El exBeatle Paul McCartney ha lanzado una canción 'silenciosa' como parte de un álbum de protesta de la industria musical contra el uso no autorizado de material con derechos de autor por parte de empresas de inteligencia artificial (IA), según informa este lunes el periódico británico The Guardian.

El álbum, titulado “¿Is That What We Want?” (“¿Es esto lo que queremos?”), recopila grabaciones silenciosas de varios artistas para presionar al gobierno del Reino Unido a fin de que impida a las empresas tecnológicas entrenar sus modelos de IA con contenido creativo sin permiso.

En lugar de melodías pegadizas y letras evocadoras, solo se escucha un leve siseo y algún que otro ruido sordo, lo que sugiere que si las empresas de IA explotan injustamente la propiedad intelectual de los músicos para entrenar sus modelos de IA, el ecosistema creativo se verá destruido y la música original silenciada, dice el diario.

La contribución de McCartney, de 83 años y que actualmente está de gira por América del Norte, se produce en un momento en que músicos y artistas intensifican su campaña para persuadir al Gobierno británico para que impida a las empresas tecnológicas entrenar modelos de IA con su obra creativa sin autorización ni pago de derechos de autor.

Ed Newton-Rex, compositor que ha impulsado el álbum de protesta, señaló que le preocupa “enormemente que el gobierno preste más atención a los intereses de las empresas tecnológicas estadounidenses que a los de los creativos británicos”.

Entre otros artistas que ya apoyan la campaña figuran Sam Fender, Kate Bush, Hans Zimmer y Pet Shop Boys.

Según The Guardian, como sus mejores trabajos, la canción de McCartey tiene de algún modo un principio, un desarrollo y un final.

Comienza con unos segundos de siseo de cinta, seguido de otros segundos de un ruido indefinido que podría ser alguien abriendo una puerta y caminando de un lado a otro, antes de pasar a otros segundos de siseo salpicado de susurros y concluir con un fundido lento, según pudo saber el rotativo. Además, sería su primera grabación nueva en cinco años.

McCartney ha sido una de las voces más destacadas de la música británica que ha expresado su preocupación por los planes de las autoridades para forjar un nuevo acuerdo con las empresas de IA, que exigen acceso a enormes volúmenes de información de entrenamiento, incluyendo texto, imágenes y música.

“Tenemos que tener cuidado, porque podría descontrolarse y no queremos que eso ocurra, sobre todo para los jóvenes compositores y escritores, para quienes quizá sea la única forma de labrarse una carrera”, declaró McCartney sobre la IA.

Desde que el pasado abril se anunciara la realización de cuatro películas biográficas como parte de una misma experiencia cinematográfica sobre la historia de los Beatles y también los cuatro actores que darían vida a los de la banda de Liverpool con un reparto de lujo con Harris Dickinson, Paul Mescal, Barry Keoghan y Joseph Quinn.

Las cuatro películas estarán dirigidas por Sam Mendes, director de ‘American Beauty’ o ‘1917’, y en cada una de ellas se contará la historia de uno de los miembros del icónico grupo y que pasará tanto por las dinámicas personales como el ascenso y trayectoria de la banda.

Los protagonistas de las cuatro películas de ‘The Beatles’

Lo primero que se conoció sobre este proyecto de cuatro películas sobre ‘The Beatles’, tras confirmarse los rumores, fueron los actores que interpretarían a los integrantes de la banda de Liverpool con Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Unos meses después es cuando se han conocido más detalles al respecto, con el anuncio del elenco femenino protagonista con las actrices Saoirse Ronan como Linda McCartney, Anna Sawai como Yoko Ono, Aimee Lou Wood como Pattie Boyd y Mia McKenna-Bruce como Maureen Starkey.

Del resto del reparto todavía no se conoce nada más al respecto, aunque el nivel de elección de los intérpretes para los personajes más relevantes de las cintas ya ha despertado interés y expectativas sobre un proyecto y una experiencia sin precedentes en el cine.

El estreno de las cuatro películas de ‘The Beatles’

Otro de los detalles que se conocen sobre estas cuatro películas de ‘The Beatles’ es su fecha de estreno oficial, que se anunció al mismo tiempo que se dio la primera publicación al respecto, estando para abril de 2028, sin fecha más concreta, por lo que todavía tocará esperar poco menos de tres años para disfrutar de este proyecto que llega por parte de Sony Pictures, con el rodaje y la producción todavía sin haber comenzado.

Las razones de crear un biopic en 4 películas

Lo que más llamó la atención de ‘The Beatles – A Four-Film Cinematic Event’, como fue descrito en los canales de Sony Pictures en redes sociales, fue el hecho de que fueran cuatro películas, una por integrante de la banda, algo poco habitual en proyectos de biopic en el cine, y que tiene una razón como comentó el propio Sam Mendes.

El director de estas películas de ‘The Beatles’ reveló en CinemaCon que “llevaba años intentando hacer una película, pero al final desistí porque sentía que la historia era demasiado grande para una película”, al mismo tiempo que no le parecía “adecuado” hacer una serie de televisión y quiso contar “esta historia tan épica a la nueva generación” con 4 diferentes largometrajes.

Así, Mendes lo describe como “la primera experiencia de maratón cinematográfico” de este sentido al ser cuatro estrenos que se podrían dar al mismo tiempo, sin saberse en qué orden llegarán y si serán en la misma fecha o de forma consecutiva en el mismo mes.

Con su recordado “tres, dos o uno” Joaquín Luqui apostaba a que un 'single' sería un éxito en la lista de Los 40 Principales. Su voz, su cercanía al oyente y su manera de transmitir la pasión por la música lo convirtieron en un referente del periodismo musical en España y conquistó a estrellas como Paul McCartney, Mick Jagger y Jon Bon Jovi. Dos décadas después de su fallecimiento, Los 40 rendirá homenaje a uno de los locutores más icónicos de la radio en su pueblo natal, Caparroso, en Navarra.

Desde su llegada a Los 40 Principales en 1969, cuando la emisora apenas tenía tres años de vida, el locutor se convirtió en una de las voces más influyentes y queridas del periodismo musical. “Si por mí fuera, pondría una estatua en Gran Vía, 32 con un pedazo de placa que dijera 'Joaquín Luqui fue el corazón de la radio'”, dijo Alejandro Sanz. A lo largo de su carrera, condujo programas emblemáticos como ‘El gran musical’, ‘Radio Show’ y ‘3, 2 ó 1’.

Luqui se ganó el sobrenombre de “el quinto Beatle” por su profundo conocimiento y admiración por la banda británica. Entrevistó en numerosas ocasiones a McCartney, a quien llamaba “el Mozart de nuestro tiempo”. Uno de los momentos más recordados de esta relación se dio en una rueda de prensa en Madrid, donde McCartney se levantó de la mesa únicamente para acercarse y estrecharle la mano a Joaquín Luqui.

Su inconfundible voz, su alborotado pelo y su pasión por la música le ganaron el cariño y respeto de artistas y compañeros. Tony Aguilar, quien compartió estudio con él desde una temprana edad, lo describe como “una persona única en el universo” que “vivía por y para la música”. Su dedicación era tal que el actual presentador de ‘Del 40 al 1’ recuerda cómo, en 1995, llegaba a las seis de la mañana a la redacción y se encontraba a Luqui “literalmente sobando encima de una máquina de escribir”. Su amor por la música se reflejaba incluso en su hogar: tenía dos pisos repletos de discos y, según Aguilar, “una tele encima de otra” porque la cantidad de paquetes que recibía de compañías y artistas le impedía ver la de abajo.

Según Bon Jovi, “Luqui hacía que fuera un placer ir a la radio”. Su filosofía se reflejaba en cada emisión y en su manera de compartir la música. Tony Aguilar recuerda una conversación en la que le preguntó por qué nunca criticaba a un artista o su trabajo. Y este contestó diciendo que “hay muy poco tiempo en la radio como para perderlo diciendo cosas malas”. Esta actitud tan característica le valió el premio Ondas a mejor presentador de programa musical en 1998.

