En un año de tanto y tan buen cine español es normal que muchas películas se queden fuera de las nominaciones a los premios. Los Goya, además, no tienen la ventaja de poder separar entre comedia y drama y que así entren más obras, por lo que siempre es más fácil que haya títulos que acaben siendo olvidados. En un año donde Los domingos ha arrasado con todo, sumando 13 nominaciones, y Sirat le ha seguido con 11, estas son las ausencias más sonadas:

'Romería'

A la película de Carla Simón le ha pasado como a La habitación de al lado el año pasado. Pese a su presencia en festivales internacionales (Romería estuvo en Cannes), no ha logrado entrar en la categoría de Mejor película, pero sí en la de Mejor dirección. Se venía barruntando esa posibilidad desde hace tiempo, cuando La cena, la comedia de Manuel Gómez Pereira, empezó a convertirse en un pequeño fenómeno en la taquilla y se ha confirmado en estas nominaciones, que ya daban señales desde sus primeros compases. La Academia tampoco se ha acordado de la fotografía de Helene Louvart, el montaje de Ana Pfaff ni la banda sonora del hermano de la directora, Ernest Pipó.

Sergi López

“¿Puedo quejarme un poco?”, decía la productora de Sirat, Esther García tras conocer las 11 nominaciones de su película. Estaba feliz, pero pensaba que el trabajo de Sergi López merecía el reconocimiento en la categoría de Mejor actor protagonista. Todos daban por hecho su presencia, de hecho él opta al mismo premio en los EFA, los premios del cine europeo. Sin embargo, la Academia de Cine ha sorprendido con la presencia de Manolo Solo, también magnífico en su trabajo en Una quinta portuguesa, el filme de Avelina Prat que ha sido una de las sorpresas de las nominaciones con tres candidaturas.

'Los tortuga'

Solo una nominación para la película de Belén Funes sabe a muy poco. Es uno de los mejores filmes españoles del año, una obra que demuestra una madurez narrativa y que supone su segunda película. Debería haber optado a premios como Mejor guion o incluso Mejor película, pero este retrato de cómo la precariedad afecta hasta al duelo de una madre y una hija solo logró dos nominaciones, la de la actriz chilena Antonia Zeggers como interpretación femenina protagonista y la de Elvira Lara como actriz revelación.

'La buena letra'

El cine de Celia Rico es tan frágil, aparentemente tan pequeño, que suele pasar desapercibido. Le pasó con su anterior obra, la estupenda Los pequeños amores, y le ha pasado con esta brillante adaptación de la novela de Rafael Chirbes, que solo ha logrado la mención a Mejor guion adaptado. Un trabajo que merecía más, o como poco, que sus apartados técnicos como la fotografía y la interpretación de Loreto Mauleón estuvieran presentes. 

'Tardes de soledad'

Una de las sorpresas de la tarde la dio Albert Serra, que ha logrado con Tardes de soledad, su documental sobre la tauromaquia, lo que nunca había logrado con sus anteriores obras de ficción: su primera nominación al Goya como director. Ni siquiera Pacifiction había logrado colarse y la Academia le ha hecho un hueco en una categoría importante y en la de Mejor documental. Ahora bien, ¿por qué no en Mejor película?, ¿cómo es posible que no esté en montaje y sonido cuando son claves en el filme?

'Madrid EXT'

Uno de los mejores documentales del año no ha encontrado su hueco entre las cinco películas finalistas en su categoría en los Goya. Madrid EXT, la sinfonía de Juan Cavestany que ofrece una mirada crítica a un Madrid que desaparece merecía la nominación no solo ahí, sino también en montaje y a la excelente banda sonora de Guille Galván, miembro de Vetusta Morla, y que ha compuesto una pieza fundamental en la obra.

Iraia Elías

Si bien su compañera de reparto en Un fantasma en la batalla, Susana Abaitua, logró la merecida nominación a actriz protagonista, es injusto que Iraia Elías no haya conseguido la suya como actriz de reparto. Su juego de espejos en el thriller de Agustín Díaz Yanes es complejo, lleno de detalles, y basado más en el silencio que en las palabtas. Un trabajo finísimo que merecía más reconocimiento.

'Golpes'

Casi todo el mundo daba por hecho que Rafa Cobos sería uno de los cinco nominados en la categoría de Dirección novel. El guionista de Alberto Rodríguez ha debutado en el largometraje con una inteligente revisión del cine quinqui que había gustado a la crítica. Sin embargo, el filme no ha logrado ninguna candidatura. No solo destaca la ausencia de Cobos, un nombre muy respetado por la Academia y con varios cabezones en su poder, sino también apartados técnicos como su fotografía o montaje.

'A nuestros amigos'

Otro excelente documental que merecía la nominación El trabajo de Adrián Orr, desdibujando los límites entre la ficción y la no ficción es finísimo y una de las miradas más certeras al desclasamiento y al barrio del cine de los últimos años. Un director a tener en cuenta y que la Academia podría haber tenido en cuenta. 

Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, y Sirat, de Oliver Laxe, han cumplido con todas las apuestas y han dominado las nominaciones a los Goya. Ambas han sido las dos películas más mencionadas en la lectura de las candidaturas que han realizado Toni Acosta y Arturo Valls. Son las dos películas que más debate han provocado el pasado curso, además de dos éxitos en la taquilla, y ahora llegan como claras favoritas tanto en número de nominaciones como por el músculo que han demostrado en todos los premios. Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13, mientras que Sirat le sigue en la cuenta con 11.

Se verán las caras en las principales categorías: película, dirección y guion original, además de en un buen puñado de los apartados técnicos. Completando el quinteto de nominados se encuentra la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró 7 nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó 9— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con 8.

Aquí llegó una de las grandes sorpresas de la tarde, aunque una que se venía barruntando desde hace meses. La quinta plaza de Mejor película fue para la comedia antifranquista, un éxito en taquilla, dejando fuera del quinteto a Romería, de Carla Simón, que se conformó con la nominación de Mejor dirección y guion adaptado, pero que por primera vez se queda fuera de la categoría reina. Al final fueron solo seis para el filme de Simón, que estuvo en la Sección Oficial de Cannes.

La categoría de Mejor dirección tenía guardada otra de las sorpresas. Solo tres de las películas nominadas a Mejor película repiten en la categoría de Mejor dirección. Sorda no podía al ser una dirección novel, y La cena no logró dar la campanada. Al final, esas dos plazas fueron para la ya citada Carla Simón y para Albert Serra, que por Tardes de soledad logró también la nominación a Mejor documental. Junto a ellos: Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos; Oliver Laxe, por Sirat, y Aitor Arregi y Josemari Goenaga, por Maspalomas.

Otra de las nominaciones donde hubo giro final fue en la de mejor actor. Cuatro de los favoritos cumplieron con las apuestas: Mario Casas, por Muy lejos; Jose Ramón Soroiz, por Maspalomas; Miguel Garcés, por Los domingos, y Alberto San Juan, por La cena. Todos esperaban que la quinta plaza fuera para Sergi López, por Sirat, pero finalmente ese hueco fue para Manolo Solo, por Una quinta portuguesa, que también logró las menciones de guion original y Actriz de reparto para María de Medeiros. Tampoco ninguno de los raveros del filme de Laxe consiguieron entrar entre los finalistas.

En la categoría de Mejor actriz también hubo hueco para una sorpresa, la presencia de la actriz chilena Antonia Zegers, por Los tortuga, que se suma a Patricia López Arnáiz, por Los domingos; Ángela Cervantes, por La furia; Susana Abaitua, por Un fantasma en la batalla; y Nora Navas, por Mi amiga Eva.

Quien no dejó una categoría interpretativa libre fue Los domingos. Todos y cada uno de sus protagonistas fueron nominados. Desde Patricia Lóper Arnáiz y Miguel Garcés, sus protagonistas, a Blanca Soroa como revelación —donde es la favorita junto a Miriam Garlo, por Sorda—, a Nagore Aramburu, como actriz de reparto y a Juan Minujín, como actor de reparto. Es la película que consigue más actores nominados, seguida por Romería, que consigue nominación para Llucia Garcia como actriz revelación; Mitch, como actor revelación y Miriam Gallego, como Actriz de reparto. También tres menciones tiene La cena: actor protagonista para Alberto San Juan, Actriz de reparto para Elvira Mínguez y Actriz revelación para Nora Hernández.

Sorda será el rival a batir en la categoría de Mejor dirección, donde también lograron la nominación Jaume Claret Muxart, por Extraño río; Gemma Blasco, por La furia, Gerard Oms, por Muy lejos y la sorpresa de Ion de Sosa con la inclasificable y libérrima Balearic. En Mejor documental Tardes de Soledad y Flores para Antonio llegan como favoritos en un quinteto que completaron 2025: Todos somos Gaza; The sleeper, el Caravagio perdido y Eloy de la iglesia, adicto al cine.

Aunque no lograron entrar en las categorías grandes, sí que arrasaron en lo técnico dos filmes como El cautivo y Los tigres. La película sobre el cautiverio de Cervantes en Argel de Alejandro Amenábar acabó la cuenta con siete candidaturas, entre ellas la de Julio Peña como actor revelación; el mismo número de candidaturas que Los tigres, el thriller de Alberto Rodríguez, que también se quedó fuera de Mejor película y Mejor dirección.

El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Carla Simón.

El cine de 2025 ha sido la confirmación de las nuevas miradas del cine español. Por primera vez en años hubo dos películas españolas en la sección oficial de Cannes y otra tercera (la estupenda Ciudad sin sueño) en la Semana de la Crítica. Es un triunfo y un cambio de paradigma que se refleja en este top de lo mejor del año que tiene en cuenta el cine estrenado desde el 1 de enero al 31 de diciembre y que tiene una vencedora tan previsible como lógica.

Todo en un año que vivió, en sus últimos compases, un movimiento que puede sacudir toda la industria. La posible compra de Warner por parte de Netflix puede cambiar todo en unos meses. Aunque aquí haya diez títulos, hay muchos más que merecían estar: Los tortuga, Una casa llena de dinamita, Valor Sentimental, La luz que imaginamos, Madrid EXT, Kontinental '25 o el estupendo Superman que hizo James Gunn. O el corto de Elena López Riera, Las novias del sur, y el riesgo de la distribuidora Atalante trayendo y descubriéndonos el cine de Maurice Pialat. Poder ver La infancia desnuda en una sala de cine es una de las grandes experiencias cinematográficas del año.

10. 'Un simple accidente'

Jafar Panahi logró su primera Palma de Oro por esta película rodada en clandestinidad en Irán, y que le permitió salir del país por primera vez en años. Ahora se enfrenta a una nueva pena de prisión cuando regrese al país. Son motivos extracinematográficos, pero importantes para ver el talento del cineasta iraní para, con todos los impedimentos posibles, crear un thriller lleno de humor negro que habla sobre cómo romper el círculo de la violencia y si la venganza es la mejor forma de lograrlo. Su plano final, con ese fuera de cuadro y el sonido que amenaza de nuevo es uno de los mejores del año.

9. 'Los chicos de la Nickel'

Menuda adaptación personal, compleja e interesante la que se sacó de la manga el casi debutante Ramel Ross, que solucionaba los problemas de la novela de Colson Whitehead con una solución que subrayaba cómo el punto de vista de una película es fundamental. El espectador veía el filme desde los ojos, literal, de estos dos chavales conocidos en un reformatorio donde se asesinaba a los jóvenes negros y se les enterraba sin dar noticias a sus familiares. Sin acudir al drama fácil, con una puesta en escena excelente, Ross se confirmaba como un gran director a seguir.

8. 'Alpha'

Sí, Alpha es una película irregular, pero como su propia directora, Julia Ducournau, decía cuando recogió la Palma de Oro por Titane, ella es consciente de que sus películas están lejos de ser perfectas, y por ello son tan únicas, se sienten tan diferentes y personales. Qué fácil hubiera sido para la cineasta francesa acomodarse y hacer algo grande en EEUU, y, sin embargo, desde su estilo descarnado e intenso aborda las heridas que dejó el SIDA en un filme que siempre apuesta por ofrecer algo nuevo. Va tan a saco, que muchas veces se estrella, pero cuando funciona es mejor que la mayor parte del cine que se estrena.

7. 'The mastermind'

Qué buena es Kelly Reichardt. Sin hacer ruido, sin aspavientos, se ha convertido en una de las cineastas fundamentales del cine independiente de EEUU de las últimas décadas. A una filmografía impecable con títulos como First Cow y Old Joy une ahora esta película que revienta los clichés del cine de robos. Le quita el glamour, lo imprime del gris de las vidas cotidianas, y de fondo las protestas contra la guerra de Vietnam en un momento que pudo ser de cambio, pero acabó en una ilusión. Todo con un Josh O’Connor pletórico.

6. 'La voz de Hind'

Muchas veces se usan con demasiada facilidad adjetivos como ‘necesaria’ o ‘importante’ para hablar de una película. Con La voz de Hind se pueden decir sin tener miedo, porque lo que ha hecho Kaouther Ben Hania con este filme es un cine de urgencia, un puñetazo en la mesa para concienciar a la gente sobre el genocidio en Gaza. Lo ha hecho con una película que huye de la pornografía emocional y que se mantiene fiel a su propuesta ética y estética: usar la voz real de Hind Rajab, la niña asesinada por el ejército israelí a tiros, para recrear las labores de la Media Luna roja que intentaron rescatarla. Un thriller de cuenta atrás en donde uno sabe el final y que es una de las películas que marcan este año, sin ninguna duda.

