El artista y diseñador José María Cruz Novillo ha sido nombrado Hijo Predilecto de la ciudad de Cuenca a título póstumo.

El Ayuntamiento de Cuenca lo ha aprobado por unanimidad en el Pleno extraordinario celebrado este lunes. Cruz Novillo nació en Cuenca en 1936 y comenzó su andadura artística entrando como dibujante en Publicidad Clarín en 1957, una faceta que nunca abandonó.

Posteriormente creará su propio estudio de Diseño, desde el que ideará las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Tesoro Público, PSOE, COPE, Grupo PRISA, Diario 16, El Mundo, El Economista, Red Eléctrica, Renfe, Visionlab, Fundación ONCE o el logo de Cuenca 2016, entre muchos otros muy reconocibles.

Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), convirtiéndose en Socio de Honor de la misma, y ha participado como jurado en decenas de premios, incluyendo los Premios Nacionales de Diseño, de Arquitectura y de Cómic. Ha diseñado también múltiples carteles de reconocidas películas y realizado multitud de exposiciones.

En 2019 se estrenó la película documental ‘El hombre que diseñó España’, que repasa la trayectoria de Cruz Novillo tanto en su faceta de diseñador como en la de artista plástico desde su primer logo, en 1957, y exposición individual, en 1972.

La ciudad de Cuenca posee también la Escuela de Arte Cruz Novillo, centro público de enseñanzas artísticas ubicado en el Casco Antiguo. José María Cruz Novillo falleció el pasado 2 de mayo, a los 89 años de edad.

La del diseñador gráfico es una tarea con más responsabilidades de las que aparenta. A él corresponde inventar las formas visuales en que una sociedad se comunica. Dotarlas de lógica y coherencia. Hacerlas bellas según los consensos, o no, de la época. Provocar que hablen. En el caso de Pepe Barro (Pontedeume, A Coruña, 1955) esa sociedad es Galicia y las formas, desde los carteles de oposición a la finalmente no construida central nuclear de Xove en los 70 a la renovación de la Casa da Matanza -el museo de Rosalía de Castro-, de las cajas de huevos de una pequeña empresa rural a la maqueta del único diario en papel redactado en gallego, Nós Diario. “Trabajamos en un lenguaje internacional y en una koiné gráfica internacional”, sostiene Barro, “pero pasaba igual en el Románico. Lo había en Santiago y en Alemania”. Con acentos singulares, sin duda. Los de este artista gráfico, clave en el desarrollo de la disciplina en la comunidad desde la restauración democrática, los recoge ahora O libro de Barro (Didac, 2026), unas memorias gráficas de 400 páginas que concentra “lo esencial” de su trabajo y de su idioma.

Hace tres años, Barro envío a amigos y conocidos uno de esos libritos autoeditados con que los obsequia de vez en cuando. 1973. O ano decisivo, se titulaba. “Estudiaba Filosofía y Letras en la Universidade de Santiago y ese año hice dos o tres carteles para la asociación cultural O Galo”, relata elDiario.es, “me fui enredando y me decanté hacia el diseño. Abandoné la carrera y hasta hoy”. O libro de Barro, que recoge en una vistosa edición la síntesis del archivo del diseñador depositado en la Fundación Didac, de cuadernos manuscritos a reportajes fotográficos de sus labores museográficas, de bocetos de carteles a un catálogo de símbolos y anagramas, arranca con ese primer diseño: un cartel para la Homenaxe a Castelao organizada por O Galo, una de las agrupaciones de referencia en la resistencia cultural antifranquista. “En los años 70 nadie sabía lo que era el diseño en Galicia”, asegura en la entrevista con David Barro que abre el volumen. Fue su generación, de la que formaban parte Xosé Diaz -hijo de Isaac Díaz Pardo- o Lía Santana, la que lo remedió. En su caso, de la mano de Ventura Cores (Cee, 1931- Pontevedra, 2015), pintor e interiorista al que reconoce como maestro.

“El diseño gallego se fue desarrollando en paralelo a la construcción de su mercado”, explica, “cuando yo era joven, los diseñadores éramos pocos, y el mercado estaba reducido a la industria cultural. Ya no. La sociedad ha madurado y comprendido la necesidad de nuestro trabajo”. Barro vivió esa profesionalización durante los 80 y los 90 en solitario o integrado en despachos como BC&D, Grupo Revisión Deseño o Barro Salgado Santana. Pero antes, los años pioneros. Fue cuando Pepe Barro se hizo cargo del diseño de A Nosa Terra, cabecera histórica del nacionalismo gallego resurgida a finales de los 70 con un enfoque izquierdista y moderno, dirigida entonces por la periodista, escritora y cineasta Margarita Ledo. También trabajó para la industria cultural, por ejemplo para la recién constituida editorial Xerais, quizás la pieza clave del libro gallego en la etapa autonómica. A ese mundo ha seguido vinculado, sobre todo a través de las cubiertas para las obras del escritor Suso de Toro, amigo personal, de Caixón desastre (Xerais, 1983) a Terra de sacrificio (Xerais, 2025).

A Nosa Terra no fue la única experiencia periodística de Barro. En 1987 formó arte de la sala de máquinas de Diario de Galicia, un diario progresista y fugaz cuya dirección recayó en Xosé Antonio Gaciño. La subdirección, en Manuel Rivas. “Fue uno de los primeros periódicos del Estado en usar ordenadores para el diseño”, asegura. El cambio tecnológico es otra de las constantes en las reflexiones de Pepe Barro, quien recuerda algunas de las transformaciones con las que ha lidiado su oficio: la fotocopiadora que ampliaba o reducía, “un avance brutal”; la fotocopiadora a color; la fotografía digital. No sale de casa sin tres objetos, de los que nacen no pocos de sus proyectos: un cuaderno, una pluma y su teléfono móvil. “A mi generación le tocó aprender de nuevo a trabajar con la popularización de la informática”, considera, “y vencer el miedo a la homologación, a que todo iba a ser igual hecho por ordenador. No fue así, superamos los fantasmas del cambio tecnológico. La cabeza es la que rige, está claro”.

Tampoco le asusta la llamada -numerosos expertos critican la denominación- inteligencia artificial. “Es otro fantasma que va a ser dominado y una herramienta maravillosa para nosotros”, dice, “veo el problema de si le pides, no sé, el cartel para las fiestas de Pontedeume. Lo hace, pero saqueando nuestro trabajo. Quizás funcione a un nivel popular, pero para el trabajo serio va a seguir confiándose en la cabeza de los diseñadores”. No por nada Pepe Barro asegura que lo que más le interesa de su profesión, cincuenta años después, son los “nuevos retos”. “Tengo que pasarlo bien trabajando, si no, no me sale bien”, afirma divertido. Pero no solo del futuro inmediato vive el artista gráfico.

Historia de las formas gallegas

O libro de Barro recoge además algunas de sus investigaciones sobre la simbología nacional gallega. Las agrupa bajo el epígrafe de Divulgación. La historia de la actual bandera de Galicia es una de sus obsesiones. Según su tesis, la tela blanca con franja azul claro de izquierda a derecha en sentido descendente la ideó el historiador Manuel Murguía, marido de Rosalía de Castro, por encargo del Centro Gallego de La Habana, que le habría solicitado un estandarte para sustituir el de la Cruz de Santiago en el último cuarto del siglo XIX. “Hasta ahora teníamos una descripción del estandarte de Murguía, pero el investigador Sixto Gómez Echemendia ha encontrado una imagen del mismo”, revela. La teoría hasta ahora más aceptada sitúa su origen en la enseña de la provincia marítima de A Coruña, que a finales del XIX eliminó una de las dos aspas azules cruzadas en diagonal para evitar confusiones con otras. Según el diseñador, esto sucedió un mes después del traslado de los restos de Rosalía de Castro a Bonaval, en Santiago de Compostela, el 25 de mayo de 1891. En esa ceremonia habría ondeado la bandera de la franja azul, ideada por Murguía y cosida por Alejandra Murguía de Castro. Barro desarrolla su argumentación en un ensayo publicado en el Boletín da Real Academia Galega.

“Siempre me ha interesado desvendar la historia y los significados de la simbología patriótica gallega, desde el punto de vista político y desde el cultural”, apunta. Aunque insiste en defender que el diseño gráfico es un lenguaje internacional, también sabe que “hay formas que tiene carga simbólica”. Menciona, por ejemplo, los motivos de inspiración celta, que en el caso de Galicia sufrieron una transición, del dolmen o anta como figura principal al trisquel y las representaciones solares. Dos libros “a medio hacer” le servirán para seguir ordenando sus indagaciones al respecto. Porque si un elemento ha caracterizado el medio siglo de trayectoria como diseñador es el pensamiento sobre el propio oficio. Él mismo se lo pregunta al final de esta conversación con elDiario.es: “¿Por qué tiene interés un diseño una vez que su mensaje ha caducado? ¿Por qué tiene interés la imagen de una virgen? No por la representación teológica, sino por cómo está pintada, por esa carga poética”. “Encontrar su expresión es lo que todavía me motiva cada vez que me encargan un trabajo”, concluye.

Barro presentará O libro de Barro en el Museo de Belas Artes da Coruña acompañado de Mónica Maneiro, de la Fundación Didac, y del escritor Suso de Toro el jueves 28 de mayo.

Alexandra Lange (Estados Unidos, 1973) es crítica de diseño y arquitectura, además de escritora. Publica en medios como The New Yorker o The New York Times. Su trabajo se ha centrado en los últimos años en estudiar el diseño de espacios públicos y privados desde una perspectiva de infancia: analiza cómo afectan los lugares y los objetos con los que niños y niñas interactúan en su desarrollo y autonomía. Acaba de publicar El diseño de la infancia (Capitán Swing, 2026), que ha recibido el Premio Pulitzer de la Crítica de 2025. 

La primera pregunta, la más obvia: ¿por qué es importante el diseño de espacios para la infancia? 

El diseño de los espacios destinados a la infancia es tan importante porque, en los primeros años de vida, el cerebro del niño tiene una plasticidad increíble. Por eso, todo lo que se les muestre y los espacios en los que se muevan tendrán un efecto duradero en su cerebro, en sus intereses y en sus capacidades.

¿Seguimos concibiendo los espacios de convivencia –las casas, las escuelas, los parques, los barrios o las ciudades– desde una perspectiva adultocéntrica? 

Sí, sin duda seguimos construyendo un mundo pensado para los adultos. Pero para garantizar que los niños puedan crecer felices y sanos, y teniendo en cuenta que en muchos lugares están preocupados por la tasa de natalidad, tenemos que construir ciudades más adaptadas a las infancias y a las familias. Seguimos haciéndolo mal, y deberíamos hacerlo mejor por toda una serie de razones, empezando por la salud pública y el futuro de la raza humana.

¿Cómo serían esos espacios si los diseñasen niños y niñas?

