Narrar a través de los tejidos, construir una historia con colores, texturas y movimiento. A través del diseño de vestuario, Pedro Moreno no solo ha obtenido reconocimientos como dos premios Goya o el Premio Nacional de Teatro, sino que ha construido los cimientos de una profesión que, en ocasiones, pasa desapercibida. Esta semana pasará por Toledo, invitado por el Museo El Greco coincidiendo con una exposición en la que la pintura y el teatro se dan la mano “en un diálogo compartido”.

Pedro Moreno (Madrid, 1942) nació en una época en las que las oportunidades ‘no colgaban de los árboles’. Él mismo la define como una “época complicada, marcada por la Guerra Civil y en plena Segunda Guerra Mundial”. Aunque nació en Madrid, se crio y vivió hasta los doce años en el pueblo segoviano de Riaza. “Los que provenimos de medios rurales vivíamos en una especie de burbuja, en la que de algún modo tratábamos de soñar un poquito, lo que se podía y lo que nos dejaban”, expone al recordar su infancia.

Pedro no tenía clara ninguna vocación cuando era pequeño. Él asegura que solo quería “ser mayor”. Sin embargo, a partir de visitar diferentes edificios eclesiásticos encontró allí “retablos, luces, incienso, elementos que eran magia” y que potenciarían su interés por el diseño. Moreno comenta que la única forma de poder disfrutar del cine o el teatro “era a partir de la Iglesia”, a la que recurrió como “escapatoria”, como una forma de acceder al arte. Por eso, él y once compañeros más ingresaron en el seminario para hacerse curas y tener al alcance a esa oferta cultural: “Yo solo duré tres meses allí”, explica.

Después tuvo diferentes trabajos como repartidor, antes de llegar a estudiar Bellas Artes: “Yo era pobre, mi familia no era rica y no podía acceder a ninguna carrera oficial, pero iba a la Escuela de Bellas Artes [Real Academia de Bellas Artes de San Fernando], donde había oportunidad de pintar con modelos gratis y luego modelos vivos, o ir al zoo a dibujar animales”, rememora.

El salto a la alta costura: “Fue un aprendizaje fantástico”

Moreno también trabajó como maestro en un centro de menores, pero en la década de 1960 “de pura casualidad” pasó a trabajar en el mundo de la moda, concretamente a las órdenes del modisto Elio Berhanyer. Recuerda que la moda en aquel entonces “era una cosa realmente elitista, inasumible para el 80% de los españoles” y que suponía “una especie de privilegio para una determinada clase social, pero para mí era un aprendizaje fantástico”.

Su contacto con la alta costura le llevó a aprender “acerca de la armonía de los colores, trabajar volúmenes para conseguir texturas, investigar el mundo de los tejidos, fue muy interesante”. Apunta que la construcción de un traje de alta costura era “casi como hacer una escultura”.

Pedro señala tener unos “estupendos recuerdos de todo aquello. La época en la que yo hacía alta costura ha desaparecido prácticamente”, expone, al mismo tiempo que indica que en la actualidad “todo es más democrático, la gente puede elegir sin saber si el color que les gusta es el que está de moda este año o el que le proponen las marcas. Hay mucha más libertad de elección sobre todo para las mujeres”.

Sin embargo, con el auge del movimiento prêt-à-porter -listo para llevar o ropa hecha a demanda y en serie-, Berhanyer le recomendó que se ‘mudase’ al mundo del teatro y la cinematografía.

A partir de ahí, Pedro Moreno comenzó a diseñar vestuario para películas, obras de teatro, ópera, zarzuela y otras modalidades culturales de las artes escénicas: “Para mí lo más interesante ha sido [diseñar para] el ballet, la danza, porque el mejor desfile para cualquier persona que haga moda sería un escenario, y que en lugar de modelos fueran artistas que bailan”, apunta y señala que los bailarines y las bailarinas eran su “máxima inspiración”.

El oficio de contar historias a través de la indumentaria

Para Pedro, convertirse en un buen figurinista, diseñador y vestuario y escenógrafo pasa por “conocer lo que estamos intentando contar, hay que aprenderse los textos y es un trabajo colectivo, de todos los implicados”. Aquí entra en juego que todas las personas y profesionales implicados, desde el director, el escenógrafo, el diseñador... “todos en definitiva tengan un acuerdo de opiniones”, aunque para él, “lo más importante es conocer los textos”.

Con respecto al teatro, Moreno explica que “tiene muchas más posibilidades” a la hora de variar el trabajo: “Una obra de teatro se ensaya y se estrena. A veces durante una temporada, hay obras que aguantan años, pero cada día los actores pueden modificar y perfeccionar”. Eso no ocurre en el cine “porque solo es una sola toma. Aunque se repita cinco veces, se elige una y lo que queda, queda”.

En su opinión, “el figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante”.

Moreno recalca que en todas las propuestas siempre se parte de cero. “Es lo que me apasiona de la profesión. No sirven de nada los éxitos anteriores. Cada vez te la juegas, puede ser la primera y la última”.

El mundo de las artes escénicas, dice, “es un continuo ponerse de acuerdo, una suma de pareceres, tanto con los directores como con otros agentes” y el diseñador de vestuario “vale lo que vale tu última película o tu último éxito teatral”.

El figurinista o el diseñador de vestuario es un narrador. Lo que hacemos es contar historias. Yo tengo que ayudar a que lo que el actor cuenta parezca verdad, y es una parte muy importante

De esta manera, apunta también que el vestuario puede condicionar la actuación de un intérprete: “Es relevante un acuerdo. Si el actor se siente incómodo va a rechazar ese vestuario, pero si está convencido de qué forma parte de su personaje, pues lo acepta. Hay ocasiones en las que los intérpretes te piden más dificultad para superarlo”.

Otro de los retos del oficio es adaptarse al presupuesto de una determinada producción y tratar de buscar una verosimilitud. A pesar de ello, Pedro recuerda que cuando trabajó en El perro del hortelano, de Pilar Miró, tuvo que viajar hasta Italia para conseguir telas adecuadas para el diseño del vestuario por su forma y colores: “Las comedias son más ligeras, tiene que haber más luz y rapidez, más color, por eso me fui a Italia a buscar estas telas. En España había telas, pero lo que había eran cortinas, que pesan mucho, es imposible que el actor se mueva con ligereza”, explica.

Cómo ha cambiado la forma de trabajar y retos de la profesión

La forma de trabajar en la escenografía y el diseño ha cambiado, y también la implicación del propio diseñador de vestuario: “Mi trabajo aparte de dibujar era traducir los diseños en los talleres para la gente que corta y cose. Ahora, una de las modistas con las que he trabajado más tiempo me dice que la gente le lleva fotos de internet, y que cuando les pregunta sobre la tela utiliza o cómo lo quiere le dicen ‘tú sabrás’. [Para un diseñador] no es necesario saber coser, pero sí saber cómo se cose y de qué forman funcionan las telas”.

Actualmente, “muchas prendas se compran ya hechas” y también se alquila vestuario, por lo que considera que el oficio está evolucionando a consecuencia de una “penuria económica”: “En algunas óperas que tenían que ser barrocas como no hay dinero van con trajes normales de la calle”, señala.

A lo largo de su carrera durante varias décadas, Pedro Moreno ha obtenido dos Premios Goya a mejor diseño de vestuario -en 1997 por ‘El perro del hortelano’ de Pilar Miró, y por ‘Goya en Burdeos’ de Carlos Saura-, así como el Premio Nacional de Teatro (2015) y la Medalla de Oro de la Academia de Artes Escénicas de España (2021).

Los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio

Pedro considera que el reconocimiento “siempre es algo raro y difícil” porque “depende de que tu nombre se asocie a algo que tiene calidad” y en ocasiones en diferentes carteleras “se omite el nombre del diseñador de vestuario y esto es un perjuicio para él”. No obstante, explica que “por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista” y que podemos decir que “la paridad está prácticamente igualada” en el sector.

Al igual que otros sectores, las artes escénicas la profesión de diseñador de vestuario se enfrenta al auge de la inteligencia artificial: “La gente tiene mucho miedo de que nos deje sin trabajo, pero no es cierto en absoluto. Es una herramienta que hay que utilizar, pero la IA no piensa”, apunta Moreno.

Sobre el futuro del oficio, el diseñador cree que sigue habiendo posibilidades, a pesar de las diferentes crisis que estamos atravesando. “En la década de los ochenta y los noventa o principios de los 2000 había muchas posibilidades a nivel cultural para todo, pero el poder siempre considera que la cultura es un lujo y ahora llega un momento donde hay precariedad y la gente prescinde de los lujos. Por suerte, la gente sigue llenando los teatros y los cines, pero falta financiación en los proyectos”.

En el camino de buscar salida laboral recuerda cómo muchos tuvieron que emigrar. “Hay bastante gente que se ha tenido que ir a trabajar a Estados Unidos porque aquí no les daban oportunidades y cuando han salido fuera realmente se lo han reconocido y han tenido ocasión de degustar la calidad de su trabajo”.

“La censura no existía en la moda, pero sí en el arte”

El diseñador describe que en España “siempre hubo censura, no en la moda, ni en la época de la dictadura, pero sí en el teatro, en la literatura y en casi todas las cuestiones artísticas”, a pesar de que en la actualidad “hemos gozado de mucha libertad de acción”.

Recuerda que donde más censura sintió en lo artístico fue en Los Ángeles en 2019, durante la preparación de la ópera ‘Un gato montés’ junto a Plácido Domingo, donde aparecían toreros y picadores: “Los toreros llevan trajes ajustados, donde se les marca el paquete, y me dijeron que allí no, que nada de eso, ni transparencias ni paquetes”, explica.

Moreno detalla que el grupo que le contrató estaba vinculado con la productora Disney, “que está controlada por hispanos católicos y que tienen sus normas” y resalta que, a veces, la censura no existe porque la marquen las leyes, sino determinadas personas o lobbies. “Te censura la gente que dice esto sí o esto no”.

Apunta que en la actualidad la censura sigue existiendo, también en España: “[En 2023] me enteré de que Ana Belén quería hacer una función en Jaén y resulta que la prohíben porque es Ana Belén, ¿qué pasa? ¿Qué es como el enemigo terrorista?”, apunta.

Sin embargo, recalca que “hay algo mucho peor que es la autocensura, cuando hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo”.

Hay gente que no hace cosas por si acaso no la llaman más. El miedo es la peor censura para uno mismo, miedo a no trabajar y a no poder vivir de tu trabajo

Pedro recuerda que tuvo que exiliarse a París en multitud de ocasiones porque la policía le perseguía durante la dictadura franquista: “No era por la moda ni por el teatro, sino por meterme en líos políticos, asistir a reuniones que no estaban permitidas, hablaba de cosas que no se podían hablar y tuve que irme a Francia porque me buscaban”, expone.

Si mira al panorama actual señala con preocupación ciertas corrientes sociales que están surgiendo. “Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme”.

Hay gente que está pidiendo que esa historia vuelva -la dictadura- de nuevo. Es la que dice que entonces se vivía mejor. Claro que había gente que vivía mejor y son los que siguen viviendo mejor ahora (…) y pretenden que involucionemos, y eso es un peligro enorme

Este 16 de abril, a las 17.30 horas, el diseñador estará en Toledo para participar en una ponencia en el Museo del Greco. Esta institución cultural cuenta con piezas artísticas de distintas épocas y procedencias en el pasado, pertenecientes a su fundador, el marqués de la Vega-Inclán que recreó la casa y el taller del pintor griego al reformarla.

Ahora, la exposición ‘Otro escenario. El teatro al encuentro del Greco’, cuenta entre sus piezas con uno de los diseños que Pedro Moreno creó para la adaptación teatral de Ángel Fernández Montesinos en 2003 de Don Juan Tenorio. El diseñador ofrece una conferencia sobre su trabajo a raíz del hallazgo de los diseños originales de Salvador Dalí que sirvieron para la versión de Luis Escobar de 1949.

“Fue un caso muy excepcional porque tuve que repetir los dibujos de Dalí y era muy complicado”, explica. Realizó una incursión en la obra del gran artista del Surrealismo, todo un reto para “intentar saber, interpretar para introducirlo en un tejido y que luego se lo pueda poner un actor”. Fue un estudio que define como “muy intenso” pero con el que aprendió “muchísimo”: “Volvería a hacerlo cien veces para corregir algún defecto, hacerlo de otra manera, profundizar mucho más en su mundo surrealista”, explica.

Por suerte, aunque en el pasado ha habido un problema de representación de género, cada vez hay más mujeres que hacen vestuario, dirección, guion y ha sido una gran conquista

A pesar de ello, considera importante que en obras de teatro, el diseñador tenga en cuenta “lo que ha ocurrido antes, no solo lo que sale en escena. Por ejemplo si alguien viene de viaje, aunque no se detalle en el diálogo, pero que el vestuario lo cuente, por ejemplo si viene de lejos que lleve los zapatos desgastados o que lleve una maleta, pues forma parte del relato”.

