“O mueres como un héroe o vives lo suficiente para verte convertido en un villano”. Es probablemente una de las frases más emblemáticas del cine de superhéroes. El personaje de Harvey Dent, interpretado por Aaron Eckhart, fue el encargado de pronunciar estas palabras, y lo hizo en El Caballero Oscuro (2008), película sobre Batman que dirigió Christopher Nolan.

El cineasta no solo dirige sus proyectos, sino que también se encarga de escribir los guiones de la mayoría de ellos. Sin embargo, en este caso, Nolan no escribió la reflexión que el fiscal del distrito de Gotham, encargado de combatir el crimen y la corrupción de la ciudad, lanzó al principio de la película en una conversación con Bruce Wayne (Christian Bale).

El equipo del largometraje buscaba un giro que encapsulara los arcos de transformación de los personajes principales. En este caso, la sorprendente transformación de Harvey Dent en Dos Caras termina no solo explicando, sino confirmando el sentido de la frase, convirtiéndola en una idea central que atraviesa toda la película. 

Pero esto no fue cosa de Christopher, sino de Jonathan Nolan, hermano del cineasta, al que se le ocurrió la frase. Así lo compartió el director de películas como Oppenheimer (2023), Tenet (2020), Dunkerque (2017), Interstellar (2014) y Origen (2010) en una entrevista con Deadline. “Me atormenta una frase de El Caballero Oscuro, y me atormenta porque no la escribí yo. La escribió mi hermano”, empezó explicando. 

“Me mata, porque es la frase que más me impacta. Y en ese momento, ni siquiera la entendía. La leí en su borrador y pensé: ‘Vale, la dejaré, pero no sé muy bien qué significa. ¿De verdad es así?’ Y luego, con el paso de los años desde que se estrenó la película, me parece cada vez más cierta. En esta historia, es exactamente eso. Los ensalzamos, los destruimos. Es la forma en que tratamos a la gente”, añadió el cineasta. 

La colaboración de los Nolan

Jonathan y Christopher Nolan llevan años trabajando juntos. Su primera gran colaboración empezó con un relato corto escrito por Jonathan y titulado Memento Mori, que trataba sobre un hombre con pérdida de memoria a corto plazo que intenta resolver un crimen. Christopher utilizó esta historia como base para desarrollar el guion de Memento (2000), una de las películas más reconocidas de su trayectoria cinematográfica.

En todo este tiempo, los hermanos han coescrito juntos los guiones de películas como El truco final (El prestigio) (2006) o El Caballero Oscuro (2008), pero también han hecho proyectos por separado. Por ejemplo, muchos no saben que, en 2016, Jonathan Nolan creó y dirigió la primera temporada de la serie Westworld para la plataforma HBO.

Gotham amanece azul, aunque no es el tono desaturado de la nostalgia ni el negro absoluto que ha definido al Caballero Oscuro durante las últimas décadas. Esta vez se trata de un azul eléctrico y, de hecho, detrás de ese cambio está la mano de un dibujante granadino que ha hecho parada en Zaragoza para presentar el nuevo número uno de All In Batman.

La escena no transcurre en una azotea neoyorquina sino en Milcómics, lugar en el que ha firmado ejemplares Jorge Jiménez, responsable gráfico de la nueva etapa de Batman en DC Comics junto al guionista Matt Fraction.

Esta cita forma parte del relanzamiento de All In Batman, una apuesta estratégica de la editorial por reforzar sus grandes iconos con equipos creativos de primera línea. Y esta vez, uno de esos nombres propios habla español.

“En España hay muchos dibujantes en Primera División”

Aunque parece poco creíble que un artista español lidere una cabecera central de Batman, Jiménez asegura que “en España hay muchos grandes dibujantes que están en las series más importantes del mundo”. Como explica a elDiario.es, algunos de ellos son Pepe Larraz, en Spiderman, o Rafa Sandoval, en Superman. Ambos, junto a Jorge, son ejemplo de una generación que trabaja desde aquí para el mercado global.

El cómic de superhéroes, recuerda, es un “motor creativo” que alimenta buena parte del audiovisual contemporáneo, ya que “muchas veces las películas y las series vienen de lo que se ha construido antes en los cómics”. No obstante, en España ese peso cultural “no siempre se traduce en reconocimiento público y no se entiende muy bien por qué”.

El éxito comercial de esta nueva etapa parece desmentir cualquier marginalidad, debido a que el número uno superó el medio millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos en su lanzamiento, una cifra que sitúa el proyecto entre los más prometedores de este 2026.

Un camino tardío hacia el cómic

La trayectoria de Jiménez no responde al cliché del niño que sueña desde pequeño con dibujar superhéroes. De hecho, su primera vocación fue el deporte, lo que lo llevó a estudiar para ser Técnico Superior en Animación de Actividades Físicas y Deportivas, así como iniciar el Grado en Ciencias de la Actividad Física y del Deporte. Sin embargo, no fue hasta pasados los veinte cuando decidió que quería intentar vivir del dibujo.

“Paré todo y me puse a dibujar otra vez como cuando era pequeño”, cuenta. Sintió que ahí había una habilidad que merecía al menos una oportunidad, por lo que, a base de horas, proyectos encadenados y aprendizaje constante, fue ascendiendo de serie en serie hasta llegar a una de las cabeceras más emblemáticas del cómic estadounidense.

Batman no es solo un personaje popular, sino que es un icono cultural y la serie estrella de DC. “Que te den esa oportunidad ya es un regalo”, reconoce, aunque explica que el vértigo aumentó cuando supo que no se trataba de un número más, sino de un nuevo número uno, un relanzamiento histórico que solo se ha producido en contadas ocasiones en la historia editorial del personaje.

All In Batman no rompe con lo anterior, pero sí marca un punto de partida al funcionar como continuidad para lectores veteranos y como puerta de entrada para nuevos públicos. Fraction apuesta por un enfoque que recupera el pulso detectivesco del personaje y profundiza en la tensión psicológica de Bruce Wayne.

“Cuando la tensión es más psicológica que física me centro mucho en el acting de los personajes”, explica Jiménez, quien habla del dibujante como si fuera el director de una película al tener que valorar la iluminación, los encuadres, los gestos e incluso los silencios.

Aunque el personaje cambia, Gotham también lo hace. Pese a seguir siendo opresiva, tal y como comenta desde Zaragoza, este relanzamiento deja atrás ese “bloque uniforme de oscuridad”. Según recuerda, tanto él como Fraction decidieron que, en un momento histórico marcado por el exceso de “lo dark”, “Batman podía aportar algo de luz”. Por todo ello, recuperar el azul clásico no solo era un guiño nostálgico, sino una declaración estética.

Además, el colorista Tomeu Morey refuerza esa intención con una paleta que convierte la ciudad en un “organismo vivo y lleno de contrastes”. “No es una simple revisión cosmética, sino que se trata de mirar de una forma distinta al personaje”, agrega Jorge Jiménez.

Dibujar a Batman implica trabajar con un arquetipo que el público cree conocer. Frente al optimismo estructural de Superman, Bruce Wayne encarna la resiliencia ante la dureza cotidiana: “Batman agarra la vida tal y como es de dura e intenta seguir cada día avanzando como puede”.

“Incluso cuando sonríe debe notarse que hay una tensión interior constante. Todo es un papel, porque él realmente vive su vida muy interiormente”, sostiene, al mismo tiempo que destaca que “quizá por eso Batman sigue conectando generación tras generación porque es alguien que lidia con la oscuridad como las personas”.

Zaragoza como parada estratégica

La visita a Zaragoza forma parte de la gira española organizada por Panini Cómics tras el lanzamiento y que también lleva a este dibujante a ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla, Málaga y Granada.

Jiménez ya había pasado antes por la ciudad y el recuerdo fue suficiente para repetir: “Si había un momento clave para volver era con un Batman 1”. Es más, la respuesta del público ha confirmado esta apuesta, ya que más de 140 personas han llenado la tienda Milcómics y han formado una cola que ha atravesado la puerta del establecimiento, entre ejemplares recién comprados y ediciones antiguas.

A la espera de este encuentro han acudido lectores veteranos que siguen al personaje desde hace décadas, adolescentes que han llegado al cómic desde el manga o las plataformas y familias enteras, entre las que se ha dejado ver incluso un niño vestido del personaje esperando con el mismo gesto serio que el propio Bruce Wayne.

Esta cita, más allá de la firma, ha hablado del repunte del cómic como fenómeno cultural y de la conexión directa entre un creador español y una comunidad lectora que siente el personaje como propio.

Tal y como subrayó un joven fan de esta cabecera, “no todos los días se puede estrechar la mano del dibujante que está redefiniendo una de las cabeceras más importantes del cómic contemporáneo”, así como tampoco es habitual que ese dibujante haya comenzado su carrera universitaria en INEF y haya decidido, contra pronóstico, cambiar el deporte por las viñetas.

Asimismo, en ese cruce improbable entre Granada, Zaragoza y Gotham se ha dibujado también una historia sobre talento exportado, industria cultural y reconocimiento pendiente.

Año nuevo y misma rivalidad entre Marvel y DC, un enfrentamiento que se mantiene desde hace décadas y que hace tiempo que saltó de los cómics al mundo del cine. Y en esa pugna porque superhéroes y villanos triunfen en la gran pantalla también hay cambios de bando, como el que está a punto de protagonizar el actor rumano Sebastian Stan, que está en conversaciones para formar parte del elenco de The Batman 2.

Falta que se concrete su incorporación al universo DC, pero todo apunta a que se unirá a la nueva aventura del hombre murciélago, interpretado de nuevo por Robert Pattinson, según ha adelantado el medio especializado Variety. No está claro cuál será su papel: si será adversario o un aliado de Bruce Wayne.

A falta de más detalles, pocos seguidores pasan por alto el cambio, porque dejará el universo Marvel, donde ha dado vida a algunos superhéroes, para fichar por el eterno rival, DC. Un movimiento llamativo, pero que se ha repetido en los últimos años. No hay que remontarse demasiado, porque Scarlett Johansson ha tomado la misma decisión y también participará en The Batman 2.

Stan siempre ha estado ligado al mundo de superhéroes y villanos. En su caso, el actor rumano ha dado vida a Bucky Barnes, más conocido como el Soldado del Invierno, el amigo inseparable del Capitán América, uno de los personajes más icónicos de Marvel. 

Los fans lo han visto en Capitán América: El Primer Vengador, Captain America: el Soldado del Invierno, Capitán América: Guerra Civil y Avengers: Endgame, entre otras. No será la última vez que formará parte de una película de Marvel. De hecho, aparecerá el próximo mes de diciembre en una de las películas más esperadas, Vengadores: El Juicio Final.

Lejos de superhéroes y villanos, el actor rumano también fue nominado al Oscar 2025 como Mejor Actor por su papel como Donald Trump en la película El Aprendiz, en la que interpreta al mandatario en sus inicios al frente del negocio inmobiliario, que finalmente se convertiría en un imperio empresarial. 

Más estrellas para ‘The Batman 2’

Cada vez se van conociendo más detalles de The Batman 2, la esperada secuela de superhéroes dirigida por Matt Reeves, cuyo rodaje está previsto que comience en primavera y cuyo estreno está fechado para octubre de 2027. Bruce Wayne volverá a ser Robert Pattinson, Colin Farrell hará de Oz Cobb, Jeffrey Wright se meterá en el papel de James Gordon y Andy Serkis interpretará al querido Alfred Pennyworth. Sin embargo, aún queda por saber quién se pondrá en la piel del Joker. 

Con ello, DC espera repetir el éxito en taquilla. Durante el fin de semana de su estreno, The Batman recaudó solo en Estados Unidos 134 millones de dólares, convirtiéndose en la segunda película más taquillera desde el inicio de la pandemia, tras Spider-Man: No Way Home.

