Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2026 por su disco Lux. El jurado define el álbum como una propuesta musical ambiciosa, innovadora y transformadora, que eleva los límites creativos y que ha alcanzado el reconocimiento unánime de crítica y público“. Sucede en el homenaje concedido por el Ministerio de Cultura a Antonio Serrano, vencedor del año pasado.

El comité señala igualmente que el disco reafirma “una trayectoria de alcance internacional caracterizada por la investigación, el riesgo y la evolución creativa a través de la búsqueda de un lenguaje sonoro propio que trasciende géneros, estilos y épocas, reflejo de su enorme capacidad para combinar vanguardia y patrimonio”.

El jurado valora “su contribución a la proyección global de la música española y su habilidad para aunar talentos y aportaciones de otros artistas, poniendo en valor la colaboración en el proceso de la creación artística”.

Lux se convirtió desde su lanzamiento en noviembre del año pasado, en todo un fenómeno musical tanto a nivel nacional como internacional. Rosalía rompió moldes con su disco, un ejercicio de reflexión, de pena, de celebración, de euforia y profunda tristeza; cargado de espiritualidad, piano, violines y lirismo. Su primer adelanto, Berghain, dejó claro que aquel no iba a ser un trabajo discográfico en la línea de anteriores como Motomami o El mal querer. La Perla, Reliquia y Sauvignon Blanc son algunas de las canciones que han hecho del álbum un hito.

La cantante, productora, compositora e intérprete Rosalía nació en Barcelona en 1992. Su álbum debut, Los Ángeles, lo publicó en 2017, realizado junto al productor y músico Raül Refree. Un año después llegó el segundo, El mal querer, coproducido junto a El Guincho, con temas como Malamente y Pienso en tu mirá; y en 2022 Motomami, en el que combinó ritmos urbanos latinos, electrónica y flamenco. Para Lux, apostó por grabarlo con la Orquesta Sinfónica de Londres, contando con la participación de artistas como Silvia Pérez Cruz, Björk y Estrella Morente. En su palmarés cuenta con dos Premios Grammy y trece Latin Grammy.

Sacar adelante un festival, cruzar los dedos por el tiempo y que después parezca que todo fue fácil. La decimoquinta edición del Cáceres Blues Festival ha puesto un punto seguido después de meses de trámites, cambios y decisiones de última hora, con un concierto en COCEMFE como uno de los momentos más especiales y una apuesta renovada por cuidar el escenario, el patrimonio y al público. Y, este año, con un gesto inaugural que marcó el tono de la edición: el festival se abrió con Koko Blues, una propuesta que recorre la historia de la mujer en el blues y que subrayó desde el primer minuto la presencia femenina en el cartel, donde cuatro de las nueve bandas estuvieron lideradas por mujeres.

Cuando un festival termina y el público se marcha, queda la sensación de que todo ha sucedido de una manera bastante sencilla. Se encienden las luces, salen las y los músicos, suena la música, la gente baila, se sirven cervezas y, unas horas después, el espacio vuelve a quedar vacío. Si además no llueve, el sonido funciona, los artistas llegan a tiempo y no ocurre nada especialmente grave, parece que todo estaba previsto.

Pero un festival no se parece demasiado a eso desde dentro.

Jorge Quesada acaba de cerrar la edición número 15 del Cáceres Blues Festival con una mezcla bastante reconocible de cansancio y satisfacción. Han sido meses de trabajo y, especialmente desde mayo, una sucesión de trámites, gestiones, problemas que resolver y decisiones que tomar para poner en pie una nueva edición de un festival que ya tiene un lugar consolidado en la agenda cultural de Cáceres.

Durante toda la semana, las previsiones meteorológicas insistían en que el sábado iba a llover. No un poco, sino prácticamente con la seguridad que permiten los modelos meteorológicos. Quesada llegó a tener a la inteligencia artificial pendiente de los distintos pronósticos para intentar averiguar qué iba a pasar. Las predicciones eran contundentes. Así que el sábado por la mañana, a las diez, estaba recogiendo tres carpas para tenerlas preparadas por si eran necesarias que finalmente no lo fueron.

Y esa pequeña diferencia entre que llueva y que no llueva puede ser, en un festival al aire libre, mucho más importante de lo que parece. Puede determinar que una edición sea recordada como un éxito o que la organización tenga que afrontar una sucesión de problemas logísticos que cambian por completo el desarrollo previsto.

