La adaptación de la novela de Andy Weir, ‘Proyecto Hail Mary’ que se ha titulado en España “Proyecto Salvación”, ha llegado a los cines y se ha convertido en uno de los estrenos del momento. Ha acumulado ya una recaudación cercana a los 2 millones de euros en sus primeros días, según aportan datos de Comscore publicados por el Ministerio de Cultura.

Ryan Gosling protagoniza la película en el papel de Ryland Grace junto a otros actores como Sandra Hüller (“Anatomía de una caída”, “La zona de interés”), que es el regreso de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras más de una década desde su última película, aunque sí que habían participado como escritores y productores en varios proyectos como ‘Spider-Man: Cruzando el multiverso’, ‘Oso vicioso’ o ‘Los Mitchell contra las máquinas’.

Para los que se han quedado con ganas de temática y tono similar tras ver la película o quieren ir preparados para saber si es para ellos esta historia, aquí van cinco títulos relacionados para un maratón temático.

“Marte” (‘The Martian’) (2015)

Seguramente el título que más venga a la mente al hablar de una película relacionada sea “Marte” (‘The Martian’), siendo ambos largometrajes basados en novelas de Andy Weir, que toma la ciencia realista como motor de su fantasía, y en ambos un protagonista toma la fuerza narrativa, pasando mucho tiempo en solitario y con fuerte sentido del humor y carisma.

En Marte, más realista y conectada con la actualidad, un astronauta llamado Mark Watney que es dado por muerto después de una tormenta y es abandonado por su tripulación en Marte, donde despierta solo y tiene que sobrevivir, lo que intentará con sus conocimientos de botánica, ingeniería y química, y que nos lleva a pensar en una especie de ‘Robinson Crusoe’ espacial.

“Interstellar” (2014)

La misión de salvación que lleva a Ryland Grace a una nave para salvar al Sol, que está muriendo, nos recuerda a la misma desesperación que había en ‘Interstellar’, donde llevan hacia una misión descabellada como última esperanza. La película de Nolan es más seria, juega con otro tono, y tira más hacia los dilemas existenciales y la épica emocional.

“La llegada” (2016)

El contacto con alienígenas conecta a ‘Proyecto Salvación’ con ‘La llegada’ (‘Arrival’), aunque en esta el foco no es tanto la ciencia como el lenguaje y la lingüística, como nos puede llevar a cambiar nuestra forma de pensar al tener que comunicarnos con otra especie, algo que en parte también vemos en la película con Ryan Gosling. Sin embargo, el tono del largometraje de Denis Villeneuve es más reflexivo, emocional y filosófico.

“Dos Buenos Tipos” (2016)

Fuera de la temática espacial, esta comedia de acción con humor negro fue la primera como protagonista principal de Ryan Gosling en un tono cómico que ha ido desarrollando con fuerte carisma y le ha convertido en uno de los actores de la última década, con otros trabajos como ‘Barbie’ o ‘El especialista’, y ahora también en ‘Proyecto Salvación’.

En ‘Dos buenos tipos’ (‘The Nice Guys’) dos hombres muy distintos se ven obligados a trabajar juntos para investigar la misteriosa desaparición de una actriz y lo que los llevará a descubrir una conspiración peligrosa en la ciudad de Los Ángeles. En ella, Gosling forma dupla con Russell Crowe en una buena mezcla de acción, comedia y misterio, con gran sarcasmo y tensión, que funciona gracias a la química de ambos.

“La Lego Película” (2014)

El tono de comedia y de adaptación ya se apreció en Phil Lord y Christopher Miller en su trabajo en una de sus películas más conocidas como es ‘La Lego Película’, que se puede revisitar para conocer el trabajo de esta dupla creativa que ha vuelto a la dirección de ‘Project Hail Mary’, y que también destacó en ‘Infiltrados en clase’ y su secuela ‘Infiltrados en la universidad’.

Dicen que “un clavo saca a otro clavo” y eso parece que es lo que quiere seguir Timothee Chalamet después de volver a perder el Premio Oscar a mejor actor, que fue a parar a Michael B. Jordan. Y es que el actor neoyorquino de origen francés ha compartido tan solo unas horas después las que son las primeras imágenes de su próximo gran proyecto como es ‘Dune 3’.

Unas imágenes promocionales de la tercera entrega de la saga que el actor mostró en su perfil de Instagram y que han sido la antesala a la publicación del que es el primer tráiler de una de las películas más esperadas del año, que tiene previsto su estreno el próximo 18 de diciembre, junto a ‘Avengers: Doomsday’.

Con ‘Dune 3’, Denis Villeneuve cerrará la saga con la que adapta la novela de Frank Herbert, ‘Dune Messiah’ (El Mesías de Dune), y que seguirá con la colaboración de Hans Zimmer en la composición de la banda sonora, de la que comentó en Variety: “Denis llegó el segundo día de rodaje y, sin decir palabra, puso ‘Dune Messiah’ en mi escritorio. Sé adónde vamos y sé que aún no hemos terminado”, recordó. La saga viene de tener éxito en la que fue ‘Dune: Part Two’, que recaudó más de 714 millones de dólares en la taquilla, pero también recibió el elogio de la crítica y obtuvo dos premios Oscars de cinco nominaciones totales.

El primer tráiler de ‘Dune 3’: lo que desvela de la tercera película

‘Dune 3’ se sitúa 17 años después de la segunda película, algo confirmado por el propio director, y que podemos apreciar en el que es el primer tráiler, en el que se muestra a Paul Atreides, interpretado por Timothee Chalamet, sufriendo las consecuencias de la guerra, pero también eligiendo los posibles nombres de sus hijos con Chani, a la vez que reflexiona sobre un conflicto que comenzó él y del que quiere proteger a su familia.

En este primer tráiler vemos también una sucesión de personajes clave y de los ejércitos de los desiertos de Arrakis, en el que todo finaliza con una declaración por parte del protagonista diciendo contundentemente: “No tengo miedo a la muerte. Pero no debo morir... Todavía”.

Con ello y las primeras imágenes que compartió Chalamet, se puede apreciar el tono más siniestro y dramático que adquiere esta tercera entrega, en el que el rostro de Atreides se ve más desafiante, con sus ojos azules consumidos por la Especia miran con odio, anticipando el gran giro que vivirá el personaje en la película.

Las novedades de ‘Dune 3’: la llegada de Robert Pattinson

Uno de los grandes atractivos de ‘Dune 3’ en su primer tráiler era ver por primera vez a Robert Pattinson en la saga, siendo una de las novedades principales e incorporaciones de esta película, en el papel del villano Scytale. Una entrega, que a su vez, promete ser “algo con identidad propia” según Villeuneuve y con un final “sagrado”, rodado en 65 mm e IMAX.

En esta tercera parte se contará con el regreso de Josh Brolin como Gurney Halleck y Jason Momoa como Duncan Idaho, además de que personajes secundarios tomarán mayor fuerza com es el caso de la princesa Irulan, Lady Margot, interpretada por Léa Seydoux, y Alia, a la que da vida Anya Taylor-Joy, algo que también ha desvelado y confirmado el propio director.

“¿Hermoso? Esta es la piel de un asesino, Bella”. Una frase sacada de contexto, pero que cualquier persona occidental menor de cuarenta años identifica al instante con una sonrisa: la confesión de Edward Cullen, un vampiro centenario que ha decidido seguir viviendo como si tuviera diecisiete y enamorarse de la chica nueva, la chica rara, de su instituto: Bella Swan, quien rápidamente se da cuenta de que el guaperas del lugar no es un adolescente más. Que los chicos normales no frenan y abollan un coche con la mano o te miran de esa forma con esos ojos tan amarillos, demasiado amarillos. Pero le da igual porque ella le ama y él, vampiro vegetariano que se alimenta a base de ciervos, también se vuelve loco por esa chica de aspecto anodino que viste de marrón.

Edward, proveniente de una familia que no envejece y que está condenada a mudarse constantemente para que nadie sospeche nada, se obsesiona de quien es su comida en potencia y pronunciará una frase que volvería locas a las adolescentes de la primera década de los 2000. Una frase que, veinte años después, se convertiría en una de las citas estrella de los vídeos de TikTok que homenajean sin cesar y con ironía una saga que ha conseguido colarse en el imaginario colectivo juvenil de varias generaciones: “y así es cómo el león se enamoró de la oveja”.

La historia de amor, obsesión y control de Cullen y Swan es el eje central de Crepúsculo, una tetralogía publicada por la autora mormona Stephenie Meyer entre 2005 y 2008 y que fue llevada al cine entre 2008 y 2012 tras haberse convertido en un fenómeno literario al conquistar a millones de adolescentes en todo el mundo y vender más de 160 millones de copias. Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse y Amanecer eran los títulos de los libros que también dieron nombre a las películas que, protagonizadas por Robert Pattinson y Kristen Steward, llegaron a recaudar más de 3.300 millones de dólares a nivel global.

“Recuerdo cuando vi Luna Nueva con una amiga que estaba obsesionada, porque Crepúsculo ya era un absoluto hit, y, cuando fuimos a sacar entradas en el cine de Talavera (de La Reina), que nunca se llenaba, solo quedaban en primera fila”, explica Dani, de 29 años, en declaraciones a elDiario.es. “No nos quedó otra que verla pegados a la pantalla”, rememora Dani, quien vivió muy a tope “el drama telenovelesco del triángulo amoroso”. Porque en Crepúsculo hay una tercera figura que entra en acción: Jacob, un nativo americano que también era hombre lobo y que se pasaba media saga sin camiseta.

El público, mayoritariamente femenino, comenzó un fenómeno que se ha visto replicado muchas veces en redes sociales con otras sagas juveniles: había que elegir ser #TeamEdward o #TeamJacob. “Yo, por supuesto, era Team Jacob”, cuenta Dani, quien disfrutó mucho también de la fantasía lincántropa y vampírica en la que se envolvía el romance adolescente. “A mí me marcó muchísimo”, apunta Andrea, de la misma edad. “Coleccionaba posters y me leía todo lo que salía sobre los actores. Fue una saga como muchas otras que salieron en el momento, pero a mí me enganchó, me marcó y le tengo mucho cariño”, confiesa.

Andrea también recuerda buena parte de la polémica del momento: quienes la amaban con pasión y quienes la odiaban también con frenesí. “Creo que la vimos todos los adolescentes de entonces y que se crearon estos dos bandos que ahora han encontrado un punto común: verlo con una distancia irónica”, opina, para recordar que a ella entonces le gustaba de verdad, pero que, ahora, al recordarlo, le entra la risa. “Tiene muchos elementos que ayudan a que se haya convertido en un meme: el bajo presupuesto, las actuaciones exageradas, la historia de novio tóxico cliché, el trío amoroso entre la mema, el idiota mazado y el tóxico paliducho”, explica.

La erótica del monstruo

“Crepúsculo llegó en un momento en el que lo que antes era cultura friki empezó a ser cultura de masas”, explica a este periódico Marta Trivi (1988), periodista y crítica cultural, además de haber sido directora del portal AnaitGames. Trivi, que era adolescente tardía cuando salió la saga, cuenta que se movía en mundo en el que daba vergüenza decir que te gustaban las cosas dirigidas a las chicas. “Me gustaban, claro que me gustaban, pero era algo que llevabas en secreto”, continúa, para insistir en que fue el momento en el que surgió lo que le otorgó a Crepúsculo la relevancia que mantiene aún hoy.

“Cuando salieron los libros y las pelis, se puso en marcha la misma maquinaria que se ponía en funcionamiento siempre para avergonzar y señalar a las cosas de chicas. Pero, en este caso, se hizo fuerza del otro lado”, argumenta Trivi, señalando que se trata de una época que coincidió con la incorporación de mujeres a las secciones de Cultura de los medios de comunicación.

“En aquel momento se empezó a defender que vale, sí, Bella es un inserto, pero ¿no son insertos todas las cosas que salen en las películas 'de tíos'? Un arquetipo en el que te puedas proyectar tú”, explica Trivi, asegurando que, al empezar a a escucharse las voces de las mujeres en internet, ya fuera en blogs o en los propios medios, hizo que la crítica profesional, copada en su mayoría por hombres, no pudiera dominar el discurso.

“Crepúsculo, por sí sola, no creó un imaginario propio, pero sí cogió la ola de una tendencia que había sido un poco underground y la llevó al mainstream aplanando un poco las aristas que tenía ese subgénero, las cosas que podían crear más conflicto con un público extenso”, opina Trivi. Un argumento con el que está de acuerdo Pelayo Sánchez, crítico de cine y programador de la Filmoteca de Madrid, a quien Crepúsculo también le pilló adolescente. “Recuerdo ir a ver Luna Nueva al cine con una chica que me gustaba entonces”, ríe.

Para Sánchez, Crepúsculo es una saga donde el monstruo ya no es el monstruo. Está despojado de todos los códigos relacionados con el gótico y la sobriedad del vampiro. “Es un vampiro humanizado que está en un espacio donde también puede molar, donde puede ser cool. Es una figura que dice que los frikis no son solo gente que está en su casa leyendo libros y jugando a las Magic, sino que también hay espacio para el romance y para la carne”, argumenta.

Todos los monstruos, en su origen, han tenido cierto atractivo sexual para el público. Todos. Desde Drácula hasta Nosferatu, pasando por la reciente adaptación de Frankenstein de Guillermo del Toro. “Siempre ha habido gente sexualmente atraída por la peligrosidad del monstruo, por lo oculto. Gente que quería salir, follar o enamorarse de uno”, continúa Trivi, afirmando que Crepúsculo cogió esos sentimientos que siempre habían existido y los hizo más palatables. “Ahora el monstruo ya no es tan monstruo, es un adolescente (lo que lo hace menos peligroso) y no te va a forzar a hacer nada que no quieras, aunque sí te va a sacar de la sociedad y eso le va a dar cierto sentimiento trágico”, explica Trivi para aducir que el mérito de Meyer está en entender qué era “lo interesante” del mundo freak y exportarlo al público general.

Entre los adolescentes del ayer y los del hoy

Pero Crepúsculo nunca pasó de moda. Dejó de ser una gran y exitosa franquicia adolescente para convertirse en un meme viral en internet del que hasta las generaciones posteriores al fenómeno también disfrutan. En 2023, Bershka lanzó una colección de jerséis con la cara de Edward Cullen estampada, Penguin Random House acaba de editar una edición conmemorativa y, en 2025, las películas han vuelto a algunos cines mientras grupos de amigos, como el de Dani, se organizan para hacer revisionados caseros y reírse a mandíbula batiente.

