Cuando una se sienta en la terraza de Jordi Soler parece que el tiempo se para. Este escritor, nacido en Veracruz (México), debe su nombre y apellido a una familia que como tantas otras tuvo que emigrar tras la Guerra Civil. Impregna la conversación de la misma calma que sus libros, esos que escribe siempre a mano. El último es 'La resquebrajadura' (Siruela), que toma el título de un fragmento de 'Anthem'. Probablemente los incondicionales de Leonard Cohen ya habrán adivinado cuál es: “Hay una grieta en todas las cosas, así es como entra la luz”.

Este libro tiene la complejidad de los versos del cantautor canadiense, del que Soler es fan incondicional, pero a la vez la simplicidad de quien sabe que lo importante de la vida es el camino y no la meta (la misma para todos). En pocas páginas y en un formato de bolsillo desfilan filósofos de la Grecia clásica y escritores como Camus.

“Lo saludable es resistirse a la velocidad”, aconseja Soler. Sus amigos lo saben bien. Él puede tardar dos días en contestar un mensaje de WhatsApp porque no tiene claro qué quiere decir o porque está en otras cosas. Lo bueno es que ha logrado transmitir su sosiego a sus contactos y ahora los hay que tardan también lo mismo en responderle a él. Así, concluye, la conversación es mejor.

Empecemos por el principio, el título. ¿En todo siempre hay una grieta, una resquebrajadura, que permite ver la luz?

Diría que sí. La oscuridad absoluta sin un punto de luz sería inapreciable. Y viceversa porque la luz también tiene que tener un punto de oscuridad para poderla apreciar. Llevándolo al territorio cotidiano diría que aquellas personas que no cambian de opinión, que se comportan siempre igual, me parece que se sitúan en la anormalidad. En mi caso me considero un discípulo de Marco Aurelio porque no solo creía sino que también practicaba a diario el cambio. Nada es estático y las personas estamos llenas de complejidades, de resquebrajaduras. Acumulamos historia, expectativas e influencias. 

Pero nos ha tocado un tiempo en el que dudar está mal visto.

Sí, muy mal visto. Y ya no te digo en el ámbito de la política. Votar a otro partido está mal visto cuando no tendría que ser así. Si Heráclito nos enseñó que nadie puede bañarse dos veces en el mismo río, es absurdo querer ser siempre la misma persona porque de hecho no lo eres. Con tu pareja eres una persona, con tus hijos, otra, o con tus amigos o en público también eres distinto.

Citaba ahora a Heráclito. En su libro aparece en algunas otras ocasiones. Por ejemplo cuando el filósofo explica que “el camino que sube y el que baja son uno solo y el mismo”. Algo que muchos cuando están en la cumbre, estoy pensando en algunos políticos, olvidan.

Sí, es su trabajo.

¿Olvidarlo?

Hacer ver que lo olvidan. De hecho son lo contrario. No olvidan y son muy vengativos. Esta parte de ficción de la política no está necesariamente mal a no ser que hagan daño. Lo que no tiene sentido es la mentira y además ahora todos tienen un tuit que los condena.

Heráclito también defendía que concordia y discordia son padre y madre de todas las cosas.

Todo funciona con un polo positivo y uno negativo. Sin esas dos fuerzas aparentemente contradictorias no habría movimiento. Otro de los vectores de este libro, el amor, también funciona así. La pareja ideal no es la que más se parece a ti.

Hay estudios que dicen lo contrario.

Sí, y también aplicaciones como Tinder. Pero yo creo que la pareja ideal es el contrario que te complementa. Es aquella que llena los huecos más evidentes que tienes y viceversa. Un gran husmeador como André Breton se preocupaba mucho por este fenómeno y dedicó parte de su obra a investigarlo. Su novela 'Nadja' está dedicada a la búsqueda azarosa de la pareja ideal por las calles de París.

Es absurdo querer ser siempre la misma persona porque de hecho no lo eres. Con tu pareja eres una persona, con tus hijos, otra, con tus amigos o en público también eres distinto

En el libro aparecen distintos pensadores clásicos. Destaca que todos ellos recibieron menos datos en su vida que nosotros en un rato de pantalla. Le traslado una de las cuestiones que plantea: ¿Qué ideas han sobrevivido dos mil cuatrocientos años?

Todas las de los filósofos que podríamos calificar de 'mainstream' de esa época. Circulaban por un entorno en el que convivían la mitología y la filosofía. Las dos frases que siguen anotadas hoy eran del oráculo de Delfos: 'Conócete a ti mismo' y 'nada en demasía'. De ahí parte la filosofía griega y consecuentemente la que llega a nuestros días. 

Tal vez esos dos principios deberían tenerse en cuenta en las etapas formativas pero no sé si es así.

No lo hacemos. Al contrario. La educación está todo el tiempo eliminando la filosofía cuando es donde empieza todo. Los filósofos no solo nos enseñan a pensar, también acompañan la historia del mundo. ¿Cómo se puede enseñar Historia sin explicar Historia del Pensamiento? Estamos llevando la especie a ciertas confusiones.

Ya sabe que hay historiadores que lamentan que en las aulas no se da a la Historia la importancia que tiene y por eso es más fácil cometer errores pasados.

Sí, y no hace falta irse a la Antigua Grecia. Estoy pensando en la Memoria Histórica.

¿Qué le parece ese debate?

Mi familia era del Partido Comunista y tuvo que emigrar a México. El tema de la Memoria Histórica me parece de una cordura elemental. No podemos diseñar un futuro decente si no conocemos de dónde venimos con todos sus detalles. 

Usted explica que seguramente por tradición familiar siempre ha votado a la izquierda pero dice que cada vez se encuentra más huérfano. ¿Qué echa de menos?

Quizás lo que sucede es que hay una hiperealidad que te enseña cada cosa que hace y dice el político. Antes era más fácil sostener un discurso coherente pero ahora no hay organismo que soporte tal nivel de fiscalización. 

Están en un examen permanente. En el libro cita a Sócrates cuando afirma que “una vida sin examen no es vida”. Pero igual en exceso conduce a esa fiscalización que evidencia las contradicciones.

La idea de Sócrates era más bien el 'autoexamen'. Pero sí, ahora estamos examinando permanentemente a las personas públicas y eso incluye a los políticos.

¿Ese 'autoexamen' permanente no puede llevar también a un cierto sufrimiento permanente? 

Te puedes cuestionar sin tanta dureza, sin ánimo de ser Sócrates porque uno tampoco quiere acabar como él. El 'autoexamen', planteado como examen a la vida, es muy útil. Sentarte un rato cada día y pensar a ver qué estás haciendo porque normalmente lo haces todo de manera mecánica.

Y además ya no somos propietarios de nuestro tiempo.

No lo somos. Y por eso cuando te sientas a realizar el examen socrático, estás recuperando el tiempo que te están escatimando. Te sientas a pensar en las cosas que te interesan.   

En uno de sus artículos planteaba la división entre la gente que piensa y la que actúa. Y citaba al filósofo francés Henry Bergson cuando en un congreso dijo aquello de que ‘hay que actuar como hombre de pensamiento y pensar como hombre de acción’. La teoría está muy bien pero no sé si es fácil hacerlo.

Para empezar hay una descalificación respecto a las personas de acción, como si fuesen personas que no piensan. De un tenista que gana un torneo se elogia el portento físico pero se le escatima su inteligencia. Y de las ratas de biblioteca se da por hecho que tienen poca actividad física. La propuesta del filósofo es que nada es de una sola manera. Todos tenemos una vida de acción y una de pensamiento. De nuevo volvemos a la filosofía clásica: mente sana y cuerpo sano. A poco que escarbes está todo ahí.

No tienes que ir a remolque del tempo que te marca la pantalla

Entre los muchos pensadores que desfilan por el libro y lo harán también por esta entrevista está Erasmo y su propósito de ser rápido en la ejecución y lento en la reflexión. ¿Cómo se coordinan ambos movimientos y más en estos tiempos de redes e inmediatez?

Lo veo como el famoso 'festina lente' [apresúrate despacio].

¿Y cómo se consigue esa resistencia?

No hay que hacerlo todo tan rápido porque además no sirve de mucho. Yo escribo todos mis libros a mano en una libreta. Escribir a mano me permite una reflexión más profunda y regresar a lo que he escrito para ver a la conclusión que he llegado. Si lo hiciese en el ordenador, la velocidad solo sería aparente porque estoy seguro que tardaría el mismo tiempo en escribir un libro. No tienes que ir a remolque del tempo que te marca la pantalla.  

No le he preguntado por Cohen porque si lo hubiese hecho al principio probablemente no habríamos hablado de otra cosa pero no podemos acabar esta conversación sin referirnos a él. ¿Por qué es tan importante en su vida?

Yo fui director de Rock 101, una emisora que fue muy innovadora en México. Durante muchos años entrevisté a todas las leyendas. Al único que no pude entrevistar fue a Leonard Cohen porque era un tipo raro. Durante años estuvo encerrado en un monasterio cerca de Los Ángeles. Yo era fan de su música, sus canciones, sus poemas, su manera de ser. Era un señor que resistía la modernidad y las imposiciones del siglo XXI. Hace unos años viví con mi mujer y mis hijos en Canadá y esa pasión por Cohen se exacerbó, como explico en el recorrido que describo en el libro.   

Él decía que el éxito es sobrevivir. No parece un mal consejo.

No lo parece y te vas dando cuenta con el tiempo que vas haciendo muchas cosas pero en realidad no llegas a ningún sitio.

¿Lo importante es el camino?

Sí, y es bueno saberlo.

