el personaje que me tenía que encontrar”, afirmó.

En cuanto al proceso de preparación de Los domingos, señaló que lo más interesante para ella fue la fase de documentación que Alauda Ruiz de Azua fue compartiendo con ella, sobre cómo se lleva a cabo la captación de jóvenes en las sectas. “Vi muchos documentales sobre mujeres intentando salir”, explicó sobre el interés que generó en ella la manipulación que se lleva a cabo en estos casos, a través de numerosos testimonios de personas que pasaron por ello.

Un proyecto “complejo” de vender

Las productoras de la película, que acompañaron a Alauda en el encuentro con los medios posterior a la gala, reconocieron que Los domingos había sido un proyecto complejo de vender en un inicio, y que de hecho, al empezar intentaron evitar que la palabra “monja” apareciera en la propia sinopsis. “Lo acometimos con mucho respeto, durante meses evitamos la palabra monja, pero, ¿cómo puedes contar esta historia sin decir que es sobre una niña que se quiere meterse a monja? Fue así hasta que nos decidimos a abrazarlo y comunicarlo porque creíamos firmemente en ello”, indicó Sandra Hermida.

Para todas, al recibir el guion, fue una sorpresa que la directora hubiera optado por apostar por indagar en esta temática. “Confiábamos en ella y en cuanto empezamos a tener conversaciones, debates y coloquios entre nosotros, descubrimos que había mucho más que descubrir en esta historia”, aplaudieron sobre cómo además, durante el proceso, se dieron cuenta de que “en 2026 era un tema que podía ser perfectamente vigente y actual”. De hecho, confesaron que llegaron a plantearse situar la trama décadas antes a la actualidad en la que terminó enmarcándose Los domingos.

De Bad Bunny a Quevedo

El Papa León XIV visitará España entre el 6 y el 12 de junio. Preguntada por si le gustaría que Los domingos llegara a él, la productora Sandra Hermida planteó que quizás “ya haya visto” el filme. “Coincidirá en Madrid con Bad Bunny. Ojalá le llegue la película a Bad Bunny y al papa”, valoró Alauda Ruiz de Azua, haciendo alusión a que ambos coincidirán en Madrid ya que son las fechas en las que el puertorriqueño actuará en la capital.

El equipo compartió que en la introducción del guion había una frase del cantante, “Dios está en nuestros corazones”, pero que después de montar una secuencia con el tema de Quevedo Ni borracho, que aborda igualmente esta temática, concluyeron que “había quedado claro que había referencias”.

Si el termómetro de unos premios fuera lo que se habla de las películas, estaba claro que los Goya iban a ser cosa de dos. Los domingos y Sirat han monopolizado las conversaciones cinéfilas todo el año. La película de Oliver Laxe desde que dejó noqueados a todos los espectadores en Cannes, y desde que muchos conocieran la personalidad especial y espiritual de un director sin miedo a mostrarse tal y cómo es. La de Alauda Ruiz de Azúa desde que en San Sebastián provocó los debates más encendidos. Su apuesta austera, de escuchar sin juzgar, e mostrar todos los puntos de vista, demostró que el espectador está dispuesto a que le traten con inteligencia. La Academia de Cine confirmó con sus galardones que esto ha sido cosa de dos. Y quizás cosa de una, porque el arrase de Los domingos en todas las categorías de peso ha sido incontestable.

La historia de una niña de 17 años que provoca un terremoto en su familia con su anuncio de que quiere ser monja ha consagrado a su directora, Alauda Ruiz de Azúa, gracias a los cinco Premios Goya logrados, entre ellos los más importantes: Mejor película, dirección, guion original, actriz protagonista (Patricia López Arnaiz) y actriz de reparto para Nagore Aramburu. Alauda Ruiz de Azúa reivindicó en el escenario no tener miedo, y no tener miedo tampoco a “condenar la barbarie”. “No olvidemos Gaza”, dijo una de las varias ocasiones en las que subió al escenario como la gran triunfadora de la noche. También recordó, ahora que se cuestionan las cuotas en las ayudas al cine, que en 40 años de Goyas, ella es solo la cuarta mujer en ganar este galardón tras Pilar Miró, Isabel Coixet e Icíar Bollaín.

Ante semejante arrase, la rave política y sensorial de Oliver Laxe en Sirat se ha tenido que conformar con los premios técnicos. Eso sí, se llevó seis y acabó como la más galadronada de la noche. Era de esperar de un filme que ha logrado la nominación al Oscar a la Mejor película internacional, pero también la de Mejor sonido y pasar el corte de la Academia de Hollywood con otras cuatro categorías técnicas. El filme acumuló los reconocimientos de Mejor sonido, montaje, banda sonora, dirección de producción, Fotografía y dirección de arte.