Su voz sonó por primera vez en el transistor en 1967, en Radio Requeté de Navarra, la actual Radio Pamplona. Con 18 años, Luqui ya hablaba de su gran pasión, la misma de la que seguiría hablando hasta los días previos a su muerte: la música. El 28 de marzo de 2005, Joaquín Luqui falleció en Madrid a causa de una hemorragia cerebral. “Sobrecoge bastante pensar que, a pesar de todos recordarle como un abuelito loco y entusiasta, Luqui murió con apenas 57 años. Perdimos muy pronto a aquel tipo que siempre iba por la Gran Vía como si fuese un extraterrestre recién aterrizado”, señalaba recientemente el periodista musical Arturo Paniagua.

Veinte años después de su fallecimiento, su legado sigue vivo en la memoria de compañeros e instituciones. En la marca 'classic' de Los 40 sigue apareciendo en programas comentando -lógicamente con fragmentos extraídos de la fonoteca- canciones antiguas de relevancia. A principios de mes, su familia donó al Archivo de Navarra el fondo documental que Luqui generó a lo largo de su carrera para “facilitar su estudio y difusión”, lo que permitirá ampliar y conservar el trabajo de Luqui para las generaciones venideras. 

Los 40 también rendirán homenaje al que fue el locutor estrella de la cadena. Este próximo sábado 29, emitirán un programa especial de ‘Del 40 al 1’ presentado por Aguilar desde Caparroso, el pueblo natal del conductor, en la Casa Cultural Joaquín Luqui, que lleva su nombre en honor a su legado. Así, dos décadas después, sigue resonando en la memoria de quienes crecieron escuchándole su voz y su mensaje: “Sigue bien, happy happy”.

Un único acorde ha bastado para desatar la euforia. “Can’t buy me love”, es la primera frase que Paul McCartney ha recitado inmediatamente después, para terminar de confirmarla. El WiZink Center de Madrid se ha rendido este lunes al artista en el primero de los dos conciertos que va a dar en la capital, y que van a suponer el broche de oro a su gira Got Back –el segundo turno será este mismo martes–. El cantante ha elegido un tema de The Beatles para abrir el espectáculo con el que durante dos horas y media ha invocado a la mítica banda, al pop, al rock y, por encima de todo, a la historia de la música. Y de paso, hasta se ha atrevido a chapurrear el castellano. “Hola, España. Buenas noches, Madrid. Estoy muy feliz de estar aquí de nuevo. Oh, yeah”, ha pronunciado antes de cantar Letting Go.

McCartney, que no tocaba en España desde 2016, ha combinado en su setlist temas del grupo que formó junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, junto a los que posteriormente han copado su carrera en solitario, generando un equilibrado combo de nostalgia, conmoción y pura energía. El escenario lo han flanqueado dos pantallas verticales que han proyectado imágenes del cantante y de The Beatles desde antes de empezar el show, con los 15.600 fans presentes expectantes, tras las correspondientes horas de cola para poder entrar, además de los quince minutos de retraso del inicio –no se respetó la puntualidad británica–. Durante la espera se han escuchado también algunos de los hits del grupo británico, como Twist and Shout –lástima que no la haya interpretado en directo después–.

Una de las canciones más vitoreadas del primer bloque del concierto ha sido Drive My Car, con la que, si todavía quedaba alguien por ponerse de pie para bailar, ha terminado de convencerle. “Esta noche voy a tratar de hablar un pelín de español”, ha vuelto a insistir. El público ha seguido fielmente sus indicaciones sobre cuándo aplaudir a su ritmo y entonar estribillos como el de Come On To Me. Y es que a sus 82 años, y vestido con un traje de chaqueta –chaleco incluido–, el artista ha demostrado ser, además de una fuente de talento, una fuente de carisma, de la que desborda. A medida que han ido avanzando los temas, el calor ha ido haciendo mella y, tras acabar quitándose la chaqueta para quedarse en mangas de camisa, ha bromeado: “Este es el único cambio de vestuario que vais a ver”. Posteriormente ha homenajeado a Jimi Hendrix con Let Me Roll It, cuyo final une con el riff principal de Foxy lady; antes de regresar al espíritu Beatle con el canto al optimismo –y al amor– Getting Better.

Lo siguiente ha sido descolgarse el bajo para sentarse frente al piano a cantar, junto a sus siete músicos, Let ‘Em In. En el fondo del escenario, la pantalla la han ocupado imágenes de bandas tocando en las calles de diferentes rincones del mundo, con carteles en defensa del respeto, la convivencia y el amor. Al piano ha entonado acto seguido My Valentine. “Escribí esta canción para mi hermosa esposa, Nancy. Ella está aquí con nosotros esta noche”, ha aclarado antes de comenzar. Su melodía y voz han contado con otros dos protagonistas, Natalie Portman y Johnny Depp, que en las pantallas han interpretado parte de la letra en lengua de signos.

Tras Maybe I’m Amazed, McCartney ha abandonado el piano para colgarse la guitarra, española en este caso y ha aprovechado para sumarse con ella al cántico de los fans, a ritmo de “oe, oe, oe, oe” –como si de una final del mundial se tratara– para orquestar el griterío. Todo ello antes de volver a invocar a The Beatles con la más cercana al country I’ve Just Seen a Face.

Cuatro chicos de Liverpool

El show se ha convertido en un pozo de nostalgia para el propio McCartney, que antes de ceder el protagonismo a In Spite Of All the Danger ha explicado que había llegado el momento de “viajar en el tiempo, a un pequeño lugar del norte de Inglaterra, llamado Liverpool”. “Allí había cuatro chicos que querían grabar un disco. Esta es la primera canción que grabamos The Beatles”, ha añadido entre aplausos antes de que los primeros acordes del tema hayan transportado directamente a Madrid a los años sesenta, a los primeros pasos del grupo que acabaría cambiando la historia del rock. “Después de hacer ese álbum, fuimos a Londres, a los estudios de Abbey Road”, ha indicado para presentar Love Me Do. Y, mandolina en mano, ha continuado con Dance Tonight para recordar a sus fans cuál era el propósito de la noche.

La escenografía ha cambiado en el bloque más emotivo del concierto, con McCartney subido encima de una plataforma que se ha elevado unos cuatro metros, proyectando un cielo estrellado tanto a sus pies como a su espalda. Así, solo con su guitarra, ha cantado Blackbird y Here Today, su particular homenaje a su “gran amigo” John Lennon, ‘Juan’, como ha traducido antes de entregarse a la canción.

De nuevo junto al resto de la banda ha dado paso a Now and Then, a la que ha concedido su propio capítulo dentro del recital. El británico ha interpretado este tema publicado a finales de 2023, que partió de una maqueta de John Lennon que Yoko Ono había custodiado durante décadas hasta que la IA que Peter Jackson empleó en el documental The Beatles: Get Back permitió separar sus pistas. Tras limpiar la voz de la demo, McCartney y Ringo Starr grabaron el resto de instrumentos, para completar la composición con ecos a Eleanor Rigby, de esta especial balada aplaudidísima en Madrid. “John, gracias por esta canción”, ha agradecido al acabar.

La amplia lista de instrumentos que McCartney ha tocado durante su show ha incluido un ukelele, pero no uno cualquiera, sino el que le regaló George Harrison, el “hermano” al que ha dedicado Something. El homenaje al fallecido guitarrista ha abierto el camino al bloque más celebrado –y saltado– en la pista del recinto, gracias a Obla Di Obla Da, Band On The Run y Get Back. Eso sí, el plato fuerte estaba por llegar, con el triplete Let It Be, Live and Let Die y Hey Jude. Un colofón al son de The Beatles que ha hecho llorar y bailar a partes majestuosamente iguales. Con la primera, que a estas alturas hace ya muchos años que se erige como una de esas elegidas canciones-himno, ha terminado de hacerse con los corazones de los presentes. La segunda ha contado hasta con fuegos artificiales acompasados con los golpes de batería y, con la tercera, ha terminado de confirmar que si su concierto merece tener algún apellido, sería ‘inolvidable’.

