Ya se ha desvelado el cartel del próximo festival Primavera Sound 2026, que se celebrará en el Parc del Fòrum de Barcelona entre los dias 3 y 7 de junio del próximo año. The Cure, Gorillaz y Massive Attack son algunas de las grandes sensaciones, pero no las únicas. El festival también contará con ilustres clásicos como la banda de post-rock neoyorquina My Bloody Valentine, así como el grupo de kraut-rock alemás Einstürzende Neubauten, otra banda legendaria.

Repetirá el trio de rap gaélico Kneecap, que cerró el festival en la pasada edición tras la polémica por el enjuiciamiento en Reino Unido de uno de sus integrantes, acusado de terrorismo por mostrar en un concierto una bandera de Hezbolah. Yb se incorporará la productora y DJ Peggy Gou, que el pasado junio estuvo actuando en el Sónar, el otro gran festival de la temporada. También será novedad la presencia de Bad Gyal.

Otra de las gandes sensaciones será la presencia de la rapera, cantante, compositora y productora discográfica estadounidense Doja Cat. Así mismo será interesante presencial del show de la cantante e influencer norteamericana Adison Rae, que actuará por primera vez en España. Y finalmente completarán la cabeza de cartel, junto a The Cure y la citada Doja Cat, la banda londinense de indie rock The XX, que tal vez vengan a presentar nuevo trabajo, que no editan disco desde 2022.

The Cure regresará a Barcelona casi cuatro años después de su última actuación, cuando presentó su trabajo Songs of a lost world. Respecto a Doja Cat, esta será su primera vez en España con una sola parada en el país, en el Primavera, cuyo espectaculo esta enmarcado en su gira Ma vie world tour, en el que presentará el disco Vie, que saldrá a la venta este viernes.

Otros nombres confirmados son los del DJ, productor, multiinstrumentista, director de videoclips, compositor y músico estadounidense Skrillex, así como el del legendario productor y DJ británico Carl Cox. Otros artistas relvantes de cuyas actuaciones se podrá disfrutar son el español Guitarricadelafuente, la cantautora inglesa PinkPantheress o el cantante de música urbana Dijon, estadounidense.

El Primavera Sound ha tenido este año una ampliación de los escenarios más allá del parc del Fòrum, con actuaciones durante el día y la noche en distintas salas del centro de Barcelona, agrupadas bajo el título “Primavera a la Ciutat”. La experiencia, provocada por las obras de acondicionamiento del Auditori del Fòrum, ha resultado un éxito de público, por lo que los organizadores han prometido repetirla el próximo año. Una de las salas que han acogido esta iniciativa ha sido la Apolo en el distrito de Ciutat Vella.

En ella, en la noche del domingo, con el grueso del festival ya clausurado, actuó el trío norirlandés de hip hop Kneecap, que se distingue por cantar parte de sus letras en gaélico irlandés, idioma minoritario pero con un fuerte componente reivindicativo. En sus composiciones, la banda mezcla referencias a las drogas, a la juventud de Belfast, a la reunificación de Irlanda y la salida de los británicos de los condados del norte. De hecho, el mismo nombre del grupo, “rótula” en inglés, define el castigo que el IRA aplicaba a los ladrones y traficantes en los barrios católicos: un tiro en la rodilla que los dejaba cojos de por vida.

Estos contenidos les han valido, desde que iniciaran su carrera en 2017, amenazas de muerte tanto de grupúsculos terroristas republicanos (por considerar que promueven el consumo de drogas) como de paramilitares unionistas, en este caso por promover la lengua irlandesa y defender una Irlanda unificada sin presencia inglesa. La película Kneecap, que este año fue presentada a los Óscar por parte de Irlanda, cuenta la historia del grupo y está interpretada por sus tres componentes: los raperos Liam Óg Ó hAnnaidh (alias Mo Chara) y Naoise Ó Cairealláin (alias Móglaí Bap), y el productor musical DJ Próvaí –un guiño al IRA provisional, los llamados provos–, de nombre real J. J. Ó Dochartaigh y que nunca muestra su cara, pues lleva siempre en el escenario un pasamontañas con la bandera de la República de Irlanda.

Mo Chara, acusado de terrorismo

La popularidad que les ha otorgado la película explica, en parte, la expectativa levantada en Barcelona para presenciar su concierto, pero no es el único motivo: Mo Chara deberá comparecer el próximo día 18 ante la corte de Londres acusado de terrorismo por haber mostrado en un anterior concierto una supuesta bandera de Hezbolá, la milicia chií de Líbano, en solidaridad con el pueblo palestino y en condena del genocidio llevado a cabo por el gobierno Israelí. A este respecto, las leyes británicas prohíben mostrar enseñas de grupos considerados terroristas.

El concierto de Barcelona –el último que Kneecap realiza antes de la comparecencia del rapero ante los tribunales británicos, por lo que tenía una relevancia especial– reunió a numerosos asistentes de la colonia irlandesa y norirlandesa en Barcelona, así como al público local, mayormente del ámbito independentista. En la sala, abarrotada minutos antes del inicio del concierto, abundaban las camisetas de merchandising del grupo. Unas con un dibujo de una pinta de cerveza Guinness, un pasamontañas y un coctel molotov; otras con el mapa de la isla de Irlanda y la leyenda “Saca tus manos inglesas de Irlanda”. También se podían ver asistentes con el pasamontañas que usa DJ Próvaí. Y todo el mundo sostenía un vaso de cerveza mientras charlaba animadamente.

De repente aparecieron en los palcos –antiguamente la sala fue un teatro– dos encapuchaos que entre vítores del público colgaron un cartel donde se podía leer en gaélico: “agóidí ní sceimhlitheoireacht” (“Protestar no es terrorismo”). Seguidamente, los encapuchados colocaron el mismo cartel, pero en catalán, en el palco opuesto. Eran los preámbulos de un concierto que se preveía caliente, como finalmente fue.

Rapeos contundentes, bromas sobre drogas y apoyo a Palestina

Mientras el público ondeaba numerosas banderas de Irlanda y esteladas catalanas, aparecieron los miembros de Kneecap al tiempo que en el fondo de les escenario se proyectaba un inmenso “Free Palestine” que fue coreado por todo el mundo. Sin más preámbulos comenzó repaso a sus principales temas, rapeando a gritos y con contundencia sobre las bases que proponía DJ Próvaí, con frecuencia abundantes en graves y percusiones, propias del grime, en otros temas con ritmos acelerados, cercanos al hardcore techno y en algunas piezas con breaks más propios de bandas de rap político de los 90 como los Public Enemy, sin duda una gran referencia.

Entre tema y tema, Móglaí Bap y Mo Chara soltaron bromas en su inglés de Irlanda del Norte, con su fuerte acento característico que lo hace difícil de comprender, sobre drogas y la noche barcelonesa. Preguntaron, por ejemplo, al público si solía “nevar” en la ciudad, en referencia a la cocaína. Revelaron también que la noche anterior habían acudido al parc del Fòrum para ver a los irlandeses Fontianes DC y celebraron que mostraran en el escenario una enorme bandera palestina. Junto a las bromas, alternaban un contundente discurso político sobre el “genocidio palestino” –término que apareció proyectado en la pantalla del fondo de escenario– así como sobre la reunificación de Irlanda.

Saludaron también a Catalunya, a la que definieron como “otro país igual que Irlanda”. Estas referencias tuvieron su repuesta entre el público local, que coreó repetidamente el grito de “¡In-Inde-Independenci-à!”. Así fueron desgranando sus canciones: la política Fenian cunts (coños fenianos); 3CAG, un guiño al consumo éxtasis; H.O.O.D, sobre la juventud norirlandesa o Cearta, que literalmente significa “derechos”, en referencia a la ausencia de derecho lingüístico de usar gaélico con la administración británica en Irlanda del Norte.

Vitoreados por un público entusiasmado, entre gritos de “free Palestina”, “free Ireland” e “independència”, fue pasando el concierto hasta su final, en el que entonaron Get your brits out (“sacad a vuestros británicos”, se entiende que de Irlanda) y se despidieron con su polémico y habitual cántico celebratorio: Maggie is in the box (“Maggie [Margaret Thatcher] está en el ataúd), que el público recibió con entusiasmo y continuó coreando incluso una vez los miembros de Kneecap habían abandonado el escenario.

Chappell Roan enamoró a su público, que vino desde numerosos rincones del continente para verla en el escenario Estrella Damm del Primavera Sound 2025. Fue la primera fecha de su gira europea, un estreno cuyo honor le correspondió a Barcelona. La de Misuri ha alcanzado un éxito meteórico tras varias intentonas fallidas en la última década. La razón de su salto a la fama se llama The rise and fall of a Midwest princess, un disco de pop sobresaliente y soberbio, lleno de grandes canciones bailables y letras que son una declaración de guerra a la heteronormatividad y un reclamo de la cultura queer, trans y LGTBI+.

Con los temas de este trabajo, Roan se ha convertido en referente para toda una generación que rechaza los estereotipos de género, tal como se pudo observar ayer durante el concierto en el que le tocó defenderlos. El público, cerca de 60.000 personas, coreaba cada una de las canciones que la cantante y compositora, vestida con un conjunto que parecía un híbrido entre una ensoñación juglaresca medieval y el atuendo de un roquero progresivo de los 70, abordaba. También respondía a los distintos guiños que la diva de pelo rojo lanzaba, muchos de ellos dardos hacia los hombres heteros, de los que asegura no guardar buen recuerdo.

Musicalmente, la ejecución fue impecable, con la agradable sorpresa de contar con una sólida banda, en su mayoría femenina, que ejecutó con solvencia un acompañamiento más eléctrico de lo esperado y, que recordó en ocasiones a la New Power Generation de Prince. En cuanto a la voz, Roan defendió sus canciones sin grandes alardes pero con solvencia, cosa que el público agradeció

Respecto a la escenografía, cada día más importante en este tipo de eventos en los que la distancia entre el público y el escenario puede ser de centenares de metros, fue elaborada: una suerte de castillo con reminiscencias de Juego de Tronos, hasta el punto de abrazar la Roan un muñeco que representaba un dragón bebé. La artista se paseó todo el rato a lo largo y lo alto de su fortaleza gótica, seguida siempre por las cámaras, que reflejaban su imagen en las enormes pantallas.

El repertorio se inició con fuerza gracias a temas como Super graphic ultra modern girl y Femininomenon. Abordó también Guilty pleasure y Casual. Y cuando parecía que el concierto perdía fuelle, hubo cambio de vestuario y de tercio, para cantar el tema Barracura, de la banda de heavy setentera Heart. Quiso Roan injertar entonces diversas baladas –The subway, Kaleidoscope, The Giver–, cosa que enfrió el ambiente.

Por suerte, pronto retomó la senda eléctrica con su himno Hot to go para ya poner la directa mientras los fans coreaban cada una de las canciones. El broche lo puso con sus dos temas más populares: Good luck, babe! y Pink pony club, ya con la parroquia entregada.

Maravillosa Amaia

Si se pudiera dar el Balón de oro a las artistas, de modo que se premiara el talento por encima del músculo financiero de las diferentes propuestas, el idioma, la difusión, etc., sin duda la pamplonesa Amaia lo merecería. Artista, total, no solo maneja con soltura los teclados, la guitarra, el arpa o lo que se le ponga por delante, sino que además baila libérrima, repartiendo su magia por el escenario, y tanto lo hace con pasos de danza contemporánea como en un zapateado flamenco o coreografías de j-pop.

Actuó una hora antes que la Roan y en un escenario más humilde, el Cupra, aunque con suficiente cabida para reunir a todos sus fans, que fueron varios miles y que cantaron casi todas las canciones junto a la navarra, muy apegada a Barcelona, donde vive desde que inició su carrera. “A mí Barcelona me ha cambiado la vida”, reconoció, una mención que le valió una estruendosa ovación.

Tuvo una hora para tocar los temas de su último disco, Si abro los ojos no es real, acompañada por su banda además de por una sección de viento y otra de cuerda que embellecían todos los temas sin restarles un ápice de ritmo. Así cuajó un concierto emocionante y redondo: bromeando continuamente con el público, exhibiendo una frescura y una candidez que enamoraban. Cantó las letras de sus temas, a caballo entre la poesía y la narración, muchas de ellas de una crudeza y una oscuridad notable.

Se atrevió, además, a revisitar composiciones legendarias, como hace con Tocotó, una versión muy libre del Corre, corre caballito de Marisol. Y por descontado en Santos que yo te pinte, un tema descarnado de Los Planetas que se inicia con unos sobrecogedores versos (Yo no tengo la culpa / de que te duela el alma. / No tengo culpa ninguna / de que te fumes plata) que ella dota de una belleza quebradiza y extrema.

Cerró Amaia su actuación, entre vítores, con la canción enseña de su disco, la hermosa Tengo un sentimiento. Pero antes se marcó una jota con Yamaguchi, tema de su anterior álbum, Cuando no sé quien soy, una marcianada llena de poesía en la que dio fe de su gran voz.

Anohni, la segunda vida de Antony and The Johnsons

El gran artista que antaño fuera Antony, líder de Antony and The Johnsons y autor de canciones enormes como Blue Angel, Kiss my name o Fistful of love, el dueño de la voz más negra de la clase media blanca de la bahía de San Francisco, el artista que lleva paseando su orgullo trans y queer desde hace casi tres décadas, regresó al Primavera Sound, esta vez trasmudado en Anohni, su nueva identidad artística. Con ella, grabó los temas de su último trabajo, My back was a bridge for you tu cross, que presentó anoche en Barcelona.

En el escenario Amazon Music, mantuvo la esencia de su pop de cámara e incluso aumentó la experimentación en el acompañamiento musical, ejecutado por una excelente banda, acaso los nuevos “Johnsons”. Pero quiso dotar al concierto de una significación especial mostrando de fondo de escenario imágenes de un arrecife de coral degradado, a la par que entre canción y canción aparecían en las pantallas científicos explicando la gravedad y la irreversibilidad de los cambios que están experimentando los distintos ecosistemas con el cambio climático. El resultado fue una sensación de profundo dolor a quien prestara atención a las pantallas, que solo la gran belleza de la voz de Anohni lograba apaciguar. Este artista nunca decepciona.

Se suele decir que la inteligencia es saber leer las situaciones cambiantes y adaptarse a ellas del modo más discreto y pragmático posible. Y a tenor de esta definición, Sabrina Carpenter es una artista sumamente inteligente. Se sabe un producto comercial genuinamente americano –como ex “chica Disney” pero también por su aspecto de rubia anglosajona de bote, la típica chica del medio oeste– y en consecuencia acomoda sus composiciones y su espectáculo a esta imagen estereotipada.

Ni tiene una voz excesivamente destacable ni baila especialmente bien –más bien no baila–, pero sabe rodearse de buenos bailarines, acomodar la voz y plantear un espectáculo que abrigue debidamente sus limitaciones: lleno de glamour y brillante, con su body azul forrado de lentejuelas, pero también de ironía hacia el mundo de la publicidad y el espectáculo de consumo del que ella procede. Así ha llegado a ser una de las artistas más populares de Estados Unidos.

De hecho, la mayor virtud de su show es el aprovechar el potencial de las pantallas gigantes que rodean al escenario –y permiten disfrutar del concierto a la gran mayoría de espectadores, ya que el escenario queda a centenares de metros– para plantear una suerte de concierto televisado en el que se alternan imitaciones de spots televisivos para presentar las canciones.

Precisamente uno de estos falsos, e irónicos, comerciales ha servido a la cantante de Pensilvania para cantar por primera vez en vivo y en directo su nuevo tema, recién estrenado en Spotify: Manchild. Habla de esos hombres que en el amor son como niños caprichosos, descerebrados e inmaduros. Al conocer su estreno, entre los fans se ha comentado que va dirigida a su ex pareja.

Con su mezcla de pop, folk, country e incluso electro-pop, la Carpenter ha desgranado durante una hora y diez minutos los éxitos de sus cuatro trabajos –especialmente, su exitoso Short n' Sweet–, como Taste, Coincidence o Please, please, please. También se ha atrevido a versionar un himno gay como It's raining men, que hizo famoso el duo The Weather Girls. Así, a base de darle al público lo que pedía y de la discreción de sus aptitudes escénicas, la artista se ha metido en el bolsillo a su público. Eso, sí: sin cosechar un éxito apabullante.

Porque acaso cabe preguntarse si Sabrina Carpenter tiene el perfil del Primavera Sound, y si la respuesta es afirmativa, entonces hay que reflexionar sobre la dirección que el festival ha tomado este año, en que ha relegado su esencia más experimental, artística y alternativa a escenarios menores –Levi's Plaza, Cupra, Amazon Music–, para poner toda la carne del entretenimiento musical –no solo el de Carpenter– en el asador de los grandes recintos, los quilométricos Estrella Damm y Revolut.

