Marvel y Sony han lanzado hoy miércoles el esperado primer tráiler de Spider-Man: Brand New Day ('Un Nuevo Día', en castellano), la nueva entrega del hombre araña que llegará a los cines dentro de cuatro meses, concretamente el 31 de julio. El adelanto, de poco más de dos minutos y medio, supone el regreso de uno de los personajes más queridos del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) tras varios años sin película en solitario.

El filme marca además el retorno de Tom Holland como Peter Parker, consolidado ya como una de las caras principales del MCU con su cuarta película en solitario y su séptima aparición en el global. Desde su debut en Capitán América: Civil War (2016), Holland ha construido una versión del superhéroe que combina juventud, humor y carisma desbordante que ha llevado al trepamuros más conocido de Nueva York a otro nivel.

Las expectativas están muy altas

La expectación no es para menos. Han pasado varios años desde Spider-Man: No Way Home (2021), una de las películas más exitosas de Marvel recaudando 1.9 mil millones de dólares en la taquilla global y que marcó un antes y un después en la saga no solo por exploral el multiverso, sino por juntar a distintas versiones del personaje como los que interpretaron Tobey Maguire y Andrew Garfield.

Al final de esa película, Peter Parker tomaba una decisión radical: pedirle a Doctor Strange que borrara la memoria de todo el mundo para proteger a sus seres queridos. El resultado fue devastador: nadie recuerda quién es Peter Parker, dejándolo completamente solo y obligado a empezar de cero, sin amigos, sin familia y sin identidad.

El nuevo tráiler arranca precisamente desde ese punto. Se muestra a un Peter reconstruyendo su vida en un entorno mucho más crudo y realista, con un tono que parece alejarse del espectáculo multiversal para centrarse en una historia más íntima, con Michelle Jones (Zendaya) y  Ned Leeds (Jacob Batalon) muy presentes.

Entre las grandes sorpresas del adelanto destaca la aparición de The Punisher (Jon Bernthal), un personaje mucho más oscuro y violento que Spider-Man. Después del éxito de su serie, su aparición en esta película apunta a una trama más callejera, con conflictos alejados de las amenazas cósmicas y más centrados en el crimen urbano. También llama la atención la presencia de Bruce Banner (Mark Ruffalo), aunque su papel no está claro, todo apunta a que podría actuar como guía o apoyo en una de las tramas clave del filme.

Y es que uno de los elementos más intrigantes del tráiler es la aparente mutación que sufre Peter Parker. Se ven cambios físicos en Peter Parker, y una evolución en sus poderes relacionada con la vida de las arañas que podría cambiar por completo lo visto hasta ahora.

Con Doomsday en el horizonte

Esta película es una de las más esperadas del universo Marvel, pero no la única. Recordemos que Avengers: Doomsday, está prevista para finales de año y se sitúa como la gran favorita para suceder a Avengers: Endgame (2019) como la más taquillera del MCU. En el tráiler no se aprecia si hay conexión directa con ella pero con el historial de Marvel con los adelantos —han llegado a editar tráilers con imágenes que no salen en la película para sorprender a los fans— podemos esperar cualquier cosa.

A falta de cuatro meses para su estreno, el tráiler deja claro que Spider-Man vuelve a la gran pantalla con una historia diferente. Más solo, más vulnerable y rodeado de nuevas amenazas, Peter Parker se enfrenta a un 'nuevo día' con Doomsday en el horizonte.

Spider-Man: Brand New Day, la nueva película del superhéroe encarnado por Tom Holland, llegará a cines el 31 de julio de este año y, hasta ahora, la información sobre la trama ha ido llegando a cuentagotas. Hasta hace nada, ni siquiera teníamos la sinopsis que resumiera la historia que nos va a presentar el nuevo largometraje del Universo cinematográfico de Marvel (UCM).

Esta finalmente ha sido desvelada en el libro de arte oficial de la película, del escritor Jess Harrold. “Han pasado cuatro años desde la última vez que vimos a nuestro simpático héroe del barrio. Peter Parker ya no existe, pero Spider-Man está en la cima de su rendimiento, manteniendo a la ciudad de Nueva York a salvo”, comienza diciendo la sinopsis.

Y continúa: “Las cosas marchan bien para nuestro héroe anónimo hasta que una inusual serie de crímenes lo arrastra a una red de misterio más grande de lo que jamás ha enfrentado. Para afrontar lo que se avecina, Spider-Man no solo necesita estar en la mejor forma física y mental, sino que también debe estar preparado para enfrentar las repercusiones de su pasado”. 

Pero más allá de esto, seguimos sin tráiler ni adelantos oficiales sobre la película, lo que no ha hecho más que aumentar los rumores sobre qué es lo que nos deparará esta nueva entrega del hombre araña. Y la mayoría de las especulaciones han ido dirigidas hacia los villanos que aparecerán en el filme. ¿A quién se enfrentará Spider-Man esta vez?

Posible estrategia de marketing

Los comentarios se dispararon en redes sociales hace unos días después de que se publicara un banner supuestamente publicitario de Brand New Day en el que se podía ver a Hulk, Boomerang, Tarántula y Escorpión. El banner apareció en una tienda online de merchandising, pero este acabó borrado después de que los fans se dieran cuenta. 

Que se preocuparan en hacer desaparecer la ilustración ha hecho sospechar a los fans. ¿Estamos ante una estrategia de marketing planeada para alimentar la conversación los meses previos al estreno o simplemente fue un error de publicación? De momento, la respuesta sigue en el aire, pero son muchos los que creen que estos cuatro serán los villanos a los que el personaje de Tom Holland se enfrentará. 

Una información exclusiva de The Hollywood Reporter confirmó el año pasado que Mark Ruffalo volvería a ponerse en la piel de Hulk para esta nueva película, por lo que esta teoría de los múltiples villanos quizá no es tan descabellada. En enero, Destin Daniel Cretton, director del filme, describió Spider-Man: Brand New Day como un “cambio de tono” respecto a la primera trilogía protagonizada por Holland.

El año 2026 es especialmente relevante para el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), con el estreno de la nueva entrega de Los Vengadores: Doomsday, previsto para el próximo diciembre, pero también con la llegada de la cuarta entrega de la saga Spider-Man con Tom Holland.

Una película que será uno de los estrenos más destacados en los cines en 2026 y que ya ha terminado su rodaje, que se ha producido en gran parte en la ciudad de Glasgow, que hace de Nueva York, y que es la cuarta de una saga dentro del UCM que comenzó en 2017 con “Spider-Man: Homecoming”.

Fin de rodaje de ‘Spider-Man: Brand New Day’, con cambio de director

Este fin de semana, previo a las fiestas navideñas, ha terminado el rodaje de una de las películas más esperadas de 2026, ‘Spider-Man: Brand New Day’, que se prevé llegue a los cines en el próximo verano, tal y como ha anunciado el director Destin Daniel Cretton en su cuenta de Instagram.

‘Spider-Man: Brand New Day’, cuya fecha de estreno prevista es el 31 de julio de 2026, es la primera que estará bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, que toma el relevo de Jon Watts, que ha sido el encargado de las tres anteriores.

Cretton viene de haber convencido con ‘Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos’ y tiene la misión de mantener la calidad y lo que esperan los fans de una cuarta entrega en la que se prevé un giro del protagonista Spider-Man. “Estoy profundamente agradecido a las personas que me han acompañado en la película más grande y gratificante en la que haya participado. Os quiero mucho a todos y estoy deseando que el mundo vea su impresionante trabajo en la pantalla grande”, reconocía en su post fin de rodaje.

Pero a quien se ha dirigido de forma especial en este final de rodaje de ‘Spider-Man: Brand New Day’ ha sido a Tom Holland, a que le agradece “su amable y generoso liderazgo dentro y fuera de la pantalla, su incansable ética de trabajo, sus actuaciones intrépidas y su amistad”.

Reparto y argumento de ‘Spider-Man: Brand New Day’

A pesar de haber llegado al final de rodaje de la cuarta película de la saga de Spider-Man dentro del UCM, no es mucho lo que se sabe de ella, en la que el reparto, más allá de Tom Holland en la piel de Peter Parker, pero se antoja que volverían Zendaya y Jacob Batalon como MJ y Ned, y con la rumoreada incorporación del Hulk de Mark Ruffalo, el Punisher de Jon Bernthal, y nuevos personajes a cargo de Sadie Sink y Tramell Tillman.

Algo similar ocurre con el argumento, del que solo se saben algunas informaciones teniendo en cuenta que está inspirada en la serie de cómics ‘Brand New Day’, en el que la vida de Peter Parker sufre un giro profundo en su arco argumental, con lo que podría comenzar una nueva era que redefina su rol dentro del UCM.

Aunque se estrena antes de ‘Vengadores: Doomsday’, la película se situaría cronológicamente después de los sucesos de esta. En ella encontramos a un Peter Parker que intenta llevar una vida normal en la universidad tras pérdidas significativas, pero cuyo objetivo acaba cuando aparece una nueva amenaza que pone en peligro a sus seres queridos, y le obliga a retomar a Spider-Man.

El nuevo traje de Spider-Man

Lo que sí se conoce de ‘Spider-Man: Brand New Day’ es que en ella se da un rediseño del traje del superhéroe, que se reveló ya con imágenes oficiales de Marvel y Sony, en el que se homenajean tanto los cómics clásicos como la tecnología más avanzada del UCM.

Así, la piel que vestirá Tom Holland integra nuevos materiales que simulan una textura más realista, con detalles brillantes de rojo y azul, así como mejoras en los gadgets integrados como el lanzatelarañas y sensores de alerta, en el que se simboliza a un Peter Parker más maduro y preparado.

El rodaje de la próxima película de Spider-Man, titulada Brand New Day con Tom Holland como protagonista, se ha paralizado temporalmente después de que el actor haya sufrido un accidente en el set de filmación. Según ha podido avanzar el medio especializado Deadline, Holland ha tenido que ser hospitalizado tras sufrir una conmoción cerebral leve en el set de grabación de Glasgow, donde se estaba avanzando el rodaje de la nueva entrega de la saga.

El accidente ocurrió el pasado viernes, día desde el cual la producción se ha tomado un tiempo de descanso “por precaución”, aunque se espera que el rodaje continúe en unos días. Ningún otro actor o personal del equipo ha resultado herido. Según el periódico The Sun, la lesión de Holland se produjo durante una escena de riesgo que tuvo un mal desenlace. Sony, productora de la película junto con Marvel Studios, tiene previsto reunirse este lunes para elaborar un plan de cara al futuro de la filmación.

Antes de que comenzara la grabación en Escocia el mes pasado, Holland afirmó que estaba “encantado y muy emocionado” de regresar a ese lugar a rodar tras previamente haber filmado Spider-Man: No Way Home (2021) únicamente en estudios por la pandemia de COVID-19. “Ahora vamos a recurrir a la cinematografía tradicional y grabaremos en localizaciones reales, por eso hemos empezado en Glasgow y hemos usado sus calles para construir este enorme escenario”, comentó el popular actor.

La nueva película de la saga de superhéroes, Spider-Man: Brand New Day, está programada para llegar a las salas de cine de todo el mundo el próximo 31 de julio de 2026. El mes pasado, Sony publicó un vídeo de Holland en el set con su nuevo traje de Spider-Man. “Es curioso ponerme el traje, de alguna forma se siente diferente esta vez. Además, es la primera vez que tenemos fans en el set el primer día, así que es muy emocionante compartir esto con ellos”, se escucha a Holland decir en el video. “Voy a hacerlo lo mejor que pueda, espero que salga bien, sin presión”, agrega.

Hay intérpretes que parecen en constante esfuerzo por romper la imagen que la gente tiene de una estrella de cine. Uno de ellos es Andrew Garfield, que desde hace años reivindica otro tipo de comportamiento alejado de la egolatría que suele ir vinculada a los actores de Hollywood. La prueba más cercana estuvo en el pasado Festival de Cine de San Sebastián, donde a pesar de que la película que presentaba era la clausura, quiso vivir la experiencia del Zinemaldia desde el primer día. Lo hizo sin guardaespaldas y acompañado de un par de amigos con los que era normal verle pasear por las calles de Donostia o yendo a hacer surf a la Zurriola.

Cada vez que salía del hotel María Cristina, las hordas de gente que querían hacerse una foto con él se abalanzaban, y aun así cada día repetía la misma rutina. Salir sin seguridad, hacerse todas las fotos que podía y pedir con amabilidad que le dejaran continuar con su día. Acudió a un par de charlas con estudiantes de cine y el último día atendió a la prensa. Allí, como lleva años haciendo, reivindicó otro tipo de masculinidad. La película se lo ponía fácil. En Vivir el momento ―que ya se puede ver en salas de cine― da vida a un hombre que se plantea esas cosas.

Lo hace en medio de un drama romántico que protagoniza con Florence Pugh. Una película que bebe de los tópicos del género ―una historia de amor donde ella tiene una enfermedad terminal―, e intenta aportar algo nuevo a través de un retrato mucho más moderno de las relaciones, con una mujer feminista y progresista y un hombre que se plantea las nuevas formas de estar en un mundo donde hasta ahora solo había tenido privilegios. Lo hace de forma sutil, sin cargar las tintas, pero mostrando que hay otras posibilidades en películas que solían oler a alcanfor. 

También hay un cierto jugueteo en “las formas en las que se desarrolla la película”, que el protagonista define como “novedosas” y que consiste en fragmentar la narración, que viaja de atrás hacia adelante, de la enfermedad a los momentos previos, haciendo que dialoguen entre sí escenas que, a priori, no tendrían nada que ver dentro de la clásica historia de romance: “Me pareció que la forma y el contenido se comunicaban entre sí de una manera muy interesante y que esa reordenación del tiempo, de los momentos capturados de esta relación, nos ofrecía la oportunidad de crear una película con un grado de complejidad emocional que muchas películas que tratan solo el romance o la enfermedad no suelen alcanzar”.

Garfield, al que hace poco se le pudo ver emocionado contando en Barrio Sésamo cómo afrontó la reciente pérdida de su madre, no teme mostrarse vulnerable. Lo hace su personaje, lo hace él, y lo reivindica sin dobleces. “Tengo muchos amigos de mi juventud, y cuando he crecido he sentido como si fuéramos de generaciones diferentes. Creo que cuando los hombres compartimos las cosas entre nosotros, cuando nos mostramos emocionalmente abiertos y disponibles hacia otros hombres, la vida se vuelve mucho más rica. La vida es mucho mejor cuando no tenemos miedo a revelar las partes más vulnerables de nosotros mismos, las cosas aterradoras que hasta ahora hemos mantenido en las sombras”, explica.

