Harrison Ford lo ha vuelto a hacer. El que alcanzó la fama mundial por sus papeles en sagas como Indiana Jones o Star Wars ha defendido la ciencia en un alegato contra la inacción frente al cambio climático, especialmente duro contra quienes lo niegan. En concreto, sus críticas han ido esta vez dirigidas a uno de los dirigentes mundiales que más pasos dan en contra de la lucha por el clima y que más apuesta por el negacionismo científico: Donald Trump. “No conozco un criminal mayor en la historia”, ha dicho el actor.

En declaraciones al periódico británico The Guardian antes de recibir un premio por sus labores de divulgación sobre la conservación este pasado miércoles, Ford ha cargado duramente contra el presidente de Estados Unidos. “No tiene políticas, solo caprichos. Me da mucho miedo. La ignorancia, la arrogancia, las mentiras, la perfidia. Sabe lo que hace, pero es un instrumento del status quo y está ganando dinero a espuertas mientras el mundo se va al garete”.

Estados Unidos se salió a principios de este año del Acuerdo de París contra el cambio climático, volviendo a darle la espalda a los objetivos climáticos. Un acuerdo que se aprobó en 2015 para abordar la necesidad de trabajar globalmente para luchar contra el cambio climático por el que los países firmantes se comprometen a tratar de impedir que la temperatura global del planeta al final del siglo XXI suba más de 2 °C.

Aunque no es el único paso que ha dado la Administración Trump en contra del consenso científico por la emergencia climática. El Ejecutivo también prohibió calcular el impacto monetizado de las emisiones de CO₂ para no entorpecer el uso de combustibles fósiles, y en diferentes ocasiones el presidente estadounidense ha calificado la ciencia climática de “estafa”, en su lucha contra las energías renovables.

Sin embargo, Ford se muestra con esperanza en este sentido y asegura que está “perdiendo terreno porque todo lo que dice es mentira”: “Estoy seguro de que podemos mitigar el cambio climático”, añade en conversación con la cabecera de Reino Unido.

No es la primera vez que Harrison Ford hace declaraciones públicas en este sentido. Cada año durante la Cumbre del Clima pide evitar la desesperanza y anima a la “acción colectiva” para pedir a los gobiernos que se tomen medidas para preservar el planeta.

En 1975 Steven Spielberg inventó el cine popular moderno con Tiburón, y lo pulió en los años siguientes con una sucesión de clásicos que le consagraron como Rey Midas de Hollywood. Tal impacto causó en el blockbuster que hoy su legado lo inunda todo, trascendiendo lo que él mismo pueda hacer. Mientras el director ha ido perdiendo el contacto con el público —su reciente autobiografía, Los Fabelman, se hundió en taquilla—, desde otras instancias de la industria se asume que lo más valioso que puede darle a la maquinaria hollywoodiense estriba en sus franquicias, y en la invocación de un estilo.

El mismo Spielberg pudo ajustar cuentas con lo primero en Ready Player One —una celebración de la cultura pop como crossover virtual dirigida por quien más había hecho por dicha cultura pop—, pero por lo general la regurgitación de su legado ha corrido a cargo de terceros. El fenómeno Stranger Things, por ejemplo, se asienta en la iconografía ochentera que el mismo Spielberg diseñó a partir de su productora, Amblin, aunque quizá de cara a abordar algo como Indiana Jones y el dial del destino sea más socorrido acudir a Jurassic World. La segunda entrega de la trilogía estuvo dirigida por J.A. Bayona.

Y, en Jurassic World: El reino caído, el cineasta catalán trataba de mimetizar la puesta en escena con el sello de Spielberg. Lo que suponía recuperar las citadas iconografías, pero también un virtuosismo y una preocupación por el sentido de la maravilla que se antojaba heroica en una época donde la capacidad de maravillar de Hollywood está sumamente devaluada. El reino caído, sin dejar de ser una idiotez fantasmal, lo logró. Como también lo ha logrado contra todo pronóstico Indiana Jones y el dial del destino, de la mano de James Mangold y de algo que a Bayona se le escurrió entre los dedos: pura y dura sabiduría pop.

A la estela de los clásicos

“No puedes reemplazar al mejor jugador de béisbol de todos los tiempos sin saber que hay unas expectativas en ti”, cuenta Mangold sobre la complicada tesitura de suceder a Spielberg al frente de Indiana Jones. “Pero al final solo has de pensar en golpear la pelota. No puedes preocuparte por lo que el público o alguien fuera del campo estará pensando”. Spielberg iba a dirigir originalmente la quinta entrega de Indiana Jones, queriendo volver sobre sus pasos tras la fría reacción que había suscitado la película previa, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Llegado 2020, tras varios años de desarrollo, optaba por marcharse.

Antes también lo había hecho George Lucas, creador de Star Wars y colaborador habitual de Spielberg en la saga, y seguidamente lo haría el guionista de El reino de la calavera de cristal David Koepp. El dial del destino es, pues, una película que no existiría sin la obstinación de Disney —al mando de Lucasfilm desde 2012— por exprimir al personaje, y en general sin unas circunstancias muy precarias en Hollywood con respecto a la generación de nuevos imaginarios. Pero al menos Spielberg sí accedió a quedarse como productor ejecutivo.

“Estuvo presente en el desarrollo de un nuevo guion y nos hicimos muy amigos. Terminamos hablando cada semana de rodaje durante un año, mientras él hacía Los Fabelman y yo hacía Indiana Jones”, recuerda Mangold, cuyo fichaje como director pocos meses después de la marcha de Spielberg caía por su propio peso. El cineasta neoyorquino cuenta con una sólida carrera a sus espaldas espoleada, antes que cualquier cosa, por convicciones cinéfilas muy claras. La mirada de Mangold tiene un ímpetu neoclásico, que de forma instintiva conecta con tiempos pretéritos de Hollywood y confía en la grandeza de las historias de siempre.