Corría el año 1986 y Leonard Cohen trataba de inspirarse para convertir en canción el poema titulado Pequeño Vals Vienés, que Federico García Lorca había incluido en su rompedora obra Poeta en Nueva York. Ahora que a todos nos conmueve la pérdida de ese extraordinario poeta de la canción de autor y nos vienen a la memoria momentos en los que las canciones de Cohen ilustraron nuestras vidas, no dejo de recordar el doloroso esfuerzo que supuso para él la composición de aquella canción, que basada en el poema de Lorca, acabó convirtiéndose en una de sus canciones favoritas   

Habían pasado varios años del difícil, aunque exitoso, ejercicio que resultó el proyecto musical de Aguaviva, en el que vestimos con música varias decenas de poemas de poetas como Alberti, León Felipe, Celaya, Lorca, etc... En 1970, Aguaviva había tenido una gran acogida popular e internacional con la mágica canción Poetas Andaluces, basada en un poema de Alberti. Era lógico que después surgiera la idea de musicar Poeta en Nueva York, el famoso libro que Lorca escribió durante su destierro familiar en EEUU.

En 1986, cuando dirigía en España la discográfica Sony Music, desempolvé aquella idea. Considerando el formidable elenco artístico de Sony a nivel internacional y nacional, pensé que como homenaje cosmopolita a esa obra de Lorca que tanto había inspirado a la poesía Beatnik norteamericana, lo que procedía era musicarla y cantarla por varios cantautores internacionales. Cada uno de ellos grabaría la canción que resultase de adornar musicalmente uno de los poemas que componen la obra Poeta en Nueva York.

El proyecto que resultó fácil de pensar pero difícil de realizar, necesitaba de un líder, de alguien que una vez dentro hiciese del proyecto algo en lo que todo cantautor quisiera estar. Sin gran esfuerzo, Adrian Vogel, brillante director de Arte y Repertorio Internacional de Sony Music, y yo llegamos a la conclusión de que el genial Leonard Cohen tenía que ser el líder del proyecto.

A principios de 1986, y aprovechando que Cohen venía a España, como era mi obligación como responsable de su compañía discográfica, me fui a recogerlo a Barajas. En el largo trayecto que va del aeropuerto al hotel Palace, en la madrileña plaza de Neptuno, no paré de hablarle de Lorca, su formidable y prolífica obra poética y dramática, su destierro en Nueva York... Casi una hora más tarde, cuando llegábamos al hotel y yo sentía que no había tenido tiempo suficiente para explicarle la importancia de Lorca y de su obra, Cohen me interrumpió, por primera vez en todo el trayecto, para decirme: “¿Sabes cómo se llama mi hija?”.

La pregunta me desorientó y llegué a la conclusión de que no me había escuchado o no le había interesado mi disertación. Recuerdo que pensé: “¿Qué demonios me importa a mí como se llama su hija?”. Y con desgana le dije: “¿Y cómo se llama?”. Cohen me contestó: “Se llama Lorca, Lorca Cohen”.

Como se imaginarán, con una hija con ese nombre no costó mucho trabajo convencerle de su incorporación al proyecto, y en ese mismo viaje le entregamos la adaptación al inglés autorizada del poema Pequeño Vals Vienés.

Durante más de tres meses, Cohen llamaba a Adrian Vogel dos o tres veces por semana diciéndole “dile a Manolo que me mande otro poema porque este no me inspira”. Sabiendo que, de toda la colección de poemas que componen la ácida obra Poeta en Nueva York, Pequeño Vals Vienés era la que le iba al lirismo de Cohen, yo me negué a enviarle ningún otro poema.

Afortunadamente el parto fue largo pero valió la pena y Cohen, después de meses de contracciones, nos llamó feliz para decirnos que había nacido Take this waltz.

En octubre de 1986, salía al mercado el álbum Poetas en Nueva York, con formidable portada de Úrculo, y magníficas grabaciones musicales de poemas del libro de Lorca interpretadas en inglés por Leonard Cohen y por Donovan; en griego por Mikis Theodorakis y Georges Moustaki; en italiano por Angelo Branduardi; en hebreo por David Broza; en alemán por Manfred Maurenbrecher; en portugués por Chico Buharque y Fagner; en castellano por Pepe y Paco de Lucía, por Victor Manuel y por Patxi Andion; y en catalán por Lluis Llach.

La laboriosa aportación de Cohen a aquel proyecto fue de enorme valor y se convirtió en un éxito mundial. Y durante muchos años Leonard cerró sus conciertos por esos mundos con esa canción que tanto le gustaba, y que con el título de Take this Waltz fue creada por Federico García Lorca y por el padre de Lorca Cohen.

Tendría yo unos catorce años cuando una mañana de Reyes identifiqué junto a mis zapatos la silueta fácilmente reconocible de sendos discos de los entonces llamados long play; supongo que los lectores más jóvenes entenderán que les hablo del pleistoceno. Tienen toda la razón.

El botín no era nada desdeñable y mi optimismo se vio acrecentado cuando, después de desenvolver el primero de ellos, descubrí que era doble, es decir, que traía dos elepés. No conocía aquel grupo de nombre raro y aspecto muy americano, los Creedence Clearwater Revival, pero los tíos parecían melenudos, protestones y modernos y, además, se vislumbraban guitarras eléctricas entre las sombras en blanco y negro de un concierto en directo.

El otro disco, en cambio, no parecía demasiado prometedor. En la portada aparecía el retrato en sepia sobre fondo negro de un tipo con cara de lechuguino. En los hombros se esbozaba una americana bien cortada y los cuellos de una camisa blanca intentaban disimular lo que probablemente era una corbata que quedaba fuera de cuadro. ¡Una corbata! Eso era, sin duda, el peor presagio para un adolescente pre-moderno de los primeros años de la Transición. ¡Cómo me iba a gustar un disco cantado por un tipo con corbata! Imposible. Si al menos hubiera tenido el pelo más largo...

Probé primero el disco de los Creedence y la cosa funcionó; sonaba bien y aquellas guitarras traían consigo una descarga hormonal. Pero el del tipo de cara de lechuguino respondió exactamente a mis oscuros presentimientos. Era un verdadero tostón; el pelmazo se llamaba Leonard Cohen y la primera canción, Suzanne, parecía una chicharra hipnótica. Supongo que no lo tiré directamente a la basura porque, al menos, en la contraportada salía el dibujo de una chica desnuda de ojos azules, encadenada entre llamas. Bueno, puede que no fuera tan lechuguino después de todo, pero se fue al fondo del armario de los discos y quedó prácticamente olvidado.

El tiempo pasó y yo conocí a otras personas, leí muchos libros, recorrí algunos paisajes, escuché unos cuantos discos y hasta me enteré de que los Creedence Clearwater Revival eran uno de los grupos favoritos de los soldados norteamericanos que los escuchaban en Vietnam para intentar espantar el miedo, al menos durante un sonoro instante.

Hace poco incluso he conocido que son una especie de nexo de unión entre Mario Conde y yo, un espacio común. Pero no se me asusten, no me refiero al Mario Conde banquero, sino al detective del mismo nombre, que nació de la pluma del escritor cubano Leonardo Padura y vive en el barrio habanero de La Víbora. Cuando algunas noches Conde y el Flaco Carlos se ventilan a pulso una botella de ron, escuchan a los Creedence e inevitablemente repiten el mismo mantra mientras suena Proud Mary: “ese John Fogerty canta como un negro;… no, canta como Dios”.

Volvamos al lechuguino, porque yo también volví a él. Al cabo del tiempo desempolvé aquel vinilo con más curiosidad que esperanza, pero de pronto Suzanne ya no era una chicharra, sino que me cogió de la mano y me llevó junto al río y viendo pasar los botes, me dio té y naranjas que venían de la China.

Está claro que no puedes escuchar a Leonard Cohen sin pasar por Fórmula V; ni leer a Kafka sin disfrutar de Los cinco; ni ver nada en Kandinsky sin haberte comido con los ojos el huevo frito que pintó Velázquez junto a aquella vieja.

Por eso, en el final, en ese final con las botas puestas del genial artista canadiense, le despido con un violín en llamas, ese mismo que él menciona en mi canción favorita, Dance me to the end of love, y le deseo, como en un funeral vikingo, que ocupe su lugar en el atrio del walhalla, donde viven los valientes para siempre.

Un 14 de octubre de 1974, todavía con Franco vivo aunque ya en sus últimas, Leonard Cohen se dejó caer por Madrid, teatro Monumental. Era la primera venida a España de un artista que, sin embargo, debía tenerle cariño a una tierra reflejada en García Lorca, uno de sus grandes amores poéticos.

Fue un concierto raro e impresionante, más allá de lo que suele llamarse un concierto. Cohen era por entonces un absoluto preferido de los chicos y chicas progresistas y anglófonos, lo cual y en aquellos años significaba pertenecer a una clase acomodada con veleidades intelectuales. Una minoría muy activa. Ha de entenderse el contexto. La escucha de discos y muy especialmente los algo exigentes en música y letra era todavía bastante comunal. Ni siquiera las niñas o los niños con pelas disponían de tantas. Uno podía tener discos muy escuchados y muy favoritos que nunca compraría por la sencilla razón de que ya lo tenía algún amigo/a.

En realidad Songs of Leonard Cohen (1967) no se editó en España hasta 1971, cuando la misma CBS se estableció en nuestro país. Pero el álbum era ya bastante célebre vía importaciones personales de aquellos jóvenes que comenzaban a recorrer algo de mundo y volvían con este tipo de cosas. Suzanne era archiconocida y se escuchaba en bucle pero también iban entrando otras como So Long, Marianne, Joan of Arc o The Partisan.