Aunque Gotham es su hogar natural, Batman ha dejado la ciudad en más de una ocasión para recorrer otros lugares del mundo. Y España no ha sido una excepción. Coincidiendo con el 'Batman Day', repasamos cómo el Caballero Oscuro ha recorrido nuestras ciudades y pueblos, enfrentándose a villanos, descubriendo secretos y dejándose llevar por la cultura local, siempre con su característico estilo sombrío.

Batman y el Joker en Madrid

Uno de los últimos ejemplos llega con la publicación de Joker: El mundo, donde el némesis de Batman decide tomarse unas vacaciones y pasearse por la capital española. La historia, ilustrada por David Rubín, retrata un Madrid oscuro y caótico que bien podría rivalizar con Gotham. El payaso del crimen pasea por la Gran Vía, se mezcla entre terrazas al sol y disfruta del arte en el Museo del Prado. Rubín define la ciudad como «Gotham, pero con terrazas y buena comida», una comparación que refleja tanto el humor del autor como su conocimiento del universo DC. La historieta muestra a un Joker encantado con la libertad española, mientras lanza observaciones mordaces sobre el caos urbano y las costumbres locales.

Batman en Benidorm, por Paco Roca

Paco Roca eligió un enfoque completamente distinto. En su aventura, Bruce Wayne se toma unas vacaciones en Benidorm, entre playas, rascacielos y el icónico toro de Osborne que salpica las carreteras españolas. La historia aprovecha los elementos más kitsch de la cultura española para recrear un Batman más ligero y cómico, recordando las primeras historietas de los años 40 y 50. La combinación de paisaje, humor y situaciones absurdas convierte a Benidorm en un escenario perfecto para un superhéroe fuera de Gotham, donde incluso el hombre murciélago puede relajarse un poco sin perder su esencia.

El Caballero Murciélago en Barcelona

Diego Olmos lleva a Batman a la ciudad Condal en El caballero del dragón. La trama surge cuando Killer Croc, bajo el control de un lavado de cerebro, cree ser el dragón de la leyenda de Sant Jordi. Esto obliga al héroe a desplazarse por Barcelona, visitando lugares icónicos como la Sagrada Familia, Las Ramblas, el Hospital de Sant Pau o la Casa Batlló. La historieta revela una curiosidad: Batman mantiene una segunda Bat-Cueva en los sótanos del MNAC, un detalle que mezcla la fantasía con la realidad urbana de la ciudad.

Pero Barcelona vuelve a aparecer en Batman Imposible, donde el viaje del héroe gira en torno a oscuros secretos familiares. La escalinata del dragón en el Parque Güell se convierte en escenario de recuerdos y misterios ligados a la historia de sus padres, integrando la arquitectura modernista en el relato heroico.

Aventuras en la España indeterminada

No todas las historias sitúan a Batman en ciudades reconocibles. En La maldición del inquisidor, el Caballero Oscuro investiga en un pueblo central español cuyo nombre no se revela, enfrentándose a un villano que representa la «España negra» de leyendas y tradiciones. De manera similar, en ¡El fantasma de los cielos asesinos!, Batman produce una película en un lugar indeterminado del centro de España, donde un asesinato aparentemente accidental le obliga a actuar. Estas tramas rinden homenaje al cine de Hollywood rodado en España durante los años 50 y 60, con guiños a la estética y al suspense de la época.

Batman volverá a España

Las visitas del Hombre Murciélago a España no han terminado. Paco Roca regresará al universo DC para llevar a Catwoman a la Guerra Civil Española, combinando historia y cómic en una nueva reinterpretación. Lo cierto es que, desde Benidorm hasta Barcelona, pasando por pueblos imaginarios, España ha servido de escenario para aventuras inesperadas de Batman que demuestran que incluso los héroes más oscuros pueden perderse un tiempo entre tapas, terrazas y toros de Osborne.

Lo de que haya algo gay en Batman es una idea con bastante recorrido. Podemos acudir a los años 50 del siglo pasado y a aquel infame ensayo donde el psiquiatra Fredric Wertham aseguraba que los cómics eran perniciosos para los niños. “Las historias de Batman son psicológicamente homosexuales”, aseguraba en La seducción de los inocentes. “Es difícil ignorar la sutil atmósfera de homoerotismo que domina las aventuras del maduro Batman y su joven amigo Robin”. Wertham escribía a partir de una de las muchas mutaciones del Caballero Oscuro en las viñetas, cuando sus aventuras habían pasado a ser más alegres y coloristas, y solía estar acompañado en ellas.

Es la versión del personaje que adaptó la famosa serie de televisión de los años 60, con un tono abiertamente humorístico, siendo a su vez esta Batman la que motivó un brusco cambio en la aproximación audiovisual al personaje a mediados de la década de los 90. Frente a la oscuridad que habían practicado Tim Burton o Batman: La serie animada, Joel Schumacher quiso volver a las raíces más frívolas con dos películas a las que se les achacó, en su día, la muerte cinematográfica del personaje hasta su resurrección a manos de Christopher Nolan. Batman Forever y Batman y Robin mostraban a los justicieros de Gotham portando trajes ajustadísimos con primeros planos de sus glúteos y paquetes enfundados en spandex. Y, por supuesto, pezones. Eso fue lo más comentado.

Schumacher, un hombre abiertamente gay, tuvo que acabar pidiendo disculpas por esta visión de los personajes, empujado por el consenso que tachaba a Batman Forever y Batman y Robin de pasos en falso en la trayectoria de un superhéroe tan amado. Mientras que, como no podía ser de otro modo, ambas películas fueron siendo reivindicadas con los años. Vera Drew es una de esas espectadoras que ama (no irónicamente) el Batman de Schumacher. Hasta el punto de que, según ha contado, fue gracias a una escena de Batman Forever que empezó a asumir su identidad trans.

Se trata de aquella escena donde Nicole Kidman coquetea con Batman en una azotea, deslizando sus manos por los pectorales del superhéroe. Drew deseó ser Kidman en aquel momento, siendo algo tan revelador como para que en The People’s Joker, su primera película como directora, haya incluido una dedicatoria a Joel Schumacher (fallecido en 2020). Y otra, a su madre.

Una broma convertida en autobiografía

La génesis de The People’s Joker —que se incorpora al catálogo de Filmin el 15 de agosto— es tan ferozmente propia de nuestros tiempos como para venir de X, cuando todavía se llamaba Twitter. Finales de 2019, Joker está arrasando en taquilla, y se viralizan unas declaraciones del director Todd Phillips asegurando que las comedias ya no funcionan por culpa de la “cultura woke”. Bri LeRose, guionista de series como Arrested Development, citó el tuit diciendo que “solo vería la película de este cobarde si Vera Drew la reeditara”. Por entonces Drew era conocida en la industria por su trabajo de montadora, que había llegado a ser galardonado con el Emmy en la serie Who is America? de Sacha Baron Cohen. Drew aceptó el desafío de su amiga.

Su idea, originalmente, era remontar la película dedicada a la némesis de Batman como si fuera una comedia absurda, añadiendo sonidos de pedos y trompazos. Pero entonces descubrió que la película le gustaba genuinamente. Al margen de cómo esta podía apelar a instintos antipolíticos o servir de emblema para el movimiento incel —tal y como entonces se advertía en la conversación pública, desatando algo parecido a un pánico moral—, Drew se sintió inspirada por el personaje de Joaquin Phoenix. “Se hablaba de lucha de clases y de la crisis de la salud mental; aquí había un personaje cuyo sistema le estaba fallando completamente y aún así él solo quería hacer reír a la gente, mientras esa misma gente le explotaba. Me sentí muy identificada con eso”, contó más tarde.

Este entendimiento de Arthur Fleck como pobre diablo canibalizado por el aparato social y su maquinaria mediática sería enriquecida más tarde por el propio Phillips en la tan extraordinaria como incomprendida secuela, Joker: Folie à deux. Mucho antes de eso, la identificación de Drew con el personaje le llevó a alterar la propuesta de LeRose y a desarrollar toda una nueva película a partir de ella —recurriendo a la propia LeRose como coguionista—, que mezclara su propia biografía con el Universo DC. Drew logró financiar el filme con crowdfunding y pidiendo favores a conocidos, así como echando mano de sus habilidades con el montaje y los efectos digitales.

De esta forma, lo primero que sorprende de The People’s Joker es la variedad de técnicas empleadas para visualizar la trama (y abaratar costes). Drew utiliza profusamente cromas y CGI rudimentario, al tiempo que las secuencias más complejas a nivel de escala son resueltas mediante pasajes animados, que reimaginan a los personajes con diseños alternativos. Todo obedece a articular una parodia reconocible de la mitología de Batman y el Joker, remitiendo a la imaginería de los cómics y las múltiples películas que ha producido Warner a partir de ella, y partiendo de la propia pasión de Drew por la cabecera. Es una parodia hecha con mucho cariño, vaya, aunque esto no haya evitado los problemas legales una vez se empezó a gestionar su distribución.

Drew consiguió que el Festival de Toronto la programara dentro de su sección Midnight Madness, en septiembre de 2022. Solo llegó a haber un pase, sin embargo, según la directiva del festival por culpa de un “problema de derechos”. Drew atribuiría la cancelación a su vez a la “carta airada” de cierto “conglomerado mediático”, con lo que resulta obvio que en Warner Bros. Discovery no estaban contentos con la existencia de la película. La cineasta, aún así, se amparó en el carácter de parodia —algo enfatizado con un rótulo al inicio de The People’s Joker—, y seguramente le ayudó en su empeño que la película… resultara ser magnífica. La crítica no tardó en hacerse eco. Warner desistió en su persecución de The People’s Joker según esta fue acumulando elogios.

El filme llegó por fin a las salas de EEUU en 2024. Más tarde Variety la incluyó en su lista de las mejores películas del año, y Drew ganó el premio a Mejor dirección en los galardones del cine independiente (esos que, oportunamente, tienen por nombre los Gotham Independent Film Awards). The People’s Joker se ha convertido en tiempo récord en un título de culto, y ha estimulado un debate crítico que no duda en alzarlo como uno de los filmes más relevantes del cine queer actual.

La Joker de la anticomedia

Willow Catelyn Maclay y Caden Mark Gardner son dos figuras de la crítica estadounidense que también quedaron profundamente impactadas por Batman Forever y aquella insinuante escena con Nicole Kidman. Ambas, como mujer y hombre trans respectivamente, han ido publicando una serie de cartas (Body Talk) donde analizan el presente del audiovisual queer. Naturalmente The People’s Joker les interesa muchísimo. Las inquietudes visuales de Drew —así como la reapropiación de imágenes con posibles consecuencias legales— a Maclay le recuerdan por ejemplo al New Queer Cinema de los 90, representado por cineastas como Gregg Araki, Gus van Sant o Todd Haynes.

Haynes, al fin y al cabo, se dio a conocer por un mediometraje que narraba la vida de la cantante Karen Carpenter con muñecas Barbie: un mediometraje cuya distribución intentó pararse por todos los medios. Es un ímpetu contracultural que podemos rastrear fácilmente en The People’s Joker, aunque la película solo responde a su propia contemporaneidad y es una que, a cambio, bien podría compartir con la obra de Jane Schoenbrun. Schoenbrun, persona no binaria, ha desarrollado hasta la fecha dos películas enormemente aclamadas en los círculos independientes, We’re All Going to the World’s Fair (2021) y El brillo de la televisión (2024). Esta última pudo ser distribuida por A24, llegando a un público más amplio y pudiendo ser vinculada a la propuesta de The People’s Joker.

El brillo de la televisión y The People’s Joker comparten un “lenguaje visual basado en la forma en que las cineastas trans llegaron a identificarse con imágenes que no eran intencionadamente significativas para espectadores trans”, según Maclay. Ambas películas, en efecto, plantean subjetividades queer cuyo autodescubrimiento es impulsado por una ficción determinada desafiando lo que pudieran pretender sus creadores. Schoenbrun recurre a una serie ficticia (pero de ecos indudables a Twin Peaks), mientras que Drew hace lo propio con el Universo de DC. En su caso introduciéndose como protagonista en la misma ficción, mezclando el nombre de Joker con el de su habitual amante Harley Quinn (el personaje se da a conocer como Joker the Harlequin), para a partir de ahí deformar a su antojo el panteón de personajes que rodean a Batman. Y al propio Batman.