Pero todavía quedaba más. Tras hacer el pertinente saludo con la banda y abandonar el escenario, ha regresado con tres banderas: la de España, la de Reino Unido y la del Orgullo. Su conquista a Madrid, en la primera de sus dos actuaciones, la ha rematado con un último conjunto, liderado por I’ve Got a Feeling. McCartney ha avisado de que se trataba de un tema “muy especial” para él. El motivo: iba a contar con la voz e imagen de John Lennon junto a él a partir de la segunda estrofa. El broche de oro al ejercicio sobresaliente de nostalgia por la formación británica.

SGT Pepper Helter Skelter y Golden Slumbers han cerrado con el rock por bandera y, tras presentar a la que ha definido como “la mejor banda del planeta”, el hit de despedida ha sido The End. Y con él, un adiós –o hasta luego para los afortunados fans que vayan a repetir mañana– a un artista, ya eterno.

Paul McCartney continuará después del verano su gira Got Back y, según ha anunciado el pasado viernes la promotora Live Nation, visitará Madrid, algo que no sucede desde 2016. Será el 9 y el 10 de diciembre en el WiZink Center.

El concierto de hace ocho años tuvo lugar en el desaparecido estado Vicente Calderón. La visita del ex Beatle a Madrid tendrá lugar en el WiZink Center. El Palacio de Deportes ha publicado en redes la misma imagen que Live Nation, un joven McCartney al teléfono, llamando a Madrid. Este anuncio y otro similar también se está exhibiendo desde el mismo viernes en vallas publicitarias en la calle.

El músico ha anunciado nuevas fechas de su gira a partir del 1 de octubre de este año, comenzando por Uruguay y siguiendo por Argentina, Chile y Perú hasta el 27 de octubre. Después salta a Europa para tocar en Francia, España y Reino Unido durante el mes de diciembre.

Las primeras entradas (preventa) se ponen a la venta en Ticketmaster el martes 18 de junio a las 10:00 y hasta el viernes 21 de junio a las 8.00.

El anuncio llega en un año (de nuevo) muy beatlemaniaco, pues en febrero se dio a conocer el proyecto de Sam Mendes de rodar cuatro biopics sobre la banda de Liverpool, una por componente. Además, el otro miembro vivo de los Beatles, Ringo Starr, ha publicado un nuevo disco y está a punto de empezar una gira por Estados Unidos y México.

En 2023 se publicó la canción rescatada del pasado Now and Then y McCartney inauguró una exposición de sus fotografías en la National Portrait Gallery, que ha dado lugar a un libro. Desde 2021 se ha vuelto a vivir un auge de interés por los Beatles gracias a la monumental película documental en tres actos de Peter Jackson, The Beatles: Get Back, con todo lo que no se mostró en la película Let It Be durante la grabación de ese disco y la preparación del famoso concierto en la azotea del edificio de Apple Corps.

Las listas de los mejores cantantes de la historia, los mejores discos de la década y las canciones más influyentes del siglo XX son muy entretenidas, pero ya están muy vistas. ¿Y los rankings postmortem? El artista más rico del cementerio, el que generó más disputas entre sus herederos, el que redactó más testamentos… ¿Quién se encarga de cuantificar tan jugosa información? A estos escabrosos menesteres se ha dedicado el periodista inglés Eamonn Forde. Y el resultado es un libro explícitamente titulado Royalties de ultratumba (Liburuak, 2024).

Hay bastante consenso en estas listas postmortem. El número uno en el ranking de fiambres más rentables es sin duda Michael Jackson. El testamento más cuidadosamente redactado es el de David Bowie; al parecer, muy inspirado por el de Freddie Mercury, que durante décadas fue el testamento a imitar. Por contra, el más caótico y conflictivo jamás redactado es el de Marc Bolan. Aretha Franklin, en cambio, fue de las que más testamentos dejó (aún no se sabe si tres o cuatro), pero todos ellos con instrucciones contradictorias. Se cuenta que la cantante llevaba tan mal el papeleo que tras morir aparecieron cheques de derechos de autor e imagen no cobrados por un valor superior al millón de euros.

Trabajando para un artículo sobre el legado de Syd Barrett, miembro fundador de Pink Floyd, Forde intuyó que ahí había una mina no explorada: tras su muerte, algunos artistas desarrollaban una trayectoria tan o más interesante que en vida. De hecho, Tupac Shakur y Jeff Buckley han publicado más discos muertos que vivos. De Jimi Hendrix se publicaron tantos discos, de calidad dudosa, completados por músicos que no compartieron estudio con él, que el periodista llega a compararlos con el célebre ecce homo de Borja. Y si a Amy Winehouse no le ha pasado lo mismo que a Hendrix es porque, en una impulsiva maniobra, el presidente de Universal ordenó destruir todo material inédito para que nadie tuviese la tentación de editar canciones inacabadas o restaurables.

Un cuervo sobre la lápida

La imagen que ilustra Royalties de ultratumba no puede ser más incisiva: un cuervo posado sobre una lápida medio enterrada bajo una montaña de billetes. La imagen de contraportada remata la metáfora: la lápida es sustituida por una caja registradora y entre los billetes aparecen algunas calaveras. Como explica Forde en las primera páginas del libro, “un patrimonio como el de Elvis Presley no sigue siendo un éxito de taquilla 40 años después durmiéndose en los laureles”. Dicho de otro modo: el rey del rock sigue siendo el rey del rock porque alguien ha trabajado duro para perpetuar su reinado. Primero, arrebatando a su mánager, el Coronel Parker todo el poder sobre Elvis y después gestionando su legado con habilidad. “Elvis no inventó el rock’n’roll ni los patrimonios musicales, pero los convirtió a ambos en supernovas. Elvis fue el big bang de los patrimonios musicales”, afirma. Según la revista Forbes, en 2023 Elvis volvió a ser el segundo artista fallecido que más dinero generó, solo superado por Michael Jackson. Graceland aún recibe más de 500.000 visitantes anuales.

De la investigación de Forde se deduce, también, que no gestionar adecuadamente el legado de un artista puede deteriorar su popularidad poco a poco. Para cualquier persona nacida en 2004, por ejemplo, resulta inimaginable que Michael Jackson y Prince compitieran por el trono del pop en la década de los 80, ya que la obra del primero está muchísimo más presente en el imaginario colectivo actual que la del segundo. No es casualidad. Prince murió sin redactar testamento y tres multinacionales siguen disputándose su discografía oficial. También dejó 8.000 canciones inéditas, pero comercializarlas pasa por resolver antes mil y un embrollos legales. Por contra, Sony firmó en marzo de 2010 “el mayor contrato discográfico de la historia” para gestionar la obra de Michael Jackson. Todo un hito, puesto que Jacko llevaba ya 10 meses muerto.

Jeff Jampol, fundador de la empresa que gestiona los legados de Johnny Ramone, Charlie Parker, Henri Mancini y Janis Joplin, entre muchos otros, reconoce que el sector está lleno de “buitres que revolotean alrededor de un cuerpo en descomposición en busca de pequeñas áreas de carne aún fresca para consumir”, pero también hay personas que han evitado la sobreexplotación de ciertos catálogos. Phillips, la discográfica de Maria Callas, evitó el lanzamiento de un disco en vivo que insistía en publicar una familiar suya para hacer caja. Lo evitaron porque Callas canta fatal en esa grabación y publicarla desprestigiaría su imagen. En cambio, cuando falleció Roy Orbison, hubo reunión de urgencia en Virgin para adelantar una semana el lanzamiento de su disco póstumo. Y en cuanto murió Whitney Houston, el precio del recopilatorio Ultimate collection en iTunes subió de 4,99 libras a 7,99. Sony culpó del error a iTunes, pero...

