2.400 euros. No es el precio de un ordenador de última generación o de una joya de oro, sino lo que cuesta un envase de plástico con forma de dinosaurio verde del tamaño de un cubo de palomitas. El estreno de la esperada secuela de Super Mario Bros., que vuelve a llevar a los cines el universo de la figura más famosa de Nintendo, ha desatado una auténtica locura por el palomitero de Yoshi, un objeto que ha pasado de ser un simple recuerdo para los fans a convertirse en el centro de una guerra de reventa.

Yoshi es uno de los personajes más entrañables del mundo de Mario Bros. El icónico compañero dinosaurio de Mario apareció por primera vez en el juego Super Mario World de 1990 y se ha convertido en uno de los más queridos de la exitosa franquicia, habiendo lanzado al mercado sus propias sagas como protagonista y participando en otras tan aclamadas como Mario Kart. No es de extrañar, por ende, que un palomitero exclusivo con forma de Yoshi haya despertado tanto interés entre los seguidores más acérrimos.

Sin embargo, el cubo de palomitas, que en España se ha vendido en cadenas de cine como Yelmo o Cinesa por un precio de 40 euros, no ha tardado en agotarse y empezar a revenderse por cientos o incluso miles de euros en plataformas como Wallapop, eBay o AliExpress. Esto ha sido a consecuencia de que, como Yelmo ha afirmado a través de su cuenta de Instagram, “puedes hacerte con tantas unidades como quieras con tu entrada”. Los palomiteros se pusieron a la venta el miércoles 1 de abril, el día de estreno de la película.

Desde entonces, conseguir uno de estos cubos de palomitas se ha vuelto toda una proeza, sobre todo porque hay quien se ha hecho con cientos de ellos con la única intención de venderlos después a un precio más alto. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, destaca que esto “es algo habitual cuando son ediciones muy limitadas”, pero que no sería un fraude mientras que nadie se invente que solo existen cinco unidades como esa en el mercado. “La cuestión es si encuentras a alguien dispuesto a pagar ese pastizal, igual que hay quien puede pagar decenas de miles de euros por un cómic de los años 50 de Superman”, explica.

En esta ocasión, sin embargo, se da la circunstancia de que no se trata de un producto histórico lanzado hace varias décadas, sino que acaba de salir al mercado e inmediatamente se agota. “Eso provoca que, precisamente por el funcionamiento de la ley de la oferta y la demanda, quienes han podido ya tener uno lo estén vendiendo a un precio que puede ser a ojos de mucha gente disparatado”, argumenta Sánchez a elDiario.es, que insiste que “no habría ilegalidad de por medio”.

La única reventa de un particular donde está regulada su prohibición es en las entradas de eventos, como puede ser un concierto, pues no se permite la reventa física en la calle. “A nivel de internet está pendiente de aprobarse una ley por la que se prohibirá la reventa lucrativa; es decir, la reventa donde le incluyas un margen de beneficio, que no afectará a la reventa de entradas por el mismo precio cuando alguien se pone malo y no puede ir al evento”, cuentan desde de Facua-Consumidores en Acción. No obstante, esto sigue sin aplicarse a los objetos de coleccionistas.

Los revendedores, al acecho del fenómeno fan

“Estamos hablando de un mercado libre. Esto es como si te compras un Van Gogh en una subasta porque tienes dinero y luego lo intentas vender al doble”, comenta Sánchez. “Un Van Gogh es único, pero cuando se trata de un producto del que ha habido 3.000 unidades en el mercado y de repente desaparecen de la venta y son particulares o tiendas las que quieren revenderlo, tampoco hay ningún problema en que se revenda mucho más caro. No hablamos de un servicio público, de un producto de precio regulado”, agrega, especificando que, de haber algún conflicto, podría haberlo “entre empresas, pero no de cara al consumidor”.

La alta demanda provocada por los palomiteros ha sido objeto de polémica en redes sociales. “Especulador de Yoshis que debe de ir a la cárcel”, reza la biografía de TikTok de un usuario llamado Rubén, que ha publicado varios vídeos en la aplicación con muchísimos de estos cubos. “A ver si pasamos menos tiempo revendiendo y más haciendo un currículum”, le ha respondido Inés. Quien también ha comentado es un usuario llamado Mente Millonaria, en su caso dando las “gracias” a Nintendo: “Compré cuatro y los vendí en dos días por más del doble”.

Rubén ha especificado en la sección de respuestas, donde le han llovido las críticas, que no trabaja en ningún cine. “Solo fui a un cine y pregunté si vendían, me dijeron que sí. Yo dije: '¿Cuántos tienen?'. Y así empezó”, ha indicado el usuario, que también ha señalado que ha vendido 89 unidades y que ya no le quedan más. Asimismo, hubo quien persiguió a diferentes empleados de un cine de México para grabarlos tras negarle la compra de este producto por no ser socio. Este hombre arrancó hojas del mostrador y acusó al personal de que lo estaban “discriminando” e “infringiendo la ley”, como se aprecia en un vídeo que ahora es viral en redes sociales.

Desde Facua-Consumidores en Acción resaltan que una empresa puede decidir cómo y a quién vender este tipo de producto. “Ahí realmente no estamos hablando de un bien de consumo habitual, como sí lo sería si vendieras refrescos o palomitas a personas que tengan un tipo de entrada y al resto no se los vendes. En este caso no estamos hablando de un establecimiento abierto al público que está ejerciendo una limitación en el derecho de admisión desproporcionada”, apunta Rubén Sánchez, ya que se trata de “reunir unos requisitos para poder acceder a un determinado tipo de producto”.

“Al igual que un banco puede decidir que los clientes que tengan unos requisitos podrán acceder, por ejemplo, a un tipo de interés del 2% en remuneración de su cuenta, pero para ello está condicionado a que hayan depositado tanto dinero o a que tengan domiciliada la nómina, aquí sucede lo mismo”, insiste Sánchez, declarando que es posible vender este producto exclusivo solamente a quien sea socio o, por ejemplo, a quien haya comprado más de diez entradas a lo largo del último mes, si así el cine lo desea. Seguiría sin cometerse una ilegalidad independientemente de que sea o no moral hacerlo.

Unas cifras de taquilla espectaculares

El fenómeno de los cubos de palomitas no se limita a esta película, pues en 2024 el palomitero de Dune ya inspiró memes y hasta un sketch del Saturday Night Live. Más allá del éxito del cubo de palomitas de Yoshi, las cifras de taquilla de Super Mario Galaxy también son un enorme triunfo, arrasando como ya hiciera la primera película a pesar de las malas críticas por parte de la prensa especializada. El filme ha logrado recaudar 372,5 millones de dólares durante sus primeros cinco días en cines en todo el mundo y se ha convertido en el mejor estreno del año tanto en EEUU como internacionalmente.

Además, la franquicia ha hecho historia al ser la primera animada en tener dos debuts por encima de los 350 millones de dólares. La entrega inicial acumuló unos ingresos mundiales de 1.360 millones de dólares, por lo que aún queda pendiente ver si su secuela es capaz de alcanzarlos. Lo que parece evidente es que superará con creces la marca de los mil millones, toda una hazaña cuando el presupuesto ha sido de unos 100 millones de dólares.

En España, Super Mario Galaxy se ha adjudicado el segundo mejor miércoles de estreno de la historia en España, así como el segundo mejor estreno para una película animada, solo por detrás de Del revés 2. En total, más de 625.000 espectadores acudieron el pasado miércoles a las salas, provocando la mayor asistencia al cine desde julio de 2023, cuando coincidieron en cartelera Barbie y Oppenheimer. La cinta ha hecho en su primer día más de 2,5 millones de euros de recaudación, superando así la taquilla del primer día de Torrente, presidente, que se quedó con 2,4 millones de euros.

Los videojuegos Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2 son sendas obras maestras del medio. A decir verdad lo son dentro de una franquicia a la que le sobran las obras maestras, pero igualmente hay que rendirse a su apabullante diseño de niveles, a sus virtuosas mecánicas y a las variaciones milimétricas que mueven a pensar que ambos están compuestos de múltiples videojuegos (y todos buenísimos). El díptico Galaxy arrastra por lo demás otra particularidad, y es su poderosa resonancia histórica: fueron publicados entre 2007 y 2010, inseparables de un contexto amedrentador. Una crisis económica mundial. Una crisis que Nintendo se las apañó para esquivar.

Las ganancias responsables de este logro, en rigor, le pertenecen más al exitoso lanzamiento de la Wii —y a las experiencias directamente derivadas en forma de Wii Sports o Wii Fit— que al fontanero, pero como en esta etapa pocas obras rivalizaron con la excelencia de los Galaxy el titular sigue siendo tentador: Super Mario Galaxy simbolizó la resistencia del videojuego (como medio e industria) a las fuerzas de declive neoliberal que espolearon la Gran Recesión. De ahí que fuera inevitable sentir cierto resquemor cuando, tiempo después, se cumplían 40 años del nacimiento de Super Mario durante un Nintendo Direct, y a la compañía nipona no se le ocurría otra cosa para celebrarlo que anunciar un remaster de los dos Super Mario Galaxy para Switch y Switch 2. 

También se anunciaba una película basada en los susodichos Galaxy. El remaster, de hecho, obedecía a su existencia. Y resultaba descorazonador. En lugar de anunciar un nuevo Mario, uno que intentara ser tan revolucionario como los Galaxy, Nintendo se complacía en abrillantar su trato con Illumination, confirmando la obligada secuela de Super Mario Bros. La película. Este es, entonces, el objetivo de Super Mario Galaxy: La película, adaptar dos catedrales absolutas del videojuego, y tratar de responder nuevamente a la temible pregunta: ¿cómo hacer algo así sin hacer el ridículo? ¿Sin demostrar, a cada minuto de metraje, que es una misión abocada al fracaso?

Illumination y Nintendo, condenadas a entenderse

Difícilmente podríamos argumentar, por otro lado, que la anterior película de Super Mario fuera eso, un fracaso. Sobre todo si lo comparábamos con lo que había sucedido en los años 90, con aquella delirante película en acción real que, al tiempo de inaugurar la tradición de adaptaciones cinematográficas de videojuegos, también las condenaba a aplazar por unas cuantas décadas el punto en que estas pudieran cuajar y gustar al público. Es lo que hizo Super Mario Bros. La película. Ganó 1360 millones de dólares. En 2023, solo Barbie pudo superar su recaudación.

Ante la euforia de todas esas masas que gozaron con Super Mario Bros., hablar de fracaso se antoja una tontería. Sin embargo, y puesto que en buena medida Super Mario Galaxy calca su plantilla a la hora de acercarse a estos videojuegos de plataformas, mínimo habría que estudiar cómo es esa plantilla. Y en ese sentido podríamos proponer que la clave del triunfo estuvo en asociarse con Illumination. Illumination y Nintendo sin duda se entienden. ¿Incluso se parecen un poco?

En sus respectivos campos de cine animado y videojuegos —y frente a las desiguales aspiraciones de la amplia competencia—, Illumination y Nintendo se contentan en líneas generales con tener al público infantil como destinatario. Con diseñar juguetes, juguetes con la capacidad de dejar hipnotizados a los críos gracias a estímulos poderosos y chillones. Illumination hace películas baratas, de animación no demasiado pulida (de hecho la subcontrata a una empresa de Francia), que fundamentan su impacto en el colorido y el humor tan bobalicón como, sobre todo, veloz. 

La velocidad resulta determinante si nos acercamos a Super Mario: su impacto se fundamenta en que todo vaya rapidísimo. En el movimiento constante, en resumen, que fue lo que más quiso respetar el primer film animado de Super Mario. El argumento era tan idiota como el que nos habíamos ido encontrando en los juegos, una mera excusa para empezar a moverse. Solo cuando esta síntesis era traicionada atisbábamos ciertas grietas. Grietas atribuibles a la propia Illumination como hogar de Gru y los Minions (la música licenciada para gustar a los padres, por ejemplo), pero también a nociones más amplias que nos hablaban de un momento industrial concreto.

Este momento industrial es muy distinto al de hace 15 años. Sin necesidad de entrar en si las cosas van algo mejor para el videojuego —lo cierto es que no, y los múltiples despidos y estudios cerrados son solo una muestra—, desde luego nos topamos con un entramado corporativo tan dado a la expansión como a la estandarización. Esto es, que cada vez puede haber más empresas distintas trabajando, pero con una coordinación perfecta que ahogue las fricciones capaces de volver a impulsar, por ejemplo, algo como la película de Super Mario de los 90. Este entramado facilita cosas estilo las series de The Last of Us y Fallout, o las películas de Uncharted y Super Mario. 

Es decir, productos homogéneos. Ninguno está lo que se dice bien, pero ninguno está demasiado mal. Se impone una estética aglutinante, reconocible de cabo a rabo —basta verse seguidos los tráilers de las últimas versiones de Vaiana y Harry Potter para hacerse la idea más ajustada y apocalíptica del asunto—, que favorece la transformación de los productos en anuncios simultáneos de otros productos. Escaparates que explicarían, tanto en Super Mario Bros. como en Super Mario Galaxy, la dócil afloración de cameos y guiños a varios rincones de la franquicia.