5. 'Sirat'

Y nos fuimos de rave gracias a Oliver Laxe. Su propuesta más popular, sin renunciar a sus señas de identidad ya apuntadas en su obra anterior, se ha convertido en un fenómeno internacional. En Cannes todo el mundo hablaba de ella y ganó el Premio del Jurado. Ahora en Hollywood dan palmas con esta propuesta sensorial, inmersiva y hasta física. Ha pasado el corte en cinco categorías de los Oscar y ha confirmado a Laxe como uno de los grandes directores españoles. Una película que cuenta, además, con un mensaje político contundente: hasta aquellos que quieren salir del sistema acaban salpicados por lo que ocurre en el mundo. Su primera hora es de lo mejor del cine de 2025.

4. 'Tardes de soledad'

Albert Serra dinamitó el Festival de San Sebastián de 2024 con este documental sobre la tauromaquia que, como esperábamos de él, supuso mirar por la cerradura de lo prohibido, de lo que no queremos mirar. Puso a todos a debatir sobre sus imágenes y consiguió que el debate volviera al centro. Hay en su puesta en escena, porque es un documental donde hay una clara labor de dirección, un retrato sobre la crueldad de los toros, y también sobre esa masculinidad que impera en las cuadrillas. Imágenes como la de Roca Rey siendo vestido como si fuera una drag queen son para el recuerdo. Cine libre, arriesgado, de una de las mentes más únicas del cine español. Ahora solo queda esperar a ver qué ha hecho con su debut en inglés en lo que parece será una comedia sobre las relaciones políticas entre Rusia y EEUU.

3. 'Romería'

Menudo año para el cine español. Cannes vivió la consagración de una generación de cineastas que están cambiando las normas de la industria. Laxe y Carla Simón se plantaron en el festival más importante del mundo con sus nuevas obras y enamoraron a todos. Romería es una película hermosa, que confirma la gran sensibilidad de la directora, su capacidad para ser política y poética a la vez, sin diálogos innecesarios, dando el poder a la imagen. Tiene un control total de su película y se nota. Pero si hay algo que emociona en este filme que cuenta la historia de sus padres, muertos por el SIDA y la heroína, es su defensa del cine como agente reconstructor de la memoria, incluso inventada, como muestra esa media hora final onírica, de las más emocionantes del año y que además apunta a nuevas direcciones en la carrera de Simón, que con solo tres películas es ya una de las figuras más importantes del cine español.

2. 'The brutalist'

Una de esas inclusiones raras, porque claramente es una película de 2024, pero se estrenó en España en enero de 2025, y por ello debe estar casi en lo más alto de esta lista, porque la epopeya histórica de Brady Corbet nos dejó a todos con la boca abierta. Un sopapo al sueño americano, al capitalismo más brutal, que devuelve la fe en un cine ambicioso en lo estético y en lo temático. Rodada en Vistavisión, con una banda sonora hipnótica, con un Adrien Brody que ganó con merecimiento el Oscar… todo en The brutalist es cine de primera categoría. 

1. 'Una batalla tras otra'

Pocas veces hay tal consenso con una obra, pero lo nuevo de Paul Thomas Anderson es una obra maestra. Es, además, una de las películas que mejor definen el momento actual. Una adaptación libérrima del Vineland de Thomas Pynchon que mezcla géneros, estilos, tonos, y que siempre sale victoriosa. Es capaz de jugar al humor absurdo de El gran Lebowski para luego entregar una de las mejores escenas de acción que se han visto en años (esa persecución por las carreteras). Todo fluye, todo parece a punto de desbordarse y siempre acaba encontrando su sitio. Una película que nos enseña que las revoluciones hay que transmitirlas de generación en generación para no arrepentirnos de lo que puede venir. Es la película del año.

La llegada de Carla Simón al cine español fue un punto de inflexión en su historia reciente. Aquel debut, Verano 1993, abrió unas puertas que estaban cerradas a cal y canto para una generación de directoras deseosas de contar sus historias y de hacerlo de formas diferentes. Temas que, o no existían, o eran contados por hombres. Desde su proyección en la Berlinale todo el mundo notó que había algo en esa forma de narrar, en el cariño que desprendía cada fotograma hacia sus personajes y en la finura de esas interpretaciones que la hacían especial.

Carla Simón partía de sus experiencias familiares (sus padres murieron de sida y eran adictos a la heroína) para hablar de temas universales. Ese vínculo con sus propias experiencias ha sido el hilo conductor de una carrera que crece a pasos agigantados. Se confirmó con su segunda película, Alcarrás, con la que se convirtió en la primera directora española en lograr el Oso de Oro en el Festival de Berlín y donde exploraba otra rama familiar. 

Con Romería, su tercera obra, cierra las tapas del diario familiar. Lo hace hablando de la familia paterna que no conoció hasta que tenía 18 años. Un filme que es un viaje como el que la propia Simón hizo para conocer a esa parte de su familia y que aquí la hace avanzar hacia nuevos terrenos como realizadora, especialmente en una última media hora donde se sumerge en lo onírico y lo poético. De todo ello, además de sus procesos creativos, habla en este 'Anatomía de una escena' en el que analiza cuatro momentos claves del filme y para el que, además, cede vídeos de los ensayos que ella mismo grabó.

Filmar de forma poética e imperfecta

La primera escena que analiza Carla Simón es, también, la primera escena de la película. En ella ya se observa uno de los recursos narrativos y estéticos de Romería, el uso de imágenes que graba la propia protagonista. Lo hace con una videocámara, y Simón explica que se grabaron también durante el rodaje, aprovechando los momentos de parón que muchas veces son frustrantes como directora.

Revisaron las que la propia directora grabó con 18 años para que la forma en la que filmaba fuera “poética e imperfecta”. Esas imágenes son de espacios, unos espacios que luego van a aparecer en un juego de espejos en la última parte del filme en la que Marina imagina la historia de amor de sus padres. “Imaginar es muy cercano a soñar”, dice la directora, que explica que hay planos repetidos en la parte onírica del final que se ven antes en esas imágenes. También en estos primeros compases hay dos elementos claves: la voz en off, que parte de las cartas reales de la madre de Carla Simón, y el uso, por primera vez en su carrera, de una banda sonora compuesta por su hermano. La pregunta era, ¿cuándo usarla? La solución dice mucho del cine de Simón: “Cada vez que ella sintiera que sus padres están cerca”.

La propina del abuelo

Romería tiene una estructura diferente a las otras películas de Carla Simón. Ella la define como “episódica”, y uno de esos episodios ocurre en la casa de los abuelos que la protagonista va a conocer por primera vez. Es una escena larga, tensa, con muchos personajes que se mueven por las habitaciones y que culmina con uno de los mejores momentos de la película, esa fila india en la que el abuelo va a dar la propina a sus nietos. Marina, la protagonista, duda sobre si ella debe colocarse, ya que no sabe si pertenece a esa familia.

Es una de las escenas favoritas de la directora porque se siente “muy viva” y cuya fuerza radica en todos los ensayos que Carla Simón realizó para llegar a que la verdad, o algo parecido, apareciera el día de rodaje. José Ángel Egido, el abuelo, no tenía diálogos escritos, y lo que dice surgió de la cantidad de horas pasadas con sus nietos en la ficción en las largas jornadas de ensayo en las que se crea “una memoria compartida entre los actores”. La idea es crear vínculos “genuinos y reales” con unos ensayos que, confiesa Carla Simón, son la parte que más disfruta. 

La conversación más íntima

Este vídeo puede contener spoilers. Durante Romería la protagonista se hace muchas preguntas, pero una de ellas es clave, y es por qué su padre no estuvo presente, por qué no fue a verla. Es un momento íntimo, de una fuerza brutal por las dos interpretaciones de Llucia Garcia y Alberto Gracia que surgió gracias, de nuevo, a los ensayos de ambos actores. Garcia salió de un cásting de más de 3.000 chicas, pero Carla Simón la vio bajando de un autobús y supo que era ella. “El cásting más difícil que he hecho”, asegura. Una escena que se debía rodar al aire libre, pero a la que el tiempo en Galicia hizo cambiar. Los equipos de arte y dirección convirtieron un almacén de trastos en un bar improvisado para poder rodar este momento.

La pregunta que se hace Marina es la misma que se hacía Carla Simón y “todos los hijos de esa generación” que perdieron a sus padres por la heroína y el sida. Por ello, para esta conversación, Carla Simón guardó un recurso que en el cine se suele usar constantemente, pero que para la directora hay que usar de forma especial: el plano / contraplano. En Romería apenas aparece, y lo hace aquí para dar fuerza a ese momento y a esa conversación.

Bailaré sobre tu tumba (este vídeo contiene spoilers)

Este vídeo puede contener spoilers. Desde su proyección en el Festival de Cannes todo el mundo comentaba la escena musical insertada en la parte onírica del filme. Carla Simón confiesa que también es una de sus escenas favoritas de ese “bloque largo” que concibió como “una película dentro de la película”. La escena tiene una fuerza por la música, ese Bailaré sobre tu tumba de Siniestro Total, y apunta a novedosos y estimulantes caminos para ella como directora, cuyo siguiente proyecto quiere que sea un musical sobre el flamenco.

Todo ese bloque debía ser muy libre, encontrar el tono para no “romantizar ni ser demasiado duros” con el espíritu de esa época y que no fuera “de cartón piedra”. La idea surgió mientras Simón buscaba “una imagen que pudiera contener la idea de que esta película no era solo sobre sus padres, sino sobre toda una generación”. De ahí esos ecos a la Santa Compaña y a la importancia de hablar de esos fantasmas. “Recuperar esa memoria era el motor de esta película, y esa imagen lo concretiza todo”, destaca la cineasta.

El pasado 6 de septiembre llegó a los cines ‘Romería’, la última película de la directora Carla Simón y con la que completa la trilogía familiar que comenzó con ‘Verano 1993’ y siguió con ‘Alcarràs’ y con la que hace un repaso sobre su propia vida con tres largometrajes que la han asentado dentro del cine español.

En ‘Romería’, Carla Simón se centra en la historia de amor de sus padres biológicos y una familia que no conoció como una forma de curar “la frustración de no poder entender bien mi memoria familiar y la historia de amor de mis padres. Y contándomela a mí misma, también la dejo para mis hijos”, declaraba a los medios de comunicación. Una película que se ambienta en Galicia y cuya localización adquiere importancia en el propio relato.

El casco viejo de Vigo

Uno de los lugares que destacan en ‘Romería’ es el Casco Vello de Vigo, que se recrea en las fiestas en 2004, así como se pueden ver lugares como la Calle Marqués de Valladares o Camiño das Veigas, y una localidad que también se adentra en la década de los 80.

El Miradoiro da Oliveira

‘Romería’ tiene como una de sus localizaciones más icónicas en el Miradoiro da Oliveira, que también es uno de los lugares más destacados de la propia ciudad de Vigo, y que se sitúa en pleno casco urbano en el Paseo de Alfonso XII.

Desde el Mirador se pueden ver las islas Cíes, así como el puerto de la ciudad, y recibe su nombre del símbolo de la ciudad, el Olivo, en cuya localización también se sitúa la estatua de un dragón montado que representa el folclore gallego.

Las playas da Fonte y Tombo do Gato

El paisaje costero tiene un papel en la película, como parte del paisaje de Vigo, y donde son reconocibles la playa da Fonte y Tombo do Gato, con su forma de media luna, y una de las que tiene Bandera azul de la zona, ambas en Samil, y cuyo rodaje tuvo una complicación extra al haber tenido lugar en agosto.

Edificios emblemáticos de Vigo

La ciudad de Vigo en la película ‘Romería’ también da lugar a algunos edificios reconocibles de la localidad como los Astilleros Armada o el Ayuntamiento de Vigo, que no aparece como tal, pero que cedió una de sus salas para hacer de despacho de un notario durante una de las escenas de relevancia en el largometraje.

Otras zonas en Rías Baixas

Pero ‘Romería’ no centra exclusivamente sus localizaciones a la ciudad de Vigo, sino que también ha rodado a lo largo de las Rías Baixas, siendo Pontevedra otro de los escenarios importantes de la película, con lugares reconocibles como la pastelería Solla o la Praza da Leña.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas para representar a España en los Premios Oscar 2026 en la categoría que honra a la mejor película internacional. Sirat de Oliver Laxe, Romería de Carla Simón y Sorda de Eva Libertad son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente luchará por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 17 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2025, que, al contrario que la anterior La sociedad de la nieve, no logró hacerse con la nominación. En esta ocasión, sin embargo, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto Sirat como Romería compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el Premio del Jurado.

Sirat, el filme de Oliver Laxe, ha gozado de una gran actuación en taquilla tras las buenas críticas cosechadas en Cannes. Se trata de una propuesta hipnótica y sensorial del cineasta gallego que sacude al espectador y genera conversación tras el final de su proyección. El director apuesta por una rave política en la que su mirada va más allá de estas fiestas, utilizando como mirada los ojos de alguien externo, el personaje protagonista que interpreta Sergi López. Es un padre que, junto a su hijo, busca a otra hija desaparecida que supuestamente está en Marruecos.

