La adaptación de la novela de Andy Weir, ‘Proyecto Hail Mary’ que se ha titulado en España “Proyecto Salvación”, ha llegado a los cines y se ha convertido en uno de los estrenos del momento. Ha acumulado ya una recaudación cercana a los 2 millones de euros en sus primeros días, según aportan datos de Comscore publicados por el Ministerio de Cultura.

Ryan Gosling protagoniza la película en el papel de Ryland Grace junto a otros actores como Sandra Hüller (“Anatomía de una caída”, “La zona de interés”), que es el regreso de Phil Lord y Christopher Miller como directores tras más de una década desde su última película, aunque sí que habían participado como escritores y productores en varios proyectos como ‘Spider-Man: Cruzando el multiverso’, ‘Oso vicioso’ o ‘Los Mitchell contra las máquinas’.

Para los que se han quedado con ganas de temática y tono similar tras ver la película o quieren ir preparados para saber si es para ellos esta historia, aquí van cinco títulos relacionados para un maratón temático.

“Marte” (‘The Martian’) (2015)

Seguramente el título que más venga a la mente al hablar de una película relacionada sea “Marte” (‘The Martian’), siendo ambos largometrajes basados en novelas de Andy Weir, que toma la ciencia realista como motor de su fantasía, y en ambos un protagonista toma la fuerza narrativa, pasando mucho tiempo en solitario y con fuerte sentido del humor y carisma.

En Marte, más realista y conectada con la actualidad, un astronauta llamado Mark Watney que es dado por muerto después de una tormenta y es abandonado por su tripulación en Marte, donde despierta solo y tiene que sobrevivir, lo que intentará con sus conocimientos de botánica, ingeniería y química, y que nos lleva a pensar en una especie de ‘Robinson Crusoe’ espacial.

“Interstellar” (2014)

La misión de salvación que lleva a Ryland Grace a una nave para salvar al Sol, que está muriendo, nos recuerda a la misma desesperación que había en ‘Interstellar’, donde llevan hacia una misión descabellada como última esperanza. La película de Nolan es más seria, juega con otro tono, y tira más hacia los dilemas existenciales y la épica emocional.

“La llegada” (2016)

El contacto con alienígenas conecta a ‘Proyecto Salvación’ con ‘La llegada’ (‘Arrival’), aunque en esta el foco no es tanto la ciencia como el lenguaje y la lingüística, como nos puede llevar a cambiar nuestra forma de pensar al tener que comunicarnos con otra especie, algo que en parte también vemos en la película con Ryan Gosling. Sin embargo, el tono del largometraje de Denis Villeneuve es más reflexivo, emocional y filosófico.

“Dos Buenos Tipos” (2016)

Fuera de la temática espacial, esta comedia de acción con humor negro fue la primera como protagonista principal de Ryan Gosling en un tono cómico que ha ido desarrollando con fuerte carisma y le ha convertido en uno de los actores de la última década, con otros trabajos como ‘Barbie’ o ‘El especialista’, y ahora también en ‘Proyecto Salvación’.

En ‘Dos buenos tipos’ (‘The Nice Guys’) dos hombres muy distintos se ven obligados a trabajar juntos para investigar la misteriosa desaparición de una actriz y lo que los llevará a descubrir una conspiración peligrosa en la ciudad de Los Ángeles. En ella, Gosling forma dupla con Russell Crowe en una buena mezcla de acción, comedia y misterio, con gran sarcasmo y tensión, que funciona gracias a la química de ambos.

“La Lego Película” (2014)

El tono de comedia y de adaptación ya se apreció en Phil Lord y Christopher Miller en su trabajo en una de sus películas más conocidas como es ‘La Lego Película’, que se puede revisitar para conocer el trabajo de esta dupla creativa que ha vuelto a la dirección de ‘Project Hail Mary’, y que también destacó en ‘Infiltrados en clase’ y su secuela ‘Infiltrados en la universidad’.

El actor Steve Carell vuelve a la comedia televisiva con una nueva serie, ‘Rooster’, que se estrena en HBO Max con 10 episodios de media hora cada uno. Esto ha hecho que el intérprete se haya embarcado en una gira promocional, en la que ha repasado también otros puntos de su carrera, como el de una de sus películas más recordadas, que se estrenó hace 15 años.

Hablamos de ‘Crazy, Stupid, Love’, en la que coincidió con nombres que siguen de actualidad en Hollywood como es el caso de Ryan Gosling y Emma Stone, y que se ha convertido en una de las películas de comedia romántica más queridas de la década de 2010, sobre la que uno de sus protagonistas ha desvelado una curiosidad poco conocida.

A Steve Carell no le gustó el título de ‘Crazy, Stupid, Love’

Han pasado quince años desde su estreno en 2011, pero ‘Crazy, Stupid, Love’ sigue estando entre una de las comedias románticas más populares, algo que no es de extrañar con un reparto como el que tuvo con Ryan Gosling, Emma Stone, Juliane Moore y Steve Carell, que también es conocido por éxitos como ‘The Office’, ‘Virgen a los 40’ o ‘Sigo Como Dios’.

Con motivo de su último estreno, la serie ‘Rooster’, Carell habló con medios como Entertainment Tonight, donde desveló una anécdota desconocida por los 15 años de la película y que ha llamado la atención como es el hecho de que no le gustó el título de la mencionada comedia romántica: “Nunca me gustó ese título, pero ahora sí. Cuando Dan Fogelman lo escribió, no le puso título. No le puso ningún nombre, era ‘Proyecto Dan Fogelman sin título’ cuando entré en ella”, reconoció.

De hecho, Carell también contó la peculiar manera con la que se dio finalmente con título definitivo: “Todos tenían una idea de cómo debería llamarse la película, pero nadie se le ocurrió una sola. Así que finalmente Warner Bros. dijo: ‘La llamaremos 'Loco, estúpido, amor’”. Igualmente, el actor declaró que “si una película es buena, a la gente le gustará el título. Da igual como se llame”.

Un éxito de crítica y taquilla hace 15 años

Estrenada en 2011, esta comedia romántica fue escrita por Dan Fogelman y dirigida por Glenn Ficarra y John Requa, y fue tanto un éxito comercial como de crítica con una recaudación de más de 145 millones de dólares en todo el mundo, que superaron el presupuesto inicial de 50 millones.

Además, en premios obtuvo nominaciones a Mejor Comedia en los Premios de Críticos de Cine y Ryan Gosling obtuvo nominación en los Globos de Oro. De hecho, para el actor canadiense fue uno de sus primeros papeles conocidos en la comedia, que luego explotaría en “Dos buenos tipos”, “Barbie” y “El especialista”.

En la película interpreta a Jacob Palmer, un soltero que ayuda a Cal Weaver (Steve Carell) a cambiar su imagen y su vida después de divorciarse de su novia de toda la vida. Más tarde, se entrelazan diferentes personajes, lo que lleva a una combinación de humor y romanticismo que fue clave de su éxito.

El 25 de junio de 2004 se estrenaba en los cines una de las películas románticas que marcó a una generación, El diario de Noa (The Notebook) en uno de los primeros papeles conocidos de Ryan Gosling, que compartía protagonismo con Rachel McAdams, con quien a pesar de que acabó siendo pareja, tuvo una relación de lo más complicada durante el rodaje.

La película, dirigida por Nick Cassavetes y basada en la novela de Nicholas Sparks, se centra en la relación entre Noa y Allie, dos jóvenes de clases distintas que se enamoran y que acaban juntos tras haber pasado por una separación y distancia, y a los que encontramos en su vejez, mientras él le recuerda su historia mientras ella tiene demencia.

El papel de Allie anciana fue interpretado por la actriz Gena Rowlands, madre del director, en una película que se basa en una historia real que escribió Nicholas Sparks, que se inspiró en la relación de los abuelos de su esposa Cathy y que eran muy cercanos a ella.

El complicado rodaje de ‘El diario de Noa’ por la mala relación Ryan Gosling y Rachel McAdams

El diario de Noa fue una película que ha quedado en la retina de muchas personas, pero tuvo un rodaje que comenzó siendo un infierno para su pareja protagonista y que reveló el propio director en una entrevista en 2014 en VH1, en la que llegó a decir que Ryan Gosling le había pedido sustituir a Rachel McAdams por otra actriz: “¿No podrías sacarla de aquí y traer a otra actriz para ensayar?”, cuenta que le llegó a sugerir.

Ryan Gosling y Rachel McAdams no se podían ni ver, y todo ello a pesar de la química que se veía en pantalla, y Nick Cassavetes optó por encerrarlos a ambos en una habitación para que soltaran todo lo que se tenían que decir. Un hecho que pareció funcionar y solucionar los problemas y que acabaría en una relación sentimental de cuatro años entre ellos.

Y todo ello sin haber sido esta pareja la primera opción, pues un proyecto anterior planteó juntar a Britney Spears y Justin Timberlake en una adaptación con más protagonismo musical, y con otros nombres de actrices que se valoraron para el papel de Allie como fueron Jessica Biel, Ashley Judd o Resse Whiterspoon.

La gran implicación de Ryan Gosling para su papel en ‘El diario de Noa’

El que fue uno de los primeros papeles protagonistas de Ryan Gosling lo obtuvo con una declaración del propio director de cine de la película que llama la atención viendo el propio desarrollo de la carrera del actor. Cuando obtuvo el rol de Noa, Nick Cassavetes tuvo un encuentro cara a cara y le dijo: “Quiero que sepas que tienes el papel porque no eres como los demás jóvenes que hay en Hollywood. No eres guapo, ni atractivo, sólo eres un tipo normal que está un poco chiflado”.

Gosling se lo tomó en serio y llegó a una gran implicación en su papel que no solo le llevó a vivir dos meses en el estado de Carolina del Sur, sino también a construir él mismo una de las mesas de cocina que aparecen en la película.

Teniendo además como referencia al actor James Garner, que encarnaba a Noa en edad anciana, Ryan Gosling decidió llevar lentillas de color marrón para tapar sus ojos azules y ser más fiel a su versión más mayor.

Al oficio de especialista le pasa lo que al western: es tan antiguo que ya existía antes del mismo nacimiento del cine. La conquista del Oeste y las acrobacias peligrosas habían confluido previamente al registro de imágenes en movimiento, dentro de esos espectáculos teatrales que hacia 1883 recreaban las hazañas de Buffalo Bill… con el mismo Buffalo Bill como protagonista. Las funciones precisaban de atletas que se responsabilizaran de las escenas de riesgo, como ocurrió más tarde con el nacimiento del cine aunque algunos de estos atletas pudieran terminar haciéndose famosos, como fue el caso de Buster Keaton, o Charles Chaplin.

Los especialistas siempre han existido, son consustanciales a cualquier forma de espectáculo en vivo. Fue en los vodeviles del Oeste, por otra parte, cuando se acuñó la palabra stunt para acotar el matiz de “riesgo” en sus interpretaciones, y han estado jugándose la vida durante la totalidad de la historia del cine. Tal era su dedicación, a la par que su utilidad, que han sido habituales las quejas por el hecho de que los Oscar de Hollywood no tengan una categoría destinada a premiar los mejores trabajo. Al menos hasta que en cierto momento, estos empezaron a tener menos espacio para lucirse: la afloración del CGI hizo mella en la profesión durante un tiempo prolongado, aunque hace más o menos una década esto se corrigió.

Fue gracias a que en 2014 dos antiguos especialistas, Chad Stahelski y David Leitch, dirigieran John Wick. Un espectáculo que devolvía la atención a lo artesanal, permitiendo que cada doble de riesgo se luciera perceptiblemente. Como gracias a John Wick tanto Stahelski como Leitch han medrado en Hollywood, la reivindicación de su oficio se ha expandido a otros proyectos, siendo El especialista el ejemplo definitivo. La dirige el citado Leitch, basándose libremente en una serie homónima de los años 80 con Lee Majors pero solo como excusa para celebrar esta profesión. Y, ya de paso, el cine de Hollywood en su forma más pura. Con sus estrellas guapísimas, sus enamoramientos, su diversión a raudales.

