Xavi Herrero va desembarcar a Eivissa en un moment crític per als cinèfils. Fa una mica més d’una dècada, les sales de cinema que existien a l’illa havien tancat, estaven tancant o feia anys que romanien tancades. El Serra –l’últim cinema que quedava al centre de la capital eivissenca: era centenari– es va convertir en runa per acabar sent un solar on després s’aixecaria un hotel de cinc estrelles. Les possibilitats d’un eivissenc per veure una pel·lícula independent o, fins i tot, una pel·lícula en versió original sense haver d’agafar un vaixell o un avió per viatjar a la península o a Mallorca eren remotes.

El projecte que aquest cineasta català –Terrassa, quinta del 67– tenia al cap es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s’ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d’Espanya. Qualifica per als Goya. L’Ibiza Cinefest –així l’anomenen– atrau autors consolidats i debutants i convida a pensar en la nostra relació amb la imatge. I, sobretot, no té catifa vermella.

El projecte que tenia al cap el cineasta Xavi Herrero es va convertir en una escletxa per on va entrar la llum. Deu edicions més tard, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa s'ha convertit en un dels certàmens més reconeguts d'Espanya

“Igual que mai no vaig tenir mentalitat de funcionari i per això vaig deixar de treballar a TV3, el brilli brilli tampoc m'interessa. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció. I, sí, és cert que l'illa s'havia quedat pràcticament sense cinemes, però en arribar vaig al·lucinar amb la quantitat d'espais públics on es podia encaixar la nostra programació. Pràcticament, cada poble en tenia un… amb pantalla gran. Per allà ens hem colat”, explica Herrero.

No m'interessa el 'brilli brilli'. No volia que hi hagués actors i actrius amb roba elegant fent-se fotos per vestir la imatge del festival. El que m'interessava és que els creadors poguessin venir a Eivissa a explicar sobre la seva feina, tant el procés creatiu com tot el que envolta aixecar una producció

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

El director del festival està sopant amb el seu equip en un bar de Sant Josep de sa Talaia. Al grup hi ha cinèfils veterans com Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsors d’altres mostres i cicles que s’organitzen a l’illa– i sang nova. Toni Planells, per exemple, un realitzador que s’ha arromangat per encarregar-se de la producció del festival. “La idea és que si jo fes un pas al costat, l’Ibiza Cinefest continués existint”, comenta Herrero. Amb la satisfacció de qui acaba una feina maratoniana. Minuts abans havia acabat –en un teatre rehabilitat per l’ajuntament després de dècades en desús– la projecció del primer capítol de La ruta. Vol. 2: Ibiza.

La idea és que si jo fes un pas al costat, l'Ibiza Cinefest seguís sent existent

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Aquesta producció d’Atresmedia retrata –en paral·lel– l’escena de les discoteques eivissenques a mitjan anys noranta i l’especulació urbanística de principis dels setanta. El públic –segons l’edat– ha fet memòria o s’ha amarat dels colors, les substàncies i els sons que van vibrar a l’illa en dos períodes clau. Just quan les festes britàniques es van apoderar de la nit, just quan els constructors valencians i els promotors estrangers van fonamentar quilòmetres de platja verge. Connectats, tots dos moments permeten entendre l’Eivissa actual. Hi ha aplaudiments i preguntes per a Borja Soler i Blanca Javaloy, el director-guionista i la responsable de seleccionar el càsting de La ruta. El realisme ha arribat a tal punt que el públic perdona un detall important. Les localitzacions són mallorquines. Per un “tema logístic”, diuen els responsables de la sèrie, “va ser inviable rodar a Eivissa”.

Monedes digitals, barraques, migrants

Durant una setmana llarga –del 20 de febrer a l’1 de març–, l’Ibiza Cinefest ha ofert llargmetratges, curtmetratges, animació infantil, un espai específic per a cineastes balears i fins i tot algun assaig fílmic com Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nova pel·lícula de l’autor de l’obra teatral Urtain o de la sèrie Vergüenza retrata les mutacions que ha provocat el pas del temps –i els fluxos financers– a la capital espanyola. Avingudes, carrers i places com a camp de batalla econòmic.

–Xavi, la programació se selecciona buscant ficcions o documentals que estiguin relacionats o tenguin afinitat amb el que passa a Eivissa?

–Bé… [el director de l’Ibiza Cinefest pensa uns segons]. No necessàriament. El que passa és que ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d’històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que també estan passant aquí.

Ens interessa molt la temàtica social i aquesta illa, encara que sembli petita, està carregada d'històries molt potents. Així que és normal que hi hagi temàtiques que ens resultin familiars, que ressonin en recordar-nos històries que estan succeint aquí també

Xavi Herrero — Director de l'Ibiza Cinefest

Les paraules d’Herrero cobren sentit després de veure algunes de les propostes del festival. És evident la relació que tenen amb Eivissa les trames de +10K o Ciudad sin sueño. La primera és un curt documental de Gala Hernández que reflecteix les ambicions d’un criptobro de vint-i-un anys que somia guanyar 10.000 dòlars al mes per viure com un pachá. La seva ambició: conduir un Lamborghini sota les palmeres de Miami. La segona segueix les aventures i desventures d’un nen gitano i del seu amic musulmà pels camps i rierols que envolten la Cañada Real. Tom Sawyer i Huckleberry Finn amb smartphones. En veure les mansions de Florida i les barraques de l’extraradi madrileny és impossible no pensar en el luxe i la misèria d’Eivissa.

“Vaig arribar a Eivissa i em vaig assabentar que aquí, i a Formentera, també hi és present el drama de la migració. Es parla molt del cas canari, on hi ha la ruta més consolidada, però hi ha altres realitats que no transcendeixen tan fora del lloc. Jo, de fet, em vaig assabentar del que estava passant al Bidasoa llegint la premsa local: a vint quilòmetres de casa meva hi havia un drama migratori”, diu Asier Urbieta.

La seua reflexió no és capriciosa. Aquest cineasta guipuscoà –d’Errenteria, quinta del 79– ha dirigit sèries com Altsasu –“També molt enganxada a la realitat”– i va inaugurar l’Ibiza Cinefest amb el seu primer llargmetratge. Rodada entre Irun i Hendaya, en euskera i francès, Faisaien Irla posa el dit a la nafra oberta sota el riu que separa Espanya i França. En els últims anys, nou persones han mort intentant creuar una frontera que han travessat “unes 50.000 persones en els últims cinc anys”, precisa Urbieta.

“Com l’Illa dels Faisans, és el condomini més petit del món i canvia de sobirania cada sis mesos. Si un mort apareix en el moment de la cerimònia en què s’abaixa una bandera i se n’hissa una altra, quin dels dos estats es farà càrrec del cadàver? A partir d’aquí vam desenvolupar l’argument. És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment en què les sales estan força buides. Si no, una pel·lícula com la nostra ho tindria impossible per arribar al públic”, afegeix.

És súper important que hi hagi festivals de cinema així en un moment on les sales estàn bastant buides. Si no, una pel·lícula com 'La isla de los faisanes' ho tindria impossible per arribar al públic

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imatges que devoren imatges

Si Faisaien Irla col·loca l’espectador davant del mirall –es llançaria vostè a l’aigua si veiés un migrant ofegant-se a pocs metres de casa seva?–, Joan Fontcuberta va situar els centenars de cervells que escoltaven les seves reflexions davant les intel·ligències artificials.

La conferència del pensador català –Premi Nacional de Fotografia el 1998, Premi Nacional d’Assaig el 2011– va ser la cirereta de l’Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en tot just una hora l’arc que separa els bisons dibuixats sobre la roca del Chat GPT. Passant per la polèmica entre pintors i heliògrafs (els primers fotògrafs); el desenvolupament de la fotografia documental; el poder evocador de les imatges; la transició de la càmera analògica a la digital; o els moderníssims drons de guerra que, mentre maten, graven. I, també, l’etern dilema d’establir els límits entre el fet i la mirada, la representació i el que es representa.

“Fa cinquanta anys que em dedico a la fotografia i he vist molts avenços tècnics. Cada un ens ha donat possibilitats que abans ni imaginàvem”, va explicar Fontcuberta. “Per això m’agrada jugar amb la IA. Ara bé, el que és important sempre serà què fem amb les imatges que creem: quin sentit els donem i quina visibilitat els concedim? Des de sempre, els éssers humans hem devorat imatges, però ara estem en l’època de la iconofàgia perfecta: les imatges es devoren entre elles per generar noves imatges. Als canvis, com dic, cal adaptar-s’hi… però on quedarà l’espai per pensar?”

Xavi Herrero desembarcó en Eivissa en un momento crítico para los cinéfilos. Hace algo más de una década las salas de cine que existían en la isla habían cerrado, estaban cerrando o permanecían cerradas desde hacía años. El Serra –el último cine que quedaba en el centro de la capital ibicenca: era centenario– se convirtió en escombros para convertirse en un solar donde se levantaría luego un hotel de cinco estrellas. Las posibilidades de que un ibicenco viera una película independiente o, incluso, una película en versión original sin tener que tomar un barco o un avión para viajar a la península o a Mallorca eran remotas.

El proyecto que tenía en la cabeza este cineasta catalán –Terrassa, quinta del 67– se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España. Califica para los Goya. El Ibiza Cinefest –así lo llaman– atrae a autores consolidados y debutantes e invita a pensar en nuestra relación con la imagen. Y, sobre todo, no tiene alfombra roja.

El proyecto que tenía en la cabeza el cineasta Xavi Herrero se convirtió en una grieta por donde entró la luz. Diez ediciones más tarde, el Festival Internacional de Cinema Independent d’Eivissa se ha convertido en uno de los certámenes más reconocidos de España

“Igual que nunca tuve mentalidad de funcionario y por eso dejé de trabajar en TV3, el brilli brilli tampoco me interesa. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción. Y, sí, es cierto que la isla se había quedado prácticamente sin cines, pero al llegar aluciné con la cantidad de espacios públicos donde se podía encajar nuestra programación. Prácticamente, cada pueblo tenía uno… con pantalla grande. Por ahí nos hemos colado”, explica Herrero.

No me interesa el 'brilli brilli'. No quería que hubiera actores y actrices con ropa elegante haciéndose fotos para vestir la imagen del festival. Lo que me interesaba es que los creadores pudieran venir a Eivissa a explicar sobre su trabajo, tanto el proceso creativo como todo lo que rodea a levantar una producción

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

El director del festival está cenando con su equipo en un bar de Sant Josep de sa Talaia. En el grupo hay cinéfilos veteranos como Juan Marí Susierra o Juanjo Ribas –impulsores de otras muestras y ciclos que se organizan en la isla– y savia nueva. Toni Planells, por ejemplo, un realizador que se ha arremangado para encargarse de la producción del festival. “La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo”, comenta Herrero. Con la satisfacción de quien remata un trabajo maratoniano. Minutos antes terminó –en un teatro rehabilitado por el ayuntamiento tras décadas en desuso– la proyección del primer capítulo de La ruta. Vol. 2: Ibiza. 

La idea es que si yo diera un paso al lado, el Ibiza Cinefest siguiera existiendo

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Esta producción de Atresmedia retrata –en paralelo– la escena de las discotecas ibicencas a mediados de los noventa y la especulación urbanística de principios de los setenta. El público –dependiendo de su edad– ha hecho memoria o se ha empapado de los colores, las sustancias, los sonidos que vibraron en la isla en dos períodos clave. Justo cuando las fiestas británicas se adueñaron de la noche, justo cuando los constructores valencianos y los promotores extranjeros cimentaron kilómetros de playa virgen. Conectados, ambos momentos permiten entender la Eivissa actual. Hay aplausos y preguntas para Borja Soler y Blanca Javaloy, el director-guionista y la encargada de seleccionar el casting de La ruta. El realismo ha alcanzado tal punto que la audiencia perdona un asunto importante. Las localizaciones son mallorquinas. Por un “tema logístico”, dicen los responsables de la serie, “fue inviable rodar en Eivissa”.

Criptomonedas, chabolas, migrantes

Durante una semana larga –del 20 de febrero al 1 de marzo–, el Ibiza Cinefest ha ofrecido largos, cortos, animación infantil, un hueco específico para cineastas baleares y hasta algún ensayo fílmico como Madrid Ext., de Juan Cavestany. La nueva película del autor de la obra teatral Urtain o la serie Vergüenza retrata las mutaciones que ha provocado el paso del tiempo –y los flujos financieros– en la capital española. Avenidas, calles y plazas como campo de batalla económico.

–Xavi, ¿la programación se selecciona buscando ficciones o documentales que estén relacionados o tengan afinidad con lo que ocurre en Eivissa?

–Bueno… [el director del Ibiza Cinefest piensa unos segundos]. No necesariamente. Lo que ocurre es que nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también.

Nos interesa mucho la temática social y esta isla, aunque parezca pequeña, está cargada de historias muy potentes. Así que es normal que haya temáticas que nos resulten familiares, que resuenen al recordarnos historias que están sucediendo aquí también

Xavi Herrero — Director del Ibiza Cinefest

Las palabras de Herrero cobran sentido tras ver algunas de las propuestas del festival. Es evidente la relación que guardan con Eivissa las tramas de +10K o Ciudad sin sueño. La primera es un corto documental de Gala Hernández que refleja las ambiciones de un criptobro de veintiún años que sueña con ganar 10.000 dólares al mes para vivir como un pachá. Su ambición, conducir un Laborghini bajo las palmeras de Miami. La segunda sigue las aventuras y desventuras de un niño gitano y de su amigo musulmán por los campos y riachuelos que rodean la Cañada Real. Tom Sawyer y Huckleberry Finn con smartphones. Al ver las mansiones de la Florida y las chabolas del extrarradio madrileño es imposible no pensar en el lujo y la miseria de Eivissa.