“En realidad nos estamos riendo de nosotros, de nuestra propia adolescencia”, explica Sánchez. “No hay que olvidar el subtexto conservador de la saga: vendía un amor muy tóxico en el que el valor de la mujer quedaba subyugado ante lo que el hombre piense de ella. Y hace veinte años lo veíamos como algo muy romántico, ahora no”, continúa, indicando que el fenómeno Crepúsculo se adhiere a un renacer de la cultura de principios de los 2000. “Es pura nostalgia de un momento en el que éramos inocentes y del que hemos tomado distancia, y de ahí sale toda esa cultura meme”, agrega.

“Yo creo que es porque somos una generación a la que nos cuesta encontrar nuevos referentes”, apunta Trivi por su parte. “Estamos amarrados a ciertas figuras de nuestra infancia y primera juventud a las que quizá les tengamos más cariño del que se merecen, como puede ser esta o Harry Potter”, opina. Pero, ¿y la Generación Z? A ellos también les gusta Crepúsculo, no hacen más que subir y compartir memes en Instagram y TikTok, y no pueden sentir nostalgia de lo que no vivieron. “Ellos eran niños cuando salieron las películas y no tuvieron que resignificar las películas. No es algo que hayan tenido que vivir con vergüenza, porque para cuando ya tuvieron conciencia de lo que es la cultura pop, Crepúsculo había sido asimilada. Fueron los millennial los que tuvieron, tuvimos, que aprender a reírnos”, zanja Trivi, concluyendo que esta saga, quizá, fue la primera que nos enseñó a divertirnos.

A pesar de su juventud, el director australiano Michael Shanks tiene una larga experiencia en su país en la realización de películas y cortos de cine fantástico en las que intervienen los efectos especiales. Sin embargo, con Together, su primera cinta con producción estadounidense y proyección internacional, Shanks da un paso más allá del cine de género y suma al terror, y más en concreto al llamado body horror –subgénero que se enfoca en la transformación, degeneración o destrucción del cuerpo humano, explotando miedos a la enfermedad, la mutación o la mutilación– una extraña carga poética que ha logrado que la película fuera una de las sensaciones del pasado festival de Sitges.

En un momento en que el cine fantástico y de terror se está convirtiendo en canal para expresar ideas y pensamientos más allá del gusto por las emociones fuertes,Together es un buen ejemplo del alcance del miedo y la repulsión que nos generan ciertos sentimientos y situaciones humanas, que tienen una fuerte carga de ambigüedad. Benedict Cumberbatch comentaba recientemente que el miedo a aquello que es diferente a nosotros es una de las esencias del género y, en este sentido, la película de Shanks explota otro sentimiento que también genera pánico en algunos momentos a quien lo sufre: el amor.

Siempre se ha dicho metafóricamente que el amor perfecto es aquel en que los dos amantes se funden en uno solo para siempre jamás. Evidentemente, la sentencia vale para el amor monógamo, y, en esencia, de este habla Together: de la fuerza de la atracción que surge de este sentimiento y el pánico que nos provoca dicho magnetismo cuando somos conscientes de él y de que su última consecuencia es nuestra anulación como individuos en nombre del bien común, esto es la pareja monógama.

'Body horror' sobre la dependencia amorosa

“La idea surgió de mi propia experiencia tras 17 años de relación, en la que incluso ahora hay hijos; pero a nadie se le escapa lo que eso implica si quieres que tu matrimonio, o como quieras llamarlo, funcione”, dice Shanks en conversación con elDiario.es. “Un día, buscando ideas para proyectos, reflexioné sobre cuando estás en una relación y te comprometes plenamente con alguien: ¿qué tal si empiezas a comprometerte con esa persona, incluso en carne y hueso?”, agrega y prosigue: “Entonces pensé: 'Esta es una forma estupenda de explorar temas que me interesan, como el compromiso y la codependencia”.

Respecto a tocar estas materias –más propias del drama y la comedia que del gore– en formato de terror, Shanks se excusa en su deformación profesional como realizador: “Me encanta el body horror, soy un cineasta con una mentalidad muy técnica y me gusta hacer películas de género”. Su idea desde el principio era “contar una historia muy personal, pero con diez secuencias de terror alocadas con las que podía divertirme, hacer marionetas y cosas así”.

Por otro lado, Shanks niega que la película trate únicamente sobre las relaciones de amor complicadas y defiende que todo amor es un sentimiento que hay que saber manejar para no caer en su lado oscuro, que es también inherente a su esencia. “Together no va de relaciones necesariamente tóxicas, pero es verdad que comprometerse con alguien de forma monógama es, en cierto modo, asumir el máximo riesgo con ese alguien”, apunta. “Y eso implica cierto grado de autosacrificio y la aceptación de que ya no eres solo un individuo, sino parte de algo más grande”, añade para concluir: “Y aunque dé miedo, también es algo maravilloso”.

Alison Brie y Dave Franco: matrimonio, productores y protagonistas

La trama de Together podría ser aparentemente la de cualquier clásico del terror: una joven pareja con personalidades dispares se muda a una localidad boscosa de la Nueva Inglaterra más gótica. Allí suceden cosas extrañas, sobre todo a quien bebe de una fuente subterránea. No es conveniente desvelar más para no estropear el argumento, pero sí se puede decir que la cinta garantiza buenas dosis de emoción y repugnancia hasta llegar al sorprendente final. De todos modos, Shanks reivindica que también es una cinta llena de poesía conceptual, que no visual: “Intenté que se sintiera auténtica y que, si se eliminaba el terror y lo sobrenatural, funcionara como un drama romántico, donde la pareja tuviera una relación creíble que mereciera la pena explorar”.

Otro gran atractivo de Together es el dúo protagonista. Se trata de la pareja formada por Dave Franco y Alison Brie, dos actores consagrados, con experiencia en el género fantástico y que son pareja en la realidad. En cuanto Shanks les vendió el proyecto quisieron, además de actuar, producirlo. “Dave y Alison me ayudaron a americanizar parte del lenguaje de la película, porque soy de Australia y la escribí con mi propia voz, por lo que algunos términos tuvieron que traducirse”, explica el realizador, que agrega que “como productores tuvieron una gran colaboración creativa y estuvimos meses trabajando por Zoom antes de la película, repasando el guion y asegurándonos de que todos estuviéramos de acuerdo en todo”.

Respecto a si ha ayudado a sus actuaciones el hecho de que Brie y Franco estén casados, Shanks responde afirmativamente: “Fue un elemento clave, ya que no teníamos mucho tiempo para rodar la película”. Explica que “al estar casados, tenían una conexión muy fluida, trabajan muy bien juntos y no tuvimos que preocuparnos por la intimidad que debían alcanzar”. “Tuvimos un día rodaje en el set, donde estuvieron completamente desnudos todo el día sin tensiones”. “En otro día de rodaje estaban unidos con una prótesis, y tuvieron que ir al baño uno frente al otro. Estar casados aportó mucho a la película, tanto en la práctica como en la interpretación; al instante se notaba la química entre ellos”, resume.

En cuanto al personaje que interpreta Dave Franco, un músico fracasado, pusilánime y dependiente de su pareja, reconoce que se basó en su propia experiencia y en sus fantasmas, ya que Shanks también es compositor. “Es como un reflejo oscuro, como una versión autocrítica de mí mismo: el tipo de persona que me preocuparía ser, alguien que no es muy buen compañero, no es tan buen músico y ni se preocupa en aprender a conducir...”.

Y, finalmente, comenta la presencia de una secta detrás de los acontecimientos paranormales que ocurren en la, en apariencia tranquila, villa a la que se mudan los protagonistas. También tiene su carga como símbolo de la sociedad heteropatriarcal que nos empuja hacia la monogamia: “Cuando llegas a cierta edad, la gente quiere que te unas y tengas un hijo, y es esa presión social la que te encasilla en un molde”. Pero matiza entre risas que él ha cedido a la presión de la secta: “Me he unido voluntariamente, ya sabes, después de 17 años de relación”. Aunque reconoce que “si no te interesa una vida monógama, debe ser difícil no sentir que toda la sociedad intenta empujarte hacia esa conclusión”.

Contra la presencia de la IA en el cine fantástico

Together, como mandan los cánones, es una cinta llena de efectos especiales. Cuando se le pregunta a Shanks si la inteligencia artificial (IA) puede ser en el futuro una buena herramienta para el cine fantástico, lo niega rotundamente. “No me gusta hacia dónde se dirige; la encuentro muy poco atractiva”, puntualiza y se explica: “Me preocupa que se use para eludir a la gente y a los artistas, que reproduzca su trabajo hasta externalizarlo a una computadora, y que pueda externalizar el pensamiento y, en general, todo el proceso creativo”. “Creo que la imperfección de las ideas humanas es lo que las hace interesantes”, reivindica y remacha: “Si observo algo generado por IA, sin importar cómo se vea o cómo se sienta, el hecho de saber que no ha intervenido ningún ser humano me hace desconectar por completo”.

“Lo que expande mi pensamiento es la vida real, el arte vivo y consumido, creado por personas, no por una computadora”, prosigue el australiano, combativo, que desvela que además de director también es técnico de efectos visuales y creó muchos de los que se aprecian en Together. “Me enorgullece decir que no usamos IA para nada; contratamos y trabajamos con artistas conceptuales, siempre seleccionados según su talento sin que interviniera ninguna máquina”, apostilla.

Este viernes 24 de octubre llega a algunas salas de cine seleccionadas el que es uno de los estrenos más esperados del año, el Frankenstein de Guillermo del Toro, con Jacob Elordi en la piel del monstruo que creó Mary Shelley, y con un reparto que completan Mia Goth, Oscar Isaac o Christoph Waltz.

El 7 de noviembre será su estreno mundial a través de la plataforma Netflix, pero antes de ello ya se va a poder disfrutar en algunas salas la que es la última adaptación de uno de los relatos de terror que más veces se ha podido ver en la pequeña y gran pantalla, con diferentes géneros y en distintas épocas.

‘Frankenstein de Mary Shelley’ (1994)

En su día se promocionó como la adaptación cinematográfica más fiel a la novela de Mary Shelley, siguiendo lo que había hecho años antes Francis Ford Coppola con ‘Drácula de Bram Stoker’, de hecho, el cineasta fue productor de la cinta que dirigió Kenneth Branagh y que también la protagonizó junto a Robert De Niro, Tom Hulce y Helena Bonham Carter. En crítica no tuvo una recepción muy positiva y su recaudación también fue decepcionante, y aunque difiere de la trama, mantiene la esencia de la novela original.

‘Frankenweenie’ (2012)

Es una versión animada de la historia de ‘Frankenstein’ de la mano de Tim Burton, junto a Walt Disney Pictures, y que es un propio remake del cortometraje del mismo nombre, en este caso usando la técnica del stop motion que usó en otra de sus películas más famosas como es ‘La novia cadáver’. En ella hace una especie de parodia y homenaje a la adaptación de 1931, y por ello también pudo escoger el blanco y negro, siendo un éxito de crítica y público con nominación a Premio Oscar, Globos de Oro, BAFTA y Annie.

‘La novia de Frankenstein’ (1935)

La adaptación de ‘Frankenstein’ de la Universal de 1931 es uno de los clásicos de esta historia, pero es su secuela, ‘La novia de Frankenstein’, seguramente la que haya recibido mayor fama también por ser una de esas segundas partes nombradas que pueden ser mejor que su antecesora, y en la que Boris Karloff volvió a dar vida al monstruo, y Elsa Lanchester tanto como la novia como la autora Mary Shelley, que se vuelve en la narradora del relato siguiendo el final de la novela. Forma parte de las películas conservadas en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa”.

‘El jovencito Frankenstein’ (1974)

En la película de Universal de 1931 se basa también ‘El jovencito Frankenstein’, una parodia al cine clásico de terror de Mel Brooks de 1974 que se centra en Frederick, nieto del doctor Frankenstein, que hereda el castillo familiar en Transilvania, donde decide seguir los pasos de su abuelo, y que optó por blanco y negro para crear la atmosfera similar a la que creaban esos largometrajes. De un presupuesto de 2,8 millones de dólares recaudó más de 86 millones, y en 2003 fue elegida para su conservación en el National Film Registry en la biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

‘Victor Frankenstein’ (2015)

Por último, una de las últimas adaptaciones en el cine de la historia de ‘Frankenstein’ es la película de 2015 ‘Victor Frankenstein’, protagonizada por Daniel Radcliffe y James McAvoy, y es una adaptación libre que se basa en relatos contemporáneos que se basan a su vez en la de Mary Shelley, con lo que es una de las que cuenta un relato más distinto.

A principios de los 2000, Peter Jackson sorprendió al adaptar al cine la famosa saga fantástica de ‘El señor de los anillos’ de J.R.R Tolkien y que parecía imposible de que tuviera éxito en la pantalla grande el trasladar el mundo de la Tierra Media. Después de una trilogía de gran éxito a nivel de público y crítica, llegaron las películas de ‘El Hobbit’ y la serie de Prime Video, y ahora tendría lugar una nueva entrega que completaría el trío original.

Esta próxima película del mundo de ‘El señor de los anillos’, de la que poco a poco se van conociendo nuevos detalles, se centraría en uno de los personajes más icónicos de la saga y que formaría parte de ‘La comunidad del anillo’, con una trama que giraría en torno a la búsqueda de Gollum, por eso se sabe que el subtítulo sería el de ‘The Hunt for Gollum’.

El regreso del reparto de lujo para ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’

Andy Serkis dirige y se pone en la piel de Gollum en una nueva película de 'El señor de los anillos', como hizo en la famosa saga fantástica en el cine, en la que asegura será una nueva película que “va a ser sorprendente, pero aun así va a formar parte de la saga y sentirse como parte de la trilogía”, reconocía en una entrevista en el pasado junio.

Junto a Serkis habrá más caras de actores que participaron en la trilogía original como es el caso de Ian McKellen, que en agosto reconoció que volvería como Gandalf y que también lo haría Elijah Wood como Frodo, aunque no se sabe cuánto aparecerán en pantalla y su implicación en el largometraje.

Más incógnitas al respecto hay sobre si formarán parte del reparto de ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’ tanto Viggo Mortensen como Aragorn, y Orlando Bloom como Legolas, que sí admitió que había hablado con el equipo sobre la posibilidad de usar Inteligencia Artificial para rejuvenecerlo para parecer al personaje de la trilogía original.