Con inteligencia admirable, Drew va alterando el carácter de los personajes, siendo especialmente jugoso el tratamiento de Batman y Robin. Llegado un momento, la protagonista empieza un romance con un hombre trans, que a su vez es otra versión de Joker: lo curioso del asunto es que este vistió anteriormente el uniforme justiciero de Robin, y Batman abusó sexualmente de él —¿os acordáis de la soflama de Wertham?— cuando compartían hogar. Este Joker alternativo está codificado además como el Joker que Jared Leto interpretó en Escuadrón suicida, lo que a su vez es un chiste finísimo porque Leto, siendo cis, ganó el Oscar gracias a interpretar a una mujer trans en Dallas Buyers Club.

The People’s Joker está llena de ocurrencias del estilo. La parodia es extremadamente divertida, cimentada en una sabiduría pop que sabe expandirse a coordenadas más serias o ambiciosas. Drew, según su experiencia de mujer trans en el mundo de la comedia estadounidense, se las apaña entonces para tejer una punzante sátira sobre esta industria, aprovechando el esquema narrativo del Joker de Phillips —su encarnación también quiere triunfar como humorista, practicando lo que ella misma denomina “anticomedia”— de forma que pueda arremeter contra una institución estadounidense como Saturday Night Live y la supuesta voluntad inclusiva de este tipo de espacios.

La película critica pues la capitalización de la disidencia de género y la imposición a que esta encaje en coordenadas más cómodas o agradables. Es ahí donde la voluntad satírica de The People’s Joker se cruza con su carácter íntimo y confesional, atendiendo a la biografía de Drew y a su transición. La presencia de un medicamento llamado Smylex —que inhibe la identidad de la protagonista ensanchando artificialmente su sonrisa— no solo es una hábil relectura del Joker, sino también una llamada de atención sobre los intentos de silenciar las voces queer bajo la máscara de lo inofensivo.

El sufrimiento que esto depara en la protagonista, así como el retrato —de una sensibilidad desarmante— de la relación con su madre, le otorga una poderosísima hondura, tanto dramática como discursiva, a The People’s Joker. Termina de afianzarla como una película imprescindible de nuestro tiempo, y una prueba especialmente bella (por emancipatoria, por revulsiva) de que la cultura popular solo ha de pertenecerle, propiamente, a la gente.

Por meterse en la piel del cantante Jim Morrison en The Doors (1991), por su interpretación del piloto Iceman en la taquillera Top Gun (1986) o por convertirse en un ladrón elegante y astuto que volvió loco a la mafia rusa en The Saint (1997). Ese es parte del legado que deja el actor estadounidense Val Kilmer, que falleció este martes en Los Ángeles a los 65 años a causa de una neumonía.

Sin embargo, lo que catapultó a Kilmer a la fama fue su interpretación en Batman Forever (1995). Era el protagonista y por un tiempo le tocó portar la responsabilidad de llevar la máscara de uno de los superhéroes más famosos de la historia y de salvar a la ciudad de Gotham, que este caso vivía bajo una doble amenaza: un psicópata con aspiraciones de dominar el mundo y un hombre que intenta vengarse de la humanidad.

Kilmer se puso bajo la máscara y la capa de una de las sagas más famosas del cine. En su caso, estuvo al frente de la tercera entrega de la franquicia de Batman, sustituyendo a Michael Keaton como Bruce Wayne, la identidad civil (y real) del superhéroe. Pero el actor estadounidense no es el único que ha salvado a Gotham de las corruptelas, las mafias e incluso de su destrucción total. 

La lista de actores que han interpretado a Batman es extensa, casi tanto como el número de películas o series protagonizadas por este hombre misteriosamente encapuchado: Adam West, Michael Keaton, Val Kilmer, George Clooney, Christian Bale, Ben Affleck y Robert Pattinson.

Adam West abrió el camino

El actor estadounidense fue el primer hombre murciélago, protagonizando la serie  Batman & Robin, que se emitió entre 1966 y 1968 y que resultó todo un éxito en el país y fuera de sus fronteras. El papel de Batman le marcó hasta el punto que su vinculación no acabó ahí. Él fue quien puso voz al personaje de la serie de dibujos animados del año 1992 

Michael Keaton y el salto al cine

Todo se volvió más oscuro con Michael Keaton, que se vistió de superhéroe para aparecer por primera vez en una película que dirigió Tim Burton. Y seguramente su papel no hubiese sido tan recordado sin su antagonista: el odiado y amado Joker, interpretado por Jack Nicholson. No fue la última vez que se puso la capa, sino que lo hizo también en 1992 con Batman vuelve. 

Val Kilmer toma el relevo

Kilmer tomó el relevo de Keaton, aunque con el mismo objetivo: salvar a Gotham del mal que le acechaba y en ese caso no era Joker. En ese caso, el peligro venía por dos frentes, aunque todo el mundo se fijara en el Dos Caras. La película Batman Forever contó con un elenco de categoría: Chris O’Donnell, Jim Carrey, Tommy Lee Jones, Nicole Kidman y Drew Barrymore.

George Clooney, otra cara reconocible

Casi nadie ha querido rechazar el papel de Batman, que ha contado con los rostros más conocidos del cine estadounidense. Por eso, a nadie le extraña que George Clooney fuera el protagonista de Batman y Robin, que también contó con un reparto de altura: Alicia Silverstone, Arnold Schwarzenegger, Uma Thurman y Chris O’Donell, entre otros. 

Christian Bale a las órdenes de Nolan

Christian Bale ha dejado una huella imborrable en los seguidores del hombre vampiro porque lo ha encarnado hasta en tres ocasiones, las mismas películas en las que estuvo al frente Christopher Nolan. La trilogía fue todo un éxito, porque siguió contando la historia del caballero oscuro y porque le han acompañado interpretaciones tan fabulosas como las del fallecido Heath Ledger, Michael Cane, Morgan Freeman, Tom Hardy o Anne Hathaway. 

Ben Affleck entre los más oscuros

Affleck es uno de los últimos actores que ha dado vida a Batman y fue en una entrega que no dejó indiferente a nadie, Batman vs Superman: Dawn Of Justice. La película consiguió algo muy comentado: reunir a dos de los mayores superhéroes de la historia. 

Robert Pattinson, el último vampiro

De momento, el círculo se ha cerrado con Robert Pattinson, protagonista de The Batman, el inicio de lo que quieren que sea una nueva trilogía, pero con la misma esencia: nuevos malos con los que acabar y una ciudad asediada por criminales a la que es necesario proteger. 

La última adaptación de Los tres mosqueteros, dividida en dos películas con los títulos D’Artagnan y Milady, asaltó la taquilla francesa a lo largo de 2023 dispuesta a reparar una injusticia histórica: en los últimos 62 años, la famosísima novela de Alejandro Dumas no había impulsado ninguna producción de la misma nacionalidad que su autor. La historia de Los tres mosqueteros se había convertido en feudo de la cultura pop globalizada —particularmente anglosajona— con lo que el díptico de Martin Bourboulon, gracias a su celebración de crítica y público, devolvía los personajes al imaginario al que pertenecían. Y preparaba el terreno para que ocurriera algo parecido con la otra gran novela de Dumas, si bien esta nunca había llegado a alejarse tanto de la patria gala.

Con la salvedad de alguna versión tardía como La venganza del Conde de Montecristo —filme muy disfrutable en su descaro hollywoodiense, que Jim Caviezel protagonizó en 2002—, la adaptación más cercana con la que ha de medirse este nuevo y afrancesado Montecristo es con una miniserie que encabezó Gerard Depardieu a finales de los 90. No es un referente intimidante, de forma que El conde de Montecristo pueda cumplir su propósito de alargar esta nueva fiebre por Alejandro Dumas cuando en España, por ejemplo, apenas ha transcurrido medio año desde que se estrenó Milady. Este brevísimo margen comunica con la propia publicación original de Montecristo —apenas un año después de Los tres mosqueteros, entre 1845 y 1846— y con un determinado plan de producción, ya que las manos de El conde de Montecristo son en buena parte las mismas que adaptaron Los tres mosqueteros. Los guionistas de aquel díptico, Alexandre de la Patellière y Mathieu Delaporte, vuelven a escribir El conde de Montecristo. Y reemplazan a Bourboulon como directores.

Ocurre, además, que El conde de Montecristo suscribe el actual empeño de las productoras Pathé y Chapter 2 por construir una suerte de universo cinematográfico a partir de la obra de Dumas. Ya hay en marcha una tercera entrega de Los tres mosqueteros —basada en esta ocasión en la novela Veinte años después—, y dos series derivadas con los títulos provisionales de Milady Origins y Black Musketeer. El sino de los tiempos, aunque De la Patellière se resiste a pensar que El conde de Montecristo pueda dar pie a spin-offs similares. “Dumas sí concibió Los tres mosqueteros con un claro espíritu de serial y su trama se presta a este tipo de cosas, pero El conde de Montecristo no. Para esta película era importante mantener una sensación unitaria, de una sola obra”.

Hablando con elDiario.es, el director y guionista aclara otra gran diferencia entre El conde de Montecristo y el proyecto de Los tres mosqueteros, como es su resolución de adaptar a Dumas en un único largometraje. “Aquí era mejor concentrar la historia en una única película, por un motivo muy claro y es que Montecristo fue concebida como una ópera, en tres actos. Es la historia de una caída y del renacimiento de un personaje a través de la venganza. Nos parecía muy complicado plantar una división en este proceso”, cuenta sobre el proceso creativo en que se embarcaron él y Delaporte. “Hubiera sido como tensar la flecha en un arco sin lanzarla del todo. El público lo habría sentido injusto, así que quisimos limitarnos a una película para recrear esta venganza en su totalidad”.

El discreto encanto de la venganza

Puesto que la novela de Dumas supera holgadamente las 1.400 páginas, a De la Patellière y Delaporte les convenía contar con una película igualmente larga para recrear la historia. Y así ha sido: el metraje de El conde de Montecristo se extiende a las tres horas, y da tiempo a que el drama de Edmundo Dantés sea contado en detalle. Lo que conduce a una nueva y significativa diferencia frente al proyecto de Los tres mosqueteros, que adaptaba la prosa original con numerosas licencias. “Para El conde de Montecristo hemos mantenido una estructura más fiel a Dumas que en Los tres mosqueteros. Había unas directrices muy potentes que debíamos mantener”, concuerda el guionista.

“En Los tres mosqueteros teníamos algo así como dos historias distintas y nos tomamos libertades sobre todo en la segunda parte, para que pudieran convivir los puntos de vista de Milady y D’Artagnan”, recuerda De la Patellière sobre los personajes de Eva Green y François Civil. “En Montecristo, sin embargo, decidimos desde el principio ceñirnos al punto de vista del protagonista y conservar así el espíritu del libro”. De modo que Edmundo Dantés, interpretado por Pierre Niney (Yves Saint Laurent), es el absoluto centro gravitatorio de El conde de Montecristo, contándose con sumo detalle la traición que sufre, su cautiverio en el castillo de If y la posterior venganza que acomete contra quienes le agraviaron, posibilitada por las enseñanzas de su antiguo compañero de celda el abate Faria (Pierfrancesco Favino) y el tesoro que halla en la isla de Montecristo.

El guionista destaca aún así que “quisieron reinventar ciertas partes”. “No tanto sobre la ejecución de la venganza, como sobre la juventud de Dantés. Su familia, su relación con Mercedes”, apunta De la Patellière. Los primeros minutos de El conde de Montecristo plantean de forma efectivamente novedosa las circunstancias de la traición a Dantés, sobre todo en cuanto a su vínculo con la conspiración para traer de vuelta a Napoleón de la isla de Elba. Como en la novela original, son estos compases los que mejor evidencian la fijación de Dumas por la ficción histórica, para que posteriormente esta sea dejado de lado e impere una absorbente descripción de los planes vengativos de Dantés. De la Patellière y Delaporte liman ligeramente la complejidad de dichos planes, pero en general saben mantener la sorpresa y, sobre todo, el atractivo trágico del protagonista.

