En distintos puntos de la España rural, desde hace años, una pléyade de iniciativas culturales viene desarrollando formas innovadoras de creación, mediación y producción cultural en pueblos y territorios rurales. Iniciativas nacidas desde contextos muy diferentes -la investigación cultural, la edición independiente, el circo contemporáneo, la mediación artística o la acción comunitaria- pero que comparten una misma convicción: el medio rural es un lugar donde imaginar y construir nuevas formas de cultura contemporánea, lo que se ha venido definiendo como “nuevas ruralidades” y que se ha evidenciado en los últimos años con una clara mirada hacia estos territorios desde lo que tradicionalmente se ha entendido como el sector cultural.

De la convergencia entre las trayectorias de experimentados agentes que operan en el rural surge 'Aula Albura', una iniciativa cultural-pedagógica que propone conectar a jóvenes universitarios interesados en arte, cultura, territorio y sostenibilidad con proyectos culturales que llevan años trabajando en contextos rurales.

El programa busca acompañar el evidente interés de toda una generación de agentes culturales vinculados al territorio, facilitando que quienes desean desarrollar su trayectoria profesional fuera de los grandes centros urbanos puedan hacerlo en contacto directo con procesos culturales reales.

'Aula Albura' plantea un modelo de aprendizaje basado en la experiencia. A través de estancias prácticas, residencias formativas, mentorías y procesos de acompañamiento en proyectos ya activos, los participantes podrán integrarse en proyectos desarrollados en municipios rurales de Aragón, Castilla y León, Castilla-La Mancha y Navarra.

La iniciativa se establece a través de una alianza entre proyectos culturales con dilatada trayectoria en el medio rural desde perspectivas complementarias. Coordinado por Grupo Andante, la entidad aragonesa que desde 2002 desarrolla el ecosistema de proyectos 'Estoesloquehay', en 'Aula Albura' convergen además la Cátedra Universidad Castilla la Mancha–Diputación de Cuenca de Oportunidades frente al Reto Demográfico, impulsora del laboratorio cultural 'Trashumancias'; la Fundación Los Maestros; el proyecto editorial y cultural 'La Circular'; el Colectivo de Mujeres Creadoras de Castilla y León y la compañía navarra de circo contemporáneo 'La Trapecionista' que a través de su proyecto Zuhamu, explora los cruces entre circo, territorio y comunidad.

La diversidad de estos agentes refleja una realidad cada vez más evidente en el panorama cultural español, ya que una parte significativa de las prácticas culturales contemporáneas se está desarrollando hoy en territorios rurales, donde surgen modelos culturales vinculados al paisaje, a la memoria colectiva y a las comunidades locales, entre otros grandes ejes.

El proyecto viene desarrollándose desde febrero y ha entrado en su fase práctica, prolongándose hasta octubre de 2026. Su itinerario comenzará con Trashumancias 2.6, un laboratorio formativo que tiene lugar en municipios de la Serranía de Cuenca asociados históricamente a rutas trashumantes. En este contexto, los estudiantes participantes se incorporarán a procesos de investigación cultural aplicada al contexto rural, mediación y diseño colectivo de proyectos culturales vinculados al territorio.

A partir de esta primera fase, el programa continuará en el resto de los territorios a través de Aula Albura, con estancias formativas remuneradas en proyectos culturales consolidados en distintos territorios rurales. Durante este periodo, los estudiantes seleccionados se integrarán en equipos que llevan años desarrollando procesos culturales en pueblos y entornos naturales, colaborando en tareas de producción, documentación, mediación y creación.

La iniciativa se sitúa por tanto entre la vocación y oportunidad, con el objetivo de activar y canalizar nuevas vocaciones vinculadas al territorio, al tiempo que refuerza el trabajo de aquellas estructuras culturales que llevan años sosteniendo procesos y actividades creativas en pueblos y entornos rurales.

Aula Albura es uno de los cinco proyectos beneficiarios en la primera convocatoria estatal del Ministerio de Cultura de Ayudas para Proyectos de Cooperación Cultural en el Medio Rural 2025. La línea busca impulsar iniciativas de cooperación cultural entre distintos territorios rurales del Estado y apoyar modelos de trabajo colaborativos capaces de fortalecer el ecosistema cultural en estos contextos.

Más allá de este apoyo institucional, Aula Albura representa un paso importante en la consolidación de redes culturales rurales a nivel estatal que trabajan desde hace años en el territorio y que ahora se articulan para trabajar de forma conjunta mientras ayudan a abrir camino a nuevas generaciones de agentes culturales.

Con Aula Albura, la cultura en el medio rural mira hacia el futuro con savia nueva, estableciendo alianzas entre iniciativas y territorios diversos y con una apuesta decidida por construir condiciones estables para el desarrollo de la vida cultural en los territorios rurales. 

Toda la información, recorrido y proceso del proyecto puede consultarse en la web www.aulaalbura.com.

Contaba María Sánchez en el germinal Tierra de Mujeres (2019) que escribía “para que las manos de mi abuela no se borren de mi memoria, para que el silencio que habitó en su boca no sea el que hereden mis hijas”. Fue ayer, pero pandemia mediante, estos años han dado para mucho en términos de presencia femenina en el mundo rural y de reivindicación de esas abuelas que plantaron la semilla.

Una nueva generación de investigadoras, gestoras culturales y creadoras se ha incorporado en los últimos años al sector cultural, multiplicando los esfuerzos mantenidos durante décadas por un grupo de profesionales de primer nivel que conservaron parte del patrimonio cultural rural.

Prácticas culturales que permanecieron fuera de los relatos oficiales y que sobrevivían en el ámbito doméstico, lejos de las obras magnas que trataban sobre monumentos o grandes tradiciones festivas. Saberes cotidianos que quedaron tantas veces en segundo plano cuando las cámaras se fijaban solo en los trajes festivos.

Canciones, remedios caseros, historias de vida y conocimientos del paisaje que se transmitían de generación en generación en cocinas y patios, espacios neurálgicos para la conservación del patrimonio cultural de un pueblo.

Durante demasiado tiempo se escribió sobre el campo español desde una mirada masculina y urbana. Son las nietas de aquellas mujeres silenciadas las que han tomado el relevo, generando prácticas culturales activas vinculadas al territorio y a quienes lo habitan. Otorgan una nueva perspectiva cultural y una nueva voz, más allá de su valor utilitario, al cántaro, la sartén, el almirez y los platos tocados con tenedores o cucharas. No es difícil recordar ese trabajo experimental que presentó en 2020 Eliseo Parra, titulado Cantar y batir, recuperando una herencia musical que se había refugiado en el interior de los hogares.

Lo que hoy vivimos es una transformación mucho más amplia en la forma de estudiar el patrimonio rural. Proyectos que van desde el teatro documental que trabaja con la memoria local hasta residencias artísticas que recuperan prácticas artesanas o proyectos de mediación cultural centrados en el diálogo con comunidades rurales. Todo ello hace más presente que nunca la conocida frase atribuida a Mahler: “La tradición no es la adoración de las cenizas, sino la transmisión de la llama”.

Iniciativas que comparten un rasgo común, el contacto directo con el territorio, la vinculación con el paisaje y la memoria colectiva. Proyectos que escuchan antes de intervenir. Que buscan conocer y estudiar los saberes locales para comprender los ecosistemas donde viven las comunidades, siguiendo los pasos de la antropóloga Anna L. Tsing. Aprender esos conocimientos que aparecen en las prácticas cotidianas, pero que muy rara vez forman parte de papers o libros académicos.

Proyectos creativos o educativos basados en el conocimiento y en la investigación del patrimonio local, que aúnan la conservación del patrimonio cultural con la innovación artística. Ambas dimensiones caminan juntas, difuminando una división cada vez menos útil. Nuevas propuestas lideradas por mujeres jóvenes que toman la memoria como herramienta y hacen del arraigo una decisión de vida. Algunas nacidas en el territorio; otras recorriendo el camino inverso y regresando de las ciudades para construir una trayectoria profesional desde él. Proyectos de vida vinculados a la comunidad local y al paisaje.

Una nueva generación que reelabora su propia mirada hacia el patrimonio cultural y que selecciona qué elementos del pasado considera relevantes para su vida cotidiana, siendo conscientes, como señaló David Harvey, de que el patrimonio cultural siempre implica decisiones sobre el futuro.

Estas jóvenes emprendedoras participan activamente en este proceso de reelaboración, investigando y trabajando en iniciativas artísticas que contribuyen decisivamente a definir qué memorias y conocimientos heredarán las siguientes generaciones, construyendo así una nueva narrativa del campo.

Iniciativas que muestran una transformación profunda en la forma de hablar del campo, donde la cultura rural se vive como un entorno cotidiano de investigación, de creación y de participación comunitaria que teje redes en forma de iniciativas empresariales, asociaciones y colectivos artísticos, proyectos comunitarios y propuestas culturales donde circulan ideas y experiencias. Por esta razón, las redes de colaboración adquieren una importancia central. Asociaciones culturales, colectivos artísticos y proyectos comunitarios crean espacios de apoyo mutuo donde circulan ideas y experiencias.

De esta forma, los conocimientos transmitidos durante generaciones adquieren nuevos significados cuando se documentan, se reinterpretan y se integran en proyectos contemporáneos. Cuando una abuela canta o cuenta una historia aprendida de su abuela y una nieta escucha, entre ambas circula algo más que una canción: circula la memoria de un territorio.

Oviedo vivirá el próximo 21 de diciembre un acontecimiento a la par tanto patrimonial como festivo. Se trata de la primera madreñada popular organizada en Asturias. La propuesta llega de la mano de un grupo de entusiastas de la cultura asturiana reunidos bajo el nombre provisional de Colectivu Madreñada, integrado por Denis Soria, Lluques Díaz, Luis Collado e Iván Testón, quienes buscan recuperar no solo el uso de la madreña, sino también el orgullo cultural que la acompaña.

La iniciativa se inspira en los encuentros que desde 2021 tienen lugar en León, donde las madreñadas congregan cada año a cientos de personas. Denis Soria, historiador y guía, ha asistido en diferentes ocasiones y reconoce que la semilla de replicar el evento en Asturias ya llevaba tiempo plantada. “El año pasado ya le comenté a mi amigo Lluques que sería muy bonito organizarlo en casa. Al final, por trabajo, no pudo ser, pero este año él nos congregó a los cuatro y empezamos a valorar la posibilidad de organizar nuestra propia madreñada”, explica Soria.

Evento reivindicativo y festivo

El evento arrancará a las 12 horas desde la plaza del Fontán, con un recorrido en madreñes por la calle del Fierro, una parada en la Plaza de la Constitución y la subida hasta la Catedral. La marcha estará acompañada por instrumentos, baile espontáneo y ambiente festivo. “Queremos que sea un evento reivindicativo, pero también festivo, que la gente lo pase bien que se dé a ver como algo propio”, señala Soria.

Antes de la caminata popular, a las 11 horas, tendrá lugar una visita guiada titulada “Historia de la madreña n’Uvieu”, dirigida por el propio Soria a través de su empresa Ser Asturianu. La actividad agotó sus plazas en apenas cuatro días, lo que apunta a un interés creciente por entender el valor patrimonial de este calzado. La ruta explorará la relación histórica de la capital asturiana con el mundo de la madreña, desde su uso cotidiano hasta los talleres tradicionales artesanos.

Estigmas históricos

La jornada concluirá con un vermú musical en la plaza del Paraguas, previsto en torno a las 13 horas, con artistas como Carlos Velasco, Chino el Indio y la posible participación del gaitero Xuacu Amieva. La intención es que la música y el baile popular acompañen la celebración hasta el mediodía, trasladando la madreña a un contexto de convivencia comunitaria.

Pero detrás de la fiesta hay una reivindicación. Los impulsores denuncian que la madreña vive un declive motivado no por falta de utilidad, sino por estigmas históricos que la vinculan al atraso o a lo rural. “Los asturianos tenemos un estigma muy grande con la cultura asturiana en general. Aquí seguimos asociando la madreña con lo aldeano, con el atraso. Y claro, ¿ser aldeano es algo malo?”, reflexiona Soria. La comparación con otros territorios es reveladora.

En Holanda compramos zuecos

“Vamos de turismo a Holanda y nos compramos unos zuecos holandeses como souvenir, que no dejan de ser madreñas. La diferencia es la mentalidad”. A pesar de que, tal y como el colectivo defiende, “el calzado tradicional asturiano es higiénico, sostenible, artesanal y práctico”, muchos lo relegan a contexto rural o a generaciones mayores. “Que la gente deje de calzar madreñas no es porque no sean útiles, sino porque hay un estigma asociado a ellas”, afirma Soria.

