El Ayuntamiento de Santander ha autorizado el préstamo temporal de dos obras del artista Rogelio de Egusquiza, pertenecientes a los fondos del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS), para formar parte de una gran exposición organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Las obras son 'Tristán e Iseo (La vida)', un óleo sobre lienzo realizado en 1912, y el grabado 'Richard Wagner' (1882), ambas piezas destacadas de la colección del museo santanderino.

La exposición, comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen- Bornemisza, permanecerá abierta al público entre el 13 de febrero y el 23 de mayo de 2027 y analizará la huella que los dramas musicales de Richard Wagner han dejado en la pintura a lo largo de los dos últimos siglos.

El proyecto reunirá más de un centenar de pinturas, dibujos, grabados y maquetas inspirados en el compositor alemán y contará además con un catálogo en el que colaborarán destacados especialistas en la figura de Wagner.

Las dos obras de Egusquiza cedidas por el MAS tendrán un papel relevante dentro de la segunda sección de la muestra, titulada 'Bayreuth y el género wagneriano'.

La autorización municipal cuenta con el aval de la restauradora del MAS, quien certifica que, desde el punto de vista de la conservación, ambas obras pueden viajar en condiciones adecuadas, dado que la institución solicitante cumple con todos los estándares y requisitos establecidos por el museo santanderino para el traslado y préstamo de piezas artísticas, ha explicado el Consistorio en nota de prensa.

Por su parte, la concejala de Cultura, Noemí Méndez, ha destacado que la participación de obras de los fondos municipales en una exposición organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza incrementa la visibilidad internacional del MAS, refuerza el valor cultural de sus colecciones y sitúa a Santander en el circuito de grandes proyectos expositivos nacionales e internacionales.

Con motivo de la presencia del Papa en Madrid, la noche del sábado 6 al domingo 7 de junio, 15 museos y entidades culturales de la capital, tanto de ámbito nacional como regional y municipal, abrirán sus puertas con horario ampliado de manera extraordinaria y gratuidad de acceso. Así, tanto los peregrinos llegados a la ciudad para asistir a los actos del Viaje Apostólico, como todo el que así lo desee, podrán visitar estos edificios en un horario en el que habitualmente no abren al público.

La Noche en Blanco es una iniciativa cultural surgida en París en el año 2002 con el objetivo de acercar el patrimonio cultural y artístico a la sociedad. En España, la primera edición tuvo lugar en Madrid, en el año 2006. Además, se han celebrado ediciones en Burgos, Málaga, Albacete, Barcelona, Bilbao y La Laguna, entre otras. 

Los principios comunes a todas las ediciones de la Noche en Blanco son, desde su origen, los mismos: gratuidad, vanguardia, ciudadanía y sostenibilidad. Eso, y que se celebre a la puesta del sol, es lo que hace de una noche, Noche en Blanco. 

La que se vivirá con motivo del Viaje del Papa a Madrid será, además, también en Amarillo, en un guiño a los colores de la bandera vaticana. No sólo por la presencia de León XIV a la capital, sino por iniciativas específicas que distintas entidades adheridas pondrán en marcha para la ocasión, como los museos que, de entre su colección, escogerán algunas piezas especialmente seleccionadas por su consonancia con el magisterio del Papa.

Asimismo, a esta noche cultural se sumarán también algunas parroquias madrileñas con valor arquitectónico, histórico y artístico, que abrirán esas horas sus puertas para que los peregrinos puedan visitarlas y rezar en ellas. Por su parte, la Escuela Superior de Música Reina Sofía ofrecerá un concierto en el Auditorio de la Escuela, y en los Teatros del Canal se organizará el evento No la debemos dormir, con una programación especial dirigida principalmente a jóvenes que incluirá conciertos, piezas de danza española o sesiones de DJ. 

Las entidades adheridas van desde museos públicos de ámbito nacional, como el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la Galería de las Colecciones Reales o el Museo Naval; museos privados, como el Museo Thyssen-Bornemisza; centros culturales y artísticos como el CaixaForum, el Espacio Fundación Telefónica, la Fundación Mapfre; museos de ámbito local como el Museo de Historia de Madrid, el Templo de Debod o el Museo de San Isidro; o entidades, tanto públicas como privadas, como los Teatros del Canal, el Jardín de Banca March o la Escuela Superior de Música Reina Sofía. 

La Noche en Blanco (y Amarillo) permitirá a todos los que lo deseen acceder y disfrutar tanto de colecciones permanentes como de exposiciones temporales. La iniciativa se ha formalizado en Madrid, en un encuentro en la residencia arzobispal, entre el Cardenal Cobo y representantes de las entidades culturales y la organización de la visita del Papa.

A continuación, puedes consultar las entidades que abrirán por la Noche en Blanco (y Amarillo) en Madrid y sus horarios:

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Caixaforum Madrid

Museo Naval

Espacio Fundación Telefónica

Museo Nacional del Prado

Galería de las Colecciones Reales

Fundación Mapfre

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Museo de Historia de Madrid

Museo de San Isidro. Los Orígenes de Madrid

Templo de Debod

Jardín de Banca March

Teatros del Canal

Escuela Superior de Música Reina Sofía

La realidad vuelve a estar de luto. Hace un par de semanas, en uno de sus fervientes discursos en el Pentágono, el secretario de Defensa de Estados Unidos, Pete Hegseth —una mezcla grotesca entre Ken y Action Man— citó un pasaje de la Biblia que forma parte de nuestra memoria colectiva. Me refiero al famoso versículo del Libro de Ezequiel que empieza así: “El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por las injusticias de los egoístas y la tiranía de los hombres malos”.

Lo que no recordaban Hegseth y su gabinete de comunicación es que el mítico versículo 25:17 no forma parte de la Biblia King James, sino del Nuevo Testamento de Quentin Tarantino, pronunciado por Jules Winnfield (a.k.a. Samuel L. Jackson) en una escena inolvidable de Pulp Fiction. La respuesta de la ciudadanía a la metedura de pata del secretario de Defensa no se hizo esperar, y al cabo de pocas horas una avalancha de parodias inundaba las redes. Paralelamente, Sean Parnell, jefe de prensa del Pentágono, contraatacó la escalada de memes con la siguiente afirmación: “Cualquiera que diga que el secretario citó mal la Biblia difunde noticias falsas y desconoce la realidad”.

Con el ascenso de Trump a la Casa Blanca, la realidad política estadounidense —y por ende, la global— se ha convertido en un material de una plasticidad delirante. Trump y sus asesores escriben el guion de la política actual a base de plot twists que parecen imaginados por un discípulo perverso de Tarantino. Sin embargo, conociendo la trayectoria de Trump, esta creciente hollywoodización de la política no debería sorprendernos. Tengamos en cuenta que, mucho antes de ser presidente, Trump ya era un personaje de ficción. ¿Quién no recuerda su cameo en Solo en casa 2, o su mención profética como futuro presidente de Estados Unidos en un episodio de Los Simpson del año 2000? Por cierto, en Los Simpson, con su clarividencia habitual, ya advertían de que Trump dejaría un país política y financieramente devastado.

Convertidos en unos siniestros gurús del manifesting, Trump y sus acólitos han decidido construir una realidad paralela donde todo lo que dicen deviene inmediatamente una verdad irrefutable más allá de las bases del sentido común. Se trata de una operación epistemológica idéntica a la de los terraplanistas: cualquier dato científico que se aporta en su contra es refutado con un evento alternativo que la historia oficial se ha dedicado a ocultar a los ciudadanos. Un modus operandi que el Gobierno de Trump puso en marcha desde los inicios de su mandato político, con la famosa respuesta de la consejera Kellyanne Conway a las acusaciones del periodista Chuck Todd. Cuando en 2017 el reportero de Meet the Press preguntó a la consejera de Presidencia por qué Sean Spicer, el secretario de Prensa de la Casa Blanca, había mentido sobre el número de asistentes a la ceremonia inaugural, Conway respondió que el Gobierno basaba sus informaciones en “hechos alternativos”.

Precisamente, hace unos días, en una intervención en la primera Comisión para los Crímenes Contra la Realidad (C.C.C.R.), organizada por TBA21-Academy en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la filósofa Máriam Martínez-Bascuñán resumía el estado de la cuestión de manera brillante: “No estamos ante un caso de información insuficiente o ambigua. Estamos ante algo más inquietante: la refactualización de un evento hipervisible. No es mentira que convence; es performance que constituye”.

Ya hace tiempo que nos hemos acostumbrado al discurso delusional del Gobierno estadounidense. Como si fueran personajes de un relato de ciencia ficción, los miembros del gabinete de Trump se creen capaces de trasladarse a otras dimensiones en busca de verdades alternativas que encajen mejor con sus planes políticos. Ante este panorama, uno no puede dejar de sorprenderse con las coincidencias entre las estrategias de ficción radical del Gobierno de Trump y una práctica tan reciente y fascinante como el reality shifting.

El reality shifting es una tendencia digital que se originó durante la pandemia y que, poco a poco, se ha ido extendiendo por redes y foros como TikTok, Reddit e Instagram. A través de técnicas cercanas a la meditación o la autosugestión, sus practicantes consideran que pueden evadirse a universos paralelos y desarrollar vidas alternativas en otros mundos. Los shifters —como se llaman a sí mismos— se dedican a subir vídeos en primera persona donde explican sus vivencias, comparten dudas y métodos y teatralizan algunas de las conversaciones que han mantenido con personajes de ficción como Draco Malfoy o la melancólica Bella Swan, protagonista de la saga Crepúsculo. Buena parte de estos shifters fundamentan sus creencias en la teoría cuántica del multiverso, es decir, en la posibilidad de que existan múltiples universos paralelos. Para ellos, la existencia de estos universos es tan real como la Torre Eiffel o los gatos persas.

Según la mayoría de estos cosmonautas dimensionales, la posibilidad de desplazar tu conciencia a un universo paralelo es totalmente factible, y no son pocos los que dicen haberlo experimentado. “Puedes trasladarte a la realidad que quieras, tanto en 2D como en 3D”, asegura una shifter en uno de los foros de Reddit dedicados al tema, que cuenta con más de cuarenta mil usuarios. “Esto pasa por varias razones, ya sea debido a la teoría del multiverso o a causa de la transliminalidad. Da igual en cuál de las dos opciones creas: viajar a otro mundo es posible”.

Los shifters se dedican a subir vídeos en primera persona donde explican sus vivencias, comparten dudas y métodos y teatralizan algunas de las conversaciones que han mantenido con personajes de ficción como Draco Malfoy o la melancólica Bella Swan

En la cultura del shifting, para referirse a las distintas realidades cuánticas a través de las cuales se viaja se utilizan dos términos: Realidad Actual —en otras palabras, la vida cotidiana— y Realidad Deseada, que es el mundo al que se evaden, o intentan evadirse, los sujetos practicantes. En la mayoría de vídeos y debates se refieren a ellas popularmente con las siglas CR (del inglés current reality) y RD (realidad deseada).

Como en el manifesting, uno de los elementos clave del reality shifting es la escritura de listas de deseos. Lo primero que debe hacer el futuro viajero de dimensiones es redactar un guion minucioso de cómo será su vida en la realidad alternativa que quiere visitar. En este guion, el aspirante a shifter debe indicar qué aspecto le gustaría tener, su edad, vestimenta, nombre, sexo, clase social, nacionalidad, incluso su nueva fecha de cumpleaños, si le apetece. En definitiva, todos aquellos detalles que permitan construir con la mayor precisión posible su nueva vida en la RD (realidad deseada). Equivale al momento previo de cualquier videojuego, cuando se elige el avatar con el que se va a jugar.