Para el actor por ahí pasa el cambio y el futuro. “Así es como nos convertimos de forma plena en los hombres que debemos ser. En nuestras vidas, pero particularmente con nuestras parejas, ya sean del mismo sexo o del sexo opuesto, o cualquier cosa entre medias”, dice en un gesto al género fluido y lo queer. “Creo que es vital hacerlo en este momento. Si no incorporamos esos aspectos de ternura terminaremos con una masculinidad brutal, y eso me parece detestable. Y obviamente eso es lo que ha causado la mayor parte de los problemas de nuestra civilización que los hombres han provocado en los últimos siglos”, zanja.

Las personas que ostentan el poder anhelan la división para seguir acaparando ese poder y seguir presidiendo el mundo de una forma muy controlada, manteniéndonos enfrentados y divididos

Andrew Garfield — Actor

También reivindica otro valor, la empatía, que define como “un puente, un hilo invisible”, y en el que el arte juega un papel importante: “Estamos en una época en la que las personas que ostentan el poder anhelan la división para seguir acaparando ese poder y seguir presidiendo el mundo de una forma muy controlada, manteniéndonos enfrentados y divididos. En violencia unos con otros. La empatía acaba con todo eso. La empatía es el gran conector. Siento que el arte tiene una mayor responsabilidad en este momento para ayudarnos a tener más empatía entre nosotros, pero también con nosotros mismos, para perdonarnos y perdonar a los demás en un intento de estar atentos a los hilos invisibles que nos conectan a todos en este tipo de misteriosa vida en comunidad”.

Garfield ha construido su fama en torno a esa nueva masculinidad, y se enorgullece enseñándola y reivindicándola públicamente. Puede que ello le aleje de cierto tipo de papeles, pero eso no le ha quitado de trabajar con cineastas como Martin Scorsese en Silencio, y con quien se rumorea que volverá a trabajar en A Life of Jesus. Es esa fragilidad la que le convirtió en un excelente Spider-Man, que no cuajó al no estar todavía integrado dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, pero que fue reivindicado en la última película de la saga, donde el multiverso obró el milagro de juntar en una misma escena a los tres actores que han interpretado al hombre araña en el cine, un personaje que siempre ensalzó al chico en los márgenes, al bueno de la clase en vez de al rebelde sin causa.

Pocos lo recuerdan, pero el Universo de Personajes Secundarios de Spider-Man (o UPSS, como nos ha gustado llamarlo a lo largo de estos años tan divertidos) empezó hace diez años, con una canción de Alicia Keys y un avance de X-Men: Días del futuro pasado. En 2014, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro concluía al ritmo del It’s On Again de la cantante estadounidense, con una secuencia de créditos donde observábamos los uniformes y artilugios de personajes como el Duende Verde, el Buitre, el Doctor Octopus o, claro está, Kraven el Cazador. La idea con este montaje era ir abriendo boca para el próximo estreno de Los Seis Siniestros, un próximo film centrado en la alianza de los principales villanos de Spider-Man. Un film que nunca existió.

X-Men: Días del futuro pasado, a cambio, sí llegaría a cines un par de meses después: la inclusión de ese tráiler con Jennifer Lawrence como Mística solo obedecía a un trato entre Sony y la hoy extinta Fox. Marc Webb se había comprometido a dirigir una película para esta última tras el éxito de (500) días juntos. En lugar de eso había dirigido para Sony dos películas de Spider-Man con Andrew Garfield, así que como compensación, este conglomerado le había ofrecido a Fox hacer publicidad gratuita de su próximo film de los X-Men. Así de sencillo. Por supuesto, tras The Amazing Spider-Man 2 se especuló con un crossover del trepamuros y los mutantes, porque eso ha sido lo habitual en el cine de superhéroes desde entonces: un fervor fan en constante diálogo con unas lógicas corporativas cutres y accidentadas, de las que el UPSS supone la prueba más diáfana.

Como Amazing Spider-Man 2 decepcionó en taquilla no hubo Los Seis Siniestros. En su lugar Sony cedió los derechos del personaje a Disney para que dos años después, a partir de la escena del aeropuerto de Capitán América: Civil War, Spider-Man pudiera empezar a aparecer en las películas del Universo Cinematográfico de Marvel. Cada filme encabezado por Tom Holland sería entonces una coproducción de Sony y Disney, según un equilibrio muy delicado de derechos que en lo sucesivo provocaría algún que otro pulso entre empresas —en 2019, tras el estreno de Spider-Man: Lejos de casa, Sony amenazó brevemente con sacar a Holland del UCM—, en conjunto a unos films de animación muy prestigiosos (los de Un nuevo universo) y, en fin, el dichoso UPSS.

El UPSS, por cierto, acaba de terminar. Kraven the Hunter es su última entrega, así lo han revelado los medios de EEUU apenas dos días antes de que la película se estrene. Sony no quiere fingir esperanzas de que esta saga cuaje, recordando a cuando en diciembre de 2023 Jason Momoa admitió que el Universo de DC “no pintaba bien” y Aquaman y el reino perdido iba a ser su final (a la espera de lo que sea que haga James Gunn). El UPSS ha tenido una historia algo más corta, por su parte. Kraven the Hunter es solo la sexta película tras Morbius, Madame Web y la trilogía de Venom, y podríamos decir que es la peor de todas si eso, a estas alturas, pudiera significar algo.

Hollywood es una jungla (cutre)

La dejadez de Sony con respecto a Kraven the Hunter es obvia más allá de que no quiera dedicarle muchas ceremonias a la despedida de su universo a la sombra del UCM. En EEUU apenas ha programado 2000 salas para proyectar la película —1000 menos que Venom: El último baile, estrenada hace apenas dos meses—, y cuando el pasado fin de semana se celebró la Comic Con Experience en Brasil al panel de Kraven the Hunter no acudieron ni las estrellas ni apenas público. The Wrap se hacía eco de estas gestiones tan ilustrativas, así como de las palabras de una fuente cercana a Sony: “El mayor problema de esta saga es la falta de control de calidad”.

“Las películas simplemente no son buenas. Y a veces esa falta de calidad tiene que ver con historias que nadie pidió, como Madame Web”. La película protagonizada por Dakota Johnson decidió a principios de 2024 hacer algo inaudito en el género superheroico: prescindir de escena poscréditos avanzando nuevas aventuras de sus personajes. Daba igual lo contradictorio que resultara para este filme en particular —consagrado a una protagonista que veía el futuro y a varias mujeres destinadas a ser Spider-Women—, ya que entonces había demasiadas pruebas palpables de que el UPSS estaba condenado. Si la primera Venom no hubiera ganado tanto dinero —856 millones de dólares en 2018— quizá la cosa no habría dado tanto de sí, pero lo ganó. Y sus secuelas también lo han ganado, manteniendo el desgarbado atractivo del personaje de Tom Hardy y su simbionte.

Fuera de Venom simplemente no ha habido esa suerte. Nadie ha podido replicar esa complicidad o, mejor dicho, ese alegre nihilismo que transmitía la mirada de Hardy —seguramente consciente de la absurdez de todo desde que pudo ver el primer corte de Venom— y con el que tuvo que bregar J.C. Chandor a principios de 2022. Por entonces se nos aseguraba que Bad Bunny iba a protagonizar El Muerto para Sony, estaba al caer el fichaje de Donald Glover como un tal Hypno Hustler, y Morbius iba a estrenarse en cuestión de meses. Sobra decir que hoy ni El Muerto ni Hypno Hustler han prosperado, y que Morbius es el fracaso más icónico (a fuerza de memes) de los últimos años.

En ese momento Chandor hizo lo que pudo según lo que apuntaba a ser el paso más idóneo para su carrera. Como tantos otros nombres perdidos en la maraña superheroica, Chandor es un cineasta que triunfó en los círculos independientes —sus dos primeros films, Margin Call y El año más violento, son excelentes— y que quizá habría seguido en esa senda si Hollywood fuera un lugar un poco más funcional. No es el caso, y aunque Kraven the Hunter terminara de rodarse en esos meses, el film se ha aplazado una y otra vez. Su primera fecha tanteada fue enero de 2023, y llega finalmente cuando todo se ha derrumbado y ni siquiera hay ánimos de examinar si este retraso continuo se ha debido a los temidos reshoots. Esto es, la grabación de nuevas escenas luego del rodaje inicial.

Desde luego Kraven the Hunter tiene un acabado abominable. La puesta en escena es tan incompetente como viene siendo habitual en el UPSS, siendo esta dejadez aún más atroz en cuanto a los efectos digitales. Debido a las características particulares del protagonista —interpretado por Aaron Taylor-Johnson en su tercer personaje superheroico tras Kick-Ass y el Quicksilver de Vengadores: La era de Ultrón—, es necesario que aparezcan bastantes animales salvajes en Kraven the Hunter, y el nivel de su CGI es aún más bajo que el de un film reciente como Gladiator II.

En la misma línea, los posibles añadidos sobre lo grabado únicamente apuntan a litros y litros de sangre digital, de cara a justificar el único elemento distintivo de Kraven the Hunter frente a las películas que le preceden: hay bastante violencia, junto a una pretensión de entretenimiento adulto que refuerza el aire trasnochado de la propuesta, y nos retrotrae al cine superheroico de los 2000.

Adiós, UPSS

Es algo bello en cierto sentido. Durante su accidentada historia la saga de Sony ha tenido que lidiar con la angustiosa ausencia de Spider-Man —condenando cada película a una preventiva crisis existencial por manejar personajes asociados al trepamuros— a causa de su actividad en el Universo Cinematográfico de Marvel, controlando hasta qué punto podía expandirse sus tramas. ¿No es bello, entonces, que las películas del UPSS y muy especialmente Kraven the Hunter quieran asemejarse al primitivo cine de superhéroes de los 2000, previo al estreno de Iron Man? ¿No adquieren un carácter entrañable su CGI de derribo, su violencia mesurada, su oscuridad adolescente?

La respuesta corta es que no, porque Kraven the Hunter es ante todo una película muy mala, pero también reveladora en su desorientación. Se distancia de la maquinaria marvelita por justamente lo que decía aquella persona de Sony: no ha habido control de calidad. Lo que ha implicado la falta de una estandarización, de un modelo sobre el que trabajar, y ocurre que Kraven the Hunter resulta sorprendente desde varios ángulos. El tono adulto no solo emana de esa sangre falsísima, sino también de un drama central que nos habla de un padre abusivo (Russell Crowe), y de cómo su hijo mayor intenta separarse de su sombra (el susodicho Kraven) al tiempo de proteger a su traumatizado hermano pequeño (Fred Hechinger como Dimitri, visto en la citada Gladiator II). 

Esto no implica que Kraven the Hunter funcione dramáticamente ni mucho menos, pero no deja de insertarse en unas inéditas coordenadas turbias, que ante todo transmiten imprevisibilidad. A lo cual ayuda, sobre todo, que haya tantísimos personajes en Kraven the Hunter, y que su presencia no obedezca a tener un rol más prominente en el futuro (porque no existe tal futuro). Su presencia se reduce a Kraven the Hunter y a proyectar la trama en direcciones caóticas, sobradamente capaces de provocar hilaridad. Ariana DeBose, que encadenó su Oscar por West Side Story con el cheque de Kraven the Hunter, es la que sale peor parada, pero el circo a su alrededor es memorable.

Asumiendo el esperable dislate de Crowe con su ofensivo acento ruso, las andanzas de Kraven giran en torno a Rhino (Alessandro Nivola) como esperpéntico villano central. Pero también debe lidiar con el Forastero (Christopher Abbott), un mercenario cuyos poderes nunca llegan a quedar claros en la película, y con la presencia del Camaleón, que no es otro que su citado hermano. El personaje de Hechinger ofrece otra pátina de simpatía excéntrica al filme, pues el Camaleón fue el primer villano de Spider-Man jamás aparecido en las viñetas, y aquí apenas utiliza sus poderes metamorfos al margen de… imitar la voz del cantante Harry Styles.

Las dos horas de Kraven the Hunter transcurren continuamente al borde de la implosión, tropezando de formas cada vez más humillantes al punto de que sea difícil enfurecerse con ella. La película parece tan superada por las circunstancias, tan condenada a sufrir los ataques que preferimos ahorrarnos con Marvel Studios, que apunta a merecer algo de compasión, e incluso se asoman vías a las que aferrarse de cara a hipotéticas reivindicaciones. Sobre todo ahora que la saga termina, y las carcajadas a costa de Kraven the Hunter apenas sofocan una ominosa inquietud. Porque fuera de esta absurda saga solo hay estandarización. Fuera del UPSS, ese UPSS al que igual acabamos echando de menos y todo, solo hay multiversos y Deadpool. 

Venom solo compartió universo con Spider-Man durante unos meses, entre los estrenos de Venom: Habrá matanza en octubre de 2021 y Spider-Man: No Way Home en diciembre del mismo año. Hacia el final de la secuela protagonizada por Tom Hardy, el personaje de Eddie Brock era introducido junto a su simbionte en un mundo donde Spider-Man tenía el rostro de Tom Holland, lo que implicaba pisar el mismo suelo que los Vengadores junto al resto del panteón de Kevin Feige. Pero en la escena poscréditos de No Way Home, una vez solventada la crisis multivérsica, Venom era devuelto a su lugar. Así de fácil.

A lo largo del fenómeno Venom, Hardy ha sido muy explícito con sus deseos de que Eddie Brock se enfrente algún día a su histórico enemigo de las viñetas. Con lo que ocurrió entre Habrá matanza y No Way Home no lo fue tanto, quizá porque solo había sido una transgresión velozmente frenada. Los derechos de Spider-Man siempre le han pertenecido a Sony. Si Spidey ha llegado a formar parte del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) ha sido gracias a un acuerdo entre Sony y Disney que es ajeno a lo que la primera major quiera construir sobre las licencias que posee. Esto es el llamado SSU (Sony’s Spider-Man Universe), poblado por personajes secundarios de Spider-Man pero sin Spider-Man como tal.