La película, así las cosas, mantiene el ímpetu narrativo de Dumas —y de Auguste Maquet, ese eterno colaborador que nunca recibió el crédito que merecía—, beneficiándose de la capacidad omnímoda de la historia para seguir seduciendo por mucho que hayan transcurrido casi dos siglos de su publicación original. “Así como Los tres mosqueteros era una oda a un mundo ya desaparecido, Montecristo inauguraba la novela moderna en los albores de la era industrial. También el ideal individualista a través de ese hombre solitario que buscaba venganza, en una historia con la fuerza atemporal de Hamlet. Es una mitología adaptable a cualquier época”.

Hamlet y Montecristo son ambas obras legendarias cuyo motor argumental es la venganza. Y De La Patellière es consciente de su potencia infalible para apelar al público. “La venganza tiene una gran capacidad para que nos identifiquemos con los personajes. A lo largo de nuestra vida nos vamos topando inevitablemente con el resentimiento y con algún tipo de sed de venganza: es un instinto muy animal que puede hacer que nos cuestionemos la moralidad del ser humano”, explica el guionista y director. “En Dantés encontramos un reflejo bastante oscuro del hombre, pues es alguien que se aparta de esta sed de venganza no porque obtenga la capacidad de perdonar, sino porque logra desvincularse del mundo en el que vive. La venganza explota nuestras pulsiones más primarias, y reaparece una y otra vez porque formula preguntas eternas sobre el ser humano”.

De Edmundo Dantés a Batman

El conde de Montecristo es una propuesta bastante continuista con respecto a las dos entregas de Los tres mosqueteros. Algo que se explica por la permanencia de De la Patellière y Delaporte, pero también de la fotografía de Nicolas Bolduc, el montaje de Célia Lafitedupont, el vestuario de Thierry Delettre o la producción de Dimitri Rassam y Ardavan Safaee, principales ideólogos de un evidente intento por insertar la obra de Alejandro Dumas en las ligas del blockbuster. Tanto Los tres mosqueteros como El conde de Montecristo quieren ser, por tanto, espectáculos lujosos y sofisticados, beneficiándose del entusiasmo de sus responsables ante la fuente.

“Todos hemos trabajado en estas películas porque nos devolvían a nuestros recuerdos de la infancia”, admite De La Patellière, afirmando que “Dumas es muy cinematográfico”. Teniendo el mismo ADN que el díptico de Los tres mosqueteros, sin embargo, esta adaptación se las apaña para ser un filme bastante superior, en parte por su desinterés en que la historia se expanda o serialice. El conde de Montecristo puede ser un intento de importar en Francia la actual fiebre de Hollywood por la propiedad intelectual, pero afortunadamente no cae ni en la autorreferencialidad ni en la huida hacia adelante que, por ejemplo, marcarían Marvel Studios y el reciente estreno de Deadpool y Lobezno. El propio De la Patellière es muy crítico con este tipo de cine: “Como gran amante del cine norteamericano creo que hay un exceso de superhéroes y franquicias”.

Montecristo es una película sólida, igualmente carente de las inercias de Los tres mosqueteros con respecto a emular una impronta hollywoodiense en las escenas de acción: frente a los problemáticos planos secuencia que pergeñó Bourboulon, De la Patellière y Delaporte recurren como directores a un enfoque más clásico. Todo desde una fértil disciplina que da sus mejores frutos en cuanto a una gran comprensión del personaje, y los motivos por los que sigue siendo capaz de seducir. En ese sentido, De la Patellière tampoco se va muy lejos de los superhéroes. “Podemos decir que en el siglo XVIII Dumas inventó al héroe enmascarado, sobre todo si pensamos en la figura de Batman: este huérfano que vive en un castillo con su Batcueva y sus traumas”.

“Ni Batman ni Dantés tienen superpoderes, pero sí los medios para ser un vengador. Batman sería una especie de hijo del conde de Montecristo, y nos pareció muy interesante ver los orígenes de esta mitología”, reflexiona De la Patellière. “Solo que, más que superhéroe, yo diría que Montecristo es un superhombre tipo Nietzsche. Los superhéroes buscan hacer justicia, pero aquí hablamos de un vengador con todas las de la ley que solo quiere aliviar el daño que le han hecho… aunque también tenga un lado romántico por ese amor que ha perdido y sigue buscando”. El conde de Montecristo remite, en definitiva, a un tiempo donde los Vengadores podían ser adultos y desafiantes, y a golpe de profesionalidad pura y dura —sin desterrar la fascinación— intenta que vuelvan a serlo.

James Gunn ha dicho de Flash que “probablemente sea una de las mejores películas de superhéroes jamás hechas”. Stephen King asegura que es “sincera, divertida y alucinante”, que “le ha encantado”. David Zaslav también ha dado su apoyo, y Tom Cruise ha llegado al punto de indicar que “es el tipo de películas que necesitamos ahora”, sin aclarar exactamente a qué se refiere. Antes de nada, habría que especificar qué rol ocupan todos ellos y cuál es su relación con la nueva película adscrita al universo superheroico de DC y Warner.

Gunn, quien se despidiera hace poco de Marvel con el Volumen 3 de Guardianes de la Galaxia, es desde finales de 2022 el presidente de DC Studios. King tiene, por su parte, buena relación con Andy Muschietti (director de Flash) luego de que este adaptara su novela magna, It, dentro el seno de la misma Warner de la que David Zaslav es CEO actualmente. Por último, Cruise, una vez Top Gun: Maverick culminó su pulso con Paramount en aras de la mayor recaudación del año pasado previa a Avatar. El sentido del agua, es considerado el salvador de la industria de Hollywood. Él representa, hoy por hoy, el gran cine espectáculo.

Lo más interesante de Flash no es que la película resultante sea mucho (muchísimo) peor de lo que aseguraban estas celebridades. Lo interesante es que una major de Hollywood se haya embarcado en una campaña de relaciones públicas tan desesperada para disimularlo. 

La película más gafe de DC

A estas alturas ya hemos asumido que no hay que esperar grandes cosas del Universo de DC. Al menos en lo relativo a su serie principal, esa que fue inaugurada por El hombre de acero en 2013 y que hay quien llama “Snyderverso” por lo mucho que la visión artística de Zack Snyder ha determinado sus presupuestos creativos. Incluso luego de que el director se marchara. Fuera del Snyderverso, en cuanto a películas independientes o afincadas en el limbo “Elseworlds”, hay más optimismo o capacidad para la sorpresa. The Batman y Joker son, de hecho, películas muy apreciadas que hoy contemplan sus propias secuelas y spin-offs.

La existencia de ambas películas (ambientadas, para enredarlo todo más, en dos Gotham distintas) debería haber convencido a los responsables de DC Studios de que lo mejor era prescindir de un plan estricto: olvidarse de intentar emular la cuidadosa orquestación de la competencia marvelita. En algún que otro tramo del camino, se ha asumido esta idea, pero según Zaslav ascendió a CEO de Warner tras la fusión con Discovery volvió a ganar partidarios la opción de jugar a los Universos cohesionados y los calendarios atiborrados.

Si a Gunn le eligieron como presidente de DC Studios fue ni más ni menos que por su vínculo con Kevin Feige, y su plan estrella ahora mismo pasa por reiniciarlo todo y distribuir los siguientes proyectos a través de fases, como hacen en el Universo de Marvel. En 2025 empezaría el Capítulo 1: Dioses y monstruos, con una película sobre la juventud de Superman que dirigiría el mismo Gunn, y otra versión de Batman. ¿Qué relación tiene Flash con todo esto? Pues la respuesta es ciertamente complicada.

Flash es parte indisoluble del Snyderverso. Ha habido tentativas de darle una película propia a este veterano superhéroe (nacido en 1939 y uno de los estandartes de DC) desde más o menos los años 80, pero únicamente maduraron a principios de la pasada década. Fue entonces cuando, mientras la cadena juvenil The CW emitía The Flash (serie perteneciente a otro universo superheroico alternativo, el Arrowverso, infinitamente más lógico que el que nos ocupa), desde Warner se planeó que Batman v Superman: El amanecer de la Justicia, secuela de El hombre de acero, preparara el terreno para el crossover definitivo.

El estudio fichó a Ezra Miller, que había conocido la fama a partir de producciones como Tenemos que hablar de Kevin o Las ventajas de ser un marginado. Miller haría un cameo como Barry Allen, el superhéroe más veloz, en Batman v Superman, con el plan de reaparecer en la posterior Liga de la Justicia y en una película en solitario. Con lo cual, echando cuentas, descubrimos que Flash lleva en desarrollo mínimo siete años.

Mientras Liga de la Justicia se convertía en un infinito dolor de cabeza para Warner (y un fandom ruidoso terminaba provocando la existencia de La Liga de la Justicia de Zack Snyder), el proyecto de Flash pasó por muchas manos, conservando a Miller como protagonista. Seth Grahame-Smith, la dupla Phil Lord/Chris Miller (quienes hace poco produjeron otro film de justicieros interdimensionales, Spider-Man: Cruzando el multiverso), los Jonathan Goldstein/John Francis Daley de Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones… y finalmente, Andy Muschietti. Pero ahí no acabaron los problemas.

Durante el rodaje, Miller empezó a hacer gala de un comportamiento extraño. Cuando concluyó, los problemas con la justicia del intérprete se multiplicaron y colocaron a Warner en una coyuntura endiablada. ¿Debía estrenar una película cuya estrella no podría promocionar, acaso porque para entonces estaría entre rejas? Las dudas precipitaron varios retrasos de estreno, mientras Miller mostraba propósito de enmienda y Gunn se hacía con el control de DC. Su plan pasó a ser, decíamos, reiniciarlo todo. Con lo que Flash, tal cual estaba concebida, parecía cerca de perder cualquier sentido.

Flash se basa en un arco de los cómics muy popular, Flashpoint. En él Barry Allen logra viajar en el tiempo con su supervelocidad para evitar una tragedia familiar, de forma que altera toda la línea temporal y provoca la afloración de versiones distintas de varios personajes de DC. Es tal cual lo que sucede en la película de Muschietti: el padre de Barry está en la cárcel acusado de asesinar a su madre (interpretada por Maribel Verdú), con lo que el protagonista intenta reparar ambas desgracias cambiando unas cuantas cosas del pasado. Así que Flash introduce a una Supergirl, Sasha Calle, y retoma al Batman que Michael Keaton fuera para Tim Burton. Impele, en fin, a que el Universo de DC pierda cualquier coherencia. Que de partida no tuviera coherencia alguna es el menor de sus problemas.

El cine como simulacro

Flash tiene en efecto similitudes notables con Spider-Man: No Way Home, y engrosa la actual fiebre por los multiversos de Hollywood. Lo que aporta a dicha cosecha ya ha sido descrito: la película se levanta sobre tal cúmulo de percances y sinsentidos extracinematográficos que cualquier intento de acaparar hondura dramática, o emocionar en los mismos términos que hacía No Way Home con la recuperación de varios Spider-Man, es un incómodo tiro al pie. 

Flash se permite algún destello de lucidez dentro de la hecatombe. Acaso consciente de lo ridículo que es volver sobre los acontecimientos de El hombre de acero como si esta película tuviera un estatus afectivo similar a los Spider-Man de Sam Raimi, el guion lanza un par de bromas desesperadas. La primera señal de que algo no va bien cuando Barry Allen vuelve a la que cree que es su línea temporal es un chiste estupendo sobre Regreso al futuro (muy significativo, además, por lo básico que es este film como referencia para la trama). Y la aparición posterior de Keaton como Bruce Wayne, tratando de explicar el desaguisado, juega a su favor con la familiaridad que el público ya siente por estas tramas. 