Se vuelve a confirmar lo que suele ocurrir con masas de votantes tan amplias, como pasó también con los Feroz este año, y es que el voto por arrastre acaba dejando sensaciones injustas. ¿No hubiera sido más bonito repartir este año?, ¿se podría haber reconocido a Laxe como Mejor director y a Los domingos como Mejor película? O yendo todavía más lejos, que una película como Romería, que compitió por la Palma de Oro en Cannes, se vaya de vacío da que pensar. Pero está claro que el año era de Alauda Ruiz de Azúa, y ante unos galardones tan claros poco hay que rechistar.

La otra gran ganadora de la noche también estaba bastante evidente. Sorda enamoró desde su pase hace más de un año en Berlín, y pocos dudaban ya entonces que sería el debut del año y el más que seguro Goya a la Mejor dirección novel. Eva Libertad hizo buenas las apuestas y se llevó ese Goya, pero al final sumó tres, el de Actor de reparto para Álvaro Cervantes y el de Actriz revelación para Miriam Garlo, hermana de la directora, y que se convierte en nuestra Marlee Matlin, nuestra primera actriz sorda en ganar el premio de la Academia. 

Garlo quiso compartir su premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente para la comunidad sorda”. Denunció, como en la película, la violencia obstétrica, y también la “violencia de la no comunicación”. “Sin comunicación somos muebles, un fracaso como sociedad, aprendamos lengua de signos si podemos, y si no, usemos nuestros cuerpos para comunicarnos sin fronteras, sin miedos, sin vergüenzas, porque ningún ser humano es invisible, y ninguna persona sorda es muda. Tenemos identidad propia, y voz propia”, subrayó en uno de los momentos más emocionantes de la noche.

Muchos pensaban que Sorda también se llevaría el de Guion adaptado, pero en una de las pocas sorpresas de la noche el galardón fue para La cena, que adapta la obra de José Luis Alonso de Santos y que hizo que tres veteranos, Manuel Gómez Pereira, Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano, lograran el cabezón. Oristrell habló en nombre de los tres y defendió el poder de la comedia, en esta ocasión para “recordar que Franco fue un dictador y que los dictadores someten a los pueblos a sus caprichos, ya sea una cena, prohibir un idioma, negar la violencia de género o el cambio climático, deportar inmigrantes o montar un resort en Gaza”.

De la sorpresa a uno de los más cantados, el de Mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz, que agradeció en euskera y dio gracias por lo feliz que le ha hecho este premio y le dedicó esa felicidad a los “Vicentes del mundo”, en una alusión a su personaje en Maspalomas, un anciano que al volver a la residencia, vuelve al armario de la homofobia y el miedo.

El cine, y los Goya, son políticos

Una gala que estuvo atravesada por el clima político que marcaba la actualidad política. Si en las últimas semanas la derecha mediática, y figuras como Wim Wenders desde la Berlinale planteaban de nuevo el debate sobre si el cine debe ser político y los artistas usar su micrófono para hablar, el cine español dio un paso adelante y volvió a dejar claro que sí. Fue el tema de la alfombra roja, pero es que las referencias estuvieron desde el primer minuto.

Luis Tosar se acordaba que “esta industria siempre ha condenado la violencia, ya sea en Irak, en Ucrania o el Genocidio en Gaza”. Hasta el presidente de la Academia, Fernando Méndez-Leite, que afronta su última gala antes de las próximas elecciones de la institución, se pronunció, algo que normalmente no había hecho: habló del ICE, de Irán, de Gaza… “Ya sé que nosotros no vamos a arreglar esto, pero las noticias no invitan a mirar hacia otro lado”, apuntó con tino.

Por supuesto habló, alto y claro, Susan Sarandon, que un día después de su rueda de prensa donde se emocionó hasta las lágrimas, volvió a alabar a Pedro Sánchez: “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral. Eso me ayuda, desd donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, dijo de nuevo conmovida. 

Y lo hizo el Goya de Honor. Un premio impepinable para un cineasta mayúsculo, Gonzalo Suárez, que hizo un discurso sobresaliente en el que tras acordarse de “ese personaje que juega al golf con nuestro mundo impunemente para meterlo en un agujero”, contó un cuento y ensalzó el poder del cine para contar historias y para contarnos. “Hemos sobrevivido a las cuevas”, dijo y acabó con un irónico: “El bisonte soy yo”. Conciso, bonito y político.

Hasta Albert Serra se contagió del asunto y al recoger su premio al Mejor Documental por Tardes de soledad dijo que en este momento, “en el que lo político choca con la intimidad” él ha hecho una película para “ver cómo se vive desde esa intimidad un tema que no a todo el mundo le gusta”. “Esa es una posición extremadamente peligrosa. Nos dieron un acceso al que ningún político accedería, y en este cruce entre política y verdadera intimidad, asumiendo el riesgo de mostrarla, esta película tiene un poco de verdad”, zanjó al recoger el que es su primer premio de la Academia de Cine.