Super IP Galaxy

No es que Illumination haya incorporado esto a Super Mario. Hasta cierto punto, de hecho, podríamos darle a Nintendo la responsabilidad de haber avanzado los Universos de Propiedades Intelectuales a finales de los 90, con el inicio de la saga Super Smash Bros. Fue Nintendo —antes que Fornite o La LEGO Película— la primera que reunió a buena parte de sus licencias para combatir, entendiéndose a sí misma como un catálogo de personajes e historias intercambiables. Ante la frustración que entraña encontrarse con tantas referencias en las películas de Super Mario, la gente de Illumination bien podría replicar que solo se ciñen a las enseñanzas de Nintendo.

Y sería un buen argumento. Galaxy añade al adorable Yoshi para acompañar a los personajes principales (Mario, Luigi, Peach y Toad) mientras Bowsy intenta liberar a su padre y dominar la galaxia, combinando las sinopsis de Galaxy y el previo Super Mario Sunshine (donde debutó este hijo de Bowser). Hasta ahí todo bien. El caso es que la secuela también añade escenarios y motivos de otro prestigioso título de la saga como es Super Mario Odyssey —acaso avanzando que la tercera entrega, seguramente ya en preproducción, se titule justo así—, y a personajes como Fox McCloud en calidad de Han Solo: el protagonista de una saga de los 90, Star Fox, que los chavales de hoy día difícilmente reconocerán a menos que se lo hayan pedido en el Smash Bros.

Así con todo. Super Mario Galaxy es otra película-escaparate, donde a cada rincón hay una referencia a un juego previo con el que seguramente disfrutaste mucho más que viendo este artefacto, pero con el que de todas formas es grato reencontrarse. La prioridad es ampliar el escaparate todo lo posible y eso va en detrimento de cualquier narración mínimamente funcional, así que añadiendo la comedia marca de la casa —mucho más sarcástica que la vista en las consolas porque al fin y al cabo hablamos de un equipo mayoritariamente estadounidense—, ya tenemos todas las piezas para conseguir un nuevo film IP que arrase en taquilla. 

Todo es de lo más previsible y continuista de forma que, aceptando que esto es lo que hay, quepa divisar algún consuelo. La irritante radiofórmula boomer —que nos condenaba en Super Mario Bros. a escuchar a AC/DC o A-ha— ha sido completamente sustituida por los inmortales temas de Koji Kondo, debidamente editados para que suenen como Hans Zimmer, pero reteniendo parte de su belleza. Eso que nos llevamos. Y, además, hay un abandono más contundente al movimiento por el movimiento, coreografiado en varias tomas continuas para hacer brillar lo que definió en primer lugar a todos estos personajes. Sus saltos, sus esquivas, sus vuelos.

Fueron los verbos que nos enamoraron durante años de los videojuegos de Super Mario, y de lo que aquí se trata simplemente es de verlos impresos desde una distancia nostálgica. Puede ser agradable, por qué no. Porque aquí ya nadie engaña a nadie y de lo que se trata es de ofrecer una experiencia cuidadosamente delimitada, que no deje poso alguno ni fuerzas para ofrecer una opinión enfática. Porque para qué, qué sentido tendría. Si tanto se habla hoy de “consumir” obras culturales ha de deberse a artefactos como el que nos ocupa, que difícilmente vamos a encontrar más pulidos y depurados en otra parte. He aquí el grado cero, el patrón oro, del producto de consumo. 

El próximo 27 de febrero se celebra el Día de Pokémon, una fecha que conmemora el lanzamiento en Japón de Pokémon Rojo y Pokémon Verde, que tuvo lugar el 27 de febrero de 1996. Este año, los fans de la franquicia de videojuegos esperan una celebración por todo lo alto, ya que Nintendo ha anunciado un Pokémon Presents, donde se presentarán novedades. 

Pero no es el único anuncio que ha hecho la compañía japonesa y que ha revolucionado a los fanáticos de Pikachu. A partir del próximo viernes, los usuarios de Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 también podrán adquirir Pokémon Edición Rojo Fuego y Pokémon Edición Verde Hoja, los títulos de Game Boy Advance que conquistaron a toda una generación de jugadores hace 20 años.

Estas versiones se lanzaron en 2004 para la Game Boy Advance (GBA), consola portátil que se fabricó desde 2001 hasta 2008 y que contó con títulos tan populares como Mario & Luigi: Superstar Saga, The Legend of Zelda: A Link to the Past, Metroid Fusion, Fire Emblem o Final Fantasy VI, entre muchos otros.

Ambos juegos, disponibles en español, se pueden reservar ya por 19,99 euros cada uno en la tienda virtual de Nintendo. La noticia ha sido muy comentada en redes sociales y ha dividido por completo a la legión de jugadores de Pokémon. ¿Tiene sentido pagar esa cantidad por un juego tan antiguo?

El debate está servido

Poder jugar al Rojo Fuego y al Verde Hoja en una consola actual, como es el caso de la Nintendo Switch, es algo que podría haber contentado a prácticamente todos los jugadores de esta franquicia. Volver a disfrutar de un título así es para muchos un disparo directo al corazón de la nostalgia que tanto está de moda ahora, pero la cuestión es otra.

La noticia ha sido criticada por algunos usuarios que creen que el juego debería ser más barato, teniendo en cuenta que este no ofrece ninguna novedad con respecto a la edición que todos conocimos en 2004. Otros incluso sostienen que debería ser gratuito para aquellos que ya pagan por el pase Nintendo Switch Online. 

Y luego están aquellos que han lamentado que el nuevo lanzamiento solo esté disponible en versión digital. Únicamente en Japón han lanzado una edición coleccionista exclusiva, que incluye incluye dos réplicas de las cajas de los juegos de Game Boy Advance japonesas, un set de pokeball de cristal con Bulbasaur, Charmander y Squirtle, y un estuche para guardarlas. 

Actualmente, la saga Animal Crossing es una de las más vendidas de Nintendo, con millones de copias. Así, por ejemplo, su versión para Nintendo Switch Animal Crossing: New Horizons es el segundo con más ventas de la historia de esta consola con casi 50 millones.

Una saga que se ha consolidado como una de las más importantes de Nintendo, y que celebra este 2026 su 25 aniversario desde su primer lanzamiento, que fue para la extinta Nintendo 64, que fue superada por la PlayStation a principios del milenio. Su historia, sin embargo, esperaba ser diferente a lo que ha sido.

Los inicios de Animal Crossing: el intento de salvar la Nintendo 64

Nos situamos en 2001. Entonces se daba una competición de consolas entre la Nintendo 64 y la Sony PlayStation por hacerse con este segmento del mercado, y en él parece que iban ganando los últimos. Sin embargo, la marca japonesa no quería rendirse y quería dar un nuevo título desarrollado para esta.

Así, para la consola de 64 bits, Nintendo quería dar una experiencia completamente distinta, que por eso generó una gran expectación, y aquí nació “Dōbutsu no Mori” (Animal Forest en japonés) que inauguró un nuevo género llamado “comunicación”. El 14 de abril de 2001 apareció la primera publicación en formato cartucho para Nintendo 64, desarrollado por Takashi Tezuka, Katsuya Eguchi y Hisashi Nogami.

En Animal Forest, el jugador tomaba el papel de un humano que se iba a vivir a un pueblo habitado por animales, con los que tenía que llevarse bien para prosperar. Todo ello en tiempo real, es decir, que siempre que se comenzaba a jugar era siempre el mismo día y hora, con sus rutinas, horario comercial de tiendas y fechas señaladas del calendario real.

El cambio al actual nombre Animal Crossing se produjo cuando se lanzó una versión para GameCube en diciembre de 2001, apareciendo con esta denominación para el mercado europeo. Esto hizo que esta saga haya aparecido en cada una de las consolas lanzadas por Nintendo desde entonces, siendo uno de los videojuegos más consolidados.

El origen e historia de Animal Crossing: una idea inicial diferente

En sus orígenes, la saga Animal Crossing tenía otro concepto, y es que podría haber sido un juego de rol. Esta era la primera idea que tuvieron sus creadores, como reveló Satoru Iwata en una entrevista para NintendoWorld Report en 2008:

“Durante las fases iniciales de planificación ni siquiera se había pensado en hacer algo parecido a lo que es ahora”, reconocía a la vez que explicaba que en la primera idea el jugador era un héroe que tenía que pasar por diferentes mazmorras guiado por animales, que como compañeros le otorgaría una fortaleza distinta.

El problema llegó cuando se planteó que en un punto necesitaría la ayuda de otro jugador para tener mayor fortaleza, porque estaba destinado a usar la herramienta multijugador y el accesorio 64DD, que hacía que tuvieran que “comunicarse entre sí”. Pero el fracaso de esta herramienta, que permitía conexión en Internet, hizo que se cambiara de opinión y se modificara el juego hasta crear el actual Animal Crossing.

Aunque la saga Animal Crossing cuenta desde su debut con apasionados seguidores, atraídos por la estética adorable y la experiencia de juego relajada, era imposible prever el éxito mundial que cosecharía debido a la pandemia de covid. New Horizons se publicó menos de una semana después del confinamiento y, rápidamente, supuso un oasis de paz, un refugio donde encontrar rutina en una situación de excepcionalidad y desde el cual generar vínculos, ya fuera con los adorables animales antropomórficos que pueblan ese universo o con otros jugadores. Tras seis años de su lanzamiento, el título acaba de recibir una actualización gratuita, que ha reavivado el interés por la obra a la vez que las conversaciones acerca de su mensaje. ¿El motivo? Entre las novedades de la versión 3.0 se incluye un hotel, cuya apertura deviene en turistificación.

New Horizons sigue a un aldeano que se muda a una isla desierta, a la que van llegando vecinos y servicios, como una tienda, una mercería o un museo. Sin objetivos marcados ni rutas predefinidas, la libertad creativa y la tranquilidad que emanan de la experiencia han hecho las delicias de los casi cincuenta millones de personas que lo han comprado. Por eso, muchos usuarios se quejan de cómo la irrupción del turismo está trastocando su manera de jugar. Cuando la familia del Capitán —una tortuga marina inspirada en los kappa japoneses— abre un alojamiento en el muelle, empiezan a aparecer nuevos personajes, que se alojan en una de las nueve habitaciones disponibles y pululan a su ritmo por los terrenos. Como consecuencia, las redes se han llenado de carteles de “Tourist go home” plantados por los usuarios en la entrada del polémico establecimiento.

Para un gran seguidor de la saga como Eric Rodríguez, de Leyendas & Videojuegos, “la nueva actualización altera el juego”. “Es una sensación muy extraña estar en tu isla, con los vecinos con los que has creado relaciones, en las calles que has pavimentado, haciendo lo que después de años ya se ha convertido en una rutina, pero con cuatro o cinco turistas deambulando en todo momento”, relata. De esta forma, se reproduce la dinámica del turista que, con su presencia, transforma los procesos sociales dentro del territorio que visita. Esta sensación entronca con los comentarios de Nerea Pérez de las Heras en el programa de Saldremos mejores dedicado a la turistificación, en el cual argumentaba que en el madrileño barrio de Malasaña “ya no hay personas, solo NPC [personajes no jugables]”, “relleno de videojuego”. El malestar que identificaba la comunicadora tiene ahora su reflejo en un entorno virtual que era considerado un espacio seguro.

“Hay demasiados turistas, no aportan nada y hablar con ellos es un rollo porque las personalidades se repiten”, explica a este diario Alicia, una jugadora que no está conforme con los cambios. Añade que, aunque suene superficial, encima estos suelen ser “modelos de personaje feos”. No es la única para quien esta cuestión ornamental importa, pues muchos se quejan de que la aparición de turistas rompe con la estética que habían creado, en la que, por ejemplo, un viajero de aspecto estridente como la oveja payaso Kikolor no encajaba con su cuidada atmósfera otoñal de tonos neutros. La videoensayista FlurryMoon señala en su canal que este malestar se debe a que es el único elemento sobre el que los usuarios no tienen control en un juego que te convierte en un “dictador en un entorno limitado”.

Esa es la razón por la cual estima refrescante la aparición de animales que añaden aleatoriedad. De la misma opinión es el streamer Salva Gamer, quien, aunque bromeó en sus redes creando una habitación de hotel que emulase una cárcel para “dar voz a las quejas”, en realidad disfruta “conociendo otros vecinos diferentes a los de tu isla”. Al mismo tiempo, es consciente de que, a diferencia de lo que sucedía en el título para Wii Animal Crossing: City Folk, donde había visitantes externos al foco de la acción en una zona comercial, las interacciones en esta ocasión resultan demasiado efímeras, lo que impide conectar con estos personajes tan “independientes”.

Omnipotencia decorativa

Animal Crossing nace con la vocación de generar comunidad, primero local al fomentar compartir la experiencia entre integrantes del núcleo familiar, y después global, con la inclusión de modos de juego o intercambio online, algo que terminó de explotar durante la pandemia, cuando se celebraban reuniones grupales digitales en un espacio libre de carga vírica. Pese a la importancia que tuvo el encuentro en su lanzamiento, las actualizaciones han otorgado mayor relevancia al diseño, algo en sintonía con los últimos videojuegos de la franquicia, con spin-offs como Happy Home Designer o la versión para móviles Pocket Camp, donde la acumulación de objetos y el colocarlos se convierten en el gran foco. Para Rodríguez, “la saga ha dejado atrás las raíces sociales y de convivencia compartida, para centrarse en la personalización y la decoración”.

