El Instituto de Estudios Riojanos (IER) presenta un auca dedicada a Rafael Azcona, una de las figuras más universales de la cultura riojana y española del siglo XX. La publicación, editada con motivo del centenario de su nacimiento, tendrá una tirada de 1.000 ejemplares en formato DIN A2 y será distribuida entre todos los centros educativos de la región para promover el conocimiento del guionista riojano y su obra. Además, podrá adquirirse en la librería del IER (calle Portales, 2, Logroño) y a través de su librería en línea (libreriaier.larioja.org).

Esta obra supone un relato visual y en verso que condensa, en veinticuatro escenas, el itinerario vital y creativo de Azcona: desde su infancia en Logroño hasta su regreso, ya consagrado, a la ciudad que nunca dejó de habitar su memoria. Las ilustraciones han corrido a cargo de Pedro Espinosa, mientras que el guion visual y los textos son obra de Luis Alberto Cabezón García. 

El auca es una de las formas más antiguas de narrativa popular ilustrada. Nacida en Cataluña en el siglo XVIII, de ahí su nombre, derivado del catalán “auca”, y muy extendida después por toda España bajo la denominación de aleluyas, consiste en una lámina dividida en viñetas numeradas y acompañadas de pareados o cuartetas, pensada originalmente para ser leída, cantada o recitada. Su función didáctica y divulgativa, unida a la fuerza de la imagen y la memoria fácil del verso, la convirtió durante generaciones en vehículo popular para narrar vidas de santos, hechos históricos, cuentos infantiles y biografías de personajes ilustres. El IER recupera ahora este formato tradicional para acercar la figura de Azcona a públicos de todas las edades, en la línea de otras publicaciones divulgativas del instituto.

Con esta publicación, el Instituto de Estudios Riojanos suma una nueva pieza a la conmemoración del centenario de Rafael Azcona, poniendo al alcance del público riojano —y en un formato accesible, visual y cercano— la trayectoria de uno de los grandes narradores del cine y la literatura españolas del siglo XX.

Esta iniciativa se suma a otras actividades que se están promoviendo desde el IER, como el lanzamiento próximo de un monográfico de la revista Berceo, así como la grabación de una ficción sonora, en colaboración con RTVE, de una de sus obras, o la próxima resolución del premio de investigación Rafael Azcona. Por su parte, la revista Belezos se suma a la celebración con su reportaje de portada. Además, en el mes de mayo, el IER organizó en el marco del IX Congreso Nacional de Guionistas la mesa redonda “El guion vuelve a casa”, en la jornada inaugural.  Cabe recordar que la biblioteca del IER ha dedicado un rincón temático en sus estancias al guionista logroñés, con objetos y sus obras más representativas, que se puede visitar hasta el mes de enero.

Rafael Azcona

Rafael Azcona Fernández nació en Logroño en 1926, en el seno de una familia de comerciantes, y allí transcurrió su infancia y juventud: “en la casa y la trastienda / halló su primera escuela; / entre telas y pespuntes / fue cosiendo su novela”, recuerda el auca sobre unos años marcados por el oficio familiar y por las tardes de toros junto a su padre, que le enseñaron a mirar antes de escribir. Lector precoz de Baroja y Dickens, encontró además en un profesor, evocado en la obra como “Don Godo”, el estímulo que le abrió a otros mundos y le puso rumbo a Madrid. Antes de partir, colaboró con sus primeros versos en la revista logroñesa Codal, “su primer dolor impreso”. 

Ya en Madrid, conoció los años difíciles de la posguerra, de pensión en pensión y de oficio en oficio, hasta que Antonio Mingote le abrió las puertas de La Codorniz, donde Azcona afiló su humor —“que también muerde, pincha y calla”— y creó personajes como el Repelente Niño Vicente, con los que retrató, entre la ironía y la crueldad, la España de la época.

De la literatura dio el salto al cine casi por azar: la publicación de su novela Los europeos le valió la llamada de Marco Ferreri, quien “puso a rodar su vida” y con quien firmó títulos como El pisito o El cochecito. Con Luis García Berlanga formó una de las parejas creativas más fecundas del cine español, responsable de películas como Plácido o El verdugo, en las que, según el auca, “puso España ante el espejo”. Su paso por Italia le dio “otro aire, más cruel y más profundo”, y su colaboración con Carlos Saura le llevó a explorar la memoria y las heridas del pasado en obras como La prima Angélica. 

Ya en los años ochenta y noventa, junto a José Luis García Sánchez y Fernando Trueba —sus “dos cómplices”, uno del sainete y otro de la poesía— firmó guiones como El año de las luces o Belle Époque, que en 1994 le valió a Trueba el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Azcona no descuidó tampoco el teatro, adaptando textos como Don Quijote de la Mancha para la escena. A lo largo de su carrera recibió cinco premios Goya al mejor guion y un Goya de Honor en 1998, además del Premio Nacional de Cinematografía. 

Falleció en Madrid en 2008, pero, como cierra el auca, “volvió sin ruido a Logroño, ya memoria y denso poso”, pues la ciudad conserva su huella en sus libros y en su fondo documental.

“Si tuviéramos tradición de ir a buscar a los autores muchas cosas irían mucho mejor”. Lo decía Eduard Sola, uno de los guionistas con más visibilización del cine español con motivo de la publicación de su primera novela, El nido. Pensaba que, si nos fijáramos quién escribe las películas, los cuentos y hasta las noticias, nos prevendríamos de la desinformación. Si le hiciéramos caso, si miráramos quién ha escrito algunas de las mejores películas y series de los últimos años del audiovisual español encontraríamos un nombre, el de Isabel Peña.

Ella es la firma que acompaña a Sorogoyen en títulos como As bestas, Antidisturbios, El reino o El ser querido. Casi nada. Quienes no la conozcan solo tenían que haber estado un poco atentos. Hay en el cineasta una voluntad de reivindicarla siempre como una cocreadora. La escritura a cuatro manos de la dupla funciona siempre, pero Isabel Peña es mucho más que la coguionista de Sorogoyen, es una escritora con un ojo único, con una capacidad de tensionar sin manipular, de buscar los sitios moralmente ambiguos para que el espectador bucee en esa zona incómoda.

Lo demuestra ahora en su primera serie como showrunner, El castillo, creada junto a Eduardo Villanueva y Elena Martín Gimeno, la directora de Creatura que se encarga de la puesta en escena de algunos episodios (los otros los dirige Sandra Romero) y cuya aportación ha sido tan importante que se ha unido al tridente de creación de esta adaptación del libro El proxeneta, de Mabel Lozano.

Peña ha creado una miniserie de seis episodios —que el 8 de octubre se podrá ver en Movistar Plus— seca, sin concesiones ni recursos melodramáticos. Una mirada a la trata desde dos puntos de vista, el del chulo al que da vida un transformado, terrorífico y espectacular Raúl Arévalo; y el de una de las mujeres explotadas, el gran descubrimiento llamado Valentina Vidal con el que el espectador transitará este castillo de esclavitud moderna. El resultado es una de las mejores series españolas del año, lo que unido a El ser querido, vuelve a confirmar a la guionista como esa figura tranquila que convierte en éxito todo lo que escribe. 

La conjunción de estos dos proyectos ha sido “una casualidad”. De hecho, si ella hubiera podido elegir, hubiera preferido que no coincidieran en el tiempo. “Siempre quieres controlar los calendarios, pero cada proyecto tiene su propia vida y lo que es mejor para ese proyecto. Ha dado la coincidencia de que lo mejor para ambos proyectos es esto que está sucediendo ahora. Influye que nos ha costado mucho escribir este guion. Empezamos a escribirlo en 2018. Soy muy lenta”, dice riendo.

Fue Villanueva quien leyó el libro hace mucho y supo que ahí había una serie. Abordaba un tema, la trata, sobre el que siempre había querido trabajar. “Cuando llegó a mis manos, desde el primer momento se lo propuse a Isa, porque me parecía la persona ideal para hacerlo. Ya estábamos con Antidisturbios en marcha, y fue una cosa que fue muy poco a poco, compaginándola con todas las cosas que han estado en nuestra carrera. En concreto en la de Isa como guionista durante todo este tiempo, pero siempre sacando los huecos para ir haciendo distintas aproximaciones hasta encontrar la forma que ha acabado teniendo El castillo”, añade el productor de Caballo Films que aquí salta a la silla de creador.

Siento que en toda esta trayectoria y relación con Sorogoyen y la productora yo no he sido solo una guionista. Somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos

Isabel Peña — Guionista

En una industria donde solo se mira al director, y donde a la mujer se le suele dar menos espacio, podría parecer que este proyecto supone la ‘emancipación’ de Isa Peña de Sorogoyen. O al menos un paso en la visibilidad de su trabajo. Pero para ella, siempre tranquila, siempre sincera, este paso “no es algo ni consciente ni inconsciente, sino que ha surgido así”. “Es que es demasiado orgánico y demasiado natural como para que haya un plan para conmigo misma o para con el mundo”, dice y continúa. 

Al rato retoma la respuesta. “Creo que no te he respondido bien”, apunta, y vuelve. Como buena guionista, reescribe de alguna forma lo dicho. “Siento que en toda esta trayectoria y relación con Rui (Sorogoyen) y con Caballo (la productora) yo no he sido solo una guionista. Yo creo que somos un equipo en cuanto a que muchas decisiones las tomamos juntos. Sí que hay, digamos, más responsabilidad sobre mis hombros en este proyecto que en otros anteriores que haya podido hacer con Rui, pero aunque todo sea más bestia y más grande, no me siento extraña con respecto a lo que yo había podido hacer antes”, explica.

Señala también a otra de las claves de Caballo Films, la productora que se ha convertido en familia creativa detrás de todos los proyectos, el trabajar en grupo y con la misma gente: “Lo he podido hacer más acompañada, y eso me ha ido dando conocimiento. Si me hubieran soltado en El castillo creo que me hubiera dado algo. Pero todo lo que hemos aprendido juntos como equipo, con Rui, con Nacho Lavilla… eso nos ha permitido enfrentarnos a los dos a un casting con más experiencia, porque yo nunca había ido a casting con tanta responsabilidad como ahora. Pero gracias a haber estado presente en algunos procesos, he pensado que podía hacerlo un poco mejor que antes”, aclara de un reto que define como “exigente” y de “mucho vértigo”, pero también “muy estimulante”. Eso sí, no sabe si repetiría: “Muy bueno tiene que ser el proyecto para que repitamos y tendrá que pasar dentro de un tiempo”.

En El castillo, gracias a esos puntos de vista, y a un guion complejo lleno de aristas políticas y económicas, consiguen trasladar que sobre la prostitución no hay solo una mirada unívoca. Peña define el universo retratado como “tan complejo” que cuanto más leían, más difícil se volvía. “Nuestra máxima era que cada vez que hubiera una grieta por donde pudiéramos abrir complejidad, había que hacerlo. Poner matices en todo momento, en todo lo que nos lo permitía la historia, sin faltar a la verosimilitud, sin pecar de pedagógicas”, subraya. 

En esa complejidad decidieron que su protagonista supiera desde el primer momento que iba a ejercer la prostitución y lo aceptara. “Es peligroso el pensar que todas vienen engañadas, porque entonces ya estamos empezando a generalizar. Y una de las muchas cosas que nos han obsesionado durante este proceso es el decir que cada mujer es un individuo, aunque todas padezcan el mismo abuso”, analiza la guionista.

También se nota en cómo la serie va desgranando las connivencias empresariales que siempre hubo y hay con la prostitución. Desde la sanidad privada, que se encargaba de los análisis médicos de las mujeres, a los bancos, que colocaron cajeros dentro de los prostíbulos para que los hombres sacaran dinero en efectivo. Una trama económica que El castillo analiza de forma brillante y que siempre tuvieron claro que quería que “atravesara toda la serie” para mostrar que hay muchos intereses en que esa esclavitud siga existiendo.

Los guionistas en el cine español siempre pelean para que se les reconozca. Por una visibilidad que ponga en valor a aquellos sin los que nada de lo que se ve en pantalla existiría. Son los que crean las historias, aunque luego sean los actores y los directores los que se lleven los focos. A veces, pocas, eso se revierte y alguno de ellos ocupa una pequeña posición de poder. Es lo que le ocurrió a Eduard Sola hace dos años cuando encadenó un curso pletórico firmando los guiones de Querer (junto a Alauda Ruiz de Azúa) y Casa en Flames. Al relumbrón de los premios se sumó que Sola se destapó como, también, un enorme escritor… de discursos.

Ahora, tras aquel terremoto mediático en el que cada palabra que decía delante de un altavoz parecía convertirse noticia, presenta su primera novela, El nido (Ediciones B), la historia de una madre que afronta un duelo tardío en un proceso que también será de liberación mental y sexual. 

¿Por qué debutar ahora en la novela y por qué no es un guion?

No sé cómo ha pasado, la verdad. Me vinieron a buscar la buena gente de Penguin, Ana María Caballero, mi editora, y me hizo la propuesta. Y yo, tonto de mí, dije que sí. No me lo pensé mucho y dije que sí. Y no solo eso, sino que firmé un contrato y claro, ahí fue mi perdición, porque cuando estaba escribiendo lo pasé fatal, muchísimo peor que escribiendo un guion, por esta cosa de no estar escudado en un rodaje ni en un montaje, sino ir a pelo en este caso contra el lector. Y eso me aterraba. Y luego lo pasé fatal. Acabé la novela, la entregué cumpliendo con mi contrato y pensé nunca más. Y ahora han pasado unos meses y digo bueno, a lo mejor hago otra.

¿Había habido algún intento previo?

Supongo que todos los que contamos historias tenemos esta voluntad de explorar otros métodos, de contar historias. A mí me había pasado. Incluso me había sentado a escribir. Tengo borradores de otras, pero nunca se materializaron, nunca se acababan precisamente porque no había ese compromiso con nadie. Estás tú solo en tu casa escribiendo y cuando te cansas lo dejas para siempre.

¿Le podía el guionista mientras escribía? ¿Es muy diferente escribir un libro que un guion?

El guion es un mecanismo. Y no podemos olvidar que hay miles de espectadores que ven las pelis, pero el guion en sí mismo lo leen 100 personas, 50 personas, muy poca gente. Y claro, esto como que te ampara mucho y además es una cosa muy técnica. Tiene un formato muy concreto y, aunque hay literatura en un guion, por supuesto, y yo sé identificar un guion de X persona, forma parte de un engranaje. 

El nido habla de una madre que ha perdido un hijo, pero hay un sentimiento latente en todas sus páginas: la culpa. ¿Diría que es uno de los temas que atraviesan la novela?

Me temo que es inevitable. La culpa siempre acaba por aparecer en todo, pero no solo en la novela, sino en la vida en general. Es uno de los grandes motores por los que hacemos las cosas, incluso la previsión de la culpa. El saber que si no haces eso te sentirás culpable. La culpa acaba siempre estando aquí. Cuando estamos hablando de los hijos, que es el caso de la novela, la cosa se complica. La culpa siempre crece y no sé la gente, pero yo vivo asustado por lo que puedo provocar a mis hijos. Estoy educándola todo el rato y la culpa está. Y cuando además pasan tragedias en relación a los hijos, pues apaga y vámonos. La culpa aparece la primera.

Es un sentimiento que se suele relacionar con lo católico, pero los no creyentes tenemos sentimiento de culpa también. ¿Tiene que ver con la herencia de la religión en España?