Posible fecha de estreno de la próxima película de ‘El señor de los anillos’ y sinopsis

Si bien Peter Jackson no será director de esta película, sí que se ha confirmado su participación como productor de esta nueva entrega, cuya fecha de estreno estaría previsto para el 27 de diciembre de 2027 cuando en principio estaba en 2026. Un proyecto que podría incluso dividirse en dos largometrajes distintos según el actor Ian McKellen.

La sinopsis de ‘El señor de los anillos: The Hunt for Gollum’ podría centrarse en cómo Gandalf encarga a Aragorn que vaya en búsqueda de Gollum para que proporcionase información sobre el paradero del anillo de Sauron, un tema sobre el que ya hay una película de aficionados que se estrenó en 2009, y que no ha confirmado, sin embargo, Warner Bros.

Terry Gilliam regresa al festival de Sitges por tercera vez. La primera vez fue en 1985 para presentar Brazil, su mítica película, una versión libre, fascinante y sui generis de la novela 1984 de George Orwell. De hecho, de todas las aproximaciones que se hicieron en aquellos años al clásico orweliano, la suya es la más exitosa y la que mejor supo trasladar el espíritu del texto a la pantalla, incluso como crítica de su mundo real contemporáneo.

No es la única cinta notable de Gilliam, que ha firmado posteriormente obras de renombre como El rey pescador, Las aventuras del barón Münchhausen o 12 monos, además de sus populares producciones para el colectivo Monty Python, codirigidas junto al fallecido Terry Jones. Pero Brazil cumple estos días 40 años y Gilliam ha venido a celebrarlo y recoger el Premio Honorífico a toda una carrera, al igual que el padre de los gremlins, Joe Dante, la española Carmen Maura o el padre de la saga Viernes 13, Sean S. Cunningham.

En su encuentro con un grupo de periodistas, Gilliam, de 85 años, se muestra cansado de responder preguntas, pero se lo toma con humor y sigue respondiendo con amabilidad y simpatía, siempre con ese punto de viejo cascarrabias antisistema que tan buenos titulares regala a la prensa. De hecho, se presenta como un anti-mito, haciendo en las fotografías mofa de sí mismo y vistiendo pantalón de chándal, una holgada camisa tropical y luciendo una larga y fina coleta trasera, que seguramente haría las delicias de otro gran ácrata: Albert Pla.

Sitges ha crecido con los años, la primera vez que vine, era un pequeño festival de terror y ciencia ficción y ahora es muy potente, pero ya no puedes ir a las galas en vaqueros y sandalias, y eso molaba

“Sitges ha crecido con los años”, observa en referencia al festival, “La primera vez que vine, era un pequeño festival de terror y ciencia ficción y ahora es muy potente”, suelta, aunque por el tono deja claro que la subida de estatus del evento no termina de convencerle: “Antes podías ir a las galas en vaqueros y sandalias, todos íbamos así y molaba mucho, pero ahora te piden chaqué para recibir los premios”. Acto seguido, preguntado por la valoración de este premio, comenta que los premios –y ha recibido muchos, incluso un León de Oro en 1991– no le interesan como forma de medir el prestigio de su carrera. “Me gustan”, matiza, “tengo muchos premios en mi estudio y los miro de vez en cuando, pero solo son un pequeño recordatorio de lo que hacía en otras épocas”. Y remacha: “Para eso sirven y nada más”.

Respecto a su relación con el cine fantástico, que es el motivo principal del festival de Sitges, deja claro que no es muy fan de la fantasía. “Es la imaginación lo que me emociona”, responde. “La fantasía es un mundo estructurado donde tienes unas normas: una bruja puede hacer aquello, un zombi puede hacer esto... Todo un poco tedioso”, argumenta. En cambio, asegura que la imaginación es mucho más libre y fructífera. Opina que la gente teme a su propia imaginación y por ello se acoge masivamente a los mundos de la fantasía. “Les gustaría ser superhéroes de Marvel y creo que eso es patético, es mucho más interesante ser simplemente un ser humano y ver lo que puedes hacer con tus capacidades y limitaciones”, opina.

'Brazil', una cinta en plena vigencia

Gilliam sí está de acuerdo en que con Brazil hizo una película intemporal, que en los inquietantes tiempos actuales sigue generando preguntas y reflexiones. “Básicamente, Brazil trataba sobre el mundo de hace 40 años, y en teoría en los países socialistas”, dice y se pregunta: “¿Por qué sigue vigente?”. Él mismo se responde que porque “el mundo no cambia tanto, más bien solo empeora”. Destaca de aquella distopía que “en Brazil, el mundo estaba mucho más organizado que en nuestro mundo actual, pero había cosas que hoy en día podemos reconocer”. Cita algunos personajes de la película que se dedicaban sistemáticamente a eludir su responsabilidad y comenta: “Eso es lo que hace la mayoría de la gente hoy en día en las corporaciones, y también los políticos: reparten la responsabilidad entre todos hasta que no queda nadie realmente responsable”. “Eso es lo que me molesta del mundo en el que vivimos”, agrega.

Pero una vez más, Gilliam se muestra reacio a aceptar las alabanzas sobre la película: “Hay que recordar que cuando hicimos Brazil, la primera vez que la proyectamos, e incluso después de su estreno, al final la mitad del patio de butacas estaba vacío”. “La gente simplemente salía de la película, no les gustó y no la entendieron, y tanto ellos como el estudio la odiaron”, asegura. “Pero”, añade finalmente, “es interesante cómo la vida continúa y la gente empieza a decir: 'Oh, es una de las mejores películas sobre política'”... “Simplemente, creo que lo que hicimos en Brazil, todos lo sentíamos, fuimos auténticos a la hora de contar lo que el mundo podía llegar a ser”, concluye el realizador.

Hay una escena de Brazil que a Gilliam le parece meritoria y es cuando uno de los personajes le pregunta al protagonista: “¿Cuántos terroristas has visto?”. Él responde: “Bueno, acabo de empezar hoy, así que todavía no he visto ninguno”. “Tanto en la película como en la realidad, hoy en día, los gobiernos necesitan terroristas para sobrevivir, así que creas terroristas o simplemente inventas la idea de que hay terroristas y la gente se la cree; ese es el mundo que nos rodea hoy en día”.

Mi esposa, que es quien de verdad me conoce y me soporta cada día, dice que soy un amargado, y es cierto

¿Pero es mejor el mundo de hoy en día, ultraliberal y tendente al autoritarismo, que el socialista que describe Brazil? Gilliam contesta evasivamente, diciendo que no confía en ningún sistema de gobierno. “Es básicamente mi problema”, asegura. “Lo que me gustó de Brazil es que hablan de terrorismo, pero nunca vimos terroristas”, agrega regresando a los temas que toca la película. “Pero mientras se pueda fingir que hay terroristas, el sistema marcha”, insiste y pone el ejemplo de la franja de Gaza: “Mira a toda esa gente en Gaza, todos son terroristas [para los israelíes, se supone]”. “¡Si está lleno de niños pequeños!, ¿esos son los que les preocupan?”, exclama.

De Monty Python a Don Quijote

El director, nacido en Minnesota pero crecido en California, que emigró a Inglaterra en 1967 tras la represión policial de las protestas contra la guerra de Vietnam, recuerda la etapa Monty Python como “una gran explosión creativa tras caer los muros levantados por la generación anterior, la de la postguerra”. Reconoce que las películas que codirigió en aquel tiempo junto con Terry Jones, ya que ellos dos siempre estuvieron más detrás de la cámara que actuando, al contrario de John Cleese, Michel Palin, Eric Idle o Graham Chapman, tenían una gran comicidad. Recuerda Los caballeros de la tabla cuadrada, La bestia del reino y Los héroes del tiempo. También La vida de Brian, donde participó como actor y guionista, pero fue dirigida solo por Terry Jones.

Aun así, matiza: “Las comedias son vida artificial, puedo reconoceros que son muy graciosas, pero jamás pertenecieron a mi vida diaria”. “Mi esposa, que es quien de verdad me conoce y me soporta cada día, dice que soy un amargado, y es cierto”, apostilla entre risas. “Me paso el día deprimido porque no tengo trabajo”, desvela el realizador, que reconoce que lleva mal la jubilación. “De hecho, paso mucho tiempo al aire libre, en la naturaleza, me siento en el parque de Hampstead Heath, en el norte de Londres, y fotografío flores, hojas y cosas así porque de repente estas cosas me devuelven la vida”.

Asegura que se siente una especie de Quijote moderno, un mito que visitó en su cinta El hombre que mató a Don Quijote. “Soy un tío que se cae de bruces y luego se levanta una y otra vez, que es lo que hace Quijote”, dice. “Como él”, prosigue, “llevo gran parte de mi vida con la idea muy ingenua de que el mundo es un lugar maravilloso y la gente es genuina y maravillosa, pero la realidad no es así”. Asegura que de ese idealismo quijotesco y reconcentrado le salva su sentido del humor, del que el personaje de Cervantes carece “porque es básicamente un personaje trágico, no renunciará jamás a su sueño de un mundo noble”. Pero reconoce que ese idealismo “es lo que nos mantiene vivos al Quijote y a mí”.

Trump, el Brexit y los 'neocalvinistas'

Finalmente Gilliam cierra la entrevista refiriéndose a su país de nacimiento y repartiendo culpas a ambos lados del espectro político. “Trump está siendo brutal y creo que es un completo monstruo”, opina, pero acto seguido acusa a la izquierda de falta de realismo ante el actual presidente: “Hollywood ha estado tan atrapado en su mundo progresista y de pensamiento muy limitado, que se ha quedado paralizado”.

Hay que recordar que cuando hicimos 'Brazil', la primera vez que la proyectamos, e incluso después de su estreno, al final la mitad del patio de butacas quedaba vacío, la gente no la entendía, pero con el tiempo se ha convertido en una cinta premonitoria

Y a los actuales progresistas les llama neocalvinistas: “Hablan de no ser binarios, pero son las personas más binarias que conozco: estás con ellos o contra ellos, no hay término medio”. “Y si estás con ellos, vas al cielo, pero si no, arderás en el infierno”, remacha. Y asegura: “Me han castigado dos veces, me han cancelado dos veces en los últimos años y no había para tanto”. En consecuencia, cree que “tal como andan las cosas en EEUU, no tengo razones para regresar jamás allí”.

Desde 1967 vive en reino Unido, aunque tampoco ahorra reproches para su patria de adopción, en especial desde que en 2016 tuviera lugar el Brexit: “Vivo en la Nueva Atlántida, esta pequeña isla británica que se hunde en el frío y gris Atlántico por culpa de una panda de incautos...” “Pero”, se corrige esperanzado, “creo que poco a poco las cosas van a cambiar, volveremos, aunque no sé cuánto tardará porque Brexit fue patético, una gran estupidez”.

Las adaptaciones de Stephen King en el cine son unas de las películas que parecen más idóneas para la spooky season en cuenta atrás para Halloween, por ser uno de los escritores más prolíficos en el género de terror y que han dado clásicos como ‘El resplandor’, ‘Misery’ o ‘Carrie’.

Sin embargo, en esta recta final de 2025 llegan hasta tres estrenos de cine basados en novelas de Stephen King como son ‘La vida de Chuck’ este 17 de octubre basado en el relato de ‘La sangre manda’ y con Tom Hiddleston como protagonista, para luego el 14 de noviembre ‘La larga marcha’ y ‘The Running Man’ el 21 de noviembre, con Glen Powell.

Todos ellos no responden exactamente al género de terror, siendo más relatos de thriller, distopía o fantasía, y es que esa es la otra faceta de la trayectoria literaria del escritor estadounidense, que se puede apreciar en otras adaptaciones en el cine.

Cadena Perpetua (1994)

La película es la más valorada de todos los relatos que han llegado al cine y que salieron de la pluma de Stephen King basado en el relato ‘Rita Hayworth y la redención de Shawshank’ que se publicó en la colección ‘Cuatro estaciones’ en 1982.

La adaptación llegó en 1994 con Tim Robbins y Morgan Freeman como protagonistas en los papeles de Andrew Dufresne y Red en un drama carcelario que tuvo hasta siete nominaciones a los premios Oscar. A pesar de que pasó de forma discreta por los cines, la historia del cine le ha dado su sitio.

La milla verde (1999)

En el género fantástico y dramático que encontramos también en ‘La vida de Chuck’ llega otro drama carcelario que se basa en una novela de Stephen King como es ‘La milla verde’ que se publicó en 1996 y que tan solo tres años después tuvo su adaptación en los cines con Tom Hanks como protagonista.

La sinopsis se centra en Paul Edgecomb que se basa en una trágica historia real de asesinato y ejecución de un niño afroamericano en 1944, a la que se le añade ficción y elementos sobrenaturales que conmocionaron al público y que fue nominada a cuatro premios Oscar.

Cuenta conmigo (1986)

El próximo estreno de ‘La larga marcha’ es una nueva incursión a relatos adolescentes de una adaptación de Stephen King, algo que se ha podido ver anteriormente en películas que se basan en novelas suyas, como es el caso por ejemplo de todo un clásico como es ‘Cuenta conmigo’ (Stand by me) de 1986 con Will Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman y Jerry O’Connell en la historia de cuatro jóvenes que se unen para buscar a un amigo desaparecido en un ambiente hostil.

‘It’ (2017)

Pero si se habla de grupo de amigos una de las películas que viene primero a la mente es ‘It’, que aúna el terror y lo fantástico al comenzar la historia con la desaparición de niños que es obra del malvado payaso Pennywise y al que deciden enfrentarse cinco jóvenes del pueblo de Derry, y que ahora también se adapta al formato serie por HBO Max.

Corazones en Atlántida (2001)

Para complementar las historias dramáticas que podrían enlazarse con ‘La vida de Chuck’ es una de las adaptaciones menos conocidas de Stephen King, ‘Corazones en Atlántida’ que protagoniza Anthony Hopkins y que se estrenó en 2001 en el que el personaje Bobby Garfield pasa por su pasado tras la muerte de un amigo de la infancia.