La victoria de Serra en documental no dejó sin galardón a la otra favorita en esa categoría, Flores para Antonio, que se llevó el de Mejor canción original para Alba Flores y Silvia Pérez Cruz. Flores se acordó, cómo no, de su padre, pero también de su abuelo El Pescaílla, su abuela que le cantaba nanas, y pidió, que en este momento, hiciéramos lo que cantaba su padre, y consiguió que todos entonaran esos versos tan repetidos: “Prometo ver la alegría y escarmentar de la experiencia pero nunca, nunca más usar la violencia”, dijo y terminó con un grito de “¡Viva Palestina Libre!”.

Y como avanzaba a elDiario.es desde la alfombra roja, la actriz y directora argentina Dolores Fonzi tenía un “discurso incendiario” si ganaba el premio a la Mejor película iberoamericana con Belén, filme argentino sobre el aborto. No fue tan incendiario, pero dijo las cosas muy claras hablando “desde el futuro”. “Ustedes tienen tiempo todavía, no caigan en la trampa. La ultraderecha vino a destruirlo todo. Vengo del futuro, de un país que incluso puso en venta el agua. No solo defendemos el cine, defendemos el agua”, agregó. 

Apenas hubo sorpresas en cuanto a los premios, quizás el de Actor revelación, que pocos esperaban que fuera para Antonio ‘Toni’ Fernández Gabarre por dar vida a ese niño de la Cañada Real en Ciudad sin sueño. “¡Qué vivan los Fernandez!”, acertó a decir en un momento tan tierno como sencillo.

Nostalgia y discursos breves

Todo en una gala que se la jugó a una única baza: la nostalgia con motivo del 40 aniversario de los Goya. Y les salió bien. Al gran material documental que se usó con buen gusto (aunque repetido demasiadas veces), se unió la petición de la Academia de abreviar los discursos. Funcionó. No es que fuera una gala corta, pero se rebajó casi media hora respecto a las tres horas y media del año pasado y nunca dio una sensación de estancamiento.

Luis Tosar y Rigoberta Bandina no tuvieron mucha tarea, pero demostraron oficio en lo que les tocó. Hubo destellos de buen gusto, como el Tú mirá con Ángeles Toledano, un coro de niños, y orquesta de cuerda. Un guiño a una de las grandes olvidadas de la ceremonia, Romería, de Carla Simón, que como ocurrió con Alcarrás, se fue de vacío. También fue elegante e inteligente hacer sonar en el In memoriam una versión del Si te vas de Extremoduro, que sirvió como homenaje a otro de los artistas que nos ha dejado este año, Robe Iniesta. A pesar de todo, las actuaciones musicales siguen siendo demasiadas, y la gala hubiera ganado en ritmo con unas cuantas menos. 

Aun así, una gala que cumple, y que sirve como recordatorio de la calidad del cine español de estos 40 años de Goyas y que sirven para mirar al futuro en un año que promete ser, de nuevo, de éxito internacional de nuestras películas. 

“Sin comunicación somos muebles, sin comunicación no hay respeto, sin comunicación somos un fracaso cultural como sociedad”, ha expresado de forma contundente Miriam Garlo en los Goya, donde ha recogido el galardón a la Mejor actriz revelación por su película Sorda. Garlo ha aprovechado para reivindicar la lengua de signos y compartir el premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente con la comunidad sorda”.

“Para todas las mujeres sordas, las que han sido madres y las que no, porque a la violencia obstétrica hay que añadirle la violencia de la no comunicación o la violencia de la invisibilidad”, ha declarado la actriz sobre el escenario. “Aprendamos lenguaje de signos si podemos y, si no podemos, usemos nuestros cuerpos. Nuestra inteligencia y nuestro arte para comunicarnos, sin límites, sin fronteras, sin miedo y sin vergüenza”, ha agregado.

Asimismo, Miriam Garlo ha señalado que “ningún ser humano es invisible y ninguna persona sorda es muda”: “Somos personas sordas, tenemos identidas propia y tenemos una voz propia, pero no siempre es oral. No al genocidio, no al feminicidio y sí al arte, a la conexión, a la ternura y a la empatía. Viva la lengua de signos y viva el cine accesible”.

Su discurso no ha sido el único reivindicativo de la noche. Dolores Fonzi ha recogido el Goya a la Mejor Película Iberoamericana y ha alertado de los tiempos en los que vivimos. “No caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo”, expresó la cineasta. “Somos las películas que hacemos y en este momento el mundo se convirtió en una película de terror”, sentenció la directora y actriz argentina.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

Público, presentadores y nominados han asistado a los premios Goya este 28 de febrero para celebrar todo el año del cine español. La gala, un año más, ha vuelto a tener discursos con gran carga social y casi una decena de actuaciones musicales.