Tanto el manifesting como el reality shifting implican la creación subjetiva y unilateral de una realidad a la carta, en la que no es necesario pactar ni respetar la existencia del otro, porque, técnicamente, en estos mundos paralelos, el otro no es más que la efusión fantástica y fragmentaria de un deseo individual. Tanto la confección de estas vidas deseadas como sus giros de guion dependen única y exclusivamente del capricho del sujeto que imagina. Un despotismo de la fantasía que, desde el punto de vista narrativo y practicado en la intimidad de la habitación, puede resultar altamente sugerente y que, incluso —tal y como confiesan algunos shifters— puede suponer un trabajo interesante para la propia identidad, pero que, llevado a escena colectivamente, se transforma en la peor de las distopías.

En este nuevo escenario global, donde los hechos alternativos adquieren el mismo estatuto ontológico que las evidencias empíricas y, por tanto, transitan marcos simbólicos comunes, la libre circulación entre realidades se vuelve cada vez más pantanosa, mórbida y laberíntica.

Este artículo se ha escrito a partir del debate realizado entre la filósofa Máriam Martínez-Bascuñán, Loreto Corredoira (directora del Observatorio Complutense de la Desinformación) y el arquitecto e investigador Uriel Fogué en el contexto de la primera Comisión para los Crímenes Contra la Realidad (C.C.C.R.), organizada por TBA21-Academy (Organismo 2026) en el auditorio del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el 16 de abril de 2026.

Hay tantas causas por las que organizarse que, a menudo, los activistas no tienen tiempo de rememorar sus éxitos. Este sábado, 18 de abril, la Mesa Ciudadana del Árbol ha convocado un paseo conmemorativo para acordarse de que, hace ya veinte años, se consiguió parar la tala prevista de 700 árboles del Paseo del Prado por parte de una cuarentena de colectivos agrupados en la Plataforma SOS Paseo del Prado. El triunfo, importante en la genealogía de las luchas colectivas, tiene también una presencia señalada en la memoria popular por la extraña alianza mediática que protagonizaron los ecologistas y Carmen Cervera, la baronesa Thyssen.

En las coordenadas de la época, el plan se vendía como una ampliación del espacio peatonal y una reducción del tráfico rodado en el Paseo del Prado. Sin embargo, grupos como Ecologistas en Acción pronto señalaron que la obra acabaría con el histórico bulevar y proponía la desaparición de cerca de 700 árboles, lo que suponía casi un 15% del arbolado que había en el centro de Madrid.

En 2023 Carmen Cervera publicó sus memorias a través de la pluma de la periodista Nieves Herrero. En La Baronesa. Una vida de novela, se hablaba del episodio de los árboles, por supuesto. El asunto le pilló poco antes de ser madre de Carmen y Sabina, en 2007. El plan urbanístico añadió al nerviosismo propio del inminente nacimiento, que pese a que tuvo lugar en vientre de alquiler y por fecundación in vitro, asegura que añadió “una nueva preocupación que enturbió los días y las noches previas a su nueva maternidad”.

De la lectura de la biografía autorizada de la baronesa se deduce que se tomó muy en serio el frenar el arboricidio en ciernes y, también, que la mayor de sus preocupaciones tenía que ver con los problemas colaterales que las talas podrían ocasionar a la colección de arte y al museo.

Cervera puso su ascendencia social al servicio de la empresa. En primer lugar, se reunió con Alvaro Siza. El conocido arquitecto portugués, que era el responsable del proyecto, dijo –siempre según su relato– que la remodelación implicaba la modernización de la ciudad y no tenía vuelta atrás. “A Tita no le gustó la forma en que se había dirigido a ella y la sonrisa de prepotencia que no se le borró de la cara durante toda la conversación”, dice Herreros en la biografía.

Las siguientes puertas que tocó fueron las de Alberto Ruiz-Gallardón (alcalde) y Esperanza Aguirre (presidenta de la Comunidad de Madrid). El primero era responsable directo del proyecto. La segunda, como dirigente regional, se encargaba de su viabilidad ambiental. La despacharon con buenas palabras, pero sin darle visos de que la situación pudiera revertirse, así que la aristócrata decidió pasar a la acción. Recordó una frase que Aguirre había mencionado durante la reunión: “¡Como no te encadenes a los árboles…!”, parece ser que dijo.

Fue entonces cuando se puso en contacto con la plataforma de asociaciones que estaba luchando contra la tala de los árboles. Según las crónicas, llegó a tomar la palabra durante la concentración del día seis de mayo, al igual que diversos representantes del movimiento. La gente gritaba, según anota la biógrafa, “¡Tita alcaldesa!” y “¡Gallardón dimisión!”.

La convocatoria congregó el interés de los madrileños y a cientos de personas en el Paseo del Prado. Dos horas antes de la hora, técnicos del Ayuntamiento de Madrid se acercaron para rebajar el impacto del Plan Especial Recoletos-Prado. Según sus explicaciones, solo 16 árboles –cinco plátanos de sombra y once sóphoras japónicas– se verían afectados por el plan. Por supuesto, esto no frenó la reivindicación. Después del éxito de la cita y su repercusión mediática, tanto Ruiz-Gallardón como Aguirre se apresuraron a asegurar que los árboles no serían talados. Se abriría un periodo especial de alegaciones y, se dijo, buscarían alternativas.

Los colectivos vecinales y ecologistas no se conformaron con las buenas palabras arrancadas al consistorio. Justo un año después, se manifestaron para recordar al alcalde Ruiz Gallardón que aún no había presentado el proyecto alternativo al Paseo del Prado al que se había comprometido el año anterior. Caracterizados como Ruiz-Gallardón y Esperanza Aguirre, escenificaron la tala ficticia de un plátano centenario.

En esta ocasión, la baronesa volvió a salir del Museo Thyssen-Bornemissa para participar de las protestas y reiteró su promesa de encadenarse a uno de los árboles si fuera necesario llegar a mayores. La concentración, cuya afluencia los organizadores cifraron en 5.000 personas, llegaba a las puertas de la campaña electoral que enfrentaría a Ruiz-Gallardón con el socialista Miguel Sebastián, que acudió a la convocatoria. Las icónicas fotos de Carmen Cervera vestida de blanco y ataviada con unas gruesas cadenas para atarse a un platanero pertenecen a esta segunda vez.

El origen del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza hay que buscarlo en el acuerdo de arrendamiento firmado con el gobierno de España en 1988 y en la posterior adquisición de una parte importante de la colección privada en 1993, un año después de que el museo abriera sus puertas al público. La reforma del palacio de Villahermosa, donde se asienta la institución, fue llevada a cabo por el arquitecto Rafael Moneo, que la terminó en octubre de 1992. En 2002, el reputado arquitecto volvió a hacerse cargo de la ampliación del museo y la construcción de un aparcamiento, lo que por cierto conllevó la tala de parte del arbolado de los jardines históricos.

El paseo ciudadano del sábado arrancará a las puertas del Museo Thyssen y transcurrirá por el Salón del Prado, desde la Plaza de Neptuno hasta Cibeles. Contará con la presencia destacada de miembros de la Mesa Ciudadana del Árbol y del grupo de Árboles Singulares, que analizarán algunos árboles de especial interés. Se leerá, además, un manifiesto que incide en la protección del arbolado urbano y la necesidad de convertir la ciudad en un ámbito más amable para el peatón.

En el espíritu del aniversario se puede leer la victoria como un acto casi fundacional, que inicia una etapa de mayor sensibilización ciudadana contra la vía arboricida a la modernidad. Una reclamación que se amplía desde el campo de lo medioambiental a lo ciudadano y que está en la base de los movimientos de No a la tala que han protagonizado en los últimos años vecinos de la zona de Madrid Río, Carabanchel y otros barrios de Madrid.

En 2021 la Unesco declaró el Paseo del Prado y el Buen Retiro –bajo la denominación de Pasaje de la Luz– Patrimonio Mundial. La idea de la convocatoria nació unos años después de que los árboles se salvaran. ¿Hubiera sido posible sin ellos? Posiblemente no y tampoco sin algunos de los elementos del plan de Siza que se llevaron a cabo, como la peatonalización de la cuesta de Moyano o las ampliaciones de aceras.

La Mesa Ciudadana del Árbol, como aquella Plataforma SOS Paseo del Prado de hace veinte años, es un frente único de 30 colectivos ecologistas y asociaciones vecinales. En ella encontramos a Ecologistas en Acción, la FRAVM, Madrid Ciudadanía y Patrimonio, la Asociación Española de Arboricultura, ARBA y TREPA, entre otros. El Grupo de Árboles Singulares es un grupo de trabajo de la Mesa Ciudadana del Árbol que revisa el catálogo de árboles singulares del Ayuntamiento de Madrid, que no se actualiza desde 1997, para proponer nuevos ejemplares. El tejido ciudadano quiere árboles y el sábado lo van a reivindicar celebrando victorias pasadas.

Cada 21 de marzo, coincidiendo con el inicio de la primavera, se celebra el Día Mundial de la Poesía. Así lo fijó en 1999 la UNESCO con el objetivo de apoyar la diversidad lingüística a través de la expresión poética y fomentar la visibilización de aquellas lenguas que se encuentran en peligro. Desde hace algunos años, Ámbito Cultural se suma a la celebración de la efeméride con una programación especial en el Museo Thyssen-Bornemisza.

El fin de semana del 20 y 21 de marzo, Ámbito Cultural de El Corte Inglés, con la colaboración de La Piscifactoría Laboratorio de Creación, celebrará un año más el Día Mundial de la Poesía, y la llegada de la primavera, con una ambiciosa programación. El programa ofrecerá un encuentro con el cantautor Amancio Prada en Callao, un recital de 21 poetas en el Museo Thyssen-Bornemisza que arrancará con una lectura inaugural de Massiel, un diálogo y recital entre Hugo Mujica y Pablo Rosal en el Real Jardín Botánico-CSIC y un cierre de jornada dedicado a la figura poética de Robe.

La programación arrancará el viernes 20 de marzo a las 20.00 horas en la Sala de Ámbito Cultural (Plaza de Callao). El protagonista será el “cantor de los poetas” Amancio Prada, quien compartirá sus poemas y sus canciones en conversación con Gonzalo Escarpa, director de LdeLírica.

El sábado 21 de marzo, entre las 11.45 y las 13.30, el foco se desplazará al Museo Thyssen-Bornemisza. La lectura inaugural de la fiesta será a cargo de Massiel, ganadora de Eurovisión en 1968, referente de la canción de autor y de la libertad creativa. Después, un total de 21 creadores de España y Latinoamérica recitarán en diferentes salas del museo frente a obras maestras de la colección, habitando el espacio expositivo a través de la voz.

El listado de artistas será un reflejo del panorama poético actual. Entre ellos destacan figuras consagradas como Javier Lostalé y Marga Clark, voces premiadas a nivel nacional como Raquel Vázquez (Premio Loewe de Creación Joven), Alicia Louzao (Premio Jovellanos al Mejor Poema del Mundo) o Verónica Aranda (Accésit del Premio Adonáis) y jóvenes relacionados con la poesía viva, como el actual Premio Ciudad de Córdoba “Ricardo Molina”, Bernard Engel, o el finalista del Premio LdeLírica, Bruno Lastra.