Más allá de eso, todo es el horror. Un horror dolorosamente familiar, en dos vertientes. Por un lado, Flash recopila los vicios de la era Snyder en cuanto a una embarazosa caligrafía de la acción (con cámaras lentas e instantáneas aberrantes) y a unos efectos digitales todavía más embarazosos, que aquí alcanzan una suerte de cima de lo kitsch. No es tanto que Flash no tenga dinero para hacerlo mejor o que sea involuntariamente cutre, como que sus responsables entienden que existe una estética a la que plegarse religiosamente.

Sería algo respetable, por cuanto parece refrendar una decisión pintoresca que al cabo resulta más memorable que el grueso de facturas grisáceas del Universo de Marvel. Pero esto nos lleva al segundo ámbito donde Flash se yergue como propuesta agotadora y difícilmente soportable, ejerciendo de agreste repaso de los males actuales del cine industrial. Que Hollywood tenga esta fiebre multivérsica se explica con la crisis de generación de imaginarios que atraviesa, donde la confusión de realidades alternativas (o propiedades intelectuales en instancias pasadas) ofrece satisfacciones fáciles con el reciclaje de iconos.

Es lo que hacía No Way Home al fin y al cabo, y lo que hace Flash de forma ebria e insensata, mostrando en su atolondramiento que el vacío del que surge es el mismo que el del film protagonizado por Tom Holland. Durante la mayor parte de su metraje, Flash se resiste a la conversión en escaparate robótico, pero llegado el tercer acto su infernal CGI se alía con la avalancha de cameos, guiños y easter eggs más bochornosa que jamás haya pergeñado Hollywood desde que ¿Quién engañó a Roger Rabbit? mostrara el camino en los 80.

Y es muy deprimente, claro. Las imágenes algorítmicas y escleróticas de este tercer acto (con referencias que solo pueden celebrar bien nativos de Internet, bien gente que lleva muerta varias décadas) certifican la sepultura de la ficción hasta el punto de eclipsar dramas o temas centrales de la propia película. Conducen a un estado de indiferencia fatalista, y a que las palabras de Tom Cruise se antojen propias de un asesino en serie. Porque, si este es el tipo de películas que necesitamos ahora, quizá sea mejor darlas por muertas.

El universo DC ha vivido en una crisis continua. Lo que debería haber sido la competencia directa de Marvel alternaba proyectos exitosos (Aquaman o Wonder Woman) con fracasos críticos que no conseguían rentabilizar sus abultados presupuestos (Batman V Superman y La liga de la justicia). Por si fuera poco, los fans se enfrentaron entre ellos por el despido de Zack Snyder, el encargado de formar un universo cinematográfico parecido al de Iron Man, Capitán América y compañía. Con el cambio de rumbo de Warner (dueños de las películas de DC), la opción fue clara, había que reiniciar todo desde cero. Tenían en sus manos una franquicia muy prometedora pero demasiado caótica que no sabía si iban a poder reconducir.

Para esa ambiciosa tarea contrataron a Peter Safran y a James Gunn. Este último había demostrado en ambas casas (Marvel y DC) su capacidad de imprimir una visión diferente y exitosa en la saga de Guardianes de la Galaxia y en la secuela de Escuadrón suicida. Desde su fichaje, Gunn se ha enfrentado al hate de twitter y del fandom tóxico y prometió que a comienzos de 2023 ofrecería un primer avance de cómo se configuraría esa nueva etapa. Safran y Gunn han cumplido y han anunciado a la prensa la primera fase de su universo que se denominará Dioses y Monstruos y que contará con diez proyectos entre películas y series (que no serán todos las que conformen esta primera fase). Para salvar las posibles incoherencias con las películas pendientes de estrenar (The Flash y la secuela de Aquaman) y los proyectos ya anunciados (la secuela de The Batman y Joker), lo primero que han dejado claro es que esto es un multiverso. Así esas historias podrán convivir con las nuevas.

Esta primera parte de la nueva etapa contará con diez proyectos. Entre ellos destaca una nueva película de Superman, llamada Superman: Legacy; un filme sobre Batman y Robin; otro de Supergirl; y también se amplía a las series, con Waller, que seguirá interpretando Viola Davis y Lanterns, sobre los Green Lanterns como proyectos estrella. De hecho, el primer proyecto en llegar será una serie animada llamada Creature Commandos. De momento no se ha anunciado ningún director, pero Gunn sí ha dicho que hay un par cercanos a firmar y poder anunciarse. Tampoco se han especificado guionistas excepto del filme de Superman, que escribirá el propio Gunn y que no será una historia de orígenes. Llegará a las salas el 11 de julio de 2025 y Gunn se encuentra en la mitad de la escritura. Ese Superman no será Henry Cavill, aunque Safran y Gunn han aclarado que el resto de actores que interpretaron a los personajes en el anterior universo de películas DC no tienen por qué no aparecer en este, sino que de momento no han abordado como introducirán esos personajes, por lo que no saben qué ocurrirá.

“Se enfocará en Superman intentando buscar el equilibrio entre su herencia kryptoniana y su educación humana. Él es la encarnación de la verdad, la justicia y el estilo estadounidense. Representa la bondad en un mundo que piensa que la bondad es anticuada”, dijo Safran. También se presentará a personajes menos conocidos como La cosa del pantano y Booster Gold. El primero tendrá película propia -que será de terror-, mientras que el segundo llegará en forma de serie.

La película que juntará por fin a Batman y Robin (tras las de Joel Schumacher) será The brave and the bold, título que hace referencia a la serie de cómics del mismo nombre que en España se conocen como El intrépido Batman y que ya vivió una adaptación en forme de serie animada. Un Batman que será independiente del que interpreta Robert Pattinson y que según Gunn presentará a la “Bat familia”. Este Robin tendrá la identidad de Damian Wayne. Gunn lo describió como “nuestro Robin favorito”, “un pequeño hijo de puta”, un “asesino”. se trata del hijo biológico de Bruce Wayne al que conoce con ocho años. James Gunn la ha descrito como “una historia muy extraña sobre un padre y un hijo”. Gunn ha declarado que es una adaptación de los cómics de Grant Morrison, al que calificó como una de las grandes influencias de este primer universo. También citó a Tom King.

Supergirl tendrá película propia en Supergirl: mujer del mañana, basada en los cómics de King del mismo título y donde se presentará a la prima de Superman, Kara Zor-El, quien, como explicó Gunn, “es un tipo muy diferente de Supergirl”. “Veremos la diferencia entre Superman, quien fue enviado a la Tierra y criado por padres amorosos desde que era un bebé, y Supergirl, que fue criada en un trozo de roca de Krypton, y vio a todos a su alrededor morir y ser asesinados durante los primeros 14 años de su vida”.

El primer contacto con Wonder Woman (o sus ancestros) será en forma de serie en Paraíso perdido, una historia que Peter Safran ha comparado con Juego de Tronos y que se ambienta en la isla de Themyscira antes del nacimiento de Diana. “Realmente se trata de la intriga política detrás de una sociedad donde todas son mujeres”, dijo Safran. Gunn dio alguna pista más apuntando al misterio sobre ese origen donde todas son mujeres. El título revela que se basará en las historias escritas por Phil Jimenez y George Pérez.

La serie más esperada será la que introduzca a los Green Lantern. Serán dos de los más populares de los cómics los que protagonicen este primer encuentro, Hal Jordan y John Stewart en una ficción que han comparado, en su tono y estilo, con True Detective. Ambos investigarán un misterio en la Tierra que será importante para la cohesión de todas las películas y televisión, por lo que Lanterns parece, a priori, uno de los proyectos capitales de esta primera fase. De momento se desconoce de qué forma se conectarán unos proyectos con otros, y también se aleja la posibilidad de apostar por una nueva Liga de la Justicia.

En un vídeo publicado en Twitter, James Gunn, cabeza visible del reinicio, ha calificado esta oportunidad como única y ha dejado claro que lo que busca es que la visión de los directores y guionistas sea “única y especial” y que espera dar a los fans algo que no hayan visto nunca antes.

Un póster de Marlon Brando como “El Padrino” y otro del Joker, el villano de Batman, han sido encontrados este viernes en las casas en las que se escondió el jefe de la mafia siciliana Cosa Nostra, Matteo Messina Denaro, arrestado tras 30 años prófugo.

Los investigadores han difundido imágenes de esos carteles que se encontraban entre los enseres del criminal, detenido el pasado lunes, localizados en tres casas de la localidad siciliana de Campobello di Mazara (sur), el último sitio en el que al parecer se escondió.

En primer lugar apareció un póster de grandes dimensiones de Don Vito Corleone en la película El Padrino de Francis Ford Coppola y después encontraron otro del Joker, el villano del cómic, con una de sus frases: “Siempre hay una salida. Si no la encuentras, arrasa con todo”, según se ve en las fotos publicadas por los Carabineros.

Las pesquisas se desarrollan en ese pueblo a menos de 10 kilómetros de su Castelvetrano natal, donde residía oculto de la justicia hasta que el lunes fue detenido en la capital, Palermo, cuando acudía a una clínica a tratarse un cáncer.

Piedras preciosas y carpetas con apuntes

En estos tres escondites, además de los pósteres, se han encontrado piedras preciosas, un diario con anotaciones y carpetas con apuntes y cuentas que ahora tendrán que ser descifradas.

El gran cartel de “El Padrino” presidía el salón de la primera casa que se descubrió y dentro había también un cuaderno con notas sobre asuntos de política nacional o temas más personales como el rechazo de su hija, a la que nunca ha conocido.

Pero la atención de los investigadores se concentra en las carpetas que meticulosamente conservaba el jefe mafioso con anotaciones y algunas cuentas, que según los medios italianos cifran en casi 10.000 euros los gastos al mes de Messina Denaro, que llevaba un alto nivel de vida con salidas a restaurantes y compras de ropa de marca. Ejemplo de ello es una cena en un restaurante, en la que pagó 700 euros, probablemente porque corrió con los gastos de todos los presentes.

Entre sus pertenencias había preservativos y pastillas de Viagra, además de numerosos zapatos de valiosas firmas.

Sus tres escondites

Tras el descubrimiento del primer escondite, este miércoles se encontró una segunda casa en el que habría vivido Messina Denaro en la calle Maggiore Toselli 34, a aproximadamente un kilómetro de la primera vivienda, y donde descubrieron una habitación escondida detrás de un armario en la que se encontraron joyas, piedras preciosas y documentos relevantes.

También se localizó una tercera casa en este pequeño pueblo de unos 11.000 habitantes, a unos 200 metros de la primera, pero esta se encontraba completamente vacía.

Todo apunta a que Messina Denaro parece haber vivido allí hasta junio pasado cuando, sin que se conozcan los motivos, decidió trasladarse al otro apartamento.

La primera casa era propiedad de Andrea Bonafede, un conocido de Matteo Messina Denaro desde la infancia, y el nombre que el capo llevaba en sus documentos cuando fue capturado cerca de la clínica La Maddalena de Palermo, en el momento del arresto.

Por el momento no se ha encontrado dinero, del que Messina Denaro disponía en grandes cantidades, y tampoco el llamado “archivo de Totò Riina”.

Se trata de los documentos mencionados por los colaboradores de Justicia que aseguran que el jefe de los “Corleoneses” le entregó con todos los secretos de los atentados de los años 90 en Italia, como en los que perdieron la vida los magistrados antimafia Giovanni Falcone y Paolo Borsellino.

Bilall Fallah y Adil El Arbi, los directores de la frustrada película Batgirl, han concedido una entrevista en el medio francés Skript en el que han explicado cómo fue su reacción ante la decisión de Warner de meter en un cajón la adaptación de este personaje de DC Comics cuando ya había sido rodada y estaban en el proceso de montaje.

La pareja de directores, que habían trabajado previamente en Bad Boys For Life y Ms. Marvel, afirman que después de recibir la llamada del estudio, fueron a su servidor de trabajo para grabar, al menos, algo con el móvil pero se encontraron con que el estudio había borrado los archivos.