Benedict Cumberbatch ha acudido este año a Sitges con una doble misión. Por un lado, recoger el premio del Festival de Cine Fantástico llamado 'La Máquina del Tiempo', un reconocimiento a actores, directores, personalidades cinematográficas o instituciones con una carrera prolífica y que han tenido, además, una relación especial con el festival. Un premio que Sitges estrenó en 1992 con Sam Raimi, realizador que le dirigió en la cinta Doctor Strange: el universo de la locura. En este sentido, ha reivindicado en conversación con elDiario.es el papel del cine de terror y fantasía como un estilo cada vez más presente en la industria cinematográfica.

Para este intérprete, que ha dado vida tanto a científicos como Alan Turing o Stephen Hawking como a Sherlock Holmes, o superhéroes como el Doctor Strange, no hay una línea divisoria entre el cine fantástico y el resto. “Creo que nunca hay un momento en el que, quienes realmente canalizan lo que quieren hacer creativa y artísticamente, sientan que están haciendo algo que no es real y que pasa a lo metafórico y fantástico”, dice. “Simplemente se centran en su trabajo y luego el espíritu del proyecto les lleva a adoptar el género más adecuado para concretar la película, ya sea en el ámbito del terror, la comedia, la música o lo que sea”.

“A la gente le gusta la emoción, la aventura, el susto, los ganchos narrativos, lo inesperado”, prosigue y agrega: “Les hace sentir vivos, aunque a menudo se esté hablando de la muerte. Somos humanos frágiles, vulnerables y de corta duración”, añade para explicar que “queremos mirar al límite, al lado oscuro, y apreciarlo, y para eso el terror es un vehículo maravilloso, ya que juega con esos miedos y esas realidades que todos tenemos”.

Pero Cumberbatch, que recientemente se ha distinguido por su compromiso político al colaborar con el concierto multitudinario Together for Palestine contra el genocidio en Palestina, a pesar de que no ha querido efectuar declaraciones al respecto, sí ha dicho que en su opinión, “el terror es una buena manera de hacer cine político, porque habla del miedo al diferente”. “Cuando tú miras a Frankenstein o cualquier otro monstruo, te aterras porque ves a alguien diferente, a quien temes de un modo irracional, y es algo que nos puede llevar a reflexionar sobre las razones y las sinrazones que nos llevan al rechazo del otro sin aproximarnos a su realidad”, ha apostillado en referencia al creciente rechazo a la diversidad que emerge hoy en día en la sociedad occidental.

En defensa de 'Esa cosa con alas'

El segundo objetivo de la visita de Benedict Cumberbatch a Sitges era presentar y defender la película Esa cosa con alas, una alegoría sobre el dolor y el duelo por la muerte de la persona amada que llega a las salas el 31 de octubre y en la que terror y poesía se entremezclan en la figura de un enorme cuervo que acosa a un joven padre viudo que debe encargarse del cuidado de su dos hijos menores.

Cumberbatch, que ha apadrinado el proyecto, ha insistido en numerosas ocasiones durante la conversación en el reto que ha supuesto la adaptación de la historia desde su formato original, un libro entre poético y juvenil –El duelo es esa cosa con alas (Random House, 2023), escrito por Max Porter y que tuvo un gran éxito de crítica y público–, para poder llevarlo a la gran pantalla, no sin antes pasar por la radical adaptación que el dramaturgo irlandés Enda Walsh realizó, para lucimiento teatral de Cillian Murphy en el doble papel de viudo y cuervo a la vez.

“Leí el libro poco después de su publicación y me impresionó mucho”, explica Cumberbatch. “Recuerdo que se lo envié a todos mis conocidos que estuvieran pasando por esa etapa de la vida, de duelo o no, en la que has perdido a un ser querido”, insiste. Asegura que lo que le impresionó del texto de Porter “es el modo de adentrarse en una versión del duelo masculino que en nuestra cultura no tiene un gran registro ni aceptación entre los rituales para los hombres: me refiero a la liberación de esos sentimientos de vulnerabilidad y caos que en teoría no debemos mostrar”.

“Luego vi la extraordinaria actuación de Cillian y fue maravillosa, pero era muy diferente del libro, y los chicos [los dos niños son fundamentales en la cinta como termómetro del proceso de recuperación del padre] no estaban tan presentes”, añade para justificar que cuando recibió la propuesta de Southern de interpretar al padre, le pareció a priori una adaptación demasiado compleja: “La cuestión es que, cuando recibí el guion, pensé: 'No sé si debería hacer esto, y no sé si hay otra forma de hacerlo'”.

El duelo masculino no tiene una gran aceptación entre los rituales para los hombres: la liberación de esos sentimientos de vulnerabilidad y caos que en teoría no debemos mostrar

Benedict Cumberbatch — Actor

Pero tras leer la propuesta del director y comprobar que esta regresaba al formato original y no a la adaptación teatral de Walsh, decidió aceptar. Aquello fue el principio de una amistad, cuenta, que le llevó a implicarse en el proyecto más allá de sus labores actorales: “Desde el primer encuentro tuvimos conversaciones fantásticas sobre todo menos sobre el guion: sobre la vida, la cultura, la historia o el trabajo, conversaciones que alimentaron nuestra comprensión mutua, nuestra confianza y una amistad que se convirtió en algo muy creativo y colaborativo”. Destaca de Southern su habilidad para tejer el entramado dramático de la cinta “aunque nunca antes había dirigido actores en una narrativa de ficción de larga duración”.

El reto de interpretar el dolor

“He interpretado a muchas personas normales a lo largo de mi carrera”, protesta cuando se le argumenta que en Esa cosa con alas por primera vez recrea a una persona normal, anónima que no es ni un superhéroe ni un científico ni un detective de leyenda, todos ellos personajes tan brillantes como complejos y atormentados. Asegura que el asumir el papel del joven dibujante de cómic que enviuda joven “fue un placer”. “Me gusta que mi trabajo sea variado”, comenta. “Si miras el catálogo anterior de mis papeles, verás que hay tanto gente normal como personajes extremos o fantásticos en lugares como los que se celebran en este festival”, insiste y finalmente se reivindica como “un hombre de mediana edad con hijos que sabe lo que es vivir en un piso en Londres”, en referencia al protagonista de la película.

Aun así, reconoce el reto que es “crear una comprensión lo suficientemente sólida de la historia y el personaje”, ya que interpreta “a un hombre en una situación muy extrema, y la metáfora misma del cuervo enorme y violento habla de lo extremo que es su dolor”. “Así que sí: fue un desafío, pero también una alegría para mí”, remacha. Seguidamente, apunta que “el duelo es un estado que es difícil de actuar”, porque implica una tensión física peculiar cuando se construye de forma ficticia si se quiere tener credibilidad. “De lo contrario, no es auténtico para el personaje ni para la historia”, concluye.

Y para cerrar la entrevista describe el proceso de creación del personaje que realizó: “No podía pensar en mi esposa para desarrollar la idea del duelo porque yo no la he perdido, así que tuve que construirme una idea ficticia sobre una persona amada a la que doté de vida en común, anécdotas, recuerdos, sensaciones cuando fuimos padres... y luego borrar a esa persona y en base a todo ello, sentir esa pérdida”. Y explica que logró de este modo elaborar un duelo ficticio que le ayudó a desarrollar la desesperación y el llanto que despliega magistralmente en las escenas más conmovedoras de Esa cosa con alas.

Finalmente En un evento como el festival de cine fantástico que se celebra estos días en Sitges, Joe Dante no necesita presentación: él y sus películas son parte de la razón por la que este certamen existe y reúne cada año, desde hace 57 años, a miles de personas fanáticas del cine fantástico y de terror. Dante ha acudido, una vez más, a Sitges a recoger un premio, en esta ocasión el Gran Premio de Honor por su carrera.

El padre de los gremlins, esos seres que han pasado al léxico popular como sinónimo de alguien aparentemente encantador pero que puede cambiar fatalmente de carácter en determinadas circunstancias, se reúne con media docena de medios y agencias de noticias en una de las mesas del jardín del hotel Melià Aiguadolç, cuartel central del festival estos días. Agradable, educado y generoso en las explicaciones, contesta a los periodistas al lado de su esposa.

Asegura que está encantado de regresar al festival, donde en el pasado ya recibió el premio Máquina del Tiempo. Aunque puntualiza: “Lo que realmente me enorgullece es tener una carrera y seguir en ella a mi edad, que creo que es lo que se premia, pero claro: siempre es bonito darse cuenta de que la gente ha estado viendo tu trabajo durante toda su vida y ahora quieren darte un premio en un festival como este”.

Tras una carrera que arranca a finales de los setenta con Piraña y Aullido, y llega hasta hoy con películas legendarias como Gremlins y Gremlins 2, Dante ha hecho un cine de lo más variado, abordando desde el terror y la comedia a la distopía histórica y premonitoria de los tiempos actuales, como en The Second Civil War. Pero hoy en día asegura que lo que le interesan son las películas independientes.

En Hollywood, solo quedan tres cines cuando antes de la pandemia había docenas, y eso es muy triste.

“Y es un problema encontrarlas”, apostilla, “porque las películas que se están haciendo hoy en día están pensadas para un público que las consume en streaming y, por tanto, son más selectivas, con esa mentalidad de superproducción que se ha impuesto con tanta fuerza y por culpa de la cual, intentar encontrar películas con personalidad es mucho más difícil”. Seguidamente, destaca que lo interesante del festival de Sitges es que, “cuando te metes en el cine de género, a menudo encuentras gente haciendo películas muy originales que solo podrían estar hechas para este público”. “En cambio”, añade, “si vas a ver una película familiar, siempre resultan una copia unas de otras, y lo mismo sucede con las películas taquilleras de superhéroes: una copia de la otra”.

También asegura Dante que su territorio son los cines, no las plataformas, si bien ha realizado trabajos para la gran pantalla y la televisión indistintamente a lo largo de todos estos años: “Mi mujer y yo vamos al cine a menudo, aunque no tanto como antes de la pandemia”. “Lo malo es que tras la Covid, los cines empezaron a cerrar y ahora hay menos sitios para ir a ver películas en Hollywood. De hecho, en Hollywood, solo quedan tres cines cuando antes de la pandemia había docenas. Y eso es muy triste”, lamenta.

La IA, culminación del cine impersonal imperante en Hollywood

Para Dante, el cine fantástico y de terror de hoy es sin duda técnicamente mejor que el que los directores de su generación realizaban en los ochenta y los noventa, pero duda de que haya en él una personalidad y un mensaje de fondo convincente. Y el culmen de este proceso de despersonalización lo representa la Inteligencia Artificial (IA), “Lo que creo que hay que recordar sobre la IA es que crea lo que vemos a partir de su vasto repertorio de conocimientos, pero no es una persona haciendo una película: es la IA haciendo una película; así que lo único que se pierde es la humanidad y la aportación de los creativos, quienes hacen que las cosas funcionen”, resume.

La IA es brillante, parece completamente convincente y de hecho se puede hacer una película enteramente basada en IA, sin locaciones ni actores reales, y hacer que la gente piense que es real, pero estoy seguro de que no tendrá la intención que tendría si la hiciera una persona con un punto de vista

“La IA es brillante, parece completamente convincente y de hecho se puede hacer una película enteramente basada en IA, sin locaciones ni actores reales, y hacer que la gente piense que es real, pero estoy seguro de que no tendrá la intención que tendría si la hiciera una persona con un punto de vista”, agrega y concluye: “Lo único que la IA no tiene es un punto de vista, es estrictamente plana; pierdes la personalidad, y es por eso que me preocupa que la IA vaya a tomar el control, porque no solo va a costar puestos de trabajo, sino que va a crear muchos productos impersonales”.

Para Dante, el problema de las cintas actuales en Estados Unidos es que son copias seriales y franquiciadas, que en realidad no son más que productos de postproducción. “Cuando dirigí Looney Tunes ya teníamos personajes de dibujos animados que se animaban con actores reales, y en el set teníamos un gran Bugs Bunny de peluche y jugábamos con él y los actores...”, recuerda para significar que “ya no era una película estrictamente humana, actoral”, pero que “eso es una cosa y otra es decir: 'Bueno, todo se va a hacer en postproducción'”. “No sé cuánta personalidad se pierde en esa transición”, se pregunta para responder todo seguido: “Desde luego mucha más que anteriormente, cuando tenías que tirar del genio de la gente del equipo”.

Una cosa es hacer una película con muñecos, no estrictamente humana y actoral, y otra es hacerla entera en el área de postproducción

De todas formas, se reconoce afortunado, antes y en los tiempos actuales, de haber podido trabajar con total libertad creativa: “La verdad es que a mí nunca me han dicho qué tengo que hacer en un rodaje”, asegura. “He tenido discusiones frecuentes después de rodar sobre lo que debería incluir o no en el montaje, pero no he sufrido mucha censura”, prosigue antes de reconocer que “hay ciertas cosas que siempre supimos que no se pueden hacer, como los desnudos frontales masculinos; incluso cuando hicimos Masters of Horror, me dijeron: 'Puedes hacer lo que quieras, pero no con desnudos frontales masculinos', así que no lo hicimos”.

Trump y el gobierno del miedo

Pasando al terreno político, Dante muestra opiniones claramente progresistas. “Imagine que le encargan hacer un nuevo episodio de The twilight zone [dirigió varios episodios en los ochenta, la segunda época de la mítica serie de los sesenta] sobre la presidencia de Donald Trump. ¿Cómo sería?”, le preguntan los periodistas. “Bueno, creo que sería más probable que hiciera una película de gremlins en la que se viera qué pasa cuando los gremlins llegan a la Casa Blanca, toman el poder y tratan a Donald Trump como él trata a los demás”, responde entre las risas generales.

Al respecto, trae a colación que utilizó la figura de Trump, por quien muestra una clara antipatía, en Gremlins 2, de 1990. “Hay un personaje llamado Daniel Clamp, un promotor inmobiliario, que es el supuesto villano de la historia”, explica. “Es una mezcla de Donald Trump y Ted Turner, ya que tenía que ser dueño de una cadena de cable, así que fue escrito para ser un villano, pero el actor John Glover, que lo interpretó, simplemente sacó a relucir su lado infantil y corpulento, haciéndolo bastante simpático, lo cual no era la intención, pero en realidad funcionó mejor para la película”, reconoce. Pero finalmente puntualiza que “la mera idea de que ese personaje pueda haber contribuido a que Donald Trump se haya convertido en presidente me provoca un rechazo absoluto”.