Wolf Alice y Haim: pop rock eficaz y son complicaciones

Por ellos pasaron el viernes bandas como Wolf Alice y Haim. La primera, que actuó sobre las siete y media, es un combo británico de éxito en el ámbito anglosajón –abrumadoramente mayoritario en esta edición del Primavera, hay que reconocerlo– con temas simpáticos y en ocasiones rockeros y contundentes. Su mezcla de esencias setenteras, a veces con aroma a los Stooges, pero sobre todo a Queen con una pizca de Led Zeppelin, les ha dado merecida fama en Reino Unido, en especial con su trabajo Visions of a life.

Estuvieron eficaces en el escenario Estrella Damm, pero poco más, de modo que parecían más centrados en no molestar los corros que el público hacía en el césped artificial que en mostrar verdadera actitud no ya rockera, sino también popera. Buena ejecución de toda la banda pero sin correr ningún tipo de riesgos, aunque si tuvieron algunas complicidades con el público. Alabanzas a Barcelona que fueron saludadas por un público que en su mayor parte no vive ni en la ciudad ni en el país. Hay que tener en cuenta de que el festival concentra cerca de 300.000 personas de las que más o menos un 70% tiene procedencia foránea.

También eficaces y entretenidas estuvieron las tres hermanas Haim, músicas californianas y fundadoras de la banda del mismo nombre. Una de ellas, Alana, fue coprotagonista de la película Licorice Pizza, una bella rememoración de la adolescencia en los 70 en el valle de San Fernando firmada por Paul Thomas Anderson. En directo mostró el mismo magnetismo que desplegaba en el filme, y que se suma al desparpajo de sus dos hermanas. Juntas, interpretaron sus temas más populares, todos en clave de rock americano sencillo y eficaz, con algún himno de alto voltaje, como la pegadiza y coreable Down to be wrong.

La alternativa Amazon Music

Pero tanto Haim como Wolf Alice representan ese pop rock de consumo y de gran festival que se suponía que en sus orígenes el Primavera Sound quería contraprogramar. No obstante, esta contradicción pareció resolverse merced al escenario Amazon Music, que ayer fue más que nunca el de “los viejos rockeros” o, si se quiere, el del rock alternativo clásico. Por allí pasó el nuevo proyecto de Stephen Malkmus, fundador de Pavement, la banda que como pocas sacó el hardcore de los locales de ensayo para convertirlo en alternativa al mainstream a finales de los ochenta merced el lo fi y el noise.

Malkmus presento The hard Quartet, un supergrupo en el que también están Emmett Kelly (The Cairo Gang), Matt Sweeney (Superwolf, Cat Power) y Jim White (Dirty Three, Xylouris White). Ahí es nada. Como no podía ser de otra manera, en tres cuartos de hora y en un petit comité de parroquianas y parroquianos talluditos, The hard Quartet despachó una lección magistral del rock y actitud.

Y lo mismo hicieron una hora después los franco británicos Stereolab, otra gran referencia del pop independiente de los noventa. Liderados por Laetitia Sadier, dieron rienda suelta a sus temas clásicos, donde mezclan las melodías de ascensor de los 50 con los sintetizadores e incluso los coqueteos con el jazz y el krautrock germano de los 60. En plena comunidad con el público, entre el que se contaba un ministro del actual gobierno, disfrutaron e hicieron bailar y disfrutar a sus fans, que lo son desde hace muchos años, manteniendo así la esencia que lo que fue el Primavera antaño.

Hay que reconocer que en el otro extremo del parc de Fòrum, el de los grandes escenarios, Beach House le dio la réplica a Stereolab con ese dream pop tan característico que ha hecho célebre al dúo de Baltimore. Durante más de una hora, expusieron sus canciones más populares, mecidos en un escenario brumoso, para goce de sus fans, algunos de los cuales terminaron el concierto entre lágrimas.

Y de regreso al escenario Amazon Music, mientras Sabrina Carpenter triunfaba con su pop sintético y comercial, el grupo español Carolina Durante regalaba a sus seguidores un emocionante concierto con acompañamiento de sección de cuerda ya de madrugada, en el que su cantante Diego Ibáñez defendía las canciones apoyado en sus muletas tras haberse roto en abril el ligamento cruzado de la rodilla. Si eso no es actitud...

Comienza el macrofestival Primavera Sound. Desde Barcelona, Jordi Sabaté nos traerá unas crónicas diarias que nos permitirán vivir el festival a distancia. Llega el primer gran evento musical del año en mitad de una interesante activación política que ha hecho que mucho público reaccione en redes y una serie de artistas haya cancelado sus actuaciones en los festivales comprados por Superestruct Entertainment.

No es el caso del Primavera, pues es otro fondo el que entró a su capital en el año 2018, en su caso Yucaipa Companies, un fondo californiano de capital riesgo que entró en el festival catalán en el año 2018, propiedad del millonario Ronald Burkle y dueños de los supermercados Tesco, por lo que se ha mantenido a salvo de esta polémica. No obstante, se espera que además de la expresión artística también veamos en sus escenarios expresión política, pues no son tiempos de mirar hacia otro lado. El arte no está nunca desligado de su tiempo.

Ya tenemos la crónica del primer día, el jueves, con una jornada muy femenina y muy británica. Nos esperan conciertos como los de Chappell Roan, LCD Soundsystem, Fontaines DC, Anohni, Kim Deal y muchos más. Lo contaremos por aquí.

Tres libros

'La lectura, otra revolución', de María Teresa Andruetto (Las Afueras). Si te gusta reflexionar sobre los libros y el propio acto de leer, debes prestar atención a las obras que Francisco y Magda están editando en la colección Ensayos chiquitos de Las Afueras (Tillie Olsen, Jane Lazarre, Ana Garralón, Olivia Teroba). En esta última propuesta, la escritora argentina María Teresa Andruetto parte de su biografía —sus memorias y sus lecturas— para hablarnos del leer como “un derecho de todos” pero también de la escritura (“una aventura en el corazón del lenguaje”). Es una miscelánea de textos (conferencias, artículos...) bien sembrada de ideas y referencias con las que expandir nuestra propia aproximación a la lectura.

'Sonic Life' de Thurston Moore (Contra). Los fans de Sonic Youth van a gozar de esta traducción (a cargo de Iñigo García Ureta) de las voluminosas memorias de su guitarrista. Ahora tenemos los dos lados de la misma historia, ya que Contra editó también las imprescindibles memorias de Kim Gordon (La chica del grupo) con quien Moore montó la banda que perpetró el giro al ruido en la historia del rock'n'roll. Qué acierto me parece, además, haber podido leer las de Gordon antes que las de Moore, pues era necesario que ella diera ese paso al frente y defendiera su posición. Ambos, además de su excepcional alianza musical, han sido matrimonio, y no han acabado bien. Prepárate porque aquí se va a hablar muchísimo de música (Moore es una enciclopedia y le encanta hablar de discos, y sobre cómo los ha escuchado y de qué manera le han influido) y algo de vandalismo (juvenil primero, sónico después). Y si te interesa cómo la ciudad de Nueva York fue el crisol para todas esas bandas que experimentaron con la suciedad y el ruidismo, generando un nuevo punk, también lo vas a encontrar aquí. Ya en librerías

Contra sigue siendo la mejor editorial para libros de música. Esta semana hemos hablado de otra maravilla de su catálogo reciente, la historia del sello británico 4AD, que fue pura intensidad. No te pierdas este artículo de Rafa Cervera.

'Lugares' de Georges Perec (Anagrama). Qué divertido es Perec. Este sociólogo y novelista, experimentador de la palabra, los lenguajes y los misterios, todavía tiene obra por descubrir. Si no le conoces, te recomiendo el documental Perec, el hombre que se negó a olvidar (2022) y que puedes ver en Filmin. Anagrama acaba de publicar este Lugares, un proyecto que dejó inconcluso pero que su editorial francesa ha reconstruido, aportando incluso maneras de abordarlo que Perec, fallecido en 1982, no podría haber imaginado, como la interacción digital, que propone romper la ineludible linealidad de las páginas del libro, para encontrar una performación de la obra más cercana a lo que pudo imaginar el autor. Lugares juega con el tiempo y el espacio. Cuando Perec lo que creando, reunió material de cada uno de esos doce lugares y los fue introduciendo en sobres lacrados. En ellos hay textos, croquis, listados y cualquier otro elemento activador del recuerdo. La edición complementa el material original con más aportaciones. En Perec todo es tiempo, lugar y abandono. Para disfrutarle, hay que perderse en esas tres dimensiones. En librerías desde abril.

Un concierto

Dark City Fest. Siempre sospechamos que Benidorm era una ciudad mucho más oscura de lo que parecía. Como pista, esta primera edición de un festival de darkwave, gótico, postpunk y otras interesantes siniestreces que lleva por nombre Dark City Fest y que se celebra en la turística capital alicantina este sábado 7 de junio, coincidiendo con el Primavera Sound y como alternativa mucho menos multitudinaria. Personalmente, considero que la mejor actuación de la noche será la de las islandesas Kaelan Mikla, de lo mejor de la música actual. En su última visita a Madrid (en el festival Dark Mad) vieron su actuación reducida a tres canciones debido a un error de producción. Llega el momento de resarcirse. Los dos grupos principales del cartel son dos clásicos: Clan of Xymox (grabaron también en el sello 4AD, del que hemos hablado más arriba) y The Chameleons, que siguen haciendo muy buenos directos, sobre todo los primeros. El festival tendrá lugar en la mitiquísima discoteca Penélope, que lleva abierta desde 1968.

Tres canciones

Estas son mis recomendaciones musicales para la semana. Recuerda que puedes escucharlas en nuestra playlist en Spotify, donde están también las de las semanas anteriores.

'Nettles' de Ethel Cain. Hay pocas artistas tan especiales ahora mismo en la industria musical como Ethel Cain. La cantante, que ya en 2022 publicó Preacher's Daughter, toda una bellísima obra de 13 canciones con una hora y quince minutos de duración, regresa con la publicación de Nettles. Se trata del sencillo principal de su próximo disco, Willoughby Tucker, I'll Always Love You, a la venta el 8 de agosto. Si en el primer álbum narraba el asesinato de su personaje ficticio a manos de su pareja caníbal, Ethel Cain vuelve al mismo universo narrativo para contar el romance juvenil de este personaje con el ficticio Willoughby Tucker. Nettles supone una carta de presentación preciosa de ocho minutos a la que no le sobra ninguno. Escúchala en Spotify.

'Hemingway' de girl in red. “Sería la primera en decir que no tengo problemas, me avergüenza admitir que no puedo resolverlos”, comienza el nuevo tema de la cantante y compositora noruega Marie Ulven Ringheim, conocida artísticamente como girl in red. La canción, que aborda asuntos como la adicción y la depresión, lleva a la artista a compararse con el escritor y periodista estadounidense Ernest Hemingway: “Maldita sea, nena, bebes como Hemingway, pero tu escritura no es buena y todas tus canciones suenan igual”. Hemingway fue una figura también conocida por su afición a la bebida. “Estrellándome en el fondo, no hay luz al final de la botella”, canta girl in red en el puente, referenciando ingeniosamente la expresión “no hay luz al final del túnel”. Escúchala en Spotify.

'GERM' de Kate Nash. Con muchísimo valor reivindicativo y de protesta, la artista británica Kate Nash publica Germ, una canción pop-punk que protesta contra la transfobia exponiendo datos estadísticos de una sociedad a la que todavía le queda mucho por mejorar. Kash afirmó en una entrevista para Attitude que el feminismo es la ideología más importante de su vida y que la sentencia de género del Tribunal Supremo del Reino Unido, que estableció que la mujer se define legalmente por su sexo biológico, fue lo que motivó la canción: “Solo quería que quedara registrada en la historia de la música y en la historia feminista, para que hubiera alguien más en la cultura que dijera que simplemente no considera que eso sea feminismo”. Escúchala en Spotify.

Tres películas

'Sirat'. Es una de las películas españolas del año. Oliver Laxe dejó el Festival de Cannes tiritando (y se llevó el Premio del Jurado) por esta película cuya trama se sitúa en el mundo de las raves, que Laxe con su director de fotografía Mauro Herce capta como nunca se habían visto, pero que avanza hacia terrenos sorprendentes. Que nadie os la cuente. Id al cine a verla y a dejaros atravesar por una experiencia única.

'La viuda negra'. 15.000.000 de visionados en su primera semana en Netflix (la película más vista en todo el mundo). Casi nada. El cine español de la plataforma vuelve a demostrar que gusta y mucho. Esta vez lo hace con una fórmula a prueba de balas: true crime, la producción de Bambú (con Ramón Campos a la cabeza) y dirección de Carlos Sedes, mismo equipo que El caso Asunta. A eso sumen a Carmen Machi al frente del reparto y tienen una apuesta que engancha a todos (y para eso la han hecho).

'Scanners'. Varias de las imágenes de Scanners han poblado mis pesadillas más recurrentes. La capacidad de David Cronenberg para crear un imaginario perturbador a la vez que hipnótico, imágenes que se quedan grabadas a fuego en la retina, es única. Filmoteca proyecta en el cine Doré de Madrid Scanners este miércoles 11, una oportunidad única para ver en pantalla grande una obra imprescindible de un autor único.

Tres planes para el finde

El Prado en Paiporta (Valencia). No solo las personas buscan los museos, también los museos buscan a las personas. Con motivo del Día Internacional de los Museos, las calles de Paiporta y otros 12 municipios afectados por la dana continuarán convertidas en un museo al aire libre durante todo el mes de forma gratuita. Habrá reproducciones a tamaño real de grandes obras maestras del Museo del Prado, gracias al proyecto En un lugar de… la memoria, y buscará acercar el arte a zonas especialmente castigadas por las inundaciones, como símbolo de recuperación y esperanza.

FIRE!! Festival de Cine LGTBIQ+ (Barcelona). A partir de este fin de semana y hasta el siguiente, el mes del Orgullo llega al Institut Francès de Barcelona, con historias diversas, valientes y emocionantes que, a través de la gran pantalla, ayudan a representar todas aquellas identidades que forman parte de nuestra realidad. Aunque el festival se desarrolla principalmente en el Institut Francès, también cuenta con actividades y proyecciones en otros espacios como el Centre LGTBI de Barcelona y el Espacio Movimiento Factory BCN.

RECREO (Guadalajara). Creado por y para jóvenes buscando el desarrollo local, el festival de música emergente de Sigüenza nace como alternativa de ocio en zonas no urbanas. Es gratuito y se celebrará en el emblemático y recuperado Parque de La Alameda de Sigüenza, al aire libre este sábado entre las 14.30 y las tres de la madrugada. El cartel de esta primera edición lo encabezan propuestas emergentes como Len, Vicente Calderón o Tenda, junto a los DJs Loophole y Monge y otros nombres locales. Será una jornada completa en torno a la música, el juego y la convivencia intergeneracional en un entorno natural y socialmente significativo.

Tres exposiciones

'El Egipto de Eduard Toda' (Madrid). Un viaje al coleccionismo del siglo XIX. El Museo Arqueológico Nacional (MAN) ha inaugurado esta muestra, dedicada a la figura del diplomático y aventurero reusense Eduard Toda i Güell y a su colección de más de 1.350 piezas arqueológicas que forman parte de su legado al museo.

La exposición reune 400 piezas que podrán apreciarse hasta el 5 de octubre en la sede del museo en Madrid. Toda fue vicecónsul de España en Egipto entre abril de 1884 y marzo de 1886. Durante este tiempo formó una colección de antigüedades compuesta por una gran variedad de objetos como esculturas, amuletos, adornos personales, tejidos o cerámica. La muestra abarca un amplio marco cronológico que va desde la época predinástica hasta el periodo cristiano-bizantino, incluyendo el periodo faraónico, ptolemaico y romano.

'Contrapunt' (Barcelona). La Virreina Centro de la Imagen ofrece esta antología de la obra del fotógrafo Sergi Aguilar, una muestra comisariada por el director del centro, Valentín Roma. Se trata de una exhaustiva selección de 130 fotografías realizadas por Aguilar entre 1972 y 2024 junto a cinco trabajos audiovisuales. La presentación museográfica, que se podrá visitar hasta el 19 de octubre de 2025, cuestiona las jerarquías espaciales y las codificaciones que determinan ciertas formas de mirar imágenes. En este sentido, se propone un tipo de experiencia visual más cercana a la que ocurre en el taller del artista, en las salas de revelado fotográfico o en los cubículos de edición fílmica.

'Cosas tenidas por pequeñeces' (Madrid). El Museo del Romanticismo de Madrid busca rescatar del olvido esos detalles íntimos de época, aparentemente insignificantes, que configuraron la vida diaria en el siglo XIX. La muestra, que forma parte del proyecto Memoria, tejidos, museos. Los barrios bajos de la atención, y que está comisariada por Selina Blasco y Patricia Molins, abrió sus puertas del 30 de mayo y poddrá visitarse hasta el 21 de septiembre.