El nuevo disco, New Skin For The Old Ceremony, de portada misteriosa, traía una bomba que definía muy bien lo que significaba Cohen en aquellos momentos: Lover Lover Lover. Una canción de apoyo a los soldados israelís para quienes había cantado durante la guerra del Yom Kippur de 1973 disfrazada (o no) de canción de amor. Pero que también era un canto pacifista. Muchos niveles que apenas unos pocos distinguían.

A la hora de comprar había que decidir. Las diferencias entre Cohen y Dylan, entre quienes compraron Cohen y quienes compararon Dylan resultaban tan obvias como conciliables. Dylan, en sus músicas, en sus letras y en su misma voz era una navaja afilada. No hay un disco entero suyo que pudiera considerarse romántico hasta Nashville Skyline (1969) y este resultó tan fuera de carácter que muchos lo encontraron directamente blando.

En su música, en sus letras y en su voz, Cohen era un seductor. Con él no se planteaba la cuestión de la dureza, el filo o la autenticidad, sus armas eran otras. Era monótono, casi más un rapsoda que un cantante y mostraba un punto de vulnerabilidad emocional que traspasaba. Sus letras se estudiaban con la misma intensidad que las de Dylan y despertaban un respeto imponente. Los libros, que a veces tenía alguien, estaban muy bien.

Un rapto extático en el Monumental

El concierto del Monumental vino a ser un reflejo de todo esto elevado a magia del arte. La primera parte, con un grupo sencillo pero ya con cuerdas, un coro femenino estupendo y un Cohen hecho un señor no lograba despegar. Amenazaba con tostón, vamos a decirlo. Pero poco a poco el escenario y el público fueron acercándose sin que en apariencia nada hubiera cambiado. Tal vez fuera simplemente que sonó Suzanne y todo el teatro se pusiera a corearla, quizá la chispa fue otra o que dos fuegos querían bailar juntos.

El caso es que aquello fue creciendo en una especie de intensa ceremonia donde el predicador entra en el mismo rapto extático que los demás participantes, prolongando el concierto más de media hora o repitiendo otras dos veces una Suzanne que ya sonaba como un prolongado mantra. Existen esos momentos sanamente mágicos, casi todos hemos vivido alguno. Repasando luego otros conciertos de Cohen, tan alejados como el de la Isla de Wight en 1970 o el de Gante del 2012 de nada menos que tres horas, parece que estas historias le solían ocurrir.

Aquella gira del 74 cerró en la práctica la primera etapa de Cohen. Tardaría tres años en editar un álbum discutido hasta hoy en día, el Death Of A Ladies Man. Producido por un Phil Spector muy borracho para un Cohen que tampoco estaba en su mejor momento, el bombástico sonido del disco suponía una cesura. Sus arreglos hasta el momento estaban entre lo melancólicamente folkie y la música de cámara, siempre con discreción. Ya no regresaría a aquel sonido.

Está claro que a la mayoría de los cantautores, excluyendo seguramente a Neil Young, no les sentaron demasiado bien los años 80, los del post-punk y la electrónica. Sin embargo esos son los años en que Cohen apela a otra generación, hija de aquellos adolescentes de los 70. En un disco que CBS se negó a distribuir por muchas razones de peso, se encontraba Hallelujah, una canción que a través de John Cale en 1991 o de Jeff Buckley en 1994, entre otras 200 versiones a veces muy notables, se convirtió en uno de los himnos de finales del siglo XX.

Como para remachar el clavo de su nueva actualidad, Cohen editaría en 1988 una canción como First We Take Manhattan que parecía conectar, sin hacerlo de forma explícita, con los cambios cataclísmicos que sucedían en el mundo. De hecho, solo un año más tarde caía el muro de Berlín. Cohen se había convertido sin mayor esfuerzo en un artista MTV, cuando esa cadena aún significaba vídeos musicales.

El sonido de estudio era casi plenamente electrónico y ayudaba que I’m Your Man tuviera otros clásicos instantáneos como Everybody Knows o Take This Waltz. En todo caso, ya resultaba raro que un señor de 54 años sin la menor concesión al colorismo de la década pudiera integrarse con tal naturalidad en el sonido y el discurso de un medio considerado el colmo de ese colorismo. Y que también lo dejara atrás.

Leonard Cohen y su peripecia vital, a veces poco edificante, otras casi patética (cómo ser estafado en su ancianidad) parecen ocupar un lugar al margen de la misma historia. Surgió como uno de los pocos capaz de aguantar el tirón de Dylan haciéndolo sin competir, sin emular, en sus propios términos cimentados en una escritura maravillosa. Y luego fue capaz de seguir caminando para encontrarse con una nueva gente que sentía la misma necesidad básica de sus padres o hermanos muy mayores: un lugar donde poder sumergirse con todo, el pensamiento y el sentimiento. Y a veces incluso bailar.

Este 2016 está siendo un año aciago para la música. Primero fue David Bowie, luego Prince y ahora Leonard Cohen. El cantautor canadiense nos dejó este viernes a los 82 años, según informó su familia a través de su perfil oficial en Facebook.

Hace apenas tres semanas, el poeta publicó su último disco, You Want it Darker. Los versos que llenaban lo que ha quedado como una despedida no tan precipitada decían: “Estoy preparado, mi señor.... Dejo la mesa, estoy fuera del juego”. De hecho, antes de eso ya habló de reunirse con su fallecida musa, Marianne: “Creo que te seguiré muy pronto”.

Sus catorce álbumes lo confirman como un poeta, cantante y músico esencial para comprender el último medio siglo de la historia de la música. Aunque se interesó y cultivó el verso desde muy joven, grabó Songs of Leonard Cohen, su primer disco, a los 33 años. Ya había recorrido bares y escenarios cuando fichó por Columbia Records de la mano del mismo cazatalentos que había descubierto a Bob Dylan, John H. Hammond. En Nueva York comenzó una carrera musical que duraría, con sus más y sus menos, hasta este viernes.

Su influencia en la música contemporánea es inmensa y muchas de sus canciones se han convertido en himnos generacionales tan versionados como respetados. Elegir sólo diez es cometer una injusticia en la que se obvian demasiadas cosas. Pasa con todos los clásicos: elegir es limitar. Por eso esto no pretende ser más que una pequeña lista homenaje, para decir hasta la vista a Cohen en un día como este.

1- Suzanne

Es curioso como la primera canción de su primer álbum se convertiría en uno de los símbolos de su extensa carrera. Pero así fue: contaba la historia de su complicada relación con la bailarina Suzanne Verdal a quien conoció y amó el verano de 1965. Verdal contó años más tarde que nunca recordó a Cohen con tanta tristeza como él la recordaba a ella. El resultado sigue emocionando.

2-So Long, Marianne

Cuenta la historia que cuando Cohen vio a Marianne Jensen, un día soleado en una pequeña isla griega, se enamoró perdidamente. Fue su amante y su musa muchos años y también la inspiración de las canciones más emotivas de sus primeros discos. Ella estaba casada con el escritor Axel Jensen y hablar de su recuerdo aún le dolía años después. Falleció este mismo año y Cohen la despidió con una emotiva carta.

3- Bird on the Wire

Marianne inspiró también esta canción, que escribió en la misma isla en la que la conoció, Hydra. Una tarde se dio cuenta de que un pequeño pájaro que descansaba en un cable telefónico delante de su habitación se parecía bastante a él. Así que escribió Bird on the Wire. Aunque es una de las mejores canciones de su álbum Songs from a Room, lo cierto es que costó bastante grabarla: durante días y noches el cantautor no encontró el tono adecuado y estuvo a nada de dejar fuera la canción del álbum. Un día antes de finalizar la grabación del disco, el tema surgió de manera improvisada.

4- Famous Blue Raincoat

En algún momento a principios de los de 1970, cuenta Cohen que un ladrón le robó una chaqueta del apartamento de Marianne en Nueva York. Si sabía lo que estaba haciendo es aún un misterio, pero el caso es que el abrigo se convirtió en algo más cuando Cohen escribió sobre él esta pieza en formato epistolar. Hoy es una de las canciones más recordadas del álbum Songs of Love and Hate.

5- Chelsea Hotel #2

Cohen solía alojarse en la suite 424 del hotel que da nombre a esta canción cuando no estaba en su casa en Montreal. Un alojamiento por el que habían pasado desde Mark Twain, Charles Bukowski o William S. Burroughs. Arthur C. Clarke escribió allí 2001: odisea en el espacio. Y también Janis Joplin, con la que se encontró una noche en el ascensor. Se dice que del encuentro de ambos artistas surgieron chispas. El resultado fue memorable y se puede escuchar en esta canción.

6- I'm Your Man

Muchos críticos se habían apresurado a etiquetar a Cohen como cantante folk de los 60 cuando sorprendió a todo el mundo con I'm Your Man. El noveno álbum del poeta estaba lleno del espíritu rebelde de sus coetáneos y jugaba con sonidos mucho más modernos de lo que, incluso los más avezados, esperaban. La canción que bautizaba al disco era un canto a la lujuria que entró directamente en lo más antológico de su carrera.

7- Everybody Knows

Decía Andy Green en Rolling Stone que esta canción se podría considerar de las más pesimistas de su amplio catálogo de canciones pesimistas. Cohen escribió sobre 'lo que todo el mundo sabe' entristecido y el resultado poético tiñó los versos de un aire casi apocalíptico. Para la ocasión, trabajó como pocas veces su voz, más profunda de lo habitual, de forma que sonara lo más acompasada al bajo posible.