“Fue llegar a Ibiza y enterarme de que aquí, y en Formentera, también está presente el drama de la migración. Se habla mucho del caso canario, donde está la ruta más consolidada, pero hay otras realidades que no trascienden tanto fuera del lugar. Yo, de hecho, me enteré de lo que estaba sucediendo en el Bidasoa leyendo la prensa local: a veinte kilómetros de mi casa había un drama migratorio”, dice Asier Urbieta. 

Su reflexión no es caprichosa. Este cineasta guipuzcoano –de Errenteria, quinta del 79–, ha dirigido series como Altsasu –“También muy pegada a la realidad”– y abrió el Ibiza Cinefest con su primer largometraje. Rodada entre Irún y Hendaya, en euskera y francés, Faisaien Irla pone el dedo en la llaga abierta bajo el río que separa España y Francia. En los últimos años, nueve personas han muerto tratando de cruzar una frontera que han atravesado “unos 50.000 personas en los últimos cinco años”, precisa Urbieta.

“Como la Isla de los Faisanes, es el condominio más pequeño del mundo y cambia de soberanía cada seis meses. Si un muerto aparece en el momento de la ceremonia en la que se arría una bandera y se iza otra, ¿cuál de los dos estados va a hacerse cargo del cadáver? A partir de ahí desarrollamos el argumento. Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como la nuestra lo tendría imposible para llegar al público”, añade.

Es súper importante que haya festivales de cine así en un momento donde las salas están bastante vacías. Si no, una película como 'La isla de los faisanes' lo tendría imposible para llegar al público

Aitor Urbieta — Director de 'La isla de los faisanes'

Imágenes que devoran imágenes

Si Faisalen Irla coloca al espectador frente al espejo –¿se lanzaría usted al agua si viera a un migrante ahogándose a pocos metros de su casa?–, Joan Fontcuberta situó a los cientos de cerebros que escucharon sus reflexiones ante las inteligencias artificiales. La conferencia del pensador catalán –Premio Nacional de fotografía en 1998, Premio Nacional de ensayo en 2011– fue la guinda del Ibiza Cinefest. Fontcuberta recorre en apenas una hora el arco que separa los bisontes dibujados sobre la roca del Chat GPT. Pasando por la polémica entre pintores y heliógrafos (los primeros fotógrafos); el desarrollo de la fotografía documental; el poder evocador de las imágenes; la transición de la cámara analógica a la digital; o los modernísimos drones de guerra que, mientras matan, graban. Y, también, el eterno dilema de establecer los límites entre el hecho y la mirada, la representación y lo representado. 

“Yo hace cincuenta años que me dedico a la fotografía y he visto muchos avances técnicos. Cada uno, nos ha dado posibilidades que antes ni imaginábamos”, explicó Fontcuberta. “Por eso, me gusta juguetear con la IA. Ahora bien, lo importante siempre será qué hacemos con las imágenes que creamos: ¿cuál es el sentido que le damos y qué visibilidad les concedemos? Desde siempre, los seres humanos hemos devorado imágenes, pero ahora estamos en la época de la iconofagia perfecta: las imágenes se devoran entre ellas para alumbrar nuevas imágnes. A los cambios, como digo, hay que adaptarse… ¿pero dónde quedará el espacio para pensar?”.

El actor de origen alemán afincado en Estados Unidos Udo Kier, uno de los grandes intérpretes del cine europeo en el último tercio del siglo XX, que actuó en películas de culto como Mi Idaho Privado de Gus Van Sant, Rompiendo las Olas de Lars Von Trier o Flesh for Frankenstein de Andy Warhol, falleció a los 81 años, informó Variety.

Según la revista especializada, entre las más de 200 películas de su extensa obra, las colaboraciones de Kier con Warhol se encuentran entre las más celebradas, si bien también fue actor fetiche de directores tan importantes como Rainer Werner Fassbinder.

Kier protagonizó los papeles principales en Carne para Frankenstein (1973) y Sangre para Drácula (1974). Ambas dirigidas por Paul Morrissey y producidas por Warhol, las películas son reinterpretaciones subversivas y sensuales de los monstruos clásicos de Hollywood, con Kier aportando un giro inquietante y cómicamente inepto a los personajes principales, explica la publicación.

Esas dos películas lanzaron a la fama a Kier, quien pasó las siguientes dos décadas trabajando en Europa y colaborando con Fassbinder en películas como La mujer del jefe de estación, La tercera generación y Lili Marleen. Posteriormente, en el Festival de Cine de Berlín, Kier conoció al director Gus Van Sant, dos veces nominado al Oscar, a quien el actor atribuye haberle conseguido un permiso de trabajo estadounidense.

Colaboración con Lars von Trier

En 1991, Van Sant dio a conocer a Kier al público estadounidense con su drama sobre la transición a la adultez Mi Idaho privado, basado libremente en Enrique IV de Shakespeare. Según Variety, casi al mismo tiempo, Kier comenzó su colaboración permanente con Von Trier y participó en filmes como Epidemia, para posteriormente colaborar en Rompiendo las Olas, Bailar en la Oscuridad, Dogville, Melancolía y Ninfomanía: Vol. II.

La década de 1990 también vio a Kier en varios papeles secundarios en importantes producciones de Hollywood, como Ace Ventura: Detective de Mascotas, Armageddon y Blade, entre otras. Kier ha trabajado hasta sus últimos días, participando en 2025 en la brasileña El agente secreto. Antes, en 2021 había realizado en Swang Song uno de sus grandes papeles, el del peluquero gay retirado Pat Pitsenbarger en una localidad profundamente republicana del medio oeste estadounidense.

Nacido como Udo Kierspe en Colonia, Alemania, en un hospital bombardeado por las Fuerzas Aliadas, se mudó a Londres a los 18 años tras conocer al director Fassbinder en un bar y posteriormente, ya como actor, a Estados Unidos. El intérprete, que también colaboró en proyectos con la cantante Madonna, falleció este domingo en un hospital de Palms Springs, en California.

Las películas que rompen moldes rara vez surgen de la nada. El impulso que transformó el cine independiente en un terreno fértil para nuevas voces tiene nombre y apellido: Robert Redford. Su decisión de crear en 1978 un festival destinado a respaldar a quienes filmaban con presupuestos pequeños cambió la manera en que Hollywood miraba a los debutantes.

El certamen de Sundance, bautizado como su personaje de Dos hombres y un destino, se convierte en un punto de partida para centenares de directores que hoy llenan las salas. Ese gesto visionario, más que cualquier premio o papel, genera una red de oportunidades que décadas después sigue dando frutos y, en última instancia, origina la historia que Quentin Tarantino contó al recibir un galardón.

Un festival independiente se convirtió en el punto de partida de una generación entera

El director de Pulp Fiction recordó con gratitud el apoyo que encontró en aquel entorno creado por Redford. En el festival internacional de Burbank, cuando aceptó el premio Vanguard, Tarantino subrayó la deuda que él y muchos otros mantienen con el Instituto Sundance. Afirmó que “ninguno de los cineastas independientes estaríamos donde estamos sin el Sundance Film Institute”. La frase resumía su reconocimiento hacia quien le ofreció una primera oportunidad real de rodar Reservoir Dogs, el proyecto que lo situó en el mapa del cine mundial.

Aquella oportunidad nació en 1991, en los laboratorios de dirección de Sundance. Tarantino llegó con la energía de un novato y con la sensación de entrar en un lugar donde los maestros no enseñaban desde un pedestal, sino desde la práctica y cercanía, algo que no esperaba y agradeció.

Allí coincidió con Terry Gilliam, Volker Schlöndorff y Stanley Donen, cineastas consagrados que se sentaron con él frente a la mesa de montaje. “Estaban en mi sala mientras editaba mi primera escena en videocinta”, recordó con asombro. Esa cercanía transformó su visión del oficio y consolidó un estilo que después sería inconfundible.

La experiencia en los talleres de Sundance marcó su forma de entender el oficio

El recuerdo más vívido de aquella estancia no fue técnico, sino humano. Tarantino evocó una recepción inicial en la que comprendió que una gran cantidad de profesionales dedicaban su tiempo y recursos para que jóvenes creadores pudieran experimentar. Contó que les dijeron: “Sois jóvenes, puede que seamos duros con vosotros, pero os vemos”.

Según sus palabras, descubrió un impulso artístico desinteresado que jamás habría imaginado por parte de cineastas de tanto nivel. Por eso cerró su discurso con un agradecimiento para el legendario actor: “Muchas gracias, señor Redford”.

El gesto resumía tres décadas de trayectoria que, en su caso, nacieron de un laboratorio entre montañas y se consolidaron en la gran industria. Esa línea invisible que une a un joven director con el autor consagrado que sube al escenario del festival de Burbank muestra la dimensión del legado de Redford en generaciones enteras de creadores.

De esta manera, en cada discurso de Tarantino hay todavía una sombra luminosa de aquel mentor al que considera decisivo. El agradecimiento, convertido ya en historia, sigue sonando con la misma fuerza con la que comenzó aquel viaje que cambió su vida y, de paso, el rumbo del cine independiente.

El Festival Internacional de Cine de Albacete, Abycine, celebrará su 27ª edición del 21 al 30 de octubre. Uno de los grandes ejes de esta edición será el 10º aniversario de Abycine Lanza, el espacio de industria del cine independiente que, según los organizadores, “se ha consolidado como referente a nivel nacional”, de acuerdo a la última convocatoria de ayudas del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) para la organización de festivales en 2025, que lo valora como el mejor espacio de industria de los festivales españoles, con 85,33 puntos sobre 100.

Medio millar de proyectos

Abycine Lanza ha cerrado sus inscripciones con casi 490 proyectos presentados en sus diferentes convocatorias, entre las que destaca, por número de proyectos, Impulso CMM Desarrollo, con dos ayudas individuales concedidas por el ente público de la RadioTelevisión de Castilla-La Mancha que ha apoyado a esta plataforma desde la primera edición, por importe total de 34.500 euros para la producción del proyecto.

El programa reunirá a más de 300 profesionales de España y otros países europeos, como Polonia, Portugal, Francia, Alemania o Reino Unido. Contará con novedades como la primera Zona Corto PRO, dedicada al cortometraje, con dos convocatorias competitivas: las ayudas a cortometrajes de RTVE; y la convocatoria de cortometrajes de Amnistía Internacional, que se integra por primera vez en Abycine Lanza.

Asistirán profesionales representantes de instituciones o empresas como ICAA, Acción Cultural Española, Europa Creativa Media, RTVE, CMM, Filmin o Movistar, entre otras, además de una treintena de productores y distribuidores independientes y festivales referentes como el Festival de Málaga, Berlinale, Locarno, Porto/ post/ doc o D´A Film Festival Barcelona.

Nombres importantes en la cinematografía española, como Nerea Barros, Yayo Herrero, Miguel del Arco, Valentina Maurel, Adan Aliaga, Julián Genisson, Enrique Buleo, Pedro Collantes o Marta Lallana descubrirán sus películas o proyectos de película junto a una hornada de jóvenes talentos que se presentará por primera vez en Abycine Lanza.

Entre las actividades del 10º aniversario, destaca, por ejemplo, una mesa redonda, que estará moderada por la periodista Andrea Gutiérrez Bermejo, en la que intervendrán cineastas y productores que han pasado por anteriores ediciones, sobre la evolución del cine independiente y del propio mercado en este tiempo.

Dos mujeres esperan alteradas dentro de un coche a alguien que llega tarde. Un 'alguien' que pronto se descubre que son los sanitarios de un centro psiquiátrico. Les han llamado para que internen a su madre. “¿Ella sabe lo que va a pasar?”, preguntan a las hijas. La respuesta es que no. Temen su reacción, pero para cuando por fin suben a su casa, ella está vestida y preparada para ir a lo que se supone que es una prueba médica, pero que tiene como fin cercar su libertad. Así arranca 27 noches, la película inaugural del Festival de San Sebastián, que empieza este viernes su 73ªdición, desafiando las normas que se imponen sobre la salud mental en la vejez.

Su director, Daniel Hendler, hace doblete en el certamen, presentando igualmente en la sección de Horizontes Latinos Un cabo suelto. Ambas cintas ejemplifican el protagonismo que el Zinemaldia concede al cine argentino. Una industria que se está viendo resentida desde que su presidente Javier Milei cerrara el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) en abril del año pasado.

“El 90% de las películas argentinas que participan en el festival fueron producidas con financiamiento anterior a este Gobierno, u originales de plataformas como es nuestro caso con Netflix o Belén, de Dolores Fonzi, que cuenta con Amazon”, ha declarado en la rueda de prensa posterior a la proyección Agustina Campbell, productora de 27 noches. La directiva ha lamentado que “literalmente”, en el último año, “no se ha producido ninguna película con apoyo del gobierno nacional. Es probable que el año que viene en este y otros festivales la presencia del cine argentino sea cada vez peor”.