Rigoberta Bandini y Luis Tosar abren la ceremonia con una actuación

Susan Sarandon recoge el Goya Internacional y alaba de nuevo a Pedro Sánchez

Dolores Fonzi alerta de la ultraderecha al recoger el Goya a la Mejor Película Iberoamericana

Gonzalo Suárez recoge el Goya de Honor

Ana Mena emociona con su actuación

La actriz Susan Sarandon ha vuelto a condenar la violencia en su discurso al recoger el Goya Internacional. Después de haber protestado contra la represión que sufren los cineastas por pronunciarse acerca de temas como el genocidio en Gaza, la actriz ha vuelto a hacer hincapié en la necesidad de ser reivindicativo y hablar acerca de lo que sucede a nuestro alrededor, alabando a Pedro Sánchez y a todos aquellos que alzan la voz. “Estos días en los que el mundo está tan dominado por la violencia, por la crueldad, miro a mi alrededor y veo a vuestro presidente y a muchos artistas de este país que hablan con tanta lucidez moral”, ha expresado Sarandon.

“Tanta lucidez moral me ayuda, donde yo estoy, en medio del caos y de la represión, a sentirme menos sola y a sentir que formo parte de una comunidad mayor”, ha señalado la actriz. Asimismo, ha referenciado al historiador y filósofo estadounidense Howard Zinn: “Tener esperanza en tiempos difíciles no es solo una actitud romántica ni ingenua, sostiene una verdad esencial. La historia de la humanidad no es solo de crueldad, sino de valentía, compasión y bondad. Si elegimos centrarnos solamente en lo peor, paralizamos nuestra capacidad de actuar. Pero si recordamos los momentos en los que alguien obró con grandeza, da energía para actuar y cambiar el mundo, que gira como una peonza”.

“El futuro es una sucesión infinita de presentes y vivir hoy en este presente es una maravillosa victoria”, ha concluido Susan Sarandon. La actriz no es solo una leyenda del cine reciente, ganadora del Oscar por Pena de muerte, sino también una de las voces más comprometidas y políticas del Hollywood actual. 24 horas antes de recoger su galardón, y desde el Museu de Historia de Barcelona, en el Born, la actriz atendió ayer a la prensa, que abarrotaba la sala para escuchar y preguntar a una de esas intérpretes que siempre hablan claro. 

“Cuando vienes de un sitio donde hay represión y censura, ver a España, al presidente, lo que dice y el apoyo que brinda a Gaza, y ver a actores como Javier Bardem alzar la voz con tanta fuerza, es fundamental para nosotros. En EEUU nos sentimos menos solos, sentimos que hay esperanza gracias a todos ustedes, algo que no se escucha en la televisión allí. Cuando alguien se alza con tanta fuerza, cuando una nación se alza, como también lo ha hecho Irlanda, es indescriptible lo importante que es para quienes lo estamos intentando en un ambiente muy difícil. Ver esa fuerza y claridad moral significa mucho para nosotros”, dijo levantando la ovación de la prensa.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

Luis Tosar y Rigoberta Bandini han condenado la violencia en su discurso de bienvenida en los Premios Goya 2026. El actor y la cantante, que este año se han encargado de presentar la ceremonia, han aprovechado para ser reivindicativos. “Me sigue impactando mucho la imagen de José Luis Borau, presidente de la Academia en la edición del 98, que cambió su discurso institucional por un gesto muy simple, el de las manos blancos, para condenar la violencia que esta industria siempre ha condenado: la guerra de Irak, la guerra de Ucrania, el genocidio de Gaza...”, ha declarado Tosar.

El actor ha hecho alusión al momento en el que Borau se pintó las manos de blanco para condenar el terrorismo de ETA. Él tampoco ha querido escapar la oportunidad de pronunciarse acerca de lo que está ocurriendo más allá de nuestro país: “Es un día nefasto y triste mientras siguen haciendo la guerra por ahí adelante”. Rigoberta Bandini también ha continuado en la misma línea. “Hoy es un día especialmente triste porque Israel ha echado a Médicos Sin Fronteras de la frontera de Gaza y está dejando a millones de personas sin hospitalizar”, ha señalado.

Luis Tosar ya se había pronunciado en la alfombra roja: “El mundo es muy convulso y hay algunos que se dedican todavía a convulsionarlo más”. El presentador de la ceremonia junto a Rigoberta Bandini solo ha sido uno de los muchos actores que han aprovechado su altavoz para lanzar un mensaje social. Como ha manifestado el director Hernán Zin, es importante reivindicar “desde la verdad”, y el cine español ha vuelto a utilizar su plataforma para poner el foco en el genocidio en Gaza, zanjar el debate en torno a las subvenciones y apelar contra un machismo que todavía no ha sido erradicado.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.

“El mundo es muy convulso y hay algunos que se dedican todavía a convulsionarlo más”. Así de contundente se ha mostrado Luis Tosar en la alfombra roja de los Goya. El presentador de la ceremonia junto a Rigoberta Bandini solo ha sido uno de los muchos actores que han aprovechado su altavoz para lanzar un mensaje social. Como ha manifestado el director Hernán Zin, es importante reivindicar “desde la verdad”, y el cine español ha vuelto a utilizar su plataforma para poner el foco en el genocidio en Gaza, zanjar el debate en torno a las subvenciones y apelar contra un machismo que todavía no ha sido erradicado.

