La última gala de los Globos de Oro celebrada el domingo en el Beverly Hilton de Los Ángeles ha tenido dos claros ganadores: Una batalla tras otra (Paul Thomas Anderson) y Adolescencia (Stephen Graham, Jack Thorne). La miniserie de Netflix también tuvo su propio protagonista: el joven Owen Cooper, quien interpreta a Jamie Miller en la ficción, se llevó el premio a Mejor actor de reparto en una serie dramática. 

Se trata del primer papel que el actor británico, quien ahora apenas tiene 16 años, ha puesto en pie. Aunque no es el único galardón que ha conseguido gracias a esta interpretación. En 2025, con tan solo 15 años, el joven de Warrington (Reino Unido) consiguió un premio Emmy por su participación en la miniserie, lo que le convirtió en el actor más joven en llevarse esta estatuilla. 

Sin embargo, en los Globos de Oro, Cooper no ha conseguido este récord. Este todavía lo ostenta Ricky Schroder, quien en 1980 fue galardonado con el premio a Mejor nueva estrella masculina, un reconocimiento que a día de hoy ya no existe. El actor, que consiguió el galardón por su papel de TJ Flynn en su debut en la película Campeón (1979), solo tenía nueve años en el momento de recibir la estatuilla. 

El caso de Schroder no es el único. Tatum O'Neal también se adelantó al intérprete de Adolescencia en el año 1974, cuando se llevó el Globo de Oro a Mejor nueva estrella del año por su papel en Luna de papel. La niña, que también consiguió un Oscar a Mejor actriz de reparto por su interpretación en el largometraje dirigido por Peter Bogdanovich, solo tenía 10 años entonces. Aunque protagonizó varias películas juveniles después, sus problemas personales y adicciones a las drogas comprometieron su carrera.

Jóvenes actores reconocidos

Tiempo después, en 1995, Claire Danes también se llevó el Globo de Oro a la Mejor actriz en una serie dramática por su icónico papel de Angela Chase en Es mi vida (My So-Called Life). La actriz tenía entonces 15 años, por lo que también ha superado a Owen Cooper en la lista de récords. 

Otra de las actrices más jóvenes en ser reconocidas en este tipo de premios es Anna Paquin, quien hizo su debut actoral interpretando a Flora McGrath en la película de drama romántico The Piano (1993). La actriz se convirtió en la segunda ganadora más joven en la historia de los Oscar (después Tatum O'Neal) al conseguir el premio de la Academia a la Mejor actriz de reparto: solo tenía 11 años en el momento que recibió el reconocimiento. 

En España también tenemos nuestro propio palmarés de estrellas infantiles. Andoni Erburu apenas había cumplido 10 años cuando recogió el premio Goya al mejor actor revelación en 1997, lo que lo convirtió en el primer niño en hacerse con este galardón. En 2001, fue Juanjo Ballesta quien, a sus 12 años, conquistó los premios del cine español gracias a su papel en El Bola. Más recientemente encontramos el caso de Sofía Otero quien, después de llevarse el Oso de Plata a la Mejor Interpretación Protagonista en 2023, se convirtió en la persona más joven (9 años) en recibir un galardón en toda la historia de la Berlinale.

El cine en Brasil parece estar en un gran momento. Después de que el año pasado la película ‘Sigo Aquí’ hiciera historia siendo la primera brasileña en ganar el premio Oscar a Mejor Película de habla no inglesa y que Fernanda Torres fuera la primera en ganar el premio a Mejor actriz en la categoría de drama en los Globos de Oro de la pasada edición, este 2026 sigue la buena racha.

Así, Brasil se ha ido con dos galardones de la gala de los Globos de Oro 2026 gracias a ‘El agente secreto’, que ha sido una de las sorpresas de la noche al imponerse no solo a la candidata española ‘Sirat’, sino también a éxitos como ‘Valor sentimental’ y ‘Un simple accidente’, en el premio a Mejor película de habla no inglesa, así como por el premio de Mejor actor en drama para Wagner Moura.

Wagner Moura hace historia y sigue los pasos de Fernanda Torres

El actor, que saltó a la fama al interpretar a Pablo Escobar en la serie ‘Narcos’ de Netflix y por la que ya fue nominado al Globo de Oro en 2015, se ha impuesto también a competidores de la talla de Michael B. Jordan, Joel Edgerton, Oscar Isaac, Dwayne Johnson o Jeremy Allen White, y sigue su carrera hacia el Oscar después de haber cosechado también el galardón en el Festival de Cine de Cannes.

En su discurso, Moura recordó la labor de este largometraje “sobre la memoria o la falta de memoria, y el trauma generacional”: “Creo que si el trauma se puede transmitir de generación en generación, los valores también. Así que esto es para quienes se mantienen fieles a sus valores en momentos difíciles”.

A su vez, el actor brasileño recordó el contexto en el que se da la historia que cuenta ‘El agente secreto’ y su valor en la actualidad: “Pasó hace apenas 50 años, y recientemente, del 2018 al 2022, tuvimos un presidente de extrema derecha en Brasil, un fascista que es la encarnación física de los ecos de la dictadura”, dijo Moura haciendo referencia al exmandatario Jair Bolsonaro, quien tomó posesión en 2019. “Así que la dictadura sigue muy presente en la vida cotidiana brasileña. Por eso tenemos que seguir haciendo filmes al respecto”.

La carrera de ‘El agente secreto’ hacia el Premio Oscar

Después de lograr el Globo de Oro a Mejor Película a habla no inglesa, ‘El agente secreto’ gana puntos de cara a conseguir el premio Oscar, después de haber conseguido también este galardón en los Critics Choice Awards, y se adelanta a otras favoritas como la española ‘Sirat’, ‘Valor sentimental’ o ‘Un simple accidente’.

Al igual que ‘Sirat’, Neon también adquirió sus derechos en Cannes, donde ya logró éxito con los premios a Mejor director, mejor actor y el premio FIPRESCI.

De qué trata ‘El agente secreto’ y fecha de estreno en España

‘El agente secreto’ es una película escrita y dirigida por Kleber Mendonça Filho, y se trata de un thriller político ambientado en la dictadura militar que tuvo lugar en Brasil entre 1967 y 1985, situándonos en 1977, cuando un disidente político perseguido llamado Marcelo, a quien interpreta Wagner Moura, regresa a Recife para reencontrarse con su hijo y se ve obligado entonces a trabajar como espía para sobrevivir.

Esto tiene lugar durante el Carnaval, y aunque no está basado en una historia real, se inspira en el contexto de la Brasil de los años 70 donde la violencia, el caos social, las desapariciones, el miedo o la paranoia política eran la norma, siendo así Marcelo la representación de lo que vivieron muchas personas.

Aunque en Estados Unidos se estrenó en cines el pasado noviembre, en España se tendrá que esperar hasta el próximo 20 de febrero, que es cuando se estrena en las salas de cines, aprovechando que será una de las protagonistas de los próximos Premios Oscar 2026.

Parece que el momento de Paul Thomas Anderson finalmente ha llegado. Al menos en los premios. Nadie duda que el director de obras maestras como Magnolia o El hilo invisible es uno de los cineastas más importantes del cine reciente, y sin embargo, hasta ahora los galardones se le habían resistido. Quizás porque hacía un cine más autoral que lo que se suele premiar, quizás porque nunca había encontrado ese momentum que le colocara como el gran favorito. Ese momento ha llegado con Una batalla tras otra, otro peliculón para su filmografía que, ahora sí, le coloca como el favorito a todo, sobre todo después de arrasar en unos Globos de Oro en donde Sirat, el filme de Oliver Laxe, se fue de vacío a pesar de sus dos nominaciones.

La película de Paul Thomas Anderson arrasó con cuatro Globos. Entre ellos los tres más importantes: Película de comedia o musical, dirección y guion. Que Una batalla tras otra iba a arrasar se supo pronto. Teyana Taylor ganó el primer premio de la noche, el de mejor actriz de reparto, y lo hizo en el mejor momento posible, cuando los últimos galardones la habían dejado atrás y colocado a Amy Madigan como la gran favorita por Weapons. Taylor, maravillosa como la activista Perfidia, abrió la gala con un discurso potentísimo en el que se lo dedicó a sus “hermanas y a las niñas morenas que nos observan esta noche, nuestra ternura no es una desventaja”. “Nuestra profundidad no es excesiva. Nuestra luz no necesita permiso para brillar. Pertenecemos a cada espacio que entremos. Nuestras voces importan y nuestros sueños merecen espacio”, añadió.

Si esta era la primera señal, la segunda y casi definitiva, aunque solo se llevara poco más de una hora de gala, fue cuando Paul Thomas Anderson ganó el premio al mejor guion por encima de Jafar Panahi o Joaquim Trier, a priori favoritos. Lo hizo por su adaptación libérrima del Vineland de Thomas Pynchon, del que se ha quedado la esencia para volar a su propio terreno en la que es, desde ya, una película marcada a perdurar y la favoritísima para los Oscar. El cineasta se acordó de Nina Simone, cuyas palabras fueron una inspiración para esta película: “¿Qué es la libertad? No tener miedo”.

Es el reconocimiento a uno de los mejores directores de las últimas décadas. Un realizador único, personal, y que ha demostrado este año que se pueden hacer películas de estudio ambiciosas, diferentes y arriesgadas en un momento donde la originalidad escasea y los estudios apuestan por las franquicias. Donde las películas apenas duran unos días en las salas. Eso sí, ni rastro de todo esto cuando subió a recoger los premios. No hubo ni un discurso comprometido, sobre todo teniendo en cuenta que su película habla sobre el activismo y la lucha contra el poder. El premio para Una batalla tras otra es también una declaración de intenciones, ya que es una apuesta de Warner Brothers por el cine original y en salas en un momento en el que parece que el estudio será comprado por Netflix. Pero tampoco hablaron de ello.

En la categoría de drama el triunfo fue para Hamnet, la adaptación del libro de Maggie O'Farrell que ha dirigido Chloe Zhao y que ha adaptado junto a la propia autora. La historia de la mujer de William Shakespeare y el duelo ante la pérdida de un hijo y la ausencia del escritor en ese momento, en el que, en esta ficción, escribe su obra maestra, Hamlet, como proceso para sanar esa herida. Una película producida por Steven Spielberg, que recogió el premio final de la noche. No fue el único para Hamnet, ya que Jessie Buckley hizo buenas las apuestas. Era la favorita para ganar en la categoría de actriz dramática, y ganó el galardón por su conmovedora interpretación. Es la favorita a un Oscar que ya roza con las manos y donde solo la sorpresa de Rose Byrne, que ganó el Globo en la categoría de comedia por Si pudiera te daría una patada, podría aguarle la fiesta.

El triunfo de Brasil

Sirat no pudo materializar ninguno de sus dos globos de oro, el primero, el de banda sonora lo perdió frente a Los pecadores, y lo hizo sin que se viera en directo. La CBS decidió no emitirlo en la ceremonia sino en un bloque publicitario, una falta de respeto absoluta a los nominados y al galardón. Eso sí, el recién creado premio al mejor podcast sí se emitió en la gala. Lo de sacar premios del directo se convierte este año en una práctica habitual preocupante. Solo hay que recordar que en los recientes Critics' Choice el cineasta Kleber Mendonça Filho recogió el premio de película extranjera para El agente secreto… en la alfombra roja en un momento sonrojante. 

El otro Globo de Oro al que optaba, el de película de habla no inglesa, lo perdió frente a, precisamente, El agente secreto, que venció a las dos favoritas, Un simple accidente y Valor sentimental. El director brasileño dejó una de las pocas menciones a la actualidad cuando subrayó el “importante momento en la historia actual para hacer películas en EEUU y en todo el mundo”. No fue el único premio para el filme brasileño, ya que el actor Wagner Moura, conocido por su papel en Narcos, se llevó merecidamente el premio al Mejor actor de drama.

Ya ganó en Cannes, y repite ahora en los premios de la prensa extranjera. “Esta película trata sobre la memoria, sobre la ausencia de memoria y sobre el trauma generacional. Creo que el trauma puede pasar de generación en generación, pero creo que los valores también”, dijo Moura que terminó su discurso en brasileño dedicándoselo a su país y a la cultura brasileña.  Fueron los dos únicos premios para las películas de habla no inglesa, que llegaron haciendo historia por su amplia presencia, pero que finalmente acabaron como meras comparsas de las producciones hollywoodienses a las que la prensa extranjera se ha vuelto a rendir.

El que va lanzado a su primer Oscar es Timothée Chalamet. No se puede decir que no lleve tiempo intentándolo, y esta vez parece que no se le va a escapar. Venció en una de las categorías más competidas, la de Mejor actor de comedia, por su excelente trabajo en Marty Supreme, una mirada perversa y febril al falso sueño americano a través de un jugador de ping-pong que demuestra que es una de las grandes estrellas del momento, pero también uno de los actores más prometedores. 

No fue una buena noche para Los pecadores, que a pesar de su triunfo en los Critics Choice unas noches antes tuvo que conformarse con dos premios menores, el de Banda sonora y el del logro en la taquilla, un galardón absurdo inventado por los Globos hace unos años y que suena a premio de consolación para el filme de Ryan Coogler. También se llevó solo un premio Valor sentimental, el drama del noruego Joachim Trier que llegó como la segunda película con más nominaciones y solo logró el de mejor actor de reparto para Stellan Skarsgard, que emocionado pidió que la gente viera “el cine en los cines”. Peor todavía le fue al iraní Jafar Panahi, que llega a la recta final de cara a las nominaciones de los Oscar desfondado. Un simple accidente optaba a casi todo y se fue de vacío, igual que el Frankenstein de Guillermo del Toro.

Todo en una gala que parecía que ocurría de espaldas a su tiempo. Mientras en las calles la gente se manifestaba contra el ICE y el asesinato de Renee Good, los Globos de Oro no alzaron la voz contra nada. Ni contra Trump, ni contra una industria que puede verse sacudida por la compra de Warner Bros por parte de Netflix. Solo Judd Apatow se atrevió al entregar el premio al Mejor director a decir que “vive en una dictadura” en EEUU, y algún ganador como Jean Smart que llevaba una chapa en honor a Renee Good.

Tampoco hubo chistes políticos en el monólogo inicial de la presentadora, una divertida Nikkie Glaser que sí tuvo pullas para la lista Epstein y para el año convulso de Warner Bros, pero que prefirió bromear sobre las estrellas y dirigir sus dardos hacia ellos. Una pena que una gala como esta haya perdido el colmillo político precisamente en el momento en el que más debería haberlo sacado. Quizás lo estén guardando para los Oscar, pero lo que parece es que el miedo se ha instaurado en la industria y se prefiere celebrar a poder incomodar.