Después de pasar por el museo, la celebración se trasladará al Real Jardín Botánico-CSIC alrededor de las 13.30 horas. Concretamente en la glorieta de la niña, tendrá lugar un diálogo entre el poeta y sacerdote argentino Hugo Mujica, galardonado con el Premio Loewe de Poesía 2026, y el dramaturgo y poeta Pablo Rosal. Ambos explorarán los límites del lenguaje en un formato que prima la palabra viva y la reflexión. 

El cierre de la jornada será a las 19.30 horas, de nuevo en la sala de Callao, con un evento sobre la obra poética de Robe Iniesta. El encuentro, conducido por Gonzalo Escarpa y el musicólogo Gonzalo Hormigo, repasará las letras de sus discos en solitario y analizará la figura de Robe como poeta. Además contará con las actuaciones de diferentes artistas que versionarán canciones. Entre ellos:  Natalia Vega, La Chiado, Javier Fernández y Julia Bambolerira.

Como ya es tradición, el 21 de marzo también arrancará la VIII edición del Premio Nacional de Poesía Viva #LdeLírica, que organiza Ámbito Cultural de El Corte Inglés y La Piscifactoría Laboratorio de Creación, con el objetivo de fomentar y dar visibilidad a la poesía más allá de la palabra escrita, apostando por la puesta en escena y la performance.

A continuación puedes consultar la programación y los participantes de cada una de las actividades:

Viernes, 20 de marzo

Sábado, 21 de marzo

La Comisión de Urbanismo del Ayuntamiento de Barcelona ha aprobado de forma provisional una modificación del planteamiento urbanístico para ampliar el Palau Marcet, sede del antiguo cine Comèdia, para que aloje el nuevo Museo Thyssen.

El trámite ha salido adelante con los votos a favor del PSC, Junts, PP y Vox, mientras que los Comuns y ERC se han posicionado en contra. La modificación se deberá votar en el pleno para que pueda pasar a manos de la Subcomisión de Urbanismo de Barcelona, en la Generalitat, para su aprobación definitiva.

La teniente de alcaldía de Urbanismo, Laia Bonet, ha admitido que a lo largo de la tramitación ha habido “discrepancias” y un debate “intenso”, pero ha concluido que el contraste de opiniones ha permitido a los promotores mejorar “sustancialmente” la propuesta inicial.

El plan fija ahora que los usos comerciales del equipamiento representarán aproximadamente el 16% de la superficie total, muy por debajo del 25% que permite la normativa urbanística, con el objetivo de garantizar el carácter principalmente museístico y cultural del proyecto.

La intervención patrimonial se fundamenta en la preservación del Palau Marcet como edificio catalogado de nivel B, garantizando la conservación de su volumen original, de todas las fachadas, de los laterales y de las cubiertas históricas. Además, el plan establece la necesidad de restituir la composición histórica de una de las fachadas de acuerdo con la documentación patrimonial.

Bonet ha indicado que el proyecto es ahora “más sólido, más respetuoso con el patrimonio y urbanísticamente más equilibrado”. También se ha mostrado convencida de que el Thyssen será un museo “de referencia” y lo ha equiparado a otros como el MNAC, el MACBA o el Picasso.

La Comisión de Urbanismo del Ayuntamiento aprobó en julio de 2025 de forma inicial una modificación y ampliación del antiguo Comèdia para que alojara el museo Carmen Thyssen. Hasta ahora ha seguido la tramitación y este mes de marzo el plenario ya podrá votarlo de forma provisional, el último paso antes de enviarlo a la Subcomisión de Urbanismo de la Generalitat.

Esta votación ha podido salir adelante gracias al cambio de postura de Junts, que inicialmente se mostraba contrario al plan urbanístico. El motivo era que, en un principio, se establecía que el museo podría dedicar un 25% de su espacio a actividades complementarias y comerciales. Eso permitía usos diversos del espacio como tiendas especializadas y restaurantes, además de las salas de exposición.

Fue la negociación con Junts la que permitió rebajar ese 25% al 16%. Además, se ha acordado prohibir expresamente que el posible bar/restaurante tenga entrada directa desde la calle. Por otro lado, un punto trabajado con todos los grupos, pero “especialmente” con Junts es que el proyecto tenga una protección patrimonial reforzada del Palau Marcet, el edificio donde debe ubicarse el museo. La versión final de la propuesta establece el mantenimiento y restauración de las fachadas, la conservación del volumen original y la restitución de la composición histórica del chaflán. 

¿Te imaginas recorrer algunas de las obras más icónicas del mundo de noche y sin pagar entrada? El Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza ofrecen justamente eso: visitas nocturnas y gratuitas que transforman la forma de vivir el arte. Desde exposiciones temporales hasta experiencias multimedia y música en directo, estos sábados culturales permiten descubrir ambos museos bajo una luz totalmente diferente.

En el caso del Museo del Prado, con la colaboración de Samsung y Radio 3, se mantienen las aperturas nocturnas y gratuitas de El Prado de noche, que tienen lugar el primer sábado de cada mes en horario de 20.30 a 23.30 horas. Este sábado 7 de marzo se abrirá la primera planta del edificio Villanueva, incluyendo la Galería Central, donde se exhiben obras de la exposición Juan Muñoz. Historias de Arte, junto a piezas de la colección permanente.

Además, los visitantes podrán recorrer la galería jónica, que alberga una selección de 56 piezas de las colecciones de escultura y artes decorativas. La iniciativa busca acercar distintos espacios del museo al público de manera secuenciada, combinando visitas culturales con experiencias musicales y multimedia desarrolladas junto a Samsung.

Por su parte, el Museo Thyssen-Bornemisza, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid a través del Área Delegada de Turismo, retoma la iniciativa Noches Thyssen con Uber, que permite disfrutar de manera gratuita de las exposiciones temporales todos los sábados del año, de 21.00 a 23.00 horas. La propuesta ha demostrado un especial atractivo entre los visitantes más jóvenes, con más de 50.000 asistentes en 2025, de los cuales más del 45% tenían menos de 35 años.

Durante 2026, las Noches Thyssen incluirán exposiciones como Hammershøi, Roman Khimei & Yarema Malashchuk. Pedagogías de guerra (3 de marzo al 31 de mayo), Carmen Laffón. Temas y variaciones (23 de junio al 27 de septiembre), Seba Calfuqueo. Cautín (6 de octubre de 2026 al 3 de enero de 2027) y El universo freudiano de Dalí (20 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027). Esta colaboración municipal busca consolidar a Madrid como destino turístico cultural de calidad, ofreciendo a los visitantes experiencias auténticas y enriquecedoras.

Cómo conseguir entrar gratis al Prado y al Thyssen

El acceso al Museo del Prado durante la actividad se efectuará por la puerta de entrada del claustro de los Jerónimos. La entrada será libre y gratuita hasta completar aforo desde las 20.30. A partir de las 23.00 ya no se podrá acceder al edificio. Por ahora, la única fecha confirmada es el 7 de marzo. Se irán añadiendo nuevas citas conforme se acerquen.

En el caso del Thyssen, el museo abre de manera gratuita los sábados desde el 27 de septiembre de 2025, de 21.00 a 23.00, permitiendo la visita a las exposiciones temporales de la planta baja y planta -1. La entrada es libre hasta completar aforo

El grupo municipal de los Comuns en Barcelona pide al Ayuntamiento que se paralice el proyecto urbanístico para convertir el histórico Cine Comedia en el futuro Museo Thyssen. El partido que lidera Janez Sanz ha presentado una proposición de cara a la Comisión de Ecología y Urbanismo este martes en la que reclaman al Gobierno de Jaume Collboni frene los trámites y se abra a negociar con actores más críticos con el plan, entre los que destacan el Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (COAC) o las asociaciones vecinales. 

Los Comuns, igual que ERC, han sido críticos con el proyecto y ya se sumaron a las alegaciones presentadas en su día por la Federación de Asociaciones Vecinales de Barcelona (FAVB). También votaron ambas formaciones en contra de la modificación del Plan General Metropolitano que requiere la obra (PSC, Junts, PP y Vox votaron a favor). 

La sede del Museo Thyssen en Barcelona es una iniciativa del grupo de inversión Stoneweg –el mismo que impulsó el fallido Hermitage en la ciudad–, presentada a finales de 2024 con el aval del Ayuntamiento, y que ha despertado quejas por el nivel de intervención arquitectónica que se plantea en el edificio que albergaba el Cine Comedia: el Palau Marcet. El proyecto dispone una reclasificación del equipamiento que permite ampliarlo con dos volúmenes de seis y nueve plantas más. 

Si el PGM hasta ahora prevía un máximo de 6.000 m2, ahora se ampliaría a 11.000 m2. y con 2.500 de ellos dedicados a usos comerciales y de restauración. “No conozco ningún museo que reserve esa superficie tan grande estos usos. ¿A qué responde realmente esta operación? ¿Qué gana la ciudad en retorno urbano con este tipo de equipamiento de carácter privado?”, declaraba a elDiario.es Sebastià Jornet, presidente de la Agrupación de Urbanistas del COAC. 

En su proposición, los Comuns se apoyan en esta y otras quejas para plantear un freno a los trámites del proyecto. “El instrumento de planeamiento no ha gozado de una participación estructurada sobre la oportunidad, alcance y alternativas del proyecto”, argumentan. Siguiendo la estela del COAC, piden “un proceso participativo real”, con “concurso de ideas”, para estudiar las alternativas arquitectónicas y urbanísticas para el Palau Marcet.

Decía Lluís Permanyer, el cronista contemporáneo más influyente de Barcelona, que uno sabía que estaba en esta ciudad cuando, al entrar con desconocidos en un ascensor, en lugar de hablar del tiempo emergía un debate sobre la última controversia arquitectónica. El asunto que hoy encendería la conversación sería la ampliación del antiguo Cine Comedia para acoger el Museo Carmen Thyssen, un proyecto que ha movilizado a arquitectos, urbanistas, historiadores, entidades vecinales y a buena parte del sector cultural, y cuya transformación el cronista tildó de “catastrófica” semanas antes de morir.

El conflicto ha ganado intensidad. El Col·legi d'Arquitectes de Catalunya (COAC) ha pedido al alcalde, Jaume Collboni, suspender la tramitación urbanística actualmente en exposición pública y replantear el proyecto mediante un proceso participativo acompañado de un concurso de ideas.

El COAC reconoce el atractivo cultural de ubicar en Barcelona una parte destacada de la colección Thyssen, pero advierte de que la propuesta actual supone un incremento volumétrico muy relevante, altera la fisonomía de uno de los cruces más emblemáticos de la ciudad (Passeig de Gràcia con Gran Via) y consolida actividades comerciales en un solar históricamente destinado a equipamientos, sin que se haya explicado con claridad qué compensaciones o beneficios retornan a la ciudadanía para justificar una alteración de planeamiento de tal magnitud.

El debate sobre el futuro del antiguo Cine Comedia exige considerar no solo los aspectos urbanísticos, arquitectónicos y patrimoniales, sino también el modelo de ciudad que Barcelona quiere para sí misma. Bajo el atractivo nombre de Museo Thyssen, inevitablemente asociado al prestigio del museo madrileño, cuya colección financia el Estado con 6,5 millones anuales mediante un contrato de alquiler con Carmen Thyssen, la ciudad no puede permitir que se oculte una operación que, más que cultural, pueda responder a una lógica especulativa destinada a reforzar la economía turística y acelerar la expulsión del tejido vecinal.

