Corría el año 1967 y George Lucas era estudiante de cine en la Universidad del Sur de California. El joven que soñaba con ser cineasta desarrolló entonces su primer cortometraje: Electronic Labyrinth THX 1138 4EB. La historia del corto, que presentaba una ciudad subterránea en un futuro distópico, sirvió de base para el que se acabaría convirtiendo en su primer largometraje.

Hablamos de THX 1138, la cual no solo fue la primera película de Lucas como director, sino también la primera que se estrenó bajo el sello de American Zoetrope, productora que el director fundó junto a su amigo y compañero Francis Ford Coppola en 1969. El filme se estrenó en 1971 y fue clave en la trayectoria del cineasta: sin él, probablemente nunca hubiera desarrollado Star Wars.

La película nos presenta una distopía en la que la sociedad vive bajo tierra y está controlada por un estado totalitario, lo que la deja totalmente despersonalizada. Fuertemente influenciada por la historia que George Orwell presentó en 1984, el largometraje plantea un gobierno que suprime las emociones de los ciudadanos, obligados a tomar sustancias para mantenerse obedientes.

La historia comienza con THX 1138, personaje que comienza a rebelarse contra el sistema al dejar de tomar sus medicinas y buscar libertad. Apodos como el del protagonista son un antecedente directo de los nombres que Lucas dio más tarde a algunos de los droides de La guerra de las galaxias como R2-D2 y C-3PO. 

El fracaso que derivó en la nueva galaxia

Lucas contó con el apoyo de Warner Bros. para distribuir la película, pero el estudio pronto mostró sus diferencias con el filme del cineasta. En 1970, antes del estreno, insistieron en verla, pero los resultados no fueron los esperados: consideraron que la película era demasiado fría, experimental y difícil para el público general.

En el documental A Legacy of Filmmakers: The Early Years of American Zoetrope (2004), el director explicó que en aquellos momentos sintieron que el fracaso de la película era inminente. “Nadie sabía qué hacer con THX 1138”, compartió. Pese a aquellas diferencias, el filme consiguió estrenarse en 1971, con un rendimiento que casi hizo quebrar a American Zoetrope.

Lucas quedó especialmente tocado por el hecho de que su idea no funcionara y se planteó el enorme objetivo cinematográfico de crear una película comercial. Esto le llevó varios años, pero terminó desarrollando el universo de Star Wars, en el que combinó la ciencia ficción con un tono más épico y emocionante que finalmente consiguió conquistar al público. Reto más que conseguido.

Cumple hoy 81 años, pues nació un 29 de enero de 1945 en la industrial Detroit, y es uno de los actores más reconocibles al haber aparecido en series televisivas de la fama de Friends o Blue Bloods, tantas veces repetidas y que todavía siguen emitiéndose en algunos canales temáticos.

Hablamos de Tom Selleck, quien pudo haber tenido una carrera distinta en caso de haber podido hacer el papel de Indiana Jones, que obtuvo después de haber convencido tanto a Steven Spielberg como a George Lucas, pero que tuvo que declinar, acabando así finalmente en Harrison Ford, otro icónico nombre de la pantalla.

Y es que, a pesar de que George Lucas no quiso darle el papel en un comienzo, Steven Spielberg sí que había pensado en Ford para el papel que finalmente interpretaría. El hecho de venir de ser Han Solo en Star Wars fue lo que no convencía al primero, que finalmente aceptó cuando se quedaron sin Selleck.

¿Por qué Tom Selleck no interpretó a Indiana Jones?

La respuesta desmonta una de las leyendas más repetidas de Hollywood. Durante años se ha dicho que el actor rechazó el papel para protagonizar la serie Magnum, pero lo cierto es que Selleck nunca dijo que no. Al contrario: hizo la prueba, convenció tanto a Steven Spielberg como a George Lucas y llegó a ser el elegido para encarnar a Indiana Jones.

Spielberg y Lucas habían elaborado una lista inicial de candidatos en la que figuraban nombres como Timothy Matheson, John Shea, Nick Mancuso, Nick Nolte y el propio Tom Selleck, quien fue el último en pasar el casting. Tenía entonces 35 años y atravesaba una etapa complicada: estaba prácticamente sin trabajo y cobrando el subsidio de desempleo, aunque acababa de ser seleccionado para un piloto de la cadena CBS sobre un detective privado en Hawái, un proyecto del que aún no sabía si tendría continuidad.

La audición fue un éxito. “Conseguí el papel”, recordaría años después el propio actor, molesto por la idea de que hubiera rechazado voluntariamente un personaje que podía cambiarle la vida. Lucas y Spielberg mantuvieron la oferta durante semanas, pero a medida que avanzaban las conversaciones con la CBS, la cadena se mostraba cada vez más reacia a liberarlo de su compromiso contractual hasta que finalmente la negativa fue definitiva.

“Es cierto que conseguí el papel de Indiana Jones, pero lo que de verdad me enfada es cuando a continuación todo el mundo dice que rechacé el papel. No es cierto. Hice la prueba, para mí era una gran oportunidad. No siempre me salían bien las audiciones, por la presión, pero como acababa de conseguir el papel para Magnum no tenía nada que perder. Vaya, si no salía, ya tenía un trabajo. El caso es que funcionó”, declaró en una entrevista reciente.

Un rostro reconocible en televisión

A pesar de no conseguir el papel de Indiana Jones, Tom Selleck se convirtió en un rostro reconocibles en la televisión, precisamente a partir de la serie Magnum, P.I., serie emitida entre 1980 y 1988. Su interpretación del detective privado Thomas Magnum, ambientada en Hawái, lo convirtió en una estrella internacional y fijó una imagen icónica que aún hoy sigue asociada a su nombre.

Décadas más tarde, volvió a consolidar esa presencia televisiva con Blue Bloods, drama policíaco producido por Mitchell Burgess y Robin Green, en el que encarna a Frank Reagan, comisario de policía de Nueva York y patriarca de una familia gaélico-americana de agentes del orden, papel que le permitió envejecer en pantalla con autoridad y carisma.

Además de sus grandes protagonistas, Selleck dejó una huella muy recordada en la comedia televisiva gracias a su participación en Friends. Entre 1996 y 2000 apareció en diez episodios interpretando al doctor Richard Burke, oftalmólogo y amigo de la familia Geller, que mantiene una relación sentimental con Monica a partir del final de la segunda temporada. Aunque su arco principal se desarrolla en esa etapa, el personaje reaparece en temporadas posteriores, en concreto en la tercera y en el episodio final de la sexta. Su interpretación fue tan bien recibida que obtuvo una nominación al Emmy como Mejor Actor Invitado en una Serie de Comedia.

Star Wars es todo un fenómeno mundial desde que se estrenó Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza en 1977. La película, dirigida por George Lucas, revolucionó el cine de ciencia ficción y, desde entonces, la saga se ha convertido en un referente cultural que ha generado cientos de productos asociados: libros, cómics, videojuegos, nuevas películas y también series de televisión. 

Una de las series más populares de los últimos años es The Mandalorian, la serie protagonizada por Pedro Pascal que sigue la historia de un cazarrecompensas llamado Mando, encargado de proteger a Grogu, un pequeño extraterrestre verde. Cada uno de los primeros capítulos de la serie, que estrenó su primera temporada en 2019, contó con un presupuesto de unos 15 millones de dólares. Pero es esta la serie de Star Wars más cara de la historia.

Según ha recopilado Forbes, la producción con mayor presupuesto de esta franquicia es Andor, la precuela de la película Rogue One: una historia de Star Wars y que sigue al personaje Cassian Andor cinco años antes de los eventos de este largometraje. La serie estrenó su primera temporada en 2022, mientras que los doce capítulos de la segunda entrega llegaron a Disney+ entre abril y mayo de este año.

La revista de negocios estadounidense señala que el gasto que Disney ha hecho en Andor hasta finales de 2024 llegó hasta los 705,5 millones de dólares. La cifra podría ser mayor, teniendo en cuenta que la segunda temporada no se estrenó hasta abril de 2025, pero ya con esta ha marcado un récord. La serie ha superado a cualquier otra producción de Star Wars, incluyendo El despertar de la fuerza (2015), que costó 446,6 millones. 

En el momento de su estreno, Andor también hizo historia: según recoge la revista Sensacine, la segunda temporada de la serie consiguió entonces un 99% en Rotten Tomatoes. Con esta puntuación, llegó a superar incluso a Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca, que ostentaba en ese momento un 95% de valoraciones. 

Con escenas grabadas en España

Como ya ocurrió con Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones, en el que en un momento dado aparece la icónica plaza de España de Sevilla, la serie de Andor también tiene localizaciones grabadas en nuestro país. 

Por ejemplo, algunas escenas del capítulo 2 de la segunda temporada se rodaron en la montaña de Montserrat, una de las más populares de Catalunya. La icónica Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia es otra de las grandes localizaciones donde se rodó la segunda parte. Por su parte, el Castillo de Xátiva, también en la Comunitat Valenciana, se convirtió en un mercado negro intergaláctico.

La ovación más calurosa de este Festival de Cannes llegó el último día, y no fue para una película, sino para un director que hace casi 20 años que no dirige. George Lucas apareció en el teatro Debussy y el patio de butacas se vino abajo. Pocos directores han logrado lo que él, que una saga como Star Wars haya traspasado cualquier barrera generacional. Son las películas que pasan de padres a hijos. Aquellas que se ven en familia, las que hacen a un niño de 10 años maravillarse ante el espectáculo que ve en la pantalla y creer en lo imposible.