Yo creo que es mundial. Obviamente, el catolicismo ha absorbido muchos de los sentimientos humanos y los hizo suyos, como las tradiciones paganas, como la Navidad. La culpa va intrínseca en el ser humano, porque intrínseco al ser humano está la empatía. La culpa está intrínsecamente relacionada con la empatía. La empatía es un músculo que se nos está atrofiando y que tenemos que cuidar un poco más. La culpa es una herramienta de ejercicio de la empatía. Porque somos empáticos, porque somos capaces de sentir el sentimiento ajeno, de sentir la tristeza ajena, el dolor ajeno, es por eso que sentimos culpa. Y eso, de algún modo, también es bonito, que el ser humano sea capaz de esta interacción.

El arco del personaje de Sara es un viaje de liberación, de muchas cosas que la tenían atada, además de la culpa.

A Sara, cuando se le muere el hijo, hace una cosa que hacen especialmente las madres, que es poner al otro en el primer lugar, poner al ser que se cuida como centro y tú estar al margen. Sara hizo eso durante 12 años y cuando el otro hijo vuela, cuando el otro hijo se va de casa porque ya tiene una vida, porque ya es adulto y porque tiene que irse, todos esos demonios del pasado, toda esa cosa que ella dejó en pausa, se activan al momento y se encara a ello. Y es entonces cuando hace este viaje de liberación. Pero lo que me parece interesante del caso es que es un viaje desplazado, o sea, lo está haciendo cuando no le toca, con las ventajas e inconvenientes de hacerlo ahí.

Muchas mujeres no lo hacen ni cuando les toca ni cuando no les toca. Siempre ponen a alguien por delante. 

Por un lado, es hermoso que eso pase y, por otro lado, tenemos que vigilar especialmente para que eso no sea una cárcel. Es decir, que si es así, sea porque quieres cuidar de los demás. Que sea una opción, una voluntad y no una asunción o algo que se asume que tú tienes que hacer o incluso algo que el sistema te obliga a hacer. Ya me gustaría que todos los seres humanos, y especialmente los hombres, supiéramos cuidar también como nuestras madres lo han hecho. Me encantaría. También me gustaría, en paralelo, que las madres no se sintieran prisioneras de su condición de madre, que pudieran escoger y luchemos por este mundo, la verdad. Y te diré más, en esta lucha, o nos ponemos las pilas nosotros, los hombres, los padres, o estamos jodidos. Como que el camino de la revolución también está en nuestras manos y nos toca y debemos hacerlo.

Nosotros como hombres nos hemos beneficiado de ese sistema que protege al hombre y del que habla la novela.

Vivir en ese sistema para nosotros es especialmente cómodo, pero de eso va, de querer tener la voluntad de hacer un mundo mejor, de querer cambiarlo incluso si juega a tu contra. Obviamente, para nosotros es mucho más fácil que el mundo siga como está, pero si el mundo sigue como está hoy, la otra mitad del mundo está puteadísima, así que tenemos que cambiarlo. Por eso lo que decíamos antes de la empatía. Es nuestra responsabilidad que ese medio mundo que está puteado por esa circunstancia deje de estar puteado. Y eso pasa, por supuestísimo, porque nosotros estemos un poco más puteados. Tras miles de años, millones de años, siendo los reyes del mambo y haciendo lo que queremos, eso se ha acabado. Tenemos que dejar de hacer el gilipollas y asumir nuestras responsabilidades para con la paternidad, arremangarnos. Claro que es más duro tener que levantarse por la noche a consolar un bebé, pero haz el favor de levantarte a consolarlo que es tuyo.

Sara vive una liberación sexual, una sexualidad que muchas mujeres no descubren porque el sexo ha sido, como se dice en El nido, falocéntrico. 

Yo no soy quien, obviamente, para hablar de la sexualidad de las mujeres, que sean ellas las que hablen. Sí puedo hablar de la sexualidad de Sara como personaje y sí puedo hablar especialmente de lo que hemos hecho mal los hombres en relación a esto, que es, como decías, excesivamente falocéntrico. Incluso la mirada lo es, ya no el acto sexual en sí mismo. La mirada siempre ha estado condicionada y reverberada por ese patriarcado que nos ha hecho mirar de una forma y a ellas recibir esta mirada que es una mirada que da asco. Los cuerpos son más bellos que esta mirada asquerosa, el sexo es más complejo que este reduccionismo tan tonto al que hemos abocado las ficciones, las narrativas y los deseos en general.

El porno mismo es una absurdidad. Los tipos se la machacan mirando esa escena que la analizas un momento y dices: “No me lo puedo creer”. Lo de mentira que es esto, y su valor precisamente es que te están vendiendo que es documental. Eso es lo que te excita. Tenemos un poco de jaleo aquí, y estoy convencidísimo de que tenemos mucho trabajo por hacer, especialmente los hombres para con nuestra relación con el sexo. Y en este aspecto no tenemos que perder cosas para que los otros ganen en la relación del sexo. Creo que si nosotros hacemos este cambio, también tenemos mucho que ganar por cómo nos relacionamos nosotros con el sexo y con nuestros cuerpos. Nos iría muy bien. A ellas, por supuestísimo, pero también a nosotros. 

¿Ha evolucionado como guionista en su relación con esas escenas su mirada hacia el sexo?

Sí, quiero pensar que estoy o quiero estar en revisión constante en relación a la sexualidad, no solo en cómo la escribo, sino en cómo la vivo. Insisto, es que creo que tenemos que hacer este ejercicio porque es que solo tenemos que ganar. Por ejemplo, en relación a cómo se atraviesa por el patriarcado cosas como el culo. El culo de los hombres parece un tabú. Pues oye, os animo a todos los hombres a explorar vuestro culo y veréis cómo solo tenéis cosas que ganar. Pero a nosotros nos criaron, nos enseñaron y hemos crecido en el que el culo es intocable. El culo de los hombres es intocable. Incluso me estoy refiriendo a las relaciones heterosexuales. Esta exploración tiene que ser una exploración consciente, porque no nos es natural, porque no nos han enseñado que el sexo va por ahí. Pues oye, aunque sea impuesta, aunque sea intelectual, aunque sea conceptual, hagamos esa exploración. He puesto un ejemplo concreto, pero se puede abrir en infinitas cosas, porque insisto, solo tenemos que ganar.

El libro está atravesado por la clase social. 

No se puede escribir desde un sitio ajeno a donde estás ubicado. También es verdad que a mi parecer, hemos perdido un poco de conciencia de clase. Y conciencia de clase no me refiero a la clase obrera, sino a la concepción de que en esta sociedad los de abajo no tienen las mismas condiciones materiales y emocionales ni los mismos recursos que los de arriba. ¿Podéis hacer el favor los de arriba de ser conscientes de esto y hacer el favor de tirar cuerdas hacia abajo? ¿Y podemos los de abajo hacer el favor de ser conscientes de esto y no votar a la gente que no te va a tirar ninguna cuerda, pelearte con los de arriba y no pensarte que eres de arriba cuando eres de abajo? Me da la sensación de que tenemos que hacer un ejercicio colectivo, de saber que esto existe y que tenemos que luchar para que deje de existir.

En los agradecimientos dice que intenta cambiar este mundo lleno de renuncias a través de la escritura, ¿cree realmente que es posible o es un deseo?

Un deseo. Es que tengo que engañarme a mí mismo, porque si no, ya no salgo de la cama. Me engaño a mí mismo y pienso que lo que estoy haciendo algo cambia. Aunque sea a nivel micro y que aporto mi granito de arena porque ese es mi motor de levantarme cada día e intentar hacer el mundo un mundo mejor. Soy consciente de que, seguramente, el mundo no lo estoy cambiando. Es verdad que luego pasan cosas maravillosas con la ficción. Por ejemplo, con Barcelona, nit d’estiu, que es una de mis primeras películas, había una historia de dos abuelas que salían del armario. Y allí descubrí el poder que teníamos desde la ficción cuando recibimos un mail de una señora diciendo que le había gustado mucho la película, que había ido con su familia al cine y que, al salir del cine, le había dicho a su familia que la amiga de toda la vida era su acompañante vital, que era su novia. Si somos capaces de esto, la peli ya está validada. Si desde la ficción podemos hacer estas cosas superpequeñitas que cambian un poquito el planeta, quizás de poquito en poquito hacemos algo.

Eso se traslada también a los discursos. Al final, quieras o no, está este cliché de que es el que mejor da los discursos. ¿Se los toma como la oportunidad de decir algo que pueda servir?

Sí, decididamente sí. Yo soy un bocachancla. Es un regalo que te den un micrófono que llegue a la gente. Y me sabe mal que ese megáfono esté despolitizado. Me sabe mal que ese megáfono, ese micrófono, esté allí y sea solo para decir “gracias al equipo de la película”. Llama al equipo de la película después y utiliza ese espacio y esa visibilidad precisamente para aportar ese granito de arena. A veces es una cosa muy abstracta, a veces una cosa muy concreta, pero sí, supongo que viene de esa voluntad o ese impulso del progresismo de intentar progresar entre todos y hacer un mundo un poquito mejor.

¿Cómo vivió la eclosión de sus discursos?

Fatal, porque claro, no puedes ser ajeno a que los otros hablen de ti. O sea, yo lanzo un mensaje político que es muy claro en contra la xenofobia. No tiene más que esto. Pero claro, la gente está hablando también de ti. Y somos personas y que hablen mal de ti o incluso bien, pues te afecta y te pone inseguro. También es verdad que luego pienso: “Estas son las normas del juego”.

De alguna forma, por una vez el guionista se convirtió en la estrella.

Esto es una cagada de la industria cultural. Me apena mucho que el guionista no esté en el centro, que sea mayoritariamente invisible. ¿Por qué? Porque si nosotros tuviéramos tradición de ir a buscar a los autores muchas cosas irían mucho mejor. Te pongo un ejemplo muy tonto: no tenemos tradición de ir a ver una peli por quién la ha escrito, no tenemos tradición de preguntarnos quién nos está contando esta historia. Empezamos a leer un cuento a nuestros hijos y no leemos el autor, simplemente el título. Si tuviéramos más tradición de esto, estoy convencido de que cuando le envían un WhatsApp a mis padres con un bulo de mierda, esos que va sin firmar, mis padres dirían: “¿Quién me está contando esto? ¿Por qué me lo está contando? Vale, que nos lo está contando un facha de mierda. Vale, chao”. Como no tenemos esa tradición de ir a buscar a los autores, estamos vendidos a la desinformación. No solo nos sale a cuenta a los guionistas ser visibles, nos sale a cuenta a todos ir a buscar quién nos está contando las historias.

¿Temió convertirse en un cliché, todo el mundo esperando su nuevo discurso?

Sí, pero al final pienso que es el precio a pagar si has decidido utilizar ese espacio en términos políticos. El precio a pagar es que te conviertas en ese papanatas, en ese payaso de la tele.

Que le echen otro cacahuete.

Tengo miedo a convertirme en esto. Por otro lado, pienso que si ese es el precio a pagar, pues casi es mejor pagarlo y ya está. Por ejemplo, el discurso en relación a las madres de los Goya. Me escribió tanta gente, tantas madres, tantos hijos diciendo que habían llamado a sus madres… Pues mira, tírame los cacahuetes, que los cojo y me los como mientras veo cómo el mundo hace cosas.

Entrevista completa

El congreso CINAE – Narrativa Audiovisual en Español, promovido por la Fundación San Millán, celebrará su primera edición los días 16 y 17 de octubre el Riojaforum de Logroño y en Cilengua en San Millán de la Cogolla. El consejero de Cultura, Turismo, Deporte y Juventud y vicepresidente de la Fundación San Millán de la Cogolla, José Luis Pérez Pastor, la coordinadora general de la Fundación, Almudena Martínez, y el director del encuentro, Luis Alberto Cabezón, los han presentado.

Este congreso nace como un espacio de encuentro, reflexión y proyección sobre las formas contemporáneas de contar en español y reunirá a profesionales vinculados a toda la cadena de creación audiovisual, desde guionistas, cineastas y productores hasta investigadores, distribuidores y responsables de plataformas.

Como ha destacado Pérez Pastor durante la presentación del congreso “el español no se limita a una forma de expresión puramente lingüística, sino que también es la base de otros formatos narrativos como el audiovisual y el cine. CINAE nos permite poner en contacto, desde La Rioja y San Millán de la Cogolla, a autores y profesionales que crean, producen y trabajan en la distribución de historias en español, en un año además especialmente significativo por el centenario de Rafael Azcona. Es una oportunidad para conocer de primera mano el trabajo de algunos de los grandes nombres del audiovisual y para generar un intercambio de puntos de vista sobre la creación en nuestra lengua”.

“Nada de lo que tiene que ver con el español le es ajeno a la Fundación San Millán”, así ha comenzado Martínez su intervención en la que ha explicado cómo este congreso “responde a una realidad especialmente interesante: la extraordinaria capacidad que tiene el audiovisual para llevar nuestra lengua y nuestras historias a públicos de todo el mundo. Hasta ahora, en nuestros congresos esta cuestión había aparecido de manera más tangencial y consideramos que la dimensión que ha alcanzado la industria audiovisual en español hacía necesario dedicarle un encuentro específico. CINAE nace con la esperanza de que esta primera edición tenga continuidad en los próximos años”.

Por su parte, Luis Alberto Cabezón ha explicado que “CINAE nace de una pregunta muy sencilla: dónde pueden encontrarse quienes están pensando, escribiendo, produciendo y transformando la manera de contar historias en español. Existen festivales, jornadas profesionales, universidades y una industria audiovisual muy activa, pero no siempre hay espacios en los que todos puedan converger alrededor de un mismo oficio de contar. Por eso CINAE no quiere ser un festival, ni unas jornadas profesionales ni un congreso exclusivamente académico, sino un punto de encuentro entre creación, universidad e industria audiovisual, que nace en La Rioja con una vocación internacional y de continuidad”.

Una mirada amplia a toda la cadena de creación audiovisual

CINAE propone poner en diálogo perspectivas que habitualmente aparecen separadas: la experiencia de los grandes autores con las nuevas formas de producción, la reflexión académica con la práctica profesional, el cine de autor con la industria internacional y España con Latinoamérica y Hollywood. El objetivo es compartir conocimiento, contrastar modelos y extraer conclusiones útiles para el futuro del audiovisual en español.

En esta primera ocasión, la Edición Rafael Azcona ocupa un lugar central a través de una línea de trabajo que aborda su figura no solo como homenaje, sino como punto de partida para reflexionar sobre cuestiones actuales relacionadas con la autoría del guionista, la escritura de personajes, el oficio, el crédito y la relación entre creación e industria.

La primera jornada contará con la participación del guionista riojano Javier Gullón, cuya trayectoria se desarrolla entre el cine español y las producciones internacionales, y Guillermo Escalona, guionista y productor afincado en Los Ángeles con experiencia en el desarrollo y producción de series para plataformas y mercados internacionales. También participarán Rodrigo Cortés, director, guionista, productor y escritor con experiencia en la industria estadounidense; Antonio Saura Medrano, productor y agente de ventas internacionales, y María Zamora, productora y Premio Nacional de Cinematografía.

El programa incorpora asimismo la perspectiva académica de José Luis Castro de Paz, catedrático de Comunicación Audiovisual e historiador del cine, y Julia Sabina, profesora titular de Comunicación Audiovisual e investigadora especializada en guion y narrativa audiovisual contemporánea. Jaume Ripoll, cofundador y director editorial de Filmin y director del Atlàntida Mallorca Film Fest, aportará la visión vinculada a la transformación de la distribución, las plataformas y la creación de públicos.

La Edición Rafael Azcona como eje de la primera cita

La primera edición de CINAE estará marcada por la Edición Rafael Azcona, que no se plantea únicamente como un homenaje al guionista riojano, sino como una vía para abordar cuestiones plenamente actuales en torno al oficio de contar historias y al papel del guionista como creador.