8- Tower Song

En 2008, muchos se sorprendieron de que Cohen entrase en el Rock and Roll Hall of Fame. Pero lo cierto es que el mérito no se lo ganan sólo las grandes estrellas del rock, sino también aquellos artistas que saben mirar y reflexionar sobre la propia profesión. Pocos lo han hecho como el músico y poeta canadiense. Tower Song no es una canción inspirada en el amor a una joven, ni un dulce romance en un hotel cualquiera. Es una mirada lúcida a la creatividad y el coste personal y anímico que ésta exige.

9- The Future

La caída del Muro de Berlín inspiró este canto al futuro sombrío al que alude el título de la canción. Una pieza que muchos no han dudado en comparar con ciertas etapas apocalípticas de Bob Dylan y que marca el tono pesimista y desencantado con el que el cantautor veía la década de los 90. El álbum al que daba nombre este single marcó algunas de las miradas más emblemáticas de la cultura pop de la última década del milenio y fue también su despedida de la grabación analógica.

10- Hallelujah

Aunque hoy es todo un hito, esta canción pasó algo desadvertida en su momento. No en vano, el mismo año que Cohen sacaba su álbum Various Positions, las listas de éxitos las copaban Prince, Bruce Springsteen y Madonna. No obstante, fue una canción que costó un esfuerzo de tiempo y creatividad al que el artista no estaba acostumbrado. Cohen llegó a obsesionarse con cada palabra del tema e hizo hasta ochenta versiones de la canción. La versión de Jeff Buckley la catapultó a una fama que tardó casi una década en llegar. A día de hoy, quien diga que no ha escuchado jamás a Leonard Cohen solo tiene que buscar esta canción para descubrir que se equivoca. No se nos ocurre mejor forma de despedirle.

2016 está siendo inolvidable. En muchas cosas, para mal. Hemos tenido grandes pérdidas, especialmente dentro del mundo de la música y el cine.

Pero lo más impactante ha salido de las urnas. Varios procesos electorales han tenido resultados inesperados y han sorprendido y preocupado a todo el mundo, especialmente por las consecuencias que pueden tener. Además, algunos activistas han sido asesinados en medio de sus luchas contra lo que consideraban injusto y por los derechos de sus comunidades.

En la política y el activismo

Brexit

El 23 de junio, Reino Unido decidió abandonar la Unión Europea. El resultado del referéndum sobre la permanencia en Europa que convocó el entonces primer ministro David Cameron sorprendió al mundo, en un hecho histórico y de efectos imprevisibles no solo para sus socios europeos. Las encuestas apuntaban a un resultado ajustado, pero la mayoría siempre se decantó por el rechazo a la propuesta. Londres aún no se ha desligado de Bruselas, ya que Downing Street aún no ha activado el artículo 50 del tratado de Lisboa, que es el que da inicio al proceso. Pero lo ocurrido le costó el puesto a Cameron y encumbró a la que era su ministra del Interior, Theresa May. Además, desde el Brexit han aumentado las denuncias por agresiones xenófobas en territorio británico.

El 'no' a la paz en Colombia

Parecía que todo el proceso para que Colombia y las FARC alcanzasen un acuerdo estaba hecho. Solo faltaba un referéndum que avalase las negociaciones entre el presidente Juan Manuel Santos y Timochenko. Pero los colombianos votaron 'no' y todo se paralizó. Ocurrió el 2 de octubre, cuando nadie esperaba un resultado distinto al 'sí'. Este rechazo a las conversaciones con las Farc fue liderado por el expresidente Álvaro Uribe, que aseguraba que el pacto daría impunidad a líderes responsables de graves crímenes, premiaría a los criminales al permitirles participar en política y erosionaría la Constitución y las instituciones de Colombia. Por el momento, la tregua para un alto el fuego continuará hasta el 31 de diciembre. A pesar del fracaso momentáneo del proceso, Santos fue galardonado con el Nobel de la Paz en octubre.

La victoria de Donald Trump

Pocos lo vieron venir. Las encuestas se apretaron en los últimos días, pero todas apuntaban a que Hillary Clinton sería la primer mujer en presidir Estados Unidos. Finalmente, la realidad golpeó al mundo y a muchos estadounidenses. La primera potencia mundial tendrá un presidente al que se puede definir por sus palabras y actos como xenófobo, misógino y maleducado. Frases salvajes contra las mujeres, los gays, los periodistas o los discapacitados, acusaciones de abuso sexual de varias mujeres, expresiones machistas y denuncias por evadir impuestos también forman parte del bagaje de Trump.

Tras confirmarse que era presidente electo, moderó su tono y hasta elogió a Clinton, a la que llamó “asquerosa” en un debate televisivo. Su reunión con Obama, al que acusó de no ser estadounidense y de fundar ISIS, también dejó otra sorpresa: definió al que será su predecesor como un “buen hombre” y hasta aseguró que le pediría consejo cuando fuese nombrado el 45º presidente el 20 de enero.

La expulsión de los refugiados acordada por la UE y Turquía

Marzo fue un mal mes para la solidaridad. El que inició el del gran fracaso de Europa, al no responder a la mayor crisis humanitaria desde la II Guerra Mundial. Fue cuando Bruselas decidió dar la espalda a todos los refugiados que llegaron a su territorio hasta el día 20 de ese mes. Según el acuerdo, todas las personas que llegasen a las islas griegas de forma irregular serían devueltas a Turquía de forma individual. Muchos centros abiertos se transformaron en centros de detención. Además, se acordó recolocar a un número determinado de refugiados sirios, pero solo a uno por cada otro migrante expulsado hasta una primera tanda de 72.000. Poco antes, el presidente del Consejo Europeo, Donald Tusk, instó a los migrantes económicos a no venir a Europa. Así, quedaba prácticamente cerrada la ruta de los Balcanes.

Algunos gestos hacia los refugiados llegaron con la muerte de Aylan, que conmocionó al mundo. Pero no se ha dado la misma reacción con los más de 300 niños que también fallecieron entre Grecia y Turquía tras la foto del niño sirio de septiembre de 2015.

El asesinato de Berta Cáceres

El nombre de la líder indígena hondureña era conocido por la importancia de su labor: dedicó su vida a luchar por los derechos de su comunidad y por el Medio Ambiente, junto a su denuncia de las represalias contra otros activistas como ella por poner el foco en lo que consideraban abusos de las empresas transnacionales extractivas, hidroeléctricas o del sector agroindustrial en Honduras.

Fue asesinada el 3 de marzo, una semana después de una rueda de prensa en la que reveló el asesinato de algunos de los que encabezaban su comunidad indígena y que ella misma estaba siendo amenazada. Menos de dos semanas después asesinaron a uno de sus compañeros, Nelson García. Cuatro meses después, el 6 de julio, también fue asesinada su colega Lesbia Yabeth.

Muhammad Ali, la desaparición de un referente

El mejor boxeador de todos los tiempos aparecía cada vez menos en público. El parkinson que padecía se agravó con los años y provocó que tuviese que ir siempre acompañado a sus pocos actos con su esposa Lonnie, con la que pasó los últimos 30 años de su vida. Murió el 3 de junio por causas naturales a los 74 años, recibiendo homenajes en todo el mundo. Pero Ali no fue solo un referente en el boxeo, donde fue campeón de los Pesos pesados y medalla de Oro en los Juegos Olímpicos de Roma en 1960. Su lucha por los derechos de los negros, su conversión al islam o que rechazase ir a la guerra de Vietnam ya que no tenía “nada en contra de los Viet Cong” le llevaron a ser uno de los activistas más mediáticos e importantes del siglo XX. En una entrevista, que se hizo viral tras su muerte, resumía con humor por qué los negros eran discriminados solo por su piel.

Música y cine

La muerte de David Bowie

Fue la gran pérdida cultural de 2016. Y nada más comenzado el año, ya que el músico británico falleció el 10 de enero. Un cáncer de hígado se llevó prematuramente a Bowie, que había cumplido 69 años dos días antes. Su importancia musical está fuera de toda duda, ya que es el autor de canciones que conoce todo el mundo como Space Oddity, Under Pressure, Changes o Starman. El legado de Bowie, que estuvo desaparecido de los escenarios desde 2004, es muy amplio. Tanto que lanzó su último disco, Blackstar, en octubre de 2015, mientras trabajaba en un nuevo trabajo.

Adiós a Alan Rickman

Tenía una de las mejores voces y una dicción casi perfecta, por lo que estaba considerado como uno de los grandes en cualquier faceta interpretativa. El actor de teatro, conocido por ser el Severus Snape de Harry Potter, falleció el 14 de enero a los 69 años. Le quedaba un mes para cumplir 70 cuando un cáncer de páncreas le causó la muerte. Su último papel fue en la película Eye in the Sky, donde compartía protagonismo con Helen Mirren. Otros de sus papeles míticos fueron el de Sheriff de Nottingham en Robin Hood y el de Hans Gruber en Jungla de Cristal.

El inesperado fallecimiento de Prince

El último concierto del autor de Purple Rain fue el 14 de abril después de cancelar dos actuaciones por una supuesta gripe. El 21 de abril, los medios estadounidenses informaron de que Prince Rogers Nelson había sido hallado muerto en su casa. Su edad (57 años) y que hubiese perdido notoriedad musical motivaron que su desaparición sorprendiese incluso más. Semanas después, se reveló que murió a causa de una sobredosis de fentanilo, un analgésico muy potente.