Una saga en la que nadie creía y que George Lucas se empeñó en sacar adelante costara lo que costara. Quizás por eso su lema es “perseverancia”. Lo repitió varias veces en la masterclass que dio en Cannes y donde repasó su carrera desde los inicios hasta que cambió la industria para siempre. Él mismo lo reconoció. Más allá del éxito comercial, quizás lo que más rompió a Hollywood fue que gracias a sus películas las licencias para crear muñecos y merchandising se convirtieron en la mayor fuente de dinero de las productoras. Un cambio que también hizo que la industria del cine se parezca más a una fábrica de souvenirs que a una que hace películas. 

Repasó sus inicios, y mientras que otros cineastas tienen claro esa película que les hizo querer dirigir, él no menciona ninguna, pero sí que no era un buen estudiante, y que comenzó a estudiar antropología y ciencias sociales. Gracias a un amigo se fue a la Universidad de California del Sur y entró en un departamento de fotografía que resultó ser… de cine. “Pensé que esto era una locura, llegas a la Universidad y haces películas cuando en aquella época solo había unas pocas docenas de escuelas de cine”, recordó. Allí descubrió el cine, especialmente el de animación, porque en su pueblo solo había dos salas. Una para la serie B y otra para el cine más comercial. Fue cuando ya pudo conducir a San Francisco cuando comenzó a ver las películas de las vanguardias y cuando lo tuvo claro. “Eso es lo que quiero hacer”.

No solo hizo eso, sino que junto a una generación de amigos como Martin Scorsese, Paul Shcrader o Francis Ford Coppola, cambiaron las normas en lo que luego se llamaría ‘el nuevo Hollywood’. Para Lucas el cambio estaba en lo que les motivaba. “No estábamos realmente interesados en ganar dinero. Estábamos interesados en hacer películas. Esa fue la gran diferencia. No se entraba en la industria del cine si no tenías un pariente o conocías a alguien, así que ninguno de nosotros pensó realmente que íbamos a poder dedicarnos al cine. Queríamos hacer cine, aunque fueran cortos en la escuela”, dijo Lucas ante una audiencia entregada.

De hecho, son solo ellos a los que enseña sus películas. De sus consejos se fía, pero no deja que nadie opine sobre lo que hace. “Soy cabezón, no quiero que nadie me diga cómo deben ser mis películas. No me gustan los ‘grupos de discusión’, ni los pases previos. Me fío de mis amigos. De Marty, de Francis…”. 

El éxito en el que nadie creía

El punto de inflexión en su carrera llegó con el éxito de American Graffiti. “De repente me convertí en la persona más deseada de Hollywood”, confesaba Lucas, que aprovechó ese momento para vender su idea de Star Wars, “una película muy loca que era como las de los años 30 de ciencia ficción”, y para redactar junto a su abogado un nuevo contrato. Le dijeron que estaba loco. Pero sabía que era la única oportunidad que iba a tener. Fue ahí donde pidió tener las licencias de sus películas. Hablando en plata, la capacidad de hacer camisetas y merchandising de Star Wars antes incluso de que se estrenara. En aquel acuerdo también dejó claro que aquello era una trilogía. 

Pero aunque el jefe de la Fox le había comprado su idea, solo había tres personas en toda la compañía que tuvieran “fe en la película”. “El estudio no tenía fe en la película. Pensaban que no iba a funcionar, y cuando se la enseñé terminada dijeron que la odiaban, que era una película estúpida y que no la querían. Hasta intentaron venderla, pero al final no lo hicieron. Eso sí, la estrenamos en muy pocos cines, en 32 salas, pero el éxito que tuvo hizo que llegáramos a más de mil, algo inaudito en aquel momento”, explicó Lucas. El resto es historia.

Los críticos y los fans se enfadaron con el 'Episodio I' porque decían que era una película para niños. Es que 'Star Wars' siempre ha sido una película para niños

Lo que nunca entendió es que redujeran Star Wars a conceptos simplistas. “Star Wars no es una película de naves espaciales, es mucho más”, dijo ante el aplauso de la sala y explicó que el origen de la franquicia más popular de la historia del cine está en un sitio más oscuro, la guerra de Vietnam. “El propósito de hacerla nació durante la Guerra de Vietnam. Yo iba a hacer Apocalypse Now, pero no pude hacerla finalmente. Mi versión era una sátira, algo parecido a Teléfono rojo, volamos hacia Moscú. Francis le bajó el tono, y como le encantaba El corazón de las tinieblas lo cambió por algo más serio y más extraño”.

“Star Wars siempre ha sido una película para niños de 12 años. Siempre fue pensada de esa manera, para los niños durante la Guerra de Vietnam. En aquel momento todos estábamos a punto de ser reclutados y la gente regresaba en ataúdes. Estábamos saliendo a la calle por los derechos civiles y viviendo momentos muy oscuros, y pensé que quería hacer algo muy poderoso para los niños. Dije, ‘quiero hacer una película para niños de 12 años que están pasando por la pubertad y que no saben lo que están haciendo y por qué están aquí y haciéndose muchas preguntas”, desveló el director.

Repitió muchas veces algo de lo que no se avergüenza. Al revés, lo subraya. Y es que Star Wars es una saga para gente entre 10 y 15 años. Contestó así a las críticas que tuvo el Episodio I, que fue “destrozada por los críticos y los fans que tenían diez años cuando vieron el Episodio IV”. “Dijeron que era una película para niños y que no querían ver una película para niños, sino una de adultos. Que Jar Jar Binks era terrible. Justo lo mismo que dijeron sobre C3PO, que era irritante y que me deshiciera de él. O de los Ewoks, que decían que eran osos de peluche, que eran para niños pequeños. Es que esta es una película para niños y Star Wars siempre ha sido para niños”, zanjó.

También contestó a otras de las críticas que se han hecho a las diferentes entregas de la saga, como por ejemplo que solo hubiera hombres blancos: “Un comentario que ignora que casi todos los personajes son extraterrestres y que la idea de la película es que hay que aceptar a las personas por lo que son, sean peludas o de color verde. En la película los únicos que son discriminados son los robots. Está ese momento en donde les dicen que ellos no pueden entrar, y era una forma de decir que siempre alguien encontrará una razón para discriminar a alguien”. La crítica fue, después, que no hubo mujeres, y ahí Lucas se puso serio, porque para él Leia es “la auténtica heroína de la película”. En Cannes el héroe fue él, un cineasta retirado que hizo que en el templo del cine de autor la gente aplaudiera hasta que le dolieron las manos a aquel que les hizo creer en una puesta de sol binaria, en la velocidad de la luz, y en que podían mover cosas gracias a la fuerza.

El artífice de Indiana Jones y Star Wars, George Lucas, recibirá la Palma de Oro honorífica en la 77ª edición del Festival de Cannes, que se celebrará entre los próximos 14 y 25 de mayo. El cineasta ha asegurado en un comunicado que el certamen francés “siempre” ha ocupado un “lugar especial” dentro de su corazón. “Me sorprendió cuando mi debut, THX-1138 fue seleccionado en el entonces nuevo programa dedicado a óperas primas llamado Director's Fortnight”, ha recordado el artista sobre la primera de las “numerosas” ocasiones en las que ha regresado a la muestra como “guionista, director y productor”.

“Este reconocimiento significa mucho para mi”, ha añadido el premiado. Desde el Festival de Cannes, por su parte, han afirmado estar “encantados” de rendir homenaje a “una de las figuras más grandes del cine contemporáneo. Un hombre con una extraordinaria carrera, que aúna el entretenimiento en mayúsculas con la innovación, la mitología, la modernidad, la cinefilia y la tecnología”. El estadounidense recibirá el galardón durante la ceremonia de clausura que acogerá el Grand Teatro Lumière el domingo día 25.

El debut que mencionaba el propio cineasta fueTHX 1138 en 1971, en el que contó con el apoyo en la producción de Francis Ford Coppola. En él adaptó uno de los cortos experimentales que había rodado previamente en la Universidad del Sur de California. En él sentó las bases de su filmografía: el uso de la ciencia ficción para denunciar la sociedad de vigilancia, el amor como arma para combatir el destino y el conformismo; y el cambio los valores morales para revertir los papeles del bien y del mal.

American Graffiti le permitió en 1973, además de descubrir a Harrison Ford y dos nominaciones en los Premios Oscar, el espaldarazo para embarcarse en la odisea galáctica con la que reinventó los códigos del cine de género como parte del Nuevo Hollywood. El movimiento que inauguró La jauría humana de Arthur Penn en 1966 y que se extendió hasta principios de los ochenta, modernizando significativamente la producción de películas en la industria estadounidense. La guerra de las galaxias: Episodio IV Una nueva esperanza (1977) se convirtió en un fenómeno socio cultural a nivel mundial que todavía hoy continúa. Posteriormente financió El imperio contrataca (1980) y El retorno del Jedi (1983).

La siguiente franquicia en la que se involucró fue Indiana Jones, cuyo primer título, En busca del arca perdida (1981), dirigió Steven Spielberg en 1981. Lucas ejerció de productor y participó en la idea original. Su gran repercusión derivó en el lanzamiento de otras dos entregas, Indiana Jones y el Templo Maldito (1984) e Indiana Jones y la Última Cruzada (1989). Su pasión por la tecnología le permitió ser pionero en el campo de los efectos especiales. Fundó la compañía Industrial Light & Magic, con la que ayudó a desarrollar diversas técnicas visuales. También fue el responsable de la creación del estudio de animación de Pixar.

“George Lucas siempre ha dado al éxito de taquilla sus cartas de nobleza y a los espectadores de todo el mundo un placer inigualado”, han concluido desde el certamen.

Indiana Jones regresa al Festival de Cannes. Hace 15 años el personaje creado por George Lucas y Steven Spielberg presentó en el certamen su anterior aventura, y esta edición volverá a hacerlo con Indiana Jones y el dial del destino, la nueva entrega que, por primera vez, no estará dirigida por Spielberg, que sí produce el filme. El encargado de coger el testigo ha sido James Mangold, director de Logan y Ford Vs Ferrari. Mangold tampoco es un novato en Cannes, ya que hace casi 30 años presentó su debut en la realización.