Es la que ha posibilitado su extraordinario remake de El tren de las 3:10, y eventualmente el apoyo de la industria al sacar adelante un cine añejo pero capaz de vigorizar cualquier producción, sin importar lo corporativo de sus mimbres. Puede que el filme que más claramente le llevó a dirigir Indiana Jones fuera Logan: entrega de X-Men que acogía visos de wéstern crepuscular para darle una despedida tan violenta como emotiva al Lobezno de Hugh Jackman. El dial del destino, antes que cualquier cosa, va de héroes en el crepúsculo.

“Spielberg es un director muy clásico y me siento muy cómodo jugando en su cajón de arena, porque yo tengo gustos similares. A mi manera he intentado explorar los mismos referentes, gracias a compartir el amor por las grandes películas con las que crecimos: wésterns, aventuras, misterios pulp, ciencia ficción…”, explica el director. Para crear originalmente al arqueólogo, Spielberg y Lucas se habían basado en seriales televisivos y cine de acción de serie B: referentes que acogieron una escala épica a partir de En busca del arca perdida.

Mangold ha vuelto a estos referentes, pero trae consigo algunos nuevos y ha erigido la trilogía original como la deuda estelar. De esta curiosa combinación, de las filias de Mangold entremezcladas con el recuerdo de la saga, surge el personaje de Helena: la ahijada de Indy que interpreta Phoebe Waller-Bridge y le acompaña en esta aventura. Helena es un personaje fascinante por cómo cataliza la sabiduría pop que mencionábamos al principio.

Helena es el desencadenante de una aventura que pilla por sorpresa a Indy a finales de los 60, cuando va a jubilarse de la enseñanza, el hombre acaba de llegar a la Luna y hay sospechas de nazis infiltrados en EEUU. Su forma de lidiar con el veterano arqueólogo, desafiándole con arrogancia y engañándole continuamente a lo largo del mundo, remite a la clásica comedia screwball con mucho más músculo que el que por ejemplo pretendía exhibir el toma y daca de Indy y Willie (Kate Capshaw) en El templo maldito, tan marcado por la misoginia.

En cambio, la creadora de Fleabag reclama la ferocidad de Barbara Stanwyck en Las tres noches de Eva —Mangold siempre ha sido admirador del cine de Preston Sturgess—, con la que Indy ha de negociar desde la consciencia de que, en realidad, Helena es como él: su heredera, una aventurera que a lo largo del filme es capaz de repasar los distintos conflictos que atravesaba el protagonista durante toda la trilogía original. Incluyendo un protegido, el Tapón de Ke Huy Quan pasando a ser Teddy, encarnado por Ethann Bergua-Isidore.

Helena es un reflejo de Indy, construido para tejer una reflexión sobre las inquietudes conceptuales de la saga. Pero, por suerte, esta reflexión deja de lado cualquier concesión, del mismo modo que los inevitables guiños nostálgicos no se articulan como llamadas de atención directas al público, sino como juegos cómplices entre los personajes. Lo mejor que se puede decir de El dial del destino es que tiene una confianza militante en la ficción.

El problema del tiempo

Mangold se hizo cargo personalmente de la reescritura del guion después de todos los terremotos que había experimentado el proyecto. Esta reescritura, sin embargo, no evita varios elementos deficientes —el ridículo personaje de Antonio Banderas, diversas arritmias entre el segundo y tercer acto—, ni tampoco exime del todo a El dial del destino de enfrentarse a las forzosas carencias a las que abocaba su mismo nacimiento.

Mangold, en efecto, no es Spielberg. Pero hay un trabajo lo bastante esforzado —en materia de composición de planos, de originalidad en las escenas de acción— como para concluir que ha interiorizado lo mejor posible su estilo. “Toda mi vida, cada día que he dirigido, he dirigido con su voz en mi cabeza. Porque era mi héroe y su voz me guiaba”, asegura. Gracias a esta pretensión, la factura de El dial del destino supera ampliamente a muchos blockbusters actuales en cuanto a la claridad de los movimientos, el diseño de producción o la fotografía. Aunque no tiene tanta suerte con el CGI, como muchos blockbusters actuales.

Los efectos digitales emborronan ocasionalmente los logros plásticos de El dial del destino, como recordatorio insistente de que ya no estamos en los 80 y el cine de hoy debe lucir así. Nada lo proclama mejor que la larga secuencia introductoria, donde Harrison Ford es rejuvenecido por ordenador para que la historia se remonte al final de la Segunda Guerra Mundial. Aquí la extrañeza aplasta la competente realización de Mangold. Durante estos minutos es inevitable temer si El dial del destino no será, como tantas otras antes que ella, una secuela desalmada a punto de pasar revista autocomplaciente de nuestros recuerdos.

Puesto que el tesoro que focaliza la trama es la Anticitera —y, con ella, la posibilidad de viajar en el tiempo— los temores parecen cada vez más fundados, pero la jugada de Mangold resulta ser mucho más lúcida de lo que parecía. Pues en efecto a él no le interesa el tiempo como excusa para acariciarnos la nostalgia, sino como elemento determinante de la psicología actual y hastiada de Indiana Jones. “El tiempo es el mejor tema posible para abordar en una última película de Indiana Jones, cuando el protagonista tiene 70 años y el mundo cambia a toda velocidad a su alrededor”, defiende Mangold.