Esta es una pregunta imposible de responder porque los cerebros de los niños son tan variados como los de los adultos y, como podemos ver en el mundo que nos rodea, los diseñadores pueden crear casi cualquier cosa. La idea de que los espacios infantiles siempre tienen que ser coloridos, blanditos o cualquier otra cosa por el estilo no es más que una proyección de los adultos sobre la infancia. Creo que los niños probablemente diseñarían cosas a menor escala, a las que puedan acceder y manipular fácilmente y que estén en sintonía con sus intereses particulares, pero las posibilidades son infinitas.

El libro sostiene que niños y niñas aprenden a partir de la experimentación en sus entornos más cercanos: sus juegos, su casa, el parque, su escuela, su barrio y/o su ciudad. ¿Van cambiando sus espacios de referencia según van creciendo? 

Sí, sin duda. Cuando tu hijo es pequeño, su mundo se limita básicamente a la manta sobre la que juega, la habitación en la que está y los juguetes que hay en esa habitación. Pero una de las cosas importantes a las que los niños necesitan tener acceso a medida que crecen es a cada vez más espacio. Pasar de esa manta hasta, finalmente, como adolescente, poder explorar con seguridad toda una ciudad. Y una de las cosas en las que los arquitectos y urbanistas adultos deben pensar es en cómo hacer que sea seguro para los niños explorar por su cuenta estos entornos geográficos en constante expansión.

En los primeros años de vida, el cerebro del niño tiene una plasticidad increíble. Todo lo que se les muestre y los espacios en los que se muevan tendrán un efecto duradero en su cerebro, en sus intereses y en sus capacidades

¿Y cómo se consigue esa seguridad para la infancia y la adolescencia? 

Esa es una de las cosas más importantes: que los urbanistas tengan en cuenta temas como la seguridad vial, para poder darle a la infancia acceso al uso de bicicletas o al transporte público. Esa misma mente exploradora que lleva a un niño a gatear hacia el armario de los juguetes, sacarlo todo y tirarlo al suelo, es la misma mente que luego quiere ver qué pasa al final de la línea de metro, y tenemos que fomentar eso en los niños de todas las edades.

Centrándonos en uno de esos espacios, los parques infantiles, ¿tiene sentido que la mayoría de ellos estén diseñados con elementos fijos, que dejan poco espacio a la imaginación? 

Tradicionalmente, los parques infantiles básicos han contado con cuatro elementos: columpio, tobogán, balancín y arenero. Y el arenero es clave, porque es uno de esos elementos básicos del juego que está pensado específicamente para el juego libre. Ahí se puede hacer lo que se quiera con la arena: añadir agua, cavar, traer pequeños vehículos... Creo que en los últimos 20 años se han eliminado los areneros en muchos sitios por miedo a los gérmenes y las enfermedades, y porque requieren mucho mantenimiento. Pero es importante recordar que, históricamente, los parques infantiles sí contaban con eso, con elementos manipulativos, y tenemos que dejar que los niños tengan cierta autonomía sobre su juego y sobre la creación de las estructuras para jugar. 

Y en otro de esos espacios, las casas, ¿cómo conjugar la necesidad de espacio de la infancia con la realidad estructural de hoy en día? En España vivimos una crisis de la vivienda con precios disparados y viviendas cada vez más pequeñas.

Sí, es importante saber que no todo el mundo tiene la posibilidad de disponer de un espacio independiente para su hijo o para que juegue dentro de casa, y eso no significa que sean malos padres ni que su hijo vaya a tener una infancia infeliz. Creo que la solución pasa por contar con mejores espacios públicos y comunitarios en los barrios que la gente pueda utilizar fuera de sus hogares, del mismo modo que mucha gente utiliza espacios de coworking fuera de casa como oficina. Eso significa contar con parques en el barrio, con bibliotecas públicas, que también puedan tener espacios comunitarios abiertos para jugar y pensar en otros espacios interiores que sean económicos y a los que las familias puedan acceder cuando necesiten un respiro fuera de casa.

La idea de que los espacios infantiles siempre tienen que ser coloridos, blanditos o cualquier otra cosa por el estilo no es más que una proyección de los adultos sobre la infancia

En el libro apunta que la mayor parte de las diseñadoras y/o arquitectas que piensan en la infancia son mujeres. Además de la perspectiva de infancia, ¿tiene este tema también una lectura de género? 

Históricamente, muchas de las diseñadoras y creadoras de espacios de juego eran mujeres, ya que trabajar con niños o para niños era una de las pocas salidas profesionales a las que podían acceder las mujeres. Creo que hoy en día hemos avanzado y las mujeres tienen más opciones profesionales y no tienen por qué trabajar con niños. Pero, obviamente, sigue siendo una opción estupenda. Escribir sobre este tema me ha permitido destacar el trabajo de mujeres que no eran consideradas diseñadoras, pero que trabajaban en el ámbito educativo y que han inventado algunos de los objetos más influyentes para niños y niñas.

Desde el punto de vista ideal, ¿cómo sería un diseño de espacios o una arquitectura feminista y que tuviera en cuenta también la perspectiva de infancia? 

Para intentar imaginar la utopía feminista de una ciudad diseñada para las familias por mujeres solo hay que fijarse en Viena, bajo la dirección de la urbanista Eva Kail, quien instauró allí nuevas prácticas de diseño feminista hace unos 20 años, lo que ha dado lugar a numerosos ejemplos de patios diseñados para familias, un diseño de calles más seguro con muchas bicicletas y una gran atención a la proximidad de los servicios, de modo que las redes de equipamientos como parques, colegios y bibliotecas, así como esos patios de bloque, se encuentran a distancias que los niños pueden recorrer por sí mismos.

El equipo de Gobierno del Ayuntamiento de Cuenca propondrá el nombramiento de José María Cruz Novillo, artista y diseñador clave a nivel nacional e internacional, como Hijo Predilecto de la ciudad. El alcalde Darío Dolz ha señalado que esta propuesta se hará a través de una moción en el próximo Pleno, tal y como se lo ha dado a conocer ya a su hijo Pepe Cruz.

Nacido en Cuenca en 1936, José María Cruz Novillo comenzó su andadura artística entrando como dibujante en Publicidad Clarín en 1957, faceta que ya nunca abandonó. Posteriormente creará su propio estudio de Diseño, desde el que ideará las imágenes corporativas de instituciones y empresas como Correos, Tesoro Público, PSOE, COPE, Grupo PRISA, Diario 16, El Mundo, El Economista, Red Eléctrica, Renfe, Visionlab, Fundación ONCE o el logo de Cuenca 2016, entre muchos otros muy reconocibles.

Fue presidente de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (AEPD), convirtiéndose en Socio de Honor de la misma, y ha participado como jurado en decenas de premios, incluyendo los Premios Nacionales de Diseño, de Arquitectura y de Cómic. Ha diseñado también múltiples carteles de reconocidas películas y realizado multitud de exposiciones.

En 2019 se estrenó la película documental ‘El hombre que diseñó España’, que repasa la trayectoria de Cruz Novillo tanto en su faceta de diseñador como en la de artista plástico desde su primer logo, en 1957, y exposición individual, en 1972.

En la ciudad contamos en su honor con la Escuela de Arte Cruz Novillo, centro público de enseñanzas artísticas ubicado en el Casco Antiguo de la ciudad.

Dieter Rams, el diseñador alemán que durante décadas definió la identidad visual de grandes marcas, formuló a finales de los años setenta diez mandamientos del buen diseño. El buen diseño es útil, decía. Es honesto. Es duradero. Es innovador. No molesta. Cada vez que Rams enunciaba uno de esos principios estaba describiendo, sin saberlo, una larga tradición de objetos españoles que llevaban décadas cumpliéndolos con exactitud milimétrica. Objetos que han transformado la vida cotidiana de millones de personas y que casi con toda seguridad, tienes en casa ahora mismo.

Los objetos tienden a volverse invisibles. Se integran en la rutina hasta confundirse con ella, y esa discreción que es precisamente su virtud más alta acaba convirtiéndose en su peor enemigo a la hora del reconocimiento. Nadie mira dos veces el interruptor cuando enciende la luz del pasillo. Ni repara en la geometría del destornillador cuando lo saca del cajón de las herramientas. No solemos pensar en quién diseñó la silla sobre la que estuvo sentado durante doce años en el colegio. Y sin embargo, detrás de cada uno de esos objetos hay una decisión de diseño que los hace exactamente cómo son y no de otra manera.

Diseñado para durar

Tomemos el destornillador Irazola. Ese mango de aluminio ondulado en rojo que lo distingue del resto sin gritar, que cae bien en la mano con una naturalidad que es consecuencia de haber pensado en el agarre, en la torsión, en el usuario que va a usarlo durante años. O la grapadora El Casco M-5, diseñada por Juan Solozabal y Juan Olave en 1932, que lleva casi un siglo siendo el mejor argumento posible contra la obsolescencia programada. André Ricard, el diseñador barcelonés decía que “el diseño no es hacer las cosas bonitas, sino hacerlas mejor que las que ya existían”. La M-5 no aspira a ser bonita. Aspira a grapar. Y lo sigue haciendo igual que el primer día, casi cien años después, mientras hay teléfonos que no duran ni tres.

Y luego está la serie de interruptores y enchufes Simon 31, desarrollada en torno a los años setenta por el equipo de diseño de la empresa que fundó Arturo Simón. Está en miles de hogares y edificios españoles, en las paredes de oficinas, hoteles y viviendas de medio país, y prácticamente nadie sabe su nombre. Su geometría limpia, su tacto preciso, la discreta coherencia formal entre todos los elementos de la serie convierten a este sistema en el ejemplo más elocuente de lo que Ricard defendía, un objeto bien diseñado no necesita llamar la atención. Su virtud es disolverse en el uso.

La inteligencia de lo ordinario

La cocina española tiene más historia de diseño de la que aparenta. Rafael Marquina resolvió en 1961 uno de los problemas más persistentes y humildes del hogar mediterráneo, el goteo de la aceitera. Con una doble cámara interior que recoge el exceso de aceite antes de que caiga sobre el mantel, la aceitera Marquina es un prodigio de ingenio funcional que sigue fabricándose y vendiéndose exactamente igual que hace más de sesenta años. Está en la colección permanente del MoMA de Nueva York. Y probablemente también en el armario de la cocina de tu abuela, tan vigente como el primer día.

La batidora que durante décadas ocupó las encimeras españolas bajo el nombre de Moulinex es otro de esos objetos que merecen más atención de la que reciben. Antes de que los robots de cocina se convirtieran en objetos de deseo con precio de joya, la batidora de brazo democratizó la cocina doméstica con absoluta sencillez, motor, cuchilla, mango. Sin más. La elegancia funcional que Rams identificaba como la forma más honesta del diseño industrial.