Embrollos matrimoniales y paraísos fiscales

El libro insiste varias veces en que no redactar testamento (o fideicomiso) es casi sinónimo de litigios y demandas. Y pueden ser muy costosos. Se estima que para aclarar el destino de la herencia de Bob Marley su familia gastó más de ocho millones de dólares en abogados y notarios. Pero incluso cuando existe un testamento, la cosa se puede complicar. James Brown murió meses antes de que naciese su último hijo y ni siquiera había formalizado su relación sentimental con su última pareja. Movida. Ray Charles tenía doce hijos, pero la mayor parte de su herencia fue a su propia fundación. El pianista había avisado de su intención antes de morir, pero a sus hijos no les gustó. Movida. Cuando falleció Michael Hutchence, líder del grupo australiano INXS, su fortuna apareció repartida en varios paraísos fiscales. Más movida aún. Igual pasó con la herencia de Marc Bolan. Eludir el fisco inglés era una gran idea en 1971, pero todo el dinero que generan sus discos sigue pudriéndose en una cuenta de las islas Caimán.

Infinidad de artistas murieron sin testamentar: J Dilla, Sam Cooke, George Gershwin, Glenn Miller, Elliot Smith, Muddy Waters, Selena, Billie Holiday… Pero si las familias se llevan bien, la gestión del patrimonio puede incluso proporcionar al finado el reconocimiento que no disfrutó en vida. Así pasa con Nick Drake, cuyo legado artístico gestionan sus padres y hermana de forma escrupulosa. Sabedores de la timidez del cantautor inglés, han potenciado su obra al tiempo que preservaban su imagen. Han reeditado discos y han cedido canciones para anuncios, pero jamás han autorizado la filmación de un biopic o la comercialización de su figura. En el extremo opuesto, Dolly Parton ha dejado grabadas infinidad de pistas de voz para que solo haya que añadir arreglos instrumentales y seguir publicando discos a su nombre una vez nos abandone.

Royalties de ultratumba relata infinidad de batallas legales sobre las lápidas de las grandes estrellas. Más cruentas son cuando el legado pertenece a un grupo (los Doors, los Ramones) o cuando el reparto es desigual. Frank Zappa lo dejó todo a su esposa, pero cuando ella murió repartió la herencia con muy mala baba: dejó un 40% a dos hijos y el 60% a otros dos. Pero todavía más complicada suele ser la situación cuando empiezan a aparecer hijos no reconocidos bajo las piedras. Al cantante de soul Johnny Taylor le aparecieron tres y, sorpresa, ninguno de ellos mentía. A Prince, prolífico hasta en estos asuntos, le aparecieron 30; todos falsos. Hubo un tipo, explica Forde, que compró una muela de John Lennon en una subasta para utilizarla en futuras pruebas de ADN. Eso sí, a cambio exigía que si alguien era reconocido como hijo y por lo tanto heredero de la fortuna del ex Beatle, él también recibiría un porcentaje de la herencia.

Películas, musicales, subastas y... mascarillas

De un músico finado se puede vender casi todo. Para empezar, su imagen. Hay dinero a ganar en documentales, películas, musicales, series de animación, sellos, monedas (una con la cara de Bowie está flotando en el espacio), plumas estilográficas (una Montblanc en honor a Miles Davis cuesta 4.500 dólares), muñecas, adornos navideños, ropa de bebé... Puedes calzar unas bambas Converse con caligrafía de Kurt Cobain. Puedes merendar un helado de Ben & Jerry’s en honor al líder de Grateful Dead; un Cherry García con sabor a cereza. Y durante la pandemia podías evitar la COVID con aquellas mascarillas que comercializaron los herederos de Bob Marley y que llevaban impresa la frase: “Don’t worry about a thing” (No te preocupes por nada). Todo lo imaginable se ha vendido. ¡Hasta dos veces se ha subastado el coche donde fue tiroteado Tupac Shakur!

“La publicación de la primera lista Forbes de las celebridades fallecidas mejor pagadas, a principios de 2001, significó un hito, aunque en ese entonces pocos reconocieron la importancia que iba a adquirir”, insiste Forde. Pero claro, en esa época andábamos despistados con el terremoto Napster. Hasta la muerte de Buddy Holly, se asumía que cuando moría un cantante su obra perdía potencia. En las últimas décadas la dinámica se ha revertido hasta el punto de atraer el interés de fondos buitre. “El mundo de las inversiones está detectando el inicio de una fiebre del oro póstumo”, asume Forde. El patrimonio de Elvis ya ha sido recomprado y revendido varias veces. Julian Lennon ya vendió su parte a un fondo holandés. El negocio del momento es comprar catálogos de artistas.

De hecho, en los últimos años han surgido empresas especializadas en la gestión de catálogos discográficos y patrimonios de artistas. Y empresas dedicadas a gestionar las redes sociales de artistas fallecidos. The Spellbound Group, por ejemplo, lleva las cuentas de Instagram de Jim Morrison y Janis Joplin y uno de sus encargos más peliagudos fue mejorar la imagen de Michael Jackson tras la emisión del documental en el que se le acusaba de abusos sexuales a menores. También se han creado empresas especializadas en organizar archivos discográficos y de objetos de artistas vivos o muertos: Bob Dylan, Rory Gallagher, Lady Gaga, Johnny Cash... Paul McCartney tiene dos archiveros contratados a jornada completa. Los ingresos postmortem dan trabajo a mucha gente.

Las casi 800 páginas de Royalties de ultratumba son un pozo de datos y anécdotas. Cuesta creer que fuera necesario dedicar casi 100 páginas a las giras de hologramas. Y que no se haya podido mejorar una traducción que desliza frases tipo: “No se siente muy cálido trabajar con gente que está en la industria de trabajar con gente muerta”. Pero la gran duda que genera el libro se repetirá tras la muerte de cualquier artista. ¿Dejó testamento o en cuanto lo entierren empezará la batalla campal? ¿El testamento de Ryuichi Sakamoto sería tan minucioso como él? ¿Y el de Shane MacGowan, tan caótico como cabe imaginar? ¿Redactaría testamento Sinéad O’Connor? ¿Y María Jiménez? ¿Y…?

Paul McCartney, el legendario músico de 80 años, ha admitido este martes en la BBC que se ha recurrido a la inteligencia artificial (IA) para ayudar a crear “el disco final de los Beatles”, con voz del fallecido John Lennon. McCartney ha dicho que utilizó esta tecnología puntera para “sacar” la voz de Lennon de una antigua demo o maqueta para que pudiera completar la canción.

“La acabamos de terminar y se lanzará este año”, ha explicado el exintegrante de 'los cuatro de Liverpool' [aquí el audio del programa]. Si bien no nombró el título de la canción, la BBC estima que se trataría de una composición de Lennon llamada Now and then, que data de 1978.

Esa composición, que McCartney había recibido de la viuda de Lennon, Yoko Ono, se había considerado en un principio como parte de una recopilación de material de los Beatles en 1995. Sin embargo, según McCartney, George Harrison había admitido que la canción era una “basura” y se negó a trabajar en ella.

El título era malo

“No tenía un título muy bueno, necesitaba un poco de reelaboración, pero tenía un verso hermoso y John lo cantaba”, ha dicho. “A George no le gustó. Siendo The Beatles una democracia, no lo hicimos”, ha agregado.

La BBC dice que el punto de inflexión llegó con el documental Get Back de Peter Jackson, de hace unos años, que entrenó a los ordenadores para reconocer las voces de los Beatles y separarlas de los ruidos de fondo, e incluso de sus propios instrumentos, para crear un audio “limpio”. “Él fue capaz de sacar la voz de John de un casete pequeño”, dijo McCartney a Radio 4 sobre Peter Jackson.

“Teníamos la voz de John y un piano y podía separarlos con IA. Le dicen a la máquina: 'Esa es la voz. Esta es una guitarra. Saca la guitarra”, explicó el músico. Así, se pudo tomar la voz de John Lennon y obtenerla pura a través de esta IA, afirmó McCartney, quien admitió, no obstante, que otras aplicaciones de IA suponen un motivo de preocupación: “Da un poco de miedo pero es emocionante, porque es el futuro. Tendremos que ver a dónde nos lleva”, dijo.

McCartney habló de la IA antes de una exposición de fotografías suyas que estará abierta al público a finales de este mes en la National Portrait Gallery de Londres, titulada Los ojos de la tormenta. La exposición presenta retratos tomados por McCartney con su propia cámara, entre diciembre de 1963 y febrero de 1964, cuando los Beatles fueron catapultados a la fama. Las imágenes tomadas por McCartney recogen numerosos momentos íntimos de los integrantes de la banda, y ofrecen una mirada única sobre el ambiente, la personalidad y la manera en que los músicos percibían el fenómeno de la beatlemanía que estaba creciendo. Las fotografías también están recogidas en el libro 1964. Los ojos de la tormenta, que en España publicará próximamente Liburuak.