Hacia un nuevo cine de acción (y colegas)

De cara a esta nueva edad de oro para los especialistas, a Stahelski y Leitch no solo les ha venido bien el categórico éxito de John Wick, sino también contar con una productora propia que canalice el movimiento. En 1997 fundaron 87Eleven (renombrada hace poco como 87North Productions), y en lo que respecta a Leitch pudo sacar partido preventivamente de su experiencia como doble en el falso documental Sledge: The Untold Story, comedia centrada en una estrella de acción que él mismo guionizó. John Wick fue, por otro lado, el debut de Stahelski y Leitch a la dirección, dándose la simpática tesitura de que Stahelski había sido doble de riesgo de Keanu Reeves en anteriores películas.

Como sabemos, John Wick ha tenido tres secuelas desde entonces, pero Leitch no ha seguido dirigiéndolas. Dejando al mando a Stahelski ha preferido aventurarse en otros proyectos, habiendo incurrido con éxito en franquicias como Deadpool y Fast & Furious, y reclamando poco a poco una cierta distinción como director. Al fin y al cabo fue él quien nos mostró a Charlize Theron en modo John Wick con Atómica, y quien dirigió a Brad Pitt —tras haber sido su doble durante un tiempo, como la entente Stahelski-Reeves— en Bullet Train.

Bullet Train puede ser la película definitoria (junto a Sledge) para entender la afinidad de Leitch por El especialista. Bullet Train, espectáculo veraniego de diálogos sobrecargados y pretendidamente ingeniosos, combinaba el estilo artesanal de los combates con un inagotable desfile de estrellas: de Sandra Bullock a Bad Bunny. Confirmaba a Leitch, en fin, como un afable currante de la industria que tras pasarse décadas recibiendo golpes había reunido una procelosa red de contactos y colegas que ampararan sus producciones con 87North —sello que ha ido lanzado otros films de acción al margen de John Wick, como las estupendas Nadie o Kate—, y en cierto punto algún proyecto más personal como pudiera ser El especialista. 

Leitch no es el guionista de El especialista —ese es Drew Pierce, que ya escribiera para él Fast & Furious: Hobbs & Shaw— y al fin y al cabo se trata de la adaptación de una serie, pero sin duda es la película que más directamente emana de su experiencia previa a ser director. Ryan Gosling afirma haberse inspirado en el perfil de Leitch, sin ir más lejos, a la hora de interpretar a Colt Seavers. Emily Blunt, por su parte, ha revelado a los medios que su gran referente para encarnar a Jody Moreno —la directora de la película en la que trabaja Colt, y la mujer de la que él está enamorado— ha sido Greta Gerwig. No parece casual que lo haya hecho justo después del fenómeno Barbie, que consagró a Gerwig como la directora más taquillera de la historia y le dio una nominación al Oscar a Gosling por interpretar a Ken.

El especialista, en efecto, tiene un vínculo claro con Barbie. Gosling bien podría hallarse en el mejor momento de su relación del público, además, optando por seguir exprimiendo vis cómica tras el fenómeno Ken y jugar con su imagen mediática: la película de Leitch no es la primera donde Gosling interpreta a un especialista. Drive de Nicolas Winding Refn, otro de sus trabajos más celebrados, le encontraba hace unos 13 años como conductor de escenas de riesgo, codificando una expresión de masculinidad —contenida, meditabunda, agresiva— que contrasta totalmente con la de Ken y Colt Seavers. Colt es un perdedor bonachón que llora con Taylor Swift y afirma sin ambages su amor por Jody, con quien se reencuentra en una película que ella dirige tras la ruptura que precipitó Colt, por su torpeza emocional.

Sí, porque El especialista ante todo es una comedia romántica. Gosling y Blunt centran la trama del film de Leitch, y fuerzan que el mayor atractivo de este resida en sus enredos y acercamientos. La mezcla de géneros podría recordar a lo que la misma Blunt intentó junto a Dwayne Johnson en Jungle Cruise hace unos tres años, pero El especialista es un film notoriamente superior, que parece hacerse eco de una renovada efervescencia para el género. Al fin y al cabo, 2024 empezó con el exitazo de una comedia romántica de las de toda la vida, Cualquiera menos tú, con Sydney Sweeney y Glen Powell. Hollywood, de algún modo, está reencontrando su esencia entre un contundente star system, un clasicismo bien entendido y la celebración onanista de su glamour. El especialista rebosa de todos estos ingredientes.

Esto sí que es Hollywood

Hay que entender El especialista, en fin, como una celebración del aparato hollywoodiense desde varios frentes. Por un lado está esa confianza en los valores elementales: si los taquillazos de Barbie y Oppenheimer —por la que Blunt fue nominada al Oscar al mismo tiempo que Gosling— han inspirado tanto optimismo es por cómo se apartan del cine franquiciado y sometido a la dictadura del blockbuster clónico, devolviendo el foco a las historias ambiciosas con grandes interpretaciones. Y por otro está el cine dentro del cine, que permiten que El especialista se prodigue en chistes contemporáneos —la película que ruedan Jody y Colt es una parodia evidente de Dune— al tiempo que homenajea a los distintos profesionales que hacen posible un rodaje. Ahí nos reencontramos con los stuntmen.

Logan Halliday es uno de los especialistas más prolíficos de los últimos tiempos y ha trabajado en El especialista. La película llega a identificarle y también podemos asomarnos a un breve making of tras las cámaras, pero por suerte Leitch nunca llega a caer en la trampa de lo meta. Hay un compromiso total en que El especialista funcione de forma exclusiva como ficción, o al menos como vehículo para el lucimiento de sus integrantes. Así que, ni que decir tiene, lo mejor de la película está concentrado en su pareja protagonista. Atravesada por las sonrisas deslumbrantes, los diálogos veloces y una curiosa placidez a la hora de enhebrar los giros —es un romance cuyos integrantes nunca parecen llegar a creer realmente que no vaya a prosperar—, Gosling y Blunt están absolutamente magnéticos, si bien tras el ímpetu sexual de la citada Cualquiera menos tú pueda echarse en falta un poco más de recreación física.

Si hablamos de físico, por otra parte, hay que remitirse al recital particular de Gosling. A estas alturas no es ninguna revelación que sea uno de los tipos más genuinamente graciosos del Hollywood actual, pero aún así El especialista sorprende lo suyo por cómo el actor —que empezó a demostrar hasta qué punto podía ser hilarante en Dos buenos tipos— logra enriquecer su faceta de payaso impasible. Antes hablábamos de Buster Keaton, y quizá no sea descabellado invocarlo a la hora de describir cómo Gosling es atropellado, sufre palizas y se cae desde sitios altos. Todo en aras no solo del trabajo de su amada, sino de un inquietante encargo que le han hecho: ha de investigar la desaparición del arrogante actor de quien ha acostumbrado a trabajar de doble, interpretado por Aaron Taylor-Johnson.

Con lo cual El especialista también es un film de misterio, donde Gosling ha de ir acumulando pistas con el ímpetu oculto de salvar este decisivo debut de Jody a la dirección. Un misterio desarrollado con abundantes escenas de acción, aunque en este sentido nos topemos con algún defecto que otro: Leitch es un director bastante discreto a la hora de planificar los guantazos —irónicamente, viniendo de donde viene—, y salvo cierta escena muy ocurrente donde Gosling ha de combatir drogado, El especialista no es tan espectacular ni tan artesanal como demandaría su premisa. La narración también es algo embrollada, aunque logre ser finalmente satisfactoria gracias a la milagrosa presencia de Gosling, su química con Blunt, y un sentido del humor algo más excéntrico de lo esperado.

El especialista puede tener un aire inexcusable de sofisticación, pero la comedia que dispensa es más bien absurda. Marcada por el rostro de Gosling —hierático, capaz de generar carcajadas con un solo gesto— la propuesta humorística de El especialista fluye entre el golpazo constante, el diálogo de cadencia fumeta y la sorpresa estúpida. Resulta, al final, que su inspiración más trascendente entre todas las citadas es la de Leslie Nielsen y Agárralo como puedas. Y que, por tanto, es la película que con mayor urgencia hay que ir a ver ahora mismo al cine.

Ryan Gosling no logró la estatuilla a Mejor actor de reparto por Barbie, pero protagonizó el mejor momento de la ceremonia de los premios Oscar 2024 gracias a su actuación de I'm just Ken. Vestido con un traje de chaqueta rosa, las gafas de sol que lució en el filme y acompañado de parte del reparto, brindó un número apoteósico. Con él terminó de demostrar que con su versión del muñeco de Mattel ha sabido sacar el máximo partido a su vis cómica. Las pantallas del Dolby Theatre de Los Ángeles mostraron la letra de la canción, convirtiendo el patio de butacas en un karaoke al que se sumó hasta Martin Scorsese.

El canadiense comenzó sentado entre el público y subió al escenario para continuar el número rodeado de bailarines –Kens como Ncuti Gatwa y Simu Liu incluidos—; y Slash y Mark Ronson a la guitarra. Junto a ellos rindió homenaje a la escena en la que Marilyn Monroe entonó Diamonds are a girl best friends de la película Los caballeros las prefieren rubias (Howard Hawks, 1953).

Gosling regresó después a la platea para ceder su micrófono a Greta Gerwig y Margot Robbie, directora y coprotagonista del largometraje. También a Emma Stone, haciendo un guiño a La La Land, el musical de Damien Chazelle que lideraron juntos en 2016.

La intérprete hizo referencia a la actuación al recoger el Oscar a Mejor actriz protagonista por su trabajo en Pobres criaturas, la cinta del cineasta griego Yorgos Lanthimos que culminó la noche con cuatro estatuillas. La estadounidense subió emocionada al recoger el galardón y, antes de empezar su discurso, expuso que se le había roto el vestido a la altura de la espalda. “Estoy segura de que ha sido durante la actuación de I'm just Ken”, afirmó riendo señalando a Gosling.

El aplaudido tema no ganó el Oscar a Mejor canción original. Eso sí, el premio se quedó en el 'Mojo Dojo Casa House', ya que recayó en otro título de Barbie, What Was I Made for?, de Billie Eilish. El suyo fue el único Oscar para la película de Greta Gerwig, que optaba a un total de ocho. Oppenheimer fue la gran vencedora de la noche, tras cosechar siete estatuillas incluida Mejor película, Mejor dirección para Christopher Nolan y Mejor actor protagonista para Cillian Murphy.

“Dejad que me meta en el personaje, porque el mundo puede tener la voz de Ken, pero solo Barbie puede tener sus ojos”. Ryan Gosling pronuncia estas palabras al tiempo que se pone unas gafas de sol, vestido con un elegante traje de color negro. Le rodean varios músicos y bien de decoración navideña. En seguida empieza la ya archiconocida melodía de I'm Just Ken, la canción principal de la película Barbie que le ha valido para lograr su tercera nominación al Oscar, gracias al mejor papel de su carrera. El actor ha sacado el máximo partido al muñeco de Mattel al encarnar la mezcla perfecta de ingenuidad, 'machirulismo', ternura, torpeza y lo mucho que se ha reído de –y con – sí mismo.

La cinta se estrenó arrasando en taquilla el pasado mes de julio, y el vídeo que abre este artículo fue la felicitación navideña con la que el intérprete acompañó el lanzamiento de tres nuevas versiones del pegadizo hit en diciembre. Los temas fueron producidos junto a Mark Ronson, que ha trabajado con artistas como Amy Winehouse, Miley Cyrus, Lady Gaga y Bruno Mars. Con ellas siguió alimentando la fiebre por el título, pero sobre todo la fiebre por Ken.