Todo apunta a que la eventual sede barcelonesa acogería un conjunto reducido de obras menores, insuficiente para justificar por sí solo un proyecto de esta envergadura, lo que hace temer que el auténtico motor de la operación sean los metros cuadrados comerciales y de restauración previstos. Si para ello, además, se fuerza hasta el límite un edificio de valor patrimonial ya intervenido y reparado repetidas veces a lo largo del último siglo, quizá convenga plantearse si tanto el proyecto como el emplazamiento son los adecuados.

Un debate institucional urgente

En un acto celebrado el pasado 20 de noviembre, el decano del COAC, Guim Costa, anunció que el documento crítico, firmado por una amplia mayoría de los órganos del colegio y dirigido al Ayuntamiento y a la Generalitat, reclama, sobre todo, un impulso más amplio del debate, mayor transparencia en la tramitación y la apertura de un proceso de ideas que permita considerar alternativas arquitectónicas y urbanísticas.

El COAC celebra que Barcelona recupere la aspiración de acoger una colección Thyssen, pero al mismo tiempo pide que se valore la arquitectura como herramienta de ciudad, lamenta la ausencia del Ayuntamiento en el debate y propone dejar sin efecto la modificación prevista para abrir un proceso participativo real, con estudios museográficos, patrimoniales y económicos que aún no se han hecho públicos.

Costa fue directo al señalar el conflicto que observan los arquitectos: “El Ayuntamiento actúa como regulador de la operación urbanística, pero también como promotor en la medida que accede a modificar el Plan General Metropolitano (PGM). Esa doble condición exige una justificación aún mayor, que hasta ahora no se ha producido”. También lamentó que ningún representante del consistorio asistiera a la sesión, ni tampoco ningún arquitecto de OUA Group, estudio que redacta el proyecto junto al fondo Stoneweg.

El decano recordó que la adecuación del edificio para el futuro museo no es una mera reforma, sino una transformación a gran escala que exige alterar de forma sustancial la volumetría, el techo edificable y la función permitida en la parcela. De ahí la insistencia del COAC en abrir un concurso de ideas y en reclamar informes museográficos, patrimoniales y económicos antes de seguir adelante.

El Palau Marcet, donde se ubicaría el museo, está catalogado como equipamiento 7a; el proyecto propone reclasificarlo como 7c, es decir, como equipamiento metropolitano. El cambio, según Sebastià Jornet, presidente de la Agrupación de Urbanistas del COAC (AAUC), “no es técnico ni neutro”, puesto que permite una ampliación muy significativa del volumen construido y del techo edificable. Y en un barrio, la Dreta de l'Eixample, que ya está sometido a una presión turística muy elevada frente a una falta de equipamientos histórica.

Los números son contundentes: el PGM vigente establece un máximo aproximado de 6.000 m² y el proyecto plantea alcanzar 11.000 m². Además, incorpora más de 2.500 m² de uso comercial, destinados previsiblemente a tiendas y restauración. Jornet señaló que esos 2.500 m² de comercio, difíciles de justificar como parte de un equipamiento cultural, generan una duda de fondo. “No conozco ningún museo que reserve esa superficie tan grande a usos comerciales. ¿A qué responde realmente esta operación? ¿Qué gana la ciudad en retorno urbano con este tipo de equipamiento de carácter privado? ¿Qué compensaciones se proponen?”, se pregunta Jornet. Por ahora, no se ha presentado ningún plan de mejora del espacio público ni zonas verdes ni soluciones de movilidad.

¿Qué queda realmente del Palau Marcet?

El Palau Marcet, donde se prevé ubicar el museu, ya figuraba trazado en 1854, durante el derribo de las murallas de Barcelona, anticipando el futuro eje burgués por excelencia de la ciudad. El arquitecto Antoni Vilanova desgranó la sucesión de capas históricas superpuestas en el edificio: la conversión en teatro en 1934 cambió su interior, pero mantuvo prácticamente inalterada la fachada original; después se abrieron huecos comerciales y añadieron elementos como la marquesina; y partir de 1941 fue sede de actos multitudinarios vinculados con la dictadura. En 1989 se renovó parte de la fachada incorporando piezas de mármol y se transformó en cine.

Del interior del Palau Marcet no queda prácticamente nada original. Lo que sigue contando para la memoria colectiva es la envolvente: fachada, cubierta visible y volumen general que todavía conserva rasgos reconocibles del edificio de 1887. Vilanova advirtió que el proyecto del futuro Museo Thyssen implica una alteración excesiva de esa identidad acumulada durante casi siglo y medio. A su juicio, la reforma proyectada “cambia de raíz la relación entre el edificio y la ciudad y hace perder su carácter identitario”.

La crítica vecinal: especulación, opacidad y falta de participación

Las entidades vecinales también han sido muy críticas con la operación. La Federación de Asociaciones Vecinales de Barcelona (FAVB) ha presentado alegaciones en las que califica el proyecto de “operación especulativa” articulada a través de una modificación del PGM hecha a medida del promotor privado Stoneweg, que obtendría un incremento de edificabilidad no justificado. Según la federación, esta ampliación del 25% rompe las reglas que rigen en el Eixample y desprotege el Palau Marcet, cuya volumetría histórica Patrimonio exige preservar.

Otra preocupación central es la sostenibilidad económica del equipamiento: mientras el Thyssen de Madrid depende de financiación pública estatal, en Barcelona el equilibrio se lograría mediante el incremento del techo edificable y la explotación de más de 2.500 m² de comercio y restauración, lo que para la FAVB confirma que la operación está orientada a la rentabilidad del promotor más que al interés cultural.

“Un proyecto catastrófico”

Sobre el edificio existente, Permanyer recordaba que buena parte de lo que hoy se percibe como histórico no lo es: el lateral junto al actual Hotel Avenida Palace es una ampliación de 1995 para alojar nuevas salas de cine, la entrada se rehizo entonces con mármol blanco y las grandes intervenciones verticales para cartelería alteraron su fisonomía original.

Del interior, señalaba, “ya no queda prácticamente nada”: solo persiste, oculto tras un panel, un escudo franquista colocado en 1941. Por eso advertía que la discusión no podía apoyarse en una supuesta integridad patrimonial que, en realidad, es parcial y errática. Y veía con especial preocupación que la operación no se limitara al museo, sino que incorporara un volumen posterior de grandes dimensiones destinado también a usos comerciales y restauración. Su conclusión era tajante: si se quiere preservar, debe hacerse con rigor; si no, quizá sería más honesto derribarlo y construir un edificio contemporáneo que dialogue de verdad con su entorno, en vez de justificar una ampliación que, a su juicio, desvirtúa una de las esquinas más significativas del Eixample.

Antes de avanzar, Barcelona debe saber si aspira realmente a una colección de relevancia equiparable a la de Madrid o si corre el riesgo de obtener una versión ampliada del modelo del Moco Museum en una esquina donde ya cuesta abrirse paso entre la muchedumbre.

Las imágenes nos permiten acercarnos a otras realidades. Acercarnos, a través de nuestros ojos —y también de quienes generosamente comparten los suyos—, a aquellas vidas y situaciones que pueden resultarnos lejanas. El genocidio que Israel comete en Gaza está sobrecogiendo al planeta, movilizando al mundo de la cultura para pedir a los gobiernos que hagan lo necesario por pararlo. Sin embargo, solo quienes se encuentran en la Franja pueden mostrar la totalidad del sufrimiento que padecen. La primera exposición de la nueva temporada del Museo Thyssen-Bornemisza recoge el testimonio de los fotoperiodistas palestinos que hacen frente a la terrible situación de su país.

Junto a la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina (UNRWA) y el Departamento de Protección Civil y Ayuda Humanitaria de la Comisión Europea (ECHO), el Thyssen presenta una muestra compuesta por 27 imágenes, tomadas desde octubre de 2023 hasta inicios de 2025, que documentan la vida en Gaza bajo el asedio israelí. Los ojos detrás de las mismas son las del pueblo palestino, una mirada que ha obligado a los responsables de la exposición a mantener en el anonimato a sus autores. “No podemos divulgar los nombres de los fotógrafos, ni siquiera se conoce su paradero porque pondríamos en peligro sus vidas”, afirma Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen.

Aunque ninguno de ellos ha sido asesinado hasta el momento, los periodistas que han tomado las instantáneas han sido heridos a lo largo de los más de 700 días de ofensiva. Uno de ellos, en concreto, ha perdido hasta a 30 familiares y a dos de sus mejores amigos y compañeros de trabajo, según explica Solana. “Hablamos casi a diario con ellos. Hay veces que no conseguimos que nos respondan los mensajes y realmente sufrimos pensando que les puede pasar algo”, alega en la presentación de la muestra. Raquel Martí, directora ejecutiva de UNRWA España, señala que “exponer el trabajo de un fotógrafo en Gaza en un espacio como el Museo Thyssen y que se tenga que hacer de forma anónima es la triste realidad que acompaña a los periodistas de Gaza”.

Las imágenes invitan a acercarse a la gravedad de lo que acontece en la Franja: cómo los gazatíes tratan de conseguir alimento y agua en situaciones extremas, cómo siguen enseñando a los niños en escuelas improvisadas entre las ruinas, cómo los más pequeños tienen que acompañar a sus padres en tareas durísimas para transportar sus recursos. Una realidad que, no obstante, busca ser ocultada. “Israel está intentando silenciar a los periodistas en Gaza”, cuenta Raquel Martí. “No solamente ha asesinado a más de 240 fotoperiodistas, sino que también ha destruido las oficinas de los principales medios de comunicación para acallar sus voces y prohíbe la entrada de prensa internacional para documentar todo lo que está pasando”, agrega.

Muchos de estos reporteros tienen que dormir en las calles o en tiendas de campaña que son constantemente atacadas, pero continúan inmortalizando la catástrofe pese al riesgo que ello supone. “Cada día se levantan para continuar ofreciendo estas imágenes a través de sus ojos y de sus cámaras”, sostiene Martí, que apunta que “van a ser fundamentales para, cuando haya un día después y acabe esto, documentar y poder tener testimonio de todo lo que ha pasado en Gaza”. Ernest Urtasun, ministro de Cultura, certifica en la presentación que “la cultura también puede y debe servir para sostener la vida y dar voz a quienes son silenciados”, enfatizando que “no son imágenes lejanas, son miradas humanas que nos obligan a reconocer la dignidad de un pueblo que sufre”.

Urtasun asegura que “la cultura visual tiene un poder inmenso: el de abrirnos los ojos ahí donde a veces preferimos no mirar”, expresando que “estas 27 fotografías son un acto de testimonio y de resistencia, pero también un llamamiento a la conciencia colectiva”: “En un tiempo en el que la destrucción, el miedo y la violencia parecen imponerse, la cultura debe levantar una bandera clara. La cultura de la paz significa poner en el centro la vida, la empatía y la justicia. Significa recordar que no hay paz posible sin derechos humanos y que el silencio o la indiferencia nunca son opciones. Esta exposición nos recuerda que la paz no se construye solo en los tratados con la diplomacia, sino también en el terreno de la memoria, de la mirada y de la cultura”.

Aparte del sufrimiento de los niños, Raquel Martí también ha puesto énfasis en las mujeres, el colectivo más vulnerable y que más está sufriendo la ofensiva militar israelí junto a la población infantil. La directora ejecutiva de UNRWA España hace alusión al último informe de la Comisión Independiente de Investigación del Consejo de Derechos Humanos de Naciones Unidas, declarando que “Israel está atacando los hospitales, pero sobre todo las áreas de salud materna infantil, para intentar que las mujeres no puedan dar a luz en condiciones en los hospitales y poner en riesgo sus vidas”. Martí afirma que “las mujeres embarazadas están absolutamente desnutridas” y que “están teniendo partos prematuros con niños que nacen con bajo peso por las circunstancias que atraviesan”.