Más de un centenar de artistas y personalidades de la cultura y de la política se unieron este fin de semana bajo el lema “Un mundo: juntos en casa”, un evento musical convocado por la Organización Mundial de la Salud (OMS) que, con el espíritu de los “Live Aid” de 1985, recaudó más de 50 millones de dólares para la pandemia del coronavirus.

Agradecimientos a los profesionales de la salud y eslóganes de esperanza fueron los mensajes más repetidos durante las ocho horas de actuaciones y discursos por redes sociales, que culminaron con un gran concierto televisado en el que estrellas como los Rolling Stones, Lady Gaga, Jennifer López, Paul McCartney y Stevie Wonder cantaron desde sus hogares.

Aunque el concierto benéfico buscó reunir donaciones para el Fondo de Respuesta por la COVID-19, desde el comienzo se pidió a los espectadores que apartasen sus carteras, pues en esta ocasión la responsabilidad se dejó en manos de grandes empresas y líderes mundiales.

Las actuaciones: desde las casas de los artistas para el mundo

Así, la actuación que mejor resumió el espíritu del momento fue la de Taylor Swift, quien al final de la noche interpretó por primera vez su balada Soon You’ll Get Better -“Pronto estarás mejor”-, con una letra dedicada a su madre en tratamiento por cáncer que en esta ocasión parecía un mensaje de aliento para todo el planeta.

La situación global por la pandemia estuvo muy presente durante la cita, en la que se proyectaron imágenes ciudades como París, Madrid, Londres, Nueva York o Buenos Aires completamente vacías.

Uno de los momentos más esperados fue la aparición de los Rolling Stones, quienes, si en sus casi 60 años de carrera les faltaba algo por hacer, sumaron a su lista una actuación muy peculiar: Interpretar por videollamada You Can’t Always Get What You Want. Lo hicieron cada uno desde su casa, con la pantalla divida en cuatro. Mick Jagger comenzó a cantar con su guitarra acústica; Keith Richards -con una cerveza en la mesa- y Ronnie Wood se unieron después, y finalmente Charlie Watts tocó una peculiar batería construida con objetos cotidianos y mucha imaginación.

Fue una escena entrañable y casera que se repitió en cada una de las apariciones musicales. Porque aunque la falta de público y de escenario hicieron de esta especie de “macroconcierto” una reunión sin cuerpo, los encargados de entretener al público no dejaron de ponerle alma.

Incluso la distancia social no impidió hacer colaboraciones como la de John Legend y Sam Smith, quienes versionaron juntos el clásico de Ben E. King Stand By Me. Por temas clásicos también apostaron Jennifer López, que cantó People de Barbra Streisand en su jardín, y Lady Gaga, quien interpretó Smile de Nat King Cole al piano.

Hubo momentos para el español de la mano de Maluma, con su propia versión del Carnaval de Celia Cruz, y una aparición de J Balvin en la que dio consejos para evitar propagar el virus en inglés y español.

Desde invocar al Carnaval de la vida, hasta pedir que no se pierda la sonrisa (Smile), invitar a la unión de la gente (People) o que pronto todo se recupere (Soon You’ll Get Better), los títulos de las canciones escogidas construyeron el mensaje de la jornada.

Una jornada de distancia social y redes sociales

Las circunstancias excepcionales y las redes sociales hicieron que el público encontrara momentos destacados fuera de la retransmisión oficial. Internet aplaudió la emoción que Lady Gaga mostró por Instagram antes de arrancar el evento, aunque una vez concluida su aparición ella misma subió videos bailando frente al televisor mientras actuaban Elton John y Stevie Wonder.

Otras celebridades, como Oprah Winfrey, tuitearon la cena preparada para la ocasión, mientras que Taylor Swift agradeció el apoyo de sus fans por redes sociales nada mas terminar el número musical.

Entre las actuaciones, varias -y variadas- personalidades aprovecharon para mandar sus mensajes. Uno de los primeros fue el secretario general de las Naciones Unidas, António Guterres, quien pidió utilizar “el lenguaje universal de la música” para dar las gracias a los sanitarios y las personas afectadas por la pandemia.

También aparecieron en un mismo vídeo Michelle Obama y Laura Bush, minutos antes de que lo hicieran Bill y Melinda Gates. En la lista de mensajes apareció Beyoncé, quien no cantó y en su lugar agradeció con palabras. “A los doctores, enfermeros... Aquellos en la industria alimentaria, en servicios de correos y de limpieza que hacen posible que podamos estar seguros en nuestras casas”. A todos ellos dedicó la noche.

Las citas electorales de los últimos meses (y las que vengan) están poniendo a prueba la integridad de todo bicho viviente que toque, aunque sea de perfil, esto de la política. Los mítines nos rebosan por los cuatro costados en el matrix de la campaña perpetua. Es bien sabido que a los artistas les gusta estar en todas las salsas y no pierden ocasión de subirse también a este carro.

Red Hot Chili Peppers anunciaron el jueves que ofrecerán la próxima semana un concierto benéfico en Los Ángeles para apoyar al candidato demócrata Bennie Sanders. Las entradas no tienen un precio fijo. Cuanto más aportes, mejor sitio te ganas. E incluso puedes llevarte un póster firmado para recordar el evento.

Los estadounidenses no son los primeros que han movido ficha para apoyar a un político. Hay historias para todos los gustos de artistas que se atrevieron, con mejor o peor fortuna, a unirse a una causa. Una lista (¡con bonus track!) que va desde McCartney a Marta Sánchez.

El veto a un 'exbeatle'

En febrero de 1972, Paul McCartney estrenó con su nueva banda, Wings, Give back Ireland to the Irish. Fue su particular reacción a los sucesos del día que pasó a la historia como Domingo Sangriento. El Ejército británico mató a trece manifestantes que protestaban contra el encarcelamiento sin juicio a sospechosos de pertenecer al IRA en Irlanda del Norte.

La canción del exbeatle, cuya postura política hasta el momento era tan pública como la de un criador de ovejas, fue vetada en Reino Unido por la BBC, Radio Luxemburgo y la Autoridad de Televisión Independiente por ser considerada “inadecuada para su difusión”. Como suele pasar, el efecto Streissand hizo su trabajo y el tema fue número uno en las listas de éxitos de Irlanda (¡y también de España!).

Republicanos a ritmo de rap

En las campañas todo vale para captar el voto, incluso que una rapera componga una letra a favor de Mitt Romney. Nicki Minaj, conocida desde 2010 por su sencillo Superbass, lanzó dos años después Mercy, en cuya letra asegura que votaría por Romney y acusa a los demócratas de ser “unos flojos que están arruinando la economía”.

La declaración de intenciones de Minaj resultó ser un juego que días después explicó en un mensaje de Twitter dirigido a Barack Obama: “Gracias por entender mi humor y sarcasmo, señor presidente, los más listos siempre lo hacen. Amor y apoyo”.

¿A qué suenan los mítines de Obama?

En 2012, Bruce Springsteen echó el resto para que Obama continuara siendo presidente de los Estados Unidos. Estuvo codo con codo con él en un avión Air Force One y en un acto de campaña en Wisconsin tocó su hit Land of Hope and Dreams delante de 18.000 personas. A Obama le moló tanto la idea que hizo de We take care of our own el cierre de sus mítines. El experimento, parece, no fue mal y el himno volvió a sonar el día de su reelección.

El fenómeno de la 'ceja'

En 2008, un grupo de personajes de la cultura española crearon la PAZ (Plataforma de Apoyo a Zapatero) para convencer a los votantes de la reelección del presidente socialista. En el vídeo promocional, vimos muchas caras conocidas: Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, María Barranco, Imanol Arias, Ana Belén y Víctor Manuel... Estábamos en los prolegómenos de la crisis.