La exposición se divide en dos partes. La primera se organiza en torno a las piezas expuestas que forman parte del recorrido habitual del Museo del Romanticismo. La segunda parte de la exposición que se sitúa en la Sala del encuentro, donde se exponen obras de pequeño formato, como pequeñas joyas que se han dividido en varias secciones: Devoción, reliquias afectivas, procesos y lo lúdico.

Y una más en Madrid, de cuya inauguración te hemos hablado esta semana: el dibujante Paco Roca (Arrugas, Los surcos del azar), presenta una exposición sobre memoria comisariada por él mismo en el Instituto Cervantes.

Tres artículos

Casa de hojas. Este libro espectacular escrito por Mark Z. Danielewski en el año 2000 estaba descatalogado. Mueve precios disparatados en el mercado de segunda mano. Pero al fin se reedita. Jordi Sabaté te cuenta su historia.

Qué pasa con el merchan. Comprar una camiseta oficial de tu grupo favorito les viene mucho mejor que si compras su disco. En este artículo, Francisco Gámiz te explica cómo se mueve ahora el negocio musical.

Tasio Ranz. Este joven artista investiga en los procesos productivos de la artesanía rural para incorporarlos a su propuesta de arte contemporáneo. José María Sadia habla con él sobre el fracaso del modelo urbano del éxito.

Sin duda la jornada del jueves del festival Primavera Sound 2025 fue eminentemente británica, si exceptuamos unos pocos artistas irlandeses, australianos y estadounidenses, anglófonos al fin y a cabo. Desde la cantautora anglo-filipina Beabadoobee, o la rapera londinense de origen jamaicano John Glacier, al productor Jamie XX o los muchachos rockeros que conforman Idle, todos ingleses. Y, por supuesto, también lo son las superdivas Charli xcx, que actuó de cabeza de cartel junto al australiano Troye Silvan, y Tahliah Debrett Barnett, cuerpo y alma del proyecto FKA Twigs, que entregó una actuación performativa memorable.

Asimismo fue una jornada muy femenina, donde las propuestas de mayor relieve las protagonizaron mujeres, si exceptuamos el magno concierto que regaló Spiritualized, en el que homenajeó, tocándolo, su segundo álbum, Pure phase, que cumple este año tres décadas. Jason Pierce reunió para la ocasión un combo que era todo un lujo: además de los tradicionales bajo, guitarras y batería, aportó una potente sección de teclados, dos coristas, una sección de cuerdas con dos violas y otra de vientos, con saxo, trompeta y trombón.

Con semejante tripulación, el crucero, no podía fallar. Y no falló: Spiritualized desgranó una a una las canciones del disco, considerado una obra maestra del noise pop del momento, con influencias claras de la Velvet Underground, pero también del rock progresivo más experimental de los 70. Entre acordes hipnóticos y distorsiones de querencia lisérgica, se colaban los vientos y las cuerdas con sus propias y enloquecidas armonías, más propias de una pieza de free jazz que de un concierto de rock alternativo de los 90. Fue un regalo que la organización otorgó a los viejos rockeros, arrinconados en esta edición por un tsunami de pop bailable y enlatado.

Kate Bollinger acaricia el micro con sus labios

No obstante, Spiritualized aparte, hubo otras satisfacciones guitarreras durante el día, que comenzó sin embargo con la actuación de Rigoberta Bandini en petit comité en el escenario Levi's Plaza, coqueto y recogido, ideal para pequeños conciertos como el de la catalana, que lo cerró con su ya clásico Ay mamá y con espontáneas bailando sobre el escenario. Tras la Bandini, le tocó el turno a la virginiana Kate Bollinger, que hizo las delicias del público con su pop folk de corte sureño, suave y ambiental, tirando de una buena base rítmica y algún slide, además de las clásicas guitarras Fender.

El resultado fue un hilo agradable en el que la voz de Bollinger se deslizaba como un susurro que a ratos recordaba a la añorada Francoise Hardy, siempre cantando con los labios pegados al micrófono, acariciándolo. El problema es que le tocó lidiar con un escenario mastodóntico, el Revolut, y a las seis de la tarde, con el sol dando de pleno y el público todavía frío, más interesado en tumbarse en el césped artificial en corros y beber cerveza que en escucharla. Le hubiera venido mucho mejor el escenario de la Bandini, o al menos uno algo menos aparatoso, íntimo y sugerente; como es su música.

Tras la caricia sonora de Kate Bollinger, tocaba ir en busca de otra mujer liderando un proyecto. La encontramos en la otra punta del parc del Fòrum, de nuevo en el Levi's Plaza. Allí estaba la londinense John Glacier. Activó pronto al público con su rapeo oscuro y nocturno, herbáceo en el sentido más narcótico de la palabra. Mostró su flow deslizándose sobre bases imposibles, más propias de bandas de tecno experimental como Autechre que de un DJ de break beat. Glacier fue subiendo la temperatura ambiental a base de rimas y el público comenzó a sintonizar con ella. El único “pero” a su sesión es que aunque el lugar pareciese adecuado, la hora, apenas las siete de la tarde, era demasiado luminosa para establecer las complicidades necesarias para este tipo de música.

Beabadoobee pone tercera al ritmo de la tarde

Tras Glacier, de nuevo tocaba desplazarse al otro extremo del Fòrum, al escenario Estrella Damm, tan inmenso como su hermano gemelo, el Revolut. Sin embargo, la anglo-filipina Beabadoobbe consiguió no solo llenarlo, sino también enchufar al respetable a base de sus letras sobre la cotidianeidad, su voz sugerente y atiplada y su potente banda, que trazaba en cada canción un sendero de sólido power pop guitarrero, más propio de los 90 del siglo XX que de los 20 del XXI. Fue el primer arranque serio del festival, aunque siempre desde una actitud complaciente, más pop que rock y sin demasiada orografía emocional en el desempeño de los temas. Una lástima porque en las otras facetas estuvo sobresaliente.

Dejando a Beabadoobbe en el Estrella Damm, de nuevo tocaba desplazarse para ver la actuación de otra mujer, en este caso la fascinante Cassandra Jenkins en el escenario Amazon Music. Ahí se conjugaron los astros: la tarde cayendo, la suavidad de la brisa, la luminosidad descendiendo y un escenario a escala humana para la propuesta de la neoyorkina: música ambiental, llena de atmósferas jazzísticas a ratos –contaba con un saxofonista– y oscuras y electrónicas en otros gracias a los sintetizadores. El público, aunque no masivo si considerable, se entregó al que fue uno de los conciertos más exquisitos de la tarde.

FKA Twings: electrónica, sudor y danza

A las diez le llegó el turno a una de las cabezas de cartel de la jornada, el proyecto FKA Twigs, liderado por la actriz, cantante y bailarina londinense Tahliah Debrett Barnett, propietaria de la célebre voz que puede oírse en ese bellísimo himno del trip hop extemporáneo llamado Two weeks. En dos ocasiones anteriores, Barnett había cancelado a última hora su asistencia al festival, pero esta vez llegó, vio y sedujo con su espectáculo, pura danza física y sudorosa.

Una performance que se reproducía a través de pantallas en blanco y negro y que dejaba ver el cuerpo de los bailarines, duro como el grafito, en contorsión permanente. Al principio el desarrollo fue lento, pero progresivamente fue cogiendo velocidad y ritmo y el público, muy numeroso, comenzó a prestar atención a la maravilla que acontecía en el escenario, puro arte.

Aun así, era imposible abandonar la sensación de que en aquel escenario desmesurado –el Estrella Damm– este tipo de espectáculo tenía poco sentido. Aunque fuera bienintencionado intentar elevar el nivel artístico de la noche, ni el lugar ni la ocasión parecían apropiados. La propuesta de FKA Twigs merece más otras querencias menos festivas, acaso en festivales como el Grec o en teatros como el Liceo, donde su despliegue performativo se habría podido apreciar con mayor silencio, respeto y atención.

Y como la noche no puede ser eterna y Charli xcx no actuó hasta la una y media de la madrugada, la mejor manera de cerrar este jueves de Primavera Sound fue con el ya comentado concierto de Spiritualized. En especial poder apreciarlo rodeado de seguidores y seguidoras de la banda, gentes que vinieron con la idea clara de no perder la ocasión, como quien es invitado a la cata de un vino muy especial y sabe que no va a haber muchas más oportunidades de probarlo.

Con la llegada de más horas de sol y de buen tiempo, con la primavera también se da el inicio de la temporada de festivales, siendo algunos de los más destacados durante esta época del año en diferentes puntos de la geografía española y de todo tipo de temáticas y géneros musicales.

SanSan Festival y los más destacados de abril

Con la llegada de la festividad de Semana Santa comienzan algunos de los festivales que inauguran la temporada de los eventos musicales al aire libre como es el caso del SanSan Festival en la localidad de Benicàssim, en Castellón, que es destacada también por organizar el FIB, uno de los más internacionales de los que se celebran en España.

Del 17 al 19 de abril en el Recinto de Festivales de Benicàssim se alberga la edición de 2025 que tiene en cartel algunos nombres como Los Planetas, Carolina Durante, Hombres G o Lori Meyers. Este mes y casi al mismo tiempo se dan el Mar de Jávea, del 18 al 19 en el Recinto La Fontana de la localidad valenciana, donde Álvaro de Luna o Dani Fernández como nombres principales, y el Wake Up Festival en Vigo de género tecno.

Viña Rock y los festivales que se celebran en mayo en España

Del 1 al 3 de mayo tiene lugar uno de los festivales más populares y veteranos de la escena musical en España, el Viña Rock en Villarrobledo, Albacete, y que contará con La Raíz, Lendakaris Muertos, El Canijo de Jerez y Rulo y la Contrabanda como cabezas de cartel.

Este mes se dan también el Warm UP Estrella de Levante con Mikel Izal, Fangoria, Amaia, Carolina Durante o Zahara en La Fica (Murcia) del 2 al 3 de mayo, el Womad en Cáceres del 8 al 11 de mayo y en Madrid se celebran el Festival Tomavistas del 29 al 31 de mayo y el Madrid Society, también a finales de mes con Lost Frequencies, Bob Sinclar y Jonas Blue como artistas principales.

En mayo da arranque el Marenostrum Fuengirola, que comienza 3 de mayo para poner fin el 9 de septiembre, con el Castillo Sohail de Fuengirola como escenario donde pasarán artistas como Chayanne o Il Volo.

El Primavera Sound y junio como inicio del verano de festivales

Cuando se acerca el verano es cuando más festivales de música empiezan por toda la geografía. Siendo todavía época primaveral es cuando tienen lugar algunos de los más destacados, como el Primavera Sound, del 4 al 8 de junio en Parc del Fòrum (Barcelona), con cantantes de la talla de Sabrina Carpenter, Chappell Roan o Charli XCX.

El 6 de junio también pone inicio uno de los más duraderos de Madrid, Noches del Botánico, que vive conciertos hasta el 29 de julio en el Real Jardín Botánicio Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid con artistas como Ana Belén, Zahara o Fangoria.

En la misma Plaza de España empieza el 30 de mayo el ciclo de conciertos del Icónica Fest Sevilla, en el que actuarán estrellas como Justin Timberlake, Kyle Minogue, Leiva o Chayanne, entre otros, hasta el 14 de julio en la capital andaluza. En Valencia, por su parte, el 6 y 7 de junio se da el habitual Festival De Les Arts, con Viva Suecia, Crystal Fighters, Zahara o Dorian como destacados en la misma Ciudad de las Artes y las Ciencias.

Otros festivales hasta mediados de junio:

Va siendo hora de familiarizarse con este nombre: Superstruct Entertainment Iberia. Superstruct para los amigos y los enemigos. Más de dos millones de personas habrán asistido en 2024 a algún festival español propiedad de esta empresa británica. Sónar, Viña Rock, Resurrection Fest, Monegros Desert Festival, Arenal Sound, O Son do Caminho, Madrid Salvaje, Brunch-In the Park, Morriña Fest, Granada Sound, las fiestas Love The 90's y Love the Twenties o el FIB de Benicàssim son algunos de los más de treinta macroeventos que ha adquirido parcialmente o en su totalidad este gigante de la industria del entretenimiento musical erigido ya en el segundo mayor promotor de festivales del planeta. Además, la semana pasada se expandió hacia otra línea de negocio de la música de baile comprando Boiler Room, la icónica plataforma de retransmisión en streaming, creada en 2010, que estaba en manos de la tiquetera británica DICE.

En los últimos tres años, el crecimiento de Superstruct en España ha sido imparable. En 2022 adquirió The Music Republic y con ello, los diez festivales que organiza la empresa valenciana. Un año después extendía sus tentáculos hacia la promotora gallega Bring The Noise, la madrileña ShareMusic y las catalanas Centris, Ex-Centris y Brunch-In. Estos movimientos le permitieron sumar casi una veintena de macroeventos más de distintos géneros musicales así como uno de los mayores productores de vasos reutilizables del país. En noviembre Superstruct Iberia selló una nueva absorción: la de la productora andaluza de festivales y giras Riff Producciones. Y a la treintena larga de festivales que ya controla en España, hay que añadir media docena más de eventos organizados por promotoras españolas, pero ubicados en el extranjero. Es el caso de las ediciones internacionales del festival Sónar o las fiestas de Elrow y Brunch-In.

España es, con diferencia, el país donde Superstruct ha invertido más dinero y empeño. La empresa aglutina ya más de 80 festivales en todo el planeta, entre los que destacan el húngaro Sziget, el alemán Wacken Open Air y los nórdicos Parookaville y Oya. La inmensa mayoría de sus adquisiciones son europeas, continente donde está disputando la hegemonía festivalera al gigante estadounidense Live Nation, pero en ningún territorio tiene tanta implantación como en el español. Aunque durante años ha operado con discreción, hace seis meses Superstruct Iberia abrió un perfil de LinkedIn desde el que, más que prometer los mejores artistas del momento o el mayor disfrute musical para el público, insiste en su capacidad para desarrollar las campañas de marketing más fructíferas para las marcas. La imagen que proyecta es la de una empresa especializada en transformar los festivales en inmensos escaparates publicitarios. elDiario.es ha contactado con Superstruct, que en 2022 abrió oficinas en el barrio madrileño de Chamberí, pero la empresa ha declinado responder a nuestras preguntas.

Primero, la escena electrónica

Hasta 2018 no empezó a sonar el nombre de Superstruct en España. Fue a principios de julio y tras la adquisición de un porcentaje de Advanced Music, la empresa catalana que organiza el festival Sónar. El comprador era esta entonces desconocida empresa creada bajo el paraguas del fondo inversor estadounidense Providence Equity Partners. Superstruct había iniciado su implantación en el mapa festivalero español un año antes adquiriendo en abril de 2017 parte de Elrow Global, la empresa aragonesa que organiza el Monegros Desert Festival y decenas de fiestas Elrow repartidas por el planeta. La especialidad de Superstruct son los macroeventos de música electrónica y, a partir de ahí, sus tentáculos se han ido ampliando hacia grandes festivales de otros géneros musicales.

No es casualidad. Al frente de Superstruct está el empresario británico James Burton, que se inició en el sector del ocio musical desde el club Cream de Liverpool. De aquella discoteca, fundada junto a otros dos socios en 1992, nacería seis años después el festival Creamfields. La expansión internacional de la marca Creamfields llegaría pronto a España. En 2004 se celebró en Almería la primera de las seis ediciones de Creamfields Andalucía, franquicia inicialmente gestionada por la empresa catalana Sinnamon, que por entonces también impulsaba el festival Summercase. El crecimiento de Creamfields fue tan descomunal que en 2012 Live Nation adquirió todo el negocio y colocó a James Burton al frente de la división de música electrónica de la multinacional del ocio musical.

Barton solo aguantó cinco años en Live Nation. En 2017 saltó de allí para liderar Superstruct, la división dedicada al entretenimiento musical del fondo inversor estadounidense Providence Equity Partners que nacía para convertirse en la principal competidora de Live Nation. Junto a Barton está el holandés Roderick Schlösser, un antiguo asesor financiero de Deutsche Bank. Como todo fondo inversor, Providence tiene intereses en múltiples sectores: desde la liga de fútbol americano hasta la discográfica Warner, pasando por el sector de las telecomunicaciones. En España se conoce a Providence por haber aportado 200 millones de euros al Real Madrid a cambio de participar de los ingresos de sus contratos de patrocinio; un caso destapado en las filtraciones Football leaks sobre prácticas de ingeniería fiscal para evadir impuestos en el mundo del fútbol.