En un comunicado emitido por Disney, que distribuirá la película, Mangold se muestra “orgulloso de regresar con un espectáculo un poco más grande”. Aunque la nota de prensa de Cannes no lo especificaba, Disney ha publicado un póster que deja claro que el filme se verá fuera de concurso por la preciada Palma de Oro. Eso sí, Harrison Ford recibirá un galardón honorífico como el que el año pasado se le entregó a Tom Cruise, que presentó en la ciudad francesa otro blockbuster, Top Gun: Maverick.

Ford retoma el personaje del famoso arqueólogo, pero le acompañará Phoebe Waller-Bridge, la creadora de Fleabag; John Rhys-Davies, Toby Jones, Boyd Holbrook, Ethann Isidore, Mads Mikkelsen y Antonio Banderas. Se espera que todos ellos acudan a la que será una de las alfombras rojas más esperadas de este Cannes y que tendrá lugar el jueves 18 de mayo.

Poco a poco, la 76 edición del festival va cogiendo forma y va confirmando los rumores que sonaban con más fuerza. La semana pasada anunció la presencia de Martin Scorsese, que regresa a Cannes 37 años después de su última visita a la Sección Oficial. Lo hará con Killers of the flower moon, adaptación del libro del mismo nombre y junto a Leonardo DiCaprio y Robert DeNiro.

Años antes de que saliera al mercado la PlayStation original, una de las compañías que más pasiones provocaba en el sector de los videojuegos era Lucasfilm. Conocida por aventuras gráficas tan personales técnicamente hablando como desternillantes en sus diálogos, alcanzó su cumbre de genialidad con dos títulos protagonizados por un pirata de nombre imposible, Guybrush Threepwood.

Un anuncio digno del Día de los Inocentes

La noticia de un retorno a las coordenadas clásicas de esta saga ha causado conmoción en la escena gamer. Ya el pasado viernes uno de sus creadores originales, Ron Gilbert, avisaba de lo inminente del proyecto en su página web. El problema fue que su anuncio coincidió con el April Fool’s Day, por lo que fue malinterpretado como una broma del autor.

Hoy, sin embargo, su veracidad ha quedado confirmada gracias a un anticipo subido al canal en YouTube de Devolver Digital, compañía conocida por haber gestado uno de los juegos independientes más reconocidos de la pasada década, Hotline Miami. El propio Ron Gilbert ha respaldado la noticia con otra entrada posterior en su blog.

En el breve pero divertido avance, que bromea precisamente con la supuesta negativa del autor a revisitar la saga, se anticipa su lanzamiento para 2022. Con el título de Return to Monkey Island, llega como una colaboración entre Lucasfilm Games, Devolver Digital y Terrible Toybox, estudio bajo el cual Gilbert editó en 2017 Thimbleweed Park, propuesta fiel a su estilo.

La apuesta de George Lucas que dio pie a un mito

El revuelo que ha causado la noticia tiene mucha lógica, ya que The Secret of Monkey Island es probablemente el juego recordado con más cariño de todo el catálogo de LucasArts. Conocida originalmente como LucasFilms Games, se creó como negocio en paralelo a la productora cinematográfica de George Lucas.

Este videojuego, publicado en 1990, fue el quinto de la compañía en usar el motor SCUMM, abreviatura chistosa de Script Creation Utility for Maniac Mansion. Entre los que se beneficiaron de dicha tecnología figuran juegos tan clásicos para el jugador de cierta edad como el disparatado Maniac Mansion (1987), el trepidante Indiana Jones and The Last Crusade (1989) o el evocador Loom (1990).

Todos ellos tenían características comunes como un funcionamiento basado en el sencillo método del point-and-click (dirigir el camino del protagonista apuntando a un punto concreto del escenario), interactuar con otros personajes a través de diálogos muy cómicos y presentar unos gráficos sencillos pero vistosos. Era la época pixelada, en la que el reciente salto desde los cuatro colores del sistema CGA a los 256 del VGA ya había supuesto una revolución.

El regreso a la Isla del Mono, 31 años después

El primer título de la saga sobre piratas apareció en 1990, con el nombre de The Secret of Monkey Island. Su continuación, Monkey Island 2: LeChuck's Revenge, fue publicada tan solo un año después. Que se haya especificado que el argumento de Return to Monkey Island continuará donde se quedó esta segunda parte no es un detalle baladí, por varias razones. La primera, que aún se habla de ese final como de uno de los más sorprendentes de la historia del videojuego.

La segunda, que a pesar de que la saga continuó con capítulos como The Curse of Monkey Island (1997), La Fuga de Monkey Island (2000) o Tales of Monkey Island (2009), para sus fans estos habían traicionado el espíritu original. De hecho, otros títulos de LucasArts como Sam & Max Hit The Road (1993) o Full Throttle (1995) destacaban en sus gráficos como desafío a otro gigante de la época, Sierra On-line, responsables de Leisure Suit Larry o la saga King’s Quest.

En los dos primeros Monkey Island se narran las aventuras y desventuras de Guybrush Threepwood, joven que sueña con convertirse en un gran pirata del Caribe. A través de giros de guión poco menos que delirantes se desarrollan su rivalidad con el malvado LeChuck y su intento de conquista de la gobernadora Elaine Marley. Estos juegos siguen siendo fuente de memes a día de hoy, con algunos momentos dignos de los mejores Monty Python entre los que destacan, por ejemplo, el recordado combate de insultos.

Buenas esperanzas (para Guybrush Threepwood)

Además de su concepción como secuela directa y de la vuelta al redil del guionista y director original, los fans de Monkey Island han celebrado la incorporación al proyecto de Dave Grossman, desarrollador y coescritor junto a Gilbert de los primeros dos juegos. También la de los compositores Michael Land, Peter McConnell y Clint Bajakian, responsables de su fantástica banda sonora, y de la voz original de Guybrush, Dominic Armato.

En el teaser trailer desvelado por Devolver Digital no se especifica una fecha concreta de publicación para Return to Monkey Island, solo que esta se producirá a lo largo de 2022. Tampoco se ha revelado para qué dispositivos estará disponible, aunque se asume que al tratarse de una saga más enfocada a las delicias del guion que a la espectacularidad técnica, el juego probablemente sea multiplataforma. Y que incluya, como no podría ser de otra manera, a un mono con tres cabezas.

“Desastre total”, “basura absoluta”, “una parodia” y otros calificativos mucho menos amables acompañan a esta nueva entrega de la saga galáctica que, para muchos, significa la muerte de ‘Star Wars’. ‘Los últimos Jedi’ será también para muchos fans la última vez que irán a ver una película de la franquicia, tras lo que consideran una traición imperdonable. Con el corazón roto, iracundos y decepcionados, han encabezado en masa una lapidación descarnada contra Disney y Rian Johnson, encargado de pilotar este nuevo y esperado capítulo. Johnson, conocido director de ‘Looper’ y ‘Brick’, ha recibido más palos que una estera y probablemente no encuentre una cueva lo suficientemente profunda en la galaxia para esconderse y escapar de las críticas. La cuestión es: ¿merece semejante escarnio?

La calidad de la película no es lo importante aquí, sino el nivel de satisfacción de los fans, más peligrosos que una horda de ‘sarlaccs’. Es decir: si no das al público lo que se espera, te comerán vivo. Básicamente, es lo que ha sucedido con ‘Los últimos Jedi’. Y Johnson no solo no ha dado el menú que los fans esperaban; ha tenido la osadía de rociar con gasolina la biblia cósmica creada por Dios Padre Lucas y luego le ha prendido fuego. Disney entregó los mandos a Johnson y le dio carta blanca para llevar la nave allá donde considerara oportuno. Y, a juzgar por el recibimiento, el cineasta ha conducido la saga a un agujero negro.

Todas las expectativas que J.J. Abrams sembró en la entrega previa quedan en este episodio en la más absoluta nada. Y es solo el principio: grandes e icónicos personajes que son una parodia de sí mismos y cuya presencia queda reducida a una anécdota, patrones que se repiten con descaro, un tiempo extraordinario de metraje (es la película más larga de todas, con 152 minutos) gastado en tramas secundarias superfluas y prescindibles, estrategias de combate increíbles en el peor sentido de la palabra, amén de fallos de raccord y continuidad. Algunas líneas de diálogo dan vergüenza ajena, al igual que otras tantas escenas y situaciones ridículas. Una de las más imperdonables es un pretendido homenaje a Carrie Fisher en el que Johnson convierte a Leia en una especie de Virgen María espacial.

Una buena tijera habría librado a este filme de muchos de sus males, pero ¿es todo perdición y despropósito? Yo diría que no. El sentido del espectáculo y el entretenimiento sigue siendo enorme. Como película de aventuras cumple. Como película de aventuras cumple, las batallas espaciales siguen haciendo que el espectador se agarre a la butaca. Destaca el preciosismo de la estética del planeta salado Crait, esa llanura blanca veteada en rojo sangre, y un momento álgido como pocos en la toda la saga, con Kylo y Rey como protagonistas. En mi opinión, es lo mejor de la película: la perturbadora relación que se fragua entre los dos jóvenes protagonistas/antagonistas, tan sutil como impredecible. Johnson hace creíble que las tornas cambien en cualquier momento, en direcciones insospechadas, y eso no es fácil de conseguir.