Parece lógico el cambio, dado que la decoración cautiva a muchos jugadores. Alicia asegura que disfruta “ese aspecto de ir desbloqueando y descubriendo muebles, suelos o paredes nuevos”. Ella, que se considera una jugadora que va bastante a su aire, reconoce que “ver otras islas a veces inspira o da rabia”, dependiendo de las decisiones tomadas por esos otros usuarios. Salva, por su parte, opina que la saga fomenta más compartir que competir, pues “la comunidad de Animal Crossing se divierte precisamente compartiendo sus creaciones”. “Me encanta enseñar en mi canal cómo evoluciona mi isla o cómo construyo desde cero, para que todo aquel que piensa que es muy difícil hacer zonas chulas sepa que no lo es tanto, vea cómo hacerlo paso a paso y pueda coger ideas”, expresa. 

Pero potenciar la decoración implica primar la acumulación de enseres —que incluyen de manera más habitual colaboraciones con marcas, con la reciente aparición de muebles o vecinos inspirados en otras franquicias de Nintendo como Splatoon o The Legend of Zelda que normalizan el merchandising dentro del juego como algo aspiracional— y permitir al jugador controlar cada vez más elementos, desde cómo es la orografía de la isla hasta cómo son los hogares de sus vecinos, quienes se convierten en meros elementos del escenario, como destaca la periodista Paula García en Eurogamer. También Eric Rodríguez comentaba en un reciente videoensayo que, al poner la isla entera a disposición del jugador, New Horizons va en contra de la esencia original de su creación. Lejos queda esa primera entrega, donde una fuente mágica revelaba si el pueblo estaba equilibrado con la naturaleza y la vida seguía sin la presencia del jugador. Ahora, esa naturaleza queda supeditada a la voluntad del usuario que, pese a su poder infinito, no es capaz de controlar el turismo. 

Fantasía capitalista o escapista

Mucho se ha discutido sobre si Animal Crossing propone modelos organizativos alternativos o solo proporciona una vía de escape capitalista. Su propio punto de partida parte de esta disyuntiva: el jugador siempre contrae una hipoteca con el mapache Tom Nook, quien, sin embargo, nunca presiona para recuperar el dinero. Animal Crossing encapsula así muchas de las contradicciones de los cozy games y, como bien resumía Pablo Algaba en su ensayo La aldea feliz, un viaje a través de Animal Crossing, la franquicia es “medicina para un desencanto”, pero “producida, empaquetada y vendida por una multinacional que responde ante sus accionistas”. Desde su perspectiva, estas mecánicas demuestran que “resulta más sencillo imaginarnos nuestra utopía como un capitalismo guay que como un paradigma completamente nuevo”.

Con esta nueva actualización, queda patente que el progreso en la isla pasa necesariamente por el intercambio económico. Alicia afirma que la apertura del hotel “apoya el discurso de que un lugar solo puede desarrollarse a través del turismo”. De ahí que, pese a que le parece “genial alargarle la vida a un juego de forma significativa sin tener que gastar dinero en expansiones”, cavila que “normalizar la gentrificación resulta bastante peligroso”, en especial para jugadores jóvenes.

Salva Gamer indica que, como simulador, es normal que Animal Crossing presente similitudes con la realidad, aunque matiza que “no se están eliminando recursos de nuestros residentes para dedicarlos a los turistas”, así que no le parece que “el turismo se haga de una manera ‘agresiva’, permitiendo que los residentes sigan conviviendo de la misma manera agradable que antes”. Bad Bunny no cantará sobre lo que le pasó a esta isla, pero es relevante que haya surgido un debate que dialoga con cómo el videojuego ha explorado la crisis de la vivienda.

Para Eric Rodríguez, que inició su canal precisamente para “utilizar los videojuegos como forma de hablar de temas variados”, esta actualización “está revelando a mucha gente lo que se siente al vivir en un lugar masificado”. En su caso, que dejó “una ciudad que vive casi completamente del turismo” para mudarse a un pueblo pequeño donde atesora el ambiente “íntimo y familiar”, cavila que, “si de la noche a la mañana empezase a ver a turistas dando vueltas sin respetar las costumbres locales”, probablemente le “molestaría de una forma muy parecida a cómo a los jugadores les está molestando encontrarse a NPC en sus construcciones de New Horizons”. Termina reflexionando sobre cómo hay gente que ha dedicado mucho tiempo a sus islas, “por lo que verlas ahora convertidas en atracción turística, y sin forma ninguna de gestionar por dónde se desplazan esos personajes o cómo interactúan con ella, es comprensible que genere resentimiento y divida a la comunidad”. 

Hace unos días se filtró un vídeo en el que se podía ver a dos personas de carne y hueso vestidas como Link y Zelda, los dos míticos personajes de una de las sagas de videojuegos más famosas del mundo. Todo apuntaba a que las imágenes podrían ser reales y corresponder a la adaptación cinematográfica que Nintendo está preparando sobre The Legend of Zelda. Las dudas ya están despejadas. Ha sido el propio equipo de la empresa japonesa el que ha acabado confirmando la información. 

“Aquí Miyamoto. Hemos comenzado el rodaje a gran escala de la película de acción real de Zelda en un hermoso entorno natural, con Bo Bragason como Zelda y Benjamin Evan Ainsworth como Link. El rodaje avanza sin problemas, así que esperamos vuestro apoyo. El estreno en cines está previsto para el 7 de mayo de 2027. Pedimos un poco más de paciencia”, comentan oficialmente desde la cuenta oficial de Nintendo.

Que The Legend of Zelda se iba a convertir en un largometraje con actores reales era algo que todo el mundo sabía. Fue en noviembre de 2023 cuando Shigeru Miyamoto, director de videojuegos japonés, anunció que estaba desarrollando una película en formato live-action junto a Sony Pictures. A principios de noviembre de este año, algunos medios confirmaron que el rodaje había empezado en Wellington (Nueva Zelanda), misma región donde se grabaron grandes películas como Avatar o la trilogía de El Señor de los Anillos.

Pero apenas había información confirmada. Ahora ya sabemos quiénes serán los actores protagonistas y cuándo llegará el filme a los cines. Sin embargo, hay datos clave que siguen sin haber trascendido. Entre ellos está la trama de la película. No se sabe de qué irá exactamente la ficción, aunque se espera que esta tome elementos clave de las entregas más emblemáticas, como la lucha contra el personaje de Ganondorf.

También volverá a ser el turno de Mario

En el mundo de la animación, Nintendo también sigue desarrollando proyectos. Después del éxito de Super Mario Bros: La película, que se convirtió en el segundo largometraje más taquillero de 2023 tras recaudar más de 1.000 millones de dólares, la empresa de videojuegos tuvo claro que podía seguir apostando por el personaje más famoso de su historia.

Así es cómo el 3 de abril de 2026 llegará a cines la segunda parte del filme protagonizado por los hermanos Mario y Luigi, la princesa Peach y Bowser. Hablamos de Super Mario Galaxy: La película, una nueva producción que recupera la atmósfera del juego lanzado en 2007 para Wii, y que contará con personajes nuevos, como el pequeño Bowsy y la princesa Estela. 

Todo apunta a que Nintendo tiene más proyectos audiovisuales en marcha para llevar a la gran pantalla algunos de sus productos más emblemáticos. Uno de los rumores asegura que el gigante del videojuego podría estar trabajando en una película sobre Donkey Kong. Esta tendría como objetivo un estreno en 2028, aunque la información todavía no es oficial. Habrá que esperar para saber si el mítico gorila aterriza finalmente en la gran pantalla.

El pasado 13 de septiembre se cumplieron 40 años del primer ‘Super Mario Bros’, la serie de videojuegos de plataformas que desarrolló Nintendo sobre un personaje que había comenzado como un secundario de Donkey Kong y que fue obra de Shigeru Miyamoto, que había comenzado en la empresa como becario.

El famoso fontanero de Nintendo se convirtió en su gran estrella y en un icono de la cultura pop, trascendiendo generaciones, con una historia que había versionado a su manera clásicos como ‘Popeye’ o ‘La Bella y la Bestia’.

El origen de una de las teorías más disparatadas de Mario Bros

La aparición de más de 200 juegos de Mario Bros a lo largo de sus cuatro décadas de historia ha dado lugar a todo tipo de especulaciones, que a finales de los 90 vio nacer a una de las teorías más locas en internet relativa a único de sus videojuegos más populares, Super Mario 64.

Desde su lanzamiento entre 1996 y 1997 alrededor del mundo para la consola Nintendo 64 se convirtió en una de las insignias de la franquicia, todo un objeto de culto que pasó los doce millones de copias vendidas.

En Super Mario 64, Mario Bros era el gran protagonista del juego, pero una extraña teoría hizo que Luigi, sin aparecer, se convirtiera en uno de los iconos, y todo por el hecho de que los aficionados aseguraron que se podía desbloquear a este como personaje jugable.

Exactamente fue el descubrimiento de una frase ‘L is real’ inscrita en una de las fuentes del castillo de la Princesa Peach, que algunos aseguran leer a pesar de lo borroso que aparece una frase que sería exactamente un ‘L is real 2041’. De esta forma, según los fans de Super Mario 64 para desbloquear a Luigi como un personaje jugable había que hacerse con 2401 estrellas o monedas, dependiendo de la versión que se tuviera.

Dos décadas después, la teoría se resuelve

Esta teoría sobre Luigi en Super Mario 64 con la mítica ‘L is real 2041’ sobrevivió décadas hasta que se produjo la masiva filtración de códigos fuente de Nintendo en 2020 y entre estos archivos se descubrió que había un archivo con la idea de un modo que permitía dos jugadores.

De hecho, así se descubrió que Luigi formó parte del código del juego, algo que se conoció justamente 24 años y 1 mes después, lo que conecta directamente con el grabado. A pesar de ello, los creadores del videojuego señalaron que esta era una textura común que se reutilizaba entre los programadores como una broma, y como una idea inicial que no se llegó a dar y que, por tanto, no se podía desbloquear.

Nadie deja una videoconsola encendida tanto tiempo porque cualquier aparato está pensado para funcionar en sesiones limitadas, con pausas necesarias para evitar desgastes. La imagen habitual es la de partidas que duran horas, en el peor de los casos alguna noche en vela, pero nunca más allá de periodos humanos razonables.

La electrónica aguanta picos de calor, reinicios o golpes ocasionales, pero tenerla encendida de forma prolongada la pone en riesgo. Precisamente ese límite es lo que convierte en excepcional lo que sucede con un título legendario como Super Mario 64, donde la persistencia sin interrupción provoca un efecto sorprendente.

Un creador de YouTube descubrió fallos técnicos tras pruebas que se alargaron durante meses seguidos

El hallazgo procede del creador de contenidos Kaze Emanuar, que en un vídeo de YouTube mostró varios errores técnicos del clásico de Nintendo. Entre sus pruebas explicó que, tras 7 días de juego sin apagar la consola, el título empieza a mostrar rupturas en la experiencia. Sin embargo, el caso más llamativo surge cuando se deja transcurrir un periodo mucho más prolongado, cercano a 14 meses, ya que entonces el sistema activa un fallo ligado a los contadores internos.

El mecanismo detrás de este error está en los contadores ocultos que gobiernan a enemigos y objetos. Elementos como las Rocas Picudas, que caen y suben con regularidad, dependen de un número en constante aumento que marca cada acción repetida. Normalmente, al cumplir el ciclo, el contador se reinicia y todo sigue funcionando con normalidad. El problema aparece con algunos elementos puntuales cuyo contador nunca se reinicia, de modo que sus valores siguen creciendo hasta alcanzar un máximo. Cuando esto sucede, el resultado es un fallo que bloquea la orden de repetición y altera el comportamiento previsto.

Este fenómeno afecta de lleno al tiburón conocido como Sushi en el nivel del Gran Muelle. El animal no puede ser atacado, pero se reconoce por un sonido sutil que emite cada 16 frames. El archivo de audio es más largo, aunque nunca se escucha completo porque la repetición lo interrumpe antes de terminar. Según detalló Kaze Emanuar, al esperar más de un año con el juego en marcha el contador de este NPC llega a su tope, se detiene y deja de emitir órdenes. Entonces Sushi produce su sonido completo por última vez, lo que permite oír por fin un fragmento oculto que en circunstancias normales siempre queda cortado.

El mismo error también afecta a otros elementos del título. En el nivel Camino del arco iris, las alas de uno de los barcos voladores dejan de moverse al producirse ese desbordamiento del contador. Se trata de un comportamiento anómalo que no altera el avance del jugador en una partida corriente, pero que sí muestra cómo la programación interna guarda rincones nunca previstos para ser alcanzados.

Las pruebas de Kaze no se limitaron a Sushi o a los barcos. En su análisis incluyó otros ejemplos técnicos, como el contador de la pantalla de selección de estrella, que impide pulsar hasta pasados 12 frames. Este valor continúa activo de manera secreta mientras se permanece en el menú, y si alguien lo dejase abierto más de 2 años se produciría un error extremo. El contador se convertiría en un número negativo cercano a los -2.000 millones y obligaría a esperar otros 2 años para que el sistema volviese a permitir seleccionar.

Super Mario 64 demuestra que tres décadas después todavía guarda secretos que siguen sorprendiendo

En todos estos casos, Nintendo aplicó medidas para evitar que algo así sucediera en circunstancias normales, imponiendo topes en la mayoría de los enemigos y objetos. Por eso resulta tan extraño encontrar excepciones como Sushi, cuyo contador nunca se reinicia. Precisamente esas excepciones son las que permiten comprobar cómo los sistemas internos, creados hace casi 30 años, aún esconden curiosidades.