La figura de Azcona permitirá abordar la escritura de personajes, la autoría, el crédito y la relación entre creación e industria. Su presencia recorrerá buena parte de la programación de la primera jornada, que contará además con Antonio Saura Medrano, quien mantuvo una relación personal y profesional con el guionista y colaboró en la circulación internacional de algunas de sus películas.

La apertura correrá a cargo de Manuel Gutiérrez Aragón, director, guionista y escritor, académico de número de la Real Academia Española y una de las figuras fundamentales del cine español contemporáneo. Su trayectoria, desarrollada entre el cine y la literatura, permitirá establecer desde el inicio de CINAE ese vínculo entre lengua, escritura y creación audiovisual que constituye una de las bases del encuentro.

Cabezón ha incidido también en la singularidad de esta selección de participantes, al reunir a “casi números uno” de diferentes ámbitos de la profesión. Entre ellos, ha destacado la presencia de Javier Gullón como guionista riojano que desarrolla su carrera en Hollywood; Rodrigo Cortés, cuya experiencia combina escritura, dirección y producción tanto en España como en Estados Unidos; Manuel Gutiérrez Aragón, que une su trayectoria cinematográfica y literaria y forma parte de la Real Academia Española; y Antonio Saura Medrano, vinculado a Rafael Azcona y a la circulación internacional del cine español.

San Millán como punto de encuentro entre lengua y creación

La segunda jornada se trasladará a San Millán de la Cogolla y tendrá como escenario Cilengua, reforzando así la vinculación del congreso con un espacio fundamental en la historia de la lengua española. Desde este enclave, CINAE propone reflexionar sobre la transformación del español en películas, series, documentales, podcasts y otras formas de narración capaces de viajar entre España, Latinoamérica, Estados Unidos y otros mercados internacionales.

La programación abordará la relación entre autoría e industria, la creación y producción de series en español para mercados internacionales, las nuevas voces del cine de autor y las transformaciones que están experimentando la distribución, las plataformas y los hábitos de los espectadores.

Un Manifiesto para que el diálogo continúe

El congreso concluirá con la lectura del ‘Manifiesto de San Millán por la Narrativa Audiovisual en Español’, un documento que recogerá las reflexiones, experiencias y debates surgidos durante las dos jornadas. El texto abordará cuestiones como la autoría y el reconocimiento del guionista, la diversidad de voces, el talento, la relación entre creación e industria, la producción y financiación, la circulación internacional, el papel de las plataformas y festivales, la formación de públicos y los vínculos entre España y Latinoamérica.

Almudena Martínez ha detallado que el Manifiesto se plantea como “una formulación de las principales preocupaciones, cuestiones y retos” surgidos durante el congreso y que su lectura en San Millán aporta un valor simbólico especial, al plantear desde un lugar estrechamente vinculado a la historia de la lengua cómo el español se convierte hoy en historias, imágenes y sonidos que circulan por todo el mundo.

La voluntad de CINAE es que tanto este documento como el intercambio profesional generado durante las jornadas tengan continuidad más allá de la primera edición y contribuyan a consolidar el congreso como un espacio estable de conversación entre creadores, investigadores, profesionales de la industria y agentes vinculados al audiovisual en español.

Las inscripciones para participar en CINAE ya están abiertas a través de la Fundación San Millán de la Cogolla y de la web del congreso, www.cinae.es.

Programa de CINAE 2026

16 DE OCTUBRE · LOGROÑO / RIOJAFORUM

09:30–10:00 — Inauguración y presentación de CINAE 2026 y de la Edición Azcona.

10:00–11:00 — Manuel Gutiérrez Aragón. ‘De la palabra a la imagen: contar en español’.

11:30–12:45 — José Luis Castro de Paz. 'La firma invisible: Rafael Azcona y la autoría del guionista en el cine español'.

13:00–14:00 — Javier Gullón y Julia Sabina. 'Guion internacional: la figura del guionista español en Hollywood'.

17:00–18:00 — Julia Sabina. 'Azcona creador: diálogo, oído y ética del personaje'.

18:15–19:15 — Rodrigo Cortés y Luis Alberto Cabezón. 'El guionista invisible: autoría, crédito y oficio'.

19:30–20:15 — Antonio Saura Medrano. 'Azcona de cerca. Recuerdos, amistad y oficio'.

20:15–20:45 — Presentación del proyecto 'Diccionario Azcona'.

17 DE OCTUBRE · SAN MILLÁN DE LA COGOLLA / CILENGUA

10:00–11:00 — Javier Gullón y Rodrigo Cortés. 'Autoría, industria y decisiones: quién hace posible una obra en español'.

11:15–12:15 — Guillermo Escalona. 'Series en español para el mundo: creación, producción y plataformas entre Los Ángeles y América Latina'.

12:30–13:30 — María Zamora. 'Acompañar una voz: producción, riesgo y proyección internacional del cine de autor en español'.

17:00–18:30 — Mesa-taller con Antonio Saura Medrano, Guillermo Escalona y Jaume Ripoll. 'Cómo viaja una obra en español: producción, ventas, series, audiencias y plataformas'.

19:00–19:30 — Coda final y lectura del 'Manifiesto de San Millán por la Narrativa Audiovisual en Español'.

Los dos juzgados que investigan al dramaturgo Ramón Paso en sendos procedimientos por violencia sexual han acordado imponerle medidas cautelares, según informan a elDiario.es fuentes jurídicas. Desde el pasado julio, el director de teatro tiene prohibido realizar actividades docentes de cualquier tipo, públicas o privadas, con menores de edad. Además, los instructores de ambas causas le han impuesto la obligación de comparecer en los juzgados cada 15 días, le han prohibido salir de España y han acordado retirarle el pasaporte.

Paso tiene una causa abierta desde 2024 por presuntas agresiones sexuales a 14 mujeres de entre 18 y 25 años tras una denuncia de la Fiscalía y desde mayo está inmerso en otro procedimiento por supuesta violencia sexual contra una menor de 15 años a la que daba clases de interpretación. El Código Penal fija en los 16 años la edad de consentimiento sexual.

La abogada Luisa Estévez, que ejerce la acusación particular en ambos casos en representación tanto de la menor como de las 14 mujeres, ha declinado hacer declaraciones a elDiario.es. La defensa de Paso tampoco ha querido hacer comentarios sobre las medidas cautelares acordadas.

La imposición de estas medidas se produjo después de que el dramaturgo, de 50 años, fuera detenido el pasado 23 de mayo tras realizar tocamientos a esta menor en plena calle en Madrid. Una pareja que paseaba por el céntrico Paseo del Prado se percató de la situación y alertó a una patrulla de la Policía Municipal, que procedió a su detención en las inmediaciones de Cibeles. Paso se identificó como su profesor de teatro y amigo de la familia. En un primer momento, el caso fue asumido por un juzgado de violencia sobre la infancia y la adolescencia, que impuso a Paso una orden de alejamiento sobre la menor, pero le dejó en libertad sin medidas cautelares.

Posteriormente, la investigación pasó a un juzgado de violencia sobre la mujer de Alcorcón, que convocó a las partes a una vista de medidas cautelares a petición de la abogada de la menor, que llegó a reclamar su entrada en prisión provisional sin fianza. Durante la comparecencia, el dramaturgo negó haber agredido sexualmente a la menor y aseguró que entre ellos había una relación de mentor-discípula, de acuerdo a las fuentes consultadas.

Tras esa vista, el magistrado acordó la suspensión de actividades docentes de cualquier tipo públicas o privadas con menores de edad, le impuso la obligación de comparecer ante ese juzgado los días 1 y 15 de cada mes y acordó la prohibición de salir del territorio nacional con retirada del pasaporte. También extendió la orden de alejamiento a los padres de la menor y le prohibió comunicarse con cualquier persona relacionada con ella.

El juez se basó en la exploración de la menor y en el testimonio de los testigos que presenciaron los tocamientos en la calle para acordar esas medidas con el amparo de la Fiscalía. En este procedimiento, el Ministerio Público no se adhirió a la petición de prisión provisional sin fianza realizada por la acusación particular, pero sí al resto de medidas solicitadas.

Cuando fue detenido en plena calle, la Policía se incautó del teléfono móvil del dramaturgo. El análisis de este terminal, así como el de la menor, será clave para el avance de la investigación, de acuerdo a las fuentes consultadas.

Causa abierta en 2024

Tras la apertura del nuevo procedimiento y la imposición de las citadas medidas, la letrada de las 14 mujeres reclamó que se establecieran también medidas cautelares contra el investigado en el primer procedimiento abierto, que avanza de forma lenta desde hace dos años. Finalmente, la titular del Juzgado de Instrucción número 29 de Madrid se basó en el hecho de que Paso presuntamente había vuelto a delinquir —lo que se conoce como reiteración delictiva— para acordar su libertad provisional con la obligación de comparecer en sede judicial los días 9 y 23 de cada mes, así como la prohibición de salir del territorio nacional y la retirada del pasaporte.

También le prohibió realizar actividades docentes y artísticas con menores de edad en procesos de selección y formación teatral. La jueza rechazó la medida de alejamiento y prohibición de comunicación solicitada por la abogada que ejerce la acusación particular en representación de las 14 jóvenes.

En ese procedimiento ya han declarado todas las víctimas y está pendiente que lo haga el dramaturgo, una diligencia que tendrá lugar “próximamente”. Los delitos denunciados habrían tenido lugar durante formaciones de teatro y, en algunos casos, se prolongan hasta el año pasado. Las víctimas son jóvenes de entre 18 y 25 años a las que Paso daba clases de interpretación.

En la denuncia que dio origen al caso, adelantada por El País, la Fiscalía sostenía que el director de teatro usaba violencia e intimidación para convertir a mujeres jóvenes en “objetos de su placer sexual”. La denuncia recogió las prácticas violentas que presuntamente llevó a cabo con al menos 14 mujeres jóvenes, la mayoría en situación precaria, pertenecientes a familias desestructuradas o que estaban solas en Madrid.

“Les exigía que fueran sin ropa interior y llevaran las bragas en la mano para entregárselas”, podía leerse en el texto presentado por el Ministerio Público, que incluía presuntos delitos de agresión sexual, acoso sexual y hostigamiento, así como contra la integridad moral y coacciones.

Tras trascender la denuncia de la Fiscalía, el equipo de programación del Teatro Infanta Isabel de Madrid decidió suspender definitivamente la exhibición de la obra Jardiel Enamorado, que dirigía Paso. La decisión del equipo, la productora Lola Teatro y los actores llegó después de que el actor Pepe Viyuela, que participaba con un papel protagonista, abandonara la obra. “No quiero llamarle. No quiero seguir con la función. Me voy”, dijo el intérprete.

También el Teatro Reina Victoria retiró de su cartelera la obra Sueño de una noche de verano, dirigida por Paso. Jesús Cimarro, fundador del grupo Pentación —propietario del Teatro Reina Victoria entre 2020 y 2025— aseguró que no volvería a programar “ningún espectáculo” de Paso hasta que hubiera una sentencia de este caso.

Además, asociaciones y profesionales de la dirección, producción y actuación mostraron su apoyo a las víctimas. Sin embargo, Paso no dejó de ejercer de profesor de teatro, ya que continuó con su actividad a través de la compañía Pasoazorín Teatro, que dirige junto a la actriz Ana Azorín. Ella fue una de las cinco compañeras del grupo de teatro que defendieron públicamente al dramaturgo cuando salieron a la luz las primeras denuncias.

La organización del Premio Literario Bodegas Olarra & Café Bretón ha decidido, tras haber quedado desierta la 32 edición por primera vez desde su conversión en beca, destinar la dotación económica a una iniciativa alineada con el espíritu y los objetivos del certamen.

En concreto, Bodegas Olarra, Café Bretón y la Editorial Pepitas dedicarán los recursos y esfuerzos previstos para esta edición a la celebración del centenario del nacimiento de Rafael Azcona y al impulso de nuevas investigaciones sobre la figura del escritor y guionista riojano. “Reunidos los organizadores -Bodegas Olarra, Café Bretón y Pepitas- hemos decidido que los recursos y la energía del premio-beca de este año no caigan en saco roto y vayan destinados a potenciar la celebración del centenario del nacimiento de Rafael Azcona e impulsar algunas nuevas investigaciones que a nuestro juicio están pendientes respecto a la figura de uno de los creadores más destacados que ha dado esta tierra”.

La organización considera que todavía existen aspectos poco explorados de la trayectoria de Azcona, uno de los creadores más relevantes surgidos en La Rioja. Más allá de la imagen del periodista y del guionista que evitó los focos y los reconocimientos, los impulsores de la iniciativa destacan una dimensión más amplia y universal de su figura.

“El Azcona que está por conocer no es el provinciano logroñés trasplantado a la redacción madrileña de La Codorniz ni el elusivo guionista que rehuía cualquier reconocimiento; es una dinamo que genera ideas con igual ingenio en Roma que en Ibiza, en París que en Cabo Cañaveral, en Barcelona que en Milán, en Buenos Aires que en Nueva York. Un mapamundi en el que ejercitó siempre la observación no de lo exótico, sino de las paradojas y contradicciones de cada cual, poniendo ante nosotros el espejo deformante que nos devuelve lo que en realidad somos”, afirman los organizadores del Premio. Esta nueva línea de trabajo permitirá profundizar en aspectos todavía poco conocidos de su legado “con muchas sorpresas”.

La Consejería de Igualdad ha concedido los premios de Castilla-La Mancha Mujeres en el Cine 'Alice Guy' correspondientes al año 2025, unos galardones destinados a reconocer y apoyar el talento de mujeres guionistas de largometrajes de ficción, documental o animación.

En esta edición, los guiones premiados han sido ‘Maya V5’, de Sonia Martí Gallego, y ‘Sandalia y la alegría’, de María Luz Lobato Cepeda. Cada una de las obras recibirá una dotación de 17.000 euros, en reconocimiento a la calidad y originalidad de los proyectos presentados.

‘Maya V5’ narra la historia de Maya, una joven londinense que viaja a un pequeño pueblo de la Sierra de Albacete tras la muerte de su pareja, Ruth, en un accidente de tráfico. En un entorno desconocido y marcado por las barreras culturales y lingüísticas, la protagonista emprende un complejo proceso de duelo mientras descubre facetas de la vida de Ruth que desconocía, en una reflexión sobre el amor, la identidad, la pérdida y la necesidad de encontrar un lugar propio entre quienes también la recuerdan.

Por su parte, ‘Sandalia y la alegría’ recupera la figura de Catalina Sandalia Simón, artista popular nacida en Villacañas a comienzos del siglo XX. A través de una narración que combina memoria, simbolismo y elementos de realismo mágico, la obra recorre una vida marcada por las dificultades, la creación artística y la espiritualidad, poniendo en valor el legado de una mujer singular cuya obra trascendió los límites de su tiempo y de su entorno.

“Seguir impulsando la presencia de mujeres en el audiovisual”

La consejera de Igualdad, Sara Simón, ha destacado que “los Premios Mujeres en el Cine Alice Guy son una herramienta para seguir impulsando la presencia de las mujeres en la creación audiovisual y para contribuir a que sus historias encuentren el espacio que merecen”.

Simón ha señalado que los proyectos premiados “demuestran la enorme calidad y diversidad del talento femenino, con relatos que abordan cuestiones tan universales como la identidad, la memoria, el duelo o la creación artística, y que además mantienen una estrecha conexión con Castilla-La Mancha”.

Asimismo, ha subrayado que “apoyar a las mujeres guionistas es apostar por una cultura más igualitaria, más rica y más representativa de la pluralidad de experiencias que conforman nuestra sociedad”.