Para entonces cinta y personaje ya eran todo un fenómeno, Gosling se había ganado la nominación al Globo de Oro –un mes después llegaría la de la Academia de Hollywood–; y su performance permitió a sus fans reencontrarse con el Ken que no solo robó corazones gracias al guion de Greta Gerwig y Noah Baumbach. Su mayor golpe fue en las escenas que copó, consiguiendo que su aturdido y desubicado Ken generara gracias a su carisma desazón, pereza y hasta cariño. Gosling fue el contrapunto perfecto para la Barbie de Margot Robbie, coreografías incluidas. Un robaescenas de manual, con mucha gracia.

La directora hizo la mejor elección de casting posible. Gosling reúne todos los estereotipos que le convierten en el Ken idóneo: su físico normativo –en el largometraje ensalzado por su pelo teñido de rubio platino–, su seductora voz y su planta y gestos de galán. Desde que protagonizara El diario de Noah en 2004 no son pocas ni pocos los que fantasearon con ser ellos de quienes se enamoraran como él de la joven Allie en la piel de Rachel McAdams.

Otros títulos como Lars y una chica de verdad (2007) y Crazy, stupid, love (2011) ampliarían su estela de fascinación, al tiempo que el intérprete engrosaba su filmografía con obras de cine de autor con las dejó claro desde el inicio que, pese a encajar a la perfección en el perfil, no querría limitarse a hacer comedias y dramas románticos.

De hecho, apenas dos años después de la cinta de Nick Cassavetes estrenó Half Nelson. Una descorazonadora película en la que interpretaba a un entrenador de baloncesto y profesor de historia adicto a la cocaína cuyas clases eran muy distintas a lo que marcaba el sistema. Su vínculo con una de sus alumnas/jugadoras, que descubre su 'secreto', vertebraba una trama dura y cruda, que le sirvió para llevarse el premio de público, crítica y Academia de Hollywood, que le concedió su primera nominación al Oscar. Pero la incursión de Gosling en el cine independiente le venía de antes. Y también fue determinante para romper con una imagen previa, la de 'chico Disney'.

Una estrella infantil

Gosling nació en Ontario (Canadá), aunque creció en Cornwall. Su padre trabajaba en una fábrica de papel y su madre era secretaria, ambos mormones. Allí empezó muy pronto a bailar y a cantar y fueron varias las bodas que acogieron sus primeras actuaciones junto a su hermana Mandi, cuatro años mayor que él. Sufrió acoso en el colegio y, buscando 'protegerse', empezó a imitar la voz de Marlon Brando para que sonara más duro. También le diagnosticaron déficit de atención e hiperactividad y no aprendió a leer hasta los 10 años.

“No me sentía muy listo. Me pasaban de curso aunque no aprendiera las cosas que se supone que tenía que aprender. Cuando estás en una clase en la que todo el mundo sabe leer menos tú, es muy frustrante”, comentó en una entrevista en 2007. “Fui un niño solitario y la televisión era mi única amiga”, añadió. Pero su interés por la interpretación se lo debe a su tío, que trabajaba como imitador de Elvis Presley –posteriormente él le rendiría su propio tributo–. Se apuntó a clases de ballet, empezó a participar en concursos de talento locales y 1993 lo cambió todo.

Gosling se presentó al casting de Mickey Mouse Club y, con doce años, se convirtió en un 'chico Disney', se mudó a Orlando y compartió durante dos años elenco con Justin Timberlake, Britney Spears y Christina Aguilera.

Cuando se canceló el show, el actor volvió a Canadá. Pronto apareció en series y películas como Goosebumps, Are You Afraid of the Dark y Breaker High. En 1998 fichó por la ficción Young Hércules, por la que vivió otros dos años en Nueva Zelanda. Cumplidos los 19, optó por cercar sus audiciones a títulos 'serios'. Aquello derivó en que su agente dejara de trabajar con él y comprobó la dificultad de conseguir papeles cuando lo único que llevaba bajo el brazo era una cinta VHS del Mickey Mouse Club.

Aun así, le llegó la oportunidad que buscaba y esperaba, de la mano de Henry Bean, que le concedió el papel de joven judío neonazi en The Believer (2001). Gosling se ha referido al cineasta como su mentor en numerosas ocasiones, por darle la oportunidad de hacer el tipo de películas que buscaba entonces y ha podido mantener en su carrera.

Un año después estaba presentando en Cannes Cálculo mortal (Barbet Schroeder). Antes del bum de El diario de Noah rodó The Slaughter Rule (2003), que contaba el vínculo que se establecía entre un jugador de fútbol de secundaria y su entrenador (David Morse); y The United States of Leland (2003), en la que encarnó a un adolescente encarcelado por el asesinato de un niño con discapacidad.

La era post 'Half Nelson'

Tras cosechar su primera nominación al Oscar, Gosling estrenó películas como la dramedia indie Lars y una chica de verdad (2007), en la que volvió a explotar sus dotes musicales. Al igual que en Blue Valentine (2010), otro de sus papeles más aplaudidos, y que incluye una de las escenas musicales más tiernas, en la que su personaje interpreta You Always Hurt the One You Love de Mills Brothers, ukelele en mano, a Michelle Williams.

Tras la película de bajo presupuesto –y eminentemente improvisada– de Derek Cianfrance, llegó su primer papel más cómico, en Crazy, Stupid, Love, su primera colaboración con Emma Stone. El filme les valió para forjar una amistad que continúan y que, tras afianzarla igualmente en pantalla en Gangster Squad (2013), culminaron derrochando química en La, La Land (2016).

Pero antes siguió su estela de cine independiente con Drive (2011) de Nicolas Winding Refn y Los idus de marzo (2011) de George Clooney –ambas tuvieron su puesta de largo en el Festival de Venecia–; así como Cruce de caminos (2012), en la que repitió con Cianfrance y conoció a su pareja, la actriz Eva Mendes.

Solo Dios perdona (2013) y Dos buenos tipos (2016) fueron los títulos que precedieron al musical de Damien Chazelle. Con él obtuvo su segunda nominación al Oscar gracias a su papel como músico de jazz atormentado enamorado de la Mia de Emma Stone. El director estadounidense le regaló otro personajazo, en la piel del astronauta Neil Amstrong, en la muy reivindicable First Man (El primer hombre) en 2018. A partir de ahí lideró la ambiciosa continuación de la historia de Rick Deckard en Blade Runner 2049 y El agente invisible. Y antes, en 2014, firmó su debut como director, Lost River, con Christina Hendricks y Saoirse Ronan.

El Ken espachurrado

Gosling ha sido entre medias padre de dos hijos, y fue el hallazgo de un juguete abandonado el que le hizo tomar otra decisión crucial en su carrera. En concreto, un Ken aplastado. “Salí al patio trasero y, ¿sabes dónde le encontré? Boca abajo junto a un limón aplastado”, recordó. Le hizo una foto y se la envió a Gerwig diciéndole: “Seré tu Ken, porque esta historia merece ser contada”. Visto el resultado de la película y su posterior campaña, ha dejado claro que se tomó su misión muy en serio.

Marlon Brando, John Barrymore, John Travolta y Gene Wilder, en versión de plástico, fueron los actores en los que basó su actuación con la que logró que su muñeco cobrara vida y alcanzara unas cotas de comicidad con las que ha sumado su tercera nominación al Oscar.

El canadiense no parte como favorito en una categoría en la que todo apunta que será Robert Downey Jr. quien se alce con el galardón por Oppenheimer. Pero Gosling está llamado a ser igualmente uno de los protagonistas de la gala, tras confirmar que interpretará I'm just Ken el próximo 10 de marzo en el teatro Dolby de Hollywood (Los Ángeles).

Su carisma y particular timbre dieron personalidad a un tema que ha conseguido destacar dentro de una banda sonora que reunió a un número suficiente de artistas como Dua Lipa, Karol G, Tame Impala y Billie Eilish –con quien competirá por la estatuilla a Mejor canción original– como para haber pasado desapercibido. Pero era imposible, la escena resume a la perfección el tono tanto de la película como de su personaje, por el humor que Gosling le impregna para reírse hasta de sí mismo. Y eso que ni si quiera estaba pensado para que fuera incluido en la película.

Mark Ronson la escribió medio en broma pero, tras compartir su grabación con la directora sin contemplar realmente la posibilidad de que acabara sonando en la película, a ella le gustó tanto que la convirtió en el número principal del filme –y menos mal–. Gosling ha sabido meterse tanto en el personaje que lo aprovechó para lamentar la ausencia de Barbie en las nominaciones.

Decepcionado por la ausencia de Margot Robbie y Greta Gerwig en las categorías de Mejor actriz y directora, el actor compartió un contundente mensaje, haciendo alusión al guion del propio filme: “Ningún reconocimiento sería posible para nadie de esta película sin su talento y su valor. Contra todo pronóstico, con nada más que un par de muñecos sin alma, con poca ropa y afortunadamente sin entrepierna, nos hicieron reír, nos rompieron el corazón, hicieron avanzar la cultura e hicieron historia”.

Pero no por ello él merece menos reivindicación. Por supuesto que no hay Ken sin Barbie ni película sin Gerwig y Robbie, pero hay otro punto claro: no hay Ken sin Ryan Gosling.

Las nominaciones a los Oscar llegaron y auparon, como se esperaba, a Oppenheimer. También celebraron la diversidad del cine español (con dos nominaciones para La sociedad de la nieve y con Robot Dreams en la categoría de animación), y confirmaron el fenómeno de Anatomía de una caída. Entre tanta alegría había algo raro: a pesar de que Barbie lograba 8 nominaciones, entre ellas la de Mejor película, no conseguían entrar en el quinteto finalista en sus respectivas categorías sus dos principales artífices. Ni Greta Gerwig, la gran salvadora de la taquilla y autora del fenómeno del año, lograba la nominación como Mejor dirección; ni Margot Robbie, la Barbie del título, conseguía la de Mejor actriz protagonista.

Para hacer más daño, quien sí conseguía ser nominado era Ryan Gosling como Mejor actor de reparto. Es decir, en una película sobre Barbie, dirigida por una mujer, y protagonizada por Barbie, el nominado es… Ken. Irónicamente es de todo eso de lo que habla Barbie. Del patriarcado, de lo complicado que lo tienen las mujeres, de lo que se les exige y de que nunca es suficiente. Que Ken pueda ganar un Oscar sin que Barbie esté nominada parece un chiste escrito por Greta Gerwig (que sí está nominada al premio por su guion del filme).

El ninguneo a Robbie ha sido especialmente comentado, y los fans de la película y las redes sociales han ardido tras conocerse las nominaciones. Hasta Ken ha lamentado la ausencia de Barbie en los Oscar. Ryan Gosling ha emitido un comunicado en donde agradece su candidatura y se muestra feliz, pero donde también su sorpresa y tristeza porque no esté su compañera y su directora. “Decir que estoy decepcionado de que no estén nominadas en sus respectivas categorías sería quedarse corto”, dice Gosling.

No hay Ken sin Barbie, y no hay película de Barbie sin Greta Gerwig y Margot Robbie, las dos personas más responsables de esta película que ha hecho historia

Ryan Gosling — Actor

“Nunca pensé que diría esto, pero me siento increíblemente honrado y orgulloso de que me hayan nominado por interpretar a un muñeco de plástico llamado Ken”, dice al comienzo de su texto para luego reivindicar a sus colegas: “Pero no hay Ken sin Barbie, y no hay película de Barbie sin Greta Gerwig y Margot Robbie, las dos personas más responsables de esta película que ha hecho historia y ha sido mundialmente reconocida”. 

“Ningún reconocimiento sería posible para nadie de esta la película sin su talento y su valor. Contra todo pronóstico, con nada más que un par de muñecos sin alma, con poca ropa y afortunadamente sin entrepierna, nos hicieron reír, nos rompieron el corazón, hicieron avanzar la cultura e hicieron historia. Su trabajo debería ser reconocido junto con el de otros nominados que también lo merecen”, continúa para concluir añadiendo su alegría por la otra nominada del filme, America Ferrera, que dio la sorpresa como mejor Actriz de reparto. 