Y es que la madreña no es un elemento exclusivo de Asturias. Está presente en buena parte de Europa, desde Galicia hasta Francia, donde se conocen como ‘sabots’. De hecho, explica Soria, la palabra ‘sabotage’ procede del gesto que los obreros franceses realizaban durante las huelgas industriales, que se basaba en introducir introducir sus zuecos en las máquinas para detenerlas. Por ello, el objetivo que tienen es claro. “La cultura que tenemos aquí relacionada con la madreña se está perdiendo, por ese concepto limitante que la ve como un elemento de atraso. La idea es recuperar la autoestima alrededor de la madreña”.

En León, la madreñada es ya un encuentro consolidado, capaz de congregar a miles de personas. Para Oviedo, las expectativas son positivas. La asistencia será libre y basta con acudir con madreñes a la hora señalada. “Más de 100 personas seremos seguro, quizá más de 200, pero es difícil estimar en una primera edición”, reconoce Soria. Está previsto que acudan también participantes leoneses, reforzando el carácter de hermanamiento entre ambas regiones.

El colectivo quiere mantener el carácter popular del encuentro, sin excesiva institucionalización. “La administración tiene la responsabilidad de desterrar esos prejuicios, pero nuestra percepción sobre este evento es que sea un encuentro popular”, defiende Soria. El objetivo es que la gente participe y se sienta parte del evento, centrado en habitar la ciudad con un calzado que sigue teniendo sentido práctico y cultural.

Una imagen simbólica

La imagen de cientos de personas caminando juntas con madreñes por el centro de Oviedo no será solo pintoresca, sino profundamente simbólica. La madreña encuentra así un escenario urbano donde reivindicar dignidad, identidad y continuidad. “Tenemos que quitar esa idea de que la madreña es cosa de viejos. Las nuevas generaciones pueden calzarla perfectamente”, afirma Soria, que recuerda que, incluso fuera de Asturias, su utilidad nunca desapareció.

“Conocí paisanas en Madrid que calzaban madreñas para tender la ropa en el patio. No es algo exclusivo de los pueblos, es un recurso útil que deberíamos valorar más”. La madreñada pretende devolver la madreña a las calles, al andar compartido y a la vida cotidiana. Es una celebración que habla tanto del pasado como del presente, y que busca reconciliar a la sociedad asturiana con un patrimonio que no necesita de nostalgia, sino de uso, orgullo y continuidad. “Más allá de ser un recurso económico, la madreña es un recurso patrimonial. Creo que es honesto recuperarlo”, concluye Soria.

Inspirado en la revista norteamericana The New Yorker, que este año celebra su centenario, The Cacereñer surgió el 17 de marzo de este 2025, Día del Cómic y del Tebeo, como un guiño al mundo de la ilustración y a la memoria cultural que habita entre viñetas. Detrás de la idea está el agitador cultural Marce Solís, con la colaboración del dibujante Fermín Solís, uno de los artistas extremeños más reconocidos dentro y fuera del país.

La propuesta es sencilla y, precisamente por eso, poderosa: una serie de portadas imaginarias sobre Cáceres, creadas por ilustradores, dibujantes y diseñadores que gozan de total libertad creativa y técnica. El único requisito: que el alma de la ciudad esté presente.

“Queríamos que Cáceres se viera en todas sus facetas —dice Solís—: la monumental, la cotidiana, la crítica, la poética, la de los barrios, la de los personajes anónimos que forman parte del paisaje urbano”.

Cáceres es bella, eso es una evidencia. Lo demuestra su título de Ciudad Patrimonio de la Humanidad y el hecho de poseer el tercer conjunto monumental mejor conservado de Europa, solo por detrás de Praga y Tallin. Pero la belleza, en el arte, nunca es una sola: cada persona —y sobre todo cada artista— la ve, la siente y la refleja de una manera distinta. Y esa pluralidad de miradas es precisamente el alma de The Cacereñer.

Así, la ciudad se multiplica en estilos, en lenguajes y en sensibilidades. En su estreno, The Cacereñer publicó dos portadas inaugurales: una firmada por Fermín Solís, que retrata la Ciudad Monumental con la delicadeza de quien la ha caminado mil veces, y otra del joven Juan Francisco Rico, que eligió como protagonista a uno de esos personajes singulares que dan vida al callejero cacereño. Dos visiones distintas para una misma ciudad, que marcan la esencia del proyecto: reunir a artistas consagrados y emergentes en un mismo espacio simbólico.

Una ciudad hecha de portadas

Desde entonces, cada mes suma una nueva pieza a este mosaico visual. Han sido ya veinticuatro portadas —veinticuatro miradas— que abordan todos los rincones y relatos de Cáceres. Algunas han coincidido con fechas señaladas, otras nacieron del impulso espontáneo de quienes quisieron sumarse a la iniciativa.

Aunque la mayoría de las portadas celebran la identidad local, The Cacereñer también ha mirado más allá de sus murallas. Excepcionalmente, en dos ocasiones se han publicado portadas distintas a las habituales, como gesto de solidaridad y compromiso social: fueron creadas en apoyo al pueblo palestino y contra el genocidio. En esas ediciones especiales, The Cacereñer se unió a 25 proyectos artísticos y cabeceras de portadas de España y Europa para lanzar de forma conjunta una imagen simbólica bajo el título de ‘The Palestinian’.

En septiembre, The Cacereñer rindió tributo a Leoncia Gómez Galán, la mítica voceadora de El Periódico Extremadura cuya estatua se ha convertido en punto de encuentro, en foto obligada, en símbolo de la vida cacereña. Bajo el título ‘LEONCIA: Cuatro miradas a un icono inmortal’, cuatro artistas reinterpretaron su figura en otras tantas portadas. La primera, obra de Luis Tena, invitaba a pensar en los recuerdos que los lugares guardan, “como si la ciudad misma los hubiese protegido, esperando ser redescubiertos”.

“Extremadura es mucho más que un secarral —decía Tena al presentar su trabajo—; es una tierra llena de vida y belleza de la que todos podemos sentirnos orgullosos”.

El alma cacereña, portada nº 25

En noviembre, The Cacereñer ha alcanzado su portada número 25 con ‘Acho The Cacereñer' una explosión de color firmada por el artista Fernando Sembrador. Un mapa imaginario y festivo donde más de setenta símbolos —personajes, tradiciones, rincones, palabras— se entrelazan en un homenaje coral a la identidad cacereña.

“He querido capturar la calidez de su gente, su autenticidad, su forma de estar presentes en la cultura y en la vida —explica el autor—. Es un universo donde todo el que ha vivido en Cáceres puede reconocerse”.

Sembrador, creador de los célebres Emoticonus Estremeñus, ha logrado condensar en una sola ilustración ese sentimiento que los cacereños nombran con una palabra que es saludo, afecto e identidad: ‘Acho’.

Una galería viva

Las portadas de The Cacereñer se publican en Instagram, Facebook, X y TikTok, donde cada nueva entrega despierta la curiosidad de un público cada vez más amplio. Pero el proyecto no se detiene ahí: ya se preparan exposiciones y ediciones especiales para seguir ampliando esta galería de papel virtual que, portada a portada, está construyendo una memoria visual contemporánea de Cáceres.

Cáceres se mira en The Cacereñer como se mira uno en el espejo al amanecer: con sorpresa, con orgullo, con un poco de ternura. En cada portada late la ciudad, entre sus luces y sus sombras, entre su historia y su presente. Una ciudad dibujada por quienes la sienten y que, al fin, se descubre a sí misma como materia de puro arte.

El Grupo Municipal Socialista ha advertido del “preocupante retroceso” que ha evidenciado la XX edición de la Feria del Libro de Toledo en 2025, tras dos años de gobierno de PP y Vox. Entre otras cuestiones, explican, por la cancelación del Concurso de Narrativa Femenina 'Princesa Galiana', que no ha sido convocado por primera vez en 22 años, y la desaparición del Día de las Escritoras de la agenda cultural municipal, que debería celebrarse este lunes 13 de octubre.

“El Ayuntamiento ha cedido a las imposiciones ideológicas de Vox silenciando a las mujeres creadoras y suprimiendo iniciativas que fomentaban la igualdad desde la cultura. Es un retroceso inaceptable”, ha declarado el concejal Teo García, y se ha apresurado a recordar que la ciudad aspira a convertirse en Capital Cultural Europea en 2031 y lo hace bajo el lema 'Luz de Europa'.

Sobre la Feria del Libro el edil socialista ha urgido al alcalde y a su equipo de gobierno además a “recuperar la ambición cultural y la participación de todos los libreros”, ausentes en más de un 50 por ciento en esta edición.

La falta de impulso cultural se refleja, además en su opinión, en la supresión de certámenes de prestigio nacional como el Premio Alfonso X El Sabio de investigación histórica y el Premio María Pacheco de investigación literaria, “eliminados por el actual equipo de gobierno”. El PSOE denuncia que esta decisión “supone una renuncia directa a los valores humanísticos y al legado cultural de Toledo”.

“Es incomprensible que en un momento clave para la candidatura de Toledo como Capital Europea de la Cultura, el Ayuntamiento deje morir premios que daban contenido, referencia y prestigio a nuestra ciudad”, ha señalado Teo García.

30 años de Ledoria, pasan “desapercibidos” para el ayuntamiento

En ese mismo sentido, los socialistas critican la falta de apoyo institucional a editoriales locales, como la editorial toledana Ledoria, que este año cumple 30 años de trayectoria cultural, un hito que ha pasado desapercibido para el Gobierno municipal. “No se puede construir una candidatura cultural sólida ignorando el tejido editorial de nuestra ciudad. No basta con fotos o discursos vacíos, hay que actuar con método, planificación y participación”, ha añadido el edil.

Desde el Grupo Municipal Socialista se insiste en que su compromiso con la Capitalidad Europea de la Cultura es real, con hechos y propuestas, no solo con gestos vacíos: “Siempre hemos estado y estaremos con Toledo, pero con una cultura abierta, accesible, viva y participada por toda la ciudadanía. Porque la cultura no es un escaparate, de fotos y firmas de protocolos, es una herramienta de transformación y cohesión social”, ha concluido García.

El municipio albaceteño de Casas Ibáñez albergará este año la entrega de las 'Medallas al Mérito Cultural' que otorga el Gobierno de Castilla-La Mancha. En esta edición destaca el reconocimiento a figuras como Toni Isbert -a título póstumo-, el coleccionista Mauricio Fernández por su rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía en Almagro, el bailarín Ismael Olivas o el artista plástico José Luis Serzo.

Se otorgarán un total de 14 medallas y dos menciones especiales. La consejera portavoz del Gobierno regional, Esther Padilla, ha reivindicado que con los galardones se pretende “reconocer la buena labor, el trabajo y la trayectoria de artistas regionales” en áreas como el teatro, la danza, el cine, el mecenazgo, la música o las artes plásticas.

Los condecorados con la medalla al Mérito Cultural 2025

El primero de ellos será el actor Toni Isbert, albaceteño que falleció en el pasado mes de febrero. “Un actor de extensa y destacada trayectoria en cine, teatro y televisión, vinculado a Tarazona, donde reposan sus restos”, ha explicado Padilla. La consejera ha insistido en que se le concede esta medalla por su “contribución al arte dramático, por ser embajador cultural de Castilla-La Mancha y su constante defensa del patrimonio escénico español”.

La segunda mención será para el proyecto de Rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía, en Almagro, llevada a cabo por el coleccionista mexicano Mauricio Fernández Garza. La consejera ha recordado cómo después de conocer que tenía entre sus propiedades un artesonado mudéjar del siglo XVI de la Iglesia del Rosario de Almagro, decidió adquirir este palacio y recuperarlo para disfrute de todos. “Con su rehabilitación ha permitido recuperar un patio renacentista, además de un conjunto de salas con pinturas murales del siglo XIX, entre las que hay una sobre papel de arroz con escenas cotidianas de la dinastía china Qing”, ha señalado.

La consejera ha adelantado que la Medalla a la Cultura Joven para Menores de 35 años será para Ismael Olivas, “un bailarín, profesional, coreógrafo y creador artístico nacido en Albacete, donde empezó su formación en el Conservatorio de su ciudad para seguirla en ciudades como Londres y Washington”. Además, ha recordado, “su imaginación le ha llevado a crear su propia compañía musical, 'Tuercas y Tornillos'”.

El Ayuntamiento de Saelices de la Sal, en Guadalajara, recibirá la Medalla al Mérito Cultural en Rehabilitación y Difusión del Patrimonio Material, “por la recuperación de sus magníficas salinas de San Juan”. Un proyecto que, ha recordado Padilla, “una vez rehabilitado, en el año 2011, puso en marcha la explotación artesanal de dichas salinas, hasta nuestros días”.