Qué tendrá el mercado español

Superstruct no es, por supuesto, la única empresa extranjera con interés en el mercado musical español. En junio de 2018 Primavera Sound vendía el 29% de su empresa a The Yucaipa Companies, otro fondo inversor estadounidense que, a diferencia de Superstruct, no ha mostrado interés en otros festivales españoles, pero sí ha invertido en agencias de contratación de artistas como X-Ray Touring, Paradigm y Artist Group International. Por su parte, Live Nation mantiene el festival Mad Cool como su buque insignia, al tiempo que ha trasladado el BBF (antaño Barcelona Beach Festival) a Madrid y Galicia. Precisamente en la comunidad gallega, donde Live Nation está programando numerosos macroconciertos, nació en 2023 un nuevo macroevento: el O Gozo Festival.

El mapa festivalero español es cada año menos español, pero la reciente adquisición de Riff Producciones por parte de Superstruct Iberia marca un inquietante cambio. La promotora andaluza no destaca especialmente como organizadora de festivales, sino como productora de giras de grandes estrellas del pop español. El interés del conglomerado británico no puede estar en eventos de escala media como el Festival de Blues de Cazorla, el encuentro Músicos en la Naturaleza ubicado en la sierra de Gredos o en el cordobés I Like Festival, sino en las cifras que mueven los tours de Malú, Melendi y Manuel Carrasco. Es la primera vez que Superstruct incorpora a su catálogo una promotora pensando más en sus conciertos que en sus festivales. Solo el tiempo dirá si es la última.

En los últimos años se han consumado movimientos empresariales más discretos, pero que apuntan una vez más hacia un trasvase de empresas estatales del ocio musical a manos de firmas extranjeras. En octubre de 2018, la ticketera y productora de conciertos alemana CTS Eventim compraba un 63’5% de la promotora catalana Doctor Music, pionera del inimaginable filón festivalero cuando organizó allá por 1996 la primera edición del Doctor Music Festival. Más recientemente, el pasado noviembre, la veterana empresa catalana The Project, promotora de una decena de ciclos, festivales y de cientos de conciertos anuales, fue absorbida por Warner Music, multinacional que en 2008 ya había adquirido la promotora vasca Get In y que desde 2022 posee la promotora y agencia Taste The Floor especializada en músicas urbanas.

El comprador comprado

En este ir y venir de compra-ventas nadie está a salvo y el pasado junio se produjo un movimiento en sentido inverso: el fondo de capital riesgo KKR adquirió Superstruct. Kohlberg, Kravis, Roberts & Co. es el segundo mayor monstruo financiero del planeta, solo por detrás de Blackstone, con operaciones millonarias en sectores como el energético, el químico, el tecnológico, el educativo y el de los medios de información.

KKR ha adquirido Superstruct por 1.300 millones de euros, cifra que deja en calderilla los 120 que Superstruct pagó por The Music Republic. Pero como en estas alturas financieras el viento puede cambiar de dirección de un día para otro, en octubre otro gigante financiero, el inglés CVC (accionista de empresas tan conocidas en España como Naturgy, Tendam (dueña de Cortefiel) o Deoleo, además de ser socio de LaLiga), se ha sumado a la fiesta invirtiendo una cantidad que no ha sido hecha pública para fortalecer Superstruct y así “acelerar su misión de crear las mejores experiencias de directo trabajando estrechamente con emprendedores, visionarios creativos y profesionales con mentalidad empresarial”. Por si acaso, Providence Equity Partners, el fondo inversor donde nació Superstruct, mantiene una opción de recompra por 250 millones de euros.

La dimensión de este tipo de operaciones a tan gran escala ha hecho intervenir a la Unión Europea para validar la operación de compra de Superstruct por parte de KKR una vez comprobó que no vulneraba la normativa antimonopolio. En el tablero global de los festivales Live Nation sigue siendo la empresa con más influencia (con cerca de 120 festivales), seguida cada vez de más cerca por Superstruct (con más de 80 eventos). Superstruct aún no ha comprado festivales en Estados Unidos, donde Live Nation reina con absoluta autoridad seguida de lejos por AEG; de sus 26 festivales, 21 son estadounidenses. Sin embargo, en Europa las fuerzas entre Superstruct y Live Nation están más equilibradas. La partida de Monopoly festivalero global está más reñida que nunca.

La británica Charli XCX y las estadounidenses Sabrina Carpenter y Chapell Roan encabezan el cartel de un Primavera Sound 2025 en el que también destacan nombres como LCD Soundsystem o FKA Twigs, que actuarán del 4 al 8 de junio de 2025 en el Parc del Fòrum de Barcelona.

Además de estas primeras espadas, la 23ª edición del festival contará con artistas aclamados internacionalmente como Amelie Lens, Beabadoobee, Beach House, Caribou, Clairo, Floating Points Live, Fontaines DC, Haim, Idles, Jamie XX, Parcels o Black Country, New Road.

Dentro de la escena nacional destacan especialmente valores seguros del Primavera Sound, como Amaia, Carolina Durante o Young Beef, a los que se suman las propuestas de Ciutat, Judeline y La Casa Azul.

Esta 23ª edición se presenta como clave en el desarrollo futuro del festival, después de los planes fallidos de expansión en Madrid y América Latina y la intención del Ayuntamiento de Barcelona de regularizar el Fòrum como espacio para grandes conciertos.

Primero en Barcelona y después, en pocos días, en los Conciertos del Botánico de Madrid. Estas son las fechas que Polly Jean Harvey (Somerset, Inglaterra, 1969) tiene apalabradas en España. De momento ha cumplido con la primera. Lo hizo este 1 de junio en una tarde que ya declinaba bajo un tiempo amenazante, plomizo, con nubarrones oscuros y densos que viajaban a lo largo de la costa.

Ya llevaban días asentados en el cielo del Parc del Fòrum, pero parece que prefirieron esperar al concierto de la británica como si ella, delgada en extremo, con su clásica cabellera oscura y su nariz prominente, su androginia rememorando a otra gran sacerdotisa, Patty Smith, los hubiera convocado para crear la atmósfera perfecta para su recital.

Llamaba la atención su sayo, que le cubría hasta más allá de las rodillas, era beige e incorporaba en su superficie estampados de ramas secas de árbol y dibujos de lineas circulares, similares a petroglifos, recordando temáticas esotéricas que parecían querer dar a la escena un aire de conciliábulo de druidas o aquelarre. A su alrededor cuatro músicos de pelo cano que ejecutaban su trabajo con sobrada solvencia. Entre ellos John Parish, con quien Harvey ha colaborado en numerosas producciones.

Detrás, en el fondo del escenario, la pantalla mostraba un enorme panel cuarteado, una especie de escamas encarnadas entre las cuales se deslizaban grietas de un amarillo encendido. Semejaba una superficie que se fuera desprendiendo y desconchando; recordaba a la tierra seca de los pantanos catalanes.

Inicios fríos y acústicos

Y entre la creciente lluvia comenzó el concierto con un abordaje parco, elemental y acústico que tal vez desconcertó un poco al público, ya que no parecía lo más adecuado para calentar una escena cuya temperatura comenzaba a bajar debido a la tormenta, que se mantuvo un buen rato como calabobos. De todas formas, los asistentes, buena parte de ellos septentrionales y especialmente anglosajones, no se arrugaron ante un clima que no les es en absoluto extraño.

Arrancó con Prayer at the Gate, tema de su último disco de aires nocturnos en los que brilla su voz sobre unas bases muy oscuras y muy lineales. Insistió en los temas del nuevo disco con The Nether-edge e Inside the old year dying. El ambiente estaba cada vez más pasado por agua y ella seguía enfundada en su sayo ritual, ahora tocando la guitarra española, luego pasando a una suerte de tambura, una especie de guitarra sin mástil empleada en Asia.

A medio concierto, alternando temas más acústicos y espartanos con otros que implicaban cierto ritmo, abordó Led England shake, de su celebrado álbum homónimo y después pasó a The words that Maketh Murder, tema del mismo disco que es una crítica acerada a la intervención británica en las guerras de Irak y Afganistán. El público celebró y coreó la canción. Un par de canciones más y por fin un salto a la segunda mitad del concierto, decididamente eléctrico.

Segunda parte eléctrica

Poco antes Harvey había pedido disculpas por alejarse del borde del escenario, ya que la insistente lluvia la salpicaba. A partir de ese momento se quitó el sayo y apareció con un traje sin mangas ajustado, dispuesta para dar una vuelta de 180º a los temas y atacar 50ft queenie, de su legendario trabajo Rid of Me, precisamente producido por el fallecido Steve Albini, un asiduo del Primavera con su banda Shellac y que este año tiene un escenario con su nombre.

El público celebró el cambio y bailó y coreó el tema, al que sucedió un crescendo de canciones eléctricas que subieron la temperatura del concierto hasta llegar al éxtasis de Man-Size –también de Rid of Me–, Dress, Down by the water y, finalmente, To Bring you my love, temas todos ellos ricos en riffs y distorsiones que, no obstante, la banda abordó en una linea más cercana a la Velved Underground más oscura y experimental que en las texturas del grunge de los primeros trabajados de Harvey.

John Parish dejó la guitarra y tomó el violín mientras que Harvey se ató una Fender Jaguar; junto al resto de músicos, desgranaron las canciones de la recta final entre acordes interminables y chirriantes del violín y aullidos hipnóticos de la cantante, recordando a John Cale y Lou Reed interpretando Venus in furs. Así, en este final extático, cubierto por la insistente lluvia, todo terminó oliendo a cuero negro y moqueta enmohecida del pasillo del Chelsea Hotel.

PJ Harvey terminó el concierto, que fue de menos a mucho más, despidiéndose entusiasmada y agradeciendo al público su fidelidad a pesar de la tormenta. Luego dejo de llover, como el cielo quisiera indicar el final de una ceremonia telúrica, extraña y salvaje.

SZA, mucho más que una voz maravillosa

Pero la reina de la noche tenía que ser otra mujer: el trono estaba reservado para la norteamericana SZA, la nueva diva del r&b que une a su espectacular voz sus elaboradas y exitosas composiciones. Se convirtió en fenómeno mundial con su álbum SOS y se espera que saque el siguiente trabajo en los próximos meses, con el nombre de Lana, curiosamente el de la diva que la antecedió en la noche del viernes.

Lógicamente SZA superó con creces la convocatoria que un par de horas antes había hecho PJ Harvey; la de Misuri es carne de grandes eventos, de llenar estadios, tiene hits y voz para ello y además se hace acompañar de una escenografía espectacular, la mejor seguramente de todo el festival, si bien tanto Lana del Rey como Pulp han querido, y sabido, jugar con el doble plano que presentaba el gigantesco escenario Santander/Estrella Damm, con unos 200 metros de largo por 100 de ancho.

Así, mientras el concierto se desarrollaba dentro del escenario, las enormes pantallas que se situaban a los lados del mismo ofrecían planos cercanos de la artista. Y mientras en el escenario prevalecía un decorado de temática marinera, simulando una especie de barco pirata, en la pantalla del fondo, que daba cobertura al decorado, se sucedían numerosas imágenes de cielos, de océanos y de puestas de sol evocadoras.

La artista supo aprovechar en todo momento estos fondos para aparecer en las grandes pantallas con una imagen distinta a la del escenario, incluso en ocasiones la imagen que captaba la cámara era tratada digitalmente antes de aparecer en las pantallas. Por otro lado ,SZA se hizo acompañar de un potente combo de bailarinas, siendo ella, gracias a su potente físico, una parte más de la coreografía.

Cantó de este modo todos sus éxitos, que fueron coreados por las decenas de miles de espectadores, todos jóvenes y entusiasmados, grabando cada tema de la norteamericana con sus teléfonos móviles. En este sentido la fidelidad del público fue similar a la del de Lana del Rey, aunque en el caso de SZA las lágrimas y la emoción se transformaron en bailes y aplausos.

Fue su actuación sin duda un excelente colofón al Primavera Sound 2024 que, según la organización, ha superado las cifras de asistencia del año anterior, con 268.000 entradas en los cuatro días de festival, que descontando los abonos por tres días vienen ser 130.000 asistentes únicos.

Banderas de Estados Unidos con la cara de Lana, cirios con el rostro de Lana, camisetas con la imagen de la nueva leyenda laica del santoral de la música indie. Lana del Rey fue canonizada ayer en la noche barcelonesa entre tema y tema (entre himno e himno) de su tórrido, sexualmente perverso y atormentado repertorio, que refleja un universo creativo de forma retro glamurosa y fondo oscuro como un callejón del Bowery a las cuatro de la madrugada.

Y es que esta católica neoyorquina, con orígenes irlandeses, ha pasado de ser una artista de culto –una artista de artistas reivindicada por Billy Ellish o la mismísima Taylor Swift– a constituirse en un ídolo cuyos seguidores conocen cada letra de sus canciones y las cantan junto a su patrona entre incontenibles lágrimas, tal como se puedo comprobar ayer –durante el concierto de la segunda jornada del Primavera Sound– en numerosos rostros que rozaban la histeria cuando no la crisis mística.

“Viva Santa Lana” podría haber gritado sin exagerar cualquiera de los asistentes ante las estampas de seguidores sosteniendo cirios con la cara de la “beata del hemocore” o haciéndose selfies con la bandera estadounidense que muestra la silueta de la artista, cual Verónicas sosteniendo el Santo Sudario. Ya pasó la Semana Santa, pero en tres días se han obrado dos milagros en el Primavera Sound: el primer día resucitó la Mesías de la mano de los Javis y el tercero Lana del Rey se convierte en materia sacra.

Media hora de angustia y retrasos

El concierto de ayer fue una apoteosis absoluta a pesar de que, por circunstancias que se desconocen, comenzó media hora tarde para desesperación de los feligreses, que en decenas de miles se concentraron en el escenario Santander/Estrella Damm como si aquello fuera la plaza de San Pedro en Roma. Arrancó el show mostrando una escenografía cargada de estética camp. Como si de una obra de teatro se tratara, el escenario mostraba una especie de jardín del paraíso kitsch, con pozo, pérgola y columpio incluidos.

En él apareció Lana del Rey ataviada con un vestido color champán plagado de lentejuelas, unas botas vaqueras altas forradas de brilli brilli plateado y su característico peinado de esposa californiana blanca de clase media de los años sesenta, con su diadema característica: todo un guiño irónico que sirve de contrapunto al espacio literario que ocupan las letras de sus canciones, plagadas de melancolía, tormento emocional, amores perversos y un cierto aroma Twin Peaks que se refleja en las atmósferas sonoras de estilo Angelo Badalamenti.

Junto a Lana, un grupo de bailarinas ejecutaban ejercicios de danza que bien podría haber firmado Esther Williams en la piscina de Escuela de Sirenas. Detrás, una potente batería y un coro, y a la guitarra un músico vestido con el clásico mono de cowboy de Las Vegas, similar al que utilizaba Elvis en sus shows de finales de los 70. Finalmente, unos teclados se alzaban en una esquina del escenario, pintados en tonos pastel acordes con el resto del escenario. Y no faltó una motocicleta chopper, la que usan los Ángeles del Infierno, presente en este gran decorado americano.

Repertorio eficaz

Con todo este despliegue pretendió la artista dar realce a su repertorio, de por sí musicalmente frío, poco dado al directo y plagado de orquestaciones y bases electrónicas. Tuvo éxito: sus temas, con el acompañamiento escogido, adquirieron dimensión a base de percusión y guitarras y llenaron el enorme recinto a la vez que hacían vibrar a las y los fans. Empezó el goce cuando Lana entonó Without you, un tema de uno de sus primeros trabajos, Born to Die. 

El placer del respetable se convirtió en delirio con West Coast, para pasar al éxtasis con los acordes de Summertime, el estándar de Gershwin incluido en la ópera Porgy and Bess y que Lana utiliza en su canción Doin' time, de su disco Norman Fucking Rockwell. De repente saltó a Summertime sadness, uno de sus himnos, coreados por sus jóvenes seguidores con la misma intensidad que un hincha del Liverpool corearía elYou'll never walk alone de Jerry and de Peacemakers.

Después vinieron otras canciones como Cherry, Pretty when you cry y finalmente se obró el cierre con Videogames y Young and Beautiful, ya con el público en crisis nerviosa. Fue entonces cuando la artista se disculpó por el retraso y remató el concierto despidiéndose con un: “Fucking thank's, Barcelona!” Después bajó al foso y se acercó a los feligreses de las primeras filas, que la abrazaron, la besaron y la llenaron de selfies.

Yo La Tengo nunca decepcionan

Otros santos tocaron un par de horas antes en el escenario Amazon Music, en este caso los apóstoles del noise pop y herederos de las esencias sonoras de la Velvet Underground, aunque con temáticas bien diferentes. Hablamos de Yo La Tengo, un valor seguro en honestidad, profesionalidad y actitud. Optaron los veteranos Ira Kaplan, Georgie Humbley y James McNew por esquivar sus temas más comerciales y centrarse en alternar las melodías cantadas por la inconfundible voz de la baterista con otras piezas en las que Kaplan jugó a acoplar guitarra y amplificadores en busca de la máxima distorsión, como en los viejos buenos tiempos de los noventa.