Gosling coloca el foco de nuevo en la falta de mujeres entre las nominadas en un año que, aunque tiene tres películas a cargo de directoras entre las diez finalistas a Mejor película, solo tiene a una entre las de Mejor dirección (Triet).

Netflix sabe lo que quiere la gente. Tiene estudiado cada forma de consumo, cada comportamiento de cada usuario. Sabe en qué minuto dejas una película o una serie y lo utiliza para crear productos -porque eso es lo que son, productos- que se rijan a normas matemáticas exactas. Un giro de guion en el minuto 15, otro en el 45… Saben que el cine de acción les está funcionando de forma extraordinaria. Nadie daba un duro por una película tan mediocre y rutinaria como Tyler Rake, pero se convirtió en una de las más vistas. 

El algoritmo va perfeccionando sus formas de crear éxitos, y si aquella era una película de acción con un actor conocido por la franquicia de Marvel, qué menos que seguir apostando por lo mismo. Así llega El agente invisible (The gray man), que acaba de estrenarse en unas cuantas salas de cine para hacer lo propio en la plataforma el día 22. Una película de acción protagonizada por Ryan Gosling, Chris Evans (Capitán América) y Ana de Armas. Al frente, los hermanos Russo, directores vinculados al universo cinematográfico de Marvel, para el que rodaron las últimas entregas de Los Vengadores.

Netlfix puso todos esos elementos en su calculadora de éxitos y el resultado fue positivo. Una película de acción, llena de estrellas, con los directores de la franquicia más taquillera… ya estaría. Lo que se olvidaron fue de crear un filme con alma, que no fuera una película mil veces vista, larga, aburrida y lo peor de todo, perezosa. No hay nada en ella que la diferencie de cualquier película de acción que atiborran su catálogo. Ni las estrellas aportan nada, ni los Russo traen un estilo visual propio.

La historia de un agente de la CIA que, en mitad de una misión, descubre que su jefe no es lo que parece y se convierte en la presa más codiciada la hemos visto en innumerables ocasiones, por eso había que traer algo más que rostros bonitos y populares. O, al menos, dejarse la piel para construir 'set pieces' tan espectaculares que uno se olvide de todo lo demás. No aciertan en ninguna de ellas. Las escenas de acción quieren ser espectaculares pero la forma de dirigir y, sobre todo, de montarlas, es tan caótica que uno nunca sabe lo que está ocurriendo. Es imposible seguir la acción cuando los planos son efímeros e innumerables. Se confunde el ritmo con la rapidez y la confusión.

Ni siquiera alguna idea visual potente está aprovechada para crear algo diferente. La primera escena, en Bangkok, contiene una interesante propuesta para crear un momento épico, una pelea cuerpo a cuerpo desde un barco que lanza fuegos artificiales. Sin embargo, todo suena a digital, a rodado con un croma verde detrás y de nuevo, con un montaje tan loco que nunca se pude disfrutar de nada. Las tres primeras escenas de acción contienen, además, el mismo recurso visual, jugar con la iluminación para hacerlas 'diferentes'. La primera tiene fuegos artificiales, la segunda en un avión tiene una bomba de humo rosa y la tercera es con linternas en una casa a oscuras. 

La trama, como manda la tradición en estas películas, y sobre todo cuando se quiere vender lujo, viaja por todo el mundo, pero ningún escenario se utiliza para crear ambientes y momentos únicos como sí ha sabido hacer la saga James Bond en sus últimas entregas. Praga y Viena podrían ser Madrid y Barcelona. Solo es una excusa para viajar y mostrar la chequera de Netflix y de los Russo, que empiezan a dar señales de que lo de Vengadores fue un golpe de suerte. Sus apuestas fallidas fuera del universo Marvel empiezan a sucederse.

El único atractivo de la película puede estar en ver a Ryan Gosling y a Chris Evans molerse a palos en el clímax de la película. Una escena de acción seca, de violencia física que el montaje vuelve a destrozar. Una pena, porque debería ser el momento cumbre del filme, ver a dos de las mayores estrellas del Hollywood del momento coserse a sopapos. Gosling vuelve a tirar de hieratismo y Chris Evans tenía una oportunidad de oro para salirse del guion donde le solemos ver. Capitán América haciendo de villano, con bigotito, polos y zapatitos de pijo. Le pone ganas, pero su personaje es tan caricaturesco y tan exagerado que es imposible. No se puede tomar en serio un personaje que está presentado citando a Schopenhauer mientras tortura a una persona y que dice frases como “Relaja la raja”. 

Ambos se salvan al compararse con Regé-Jean Page, el protagonista de Los Bridgerton que aquí es un agente corrupto. Se confirman todas las alarmas: es un actor lleno de tics que no puede ni con un personaje tan cliché como el de El agente invisible. Ojalá los rumores de que es el nuevo James Bond sean falsos o que nos demuestre pronto que es algo más que el chico de moda. Quien vuelve a robar la función es Ana de Armas, la única que derrocha carisma cada vez que sale. Como se vio en el último James Bond, le vale una escena para convertirse en un imán para el espectador. Pronto lo demostrará en Ballerina, spin off de la saga John Wick. Es, sin duda, lo mejor de una película mediocre hecha con calculadora para sumar horas de visionado.

En los años 60 de la carrera espacial, la política estadounidense era un polvorín. Las calles clamaban contra el dispendio del Gobierno y Gil Scott Heron cantaba que a su hermana Nell le mordían las ratas “mientras el blanquito está en la Luna”.

Los programas Mercury, Gemini y Apolo, todos destinados a posarse sobre el satélite terrestre, costaron 130.000 millones de dólares y la vida de siete astronautas que fueron lanzados al espacio en naves un poco mas sofisticadas que una cafetera de juguete. Su misión era llegar a la Luna antes que los rusos y la de los políticos venderlo como “el gran paso para la humanidad” que luce bien en campaña y en una pieza de merchandising.

Damien Chazelle, sin embargo, no ha querido olvidarse de los detalles incómodos en First Man, el biopic sobre Neil Armstrong que compite en el festival de San Sebastián. Quizá por eso el protagonista no clava la bandera estadounidense sobre la superficie antes de regresar a la Tierra, un final que Trump no piensa perdonar.

“Hasta donde yo sé, las críticas vienen de personas que aún no la han visto. Estoy deseando que se estrene y saquen las conclusiones por ellos mismos”, dice un esquivo Ryan Gosling, embajador de la cinta en España junto a su compañera de reparto Claire Foy. El tema lleva coleando desde que el canadiense dijo en Venecia que la misión lunar sobrepasa “fronteras y banderas” y su declaración llegó a oídos de la Casa Blanca, donde el presidente y varios senadores republicanos iniciaron un fuego abierto en contra de la película.

Ante esto, la actriz británica, conocida por su papel de la reina de Inglaterra en The Crown, ríe poniendo los ojos en blanco: “Les aseguro a los que la critican que hay muchas, pero muchas otras banderas estadounidenses en la película”. Foy interpreta a Janet, la paciente esposa de Neil Armstrong, a quien da vida Gosling.

Ambos comparten protagonismo con la propia misión Apolo, ya que el director de La La Land ha querido humanizar a aquel hombre que se coló en las televisiones de todo el planeta un julio de 1969. “Es importante ver a la persona detrás del mito, no solo en esta película. Hay cientos de historias de personas con vidas desinteresadas que sirven a una causa mayor, y esas historias sí que son relevantes”, piensa el actor.

Es la segunda vez que Gosling coincide con Chazelle después del musical que sacudió los prejuicios del mundo hace dos inviernos. Por aquellas ya quedó clara la maestría del director detrás de la cámara y la confianza extrema en su colega, que tan pronto hace gala de su perfil taciturno como baila un claqué encima de un banco. Ahora le ha regalado el papel de un auténtico “héroe americano” con la complicada tarea de acercarlo al estrato mundanal.

“Conocemos la parte pública de aquellas misiones y todo lo que salió por la tele, pero no la parte humana. Para mí fue una sorpresa descubrir el sacrificio que supuso para ellos”, concede el actor. Poca gente conoce que Neil y Janet Armstrong perdieron a su hija a causa de un tumor unos meses antes de involucrarse en la carrera espacial. “Su valentía y la dignidad que demostraron al sobrellevar esa enorme pérdida me parece motivo suficiente para rendirles homenaje”, afirma.

Durante una época, aquellos hombres que estaban “haciendo posible lo imposible” eran la estampa de la esperanza y el modelo a seguir de toda una generación. Sin embargo, Gosling asegura que los tiempos han cambiado y que él nunca tenido el clásico deseo infantil de conquistar el espacio a lomos de una nave espacial.

“De niño nunca quise ser astronauta, quizá no soñaba a lo grande. Además, recuerdo que solo tenía seis años cuando ocurrió el accidente del Challenger. Así que, si lo pienso en retrospectiva, los viajes espaciales me daban una sensación de tragedia”, admite.

De hecho, First Man pivota en gran medida sobre el sentimiento de pérdida, tanto previo como posterior a las pruebas de alunizaje. La muerte de la hija de Armstrong y las de sus compañeros astronautas fueron minando poco a poco al ingeniero, pero nunca tanto como para alejarle de la misión Apolo. Quizá por eso su viaje al espacio fue una vía de escape del duelo que vivía en la tierra. Y para los demás, ¿mereció la pena el esfuerzo?

“La película explora los costes económicos y humanos, y deja a la audiencia decidir si cree que mereció la pena o no la carrera espacial. Habrá tantas respuestas distintas como personas. Habría que preguntar a las familias de los astronautas fallecidos en el proceso si mereció la pena, es a ellos a quienes corresponde responder”, sugiere.

Aunque ahora estemos acostumbrados a películas grandilocuentes sobre el espacio, la tecnología punta no siempre fue tal y hubo un tiempo en el que era más fácil arder dentro de la cabina de mandos que perderse por la galaxia como Sandra Bullock. La virtud de First Man es que contagia la asfixia y la claustrofobia como si el espectador estuviese sentado al lado de quienes confiaron en una misión, en ocasiones suicida, y diseñada a contrarreloj.

“Ha sido una de las experiencias más claustrofóbicas, viscerales y surrealistas de mi vida. Al principio ni siquiera iba a haber planos del espacio, aunque finalmente Damien decidió incluir unos pocos. Quería que los espectadores se sintieran como si estuviesen flotando en la atmósfera y fueran enviados a la Luna”, explica Gosling sobre su preparación.

“[Chazelle] no hizo nada con croma verde, solo con pantallas de led para tener todo listo en cámara. Nosotros estábamos en esas cápsulas entre seis y ocho horas al día, respirando oxígeno a través de nuestras máscaras y escuchando las grabaciones reales de las misiones originales”, desvela el intérprete.

El resultado, que se puede ver en pantalla el próximo 11 de octubre, convence con unas misiones lunares brillantes por su tosquedad a la vez que ofrece el contexto de esos “grandes hombres” detrás de los cuales “siempre hay una gran mujer”. Con la salvedad de que ellas nunca estaban detrás, sino abajo, en la Tierra, y delante de una casa, una familia y la supervivencia de un hogar.

En estos tiempos en los que escuchamos cada dos por tres el “make-America-great- again”, Damien Chazelle, el director canadiense más codiciado del momento, presenta First Man [El primer hombre]. Sobre la gesta de la llegada a la luna va el cuarto largometraje de Chazelle, pero si usted busca la típica historia de héroes que todo lo pueden, este no es el caso. La figura de Neil Armstrong es el eje del relato, y más que heroísmo, se pone foco en su vulnerabilidad, en cómo este hombre de aparente “chapa dura” lidia con el hecho de estar quebrado por dentro a raíz de la pérdida de un ser querido. Protagonizada por Ryan Gosling [interpretando a Neil Armstrong] y Claire Foy (como Janet, la primera esposa del astronauta), First Man ha sido la película encargada de abrir la edición número 75 de la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica de Venezia.