Cuando los Globos de Oro parecía que escondían la cabeza y dejaban que la gala transcurriera sin apenas discursos ni menciones a la situación política ni a Donald Trump, llegó el cineasta Judd Apatow y habló, con mucha ironía y mala leche, de EEUU, y lo calificó como “una dictadura”. Lo hizo cuando entregó el premio al Mejor director. El cineasta, habitual de comedias como Virgen a los 40 o This is 40, hizo un monólogo humorístico donde apuntó con ironía que fuera un director de comedias el que daba un galardón al que nunca le suelen nominar.

Se acordó de cómo hace diez años él fue nominado a Mejor película de comedia o musical por Trainwreck y perdió contra The martian, de Ridley Scott, en uno de los fraudes de categoría a los que la antigua Asociación de Prensa Extranjera solía permitir. “He estado boicoteando esta ceremonia durante unos diez años. Es un boicot muy silencioso desde que perdí el premio a la mejor comedia ante The Martian de Ridley Scott. Ya saben, Ridley Scott, el director de comedia favorito de Estados Unidos, director de comedias tan divertidas como Gladiator, Blade Runner y Alien. No puedo esperar a que llegue esta noche cuando Hamnet gane el premio a la mejor comedia. Pero ya saben, eso ya es agua pasada. Han pasado muchas cosas desde entonces. Eso fue hace diez años. Desde entonces hemos tenido la COVID. Creo que ahora somos una dictadura”, apuntó.

Fue una de las pocas menciones a la situación política de EEUU. Solo llegó en forma de chapas en las solapas de alguna americana o vestido como el de Jean Smart, ganadora a mejor actriz de comedia en televisión por Hacks, que portaba el pin que ponía el lema “Be good”, en protesta por el asesinato de Renee Good por la ICE. También las palabras del director brasileño Kleber Mendoça Filho, que al ganar el premio a la Mejor película de habla no inglesa por El agente secreto dijo que era “un momento muy importante en la historia para hacer películas, en EEUU y en todo el mundo”. 

Tras unos años complicados, los Globos de Oro vuelven a colocarse como la antesala de los Oscar. El año pasado la victoria de Fernanda Torres en estos galardones fue el impulso que finalmente llevó a la actriz brasileña a estar nominada en los premios de la Academia de Hollywood. Desde las 2:00 de la madrugada del domingo al lunes, consulta aquí todos los ganadores de una ceremonia que tiene al filme español de Oliver Laxe, Sirat, nominado en dos categorías (película de habla no inglesa y banda sonora) y a Paul Thomas Anderson y su Una batalla tras otra como gran favorita.

Cine

Mejor película – Drama

Mejor película – Comedia o Musical

Mejor película en lengua no inglesa

Mejor director

Mejor actor – Drama

Mejor actriz – Drama

Mejor actor – Comedia o Musical

Mejor actriz – Comedia o Musical

Mejor actor de reparto

Mejor actriz de reparto

Mejor guion

Mejor banda sonora

Mejor canción original

Mejor logro cinematográfico en la taquilla

Mejor película de animación

Televisión

Mejor serie de televisión – Drama

Mejor serie de televisión – Comedia o Musical

Mejor miniserie, serie antológica o película para televisión

Mejor actor en serie de drama

Mejor actriz en serie de drama

Mejor actor en miniserie o película para televisión

Mejor actor en serie de comedia o musical

Mejor actriz en serie de comedia o musical

Mejor actriz en miniserie o película para televisión

Mejor actor de reparto en televisión

Mejor actriz de reparto en televisión

Mejor actuación en comedia en vivo (Stand-Up)

El 28 de septiembre de 1955, un flash se disparó de forma repetida en los pasillos de Warner Bros. Studios de Hollywood y capturó una escena de camaradería entre dos de las estrellas en ascenso: el rebelde James Dean y la manchega más universal, Sara Montiel. Lo que parecía un simple descanso de rodaje se convertiría, apenas dos días después, en una de las fotografías más icónicas de la historia de la Meca del Cine, pues es considerada la última instantánea promocional de James Dean tomada en los estudios antes de su fatal accidente.

Pero en la fotografía aparece un tercer protagonista buscando el objetivo y sonriendo: Armando del Moral Vizcaíno, figura clave que sirvió de nexo entre la magia de Hollywood y el mundillo artístico mexicano y más allá. Este hombre, periodista, publicista y exiliado de la Guerra Civil Española, fue uno de los fundadores de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood e impulsor de los Globos de Oro.

Una vida de película

Armando del Moral Vizcaíno nació el 15 de junio de 1916 en Albacete. Su ambiente familiar estuvo marcado por la política. De hecho, su padre, Fulgencio del Moral, fue un activista de la causa anarquista que sufrió serios problemas políticos, incluido el destierro. Finalmente, se puso al frente de la Sección de Fundidores del Sindicato de Metalurgia de la CNT, presidiendo esta central anarquista. Su madre fue Domitila Vizcaíno, natural de la población albaceteña de Cenizate.

La imagen muestra a un James Dean feliz, en un momento de risa contagiosa con Sara Montiel, la diva española que cumplía entonces el sueño americano. Dean acababa de hacer una pausa en el rodaje de su película póstuma, Gigante (Giant, 1956), mientras que Montiel trabajaba en Dos pasiones y un amor (Serenade, 1956), del director Anthony Mann, una de las tres cintas que rodó la manchega en Hollywood. La cercanía en los sets contiguos propició su relación sobre la que corrieron ríos de tinta y numerosos rumores, alimentados por la propia artista.

Tras asistir a las escuelas públicas de la calle Santa Quiteria y del Parque en Albacete, continuó su formación en la Escuela Industrial de Barcelona, donde vivió junto a sus padres y su numerosa familia desde 1928. Llegaron a ser 10 hermanos de los que sólo sobrevivieron cinco.

Desde temprana edad mostró un gran interés por los ideales de izquierda -era asiduo visitante de la Casa del Pueblo- y por la escritura, en especial, por el periodismo. De hecho, a los 16 años comenzó a colaborar con diarios estudiantiles y de orientación social, y a los 18 se unió al rotativo Solidaridad Obrera de Barcelona, utilizando seudónimos debido a su juventud, desde Selenita a Reporter X.

La Guerra Civil Española le marcó definitivamente, como a tantos españoles. Del Moral participó activamente en el lado republicano, integrado en la Brigada Mixta 153 y según confesó, intervino en los frentes de Aragón y Madrid. En 1938 fue elegido presidente de la Alianza de la Juventud Antifascista de Cataluña y representó a las Juventudes Libertarias de Barcelona en el II Congreso Internacional de Juventudes por la Paz en Poughkeepsie, Nueva York, un evento amadrinado por la esposa del presidente Franklin D. Roosevelt, Eleanor Roosevelt.

Pero lo que iba a ser una estancia efímera pasó a ser prácticamente de cinco meses; recorrió el país norteamericano ofreciendo numerosas conferencias sobre la situación española tras el golpe de Estado franquista -en torno a 500 actos- con el propósito de sensibilizar a los norteamericanos sobre la situación española y, de paso, recaudar dinero para la causa republicana.

Tras la derrota del Ejército Republicano y un breve regreso a Barcelona, donde dejó a su primer amor, Guillermina, y su hija Matilde, fue internado en el campo de concentración de Argelès-sur-Mer, en Francia. Con la ayuda de algunos norteamericanos que conoció en su gira por Estados Unidos pudo escapar y, finalmente, llegó al puerto mexicano de Veracruz, el 22 de abril de 1939 en el barco francés Flandre. Ahí inició su exilio mexicano, donde Del Moral comenzó su carrera periodística, y lo hizo desde abajo, vendiendo periódicos.

Poco después, se casó con Amelia Lóuzara -en concreto, el 4 de septiembre de 1939-, una unión de la que nacieron dos hijos, Roger y Rafael, formando una nueva familia.

Su vida dio un giro definitivo en 1943 al ser aceptado como residente en Estados Unidos por un acuerdo especial del Senado, en reconocimiento a su contribución al bienestar del país. Desde entonces, residió en Los Ángeles, California.

Un referente en la 'Meca del Cine'

La labor de Del Moral en la Meca del Cine fue muy importante para la comunidad latina. Trabajó y colaboró en medio centenar de medios, como El Mexicano en Ciudad Juárez y La Opinión de Los Ángeles, periódico del que fue redactor-jefe. Y en 1947 fundó la revista en español Gráfica -comenzó llamándose la Novela Cine-Gráfica, y el primer número lo dedicó a Jorge Negrete-, que mantuvo hasta los años ochenta con el propósito de que su nieto, Josep María Brugués, periodista y consultor de comunicación, se hiciera cargo de la misma.

Sus hijos optaron por caminos profesionales diferentes, uno era vulcanólogo en la Universidad de Washington y el otro agente de policía en ciudades como Los Ángeles. Además, la crisis de la economía mexicana provocó una notable caída de la publicidad, lo que precipitó el cierre de esta publicación, un medio muy popular entre la población latina, además de utilizarse en casi una veintena de universidades americanas para enseñar castellano.

También creó su propia agencia de noticias, Orbe, y estuvo muy cerca de la industria cinematográfica, puesto que trabajó con los grandes. Fue director técnico en películas como Un gánster para un milagro, de Frank Capra, y Pepe, de George Sidney. Además, colaboró con Walt Disney y con Alfred Hitchcock en Psicosis, dirigiendo cortos de publicidad en español para cine, radio y televisión. Pero su influencia abarcaría también lo laboral, siendo miembro del Sindicato de Actores de Cine (SAG-AFTRA) y representante en Hollywood de la Asociación Nacional de Actores (ANDA).

A lo largo de su carrera, Armando del Moral escribió más de 6.000 artículos, cuentos y series radiales. Entrevistó a presidentes como los norteamericanos Lyndon Johnson y Ronald Reagan y a los mexicanos Miguel Alemán y Adolfo López Mateos. En el mundo del espectáculo conversó con multitud de artistas, incluidos Elvis Presley y Pedro Infante. También alcanzó una destacada participación en televisión, presentando programas, y realizó publicidad para el cine mexicano. Publicó varios libros, como Ya tengo a mi hijo, Entre dos mundos, Lágrimas cantarinas y Molinos sin Mancha.

La foto de 1955 recuerda la gran amistad que forjó con Sara Montiel, que nació en la etapa mexicana de la artista y se consolidó en la Meca del Cine. Su vínculo era tan estrecho que el periodista fue testigo en la boda de la de Campo de Criptana con el director Anthony Mann.

Regresó a España en 1971

Finalmente, el albaceteño no regresó a España hasta 1971. Fue un viaje de 28 días planeado durante 32 años, en el que se trasladó a Barcelona para el emotivo reencuentro con Guillermina y con su hija Matilde. También estuvo en Albacete para pasar varios días con su padre, Fulgencio; su hermano Antonio; el resto de su familia y su amigo de toda la vida, Mateo Fernández. No fue el único viaje a España que hizo, sino que volvió en otras ocasiones, recorriendo Galicia, Andalucía... y con parada y fonda en su tierra. Albacete, siempre.

Armando del Moral Vizcaíno falleció el 22 de julio de 2009 en Los Ángeles, California, y la fotografía de James Dean y Sara Montiel es el acta visual de que este albaceteño no solo presenció la historia de Hollywood, sino que la escribió. El destino convertiría esta imagen en una reliquia; apenas dos días después de este encuentro, James Dean perdió la vida.

Fue el 30 de septiembre de 1955 en un accidente de tráfico mientras conducía su Porsche 550 Spyder, el mismo vehículo que podría haber supuesto la prematura muerte de Sara Montiel -como ella confesó en numerosas ocasiones- puesto que la artista manchega rehusó la invitación de la fulgurante estrella norteamericana para viajar el día en el que una carretera marcó el final de un mito.

La biografía de Armando del Moral podría ser el guion de una película. Aunque fue escasamente reconocido en su país, sí gozó de amplio reconocimiento en Estados Unidos, donde recibió numerosos premios y, en 1983, el título de hijo adoptivo de la ciudad de Los Ángeles, acto en el que lució una corbata con el escudo de Albacete.

Sirat sigue su carrera imparable en Hollywood y camino a su, cada vez más, posible nominación al Oscar. La película de Oliver Laxe ha sido nominada en dos categorías de los Globos de Oro. En la primera, en la categoría de Mejor película de habla no inglesa, se las verá con rivales muy poderosos que este año aspiran a todo: Solo un accidente, de Jafar Panahi; Valor Sentimental, de Joaquim Trier; El agente secreto, de Kleber Mendonça Filho , No other choice, de Park Chan Wook y La voz de Hind, de Kaouther Ben Hania. Casi todas ellas han sido nominadas en otras categorías, mostrando la diversidad de este curso cinematográfico, y el poderío del cine internacional frente a un cine de EEUU que no ha rendido al nivel que muchos esperaban. 

Es el caso de Valor Sentimental, que tras ganar el Gran Premio del jurado se confirma como uno de los éxitos del año entre la crítica. La película del noruego amasa ocho nominaciones, entre ellas las más importantes (película dramática, dirección, guion, película internacional, actriz dramática para Renate Reinsve, actor de reparto para Stellan Skarsgard y doblete para sus actrices de reparto, Elle Fanning y Inga Ibsdotter Lilleaas).

Es la segunda película con más nominaciones tras Una batalla tras otra. La película de Paul Thomas Anderson no ha dejado de momento ningún premio libre y arrasa con nueve nominaciones: película, dirección, guion, actor de comedia para Leonadro DiCaprio, actriz de comedia para Chase Infiniti, actriz de reparto para Teyana Taylor y doblete en actor de reparto para Sean Penn y Benicio del Toro y banda sonora. El filme compite en las categorías de comedia, por lo que no se las verá con Valor Sentimental en el premio a Mejor película, pero sí en el de Mejor dirección y guion.

Sirat ha logrado también su botín fuera de la categoría donde casi todos le esperaban, ya que ha conseguido ser nominado también en la categoría de Banda Sonora frente a los scores de Frankenstein, Sinners, Una batalla tras otra, Sirat, Hamnet y F1. Esto muestra que el fenómeno del filme de Laxe se extiende fuera de nuestras fronteras. Habrá que estar atentos al 16 de diciembre, cuando la academia de Hollywood anuncie las shortlists de las categorías técnicas, además de la de película internacional. Sirat cierra una semana perfecta para sus opciones, siendo reconocida en varios premios como la crítica de Los Ángeles y Toronto antes de culminarlo con estas dos candidaturas a los Globos de Oro.