Comenzaron con Ohm, tema de su trabajo de 2013 Fade, y continuaron con Sinatra Drive Breakdown, un tema reciente, para pasar luego a Autum sweter, de su trabajo de 1997 I can hear the heart beating as one. Vinieron luego Aselestine o Stockholm syndrom en un repertorio pleno de talento, distorsión y una actitud sin concesiones que puso a bailar a los fieles hasta el último tema, dejándo a todos y todas un excelente sabor de boca.

Y finalmente reseñar la actuación del artista local Guillem Gisbert, el ex Manel que emprendió hace pocos meses su carrera en solitario con un disco repleto de excelentes canciones con poéticas letras (como no podía ser de otra manera en Gisbert) y arriesgadas texturas sonoras. Había curiosidad por saber cómo trasladaría el artista catalán su Balla la masurca! al directo después del chasco de su actuación en los Premios Gaudí.

Y el resultado fue excelente: acompañado de teclados, bajo y batería, Gisbert ha resuelto de modo satisfactorio el aterrizaje de sus canciones en los directos. La banda tocó todos los temas del disco en el mismo orden en que aparecen en el CD, para goce de un público entregado y feliz de contar con uno de los artistas más celebrados del panorama pop catalán.

Lo han vuelto a hacer: tras la actuación legendaria en 2011 de la banda en este mismo festival, Pulp ha vuelto a resurgir –de esas cenizas que nunca terminan de apagarse del todo– para reivindicarse con una fuerza y energía inusitadas trece años después. Es como si para los de Sheffield no pasara el tiempo. O mejor dicho: cuanto más tiempo pasara, más se asentaran los posos de un estilo inimitable.

Solo un carisma tan grande como el de Jarvis Cocker podía llenar de emoción el inmenso espacio del escenario Santander/Estrella Damm, que debe tener unos 200 metros de largo por 100 de ancho. De hecho, son dos escenarios en uno. Ahí estaba el flacucho de las gafas prominentes con su británica cara de pasmo y su enorme teatralidad histriónica, eurovisiva, operística…; no importa el adjetivo, todos ayudan a definir la grandilocuencia de un artista mágico, que conecta con su sola presencia con los corazones de varias generaciones.

Nadie mejor que él para escribir los himnos que han llenado de ritmo y melodrama la banda sonora de miles de personas. Y tampoco hay nadie como Cocker para captar nuestra atención con un simple guiño, en este caso en forma de mensaje en la pantalla del escenario: “Esta es una noche que recordaréis toda vuestra vida”.

Seguidamente, apareció el cantante como un ser minúsculo tras una luna inmensa que reflejaba la pantalla. Con este inicio tensión, violines, se encienden las luces y aparece la banda. Así empiezaba el primer tema, que puso los miles de espectadores la piel de gallina: I spy. Tras este vino la primera expansión de éxtasis: la banda encaró Disco 2000, no sin antes producirse una explosión de confeti sobre las cabezas del público.

Este, en buena proporción compuesto por adultos que superaban los 40 años, empezó a vitorear uno de los grandes éxitos de la banda, tal vez el mayor junto a Common People, que quedó para el cierre del concierto. En medio grandes temas como Do you remember de first time?, Mis-Shapes o Something changed. Todos ellos destinados a elevar nuestros niveles de felicidad hasta lo más alto.

Por poner un pero, el único, tal vez apuntar que la hora y 35 minutos que duró el concierto tal vez fue excesiva y obligó a la banda rellenar el tiempo con Weeds y Weeds II (The Origin of the Species), dos temas de su álbum We Love Life que adormecieron un tanto el ambiente, enfriado además por la brisa marina.

No obstante, en el último cuarto el concierto recuperó el tono de gran fiesta del britpop con Like a Friend, Underwear y para rematar, el citado Common people. Finalmente cerraron con Razzmatazz.

Los aires africanos de Vampire Weekend

Antes de Pulp, pasó por el mismo escenario la banda estadounidense Vampire Weekend, la otra gran sensación del día. Conducidos por la especial voz de Ezra Koening, los neoyorquinos, reyes indiscutibles del pop más desenfadado y fresco del momento, desgranaron sus temas más festivos con ritmos de sukus, funk o afrobeat y sobre un fondo de pantalla de pinturas, primero de arte moderno –con especiales referencias a Miró– y posteriormente clásico y renacentista, sin duda una declaración de principios.

Así sonaron White Sky, Holiday, Classical, Unbelievers u Oxford. Y hacia el final apareció su tema quizá más emblemático: A-Punk. No obstante, la sensación fue que, al igual que a Pulp, la extensión de su concierto, también cercano a la hora y 30 minutos, les hizo sufrir y obligó a dar relleno con algunos temas largos, si bien en este caso bien sazonados con ritmos bailables.

Diez años de piñata

Una de las grandes virtudes del Primavera Sound es también uno de sus grandes problemas: el recinto es inmenso, kilométrico, con distancias entre un escenario y otro que en ocasiones superan los quinientos metros. Así, dejar un grupo en el escenario llamado Santander/Estrella Damm para, por ejemplo, ir a ver a otro artista en el Amazon Music, el Pull and Bear o el Cupra –en efecto, todo son nombres de marcas comerciales–, puede tomar un cuarto de hora o veinte minutos mientras se sortea el gentío, que es abundante y según a qué horas tiene a mostrarse errabundo.

De este este modo no es nada fácil poder estar presente en todos los conciertos de la jornada, por no decir imposible, y por ello, si la selección de artistas deseados se solapa excesivamente en el tiempo, hay que sacrificar nombres y preferencias en el altar de las actuaciones más destacadas. Sirva este preámbulo para dejar claro, por ejemplo, que aunque había muchos otros nombres apetecibles, el primer combo que este periodista vio fue el que conformaban el rapero Freddie Gibbs y el productor Madlib en el escenario Santander/Estrella Damm, el más alejado de la entrada principal.

La actuación de Gibbs y Madlib era muy esperada por que suponía la celebración del décimo aniversario del lanzamiento de su álbum de debut como sociedad, titulado Piñata, que en 2014 supuso todo un acontecimiento en el mundo del hip-hop por el estilo de rapeo de Gibbs y las peculiares bases que utilizaba Madlib, muy ricas en referencias de todo tipo desde el soul a los Public Enemy, el funk o el jazz.

No obstante, la experiencia resultó extraña; en primer lugar por las dimensiones del escenario, como se ha dicho inmenso, así como por que las bases que usaba el Madlib ejerciendo de Dj hacían sufrir los no menos inmensos altavoces con sus graves extremos, produciendo una molesta reverberación de bajos que muchas veces tapaba las veloces rimas de Gibbs.

Por el otro lado el rapero pareció al principio frio como maestro de ceremonias, poco inspirado a pesar de tener un publico entregado. Varias veces dialogó la masa llamando a los espectadores “niggers” a pesar de encontrarse con un público muy mayoritariamente no racializado. Parecía buscar una complicidad que costaba de establecer.

Hizo varios comentarios respecto a Barcelona y al festival y finalmente se encendió un cigarrillo hecho con papel de liar y con apariencia de porro; dio dos profundas caladas y se le pudo ver toser repetidamente, con tos marihuanera, para después decir: “This is a good sheet, man”. El público que abajo, sobre el pavimento forrado de césped artificial, también fumaba sustancias similares, vitoreó a Gibbs.

Así, en una atmósfera cada vez más densa Gibbs encontró el punto para comenzar a rapear con más comodidad y ritmo al tiempo que Madlib iba proponiendo los distintos temas del disco Piñata. El show comenzó a adquirir sustancia y significado, si bien el sonido siguió siendo un problema.

Lambchop con piano

Casi al mismo tiempo Lambchop, la banda liderada por el incombustible Kurt Wagner, autor de algunos de los álbumes más memorables en cuanto a pop rock independiente del cambio de siglo como Nixon, Ohio, How I quit smoking o Is a Woman, presentaba su nuevo trabajo The Bible. Como la distancia es traicionera, el salto de un concierto a otro implica llegar al auditorio del Fòrum, tras sortear un muro de incontables vallas, cuando Wagner está rematando sus últimas canciones.

Lo hace además en la oscuridad más absoluta, tan solo iluminada la sala –que como todo en el Fòrum es de dimensiones considerables– por dos focos, uno sobre el propio Wagner y el otro sobre un piano de cola y su ejecutor, el único acompañamiento a su legendaria voz, rota y gruesa pero a la vez clara y suave.

La interpretación se ciñe a la voz de Wagner y los acordes del piano, confiriendo al espectáculo una austeridad solo rebajada por la capacidad del cantante de ofrecer una especial ternura a su entonación grave, a ratos paternal. La sensación es la de un abuelo narrando viejas historias musicadas a sus nietos. El concierto concluye con vítores y aplausos. “Sublime”, dice un hombre de mediana edad mientras abandona el auditorio. “Vaya tostón” comenta una mujer algo más joven, aliviada por el fin.

Marciano y Amaarae

Finalmente destacar, en los tiempos de espera para ver a Vampire Weekend y Pulp –que desgraciadamente se solaparon con Deftones y Beth Gibbons, pues hubo que dejar a estos últimos de lado–, el concierto del rapero estadounidense Roc Marciano. Feliz casualidad encontrarse con él, porque en el pequeño formato del escenario, Marciano se desenvolvió muy bien frente a su público, con su hip hop de rimas pausadas pero contundentes y sus bases sugerentes y nocturnas. El resultado se antojó mejor que el de la experiencia de Gibbs y Madlib, al menos más sincero y honesto.

Y en el escenario aledaño empezaba un nuevo concierto al tiempo que terminaba el de Marciano. Se trataba de la ganesa Amaarae, que practica el estilo de moda actualmente en muchas partes de África y que es en realidad una mezcla de numerosos estilos, desde el soul al r&b pero también el harcore. Se llama alté y contiene ritmos potentes y vertiginosos que invitan a bailar de modo frenético. La artista, de físico contundente, cantó y bailó de modo entregado y contagiando a un público mayoritariamente joven, que seguramente cerró la noche en los escenarios electrónicos tras la apoteosis de Pulp.

El Primavera Sound empezó con buen pie ayer miércoles desde que a primera hora de la tarde calentara la escena la mallorquina Maria Jaume. Lo hizo durante la media hora en la que los primeros espectadores de la edición 2024 pudieron disfrutar de su música urbana y pegadiza, punta de lanza de las nuevas generaciones de música comercial en catalán.

A Jaume le siguió la tormenta sonora de Tropical Fuck Storm, la banda australiana que llenó el aire de guitarreo y distorsión sin concesiones, para subir unos grados la temperatura ambiental mientras el recinto del Parc del Fórum se comenzaba a llenar, sin duda preludio de una edición que aspira a superar los números de las anteriores, en las que se alcanzaron los 65.000 espectadores diarios.

Según reconocía el portavoz de la organización Joan Pons, se proponen bordear los 72.000 espectadores por jornada. Aparentemente y a falta de datos oficiales, en esta jornada inaugural tal vez se quedaron entre la mitad y los tres cuartos. Y eso que había solo cinco actuaciones, todas en un mismo escenario, el llamado Amazon Music, uno de los más grandes.

Tras tocar Tropical Fuck Storm llegó el turno de los norteamericanos Ratboys, una banda que ejerce el rock independiente de corte clásico, que en España podríamos emparentar con las bandas de los noventa de no ser por la clara vocación del grupo por el rock americano de guitarreo contundente y melodías cargadas de épica, al que la voz aniñada de su vocalista Julia Steiner, y los frecuentes slides que desliza su guitarra, emparentan con el country rock de artistas como Calexico o Alejandro Escobedo.

La hora de los milagros

Originarios de Chicago, tocaron con seriedad y solvencia sus principales éxitos, especialmente Elvis in the freezer o Morning Zoo. Ahora bien, su show, crudo y basado en el impacto de su música, sin ningún tipo de ornamentos ni más entrega que la de una honesta ejecución, no terminó de conectar con el público, algo que se notó a partir de la mitad del concierto.

Y llegó entonces la hora de los milagros: a la par que el sol caía, crecía la expectativa por el nuevo grupo, llamado Stella Maris. Las fisonomías y las vestimentas cambiaron. Las caras anglosajonas dieron lugar a otras más meridionales y las vestimentas rockeras se mudaron en atuendos no binarios y pelos teñidos, rizados o largas cabelleras.

Un grupo de jóvenes colombianos miraba el programa y uno de ellos dijo: “¿Qué música hace Stella Maris?”. Su compañera le contestó: “Me han dicho que pop cristiano”. Otro acompañante se extraño: “¿En el Primavera?”. A lo que un cuarto comentó: “He oído que es pop cristiano no binario”. Todos ellos se miraron extrañados ante lo que podía significar aquello.

Finalmente a las 20:45 horas la incógnita se desveló con un collage de imágenes en a pantalla del fondo del escenario, que anunció que las hermanas Puig Baró, hijas de la fallecida Montserrat Baró, habían venido al festival a salvar el mundo. En la pantalla comenzaron a sucederse las imágenes entre lo cutre, lo kitsch y lo sin duda gamberro. Los locales comenzaron a reír y a vitorear la sucesión mientras las hermanas subían al escenario.

El público extranjero, que antes era mayoritario, comenzó a no entender nada y a sentirse incómodo, al menos esto es lo que reflejaban sus caras. Poco a poco muchos se fueron retirando hacia la zonas de comida y bebida, si bien algunos se quedaron, curiosos, grabando la actuación, que más bien se podría calificar de performance.

'Castellers' y el 'virolai' en versión máquina

No es de extrañar su sorpresa: no conocen la serie La Mesías, creada por los Javis, y por tanto desconocen el grupo de muchachas cristianas creado para la serie y al que ahora daban vida seis jóvenes entre las que destaca la ex Operación Triunfo Amaia Romero. Tampoco saben que tras el proyecto de llevar al escenario a las hermanas están tanto Javier Ambrossi y Javier Calvo como los componentes del grupo Hidrogenesse.

Pero lo cierto es que incluso para los que han (hemos) visto La Mesías y son devotos de las Puig Baró y su pop de apostolado católico, la actuación fue todo un impacto. No había una idea clara de lo que sería el concierto, la suposición era que cantarían los temas de su primer disco, La casa huele a gloria, pero era una incógnita la escenografía.

Finalmente el evento fue una mezcla de las canciones del disco con otros momentos en los que pesaba más una coreografía totalmente alocada, con imágenes kitsch de la Virgen y Cristo, así como gatitos y carpas anaranjadas, etc. Mientras, las hermanas desarrollaban sus coreografías poco o nada ensayadas, ni falta que hacía, buscadamente cutres y epatantes.

En un momento dado, subieron dos grupos de castellers al escenario, que hicieron a lado y lado dos minicastells de un par de personas de altura mientras la gente aplaudía y sonaba una versión maquinera del Virolai (canto religioso dedicado a la virgen de Montserrat cantado por los carlistas catalanes). Seguidamente aparecieron Genís Segarra y Carlos Ballesteros, integrantes de Hidrogenesse y autores de las canciones de Stella Maris, vestidos ambos de Fernando Pessoa para cantar junto a las chicas.

Aparece Albert Pla y Carmen Machi resucita

Después de aquello ya todo parecía posible, pero los guionistas consiguieron superarse: subió al escenario Albert Pla interpretando a Pep Puig, el padre de las hermanas. Juntos, padre e hijas, ante el delirio de los asistentes, cantaron Las flores de mi jardín: “Papá puso la semilla y mamá fue la maceta...”. Al terminar la canción, una voz anunció el retorno de Montserrat, la Mesías y madre de las hermanas, que fue conducida por los castellers en parihuelas y sobre una silla hasta el escenario. Ahí estaba Carmen Machi con un camisón blanco haciendo de Montserrat ya muerta.

Pero al llegar a la altura del escenario, el cadáver se convulsiona y la Mesías resucita ante el gozo del respetable, ya en el punto de la entrega mística ante el milagro obrado. Machi, resucitada, es ayudada por las hermanas a subir al escenario, donde mece su blanco camisón en un baile que parece una típica jota y toma el micrófono para decir: “He resucitado; ¡Viva la música electrónica y católica!”. El delirio ya es absoluto entre la parroquia.

La actuación se cierra con música trance y las hermanas, el padre, la madre, los Hidrogenesse, los castellers y finamente los Javis, que salieron de las bambalinas, bailando como locos. La apoteosis fue absoluta, el mundo se había salvado una vez más gracias a Stella Maris. No obstante, no todo el mundo quedó tan contento: preguntados por este periodista, un grupo de jóvenes daneses expresó su desdén.