La resolución definitiva de esta cuarta edición de los premios se publica hoy, 16 de junio de 2026, en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha (DOCM). Simón ha añadido que estos galardones “constituyen un apoyo concreto para que las creadoras puedan desarrollar sus proyectos y avanzar en un sector en el que todavía persisten desigualdades que limitan la participación y visibilidad de las mujeres”.

El Tribunal Superior de Xustiza de Galicia (TSXG) ha condenado a Destino Bergen, la productora del presentador y humorista Roberto Vilar, a abonar más de 40.000 euros a un guionista del programa Land Rober-Tunai Show, el espacio estrella de TVG, al que despidió de forma improcedente en 2024 y al que pagaba por debajo de lo que establecía el convenio estatal del audiovisual. Sólo entre enero de 2023 y octubre del año siguiente, el programa –del que es coproductor– costó a las arcas públicas casi siete millones de euros. La sentencia es firme y ante ella no cabe recurso.

El guionista, con 27 años de experiencia en el sector y que había trabajado en formatos como El Intermedio o Caiga Quien Caiga, era uno de los cuatro escritores con los que contaba el late night, hoy reconvertido de semanal a diario –de lunes a jueves–, bajo su nueva denominación como Land Rober-Máis show. Tres de los guionistas se encargaban de los sketches, uno por cabeza, mientras que la cuarta persona se ocupaba de escribir la continuidad. Pese a que su labor era crear escenas de humor, el demandante estaba contratado desde 2021 como guionista de no ficción. Esta categoría cuenta con una tabla salarial más baja que la del guionista de ficción, un asunto en el que la jueza de lo Social no entró. El argumento de la productora para su despido por causas organizativas, admitiendo desde el inicio que era improcedente, fue la reducción de tres a dos números cómicos por programa. Una explicación que no se creen ni el afectado ni su defensa.

“Eso fue un paripé”, asegura en conversación con elDiario.es el abogado Raúl Curto, representante legal del sindicato de guionistas ALMA. Curto cree que Destino Bergen no quería hacer frente a los nuevos salarios aprobados en convenio, que incluían la actualización de los atrasos de forma retroactiva desde 2022, y que por eso decidió prescindir de uno de sus trabajadores. “Le tocó a él”. La jueza de lo social tampoco dio crédito a las explicaciones de la productora: “No desvirtúa las afirmaciones de la demanda de que el programa Land Rober-Tunai Show funcionaba perfectamente con excelentes datos de audiencia y su emisión estaba garantizada para la siguiente temporada”. La indemnización por aquel despido apenas superó los diez mil euros pero, una vez fue firme, abrió la puerta para reclamar el impago de cantidades pendientes.

En el momento en el que fue puesto en la calle, en julio de 2024, el guionista cobraba un salario bruto mensual de 3.415,39 euros. Según el convenio estatal, el sueldo de aquel año para un guionista en un programa del presupuesto de Land Rober era de 4.172,53 euros. Su nómina no alcanzaba ni siquiera a la actualización retroactiva para 2022, fijada en 3673,81 euros.

El tramo más alto de presupuesto

El convenio establece tres tramos para los sueldos de los guionistas, según el coste del espacio en el que trabajen. En aquel momento, el más bajo incluía a programas con presupuestos inferiores a 40.000 euros por temporada o 5.000 por capítulo. El medio, los que iban de 40.000 a 2.500.000 de euros por temporada –o entre 5.000 y 300.000 por capítulo– y el tramo alto, para aquellos que superaban los 40.000 euros por entrega y los 2,5 millones de euros por temporada. El sueldo de un escritor oscilaba así, según el tramo, desde los 2.347,05 a los 3.129,39 y, por último, los 4.172,53 euros.

La defensa trató de hacer pasar a Land Rober por un programa del tramo medio para justificar el bajo salario del guionista despedido. Pero esa estrategia se vino abajo ya que TVG es un medio público y, por tanto, también lo son todos sus contratos. El abogado del trabajador reclamó esa información a la CRTVG y pudo acreditarla en la sala.

Entre el uno de enero de 2023 y el 31 de octubre de 2024, Land Rober costó al erario público 6.842.442,51 euros (IVA incluido), lo que lo coloca con holgura en el tramo más elevado. La empresa de Vilar trató de justificar que esas cantidades se le adjudicaban a otra productora, CTV, que era quien después subcontrataba con ellos servicios –“el artista, el público, el contenido del programa”– por un montante total que su representante legal no aclaró. No funcionó: la jueza se remitió al coste total del espacio, tal y como recoge el convenio, y condenó a Destino Bergen a indemnizar al guionista despedido con 41.748,15 euros, cuatro veces la cifra inicial, al tener en cuenta los atrasos.

Vilar no se rindió y presentó recurso de súplica ante el Tribunal Superior de Xustiza de Galicia. Tumbado el argumento del tramo salarial del programa, probó una nueva táctica: tratar de demostrar que el guionista no tenía derecho al sueldo completo porque su jornada “efectiva” no era completa, sino de sólo 33 horas semanales. La Sala de lo Social lo desestimó al considerar que la jueza de instancia “da por acreditado que la jornada era a tiempo completo y fija también el salario correspondiente”. Destino Bergen tuvo que hacerse cargo de las costas. elDiario.es se ha puesto en contacto con la productora pero no ha obtenido respuesta a su solicitud de información.

ALMA exige más control a las televisiones públicas

Curto considera la sentencia “un precedente” en el sector. Lo mismo opina el sindicato de guionistas ALMA, con más de un millar de profesionales asociados, que pone el foco en el carácter público de TVG. “Las televisiones públicas tienen que ser el ámbito en el que de manera más clara y más pulcra se cumpla con la ley, y el convenio colectivo es parte de la ley”, aseguran a elDiario.es. “Cuando se financian producciones audiovisuales con dinero público, los derechos laborales deben respetarse escrupulosamente y es necesario que las televisiones y administraciones públicas pongan los medios para asegurar que se hace.”

Además, la central sindical recuerda que los salarios de los guionistas son “los únicos del convenio que van ligados al presupuesto de producción”, a pesar de que sus equipos tienden a ser “los más pequeños”. “Además de no ser legal, tampoco es serio escudarse en el presupuesto para incumplir el convenio. Los salarios de guión se adecúan a los distintos tramos de presupuestos y si una productora no tiene dinero para pagarlos, quizá habría que revisar cómo gestiona ese presupuesto”, concluyen.

Villar es, desde hace años, el rostro estrella de la TVG. En su programa lanzó su precampaña Alfonso Rueda, quien llegó a copiar una de sus frases más conocidas como eslogan de su primera carrera hacia la Xunta. Desde el arranque de esta temporada, Land Rober se emite en el acces prime time de lunes a jueves, en competencia directa con El Hormiguero y La Revuelta, y se ha convertido en la gran baza de audiencia de una cadena pública que tampoco en mayo levantó cabeza: 7,5% de share, tercera peor marca de su historia, cuarta opción en Galicia y sexta en la Forta.

Esa dependencia de Vilar –que hasta otoño hizo doblete por las tardes con el desaparecido Quen anda aí?– ha propiciado que TVG le encargue un nuevo programa, esta vez sólo como productor. Se trata de Como ser feliz?, un espacio para la noche del domingo con ecos al Moros y Cristianos de Xavier Sardá. En las dos primeras entregas, entre los invitados que explican a los asistentes la fórmula de la felicidad han aparecido coaches que realizaron todas sus intervenciones en castellano, el economista Miguel Anxo Bastos, admirado por Milei, o los Mozos de Arousa, liderados por el diputado Raúl Santamaría, único candidato a presidir las Novas Xeracións del PP en Pontevedra.

El alcalde de Logroño, Conrado Escobar, ha dado la bienvenida a la ciudad a los organizadores de IX Encuentro de Guionistas que va a celebrarse en el Auditorio Municipal a lo largo de los próximos días. Durante la presentación a los medios de comunicación que ha tenido lugar esta mañana en el escenario del propio Auditorio, Escobar ha reconocido que “acoger este encuentro bienal no es una cita más en el calendario cultural. Es una celebración cargada de simbolismo que cobra sentido bajo el lema que la propia organización ha elegido para estos días: ”El guion vuelve a casa“.

En la presentación han tomado parte también Carlos Muriana y Rodolf Giner, componentes del Comité organizador del Encuentro, Rosa Fernández, concejal de Cultura, y Bernardo Sánchez, coordinador de la mesa redonda con la que se abre el congreso esta tarde.

En opinión de Escobar, “Rafael Azcona nació en nuestras calles, se empapó de la identidad y, aunque voló alto y lejos, llevó siempre a Logroño por bandera. Por eso, no había un escenario mejor en toda España para debatir acerca el presente y el futuro de su profesión que la ciudad natal del hombre que reescribió las reglas de buena parte del cine del siglo XX en nuestro país”.

“Este Ayuntamiento se ha volcado con ilusión para que el universo y el legado de Rafael Azcona impregnen cada rincón de Logroño y, en este sentido, queremos que este encuentro sirva para difundir la figura y la obra de uno de los vecinos más universales, al tiempo que para poner al oficio de guionista en el lugar que le corresponde del proceso creativo audiovisual”, ha concluido.

Mesa redonda coordinada por Bernardo Sánchez

La jornada inaugural del encuentro consiste en un diálogo que lleva por título “El guion vuelve a casa (en homenaje a Rafael Azcona)” y en el que, coordinados por el escritor, guionista y dramaturgo Bernardo Sánchez, tomarán parte Elvira Lindo, Marta González de Vega, Víctor García León y Santiago Tabernero.

Bernardo Sánchez ha señalado que “el retorno hoy de Rafael Azcona a Logroño es extraordinario, se fue de aquí en el año 51 siendo un poeta provincial, un narrador pasional y cien años después de su nacimiento regresa a su ciudad con 450 guionistas”.

Por su parte, en representación de la Asociación Encuentro de Guionistas (creada por los sindicatos FAGA y ALMA) Carlos Muriana ha destacado que “durante estas tres intensas jornadas de ponencias y diálogos con cerca de 50 ponentes, con intervenciones de distintos formatos, se pretende abordar la situación y los retos más inmediatos que presenta el sector audiovisual en nuestro país”. “Durante estos días, Logroño será mucho más que la sede de un encuentro profesional: será el lugar donde el oficio de escribir se piensa, se discute y se comparte”, ha sentenciado.

El Ayuntamiento de Logroño, dentro de la programación conmemorativa de 2026 como Año Rafael Azcona, ha renombrado con títulos de películas escritas por el propio Azcona las principales salas y espacios que conforman la Biblioteca Municipal que ya lleva su nombre.

El alcalde de la Logroño, Conrado Escobar, acompañado de la concejal de Cultura, Rosa Fernández, y de la directora de la Biblioteca Rafael Azcona, Esther Felipe, ha visitado el espacio y ha destacado que esta iniciativa pretende “profundizar en el conocimiento de la inmensa obra y el legado que dejó uno de los logroñeses más universales”.

“Desde el primer momento dijimos que uno de los objetivos que se planteaba el Ayuntamiento con la celebración de esta efeméride era hacer pedagogía entre el conjunto de la ciudadanía de la extensa huella que Rafael Azcona ha dejado en la historia del cine español”, ha señalado Escobar.

En opinión del primer edil, la Biblioteca Rafael Azcona es “el lugar idóneo para acercar su figura a nuevas generaciones”, al tratarse de “uno de los espacios municipales más transitados de la ciudad”. En este sentido ha recordado que durante 2025 un total de 214.910 personas accedieron a esta instalación municipal.

“En una filmografía tan extensa como la de Azcona, una de las cuestiones más complicadas ha sido seleccionar los títulos que podían encajar con los espacios que se querían nombrar”, ha explicado el alcalde de Logroño quien ha insistido en que “la intención ha sido encontrar nombres de películas que acompañaran de manera natural cada una de las salas, al tiempo que, si era posible, presentar una variedad de épocas y directores con los que el guionista trabajó a lo largo de su extensa carrera”.

Las salas y los nombres de películas que se han nombrado son las siguientes:

- Salón de actos: ‘El verdugo’ (Luis García Berlanga – 1963).

- Sala Juvenil: ‘Belle Epoque’ (Fernando Trueba – 1992).

- Sala Infantil: ‘El bosque animado’ (José Luis Cuerda – 1987).

- Sala de lectura: ‘La lengua de las mariposas’ (José Luis Cuerda – 1999).

- Sala de exposiciones y bebeteca: ‘La niña de tus ojos’ (Fernando Trueba – 1998).

Además, la tipografía utilizada para la rotulación de cada una de las salas ha sido la original del cartel que ilustra la película en cuestión. Con este recurso creativo se profundiza, de manera gráfica e indirecta, en la divulgación de la obra de Azcona.

Junto a cada vinilo identificativo se ha instalado también una cartela informativa con una breve sinopsis de la película correspondiente, curiosidades y una referencia general a la obra de Rafael Azcona.

La elección de ‘El verdugo’ para el Salón de actos responde al propósito de nombrar al espacio con mayor protagonismo de la biblioteca con la que para muchos es una de las mejores películas de la historia del cine español.

Logroño acogerá del 28 al 30 de mayo de 2026 una nueva edición del Encuentro de Guionistas, una cita ya consolidada como uno de los espacios de reflexión, debate y networking más importantes del audiovisual español. El Auditorio Municipal del Ayuntamiento de Logroño será el escenario principal de un programa que reunirá durante tres jornadas a guionistas, creadoras, productores, representantes institucionales y profesionales del sector audiovisual de todo el país.

La novena edición del encuentro estará especialmente vinculada a la figura de Rafael Azcona en el marco del Año Azcona 2026 y lo hará bajo un lema cargado de significado: “El guion vuelve a casa”. Porque si existe un lugar simbólico al que el guion cinematográfico español puede volver para mirar su origen, ese lugar es Logroño. La ciudad que vio nacer a Rafael Azcona será durante tres días el punto de encuentro de quienes siguen imaginando, escribiendo y construyendo historias para la pantalla.  

La sesión inaugural arrancará precisamente con una mesa redonda homenaje al autor riojano bajo ese mismo título, “El guion vuelve a casa”, en la que participarán Elvira Lindo, Marta González de Vega, Víctor García León y Santiago Tabernero, moderados por Bernardo Sánchez.

A lo largo de tres jornadas, el programa abordará algunos de los grandes debates y transformaciones que atraviesan actualmente el oficio: desde la adaptación literaria, el documental o la animación, hasta la irrupción de la inteligencia artificial, los contenidos verticales, el videojuego, la diversidad en la escritura audiovisual o la situación laboral y asociativa de los guionistas en España.

Entre los nombres destacados de esta edición figuran Elvira Lindo, Eduard Solà, Eva Libertad, Inés París, Paul Laverty, Rober Bodegas y Alberto Casado (Pantomima Full), Helena Medina, Irene Rodríguez, Rocío Sepúlveda, Mercè Sarrias, Sergio Campo, Josué Monchán, Rafa Ferrero, Irène Iborra o Virginia Yagüe y Curro Royo, entre muchos otros.

El encuentro combinará entrevistas, mesas redondas, charlas TED y grabaciones en directo de podcasts especializados, además de espacios destinados al networking profesional y al intercambio de experiencias entre autores, estudiantes y profesionales del sector audiovisual. También contaremos con ponentes destacados del panorama internacional, como Paul Laverty en diálogo online con Alicia Luna y una masterclass internacional de cierre, todavía pendiente de confirmación, que pondrá el broche final a esta edición con la colaboración de Serielizados.