“La gente de Warner nos dijo que no era un problema actoral de la actriz [Leslie Grace] ni tampoco de la calidad de la película. Estábamos en mitad del montaje, ¡todavía quedaba mucho trabajo por hacer! La película no estaba terminada”, afirmó en la entrevista el belga Adil El Arbi.

El Arbi añadió que su interpretación de lo sucedido tenía más que ver con los cambios estratégicos corporativos que está realizando HBO Max, la plataforma que iba a estrenar la película: “Hay una nueva dirección, un cambio de estrategia y han visto que pueden ahorrar dinero”. Este verano se están conociendo los cambios empresariales en estas compañías. Discovery ha comprado WarnerMedia, matriz de HBO Max, lo cual desembocará en una futura plataforma conjunta. La reestructuración de HBO Max se va ya en su catálogo, que ha perdido un centenar de series y películas y ha fulminado toda su producción europea, salvo la española.

Preguntados por el entrevistador de Skript si algún día podrían recuperar la película, los directores explicaron que además de conseguir el permiso para hacerlo, se necesitaría una considerable inversión, pues el bruto no solo está a medio montar sino que no tiene aplicados los efectos especiales y hay tomas precisan volverse a rodar. pero esperan que algúndía puedan hacerlo, como hizo Zack Snyder con su montaje de La Liga de la Justicia.

En el mundo de la adaptación cinemática de los superhéroes de DC, Batgirl es un proyecto accidentado. Ahora es la compañía la que abandona, cuando, en 2018, fue su primer director, Joss Whedon (Buffy Cazavampiros, Vengadores) el que dejó colgada la película al darse cuenta de que “no tenía una historia”.

Warner Bros, el estudio propietario de la franquicia DC Comics, no estrenará la película Batgirl a pesar de que el rodaje llegó a finalizar, se encontraba en postproducción y costó más de 90 millones de dólares.

Según la prensa especializada, el estudio confirmó este martes de manera interna que no tiene intención de proyectar el filme en cines y tampoco lo lanzará en la plataforma de streaming HBO Max, citando un cambio de estrategia tras su fusión con el grupo Discovery, que tuvo lugar en mayo de 2021.

La reacción en las redes no se ha hecho esperar. Desde los que califican el movimiento de “irrespetuoso” con la audiencia y los trabajadores de la película, hasta los que entienden que Warner no quiera seguir invirtiendo en marketing si el resultado no le convence. No obstante, otras fuentes atribuyen la decisión a la nueva política de recortes del CEO de Warner Bros Discovery, David Zaslav.

La cinta llevaba varios años en los planes de Warner y contaba con la actriz de origen dominicano, Leslie Grace, para dar vida a la superheroína. Junto a Grace, J.K. Simmons encarnaba a Jim Gordon y Michael Keaton repetía su papel como Batman.

El guion de Batgirl había sido escrito por Christina Hodson, responsable de la trama de Birds of Prey y The Flash, mientras que el dúo que dirigió Bad Boys for Life, Adil El Arbi y Bilall Fallah, estuvieron detrás de las cámaras.

La noticia cogió por sorpresa a la industria de Hollywood, ya que se trata de un rodaje con un presupuesto cercano a los 100 millones de dólares, que estaba en fase de postproducción y había contado con promoción previa. Todo esto la convierte en uno de los proyectos cinematográficos cancelados más caros de la historia.

En un principio Batgirl iba a ser un lanzamiento exclusivo de HBO Max. Fuentes consultadas por la revista Variety insisten en que la decisión no se tomó por la calidad del filme y tiene que ver con la nueva estrategia tomada por la fusión de los grupos Discovery y WarnerMedia, que da prioridad a los estrenos cinematográficos.

El estudio tiene otra película en la cuerda floja: The Flash aún no ha fijado su estreno previsto para 2023 por los escándalos de su protagonista, Ezra Miller.

Cualquier película basada en un personaje de cómic provoca un movimiento sísmico entre los fans de la historia original. Primero, para decidir si la adaptación está a la altura o no. Segundo, para encontrar los guiños a las historias originales o adivinar en cuáles se basa. The Batman, la nueva película sobre el hombre murciélago, llega este viernes a las salas. Ha sido su director quien ha desvelado cuáles han sido los cómics en los que se ha basado para esta adaptación que también bebe de películas como Seven. Estos son los cuatro cómics que debes leer antes de ir al cine.

'Batman: año uno'

Uno de los cómics más importantes y reverenciados de Batman es Batman: año uno, creado por Frank Miller e ilustrado por David Mazzucchelli. Durante muchos años, Hollywood tuvo en la mesa un proyecto que adaptaba directamente este cómic y que tuvo a Darren Aronofsky vinculado como director, pero finalmente se cayó. Años después, el proyecto mutó en Batman Begins, la primera entrega del hombre murciélago dirigida por Christopher Nolan que, si bien no es una versión del cómic, sí que introduce varios elementos e incluso escenas. 

Tanto Nolan como ahora Matt Reeves han cogido un elemento fundamental de Año uno para sus filmes, y es la oscuridad. Son sombrías, adultas, lúgubres. En el caso de The Batman, la acción se sitúa en el segundo año de Batman como vigilante, pero se le muestra todavía como un héroe que se esconde en las sombras y que no es respetado por nadie. Lucha contra el crimen callejero de forma casi amateur. Es el comienzo de su relación con James Gordon, una relación que nace en Año uno y que se desarrolla en profundidad en The Batman, donde ambos inician una investigación policial conjunta. Una de las diferencias es que en el cómic vemos la creación de Batman, cómo decide adoptar la identidad de un murciélago, mientras que en la película vemos cómo ya se ha convertido en su álter ego. En orden cronológico, sería el cómic Año dos el que mejor cuadra con lo que vemos en este nuevo filme, pero Reeves ha declarado que es Año uno el que ha sido más influyente para él. También en este cómic vemos a Catwoman y, al igual que en la película, trabaja como chica de compañía para las élites mafiosas y corruptas. En Año uno, además, aparece por primera vez Carmine Falcone, personaje fundamental en The Batman.

'Batman: el largo Halloween'

La serie de trece cómics creada por Jeph Loeb y dibujada por Tim Sale es una de las que más ha influido a Matt Reeves para The Batman. Se nota, sobre todo, en la herencia del cine negro clásico que se ve en la película y que fue uno de los aspectos que más se destacó de estas entregas publicadas por DC en 1996 y 1997. La mafia y una trama de investigación de unos asesinatos son el centro narrativo de Batman: el largo Halloween y también lo son de The Batman. Es en este cómic, que como la película tiene lugar en el segundo año de vida de Batman, donde además le vemos desarrollar su faceta de detective. Como guiño definitivo, el filme de Reeves abre con una escena que sucede el 31 de octubre, Halloween.

En los cómics, Batman se une con James Gordon para investigar a un asesino que los días festivos va matando a miembros de la familia Falcone. En el filme, es Enigma (interpretado por Paul Dano), quien comete estos crímenes que también orbitan en torno al mafioso. En ambas historias, Falcone es un personaje fundamental. En el filme lo interpreta John Turturro, y sus actividades ilegales son el caldo de cultivo en el que se mueve toda la trama. Tanto en El largo Halloween como en The Batman, el villano deja notas tras su asesinato. Esta trama de acertijos es fundamental en el filme.

Una de las diferencias fundamentales es que en el filme de Reeves el villano cambia a Festivo por Enigma. En el cómic aparece toda la galería de enemigos del hombre murciélago, mientras que en esta nueva película este despliegue se limita al Pingüino. En ambas historias aparece Catwoman, aunque en la película siempre está del lado del héroe. Otra de las diferencias es que en esta nueva producción cinematográfica hay un personaje que no aparece, el juez Harvey Dent, que en las entregas de esta serie tenía una importancia fundamental.

'Batman: victoria oscura'

Continuación directa de El largo Halloween y creada por sus mismos autores, esta serie continúa la faceta detectivesca de Batman que Matt Reeves ha utilizado para crear la historia de su versión cinematográfica. En estar ocasión es un asesino que se bautiza como ‘el ahorcado’ quien los comete. Sus víctimas son policías corruptos que colaboran con Falcone. Esto la acerca a The Batman, ya que las víctimas de Enigma en el filme son policías, jueces o políticos que han entrado en la rueda de corrupción creada por Falcone. A partir de ahí, las dos historias son diferentes, ya que en el cómic el villano es Dos Caras, que recluta a los enemigos de Batman míticos de las historietas, mientras que la película se centra en Enigma y da un papel secundario a Pingüino, aunque la sombra de Falcone es la que sobrevuela toda esta historia. Sin entrar en spoilers, hay un detalle que une claramente Victoria Oscura y The Batman, y es la revelación sobre la posible conexión familiar de Catwoman.

'Batman: Ego'

Cuando Matt Reeves ha revelado las historietas de Batman que más le han influido, hay una que ha emocionado a los fans de los cómics y que ha hecho buscar en Google a aquellos no tan familiarizados con el universo DC. Se trata de Batman: Ego, de Darwyn Cooke y que se publicó en el año 2000. Temáticamente no tiene nada que ver, pero Reeves la ha elegido por un motivo claro, el dilema moral de Bruce Wayne. Es en este cómic donde más se explora la dualidad entre la persona real y su identidad secreta. Una obra que reflexiona sobre la venganza y sobre las acciones de un héroe que se toma la justicia por su cuenta. 

En el cómic se recurre a un recurso parecido al de Cuento de Navidad, de Charles Dickens. En vez de ser el fantasma de las navidades pasadas, quien visita a Bruce Wayne es el propio Batman, que le hace reflexionar sobre su lado oscuro. Reeves no enseña este encuentro onírico entre el personaje y su álter ego, pero sí que muestra un héroe atormentado, sin habilidades sociales y completamente presionado por sus actos como Batman. 

El Batman de Christopher Nolan marcó un antes y un después en la historia del cine. Lo hizo para bien y para mal. Entregó una trilogía adulta, oscura y rompió los prejuicios de aquellos que miraban al cine de superhéroes por encima del hombro. En el lado negativo de la balanza, su éxito arrollador de crítica y público creó un precedente peligroso que todos intentaron imitar. Warner se rindió al estilo de Nolan e intentó copiar la fórmula una y otra vez... hasta destrozarla. Aunque sus mejores resultados estuvieran con las películas que se alejaban de aquel estilo (Aquaman o incluso Shazam), ellos seguían empeñados en trascender. 

Tras el fiasco de Batman v Superman y de la Liga de la Justicia de Zack Snyder (y Joss Whedon), había muchas ganas por ver el enésimo intento de recuperar a uno de los héroes más importantes del cómic y uno de los más conocidos y carismáticos. Para hacerlo, desde Warner se apostó por un artesano que siempre cumple, Matt Reeves. El director parecía encajar en lo que necesitaba una superproducción como esta. Ya lo había demostrado en El amanecer del planeta de los simios y La guerra del planeta de los simios, donde logró imprimir personalidad en una franquicia que podría haber apostado por lo rutinario.

Con The Batman, Matt Reeves demuestra de nuevo su capacidad de dotar de un sello visual a una película de estas proporciones y le confirma como uno de los grandes directores de escenas de acción del Hollywood actual. Su principal problema es que nunca consigue quitarse la sombra acechante del Batman de Nolan. El problema es que ni lo intenta. Es una película tan espectacular en lo visual como autoconsciente y pagada de sí misma. Es un Batman que quiere ser trascendente en cada plano, en cada encuadre y en cada planteamiento y que pocas veces lo es. Reeves lo intenta hasta en un travelling a un café. No es ironía. En un momento del filme, la banda sonora arranca atronadora mientras la cámara se acerca a una taza con una interrogación dibujada en su crema. El resultado es que acaba saturando y su necesidad de epatar en cada fotograma termina siendo un tiro en el pie.

Una película que se cree más oscura y más grunge de lo que es. La muestra es que comienza y termina con un topicazo como el Something in the Way de Nirvana. Lo hace en un juego de espejos donde la película muestra realmente su núcleo argumental, una crítica a la venganza como motor de la sociedad y una apuesta por la esperanza y el optimismo. Tampoco ayudan la machacona banda sonora de Michael Giacchino, las referencias al mundo actual (corrupción, redes sociales, crispación) metidas con calzador y una trama que podría servir para una entrega descartada de Saw.