Lo fascinante de este asunto no es tanto la utilidad práctica del hallazgo, sino la demostración de que un título clásico puede seguir ofreciendo secretos tres décadas después. Super Mario 64 no pierde vigencia en su atractivo y, aunque nadie dejaría su Nintendo 64 encendida durante más de un año seguido, la existencia de estos fallos convierte al juego en una caja de sorpresas que todavía da material para seguir sorprendiéndose.

Cada día 29 de agosto se celebra el Día internacional del Gamer o del videojuego desde que se instaurara en 2008 por iniciativa de tres revistas españolas especializadas como son HobbyConsolas, PlayManía y PCManía, que decidieron crear una fecha que conmemorara este sector.

Una industria gamer que generó en la primera mitad de 2025 más de 1.300 millones de euros, poco más que el año anterior, y que a pesar del descenso de ventas, mantiene sus números debido al incremento del precio de los videojuegos, que entre los más populares mantiene series clásicas y marcas longevas.

EA Sports FC 25

Lleva en el mercado desde finales de 2024, pero sigue siendo el rey indiscutible de los videojuegos durante la mitad de 2025, siendo el más vendido según los datos que ofrece Asociación Española de Videojuegos (AEVI). Un público fiel que mantiene a través de los años la saga deportiva por excelencia dentro del mundo gamer.

Minecraft

El videojuego de construcción de tipo ‘mundo abierto’, lo que en inglés se llama sandbox, Minecraft es el segundo videojuego con más ventas en España en la primera mitad de 2025. Una saga creada por el sueco Markus Persson en 2009 y que creó Mojang Studios, actualmente dentro del conglomerado Microsoft, que además vivió en la primavera de 2025 el estreno de su adaptación en los cines con ‘Una película de Minecraft’

Assassin’s Creed Shadows

La serie de videojuegos Assassin’s Creed, que comenzó con su primer lanzamiento en 2007, es otra de las franquicias tradicionales que sigue entre las más vendidas en España. Una saga de acción-aventura con toque históricos en el que el protagonista Desmond Miles sale de la milenaria Hermandad de hashshashin. Su último videojuego, lanzado en marzo, ha sido de los que más ventas ha generado en la primera mitad del año.

La longevidad de la saga Mario Bros y otros videojuegos más vendidos

Si miramos los datos que ofrece, por ejemplo, el mes de julio, según la AEVI, observamos que en el top 10 de los videojuegos más vendidos se sitúan videojuegos clásicos como son los de la franquicia Mario Bros.

Uno de ellos es Donkey Kong Bananza, una saga creada por Shigeru Miyamoto para Nintendo de la que salió el personaje Mario Bros que luego generaría una serie paralela y superaría a su principal en fama.

De la familia Mario Bros, los juegos Mario Kart o super Mario Party siguen entre los más vendidos. Por su parte, otros videojuegos que han destacado por ventas son Death Stranding 2: on the beach, Grand Theft Auto o Animal Crossing.

Después de meses de rumores sobre la esperadísima Nintendo Switch 2, el aparato fue presentado oficialmente en abril mediante un directo en el que la gran sorpresa fue el anuncio de Donkey Kong Bananza. Este es el primer videojuego protagonizado por el icónico simio en mucho tiempo y también el primero en plataformas 3D en más de 26 años. Su llegada parece indicar que la compañía nipona se está esforzando por rescatar a un personaje al que, de hecho, deben su éxito internacional.

Quien comenzó como una némesis simplona del fontanero Mario se ha convertido en una pieza clave de la nueva estrategia empresarial, que pasa por impulsar el crossmedia a la vez que siguen innovando en el terreno jugable. Con los rumores de que tiene una película propia en camino y el estreno de su última aventura en solitario —que es, además, el segundo título exclusivo de la recién estrenada consola, toda una declaración de intenciones— vuelve a ponerse el foco en un protagonista que ha sabido impulsar el progreso en un medio en el que todavía tiene mucho que decir.

En la presentación española de Donkey Kong Bananza, Nintendo ha hecho énfasis en las conexiones que establece esta obra con el cine, en concreto con el de animación. Pero la relación del simio con el séptimo arte se remonta a su propio nacimiento. A finales de los 70, Nintendo se encontraba en un momento delicado en el mercado norteamericano. Para conquistarlo, acudieron a Popeye, el personaje de las tiras cómicas de Elzie Crisler Segar. De hecho, la ambientación en un edificio en obras nace del cortometraje Popeye el Marino: Olivia sonámbula. La dificultad de volver reconocible al marinero en ese primigenio pixel art y ciertos problemas con la licencia llevaron al joven Shigeru Miyamoto —quien crearía, entre otros, al Mario que hoy conocemos y la saga The Legend of Zelda— a apostar por personajes propios.

Popeye, Brutus y Olivia daban paso a Jumpman, el proto-Mario, Donkey Kong, la mascota enfurecida del protagonista, y la secuestrada Pauline. Con esta premisa tan sencilla, que bebía del King Kong de 1933 y de La Bella y la Bestia, Miyamoto creaba una mínima narrativa que en aquel momento resultó novedosa. Pese a que muchas veces se ha rumoreado que el nombre del simio provenía de un error de traducción entre donkey (burro) y monkey (mono), con él quería encapsular la esencia algo tontorrona y cabezota del personaje, a la vez que apelar a la audiencia estadounidense. Fruto de esta estrategia nacen el videojuego arcade Donkey Kong y dos personajes que cambiarían el medio.

Su innovación como uno de los primeros títulos de plataformas y el hecho de introducir una narrativa, por rudimentaria que fuera, hicieron que triunfara rápidamente. Tras su estreno en 1981, Nintendo pudo asentarse por fin en Estados Unidos, aunque también se las tuvo que ver con la denuncia de Universal City Studios, quien consideraba que el videojuego infringía los derechos de autor de su franquicia King Kong. Finalmente, perdieron el juicio, pero con la distancia que otorga el tiempo resulta interesante observar cómo esas barreras de influencias han quedado difusas, sobre todo ahora que Bananza tiene la vista puesta más que nunca en el cine y que los monos han dejado de ser solo una amenaza.

Del villano bobalicón al héroe más mono

Tras debutar por la puerta grande, Donkey Kong tuvo presencia en series de televisión como Saturday Supercade y un par de continuaciones: en la primera, su hijo intentaba rescatarlo de las garras de Mario, en su única aparición como villano, y en la segunda irrumpía en el invernadero de Stanley, un supuesto primo del fontanero, que le fumigaba para evitar que acabase con sus flores. El funcionamiento desigual de estas secuelas hicieron que el simio quedara en el olvido hasta la década de los 90.

El estreno en 1994 del innovador Donkey Kong Country para la NES renovó al personaje al mismo tiempo que expandía su universo. El videojuego, además de por sus mecánicas, recibió grandes críticas por su gran diseño, tanto por el cuidado aspecto visual como por la banda sonora, dos elementos que Bananza ha querido tener también muy en cuenta. Curiosamente, en este título se explica que a quien ahora conocemos como Donkey no es el protagonista del arcade original, sino que ese era su abuelo, ahora llamado Cranky Kong. Tal fue el éxito de este revival, que los personajes hasta protagonizaron una nueva serie de animación, la primera mediante captura de movimiento, El país de Donkey Kong.

En los siguientes años, se publicó la trilogía Donkey Kong Land para Game Boy y varios spin offs, algunos con propuestas tan sorprendentes como el videojuego de ritmo Donkey Kong Jungle Beat, que venía acompañado de unos reconocibles mandos en forma de bongos. También en 2004 se inició la saga Mario vs. Donkey Kong, en la que el simio vuelve a quedar como un secundario simplón a quien su obsesión por los juguetes Mini-Mario lleva a enfrentarse con el italiano. De esa manera, da la sensación de haber estado dando bandazos respecto a su personalidad y papel, pues no es hasta los últimos años que definitivamente ha pasado de villano ramplón a protagonista carismático.

Adiós a los secuestros, hola a los puñetazos

Con todo esto en mente llega Donkey Kong Bananza, un videojuego realizado por el mismo equipo del laureado Super Mario Odyssey, que presenta un rediseño del personaje con el que buscaban transmitir todo su “encanto” y, de algún modo, alejarse del tono más gamberro que lucía en los 90 para volverlo adorable, muy en la línea de lo que funciona en la actualidad, como también le ha sucedido al alienígena Stitch. En el evento de presentación celebrado en Madrid, los responsables de Nintendo han destacado que la producción del título es muy cercana a las de las películas de animación, por lo que parece evidente que quieran tender puentes cada vez más firmes entre ambos mundos. Es por eso que, aunque Donkey Kong es capaz de abrirse camino a través de puñetazos en el nuevo videojuego, lo emparejan con una adorable cantante para que la dupla resulte más atractiva para todos los públicos.

El origen de su aliada en esta aventura es curioso, pues forma parte de la tríada original del arcade, ya que ella era la joven secuestrada por el simio, Pauline. En sus primeras apariciones su aspecto y rol son más similares a los de la Peach inicial, pero, al igual que la princesa del Reino Champiñón, su papel ha pasado de ser una secundaria a una mujer con personalidad propia. Ha aparecido en varios títulos, particularmente de Mario vs Donkey Kong, en los que pasa de ser amiga a secuestrada por Donkey Kong sin mucha continuidad. No es hasta Super Mario Odyssey que le dan una personalidad, ya que es presentada como alcaldesa de la ciudad Nueva Donk y como cantante de jazz, en lo que quizá sea un guiño a los libros de colorear de los 80, en los que ella ya aparecía asociada al mundo de la música.

Ahora es una joven de 13 años y su voz juega un papel fundamental, pues es la que desencadena las transformaciones del protagonista, que les permitirán avanzar por los diferentes escenarios. Con esta decisión se alejan de la vinculación con el secuestro y apuestan por un cliché que ha ganado popularidad en los últimos años: el del varón que se ablanda tras tener que hacerse cargo de una niña. Este estereotipo, presente en videojuegos como The Last of Us o Death Stranding ha tenido también su eco en series como The Mandalorian o películas como Monstruos S.A. o ¡Rompe Ralph!, dos claros referentes con los que quiere asociarse Nintendo. El último caso es especialmente curioso por cómo la inspiración de los protagonistas viene inicialmente de los videojuegos de la compañía nipona, de manera que las producciones se retroalimentan y los roles se vuelven cada vez más rígidos.

Más allá de esto, lo probado durante la presentación permite ver un videojuego divertido, repleto de escenarios coloridos y una banda sonora con entidad propia, cuidada y enérgica, que mezcla las composiciones originales con nuevas piezas de Kenta Kubo. La mecánica de avanzar a base de golpes es realmente gustosa, por lo que la aventura promete ser entretenida, y tanto una buena puerta de entrada para nuevos fans del personaje de todas las edades como una reafirmación de la presencia que cobra Donkey Kong cuando se le permite brillar, con toda su brutalidad y comedia intactas, pero abrazando también la ternura y el trabajo en equipo.

Mirar al pasado para encarar el futuro

En realidad, Donkey Kong no ha estado completamente olvidado en los últimos años, ya que ha tenido un papel notable en otros títulos del universo, como Super Smash Bros. o Mario Kart. También aparece en la adaptación animada de Universal Pictures e Illumination Entertainment, donde le pone voz Seth Rogen en versión original y su papel fue bastante celebrado. Tampoco hay que pasar por alto que menos de un año después de la película, el parque de atracciones Universal Studios Japan abría la primera expansión del área de Super Nintendo World, que se centraba exclusivamente en el mundo de Donkey Kong.

La estrategia de Nintendo de ir dando protagonismo a cada uno de sus personajes clave está muy pensada y nace de manera transversal, pues va mucho más allá de las consolas. Ya no dejan que sus IP deriven en productos secundarios sobre los que no tienen el control. Que el rediseño ideado para Donkey Kong Bananza es el que se ha tomado como modelo en Super Mario Bros: La película y Mario Kart World demuestra que tienen todo calculado. Ahora que acaban de anunciar los actores protagonistas del live action de The Legend of Zelda, parece claro que han sabido aprovechar las posibilidades crossmedia del cine mainstream y que quieren convertirse en un gigante absoluto del audiovisual. Solo queda ver si seguirá mirando a sus orígenes para proyectar hacia el futuro y en qué nuevo medio son las próximas aventuras del mono con corbata más querido.

Link y Zelda, los personajes principales de los videojuegos de The Legend of Zelda, ya han cobrado vida de la mano de la película que llevará a la gran pantalla su historia. Será la actriz inglesa Bo Bragason (21 años) y el actor inglés Benjamin Evan Ainsworth (16 años) quienes se pondrán en el papel de Zelda y Link respectivamente en la cinta de acción real que Nintendo prepara junto a Sony Pictures. “Nos complace anunciar que, para la película de acción real de The Legend of Zelda, Zelda será interpretada por Bo Bragason-san y Link por Benjamin Evan Ainsworth-san”, reza el comunicado que Nintendo ha publicado en sus redes sociales. “Tenemos muchas ganas de verlos a ambos en la gran pantalla”, continúa el anuncio, que está acompañado de una fotografía en la que se ve a ambos intérpretes con la vestimenta que llevarán en la película.