“El héroe de los viejos tiempos se pregunta si se ha quedado obsoleto, e intenta reinsertarse en nuestra época”. Es justo lo que hace con tanto brío El dial del destino. Recurre a varias dinámicas actuales —revisionismo, directores convertidos en propiedad intelectual, CGI de derribo—, para ponerlas al servicio del motor escapista originario, felizmente ingenuo y festivo. La operación termina de mostrar lo bien que ha sido orquestada en un clímax asombroso, poseedor de un riesgo e inventiva que, efectivamente, nos traslada a otra época. A una en la que los blockbusters podían ser libres, y también los lideraba Indiana Jones.

Es curioso cómo las dos franquicias creadas por LucasFilms (y ahora propiedad de Disney) han tomado la misma decisión en un momento crucial de su historia. Si Star Wars reordenaba las piezas con El despertar de la fuerza, un ejercicio nostálgico tras la decepción entre los fans de la segunda trilogía (los episodios I, II y III), Indiana Jones se enfrentaba ahora al mismo problema. Tras una cuarta entrega, Indiana Jones y la calavera de cristal, que por primera vez encontró las fauces de la crítica y no dejó calado en el público, Disney decidía apostar por una quinta película con la que revitalizar la franquicia, al menos, un episodio más.

Indiana Jones y el dial del destino tenía la complicada misión de complacer a los fans. No nos engañemos. Indiana Jones no es una saga tan intergeneracional como Star Wars. Los chicos de ahora conocen más a Tadeo Jones que a Indiana Jones; y su presencia en el imaginario popular, aunque incuestionable, no se ha convertido en nuevos fanáticos que pagarían una entrada por ver al arqueólogo con el rostro de un Harrison Ford que ya tiene 80 años. El reto era, por tanto, convencer a los antiguos fans para que volvieran a enamorarse del personaje y, de paso, que la maquinaria promocional de Disney alcanzara a unos cuantos nuevos espectadores.

La nueva película, que se ha presentado como el evento más multitudinario (hasta que llegue Scorsese) del Festival de Cannes, es a lndiana Jones lo que El despertar de la fuerza fue para Star Wars. En aquella ocasión, J.J. Abrams tiró de nostalgia y usó los mimbres ya conocidos para entregar la película que querían exactamente los fans. La hizo con tiralíneas. Era una reproducción hasta en estructura del primer filme, solo que introduciendo nuevos personajes y apelando, constantemente, a aquello que en 1977 hizo sentir la película a los espectadores que la convirtieron en un fenómeno.

El dial del destino juega a lo mismo. A rehacer los errores del pasado a golpe de nostalgia. Unos errores que pasan por solucionar entuertos narrativos, como la incorporación de un hijo de Indiana Jones con los rasgos de Shia Labeouf en la cuarta película que fue un fracaso a todos los niveles. Es una aventura nueva que no desprecia la anterior, pero que se las apaña para obviarla casi todo el tiempo. Lo que han hecho los guionistas Jez Butterworth, John-Henry Butterworth y David Koepp ha sido una vuelta a los orígenes del personaje. Tanto, que hasta comienza con una larga y espectacular escena en la Alemania nazi con un Indiana Jones rejuvenecido con ordenador.

La introducción es puro espíritu aventurero del mejor. Persecuciones, los deus ex machina socarrones marca de la casa, el regreso de los nazis como villanos… un festín para los fans sin ser café para los muy cafeteros. Tras la escena inicial, la película vuelve al presente narrativo de la saga —un 1969 con la carrera espacial como telón de fondo—, a un Indiana Jones cascado, que se hace viejo, que se jubila y no está para más correrías. La llegada del personaje de Phoebe Waller Bridge, su ahijada a la que hace años que no ve, le pondrá en marcha para recuperar un artefacto que, según dicen, puede manejar el tiempo.

El tema de la película queda claro desde el comienzo: la lucha entre lo nuevo y lo viejo. Entre los viejos héroes y los nuevos. Entre la tecnología y lo tradicional; Indiana Jones escapa en un caballo por las vías de un metro y toda la acción se desarrolla en los prolegómenos del viaje a la Luna. Como tantos blockbusters recientes, de alguna forma Indiana Jones y el dial del destino es, en esa defensa de lo viejo sin renunciar a lo nuevo, una defensa a ultranza de las salas de cine. De ir a disfrutar de escenas de acción más grandes y espectaculares, de estremecerse con los acordes de John Williams. Todo frente a la experiencia limitada de la televisión del hogar. La moraleja es clara: no hay que añorar el pasado, pero hay que luchar porque las cosas importantes no se pierdan. 

Todo lo hace en una película que, como viene siendo habitual en los últimos blockbusters de Hollywood, es excesivamente larga. Todo podría tener un tijeretazo que aligerara la sensación de atasco que sufre en su nudo. La parte media parece una sucesión de set pieces metidas con calzador, diseñadas para epatar sin que aporten nada a la historia. Mangold tiene mano para ellas, pero tampoco el talento como narrador que se desprendía en cada escena de los filmes de Spielberg. Confirma su saber hacer como artesano y no se arriesga. Juega sobre seguro para no meter la pata. Una decisión tan correcta como poco valiente.

Una de las claves, sobre todo de cara a un posible futuro de la saga, era ver cómo se integraban los personajes nuevos, y ahí todos los ojos estaban en Phoebe Waller-Bridge, creadora de Fleabag, pero actriz opuesta a los cánones hollywoodienses. En ella residen varios de los mejores momentos de la película. Despliega carisma, encanto, flema británica, ironía y química con Harrison Ford. Su entrada como estrella es también una declaración de intenciones de la saga. No quieren una estrella adolescente, quieren a alguien con la personalidad suficiente para, en caso necesario, poder seguir explotando la gallina de los huevos de oro. Queda por ver qué decide Disney: si intentar estirar el chicle o dejarlo como está, con una escena final emotiva, preciosa, que tiende puentes con el inicio de la saga y que termina con un plano que podría ser un cierre perfecto para la saga. 