En cuanto a la Medalla al Mérito Cultural en Conservación y Difusión del Patrimonio Inmaterial, la portavoz del Ejecutivo ha anunciado que será para la Asociación Alfombras de Serrín de Elche de la Sierra, “por trabajar por y para la mejora, consecución y promoción” de unas alfombras que el Ejecutivo regional ha incluido en la propuesta conjunta del Gobierno de España para la declaración de Patrimonio de la Humanidad a las alfombras y arreglos florales ceremoniales.

El Instituto de Estudios Manchegos de Ciudad Real será reconocido con la Medalla al Mérito Cultural en Investigación del Patrimonio Cultural, y es que, como ha recordado Esther Padilla, “esta asociación, creada en 1947, trabaja desde entonces en promover la investigación y el estudio de materias científicas y culturales relativas a Castilla-La Mancha”.

El albaceteño José Luis Serzo será distinguido con la Medalla al Mérito Cultural en Artes Plásticas, un creador que, en palabras de la consejera, “es ya una figura singular en el panorama artístico español, con reconocimientos dentro y fuera de nuestro país, al integrar en sus obras pintura, narrativa, fotografía o dibujo”.

La Medalla al Mérito Cultural en Arte Digital irá a parar al espectáculo 'Lumina Catedral de Toledo', una experiencia cultural nocturna única en el mundo, que fusiona patrimonio con la tecnología más novedosa y de vanguardia. En palabras de la portavoz, “un viaje para los sentidos que nos acerca a la historia y a la riqueza de la Catedral Primada”.

La Asociación Cultural 'Veleta Roja' será reconocida con la Medalla al Mérito Cultural en las Artes Escénicas. “Una asociación que nació en Ciudad Real para crear proyectos escénicos, discográficos y editoriales de elevada envergadura artística en los ámbitos de la creación, la educación y la solidaridad”, ha enfatizado Padilla.

La Medalla al Mérito Cultural en Cine ha recaído en esta edición en los Premios Pávez de Talavera de la Reina, “un certamen que nació como una apuesta diferente y única para hacer cine en la Ciudad de la Cerámica y que ya es todo un referente nacional”, ha destacado la portavoz del Gobierno.

Esther Padilla ha destacado que la Medalla al Mérito Cultura en Cómic y Artes Escénicas ha sido para la librería Serendipia, de Ciudad Real, “un modelo innovador que aporta dinamismo cultural a la ciudad, que trasciende el concepto de librería tradicional para convertirse en un espacio dinámico, con alrededor de 80 presentaciones anuales, clubes de lectura, cuentacuentos o talleres creativos y que, además, tiene una editorial propia y un papel relevante para los autores de cómics de Castilla-La Mancha”.

La Medalla al Mérito Cultural en Mecenazgo y Promoción de la Cultura ha recaído en el programa cultural 'Actuamos en Patrimonio', una iniciativa que, como ha recordado la consejera, “se desarrolla en los lugares más emblemáticos de la provincia de Cuenca, cuyo buque insignia es Segóbriga. Allí se funde la música y el patrimonio como ejemplo de promoción de la cultura en nuestra región”.

En esta edición, también será galardonada con la Medalla al Mérito Cultural en Música la Asociación Musical Moteña, de Mota del Cuervo. Para la responsable autonómica, “un merecido reconocimiento por el fomento de la cultura musical de la región, además de por su Certamen de Bandas de Música 'Villa Cervantina'”.

En la categoría de Medalla al Mérito Cultural en la Creación Literaria y la Edición, el galardón ha recaído en Aache Ediciones, “una editorial especializada en publicaciones sobre el patrimonio y la cultura de Guadalajara, con más de 700 títulos y 300 autores en su catálogo”, ha valorado la portavoz.

La Biblioteca de Ugena, en Toledo, se ha llevado la Medalla al Mérito Cultural en el Fomento de la Lectura, un espacio que, en palabras de Esther Padilla, “abre cada día sus puertas como espacio dedicado a la promoción de la lectura, el conocimiento y la cultura, al tiempo que es punto de encuentro para compartir experiencias, descubrir nuevos horizontes y fortalecer los lazos sociales”.

Por último, Padilla ha adelantado que la Organización Nacional de Ciegos Españoles, a través de su iniciativa 'Proyectos Culturales', va a recibir la Medalla al Mérito Cultural en Proyectos Culturales Inclusivos, “por hacer accesible la cultura con propuestas como 'Museos accesibles' o con el acuerdo con la Fundación Festival de Teatro Clásico de Almagro”.

En palabras de la portavoz del Ejecutivo, se trata de “hombres y mujeres volcados con la cultura y el compromiso con la región”. Son, pues, “una muestra perfecta de lo bien que se hacen las cosas en la región, de los que nos sentimos orgullosos y así se lo queremos demostrar con estos galardones”, ha finalizado.

Hace 40 años gran parte de la superficie del barrio del Poblenou de Barcelona eran almacenes y garajes para camiones, así como factorías abandonadas por la creciente desindustrialización. Tras los juegos olímpicos de Barcelona 92, la situación comenzó a cambiar: con la creciente llegada de turistas y expatriados, el barrio fue mudando la piel y algunos de los hangares postindustriales se transformaron en la morada-taller de artistas plásticos que vieron en la zona una oportunidad de suelo a buen precio. Aunque también ayudó el emplazamiento del nuevo Zeleste en 1986 desde la calle Platería a la de Almogàvers, en pleno corazón del barrio.

Hoy en día, tras la promoción en Poblenou por parte del Ayuntamiento de Barcelona del Distrito @22, un parque empresarial para start up de la llamada “nueva economía digital”, el barrio tiene una fisionomía totalmente nueva: promociones de vivienda de alto nivel, restaurantes de cocina internacional y de fusión, bares de cócteles, tiendas de decoración, de arte y de productos de lujo pueden divisarse con facilidad. Un nuevo barrio para la ciudad en el eje que marca la plaza de Glòries con el mar, en la parte de Poblenou que da al paseo marítimo.

Pero el cambio espectacular del barrio tiene una cara B: la gentrificación y la subida del precio de la vivienda, tanto de alquiler como de compra, merced a la oleada de nómadas digitales que han ido llegando en las últimas décadas atraídos por las oportunidades de trabajo del Distrito @22. “Es gente que cobra sueldos altos en comparación con los españoles y que se establece en el barrio por la cercanía al mar, por lo que están dispuestos a pagar precios muy elevados por una casa o un piso”. Quien realiza esta aclaración es Roberto Barrueco, que asegura que no quiere “entrar en el debate sobre si los cambios en el barrio son para bien o para mal”.

Un oasis de creación

Barrueco, francés de origen español que llegó a Barcelona hace casi 30 años, es el fundador y director del pequeño centro cultural Mecal Factory, ubicado en la calle Llull, en pleno Poble Nou, a pocos pasos de otro centro mayor situado en la antigua fábrica de Can Framis y dependiente de la Fundació Vila Casas. Mecal Factory ofrece al barrio una alternativa cultural de formato reducido, destinado por un lado a facilitar la producción de podcast en un pequeño estudio y, por el otro a la exposición artística, pues cuenta también con una sala que actúa a modo de galería de ilustración y fotografía.

“Tenemos un acuerdo de colaboración con la revista de ilustración francesa Kiblind, que nos organiza exposiciones, y la vez con el Centre de Fotografía Experimental de Barcelona, que nos dan una sesión de fotografía cada dos meses para que vayamos alternando”, explica el creador de la Mecal Factory. Actualmente, el 'atelier Kiblind' presenta dos exposiciones, una de ilustraciones inspiradas en Miyazaki y otra de ilustraciones psicodélicas. En cuanto a la sala de fotografía está destinada a presentar las propuestas de talentos emergentes de la fotografía experimental, como la húngara Hajnal Szolga.

Además, en invierno, la galería se transforma cada jueves a partir de las ocho de la tarde en una sala de cine en la que se proyectan cortometrajes. “Ofrecemos cortos a los que accedemos a través de nuestro festival de cortos veraniegos Mecal-Air, y tienen todos la peculiaridad de aportar un punto de vista intelectualmente gamberro, pero sin detrimento de la calidad”, explica Barrueco, que añade que “son cortos de terror y de ciencia ficción, pero también comerciales en plan gamberro y en general cortos que aporten una visión crítica sin perder el sentido del humor”.

Un veterano festival de cortos

Barrueco aclara que Mecal Factory nació hace año y medio como base de operaciones para el festival de cortos Mecal, uno de los más veteranos de la ciudad y que este francés de los Alpes, que llegó a Barcelona, como tantos otros estudiantes, con una beca Erasmus, ideó como medio de vida para poder residir en la capital catalana. “Tuve claro, desde que puse el pie aquí, que Barcelona era mi ciudad y quería quedarme a vivir en ella”, manifiesta. Era entonces 1997 y ya logró articular una propuesta cultural concibiendo un festival de cortometrajes iconoclasta y alternativo, al que bautizó como Mecal. Festival Internacional de Cortometrajes y Animación.

“Nuestra primera edición fueron en realidad dos sesiones por las fiestas de la Mercè, creo recordar que de 1998. Era un todo o nada entre tanta oferta, pero milagrosamente funcionó y decidí seguir al año siguiente”, rememora. Mecal terminó encontrando acomodo en el CCCB, donde se consolidó en dos facetas, una llamada Mecal-Pro, una suerte de feria destinada a los profesionales del sector del cortometraje, y otra conocida como Mecal-Air, que consistía en la programación estable en las noches de verano de cortometrajes al fresco en la terraza del CCCB.

No obstante, llegaron tiempos difíciles a partir de 2006: “La dirección del CCCB nos anuncia ese año que tenemos que dejar el centro por la gran saturación de festivales que acoge, por lo que nos vemos obligados a buscar un nuevo hogar para el proyecto”. Lo consigue dividiendo el Mecal-Pro del Mecal-Air; por ejemplo ubicando el primero “en salas como la Apolo en fechas menos veraniegas” y llevando a cabo el festival al fresco en sitios como El Poble Espanyol, un espacio del recinto de Montjuic que se dedica a eventos al aire libre.

Encontrar un lugar tras la pandemia

La situación nómada duró hasta la llegada de la pandemia. “Comenzó el auge popular de las plataformas y los cines lo tuvieron todavía más difícil, por lo que nos pareció que Mecal-Air era una buena oportunidad de gozar en verano de una gran pantalla sin tener que estar encerrados en una sala”, dice Barrueco. Finalmente, hace tres años encontró acomodo para el festival en Can Framis una antigua fábrica reconvertida en espacio cultural y gestionada por la Fundació Vila Casas.

El siguiente paso fue reunificar de nuevo Mecal-Pro y Mecal-Air y abrir las oficinas centrales del festival, el espacio Mecal Factory, a pocas calles de Can Framis. “La apuesta por el Poble Nou ha funcionado de momento muy bien”, asegura Barrueco, que desvela que el público que acude “es un poco el reflejo del barrio”. Pero puntualiza que “también hay una importante cuota de seguidores del festival durante todos estos años, que han pasado por todas las sedes y a partir de él, han conocido la Mecal Factory”.

De hecho, revela Barrueco que los planes de expansión del festival, que actualmente tiene sedes en Baleares y planea una nueva en Marsella, no vienen por su interés en llevarlo fuera, “sino por fans que han vivido en Barcelona y han tenido que regresar a sus zonas de origen”. Estos seguidores de Mecal, asegura este barcelonés de corazón nacido en el otro lado de los Pirineos, son quienes le han hecho las propuestas para llevar Mecal-Air a Palma, Ibiza o Marsella. Por el momento, en lo que refiere a Barcelona, la programación del festival para agosto promete: el día uno se proyectarán diversos cortometrajes eróticos.

La semana pasada hablábamos de la gestión cotidiana sobre el patrimonio, hoy lo hacemos en 'macro', un balance del curso que termina y podemos hablar de un verdadero estancamiento en materia de la gestión del patrimonio cultural. Y, ya sabemos que hablar de estancamiento es retroceder, ya que la omisión en ejecutar determinadas medidas necesarias para la gestión, conservación y divulgación del patrimonio cultural significa, irremediablemente, pérdidas:

- Inventarios, catálogos y declaraciones que no se han realizado y que, por lo tanto, dejan nuestro patrimonio cultural al albur del mercado, de los depredadores o de los desaprensivos.

- Bienes a los que no se les ha aplicado medidas de conservación preventivas, piezas y edificios sin restaurar ni rehabilitar que provocan pérdidas irremediables en nuestro patrimonio cultural o nos hurtan de su disfrute [como ordena el mandato constitucional].

- Legislación que no ha salido o no se ha desarrollado y fuerzan a la inoperancia, al no ejecutarse las medidas cautelares o punitivas que se indican.