Por otro lado, Carla Simón interará replicar lo que ya consiguiera con Alcarràs, ganadora del Oso de Oro en la Berlinale, que fue elegida por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2023, aunque se quedó fuera de la carrera tras el primer corte de películas preseleccionadas. La directora optará a hacerlo de nuevo por Romería, que se estrena en las salas el próximo 5 de septiembre y recibió buenas críticas en su paso por el Festival de Cannes.

La cinta de la directora barcelonesa presenta a Marina, interpretada por Llúcia Garcia, que viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir el relato de sus padres, que es a su vez el relato de toda una generación.

Asimismo, la ópera prima de Eva Libertad también optará a ser el filme que represente a España en los premios más importantes de Hollywood. Su trabajo, que se proyectó con subtítulos en todas sus sesiones, ha conseguido que las personas sordas por fin hayan podido ver una película en español en las salas de cine de su país. Está protagonizada por la actriz Miriam Garlo, que perdió la audición a los siete años y ha ganado el premio a la mejor actriz en el Festival de Málaga, y el actor Álvaro Cervantes. La cinta expone los miedos frente la maternidad de una persona sorda que va a tener un bebé con una persona oyente.

Los premios Oscar 2026 tendrán lugar el próximo 15 de marzo en Los Ángeles, de nuevo con Conan O’Brien como presentador, y estar entre las candidatas es precisamente lo que espera la película española que sea escogida como la representante para obtener el premio a mejor película extranjera.

La Academia de Cine comenzó este 26 de agosto el proceso de votación para la primera ronda, de la que saldrán tres finalistas entre las que se seleccionará la candidata de España a los premios Oscar, un trío que se conocerá el próximo 3 de septiembre y entre las que hay favoritas.

Las grandes favoritas al trío candidato: ‘Sirat’, ‘El Cautivo’ y ‘Romería’

A pesar de que solo una de ellas se ha estrenado ya en cines españoles, hay tres claras favoritas para ser el trío finalista de las candidatas a representar a España en los premios Oscar a mejor película de habla no inglesa, en parte por su acogida por la crítica, en festivales, y también por la magnitud del proyecto.

Esto último es lo que más vota a favor de ‘El Cautivo’, la próxima película de Alejandro Amenábar, un director que ya sabe lo que es ganar un Oscar (‘Mar adentro’ en 2005), y que trata sobre la vida de Miguel de Cervantes. En los cines se podrá ver a partir del 12 de septiembre.

Pero si hay una película con muchas papeletas es ‘Sirat’, de Oliver Laxe, que ha sido un éxito de crítica y de público con más de 2,5 millones de euros recaudados, que obtuvo Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes.

Aspira a completar el trío de candidatas a la carrera del Oscar, ‘Romería’ de Carla Simón, que completaría la trilogía que comenzó con ‘Verano 1993’ y ‘Alcarràs’ y que justamente llega a los cines españoles en el primer fin de semana de septiembre.

Otros títulos que podrían sorprender en la carrera hacia los Oscar

Más allá de estas tres favoritas, la Academia de Cine podría optar también por la sorpresa y escoger entre sus finalistas a títulos más diferentes, como sería el caso del thriller ‘Los triges’ de Alberto Rodríguez, que se estrenará en el Festival de San Sebastián 2025 en competición.

Precisamente, competirá con ‘Maspalomas’, de José María Goenaga y Aitor Arregi, que ya estuvieron en la pelea por el Oscar con ‘Loreak’, mientras una ganadora de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, pero de 2024, ‘Tardes de soledad’ de Albert Serra es otra de las que se podrían tener en cuenta, a pesar de tratar un tema controvertido como es el toreo.

En la apuesta por cine de autor, la Academia de Cine tiene otras dos opciones para incluir en la carrera de los Oscars, como son ‘Sorda’ de Eva Libertad, que nació del cortometraje ganador de un premio Goya 2023 del mismo nombre o ‘La buena letra’, de Celia Rico. Uno de los éxitos del cine en primavera, ‘Una quinta portuguesa’, se postula también como posible candidata por su buena acogida en taquilla.

Dice Carla Simón, medio en broma medio en serio, que el estreno de Romería en Cannes es casi como un doble parto. El cinematográfico, la puesta de largo de su tercera película, y el real, ya que ha llegado al festival embarazada de ocho meses, en coche desde Barcelona y acompañada de una matrona por si acaso era necesario. Su imagen entrando en el Gran Teatro Lumière, y recibiendo 11 minutos de ovación pone en evidencia que, al menos el parto cinematográfico fue insuperable.

Cannes se emocionó con Romería, con la que cierra una parte de su filmografía sobre su memoria familiar. Como ya contó en Verano 1993, los padres de la directora catalana murieron de sida en los 90. Mientras que en aquel filme el punto de vista era el de una niña que superaba el duelo, ahora es el de una adolescente que intenta rellenar los huecos de una memoria que no tiene. La personal, la de sus padres; y la histórica, la de una generación —masacrada por la heroína— que ha sido borrada de los libros y relatos.

Lo hace con un filme mágico, con una media hora final deliciosa y en la que apunta a terrenos prometedores para una cineasta que con solo tres obras ya está en la Sección Oficial de Cannes. Aun así no siente la presión e intenta disfrutar de estar entre cineastas que considera “referentes”. Lo dice casi sin saber que ella ya lo es para las nuevas directoras, a las que abrió camino con un debut que marcó un punto de inflexión en el cine español reciente.

¿Cómo es estar en competición en Cannes?

Muy emocionante. Y es loco, porque te das cuenta de que es algo muy grande. Hay algo como de sentir un honor por formar parte de esta competición oficial, con estos cineastas que han sido referentes, por venir a este sitio tan mítico y legendario. Y luego es donde se va a ver la película por primera vez. Y esto siempre que pasa es una cosa fuerte.

¿Y la presión? No solo por presentarla, sino la de saber antes si vas a estar o no en el festival.

¿Sabes qué pasa? Que es que siempre la he vivido de una forma precipitada, porque por suerte no me ha tocado esperar. Con Verano 1993 y Alcarrás rodamos en verano y en febrero estrenamos en Berlín, que nos cogieron con la copia casi sin terminar de editar. Aquí el corte final ya estaba avanzado, pero fue el primer sitio donde la presentamos. Esa presión la sientes por si tendrá un buen estreno o no tendrá un buen estreno, pero yo soy muy afortunada en este sentido.

Con cada película ha dado un paso más, y con la tercera ya está en la Sección Oficial de Cannes. Ya no se puede subir más, o mantenerse o ir hacia abajo, ¿eso tampoco da presión, ese listón que le hemos puesto tan pronto?

Está muy alto, pero esto es una carrera de fondo. No todas las pelis tienen que estar en el mismo sitio. Me parece interesante también la idea de poder estrenar en distintos festivales, tener distintas experiencias, hacer una película más pequeña después de haber hecho una grande. Cuando pienso en los cineastas que me gustan pienso más en su cajita de DVDs que en la repercusión que tuvo cada película. Cuando pienso en mi carrera quiero que las cosas que haga tengan sentido y coherencia. Luego donde se estrenen… pues es importante porque realmente cambia la vida de las películas, pero hay que entender que a veces va mejor y otras peor, y también hay que abrazar eso.

El lenguaje bélico que se utiliza para hablar de las películas es muy absurdo. Solo he hecho una película y esta gente son referentes, no siento que luche contra ellos

Carla Simón — Cineasta

Céline Sciamma dijo en una entrevista que una vez vivida la competitividad de los festivales no quería volver a ninguno, ¿entiende ese sentimiento?

Sí, porque es difícil vivirlo desde un sitio tranquilo. Lo que tenemos es que reivindicar otras maneras de vivirlo. Por ejemplo, el lenguaje bélico que se utiliza para hablar de las películas, competir, luchar, la batalla… es muy absurdo. Solo he hecho una película y, de hecho, esta gente para mí son referentes, no siento que compita ni luche contra ellos. Es lo último que quisiera hacer. Decir que Oliver Laxe y yo, cuando somos compañeros, estamos luchando es absurdo. Yo me alegro genuinamente, y creo que él también, por el hecho de estar compartiendo esto. No se trata de competir, sino más de compartir.

Romería es una película que, estilísticamente, tiene rasgos diferentes, pero que se siente como eminentemente suya, ¿se ha preguntado con esta película qué hace único a un cineasta, qué hace que una película sea de Carla Simón.

Me hace mucha ilusión que digas esto, porque para mí era impepinable que me tocaba hacer cosas nuevas, aportar algo. Cada proyecto tiene unos retos y había cosas que me apetecía probar. Pero pensaba si el hecho de probar haría que la película tuviera el sabor que yo espero que tengan mis pelis. Creo que es una cosa de tono, de sensación, y tiene mucho que ver con el trabajo con actores incluso más que con cómo firmas. Yo tenía claro que esta familia no podía estar rodada de la misma manera que las anteriores, porque Marina, la protagonista, es una outsider, una observadora, y hay una distancia, y eso tiene que notarse en cómo lo filmábamos. 

La película habla de la memoria, pero también del cine como reconstructor de esa memoria. 

Es curioso, porque me pasé toda la promoción de Verano 1993 diciendo que cuando no tienes recuerdos, no puedes generarlos. Hasta que en un momento dado dije, “esto no tiene ningún sentido”, porque yo tengo el cine para generar los recuerdos que no tuve. La imaginación sirve para esto y al final lo que necesitamos todos es un relato, sea real o no, para crear nuestra propia identidad. De ahí el poder del cine para poder crear esas imágenes que nunca existieron para mí.

Decía en el rodaje que hablar de esa generación era también Memoria Histórica, ¿había una deuda pendiente con esa generación?

Sí, totalmente. Yo entiendo muy bien el porqué. Por todo el tema de la heroína y del sida que implica un tabú y un dolor por parte de las familias que ha hecho que esta memoria se enterrara. Pero es que esta generación puso patas arriba todos los valores conservadores y católicos que venían del franquismo. Rompieron con todo, se cuestionaron todo y nos llevaron a donde estamos. Hay algo ahí de este silencio que a mí me perturba mucho. Y lo entiendo desde la empatía y desde el dolor de estas familias, pero creo que hay que romperlo y poder hablar de manera abierta de eso y reivindicar su sitio, porque fueron muchos los que murieron.

La película dice la palabra sida, la enuncia en un momento importante, ¿es importante nombrar las cosas?

Y llamarlas por su nombre. Cuando hicimos esta parte imaginada hablamos mucho de cómo no juzgar, pero a la vez tampoco romantizarlo. No puedes caer tampoco en que esa época fue la hostia, porque tuvo un lado oscuro muy duro. Encontrar ese tono adecuado fue algo para mí muy difícil y que tiene que ver con poder decir eso en voz alta, dándole el peso que tiene a esa frase. 

No puedes caer tampoco en que esa época fue la hostia, porque tuvo un lado oscuro muy duro. Encontrar ese tono adecuado fue algo para mí muy difícil

Carla Simón — Cineasta

Hay una frase tremendamente emocionante en la película, ese “tu padre no te fue a ver no porque no quisiera, sino porque no pudo”.

Para mí ese fue uno de los grandes aprendizajes y me cambió la perspectiva. Entender lo que vivieron mis padres, porque ellos se separaron cuando yo nací, y eso tuvo que ver con lo que se dice en esa frase. Hay algo muy difícil de entender sobre la adicción. En mi caso me ha llevado a explorarla desde sitios muy distintos, desde ver muchas películas, leer mucho, preguntar a gente… porque cuando no lo has vivido en tu propia piel, cuesta entenderlo. Para mí esa frase es muy reveladora, porque querer y poder son dos cosas muy distintas. 

A priori esta película cierra esa parte de filmografía sobre la memoria familiar, ¿lo tiene claro o cree que de alguna forma siempre estará ahí?

Yo ahora siento, y el hecho de haber coincidido el segundo embarazo con esta peli, de parir de alguna forma a la vez, que esto es una señal de que hay que mirar hacia adelante y hacia otros terrenos. Que mi cine esté ligado con mi vida no es algo que vaya a desaparecer, porque creo que es una forma de estar en el mundo, observar a mi familia, a la gente que quiero, de filmar cosas que realmente me mueven a nivel emocional y personal. Pero sí que es verdad que ahora siento que me apetece mirar más hacia adelante en vez de al pasado.

Después de ver la escena de Bailaré sobre tu tumba, ¿viene ahora ese musical de flamenco?

Pues creo que sí. Ahí estábamos probando cosas. Me apetece mucho. A ver cómo sigue.

¿Hay una especie de norma de la industria que cada nueva película deba ser más grande?

Yo creo que no tiene por qué. Depende de la historia que quieras contar y también depende de la persona. Hay gente que tiene esta necesidad de repente de saltar, de hacer una película en inglés o con actores muy grandes, pero yo creo que cada peli necesita lo que necesita y que no hay nada malo en de repente volver para atrás y hacer algo pequeño. Hacer cosas grandes requiere de mucho tiempo y de mucho dinero, y a veces hay una libertad en hacer las cosas en pequeño que creo que yo no quiero perder ni terminar echando de menos.

Pienso en Lanthimos dejando de rodar en Grecia y rodando todo el rato con estrellas, ¿no le interesa probar algo así?

Me interesaría si tiene sentido para la historia. Hay grandes actores que admiro, que pienso que sería guay hacer una peli con ellos, pero tiene que tener sentido. Hay que fluir con la historia.