Leonard Cohen, el último en fallecer

Por ahora, es el hecho luctuoso más reciente que ha conmocionado al mundo de la cultura. El cantautor canadiense ha muerto este 11 de noviembre a los 82 años en Los Ángeles, como ha anunciado su familia a través de Facebook. Como en el caso de David Bowie, había sacado disco poco antes de su muerte, cuando lanzó You Want It Darker en octubre. Entre su legado, canciones históricas como Suzanne, Hallelujah o Chelsea Hotel. Además, puso música un himno de la Resistencia Francesa contra Hitler. Uno de sus últimos gestos fue la carta de despedida que escribió a su musa, Marianne, a la que también dedicó otro de sus temas más conocidos.

Seguramente su obra se imbricó en mi vida, como en la de tantos otros, que debe ser una de las grandes aspiraciones de todo artista. En las condolencias por la muerte de Leonard Cohen –fallecido este jueves 10 del 11 de 2016– es fácil advertir que nos ocurrió a muchos. Las canciones y poemas de Cohen irrumpieron en una época “confusa, densa, apática pero ¡con tantas flores en la entrada! Con tantas ilusiones marchitadas en el camino”… decía a poco de comenzar en los 60'. Para, así, ir surcando la misma montaña rusa de nuestras vidas sustentada en triunfos, esperanzas, caídas, decepciones y empuje, sin renunciar del todo nunca a volver a empezar. Hasta que llega la hora.

Fue Leonard Cohen quien me llevó de la mano a su casa junto al río en una calurosa tarde de verano, inicio de rumbos vitales. Escala en Madrid, desde Zaragoza y hacia el Londres del primer crecimiento, Suzanne regó la tierra y las raíces de una trayectoria, aunque yo creía estar poniendo agua simplemente a unas macetas. Las canciones de Cohen evocan rostros, paisajes, sensaciones, deseos, empeños, ideales, sentimientos. Es un privilegio ser ese resorte para millones de personas.

Con Dylan en la cabeza y con Leonard Cohen, también en el corazón. Song of the room, Song of love and hate. Discos de vinilo que te compras por necesidad, con canciones que aprendes de memoria. En una habitación para amar y odiar, para amar siempre. El Cohen pícaro que sabe cuándo estará bien… por un momento, for a while (Tonight will be fine). Y el que se rinde de amor para ofrecer ser el hombre que siempre soñamos, también por un tiempo. “Si quieres un amante, haré lo que me pidas. Y si quieres otro tipo de amor, usaré una máscara. Si quieres un compañero, toma mi mano, o pégame si te enojas. Aquí estoy, soy tu hombre” (I'm your man).

Bird on the wire se erigía como lema de vida. Intentar ser libre como un pájaro en el alambre, sin jaulas. Leonard siguió afirmado la libertad siendo El partisano a quien, cuando ellos (los nazis) cruzaron la frontera, “pidieron que se rindiera y era cosa que no podía hacer”. Las fronteras eran su prisión; no los barrotes, las fronteras. Y de nuevo aquellos vientos que no cambiaban pero soplaban entre las tumbas trayendo sueños de libertad. “Saldremos de las sombras”, lanzaba a lo alto en el pico bajo del ánimo.

Ese eterno peregrinar entre la lucha y el cansancio. “Nos sentenciaron a veinte años de aburrimiento. Por intentar cambiar el sistema desde dentro”, vamos a hacer algo. Manhattan ya lo tomamos, ahora vamos a por Berlín.

Y Leonard se va, justo cuando la involución se hace dueña de nuevo del corazón de Nueva York y los Estados Unidos, el mundo en realidad.

Y tras las Suzanne, llegaron las Marianne a quien amar y decir adiós con toda ternura. Con Marianne, su amor de los 60, se citó de alguna manera en el año de sus muertes, 2016, con una nota. “Es tiempo de que empecemos a reír, llorar y llorar y reírse de todo de nuevo”, le había dicho en su inmortal canción. Mientras se está vivo, siempre lo es.

Con Cohen viajamos también hasta el Chelsea Hotel. A hacer excepciones cuando la inmensa belleza del alma, el ingenio, la creatividad y el corazón, son el más poderoso reclamo erótico. Lo recordamos a él, a Janis Joplin que se montó tan prematuramente en el caballo de la huida, a todos nosotros buscando horizontes y topándonos con las realidades. El Chelsea hotel, obligada visita en el tour sentimental de Nueva York en el 222 de la Calle 23, que aún oferta sus servicios.

Lo dijo todo. En un susurro, sí, que calmaba y penetraba empapando hasta los huesos. “Creo que un pesimista es alguien que está esperando que llueva”, explicó. Si estás calado ya, evidentemente, constatarlo es ser realista.

Hace dos días, volví a ver –no sé por qué– el mítico concierto que Leonard Cohen dio en San Sebastián en 1988. Lo retransmitió TVE que era una caja mucho menos tonta de lo que se decía, infinitamente más sabia que ahora. Vivo y esplendoroso a los 54 años cantaba Tower of Song, con aquellas dos etéreas voces que le hacían coros. Era constatar el largo camino andado. Las desesperanzas cíclicas, la realidad. Tom Jones anda haciendo ahora una excelente versión de este canto a la aceptación del paso del tiempo. “Mis amigos se han ido y mi pelo es de color gris. Me duele en los lugares donde acostumbraba a jugar. Y estoy loco de amor, pero no funciona. Sólo estoy pagando mi alquiler de todos los días en la Torre de la Canción”. El desgaste y la muerte forman parte de la vida y ayuda entenderlo.

Ya saben todos los discos y todos los premios que, justamente, mereció y recibió. Aquí nos consolamos hablando de otra cosa. El homenaje personal que miles de personas en el mundo le rendimos a Leonard Cohen es el camino que recorrimos juntos y que seguimos andando. Por las fronteras que aprisionan y las jaulas rotas. Por el conocimiento de las fuerzas y posibilidades que apenas alcanzan y la conciencia que impele a obrar con justicia y dignidad. Por la belleza sobre todo. Qué más se puede pedir que ir danzando hasta el final del amor. Hasta la belleza, con un violín ardiendo. A través del pánico hasta estar a salvo. Alzados como una rama de olivo que asienta la paloma de regreso. Porque el amor, todo el amor, “no tiene cura, pero es la única cura para todos los males”. En tiempos oscuros es la principal palanca para volver a empezar. A reír, llorar y llorar y reírse de todo de nuevo.

Estoy preparado, mi señor.... Dejo la mesa, estoy fuera de juego... Buenas noches, buenas noches, mi estrella caída...

Son algunos de los versos que componen las canciones del último disco de Leonard Cohen, You Want it Darker. Publicado hace tan solo unas semanas, el álbum sonaba a adiós, una premonitoria despedida que ya avanzó en su carta a su fallecida musa Marianne: “pienso que te seguiré muy pronto”. Hasta la vista...

Las canciones del álbum están cargadas de metáforas de alguien que demuestra estar preparado para marcharse. Lo quieres más oscuro, nosotros apagamos la llama... Siento tanto ese fantasma que te hice ser... Como él murió para hacer a los hombres sagrados, déjanos morir para hacer las cosas baratas...

Es inevitable hacer un paralelismo entre los versos epitafio de Cohen y el disco epílogo de otro de los grandes de la música, David Bowie. Blackstar, el último álbum del británico antes de fallecer y lanzado tan solo dos días antes de su muerte fue “un regalo de despedida” a su público, según señaló en su día su productor Tony Visconti.

Mira aquí arriba, estoy en el cielo... Así arrancaba Lázarus, uno de los singles del disco cuyo proceso creativo coincidió en el tiempo con la batalla que el Camaleón mantuvo contra el cáncer. En el videoclip de este tema, Bowie aparece desquiciado con los ojos vendados, levitando en la cama de un manicomio, levantándose de entre los muertos. La canción terminaba con un deseo: Oh, seré libre, justo como ese pájaro. Oh, seré libre, no como yo ahora.

El tema que cierra el último álbum de Bowie, I can't give everything away, también incluía referencias a la proximidad de su muerte: Sé que algo está muy mal... con tiburones de ojos oscuros... con diseños de calaveras sobre mis zapatos.

Leonard Cohen, llegó a afirmar abiertamente en una entrevista que estaba preparado para morir. Pero después, en una de sus últimas apariciones en público, tiró de la ironía para mostrarse más optimista. “Dije recientemente que estaba preparado para morir y creo que estaba exagerando (...). Tengo la intención de vivir para siempre”.

Ambos genios vieron venir a la muerte y se abrazaron a ella de la mejor manera que sabían hacer, con sus canciones. Álbumes para decir adiós que se suman a una discografía tan enorme que les hará vivir eternamente.

Era 1943 y la Francia ocupada miraba de reojo al norte, a Winston Churchill, Gran Bretaña y a la Sexta División Aerotransportada británica. La Wehrmacht había ocupado París casi al comienzo de la guerra y la contienda se presentaba oscura e incierta para los Aliados desde la caída de la capital francesa.

Precisamente para animar a las tropas y a la población gala, Emmanuel d'Astier de la Vigerie compuso La Complainte du partisan (La canción del partisano), más de medio siglo después versionada por Leonard Cohen, Joan Baez y otros muchos artistas. El autor original, aunque empezó escribiendo para un periódico monárquico francés, la Guerra Civil en España pronto le haría abrazar los ideales de la izquierda.

El periodista se alistaría más tarde en las filas de la armada francesa, llegaría a ser un destacado miembro del Consejo Nacional de la Resistencia y viajaría a Londres, donde escribió el tema dos años antes del fin de la II Guerra Mundial.

La niñez de Cohen encerrada en un himno antifascista

Leonard Cohen solía cantar la canción en inglés primero y después en francés. El tema, que alcanzó notable popularidad pocos años después de terminar la II Guerra Mundial lo incluyó el cantante canadiense en su segundo disco, Songs from a room, de 1969.