- Políticas activas de preservación de Bienes y Conjuntos Monumentales, regulación de los flujos turísticos e implementación de medidas de uso y disfrute de dichos bienes.

- Tutela efectiva hacia los bienes culturales. Ya que saben que nuestra legislación es clara al respecto marcando una jerarquía de competencias y responsabilidades, pero todos miran hacia otro lado a la hora de ejercerla, ya sea la administración local, autonómica o estatal.

No queremos ejemplificar cada uno de los epígrafes ya que desbordaríamos los límites de una columna de opinión, o dejaríamos en el tintero más de un asunto de interés para muchos de los lectores. Lo más fácil es dejar hacer, seguir la rutina marcada por la inercia administrativa, la falta de valentía en la toma de decisiones técnicas o políticas, mantener un perfil bajo para evitar polémicas, para no ser señalado, para seguir las cómodas sendas marcadas en las estructuras políticas o administrativas.

Y quien sale perdiendo, siempre, es el patrimonio cultural, al que todo el mundo dice defender y del que muchos sectores económicos sacan provecho. También el que esto escribe que, desgraciadamente, tiene motivos para seguir escribiendo semana tras semana. Ojalá pudiera cambiar el 'chip' y dedicarla solo a recomendar la visita y el disfrute de tal o cual conjunto monumental, monumento, museo o pieza de interés. Pero, mientras tanto me veo obligado a transmitirles lo más claramente posible el calamitoso estado de la gestión de nuestro patrimonio cultural.

El Consejo de Administración del centro cultural Azkuna Zentroa - Alhóndiga Bilbao, presidido por el concejal de Cultural y Gobernanza del Ayuntamiento bilbaíno, Gonzalo Olabarria, del PNV, ha nombrado a Txomin Olabarri Legarreta como nuevo director general del centro. Nacido en Bilbao en 1976, Olabarri es licenciado en Administración y Dirección de empresas por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU) y desde 2010 es director del Bizkaia Arena, el pabellón multiusos del complejo Bilbao Exhibition Centre (BEC) situado en Barakaldo.

Antes de ser director de Bizkaia Arena, trabajó durante cuatro años, desde 2006, como responsable de Diversificación y Nuevos Desarrollos del BEC. Lejos del mundo de la cultura, durante cinco años, Olabarri trabajó como jefe de ventas de Euskadi en SDF Ibérica, una filial de STEF, una empresa francesa especializada en transporte y logística de temperatura controlada, con un enfoque en la industria alimentaria.

“En el mundo laboral he desarrollado, fundamentalmente, la polivalencia y la adaptabilidad como capacidades. Me he desenvuelto en sectores muy dispares (logística, ventas, marketing, ferias y gestión de recintos) y he llegado a la conclusión de que la experiencia es acumulativa y empleable en casi cualquier ámbito. En todos mis años de trabajo, me siento especialmente orgulloso de haber creado entornos de trabajo adecuados y positivos de personas orientadas con los objetivos de la empresa y alineando estos con sus planes de vida”, reconoce el mismo Olabarri en su perfil de LinkedIn.

El nombramiento de Olabarri se ha producido tras un proceso de selección después de que el pasado 12 de diciembre, el que desde 2018 y hasta ese momento fuera el director del centro cultural, Fernando Pérez, presentara su renuncia voluntaria al alcalde, Juan Mari Aburto, debido a que se trata de un centro gestionado por el Ayuntamiento. Pérez tomó la decisión después de que se decidiera dedicar un espacio del centro a la Fundación La Caixa para el proyecto educativo de “un centro de tecnología creativa”, concretamente el espacio Lantegia, una de las iniciativas personales de Pérez.

Tras la dimisión de Pérez, desde EH Bildu presentaron una moción en el Ayuntamiento para pedir que se “rectifique y frente la privatización de Azkuna Zentroa” que no fue aprobada. En su lugar, el Ayuntamiento aprobó “impulsar la colaboración público-privada y la colaboración inter administrativa para implantar este proyecto.

Finalmente y pese a las críticas de “privatización” del centro cultural, el proyecto de La Caixa, de nombre TUMO, se presentó el pasado marzo. El nuevo centro TUMO ocupará un espacio de 1.400 metros cuadrados en los que se desarrollará el programa educativo. Se tratará de un servicio “gratuito y extraescolar” donde los adolescentes de 12 a 18 años, junto con 'coaches' y profesionales del sector creativo y tecnológico, eligen “libremente aquello que les entusiasma y desarrollan su portafolio personal y profesional”, según han explicado los responsables de Fundación La Caixa.

Preguntado por esta cuestión, Aburto argumentó en la presentación que “si el que 1.500 adolescentes disfruten en este espacio de conocimiento y cultura es privatización”. “Debemos cambiar nuestra mentalidad. Yo tengo claro que este proyecto supone acercar el conocimiento y la cultura a esos chicos que no tienen tantas oportunidades. Este proyecto supone la democratización de la cultura y no la privatización de la cultura”, afirmó para después añadir que no ha oído “tantas críticas” al proyecto y que recibieron la renuncia del director Fernando Pérez “con total tranquilidad”.

El proceso de selección del nuevo director se ha llevado a cabo por Campo & Ochandiano, una firma de servicios de consultoría de recursos humanos. Entre los requisitos que solicitaban para el puesto se encuentra que tenga formación universitaria superior en Ciencias Económicas o Empresariales, Derecho o aquellas comprendidas en la rama de Humanidades, una experiencia mínima de 10 años en puestos de Dirección, gestionando equipos de trabajo, nivel C1 de euskera y B2 de inglés y se valoraba experiencia en o para el sector público, experiencia profesional en gestión cultural y el conocimiento de otros idiomas. Por último, la oferta laboral indicaba que se ofrecía “incorporación inmediata, contrato de alta dirección con carácter indefinido y una retribución económica adaptada al nivel y características del puesto”.

“El proceso de selección para la dirección, iniciado el pasado 13 de abril, ha finalizado en un Consejo extraordinario, en el cual se ha acordado el nombramiento de Txomin Olabarri para asumir esta responsabilidad, una vez realizadas las entrevistas personales y valoradas las candidaturas. La resolución de esta convocatoria, que se ha realizado conforme a criterios objetivos de formación, capacidad y experiencia profesional, abre una nueva etapa en el Centro”, concluyen desde Azkuna Zentroa.

La Huerta de San Vicente fue la casa de verano de la familia García Lorca entre 1926 y 1936. Fue allí donde Federico escribió algunas de sus obras más importantes, como Poeta en Nueva York, Bodas de sangre, Yerma o Así que pasen cinco años. Fue también su último hogar antes de ser detenido y asesinado en Víznar en agosto de 1936. Pese a todo eso, hoy es uno de los espacios culturales más olvidados de la ciudad. Para el Ayuntamiento, que aspira a que la ciudad sea Capital Europea de la Cultura en 2031, el problema es estructural y se arrastra desde hace años.

Buena parte de las guías turísticas sobre Lorca ni siquiera la mencionan. Alegan que está “demasiado lejos” del centro histórico de Granada y prefieren centrar los recorridos en otros lugares menos relevantes, como la plaza de los Lobos o la antigua casa de la Acera del Darro, donde apenas vivió el poeta de Fuentevaqueros. Lo cierto es que la Huerta de San Vicente está a apenas veinte minutos a pie de la catedral, dentro del actual parque Federico García Lorca. Aun así, el desconocimiento es generalizado: muchas granadinas y granadinos ni siquiera saben dónde está, y entre las generaciones más jóvenes apenas se identifica como un lugar con valor histórico.

El periodista y escritor Alejandro Víctor García, una de las personas que más ha investigado el legado material y simbólico de Lorca en la ciudad, resume bien el problema: “La huerta no ha sido cuidada como un lugar de memoria. No se ha puesto en valor su importancia como espacio clave para la familia Lorca, ni se ha trabajado para mantenerla como un centro cultural activo. Es un lugar crucial para entender quién fue Federico y qué supuso su obra, pero no se ha querido construir un relato que lo explique”.

La casa, construida en el siglo XIX, fue comprada por la familia en 1925. Es decir, este año es el centenario de su vinculación con Lorca. El padre de Federico, Federico García Rodríguez, la adaptó como residencia de verano, y desde entonces fue el centro de la vida familiar durante casi una década. “Era un lugar de retiro, pero también de creación y de vida cotidiana”, explica García.

Allí convivían los hermanos, los primos, la madre —Vicenta Lorca, gran lectora y figura fundamental en la educación del poeta—, y recibían a amistades, artistas y escritores. Es, de hecho, el espacio donde Lorca pasó más tiempo seguido durante los últimos años de su vida. Precisamente en estos se cumple el décimo aniversario desde que trascendió, en 2015, el informe policial de 1965 basado en una investigación realizada ese mismo año que corroboraba la ejecución de Lorca por las autoridades franquistas.

Sin protección

Dentro de la casa se conservan muebles originales, el escritorio donde escribió buena parte de su obra, el piano de la familia, su cama, objetos personales, fotografías, cartas. Pero también se respira algo más difícil de cuantificar: “En la huerta se percibe el Lorca íntimo. Es un lugar doméstico, en el mejor sentido. Habla de la vida familiar, del calor andaluz, de la rutina, del verano. Es un lugar lleno de humanidad”, resume Alejandro Víctor. El inmueble y su jardín apenas han cambiado desde entonces. Sin embargo, pese a su valor simbólico y literario, no cuenta con ningún tipo de figura legal de protección. No es Bien de Interés Cultural (BIC) ni está catalogado como patrimonio histórico.

No siempre estuvo olvidada. Entre finales de los 90 y principios de los 2000 vivió su época dorada como museo. Con una dirección implicada y un proyecto cultural vivo, fue un centro de creación y difusión, con actividades frecuentes, visitas escolares, exposiciones, música, teatro y conferencias. Pero tras un cambio político y de gestión, el espacio entró en decadencia. “Se desmanteló el modelo, no hubo continuidad ni voluntad de mantener un proyecto cultural fuerte”, denuncia García.

En los últimos años, el museo ha sufrido cierres intermitentes, la programación ha desaparecido casi por completo y los relevos en la dirección no han venido acompañados de ningún plan a medio o largo plazo. Incluso uno de sus trabajadores tuvo que ser apartado tras descubrirse mensajes franquistas en sus redes sociales. La sensación general es la de un lugar dejado a su suerte.

Un espacio “aislado”

A eso se suma la falta de integración con el resto del legado lorquiano de la ciudad. La apertura del Centro Lorca en la plaza de la Romanilla no sirvió para reforzar la red, sino para fracturarla. “No se ha articulado un relato que conecte todos los espacios lorquianos. El archivo está allí, pero no es accesible. La huerta queda aislada, como un anexo sin contenido”, lamenta Alejandro Víctor. La ciudad, además, parece haber interiorizado ese abandono. La Huerta de San Vicente ya no está en el imaginario colectivo, ni siquiera aparece de forma destacada en los planes municipales para la capitalidad cultural europea de 2031.

Juan Ramón Ferreira, concejal de Cultura, asegura que el estado actual de la huerta no responde a una falta de interés político sino a las limitaciones presupuestarias que impone el Ministerio de Hacienda al consistorio. “No podemos aumentar el capítulo 1 del presupuesto y contratar a más personal. Estamos intervenidos”, explica. “La huerta tiene que estar en condiciones de ser visitada, con el respeto que merece. Pero ni antes ni ahora ha sido así del todo. Y mientras no podamos hacer una reforma en profundidad, ¿qué hacemos? Pues parchear”.

La decadencia de la huerta no es nueva. Tras años de esplendor cultural a finales de los 90, con conciertos de artistas como Lou Reed o Chavela Vargas y ciclos de conferencias, su actividad fue perdiendo fuerza a medida que desaparecieron los patrocinios y los recursos municipales fueron menguando. “Cuando se acabaron los apoyos económicos relevantes, la maquinaria municipal no pudo sostener aquello”, señala Ferreira. “Esa debilidad se arrastra desde hace décadas”.

Por su parte, Celia Correa, presidenta del Centro Artístico, Literario y Científico de Granada, cree que la ciudad y las instituciones tienen que tomarse más en serio este espacio lorquiano: “Granada no ha sabido cuidar su legado cultural. Con Lorca teníamos una oportunidad inmensa, pero la hemos desaprovechado. Málaga, con Picasso, lo ha hecho infinitamente mejor. Aquí ni siquiera hemos sabido unir esfuerzos”.