La programación incluye además la participación de entidades y asociaciones clave del sector como DAMA, ALMA, FAGA, SGAE, ICAA o el Observatorio de la Diversidad, consolidando el Encuentro de Guionistas como un espacio plural y abierto para pensar el presente y el futuro de la escritura audiovisual en español.

Durante tres días, Logroño será mucho más que la sede de un encuentro profesional: será el lugar donde el oficio de escribir se piensa, se discute y se comparte. 

El IX Encuentro de Guionistas está organizado por la Asociación Encuentro de Guionistas creada por FAGA y ALMA y el Ayuntamiento de Logroño. Cuenta con el apoyo de la entidad de gestión de derechos de autor DAMA, la Fundación SGAE, el Ministerio de Cultura a través del ICAA y en esta edición las colaboración del Gobierno de La Rioja a través del Instituto de Estudios Riojanos, el Consejo Regulador de la Denominación de origen Calificada Rioja, la Universidad de La Rioja, Bodegas Vivanco, la editorial Pepitas de Calabaza y Bodegas Franco Españolas.

El Ayuntamiento de Logroño recupera este mes de mayo la celebración del Ciclo de conferencias Azcona Inédito, enmarcado en la designación de 2026 como Año Azcona, con el objetivo de conocer un poco más en profundidad las aristas que componen la figura del guionista logroñés a través de diversos ámbitos sectoriales.

Tras haber abordado en el mes de febrero el papel de la tauromaquia y el humor conciso, a cargo de Pedro Mari Azofra y Víctor Iturregui respectivamente, en esta ocasión se pretende abordar la figura y la obra del guionista logroñés a través de ámbitos como el feminismo y la música.

Jueves 21, el papel de la mujer en la obra de Azcona

Será el jueves 21, a las 19:00 horas en el Centro de la Cultura del Rioja, cuando la escritora y profesora de la Universidad de Alcalá Julia Sabina Gutiérrez se aproxime a la obra de Rafael Azcona a través de la construcción del personaje femenino, una presencia que, de manera silenciosa pero decisiva, terminó convirtiéndose en la espina dorsal de muchas de sus historias.

En un contexto social y cultural marcado por una visión profundamente conservadora de la mujer y asumida con naturalidad dentro de los discursos y representaciones de la época, Azcona desarrolló personajes femeninos llenos de contradicciones, matices y capacidad de resistencia.

Lejos de los modelos idealizados o decorativos habituales en buena parte del cine y la literatura del momento, las mujeres en la obra de Azcona ocupan espacios incómodos, ambiguos y profundamente humanos.

Azcona retrató, además, una realidad compleja en las relaciones entre hombres y mujeres, pero nunca lo hizo desde una mirada edulcorada ni recurriendo a personajes estereotipados, sino desde una observación lúcida, irónica y profundamente humana.

El guionista logroñés fue reflejando, de manera colateral, una España áspera y moralmente contradictoria, donde los personajes femeninos terminaban revelando muchas de las grietas sociales y emocionales de toda una época.

Miércoles 27, la banda sonora de sus películas con Berlanga

El Ciclo concluirá el miércoles 27 de mayo, a las 19:00 horas en el Auditorio municipal, con un concierto a cargo del músico y catedrático Pablo García-Berlanga, sobrino de director de cine Luis García Berlanga, con el que Rafael Azcona compuso una de las parejas artísticas más destacadas del cine español del siglo XX.

En esta ocasión, y con el título de ‘La música de Berlanga y Azcona’, el pianista interpretará una selección de piezas musicales de las bandas sonoras de películas como Plácido o El verdugo.

A través de una pantalla de grandes dimensiones, los asistentes al recital podrán disfrutar de ver pasajes de estas películas al tiempo que suenan en directo las canciones interpretadas al piano.

La entrada es gratuita y libre hasta completar aforo, para todos los públicos y con una duración de 75 minutos.

Alana S. Portero era una de esas niñas cinéfilas que desde bien pronto veía películas que no correspondían a su edad. En los años 80, siendo todavía pequeña, vio por primera vez Mi querida señorita, el clásico de Jaime de Armiñán escrito junto a José Luis Borau y que se había convertido en un título de culto a la vez que en un éxito de taquilla, logrando una nominación al Oscar. La historia de Adela, descrita en la sinopsis como “una mujer solterona que no es una mujer normal” escondía dentro algo que nunca terminaba de alumbrarse.

Muchos vieron en ella una película sobre la transexualidad, con un José Luis López Vázquez que interpreta a Adela y que descubre que era un hombre que había sido criado como mujer. En aquellos momentos la palabra intersexualidad casi ni existía. Y el guion de Borau y Armiñán creó una historia milimétricamente pensada para pasar la censura franquista abordando un tema que todavía cuesta creer que fuera aprobado. 

El recuerdo de la escritora de aquel primer visionado fue de desconcierto. “No sabía lo que pasaba, no sabía lo que le pasaba a ese personaje. Ni siquiera pensé que estábamos delante de una historia trans. Yo no lo vi así y vi algo extraño. Luego, hablando con muchas personas, me di cuenta de que casi nadie sabe realmente lo que le pasa al personaje”, dice. Una película “hija de su tiempo” que también califica como “fantástica”.

La volvió a ver cuando tenía algo más de 20 años. Seguía gustándole mucho, pero seguía sin entender lo que le ocurría a Adela. “Podía hacerme alguna idea mejor, pero por mi propio conocimiento, no porque lo entendiese de la película”, añade. Por eso, cuando recibió la llamada de Javier Calvo y Javier Ambrossi para realizar una nueva versión libre que pusiera luz al tema de la intersexualidad nunca mencionada en el filme original dijo que sí. Es su primer guion cinematográfico, y aunque daba vértigo se ha sentido muy acompañada tanto por Calvo y Ambrossi, productores y motor del filme, como por Fernando González Molina, el director que se ha atrevido a tocar uno de esos clásicos conservados en una vitrina de cristales irrompibles.

Entre todos los han roto con Mi querida señorita —ya en cines y el 1 de mayo en Netflix, una mirada queer que pone el foco en esa realidad invisibilizada. “Sobre la intersexualidad hay una especie de política de sugerencias que es extrañísima y que es injusta, además porque hay muchas personas intersexuales. Más que pelirrojas”, dice Alana S. Portero citando a la divulgadora intersexual y escritora Mer Gómez que les ha ayudado en todo este camino que también, para ellos, ha sido de descubrimiento.

Cree que todavía hay “una especie de vergüenza por parte del mundo heterosexual por llamar a las cosas por su nombre”. Por ello, “a la gente intersexual se le aplican casi todas las cosas tremendas que se usan también por miedo al resto del colectivo, como la medicalización forzosa”. “Esa ambigüedad de no llamar a las cosas por su nombre y esa especie de secreto de los cuerpos, de cuerpos que son perfectamente cuerpos, en los que no hay ninguna rareza, fue la idea primigenia. Esta historia es la historia de una persona intersexual y tenemos que hablar sobre la intersexualidad”, explica del origen del proyecto.

Había, por tanto, un ánimo de “precisión” y no tiene miedo a decirlo también incluso “pedagógico y activista”. Por ello han acudido a profesionales y asociaciones intersex para contarles como nunca lo habían hecho. También en eso ha ayudado la presencia de Elisabeth Martínez, persona intersex, como protagonista que ha traído su propia experiencia al papel y la película. 

Ya está bien de contar historias que tienen que ver con el colectivo y hacerlo desde las sugerencias, eso no sirve. Eso no incorpora la narrativa intersexual a la narrativa universal

Alana S. Portero — Escritora y guionista

En tiempos de sutilezas, de elogio de una ambigüedad que hace que las películas sean fácilmente apropiadas por todos, Alana S. Portero recurre a lo contrario, a casi una explicitud de ideas y mensajes que dejan claro el cariño que tiene por lo que está contando. Sabe que eso puede “molestar a un público cinéfilo”, pero lo tenía claro: “Ya está bien de contar historias que tienen que ver con el colectivo y hacerlo desde las sugerencias, eso no sirve. No hace ningún bien. Eso no incorpora la narrativa intersexual a la narrativa universal. Sugerir está muy bien para hablar de otras cosas, pero cuando tienes que hablar de cuerpos a los que les hacen cosas, lo tienes que contar. No puedes sugerir la mutilación genital femenina, no la puedes sugerir, la tienes que contar como es”, dice con contundencia. 

Mi querida señorita de 2026 actúa, entonces, como contrapunto y hasta otro lado del espejo del filme de Armiñán, que “sugería y hablaba de las sombras y de los silencios”. “Eso está muy bien, pero eso no cuenta lo que queremos contar. Como película funciona maravillosamente, pero si hacemos lo mismo en 2026 es hacer un pan con unas hostias. Y además, el efecto hombre con peluca es una cosa terrorífica que ahora mismo no solo no funciona, sino que sería ridículo. En su momento funcionó porque él lo hace maravillosamente, pero ahora sería ridículo. La única manera de contar las cosas es directamente y decir los nombres de las cosas”, añade.

La actualización de Portero no se queda solo en el personaje central, sino en todos los que poblaban la historia original. Isabelita pasa de ser la criada a una masajista; y el cura se reinventa en un párroco homosexual que ejerce, de alguna forma, de mentor y con el que la escritora ahonda en una idea que defiende, y es que la religión y lo espiritual no son patrimonio de nadie (o no deberían serlo). “No puede ser que la espiritualidad sea patrimonio de la gente de derechas o de ultraderecha. Eso no es justo porque no es verdad. Y el problema que tenemos en España con eso es que se confunde el catolicismo con la versión que hubo aquí en España, que es el nacionalcatolicismo, que es una manipulación ideológica del catolicismo”, afirma.

Un nacionalcatolicismo que ejerció “una violencia terrible durante los años de la dictadura”. “Pero también hubo aquí curas rojos, también hubo la teología de la liberación. Fue una cosa que tuvo mucha fuerza. Entonces por qué no imaginar un cura gay orgulloso de serlo, que recuerda su vida perfectamente, que de alguna manera la sigue viviendo y está en paz con Dios y está en paz con su cultura. ¿Y por qué no puede ser eso lo que debería ser un cura para las personas que sean católicas, un guía espiritual que comprende los aspectos más complejos de tu vida? A mí esta cuestión de ceder también la espiritualidad a las personas más reaccionarias del mundo me parece una pérdida injusta y yo, desde luego, se lo voy a combatir siempre. No quiero que me quiten ni la libertad ni la espiritualidad ni la calle ni un montón de cosas”, zanja.

En Mi querida señorita se muestra el Madrid que se convirtió, para muchos miembros del colectivo, en un refugio de libertad. Lo hace en lo que Alana S. Portero define como una “nostalgia política” que pretende demostrar, en un momento en donde Madrid es cada vez más hostil, que una ciudad puede y debe ser otra cosa para sus ciudadanos: “Ya lo intenté con La mala costumbre y creo que no lo dejaré de hacer casi nunca porque ese Madrid existió. Yo no digo que fuese perfecto y había muchos problemas y había nazis por la calle que pegaban palizas a la gente. Pero sí había algo, había una explosión o una necesidad y unas ganas de estar en la calle. El espacio público no estaba tan privatizado, aún era público y eso lo cambiaba todo. Se podía estar en la calle y se podía buscar a tus semejantes en la calle, ocupar tu lugar”. 

Ese Madrid existió. Yo no digo que fuese perfecto. Había muchos problemas y había nazis por la calle que pegaban palizas a la gente. Pero había una explosión y unas ganas de estar en la calle

Alana S. Portero — Escritora

Una ciudad que “ayudó a mucha gente” y que es opuesta a la actual. Portero entiende “que la narrativa ahora sea extractiva”. “Es el agujero negro que vacía España y donde además la gente ni siquiera puede vivir ya. Eso es cierto. La película es una propuesta de demostrar a los espectadores que ese Madrid podría volver a ser, que podríamos ocupar las calles otra vez, que podríamos vivir nuestras vidas de otra manera”, asevera.

Por supuesto, y sin hacer spoilers, en una revisión queer del clásico no podía tener cabida las narrativas clásicas donde el personaje LGTBI acaba “en tragedia o en soledad”. Alana S. Portero tuvo claro que había que “romper” eso y subraya que esta era una película “sobre el amor”. “Si vamos a hacer otra vez una historia de cliché de alguien que tiene una particularidad física malentendida por el resto del mundo y la vamos a condenar a la soledad, eso ya está contado y no tendría sentido haberlo hecho”.

Todo porque aunque puede que la ficción no cambie el mundo, pero sí que provoca cambios. Quizás muchas personas no conozcan a alguien intersexual, pero después de ver esta nueva versión de Mi querida señorita “ya no la miren con lástima” y entiendan que “la vida es múltiple y maravillosa”. Así lo ha querido Alana S. Portero, que no descarta escribir más guiones, pero que antes se compromete a entregar y publicar pronto su segunda novela.

El Ayuntamiento de Logroño ha promovido durante esta semana la celebración de talleres en diferentes centros educativos de la ciudad para profundizar en el conocimiento de la figura de Rafael Azcona entre los más jóvenes, y que han sido impartidos por la Escuela de Escritores de Madrid. Esta iniciativa se enmarca en la programación del Año Azcona.

El alcalde de Logroño, Conrado Escobar, acompañado por la concejal de Cultura, Rosa Fernández; la coordinadora del Proyecto de Innovación Educativo ‘Con voz propia’ del IES Duques de Nájera, Montse Duro; y el profesor que imparte los talleres, Jaime Bartolomé, han visitado esta mañana uno de esos talleres.

Durante la visita, Escobar ha destacado que uno de los objetivos de la celebración del Año Azcona, “era llegar a las nuevas generaciones de jóvenes de nuestra ciudad para hacerles entender que algunos de los formatos que hoy en día son usados de manera frecuente en la comunicación que consumen tienen su origen en la obra de uno de nuestros vecinos más universales”.

Asimismo, ha agradecido a la comunidad educativa en su conjunto “la excelente acogida” que han tenido esta iniciativa, “conscientes seguramente de que resulta de vital importancia llegar a los más jóvenes y hacerles partícipes y conocedores de la obra y la figura de uno de los guionistas más relevantes en la historia de nuestro cine”.

En palabras del primer edil, “a primera vista, los guiones y la manera de contar la realidad del momento de Azcona pueden hacernos creer que quedan muy lejanos en el tiempo, pero si profundizamos en ellos de manera pausada, podemos ver que hay planteamientos, como el difícil acceso a la vivienda, que siguen estando muy de actualidad más de medio siglo después”. 

Contenido centrado en Azcona, presencia de tiktokers y con carga práctica

Los talleres, que se engloban bajo el titulo ‘Rafael Azcona, el nacimiento de la comedia viral’, se están celebrando desde el pasado martes en diferentes centros de la ciudad, dirigidos a alumnado de Educación Secundaria y Bachillerato. Concretamente, los centros que han participado en la iniciativa con IES La Laboral, IES Batalla de Clavijo, CPC Compañía de María La Enseñanza, Salesianos los Boscos y el propio IES Duques de Nájera.

Los talleres, que oscilan entre 90 y 120 minutos de duración, abordan un contenido en el que inicialmente se profundiza en el conocimiento de la figura de Azcona. A continuación, se estudian los elementos característicos de su obra, así como la influencia que su manera de contar historias ha supuesto para los actuales creadores audiovisuales de contenido. Por último, los alumnos llevan a cabo la realización de una parte práctica en una dinámica grupal consistente en crear un micro-guion.

El contenido del programa es el siguiente:

1. Quién es Rafael Azcona y por qué debería importarte. Introducción al superhéroe de la comedia y al contexto de una España remota pero cercana.