Cuando el pasado 10 de abril el director de Cannes Thierry Frémaux anunciaba las películas que competirían por la Palma de Oro, el cine español estalló de alegría. Por primera vez desde 2009 dos de nuestras películas estaban presentes en una selección que elige el cine de autor más importante del año. Una lista de 20 títulos donde otros cursos se han visto obras como Anora, La sustancia, Anatomía de una caída o La peor persona del mundo. Si hace 16 años eran dos cineastas ya consagrados, Pedro Almodóvar e Isabel Coixet, esta vez eran dos que realmente casi acaban de empezar. Carla Simón veía su nombre por primera vez en Cannes con la que es su tercera película, Romería; mientras que Oliver Laxe conseguía subir el escalón que le faltaba con su cuarto filme, Sirat (sus tres anteriores obras habían estado en el resto de secciones del certamen francés).

La euforia se completaría pocos días después, cuando la Semana de la Crítica, una sección paralela que tiene lugar durante el Festival de Cannes, incluía Ciudad sin sueño, el largometraje de Guillermo Galoe rodado en la Cañada Real y que es la adaptación a película del corto con el que ganó el Goya (Aunque es de noche). Tres filmes que muestran un cambio significativo en el cine español. Tres miradas diferentes, de una nueva generación de cineastas que no se mueven dentro de los códigos del cine comercial y que han encontrado los compañeros de camino adecuados para ello. Detrás de ellos se encuentra una legión de productores que creen en otro cine fuera de comedias blancas para todas las familias y thrillers sobre robos.

Tras el júbilo llega la hora de analizar cómo se ha llegado hasta aquí, qué ha pasado para que tres películas estén entre una selección a la que aspiran miles de obras y pensar si el futuro es halagüeño para repetir la hazaña. Para Álex Lafuente será un Cannes de celebración. Desde BTeam produce Ciudad sin sueño y distribuye Sirat. Para él este éxito es “una mezcla de muchas cosas” que se veía avanzando desde otros años en otros festivales. “Creo que tiene que ver mucho con la industria, con el tipo de producciones que se están haciendo, con lo que también se está incentivando desde las instituciones como el ICAA, con el apoyo a los nuevos talentos, el apoyo a las nuevas directoras. Todo eso está permitiendo que seamos más competitivos”, analiza. 

En Sirat la producción principal ha corrido de la mano de Movistar Plus+, que ha visto cómo su apuesta por la ficción original llegaba incluso a Cannes. Su director del área de Cine Original y Cine Español, Guillermo Farré, subrayaba, días antes de conocer la salida de Domingo Corral, que desde la empresa tenían “clarísima” la importancia de apostar por películas como la de Laxe y que lo que ha ocurrido no es una cuestión de azar. “No creo en la suerte. No es un concepto con el que me sienta cómodo. Puede haber cierta arbitrariedad, pero creo que lo que ha pasado es un premio a dos miradas personalísimas como las de Carla Simón y Oliver Laxe. Dos miradas únicas en la historia del cine español que entroncan con una tradición clarísima de cineastas españoles que ellos recogen y llevan más allá”.

Cine de autor… con dinero

Los productores de las tres películas coinciden en algo. No hace falta solo tener buenos directores, sino que hay que tener presupuestos para que desarrollen sus películas con holgura y con una factura que sea capaz de competir con el resto del mundo. “Es imprescindible”, dice María Zamora, productora de Romería. “Una peli autoral sin unos medios adecuados suele quedarse en el nicho”, añade.

Lafuente también lo califica como “fundamental”. “Competimos con el cine europeo que se hace en otros territorios. Competimos realmente por esos espacios con el cine europeo donde hay un gran nivel de producción y hay que estar a ese nivel no solo en cuanto a lo creativo o a lo autoral, sino también en cuanto a los recursos, a que tengan un nivel de producción y un empaque muy fuerte. Pero también la clave son las vías de acceso”, dice y apunta a otros factores esenciales como los agentes de ventas o las propias relaciones que los productores han construido durante estos años. Una vez cumples con todo ello solo cabe esperar y ahí sí cree que “hay un componente casi de lotería”.

Lo público pasa por sentar unas bases que impidan el escenario de la incertidumbre. Cuando consigues eliminar esa, se sientan unas reglas del juego que te permiten hacer planes

Marisa Fernández Armenteros — Productora

También todos destacan la importancia de las ayudas del ICAA y el apoyo de las instituciones. Una financiación pública que también viene “a nivel europeo con Eurimages” y que como valora Xavi Font, productor de Sirat con Filmes da Ermida, ha provocado que en España se haya dado “un gran estirón en términos de capacidad de financiación pública y privada” que hace que “estemos en un punto en el que nunca se había estado”.

Hablar de lo público no es solo hablar del dinero que viene del Ministerio de Cultura, sino también, como subraya Álex Lafuente, de las inversiones obligatorias en cine de las televisiones públicas y autonómicas. Ambas son dos patas “fundamentales y tienen que estar equilibradas”. “Los fondos públicos son muy limitados y hay muchísimos proyectos apuntándose, lo que dificulta mucho el poder recibir esas ayudas. Y con las televisiones estamos también en un momento absolutamente competitivo, con un ajuste de presupuestos y de recursos”, analiza.

Critica que “la tendencia no es dotar a los proyectos autorales con más recursos para que puedan hacerlo de forma competitiva, sino al contrario”. “Como son películas que, a priori, no tienen un recorrido tan fácil en salas, la tendencia natural es a ajustar un poco las aportaciones. Creo que tenemos que pelear mucho porque si no, esta buena salud que estamos teniendo del cine español de autor se puede ver mermada sin los recursos y el apoyo público para poder financiar esos proyectos en condiciones”, dice con contundencia.

Su compañera en la producción de Ciudad sin sueño desde la compañía Buenapinta Media, Marisa Fernández Armenteros, coincide en el análisis y aprovecha para pedir “el compromiso de que las ayudas salgan en unas fechas concretas y se cumplan unos calendarios”. “Para mí lo público pasa por sentar unas bases que impidan el escenario de la incertidumbre. Esto es lo más importante, porque cuando consigues eliminar la palabra incertidumbre como compañera de viaje en lo público, se sientan unas reglas del juego que te permiten hacer planes, que te permiten pensar en estrategias, que te permiten planear y no ir improvisando”, añade una de las responsables de Un amor o Cinco lobitos.

También avisa de que hay que cuidar lo que se tiene María Zamora, que ve en lo público “una de las claves para que estas nuevas generaciones hayan podido desarrollar su mirada libremente”. Unas políticas que “empiezan a dar sus frutos” pero que requieren “estabilidad” y “una buena ley del cine”. “Si queremos que siga sucediendo lo de este año, si queremos seguir sacando pecho de esa nueva generación de autores que nos representan más allá de nuestras fronteras, debemos proteger la figura del productor independiente en la ley de cine”, lanza sobre un texto que sigue pendiente de aprobación.

Hay más tareas pendientes. Lafuente señala a la difusión internacional para que directores como Guillermo Galoe puedan crecer y “tener una trayectoria vital que les permita estar algún día en la Sección Oficial”. Fernández Armenteros deja claro que “el éxito no puede medirse solo en llegar a un festival”, sino que “lo que debería importarnos es llegar a las aulas y llegar al público, al de aquí y al de otros países”. “Siento que nosotros mismos nos regodeamos en este éxito, y Cannes es una herramienta de lanzamiento. Un cohete que te ayuda, pero si no llegamos a los públicos, yo como productora no me quedo saciada”, reflexiona. 

Aun así, todos los productores son optimistas. Lo es también Oriol Maymó, otro de los responsables de Sirat con Uri Films, que piensa que lo que ha pasado marca un hito: “Todo lo que suceda con estas películas que tienen una apuesta es bueno para que el cine crezca, porque si no nos podemos convertir en productores que hacen películas de consumo rápido, y esto sería una pena porque nos empequeñece. Estas películas tienen que existir y tienen que llegar a un público grande y que sean muy comerciales, pero creo que al final tienen que complementarse las dos ramas”.

Para ello hacen falta directores, productores, pero como enfatiza Álex Lafuente, hace falta “cuidar y mantener los recursos públicos para que no se vea perjudicado en el futuro”: “Si no podemos construir las carreras de los cineastas con cierta estabilidad y solidez será muy difícil que esto se siga produciendo, porque los cineastas se quedarán por el camino. No llegarán”.

Ha sido la gran noticia del cine español en este comienzo del mes de abril. Tras 16 años, volverá a haber dos películas españolas compitiendo en sección oficial del Festival de Cannes: Sirat, de Óliver Laxe, y Romería, de Carla Simón, con lo que se vuelve a dotar de protagonismo a una cita que ha sido reacia en las últimas décadas.

Así, el director franco español y la primera mujer española en ganar el Oso de Oro en la Berlinale competirán por la Palma de Oro en la edición de esta 78 edición, en la que el jurado estará dirigido por la actriz francesa Juliette Binoche, y en el que habrá más protagonismo del cine español con la presencia de Rodrigo Sorogoyen.

El director de As Bestas fue invitado la pasada edición, en la que Anora y Emilia Pérez fueron dos de las películas triunfadoras, pero tuvo que cancelar su presencia debido a motivos personales, y ha vuelto a recibirla para estar este 2025.

El Festival de Cannes 2009, el último con gran protagonismo español

El que haya dos películas españolas en sección oficial del Festival de Cannes era algo que no sucedía desde 2009, cuando compitieron Pedro Almodóvar con Los abrazos rotos e Isabel Coixet con Map of the Sounds of Tokyo, en una edición que se celebró del 13 al 24 de mayo de ese año.

Ninguna de las dos consiguió hacerse con la Palma de Oro, que recayó en ese 2009 en La cinta blanca de Michael Haneke, y cuyo Gran Premio fue a parar para uno de los directores que fue protagonista de los Premios Oscar 2025, Jacques Audiard, y que entonces lo ganó por Un profeta.

'Malditos Bastardos', 'Ágora' y otras películas protagonistas

Ese Festival de Cine de Cannes estaba en su 62º edición en 2009, que se abrió con la proyección de la película de Disney, Up, siendo la primera vez que un largometraje de dibujos animados abría la cita, y en la que uno de los protagonistas fue Clint Eastwood, que recibió la Palma de Oro honorifica.

El protagonismo del cine español en aquel Festival de Cannes en 2009 no se basó exclusivamente a la competencia oficial de Isabel Coixet y Pedro Almodóvar, sino que también se extendió a la competición del cortrometraje, Rumbo a Peor, de Àlex Brendemühl, y a la proyección fuera de competición de Ágora, de Alejandro Amenábar.

En aquella edición de Cannes en 2009 también hubo grandes nombres como la competición de Malditos Bastardos, de Quentin Tarantino, que acabó con Christopher Waltz con premio a mejor actor, y el del premio Un Certain Regard que derivó en el director Yorgos Lanthimos, en su debut.

El cine español llegará al Festival de Cannes en un momento pletórico. Hay que remontarse a 2009 para encontrar algo parecido, que dos películas españolas estén en la Sección Oficial en competición por la Palma de Oro. En aquella ocasión fueron Isabel Coixet y Pedro Almodóvar. Casi nada. 16 años más tarde serán Carla Simón (con Romería) y Oliver Laxe (con Sirat) los que intenten llevarse el premio más prestigioso e importante del cine de autor. Un hito que pone de relevancia el estado de forma de nuestro cine. Estar en una selección que agrupa a las 20 mejores películas —de miles de las que se presentan— es algo casi imposible. Que dos filmes de un mismo país lo hagan en el mismo curso es una hazaña que hay que celebrar.

En el caso de Óliver Laxe su presencia se rumoreaba desde hace tiempo y es un salto natural en su filmografía. Laxe es un cineasta formado en Cannes y aupado por Cannes. Allí ha presentado todas y cada una de sus películas. Su debut, Todos vos sodes capitáns, estuvo en la Quincena de los Realizadores; su segunda obra, Mimosas, en La Semana de la Crítica, y O que arde, en Una cierta mirada —la segunda sección en importancia del festival— donde logró el segundo premio. 

Por tanto, su siguiente paso era pisar, por primera vez, una Sección Oficial. Si a eso sumamos que cuenta con El Deseo —la productora de Pedro y Agustín Almodóvar— en la producción y a Sergi López como protagonista, su presencia parece hasta lógica. Sirat es una producción de Movistar+, la primera que llega a un certamen de clase A, y cuanta la historia de un padre que busca, junto a su hijo, a una hija perdida. Para ello acudirá de rave en rave por Marruecos.

Más complicado lo tenía Carla Simón. Muchos apostaban por ella. Con Alcarràs ganó el Oso de Oro, pero para Cannes no siempre es suficiente. Su tercer filme, Romería —que se estrenará el 5 de septiembre—, no contaba con coproducción francesa, ni con grandes nombres en su reparto —aunque sí con la fotografía de Helene Louvert, una de las más prestigiosas del cine francés—, y, sin embargo, el comité de selección no ha dudado en que el talento de Simón, —uno de los más precoces del cine español reciente— merecía un lugar con este filme con el que cierra su trilogía familiar contando la historia de su familia paterna. Un viaje a Galicia con las drogas y el SIDA de los años 90 como telón de fondo. 