Porque la Huerta de San Vicente fue el refugio estival de la familia Lorca durante algunos de los veranos más creativos del poeta. Más que una casa de recreo, fue un espacio simbólico, íntimo y vegetal donde se mezclaban los olores de la alameda, el sonido constante de la acequia, la conversación con los jornaleros de la Vega, la contemplación de las cosechas, las siestas interminables y las noches de piano. Alejandro Víctor García, periodista y especialista en la Granada lorquiana, recuerda que “ahí Federico vivía en una doble dimensión: la de la familia y la del poeta. Fue allí donde escribió algunas de sus obras más decisivas, donde pulió las tragedias rurales, donde se recogía del bullicio granadino para mirar hacia dentro.”

Pese a las limitaciones, Ferreira afirma que su concejalía trabaja para dotar a la huerta de mayor estabilidad. “Estamos buscando soluciones provisionales para minimizar los problemas. La voluntad está. Pero no nos dejan contratar. No es que no queramos. Es que no podemos”, repite. También deja claro que, aunque los fondos europeos podrían ayudar a desarrollar actividades puntuales o programas, no pueden cubrir el gasto estructural de personal: “Eso es capítulo 1 y está restringido”.

Desconocido para las nuevas generaciones

Pero lo más preocupante, quizás, es que esa huerta —con su casa convertida en museo— no está viva. No lo está para las nuevas generaciones, ni para los visitantes de la ciudad, ni siquiera para muchas instituciones culturales. La distancia que la separa del centro histórico ha servido de excusa para arrinconarla de las rutas turísticas oficiales. “Está demasiado lejos”, suelen decir quienes elaboran folletos o itinerarios que pasan por la Casa Natal de Fuente Vaqueros o el entorno de la Alhambra, como si diez o quince minutos de paseo por el Parque García Lorca fueran una pérdida de tiempo para entender la vida del poeta.

Remedios Murillo, referente de la defensa patrimonial desde la Asociación Ciudadanos por Granada, lo resume sin rodeos: “La huerta fue clave en la obra de Lorca, mucho más que su lugar de nacimiento. Allí pasaban veranos largos, de julio a octubre. Era un lugar de encuentro, de conversación, de memoria familiar. Mariluz Escribano —que perdió a su padre el mismo día que mataron a Federico— me contaba que ella de niña siempre estaba en la huerta, que se hablaba de él constantemente, que la acequia, los sembrados, la vega, todo eso está en sus versos.”

Y, sin embargo, el lugar permanece infrautilizado. En los últimos años se han sucedido los cierres de la casa-museo, las reformas discretas y los silencios administrativos. La desvinculación con la ciudadanía es tan profunda que muchos jóvenes granadinos no asocian ese espacio con Federico García Lorca. Se ha desactivado el relato, se ha silenciado su pulsión simbólica. “Es que ni los colegios van. No hay un día al año que se dedique a leer su poesía allí, ni se programan rutas regulares. Hay conciertos y cine de verano, sí, pero la memoria viva de la huerta se ha ido perdiendo,” lamenta Murillo.

En paralelo, la figura de Lorca se ha convertido en un activo cultural desdibujado por los intereses y los errores políticos. Remedios es contundente: “La gestión del Centro Lorca ha sido un desastre desde el inicio. Laura García Lorca, que venía de Nueva York, fue un pozo sin fondo. No hacía nada, fumaba, hablaba por teléfono y no tenía ni titulación. Y aun así se gastaron millones. Y lo peor: el Centro sigue sin vida, sin programación estable, sin relación real con la ciudadanía.”

El resultado es una paradoja amarga: Granada aspira a ser Capital Europea de la Cultura en 2031 mientras ignora los lugares esenciales de su mayor creador. El propio concejal de Cultura matiza que, aunque la candidatura de la ciudad es importante, no se puede vincular cada deficiencia cultural con ese objetivo. “Cada vez que hay un problema cultural en la ciudad parece que alguien lo relaciona con la candidatura. No todo es eso, aunque la figura de Lorca es parte esencial”.

La Huerta de San Vicente podría ser un espacio de vanguardia pedagógica, un núcleo de creación poética, un centro de interpretación del paisaje lorquiano. Pero hoy es, en palabras de quienes la defienden, una casa cerrada en un parque desatendido, una reliquia que no conecta con los cuerpos vivos de la ciudad.

El PSOE ha denunciado que el Plan de Gestión Municipal que presentó el viernes el Equipo del Gobierno del PP “contiene una subida generalizada de impuestos, tasas y precios públicos, así como una evidente reducción de los servicios públicos y de las subvenciones al tejido social y económico de la ciudad”.

El portavoz del grupo municipal socialista, Luis Alonso ha añadido: “El PP niega recorte alguno, pero esto sabemos ya que no es verdad, tal y como lo demuestra lo sucedido con la cultura o las ayudas a la rehabilitación”. “El Partido Popular se presentó a las elecciones de 2023 con la promesa de bajar los impuestos, pero la realidad demuestra lo contrario”, ha añadido.

Tal y como ha advertido Alonso, este Plan se acredita que “habrá una subida generalizada e importantísima de los impuestos y las tasas municipales, con la subida del IBI, de la basura y del IAE y de los precios públicos”.

“Nos preocupa la letra pequeña de este Plan de Gestión Municipal, que incluye un amplio abanico de recortes en la prestación de los servicios públicos, recortes que van a afectar a toda la oferta cultura, especialmente a la biblioteca Rafael Azcona, el Teatro Bretón y Casa de las Ciencias”, ha apuntado. También afectará a “todos los servicios municipales básicos, como la limpieza, basuras y mantenimiento de las zonas verdes”. “Tampoco se van a librar del tijeretazo del PP los servicios sociales y las guarderías municipales”.

Por todo ello, ha dicho el portavoz socialista se oponen “frontalmente” a este Plan de Gestión “que lo único que va a conseguir es deteriorar la calidad de vida de la ciudad y de los vecinos y vecinas de Logroño”. Luis Alonso ha exigido al Equipo de Gobierno que “no aplique este Plan y que, además, se someta a debate en el Pleno del Ayuntamiento”. 

La Fundación Siglo de Oro, Medalla de Oro de la Academia de las Artes Escénicas en 2018 y con más de 15 años de experiencia en la producción y exhibición de espectáculos del Siglo de Oro, así como en la creación y programación de espacios culturales, asume en 2025 parte la programación del Corral de Comedias de Almagro que dará comienzo el próximo viernes 7 de marzo, a las 20.30 horas con 'La dama boba' de Lope de Vega.

El Ayuntamiento de Almagro, propietario y gestor del Corral de Comedias, ha propiciado un acuerdo entre Fundación Siglo de Oro y la compañía Umbra Teatro para que programen el histórico espacio compatibilizando las fechas de uso, según informa la fundación.

Esta entidad, cuya compañía ha visitado en numerosas ocasiones la ciudad de Almagro en el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico, pretende dar continuidad a la exhibición de espectáculos del Siglo de Oro, más allá de la cita festivalera.

Según explica en un comunicado, inicia “una labor de inmersión en la estructura sociocultural, vecinal, asociacionista y teatral” en la ciudad y en la provincia de Ciudad Real, “con acciones y actividades paralelas complementarias al teatro”. La intención es poner dotar de “una temporada regular” al Corral de Comedias de Almagro con programación permanente durante 10 meses al año.

Se trata, abunda, de potenciar el ya existente desarrollo social, turístico y cultural de la ciudad, estableciendo nuevas alianzas con instituciones culturales y educativas locales, nacionales e internacionales reforzando la posición del Corral de Comedias de Almagro como centro cultural y teatral de referencia en la divulgación de las artes escénicas barrocas, garantizando al público una oferta sostenida.

Siete compañías para el primer semestre

El programa contará con grandes textos del Siglo de Oro interpretados por el elenco estable y compañías invitadas de todo el mundo presentando montajes cuya calidad y aceptación han sido ya demostradas. En este primer semestre, siete compañías presentarán los espectáculos 'La dama boba', 'El perro del hortelano', 'Don Gil de las calzas verdes', 'La francesa Laura', 'La malcasada', 'El Quijote: los libros, las batallas, el amor y la muerte', 'Ejemplares de Cervantes', 'La farsa del Siglo de Oro 2.0', 'Bululú', 'La monja alférez', 'El Buscón' y 'El lazarillo de Tormes'.

Cuenta para cumplir estos objetivos con colaboradores externos nacionales e internacionales como investigadores, universidades, representantes institucionales, creadores y técnicos de diferentes especialidades artísticas.

El Corral de Comedias de Almagro será, asegura la entidad, “una ventana abierta a creadores y compañías, tanto noveles como consolidados”. Se impulsará una formación continua para profesionales en el marco de la creación, producción y exhibición, y se realizarán trabajos paralelos formativos junto y para el público, vecinos, asociaciones, estudiantes y colectivos de la ciudad de Almagro y de la comunidad de Castilla-La Mancha.

Fundación Siglo de Oro defiende el acceso a la cultura “como un derecho que dignifica a la persona y normaliza su inclusión plena en la sociedad”. El proyecto cultural que llevará a término en el Corral de Comedias de Almagro, según explica, abrirá sus puertas a personas en situación de vulnerabilidad.

Para ello, adaptará sus montajes haciendo un teatro accesible para todos, teniendo en cuenta las distintas capacidades de todas las personas y eliminando barreras físicas, cognitivas y sensoriales.

Fundación Siglo de Oro colabora con la entidad Hazlo Accesible para llevar a término estas actuaciones y, además, ofrecerá un teatro inclusivo asegurando que todas las voces sean escuchadas y la diversidad reflejada en escena.

Creada en 2011, Fundación Siglo de Oro es un proyecto cultural con financiación y gestión privada, “con una total independencia artística y plena libertad creativa”, detalla, que nació “con el propósito de fomentar la difusión nacional e internacional de uno de los bienes más preciados de nuestro patrimonio artístico y cultural”.

La reciente publicación por la Fundación Contemporánea de los datos proporcionados por el Observatorio de la Cultura para 2024 nos ofrece una información muy valiosa para realizar un análisis de la gestión de los eventos e instituciones culturales en nuestra región.

Independientemente de la posición que alcancen las ciudades en el ranking regional o nacional -lo único que nos indica para nuestra región es que el tamaño no importa-, resulta interesante porque destaca el papel que juegan Festivales de carácter específico como el Internacional de Teatro de Almagro, los de la Semana de Música de Cuenca o el de El Greco de Toledo, los de cine Abycine de Albacete o CIBRA para Toledo, o los museos especializados como el Museo de Arte Abstracto Español. Fundación Juan March o la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. 

Resaltar que una parte de los eventos destacados se desarrollan en áreas del mundo rural, no solo el Festival de Teatro de Almagro, sino la magnífica gestión que, de unos años a esta parte, desarrolla el Monasterio de Uclés. O en la vecina Saelices la gestión del Yacimiento arqueológico de Segóbriga. 

También resulta llamativo -no sabemos en qué parámetros se basan los autores del informe-, que la catedral de Cuenca alcance un índice mayor que la Primada de Toledo, que cuenta con más relevancia monumental y obras de arte, número de visitantes, infraestructura archivística y museográfica y actividades culturales (publicaciones, conciertos, conferencias, representaciones, etc.) desarrolladas a lo largo del año.

Las lecciones son varias: si se quiere atraer a un público nacional o internacional o se quiere aportar algo nuevo al panorama cultural hay que escoger conceptos universales y cuya oferta sea exclusiva. Las instituciones o eventos incluidos en las listas nos enseñan que no importa el presupuesto asignado a los proyectos o a las instituciones, ni la localización geográfica o el tamaño de la población en donde surja la iniciativa o se ubique el centro cultural. Es la excelencia en la gestión la que proporciona el mayor de los éxitos: el reconocimiento del público o de los sectores especializados.

Recuerdo que cuando puse en marcha el Museo de 'La Tía Sandalia' que pretendía que la colección de esta artista ingenua fuese el germen de un Centro Nacional de Escultura Naíf (en Jaén ya existe un museo provincial con pintura de ese género). No lo vieron entonces, hace cuarenta años, los dirigentes locales. Hoy, con su obra expuesta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en la exposición titulada 'Esperpento, Arte popular y revolución estética', sabemos que ese centro villacañero hubiera sido un referente en su género.

Por eso nos tiene que llamar la atención que, fuera de Toledo y Cuenca, y salvo el festival de Cine de Albacete, ninguna de las otras grandes ciudades de la región ha sido capaz de desarrollar proyectos culturales que se alcancen una dimensión que llegue más allá del ámbito local o regional.

Nuestra región tiene recursos culturales muy valiosos y con una enorme capacidad de ser conocidos y reconocidos en su labor de crear, conservar o difundir el patrimonio cultural. Creemos las sinergias oportunas para hacer que las buenas prácticas puedan situar en próximas ediciones a más instituciones y eventos culturales en las listas que el Observatorio de la Fundación Contemporánea elabora. 