El diseñador barcelonés André Ricard decía que 'el diseño no es hacer las cosas bonitas sino hacerlas mejor que las que ya existían

Y luego está Manuel Jalón Corominas, que es tal vez el inventor español más influyente del siglo XX y uno de los menos celebrados. Ingeniero aeronáutico y oficial del ejército del aire, Jalón vio en 1956 cómo se fregaban los suelos en las bases militares norteamericanas y pensó que aquello podía hacerse mejor, con más dignidad y con menos esfuerzo. Sobre la base de ideas que ya habían explorado en 1953 Julia Montoussé Frages y su hija Julia Rodríguez‑Maribona, que registraron un modelo de utilidad de fregona con cubo, palo y trapo, la versión industrial de Jalón y su cubo escurridor eliminó décadas de trabajo de rodillas, con todas las implicaciones sociales y físicas que eso conllevaba.

Pero Jalón no se detuvo ahí. En 1975 patentó la jeringuilla hipodérmica desechable de plástico, transformando la seguridad sanitaria global de manera radical. Antes de su invención, las jeringuillas eran de cristal y se esterilizaban para reutilizarse, con todos los riesgos de infección cruzada que eso implicaba. La alternativa de plástico de un solo uso eliminó el problema de raíz y salvó vidas en hospitales de todo el mundo. 

Hay dos objetos que cualquier español reconoce de manera inmediata, sin necesidad de presentación. La silla escolar clásica de Federico Giner con estructura de acero tubular, asiento y respaldo de madera contrachapada, ligera, apilable, resistente, sin un solo elemento ornamental, este es el asiento sobre el que se ha sentado prácticamente toda la población española en algún momento de su vida. Fue diseñada para durar, para apilarse en los rincones, para soportar décadas de uso sin apenas queja. Es el ejemplo más democrático de buen diseño que haya producido este país.

Encima de esa silla, en el bar de siempre o en la oficina de siempre, lleva décadas brillando la misma luz. La lámpara Gira, diseñada en 1978 por Ferrer, Massana y Tremoleda para Mobles 114, la firma barcelonesa que fundaron en la calle Enric Granados sintetiza en una base, un brazo y una pantalla todo lo que una lámpara necesita ser. Un cuadrado, una línea, un cono de acero, latón, aluminio y el movimiento de la luz que se orienta hacia donde se necesita. Y en el salón de muchas casas, en cambio, lo que hay desde 1961 es la TMC de Miguel Milá para Santa & Cole, una lámpara de pie con pantalla cilíndrica que sube y baja por el mástil mediante un sistema de imán, ganadora del Delta de Oro en el año de su nacimiento, que en su cincuentenario recibió una edición definitiva.

El futbolín tiene una historia más cargada de emoción. Alexandre Campos lo inventó durante la Guerra Civil para los niños hospitalizados que no podían salir a jugar al fútbol, inspirándose en una mesa de ping-pong y en la necesidad de llevar algo de vida normal a una infancia rota por la guerra. El exilio le impidió ver su invento popularizarse en su propio país hasta 1952, cuando encontró socio para fabricarlo en serie. Hoy es un icono de la cultura popular europea, está en muchos bares, y su origen es una historia de resistencia y ternura que nadie suele contar cuando echa una moneda y empiezan a girar las barras.

El cenicero Copenhagen que André Ricard diseñó en 1965 es, en su humildad material, una pequeña lección magistral de diseño. Fabricado en melamina de una sola pieza, es el resultado de repetir con inteligencia una única figura geométrica, el cilindro en todas sus variantes funcionales, un recipiente exterior que contiene la ceniza, un cilindro interior más pequeño donde apagar el cigarrillo, una boquilla en la pared exterior donde apoyarlo. Apilable, resistente, atemporal. En una época en que el diseño de producto tendía hacia lo ornamental, Ricard apostó por la belleza que nace de lo estrictamente necesario.

En esa misma lógica de resolver bien y sin estridencias vive la estantería Tria, que Massana y Tremoleda diseñaron también en 1978 para Mobles 114 y que lleva casi cincuenta años en producción. Es el tipo de diseño que solo se nota cuando desaparece.

Y luego está el Talgo, que es otro gran icono del diseño industrial español del siglo XX. El ingeniero Alejandro Goicoechea desarrolló en 1941 un sistema de rodadura basado en una estructura de triángulos articulados que reducía el peso del tren, suavizaba el recorrido y, sobre todo, eliminaba el riesgo de descarrilamiento al guiar las ruedas sobre la vía en lugar de dejar que la pestaña las condujera por el carril. El nombre que dieron a las siglas del proyecto Tren Articulado Ligero Goicoechea y Oriol se convirtió en sinónimo de velocidad y fiabilidad ferroviaria europea. El Talgo III RD de 1968 fue el primer tren del mundo con cambio automático de ancho de vía, lo que permitió el servicio directo Madrid-París sin transbordo en una época en que eso era un logro técnico extraordinario. En 2004, el Talgo 350 alcanzó los 356 km/h en territorio español, batiendo el récord nacional de velocidad. Sus valores fundacionales de anticipación, seguridad, sencillez, economía y fiabilidad los recoge el catálogo de los Premios Nacionales de Diseño que recibió en 2003.

Enric Bernat, confitero catalán, puso en 1958 un caramelo en un palo con una lógica impecable: que los niños no se mancharan los dedos. Ese gesto aparentemente trivial creó uno de los dulces más famosos y consumidos del siglo XX. El logo redondo y floral que todos reconocemos lo diseñó Salvador Dalí en 1969, convirtiendo al Chupa Chups en probablemente el único objeto de consumo masivo con firma surrealista en la historia. Su popularidad global llegaría de la mano de la televisión, el detective Kojak, interpretado por Telly Savalas en la mítica serie americana de los setenta, aparecía en cada episodio con un Chupa Chups entre los labios en lugar del cigarrillo que fumaba en el guion original. Fue product placement avant la lettre, tan eficaz como involuntario, y funcionó mejor que cualquier campaña publicitaria pagada.

Antes de que los grandes electrodomésticos se atribuyeran la invención del hogar moderno, una mujer llamada Elia Garci Lara Catalá diseñó hacia 1890 un dispositivo doméstico que lavaba, aclaraba, secaba y planchaba la ropa en un solo aparato. Un siglo antes de que la automatización del hogar se convirtiera en argumento de marketing y en promesa de liberación femenina, esta inventora española ya había pensado en resolver ese problema con un solo ingenio. Su nombre ha caído en el olvido con la misma injusticia sistemática con que el olvido suele tratar a las pioneras que se adelantaron demasiado a su tiempo.

El diseño español que conquistó el mundo

Patricia Urquiola es la figura del diseño español contemporáneo que ha trascendido fronteras con autoridad. La asturiana afincada en Milán lleva décadas redefiniendo la manera en que nos sentamos, trabajamos y habitamos los espacios. Sus mesas, la Fjord, la Fat-Fat, la Canasta, la T-Table, son referentes ejemplares del diseño de mobiliario internacional, fabricadas por Cassina, Kartell, B&B Italia y Moroso. Urquiola trabaja en la intersección entre artesanía y tecnología, entre la tradición material mediterránea y la experimentación formal más contemporánea, con una capacidad para hacer que los objetos cuenten historias sin necesidad de explicación. Recientemente, Urquiola ha recibido el iF Design Lifetime Achievement Award, el premio más importante del sector a nivel global, como reconocimiento a una trayectoria de coherencia estética. Es, en muchos sentidos, la continuadora más brillante de esa larga tradición española de diseñar bien sin hacer demasiado ruido.

Lo que une a todos estos objetos, la aceitera y la fregona, el tren y el caramelo, la silla del colegio y el interruptor de la pared, la grapadora que dura cien años y la jeringuilla que salvó vidas, es que ninguno pide ser admirado. Están ahí para ser usados, y en esa renuncia a la vanidad reside su grandeza. Rams decía que el buen diseño es honesto, que no pretende ser más poderoso ni más valioso de lo que realmente es. Mirando todos estos objetos juntos, lo que emerge es el retrato de un país que ha resuelto problemas reales con inteligencia práctica, muchas veces en condiciones difíciles y sin los recursos de las grandes economías industriales europeas, y que rara vez se ha detenido a celebrarlo. El diseño español ha sido, durante décadas, exactamente lo que Rams pedía: tan poco diseño como sea posible. Quizás sea hora de empezar a verlo.

¿Qué tienen en común Goya, la situación política y social actual y la moda? África Rello lo vio claro y, gracias a esa visión, ha ganado un premio. Esta joven logroñesa, estudiante de segundo curso de moda en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR), acaba de ganar en Zaragoza la Aguja Goyesca en la categoría de estudiante con su colección 'El sueño de la razón (todavía) produce monstruos', una alegoría a la obra de Goya a camino entre lo onírico, lo artístico y la denuncia social.

Esta historia comienza con una llamada de teléfono de su tía Marimar y un mensaje de su abuela. Ambas viven en Zaragoza y, al ver anunciado el certamen, tuvieron claro que África tenía que presentarse. A ella siempre le gustó la moda, pero esta no entraba en sus planes. Estudió Bachillerato de Ciencias Sociales porque no tenía claro lo que quería hacer y acabó matriculándose en la ESDIR sin haber tocado nunca una máquina de coser. “Cuando mi familia me animó a presentarme a este certamen, justo había terminado los exámenes del primer cuatrimestre y tenía una semana de vacaciones así que la dediqué a estudiar la obra de Goya, a pensar y a hacer los bocetos”, explica la joven, “cuando me dijeron que había sido seleccionada, empezó una maratón contrarreloj para hacer realidad todo eso que tenía en la cabeza”.

Lo que África tenía en la cabeza eran mucho más que cuatro vestidos. En menos de dos meses, esta estudiante riojana ha creado una colección que rinde homenaje a una de las series que Goya pintó para los duques de Osuna; cuatro alegorías que representan a cuatro cuadros del artista aragonés y que nacen de la frustración de esta estudiante riojana al descubrir que los problemas sociales de principios del siglo XIX se siguen reproduciendo en la España actual; que en 200 años han cambiado los actores pero no las dinámicas de opresión.

El primer vestido es 'El Diablo', una figura que Goya representaba con el macho cabrío, una figura que emanaba respeto e intimidación, un “monstruo” creado por la sociedad para dar respuesta a lo desconocido. África, a través de telas oscuras que recuerdan a las pinturas negras y las escenas de brujería del pintor, ha creado una silueta de estructuras rígidas y volúmenes marcados, con los cuernos como elemento central. “Con este diseño trato de explicar que el miedo a lo desconocido, también hoy, sigue moldeando nuestra percepción de la realidad”, explica.

El segundo modelo es 'La Bruja', una figura juzgada y “condenada por una sociedad necesitada de culpables”. Rello ha creado para representarla una figura pesada, oculta tras muchas capas de tela, más de nueve metros, con mucho peso. “He querido mostrar cómo se siente alguien a quien tachan de culpable y se ve obligada a cargar con un peso que no le pertenece”, argumenta la joven diseñadora, “representa el señalamiento y la violencia simbólica, mostrando cómo la sociedad crea monstruos no sólo a través del miedo, sino también a través de la culpa”.