“Es muy difícil conseguir alimentos en Gaza en las circunstancias actuales, pero más aún si eres una mujer. Cuando vemos las imágenes de estas personas yendo a buscar comida, vemos que son hombres, en su mayoría niños y adolescentes. Prácticamente no hay mujeres, puesto que tienes que ser rápido, sortear todos los disparos del ejército israelí y hacerte con una caja que pesa 15 kilos para llevar alimentos a tu familia recorriendo kilómetros entre escombros y ataques”, cuenta la directora de UNRWA España. “Aquellas mujeres que están solas con sus hijos, que su marido ha sido asesinado o ha desaparecido bajo los escombros, no tiene ayuda para poder ir a buscar alimentos, y por eso las mujeres están sufriendo aún más la desnutrición”, explica.

UNRWA ha estado al servicio del pueblo de Gaza durante décadas, proporcionando educación, atención médica, protección, formación profesional, apoyo psicosocial y ayuda humanitaria. Desde octubre de 2023, la organización ha centrado su labor en responder a la emergencia, convirtiendo escuelas en refugios a través de más de 12.000 trabajadores —muchos de ellos también desplazados— que ofrecen asistencia vital. El apoyo de la Unión Europea y de su ciudadanía consiste en facilitar agua, saneamiento e higiene, así como ayuda psicológica y actividades educativas para la infancia, logística, almacenamiento de suministros humanitarios o artículos esenciales de refugio para familias desplazadas.

Esta exposición es una muestra de cómo, además, colaboran con fotoperiodistas para documentar la situación y hacerla así llegar a diferentes rincones del planeta. Pese a que las autoridades israelíes siguen prohibiendo la entrada de medios internacionales en Gaza, y más de 200 periodistas palestinos han sido asesinados, según datos proporcionados por UNRWA, el Museo Thyssen hace con Gaza a través de sus ojos un “llamamiento a no mirar hacia otro lado”. La exposición se encuentra disponible en sus instalaciones desde el 23 de septiembre hasta el próximo 19 de octubre, es gratuita y busca continuar visibilizando una tragedia cuyo final no parece llegar nunca.

Al salir del museo Thyssen, agosto me pega en la cara con sus cuarenta grados de las cinco de la tarde. Se escucha la música animada de un desfile que desciende desde Colón hasta el paseo del Prado, o un poco más allá. Al principio no entiendo bien de qué se trata. Después diviso disfraces, faldas y vestidos. Muchísimos sombreros. Me acerco y me fijo mejor: parecen trajes regionales. Banderas rojas amarillas verdes. Es la fiesta de Bolivia, en homenaje a la Virgen de la Urkupiña. Me sorprende la cantidad de gente que ha alquilado ropajes preciosos, brillantes, llenos de complementos para bailar bajo un tórrido sol de agosto. Imposible que los hayan cosido a mano, eso pienso. Las veredas están llenas de compatriotas envueltos en banderas gigantes, aplauden a los representantes de las diversas regiones del país. Los bailes están bien coordinados, descienden en grupos de quince o veinte personas por el centro de Madrid, tal vez hasta Atocha. 

Tengo tiempo por delante, así que alcanzo una sombra y me decido a esperar a que acabe el desfile: algunas mujeres van con sombreritos hongos y miriñaques para ensanchar las caderas, otras con faldas vaporosas que voltean al son de la música. He visto algunas máscaras tribales, doradas y terribles; también lo que parecían tocados con plumas gigantes, a lo lejos. Cada uno de los grupos baila una coreografía distinta; se lo toman bien en serio. Se acerca un hombre con pinta de borracho, me saluda efusivamente. Lleva la bandera anudada a la espalda. Sonrío, agacho la mirada (el idioma evitativo de las geishas); él pasa de largo.

A los pocos minutos regresa. Habrá ido a mear, pienso. Disculpe, no se me asuste. ¿Le importa? No pasa nada, le digo, aunque pienso que pedirle a alguien que no se asuste provoca siempre el efecto contrario. Me puedo sentar con usted un momentito, pregunta él. Será un rato breve, le respondo, tengo que coger un tren. Tras varias situaciones farragosas, he aprendido a buscarme una salida por si la necesito. El hombre anda tan mamado que no le salen las palabras. Es migrante, me dice, aunque en realidad dice emigrante, y ese es precisamente el tema. Que él está fuera. Quince años en España. No ha venido a hacer daño a nuestro país, informa. No tengo por qué pensar lo contrario, le contesto. Hemos pasado al tuteo. Los primeros tres años se hacía detener todo el tiempo, dice. Con las manos esposadas, así, por detrás (hace el gesto). Pero te voy a contar una cosa (larga, larguísima pausa): los policías de aquí son buenas personas. Quiero decir, puntualiza ante mi cara de sorpresa (lo último que esperaba era una alabanza al cuerpo policial), son buenos si los comparas con los de Estados Unidos. Me cuenta también que cruzó la frontera, allá: antes les llamaban espaldas mojadas, ahora ya no sé. El hombre borrachísimo y de manos grandes que tengo enfrente ha vivido más vidas que un gato. 

Me pide todo el rato que no me asuste y yo me alegro de que haya tanta gente por la calle, de que sean apenas las seis de la tarde. Está bien, le contesto, estoy bien. Parece inofensivo, pero me gustaría que parara de pedirme eso. Él tiene ganas de hablar, pero le cuesta sacar cada palabra. A veces trato de ayudarle con la continuación de las frases inconexas, pero soy incapaz de adivinar qué va después, así que lo miro. Pregunta cómo me llamo, le contesto Clara. Me dice: como mi mamá. Él se llama José Luis. Su mamá murió hace cuatro años, me cuenta. No volvió a Bolivia para su entierro porque no tenía papeles para regresar a España. Hace un año murió mi papá, añade. De covid. ¿Te acuerdas del covid? Le digo que me acuerdo; aunque no me cuadran mucho las fechas, pero eso lo callo. Hay gente que a veces pone un mensaje en un grupo y dice: tengo covid. Por momentos me asegura que ya tiene los papeles y luego que todavía no tiene los papeles. José Luis me pregunta en repetidas ocasiones por mi nombre. Le digo Clara y se alegra a cada ocasión como si fuera la primera vez. Dice: como mi mamá. La tercera o cuarta vez que me pregunta y le contesto lo mismo, se sonríe y me guiña un ojo; no sé si tenemos ya una broma privada.

Me cuenta que le gusta venir a celebrar el día de Bolivia con sus compatriotas. Que le emociona juntarse con ellos, escuchar sus canciones. Cada tanto se atasca en sus razonamientos y yo pienso en el capitán Haddock o en una esponja. Le pregunto si todos los que desfilan son de Madrid, porque me parece muchísima gente. Me responde que muchas fraternidades vienen de fuera, de toda España, de Europa, y trata de nombrar tremenda cantidad de lugares. Pero a las dos o tres ciudades, se queda sin fuelle y desiste. Domina en cierto modo el arte del silencio en mitad de la frase. Añade que, por su trabajo, viaja mucho por el país y que le encanta visitar otras regiones. Que ya no se hace detener, que ha venido a trabajar por este país. De repente, capaz que porque se ha girado hacia el desfile o porque ha escuchado alguna canción que reconoce, el hombrazo que tengo enfrente rompe a llorar. Me dice que es de ser un grandísimo hijo de puta no haber ido a enterrar a sus padres. 

De repente, capaz que porque se ha girado hacia el desfile o porque ha escuchado alguna canción que reconoce, el hombrazo que tengo enfrente rompe a llorar. Me dice que es de ser un grandísimo hijo de puta no haber ido a enterrar a sus padres

Tiene los labios húmedos y la boca entreabierta como un bebé, los ojos rojos rojos. Tengo ganas de abrazarlo, pero siempre me meto en líos. Así que no lo hago. Le digo que, con el tiempo, dolerá menos. Que seguro sus papás entenderían. Finjo una convicción que no tengo. Mi tío me dijo que el tiempo lamina el dolor, pero no quiero usar estas palabras ahora, ponerme lírica. Todos llevamos un daño a cuestas y el tuyo es grande, le digo. Eres una tía de puta madre, contesta emocionado. Me entra la risa interior. Si tú supieras, José Luis. Si supieras hasta qué punto mi drama se ha hecho diminuto ahora. Que buscaré antes de irme una cabeza dorada de dragón gigante, me pondré de rodillas y le rogaré no tener que cargar nunca con el peso que tú llevas sobre la bandera de tu país, con el dolor de no enterrar a padre y madre. Y que en realidad todavía espero que los míos no se mueran nunca.

[No detengan más a José Luis]. [Aunque vaya mamado como un piojo]. [Ya ven que habla bien de ustedes].

Madrid, noviembre de 1936. Las bombas caen cada noche, los ecos de la artillería retumban en los muros del Museo del Prado.

Apenas un mes después del inicio del alzamiento militar, las autoridades republicanas tomaron una decisión sin precedentes: cerrar el museo más importante de España y trasladar su contenido a las salas inferiores, donde las obras estarían a salvo de los primeros ataques aéreos. No fue suficiente.

La noche del 16 de noviembre, un obús impactó sobre el edificio. La amenaza era real. El patrimonio artístico de España, acumulado durante siglos, estaba en peligro de desaparecer.

Y entonces comenzó una de las gestas culturales más heroicas y desconocidas de nuestra historia: la evacuación de las grandes obras del Prado a miles de kilómetros de distancia, lejos de la guerra, lejos del fuego.

Rumbo a Valencia, lejos del fuego

Dos semanas después del bombardeo, las pinturas comenzaron su exilio. Miles de piezas –entre ellas obras maestras de Velázquez, El Greco, Goya o Rubens– fueron cuidadosamente embaladas y sacadas de Madrid en camiones rumbo a Valencia, donde se había trasladado el Gobierno de la República. No había plan cerrado, solo determinación: salvar el arte como se pudiera, como fuera.

La operación se hizo bajo una presión constante, con riesgo real para las personas implicadas. Trabajadores del museo, funcionarios, intelectuales, soldados y ciudadanos comprometidos participaron en el traslado. Y entre todos ellos se gestó lo que después se consideraría una de las mayores acciones de protección del patrimonio cultural en tiempos de guerra.

Un periplo europeo: del caos a la exposición

El itinerario fue largo y complicado: Madrid–Valencia–Barcelona–Ginebra. Con cada traslado, nuevas tensiones. Las obras pasaban de unas manos a otras, siempre envueltas con mimo pero bajo amenazas constantes de ataque o robo. Finalmente, en 1939, lo imposible ocurrió: una exposición histórica en el Museo de Arte e Historia de Ginebramostraba al mundo el tesoro del Prado.

Durante trece semanas, más de 300.000 visitantes se acercaron a contemplar lo mejor del arte español, desde Las Meninas hasta los fusilamientos del 3 de mayo. Pero aquella muestra no era solo una exposición. Era una declaración política, cultural y moral: el arte debía sobrevivir incluso cuando todo lo demás colapsaba.

Azaña, Negrín y una frase para la historia

Detrás de esta proeza también hubo decisiones políticas valientes. En uno de los momentos más tensos del conflicto, el presidente Manuel Azaña le espetó a Juan Negrín una frase que aún hoy resuena como símbolo de compromiso cultural:

“El Prado es más importante que la República y la Monarquía, porque en el futuro podrá haber más repúblicas y monarquías en España, pero estas obras son insustituibles.”