Cohen ha dicho en varias ocasiones que este tema le recuerda a su niñez, ya que lo cantaba frecuentemente en los campamentos de verano a los que asistía de pequeño. El canadiense tuvo su primer encuentro con La Complainte du partisan en 1950, mientras leía un cancionero popular. El poeta diría más tarde que “Una idea curiosa se formó en mí, me decía que los nazis fueron derrotados por la música”.

La canción habla de un soldado partisano que se ve obligado a huir de su casa cuando las fuerzas de ocupación alemanas entran en Francia. Relata cómo por el camino deja mujer e hijos pero que gracias a los amigos (en clara alusión a la Resistencia Francesa) la libertad volverá a reinar en el país galo.

La BBC, los primeros en emitirla

D'Astier (apodado Bernard) le puso letra a un tema original de la rusa Anna Marly, cantante y compositora francesa nacida al albor de la Revolución de Octubre. La Complainte du partisan, fue emitida por primera vez en Radio Londres, el canal de radio que la BBC dedicó desde 1940 a 1944 a la resistencia francesa. Se emitía en francés y estaba producido en Londres por franceses que habían huído de su país.

Comenzaba las emisiones con una frase “Ici Londres ! Les Français parlent aux Français...” (“¡Aquí Londres! Los franceses hablando para los franceses...”) y además de servir como propaganda y aliento para las fuerzas de resistencia, llegó a emitir algún que otro mensaje codificado.

A raíz de esa primera emisión en Radio Londres, la canción se popularizó, tanto, que Anna Marly grabó una nueva versión esta vez con letra de Joseph Kessel y Maurice Druon. Sería este tema, Le Chants des partisans, el que terminaría convirtiéndose en un himno contra los nazis. Hitler, que previamente ya había prohibido la escucha de La marsellesa, también hizo lo propio con este nuevo tema. La BBC respondió adoptando la canción como su sintonía de apertura en Radio Londres.

Era la mujer más bella que había visto, según las propias palabras de Leonard Cohen. El cantautor canadiense y Marianne Ihlen se conocieron en la taberna del puerto de Hydra, la isla donde Cohen vivió la revolución hippie griega. Este punto del golfo Sarónico servía de refugio a los artistas y bohemios que huían de las grandes metrópolis o, en su caso, de la lluvia de Londres.

La noruega encandiló al cantante, fallecido hoy a los 82 años, y juntos vivieron una amistad con tintes de affaire durante la década de los 60. Ella había aterrizado en Hydra en mayo de 1957 acompañada de su joven novio, el novelista nórdico Axel Jensen. Se casaron en la isla griega y celebraron el convite en una casa sin lavadora ni electricidad. Pero al año siguiente, su marido y padre de su hijo la abandonó y Leonard Cohen apareció en escena. “Aunque lo amé desde el primer momento, lo nuestro fue una bonita película lenta”, diría ella más tarde.

Marianne inspiró colecciones de poemas como Flowers to Hitler y la novela The favourite game, pero la mayor muestra de amor público llegó con la canción So long, Marianne de su primer sencillo (1967). También fue protagonista del tema Bird on the wire y de la carátula de su segundo disco, Songs for a room (1969). En esta mítica contraportada, la joven aparece envuelta en una toalla blanca y sentada frente a la máquina de escribir de Cohen en Hydra.

Su romance acabó tres años después, cuando otra de las novias del cantante, Suzanne Eldrod, dio a luz a su primogénito. Marianne volvió entonces a Oslo, aunque siguió en contacto con su amante y amigo. Cuando Cohen supo este año que estaba enferma de leucemia, le remitió una carta que salió a la luz en la radio canadiense por un amigo en común.

El cineasta Jan Christian Mollestad, que estaba rodando un documental sobre Ihlen, se puso en contacto con Leonard el 28 de julio para informarle del fallecimiento de uno de sus primeros amores. “Marianne se marchó de este mundo ayer por la tarde, totalmente en paz y rodeada de sus mejores amigos”, escribió.

La página oficial de Leonard Cohen publicó el mensaje completo de Mollestad junto a una de sus últimas interpretaciones de So long, Marianne, en 2014. “Tu carta llegó cuando ella todavía podía hablar y reír con plena conciencia. Cuando la leímos en voz alta, sonrió como solo Marianne sabía hacer. Levantó la mano, justo cuando decías que estabas a sus espaldas, y se estiró tanto que podrías alcanzarla”, decía.

En la conmovedora misiva, Cohen le decía a Ihlen que sentía que se iban a reunir muy pronto. En su última entrevista concedida al New Yorker en septiembre, también aseguró que estaba “listo para morir”. Ahora nos quedan sus letras, su fantástico disco epílogo y una voz profunda que hacía bellas las preocupaciones del ser humano como la religión, la muerte, el amor o los viajes de su vida. Esas escapadas al refugio de Grecia, donde ya no tendrá que volver a despedirse de Marianne.

Leonard Cohen

You Want It Darker

Sony

AUTOR

★9/10

La reciente carta pública a propósito del fallecimiento de Marianne Ihlen, uno de los grandes amores de su vida además de la mujer a la que inmortalizó dedicándole So Long, Marianne, hizo que se desataran todas las alarmas. “Bien, Marianne, hemos llegado a este tiempo en que somos tan viejos que nuestros cuerpos se caen a pedazos; pienso que te seguiré muy pronto”, escribió. En un año inevitablemente marcado por la jugada maestra de David Bowie, anticipándose a su propia muerte en Blackstar, You Want It Darker suena igualmente a reverencia ante su querido público, a un “hasta aquí hemos llegado”. Punto y final.

Un disco que arranca con un coro celestial y que a lo largo de sus 35 minutos está plagado de referencias explícitas al lugar que ocupa en el mundo: “Si tú eres el asistente / yo estoy fuera de juego / Si tú eres el sanador / yo estoy roto y cojo” (You Want It Darker); “Dejo la mesa / me salgo del juego / no conozco a la gente / que aparece en tu portarretratos” (Leaving the Table).

A sus 82 años ya cumplidos no hay mirada al frente posible, y por eso su decimocuarto disco es un trabajo de recogimiento y balance. También en el aspecto musical. En la línea igualmente austera de Popular Problems (2014) y Old Ideas (2012) y también apoyándose en Patrick Leonard como principal compositor (su hijo Adam figura como productor), Cohen repasa en este disco muchos de los tics estéticos que han marcado una carrera que abarca cinco décadas: el característico apoyo de voces femeninas, los pasajes orquestales, el tono cantautoral de sus primeros discos e incluso los aires a folklore griego de Traveling Light.

Tal vez a estas alturas sea imposible que el viejo poeta que compuso Suzanne, Famous Blue Raincoat, First We Take Manhattan o Take This Waltz pueda sorprendernos con una nueva colección de canciones, pero a estas alturas, y si definitivamente lo es, cuesta trabajo imaginar mejor despedida que You Want It Darker.

Azul y Negro

Dicromo (1981-1986)

Universal

ELECTROPOP

★7/10

En una maniobra sorprendente (y digna de aplauso) Universal recupera toda la obra de Azul Y Negro en un solo pack con seis CD y libreto con abundante material gráfico y textos.

Es cierto que el formato de la edición decepciona un poco: cada disco se presenta en un cartoncillo con una calidad de impresión mejorable. Pero también que eso permite un precio más asequible: apenas 25 euros por una caja con 98 temas, los seis discos que Carlos García-Vaso y Joaquín Montoya publicaron entre 1981 y 1986 -La edad de los colores (81), La noche (82), Digital (83), Suspense (84), Mercado común (85) y Babel (86)- y abundantes extras como versiones maxisingles de sus éxitos y caras B.

¿Reivindicables? Aunque no todo el material brilla con la misma intensidad, temas como Me estoy volviendo loco, The Night, Fu-Man-Chu, Funky Punky Girl, El hombre lobo, Con los dedos de una mano o Vuelva usted mañana, son Historia del pop nacional, además de la banda sonora original de los ochenta en este país. Tan exageradamente ensalzadas en su día -el título de “los Kraftwerk españoles” les quedaba demasiado grande, si acaso la Yellow Magic Orchestra por su faceta kitsch y populachera y la afición a los ritmos cuasi marciales- como injustamente sepultadas por la historia con el el paso del tiempo. Merecían esta revisión.

Crystal Fighters

Everything Is My Family

Zirkulo / Pias

POP

★5/10

Tercera vez que estos londinenses con coartada vascuence -en los orígenes del grupo se reivindicaban sus raíces euskaldunes y sacaban a pasear la txalaparta- nos cuentan el mismo chiste. Algo que posiblemente será más que suficiente para convertirles en habituales de nuestros festivales, pero que desde el punto de vista artístico cada vez cuesta más trabajo sostener.

Finiquitados los ecos clubbers de los inicios en el precedente Cave Rave (2013), Crystal Fighters lo fían todo a lograr la cuadratura del círculo pop. En Everything Is My Family hay melodías anémicas (Fly East o Live For You, su particular incursión en el mundo del autotune), fallidos amagos de música electrónica de baile (Ways I Can’t Tell) y repeticiones de una fórmula de sobra conocida (All Night, pese a todo, su mejor número). Pero himnos, su principal negociado, más bien pocos… o ninguno

Diego Vasallo

Baladas para un autorretrato

Subterfuge

AUTOR

★7/10

Tras un silencio de seis años Diego Vasallo vuelve al primer plano de la actualidad con un disco que, curiosamente, publica Subterfuge, el más relevante sello independiente de este país. De alguna forma podría parecer que sigue los pasos de su antiguo compañero Mikel Erentxun, que jugó a reinventarse poniéndose en manos del productor indie Paco Loco para grabar A corazón abierto, su disco más relevante en años.