Cuando se le comenta que rodó en 1997 The Second Civil War, una serie –película en Europa– sobre la persecución a los inmigrantes en Estados Unidos encargada por la cadena HBO que resultó premonitoria de lo que pasa hoy en día en las calles de Estados Unidos, reconoce que es “increíblemente profética”. “La ves hoy y dices: '¡Caramba! Eso se grabó en 1997 y ahora está pasando de verdad'”, apunta y asegura “es una de mis películas favoritas de todas las que he hecho, y lamento que no sea más conocida”.

“Si tuviera una cadena, la programaría y diría: 'Vean esta película, porque esto es lo que les está pasando ahora mismo'”, suelta, pero inmediatamente matiza su entusiasmo: “Ya sabes: si las películas realmente pudieran cambiar las cosas, cuando se estrenó Doctor Strangelove, todos nos hubiéramos desarmado, pero no lo hicimos”. En este sentido, Dante se reivindica como un cineasta político, aunque el mensaje no sea siempre muy evidente: “Sí, tengo un enfoque político, lo que pasa es que a simple vista no es evidente, salvo en The Second Civil War y The Homecoming [una película de terror con una fuerte sátira política antibélica], pero las demás películas tienen todas elementos subversivos”.

El Congreso de Estados Unidos está compuesto por personas que tienen miedo de su propia sombra y principalmente miedo de Trump

Finalmente, preguntado directamente sobre la presidencia de Donald Trump, Dante ensombrece el rostro y habla con gravedad: “Ese hombre está frenando a la gente y está frenando la cultura, y creo que hay un punto de quiebro y no estoy seguro de cuándo llegará”. “Pero en cierto momento”, prosigue, “la gente simplemente dirá: 'No podemos soportarlo más'”. Y sentencia: “Este tipo no es un rey, se cree rey, pero no lo es, y no tiene los derechos que dice tener, y no puede sacar a la gente de las calles porque es ilegal”.

Y se queja de que “la Corte Suprema le dice que puede hacer lo que quiera, simplemente le han dado inmunidad total para hacer lo que quiera”. “¿Qué clase de pensamiento es ese?”, se cuestiona. El director de Gremlins cierra el encuentro con la prensa asegurando que “el Congreso está compuesto por personas que tienen miedo de su propia sombra y principalmente miedo de Trump, miedo de ser derrotados en las primarias, miedo de perder sus trabajos falsos”. “Y eso, ya sabes, es lo que está gobernando mi país ahora mismo: el miedo, una película de terror”.

La película Alpha, de la directora francesa Julia Ducournau, será la encargada de inaugurar la 58ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, que se celebrará del 9 al 19 del próximo mes de octubre. Ducournau ya impactó al público de Sitges con Crudo (2017) y con Titane (2022), película esta última que ganó la Palma de Oro en Cannes. La proyección de Alpha contará con la presencia de la directora y guionista francesa, en la que será la tercera ocasión en que el festival abre con un filme dirigido por una mujer.

Alpha presenta un drama familiar en un contexto de distopía social que aborda temas como el desastre climático, la transformación del cuerpo y las tensiones familiares en un fascinante viaje visual y sensorial que juega constantemente con la percepción del espectador.

Por otro lado, Ángel Sala, Director Artístico del Festival, Mònica Garcia i Massagué, Directora de la Fundación y Jordi Sánchez-Navarro, miembro del Comité de Programación, han anunciado la incorporación de más títulos en dos de las secciones más populares del Festival de Sitges: “Nuevas Visiones”, dedicada a las apuestas que cuestionan las convenciones del fantástico y del mismo medio cinematográfico, y “Anímate”, que reúne propuestas de animación que, en la edición de este año, demostrarán la capacidad de transgresión de este lenguaje cinematográfico, tanto temática como desde una perspectiva formal.

Adicionalmente, el director y productor Peter Chan, la productora norteamericana Gale Ann Hurd, el actor galo Dominique Pinon o el mexicano Hugo Stiglitz serán algunos de los homenajeados en la edición, “con premios honoríficos cuyo eje temático girará en torno a la relación entre el humor, la comedia y las diferentes ramas del fantástico”, en palabras del director del certamen, Ángel Sala.

De la maternidad al terror japonés

También la maternidad estará presente en Sitges con títulos como Mother’s Baby, de Johanna Moder, que expone los miedos de una madre en torno al extraño comportamiento de su bebé, o If I Had Legs I’d Kick You, de Mary Bronstein, que muestra en clave de relato paranoico la ansiedad derivada del nacimiento de un hijo en una mujer en crisis emocional interpretada por Rose Byrne.

De crisis emocionales, en este caso referidas a la pérdida, habla The Thing with Feathers, de Dylan Southern con Benedict Cumberbatch, que lucha contra sus propios fantasmas y otras presencias invisibles que habitan los silencios. Y esas mismas amenazas serán las que afrontará el protagonista de Good Boy, de Ben Leonberg, historia de fantasmas contada desde la mirada del fiel perro que convive con su dueño en una apartada casa de campo.

Otra novedad es la adaptación que Mike Flanagan hace de Stephen King en La vida de Chuck, fábula moderna que cuenta la vida de Charles Krantz, interpretado por Tom Hiddleston en su versión adulta, en orden inverso, desde su muerte hasta su infancia en una casa encantada; y en un tono similar se sitúa Tornado, de John Mclean, con Tim Roth como protagonista. Y el terror más canónico, aunque reformulado estará representado por Eye for an Eye, de Colin Tilley; The Home, de James DeMonaco; o el psicothriller Dolly, de Rod Blackhurst.

En cuanto a la ciencia ficción y la fantasía, en Sitges se podrá ver las cintas Redux Redux, de Kevin y Matthew McMAnus, y Orang Ikan de Mike Wiluan. Y respecto al cine de terror japonés, este regresa a Sitges con tres propuestas que, según Sala, demuestran “la vigencia y capacidad de reinvención del género”: Exit 8, de Genki Kawamura; New Group, de Yuta Shimotsu, y The Curse, de Kenichi Ugana.

Producción española

En la producción española presente en el festival destacan, según la directora de la Fundació del certamen, Mònica Garcia, Gaua, nuevo trabajo de Paul Urkijo, inspirada en el folclore vasco; La virgen de la tosquera, de Laura Casabé, a partir de la obra literaria de Mariana Enríquez, Silencio, de Eduardo Casanova, una sorprendente historia de vampiros queer, Decorado, de Alberto Vázquez, o Luger, ópera prima de Bruno Martín.

La animación cobra este año protagonismo en el festival, con títulos como Heart of Darkness, de Rogério Nunes, adaptación de Joseph Conrad; The Great History of Western Philosophy, obra póstuma de Aria Covamonas; Lesbian Space Princess, de Emma Hough y Leela Varghese; ChaO, de Yasuhiro Aoki; Arco, de Ugo Bienvenu; Another World, de Tommy Kai Chung Ng y All You Need is Kill, de Kenichiro Akimoto. En “Seven Chances”, la Semana de la Crítica del Festival, se proyectará Lo spettro (1963), clásico del terror italiano de Riccardo Freda con Barbara Steele y Peter Baldwin y Jigoku (1960), de Nobuo Nakagawa.

Además, el festival conmemora este año el 40 aniversario de una cinta de culto que aúna terror y comedia: Re-Animator (1985), con una proyección especial que contará con la presencia de la actriz Barbara Crampton, el compositor Richard Band y parte del equipo. Finalmente, el jurado de la sección oficial estará integrado por el director, guionista y productor Peter Chan; Mary Harron, directora de American Psycho (2000). la supervisora de efectos especiales Laura Pedro, doble ganadora de un Goya, el director, productor y presidente de la Academia de Cine de Argentina Hernán Findling y la directora canadiense Jovanka Vuckovic.

El cine producido en la Europa del pacto de Varsovia, en la Unión Soviética y los países controlados por esta, no era una isla cultural completamente ajena a lo que sucedía en el Occidente capitalista. Algunos climas políticos y culturales pudieron ser ferozmente adversos, pero muchos artistas del bloque soviético indagaban en el arte del otro lado del muro de Berlín. Una de las aproximaciones transculturales más llamativas fue el pequeño idilio que el audiovisual checoslovaco mantuvo con el escritor francés Julio Verne. Ese idilio tuvo lugar principalmente, pero no solamente, gracias a la dedicación de uno de los grandes realizadores de cine juvenil de todos los tiempos: Karel Zeman.

Fijarse en Verne no era una opción anómala. Durante décadas, sus obras (o versiones reducidas de estas) habían sido muy empleadas como puerta de iniciación a la literatura para el público juvenil y, a la vez, como fuente de disfrute para los adultos. Sus viajes al centro de la Tierra, o al fondo del mar, o a países lejanos, habían inspirado a realizadores como Georges Méliès, pionero del audiovisual fantástico. Uno de los resultados fue el emblemático cortometraje Viaje a la Luna, recordado por sus imágenes de una Luna visualizada como un rostro en el que impacta un cohete.

Con los años, el goteo de adaptaciones reconocidas de obras del escritor francés llegó a convertirse en una lluvia. Una gran producción de Disney como Veinte mil leguas de viaje submarino (en la versión dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Kirk Douglas y James Mason) dio el pistoletazo de salida a una cierta etapa de esplendor verniano en la gran pantalla a mediados del siglo pasado. Llegaron más ambiciosos espectáculos estadounidenses (La vuelta al mundo en 80 días, Viaje al centro de la Tierra) y otras producciones de alrededor del mundo (España se apuntaría a la moda años después, con aportaciones de Juan Antonio Bardem, Jesús Franco y, especialmente, Juan Piquer Simón). En este contexto de auge, el mencionado Zeman presentó Una invención diabólica en 1958.

El apóstol checoslovaco de la imaginería verniana

En la misma época en que el técnico de efectos especiales Ray Harryhausen comenzaba a impresionar con los efectos especiales que diseñaba para producciones hollywoodienses como El gran gorila o El monstruo de los tiempos remotos, Karel Zeman se consolidaba como un mago de la mezcla de imagen real con dibujos y animación en stop motion. El checoslovaco había despuntado con el largometraje Viaje a la prehistoria, que parecía un homenaje a los intereses y fantasías de las audiencias jóvenes: un grupo de niños se encontraba con dinosaurios y otras maravillas.

Una invención diabólica ya marcó el camino de lo que serían todas las adaptaciones de novelas vernianas por parte de Zeman. Se apostaba por un cine de aventuras de enfoque amable, que contenía gratificaciones (y dardos, y mensajes) para el público adulto interesado en las narrativas fantásticas, pero que privilegiaba a las audiencias jóvenes. Todo está relatado con mimo y con una cierta pausa que puede resultar disruptiva si se compara con la aceleración y la vocación de apabullamiento sensorial que proyecta tanto audiovisual actual orientado a las audiencias infanto-juveniles. Su visionado puede suponer una bonita diversificación de las dietas audiovisuales, si se asume la aparente ausencia de doblajes disponibles en castellano. Actualmente, la plataforma Filmin incluye en su catálogo Una invención diabólica y El dirigible robado, ambas en su versión original acompañada de subtítulos en castellano.

En las obras vernianas de Zeman aparecían adultos entrañables y jóvenes intrépidos que vivían peripecias y tramas de amor castas, pero también acostumbraban a comparecer niños que servían de nexos con los espectadores más jóvenes. Se relataban violencias y criminalidades, sí, pero se representan de manera poco perturbadora. Las imágenes, estéticamente muy cuidadas, eran de naturaleza híbrida: los personajes se movían indistintamente por escenarios reales y por decorados y pinturas que remitían a los grabados que ilustraban los libros de Verne.

Junto con las tecnologías retrofuturistas y el cameo de algún monstruo fantasioso, emergían las pinceladas de crítica. Zeman parecía muy consciente de que Verne no solo era un escritor prolífico que publicaba historias por entregas para un editor conservador. Las aventuras que el francés relataba emanaban de un imaginario colonial, pero a veces incluían algunas intuiciones humanistas sobre la barbarie implícita del colonialismo. Y sus llamadas a la confianza en el progreso científico incluían advertencias sobre sus usos posibles con finalidades destructivas.

Una invención diabólica, por ejemplo, trataba de un científico despistado que trabaja en una nueva fuente de energía, de su joven ayudante y de un cruel aristócrata que quiere aprovechar las investigaciones de ambos para crear un terrible explosivo. Las posteriores El dirigible robado, de 1967, y On the comet, de 1970, también incluyeron pinceladas críticas sobre armas, chovinismos y deseos de poder. La primera de ellas, deliciosa, caricaturiza la carrera armamentística entre naciones siempre deseosas de disponer de la siguiente invención diabólica. El tema parece tristemente actual. En la segunda película se escenificaba como las luchas violentas por el poder político (y por el lucro derivado del tráfico de armas) no se detienen ni siquiera cuando una zona de la Tierra se desgaja del resto del planeta y se adhiere a un cometa a causa de la atracción que este cuerpo celeste ha generado a su paso.

Utopía y distopía en la misma narración

Con Zeman ya en la recta final de su trayectoria, otros dos realizadores de la Checoslovaquia comunista tomaron el testigo con sendas adaptaciones de obras del autor de De la tierra a la Luna: Ludvík Ráža y el interesantísimo Oldřich Lipský. Sus aportaciones quizá resultan un poco menos aptas para el público infantil, pero pueden ser potencialmente muy gratificantes para audiencias juveniles o para adultos.

Ludvik Raza firmó El secreto de La Ciudad de Acero a finales de los años setenta del siglo pasado. Quizá es la más obviamente política de todas estas adaptaciones (admite una lectura metafórica del antagonismo entre el bloque liderado por la Unión Soviética y el bloque liderado por los Estados Unidos), y quizá también es la más oscura. Después de recibir una enorme herencia, dos hermanos deciden fundar una ciudad cada uno: Fortuna, marcada por una especie de humanismo socializante que busca el bien común; y La Ciudad de Acero, que utiliza la explotación y la competición para crecer. No falta el referente juvenil dentro del relato: un chico que busca a su padre y acaba introduciéndose en una trama de espionajes, conspiraciones y peligros.

El misterioso castillo en los Cárpatos, estrenada originalmente en 1981, es una mezcla peculiarísima de elementos de la literatura romántica, del terror gótico y de la narrativa de misterio. Entre pasadizos secretos, tecnologías imaginarias y científicos locos, la película puede remitir a los seriales mudos de Louis Feuillade (autor de Judex o Los vampiros) y otros clásicos del cine más en contacto con la ficción pulp. El empleo de un humor a veces negro y a veces absurdo, siempre excéntrico, la convierte en un plato atípico que no es para todos los gustos.