Las lágrimas de Indiana

El paso por Cannes de Harrison Ford no solo ha sido el más mediático sino que, de momento, ha sido también el más emotivo. El actor, normalmente serio y hasta arisco, ha estado emocionado y con lágrimas en los ojos desde que pisara el Palais de Festival para la primera proyección del filme. Allí se le entregó una Palma de Oro honorífica por sorpresa que recogió visiblemente tocado. “Dicen que cuando te vas a morir, ves la vida delante de tus ojos. Yo acabo de verla”, dijo reaccionando al increíble vídeo recopilatorio de su carrera, que tiene en su haber varios de los personajes más emblemáticos del cine.

Me encanta mi trabajo, solo quiero trabajar, contar historias, y que sean buenas, y he sido muy afortunado en mi vida de tener estas oportunidades

Harrison Ford — Actor

También se emocionó en casi todas las preguntas de la rueda de prensa. Explicó que con esta entrega la condición para hacerla estaba clara: “Quería una buena película, que se redondeara la historia, quería que en esta película se viera el peso de la vida en el personaje y que tuviera una relación profunda con alguien, pero no un flirteo”. El paso del tiempo, uno de los temas centrales del filme, también se convirtió en uno de los asuntos tratados en las preguntas, y Ford explicó que en este filme todos se juntaron para apoyarle en sus “días como persona mayor”: “Me encanta mi trabajo, solo quiero trabajar, contar historias, y que sean buenas, y he sido muy afortunado en mi vida de tener estas oportunidades”.

La importancia de los papeles del actor se vio en cada pregunta. “Gracias por existir”, se escuchó en la sala, y otra vez Ford se emocionó. Calificó como “magia” cuando las cosas funcionan en una película, y como “pesadilla” cuando no lo hacen. “En esta película hay magia, y ha surgido de la colaboración, la ambición y la voluntad de todos por hacerlo posible. Nunca he visto a unos actores darse tanto unos a otros”, dijo.

Aunque la película parezca un broche perfecto a la saga, la pregunta era evidente. ¿Por qué dejar al personaje? Harrison Ford tiró de ironía. “¿Es evidente, no?”, lanzó haciendo referencia a su edad. “Amo este personaje, pero necesito sentarme y descansar”, zanjó. También fue clara la productora Kathleen Kennedy cuando se especuló con la posibilidad de que la tecnología de rejuvenecimiento digital —usada en la primera escena del filme— pudiera provocar nuevas entregas con un Indiana Jones con menos edad. “No”, dijo de forma clara y concisa marcando que, probablemente, Indy haya colgado su gorro y su látigo para siempre.

Indiana Jones regresa al Festival de Cannes. Hace 15 años el personaje creado por George Lucas y Steven Spielberg presentó en el certamen su anterior aventura, y esta edición volverá a hacerlo con Indiana Jones y el dial del destino, la nueva entrega que, por primera vez, no estará dirigida por Spielberg, que sí produce el filme. El encargado de coger el testigo ha sido James Mangold, director de Logan y Ford Vs Ferrari. Mangold tampoco es un novato en Cannes, ya que hace casi 30 años presentó su debut en la realización.

En un comunicado emitido por Disney, que distribuirá la película, Mangold se muestra “orgulloso de regresar con un espectáculo un poco más grande”. Aunque la nota de prensa de Cannes no lo especificaba, Disney ha publicado un póster que deja claro que el filme se verá fuera de concurso por la preciada Palma de Oro. Eso sí, Harrison Ford recibirá un galardón honorífico como el que el año pasado se le entregó a Tom Cruise, que presentó en la ciudad francesa otro blockbuster, Top Gun: Maverick.

Ford retoma el personaje del famoso arqueólogo, pero le acompañará Phoebe Waller-Bridge, la creadora de Fleabag; John Rhys-Davies, Toby Jones, Boyd Holbrook, Ethann Isidore, Mads Mikkelsen y Antonio Banderas. Se espera que todos ellos acudan a la que será una de las alfombras rojas más esperadas de este Cannes y que tendrá lugar el jueves 18 de mayo.

Poco a poco, la 76 edición del festival va cogiendo forma y va confirmando los rumores que sonaban con más fuerza. La semana pasada anunció la presencia de Martin Scorsese, que regresa a Cannes 37 años después de su última visita a la Sección Oficial. Lo hará con Killers of the flower moon, adaptación del libro del mismo nombre y junto a Leonardo DiCaprio y Robert DeNiro.

El pasado jueves, el actor Harrison Ford participó en la Cumbre Mundial de Acción contra el Cambio Climático en San Francisco con un apasionado discurso en defensa del medio ambiente, en el que afirmó que son “las personas las que necesitamos a la naturaleza, y no la naturaleza la que necesita a las personas”.

“Dejad de dar el poder a quienes no creen en la ciencia”, exclamó el artista estadounidense, “ellos saben quiénes son, nosotros sabemos quiénes son”. El intérprete de personajes legendarios como Indiana Jones o Han Solo, no titubeó al criticar que los hay que no se preocupan o incluso niegan el cambio climático, “por su propio interés”.

Su discurso se ha viralizado estos días a través de las redes sociales, en España en parte gracias a Antonio Martínez Ron, divulgador que ha compartido un fragmento del vídeo subtitulado con la apostilla “Este señor es dios”.