También en Una Cierta Mirada —la segunda sección en importancia y donde presentará su debut en la dirección Scarlett Johansson— habrá un componente español. La ópera prima de Diego Céspedes, La misteriosa mirada del flamenco estará en Cannes y cuenta con la coproducción de Irusoin, compañía vasca detrás de las películas de los Moriarty como La trinchera infinita. A eso habrá que sumar lo que se anuncie la próxima semana en las secciones paralelas: Quincena de Realizadores y Semana de la Crítica. Todo para redondear un año que puede ser histórico para el cine español. De momento, en Sección Oficial a concurso cuenta con el mismo número de películas que el francés, algo inaudito.

Laxe y Simón se las verán en la pelea por la Palma de Oro con viejos conocidos de Cannes como Jafar Panahi —el director iraní que ha rodado en clandestinidad su nuevo filme—; los Hermanos Dardenne, poseedores de dos Palmas, que presentarán su nuevo filme, La maison maternelle; o Wes Anderson que estrenará The phoenician scheme. También de creaciones de Cannes, como Joaquin Trier, que tras La peor persona del mundo mostrará Sentiomental Value; y nuevas miradas que debutan en el certamen como la de Ari Aster, director de Hereditary o Midsommar y que visitará La Croissette por primera vez con Eddington, protagonizada por Joaquin Phoenix.

El director del festival ha destacado el aumento de la presencia de directoras en la Sección Oficial. Son 6 de las 19 películas anunciadas —aunque siempre se anuncian unas cuantas más adelanta para cerrar la lista—, lo que supone un 32%. Además de Carla Simón se encuentran referentes como Kelly Reichardt, que ha llegado a tiempo con The mastermind (protagonizada por Josh O'Connor); o ganadoras de la Palma de Oro como Julia Ducournau, que estrenará su esperadísima nueva película tras Titane y de nombre Alpha.

A ellas —y a la espera de ver si se completa la sección con otros nombres que sonaban como Linne Ramsay— se unen tres sorpresas: la actriz Hafsia Herzi; la segunda película de Mascha Schilinski —que desde el mercado de la Berlinale ha sonado como la gran revelación del año; y la japonesa. Chia Hayakawa.

Josh O'Connor hará doblete en el festival, ya que también protagoniza otra de las películas más esperadas, The history of sound, de Olivier Hermanus, un musical queer que protagoniza junto a otro de los actores de moda, Paul Mescal. Será uno de los muchos rostros de Hollywood que se verán por Cannes. Muchos de ellos en pases fuera de concurso, como Tom Cruise que presentará la nueva entrega de Mission Impossible; o Jodie Foster, que protagoniza el filme francés Vie Privee que dirige Rebecca Zlotowski.

Una confirmación de última hora

Pocos minutos después de conocerse la noticia, Carla Simón atendía a la prensa. Lo hacía junto a su productora, María Zamora. Ambas estaban emocionadas, y compartían algunos de los entresijos de esta selección que, no lo ocultan, era “un objetivo”, pero uno que sabían que era muy complicado. De hecho, hasta que no han escuchado el nombre de Carla pronunciado por Thierry Fremaux no se lo han creído del todo.

La confirmación de su presencia en Sección Oficial llegó a última hora. “Anoche a las 22:30”, cuenta Carla Simón que añade que, obviamente, han dormido poco. El proceso lo definen como intenso, entre otras cosas porque han llegado “muy in extremis con el montaje”. Destacan la importancia de “los agentes de venta y los distribuidores franceses”, que tienen experiencia en estas gestiones.

Mientras tanto iban escuchando rumores y noticias de otros compañeros que sí estaban dentro y la ansiedad aumentaba. “Escuchas a otros que les están diciendo que no, y de repente dices, hostia esto se va haciendo más posible, pero van pasando las horas y las horas”, recuerda María Zamora del día de ayer.

Cuentan, entre la broma y la fábula, que tuvieron una señal. “Estábamos compartiendo esto juntas, cenando, y a mi hijo le gusta mucho El carnaval de los animales, que es música clásica. Y entonces la puse y María me miró como si me hubiera vuelto loca. Yo le dije que por qué y ella me dijo que es que esa era la música que ponen antes de las películas en Cannes, cuando sale la escalera. Así que para mí fue una señal un par de horas antes de que nos llamaran. Es una tontería, pero para nosotras es la confirmación de que las señales existen”, cuenta Carla Simón.

Una ilusión que, además, es compartida. La presencia de Óliver Laxe es, para la directora, “una noticia muy buena para nuestro cine y la señal de que están pasando cosas”. “Me algro muchísimo de poder compartir esto con él y sentir que no son casos aislados”, subraya.

No tuvo que esperar tanto Oliver Laxe, que si bien en otras ocasiones fue confirmado el día antes, esta vez lo supo hace tres días, tal como contaba desde una videollamada con periodistas españoles. De hecho, cree que esta vez ha sido, incluso, “la más fácil” de las que ha ido a Cannes. “Pese a que todos mis proyectos son frágiles, quizá éste sea el menos frágil, el más fuerte de todos”, decía haciendo referencia a la presencia de El Deseo y de Movistar+.

Ha definido Sirat como su película “más abirta, pero a la vez la más radical”. Un oxímoron que él mismo explica diciendo que ha hecho “concesiones queridas”, pero que también ha mantenido su esencia y su radicalidad. También subraya algo que desde el comité de Cannes le han hecho notar, y es que este es, “sin duda, el trabajo más político” que ha hecho.

2024 quedará para la historia del cine español como el año en el que se logró el primer León de Oro gracias a La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar. Fue, quizás, el acontecimiento más importante, y, sin embargo, es la confirmación de algo que se lleva consolidando desde hace años y de lo que Almodóvar ha sido el pionero. El cine español interesa fuera y tiene su hueco en los certámenes más importantes del mundo. 2025 no debería ser la excepción, al revés. Se espera, con fuerza, que varios cineastas entren en las listas de festivales como Cannes o Venecia.

Es ahí donde deberían estar Carla Simón y Oliver Laxe. La primera ya ganó el Oso de Oro en Berlin con Alcarràs, y el salto natural la colocaría en La Croissette o en Venecia con su tercer filme, Romería, con la que cierra su trilogía familiar. También en Cannes podría estar el cineasta gallego, que ya compitió ―y ganó premio― en la sección Una cierta mirada con O que arde y que ahora encima tiene el empujón de El Deseo (la empresa de Pedro y Agustín Almodóvar) en la producción y a Sergi López como protagonista de After. De dónde entren ambas dependerá también, seguramente, su fecha de estreno.

Otro de los estrenos que buscará festival internacional es El cautivo, la mirada de Alejandro Amenábar a Miguel de Cervantes. Igual que Mientras dure la guerra, su nuevo filme llegará de la mano de Disney en la distribución y su fecha de estreno solo dice 'otoño', por lo que Venecia o San Sebastián parecen sus posibles destinos. 

Pero no hay que mirar tan lejos en el calendario. Los primeros certámenes internacionales ya han apoyado el cine español más autoral. A finales de enero se verán en el Festival de Róterdam Ariel, de Lois Patiño y Morlaix, de Jaime Rosales, ambas sin fecha de estreno en el calendario comercial, pero con su primera premiere internacional ya marcada. A la espera de que la Berlinale anuncie su sección oficial, en Panorama, la sección paralela, ya habrá cine español (y además España es el país central de su mercado). Se trata de Sorda, ópera prima de Eva Libertad, que adapta su propio corto sobre la maternidad en una mujer con discapacidad auditiva.

Casi todos ellos sin fecha de estreno ―pendientes del calendario final y de los posibles festivales, se espera también con ganas lo nuevo de Borja Cobeaga (Los Aitas), Celia Rico (que adapta a Chirbes en La buena letra), Daniel Sánchez Arévalo (Rondallas), Belén Funes (Los tortuga), Ana Asensio (La niña de la cabra), Daniel Guzmán (La deuda), Julia de Paz (Harta), David Pérez Sañudo (Sacamantecas), Lluís Miñarro (con el papel póstumo de Marisa Paredes en Emergency Exit), Cesc Gay (Mi amiga Eva), Alberto Rodríguez (Los Tigres) y los Moriarty, que tras Marco regresan a su lado más íntimo con Maspalomas. Destaca el regreso de Manel Huerga, cineasta cuya última película fue Salvador que con Parenostre abordará a un personaje como Jordi Pujol.

Más difícil que lleguen a estrenarse este año, y probablemente ya para 2026, quedarán los nuevos trabajos de Rodrigo Sorogoyen, que rueda a partir de febrero El ser querido, con Javier Bardem de protagonista; y Albert Serra con su primer filme en inglés, Out of this world, para el que se rumorea que Kristen Stewart será la protagonista. También pretende rodar en 2025 Pedro Almodóvar, que encadena otro proyecto a una época prolífica y que espera empezar este año su Amarga navidad. 

Los taquillazos

En 2025 veremos también un enfrentamiento casi directo entre Marvel y DC. Llegará, además, en un momento fundamental para ambas. Marvel se enfrenta a la fatiga superheroica que ha hecho que varias de sus últimas películas no funcionen en taquilla, aunque a cambio ha tenido un pelotazo en 2024 como Deadpool y Lobezno. Este curso estrenará tres películas, la primera en llegar será la nueva entrega de Capitán América en febrero; luego llegarán los Thunderbolts, en mayo; pero todas las miradas están puestas en el reboot ―y la primera vez dentro del MCU― de Los cuatro fantásticos, con un reparto donde sobresale Pedro Pascal. Se estrenará el 25 de julio.

Dos semanas antes será la prueba de fuego del nuevo universo DC, capitaneado por James Gunn, que es el ideólogo de la nueva intentona de Warner por explotar su universo propio de superhéroes. Comienzan por el más querido, Superman, que tiene nuevo rostro y cuyo primer tráiler ha gustado (y mucho).

Por supuesto Hollywood jugará la baza de las secuelas y las franquicias, y el 19 de diciembre llegará la tercera parte de Avatar, ahora bajo el subtítulo de Fuego y cenizas. A ver qué tiene reservado James Cameron para seguir reventando la taquilla. Tampoco hay dudas de que la segunda parte de Wicked funcionará sin problemas. En EEUU es un acontecimiento y fuera ha ido construyendo un fenómeno fan bastante sólido que se verá reafirmado por la llegada del musical a Madrid este mismo año. El 21 de noviembre se estrenará su segunda parte.

Sin fecha y a la espera de ver qué hace Netflix con ellas hay tres propuestas muy potentes. La tercera parte de Puñales por la espalda, el regreso de Kathryn Bigelow ―en un thriller político sin título― y el Frankenstein de Guillermo del Toro. El thriller protagonizado por Daniel Craig llegará seguramente antes, pero las otras dos podrían ser sus apuestas de cara a los premios tras un año donde tuvo que comprar Emilia Pérez en Cannes para poder estar en los Oscar. No será la única versión de Frankenstein que llegará este año. La novia de Frankenstein también estrenará de la mano de Maggie Gyllenhaal, que tras debutar con La hija oscura afronta un proyecto mucho más grande con Penélope Cruz en el reparto. Irónicamente también iba a estar en Netflix, que finalmente se bajó del proyecto que recayó en Warner.

También Warner estrenará Mickey 17, la nueva película de Bong Joon-Ho tras el fenómeno Parásitos. Ciencia ficción con Robert Pattinson en un proyecto que ha cambiado su fecha de estreno en muchas ocasiones, dando lugar a rumores sobre su calidad. Aun así, el cineasta coreano siempre es una apuesta segura y uno de esos directores que crean películas con un fino equilibrio entre lo autoral y lo comercial, como Luca Guadagnino, que no para y estrenará After the Hunt, un thriller con Julia Roberts sin fecha de estreno.

Sí tiene día marcado lo nuevo de Paul Thomas Anderson, La batalla de Baktan Cross, que se estrenará el 8 de agosto con Leonardo DiCaprio al frente del reparto, mucho secretismo en torno a su trama y el rumor de que el presupuesto se ha ido a más de 100 millones de dólares, el más abultado de su filmografía. 

En 2025 comprobaremos si el bum de Celine Song, directora de Past Lives, se confirma con The Materialist y acudiremos al romance entre dos de los actores de moda, Paul Mescal y Josh O’Connor, que protagonizan la historia de amor en la Primera Guerra Mundial The history of sound, de Oliver Hermanus. Y apunten un regreso, el del veterano James L. Brooks, que con 84 años estrenará Ella McCay.

El cine de autor

El cine de autor mirará como siempre a Cannes. El festival francés ya no es solo el más importante del mundo para las películas más arriesgadas e independientes, sino que su repercusión se nota en cómo varios de los títulos de cada edición se convierten en fenómenos que llegan incluso a los Oscar. Sin Cannes no se habría visto el bum de La sustancia ni el de Emilia Pérez. 

Así, este año habrá que ver cuáles son las sorpresas que salen de La Croissette, donde se espera lo nuevo de Terrence Malick, que lleva años montando su visión de la vida de Jesucristo en The Way of the Wind; The Secret Agent, el filme de espionaje del brasileño Kleber Mendoça Filho o lo nuevo de Jim Jarmusch o Wes Anderson, además de tres películas de tres de las directoras más importantes del cine del momento. La argentina Lucrecia Martel también lleva editando su documental Chocobar desde hace varios cursos, pero parece que 2025 será el momento donde por fin le ponga fin. 