Ese trabajo minucioso de documentación le ha llevado a Moreno a obtener varios premios por sus creaciones artísticas. No obstante, apunta que “los premios no son siempre del todo justos, porque no todo el mundo ve todas las películas o todas las obras de teatro, y los premios no los concede el público, sino profesionales de tu gremio. Es una muestra de la gente que te quiere y no siempre te premia porque tu trabajo sea el mejor, sino simplemente porque te quiere”.

Se conocieron en Zaragoza mientras cursaban los estudios superiores de diseño. Lorena Del Campo Muro desciende de Badarán. Javier Pico Bellas es gallego y los dos forman La Proyectual, un estudio de diseño de interiores que nació en el medio rural. “Nos conocimos en Zaragoza estudiando. Comenzamos a trabajar, primero en distintos estudios, con el tiempo coincidimos en el mismo”.

Empezaron a buscar casa para iniciar su proyecto de vida en tierras mañas en plena crisis de 2008. “¿Tú te ves envejeciendo aquí?”. Esta pregunta y la respuesta fue el origen de La Proyectual. “Mientras otros perdían su trabajo por la crisis, nosotros decidimos dejarlo”.

Desde el primer momento lo tuvieron claro: su apuesta era el medio rural aunque también aquí la falta de vivienda ha sido un problema. La llegada a Badarán fue complicada. “Nos costó mucho encontrar una casa que se ajustara a nuestras necesidades”. Y es que La Proyectual aúna vivienda y negocio.

“Hemos apostado por mezclarlo un poco todo porque esta forma de vivir y de fusionar vida laboral y familiar nos es mucho más cómoda”. Y así alquilaron una casa en este municipio riojano. Reformamos los bajos, tradicionalmente destinados a las cuadras de animales, y ahí habilitamos el estudio. La vivienda estaba en el piso de arriba“. Llegado el momento quisieron comprar el inmueble. No fue posible así que decidieron volver a empezar, de nuevo, en el medio rural.

Así llegaron a Baños de Río Tobía donde han vuelto a levantar La Proyectual en una casa indiana muy característica de esta zona de La Rioja que este año cumple cien años de la que se enamoraron. “Llegamos a Baños de Río Tobía por la casa”. Inmueble que han rehabilitado por completo. “Prácticamente, estaba en ruina y para nosotros tiene un valor añadido saber que hemos contribuido a que la historia y la identidad no se pierda. Ha sido importante poder revivir la construcción de nuevo”. Y en esta casa indiana y centenaria en Baños de Río Tobía, La Proyectal vuelve a aunar vivienda y estudio tras su rehabilitación.

Su llegada a Baños de Río Tobía ha sido excelente. “No conocíamos a prácticamente nadie, nos vinimos por la casa y nos han acogido e integrado muy bien”. Y no es de extrañar teniendo en cuenta que lo que supone para un pueblo de La Rioja la llegada de estos nuevos vecinos emprendedores que han creado empleo y fijado población. Y es que esta familia tiene una hija de seis años que va a la escuela y La Proyectual está generando empleo entre profesionales de la zona. “Ahora mismo tenemos trabajadores en nómina y otros colaboradores, sobre todo, en los distintos gremios porque cuando llega el momento de ejecutar un proyecto tenemos que mover a mucha gente y siempre apostamos por profesionales de la zona. Su experiencia nos da mucha seguridad y tenerlos cerca es muy cómodo”.

Y así, primero desde Badarán y ahora desde Baños de Río Tobía, La Proyectual va cumpliendo años, una docena exactamente. “Cuando al principio hicimos el plan de proyecto empresarial, nos dijeron que era inviable”. Obviaron esta recomendación y mantuvieron intacto su sueño: crear su estudio de diseño en un pueblo de La Rioja. Y esta apuesta por el medio rural, recuerda Del Campo, lejos de entorpecer el crecimiento de la empresa, “nos ha dado mucha identidad. No había nadie más como nosotros hace doce años. Generamos una expectación importante que nos ha llevado a trabajar, también con grandes marcas como Pernord Ricard o Muerde la Pasta”. Pero entre su clienta también está el vecindario. “Estamos haciendo muchas obras para personas mayores que necesitan cambiar la bañera por un plato de ducha y darle una nueva imagen al baño; reformas integrales para bajar la vivienda a la primera planta, un espacio reservado tradicionalmente al ganado o la maquinaria. No tenemos un cliente marcado porque también trabajamos para comercios que nos piden branding o un diseño de identidad de marca”.

Tras doce años echan la vista atrás y reconocen que “ahora todo es mucho más fácil. Al principio no trabajábamos tanto online o digitalmente como ahora. Había recelo por ambas parte, la clientela y nosotros”. Ahora es lo más habitual y las reuniones telemáticas les permite trabajar en Sevilla o Canarias. Y aunque es un proceso lento, Del Campo es optimista porque asegura que los pueblos están reviviendo. “Otros negocios como el nuestro están abriendo en el medio rural y a la vez están surgiendo más bares, ultramarinos... hay mucha gente creativa que está eligiendo el medio rural”. Y ellos continúan avanzando y buscando nuevas posibilidades de negocio porque han comenzado a comprar y rehabilitar vivienda en el medio rural. La suya fue la primera.

“La vivienda también es un problema en el medio rural. Hay gente que quiere venir, pero no encuentra vivienda o la que encuentra está en muy malas condiciones”. En estos momentos están ultimando la rehabilitación de una en Badarán. “Todos nos decían que era muy pequeña y que no servía para nada”. Tampoco esta vez hicieron caso y han conseguido darle una segunda vida a una casa en ruinas que ahora tiene “un aire más mediterráneo”. A esta de Badarán le seguirán otras. “Ya estamos mirando más viviendas para poder comprar, rehabilitarlas y ponerlas a la venta o en alquiler. En los pueblos que se construye se está edificando en las afueras y nos estamos dejando morir el centro”. Y Lorena y Javier se resisten.

La Proyectual comenzó con una pregunta, ¿te ves aquí envejeciendo? Su continuidad en el medio rural lo garantiza otra: ¿cambiarías el pueblo por la ciudad? Un no rotundo ha sido su respuesta. “Después de la experiencia vivida en Badarán y ahora en Baños de Río Tobía valoramos otras cosas, así que no, de momento no, un no rotundo además”.

Transformar una vivienda, especialmente si es de dimensiones reducidas, no siempre requiere de grandes obras o demoliciones. A veces, pequeños ajustes estratégicos pueden cambiar la forma en la que se vive y se percibe el espacio.

La arquitecta Anneke Dijkstra comparte con elDiario.es cinco claves para renovar el espacio a través del diseño de interiores sin entrar en procesos de reformas, aunque defiende que con solo mejorar las dos primeras, “el espacio ya cambia por completo”.

La distribución del mobiliario

Antes de lanzarse a la compra de un nuevo mueble, la experta recomienda analizar cómo están colocados los que ya forman parte de la casa. Dijkstra apunta que es importante “estudiar los recorridos cotidianos y liberar las zonas de paso” para que el espacio pueda funcionar mejor.

Cuidar la iluminación

“Junto con la distribución, la luz es probablemente lo que más transforma un espacio”, establece la arquitecta, que recomienda aprovechar al máximo la luz natural y combinarla con luz artificial estratégica. “Añadir puntos de luz cálida o luz indirecta en puntos clave elimina sombras y hace que el piso se perciba más grande y acogedor”, asegura, e insiste en evitar depender de una única lámpara de techo “porque realmente marca la diferencia”.

“Los espejos también pueden ayudar mucho porque multiplican la luz y aportan sensación de profundidad, sobre todo en viviendas pequeñas”, explica Dijkstra. “Eso sí, es importante colocarlos bien y pensar qué van a reflejar, porque si reflejan zonas muy cargadas el efecto puede ser justo el contrario”, matiza.

Reducir el ruido visual

Un espacio despejado se traduce en una mente más tranquila y una casa más ordenada; para lograrlo, es vital simplificar lo que queda a la vista. “Funciona muy bien combinar muebles cerrados con soluciones de organización, como cajas o cestas, para que no todo quede a la vista”, explica la experta. En la misma línea, recomienda aprovechar los espacios de almacenaje “ocultos”, como el canapé de la cama, para mantener las superficies visibles más despejadas.

Muebles proporcionados

Un error común que Dijkstra encuentra a menudo entre sus clientes: “Tienden a elegir piezas demasiado grandes que luego no funcionan bien en el conjunto”. Las piezas demasiado voluminosas saturan las habitaciones, por eso, la experta sugiere que “en pisos pequeños suele funcionar mejor aprovechar las paredes, por ejemplo con muebles suspendidos, que ayudan a liberar visualmente el suelo”. Es fundamental que el tamaño de los muebles sea coherente con la escala de la estancia.

Mantener una continuidad 

Para que una casa se perciba conectada y amplia, la arquitecta sostiene que la coherencia cromática es esencial. “Los tonos claros suelen aportar más luminosidad y sensación de amplitud, pero también soy partidaria de añadir el toque personal de cada casa, evitando que el resultado sea una vivienda demasiado impersonal”, opina. 

“Los blancos cálidos, beige, arena o grises muy suaves suelen funcionar muy bien, sobre todo en pisos pequeños, porque aportan continuidad visual sin cansar”, señala la experta, que también destaca que “este 2026 nos vamos alejando un poco de las casas totalmente monocromáticas en blanco o beige, y vuelven estilos más expresivos, con más color”.

El UCLM Racing Team, el equipo oficial de Formula Student de la Universidad de Castilla-La Mancha, ha anunciado su ambicioso calendario competitivo para la temporada 2026. Tras el exitoso regreso a los circuitos el año pasado, la escudería universitaria se prepara para marcar un nuevo hito: por primera vez en su historia, el equipo participará en más de una competición internacional dentro de la misma temporada, llevando su monoplaza a dos de las citas más exigentes del calendario europeo: la Formula Student Portugal y la Formula Student Spain.

Ese equipo se dedica a diseñar, fabricar y competir con un monoplaza en la Formula Student, la competición universitaria más importante del mundo. Con una primera etapa de actividad entre 2013 y 2015, el equipo renació en 2025 para consolidarse como un proyecto transversal que actualmente agrupa a unos 70 estudiantes de diversos campus de la UCLM.

El primer gran desafío del equipo tendrá lugar este verano en el país vecino. Del 19 al 24 de julio, la escudería se desplazará hasta la localidad de Castelo Branco para disputar la FS Portugal 2026. Según la organización, esta cita representa una “excelente oportunidad” para poner a prueba las innovaciones técnicas desarrolladas durante el invierno frente a equipos de todo el mundo, en un entorno de “alta exigencia ingenieril y deportiva”.

Posteriormente, el equipo pondrá rumbo a Catalunya para competir en la Formula Student Spain 2026, que se celebrará en el emblemático Circuit de Barcelona-Catalunya (Montmeló). Esta competición tiene un significado muy especial para el UCLM Racing Team, ya que supone volver al asfalto donde, en 2025, lograron materializar su esperado regreso.

Tras una primera etapa histórica de actividad entre 2013 y 2015, el proyecto inició el año pasado su segunda era competitiva. Para hacer frente a este exigente doble calendario internacional, la estructura del equipo se ha reforzado de manera notable: en tan solo un año, el proyecto ha pasado de los 15 miembros de la pasada campaña a contar con cerca de 70 integrantes en la actualidad.

Este crecimiento ha sido impulsado por la “valiosa incorporación” de estudiantes de los campus de Toledo y Albacete, consolidando a la escudería como un proyecto verdaderamente regional dentro de la universidad.

“Con más fuerza y recursos”

“Afrontamos esta temporada con más fuerza y recursos. El esfuerzo por retomar el equipo el año pasado en Montmeló nos enseñó muchísimo, y ahora queremos demostrar nuestra evolución. Afrontar por primera vez dos competiciones en un mismo año, debutando en Portugal y volviendo a la Formula Student Spain, es un reto mayúsculo. Contar además con una plantilla más amplia y con el talento de diferentes campus nos permite dar el salto técnico necesario para lograrlo”, destaca Antonio Fernández, Team Leader del UCLM Racing Team.

Durante los próximos meses, los estudiantes continuarán trabajando intensamente en las fases de diseño, fabricación y testeo de su monoplaza, aplicando los conocimientos adquiridos en las aulas para optimizar el rendimiento, la fiabilidad y la eficiencia del vehículo.