En palabras de Dolores Fonzi, nominada a Mejor película iberoamericana por Belén, “hay que hablar de la realidad”: “Sí, es una fiesta del cine, pero hay que aprovechar la oportunidad para relacionar el cine con lo que está pasando”. La también actriz ha declarado que “es un momento de responsabilidad donde un artista con visibilidad debería aprovecharlo para expresar lo que realmente pasa y no decir cualquier cosa”.

Asimismo, el actor Carlos Cuevas ha señalado que “no hay que dejar de hablar de Palestina” y que “la cultura no debe ser neutral”: “No pido que todo el mundo tenga la misma opinión que yo, pero sí que creo que es importante que todo el mundo exprese su opinión”.

En la misma línea se ha mostrado Carla Simón, nominada por su película Romería, expresando que “el cine es político” y que “estos espacios son una oportunidad para decir en voz alta ciertas cosas que a veces son incómodas”. Por otro lado, Irene Escolar se ha pronunciado sobre la polémica de las subvenciones, coincidiendo justo unos días después de las mentiras contadas por Juanma Bajo Ulloa a Iker Jiménez con respecto al cine español. “Financiar una película es algo complejísimo. Reducirlo simplemente a las subvenciones es un discurso que se queda anticuado. Hay que pasar página y valorar mucho todo el talento que hay en este país”, ha explicado en la alfombra roja.

El director Hernán Zin ha vuelto a pronunciarse sobre Gaza: “Primero es Gaza, pero después podemos ser todos nosotros porque hemos creado un mundo en el que el capital vale más que las personas. Es un mundo que con la IA, con los fondos de inversión que compran todos los pisos, con toda la corrupción que hay, tenemos que pensar que no solo son los de Gaza, también somos nosotros. Por eso todos somos Gaza”. De hecho, Zin ha confesado ser “pesimista con el mundo que viene”. “Israel, que quiere ser el poder hegemónico de la región, no hace más que matar niños. Lo hizo en 2006, cuando llegó por primera vez, lo hizo en 2008, 2014... Es un infanticidio”, ha protestado.

“Esta gente no tiene moral. Y tiene poder financiero a nivel de capital, de medios de comunicación que nos restriegan un genocidio en la cara durante dos años. Y no podemos hacer nada aunque salgamos a las calles, aunque protestemos”, ha continuado diciendo en la alfombra roja. “Son los dueños de los bancos. Los fondos de inversión de las grandes inmobiliarias se están quedando con el mundo. ¿Cuándo vamos a reaccionar?”, ha agregado, enfatizando que “ojalá este tipo de películas sirvan para que la gente despierte, se manifieste y rompa cosas si quiere”. “Yo los aliento a quemar cosas si tienen ganas”, ha concluido.

En alusión a las declaraciones de Susan Sarandon, que atendió a la prensa en la jornada previa a recoger el Goya Internacional, Dolores Fonzi ha expresado que el “único camino” es exponerse a represalias y ha prometido un “discurso incendiario” en caso de recoger el galardón. Por su parte, Belén Funes se ha pronunciado acerca del verdadero poder de los cineastas: “Nosotros podemos levantar la voz, ponernos un pin, dejar de comprar determinadas marcas, pero en el fondo no puede caer sobre nuestros hombros. La responsabilidad de acabar con este genocidio, con esta violencia, es una cuestión política también”.

Vídeos: Adrián Torrano, Álex Corral

Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, se ha impuesto como la gran ganadora de la noche de los Goya 2026. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguió en la cuenta con 11. Ahora, la película sobre una niña que quiere ser monja se ha alzado con cinco premios, entre ellos los más importantes: película, dirección, guion original y actriz. El filme de Laxe se lleva seis.

Ganadores de los Goya 2026:

Mejor película

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor de reparto

Mejor actriz revelación

Mejor actor revelación

Mejor dirección novel

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor música original

Mejor canción original

Mejor dirección de producción

Mejor dirección de fotografía

Mejor montaje

Mejor dirección de arte

Mejor maquillaje y peluquería

Mejor diseño de vestuario

Mejor sonido

Mejores efectos especiales

Mejor película de animación

Mejor película documental

Mejor película iberoamericana

Mejor película europea

Mejor cortometraje de ficción

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de animación

Nochevieja, alcohol, drogas y unas bragas ensangrentadas. La fiesta acaba en casa de tu mejor amiga, cuando ya se está haciendo de día y preguntas si tiene tampones. Ella te envía a su dormitorio a buscarlos y cuando entras, a oscuras, alguien te agarra, te tira al suelo, te viola. Así empieza el año Alex, la protagonista de La furia, la ópera prima por la que la cineasta Gemma Blasco opta al Goya a Mejor dirección novel. También podrá hacerse con el cabezón Ángela Cervantes, intérprete de la víctima de la agresión sexual, nominada a Mejor actriz.

“Las mujeres más cañeras también nos rompemos y eso no es ser débil”, explica la directora sobre la construcción del personaje de Alex, a quien quiso alejar por completo de otras representaciones de las víctimas, enmarcadas en lo que la sociedad entiende como “perfectas”, si no estuviera contada “con oscuridad y entraña”, que es lo que ella misma sintió cuando fue agredida sexualmente a los 18 años: “No es mi historia”.