La adaptación cinematográfica del aclamado videojuego está dirigida por Wes Ball, que ya cuenta en su filmografía con otros títulos de gran taquilla como El corredor del laberinto y El reino del planeta de los simios. El equipo de producción lo completan Miyamoto y Avi Arad. No obstante, para ver el trabajo definitivo que han hecho con la historia habrá que esperar hasta el 7 de mayo de 2027, fecha en la que se espera que se estrene en todo el mundo.

Bragason es conocida por sus papeles en series de BBC One como Three Girls y The Jetty o de Disney+ como Renegade Nell. Además, fue protagonista de la comedia vampírica The Radleys. Por su parte, Ainsworth puso voz a Pinocho en su película de acción real de Robert Zemeckis e interpretó a Miles en la serie de Netflix The Haunting of Bly Manor. Asimismo, apareció en un episodio de la famosa serie The Sandman.

Aunque se esperaba que el filme llegara a los cines de todo el planeta en marzo de 2027, el equipo de la película ha decidido retrasarla unos meses razones que tienen que ver con la producción. Hasta entonces, se irá anunciando poco a poco el resto de actores que conforman el reparto de la cinta, así como las primeras imágenes junto a los tráilers que saldrán, previsiblemente, a lo largo de 2026.

Lo cierto es que se trata de uno de los títulos más potentes para la cartelera de 2027, pues, después de que Super Mario Bros. Movie resultase ser todo un éxito en taquilla para Universal Pictures e Illumination Entertainment, Nintento luchará por repetir el mismo nivel de éxito con The Legend of Zelda, que esta vez se distribuye de la mano de Sony. El videojuego es uno de los más vendidos de la historia y cuenta con una enorme base de fans detrás.

Hoy en día es difícil que haya personas que no conozcan a Mario Bros, una de las franquicias más exitosas del mundo de los videojuegos y uno de los personajes más reconocidos de Nintendo. Cada 10 de marzo se celebra su día mundial debido a la abreviatura del personaje, y que desde 2016 se tiene como fecha oficial por la propia empresa asiática, un momento para conocer su peculiar historia.

Así nació el personaje de Mario Bros

La historia de cómo se dio vida a Mario Bros es de lo más curiosa, y comienza con la llegada a la compañía de un aprendiz, Shigeru Miyamoto, que consiguió una entrevista para formar parte de la empresa debido a que su madre era amiga del entonces presidente de Nintendo, Hiroshi Yamauchi.

Miyamoto no tuvo un comienzo idílico en la compañía, pues participó en el proyecto de Radar Scope, que fue uno de los fracasos más grandes de Nintendo en esa época, pero su perseverancia le llevaría a no rendirse y crear el germen de lo que sería el personaje principal de la empresa y uno de los más icónicos no solo del sector de los videojuegos, sino también de la cultura pop.

La primera aparición de lo que sería Mario Bros fue en el juego Donkey Kong, en 1981, donde debutó con un pequeño papel y bajo el nombre de Jumpman, siendo precisamente el saltar la principal función. La imagen de entonces difería de lo que sería el fontanero más famoso se convertiría en lo que conocemos a partir de 1983, cuando Miyamoto adaptó Popeye.

El debut oficial de Super Mario Bros

Y es que la primera opción de Nintendo es crear una serie de juegos con la licencia de Popeye, pero esta no se pudo conseguir y el joven creó su propio triángulo y con influencia de otras historias como ‘La bella y la bestia’ llegó a lo que conocemos como Mario Bros, con el malvado Bowser y la princesa Peach.

La primera versión de la serie Super Mario Bros salió a la venta en 1985, con el argumento de que el fontanero tiene que salvar a la princesa Peach tras ser secuestrada por Browse, un rey que la tiene secuestrada y que domina con maldad el Reino Champiñón.

Una deuda de alquiler y el nombre de Mario Bros

La historia de Mario Bros tiene uno de sus puntos más peculiares en el origen de su nombre, que viene directamente de una deuda de un alquiler que tenía la empresa Nintendo en Estados Unidos. Por aquel entonces, se habían retrasado en el pago del local de uno de los almacenes y pidieron una prórroga al dueño de este.

Mario Segale, que era el nombre del casero del almacén, aceptó esa prórroga en el pago y como gesto de buena voluntad y agradecimiento, la empresa le dio el nombre del personaje de videojuegos, que adoptaría la nacionalidad italiana por deseo de su creador.

El resto es historia. La franquicia tiene un valor aproximado de 36.000 millones de dólares, es una de las más exitosas del sector de los videojuegos, y ya ha debutado en el cine, también con fortuna. Cada 10 marzo, los fans de la saga la celebran gracias a que la abreviatura de la fecha coincide con el nombre de Mario Bros: MAR10.

Un fontanero que se reinventa como cazafantasmas fue el punto de inflexión que terminó de ensalzar a una figura en la sombra. Luigi, el hermano del famoso icono de Nintendo, pasó de ser un secundario simpaticote a una estrella capaz de eclipsar al mismísimo Mario. La buena recepción que tiene su faceta más asustadiza en títulos como Luigi’s Mansion 2 HD, la remasterización del videojuego de 2013 que acaba de llegar a Nintendo Switch, permite comprobar lo lejos que ha llegado un personaje nacido para ser una comparsa. Pero, ¿por qué conecta tan bien con la audiencia?

“Ningún videojuego de Mario se caracteriza por tener una narrativa profunda o que busque explorar la psique de los personajes, pero en la saga Luigi’s Mansion el hermano menor está más definido” razona Salva Tabone, antropólogue e investigadore de narrativa audiovisual. Para el periodista cultural Juan T. Salas, “ver cómo enfrenta sus miedos o sacrifica su apacible calma con tal de salvar el día conecta mejor con los jugadores que ver a Mario flotando por encima del suelo del Reino Champiñón”. “Luigi tiene los pies en la tierra, es uno de nosotros”, declara.

Por su parte, Eric Rodríguez de Leyendas & Videojuegos explica que “la IP de Super Mario ha crecido tanto que su protagonista se ha quedado encorsetado en poco más que un avatar familiar y amable”, lo cual “limita mucho lo que puede decir y hacer”. “Sin embargo, esto no se aplica al resto de personajes de su universo, que tienen algo más de margen para definirse como entes independientes”, prosigue, “Luigi es uno de los que más se aprovecha de ello”. 

De ahí que, a diferencia de Mario, sea mostrado con rasgos a priori negativos como ser cobarde, una característica que, empero, no aleja a la audiencia. Salas considera que, mientras que “es sencillo apoyar a los héroes perfectos que cumplen con todo aquello a lo que aspiramos, con el tiempo aprendemos a valorar a los personajes que muestran sus miedos”.

Construyendo a un ídolo asustadizo

“Su estatus de tremendo segundón, que se complementa muy bien con no ser un héroe típico” también apela a la audiencia según Tabone. Al fin y al cabo, Luigi nace de la necesidad de tener opción para un segundo jugador en los primeros títulos de la franquicia. Inicialmente su peto verde era la única diferencia, su mayor estatura y personalidad se fueron perfilando poco a poco. En juegos como Mario Party se comenta que Luigi es más inteligente, y de títulos como Super Mario Bros sabemos que salta más alto y que es más veloz, características propias frente a las habilidades genéricas de Mario. 

Cuando se convierte en protagonista, su personalidad se desarrolla. Es cierto que en 1992 fue el héroe que salvaba a Mario —en un viaje que le llevaba hasta España— en el videojuego educativo Mario is Missing!, pero este no es un título oficial de Nintendo. Hubo que esperar hasta 2001 para su primera aventura canon como protagonista, cuando el Luigi’s Mansion original llegó a Gamecube, convirtiéndose en uno de los grandes lanzamientos de la consola y catapultando a la fama al de verde, que tendría que moverse por tétricos entornos para absorber los fantasmas que le aguardaban en la oscuridad solo armado con una aspiradora.

Ver cómo enfrenta sus miedos o sacrifica su calma con tal de salvar el día conecta mejor con los jugadores que ver a Mario flotando por encima del Reino Champiñón. Luigi es uno de nosotros

Juan T. Salas — Periodista experto en videojuegos

Esta faceta cobardica se había manifestado antes, tanto en los cómics oficiales de los 90 como en los anuncios de acción real en la época de Atari, pero aquí es dónde perfeccionan uno de sus rasgos característicos. Para Rodríguez, aunque en “Mario & Luigi podemos ver la férrea relación fraternal que tienen los hermanos, en Luigi's Mansion es donde realmente brilla su personalidad”. “Luigi no quiere estar en ese lugar, pero entre sollozos y sustos, supera los retos. Es imposible no empatizar con un personaje así”, asegura.

Para el periodista cultural, este título también es “un punto de inflexión esencial” del personaje. Señala que la remasterización de Luigi’s Mansion 2 es “una buena oportunidad para que mucha gente se acerque a la saga, como también lo fue la tercera entrega”, y resalta que “Luigi’s Mansion 2 HD supone un regreso al hogar para quienes lo jugaron en Nintendo 3DS, pero también hace las cosas muy bien para que los neófitos no perciban ninguna barrera insalvable, pues cuesta no esbozar una sonrisa durante toda la partida porque tanto el juego como su protagonista tienen un corazón inmenso”. Eso sí, sopesa que actualizaciones de clásicos como esta “se podrían hacer de forma menos agresiva con el bolsillo de los jugadores”.

El poder de una carcajada

Queda claro que para Mario el desafío está en el reto externo, pero Luigi debe enfrentarse a sus inseguridades primero para salvar a su hermano y amigos. Salas cree que por eso son “fácilmente diferenciables”. Además, el hermano menor también destaca por un notable sentido del humor: más expresivo que el protagonista, su revelador rostro y su apuesta por el slapstick, acompañadas de la acertada voz de Charles Martinet, hacen que sea divertido simplemente verlo en escena. No es casualidad que en la reciente Super Mario Bros: La película sea colocado en una situación de peligro para rebajar la tensión con las risas.

“Luigi se puede permitir mirar mal a alguien tras atinarle con un caparazón, no tiene que ser el héroe perfecto de cuento”, recalca el periodista, consciente de que Luigi se ha convertido en un querido y poderoso meme, precisamente por sus caras y personalidad. En ese sentido, Rodríguez sostiene que “Internet ha hecho buena labor con él, cosas como el ‘Luigi wins by doing absolutely nothing’ [Luigi gana sin hacer absolutamente nada] o el ‘Luigi Death Stare’ [La mirada de la muerte de Luigi] de Mario Kart han generado oleadas de apreciación al personaje nacidas del humor roto de Internet”. 

Tabone matiza que, además, como no está tan profundamente desarrollado, se le pueden dar muchos matices. En lo personal, considera interesante que no representa una masculinidad tan tradicional como la de Mario, de modo “se le podría asociar a las nuevas masculinidades”, y hasta bromea con que “Luigi podría ser tu moderno de Madrid que se está deconstruyendo”. Lo que tiene claro es que es un personaje del que nos podemos reír, pues “frente a un Mario aspiracional, que Luigi utilice el humor y el miedo nos hace conectar más con él”.

Queremos héroes imperfectos

Antes del estreno de Super Mario Bros: La película, la web especializada en videojuegos Cribbage Online realizó una encuesta en la que 87.000 personas votaron su personaje favorito de la franquicia, lo que dio como ganador a… Yoshi, el pseudo dinosaurio que acompaña a los hermanos en sus aventuras. En la misma línea se manejan los entrevistados, pues Rodríguez “diría Waluigi por ser fiel a Internet y darle un poco de amor al antagonista alto y desgarbado”, y Salas comenta que en Mario Kart siempre elige al esquelético Huesitos. 

Pero, como ocurría en la citada encuesta, la segunda posición la ocupa el fontanero de verde. Eric Rodríguez recuerda cuando jugó por primera vez a Luigi's Mansion: “me fascinó ver el potencial que tenían los personajes secundarios del universo Super Mario, y cualquier personaje dentro de una IP tan grande que tenga espacio para tener unas gotitas de personalidad a mí ya me tiene ganado”.

Está convencido de que “a nivel marca y popularidad, Super Mario está a la altura de Mickey Mouse”. “Es el símbolo de los videojuegos por antonomasia, mientras que Luigi sigue siendo un personaje secundario con un par de spin-offs de nicho”, concluye. Al final, Mario es más mascota que persona, con unos rasgos muy limitados, por lo que no es de extrañar que la audiencia se sienta más interpelada por un héroe imperfecto y bonachón, que mediante sus flaquezas, fragilidad y sentido del humor se siente cercano. 

Por eso, le antropólogue Salva Tabone también reconoce que prefiere al hermano menor. “Y no porque Luigi sea mi segundo nombre, sino porque a veces queremos conectar, más que con los héroes, con alguien a quien le cuesta llegar a buen puerto”, expresa. Aunque, como destaca Juan T. Salas, “¿para qué elegir sólo a uno pudiendo jugar con ambos? A tope con el amor fraternal”.

Mario cruza el estanque del Parque del Retiro, no en barca, sino en un coche equipado con un globo que le permite volar. Luigi atraviesa la Gran Vía con el Edificio Capitol al fondo, donde en vez de Schweppes se lee “sparkling” (“agua con gas”). Dos Toads toman algo en un local de churros y torrijas. Mario Kart, una de las sagas más exitosas y conocidas en la historia de los videojuegos, ha abrazado lo castizo con un nuevo circuito ambientado en Madrid.