El SSU, donde al fin y al cabo Feige no tiene injerencia alguna, probó en Habrá matanza a llevar a Venom a otro universo cinematográfico. No Way Home, en manos de Feige, se apresuró a darle con la puerta en las narices, así que el SSU se quedó como estaba y a solas con sus descalabros: iban a seguir haciendo películas sobre personajes vinculados a Spider-Man –meses después llegaría Morbius– y aprovechando los despojos que le dejara Marvel Studios, hasta que en algún punto fuera posible ese crossover. No es algo que dependa enteramente de Sony, lo que nos lleva a una coyuntura muy curiosa en un género cuyo flujo depende tanto de las escenas poscréditos y la promesa de aventuras futuras. Puesto que la protagonista de Madame Web tiene el poder de ver el futuro y la nueva película del SSU carece de escena poscréditos, es fácil intuir el despropósito que se nos viene encima.

Todos somos Dakota Johnson

El alternativamente llamado Universo de Personajes Secundarios de Spider-Man –las siglas “UPSS” parecen más adecuadas– no engaña a nadie. Es posible que las dos películas de Venom estimulen la complicidad de ciertos espectadores por lo ligeras e intencionadamente estúpidas que son, pero más allá de su gracia hipotética no dejan de suponer la parte más demencial de la inflación superheroica en Hollywood. Una que quizá llegue a evaporarse este año, puesto que la maquinaria de Feige tocó fondo con The Marvels –Deadpool y Lobezno es el único estreno del UCM previsto para 2024– y DC hizo lo propio con Aquaman y el reino perdido a la espera del posterior reinicio a cargo de James Gunn en 2025.

Madame Web, en cambio, precede a dos películas más del UPSS: Kraven el Cazador en agosto y Venom 3 en noviembre. Se podría pensar que es la oportunidad de Sony para recuperar la credibilidad una vez las marcas de Disney y Warner Bros han caído en combate, pero es que el problema persiste: resulta imposible creerse estas películas. La única forma sana de relacionarse con ellas es desde la burla y el meme: por eso la relevancia de Morbius quedó cifrada en los chistes tuiteros de It’s Morbin’ Time –capaces de mover a Sony a reestrenar la película de Jared Leto para volver a fracasar, y así reforzar el pitorreo–, y por eso del tráiler de Madame Web el público rescató una frase absurda que repetir una y otra vez: “He was in the Amazon with my mom when she was researching spiders right before she died” (“Estaba en el Amazonas con mi madre cuando investigaba arañas justo antes de morir”).

Pero hubo alguien que al parecer no se enteró de que el UPSS es el peor lugar de Hollywood al que arrimarse ahora mismo: la propia Dakota Johnson, que aquí interpreta a Cassandra Webb. Johnson cambió de representante al poco de que saliera el primer tráiler de Madame Web. Era inevitable deducir entonces que Johnson no era consciente del ruinoso estado de la marca cuando firmó el contrato, y el mundo terminó de confirmarlo durante la memorable promoción del filme que ha dirigido S.J. Clarkson (en su debut al largometraje tras trabajar durante años en series de televisión). La actriz de Cincuenta sombras de Grey apenas ha podido disimular su desagrado, hablando con desdén de la película o sosteniendo entrevistas tensísimas al tiempo que contribuía a reforzar el lado hilarante de todo el asunto.

Mientras Madame Web se acercaba a la cartelera para culminar el bochorno, los despachos en llamas de Sony expedían novedades sobre otros personajes secundarios de Spider-Man. Bad Bunny estuvo a punto de interpretar a El Muerto, Donald Glover se ha comprometido a ser alguien llamado Hypno-Hustler. Son nombres ignotos, que precisan de bastante más dominio de la historia comiquera del que pueda necesitar Madame Web. Aunque esta tampoco lo ponga fácil: como pasó antes con Morbius, nunca antes había lidiado con Spider-Man en el cine, y además la versión del personaje que conocemos en el filme es algo peculiar.

Originalmente Madame Web era una señora anciana, ciega y paralítica, que desde su elaborada silla de ruedas veía el futuro y ayudaba al trepamuros. No se parece mucho al aspecto de Dakota Johnson, y la razón es que Madame Web pretende ejercer de precuela para esa historia de Spider-Man que todos conocemos… pero tampoco terminamos de entender cuál es concretamente en la franquicia de Sony. La película se ambienta en el año 2003, tras unos reshoots que trataron de rectificar el hecho de que en sus primeras versiones la historia tuviera lugar en los años 90. Es todo realmente complicado, y de este monumental embrollo surge una virtud inesperada para la película: la interpretación de Johnson.

Casandra Webb es una mujer arisca y de escasas habilidades sociales, que según adquiere poderes precognitivos ha de salvar a tres mujeres que en un futuro podrían ser variantes de Spider-Woman (o algo así). Su visible confusión ante esta tesitura, su incomodidad ante tamaño percal, es la confusión e incomodidad de Johnson. Y también la nuestra.

La lenta cancelación del futuro

La idea de ambientar Madame Web en el pasado justificaría que una Cassandra Webb más mayor guiara a Peter Parker una vez fuera picado por la araña radiactiva años después: es por ello que su célebre tío Ben aparece en la película de Clarkson, con los rasgos de Adam Scott. Igualmente son detalles en los que es mejor no pensar mucho, porque nada tiene demasiado sentido ni justifica el entretenimiento tan mustio que ha perpetrado Sony. Por propia naturaleza Madame Web ha de plantar semillas para próximas películas y se supone que sus personajes harán mucho más de lo que les vemos hacer aquí, pero es poco probable que la historia dé pie a próximas secuelas o spin-offs.

Lo cual aumenta el talante paradójico del filme. Johnson brinda un humor áspero y ocasionalmente involuntario a su comportamiento durante la película, una vez tiene que proteger a tres jóvenes destinadas al superheroísmo. Son las interpretadas por Isabela Merced, Celeste O’Connor y la hoy tan en boga Sydney Sweeney, que curiosamente bajo el paraguas de Sony ha protagonizado uno de los primeros hits de 2024 con la comedia romántica Cualquiera menos tú. Ninguna de estas tres jóvenes, sin embargo, ha conseguido poderes aún, con lo que sumado a que Madame Web no tiene habilidades para el combate nos topamos con otra circunstancia de lo más curiosa, y es que la película apenas puede tener escenas de acción como tal. Sus protagonistas son superheroínas, pero no pueden luchar.

Bajo estos mimbres absolutamente desquiciados, Madame Web se queda muy cerca de inspirar simpatía. La retranca de Johnson, deseosa de recoger el cheque cuanto antes, se alinea con la necesidad de que sus predicciones modulen secuencias de ensayo y error, donde el inane villano de Tahar Rahim no puede ser derrotado a guantazos, sino a base de jugarretas estilo Solo en casa. Esto conduce, para qué nos vamos a engañar, a instantes novedosos en la abotargada iconografía del cine superheroico, donde algo tan inaudito como calcular el minutaje de Toxic de Britney Spears resulta indispensable para salvar la vida y poder seguir esperando a que estos personajes hagan lo que suelen hacer los superhéroes.

Pero no dejan de ser chispazos excéntricos. Al final Madame Web sucumbe a todos y cada uno de los vicios de un género en coma profundo, agigantados ominosamente a través de una realización espantosa, una abismal caracterización de personajes –menos mal que Sweeney ya es una estrella que ha dominado lo de hacer malabares con el ridículo en Euphoria, porque si no esto le hundía la carrera– y los efectos digitales previsiblemente horrendos. No es nada que no hayamos visto antes, en la propia Morbius o en las últimas entregas de DC y Marvel Studios, pero en Madame Web todo brilla más por la actitud de Johnson y la insistencia del guion en prometer un futuro heroico y espectacular.

Un futuro que, por supuesto, ya está cancelado. Solo parece que no lo está por los simulacros de película que el aparato industrial se obstina hoy por hoy en seguir generando, pero hay señales en Madame Web de que alguien se está dando poco a poco por enterado. Cargarse las escenas poscréditos es definitorio, porque sin escenas poscréditos estas películas no son nada. Nunca lo han sido, en realidad, así que demos gracias a Madame Web por haber dado ese paso.

“Un gran poder conlleva una gran responsabilidad” es la cita más conocida de Spiderman. En la ficción, la frase es pronunciada por el tío de Peter Parker, quien la adopta como principio moral para su vida como superhéroe: aquellos que tienen la capacidad de afectar la vida de otras personas deben ser conscientes de las consecuencias de sus acciones y buscar el beneficio para los demás. Spiderman rememora la frase en comics, series de dibujos animados y películas. Cuando el actor Tom Holland fue escogido para encarnarlo sabía que la pronunciaría. También Mario García, el actor que interpreta la voz de Holland en los doblajes al castellano. Pero la próxima vez que los espectadores escuchen a Spiderman recordar la cita de su tío Ben, su voz podría haber sido generada de manera sintética.

La de los actores de doblaje es una de esas carreras a las que la revolución de la Inteligencia Artificial (IA) alcanza de lleno. La IA ya escribe libros en segundos, compone canciones interpretadas por los artistas más famosos sin que estos intervengan y crea cuadros que podrían exponerse en museos. El arte no es un terreno vedado para ella, como tampoco lo son las interpretaciones de los actores de doblaje. Pero esta no es (solo) otra historia de una profesión que teme ser arrollada por esta nueva tecnología.

“Lo que nosotros defendemos es que las inteligencias artificiales no pueden tener derecho a copiar nuestras voces sin más. En la interpretación volcamos una parte de nosotros mismos, de nuestras vivencias”, explica García en conversación elDiario.es: “Ya hay compañeros que se han encontrado sus voces diciendo cosas que ellos no han grabado y simulando sus emociones. No estamos en contra de la tecnología, pero hay que regularla antes de que todo esto se desborde”.

Contratos secretos

Para entender la problemática con la que se han encontrado los actores de doblaje, primero que hay que conocer el secretismo en el que se mueve su profesión. Dado que su intervención se produce con productos terminados que aún no ha salido a la luz, las productoras y distribuidoras (las Disney, Universal, Paramount, Warner o Netflix) les hacen firmar estrictas cláusulas de confidencialidad. Los mismos estudios de grabación son terrenos prácticamente vetados a la prensa, como pudo comprobar este medio cuando contactó con media docena de ellos durante la elaboración de este reportaje.

“A nosotros nos convocan al estudio sin saber lo que vamos a hacer, a veces con muy poca antelación. Cuando llegamos al estudio nos ponen delante el contrato, que incluye una cesión de derechos de propiedad intelectual para que puedan hacer una difusión pública de la interpretación. Son documentos y cláusulas muy largas y complejas que además están basadas en las leyes de propiedad intelectual estadounidenses, pero hasta que no lo firmas no puedes entrar en la sala a grabar. Son cosas que debería leer un abogado, pero para nosotros es un lo tomas o lo dejas. Durante años hemos firmado ese tipo de cesiones de derechos abusivas con las que ahora las distribuidoras podrían hacer muchas cosas”.

Quien toma la palabra en este caso es Raúl Lara, presidente del Sindicato de Artistas de doblaje de Madrid (Adoma). Hasta ahora las asociaciones regionales han sido la herramienta fundamental de este sector a la hora de defender sus derechos laborales. Ahora, doce de ellas se han unido en una plataforma nacional y firmado un manifiesto para protegerse “ante la aparición de aplicaciones informáticas capaces de clonar voces y de desarrollar voces de Inteligencia Artificial”.

“Lo más preocupante es lo rápido que avanza esto y lo cero regulado que está”, avisa Lara. Una de las peticiones del manifiesto es una “moratoria en el uso de este tipo de técnicas sustitutivas del trabajo realizado por humanos hasta el momento en que exista una regulación específica sobre su uso en el sector artístico”. A su vez, piden que las cesiones de derechos firmadas hasta ahora no se utilicen como amparo legal para entrenar inteligencias artificiales con sus voces, así como que cualquiera de estos sistemas que vaya a aprender a replicar voces humanas con ayuda de sus interpretaciones requiera de su permiso expreso previo.

En busca de “emociones neutras”

“El toro nos va a pillar porque el toro ya está aquí. Ya ha habido dos estudios en España que comenzaron proyectos de entrenamiento de voces sintéticas en el que tú ibas y tenías que decir una frase con distintas emociones. Pero pedían que esas emociones fueran muy neutras”, revela Mario García. “En uno de ellos, por ejemplo, teníamos que decir me gusta la pasta con una entonación de contento, triste, enfadado”.

“Al principio pensamos que era para un videojuego. Luego nos enteramos de que eran proyectos de inteligencia artificial y nos organizamos para renuncia a ese tipo de proyectos. Parece ser que los estudios no eran muy conscientes de lo que estaban haciendo. Lo que necesitamos que entiendan es que esto es un círculo vicioso: si las empresas de IA logran automatizar todas las locuciones, ellos y sus salas de grabación tampoco van a ser necesarias en el proceso”, añade.

Mario García y Raúl Lara son dos jóvenes de la nueva hornada de actores de doblaje que han tomado el testigo de voces míticas del sector para afrontar la revolución que se les viene encima. El camino les ha llevado a reunirse con representantes del Ministerio de Cultura y con las patronales de estudios de grabación. También participan en la creación de una organización a nivel europeo para iniciar una comunicación con Bruselas. En la actualidad la UE ultima un nuevo Reglamento para la IA que incluye alguno de los puntos que los actores de doblaje recogen en su manifiesto, como la inclusión de una marca de agua en cualquier contenido que se haya generado con esta tecnología.

“En Cultura nos agradecieron que nos pusiéramos en contacto con ellos y nos expresaron que es una preocupación compartida por otros sectores. Nos dijeron que efectivamente es algo que hay que regular, pero que todavía no está muy claro como se va a hacer y que de momento está en manos de la Unión Europea”, explican los actores de doblaje. Fuentes del Ministerio reconocen a este medio estos contactos y adelantan que se ha decidido crear un grupo de trabajo con representantes de la industria del cine para analizar el impacto que la IA puede tener en el sector y en sus profesionales.

elDiario.es ha contactado también con Amaedis, una de las patronales del sector de estudios de grabación. “Nosotros somos meros intermediarios. Hemos trasladado sus peticiones a nuestros clientes, que son multinacionales grandes y son quienes tienen que modificar los documentos y expresiones que utilizan en ellos. La mayoría, prácticamente todos, han expresado la voluntad de hacerlo”, aseguran a este medio fuentes de la organización. “Ahora en las fechas que estamos es más complicado recibir respuestas, ya que estas empresas dependen de departamentos legales que están en Estados Unidos y tienen sus propios ritmos. Casi todos lo han recibido bien”, inciden.

Un sector que crecía hasta la llegada de la IA

Pese a los nubarrones que se han instalado ahora sobre los actores de doblaje, lo cierto es que el sector se encontraba en una etapa de expansión. El efecto Netflix se ha dejado notar en todo el mundo pero también dentro de España, donde los intérpretes especialistas en las diferentes lenguas y dialectos del Estado asisten a un renovado interés por su trabajo. Entre las asociaciones firmantes del manifiesto hay representantes de actores especialistas en catalán, valenciano, euskera, gallego o andaluz.