Esta gozada para amantes del fantástico más peculiar y el friquerío más abierto de miras puede servir, además, como puerta de introducción a la filmografía cachonda y desbordante, y demasiado poco conocida, de su director. Lipský firmó aproximaciones habitualmente paródicas a narrativas diferentes en la órbita de la cultura de masas: la literatura detectivesca, la ficción futurista, el wéstern y de lo que hiciese falta. En esta ocasión, también optó por llevar el texto original a un lugar extraño y a la vez propio y habitual en su filmografía: una especie de esteticismo enrarecidamente cómico. La película está disponible en la plataforma Cultpix.

El 1 de julio de 1998 llegaba a los cines de gran parte del mundo una película que se convertiría en un clásico para una generación, por su icónico reparto protagonizado por Bruce Willis, Ben Affleck y Liv Tyler, pero también por la banda sonora que firmó el grupo Aerosmith con su mítico I Don’t Want to Miss a Thing, que desde entonces se ha convertido en una de las canciones rock románticas por antonomasia.

Hablamos de Armaggeddon, película fantástica de ciencia ficción que gira en torno a una misión que intenta evitar que un asteroide estalle en su camino hacia la Tierra, y que acudirá a expertos perforadores petrolíferos para ir al espacio y salvar al mundo de una catástrofe, dirigida por Michael Bay y del productor Jerry Bruckheimer, que está detrás de gran parte de los blockbusters de finales del siglo XX y principios del XXI.

La NASA usa Armaggeddon como parte de su entrenamiento a nuevos astronautas

La película tiene el favor de la NASA de haber sido la única en haber dejado utilizar los auténticos trajes de astronauta, valorados en diez millones de dólares, debido al probable éxito de reclutamiento que podía llevar con ella para su empresa como había hecho en los 80 Top Gun.

De hecho, no fue lo único que dejó la NASA a Armaggeddon, que también permitió que pudieran rodar en los verdaderos laboratorios y piscinas de entrenamiento, hasta usar uno de los transbordadores especiales en los que no debía entrar nadie, pero que el propio Ben Affleck aseguró que no pudo resistir hacerlo.

A pesar de todo ello, si la NASA utiliza algo de la película Armaggeddon es que es parte del entrenamiento a reclutas para que estos encuentren la mayor cantidad de errores que podrían ser fatídicos, algo que podría haber llevado a contabilizar hasta la fecha casi 170.

Y es que, a pesar de su éxito, la película tenía un argumento ficticio que era muy simple, repleto de errores como lo de representar fuego en el espacio, tanto que Ben Affleck se dio cuenta en los primeros días de rodaje y cuenta que le puso en aprietos al propio director al decir: “¿No sería más fácil para la NASA entrenar a los astronautas en la perforación que entrenar a los perforadores para ser astronautas?”, y por eso Bay solo le invitó a no compartir esa inquietud con nadie más.

La historia de amor que se añadió a última hora gracias a Titanic

Cuando se terminó el guion de Armaggeddon no había ninguna relación romántica, pero esta sería añadida más tarde, entre los personajes de A.J y Grace, interpretados por Ben Affleck y Liv Tyler, que eran dos de los actores del momento entonces, y lo serían con sus siguientes producciones.

Sería precisamente otro de los grandes éxitos de taquilla en el cine de finales de los 90, Titanic, quien tuvo la culpa de que se añadiera esta historia de amor que sería una de las cosas que más gustaría en sus espectadores, y que tendría en I Don’t Want to Miss a Thing su mejor banda sonora.

El estreno a la vez de Barbie y Oppenheimer dio lugar a un fenómeno en los cines de todo el mundo en julio de 2023 a un hecho que se denominó ‘Barbenheimer’ juntando los dos títulos. Todo un éxito de taquilla con una campaña de marketing que pasó de las redes sociales a ser oficial, y que quieren emular otras cintas esperadas.

En este caso, se podría volver a dar el 18 de diciembre de 2026 que es el día en el que van a coincidir dos de los estrenos más esperados por dos sagas muy diferentes entre sí, pero que podrían atraer miles de aficionados a las salas de cines justo en un período en el que comienza la taquilla de Navidad.

‘Dune 3’ y ‘Avengers: Doomsday’: el próximo Barbenheimer en diciembre de 2026

Hablamos de Dune 3 y de Avengers: Doomsday, ambas películas actualmente con una fecha de estreno que coincide el 18 de diciembre de 2023 después de que la esperada próxima cinta de los Vengadores fuera aplazada del 1 de mayo de 2026 hasta el mencionado día de finales del año, junto también el atraso de la siguiente del universo ‘Avengers’, Secret Wars, que pasaría del 7 de mayo de 2027 al 17 de diciembre de ese mismo período.

El anuncio de Marvel hizo que en redes sociales se comenzara a especular con el próximo fenómeno al estilo ‘Barbenheimer’ para el próximo 18 de diciembre de 2026, algo que ya se intentó replicar el pasado noviembre de 2024 con el estreno simultaneo de Wicked y Gladiator II.

El último anuncio de Marvel: los próximos proyectos

Junto a la confirmación de la nueva fecha de estreno de la próxima película de Los Vengadores, Marvel también reveló el reparto que formará parte de ella, con el regreso de actores emblemáticos de la franquicia como es el caso de Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Paul Rudd o Tom Hiddleston.

En ella también participarán los elencos de las películas destacadas de Marvel de este 2025 como son Thunderbolts* y Cuatro Fantásticos, que incluye nombres como Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn o Florence Pugh. Aunque el protagonismo lo robó la aparición de los clásicos X-Men de Fox: Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden o Channing Tatum, entre otros.

Lo que se sabe de Dune 3: Mesías

Una de las sagas más exitosas del cine de ciencia ficción y fantasía ha sido la adaptación de Dune de Denis Villeuneuve, que se ha llevado varias nominaciones a los premios Oscar y que cuenta con grandes papeletas a acumular galardones en su tercera entrega, como sucedió en su día con El señor de los anillos, que recibió el reconocimiento con el final de la trilogía.

De momento, lo que se sabe de Dune 3 es que se espera que adapte la novela ‘El mesías de Dune’, la segunda de la saga literaria de Frank Herbert, que su estreno se espera para el mencionado 18 de diciembre de 2026 y que contará en su reparto con las estrellas de las anteriores películas como es el caso de Timothée Chalamet, Zendaya, Florence Pugh, Anya Taylor-Joy o Javier Bardem, aunque se esperan nuevos personajes, sobre los que no hay confirmaciones oficiales todavía.

Cada 4 de mayo, los fans de la guerra de las galaxias celebran el Día Mundial de STAR WARS. ¿El motivo? Un gracioso juego de palabras que -si bien en español pierden todo el significado- en inglés definieron por completo este día como el Día Mundial de STAR WARS. De la mítica frase May the force be with you ('Que la fuerza te acompañe') nace la celebración de este día; pues May the force suena igual que May the forth -May, 4th-, es decir, 4 de mayo.

Explicaciones aparte, vamos a lo que nos gusta: centrar la aventura de STAR WARS en un viaje real. Aunque parezca que toda la acción tuvo lugar en una galaxia muy, muy lejana, lo cierto es que muchos de los escenarios más icónicos de STAR WARS están mucho más cerca de lo que imaginamos: en pleno Mediterráneo. En concreto, en el sur de Túnez, donde George Lucas encontró el decorado natural perfecto para recrear el planeta Tatooine.

La galaxia comienza en el desierto tunecino

La elección de Túnez para crear Tatooine en STAR WARS no fue casual. Sus paisajes áridos, su luz intensa y sus pueblos de arquitectura ancestral convirtieron el sur del país en un lugar ideal para recrear el planeta natal de Luke Skywalker.

Fue en 1977 cuando el equipo de George Lucas llegó por primera vez al país para rodar Episodio IV: Una nueva esperanza. Pero la relación entre la saga de STAR WARS y Túnez no se quedó ahí: también se grabaron escenas de La amenaza fantasma y El ataque de los clones, regresando incluso a algunos escenarios originales.

El pueblo de Matmata, por ejemplo, fue el lugar elegido para ambientar la granja de los Lars, donde vivían Owen y Beru, los tíos de Luke. La casa subterránea, una construcción bereber tradicional, se ha conservado hasta hoy, reconvertida en un pequeño alojamiento rústico que sigue acogiendo a fans de todo el mundo.

De Mos Eisley a Mos Espa: un viaje en el tiempo y en el espacio

Uno de los escenarios más míticos es sin duda la Cantina de Mos Eisley, donde Han Solo dispara primero y se sella una de las alianzas más importantes de la saga.

Aunque la cantina fue recreada en estudio, su exterior se rodó en Ajim, en la isla de Djerba. En esa misma localidad se encuentra también la casa de Obi-Wan Kenobi, tal como aparece en Una nueva esperanza.

Otro de los enclaves clave es el barrio de los esclavos de Mos Espa, construido como un auténtico set en mitad del desierto de Ong Jemel. Allí es donde conocemos a Anakin Skywalker niño y donde se rodó también el Circuito de Mos Espa, escenario de la espectacular carrera de vainas.

Las estructuras siguen en pie, semienterradas por la arena, como un vestigio del cine convertido en ruina arqueológica.

El Mar de Dunas y los Moradores de las Arenas

Los paisajes más inhóspitos del sur de Túnez sirvieron para recrear las regiones desérticas de Tatooine. En el Mar de Dunas, por ejemplo, se ambientaron las escenas en las que los Jawas capturan a R2-D2, así como el primer encuentro entre Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi. También es aquí donde habitan los temidos Moradores de las Arenas.

Quienes viajen hasta estos rincones encontrarán escenarios que siguen resultando familiares, incluso sin necesidad de efectos especiales: desde formaciones rocosas hasta vastas llanuras de arena que se pierden en el horizonte.

Cómo recorrer los escenarios galácticos

Explorar los escenarios de Star Wars en Túnez es una experiencia muy distinta a la de visitar un plató de cine. No hay colas ni tiendas temáticas, pero tampoco hay indicaciones.

Por eso, lo más recomendable es alquilar un coche y recorrer a tu ritmo los puntos clave. No es necesario un vehículo todoterreno, aunque conviene tener precaución al volante: la conducción en Túnez puede ser algo caótica para quienes no están acostumbrados.

También existe la opción de contratar un guía con conductor, aunque el precio puede superar los 100 € por persona y día. En cambio, si se opta por el transporte público, hay que tener en cuenta que las conexiones en el sur del país son limitadas y los horarios poco frecuentes.

Un planeta real con nombre ficticio

Curiosamente, el nombre del planeta Tatooine proviene del pueblo real de Tataouine, en el sur de Túnez. Aunque en la película no se filmó allí, el nombre quedó inmortalizado como uno de los más famosos del universo cinematográfico.

Hoy, con cada aniversario galáctico, crece el número de viajeros que cruzan el Mediterráneo en busca de los lugares donde empezó todo. Porque sí: antes de que existiera el Halcón Milenario, Tatooine ya estaba en el mapa. Solo hacía falta una buena historia para convertirlo en leyenda.

Casi 20 años antes de que Daryl Dixon pasase por Galicia tratando de volver a casa -algo que se verá en la tercera temporada del spin off de The Walking Dead-, la esquina noroeste de la Península Ibérica ya descubrió lo que era hacer frente a un apocalipsis zombie. El blog de Manel Loureiro, donde ficcionaba en primera persona su lucha por la supervivencia, se convertiría en un fenómeno en internet antes de plasmarse primero en un libro y después en trilogía. Fue el primer paso en la carrera del que hoy es uno de los principales autores de best seller en español. Justo a tiempo para la noche de Samaín -ese momento en que vivos y muertos conviven y que los sajones llaman Halloween- las aventuras de Manel y su gato Lúculo dan el salto a la pantalla con Apocalipsis Z: el principio del fin, la película de Carles Torrens que se estrena en Prime Video este jueves 31. Eso sí, tras prácticamente dos décadas -y una pandemia-, la mirada ya no puede ser la misma.

Apocalipsis Z muestra el derrumbe de la civilización desde un punto de vista muy concreto, el de Manel -interpretado por Francisco Ortiz-, quien queda confinado junto a su gato en Vigo cuando un virus que transforma a la gente en una suerte de zombies agresivos se extiende por todo el planeta. Y lo hace también con una vocación “muy realista” en virtud de la que se incorporaron a su historia elementos y situaciones que “reactivan el imaginario colectivo” ya que apelan “directamente” a lo vivido recientemente en la pandemia de coronavirus.

“Se hizo un proceso de lavado de cara y de actualización”, explica Torrens en una entrevista concedida a Europa Press en la que destaca que desde que Loureiro comenzó con sus apocalipticos relatos en la red allá por 2005, y los reuniera en un libro que publicó en 2007, “las cosas han cambiado mucho”. “Sobre todo porque hemos pasado una pandemia y de repente muchas cosas que se planteaban como pura ficción en aquella historia acabaron siendo reales. No todas, afortunadamente, los muertos nos han levantado y empiezan a caminar entre los vivos, pero sí que es verdad que había que coger todo ese material y darle este nuevo prisma”, dice el cineasta.

Y ese nuevo prisma incluye, tal y como señalan los responsables de esta adaptación, introducir en la historia de Apocalipsis Z imágenes y experiencias “que los espectadores han vivido en primera persona”. “En definitiva, que cuando estén viendo la película tengan la sensación de que eso forma parte de algo que ya han vivido y ya saben que podría ser así”, resume el director que asegura que, a la hora de relatar lo que ocurriría en supermercados, gasolineras, autopistas o vecindarios ante un cataclismo de alcance global, sus referencias no fueron películas o series de zombies como The Last of Us o The Walking Dead, sino Contagio de Soderbergh o la serie francesa El colapso.

“Cuando estamos hablando de lo que queremos es anclarlo todo desde un punto de vista muy realista, no podíamos evitar el Covid. Y, por otro lado, es verdad que, anclándolo a la realidad, el salto de fe que tú le pides al espectador después de haber pasado por una pandemia... ya no parece tan grande. Ya no suena tan lejano esto de vivir el principio del fin, ¿no?”, reflexiona Nuria Valls productora de la película.