Se vuelve a confirmar el poder del Festival de Cannes en las temporadas de premios. Cuatro de las seis películas nominadas como mejor obra de habla no inglesa salen del certamen francés, pero es que, además, todas ellas logran estar nominadas en otras categorías, y tres de ellas como Mejores dramas. A Sentimental Value se unen El agente secreto, que también consigue la de mejor actor para Wagner Moura y la gran sorpresa del día, la presencia del director iraní Jafar Panahi, que entra en todo lo importante: película dramática, dirección, guion y película extranjera. Un éxito para la Palma de Oro de este año y para un cineasta que acaba de ser condenado a un año de prisión en Irán, y seguramente sea detenido en cuanto ponga un pie de vuelta en su país. Las cuatro películas, además, son distribuidas por Neon.

Como mejor película dramática se las verán estos tres títulos (Sentimental Value, El agente secreto y Solo un accidente) con el Frankenstein de Guillermo del Toro —que muestra su poderío en estos Globos de Oro consiguiendo ser nominada en película dramática, dirección, actor, actor de reparto y banda sonora—, Hamnet, de Chloe Zhao, que está nominada en todo lo que puede y suma seis (película, dirección, guion, actriz dramática para la favorita Jesse Buckley, actor de reparto para Paul Mescal y Banda sonora) y Sinners, de Ryan Coogler, que también consigue seis (película, dirección, guion, banda sonora, actor dramático para Michael B. Jordan y logro en la taquilla). Tanto Del Toro como Zhao y Coogler entran en el sexteto de directores nominados junto a Trier, Panahi y Paul Thomas Anderson.

Quien parece imparable es Paul Thomas Anderson, que en categoría de comedia no parece tener posible rival. La única que parecía que podía plantar algo de cara era Marty Supreme, pero su ausencia en la categoría de mejor director deja campo libre para Una batalla tras otra, que se enfrentará también a Blue Moon, Bugonia, Nouvelle Vague y No other choice, otro filme internacional nominado como mejor película y, otra vez, una película de Neon.

Más animada estará la categoría de Mejor actor de comedia, donde Leonardo DiCaprio por Una batalla tras otra tendrá enfrente a un Timothee Chalamet que va a por todas por Marty Supreme. Poco parece que pueden hacer el resto de invitados a la fiesta: George Clooney, por Jay Kelly; Jesse Plemons, por Bugonia; Ethan Hawke, por Blue Moon y la sorpresa, Lee Byung-Hun, por No other choice.

Mucho más reñido será la categoría de actor de drama, donde nadie parece ser el gran favorito. Joel Edgerton, por Train Dreams; Oscar Isaac, por Frankenstein; Dwayne Johnson, por The smashing machine, Michael B. Jordan, por Sinners; Jeremy Allen White, por Springsteen: deliver me from nowhere, y Wagner Moura, por El agente secreto son los nominados.

Colman Domingo va marcando pequeños hitos en Hollywood. Sin grandes titulares, sin grandes aspavientos. El año pasado se convirtió en el primer actor queer en estar nominado en 21 años (el anterior fue Ian McKellen por Dioses y monstruos en 2001). Fue el primer negro en conseguirlo. Este año va camino de conseguir su segunda nominación consecutiva. Lo hace apostando por otro tipo de papeles. No es una estrella al uso, aunque tiene porte de galán, y un estilo que le ha convertido en un referente estilístico. Pero luego, a la hora de la verdad, elige esos papeles en los márgenes, los que muchos rechazarían por pequeños.

Es lo que ha ocurrido con Las vidas de Sing Sing ―ya en salas de cine―, donde no solo es el protagonista absoluto, sino también productor y uno de los impulsores del proyecto desde sus inicios. Eso se ha trasladado también en las formas. Se ha pagado a todos los miembros del reparto lo mismo, creando un modelo más justo que pretende romper las estructuras jerárquicas de Hollywood. Tiene sentido que sea con un filme como este, un drama carcelario sobre el programa de artes de una prisión en el que se mezcla ficción y realidad, ya que muchos de los presos se interpretan a sí mismos. Un filme que habla de reinserción en un sistema donde se apuesta por el castigo; y del poder del arte para cambiar vidas.

Por todo ello, Colman Domingo considera este filme uno de los más importantes de su vida. “Fui parte de él desde el principio. El director y los guionistas me escribieron con algunas ideas, pero no había ni un borrador que presentarme. Solo un artículo de la revista Esquire sobre ese programa de rehabilitación a través del arte que se hacía en la prisión de Sing Sing. Hablamos sobre lo que es importante para mí como artista, y empezaron a surgir otros temas como la hermandad y la humanidad”, dice del comienzo del proyecto.

Ahí ya se dieron cuenta de que la voluntad del filme era clara: “Romper clichés y deconstruir lo que la gente puede pensar y saber sobre estos seres humanos que están en un complejo penitenciario”. Así se entregó a fondo y les dio “cada pedacito” de su ser. Terminó entrando también como productor y empezaron a dar forma a una película que cree que “debería apelar a cada uno de nuestros prejuicios” respecto al tema.

“La gente cree que por haber visto un recluso sabe cómo son esas personas. Piensan que se merecen cómo son tratadas, y eso, de alguna forma, es quitarles su humanidad, lo que les hace seres humanos. Creo que esta película es muy astuta porque cuando piensas que crees lo que va a suceder, nunca ocurre eso. Es una película que opera en ti mientras opera en sí misma, por lo que de alguna forma todos estamos haciendo la rehabilitación juntos, rompiendo los clichés. Para mí estas personas [los presos que actúan en la película] se han convertido en mis camaradas y en mis compañeros, y hemos hecho algo hermoso juntos”, añade.

Por ello define la película como un canto en defensa de la reinserción. “Pensemos en nosotros mismos como sociedad. Las personas que han cometido un acto negativo se merecen un camino hacia esa rehabilitación, y no solo por ellos, sino también por nosotros. Creo que debemos hacer algo juntos e intentar lograrlo. Es un problema más grande de lo que parece, es un problema institucional. El objetivo de esta película es humanizar a estas personas y plantear preguntas sobre cómo podemos mejorar como sociedad. Porque no se trata solo de la persona que está en la cárcel, también se trata de sus familias y de todos nosotros. Y también es importante hablar del beneficio que tienen estas instituciones. Espero que la gente pueda asimilar todo esto. Nosotros queríamos mostrar que somos más parecidos a ellos que diferentes, y que necesitamos más herramientas para darle un rumbo mejor a este mundo”, zanja.

La gente cree que por haber visto un recluso sabe cómo son esas personas. Piensan que se merecen cómo son tratadas, y eso, de alguna forma es quitarles su humanidad

Colman Domingo — Actor

A estos presos fue el teatro lo que les cambió la vida, y para Colman Domingo, la afirmación de que el arte cura “es la afirmación más cierta que existe”. “Sé que el arte tiene el poder de sanar y transformar. Me atrevería a decir que a mí el teatro me ha salvado la vida. No solo construyes una comunidad, te da una voz cuando hasta ese momento habías sentido que estabas silenciado, te da un propósito… es que el teatro puede generar cambios reales en las vidas. He sido parte de algunas de las obras de arte más profundas que existen y sé que realmente mueven el péndulo de la humanidad. Así que creo con todo mi corazón en esa afirmación de que el arte tiene el poder de transformar las vidas de la gente”, afirma.

Aunque no conociera el programa de artes de la prisión de Sing Sing, Colman Domingo sí que sabía de la existencia de otros programas de teatro en prisiones de EEUU. Cree que el teatro es perfecto para la rehabilitación, ya que “exige respeto y apertura, requiere rigor e interrogarte sobre la condición humana, y eso es muy útil para una auténtica rehabilitación”. “Eso ayuda a los reclusos a prepararse para encontrar herramientas para contribuir a la sociedad cuando salgan afuera. Herramientas que no tenían cuando entraron. Eso es extraordinario”.

No le gusta que llamen a sus compañeros actores no profesionales, y lo dice desde su bagaje de 30 años como actor. Lo dice porque ha sido testigo de cómo han trabajado al mismo nivel que cualquier actor al que le colocan la etiqueta de profesional: “Su trabajo, aunque hasta ahora no fuera profesional, ha requerido del mismo rigor, la misma ética profesional y las mismas habilidades para construir comunidad. Simplemente, nos miramos a los ojos. Todos éramos actores que querían llegar a un objetivo y que sentían curiosidad sobre cómo lo lograrían. Y lo hicimos con una profunda generosidad y contentos por el trabajo que estábamos haciendo”.

En 2014 Jesse Eisenberg estrenó su segunda obra de teatro, escrita y protagonizada por él mismo. Se titulaba The Revisionist y el cariz autobiográfico era insoslayable: nos topábamos con un escritor que buscando salir de su bloqueo iba a visitar a su tía, una superviviente del Holocausto, en Polonia. Esta mujer, interpretada sobre las tablas por Vanessa Redgrave, acaso podía devolverle la capacidad para escribir cosas significativas gracias a haber experimentado un sufrimiento desmedido, que fascinaba al protagonista al tiempo que le hacía sentir extrañamente culpable. La brutal experiencia del pueblo judío servía como catalizador de un viaje emocional estrictamente individual.

Eisenberg, claro, tiene antepasados polacos. Su familia vivió en Krasnystaw hasta la II Guerra Mundial, y la historia de The Revisionist le tocaba tan de cerca como para acabar participando del mismo aislamiento titubeante del protagonista: no dudó en traducir al hebreo la obra y en acudir a representarla a Tel Aviv, en Israel, coincidiendo con uno de tantos episodios brutales en el conflicto con Palestina. Fue la misma época en la que Javier Bardem y Penélope Cruz fueron criticados en Hollywood por denunciar el genocidio de Israel, pero Eisenberg apenas abordó públicamente este tema. Prefirió decir que “Israel es un país maravilloso” y que su obra “no entra en conflicto con aquello de lo que la gente quiere hablar ahora”.

Fue lo más cerca en mucho tiempo que estuvo de opinar del asunto. Tampoco lo haría más tarde al protagonizar Resistencia, la recreación de un episodio de la Resistencia francesa que involucró a varios boyscouts judíos, aunque el American Zionist Movement apadrinara el proyecto. Ahora que estrena A Real Pain, su segunda película como director, vuelve a toparse con este problema, y a mucha mayor escala que con The Revisionist. El sufrimiento palestino alcanza cotas extremas e insoportables mientras A Real Pain tiene un rol preferente en la actual carrera hacia el Oscar, y su argumento resulta girar en torno a dos primos judíos que viajan por Polonia, en un tour sobre el Holocausto. Durante la totalidad de su metraje nadie pronuncia la palabra “Israel”.

Entendiendo a Jesse Eisenberg

¿Quiere decir esto que A Real Pain es una película deshonesta? En absoluto, de hecho su mecanismo narrativo posee una transparencia tal como para permitir —a la estela de The Revisionist— analizar lo que propone a través de la subjetividad de Eisenberg, generosamente abierta en canal. Eisenberg es una figura comprometida políticamente según los estrechos estándares del establishment estadounidense: una afinidad con el Partido Demócrata sobre la que ya ha mostrado una preocupación palpable porque no sea suficiente. Aquí podemos acudir a su largometraje debut, Cuando termines de salvar el mundo, encabezado en 2022 por Julianne Moore y Finn Wolfhard.

Cuando termines de salvar el mundo, sin ser una película especialmente lograda, mostraba una inusitada valentía a la hora de examinar las miopías progresistas de su país, a través del choque entre una madre activista de ego descomunal y un hijo frívolo (e igualmente egocéntrico) preocupado por el hecho de que sus bobas canciones de amor no sedujeran a la listísima y concienciada chica que le hacía tilín. En torno a estos dos personajes Eisenberg exploraba el narcisismo como pecado original a la hora de encarar el mundo con una voluntad resolutiva, dibujando un paisaje ético donde lo mejor que podía ocurrir era que estos dos egos se reconocieran y se amaran. 

Esta conclusión no resultaba tanto complaciente como angustiada: parecía surgir del propio tormento de Eisenberg y le vinculaba sin remedio a las ficciones con judíos neuróticos que tanto abundaron en EEUU durante el siglo XX. Hablamos de Woody Allen, del protagonista de El lamento de Portnoy de Philip Roth o de Jerry Seinfeld. Masculinidades crispadas, hiperconscientes (o aparentemente hiperconscientes) de su egoísmo, que creen haber explorado todas las posibilidades retóricas para entender la existencia antes de llegar a la conclusión de que están solos y de que quizá les baste con tener pareja (o psicoanalizarse). Lo que diferencia a Eisenberg de este catálogo de sujetos no es, por otro lado, su fijación con el Holocausto —los chistes sobre ello son habituales—, sino la creencia de que en este trauma histórico está la clave para desentrañar su vida.

El Holocausto es algo tan inabarcable y trascendente como para que en torno a él naufrague cualquier burla sobre uno mismo. Tiene los visos de una verdad inmanente que empequeñece todo lo que le rodea y, por tanto, permite alumbrar esas certezas que a Eisenberg le vienen siendo tan esquivas. Puede ofrecer determinación, concreción, identidad, y desbaratar a su alrededor complejidades diversas que, en comparación, solo son problemas del primer mundo. Así que este puede ser el motivo por el que Eisenberg esté tan interesado en él como narrador, y desde luego es la razón de ser de su segunda película. Eisenberg vuelve a interpretar a un álter ego de sí mismo, David, dentro de una historia que él mismo ha escrito y cuyo título no puede ser más revelador. 

A Real Pain. Un dolor real, auténtico. ¿Es un dolor que puede haber experimentado David como ciudadano estadounidense de clase acomodada, o solo la sombra frívola de un dolor que ilustra lo desgajado que se encuentra de la historia y del sufrimiento de su pueblo? ¿Está a la altura su trastorno de ansiedad o sus posibles problemas familiares y profesionales de este trauma? David, Eisenberg, se lo pregunta sin cesar, y también se pregunta si un tour por Polonia, la tierra de unos antepasados que sí sufrieron de verdad, podría aclarárselo.

Una de las secuencias más poderosas de A Real Pain, qué remedio, envuelve entonces la visita de los protagonistas a un campo de concentración nazi. Hasta entonces —y luego continuará siendo así— ha sido omnipresente un lecho musical integrado por interpretaciones de Chopin como insigne compositor polaco, pero por unos minutos todo es silencio y solo vemos a personajes conmovidos atravesando los pasillos y las habitaciones de ese lugar. Se enfrentan, definitivamente, a algo más grande que sí mismos, solo que A Real Pain —y por eso es un film a la postre tan inteligente— desdeña que los problemas puedan reducirse a catarsis unitarias y rotundas. Sostiene en su lugar que todo es tránsito, y que más revelador que un campo de exterminio debería ser la persona que Eisenberg tiene a su lado. Su primo Benji, interpretado por Kieran Culkin.