Pero, ¿qué le ha llevado a Damien Chazelle a abandonar su línea tan musical, con Whiplash (2014) y La La Land (2016) como prueba de ello? Al parecer todo ha sido culpa de esa fascinación de la infancia hacia los héroes que llegaron a la luna, ganándole la partida a los cosmonautas rusos en plena Guerra Fría. “Crecí con las imágenes icónicas de esa época”, decía el realizador treintañero con aspecto de adolescente en la rueda de prensa celebrada pocas horas antes de la inauguración oficial de la Mostra. Junto a la dimensión humana, lo cual representa lo novedoso en la recreación de la figura de Neil Armstrong, a Chazelle le intrigaba el hecho de que en una época en la que ni siquiera se soñaba con los avances tecnológicos actuales, la NASA embarcó en verdaderas latas voladoras a sus astronautas hacia la conquista del espacio.

A través de los programas espaciales realizados entre 1961 y 1969 queda claro que a pesar de los cerebros brillantes, la NASA era un chiringuito al borde de la quiebra, enfrentada al descrédito y a la manipulación política, además del creciente clima de desaprobación de los ciudadanos. Tras la exitosa expedición del Apolo 11, ese “gran paso de la humanidad” lo cambió (casi) todo, pero para Armstrong aún más. En su misión de armar al astronauta, desvela Ryan Gosling que nunca antes había tenido tanta ayuda, y hace un inventario en el que figuran los hijos del astronauta, su exesposa, amigos cercanos de Neil, su hermana, así como la NASA. “Sin olvidar el increíble libro de James R. Hansen (First Man: The life of Neil A. Armstrong, la biografía oficial publicada en 2005) con sus 700 páginas de meticulosa investigación”, describe el actor. “Todo constituyó una ayuda abrumadora”.

Si a Gosling se le va la mano con tanta contención... es cuestión de gustos. Cierto es que Claire Foy brilla en su rol secundario, al punto de casi eclipsar a la figura principal, dejándonos con ganas de más escenas con ella. A pesar de que no es una gran película, en líneas generales se puede decir que son notables las actuaciones del reparto, además de la alta factura de la producción, el comedido e inteligente uso de la música, la dirección artística y la impecable mezcla de sonido. Tras la proyección en la Mostra, El primer hombre se ha ganado un buen recibimiento a nivel de crítica, y no es de extrañar que este filme logre colocarse entre los bienqueridos del público. Y todo muy a pesar de la no tan infundada sospecha de que en EEUU se use como leña para alimentar el fuego calcinador del “make-America-great-again”.

Kinótico, el podcast de cine y series de elDiario.es, arranca su tercera temporada y lo hace desde la Mostra de Venecia, que ayer miércoles inauguró su edición número 75. Junto a las periodistas Janina Pérez Arias y Alejandra Musi analiza lo que va a dar de sí la sección oficial y los debates que se abren de cara a la nueva temporada de premios.

Contenidos del podcast

01:30.- Inauguramos la edición 75 de la Mostra con Janina Pérez Arias y Alejandra Musi

08:40.- La rueda de prensa del jurado. Paolo Baratta sobre las cuotas y Guillermo del Toro sobre su presidencia

21:00.- 'First man', la nueva película de Damien Chazelle

31:20.- Entrevista con Vanessa Redgrave, León de Oro honorífico

36:00.- Estrenos de la semana: 'Yucatán' y 'La novia del desierto'

39:25.- Palillos en los ojos. Hoy, 'Un lugar tranquilo'

El Festival Internacional de Cine de Venecia, que este año cumple 75 años, marca cada lustro el pistoletazo de salida a la temporada de certámenes cinematográficos internacionales. La presente edición, inaugurada este miércoles, se prolongará hasta el próximo sábado ocho de septiembre con tres grandes protagonistas: la participación de Netflix, el estreno de la última y perdida película de Orson Welles y un gran suspenso en paridad.

Solamente una directora, la australiana Jennifer Kent, participa en la sección competitiva compuesta por 21 películas. 20 películas dirigidas por hombres y una sola por una mujer. Quienes sí competirán serán otros nombres -y hombres- como Damien Chazelle que, un año después de inaugurar el certamen con La La Land, repite gesta con su último filme, First Man. Ryan Gosling es su protagonista e interpreta al astronauta Neil Amstrong en sus años de preparación para convertirse en el primer ser humano en pisar la Luna.

Con polémica sobre la mesa, y con Guillermo del Toro como presidente del jurado tras alzarse el año pasado con el León de Oro por La forma del aguaLa forma del agua, repasamos los puntos a tener en cuenta sobre la presente edición de la Mostra. 

Jennifer Kent, la única superviviente

La actriz australiana decidió, tras ver Bailar en la Oscuridad (2000) de Lars Von Trier, que quería emprender su carrera como directora. Así se lo hizo ver al cineasta y fue contratada como su ayudante en el rodaje de Dogville (2003). Dos años más tarde se lanzó dirigir su primer cortometraje, Monster, que una década después llevó a la gran pantalla en su aclamado debut The Babadook. 

Su ópera prima se proyectó en el Festival de Sundance en 2014 y fue recibida con éxito por parte de la crítica. “Quería hablar sobre la necesidad de afrontar la oscuridad que hay en nosotros”, explicó entonces sobre su debut inscrito en el género de terror.  Al certamen italiano se presenta con su segundo largometraje, The Nightingale, que cuenta la historia de una venganza ambientada en una isla de Tasmania.

Ante el anuncio de los títulos seleccionados para formar parte de la sección oficial del certamen, con la cinta de Kent como única representación femenina, en seguida recibió críticas y fue tachado de machista. La EWA, presidida por Isabel Coixet, hizo pública una carta abierta expresando su malestar criticando que la decisión por “sugerir que las películas realizadas por mujeres son de alguna forma inferiores a las hechas por hombres” y enviar implícito el mensaje de que “incluir más largometrajes de mujeres reduciría la calidad de la cita”.

En el escrito, aprovecharon para aplaudir los compromisos de paridad cerrados este mismo año por los festivales de Cannes o Locarno. El certamen francés, que contó en 2018 con sólo tres mujeres compitiendo en una sección oficial compuesta por 21 largometrajes, firmó en mayo la Carta por la Paridad y Diversidad en el Cine. El texto señalaba que las muestras deberán generar estadísticas sobre el número de películas seleccionadas y ser transparentes en la lista de los miembros de los comités de selección y programadores. 

Por su parte, el presidente del certamen de Locarno Marco Solari, aprobó un manifiesto que promete garantizar la paridad y la inclusión en su programación y organigrama. El certamen, en el que premiaron el cortometraje Los que desean de la española Elena López Riera, también contó con sólo tres directoras en un total de 15 largometrajes a competición. Datos muy poco alentadores en plena era Me Too.

Netflix rumbo a los Oscar 2018

Netflix se alzó este año con su primer Oscar con el cortometraje Ícaro y parece estar buscando repetir gesta en la próxima entrega. A pesar de sus desavenencias con el Festival de Cannes, que decidió dar el carpetazo definitivo a sus estrenos, el certamen italiano optó por no cerrar sus puertas a la plataforma. Hace meses planteamos el debate en este diario sobre quién salía perdiendo realmente en esta guerra, ya que con esta decisión, el concurso francés dejaba de premiar a la mejor película del mundo, sino a aquella que acepte terminar en una sala de cine francesa.

La acogida de la Mostra al desembarco de los pesos pesados del gigante en streaming ha hecho posible que las últimas producciones de Alfonso Cuarón, los hermanos Coen y Paul Greengrass vayan a participar en su sección oficial. El cineasta mexicano regresa al festival que hace cinco años inauguró con su oscarizada Gravity. Su nueva propuesta es Roma, una cinta que ha rodado en su país natal en forma de carta de amor a las mujeres que lo criaron. Inspirándose en su propia infancia, retrata de forma realista y emotiva los conflictos domésticos y jerarquías sociales que tuvieron lugar durante la agitación política de la década de 1970.

Los hermanos Joel y Ethan Coen acuden con el western The Ballad of Buster Scruggs. En principio fue anunciado como serie de seis capítulos sobre la frontera americana que, sin embargo, ha terminado transformándose en un largometraje. El británico Greengrass, responsable de varias de las cintas de la saga de Jason Bourne, cuenta en 22 July la matanza de 77 personas en la isla noruega de Utoya en 2012.

Aun así, una de las proyecciones más esperadas es la de la última película de Orson Welles, Al otro lado del viento, que el cineasta rodó entre 1970 y 1976, y que jamás pudo terminar por problemas financieros. La cinta, protagonizada por John Huston, cuenta la historia de Jack Hannaford, un director que prepara su regreso a los grandes estudios tras un largo exilio europeo, que Welles experimentó en su propia persona. La trama gira alrededor de la fiesta de su 70 cumpleaños y la película que prepara, que será su última.

Netflix adquirió los derechos para acabar y estrenar el largometraje en marzo de 2017. Con el objetivo de rendir el mejor homenaje al responsable de títulos como Ciudadano Kane (1941) o Sed de mal (1958), la plataforma llevará la historia del director estadounidense a la gran pantalla, como recogió Indiewire. 

Otros títulos prometedores de la Mostra

la Mostra de Venecia acoge otros grandes estrenos que forman parte de su prometedora programación. En sección oficial, Luca Guadagnino competirá con su película posterior a la maravillosa Call me by your name, Suspiria, un remake personal del clásico de terror de Darío Argento que ha conseguido hacer llorar a Tarantino, amigo del italiano. “Es una película de terror, pero también un melodrama. El objetivo es hacer que el público asista al terror porque sea incapaz de quitar los ojos de la pantalla al estar cautivado por los personajes”, explicó en una entrevista.

El húngaro László Nemes se consagró con su ópera prima El hijo de Saúl en 2015, alzándose con el Globo de Oro y el Oscar a la Mejor película de habla ni inglesa, además del Gran Premio del Jurado en Cannes. Filmó un frío y asfixiante retrato del horror del campo de concentración de Auschwitz, encerrando a su protagonista y al espectador en su formato cuadrado. Ahora regresa a la gran pantalla con Sunset (Atardecer). El thriller ambientado en el Budapest de 1913, recoge las angustias y preocupaciones de los jóvenes que quedaron encerrados en su pueblo sin poder escapar ante el inminente inicio de la I Guerra Mundial.

Y junto a ellos, Peterloo, de Mike Leigh, Vox Lux de Brady Corbert, lo nuevo de Olivier Assayas en forma de comedia Double vives o The favourite, del griego Yorgos Lanthimos. Un festival lastrado por su desconsideración ante las mujeres cineastas que habrá de remontar con amplias dosis de buen cine e historias que den muestra de la pluralidad de propuestas, aunque no todas estén representadas e imperen las producciones realizadas en Hollywood.

“Este es tu sueño. Complicado y comprometido, pero emocionante”, le decía Ryan Gosling a Emma Stone en La La Land animándole a luchar por cumplir el suyo. A pesar de que se van logrando cambios, queda un largo camino que recorrer hasta que la paridad en las selección de las películas que participan en los grandes festivales internacionales aterrice en el presente.

Elige un recuerdo, pasea por él. Bucea dentro de sus  límites e intenta encontrar la verdad que se ha ido difuminando con el paso de los años, a lo mejor confundiéndose con otros momentos. Quizás enredándose con alguna anécdota ajena o un disparate imaginado para llenar lagunas mentales. Puede que nuestra memoria construya nuestra historia y pronuncie nuestra identidad. Así lo creía, al menos, la replicante Rachel (Sean Young), la mujer idealizada, la ‘femme fatale’ de 'Blade Runner' (Ridley Scott), quien descubrió que sus recuerdos no le pertenecían. Se los habían implantado para darle humanidad, y aquello la sumió en una tristeza de la que le resultaba difícil  escapar.