El UCLM Racing Team ha agradecido el apoyo incondicional de la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Industrial de Ciudad Real y a la Universidad de Castilla-La Mancha, así como de todos los patrocinadores, colaboradores y familias que hacen posible que este proyecto de ingeniería y motor siga consolidándose.

Bolsos. Carteras. Camisetas. Llaveros. Joyas. Posavasos. Cada vez es más fácil y más frecuente encontrar en Barcelona un objeto que lleve impreso el icónico adoquín de muchas de las calles de la capital catalana, todo un símbolo que además alberga múltiples historias. El mencionado adoquín o panot, una loseta diseñada mediante un concurso público, ya ha dado la vuelta al mundo gracias a su cada vez mayor notoriedad. Su origen histórico, eso sí, está ligado a la necesidad de dotar a la ciudad de una superficie transitable y funcional en una época de gran expansión. A principios del siglo veinte, las calles de Barcelona se encontraban en una situación caótica y sufrían graves problemas de barro. Debido a la suciedad acumulada en sus aceras, la ciudad recibió el apodo despectivo de Can Fanga, que se puede traducir como casa del fango. La falta de pavimentación adecuada era un problema constante para los habitantes de la zona del Eixample de la capital catalana, donde el crecimiento urbano superaba la capacidad de mantenimiento de las vías públicas.

Antes de que se estableciera una solución uniforme, el coste del pavimento de las aceras recaía directamente en los bolsillos de los propios ciudadanos. Esta situación generaba una gran confusión sobre qué parte de la acera debía pagar cada vecino y qué materiales específicos debían utilizarse. Aunque los planes originales proyectaban el uso de materiales costosos como la piedra natural de Montjuïc, la falta de criterios claros convertía las calles del Eixample en auténticos barrizales. Para solucionar esta mala imagen de la ciudad, el ayuntamiento lanzó en 1906 el primer concurso público para proveerse de losetas de cemento hidráulico. El objetivo principal de las autoridades era encontrar una baldosa que pudiera producirse localmente, a bajo coste y que permitiera homogeneizar las aceras de la nueva ciudad sin murallas. 

Por aquel entonces, la industria catalana ya era una gran productora de este material para interiores, por lo que adaptarlo para el exterior fue un paso natural para los fabricantes. El concurso municipal presentó inicialmente un muestrario de dieciocho diseños diferentes, aunque finalmente se limitó la compra a solo cinco modelos en el año 1907. Estos diseños definitivos incluían el famoso panot con forma de flor, la pieza más reconocida y vendida actualmente, aunque otros de los otros modelos originales todavía pueden observarse en diversas zonas de la ciudad, como ocurre en la calle Aribau. Existe una creencia popular muy extendida que atribuye el diseño del panot de flor al arquitecto modernista Josep Puig i Cadafalch. Durante muchos años se pensó que era la misma loseta que decora la entrada de la Casa Amatller en el paseo de Gràcia. 

No obstante, otras investigaciones aclaran que, aunque se parecen, el material y el diseño del vestíbulo de dicha casa son diferentes, ya que fueron cincelados individualmente en grandes bloques de piedra. La autoría real del panot se vincula más estrechamente con la compañía Casa Escofet, que ganó el concurso y se consolidó como una pieza clave en la construcción de la ciudad. De hecho, la primera acera de panots documentada en Barcelona se instaló frente a la tienda de esta prestigiosa empresa antes del año 1894. Con el tiempo, esta firma industrial se convirtió en un símbolo de la modernización urbana barcelonesa que llega hasta la actualidad. También hay expertos que insisten en que es necesario realizar una distinción técnica sobre la naturaleza de esta pieza, ya que aseguran que formalmente no es un adoquín sino una baldosa.

En cualquier caso, el impacto del diseño de la flor barcelonesa cruzó fronteras y sirvió de inspiración directa para otros pavimentos emblemáticos como la baldosa de Bilbao. Aunque presentan un aspecto muy similar, la versión utilizada en Euskadi incorporó modificaciones para adaptarse mejor al clima lluvioso de su región. Esta influencia internacional demuestra cómo una solución funcional para el barro de Barcelona terminó convirtiéndose en un estándar estético de referencia mundial. Una figura que hoy por hoy está viajando a decenas de países, ya que son muchos los turistas que viajan y visitan la ciudad y se llevan de recuerdo algún objeto con el diseño del panot. De hecho las tiendas de souvenirs de la zona más turística de la ciudad, además de los quioscos que aún resisten el paso del tiempo, están poblados de dichos objetos, que pueden localizarse muy fácilmente.

Otros pavimentos

Además del panot de flor, Barcelona cuenta con otros pavimentos singulares como el diseño hexagonal de Gaudí que reviste el paseo de Gràcia. También se han realizado intentos de innovación más recientes, como la baldosa con la letra B ensayada en 2008 o el diseño con hojas de plátano instalado en la Diagonal en 2015. A pesar de la aparición de nuevos modelos y materiales, la flor sigue siendo la figura más simbólica del suelo barcelonés. Otros elementos artísticos que igualmente decoran el suelo de la ciudad son el archifotografiado mosaico de Joan Miró en el Pla de l’Ós de la Rambla o el collage del Mirador del Alcalde. También destaca la historia de la calçada portuguesa, que tuvo una prueba piloto en el actual paseo Lluís Companys a finales del siglo diecinueve. 

Aunque estos mosaicos no sobrevivieron a las remodelaciones urbanas posteriores, forman parte de la rica y variada historia del pavimento local. Pero lo que cada vez es más cierto es que en la actualidad el panot de flor no solo cumple una función práctica, sino que es un icono global y un recuerdo muy demandado por los millones de turistas que visitan la ciudad cada año. Esta pieza se puede encontrar transformada en llaveros, sudaderas y otros recuerdos que viajan por todo el mundo. En definitiva, el pavimento de la antigua Can Fanga, aunque ya no tenga barro, sigue siendo un diseño vivo que denota innovación e identidad histórica de una ciudad que siempre buscó soluciones prácticas mientras crecía, como su universal “chaflán” que permite hoy en día caminar, circular o aparcar de una manera tan original como el propio e icónico adoquín.

El damasquinado, la artesanía milenaria de la capital toledana, regresará como formación a la Escuela de Arte de Toledo después de varias décadas a partir de enero de 2026.

Desde la Fundación Damasquinado de Toledo señalan que con la introducción de la estampación mecánica en la década de 1970, se cerraron la mayoría de los talleres de damasquinado de la ciudad. “Muchos artesanos se quedaron entonces sin empleo, o tuvieron que cambiar de oficio, desapareciendo también el sistema tradicional de aprendizaje en los talleres”, explican.

Además, señalan que en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos, en la que “se formaron numerosos damasquinadores de renombre durante la primera mitad del siglo XX, incluidas muchas mujeres, llevaba décadas sin impartir esta enseñanza”. Apuntan que en sus inicios, esa formación incluía la asignatura de “metalistería, con contenidos relacionados con el cincelado, grabado, rejería, orfebrería y damasquinado”.

Para la Fundación de Damasquinado de Toledo la ausencia de esta formación reglada significaba que “el oficio parecía abocado a la desaparición”, pero a partir del mes de enero, las Consejerías de Economía y Educación van a poner en marcha “diversos módulos de formación profesional dirigidos a personas desempleadas o interesadas en mejorar su cualificación, impartidos por maestros damasquinadores”.

Desde la fundación aseguran que esta iniciativa responde “al impulso del presidente de Castilla-La Mancha, quien tras visitar la exposición 'El fascinante arte del damasquinado: entre Éibar y Toledo', entre abril y julio de 2025, tomó conciencia de la urgencia de garantizar una formación que asegure la continuidad del oficio”.

La cuestión de convertirlo en Bien de Interés Cultural (BIC)

La reivindicación de que el damasquinado se convierta en BIC tiene ya largo recorrido. La Fundación Damasquinado de Toledo lleva años reclamando su protección y también subvenciones para que los pocos maestros que quedan puedan formar especialistas artesanos.

“Hoy, el damasquinado artesanal sigue seriamente amenazado por las imitaciones mecánicas, aunque un reducido grupo de maestros continúa resistiendo. Por ello, es imprescindible una protección administrativa que preserve la autenticidad de estas singulares piezas”, explican desde la fundación.

En enero de 2023 solicitaron la declaración del damasquinado artesanal como Bien de Interés Cultural. Aseguran que el expediente “fue incoado el 16 de abril de 2025, y la normativa establece que, si en el plazo de un año no se resuelve, la solicitud caduca”. Esto significa que, si el 16 de enero de 2026 no se ha reconocido al damasquinado artesanal como BIC, “habría que reiniciar todo el procedimiento, algo especialmente difícil de justificar ahora que la Junta va a poner en marcha una formación reglada en esta disciplina”

Por ello, hacen un llamamiento al presidente García-Page, “cuyo compromiso con este patrimonio cultural ha quedado acreditado, para que dé el impulso final a la declaración del damasquinado artesanal como Bien de Interés Cultural”.

Un tarot que esconde en cada carta historias de arraigo, de misticismo, remedios caseros o refranes del pueblo o de las familias, leyendas que han pasado de generación en generación. Una premisa que la artista riojana Paula Oestreicher Pérez hizo realidad con su TFG y que encendió la llama para convertirse en la baraja de naipes que ASESCOIN (Asociación española de coleccionismo e investigación del naipe) ha editado como baraja del año, 'Quimera'.

Cuando a Paula le tocó el momento de pensar una idea para el TFG del doble grado de Técnicas de Estampación y Grabado y de encuadernación, había empezado a interesarse por el mundo del tarot. “Mi abuelo falleció y entre sus pertenencias apareció una baraja del tarot y pensé que era una señal”. Así que se decidió a diseñar y producir su propia reinterpretación de la baraja del tarot, con una mirada fija a las raíces y al entorno rural.

“El Tarot del Pueblo”, como decidió titularlo, parte precisamente de ahí, de su pueblo, Nalda, donde inició un extenso trabajo de investigación. Paula quería que cada carta contuviera historias propias de cada hogar, cada familia y cada pueblo. “Empecé preguntando a la familia, a mis padres, a mis abuelas, también a personas del entorno y después, el círculo se fue ampliando con historias de familias de amigos de Logroño, de Barcelona y hasta de Uruguay”. Por ejemplo, la carta del Sol de tarot refleja el típico remedio de aplicarse barro si te pica una ortiga hasta que se seque u otra carta muestra que para el dolor de cabeza hay que guardarse dos castañas en el bolsillo. “Hay muchas historias personales, otra que me gusta es que a una prima mía su abuela le frotó unas verrugas que no se le iban con una manzana y la enterró sin que nadie la sacara y las verrugas se fueron según se podría la manzana”. Cuenta de una carta que ahora muestra la confianza entre dos mujeres unidas por una manzana.

Todo ello teniendo en cuenta que prevalezca los signos del tarot “para que la carta no pierda su utilidad”, apunta la creadora. No obstante, quizás lo más fácil fue elegir que historia contendría cada carta. “Es como que cada historia elegía su carta”. Y así, Paula ha disfrutado viendo como su entorno encontraba sus historias en las barajas o incluso le salía su historia cuando les leía las cartas en el bar del pueblo.

Y del tarot a la baraja española. El Tarot del Pueblo llegó por casualidad a las manos Alberto Pérez González, responsable gráfico de ASESCOIN, que le propuso enviar una propuesta de baraja para la publicación anual que edita la asociación y reparte entre sus socios. Paula Oestreicher se lanzó rápido a ello porque la idea ya estaba antes en su cabeza. “Las cartas del tarot parten de la baraja tradicional. Están los arcanos mayores, que son las figuras que había representado, y los arcanos menores, que también son números del 1 al 12. Yo ya había pensado en completar mi proyecto con esa otra parte”.

La propuesta inicial era más continuista con su baraja del tarot, pero pronto se dio cuenta de que “en el mundo del naipe son bastante estrictos”, como cuenta, y adaptó los tamaños, parámetros y colores. Después, de eso, Paula ha ido de sorpresa en sorpresa viendo como su propuesta conquistaba hasta que la junta de ASESCOIN la eligió por unanimidad entre todos los proyectos entregados. “La Quimera”, como se llama su baraja, se presentó el pasado 18 de octubre, en la asamblea anual en Estepa, Sevilla.

“Me dieron un abanico de posibilidades”, agradece la artista. Por ejemplo, el palo de bastos son plantas silvestres y se mantiene el aire fantasioso y mágico de las cartas del tarot de la que nace. “No puede mantener esas historias familiares en cada carta porque sería imposible, pero sí sigue la misma gama de colores, el estilo de ilustración y el ambiente onírico”. No obstante, también puntualiza que “el proceso ilustrativo es diferente porque son proyectos diferentes”.

