El cine español ha elegido las mejores películas del siglo XXI. En una votación organizada por elDiario.es, 56 cineastas han escogido a Mulholland Drive, de David Lynch, como la mejor obra de estos últimos 25 años. Un podio que cierran In the mood for love, de Wong Kar-Wai y La ciénaga, de Lucrecia Martel. Esta es la lista de las mejores películas de Cesc Gay.

El realizador de Truman lleva más de veinte años firmando comedias agridulces y dramas con chispas de humor. Se inició con una introducción artesanal en el indie estadounidense, Hotel room, y fue fijando su posición como cineasta mediante Krámpack y En la ciudad, un retrato de frustraciones urbanas. Sus siguientes producciones, Ficció y V. O. S., tomaron más riesgos y cosecharon una menor repercusión comercial. Las historias corales de Una pistola en cada mano contribuyeron a resituarle en el mapa y Truman suposo su consagración como realizador maduro.

Su nueva película, Sentimental, parte de una obra de teatro propia: Los vecinos de arriba. Una pareja en crisis comienza a discutir porque ella ha invitado a cenar a la pareja que vive en el piso superior, aparentemente muy ruidosa en sus relaciones íntimas. Javier Cámara interpreta al marido ácido, más bien amargado, que no tiene muchas ganas de ejercer de anfitrión. Griselda Siciliani encarna a la esposa que quiere salvar la velada. Y los sorprendentes huéspedes, a los que ponen rostro y cuerpo Belén Cuesta y Alberto San Juan, llevan el conflicto mucho más allá de lo que podría esperarse.

Gay ha apostado por seguir el esquema general de los montajes teatrales del texto, que llevó a los escenarios de Barcelona y Madrid. Sentimental es una comedia breve, de espacio único y tiempo continuo, absolutamente basada en los diálogos y las interpretaciones a parte del cuarteto. Los desencajes en las maneras de vivir la vida y la sexualidad se convierten en el centro de una apuesta cómica que busca la incomodidad sostenida y puntuada por estallidos de carcajada perpleja. Detrás de todo ello traslucen, sin disimulo, heridas y frustraciones.

El estreno de la película rompe una larga racha del realizador, que llevaba casi toda su carrera estrenando un filme cada tres años. En esta ocasión, han transcurrido cinco. En medio de ellos, no hubo precisamente un parón creativo: tuvieron lugar las representaciones de Los vecinos de arriba y el rodaje de la serie televisiva Félix.

Se reencuentra con el cine pero lo hace a través de la adaptación de una obra de teatro, algo que ya ha sucedido varias veces en su filmografía, aunque nunca con material propio.

En este caso, debo decir que escribí el texto sin tener muy claro qué iba a hacer con él. Cuando el proyecto de Truman se fue armando y definiendo, pensé que era mejor llevar Los vecinos de arriba a la escena, porque llevaba tiempo con ganas de dirigir dramaturgia. A pesar de eso, me quedó el gusanillo de hacer una película, sobre todo porque era un texto muy inspirado en la comedia americana de Ernst Lubitsch, de Howard Hawks...

Menciona referentes del Hollywood clásico, pero Sentimental se está comparando más con filmes como ¿Quién teme a Virginia Woolf? o Un dios salvaje, que también parten del teatro, se emplazan en espacios reducidos y se basan en diálogos muy continuos.

Lo sé, lo sé. Yo escribí el texto inspirado por este tipo de comedias ácidas y rápidas de los años treinta. Pero sí, también hay propuestas como las que has citado, que han ido forjando una cierta tradición de películas de cámara, con pocos personajes conversando o discutiendo en un espacio cerrado. Álex de la Iglesia hizo algo parecido con Perfectos desconocidos. Es casi como un subgénero.

¿Cómo se plantea el rodaje de esta “película de cámara”? ¿Se sintió tentado en algún momento de incorporar algún elemento fuera de esa noche, de ese piso y su rellano?

La verdad es que siempre sentí que se transformaría en otra cosa si hiciese este tipo de cambios. Y podría haberlo hecho, es algo perfectamente lícito. En Krámpack hice una adaptación muy libre de la obra teatral de Jordi Sánchez, por ejemplo. En este caso, creía que la gracia era el tiempo continuo y rápido, el diálogo puro. Romperlo con secuencias ubicadas fuera del piso, con elipsis temporales, lo hubiese transformado en otra cosa. Un rodaje así no era muy complicado de llevar a cabo. Así que, una vez pudimos encontrar una fecha con Javier Cámara, nos decidimos a hacerla.

Sentimental trata la extraña noche de una pareja que recibe en su casa a unos vecinos que practican sexo ruidosamente. ¿De verdad se basó en una experiencia real?

Sí, el detonante de todo fue que mi vecina empezó a liarla y eso generó un pequeño debate en casa. Mis hijos eran más pequeños y surgieron debates curiosos sobre porqué ella gritaba de esa manera. De ahí surgió una escritura que no quise controlar mucho. Aunque no suelo escribir sin saber perfectamente qué estoy haciendo, esta vez me dejé llevar. Creo que tienes que permitir sorprenderte a ti mismo cuando escribes un tipo de diálogos y una comedia como esta. Arranqué a través de esa anécdota, y todo lo demás ya fue de mi cosecha.

Entre sus creaciones está Salva: todos tenemos algún amigo o conocido como él, que se enorgullece de ser directo y sincero, pero llega a generar bastante malestar. Alberto San Juan lo interpreta mezclando lo inocente y lo perverso...

Esa era la idea. Hay personas que son así, gente que te dice las cosas con una crueldad que te deja perplejo. Hablan desde un lugar que parece naïf e ingenuo, pero te hacen daño. Y Alberto tiene esa capacidad como comediante de que, con muy poquito, le saca la comedia a todo.

El espectador puede encomendarse a este personaje porque es un troll que tensa la situación hasta que caen las máscaras de lo socialmente correcto. ¿Quería estimular algo cruel del espectador, que desease que todo reventase para reír con el resultado?