El egoísmo se impone

Loureiro va incluso más allá en y asegura con vehemencia que “estamos a tres comidas calientes y dos duchas del salvajismo”. “Al final tenemos un barniz de civilización que permite que nos tratemos con una cortesía exquisita, que las normas funcionen y que la sociedad funcione. Es un pacto, un pacto en el que yo no te hago daño y tú no me haces daño, yo te cuido y tú me cuidas, yo te respeto y tú me respetas, eso es la sociedad”, expone el autor que asegura que la clave para que esa paz social se mantenga es que “tengamos nuestras necesidades básicas cubiertas”.

“En el momento en el que no están cubiertas, y esto lo vemos en cualquier circunstancia extrema de urgencia en cualquier lugar del mundo, una guerra, una catástrofe natural, un desastre... ¿qué es lo que pasa? En cuanto empiezan a fallar las cosas más elementales, todo lo demás va en cadena, incluyendo la solidaridad”, dice el escritor remarcando que “en el momento en el que empiezan a faltar cosas, el egoísmo, que es un rasgo fundamental del ser humano, se impone”.

“Es así, es nuestra naturaleza. Y esto, algo parecido a esto, es lo que vemos, precisamente, en Apocalipsis Z. Vemos cómo se empieza a producir ese colapso y cómo se saquean los supermercados”, señala insistiendo en que es “inevitable” que al ver la película la gente recuerde cuando hace pocos años “iba al supermercado y, de repente, no quedaba ni papel higiénico ni levadura”.

Apocalipsis “gallego y muy humano”

Además de las evidentes e inevitables remistencias pandémicas, y teniendo en cuenta de que el género o subgénero zombie está sobreexplotado en los últimos años, lo que diferencia a Apocalipsis Z de otras películas y series del género es que se aleja de los escenarios habituales de las grandes urbes y, especialmente -aseguran sus protagonistas-, poner el foco “en las historias humanas” de los personajes. Esas historias tienen como marco Galicia, en concreto en Vigo, un paisaje reconocible desde las propias imágenes promocionales, donde aparecen el puente de Rande o pintadas en gallego sobre el asfalto de la autopista AP-9.

“Algo muy positivo en esta película es haberse querido centrar en la historia de los seres humanos que la protagonizan. Se trata de contar una historia muy épica a través de la grandísima dimensión a la que te puede llevar una infección como la que se trata en la película, pero con mucho interés en priorizar las historias humanas dentro de lo que está pasando”, destaca Ortiz que señala como referente Moon el filme de Duncan Jones protagonizado por Sam Rockwell.

“No llegas nunca a ver planos de la Luna ni nada... y aún así tienes la sensación de estar viendo una película de género de ciencia ficción, pero está todo centrado en ser humano”, apostilla. En esta misma línea, Berta Vázquez, que interpreta a una enfermera que cuida de un grupo de niños en un hospital abandonado, destaca que “este tipo de historias de ciencia ficción en el fondo son una representación de nuestra realidad” y eso es precisamente lo que hace que “conectemos con ellas”.

“La realidad a veces supera a la ficción. También pienso que tanto el COVID como incluso, y aquí ya me pongo un poco conspiranoica, ese reflejo de la tecnología y redes sociales que en su momento teníamos con Black Mirror... ahora de repente podemos llegar a sentir que estamos viviendo toda esa ficción como una parte de nuestra realidad”, señala la actriz cuya reflexión secunda Jose María Yazpik, que en el filme interpreta a un contrabandisa que intenta salir adelante en mitad del Apocalipsis y que insiste en que “hay que estar preparados” ya que el pasado reciente nos ha enseñado que “estamos realmente a merced de cualquier virus que pueda de repente adueñarse del planeta”. “No aprendimos nada de la pandemia”, sentencia el actor mexicano.

El legado creativo del actor, guionista y director Paul Naschy, Jacinto Molina, una de las figuras alrededor de las cuales pivotó la precaria industria del conocido como fantaterror español, sigue recordándose de manera periódica. Sus títulos se reeditan en los mercados videográficos españoles (véase el trabajo realizado por Ediciones del 79 con multitud de títulos, o por Divisa, cuya contribución destaca por difundir una buena digitalización de la olvidada El huerto del francés) e internacionales. Y su figura juega un papel relevante cuando se estudia el cine fantástico nacional, como sucede en el reciente libro Profanando el sueño de los muertos, firmado por Ángel Sala, director de Sitges-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña.

El estreno de Crotón El Grande el próximo 19 de septiembre en el marco del festival B-Retina, que se celebra en Cornellá del Llobregat (Barcelona), supondrá la oportunidad de recuperar la materialización fílmica, casi inédita, de otro guion escrito por Naschy. Todo comenzó durante el problemático rodaje del último filme de Naschy como director, Empusa. El actor comenzó a hablar con el veterano director de fotografía Luis Colombo sobre la posibilidad de llevar a la pantalla una historia más.

Esta proyección coincide con el anuncio del estreno de Call me Paul (Llámame Paul), en el próximo Festival de Sitges. Dirigida por Víctor Matellano y con guion de este y de Ángel Sala, se trata de un documental sobre la figura de Paul Naschy. Todo esto en el mes en el que Jacinto Molina, habría cumplido 90 años.

La enfermedad que acabaría con la vida del intérprete hizo que la colaboración no fuese la esperada. Colombo recuerda: “Terminamos Empusa, pero se puso mal y ya no hubo manera. Habíamos hablado de cómo íbamos a llevar a la pantalla Crotón El Grande, pero él no llegó a rodar ni un solo plano”. El realizador afirma que había filmado alrededor de un 20% de la obra en el momento de la muerte del intérprete, y que “se cargó sobre los hombros el proyecto, un poco como homenaje a Paul”.

El director de Crotón El Grande describe el rodaje como “a salto de mata, discontinuo y sin presupuesto”. La filmación terminó alrededor de 2015. La posproducción también se alargó, explica, “para decidir sobre algunas escenas o para estudiar si se podía mejorar alguna cosa”. Colombo declara que dio por terminado el proyecto en 2016 o 2017. Hasta la próxima proyección en Cornellá del Llobregat (Barcelona), el resultado solo se había podido ver en una retrospectiva sobre la obra de su director que se celebró en Alicante.

Dos pícaros en una España miserable

Crotón El Grande trata de dos feriantes que vagan por una España marcada por el franquismo y por la colaboración con la Alemania nazi. Crotón ejerce de forzudo, pero emplea trucos para ello porque ya no dispone de la fortaleza de antaño. La falta de ingresos le empuja a asaltar las tumbas de personas aparentemente pudientes en busca de sus joyas. Junto con su compañero Gedeón, recluta a una mujer que permite diversificar su número y a la que ambos codiciarán. También la deseará un turbio empresario del espectáculo interpretado por un rostro clásico del cine de terror estatal: Antonio Mayans.

El relato incorpora una cierta sensibilidad otoñal, de consciencia sobre el envejecimiento, enrarecido por ese talante pulp tan habitual en las obras de Naschy, donde abundaban las mezclas inesperadas. Era el espíritu del mashup de monstruos de la Universal, de La zíngara y los monstruos, donde comparecían a la vez Drácula, Frankenstein y el Hombre Lobo. Naschy lo llevaba más allá: no solo hacía coincidir personajes, sino que también mezclaba géneros.

A Paul se le iba un poco la pinza, en el buen sentido de la expresión, porque meter una escena de wéstern en una película de posguerra sobre una gente que va haciendo circo por los pueblos y asaltando tumbas...

Luis Colombo — Director

Crotón El Grande es, a la vez, un drama picaresco con elementos de terror fantástico y una cinta de nazisploitation con perversos (y lúbricos) generales alemanes. También aparece un pistolero que parece sacado de un tebeo del Oeste locamente espectacular. Colombo considera que “a Paul se le iba un poco la pinza, en el buen sentido de la expresión, porque meter una escena de wéstern en una película de posguerra sobre una gente que va haciendo circo por los pueblos y asaltando tumbas...”.

El director valenciano recuerda que Naschy hablaba de una cierta inspiración en La strada, de Federico Fellini, que rompía con su habitual apego al cine fantástico de los años 30 y 40 del siglo pasado. Acercarse al mundo del circo, tan admirado por el autor de Amarcord, podía tener cierto sentido: el cineasta madrileño también ofrecía espectáculos de orientación popular, más bien artesanales y poco valorados en los círculos intelectuales. Según Colombo, Naschy también tomó en cuenta una leyenda urbana: la chica de la curva.

El elemento fantástico está ahí, pero quizá destaque más la acritud de la narración. Hay hambre, desesperación, necesidades y bajos instintos. Comparecen oligarcas que se sienten impunes por sus contactos con el poder, que amenazan con disparar y dejar en una cuneta a quienes les contraríen. Con todo, Colombo decidió centrarse más en la parte fantasiosa: “La crítica social a Franco también está ahí, pero la veo un poco secundaria”. Para el director, la dictadura sirve de telón de fondo concebido por un Naschy “que no tenía nada de franquista, aunque tampoco era comunista. Intentó sobrevivir, como la mayoría de la gente, porque si eras desafecto al régimen tenías a la brigada político-social encima. No era algo que tomarse a broma”.

El fresco miserabilista de 'Crotón El Grande' y su clima de abyección incluye empresarios que explotan sexualmente a sus actrices, fascistas de gatillo fácil y dos pícaros corroídos por la codicia

El fresco miserabilista de Crotón El Grande puede conectar con los horrores de El huerto del francés y su clima de abyección. Incluye empresarios que explotan sexualmente a sus actrices, fascistas de gatillo fácil y dos pícaros corroídos por la codicia. El giro final indica una posibilidad de redención abortada por los celos. Colombo se muestra totalmente alineado con la cosmovisión escéptica, casi misántropa, que proyecta la película: “El filme trata de la dureza de la supervivencia humana. Bajo unas circunstancias extremas, actuamos de manera extrema. Yo creo poco en la redención. Me da más la sensación que el ser humano nace bueno, pero rápidamente se hace malo”.

Contar una historia como puedes

El acabado técnico de Crotón El Grande está en la linea de la precariedad extrema de Empusa. Su visionado nos traslada a un momento en que las herramientas digitales podían generar una cierta euforia: prometían hacer posible la filmación de historias que anteriormente hubiesen requerido una logística mucho más costosa. El reverso es que la ausencia de estructuras y de equipo técnico y humano continúa condicionando el resultado. En el caso del filme de Colombo, eso se percibe en cada segundo de la película: en el sonido no directo, en el montaje poco armónico, en unas imágenes digitales de baja definición y con un cierto mal aspecto, etcétera.

El filme trata de la dureza de la supervivencia humana. Bajo unas circunstancias extremas, actuamos de manera extrema. Yo creo poco en la redención. Me da más la sensación que el ser humano nace bueno, pero rápidamente se hace malo

Luis Colombo — Director

Colmbo considera que hizo “cine de combate”. “Quieres contar una historia, pero no tienes producción, así que la llevas adelante como buenamente puedes. Es algo tan antiguo como el propio cine. El de Ed Wood, por ejemplo”, afirma. El proyecto tenía dificultades añadidas respecto a Empusa: ambientar la película en la posguerra, incluir grupos de militares armados, tensionaba más todavía las posibilidades logísticas. El realizador no se lamenta “Si quería ser fiel al guion de Paul, tenía que buscarme la vida”.

B-Retina, Festival de cine de serie B, ofrece proyecciones de películas de bajo coste. Abunda el ánimo lúdico y, frecuentemente, la mirada irónica. Una manera de disfrutar el cine fantástico que disgustó a menudo a un Naschy que se tomaba su trabajo con mucha seriedad. Es de prever que un filme tan marcado por una precariedad evidente de medios, por una cierta extrañeza tonal (potenciada por la música), por el voluntarismo general y las interpretaciones amateur, será acogida con risas y jolgorio, como la versión de Star Wars protagonizada por cómicos brasileños (Os trapalhões na guerra dos planetas) o la imitación sudafricana de E. T. (Nukie) con las que comparte programación.

Colombo se muestra despreocupado por la recepción del público. Se declara consciente de que su película “es un divertimento hecho por personas que disfrutan haciendo cine, no es una película de Scorsese o Coppola. Nosotros hacemos cine de serie B, tirando a Z. Lo aceptas o no lo aceptas”. De cara al futuro, el realizador espera que Crotón El Grande pueda encontrar a su audiencia mediante alguna plataforma de vídeo en streaming.

¿Qué es el cine fantástico español? ¿Donde están sus límites y sus barreras? Para el programador y ensayista Ángel Sala, que dirige el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges desde el año 2001, no hay que limitarse solamente a las cosechas del denominado fantaterror español de la década de los setenta y sus alrededores (representado por el prolífico realizador Jesús Franco o el actor y director Paul Naschy, entre otros), y a la eclosión de la cultura freak contemporánea encarnada en Jaume Balagueró, Álex de la Iglesia o Paco Plaza. En opinión de Sala, hay mucha más tela que cortar y muchas más películas que analizar. 

Sala trae bajo el brazo el ensayo Profanando el sueño de los muertos (Hermenaute) en una nueva versión ampliadísima y reformulada respecto a la primera publicación, a cargo de la editorial Scifiworld, hace una década. El empeño adquiere dimensiones casi monumentales: alrededor de 500 páginas muy moderadamente ilustradas. El repaso, personalísimo, está marcado por el inclusivo criterio de selección que ha empleado su autor, que sigue la senda del crítico José María Latorre: este afirmaba que el cine fantástico no solo tenía que ver con criaturas y argumentos irreales, sino con “la puesta en escena, la manera de utilizar y reconvertir los materiales filmados”. 

Esta concepción del fantástico abre unas cuantas puertas y derriba unos cuantos cercados. Entra en él las historias con algo de fábula, o de sueño y pesadilla, las narraciones donde el presente y el pasado se relacionan de manera más porosa. O sencillamente, las historias violentas escenificadas con un sentido del tenebrismo o del expresionismo que las aleja de lo real. El terror religioso de REC o las historias de fantasmas de Los otros conviven, por ejemplo, con una obra política de la Transición como Camada negra. “Yo la veo como una película de terror sobre una secta fascista que educa a chavales para que se conviertan en asesinos. Además, la firma un director como Manuel Gutiérrez Aragón, cuyo cine no era estrictamente realista”, argumenta Sala.