“Tú abres Netflix y puedes cambiar el doblaje a 20 idiomas de Europa. Se está empezando a doblar en un montón de países que antes no se doblaba, en Asia, en Latinoamérica, en África. Es algo que está pasando a nivel mundial. Se está generando una industria en cada país que se basa en una actividad artística y cultural. Si ahora se empieza a hacer con IA, se elimina todo eso de un plumazo”, avisa García.

“Es obvio que esto no le interesa a nadie salvo a las grandes multinacionales, que se ahorrarían muchísimo dinero eliminando de una tacada a todo el personal artístico que necesitan para que sus productos estén en todos los idiomas del mundo. Ellos son los que saldrían beneficiados”, incide.

John Romita era uno de los últimos dibujantes supervivientes de una época dorada del cómic de superhéroes, en la que se crearon muchos de los personajes hoy universalmente conocidos. Según ha anunciado en las redes sociales su hijo, el también dibujante de cómics John Romita Jr., el veterano artista falleció el pasado 12 de junio, mientras dormía. Romita, con 93 años, llevaba décadas retirado de su oficio.

Nacido en Brooklyn (Nueva York), John Romita, hijo de inmigrantes sicilianos, tuvo, como tantos otros dibujantes de su generación, una infancia humilde en el seno de una familia numerosa. En 1947 se graduó en la Escuela de Arte Industrial de Manhattan, y realizó sus primeros trabajos artísticos en los años siguientes, entre ellos, su primera colaboración en la industria del comic-book, como dibujante no acreditado. En esa época, conoció también a Stan Lee, editor de Timely Comics, el nombre que entonces tenía la editorial que luego adoptaría el más conocido Marvel Comics.

Tras su servicio militar, en los años 50 Romita retomó la colaboración con Timely y publicó sus dibujos en las cabeceras de los géneros que entonces estaban de moda: ciencia ficción, terror y romance. Este último fue el espacio donde mejor encajó el dibujante neoyorquino, gracias a su estilo clásico, deudor de dibujantes de prensa como Milton Caniff y especialmente dotado para representar las figuras femeninas y las escenas típicas del género, en series como My Own Romance o Stories of Romance. En esos mismos años colaboró también con el principal rival de la futura Marvel, DC Comics, con abundantes historias románticas publicadas en diferentes títulos, como Girl’s Romance.

Entre 1953 y 1954, Romita tuvo su primer encuentro con los superhéroes, por aquel entonces un género pasado de moda. Fue con el Capitán América, el célebre personaje creado en 1940 por Joe Simon y Jack Kirby, que Timely Comics intentó relanzar en el contexto de la Guerra Fría enfrentándolo a enemigos comunistas, sin mucho éxito.

Pero su relación más estrecha con el género no llegaría hasta el cambio de nombre de la editorial y el bum de la era Marvel en los años 60, cuando Stan Lee vuelva a contar con él, para sustituir a Steve Ditko en The Amazing Spider-Man, una de la cabeceras más exitosas de Marvel Comics, protagonizada por su personaje más popular. Tras algunos trabajos de entintado y algunos números de la serie de otro héroe de la casa, Daredevil, John Romita desembarcaba en la serie del célebre “trepamuros” en su número 39. En las antípodas del estilo personal, extraño y satírico de Steve Ditko, Romita imprimió un tono de drama romántico a las tramas, jugando con el triángulo amoroso formado por Peter Parker, alter ego de Spiderman, Gwen Stacy y Mary Jane Watson, dos personajes femeninos que Romita diseñó. También fue el creador gráfico de uno de los enemigos más característicos de Spiderman: el jefe de la mafia Kingpin.

Romita definió la imagen más clásica e icónica de Spiderman, que permanecería invariable durante décadas, y no solo fue el dibujante de la serie durante varios años, sino que también continuó vinculado a la cabecera como entintador de otros grandes artistas, entre ellos, Gil Kane. Según cuenta Sean Howe en su libro Marvel Comics. La historia jamás contada (Panini, 2013), de Romita fue la idea de que el archienemigo de Spiderman, el Duende Verde, asesinara a su novia Gwen Stacy, como forma de provocar un giro a la serie, lo que dio lugar a una de sus historias más recordadas, desarrollada junto a Gerry Conway y Gil Kane.

Su estilo se convirtió en el estándar de la editorial, hasta el punto de que Romita compaginó sus colaboraciones como dibujante con todo tipo de labores editoriales, desde el diseño de logos y portadas al abocetado de páginas que luego terminaban otros dibujantes más inexpertos, pasando por la realización de correcciones. En 1973, ese trabajo se convirtió en su principal labor en la editorial, al convertirse en el director de arte, de la mano de Stan Lee, con quien mantuvo una excelente relación. Romita también se implicó en el diseño de numerosos personajes, como Luke Cage o Tigra, aunque sus dos creaciones gráficas más importantes de aquellos años fueron, sin duda, el Castigador y Lobezno.

Centrado en esas labores, John Romita se fue alejando paulatinamente del trabajo como dibujante regular, aunque se encargó de ilustrar la tira de prensa de Spiderman entre 1977 y 1980. En las décadas de los 80 y los 90, el dibujante se limitó a puntuales trabajos de entintado y colaboraciones en números especiales, mientras que su hijo, conocido como John Romita Jr., se convertía en su sucesor y uno de los principales dibujantes de Marvel Comics. En 1997, su padre, que ya firmaba como John Romita Sr., volvió a colaborar con Stan Lee en Spiderman/Kingpin: A muerte, uno de sus últimos trabajos como dibujante.

En los años posteriores realizó algunas otras colaboraciones esporádicas, viñetas para números conmemorativos de personajes como el Capitán América o Daredevil, pero Romita, en el momento de su muerte, llevaba dos décadas retirado. Convertido en una leyenda de la profesión, ha sido uno de los dibujantes más influyentes del medio. Al saberse la noticia de su fallecimiento, autores como Alex Ross, Paul Dini, Dan Slott o Kurt Busiek han mostrado en redes sociales sus condolencias.

Sony nunca ha dejado de poseer los derechos de Spider-Man, y queriendo aprovechar este privilegio para combatir la hegemonía del Universo Cinematográfico de Marvel (en manos de Disney) se ha colocado en una ambivalencia muy curiosa. Por un lado, el estudio vigila el uso que Kevin Feige pueda hacer del Peter Parker de Tom Holland —bien amenazando con retirarle de la franquicia tras Lejos de casa, bien aprovechando No Way Home como escaparate de los logros de las sagas que sí espoleó—, al tiempo que construye en torno a este personaje un miniuniverso propio. El encabezado por Venom y, en fin, Morbius.

Este miniuniverso está consagrado a los personajes secundarios de Spider-Man y solo puede crecer a la sombra del Universo de Marvel. Aunque las dos entregas de Venom que se han estrenado hasta ahora hayan triunfado en taquilla y tengan sus defensores, por lo general es una franquicia abocada al hazmerreír. La angustia por explotar una marca se topa de bruces con todo tipo de limitaciones, tomando un rumbo tan ridículo —el plan de que Bad Bunny debute próximamente con un personaje llamado “El Muerto”— como involuntariamente ilustrativo de la congestión que ha terminado atravesando la maquinaria superheroica.

Pero claro. En el marco de Sony, y aprovechando los resquicios de explotación que había dejado Marvel Studios, también nació Spider-Man: Un nuevo universo en 2018. He aquí la ambivalencia. Una de las películas de superhéroes más aclamadas de la historia, de una influencia que sobrepasa el género, y que ahora estrena una secuela capaz de amenazar su excepcionalidad para entregarla a los vicios de la industria. ¿Es lo que ha ocurrido, o Spider-Man: Cruzando el multiverso ha logrado mantenerse a salvo y seguir brillando?

Un nuevo universo (de animación)

Spider-Man: Un nuevo universo fue un milagro, pero podemos identificar las condiciones que lo hicieron posible. Por un lado, una lúcida comprensión de la mítica del personaje se alineó con el talante burlesco de la dupla Phil Lord y Chris Miller, cuyas parodias de la cultura pop siempre enmascaran un intenso cariño. Por otro, Un nuevo universo tomó forma dentro de la inquietud de Sony Animation por dejar atrás proyectos atroces como Emoji: La película, lo que derivó en una mayor apuesta por las inquietudes de los animadores y en el prometedor fichaje del español Alberto Mielgo, cuya visión del medio ha sido tan rompedora.

Mielgo abandonó Un nuevo universo no sin antes entregar unas claves estéticas por las que el filme debía transitar. La idea más celebrada fue entonces la de emular el lenguaje de cómics a través de onomatopeyas y una velocidad de frames menor a la estándar, que recordara al paso de las páginas. De este modo, solo desde la gramática visual, Un nuevo universo rendía homenaje al Spider-Man primigenio de las viñetas, cimentando una cumbre donde el lenguaje cinematográfico y el comiquero dialogaban con una armonía nunca antes vista. Y no obstante, lo que más llegó a trascender fue su contundente uso de la animación NPR.

El llamado “non-photorrealistic rendering” —que, básicamente, consiste en variar el rumbo del progreso de la animación digital para que este deje de buscar el realismo, dando media vuelta para inyectarle volumen al 2D de toda la vida— ya existía antes de Un nuevo universo, utilizado especialmente por varios videojuegos de principios de los 2000. Pero nunca había atesorado un vigor como el de este filme, una expresividad que nos descubría que la animación podía llegar a otros lugares cuando el uso de las tres dimensiones parecía condenado al valle inquietante. Así que, desde Un nuevo universo, las producciones NPR se han multiplicado.

Dentro de la misma Sony Animation, con Los Mitchell contra las máquinas. Pero también por parte de sus competidores. DreamWorks Animation ha estrenado Los tipos malos y El gato con botas: El último deseo, logrando por esta última sus mejores críticas en lustros. En el marco de League of Legends ha nacido una serie impepinable como Arcane, estrenada por Netflix. La misma plataforma que cobijó Entergalactic, un proyecto a mayor gloria del rapero Kid Cudi que hallaba legitimidad gracias a esta factura. Este 2023 Paramount lo intentará a su vez con Ninja Turtles: Caos mutante, y Disney con Wish para celebrar su 100 aniversario.

Incluso Marvel Studios ha probado suerte con la serie antológica ¿Qué pasaría si…? Tal afloración de proyectos hace pensar en Un nuevo universo como una producción al fin y al cabo coyuntural: no más que la chispa necesaria para que la industria descubriera cómo salir del estancamiento de la tradición 3D instaurada por Toy Story a mediados de los 90. Pero eso no le quita su carácter pionero, y por tanto un prestigio que ahora se ve obligada a revalidar con la secuela. Tras desencadenar una tormenta estética de tal calibre, desde Sony Animation son conscientes de las expectativas, de la necesidad de romper con lo que ya fue rompedor.

Es una responsabilidad endiablada, que por suerte Cruzando el multiverso sobrelleva con aplomo. Desde los primeros minutos, cuando la trama salta al universo de Spider Gwen y esta nos cuenta sus problemas mientras toca la batería, cunde la sensación de que Cruzando el multiverso va a ser una explosión sensorial del mismo calibre que la de 2018. El montaje guiado por las baquetas encadena planos a velocidad de vértigo pero a un ritmo muy meditado, practicando algo cercano a la hipnosis desde la saturación de estímulos. El humor de la impronta Lord/Miller fluctúa a una velocidad semejante. Y remata el éxtasis.

La filosofía seguida entonces no es muy distinta de la lógica inflacionista con la que Hollywood lleva décadas produciendo secuelas, concretada en una única palabra: más. Más acción, más universos que transitar, más estilos de animación concatenados, más Spider-gente. Todo exhibido con un rigor formal tan categórico que impele a que destaquen algunos ámbitos más pobres, como el descuidado uso de la profundidad de campo o los escenarios que rodean las facciones primorosamente vivaces de los personajes. Algo que no deja de encajar con la propuesta, por el impresionismo invocado. La obsesión por el impacto inmediato, consciente de que el stendhalazo solo se logra a base de golpes.

Un nuevo universo (de universos)

Asumiendo que Cruzando el multiverso es otro triunfo visual, queda por examinar la otra faceta del fenómeno que instauró Un nuevo universo. Sony Animation también fue pionera a la hora de ubicar el concepto “multiverso” en el mainstream audiovisual. Un concepto tan extendido como para que la última ganadora del Oscar a Mejor película, Todo a la vez en todas partes, se sumerja en él y extraiga de su entramado una preocupación por epatar desde la acumulación fulminante —no solo de imágenes, sino del caudal de referencias aparejado a las mismas— que por supuesto también practicaba Un nuevo universo.

Todo a la vez en todas partes recurría al multiverso, por otra parte, para cuestionar los “mecanismos impuestos” que marcan nuestra vida, relativizándolos según otros múltiples devenires posibles que de pronto nos apelaban y daban mayor agencia a nuestra subjetividad. No era muy distinto, en fin, a lo que pasaba con Miles, aprendiendo que “todos podemos ser Spider-Man” tras divisar la gran cantidad de Spider-Man que hay desperdigados por el cosmos. El multiverso viene a servir pues de terapia de autoayuda, dando calma a la atormentada individualidad contemporánea según la comparación y el aprendizaje.

Así lo ha entendido el superheroico posterior a Un nuevo universo, aprovechándolo además para reforzar surtidos de propiedades intelectuales. Tras Un nuevo universo Sony volvió a aliarse con Marvel Studios y estrenó No Way Home: una suerte de simulacro deshumanizado de lo que había sido la película animada. Desde inquietudes dramáticas similares, el gran atractivo pasaba a ser el reciclaje de iconos en lugar de la animación virtuosa, tan consciente de que el público conectaría con él como para planear hacer lo propio en la película sucesiva de Marvel, Doctor Strange en el multiverso de la locura.

Aquí la dirección de Sam Raimi logró que la pulsión corporativa se viera sepultada por sus propios fetiches, sin que por lo demás afectara a esa narrativa troncal de Marvel sumida en “la Saga del Multiverso”. Fuera de la Casa de las Ideas, en la convulsa DC, también se cocina en estos momentos una réplica, Flash. Quien la ha visto asegura que es tan buena como No Way Home mientras en los tráilers vemos a Michael Keaton volviendo como Batman, a Michael Shannon como Zod, y a varios Ezra Miller como distintas versiones de Flash.