Aunque ha descrito la situación como “muy dramática”, ha lanzado un mensaje de ánimo, asegurando que tienen “capacidad para seguir adelante y reinventarse”. Santiago Mitre, coproductor del filme, ha señalado que “los recursos están, solo que no van al cine”. El director Daniel Hendler ha definido como “llamativo” que parezca que “hay una voluntad de interrumpir algo que funciona y funcionaba bien, por cómo se articulaba lo privado y lo público”, además de poner en duda que estos recortes hacia el cine tienen que ver con que el Gobierno esté “confundido con el valor de la cultura”.

El cuidado como “ejercicio de control”

Las 27 noches del título de la película de Daniel Hendler hace referencia a la cantidad de días que Martha Hoffman, la mujer de 83 años que protagoniza el filme, pasa internada en un centro psiquiátrico en contra de su voluntad. Sus hijas deciden internarla porque consideran que “ha perdido la cabeza” por estar celebrando muchas fiestas con sus amigos vinculados al mundo del arte, al tiempo que según ellas “despilfarra” su dinero y posesiones, regalando obras de altísima cuantía. Una de las más codiciadas es una escultura de Dalí que, aseguran, ha desaparecido.

El cineasta pone el foco en el vínculo que se establece entre esta adinerada 'reclusa' y Casares, el perito que asignan –y que encarna el propio director– para saber si el internamiento se trata de un plan de las hijas para controlar su fortuna, o si realmente padece algún tipo de demencia.

“Teníamos el desafío de hablar de este borde entre lo que se entiende como salud o no salud, y que deja a algunas personas excluidas de la sociedad, y sus normas”, ha reconocido Hendler, “y ahí está Martha, que desafía a entender otros posibles límites”. El personaje lo hace comportántose “no como se espera”, sino que es una mujer que ha decidido disfrutar de su libertad hasta el final: “Ella es ante todo una rockera que no está dispuesta a bajar los brazos y quiere bailar con sus amigos hasta el último día”.

Los cuidados son el gran eje del filme, ahondando en “el sistema de control que pone el foco más en el que cuida o controla a estos excluidos del sistema, los que se quedan fuera de lo que se considera la salud”. “El proyecto nos brindaba la posibilidad de entender a alguien que quiere vivir la vida hasta el último momento en libertad, y no está dispuesto a circunscribirse a esos límites”. Y explorar, como ha apuntado la productora Agustina Campbell, a que “el cuidado no sea un ejercicio de control ni de poder, que muchas veces sucede cuando se cuida a adultos mayores o a niños”. En contraposición a esta postura, pone el foco en “entender qué es lo que la persona necesita para ser protegida”.

Si uno quería ser moderno en los 90, si presumía de conocer las tendencias de la contracultura, tenía que sacar a relucir el nombre de Gregg Araki. El director revolucionó el cine, pero lo hizo desde fuera de la industria. Era un francotirador haciendo películas radicales, provocadoras y hasta molestas. Había algo en él que recordaba a John Waters. Un cineasta que no tenía miedo al exceso, a probar cosas nuevas, a mezclar géneros, formas y tonos.

Él siempre citaba a Godard como su gran influencia; otro cineasta que decidió saltarse las normas y dar un golpe en la mesa. Araki, además, se convirtió en uno de los grandes referentes para la comunidad queer. “Another homo movie by Gregg Araki”, se leía antes de los títulos de crédito de su segunda película, Totally F***ed Up (1993). Araki supo captar la angustia de una generación en lo que se bautizó como la trilogía del apocalipsis adolescente que comenzaba con Totally F***ed Up, continuó con Maldita generación (1995) y terminó con Nowhere (1997).

En ellas captó los miedos de la generación de jóvenes que vivía en los 90. Lo hizo en filmes llenos de violencia, sexo, relaciones fluidas, bisexualidad y un contenido político evidente. El sida siempre estaba presente, así como la homofobia latente en EEUU, que siempre salpicaba a sus personajes. Pero lo hacía sin ningún tipo de academicismos, en películas donde después de un polvo o una conversación sobre el VIH podía aparecer un alienígena sacado de la serie B más cutre.

Aunque muchos le conocieron con Mysterious Skin, fue sin duda aquella trilogía la que le colocó en el foco de cualquier cinéfilo en unos años que él supo captar como nadie. Por desgracia, alguno de sus títulos no se conservó como debía, o incluso fueron censurados. Es el caso de Nowhere, que ha sobrevivido casi tres décadas en forma de malas copias piratas que mantenían una versión donde las escenas de sexo habían sido ligeramente mutiladas. Ahora, Nowhere se podrá ver como él la concibió gracias a una restauración que en España se podrá ver por primera vez en el Atlàntida Mallorca Film Fest y el 1 de agosto en Filmin.

¿Qué significa esta película y esta restauración para usted?

Significa mucho para mí. Es una de mis películas favoritas. Las copias que había no eran muy buenas. Además, la película estuvo censurada, y no estaba muy contento con el resultado final. Así que volvimos al negativo original, recoloreamos toda la película, remezclamos todo el sonido y sobre todo la música, que no estaba tan alta como yo quería. Hay mucha música en la película y es una parte muy importante de ella. Es la misma película. No la he cambiado, pero a la vez es una película definitivamente nueva y mejorada, y estoy muy emocionado por cómo ha quedado.

Volviendo a ver la película he pensado lo actual que es, política y artísticamente, ¿siente lo mismo sobre ella?

Sí. Siento que lo que ha pasado con ella es que se adelantó un poco a su tiempo en términos de sexualidad. De sexualidad fluida. De hablar de este tipo de jóvenes que eran libres. En hablar de cultura alternativa. Creo que era muy vanguardista y creo que, definitivamente, ha envejecido muy bien, porque ese mundo estilizado y fantástico no se siente anticuado. Siento que fue concebido para ser icónico, para tener algo simbólico. Indagamos mucho para que fuera un tipo de mundo expresionista. El tema de los jóvenes y sus luchas es muy universal, y creo que las generaciones posteriores se han encontrado en él. No se siente como si esta película fuera de los 90.

El sexo, la sexualidad, ser gay, tener experiencias bisexuales… todo eso ha sido una parte muy importante de mi vida by han moldeado la persona que soy y mi trabajo

Gregg Araki — Cineasta

Cuando la proyectamos en cines en EEUU pregunto a la gente cuántos la habían visto antes y entre el 65 y el 80% del público era nuevo y muy joven. Algunos ni habían nacido cuando se estrenó. Casi ni sus padres habían nacido. Fue muy interesante ver cómo reaccionaron, porque en EEUU ni se lanzó en DVD, era un objeto de culto del que la gente se pasaba copias VHS o piratas. La película se mantuvo viva gracias a esas copias de mala calidad. Por eso me alegra tanto que haya una nueva copia para que las futuras generaciones puedan verla bien.

Su trilogía del ‘Apocalipsis adolescente’ captó la angustia de una generación, sus miedos, ¿cree que son los mismos miedos de esta generación y por eso conectan con la película o habría que hacer una nueva trilogía para ellos?

Creo que cada generación tiene esos sentimientos de fatalidad apocalíptica. Los personajes oscuros hablan de que nuestra generación está condenada, y eso da igual si creciste en los 60, los 70, los 90, los 2000 o los 2020. Creo que es un sentimiento muy común entre los jóvenes. Pero al mismo tiempo, siento que los jóvenes que están ahora en la adolescencia o en los veintipocos están viviendo un mundo muy apocalíptico ahora mismo. Es muy distópico, particularmente en Estados Unidos. Lo siento por la generación actual porque es un momento muy sombrío. Y creo que lo que propone Nowhere es un buen antídoto para todo eso.

Ha dicho especialmente en EEUU, también especialmente para las personas queer…

Sí. Mi homosexualidad siempre ha sido una parte muy importante de mis películas. Mi sensibilidad creativa cuando salí del armario en los 80 era muy diferente a lo que es ahora. Era más una subcultura. Pero ahora está Trump y hay como un retroceso. Antes no existía el matrimonio homosexual, el movimiento por los derechos de los homosexuales todavía estaba cobrando impulso, era justo después del sida… era una época diferente. Por eso, y también porque estoy muy interesado y muy influenciado por la cultura punk y la música post-punk y alternativa, mi punto de vida siempre ha sido el de un outsider, alguien que no es mainstream, que está un poco marginado, que vive en la clandestinidad. Eso siempre ha sido clave en mis películas y en los temas que tratan.

¿Siempre se ha sentido un director en los márgenes, fuera de la industria?

Sí. Siempre he hecho mis películas de forma independiente. Siempre ha habido producciones de estudio no convencionales. Siempre he estado muy influenciado por los directores iconoclastas como Godard o Almodóvar, todos los que operan en ese mundo del arte independiente. De ahí es de donde vengo.

Cuando Pedro Almodóvar estrenó su última película decía que le había gustado Babygirl porque sentía que ya no había sexo en el cine actual.

Has mencionado Babygirl y es que acabo de terminar mi nueva película, I want your sex, y es que trata de eso, tiene algo similar. Es una comedia sexual, muy colorida, pero también sobre la relación de un becario y una jefa interpretada por Olivia Wilde en un personaje tipo Madonna, una artista de carácter fuerte, muy feminista, y empieza una especia de relación sadomasoquista. Habla justo de esta idea, de que la generación Z y las películas contemporáneas no tienen sexo. No hay sexo.

Pienso en las primeras películas de Almodóvar, como Matador, que las vi cuando empezaba a hacer cine. O La ley del deseo… una de mis películas favoritas de todos los tiempos por cómo trata el sexo, de una forma tan cruda y auténtica. Y es una de las claves de mi próxima película, porque el trabajo de esta artista tiene una base sexual, muy controvertido, y de hecho mucha de las cosas que dice en la película son cosas que yo he dicho en entrevistas sobre por qué mis películas tratan tanto sobre sexo y sexualidad y lo importante que es eso en la vida.

Estoy muy influenciado por la cultura punk y alternativa. Mi punto de vida siempre ha sido el de un outsider, alguien que está un poco maeginado, que vive en la clandestinidad

Gregg Araki — Cineasta

¿Por qué cree que está pasando eso, esa falta de sexo en la generación Z?, ¿somos más conservadores ahora?

¡Es uno de los temas de la película! Para mí el sexo, la sexualidad, ser gay, tener experiencias bisexuales… todo eso ha sido una parte muy importante de mi vida y han moldeado la persona que soy y mi trabajo. Es parte de mi sensibilidad y por eso me parece sorprendente que muchos jóvenes no tengan sexo, no tengan relaciones, que nunca hayan tenido novia o novio, que nunca les han roto el corazón o se han enamorado perdidamente de la persona equivocada. Ser joven significa cometer errores, descubrirte a ti mismo, estar confundido, tener todas esas experiencias y todas esas relaciones. Es el momento. No puedes dejar de pasar ese momento, porque de repente tienes 45 años y nunca has tenido una relación. Creo que muchos jóvenes están en esa situación, porque con la tecnología y los teléfonos están desconectados y tienen miedo de equivocarse, de arriesgarse.

En los últimos diez años Hollywood ha ofrecido muchas superproducciones a directores nacidos en el cine independiente, ¿le tentaron con algún proyecto así?

He estado involucrado en algunas películas de estudio en el pasado. Hubo una de New Line que producía Drew Barrymore. Una especie de comedia sexual muy rara que podía haber sido muy divertida. Pero la reescribí, la adapté más a mi estilo y…. En fin, que nunca he dirigido una película de estudio, pero es algo con lo que he estado coqueteando a lo largo de los años. Siempre digo que, si la hiciera, no sería una película cualquiera. La vida es demasiado corta y no quiero hacer algo que no sea genial ni interesante. Y las películas de Hollywood se han vuelto cada vez menos interesantes. Pero no me veo haciendo algo gigante, como una de Marvel o como una de esas películas de los Oscar. Simplemente, no es lo mío. Me conozco bastante bien después de haber hecho esto durante 35 años y sé lo que me atrae y lo que no.

Antes hemos citado a Almodóvar, él dijo una vez que haría una de superhéroes porque en las que hace Hollywood, los protagonistas no follan.

Es que es literalmente eso. Son personajes asexuales, y ese es un problema que tenemos en el mundo y particularmente en EEUU, el puritanismo. Es como si contrataran a estrellas de cine guapísimas y tuvieran el alma castrada. No creo que eso sea sano.

Euphoria se convirtió rápidamente en un fenómeno, especialmente entre los jóvenes. Su mirada a la adolescencia era intensa, visualmente atrevida, y nada complaciente. Había un retrato crudo del sexo, de la salud mental, de las dinámicas de poder entre la juventud… y todo con un reparto de actrices y actores que estaba claro que se iban a comer el mundo. La única estrella en un primer momento era Zendaya, pero fueron las mujeres que tenían un papel secundario las que acabaron robando el show. Entre ellas destacaba Barbie Ferreira. Tenía uno de esos papeles que son un caramelo. Su Kat Hernández era sarcástica, decía lo que muchos espectadores pensaban y, sobre todo, era una mujer normal.

En una serie donde reinaban los físicos como el de Zendaya o Sidney Sweeney, Barbie Ferreira era el ancla con la realidad de un producto que, como otros muchos, pecaba de apostar por los cuerpos y rostros canónicos. Por eso, su salida tras la segunda temporada —su personaje no estará en la tercera tanda de episodios que se rueda en estos momentos—fue un drama para muchos fans. Los rumores dijeron que era por su mala relación con el creador, Sam Levinson, pero ella aclaró que no era cierto y que simplemente quería buscar otros caminos como actriz.