El tercer look, 'La razón dormida', representa la ceguera voluntaria, “el momento en el que la razón se apaga y deja paso a la fantasía, la superstición y los monstruos creados por la mente colectiva”. Para materializar esa idea, África Rello utiliza una silueta rígida y ajustada, que representa lo que está bien, la verdad, y le superpone capas de tul y transparencia que envuelven el cuerpo en una especie de ilusión. “Ese velo deforma la realidad, la difumina y la oculta en capas de miedo y autoengaño”, explica, “transmite la idea de que, cuando dejamos de cuestionar, permitimos que los monstruos tomen forma”.

Por último, 'El Despertar', el instante en el que la oscuridad comienza a disiparse, el proceso en el que nada es nítido todavía, pero se va tomando conciencia. El top se va deshaciendo hacia la falda con un volumen fluido que aporta movimiento y ligereza y que evoca la liberación progresiva. Los búhos bordaos que se van deshilachando desde la cintura representan los monstruos que se van descomponiendo cuando la oscuridad desaparece. “Despertar no significa olvidar la oscuridad, sino aprender a mirarla con claridad”, explica la autora.

África Rello entiende la moda como un arte, y como tal, más allá de mostrar belleza, debe expresar, despertar sentimientos. “Al estudiar estas obras sentí mucha rabia al comprobar que aquello que sucedía hace dos siglos, sigue sucediendo”, señala, “porque Goya no quería retratar a las brujas como algo que produce miedo sino como aquello que se usa para tapar los problemas reales de la sociedad, por aquel entonces las epidemias que mataban a los niños y a miles de personas. Ahora, se sigue culpando a las minorías para tapar los problemas reales de la sociedad”.

Con esta colección y este importante reconocimiento, queda claro que el talento va mucho más allá de la aguja y la máquina de coser. “Ha sido un trabajo muy duro porque quería profundizar en el argumento”, cuenta, “también fue difícil encontrar las telas porque era una gama de color complicada y como estudiantes no tenemos acceso a las gamas más altas. Pero sobre todo, fue un trabajo enorme de confección por el que tengo que dar las gracias a mi madre que me estuvo ayudando, con las pocas nociones que tiene de costura, a rematar y coser bajos; tuvo una paciencia infinita conmigo y no puedo estar más agradecida. Le debo todo”.

Todo el esfuerzo ha tenido, en este caso, su recompensa. No solo por el premio sino por lo que supone para una estudiante de moda poder mostrar sus ideas y sus obras en un desfile cuyo coste, de otro modo, sería inabordable. “Para mí esto ha sido un impulso enorme”, asegura la joven logroñesa, “me ha hecho ver que hay muchísimas opciones, que quiero empezar a hacer más cosas, que lejos de la idea de que la moda no tiene salidas, hay un mundo de posibilidades que debemos explorar”. No sabe cuál será su camino y prefiere centrarse de momento en los dos años de estudio que le quedan, pero tiene claro que su ilusión siempre estará en la alta costura, en la creación y en las cosas hechas a mano y con mucho sentido.

José María Cruz Novillo, el 'hombre que diseñó España' ha fallecido a los 89 años. El diseñador conquense, nacido el 21 de mayo de 1936, es el creador de logotipos tan reconocidos como el de Correos, la Policía Nacional, Renfe, Fundación ONCE o los billetes de pesetas del Banco de España, entre otros.

Así lo adelantaba el medio especializado Gráffica, que señalaba que su muerte “deja al diseño español sin una de sus figuras esenciales”.

Cruz Novillo se inició en la pintura en Cuenca, su ciudad natal en 1950, y en 1958 se trasladó a Madrid, hasta que cinco años después fundó su propio estudio de diseño, convirtiéndose en un pionero.

Además de ser el diseñador de diferentes logotipos, como el puño y la rosa del PSOE, las identidades corporativas de la cadena COPE, Endesa, Repsol, así como coautor del escudo y la bandera de la Comunidad de Madrid, junto a Santiago Amón Hortelano; también diseñó carteles de películas de éxito como 'Barrio', 'Los lunes al sol', 'El espíritu de la colmena' o 'La escopeta nacional'.

A lo largo de su trayectoria ha recibido varios premios, tales como el Premio Nacional de Diseño (1997), Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2012) o el Premio Gràffica (2017). En su Cuenca natal existe también la Escuela de Arte Cruz Novillo.

En el año 2020, se estrenaba un documental acerca de su carrera, en el que Cruz Novillo destacaba que “el arte es un viaje de ida, el diseño es un viaje de vuelta”.

“Un referente del diseño”

El presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, ha lamentado la muerte del conquense José Cruz Novillo, creador de identidades corporativas e institucionales que forman parte de la historia reciente de España, al que ha situado como un “referente” del diseño.

“Construyó una imagen de país moderno y compartido. Su visión y creatividad estarán para siempre vinculadas al Partido Socialista”, ha asegurado el jefe del Ejecutivo en una publicación en su perfil en la red social X, en referencia al puño y la rosa que confeccionó Novillo y que han servido de emblema del Partido Socialista. “Todo mi cariño a su familia y seres queridos”, ha concluido.

El presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, ha expresado su más sentido pésame a los familiares y seres queridos del diseñador conquense José María Cruz Novillo, fallecido este sábado.

“Si hay alguien a quien seguiremos recordando cada vez que miremos los símbolos y diseños de la España democrática, es al conquense Pepe Cruz Novillo. Su obra forma parte de la memoria colectiva de nuestro país y deja un legado inmenso e imborrable”, ha expresado García-Page en sus redes sociales, según recoge Europa Press.

En el mismo sentido, se ha expresado el presidente de la Diputación de Cuenca, Álvaro Martínez Chana, al asegurar que “hoy despedimos a un conquense universal. Mi más sentido pésame a la familia y a todos los que han compartido vida y camino con José María Cruz Novillo”.

En un mensaje en su cuenta de Instagram, Martínez Chana asegura que “su obra no necesita presentación: está en la vida cotidiana de millones de personas. Diseñó símbolos que han acompañado a varias generaciones y que forman parte de cómo entendemos y reconocemos nuestro país”.

“Desde Cuenca llevó su talento a toda España, dejando una huella que va mucho más allá del diseño: claridad, sencillez y una forma de hacer que ha perdurado en el tiempo”, continúa el presidente de la Diputación, quien asegura que “se va una figura imprescindible, pero su legado seguirá presente cada día”.

También ha trasladado sus condolencias por el fallecimiento de José María Cruz Novillo, el alcalde de Cuenca, Darío Dolz, a través de su cuenta en X. “Diseñador clave de logos que forman parte del imaginario colectivo nacional. Descanse en paz”, ha manifestado.

El presidente regional del PP, Paco Núñez, ha empleado también esta red social para lamentar el fallecimiento de José María Cruz Novillo, “un artista de una talla enorme que forma parte de la historia de España gracias a sus trabajos, de los que todos hemos podido disfrutar”, y trasladar sus condolencias a familia y amigos. “Se va un gran castellanomanchego”, ha rematado.

Cervezas Alhambra celebró anoche una nueva edición de ‘Degustando Sentidos’ en el marco de Murcia Origen, su proyecto con el que impulsa la creación local en Murcia, poniendo el foco en el proceso y el detalle. La cita, concebida como un espacio para disfrutar sin prisa, reunió en Terraza La Casa Verde a un grupo de asistentes en torno a una propuesta gastronómica pensada para dialogar con distintas variedades de la marca, explorando los matices de cada combinación

Ubicado en plena huerta murciana, junto al río Segura, el enclave aportó el contexto perfecto para alejarse de lo urbano y dejar que el tiempo marcara el ritmo de la experiencia. En este entorno, la cocina de Terraza La Casa Verde diseñó un menú específico para la ocasión, acompañado por una selección de cuatro variedades de Cervezas Alhambra que invitaban a explorar distintos registros, desde la frescura hasta la intensidad.

Guiados por el beer sommelier Julio Cerezo, los asistentes se adentraron en un recorrido en el que cada propuesta encontraba su equilibrio en la siguiente, construyendo una experiencia progresiva. Desde el inicio, con Alhambra Radler y su carácter cítrico acompañando una gilda sobre cama de manchego curado, hasta un final más profundo con Alhambra Reserva Roja junto a una torrija con helado de leche merengada, la velada se desarrolló como un ejercicio de contraste, armonía y descubrimiento.

En el centro de la experiencia, Alhambra Especial y Alhambra Reserva 1925 marcaron dos momentos clave del recorrido, acompañando respectivamente unas gyozas de marisco con salsa de soja y una carrillera de cerdo en salsa de Rioja y pimienta. Dos propuestas que pusieron en valor la importancia del equilibrio y del tiempo en la construcción de cada plato, así como en su disfrute.

Más allá de la propuesta gastronómica, la velada contó con la participación de la ilustradora murciana Rocío La Pequeña, reforzando el compromiso de Murcia Origen con el talento local multidisciplinar. Durante el encuentro, la artista desgranó los detalles de su proceso creativo, compartiendo con los asistentes cómo transforma las ideas en trazos con alma. Como broche de oro a la experiencia, Rocío obsequió a cada uno de los invitados con una ilustración original, permitiéndoles llevarse consigo un pedazo tangible de la esencia creativa de la noche.

Esta integración de la ilustración responde a la voluntad de Cervezas Alhambra de abrir el diálogo entre gastronomía y otras formas de creación, acercando al público no solo el resultado final, sino también el proceso que hay detrás de cada obra. De este modo, la velada se convirtió en un punto de encuentro donde artesanía, creación contemporánea y gastronomía compartían un mismo ritmo: el de detenerse, observar y dejarse llevar sin prisa.

Con esta nueva cita, Murcia Origen continúa consolidándose como una plataforma de conexión entre disciplinas, donde Cervezas Alhambra sigue explorando su vínculo con la gastronomía, la creación contemporánea y el talento local. Una manera de entender la experiencia que pone el foco en el proceso y en el valor de dedicar tiempo a aquello que realmente merece la pena.

Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

Se conocieron en Zaragoza mientras cursaban los estudios superiores de diseño. Lorena Del Campo Muro desciende de Badarán. Javier Pico Bellas es gallego y los dos forman La Proyectual, un estudio de diseño de interiores que nació en el medio rural. “Nos conocimos en Zaragoza estudiando. Comenzamos a trabajar, primero en distintos estudios, con el tiempo coincidimos en el mismo”.

Empezaron a buscar casa para iniciar su proyecto de vida en tierras mañas en plena crisis de 2008. “¿Tú te ves envejeciendo aquí?”. Esta pregunta y la respuesta fue el origen de La Proyectual. “Mientras otros perdían su trabajo por la crisis, nosotros decidimos dejarlo”.

Desde el primer momento lo tuvieron claro: su apuesta era el medio rural aunque también aquí la falta de vivienda ha sido un problema. La llegada a Badarán fue complicada. “Nos costó mucho encontrar una casa que se ajustara a nuestras necesidades”. Y es que La Proyectual aúna vivienda y negocio.