No hay en Alex un relato de superación, ni de reivindicación de su fortaleza, como hemos podido ver otras veces, ¿quiso huir de esta visión?

Tiene muchos matices. Había una parte de no presentar el personaje de la mujer frágil que es mancillada y se rompe; pero también me apetecía mucho plantear a una mujer que cumplía con los clichés de mujer fuerte, cañera, mal hablada, una tía solvente, y que a la vez se pueda romper. Las mujeres más cañeras también nos rompemos y eso no es ser débil. Es romperte porque la vida te supera por muchos lados.

Las mujeres más cañeras también nos rompemos y eso no es ser débil, es romperte porque la vida te supera por muchos lados

Gemma Blasco — Cineasta

¿Cómo planteó la escena de la violación?

Fue todo un recorrido. Me planteé mucho cómo representar esto a nivel ético y moral, si es que necesitamos representarlo. Me planteé incluso que la escena no estuviera, contarlo por elipsis, pero al haber una apuesta tan clara de punto de vista, en el ejercicio de empatía que creo que también es la película, habría sido alejarse de ella.

Ahí entraba la cuestión de cómo hacerlo, porque no quería crear espectáculo como muchas películas en las que no me sentía representada, en las que se creaba una especie de morbo cinematográfico. No quería crear más imaginario colectivo, que salieras de la sala con una imagen que pudieras recordar de violencia sexual contra las mujeres, que ya tenemos suficiente. Y quería ser respetuosa con las víctimas que la vieran, que no se sintieran retraumatizadas. También con la actriz, el actor, el equipo que íbamos a grabar la escena.

La solución fue el sonido, que es un arma poderosísima, una herramienta que generaba un relato casi más perturbador. Hay algo de que cada uno se imagina la violación como se la imagina. Y apoya al relato incompleto, que es que ella no ve la cara de su agresor y tú tampoco.

¿Por qué decide que la violación suceda mientras ella tiene la regla?

Primero, porque la regla está muy poco tratada en el cine. Siempre digo que en el día a día hay más menstruación que divorcios, pero hay más pelis con divorcios que menstruación. Evidentemente, es así porque las mujeres hemos tenido poco poder sobre el relato que se contaba. Cuantas más mujeres directoras hay, más planos de menstruación están saliendo. Por otro lado, la sangre es un elemento canalizador de muchas cosas en la película. Arrancar con un plano de ella limpiándose las bragas de la menstruación era una declaración de intenciones de hasta dónde vamos a profundizar, de que no va a ser agradable, pero va a ser la realidad.

La furia aborda cómo la violación repercute en el entorno, en especial el hermano (Àlex Monner), ¿tuvo claro que quería que fuera hombre?

Dudé, pero decidí que fuera un hermano porque la película también habla mucho de los maltratos de género, de qué nos han enseñado tanto a nosotras como a nuestros hermanos de quién tiene que proteger a quien. Hay un paternalismo patriarcal estructural y por eso tenía que ser un hombre.

Su primera reacción es entre culparla e insistir en si está de verdad segura de lo que le ha pasado.

Sí le está trasladando cierta responsabilidad. No digo que activamente la culpe, pero le hace las preguntas clásicas que hace la sociedad, que son habituales, que revitimizan a la víctima y le trasladan una culpabilidad. Lo hablé mucho con Àlex Monner, sobre desde dónde entendíamos el personaje, y había algo de que no tiene herramientas. Y esa falta de deconstrucción está linkada con el patriarcado y atraviesa la película y socialmente a todos. Este personaje es un ejemplo de comentarios que he escuchado en muchos lugares y contextos diferentes. En su cabeza es un acto de amor, desde un querer ayudar genuino, pero obviamente desde una toxicidad muy grande y desde un paternalismo gigante, que responde al rol que él se ha creído que tiene que cumplir.

Él es el primero que le dice que iba pasadísima, que es que parece que las mujeres vamos pidiendo cuando salimos de fiesta que nos violen.

Para mí era muy importante crear un personaje femenino que fuera una tía que se ha drogado, que desde fuera el pensamiento pueda ser el que habitualmente se ha criticado socialmente. Era interesante revertir eso, que en ese ejercicio de empatía que puede ser la película para alguien que no ha entendido o profundizado nunca en qué se siente al ser agredida, poder desmontar que claramente veas que por mucho que ella fuera drogada y vestida como fuera, da igual lo que ella hiciera. Lo que ha pasado no es para nada su culpa.

¿Que se sigan produciendo tantas agresiones sexuales implica que sigue siendo necesario que hablemos sobre ello?

La película se estrenó al día siguiente de que absolvieran a Dani Alves. Muchas veces hemos sentido que a nivel puramente industrial íbamos tarde con la temática, pero es que los números son los que son, son muy graves y solo sabemos la punta del iceberg. Ojalá estuviera obsoletísima la película, pero no. Y ya no solo acordarnos de que suceden muchas violaciones, sino abrir el abanico de reflexión a cómo afecta al contexto, si mira o no para otro lado, que es determinante para el proceso traumático, en que las víctimas se sientan más o menos cómodas para hablar o cuál es la reparación, ¿una venganza? También es momento de pensar más allá de los números.