También aprecio el esfuerzo que el cineasta hace por innovar, introduciendo nuevos usos nunca antes vistos de la Fuerza y presentando vueltas de tuerca en el paradigma Jedi, aunque a la vista de su acogida, no lo hace en la dirección adecuada. Es de agradecer, además, su respeto por el trabajo de Carrie Fisher, a la que no ha sustituido en ningún momento por un alter ego digital, pese a su inesperada muerte. Y, sin duda, uno de los grandes méritos de ‘Los últimos Jedi’ ha sido incluir personajes femeninos que, por primera vez en la saga, se hacen notar de manera equitativa en los diferentes bandos y escalafones.

En lo cuestionable, la introducción de animalitos adorables, una condición sine qua non de la factoría Disney destinada a hacer las delicias de los más pequeños. Laura Dern se queda descafeinada y Benicio del Toro al final supone una novedad sugerente que, esperemos, dé mucho más juego en lo venidero.

¿Es la peor entrega de Star Wars? Yo diría que no, aunque sí se queda a miles de pársec de distancia de ‘El Imperio contraataca’, al que Johnson aspiró a emular. Permanece, no obstante, la esperanza de que en el siguiente episodio J.J. Abrams se dedique a ‘desfacer entuertos’ y enmiende los despropósitos legados por su predecesor. Y una última recomendación: que, pese a todo lo dicho aquí, cada uno juzgue por sí mismo. Que la Fuerza os acompañe.

- Título: Star Wars: The last Jedi (2017)

- Dirección: Rian Johnson

- Guión: Rian Johnson (basado en los personajes creados por George Lucas)

- Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher, Kelly Marie Tran, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern, Andy Serkis

A favor o en contra, fan o detractor, blanco o negro. Qué mejor ocasión para tener opiniones encontradas con el nuevo episodio de la saga Star Wars. Lo cierto es que al margen de si The last Jedi les gusta o no, estamos ante un punto y aparte. Esto no es Star Wars, al menos no hablando en cuanto al espíritu original, claramente. De serlo, queda mucho más cerca del estilo de las precuelas y las series animadas televisivas que de aquella primera trilogía -y de su escenario contextual documentado y apropiadamente inspirado-.

Este nuevo episodio, y no El despertar de la fuerza, como debía suponerse en un caso como este, marca la ruptura con la narrativa original. La primera mitad de la cinta juega con el paralelismo con El imperio contraataca para después reinventar la filosofía Jedi a golpe de batalla y efectismo.

En The last Jedi tenemos el abecé de las intenciones industriales de Disney, con su oferta de nuevo merchandising en personajes y especies, como es costumbre, pero ultradesarrollado hasta límites insospechados, sin tanto sentido y que hace que la producción llegue en muchas ocasiones a asimilarse a aquellos spots publicitarios de Disneyland.

Es sin duda una película para entretener a los antiguos seguidores pero sobre todo para convencer y atraer a esos potenciales compradores de productos, los niños de hoy, con distintas demandas y contexto para el público que con seguridad pasa la treintena. Algo que, sin poder ser recriminable, sí que hace que echemos de menos un poco más de coherencia, de tiempo de desarrollo de la historia, de ritmo en la paciencia, ya que este octavo episodio promete un desfile de emociones que van de la alegría a la tensión en una frenética sucesión de escenas que carecen de un alma original.

De alma y de sentido, porque ciertas escenas en las que se juega con la vida o muerte de ciertos entrañables personajes estiran tanto el conflicto sin ningún objetivo que hacer que sintamos que en ocasiones perdemos el tiempo queriéndonos dejar convencer por este nuevo rumbo.

No podemos negar que en su diferencia también sobresalen aspectos positivos. La mayor abundancia e importancia de los personajes femeninos era una cuenta pendiente que se salda generosamente en esta ocasión, convirtiendo a Daisy Ridley en la heroína más trabajada de esta trilogía. Una lógica que no debería sorprendernos pero que igualmente satisface.

Del mismo modo, alegra que algunos de los personajes construidos más fielmente al canon original tengan un papel mucho más importante que en la cinta anterior, como Poe Dameron (Oscar Isaac) o el propio Luke Skywaker (Mark Hamill) -de debatible personalidad-. Junto a roles como el defendido por Benicio del Toro -excelente, más por calidad interpretativa que por su desarrollo-, hacen que The last Jedi no sea criticable precisamente por su reparto.

Ni tampoco es enjuiciable su dirección, pues el que fuera director de Looper, Rian Johnson, consigue defender un trabajo a la altura, muy estético y de un montaje que alcanza los objetivos propuestos.

Buena o mala, guste o no, es bastante diferente en contenido y mucho en forma, con lo cual solo podemos invitar al visionado y juicio propio. Existe demasiada influencia comercial y mediática alrededor de esta cinta como para recomendarla o hablar mal de ella. O para directamente entrar en esa batalla dialéctica entre seguidores y detractores. No merece la pena esta vez tener que elegir entre lado luminoso o lado oscuro, más aun sabiendo que la deriva de la saga mira hoy más que nunca a un horizonte en el que dentro de cada uno existen ambas caras de la moneda.

- Rogue One: una historia de Star Wars (2016)

- Dirección: Gareth Edwards

- Guión:Chris Weitz, Tony Gilroy

- Reparto: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, JiangWen, MadsMikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk.

Llega la Navidad y, por segundo año consecutivo, vemos cómo se destapa otro de esos telones que George Lucas -y Disney, básicamente- levanta ya cada poco tiempo como si de un juego de trileros se tratase. Décadas atrás, estas campañas de merchandising iban y venían con el estreno de cada gran proyecto. En la actualidad, con los avances vividos en el mundo del cine y las mejoras que a él han aportado algunos cineastas visionarios, todo va a la velocidad de la luz. Bueno, sí, gracias a ellos y a las productoras, que siempre han pensado en la calidad de las historias por encima de su rendimiento económico -nótese la ironía.

Hace ya más de 30 años desde que vieran la luz aquellos telefilmes sobre ewoks que pretendieron vender como grandes aventuras intergalácticas. Intentos de spin-offs que daban pena y vergüenza. Un auténtico fracaso. Eran historias completamente descabelladas, que apestaban a creativos -si se les podía llamar así- mendigando espectadores a cambio de simple humo. ¿Qué ha cambiado? Primero, que los lanzamientos industriales son mucho más estudiados, planificados, todo está medido e incluido en un pack de venta al por mayor insertado en una cultura de consumo que no solo nos otorga identidad sino que realza la necesidad de reafirmarnos en ella.

Y en segundo lugar, también claramente ha habido una mejora en la historia, al menos en el caso de hoy, al menos con esta cinta. La saga Star Wars busca con Rogue One hallar un equilibrio entre calidad técnica y narrativa que pueda atraer no solo a la masa de público a las salas sino que también intenta reconciliar a los descontentos con la deriva de la nueva serie de episodios. Y cumple este capítulo de las aventuras de Jyn Erso (Felicity Jones) y su banda de rebeldes por hacerse con los planos de una Estrella de la Muerte aún en construcción que acaba resultando un respiro ante la decepción que pareció suponer El despertar de la fuerza.

La primera razón de ello es el atrevimiento. Gareth Edwards nos enseña el mismo universo desde un filtro mucho más oscuro, perverso, crudo, dando un golpe en la mesa y no amedrentándose ante el trabajo de figuras aclamadas de la realización como el J. J. Abrams, al que se levanta como salvador de la saga. El espectador deja la sala con la sensación de haberse acercado más a una historia que se le antoja contundente -aunque luego lo sea realmente o no- que a un mayor intento por exprimir una vez más la gallina de los huevos de oro.

De los personajes podemos decir que es una de las aristas con las que los experimentos suelen fracasar con más frecuencia. Esta no será una excepción; no es para nada perfecta en cuanto a reparto, y caracteres como el de Baze Malbus (Wen Jiang) vuelven a jugar cerca del límite entre lo aceptable o no. Por lo general, el resto de personajes no cae mal para nada. Dentro de un abanico no poco explotado podemos encontrar aventureras con una forma de ser lo suficientemente creíble como para no ser algo meramente plano, incorporaciones interesantes como la de Diego Luna o elementos que nos hacen recordar la iconografía de una saga que ya es casi religión en nuestra cultura.

El director Michael Giacchino coge la batuta en esta ocasión sumando la música a la lista de diferencias marcadas con la historia principal. Realiza un trabajo impecable, pero no es fácilmente perdonable que ciertas piezas desaparezcan por completo ni tampoco lo es que su uso haya sido reemplazado por el vacío más absoluto y rancio. Si con ciertos elementos clásicos de la saga solo puedes sumar, hablamos de una victoria segura y no hay necesidad alguna de suprimir por rendirse al simple respeto a la idea de marcar distancias.

Rogue One es una historia que se agradece porque sabemos que empieza y termina, que no es otro chicle a estirar -ya vendrán otros- y que condensa en el metraje de una sola película espectaculares batallas, grandes aventuras e historias interesantes. Y aun con ello el firmante se queda con la sensación de que le sigue faltando ese último paso, que, si bien puede deberse a lo reciente de su lanzamiento, al no haber habido aún tiempo suficiente de digestión, es fruto directo de una expectativa que cualquier espectador seguidor de la saga y nostálgico frente a un título como el de Star Wars puede derivar.

Disney y Lucas Films marchan otra vez de aventura para encontrar ese equilibrio de la fuerza que pueda devolver a la saga al puesto de tótem cultural que merece y seguir marcando historia. Es algo que logran conseguir a medias, quedándose mucho más cerca que con El despertar de la fuerza, yendo mucho más lejos, apostando y arriesgando mucho más y con la misma lógica de acierto.