2. Rafael Azcona, el maestro del dolor hecho humor. Cómo la comedia nace de la verdad y del dolor y cómo Azcona convirtió problemas serios en risas.

3. Los hits de Azcona: un top ten imperdible. Los momentos más icónicos de las películas de Azcona.

4. Las tramas que nos hicieron reír, reflexionar y llorar (pero de risa). Contar historias: algo que los tiktokers deben a Azcona (aunque no lo sepan).

5. ¡Quiero ser como Rafael! Interacción a lo grande. Introducción al oficio de guionista.

6. Dinámica: construye un micro-guion. Desafíos de escritura donde los chicos crearán diálogos cómicos (y se leerán algunos de ellos).

7. Cierre: lecciones de comedia para la vida real.

El último de los talleres de esta iniciativa se va a celebrar esta tarde, a las 19:00 horas, en la Biblioteca Municipal Rafael Azcona. Con ello, según ha señalado el alcalde, se pretende “abrir la posibilidad de tomar parte en esta iniciativa al conjunto de jóvenes de nuestra ciudad, conscientes de que no todos los centros han podido organizarse para celebrar estos talleres en sus instalaciones”.

“La Biblioteca que lleva su nombre va a ser durante todo este año el epicentro de la celebración del Año Azcona y prueba de ello es la celebración de este taller y el extenso programa de actividades que con motivo de esta celebración se van a ir desarrollando en ella durante las próximas semanas”, ha concluido Escobar.

Logroño volverá a convertirse en punto de encuentro del talento audiovisual los días 28, 29 y 30 de mayo de 2026, con la celebración del IX Encuentro de Guionistas, una edición especialmente significativa en el marco del Año Azcona.

La organización ha anunciado hoy los primeros nombres que formarán parte del programa: David Trueba, Elvira Lindo, Eduard Sola, Javier Cámara, Eva Libertad, Marta González de Vega, Diego San José, Anna Juesas, Víctor García León, Bernardo Sánchez y Helena Medina. Son solo algunos de los casi 40 ponentes que pasarán por el escenario del Auditorio Municipal de Logroño.

“Un adelanto que confirma el nivel y la diversidad de miradas que caracterizarán esta novena edición, en la que el oficio del guion volverá a situarse en el centro del debate cultural y creativo”. El Encuentro, que en 2026 adquiere una dimensión simbólica al celebrarse en el año dedicado a Rafael Azcona, reunirá en Logroño a algunas de las voces más relevantes del panorama audiovisual español, consolidándose como uno de los foros profesionales de referencia para guionistas y creadores.

Apertura de inscripciones generales

Tras el éxito de las convocatorias anteriores, el próximo 18 de febrero a las 11:00 horas se abrirá el periodo de inscripción ordinario con la salida a la venta de 200 nuevos abonos. Los precios establecidos para esta fase son 130€ para afiliados de ALMA y FAGA, y socios de SGAE y DAMA y estudiantes, y 160€ para público general. Las inscripciones podrán formalizarse a través de la web oficial del Encuentro hasta completar aforo.

Logroño será punto de encuentro del oficio los días 28, 29 y 30 de mayo de 2026 con la celebración del IX Encuentro de Guionistas, la gran cita bienal del sector en España. Bajo el lema “El guion vuelve a casa” se presenta esta edición especialmente simbólica: se enmarca en el “Año Azcona”, impulsado por el Ayuntamiento de Logroño para conmemorar el centenario del nacimiento de Rafael Azcona (Logroño, 1926 – Madrid, 2008), referente imprescindible del cine español y autor de títulos fundamentales como El verdugo, La escopeta nacional, Plácido, El pisito o Belle Époque.

El IX Encuentro de Guionistas está organizado por la Asociación Encuentro de Guionistas creada por FAGA y ALMA y el Ayuntamiento de Logroño. Cuenta con el apoyo de Fundación SGAE, la entidad de gestión de derechos de autor DAMA, el Ministerio de Cultura a través del ICAA y en esta edición también del Gobierno de La Rioja a través del Instituto de Estudios Riojanos.

Logroño comienza a celebrar el Año Azcona extendiendo la imagen de su conmemoración por la ciudad, en espacios públicos, cines comerciales y soportes publicitarios. El alcalde de Logroño, Conrado Escobar, ha desgranado este jueves, coincidiendo con la difusión de la imagen que ilustra esta efeméride en numerosos espacios públicos y privados, algunas de las iniciativas que van a ponerse en marcha a lo largo del primer trimestre de 2026 en el marco de la celebración del Año Rafael Azcona.

Así, el anuncio ha tenido lugar en los Cines 7 Infantes, en compañía de su gerente, Alfredo Cordero, como muestra del recorrido que la figura del propio Azcona va a realizar durante los próximos meses por diversos espacios de la ciudad. “La evocadora imagen gráfica compuesta por Mikel Casal para este centenario va a inundar las calles de Logroño, como un homenaje al espacio físico en el que creció Rafael Azcona y que luego plasmó a lo largo de su extensa trayectoria cinematográfica”.

“En este sentido, no podíamos empezar por mejores espacios que por aquellos en los que se respira cine a lo largo de todo el año”, ha indicado Escobar, en referencia a los acuerdos a los que ha llegado el Ayuntamiento para que la imagen gráfica del Año Rafael Azcona esté presente en los dos cines de la ciudad (Cines 7 Infantes y Cines Yelmo). “De esta forma, a lo largo de este año vamos a tratar de que las personas que se acerquen a ver cine en nuestra ciudad tengan la posibilidad de acercarse también a la figura y a la obra de nuestro genial guionista”, ha sentenciado.

El alcalde ha anunciado que la figura de Azcona también va a estar presente en diversos espacios municipales, como la Biblioteca Municipal que lleva su nombre, en La Gota de leche, o en la Estación de Autobuses. La presencia de la imagen del Año Azcona se completará por toda la ciudad a través de soportes publicitarios como marquesinas, termómetros, pantallas digitales y mupis.

“Es un año de homenaje y divulgación de su obra, así que la idea es que Azcona esté presente en el día a día de la ciudad con distintas ilustraciones y mensajes publicitarios que nos inviten a conocer y profundizar en su trabajo”, ha resaltado.

Azcona Inédito, profundizando en su conocimiento

Con esa misma idea, el alcalde ha presentado los primeros encuentros que componen el Ciclo Azcona Inédito. “Aunque hemos oído hablar mucho de algunos de sus míticos guiones, el perfil de Rafael Azcona sigue siendo muy desconocido para el público en general, motivo por el cual vamos a poner en marcha un ciclo que nos permita conocer un poco más en profundidad las aristas que componen la figura de este artista”, ha enfatizado Escobar. Así, utilizando diversos hilos sectoriales, se propone conocer a Azcona a través de ámbitos como la tauromaquia, el humor, la música o el feminismo.

“En una primera parte del Ciclo, en el mes de febrero vamos a poder disfrutar de dos ponencias a cargo de Pedro María Azofra y Víctor Iturregui. En la primera, que se celebrará el jueves 12 de febrero a las 19,00 horas en el Café Moderno, el escritor y crítico taurino abordará el papel que el mundo del toro ha tenido en la obra del guionista logroñés.

En la segunda jornada, prevista para el jueves 26 de febrero en el CCR, el profesor de la UPV va a desgranar las obras menos conocidas de Azcona prestando especial atención al humor conciso y a la ironía como manera de retratar la sociedad del momento.

Ya en el mes de mayo, el Ciclo se retomará con Pablo Berlanga y Julia Sabina Gutiérrez, que abordarán la relevancia de la música, por un lado, y la presencia de figuras femeninas en sus guiones en un contexto temporal de clara invisibilización generalizada, respectivamente. En el caso de Pablo Berlanga, sobrino de Rafael Azcona, el pianista interpretará piezas musicales acompañadas de imágenes de las películas del guionista y un posterior coloquio.

Talleres escolares sobre guion cinematográfico

En el mes de marzo, será el turno de los talleres escolares que, impartidos por la Escuela de Escritores de Madrid, tratarán se sembrar la semilla del cine entre las nuevas generaciones. “Desde el principio nos hemos fijado el objetivo de llegar a los más jóvenes durante este año, porque seguramente son los que están más lejanos al cine de Rafael Azcona”, ha declarado Conrado Escobar, “por eso hemos querido adaptar algunos de los mensajes de aquellos años a la realidad actual, como la mejor manera de llegar a los jóvenes”.

Los talleres escolares, que se desarrollarán en centros de la ciudad entre los días 17 y 19 de marzo y para los que ya está abierta la inscripción, incluyen una primera parte teórica con capítulos como “Contar historias: algo que los tiktokers deben a Azcona (aunque no lo sepan)” o “¡Quiero ser como Rafael! Introducción al oficio de guionista”, para abordar a continuación una parte más práctica, con la construcción de un micro-guion, en la que los propios alumnos crearán y leerán diálogos cómicos. 

Presencia en FITUR

El alcalde de Logroño ha informado de estas iniciativas antes de viajar a Madrid para asistir a la Feria Internacional del Turismo (FITUR), en donde la celebración del Año Rafael Azcona también va a tener su propio espacio. “Es un espacio como el de FITUR, queremos posicionar a Logroño durante este año como un espacio de cultura y de creación artística. Rindiendo homenaje y tributo a una gran figura como es Azcona, pero poniendo los ojos en el futuro también y sentando las bases de lo que una industria como la del cine o la literatura puede suponer para una ciudad como la nuestra”.

En este sentido, Escobar ha recordado la celebración del IX Encuentro de Guionistas, que, organizado por FAGA y ALMA, convertirá a Logroño en la capital del guion entre los días 28 y 30 de mayo con la reunión de alrededor de 450 guionistas profesionales de todo el país además de estudiantes, creadores audiovisuales y público interesado en la escritura cinematográfica y televisiva. “Son muchas las iniciativas en las que estamos trabajando en el marco de la celebración del Año Rafael Azcona, con el objetivo también de trascender a la propia ciudad y llegar al conjunto de la ciudadanía española”, ha manifestado.

Forman una de las parejas creativas más reconocidas por el público y su amistad es una de las más duraderas y fieles de las que hay en Hollywood, que tiene otro nuevo capítulo con el estreno de una nueva película en Netflix, ‘El botín’, que llega este viernes 16 de enero a la plataforma.

Hablamos de Ben Affleck y Matt Damon, que vuelven a compartir pantalla como protagonistas de este nuevo thriller de Netflix, en el que un grupo de policías de Miami empieza a resquebrajarse después de descubrir millones de dólares en efectivo en un zulo abandonado y que hará que todos duden de todos. En esta ocasión, solo colaboran como protagonistas, aunque en otras ocasiones han dirigido y escrito juntos proyectos, pero en ‘El botín’ la dirección y el guion recaen en Joe Carnahan, sobre una historia de Michael McGrale.

El origen de la amistad entre Ben Affleck y Matt Damon

Para conocer el fuerte vínculo entre los dos actores de Hollywood nos tenemos que remontar a la infancia de ambos, cuando Matt tenía 10 años y Ben ocho y ambos vivían cerca en la ciudad de Cambridge, en el estado de Massachusetts, donde se hicieron amigos porque tenían aficiones en común como el baloncesto y la actuación.

Una amistad que creció y dio un paso adelante en la que ambos fueron al mismo instituto, porque el propio Matt Damon reconoció que Ben Affleck lo defendió en una pelea: “Recuerdo que fue como un gran momento. Él se puso en un lugar que era realmente malo para mí. Este es un buen amigo”, precisó en una entrevista. Desde entonces pasaron más tiempo juntos y comenzaron a ir a audiciones, llegándoles algunas oportunidades por separado, pero siendo su primera gran aparición juntos como extras en ‘Campo de sueños’, con Kevin Costner y que fue candidata a los Oscar.

De una obra de teatro de instituto a ‘Good Will Hunting’

Pero el momento importante fue cuando Matt Damon escribió una obra corta para el instituto, que más tarde desarrollaría como el primer acto de una película al obtener una bona nota y animarle el propio Ben Affleck al leerlo: “No sé qué hacer con esto, pero hagámoslo juntos. Ben fue quien desbloqueó la historia. La escena del monólogo en el banco la escribimos juntos esa misma noche”, reconoció el actor protagonista de películas como ‘Marte’ o la saga Bourne.

Así fue como Affleck y Damon escribieron juntos ‘Good Will Hunting’, en la que participaría Robin Williams, y por la que ambos ganaron el premio Oscar a mejor guion original en 1997, lo que les dio fama repentina que transformaría sus vidas, y cuya amistad les sirvió para procesarlo. Ambos lo vivieron como entrar en ‘Matrix’ o en ‘Star Wars’, pero Ben Affleck fue más allá: “Al principio me sentía un fraude. Estaba en el sofá de Matt cuando vendimos el guion. No tenía ni baño propio. De repente, se supone que eres especial. Es absurdo. No sé dónde estaría sin la amistad de Matt como ancla”.

El proceso de escritura del guion de ‘Good Will Hunting’, sin embargo, fue tan largo y desafiante que hizo que durante dos décadas casi no volvieran a colaborar a nivel creativo, en parte porque pensaban que sería “igual de difícil” en palabras de Matt Damon y porque ambos recibieron presión siendo actores jóvenes para tomar caminos separados y diferenciarse, tal y como confirma Ben Affleck.

‘El último duelo’ y el regreso de la dupla Affleck Damon

No sería hasta 2021 cuando ambos volvieron a escribir juntos, en este caso adaptaron ‘El último duelo’, dirigida por Ridley Scott. Esto fluyó y surgió gracias a que Matt Damon llamó a su amigo tras ver el documental de Peter Jackson sobre los Beatles, cuando incluyó el final de la banda. “Nos pasó algo increíble, como si hubiéramos ganado la lotería juntos. Creo que, en un intento de individualizar nuestras carreras, dejamos de trabajar juntos. Era como: ‘¿Qué estamos haciendo? No intentamos construir ninguna imagen. Si encontramos algo bueno para hacer juntos, hagámoslo y no le demos tantas vueltas’”, relató al respecto a Variety.

El éxito de la colaboración conjunta en el ‘El último duelo’ hizo que volvieran a compartir proyecto en ‘Air’, en la que Affleck dirigió a Damon, lo que supuso un nuevo reto a su amistad: “Antes de comenzar a filmar, pensé: 'Matt ha trabajado con Spielberg, Scorsese, los hermanos Coen'. Así que ahora, en su mente, me va a enfrentar a estas otras experiencias... Recuerdo que el director de fotografía, Bob Richardson, se acercó a mí después del tercer o cuarto día. Y me dijo: ‘Creo que Matt confía en ti ahora’. Y le respondí: ‘Yo también lo creo’. Sentí un tipo de respeto profesional allí que realmente significó mucho para mí”, declaró el actor y director.

Jared Bush (Maryland, Estados Unidos, 1974) encamina a Disney a un fin de semana para la historia. El último trabajo del director y guionista, la secuela de Zootrópolis, va a convertirse en una de las películas de animación con mejor desempeño en taquilla de todos los tiempos. Así lo constata su debut en China, donde ha conseguido el mejor día de estreno y la recaudación diaria más alta jamás registrada por una película animada estadounidense en el país. En Estados Unidos, la cinta ha recaudado 10,2 millones de dólares en preventa, solo por detrás del récord de Vaiana 2 (13,8 millones de dólares).