La historia de dos primos

Fiel a su carácter de recluso en la torre de marfil, Eisenberg asegura que no había visto un solo episodio de Succession antes de fichar a Culkin como el coprotagonista de A Real Pain. No era consciente de la existencia de Roman Roy —personaje por el que Culkin ha ganado el Globo de Oro y el Emmy—, si bien resulta difícil de creer viendo la película. Culkin repite varios de los manierismos del pequeño de los Roy, preso de una espontaneidad extraña e insolente que solo busca, obvio, camuflar su tortura interna. Haya repetido la interpretación de Succession o no, estos detalles le vienen de perlas al personaje, y no es de extrañar que le hayan erigido en favorito al Oscar.

Culkin está fantástico como el primo de David, una persona absolutamente rota que ansía la catarsis de la visita a Polonia con una mayor virulencia que el personaje de Eisenberg. Lo que ha impulsado definitivamente este viaje es el fallecimiento de la abuela de ambos —amén de otros motivos que se irán esclareciendo a lo largo de la película—: una superviviente del Holocausto a la que Benji estaba especialmente unido y cuyo recuerdo compartido, por otro lado, no es tan importante en el andamiaje dramático de A Real Pain como las diferencias de carácter entre los primos. 

Mientras que David racionaliza su dolor y se pregunta constantemente por la pertinencia del mismo —por si es apropiado sufrirlo, o si lo está sufriendo correctamente—, Benji vive tan inmerso en ese dolor que no atiende a nada más. Su dolor está en carne viva. Es, por decirlo así, un espectáculo —la incomodidad que despierta en el resto de peregrinos determina que A Real Pain, aunque no se haya dicho hasta ahora, sea ante todo una comedia muy efectiva—, y expone a la película a unos interrogantes muy estimulantes. Benji es un reflejo distorsionado de lo que David cree que debe ser sentir de verdad, al punto de cuestionar la insensibilidad del guía turístico —demasiados “datos”, le recrimina varias veces— y hacer que sus compañeros se replanteen su relación con el dolor.

Aunque no lo hace, y esta es la grandeza de A Real Pain, como un ejemplo a seguir. Benji solo es un personaje, con sus particularidades y debilidades, que ha tejido una imagen garante de conflictos en David y los demás. Solo eso. Eisenberg no cree haber encontrado una respuesta para sus dudas en esta persona que lo siente todo a flor de piel y se define exclusivamente por su dolor lacerante: Benji es, ante todo, un interlocutor. A través de su relación con David, de un cuidado en la escritura que engrandece a Eisenberg —también como actor, pues aguanta estupendamente los embates de Culkin—, A Real Pain sigue anclada en la meditación individual con un humanismo plácido y sin fricciones, garante de premios y de la etiqueta feel good que solemos usar para este tipo de películas.

Este humanismo impide proponer que la fijación por el dolor de Benji pueda conducir a arrebatos violentos y vengativos —impide, vaya, hablar de Israel—, pero al menos, desde sus discretas ligas, depara un relato bonito y emocionante. Puede que Eisenberg siga sin poder mirar alrededor, pero al menos ahora se mira a sí mismo de la forma más sincera posible. 

“Llevo haciendo esto 45 años y es la primera vez que gano un premio. Lo he soñado durante mucho tiempo...”. El discurso de Demi Moore al recoger su primer Globo de Oro en más de cuatro décadas de carrera todavía retumba en los despachos de Hollywood. La actriz, que ha vivido un regreso pletórico gracias al fenómeno de La sustancia, aprovechaba su momento para colocar, de forma educada, los puntos sobre las íes. 

Se acordó en su discurso de uno de esos mandamases de Hollywood ―sin dar el nombre― que le dijo cuando comenzaba que se olvidara del prestigio, que ella no era ese tipo de actriz. “Hace treinta años, un productor me dijo que era una actriz de películas palomiteras. En aquel momento lo interpreté como que esto no era algo que tuviera derecho a ganar. Me dijeron que hacía películas que ganaban mucho dinero y eran populares, pero que jamás serían reconocidas. Me lo creí y lo interioricé”, añadió.

Aquello le hizo mella. Sintió que no tenía espacio más allá de esa parte tan concreta de la industria, la de los blockbusters y éxitos de consumo rápido. La parte que, además, expulsa a las actrices en cuanto envejecen y dejan de ser rentables para ellos. “Hace un par de años sentí que ya estaba todo dicho, que ya había logrado lo que se suponía que debía lograr. Y entonces, de repente, apareció en mi escritorio este guion absolutamente descabellado llamado La sustancia. Fue como si el universo me dijera: 'No, aún no has terminado. Todavía tienes algo que dar’”, confesó en sus declaraciones.

Si uno observa la carrera de Demi Moore le parece extraño que en todo este tiempo nunca haya sido reconocida por los premios. No lo fue por Algunos hombres buenos (1992), y cuando intentó aprovechar para acometer proyectos que parecían de prestigio, estos recibieron las críticas más crueles, como ocurrió con La letra escarlata (1995) y Coacción a un jurado (1996). Moore acumula siete nominaciones a los premios Razzie a la peor actriz en su carrera de los que se llevó tres. Había, por tanto, algo en su discurso que sonaba a ajuste de cuentas, pero también una reivindicación que encaja perfectamente con el papel que le ha dado este reconocimiento. 

La sustancia se ha convertido en muy poco tiempo en una de esas películas que pasan al imaginario popular. La prueba más palpable se vio el pasado Halloween, cuando muchísimas personas se disfrazaron tanto del personaje de Demi Moore, Elisabeth Sparkle, como del monstruo final, ElisaSue. Tanto que ha conseguido pasar la barrera del género hasta llegar a los premios. El filme dirigido por Coralie Fargeat es un body horror en toda regla. Un filme que se sumerge incluso en el gore sangriento, en el que chapotea gustosa en un clímax final que sabe a catarsis feminista.

Es precisamente eso lo que ha calado de la película, lo que subyace detrás y se hace explícito finalmente. Su mensaje contra la presión que ejerce el mundo en general, y Hollywood en particular, sobre las mujeres para ser eternamente jóvenes y bellas, ya que si no serán expulsadas del sistema. “Esta exploración me resultó liberadora”, afirmó Moore en la rueda de prensa del pasado Festival de Cannes, donde La sustancia se convirtió rápidamente en la película de la que todo el mundo hablaba y la presa más preciada por los distribuidores. 

Ella es un símbolo que ha sido valorada por su belleza y por su apariencia, que tuvo que pasar por muchas cosas. Muchas de ellas son las mismas por las que pasa el personaje. Era perfecta para el papel

Coralie Fargeat — Cineasta

“Fue una experiencia muy cruda que requirió una gran vulnerabilidad y la voluntad de exponerme emocional y físicamente, lo que definitivamente me sacó de mi zona de confort”, dijo de este papel. En aquel momento no quiso entrar, tampoco lo ha hecho después, a atacar frontalmente. Por ello rechazó haberse sentido “cancelada” por la industria. Subrayó, eso sí, que la película “trataba de la perspectiva masculina de la mujer idealizada que hemos aceptado”. “En la película, esta versión más nueva, más joven y mejor tiene una oportunidad y sigue repitiendo el mismo patrón, sigue buscando esta validación externa y al final se enfrenta a la lucha contra sí misma”, afirmó. 

También entró a esa polémica vacía que algunos hombres han puesto en la mesa, acusando al feminismo actual de estar en contra de los hombres. “No somos antihombres, somos antigilipollas”, zanjó.

El icono perfecto

Si a alguien tiene que agradecerle Demi Moore este comeback, como lo llaman en EEUU, es a la cineasta francesa Coralie Fargeat, que tuvo claro que Demi Moore era ideal para el personaje que había escrito. “El icono perfecto”, como lo define la directora, que con su segunda película ha logrado que el terror hasta se cuele en los premios. Fargeat explica que ella trabaja “con símbolos” debido a los pocos diálogos que hay en sus películas, siempre apoyadas en el aspecto visual. Por ello pensó en “el mejor símbolo para representar la historia que quería contar”.

Rápidamente, pensó que “nadie ha tenido que lidiar más con la mirada externa que una actriz”. Ahí decidió que una actriz de Hollywood sería a la vez el personaje y también su intérprete. “Son el símbolo más alto de la industria, es nuestro sueño colectivo inconsciente”, dice Fargeat, que añade sobre Demi Moore: “Ella es un símbolo que ha sido valorada por su belleza y por su apariencia, que tuvo que pasar por muchas cosas, también en su vida personal, y muchas de ellas son las mismas por las que pasa el personaje. Era perfecta para este papel”.

Probablemente hace décadas Demi Moore no hubiera aceptado este papel. A eso se refería en su discurso, a ese momento vital actual en el que pensaba que no podía ofrecer nada nuevo hasta que llegó el guion de Fargeat. La cineasta confirma esa teoría. “Creo que llegó en un momento de su vida en el que estaba lista para correr riesgos. Ya había tomado muchos en otras películas, pero creo que este guion resonó en ella y conectó con el tema”, opina.

Eso sí, sabía que esta no sería una película más. Hubo muchas reuniones. Muchas conversaciones para que Demi Moore entendiera que La sustancia iba a por todas, que no era una versión blandita y hollywoodiense: “Pasamos mucho tiempo discutiéndolo juntas, porque quería explicarle bien cómo de extrema iba a ser mi película. Lo difícil que iba a ser rodarla. Que había muchas prótesis, que había muchos desnudos… fue un rodaje largo en Francia, con un presupuesto limitado… quería que fuera consciente de ello para que estuviera segura de que quería asumir este riesgo. Después de estas largas discusiones supe que estaba lista. Es una película con una visión muy fuerte. O la haces o no, pero si la haces había que involucrarse, y eso fue lo que pasó. Estoy muy orgullosa del trabajo que hicimos juntas”.

Pocos pensaban que una película con monstruo final y litros de sangre falsa podría suponer la resurrección profesional de Demi Moore, pero la Academia ha abrazado en los últimos años cambios sustanciales en su masa de votantes que han provocado que una película como La sustancia pueda llegar hasta los Oscar, y que una actriz con siete nominaciones a los Razzie pueda ganar el suyo y darle a Hollywood en la cara con él.

Fue la noche de Emilia Pérez, pero por desgracia, no la de la actriz que interpreta al personaje que da nombre al filme de Jacques Audiard. El musical del cineasta francés fue la película que más premios se llevó en los Globos de Oro, empezando por el más importante, el de mejor comedia o musical, que en esta edición se dio el último porque era donde estaban las grandes favoritas de la noche (entre ellas la Palma de Oro, Anora, y el fenómeno de La sustancia).

Sin embargo, su protagonista, la española Karla Sofía Gascón, no pudo materializar el suyo como mejor actriz protagonista en una comedia o musical. Venció Demi Moore, pero no importó, porque cuando subieron todos a recoger el premio gordo de la noche, Jacques Audiard no dudó. Era ella, Karla Sofía Gascón, la fuerza de la naturaleza en torno a la que gira su película, la que debía dar el discurso final. “La luz siempre gana a la oscuridad. Nos puedes poner en jaulas, nos puedes apalear, pero no puedes cambiar nuestras almas, nuestras identidades. Soy quien soy, no quien queréis que sea”, dijo la actriz de Alcobendas, que ha recibido mensajes de odio y tránsfobos desde que ganara el premio a la mejor interpretación en Cannes.

Audiard ya había tenido oportunidad de dar su discurso, en el que habló de los tiempos oscuros, del cine como posibilidad de ofrecer luz en estos momentos tan inciertos. Por eso tuvo un gesto que le honra y que hizo que la ceremonia de los Globos de Oro tuviera un sello precioso. Emilia Pérez acabó la noche como la película más premiada con cuatro galardones: película de comedia o musical, película de habla no inglesa, canción original (El Mal) y actriz de reparto para Zoe Saldaña, el otro corazón de la película que venció a su gran rival, Ariana Grande, por Wicked. Saldaña, emocionadísima, también se acordó de Karla Sofía Gascón y usó el español para dirigirse a ella: “Nadie más que tú podía haber hecho Emilia Pérez. Eres única... ¡reina!”. Un premio muy importante para la actriz de origen dominicano de cara a sus opciones en los Oscar.

La otra gran vencedora de la noche fue, sin duda, The brutalist, la apabullante obra de Brady Corbet, de más de tres horas y media y rodado en VistaVisión sobre un arquitecto que escapa del nazismo y acaba sufriendo la ira del capitalismo salvaje en EEUU. Competía en la más despejada categoría de mejor película dramática y se llevó el premio al mejor filme, pero también el de Mejor dirección (impepinable) para Corbet y el de mejor actor en una película para dramática para Adrien Brody, que venció al otro favorito de la noche, Timothée Chalamet por convertirse en Bob Dylan en A complete Unknown.

Corbet aprovechó sus dos intervenciones para pedir respeto a los cineastas y que les dejen el corte final de las películas. “Me dijeron que esta película no se podía distribuir, que nadie la iría a ver… este premio es una oportunidad para todos los cineastas. Las películas no existirían sin vosotros. Nadie estaba pidiendo una película de tres horas y media sobre un arquitecto, pero funciona, pensemos en ello”, dijo en su segunda vez en el escenario. La primera la aprovechó para dedicárselo a la familia de Aubrey Plaza, la actriz de The White Lotus cuyo marido fallecía el mismo día de la gala a los 47 años. 

Hubo espacio para las sorpresas, que llegaron sobre todo en las categorías interpretativas. La más grande, en la de actriz dramática, donde las dos favoritas, Angelina Jolie y Nicole Kidman (también a Tilda Swinton por La habitación de al lado) vieron como la actriz brasileña Fernanda Torres lograba el premio por Aún estoy aquí, el emocionante filme de Walter Salles sobre una familia en la dictadura brasileña. La intérprete, sorprendida y emocionada, se acordó de su madre, Fernanda Montenegro, que hace 25 años estuvo en la ceremonia, nominada por otra película de Salles, Estación central de Brasil. Una cuadratura del círculo hermosa, perfecta y, sobre todo, de justicia con un papel luminoso. Torres sale disparada para luchar por la quinta plaza del Oscar a la Mejor actriz que ahora parece mucho más abierta que nunca.

También sorprendió (aunque no tanto) el de Mejor actriz de comedia o musical para Demi Moore por La sustancia, pero uno de los fenómenos culturales del año no podía quedarse sin premio. Se lo llevó a costa de la favorita Mikey Madison, que había arrasado en los premios de la crítica por Anora, y de Karla Sofía Gascón. 

“He estado haciendo esto durante mucho tiempo, más de 45 años, y esta es la primera vez que gano algo como actriz. Hace treinta años, un productor me dijo que era una actriz de palomitas. En ese momento pensé que esto era algo que no se me permitía tener. Que podía hacer películas que tuvieran éxito y ganaran mucho dinero, pero que no me podían reconocer. Me lo creí. Eso me afectó, hasta el punto en que hace unos años pensé que tal vez esto era todo. Tal vez no tenía nada más que ofrecer”, dijo Moore ares de agradecer el guion y la llamada de Coralie Fargeat en esta crítica a la presión sobre las mujeres para estar bellas y jóvenes.