Sí, quería trabajar ese tipo de comedia que se basa en la sorpresa y la perplejidad, pero también en el estallido de conflicto… y en la incomodidad de tener que disimular. Para eso, los vecinos son un vínculo ideal: en un primer momento, dejas pasar cosas para evitar conflictos... Con un amigo es diferente, porque si hace algo que te molesta se lo puedes decir a la primera o a la segunda vez. Casi toda la obra trabaja este clima incómodo.

Desde En la ciudad le persigue cierta etiqueta de 'retratista de una generación'. En Una pistola en cada mano criticaba las masculinidades de esa generación. En sus obras, ¿se centra en personajes y situaciones concretas o piensa más en proyectar una visión del mundo?

Un poco de todo. A veces puedes observar muy de cerca un personaje y un conflicto, pero después tiene que haber una visión general, un poco más desde arriba, de pensar qué estás dibujando y qué estás proyectando. Por mi parte, siempre retrato un tipo de personajes con los que el protagonista puede empatizar y puede identificarse, porque está más o menos cerca de ellos, porque no son zombis ni asesinos en serie. Mis películas están pobladas de eso que sería la gente normal.

El personaje de Javier Cámara podría tener su componente generacional: parece que ahora abundan las frustraciones mal llevadas, resentidas, muy visibles porque las diseminan las redes sociales.

Nos ha tocado vivir esta época y no sabría compararla con otras, pero me parece que vivimos tan deprisa que acumulamos ropa sucia emocional sin tiempo de lavarla. De vez en cuando, abrimos el baúl y vemos que toda está sucia. Creo que hay un ritmo diario que no te permite ni tener tiempo de sentir las cosas que sientes. Y se acumulan, sean reproches u otra cosa. Creo que esta celeridad que se va incrementando tiene algo que ver con las redes sociales, donde parece que cada día se acabe el mundo.

Todos los personajes del filme tienen alguna faceta muy criticable, como todo el mundo, pero parece que quiera poner el foco en estas pequeñas miserias. ¿El fondo de Sentimental es ácido?

Si, bastante. En el festival de San Sebastián, alguien me dijo irónicamente: “¿Cómo que has hecho una comedia? ¡No te lo crees ni tu!”. Sí que hay una parte de conflicto que es áspera y es amarga. A mí me salen las cosas así, mezclando los géneros. Truman no era del todo un drama, porque no pude evitar que el humor la empapara. Y esta no es una comedia amable y ligera, sino que tiene mala hostia.

En todo caso, no convierte al personaje de Cámara en una diana parlante. Llega a ser desagradable, pero permite que trasluzcan heridas e incluso que se escenifique la posibilidad de un cambio...

Sí, porque después de la batalla, después del conflicto, surge algo. Y ese algo no tiene porqué ser negativo. De los conflictos también pueden surgir cosas positivas, cosas que regeneran. No diré que el final incluye esperanza, porque esta palabra no me gusta mucho, pero sí que planteo esta idea de intentar luchar un poco por las relaciones. Cada día cambiamos de teléfono móvil, de coche, de todo. Parece que las parejas se desmontan con una gran facilidad. E incluyo ese gesto de intentar perseverar un poco con los vínculos.

¿Si se detiene e intenta mirar en perspectiva su vida a esa edad parecida a la del dolido anfitrión de Sentimental, cómo valora su trayectoria? ¿Alguna frustración en particular?

Muchas, como todo el mundo. Pero comencé a estudiar cine como podía con veinte años y nunca me imaginé que podría hacer las películas que he hecho. En este aspecto, me siento contento. Creo que es un privilegio seguir trabajando en una profesión tan complicada. No me puedo quejar.

Ha comentado que tienes otro filme en perspectiva. ¿Cómo se presenta este periodo tan incierto?

Pues no lo sé. En el cine y en cualquier otro ámbito, todos estamos igual: no sabemos si parar o no parar. Pero sí que hay una película a la que llevaba tiempo dándole vueltas, Historias para no contar. Episódica, como Una pistola en cada mano, pero un poco distinta. La idea es rodarla a partir de febrero o marzo. Veremos.

En una entrevista dijo: “Cuanto menos se hable con los vecinos, mejor”. Aunque la obra de teatro y la película le traigan alegrías, ¿seguirá manteniendo esa posición?

Bueno, esta entrevista la contesté en el supermercado mientras compraba con mi hija, y este comentario que iba medio en broma me persigue por Internet. Lo que quería decir es que con los vecinos hay que manejarse con respeto y consideración, pero que quizá es recomendable mantener una cierta distancia. Si hablas mucho, como sucede en la película, te puedes encontrar con alguna sorpresa.

El hecho de que no use redes sociales puede entenderse también en esta linea de no exponerse demasiado.

Sí, pero no es algo que nazca de una gran reflexión. Sencillamente, me gusta el anonimato. Y no sé qué placer hay en contarse a uno mismo en los medios.

¿Y en contarse a través de tus personajes? ¿Alguno de los protagonistas de Sentimental tienen que ver usted?

El bombero, el bombero. Los lectores ya lo entenderán cuando vean la película.

A muy pocos pasos del teatro Lumiére, donde se visten de largo las películas -y ahora las series- más importantes del mundo, se encuentra el teatro Debussy. Y allí, durante la celebración de Canneseries, se desarrollan las conferencias que complementan el MIPTV, el mercado internacional de programas de televisión. Ayer mismo, en una de esas charlas, la responsable de la empresa francesa Eurodata TV Worldwide analizaba las tendencias internacionales de la producción televisiva, y proyectaba en la pantalla un mapa del mundo lleno de ítems. Sobre nuestro país, un cartelito decía 'SPAIN IS BACK!' ['¡España ha vuelto!']. Avril Blondelot señalaba que, a pesar de un descenso de las producciones españolas [internacionalizadas] en los últimos años, en 2018 está resurgiendo el mercado hispano.

Parte de esa resurrección se debe a la estrategia de producción de Movistar+, reflejada en la competición oficial de Canneseries con Félix. La serie de seis capítulos confeccionada por Cesc Gay para la plataforma de Telefónica cuenta la historia del personaje de Leonardo Sbaraglia, que balbuciente y con la mirada perdida, busca por los parajes nevados de Andorra a la mujer que estaba empezando a conocer. “Esta serie nace de mi amor por las películas de Alfred Hitchcock”, decía el director catalán durante la rueda de prensa, “de cómo mezclaba el suspense y el humor. James Stewart fue una inspiración para mí cuando escribía el personaje de Félix”, añadía, para después no querer -o poder- encuadrar la serie bajo los géneros de la comedia o del drama.