La memoria, una vez más, sus confusas fronteras y los recuerdos que configuran una especie de destino vital vuelven a ser la piedra filosofal sobre la que gira 'Blade Runner 2049'.  “Lo que me enamoró del proyecto, mi aportación, se refiere a la idea de memoria ¿Son nuestros recuerdos los que nos hacen humanos?”, se pregunta el cineasta canadiense Denis Villeneuve. Y desde esa esfera existencial parte su visión del filme para  tomar un rumbo extraordinariamente audaz, libre, sin perder el horizonte del mito que supo arraigar en el imaginario de los espectadores de la primera parte.

'Blade Runner 2049' vuelve a hablar del Hombre, de aquello que le define y de su desconcierto vital, una desazón  que se propaga como un virus de manera democrática en la piel sintética de un replicante (un espejo) o en cualquier tipo de carne y hueso.

En esta ocasión, Villeneuve, de la mano de sus guionistas, Hampton Fancher y Michael Green cifran además el misterio de la película en un par de buenas búsquedas (continúa el homenaje al cine negro). Por un lado, la que realiza el blade runner K (Ryan Gosling) siguiéndole la pista al héroe de antaño, Rick Deckard (fantástico Harrison Ford) con el fin de aclarar un secreto que podría destruir la civilización imperante; pero también la oscura y obsesiva que emprende el magnate y villano Neander Wallace (Jared Leto), empeñado en encontrar la perfección suprema en una ‘raza de replicantes’ que él mismo fabrica. Replicantes insuperables que encarnarán el próximo salto evolutivo después del hombre. Un paso transgresor hacia la inmortalidad.

Una experiencia sensorial fascinante

'Blade Runner 2019' vuelve a ser una experiencia sensorial fascinante, apasionadamente barroca. Construida sobre imágenes doradas (la fotografía de Roger Deakins es asombrosa) y con una banda sonora sobrecogedora (firmada por Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch), el futuro imaginado por Villeneuve es un universo de dimensiones insondables. La pirámide de oro y agua, el plano aéreo de los cultivos concéntricos o la tormenta roja de arena, que deja entrever las monumentales y derrotadas figuras humanas en Las Vegas son auténticas joyas visuales.

Sin embargo, 2049 no es exactamente la Tierra Prometida que muchos espectadores esperaban. Algo chirría ante el majestuoso espectáculo y en la cautivadora historia de  la secuela. Puede que sean los sentimientos. Las emociones que explican el comportamiento de los personajes son difusas. No hay momentos de especial intensidad en las relaciones  que surgen entre personajes, como esa historia de amor – cómplice que podrían haber vivido K y su bello juguete virtual, Joi (Ana de Armas). O aquellos instantes dramáticos donde asistimos a una revelación vital que se zanja con una interpretación, seamos sinceros, un tanto pobre. Ryan Gosling es un actor lleno de talento, pero que no termina de encontrarle el pulso a su atormentado replicante.

Y luego está la melancolía que recorre cada instante del metraje y que es el ADN de 'Blade Runner'. No se respira del mismo modo en 2049. Podemos racionalizarla, comprenderla, compartirla, incluso admirarla… pero no llega a calar con la emoción brutal de aquellas ‘lágrimas en la lluvia’ de Rutger Hauer. No se pueden comparar dos obras maestras y ponerlas a competir. Estamos de acuerdo. Pero somos humanos y no podemos sobreponernos a ciertos recuerdos.

Suele ser lugar común recurrir a Dangerous Days, el magno documental de Charles de Lauzirika sobre el rodaje de Blade Runner, para explicar la trascendencia ineludible de la película de Ridley Scott. No es baladí, pues se trata de un film de más de tres horas y media que narra minuciosamente cómo Blade Runner surge del conflicto para revelarse como un milagro.

El rodaje de la película original fue un auténtico calvario en el que hubo desde boicots contra el director hasta supuestas maldiciones por un product placement retrofuturista, pasando por un guion reescrito diez veces, y por un director absolutamente obsesionado con acariciar el particular universo de Philip K. Dick, padre del relato en el que se basaba. El resultado, defendido en más de una ocasión por el propio autor de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, es una de las obras más impactantes y perturbadoras de la historia del género, ahí ahí con el 2001: Odisea en el espacio de Kubrick o la Metrópolis de Fritz Lang. Una obra capital para entender el cine moderno de la que ya se han vertido ríos de tinta, que no son la cuestión fundamental de este texto.

La llegada del primer tráiler internacional de Blade Runner 2049, secuela de la película estrenada hace 35 años y que aterrizará en las pantallas en octubre, viene a confirmar que el proceso de producción de este largometraje ha sido radicalmente distinto al de su precursor. Para empezar, nace en plena revalorización artística de las dos décadas anteriores al nuevo milenio. Y además, viene envuelta en un halo de prestigio y calidad del que aquella estaba lejos de gozar. Sin conflicto, ni el ambiente turbio que rodeó a la original, y enfrentándose a una audiencia de unos estándares visuales y narrativos absolutamente distintos a los de la película de Ridley Scott.¿Podemos esperar que nazca el mismo milagro? Hay indicios de que, al menos, podemos tener fe.

Replicantes de ayer y hoy

Todos, o casi todos, los actores implicados en Blade Runner obtuvieron el estatus de 'icono' a medida que el filme creaba escuela en sentido estético, formal e implícito. La eterna Rachael interpretada por Sean Young fue, y sigue siendo, un repentino resurgir atemporal de un modelo estético marcado por la femme fatale del cine negro. Cuando esa figura ya se encontraba en franca decadencia en la cultura pop, ella sola encarnó un personaje que captaba toda la esencia del estereotipo y profundizaba en él hasta cotas aún hoy estudiadas.

Le dio la contra una muñeca rota llamada Pris, modelo de replicante interpretado por una espeluznante y brillante Daryl Hannah. Y qué decir de Rutger Hauer, cuya encarnación de Roy Batty sigue siendo hoy motivo de discusión. A todos ellos, les seguían la pista Harrison Ford y Edward James Olmos, un actor de una presencia incontestable.

De todo el plantel, estos dos últimos son los únicos que repiten en la secuela. Del segundo sabemos poco, pero del primero no sorprende su deriva. Desde que retomase en 2008 su papel de Indiana Jones en la denostada El reino de la calavera de cristal, Harrison Ford parece ser la melancolía de la industria hecha actor. Tras su Han Solo viejo y cansado de El despertar de la fuerza, el Rick Deckard de Blade Runner 2049 apunta en la misma dirección: un arquetipo crepuscular que ejerce de mentor de alguien que heredará su testigo.

El reparto de Blade Runner 2049 nos hace pensar en un director de casting fanático del proceso de selección de la original, pues muchos de sus roles parecen repetidos, y la mayoría de los perfiles de sus profesionales tienen su reflejo en la actualidad.

El heredero de lo que era Ford en la original -la gran estrella del plantel- se llama Ryan Gosling, e interpreta al Agente K, un Blade Runner que busca respuestas en lo que parece ser una reintepretación incómoda y hierática de su papel en Solo Dios perdona. Le acompañan la siempre impecable Robin Wright, Dave Bautista, Ana de Armas y Jared Leto. Todos parecen encarnar nuevas piezas de un viejo tablero: la jefe de policía, el replicante de inusitado poder, la replicante de carga sexual y el Creador. Este último, además, ciego. Como si el dramático final de su arquetipo en la película de 1982 aún tuviese ecos en la que nos ocupa.

Un creador detrás de todo

El creador de esta maquinaria de expectativas- puede que hype sería un término demasiado joven para lo que despierta el tráiler-, no está tan ciego como Leto, por suerte para todos. Denis Villeneuve será el principal responsable de que Blade Runner 2049 salga más o menos airosa del peso que recae sobre sus hombros. ¿Por qué? Porque hoy es uno de los directores mejor valorados del panorama internacional, merecidamente.

El realizador canadiense no llega a esta superproducción con las manos vacías. Hace escasos meses pasaba por nuestras pantallas otra película de ciencia ficción con su firma: La llegada. Un film excelente que se cuenta, no solo entre lo mejor del año, sino también entre lo más destacable del género en los últimos años. Una reflexión sobre el poder del lenguaje, -el verbal pero también el cinematográfico-, tocado por una íntima y poderosa idea de la herencia.

Amén de que este film ya se presentaba como el colofón momentáneo de una carrera más o menos ascendente. Incendies era un melodrama sólido pero eficaz, Enemy un hábil trampantojo, Sicario una potente máquina sensorial y Prisioneros una obra maestra, simple y llanamente.

Además, cuenta con la ayuda de quien escribiese el guion de la original, Hampton Fancher, la música del talentoso Jóhann Jóhannsson y el director de fotografía de películas como Cadena Perpetua, No es país para viejos o Fargo; Roger Deakins.

Philip K. Dick, decía que la verdadera medida de un hombre es “lo rápido que puede responder a las necesidades de los demás”. Denis Villeneuve tiene todas las miradas puestas en él y parece que va a tener que atender a más necesidades de las que el escritor californiano habría imaginado jamás. Si dará la talla, es un misterio cuya respuesta podríamos confiar en que nos la diese el talento cinematográfico que destilan todos sus trabajos anteriores. Aunque de cielos más altos han caído meteoritos.

La filosofía del cazador y la presa

Blade Runner nunca fue solo una película de un hombre disparando contra personas que parecían humanas. En cierto sentido, lo que hace grandes a las grandes películas de ciencia ficción es su utilización de la especulación como poder de reflexión sobre realidades que tienen más que ver con el aquí y el ahora que con cualquier futuro. El abordaje de las grandes dudas epistemológicas se agazapa en cada clásico.

Lo cierto es que la literatura de Philip K. Dick ya lo hacía. Él “dejó claro que la literatura de ciencia-ficción no es solo anticipación de lo material sino la corroboracion de que la esencia humana va a ser igual hoy, aquí, en una dimensión alternativa o en el fin literal de los tiempos”, decía John Tones en un artículo sobre su literatura.

La supervivencia de la esclavitud disfrazada, el peligro de tener un creador y no un padre o la búsqueda de lo que nos hace realmente humanos son solo algunos de los temas de su armazón simbólico.

Por lo que sabemos, parece que Blade Runner 2049 no se quedará en el ejercicio estético de quitarle el polvo a viejos mitos, como hizo la séptima entrega de la saga Star Wars. Sus adelantos apuntan a un producto con distintas miras. Imágenes que recuerdan a la Guerra Fría, desolados paisajes de un pasado que podría ser el nuestro, ojos que batallan con recuerdos, lucha de clases, explotados, explotadores y matones a sueldo… “El mundo gira en torno a un muro que separa clases. Di que no existe ese muro, y la querra está garantizada”, nos dice la voz a una de Robin Wright. La suerte está echada.

El cine puede ser un gran acto de rebeldía. Una experiencia liberadora que nos permite soñar sin temor a ser sorprendidos y, en el mejor de los casos, recuperar la alegría de vivir. Este motín emocional es un acontecimiento que sucede, por ejemplo, cada vez que un espectador se abandona y disfruta de los musicales clásicos de Vincente Minnelli, Stanley Donen o Gene Kelly. Sencillamente, dan ganas de quedarse a vivir en ellos para siempre. En el cine de nuestros tiempos, sin embargo, se ha perdido algo de aquella valiente ingenuidad, de aquella magia absurda que se producía en nuestra mente cuando veíamos, por ejemplo, a un tipo con cara de chiste que bailaba ‘subiéndose por las paredes’ o a una pareja que se dejaba querer entre pasos de danza clásica, claqué y un París impresionista. 'La La Land', un musical de nuestros tiempos que está recorriendo un camino plagado de éxitos y cuenta con 14 nominaciones a los Oscar 2017, es uno de esos lugares asombrosos donde a muchos no les importaría echar raíces.