No pudo evitar que las redes se llenaran de especulaciones. Ahora, con el tiempo, se ríe de todo aquello y cuenta que todos esos comentarios los pasó en Brasil con su gente. “Me fui a Brasil con mis amigos y con mi familia para ignorar todo lo que se decía. Estuve en la playa, tomando un poco de cachaza, otro poco de guaraná y tomando el sol. La gente pasa por cosas negativas todo el rato, y yo acepto lo bueno y lo malo”, dice desde Barcelona, donde ha acudido al BCN Film Fest para presentar Un 'like' de Bob Trevino, una encantadora y tierna película indie que ha producido y que demuestra que lo del giro en su carrera era verdad.

Dice que este papel, el de una joven con problema mental que tras el abandono de su padre encuentra un sustituto con su mismo nombre en las redes sociales (al que interpreta John Leguizamo), es “increíblemente especial” para ella. “Nunca había leído un guion como este. Cercano, te toca el corazón y a la vez es directo en su forma de hablar de la soledad humana y el abandono. Me sentí muy conectada con él porque nunca había leído ni visto nada que llegara tan lejos y abordara la vida de alguien con estrés postraumático y cómo eso afecta a las personas que hay en su vida”, dice del filme.

Un personaje que rompe con la representación de los jóvenes en el audiovisual, que son o demonizados o presentados desde una idealización que les sexualiza y convierte en productos para Instagram y las marcas. A Ferreira lo que le gustó es que “se centra en una mujer que la mayor parte de la gente ignoraría”. “Eso es lo especial, porque mucha gente se siente así. Se sienten invisibles. No son la típica persona genial de Instagram que publica fotos de sus vacaciones. No tienen una vida perfecta. No tienen muchos amigos. Y por eso la gente se siente tan sola ahora mismo. Creo que esto representa muy bien nuestra situación actual y a las personas que ignoramos porque no nos parecen interesantes, aunque puedan ser las más interesantes”, comienza diciendo.

En 'Euphoria' Kat exploraba su sexualidad y hay historias geniales sobre el tema. No evito el tema, pero en esta película no era necesario

Barbie Ferreira — Actriz

También destaca, precisamente, “que esta película no tuviera sexo”, aunque rápidamente aclara que no es porque esté en contra de su representación en el audiovisual. “No porque no me guste el sexo en el cine. Es una experiencia humana y he hecho otras películas donde salgo desnuda y me parece bien. En Euphoria, Kat exploraba su sexualidad y hay historias geniales sobre el tema. No evito el tema, pero en esta película no era necesario. Mi personaje ni siquiera conoce su propio cuerpo, lo que le gusta y su sexualidad. No va de eso. Creo que vivimos en un mundo de hipersexualización, donde todo es espeluznante y donde es como si todo estuviera en juego. Pero ¿qué hay más en juego que la salud mental de alguien? Si metiéramos un montón de escenas de sexo gratuitas en esta película, no creo que funcionara”, puntualiza.

En la película se muestran las redes sociales como un lugar de conexión y de unión entre gente que se encuentra sola, pero Barbie Ferreira reconoce que ella sufre la presión de la imagen en lugares como Instagram. No cree que sea peor por ser actriz, sino que todo el mundo se siente igual, porque tiende a pensar “que la vida de alguien es mejor que la tuya”. “Intento que no me pase, porque ya he pasado gran parte de mi vida sintiéndome así. La gente se presenta en internet intentando vender que su vida es perfecta cuando en realidad no lo es. Creo que la ilusión de las redes sociales se ha roto para mí”, critica. 

Cuando una busca su nombre en Google, casi todas las respuestas que devuelve son tabloides hablando sobre su físico, o sobre si ha adelgazado, o sobre su aspecto en una alfombra roja. Cuando se le pregunta por esas publicaciones y por la presión que eso ejerce sobre ella, se lo toma con ironía: “A ver… soy mujer. Le hacen eso a cualquier mujer, así que intento ignorarlo. Vivimos en la sociedad de la imagen, así que como actriz todo eso forma parte de mi vida, pero simplemente prefiero ignorarlo”, zanja.

Tras Euphoria reconoce que le ofrecían los mismos papeles, porque “cuando eres conocida por un papel, es muy difícil que la gente vea más allá”. Por eso le agradece a la directora, Tracie Laymon, que vio su papel de “adolescente gótica muy sexual” y le ofreció el papel de alguien completamente diferente. Por eso le gusta el cine independiente, y pone las películas de Cassavetes como ejemplo, “directores que fueron fundamentales para el cine actual, porque todo viene del cine independiente”. 

Por eso, y aunque defiende que haya filmes “con presupuestos más amplios”, piensa que “necesitamos películas independientes, con representaciones más íntimas de las cosas”. Un 'like' de Bob Trevino es el ejemplo que lo representa y que para Ferreira muestra lo que quiere ser como actriz, alguien “con una carrera larga que emule el espíritu de aquellas grandes intérpretes” que la precedieron. 

En la carrera de todo actor suele haber un punto de inflexión. Esa película que le coloca en el foco, que le da atención mediática y que, además, le obliga a tomar una decisión sobre qué tipo de intérprete quiere ser. Para un actor joven estar en un filme que arrasa en taquilla y premios significa recibir ofertas de decenas de proyectos, y muchos de ellos vinculados a un jugoso cheque de la mano de la franquicia de moda o de la serie del momento. Normalmente, suelen apostar por el éxito seguro, y ya desde ahí coger otro tipo de proyectos más arriesgados.

El caso de George MacKay es una rareza. En 2019 se convirtió en el protagonista de uno de los títulos más importantes de aquel año, 1917. La epopeya bélica de Sam Mendes en plano secuencia fue su trampolín, aunque para muchos ya era más que conocido gracias a filmes independientes como Captain Fantastic o Pride. Sin embargo, fue aquel pelotazo comercial (384 millones de dólares de recaudación en todo el mundo) y de premios (ganó tres Oscar y llegó a la ceremonia como favorita antes de que Parásitos dinamitara aquella ceremonia), el que le dio la popularidad.

Sin embargo, en vez de apostar por taquillazos y grandes películas hollywoodienses, el actor británico se ha decantado por películas muy alejadas de lo mainstream, y en ocasiones rozando la radicalidad. Pocos actores tentados por Hollywood hubieran elegido un proyecto tan autoral como La bestia, de Bertrand Bonello, o uno tan duro y tan exigente como el de Femme, donde daba vida a un agresor que esconde su identidad sexual en forma de arrebatos violentos y homófobos. O el filme que llega este viernes a las salas de cine españolas, The End, un musical posapocalíptico dirigido por Joshua Oppenheimer, cineasta de culto gracias a sus documentales sobre el genocidio indonesio (The Act Of Killing y The Look Of Silence).

Es raro ver a un joven que es a la vez imagen de Gucci, pero que apuesta por filmes tan personales. MacKay acudió al pasado Festival de San Sebastián, donde The End concursó en la Sección Oficial. Allí, en una entrevista con elDiario.es, contaba que conocía a Oppenheimer por The Act Of Killing, aunque cuando le llegó el guion no había visto su otro documental. Fue el nombre del director el que hizo que se involucrara en el proyecto, pero también cuando vio “que la película hablaba del autoengaño, la negación y la creación de narrativas”.

Confiesa que tras el éxito de 1917 no se detuvo a tener en cuenta qué proyecto sería el siguiente. “No es algo que considerara demasiado en ese momento. Siempre intento mantener una mirada amplia, y creo que eso es útil. Al final, todo es una percepción que los demás tienen de ti. Es verdad que la siguiente película que hice después fue Wolf, de Nathalie Biancheri. En ese momento sí que sentí una ligera confusión. Una especie de sensación de fama. Me sentí un poco desconectado de mí mismo, solo y pequeño. En aquella época parecía que era cuando más ocupado he estado y, sin embargo, nunca estuve tanto tiempo sin trabajar”, recuerda de aquel momento.

Parece que si estás en una película que es un gran éxito comercial, ya te conviertes en un actor diferente, y eso no está en mis manos

Georgr MacKay — Actor

Pone de ejemplo Wolf, una apuesta atípica tras un filme como 1917. Los siguientes confirmaron que su intuición le llevaba a ese tipo de filmes. Para él “solo fue una elección personal”, pero reconoce que tal vez marcó su trayectoria. Por eso se revuelve ante la idea predominante: “Parece que si estás en una película que es un gran éxito comercial ya te conviertes en un actor diferente, y eso no está en mis manos”.

Dice elegir dejándose llevar por lo que “le llega al alma, al corazón”, pero luego añade que hay una intención en buscar esos proyectos diferentes. “Muchas veces los proyectos parecen una toma de decisiones algorítmicas y puramente industriales. Aunque entiendo y respeto el funcionamiento de la industria, también necesitamos impulsar el cine para que el abanico de ideas se amplíe cada vez más. De lo contrario, se reduce solo a lo que se considera aceptable. Y eso provoca una visión muy estrecha y estandarizada. Yo quiero ir más allá de eso, y lo hago conscientemente porque creo en ello”, apunta con convicción.

Le sirve también tener “gente alrededor que ayuda en esa toma de decisiones”, algo que considera fundamental para “no perderse”. “Tengo mucha suerte de tener gente que me guía, pero a la vez hay que tener cuidado, porque si siempre estás tratando de hacer lo que otros creen que deberías hacer, eso te hará inseguro y frágil”, subraya y apuesta por tomar sus propias decisiones en su carrera.

En The End canta y baila. No es la primera vez que lo hace, pero sí cree que ha sido la más dura por ser “la más técnica y extrema” de las que ha hecho. Ese reto —en el que está acompañado por Tilda Swinton y Michael Shannon— también fue un aliciente para decir que sí. Oppenheimer concibe su filme como un Sondheim apocalíptico donde la única esperanza llega con la aparición de una mujer joven y negra.

MacKay también subraya que es un musical que “habla del momento político actual”. Lo hace desde lo más obvio, esa crisis climática que o se detiene o acabará con todos, pero también con cómo vivimos “una reescritura de la historia”. Lo que más le llamó la atención fue cómo, a través de esas relaciones familiares se analizan “las mismas actitudes, mentiras, negacionismos y miedos que hay en la sociedad”. “Lo que corrompe a esta familia es lo mismo que mantiene unida a la sociedad y que la corrompe al mismo tiempo, y eso me impactó mucho”, explica.

No descarta dirigir “algún día”. Ya ha empezado a escribir alguna cosa, pero de momento quiere seguir formándose como actor. Para el futuro pone un ejemplo, el de Viggo Mortensen, con quien trabajó en Captain Fantastic y que le dejó impresionado por “lo consciente que era de cada departamento del filme, porque eso te hace comprender mejor cada aspecto narrativo”.

Seis millones de dólares. Eso es lo que ha costado Anora, la gran vencedora de los Oscar de este año y ganadora del premio más importante, el de Mejor película. Comenzar con la cantidad que vale una obra puede sonar frívolo, pero en esta ocasión es algo político e importante. Para comparar, Wicked, otra de las nominadas, costó 145 millones. Y hasta una película francesa como Emilia Pérez costó 20 millones. La diferencia dice mucho del tipo de cine que representa Anora, ese cine independiente, levantado a pleno pulmón. El cine a contracorriente que ha realizado siempre su director, Sean Baker, uno de esos francotiradores que han hecho cine pese a todo. Que han retratado los márgenes de EEUU como nadie. Sin moralismo ni subrayados.

Lo ha vuelto a hacer en Anora, su anti comedia romántica, su versión de Pretty Woman con conciencia de clase con la que ha puesto a Hollywood a sus pies (y a bailar el Greatest day de Take That). Si hace diez años alguien hubiera dicho que Sean Baker ganaría un Oscar nadie le hubiera creído, pero ahora lo ha logrado, y qué suerte que lo haya hecho, porque su victoria reivindica a ese cine que no atiende a normas de producción. 

Una victoria que, además, pone de manifiesto el poder de Cannes y la internacionalización de la Academia, que apuesta por títulos más diversos y fuera de los cánones industriales. Es la tercera película que gana el Oscar después de vencer la Palma de Oro tras Marty, en 1956; y Parásitos, en 2020. La segunda en cinco años. No solo ganó, Baker puso un récord para la historia. Se convirtió en el primer director en lograr cuatro galardones en la misma ceremonia, ya que logró el de Mejor película (él es uno de los productores), al Mejor director, al Mejor guion y al Mejor montaje. No se quedó ahí, Anora hizo casi pleno, pues en uno de los giros de la noche, Mikey Madison lograba el premio a la Mejor actriz venciendo a la otra favorita, Demi Moore, que vio cómo se le escapaba la estatuilla por La sustancia. Finalmente, cinco de seis, la más nombrada de la noche de lejos.

La primera prueba de que sería la noche de Anora llegó pronto, con el Oscar al Mejor guion original que Sean Baker dedicó a la “comunidad de trabajadoras sexuales”, que siempre habitan su cine y que en el caso de Anora, lo protagonizan. Eso sí, un galardón después Cónclave –la otra favorita que finalmente solo logró una estatuilla– lograba el de Guion adaptado y ponía algo de emoción. Duró poco, cuando el largometraje ganó Mejor montaje todo parecía decidido. Si encima Quentin Tarantino, pope del cine indie sale a dar el premio a la mejor dirección la cosa parecía clara. Y si a eso suman la sorpresa de Mikey Madison ya todo estaba decidido cuando Meg Ryan y Billy Cristal dijeron el título de Anora como vencedora del premio a la Mejor película del año.