Después, el equipo de Félix abordaba una de las cuestiones que planean sobre el nacimiento de Canneseries: el hecho de que el jurado vaya a juzgar solamente los pilotos de las competidoras. “Yo creo que hay que esto es una fiesta fantástica a la que nos han invitado a todos”, decía Gay. “Obviamente es extraño juzgar una serie por un piloto, pero también entiendo que es difícil no hacerlo así, porque el jurado tendría que haber venido hace un mes a tragarse muchas horas de ficción”.

A su lado, Sbaraglia abundaba sobre esta cuestión. “Me parece una cuestión súper interesante. Creo que el festival va a ir encontrando cuál va a ser la mejor dinámica, ¿no? En principio esto también es una prueba piloto, este primer encuentro”.

“Yo creo que a medida que va avanzando la serie, el público empieza a darse cuenta de que, en algunas cosas, Félix tiene razón. Se va a ir encontrando con diferentes cuestiones que tienen que ver con la sordidez del ser humano, y él se va a mantener muy firme en su convicción y en su humanidad”, describía el actor. Ante las preguntas de la prensa, el responsable de negocio de Movistar +, Ismael Calleja, aseguró que están abiertas varias vías de distribución internacional y que aún no se ha decidido sobre una segunda temporada. “Bueno, Félix todavía está vivo”, decía Cesc Gay sonriente y girándose hacia Sbaraglia. En el pase con público, tres salvas de aplausos rubricaron el apoyo del festival a la serie.

El paisaje más salvaje de Andorra se levanta desmesurado, sublime y melancólico, en medio de él se encuentra un hombre semi descongelado, una figura humana solitaria y postrada en la tierra al borde de la muerte; la naturaleza mira ajena este suceso. Félix se levanta asustado, sudoroso y temeroso con la extraña sensación de que algo fallará ese día...

‘Félix’ es la nueva serie de la factoría Movistar+ que estrenó el pasado viernes y que ya se encuentra completa en video bajo demanda, que compite estos días en la sección oficial del Festival Canneseries junto a otras diez ficciones. El barcelonés Cesc Gay, premiado con cinco Goyas por ‘Truman’, se inmiscuye de nuevo en el mundo de la ficción televisiva tras 'La Riera' creando, escribiendo y dirigiendo este thriller con toques de humor negro y romanticismo. El actor argentino Leonardo Sbaraglia insufla de vida a su protagonista: un hombre sencillo, sin visos de hacer algo extraordinario y un poquito bobalicón.

La historia de ‘Félix’ se desarrolla en la blanca Andorra, unos años antes como avisan en la pantalla. Un país pequeño vertebrado por una carretera que lo cruza de sur a norte y de norte a sur; y que une España con Francia. Cientos de senderos y decenas de valles salpican un terreno virgen e inhóspito cubierto de una gruesa capa de nieve. Su imponente y estremecedora imagen, pero, a la vez tranquila dota de todo el sentido a la historia de Félix.

Una historia de un profesor de literatura normal y corriente que de un día para otro rompe con su cotidianidad y, se enfrasca en una búsqueda que se termina convirtiendo en algo demasiado grande para un hombre como él. El detonante de esta es Julia (Mihoa Lee), una mujer de origen asiático, de la que se enamora locamente tras apenas unos pocos encuentros furtivos. Sin embargo, Félix (Leonardo Sbaraglia) intuye que es la mujer de su vida, pero, su desaparición, sin dejar apenas señales de vida, le cambiará su vida para siempre.

Cesc Gay se vale del imponente y espectacular escenario de Andorra para montar esta historia de seis episodios con mucho aroma a ‘Fargo’ o Hitchcock. Thriller que se adentra en el humor negro y que navega por los mares de lo absurdo. La historia de un don nadie, de un ciudadano, que se ve atrapado en una espiral de acontecimientos que le superarán por completo. El director juega a la hibridación de géneros pasando por el thriller, la comedia negra, el suspense y el romance; además, de conseguir construir una paleta cromática perfecta para una eficaz recreación de los espacios.

Félix, interpretado por el actor argentino Leonardo Sbaraglia, recuerda mucho al Lester Nygaard de Martin Freeman en ‘Fargo’, por eso forma de verse superado por los acontecimientos. Sin embargo, el personaje creado por Cesc Gay se encuentra en mitad de la balanza: entre el absurdo y la comicidad y lo lógico y serio. Un protagonista honrado, bobalicón y con férrea convicción moral que ve la vida con cierta simplicidad. Su comportamiento que un principio puede rayar lo insoportable; sin embargo, se reconduce muy bien con el paso de los episodios.

Si el universo que se compone en ‘Félix’ es pelicular y especial, los personaje que pululan en él también; sobre todo, Óscar, interpretado por el genial Pere Arquillué (‘Sé Quién Eres’), como fiel escudero de Félix, un moderno Sancho Panza sabiondo y metomentodo, que sirve como contrapunto cómico esperpéntico y absurdo a lo dramático de la historia; Ginés García Millán, interpreta a Mario, un policía que mantiene un affaire con la ex de Félix, que vende marihuana a los padres de los niños del colegio; Mihoa Lee, da vida a Julia, el auténtico interrogante y suspense de ‘Félix’. Solo un instante vale para enamorarse de una persona de la que no sabes nada de ella y, además, embarcarte en su búsqueda sin más motivo que el amor puro y duro. Un viaje que se volverá más peligroso según avanza.

Las montañas se levantan de forma imponente en un entorno cuasi idílico y tranquilo, pero, ellas acallan los más terribles secretos. Andorra actúa como ese espacio frontera, esa tierra de nadie, esa región limítrofe donde hay lugar para lo ilegal. Un imán para la corrupción, para los negocios turbios y para el crimen. Hay entra la mafia de todos los colores, políticos y empresarios corruptos. Por eso, la historia de ‘Félix’ se va tornando más oscura con el paso de los episodios, tras un inicio bastante titubeante.