Para acabar, hay que mencionar que, si bien la historia de Rogue One, situada dentro del universo Star Wars, puede seguir una deriva predecible en cuanto a su final, lo cierto es que hay que tener valor para que un gigante de las ventas infantiles como Disney acepte una resolución como la de la cinta. ¿Estaremos ante un caso aislado de buen quehacer o simplemente Rogue One pasará a convertirse en el ojo de un huracán que seguirá en 2017 con el lanzamiento del octavo episodio? No lo sabremos hasta entonces. Por lo pronto, tanto los fans como los que no sean tan seguidores del universo Star Wars pueden vivir sin miedo a decepciones o fracasos la aventura de unirse a la rebelión y embarcarse en la misión de robo de los planos de una de las mayores armas construidas jamás en el cine.

Era el único capaz de hacerlo. J.J. Abrams no es solo un narrador excepcional, discípulo de Steven Spielberg y poseedor de un lenguaje contemporáneo con el que maneja el sentido del espectáculo con tanta habilidad que maravilla al más cínico. También es un nostálgico de aquella cosa llamada La Guerra de las Galaxias, la de 1977, una ópera espacial que se convirtió en trilogía y después en una religión y que, al final, ha terminado siendo un perfecto catalizador que separa al planeta en dos tipos de personas: los que le gusta Star Wars y a los que no. Abrams está en el primero y, aun así, tuvieron que convencerlo. “¿Quién es Luke Skywalker?”, le dijo Katheleen Kennedy, sucesora de George Lucas en LucasFilm. No hizo falta nada más. Le tenían pillado.

Abrams llamó a Lawrence Kasdan, guionista de El imperio contrataca y El retorno del Jedi, para que le ayudase. Tenían la difícil tarea de levantar el mito después del desastre emocional que sufrieron los fans cuando vieron las incomprendidas precuelas de George Lucas. Y, cuando se pusieron a contestar la pregunta de Katheleen Kennedy, se encontraron con la clave que marcará para siempre el destino de la saga galáctica. Star Wars: El despertar de la Fuerza consigue mirar hacia delante sin perder de vista la fundación del mito. Repite esquemas y elementos icónicos, pero lo hace mientras introduce una nueva generación de personajes tan carismáticos como los primeros, como la princesa Leia, Han Solo y Luke Skywalker.

En términos de trilogía, Abrams prepara el terreno, dejando espacio para que otros propongan las innovaciones. El solo sienta las bases, pero hacerlo ya es una proeza. El director de Super 8 ha elaborado un majestuoso juego de espejos donde se reflejan elementos del Star Wars primigenio; los planetas hechos de paisajes reales, cantinas llenas de seres que están vivos, naves viejas y ni un solo midicloriano. Pero son espejos que apuntan también hacia afuera, hacia un planeta -el nuestro- donde hay personas que trabajan y que aún así pasan hambre, donde hay niños soldado, jóvenes que solo quieren huir, donde es complicado saber quién está en el lado oscuro y quién en el lado de la luz.

Las mujeres (ahora sí) son parte de esta galaxia

La política en El despertar de la fuerza son solo pequeños avistamientos que uno puede tomarse literalmente, o no. Lo importante aquí es que la dichosa pregunta de Katheleen Kennedy nos ha traído a Rey, una chatarrera inocente y brava que también sabe salvarse el pellejo ella solita, como Leia. Obviando así, como con todo lo demás, los episodios I, II y III. ¡Cuánto perdió la saga con Padmé Amidala! Después de construir un personaje femenino fuerte, decisivo y admirable en La Amenaza Fantasma, a Lucas le dio por convertirlo paulatinamente en un ser deprimido y sin carácter que encima tiene la culpa de la transformación de Anakin Skywalker en el temible Darth Vader al final del Episodio III, La venganza de los Sith.

Rey es otra cosa, más apropiada para los tiempos que corren. El personaje interpretado por Daisy Ridley devora la película, es tierna pero también audaz, irónica, divertida, valiente y empuña su arma con las dos manos, fuerte y segura de sí misma. Ella es la heroína de la que se enamorarán las próximas generaciones. La película pasa el test de Bechdel con nota, aunque los otros dos personajes que heredan la saga sean hombres. Dos hombres llenos de confusión, como los protagonistas de la saga primigenia. Finn es un desertor, asustado e imberbe sin ganas de aventura con la fuerte intención de huir hacia delante, interpretado con pulso y simpatía por John Boyega. El otro es Kylo Ren, el Sith, el tipo de la máscara, el villano que viene a sustituir el lugar que ocupaba Darth Vader. Lo interpreta un referente indie, el mercurial Adam Driver.

El sable láser y el Halcon como fetiches argumentales

Abrams da la vuelta a las batallas de sable y al concepto de la Fuerza que vuelve, en cierta forma, a ser algo casi quimérico. Pero, para avanzar hacia nuevas aventuras espaciales, el director estadounidense recupera con tono de leyenda dos piezas fundamentales del imaginario warsie: el sable láser azul que un día llevó Luke y anteriormente su padre Anakin Skywalker y el Halcón Milenario, esa nave que forma parte de la cultura pop por ser el pedazo de chatarra más rápido de la galaxia.

Es fascinante cómo el camino hacia un personaje, hacia Luke Skywalker, le ha servido a Abrams para levantar una nueva y sólida mitología galáctica. El despertar de la Fuerza es ingeniosa, probablemente la que contenga los diálogos mejor escritos (por su perspicacia) de toda la saga. Es de una belleza hipnótica, un ritmo endiablado y está llena de voluptuosas escenas de acción. Lo que no es es arriesgada y no le hace ninguna falta. Se conforma con orientar el futuro de la saga hacia una dirección llena de posibilidades. Después de 38 años, hay una nueva esperanza.

Probablemente durante las últimas semanas los fans del universo de Star Wars, creado por George Lucas allá por los lejanos años 70, hayáis estado sintiendo un hormigueo en el estómago o en el pecho. Lamentamos deciros que no, no es la Fuerza que intenta manifestarse en vosotros, sino el hype y las ganas de ver Star Wars: El Despertar la Fuerza, el séptimo episodio de la saga de películas, la séptima película, la primera película que sale en el orden que debería. ¡Sí, El Despertar de la Fuerza es eso y mucho más! ¿Y cuándo se estrena? Pues menudo pregunta... ¡Hoy!

Pero no nos descentremos. Juegoreviews es un medio especializado en videojuegos, y por mucho que nos gustaría hablar de las maravillosas películas (algunas más que otras) ambientadas en esta galaxia multicultural y bélica, no podemos hacerlo. ¿O tal vez sí?

Star Wars se ha convertido con el paso de los años en una macro-licencia, donde las películas se quedan cortas en comparación con las series de televisión, el merchandising, los cómics y los videojuegos ambientados en su universo. Especialmente los videojuegos. Desde 1983 hemos visto como LucasArts y muchos otros estudios desarrolladores nos traían propuestas de acción, estrategia o rol en las que encarnar a Jedis, Sith, pilotar X-Wing, pegar tiros con nuestros blasters o mandobles con nuestros sables láser, decidir el futuro de la galaxia…

¿Qué mejor momento que ahora, que el “venazo friki” de Star Wars vuelve a ser políticamente correcto, para hacer un repaso de algunos de los juegos que más han destacado en estos años, para bien o para mal? No nos enrollamos más. Te invitamos a seguir leyendo, y quién sabe, lo mismo descubres un título que no conocías y que se convierte en tu nueva fuente de adicción. ¡Adelante!

Star Wars Arcade

Star Wars ArcadeEn 1983, Star Wars todavía era virgen en el mundillo de los videojuegos, aunque bueno, ¿qué no lo era? En plena Edad de Oro de los juegos Arcade, Atari presentó una propuesta para recreativas basada en la primera película de la icónica saga que vio la luz. ¿El título de este juego? Star Wars Arcade, un simulador espacial en primera persona en el que controlábamos a Luke Skywalker mientras pilotaba un X-Wing en varias batallas aéreas.

Además de ser un primer homenaje al universo creado por George Lucas, este juego también supuso una pequeña revolución. A diferencia de otros, en los que el jugador tenía que destruir a todos los enemigos para subir de nivel, aquí tenía que sobrevivir, esquivando enemigos o disparando. El objetivo final era la Estrella de la Muerte. ¿Imagináis cómo terminaba?

El juego fue un éxito rotundo, y en los años siguientes llegó a varias consolas de 8-bits, como las distintas Atari, la Commodore 64, Amiga, y un largo etcétera. Incluso estuvo presente en los primeros ordenadores Apple que salieron al mercado.

Super Star Wars

Super Star WarsDamos un salto de varios años, hasta 1992, época de apogeo de la SNES. En este tiempo vieron la luz muchos otros títulos de Star Wars para arcades y las consolas de 8-bits, juegos decentes (demasiado adictivos para algunos), pero no fue hasta estos primeros años de la década de los 90 que llegó nuestro segundo juego destacado. Hablamos de Super Star Wars, el primer juego de la franquicia para SNES, creado por el equipo de LucasArts.

En este juego, los jugadores podíamos controlar a Luke, Han Solo o el peludo Chewbacca, a través de varios niveles en 2D en los que debíamos avanzar hacia la derecha, acabando con enemigos de todo tipo (eso incluye un minijefe final en cada nivel). La gracia del juego es que además había niveles en los que manejábamos X-Wing, un Ladspeeder, y había varias armas distintas a nuestro alcance.

El título fue otro exitazo, tanto que Nintendo no tardó en dar luz verde a dos secuelas, Super Star Wars: The Empire Strikes Back, y Super Star Wars: Return of the Jedi.

Star Wars: X-Wing

Star Wars: X-WingUn añito después, en 1993, llegó otro de los juegos destacados de nuestra lista. Aunque ya se habían visto varios simuladores de combate espacial, éste era especial, por dos motivos. El primero, que se trataba del primer juego de PC de la franquicia desarrollado por LucasArts. El segundo, por ser uno de los primeros juegos en usar polígonos en 3D.