Pero hablábamos de Diego, que en Baladas para un autorretrato encuentra el corsé que mejor encaja con su dicción aguardentosa, principal inconveniente a la hora de llegar a audiencias mayores desde los ya lejanos años de Cabaret Pop. Nunca había encajado tan bien como aquí, con unas composiciones a medio camino del blues-rock cabaretero y descacharrado de Tom Waits y la calidez mediterránea de Paolo Conte, en ocho disparos marcados por la habitual calidad poético-literaria del donostiarra.

Jimmy Eat World

Integrity Blues

RCA

ROCK

★6/10

Noveno álbum para quienes una vez, allá por el cambio de milenio, fueron abanderados de un emo-rock que aspiraba a auparse en las listas de éxitos. No lo consiguieron del todo, más allá de aquel éxito puntual que fue The Middle, y desde entonces deambulan sin pena ni demasiada gloria como material de relleno en las zonas templadas de festivales (sin ir más lejos, hace unos meses el madrileño Dcode).

Con la intención de romper esta dinámica, la banda ha echado mano de Justin Meldal-Johnsen (bajista de M83 y productor de, entre otros muchos nombres, Paramore, Tegan & Sara, Crystal Fighters o los mismos M83). Esto es, vocación ultracomercial para productos que se etiquetan con el marchamo de “independiente”. Falso. Integrity Blues es rock para radiofórmula, o al menos lo es en aquellos países donde los que deciden lo que suena en las radios no se asustan al escuchar una guitarra. Tan inofensivo como eso.

Lady Gaga

Joanne

Interscope

POP

★4/10

Lady Gaga se muestra sin máscaras en su nuevo disco. Al menos eso es lo que se desprende de la portada del mismo o incluso del videoclip para Perfect Illusion, chuminada de impecable factura en la que la estrambótica artista juega a transformarse en rockera de riff pétreo y mandíbula prieta.

En una desesperada búsqueda de la autenticidad hasta tira de agenda para convocar a Mark Ronson (principal productor del disco), Florence Welch, el Tame Impala Kevin Parker, Josh Homme (que se apunta a un bombardeo) o Father John Misty.

Ni siquiera esa maniobra resulta creíble en un álbum falso como un euro de madera y lleno de ejercicios de estilo de diferente pelaje, en el que la Gaga se debate entre la balada acústica a lo Lana Del Rey, amagos de hit global (Yo-Yo, o su intento por emular el pepinazo de Uptown Funk) y experimentos que evocan aquellos lejanos tiempos en los que el rock sintetizado de Tina Turner o Rod Stewart dominaba las listas de éxitos.

La primera versión de Bird On a Wire fue censurada en los años 70 por sus polémicas imágenes. En ellas aparecía Leonard Cohen, durante su gira mundial de 1972, fumando marihuana, discutiendo con guardias de seguridad, coqueteando con sus fans y reflexionando sobre su visión del mundo. Una visión demasiado íntima para el poeta canadiense.

Hace nueve años, en un almacén de Hollywood, aparecieron 200 rollos de la cinta que exhibía a Cohen sin tapujos. Las copias fueron devueltas a su director, Tony Palmer, quien en 2012 logró completar el puzzle y restaurar los fragmentos para poder exhibir al fin Bird On a Wire.

La primera presentación en España se ofreció ese mismo año en la Facultad de Filología, Traducción y Comunicación de la Universidad de Valencia. El próximo jueves, las Naves, dentro de la programación del Festival de la Cançó del Grau volverá a proyectar el documental con los coqueteos del artista con las drogas, las mujeres y la música.

El Club Bilderberg del rock está formado por una élite de favoritos de los medios generalistas. Sting, Leonard, The Boss, Bobby, Keith (a Mick le gusta demasiado la jet set para ser aceptado), Van The Man, Neil, Elvis (Costello, no ese otro redneck de los trajes blancos), etc. De vez en cuando se deja asomar la nariz a miembros más jóvenes, como Norah Jones, pero suelen quedarse en un rincón al lado de la puerta. En otro rincón está gente como Richard Thompson, Aaron Neville, Dr. John y un sector B de gente que inexplicablemente no acaba de alcanzar los grandes privilegios.

Dayna Kurtz se codea desde la media distancia con esta aristocracia musical pero su puesto está detrás, llevando la cola del manto de los soberanos. Joni Mitchell, Bonnie Raitt, Mavis Staples y Marianne Faithfull también se han tenido que conformar toda la vida con el papel de damas de compañía. Es el doble rasero del patriarcado musical.

Con esta introducción lo que queremos es señalar que, aunque su reputación la coloca en un escalón secundario, Dayna Kurtz es una cantante, compositora e intérprete de primerísima categoría. Como sus compañeras de la antecámara del trono, Dayna es una mujer de talento. Una artista con una fuerza expresiva única. Es intensa y cálida y posee una bella voz profunda. La calidad de sus interpretaciones y su profesionalismo la hacen comparable a las cantantes de 50 años atrás como Patsy Cline, Loretta Lynn o Tammy Wynette cuando se tenían que ganar el respeto del público noche a noche sin el apoyo de los medios y sin el lavado de cerebro de campañas de marketing. Luchando a brazo partido con el escepticismo, el desinterés y la falta de respeto de los espectadores, mucho antes de que se estableciera el mesianismo rockero.

Dayna es una cantante de Nueva Jersey establecida en Nueva Orleans que se puede catalogar como country. Pero decir country se queda corto si hablamos de Dayna, como se quedan cortos todos los géneros cuando se aplican a los artistas de verdad. Y no porque Dayna se dedique a esos mejunjes llamados mestizajes, fusiones y experimentos mezclando lo que sea a tortazo limpio en aras de la originalidad, sino porque su personalidad supera todos los tópicos y presupuestos.

Country tradicional, un poco más allá

Una buena prueba de ello es su último disco, Rise & Fall, publicado en marzo de este año. La mayor parte de canciones tienen una línea country formalmente tradicional. Entre las que más se separan de la fórmula está If I Go First, lenta y sobrecogedora, que habla de reencontrase con la persona amada, pero la voz de Dayna y los sentimientos que logra imprimir nos hace sentir que la reunión va tener lugar en algún lugar más allá de la muerte y de la tumba.

Como el resto de las canciones excepto una, ha sido compuesto por Dayna. El disco ha sido producido por Dayna en Union City, Nueva Jersey, en el estudio de su co-productor Randy Crafton y es muy bueno. Lleno de soul y de alma y con algún guitarreo distorsionado como en la canción folk Raise the Class y muchas piezas espectrales y profundas.

Dayna ha conseguido en España un puñado de seguidores muy fieles, gracias sobre todo a sus presentaciones en directo y a la cercanía con la que se comunica con el público. En escena, Dayna es una mujer fuerte y digna. No necesita más que su presencia y su voz. Sus ojos verdes despiden rayos eléctricos y sus cuerdas vocales ondas magnéticas que hipnotizan los corazones de los oyentes.

Nadie se mueve en un concierto de Dayna.

La corte de los milagros de la aristocracia musical puede esperarle sentada: Dayna no necesita el boato de su compañía ni el oropel de las alabanzas hipócritas de los cortesanos. Ella es de verdad. Sencillamente.

Se llamaba Deborah pero el nombre no cuadraba con su aspecto. Fue la primera chica de la clase a la que le crecieron las tetas. Sus madres decían que Jarvis y ella se casarían pero no pasó, así que quedaron en encontrarse en la fuente al final de la calle en el año 2000. Ahora ya sabemos que la canción Disco 2000 de Pulp, nostálgica y agridulce a partes iguales, en realidad terminaba mucho peor, con la muerte real de la protagonista tras una larga batalla contra un cáncer de médula ósea.

Cuando comenzó a circular la noticia esta semana, las redes se llenaron de una suerte de consternación simbólica para todos aquellos que habían bailado la canción de la encarnación del primer amor platónico. Porque Deborah existía, se llamaba Deborah Bone y, como en la canción, se había casado y había tenido hijos. La protagonista y su vida real hacían añicos la continuación inmortal de un estribillo.

Como Deborah, hubo otras. ¿Qué fue de esas mujeres que, en algún momento u otro, inspiraron historias musicales coreadas por muchos? ¿Dónde están ahora después de quedar congeladas para la posteridad?

Jane Says

Jane SaysJane pregunta por su peluca. Jane ha dejado a Sergio, su novio, y se va a mudar a España, donde podrá ganar más dinero. Jane dejará las drogas mañana, seguro, mañana. Si ha habido un grupo que haya tomado prestada la vida de una persona para su estrellato, ese fue Jane Says, de Jane's Addiction, hito de lo que se llamó pre-grunge allá por 1987.

La canción está basada en Jane Bainter, la compañera de piso del cantante Perry Farrell, y su adicción a la heroína. ¿Sólo la canción? No, también el nombre del grupo, e incluso su logo, que no es ni más ni menos que la firma de Bainter. La historia real de Jane fue menos sórdida que la canción: dejó las drogas, logró llegar a España, volvió a Los Angeles y en la actualidad trabaja en la universidad como terapeuta.

No distance left to run

No distance left to runLa canción no lleva su nombre, ni falta que hace. El álbum entero -13- está dedicado a la ruptura de Damon Albarn con Justine Frischmann, líder también de Elastica, la banda fetiche del britpop. Si en discos anteriores había proclamado su amor por una mujer que se le escapaba de las manos, aquí se resigna y le pide: “Si nos cruzamos, por favor, date la vuelta. No quiero verte porque sé con qué sueñas”.