Como tantas variantes de Spider-Man se presenta Cruzando el multiverso. En la secuela ocurre lo inevitable, y es que se ve infectada por este ímpetu de escaparate. Lo que en Un nuevo universo se usaba para el humor absurdo, la creatividad o el reconocimiento a cómics ignotos, en Cruzando el multiverso pasa a ser un catálogo de propiedad que se extiende a otras marcas como Lego y vuelve abiertamente sobre el legado cinematográfico del Spider-Man de Sony, tan vital para No Way Home. Aunque hay buenas noticias a este respecto. El humor absurdo sigue imperando, y también lo hace un pensamiento crítico sobrevolando todo el berenjenal.

Los personajes de Cruzando el multiverso están condicionados por un término clave: el “canon”. Sus vidas se ven orquestadas según un destino prefijado que les hará sufrir al tiempo que, se supone, les encaminará a ser Spider-Man. El canon, por supuesto, es un término extraído de la narrativa transmedia, pero aquí conecta con los mecanismos impuestos de Todo a la vez en todas partes y su desafío adquiere otra resonancia. La de creaciones que se revuelven contra un sistema que las ha absorbido, arrebatado toda magia, para meterlas en paquetes y crossovers diseñados fuera de lo que dispongan los artistas. Un malestar al que Cruzando el multiverso mira de frente y se pregunta —mediante el vértigo de la imagen y la trascendencia de un personaje que es mucho más que Marvel— si un día podrá llegar a superar.

Stanley Lieber (1922-2018) fue mundialmente conocido como Stan Lee, el nombre de pluma que adoptó para firmar sus primeras historias de cómic, y reconocido por el gran público como el creador de personajes inmensamente populares gracias al cine, desde Spiderman a los X-Men, pasando por Iron Man o Hulk. Sus cameos en esas películas no hicieron sino elevar su fama y hacer posible su conversión en un símbolo, admirado por millones de fans. Sin embargo, la controversia acompaña su figura desde hace décadas, cuando Jack Kirby, coautor de casi todos aquellos personajes durante los años 60, comenzara a cuestionar públicamente las aportaciones de Lee a esas obras, mientras luchaba legalmente por conseguir que Marvel le devolviera los originales de sus páginas.

Desde entonces, periodistas y estudiosos del cómic han ido reconstruyendo un puzle complejo, matizando el relato oficial, y analizando las verdaderas aportaciones de cada autor a ese artefacto cultural conocido como Universo Marvel, hoy propiedad de The Walt Disney Company y generador de miles de millones de euros cada año. Todo ello gracias a las películas que adaptan sus historias y personajes, creados por autores que, en el mejor de los casos, solo perciben una gratificación simbólica y a todas luces insuficiente con respecto a su responsabilidad en el éxito comercial de la franquicia.

Abraham Riesman es un periodista cultural, colaborador de medios como Vice, The Wall Street Journal o The Boston Globe. La reciente publicación de su primer libro, una biografía de Stan Lee, ha reavivado la controversia acerca de la figura del editor y guionista. En España ha sido publicado bajo el nombre de Verdadero creyente. Auge y caída de Stan Lee por Es Pop Ediciones, con traducción de José María Méndez. El libro de Riesman supone una exhaustiva investigación sobre la vida de Lee, para el que el autor ha entrevistado a la mayoría de personas que lo trataron, tanto profesional como familiarmente, y en la que, además, ha tenido acceso a todo tipo de documentos y grabaciones que le han permitido trazar un retrato minucioso que no evita ninguna cuestión delicada.

Riesman no tiene por objetivo hacer caer el mito de Lee sino analizar, a la luz de las pruebas, la realidad detrás de ese mito. Es riguroso y no especula ni va más allá de adonde puede llegar con las pruebas que tiene en la mano, y reconoce los muchos límites de las fuentes orales cuando hay intereses en juego y han pasado tantos años, pero sí somete los hechos a un proceso estricto de fact checking del que Lee no siempre sale bien parado.

La construcción del personaje

Riesman se remonta a los orígenes familiares y reconstruye el periplo de los ancestros de Lee, judíos askenazíes de Rumanía, que acabaron emigrando a Estados Unidos. También se aproxima a la figura de sus padres y analiza la relación con ellos, para encuadrar la figura de Lee y entender sus motivaciones en el contexto de la Gran Depresión y su clase: desde muy joven, Lee quiso escalar socialmente y, durante toda su vida, mantuvo esa fijación con el éxito y el dinero.

Lee comenzó a construir un personaje triunfador alrededor de la persona real, comenzando por la adopción de un pseudónimo, que él mismo reconoció que se debía a la necesidad de no usar su nombre real en algo tan poco prestigioso como los cómics. Desde muy joven, se acostumbró a exagerar y mentir sobre su propia vida para alimentar su propia leyenda. Riesman recoge un hecho clave para entender esto: Lee contaba que, en su adolescencia, ganó tres veces consecutivas un concurso de jóvenes escritores del New York Herald Tribune; cuando Riesman acudió a la hemeroteca para comprobarlo, descubrió que únicamente participó una vez, en la que recibió, junto con otros 99 niños, una mención de honor.

Esta estrategia lo acompañó la mayor parte de su vida, de forma que el relato triunfal que él mismo contaba era el de un hombre creativo, un genio en su campo, lleno de ideas y con grandes iniciativas. Reisman busca redimensionar su figura a través de una investigación que va mucho más allá de lo que él mismo contaba, de ese relato que muchos aficionados al cómic aceptaron como verdadero. Por ejemplo, el periodista demuestra que Stan Lee comenzó a trabajar en Marvel en la época en la que aún se denominaba Timely, gracias a que era familiar de Martin Goodman, el dueño de la empresa, y no por su arrojo o iniciativa personal. No obstante, ahí es donde empieza, verdaderamente, la historia épica de Stan Lee.

La polémica de la autoría

Durante dos décadas, Stan Lee se hace cargo de los cómics de Timely, escribe sus primeros guiones y va puliendo su imagen, aunque siempre mantiene la esperanza de poder abandonar un medio tan denostado para poder dedicarse a otras labores más prestigiosas. La vida de Lee está llena de proyectos nunca terminados, ideas frustradas y fracasos sin paliativos hasta que, ya en los años 60, ante un incipiente revival de los superhéroes —DC Comics había lanzado poco antes, con mucho éxito, a la Liga de la Justicia de América—, reciba el encargo de Goodman de crear una nueva serie protagonizada por un supergrupo. Para ello, colaboraría con Jack Kirby, a quien conocía desde sus inicios en el negocio.

El éxito de ventas de aquella primera serie de “la era Marvel de los cómics”, Los Cuatro Fantásticos, fue seguido de otras muchas, tanto con Kirby como con Steve Ditko, principalmente. Hasta ese momento, Stan Lee pensaba en abandonar los cómics en cuanto pudiera, una actitud profesional que no tiene nada de excepcional, ya que era común entre los autores de la época, incluso de las posteriores, considerar que era un negocio mal pagado y con muy mala fama: no olvidemos que, durante los años 50, una ola de histeria anticómics recorrió Estados Unidos, hasta el punto de que el asunto llegó al Senado y provocó, en última instancia, la creación de un código de autocensura adoptado por la industria como única forma de salvar el sector.

Todo lo que tiene que ver con aquella época fundacional del imperio Marvel es, sin lugar a dudas, lo que más polémica produce de todo lo que tiene que ver con Stan Lee. De hecho, está ya muy estudiado y Riesman no puede aportar muchas novedades, más allá de recopilar todo lo que sabemos y añadir algunos detalles o testimonios recogidos por él mismo. La responsabilidad en la autoría y creación de personajes tan importantes como Los Cuatro Fantásticos, Spiderman, Los Vengadores, el Doctor Extraño o los X-Men se empieza a debatir en los años 80, cuando Kirby comience su cruzada contra Marvel. En diversas entrevistas, no solo se atribuía todo el mérito en la creación de los personajes, sino que también aseguraba haber sido el autor de todas las historias, a las que Lee simplemente habría añadido los diálogos, siguiendo sus propias instrucciones. Reisman considera este relato bastante improbable.

La versión oficial —que es la del propio Lee—, sin embargo, habla de una colaboración creativa más equilibriada, gracias al llamado Método Marvel, invención del propio Lee. En principio, esta forma de colaboración consistía en que el guionista facilitaba una sinopsis al dibujante para que dibujara las páginas, tras lo cual estas eran enviadas al guionista para que añadiera los diálogos. Pero, aunque ese método se usó de esta forma en años venideros, lo que acredita Reisman, en lo que respecta a cómo lo empleaba Stan Lee, es muy distinto: en muchas ocasiones, simplemente facilitaba una idea muy vaga o sugería el nombre de un personaje, que luego el dibujante desarrollaba al dibujar la historia completa, lo que implicaba tomar importantes decisiones narrativas y formales sin contar con un Lee que, en el final del proceso, aportaba sus chispeantes y verborreicos diálogos. Por si fuera poco, a partir de determinado momento, hubo casos en los que Lee ni siquiera tenía ya contacto con algunos colaboradores, que trabajaban en solitario, como fue el caso de Ditko en The Amazing Spider-Man.

Lee mantuvo casi siempre el relato de la coautoría y alimentó la idea, conscientemente o no, de que él era el genio creador detrás de Marvel. Reisman relata una larga historia de omisiones y convenientes olvidos a la hora de mencionar a Ditko, Kirby o cualquier otro colaborador como creadores, si bien se deshacía en elogios a su talento. Pero también documenta los momentos concretos en los que, por algún motivo, el editor en jefe de Marvel reconocía el verdadero método de trabajo que seguía con los artistas, como sucedió en 1965, cuando, durante una entrevista, admitió que Kirby era en muchos casos el argumentista de los cómics que realizaban. “Es buenísimo ideando tramas, estoy seguro de que se le da mil veces mejor que a mí”, declaró. Sin embargo, el autor de Verdadero creyente también reconoce no pocos méritos a Lee en el éxito de la editorial: fue un excelente coordinador, y tuvo una idea brillante al decidir que todas las series estarían conectadas entre sí, de forma que los diferentes personajes podrían saltar de una a otra.

Pero hay aún otro detalle fundamental: la relación que Lee estableció con los lectores. Alimentó un fenómeno fan sin precedentes mediante la cercanía personal con ellos, a través de las secciones de correo y otras columnas, el club de fans de Marvel y sus propias apariciones públicas. Generó una ficción en torno a la redacción de Marvel, a la que denominaba el bullpen, y se presentó a sí mismo como una especie de mezcla entre vendedor, guionista y director de orquesta, que acuñaba todo tipo de expresiones coloridas y frases hechas. Cuando estos nuevos cómics obtuvieron cierta atención académica —personajes como Spiderman o Hulk fueron muy populares en los campus universitarios—, supo ver que era el momento de introducir discurso legitimado que intentara elevar lo que, hasta entonces, era considerado poco menos que material de derribo. A pesar de que, en su fuero interno, Lee siguiera anhelando dedicarse a otras tareas creativas, es innegable que parte del éxito de la nueva Marvel se debe a la forma en la que su estrategia la convirtió en un fenómeno cultural.

El problema para Reisman y otros críticos es que este proceso, inseparable de la construcción del propio personaje de Stan Lee como un moderno demiurgo, un genio creador al que millones de chavales idolatraban, implica negar la autoría real de muchos otros artistas. Lee no dudó en inventar todo tipo de anécdotas falsas y retorcer todo lo que tiene que ver con la creación de sus personajes más populares, hasta el punto de contar versiones contradictorias entre sí. Reisman señala un caso paradigmático: el Doctor Extraño. Sobre este personaje, hoy interpretado en el cine por Benedict Cumberbatch, Lee dijo inicialmente que era una idea de Ditko y que la primera historia no era “gran cosa”. Años más tarde, cuando su éxito era evidente, la versión de Lee cambió radicalmente: “En julio de 1963 la regalé al mundo otro de mis personajes favoritos, el Doctor Extraño”.

La marcha a Los Angeles y su vida después de Marvel

Casi desde la creación de esos personajes, la obsesión de Stan Lee fue lograr que se vendieran sus derechos para realizar series y películas. A partir de 1972, dejó el puesto de editor en jefe en manos de su joven mano derecha, Roy Thomas, y abandonó su labor creativa: fuera cual fuera su aportación a los guiones de cada serie, su nombre dejó de aparecer en los créditos. Así, se consagró a su labor de hombre anuncio, de cara pública de la editorial, al tiempo que se trasladaba con su familia a Los Angeles para intentar vender los derechos de las propiedades de Marvel, pero también sus propios proyectos. Reisman describe incontables ideas para películas, libros y otros que Lee intentó mover infructuosamente durante aquellos años, mientras, paulatinamente, se alejaba del día a día de la editorial y de los avatares de sus personajes. A pesar de su cercanía con ciertas figuras de Hollywood, solo logró algún cameo menor, y siempre fue incapaz de vender un solo guion original.

Mientras, su vida personal se convertía en un caos: rodeado de personas con oscuros intereses y pasados dudosos, se vio embarcado, en sus últimas dos décadas de vida, en todo tipo de negocios ruinosos y problemas financieros que acabaron en los tribunales, aunque Lee siempre fue exonerado de toda responsabilidad. Primero con Stan Lee Media y luego con la productora de entretenimiento POW!, fracasa una y otra vez en sus proyectos multimedia, al tiempo que se libra una retorcida batalla legal entre los diferentes personajes que se acercan a él. Para la posteridad quedan proyectos como Stripperella (2003-2004), una serie de animación en la que Pamela Anderson prestaba su voz a una superheroína y estríper, o Who Wants to Be a Superhero? (2006), un reality en el que Lee hacía de mentor de un puñado de aspirantes a superhéroes enmascarados.

A pesar de todo, sus constantes apariciones públicas y sus cameos en todas las películas protagonizadas por héroes Marvel depararon a Stan Lee una enorme popularidad. Sin embargo, sus últimos años fueron muy duros, como demuestra Riesman en su investigación. Tras la muerte de su querida esposa, Joan, Lee quedó en manos de su problemática hija y un puñado de individuos que lo aislaron mientras pugnaban entre sí por su legado y herencia. Riesman se esfuerza en arrojar luz sobre esos últimos días de Stan Lee, sumido en la depresión, presunta víctima de malos tratos y presa de los intereses de siniestros personajes, algunos de los cuales han acabado procesados judicialmente. Un triste final para un hombre de 95 años, clave para entender la cultura popular estadounidense de las últimas décadas y que se había convertido en un símbolo, tras el cual se ocultaba una realidad que Verdadero creyente. Auge y caída de Stan Lee saca a luz.