Así, entre casualidades y magia, una baraja del tarot entre las pertenencias de su abuelo puso en marcha un proyecto personal que recoge entre las cartas de su propio tarot decenas de refranes y leyendas propias del entorno rural. “Para preservar que cuando algo muere, todavía tenga su sitio y no se quede en la palabra”. Este Tarot del Pueblo ha dado el salto a una baraja española que mantiene el aire onírico sin perder su funcionalidad. Una quimera que perseguía Paula Oestreicher que ya es realidad y con la que ya se puede echar la partida.

El Gobierno de La Rioja convoca cinco becas de diseño de producto para facilitar la incorporación de jóvenes graduados al mundo laboral y dotar de talento joven a las empresas riojanas. Para ello, el Gobierno de La Rioja cuenta con 100.000 euros y las personas interesadas pueden presentar la solicitud hasta el 14 de noviembre.

Estas ayudas, las becas de diseño, tienen un doble objetivo: facilitar la incorporación de jóvenes graduados al mundo laboral, donde podrán complementar la formación reglada que han recibido con una de carácter práctico; y facilitar a las empresas riojanas un recurso oportuno y eficaz, en la incorporación del diseño de producto a su estrategia empresarial.

El gerente de la ADER, Luis Pérez Echeguren, ha destacado durante la presentación de esta convocatoria, publicada este viernes en el BOR, que la agencia “está realizando un importante esfuerzo en potenciar la utilización del diseño de producto como elemento diferenciador y herramienta de competitividad empresarial, y, en este sentido, es vital que las empresas riojanas puedan contar con profesionales excelentes”. 

El diseño de producto “es crucial porque mejora la competitividad y el éxito de un producto en el mercado, influyendo en la decisión de compra del consumidor al combinar estética y funcionalidad”. Un buen diseño, ha agregado, “ayuda a crear una identidad de marca fuerte, mejora la experiencia de la persona usuaria, aumenta las ventas y puede reducir costos de fabricación”.

El Ejecutivo regional, a través de la ADER, ha destinado 100.000 euros a este programa de becas, que estará cofinanciado por el Fondo Social Europeo Plus, a través del Programa FSE + de la Comunidad Autónoma de La Rioja 2021-2027. Las solicitudes deben realizarse a través de la sede electrónica de la agencia hasta las 14:00 horas del próximo 14 de noviembre.

Podrán ser beneficiarias las personas nacidas en 1995 o posteriormente, empadronadas en La Rioja y graduadas en enseñanzas artísticas superiores de diseño o tituladas en materia de diseño de producto, ingeniería de producto o arquitectura. De acuerdo al salario mínimo en España para 2025, la dotación económica anual será de 16.575,96 euros.

La formación práctica “se desarrollará en empresas de acogida del tejido empresarial de La Rioja que pertenezcan a sectores susceptibles de incorporar el diseño como herramienta imprescindible en el desarrollo de su estrategia empresarial” y que previamente habrán sido seleccionadas por la ADER. Esta formación se centrará en el proceso de diseño industrial de los productos -definición, desarrollo, verificación y fabricación- y en el propio producto -función, uso, mercado, materiales, procesos y forma-.

Con todas las empresas que superen el proceso de selección, se formará una bolsa de empresas de acogida sobre diseño de producto, que se publicará en el BOR y en la página web de la ADER, que contendrá la relación de empresas de acogida por orden de puntuación tras la valoración total. Esta convocatoria de becas de diseño de producto, al igual que la relativa a las becas de acción exterior, publicada el pasado lunes, respaldan la apuesta de la ADER por la atracción, retención e impulso del talento en La Rioja.

El Ayuntamiento de Logroño elabora el nuevo Plan Estratégico del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028, un documento que analiza, ordena y alinea la acción pública municipal en las diferentes áreas para ofrecer un mejor servicio a la ciudadanía y optimizar los recursos públicos.

El documento, que será aprobado el miércoles 29 de octubre por la Junta de gobierno Local, ha sido presentado este lunes por la concejala del área de Pleno, Relaciones Institucionales y Participación Ciudadana, Leonor González. “Representa una hoja de ruta institucional construida desde una lógica colaborativa, que ha incorporado la visión política y técnica, así como la de agentes socioeconómicos de la ciudad, para marcar el rumbo de los diferentes proyectos municipales desde una gestión eficaz, eficiente, transversal y transparente”.

Bajo el compromiso de la mejora continua de la calidad del servicio a la ciudadanía, a través de un modelo de gestión europeo de Excelencia EFQM, el Ayuntamiento de Logroño ha contado entre los años 2010 y 2015 con un Plan Estratégico Municipal, que marcaba las líneas para que los servicios municipales respondan a las necesidades de los habitantes de la ciudad. “Por ello, el nuevo Plan Estratégico Municipal del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028 supone dar continuidad a esta labor y alinear la acción pública municipal con la visión de la ciudadanía para mejorar su calidad de vida”, ha añadido la concejala Leonor González.

Seis objetivos principales vinculados a diez líneas de actuación

El nuevo plan traduce la misión y visión del Ayuntamiento en una hoja de ruta concreta, compuesta por seis objetivos estratégicos: la colaboración, el trabajo en equipo y el intercambio de información y conocimiento entre las unidades municipales; el equilibrio presupuestario; la planificación orientada a resultados; la realización de procedimientos de gestión eficaces y eficientes; el desarrollo de la Administración electrónica y las tecnologías avanzadas; y el desarrollo profesional, la mejora continua y la evaluación del desempeño.

Estos objetivos estarán vinculados a diez líneas de actuación que marcarán el rumbo del cambio organizativo, como son la creación de una oficina de proyectos; una oficina de presupuestos; un plan de mejora de la gestión del patrimonio y las infraestructuras municipales; la ordenación de la planificación estratégica; la evaluación y el seguimiento de las políticas públicas; la adaptación de procedimientos a la Administración electrónica; la implantación de dicha Administración digital; un modelo de gobernanza del dato; un plan de formación, reconocimiento, motivación y desarrollo personas; y un programa de formación y coaching directivo.

“Tanto los objetivos como las líneas de actuación mencionadas ya se están desarrollando a través de diferentes proyectos de las unicidades municipales como, por ejemplo, la implantación de la Administración electrónica, en una fase avanzada; el Proyecto EDINT sobre dato abierto; o el refuerzo del programa formativo de los empleados públicos municipales, entre otras iniciativas”, ha destacado la concejala de del área de Pleno, Relaciones Institucionales y Participación Ciudadana.

Cada una de las acciones desarrolladas dentro del Plan Estratégico Municipal del Ayuntamiento de Logroño 2025-2028 contará con unos objetivos concretos, unas tareas vinculadas, unos indicadores específicos y un presupuesto, que contemplará tanto el trabajo interno como el posible apoyo externo.

En definitiva, este documento actuará como un marco común para orientar recursos y capacidades hacia una transformación realista y coherente, centrada en resultados y orientada a fortalecer el servicio público.

La primera piedra se colocó en 1914, en 1925 finalizó la construcción de Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño. El edificio que alberga la Escuela Superior de Diseño de La Rioja cumple cien años, un aniversario que se ha celebrado con un acto conmemorativo con la presencia del presidente de La Rioja, Gonzalo Capellán, quien ha animado a la ESDIR a seguir siendo “un espacio singular que permita proyectar arte bello para mejorar a las personas y a nuestro mundo”. Además ha asegurado que “este magnífico espacio, sus profesores, su personal, sus estudiantes, la luz y la belleza del entorno tienen que seguir siendo un espacio especial, un espacio singular y un espacio de creatividad que permita seguir proyectando a su entorno, a la sociedad y al mundo belleza y arte bello, para mejorar a las personas y a nuestro mundo”.

Capellán, junto con los consejeros de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud, José Luis Pastor; de Educación y Empleo, Alberto Galiana; y la directora del centro, Mónica Yoldi, ha participado este martes en el acto conmemorativo organizado para celebrar el primer centenario de la sede de la ESDIR, cuya construcción finalizó en 1925 como Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño. Además de la conferencia a cargo de los docentes Javier de Blas, Inmaculada Cerrillo y Javier Dulín, se ha realizado una visita al centro y a la exposición que conmemora esta efeméride.

Durante su intervención, Capellán ha felicitado a todos los docentes de la ESDIR por su “trabajo y constancia” que han hecho de esta escuela, “ubicada en Logroño hace cien años, que sea hoy un referente de la formación en diseño a nivel nacional e internacional”. También se ha referido a los casi 500 alumnos que “tienen la fortuna y la suerte de estar en esta magnífica escuela”, no solo por la formación que reciben, sino por “ser también parte de este proyecto y alimentarlo”, así como a todo el personal que forma parte del centro, “desde administración hasta servicios, que a veces se nos olvida, pero que su trabajo es fundamental para que todo funcione y para que el día a día de esta escuela siga su curso”.

Respecto a la construcción del actual edificio de la ESDIR, el presidente del Ejecutivo riojano ha recordado la figura clave del británico John Ruskin, precursor del movimiento Arts and Crafts y se ha remontado a “ese momento en el que las Escuelas de Artes y Oficios empiezan a funcionar en Europa, con origen en el Reino Unido para extenderse después por otros países hasta llegar a España y a Logroño”. Para la creación de estos centros, ha recordado, “fue fundamental el Decreto del año 1886 que impulsó el primer gobierno de Sagasta”, por lo que “hoy también tenemos que rendir tributo a este ilustre riojano, un ingeniero de caminos, canales y puertos, que permitió a través de ese Decreto, que, junto con la escuela central de Madrid, se creasen otras siete escuelas en todo el país y una de ellas es esta de Logroño”. 

Acogió la Exposición Regional de 1925 que clausuró Alfonso XIII

Para conmemorar los cien años de historia de este edificio, la ESDIR ha organizado una serie de actos conmemorativos, como la exposición CIEN, que puede visitarse en la misma escuela hasta el próximo 2 de noviembre y que realiza un recorrido por la historia de este inmueble, desde que se proyecta hasta la actualidad, a través de documentos y material fotográfico y audiovisual inéditos, que comprenden una investigación exhaustiva de los usos del centro. 

La actual Escuela Superior de Diseño de La Rioja nació como una Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios, donde a lo largo de los últimos cien años, se han ubicado distintas enseñanzas acordes a los planes de estudios de cada época. 

Para la construcción de la Escuela de Artes Industriales y Artes y Oficios de Logroño, en marzo de 1912, el Ministerio de Instrucción Pública convoca el concurso de proyectos, en el que se recoge que el Ayuntamiento de Logroño ha cedido los terrenos y se cuantifica en 800.000 pesetas el presupuesto de contrata, comprendiendo el coste de la construcción, la decoración y las obras específicas.

En el año 1913 se resuelve el concurso y se aprueba el proyecto presentado por los arquitectos Luis Mosteiro Canas (Madrid 1882-1954) y Antonio Rubio Marín (Granada 1884-Madrid 1980), con un presupuesto de 778.048,09 pesetas. La contrata de su construcción recae en Constantino Bergasa y su tío Pedro Bergasa, pertenecientes a una saga de constructores que levantaron distintos edificios en la ciudad, como el colegio de la Enseñanza o el Instituto Sagasta, entre otros.

La primera piedra del edificio se puso el 21 de septiembre de 1914 en un acto que contó con la presencia de Amós Salvador Rodrigáñez, ingeniero y político logroñés que a lo largo del primer cuarto de siglo XX ocupó varias carteras ministeriales, entre ellas la de Instrucción Pública y Bellas Artes. La construcción se demoró más de diez años, ya que hubo problemas de cimentación y además se tuvieron que sustituir materiales, buscando aquellos más apropiados para la construcción. Una vez finalizado, en 1925, el Ayuntamiento de Logroño solicita al Ministerio su ocupación para la Exposición Regional que se iba a abrir en septiembre de 1925 y a cuya clausura asiste el 14 de octubre de 1925, el Rey Alfonso XIII. 

Una vez finalizada la Exposición Regional, de nuevo los arquitectos Antonio Rubio y Luis Mosteiro, tienen que intervenir en el edificio para adecuar los espacios a las distintas enseñanzas, de manera que las Artes Industriales ocupan la planta baja y las Artes y Oficios el primer piso. 

A lo largo de casi sesenta años han convivido las enseñanzas de Artes Industriales con las de Artes y Oficios. A partir de los años ochenta del siglo pasado, las Artes Industriales estrenan una nueva sede y la Escuela de Artes y Oficios fue recuperando poco a poco todo el espacio, llevando a cabo dos grandes reformas, el Salón de Actos y la Biblioteca. 