Algunos de los que se subieron a aquel carro, se lo pensaron dos veces en la última cita electoral y cambiaron la ceja por la coleta.

Y el 'bonus track'...

La contra chicletera fue un fenómeno musical veraniego y europeo que comenzó a tomar forma hacia 1969. Fue una ofensiva de canciones facilonas y ramplonas contra la creciente hegemonía de los géneros contraculturales y underground: lo que empezaba a llamarse rock y música progresiva.

La contra chicletera bebía del Oktoberfest, de la llamada sabrosura de Lys de la Francia colonial, y de las canciones más frivolonas de Paul McCartney. Se trataba originalmente de una tendencia holandesa y alemana que pronto se expandió por todo el globo. Se caracterizaba por sus músicas alegres, dicharacheras, pegadizas, insulsas y ratoneras, y sus títulos intencionadamente estúpidos: Couac Couac, Co-Co, Ra-Ta-Ta, Tickatoo, Adiolé, Roly Poly, Flip Flap, Ela Ela, Schabadaba Ding Ding, Scaba Badi Bidú, Chirpy Chirpy Cheep Cheep, Leap Up And Down (Wave Your Knickers In The Air), etc.

Pilar fundamental de la contra fue el italiano Giorgio, creador de hits que se adherían como toffees al cerebro del oyente. Unos inicios muy humildes para alguien que lograría integrarse en las aristocracias musicales. En la España del Bony Frío Psicohiélico fueron muy populares su Looky Looky, su Moody Trudy y su Son of My Father: una canción pop basada en una secuencia de sintetizador.

Detrás de su bigote tártaro estilo Sargent Pepper y de sus estribillos auto adhesivos, Giorgio Moroder se divertía experimentando con sintetizadores y efectos electrónicos. En 1975 edita Einzelgänger, álbum completamente electrónico donde toda la instrumentación había sido llevada a cabo por él mismo con sus sintetizadores.

Por entonces conoce a Donna Summer. Con ella graba una explícita pieza erótica, Love to love you baby, que tuvo gran acogida en las discotecas: escena en efervescencia dominada por negros, hispanos y gays. Cuando el fenómeno se hizo imparable, muchos viejos roqueros convencidos de la supremacía musical blanca y masculina estuvieron a punto de morir por combustión espontánea.

Poco después, Giorgio y Donna publican una canción que iba a cambiar el mundo: I Feel Love, tema basado en una celebérrima e imitadísima secuencia de Moog con eco. Era 1977 y no había vuelta atrás en la música de baile. Giorgio, convertido en productor de moda, tiene acceso a todos los adelantos en electrónica musical y es el autor del primer disco grabado utilizando únicamente secuenciadores en vez de músicos tocando (E=Mc2, 1979). Entonces no sabíamos lo mucho que se iba a abusar de esta fórmula y nos parecía genial. Empieza a llamarse vanguardia a la capacidad de adquirir nuevos aparatos.

En 1978, Alan Parker pide a Giorgio la banda sonora de El expreso de medianoche. Moroder se lanza a la tarea y, en uno de esos momentos en que parece que las fuerzas del universo se ponen en marcha para que a alguien le salga todo bien, el humilde italiano, antiguo padrino de la contra chicletera, gana un Oscar.

Con bandas sonoras como American Gigolo, Cat People, Scarface, Flashdance, etc. su nombre se convierte en clásico del cine y será un productor imprescindible en los 80: Sparks, Japan, Blondie, David Bowie, Freddie Mercury o Phil Oakey se vieron favorecidos con su inestimable ayuda. Tampoco olvidemos sus éxitos virales como What a Feelin' de Irene Cara (1983) o una de las más grandes canciones odiosas de la historia: Take My Breath Away de Berlin (1983). Merece la pena, sin embargo, recuperar sus dos excelentes álbumes con las Three Degrees: New Dimensions y 3D (1978 y 79), y, por supuesto, sus inmortales e innovadoras producciones de la primera etapa de Donna Summer.

Después de décadas de silencio, tiene lugar otra sorprendente confluencia astral cuando, en 2013, Daft Punk, el grupo del hijo de otro grande de la contra chicletera (Daniel Vangarde), incluye en su tercer álbum una pieza titulada Giorgio by Moroder. El nombre del italiano salta de nuevo a la palestra. Le invitan a pinchar en sitios modernos y los hipsters no paran de hablar de él. Inevitable que vuelva a dejarse el bigote y que, en abril de 2015, edite su primer álbum en 30 años: Déjà Vu.

En el nuevo álbum colaboran Kylie Minogue y Britney Spears junto con figuras menos quemadas como Sia y Charli XCX. Como viene siendo costumbre en la música comercial, las canciones vienen firmadas hasta por ocho o nueve autores a la vez, pero la innovación, versatilidad, imaginación e inspiración características de Giorgio se pierden en el proceso. Su facilidad inmensa para las melodías y estribillos que le hicieron grande a pesar de sus humildes comienzos, brilla por su ausencia. Déjà Vu repite venerables fórmulas y efectos que tienen alrededor de tres décadas de antigüedad y no se diferencia nada de lo que suena desde hace años en la radio comercial.

Un trabajo decepcionante de un artista que cambió el rumbo la música popular.

La expansión de Destiny, el videojuego de ciencia ficción de Activision, acaba de salir a la luz, y muchos fans se han quedado con la boca abierta al ver cómo la han promocionado: con un videoclip de un cantante bastante conocido. Podéis verlo a continuación:

Así es, el ex-Beatle Paul McCartney compuso en colaboración con Bungie y Activision un tema especial para Destiny. Y no contento con eso, el cantante ha publicado en Youtube el videoclip resultante. En él, McCartney aparece en forma de holograma, cantando “Hope for the Future” en distintas localizaciones del juego. Y parece ser que a los Guardianes de Destiny les gusta la canción, porque no dudan en sentarse a su alrededor, cual hoguera de campamento, y escucharlo con interés.

Inmediatamente el videoclip ha causado revuelo en la web. Mientras que algunos usuarios aprecian la calidad de la canción, muchos otros critican la falta de originalidad del video y comentan, en sorna, que ya es hora de que McCartney se jubile. Lo que está claro es que el equipo no redujo gastos para la grabación de este tema, en el que participó una orquesta de 120 músicos dirigidos por George Martin, famoso productor musical que también participó con los Beatles y es el padre de varias melodías de James Bond.

¿Qué te parece el videoclip de Hope for the Future? ¿Te dan más ganas de probar la expansión de Destiny?

El videojuego más caro de la historia no ha pagado al popular cantante británico por su trabajo realizado con la canción que aparece en el ending de Destiny.

Paul McCartney tiene tanta creatividad que la regala. Eric Osbourne mánager de Bungie afirma que Paul no buscaba el lucro económico con esta colaboración:

“Paul está en el proyecto por gusto creativo. McCartney vio una muy buena oportunidad para alcanzar a una audiencia que típicamente no está familiarizada con su trabajo. Muchos de ellos podrían escuchar el nombre y reconocerlo, aunque probablemente no conozcan su música.” Afirmó Osbourne para el medio Vulture.

En cualquier caso para los fans de la música del ex-Beatle, puede resultar un guiño simpático de su ídolo así, como una manera de que los más jóvenes, menos familiarizados con esta generación musical, tengan una idea más clara de quienes eran los abuelos de la música que escuchan hoy en día.

Recordemos que Bungie saltó a la palestra por no pagar una cantidad de dinero al que fue su compositor principal durante 14 años y que tras el pleito pertinente, le tocó pagar la friolera de 100.000 dólares por trabajos no remunerados y daños y perjuicios. Esta ocasión parece que Bungie se libra de pagar la cuenta.

No hace falta ser un sesentón moderno para saber quién es Paul McCartney, el que un día fue el bajista de los Beatles y que cada vez está más cerca de completar su metamorfosis hacia el estado “Angela Lansbury”. A pesar de que Sir Paul cumple ya los 72 años, cada día sigue demostrando que todavía está en plena forma.