Sean Baker llegó desfondado al último galardón, y dejó su mejor discurso para el de Mejor dirección, donde hizo una defensa con uñas y dientes del cine indie y en salas. Primero reconoció a Tarantino que si él no hubiera cogido a Mikey Madison en Érase una vez en Hollywood, su filme no existiría, ya que fue ahí donde descubrió a Madison. Luego reivindicó las salas de cine como lugar de unión “en este mundo dividido”. “Las salas están sufriendo y es nuestra labor defenderlas. Si no, perderemos nuestra cultura, esta es la batalla de los cineastas, hacer películas para las salas”, clamó Baker que pidió a los padres que enseñen a sus hijos a ver cine en salas y le agradeció a su madre, que era su cumpleaños, que ella lo hiciera cuando él tenía cinco años. 

La polémica puede con 'Emilia Pérez'

Más allá de ver quién ganaba el premio a la Mejor película, el foco de esta ceremonia estaba en ver qué ocurría con Emilia Pérez, el filme de Jacques Audiard, que hace unos meses era la gran favorita con 13 candidaturas y que en las últimas semanas pasó al centro de la polémica por los tuits de contenido racista de su protagonista, la española Karla Sofía Gascón. Muchos apuntaban que todo lo ocurrido iba a penalizar al filme francés hasta el punto de que en las últimas quinielas los gurús de los medios de Hollywood daban el sorpasso del filme brasileño Aún estoy aquí en Mejor película internacional. 

Parecía increíble que un filme que llegaba como el más nominado perdiera uno que parecía atado, pero así fue, Brasil se llevó el galardón y dejó a Francia un año más sin el premio. Sin duda, esta derrota se sintió como un castigo de Hollywood por todo lo ocurrido. Finalmente, Emilia Pérez se llevó los dos que parecían más seguros, el de Mejor canción para El Mal, y el de Mejor actriz de reparto para Zoe Saldaña, que no mencionó a Karla Sofía Gascón, que sí fue citada por los compositores de la canción y por el presentador, Conan O’Brien, que le dedicó unos cuantos dardos.

El presentador afrontó el elefante en la habitación al comienzo de la gala y dijo que Emilia Pérez tenía el récord de nominaciones… y de crisis. También citó que Anora dice la palabra ‘fuck’ 479 veces, “solo tres menos que los publicitas de Karla Sofía Gascón”. “Karla, si vas a tuitear sobre mí tras la gala recuerda mi nombre es Jimmy Kimmel”, dijo culminando su gag.

Brody puede con Chalamet

Otro de los premios que llegaban con algo de emoción era el de Mejor actor protagonista. Aunque Adrien Brody había dominado toda la temporada de premios por su papel de arquitecto húngaro que huye del fascismo en la Segunda Guerra Mundial y acaba dentro de las fauces del capitalismo en EEUU en The brutalist, le pisaba de cerca Timothée Chalamet, cuya transformación en Bob Dylan en A complete unknown le valió el premio del Sindicato de actores, la rama con más académicos.

Finalmente, el fenómeno Chalamet no pudo con Brody, que entrega el mejor trabajo de los cinco nominados y que en su discurso abogó por la paz. “Estoy aquí una vez más representando estos traumas y repercusiones de la guerra, la represión, el antisemitismo, el racismo. Estoy convencido, y rezo por un mundo más sano, más inclusivo. Si el pasado nos recuerda y enseña algo es no pasar por alto las cosas. No dejar que el odio venza. Os quiero, os aprecio, vamos a luchar por lo que es válido, seguir sonriendo”, dijo Brody.

Finalmente, The brutalist acabó como la segunda película con más galardones, ya que al de Mejor actor sumó el de Mejor fotografía y Mejor banda sonora. Donde no hubo opción fue en el de Mejor actor de reparto, el premio que abrió la ceremonia y que fue para Kieran Culkin por A real pain, que le recordó a su mujer que le prometió que si ganaba el Oscar le daría otro hijo.

A las sorpresas de Mikey Madison y la derrota de Emilia Pérez en película internacional se unió la victoria de Flow como Mejor película de animación venciendo a la todopoderosa Pixar y a Robot Salvaje, de otra gran compañía como Dreamworks. Otro triunfo del cine independiente y de autor.

Todo en una gala demasiado blanca y despolitizada, especialmente por el contexto político actual y las medidas reaccionarias de Donald Trump en sus primeras semanas como presidente de EEUU. Conan O'Brien cumplió con su función, sus monólogos estuvieron a la altura (con dardo a Bezos incluido) y con un número de apertura increíble, el de las protagonistas de Wicked, Ariana Grande y Cinthia Erivo cantando los números de El mago de Oz y su filme.

Más allá del ánimo a Ucrania de Daryl Hannah, y el gag de Conan O'Brien sobre Anora, donde al menos “alguien se levanta contra un ruso poderoso”, la ceremonia prefirió no mojarse. Hacer como si nada pasara fuera del Dolby Theatre. Para casi todo menos para los dos cineastas de No other land, el documental ganador del Oscar que muestra la ocupación israelí en Cisjordania.

Basel Adra y Yuval Abraham, palestino e israelí, subieron al escenario y dieron un discurso cargado de emoción, pero que urgía a hacer algo para evitar que Trump convierta la franja de Gaza en un resort turístico como prometió hace pocos días. “Espero que mi hija no tenga que vivir la misma vida que yo, siempre bajo vigilancia, invasiones y desplazamientos que mi propia comunidad tiene que sufrir con esta ocupación”, dijo Adra al comienzo de su discurso.

“No other land refleja la realidad tan cruda en la que vivimos, llevamos décadas y persiste. Pedimos acciones para acabar con esta injusticia y la limpieza étnica del pueblo palestino”, continuó el palestino, que explicó que el motivo por el que grabaron “entre palestinos e israelíes” es porque juntos, logran que sus “voces sean más fuertes”. Su compañero pidió el final de “la destrucción atroz de Gaza y su gente”. “Hay una solución política sin supremacía étnica, con derechos nacionales para ambos pueblos”, añadió Yuval Abraham, que concluyó con un mensaje para el Gobierno de EEUU: “La política exterior de este país ayuda a bloquear este camino”.

Marisol, la niña prodigio del franquismo, se convirtió en Pepa Flores. Recuperó su nombre original. Se afilió al Partido Comunista, se cansó de todo y de todos, intentó redirigir su carrera… y desapareció. Se escondió y no ha vuelto a participar en ningún evento público, ni ha dado entrevistas, nada. Su recuerdo resurge ahora con un documental: ‘Marisol, llámame Pepa’, que dirige Blanca Torres y que nos ha enviado una nota de voz para este episodio. Este documental es candidato a los Goya, que se entregan este fin de semana en Granada. Pero detrás de todo esto hay mucho más que una historia personal.

Nos cuenta esta historia el periodista especializado en cine de elDiario.es Javier Zurro.

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Mariana Enríquez se ha convertido en uno de los grandes fenómenos literarios de los últimos años. El éxito de Nuestra parte de noche hizo que editoriales y lectores pusieran el foco en sus anteriores obras. Una de ellas, Los peligros de fumar en la cama, contenía dos relatos, El carrito y La virgen de la Tosquera, que encendieron la imaginación de la cineasta argentina Laura Casabé, experta en cine de género, que se vio identificada con el universo propio de Enríquez, que a través de relatos que coquetean con el terror radiografía su propio país.

Para Casabé, ambos relatos podían unirse para hablar de la crisis en Argentina en 2001, época en la que la cineasta tenía la misma edad que la protagonista. Con ellos podía hablar de la adolescencia como época mutante y violenta, a la vez que hablar de su país, de los vaivenes políticos y del creciente miedo al otro, temas que además unen aquel 2001 con el presente argentino con Milei al frente. Es lo que ha hecho con La virgen de la Tosquera, la versión cinematográfica de ambas historias que se ha presentado en el Festival de Sundance.

La llegada del presidente puso en peligro, de hecho, el rodaje del filme. Empezaron a rodar con la transición entre gobiernos, y “en ese momento había una inflación del 25%”. “La película se desfinanció completamente. Fue una gran fortuna poder tener muy buenos productores de España y de México que asumieron la película como suya, más allá de que inicialmente arrancó siendo una coproducción minoritaria, porque acá el presupuesto se depreció literalmente, tuvimos que moverla de filmar en Buenos Aires a Mendoza, porque el INCAA también estaba haciendo una transición muy grande, digamos que se cerró realmente”, cuenta la cineasta por videollamada y dejando claro la importancia de los socios mexicanos y españoles (la productora Mr. Miyagi y Filmax que se encarga de las ventas internacionales): “No lo digo por tirar flores, lo digo porque de verdad nos salvaron”.

Gracias a esa unión el filme se rodó y ha podido presentarse con éxito en el Festival de Sundance, cita imprescindible del cine independiente, donde Casabé pudo mostrar su visión de aquellos relatos que la arrebataron. Recuerda lo que sintió al descubrir a Enríquez. “Me sentí absolutamente representada por la literatura de Mariana. Más allá de que a mí me gustara el género y el terror, que es cierto, haber encontrado a Mariana fue un antes y un después literal, porque me cambió la vida realmente”, opina.

Es muy significativo que la película esté en Sundance, que es como la meca del cine independiente, cuando en Argentina se está atacando a la diversidad de voces

Laura Casabé — Cineasta

Cuando leyó el libro de relatos marcó La virgen de la Tosquera. Cree que, de alguna forma, su yo del pasado dejó un mensaje en forma de página marcada, porque cuando pensó en adaptar a Enríquez llegó inmediatamente a esa historia. “Esas adolescentes, esas chicas, esa manera de entender la adolescencia, esos escenarios eran un poco como si le hablaran también a mi propia adolescencia y me sentí muy representada por esas mujeres”, añade.

Enríquez hablaba realmente de la crisis del 89, no de la del 2001, y ahí Enríquez vio que hay algo que atraviesa a toda la sociedad argentina, como una historia que se repite y que les hace “casi vivir en un contexto de crisis social, y eso provoca una violencia muy contundente”. Es esa violencia la que respiran los relatos de la escritora, pero también la que late en su adaptación, que acaba con un estallido de violencia y venganza.

Para ella, en el momento actual de Argentina, donde además Milei ha comenzado una campaña de acoso y derribo contra el cine, “es muy significativo que la película esté en Sundance, que es como la meca del cine independiente, cuando en Argentina se está atacando muy puntualmente al cine independiente, a la diversidad de voces y a un cine que no responde a las necesidades del mercado”. Por eso asegura que intenta “ser positiva” y piensa en que la unión de los cineastas y el empujón de otras zonas como Mendoza, van a servir para “resistir con inteligencia”.

Más coproducción española

La virgen de la Tosquera no es la única película que cuenta con coproducción española. Una de las propuestas más surrealistas de esta edición, By design, tiene en sus créditos a la joven Mireia Vilanova, productora que estudió Comunicación Audiovisual en la Pompeu Fabra de Barcelona y que gracias a una beca de la Fundación La Caixa se fue a estudiar producción de cine a Los Ángeles.

Su firma aparece en los créditos de un filme que tiene la propuesta más surrealista de la edición, y que incluso guiña al recién fallecido David Lynch con su puesta en escena surrealista plagada de tonos rojos. El filme de Amanda Kramer cuenta la historia de una mujer adinerada, Juliette Lewis, que se queda prendada de una silla de diseño hasta tal punto que desea ser esa silla. Lo que no contaba es que se convertirá en ella de forma literal. Kramer da la vuelta al mítico subgénero de cambio de cuerpos (véase Ponte en mi lugar) y cambia a una humana por un mueble. Una sátira filosófica sobre el consumismo y cómo la mujer es ignorada en la sociedad que cuenta con la voz como narradora de Melanie Griffith y con la arriesgada interpretación de Juliette Lewis como protagonista. 

Vilanova entró en el proceso del filme como coproductora para encargarse de “supervisar el proceso de producción”. Entró antes de que se rodara, pero su función ha estado más en las fases posteriores al rodaje. Recuerda cómo se sorprendió al leer el guion, pero también que la cineasta había introducido imágenes para conectar. “Cuando una película es tan loca, eso ayuda muchísimo”, apunta y hace referencia al cine europeo de los años 80 y a Peter Greenaway como referencias.

El sueño de Vilanova siempre había sido presentar una película en Sundance, especialmente desde que se fue a vivir a EEUU. Ya el año pasado participó en su laboratorio de productores, y en esta ocasión ha presentado su filme más ambicioso… de momento. Ahora trabaja en un filme de animación español, A veces silencio, de Álvaro Robles, que estuvo nominado al Mejor corto animado en 2022 y para el que ya ha estado en las residencias de la Academia o en el mercado de coproducción de Berlinale, donde ganaron el Talent Highlight Award, “que fue la primera vez que se lo dieron a un proyecto de animación”.

Aunque no fue a “EEUU para hacer Transformers” prefiere no descartarlo del todo. “El dinero no estaría mal, al final uno saca de cada proyecto lo que puede, pero a mí realmente me gusta mucho el cine independiente, y creo que a nivel creativo y por los proyectos que tengo, las historias que más me gustan son las que no te han contado antes, las que no has visto antes en pantalla o te las cuentan de forma diferente. Estoy harta de la misma historia de coming of age, del mismo drama costumbrista o de las precuelas, el remake y el spin off. Me gusta apostar por la originalidad”.