Durante décadas, el franquismo ocultó esta historia. Pero la memoria de aquel acto de amor al arte ha ido recuperando su lugar, gracias a archivos, testimonios y exposiciones recientes.

La victoria de la cultura frente a la destrucción

Hoy, esas obras siguen colgadas en las salas del Museo del Prado, gracias a quienes arriesgaron sus vidas para protegerlas. Porque cuando todo se tambalea, incluso la democracia o la forma de Estado, el arte permanece. Y eso lo entendieron los protagonistas de aquel rescate: que preservar la cultura no era una frivolidad en tiempos de guerra, sino una forma de resistir al olvido y al horror.

Aquella epopeya silenciosa, tejida entre camiones, refugios y exposiciones lejanas, salvó mucho más que unos cuadros: salvó una parte esencial del alma de un país.

Los museos son entes vivos, sugerentes, demandantes, cautivadores, emocionantes. Por las obras que exponen, pero también por los diálogos que se generan entre ellas. Por las colecciones permanentes, las exposiciones temporales y todas las iniciativas que ponen a prueba los discursos que conectan sus muestras, sus salas, las voces de sus artistas, su arte. Pero la permeabilidad y la conversación no se consiguen solas, hace falta un trabajo de repensar, cuestionar y poner a prueba absolutamente todo, con distintos proyectos, ciclos y liderazgos. Esto es precisamente lo que ha conseguido Marina Vargas en el Museo Thyssen-Bornemisza a través de su exposición Revelaciones, en la que partiendo de la figura de María Magdalena, revienta el silenciamiento de las mujeres a lo largo de la historia (y los museos).

Su muestra, que podrá visitarse hasta el próximo 4 de mayo en la pinacoteca madrileña, forma parte del ciclo Kora, con el que la institución propone dar visibilidad a trabajos realizados por artistas femeninas de la escena actual, con una perspectiva de género. Entre ellas, la granadina que recomienda a este periódico iniciar el recorrido de su propuesta subiendo hasta la segunda planta del centro. De ella ha extraído algunas piezas de la colección permanente, que ha sustituido por títulos de cosecha propia. Del mismo modo, dentro del espacio dedicado expresamente a su exposición, están los cuadros del museo que ha querido enfrentar con su producción, en los nuevos contextos que ha creado ad hoc para la exhibición.

Revelaciones el resultado de más de un año de trabajo junto a la comisaria Semíramis González, en el que pudieron visitar el Thyssen a puerta cerrada para ir armando el relato de la muestra, con María Magdalena como punto de partida.

“Uno de los episodios más importantes que vivió y del que fue testigo directo es la muerte de Cristo”, explica Marina Vargas, que indica que la palabra 'muerte', en arameo, lengua originaria de Cristo, significa “aparecer en otro lado”. Igual que las obras que ha trasladado de las paredes del museo. Una de las primeras en irrumpir en la colección es una manzana que tiene unas tijeras clavadas. “Esta es una manera de cortar las dudas, las miradas malintencionadas, la mala energía”, comenta.

Hércules en la corte de Onfalia, de Hans Cranach, es un cuadro que representa un episodio de la vida del mito griego que, tras asesinar a su amigo Ifito, fue vendido a la corte de la Reina Onfalia, en la que solo había mujeres, que le “impusieron castigos tópicamente femeninos”. En sustitución, la artista ha colocado una obra compuesta por manos que, en lengua de signos, expresan #SeAcabó, el hastag que surgió en apoyo a la futbolista Jenni Hermoso.

Una frase que se volverá a repetir dentro de la exposición Revelaciones, en la que Marina Vargas ha dedicado toda una pared a enunciados expresados en este mismo lenguaje. Entre ellas: “El patriarcado tiene a Dios de su parte” de Kate Millet, “No tengo miedo, he nacido para esto” de Juana de Arco, “Levántate o desaparecerás” de la pionera del body art Hannah Wilke y “Otra voz silenciada” de la teóloga feminista Cynthia Bourgeault.

Cuerpo, palabra, visión

De nuevo en la primera planta del Thyssen, emerge Revelaciones, en la que el diálogo se realiza de forma opuesta. Las salas copadas por sus producciones están intervenidas por algunos lienzos de la colección del museo, estableciendo diálogos entre sí. Uno de los más especiales está ubicado hacia el final del recorrido, en el que un retrato de María Magdalena mira –como si cuidara– el autorretrato de Marina Vargas Noli me tangere (La incredulidad), en el que aparece ella misma tras haber sido sometida a una mastectomía. “Soy yo misma metiéndome los dedos en mi propia llaga, que es lo que para mí es el arte, meter los dedos en la llaga”, defiende la autora.

La granadina usa su arte para visibilizar la enfermedad, dar que hablar, mostrar, hacer físico, contar. Una de las tres salas que componen la muestra –cada una de un color–, dedicadas al cuerpo, la palabra y la visión, está estrechamente vinculada con el cáncer que ella misma padeció. Marina Vargas le dedica la visión porque “cuanta menos energía tienes, más se agudizan tus percepciones. Es algo instintivo. Muy animal y humano”.

En su estancia hay cangrejos, por ser el símbolo de cáncer, pero también por su naturaleza como “carroñeros, se comen todo lo muerto y eso los convierte en símbolo de limpieza y reencarnación”. En este espacio se encuentra una de las piezas más llamativas, y a su vez dolorosas: Exvotos, que está conformada por moldes usados de radioterapia, que ha forrado con pan de oro alemán, “para darle color a algo tan oscuro”.

“Al ir a radioterapia me sorprendió ver cómo algunas personas iban con este molde en la mano. Yo no lo tuve, porque mi cáncer era de mama, pero me llamó la atención como escultura”, recuerda la artista, que reconoce que no conocía la existencia de estas piezas, usadas para inmovilizar el cuerpo y que los rayos pasen únicamente donde tengan que dar al paciente. “Hay mucha desconexión con el cáncer, por eso empecé a hacer obra con la enfermedad. Hay ocultamiento porque también se castiga”, lamenta.

La artista ha elegido el color melocotón para la sala, siguiendo la propuesta de la activista del cáncer Charlotte Haley, que fue la primera en idear los lazos de este tono con los que, después de que su madre y su hija tuvieran cáncer, puso en marcha la recaudación de fondos para prevención e investigación. “Se popularizaron tanto que llegó una marca de cosméticos, Estée Lauder, y quiso comprarle la idea. Ella se negó a venderla, ya que dijo que era puro activismo, y decidieron cambiar el lazo al color rosa, que es algo que nos molesta mucho”, asegura Vargas.

“El rosa edulcora la enfermedad, la infantiliza, es una violencia en sí. Cuando estás en proceso de tratamiento, pierdes todo lo que tópicamente se considera femenino y todo se vuelve rosa. De repente hay un mes en el que las tiendas venden cosas rosas que no están hechas ni pensadas para las pacientes, y te das cuenta de cómo mercantilizan la enfermedad sin tener en cuenta a las enfermas”, critica la artista, que preside la Asociación Intra-Venus, con la que da apoyo y visibilidad a las creadoras con cáncer.

“El presente se volverá ayer”

La sala dedicada al cuerpo la preside una escultura que entra en diálogo con La virgen del árbol seco, de Petrus Christus, pintado en 1465. Marina Vargas la ha confrontado con una escultura compuesta por una misma figura reinterpretando el Éxtasis de Santa Teresa de Bernini, situada una encima de la otra, unidas por las cabezas de sus protagonistas. “El eje está formado por una columna energética. Una especie de yin y yang, con una pieza que ha acompañado mucho a lo largo de mi trayectoria, la piedad invertida o la madre muerta”, describe la artista, “la idea originaria venía de invertir los poderes, que fuera él quien la sostuviera a ella, para hablar de los cuidados, invertir esos papeles”.

La granadina ha incorporado en un breve pasillo un panel compuesto por bocetos, fotografías, imágenes y diagramas que formaron parte del proceso de ideación de la exposición: “Muy de taller y de cómo me enfrento yo al proyecto. Un cuerpo visual de cómo establezco las relaciones simbólicas que aparecen en momentos determinados de mi vida”. El desenlace de la muestra es una última sala de color negro, sin demasiada luz, y en la que se escucha la voz de la actriz María Botto de un texto escrito por Vargas.

“La familia también se elige”, “lo que se fue, se fue” y “no te aferres al presente porque pasará y se volverá ayer” son algunas de las frases que recita en el final de la muestra. Una vez cierre sus puertas en Madrid, la exposición viajará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro en México, donde se exhibirá entre septiembre de 2025 y enero de 2026.

En el corazón de Madrid, muy cerca de Plaza de España y a pocos pasos del bullicio del centro, se esconde uno de los secretos mejor guardados de la capital: el Museo Cerralbo.

Un lugar que parece detenido en el tiempo, donde cada sala, cada objeto y cada rincón nos traslada a los días de esplendor de la aristocracia madrileña del siglo XIX.

Ubicado en un palacete señorial de la calle Ventura Rodríguez, este museo sorprende no solo por su valor histórico, sino también por su belleza y autenticidad.

Casa dinástica, nobles y armaduras

Fue el hogar del marqués de Cerralbo, Enrique de Aguilera y Gamboa, un noble apasionado por el arte y la arqueología que dedicó buena parte de su vida a coleccionar piezas en sus viajes por España y Europa.

El resultado: un conjunto de más de 50.000 objetos, entre pinturas, esculturas, armaduras, relojes, muebles antiguos y curiosidades que hoy conforman una de las colecciones privadas más valiosas del país.

Visitar el Museo Cerralbo es sumergirse en una experiencia cultural completa. Sus estancias, decoradas con gusto exquisito, conservan el estilo original de la época con una mezcla de influencias neobarrocas y rococós que refuerzan la sensación de estar dentro de una novela histórica.

Todo está dispuesto como si el marqués aún viviera allí: desde los salones y comedores hasta la biblioteca y la armería.

Entradas para la visita

Además de su valor artístico, este museo tiene un gran atractivo añadido: su accesibilidad. La entrada cuesta solo 3 euros, pero hay varias fechas clave en las que se puede visitar de forma gratuita.

Cada jueves por la tarde y cada domingo por la mañana, así como en fechas especiales como el 18 de mayo (Día Internacional de los Museos), el 12 de octubre (Fiesta Nacional) o el 6 de diciembre (Día de la Constitución), el acceso es libre.

Para quienes buscan una joya cultural poco conocida, con ambiente íntimo y un viaje asegurado al pasado, el Museo Cerralbo es una parada obligatoria en Madrid. Un rincón que combina historia, arte y belleza... a precio popular y con la magia intacta del siglo XIX.

La poesía se cuela en el Museo Thyssen-Bornemisza este viernes, 21 de marzo, para celebrar el gran día del género literario con una jornada cargada de lírica. El primer día de la primavera comenzará con una fiesta poética que recorrerá diversas salas de la colección permanente del museo y continuará por la tarde en la Sala de Ámbito Cultural, en El Corte Inglés de Callao, con un homenaje al encuentro entre la música y la poesía.

El Día Mundial de la Poesía comenzará a las 12.00 horas de la mano de la cantautora y poeta Christina Rosenvinge, que inaugurará un recorrido en el que 21 poetas de España y Latinoamérica presentarán a los visitantes del museo sus creaciones frente a paisajes expresionistas, cuadros cubistas, obras europeas de entreguerras y estadounidlenses de posguerra. Un abanico de poetas que permitirá escuchar la voz de diferentes generaciones de creadores en espacios habitualmente silenciosos. El recorrido finalizará con una lectura por parte de la actriz Pilar Gómez España y por el coordinador del ciclo de Ámbito Cultural, L de Lírica, Gonzalo Escarpa.