Igualmente alertó sobre el futuro de la humanidad, en el que “todos, ricos y pobres, con o sin poder, sufriremos los efectos. Estamos afrontando la mayor crisis moral de nuestro tiempo, en la que los menos responsables son quienes más van a pagar las consecuencias”.

Enérgico y directo, no es la primera vez que Ford se ha postulado en favor del cuidado del planeta. En 2014, participó en la serie de televisión documental Planeta en Peligro, en la que personajes famosos viajaban a zonas del mundo afectadas por el calentamiento global, para entrevistar a expertos y afectados, al tiempo que buscaban soluciones.

Tampoco el protagonista de Blade Runner es el primer intérprete activista en favor del medio ambiente. Además de Robert Redford, Leonardo DiCaprio, Emma Watson, Cate Blanchett o Matt Damon, son algunos de los compañeros de profesión de Ford que comparten su causa.

Elige un recuerdo, pasea por él. Bucea dentro de sus  límites e intenta encontrar la verdad que se ha ido difuminando con el paso de los años, a lo mejor confundiéndose con otros momentos. Quizás enredándose con alguna anécdota ajena o un disparate imaginado para llenar lagunas mentales. Puede que nuestra memoria construya nuestra historia y pronuncie nuestra identidad. Así lo creía, al menos, la replicante Rachel (Sean Young), la mujer idealizada, la ‘femme fatale’ de 'Blade Runner' (Ridley Scott), quien descubrió que sus recuerdos no le pertenecían. Se los habían implantado para darle humanidad, y aquello la sumió en una tristeza de la que le resultaba difícil  escapar.

La memoria, una vez más, sus confusas fronteras y los recuerdos que configuran una especie de destino vital vuelven a ser la piedra filosofal sobre la que gira 'Blade Runner 2049'.  “Lo que me enamoró del proyecto, mi aportación, se refiere a la idea de memoria ¿Son nuestros recuerdos los que nos hacen humanos?”, se pregunta el cineasta canadiense Denis Villeneuve. Y desde esa esfera existencial parte su visión del filme para  tomar un rumbo extraordinariamente audaz, libre, sin perder el horizonte del mito que supo arraigar en el imaginario de los espectadores de la primera parte.

'Blade Runner 2049' vuelve a hablar del Hombre, de aquello que le define y de su desconcierto vital, una desazón  que se propaga como un virus de manera democrática en la piel sintética de un replicante (un espejo) o en cualquier tipo de carne y hueso.

En esta ocasión, Villeneuve, de la mano de sus guionistas, Hampton Fancher y Michael Green cifran además el misterio de la película en un par de buenas búsquedas (continúa el homenaje al cine negro). Por un lado, la que realiza el blade runner K (Ryan Gosling) siguiéndole la pista al héroe de antaño, Rick Deckard (fantástico Harrison Ford) con el fin de aclarar un secreto que podría destruir la civilización imperante; pero también la oscura y obsesiva que emprende el magnate y villano Neander Wallace (Jared Leto), empeñado en encontrar la perfección suprema en una ‘raza de replicantes’ que él mismo fabrica. Replicantes insuperables que encarnarán el próximo salto evolutivo después del hombre. Un paso transgresor hacia la inmortalidad.

Una experiencia sensorial fascinante

'Blade Runner 2019' vuelve a ser una experiencia sensorial fascinante, apasionadamente barroca. Construida sobre imágenes doradas (la fotografía de Roger Deakins es asombrosa) y con una banda sonora sobrecogedora (firmada por Hans Zimmer y Benjamin Wallfisch), el futuro imaginado por Villeneuve es un universo de dimensiones insondables. La pirámide de oro y agua, el plano aéreo de los cultivos concéntricos o la tormenta roja de arena, que deja entrever las monumentales y derrotadas figuras humanas en Las Vegas son auténticas joyas visuales.

Sin embargo, 2049 no es exactamente la Tierra Prometida que muchos espectadores esperaban. Algo chirría ante el majestuoso espectáculo y en la cautivadora historia de  la secuela. Puede que sean los sentimientos. Las emociones que explican el comportamiento de los personajes son difusas. No hay momentos de especial intensidad en las relaciones  que surgen entre personajes, como esa historia de amor – cómplice que podrían haber vivido K y su bello juguete virtual, Joi (Ana de Armas). O aquellos instantes dramáticos donde asistimos a una revelación vital que se zanja con una interpretación, seamos sinceros, un tanto pobre. Ryan Gosling es un actor lleno de talento, pero que no termina de encontrarle el pulso a su atormentado replicante.

Y luego está la melancolía que recorre cada instante del metraje y que es el ADN de 'Blade Runner'. No se respira del mismo modo en 2049. Podemos racionalizarla, comprenderla, compartirla, incluso admirarla… pero no llega a calar con la emoción brutal de aquellas ‘lágrimas en la lluvia’ de Rutger Hauer. No se pueden comparar dos obras maestras y ponerlas a competir. Estamos de acuerdo. Pero somos humanos y no podemos sobreponernos a ciertos recuerdos.

Blade Runner 2049, la segunda entrega de la popular distopía basada en el libro de Philip K. Dick, llegará a los cines el próximo 6 de octubre. La secuela se ambienta, como su propio nombre indica, en el año 2049. Es decir, 30 años después de la historia contada en el largometraje original dirigido por Ridley Scott. Por ello, sus productores han sacado el primero de tres cortos que intentan aclarar qué ha ocurrido durante todo ese tiempo.

Aunque la siguiente película de la saga estará dirigida por Denis Villeneuve, también responsable de La llegada o Prisioneros, este fragmento explicativo recae en las manos de Luke Scott. No es la primera vez que el hijo de Ridley Scott se encarga de preparar el terreno para la continuación de una de las obras anteriormente dirigidas por su padre. De hecho, Alien: Covenant también contó con un prólogo que se preocupaba de conectar con los acontecimientos de Prometheus.