Todo empezó con una agónica respiración, escuchada tras una armadura negra que sumía en el misterio la apariencia de su ocupante. Era imposible saber qué ocultaba la máscara de Darth Vader, quizá el villano más icónico de la cultura pop —también uno de los primeros—, pero durante las décadas siguientes Hollywood dedicó gran cantidad de esfuerzos a aclararlo. A detallar sus orígenes y deconstruirlo, consciente de que el público demandaba una creciente complejidad, que se apartara de los impolutos y monolíticos héroes. Así es como de Darth Vader, casi medio siglo después, hemos llegado a Morbius. Un villano de Spider-Man a quien vamos a conocer en el cine antes siquiera de haberle visto enfrentarse a Spider-Man.

El cine popular expedido por Hollywood lleva tiempo instalado en una fase neurótica, donde la fiebre por la franquicia y la explotación de propiedades intelectuales han conducido a escenarios tan insólitos como ese universo que Sony Pictures está construyendo a la sombra de Marvel Studios. Como Spider-Man, pertenece (con el rostro de Tom Holland) a la maquinaria de Kevin Feige, este ‘Venomverso’ o ‘Sonyverso’ solo se permite por ahora recurrir a personajes secundarios de las historias del célebre trepamuros, al margen de la animada Spider-Man: Un nuevo universo y derivados. Secundarios habitualmente caracterizados como villanos, que al contar con película propia no tienen otra que convertirse en antihéroes. Pasó con dos entregas de Venom, pasa ahora con Morbius.

El (falso) villano como protagonista de la cultura pop

Darth Vader era terrorífico, pero pronto fue sujeto de la infantilización del cine de gran presupuesto que capitanearon George Lucas y Steven Spielberg en los años 80. Por eso, cuando murió, lo hizo entre ewoks y redimido de su pasado malvado. Acercándose los 2000 y el 11-S, sin embargo, el modelo blockbuster debía desarrollar cierta ambigüedad para seguir comunicándose con un público menos impresionable. De ahí, que estuviera tan bien pensada la jugada del mismo Lucas de dedicar hasta tres nuevas películas de Star Wars a explicar qué había hecho a Darth Vader ser Darth Vader. Aunque en su momento no fuera aplaudido por la crítica, este ímpetu por humanizar al villano sería enormemente influyente.

El villano pasaba a ser el protagonista, y la esforzada enumeración de sus traumas y motivaciones conducía a su conversión en antihéroe: alguien que realiza actos cuestionables, pero desde una brújula moral que el público entiende a la vez que es juguetonamente desafiado por ella. Esta atención a qué impulsan los actos de un supuesto villano podía conducir a un cambio radical en la historia que creíamos conocer, como sostenía un musical tan aclamado como Wicked en torno a la Bruja Mala de El mago de Oz. Y como emuló años después Maléfica, película básica en el revisionismo que practica Disney en los últimos años.

Maléfica dio paso a Cruella, y fue quedando claro que, por mucho que se jugara con grises, dicha dinámica debía reordenar el tablero de forma familiar para el público. Esto es, que la empatía hacia el villano pasaba por erigir a un villano aún peor a su lado, a quien tuviera que enfrentarse con ademán resignado. La narrativa superheroica es la que mejor ha absorbido ese fenómeno, y donde más fácilmente se nota que todo ha obedecido siempre a darle al público nuevos héroes, con el correspondiente reclamo “oscuro” o “adulto” que les distinga de los canónicos. Hay excepciones, claro. Vengadores: Infinity War proponía un interesante juego de perspectiva con un genocida sin coartada, Thanos. Y luego está Joker.

No hay villano más magnético que Joker en los cómics. Tampoco en el cine. La estrategia al darle una película también pasó entonces por explicar su pasado y endosarle otro villano, pero como este último resultaba ser el “sistema” —entendido como un confuso compendio de circunstancias sociopolíticas—, Joker se convirtió automáticamente en algo revulsivo, que trascendía el género superheroico. Venom debía jugar en ligas más humildes, de forma que el universo de Sony fue inaugurado por dos entregas fundamentadas en la bufonada cómplice y una violencia prometida pero nunca explícita, por culpa de la calificación por edades.

Tanto Venom como Venom: Habrá matanza han funcionado en taquilla, y allanado el camino para Michael Morbius. Creado por Roy Thomas y Gil Kane en los años 70, a Morbius se le apoda el Vampiro Viviente y ha luchado esporádicamente contra Spider-Man. Al igual que ocurre con Venom, el precedente comiquero ha sentado las bases para que su rol sea algo más complejo que el de antagonista, como da cuenta su propia serie de cómics y su carácter trágico. Morbius fue una vez un prestigioso bioquímico, pero ahora está obligado a beber sangre y cometer crímenes, en la tradición de tantos personajes que hacen lo que hacen porque no hay otro remedio, siendo buenos en el fondo. Como el mismo Darth Vader.

En resumen, una película consagrada por entero a Morbius no tendría por qué no funcionar. El problema viene cuando no existe ningún Spider-Man que lo apadrine —a Venom ya le conocimos, mejor o peor, en el Spider-Man 3 de Sam Raimi—, y al filme le preocupa más seguir vertebrando la improbable franquicia donde se inscribe que tener consistencia propia.

Un desastre esperado

Morbius está dirigida por Daniel Espinosa, realizador de cierta veteranía y consistencia que hace unos años firmó para Sony Life. Una divertida revisión de Alien de acusada serie B, que hacía presagiar una ligereza en Morbius al estilo de la que venían practicando las películas de Venom. No obstante, Morbius es una película que apuesta por la solemnidad y el maridaje con otros géneros que inyecten frescura a un género tan sobado como el superheroico. Si The Batman, hace pocas semanas, trataba de fundirse con el policíaco y el procedimental, Morbius hace lo propio con el terror. Y con mucha peor fortuna, a causa de la ausencia de un conveniente pulso en la dirección que debíamos esperar de Espinosa.

La película protagonizada por Jared Leto ha sufrido especialmente la pandemia, siendo acaso el blockbuster que más veces era aplazado mientras experimentaba todo tipo de retoques en la sala de montaje: retoques fácilmente apreciables en el resultado final, que sin duda habrán eclipsado la puesta en escena de Espinosa. Morbius es un filme atropellado y confuso, donde la convicción a la hora de presentar a Morbius en sociedad —un personaje mucho más desconocido para el gran público que Venom— ha sido sustituida por un ansioso control de daños. La desesperación por mantener al espectador interesado conduce a un ritmo frenético, pero también acentúa la dificultad de involucrar al público en lo que está ocurriendo.

'Morbius' parecería a todos los efectos pasada de moda, si no fuera por la pleitesía que rinde a la tendencia del género superheroico: películas que no son tanto películas como peajes a otras películas

Rasgos achacables a buena parte de la cosecha superheroica actual —donde la figura de productor/supervisor se impone a la de cineasta—, que en Morbius quedan agravados por una incompetencia significativa a la hora de modular su espectáculo digital, en paralelo a la condición de puente hacia nuevas entregas de la franquicia. En el primer caso, el CGI de Morbius resulta apabullantemente cutre, desde las máscaras de alter ego vampírico hasta la congestionada fotografía, pasando por un tratamiento de las escenas de acción con cámara lenta y tiempos-bala que retrotraen al cine espectáculo de los primeros 2000.

Morbius parecería a todos los efectos pasada de moda, si no fuera por la pleitesía que rinde a la tendencia estrella del género superheroico: esto es, películas que no son tanto películas como peajes a otras películas. La comprensión del blockbuster como artefacto multirreferencial, no como trabajo cinematográfico, cristalizada en personajes cuya hondura completa está abocada a lo transmedia, y en una sensación de entretenimiento irrelevante, donde lo único que puede dar que hablar o generar una sensación concreta son las escenas postcréditos. Las escenas postcréditos son los clímax del cine superheroico actual, y Morbius lo ejemplifica en todo su terrible esplendor al contar con las más deprimentes de la cosecha.

En su religiosa adscripción a multiversos y lanzaderas hacia otras películas/personajes —después de Morbius Sony planea Kraven el Cazador y Madame Web—, el filme de Daniel Espinosa no se distancia demasiado de un título tan celebrado como Spider-Man: No Way Home, aunque su incapacidad para generar reconocimiento y emoción le aboque a ejemplificar de forma transparente todas estas miserias. Sin que, evidentemente, aporte nada al asimilado relato antiheroico. La relectura de villanos solo es un ingrediente más en la regurgitación de marcas de Hollywood, que ya no distingue amigos de enemigos pues todos sirven igual de bien para engrosar el próximo crossover.

El cine cierra el año en España en tono positivo: 41 millones de espectadores llenaron las salas (un 45% más respecto a 2020) y la recaudación subió hasta los 251 millones de euros. La películas más taquillera ha sido Spiderman: No way home. Gran parte de estos datos positivos se generaron en la segunda mitad del año, una vez finalizadas las restricciones por la pandemia, según datos de la consultora Comscore.

Los primeros seis meses de 2021 estuvieron marcados por el mantenimiento de las restricciones por la pandemia en muchas comunidades: la asistencia a salas de cine ascendió a 9,5 millones de espectadores y la cifra media de cines abiertos a nivel nacional era, aproximadamente, del 59%.

A partir del 2 de julio, la tendencia cambió radicalmente. Coincidiendo con el estreno de Fast and Furious 9 y con más del 91% de cines abiertos, la asistencia a salas de cine se incrementó notablemente.

El máximo se alcanzó el fin de semana del 17 de diciembre, con el estreno de Spiderman: No way Home. Ese fin de semana la taquilla consiguió, por primera vez cifras prepandemia, con una recaudación de 9 millones de euros y más de 1,3 millones de espectadores. La semana del año con más asistencia de espectadores ha sido justo esa semana, del viernes 17 al jueves 23 con un total de 2,3 millones de espectadores.

El segundo semestre cierra con una asistencia de 31,6 millones de espectadores, un 165% más que el mismo periodo del año anterior, (datos provisionales a 30 de diciembre).

Tras Spiderman: No way home, la siguiente película más taquillera es Fast and Furious 9, seguidas de Venom 2. habrá matanza y A todo tren. Destino Asturias, dirigida por Santiago Segura, que se posiciona como la película española más vista del año.

Las provincias con un mayor número de espectadores han sido Madrid (20,9%), Barcelona (14,4%), Valencia (6,3%), Alicante (4%), Sevilla (3,8%), Málaga (3,7%), Murcia (3,3%), Cádiz (3%), Vizcaya (2,5%) y Tarragona (2,2%).

El cine español cierra 2021 con una cuota de mercado del 16,6%, un punto y medio por encima de los datos de 2019.

Spider-Man: No Way Home hace historia y se convierte en el tercer mejor estreno internacional de una película porque, solo en su primer fin de semana, ha ingresado 600 millones de dólares (más de 530 millones de euros al cambio actual) en cines de todo el mundo. Estas cifras le situaron solo por detrás de Vengadores: Endgame (1.200 millones de dólares, más de 1.060 millones de euros) y Vengadores: Infinity War (640 millones de dólares, unos 567 millones de euros).

En el mercado estadounidense, el más importante para Hollywood, la película se convirtió en el segundo debut más taquillero de la historia del país, al superar los 260 millones de dólares (230,4 millones de euros), según la revisión de cuentas que Sony realizó el lunes. Así, Spider-Man: No Way Home no solo es el mejor lanzamiento de toda la pandemia, sino que en Estados Unidos también ha conseguido superar al debut de pesos pesados como Avengers: Infinity War (257 millones de dólares en 2018, casi 228 millones de euros al cambio actual) y Star Wars: El ascenso de Skywalker (177 millones en 2019, unos 157 millones de euros).

Pero además, con sus 600 millones de dólares recaudados en todo el mundo gracias a un estreno simultáneo en varios países, la última entrega del superhéroe arácnido está en camino de convertirse en el primer filme que supera los 1.000 millones de dólares (886 millones de euros) desde que comenzó la pandemia hace casi dos años. Y esa previsión omite al segundo mercado más importante, China, donde aún no se ha estrenado.

La noticia supone un respiro para los cines de todo el mundo, que arrastran pérdidas millonarias desde principios de 2020. Sin embargo, tan solo la franquicia Marvel ha logrado esquivar los obstáculos del coronavirus con estrenos potentes como Viuda negra y Shang-Chi en 2021, mientras que la taquilla de otras películas apenas consigue cubrir los costes de producción.

Sirve como ejemplo el caso de Estados Unidos, donde hace una semana la nueva adaptación del musical West Side Story, dirigida por Steven Spielberg, debutó muy por debajo de las expectativas al recaudar únicamente 10,5 millones de dólares (9,3 millones de euros). Esta semana en Estados Unidos el buen rendimiento de Spider-Man contrasta con el descafeinado debut de El callejón de las almas perdidas, lo nuevo de Guilermo del Toro que solo sumó 2,9 millones de dólares (2,5 millones de euros) y quedó en quinta posición. Por delante se situaron Encanto, en segundo lugar con 6,5 millones de dólares (5,7 millones de euros); West Side Story, en tercera con 3,4 millones, y Cazafantasmas: Más allá, en cuarto con unos 3,4 millones (3 millones de euros).

La conclusión de la última trilogía de Star Wars fue lo que los fans de la saga querían y justo ese se convirtió en su mayor problema. Tras Los últimos Jedi, que se atrevió a reinterpretar el canon del universo, J.J. Abrams volvió a tomar el mando para “arreglar” el descosido con una narrativa más pensada para agradar al espectador clásico que para construir una historia perdurable. Era un epílogo con la mirada puesta en lo que se deja atrás y no en todo lo que la franquicia podía llegar a ser. Y eso, precisamente, es lo que también sucede con la recién estrenada Spider-Man: No Way Home.

La trilogía protagonizada por Tom Holland y dirigida por Jon Watts arrancó en 2017 con Homecoming, un filme modesto con coartada de comedia adolescente que al menos resignificaba lugares comunes del personaje, como sentido del deber civil asociado al asesinato del tío Ben y la ya manida frase de “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. Obviar clichés era importante, porque tres sagas diferentes en solo 15 años habían llevado al superhéroe al instituto para contar cómo afrontaba la adolescencia y el despertar de sus poderes. Esta era, además, la primera película individual del trepamuros tutelado por la misma editorial de cómics que le vio nacer: Marvel.