El Observatorio de la Cultura, un panel de profesionales convocados por la Fundación Contemporánea que anualmente valora la vitalidad de su sector en toda España, ha elegido el festival Extrarradios como lo mejor de 2024 en Aragón. Es el que asumió el relevo de Periferias tras su cancelación por el Ayuntamiento de Huesca -exigida por Vox-, y lo hizo manteniendo su espíritu multidisciplinar y desprejuiciado y con el mismo técnico cultural, Luis Lles, alentándolo. Se celebró entre los pasados días 25 y 27 de octubre en Almudévar y del 31 de ese mismo mes al 3 de noviembre en Ayerbe, con toda la programación girando temáticamente en torno a la censura.

Este informe, que se confecciona desde 2009, se ha presentado por primera vez en un acto público y ha sido en una ciudad que lleva tiempo apostando por la cultura en su acción política, en Málaga, en el cine Albéniz. Estaban presentes, junto al alcalde, Francisco de la Torre, y el presidente de la Fundación Contemporánea, Alberto Fesser, directivos del Museo del Prado, el Teatro Real, el Círculo de Bellas Artes, Radio 3 o el Centro Niemeyer, entre otros de los 461 artistas y gestores de todo el país, responsables de muchas de las instituciones y programaciones más relevantes, que respondieron el cuestionario. Ha sido una celebración del sector en la que se ha alternado la comunicación de los resultados con las actuaciones de la violinista y ‘performer’ Luz Prado y la cantaora Rocío López ‘Boterita’.

Extrarradios estuvo representado en la gala por los alcaldes y concejales de Cultura de Almudévar y Ayerbe, además de por Luis Lles, y recibió una obra del artista Juan Cabello Arribas que acredita el reconocimiento obtenido. Tras este festival, se destaca en Aragón la labor del encuentro de arte urbano Asalto, el ciclo musical Bombo y Platillo, el festival SoNna, el Doña, el Caixaforum, la asociación OCRE, El Bosque Sonoro, el Festival de Cine de Huesca, el Manhattan, el Brizna, el Festival de las Artes de Ayerbe, Pirineos Sur, Vive Latino, Slap! y Danza Mínima.

Irrelevancia cultural

Cada uno de los panelistas participantes elegía, además de diez actividades de su propio territorio, otras tantas del resto de España que considera dignas de elogio. Con estas últimas se ha compuesto una relación a nivel nacional que da un número total de 108. Como en el anterior Observatorio, ninguna aragonesa se sitúa entre ellas, a excepción de las del Caixaforum (el zaragozano se integra en la red de estos centros distribuida en varias ciudades, que aparece en los primeros puestos tras el Museo del Prado, el Reina Sofía, el Festival de San Sebastián, el Guggenheim, el Thyssen y el CCCB) y, más tangencialmente, de Photo España, que, aunque tiene su sede en Madrid, también lleva alguna exposición a Zaragoza y otras localidades españolas y ocupa el vigésimo cuarto lugar del listado.

Los resultados aragoneses son esta vez particularmente pobres porque la valoración de la calidad e innovación de su oferta cultural en 2024 le hace caer dos posiciones respecto al año anterior, hasta dejarle en el último puesto de las 17 comunidades autónomas. Madrid, Cataluña y País Vasco encabezan el ‘ranking’, seguidas de Andalucía y la Comunidad Valenciana. En un segundo bloque figuran Galicia, Navarra, Asturias y Cantabria. A distancia, Castilla y León, Baleares, Canarias y, aún más lejos, Castilla-La Mancha, Región de Murcia, La Rioja y Extremadura.

A Aragón no se le nombra nunca ni en las clasificaciones temáticas (de los mejores festivales, ferias, museos, centros culturales o teatros) ni en otra que rastrea los avances en la cultura digital. Sí aparece en la que toma el pulso a las novedades más relevantes de la temporada pasada gracias a Extrarradios, y en otra que destaca lo sucedido en el medio rural, de nuevo por Extrarradios, esta vez en compañía de más festivales: Brizna, Doña, El Bosque Sonoro (elogiado también en otro apartado por su compromiso social) y Manhattan.

En cuanto a las ciudades, Zaragoza asoma en el décimo puesto de una lista de 50 (lo conserva respecto al año pasado), a Huesca se le encuentra en el número 37 (cae desde el 30) y Teruel ni siquiera entra.

En el Observatorio de la Cultura presentado en Málaga se preguntaba también a los encuestados, por primera vez, sobre qué consideran lo mejor del patrimonio histórico-artístico y natural de sus respectivas comunidades autónomas. Los aragoneses se han decantado por el monasterio de San Juan de la Peña, el castillo de Loarre, el palacio de la Aljafería, la Seo de Zaragoza y el castillo de Alquézar.

Correctivos nacionales

Las valoraciones de los profesionales expresadas en este informe no se corresponden, un año más, con las decisiones políticas que se están tomando en Aragón. La encuesta anterior, la que destacaba lo mejor de 2023, situó en primera posición a nivel autonómico precisamente al antecedente del Extrarradios: el festival Periferias, que fue cancelado por el Ayuntamiento oscense tras la edición de ese año. Y se señalaba también entre lo más valioso a Etopia, que a continuación dejó de ser el centro de arte y tecnología que le valió este reconocimiento para ponerse al servicio del emprendimiento empresarial, y a Harinera ZGZ, luego desmantelada como experiencia de cultura comunitaria para estar dirigida directamente por el Consistorio zaragozano.

El cambio de rumbo en Harinera también ha merecido otro reciente ‘toque’ nacional en forma de la Medalla al Mérito en las Bellas Artes para el colectivo que gestionaba este centro, Llámalo H, anunciada el pasado 23 de diciembre por el Gobierno central.

Olatz Gorrotxategi (1982, Bilbao) dramaturga y directora de escena con amplia experiencia en pedagogía teatral, así como en la gestión y producción escénica, comenzó siguiendo un hilo para crear el proyecto de artes escénicas Coordenadas, sobre testimonios y documentos de la Guerra Civil y la memoria histórica y terminó contando en 43º13'44'' (las coordenadas de su propia casa) una historia más cercana e íntima: la de su abuelo y el hermano de su abuelo, desaparecido en aquella época. Después, creó Mierda de ciudad, una obra sobre una generación: la del punk y el rock radical vasco. “Una obra sobre el fracaso. Caravanas de colonos que buscan un lugar mejor en el que empezar. Una generación que busca su lugar. El punk ha llegado. Un duelo. El silencio existencial del western”, describe.

La última de sus creaciones es Progreso, que se estrenará los días 9 y 10 de febrero –en euskera y castellano respectivamente– en Azkuna Zentroa de Bilbao, se trata de un documental en directo sobre al historia del plástico, una visión crítica sobre el maltrato que la especie humana da al planeta y que invita a reflexionar sobre quiénes son los responsables.

En la apertura de la página web de Gorrotxategi hay una frase: “Trabaja en lo que te gusta y no tendrás que trabajar ni un día”. La propia autora ha tachado lo de “no tendrás que trabajar ni un día” por “tendrás que trabajar muy duro todo el tiempo sin límites y tomándote todo extremadamente personal”. Por eso mismo, más que una “artista”, ella se describe como una “currela de las artes escénicas”.

¿Qué es el arte para usted?

Por un lado, considero que el arte y la cultura son lo que diferencia a nuestra especie de otras. Por otro, para mí es algo que me nutre y que disfruto. No soy tan osada de llamarme a mí misma artista, me describiría más como una currela de las artes escénicas.

Muchos de sus proyectos tienen un transforndo social. ¿Ese es uno de sus objetivos?

Más que objetivos, son unos de mis intereses. Cada proyecto es diferrente y plasmo en él, en cada pieza escénica, la obsesión del momento. A mí me gusta mucho trabajar desde el teatro documento que, como generalmente habla de historias y sucesos reales, es algo verídico y tiene que ver con la sociedad que vivimos. Normalmente lo que más me apetece contar es lo que más nos toca, lo social, lo político y lo histórico.

Dos de sus proyectos sobre memoria histórica son Coordenadas y 43º13'44''. ¿Cómo fueron esos procesos para usted?

Son dos piezas distintas y fueron procesos un poco diferentes pero es verdad que de uno de ellos salió el otro, de Coordenadas surgió 43º13'44''. Son proyectos de memoria histórica sobre las personas desaparecidas durante el alzamiento fascista. Supuso un proyecto de investigación muy grande de lectura y búsqueda. En esa búsqueda me encontré con una historia en casa donde mi aitite era el protagonista. Tirando del hilo pude hacer una segunda pieza de memoria histórica muchísimo más íntima, cercana y más humana. Y ese fue mi primer contacto con el teatro documental.

Después llegó Mierda de ciudad, una obra sobre la generación del rock radical vasco. ¿Cómo surge ese interés por escribir sobre ello?

La verdad es que la idea llegó mucho antes de ponerla en práctica. Llegó de una persona que estuvo durante mucho tiempo insistiendo en que estaría muy bien hacer algo sobre el rock radical vasco. Al principio, esa idea me sonaba un poco marciana o fuera de lugar. Yo estaba muy acostumbrada a esa música, porque es música de mi adolescencia y es algo que ha estado muy presente siempre, hasta que empecé a plantearme qué forma podría tener ese espectáculo. Empecé a juntarme con personas que tenían el mismo interés que yo y la idea fue creciendo hasta que terminó desarrollándose.

¿Había sitio para las mujeres en el rock radical vasco? ¿Se trata ese tema en la obra?

Hablamos del tema del machismo y en varios momentos de la pieza se reivindica el feminismo, no solo relacionado con el rock radical vasco, sino con todas las luchas de la época como las once de Basauri [once mujeres en situación precaria que fueron condenadas seis meses y un día de prisión, así como de once años de inhabilitación especial por haber abortado que estaban a favor de legalizar el aborto y en otros momentos diferentes.

Su última obra, que se estrenará el próximo febrero en Azkuna Zentroa de Bilbao se llama Progreso, y trata sobre la evolución humana y su relación con la historia del plástico. ¿Cómo la describiría?

Se trata de un documental, dentro de un documental que está dentro de otro documental. Somos un grupo de documentalistas que estamos en escena aprovechando que solemos trabajar mucho el teatro documento. Trabajamos mucho la cámara en vivo y grabamos un documental sobre el plástico en directo donde hacemos planos de cine y utilizamos lenguaje audiovisual. De repente, nos encontramos con una sociedad en el escenario que está empezando a desarrollarse desde los albores, desde el principio de su historia. Y el tercer documental somos nosotras viendo cómo miramos a esa sociedad, qué estamos contando nosotras a través de la cámara. Ese tercer documental hablasobre nosotras que estamos en escena.

En la nota de prensa de presentación de la obra escribes que “la obra es apta para todos los públicos siempre que sea un público responsable: cualquier ruido o movimiento brusco puede alterar a la nueva sociedad de Homo sapiens que evolucionará durante la obra, ya que esta especie animal, que ocupa el último lugar en la escala evolutiva, puede ser muy susceptible y atacar”. ¿Por qué?

Porque somos animales y a veces se nos olvida que somos vulnerables, que nos podemos sentir atacadas, de manera metafórica también, y podemos llegar a atacar y hacer daño. Ese daño puede ser emocional, pero también con acciones como las guerras o la destrucción.

En ese sentido la historia del plástico puede ser sobre destrucción. Algo de lo que los humanos pueden ser responsables.

Claro, yo siempre trabajo con analogías en mis espectáculos. Y esta vez, la analogía es la historia del plástico, que tiene un comienzo interesante y muy bonito. Es un material que viene a ayudar a toda la humanidad a crear objetos a bajo costo para que lleguen absolutamente a todo el planeta, para que todo el planeta pueda tener un cubo de plástico, por ejemplo, que son necesidades básicas para nosotras, pero que le cambian la vida a gente que viven en otros lugares. Entonces, una cosa que nace como algo tan maravilloso de repente puede ser nuestra destrucción. Y es un paralelismo con la propia historia del ser humano, de los homo sapiens, que algo que podría ser maravilloso, como la creación de una especie que ha evolucionado, que es inteligente, puede llegar también al fracaso de la especia, a maltratar el planeta o a generar guerras. Esa es la analogía de este espectáculo.

¿Considera que en ese sentido la sociedad está aprendiendo a dejar de destruir el planeta o, por el contrario, la sociedad consumista empuja a seguir consumiendo de manera descontrolada sin ser realmente conscientes de ello?