Cierra Phoenix, los favoritos del gran público

Uno de ellos, visiblemente molesto, opinó que era “una payasada y que él no había pagado para esto”. Uno de sus compañeros aseguró que “se habían reído de Cristo” y dijo: “No había necesidad de mezclar las cosas”. Un tercero, más conciliador, aseguró que a ellos les faltaba contexto para encontrar la gracia a aquello. Una pareja de portugueses, sin embargo, si aseguró haberse reído mucho porque, dijeron, ellos también tienen “gente así” en su país.

Lo cierto es que tras retirarse Stella Maris, el público extranjero regresó a las primeras filas para ver a Phoenix, la banda de Versalles que lleva casi dos décadas moviendo con gran éxito por toda Europa su pop fresco y bailable, pero siempre de una irrenunciable independencia. Comenzaron los franceses con Lisztomania, su gran éxito, que fue coreado por las decenas de miles de espectadores, que dejaron clara su preferencia por Phoenix.

La banda fue regalando uno a uno, y tras un escenario decorado con diferentes y elegantes fondos, un alivio tras la locura camp de las Stella Maris, sus grandes temas, que seguían siendo coreados: If I ever Feel Better, Too Young, Entertainment, etc. Mientras, una incierta bruma marina comenzaba a invadir el recinto del Parc del Fórum.

El grueso de la 22ª edición del festival Primavera Sound, bautizada como PS24, tendrá lugar en el Parc del Fòrum Barcelona entre el jueves 30 de mayo y el sábado 1 de junio, con un concierto inaugural de apertura el miércoles 29 y una sesión de cierre con pinchadiscos el domingo 2. Paralelamente, y desde el 27 de mayo, se desarrollará el Primavera a la Ciutat, una serie de actuaciones en distintas salas barcelonesas en las que algunos de los artistas del cartel actuarán en pequeño formato junto a otros que no actúan directamente en el PS24. Las entradas para este festival paralelo se agotaron pocas horas después de ponerse a la venta.

Entre los artistas que participarán en el festival hay clásicos con más de 30 años de carrera sus espaldas, como Pulp, PJ Harvey, Lambchop, Deftones o Yo La tengo, que se combinan con otras vacas sagradas, si bien de debut más reciente, como es el caso de Lana del Rey, uno de los puntos fuertes del cartel, o The National, una de las bandas icónicas del folk rock alternativo que tuvo su mejor momento en la primera década del siglo XXI.

También en este combo merece la pena incluir a Beth Gibbons, la cantante y compositora de la banda de trip-hop británica Portishead, que acude al PS24 en solitario con los temas de corte folk oscuro y ambiental de su primer trabajo, Out of Season, producido por Rustin Man, exbajista de Talk Talk. Y para los amantes del hip-hop más elaborado, nocturno y ambiental, el PS24 también tiene una oferta interesante: el productor Madlib (ex Mad Villain) y el rapero Freddie Gibbs celebrarán sobre el escenario el décimo aniversario de Piñata, su primer álbum, publicado en 2014.

En el plano de artistas más recientes, pero no por ello menos apreciados por la audiencia, cabe destacar la artista de r&b norteamericana SZA, otra de las cabezas de cartel que coronará el tercer día de festival propiamente dicho con los temas de su aclamado trabajo SOS, que incluye su gran éxito Kill Bill.

Jornada inaugural con Phoenix y Stella Maris

Stella Maris existe más allá de la serie La Mesías, creada por los Javis, y hacen apostolado con el mundo por montera a base de pop cristiano con alocadas letras que llaman a la salvación de las almas. La prueba de su existencia es que las hermanas Puig Baró harán acto de presencia en el PS24 durante la jornada inaugural. Bromas aparte, tras las canciones del grupo están los componentes de Hidrogenese, el dúo barcelonés formado por Genís Segarra (también en los desaparecidos Astrud) y Carlos Ballesteros, así como el productor Raül Refree.

Antes de Stella Maris, y encabezando el cartel de ese día, actuará el cuarteto francés de pop rock alternativo Phoenix, con su refrescante y enérgica propuesta, que recuerda a ratos tanto a Television –la voz de su cantante, Thomas Mars, remite de manera inevitable a Tom Verlaine– como a bandas como Death Cab for Cutie e incluso a otras de corte mucho más noventero. No en vano los de Versalles llevan desde 1999 haciendo su música.

Finalmente cerrará esta jornada el pop fácil y agradable de la mallorquina Maria Jaume, una de las propuestas del festival en catalán, el rock alternativo con tintes country de Ratboys y la mezcla de kraut rock y punk australiano que practican Tropical Fuck Storm.

Pulp en la primera jornada

Los británicos Pulp reinarán en la primera jornada, el día 30 de mayo, acaso como principal cabeza de cartel del festival junto con Lana de Rey, que encabezará la jornada siguiente. La reagrupada banda que en los noventa alcanzó su máximo pico creativo con álbumes como His 'n' Hers y Different Class, regresa al festival 13 años después de su última visita para llenar las ondas con su pop a ratos sinfónico, a ratos melodramático y a ratos heredero de los sonidos de la Tambla Motown de los sesenta.

De segunda cabeza estará Vampire Weekend, el trío estadounidense que mantiene el bastión del indie pop más extemporáneo y desacomplejado, a caballo entre Belle & Sebastian, los últimos Prebab Sprout o Sufjan Stevens. Otro grupo destacado de esta primera jornada seguramente sean los californianos Deftones, una de las bandas que abanderó hace 25 años el movimiento conocido como nu metal, si bien siempre fue un verso suelto dentro del mismo con sus metálicos y elegantes riffs y la voz aterciopelada de su cantante, Chino Moreno.

También en este primer día de festival se podrá contar con la ya citada pareja formada por Madlib y Freddie Gibbs, así como con Beth Gibbons y los franceses L'Imperatice y su pop festivo, perfecto para disfrutar junto al mar. Y entre las bandas rescatadas del pasado merece la pena reseñar a Arab Strab y Lambchop.

En el apartado de rock más sucio, además de los andaluces Derby Motoreta's Burrito Kachimba y su heavy metal de clara vocación rumbera y flamenca, estarán presentes los australianos Amyl and The Sniffers, herederos del guitarreo punk de los Stooges y los MC5. Finalmente, hay que sumar a la escena patria a los mallorquines Renaldo & Clara y Maria Hein, que aportarán un pop fresco y desenfadado que rubrica el buen momento de la música comercial en catalán.

Segundo día con Lana del Rey

La segunda jornada del festival tiene como punto álgido la actuación de Lana del Rey. La neoyorquina, que canta letras duras, explícitas y cargadas de oscuridad sobre armonías elegantes y gélidas, viene a presentar su álbum de 2023 Did you know that there's a tunnel under ocean blvd. Atrás queda su aclamadísimo trabajo Norman Fucking Rockwell!

La acompañan en importancia, y también en cadencias suaves, oscuras y melancólicas, la banda The National. En la misma línea ambiental cabe citar la presencia de los incombustibles Yo La Tengo y también la de Omar Apollo y su r&b con toques de soul vocal y bases electrónicas. Y como presencias españolas, en este caso en catalán, estarán Guillem Gisbert y Ferran Palau, además de la deslenguada y talentosa Mushkaa. Adicionalmente, los amantes del hardcore más acelerado podrán disfrutar en la segunda jornada de la banda flamenca (de Flandes) Brutus.

Como contrapunto a los citados artistas, hay que citar a Disclosure, el dúo inglés que traerá su deep house, así como al inclasificable Jail Paul y sus armonías imposibles a base de break beats. También a Troye Silvan y su pop pegadizo y orgulloso de la diversidad de género, al combo canadiense de jazz electrónico Badbadnotogood y al escocés Barry Can't Swim y su música de baile nominada a los Brit Awards de este año.

SZA y PJ Harvey como cierre

La cabeza de cartel del PS24 para el sábado 1 de junio estará representada por la actual diva del r&b, SZA. La norteamericana, que en 2022 publicó su aclamado trabajo SOS, con hits generacionales como Kill Bill, llega al festival en su mejor momento. En segundo lugar se sitúa PJ Harvey, otra mujer y una leyenda que ya marcó la historia de la música hace más de 30 años con Rid Of Me, un álbum de cuyo sonido se encargó el recientemente fallecido Steve Albini.

También conviene citar ese día la presencia de la estadounidense Mirtski y su pop místico y alternativo, así como la diva del pop electrónico de la primera década del siglo XXI Roísín Murphy, ex Moloko, que tras casi 18 años sin publicar un disco, en 2023 sacó dos, Hit Parade y You Knew junto al productor Dj Koze.

Como propuestas diferentes, acaso recomendar a la rapera y productora 070 Shake, que ha colaborado con artistas como la británico-ganesa Raye o el mismísimo Kanye West. También a Amaarae, la ganesa-estadounidense que actúa de embajadora mundial del estilo africano alté, mezcla de r&b alternativo, dancehall, afrobeat, hip-hop y pop. Y, cómo no, a los gaditanos F.R.A.C. (Fundación de Raperos Atípicos de Cádiz) con sus letras llenas de humor y creatividad. Como representante del hardcore estatal sin duda merecerá la pena ver a los vascos Lisabö, toda una institución del noise hecho en Euskadi.

El legendario productor de Nirvana, Pixies o PJ Harvey, miembro de las bandas Big Black o Shellac, ha fallecido en Chicago a los 61 años a causa de un infarto.

Albini no era solo un músico y un productor, era un ideólogo carismático, un crítico afilado, un ingeniero arriesgado y un azote de la industria discográfica. Sus producciones en los años noventa, y las grabaciones realizadas en su estudio fundado en 1997, Electrical Audio, redefinieron el sonido del rock, aportando crudeza, simplicidad, contundencia y potencia.

Sus grupos Big Black, Rapeman y Shellac han sido una gran influencia para los grupos que buscaban una vía entre el rock y el hardcore, entre el ruido y el brutalismo.

Como productor, aunque él se veía más bajo el rol de ingeniero de sonido, Albini produjo el primer disco largo de Pixies, Sufer Rosa (1988), el debut de The Breeders, Pod (1990) o el tercer disco de Nirvana, In Utero (1993) y el segundo de PJ Harvey, Rid Of Me (1993). Grupos españoles como Berri Txarrak y La MO.D.A, han grabado también en su estudio.

El festival Primavera Sound, que tenía por costumbre invitar a Shellac a tocar todos los años, durante 15 ediciones en total, le ha despedido con un mensaje donde le ha definido como “leyenda de la música”.

Su muerte se ha producido a tan solo una semana del lanzamiento del primer álbum en diez años de Shellac, titulado To All Trains, previsto para el 17 de mayo.

Los responsables del dúo Hidrogenesse, Genís Segarra y Carlos Ballesteros, aseguran que funcionan mucho mejor como creadores cuando reciben un encargo. Músicas para exposiciones e instalaciones, canciones para películas y series. Esa es la explicación que ofrecen cuando se les pregunta acerca de la incesante actividad creativa que mantienen, especialmente en los últimos cinco años, en los cuales han ido encadenando una obra tras otra.

En 2019 sacaron el álbum Joterías bobas, un disco que se vio afectado por la crisis que desencadenó la pandemia. A este le siguió ¿De qué se ríen los españoles?, una obra aparecida en 2020, inspirada en la exposición Humor absurdo: Una constelación del disparate en España, y que toma como punto de partida a nombres que van de Gómez de la Serna a Faemino y Cansado. Durante los últimos meses han compuesto, grabado y editado la música para el capítulo de la serie Historias para no dormir dirigido por Nacho Vigalondo, para el que ahora están componiendo otra banda sonora. Hace unas semanas publicaban Ciutat de sorra, disco que nació siendo parte de una exposición de David Bestué. Además, son los autores de las canciones de Stella Maris, el grupo de pop cristiano que aparece en la serie La mesías.

“Es cierto que siempre estamos tramando cosas, pero nos cuesta mucho tramarlas porque sí. Si partimos de unas premisas nos resulta mucho más fácil. Nos impone mucho la página en blanco”, dice Carlos en una conversación con este medio. “Si alguien me encarga algo, hago cosas, si no, igual lo que hago es la siesta”, añade Genís. Sus respuestas se complementan tan bien hasta el punto de que en algunas ocasiones se funden con la misma facilidad que hacen suya cualquier propuesta externa al dúo. Es lo que ocurrió cuando Bestué les abordó para que escribieran una serie de canciones sobre Barcelona.

Si alguien me encarga algo, hago cosas, si no, igual lo que hago es la siesta

Genís Segarra — Hidrogenesse

“David pensó en nosotros porque nos veía como una banda muy vinculada a la ciudad”, explica Genís. Nuestra relación con Barcelona es muy neutra. Sufrimos su éxito turístico y disfrutamos de sus éxitos culturales. Nunca nos habíamos visto a nosotros mismos como un grupo de Barcelona, pero a partir de su propuesta nos dimos cuenta de que sí que teníamos cosas que contar. No éramos conscientes de ello de una manera meditada“. Ciutat de sorra es una composición musical que se repite varias veces, contando cada vez una historia diferente. Bestué seleccionó un montón de titulares de prensa que abarcan décadas de historia de la ciudad y ellos eligieron los que más les divertían: Detenido un desempleado que combatía el paro con bombas en bancos y sedes de partidos. Herido por un cascote en Santa María del Mar. El fiscal llama torpe al acusado. Okupas interrumpen una misa. ”Hay titulares que parece que los hayamos inventado nosotros“, asume Carlos. ”Al leer los recortes de prensa nos fijábamos sobre todo en el toque tragicómico“. ”O en detalles que, al verlos, decíamos: esto en sí mismo ya es musical, ya es una canción“, añade Genís. ”Son cosas muy berlanguianas. Este país es así, aquí y allí“.

También están contentos con su participación en La mesías, la serie creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi. Trabajaron con libertad y comodidad, la serie ha sido aplaudida y ahora el grupo femenino para el que compusieron las canciones actuará en la próxima edición del festival Primavera Sound. “Nosotros nos enteramos por la prensa. Se les habrá ocurrido a los del Primavera, pensarían que iba a ser divertido y que daría mucho que hablar al anunciarlo. Al principio nos sorprendió, pero luego lo piensas y no es tan raro. En los últimos años siempre incluyen grupos k-pop, bandas en las que tocan actores o celebrities, todo tipo de cosas se programan en ese festival. La música solamente es una parte de lo que es Stella Maris. Es una clase de grupo que llama la atención por todo, por sus vídeos, por sus gestos, por su ropa... A nosotros nos hace ilusión. Y las seis componentes del grupo están contentísimas e ilusionadas, que es lo más importante”.

Nos enteramos por la prensa de que Stella Maris tocaba en el Primavera Sound. Se les habrá ocurrido a los del festival, pensarían que iba a ser divertido y que daría mucho que hablar al anunciarlo

Genís Segarra — Hidrogenesse

Cuando hace casi dos años les llegó la oferta de componer para Stella Maris, se alarmaron. “Nos asustó la magnitud del proyecto –explica Genís– pero nos dejaron hacer. Delegaron completamente en nosotros. Aceptaron todas nuestras sugerencias, incluso las que iban más allá de las canciones ya que la serie transcurre en Barcelona”. “Luego conocimos a las actrices –prosigue Carlos– y trabajamos con ellas viendo los tonos, quién cantaba cada parte. Esa parte fue muy divertida porque pasamos de estar los dos solos metidos en una habitación, escribiendo canciones absurdas y compartiendo ideas a través de un grupo de WhatsApp con 'los javis', a trabajar con las chicas en un estudio”.

Escribir las canciones de Stella Maris, un grupo de temática religiosa compuesto por niñas que apenas tienen relación con el mundo exterior, se convirtió en un reto. “Lo más raro para nosotros –observa Genís– era abordar esa temática porque ninguno de los dos somos religiosos, de hecho yo soy antirreligiones, lo habitual en mi generación. Se trata de niñas que no salen de casa, no conocen el mundo exterior. Para ellas, el mundo es su hogar y todas sus referencias son domésticas. Eso y las películas que ven, que solamente pueden comentarlas con sus hermanas”. Escribiendo para Stella Maris, Carlos y Genís se dieron cuenta de que estaban haciendo algo habitual en ellos: trabajar con un grupo autodidacta, con gente que no está interesada en los procesos musicales sino en la fantasía de tener un grupo. Es parte de lo que han venido haciendo para su discográfica, Austrohúngaro, durante los últimos 25 años. “En el sello nos hemos especializado en trabajar con gente que quiere hacer canciones pero no quiere aprender a tocar instrumentos: Les Biscuits Salés, Feria, Mano de Santo... Lo de Stella Maris ha sido como volver a esa época de inventárnoslo todo, de hacer las cosas a lo bruto”.