Luego llegó Spider-Man: Lejos de casa (2019), la primera cinta del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) después del cataclismo presentado en Endgame. El arácnido parecía el encargado de explorar cuáles eran las consecuencias tras la gran lucha con Thanos y qué iba a ocurrir con Los Vengadores, ausentes de claros líderes ante el adiós de grandes iconos del sello. Pero en lugar de eso se optó por continuar con el tono cómico y por preparar el terreno de cara a su tercera parte, ya que en la escena poscréditos es donde estaba una de las ventanas narrativas más interesantes: el villano Mysterio revelaba públicamente la identidad del trepamuros y le acusaba de un crimen que no había cometido. Ahí es donde arranca Spider-Man: No Way Home.

Parker acude al Doctor Extraño para restaurar su vida secreta, ya que la presión de la opinión pública le sobrepasa tanto a sí mismo como a sus allegados. Se trata del mismo hechizo al que el superhéroe recurre en el cómic One Moment in Time (2010) de Joe Quesada, uno de los tomos que probablemente sirvió de inspiración a la hora de desarrollar el guion aunque los acontecimientos no sean exactamente iguales. Pero en el filme el conjuro sale mal y se desencadena el multiverso, permitiendo la entrada a todo un elenco de villanos de Spider-Man visto en las dos anteriores sagas: la de Sam Raimi y la de Marc Webb.

Como ya es sabido por los trailers y carteles mostrados, algunos de esos enemigos son el Doctor Octopus (Alfred Molina), el Duende Verde (Willem Dafoe) o Electro (Jamie Foxx). Un equipo que bien podría recordar a los Seis Siniestros que ya en las viñetas pusieron las cosas difíciles al arácnido. Pero la cinta de Watts toma otra dirección. Por un lado, cierra un fin de ciclo, cambia la manera de entender al trepamuros en el cine (al menos en el UCM) y da pistas de qué otras líneas se pueden abrir en próximos filmes. Pero por otro, acaba tejiendo una red de autorreferencias a la que se mantiene pegada la mayor parte de sus 148 minutos.

La importancia de una segunda oportunidad

No es fácil analizar con profundidad un filme concebido como un campo de minas narrativo en el que cualquier detalle, por ínfimo que sea, es susceptible de ser considerado un spoiler. No obstante, cabe decir que sobre la historia late un claro mensaje sobre la importancia de las segundas oportunidades en un momento como el actual, donde lo que prima es la reacción (y lapidación) instantánea como la que Peter sufrió por un crimen que no había cometido. Tampoco invita a lo contrario, a aceptar las injusticas, pero sí a mirar en la raíz de por qué suceden para intentar erradicarlas sin recurrir al golpe fácil.

Sin embargo, lo que podría parecer una premisa de partida interesante y una oportunidad para revisitar personajes familiares desde otro punto de vista, acaba siendo un desfile de caras conocidas cuya única finalidad es despertar la nostalgia del cinéfilo más clásico de Spider-Man. Y esto no debería ser malo per se, ya que otros títulos como Endgame abrazaban el fanservice puro y los clichés sobre su universo, pero la cinta de los hermanos Russo sí apostaba por la reescritura. Jugaba con las expectativas del espectador y, por ejemplo, tomaba decisiones como ventilar en la primera media hora de metraje el que a priori uno pensaría que sería el principal conflicto: rebanar la cabeza a Thanos. 

No Way Home, por el contrario, se siente cómoda con diálogos que aspiran a levantar la media sonrisa solo por el hecho de rememorar viejas glorias sin más interés que ese. Quizá la trama más cautivadora sea la centrada en el Duende Verde, interpretado por un polivalente Dafoe que vuelve a contorsionar su rostro con muecas imposibles. De nuevo, aunque los hechos no sean literalmente los mismos, una referencia ha podido ser el cómic Spiderman: entre los muertos de Mark Millar y Terry Dodson. En él se cuenta cómo Norman Osborn inicia un macabro juego de provocaciones, al más puro estilo del Joker o de John Doe en Seven, que genera la desesperación y el agotamiento del protagonista. La batalla no es a golpes contra un enemigo hipermusculado, sino contra la psique para no caer en el último pecado capital: la ira. 

Resulta inevitable no pensar en la película que se anticipó a abrir las puertas del spiderverso: Spider-Man: un nuevo universo (2019). Es por definición propia una de las mejores historias del arácnido que se recuerdan y su filosofía, aunque parezca estar en sintonía con la cinta de Watts, en realidad es la opuesta. Aprovecha su variado plantel para hablar de masculinidad tóxica, de relaciones afectivas o de paternidad. También para lanzar un mensaje a favor de la diversidad y quitar exclusividad a la persona que está bajo la máscara porque, en el fondo, todos pueden ser Spider-Man (o Spider-Woman). Mira al futuro. En cambio, No Way Home lo hace al pasado. 

A pesar de que Miles Morales hizo su primera aparición en cómics en 2011, el “segundo” Spider-Man seguía siendo un desconocido para los ajenos a sus aventuras en viñetas. No fue hasta 2019 cuando por fin llegó a la gran pantalla con Un nuevo universo, considerada tanto por la crítica como por la audiencia como una de las películas de animación más influyentes de los últimos años. También sirvió para otra cosa: para comprobar que este otro arácnido es, en realidad, el mejor para conectar con muchas nuevas sensibilidades actuales.

La cinta de animación escrita por Phil Lord y Rodney Rothman fue importante porque metió un puñetazo directo al concepto de virilidad presente en gran parte de las producciones superheróicas. El hombre que nunca llora, el que jamás habla de sus sentimientos o el que siempre se mantiene fiel a sus principios han sido iconos recurrentes desde que Marvel llegó a los cines con Iron Man (2008) hasta Endgame (2019), filme que precisamente destruye esos pilares del pasado para dejar lugar a unos protagonistas acorde con los nuevos tiempos. 

Lo que Grayson Perry define como el 'hombre por defecto' en su libro La caída del hombre ha vehiculado múltiples actitudes tóxicas en un tipo de cine, el de superhéroes, que queramos o no es el género por excelencia del blockbuster contemporáneo. Pero la máscara de tipo duro no tiene lugar en Un nuevo universo como tampoco lo tiene en Spider-Man: Miles Morales, un juego recientemente lanzado para PS4 y PS5 que capta la esencia del filme de animación tanto en lo estético como en lo sonoro. Y, por supuesto, en lo narrativo. 

A diferencia del largometraje, el juego no nos plantea un universo en el que Peter Parker ha muerto, sino uno en el que se ha ido de vacaciones a Europa y mientras tanto deja a Morales a cargo de la ciudad de Nueva York. Las consecuencias de ambas narrativas son parecidas. El nuevo trepamuros afronta una etapa en la que se autodescubre como héroe y como adolescente al mismo tiempo que comparte sus inseguridades con las personas que le rodean, lejos de ser un ente solitario que se abstrae en sus conflictos por miedo a mostrar síntomas de debilidad entre sus allegados. Todo lo contrario: se apoya en ellos para evolucionar como persona. 

Tu amigo y vecino, pero sobre todo de Harlem

La frase “tu amigo y vecino Spider-Man” es un buen resumen de la filosofía del personaje: su misión no consiste únicamente en derrotar a grandes villanos, sino también en rescatar gatos, ayudar a un operario atascado en un andamio o solucionar problemas en la red de metro. Y Morales, aunque comparte todo esto con Peter Parker, hace especial hincapié en lo que ocurre en una zona muy concreta de Nueva York: en Harlem. El barrio de afroamericanos y latinos por excelencia de Manhattan es otro protagonista más en este juego, y sirve de telón de fondo para presentarnos conflictos de minorías normalmente ocultas tras los rascacielos y letreros luminosos. 

Ejemplo de ello es una misión secundaria en la que Miles ayuda a F.E.A.S.T., una organización benéfica para personas desfavorecidas. A pesar del frío y la nieve, los voluntarios se ven obligados a sacar a todos los residentes a la calle después de sufrir la extraña explosión de una tubería en sus instalaciones. Y esta vez para cumplir el objetivo no basta con enfundarse el traje de Spider-Man y golpear a los villanos: es el propio Morales, vestido de paisano, quien comienza recabando información entre los sintecho que acampan a las puertas de la ONG. 

Tampoco es gratuito que el videojuego esté ambientado precisamente en Navidades y con una campaña política de por medio. La madre de Miles, Rio Morales, se presenta como alcaldesa a la ciudad y, aunque no se hace referencia explícita a su programa, parece bastante claro que su postura se sitúa más en la de “un país para todos los americanos” de Joe Biden y Kamala Harris que en la de “hacer América grande otra vez” de Trump.

De hecho, la artista italiana Sara Pichelli, creadora del personaje Miles Morales, consideraba a Donald Trump como “un villano” y defendía que era muy importante mandar mensajes a favor de la inclusión, ya fueran desde el cómic o el videojuego. “El fascismo, el Ku Klux Klan, el machismo... Hemos pasado por esa etapa y no la necesitamos de vuelta”, dijo la ilustradora en una entrevista con elDiario.es.

Durante mucho tiempo, “a las mujeres y las minorías se las ha tachado de 'apasionadas' o 'emocionales', como si los hombres por defecto tuvieran una asombrosa habilidad para orillar las lentes más subjetivas”, describía Grayson Perry. Por eso son necesario iconos culturales que representen lo opuesto a la toxicidad del patriarcado.

Donde otros héroes hacen lo que deben bajo su propia concepción de lo que es la justicia, Spider-Man: Miles Morales toma el testigo de Un nuevo universo para plantear un debate sobre la comprensión de los sentimientos. También para eliminar la noción de otredad, a menudo empleada por la extrema derecha para levantar muros entre “nosotros” y “ellos”, y blandir una lanza por la diversidad. 

Vengadores: Endgame puso fin a 11 años de desarrollo y 22 películas de superhéroes. Era la resolución al chasquido de dedos que acabó de un plumazo con la mitad de los personajes del Universo Cinematográfico de Marvel y, aunque no era fácil encontrar el equilibrio entre el fanservice y el entretenimiento bien construido, los hermanos Russo consiguieron crear un colofón a la altura de las expectativas.

Thanos y su Guantelete ya no son una amenaza, pero las consecuencias de la gran batalla todavía perduran. Algunos personajes abandonan el barco, y también se abren nuevas posibilidades para otros héroes y heroínas como Capitana Marvel, Black Panther o Spider-Man. Desde ahora tendrán la voz cantante en la llamada Fase 4, aquella que inaugura otra tanda de películas más allá de la Saga del Infinito y de dos bajas importantes: Iron Man y Capitán América.

Pero todavía quedaba una película más de la Fase 3, una que debía servir para analizar la conmoción del épico encontronazo: Spider-Man: Lejos de casa. Nadie mejor para pasar de capítulo que Peter Parker, con quien Tony Stark desarrolló una relación casi paternofilial. El arácnido es la viva encarnación del espectador de Marvel: alguien que anhela un pasado que ya no va a volver y se siente vacío ante la ausencia de referentes. No hay sustituto para Iron Man, al menos por ahora.

Sin embargo, la cinta dirigida por Jon Watts (que ya se encargó de la anterior, Homecoming) carece de poso dramático que nos haga empatizar con los conflictos enfrentados por Spider-Man. Por el contrario, lo que se propone es una historia desenfadada en la que Peter Parker quiere dejar de lado Los Vengadores para irse de vacaciones por Europa con sus compañeros de clase. Como es de esperar, su tránsito por Praga, Ámsterdam o Venecia no será precisamente un agradable paseo en barca.

Spidey deberá enfrentarse a Los Elementales, cuatro criaturas enormes de los elementos de la naturaleza: agua, tierra, fuego y aire. Lo hará con ayuda de alguien llegado de un universo paralelo, un guerrero llamado Quentin Beck (Jake Gyllenhaal). O, como termina siendo apodado: Mysterio. La premisa de que uno de los enemigos más significativos del trepamuros sea un aliado es cuanto menos atractiva.

Así es cómo se forjan los grandes villanos, como Otto Octavius o el Duende Verde: partiendo de un entorno seguro que acaba rompiéndose en pedazos cuando todos se quitan las caretas. Lo que diferencian a los rivales de Spider-Man de los de otros superhéroes es que estos no son siempre entes abstractos y sobrenaturales, sino que son personas corrientes con las que vive en su propio vecindario.

Reflejo de ello es la mítica escena en la primera película del arácnido realizada por Sam Raimi, donde Peter tiene que compartir comida con Norman Osborn y guardar las apariencias a pesar de que ambos conocen sus identidades secretas. Pero Lejos de casa, aunque lo intenta, no explota suficiente esta dicotomía como para sorprender al espectador con escenas de este calibre. Y es una pena, porque los poderes ilusorios de Mysterio eran la excusa perfecta para dar rienda suelta a la imaginación y a las sorpresas, pero es llamativo que incluso teniendo estos recursos narrativos los giros de guion resulten hasta previsibles.

El superpoder de no sorprender 

Jon Watts vuelve a tirar de referencias al cine adolescente como El Club de los Cinco (1985) para construir un relato repleto de gags propios del género. Está el profesor que no sabe cómo lidiar con sus alumnos, el ligón de clase o el rechoncho que hace chistes para aliviar carga dramática. No se trata de hacer una película sobria y carente de gracia, pero tampoco deberían haberse sustituido las lágrimas por las risas de forma tan abrupta.

Es precisamente este aire de sitcom el que la acerca más a un American Pie de superhéroes que a un epílogo digno de Endgame. Resulta complicado recrearse en la tragedia cuando, incluso después de muerto, Iron Man parece estar más presente que ausente. Y su figura no se emplea como una que lleve a una catarsis personal de Parker, sino como una especie de divinidad fallecida que de una forma u otra sigue entre los mortales.

Lo mejor del largometraje, como ya ocurría en el anterior, es la presencia de Tom Holland como el nuevo Spider-Man. Ya se ha adaptado completamente a la esencia del personaje y su mimetización llega a tal nivel que se comporta como él tanto dentro como fuera de las pantallas. “¿Quién es Pedro Almodóvar?”, preguntó el actor durante una entrevista con Gyllenhaal en la que ambos debían decir sus directores favoritos. No es capaz de mantener la boca cerrada, un “defecto” frecuente en las viñetas del héroe creado por Stan Lee y Steve Ditko.

Esta vez hay más presencia de Michelle Jones (Zendaya), apodada como MJ por sus amigos en una clara alusión a Mary Jane. La química entre ambos protagonistas logra que el naturalismo brille en escenas tan complicadas de representar sin que parezcan artificiales, como son las del flirteo entre dos jóvenes con “mariposas en el estómago”.