La última actualización de Mario Kart Tour, versión para dispositivos móviles del multiventas juego de carreras, permite recorrer algunos de los lugares más reconocibles de la capital mientras controlamos a Yoshi, Peach, Wario, Daisy, Bowser o Huesitos. La pista pasa también por la Puerta del Alcalá, la Puerta del Sol, el Palacio Real o la Puerta de Europa, más conocida como Torres Kio (logo de la extinta Caja Madrid incluido).

El nivel de detalle es en algunos casos muy sorprendente, véase las pantallas de seguridad en el Viaducto de Segovia. Claro que también hay representaciones más generosas, como unos toldos que aportan sombra al asfalto o la presencia prácticamente constante de arbolado.

“Mario Kart Tour se basa en los viajes explorando las ciudades del mundo, además de las carreras, y de ahí este tipo de incorporaciones”, explica a Somos Madrid Sergio Cejas, editor de VidaExtra (web especializada en información sobre consolas, videojuegos y entretenimiento). Madrid sigue los pasos de Nueva York, Ámsterdam, Londres, Shanghái o El Cairo. Su inclusión se explica en parte por “el enorme éxito de este videojuego, y de Nintendo en general, que hay en España”. Para Sergio, sobresale “la inclusión de muchos elementos fácilmente identificables para cualquier persona que viva en la ciudad, la haya visitado o simplemente la conozca”.

Este gran conocedor del sector puntualiza que el circuito llega para quedarse, es decir, permanecerá aunque lleguen actualizaciones futuras. Incluso avanza la posibilidad de que Madrid se incorpore a Mario Kart 8 Deluxe, el último lanzamiento de la saga para Nintendo Switch: “Desde hace unos años está incorporando circuitos por medio de los seis contenidos descargables que Nintendo anunció, y varios de ellos provienen de Mario Kart Tour. Queda por salir el último de los seis, previsiblemente a finales de 2023, por lo que mucha gente está pidiendo que este sea una de los ocho nuevos recorridos que se van a elegir”.

Como comenta Sergio, “a muchas personas les genera todavía más ilusión poder correr la carrera de Madrid en la Nintendo Switch”. No en vano, esto permitiría disfrutar del recorrido con una jugabilidad y unos gráficos reforzados, así como atravesar las calles de la ciudad en el televisor de casa. Lo cual es todo un lujo, especialmente con el entorno “tan colorido y simpático” que presenta el juego frente a un Madrid “cada vez más negro”.

El Ayuntamiento lo celebra y las redes lo jalean

Fuentes del consistorio confirman a Somos Madrid que “el Ayuntamiento no ha intervenido” en este curioso hito. La delegada municipal de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, considera en declaraciones a este medio que se trata de “una excelente noticia que demuestra, una vez más, cómo Madrid vive un momento extraordinario”.

Desde el área de Turismo de la Comunidad de Madrid también valoran muy positivamente la campaña “gratuita”, al menos para las instituciones públicas, que esta aparición audiovisual supone. Aunque no se atreven a efectuar una predicción concreta en cifras sobre el impacto económico directo o indirecto que pueda acarrear, destacan un posible impulso al turismo familiar e incluso al juvenil. Recuerdan, eso sí, que la región ya muestra “robustez y un crecimiento continuo” en ambos apartados. Al respecto de la imagen que el videojuego ofrece de Madrid, sostienen que se ajusta a “la realidad de una ciudad abierta que acoge a todo el mundo” y entienden que en una única pantalla “es imposible ofrecer todas las capas de una capital con tantas posibilidades”.

Claro que algunos usuarios han adaptado el circuito a su propia realidad: obras, contenedores, señores disfrazados de dibujos animados o temperaturas por las nubes.

Otras personas han optado por una reinterpretación más “ideológica” del asunto, versionando la banda sonora que suele acompañar las correrías de Mario y compañía con la sintonía del partido más votado en la zona en los últimos comicios. Incluso se ha llegado a especular con posibles cameos de personalidades de la sociedad española.

Aunque no haya sido una inclusión buscada por el propio Ejecutivo municipal ni el regional, las administraciones locales y autonómicas ya han dejado claro su interés por tejer relaciones con el mundo del automovilismo. Así lo demuestra el empeño por albergar un Gran Premio de Fórmula 1, reforzado con la exposición sobre la competición que albergó Ifema o la controvertida exhibición de un monoplaza en pleno centro de la capital (evento que sirvió además para promocionar una conocida bebida energética).

Madrid se incorpora al Reino Champiñón en uno de los mejores momentos para el fontanero italiano y sus amigos. Super Mario Bros: La película es hasta la fecha la película más taquillera del año a nivel mundial (aunque Barbie se dispone a destronarla) y uno de los tres largometrajes animados que más dinero ha recaudado jamás. Mario Kart 8 Deluxe, lanzado en 2017, es el lanzamiento de Nintendo Switch que más copias ha vendido: más de 55 millones a fecha de julio de 2023. En cuanto a Mario Kart Tour, que vio la luz en 2019, es el juego con mayor número de descargas móviles en la historia de la compañía japonesa. Ante este éxito, por tanto, podemos afirmar que el héroe bigotudo ha viajado del cielo a Madrid.

En 1985, el éxito inmediato en Japón del videojuego de plataformas Super Mario Bros. sentó las bases de una de las franquicias más icónicas de la industria, protagonizada por dos bigotudos fontaneros. Con un reconocible diseño como clara seña de identidad, las simplonas tramas siempre han sido meras excusas para el lucimiento de sus mecánicas, centradas tradicionalmente en el desplazamiento lateral a través de distintos niveles repletos de plataformas móviles, llamativos villanos y objetos potenciadores de habilidades. Ahora, la adaptación a manos del estudio Illumination recoge el testigo, emulando estos elementos clave de la saga sin llegar a capturar por completo su carisma.

Cuando los hermanos italoamericanos Mario y Luigi viajan por accidente desde su Brooklyn natal hasta un mágico mundo repleto de criaturas sorprendentes, ven cómo su valía es puesta a prueba en un enfrentamiento contra el peligroso rey Bowser, que quiere hacerse con el poder de ese universo. En realidad, el punto de partida del filme es bastante similar al de los videojuegos de Nintendo, pues Super Mario Bros: La película mantiene aquellos componentes más notables, solo que se ve obligada a desarrollar una historia propia que haga avanzar la trama sin depender de la proactividad del usuario como motor del progreso.

En este caso, la compañía detrás de Gru, mi villano favorito ha tenido que recurrir a las grandes secuencias de acción para intentar camuflar un relato plano y repleto de tópicos, pero funcional y con cierto encanto pese a su vacuidad. Aunque aquí el espectador no podrá hacer frente de primera mano a los retos que atenazan a los protagonistas, sí experimentará junto a ellos el entusiasmo de crecer gracias a ingerir un champiñón rojo o la angustia de quedarse a mitad de camino en un salto vital. Lo que la audiencia tendrá más complicado será conectar emocionalmente con sus personajes, que se presentan desdibujados, pues todo su carácter se reduce a una actualización del look visto en los videojuegos.

De la consola a los cines… sin alma

Por mucho que resulte complejo trasladar las particularidades del lenguaje del videojuego a la gran pantalla, adaptaciones recientes como The Last Of Us o —más en la línea familiar de esta propuesta— Sonic, la película y Pokémon: Detective Pikachu han demostrado que encontrar un equilibrio entre diferenciarse del referente original y apelar a sus seguidores es una buena manera de cautivar a los espectadores al ofrecer una experiencia con un sabor reconocible pero novedoso. Sin embargo, a pesar de que Super Mario Bros: La película recoge elementos de anteriores adaptaciones cinematográficas para construir en base al lore —la historia escondida—paralelo a los videojuegos, lo hace sin atreverse a inventar nada demasiado rompedor.

No es casualidad, por tanto, que el guion de Matthew Fogel (El origen de Gru) apueste por el isekai, un subgénero de fantasía que consiste en que un personaje viaja por accidente desde la Tierra hasta un universo desconocido para él. Así, aunque Mario y Luigi en los videojuegos inicialmente pertenecían al Reino Champiñón, la nueva adaptación opta por una premisa similar a la vista en la película de animación japonesa de 1986, la estrambótica serie de 1989 El show de Super Mario Bros. y la denostada propuesta de acción real de 1993.

De hecho, con esta última —conocida como Super Mario Bros. a secas— presenta un puñado de similitudes en cuanto al desarrollo de los acontecimientos, algo curioso si se tiene en cuenta el pésimo recibimiento que el trabajo obtuvo en su momento y cómo ha quedado grabada en el imaginario colectivo como una nefasta adaptación debido a lo rupturista y caótico de su propuesta. Es llamativo también cómo la nueva película, aun siendo la adaptación más fiel hasta la fecha, mantiene elementos establecidos en los filmes anteriores, de alguna manera equiparando este legado cinematográfico al de las consolas.

De ese modo, Peach ya no es una simple princesa a la que rescatar —aunque sí el único personaje femenino con importancia—, pero carece de motivaciones más allá de querer proteger su reino. El achampiñado Toad se convierte en el clásico sidekick graciosete, aunque cuando está a punto de transformarse en un incordio, su papel en la trama se vuelve anecdótico. Lo mismo le ocurre a Luigi, cuya función en los eventos se diluye a medida que avanza el metraje, siendo más un macguffin —elemento narrativo que hace avanzar la trama— que un protagonista con entidad propia. Y Bowser funciona en su desempeño de villano, pero sin llegar nunca a brillar, y eso que Jack Black en la versión original pone todo de su parte para conseguirlo.

Solo el gorila Donkey Kong consigue tener una presencia más firme, hasta tal punto que su relación de rivalidad con Mario es la más creíble de todo el metraje. Este es uno de los grandes problemas de la película que, al margen de su simpleza, no es capaz de implicar al espectador. Las alianzas que surgen resultan insulsas, el amago de romance carece de interés y hasta el vínculo entre los hermanos pierde fuelle con el tiempo, pues sirve más de excusa narrativa que de honesta muestra de afecto. Además, aunque el objetivo de Mario está relacionado con demostrar su valor frente a su familia, esto apenas se muestra en tres líneas de diálogos, lo cual reduce su evolución personal a un par de frases situadas en el momento justo, con la precisión de una inteligencia artificial, y su mismo corazón.

Nostalgia para toda la familia

A cambio, Super Mario Bros: La película mide a la perfección los guiños, para que no resulten pesados o frenen el infatigable ritmo de la cinta. La sucesión de easter eggs o referencias directas seguramente hagan las delicias de los fans más nostálgicos de los videojuegos, mientras que para los recién llegados servirán para descubrir los ingredientes mediante divertidas secuencias… que no dejan de ser un gigantesco escaparate, ideal para vender los distintos títulos de la colección a un nuevo público. La presencia de vehículos que remiten a las entregas de Mario Kart o ver a un miedoso Luigi avanzando por un tenebroso escenario con su linterna como en el videojuego Luigi’s Mansion son buena muestra de ello. Por eso, en ocasiones toda la película da la impresión de ser un anuncio alargado, aunque sea uno colorido, cautivador y de sobra entretenido.

La música es otro elemento que ayuda a acrecentar esta sensación impostada, pues los arreglos de Brian Tyler a los temas clásicos compuestos por Koji Kondo se intercalan con reconocibles canciones pop —y hasta con el famoso rap de Donkey Kong 64—, en la línea de lo visto en otros trabajos de Illumination como Mascotas y ¡Canta!, solo que en este caso solo hay tonadas de hace unas décadas. A caballo entre tocar la fibra de quienes han crecido jugando a los videojuegos y la conquista de aquellos padres que reconozcan en el filme temas de su juventud, es evidente que tiene claro cuál es su target. Por eso, tampoco deja de lado a los niños, ya que ante todo esta es una película infantil.

Si bien apela a cierto perfil de adultos, es una obra familiar cuyo sentido del humor amable, y tontorrona inocencia, sintonizan directamente con los más pequeños. Esa es la razón de que las explosiones de color trasladen con encanto las pantallas de los videojuegos a las salas de cine, de una manera que sin duda sabrá captar la atención de los menores gracias también a la robustez que aportan al conjunto los directores Aaron Horvath y Michael Jelenic, que ya trabajaron juntos en la serie Teen Titans Go! Y la verdad es que, en una época de remakes oscuros, la apuesta por un universo esplendoroso supone un alivio.

Entonces, ¿se le puede pedir más a Super Mario Bros: La película? Al fin y al cabo, es entretenimiento puro, sencillo y directo, como ocurre con los videojuegos. La diferencia es que estos sí planteaban retos y novedades para el sector, mientras que aquí no hay ningún tipo de innovación, ni siquiera en sus solventes secuencias de acción. Pero, pese a una narrativa superficial que no sabe, o quiere, alejarse de lo formulaico, no hay duda de que la alianza entre Universal Pictures, Illumination y Nintendo sabrá contentar tanto a los sentimentales amantes del Mario pixelado como a los nuevos espectadores que encuentren en este redondeado fontanero un sustituto menos estridente de los Minions.

Las empresas japonesas Sony y Nintendo han presentado este martes sus resultados anuales de 2021 y ambas coinciden en un punto: sus cifras de 2022 serán peores por el recrudecimiento de la crisis de los chips.