La decimoséptima gala de los Premios Gaudí, la gran gala del cine catalán, terminó confirmando a El 47 como el fenómeno del año y tal vez un filme que quede para la historia. Por sus componentes de fuerte emotividad y profunda reivindicación social y vecinal, a pesar de estar ambientada en la Barcelona de los 70, esta película resuena más fuerte que nunca en estos días en que la crisis de la vivienda se acentúa en Catalunya y los desahucios son una dolorosa letanía que nadie consigue silenciar.

De este modo, entre repetidas llamadas por parte de los presentadores de la gala a los políticos asistentes en la sala –entre ellos el president de la Generalitat, Salvador Illa, y el alcalde de Barcelona Jaume Collboni– para que tomen cartas en el asunto de una manera más decidida en el problema de la vivienda, El 47 se ha alzado con ocho estatuillas: mejor actriz secundaria, mejor maquillaje, mejor vestuario, mejores efectos visuales, mejor dirección de producción, el Premio Especial de Público, mejor actor masculino y mejor película.

En segundo lugar se ha situado, dando la sorpresa, Polvo serán, la metáfora fílmica sobre la muerte digna de Carlos Marqués-Marcet, que se ha llevado cuatro premios: mejor dirección artística, mejor montaje, mejor música y mejor película en lengua no catalana. A continuación se situó Segundo premio, que consiguió tres estatuillas, entre ellas la de mejor dirección para Pol Rodríguez e Isaki Lacuesta. Y finalmente Casa en flames sufrió la gran decepción de la noche, pues a pesar de estar nominada a catorce categorías, la película de Dani de la Orden solo consiguió tres premios, aunque los tres de cierto peso: mejor actor secundario, mejor guion original y mejor actriz.

Comienzo frío con bostezos entre el público

La gala, presentada por Paula Malia y Marc Clotet, tuvo un inicio algo frío y dubitativo, con tímidas referencias a que dos de las cintas nominadas –Mamífera y Salve María– hablan sobre la maternidad no deseada. También celebraron los presentadores que este año se han alcanzado sendos récords de taquilla en el cine en catalán gracias sobre todo a El 47 y Casa en flames, que entre ambas han cosechado más de un millón de entradas vendidas, sin duda los mejores datos de la historia.

Las intervenciones de la cómica Judit Martín intentaban caldear el ambiente, pero le costaba que el público conectara con sus discursos y se comenzaron a ver los primeros bostezos, algunos entre las principales personalidades asistentes, entre las que destacaban los hermanos Bayona, Ángela Molina, Antonio de la Torre, Emma Vilarasau, Enric Auquer o David Verdaguer.

En este ambiente inicial, un tanto dubitativo, se anunció el premio para la mejor actriz secundaria a Clara segura por El 47. En ausencia de la actriz, la joven Zoe Bonafonte leyó el discurso de Segura, que entregó el premio a la Asociación vecinos y vecinas de Torrebaró, barrio donde transcurre el filme.

Seguidamente se otorgó el premio al mejor secundario, entregado por la actriz vasca Patricia López Arnaiz. Lo ganó Enric Auquer por Casa en flames. Salió el actor ampurdanés a la palestra y con él comenzó todo: llamó sin más preámbulos a todo el mundo el próximo 31 de enero a frenar el desahucio de la casa Orsora, situada en el ensanche barcelonés y uno de los símbolos de la lucha contra la especulación de los fondos buitre. Los aplausos resonaron en el auditorio del Fòrum, donde tuvo lugar la gala, y dejaron claro a los políticos asistentes que tendrían que afrontar unas cuantas situaciones embarazosas durante la noche.

Se leyó después el premio al mejor cortometraje, que fue para El príncep, de Alex Sardà y que protagoniza precisamente Enric Auquer, primo hermano del director. Tras este premio empezó el festival de El 47, que obtuvo a continuación los galardones al mejor maquillaje –Karol Tornalia, que transforma a Eduard Fernández en el taciturno Manolo Vital– y mejor vestuario para Olga Rodal e Iranzu Ortiz.

Pep Ambrós rompe la gala

Pero pronto hizo aparición Polvo serán, insinuando que su protagonismo en la gala sería mayor del esperado. Obtuvo mejor dirección artística. Volvió entonces El 47 con el premio a los mejor efectos visuales y cuando parecía que la gala seguiría toda la noche con su tono tedioso apareció de entre el público el actor Pep Ambròs rompiendo la cuarta pared para protestar por las ínfulas de una gala cargada de superficialidad.

Tras denunciar que Barcelona no es Hollywood, se quitó la americana y la camisa, mostrando entonces una camiseta negra del Sindicat de llogateres (sindicato de inquilinas), una asociación muy activa contra los abusos en materia del alquiler. Los aplausos fueron tan unánimes como la incomodidad que se reflejó en las caras de las autoridades políticas. Echó Ambròs a Paula Malia y Marc Clotet y siguió él con la gala, que sin duda ganó con este giro de guion.

Bajo la batuta de Ambròs, se otorgó el premio a la mejor dirección de producción (el 47); mejor película documental (para Diari de la meva sextorsió, de Patricia Franquesa); mejor montaje (Polvo serán) y mejor dirección de fotografía, que se llevó Takuro Takeuchi por su trabajo en Segundo premio. Hizo entonces un inciso Ambròs para denunciar los abusos sexuales en la profesión. “Basta de complicidad con los agresores”, dijo para pedir a continuación “que caigan todos”.

Llegó entonces el momento del Premio Especial del Público, que leyó la periodista Mònica Terribas. Fue, cómo no, para El 47. Hablaron entonces Marcel Barrena y Joana Vital, la nieta de Manolo Vital, el conductor que secuestró el autobús, personaje protagonista de la cinta. Barrena cargó entonces en la misma dirección que Auquer, haciendo referencia a que el artículo 47 de la Constitución “dice que todos derecho a una vivienda digna”. Añadió el director que el mismo artículo del Estatut de Catalunya reza literalmente que “los poderes públicos deben facilitar el acceso [a la vivienda] por medio de la promoción de vivienda pública y de vivienda protegida”. Las autoridades no sabían dónde mirar tras aquellas palabras.

Eduard Fernández, mejor actor

La gala prosiguió con el premio a la mejor película extranjera, para Anatomia de una caída, y el galardón al mejor filme de animación para Mariposas negras, que aborda el drama de los millones de refugiados climáticos que hay en el mundo. Recogió la estatuilla su director, el tinerfeño David Baute, que hizo un llamamiento a la acción contra el cambio climático. El productor de la cinta, Edmon Roch, quiso acordarse al respecto de los damnificados de la Dana del pasado noviembre en la Horta sur de València.

El premio a la mejor dirección novel correspondió a la cineasta Celia Giraldo por su ópera prima Un lugar común. Tras esta concesión, Pep Ambròs desapareció de la sala, no sin antes pasar el testigo de la presentación Marta Torné, quien presentó a la presidenta de la Acadèmia del Cinema Català, Judith Colell, que destacó el buen momento cine en taquilla del cine catalán pero a su vez denostó los casos de abusos revelados durante el último año. Colell mostró su propósito de seguir luchando contra los abusos y destacó la creación de un departamento específico.

La gala prosiguió entonces con el premio a la mejor música original, que fue para María Arnal por Polvo serán. Arnal se sumó a Auquer en la invitación a frenar el desahucio de la casa Orsola el próximo 31 de enero. Y tras el galardón al mejor sonido para Segundo premio, llegó el de mejor actor protagonista, que se llevó Eduard Fernández. El actor, que también se refirió al acceso a la vivienda, pidió a la gente que posee propiedades que intentará no ser tan codiciosa a la hora de alquilarlas y fijara precios más equitativos. La mejor intérprete revelación fue para Laura Weissmahr por Salve María, de Mar Coll, que ganó a su vez el de mejor guion adaptado.

Fue Eduard Sola quien se llevó el mejor guion original por Casa en flames. Contestando a la falsa polémica alimentada desde algunos medios de Madrid sobre si El 47 es la cinta de los inmigrantes explotados y Casa en flames la de los pijos catalanes explotadores, Sola se dijo hijo y nieto de migrantes andaluces y orgulloso de hoy poder escribir guiones. “Podría destacar las humillaciones a las que ha sido sometida mi familia por su ignorancia, pero prefiero celebrar el progreso que yo represento y que se debe a las políticas públicas”, soltó para pedir que esas mismas políticas se apliquen a los nuevos migrantes a fin de que un día sean ,como él, guionistas catalanes.

Y ya al final de la gala, tras el Gaudí de Honor para el legendario productor Paco Poch, que reivindicó en su discurso el objetivo lúdico, alternativo y experimentador del cine que ha producido en su carrera, Emma Vilarasau (Casa en flames) le ganó el Gaudí de honor a otra gran dama del cine como es Ángela Molina y que optaba por Polvo serán, que por cierto ha sido totalmente ignorada en las nominaciones a los Goya. Vilarasau reivindico en su discurso de agradecimiento el valor del trabajo de las actrices veteranas, como ella o la propia Molina, y pidió mayor presencia de estas en los futuros rodajes. A continuación, la cinta de Carlos Marqués-Marcet se hizo con el Gaudí a la mejor película en lengua no catalana, redondeando las cuatro estatuillas.

Y hubo tiempo para una sorpresa final, pues Isaki lacuesta y Pol Rodríguez se llevaron el Gaudí a la mejor dirección por Segundo premio. Y para cerrar, se coronó El 47 como la mejor película de la 17 gala de los Premios Gaudí. Ahora toca ver qué tal se desenvolverá la cinta de Barrena, rodada medio en catalán, medio en castellano y no doblada fuera de Catalunya, en la gala de los Goya, el próximo 8 de febrero.

2024 quedará para la historia del cine español como el año en el que se logró el primer León de Oro gracias a La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar. Fue, quizás, el acontecimiento más importante, y, sin embargo, es la confirmación de algo que se lleva consolidando desde hace años y de lo que Almodóvar ha sido el pionero. El cine español interesa fuera y tiene su hueco en los certámenes más importantes del mundo. 2025 no debería ser la excepción, al revés. Se espera, con fuerza, que varios cineastas entren en las listas de festivales como Cannes o Venecia.

Es ahí donde deberían estar Carla Simón y Oliver Laxe. La primera ya ganó el Oso de Oro en Berlin con Alcarràs, y el salto natural la colocaría en La Croissette o en Venecia con su tercer filme, Romería, con la que cierra su trilogía familiar. También en Cannes podría estar el cineasta gallego, que ya compitió ―y ganó premio― en la sección Una cierta mirada con O que arde y que ahora encima tiene el empujón de El Deseo (la empresa de Pedro y Agustín Almodóvar) en la producción y a Sergi López como protagonista de After. De dónde entren ambas dependerá también, seguramente, su fecha de estreno.

Otro de los estrenos que buscará festival internacional es El cautivo, la mirada de Alejandro Amenábar a Miguel de Cervantes. Igual que Mientras dure la guerra, su nuevo filme llegará de la mano de Disney en la distribución y su fecha de estreno solo dice 'otoño', por lo que Venecia o San Sebastián parecen sus posibles destinos. 

Pero no hay que mirar tan lejos en el calendario. Los primeros certámenes internacionales ya han apoyado el cine español más autoral. A finales de enero se verán en el Festival de Róterdam Ariel, de Lois Patiño y Morlaix, de Jaime Rosales, ambas sin fecha de estreno en el calendario comercial, pero con su primera premiere internacional ya marcada. A la espera de que la Berlinale anuncie su sección oficial, en Panorama, la sección paralela, ya habrá cine español (y además España es el país central de su mercado). Se trata de Sorda, ópera prima de Eva Libertad, que adapta su propio corto sobre la maternidad en una mujer con discapacidad auditiva.

Casi todos ellos sin fecha de estreno ―pendientes del calendario final y de los posibles festivales, se espera también con ganas lo nuevo de Borja Cobeaga (Los Aitas), Celia Rico (que adapta a Chirbes en La buena letra), Daniel Sánchez Arévalo (Rondallas), Belén Funes (Los tortuga), Ana Asensio (La niña de la cabra), Daniel Guzmán (La deuda), Julia de Paz (Harta), David Pérez Sañudo (Sacamantecas), Lluís Miñarro (con el papel póstumo de Marisa Paredes en Emergency Exit), Cesc Gay (Mi amiga Eva), Alberto Rodríguez (Los Tigres) y los Moriarty, que tras Marco regresan a su lado más íntimo con Maspalomas. Destaca el regreso de Manel Huerga, cineasta cuya última película fue Salvador que con Parenostre abordará a un personaje como Jordi Pujol.

Más difícil que lleguen a estrenarse este año, y probablemente ya para 2026, quedarán los nuevos trabajos de Rodrigo Sorogoyen, que rueda a partir de febrero El ser querido, con Javier Bardem de protagonista; y Albert Serra con su primer filme en inglés, Out of this world, para el que se rumorea que Kristen Stewart será la protagonista. También pretende rodar en 2025 Pedro Almodóvar, que encadena otro proyecto a una época prolífica y que espera empezar este año su Amarga navidad. 