“Hemos apostado por mezclarlo un poco todo porque esta forma de vivir y de fusionar vida laboral y familiar nos es mucho más cómoda”. Y así alquilaron una casa en este municipio riojano. Reformamos los bajos, tradicionalmente destinados a las cuadras de animales, y ahí habilitamos el estudio. La vivienda estaba en el piso de arriba“. Llegado el momento quisieron comprar el inmueble. No fue posible así que decidieron volver a empezar, de nuevo, en el medio rural.

Así llegaron a Baños de Río Tobía donde han vuelto a levantar La Proyectual en una casa indiana muy característica de esta zona de La Rioja que este año cumple cien años de la que se enamoraron. “Llegamos a Baños de Río Tobía por la casa”. Inmueble que han rehabilitado por completo. “Prácticamente, estaba en ruina y para nosotros tiene un valor añadido saber que hemos contribuido a que la historia y la identidad no se pierda. Ha sido importante poder revivir la construcción de nuevo”. Y en esta casa indiana y centenaria en Baños de Río Tobía, La Proyectal vuelve a aunar vivienda y estudio tras su rehabilitación.

Su llegada a Baños de Río Tobía ha sido excelente. “No conocíamos a prácticamente nadie, nos vinimos por la casa y nos han acogido e integrado muy bien”. Y no es de extrañar teniendo en cuenta que lo que supone para un pueblo de La Rioja la llegada de estos nuevos vecinos emprendedores que han creado empleo y fijado población. Y es que esta familia tiene una hija de seis años que va a la escuela y La Proyectual está generando empleo entre profesionales de la zona. “Ahora mismo tenemos trabajadores en nómina y otros colaboradores, sobre todo, en los distintos gremios porque cuando llega el momento de ejecutar un proyecto tenemos que mover a mucha gente y siempre apostamos por profesionales de la zona. Su experiencia nos da mucha seguridad y tenerlos cerca es muy cómodo”.

Y así, primero desde Badarán y ahora desde Baños de Río Tobía, La Proyectual va cumpliendo años, una docena exactamente. “Cuando al principio hicimos el plan de proyecto empresarial, nos dijeron que era inviable”. Obviaron esta recomendación y mantuvieron intacto su sueño: crear su estudio de diseño en un pueblo de La Rioja. Y esta apuesta por el medio rural, recuerda Del Campo, lejos de entorpecer el crecimiento de la empresa, “nos ha dado mucha identidad. No había nadie más como nosotros hace doce años. Generamos una expectación importante que nos ha llevado a trabajar, también con grandes marcas como Pernord Ricard o Muerde la Pasta”. Pero entre su clienta también está el vecindario. “Estamos haciendo muchas obras para personas mayores que necesitan cambiar la bañera por un plato de ducha y darle una nueva imagen al baño; reformas integrales para bajar la vivienda a la primera planta, un espacio reservado tradicionalmente al ganado o la maquinaria. No tenemos un cliente marcado porque también trabajamos para comercios que nos piden branding o un diseño de identidad de marca”.

Tras doce años echan la vista atrás y reconocen que “ahora todo es mucho más fácil. Al principio no trabajábamos tanto online o digitalmente como ahora. Había recelo por ambas parte, la clientela y nosotros”. Ahora es lo más habitual y las reuniones telemáticas les permite trabajar en Sevilla o Canarias. Y aunque es un proceso lento, Del Campo es optimista porque asegura que los pueblos están reviviendo. “Otros negocios como el nuestro están abriendo en el medio rural y a la vez están surgiendo más bares, ultramarinos... hay mucha gente creativa que está eligiendo el medio rural”. Y ellos continúan avanzando y buscando nuevas posibilidades de negocio porque han comenzado a comprar y rehabilitar vivienda en el medio rural. La suya fue la primera.

“La vivienda también es un problema en el medio rural. Hay gente que quiere venir, pero no encuentra vivienda o la que encuentra está en muy malas condiciones”. En estos momentos están ultimando la rehabilitación de una en Badarán. “Todos nos decían que era muy pequeña y que no servía para nada”. Tampoco esta vez hicieron caso y han conseguido darle una segunda vida a una casa en ruinas que ahora tiene “un aire más mediterráneo”. A esta de Badarán le seguirán otras. “Ya estamos mirando más viviendas para poder comprar, rehabilitarlas y ponerlas a la venta o en alquiler. En los pueblos que se construye se está edificando en las afueras y nos estamos dejando morir el centro”. Y Lorena y Javier se resisten.

La Proyectual comenzó con una pregunta, ¿te ves aquí envejeciendo? Su continuidad en el medio rural lo garantiza otra: ¿cambiarías el pueblo por la ciudad? Un no rotundo ha sido su respuesta. “Después de la experiencia vivida en Badarán y ahora en Baños de Río Tobía valoramos otras cosas, así que no, de momento no, un no rotundo además”.

Transformar una vivienda, especialmente si es de dimensiones reducidas, no siempre requiere de grandes obras o demoliciones. A veces, pequeños ajustes estratégicos pueden cambiar la forma en la que se vive y se percibe el espacio.

La arquitecta Anneke Dijkstra comparte con elDiario.es cinco claves para renovar el espacio a través del diseño de interiores sin entrar en procesos de reformas, aunque defiende que con solo mejorar las dos primeras, “el espacio ya cambia por completo”.

La distribución del mobiliario

Antes de lanzarse a la compra de un nuevo mueble, la experta recomienda analizar cómo están colocados los que ya forman parte de la casa. Dijkstra apunta que es importante “estudiar los recorridos cotidianos y liberar las zonas de paso” para que el espacio pueda funcionar mejor.

Cuidar la iluminación

“Junto con la distribución, la luz es probablemente lo que más transforma un espacio”, establece la arquitecta, que recomienda aprovechar al máximo la luz natural y combinarla con luz artificial estratégica. “Añadir puntos de luz cálida o luz indirecta en puntos clave elimina sombras y hace que el piso se perciba más grande y acogedor”, asegura, e insiste en evitar depender de una única lámpara de techo “porque realmente marca la diferencia”.

“Los espejos también pueden ayudar mucho porque multiplican la luz y aportan sensación de profundidad, sobre todo en viviendas pequeñas”, explica Dijkstra. “Eso sí, es importante colocarlos bien y pensar qué van a reflejar, porque si reflejan zonas muy cargadas el efecto puede ser justo el contrario”, matiza.

Reducir el ruido visual

Un espacio despejado se traduce en una mente más tranquila y una casa más ordenada; para lograrlo, es vital simplificar lo que queda a la vista. “Funciona muy bien combinar muebles cerrados con soluciones de organización, como cajas o cestas, para que no todo quede a la vista”, explica la experta. En la misma línea, recomienda aprovechar los espacios de almacenaje “ocultos”, como el canapé de la cama, para mantener las superficies visibles más despejadas.

Muebles proporcionados

Un error común que Dijkstra encuentra a menudo entre sus clientes: “Tienden a elegir piezas demasiado grandes que luego no funcionan bien en el conjunto”. Las piezas demasiado voluminosas saturan las habitaciones, por eso, la experta sugiere que “en pisos pequeños suele funcionar mejor aprovechar las paredes, por ejemplo con muebles suspendidos, que ayudan a liberar visualmente el suelo”. Es fundamental que el tamaño de los muebles sea coherente con la escala de la estancia.

Mantener una continuidad 

Para que una casa se perciba conectada y amplia, la arquitecta sostiene que la coherencia cromática es esencial. “Los tonos claros suelen aportar más luminosidad y sensación de amplitud, pero también soy partidaria de añadir el toque personal de cada casa, evitando que el resultado sea una vivienda demasiado impersonal”, opina. 

“Los blancos cálidos, beige, arena o grises muy suaves suelen funcionar muy bien, sobre todo en pisos pequeños, porque aportan continuidad visual sin cansar”, señala la experta, que también destaca que “este 2026 nos vamos alejando un poco de las casas totalmente monocromáticas en blanco o beige, y vuelven estilos más expresivos, con más color”.

El UCLM Racing Team, el equipo oficial de Formula Student de la Universidad de Castilla-La Mancha, ha anunciado su ambicioso calendario competitivo para la temporada 2026. Tras el exitoso regreso a los circuitos el año pasado, la escudería universitaria se prepara para marcar un nuevo hito: por primera vez en su historia, el equipo participará en más de una competición internacional dentro de la misma temporada, llevando su monoplaza a dos de las citas más exigentes del calendario europeo: la Formula Student Portugal y la Formula Student Spain.

Ese equipo se dedica a diseñar, fabricar y competir con un monoplaza en la Formula Student, la competición universitaria más importante del mundo. Con una primera etapa de actividad entre 2013 y 2015, el equipo renació en 2025 para consolidarse como un proyecto transversal que actualmente agrupa a unos 70 estudiantes de diversos campus de la UCLM.

El primer gran desafío del equipo tendrá lugar este verano en el país vecino. Del 19 al 24 de julio, la escudería se desplazará hasta la localidad de Castelo Branco para disputar la FS Portugal 2026. Según la organización, esta cita representa una “excelente oportunidad” para poner a prueba las innovaciones técnicas desarrolladas durante el invierno frente a equipos de todo el mundo, en un entorno de “alta exigencia ingenieril y deportiva”.

Posteriormente, el equipo pondrá rumbo a Catalunya para competir en la Formula Student Spain 2026, que se celebrará en el emblemático Circuit de Barcelona-Catalunya (Montmeló). Esta competición tiene un significado muy especial para el UCLM Racing Team, ya que supone volver al asfalto donde, en 2025, lograron materializar su esperado regreso.

Tras una primera etapa histórica de actividad entre 2013 y 2015, el proyecto inició el año pasado su segunda era competitiva. Para hacer frente a este exigente doble calendario internacional, la estructura del equipo se ha reforzado de manera notable: en tan solo un año, el proyecto ha pasado de los 15 miembros de la pasada campaña a contar con cerca de 70 integrantes en la actualidad.

Este crecimiento ha sido impulsado por la “valiosa incorporación” de estudiantes de los campus de Toledo y Albacete, consolidando a la escudería como un proyecto verdaderamente regional dentro de la universidad.

“Con más fuerza y recursos”

“Afrontamos esta temporada con más fuerza y recursos. El esfuerzo por retomar el equipo el año pasado en Montmeló nos enseñó muchísimo, y ahora queremos demostrar nuestra evolución. Afrontar por primera vez dos competiciones en un mismo año, debutando en Portugal y volviendo a la Formula Student Spain, es un reto mayúsculo. Contar además con una plantilla más amplia y con el talento de diferentes campus nos permite dar el salto técnico necesario para lograrlo”, destaca Antonio Fernández, Team Leader del UCLM Racing Team.

Durante los próximos meses, los estudiantes continuarán trabajando intensamente en las fases de diseño, fabricación y testeo de su monoplaza, aplicando los conocimientos adquiridos en las aulas para optimizar el rendimiento, la fiabilidad y la eficiencia del vehículo.

El UCLM Racing Team ha agradecido el apoyo incondicional de la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Industrial de Ciudad Real y a la Universidad de Castilla-La Mancha, así como de todos los patrocinadores, colaboradores y familias que hacen posible que este proyecto de ingeniería y motor siga consolidándose.