La empresa de videojuegos Nintendo mantuvo el tipo en su ejercicio fiscal de 2021, cerrado el pasado marzo, en el que registró una ganancia neta de 477.691 millones de yenes (unos 3.470 millones de euros), gracias a la rentabilidad de su consola Switch y sus juegos. La cifra es un 0,6% inferior a la anotada un año antes, cuando la desarrolladora y distribuidora japonesa obtuvo un beneficio récord por el boom de su simulador social “Animal Crossing: New Horizons” en el peor momento de la pandemia y los confinamientos, y que fue un motor de ventas de consolas del que careció en el año siguiente.

En lo que respecta al beneficio operativo de la empresa con sede en Kioto (oeste de Japón), cayó un 7,5 % interanual, hasta 592.760 millones de yenes (4.310 millones de euros), y su facturación disminuyó un 3,6 %, hasta 1,69 billones de yenes (12.320 millones), según su informe financiero publicado este martes.

Sony, por su parte, obtuvo un beneficio neto de 882.000 millones de yenes (6.399 millones de euros) en el ejercicio 2021, una caída interanual del 14% atribuida a las pérdidas de su rama de seguros. Prevé ganar aún menos este 2022 por la carestía de los semiconductores y el incremento de los costes.

La corporación nipona se anotó un beneficio operativo de 1,2 billones de yenes (8.707 millones de euros), lo que representa un 26 % más y una cifra récord, según los resultados anunciados este martes, correspondientes al ejercicio que arrancó en abril de 2021 y concluyó a finales del pasado marzo.

Los resultados de ambas compañías se vieron favorecidos por la fuerte devaluación del yen, sobre todo durante el primer trimestre del año natural (y equivalente al último cuarto del ejercicio fiscal nipón), cuando la divisa nipona aceleró su depreciación frente al dólar y al euro.

En el caso de Sony, esta evolución compensó el efecto negativo de la citada reestructuración de la rama de seguros del gigante nipón, que le costó 16.800 millones de yenes (121 millones de euros), así como el descenso de la demanda de videojuegos en 2021 en comparación con un 2020 marcado por las primeras y más duras fases del confinamiento en muchos países.

Nintendo también sufrió esta caída en las ventas de sus videoconsolas. La compañía vendió 23,06 millones de unidades de Switch, un 20% inferior a las ventas de un año antes, una disminución que Nintendo atribuyó a la falta del filón de Animal Crossing y a la carestía de semiconductores y otros componentes clave en la producción de consolas, también por las interrupciones en las cadenas de suministro, que viene impactando a numerosos fabricantes en todo el mundo.

En cambio, sus ventas de software sí mejoraron en 2021, con un crecimiento del 1,8% hasta un récord de 235,07 millones de copias. La empresa ha comercializado en total 822,18 millones de unidades de juegos.

Ambas compañías afirman que la carestía de semiconductores y otros componentes clave en la producción de consolas, así como las interrupciones en las cadenas de suministro, provocarán una caída de sus beneficios durante el próximo ejercicio. Nintendo prevé un descenso del 5,6% hasta 500.00 millones de yenes (3.630 millones de euros), mientras que Sony pone la cifra en un 6 %, hasta los 830.000 millones de yenes (6.021 millones de euros).

Mientras la industria del videojuego busca una nueva edad dorada, Sony y Nintendo sufren por no cumplir con las altas expectativas que el sector tiene para ellas. Las dos japonesas han presentado resultados peores que los de 2020 y están cayendo en bolsa, un 6% en el caso de la primera y un 2,75% la segunda. La crisis de los microchips ha afectado de forma severa a Sony, que no ha sido capaz de hacer llegar sus PlayStation 5 a los consumidores más de dos años después de su lanzamiento, mientras que en el caso de Nintendo su consola Switch sigue siendo la más vendida del mundo, pero no ha sido capaz de igualar los espectaculares resultados de 2020.

La caída bursátil de Sony se ha producido un día después de presentar su informe financiero de abril a diciembre, los primeros nueve meses del año fiscal japonés, en los que vio reducido su beneficio neto un 19,9%, hasta 771.100 millones de yenes (5.962 millones de euros). La causa principal son las pérdidas de su rama financiera, pero también el efecto que la crisis de los microchips ha tenido en su división de videojuegos, que es la que más peso tiene en sus cuentas. Tanto las ventas de consolas como las de videojuegos y periféricos relacionados han caído debido a los problemas de disponibilidad de componentes.

“Los inversores parecen estar preocupados por la falta de suministro de PS5 y la disminución de las ventas de software”, explica el consultor de la industria de los videojuegos Serkan Toto, que cree que una vez se resuelva este problema de abastecimiento, “la demanda se cubrirá”, restando importancia a este contratiempo. “Horizon: Forbidden West y Gran Turismo 7 llegarán este trimestre, mientras que otros superventas están a la vuelta de la esquina, como God of War”, considera Toto, que cree que el mercado ha “sobrerreaccionado”, sin considerar los “planes agresivos” de Sony sobre sus servicios en línea y juegos propios.

El conglomerado prevé que la situación mejore en adelante tanto en esta rama como en la de productos audiovisuales, que se vio muy afectada por la pandemia de covid-19 pero que parece haber encauzado su recuperación con la normalización de la situación y tras el taquillazo de Spider-Man: No Way Home. En este sentido, Sony acaba de hacerse con el estudio Bungie por 3.200 millones de euros, tan solo una semana después de que Microsoft (Xbox) se hiciera con Activision Blizzard por 60.000, el récord absoluto de la industria.

Líder, pero menos

Nintendo por su parte registró un beneficio neto de 367.387 millones de yenes (2.840 millones de euros) entre abril y diciembre, un 2,5% interanual menos, por la desaceleración de las ventas de su consola Switch, pese a que sigue siendo la más vendida del mundo. Su beneficio operativo se redujo un 9,3%, hasta 472.551 millones de yenes (3.650 millones de euros), en los nueve primeros meses del año fiscal japonés.

Su facturación por ventas disminuyó un 9%, hasta 1,32 billones de yenes (10.200 millones de euros), según su informe financiero publicado este jueves. Nintendo destacó el buen arranque de su modelo Switch OLED, lanzado al mercado el pasado octubre, y que ayudó a mantener “el impulso de ventas” de su familia de consolas más reciente, de las que lleva vendidas 18,95 millones de unidades este ejercicio.

La plataforma híbrida ha superado los cien millones de unidades desde su lanzamiento en marzo de 2017, con 103,54 millones, por encima de los 101,63 millones de la consola superventas Wii, a pesar de que sus ventas retrocedieron un 21,4% respecto a los nueve primeros meses del anterior ejercicio. Switch se convierte así en la tercera consola más vendida de la historia de Nintendo tras la familia de portátiles DS (154,02 millones) y la Game Boy (118,69 millones).

En lo que respecta a los juegos, en los nueve meses hasta diciembre, la empresa con sede en Kioto (oeste) comercializó 179,29 millones de copias de títulos para la consola, tanto propios como de terceros, y las ventas acumuladas ascienden a 766,41 millones. Destacó las buenas ventas de Pokémon Diamante Brillante y Pokémon Perla Reluciente, “remakes” lanzados a finales de noviembre, y de los que vendió en poco más de un mes 13,97 millones de copias, en una muestra de la popularidad de la franquicia.

La compañía lanzó a finales de enero el nuevo título Leyendas Pokémon: Arceus y en marzo lanzará Kirby y la tierra olvidada, nueva entrega de otra de sus IP de peso, mientras ultima la salida de “una gran variedad de títulos atractivos de otros editores”, sobre los que no adelantó más detalles.

Donkey Kong (1981) es recordado, entre otras cosas, por su apartado sonoro. Los pasos de Mario, los saltos al sobrepasar un barril, el momento en el que cogía el martillo… Son melodías que han acabado formando parte de una cultura popular que perdura años después. “Aunque solo era un pitido, el sonido es importante en los juegos. Necesitas sonido para confirmar las acciones, o de lo contrario no sabrías lo que estás haciendo”, explica Hirokazu Tanaka, responsable de audio de este juego y de otros títulos ilustres de Nintendo como Metroid (1986), Super Mario Land (1989) o Tetris (1989), en el documental de Netflix High Score.

Tanaka tuvo que diseñar esos “pitidos” con los efectos producidos en la placa base de la máquina con todas las dificultades que ello conllevaba, pero su trabajo fue clave para que Donkey Kong recaudara 280 millones de dólares en sus primeros años de vida: su característico sonido provocaba que el juego no pasara inadvertido en los salones de máquinas recreativas. 

Desde entonces el audio en los videojuegos ha evolucionado y ya no es extraño ver entre los créditos de grandes producciones nombres de compositores o ingenieros habituales en Hollywood. Porque, aunque en ocasiones pase desapercibido, su trabajo es clave para crear una experiencia de juego inmersiva acorde con la narrativa de la obra. Y no solo en lo referido a la banda sonora o a la labor de los actores de doblaje, sino a todo lo que rodea a esa producción: desde la melodía del menú de pausa (si la hay) hasta el efecto de blandir una espada.

Por ejemplo, Beau Anthony Jimenez, diseñador de sonido de The Last Of Us: Part II, creó un hilo en Twitter poco después de la salida del juego en el que explicaba algunos entresijos auditivos tras elementos como los gritos de los zombis (llamados Infectados en el juego). “Es un grito de agonía; un siseo agudo de dolor. Es un humano que apenas se aferra a lo que los hace humanos, con suficiente cognición moral para sentir dolor y tristeza, pero sin conciencia suficiente para evitar su deseo de matar”, señala el técnico sobre alguna de las claves que sirvieron como referencia. 

Para conseguirlo, como el sonidista revela en otros tuits, además de la interpretación de actores de doblaje fue necesario grabar sonidos a distinta frecuencia y combinarlos en una sola pista. Así consiguió efectos como la explosión de un Tambaleante (un infectado grotesco y cubierto de hongos). “Cogí un fuelle, lo rellené de avena con leche y lo soplé. Al salir el aire se creó un sonido desagradable y explosivo fiel a la estética del personaje”, apunta Anthony. 

No es el único detalle curioso. En otro hilo de Twitter del mismo especialista se detalla cómo la respiración de Ellie, una de las protagonistas, cambia según la acción que esté realizando y su interacción con el entorno. “Hay cientos de recursos de respiración (archivos de sonido individuales, de una exhalación a una inhalación) que se transforman en función de variables como la tensión, la salud del jugador, la conciencia del enemigo, el valor de la frecuencia cardíaca o el vértigo a las alturas”, enumera el trabajador de Naughty Dog. 

En otros títulos, como The Legend of Zelda: Breath of The Wild, también existe ese nivel de atención por el detalle. Hajime Wakai, su director de sonido, explica en un making of que pusieron “especial atención en el sonido de las pisadas” del personaje principal. Esta es una obra de aventuras, de explorar en busca de tesoros entre montañas o cuevas, y de ahí la importancia de evocar diferentes sensaciones cuando el jugador anda por hierba o escala una roca. En el reportaje comentan igualmente otros aspectos, como que cada objeto tiene un sonido diferente al caer según su peso o que el tintineo de las armas sobre la espalda dependen de los objetos que estén equipados. La obra está plagada de lo que los desarrolladores llaman “diseño invisible”: detalles subliminales que dan pistas al jugador de lo que aparece en pantalla.

En lugar de tener una banda sonora omnipresente, en Nintendo optaron por dar protagonismo a efectos como el sonido de búhos al adentrarse en un bosque o el del viento meciendo las hojas. Y la música que se escucha, como detalla Wakai, a menudo son versiones a piano de otras canciones conocidas de la saga que, curiosamente, cambian el ritmo de sus acordes en función de si es de noche o de día. En este sentido, Breath of The Wild es al videojuego lo que el género lo-fi a la música: una invitación a relajarse y abandonar el estrés abrazando notas que evocan al pasado.

Sin embargo, los acordes no siempre están para ser amables. Hellblade: Senua's Sacrifice es un juego basado en la mitología nórdica protagonizado por una joven que padece esquizofrenia con todo lo que ello implica: alucinaciones, pensamiento desorganizado o voces en la cabeza. Para recrear esto último, los creadores utilizaron el llamado sonido binaural: audio grabado con dos micrófonos que imitan la forma de escuchar de una cabeza humana. ¿El resultado? Una sensación de sonido 3D que se desplaza por todas partes. “Una de las cosas importantes en el diseño sonoro de Hellblade es transformar lo que ves en lo que ve Senua [la protagonista] y crear un universo muy particular. No es lo que se espera que tú escuches, sino lo que ella escucha”, observa David García, director de audio de Ninja Theory, en un documental publicado por los propios desarrolladores. 

Pero desarrollar música para videojuegos tiene sus particularidades. No es como en el cine, donde se trabaja con piezas con las que por lo general el espectador no interactúa. Aquí el consumo de cultura es activo: muchas veces los jugadores condicionan lo que sucede en pantalla y el sonido, por tanto, debe seguir el ritmo. Es lo que en la industria se llama música adaptativa. “Es la música que está dividida en pistas que se disparan según lo que está pasando en el juego para poder adaptarse a este”, definió Paula Ruíz, compositora de Gods Will Be Watching y de The Red Strings Club, en un reportaje de El País.