Los taquillazos

En 2025 veremos también un enfrentamiento casi directo entre Marvel y DC. Llegará, además, en un momento fundamental para ambas. Marvel se enfrenta a la fatiga superheroica que ha hecho que varias de sus últimas películas no funcionen en taquilla, aunque a cambio ha tenido un pelotazo en 2024 como Deadpool y Lobezno. Este curso estrenará tres películas, la primera en llegar será la nueva entrega de Capitán América en febrero; luego llegarán los Thunderbolts, en mayo; pero todas las miradas están puestas en el reboot ―y la primera vez dentro del MCU― de Los cuatro fantásticos, con un reparto donde sobresale Pedro Pascal. Se estrenará el 25 de julio.

Dos semanas antes será la prueba de fuego del nuevo universo DC, capitaneado por James Gunn, que es el ideólogo de la nueva intentona de Warner por explotar su universo propio de superhéroes. Comienzan por el más querido, Superman, que tiene nuevo rostro y cuyo primer tráiler ha gustado (y mucho).

Por supuesto Hollywood jugará la baza de las secuelas y las franquicias, y el 19 de diciembre llegará la tercera parte de Avatar, ahora bajo el subtítulo de Fuego y cenizas. A ver qué tiene reservado James Cameron para seguir reventando la taquilla. Tampoco hay dudas de que la segunda parte de Wicked funcionará sin problemas. En EEUU es un acontecimiento y fuera ha ido construyendo un fenómeno fan bastante sólido que se verá reafirmado por la llegada del musical a Madrid este mismo año. El 21 de noviembre se estrenará su segunda parte.

Sin fecha y a la espera de ver qué hace Netflix con ellas hay tres propuestas muy potentes. La tercera parte de Puñales por la espalda, el regreso de Kathryn Bigelow ―en un thriller político sin título― y el Frankenstein de Guillermo del Toro. El thriller protagonizado por Daniel Craig llegará seguramente antes, pero las otras dos podrían ser sus apuestas de cara a los premios tras un año donde tuvo que comprar Emilia Pérez en Cannes para poder estar en los Oscar. No será la única versión de Frankenstein que llegará este año. La novia de Frankenstein también estrenará de la mano de Maggie Gyllenhaal, que tras debutar con La hija oscura afronta un proyecto mucho más grande con Penélope Cruz en el reparto. Irónicamente también iba a estar en Netflix, que finalmente se bajó del proyecto que recayó en Warner.

También Warner estrenará Mickey 17, la nueva película de Bong Joon-Ho tras el fenómeno Parásitos. Ciencia ficción con Robert Pattinson en un proyecto que ha cambiado su fecha de estreno en muchas ocasiones, dando lugar a rumores sobre su calidad. Aun así, el cineasta coreano siempre es una apuesta segura y uno de esos directores que crean películas con un fino equilibrio entre lo autoral y lo comercial, como Luca Guadagnino, que no para y estrenará After the Hunt, un thriller con Julia Roberts sin fecha de estreno.

Sí tiene día marcado lo nuevo de Paul Thomas Anderson, La batalla de Baktan Cross, que se estrenará el 8 de agosto con Leonardo DiCaprio al frente del reparto, mucho secretismo en torno a su trama y el rumor de que el presupuesto se ha ido a más de 100 millones de dólares, el más abultado de su filmografía. 

En 2025 comprobaremos si el bum de Celine Song, directora de Past Lives, se confirma con The Materialist y acudiremos al romance entre dos de los actores de moda, Paul Mescal y Josh O’Connor, que protagonizan la historia de amor en la Primera Guerra Mundial The history of sound, de Oliver Hermanus. Y apunten un regreso, el del veterano James L. Brooks, que con 84 años estrenará Ella McCay.

El cine de autor

El cine de autor mirará como siempre a Cannes. El festival francés ya no es solo el más importante del mundo para las películas más arriesgadas e independientes, sino que su repercusión se nota en cómo varios de los títulos de cada edición se convierten en fenómenos que llegan incluso a los Oscar. Sin Cannes no se habría visto el bum de La sustancia ni el de Emilia Pérez. 

Así, este año habrá que ver cuáles son las sorpresas que salen de La Croissette, donde se espera lo nuevo de Terrence Malick, que lleva años montando su visión de la vida de Jesucristo en The Way of the Wind; The Secret Agent, el filme de espionaje del brasileño Kleber Mendoça Filho o lo nuevo de Jim Jarmusch o Wes Anderson, además de tres películas de tres de las directoras más importantes del cine del momento. La argentina Lucrecia Martel también lleva editando su documental Chocobar desde hace varios cursos, pero parece que 2025 será el momento donde por fin le ponga fin. 

Cannes sería el sitio perfecto para que Julia Docournau estrene Alpha tras ganar la Palma de oro con Titane. Poco se sabe del filme, pero parece por sus primeras pistas que será una metáfora del SIDA y el miedo generado en la sociedad a través, cómo no, de una historia que coquetea con el terror. Y ojo porque puede ser el año de Kelly Reichardt, cineasta fundamental de los últimos años gracias a peliculones como First Cow o Wendy y Lucy que con The Mastermind estrenará su filme más ambicioso con Josh O’Connor como protagonista y la guerra de Vietnam de fondo.

Será también el curso donde veamos un divorcio artístico, el de los hermanos Safdie, que estrenan sus primeras películas por separado: Marty Supreme, de Josh y con Timothée Chalamet al frente (y fecha de estreno el 25 de diciembre en plena temporada de premios) y The Smashing Machine, de Benny y con Dwayne Johnson como reclamo.

El director surcoreano Hong Sang-soo ha vuelto a alzarse con el Premio al Mejor Largometraje del Festival de Cine de Xixón, en este caso, con la cinta By The Stream, la historia de dos actores que, en la etapa final de sus vidas, tratan de sobrevivir de la mejor manera posible.

Tras proclamarse ganador en 2015 con Right Now, y en 2018 con Hotel by the river, el jurado de la sección Albar, integrado por Belén Funes, Sergio Oskan y Mark Peranson, le ha concecido el máximo galardón del certamen con una cinta cuya protagonista, Kim Minhee, también ha sido reconocida con el Premio a la Mejor Actriz, mientras que el Premio al Mejor Actor ha sido para Abou Sangare, por su interpretación en la película francesa, L’histoire de Souleymane, del director Boris Lojkine.

El Premio a la Mejor Dirección ha sido para el alemán Matthias Glasner, por Dying, mientras que la coproducción argentina, española y portuguesa, Algo viejo, algo nuevo, algo prestado se ha alzado como mejor película dentro de la sección Retueyos para nuevos creadores.

El Jurado Joven ha elegido River Returns como Mejor Largometraje, por su “sensibilidad y belleza”, en un relato fantástico sobre la vida de un niño en contacto con la naturaleza, del japonés Masakazu Kaneko. Y como Mejor Cortometraje, han reconocido Campolivar, el trabajo de la asturiana Alicia Moncholi.

Por su parte, el Jurado del Cine Español ha reconocido la película As the Tide Comes in, en la que su director, Juan Palacios, aborda las consecuencias del cambio climático.

El Festival Internacional de Cine de Xixón bajará el telón de su 62 edición con una gala de clausura que, presentada por Arantxa Nieto, tendrá lugar en el Teatro Jovellanos, a las siete de la tarde.

Como ya es habitual, el Teatro Jovellanos acogerá mañana domingo, 24 de noviembre, la proyección de dos de las películas premiadas en esta edición. En este caso son, River Returns, de Masakazu Kaneko, que se proyectará a las 17:30 horas, y By the Stream, de Hong Sang-soo, a las 20:00 horas.

Actriz, modelo, cantante, artista en definitiva, que es lo que ella dice sentirse. Rosa Elena García Echave, Rossy de Palma para todo el mundo, está estos días en Gijón, donde esta mañana protagonizaba el primero de los encuentros con público y prensa, del 62 Festival Internacional de Cine de Xixón, que además le ha concecido el V Premio Isaac del Rivero en honor a su “brillante” trayectoria artística.

De padre avilesino y madre navarra, pese a haber nacido en Palma de Mallorca por aquello del “boom inmobiliario de los 60”, Rossy de Palma pasó en Asturias todos los veranos de su infancia y sigue manteniendo un fuerte vínculo con el Principado al que vuelve cada vez que tiene oportunidad.

Feliz de estar en Gijón y dispuesta a responder a todas las preguntas que público y prensa tuviesen para ella, la icónica actriz estaba también contenta por el reconocimiento que le ha concecido el FICX, galardón que además lleva el nombre de su creador, fallecido hace cinco años. Sin embargo, entre risas, contaba que para sus padres, que no son nada “pantojiles”, la verdadera ilusión consistía en saberla en Gijón y que les hubiese comprado lotería de navidad de la ciudad.

A pesar de haber protagonizado papeles inolvidables, De Palma se resiste a considerarse actriz, ella es artista, “una artesana” que no entiende la vanidad en su profesión, pues “los artistas somos vehículos del arte, meros transmisores, no somos el arte”. Lo que sí entiende es que los “artistas potentes”, por ejemplo, las directoras y directores se vanaglorien de sus películas, en cuya elaboración llegan a invertir años.

La constancia, la obsesión, la voluntad de que algo suceda “sí son motivo de orgullo”. Aunque reconoce que nunca podría ser directora porque dirigir es la historia de una obsesión y ella es una “picaflor” a la que le gusta ir de un lado a otro. Eso sí, si en algún momento llegase a dirigir una película, sería una cinta con base social, sobre violencia de género, por ejemplo, que ella sufrió, según contó.

Cuando era pequeña su padre le dijo “yes mundial”, cuenta con su desparpajo tan característico, y ella se lo creyó, así que no entiende ninguna frontera, salvo las gastronómicas, asegura entre risas.

Desde que Trump ganó las elecciones estamos en una hiperrealidad donde los héroes han desaparecido y solo hay villanos

La hiperrealidad en la que dice se ha instalado el mundo tras la victoria de Trump le preocupa, es como las películas de héroes y villanos, dice, solo que ahora solamente hay villanos, “¿dónde están los héroes?”, se pregunta. El arte es la única tabla de salvación para el mundo tan complejo en el que vivimos actualmente, por eso no debemos olvidar, dice, que las mentes inteligentes son elásticas, llenas de dudas y están en personas bondadosas, frente a las mentes no inteligentes que son rígidas y están llenas de certezas equivocadas.

Durante su distendida charla con el público, Rossy de Palma, que ignoró el “timing” del festival, a pesar del nerviosismo de la organización del que ella, entre risas, era consciente, pero es que estaba “muy a gusto”, echó la vista atrás para recordar la década de los 80, su llegada a Madrid “con una mano delante y otra detrás”, las noches en La Vía Láctea y el Rockola o el momento en que conoció, siendo ya ambos artistas, a Pedro Almodovar. Fueron buenos tiempos, relataba, “éramos fideos de la misma sopa”.

Una anécdota del rodaje de Mujeres al borde un ataque de nervios, en el que ella se aburrió soberanamente, según dijo, hasta que tras quejarse de manera reiterada consiguió la escena del orgasmo, puso punto y final a 40 minutos de confesiones, historias y recuerdos que no decepcionaron a nadie.

La 62 edición de Festival Internacional de Cine de Xixón (FICX) está a punto de comenzar y, a pesar de las ocho ediciones que Alejandro Díaz Castaño cumple este año al frente del certamen (fue elegido en 2017), reconoce que siente “cierto vértigo”, aunque no sabe si es producto de la edad -sonríe- o del incipiente arranque de ocho días “de locura”.

Aparantemente tranquilo, solo aparentemente, el director del FICX habla de una programación “muy equilibrada”, de una sección oficial que nada tiene que envidiar a las de otros festivales, de hecho, reconoce que no cambiaría el buque insignia de la edición de este año por la de ningún otro certamen, y acompaña sus palabras con un verdadero reconocimiento al equipo del FICX, y es que Díaz Castaño asegura que en esta 62 edición ha trabajado con “el mejor equipo con el que he trabajado nunca”, aunque la mayoría de las personas que lo integran son las de siempre, explica.

Gijón albergará, a partir del viernes 15, ocho días de cine independiente para todos los gustos, con 169 proyecciones, y actividades complementarias que en esta edición han superado en número las organizadas otros años: coloquios, mesas redondas, exposiciones, presentaciones de libros, talleres y música, compañera inseparable del certamen desde hace muchos años.

En total, se pasarán por el FICX casi 200 cineastas entre los que se encuentran, por ejemplo, Rossy de Palma, Carla Simón, Pilar Palomero, Celia Rico Clavellino, Athina Rachel Tsangari, Marguerita Vicario, Antón Álvarez (conocido por su faceta musical como C.Tangana), Ramón Barea, Assumpta Serna, Guillaume Brac y un largo etcétera.

Díaz Castaño se reconoce a sí mismo como una persona obsesionada por romper la tendencia al individualismo que cada vez impera más en la sociedad actual, por eso insiste en la necesidad de trabajar en la creación de comunidad, pues “cuanto más trabajemos por hacer comunidad, haremos del mundo un lugar mejor”. Por eso tejer redes, internas y externas, pero también locales, regionales, nacionales e internacionales, es una de las características principales en este equipo.

Crear espacios para el encuentro y el disfrute en común nos humaniza, en un momento geopolítico muy complicado y peligroso que está dando lugar a que una parte de la ciudadanía no se sienta partícipe

“Crear espacios para el encuentro y el disfrute en común nos humaniza”, asegura, en un momento geopolítico muy complicado y peligroso que está dando lugar a que una parte de la ciudadanía no se sienta partícipe, viéndose sometida a normas muy lejanas, explica el director del FICX.