Sin embargo, ‘Félix’, a pesar de ser una historia redonda, es decir, cierra muy bien todos sus flecos en sus seis episodios, le pesa algunos de sus aspectos: en particular echo mucho en falta más ritmo narrativo, a veces, ‘Félix’ necesita un chute de adrenalina para hacer avanzar la historia, e, incluso, se podría denotar cierto aburrimiento en mitad de la temporada. Tiene un inicio titubeante, demasiado contemplativo y lento. El problema es si el público es capaz de adecuarse a una latencia narrativa que a muchos no le terminará de funcionar; incluso, esa hibridación de géneros, a veces, no termina de cuajar en muchos tramos de ‘Félix’. El personaje de Leonardo Sbaraglia puede llegar a ser incomprensible.

‘Félix’, la serie creada por Cesc Gay, se escuda en el imponente entorno de Andorra para contar una historia, la de Félix, que en algunos tramos no termina de cuajar como debiera -en mi opinión-; sin embargo, no deja de ser una ficción recomendable por todo el universo que construye.

¿Dónde está Julia? ¿Qué le habrá pasado a Julia? ¿Quién es Julia?

01:30.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

09:00.- Estreno de la serie Félix. Entrevista con Cesc Gay

25:00.- Bárometro de series, con Isabel Vázquez y Alberto Rey. Repasamos los estrenos de series de la semana con Álex Argelés

58:10.- Observatorio en Bremen, con Janina Pérez Arias

01:01:00.- Estrenos de cine. Incluye entrevista con Wim Wenders por Inmersión y burbuja de opinión de Javier Zurro, de El Español

01:12:15.- Palillos en los ojos. Hoy, Perfectos desconocidos

Entrevistamos a Cesc Gay, director que vuelve a rodar después de Truman (película con la que obtuvo 5 Premios Goya) para entrenar en televisión Félix, su primera serie protagonizada por Leonardo Sbaraglia, un thriller romántico con toques de Hitchcock, Twin Peaks y Fargo.

Isa Calderón vuelve con sus obsesiones cinematográficas y esta semana descuartiza El diario de Noa. Nacho Vigalondo ha visto cosas que jamás imaginaríais y viene a contarlo, y ahora tú también puedes verlo en vídeo:

No te pierdas este nuevo capítulo de Sesión Continua, monográfico de cine y series.

Recuerda que este programa es solo posible gracias a ti. Difúndelo y, si puedes, hazte Productor o Productora de #CarneCruda.

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En el episodio 55 de Kinótico, el podcast de cine y series de eldiario.es, abordamos la polémica suscitada por las declaraciones de la actriz Miren Gaztañaga en un programa de la Etb, pero también la respuesta -a través de un comunicado- del equipo de su película, El guardián invisible. También entrevistamos al director Cesc Gay, que ya está rodando la serie Félix para Movistar+.

Contenidos del podcast

01:30.- La polémica de Miren Gaztañaga en la Etb

07:15.- Presentación del XX Festival de Málaga

09:50.- Fotogramas de Plata

13:00.- Las series, con María José Arias. Incluye la entrevista a Cesc Gay por Félix

27:30.- Lo que tienes que saber, con Bernardo Pajares

30:50.- La letra y la música, con Pedro Moral

35:00.- Los estrenos de cine de la semana. Incluye la burbuja de opinión de Javi P. Martín sobre Doña Clara y el observatorio en Bremen de Janina Pérez Arias sobre Matthew McConaughey

Una experiencia real llevó al cineasta catalán Cesc Gay a adentrarse en su primera experiencia teatral. Durante un tiempo, su familia asistió atónita a los “gemidos y resoplidos” de sus vecinos de arriba, junto con otra serie de ruidos extraños. Ese fue el germen de la obra con la que el director de ‘Truman’ y ‘En la ciudad’ ha debutado en el teatro, un texto que convirtió en una tragicomedia sobre las relaciones de pareja y al que dio el nombre de aquella anécdota: ‘Los vecinos de arriba’. Protagonizada por Eva Hache, Xavi Mira, Maria Lanau y Andrew Tarbet, la obra llega este viernes al Teatro Quijano de Ciudad Real, precedida por su enorme éxito en Madrid.

En una entrevista con eldiarioclm.es, el director habla de su primera experiencia como dramaturgo, un deseo que guardaba desde hacía mucho tiempo y que se hizo firme cuando comenzó a componer el borrador de esta historia. “Me di cuenta de que tenía posibilidades de darle forma de texto teatral, porque es un relato de cuatro personajes que sucede a lo largo de una noche, una estructura dramática que al teatro le va bien”. Pero alega que desde el principio lo hizo sin querer tomárselo en serio, para que no “llegaran las dudas”.

Sin embargo, el triunfo ha sido incontestable desde su estreno. Cesc Gay ha vuelto a adentrarse en la tragicomedia y en las relaciones sentimentales, un género que maneja con gran soltura, aunque esta vez sobre las tablas y no tras la cámara. “Bajo la apariencia de una comedia, se asiste a un combate muy duro entre la pareja, con todo lo triste y de divertido que tienen las peleas de un matrimonio”. De hecho, apunta que es una obra teatral “dura” que además incorpora la “tensión” de los vecinos como testigos del conflicto.

Son las relaciones de pareja, de amor y de amistad, un denominador común en el mundo creativo del director catalán. “Es lo que se me da mejor a la hora de componer historias”, afirma, y además opina que se trata de una cuestión que hay que trabajar. “Las relaciones de pareja, conforme vas pasando etapas, deben ser un trabajo si es algo que funciona. Es un trabajo, un esfuerzo, mantener el vínculo en una relación que merece la pena”, destaca.

‘Los vecinos de arriba’ refleja esa complejidad y además intentar dar a entender que hay que luchar por las relaciones, y que eso “exige dedicación y ser capaz enfrentarse a lo peor de cada uno, a muchas cosas que van ensuciando a una pareja”. “La obra es un alegato para intentar luchar por mantener algo si realmente funciona. Hoy en día todo se cambia, el móvil, el coche, todo se usa y se tira, y la obra intenta defender y mantener lo que vale la pena”.