Ni se esperaba el premio para Sebastian Stan, que optaba por partida doble como Mejor actor dramático y como Mejor actor en una comedia o musical. Finalmente se llevó el segundo por A different man, por la que ya ganó en el Festival de Berlín. Una comedia negra sobre un hombre con una malformación en la cara que decide operarse para descubrir que todo sigue igual. “Tenemos que acabar ya con nuestra ignorancia y nuestra incomodidad en torno a la discapacidad. Tenemos que normalizarlas y seguir exponiéndonos a nosotros y a nuestros hijos a ellas. Fomentar la aceptación. Una forma de hacerlo es seguir defendiendo historias que sean inclusivas”, dijo el actor que también se acordó de su otra película, The apprentice, donde da vida a Donald Trump de joven.

Donde no hubo campanada fue en Mejor actor de reparto. Kieran Culkin apunta al Oscar por A real pain. Ha arrasado en los premios de la crítica y se ha llevado el primer premio importante. Está haciendo lo que se llama la carrera perfecta en un papel que llega en su mejor momento y en el que repite los patrones de su personaje en Succession (y que muestra en cada entrevista y premio que gana).

Muchos daban por hecho que el de Mejor guion sería para Anora, pero aquí llegó otro de los giros que tenía preparada la Asociación de Prensa Extranjera, que prefirió la adaptación de Peter Straughan en Cónclave, el thriller papal que solo ganó este premio, pero que provocó que Anora se fuera como la gran derrotada de la noche. El premio a Cónclave llegó el mismo día que saltó la polémica debido a las declaraciones de Megyn Kelly, expresentadora de Fox News, acusándola de “profundamente anticatólica”. En la sala de prensa Straughan fue preguntado y respondió sin ambages: “No creo que la película sea anticatólica. Fui criado como católico. Yo era monaguillo. Creo que el mensaje central del Cónclave es que la iglesia siempre tiene que volver a encontrar su núcleo espiritual, porque tiene mucho que ver con el poder”.

Para cerrar con la sorpresas, el premio a la Mejor película de animación fue para el filme más independiente de todos, Flow, la película lituana sin diálogos sobre un gato en una inundación que conquistó a todos en Cannes y ha ido convirtiéndose en una película dispuesta a desafiar a Pixar y Dreamworks.

Tampoco pudo llevarse el Globo de Oro la otra opción española de la noche, Javier Bardem, que optaba al premio en las categorías televisivas como actor de reparto por Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menendez y que se tuvo que enfrentar al fenómeno Shogun, la serie de Disney+ que arrasó llevándose los cuatro premios a los que optaba: serie dramática, actor en serie de drama, actriz en serie de drama y actor de reparto. Los premios televisivos de la Asociación de la Prensa Extranjera casi calcaron los Emmy de hace unos cuantos meses, ya que en comedia repitió triunfo Hacks (que también logró el de Mejor actriz de comedia para Jane Smart); y como miniserie triunfó Mi reno de peluche, el fenómeno inesperado de Netflix que también logró el de actriz de reparto.

Poca sorpresa y poco riesgo en una gala que, eso sí, volvió a parecerse a sus mejores noches, aquellas en las que Ricky Gervais o Tina Fey y Amy Poehler mostraban el lado canalla que los Oscar nunca se atreven. Tras un par de ediciones donde la ceremonia hizo aguas sin encontrar ni el tono ni el presentador adecuado, la cómica Nikki Glaser invocó el espíritu de Gervais para ofrecer una ceremonia divertida y llena de mala leche. Ella fue allí a hacer bromas a costa de los invitados y lo hizo de una forma inmejorable.

Comenzó su monólogo describiéndo los Globos de Oro como “la gran noche de Ozempic”, haciendo referencia al medicamento que se ha popularizado entre las celebrities para adelgazar. Se rio de la poca audiencia que tiene Peacock, el servicio de streaming de NBC, y lanzó unas cuantas bromas hacia Weinstein y el Me Too. “Es la primera vez que estoy rodeada de productores en el Hotel Beverly Hills y tengo todas mi ropa puesta” o cuando dijo que la gala quedará para el recuerdo cuando dentro de cinco años la gente buscara la imagen del tipo “al que finalmente pillaron”. Hubo también dardos para Joker 2, y demostró que no hubo miedo a bromear sobre cualquier tema cuando describió a Adrien Brody como un “doble superviviente del Holocausto” haciendo referencia a su papel en El pianista y el que le llevó de nuevo a la gala, el de The brutalist. 

Glaser sorprendió y convenció en una ceremonia que muestra que Hollywood ya ha perdonado a la Asociación de Prensa Extranjera y que también confirma que el cine de calidad pasa por los festivales de cine y los premios cada vez les prestan más atención. Emilia Pérez fue la revelación de Cannes y The brutalist la de Venecia. Ambas eran proyectos que antes de su paso por aquellos certámenes parecían de nicho, y que gracias a la repercusión en sus primeras proyecciones consiguieron que la industria pusiera los ojos en ellas.

Los Globos de Oro 2025 llegan en plena noche de Reyes. En concreto, la ceremonia de la 82ª edición de los premios que concede la prensa extranjera de Hollywood tendrá lugar este domingo a partir de las 17.00 horas en Los Ángeles, es decir, a partir de las 2.00 de la madrugada del 5 al 6 de enero en España.

Entre los nominados a los Globos de Oro 2025, dos actores españoles: Karla Sofía Gascón, por 'Emilia Pérez', y Javier Bardem, por 'Monstruos'. Este es el listado completo de las candidaturas de la 82 edición de los premios :

Lista completa de nominados a los Globos de Oro 2025

Categorías de Cine

MEJOR PELÍCULA DE DRAMA:

'The Brutalist'.

'A Complete Unknown'.

'Conclave'.

'Dune. Part two'.

'Nickel Boys'.

'September 5'.

MEJOR MUSICAL O COMEDIA:

'Anora'.

'Challengers'.

'Emilia Pérez'.

'A real pain'.

'The substance'.

'Wicked'.

MEJOR DIRECCIÓN:

Jacques Audiard, por 'Emilia Pérez'.

Sean Baker, por 'Anora'.

Edward Berger, por 'Conclave'.

Brady Corbet, por 'The Brutalist'.

Coralie Fargeat, por 'The Substance'.

Payal Kapadia, por 'All We Imagine as Light'.

MEJOR ACTRIZ DE DRAMA:

Pamela Anderson, por 'The Last Showgirl'.

Angelina Jolie, por 'Maria'.

Nicole Kidman, por 'Babygirl'.

Tilda Swinton, por 'The Room Next Door'.

Fernanda Torres, por 'I’m Still Here'.

Kate Winslet, por 'Lee'.

MEJOR ACTOR DE DRAMA:

Adrien Brody, por 'The Brutalist'.

Timothée Chalamet, por 'A Complete Unknown'.

Daniel Craig, por 'Queer'.

Colman Domingo, por 'Sing Sing'.

Ralph Fiennes, por 'Conclave'.

Sebastian Stan, por 'The Apprentice'.

MEJOR ACTRIZ DE MUSICAL O COMEDIA:

Amy Adams, por 'Nightbitch'.

Cynthia Erivo, por 'Wicked'.

Karla Sofía Gascón, por 'Emilia Pérez'.

Mikey Madison, por 'Anora'.

Demi Moore, por 'The Substance'.

Zendaya, 'Challengers'.

MEJOR ACTOR DE MUSICAL O COMEDIA:

Jesse Eisenberg, por 'A Real Pain'.

Hugh Grant, por 'Heretic'.

Gabriel LaBelle, por 'Saturday Night'.

Jesse Plemons, por 'Kinds of Kindness'.

Glen Powell, por 'Hit Man'.

Sebastian Stan, por 'A Different Man'.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:

Selena Gomez, por 'Emilia Pérez'.

Ariana Grande, por 'Wicked'.

Felicity Jones, por 'The Brutalist'.

Margaret Qualley, por 'The Substance'.

Isabella Rossellini, por 'Conclave'.

MEJOR ACTOR DE REPARTO:

Yura Borisov, por 'Anora'.

Kieran Culkin, por 'A Real Pain'.

Edward Norton, por 'A Complete Unknown'.

Guy Pearce, por 'The Brutalist'.

Jeremy Strong, por 'The Apprentice'.

Denzel Washington, por 'Gladiator II'.

Zoe Saldaña, por 'Emilia Pérez'.

MEJOR GUIÓN:

'Emilia Pérez', de Jacques Audiard.

'Anora', de Sean Baker.

'The Brutalist', de Brady Corbet y Mona Fastvold.

'A Real Pain', de Jesse Eisenberg.

'The Substance', de Coralie Fargeat.

'Conclave', de Peter Straughan.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA:

'Flow'.

'Inside Out 2'.

'Memoir of a snail'.

'Moana 2'.

'Wallace & Gromit: Vengeance Most Flowl'.

'The Wild Robot'.

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA:

'All we imagine as ligth' (EEUU, Francia e India).

'Emilia Pérez' (Francia).

'The girl with the Needle' (Polonia, Suiza, Dinamarca).

'I’m Still Here' (Brasil).

'The Seed of the Sacred Fig' (EEUU y Alemania).

'Vermiglio' (Italia).

MEJOR BANDA SONORA ORIINAL:

Volker Bertelmann, por 'Conclave'.

Daniel Blumberg, por 'The brutalist'.

Kris Bowers, por 'The Wild Robot'.

Clément Ducol y Camille, por 'Emilia Pérez'.

Trent Reznor y Atticus Ross, por 'Challengers'.

Hans Zimmer, por 'Dune: Part Two'.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL:

'Beautiful That Way', de Miley Cyrus, Lykke Li, y Andrew Wyatt, de la película 'The Last Showgirl'.

'Compress/Repress' de Trent Reznor, Atticus Ross y Luca Guadagnino, de 'Challengers'.

'El Mal' de Clément Ducol, Camille y Jacques Audiard, de 'Emilia Pérez'.

'Forbidden Road', de Robbie Williams, Freddy Wexler & Sacha Skarbek, de 'Better Man'.

'Kiss the Sky', de Jordan K. Johnson, Stefan Johnson, Maren Morris, Michael Pollack y Ali Tamposi, de 'The Wild Robot'.

'Mi Camino', de Clément Ducol y Camille, de 'Emilia Pérez'.

MEJOR LOGRO EN TAQUILLA:

'Alien: Romulus'.

'Beetlejuice Beetlejuice'.

'Deadpool & Wolverine'.

'Gladiator 2'.

'Inside Out 2'.

'Twisters'.

'Wicked'.

'The Wild Robot'.

Nominados en categorías de Televisión

MEJOR SERIE DRAMÁTICA DE TELEVISIÓN:

'The Day of the Jackal'.

'The Diplomat'.

'Mr. and Mrs. Smith'.

'Shogun'.

'Slow Horses'.

'Squid Game'.

MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN, MUSICAL O COMEDIA:

'Abbott Elementary'.

'The Bear'.

'The Gentlemen'.

'Hacks'.

'Nobody Wants This'.

'Only Murders in the Building'.

MEJOR MINISERIE:

'Baby Reindeer'.

'Disclaimer'.

'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.

'The Penguin '.

'Ripley'.

'True Detective: Night Country'.

MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DRAMÁTICA:

Kathy Bates, 'Matlock'.

Emma D’Arcy, 'House of the Dragon'.

Maya Erskine, 'Mr. and Mrs. Smith'.

Keira Knightley, 'Black Doves'.

Keri Russell, 'The Diplomat'.

Anna Sawai, 'Shōgun'.

MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DRAMÁTICA

Donald Glover, por 'Mr. and Mrs. Smith'.

Jake Gyllenhaal, por 'Presumed Innocent'.

Gary Oldman, por 'Slow Horses'.

Eddie Redmayne, por The Day of the Jackal'.

Hiroyuki Sanada, por 'Shōgun'.

Billy Bob Thornton, por 'Landman'.

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN UNA SERIE DE COMEDIA O MUSICAL:

Kristen Bell, por 'Nobody Wants This'.

Quinta Brunson, por 'Abbott Elementary'.

Ayo Edebiri, por 'The Bear'.

Selena Gomez, por 'Only Murders in the Building'.

Kathryn Hahn, por 'Agatha All Along'.

Jean Smart, 'Hacks'.

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN UNA SERIE DE COMEDIA O MUSICAL:

Adam Brody, por 'Nobody Wants This'.

Ted Danson, por 'A Man on the Inside'.

Steve Martin, por 'Only Murders in the Building'.

Jason Segel, por 'Shrinking'.

Martin Short, por 'Only Murders in the Building'.

Jeremy Allen White, por 'The Bear'.

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN UNA MINISERIE:

Cate Blanchett, 'Disclaimer'.

Jodie Foster, 'True Detective: Night Country'.

Cristin Milioti, 'The Penguin'.

Sofía Vergara, 'Griselda'.

Naomi Watts, 'Feud: Capote vs. the Swans'.

Kate Winslet, 'The Regime'.

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN UNA MINISERIE:

Colin Farrell, 'The Penguin'.

Richard Gadd, 'Baby Reindeer'.

Kevin Kline, 'Disclaimer'.

Cooper Koch, 'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.

Ewan McGregor, 'A Gentleman in Moscow'.

Andrew Scott, 'Ripley'.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN UNA SERIE:

Liza Colón-Zayas, por 'The Bear'.

Hannah Einbinder, por 'Hacks'.

Dakota Fanning, por 'Ripley'.

Jessica Gunning, por 'Baby Reindeer'.

Allison Janney, por 'The Diplomat'.

Kali Reis, por 'True Detective: Night Country'.

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN UNA SERIE:

Tadanobu Asano, por 'Shōgun'.

Javier Bardem, por 'Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story'.

Harrison Ford, por 'Shrinking'.

Jack Lowden, por 'Slow Horses'.

Diego Luna, por 'La máquina'.

Ebon Moss-Bachrach, 'The Bear'.

MEJOR INTERPRETACIÓN DE UN MONÓLOGO:

Adam Sandler, por 'Love You'.

Ali Wong, por 'Single Lady'.

Jamie Foxx, por 'What Had Happened Was'.

Nikki Glaser, por 'Someday You'll Die'.

Ramy Youssef, por 'More Feelings'.

Seth Meyers. por 'Dad Man Walking'.