Además, Star Wars: X-Wing nos ofrecía una historia intensa donde las haya, simultánea a la de ‘Star Wars Episodio 4: Una nueva esperanza’. Controlábamos a un piloto rebelde en su lucha contra el Imperio, a través de 14 operaciones que concluían con la espectacular Batalla de Yavin. Las misiones podían jugarse en el orden que deseáramos, y para superarlas debíamos alcanzar los objetivos primarios de cada una. Más adelante, el juego recibió dos packs de expansión, Imperial Pursuit y B-Wing, que ampliaban la trama hasta el establecimiento de la base rebelde.

El juego contaba con cinemáticas, doblajes, imágenes trazadas a mano… Una joyita de la época, vaya. No es de extrañar que la saga recibiera más entregas, como X-Wings vs. TIE Fighter o X-Wing Alliance.

Star Wars: Jedi Knight – Dark Forces II

Star Wars: Jedi Knight – Dark Forces IIEn 1995, LucasArts lanzó Star Wars: Dark Forces, un shooter en primera persona, para PC y DOS. Un año después también llegaría a esa primera PlayStation, tan mítica, pero no es de este juego del que vamos a hablaros, sino de su secuela. Star Wars Jedi Knight: Dark Forces II llegó en 1997, superando con creces a su precuela y recibiendo infinidad de críticas positivas. Tanto es así que lo comparaban, de forma positiva, con el icónico Doom.

El juego nos volvía a meter en la piel de Kyle Katarn, el protagonista del primer juego, mientras intentábamos vengar la muerte de su padre a manos de un Jedi oscuro. Para ello debíamos emprender un viaje al Valle de los Jedi, a través de 21 niveles donde nuestras únicas armas eran el sable láser y la Fuerza. Bueno, visto así, parecen armas suficientes, ¿no os parece?

Esta secuela introdujo varias mejoras espectaculares, como un motor gráfico que permitía aceleración en 3D, la posibilidad de alternar las vistas en primera o tercera persona… Eso por no hablar de su modo multijugador, que permitía competir con otros jugadores a través de Internet o una Red de Área Local. Algo que tan común parece hoy día era una característica rompedora en su momento, así que este juego no podía faltar en nuestra selección.

Star Wars: Galactic Battlegrounds

Star Wars: Galactic BattlegroundsSeguimos con Star Wars: Galactic Battlegrounds, un juego que, si bien no alcanzó las cotas de popularidad que otros de los que hemos mencionado, merece estar en nuestra selección. ¿Por qué? Pues porque fue el primer juego de Star Wars en cambiar de género, dejando a un lado la acción y sustituyéndola por estrategia y gestión pura.

¿Y quién podía ser mejor que Ensemble Studios, los creadores de la mítica saga Age of Empires, para hacerlo? El estudio publicó el juego en 2001, para PC, y ofrecía todas las mecánicas y posibilidades que habían hecho un éxito a Age of Empires II. De hecho, nada cambiaba, excepto, obviamente, el estilo de las unidades, la música y el tipo de decorados. Por lo demás, todo era lo mismo. Incluso las reliquias seguían ahí, sólo que convertidas en holocrones.

Galactic Battlegrounds se ambientaba durante ‘La Amenaza Fantasma’, y más tarde se actualizó con nuevo contenido basado en ‘El Ataque de los Clones’. Había varias “civilizaciones” a controlar, desde los Rebeldes a la República, pasando por el Imperio, los Wookies, y alguno más. Además permitía partidas de hasta ocho jugadores, y ofrecía distintas campañas.

Aunque el juego no era perfecto, y presentaba algún que otro fallo al manejar unidades aéreas, teníamos que destacarlo. ¡Un Age of Empires de Star Wars! Sólo pensarlo dispara el hype.

Star Wars: Caballeros de la Antigua República

Star Wars: Caballeros de la Antigua RepúblicaLlegamos al 2003, y al juego que probablemente muchos estéis esperando. ¿Bioware y Star Wars? Efectivamente, hablamos de Star Wars: Caballeros de la Antigua República, uno de los primeros RPGs ambientados en este universo de ciencia ficción y el que inició la franquicia, una de las más queridas por los fans.

Uno de los principales atractivos de ‘Caballeros de la Antigua República’ es que nos mostraba una época totalmente distinta a la que estábamos acostumbrados a ver en un juego de Star Wars. Nos trasladábamos al tiempo donde la Orden Jedi estaba en su máximo apogeo, 4.000 años antes de la primera película, y allí asumíamos el papel de un caballero Jedi intentando poner fin a los malvados planes de Darth Malak… U ocupar su lugar.

El juego encantó por su sistema de toma de decisiones, que nos permitía elegir el camino a tomar, el del Lado Luminoso o el del Lado Oscuro, teniendo consecuencias en la trama. Más adelante, Obsidian Entertainment se encargó de desarrollar la secuela, The Sith Lords, una entrega que recibió tan buenas críticas como el original (puede que incluso más) y que dejó a los fans con ganas de seguir explorando el universo.

De momento no hay noticias del esperadísimo Star Wars: Caballeros de la Antigua República III, pero la esperanza es lo último que se pierde. Obsidian ha manifestado su interés en desarrollar esta continuación. Además, los últimos rumores apuntan a remasterizaciones de los dos juegos en 2016… ¿Será posible?

Star Wars Galaxies

Star Wars GalaxiesEl RPG de Bioware dio el pistoletazo de salida a varios juegos de ese género de Star Wars, sin embargo vamos a destacar sólo Star Wars Galaxies. Se trataba de un videojuego de rol multijugador masivo online, en el que podíamos visitar diez planetas característicos del universo creado por George Lucas (Tatooine, Naboo, Corellia, Talus, Rori, Dantooine, Lok, Yavin IV, la luna bosque de Endor y Dathomir), además de muchas zonas inventadas por los creadores del juego.

En el juego, como es normal en el género, podíamos elegir la raza intergaláctica de nuestro personaje, su sexo, apariencia, una profesión (Jedi, contrabandista, y muchas otras), subirle de nivel y elegir sus habilidades…

Star Wars Galaxies fue todo un éxito, tanto que sus servidores duraron abiertos hasta diciembre de 2011. Incluso hoy día puede seguir jugándose a través de swgemu, una versión emulada sin actualizaciones.

Star Wars: Battlefront

Star Wars: BattlefrontEn 2004 vio la luz por primera vez un juego que supondría el inicio de una franquicia de la que hemos hablado mucho en los últimos meses. Exactamente, el primer Star Wars: Battlefront, desarrollado por Pandemic Studios. Con un gran peso del componente online, este Battlefront nos permitía escoger entre cuatro facciones (Droides, Clones, Rebeldes o Imperiales) y distintos modos, basados en todos los Episodios de las películas (excepto el tercero, que aún no se había estrenado).

Poco después (un año, para ser exactos) Pandemic lanzó Star Ward: Battlefront II, una versión mejorada, con escenarios y situaciones de toda la saga de películas, nuevas mecánicas, una inteligencia artificial mejor… Esto termino de asentar la saga, que nos traería dos entregas más, esta vez desarrolladas por Rebellion y N-Space.

Este año, la responsabilidad de traer un nuevo Star Wars: Battlefront ha recaído en DICE, y lo cierto es que han conseguido un resultado espectacular, al menos en lo referente a estética y potencia gráfica. En cuanto a modos de juego y profundidad, puede que se hayan quedado un poco justos. Pero oye, este no es lugar para debatirlo. Si queréis saber qué nos ha parecido el juego, tenéis un súper análisis con súper vídeo análisis pululando por aquí.

Star Wars: El Poder de la Fuerza

Star Wars: El Poder de la FuerzaOtro de los títulos destacados de nuestra lista es Star Wars: El Poder de la Fuerza. El juego, de acción en tercera persona, se hizo esperar hasta 2008, y llegó tras generar infinidad de hype en los jugadores. ¿Por qué? Pues por varias razones. La primera de todas, que la historia había sido creada bajo la dirección de George Lucas. La segunda, que se ambientaba en esos oscuros y misteriosos años entre los Episodios 3 y 4. Y tercera, que tenía como protagonista… ¡Al aprendiz secreto de Darth Vader! ¿Quién da más?

El juego nos metía en la piel del Aprendiz Sith Galen Marek, más tarde conocido como Star Killer, en su tormentosa lucha contra los Jedi, luego los Rebeldes, luego sus maestros, y todos mezclados un poco. El gran atractivo de la aventura era que podíamos decidir cómo jugábamos la historia, si siguiendo el camino de la luz o el de la oscuridad, y que podíamos usar los espectaculares Poderes de la Fuerza.

Por desgracia, el juego no fue el éxito que muchos esperaban. Más adelante contó con una secuela, pero por desgracia eso no sirvió más que para terminar de enterrar la saga. Os preguntaréis entonces, ¿por qué destacamos el juego? Pues porque, para bien o para mal, este juego marcó historia entre los fans. Merece su huequecito en la lista.

Star Wars 1313

Star Wars 1313Y pasamos de una pequeña decepción, a otra aún más grande. Una decepción en forma de cancelación. Star Wars 1313 iba a ser un juego de aventura en tercera persona desarrollado exclusivamente por LucasArts, y en él íbamos a seguir los pasos de un Boba Fett joven, en un universo mucho más oscuro al que otro contenido de Star Wars nos tiene acostumbrados. El juego fue presentado oficialmente en el E3 2012, y su desarrollo iba viento en popa. Entonces comenzaron los problemas.

¿Qué pasó? La compra de LucasArts. Disney se hizo con el control de la compañía en 2013, y poco después desmanteló el equipo de trabajo del estudio, dejando menos de 10 empleados que pudieran servir como licenciantes. Eso significó que todos los proyectos del estudio fueran cancelados, una auténtica pena.