En cuanto a su experiencia como director teatral, destaca sobre todo el haberse despojado del papel de “dictador” que el cine otorga a los cineastas. “En el cine el director es un gran manipulador por la propia mecánica del rodaje, pero en el teatro es un pacto con los actores, hay que crear todo juntos”, explica. Lo considera una relación mucho más “romántica” porque la obra de teatro “luego sigue y tú ya te vas”. “Yo no voy a estar en Ciudad Real, pero estoy pensando en ellos y en cómo está saliendo la obra, porque es algo que te pertenece y está vivo”.

Cesc Gay es uno los directores españoles que mejor ha retratado a las clases medianas urbanas. En el año 2000 adapta y lleva al cine la obra de teatro ‘Krámpack’. Ha escrito y dirigido varios largometrajes más: ‘Una pistola en cada mano’ (2012), ‘V.O.S.’ (2009), ‘Ficción’ (2006) y ‘En la ciudad’ (2003), con los cuales ha conseguido el reconocimiento internacional por su trabajo. En 2015 estrena su octavo trabajo, ‘Truman’, recibida con una gran acogida por parte del público y la crítica, y premiada entre otros con cinco Premios Goya, incluyendo el de mejor guión, dirección y película.

Fue el creador y responsable de la coordinación de guión de la serie de TV3 'Jet Lag', realizada por la compañía T de Teatre. Actualmente, trabaja en su regreso al mundo de la televisión con la creación de una serie para Movistar+, un thriller en clave de humor cuyo rodaje comenzará el próximo año.

A favor: elogio de la incomunicación

Cuando en España no rugía el ogro miserable de la crisis, todavía quedaba espacio para que el cine sobre los sentimientos urbanos no fuera tachado de poco comprometido con lo social. 'En la ciudad' es seguramente uno de los retratos de la madurez amorosa más honestos y descarnados de esa etapa de la vida en que todo se pone en duda aunque estemos rodeados de certezas. Es una película metida en sí misma y en sus personajes sin más ambición que la de mostrarnos su resignación y decadencia, sin más (ni menos) escenario que esa gran urbe que es Barcelona, capaz de ahogar con su humedad la escasas decisiones y esperanzas que todos ellos pueden fabricarse para sobrevivir. Cesc Gay la compuso en 2003 tras las tragicomedias que alumbró en 'Hotel Room' (a medias) y en 'Krámpack' (en solitario), al borde de su propia madurez y de un giro hacia el cine mundano y dialogado que sigue hasta nuestros días.

No es gratuita nuestra decisión de reivindicar con esta película la figura de este cineasta catalán. Valiente, realista y sencillo, con los óleos corales de 'En la ciudad' se atrevió a contarnos los secretos de un grupo de amigos en el que nadie sabe nada de nadie. El director decidió que fuéramos los espectadores el cajón donde guardar sus vidas ocultas, sus frustraciones, infidelidades y mentiras, sabiendo de nuestra no intervención ni traición a ninguno de ellos, más allá de querer identificarnos con algunos de sus actos, buscando nosotros también una salida como inexpertos optimistas.

Siempre nos resultó magnífico que Gay vertiera sobre esta historia la honestidad de no dejar malparada la incomunicación. Es decir, que el hecho de que Mario (Eduard Fernández) se resignara al romance de su mujer Sara (Vicenta N’Dongo), de que Sofía (María Pujalte) diera tumbos por su necesidad de ser amada o de que Irene (Mónica López) se permitiera el lujo de la tristeza incluso con una familia perfecta, no nos hiciera detestarlos o repudiarlos sino comprenderlos. Hablamos de un mundo reciente (hace poco más de una década) en el que no había redes sociales amenazando nuestra vanidad y egolatría. Es más, hablamos de la última forma de ser amigos que existió antes de las relaciones 2.0. No tan diferente como pudiéramos pensar pero sí sometida a las leyes de la vergüenza y el silencio, de la pérdida de la confianza y de la empatía con aquellos que alguna vez fueron importantes en nuestra vida.

El escritor, dramaturgo y actor Tomás Aragay compuso junto a Cesc Gay el guion de las vidas paralelas de todos los protagonistas, quitándoles los sonetos de trascendencia febril de Robert Altman, y haciéndolas prosa triste y contenida en las interpretaciones de sus brillantes actores. Para ello realizó también una cuidadísima selección de canciones capitaneadas por las composiciones lounge-jazz de Joan Díez y Jordi Prats para sus numerosas elipsis, y acompañadas de algunos temas insertados con ánimo sugestivo (y eficaz) como 'When it rains', de Brad Mehldau; 'Love me or leave me', de Nina Simone; 'Por la mañana', del (olvidado) Pollito de California; o 'Street Guitar', del guitarrista Jordi Mena.

Insistimos en lo necesario de seguir exigiendo estas huidas del mundanal ruido de mercados, cifras del paro y desolación social. El cine no debe dejar que perdamos la capacidad para repasarnos lo de dentro, todo aquello que en la famosa Pirámide de Maslow queda siempre relegado al último plano, pero que al final es lo que nos define, de manera tan innata como egoísta. El cineasta barcelonés destapó estas inquietudes con 'En la ciudad' y posteriormente se doctoró en su análisis con 'Ficció', 'V.O.S.', 'Una pistola en cada mano' o la fabulosa 'Truman', fiel a la naturalidad con que puede narrarse lo complicado de sentir. Con el pasar de los años, sin embargo, los personajes de esta primera inmersión que hizo en la crisis de la madurez son cada vez más cercanos y conocidos, más nuestros y de todo el mundo. Así se hacen mayores y perfectas las buenas películas.

En contra: realismo disimulado

Con la precisión y la sangre fría de un cirujano, Cesc Gay nos cuela en la vida de un grupo de amigos que viven en Barcelona. De la mano de su cámara y del realismo costumbrista con el que se conduce, espiamos sus deseos ocultos, sus traiciones calladas, nos sentimos incómodos ante el triste espectáculo de sus miserias y con ellos, miramos de frente a la soledad. Lo cotidiano se hace en el film personaje y aquello, aunque interesante, entraña sus riesgos de los que no pudo escapar esta película, 'En la ciudad'.