El autor de Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción defiende una cultura fantástica española que no comienza con los hombres lobos de Naschy o las vampiresas de Jesús Franco, ni siquiera con obras más tempranas como La torre de los siete jorobados. “Para mí lo fantástico en España está muy determinado por El Quijote, por el teatro de Calderón de la Barca, por la narrativa de Enrique Jardiel Poncela, por las pinturas de Goya y por el cine de Luis Buñuel”, afirma. Sala añade algunos pilares quizá menos conocidos a estos fundamentos del cine fantástico español: Lejos de los árboles, de Jacinto Esteva, y Fuego en Castilla, de José Val del Omar.

Simpatía por la excentricidad

La visión de Sala también es personal por su manera de comentar las películas. Su voz es reconocible. Parece especialmente proclive a destacar las rarezas, las autorías peculiares, los versos sueltos. Hace un trabajo de mapeado de su historia del fantástico organizado en tres grandes etapas, con diversas subsecciones internas, pero el protagonismo no recae en ese trabajo de cartografía, en la delimitación de movimientos y tendencias, sino en todas y cada una de las películas concretas. 

Algunas obras están comentadas más largamente (clásicos como la intriga neogótica La residencia, o la inusual Arrebato), y otras reciben unas pocas líneas, pero cada título tiene su momento de gloria. “Yo quería que el protagonismo fuese para las películas. Ha sido difícil poder ver mucha de ellas, que afortunadamente están siendo recuperadas por editoras videográficas, filmotecas, festivales, plataformas… Pretendo despertar curiosidad alrededor de títulos como La corona negra, de Luis Saslavsky, o La dama del alba, de Francisco Rovira Beleta, que son magistrales y que no son conocidos, que solo aparecían en monografías bastante académicas o especializadas”, explica.

Se ha sido injusto con este cine. Se le puso en el saco del exploitation, del programa doble de barrio

Ángel Sala — Escritor y director del festival de Sitges

Además de gozar con las propuestas anómalas, Sala parece disfrutar con las películas que hacen aflorar las zonas más oscuras de la sociedad. Los filmes que conectan con la España negra de Lorca o la del diario de sucesos El Caso, con el país de los caciques y sus poderes ciegos, de la represión múltiple que supuso la dictadura franquista. “Aunque no tengo ningún problema con lo español, creo que España está llena de cosas que no me gustan, pero que me parecen fascinantes”, declara el director del festival de Sitges. 

El autor dimensiona los componentes de crítica social, o de escenificación de choques culturales, que incluyen obras muy diferentes. Da importancia a la crítica a la religión que estaría implícita en las películas de zombis de Amando de Ossorio (La noche del terror ciego), y también la insistencia en violencias rurales más cercanas a lo real como las que aborda La caza, de Carlos Saura. Habla de la influencia de la tauromaquía y de otras violencias para configurar una especie de gótico español, con elementos diferenciados del american gothic que ha cultivado Hollywood y su periferia.

Ajustando cuentas por los muertos 

Algunas frases repartidas alrededor de Profanando el sueño de los muertos, en forma de dardos a la crítica especializada o a otras autorías cinematográficas, transmiten un sentimiento de agravio habitual en algunos miembros de la familia del fantástico español. “Yo creo que se ha sido injusto con este cine. Se le puso en el saco del exploitation, del programa doble de barrio”. Con todo, Sala contextualiza que el desprecio crítico alrededor de los géneros cinematográficos más populares, como el spaghetti western, no es inusual. También considera que “el cine alrededor de lo fantástico en España goza ahora de un reconocimiento diferente… que a menudo ha venido de fuera”.  

Sala cree que el cine fantástico español puede presumir de “una cantidad tremendamente envidiable de películas”. “El cine fantástico francés me interesa mucho, cuenta con grandes obras, pero no tiene tanta cantidad de filmes”, explica. Y afirma que se puede hacer un cierto trabajo de reivindicación que a la vez mantenga una cierta ecuanimidad: “No tenemos que volvernos locos y decir que El retorno del hombre lobo es una obra maestra indiscutible, pero era necesario decir las cosas buenas que tenían muchas de estas obras, lo que influyeron. Algunos ensayos eran directamente insultantes. Ha habido un exceso de antichovinismo con el cine fantástico español, no todo era barato y cutre”.

En cambio, Sala se muestra un tanto preocupado por el futuro. El cine fantástico español no es ajeno a las dinámicas de homogenización de las formas del audiovisual global, esa estandarización de las maneras de mirar y contar que tiene que ver con las tecnologías digitales y las plataformas de streaming, pero también con muchas más cosas. El programador considera que algunos de lo cineastas que cambiaron el fantástico estatal durante los años noventa y a principios del nuevo siglo no pasan por su mejor momento: “Consiguiendo aún obras muy aceptables y muy interesantes, de vez en cuando no tienen más remedio que plegarse al mercado con obras muy domesticadas”. 

“El cine fantástico español ha tendido a tener una cierta ferocidad, transgresión, ha sabido un poco a sangre y arena, como diría Blasco Ibáñez. Y ahora sabe a cine enlatado para plataformas en demasiados casos”, opina Sala. El autor de Profanando el sueño de los muertos no pierde de vista el pragmatismo y entiende que “la gente también tiene que trabajar y que es difícil competir con obras muy originales”. Cree que el fenómeno está extendido (“la mayoría de terrores estadounidenses que funcionan se parecen mucho a lo de siempre”, afirma), pero se muestra preocupado por una supuesta falta de relevos: “Hay muy pocas óperas primas de gente realmente joven, y la incorporación de las mujeres como directoras, que ha tenido lugar en otros países, no se está dando en España”.

Aunque Alien: Romulus corresponde a la quinta entrega de la saga que tiene como protagonista al temible alienígena con cabeza de pepino, en la línea temporal de la franquicia se sitúa entre la primera película, Alien: el octavo pasajero, y la segunda, Aliens, y en su trama un grupo de jóvenes colonos penetran en una estación espacial abandonada para desvalijarla, sin saber que en realidad es una incubadora de aliens. A partir de ese punto, la historia puede ser imaginable... O no, tal como explica el director de este nuevo filme, el uruguayo Federico 'Fede' Álvarez, que tras dirigir trabajos como Posesión infernal y No respires, se ha destacado como un especialista en el campo del terror.

Álvarez ha estado en Barcelona presentando las primeras imágenes de la película, un montaje del que aclaró que “es una composición que no desvela demasiadas cosas del argumento”, porque odia los spoilers. “He cortado de una manera más desordenada, como para intentar confundirlos y que crean que saben lo que pasa, pero la trama no es tan lineal como aparece en la pantalla”, advirtió durante la presentación.

Seguidamente reconoció que fue el propio Ridley Scott quien le propuso que dirigiera la secuela. Scott, que dirigió hace 45 años la entrega seminal de esta saga, considerada ya un clásico del cine de terror y ciencia ficción, y las posteriores Prometheus y Alien: Covenant, regresa esta vez solo como productor.

Producción de Ridley Scott

Aunque le hubiera encantado mostrar la película entera, el uruguayo reconoció que todavía no la tiene lista, a pesar de que su estreno oficial en grandes salas está previsto para el 16 de agosto. “Me faltan un par de días de sonido y color”, explicó para pasar a ensalzar la colaboración con Ridley Scott.

“Una de las mejores experiencias de mi vida ha sido trabajar en esta película por lo que supone de privilegio el colaborar con Ridley, debatir los guiones con él, y por el hecho de que me diera la oportunidad de hacerla”, dijo Álvarez. “Es un gran maestro”, añadió antes de reconocer que entrar en esta saga, en la que también han dirigido nombres de la talla de James Cameron o David Fincher además de Scott, le genera una gran responsabilidad.

De todos modos matizó que para él este es un ingrediente motivador en su trabajo: “Me gusta trabajar con la presión de tener que hacer una buena película de terror”. También agregó nunca haría una película por el hecho de tener que cumplir con un encargo. “Me vuelvo loco cuando tengo que hacer una película; me lo tomo muy en serio, el cine me parece sagrado”, subrayó.

Respecto al encargo ofrecido por Scott y su relación personal y profesional con las otras películas de la saga y el ingente material publicado alrededor del personaje central, el temible alienígena, Álvarez dejó claro que a pesar de que le han encantado todas las entregas, y se ha leído todo el material que circula al respecto, no se considera un fanático de la serie, sino solo un fan. “En EE.UU se distingue entre los fans y los religiosos, para referirse a los que conocen cada detalle”, apostilló el director, que actualmente reside en Los Angeles.

De todos modos, reconoce que el monstruoso extraterrestre de la saga le ha obsesionado durante mucho tiempo. “Recuerdo que tenía un VHS en casa en esa época, ya que no había otra manera de mirar los making off de las películas: trataba de ver cómo se habían hecho los efectos especiales de Aliens”, rememoró. Agregó que “traía también unos pedacitos del primer Alien”. Esa fue la primera vez que se encontró con esa criatura en su vida: “Vi eso y me voló la mente, sobre todo porque no entendía qué era eso, qué era lo que estaba viendo ahí”.

En consecuencia, asegura que no dudó ni un segundo cuando el legendario cineasta inglés le propuso hacer Alien: Romulus. “Cuando te cae una oportunidad así no titubeas ni un segundo”, soltó para añadir: “Cuando Sam Raimi me llamó para hacer Posesión infernal no le dije: 'espera a ver que me lo piense'”, enfatizó con ironía.

Terror más allá de las tramas

Preguntado al respecto del sello que Álvarez pueda haber dejado en la presente entrega de la saga, el director dejó claro que en ningún momento ha tenido intención de dar una toque personal al filme, sino que “el toque personal que se pueda ver en Alien: Romulus es el que marcan mis propias limitaciones creativas”. Se refería, explicó, a que “a mis 46 años creo que ya he agotado la originalidad creativa”

“Me pasa mucho que creo que he realizado una toma novedosa y luego, repasando otras películas mías, veo que eso ya lo había hecho antes”, ironizó para dejar claro que su “sello” es toda la serie de tics que ha ido acumulando a lo largo de su carrera. También quiso relativizar la intrusión del cine de autor en el género de la ciencia ficción y el terror, ya que para él “lo básico de una buena película de terror es que dé miedo, que nos haga sentir el miedo que sentíamos de niños y que con la edad vamos perdiendo por meternos en complejas tramas racionales”.

“Cuando se estrenó Alien [en 1979] nadie dijo que era una obra maestra; la mitad de los críticos dijeron que era muy vulgar, pero la otra mitad dijo que estaba bien sin más”, comentó para aventurar que “si con el tiempo ha adquirido el prestigio actual es, sobre todo, porque es una película de terror que te cagas”.

En este sentido aseguró que lo que busca es que Alien: Romulus sea “una buena película de terror” y explicó la anécdota de que en una ocasión, conversando con James Cameron, autor de los dos primeros filmes de la saga Terminator y de la segunda entrega de Alien, Álvarez quiso preguntarle por la intrahistoria de la relación de Sarah Connor con su hijo John en Terminator 2 . Cameron le espetó: “solo quise hacer una película de armas”.

A esta anécdota añadió otra: “Hace poco le mostré a mi hijo Matrix presentándosela como una cosa muy intelectual; le dije que le iba a volar la mente al verla, pero al terminar, él me dijo que era una película de kung-fu”. “Tenía razón”, agregó: “Matrix fue la primera vez que en EEUU se vio Kung-fu hecho al estilo de Hong Kong, con cables”.

Poco diálogo y mucha cámara

“Lo que sí puedo anticipar es que es una película con muy poco diálogo”, desveló Fede Álvarez respecto a Alien: Romulus. “Siendo uruguayos y teniendo que escribir en inglés, fuimos a lo práctico”, ironizó sobre el guion que ha coescrito junto con el también uruguayo -y colaborador habitual en sus guiones- Rodo Sayagues.

“He querido dejar que hable la cámara, que el guion no tenga que contar lo que ya cuenta la cámara”, añadió respecto del estilo de filmación, que las imágenes preliminares mostradas revelan como muy dinámico, con transiciones rápidas y abundancia de primeros planos en los que se revela el detalle de la tensión en las caras.

Por otro lado, las escenas están rodadas en un esquema de colores ocres, amarillos y tostados, ganado así la película una sensación onírica y decadente, postapocalíptica, que es el ambiente en el que aparentemente se desarrollará la trama, con personajes casi adolescentes, de amplia diversidad racial y ropa ajada consistente en sudaderas y camisetas.

Se incluyen además androides, ya que alguno de los personajes resulta ser un robot estilo “replicante” de Blade Runner, película por cierto de Ridley Scott. “Dada la actualidad en los últimos tiempos, nos ha sido imposible obviar el tema de la inteligencia artificial”, reconoció Álvarez.

Finalmente explicó que en Alien: Romulus los monstruos tienen su historia dentro de la trama: “Los alien tradicionalmente han sido en la saga más una caracterización que un personaje, y por eso he querido que estos, que son un grupo, incluso algunos hermanos, tengan unas relaciones afectivas y sociales entre ellos que entren en la trama, que hagan que el espectador quiera ver la película hasta el final y también para ver qué pasa con ellos”.

La sede del Festival de Cine Fantástico Europeo Sombra se traslada a la capital este año. Después de su paso por Murcia, llega a las salas de la capital con su XIII edición hasta el domingo 17 de marzo.

La Sala Berlanga, los Cines Paz, la Universidad Complutense y el Teatro San Pol acogerán la proyección de más de una decena de películas y cortometrajes, que contarán con la presencia de varios invitados de lujo nacionales e internacionales. Además, algunas de las sesiones son de acceso gratuito, como las que acoge la UCM este viernes.

Entre los eventos más destacados, se encuentra el concierto de Claudio Simonetti en el Teatro San Pol. El compositor de la banda sonora de Rojo Oscuro, interpretará las canciones de la película durante la proyección de la misma este viernes a las 21.30. Las entradas pueden conseguirse a través de este enlace.

Como ya es habitual en la Sala Berlanga, habrá sesiones de cine por tan solo 3,50 euros de películas como Color Out of Space, El Retorno del Hombre Lobo o No profanar el sueño de los muertos. Estas proyecciones irán acompañadas de intervenciones especiales de cineastas, organizadores del festival y familiares de los creadores de estas joyas cinematográficas.

En los Cines Paz se dan cita algunas de las películas más potentes del festival. Frontiére(s), Animalia u Os Reviento, se podrán disfrutar en los Cines Paz durante el sábado y el domingo con entradas a 8,50 euros. Puedes acceder a la venta pinchando en este enlace.

Este es el programa completo de Sombra para este fin de semana:

Viernes, 15 de marzo

Sábado, 16 de marzo

Domingo, 17 de marzo