Bolsos. Carteras. Camisetas. Llaveros. Joyas. Posavasos. Cada vez es más fácil y más frecuente encontrar en Barcelona un objeto que lleve impreso el icónico adoquín de muchas de las calles de la capital catalana, todo un símbolo que además alberga múltiples historias. El mencionado adoquín o panot, una loseta diseñada mediante un concurso público, ya ha dado la vuelta al mundo gracias a su cada vez mayor notoriedad. Su origen histórico, eso sí, está ligado a la necesidad de dotar a la ciudad de una superficie transitable y funcional en una época de gran expansión. A principios del siglo veinte, las calles de Barcelona se encontraban en una situación caótica y sufrían graves problemas de barro. Debido a la suciedad acumulada en sus aceras, la ciudad recibió el apodo despectivo de Can Fanga, que se puede traducir como casa del fango. La falta de pavimentación adecuada era un problema constante para los habitantes de la zona del Eixample de la capital catalana, donde el crecimiento urbano superaba la capacidad de mantenimiento de las vías públicas.

Antes de que se estableciera una solución uniforme, el coste del pavimento de las aceras recaía directamente en los bolsillos de los propios ciudadanos. Esta situación generaba una gran confusión sobre qué parte de la acera debía pagar cada vecino y qué materiales específicos debían utilizarse. Aunque los planes originales proyectaban el uso de materiales costosos como la piedra natural de Montjuïc, la falta de criterios claros convertía las calles del Eixample en auténticos barrizales. Para solucionar esta mala imagen de la ciudad, el ayuntamiento lanzó en 1906 el primer concurso público para proveerse de losetas de cemento hidráulico. El objetivo principal de las autoridades era encontrar una baldosa que pudiera producirse localmente, a bajo coste y que permitiera homogeneizar las aceras de la nueva ciudad sin murallas. 

Por aquel entonces, la industria catalana ya era una gran productora de este material para interiores, por lo que adaptarlo para el exterior fue un paso natural para los fabricantes. El concurso municipal presentó inicialmente un muestrario de dieciocho diseños diferentes, aunque finalmente se limitó la compra a solo cinco modelos en el año 1907. Estos diseños definitivos incluían el famoso panot con forma de flor, la pieza más reconocida y vendida actualmente, aunque otros de los otros modelos originales todavía pueden observarse en diversas zonas de la ciudad, como ocurre en la calle Aribau. Existe una creencia popular muy extendida que atribuye el diseño del panot de flor al arquitecto modernista Josep Puig i Cadafalch. Durante muchos años se pensó que era la misma loseta que decora la entrada de la Casa Amatller en el paseo de Gràcia. 

No obstante, otras investigaciones aclaran que, aunque se parecen, el material y el diseño del vestíbulo de dicha casa son diferentes, ya que fueron cincelados individualmente en grandes bloques de piedra. La autoría real del panot se vincula más estrechamente con la compañía Casa Escofet, que ganó el concurso y se consolidó como una pieza clave en la construcción de la ciudad. De hecho, la primera acera de panots documentada en Barcelona se instaló frente a la tienda de esta prestigiosa empresa antes del año 1894. Con el tiempo, esta firma industrial se convirtió en un símbolo de la modernización urbana barcelonesa que llega hasta la actualidad. También hay expertos que insisten en que es necesario realizar una distinción técnica sobre la naturaleza de esta pieza, ya que aseguran que formalmente no es un adoquín sino una baldosa.

En cualquier caso, el impacto del diseño de la flor barcelonesa cruzó fronteras y sirvió de inspiración directa para otros pavimentos emblemáticos como la baldosa de Bilbao. Aunque presentan un aspecto muy similar, la versión utilizada en Euskadi incorporó modificaciones para adaptarse mejor al clima lluvioso de su región. Esta influencia internacional demuestra cómo una solución funcional para el barro de Barcelona terminó convirtiéndose en un estándar estético de referencia mundial. Una figura que hoy por hoy está viajando a decenas de países, ya que son muchos los turistas que viajan y visitan la ciudad y se llevan de recuerdo algún objeto con el diseño del panot. De hecho las tiendas de souvenirs de la zona más turística de la ciudad, además de los quioscos que aún resisten el paso del tiempo, están poblados de dichos objetos, que pueden localizarse muy fácilmente.

Otros pavimentos

Además del panot de flor, Barcelona cuenta con otros pavimentos singulares como el diseño hexagonal de Gaudí que reviste el paseo de Gràcia. También se han realizado intentos de innovación más recientes, como la baldosa con la letra B ensayada en 2008 o el diseño con hojas de plátano instalado en la Diagonal en 2015. A pesar de la aparición de nuevos modelos y materiales, la flor sigue siendo la figura más simbólica del suelo barcelonés. Otros elementos artísticos que igualmente decoran el suelo de la ciudad son el archifotografiado mosaico de Joan Miró en el Pla de l’Ós de la Rambla o el collage del Mirador del Alcalde. También destaca la historia de la calçada portuguesa, que tuvo una prueba piloto en el actual paseo Lluís Companys a finales del siglo diecinueve. 

Aunque estos mosaicos no sobrevivieron a las remodelaciones urbanas posteriores, forman parte de la rica y variada historia del pavimento local. Pero lo que cada vez es más cierto es que en la actualidad el panot de flor no solo cumple una función práctica, sino que es un icono global y un recuerdo muy demandado por los millones de turistas que visitan la ciudad cada año. Esta pieza se puede encontrar transformada en llaveros, sudaderas y otros recuerdos que viajan por todo el mundo. En definitiva, el pavimento de la antigua Can Fanga, aunque ya no tenga barro, sigue siendo un diseño vivo que denota innovación e identidad histórica de una ciudad que siempre buscó soluciones prácticas mientras crecía, como su universal “chaflán” que permite hoy en día caminar, circular o aparcar de una manera tan original como el propio e icónico adoquín.

El damasquinado, la artesanía milenaria de la capital toledana, regresará como formación a la Escuela de Arte de Toledo después de varias décadas a partir de enero de 2026.

Desde la Fundación Damasquinado de Toledo señalan que con la introducción de la estampación mecánica en la década de 1970, se cerraron la mayoría de los talleres de damasquinado de la ciudad. “Muchos artesanos se quedaron entonces sin empleo, o tuvieron que cambiar de oficio, desapareciendo también el sistema tradicional de aprendizaje en los talleres”, explican.

Además, señalan que en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos, en la que “se formaron numerosos damasquinadores de renombre durante la primera mitad del siglo XX, incluidas muchas mujeres, llevaba décadas sin impartir esta enseñanza”. Apuntan que en sus inicios, esa formación incluía la asignatura de “metalistería, con contenidos relacionados con el cincelado, grabado, rejería, orfebrería y damasquinado”.

Para la Fundación de Damasquinado de Toledo la ausencia de esta formación reglada significaba que “el oficio parecía abocado a la desaparición”, pero a partir del mes de enero, las Consejerías de Economía y Educación van a poner en marcha “diversos módulos de formación profesional dirigidos a personas desempleadas o interesadas en mejorar su cualificación, impartidos por maestros damasquinadores”.

Desde la fundación aseguran que esta iniciativa responde “al impulso del presidente de Castilla-La Mancha, quien tras visitar la exposición 'El fascinante arte del damasquinado: entre Éibar y Toledo', entre abril y julio de 2025, tomó conciencia de la urgencia de garantizar una formación que asegure la continuidad del oficio”.

La cuestión de convertirlo en Bien de Interés Cultural (BIC)

La reivindicación de que el damasquinado se convierta en BIC tiene ya largo recorrido. La Fundación Damasquinado de Toledo lleva años reclamando su protección y también subvenciones para que los pocos maestros que quedan puedan formar especialistas artesanos.

“Hoy, el damasquinado artesanal sigue seriamente amenazado por las imitaciones mecánicas, aunque un reducido grupo de maestros continúa resistiendo. Por ello, es imprescindible una protección administrativa que preserve la autenticidad de estas singulares piezas”, explican desde la fundación.

En enero de 2023 solicitaron la declaración del damasquinado artesanal como Bien de Interés Cultural. Aseguran que el expediente “fue incoado el 16 de abril de 2025, y la normativa establece que, si en el plazo de un año no se resuelve, la solicitud caduca”. Esto significa que, si el 16 de enero de 2026 no se ha reconocido al damasquinado artesanal como BIC, “habría que reiniciar todo el procedimiento, algo especialmente difícil de justificar ahora que la Junta va a poner en marcha una formación reglada en esta disciplina”

Por ello, hacen un llamamiento al presidente García-Page, “cuyo compromiso con este patrimonio cultural ha quedado acreditado, para que dé el impulso final a la declaración del damasquinado artesanal como Bien de Interés Cultural”.

Un tarot que esconde en cada carta historias de arraigo, de misticismo, remedios caseros o refranes del pueblo o de las familias, leyendas que han pasado de generación en generación. Una premisa que la artista riojana Paula Oestreicher Pérez hizo realidad con su TFG y que encendió la llama para convertirse en la baraja de naipes que ASESCOIN (Asociación española de coleccionismo e investigación del naipe) ha editado como baraja del año, 'Quimera'.

Cuando a Paula le tocó el momento de pensar una idea para el TFG del doble grado de Técnicas de Estampación y Grabado y de encuadernación, había empezado a interesarse por el mundo del tarot. “Mi abuelo falleció y entre sus pertenencias apareció una baraja del tarot y pensé que era una señal”. Así que se decidió a diseñar y producir su propia reinterpretación de la baraja del tarot, con una mirada fija a las raíces y al entorno rural.

“El Tarot del Pueblo”, como decidió titularlo, parte precisamente de ahí, de su pueblo, Nalda, donde inició un extenso trabajo de investigación. Paula quería que cada carta contuviera historias propias de cada hogar, cada familia y cada pueblo. “Empecé preguntando a la familia, a mis padres, a mis abuelas, también a personas del entorno y después, el círculo se fue ampliando con historias de familias de amigos de Logroño, de Barcelona y hasta de Uruguay”. Por ejemplo, la carta del Sol de tarot refleja el típico remedio de aplicarse barro si te pica una ortiga hasta que se seque u otra carta muestra que para el dolor de cabeza hay que guardarse dos castañas en el bolsillo. “Hay muchas historias personales, otra que me gusta es que a una prima mía su abuela le frotó unas verrugas que no se le iban con una manzana y la enterró sin que nadie la sacara y las verrugas se fueron según se podría la manzana”. Cuenta de una carta que ahora muestra la confianza entre dos mujeres unidas por una manzana.

Todo ello teniendo en cuenta que prevalezca los signos del tarot “para que la carta no pierda su utilidad”, apunta la creadora. No obstante, quizás lo más fácil fue elegir que historia contendría cada carta. “Es como que cada historia elegía su carta”. Y así, Paula ha disfrutado viendo como su entorno encontraba sus historias en las barajas o incluso le salía su historia cuando les leía las cartas en el bar del pueblo.