En su relato coral, el cineasta catalán desarrolla una especie de narración impresionista donde las pinceladas, aplicadas con buen pulso, intentan captar los instantes clave para que conozcamos a los personajes y sus situaciones. Sin embargo, estos trazos (fogonazos de realidad) acaban resultando demasiado cortos como para que las diferentes historias cruzadas nos atrapen o sepan despertar, realmente, nuestra curiosidad.

Las idas y venidas de los conflictos de los personajes se eternizan en estos saltos temporales y acabamos, en muchos momentos, en una especie de limbo en el que, según nos dicen, suceden cosas, aunque no siempre estemos seguros de ello. A la película le sientan mejor muchos de los momentos donde los amigos se encuentran. Como ese fantástico final, alrededor de una mesa de cumpleaños; donde entienden, sin palabras, que la vida les ha vuelto a ganar la partida.

Hablar de las tristezas y de los desencuentros, de la resignación en la que podemos caer presos a la primera de cambio o de los amores que nunca suceden no siempre es una fórmula infalible a la hora de empatizar con el espectador. Todo ello ha de cobrar vida con verosimilitud. Y aquí estamos ante otro problema porque durante el metraje persigue al espectador un incómodo ‘deja vu’, que le recuerda que la película ha transitado por desventuras humanas en las que muchos otros han estado, pero lo hace sin dejar del todo su propia huella. La amargura no llega al desgarro porque los personajes siempre tienen que disimular, incluso delante de ellos mismos. Y ese interesante intento de hacer cotidiano y vergonzoso el dolor de una ausencia, de un secreto o de una pérdida, juega en su contra porque acaba restándole verdad.

En segundo lugar, algunas interpretaciones son rotundamente aburridas. Y en este tipo de películas, donde no pasan grandes cosas más allá de los personajes, y sí demasiado en su interior, pero también en aquel rincón donde se queda lo que no se cuenta, es importante que las actuaciones sean impecables. Y no es el caso para algunos de los actores principales que trabajan en esta película como Alex Brendemhül, Chisco Amado, Miranda Makaroff y, en algunos momentos, Mónica López. De hecho, a veces resultan tan monocordes que difuminan el talento derrochado en ciertas partes del guión. Por el contrario, dos trabajos en las antípodas resuelven los mejores momentos de la cinta. La interpretación medida de un fantástico Eduard Fernández (desde el cual nos resulta fácil asomarnos a su interior). Y la luminosa María Pujalte. Conmovedora, patética y divertida en la piel de un corazón solitario amigo de fantasías que no son de fiar.

Solo porque guarda entre sus secuencias el abrazo más conmovedor de la historia del cine español, 'Truman' ya merece la penaTruman. Sucede entre un padre y su hijo. En unos cinco o seis planos, sabemos lo que ambos están sintiendo, si ‘saber’ es la palabra adecuada. Es sencillo, arrebatador, transparente. Es una de las decenas de chispas visuales con las que esta nueva película de Cesc Gay acaba convirtiéndose en una llamarada emocional, interiorizada y viva.  De nuevo en tándem con el actor, escritor y dramaturgo Tomás Aragay, el cineasta catalán ha querido convertir los elementos de guion que mejor domina -diálogos, personajes, naturalismo- en probablemente su mejor película, dándose codazos con 'En la ciudad' en ese podio.

Pero más allá de ese abrazo, casi todo es admirable en 'Truman'. Cuenta la llegada de Tomás (Javier Cámara) desde Canadá hasta Madrid para visitar a su amigo Julián (Ricardo Darín) que ha decidido no combatir el cáncer que padece y dejarse morir. Con sus planos casi siempre fijos, la anatomía de su historia se resuelve sin casquería sentimental. Algo que puede parecer imposible, con un punto de partida tan difícil, por melodramático y aparentemente facilón. Sin embargo Cesc Gay convierte un relato sobre la muerte en una agria semicomedia plagada de su obsesión por la amistad, la lealtad y el respeto.

¿Cómo se hace eso? ¿Cómo, previendo un traumático descenso a los infiernos, resulta ser todo lo contrario, un ascenso a la resignación de “morir como se pueda”? Probablemente dejando que suceda. Julian y Tomás avanzan por los cuatro días que permanecen juntos sin hacerse muchas preguntas pero respondiendo a casi todo. La factura más impecable de la película es sin duda el haber puesto el foco sobre ambos. Uno se muere, el otro no. Peroambos sufren, ambos se quieren lo mismo, ambos tratan de comprenderse. Y evolucionan al final tomando la actitud del perro de Julián, cuyo nombre da título a la película, y que no puede hacer nada por impedir lo que le pasa, salvo imponer su miradas brillantes y la devoción a su dueño.

Y el hecho de que las interpretaciones de sus dos protagonistas prácticamente se salgan de la pantalla no es baladí. Ambos son muy conocidos entre el gran público y además en muchos registros. Pasa con muchos grandes actores. Es muy meritorio conseguir que olvidemos todo lo anterior, y que Cámara y Darín (premio ‘ex aequo’ en el pasado Festival de San Sebastián) se hayan embarcado en este ‘tour de coeur’ (si se nos permite la expresión) con absoluta naturalidad. Es un tránsito pausado hacia la muerte donde encontramos maravillosas sorpresas en el leve y firme paseo de secundarios de lujo como Dolores Fonzi (impresionante su interpretación), Eduard Fernández, Javier Gutiérrez, Elvira Mínguez, José Luis Gómez, Silvia Abascal o Nathalie Poza, entre otros.

Se cuela además entre todos ellos, o casi se impone, esa sensibilidad especial de Cesc Gay a la hora de ponerle música a sus escenas. Para esta ocasión ha echado mano de las composiciones del músico argentino Nico Cota y del gran guitarrista barcelonés Toti Soler. Entre medias, la voz de Luis Alberto Spinetta y de su mítica banda porteña Pescado Rabioso. Todo es la vez tan pequeño y tan grande en 'Truman'. Resulta hasta un poco absurdo, llegados a este término, hablar de la película, adornarla con tantas palabras. Porque acabamos pensando que Julián y Tomás ya dicen todo lo que se pueda decir al respecto. Saben lo que va a pasar y lo asumen. Nos enseñan que en realidad siempre estamos muriendo para alguien, y todas sus secuencias son un abrazo para consolarnos.