Era una de las favoritas, pero pocos pensaban que su presencia fuera a ser tan apabullante. Emilia Pérez ha sumado 10 nominaciones en los Globos de Oro, quedando solo por detrás de Nashville, que en 1976 logró 11 candidaturas, siendo las más nominadas de la historia (dos de ellas en dos categorías que ya no existen). Emilia Pérez sí que supera las 9 de otros filmes como Barbie o Cabaret. El musical dirigido por el francés Jacques Audiard ha arrasado a todos sus competidores. Entre sus diez nominaciones está, como no podía ser de otra forma, la de la actriz española Karla Sofía Gascón, que aprieta el acelerador hacia la nominación al Oscar con esta nominación a la Mejor actriz de comedia o musical.

Sus rivales serán Amy Adams, por Nightbitch, Cynthia Erivo, por Wicked, Mikey Madison, por Anora, Zendaya, por Rivales, y Demi Moore, por La sustancia, que se convirtió en la gran sorpresa de la mañana al lograr cinco nominaciones, entre ellas película de comedia o musical, actriz, actriz de reparto para Margaret Qualley, dirección y guion, ambas para Coralie Fargeat. Se venía rumiando desde hace tiempo con que la película se había convertido en un fenómeno de culto que tendría su sitio en los premios, y estos Globos acrecientan esa sensación. Pocas veces un filme tan de género y sangriento se cuela de esta forma y muchos gurús empiezan a rehacer hoy sus quinielas para hacer hueco a la película.

Tras unos primeros premios de la crítica que no fueron especialmente benévolos con el musical narco queer, los Premios del Cine Europeo y los Globos han vuelto a colocar a Emilia Pérez como una de las grandes favoritas, ya que está nominada a todo lo que podía y más. No solo en película de musical o comedia, sino también en otras donde su presencia no estaba tan clara como guion, banda sonora y hasta un doblete en actriz de reparto, donde la favorita, Zoe Saldaña, irá acompañada de Selena Gómez, sin duda la interpretación más débil del reparto y que aun así ha logrado colarse. 

Las rivales de Emilia Perez en comedia o musical son Anora, La sustancia, Rivales, Wicked y A real pain, otra de las sorpresas al lograr no solo la previsible nominación de Kieran Culkin, sino también la de guion y la de Jesse Eisenberg como actor protagonista en una comedia o musical.

Desde que los Globos de Oro se vieran sumergidos en la polémica por la falta de diversidad y acusaciónes de cohecho a sus votantes, han trabajado para ofrecer unas nominaciones más sorprendentes y variadas, y eso se ha notado en la categoría de Mejor dirección, donde a Jacques Audiard, por Emilia Pérez, y otros favoritos como Bradey Corbet, por The Brutalist; Edward Berger, por Cónclave; o Sean Baker, por Anora, se han unido dos realizadoras como Coralie Fargeat, por La sustancia y, sobre todo, la india Payal Kapadia por la hermosa La luz que imaginamos, que no fue la elegida por India para representarles a los Oscar por motivos políticos y que aquí consigue la nominación de Mejor dirección y Mejor película de habla no inglesa.

Si Emilia Pérez es la favorita en las categorías de comedia o musical -aunque Anora y sus cinco candidaturas llegan pisando fuerte-, en drama parece que el duelo estará entre Cónclave y la sensación del pasado festival de Venecia, The brutalist, que consigue 7 candidaturas siendo la segunda más mencionada. Película, dirección, guion, actor protagonista (Adrien Brody), actor de reparto (Guy Pierce), actriz de reparto (Felicity Jones) y banda sonora para este bofetón al sueño americano sobre un arquitecto superviviente del holocausto que sufrirá las fauces del capitalismo en EEUU.

En frente las seis de Cónclave, el thriller sobre una votación para elegir un nuevo Papa que consigue seis: Película, dirección (Edward Berger), guion, actor (Ralph Fiennes), actriz de reparto (Isabella Rosellini) y Banda sonora. Sus rivales serán Dune: parte 2; Nickel Boys, el biopic de Bob Dylan A complete unknown (que también cuela a Timothée Chalamet como Dylan y a Edward Norton como actor de reparto) y una de las campanadas, la de September 5, que solo consigue la nominación de Mejor película de drama frente a filmes a priori mucho mejor posicionados como Babygirl, Gladiator II o Blitz. Cuidado porque muchos medios como The Hollywood Reporter llevan meses haciendo campaña por este drama sobre los periodistas que cubrieron los atentados en los JJOO de Múnich.

No hubo suerte para La habitación de al lado, el filme de Pedro Almodóvar, que necesitaba un empujón en estas nominaciones a los Globos de Oro de cara a los Oscar. Solo ha logrado la nominación a Mejor actriz protagonista en un drama para Tilda Swinton, que se enfrentará a Pamela Anderson, por The last showgirl; Angelina Jolie, por Maria; Nicole Kidman, por Babygirl; Fernanda Torres, por I’m still here y Kate Winslet, por Lee. Almodóvar no entra en dirección ni guion, y tampoco la excelente banda sonora de Alberto Iglesias. También fue una jornada dura para Marianne Jean-Baptiste, la protagonista de Mi única familia, de Mike Leigh, que tras ganar los dos premios más prestigosos entre la crítica de EEUU, los que entregan los profesionales de Nueva York y Los Ángeles, no consigue la nominación en los Globos de Oro.

La prensa extranjera ha salido también en rescate de un filme como The apprentice, el biopic de Donald Trump que tras fracasar en taquilla ha logrado dos nominaciones para sus dos intérpretes, Jeremy Strong (actor de reparto) y Sebastian Stan como protagonista por interpretar al nuevamente presidente de EEUU. Este último ha hecho doblete, ya que también opta al mismo galardón en los apartados de comedia o musical por A different man. Un importante apoyo a Stan, que en una entrevista desveló recientemente que muchos de sus compañeros se han negado a aparecer en mesas redondas o entrevistas conjuntas, clásicas de las temporadas de premios, si estaba él para así evitar tener que hablar de Donald Trump.

Unas nominaciones que llegan justo el día que comienzan las votaciones en las categorías de los Oscar que tengan un corte previo, entre ellas la de Mejor película internacional y apartados técnicos, por lo que muchos se fijarán en lo ocurrido en los Globos de Oro para afinar sus elecciones.

En la pasada gala de los Globos de Oro, una actriz se coló en el habitual escaparte de estrellas habituales de Hollywood. Al lado de Emma Stone, Natalie Portman o Margot Robbie se encontraba Sandra Hüller. Una intérprete alemana a la que los cinéfilos tenían bien localizada gracias a Toni Erdmann (la comedia de Maren Ade), pero que hasta ahora era una absoluta desconocida para ellos por haberse centrado en un cine europeo y de autor.

De repente está en todas las conversaciones, revistas y quinielas para los premios a la mejor actriz. Lo ha conseguido gracias a dos de las mejores películas del año. La primera, Anatomía de una caída, ganó la Palma de Oro en Cannes y es un fenómeno del boca a boca. La segunda, La zona de interés, obtuvo el segundo premio de Cannes y es el retrato más preciso y diferente al Holocausto que se haya visto en el cine desde hace décadas. La primera, dirigida por Justine Triet, es una radiografía a la verdad y a la pareja bajo el cascarón de un thriller judicial. La segunda, realizada por Jonathan Glazer, presenta un artefacto para sugerir más que mostrar y donde se coloca el punto de vista en el perpetrador y no en la víctima. Con ambas está en todas las quinielas de los Oscar.

Su trabajo en Anatomía de una caída es de esos que podrían ponerse en las escuelas de interpretación. La importancia de cada gesto, de cada titubeo. Cada palabra dicha en uno u otro idioma. Un personaje ambiguo en una película que nunca juega a desvelar el misterio sobre si lo hizo o no lo hizo. Desde Berlín, poco antes de ganar el premio a la Mejor actriz europea del año, Huller contaba que nunca le preocupó saber si su personaje cometió el crimen del que se la acusa o no, porque ella intentaba “pensar no solo en el personaje, sino en un todo”. “Puede que sea deformación profesional, pero intento no quedarme en eso, me parece demasiado reduccionista. Lo que queríamos contar es otra cosa. Era hablar sobre la verdad y si es posible encontrarla”, decía ante un reducido grupo de periodistas.

Lo que tenía claro es que Anatomía de una caída es un filme eminentemente feminista. A su personaje se le juzga por ser bisexual, por no ser amable… por no ser la pareja perfecta. Vive en sus carnes la misoginia del sistema judicial. “Es una película auténticamente feminista, aunque no lo vaya subrayando”, explicaba y afirmaba que, para ella, “cada elección de un papel es una elección política”. “Es que siempre lo es. Incluso cuando dices que no quieres hacer algo político, que necesitas un descanso y hacer algo fácil, ahí hay una decisión política. Siempre ha sido así para mí. Necesitamos películas que se arriesguen y directoras que tengan una voz fuerte, que no tengan miedo a expresarse”, sostenía con contundencia.

Su otro papel es aún más peliagudo, el de Hedwig Höss, esposa del oficial de las SS Rudolf Höss. La zona de interés es la obra más dura del Holocausto sin mostrar una sola muerte, poniendo el foco en la vida de ensueño de los nazis que vivían justo al lado, en una casa con piscina mientras los hornos crematorios asesinaban a miles de judíos. Un papel duro en un largometraje que no solo es un recordatorio de lo que pasó, sino que nos señala a todos. De alguna forma el eco de aquello resuena siempre que se mira hacia otro lado, cuando la banalidad del mal sigue presente en el día a día en pleno siglo XXI.

Es importante que la gente vea lo fácil que es ir hacia ese lugar donde estaba la familia Hös. Simplemente hay que cerrar los ojos a lo que sucede a tu lado

Sandra Hüller — Actriz

Hüller confirmaba que “de eso trataba el guion y eso es lo que queríamos contar”. “Quería mostrar lo delgada que es la línea entre nosotros y ellos. Todos decimos que no sabemos o nos hacemos los ignorantes en nuestras vidas para poder vivir según nos conviene. Tendemos a mirar hacia otro lado. Cuando veo una película como Green Border pienso que deberíamos pensar en esto todos los días. Por eso en la película era importante mostrar todo lo que tenemos en común con estos personajes. Para que cuando veamos lo que se hizo establezcamos una conexión con nosotros mismos. Algunas personas con las que hablé para el personaje se sentían… no diría que culpables, pero eran conscientes de que se esforzaron para mirar hacia otro lado. Por eso es importante que hayan hecho esta película”, relataba.

La zona de interés todavía la incomoda. “Era muy consciente de que nunca habría un momento de tranquilidad en este rodaje, e incluso ahora, cuando pienso en las ceremonias de premios, me siento intranquila, porque es importante mostrar y contar lo que cuenta esta película. Hacer que la gente sienta el horror y vea lo fácil que es ir hacia ese lugar donde estaba la familia Höss. Simplemente hay que cerrar los ojos a lo que sucede a tu lado. Y es lo que está pasando en las fronteras europeas o en nuestros países”, explicaba del filme.

Para decir que sí fue clave cómo decidió Jonathan Glazer contar la historia, y cómo evitó realizar una “historia dramática sobre una pareja fascista”. “No usó el Holocausto como lienzo para contar algo emocional sobre una familia, que eso es algo que me repugna. Eligió otro camino. Mostró las vidas más aburridas, más básicas y más banales que puedas imaginar. Gente que solo quería un poco más. Solo querían tener un bonito jardín sin importarles lo que pasaba al lado”, zanjaba.

Ahora recoge los éxitos de dos de las películas del año, pero parece no prestarle excesiva atención. Solo se siente orgullosa de esos papeles. De dos películas para el recuerdo. ¿Y los Oscar? “No sé ni qué decir, está fuera de mi control. Me parece muy excitante, pero no sé cómo gestionar esto en mi cabeza, de verdad que es demasiado”.

La sociedad de la nieve se enfrentaba este fin de semana a dos retos importantes. Uno, su llegada a Netflix, donde la película de Juan Antonio Bayona desembarcaba tras su paso por las salas. Y dos, su primera cita en la carrera de premios que, presumiblemente -y nominaciones el 23 de enero mediante-, concluirá en los próximos Oscar en marzo. El primer reto lo superó con creces. El filme es el más visto en todo el mundo y promete tener unas cifras de visionados que compensen el desembolso en el ambicioso filme hablado en español. En el segundo no pudo llevarse el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, que ganó la francesa Anatomía de una caída que se confirma una vez más como uno de los títulos del año.

El filme de Justine Triet fue la sorpresa de la noche, ya que también se llevó el galardón al mejor guion por encima de varias de las favoritas de la noche. El libreto de Justine Triet y Arthur Harari, un thriller impecable que bajo la coraza de un thriller judicial radiografía una pareja, sale lanzado hacia los Oscar. Un éxito rotundo para el filme y para Cannes. El Festival afianza su posición como la cita imprescindible para el cine de autor y su influencia en la carrera de premios es ya indudable. Ganar la Palma de Oro es cada vez más importante, como demostró Parásitos y como recordó Triet en su discurso. No es de extrañar que en la mesa de Anatomía de una caída estuviera el director del certamen francés, Thierry Frémaux. 

La victoria de Anatomía de una caída no se podrá repetir en los Oscar, ya que Francia ha optado por elegir a A fuego lento, el drama culinario con Juliette Binoche en vez del filme de Triet. Una decisión polémica que cada día que pasa se confirma como más errónea. Bayona lo tenía en esta ocasión más complicado que nunca, ya que en los Globos de Oro, al contrario que en los Oscar, puede optar cualquier filme que no esté hablado en inglés, por lo que este año había un popurrí de títulos que no podrán estar nominados en los premios de la Academia y que por tanto no serán rivales de la representante española. 

Era el caso de Anatomía de una caída, pero también de Vidas pasadas. Ambas optaban también al premio a la Mejor película dramática del año, y allí no tuvieron nada que hacer ante la mitad del fenómeno del año. El Barbenheimer explosionó también en Los Ángeles, pero solo a medias. Oppenheimer arrasó con todo y terminó la noche con cinco premios. Fue elegido como Mejor filme dramático, mejor dirección, mejor banda sonora, y también dos premios interpretativos. Tanto Cillian Murphy como Robert Downey Jr vencieron como Mejor actor protagonista en una película dramática y Mejor actor de reparto. “Gracias a los Globos de Oro por haber cambiado”, dijo Downey Jr. en su discurso, dejando claro algo que no hacía falta hacer explícito al ver que todas las estrellas habían acudido a la llamada. Atrás quedan los años de castigo y polémica por la falta de diversidad y prácticas irregulares.