Fundado a finales de los noventa, cuando Genís todavía formaba parte de otro dúo fundamental, los añorados Astrud, Austrohúngaro ha pasado a ser una marca de referencia a la hora de detectar formas de pop no normativas. Carlos y Genís fundaron el sello con el objetivo de editar a una de sus bandas favoritas, Chico y Chica, a la vez que lo usaron también como plataforma para dar a conocer su propia música. Una de las últimas referencias austrohúngaras es un álbum firmado por Josep Xortó + The Congosound, el proyecto musical del artista mallorquín Carles Congost, con el cual ya han colaborado en otras ocasiones. “Conocemos muy bien su música –comenta Carlos–, que suele ser de un estilo electrónico sofisticado y complejo. Y de repente, al unirse a Xortó, nos ha sorprendido haciendo canciones como las que suenan en la radio. Esta vez no se trata de un ejercicio artístico sino de hacer singles”. “Parece un grandes éxitos –dice Genís–, es un álbum al que no le sobra nada, no hay ninguna excentricidad. Y esa canción, Això que sona és nostre, italo-disco hecho en Catalunya, es una reivindicación que es casi una acción de arte conceptual, decir que esto que suena es nuestro, que el italo-disco en general es nuestro”.

La canción pertenece al álbum Ocells com tu, la última referencia hasta la fecha de un sello que ya es casi un acto de resistencia. “Hemos conseguido mantener un estatus”, afirma Carlos. “Tuvimos suerte. Cuando empezamos llamamos mucho la atención y como no hemos dejado de hacer cosas, mantenemos la visibilidad”. “Nunca nos han ido bien las cosas, pero nos mantenemos a base de no dejar de hacerlas”, añade Genís, aludiendo al perfil del sello y de sus artistas, grupos casi todos ellos que nunca han tenido cabida en los circuitos oficiales del pop español. “Habrá un momento en que esto se acabará, pero de momento aquí seguimos”.

Tras una edición con problemas logísticos en Madrid, Primavera Sound recupera su formato de un único fin de semana en Barcelona, que se celebrará del 30 de mayo al 1 de junio de 2024 en el Parc del Fòrum. La organización ha anunciado este martes el cartel, encabezado por grupos y artistas clásicos como Pulp, PJ Harvey, Bikini Kill o Deftones, otros más actuales como Charlie XCX, Chelsea Wolfe, SZA, Arca o La Zowi, y nombres de tirón como Lana del Rey. Además, han anunciado el salto de la ficción a la realidad del grupo Stella Maris, creado por Javier Calvo y Javier Ambrossi para su serie La Mesías. Detrás del ficticio se encuentra el dúo Hidrogenesse.

Han anunciado 150 nombres de una programación cuyas primeras entradas salen a la venta el 23 de noviembre a las 11:00. El precio de salida será de 265 euros (más gastos de distribución) y el abono VIP a un precio de 495 euros (más gastos de distribución). Según el recuento de la organización, el cartel está compuesto por un 42,36% de grupos de mujeres, un 15,28% de proyectos mixtos y un 42,36% de hombres.

A los nombres mencionados más arriba, se unen formaciones indie como Vampire Weekend y The National. La electrónica de baile de Justice, la cantante británica y bailarina FKA Twigs, el cantautor, actor y diseñador de moda sudafricano-australiano Troye Sivan, el grupo de hardcore vasco Lisabö.

Este 2023 se presentaba como uno de los años con más festivales de música en Madrid. Después de años -tal vez décadas- mirando con envidia a Barcelona por su abundante oferta de conciertos al aire libre, la capital de España se preparaba para afrontar una primavera y un verano cargados de citas multitudinarias en grandes recintos. Algunas incluso llegadas de la ciudad condal.

El Primavera Sound fue el primer gran festival en arribar a la región. Un desembarco que casi se convierte en naufragio, debido a las intensas lluvias que obligaron a cancelar su primera jornada en la Ciudad del Rock de Arganda. Un recinto de conciertos que pese a ser uno de los de mayor capacidad en la Comunidad de Madrid, no reunió condiciones suficientes para albergar una cita tan grande, tanto por su incapacidad para desaguar todas las precipitaciones caídas en varios días de tormentas y como por las dificultades en sus accesos, que debían ser por carretera al distar mucho el metro del lugar.

Las cifras de asistencia quedaron muy lejos de las expectativas: 90.000 asistentes frente a los 240.000 que aseguraba la Comunidad de Madrid en la nota de prensa con la que anunciaban su patrocinio. “La ciudad no cuenta con un recinto capaz de albergar con garantías un evento de nuestra magnitud y formato en lo que a exigencias del público, requisitos de producción y despliegue musical se refiere” aseguraban los responsables del Primavera Sound al anunciar que no habría edición en Madrid en el año 2024. Una valoración que llegaba desde una empresa acostumbrada a montar este tipo de eventos en todo el mundo (actualmente hay Primavera Sound en otras seis ciudades).

Contar con un espacio para macrofestivales es indispensable para entrar en la liga de los eventos que reúnen a más de 100.000 personas a lo largo de varias jornadas. En Madrid, la gran esperanza para conseguir este anhelado recinto de conciertos estaba depositada en los impulsores del MadCool. El festival nacido en la capital que reúne a más público estrenaba este año su propio recinto, levantado sobre unos antiguos trigales donde acaba Madrid, al sur del sur de Villaverde. Una gigantesca explanada cubierta de césped artificial y palmeras plantadas donde Mahou había invertido dinero (compró el 51% de su compañía gestora) e Iberdrola había puesto nombre como empresa patrocinadora.

El estreno no fue bien. La primera jornada del Mad Cool vivió un caos de movilidad motivado por el desplazamiento de decenas de miles de personas a un lugar alejado de Metro y Cercanías (la estación más cercana está a un kilómetro de distancia caminando) y donde también colapsaron las carreteras. Además, los conciertos superaron los niveles máximos de ruidos todos los días (cayó una multa de 22.001 euros hace poco) tanto en la Colonia Marconi de Villaverde como en Getafe Norte, que también sufre los efectos sonoros de este recinto.

Una semana después del Mad Cool llegó en el mismo lugar el concurrido concierto Harry Styles, que registró también atascos, caos en las salidas y muchas quejas de los vecinos por la acampada de las fans a las puertas de sus casas (que estaban lejos de la entrada, pero la cola era larga). También se incumplieron los niveles de ruido y sus promotores deberán abonar una multa al Ayuntamiento.

Después de estas dos malas experiencias en el recién abierto recinto de conciertos, el Ayuntamiento de Madrid negó la licencia al tercer evento que iba a acoger la explanada, el Reggaeton Beach Festival, por carecer de un plan de movilidad hábil, a lo que se unió un informe desfavorable de los bomberos municipales y los más que probables problemas por ruido. Vista esta decisión, el cuarto festival previsto allí -el Coca-Cola Music- decidió trasladarse a La Caja Mágica para evitar problemas mayores.

El calor de agosto en Madrid ocasionó un parón festivalero que duró hasta septiembre, mes en el que volvió con la cancelación de un clásico, el DCODE, al perder su cabeza de cartel. Y con la polémica con dos eventos montados por la misma empresa dueña del Festival Internacional de Benicassim. Se trataba del Brava y del Madrid Salvaje, que acogía Ifema. Los problemas llegaron con el cobro de 9 euros por el billete de un bus lanzadera proporcionado por la Empresa Municipal de Transportes. El área de Movilidad obligó a los organizadores a proporcionar gratis este servicio durante la segunda fecha, aunque reconoció que el contrato con el Ayuntamiento permitía a la empresa privada hacer caja a costa de los vehículos municipales.

El último festival en cerrar la temporada de grandes eventos al aire libre fue el MadBlue, una serie de conciertos y sesiones de DJ en el Parque del Oeste cuyo objetivo “solidario” quedaba muy en entredicho. Economías circulares polémicas aparte, el festival cosechó una nueva oleada de críticas por el elevado volumen percibido por los vecinos de Argüelles y de la Colonia del Manzanares.

Después de las quejas, el delegado de Medio Ambiente, Borja Carabante, hacía una reflexión sobre este recinto: “Esta es la primera vez que se celebra en el Parque del Oeste, vamos a ver también las consecuencias que tiene para los vecinos, las reclamaciones y si superaron los niveles sonoros”, ha concluido. Además, explicaba que desde el consistorio intentan elegir las ubicaciones que “menos perjuicio ocasionan a los vecinos”, apuntó en declaraciones recogidas por Europa Press.

“También tenemos que ver si en su conjunto la celebración de estos grandes eventos que muchas veces traen muchos visitantes y turistas a la ciudad de Madrid, que como consecuencia de esa visita utilizan los hoteles, utilizan los restaurantes y los servicios de la ciudad de Madrid y por tanto generan riqueza”, reflexionaba Carabante.

Millones de dinero público para potenciarlos

El objetivo de asentar una industria festivalera en la ciudad ha llevado a Ayuntamiento y Comunidad de Madrid a invertir notables sumas de su presupuesto a algunas de las citas más destacadas, en contratos de patrocinio y ayudas otorgadas a dedo. En concreto, el Mad Cool se llevó 2,3 millones, de los que 1.089.000 euros venían del Gobierno de Ayuso y 1.210.000 euros llegaron por parte de Almeida. El Primavera Sound, por su parte, reunió más de 1,2 millones de las administraciones públicas: 1.082.500 por parte de la Comunidad de Madrid y otros 155.222 euros del Ayuntamiento de la capital, pese a que el evento lo acogía Arganda del Rey.

El Gobierno regional justificaba su apoyo al Primavera explicando que buscaba “gran repercusión a nivel mediático en torno a la Comunidad de Madrid, ya que los organizadores realizarán una inversión de alrededor de 1,5 millones de euros en medios de comunicación y acciones especiales para promocionar la cita madrileña”. El principal objetivo era la promoción turística de la región entre los extranjeros (el 50% de los asistentes, según unas cifras iniciales que luego se quedaron muy grandes).

La Comunidad de Madrid también gastó otros 100.000 euros en el patrocinio del MadBlue, para incluir esta cita musical dentro de su programación por el Día de la Hispanidad. Fuera de estos tres ejemplos, este periódico no tiene constancia de otros patrocinios directos, más allá de las líneas de subvenciones para eventos habituales en la Administración.

Después de las cancelaciones, multas y otras vicisitudes, el balance de la temporada es, a la vista de la afluencia de público, bastante positivo para los eventos montados en el recinto ferial de Madrid (Ifema), donde cuatro festivales consiguieron organizar citas musicales en torno a las 30.000 personas cada una, con un modelo gestionado por dos empresas que repetía el mismo formato pero para diferentes públicos. Así se montaron Love the 90s y Love the Twenties en junio y los citados Brava y Salvaje en septiembre.

El festival que más público reunió fue sin embargo el Mad Cool, con unas 200.000 personas distribuidas a lo largo de sus tres jornadas de música. Lejos de estas cifras aunque con una asistencia notable se quedaron el Primavera (90.000 espectadores) y A Summer Story (75.000) celebrados en Arganda. En la lista aparecen otros tres eventos que llegaron a los 50.000: Coca Cola Music Experience, Puro Latino y Río Babel. Las 15 citas musicales reseñadas suman más de 750.000 entradas vendidas, a las que hay que añadir otros formatos de menor concentración de grupos y menos polémicas, como Las Noches del Botánico, que reunieron a 150.000 espectadores.

¿Se repetirán estas cifras en 2024? De momento hay incertidumbre: Primavera Sound descarta repetir, el Mad Cool ya ha anunciado fechas pero aún no ha anunciado qué recinto ocupará después de las polémicas cosechadas en Villaverde. Y entra en juego un nuevo escenario para macroeventos, situado en pleno centro de la capital: el estadio Santiago Bernabéu, que se estrenará en mayo con el concierto de Taylor Swift y casi 85.000 entradas vendidas.

Tres días, una isla, un cartel secreto, menos de 1.000 personas. Los festivales de música Sinsal SON Estrella Galicia y SON Estrella Galicia Posidonia se rigen por estas cuatro premisas. Sí, habéis leído bien. Son festivales de música. Frente al desgastado modelo de macroeventos que ejemplifican el Mad Cool o el Primavera Sound, existen alternativas que demuestran que puede primar la sostenibilidad y, sobre todo, la comodidad de los asistentes. Sin aglomeraciones, sin colas kilométricas y sin molestar.

Julio Sinsal fue ideador y codirige el primero de ellos, que lleva celebrándose desde hace 20 años en Galicia, agota todas sus entradas y tiene como prioridad incidir de manera positiva en el entorno de la isla de San Simón que lo acoge. Un paraje que fue inspiración en la lírica medieval y campo de concentración durante la Guerra Civil. Su última edición tuvo lugar los pasados 21, 22 y 23 de julio, y sobre sus escenarios actuaron artistas como Fillas de Cassandra, Combo Chimbita y Brama.

Este mánager es también comisario del cartel artístico del SON Estrella Galicia Posidonia, cuya séptima edición tendrá lugar el próximo mes de octubre, con un aforo reducido a 350 personas.

¿Cómo recuerda los inicios del festival Sinsal y cómo valora su evolución?

Veníamos programando desde finales de los noventa. El festival nació por la necesidad de buscar espacios más apropiados a propuestas arriesgadas que representábamos en un club. Han pasado muchos años y ahora es normal encontrar ciclos de música especializados en museos, teatros y otros edificios, pero entonces tuvimos que buscar aliados porque todavía había cierta desconfianza hacia otras músicas.

En la actualidad, los problemas son diferentes. El cambio más notable que se ha dado en la música en directo ha sido la llegada de los grandes fondos de inversión, tanto al mundo de los festivales como al de las agencias de contratación. Vivimos una época complicada, muy en particular para los artistas que no tienen visibilidad. Hemos intentado reforzar la marca del festival, ofreciendo un valor añadido con la experiencia. Somos conscientes de que casi todos los artistas que programamos apenas generarían atención por sí solos.

Vivimos una época complicada en particular para los artistas que no tienen visibilidad

Julio Sinsal

Lograr una buena ubicación es fundamental. En el caso de la isla de San Simón, ¿cómo se gestó que el festival fuera ahí?

Todos los festivales estudian la ubicación. Unos ponen el foco en las infraestructuras y las conexiones; otros, en el efecto llamada de la ciudad, el entorno natural, las ayudas públicas, etc. Venimos trabajando el espacio de representación desde hace bastantes años. Además del festival, siempre hemos estado vinculados a proyectos de investigación relacionados con el paisaje y el arte sonoro.

De hecho, nuestro primer contacto con San Simón fue con un ciclo de propuestas musicales llamado Espazos Sonoros que llevaba la música clásica y la popular a lugares de especial interés cultural en Galicia. De esta combinación entre la investigación con el patrimonio y las dificultades por continuar con una programación anual estable nació la propuesta de San Simón.

En octubre se celebrará el SON Estrella Galicia Posidonia en Formentera. ¿Son las islas el lugar idóneo para paliar posibles molestias a los vecinos?

Tenemos la suerte de trabajar en dos islas, pero en ningún caso hemos llegado hasta ahí para escapar de los vecinos. Sinsal es uno de los pocos festivales diurnos que hay en España y terminamos con la puesta de sol. Son Estrella Galicia Posidonia tiene lugar en una isla bastante poblada como es Formentera. También es un festival que distribuye parte de sus actividades durante el día y tanto el viernes como el sábado finalizamos a una hora muy prudente: las dos de la mañana. Los festivales pequeños no necesitamos grandes despliegues técnicos. Cuidamos mucho el impacto acústico y, aunque siempre generas molestias, aprovechar la luz del día y limitar el aforo a 350 personas, como en el caso de Formentera, son ejemplos de nuestra preocupación por el entorno.

¿Cómo se trabaja la sostenibilidad dentro de un festival?

En primer lugar, precisando, y acotando, el concepto. Para nosotros, la idea de evento sostenible pasa por situar en el centro a las personas. No hay sostenibilidad posible sin la parte humana. Público, trabajadores y artistas deben de ser el centro de atención y a partir de ahí, juntos, trabajar las políticas de la agenda de desarrollo sostenible porque son más ambiciosas: trabajo digno, igualdad de oportunidades, diversidad cultural, género, medio ambiente, etc.

No hay sostenibilidad posible sin la parte humana. Público, trabajadores y artistas deben de ser el centro de atención

Julio Sinsal

Si Sinsal y Posidonia demuestran que pueden serlo, ¿por qué no existe un “esfuerzo” similar por parte de otros festivales, sobre todo los más grandes?