Un hombre con cáncer que ha llegado al límite de la enfermedad decide terminar con el tratamiento y dejarse ir, se llama Julián. El otro hombre es Tomás, un amigo de la infancia que vive en Canadá y que decide ir cinco días a Madrid para despedirse de Julián. Cinco días que ambos emplearán para encontrar unos dueños al perro de Julián, Truman. Cesc Gay es el único capaz de contar esta historia sin abusar de sentimentalismos. El humor negro se combina con el drama de forma excepcional en Truman, una película que ha conmovido profundamente a toda la crítica y a todo el público de este Festival de San Sebastián. Difícilmente se irán de aquí sin rascar nada en la gala de clausura.

Julián es Ricardo Darín, cuyo darinismo, o sea, ser Darín en mayor o menor intensidad, ha tocado techo con esta película. Su trabajo es sublime, se lleva el personaje hacia dentro y lo convierte en él. A este actor le da lo mismo ser Julián, que Tomás, que el propio Truman (el perro): clavaría todos los papeles. Tomás es Javier Cámara cuyo trabajo, aunque no brilla tanto como el de su compañero, es bastante más complicado. Cámara es nuestros ojos en este periplo hacia la tragedia, probablemente no haya actores tan generosos como él. El resultado es claro, intenso, crudo, reconciliador, divertido y emocionante.

Nos encontramos con el realizador catalán en el Hotel María Cristina, rodeados de cámaras, actores, periodistas, jefas de prensa, agentes, guardaespaldas y huéspedes. Cesc es un tipo carismático y rotundo al que no le cuesta empatizar y que disfruta de la conversación.

La película es delicada, realista... Has tenido que vivir algo parecido.

Sí, y evidentemente no la del personaje de Ricardo Darín, pero lo viví como acompañante. A partir de todos esos meses empecé a escribir las cosas que iban pasando. Era algo más de necesidad, no lo hacía pensando en hacer una película. Pero vivía escenas de mucha intensidad y crueldad, situaciones que me fueron atrapando y que fui acumulando mientras observaba la reacción de la gente. Me sorprendía mucho lo complicado que era gestionar estos momentos. Era una especie de diario caótico. Después de Una pistola en cada mano me di cuenta que era un temazo y empecé a darle forma.

Últimamente me da la sensación de que el cáncer es el detonante favorito de los que hacéis ficción.

Me imagino que a nivel estadístico los directores que ahora tienen 25 años no harían este guión nunca. Pero la gente de cierta edad... Bueno yo tengo 48 y ya se te muere la gente. Te rodea el cáncer como te rodea la enfermedad y la muerte y desgraciadamente cada vez se te muere gente más joven. Como director y a esta edad puedo hablar de ello. No sé qué pasará cuando tenga 70, (se ríe) ¡A los 70 la comedia puede ser tremenda! Imagínate ya con esa distancia, que te ha pasado de todo y tú sigues ahí, vivo. Yo, Truman la he hecho desde el miedo.

Lo desagradable, lo crudo de la enfermedad lo eliminas. ¿Por qué?

No me interesaba. Es la historia de alguien que tiene que ver a un amigo porque se va. No quería a un tipo en crisis o hecho polvo. Quería a alguien que ya ha tomado todas las decisiones y que quiere terminar bien, rápido y bonito. El problema lo tienen los que le rodean.

¿Elegiste a Darín antes o después de escribir el guión?

Me obligo a no pensar en nadie cuando escribo; primero porque te decepcionas, porque no pueden y segundo porque entonces escribes como él (el actor en cuestión) habla. Un guionista tiene que construir un personaje, darle identidad y que él solo se defienda.

En una escena Ricardo Darín está en un bar con Javier, y observa como un viejo conocido entra en el bar y aunque le ve no le saluda. Actúa así por incomodidad o hipocresía no por mala educación. Darín se levanta y le reprende en una de las escenas más violentas y también más divertidas de la película. En todas tus películas colocas a tipos que desenmascaran a otros. ¿Te gustaría que abundaran más?

Por suerte, la gente es hipócrita. Es la base de la vida en común. Si nos estuviéramos todos diciendo lo que pensamos los unos de los otros sería un desastre. Hoy en día con la impunidad de nuestros móviles decimos cosas brutales. ¿Qué necesidad hay de hacernos daño? La hipocresía está infravalorada, es respeto a fin de cuentas. “Tu novia me parece fea y estúpida”, no hombre, si estás enamorado qué más da.

Truman, el perro, es el mcguffin de la película pero también simboliza la lealtad. Hay gente a la que no le gustan los perros, no sé si lo van a entender tan bien.

Es cierto que la gente que tiene perros es como si fueran sus hijos. Simplemente me gustaba que Darín no fuera un personaje rodeado de una familia, le quería solo, con una ex (ni siquiera una novia) y que su hijo fuera ya mayor y viviera fuera. El perro es el compañero ideal y además yo buscaba que durante esos cinco días de ficción que dura la película él tuviera que hacer algo. Eso es muy importante. Sea porque el personaje tiene que matar a alguien o porque no sabe qué hacer con el perro. Además ayuda a equilibrar el drama y la tragedia.

¿Te costó mucho no caer en el chantaje sentimental?

Era uno de los trabajos que teníamos que hacer. La película tiene que ganarte en lo emocional. Hay giros muy negros, muy bestias, pero intentamos no frivolizar, porque cuando te pasas con el humor, cambias de tono. Esta es una película que toca bien, no me gusta hacer ese cine angustioso donde se pasa mal. Con Truman puedes salir tocado pero contento de haber pasado por esa experiencia.

Sundance, Berlín, Toronto y Cannes. Septiembre es el mes festivalero por excelencia del panorama cinematográfico, una maratón que comienza con Venecia y continúa con Telluride, Toronto y por fin, San Sebastián. El festival español se nutre de una interesante mezcla de títulos que llegan desde todos los rincones del mundo. Los programadores juguetean con todos los géneros posibles para ofrecer al público una variedad de películas que van desde taquillazos asegurados, futuras galardonadas de la temporada de premios, irremediables obras de culto, el mejor cine independiente y también, claro, alguna que otra propuesta aburridísima y fuera de lugar.