Queda pendiente, no obstante, que los videojuegos incluyan suficientes opciones para que las personas con discapacidad puedan disfrutar de este contenido. Aunque The Last Of Us: Parte II marcó la senda a seguir en este sentido, con más de 60 ajustes que van desde ayudas sonoras a un modo de alto contraste, en el resto de producciones sigue siendo una asignatura pendiente. Como la investigadora Carme Mangiron observa en el manual de Buenas prácticas de accesibilidad en videojuegos publicado por el Gobierno de España, “son aún pocos los juegos en los que se subtitulan los sonidos ambientales, a pesar de que estos son cruciales para algunos géneros”. Porque el avance en la industria de los videojuegos no solo pasa por emplear una tecnología más avanzada, también por hacerlos más accesibles. 

Aproximadamente cada 7 años cambia la manera en la que entendemos los videojuegos. Con cada nueva generación de consolas no solo llegan avances en lo tecnológico, también se abre una nueva la ventana a cómo se crean y consumen estas obras. Por ejemplo, al igual que el Technicolor supuso una revolución en el cine, la era de los 16 bits en los juegos permitió entre otras cosas pasar de 64 a 256 colores en pantalla.

Este jueves llega a Europa la videoconsola PlayStation 5 y, con ella, se puede dar por completada la transición hasta la novena generación de videoconsolas. Al dispositivo de Sony se le une Xbox Series X/S y Switch, que dio el pistoletazo de partida en 2017 a este cambio de ciclo aunque Nintendo, como es habitual, no está alineada ni en tiempos ni en filosofía con lo propuesto por las otras empresas.

Cabe decir que la aparición de nuevas consolas puede llevar a pensar que es necesario cambiar para poder disfrutar de los videojuegos, como cuando nos limitamos a lo que aparece en cartelera o a los estrenos musicales de la semana. Pero no es necesario seguir el ritmo del mercado para disfrutar de la cultura y precisamente es en este instante, el del salto de generación de consolas, cuando muchos aprovechan para hacerse con “viejas” obras más accesibles (y baratas).

Para aquellos que decidan dar el salto, recopilamos qué podemos esperar de cada dispositivo. No nos vamos a detener tanto en detalles técnicos, ya explorados a fondo por páginas especializadas, como en resumir la versión del futuro de los videojuegos que nos propone cada una de las tres consolas. Comencemos.

PlayStation 5

¿Qué ofrece?

Llega en dos versiones: con lector de Blu-ray 4K (499 €) y la versión digital sin unidad óptica (399 €). Ya no es un secreto para nadie que su diseño es bastante peculiar y que, además, es bastante voluminosa. Tanto que será complicado encontrarle un hueco en el salón. Aún así, siempre es preferible esto a que presente problemas de sobrecalentamiento como ya ocurrió con las famosas luces amarillas de PS3. Las primeras unidades de PS5 no han presentado ningún inconveniente más allá de sus dimensiones y eso es una buena señal.

Mención aparte tiene el mando DualSense y una de sus características más alabadas: los gatillos adaptativos situados en su parte trasera. Ahora no son un simple botón, sino que varían su recorrido y presión según lo que estemos haciendo. Por ejemplo, se puede endurecer a medida que tensamos la cuerda de un arco o puede llegar a bloquearse si un arma se ha encasquillado. Esto, junto a la vibración háptica (mucho más inteligente y precisa que la normal), permite trasladar la experiencia desde la pantalla hasta nuestras manos.

¿Qué juegos se esperan?

Sony tiene clara que su principal baza son los exclusivos. Desde que la marca hizo su primera aparición en 1994 ha ofrecido títulos que solo se pueden jugar en esta plataforma, pasando desde el clásico MediEvil hasta el más reciente The Last of Us. Cuentan con estudios propios responsables de sagas que han marcado a varias generaciones, y saben que eso a veces es lo más importante.

PS5 parte con la baza de dos grandes exclusivos: la remasterización de Demon's Souls y Spider-Man: Miles Morales (igualmente disponible para PS4). También está en desarrollo la segunda parte de God of War y Horizon Zero Dawn, aunque también es de esperar que otros estudios dependientes de Sony como Naughty Dog hagan su aparición. El qué será, especialmente tras dejar las sagas de Uncharted y The Last of Us en un punto bastante conclusivo, es toda una incógnita.

Xbox Series X

¿Qué ofrece?

También existen dos modelos: la Xbox Series S (299 €), que a grandes rasgos es la versión “económica” al no tener unidad óptica y estar pensada para juegos a un rendimiento de 1440p a 60 fotogramas por segundo (FPS). Y la Xbox Series X (499 €), que sí cuenta con lector de Blu-ray y mueve títulos a 4K y 60 FPS.

A su favor está un diseño mucho más sobrio y elegante, especialmente la Series S. Esta puede que no sea una mala opción para quienes quieran acercarse a la generación sin hacer un gran desembolso, aunque pensando a largo plazo también puede que se quede desfasada más pronto que su hermana mayor. Se pueden destacar muchas funciones, pero una de las que más ha llamado la atención es la quick resume, que permite tener varios juegos suspendidos (incluso si se apaga el dispositivo) para después iniciarlos rápidamente y sin pantallas de carga de por medio.

¿Qué juegos se esperan?

Si la ventaja de Sony son los exclusivos, la de Xbox es el servicio. Game Pass es lo que podríamos definir como un Netflix de videojuegos que, mediante una suscripción mensual de 9,99 €, nos permite acceder a un amplio catálogo de más de 100 títulos tanto de otros años como recientes lanzamientos.

No es que Microsoft no tenga compañías desarrolladoras, y sirva como ejemplo Obsidian o Ninja Theory, pero habrá que esperar un tiempo hasta que empiecen a dar sus frutos. Quizá el bombazo más inminente pueda llegar de la mano de Bethesda, que fue comprada recientemente 7.500 millones de dólares y es responsable de obras tan marcadas como The Elder Scrolls o Fallout.

Nintendo Switch

¿Qué ofrece?

Como se ha señalado anteriormente, Nintendo maneja sus propios tiempos y juega directamente en otra liga diferente a Sony y Microsoft (que no es mejor ni peor, sino distinta). Poco podemos revelar que no se haya dicho ya de Switch, un híbrido entre portátil y consola de sobremesa al que no le hace falta tener los mejores gráficos ni la tecnología más puntera. Lo que importa es el concepto, y la facilidad para poderla llevar de viaje o a casa de un amigo la convierten en la consola social por excelencia.

Según publicó Bloomberg, se espera que Nintendo actualice su dispositivos en 2021. No hay ninguna confirmación oficial al respecto y los únicos rumores apuntan a que estaría preparada para jugar en resolución 4K, aunque tampoco sería descabellado pensar en otra serie de mejoras a nivel estético como ya ocurrió con Nintendo DS y su revisión posterior, DS Lite.

¿Qué juegos se esperan?

Mario Kart, The Legend of Zelda, Pokémon, Smash Bros… Nintendo es probablemente la compañía con más recorrido y franquicias insignia de las mencionadas, y esa es quizá su principal virtud además de la facilidad que se da para poder encontrar obras independientes más allá de las grandes producciones.

Entre los grandes títulos en desarrollo está la secuela de Breath of the Wild o Metroid Prime 4, aunque tampoco sería extraño que obras como Super Mario Odyssey cuenten con una segunda parte como ya ocurrió con Mario Galaxy en Wii. Tampoco que Game Freak, estudio responsable de Pokémon, empiece a dar pistas de la próxima entrega ahora que han terminado con las expansiones de Espada y Escudo.

Lo que comenzó como una broma acabó siendo uno de los juegos más revolucionarios de la década. El April Fool's Day de 2014 (el equivalente al Día de los Santos inocentes en España) el equipo de Google Maps decidió lanzar Pokémon Challenge, un juego que invitaba a cazar los 150 pokémon repartidos por todo el mundo a través de los mapas de la compañía. Su tráiler, aunque irreal, dejaba volar la imaginación: mostraba a personas andando por montes o desiertos intentando capturar a las diferentes criaturas con su móvil. El 6 de julio de 2016, aquella fantasía se convirtió en realidad.

Pokémon GO se hizo con todas las estadísticas: fue más buscado que la palabra 'porno', superó en descargas a aplicaciones como Tinder y tuvo casi tantos usuarios activos como Twitter. Las redes sociales también comenzaron a llenarse de personas posando con sus personajes favoritos, porque, además, otra de las particularidades es que podíamos usar la app para colocar a las criaturas donde quisiéramos y hacernos una foto.

Con ello, el juego no solo existía en el móvil, sino que difuminaba la línea entre el mundo real y el virtual para hacernos todavía más partícipes del contenido que aparecía en pantalla. Y, probablemente, ese fue el momento en el que una tecnología que no era precisamente nueva se empezó a convertir en popular: la realidad aumentada.

Cuatro años después del lanzamiento de Pokémon GO, esa misma tecnología sigue dando que hablar a través de títulos como el recientemente lanzado Mario Kart Live: Home c. Este juego para Nintendo Switch es a efectos prácticos un Scalextric moderno que nos permite convertir el salón de casa en un circuito de carreras. Consta de un coche equipado con una cámara que retransmite la imagen a la consola, desde donde se puede controlar y ver por dónde circula el kart.

A grandes rasgos, se puede decir la realidad aumentada permite usar un dispositivo electrónico (ya sea una tablet, smartphone o videoconsola) para incorporar elementos virtuales a nuestro entorno. Y Pokémon GO no es que fuera la primera app en usar esta función, pero sí de democratizarla y ponerla al alcance de muchas personas que por entonces la desconocían. Su origen, como señalan en la web especializada en tecnología Xataka, se remonta a 1950. Fue entonces cuando el cineasta Morton Heilig registró una patente sobre el Sensorama, un cine “multisensorial” que permitía al espectador vivir en primera persona qué se sentía al ir en moto al arrojarle viento a la cara.

Realidad aumentada para todos

Otro de los grandes pasos en materia de realidad aumentada se dio en 2017, cuando Apple presentó un paquete de herramientas para desarrolladores llamado ARKit. “El gran avance es que no se necesitan códigos ni imágenes para reconocer el entorno que te rodea”, explicaba a elDiario.es Santiago González, director técnico de la empresa española ARSoft. “Crea un mapa tridimensional y en base a eso permite colocar elementos virtuales”, añadía.

A partir de entonces Internet se llenó de pequeñas demostraciones de lo que permitía esta tecnología: una mascota virtual, muebles de Ikea que se integran en nuestra casa, o incluso un coche que podemos ver y personalizar sin necesidad de pisar un concesionario.

El inconveniente en 2017 era que la realidad aumentada no estaba disponible para todos: había que tener un dispositivo compatible y normalmente estos eran los de gama alta. No obstante, la progresiva mejora en los procesadores y la optimización de los dispositivos ha conseguido que poco a poco se encuentre disponible para casi todos.

El universo en tu mano y el salón como un circuito de carreras

Aprender es igualmente posible. La app Star Walk 2, por ejemplo, permite apuntar con la cámara del móvil al cielo para identificar qué estrellas o constelaciones se sitúan sobre nuestras cabezas. De esta manera, solo basta con alzar el smartphone para identificar dónde se encuentra la Osa Mayor o en qué punto está la constelación de Escorpio. Incluso si lo que queremos es saber cómo se formó el universo, el CERN (Organización Europea para la Investigación Nuclear) ha desarrollado una aplicación que utiliza nuestra mano como lienzo para hablar de los orígenes del cosmos.

Las variedades de apps son múltiples y recopilar todas daría para una lista inagotable. También está Atlas Anatomia, que en lugar del universo da la posibilidad de explorar con modelos 3D del cuerpo humano que se pueden rotar y girar mientras nos explican cómo funcionan a modo de enciclopedia. Es la demostración de que la realidad aumentada no es una moda pasajera, sino una tecnología que primero vimos en la ciencia ficción y que ahora forma parte de nuestras vidas. Pero los usos de la realidad aumentada son tantos como los desarrolladores imaginen. Pueden ir desde los más prácticos, como usar la cámara del móvil a modo de nivel o de metro, hasta lo más banal. Pero hay una serie de apps que permiten la fusión de actividades de toda la vida con el apoyo de la tecnología.

Es el caso del ya mencionado Mario Kart Live: Home Circuit. Al igual que ocurría con los ya casi olvidados Scalextric, lo más interesante no es tanto el proceso de correr con el coche como el de crear diferentes pistas de forma creativa. Es ahí donde la imaginación puede hacer que unos libros se transformen en un túnel o una bandeja en una rampa desde la que saltar (y probablemente estamparse). La cámara del coche es también capaz de reconocer las estructuras de cartón por las que discurre el circuito, como los arcos que marcan el inicio y el final de la carrera. Eso sí, la disposición de estos encuentra un límite bastante evidente: los metros cuadrados que tenga el salón.

Crear este coche teledirigido del siglo XXI no ha sido fácil. Karthik Bala, uno de sus desarrolladores, contó en una entrevista realizada por El País que el primer prototipo salió a la luz en 2017 y que desde entonces han tenido que trabajar para convertir la idea en una realidad. Pero hubo un principal problema que sortear: el retardo y los cortes de la conexión inalámbrica. “Tuvimos que desarrollar nuevas soluciones para el video en HD en tiempo real, visión a alta velocidad, la capacidad de respuesta de la conducción y dirección o fusionar de manera convincente el mundo digital con el mundo real”, señala el cocreador a ese mismo periódico. Es la demostración de que la realidad aumentada no es una moda pasajera, sino una tecnología que primero vimos en la ciencia ficción y que ahora forma parte de nuestras vidas a pesar de que los gatos, que han demostrado ser grandes enemigos de estos karts radiocontrol, no siempre estén de acuerdo.