El cortometraje llamado Nexus Dawn se ambienta en el año 2036, a medio camino entre la primera y la segunda película. En él vemos a Jared Leto bajo la piel de Niander Wallace, quien revela la existencia de unos replicantes todavía más perfeccionados que los antiguos Nexus 6. De esta manera, debido a la casi completa similitud entre humano y máquina, será incluso más complicado diferenciar entre ambos. La prueba Voight-Kampff, anteriormente empleada por Deckard para medir la empatía y detectar a los androides, quizá no sea suficiente.

En esta ocasión, Blade Runner 2049 relata la historia de un nuevo oficial del departamento de policía de Los Ángeles interpretado por Ryan Gosling. Tras descubrir un secreto que podría llevar la sociedad posapocalíptica al caos definitivo, deciden salir en la búsqueda del desaparecido Deckard, de nuevo encarnado por Harrison Ford.

Las aventuras del detective Deckard todavía generan muchas incógnitas que podrían ser reveladas en la próxima película. La principal de todas, y que todavía no encuentra una clara respuesta, es si el protagonista de la historia es un humano o un androide. Aunque Ridley Scott declaró que efectivamente se trataba de lo segundo, Villeneuve sigue sin posicionarse ante el que se ha convertido en uno de los mayores secretos del cine de ciencia ficción. Habrá que esperar hasta octubre para comprobar si, de una vez por todas, se resuelve el rompecabezas.

Suele ser lugar común recurrir a Dangerous Days, el magno documental de Charles de Lauzirika sobre el rodaje de Blade Runner, para explicar la trascendencia ineludible de la película de Ridley Scott. No es baladí, pues se trata de un film de más de tres horas y media que narra minuciosamente cómo Blade Runner surge del conflicto para revelarse como un milagro.

El rodaje de la película original fue un auténtico calvario en el que hubo desde boicots contra el director hasta supuestas maldiciones por un product placement retrofuturista, pasando por un guion reescrito diez veces, y por un director absolutamente obsesionado con acariciar el particular universo de Philip K. Dick, padre del relato en el que se basaba. El resultado, defendido en más de una ocasión por el propio autor de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, es una de las obras más impactantes y perturbadoras de la historia del género, ahí ahí con el 2001: Odisea en el espacio de Kubrick o la Metrópolis de Fritz Lang. Una obra capital para entender el cine moderno de la que ya se han vertido ríos de tinta, que no son la cuestión fundamental de este texto.

La llegada del primer tráiler internacional de Blade Runner 2049, secuela de la película estrenada hace 35 años y que aterrizará en las pantallas en octubre, viene a confirmar que el proceso de producción de este largometraje ha sido radicalmente distinto al de su precursor. Para empezar, nace en plena revalorización artística de las dos décadas anteriores al nuevo milenio. Y además, viene envuelta en un halo de prestigio y calidad del que aquella estaba lejos de gozar. Sin conflicto, ni el ambiente turbio que rodeó a la original, y enfrentándose a una audiencia de unos estándares visuales y narrativos absolutamente distintos a los de la película de Ridley Scott.¿Podemos esperar que nazca el mismo milagro? Hay indicios de que, al menos, podemos tener fe.

Replicantes de ayer y hoy

Todos, o casi todos, los actores implicados en Blade Runner obtuvieron el estatus de 'icono' a medida que el filme creaba escuela en sentido estético, formal e implícito. La eterna Rachael interpretada por Sean Young fue, y sigue siendo, un repentino resurgir atemporal de un modelo estético marcado por la femme fatale del cine negro. Cuando esa figura ya se encontraba en franca decadencia en la cultura pop, ella sola encarnó un personaje que captaba toda la esencia del estereotipo y profundizaba en él hasta cotas aún hoy estudiadas.

Le dio la contra una muñeca rota llamada Pris, modelo de replicante interpretado por una espeluznante y brillante Daryl Hannah. Y qué decir de Rutger Hauer, cuya encarnación de Roy Batty sigue siendo hoy motivo de discusión. A todos ellos, les seguían la pista Harrison Ford y Edward James Olmos, un actor de una presencia incontestable.

De todo el plantel, estos dos últimos son los únicos que repiten en la secuela. Del segundo sabemos poco, pero del primero no sorprende su deriva. Desde que retomase en 2008 su papel de Indiana Jones en la denostada El reino de la calavera de cristal, Harrison Ford parece ser la melancolía de la industria hecha actor. Tras su Han Solo viejo y cansado de El despertar de la fuerza, el Rick Deckard de Blade Runner 2049 apunta en la misma dirección: un arquetipo crepuscular que ejerce de mentor de alguien que heredará su testigo.

El reparto de Blade Runner 2049 nos hace pensar en un director de casting fanático del proceso de selección de la original, pues muchos de sus roles parecen repetidos, y la mayoría de los perfiles de sus profesionales tienen su reflejo en la actualidad.

El heredero de lo que era Ford en la original -la gran estrella del plantel- se llama Ryan Gosling, e interpreta al Agente K, un Blade Runner que busca respuestas en lo que parece ser una reintepretación incómoda y hierática de su papel en Solo Dios perdona. Le acompañan la siempre impecable Robin Wright, Dave Bautista, Ana de Armas y Jared Leto. Todos parecen encarnar nuevas piezas de un viejo tablero: la jefe de policía, el replicante de inusitado poder, la replicante de carga sexual y el Creador. Este último, además, ciego. Como si el dramático final de su arquetipo en la película de 1982 aún tuviese ecos en la que nos ocupa.