Al igual que en la vida de todo el mundo, la pandemia supuso un punto de inflexión muy importante para el Festival de Cine de Xixón, pues hubo que recuperar una larga y consolidada trayectoria que durante años arrojaba cifras escandalosamente buenas. Eso, por suerte, reconoce su director, ya sucedió en la pasada edición, pero costó trabajo.

El objetivo en esta etapa de la pospandemia para Alejandro Díaz Castaño y su equipo es darle una vuelta al modo que el festival está llegando a su público más joven para incrementar su presencia en las salas. Es algo en lo que trabajan desde hace tiempo y por lo que, por ejemplo, este año decidieron emancipar 'Géneros Mutantes' de la sección 'Esbilla', constituyéndola como una sección en sí misma y respondiendo de esta forma a una petición del público joven.

El Festival Internacional de Cine de Xixón ha trabajado durante estos últimos años, con Díaz Castaño al frente, por acercar a la ciudadanía un tipo de cine que, quizás, no era fácil para el común de los mortales, y hacerlo sin que el certamen perdiese su esencia independiente, transgresora, fresca y diferente.

Lo han logrado “rompiendo barreras” entre el público y los y las cineastas, sin elitismos y con una organización muy horizontal. Lo explica su director, quien también remarca el profundo trabajo didáctico que hace el FICX a lo largo de todo el año “para que la gente no tenga miedo a acercarse a cierto tipo de cine”.

Entre las medidas que, en aras de esta pedagogía, se han puesto en marcha, está, por ejemplo, la desaparición de 'Llendes' como sección dentro del Festival y el reparto de las cintas que la integraban en otros espacios del certamen, precisamente porque se dieron cuenta, tal y como cuenta Castaño, de que era un cine demasiado “experimental”.

Si tuviese una bola de cristal para ver el futuro, a Alejandro Díaz Castaño le gustaría comprobar que el FICX sigue en pie porque los festivales son un tesoro cultural que no debemos perder. Sin embargo, no piensa en ver un festival que aumente sus cifras en lo cuantitativo, sí en el nivel de repercusión de los estrenos e invitados. Importante, por encima de todo, reconoce, que el FICX nunca pierda su carácer gamberro.

¡Gloria!, una declaración de intenciones

La película elegida para inaugurar el festival este año es “la mejor que nos encajaba para inaugurar”, a pesar de que el hecho de que sea género musical pueda llamar la atención por arriesgado en un certamen como el de Xixón. Es claro, “no pienses en un musical tipo Gene Kelly”, dice, ¡Gloria! es un chute de energía, con un punto de transgresión clásica y sin excesos en lo experimental.

La actriz y cantautora italiana Marguerita Vicario, que estará presente en la inauguración, debuta en la dirección con esta película en la que homenajea la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia. “Toda una declaración de intenciones”, reconoce Díaz Castaño para quien esta es, sin duda, la película europea del año, que además llega a Gijón tras ser aclamada en la Berlinale.

Un “imperdible”

Difícil es elegir lo imprescindible del FICX, más aún para su director, pero si algo ha querido recomendar Díaz Castaño, entendiendo lo complicado de llegar a todo en un programa cinematográfico cada vez más extenso, es el foco dedicado este año al director Ado Arrieta, quien además recibirá uno de los premios de honor del festival. Del cine de Arrieta destaca un “increíble ejercicio de libertad” en la elaboración de películas con una “frescura irrepetible”.

Por ello el director del FICX anima al público a no perderse, al menos, una de las seis películas de Arrieta que se proyectarán en esta edición, un heróico de nuestro cine, dice, “historia viva del cine español”.

Alejandro Díaz Castaño reconoce la “melancolía post FICX” como un nuevo estado emocional que aparece cuando termina el festival, “el día después”, y que deriva de la atmósfera de cercanía y ausencia de barreras que el certamen ha conseguido generar en la ciudad y que se respira en todas sus calles. Pero para eso aún quedan muchos días de disfrute y emoción con la 62 edición de un festival que muchas y muchos esperan ya con los brazos abiertos. La cuenta atrás ha comenzado.

Gijón vuelve a convertirse un año más, y ya van 62 ediciones, en capital del cine independiente durante ocho días, los que dura su certamen más internacional, el FICX. El Festival Internacional de Cine levantará el telón en el teatro Jovellanos el próximo viernes 15 de noviembre, con una gala inaugural conducida por el actor Julián López, quien recientemente ha sido reconocido por la crítica gracias su interpretación en el último trabajo de Pilar Palomero, programado dentro de los pases especiales del certamen, 'Los Destellos'.

Del 15 al 23 de noviembre el FICX proyectará 169 títulos, 111 largometrajes y 58 cortos, seleccionados entre un total de 2400, según contaba durante la presentación de este viernes, el programador del certamen, Tito Rodríguez. Un certamen del que su director, Alejandro Díaz Castaño, destaca, sobre todo, el trabajo que cada año desarrolla el equipo al completo con el objetivo de construir comunidad.

Esta edición arrancará con un cortometraje de producción canadiense. Dirigido por Lope Serrano y con un cartel de cameos de lujo entre los que encontraremos a los cineastas J.A. Bayona o Albert Serra, y un elenco compuesto por Bárbara Lennie, Berta Prieto y Omar Ayuso, La causa del accidente que provocó el incendio será la cinta que precederá a ¡Gloria!, un musical italiano aclamado en la Berlinale y que homenajea la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia.

Durante la gala inaugural, además, el precursor del cine underground español y francés, Aldo Arrieta, recibirá el Premio de Honor FICX 2024, mientras que la icónica actriz mallorquina , Rossy de Palma, verá reconocida su trayectoria con el V Premio Isaac del Rivero, que lleva el nombre del creador del festival.

Ya en el acto de clausura será el momento de entregar el Premio Especial Generación Mutante a la actriz danesa Lone Fleming, en reconocimiento a su extensa trayectoria, y el Premio Comadre de Cine 2024 a la directora y guionista catalana Carla Simón, laureada por sus trabajos Estíu 1993 y Alcarrás. Por su parte, la directora griega Athina Rachel Tsangari recibirá el Premio de Honor FICX 2024.

Una oda al cine mudo será la cinta elegida para clausurar el festival, Silent Trilogy, del finlandés Juho Kuosmanen.

Casi 200 cineastas pasarán por la ciudad durante el FICX, que completa su programación con los seis títulos que integran sus Pases Especiales. Athina Tsangari presenta Harvest, una oscura fábula estrenada en el Festival de Venecia y la española Pilar Palomero, reconocida por la crítica como “una de las cineastas más interesantes de nuestro país”, vuelve a Gijón con Los destellos.

En la alcoba del sultán, de Javier Rebollo; Generación Xixón Sound del realizador asturiano Aure Roces; La Gran Manzada, de David de la Cruz; y Rolling Thunder, del estadounidense John Flynn son los títulos que completan los pases de esta 62 edición.

Actividades complementarias

El FICX duplica en esta edición la oferta de actividades complementarias que acompañarán a las proyecciones durante los ocho días de certamen, perfilándose, según sus organizadores, como una de las más destacadas en la historia del festival.

Habrá cinco exposiciones, entre ellas, una de Jean-Luc Godard, otra de carteles de cine, de la colección del Muséu del Pueblu D'Asturies, o una muestra sobre mujeres en el cine.

La directora Carla Simón impartirá una Masterclass, y la actriz Assumpta Serna y el actor Scott Cleverdon presentarán sus libros. Habrá mesas redondas, proyecciones y conciertos, además, como novedad este año, se presentará la primera edición del Altafulla International Film Festival. Talleres, charlas y encuentros con el público completarán esta 62 edición que está a punto de comenzar.

La IX edición de Abycine Lanza arranca este martes y reunirá en Albacete, hasta el 18 de octubre, a más de 200 profesionales del cine independiente. Un foro que contará con importante presencia nacional e internacional y que incentiva a la producción audiovisual con más de 65.000 euros en ayudas.

Con la ayuda de ACE (Acción Cultural Española) y su programa PICE (Programa de Internacionalizacion de la Cultural Española), este año participan profesionales como Gabriel Ornelas, del Festival Cine Las Americas (Austin USA); Fito Castillo, del Festival de Cine de Guadalajara (México); Weronika Czolnowska, de Nowe Horyzonty Festival (Polonia); o Natalia Grzegorzek, de Koskino Film Production (Polonia).

Además, acudirán otros como Tomas Prásêk (CEO en Eventival); Sergio Gomes, de Porto/Post/Doc (Portugal), festival que, por primera vez, dará un premio en Abycine Lanza IMPULSO CMM DESARROLLO; Walter Tiepelmann, de FIDBA (Argentina); o Jana Wolff, de European Film Market-Berlinale, que en esta edición estará como jurado.

El martes 15, de 16.30 a 19.30 horas en el Cine Capitol-Sala Globalcaja, tendrá lugar uno de los talleres más esperados: Impulso CMM, que promete una experiencia enriquecedora, liderado por dos grandes tutoras: Pamela Biénzobas, programadora del prestigioso Festival de Locarno, y Isona Admetla, del World Cinema Fund de la Berlinale.

Otra de las grandes personalidades que estará presente es Paz Lázaro, productora sevillana y cofundadora de Amore Cine, “con una impresionante trayectoria” que incluye títulos como El Jockey y A Quiet Life. Lázaro, miembro del Consejo de la Academia de Cine Europeo y figura clave en festivales como la Berlinale, impartirá un taller el miércoles 16 de 16.00 a 18.00 en el Casino Primitivo.

Bajo el título 'Distribución y visibilidad del cine independiente', ofrecerá claves para lograr que proyectos cinematográficos finalizados lleguen a su audiencia y se posicionen en el competitivo mercado actual.

Ya el jueves 17 de octubre, se celebrará 'Cine sostenible, el futuro de la industria' por parte Bilibin Circular, dirigido a proyectos en desarrollo, abordará la importancia de la sostenibilidad en el cine desde el primer momento de creación.

Una oportunidad para cineastas y productores que buscan adoptar prácticas responsables y respetuosas con el medio ambiente, inspirando a una nueva generación de creadores a reducir el impacto ambiental en sus proyectos audiovisuales.

El prestigioso cineasta Albert Serra vuelve al FICX para presentar 'Tardes de soledad', una de las obras más arriesgadas de su carrera hasta la fecha. Dotado de una caligrafía audiovisual apabullante, el director ofrece un poliédrico y nunca antes visto acercamiento cinematográfico a la tauromaquia, que resultó premiado como Mejor Película de forma unánime por el Jurado Internacional de la recién concluida edición del Festival de San Sebastián, que calificó al filme como “una obra de arte cinematográfica que perdurará como documento ineludible”.

El certamen gijonés ha contado en varias ocasiones con la presencia de Serra, que ostenta, entre otros reconocimientos internacionales, el Leopardo de Oro de Locarno, el Premio Especial del Jurado Un Certain Regard en Cannes, el Premio Jean Vigo y dos nominaciones a los Premios César de la Academia Francesa.

El cineasta, que en 2023 hizo entrega en Gijón del Premio de Honor a la directora de fotografía francesa Agnès Godard y un año antes presentó 'Pacifiction' en el FICX, regresa en 2024 con su último trabajo junto a la productora Montse Triola.

Además de la ya anunciada Eight Postcards from Utopia, que compite en la Sección Oficial Albar, el Festival contará con el estreno absoluto en España de otra película dirigida por Radu Jude en sus Pases Especiales, 'Sleep #2', cuyo argumento se centra durante un año en la tumba del icono del pop-art, Andy Warhol.

Continuando con más títulos, el cineasta vasco, Pablo Hernando, dirige y edita su segundo largometraje en solitario, 'Una ballena'. La película es un potente thriller de género fantástico protagonizado por Ingrid García-Jonsson y el veterano Ramón Barea, quienes acompañarán a Hernando en Gijón.

Tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Sitges, al igual que la cinta de Hernando, llegará a Gijón la ópera prima de Enrique Buleo. Rituales paranormales y apariciones de espectros en un pequeño pueblo manchego se dan cita en 'Bodegón con fantasmas', una comedia negra de protagonismo coral.

La cineasta navarra Andrea Jaurrieta presentará un Pase Especial de la película Nina, ganadora del Premio Especial del Jurado de la Crítica en el pasado Festival de Málaga. Con su segundo largometraje, Jaurrieta firma un vibrante western contemporáneo protagonizado por Patricia López Arnaiz (recientemente galardonada con la Concha de Plata en San Sebastián), acompañada en el reparto por Dario Grandinetti. La directora repite en el certamen gijonés tras participar como miembro del Jurado Internacional en el 55 FICX y presentar en la pasada edición su cortometraje 'Ballenas aplastadas por el hielo'.

El director asturiano Antonio R. Cabal presenta dentro de los Pases Especiales del FICX la película 'Sahara. Fin de viaje'. El filme se centra en una pareja de jóvenes europeos, imprudentes y poco preparados, que en los años 70 se adentran en el desierto con un todoterreno buscando aventuras y viéndose obligados a enfrentar situaciones límite. La película tiene la peculiaridad de partir del descarte del negativo original de una obra anterior del cineasta, Sahara, estrenada en 1985 y co-protagonizada por Maru Valdivieso.