Una ópera prima, de una directora, mujer, joven, sobre este tema, ¿costó mucho levantarla?

Sí. Hablo con mis compañeras y no sé si ha sido por la temática, porque a todo el mundo le cuesta levantar una primera película de ficción, con empaque en un sentido industrial, por mucho que sean películas pequeñas. En las conversaciones que tuvimos en algún mercado antes del gran MeToo, pintaba mal. Había algo de: “Uf, no sé si lo podréis levantar. Estáis abriendo un melón muy grande”.

Por suerte, la sociedad ha cambiado. Tardas tanto en levantar una peli, que tú cambias y la sociedad cambia. Queda mucho por hacer, pero de repente hubo un momento incluso de pinkwashing, de que empezó a salir mucho contenido en torno a eso porque evidentemente había una efervescencia, un interés social con estas temáticas. Había algunas que lo abordaban desde un lugar, para mí, súperpanfletario y condescendiente, pero a la vez esto favoreció que las conversaciones con financiadores empezaran a ser más fáciles.

¿La nominación al Goya estuvo en algún momento en el horizonte?

No. Es difícil porque es una industria que hay momentos que casi te genera deseos que ni tenías. En la promoción, la campaña de premios, que además es superdesgastante porque tenemos que currar en otras cosas. Tú tienes que entregar guiones, pagar el alquiler de otros lugares. Y en esa vorágine, estás haciendo entrevistas, haciendo prensa, te estás moviendo, pillando AVES, y de repente ha aparecido el grandísimo deseo de que te nominen. Tiene un punto de absurdo muy grande. La cantidad de tiempo y energía que destinamos a hacer una campaña de premios te lo roba de crear tus próximos proyectos.

Lo noto como una contradicción supergrande. La nominación se recibió con mucha alegría, me ha abierto unas puertas increíbles y es impresionante lo útil que es; pero tengo compañeras que han hecho películas increíbles y no están nominadas, y también es un poco injusto. A veces depende de la capacidad de promoción que tenga esa película.

Ganó premio en los Gaudí y su discurso fue uno de los más sonados de la gala, en la que se lo dedicó a todas las víctimas de violencia sexual. ¿Cómo vive usted este espacio?

No me iba a preparar nada porque pensaba que no iba a ganar, pero como también estábamos nominadas a guion con Eva Pauné, ella me dijo que sí que había que escribirlo y le hice caso. Me pareció un ejercicio precioso. Había una responsabilidad. Tengo un altavoz, es que imagínate que gano, me arrepentiré toda la vida si no aprovecho ese momento y no digo cosas que con la peli que hemos hecho creo que es importante decir. También la oportunidad de hablarme a mí misma. Había algo de cierre de ciclo.

Vídeo de la entrevista completa

Vídeo: Àlex Corral

Si uno mira los nominados al Goya a la Mejor dirección puede establecer una conclusión rápida sobre el momento actual de la industria del cine español. Alauda Ruiz de Azúa, Oliver Laxe, Carla Simón, Albert Serra y los Moriarti (Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga en esta ocasión) conforman un quinteto finalista de un nivel altísimo. Sus cinco películas han estado en festivales internacionales. Sirat y Romería en la Sección Oficial de Cannes (donde la primera ganó el Premio del jurado); Tardes de soledad y Los domingos ganaron la Concha de Oro en San Sebastián en dos ediciones consecutivas, y Maspalomas compitió en el último Zinemaldia y logró la Concha de Plata a la Mejor interpretación protagonista para José Ramón Soroiz.

A ese grupo se podría unir, sin problema, el nombre de Eva Libertad. Nadie duda de que si la directora no compitiera en dirección novel hubiera estado nominada. Sorda logró críticas y premios en la Berlinale de 2025 y luego se coronó con la Biznaga de Oro. Seis cineastas que están ahí por encima de nombres como los de Alejandro Amenábar, Alberto Rodríguez o Agustín Díaz Yanes. Pesos pesados, con carreras más dilatadas y, sobre todo, propuestas que, a priori, parecían casar más con el gusto de la Academia.

Es cierto que parece sorprendente que la institución vaya a pasar a premiar una de estas películas solo un año después de que La infiltrada y El 47 ganarán ex aequo el premio a la Mejor película, pero no lo es tanto si uno piensa en los cambios que se están produciendo en el tipo de cine en España. Desde hace años, la crítica, hecha con fundamentos, ha sido que el cine medio había desaparecido.

Ese cine adulto, que no tenía unos presupuestos desorbitados, pero sí amplios para competir en las ligas de los festivales europeos. Cine que trataba al espectador con inteligencia, que le ofrecía, incluso, propuestas más radicales. Las nominadas de este año confirman que hay un cambio en el cine español. Un cambio provocado por cursos donde la dotación para las ayudas ha aumentado, donde las mujeres han entrado como un vendaval de aire fresco y donde nuestros directores han demostrado que no solo interesan dentro de España, sino también fuera.