No estoy seguro de que no hagan ese esfuerzo. De hecho, aunque puede parecer lo contrario, sí creo que lo hacen, al menos una gran parte de ellos. Diría más: sí comparamos las acciones y el esfuerzo realizado por los festivales de música durante estos últimos 25 años con otros eventos sociales, los festivales han sido pioneros y van muchos años por delante. Es cierto que con contradicciones, algunas difíciles de disimular, pero que critiquemos determinados comportamientos éticos, no significa que todo se haga mal.

La apuesta porque el cartel sea secreto, ¿de dónde parte?

Llevamos 21 años defendiendo un modelo de festival que desde la primera edición ha puesto en práctica dos reglas: presentar artistas nuevos al público gallego e intentar no repetir propuestas aunque con el tiempo se hayan hecho populares. La igualdad de oportunidades y la diversidad están en nuestro itinerario.

En el caso de San Simón, no podíamos condicionar la propuesta al tirón comercial de un artista. Por ello, decidimos que el territorio y el público debían de ser el centro de atención. Así nació el cartel secreto. Al comisariar el proyecto de Son Estrella Galicia Posidonia en Formentera, creímos conveniente mantener esta línea porque el festival mantiene este modelo, aunque adaptado a la identidad y objetivos propios del evento.

¿Qué pasaría si todos los festivales tuvieran carteles secretos?

Bastantes festivales de éxito venden casi todo su aforo antes de salir el cartel. Y hablamos de miles de personas, no de 400. En España, diría que más del 90% de los festivales son de formato pequeño o mediano. Necesitan apostar por cabezas de cartel porque así lo demanda su público y cada festival se debe a su público. No se trata de imitar fórmulas, porque lo que puede ser bueno para uno no significa que lo sea para otro.

La otra excepción es que el aforo es muy reducido. En vista de que las entradas se agotan igualmente rápido, ¿por qué no lo imitan otros eventos?

Un aforo reducido no es sostenible económicamente. Y casi puedo asegurar que un aforo medio tampoco. Hacemos lo que hacemos porque disponemos de apoyos, especialmente de Estrella Galicia. La razón es la economía. En general, somos egoístas y nos preocupa poco ver más allá de nuestros intereses. Nos pasa cuando escuchamos que los agricultores protestan por la diferencia entre lo que cobran y lo que paga el consumidor en la tienda. En la música pasa igual: nunca pensamos si estamos pagando el precio real de una entrada. En Sinsal, por cada euro que pone una persona, nosotros debemos conseguir dos más.

¿Podría un macroevento como el Primavera Sound o el Mad Cool “permitirse” lo mismo?

Es otro modelo de festival. No conozco su economía, por lo que no puedo responder a esta pregunta. En cualquier caso, teniendo en cuenta la increíble competencia que hay en España y en otros países por las grandes estrellas de la música pop, mucho me temo que cuando confirmas un artista de esta dimensión. Además, tienes que cumplir con sus exigencias de comunicación. Y hasta donde yo sé, ninguno ha pedido que su actuación sea secreta. Quiero decir, que en este tipo de ligas también te debes a lo que quieren y piden esos músicos. Hay todo un protocolo, muy meticuloso, en la comunicación que se hace desde el festival. Hay bufetes de abogados especializados en eso.

¿Cómo ve la evolución que ha vivido el modelo de festivales de música?

Más del 90% de los festivales no somos macroeventos. Entiendo que estos son los que hacen más ruido, pero la realidad de los festivales es otra muy diferente. Vivimos condicionados por los patrocinadores y venta de entradas. Somos más débiles en todos los aspectos. No tenemos detrás a fondos de inversión que puedan aguantar varios años de pérdidas o no recibimos ayudas públicas millonarias. Nuestra liga es el partido a partido aunque no podemos ocultar que estamos pagando la inflación de los cachés debido a las disparatadas ofertas que se hacen desde estos eventos por artistas que en otros países están muy lejos de esas cantidades.

Eso y la competencia desleal desde las administraciones, que también han entrado en el juego de programar a artistas millonarios con fines populistas y electorales. Lo que hacen algunos ayuntamientos y gobiernos regionales debería de estar prohibido y sancionado. Tendría que existir un límite en la contratación de un artista por parte de la administración. Considero que todo artista con un caché superior a 15.000 euros es un artista autosuficiente que no necesita bolos pagados con dinero público.

Todo artista con un caché superior a 15.000 euros es un artista autosuficiente que no necesita 'bolos' pagados con dinero público

Julio Sinsal

¿Existen cabezas de cartel para todos los festivales que hay?

No, pero ahora mismo tampoco importa. Y esto no es culpa de los festivales. Ellos se deben a su público y si una buena parte de este prefiere ver veinte veces al mismo grupo que descubrir a veinte diferentes, no es culpa del programador.

¿A qué tipo de público excluyen los macrofestivales?

La gran mayoría de festivales no excluyen a los públicos. Yo fui a algún macrofestival cuando tenía veinte años y todavía hoy me dejo caer por alguno. Es cierto que a algunos les falta pedagogía en la gestión de públicos intergeneracionales. También es importante reconocer que en España nos falta cierta cultura de integración. Solo tenemos que ver los comentarios tan despectivos hacia los artistas urbanos actuales simplemente porque hacen trap o reguetón. Yo ya había vivido ese rencor y desprecio en los noventa cuando llegó el house y el techno.

En mi experiencia, esto no pasa así en otros festivales europeos donde conviven diferentes generaciones. Esto es lo que intentamos desde Sinsal y Posidonia, aunque son dos modelos diferentes. En Sinsal este año hemos tenido casi 200 niños. En Posidonia, en cambio, no hay público infantil. Más bien diría que madres y padres escogen este festival para desconectar un fin de semana.

¿Cómo se diseña el mapa de un festival?

Manejamos un conjunto de normas, desde leyes específicas en la organización de eventos públicos a otra documentación de sectores que aplican su propio código técnico. Mucha gente desconoce que el montaje y desmontaje de un evento cultural está recogido como actividad de construcción en la Ley de Prevención de Riesgos Laborales. Esto significa que debemos de seguir el procedimiento documental que se hace, por ejemplo, al construir un edificio. En algunos aspectos, la normativa de eventos públicos es mejorable. Los ratios de baños y aseos deberían de ser más exigentes. Invertir en servicios de calidad y en la comodidad del público es muy importante, aunque ciertos sectores de población no lo valoren.

Otra cosa que hemos visto en eventos como el Mad Cool es la cantidad de stands de publicidad e incluso una tómbola con la música altísima. ¿Están perdiendo protagonismo los artistas?

Ya no podemos valorar el impacto de la publicidad en términos físicos. Muchas marcas saben que su imagen se diluye en el espacio debido a la gran concentración de stands pero, ahora mismo, internet y las redes sociales son el objetivo. Este es uno de los motivos por los que estos festivales concentran tantos esponsors. Supongo que también el hecho de que detrás hay grandes grupos financieros y con esta dimensión es más fácil buscar aliados comerciales.

Puedo asegurar que el artista no pierde protagonismo; y, en todo caso, nunca los artistas mainstream. Los festivales grandes son ciudades efímeras. Pongo el ejemplo de Glastonbury con sus avenidas y puestos de hostelería, merchandising, artesanía, etc. Hay muchos festivales dentro de estas ciudades. Por cierto, como buen gallego que soy, en una fiesta popular la tómbola siempre suele tener el mejor equipo de sonido y, por supuesto, speakers que son puro talento. 

El primero en caer fue el Reggaeton Beach Festival. El Ayuntamiento de Madrid le negó la licencia por problemas en su plan de movilidad, seguridad y niveles de ruido. Le siguió el DCODE. En su caso, por no llegar a tiempo a conseguir un cabeza de cartel “a la altura” de Lewis Capaldi, que se cayó a finales de junio, dejando al evento con apenas dos meses de margen de maniobra. Pero todavía quedaba uno más. El Primavera Sound anunció que no volverá a la capital en 2024 al no tener un recinto “con garantías”. Con esta noticia culminaba una semana, la pasada, aparentemente trágica para los macrofestivales de música: ¿Se está agotando el modelo?

“Son casos muy distintos”, apunta Nando Cruz, periodista y cultural y autor del libro Marcrofestivales. El agujero negro de la música (Península), en el que analizó sus entresijos. En efecto, el problema del Reggaeton Beach Festival fue el recinto en el que iba a celebrarse, localizado en Villaverde. Un espacio inaugurado este mismo verano, que demostró no estar preparado para una actividad de esta envergadura tanto en el Mad Cool como el concierto de Harry Styles celebrados en julio.

En el primero, por las quejas de los vecinos por la superación de los niveles máximos niveles ruido permitidos durante sus tres jornadas. El segundo, por las colas kilométricas que se acumularon en las puertas del show del cantante británico, así como la caótica salida de sus 65.000 espectadores.

El consistorio de José Luis Martínez Almeida negó la licencia para que el Reggaeton Beach Festival pudiera llevarse a cabo en el recinto Iberdrola Music, alegando que “no se garantizan las condiciones de seguridad ni de evacuación adecuadas para un evento de estas características”. La decisión fue comunicada el 19 de julio. Un día después, el DCODE anunciaba que cancelaban su edición para 2023, que iba a acoger el Campus de la Universidad Complutense de Madrid el próximo 9 de septiembre.

La organización explicó que no habían sido capaces de “ofrecer un cartel a la altura” tras la cancelación de la gira del que era su principal reclamo, Lewis Capaldi. El cantante anunció a finales de junio que iba a tomarse un descanso “por ahora”, después de que el síndrome de Tourette que padece le dificultara terminar su concierto en Glastonbury jornadas antes. Su baja provocó que el equipo trabajara “a contrarreloj”. Sin embargo, “el poco tiempo de maniobra” y las “agendas cerradas de los artistas” les impidió conseguir un nuevo nombre que pudiera compensar la ausencia del artista británico. “No pueden sustituirle porque el éxito del DCODE no está basado en la marca propia del festival, si no en el artista que convoca a tantísima gente”, argumenta Nando Cruz al respecto.

La sangría no había terminado. Pese a que todavía no se había llegado a confirmar que el Primavera Sound fuera a repetir experiencia en Madrid en 2024, el 21 de julio se despejaron las dudas. La organización hizo público que, por el momento, no volverá a la capital. Tras su caótica primera edición celebrada el pasado mes de junio, concluyeron que “la ciudad no cuenta con un recinto capaz de albergar con garantías un evento de nuestra magnitud y formato en lo que a exigencias del público, requisitos de producción y despliegue musical se refiere”.

“A pesar de que el balance fue más que satisfactorio en un plano musical, no se cumplieron las expectativas que teníamos y la experiencia del público por determinados aspectos logísticos no fue la deseada”, expuso Almudena Herrero, directora de la edición madrileña del festival, que concluyó: “No se dan las condiciones necesarias”. Cabe recordar que el debut del evento en la capital, en el que actuaron artistas como Depeche Mode, Rosalía y Villano Antillano estuvo marcada por las fuertes lluvias que provocaron la cancelación de su primera jornada, planeada para el jueves 8 de junio.

Los conciertos del viernes y el sábado sí se mantuvieron, pero se vieron mermados por los atascos a la entrada de la Ciudad del Rock y el colapso en las colas que se formaron especialmente en la noche del sábado; en la que hubo quienes tuvieron que esperar hasta más de tres horas para coger las lanzaderas que llevaban desde Arganda del Rey a diferentes puntos de la ciudad.

“Parece que cualquiera puede hacerlo, y no”

Consciente de que la casuística de cada cancelación ha sido diferente, Nando Cruz extrae que lo que tienen en común es la “constatación de que no es tan fácil montar un macrofestival”. “Parece que cualquier ciudad que quiera uno, puede conseguirlo así por que sí. Y no, es muy complicado”.

“En el DCODE se añade que lo que les ha fallado es el cabeza de cartel. En el mundo hay muchísimos macrofestivales, pero no hay tantos cabezas de cartel capaces de llenarte ese recinto. Con lo cual, si te falla, te hunde el festival”, y añade que eso “es la prueba de que lo que en realidad estás montando es un macroconcierto con unos cuantos grupos de relleno y un cabeza de cartel que podrías haber puesto en un estadio de fútbol”.

En el mundo hay muchísimos macrofestivales, pero no hay tantos cabezas de cartel capaces de llenar sus recintos

Nando Cruz — Periodista cultural

En vista de que aun así, cada año aparecen más macrofestivales, más que ante un agotamiento del modelo, lo que que se denota es una fatiga: “Está empezando a quedar claro que no hay gente dispuesta a ir a tantísimos festivales”. En parte, por las condiciones que se están dando. “La gente empieza a estar harta de ser maltratada en estos recintos y se queja cada vez más. Exige condiciones de habitabilidad en estos espacios, poder pasarlo más o menos bien, que no le estén estafando”, indica.

Un negativo contexto al que habría que sumar la polémica suscitada por el que lleva desde el año pasado siendo el campo de batalla del consumidor de festivales: las pulseras 'cashless'. Mad Cool, Reggaeton Beach Festival, FIB, Love the 90's y un largo etcétera de eventos de este tipo imponen cantidades mínimas y cobran gastos de gestión para poder recuperar las cuantías que no se llegaron a gastar dentro de los recintos. Prácticas que, desde Facua-Consumidores en Acción y OCU (Organización consumidores usuarios) consideran “abusivas” y han denunciado.

Quién pidió que existieran estos recintos

Nando Cruz valora que “las administraciones tendrán que ponerse las pilas y no ir cediendo estos espacios al libre albedrío y que cada uno haga lo que quiera”. “Cuando crezca su control, se verá qué festivales pueden subsistir cumpliendo todas las normativas y cuáles tendrán que cancelarse”. El periodista se remonta a mediados de los 2000 para explicar el germen de la proliferación de este tipo de propuestas. Fue entonces cuando ayuntamientos y comunidades autónomas descubrieron que los festivales eran un gran reclamo turístico para generar consumo.

“Llevamos más de una década en la que cualquier municipio medio grande quiere tener su festival porque eso le pone en el mapa, le hace parecer moderno y trae a mucha gente”, comenta sobre un clima que propició que aparecieran “promotores hasta debajo de las piedras”. Comenzaron a ofrecerse a los ayuntamientos para que les prestaran recintos asegurándoles: “Te voy a traer e los mejores grupos del momento, va a venir un montón de gente y nos vamos a forrar todos”. Así surgió el boom por los macrofestivales.

Un tipo de eventos que, si bien podrían haber sido albergados en estadios de fútbol, sus características llevaron a que las empresas pujaran por preferir construir nuevos espacios. Estar dentro de las ciudades cuenta con el hándicap de estar rodeados de población y generar enseguida problemas vecinales. Pero ante todo, como afirma Cruz: “En estos recintos la concesión de las barras depende del propio recinto. Es decir, toda la cerveza que se se bebe dentro no va a los bolsillos de los organizadores. Además, no quieren un concierto que empiece a las 22 y acabe a las 00; necesitan una jornada desde las 16 a las 3 de la mañana”.

“Por eso muchos festivales lo que están pidiendo es espacios en los que poder juntar a 80.000 personas que, por supuesto, no todas las ciudades tienen porque no son espacios que haya demandado ningún ciudadano. Lo han demandado determinados empresarios”, expone. De aquí plantea otras dos reflexiones. Por un lado, entender que la pregunta no es tanto “por qué las ciudades no están preparadas para acoger estos grandes eventos, sino por qué una ciudad debe tener un espacio que funcione durante solo tres días año simplemente porque le interese al bolsillo del propietario del festival”.

Muchos festivales piden espacios donde juntar a 80.000 personas que, por supuesto, no todas las ciudades tienen, porque ningún ciudadano los ha demandado

Nando Cruz — Periodista cultural

Por otro: “¿Por qué debemos tragar con esta forma de consumir la música en vivo totalmente aborregada y basada en tener a la gente encerrada durante horas y días, en algunos casos a temperaturas insufribles, solo para que consuman cerveza mientras los grupos están tocando al fondo en dos, tres u ocho escenarios? A los que además, no puedes acceder porque obviamente solo puedes estar en uno a la vez”.

El festival idóneo para el futuro

Es complicado pronosticar qué pasará con el futuro de este tipo de eventos. El periodista cultural defiende que tendrá que aparecer “un cambio de tendencia”, que pase porque “lo mejor no sea tener el festival más grande, sino el que garantice las mejores condiciones al público”. Una de las frases más repetidas en las ingentes colas que colapsaron la salida del Mad Cool en su última noche, sobre un barrizal, a oscuras, y que se prolongaron durante horas en las que dio tiempo hasta a que amaneciera, fue: “No pienso repetir”.

“La gente puede tragar una vez las incomodidades, pero si le vuelves a tratar fatal, empezarán a decir, como ya está pasando: 'Yo aquí no vuelvo'. Y esta frase es una condena. No hay campaña de marketing que la revierta. Espero que los festivales empiecen a entender que el cabeza de cartel del futuro no va a ser ni un grupo ni otro. Sino la comodidad”, concluye.