La otra parte del fenómeno del año, Barbie, se tuvo que conformar con los premios a la Mejor canción para el What I was made for? De Billie Eilish y la categoría recién sacada de la manga de ‘Éxito comercial’. Un premio que no podía ser para nadie más. La película de Greta Gerwig logró que millones de personas se vistieran de rosa y llenaran las salas en verano, tal como recordó Margot Robbie, su productora y actriz protagonista. Lo hicieron en un momento crítico para la industria, con la huelga paralizando todo e impidiendo que las estrellas promocionaran las películas. “Gracias por crear un premio que conmemora a los fans”, dijo Robbie que vio como Pobres Criaturas le quitaba casi todos los galardones a su filme. El frankenstein feminista de Yorgos Lanthimos empieza a parecer la única alternativa a Oppenheimer para los Oscar al vencer como Mejor comedia y Mejor actriz. 

Ante el arrase de Oppenheimer fueron muchas las que quedaron como las grandes derrotadas de la noche. La zona de interés, Vidas pasadas y Maestro se fueron de vacío, y Los asesinos de la luna se tuvo que conformar con el premio a la Mejor actriz dramática para Lily Gladstone, que recogió su premio hablando en la lengua de su comunidad nativa, reivindicando su idioma y su cultura. Merecidísimo premio para Gladstone pero poco botín para la increíble e importante obra que ha creado Martin Scorsese sobre el genocidio de la comunidad Osage. “Gracias Martin porque estáis ayudando a cambiar las cosas”, dijo la actriz en el mejor discurso de la noche y uno de los pocos momentos de emoción en una gala larga y aburrida.

En los apartados interpretativos se reconoció la excelente labor de Alexander Payne como director de actores en Los que se quedan. Dos de sus intérpretes se llevaron el Globo de Oro. Paul Giamatti el de Mejor actor de comedia o musical por su cascarrabias profesor. El actor, que ya trabajó con Payne en Entre copas, le dedicó el premio a los maestros y dio las gracias al director por seguir teniendo fe en él. Por su parte, Da’Vine Joy Randolph se hizo con el de Mejor actriz de reparto y puede ir dando brillo a su próximo Oscar. No ha dejado escapar ni un premio en esta temporada y es la rival a batir. Como mejor película de animación se premió a un maestro, Hayao Miyazaki, que con El chico y la garza venció a la favorita Spider-Man:cruzando el multiverso.

Todo en una gala que demostró que los Globos de Oro ya han pagado su culpa por los pecados del pasado y vuelven a ser la fiesta a la que todos van. No faltó nadie. Ni Spielberg ni Oprah Winfrey, que dio el último premio de la noche. Fueron, eso sí, para sufrir una gala que nadie quiso presentar y que 10 días antes acabó cayendo sobre los hombros del humorista Jo Koy, que estuvo incómodo, tiró alguna pulla, pero nunca funcionó. Las caras de los nominados eran un poema y en varias ocasiones justificó la falta de tiempo. “Recibí el encargo hace diez días, ¿qué esperabais, una gala perfecta?”, dijo cuando alguno de sus gags no funcionó.

Lejos queda la mala baba de Ricky Gervais, las menciones políticas o a asuntos de actualidad (solo Jim Gaffgan se atrevió a mencionar de pasada a Epstein) y los momentos brillantes. Solo Kristen Wiig y Will Ferrell levantaron el nivel al presentar el premio al mejor actor de comedia o musical. Presentar los Globos de Oro seguirá siendo el año que viene un marrón que alguien tendrá que sufrir, aunque quizás, viendo que nadie se acuerda de las polémicas, tenga más pretendientes.

La sociedad de la nieve continúa su paso firme hacia el Oscar y la primera y más importante parada se ha saldado con victoria. Los Globos de Oro la han nominado como Mejor película de habla no inglesa, aunque no haya conseguido la segunda nominación en la categoría de Mejor banda sonora, donde muchos también la ponían como favorita. Juan Antonio Bayona logra una candidatura que lleva meses peleando en Los Ángeles y consigue que España vuelva a la senda de los premios internacionales (la anterior nominación fue para Dolor y Gloria hace cuatro años). Sus rivales serán Anatomía de una caída, Fallen Leaves, Io, capitano, Past lives y La zona de interés.

No hubo suerte para el resto del cine español. Aunque había otras dos nombres con opciones y en las quinielas, finalmente no materializaron la nominación. Robot Dreams no pudo colarse en la categoría de Mejor película de animación, donde los Globos de Oro primaron filmes de grandes estudios y completaron con la animación nipona. El chico y la garza, de Hayao Miyazaki se posiciona como la absoluta favorita en una lista que completan Suzume, Wish, Elemental, Super Mario Bros y Spider-Man: cruzando el multiverso.

Penélope Cruz tampoco consiguió entrar como Mejor actriz de reparto por su excelente trabajo en Ferrari. Emily Blunt, por Oppenheimer; Danielle Brooks, por la versión musical de El color púrpura; Jodie Foster, por Nyhad; Julianne Moore, por May/December; Rosamund Pyke, por su divertidísimo papel en Saltburn y Da'Vine Joy Randolph, la gran favorita por Los que se quedan, fueron quienes sí consiguieron ser elegidas por la Asociación de la prensa extranjera que elige los galardones.

La división entre categorías dramáticas y de comedia o musical hará que haya dos duelos la noche del 7 de enero, cuando se celebre la gala de unos remozados Globos de Oro que intentarán dejar atrás su problemático (y poco diverso) pasado. En comedia la más nominada no podía ser otra que Barbie, que suma 9. En otros años se hubiera quedado con 8, pero la recién estrenada categoría que premia uno de los éxitos comerciales del año (que haya recaudado más de 150 millones de dólares a nivel mundial), le ha regalado una extra. Barbie entra en todo: Película de comedia, dirección, guion, actriz protagonista (Margot Robbie), Actor de reparto (Ryan Gosling), éxito comercial y tres nominaciones en canción original, donde se nota el poderío de los temazos de su banda sonora: Dance the night, de Dua Lipa; What was i made of, the Billie Eilish y el I'm just Ken de Ryan Gosling se enfrentarán entre sí.

Su gran rival en las categorías de comedia será Pobres criaturas, la nueva película de Yorgos Lanthimos que tras llevarse el León de Oro en Venecia entra con fuerza en los Globos de Oro logrando siete candidaturas: Película de comedia, dirección, guion, banda sonora, Mejor actriz de comedia para Emma Stone y un doblete en actor de reparto: Willem Dafoe y Mark Ruffalo. Ambas comedias se enfrentarán a Air, American Fiction, May December y Los que se quedan, la nueva película de Alexander Payne que no logra entrar en mejor dirección ni guion, lo que la deja en un segundo plano, pero con opciones claras de ganar el premio al mejor actor de comedia y actriz de reparto, donde Paul Giamatti y Da'Vine Joy Randolph son los grandes favoritos. El primero peleará contra Nicolas Cage, por Dream Scenario; Timopthée Chalamet, por Wonka; Matt Damon, por Air; Joaquin Phoenix, por Beau tiene miedo y Jeffrey Wright, por American Fiction.

En las categorías dramáticas el duelo esperado por todos se cumple. Christopher Nolan y Martin Scorsese se verán las caras en Mejor película dramática. Oppenheimer le saca una nominación de ventaja a Los asesinos de la luna, ya que el filme de Nolan entra en la ridícula categoría del éxito comercial, algo que no logra el título de Scorsese. Oppenheimer consigue las menciones en Película, dirección, guion, actor protagonista (Cillian Murphy), Actor de reparto (Robert Downey Jr.), Actriz de reparto (Emily Blunt), Banda sonora y éxito. Casi las mismas que Los asesinos de la luna, que consigue las de Película, dirección, guion, banda sonora, actor protagonista (Leonardo DiCaprio), actriz protagonista (Lily Gladstone) y actor de reparto (Robert De Niro).

La categoría de película dramática es donde se ha apreciado la mayor apertura de los Globos de Oro a reconocer películas internacionales. Es de agradecer la presencia de Anatomía de una caída, reciente ganadora de los premios del cine europeo y de la Palma de Oro en Cannes. El thriller judicial de Justine Triet es una de las películas del año y los Globos de Oro se lo han reconocido a lo grande, con las candidaturas a Mejor película, guion, actriz (Sandra Hüller) y Película de habla no inglesa. Ha ocurrido lo mismo con La zona de interés, el sobrecogedor drama sobre el holocausto de Jonathan Glazer que consigue la nominación en Película dramática, película de habla no inglesa y banda sonora para el trabajo de Mica Levi.

Sin embargo ninguna de ellas consigue entrar en los finalistas a la Mejor dirección, donde sí se ha colado Bradley Cooper, por Maestro, la gran baza de Netflix en esta carrera de premios. El biopic de Leonard Bernstein logra las nominaciones de Película, dirección y el reconocimiento para sus dos protagonistas, el propio Bradley Cooper y Carey Mulligan. Uno de los fenómenos del año, Past Lives, se confirma como la cuota indie del año en los premios y entra en todos los importantes. El drama romántico de Celine Song (y su increíble debut en el largo) logra cinco candidaturas: Mejor película, dirección, guion, película de habla no inglesa y actriz dramática para Greta Lee.

Aunque los Globos de Oro hayan perdido parte de su influencia en Hollywood, siempre son una buena vara de medir las sensaciones dentro de la industria, y hoy hay varias películas que vuelven a casa como derrotadas y con la obligación de darle la vuelta a la carrera. Ferrari, de Michael Mann, se va de vacío. El color púrpura no logra estar nominada como Mejor comedia o musical, cuando los Globos de Oro han nominado en su historia a casi cualquier musical que se ha estrenado. Tampoco le ha ido mucho mejor a Saltburn, que solo rasca dos nominaciones de interpretación; ni a Origin, el filme de Ava DuVernay que la prensa de EEUU sigue manteniendo en sus predicciones a pesar de la mala acogida en Venecia.

Los Globos de Oro han estado un año en el rincón de pensar. Hollywood les castigó por su falta de diversidad, por las acusaciones de soborno y hasta de acoso. La cadena que los emitía, la NBC, canceló su emisión y actores como Tom Cruise devolvieron sus premios. En 2022 no hubo ceremonia. No hubo la mil veces llamada ‘antesala de los Oscar’. Los premios se dieron en Twitter desde la cuenta oficial, pero ningún actor que lo ganó el año pasado puso ni un tuit de agradecimiento. Ganar hace un año en Globo de Oro era motivo de vergüenza, pero Hollywood demostró que lo que mejor se le da es ser hipócrita. 

Un año después todo volvió a la normalidad. Dio igual que solo hayan entrado seis miembros negros en la Asociación de Prensa Extranjera, o que en sus nominaciones se olvidaran de las dos películas que abordan de forma frontal el Me Too o la cultura de la violación (Al descubierto y Women Talking). No importó que volvieran a olvidarse de las mujeres (ni rastro de Sarah Polley). Hollywood aceptó las disculpas de los Globos de Oro y todo volvió a ser como antes. Eso sí, no se atrevieron a premiar a Brendan Fraser, el actor que acusó al expresidente de la asociación de acoso y que se negó a ir a la gala. Su increíble interpretación en La ballena era una de las favoritas, pero para evitar el ridículo prefirieron dárselo a Austin Butler, la estrella de Elvis.

Los Globos de Oro de esta edición mostraron que no podían seguir como hasta ahora y entre sus galardonados se vio, por primera vez, una diversidad que todavía no se había sentido. Se notó pronto, cuando los dos primeros premios que se dieron, actor y actriz de reparto, fueron para Ke Huy Quan, por Todo a la vez en todas partes y Angela Basset, por Black Panther: Wakanda Forever. Ambos son los favoritos para el Oscar, y la Asociación de la Prensa Extranjera lo tenía fácil, seguir la tendencia de los galardones entregados hasta ahora y a la vez mostrar al mundo que no son los mismos que premiaban a actores blancos y americanos.

Eso sí, a la hora de elegir a la Mejor película de comedia prefirieron premiar Almas en pena de Inisherin que a Todo a la vez en todas partes, uno de los fenómenos del año que se conformó con dos premios de interpretación. Por su parte, el filme de Martin McDonagh se llevó el de Mejor película, mejor guion y Mejor actor de comedia para Colin Farrell. El cómico Jerrod Carmichael fue el que tuvo la complicada papeleta de presentar esta edición. Cumplió con unas cuantas bromas acertadas, aunque su primer monólogo fue errático y se basó en justificar por qué había decidido presentar la ceremonia subrayando que es el primer presentador negro de la historia de los Globos de Oro, a los que acusó de no haber hecho casi nada hasta ahora. 

“Estoy aquí por negro, esta asociación no tenía ni un miembro negro hasta que murió George Floyd. De pronto te invitan a ser la cara negra de una organización blanca, el primero en 79 ediciones”, comenzó diciendo. “Sea cual sea el pasado de los Globos de Oro, estamos aquí para celebrar una industria que merece tardes como esta”, dijo y zanjó en una frase la polémica. Para el recuerdo algún chiste como cuando sacó tres Globos de Oro y dijo que eran los que había devuelto Tom Cruise el año anterior para luego atacarle por su pertenencia a la cienciología.

Ke Huy Quan protagonizó pronto uno de los momentos más emocionantes de la noche al recoger su premio por Todo a la vez en todas partes. El mítico Tapón de Indiana Jones y el templo maldito comentó que llevaba 30 años sin hacer nada hasta que los Daniels le llamaron para uno de los fenómenos del año. “Mis padres me enseñaron a ser agradecido y aquí está la persona que me dio la primera oportunidad. Gracias Steven Spielberg”, dijo el actor asiático, que levantaba el primer Globo de Oro para el filme. Después haría lo mismo su compañera Michelle Yeoh, que ganó el de Mejor actriz de comedia y reivindicó a las actrices que cumplen años y mandó callar a la música que le indicaba que apretara el ritmo con su discurso.

Spielberg no solo fue nombrado por el actor de Indiana Jones, sino que fue el otro gran ganador de la noche. Su película autobiográfica, Los Fabelman, logró el premio al Mejor drama y al mejor director. Spielberg se mostró emocionado y reconoció que hasta ahora no había tenido el coraje de contar su historia, aunque la había diseminado en todos sus filmes. Fue la pandemia, el miedo a no poder contar más historias lo que hizo que se decidiera por hacer este filme que le pone de nuevo en la estela de los Oscar. Los Globos resultaron ser un oximoron, unos premios que fueron diversos en las categorías interpretativas, pero que al final premiaron las películas de dos directores blancos y angloparlantes.

La gran favorita en la categoría de Mejor actriz dramática no falló. Lo de Cate Blanchett en Tar es tan apabullante que no podía perder. Una interpretación tan compleja y llena de matices es imposible de ignorar y el Globo fue para ella. Blanchett no acudió a la gala. Quien sí apareció, como en todas las ceremonias de EEUU del último año, fue Zelenski, esta vez presentado por Sean Penn. El presidente ucraniano que realizó un speech en el que mostró optimismo ante el curso de la guerra y aseguró que Ucrania impedirá una tercera Guerra Mundial.