Casi 500 alumnos en Grados Superiores y Másteres 

En la actualidad, el edificio acoge a casi 500 alumnos y 60 docentes de los estudios superiores de Grado en Diseño, con las especialidades de Diseño Gráfico, Diseño de Moda, Diseño de Interiores y Diseño de Producto. Desde hace casi una década, la escuela imparte tres Másteres oficiales: en Packaging para Industria Alimentaria y Vitivinícola, en Diseño e Innovación de Calzado y Espacios Comerciales y Expositivos para la Moda. 

Un amplio abanico de estudios que ha sabido recoger el espíritu con el que se creó el centro, unir la ciencia, el arte y la artesanía y dotar a los jóvenes de las herramientas propicias al espíritu innovador y creativo. 

El estudio Perspectiva Moma, con sede en Logroño, ha sido galardonado por el Colegio de Diseñadores de Interior de la Comunidad Valenciana (CDICV) con el Premio Nacional de Diseño de Interior en la categoría de oficinas, gracias a su proyecto “Oficinas Celebona”. 

Esta propuesta ha sido elegida entre decenas de candidaturas nacionales, destacando por “su enfoque funcional, estético y humano en la creación de espacios de trabajo”. El proyecto galardonado, desarrollado para la empresa “Celebona 1960”, combina diseño contemporáneo, sostenibilidad y bienestar laboral, lo que ha captado la atención del jurado “por su sensibilidad y coherencia en la ejecución”.

Este reconocimiento supone un importante espaldarazo para este estudio logroñés, que con este premio consolida su trayectoria y empieza a hacerse un hueco en el panorama del diseño de interiores a nivel nacional. Perspectiva Moma es un estudio de interiorismo con sede en Logroño, fundado por Mónica Comunión y María Jadraque, diseñadoras de interiores y arquitectas técnicas.

Un espacio singular en un edificio histórico de Logroño

Ubicada en un edificio catalogado de 1935, en la esquina de las calles Bretón de los Herreros y San Agustín, la intervención reinterpreta la arquitectura original desde una mirada contemporánea, respetuosa con el patrimonio. El proyecto incluye también un jardín privado de 40 m² que refuerza la conexión entre interior y exterior.

La propuesta de Perspectiva Moma se articula en torno a tres “pieles” que ordenan y jerarquizan el espacio: la piel exterior restaurada, que pone en valor elementos como la piedra original de fachada; una piel intermedia en forma de mueble-celosía de roble que permite filtrar la luz y la visibilidad; y una piel interior que oculta funciones de servicio mediante panelado continuo de madera. La distribución organiza los espacios de trabajo en torno a un recorrido longitudinal que aprovecha la luz natural y la geometría trapezoidal del inmueble.

Uno de los elementos más singulares del proyecto es la reinterpretación de los forjados originales de madera en abanico, inspiración directa para los techos de lamas negras que refuerzan la identidad del conjunto. La iluminación, cuidadosamente diseñada, genera atmósferas diferenciadas según el uso de cada área.

“Queríamos que el espacio hablara de la marca, pero también de la historia del lugar. Es un proyecto que respira memoria y futuro al mismo tiempo”, explican desde Perspectiva Moma.

La nueva sede de Celebona 1960 se convierte así en un ejemplo de cómo el diseño puede activar el valor de la arquitectura histórica y dotarla de un nuevo sentido contemporáneo, manteniendo un equilibrio entre funcionalidad, estética y narrativa. 

El icónico diseñador italiano Giorgio Armani, fallecido el pasado 4 de septiembre a los 91 años, ha sorprendido este viernes al mundo al trascender que, en su testamento, impuso a sus herederos la venta gradual de su firma o, como alternativa, su salida a Bolsa en los próximos años, tras medio siglo de independencia empresarial.

Armani, considerado uno de los últimos grandes diseñadores-empresarios del lujo europeo, dispuso que, un año después de la apertura del testamento, el pasado martes, se venda el 15% del capital del grupo Giorgio Armani S.p.A., la mayor compañía privada de lujo en el mundo, a un gran conglomerado del sector de la moda y el lujo, en un plazo máximo de 18 meses, tal y como recoge EFE.

En un giro dramático de los acontecimientos, Armani también impuso en su testamento manuscrito que dicha participación se ofrezca de forma prioritaria a los gigantes LVMH, EssilorLuxottica o L'Oréal, que podrían llegar a hacerse con el control mayoritario.

El diseñador dejó por escrito que, en un plazo de entre 3 y 5 años, se deberá ceder al mismo comprador una participación adicional de entre el 30% y el 54,9% del capital de la empresa.

Como alternativa, el testamento contempla la salida a Bolsa de la firma, en un máximo de ocho años, con una reducción del control por parte de la fundación que tutela el legado del diseñador, aunque nunca inferior al 30,1%.

Se trata de una decisión inesperada en la historia del grupo, fundado en 1975 y conocido hasta ahora por su independencia frente a los grandes conglomerados que dominan el sector. El grupo incluye enseñas como Emporio Armani, Armani Exchange, Armani Privé, además de hoteles, restaurantes y una lucrativa línea de belleza.

L´Oreal y Armani han tenido un acuerdo de licenciamiento desde 1988 para la venta de productos como el popular perfume Acqua di Giò. El gigante de la óptica EssilorLuxottica produce y distribuye la línea de gafas de Armani.

Años de resistencia

Durante décadas, Giorgio Armani fue uno de los pocos diseñadores que logró mantener el control total de su empresa, resistiéndose a venderla o a cotizar en bolsa, a diferencia de la mayoría de las casas históricas italianas y francesas. En una entrevista en Financial Times en 2023, el diseñador aseguró que estaba determinado a evitar “ser dominado por una de esas mega estructuras sin personalidad”, en alusión a una posible oferta del gigante L´Oreal.

Pero también añadió que era consciente de que la compañía estaba totalmente identificada con su figura y era su responsabilidad asegurarse de que “tuviera una huella que se asemejara a il signor Armani”, pero las cosas cambiarían inevitablemente tras su muerte.

Conocido por su perfeccionismo y su deseo de supervisar cada aspecto del negocio, Armani dejó escritos de su puño y letra dos testamentos: uno fechado el 15 de marzo de 2025 y otro, pocos días después, lo que sugiere que este último fue una ampliación del primero.

Las primeras reacciones a los últimos deseos del diseñador ya se han hecho públicas, destacando la afirmación del portavoz de EssilorLuxottica, quien señaló que el grupo evaluará “con atención” la propuesta y manifestó que están “orgullosos de la confianza que el señor Armani ha querido depositar” en su grupo y en su dirección.

Sin herederos forzosos, al no haber tenido hijos, el diseñador dispuso con plena libertad de un patrimonio estimado en 12.000 millones de euros, que incluye obras de arte, propiedades, yates, una participación en el grupo óptico EssilorLuxottica y en el club de baloncesto Olimpia Milano, además del 99,9% de las acciones de su empresa.

Armani había dado señales de estar preparando cuidadosamente la sucesión en los últimos años, mediante la creación de la Fundación Giorgio Armani, encargada de preservar su legado y, en teoría, asegurar la independencia de la firma.

Sin embargo, el contenido del testamento revela que dicha Fundación fue ideada como instrumento clave para una transición estructurada hacia una nueva configuración societaria, o bien a través de una venta gradual o de una salida a bolsa.

La Fundación Armani recibe el 100% de las acciones de la empresa: obtiene el derecho de plena propiedad sobre el 9,9% (equivalente al 30% de los derechos de voto) y el derecho de nuda propiedad sobre el 90% restante de las acciones, mientras que el resto de los derechos de voto se divide entre Pantaleo Dell'Orco, compañero y mano derecha de Armani, y sus dos sobrinos.

Giorgio Armani dejó el 75% de la sociedad L'Immobiliare Srl, que posee inmuebles en Saint Tropez, Antigua, Broni y Pantelleria, a su hermana y a sus sobrinos, mientras que el usufructo de estas propiedades será para Pantaleo Dell'Orco, que también podría seguir disfrutando del edificio de Milán donde vivían.

El damasquinado artesanal toledano está en vías de extinción. En las calles del Casco Histórico de la capital de Castilla-La Mancha abundan los escaparates diseñados para atraer las miradas del visitante y el característico y brillante dorado de llamativas y bellas piezas, no siempre es lo que parece.

La industrialización se ha abierto paso para colmar la demanda de un turismo creciente en Toledo y el espacio para lo artesano es cada vez más pequeño. Durante todo el verano una exposición en la céntrica Mezquita de Tornerías ‘El fascinante arte del damasquinado: entre Éibar y Toledo’ ha servido para mostrar y reivindicar una técnica artesana milenaria.

Nunca antes se había realizado una muestra conjunta de piezas de las dos ciudades conocidas por ser el máximo exponente de este tipo de arte en nuestro país que tiene origen en Damasco, la capital siria, aunque también se encuentra en piezas del arte egipcio o micénico. Una vez concluida la exposición, todas estas joyas artesanas regresan a manos de sus propietarios. En la ciudad del damasquinado no hay ningún museo dedicado a sus maestros artesanos.

Ellos (y ellas) decoran el metal en una labor paciente y minuciosa, incrustando finos hilos y láminas de oro o plata, con cincel, martillo y otras herramientas. Un delicioso trabajo que se está perdiendo. La tecnología avanza.

En enero de este año 2025 el Gobierno de Castilla-La Mancha inició el expediente para la declaración como Bien de Interés Cultural (BIC), con categoría de Bien Inmaterial, del damasquinado de Toledo. Quieren “adoptar las medidas oportunas para promover, difundir y salvaguardar una industria artesanal muy identitaria de la capital regional”, pero desde entonces no hay noticias.

La reivindicación tiene ya largo recorrido. La Fundación Damasquinado de Toledo lleva años reclamando su protección y también subvenciones para que los pocos maestros que quedan puedan formar especialistas artesanos.

El historiador y articulista de elDiario.es Castilla-La Mancha Francisco García Martín, Epicaris, tristemente fallecido el pasado mes de agosto, recordaba en febrero de 2024 la necesidad de tomar medidas para lograr la pervivencia de un arte “tan toledano como el mazapán, la liturgia mozárabe o la fiesta del Corpus”. Ya alertaba entonces de que los artesanos se cuentan hoy “con los dedos de las manos” y no hay aprendices.

Marcos Esteban tiene 26 años y es el damasquinador más joven de la ciudad. “Soy la cuarta generación de mi familia y desde pequeñito siempre me ha interesado. Mi padre lleva trabajando en su tienda -ubicada entre callejuelas cerca de la plaza de Zocodover- 25 años y junto a mi madre, han sido mis referentes”.

El joven, con un estilo renacentista en sus piezas, empezó en la profesión con tan solo 17 años y en estos años ha sentido el “poco” valor que se da al damasquinado artesanal.

Este detalle también lo aprecia Raquel de la Torre, una de las mujeres damasquinadoras que destaca en la ciudad. “Noto que este oficio se extingue cada día. Pero lo más duro es ver cómo lo dejan morir desde dentro”. Aprendió el oficio de la mano de su padre hace casi diez años y hoy ya cuenta con reconocimientos que realzan su arte.

El pasado julio se vivió una polémica cuando la marca italiana, Max Mara, presentó en el Parador de Turismo de Toledo de la mano de la Junta de Castilla-La Mancha y el Ayuntamiento de la ciudad el bolso 'Pasticcino'. El objeto, que presentaba un cierre en forma de dos bolas metálicas se catalogó como si fuese artesano pero lo cierto es que, se trataba de un trabajo “de fabricación industrial”.

“Aquello fue horrible, todos nos desplomamos por dentro. Fue una indignación global la que generó aquel acto”, revive Raquel de la Torre.

“Me pareció lamentable”, continua Marcos Esteban. “Lo único que se consiguió, en vez de apoyar al artesano, fue hundirle un poco más. No sé si por falta de información o por qué, pero es un poco patético salir diciendo que se apoya la artesanía cuando está hecho a máquina. Este tipo de actos no nos representa”, sentencia el joven.

La Fundación Damasquinado de Toledo aduce que no se trata de ir contra nadie, que el damasquinado artesano y el industrial pueden ir de la mano para promocionar y conservar el legado del oficio, pero dejando claras las diferencias. “Hay mercado para todos”, sostiene esta entidad.

¿Por qué no pensar incluso en la declaración por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad?, ha señalado en varias ocasiones uno de los miembros del Patronato de la Fundación Damasquinado de Toledo, hijo del prestigioso artesano ya fallecido Luis Vicente Peñalver, con quien charlamos durante una visita a la exposición en Tornerías.

“Se dice incluso que a los toledanos se nos llama 'bolos' precisamente por los bolos de acero que se suministraba a la ciudad desde Mondragón y que se usaban para la fabricación de espadas”, cuenta el Luis Peñalver, comisario de esta exposición, entre decenas de anécdotas de las piezas expuestas, como las armas de fuego o las espadas primorosamente decoradas.