Aquí Batman va descifrando los acertijos de Enigma. Lo hace siempre él, con una facilidad aplastante y ante la atenta mirada de los policías, que no se saben ni la adivinanza más básica. Una trama en forma de puzle que también se cree más inteligente de lo que realmente es. Aquí radica otro de los problemas de este Batman, en su debilidad argumental y en dejar escapar a un actor como Paul Dano como malo malísimo. No hay villano, y películas como El caballero oscuro o incluso la última entrega de Los Vengadores ya han demostrado que un filme de superhéroes necesita uno tan carismático y potente como su héroe. Miedo da lo que pueden hacer en la secuela tras ver esa escena que abre la trama para la continuación y que es puro fan service.

Es una pena, porque todo esto (y su larguísima duración de tres horas) empaña un filme que por momentos es vibrante, entretenido y muy espectacular. Que tiene ideas originales como no mostrar por primera vez la muerte de los padres del héroe y que consigue varios momentos que merecen ser vividos en una sala, como la primera llegada de Batman al club del Pingüino, una escena de acción solo iluminada con los fogonozados de los tiroteos y un potente clímax final en los techos de un estadio. También se desaprovecha el carisma de sus dos protagonistas. Robert Pattinson tiene hechuras de Batman. Su rostro anguloso es perfecto para el traje, su rollo gótico encaja a la perfección con el trauma del héroe y nos hace olvidar al pavisoso de Ben Affleck. Zoe Kravitz es una Catwoman que rezuma carisma y fotogenia, pero en un personaje desarrollado con apenas dos pinceladas. 

Puede que la trilogía de El caballero oscuro ya fuera engolada y se creyera más importante de lo que es, pero al menos fue el primero en hacerlo. El Batman de Matt Reeves termina siendo un popurrí que ahoga su derroche visual en su necesidad de trascender y en su miedo a las comparaciones. Ojalá se hubiera quitado de golpe esa sombra de Nolan y hubiera llevado la franquicia por sitios inesperados y no transitados.

Todo comenzó con un esbozo. En 1934, el ilustrador estadounidense Bob Kane realizó un boceto de un personaje mitad hombre y mitad murciélago, pero lo guardó en un cajón con pocas esperanzas de que se convirtiera en algo más. Allí pasó olvidado casi un lustro, hasta que el artista empezó a trabajar en la compañía que poco después pasaría a formar parte de DC: la National Allied Publications. En aquellos momentos vivían un periodo de esplendor gracias al nacimiento de Superman, que inauguró la figura del superhéroe y arrolló con todo el mercado. Pero pensaron en probar otra cosa.

La idea era ofrecer algo diferente a ese hombre cuasi perfecto que prácticamente ni siente ni padece. Fue entonces cuando Bob Kane recurrió a ese polvoriento boceto que, a su vez, podía convertirse en una antítesis perfecta de Clark Kent. Como explican en el podcast de La órbita de Endor, inicialmente estaba pensado que pudiera planear gracias a una máquina voladora similar a la pensada por Leonardo Da Vinci. También se barajó que fuera un hombre águila o un halcón, por ser aves más asociadas a la idea de fortaleza, pero al final se optó por el murciélago por su asociación con la noche.

Tuvo algo que ver la obsesión de Kane con la película The Bat Whispers (1930) e influencias como La marca del Zorro (1920), donde el protagonista curiosamente también era millonario de día y justiciero de noche. Sin embargo, aunque en la mente de Kane ya estaban los pilares, todavía quedaba trabajar un poco más hasta llegar al Batman que conocemos hoy día.

Fue el escritor Bill Finger el que dio las últimas pinceladas. Lo primero que hizo fue cambiar el color de la ropa, convirtiendo el rojo en tonos negros y grises que evidentemente son mucho más adecuados para alguien que en teoría busca ocultarse en la sombra. También añadió guantes y dio forma a la máscara para finalmente presentar el modelo a los editores. Les encantó.

Batman se presentó oficialmente el mayo de 1939 en el número 27 de Detective Comics. La primera historia, de solo seis páginas, se titulaba El caso del sindicato químico y narraba un caso al más puro estilo detectivesco en el que había que descubrir quién era el asesino de un crimen. Ni se contaba el origen del héroe ni se explicaba nada sobre este.

Su identidad fue también una incógnita para el lector, que a lo largo de la narración intentaba adivinar quién se escondía bajo la máscara. Resultaba complicado pensar que aquel ricachón llamado Bruce Wayne, presentado en las primeras viñetas, era quien repartía justicia cuando caía el sol. Pero lo era, y así lo descubrían al final para sorpresa de todos.

Ocho décadas bajo las sombras

El personaje, como viene siendo habitual en la industria, ha pasado por diferentes etapas a lo largo de su historia. Desde la oscuridad dramática de sus orígenes hasta la humorística de los 60 para finalmente retornar a lo siniestro en el presente. No obstante, de lo que no queda duda es de su radiante actualidad. No muestra apenas signos de agotamiento. Eso es lo que ha provocado que en su 80 aniversario La casa del lector de Madrid inaugure una exposición organizada por Sui Generis Madrid con el apoyo de ECC Comic, en la cual se pueden ver ilustraciones sobre el murciélago de dibujantes españoles desde 2005 hasta la actualidad.

“Estamos hablando de uno de los personajes más icónicos de la historia junto a Superman y Spider-Man. Se ha convertido en un fenómeno global de la cultura pop, y si trabajas en la industria del cómic dibujar a Batman siempre es algo especial”, explica a eldiario.es Fernando Blanco, que retrató al murciélago por primera vez en una serie llamada Phantom Stranger.

Las variaciones del personaje sobre el papel van mucho más allá de las mostradas en la pantalla. Existen series tan insólitas como la de Gotham City Garage, un universo distópico al estilo Mad Max en el que Batman pasa de combatir a Lex Luthor para convertirse en su brazo ejecutor.

“La verdadera esencia del Batman que conocemos cambia radicalmente, y solo podemos entrever como algo común a nuestro caballero oscuro la voluntad férrea de mantener el orden y la paz dentro de su ciudad. Me gustó observar que en el fondo no dista mucho del Batman que conozco, con la misma terquedad y convicción de que lo que hace es lo correcto”, apunta la ilustradora Aneke Murillenem, una de las encargadas de ilustrar esta historieta.

Pero, al ser Batman un personaje tan enigmático y a menudo tan robusto, uno que además esconde su cara bajo una máscara, ¿cómo es dibujar sus las emociones que se establecen en el guion? “Que oculte el rostro forma parte del su propio lenguaje. La máscara no es Batman, sino Bruce Wayne. Él es precisamente ese personaje oscuro, atormentado y, sin embargo, cuando es Bruce Wayne se pone una máscara de tipo social, del playboy seductor y de hombre de negocios”, apunta Blanco.

Que sea uno de los superhéroes clave de la historia del cómic también puede ser negativo. El ilustrador añade que “la mayor dificultad de dibujar a Batman es el hecho de que hayan pasado tantas manos por ese personaje. Resulta complicado dejar huella y hacer uno que sea propio”.

Otro aspecto a menudo controvertido de Batman es la ideología que transmite el personaje. No es Peter Parker, que se enfunda en el traje de Spider-Man para actuar en base a un código ético bastante rígido. Bruce Wayne, en cambio, es un multimillonario decide tomarse la justicia por su mano sin importar quién se interponga en su camino. “El discurso generado por los actos de Batman repugna y fascina a partes iguales, algo que sucede con los personajes que utilizan la violencia como moneda de cambio para solucionar conflictos”, aprecia Aneke Murillenem.

Blanco, por su parte, señala que “Batman es un personaje que defiende el orden establecido. Es el único elemento que evita que Gotham caiga en el caos absoluto a pesar de que sea utilizando métodos que la propia democracia no apoyaría”. No obstante, continúa diciendo que “tampoco hay que tomárselo demasiado en serio”, ya que esta ideología varía según las historias y, por lo general, “se suelen llevar al terreno ideológico de lo que los creadores piensan y sienten”.

Pero, con tantas ediciones del personaje, ¿por dónde podemos empezar a leerlo? Murillenem recomienda una publicación que probablemente sea de las más populares: La broma asesina (Alan Moore). “Me encantó la interacción entre él y el Joker, viéndose ambos desde fuera de lo que se supone que son, y compartiendo ese final tan loco”, aprecia la artista. Blanco, en cambio, tiene tres sugerencias: “El Batman de Frank Miller, sobre todo el de Año uno y The Dark Knight Returns. También El Largo Halloween, de Jeph Loeb y Tim Sale”. A pesar de su edad, parece que el murciélago sigue en plena forma.

Con el Valle de los Caídos en pleno centro de la atención mediática a raíz de la aprobación en el Consejo de Ministras del decreto ley que permitirá la exhumación de los restos de Franco, han aparecido varias propuestas e iniciativas ciudadanas muy curiosas para reemplazar la cruz del valle de Cuelgamuros y resignificar el lugar.

“Ante el devenir de los días y la inconsistencia en los pasos a dar para el derribo de la cruz del Valle de los Caídos, es el pueblo, nosotros, quienes debemos tomar las riendas del asunto. Es por ello que propongo al Congreso de los Diputados que vote el derribo de la cruz y, en su lugar, levante una estatua de Batman, porque es el héroe que nos merecemos. Si existe una figura que englobe todas las clases sociales, todas las ideologías políticas, a bandidos y maleantes, a la clase media trabajadora, a los nacionalistas de aquí y de allá... ese es Bruce Wayne”, escribe Alessio Garcai en la descripción de su petición en change.org, dirigida al Congreso de los Diputados y firmada ya por más de 2.000 personas, para poner una estatua del superhéroe en lugar de la gran cruz del valle de Cuelgamuros.

El usuario de Twitter @Ovi_Master propone otra estatua como alternativa a la de Batman. Para él una escultura de Chiquito de la Calzada, un humorista querido en todo el territorio español, ayudaría a unificar España.

Desde el blog Lo deploro van más allá y se atreven con un centro de lanzamiento de cohetes. “Sitios como la Guayana Francesa o Baikonur quedan bastante a desmano. El Valle de los Caídos reúne las condiciones óptimas, está en un lugar inhóspito y alejado de la civilización, el clima es relativamente favorable para los lanzamientos y tiene la infraestructura adecuada para acomodar los cohetes. En tiempos de crisis esto puede traer mucho empleo a la zona y con una inversión mínima. No lo descartemos”, escriben.

Otro usuario opta por hacer de la cruz un homenaje al país ficticio creado por el escritor británico J. R. R. Tolkien, donde se desarrollan importantes acontecimientos de las novelas de El Señor de los Anillos y El Silmarillion.

- Título: Liga de la Justicia (2017)

- Dirección: Zack Snyder

- Guión: Chris Terrio, Joss Whedon (basado en una historia de Zack Snyder y Chris Terrio)

- Reparto: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher

Con una sinopsis fantasiosa tan poco suculenta e innovadora, muchos se pueden preparar para la opinión que le podría suceder. Sin embargo, la historia de esta cinta es el menor de sus males. Primero, porque estamos hablando de un largometraje perteneciente al nada inexplorado durante la última década subgénero superheroico -nótese la ironía-, y segundo, porque su motivación es principalmente entretener, librarnos de cualquier juicio elaborado.

Por lo tanto, no debemos esperar una épica historia llena de aristas y reflexiones, aunque en la clase de cine al que pertenece se puedan encontrar joyas que sirvan de excepción, obviamente. Por supuesto, la misión de entretener la cumple con creces. Tratamos en esta ocasión una producción que cuenta con algunos de los más importantes iconos de cómic. Algo que al seguidor medio -ya no digamos a los fanáticos de dichas figuras- llama y mucho.