Así, a Albarn no le gustará saber que Frischmann probablemente sueña con los paisajes de Colorado, y los cuadros de su galería en San Francisco. Tras ser considerada la musa del Londres noventero, Frichmann desapareció de la escena musical y se matriculó en una universidad dedicada a las artes visuales en Estados Unidos. Allí conoció a su marido, un profesor. En la actualidad es pintora de éxito.

Suzanne

SuzanneSuzanne te lleva al río, vestida con harapos y entre algas te ofrece té y naranjas y tú sueñas con los barcos y la bahía y demás. Leonard Cohen tuvo varias musas -quizá, la más conocida sea Marianne Ihlen, con quien compartió vida y que recientemente escribió su propia historia más allá del músico-, pero ninguna tan etérea como Suzanne Verdal.

La canción se basa en la novia del escultor Armand Vaillancourt, con quien Cohen compartió tardes tranquilas de charla y poco más. Verdal, que aparecía retratada como un poco alocada y soñadora, fue coreógrafa y masajista durante décadas hasta que un accidente la dejó postrada y sin ingresos en Santa Monica, California. En la actualidad vive en una caravana, prácticamente en la indigencia.

Sweet Caroline

Sweet CarolineLos buenos tiempos nunca fueron mejores que en aquella época, dulce Caroline. La canción de Neil Diamond, carne de karaoke en la película Beautiful Girls no tenía una inspiración clara, o al menos su compositor no se decidió a revelarla hasta hace muy poco.

La musa del tema fue nada menos que Caroline Kennedy, la hija del presidente estadounidense John F. Kennedy, a quien el músico vio en la portada de la revista Life, montando a caballo... a la edad de cuatro años. Así, las “manos que tocan manos, tocándome, tocándote” adquieren un significado un tanto inquietante. Caroline Kennedy es actualmente embajadora de Estados Unidos en Japón.

My Sharona

My SharonaLa canción que nunca termina. Cuando suena My Sharona, además de reconocer de inmediato sus acordes, uno debe recordar inmediatamente que es una canción que no acaba jamás. Cuando parece que el estribillo ya no puede regresar, ahí está Sharona, una vez más.

¿Pero quién es la querida Sharona de la canción de The Knack? En su momento, Sharona Aperin, una chavala de 17 años de la que se prendó el cantante Doug Fieger. En la actualidad, una de las más exitosas empresarias del sector inmobiliario de California.

Peggy Sue y Peggy Sue Got Married

Peggy SuePeggy Sue Got MarriedLa rubia Peggy Gerron iba al instituto con Buddy Holly y salía con el batería de los Crickets Jerry Allison. Tras una pelea de novios, Allison pidió a Holly una canción para reconquistarla, y de allí surgió el primer éxito. Tras casarse con Allison, inspiró la secuela, que también daría título a la película de Francis Ford Coppola.

Curiosamente, la vida de Peggy Gerron parece haberse contagiado de su propia ficción: tras separarse de Allison, se hizo higienista dental y ayudó a crear el negocio de fontanería de su segundo marido, en una especie de paralelismo con el personaje de Nicholas Cage, que vendía retretes. En la actualidad presenta un programa de radio.

Paloma

Paloma“No hay pájaros en el nido, dos ilusiones se irán a volar pero otras dos han venido”. Las ilusiones que van y vienen bien podrían ser las jóvenes que transitaban la vida de Andrés Calamaro cuando comenzó a componer el que sería uno de sus discos estrella, Honestidad brutal.

En un concierto en Santa Rosa, Argentina, una estudiante de arqueología llamada Paloma, vestida enteramente de cuero, fue invitada al backstage. Al día siguiente, en el autobús de gira, Calamaro escribía Paloma. Con el tiempo, la chica confesaría que solamente se fue con él porque estaba despechada porque su novio la había dejado por otra y que ella más que fan de Calamaro “siempre fue más de Los Rodríguez”.

Llega una edad en que algunos dejan de obsesionarse por el futuro y buscan más la felicidad del ahora

Leonard Cohen ha cumplido estos días 80 años con un nuevo disco (Popular Problems) y anunciando que, tras 30 años esperando y pensando en este momento, volvería a fumar, actividad que practicó durante muchos años. “Demasiado joven para morir, demasiado viejo para preocuparse”, titula en un magnifico comentario al respecto en The New York Times, Jason Karlawish, catedrático de Medicina, Ética Médica y Política de Salud de la Universidad de Pennsylvania (EE UU). Se pregunta cuándo debemos dejar a un lado una vida vivida para el futuro, y abrazar, por el contrario, los placeres del presente. Los del ahora. Eckhart Tolle, en un libro que tuvo éxito hace unos años, hablaba de “el poder del ahora”, aunque no se trate aquí de entrar en la iluminación espiritual que recomendaba ese autor sino en algo que se acerca a lo se puede llamar la felicidad.

No es lo mismo mirarlo desde lo que Gracian llamó la Vejecía (“ese invierno de la vida sin retorno vernal”) que desde la juventud o la madurez. Santiago Ramón y Cajal en El mundo visto a los 80 años (1934) escribía desde esa altura vital unas reflexiones al respecto. En sus tiempos había muchos menos de su edad. En poco más de un siglo, los mayores de 75 años han pasado en España de representar un 1,4% de la población a un 8,2%. Y también el sentido de la edad ha cambiado. Como señalan Karlawish y otros, hoy 75 años son los “nuevos 65”. Y es cuando la esperanza de vida era de esos 65 años que se introdujo la jubilación a esa edad. Todos los cálculos empiezan a quedar trastocados. Es decir, ha habido un desplazamiento de la edad vital.

Decía en sus reflexiones el científico español que “el anciano propende a enjuiciar el hoy con el criterio del ayer”. Es justamente lo contrario de la juventud que tiende a enjuiciarlo con el criterio del mañana. O tendía. Pues estamos asistiendo a una crisis de futuro que vacía los proyectos vitales de muchos jóvenes que, como se ha dicho hasta la saciedad, sienten que van a vivir peor que sus padres. Y otros no tan jóvenes cuya vida profesional se ha quebrado en su plenitud a los 45 o 50. Se ha roto la idea de progreso. Y hay un retorno general del futuro al presente.

El caso de Cohen es diferente. A menudo a nuestros mayores, y no digamos ya a los ancianos, se les obliga a llevar una vida sana que no se merecen, pues se tienen que abstener de muchas cosas buenas y abrazar otras que muchos o pocos, de ellos no desean. Como también recuerda Karlawish, médicos en la Universidad de California y Harvard han desarrollado una web ePrognosis, para evaluar las probabilidades de tiempo de vida que queda a los mayores. Aunque el debate debe versar no sólo sobre la longevidad, sino, cada vez más, sobre la calidad de los últimos años de la vida.

Pese a que no he logrado comprobar si realmente Leonard Cohen ha cumplido su propósito, uno no puede dejar de sentir simpatía y comprensión por su actitud. Al poeta y cantante judío, que también es monje ordenado budista Zen, “le gusta lo lento” y “no porque sea viejo” como canta, o recita, en la primera canción de su último disco. Quizás incluso se ha retrasado demasiado pues probablemente debía haber vuelto a fumar antes. Que lo disfrute, lentamente. Y que sigamos disfrutando de sus canciones.

El deseo de Leonard Cohen de donar los 50.000 euros del premio Príncipe de Asturias de las Letras a una iniciativa cultural ha concluido en la firma de un convenio entre la Universidad de Oviedo y el cantante canadiense para crear la cátedra Leonard Cohen, destinada a impulsar la creación poética y musical entre los estudiantes asturianos y difundir el legado del artista.

El gesto de Cohen de ceder el dinero del premio es su forma de agradecer “la acogida, el entusiasmo y el reconocimiento de la sociedad española que tuvo a su figura” cuando visitó Asturias en 2011 para recibir el galardón de las Letras, según dice la presidenta de la Fundación Príncipe, Teresa Sanjurjo.

Durante este tiempo se fue dando forma a la idea de la Fundación, que pensó que lo mejor era crear una cátedra gestionada por la Universidad de Oviedo. En marzo de 2012, Leonard Cohen aceptó y ahora se ha puesto en marcha con el objetivo de incentivar y favorecer equipos y trabajos de investigación. En cuanto a la participación de Cohen en el desarrollo de esta cátedra, Teresa Sanjurjo destaca la personalidad del artista, que es “una persona muy humilde que no quiere alardear de su generosidad”.

El rector Vicente Gotor califica la iniciativa de un hito para la Universidad, por su carácter de “única y muy especial”. La generosa dotación de Cohen servirá para proyectar la cátedra durante los próximos tres años, aunque la intención de la Universidad es buscar la colaboración de otras entidades para propiciar su continuidad.

Para Teresa Sanjurjo, esta iniciativa cumple con la intención de la Fundación de generar oportunidades de alto valor cultural, que ayuden a estrechar los lazos entre los galardonados y el Principado, y que “redunden en beneficio de la sociedad asturiana”.

Leonard Cohen es el segundo galardonado que impulsa una iniciativa con la dotación económica del premio. Recientemente, la socióloga holandesa, Saskia Sassen, galadornada con las Ciencias Sociales, donó parte del dinero al programa de inserción laboral de mujeres maltratadas, que permitirá durante un año la formación para el empleo a 120 víctimas de la violencia machista.

La Sociedad Max Planck para el Avance de la Ciencia, premio de Cooperación Internacional 2013, también se comprometió a donar el galardón, al que le ha añadido 50.000 euros más, para becar a investigadores españoles en sus centros y contribuir a impulsar proyectos en desarrollo.