Creo que a mis clientes de China, que conocen perfectamente la diferencia, no les gustaría recibir en su país una campaña promocional engañosa bajo ningún concepto

Raquel de la Torre — Damasquinadora toledana

El alcalde de Toledo Carlos Velázquez acaba de viajar a China con la intención de “atraer turismo de calidad”  y “consolidar la imagen de Toledo, destacando su artesanía, el damasquinado y la espadería”, según él mismo declaró.

Los artesanos del damasquinado opinan sobre la iniciativa. Para Raquel de la Torre puede ser positivo si de lo que se trata es de promover “la producción artesanal” y no un producto manufacturado. “Creo que a mis clientes de China, que conocen perfectamente la diferencia, no les gustaría recibir en su país una campaña promocional engañosa bajo ningún concepto”, añade la damasquinadora.

“Antes de destacar el damasquinado fuera, debería de informarse un poco más sobre la materia”, reivindica Esteban Marcos. “El damasquinado es una artesanía que significa un trabajo realizado de forma manual por una persona sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones”.

La Fundación Damasquinado de Toledo, una entidad privada y sin ánimo de lucro, reclama la creación de un centro de aprendizaje, quizá en la Escuela de Artes de Toledo, quizá en un taller municipal o por qué no, ahora que tanto se está apostando por la formación profesional por un ciclo reglado de grado medio en el sistema educativo de Castilla-La Mancha. “Si no, va a desaparecer”, alertan desde la entidad.

La muerte a los 91 años del diseñador y empresario italiano Giorgio Armani deja huérfano a un imperio valorado en más de 6.000 millones de euros, según los analistas, que está compuesto por marcas de moda, hoteles y restaurantes, y que en 2024 ingresó 2.300 millones de euros. Pasará ahora al control de su fundación, aunque con algunos detalles en el reparto de acciones.

Giorgio Armani luchó durante décadas para mantener la independencia del imperio de la moda que fundó en 1975, mientras iconos italianos como Gucci y Fendi eran absorbidos por grandes cadenas de lujo. 

En octubre de 2023, el periódico Corriere della Sera publicó los estatutos de la futura Giorgio Armani SpA, aprobados en una junta extraordinaria en 2016, pero sin determinar el reparto de los varios tipos de acciones que seguramente, explican, serán detalladas en el testamento.

Aunque, señala el diario 'La Repubblica', que sus herederos están ya sentados en el consejo de administración de la fundación, dirigida por Pantaleo Dell'Orco (quien fue su mano derecha y compañero de vida), su sobrino Luca Camerana y el director ejecutivo de Rothschild Italia, Irving Bellotti.

Armani no tuvo hijos. En una entrevista --la última-- concedida la semana a Financial Times, el diseñador imaginaba una “transición gradual” de sus responsabilidades hacia los miembros de su familia y colaboradores cercanos como Dell'Orco.

Será la fundación quien gestionaría una marca global con 8.700 empleados, 650 tiendas, además de hoteles, restaurantes y clubes, incluyendo la histórica Capannina, uno de los establecimientos de la playa más famosos, en la localidad Forte dei Marmi, en Toscana, adquirida en agosto pasado.

Este establecimiento fue el último regalo que quiso hacer Armani a sus colaboradores y a Leo Dell'Orco, su compañero durante los últimos 20 años, y al que conoció en este famoso local.

La compañía cerró 2024 con ingresos de 2.300 millones de euros y nunca ha dejado de invertir: el año pasado, 332 millones de euros el año pasado, el doble de los 168,5 millones de 2023.

Sin embargo, Armani siempre ha sido un empresario prudente, reacio al endeudamiento, y deja una empresa saneada a la fundación: a finales de 2024, contaba con poco menos de 600 millones de euros en liquidez para impulsar el crecimiento futuro.

“También se estipula que la fundación no distribuirá ganancias, activos ni excedentes operativos, transacciones que están expresamente prohibidas, incluso indirectamente: cualquier ganancia o excedente se destinará a actividades institucionales”, explica el diario La Repubblica.

Los analistas estiman que la empresa podría tener un valor actual de entre 6.000 y 7.000 millones de euros . La valoración considera no solo los ingresos y la rentabilidad, sino también el prestigio de la marca y su cartera inmobiliaria: edificios en el distrito de la moda de Milán, ubicaciones icónicas en Nueva York, París, Londres y Hong Kong; boutiques, hoteles, restaurantes y espacios multifuncionales.

En julio pasado, su firma cumplió medio siglo y se coronó como uno de los pocos y exitosos diseñadores que ha sabido mantener el equilibrio entre la visión creativa y el liderazgo empresarial, mientras la mayoría de las casas históricas han sido absorbidas por grandes conglomerados internacionales.

Giorgio Armani se mantuvo como único propietario del holding hasta el final, sin vender acciones a fondos o grupos externos, ni a cambio de liquidez ni de visibilidad.

A finales de la década de 1960 conoció a Sergio Galeotti , que se convirtió en su socio en la vida y el trabajo: Galeotti lo convenció para crear su propia empresa y trabajar como consultor para marcas de moda, para luego abrir su propio estudio en Milán en 1973.

En 1975, Armani y Galeotti fundaron juntos Giorgio Armani Spa y en ese año se presentó la primera colección masculina, para la primavera/verano de 1976, que inmediatamente atrajo la atención de los expertos de la industria.

Con el tiempo, la marca ha ampliado su universo para incluir otros sectores, que se han convertido en parte integral de su identidad: Armani Casa, Armani Beauty, Armani Ristorante, Armani Hotels.

El magnate de la moda italiana creó un negocio en expansión con varias líneas de moda, así como licencias a largo plazo atribuidas a L'Oreal SA para sus productos de belleza y fragancias (la famosa Acqua di Gio), EssilorLuxottica SA para sus gafas de marca, mientras que Fossil Group vende relojes Emporio Armani.

El diseñador Giorgio Armani, considerado el 'rey' de la moda italiana, falleció este jueves a los 91 años en Milán, acompañado de su familia y de Leo Dell'Orco, su compañero durante los últimos 20 años, informó su grupo empresarial. La influencia de este creador trascendió el mundo de la moda e impactó en la cultura popular.

“Con profundo pesar, el grupo Armani anuncia el fallecimiento de su creador, fundador e incansable impulsor. El señor Armani, como siempre lo llamaban con respeto y admiración sus empleados y colaboradores, falleció en paz, rodeado de sus seres queridos. Incansable, trabajó hasta sus últimos días”, afirma su compañía en un comunicado.

El diseñador, que había cumplido los 91 años el pasado 11 de julio, fue hospitalizado recientemente por una infección pulmonar, según señala el Corriere della Sera. Su estado de salud ha sido delicado en los últimos años, obligándole a faltar algunos desfiles y espaciando cada vez más sus apariciones públicas.

Hijo de una familia burguesa italiana, nació el 11 de julio de 1934 en Piacenza. Estudio en el Liceo de su ciudad y años más tarde se trasladó a Milán para ingresar en la Facultad de Medicina. 

“Nunca he tenido la idea de que la moda era tan importante, jamás me he preocupado por mi modo de vestir. Comenzó siendo un oficio y lo sigue siendo. Eso sí, un oficio que me gusta mucho”, declaró en una ocasión.

Su éxito empresarial, que le llevó a levantar un imperio del lujo, no ha estado exento de polémica. En 2017 la autoridad antimonopolio de Italia abrió una investigación por presunta práctica comercial desleal contra varias empresas, entre ellas Armani, por las condiciones ilegales de trabajo en los talleres que las abastecen.

El dissenyador mallorquí Miguel Adrover ha rebutjat treballar amb Rosalía, una de les cares més visibles de la música urbana i de la reinvenció del flamenc en l’última dècada, a causa de la seva manca de suport públic al poble palestí. “Ho sento, però en Miguel no treballa amb cap artista que no doni suport públicament a Palestina”, ha respost de manera concisa una de les seves representants en un correu electrònic adreçat a la responsable de gestionar la imatge personal de l’artista, i que el dissenyador ha fet públic a les xarxes socials.

Adrover, en un missatge més personal que ha compartit a través d’Instagram, ha manifestat que cal “fer el que és correcte” i que “el silenci és complicitat”. El dissenyador mallorquí considera que, quan una persona té un gran altaveu, amb milions de persones que l’escolten, també té la responsabilitat de “fer servir aquest poder per denunciar aquest genocidi”. El text ha anat acompanyat de l’admiració personal d’Adrover per la seva música. “Rosalía, això no és res personal. T’admiro per tot el teu talent i per tot el que has aconseguit. I crec que ets molt més que aquests artistes que només es dediquen a l’espectacle i a l’entreteniment”, ha expressat.

elDiario.es s’ha posat en contacte amb Seven 7 Management, companyia que treballa amb l’artista catalana, per preguntar sobre aquesta qüestió, però no ha rebut cap resposta en el moment de la publicació d’aquesta notícia.

L’actitud —o, concretament, l’absència de posicionament— de Rosalía contrasta amb la d’altres artistes nacionals o internacionals que han mostrat el seu rebuig a la guerra contrària al dret internacional que manté Israel contra Palestina. En un dels últims festivals de música celebrats a Espanya, el FIB, s’han retirat multitud d’artistes importants. Entre ells, Residente —fundador del desaparegut grup Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre i John Talabot van mostrar el seu rebuig a participar en el festival de Benicàssim, entre el 17 i el 19 de juliol, a causa del seu vincle amb el fons israelià KKR.

Cancel·lacions generalitzades al FIB

“Condemno el genocidi i la neteja ètnica que el Govern d’Israel està duent a terme a Palestina”. Amb aquestes paraules va anunciar Samantha Hudson, el passat 15 de juny, que no actuaria al FIB, ni tampoc al Sónar —pels mateixos motius—. Cal recordar que el festival està controlat pel promotor Superstruct, que el va adquirir per 1.300 milions d’euros. Aquest promotor, el segon més important del món, ha passat a controlar 30 festivals a l’Estat espanyol.

En un vídeo publicat a través de les xarxes socials, Residente va reconèixer que no sabia si la seva sortida de l’esdeveniment musical li portaria “conseqüències legals”, tot afegint que, “honestament”, no li importava: “La meva posició sempre ha estat clara respecte a aquest tema, sempre ha estat així i sempre ho serà. Gràcies per entendre-ho i que visqui Palestina lliure”. L’artista porto-riqueny va explicar que KKR “inverteix i dona suport econòmicament a empreses d’Israel relacionades amb tecnologia militar, sistemes de vigilància i fins i tot espionatge, i finança projectes immobiliaris en assentaments il·legals en els territoris palestins ocupats, contribuint, d’aquesta manera, al genocidi i la violació sistemàtica dels drets humans contra el poble palestí”.

Aquest fons proisraelià també ha desembarcat a l’escena de la música electrònica eivissenca, prenent el control de festes com Elrow, Boiler Room i Brunch Electronik. Les dues primeres estan lligades a dos dels clubs amb més prestigi dins la cultura de la música electrònica d’Eivissa. Mentre que Elrow estarà a UNVRS —discoteca que acaba d’inaugurar després d’una reforma d’una empresa de l’omnipresent Abel Matutes, juntament amb el seu soci Yann Pissenem— i a Ushuaïa —també de Matutes, exministre d’Afers Exteriors amb Aznar durant la seva primera legislatura—, Boiler Room estarà a Amnesia, la discoteca fundada pel filòsof Antonio Escohotado.

Mobilitzacions en zones turístiques

La vinculació d’aquestes festes amb el fons d’inversió proisraelià ha desencadenat el malestar dels moviments socials propalestins de l’illa, com ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea)’, que han dut a terme diferents mobilitzacions en zones turístiques —així com als accessos d’UNVRS— per protestar contra el que consideren “connivència amb el sionisme de KKR i per conscienciar la població perquè no gastin els seus diners en empreses que col·laboren directament amb la matança de civils a Palestina”, tal com va declarar a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En l’última de les protestes, realitzada la setmana passada a l’aeroport d’Es Codolar, un grup d’activistes va protestar a la zona d’arribades per mostrar el seu rebuig davant un vol procedent de Tel Aviv. En aquest vol, suposadament, viatjaven membres de l’exèrcit israelià, així com simpatitzants sionistes que estarien de visita a l’illa. Gaudeixen de les seves vacances “enmig d’un genocidi en directe”, va lamentar la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. Durant la protesta, les activistes van desplegar pancartes denunciant que els infants de Gaza s’estan morint de fam —una situació que també és provocada pel bloqueig d’aliments imposat per Israel—.