Su autor, Damien Chazelle, tiene 31 años, es un joven que tuvo una prometedora, pero truncada carrera como batería de jazz y acabó dando con sus huesos en la industria del cine. Un negocio donde ha  sabido reivindicar su potente personalidad artística y convertirse en un autor admirado casi desde el primer momento, cuando sorprendió con su segunda película como director, 'Whiplash'. Chazelle es también un romántico irremediable. Un realizador que quería, en La ciudad de las estrellas, rendir un homenaje a los musicales de siempre y, en especial, a 'Los paraguas de Cherburgo' (Jacques Demy, 1964). Lo ha logrado resultando, al mismo tiempo, original y audaz.

Para dotar alma a su propio musical, escogió Los Ángeles como telón de fondo. Una ciudad que se deja atrapar fácilmente por los atascos y los clichés sobre el éxito y el fracaso, pero desde la cual Chazelle nos habla de las ilusiones y de sus desdichas, de los sueños prestados por los que se lucha ciegamente y de los propios, que se soportan como un calvario  que anula cualquier rastro de humanidad. Y por supuesto, habla del amor, pero de una forma que engancha: como ese inconveniente que habría que evitar a toda costa, pero al que no hay manera de darle esquinazo.

'La La Land' es una película creíble, que resulta perfectamente respirable dentro de su atmósfera de ensoñación. Quizás sea por esa historia de amor que parte del fastidio y que mantiene su tensión en un estupendo tira y afloja, en la mejor tradición de la ‘screwball comedy’. Tal vez tengan algo que ver detalles como esos pies que intentan retener el movimiento, pero no pueden evitar escaparse y perderse  en un fabuloso número musical, el primero, que comparten los protagonistas con Los Ángeles al fondo. Puede que nos la creamos por la crudeza con la que al espectador le llegan a doler los sueños rotos o por ese desenlace que acaba dando rienda suelta a un cinismo inesperado, que se apura con mucha clase.

La mayor parte de las canciones guardan la magia de un sonido que suena a inédito, pero su carácter instrumental y su interpretación rezuman melancolía por los clásicos del género a los que rinden homenaje. Y dan pie a un buen puñado de imágenes y coreografías espectaculares: como ese atasco cotidiano que acaba huyendo hacia un espectáculo coral o el vaporoso y redundante baile interpretado por la pareja protagonista sobre las estrellas de un planetario. Ryan Gosling y Emma Stone abordan con frescura y una habilidad encantadoramente imperfecta todos los números musicales a los que se entregan con una pasión y un entusiasmo contagiosos.

Pero no es la única aventura insólita que nos espera en la película. Porque en 'La La Land' hay un beso inolvidable. Un beso que nos sorprende a traición y que nos lleva a vivir uno de los desenlaces más emocionantes y catárticos de la historia del cine. Un final enfermo de nostalgia por un tiempo que habitó, alguna vez, en la imaginación de las personas condenadas a tomar decisiones.

- Título: La ciudad de las estrellas (La La Land), 2016

- Dirección: Damien Chazelle

- Guión: Damien Chazelle

- Reparto: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt, J. K. Simmons

Es la película del año, sin duda. Con casi total seguridad ganará el Oscar al mejor largometraje. Son frases que ya empiezan a sonar muy obvias pero simplemente se refrendan una vez el espectador acude al cine a ver el nuevo trabajo de Damien Chazelle, director de aquella grandísima clase de batería que fue Whiplash! (2014) y que ahora se encuentra tras la batuta de este homenaje al cine musical que es La La Land.

Como si volviésemos atrás en el tiempo, hasta el año 2011 con The Artist, en la que se rememoraban los años del cine mudo, La ciudad de las estrellas presenta una escenografía propia de aquellos montajes de la época dorada del musical. A propósito, claro. Las referencias son interminables e incluso comienzan antes de la propia acción. Si a eso le sumamos la transposición de grandes e impresionantes lugares abiertos en escenarios de rodaje o la incontenible cantidad de recursos que brinda el cine digital, podremos estar hablando del mejor musical de la historia a nivel técnico. Pero no es así.

Es cierto que la música de esta película es una asignatura más que aprobada y canciones como la ya famosa City of stars o la divertida Another day of sun, con la que comienza el metraje, sitúan perfectamente el enfoque deseado en la historia, llegado a momentos muy emotivos en una escena de la protagonista femenina en una audición.

Sin embargo, el homenaje pesa mucho y la originalidad queda atrapada en esos medios visuales y sonoros, de gran reconocimiento. Damien Chazelle se supera absolutamente creando un Los Ángeles romántico hasta la médula en el que todo puede pasar. Pero además también es capaz de hacer de la cámara un pincel con el que pintar el sentimiento de estar enamorado, el universo interior en el que se pierden los protagonistas de esta historia, una pareja de soñadores enamorados compuesta por una aspirante a actriz (Emma Stone) y un pianista de jazz (Ryan Gosling).

Es cierto que esas dos mitades de la película funcionan como deben y sin embargo un guión que decae en el desarrollo de la cinta hace que haya grandes escenas en los primeros tres cuartos de hora y luego se pierda algo el interés por los personajes (el de él, sobre todo), hasta remontar muchísimo en un catártico y lacrimógeno desenlace. Quince minutos finales para la historia del cine que le dan sentido y seriedad a la trama, la cual tiene momentos de auténtico empalague.

Porque sí, es una película para enamorados. O para enamorarse. O para recordar esa ciudad de las estrellas por la que bailan Gosling y Stone. O simplemente para rememorar el pasado. Eso es realmente La La Land: una nostálgica producción que homenajea tiempos mejores en una época completamente incierta. Curioso mensaje el que se extrae de cómo Chazelle enfrenta esa incertidumbre ya que su película comienza con grandes expectativas, vive un largo presente y… no contaremos más.

La nostalgia en el cine es un arma eficaz y muy útil pero el mensaje que transmite es peligroso. Ni todo tiempo pasado fue mejor ni vivir cualquier presente es tan genial ni mucho menos mirar hacia atrás es algo a lo que la mayoría suela recurrir. En esa melancolía se refugian los creadores que saben qué tecla tocar en el público y con la que transmitir lo que quieran, pero también la falta de ideas que se apropia de la videoteca de turno para rentabilizar historias de esos tiempos pasados tan mejores que siempre querremos recordar.

El director de esta historia de amor es, en este caso, tan consciente de ello que critica y parodia ese aspecto de Hollywood con gran acierto. Un detalle muy importante que refuerza su independencia, que, unida a su juventud y su desproporcionado talento, lo convertirán -empezando por ganar el Oscar este año- en uno de los grandes directores del cine actual. Es lo que Chazelle se merece. Es lo que se ha ganado con La ciudad de las estrellas.

Y los espectadores… bueno. Saldrán de la sala enamorados, bailando por los pasillos del cine cogidos del brazo de su particular Ryan Gosling o Emma Stone… O realmente podrán estar torciendo el gesto en su interior mirando al infinito, hacia esos tiempos pasados que algunas veces, con el rabillo del ojo y la media sonrisa en los labios, vale la pena mirar y guardar.

“No es lo que no sabes lo que te crea un problema. Es precisamente lo que sabes seguro, lo que lo hará”. La gran apuesta empieza así, con una frase de Mark Twain. El director, Adam McKay, ha elegido la frase de un escritor satírico del siglo XIX para abrir una película que, por momentos es graciosa por lo disparatado de lo que narra. Pero lo que cuenta no tiene ninguna gracia. Es la historia de nuestra historia; del mercado fraudulento, del capitalismo que se derrumba, de las hipotecas subprime en EEUU y de unos pocos tipos listos que vieron la debacle del sistema financiero antes que nadie.

La gran apuesta excava en los acontecimientos que llevaron al hundimiento de la primera economía mundial. Tiene ese aire cómico y dramático que La gran estafa americana dibujó, ese toque ágil como de screwball, fresco y luminoso. Aquí la comedia se oscurece en lo explícito: las prácticas de esos hombres de Wall Street que acostumbramos a ver en las películas, su total desprecio por las personas, su amor por el dinero, su humor tóxico, sus procedimientos y formas. McKay ha escrito el guión junto a Charles Randolph a partir del libro de Michael Lewis.

Es irónico que sea un gestor tuerto que trabaja para un fondo de inversión el primero que intuya que el mercado se derrumbará. Michael Burry (Christian Bale) lo ve, tan bien que aprovecha sus plenos poderes al frente de la entidad para vender los activos tóxicos de su empresa con la intención de salvarla.

No es un héroe; en La gran apuesta no hay hombres buenos. Hay inversores que intentan salvar su pellejo como Mark Baum (Steve Carrell), traders que huelen el dinero a distancia como el encarnado por Ryan Gosling y pequeños tiburones financieros que no dudarán en jugar al juego. Aun sabiendo que, al final, será la clase media la que pierda. Y no hay que perder la perspectiva, porque a veces parecerá que empatizamos con unos y otros.

Mentiras que se vuelven una estafa

Hay aspectos de la película que justifican cinco nominaciones. Hay otros que no tanto, como que la presencia de Margot Robbie -protagonista de El lobo de Wall Street- se limite a una aparición semidesnuda en la bañera para explicar lo que son las subprime. Hay muchos otros cameos, como el del chef Anthony Bourdain o el de Selena Gomez. Personajes que rompen la cuarta pared con clases de terminología financiera para dummies que bajan La gran apuesta al nivel de los no economistas. Y que, paradójicamente, la convierten en un big deal. Como un Brad Pitt que, en un glorioso papel secundario, encarna a un trader retirado, ético y benévolo: “Cada vez que el paro sube un 1% en EEUU, mueren 40.000 personas”, les dice a dos compañeros mientras se alegran por haber cerrado el mejor negocio del mundo.

Es una película ambiciosa con una tarea difícil. Quizá por eso desprende a veces una ligera actitud condescendiente hacia el espectador, que parece obligado a saber lo que son las subprime, los CDO (obligaciones de deuda colaterizada) o los MBS (bonos de titulación hipotecarios). Pero quizá no nos merecemos al chef metaforizando las sobras del pescado para explicar productos financieros, o a la actriz apostando al blackjack mientras habla de riesgo-beneficio. La que más duele es Margot desnuda en la bañera. Parece aquel chiste de “¡Sexo gratis! Ahora que tengo tu atención...”

La gran apuesta recorre esos tres años negros -de 2005 a 2008- en los que se fraguó la mayor estafa financiera de nuestra historia. Una mentira dentro de otra mentira, envuelta en otra mentira. Bancos que, por estúpidos o por ignorantes, olvidaron las reglas del juego y primaron el beneficio sobre la ley, con las consecuencias que bien conocemos: millones de familias en bancarrota, personas sin hogar y parados que se contaron por miles. Después todo eso llegó a Europa y la historia ya nos la sabemos. Casi todos los banqueros fueron malos, aunque La gran apuesta, a veces, casi nos haga querer pensar lo contrario.

En el Boulevard de Clichy de París hubo entre finales del siglo XIX y mitad del XX un café temático que en sus programas anunciaba calderas bullendo, suplicios femeninos, atracciones diabólicas y pasarelas malditas. Lost River llega con una pintona cartelería donde se diría que se está citando ese mítico café llamado l’Enfer, un pórtico demoníaco que en cualquier caso resulta una clave muy adecuada para asomarse a la primera película escrita y dirigida por el protagonista de Drive o Blue Valentine, pues de todo aquello trae.

Emplazada en una fantasmagoría de Detroit, Lost River es la película de un desahucio, el que amenaza a la precaria familia de Bones (Iain De Caestecker), un muchacho que se enfrenta a la pérdida de su hogar mientras su progenitora (Christina Hendricks) intenta sacar las castañas del fuego arrancándose la piel sobre las tablas de un extraño cabaret de la sangre. En su entorno, una serie de personajes estrambóticos que siguiendo la tradición simbólica del cuento de hadas encontrarían su correspondencia en lobos, dragones y alimañas de relato infantil, evolucionan en una danza siniestra y se esfuerzan por nutrir una trama alucinada, enclenque en vigores dramáticos pero estimulante en sus propósitos tenebristas.