Puede que Star Wars 1313 no viera nunca la luz, pero merece estar en nuestra lista de destacados, por ser el gran juego que los fans esperaban y que nunca pudo ser. ¿Nunca? No se sabe, pero este mismo año, la cineasta Kathleen Kennedy comentó que el concepto del juego era “oro”, y no merecía perderse. ¿Sobrevivirá algo de Star Wars 1313 en el futuro?

“Siempre veo imágenes proyectándose en mi cabeza y solo tengo que hacer esas escenas. Tenía un deseo incontenible de conseguir esa gran escena de las dos naves espaciales, una disparando a la otra a medida que pilotaban atravesando la fortaleza espacial. Por Dios que quiero verlo. Esa imagen está en mi cabeza y no descansaré hasta que la vea en la pantalla”. (George Lucas, 1974)

Poco antes de estrenar 'La guerra de las galaxias', un George Lucas de 32 años reconoció estar agotado, deprimido y disgustado. Había que mejorar algunos planos de los efectos especiales que tantos quebraderos de cabeza le estaban dando. Llevaba dos años trabajando siete días a la semana, dieciséis horas al día, para que sus combates de naves en una galaxia muy, muy lejana se contemplaran en el cine.

Uno de sus mayores problemas era su incapacidad para delegar autoridad y responsabilidad, su obsesión por controlar cada detalle de esa cinta de androides, jedis y tropas imperiales que había imaginado. “Es muy duro para mí llegar a otro sistema en el que todo el mundo haga las cosas para mí y yo diga 'qué bien'”, reconocía antes de saber que esa cinta ideada para jóvenes de 14 años acabaría conquistando a los adultos que, como él, seguían sin renunciar a la fantasía.

United Artists y Universal Pictures rechazaron su historia, pero Twentieth Century Fox le proporcionó 25.000 dólares para que escribiera el guion narrando las aventuras de Luke Starkiller (que así se llamaba por aquel entonces). Durante dos años, dedicó su jornada laboral a escribir cuatro versiones diferentes.

La primera contaba la historia de una princesa y un general. En la segunda, el personaje de Luke era femenino: una chica tenía que rescatar a su hermano, una idea que descartó porque “nadie se lo creería”. Su amigo Francis Ford Coppola, productor del segundo largometraje de Lucas, 'American Grafitti', leyó tres versiones y le ayudó a pulir los diálogos del guion definitivo, uno de sus grandes puntos débiles a la hora de escribir. “Si no me hubieran obligado a rodar la película, todavía lo estaría reescribiendo”, confesaría tiempo después del gran estreno.

Fox ya no contaba con un departamento de efectos especiales, así que, ni corto ni perezoso, Lucas decidió montarse uno que acabaría revolucionando la historia del cine. Hace cuarenta años, fundó Industrial Light and Magic. Quiso vigilar todos los detalles de aquel proyecto hasta lograr que el destructor imperial Devastador se hiciera con el poder de una nave consular con todo el realismo posible.

LOS COMBATES DE LA II GUERRA MUNDIAL... EN EL ESPACIO

Jóvenes diseñadores, arquitectos e ingenieros con imaginación, entusiasmados con poder construir con sus manos otro universo pero con muy poca experiencia en el mundo del cine: así eran los primeros trabajadores de ILM. De los 45, la media de edad estaba en los 25 o los 26 años. George Lucas tampoco quiso que alguien mayor que él tomara las riendas de aquel proyecto y le encomendó la difícil tarea de hacer sus pensamientos realidad a John Dykstra.

Dykstra había trabajado en 'Naves misteriosas' a las órdenes del que fuera su mentor, Douglas Trumbull, el responsable de los efectos especiales de la legendaria '2001: una odisea en el espacio'. Aunque años después se rumoreó que Trumbull había rechazado la oferta de Lucas, la versión del joven director publicada en 'American Film' en 1977 desmiente esa idea. Nunca quiso que aquel maestro le ayudara. “Si contratas a Trumbull para hacer tus efectos especiales”, explicó Lucas, “él hará tus efectos especiales. Me ponía de los nervios eso. Yo quería poder decir 'debe parecerse a esto y no a eso'”.

Aunque se decantó por su discípulo, Lucas siempre comparó sus efectos especiales con los que Stanley Kubrick pudo realizar gracias a Trumbull y a un presupuesto más holgado. El director del que se convertiría en un film de culto había gastado 6.5 millones de dólares de los años 60 para crear sus efectos especiales. Lucas, solo 2.5 millones, el 25% del total de la película. Las cuentas siempre le hicieron sufrir.“No había forma, dado el tiempo y el dinero que teníamos, de que Kubrick lo hubiera hecho mejor”, llegó a decir.

El ideólogo de la Fuerza no pretendía realizar una película de ciencia ficción perfecta, sino la más espectacular. No quería un plano lento de una nave flotando en el espacio con 'El danubio azul' de fondo. Su objetivo era recrear los combates aéreos de la II Guerra Mundial con naves espaciales como si de un documental se tratara. Así que grabó 25 horas de las cintas que encontró de aquella época, que editó hasta quedarse con los mejores 8 minutos.

Quedó con Dykstra para explicarle la idea de tomar como modelo esa cinta, mostrando su especial preocupación por la apoteósica batalla final. Según el joven, que pasaría a ser el supervisor de efectos visuales, “este concepto visual estaba muy lejos del enfoque de cámara de tomas estáticas para la fotografía en miniatura de naves espaciales que se habían visto en los clásicos del espacio del pasado”. Sin embargo, decidió aceptar el reto para lograr una hazaña de “proporciones gigantescas”: realizar 365 planos de miniaturas voladoras.

EL CLUB DE COUNTRY QUE CREÓ UNA CÁMARA REVOLUCIONARIA

En 1975, Dykstra encontró un almacén cerca del aeropuerto Van Nuys, al norte de Los Ángeles, que se convertiría en el cuartel general de ILM, aunque Lucas siempre había querido estar lo más lejos posible de Hollywood.

La comunicación entre ambos fue uno de sus principales problemas desde el principio. “John era completamente diferente a George. Especializado en la parte eléctrica, pero le movía una clase de improvisación”, ha señalado recientemente el director creativo de ILM, Dennis Muren, que por entonces trabajaba en la unidad de miniaturas y efectos ópticos. “George no es una persona particularmente sociable”, reconocía el productor e íntimo amigo del realizador, Gary Kurtz. “Es más fácil para él trabajar con gente que conoce”.

Lucas rodaba la cinta en Reino Unido mientras Dykstra diseñaba las impresoras ópticas, las miniaturas y hasta un revolucionario sistema para que la cámaradiseñaba las impresoras ópticas pudiera rodar las escenas aéreas. Sin embargo, el proceso iba más lento de lo esperado. “Puedo entender que [Lucas] estuviera nervioso sobre ello. Estaba al frente del proyecto y el estudio estaba nervioso”.

Fuera de aquel almacén, ILM era para algunos una comuna 'hippie' donde la marihuana se fumaba libremente. Comenzaba a ser conocido como el Club de Country. Algunos ejecutivos se acercaban allí por el día, pero nadie estaba rodando. Dykstra puntualizó que trabajaban por la noche debido al calor sofocante y a la ausencia de aire acondicionado. ILM no olía a magia, sino a gimnasio. Sin embargo, algunos días llegaban a trabajar 18 horas. “No nos organizábamos, no teníamos reloj para fichar. Éramos todos amigos”, aseguró Dykstra. En ILM comían, dormían y soñaban con planetas imaginarios.

Construían las naves espaciales utilizando trozos de camiones, tractores, furgonetas e incluso un viejo Ford Galaxy 500. Eran, literalmente, “pedazos de chatarra”, tal y como Luke calificaría después al Halcón Milenario. Mientras los modelistas se dedicaban a construir esas maquetas, el supervisor de efectos visuales creaba la que sería su gran obra con ayuda de parte del equipo: la Dykstraflex, una cámara con control de movimiento.

La Dykstraflex podía programarse para que se desplazara en 7 ejes diferentes con ayuda de una grúa. Todos los movimientos se grababan en una memoria para que se pudiera rodar la misma escena con diferentes maquetas y miniaturas sobre el fondo azul que después se eliminaría.

De esta forma, la cámara parecía presente en esa batalla final en la que los rebeldes se dirigen a la Estrella de la Muerte. “Es un dispositivo de caballo de batalla, no es un ordenador y eso es lo realmente importante. Es una calculadora. No es ni de lejos tan sofisticada como podríamos haber hecho con ordenadores personales”, explicó Dykstra. El problema es que desarrollar el sistema les llevó más tiempo del que tenían (casi un año) y gran parte del presupuesto de efectos visuales (unos 400.000 dólares).

Aunque la cinta entusiasmó y sigue entusiasmando a millones de fans, el resultado, después de 22 meses de intenso trabajo, no pareció contentar a su realizador. “La clave es que los efectos especiales son tiempo y dinero. Tuve que recortar presupuesto como un loco. Tuve que recortar escenas a diestro y siniestro. Y tuve que cortar como cien escenas de efectos especiales. La película es el 25% de lo que yo quería que fuera”, admitiría después Lucas.

Dykstra siempre lamentó que el director creyera que no había aprovechado bien su dinero. “Hay algo en mí que dice, maldita sea, ¿cómo lo habrías hecho de otra manera?” Haber inventado la Dykstraflex no parecía ser suficiente para aquel perfeccionista creador que tuvo que conformarse con un R2-D2 que permanecía prácticamente inmóvil porque no paraba de tropezarse en el rodaje.