Aquest dilluns, el president Pedro Sánchez ha tornat a fer una crida per aturar la fam a Gaza provocada pel bloqueig de l’ajuda humanitària: “És una vergonya per a la humanitat. Aturar-la és un imperatiu moral, polític i humanitari. Espanya està preparant un enviament de milers d’aliments mitjançant l’ús de paracaigudes i avions A400”, ha dit Sánchez. Malgrat aquestes declaracions públiques, que se sumen al reconeixement oficial de Palestina com a Estat, cal recordar que Espanya és el país de la UE que més “armes i municions” ha importat d’Israel entre febrer i maig de 2025, tal com va publicar elDiario.es.

Dues organitzacions israelianes denuncien el genocidi

Dues importants organitzacions de drets humans amb seu a Israel, B’Tselem i Metges pels Drets Humans, han afirmat que Israel està cometent un genocidi contra els palestins a Gaza i que els aliats occidentals del país tenen l’obligació legal i moral de detenir-lo. Les dues entitats asseguren, en informes publicats aquest dilluns, que Israel ha atacat civils a Gaza únicament per la seva identitat com a palestins durant gairebé dos anys de guerra, causant danys greus i, en alguns casos, irreparables a la societat palestina.

Aquestes organitzacions internacionals se sumen a moltes altres que qualifiquen la guerra de “genocidi”, però els informes d’aquestes dues —entre les més respectades d’Israel i Palestina, amb dècades documentant abusos sistemàtics— podrien incrementar la pressió per a mesures més contundents.

Els informes detallen crims com l’assassinat de desenes de milers de dones, infants i gent gran, desplaçaments forçats massius i fam, així com la destrucció d’habitatges i infraestructures civils que han deixat la població palestina sense accés a l’atenció sanitària, l’educació i altres drets bàsics. “El que veiem és un atac clar i intencionat contra la població civil amb l’objectiu de destruir un grup”, afirma Yuli Novak, directora de B’Tselem, que ha demanat mesures urgents. “Crec que tota persona hauria de preguntar-se: què faries davant un genocidi?”. Així, Novak sosté que és fonamental reconèixer que s’està produint un genocidi, encara que no hi hagi una sentència formal del Tribunal Internacional de Justícia. “El genocidi no és només un delicte legal. És un fenomen social i polític”.

“No podria succeir sense el suport d’Occident”

Tant B’Tselem com Metges pels Drets Humans denuncien que els aliats occidentals d’Israel estan permetent aquesta campanya genocida i comparteixen la responsabilitat pel patiment a Gaza. “No podria succeir sense el suport del món occidental”, diu Novak. “Qualsevol líder que no estigui fent tot el possible per aturar-ho forma part d’aquest horror”.

El diseñador mallorquín Miguel Adrover ha rechazado trabajar con Rosalía, una de las caras más visibles de la música urbana y la reinvención del flamenco en la última década, debido a su falta de apoyo público al pueblo palestino. “Lo siento, pero Miguel no trabaja con ningún artista que no apoye públicamente a Palestina”, ha respondido escuetamente una de sus representantes en un correo electrónico dirigido a la encargada de realizar la gestión de su imagen personal, y que el diseñador ha hecho público en redes sociales.

Adrover, en un mensaje más personal que ha compartido a través de Instagram, ha manifestado que hay que “hacer lo correcto” y que “el silencio es complicidad”. El diseñador mallorquín considera que cuando una persona tiene un gran altavoz, con millones de personas que la escuchan, tiene también la responsabilidad de “usar ese poder para denunciar este genocidio”. El texto ha ido acompañado de la admiración personal de Adrover por su música. “Rosalía, esto no es nada personal. Te admiro por todo tu talento y por todo lo que has logrado. Y creo que eres mucho más que esos artistas que solo se dedican al espectáculo y al entretenimiento”, ha manifestado.

elDiario.es se ha puesto en contacto con Seven 7 Management, compañía que trabaja con la artista catalana, para preguntarle sobre esta cuestión, pero no ha recibido respuesta en el momento en que se publica esta noticia.

La actitud —o, concretamente, la ausencia de posicionamiento— de Rosalía contrasta con la de otros artistas nacionales o internacionales que han mostrado su rechazo a la guerra contraria al derecho internacional que mantiene Israel contra Palestina. En uno de los últimos festivales de música que se ha celebrado en España, el FIB, se han caído multitud de artistas importantes. Entre ellos, Residente —fundador del extinto grupo Calle 13—, La Élite, Samantha Hudson, Judeline, Alba Reche, Ella Eyre y John Talabot mostraron su rechazo a acudir al festival de Benicássim, entre el 17 y 19 de julio, debido a que está vinculado al fondo israelí KKR.

Cancelaciones generalizadas en el FIB

“Condeno el genocidio y la limpieza étnica que el Gobierno de Israel está llevando a cabo en Palestina”. Con estas palabras anunció Samantha Hudson, el pasado 15 de junio, que no iba a actuar en el FIB, ni tampoco en el Sónar —por los mismos motivos—. Cabe recordar que el festival está controlado por el promotor Superstruct, que lo adquirió por 1.300 millones de euros. Este promotor, que es el segundo más importante del mundo, se ha hecho con el control de 30 festivales españoles.

En un vídeo que fue publicado a través de las redes sociales, Residente reconoció que no sabía si su salida del evento musical le traería “consecuencias legales”, añadiendo que, “honestamente”, no le importaba: “Mi posición siempre ha sido clara en torno a este tema, siempre ha sido así y siempre lo será. Gracias por entenderlo y que viva Palestina libre”. El artista puertorriqueño explicó que KKR “invierte y apoya económicamente a empresas de Israel relacionadas con tecnología militar, sistemas de vigilancia y hasta espionaje, y financia proyectos inmobiliarios en asentamientos ilegales en los territorios palestinos ocupados, contribuyendo, de esta manera, al genocidio y la violación sistemática de derechos humanos contra el pueblo palestino”.

Este fondo proisraelí también ha desembarcado en la escena de la música electrónica ibicenca, haciéndose con el control de fiestas como Elrow, Boiler Room y Brunch Electronik. Las dos primeras fiestas están ligadas a dos de los clubes con más prestigio de la cultura de la música electrónica de Eivissa. Mientras que Elrow estará en UNVRS —discoteca que acaba de ser inaugurada tras una reforma de una empresa del omnipresente Abel Matutes, junto a su socio Yann Pissenem— y Ushuaïa —también de Matutes, exministro de Asuntos Exteriores de Aznar en su primera legislatura—, Boiler Room estará en Amnesia, la discoteca fundada por el filósofo Antonio Escohotado.

Movilizaciones en zonas turísticas

La vinculación de estas fiestas con el fondo de inversión proisraelí ha desencadenado el malestar en los movimientos sociales propalestinos de la isla, como ‘Eivissa amb Palestina’ o ‘The Surge (La Marea), que han realizado diferentes movilizaciones en zonas turísticas —así como junto a los accesos de UNVRS— para protestar por lo que consideran “connivencia con el sionismo de KKR y para concienciar a la población para que no gasten su dinero en empresas que colaboran directamente con la matanza de civiles en Palestina”, como manifestó a elDiario.es Karen Killeen, de The Surge.

En la última de las protestas, realizada la semana pasada en el aeropuerto de Es Codolar, un grupo de activistas protestó en el área de llegadas para mostrar su rechazo ante un vuelo procedente de Tel Aviv. En él, supuestamente viajaban miembros del ejército de Israel, así como simpatizantes sionistas que estarían de visita en la isla. Disfrutan de sus vacaciones “en medio de un genocidio en directo”, lamentó la plataforma ‘Eivissa amb Palestina’. En esta protesta, las activistas desplegaron pancartas en las que denunciaban que los niños y niñas de Gaza se están muriendo de inanición —lo que está ocurriendo también debido al bloqueo de alimentos que está realizando Israel—.

Este lunes, el presidente Pedro Sánchez ha vuelto a hacer un llamamiento para detener la hambruna de Gaza motivada por el bloqueo de la ayuda humanitaria: “Es una vergüenza para la humanidad. Detenerla es un imperativo moral, político y humanitario. España está preparando un envío de miles de alimentos mediante el uso de paracaídas y aviones A400”, ha dicho Sánchez. Pese a sus declaraciones públicas, que se suman al reconocimiento público de Palestina como Estado, cabe recordar que España es el país de la UE que más “armas y municiones” ha importado desde Israel de febrero a mayo de 2025, como publicó elDiario.es.

Dos organizaciones israelíes denuncian el genocidio

Dos importantes organizaciones de derechos humanos con sede en Israel, B'Tselem y Médicos por los Derechos Humanos, han dicho que Israel está cometiendo un genocidio contra los palestinos en Gaza y que los aliados occidentales del país tienen la obligación legal y moral de detenerlo. Las dos organizaciones afirman, en informes publicados este lunes, que Israel ha atacado a civiles en Gaza únicamente por su identidad como palestinos durante casi dos años de guerra, causando daños graves y, en algunos casos, irreparables a la sociedad palestina.

Estas organizaciones internacionales se suman a muchas otras que califican la guerra de “genocidio”, aunque los informes de las dos mencionadas organizaciones de derechos humanos —entre las más respetadas de Israel y Palestina—, llevan décadas documentando abusos sistemáticos, por lo que probablemente aumentarán la presión para que se tomen medidas más contundentes.

En este sentido, los informes detallan crímenes como el asesinato de decenas de miles de mujeres, niños y ancianos, desplazamientos forzados masivos y hambruna, y la destrucción de viviendas e infraestructuras civiles que han privado a los palestinos de la asistencia sanitaria, la educación y otros derechos básicos. “Lo que vemos es un ataque claro e intencionado contra la población civil con el fin de destruir a un grupo”, afirma Yuli Novak, directora de B'Tselem, quien ha pedido que se tomen medidas urgentes. “Creo que todo ser humano debe preguntarse: ¿qué harías ante un genocidio?”. Así, Novak sostiene que es fundamental reconocer que se está produciendo un genocidio, aunque no haya una sentencia de la Corte Internacional de Justicia. “El genocidio no es solo un delito legal. Es un fenómeno social y político”.

“No podría suceder sin el apoyo de Occidente”

Tanto B'Tselem como PHR denuncian que los aliados occidentales de Israel están permitiendo la campaña genocida y comparten la responsabilidad por el sufrimiento en Gaza. “No podría suceder sin el apoyo del mundo occidental”, dice Novak. “Cualquier líder que no esté haciendo todo lo posible para detenerlo es parte de este horror”.

Shalev dice que Estados Unidos y los países europeos tienen la responsabilidad legal de tomar medidas más enérgicas que las que han tomado hasta ahora. “Se deben utilizar todas las herramientas disponibles. Esto no es lo que pensamos, es lo que exige la Convención sobre el genocidio”.

Israel, en cambio, niega que esté llevando a cabo un genocidio y afirma que la guerra en Gaza es una medida de autodefensa tras los ataques transfronterizos de Hamás del 7 de octubre de 2023.

El Gobierno de Castilla-La Mancha ha aprobado establecer la gratuidad de la matrícula para el alumnado que inicie el primer curso de las enseñanzas artísticas superiores en Castilla-La Mancha. Así lo ha expresado la portavoz del Ejecutivo autonómico, Esther Padilla, quien ha señalado que la iniciativa responde al compromiso del Ejecutivo de García-Page con “la igualdad de oportunidades en el acceso a la educación superior”.

Hasta ahora, según ha relatado la consejera, quienes comenzaban estos estudios en música, diseño y arte dramático debían abonar 540 euros por curso, un coste que desaparece para quienes decidan continuar su formación en la comunidad autónoma.

Hay estudios en Albacete, Ciudad Real, Tomelloso y Cuenca

Actualmente, estos estudios se imparten en cuatro centros de la Comunidad Autónoma: el Conservatorio Superior de Música de Albacete, las Escuelas de Arte y Superiores de Diseño de Ciudad Real y Tomelloso, y la Escuela Superior de Arte Dramático de Cuenca.

Según ha revelado la consejera, la gratuidad beneficiará cada año a unas 125 personas, de las cuales 65 acceden por primera vez a estas enseñanzas y el resto procede de otras comunidades autónomas con intención de continuar su formación en Castilla-La Mancha. La medida, por tanto, representa una apuesta decidida “por retener y atraer talento”, además de situar a la región entre las pocas comunidades que apuestan por la gratuidad en este tipo de enseñanzas, ha resaltado la portavoz.

Según Padilla, el Gobierno regional defiende una oferta educativa “inclusiva, de calidad y con capacidad real para generar oportunidades”. Además, ha aclarado que las enseñanzas artísticas superiores conducen a títulos equivalentes a los universitarios de grado. “Estos estudios son indispensables para cultivar la creatividad, la sensibilidad y la capacidad de expresión, si bien invertir en formación artística también ayuda a impulsar sectores estratégicos para nuestra economía, como las industrias culturales, generadoras de empleo, innovación y proyección internacional”, ha remarcado la portavoz, quien ha incidido en que la cultura es “un pilar democrático y un motor de desarrollo”.