Creo que las personas hacemos todo lo que podemos. Creo que la responsabilidad no es nuestra. Podría serlo en un porcentaje muy bajo, pero nosotras consumimos porque se nos obliga a consumir, porque es algo que se potencia. Consumimos de manera tan exagerada porque las empresas, las fábricas y la gente que crea estos productos no buscan otras maneras de consumo. No les importa con tal de que ese material sea fácil, rápido de construir y sea barato. No les interesa buscar otro tipo de materiales y no piensan qué va a ser de ese objeto después de que termine su vida útil. Es absurdísimo. Te dan una pajita de papel dentro de un pástico en los zumos. No tiene sentido. Es algo que no necesitamos. Nadie necesita consumir así. Pero la responsabilidad no creo que sea de las consumidoras, nos obligan a hacerlo, nos meten necesidades en la cabeza. Y este mundo precario tampoco ayuda porque la gente prefiere comprar ropa de China porque es más barata que apostar por productos locales. La responsabilidad es de alguien que está bastante por encima de nosotras.

Ha mencionado la precariedad. ¿De qué manera impacta en una profesión como la suya?

La verdad es que no lo sé. Siempre he estado en esta profesión y he diversificado muchísimo mi trabajo. Mi futuro laboral no es algo que me preocupe, sé que de una forma u otra voy a buscar algo que hacer. Aunque es cierto que las condiciones no tientan para que más gente trabaje en la cultura, quienes nos dedicamos a esto lo hacemos por una apuesta personal, con todo lo que supone hacerte autónoma, buscar trabajo, estar peleándote con subvenciones, etc. Cuando en realidad estamos haciendo un trabajo que junto a la educación y a la sanidad es indispensable para vivir en una sociedad.

¿A lo largo de su carrera cómo valora la situación de las mujeres en el sector?

En artes escénicas siempre ha habido muchísimas mujeres trabajando. En mi círculo, la mayoría somos mujeres, también en roles de responsabilidad. No sé si es la burbuja en la que yo vivo o si es representativo de toda la profesión. Yo no he tenido dificultades en ese sentido más allá de algún rifirrafe con alguna persona que trabajaba en otras áreas relacionadas con las artes escénicas, a la que de repente no le hacía gracia que una mujer le dijera cómo tenían que ser las cosas, pero siempre ha sido algo puntual.

Pensábamos en un titular para esta segunda entrega sobre balances de gestión de Nuestro Patrimonio durante el año que termina, en este caso, de la Viceconsejería de Educación, Cultura y Deportes y, realmente, después de meditar qué es lo que falla en cada uno de los servicios dedicados a la gestión del Patrimonio cultural hemos pensado que no podemos seguir repitiendo lo mismo que hemos dicho en otros balances anuales, sino que hemos de buscar el origen de la ausencia de eficacia en la propia estructura de la Viceconsejería, centrándonos en este tema y dejando a un lado las actividades culturales, la gestión del deporte y las políticas destinadas a la juventud.

Creemos, y es nuestra humilde opinión, que la Viceconsejería -en algún momento como Consejería-, bajo un signo político u otro, ha pecado de excesivo dirigismo y de rigidez administrativa, con falta de autonomía y capacidad de gestión de recursos económicos propios para cada uno de los actores de la gestión de nuestro patrimonio cultural.

Un centralismo que hace que se asfixien todo tipo de iniciativas, aporten una rigidez innecesaria en la planificación de cada una de las entidades de gestión ya sean las delegaciones provinciales, los archivos, bibliotecas, parques arqueológicos o los museos dependientes del gobierno regional, aumentando así eficiencia y, sobre todo, la desafección de la ciudadanía como última destinataria de las políticas culturales.

Por supuesto, que hay otros modelos en las distintas comunidades autónomas y en otras latitudes fuera de nuestro país. Desde la externalización de la gestión cultural hasta la estructura que aquí analizamos, que pudiera servir para un pequeño territorio como los territorios uniprovinciales, pero no para una región tan extensa y unos recursos económicos y humanos tan limitados. Prueba de ello es que actualmente presenta altos índices de ineficiencia y una falta de adecuación a nuevas necesidades.

Y no, no se nos puede decir que generalizamos, o que no ponemos ejemplos concretos. Semana tras semana hemos ido trasladando a los lectores y lectoras muestras de buenas prácticas, pero, desgraciadamente, muchos más problemas puntuales, necesidades no atendidas, y no queremos hacer aquí un recopilatorio de ello, lo tienen ustedes en la base de datos digital de esta columna.

Y es que falta planificación -el último Plan digno de ese nombre se realizó hace treinta años y no hemos vuelto a ver algo parecido-, no funcionan correctamente los consejos asesores que señalan la propia normativa con la que se ha ido dotando el corpus administrativo regional, ni la participación ciudadana. Tampoco se ha creado una práctica política de coordinación con las administraciones provinciales o municipales más allá de ejemplos de colaboración puntuales con tal o cual diputación o ayuntamiento.

Y no sólo es responsabilidad de los gestores de la Viceconsejería de Cultura, sino que también hay que señalar la falta de una oposición que realmente cumpla esa función en esta área. Parece que a los partidos políticos la gestión cultural sigue siendo una guinda que adorna el pastel y no un derecho básico de la ciudadanía, tal como señala la UNESCO, las directivas europeas y la propia Constitución española.

El Centrte de Cultura Contemporània de Barcelona ha presentado hoy su programación para 2025, en la que destacan las exposiciones sobre el dibujante y viñetista norteamericano Chris Ware y la gran escritora catalana Mercè Rodoreda. Por su parte, el pensador francés Georges Didi-Huberman comisariará una coproducción del CCCB y el Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) titulada En el aire conmovido y que tendrá un formato de “ensayo expositivo”.

En el apartado de debates, una sección que suele servir de eje de pensamiento al centro, destacan la apuesta por un ciclo sobre la ciencia radical y su papel en un mundo en el que crece el negacionismo científico. Otro ciclo abordará la relación de la ciudad y el turismo y, finalmente, la bienal de literatura Kosmopolis dedicará el certamen a la literatura surcoreana. El anteriores años, la reciente Nobel Hang Kang ha visitado el CCCB como ponente.

No obstante, la exposición Amazonias. El futuro ancestral, que se estrenó en noviembre, continuará vigente durante buena parte de 2025 y, con ella, el amplio ciclo de debates y conferencias que abordan las políticas de sostenibilidad ecológica y cultural no solo en la región sino en todo el mundo. Finalmente, en el apartado de residencias, este año colaborarán con el CCCB tres mujeres: la cineasta zimbabuense Tsitsi Dangarembga, la escritora filipina Patricia Evangelista y la lingüista indígena mexicana Yásnaya Aguilar.

Aumento de presupuesto y recuperación de la asistencia

Para llevar a cabo la nueva temporada, el CCCB dispondrá de un presupuesto inicial de 16,6 millones de euros, lo que significa un 7% más que en 2024. De este modo se rompe por segundo año consecutivo el récord de presupuesto en la historia de esta institución cultural. En cuanto al balance del año que termina, Judit Carrera, directora del CCCB, destaca la recuperación de los niveles de asistencia anteriores a la pandemia.

Son más 470.000 visitantes hasta diciembre, un 23% más que en 2023, los que han acudido a ver las distintas exposiciones que acogió el centro el pasado año, entre las que destacan Suburbia, dedicada a la cultura de los suburbios residenciales estadounidenses, o Varda, sobre la cineasta Agnés Varda.

Carrera también hace hincapié en la buena salud de la vertiente digital, ya que se alcanzaron las 400.000 visualizaciones de los vídeos expuestos en la versión web. En cuanto a visitas a la página se sitúan en 1.670.000, con más de 480.000 seguidores en las redes sociales.

Chris Ware, de abril a noviembre

La primera novedad expositiva del nuevo ciclo se estrenará el 2 de abril y se prolongará hasta noviembre. Abordará la obra del original dibujante y viñetista Chris Ware. Bajo el título Chris Ware. Dibujar es pensar, la muestra, comisariada por Jordi Costa –también director de exposiciones del CCCB–, es una coproducción del centro y la feria del cómic de Barcelona, FICOMIC.

La exposición realizará un recorrido cronológico por la obra de esta figura, ya legendaria, del cómic con una amplia selección de su obra original en la que ha participado el propio Ware. Además, contará con la participación de la escritora inglesa Zadie Smith, que desgranará los aspectos más importantes del universo gráfico de Ware.

Según Costa, “Chris Ware ha puesto la base teórica para la consideración del cómic como un gran arte”. El comisario describe la obra de Ware como “música congelada, arquitectura, ragtime, corriente de conciencia, memoria, subjetividad y objetividad” y concluye que se trata de “un creador de un gran y complejo lenguaje”.

Didi-Huberman, de mayo a septiembre

Los puntos de partida de En el aire conmovido..., la exposición que el filósofo Georges Didi-Huberman comisariará del 7 de mayo al 28 de septiembre de 2025, son, según explica Jordi Costa, “El Romance de la luna que abre el Romancero gitano –un poema de 1928– y, posteriormente, la conferencia que dio García Lorca en Buenos Aires en el año 1933 sobre el juego y la teoría del duende”.

Con estos mimbres, Didi-Humberman escoge una serie de obras con las que reflexionará sobre la capacidad de emocionar que tienen las imágenes. Serán más de 300 obras de artistas como Goya, Miró, Pasolini, Brecht, Goethe, Picasso, Man Ray, Nietzsche, Víctor Erice, Juli González, Giacometti, Harun Farocki, Henric Michaux o Baruch Spinoza.

La muestra reivindica el poder utópico y emancipador de las emociones, entendidas como una fuerza capaz de derivar en una transformadora conmoción colectiva. Adicionalmente, como cada año desde hace dos décadas, el CCCB acogerá en noviembre de 2025 la vigésima primera edición de World Press Photo.

Mercè Rodoreda cerrará 2025

En diciembre y con la mirada puesta en 2026, pues la exposición se extenderá hasta finales de mayo de ese año, se estrenará Mercè Rodoreda. Un bosque. La muestra, comisariada por los críticos literarios Neus Penalba y Martí Sales, propone un recorrido por los grandes temas de su obra. Penalba es precisamente autora de Fam als ulls, ciment a la boca, un innovador ensayo sobre la autora de La plaza del diamante.

Según Judit Carrera, la exposición sobre Rodoreda “entronca con la gran tradición del CCCB de dedicar muestras a escritores como Borges, Joyce, Kafka, Calders o Salvador Espriu”. “Yo tenía muchísimas ganas, ya de hacía tiempo, de dedicar una gran exposición y un gran proyecto a una de las autoras primordiales de la literatura catalana y, probablemente, una de sus autoras más universales”, apostilla la directora del centro.

Finalmente Carrera concluye que “Rodoreda ha sido tradicionalmente interpretada o como una autora luminosa, burguesa y cursi, o bien como una autora vinculada al mundo del horror de la guerra, pero lo que demuestra esta exposición, a través del comisariado de Neus Penalba y Martí Sales, es que, en realidad y desde la primera obra, existe en Rodoreda una calculada ambivalencia entre luz y oscuridad”.

Visitas de Anne Carson, Rebeca Solnit

En el apartado de residencias destaca, además de la cineasta zimbabuense Tsitsi Dangarembga y la lingüista mexicana Yásnaya Aguilar, la presencia de la escritora filipina Patricia Evangelista, una gran conocedora del periodo en el gobierno de Rodrigo Duterte en su país, que se caracterizó por unas políticas de orden social a base de violencia de estado y la vulneración de los derechos humanos.

También en el apartado literario cabe destacar la presencia de la poetisa canadiense Anne Carson, Premio Princesa de Asturias 2020. Carson, en colaboración con el Festival Barcelona Poesía, visitará en centro por primera vez con un espectáculo que combina danza y música con la lectura de sus textos.

Para terminar, entre otros muchos pensadores y novelistas, cabe citar la presencia de los ensayistas Timothy Snyder o Pankaj Mishra, así como la escritora norteamericana Rebecca Solnit, que explora en sus libros temas como el cambio climático, el feminismo o la democracia. En su última obra, de próxima publicación en España, El camino alternativo (Lumen, 2025), reflexiona sobre las posibilidades liberadoras de aceptar la incertidumbre como única manera de ejercitar la acción y el pensamiento.

El poeta, crítico, gestor cultural, profesor y escritor Àlex Susanna ha muerto a los 66 años, según ha informado este sábado la editorial Edicions 62 y el Institut Ramon Llull.

“Nos entristece comunicaros que nos ha dejado nuestro amigo Àlex Susanna. Prestigioso poeta, dietarista y fundador de Columna Ediciones. Dirigió relevantes instituciones culturales y siempre encomendó entusiasmo por las letras y las artes. Un legado que perdurará. Ya lo echamos de menos”, ha manifestado este sábado el Grup 62 en un mensaje en X (antiguamente Twitter).

Nacido en Barcelona el 12 de septiembre de 1957, fue cofundador y codirector de la editorial Columna (1985-99), así como director de Cultura del Institut Ramon Llull (2002-04) y de la Fundació Caixa Catalunya (2004-09).