Entre ellos estarán presentes varios de los ganadores de las últimas ediciones del Premio Nacional de Poesía Viva #LdeLírica que organiza Ámbito Cultural y La Piscifactoría Laboratorio de Creación, como Ännet Batlles (2024), Marta Vicente Antolín (2020), Miguel Sánchez Santamaría (2019), junto a otros escritores ganadores de diversos galardones del panorama nacional e internacional como Bernard Engel (Premio Nacional de Poesía Emergente 2023), Rafael Soler (Premio Europa in Versi e in Prosa 2021), Rosana Acquaroni (Premio Libro del Año del Gremio de Libreros de Madrid 2019), Constantino Molina (Premio Nacional de Poesía Joven Miguel Hernández 2016) y Ana Rossetti (Premio Internacional de Poesía Rey Juan Carlos I 1985). El recital será de 12.00 a 14.00 horas y es imprescindible adquirir entrada en el museo.

Por la tarde, en la sala de Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Callao, se rendirá homenaje a la fusión entre la música y la poesía, celebrando la unión de grandes versos con melodías inolvidables. Conducida por Gonzalo Escarpa, la sesión de tarde comenzará a las 19.30r y acogerá la participación del cantautor Carlos Ávila y las poetas Marta Vicente Antolín y Annët Bätlles, seguidos por el grupo Tulsa, liderado por la inconfundible voz de Miren Iza, reciente ganadora del Premio Nacional de las Músicas Actuales.

Para cerrar la jornada, el Día Mundial de la Poesía finalizará rimando con su inicio y contará de nuevo con la voz, y esta vez también con la guitarra, de Christina Rosenvinge. El acceso a este evento es gratuito y de entrada libre hasta completar aforo.

Puedes consultar a continuación el programa completo de actuaciones:

Este es el tercer año que Ámbito Cultural de El Corte Inglés, a través de su ciclo de difusión poética L de Lírica, celebra de este modo el Día Mundial de la Poesía. En las dos ediciones anteriores, 2023 y 2024, la poesía tomó las salas del Museo Sorolla y del Museo del Prado, respectivamente. En esta ocasión, la entidad cultural contará con la colaboración de La Piscifactoría Laboratorio de Creación.

El fallo dictado por un tribunal de apelación estadounidense que confirmaba que un cuadro de Camille Pissarro robado por los nazis en Alemania en 1939 pertenece al Museo Thyssen-Bornemisza ha sido anulado por el Tribunal Supremo de EEUU, según informa Europa Press. Se trata de la obra de 1897 Rue Sant-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia. 

La Comunidad Judía de Madrid y la Federación de Comunidades Judías de España presentaron un escrito en febrero ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos en apoyo a la familia de David Cassirer, quien pide que se le reconozca como propietario de la obra. El escrito planteaba que España no tiene un interés legítimo en aplicar el Artículo 1955 del Código Civil Español, que permitiría conservar la obra.

El caso tendrá que volver ahora al Tribunal de Apelaciones del noveno circuito para que tomen una nueva decisión a la luz de la ley que se aprobó en California, la cual dice que no se puede aplicar el derecho extranjero, como en este caso España, para determinar quién es el legítimo propietario del cuadro.

El lienzo fue adquirido por la familia Cassirer. En 1939, Lilly Cassirer, antes de escapar de la Alemania nazi, se vio obligada a 'vender' la obra a los nazis a cambio de un pasaporte para poder salir del país. La pintura acabó en manos del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza en 1976, que lo compró en una galería de Nueva York y, en 1993 lo vendió a la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza.

El nieto de Lilly, el fotógrafo Claude Cassirer, descubrió expuesto el cuadro en el Museo Thyssen en Madrid en 1999. Pidió la devolución, pero le fue denegada y en 2005 inició una batalla legal en California. El retratista falleció en 2010, pero sus herederos han mantenido el caso abierto. Tras varias instancias, en 2022 el Tribunal Supremo de EEUU dictó una resolución por la que dio marcha atrás, al resolver que a la obra se le debería haber aplicado la norma de conflicto de leyes de California.

Esta institución ordenó a los tribunales inferiores reabrir el caso para determinar qué derecho se debía aplicar: el derecho español, como se había hecho hasta el momento –y por el que la obra es propiedad del Thyssen–, o el de California, que, en caso de aplicarse, reconocería a los Cassirer como propietarios.

España es un destino cultural de primer nivel y sus museos son prueba de ello. Desde grandes pinacotecas hasta espacios vanguardistas dedicados al arte contemporáneo, la oferta museística del país es impresionante.

Cada año, millones de visitantes recorren sus salas para contemplar algunas de las obras más icónicas de la historia del arte, desde los maestros del Siglo de Oro hasta las vanguardias del siglo XX. Estos son los cinco museos más visitados de España, auténticos referentes para los amantes del arte y la cultura de nuestro país.

1. Museo Nacional del Prado (Madrid)

No hay museo en España que reciba más visitantes que el Museo del Prado. Ubicado en el corazón de Madrid, este espacio alberga una de las colecciones de arte más importantes del mundo. Su catálogo recorre la historia de la pintura europea desde el siglo XI hasta el XVIII, con especial protagonismo de la escuela española. Velázquez, Goya, El Greco y Murillo son solo algunos de los grandes nombres que llenan sus salas.

Obras como Las Meninas, Las Majas de Goya o El jardín de las delicias de El Bosco son algunas de las joyas que hacen de esta pinacoteca una parada obligatoria en la capital. Su colección de pintura italiana y flamenca, con nombres como Tiziano, Rubens o Van Dyck, también es de las más destacadas a nivel mundial.

2. Museo Reina Sofía (Madrid)

Si el Prado es el museo de la tradición pictórica, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es su contraparte moderna. En sus salas, que abarcan desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, conviven movimientos como el cubismo, el surrealismo y el arte figurativo, con grandes nombres de la pintura contemporánea española e internacional.

Su pieza más visitada es, sin duda, el Guernica de Picasso, una de las obras más emblemáticas del siglo XX. Además, el museo alberga importantes trabajos de artistas como Dalí, Miró, Juan Gris o Tàpies, consolidándose como un referente imprescindible del arte moderno y contemporáneo.

3. Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)

Cerrando el triángulo del arte de Madrid, junto al Prado y el Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza es una de las colecciones privadas más importantes del mundo, ahora parte del patrimonio español. Su propuesta es única, ya que abarca estilos artísticos que no tienen tanta representación en los otros dos museos.

Aquí se pueden encontrar obras del Renacimiento, el Barroco, el Rococó, el Romanticismo y el Impresionismo, con nombres como Caravaggio, Van Gogh, Monet, Kandinsky o Hopper. Su recorrido permite entender la evolución del arte desde la Edad Media hasta el siglo XX, con una variedad de estilos que lo convierten en un museo imprescindible para cualquier amante de la pintura.

4. Museo Guggenheim (Bilbao)

El Museo Guggenheim de Bilbao es una de las instituciones más importantes de España y un referente mundial del arte contemporáneo. Su espectacular edificio, diseñado por Frank Gehry, es en sí mismo una obra de arte y un símbolo de la ciudad.

Más allá de su arquitectura vanguardista, el museo alberga una impresionante colección de arte moderno y contemporáneo, con piezas de artistas como Jeff Koons, Richard Serra, Louise Bourgeois y Yves Klein. Además, las exposiciones temporales que acoge cada año atraen a visitantes de todo el mundo, consolidándolo como uno de los espacios culturales más influyentes de España.

5. Museo Picasso (Barcelona)

Picasso es una de las figuras más importantes del arte español, y aunque su ciudad natal es Málaga, fue en Barcelona donde el artista pasó su juventud y dio sus primeros pasos en el mundo del arte. El Museo Picasso de Barcelona reúne más de 3.500 obras del genio malagueño, convirtiéndose en una de las colecciones más completas sobre su trayectoria.

Su exposición permanente recorre sus diferentes etapas creativas, desde su formación académica hasta sus periodos cubista y expresionista. También se pueden encontrar bocetos y estudios que revelan el proceso creativo del artista, ofreciendo una visión más profunda de su evolución y de la huella que dejó en la historia del arte.

Una oferta cultural inigualable

Estos cinco museos encabezan la lista de los más visitados en España, pero el país cuenta con muchas más instituciones culturales que merecen reconocimiento. Lugares como el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Dalí en Figueres, el Museo de Bellas Artes de Valencia o el Centro Botín en Santander siguen enriqueciendo el panorama museístico nacional.

Con una oferta tan variada, España sigue siendo un destino de referencia para los amantes del arte, donde cada museo ofrece una experiencia única que permite viajar a través de los siglos y descubrir la evolución de la creatividad humana.

Tintoretto llega a Toledo con uno de los cuadros “más emblemáticos” de la pintura veneciana del siglo XVI. El retrato de un senador que antes solo podría contemplarse en el Museo Thyssen-Bornemisza ahora es visitable en el Museo del Greco hasta el próximo 8 de junio.

La obra de Tintoretto (Venecia, 1518-1594), exhibida en el museo toledano, corresponde al retrato de un senador anciano en óleo sobre lienzo y está acompañada de dos obras de El Greco, que también representan a importantes cargos de la época en su senectud.

Estos cuadros ofrecen una mirada de otra época, donde la vejez, al contrario que en la actualidad, no era sinónimo de 'incapacidad' - hoy una de cada tres personas mayores se siente ignorado por su edad- , sino un reflejo de “poder y sanidad”.

La exposición ubicada en la Sala Pintoreta del museo toledano ha surgido como colaboración con el Thyssen-Bornemisza que alberga numerosas obras de del pintor veneciano. 'Tintoretto, la huella veneciana' y su colección permanente no son las únicas exposiciones activas. 'El Greco is different' también permanece abierta hasta el 9 de marzo.

La importancia de retratar 'lo viejo'

En la sociedad actual donde en ocasiones impera la cultura de la belleza y a través de las redes sociales se pone de manifiesto la importacia del uso de filtros y retoques, los pintores del siglo XVI ya rompían con las barreras del edadismo. Tanto Tintoretto como El Greco se encargaron de retratar a “la gerontocracia, en el primer caso de la República de Venecia, y en el segundo de Toledo desde una perspectiva que no disimula el tema de la vejez, sino que la convierten en una cualidad como paradigma de sanidad, serenidad y poder”, resalta Carolina Tobella, la conservadora del Museo del Greco.

La similitud entre el retrato realizado por Tintoretto y las obras de El Greco -que retrata a Antonio de Covarrubias y Diego de Covarrubias- se halla patente en su técnica de óleo sobre lienzo. Asimismo, son muy semejantes dado que “ofrecen una imagen piramidal sobre un fondo neutro, donde ambos pintores logran concentrar la carga emotiva y psicológica de los personajes en el rostro y la mirada”. Tobella ha añadido que con esta exposición se quiere “generar una interacción entre el retrato veneciano y el retrato de El Greco, que, como sabemos, es el introductor en Castilla de muchos preceptos estilísticos aprendidos en Italia”.