Era complicado poner punto final a lo ocurrido con Vengadores: Endgame, y estaba claro que a lo siguiente no podíamos exigirle lo mismo que a la cinta de los Russo. No obstante, es una pena que Spider-Man: Lejos de casa, aun siendo una película de acción disfrutable, no sepa recoger el testigo de aquello que cautivó a miles de fans (e incluso a los que no lo son): la capacidad de atreverse a sorprender.

Uno de cada tres castellano-manchegos (30%) se siente orgulloso de ser friki, tal y como se desprende del estudio 'Los frikis y el fenómeno fan en España', realizado por Milanuncios con motivo de la celebración del Día del Orgullo Friki este 25 e mayo. Además este informe apunte que hasta 69% considera que lo es en algún grado, siendo las sagas cinematográficas y las series de televisión el principal fenómeno para tres de cada cuatro habitantes, seguido de la música, los videojuegos y las sagas literarias.

 El estudio revela también que ‘Juego de Tronos’ es la serie con más fans en Castilla -La Mancha (27%), seguida muy de cerca por los superhéroes de Marvel, señalados por uno de cada cuatro (26%). La saga fantástica ‘El Señor de los Anillos’ (21%) completa el podio, mientras que clásicos como ‘Star Wars’ y ‘Harry Potter’ ocupan el cuarto y quinto lugar, respectivamente.

Al preguntar a los castellano-manchegos cuál es el personaje de ficción con el que más se identifican, Spiderman lidera el ranking al ser señalado por el 15%. Le siguen, compartiendo el segundo lugar de la lista otro gran héroe del cómic como Batman, el inolvidable Goku de ‘Dragon Ball’ y la célebre Daenerys Targaryen de ‘Juego de Tronos’, apuntados todos por un 13%. Otros personajes muy conocidos como Sheldon Cooper de ¡The Big Bang Theory’ o El Capitán América también figuran entre los favoritos.

Colecciones con un valor medio de más de 2.000 euros

Según el estudio, ocho de cada diez castellano-manchegos (80%) compran o coleccionan algún artículo u objeto relacionado con sus aficiones, gastándose una media de 348 euros anuales, un dato que está muy por encima de la media española (270 euros). Los que más invierten son los fans de los cómics, que se gastan una media de 391 euros cada uno. Le siguen los jugadores de videojuegos (158 euros), los coleccionistas de figuras y objetos relacionados con sus personajes favoritos (132 euros), los seguidores de las sagas literarias (100 euros) y de las series televisivas o sagas cinematográficas (93 euros).

A la hora de adquirir estos objetos, uno de cada tres (33 euros) utiliza las tiendas o plataformas de segunda mano por la singularidad de los objetos que pueden encontrar en ellas. Además, según el estudio, los castellano-manchegos poseen una media de 2.261 euros en artículos de colección relacionados con sus aficiones, que pueden alcanzar precios muy elevados si se venden en el mercado de segunda mano.

Según las conclusiones del estudio, el perfil del español orgulloso de ser friki es hombre de entre 18 y 34 años (32%) y Andalucía destaca como la región con mayor índice de “frikismo” (36%), seguida de Castilla-La Mancha (30%), Castilla y León (26%) y Canarias (24%).

El Día del Orgullo Friki es una iniciativa para promover la cultura ‘geek’, celebrada anualmente el 25 de mayo. La fecha fue escogida en conmemoración del lanzamiento de 1977 de ‘La Guerra de las Galaxias’. La iniciativa fue originada en España en 2006 como el Día del Orgullo Friki con el objetivo de obtener descuentos especiales en tiendas y eventos especializados.

En palabras del bloguero e impulsor del Día del Orgullo Friki en nuestro país, German Martínez, más conocido como Señor Buebo, los datos que arroja este estudio son “realmente interesantes”, sobre todo porque el movimiento del Orgullo Friki es algo relativamente reciente en España. “Al principio teníamos que explicar lo que era, por qué leíamos comics si no éramos adolescentes y por qué íbamos a eventos disfrazados. Trece años después, este día se celebra a nivel mundial, la palabra friki aparece en el diccionario de la RAE y la gente está orgullosa de serlo. Ya no somos los raritos. Ahora dominamos el mundo”.

No fui consciente de quién era hasta muchos años después; y eso que durante toda mi infancia su nombre encabezaba la mayoría de los tebeos que devoraba al volver del colegio con aquel mítico “Stan Lee presenta”.

Marvel llegó a España en 1969. Yo tenía un año y aún no era consciente de cómo aquellos individuos con leotardos iban a cambiar mi vida.

Es difícil explicar lo que supuso en su momento la aparición, en unas estanterías dominadas por Hazañas Bélicas o el Capitán Trueno, de los tomos de 128 páginas de Editorial Vértice con los que Marvel aterrizaba en nuestro país.

Aquellos primeros superhéroes eran un soplo de aire fresco en un universo gris, dominado por los títulos que venían del franquismo. Sí, es cierto, Superman ya estaba en España a través de la mejicana Editorial Novaro pero lo de Marvel era otra cosa, era algo… diferente: La Patrulla X, La Masa, Dan Defensor, Estela Plateada…Nombres imposibles en unas portadas que te mantenían pegado al cristal de cualquier kiosko. Unas joyas obra del ilustrador catalán Rafael López Espí, hipnóticas, descaradamente pulp cuando aún no sabíamos el significado de esa palabra.

Las economías familiares de la época no podían permitirse pagar las 25 pesetas de cada tomo y más con la ingente cantidad de títulos que Vértice publicaba. Llegó a tener en su catálogo más de 20 colecciones Marvel. Desde luego la mía no podía y eso me llevó a descubrir los kioskos donde cambiaban tebeos y novelas del oeste a peseta. Más que echarme para atrás, la liturgia resultó un importante incentivo: ir al kiosko a cambiar tus tebeos con la esperanza de encontrar la continuación de la historia que habías empezado 10 días antes fue una de las mayores campañas de potenciación de la lectura que yo recuerde.

Y así, en aquellas lecturas en blanco y negro, desordenadas y caóticas porque un día leías el número 8, después el 3 y a la semana siguiente el 7, descubrimos un universo nuevo, uno en el que los héroes no eran de una pieza sin fisura conocida sino que tenían sus debilidades y traumas. Hombres y mujeres con defectos y vicios con los que podías identificarte perfectamente. Héroes de todo tipo y condición: dioses nórdicos, hombres elásticos, de hielo, gigantes verdes, antorchas humanas, mujeres invisibles… incluso un adolescente enclenque como yo, que aun después de ser picado por una araña radioactiva seguía teniendo miedo de hablar con la chica que le gustaba. Y todo ello con un lenguaje desenfado y juvenil que se alejaba de los acartonados textos a los que estábamos acostumbrados.

Uno de los grandes méritos de Stan Lee fue que nos preocupáramos más de Peter Parker que del propio Spiderman. Que hiciéramos nuestros los problemas de aquel adolescente, o que lloráramos por primera vez delante de un tebeo cuando en 1979 llegó a España The Night Gwen Stacy Died, la historia que marca el paso a la edad adulta del género.

Stan Lee solía decir que le gustaban los superhéroes con superproblemas y ese ha sido su gran legado, lograr que generaciones de lectores empatizáramos con sus creaciones, que nos sintiéramos cómplices de un universo que parecía creado exclusivamente para cada uno de nosotros.

Muchos años más tarde descubrí su historia y la de otros muchos: Kirby, Steranko, Ditko… Siempre habían estado ahí aunque yo no lo sabía. En las primeras ediciones en España de estas colecciones no había ninguna referencia a los equipos creativos.

A pesar del tiempo transcurrido nunca han dejado de acompañarme. Cincuenta años después siguen conmigo. Ese y no otro es el gran legado del viejo Stan.

Allá donde este, espero que siga contando historias.

Excelsior.

Quien conecte con el mundo de los cómics en pleno 2018, después de haberlos abandonado hace años, encontrará que los superhéroes de su infancia han cambiado para siempre. Capitán América ha sido negro negro y ha tenido alas (Sam Wilson), Thor y Lobezno son mujeres, y El Motorista Fantasma ya no es motorista, sino que conduce un coche Dodge. La onda expansiva de esta metamorfosis llegó incluso al que probablemente sea el icono más importante de Marvel: Spiderman.

El Peter Parker que todos conocían ha muerto, al menos en el universo Ultimate (una línea editorial de Marvel dedicada a actualizar los orígenes de sus personajes). Su papel lo ocupa Miles Morales, un joven afroamericano que también recibió la picadura de una araña radioactiva y desde entonces combate el mal a golpe de red.

La primera aparición de Morales en 2011 no dejó indiferente a ningún aficionado. Fue para la industria del cómic lo que un impacto del martillo Mjolnir (el de Thor) para el suelo: demoledor. Quienes mejor lo saben son sus responsables, el escritor Brian Michael Bendis y la artista Sara Pichelli, ya que todavía hoy sufren las consecuencias de un terremoto que generó todo tipo de opiniones, tanto positivas como negativas.

“No pillo a los haters, sus ideas me molestan porque no tienen sentido. ¿Por qué gastar tantas energías odiando algo que hace feliz a la gente?”, afirma Pichelli a eldiario.es. La ilustradora italiana ha sido una de las grandes invitadas a la Heroes Comic Con de Madrid celebrada la pasada semana y, como consecuencia, una de las más buscadas de todo el recinto. ¿El objetivo? Conseguir su firma y convertir un cómic en un objeto de deseo.

Pichelli considera que los fans más críticos con Miles antes deberían “leer las historias y entonces hablar sobre ellas”, ya que “si no las lees no pueden no gustarte”. Según la artista, la narrativa del nuevo Spiderman es totalmente distinta a la de Peter Parker. “El tiempo es diferente, viene de otro sitio diferente, el contexto es diferente... Además, creo que Miles usa un lenguaje más adaptado a la gente joven”, considera la ilustradora.

Sin embargo, hay cosas que nunca cambian, como la ética: “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”, recuerda Pichelli haciendo referencia a la famosa frase que el tío Ben dijo a Parker antes de morir y que también sirve como principio para la conducta de Morales.

La importancia de que Morales sea el nuevo arácnido

Pero, ¿por qué es relevante que el traje de Spiderman cambie de propietario? “Es el primer Spiderman negro, así que es un icono que sirve de identidad para las minorías”, opina Pichelli. Existe otra manera de entender el superhéroe, una en la que cualquiera puede convertirse en uno independientemente del color de piel o de su género.

“Creo que están haciendo un buen trabajo [en Marvel]. Era cuestión de tiempo que se expandieran a todo tipo de cultura o etnia”, mantiene la artista italiana. De hecho, la primera portada de Morales como el lanzarredes fue en el cómic Ultimate Fallout #4 publicado en agosto de 2011. El mensaje que acompañaba a estas historietas era claro (e incluso traumático): Spider-man no more (no más Spider-Man).

Pero el nuevo arácnido no llegó en una época cualquiera. Lo hizo en un Estados Unidos bajo el mandato de Barack Obama y en un contexto aparentemente favorable para poner punto y final a la falta de diversidad. “Cuando Barack Obama fue elegido presidente mucha gente celebró ver a un presidente afroamericano. Yo vi a Obama como el producto de una mezcla de razas y para mí es lo mismo con Miles”, aclaró a EFE quien entonces era editor jefe de Marvel, Axel Alonso, en una entrevista realizada un año después de la actualización del arácnido.

De hecho, es en los primeros números de Miles Morales cuando los autores ven una oportunidad clara para criticar y exponer el racismo. Mientras Miles combate con un villano, parte de su traje se rompe y deja a la vista el color de su piel, lo que alarma a muchos de los presentes. Pero no por tratarse de un nuevo arácnido, sino por su color. “Miles no entiende por qué todos están preocupándose por el color de su piel.'Tengo superpoderes, soy un héroe, ¿y te preocupas por mi piel?'”, detalla Pichelli, “yo a eso lo llamo racismo”.

La dibujante cree que momentos como este tienen “mucha fuerza en la historia” y más en especial “para lectores jóvenes”, en quienes puede tener más impacto. “Te hace pensar... Especialmente si eres blanco o blanca, que no tienes este tipo de problemas. Así pueden tratar de imaginar qué se siente”.

Pichelli considera que es “muy importante” mandar estos mensajes, y más en la era de Donald Trump, a quien la artista considera “un villano”. Pero a pesar del momento político y de las críticas, desde Marvel insisten en que quieren continuar con este camino integrador. En una entrevista en la cadena CBS News, el actual editor de Marvel, C.B. Cebulski asegura que están “100% comprometidos con la diversidad” y “no solo con respecto a sus personajes”, sino también respecto a sus trabajadores.

El futuro de Marvel y de Miles Morales

Cebulski es consciente de que estas decisiones van más allá de las viñetas y afectan a todos los productos de Marvel. En especial a las películas, que gracias a su éxito se han convertido en un imán ideal para atraer nuevos lectores. En la misma entrevista a CBS, el editor aseguró que “las películas son la cara de Marvel (...) las series de televisión son los brazos y el merchandising son las piernas”, pero tiene muy claro que “los cómics son el corazón, el músculo que bombea ideas al resto del cuerpo”. En otras palabras, lo que sucede en las viñetas, no se queda en las viñetas.

Desde que Marvel diera el salto a la gran pantalla con su propio estudio allá por el 2008, han lanzado 20 películas y su universo cinematográfico se ha convertido en la saga más exitosa de la historia, al menos en recaudación —superando los 17 mil millones de dólares—.

Además, estrenos como el de Black Panther a principios de 2018 inspiraron a toda una comunidad. Con un elenco formado casi en su totalidad por afroamericanos, en EE.UU consiguió alcanzar los 242,2 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana, llegando a ponerse en su momento como el mejor segundo estreno de la historia del país americano en cuatro días.

Aunque Morales no se ha dejado ver todavía por la gran pantalla, lo hará el próximo 14 de diciembre con el estreno de la película de animación Spider-Man: Into the Spider-Verse, que protagonizará junto a Peter Parker. Con él también ha compartido aventuras en el videojuego recién estrenado Marvel's Spider-Man, aclamado por la crítica y los jugadores. El nuevo arácnido seguirá ganando protagonismo y con él la diversidad y la integración en el universo marvelita.

Pichelli insiste en que son buenas noticias porque esto nos traerá mejores historias. “El fascismo, el Ku Klux Klan, el machismo... Hemos pasado por esa etapa y no la necesitamos de vuelta”.