Por el contrario, la Liga de la Justicia se queda a medio camino. Quién sabe si los problemas personales sucedidos a su director podrían tener algo que ver. La película necesitó ser culminada a manos de Joss Whedon (Los Vengadores, Buffy Cazavampiros, Firefly). Sorprendente que su nombre no figure como codirector en los créditos.

Lo cierto es que el resultado es, en forma, una suerte de catálogo de todas las posibles películas paralelas que se extraerán, como Aquaman (James Wan, 2018), y una lógica exposición de personajes como el nuevo Flash o Cyborg. Mientras tanto, su contenido no deja de resultarnos incoherente en gran sentido: una de las figuras de esta liga se erige como solución mientras el resto podría verse limitado a ayudar a que la trama avance y tenga algo con lo que rellenar.

Los personajes a destacar son bastante pocos y a pobre nivel. No es una película en la que interesantísimos actores como Ezra Miller (Tenemos que hablar de Kevin, Las ventajas de ser un marginado) puedan explotar sus capacidades interpretativas, claro. Más bien sirve para que nos caigan bien o mal, según encajemos el humor facilón que este tipo de cine destila.

Por último, el factor más indiscutible: un montaje abocado al fracaso que, comenzando con una introducción muy del estilo Snyder, el cual rememora a aquel impresionante principio de Watchmen (2009), desemboca en una sucesión de escenas más propias de formatos como el spot televisivo.

Esta película se acerca mucho más a Batman v Superman (también dirigida por Snyder en 2016) y Escuadrón Suicida (David Ayer, del mismo año) que a Wonder Woman (Patty Jenkins, 2017), aunque permanezcan ciertos retazos. Cinta esta última que representa lo mejor que ha parido ese universo cinematográfico desde El hombre de acero (Zack Snyder, 2013). Menuda racha.

Hasta cierto punto, es comprensible que la nueva película del llamado DC Extended Universe sea una mezcla extraña de intenciones, discursos y sensibilidades. Zack Snyder, el gran ideólogo del mismo tras haberse encargado de El hombre de acero y Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia, tuvo que dejar el rodaje del film debido a una tragedia familiar. Su testigo lo recogió Joss Whedon –el director de las dos películas de Los Vengadores-.

Aunque en junio se afirmaba que la película estaba finalizada y Whedon no tocaría el tono con el que Snyder había impregnado la historia, centrando sus esfuerzos en la post-producción de la misma, en julio ya habían empezado los reshoots y parecía muy difícil que la película no se viese afectada por la mirada de Whedon. Al final ha sido imposible.

En Liga de la Justicia se enfrentan- -sin dialogar-, dos formas distintas de entender el género superheroico en el séptimo arte. La mezcla, pretende convertir la película, decisiva para Warner de cara a futuras franquicias, en un producto accesible, más agradable y menos adusto que Batman v. Superman. Pero el resultado deja al film en tierra de nadie. Estamos ante un producto de aproximadamente 300 millones de dólares que no arriesga en ninguno de los planos formales o narrativos que plantea, acomodado en narrativas visuales ya conocidas, desarrollos transitados no solo por el género sino por el cine de acción más comercial y zafio, y una torpe capacidad para humanizar a sus protagonistas. ¿Qué le pasa al género de superhéroes?

Los superhéroes siguen mandando en la taquilla

Atendiendo solamente a los estrenos de 2017, el género ya ha dado muestras suficientes de que sigue sin agotar su mecha. Sin discernir a qué gran major pertenece cada una, este año llegó Logan y se hizo con más de 600 millones de dólares. Luego vinieron Guardianes de la Galaxia Vol.2, Spider-Man: Homecoming y Wonder Woman con más de 800 millones todas y cada una. Cifras que Thor: Ragnarok parece no poder alcanzar, ajustándose a los 600 de nuevo. De todas ellas, Liga de la justicia es, de lejos, la menos original.

La película de Lobezno era una oscura y contundente relectura en clave de western moderno del atormentado personaje de Hugh Jackman. La galáctica tropa de buscavidas ofreció nuevas cotas de inesperado savoire-faire emocional a sus héroes.

Por su parte, el trepamuros devolvía a Peter Parker al instituto en una nueva forma de entender el heroísmo teen. Wonder Woman, aun con sus muchos problemas, se podía entender como una fábula antibelicista y feminista. E incluso Thor: Ragnarok se nos presentaba como una colorista comedia de tortazos que no pretendía ser absolutamente nada más que eso.

Todas ellas tenían un discurso propio, intransferible mirada del género que funcionaba con sus más y sus menos. Tenían algo que decir. Sin embargo, Liga de la justicia se nos presenta como un mero trámite hacia el universo posterior y franquiciable, vacua en su narrativa y desnortada en sus objetivos.

Héroes sin objetivos

Si, a pesar de todo, el trabajo de Snyder y Whedon solo consistiese en fabricar una excusa para presentar a los personajes que más adelante tendrán película propia, tampoco cumplirían su objetivo. Liga de la Justicia es incapaz de conseguir la implicación emocional necesaria para comprender las personalidades de cada uno de los integrantes del grupo, por mucho que les intente dotar de trasfondo. El dramatismo del mismo no llega a cuajar, ni define per se su forma de ser.

Tampoco es capaz de justificar las razones que empujan a cada uno a conformar al equipo. Los héroes se unen, básicamente, porque viene un malo malísimo. Algo que películas como Guardianes de la Galaxia o Los Vengadores pudieron hacer sin por ello dejar de ofrecer personajes complejos motivados por distintas razones. Aquí, ninguno evoluciona, ni se ve afectado por la epopeya de formar equipo: Wonder Woman es la entregada e inteligente dama, Flash es el miedica gracioso, Batman el atormentado con sentido del deber, Cyborg es el 'friki' informático y Aquaman es… un cachas.

Liga de la Justicia, en definitiva, tiene héroes al servicio de su función narrativa y no de sí mismos. Trama supeditada a los cánones que debe representar cada uno en su rol dentro del grupo, tal como hiciese casi cualquier película que cumpliese el tropo del team-up clásico, de Loz Cazafantasmas a Armageddon. Y todo, repitiendo juegos entre ellos: desconfianza entre los las capacidades de unos y otros, chistes sexistas sobre la única integrante del grupo, liderazgo cambiante, sorpresa por la demostración de habilidades… lo que viene siendo habitual. Sin sorpresas, sin sobresaltos. Sin riesgo.

Una película anticuada sin saberlo

Como decíamos, el género superheroico es capaz de reinventarse constantemente para explicarse a sí mismo como marco y contenedor de todo tipo de historias. Esto no se nos plantea solo en el campo de lo narrativo: cada una de las aventuras de gente con superpoderes de este año tenía un discurso visual propio. Ya fuera el árido, vacío y exasperante mundo de Logan o el hipercolorido universo de Thor: Ragnarok.

La nueva película de DC, sin embargo, se parapeta en viejas fórmulas visuales que nada tienen que ver con una búsqueda moderna de un discurso cinematográfico único. Es vieja en su forma de plantear la acción y sabe a déjà-vu cuando intenta impactar.

Zack Snyder, realizador dotado de una imaginería visual propia, opta aquí por copiarse a sí mismo. Su utilización de la slow-motion, técnica que solía dotar de un significado claro, acude hoy a lo obvio para acentuar imágenes de poco andamiaje. Ya sea Aquaman caminando lentamente hacia el mar, mientras las olas estallan a su alrededor o Batman cayendo con la capa desplegada desde las alturas.

Sus antiguos hallazgos se tornan trucos cuya trampa salta a la vista: el realizador vuelve a rodar entierros tal como lo hizo en Watchmen, piruetas como las de 300 y campos de maíz de aire a Terrence Malick como lo hizo en El hombre de acero. Se muestra incapaz de innovar.

Ni siquiera sus set-pieces dejan espacio para la originalidad. Dos terceras partes de las batallas que se desarrollan en el universo de Liga de la justicia se asemejan sobremanera a cómo se planteaban las batallas libradas en la Tierra Media de Tolkien llevada al cine por Peter Jackson. Y la otra, la vimos en el tercer acto de Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia entre explosiones y villanos realizados por ordenador,pero también en las ciudades de Europa del Este que tanto gusta de destruir Marvel.

Es más: ¿cuántas veces hemos visto al personaje con hipervelocidad salvar la escena rodando por las paredes? Mínimo dos en los tres últimos años con X-Men: Días del futuro pasado y Vengadores: La era de Ultrón. Nada sorprende en esta ocasión.

Superhéroes de hoy para el cine de ayer

Al terminar el visionado de Liga de la Justicia, no es su tibia indefinición entre diversión y gravedad, ni su apoteósico tercer acto, ni su nula invención visual o narrativa, ni su torpe desarrollo de personajes lo que la convierte en un sonoro fracaso.

El cine de superhéroes es la manifestación más mainstream de cómo un género puede subvertir constantemente sus tropos, forzar lugares comunes para llevar al espectador hasta sitios en los que no había estado. Su innovación parte de jugar siempre con las mismas cartas, pero hacer trucos diferentes cada vez. Y por eso, su peor enemigo es la homogeneización, la falta de discurso. Y eso es lo que parece ser Liga de la Justicia, una película que no pretende sorprender, ni molestar, casi parece retractarse de lo mostrado en sus antecesoras en DC. Es una película que pretende cumplir expediente y no generar debate. Es una película que ya hemos visto. Cine de ayer.

El actor estadounidense Adam West, conocido por su papel de Batman en la serie de los años sesenta, ha fallecido este viernes en Los Ángeles a los 88 años de leucemia, según ha informado este sábado 10 de junio su familia en un comunicado y de la red social Twitter.

Sus seres queridos destacan en la nota que West siempre “aspiró a tener un impacto positivo en las vidas de sus seguidores” y añaden: “siempre será nuestro héroe”.

West falleció rodeado de su familia y le sobreviven su mujer Marcelle, seis hijos, cinco nietos y dos bisnietos.

Su éxito como Batman dificultó a West poder conseguir otros papeles, puesto que quedó para siempre asociado a su popular personaje.

No obstante, siguió trabajando durante toda su carrera y alcanzó de nuevo la fama como voz del alcalde de Quahog, de nombre también Adam West, en la serie animada de Fox Padre de Familia.

En el cine, West tuvo papeles en las películas “The Young Philadelphians” (1959) y “Robinson Crusoe on Mars” (1964), además de participar con su voz en la cinta animada “Redux Riding Hood” (1997), nominada al Oscar como mejor cortometraje.

En febrero de 2016, la serie de CBS “The Big Bang Theory” celebró su episodio número 200 y marcó el 50º aniversario de Batman con una aparición de West.

Algunos dibujantes han querido homenajear a la figura de Adam West a través de las redes sociales.

Los mejores disfraces sobre personajes del comic o de los videojuegos suelen verse en acontecimientos donde la temática está presente (véase convenciones o estrenos), o bien en lugares donde llevarlos no suponga hacer un ridículo espantoso, como celebraciones entre grupos de amigos o fechas señaladas los carnavales o Halloween.

Sin embargo, en ocasiones aparecen individuos disfrazados fuera de contexto, que provocan todo tipo de reacciones entre sus improvisados espectadores. Si además aparte de un disfraz hiper-realista llevan un vehículo tuneado para la ocasión, el nivel de incredulidad aumenta hasta nuevas cotas.

Según publicaba el usuario Ryuuchan en su cuenta de Twitter, el personaje en cuestión era nada más y nada menos que Batman circulando por una autopista japonesa con una moto que recuerda a la que llevaba el popular superhéroe en la película El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace.

Dada la dedicación de este individuo a la hora de elaborar el disfraz, y dejando de lado la posibilidad de que se trate del auténtico superhéroe patrullando para mantener la ley y el orden, queda claro que como mínimo se trata de un gran fan del hombre murciélago con un sentido del ridículo poco desarrollado… aunque viendo el gasto que debe haber supuesto el “tuneo” de ese quad-trirrueda, la hipótesis de la fuga de un centro psiquiátrico cobra cada vez más fuerza.