Zootrópolis ya se convirtió en un fenómeno en 2016, cuando llegó a cartelera la primera parte, pero ahora promete ser una nueva franquicia de oro para la compañía. Jared Bush, quien también es jefe creativo de la delegación de animación desde 2024, ha conversado para elDiario.es sobre la importancia de las secuelas, la relevancia que tiene el cine animado frente a una industria que cada vez apuesta más por remakes de acción real, las preocupaciones derivadas de la inteligencia artificial y la relevancia que sigue teniendo la animación para tocar temas sociales.

Esta segunda entrega, que vuelve a seguir al zorro Nick y a la coneja Judy en otra aventura por un mundo lleno de animales, pone el foco en las diferencias entre personas, los estereotipos y las barreras territoriales. La trama presenta cómo los reptiles han sido completamente relegados a los márgenes, sumidos en prejuicios que les impiden hacer presencia en países que les han hecho creer que no pertenecen a ellos, un tema que se torna fundamental en un momento en el que la ultraderecha aprovecha la migración para sembrar odio.

¿Cuál es el propósito de la secuela de Zootrópolis?

Queríamos ahondar en la relación entre los personajes principales, Judy y Nick, que son animales muy diferentes y que también tienen una visión del mundo muy diferente. Esta película es una historia sobre nuestras diferencias. A veces, nuestras diferencias pueden ponernos nerviosos, pueden preocuparnos y pueden hacernos pensar que son un problema, pero de lo que habla la película es del hecho de que nuestras diferencias en realidad son maravillosas. Cuando empezamos a comprendernos unos a otros, empezamos a comprender esas diferencias. Nos damos cuenta de que son nuestra mayor fortaleza.

Estos personajes no encajan en los estándares sociales y se ven obligados a demostrar su valía. ¿Qué se hace para combatir los prejuicios?

Es realmente difícil. Algo de lo que nos dimos cuenta cuando hicimos la primera de Zootrópolis y que estudiamos bastante es cómo a veces es difícil superar las diferencias. Eso es lo que encontramos dentro de nosotros mismos. A medida que avanzábamos en la historia, el camino es muy sencillo. Consiste simplemente en intentar comprender a alguien, sentarse a hablar con él, verlo como persona y relacionarse con él. En la mayoría de los casos, dar ese simple paso de conversar e intentar entender a la otra persona es clave para ver que estas diferencias no son un problema en absoluto.

Los reptiles en la película representan a las personas marginadas, y la historia hace una crítica a las fronteras territoriales.

Los seres humanos somos complicados. Es algo que es así, que era así hace diez años y que seguía siendo así hace cientos de años. Es algo que forma parte de la naturaleza humana, pero eso no significa que no podamos darnos cuenta, aprender, hablar de ello e intentar hacerlo mejor. Los seres humanos tenemos la capacidad de empatizar, y eso es algo que se ve en la película.

Todos somos seres humanos y todos merecemos dignidad y respeto

Jared Bush — Director creativo de Walt Disney Animation

El hecho de que los reptiles sean relegados a los márgenes recuerda a las personas migrantes.

Yo diría que se aplica a muchas cosas. Una parte muy importante de esta historia es que tendemos a juzgar a las personas que son diferentes a nosotros, y eso se aplica a diferentes cosas a lo largo de la historia de la humanidad. Lo importante de una historia como esta es que cosas como esa pueden resonar en ti, que puedes verla y decir: 'Creo que para mí, esto es de lo que estás hablando'. Y hay un punto de conexión ahí. Es muy importante asegurarnos de que contamos historias para todo el mundo y que son historias que te permiten interpretarlas como quieras.

Al igual que sucede en la película, hay quien no respeta a gente por considerar que no pertenece a un país. ¿Es importante dar visibilidad a esto?

Sí, todos somos seres humanos y todos merecemos dignidad y respeto. Según mi experiencia, a veces es cuando nosotros mismos sentimos miedo cuando empezamos a preocuparnos por la diferencia de los demás. Suele empezar con algún problema que tenemos con nosotros mismos. Eso es lo que ocurre en la historia de esta película, porque un personaje como Nick, que es tan cauteloso y está tan preocupado por Judy, es capaz de llegar a un punto en el que puede ver el mundo de forma un poco diferente. Puede verla de manera distinta y puede crecer como persona. Lo que me encanta de historias como esta es que podemos ver esas complicaciones.

¿Es importante que las películas de animación también aborden temas sociales?

Las animaciones de Disney son importantes para contar historias que lleguen al público de todo el mundo. Contamos todo tipo de historias en las películas de animación de Disney. Tuve mucha suerte de trabajar en la primera de Zootrópolis, por supuesto, pero también en Vaiana y después en ¡Canta!. Son historias en las que hablamos de cosas que esperamos que lleguen al público, que es lo más importante. Es una discusión sobre cosas que te importan, que te llegan y que, con suerte, te hacen pensar cuando sales del cine, y eso puede ser algo tan simple como darse cuenta, como sucede en ¡Canta!, de que tu familia es diferente y que merece empatía, o como en Vaiana, una historia sobre una niña de 12 años que busca su identidad. Estas verdades humanas básicas las que nos gusta cuestionar.

Últimamente parece que solo se apuesta por remakes de acción real. ¿Es una buena noticia que películas de animación como esta tengan éxito en taquilla?

Celebro que cualquier película, sea cual sea, tenga éxito en taquilla. Me metí en este negocio porque me encanta sentarme en el cine y compartir esa experiencia con otras personas. Formar parte de una historia es muy importante para mí. Por supuesto, me encanta que la animación sea algo que una a la gente, que podamos contar estas historias y que podamos hacer una película de animación de Disney. ¿Sabes que 700 personas trabajan juntas para dar vida a una historia? Es muy emocionante. No importa cómo se cuente la historia que ves en pantalla: si vas a ver algo al cine, muchas personas han tenido que trabajar duro para darle vida. Es realmente difícil y es algo que me impresiona todo el tiempo.

¿Considera que ahora existe el temor de hacer películas de animación debido al posible fracaso en taquilla?

Cuando trabajas en una historia, es muy importante no preocuparse por el peor de los casos. Hay que tomárselo con optimismo. Hay que creer que las cosas van a salir bien. Si intentas contar una historia y te preocupas por ello y te obsesionas demasiado, se refleja en la historia que cuentas. Por eso intentamos mantener un ambiente de alegría, optimismo y positividad, porque creo que eso es lo que hace que el público se identifique y se lo pase bien en el cine. Sigo repitiendo una y otra vez que el público se emocionará hasta las lágrimas al ver historias como esta, y eso es lo que importa y lo que realmente priorizamos.

La creatividad humana es la esencia misma de lo que hacemos, tiene que ser el núcleo

Jared Bush — Director creativo de Walt Disney Animation

Uno de los grandes peligros actuales para el cine de animación es la inteligencia artificial. ¿Qué se está haciendo para combatirlo?

Es un tema muy complicado porque hay muchas formas diferentes de verlo. Algo en lo que creemos en Disney Animation es que nuestras historias deben estar elaboradas por personas y que todo lo que se vea comience con alguien que ponga el lápiz sobre el papel y lo cree. Son las personas que están detrás de las cámaras las que hacen que todo eso suceda. La creatividad humana es la esencia misma de lo que hacemos, tiene que ser el núcleo de lo que hacemos y también es la colaboración de esas mismas personas. Más que nada, mi trabajo en el estudio es asegurarme de que la creatividad humana siga siendo siempre el centro de cada historia que contamos.

¿Son importantes las secuelas más allá de su éxito comercial?

Hay una idea errónea al respecto, y es que no creo que la gente se dé cuenta de que contar una secuela es algo que realmente nos encanta como narradores y cineastas, porque hemos pasado años creando un mundo y personajes que parecen seres vivos reales. Nos hace muy felices pasar tiempo con ellos, es como volver a casa para nosotros. Es muy importante asegurarse de eso. Y, por supuesto, si hay historias que la gente quiere volver a visitar y que nos apasionan, es genial que volvamos a ellas. También es muy importante seguir contando historias nuevas, originales. Empecé mi carrera en Disney Animation con tres películas originales seguidas. Creo profundamente en las originales. La gente quiere cosas nuevas, así que solo tiene que ser geniales, y nuestro trabajo es crear historias que lo sean.

Esta secuela se estrena casi una década después de su primera parte. ¿Cuánto se ha de esperar?

Es bastante subjetivo y cada uno tiene una opinión diferente sobre cómo hacerlo. Para nosotros, no importa tanto cuánto tiempo ha pasado sino qué es lo que nos apasiona de la historia. Nuestras películas tardan cinco años en hacerse, así que sería muy difícil hacer una secuela en menos de cinco años, porque es muy útil ganar perspectiva. Pero no hay reglas estrictas al respecto y no hay nada que yo quiera definir como 'esta es la cadencia y siempre tiene que ser así'. Todo se reduce a la pasión y al público. A querer volver a algo.

Supongo que la nostalgia es un factor que influye para que la gente quiera ir al cine a ver esta película, que está batiendo récords.

Diría que sí. Hay algo interesante en la sociedad ahora mismo, y es que a generaciones jóvenes como a los milenial o los alfa les gusta la nostalgia. Realmente les llega y les atrae regresar a una época diferente. Sin duda es parte de ello, pero creo que hay muchos otros factores. Son mil ingredientes distintos que provienen de cientos de personas diferentes, por lo que no hay una fórmula única. Se reduce a querer sorprender al público, llevarlo de viaje y ponerlo en la pantalla. Eso es excelente. También a que Zootrópolis es un mundo muy orientado al entretenimiento. Es divertido, es alegre, y ahora mismo la gente busca alegría y esta película la tiene. La gente sabe que, si se adentra en este mundo, va a pasar un buen rato.

¿Qué le gustaría que pensara la gente cuando salga del cine?

Mi principal esperanza es que vayan al cine con mucha gente y lo pasen genial. Que haya gente que vea esta historia y se sienta identificada con ella, que los viajes de los personajes sean algo en lo que puedan verse reflejados y decir: 'Oh, eso me recuerda a mí, a mi amigo o a mi familia'. Sería genial para todos que la gente saliera y dijera: '¿Sabes qué? Quizás debería mirarme un poco más a mí mismo y tener esta conversación con alguien o preocuparme menos por las diferencias que me ponían nervioso'.

La cineasta Ana Puentes ha ganado uno de los dos Premios Mujeres en el Cine ‘Alice Guy’ de este año gracias al guion de Flores para una madre ausente, una historia que la conecta con su Albacete natal.

Estos premios están promovidos por la Consejería de Igualdad y el Instituto de la Mujer de Castilla-La Mancha y dotados con 17.000 euros cada uno. Fueron creados en 2022 para reconocer guiones escritos por mujeres y buscan no solo reconocer el talento de las mujeres en la industria cinematográfica, sino también visibilizar sus historias y ofrecerles las oportunidades y recursos necesarios para que puedan plasmar su visión en pantalla. Su denominación rinde homenaje a la primera mujer cineasta, Alice Guy.

Ana Puentes comparte raíces albaceteñas con Roma, la protagonista de su historia. En ambos casos, se criaron en la ciudad castellanomanchega, pero las circunstancias de la vida las alejaron de ahí.

El proyecto de momento es solo un guion, aunque la cineasta ha confirmado a elDiario.es Castilla-La Mancha que el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales le había concedido a ella y a su equipo (los productores Sergi Moreno y Adriana Verauna y el analista de guion Diego Cañizal) una subvención clave para poder convertirlo en película.

En los días previos a que se confirmase la buena noticia, Puentes concedió una entrevista a este medio para hablar del Premio 'Alicia Guy' y de Flores para una madre ausente, en una charla en la que reflexiona sobre el papel de las madres como figuras a veces demasiado imprescindibles en los hogares.

La historia no se desarrolla en Albacete por casualidad. Puentes es albaceteña y estuvo en esa ciudad hasta los 20 años. Por eso, para ella sería una gran ilusión poder filmar allí la película, “Nuestro plan siempre ha sido grabar en Albacete”.

Uno de los hechos que más aprecia la guionista en su historia es la libertad que ha vivido la protagonista en Helsinki (“tiene una fisicidad muy específica: va tatuada arriba abajo, lleva los pechos aplastados…”), que, dice, “choca más en una ciudad como Albacete”.

¿Qué historia has querido contar con Flores para una Madre Ausente?

El tema yo creo que es el amor en la familia. El amor y el desamor, todo junto. Es una apuesta por contar una historia de una familia pequeñita, donde hay mucha separación, mucho conflicto, pero que, llegado el momento, se acercan unos a otros. Acabamos con un final un poco luminoso.

¿Querías romper con la imagen de la familia ideal? Que la familia también puede separarse, pero a pesar de esa separación, por circunstancias de la vida, todo puede volver otra vez a acercarse.

Sí, en este caso empieza la película con una separación total de una hija y un padre que llevan ocho años sin verse. Y ella se ve obligada a volver porque la madre desaparece. Por eso el título es Flores para una madre ausente.

La madre desaparece y Roma, que es la protagonista, tiene que volver desde Helsinki a Albacete para cuidar de su padre. Y en ese reencuentro, a pesar de que sigue habiendo muchas fricciones y sigue siendo una relación tremendamente complicada y compleja, van encontrando pequeños asideros de amor o de cercanía para poder reconciliarse un poquito y acabar con un final los tres juntos más unidos. No quiero decir perdón y reconciliación porque me dan mucho miedo estas palabras.

En este caso la madre tiene que desaparecer para que la hija y el padre se vuelvan a juntar. Es una estrategia de ella para que ellos dos vuelvan a estar juntos y consigan tener el espacio y el tiempo para volver a reencontrarse.

También contribuye bastante la situación sobrevenida del cáncer que desarrolla el padre, ¿no? Roma se ve abocada a hacer de cuidadora. Una vez más, ese papel de la mujer como cuidadora.

Sí, es determinante porque en realidad yo creo que nunca hubiera sucedido ninguna de las cosas que suceden en la película si él no estuviera enfermo.

Roma no es cuidadora, no le gusta, tiene una manera de cuidar un tanto extraña, fría y bueno, es un papel que no quiere coger. Lo coge por obligación, pero tampoco se convierte en cuidadora, simplemente sabe que tiene que hacerlo, lo hace. Pero sí, el cáncer es totalmente determinante en la historia de los tres.

Digamos que todos tienen que cambiar por una circunstancia extrema, un momento tan complejo que es que al padre le queda muy poquito tiempo de vida.

Las madres ocupamos mucho espacio en casa y parecemos imprescindibles

¿Hay algo de experiencia personal dentro de esta historia?

Es verdad que es muy difícil escribir de cosas que no conoces. Hay gente que lo hace, pero no es mi caso. Aquí se juntan dos cosas: la experiencia de haber tenido una relación complicada con mi padre, supongo que, como muchos, por un tema generacional. Y luego este dispositivo de ficción de que un personaje, una madre, desaparezca para que sucedan cosas.

Esto me persigue desde hace mucho tiempo, la idea de que las madres ocupan un espacio en casa muy grande, muy amplio y a veces las relaciones no se pueden producir de manera independiente si la madre está. Entonces me gustaba la idea de poner a relacionarse a estos dos personajes sin estar ella, porque cuando ella vuelve, todo cambia otra vez.

Es interesante esa idea de que normalmente las madres son los motores de las casas y que todo funciona dentro de un hogar gracias a ellas.

Sí, sobre todo en el caso de María, como Roma y Rodolfo, hija y padre, siempre han tenido una mala relación desde la adolescencia, digamos. Claro, ella siempre ha estado lidiando entre estos dos personajes, siempre hacen, las madres hacen mucho de bisagra en las relaciones.

Entonces mi idea era poner a hablar y relacionarse a estos dos personajes que siempre habían tenido a María en medio. Me gustaba que Roma volviera a redescubrir a su padre y que él redescubriera a su hija desde otro lugar, ya desde la adultez y no tanto con esta figura maternal que intenta todo frenarlo y que no haya conflictos en medio.