Su última demostración viene con la colaboración en la banda sonora de nada más y nada menos que de Destiny. Seguramente cuando Paul volvía locas a las nenas en sus conciertos en blanco y negro ni se podría llegar a imaginar que llegaría a participar en un videojuego, y mucho menos en una superproducción de este calibre, que deja en pañales a un buen puñado de películas de Hollywood.

El tema se llama “Hope for the future” y es la canción que suena a medio tiempo, con toques melancólicos y algo épicos, tras finalizar la historia principal del juego y que acompaña a los créditos del título. Al margen de ser apropiada para el “ending” de un juego como Destiny, , suena bastante pegadiza y muy en la línea musical del compositor. Puede ser que entre los desarrolladores de Bungie exista un melómano residual de la Beatlemania que quisiera que el mismísimo “Macca” se cantase un temita para su juego (cueste lo que cueste, porque mejor no preguntamos…). Tanto parece haber gustado la canción que al parecer en breve se lanzará como Single.

McCartney estuvo trabajando codo con codo durante el periodo que duró la composición del tema junto con el ex-compositor principal de Bungie, Marty O’Donnell, el cual abandonó la compañía tras una serie de problemas legales en las que finalmente O’Donnell salió victorioso y con casi 95.000 dólares más en el bolsillo.

Mientras los Rolling Stones se llevan a un geriatra de gira, los Pink Floyd tocan con uno solo de los miembros originales y Bob Dylan anuncia cuentas bancarias, los Beatles celebran su día -el 10 de julio, que conmemora el regreso triunfal del cuarteto de su tour estadounidense y los cincuenta años de la premiere de Qué noche la de aquel día- con Ringo Starr de gira y alguna reedición de sus discos.

No hay que ponerse purista, en cualquier caso. No se trata de que la comúnmente denominada mejor y más influyente banda del mundo no haya sido revisitada lo suficiente. Pocos grupos han tenido una narrativa más exhaustiva que los cuatro de Liverpool: se han sucedido las biografías -algunas más autorizadas que otras- de la banda y sus componentes. Se han diseccionado y homenajeado los discos que marcaron la historia del grupo -Revolver, El Álbum Blanco y el Sgt. Peppers son la santísima trinidad del beatlemaníaco- y se han desempolvado y remasterizado obras suyas inéditas hasta decir basta. Y, aún así, la imagen de The Beatles sigue siendo aquella que definió Paul McCartney al final de su documental más completo, The Beatles Anthology: “Al fin y al cabo, éramos cuatro chicos de Liverpool cantando sobre el amor”.

Sí, eso es lo que ha quedado. O al menos, eso es lo que Paul McCartney querría definir como legado. “All you need is love”. Pero, ¿qué pasa con el lado oscuro? ¿Qué hay de Helter Skelter y de Charles Manson? ¿Dónde quedan en esa narrativa las leyendas urbanas, los cantos satánicos ocultos de los discos? ¿Se libraron los Beatles de todo ello por su muy lograda imagen de primera boy band de la historia, fabricada por Brian Epstein? ¿Ha sido la historia oficial más fuerte que la capacidad -tan común- de narrar algo oficioso lo suficientemente jugoso como para que permanezca flotando para siempre? Aquí van algunos mitos de los Beatles que añaden algo de chicha a su aniversario.

¿Los Beatles frenaban el crimen? La leyenda, que se dio como cierta durante décadas, tiene su génesis en una actuación de la banda durante su gira norteamericana en el show de Ed Sullivan. El show fue visto por una media de 73 millones de personas, se calcula que un 38% de la población estadounidense, lo que fue aprovechado por el periodista del Washington Post B. F. Henry para declarar que “durante la transmisión, no se robó ni un guardabarros en todo Estados Unidos”.

El comentario, que inicialmente era irónico y cuya finalidad era dar a entender que la audiencia natural de la banda eran adolescentes ingobernables y delincuentes juveniles, se propagó como todo lo contrario gracias a Newsweek, que lo citó como un hecho comprobado, y sirvió para dar una imagen cívica y plácida del grupo.

Paul murió y fue sustituido por un doble. Quizás la más conocida de todas las leyendas sobre los Beatles. Exactamente igual que pasó con Elvis Presley, una teoría conspirativa muy popular asegura que Paul McCartney falleció en un accidente automovilístico el 9 de noviembre, mientras salía de una sesión de grabación del Sgt. Peppers. El rumor cobró fuerza con la posibilidad de que le pudiera haber sustituido William Campbell, ganador del concurso de dobles de Paul McCartney -o Billy Shears, según algunos, el nombre que se atribuye a Paul en la banda ficticia creada en Sgt. Peppers.

Siguiendo la misma lógica, la culpa del resto de la banda por ocultar la muerte de Paul estaría presente en un gran número de mensajes en clave en varios de sus discos. McCartney jugueteó con la idea en Paul is live (Paul está vivo), un disco en directo que publicó en 1993 y que parodiaba esas supuestas claves.

La culpa de todo la tiene Yoko Ono. Más allá de haber sido acusada de haber provocado la ruptura del grupo -algo que el majete de McCartney no desmintió hasta este mismo año-, una historia más oscura recorre la trayectoria de la artista, viuda de Lennon. Tony Bramwell, autor de la biografía Magical Mystery Tours y antiguo acompañante de la banda, explicaba en su libro cómo Ono supuestamente acosó durante meses a Lennon hasta lograr su atención y que, cuando lo consiguió, le enganchó a la heroína. Bramwell describe a Ono como una bruja amante del ocultismo que utilizó sus poderes para seducir a Lennon y apartarle de la buena senda. Ono respondió a esta y otras lindezas en la canción Yes, I am a witch.

El fin de semana perdido de John Lennon. Cuando Lennon y su mujer pasaban una crisis, esta le propuso que pasara un tiempo solo y se aireara un poco. Esto se convirtió para Lennon en un largo periplo de alcohol y drogas en Los Angeles que duró 18 meses, bautizado como “el fin de semana perdido”. Pese a que los Beatles ya no tocaban juntos, el largo fin de semana supuso su reencuentro con Ringo Starr, y su última grabación con Paul McCartney. Uno de los hits del fin de semana que se alargó incluye una sesión de grabación con Phil Spector, que llegaba al estudio vestido de cirujano, vaquero o profesor de karate, según su humor, que se saldó con disparos y una grabación titulada Rock n'roll.

Pese a que la más famosa de las leyendas oscuras relaciona la canción Helter Skelter con el asesinato de Sharon Tate, Jay Sebring, Abigail Fogler y Voytek Frykowski por parte de los acólitos de Charles Manson, hay otro rumor mucho más aterrador: Ringo Starr y Paul McCartney podrían estar tramando juntarse con miembros de The Who para realizar una gira conjunta. Pese a que esto ha sido desmentido por los mánagers de ambos, la posibilidad ha despertado suficiente inquina como para recordar las declaraciones de Julian Lennon, hijo de John, que calificó el último concierto homenaje a la banda con Starr y McCartney como una “sesión de karaoke”.

La gala 56 de los premios Grammy llegó con LL Cool J de maestro de ceremonias y la cantidad habitual de actuaciones barrocas, puñaladas por la espalda, malfunciones de armario y uniones contra natura. Este año los números incluyeron a Jay-Z y Beyonce, Taylor Swift, Daft Punk, Lorde, Kendrick Lamar, Paul McCartney, Ringo Starr y muchos otros. Pero estos son los cinco que recordaremos:

1. Beyonce + Jay-Z

Llevan una década haciéndolo pero no se cansan. La reina de la música norteamericana abrió la gala con una coreografía que produjo tal elevación de testosterona que hasta Jamie Foxx le pidió perdón a Jay-Z por albergar pensamientos impuros sobre los muslos de su señora, que hicieron de una silla de Ikea la república independiente de su casa.

2. Imagine Dragons + Kendrick Lamarr

Los indie darlings del año recibieron un merecido premio a la mejor actuación en directo y acompañaron con sus tambores a la esperanza negra del Hip Hop Kendrick Lamar, que no ganó el grammy al mejor disco de Hip Hop, pero dicen muchos que lo merecía más que Macklemore & Ryan Lewis. Iban todos de blanco y, a juzgar por la cara de Lorde y los saltitos de Tailor Swift, fue el número de la noche. Si esto fuera un episodio de Nashville, ahora estarían obligados a irse de gira juntos. Ni tan mal.