Cannes sería el sitio perfecto para que Julia Docournau estrene Alpha tras ganar la Palma de oro con Titane. Poco se sabe del filme, pero parece por sus primeras pistas que será una metáfora del SIDA y el miedo generado en la sociedad a través, cómo no, de una historia que coquetea con el terror. Y ojo porque puede ser el año de Kelly Reichardt, cineasta fundamental de los últimos años gracias a peliculones como First Cow o Wendy y Lucy que con The Mastermind estrenará su filme más ambicioso con Josh O’Connor como protagonista y la guerra de Vietnam de fondo.

Será también el curso donde veamos un divorcio artístico, el de los hermanos Safdie, que estrenan sus primeras películas por separado: Marty Supreme, de Josh y con Timothée Chalamet al frente (y fecha de estreno el 25 de diciembre en plena temporada de premios) y The Smashing Machine, de Benny y con Dwayne Johnson como reclamo.

Carla Simón volverá el sábado a Gijón para reencontrarse, siete años después, con la ciudad que le dedicó a esta laureada directora catalana, su primera retrospectiva en España. Carla vuelve porque, además, recogerá en la gala de clausura del Festival Internacional de Cine de Xixón el Premio Comadre de Cine, que concede desde 2022 la Tertulia Feminista Les Comadres en reconocimiento a las cineastas que trabajan por la igualdad.

Así que afronta doblemente ilusionada su cita gijonesa. Por lo que supone pasar a engrosar esta, aún pequeña, lista de mujeres que hacen cine y han sido reconocidas con este premio, y porque se lo conceden en un festival al que quiere y respeta.

Para el FICX solo tiene buenas palabras, palabras de reconocimiento por ser un festival al que hay que agradecer que lleve cierto tipo de cine, el cine de autor, a lugares donde en otras circunstancias no llegaría, por ejemplo, las salas gijonesas. Y agradecer también que el Festival Internacional de Cine de Gijón sea un punto de encuentro entre cineastas, donde hablar de cine, reflexionar y poner en común, pero también donde se abre la puerta a un espacio de encuentro entre creadores y creadoras, y el público.

Era el año 2017 y Simón acababa de estrenar Estiu 1993 (Verano 1993) cuando el Festival de Cine de Xixón decidió dedicarle, en su 55º edición, una retrospectiva en la que se proyectaron todos sus cortometrajes y la directora catalana participó, además, en un encuentro con el púbico que recuerda, reconoce, con muchísimo cariño.

Carla Simón se encuentra ahora inmersa en el montaje de su último trabajo, Romería, con el que cierra la trilogía familiar que comenzó con Estiu 1993, en la que narraba sus vivencias de niña, y siguió con Alcarrás, quizás la cinta en la que se evidencia más una de las características de su cine, aprovechar lo íntimo para contar lo político. Ahora con su tercera película, que verá la luz el año que viene, aborda un pasado muy reciente, que aún duele a las familias que han pasado por ello, y es el de la heroína y el sida en la Galicia de la década de los 80.

En este tercer trabajo Simón afronta, por tanto, una memoria histórica a la que no estamos acostumbradas, pues no está relacionada con la Guerra Civil o el franquismo, pero a pesar de ello, para la directora “ también es memoria histórica, al fin y al cabo”. En Romería, Carla Simón cuenta la historia de una generación muy olvidada, que nunca se abordó más allá del cine kinki, y cuando se hizo fue de una manera oscura y avergonzada. Unos años en los que la droga se llevó por delante a toda una generación y en los que no todo el mundo murió de sobredosis, ya que muchas personas ya habían dejado de consumir, cuando aparecía el sida, como le sucedió a su madre.

En una conversación telefónica con elDiario.es Asturias, Carla Simón nos cuenta que la familia es un tema que le interesa mucho pues ella misma procede de una familia muy grande, con muchas ramas muy distintas. Las relaciones familiares son muy complejas, dice, hay mucho pasado y, en muchos casos, también mucho trauma, por eso decidió que quería explorar esas relaciones desde un prisma personal, aunque también explica que no todo lo que cuenta en sus películas sucedió. Así revela que hay cintas en las que solo un par de escenas son reales, y a partir de ellas surge la ficción. Estiu1993 aborda su niñez, en Alcarrás Carla Simón no está presente, y Romería aborda su adolcescencia, “pero con mucha ficción”.

Su primer gran triunfo en la Berlinale de 2017, hizo que Carla Simón se erigiese, sin pretenderlo, en la cineasta española que abría la puerta a toda una nueva generación de directoras y creadoras que en nuestro país venían pisando fuerte y tenían muchas historias que contar. Ella reconoce que fue un mérito colectivo, en ningún caso se considera pionera en nada, y destaca que ese proceso tuvo mucho que ver el aumento de productoras mujeres y la reconfiguración de las ayudas.

“Yo lo que quiero es hablar de mis películas”

Es evidente que las cineastas en España están en un lugar mejor que el ocupaban hace unos años, sí, pero la fragilidad del momento sigue siendo extrema, reconoce Simón, por ello considera imprescindible seguir hablando de ello y recordar la importancia de que el cincuenta por ciento de la población está también ahí.

Por eso, aunque reconoce que el cine está en un momento en el que, por fin, empiezan a abrirse los relatos para contarse desde otra perspectiva, hasta ahora siempre había sido la masculina la que prevalecía, hay una reparación histórica y temática por delante que va a llevar a tiempo y que va a exigir que las mujeres sigan hablando del cine hecho por mujeres en vez de únicamente de sus películas. “Yo lo que quiero es hablar de mis películas, pero sé que aún hay que hablar de esto. El día que solo hablemos de nuestras películas, habremos llegado a la meta del camino”, reivindica. Y la meta de ese camino es la plena igualdad.

Gijón vuelve a convertirse un año más, y ya van 62 ediciones, en capital del cine independiente durante ocho días, los que dura su certamen más internacional, el FICX. El Festival Internacional de Cine levantará el telón en el teatro Jovellanos el próximo viernes 15 de noviembre, con una gala inaugural conducida por el actor Julián López, quien recientemente ha sido reconocido por la crítica gracias su interpretación en el último trabajo de Pilar Palomero, programado dentro de los pases especiales del certamen, 'Los Destellos'.

Del 15 al 23 de noviembre el FICX proyectará 169 títulos, 111 largometrajes y 58 cortos, seleccionados entre un total de 2400, según contaba durante la presentación de este viernes, el programador del certamen, Tito Rodríguez. Un certamen del que su director, Alejandro Díaz Castaño, destaca, sobre todo, el trabajo que cada año desarrolla el equipo al completo con el objetivo de construir comunidad.

Esta edición arrancará con un cortometraje de producción canadiense. Dirigido por Lope Serrano y con un cartel de cameos de lujo entre los que encontraremos a los cineastas J.A. Bayona o Albert Serra, y un elenco compuesto por Bárbara Lennie, Berta Prieto y Omar Ayuso, La causa del accidente que provocó el incendio será la cinta que precederá a ¡Gloria!, un musical italiano aclamado en la Berlinale y que homenajea la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia.

Durante la gala inaugural, además, el precursor del cine underground español y francés, Aldo Arrieta, recibirá el Premio de Honor FICX 2024, mientras que la icónica actriz mallorquina , Rossy de Palma, verá reconocida su trayectoria con el V Premio Isaac del Rivero, que lleva el nombre del creador del festival.

Ya en el acto de clausura será el momento de entregar el Premio Especial Generación Mutante a la actriz danesa Lone Fleming, en reconocimiento a su extensa trayectoria, y el Premio Comadre de Cine 2024 a la directora y guionista catalana Carla Simón, laureada por sus trabajos Estíu 1993 y Alcarrás. Por su parte, la directora griega Athina Rachel Tsangari recibirá el Premio de Honor FICX 2024.

Una oda al cine mudo será la cinta elegida para clausurar el festival, Silent Trilogy, del finlandés Juho Kuosmanen.

Casi 200 cineastas pasarán por la ciudad durante el FICX, que completa su programación con los seis títulos que integran sus Pases Especiales. Athina Tsangari presenta Harvest, una oscura fábula estrenada en el Festival de Venecia y la española Pilar Palomero, reconocida por la crítica como “una de las cineastas más interesantes de nuestro país”, vuelve a Gijón con Los destellos.

En la alcoba del sultán, de Javier Rebollo; Generación Xixón Sound del realizador asturiano Aure Roces; La Gran Manzada, de David de la Cruz; y Rolling Thunder, del estadounidense John Flynn son los títulos que completan los pases de esta 62 edición.

Actividades complementarias

El FICX duplica en esta edición la oferta de actividades complementarias que acompañarán a las proyecciones durante los ocho días de certamen, perfilándose, según sus organizadores, como una de las más destacadas en la historia del festival.

Habrá cinco exposiciones, entre ellas, una de Jean-Luc Godard, otra de carteles de cine, de la colección del Muséu del Pueblu D'Asturies, o una muestra sobre mujeres en el cine.

La directora Carla Simón impartirá una Masterclass, y la actriz Assumpta Serna y el actor Scott Cleverdon presentarán sus libros. Habrá mesas redondas, proyecciones y conciertos, además, como novedad este año, se presentará la primera edición del Altafulla International Film Festival. Talleres, charlas y encuentros con el público completarán esta 62 edición que está a punto de comenzar.

Cuando se habla de pioneras del cine español, siempre se menciona dos grupos de directoras. El primero, formado por aquellas que comenzaron todo, Cecilia Bartolomé, Josefina Molina e incluso Pilar Miró; y el segundo, aquellas que lograron los primeros premios y reconocimientos, con Icíar Bollaín e Isabel Coixet como grandes referentes. Sin embargo, y aunque todas lo sean, entre esos nombres y la nueva generación de cineastas españolas que han revolucionado nuestra industria, hay uno que no siempre se subraya como debería. Que no siempre se coloca en el lugar que merece al revisar la historia reciente del cine español, y aquí viene una de las grandes novedades, en catalán.

Mar Coll ha sido para todas las que vinieron después el gran referente, pero ha sido un referente más silencioso o incluso más en la sombra. Sin embargo, cuando a todas las nuevas directoras españolas que ganan premios por todo el mundo se les pregunta por esas personas que las inspiraron, que les hicieron ver que esto era posible, sale el nombre de Mar Coll. Porque en ella vieron a una mujer joven, que debutaba con menos de 30 años y que hacía un cine que no se parecía a nada que hubiéramos visto.

La llegada de Tres días con la familia, que se estrenó cuando ella tenía 27 años en el Festival de Málaga (donde logró la Biznaga de Plata a la Mejor dirección) fue un terremoto para muchas mujeres. Era una historia íntima y política, la deconstrucción de una familia burguesa catalana que hablaba, oh sorpresa, en catalán, lo que provocó incluso críticas en aquel 2009. Posteriormente, ganaría el Goya a la Mejor dirección novel y se convirtió en una de las grandes promesas del cine español. Ahora tiene 43 años.

Lo que pocos eran conscientes entonces es que era mucho más que una promesa, era un cambio de paradigma que se confirmó con Todos queremos lo mejor para ella (2013) y una de las series más personales que se han creado con el bum de la ficción en España, Matar al padre (2018). Desde entonces ha pasado una pandemia y la maternidad, y todo ello se ha consolidado en su nuevo filme Salve María. Una mirada realista y sin filtros a la maternidad que es una de las grandes películas españolas del año.

“Yo quiero hacer esto”

Las películas que nos cambian son aquellas de las que uno se acuerda del momento exacto en el que las vio, y eso es lo que le ocurrió a Carla Simón con Tres días con la familia. Ella estaba estudiando un máster y en aquel momento estaba en Barcelona. Ya barruntaba la idea de hacer cine, pero no sabía ni por dónde dar el primer paso. Cuando salió de la sala algo había cambiado en ella. “Me acuerdo de salir y ponerme a llorar. Me iba a casa y llamé a mi madre y le dije, ‘yo quiero hacer eso’. Me abrió la posibilidad de creer que siendo joven y mujer se podía hacer una película sobre tus propias experiencias familiares y en catalán. Había tantos puntos en común con lo que yo deseaba que realmente fue muy revelador y muy iluminador”, cuenta la directora de Alcarràs mientras monta su nuevo filme, Romería.

Para ella evidentemente hay muchos referentes, pero sí siente que Mar Coll “inició algo que tiene que ver con nuestra generación de cineastas” y que “se habla poco de ella”. “Yo cuando pienso en quién empezó todo siempre me viene su nombre”, añade. La misma importancia tuvo Mar Coll en Belén Funes, en este caso de forma tan clara como que la directora de La hija de un ladrón trabajó por primera vez en una película gracias a Mar Coll. Acababa de salir de la universidad y entró al rodaje de Tres días con la familia. “Para mí salir de la universidad y ver a una mujer joven a los mandos de una peli lo fue todo”, dice contundente. 

Me acuerdo de salir de ver su película y ponerme a llorar. Me abrió la posibilidad de creer que se podía ser mujer, joven y hacer una película sobre tus propias experiencias familiares y en catalán

Carla Simón — Cineasta

Para ella hubo dos momentos fundacionales para darse cuenta de que quería ser cineasta. El primero, cuando vio “que Isabel Coixet estaba en uno de los cuadraditos de nominados a mejor dirección en los Goya”, el segundo, cuando empezó a rodar junto a Mar Coll. “Yo me esperaba que los directores eran otra cosa, y de repente llego al despacho de Escándalo Films, que era la productora de la peli, y me encuentro a una tía superbajita, superjoven, supercercana, que tiene mil dudas, pero que a la vez tiene clarísima la peli que está haciendo, lo que tiene que hacer, cómo tiene que ensayar, cómo tiene que dirigir a los actores, teniendo su voz y ostentándola en el buen sentido, rodeada de gente superjoven igual que ella haciendo la película… si no hubiera pasado por Tres días con la familia no sé si estaría dirigiendo ahora”, añade.