Un creador detrás de todo

El creador de esta maquinaria de expectativas- puede que hype sería un término demasiado joven para lo que despierta el tráiler-, no está tan ciego como Leto, por suerte para todos. Denis Villeneuve será el principal responsable de que Blade Runner 2049 salga más o menos airosa del peso que recae sobre sus hombros. ¿Por qué? Porque hoy es uno de los directores mejor valorados del panorama internacional, merecidamente.

El realizador canadiense no llega a esta superproducción con las manos vacías. Hace escasos meses pasaba por nuestras pantallas otra película de ciencia ficción con su firma: La llegada. Un film excelente que se cuenta, no solo entre lo mejor del año, sino también entre lo más destacable del género en los últimos años. Una reflexión sobre el poder del lenguaje, -el verbal pero también el cinematográfico-, tocado por una íntima y poderosa idea de la herencia.

Amén de que este film ya se presentaba como el colofón momentáneo de una carrera más o menos ascendente. Incendies era un melodrama sólido pero eficaz, Enemy un hábil trampantojo, Sicario una potente máquina sensorial y Prisioneros una obra maestra, simple y llanamente.

Además, cuenta con la ayuda de quien escribiese el guion de la original, Hampton Fancher, la música del talentoso Jóhann Jóhannsson y el director de fotografía de películas como Cadena Perpetua, No es país para viejos o Fargo; Roger Deakins.

Philip K. Dick, decía que la verdadera medida de un hombre es “lo rápido que puede responder a las necesidades de los demás”. Denis Villeneuve tiene todas las miradas puestas en él y parece que va a tener que atender a más necesidades de las que el escritor californiano habría imaginado jamás. Si dará la talla, es un misterio cuya respuesta podríamos confiar en que nos la diese el talento cinematográfico que destilan todos sus trabajos anteriores. Aunque de cielos más altos han caído meteoritos.

La filosofía del cazador y la presa

Blade Runner nunca fue solo una película de un hombre disparando contra personas que parecían humanas. En cierto sentido, lo que hace grandes a las grandes películas de ciencia ficción es su utilización de la especulación como poder de reflexión sobre realidades que tienen más que ver con el aquí y el ahora que con cualquier futuro. El abordaje de las grandes dudas epistemológicas se agazapa en cada clásico.

Lo cierto es que la literatura de Philip K. Dick ya lo hacía. Él “dejó claro que la literatura de ciencia-ficción no es solo anticipación de lo material sino la corroboracion de que la esencia humana va a ser igual hoy, aquí, en una dimensión alternativa o en el fin literal de los tiempos”, decía John Tones en un artículo sobre su literatura.

La supervivencia de la esclavitud disfrazada, el peligro de tener un creador y no un padre o la búsqueda de lo que nos hace realmente humanos son solo algunos de los temas de su armazón simbólico.

Por lo que sabemos, parece que Blade Runner 2049 no se quedará en el ejercicio estético de quitarle el polvo a viejos mitos, como hizo la séptima entrega de la saga Star Wars. Sus adelantos apuntan a un producto con distintas miras. Imágenes que recuerdan a la Guerra Fría, desolados paisajes de un pasado que podría ser el nuestro, ojos que batallan con recuerdos, lucha de clases, explotados, explotadores y matones a sueldo… “El mundo gira en torno a un muro que separa clases. Di que no existe ese muro, y la querra está garantizada”, nos dice la voz a una de Robin Wright. La suerte está echada.

El actor Harrison Ford y su esposa la también actriz Calista Flockhart realizaron este sábado una visita sorpresa a la ciudad de Toledo. Fue la empresa de rutas turísticas Cuéntame Toledo quien captó el momento en que el intérprete mundialmente conocido que da vida a Han Solo e Indiana Jones saludaba a algunos viandantes. También el restaurador toledano Adolfo Muñoz publicó en las redes sociales las fotos del matrimonio en su restaurante, donde acudieron a comer.

Ya hay fecha para Blade Runner 2. El rodaje comenzará en julio. La realización de esta polémica secuela ya estaba prácticamente confirmada, pero la constatación llega con el anuncio oficial de que Sony Pictures ha adquirido los derechos de la película para su distribución internacionacional. Warner Bros hará lo propio en Norteamérica, según informa Collider haciéndose eco de la productora, Alcon Entertainment.

Harrison Ford, a sus 73 años, no parece contentarse con el regreso de Han Solo (y, podría ser, como Indiana Jones), y va a retomar otro de sus papeles míticos de juventud, Rick Deckard. Le acompañará Ryan Gosling. La historia se sitúa algunas décadas después de la trama original, basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? Todo lo demás es un misterio.

Tomará el relevo de Ridley Scott como director Denis Villeneuve (Sicario), a partir de un guion de Hampton Fancher (coautor de la cinta original) y Michael Green. Roger Deakins, colaborador habitual de Villeneuve, será el director de fotografía.

Carta de una desconocida es una película de 1948 cuya historia está ambientada en 1900. La dirige Max Ophüls, un director alemán adoptado por el Hollywood clásico que tiene unas cuantas obras maestras: ésta de la que hablamos es una de ellas. Un famoso pianista, un seductor, un vividor y un canalla tienen que escapar de la ciudad porque este último ha sido retado a un duelo. En su casa se encuentra la carta de una mujer con la que hace mucho tiempo mantuvo una relación que ya no recuerda, se llama Lisa y para él es una desconocida. Sin embargo, ella nunca ha dejado de estar enamorada de él desde que en su adolescencia se encontraran por primera vez. Carta de una desconocida es un drama romántico muy puro, muy intenso y muy apasionado. La definición de lo que debe ser una película romántica sobre amantes que se encuentran, que se olvidan y que vuelven a encontrarse.