Y del tarot a la baraja española. El Tarot del Pueblo llegó por casualidad a las manos Alberto Pérez González, responsable gráfico de ASESCOIN, que le propuso enviar una propuesta de baraja para la publicación anual que edita la asociación y reparte entre sus socios. Paula Oestreicher se lanzó rápido a ello porque la idea ya estaba antes en su cabeza. “Las cartas del tarot parten de la baraja tradicional. Están los arcanos mayores, que son las figuras que había representado, y los arcanos menores, que también son números del 1 al 12. Yo ya había pensado en completar mi proyecto con esa otra parte”.

La propuesta inicial era más continuista con su baraja del tarot, pero pronto se dio cuenta de que “en el mundo del naipe son bastante estrictos”, como cuenta, y adaptó los tamaños, parámetros y colores. Después, de eso, Paula ha ido de sorpresa en sorpresa viendo como su propuesta conquistaba hasta que la junta de ASESCOIN la eligió por unanimidad entre todos los proyectos entregados. “La Quimera”, como se llama su baraja, se presentó el pasado 18 de octubre, en la asamblea anual en Estepa, Sevilla.

“Me dieron un abanico de posibilidades”, agradece la artista. Por ejemplo, el palo de bastos son plantas silvestres y se mantiene el aire fantasioso y mágico de las cartas del tarot de la que nace. “No puede mantener esas historias familiares en cada carta porque sería imposible, pero sí sigue la misma gama de colores, el estilo de ilustración y el ambiente onírico”. No obstante, también puntualiza que “el proceso ilustrativo es diferente porque son proyectos diferentes”.

Así, entre casualidades y magia, una baraja del tarot entre las pertenencias de su abuelo puso en marcha un proyecto personal que recoge entre las cartas de su propio tarot decenas de refranes y leyendas propias del entorno rural. “Para preservar que cuando algo muere, todavía tenga su sitio y no se quede en la palabra”. Este Tarot del Pueblo ha dado el salto a una baraja española que mantiene el aire onírico sin perder su funcionalidad. Una quimera que perseguía Paula Oestreicher que ya es realidad y con la que ya se puede echar la partida.

El Gobierno de La Rioja convoca cinco becas de diseño de producto para facilitar la incorporación de jóvenes graduados al mundo laboral y dotar de talento joven a las empresas riojanas. Para ello, el Gobierno de La Rioja cuenta con 100.000 euros y las personas interesadas pueden presentar la solicitud hasta el 14 de noviembre.

Estas ayudas, las becas de diseño, tienen un doble objetivo: facilitar la incorporación de jóvenes graduados al mundo laboral, donde podrán complementar la formación reglada que han recibido con una de carácter práctico; y facilitar a las empresas riojanas un recurso oportuno y eficaz, en la incorporación del diseño de producto a su estrategia empresarial.

El gerente de la ADER, Luis Pérez Echeguren, ha destacado durante la presentación de esta convocatoria, publicada este viernes en el BOR, que la agencia “está realizando un importante esfuerzo en potenciar la utilización del diseño de producto como elemento diferenciador y herramienta de competitividad empresarial, y, en este sentido, es vital que las empresas riojanas puedan contar con profesionales excelentes”. 

El diseño de producto “es crucial porque mejora la competitividad y el éxito de un producto en el mercado, influyendo en la decisión de compra del consumidor al combinar estética y funcionalidad”. Un buen diseño, ha agregado, “ayuda a crear una identidad de marca fuerte, mejora la experiencia de la persona usuaria, aumenta las ventas y puede reducir costos de fabricación”.

El Ejecutivo regional, a través de la ADER, ha destinado 100.000 euros a este programa de becas, que estará cofinanciado por el Fondo Social Europeo Plus, a través del Programa FSE + de la Comunidad Autónoma de La Rioja 2021-2027. Las solicitudes deben realizarse a través de la sede electrónica de la agencia hasta las 14:00 horas del próximo 14 de noviembre.

Podrán ser beneficiarias las personas nacidas en 1995 o posteriormente, empadronadas en La Rioja y graduadas en enseñanzas artísticas superiores de diseño o tituladas en materia de diseño de producto, ingeniería de producto o arquitectura. De acuerdo al salario mínimo en España para 2025, la dotación económica anual será de 16.575,96 euros.

La formación práctica “se desarrollará en empresas de acogida del tejido empresarial de La Rioja que pertenezcan a sectores susceptibles de incorporar el diseño como herramienta imprescindible en el desarrollo de su estrategia empresarial” y que previamente habrán sido seleccionadas por la ADER. Esta formación se centrará en el proceso de diseño industrial de los productos -definición, desarrollo, verificación y fabricación- y en el propio producto -función, uso, mercado, materiales, procesos y forma-.

Con todas las empresas que superen el proceso de selección, se formará una bolsa de empresas de acogida sobre diseño de producto, que se publicará en el BOR y en la página web de la ADER, que contendrá la relación de empresas de acogida por orden de puntuación tras la valoración total. Esta convocatoria de becas de diseño de producto, al igual que la relativa a las becas de acción exterior, publicada el pasado lunes, respaldan la apuesta de la ADER por la atracción, retención e impulso del talento en La Rioja.

El Ayuntamiento de Logroño elabora el nuevo Plan Estratégico del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028, un documento que analiza, ordena y alinea la acción pública municipal en las diferentes áreas para ofrecer un mejor servicio a la ciudadanía y optimizar los recursos públicos.

El documento, que será aprobado el miércoles 29 de octubre por la Junta de gobierno Local, ha sido presentado este lunes por la concejala del área de Pleno, Relaciones Institucionales y Participación Ciudadana, Leonor González. “Representa una hoja de ruta institucional construida desde una lógica colaborativa, que ha incorporado la visión política y técnica, así como la de agentes socioeconómicos de la ciudad, para marcar el rumbo de los diferentes proyectos municipales desde una gestión eficaz, eficiente, transversal y transparente”.

Bajo el compromiso de la mejora continua de la calidad del servicio a la ciudadanía, a través de un modelo de gestión europeo de Excelencia EFQM, el Ayuntamiento de Logroño ha contado entre los años 2010 y 2015 con un Plan Estratégico Municipal, que marcaba las líneas para que los servicios municipales respondan a las necesidades de los habitantes de la ciudad. “Por ello, el nuevo Plan Estratégico Municipal del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028 supone dar continuidad a esta labor y alinear la acción pública municipal con la visión de la ciudadanía para mejorar su calidad de vida”, ha añadido la concejala Leonor González.

Seis objetivos principales vinculados a diez líneas de actuación

El nuevo plan traduce la misión y visión del Ayuntamiento en una hoja de ruta concreta, compuesta por seis objetivos estratégicos: la colaboración, el trabajo en equipo y el intercambio de información y conocimiento entre las unidades municipales; el equilibrio presupuestario; la planificación orientada a resultados; la realización de procedimientos de gestión eficaces y eficientes; el desarrollo de la Administración electrónica y las tecnologías avanzadas; y el desarrollo profesional, la mejora continua y la evaluación del desempeño.

Estos objetivos estarán vinculados a diez líneas de actuación que marcarán el rumbo del cambio organizativo, como son la creación de una oficina de proyectos; una oficina de presupuestos; un plan de mejora de la gestión del patrimonio y las infraestructuras municipales; la ordenación de la planificación estratégica; la evaluación y el seguimiento de las políticas públicas; la adaptación de procedimientos a la Administración electrónica; la implantación de dicha Administración digital; un modelo de gobernanza del dato; un plan de formación, reconocimiento, motivación y desarrollo personas; y un programa de formación y coaching directivo.

“Tanto los objetivos como las líneas de actuación mencionadas ya se están desarrollando a través de diferentes proyectos de las unicidades municipales como, por ejemplo, la implantación de la Administración electrónica, en una fase avanzada; el Proyecto EDINT sobre dato abierto; o el refuerzo del programa formativo de los empleados públicos municipales, entre otras iniciativas”, ha destacado la concejala de del área de Pleno, Relaciones Institucionales y Participación Ciudadana.

Cada una de las acciones desarrolladas dentro del Plan Estratégico Municipal del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028 contará con unos objetivos concretos, unas tareas vinculadas, unos indicadores específicos y un presupuesto, que contemplará tanto el trabajo interno como el posible apoyo externo.

En definitiva, este documento actuará como un marco común para orientar recursos y capacidades hacia una transformación realista y coherente, centrada en resultados y orientada a fortalecer el servicio público.

La primera piedra se colocó en 1914, en 1925 finalizó la construcción de Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño. El edificio que alberga la Escuela Superior de Diseño de La Rioja cumple cien años, un aniversario que se ha celebrado con un acto conmemorativo con la presencia del presidente de La Rioja, Gonzalo Capellán, quien ha animado a la ESDIR a seguir siendo “un espacio singular que permita proyectar arte bello para mejorar a las personas y a nuestro mundo”. Además ha asegurado que “este magnífico espacio, sus profesores, su personal, sus estudiantes, la luz y la belleza del entorno tienen que seguir siendo un espacio especial, un espacio singular y un espacio de creatividad que permita seguir proyectando a su entorno, a la sociedad y al mundo belleza y arte bello, para mejorar a las personas y a nuestro mundo”.

Capellán, junto con los consejeros de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pastor; de Educación y Empleo, Alberto Galiana; y la directora del centro, Mónica Yoldi, ha participado este martes en el acto conmemorativo organizado para celebrar el primer centenario de la sede de la ESDIR, cuya construcción finalizó en 1925 como Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño. Además de la conferencia a cargo de los docentes Javier de Blas, Inmaculada Cerrillo y Javier Dulín, se ha realizado una visita al centro y a la exposición que conmemora esta efeméride.

Durante su intervención, Capellán ha felicitado a todos los docentes de la ESDIR por su “trabajo y constancia” que han hecho de esta escuela, “ubicada en Logroño hace cien años, que sea hoy un referente de la formación en diseño a nivel nacional e internacional”. También se ha referido a los casi 500 alumnos que “tienen la fortuna y la suerte de estar en esta magnífica escuela”, no solo por la formación que reciben, sino por “ser también parte de este proyecto y alimentarlo”, así como a todo el personal que forma parte del centro, “desde administración hasta servicios, que a veces se nos olvida, pero que su trabajo es fundamental para que todo funcione y para que el día a día de esta escuela siga su curso”.

Respecto a la construcción del actual edificio de la ESDIR, el presidente del Ejecutivo riojano ha recordado la figura clave del británico John Ruskin, precursor del movimiento Arts and Crafts y se ha remontado a “ese momento en el que las Escuelas de Artes y Oficios empiezan a funcionar en Europa, con origen en el Reino Unido para extenderse después por otros países hasta llegar a España y a Logroño”. Para la creación de estos centros, ha recordado, “fue fundamental el Decreto del año 1886 que impulsó el primer gobierno de Sagasta”, por lo que “hoy también tenemos que rendir tributo a este ilustre riojano, un ingeniero de caminos, canales y puertos, que permitió a través de ese Decreto, que, junto con la escuela central de Madrid, se creasen otras siete escuelas en todo el país y una de ellas es esta de Logroño”. 