Cineasta, mujer… y en catalán

Para Elena Trapé el cine de Mar Coll descubrió algo “nuevo e interesante”, y es que cree que “redefine lo que significa el cine catalán o lo que puede ser el cine catalán y en catalán”. Trapé es algo mayor que Mar Coll, ya que estudió otra carrera antes de llegar al cine, pero estudió una promoción por debajo en la ESCAC. Ya entonces recuerda el poder de los cortometrajes de Coll. De Tres días con la familia subraya la importancia de que “era una película en catalán, íntegramente en catalán”. Cuando salió de verla pensó que aquella podía ser su familia. “Ese es mi abuelo”, dijo.

Se acuerda de una anécdota que evidencia muy bien la potencia política de aquel estreno en su lengua: “Fue la primera peli en catalán que estaba en Málaga, y en ese momento hubo gente que se fue de la sala porque se proyectaba en versión original”. “En ese momento fue de las primeras personas. Yo ruedo Blog el año después de Mar y no nos atrevemos a hacerla en catalán. Algunas de las niñas de la película, de hecho, se quedaron en segundo término porque no podían improvisar en castellano. Se les notaba. Entonces tuvimos que hacer algún sacrificio a ese nivel”, recuerda y remarca cómo convirtió que aquellas experiencias eminentemente catalanas se convirtieran “en algo muy universal a nivel de lenguaje cinematográfico”. 

En aquella película también trabajó Nely Reguera como ayudante de dirección. Había estado en producciones más grandes como El perfume, pero de repente estaba en una película “que representaba el cine” que a ella le gustaba y que soñaba “con hacer algún día”. “Por supuesto que fue importante. De hecho, poco después yo me decidí finalmente a dirigir Pablo, mi corto. En mi caso ya había una voluntad de ser directora. No creo que dirija porque participé en Tres días con la familia, pero sí que fue importante por ver que el cine que a mí me gustaba y que yo pretendía hacer, se estaba haciendo, lo hacía una mujer y lo hacía bien”, dice y destaca también la importancia de que estuviera rodada en catalán cuando pocos lo hacían. De ella destaca “la sensibilidad y lucidez de su mirada, dónde pone el foco cuando retrata la sociedad, el ser humano y nuestra forma de comportarnos y relacionarnos”.

Entre todas ellas se forma una red de apoyos, que también tiene que ver mucho con la ESCAC, pero que no es excluyente. Estas mujeres, que vinieron después (poco o mucho), se ayudan en todo. Leen sus guiones, ven los primeros cortes de montaje y han roto con muchos de los tópicos (masculinos) sobre la competitividad en el cine. Todas, cuando se les pregunta por Mar Coll, hacen hincapié en que también se mencione otro nombre, uno que sí que suele ser menos nombrado. Es el de Valentina Viso. Ella es la coguionista de todos los trabajos de Mar Coll, la segunda parte de un tándem infalible que también es parte responsable de los guiones de algunas de ellas, como María (y los demás) o Verano, 1993. Sin Mar y Valentina el cine español que ha abierto nuevas temáticas y miradas sería muy diferente, y mucho peor.

Daba igual en qué aplicación o web lo miraras, la previsión meteorológica para ese día en Vigo era clara: sol absoluto. “Es el único día malo que ha salido este verano”, decía una señora de la ciudad al ver la preocupación y las miradas al cielo encapotado y a la niebla que asomaba en el puerto. Si ese día malo fuera para unas vacaciones no pasaría nada, pero en un rodaje el tiempo es fundamental, y planificar un día con sol y que no aparezca es un imprevisto con el que no siempre se puede lidiar. A veces hay planes B, interiores que se pueden rodar, pero en esta ocasión no era así. 

Al acercarse a la casa de una recóndita playa de la costa de Vigo donde se va a rodar esa mañana, la niebla es cada vez más densa. En el camino de tierra que baja al lugar aparece Carla Simón. Alguien del equipo de producción, gallego y conocedor de su tiempo, se acerca con una predicción: “Tranquila, que esto remonta en unas horas”. A la directora no se la ve nerviosa, al revés. Entra en su set de rodaje con esa calma que transmite y contagia. Luego confesará que rodando en Galicia ha aprendido a “abrazar” estos reveses meteorológicos. 

Simón se encuentra en mitad del rodaje de Romería su tercera película. La siguiente después de aquel histórico Oso de Oro en Berlín con Alcarràs. Asegura que no siente presión porque ahora mismo está en “modo supervivencia” en medio del rodaje. Un rodaje que asegura que es muy distinto. Dejará la cámara en mano, jugará con fogonazos oníricos y habrá dos líneas temporales (los 80 y los 2000). En este cambio de estilo el reto es que “el tono siga siendo el mismo, que esté vivo”. Para ello contará con Hélène Louvart, la directora de fotografía de cineastas como Eliza Hitman, Lynne Ramsay y Alice Rohrwacher con quien deseaba trabajar desde hace años. Con Romería promete que cierra la trilogía de la memoria familiar que desarrolló en Verano 1993 y Alcarrás. Le faltaba uno de los vértices para indagar en su pasado y en su historia, el de la familia de su padre biológico. 

Como el tiempo no remonta a pesar de la predicción, Carla Simón aprovecha para atender a un muy reducido número de medios que han acudido a Vigo para ver cómo rueda. Allí da pistas de lo que se verá el año que viene, en fecha por concretar y que dependerá de qué festival internacional decida acoger su estreno. Cuenta que la romería del título ―además de la connotación de “viaje místico del personaje”― una procesión con barcas en el mar, la pensaban también rodar con sol y llegó el único día de lluvia de todo julio y terminaron por grabar a la virgen envuelta en plástico. Para completar las inclemencias, un dron con una cámara cayó al mar un día de viento perdiendo todos los planos desde el aire. Ahora Hélène Louvart ha dicho que prohibidos los drones. 

Las cartas del inicio

La idea de Romería nace de unas cartas que la madre de Carla Simón escribió. Eran cartas que había escrito desde muchos lugares, muchas de ellas desde Vigo, donde estuvo viviendo con su padre (ambos murieron de sida, como contó en Verano, 1993). En ellas encontró el testimonio de una generación de la que el cine no habla “por el tabú de las drogas y el sida”. “Yo lo he sentido así. He intentado encontrar mi memoria familiar y me la contaban siempre a cachitos y con eufemismos. Es muy difícil entender qué pasó, dibujar un poquito lo que a lo mejor vivieron mis padres. Cuando tus padres están vivos les puedes preguntar, y ellos te cuentan lo que quieran o no, pero te haces una idea. Cuando hay una ausencia con la muerte de por medio, hay mucho estigma y tabú”, explica sobre una película que dice que habla “sobre la memoria”. O mejor, sobre qué hacer cuando no existe “esa memoria familiar y cómo te la puedes llegar a inventar”.

Por eso la película es también “una especie de homenaje a esta generación”. “Nos sigue costando mucho hablar de la cantidad de gente que murió en ese momento por ese tema. Mucha gente perdimos los padres de sida y hemos tenido que convivir con eso. No solo nosotros, sino también sus familias, porque hubo mucho dolor por el hecho de perder a gente por sobredosis, sida o accidente de tráfico, que era lo que pasaba en ese momento. Se rompían familias. Hay familias enteras que perdieron a mucha gente. Aquí en Galicia especialmente, porque entraba casi todo por aquí. Cuando hacíamos el casting era muy fuerte, porque siempre les preguntaba cómo se habían relacionado con ese tema y casi todo el mundo conocía a alguien que hubiera muerto de sida”, añade.

Cuando tus padres están vivos les puedes preguntar su historia. Y ellos te cuentan lo que quieran o no. Cuando hay una ausencia, con la muerte de por medio, hay mucho estigma y tabú

Carla Simón — Cineasta

Parece, por tanto, que Romería será como Alcarràs, el retrato que desde lo íntimo cuenta lo político. “Es que en todas las familias y en todas las historias personales hay un reflejo político”, dice con contundencia Carla Simón, que además aquí tiene esa voluntad. “De esa generación se dejó de hablar. Es muy injusto. Ellos no querían morirse de sobredosis, o de sida. Muchos ya lo habían dejado y luego tenían sida, que era el caso de mi madre. Y nadie sabía entonces qué consecuencias tenía la heroína. Parecía como si ellos hubieran escogido llevar esta vida. Muchos no podían salir, y creo que se habla de esa cara B de una manera un poco chunga que me parece muy injusta”, afirma.

Así, su tercer filme será una película que de alguna forma afronte eso que llamamos memoria histórica. “Es que siempre parece que cuando hablamos de memoria histórica es solo el franquismo y la Guerra Civil, y para mí esto también lo es. Más allá del cine quinqui no hay tantos relatos, y cuando se ha hablado de ello ha sido de una manera oscura y avergonzada. Yo, como hija de esa generación, no juzgo a mis padres. Yo quiero entender cuál es su historia. Lo que me parece interesante es que cuando hay un personaje en la ficción que ha vivido algo así, siempre está enfadado, pero yo no lo estoy, y entonces quiero retratarlo desde la curiosidad hacia la memoria familiar, que para mí es importante”, zanja.

Una actriz bajando del autobús

La predicción se cumple, y después de comer aparece un sol radiante para rodar la escena como la imaginaban. Una escena coral, donde aparece una de las novedades de esta película, la mezcla de actores profesionales y otros ‘a la Carla Simón’, es decir elegidos en procesos de casting largos y que van desde escuelas a patear la calle en busca de gente que cuadre con lo que buscan.

Es el caso de la protagonista, Llùcia Garcia, el alter ego de Simón en la ficción a la que ella y su productora, María Zamora, encontraron cuando bajaba del autobús. Habían visto muchas chicas, pero no daban con lo que buscaban. Un día, en el barrio barcelonés de Gràcia, bajando del autobús, con una mochila, apareció Llùcia, que volvía de una reunión de scouts. El día que hizo el casting cumplía 18 años, como si fuera una señal de que ella era la elegida. “Tenía el físico y el espíritu que buscábamos”, recuerda Simón, que confiesa que esta vez vio a actrices profesionales. También fueron a pueblos, a institutos… pero se resistió hasta el final. 

A su lado Mitch Robles, Tristán Ulloa o Janet Novás, la protagonista de O Corno. Todos ellos han tenido un extenso tiempo de ensayos y ahora están en la escena que Carla Simón rodará esa tarde. Un encuentro de jóvenes y mayores donde se cantará y tocará en directo Tu mirá, de Lole y Manuel, canción que ya usó Tarantino en Kill Bill y que ahora suena en la voz de Novás. “Conociéndola la va a repetir unas cinco veces”, adelanta María Zamora. Y acierta.

Eso sí. Siempre con su estilo calmado. Hasta para decir que no está funcionando lo que está viendo lo hace con tranquilidad. “¡¡¡Más animados!!”, les corrige tras cortar la toma y volverse a meter debajo de una tela negra para ver el combo sin que le moleste la luz. Cuando uno se fija ve que no está sola. A su lado, también bajo ese manto negro, se encuentra su hermana Berta, que también fue parte de Verano, 1993 y de Alcarràs. Porque Romería también es una historia familiar, incluso en el rodaje.

La productora María Zamora, una de las figuras más importantes del nuevo cine español hecho en España en los últimos años, ha logrado el Premio Nacional de Cinematografía que otorga el Ministerio de Cultura y que está dotado con 30.000 euros. Sustituye a Carla Simón, que lo logró en 2023 y a quien Zamora ha producido sus dos primeras obras, Verano, 1993 y Alcarràs, además de trabajar en la tercera, Romería.

El jurado ha querido reconocer a la productora por “su apoyo al cine independiente y arriesgado. En su trayectoria, María Zamora ha fortalecido la presencia del cine independiente español en el mercado internacional, incidiendo en miradas sensibles y diversas”. Además, el jurado ha destacado que María Zamora “en 2023 obtuvo la Concha de oro de San Sebastián a la película O corno así como su implicación en múltiples producciones que consiguieron ocho nominaciones a los Premios Goya de 2024”.

Zamora ha logrado en la última década una sólida carrera que se ha especializado en producir y descubrir a mujeres directoras de cine. Solo en el último año ella fue parte de los equipos de producción de dos de las grandes películas españolas del año como Creatura, de Elena Martín, que estuvo en el festival de Cannes; y la citada O Corno, filme gallego que logró la histórica Concha de Oro para su directora, Jaione Camborda, primera española en lograrla. Su apuesta por las cineastas es clara, y el próximo año estrenará tres nuevas películas con mujeres al frente: Hildegart, dirigida por Paula Ortiz; Las madres no, de Mar Coll; y La mitad de Ana, el debut de la actriz Marta Nieto.

Este galardón reivindica el trabajo de la producción, fundamental para apostar por nuevas miradas que se salgan de lo más comercial e industrial. Una labor que no suele ser reconocida por los Premios Nacionales, que suelen ir para intérpretes y directores. La última vez que se reconoció a una productora fue, precisamente, a otra mujer, Esther García, de El Deseo, productora de Pedro Almodóvar y pionera para toda una generación posterior a la que pertenece Zamora.