Las películas románticas nos emocionan porque todos hemos amado alguna vez a la par que nos han roto el corazón de la misma manera. La adolescencia suele ser una época torrencial dónde los sentimientos afloran con más violencia y temeridad. Donde no se piensa nada, ya que “el amor de los jóvenes no está en el corazón, sino en los ojos”, como escribía Shakespeare en Romeo y Julieta. Pocas veces en el cine se ha retratado un (primer) amor con tanta vehemencia como en La vida de Adéle. En el filme de Abdellatif Kechiche hay fuego en el sexo, erotismo en un plato de espaguetis, suplicio en cada lágrima que derrama la sensual Adéle Exarchopoulos.

Pero amantes los hay apasionados a todas las edades y en todas las épocas. Desde Juana La Loca, prendada de los encantos Felipe el Hermoso, hasta ese veterano fotógrafo del National Geographic llamado Robert Kincaid que visita el condado de Madison para fotografiar sus puentes y de paso enamorarse perdidamente de esa ama de casa cuya existencia encarna Meryl Streep en Los puentes de Madison. El lirismo que existe en el amor lo forman sus obstáculos, la pasión, las mentiras, el olor, la piel, la saliva, la lealtad, las risas y las batallas ganadas y perdidas entre los amantes. No hace falta nada más, excepto si se le quiere dar a la obra otro potencial más allá del romanticismo, otra lectura que engrandezca la historia aunque haya riesgo de entorpecerla... Por ejemplo un atrezzo fantástico o de ciencia ficción.

Este es el caso de El secreto de Adaline, un drama romántico sobre una mujer que a los 29 años y por accidente adquiere la eterna juventud y que ocho décadas después se enamora hasta los huesos del único hombre que consigue que su misterioso secreto se tambalee. La película, dirigida por Lee Toland Krieger y protagonizada por Blake Lively, Michiel Huisman (Juego de Tronos) y Harrison Ford, pretende embellecer la historia de amor con detalles fantásticos como ya lo han hecho otras películas a lo largo de los años. En ocasiones este truco narrativo hace mejor a la película, otras solo intenta disimular la falta de pasión e interés de la historia de amor.  

Amar a través del tiempo

David Fincher puso todo su empeño y talento en narrar con imágenes una historia imposible para el lenguaje cinematográfico, El curioso caso de Benjamin Button. El improbable romance entre una mujer común y un hombre extraordinario llamado Benjamin que nace con ochenta años y rejuvenece con el paso del tiempo. En esta (técnicamente) maravillosa adaptación de la historia de Fitzgerald lo importante es precisamente la fantasía en la que se sostiene el romance. Porque el relato habla de la importancia del tiempo, de cómo lo malgastamos, de las oportunidades que son únicas y de la implacable mortalidad. Y al final todas estas líneas son más importantes que el amor, o como mínimo lo desarrollan como milagro vital.

En El secreto de Adaline es muy distinto, la historia fantástica de la perfecta e inmortal Blake Lively es un aliciente, un conflicto más para evitar lo inevitable, que como siempre es el amor. El personaje de Lively se enfrenta a románticos y devastadores fracasos que por culpa de su secreto tuvieron que ahogarse o romperse irremediablemente. Ella es una estrella fugaz, un astro único en el cosmos como el asteroide que Harrison Ford bautiza con su nombre. Lee Toland Krieger reflexiona sobre las edades del hombre y lo importante de envejecer, aunque añoremos una eternidad que sin duda nunca nos satisfaría.

Porque el amor también se acaba... o no

Técnicamente, el hombre que ama a Adaline ama a una mujer de 110 años. Aunque aparente 29, tiene una mente extremadamente madura que a lo único que no se ha enfrentado a estas alturas es a la muerte. Y la muerte debería ser el final, aunque no lo fuera para Patrick Swayze en Ghost, ese enamorado al que arrancan la felicidad de cuajo cuando le asesinan. El galán se tendrá que quedar en la tierra en forma de fantasma para proteger a su amada, una Demi Moore que no paraba de llorar en toda la película. Este título de Jerry Zucker (Aterriza como puedas o ¡Top Secret!) fue una inyección de amor empalagoso pero irremediablemente entretenido y emocionante que usaba lo sobrenatural para ir más allá, como bien anuncia la coletilla de la traducción en castellano del título. Una película que ejemplifica a través de su villano eso de: “¡Oh amor poderoso!, que a veces hace de una bestia un hombre, y otras de un hombre una bestia”, también de Shakespeare.

En El secreto de Adaline hay una voz en off que simplifica el extraño suceso que provoca la inmortalidad de la protagonista. Un extraño caso propio de filmes de ciencia ficción: lo que le ocurre a Adaline es un hecho científico y biológico probable que será descubierto años después. Mientras, solo es un suceso sobrenatural con el que lidiar. ¿Qué pasará con las historias de amor cuando la humanidad sea consciente de la existencia de una posibilidad de saborear la inmortalidad?

La ciencia ficción y el drama romántico también hacen una bonita y compleja pareja. El romance de Rachael y Deckard en Blade Runner es una elegante reflexión sobre la importancia del tiempo en el amor y su frágil consistencia. La nostalgia inunda este relato y esas lágrimas que se pierden como lágrimas en la lluvia también amargan la historia de otra pareja insólita, la de Theodore y su sistema operativo llamado Samantha. En Her, ambos intentan salvar la distancia entre la carne y lo etéreo, entre la limitada conciencia humana y la insalvable e infinita capacidad de un ser interactivo.