ILM SE MUDA A SAN FRANCISCO... SIN DYKSTRA

Lucas estaba de vacaciones en Háwai durante la 'premiere', por lo que no fue consciente del clamoroso éxito de la película en un primer momento. A su vuelta, decidió trasladar su compañía de efectos especiales a San Francisco. No todos se fueron. “No estaba interesado en ir a San Francisco. No estaba invitado”, ha afirmado tajantemente John Dykstra. Lucas no contó con él: “Quería a gente dispuesta a crear una empresa, y yo no era un tipo para una empresa”.

Ganó el Óscar a los mejores efectos visuales en 1978, además del Óscar Científico y Técnico por el desarrollo de la cámara Dykstraflex y el sistema de control electrónico del movimiento. Se quedó en aquel almacén de Los Ángeles y creó su propia empresa de efectos digitales, Apogee. Aunque tuvo que cerrar la compañía en los 90, tras el auge de las imágenes por ordenador, ha seguido ligado de por vida a los efectos especiales e incluso volvió a ganar un premio de la Academia en 2005 por 'Spiderman 2'.

“Hay tres formas de rodar. La hay rápida, la hay buena y la hay barata. Pero solo puedes trabajar con una combinación de dos de ellas”, señaló Dykstra en una entrevista en los 80. Su filosofía no era tan distinta en ese punto a la de Lucas, pero sus caminos se separaron.

El que sí decidió seguir la estela de ILM fue Dennis Muren, que decidió llamar directamente al productor, Gary Kurtz, para explicarle sus deseos de marcharse con ellos a San Francisco. “Había tenido miedo de hablar conmigo porque pensaba que estaba aliado con John. Y yo dije: 'No lo estoy. Me encantaría ir'”.

A Muren la jugada le salió bastante mejor, al menos en número de estatuillas. Desde que consiguiera el primer Óscar en 1980 por los efectos especiales de 'El imperio contraataca', ha ganado otros 8, y actualmente es la persona viva con más premios de la Academia en su haberpersona viva con más premios de la Academia. Eternamente ligado a la saga que le catapultó al éxito, el director creativo de ILM ha seguido trabajando como consultor de las cintas. Al fin y al cabo, conoce la evolución de las naves imperiales al dedillo.

“No quiero enfadar mucho a tus lectores, pero es solo una película. No es un asunto importante. Desde un punto de vista técnico (mi propio punto de vista) no pienso que sea en general una película bien hecha, porque estaba trabajando en condiciones extremadamente difíciles”, contestó George Lucas a un redactora de la prestigiosa revista de ciencia ficción Starlog en 1981, mientras escribía el guion de 'El retorno del jedi'.

Casi cuatro décadas después, los efectos especiales de 'La guerra de las galaxias' siguen emocionando a millones de seguidores de la saga, aunque según el realizador no fueran los mejores y ya hayan quedado desfasados. Ahora, esperan que la Fuerza se despierte el 18 de diciembre para volver a ver, como en aquel film, al Halcón Milenario superando la velocidad de la luz.

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Las imágenes que aparecen en este reportaje son propiedad de Sal Ami y Wikimedia CommonsSal AmiWikimedia Commons

El compositor estadounidense James Horner, que ganó dos Oscar por la banda sonora de Titanic y creó también la música de otros éxitos de cartelera como Avatar o Braveheart, ha muerto después de estrellarse su avioneta privada este lunes en California.

Los rumores sobre la posible muerte de Horner, de 61 años, se multiplicaron la madrugada del martes tras conocerse que un  aparato siniestrado el lunes pertenecía al famoso compositor de música, aunque por el momento no hay una confirmación de su fallecimiento por las autoridades locales.

La publicación The Hollywood Reporter citó un mensaje publicado en la red social Facebook por la asistente personal de Horner, Sylvia Patrycja, que informaba de la muerte del artista. “Hemos perdido a una persona maravillosa, con un corazón enorme y un talento increíble. Murió haciendo lo que amaba. Gracias por todo su apoyo”, escribió Patrycja en Facebook, según la publicación. No obstante, el abogado de Horner, Jay Cooper, dijo no poder confirmar si Horner era quien pilotaba el avión, dado que el galardonado compositor posee varias aeronaves. “No sabemos nada de él desde el accidente”, manifestó Cooper a la cadena de televisión CNN.

La avioneta se estrelló cerca del Bosque Nacional de Los Padres, a alrededor de 96 kilómetros (60 millas) al norte de la ciudad de Santa Bárbara (California). La Administración Federal de Aviación de EEUU (FAA) confirmó en un comunicado que la aeronave era una S312 Tucano MK1 de un único motor y que el piloto murió en el accidente, pero indicó que las autoridades locales serán las responsables de identificar a la víctima.

Más de cien bandas sonoras

A lo largo de su carrera, Horner recibió 10 nominaciones a los Oscar y ganó dos por la banda sonora de Titanic (1997) y por la canción original de esa película, My Heart Will Go On, interpretada por la canadiense Céline Dion. Horner también ganó nominaciones por sus bandas sonoras para los filmes Alien, Apollo 13, Una mente maravillosa,  Avatar, Braveheart, Campo de sueños, Willow,  además de por la canción original Somewhere Out There, de la película infantil An American Tail (Fievel y el Nuevo Mundo).

Entre las más de cien bandas sonoras que compuso se encuentran también The Mask of the Zorro, Legends of the Fall, Casper, Jumanji o The Amazing Spider-Man. Nacido en Los Ángeles (California) en 1953, Horner comenzó a tocar el piano a los cinco años, y se formó en Londres, en el Royal College of Music, según una biografía publicada en el sitio web especializado en cine Imdb.

En la década de 1970, Horner regresó a California para seguir estudiando música en dos universidades de ese estado, hasta doctorarse en Teoría y Composición de Música en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA). Después de un tiempo componiendo bandas sonoras para proyectos estudiantiles llegó su primer trabajo de alto perfil, Star Trek II: The Wrath of Khan (1982), tras lo que fue encadenando ofertas de directores de cine de cada vez mayor renombre. Durante su carrera, Horner trabajó para George Lucas, Steven Spielberg, James Cameron, Oliver Stone y Ron Howard, entre otros.

El cine de La Casa Encendida prepara para este fin de semana una jornada fílmica sobre este soporte a través de un recorrido por varias películas de los años 60, 70 y 80. Las cintas se proyectarán en el Patio de la Casa a partir de las 22 horas y las sesiones tendrán una duración aproximada de algo menos de dos horas.

Se trata de una reivindicación de ese tipo de cine que cobra sentido ahora, en la era digital y en plena crisis del cine. El Súper-8 envejece rápido, es un soporte que pierde fácilmente el color, no es difícil que se raye, se rompa o se ensucie. No obstante desde el centro destacan que es precisamente eso lo que hace que estas proyecciones tengan un componente muy romántico y casi mágico que hacen que esos “24 fotogramas por segundo hagan parecer estas copias más auténticas que las digitales”.

Según cuenta Álex Mendíbil, comisario del evento, “el Super-8 capturó la esencia de un cine escapista y popular, pero también acogió películas increíblemente extrañas que jamás llegaron al video y quedaron atrapadas en sus bobinas”.

Este formato se hizo muy popular entre directores modestos en la década de los 70, pero cayó pronto en desgracia cuando surgió el vídeo al comenzar la década siguiente. Ahora se ha retomado con cierto interés por algunos artistas audiovisuales que buscan una estética concreta que sólo ofrece la película de 8 milímetros.

Películas para el sábado

Se proyectarán cuatro películas reducidas a unos 20 minutos cada una. El sistema de las reducciones era habitual en el formato súper-8. Se elegían las mejores escenas de las grandes películas para poder almacenarlas en una sola bobina en vez de tener que vender varias de ellas que habría resultado poco práctico y bastante costoso. Esta forma de proceder sería impensable para las distribuidoras de hoy en día más allá de un mercado reducido de coleccionistas. En algunos casos este resumen superaba en calidad al metraje original.

Como representación del cine de terror, se presenta El increíble hombre menguante de Jack Arnold, filmada y producida en 1957. Las películas del género terrorífico, sobre todo de la productora Universal, fueron las más populares en su día y hoy ocupan el primer puesta en las más buscadas por quienes se pertrechan de estas cintas.

Otro ejemplo de este género fantástico que podrá ser disfrutado entre las proyecciones data de 1973. Se trata de La saga de los Drácula dirigida por León Klimovsky. Es una producción española que representa una tendencia muy popular en la España setentera que dejó obras tan pop como sórdidas de creadores como Paul Naschy y Jess Franco . En el filme intervienen algunos míticos del género como Narciso Ibáñez Menta, padre de Chicho, que se encarga de dar vida al propio Drácula. También aparecen Tony Isbert, María Kosty y Helga Liné, el guión fue escrito por Emilio Martínez Lázaro. Sí, el director de 8 apellidos vascos.

Si hay alguna película que sea el icono de la ciencia ficción de finales de los años setenta esa es La guerra de las galaxias, de George Lucas. Se trata de un resumen de 20 minutos de la pieza original. Desde luego, la cinta que se proyectará se parecerá más a la idea original que cualquier retoque posterior.

También se incluye en esta selección fílmica Asesino invisible (originalmente llamada “The car”) de Elliot Silverstein. Una película de serie b en la que después Tarantino homenajearía en su Death Proof.

Las guindas del domingo

Para la apertura del segundo día entra en escena Olivia Newton-John y su banda de pop. En la película Toomorrow, el grupo musical atrae mediante sus acordes a unos alienígenas que se acercarán desde el espacio exterior. Una joya musical que precederá a una última película que La Casa Encendida ha tenido a bien no revelar. Será la sorpresa de la noche.

Las entradas se pueden adquirir de forma anticipada en la página de la Casa Encendida y el precio es de 3 euros.