El jurado ha estado presidido por Ignasi Camós Victoria, director general del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), y como vicepresidente ha actuado Camilo Vázquez Bello, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Juan Vicente Córdoba Navalpotro, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Josep Gatell Castro, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; Daniel Grao Valle, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Paula Palacios Castaño, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); Desiré de Fez Martín, Susana Herreras Casado y Ariadna Cortés Prió, a propuesta del ICAA; y Carla Simón Pipo, galardonada en la convocatoria anterior.

Un premio al nuevo cine español

A María Zamora el premio le ha pillado, precisamente, localizando para la tercera película de Carla Simón que empiezan a rodar en agosto. Exactamente, como confiesa entre risas, “en la lonja de pescado del puerto de Vigo”. Antes de atender a la prensa se ha sentado con su equipo y lo ha disfrutado con ellos. Que se entere precisamente con un proyecto como este parece la cuadratura perfecta del círculo, y para ella “un lujo”.

Reconoce que le gusta que se hayan acordado de gente de otras ramas. “Normalmente se lo dan a directores, actrices, actores, y cuando se lo daban a una productora a mí eso me ponía contenta”, dice al teléfono. Ahora le ha tocado a ella. Cuando la ha llamado el ministro de Cultura no se lo creía mucho. Urtasun ha destacado ese equilibrio entre proyectos que sobre el papel son autorales, pero que acaban encontrando un público y viajando fuera de nuestras fronteras: “Si lo pienso es verdad que cuando yo empecé, mis primeras pelis apenas salían de nuestras fronteras y de pronto poco a poco nos fuimos focalizando en que eso no fuera así, y últimamente sí siento que lo estamos consiguiendo y estoy muy orgullosa de eso”.

Desde hace unos años hay un cambio generacional en el cine español que no solo viene marcado por la edad, sino por una forma de hacer las cosas y de relacionarse con lo que hacemos

María Zamora — Productora y Premio Nacional de Cinematografía

El jurado ha destacado su apuesta por miradas sensibles y diversas, y en eso no tiene duda. “Es el cine que me mueve”, dice con contundencia. “Me gusta apoyar todo tipo de miradas, y desde hace ya un par de años estoy a mí misma insistiéndome en esta cosa de que abramos la mirada, de que nos abramos a géneros distintos, a tipologías de directores distintas- El tema de la diversidad es un tema que para mí es importante. Quizás antes me he focalizado más en dar la oportunidad a directoras mujeres, pero es verdad que ahora mismo, aunque suceda de forma orgánica y aunque siempre ha sido una prioridad, no lo estoy buscando activamente y lo que intento es que a esa variable se le sume la de la diversidad total”.

Aunque no lo busque activamente, las próximas tres películas llevan la firma de una mujer, y es que Zamora lleva “15 años con este chip instalado y sale de forma absolutamente orgánica”, pero ahora se añade ese plus de buscar “una diversidad real y plural”. Tanto ella, como Carla Simón, pertenecen a una nueva generación que forman parte de ese nuevo cine español, como bautizó la prensa y donde sí se reconoce. “Yo creo que sí que lo hay. Nosotras somos solo dos ejemplos de un montón de gente que nos rodea. Directoras, productoras, técnicos... Sentimos que desde hace unos años hay un cambio generacional, y ese relevo no solo viene por edad, sino por una forma de hacer las cosas y de relacionarse con lo que hacemos, con cómo lo hacemos y desde dónde lo hacemos”.

Quimet, el rudo payés que labraba las tierras y mantenía a toda su familia, se pasa los 120 minutos que dura la película Alcarràs intentando luchar contra lo inevitable: un desahucio inminente y la desaparición de un modo de vida que ha dado de comer a los suyos durante generaciones. Quimet es, en el film de Carla Simón, un payés al que no le dejan ser payés. Y el hombre detrás de la máscara, Jordi Pujol Dolcet, vivió el mismo sino que el personaje que interpretó.

Nacido en Alcarràs, Pujol Dolcet es uno de los actores amateurs que Simó reclutó para su película. Él acabó siendo Quimet por todo lo que le unía al personaje. Hasta su final. El actor fue agricultor y trabajaba las tierras de la familia, pero hace unos cuatro años que tuvo que dejar la labor por los precios “bajísimos” que pagaban por la fruta. El alcarrasino tenía que pedir dinero cada año y, al final, entendió que no compensaba. Ahora trabaja en la brigada municipal del cercano pueblo de Soses y asegura que mantiene una parte de huerto como afición.

Hoy, aunque no se puede unir a los agricultores que se dirigen en marcha lenta hasta Barcelona, asegura que les apoya. “Estoy con ellos porque esto hace falta. Pero no hay nada que hacer porque no nos quieren. En Europa quieren que desaparezcamos”, ha dicho, tajante, en una entrevista en RAC1. “Con todo el dolor de mi corazón, yo he abandonado ya”, ha reiterado.

Quien interpretó a Quimet, el payés que no se quería rendir, asegura que “no se puede ser payés hoy en día”. Explica que lo que ha llevado al campo de Europa a tomar las carreteras es “lo de siempre”. La fruta se cobra a precios muy bajos, “los mismos que cuesta hacerla”, asegura Pujol Dolcet. “Pasamos campaña tras campaña sin ganar un duro. Todo sube, excepto la fruta”, se lamenta.

Además, el agricultor depende de diversos factores que escapan a su control, como las condiciones meteorológicas. La sequía este año ha hecho que muchos árboles frutales se sequen y no den fruto, por ejemplo. Pero en algunas zonas, a pesar de eso, la campaña ha ido “muy bien”, tal como relata Pujol Dolcet. El problema son “las mermas que nos hacen bajar el precio de coste. Nos quitan líquidos de ensulfatar y otros productos”, ha lamentado, en referencia a las diversas normativas que regulan el uso de químicos en la agricultura.

En esta línea el actor y exagricultor ha apuntado a un elemento común en todas las quejas de la agricultura: la burocracia. “Hay tanta que parece que tengas que tener tu propia gestoría”, ha ironizado. “Lo significa todo: si no puedes acceder a las líneas de ayuda, estás perdido porque no da para vivir”, apunta. Y, contradictoriamente, asegura que es “casi imposible” que un payés normal pueda acceder a toda la burocracia que necesita para financiar su actividad. “Es demencial”, ha remachado Pujol Dolcet, que ha lamentado que el modo de vida de toda una zona y de diversas generaciones esté desapareciendo.

Carla Simón ha recogido este sábado el Premio Nacional de Cinematografía en el Festival de Cine de San Sebastián. La cineasta ha culminado con este galardón un año que arrancó con el triunfo en la Berlinale de su última película, Alcarràs, con la que se alzó con el Oso de Oro. Las directoras Elena López Riera y Meritxell Colell han presentado el evento, en el que Miquel Iceta, ministro de Cultura y Deporte, ha destacado sobre la homenajeada: “Con solo dos largometrajes has marcado la historia del cine reciente en nuestro país”.

“Eres estratosférica en todos los sentidos, generosa y magnética como tu cine”, ha alabado Colell, a quien conoció en 'Cine en curso', un programa de pedagogía del séptimo arte en escuelas e institutos. “Su cine está hecho desde su compromiso con el cine, pero sobre todo con la vida”.

Por su parte, la directora de El agua ha comenzado su intervención con una larga enumeración de adjetivos que definen a Simón. Entre ellos, “tozuda, incansable, inspiradora, constante, arriesgada, sencilla, minuciosa, persistente, introspectiva, leal, tenaz, conectada y un poco chalada”. “Este es el reconocimiento de una cineasta extraordinaria, y también al de una generación, una comunidad y una forma de entender el cine”, ha añadido.

“Gracias en mi nombre y el de tantas otras, por demostrar que podíamos reapropiarnos del cine, hacerlo a nuestra manera, llevarlo a nuestras tierras, nuestras gentes, acentos y lenguas. Estoy segura de que después de ti ninguna niña de pueblo pensará que es imposible hacer películas”, ha concluido con un último alegato: “En la vulnerabilidad compartida, somos más fuertes”.

El siguiente en tomar la palabra ha sido Miquel Iceta, ministro de Cultura y Deporte, que ha bromeado al comenzar con que, tras escuchar a las dos directoras y amigas, se sentía como en la canción de Mecano Me colé en una fiesta. El dirigente ha pronunciado parte de su discurso en catalán. “En estos días en los que hablamos mucho de lenguas, yo soy de los que cree que multiplican. La riqueza que ha incorporado Carla con una historia tan local que se ha hecho universal, marca un camino a seguir”, ha declarado.

Iceta ha aprovechado para reconocer los grandes pasos dados por las directoras en los últimos años: “Nos faltaba la potencia que está adquiriendo hoy la mirada de las mujeres. El cine se está enriqueciendo de una aportación que quizás ha tardado demasiado. Ha tenido que vencer muchos obstáculos para ser valorada en su justa medida”. El ministro le ha pedido que siga “transportando” al público al mundo que no conocen“.

“Larga vida al cine independiente”

Simón, tras subir ovacionada al escenario, ha reflexionado sobre si hacer cine es o no un acto egoísta. Por un lado ha considerado que genera “unas dinámicas que obligan a poner el ego de los cineastas en el centro”. Por otro, ha valorado: “Es un acto de comunicación con el otro. Compartimos nuestra visión con el mundo para hacerlo un lugar un poco más humano, comprensible y empático”.

La galardonada ha afirmado que este reconocimiento le llega en “tiempos de cambio” que ha definido como “emocionantes” y la vez “frágiles”. La cineasta ha agradecido a todas las cineastas que “abrieron camino” para que ahora figuras como ella no necesiten que sean los maridos quienes hagan por dar a conocer sus obras. Entre ellas ha mencionado a Agnes Varda, Chantal Akerman, Isabel Coixet, Josefina Molina, Pilar Miró e Icíar Bollaín.

“Por fin hay más mujeres haciendo cine. Por fin hay una tímida democratización de nuestro oficio y algunas maneras de trabajar se están quedando obsoletas”, ha sumado destacando que se han reventado puertas con las que incluir “historias que estaban apartadas desde el imaginario” porque no se había permitido que se contaran desde la perspectiva de las autoras.

Ahora bien, ha aprovechado su discurso para advertir sobre la “fragilidad” igualmente imperante: “En 2023 se censuran obras por motivos políticos en lugares de nuestro país”. Y ha dado espacio para, una vez más, reclamar la protección del cine independiente: “Hay que seguir protegiendo el cine con alma y riesgo. Que necesita tiempo, mimo, pensamiento y rigor. Que puede ser oscuro que pero que siempre encuentra alguna luz. Que cuando conecta es capaz de hacernos crecer”.

La censura ha sobrevolado el Festival de San Sebastián desde que se anunció que su programación incluiría el documental que Jordi Évole No me llame ternera, en el que el periodista ha entrevistado al exlíder de ETA Josu Urrutikoetxea. El filme generó polémica antes de su proyección, porque hubo quienes pidieron que se cancelara, emitiendo incluso insultos y realizando pintadas.

“Me parece absurdo que alguien pida que no se proyecte un documental que no ha visto, solo leyendo una sinopsis, porque no puedes juzgar cómo será esta película. Nadie puede pedir que no se proyecte algo ahora mismo. Hay libertad de expresión”, ha sostenido al respecto Simón.

Me parece absurdo que alguien pida que no se proyecte un documental que no ha visto

Carla Simón — Cineasta

Rodar en catalán y cuantas más lenguas, mejor

Simón, que ha rodado sus dos películas en catalán, ha sostenido que este tipo de cine desempeña otro papel fundamental: “Exportar fuera nuestras culturas y lenguas”. Además de generar cientos de puestos de empleo. En plena semana en la que el uso de las lenguas cooficiales han sido aprobadas en el congreso, la cineasta ha defendido antes la prensa que “el arte siempre va un poco por delante de la política”.

“El tema de las lenguas no es nuevo. Vivimos en un país muy plural y es necesario que haya películas en todos los idiomas”, ha afirmado. Sobre su experiencia personal ha compartido que al viajar con sus dos largometrajes, Verano 1993 y Alcarràs, ha sido bonito comprobar cómo ha habido personas en distintos rincones del mundo que han sabido de la existencia del catalán gracias a ellas.

Un musical flamenco, su próximo proyecto

La cineasta está ya trabajando en la que será su tercera película, Romería, con la que cerrará su trilogía en torno a su familia. La cinta será mayoritariamente rodada en Galicia y la directora se ha mostrado entusiasta respecto a rodar en el mar, al ser algo que “aún” no había explorado. En el largometraje combinará varias lenguas: “Hay parte en español, en catalán, en gallego y un poco de francés”. Mientras que en Alcarràs optó por contar con un reparto íntegramente no profesional, aquí ha avanzado que este título “sí pide que puedan serlo”.

Para lo siguiente Simón tiene preparado un giro radical: rodar un musical flamenco. Una idea que, según ha expresado, llevaba teniendo “desde hace mucho tiempo”. “¿Cuántos musicales flamencos ha habido en España durante mucho tiempo y que relacionamos con la época de Franco? Siendo algo que ha seguido evolucionando, y que Saura sí exploró en su cine, me apetece hacerlo desde nuevos puntos de vista”, ha adelantado.