Acogió la Exposición Regional de 1925 que clausuró Alfonso XIII

Para conmemorar los cien años de historia de este edificio, la ESDIR ha organizado una serie de actos conmemorativos, como la exposición CIEN, que puede visitarse en la misma escuela hasta el próximo 2 de noviembre y que realiza un recorrido por la historia de este inmueble, desde que se proyecta hasta la actualidad, a través de documentos y material fotográfico y audiovisual inéditos, que comprenden una investigación exhaustiva de los usos del centro. 

La actual Escuela Superior de Diseño de La Rioja nació como una Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios, donde a lo largo de los últimos cien años, se han ubicado distintas enseñanzas acordes a los planes de estudios de cada época. 

Para la construcción de la Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño, en marzo de 1912, el Ministerio de Instrucción Pública convoca el concurso de proyectos, en el que se recoge que el Ayuntamiento de Logroño ha cedido los terrenos y se cuantifica en 800.000 pesetas el presupuesto de contrata, comprendiendo el coste de la construcción, la decoración y las obras específicas.

En el año 1913 se resuelve el concurso y se aprueba el proyecto presentado por los arquitectos Luis Mosteiro Canas (Madrid 1882-1954) y Antonio Rubio Marín (Granada 1884-Madrid 1980), con un presupuesto de 778.048,09 pesetas. La contrata de su construcción recae en Constantino Bergasa y su tío Pedro Bergasa, pertenecientes a una saga de constructores que levantaron distintos edificios en la ciudad, como el colegio de la Enseñanza o el Instituto Sagasta, entre otros.

La primera piedra del edificio se puso el 21 de septiembre de 1914 en un acto que contó con la presencia de Amós Salvador Rodrigáñez, ingeniero y político logroñés que a lo largo del primer cuarto de siglo XX ocupó varias carteras ministeriales, entre ellas la de Instrucción Pública y Bellas Artes. La construcción se demoró más de diez años, ya que hubo problemas de cimentación y además se tuvieron que sustituir materiales, buscando aquellos más apropiados para la construcción. Una vez finalizado, en 1925, el Ayuntamiento de Logroño solicita al Ministerio su ocupación para la Exposición Regional que se iba a abrir en septiembre de 1925 y a cuya clausura asiste el 14 de octubre de 1925, el Rey Alfonso XIII. 

Una vez finalizada la Exposición Regional, de nuevo los arquitectos Antonio Rubio y Luis Mosteiro, tienen que intervenir en el edificio para adecuar los espacios a las distintas enseñanzas, de manera que las Artes Industriales ocupan la planta baja y las Artes y Oficios el primer piso. 

A lo largo de casi sesenta años han convivido las enseñanzas de Artes Industriales con las de Artes y Oficios. A partir de los años ochenta del siglo pasado, las Artes Industriales estrenan una nueva sede y la Escuela de Artes y Oficios fue recuperando poco a poco todo el espacio, llevando a cabo dos grandes reformas, el Salón de Actos y la Biblioteca. 

Casi 500 alumnos en Grados Superiores y Másteres 

En la actualidad, el edificio acoge a casi 500 alumnos y 60 docentes de los estudios superiores de Grado en Diseño, con las especialidades de Diseño Gráfico, Diseño de Moda, Diseño de Interiores y Diseño de Producto. Desde hace casi una década, la escuela imparte tres Másteres oficiales: en Packaging para Industria Alimentaria y Vitivinícola, en Diseño e Innovación de Calzado y Espacios Comerciales y Expositivos para la Moda. 

Un amplio abanico de estudios que ha sabido recoger el espíritu con el que se creó el centro, unir la ciencia, el arte y la artesanía y dotar a los jóvenes de las herramientas propicias al espíritu innovador y creativo. 

El estudio Perspectiva Moma, con sede en Logroño, ha sido galardonado por el Colegio de Diseñadores de Interior de la Comunidad Valenciana (CDICV) con el Premio Nacional de Diseño de Interior en la categoría de oficinas, gracias a su proyecto “Oficinas Celebona”. 

Esta propuesta ha sido elegida entre decenas de candidaturas nacionales, destacando por “su enfoque funcional, estético y humano en la creación de espacios de trabajo”. El proyecto galardonado, desarrollado para la empresa “Celebona 1960”, combina diseño contemporáneo, sostenibilidad y bienestar laboral, lo que ha captado la atención del jurado “por su sensibilidad y coherencia en la ejecución”.

Este reconocimiento supone un importante espaldarazo para este estudio logroñés, que con este premio consolida su trayectoria y empieza a hacerse un hueco en el panorama del diseño de interiores a nivel nacional. Perspectiva Moma es un estudio de interiorismo con sede en Logroño, fundado por Mónica Comunión y María Jadraque, diseñadoras de interiores y arquitectas técnicas.

Un espacio singular en un edificio histórico de Logroño

Ubicada en un edificio catalogado de 1935, en la esquina de las calles Bretón de los Herreros y San Agustín, la intervención reinterpreta la arquitectura original desde una mirada contemporánea, respetuosa con el patrimonio. El proyecto incluye también un jardín privado de 40 m² que refuerza la conexión entre interior y exterior.

La propuesta de Perspectiva Moma se articula en torno a tres “pieles” que ordenan y jerarquizan el espacio: la piel exterior restaurada, que pone en valor elementos como la piedra original de fachada; una piel intermedia en forma de mueble-celosía de roble que permite filtrar la luz y la visibilidad; y una piel interior que oculta funciones de servicio mediante panelado continuo de madera. La distribución organiza los espacios de trabajo en torno a un recorrido longitudinal que aprovecha la luz natural y la geometría trapezoidal del inmueble.

Uno de los elementos más singulares del proyecto es la reinterpretación de los forjados originales de madera en abanico, inspiración directa para los techos de lamas negras que refuerzan la identidad del conjunto. La iluminación, cuidadosamente diseñada, genera atmósferas diferenciadas según el uso de cada área.

“Queríamos que el espacio hablara de la marca, pero también de la historia del lugar. Es un proyecto que respira memoria y futuro al mismo tiempo”, explican desde Perspectiva Moma.

La nueva sede de Celebona 1960 se convierte así en un ejemplo de cómo el diseño puede activar el valor de la arquitectura histórica y dotarla de un nuevo sentido contemporáneo, manteniendo un equilibrio entre funcionalidad, estética y narrativa. 

El icónico diseñador italiano Giorgio Armani, fallecido el pasado 4 de septiembre a los 91 años, ha sorprendido este viernes al mundo al trascender que, en su testamento, impuso a sus herederos la venta gradual de su firma o, como alternativa, su salida a Bolsa en los próximos años, tras medio siglo de independencia empresarial.

Armani, considerado uno de los últimos grandes diseñadores-empresarios del lujo europeo, dispuso que, un año después de la apertura del testamento, el pasado martes, se venda el 15% del capital del grupo Giorgio Armani S.p.A., la mayor compañía privada de lujo en el mundo, a un gran conglomerado del sector de la moda y el lujo, en un plazo máximo de 18 meses, tal y como recoge EFE.

En un giro dramático de los acontecimientos, Armani también impuso en su testamento manuscrito que dicha participación se ofrezca de forma prioritaria a los gigantes LVMH, EssilorLuxottica o L'Oréal, que podrían llegar a hacerse con el control mayoritario.

El diseñador dejó por escrito que, en un plazo de entre 3 y 5 años, se deberá ceder al mismo comprador una participación adicional de entre el 30% y el 54,9% del capital de la empresa.

Como alternativa, el testamento contempla la salida a Bolsa de la firma, en un máximo de ocho años, con una reducción del control por parte de la fundación que tutela el legado del diseñador, aunque nunca inferior al 30,1%.

Se trata de una decisión inesperada en la historia del grupo, fundado en 1975 y conocido hasta ahora por su independencia frente a los grandes conglomerados que dominan el sector. El grupo incluye enseñas como Emporio Armani, Armani Exchange, Armani Privé, además de hoteles, restaurantes y una lucrativa línea de belleza.

L´Oreal y Armani han tenido un acuerdo de licenciamiento desde 1988 para la venta de productos como el popular perfume Acqua di Giò. El gigante de la óptica EssilorLuxottica produce y distribuye la línea de gafas de Armani.

Años de resistencia

Durante décadas, Giorgio Armani fue uno de los pocos diseñadores que logró mantener el control total de su empresa, resistiéndose a venderla o a cotizar en bolsa, a diferencia de la mayoría de las casas históricas italianas y francesas. En una entrevista en Financial Times en 2023, el diseñador aseguró que estaba determinado a evitar “ser dominado por una de esas mega estructuras sin personalidad”, en alusión a una posible oferta del gigante L´Oreal.

Pero también añadió que era consciente de que la compañía estaba totalmente identificada con su figura y era su responsabilidad asegurarse de que “tuviera una huella que se asemejara a il signor Armani”, pero las cosas cambiarían inevitablemente tras su muerte.

Conocido por su perfeccionismo y su deseo de supervisar cada aspecto del negocio, Armani dejó escritos de su puño y letra dos testamentos: uno fechado el 15 de marzo de 2025 y otro, pocos días después, lo que sugiere que este último fue una ampliación del primero.

Las primeras reacciones a los últimos deseos del diseñador ya se han hecho públicas, destacando la afirmación del portavoz de EssilorLuxottica, quien señaló que el grupo evaluará “con atención” la propuesta y manifestó que están “orgullosos de la confianza que el señor Armani ha querido depositar” en su grupo y en su dirección.

Sin herederos forzosos, al no haber tenido hijos, el diseñador dispuso con plena libertad de un patrimonio estimado en 12.000 millones de euros, que incluye obras de arte, propiedades, yates, una participación en el grupo óptico EssilorLuxottica y en el club de baloncesto Olimpia Milano, además del 99,9% de las acciones de su empresa.

Armani había dado señales de estar preparando cuidadosamente la sucesión en los últimos años, mediante la creación de la Fundación Giorgio Armani, encargada de preservar su legado y, en teoría, asegurar la independencia de la firma.

Sin embargo, el contenido del testamento revela que dicha Fundación fue ideada como instrumento clave para una transición estructurada hacia una nueva configuración societaria, o bien a través de una venta gradual o de una salida a bolsa.

La Fundación Armani recibe el 100% de las acciones de la empresa: obtiene el derecho de plena propiedad sobre el 9,9% (equivalente al 30% de los derechos de voto) y el derecho de nuda propiedad sobre el 90% restante de las acciones, mientras que el resto de los derechos de voto se divide entre Pantaleo Dell'Orco, compañero y mano derecha de Armani, y sus dos sobrinos.

Giorgio Armani dejó el 75% de la sociedad L'Immobiliare Srl, que posee inmuebles en Saint Tropez, Antigua, Broni y Pantelleria, a su hermana y a sus sobrinos, mientras que el usufructo de estas propiedades será para Pantaleo Dell'Orco, que también podría seguir disfrutando del edificio de Milán donde vivían.