Una de las sorpresas más agradables de la noche fue la victoria de Argentina, 1985 en la categoría de mejor película de habla no inglesa. La favorita era RRR, el fenómeno indio que no puede optar al Oscar y que tiene una legión ingente de fans. Por suerte, los Globos de Oro pusieron algo de lógica y le dieron el premio a la excelente película de Santiago Mitre sobre los juicios a la dictadura argentina. Un filme que emociona y que en España, donde el franquismo nunca fue juzgado, da hasta envidia. Santiago Mitre recordó que hay que seguir luchando y defendiendo las democracias mientras que Ricardo Darín se acordó del mundial ganado por Argentina. RRR no se fue de vacío, su Naatu Naatu ganó el Globo a la Mejor canción original. Guillermo del Toro, por su parte, ganó el premio a la Mejor película de animación por su versión en stop motion de Pinocho.

El premio honorífico fue para Eddie Murphy, que recogió el Cecil B DeMille para dejar casi como colofón final el mejor chiste de la noche al recordar los consejos que le dieron para triunfar en Hollywood: “Pagar tus impuestos, tener la cabeza bien puesta y sacar el nombre de la esposa de Will Smith de tu jodida boca”, dijo citando la frase exacta que Smith dijo hace un año tras darle un bofetón a Chris Rock.

El único premio para la excesiva y fantástica Babylon fue para su espectacular banda sonora, creada por Justin Hurwitz, el mismo que creó una composición inolvidable en La La Land que aquí vuelve a sorprender y que ya lleva cuatro Globos de Oro. Su discurso fue, sin duda, uno de los mejores de la noche reivindicando la escuela pública y la enseñanza de las artes y la música en ellas. Poco premio para una de las obras más arriesgadas de Hollywood este año como poco premio tuvo TAR, que se tuvo que conformar con el de Blanchett a pesar de ser la mejor de todas las nominadas. Pero así son los Globos de Oro, unos premios que este año debían demostrar que habían cambiado y que quieren sobrevivir en una industria donde los premios cada vez importan menos, pero que a la hora de dar los premios importantes volvieron a sus andadas.

Los Globos de Oro 2023, con los que la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) espera recuperar su prestigio, han anunciado este lunes sus nominaciones. The Banshees of Inisherin, dirigida por Martin McDonagh (Tres anuncios en las afueras), parte como favorita al optar a ocho galardones. Le siguen Everything, Everywhere all at once con seis; Babylon y The Fabelmans con cinco.

Aun así, uno de los datos más llamativos de la lista es la sangrante ausencia de mujeres. Los candidatos a Mejor Director son seis hombres (James Cameron, Daniel Kwan, Daniel Scheinert, Baz Luhrmann, Steven Spielberg y el propio McDonagh); mientras que en el apartado de guion figura una única guionista, Sarah Polley, por el libreto de Women Talking.

Ana de Armas, por su parte, logra su segunda nominación por su interpretación de Marilyn Monroe en Blonde, con la que podría alzarse como la Mejor actriz de drama. Sus rivales en la terna son Cate Blanchett por Tàr, Olivia Colman por Empire of Light, Viola Davis por The Woman King y Michelle Williams por The Fabelmans.

Tampoco habrá presencia española en la gala que se celebrará el próximo 10 de enero en el hotel Beverly Hilton, presentada por el cómico Jerrod Carmichael. Alcarràs se queda fuera de la puja por ser la Mejor película de habla no inglesa, en la que sí lucharán Sin novedad en el frente, Argentina, 1985, Close, Decision to leave y RRR.

La ceremonia será retransmitida por la cadena NBC y Peacock. En ella se dará a conocer a las sucesoras de West Side Story y El poder del perro, películas triunfadoras de la deslucida última edición. En el apartado televisivo la favorita es Abbott Elemantary; aunque la categoría que más atención centra por el momento es la de Mejor miniserie, en la que compiten Pam & Tommy, The White Lotus y Dahmer.

Los premios vieron mermados su imagen hace año y medio, después que una investigación de Los Angeles Times destapara diversos escándalos de corrupción en el seno de la institución. El estudio reveló que muchos de sus miembros ni si quiera trabajaban en medios de comunicación y puso en duda la legitimidad de sus votaciones por los regalos recibidos por parte de los estudios. La industria respondió con rechazo, provocando que la ceremonia de 2021 pasara prácticamente desapercibida a nivel mediático.

Lista completa de nominados

Mejor película en lengua no inglesa

Mejor película dramática

Mejor película de comedia o musical

Mejor dirección

Mejor película de animación

Mejor guion

Mejor actor de drama

Mejor actriz de drama

Mejor actor de comedia o musical

Mejor actriz de comedia o musical

Mejor actor de reparto

Mejor actriz de reparto

Mejor banda sonora original

Mejor canción

Sin alfombra roja ni retransmisión televisiva ni streaming ni cena y casi al borde de la extinción, los premios Globos de Oro al cine y a las series han sido tuiteados. Entregados por la Asociación de la Prensa Extranjera (HFPA), las acusaciones de corrupción y discriminación desveladas por Los Angeles Times provocaron que la cadena de televisión NBC decidiera no retransmitir la ceremonia, por primera vez desde 1996. La industria respaldó esta actitud boicoteando la celebración de una hipotética gala retransmitida online por la web de los premios, rechazando las invitaciones. Finalmente, la HFPA decidió anunciar los galardones en un evento privado, sin prensa —más que sus propios asociados— ni invitados glamorosos.

Ninguno de los españoles nominados se han llevado premio: ni Bardem ni Almodóvar ni Alberto Iglesias. El wéstern El poder del perro de la directora Jane Campion, protagonizado por Benedict Cumberbacht, que en Venecia pescó una gran ovación y el León de Plata a la mejor dirección, se ha llevado el reconocimiento a la Mejor Película, a la Mejor Dirección y al Mejor Actor de Reparto para Kodi Smit-McPhee.

La otra película triunfadora ha sido el remake de Steven Spielberg de West Side Story, una actualización, sin más, del musical romántico de 1961 que se ha estrellado en taquilla. En los Globos de Oro ha conquistado los premios al Mejor Musical o Comedia, Mejor Actriz en este mismo género para Rachel Zegler y Mejor Actriz de Reparto para Ariana DeBose. En un mensaje publicado en su cuenta de Twitter, DeBose ha dicho que “todavía hay trabajo por hacer, pero cuando has trabajado tan duro en un proyecto, impregnado de sangre, sudor, lágrimas y amor, que el trabajo sea visto y reconocido siempre será especial”. Por su parte, Rachel Zegler ha señalada que “la vida es extraña” porque le dieron el papel ganador el mismo día, tres años atrás, que fue seleccionada para el elenco de la película.

La Mejor Película en habla no inglesa ha sido la japonesa Drive my car de Ryûsuke Hamaguchi, basada en un relato de Haruki Murakami, que ganó el Mejor Guion en el Festival de Cannes en 2021. Y la Mejor Película de Animación, la ineludible Encanto, de Disney.

El actor y director Kenneth Branagh se ha llevado el premio al Mejor Guion por Belfast, una película británica también dirigida por él y con banda sonora de Van Morrison sobre un joven en los años 60 en Irlanda del Norte.

Nicole Kidman ha sido la Mejor Actriz por su interpretación de Lucille Ball en Being the Ricardos, título por el que también había sido nominado Javier Bardem. Pero el mejor actor ha sido, en cambio, Will Smith por su papel en King Richard como el padre y entrenador de las hermanas tenistas Venus y Serena Williams. En la diferenciada categoría de comedia o musical, el actor que interpretó a Spider-man, Andrew Garfield, ha conquistado el galardón por su interpretación del creador del musical Rent en tick…tick…BOOM!

El premio a la mejor banda sonora, al que aspiraba el español Alberto Iglesias, se lo ha llevado Hans Zimmer por la banda sonora de Dune. Mientras que la canción ha sido No Time to Die the Billie Eilish para la película homónima de James Bond.

Los Globos de las series

En cuando a los premios dedicados a las series de televisión, el título de HBO Succession ha sido el ganador. Michaela Jaé (Mj) Rodriguez, ha sido la Mejor Actriz por su papel en Pose, convirtiéndose así en la primera mujer trans en ganar un Globo de Oro. The Underground Railroad, la mejor película para televisión. Hacks, el Mejor Musical o Comedia.

Jean Smart, la Mejor Actriz en Musical o Comedia. Kate Winslet y Michael Keaton, los mejores actores, respectivamente, en una película para para televisión. Succession ha seguido repartiendo premios, con Sarah Snook como Mejor Actriz de Reparto y Jeremy Strong como Mejor Actor. Jason Sudeikis, Mejor Actor en una serie musical o comedia. El surcoreano O Yeong-su (El juego del calamar), como Mejor Actor de Reparto. Puedes consultar el detalle sobre los premios televisivos en Vertele.

Falta de diversidad

Para contrarrestar la acusación de falta de inclusividad racial, la HFPA contrató en noviembre al actor Neil Phillips para un nuevo puesto denominado director de Diversidad. El único vídeo que se ha publicado de la noche es la intervención de Kyle Bowser, vicepresidente de la oficina de Hollywood de la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color (NAACP) en el que anuncia, acompañado de Phillips, un plan a cinco años para incrementar la representación de la diversidad en la industria del espectáculo y crear oportunidades de empleo para las minorías. Las organización de los Globos de Oro está intentando corregir sus errores para recuperar, el año que viene, el prestigio que ha perdido en 2021.

David tiene siete años y una dolencia en el corazón que le obliga a vivir en entornos tranquilos y evitar sobresaltos. Su familia se ha mudado a un terreno alejado de casi todo, en Arkansas. Su padre, Jacob, está convencido de que harán fortuna si se esfuerzan en cultivar un huerto con verduras típicas coreanas, que podrían vender en restaurantes y tiendas especializadas. Su madre, Mónica, no ve con buenos ojos estar tan lejos de cualquier hospital y cree que el proyecto vital y económico en el que les ha embarcado su marido hace aguas por todas partes.  

Como el protagonista de su filme, el realizador Lee Isaac Chung tenía siete años cuando se mudó a Arkansas con toda su familia de ascendencia surcoreana. En aquella tierra extraña, su padre cultivaba un huerto y su madre doblaba turnos en una granja en la que sexaba pollos. Minari es un compendio de los recuerdos de su infancia, retazos de su pasado en busca de una identidad y un lugar en el que echar raíces. 

Mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro y los Critics Choice Awards, 6 nominaciones en los BAFTA y los Independent Spirit y gran triunfadora del último Festival de Sundance, Minari llega ahora a nuestros cines tras una temporada de premios espectacular, que la sitúa como una de las favoritas en los Oscar de este año.

Echar raíces donde no crece nada

La familia coreano-americana de Minari termina en Arkansas por iniciativa —o mejor dicho, orden silenciosa— del pater familias: Jacob tiene una idea muy clara de cómo debería ser su futuro y arrastra a toda su familia con él. Su idea de negocio, esa narrativa del emprendedor que cree que les otorgará la vida que merecen, parece ser lo más importante. 

Pero mientras Jacob —al que da vida un estupendo Steven Yeun, con la misma autoridad no buscada que su personaje en Burning, de Lee Chang-Dong— batalla contra las inclemencias del campo, desatiende a una familia que necesita echar raíces más urgentemente que sus hortalizas. No es que se sientan excluidos, es que no se reconocen como parte inseparable de una comunidad. Desclasados y desplazados, todos los integrantes de la familia de Minari se buscan a sí mismos. 

El realizador Lee Isaac Chung reescribe la narrativa clásica del sueño americano con sentido crítico y una suerte de visión asiática del asunto. Construye un discurso hábil sobre la figura del padre empecinado en trabajar y triunfar, en ganarse el respeto de los demás, al tiempo que lo contrapone a la figura de la madre —Yeri Han— y especialmente a la abuela materna. 

En este rol brilla especialmente Yuh-jung Youn que, desprovista de todo artificio, convierte su personaje en el alivio cómico, para en última instancia hacer valer la sonrisa y la calidez humanas como verdadero latido emocional de la cinta. Una anciana que encarna una generación de mujeres que no quiso ajustarse al rol de madre y esposa obediente encadenada al hogar. 

Entre esos dos mundos crece David, al que da vida Alan Kim, que hace nada ganaba el premio a Mejor Intérprete Joven en los Critics Choice Awards, y se deshacía en lágrimas en su tierno discurso de agradecimiento. El niño vive entre el cosmos de un hombre joven que quiere convertirse en un norteamericano exitoso, y el de una mujer mayor arraigada a las costumbres surcoreanas que no entiende la tradición como un peso que dificulta el avanzar, sino como un lugar al que acudir para conocerse mejor a uno mismo. Dos generaciones cuyas contradicciones hicieron crecer al realizador, y aparecen desnudas ante el espectador. 

La belleza del crecer 

El minari que da nombre a la cinta es una hierba muy utilizada en los platos de cocina coreana tradicional. Es una planta parecida al perejil —de hecho también se la conoce como 'perejil japonés'—, que los personajes no consiguen hacer crecer en la dura tierra de Arkansas. Pero que sea difícil no significa que sea imposible: la planta crecerá en el ambiente que le sea propicio. 

Esta hierba, como otros muchos elementos de la trama en apariencia baladíes, se convierte en un objeto de deseo para una familia que no consigue encontrar su lugar en la mal llamada tierra de las oportunidades. A través de pequeños detalles cotidianos como este, relacionados a menudo con los cuidados y el trabajo doméstico, Lee Isaac Chung construye un drama familiar tocado de momentos de singular belleza, cuando no de hilarante comedia. 

Minari es una cinta que recoge lo mejor del cine asiático moderno sobre la familia, centro neurálgico de las mayores vicisitudes y alegrías que se afrontan en la vida, al estilo del Hirokazu Koreeda de Still Walking o Kiseki. Al tiempo que se reconoce una sensibilidad estética propia del cine independiente norteamericano y cuyas referencias se pueden rastrear en las imágenes tan dispares del cine de Chloé Zhao o Kelly Reichardt. 

“No estoy hecho para el melodrama”, escribía el cineasta japonés Yasujiro Ozu en el libro La poética de lo cotidiano: escritos sobre cine (Gallo Nero). “Es un género que aprovecha la teoría de que a la gente le gusta llorar al ver sufrir a otro que está peor que ellos”. Y lo cierto es que a la familia de David le pasan no pocas desgracias, pero la fuerza del filme de Lee Isaac Chung reside precisamente en no caer jamás en la lágrima fácil. En optar por la belleza, la honestidad y la esperanza para narrar una historia que, como muchas, tiene sus momentos jodidos. Pero estos no ensombrecen los pequeños instantes de poesía cotidiana.