Tintoretto y su huella veneciana

Jacopo Tintoretto fue uno de los principales representantes del “venecianismo” en el siglo XVI, llegando a ser retratista oficial de la República de Venecia para importantes cargos de la época de todos los estamentos sociales. Se le considera un “avance” de su contemporáneo Tiziano y entre sus obras no solo prevalecen los retratos, sino pinturas que beben de la mitología como El origen de la Vía Láctea, o de la tradición católica como La última cena. De esta última corriente también es su obra Susana y los viejos, que en este caso si se le da una lectura actual no ensalzaría la vejez como un símbolo de rectitud, sino que tiene que ver con una crítica moral y con una denuncia a abusos por razón de género, donde la historia narra que Susana al rechazar la proposición de los ancianos es denunciada por adulterio.

La exposición estará abierta al público desde el 25 de febrero hasta el 8 de junio en el Museo del Greco y desde la institución cultural plantean futuras “actividades educativas” para que los visitantes se acerquen más a la obra de El Greco.

El Museo Thyssen Bornemisza ha presentado este jueves el programa de exposiciones que va a desarrollar a lo largo de 2025. Las exhibiciones incluyen a artistas como Proust, Warhol, Pollock, Pablo Picasso y la cineasta Isabel Coixet, que presentará a partir del 10 de junio una colección de cincuenta fotocollages inéditos, y que formará parte de PhotoEspaña 2025. “Conectan con cierta fascinante precariedad, ese trabajar desde lo poco que, de alguna manera, la directora persigue también en su cine”, ha explicado el director de la pinacoteca, Guillermo Solana, sobre las obras de la directora.

La primera muestra en abrir sus puertas será Marina Vargas: Revelaciones, el próximo lunes 10 de febrero. “Parte de su trabajo consiste en el redescubrimiento de voces femeninas silenciadas”, ha descrito el responsable, destacando el protagonismo de María Magdalena. A través de ella, la granadina traza un recorrido expositivo que explora las figuras de las mujeres en la historia del arte, en la imaginería, pero también en el relato sagrado a partir de su biografía y su experiencia personal, con una perspectiva local que busca romper el silencio patriarcal que las ha relegado a un segundo plano.

El 4 de marzo llegará el turno de Proust y las artes, que ahondará en la importancia que estas tuvieron en la obra del escritor francés. Incluirá pinturas de Rembrandt, Vermeer, Van Dyck, Watteau, Turner, Fantin Latour, Manet, Monet, Renoir y Whistler, entre otros; una escultura de Antoine Bourdelle, diseños de Mariano Fortuny y una selección de manuscritos del autor.

El Thyssen se reserva para otoño Warhol, Pollock y otros espacios americanos, que reunirá la obra de estos dos nombres clave del arte del siglo XX, junto a otros artistas que, durante el mismo periodo, replantearon problemas relacionados con las nuevas estrategias espaciales. Ambos trastocaron la noción de fondo y de la figura, y se centraron en un proyecto que, en sus estrategias pictóricas, les servía como camuflaje. Desde la pinacoteca lo han definido como hasta cierto punto “autobiográfico” para dos autores que trabajaron sobre la repetición, la serialidad y la abstractización como forma de encontrar un lugar en el mundo que les tocó vivir.

También en otoño, a partir del 28 de octubre, se podrá visitar Picasso y Klee en la colección Heinz Berggruen, el coleccionista alemán que abrió una legendaria galería de arte en París, especializada en arte moderno, que durante tres décadas contó con una prestigiosa clientela, entre la que se encontraba su amigo el barón Thyssen-Bornemisza. La exhibición contará con piezas de la colección permanente. El artista y compositor libanés Tarek Atoui, la japonesa Ayako Rokkaku, la canadiense Anna Weyant, el británico John Akomfrah y el italiano Francesco Guardi serán el resto de protagonistas del programa del Thyssen.

Tendencia hacia el arte contemporáneo

Guillermo Solana, director del centro, ha explicado que, desde hace varias décadas, existe una tendencia de los museos hacia el arte contemporáneo, citando como ejemplos el Louvre y el Metropolitan de Nueva York. “Los artistas contemporáneos son los mejores mediadores entre el arte moderno y el antiguo. Los que mejor nos pueden comunicar el arte del pasado, los que mejor lo entienden”, ha descrito. Para el responsable, sus piezas son fundamentales para mostrar al público general que el arte contemporáneo “no es el coco”.

“Para gran parte de gente, se ha convertido en algo temible, oscuro, hermético. Nuestro empeño es mostrar a la audiencia general que el arte contemporáneo es mucho más plural y variado de lo que se suele imaginar. Muchas obras van a interesar a quienes vengan a buscar a los maestros de siempre”, ha compartido. En el empeño del Thyssen seguirá estando igualmente acercar a los visitantes más jóvenes, para que no les resulten “una institución lejana”.

También estará en el radar trabajar en torno a la memoria colonial, como hicieron el año pasado con la exposición que tomó el mismo nombre, y que explicó cómo el imaginario colectivo al que ha contribuido la historia del arte condiciona nuestro presente. El director Guillermo Solana ha avanzado que tiene pendiente un proyecto sobre animalismos, en el que explorará el papel de los animales dentro de la colección.

La Comunidad Judía de Madrid y la Federación de Comunidades Judías de España han presentado esta semana un escrito ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos en apoyo a la familia Cassirer, para que España le devuelva el cuadro de Camille Pissarro que fue expoliado por los nazis, después de que un tribunal de apelaciones considerara que el Estado español debía seguir siendo el propietario de la obra.

El artista francés pintó el lienzo Rue Sant-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia en 1897, y fue adquirido por la citada familia. Años más tarde, en 1939, Lilly Cassirer, antes de escapar de la Alemania en la que estaba ascendiendo Hitler, se vio obligada a 'vender' la obra a los nazis por un precio irrisorio, a cambio de un pasaporte para poder salir del país. La pintura acabó en manos del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza en 1976, que lo compró en una galería de Nueva York y, en 1993 lo vendió a la Fundación Colección Thyssen-Bornemisza.

La sorpresa para el nieto de Lilly, el fotógrafo Claude Cassirer, llegó en 1999, cuando descubrió expuesto el cuadro en el Museo Thyssen en Madrid. Su petición de devolución fue denegada y en 2005 decidió abrir una batalla legal en California. El retratista falleció en 2010 a los 89 años, pero sus herederos han mantenido el caso abierto. Tras varias instancias, el Tribunal Supremo de EEUU dictó a principios de 2022 una resolución por la que dio marcha atrás, al resolver que a la obra se le debería haber aplicado la norma de conflicto de leyes de California.

Esta institución ordenó a los tribunales inferiores reabrir el caso para, aplicando la norma californiana, determinar qué derecho se debía aplicar: el derecho español, como se había hecho hasta el momento –y por el que la obra es propiedad del Thyssen–, o el de California que, en caso de aplicarse, reconocería a los Cassirer como propietarios. A principios de 2024, la Corte Federal de Apelaciones de California sentenció que el Estado español era el legítimo propietario de Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia, que está valorado en unos 28 millones de euros.

Aun así, la familia no se dio por vencida y solicitó la reconsideración de la decisión de esta Corte que denegó revisar el caso. El proceso contó con un voto en contra de uno de los magistrados, que consideró que sí que debía haberse aplicado la ley de California.

Alcanzado el mes de diciembre, la familia Cassirer decidió recurrir al Tribunal Supremo. A la espera de saber si será o no admitido a trámite, la Comunidad Judía de Madrid y la Federación de Comunidades Judías de España han presentado esta semana un escrito 'Amicus Curiae' para apoyar su causa. Un escrito 'Amicus Curiae' es un informe técnico que pueden presentar personas ajenas a un litigio, pero que tienen interés en la materia, para brindar argumentos para la resolución de un asunto, dar su opinión jurídica, proporcionar información o alterar sobre los posibles efectos de una decisión. En lo respectivo al Pissarro, ayudar a que los Cassirer logren recuperarlo.

Este periódico se ha puesto en contacto con el Thyssen para preguntarle por el caso, desde donde su director gerente, Emilio Acevedo, insiste en que “la legítima propiedad de la obra de Pissarro por parte del museo ha sido confirmada en repetidas ocasiones y por diversas instancias judificiales de EEUU tras un juicio justo”. El responsable recuerda que la familia Cassirer fue indemnizada por parte del gobierno alemán. “Dado que las cuestiones que se plantean nuevamente ahora, ya han sido debidamente escuchadas, comprendidas y respondidas por las instancias a las que se le han planteado, respetuosamente no entendemos que una nueva petición para revisar estas mismas cosas tenga justificación alguna”, concluye.

Las expectativas en torno al recurso

Bernardo Cremades Jr., letrado del bufete B. Cremades & Asociados que representa a las comunidades judías de España, explica a elDiario.es que, desde la última resolución desfavorable para la familia, el legislador californiano ha aprobado una ley que dicta que, “en cualquier caso, las obras de arte expoliadas por el nazismo, siempre que haya disputa sobre su propiedad, deben sujetarse al derecho de California”. Y que esta debía aplicarse tanto a los procedimientos futuros como a aquellos que estén ya en marcha. Durante el proceso, citó el caso del lienzo de Pissarro.

Esta aprobación, junto a la comentada oposición del magistrado, son para el despacho dos elementos “para pensar” que el Tribunal Supremo sí puede acabar admitiendo el recurso a trámite. Sobre el apoyo de las comunidades judías españolas a la causa, el letrado explica que el objetivo de estas es “intentar arreglar los desaguisados del Holocausto y perpetuar la memoria histórica para que no se pueda readmitir”.

En el texto presentado, al que ha tenido acceso elDiario.es, argumentan que España debería ser consecuente con los instrumentos internacionales firmados en las últimas décadas, en los que se comprometían a devolver arte robado. Entre ellos, los Principios de Washington, la Declaración de Terezin y convenciones de la UNESCO.

Diferencias entre el expolio nazi y el franquista

Para el jurista Bernardo Cremades Jr. es “aún más paradójico” que el Estado español esté “activamente revisando las obras de arte expoliadas por el franquismo” –en especial tras la publicación del listado de 5.000 obras incautadas para que sean reclamadas por sus dueños el pasado mes de junio–, “y, por otro lado, negándose a devolver arte expoliado por los nazis”. “¿Será porque el franquismo trae votos y el Holocausto no? No tengo ni idea, pero están adoptando posturas contrarias”, valora el abogado.

Tampoco sería la primera vez que España devuelve cuadros procedentes del expolio nazi a sus dueños. El Museo de Pontevedra entregó en 2022 al Gobierno de Polonia un díptico medieval del siglo XV, atribuido al pintor Dieric Bouts, propiedad de la Institución. La Mater Dolorosa y el Ecce Homo pertenecen a la colección fundada a finales del siglo XVIII por la princesa Izabella Czartoryska-Dzialynska, con obras como La dama del armiño, de Leonardo, o el Retrato de un joven, de Rafael, adquiridos en Italia. El retrato de Rafael sigue sin aparecer desde que la colección fue incautada por los nazis en 1941, durante la ocupación de Polonia.

El letrado Bernardo Cremades Jr. valora que “todavía queda tela por cortar” en el caso. Si el Tribunal Supremo acabara dictando a favor de la familia y finalmente se aplicara el derecho de California, el Thyssen tendría que devolver el cuadro a la familia Cassirer. En caso contrario, permanecerá en propiedad de la pinacoteca. Para el abogado, esto implicaría “dar una imagen pésima de España”, como “refugio seguro” de arte robado. Eso sí, advierte que el proceso podría alargarse entre “año y medio y dos años”, dado que de admitirse, se pedirían escritos más desarrollados a ambas partes y se convocaría una vista.