Ryan Gosling, que para hacerse entender apela al desamparo que le produjo el divorcio de sus padres cuando tenía 13 años, ofrece en este debut un cuento chico de hombres depredadores que, como espectáculo de grand guignol, se muestra algo inseguro. Carece de desnudos y es moroso en esa violencia callada que preña el metraje sin acabar de alzarlo, pero a cambio se logra vaporoso como el cabello de Shelley Winters bajo el agua en La noche del cazador, una perfume clásico en el que el autor, probablemente muy bien aconsejado por Guillermo del Toro, parece querer abundar con la incorporación al reparto de Barbara Steele. Con su mera presencia, la primera gran dama del cine de terror gótico sustrae la película de las manos sucias de hipsters oportunistas para rendir de manera automática a los facilones y siempre románticos amantes del cine de género, que se verán obligados a defenderla como ofrenda. Y en eso estamos.

La mejor y única manera de abordar Lost River es disculpándola como lo que es, una pieza ebria de referencias que van desde las fugas psíquicas de David Lynch a la suntuosidad macabra de Dario Argento pasando por la plástica enajenada, vacua y también referencial del mentor de Gosling, Nicolas Winding Refn, quien en su día le facilitó el tránsito definitivo de galán adusto con pasado Disney a intérprete drástico y pasmado con títulos nacidos para el culto como Sólo Dios perdona.

Fue precisamente Refn, asumiendo su parte de “culpa”, el primero que salió en defensa del actor en el pasado festival de Cannes, donde Lost River fue defenestrada sin miramientos por el organismo vegetal de la crítica, porque a la crítica la indispone el fruto verde y se resiste a reconocer que una película puede no ser “buena” pero sí apreciable en sus cualidades de opera prima, para lo cual habría que conceder que, en ocasiones, las operas primas no son más que un ejercicio de impudor y una herramienta para quitarse de encima la impedimenta, artefactos del ego.

En Lost River, Gosling parece que se embelesa pero lo que hace es sacudirse los influjos como un perro mojado y los dispone en una esmerada enumeración que nos dará el retrato preciso de la estrella de Hollywood, el de un niño perdido y a la vez un hombre abrumado, más que de cine, de imágenes y querencias.

El resultado es un sinfín de paisajes apócrifos del infierno arrobados en la música de Chromatics, melodías panorámicas y nanas sintéticas para vestir un cine cándido que se postula como extravagancia aunque se queda en desfogue de copista, fascinación de las niñas y promesa de quién sabe si algo más. Para un viernes que no sabe si llover o despejarse será suficiente.

El Brooklyn de La Entrega es un lugar donde decenas de bares sufren la extorsión de la mafia irlandesa. Y donde un camarero torpe, callado y aparentemente convencional llamado Bob Saginowski se verá envuelto en una situación límite dónde tendrá que defender a los suyos con una violencia descarnada.

En El simple arte de matar Raymond Chandler se inventa el concepto de antihéroe, un caballero andante que se camufla entre la gente corriente, que no sobresale ni por lo bello ni por lo valiente (aunque lo sea) y que guarda su código de honor en las profundidades de su alma cubierto por un velo de cinismo. “Debe parecer un hombre común, pero no tolera mezclarse con ellos. Ha sido degradado pero continua basándose en el honor. Es leal por instinto, por inevitabilidad. Le disgusta lo falso y lo mezquino”.

El héroe que encarna Tom Hardy, escrito y adaptado por Dennis Lehane (Mystic River, Gone Baby Gone), corresponde a este perfil, aunque modernizado con pequeños añadidos. Saginowski carece de ambición, vive y deja vivir, quiere a su chica (Noomi Rapace) y es leal a su primo y dueño del bar (James Gandolfini) hasta que éste comienza a demostrar signos de egoísmo y bajeza. Hasta aquí un espejo del Philip Marlowe ideado por Chandler, modernizado con la misma combinación de ternura y violencia extrema que ha hecho famoso a Ryan Gosling en Drive y Solo Dios perdona. Solo que Marlowe es bruto y el estereotipo es más bien burro.

“Debe ser un hombre solitario y de ingenio grosero. Y por supuesto relativamente pobre, porque si no, no sería detective”, explicaba Chandler. Tanto Humphrey Bogart en El sueño eterno como Elliott Gould en El largo adiós encarnaron a Marlowe. Bogart era más duro, el amante perfecto, el implacable detective. El larguirucho Gould rebosaba descaro, era el típico capullo deslenguado que al final se redime haciendo lo correcto. Los dos eran cínicos “de ingenio grosero” pero nadie les llamaría borricos. Hay un abismo entre ellos y el Bob de Lehanne.

La llegada del samurái

El eslabón perdido en la evolución del antihéroe fue Le samouraï. Lo que hizo Jean-Pierre Melville con el estereotipo inventado por Chandler fue cortarle la lengua y desnudarle de toda esa impostura que desprendía el detective de Chandler. El Jef Costello de Alain Delon es un hombre apuesto y enigmático que no sabe amar puesto que, al igual que el samurái, lleva una existencia monacal basada en el honor, la lealtad y el silencio. Su lenguaje es la violencia, su principal característica es la soledad. Es precisamente el derrumbamiento de este código el que lo redime y lo destruye. Él es el siguiente paso en la evolución hacia el héroe introvertido que protagoniza la cinta de Michael R. Roskman.

“Puede seducir a una duquesa pero nunca se aprovecharía de una virgen”, decía Chandler, y Melville no olvidó este detalle sino que le dio alas. Alain Delon representa a un individuo cautivador y fascinante para el sexo opuesto. Sin embargo, en vez de ser un mujeriego desatado, gasta todos sus esfuerzos en mantenerse frío para evitar caer en el pecado de la carne.

Nicolas Winding Refn, director de Drive y Solo Dios perdona, respeta la mayoría de las singularidades del samurái y da una vuelta completa a su idea de romanticismo. Si para el personaje de Alain Delon el amor estaba prohibido, para el cortito conductor interpretado por Gosling es un fenómeno meteorológico que lo transforma por completo.

El tipo del escorpión en la espalda no es capaz de mantener un diálogo coherente con la mujer que ama, solo hay miradas y medias sonrisas que ni siquiera tienen por qué significar algo. Parece adecuado calificar al protagonista de Drive como un auténtico pagafantas. Son los problemas de la chica interpretada por Carey Mulligan los que le arrastran oportunísticamente hacia él. Cabe preguntarse si ella se enamoraría de un tipo semejante en cualquier otro contexto.

Psicópata + perrito = nuevo héroe noir

Ryan Gosling se enamora de una chica y se encariña de su hijo. En The Drop, están su novia Nadja y un cachorro. Si no fuera por estos elementos, tampoco nosotros nos enamoraríamos de un matón de carretera o un auténtico beato que va a misa todas las semanas, que esquiva el sexo por caballerosidad y que se retrata como un auténtico mojigato.

Por no decir psicópata. Esta última reencarnación del héroe silencioso se revela como un asesino despiadado que se mueve a través de feroces impulsos y que desconoce la culpa, por eso es necesario bajarle el coeficiente intelectual y enchufarle en los brazos un perrito. Cabe destacar una última novedad en la cadena evolutiva del género: al contrario de lo que ocurre con Le samouraï, el código de honor del personaje de Tom Hardy le permite enamorarse y salvar la vida de la chica y del cachorro. Un final made in Hollywood para un criminal con pocas luces.

Esta revisión del héroe nos gusta porque es benévola con el mundo. Porque nos sentimos más identificados con el personaje torpe que con el insolente perdedor. Queremos que triunfe la bondad, la fidelidad, la honestidad y el amor a pesar de la violencia. Por eso ha sido inevitable que el detective Philip Marlowe se haya ido convirtiendo con el paso de los años en el camarero interpretado por Bob. El héroe silencioso es el héroe de nuestro tiempo.

Pincha para verle las caras...

En los últimos años hemos asistido a un peculiar proceso de relanzamiento de la que se ha convertido en una de las caras más rentables de Hollywood. Su imagen nos persigue cuando vamos al cine en forma de colosal póster de estreno o en la gran pantalla, donde los directores han decidido monopolizar los planos con sus rasgos canadienses. La figura del actor es una estrategia de márketing en sí misma y sirve de excusa para sobrepasar la peligrosa línea de crear personajes especificamente para él. Ryan Gosling interpretando a Ryan Gosling. O puede que sus interpretaciones sean tan fidedignas y verosímiles que consigan que olvidemos que nos encontramos ante una ficción. Un debate acalorado entre partidarios y detractores que solo esclarece un asunto, el fervor con el que son esperadas sus apariciones en la alfombra roja.

Supo meterse en el bolsillo al público más indie con proyectos un tanto rocambolescos como Lars y una chica de verdad, Half Nelson y Blue Valantine. Mientras tanto, se desenvolvía como pez en el agua de las lágrimas que provocaba con títulos como El diario de Noa, de la escuela de Nicolas Sparks. Muchos dirán que esa faceta fue la que le catapultó al saturado firmamento de las celebridades, pero no sería hasta el estreno de Drive en Cannes cuando enamoraría a los asistentes de la Croisette, obligando a los más críticos a salir de las trincheras. Empezaba el año de moda de Ryan Gosling en el que, incluso, casi se le perdonaron fiascos lacerantes como Gangster Squad. Esta fructífera estrategia ha querido ser repetida por el director Nicolas Winding Refn en su nueva Sólo Dios perdona. No se le puede juzgar, pues no es el único que ha reciclado las dotes interpretativas del joven actor en un producto a forma de déjà-vu.

Las cuatro facetas del fenómeno Gosling

Cuatro han sido los perfiles resultantes de haber observado con lupa las últimas películas de Ryan Gosling. La faceta más memorable (que no destacada), jovial o lóbrega, es la del romántico empedernido. El simpático Noa Calhoun, que esperaba durante años a su verdadero amor construyendo una casa nos recuerda al menos idílico, pero finalmente igual de sentimental, Jacob Palmer en Crazy Stupid Love. Como este papel de guaperas en pos del sentimiento san-valentinesco típico de Hollywood le iba muy bien a sus fibrados músculos y mirada lánguida, pronto llegaría el director Derek Cianfrance para ofrecerle sus Luke y Dean en Cruce de caminos y Blue Valentine, respectivamente. En esta ocasión quisieron desendulzarle un poco y situar a sus personajes en un entorno menos bucólico, ampliando así el espectro interpretativo de Gosling.

Vamos ahora con los ingenuos corruptibles. Son el muy honorable Stephen Meyer de los Idus de marzo y el bastante menos respetable Jerry Wooters de Gangster Squad. En ambos casos, el personaje que empieza la cinta da un giro de 180º al final de ella en un sentido bastante obvio y manido por la industria cinematográfica: el inocente corderito que la sociedad y crudas circunstancias corrompen hasta transformarlo en un ser receloso y descreído.

El tipo loser es, sin duda, el que despierta en los espectadores su instinto más protector. Personajes graciosos, aunque internamente perturbados y con un trasfondo social bastante más complejo del que aparentan, como son el insociable Lars y el excéntrico profesor Dan Dunne de Half Nelson.

Por último, el hombre piedra que ha convertido en mito Winding Refn por partida doble con Conductor y Julian. El hieratismo que han patentado estos dos personajes, no precisamente elocuentes, le ha puesto en las manos a Gosling los papeles más complejos, crueles e inmutables de su filmografía. Sin apenas mover los músculos de la cara, Ryan ha provocado las reacciones más apasionadas entre la crítica y el público a fuerza de aplausos y pitidos.