A principios de este año, Susanna publicó sú último dietario 'La dansa dels dies', que se suma a la veintena de publicaciones, entre las que se encuentran 'Els dies antics' (1982), 'El darrer sol' (1985) y 'Palau d'hivern' (1987), que le convirtieron en uno de los autores más relevantes de su generación.

Ganó el premio Miquel de Palol por 'Memòria del cos', el premio Josep Pla por 'Quadern venecià' y el premio Carles Riba por 'Les anelles dels anys'.

Además de ser profesor de literatura catalana durante una década en la Universitat Rovira i Virgili (1982-92), también dirigió la Agència Catalana de Patrimoni Cultural (2016-2017) y la Fundació Vila Casas (2020-2023).

“Nos ha dejado Àlex Susanna, poeta, escritor y gestor cultural que trabajó incansablemente por la lengua y la cultura catalanas. Fue director del Instituto Ramon Llull, fundó la editorial Columna y el Festival Internacional de Poesía de Barcelona. Un abrazo a la familia”, ha manifestado este sábado la consellera de Cultura, Natàlia Garriga.

Susanna se licenció en Filología Catalana por la Universitat de Barcelona, y entre 1982 y 1992 fue profesor de literatura catalana en la Universitat Rovira i Virgili de Reus (Tarragona). Como gestor cultural, también fundó y dirigir el Festival Internacional de Poesía de Barcelona (1984-2000), y en 2020 se incorporó como director de arte a la Fundación Vila Casas. Colaboró como articulista en varios medios de comunicación y su obra se ha traducido a numerosas lenguas como el castellano, el francés, el portugués, el inglés, el italiano, el griego, el árabe, el chino o el ruso.

La 22ª edición del Festival de Cine Comprometido de Guadalajara se celebrará este año en la localidad de Azuqueca de Henares, entre los días 2 y 5 de octubre. La organización del FESCIGU ya había avisado de esta cambio de ubicación, después de que el Gobierno de PP y Vox retirase las ayudas municipales que recibía el evento.

El alcalde azudense, Miguel Óscar Aparicio, ha mostrado su confianza en que el evento permanezca ligado en el futuro a Azuqueca “de forma completa y permanente” y se sume a la programación cultural de la ciudad. “Es algo que nos enorgullece, sobre todo porque los azudenses podrán disfrutar de cine internacional de calidad durante al menos tres días, sin tener que desplazarse a otro municipio”, ha destacado el regidor durante la presentación de la 22ª edición del evento, que se celebrará en las instalaciones municipales del Espacio Joven Europeo (EJE). 

Aparicio ha valorado la propuesta como una de las citas culturales “más importantes de nuestra provincia y con mayor proyección nacional e internacional” y ha recordado que en años precedentes Azuqueca ha participado con Chemo-Liconsa como patrocinador y la presencia del alumnado de los centros educativos que se desplazaban a Guadalajara para asistir a las proyecciones infantiles y juveniles.

De cara a esta edición, el alcalde ha anunciado la colaboración con el Festival de otras empresas de Azuqueca como Hydro, Isover y Recuperaciones CyM y ha mostrado su confianza en que más compañías se sumen al proyecto en las próximas semanas. “Desde el Ayuntamiento queremos que toda la ciudad participe en este gran acontecimiento cultural, tanto la ciudadanía como las empresas y los colectivos culturales. Estoy convencido de que lo harán de manera activa y estamos trabajando para que esa colaboración sea lo más intensa posible”, ha dicho.

Las proyecciones del Festival se distribuirán entre la sala de cine del EJE y otra sala de gran capacidad que se acondicionará como espacio de proyección. El FESCIGU hará uso además de otras dependencias del EJE para apoyo logístico y organizativo.

Luis Moreno y Montse de la Cal, director y codirectora del Festival respectivamente, han agradecido la acogida proporcionada por el Ayuntamiento de Azuqueca, después de 21 ediciones en Guadalajara capital y también han mostrado su satisfacción por el apoyo de las administraciones. Para esta edición, se ha batido el récord de cortometrajes presentados: 1.077 en total. Han sido seleccionados 76, que se distribuirán entre la sección oficial (21), la de Requetecortos (14) y otras secciones en las que se abordarán distintas temáticas sociales y la parte dedicada a los niños y jóvenes. 

El presidente de la Diputación Provincial de Guadalajara, José Luis Vega, ha calificado Azuqueca de “ubicación perfecta” para un “evento cultural, social y de valores” y ha confiado en la continuidad del festival en la ciudad en sucesivas ediciones.

Por su parte, el delegado de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, José Luis Escudero, ha dicho que “es natural que Azuqueca, con una larga trayectoria cultural, acoja este evento” y se ha referido a citas veteranas como la Muestra Nacional de Teatro Espiga de Oro o el Mes del Jazz de Azuqueca. “La cultura importa. Y es sinónimo de salud, de forjar mejores sociedades y personas”, ha añadido.

“Es una decisión tomada con la cabeza, pero el corazón me pedía seguir”. Con estas palabras y la voz a ratos algo entrecortada por la emoción, Juan Ignacio Vidarte ha anunciado este martes su marcha como director del museo Guggenheim de Bilbao. “Aunque me encuentro bien e ilusionado, es lo mejor para el museo. Es la primera vez que hay un relevo en la historia del museo y es importante que se haga bien para marcar una referencia de cara a futuro”, ha reconocido tras confesar que ha dedicado más de su “media vida consciente” al proyecto. Concretamente 33 años, 27 desde que el proyecto nació y los tres anteriores para que pudiera ver la luz. “Este proyecto me ha cambiado porque me ha hecho crecer como persona y como profesional. Nunca hubiera pensado que desarrollaría mi vida en un proyecto como este. Me pidieron que fuera el primer director del museo, me dieron la oportunidad y lo hice con gusto”, ha explicado Vidarte.

A diferencia de muchos otros directores de museos, cuando Vidarte se puso al frente del proyecto, no había desarrollado una trayectoria en el mundo de la cultura. A propuesta del PNV, fue director general de Acción Territorial de la Diputación Foral de Bizkaia en 1988 y un año después director general de Política Fiscal y Financiera de la misma institución. “Nunca he pretendido ser un experto en el mundo del arte. Mi función no era definir con mis gustos o con mis criterios artísticos la línea de la institución. Mi función era ser un director de orquesta y hacer que la orquesta funcionara. Siempre he sido en este mundo un 'outsider'. Cuando llegué imagino que a quienes formaban parte de este mundo entonces les extrañaba que estuviera ahí. Después, las circunstancias me han hecho ser un director de museo y probablemente seré el más veterano de los directores de museos en España”, ha aseverado.

Con una trayectoria que abarca más de 200 exposiciones de los artistas nacionales e internacionales más reconocidos del siglo XX y XXI, a Vidarte le ha quedado una “espinita” en su carrera: no haber expuesto el 'Guernica' de Picasso durante la inauguración del Museo Guggenheim de Bilbao el 18 de octubre de 1997. “Una espinita que siempre he tenido clavada es que en su momento, en la inauguración del museo, no fructificara la idea, que yo consideré extraordinaria, de que el 'Guernica' se hubiera podido exponer de una manera temporal en el museo en el contexto de la exposición inaugural. Yo creo que aquello fue una oportunidad histórica. Se frustró por diferentes motivos y entiendo que ya es algo irrepetible, pero es algo que me habría gustado que hubiera ocurrido y que no ocurrió”, ha confesado.

Su momento más duro, según ha admitido, fue el asesinato de José María Aguirre a manos de ETA. Aguirre fue el agente de la Ertzaintza encargado de custodiar el edificio de titanio diseñado por Frank Gehry que días después acogería la inauguración del Museo Guggenheim de Bilbao. En la misma plaza del museo, un miembro de la banda terrorista disparó al ertzaina. “Fue sin ninguna duda el momento más duro como director del museo, en lo personal”, ha reconocido.

La decisión de marcharse comenzó a gestarse, según ha destacado, tras el 20 aniversario del museo, en 2017. “Empecé a pensar que era algo que había que afrontar de una manera rigurosa y ordenada. Desde entonces lo he venido pensando, aunque han surgido diferentes circunstancias. La pandemia fue la primera. Claramente esos dos años derivados de la pandemia fueron un momento complicado y el museo tuvo que hacer un esfuerzo importante para reinventarse de alguna manera y no era momento de hacer cambios. Después, concurrió la circunstancia de que Richard Armstrong, director de la Fundación Solomon R. Guggenheim de Nueva York, acababa su etapa como director y por tanto tampoco era un buen momento, porque coincidía con otra salida. He ido madurando la idea y parecía que ahora las circunstancias eran las adecuadas”, ha detallado.

Para conseguir un nuevo perfil que le sustituya, el Patronato del museo ha acordado iniciar un proceso de selección que llevará a cabo Antonia Josten, una empresa con sede en Berlín que cuenta con amplía experiencia internacional en la captación de personal directivo del sector artístico y cultural. El proceso, según han explicado, se finalizará en octubre y comenzará a partir del 3 de junio. “Buscamos a una persona con un nivel de cualificación y experiencia personal elevado. Una carrera ya desarrollada, pero que pueda tener por delante un periodo de tiempo lo suficientemente largo como para desarrollar un proyecto aquí. No se busca un relevo para 3 o 4 años, sino una trayectoria de 10 o 15 años por delante”, ha explicado.

“No solo estamos buscando a una persona que se profesionalmente excelente, sino que sea una persona que sintonice con los valores de la institución. Que sea un profesional que encaje y empatice con los valores de la institución, como el trabajo en equipo, el liderazgo, el compromiso o la empatía. Esto es un museo, pero además es una institución muy relevante, un referente y embajador de la ciudad y el país en el mundo. Por eso, la persona que venga deberá tener unas condiciones y para quien el contexto y la arquitectura de este país no sea desconocido”, ha señalado, para después aclarar, en este sentido, que se valorará el conocimiento del euskera de la persona, al igual que de inglés y de castellano, pero no cree que el no saberlo será una “condición imprescindible ni excluyente”.

Vidarte no descarta que la persona seleccionada para ser directora del museo Guggenheim de Bilbao sea una mujer. “Lo que se va a buscar es una persona que cumpla en la mayor medida posible con esos requisitos tanto profesionales como personales. No hay un plan determinado para que mi sustituto sea mujer. Evidentemente eso no es descartable por lógica y porque dentro de las cualidades y requisitos que se van a pedir seguro que hay muchas mujeres que los pueden cumplir, pero esa no está considerada como una cuestión imprescindible”, ha indicado.

Sobre el hecho de que desde la nueva dirección se seguirá impulsando o no la creación de un segundo Guggenheim en Urdaibai, proyecto que por el momento se encuentra paralizado por las instituciones vascas, Vidarte ha reconocido que “es un proyecto estratégico y que continúa vigente, pero al que no le han dado la luz verde”. “Se requiere un consenso institucional al que todavía no existe. Es un proyecto posible, pero no seguro, por lo que no va a condicionar a la persona que me venga a sustituir a mí”, ha detallado, para después aclarar que “no ha habido ningún avance” específico sobre la resolución o la definición del consenso institucional sobre este proyecto. “Hay que tener un respeto escrupuloso para las dos instituciones que son fundadoras del museo y son fundamentales para el desarrollo del Guggenheim Urdaibai: la Diputación de Bizkaia y el Gobierno vasco. Cada institución tiene sus propios ritmos y prioridades”, ha aseverado.

Vidarte, nuevo director emérito

A pesar de dejar la dirección, Juan Ignacio Vidarte continuará vinculado al Museo Guggenheim de Bilbao como director emérito con funciones consultivas y no ejecutivas y participando en las reuniones del Patronato. También seguirá formando parte de la Fundación Guggenheim en las iniciativas internacionales de carácter estratégico. “No es una despedida, me seguiréis viendo por aquí”, ha indicado a los medios de comunicación tras un discurso en el que ha agradecido “el respaldo y el respeto” que ha recibido a lo largo de su carrera.

Vidarte cierra su etapa como director del Museo Guggenheim dejando el año pasado un récord anual de visitantes con un total de 1.324.000, lo que supuso un impacto económico de 760 millones de euros. Se trató de un año que abarcó exposiciones sobre la etapa parisina de Miró, la escultura de Picasso en una muestra con 50 obras creadas con utensilios de cocina y compuestas también por esculturas de sus amantes realizadas entre 1909 y 1962, la exposición dedicada a Oskar Kokoscha, el pintor que se enfrentó al nazismo y pidió ayuda para los niños vascos en el bombardeo de Gernika y la muestra 'Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy', con más de 200 obras de la artista japonesa que a sus 94 años convierte su enfermedad mental en arte.