Lo mejor de Zinemaldia es que al ser uno de los últimos festivales del año puede reunir en la sección de Perlas las películas más importantes del resto de festivales. Lo peor es que su fatigosa responsabilidad como ventana europea para el cine latino le ha impedido en numerosas ocasiones premiar verdaderas (y a veces desconocidas) joyas cinematográficas. Esta 63 edición del Festival de San Sebastián pinta demasiado bien como para cometer injusticias de este tipo. Por ejemplo.

La sensibilidad de Terence Davies y la mala baba de Ben Wheatley

En 2011 el realizador británico compitió con The Deep Blue Sea y, aunque no ganó, todos recuerdan el papelón de Rachel Weisz. Ahora regresa con una tragedia de tintes épicos, un drama romántico ambientado a comienzos de la Gran Guerra. Sunset Song se basa en la importante novela escocesa de Lewis Grassic, y presenta la durísima vida de una joven agricultora del noreste de Escocia a principios del siglo XX. Los protagonistas son la modelo Agyness Deyn y ese actor salvaje y con olor a pinta de cerveza llamado Peter Mullan.

También en sección oficial se presenta High-Rise de Ben Wheatley, un provocador que agitó a la crítica con su película de culto Down Terrace, una magnífica comedia negra donde brillaba el thriller y donde también había hueco para el cine social. High Rise, protagonizada por Tom Hiddleston, retrata la vida de un edificio donde parece existir la sociedad ideal. Si esta película es la mitad de negra que su anterior cinta, Turistas, podría hacer que La semilla del diablo parezca Sonrisas y Lágrimas 2.

El próximo cine americano

En Zinemaldia se podrá ver Freeheld, de Peter Sollett, un esperado drama sobre la homosexualidad basado en hechos reales que protagonizan Julianne Moore y Ellen Page. Es un plato fuerte, y no solo del festival, sino también de la temporada de premios. ¿Julian Moore interpretando a una mujer homosexual con cáncer que lucha para que le permitan dejar su pensión a su pareja de hecho? Huele a una de las interpretaciones del año. Huele a Oscar.

En Perlas está Anomalisa, rodada en stop motion por Charlie Kaufman, que es uno de los guionistas vivos más originales, y Duke Johnson. Viene de ganar el Gran Premio del Jurado en Venencia y en ella se retratan los temas candentes del cine de Kaufman, una comedia deprimente en la que un motivador personal lucha contra su incapacidad de conectar con otras personas. También se podrá ver la esperadísima interpretación de Johnny Depp como Jimmy Bulguer en Black Mas y Sicario de Denis Villeneuve, el hombre detrás de la magnífica Incendies y actual responsable de la secuela de Blade Runner.

La vida de estos chicos

Esta edición de Zinemaldía llega repleta de historias de iniciación. La de Reinaldo, una cinta de Agustí Villaronga que va de cine social, ternura y mucho (mucho) sexo y se titula El Rey de la Habana. La de Ari, un chaval de 16 años que tendrá que lidiar con la difícil relación con su padre y unos cambiados amigos de la infancia en Sparrows. Y la de Félix en The Demons, un chico de diez años que le tiene miedo a todo, al divorcio de sus padres, a los maniacos, a los vecinos, al SIDA. Tres propuestas muy atractivas que competirán por la Concha de Oro.

La animación se abre paso (todavía más)

Esta será la primera edición del festival que recoge en su sección oficial una película de animación japonesa. Es el caso de The boy and the beast, un filme de aventuras donde un niño cruza al mundo imaginario y se hace amigo de una especie de criatura que se convierte en su guía espiritual, es bastante probable que el nombre de Hayao Miyazaki esté muy presente durante la proyección. En Perlas, el festival ha recogido The Assassin, presentada a los Oscar por Taiwan y ganadora del premio al Mejor Director en Cannes, Mountains may depart, la última película de Jia Zhang-Ke, el director de Un toque de violencia y el siempre imprescindible Hirokazu Koreeda que presenta el drama familiar Our Little Sister.

Cine en español

Si el año pasado fue el de Magical Girl y Loreak encandilaron a todos los asistentes del festival y hoy pujan para representar a España en los Oscar. Este año la presencia del cine español y latino vuelve a ser abrumadora. Destaca el regreso de Alejandro Amenábar con Regression, seleccionada como película de inauguración fuera de concurso. El director ha vuelto al thriller de misterio, lo que mejor se le da. Un extraño caso, un detective perseverante, satanismo… Amenabar declara que se ha basado en el cine de los 70 para encontrar el tono de su película. ¿Quizá le empieza a seducir la serie B?

También estrena Cesc Gay una película donde el cáncer obliga a dos amigos a despedirse para siempre, Ricardo Darín y Javier Cámara. Si Gay sigue en su línea, predecimos una película repleta de diálogos inteligentes, realistas y, sobre todo, muy negros. Por otro lado veremos lo último de Alex de la Iglesia, que no se quedó contento con su pequeño homenaje a Raphael en Balada Triste de Trompeta y por eso le ha convertido en un auténtico tirano en su última película, Mi gran noche.

Es difícil saber qué esperar del director vasco pero sin duda merece la pena averiguarlo. La novia, que está basada en Las bodas de sangre y dirigida por Pilar Ortiz, se presenta en la sección de Zabaltegi. El tráiler muestra un lirismo abrumador, probablemente sea una de las sorpresas del Festival.

De Sundance, Berlín y Cannes

De Sundance podremos ver su ganadora (mejor película y premio del público) Yo, él y Raquel. De Berlín nos llega Taxi Teheran del interesante director Jafar Panahi, otro lienzo sobre la sociedad iraní cuya distribución no ha sido autorizada por El Ministerio de Orientación Islámica de su país. La película de Panahi ganó el Oso de oro y el de plata se lo llevó El club, lo último de Pablo Larraín, que también se podrá ver en San Sebastián.

Y de Cannes nos llega Son of Saul, la película que ya han catalogado como la más veraz y honesta jamás realizada sobre el holocausto, según el crítico Luis Martínez estaríamos ante “una obra maestra incuestionable que duele, arrasa y abre los ojos”. El hype está por las nubes. Veremos si sobrevive a San Sebastián.