3. Lorde y Miley Cyrus

Lorde recogió los premios al mejor disco y mejor canción del año y podía estar contenta pero no pudo evitar un mailicioso homenaje a Miley Cyrus y su gatito llorón. La neozelandesa cantó delante de una proyección gigante de un ángel de piedra que, según el ángulo, parecía un holograma de Yoda pero era en realidad era un ángel lloroso, una raza alienígena congelada en un encierro cuántico que conocen bien los fans de Doctor Who. ¡Chúpate esa, Miley! O mejor, no chupes nada.

4. Paul y Ringo

Los beatlemaníacos se levantaron de sus sillas cuando Ringo Starr se subió al escenario para unirse a Sir Paul McCartney y tocar la batería en Queenie Eye -el primer single del próximo album de McCartney. Es la primera vez en tres años que lo hacen. También estaba Dave Grohl, líder de Foo Fighters pero a quién le importa.

5. Macklemore & Ryan Lewis y Mary Lambert y Madonna y 34 parejas del mismo sexo

¿Cómo acabar una gala que empieza con Beyoncé haciendo travesuras con una silla? Haciendo que 34 parejas del mismo sexo se unan en santo matrimonio durante la actuación de Macklemore & Ryan Lewis. Los flamantes raperos fueron acompañados por la cantautora Mary lambert (que colabora con ellos en el disco) y la mismísima Madonna, que cambió las mallas por un traje blanco de oficiadora sureña y cantó Open your heart to me agarrada a un bastón que parece hacerle buena falta.

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Disco de la semana: Parade -Amor y ruido-

Amor y ruidoEn propiedad, ya no podemos hablar de Parade como el one man project del murciano Antonio Galvañ, que en esta ocasión se presenta respaldado por una solvente banda al uso. Solo o en compañía de otros, la buena noticia es que Amor y ruido Galvañ vuelve a elevar (y van...) el listón de calidad con respecto a lanzamientos precedentes.

Ahora sólo falta que alcance de una vez el reconocimiento público, que sin duda merece. Sobran motivos y buenas canciones. Amén de sabrosos estándares reconocibles como La tierra posapocalíptica, la novedad sonora viene por el afrancesamiento de parte del repertorio.

En Reality en la casa encantada se apropia del espíritu del primer Gainsbourg para aliñar motivos costumbristas con su encantadora imaginería de serie B, mientras que Marc Modular es directamente una chanson patafísica con el sello de Boris Vian. Pero Amor y ruido depara más alegrías, en forma de melancolías letanías al piano, como El día inesperado o Amor romántico, que narra la confesión de un ajado rey vampiro que se rinde definitivamente a su depredadora naturaleza a costa de sacrificar los asuntos del corazón.

Si no fuera por ti es una secuela no confesa del clásico de Carlos Berlanga, Si no es por ti, con una mayor carga de mala leche acorde a la miseria de estos años de crisis. La penosa actualidad también se desliza en el texto de Los muertos vivientes, vibrante canción pop donde Galvañ se aprovecha de las connotaciones sociológicas del icono de terror de moda para arremeter con furia contra casi todo. La vida tal cual.

Canción de la semana: Paul McCartney -New-

NewLa operación de rejuvenecimiento del bueno de Paul McCartney viene avalada por el trabajo de hasta cuatro productores. La idea es quitarse unos cuantos años de encima sin parecer un alienígena ni repetir aquellos horrores sonoros de los ochenta, cuando tanto astro arruinó su reputación a base de sintetizadores.

El single elegido, New, es quizá una de las bazas más nostálgicas del álbum, quizá porque se nota la mano del retrofuturista productor Mark Ronson. Si se nos dijera que estamos ante una maqueta descartada de las sesiones del Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band regrabada con los trucos del momento, a lo Smile de Brian Wilson, no lo descartaríamos, lo que no es necesariamente malo.

New es un single trotón y efectivo, cuyo estribillo irresistible proporciona satisfacción inmediata. Tampoco lo situaríamos en el top 20 de las mejores canciones compuestas por Macca, pero después de tantos años de saqueo ajeno al legado de The Beatles, tiene más derecho que nadie a tomarse una copita para celebrar los viejos tiempos.

Clásico de la semana: Tindersticks -Tindersticks II-

Tindersticks II-

El 20 aniversario del debut de Tindersticks ha cogido a la banda de Nottingham en plena gira y rehaciendo algunas de sus canciones más emblemáticas. Hace ya tiempo que viraron el rumbo para no caer en la autoparodia, pero sus seguidores siguen atrapados en la espectral belleza y melancolía de sus tres primeros discos.

Su también homónima ópera prima puso las cartas sobre la mesa y en Curtains (1997) perfeccionaron el estilo, pero es en este segundo disco donde se encuentran todas las bazas por las que ya se han convertido en una banda clásica: intrigantes ejemplos de neorrealista spoken word –My Sister, en la que comenzaron a explorar su faceta cinematográfica–, esquizoides instrumentales donde dan rienda suelta a su vertiente más experimental –Vertrauen II y III– y, por encima de todo, lamentos de pop de cámara que evocan, y superan, los de maestros del arte del llanto como Scott Walker, Lee Hazlewood, Jacques Brel o Townes Van Zandt.

Más de 70 minutos de camas desechas, vino barato, nicotina, madrugadas en vela y despertadores que devuelven a la realidad. Lánguidas y evocadoras piezas impregnadas de misterio y tensión, como Tiny Tears o No more Affairs, en las que el estallido final de las cuerdas de Dickon Hinchliffe nos deja el corazón encogido de tristeza. Sólo se filtra algo de luz en el precioso dueto –otra constante de los discos de Tindersticks que Staples entabla con Carla Torgerson, de los Walkabouts. Su letra resume la encrucijada por la que atraviesan los personajes del disco: malvivir aplastados por los recuerdos o cargar con un abultado saco de mentiras, y seguir adelante. Uno de los discos más dolorosamente hermosos de la historia del pop.

Videoclip de la semana: James Blake & Chance The Rapper -Life round here-

Life round here-

Sobre el papel, rebozar el 'fraseo epiléptico' de la nueva promesa del hip-hop Chance The Rapper en esa crujiente rodaja de electrosoul que es Life Round Here tenía todas las papeletas para triunfar. Y James Blake, que no se rodea de cualquiera, ha redondeado la jugada encargando un vídeo del remix al ubicuo Nabil Elderkin, en cuyo currículo figuran luminarias como Arctic Monkeys, Frank Ocean, Bon Iver y Kanye West.

El vídeo, impregnado de un fuerte realismo mágico y articulado por una potente narrativa cinematográfica, muestra al dúo dinámico en narcótico paseo en coche mientras en las calzadas se conforman insospechadas alianzas raciales. Pese a que a veces Nabil fuerza la máquina con las metáforas en blanco y negro, volvemos a rendirnos a la evidencia de que todo lo que roza Blake se acerca asquerosamente a la perfección.

Festival de la semana: Deleste

A Katrina Mitchell y Stephen McRobbie, únicos 'supervivientes' de los escoceses The Pastels les resbala mucho su condición de grupo de culto. Ni las flores a su refulgente discografía de pesos pesados como Thurston Moore y Kurt Cobain han sido capaces de sacarles de su prolongado letargo de 16 años.

Slow Summits, su convincente vuelta discográfica, les trae por fin de gira por España. Son el principal reclamo de Deleste, nuevo festival que se celebra el 18 y 19 de octubre en el Espai Rambleta de Valencia. El resto de cartel lo forman buenas bandas nacionales. Lo son, desde luego, Tachenko y Triángulo de amor bizarro, que ha vuelto a superarse en 2013 con dos discos entre lo mejor de sus negociados respectivos, pop perfecto y distorsión. Tampoco convendría perderse el vudú-blues de Guadalupe Plata, el incendiario garage-rock de Mujeres o las descargas eléctricas de Toundra, con uno de los directos más contundentes dentro y fuera de España.