El coste estimado de la medida asciende a 67.500 euros, la exención tendrá efectos inmediatos y, según ha ultimado Padilla, en caso de que algún estudiante ya haya abonado la matrícula correspondiente al curso 2025/2026, podrá solicitar la devolución del importe.

La portavoz ha recordado, además, que esta decisión se suma a otras iniciativas en la misma línea, como la gratuidad en la primera matrícula universitaria de la Universidad de Castilla-La Mancha y de la Universidad de Alcalá en el Campus de Guadalajara, que beneficiará a más de 5.100 estudiantes y supondrá una inversión cercana a cinco millones de euros.

Actualización de los currículos Danza y Música

También en relación con las enseñanzas artísticas, la portavoz ha informado de que el Consejo de Gobierno ha aprobado los nuevos decretos que regulan la ordenación y el currículo de las enseñanzas elementales de Música y Danza en Castilla-La Mancha, “con el objetivo de ofrecer una formación artística inicial de mayor calidad y mejor adaptada a las necesidades actuales, que permita al alumnado acceder posteriormente a las enseñanzas profesionales”.

La actualización normativa, que sustituye al Decreto 75/2007, introduce cambios relevantes. “Ambos decretos determinan condiciones básicas y comunes, pero también desarrollan aspectos específicos para cada disciplina, reconociendo la singularidad de la danza y de la música”, ha explicado Padilla.

La portavoz ha señalado que en Danza se diversifican las asignaturas, por ejemplo, con la incorporación de ‘Danza clásica’ y ‘Danza española’ en sustitución de ‘Aproximación a la danza’. Además, ha añadido que “se incrementa progresivamente la carga lectiva semanal”, con especial intensidad en los últimos cursos.

En los primeros niveles se pasará de dos a dos horas y media semanales, mientras que en cuarto curso el aumento será aún más significativo, al duplicarse la carga de cinco a diez horas semanales.

En el caso de las enseñanzas elementales de música, una de las principales novedades es la incorporación de una nueva asignatura de práctica grupal, “diseñada para fomentar las habilidades necesarias para la interpretación colectiva desde las primeras etapas formativas”, ha explicado la consejera.

Ambos decretos entrarán en vigor de forma integral en todos los cursos a partir del curso académico 2025-2026. “Actualmente, hay 1.740 alumnos y alumnas matriculados en las enseñanzas elementales de música en los conservatorios de Castilla-La Mancha y 180 en danza”, ha puntualizado.

“El periodo de Allende en Chile puede compararse con la II República en España en lo que respecta al esfuerzo por cambiar la sociedad de arriba abajo, no solo a través de las estructuras de poder, sino también de la concienciación de la población y la mejora de sus condiciones, y para ello se apostó por el poder transformador del diseño”. La frase, que refleja la importancia de la figura del líder chileno, la dice Xavier Marcé, concejal de Cultura del ayuntamiento de Barcelona.

Lo asevera durante la presentación de la exposición del Disseny Hub Barcelona (antes Museu del Disseny) Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño, una muestra que refleja el sorprendente florecimiento del diseño industrial y gráfico chileno al calor de los proyectos del gobierno socialista para cambiar el país tanto en el plano social como en el cultural, el económico, el educacional o el sanitario.

Se trata de una exposición de 250 piezas que van desde los carteles de las distintas campañas que lanzaba el gobierno –y que se pegaban en los muros con cola–, hasta las carátulas de los discos que financiaba la Discoteca del Cantar Popular (DICAP), perteneciente a las Juventudes Comunistas de Chile, pasando por objetos como muebles, un tocadiscos o una calculadora.

Reproducciones y originales salvados tras el golpe

La mayor parte son reproducciones de los objetos originales, de los que se conservan unas pocas unidades. Muchos de los diseños tuvieron una mala conservación o bien terminaron destruidos, la mayoría de ellos por el paso del tiempo o directamente por los militares tras el golpe de estado del general Pinochet.

Hugo Palmarola, profesor asociado de la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC Chile) y uno de los comisarios de la muestra, explica el caso de “un conjunto de afiches [carteles] que Salvador Allende tenía que inaugurar el mismo 11 de septiembre de 1973 en la universidad y que estaban pensados para concienciar en la lucha contra el fascismo”.

Tras la exposición de los 18 carteles, 500 copias de cada uno serían distribuidos por todo el país en sacas, pero ese mismo día llegó el golpe de Pinochet y las copias fueron todas quemadas. “Excepto una de las sacas, que alguien escondió en un altillo y ha conseguido llegar hasta hoy”, matiza Pedro Ignacio Alonso, otro de los comisarios, arquitecto y también vinculado a la PUC Chile. Alonso destaca que las reproducciones de los afiches se pueden ver en su totalidad en Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño.

La fascinate sala Cybersyn

La tercera comisaria es la investigadora del Massachusetts Institute of Technology (MIT) Eden Medina. La institución estadounidense ha colaborado con la universidad chilena en la reproducción de algunas de las piezas más complejas, como los asientos con botones de la sala Cybersyn.

Esta habitación de estilo space age, que recuerda a la estética de una cabina de la película 2001: A Space Odyssey, fue ideada como centro de control de la economía chilena, aunque solo se hizo un prototipo pensado para ubicarlo en el Palacio de la Moneda.

“La idea era poder visualizar en grandes pantallas los datos de la economía de las distintas empresas chilenas a través de los botones y poder así tomar decisiones gubernativas”, explica Medina, que destaca lo avanzado y visionario del proyecto a principios de los años 70. Los botones del respaldo de los asientos servían para ir seleccionando los distintos sectores empresariales a estudiar.

Un medidor de leche en polvo como símbolo de 'la revolución'

Pero para Hugo Palmarola, el espíritu de aquellos tres años de explosión del diseño en todas sus variantes se puede resumir en una simple cuchara de plástico blanco que sujeta en la mano. “Es un medidor de leche en polvo”, aclara para proseguir explicando que no se trata simplemente de un diseño bonito y funcional, sino que “fue pensado para combatir la desnutrición infantil”.

El medidor tenía la función de dar las dosis exactas de leche en polvo que precisa un bebé: “Es fácil de usar y de guardar, así que contribuía a que las madres no se olvidasen de suplementar a sus hijos y de este modo a reducir la mortalidad infantil, que era muy elevada entre las clases pobres”, resume el comisario. “Se trataba de aprovechar al máximo el poder transformador del diseño” apostilla su colega Alonso.

Alonso también destaca de la exposición su simbólico inicio, con dos piezas tan características como la carátula del disco Canto al Programa, del grupo de folk Inti-Illimani, diseñada, como tantas otras carátulas y carteles de aquel periodo por la Agencia Larrea, liderada por Vicente y Antonio Larrea y Luis Albornoz.

Junto a la carátula, los comisarios han situado la citada cuchara medidora de dosis de leche en polvo. Asegura así Alonso que esta conjunción pretende explicar la amplitud de la función de diseño en la era de Allende: tanto buscaba alimentar espiritual y culturalmente, como hacerlo físicamente. Y concluye: “El diseño buscaba preparar el país para el niño nuevo que debía nacer en una sociedad transformada”. Una sociedad que mirase al progreso, la nutrición, la educación y la independencia tecnológica entre otros muchos retos que se vieron frustrados por el golpe militar.

Siete ámbitos en una sola panorámica

Por su parte, Eden Medina agrega que la exposición se divide en siete ámbitos y que su distribución está pensada para que “se vean todas las piezas de la exposición de una sola mirada panorámica, con la intención de poner en evidencia la riqueza de formas del diseño en aquellos tres años”. Así, los ámbitos se suceden en las paredes de un gran cubículo en cuyo centro se sitúa la reproducción de la sala Cybersyn creada por PUC Chile y el MIT.

El primer ámbito se centra en la administración de la economía, y tiene como pieza estrella la citada sala Cybersyn, a la que el público puede acceder e incluso sentarse en sus galácticos sillones y apretar los botones de sus respaldos, que emiten mensajes para las pantallas principales.

El segundo ámbito se denomina Cómo llamar a la acción colectiva y muestra la gran producción de cartelería destinada a motivar a la población al trabajo o la defensa frente a los sectores contrarrevolucionarios. Destacan los trabajos de la Agencia Larrea, con su estilo gráfico característico. La mayor parte son reproducciones e incluso algunos afiches solo se conservan en viejas fotografías que los muestran pegados en las paredes. A partir de dichas imágenes se ha podido conocer su contenido original.

El tercer ámbito versa sobre la nutrición de la infancia y en él se encuentran los distintos diseños de medidores de leche en polvo, así como campañas de concienciación de las madres para que suplementen a los niños e incluso los vacunen.

Las carátulas de la música chilena

El cuarto ámbito es el que refiere a la ya citada Discoteca del Cantar Popular (DICAP) y todas sus producciones, que se resumen en numerosas carátulas de discos expuestas, desde la célebre foto de Víctor Jara que ilustrara El derecho a vivir en paz, hasta diseños de corte psicodélico para discos de Ángel Parra o la Orquesta Riverside. Junto a las carátulas se expone el proyecto para un tocadiscos portátil de distribución popular que nunca se llegó a fabricar.

El quinto ámbito se centra en reducir la dependencia tecnológica, y muestra los numerosos dispositivos ideados por el área de diseño industrial del Comité de Investigaciones Tecnológicas de Chile, todos ellos pensados con una filosofía opuesta a la obsolescencia programada imperante hoy en día. Desde muebles a calculadoras, televisores, autos o el citado tocadiscos populares pueden apreciarse en imágenes.

El sexto ámbito hace referencia a los planes de fomento de la lectura a través de libros y revistas para reducir el analfabetismo. A este respecto, la editorial estatal Quimantú distribuyo más de once millones de ejemplares en sus tres años de vida. Y, finalmente, el séptimo apartado de Cómo diseñar una revolución: La vía chilena al diseño se centra en las propuestas de nuevos pictogramas, señales y logotipos para la convivencia en espacios públicos.

El presidente del Gobierno riojano, Gonzalo Capellán, ha anunciado la gratuidad de la primera matrícula el próximo curso en la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR). “No hay futuro sin educación, sin igualdad de oportunidades y sin formación”, ha declarado al anunciarlo en el pleno del Parlamento de La Rioja.

Capellán ha respondido de este modo a dos preguntas planteadas por la portavoz del Grupo Parlamentario Popular, Cristina Maiso, acerca de los dos años de legislatura. “Hemos cumplido parte del programa electoral, en estos dos años, sobre todo algunos compromisos esenciales”, y en relación también con la educación se ha referido a “la apuesta por la educación de 0 a 3 años, por ampliar las plazas y seguir siendo líderes de España en esta escolarización” y la “la ampliación más de mil plazas con nuevos ciclos y familias profesionales y con un compromiso claro a desarrollar en 'La Planilla', en Calahorra, un centro integrado de formación profesional”.

Centro de gestión de datos

Después se ha referido a otros compromisos, como el apoyo al sector del vino, del champiñón y la seta, así como el del calzado. “Hemos ayudado también a sectores con nuevas necesidades, como el sector de la automoción, a demanda del sector”, sin olvidar el impulso “a un sector tan importante, tan clave para la economía del futuro, para esa economía digital, como el sector TIC”, a tiempo que ha anunciado que van a “potenciar toda esa economía digital” con la creación un centro de gestión de datos y de procesamiento de datos avanzado“.

“Hemos llegado a acuerdos tan importantes en dos años como el futuro plan de formación profesional y de empleo estratégico para una región”, ha añadido, para a continuación, poner en valor los acuerdos “en las ofertas de empleo público que han sido acordadas y sacadas adelante de manera ambiciosa también, conjuntamente”.

En materia de impuestos, ha reiterado el compromiso con la bajada de impuestos para “aliviar las rentas de las familias riojanas, con ayudarles con bajadas y deducciones fiscales”. “Eso lo hemos hecho”, ha subrayado. Sobre vivienda, ha apuntado a la puesta en marcha de 126 viviendas de alquiler social, con un cuota para los jóvenes y que “se va a hacer en diferentes municipios de La Rioja”, ha señalado el presidente.

Maiso ha destacado que el Gobierno del PP, “cumple los compromisos electorales, la palabra dada a los riojanos y la fortaleza económica y social de nuestra tierra”. Para la portavoz popular, han sido dos años marcados por la “estabilidad institucional, sin estridencias, ni sobresaltos continuos, con seriedad, rigor, que ha conllevado el desarrollo del programa”. Así mismo, ha considerado que el ejecutivo regional gobierna “para todos, piensen lo que piensen y voten lo que voten y sin sectarismos, sin líneas rojas, sin muros ideológicos”.