¿Te ha pasado a ti? ¿Has regresado a Albacete y has tenido también ese choque de venir de una gran capital como Madrid?

Sí, he tenido las dos sensaciones. La primera como un poco de rechazo. Cuando era más joven, como yo me dedico al cine y sueño con ser cineasta desde que tengo 15 años, es verdad que allí no me podía desarrollar como cineasta, entonces tenía como un rechazo: aquí no puedo, aquí no hay cine suficiente, aquí no hay industria y tal.

Por otro lado, el hecho de volver y que todo el mundo, mucha gente aún te conozca, sentirte un poco arropada, no sentirte sola, que las calles signifiquen algo para ti… Es hogar, cosa que en Madrid es muy difícil porque es una ciudad cosmopolita. Maravillosa cuando eres muy joven y te quieres perder, pero cuando quieres familia, que es ya un poco más mayor como yo, pues echo mucho de menos esta cercanía.

La culpa es algo que atraviesa a las mujeres. (...) Te atraviesa cada día que faltas, cada día que no estás, cada rato que no recoges a tu hijo del colegio, cada fiebre que te pierdes... Y eso hace que los primeros años de crianza sean casi incompatibles con una profesión como es el cine

¿Qué supone para ti este reconocimiento? No solo en materia económica, sino a nivel de reconocimiento y de puesta en valor de historias protagonizadas por mujeres.

Pues tiene varias vertientes. Por un lado, el dinero es algo que va unido también a la ilusión de seguir creando. El hecho de que haya un premio económico está totalmente relacionado con poder dedicarse a esto siendo mujer, en mi caso también siendo madre, que tengo un niño de seis años. Aunque estamos en un momento distinto a la anterior generación, es prácticamente imposible dedicarse a escribir y dirigir siendo mujer, primero por los referentes y segundo por la propia idiosincrasia de la sociedad, de las parejas, de las familias y de los cuidados. Como decíamos antes, las madres ocupamos mucho espacio en casa y parecemos imprescindibles, y escribir requiere todo lo contrario, requiere una habitación propia, como decía Virginia Woolf, un lugar, un espacio mental, que con la crianza en este momento es prácticamente imposible.

El reconocimiento y el dinero da hueco para seguir pensando para seguir creando y es un empuje para continuar haciendo lo que más me gusta hacer en la vida: escribir y dirigir.

Entonces, ¿tú sigues notando aún en tu generación esa diferencia de facilidad que tienes si eres hombre o si eres mujer para poder dedicarte a este oficio?

Totalmente, lo veo cada día en la manera de estar en la vida, en la manera de estar en la escritura, es en la manera de estar en las familias. Nosotras, en general, seguimos teniendo el rol antiguo metido en el cuerpo. Aunque tú intentas intelectualmente gestionar tu vida de otra manera, la culpa es algo que atraviesa a las mujeres, me he dado cuenta de que no atraviesa a los hombres. Te atraviesa cada día que faltas, cada día que no estás, cada rato que no recoges a tu hijo del colegio, cada fiebre que te pierdes... Y eso hace que los primeros años de crianza sean casi incompatibles con una profesión como es el cine. Tienes que renunciar, o renuncias a ver crecer a tu criatura o renuncias a estar creando en esta primera etapa. No digo que luego no sea más sencillo, pero en esta primera etapa la diferencia es brutal.

¿Qué tal llevas tú en ese sentido el equilibrio entre lo personal y el dedicarte a la escritura?

Pues yo creo que con un coste emocional y de salud mental grande, creo que es muy complicado, es muy difícil. Yo lo llevo regular, lo llevo con mucha ilusión porque no sé hacer otra cosa, mi hijo ya es consciente de que él y mi familia, y la escritura y el cine, son mis dos pasiones y ocupan tanto, tanto espacio emocional y mental, que compaginar las dos a la vez es prácticamente un ejercicio de malabaristas.

Me levanto muy temprano y así es como lo consigo, quitándole horas al día de sueño y pidiendo ayuda también, intentando aprender a pedir ayuda para poder hacer las cosas. Pero sí, reconozco que es muy difícil y que a mí me cuesta bastante.

Paul Laverty es uno de los guionistas que mejor han retratado los problemas de Europa y, concretamente, de Reino Unido. Lo ha hecho en los libretos que ha escrito junto a Ken Loach como Mi nombre es Joe o Yo, Daniel Blake. También ha mirado a España, tierra que conoce por su pareja, la cineasta Icíar Bollaín, y para la que ha escrito filmes como El Olivo. La dupla Laverty-Loach no es solo cinematográfica. Su mirada que cuestiona el poder, el racismo y la desigualdad siempre ha traspasado la pantalla hasta las calles. Siempre se posicionan, hablan alto y claro y no temen las consecuencias.

La posición de ambos ante las barbaridades cometidas por Israel en Palestina ha sido clara desde el primer momento. Han condenado el genocidio y han pedido a los gobiernos occidentales que actúen para evitar que siga muriendo gente delante de nuestras narices. Cada festival al que acuden, cada manifestación a la que van, es el momento para coger el micrófono y repetirlo.

En una de las últimas manifestaciones, en Edimburgo, el guionista escocés fue detenido durante varias horas por llevar una camiseta condenando el genocidio. La policía le ha acusado de un delito de terrorismo porque considera que el lema de la camiseta “Genocide in Palestine, time to take Action” era un apoyo a la asociación Palestine Action que el gobierno británico califica como terrorista y que escritoras como Sally Rooney han defendido abiertamente. Pocos días después de la detención, Paul Laverty atiende a elDiario.es y explica lo ocurrido. Lo hace subrayando el apoyo de la gente en España, un país con el que siente un vínculo especial.

¿Cómo se encuentra tras todo lo ocurrido?

Estoy bien. Es todo un poco surrealista. En un momento llevas una camiseta que dice ‘Genocidio en Palestina. Es hora de actuar’, y al siguiente te encuentras acusado de un delito de terrorismo, que es algo muy grave y tiene posibles consecuencias muy serias. El genocidio en Palestina ha sido demostrado por Amnistía Internacional, por tres organismos de la ONU, por Médicos Sin Fronteras, el informe de Derechos Humanos, Forensic Architecture y muchas otras organizaciones. Y es la hora de actuar. Es una obligación bajo la Convención sobre el Genocidio que entró en vigor en 1951 y que cientos de países firmaron, incluyendo Gran Bretaña. El artículo 1 dice que existe la obligación de prevenir y castigar el genocidio. Y el artículo 3, que es muy interesante, dice que existe la obligación de no estar en connivencia con el genocidio, directa o indirectamente, por no tomar medidas. Así que, cada palabra de lo que decía esa camiseta es totalmente justificable.

¿Ellos qué dicen?

Su argumento es que estoy mostrando mi apoyo a una organización llamada Palestine Action, que ha sido proscrita y considerada una organización terrorista. No entraré en detalles porque habrá juicio, pero es muy preocupante. Amnistía Internacional y muchos otros juristas han dicho que este es un precedente muy peligroso para la democracia y el derecho a la protesta. Durante generaciones la gente ha desafiado la ley y la ha quebrantado, y han tenido que afrontar las consecuencias. Pero equiparar la protesta con el terrorismo cuando no hay intención de causar daño, matar, herir o secuestrar, extiende el concepto de terrorismo de una manera muy peligrosa. Así que creo que lo que ha ocurrido plantea preguntas muy importantes sobre el derecho a la protesta y también sobre cómo nuestra democracia se está vulnerando poco a poco.

¿Cómo vivió ese momento?, ¿qué le dijeron antes de arrestarle?

Fue como una comedia negra, para ser honesto. Dijeron: “Ven a hablar con nosotros”. Y yo pregunté: “¿Me están arrestando, por qué?”. Y me dijeron: “Ven a hablar con nosotros”. No hablaron conmigo. No me dijeron de qué me acusaban. No dijeron que me estaban arrestando. Y seguí preguntándoles: “¿Me están arrestando por llevar esta camiseta?”. Y no me respondieron. Me sacaron a rastras y me metieron en la parte trasera de una camioneta policial. Luego me esposaron, como muestra el video. Me llevaron a la comisaría, y allí me acusaron de obstrucción al arresto, algo que cuestiono. Me acusaron de violar el artículo 12 de la Ley de Terrorismo del año 2000, que conlleva una posible pena de prisión de seis meses y una multa. Me acusan de terrorismo. Lo cuestioné y revisé la camiseta, las palabras de la camiseta, y les dije lo mismo que te he dicho antes sobre las palabras que pone. Fue un día un poco surrealista. Me registraron a fondo, me hicieron una muestra de ADN… Es un cargo muy, muy, muy serio. Y si te condenan por terrorismo, tiene consecuencias en tus viajes y en otros aspectos de tu vida.

¿Ha recibido alguna llamada o algún apoyo de políticos de su país?

Yo no esperaba que esto se viralizara tanto, y mucha gente se ha puesto en contacto conmigo ofreciéndome su apoyo, lo cual ha sido abrumador, la verdad. Es casi imposible responder a todos, pero las muestras de apoyo han sido muy conmovedoras, muy gratificantes. Estoy profundamente agradecido a todos, y en particular el apoyo de España. Ha sido… Me ha conmovido mucho y me ha honrado mucho, porque mucha gente se ha puesto en contacto conmigo, viejos amigos y contactos, pero también escritores, directores, productores, e incluso el Festival de Cine de San Sebastián me ha enviado un mensaje encantador.

Mi detención es un precedente muy peligroso para la democracia y el derecho de protesta

Paul Laverty — Guionista

Así que, a través de ti, me gustaría dirigirme a la gente común y decirles que muchas gracias. Creo que esto demuestra que, en la calle, la gente está tan consternada como yo por la barbarie y el genocidio que está ocurriendo ante nuestros ojos. La gente siente una verdadera frustración. Tengo entendido, por parte de muy buenos periodistas españoles, que vuestro gobierno ha emitido importantes declaraciones contra Israel, pero también que todavía se envían armas desde España, y eso es realmente vergonzoso. Absolutamente vergonzoso. Deben asegurarse de que sus acciones estén en consonancia con sus condenas, porque si permiten la exportación de armas, eso es connivencia con el genocidio y también una gran hipocresía. Así que tienen que parar eso.

¿Hay un componente racial en lo que está ocurriendo? Uno piensa en la reacción de los gobiernos occidentales tras la invasión de Rusia a Ucrania y es completamente diferente.

Sí. La hipocresía total y absoluta es evidente. Obviamente, las vidas palestinas se consideran insignificantes y eso es de un racismo profundo. Es algo que también se ve en el lenguaje de los líderes israelíes cuando les llaman animales. Ese es siempre el primer paso hacia el genocidio. Lo que es muy interesante es que hay estudiosos israelíes del Holocausto que están diciendo abiertamente que esto es un genocidio. La siguiente etapa del genocidio es negarlo. Así que tenemos una obligación urgente de actuar ahora con todas las fuerzas posibles.

¿Cree que el genocidio en Gaza está mostrando la peor versión de muchos gobiernos occidentales?

Absolutamente. No creo haber visto nada igual en mi vida. Me alegra mucho que hayas hecho esa pregunta. Mira, el ministro de finanzas del gobierno de Netanyahu desde 2019 a 2022, Smotrich, que ha estado en el corazón del gabinete, tomando las decisiones más importantes, dijo y cito textualmente: “Estamos dejando Gaza como un montón de escombros. Es una destrucción total”. Esto no tiene precedentes. Es absolutamente escalofriante, porque no solo están cometiendo un genocidio ante nuestros ojos, sino que se están burlando del mundo con su impunidad.

Esto es así. Y nadie les detiene. Cuentan con el total respaldo de EEUU, les están dando 22.000 millones, y los países europeos siguen sin ejercer suficiente presión sobre Netanyahu y su gobierno. Los gobiernos occidentales, claramente EEUU, pero en particular nuestro gobierno en el Reino Unido, están en connivencia con el genocidio. Por eso creo que esas palabras de Smotrich resuenan en mis oídos estos días de terrorífica barbarie, cada mañana cuando escucho el número de personas asesinadas en las últimas 24 horas. Es imperdonable, pero creo que la conciencia está en las calles, lo que me lleva de nuevo a la importancia de proteger nuestro espacio para protestar.

Ha mencionado el apoyo del Festival de San Sebastián, ahora mismo se está celebrando la Mostra de Venecia y se ha firmado una carta, entre los firmantes está Ken Loach, pidiendo que el certamen condene el genocidio, ¿por qué es importante este tipo de gestos de artistas o festivales?

Es muy importante, pero no tiene sentido condenarlo a menos que influyamos en el poder y ahí es donde se tiene que hacer un esfuerzo. Está empezando a suceder. El problema es que está tardando mucho en pasar por el sistema judicial. Lo que ha pasado con la Corte Penal Internacional es que EEUU ha intentado socavarla y el Mosad ha amenazado a su personal. Se están comportando como la mafia. No hay otras palabras.

La Corte Internacional de Justicia se ha posicionado sobre no ocupar Cisjordania y garantizar la seguridad de los ciudadanos y los alimentos y se ha ignorado. Las decisiones y las fechas se han pospuesto. Así que tenemos que confiar en que los ejecutivos de cada país actúen de inmediato para implementar un cambio hacia Israel. Es muy difícil hacerlo cuando EEUU está siendo tan despreciable, pero Europa podría liderar el camino. El gobierno británico, el español, podrían convocar esta misma noche una reunión de emergencia y decidir que no exportan más armas a Israel. Podrían decidirlo de inmediato y puede que eso no detenga la guerra de inmediato, pero sí tendría un gran impacto y enviaría un mensaje importante a Netanyahu. Si los países europeos empezaran a hacerlo ahora, estarían en sus manos. Deberían avergonzarse por no hacerlo de inmediato.

EEUU e Israel se están comportando como la mafia con la Corte Penal Internacional

Paul Laverty — Guionista

Como artista, ¿ha pensado en lo que puede hacer?, ¿en escribir algún guion?

Estoy convencido de que con el tiempo veremos una reacción artística a esto, de diversas maneras, ya sea desde la música, el arte, el teatro o el cine, porque lo que hemos visto es tan escalofriante y tan salvaje que mucha gente hará todo lo posible por desentrañarlo y encontrar una manera de comprenderlo. Pero lo importante ahora es detenerlo, porque matan a más de 100 personas al día. Es una brutalidad. Nunca he visto algo así en mi vida. Es como una película de terror ante nuestros ojos todos los días.

¿Ve posible un alto al fuego o, a día de hoy, le parece imposible?

Teóricamente es posible, pero Israel lo ha dejado muy claro. El exministro Smotrich lo ha dejado muy claro, pretenden cometer un genocidio, por lo tanto, claramente están intentando matar a los palestinos o hacerles la vida tan miserable para que se vean obligados a desplazarse. Eso es un genocidio y una limpieza étnica. Y ahora cuentan con el apoyo de EEUU, pero también con el silencio y la complicidad de los gobiernos occidentales, algunos particularmente, como el de Alemania. Es absolutamente despreciable lo que han hecho en Alemania y la forma en la que están reprimiendo a los manifestantes. No sé si has visto las imágenes recientes de una joven irlandesa a la que la policía de Berlín le da un puñetazo en la nariz y luego le rompen el brazo. Este es el nivel de brutalidad que tenemos. Así que, de una manera extraña, Gaza está conectada con todos nosotros, porque lo que estamos viviendo es una represión de la disidencia en Occidente. Tenemos que darnos cuenta de la complejidad de la lucha política, tanto allí como aquí.