Que una película como Sirat esté nominada, haya hecho casi tres millones de euros y tenga dos candidaturas a los Oscar es un éxito de todo el cine español. Porque demuestra que se puede. Que un cine que no apela a las reglas narrativas convencionales y que apuesta por una experiencia sensorial en la sala de cine interesa a crítica y público. Si hace diez años nos hubieran dicho que Oliver Laxe iba a tener seis millones de euros para hacer una película nos hubiera parecido un chiste.

Podríamos decir lo mismo de Los domingos, que confirma el don de Alauda Ruiz de Azúa para conectar con la gente desde temas que no son evidentes, que no parecen estar en el foco del debate, pero que ella logra identificar y tratar con su estilo austero y sin juzgar. Nadie puede dudar de que Los domingos es la película más discutida del año. Una de esas obras tan jugosas, tan interesantes, que todo el mundo se la ha querido apropiar de ella… Alauda ha sabido frenarlo.

Muchas veces se dice que todo ello es un cambio generacional, pero realmente casi todos estos cineastas superan los 40 años (Carla Simón es la única que no, ya que tiene 39 años). Es un cambio de mirada, y ese cambio ha venido producido por productores que deseaban otro cine y otra forma de hacer las cosas. Sería injusto no reconocer que en las nominaciones de este año, en el panorama que ofrecen de la industria, los responsables son tanto los directores como las productoras y productores que han confiado en ellos. 

Nombres como los de María Zamora, Marisa Fernández Armenteros, Sandra Hermida, Monse Triola, Luis Ferrón, Ander Barinaga, Ander Sagardoy, Álex Lafuente, Xavi Font, Oriol Maymó, Nahikari Ipiña… Gente que apuesta por otro cine y que, en su unión con pesos pesados del cine español, como Esther García, Agustín Almodóvar o el equipo de Movistar+, han logrado que esas películas, que hace diez años nadie quería hacer o que se hacían por dos duros, sean el músculo de nuestro cine. Y tampoco uno debería olvidarse que dos de esas películas están producidas desde su comienzo por Domingo Corral, figura clave en la ficción de Movistar+ que el año pasado fue cesado de su cargo provocando un terremoto en un cine español que hasta publicó una carta en su apoyo.

Duelo entre raves y monjas

Esa es la foto amplia, la de la industria, pero en lo concreto, al final la batalla por los Goya parece limitada a dos películas. Las dos que más han dado que hablar durante todo el año. En junio parecía claro que este sería el año de Oliver Laxe y Sirat. Premio en Cannes, éxito en la taquilla y la gente a los pies de una apuesta más radical que lo que se suele ver en salas de cine convencionales. Pero nadie contaba con que una historia sobre una niña que quiere hacerse monja iba a despertar pasiones como las que ha despertado Los domingos. 

Ahora mismo, y tras ver lo ocurrido en los Feroz, los Forqué y los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, pocos dudan de que Alauda Ruiz de Azúa se llevará el premio a la Mejor película este sábado en Barcelona. Algunos creen que este puede ser uno de esos años en donde la Academia divide los galardones y entrega el de película a un título y el de dirección a otro. En este caso sería la forma de reconocer la labor de Laxe (que también parece claro que arrasará en las categorías técnicas). Pero, si ni los informadores cinematográficos dividieron su voto… ¿Lo hará la Academia?

Tampoco parece que haya discusión en dirección novel (que parece claro que irá para Eva Libertad por Sorda), pero sí en bastantes categorías interpretativas. Patricia López Arnaiz puede estar buscando hueco en su estantería para el que sería su segundo Goya. Su tía Maite en Los domingos es lo que es gracias al guion de Alauda y a su talento. José Ramón Soroiz es el gran favorito como Actor protagonista por su conmovedora interpretación en Maspalomas.

Algo más de duda hay en los de reparto y en los revelación: ¿se llevará Álvaro Cervantes su primer Goya por Sorda frente al carismático Kándido Uranga de Maspalomas?, ¿Miriam Garlo y su protagonista en Sorda vencerán al terremoto de Los domingos y esa candidez que desprende Blanca Soroa?, ¿qué pasará en Actor revelación?, ¿logrará Nagore Aramburu su primer Goya en un año donde ha estado en casi todos los proyectos y en todos bien? 

Ojo también a otro de los grandes duelos de la noche, el de Mejor documental, con un Albert Serra que podría recoger su primer premio de la Academia de Cine, pero que se ha encontrado con un rival duro de batir, Antonio Flores. El Flores para Antonio levantado por su hija Alba y dirigido por Isaki Lacuesta y Helena Molina ha emocionado hasta la lágrima y puede aprovecharse de un estreno más reciente que el del filme de Serra. Dudas para mantenernos despiertos en la larga noche del cine español.