El domingo, de hecho, sí llegó la lluvia, pero para entonces el festival tenía previsto el escenario de la clausura en el Corral de las Cigüeñas y todo estaba preparado y cubierto con carpa. La despedida pudo celebrarse con normalidad y con la música de Cooking Raw Blues, una banda con integrantes de Madrid y de La Vera, que puso el punto final a una edición que Quesada considera especialmente satisfactoria.

El festival empieza mucho antes de que llegue el primer músico

Quesada asumió la organización en mayo, cuando el calendario ya apretaba. El festival no partía de cero: estaba consolidado, existía una experiencia previa y la antigua asociación había dejado buena parte del camino aprendido. “Nos han ayudado muchísimo y nos han guiado en cómo ir haciendo cada trámite”, explica.

Pero que un festival esté consolidado no significa que organizarlo resulte sencillo. Al contrario. Hay permisos, contratos, escenarios, electricidad, sonido, alojamientos, barras, seguros, artistas, horarios, espacios, logística, proveedores, cartelería, comunicación y una larga lista de asuntos que tienen que encajar al mismo tiempo. Y cuando se trata, además, de un festival gratuito, la estructura económica depende necesariamente del respaldo de las instituciones y de la colaboración de empresas y entidades.

En esta edición, el Cáceres Blues Festival ha contado con apoyo económico de la Junta de Extremadura, la Diputación de Cáceres, el Ayuntamiento de Cáceres y la Universidad de Extremadura. El Ayuntamiento ha aportado también apoyo logístico, incluida la cesión del espacio, el escenario y la electricidad. A eso se han sumado los colaboradores del festival: el Corral de las Cigüeñas, Cervezas Ámbar, el Hotel Alfonso IX y Sonido Barragán.

La parte musical, paradójicamente, ha sido probablemente una de las más sencillas de resolver. Dentro de la asociación hay personas con un amplio conocimiento del circuito del blues y de los artistas y bandas que pueden formar parte de un cartel. La dificultad estaba en conseguir que todo lo demás funcionara alrededor de la música. Y eso, durante estos meses, ha significado resolver problemas prácticamente a diario. Hasta que llega el momento en que se encienden las luces y, desde fuera, parece que todo estaba controlado.

Un concierto que cambió el sentido del festival

Si la organización tuviera que quedarse con un solo momento de toda la edición, no elegiría necesariamente uno de los grandes conciertos. Se quedaría con una mañana. Antes del festival, la organización había pensado mantener una actividad que ya había realizado otros años: llevar a los colegios una propuesta de divulgación sobre el blues y acercar la música a los estudiantes. Sin embargo, este año la respuesta de los centros educativos consultados no fue la esperada.

En lugar de abandonar la idea, se decidió cambiarla. El resultado fue un concierto solidario en COCEMFE. Allí tocaron Los Eslim. Se montó el escenario en el patio y se sacó a los usuarios del centro para que pudieran participar de la actividad. Y aquella mañana terminó convirtiéndose, para la organización, en algo más importante que una actividad paralela del programa. “Si tuviera que quedarme con un evento de todo el festival sería con ese”, explica Quesada. Porque allí el objetivo no era llenar una plaza ni conseguir que cientos de personas acudieran a un concierto. Era algo bastante más sencillo y, al mismo tiempo, bastante más difícil de medir: llevar cultura musical a personas que no siempre tienen las mismas posibilidades de acceder a ella y conseguir que pasaran un rato agradable.

“Poder llevarles cultura y hacerles pasar un rato agradable creo que es un trabajo que debería hacer la sociedad si queremos hablar de un acceso a la cultura universal”, sostiene. Para Quesada, esa idea también tiene que ver con la aspiración de una ciudad que quiere ser capital cultural. No solo con organizar grandes acontecimientos, sino con preguntarse a quién llegan y quién puede participar en ellos.

Por eso aquella mañana en COCEMFE terminó siendo, para él, uno de los momentos que mejor explican el sentido del festival.

Un escenario que se mueve seis metros y cambia la plaza

También hubo cambios que quizá el público no identificó conscientemente, pero que formaban parte de una de las apuestas de esta edición: mejorar el espacio. El escenario se desplazó unos seis metros hacia la izquierda respecto a anteriores ediciones y se giró aproximadamente treinta grados.

El cambio tenía varios objetivos. Por un lado, abrir el pasillo que se formaba a la derecha del escenario y evitar que se produjera allí un embudo de personas. Por otro, mejorar la visibilidad de la parte posterior de la catedral de Santa María. También se desplazó la mesa de sonido hacia la derecha para alejarla de la zona de las barras.

Son decisiones que pueden parecer menores cuando se observa el festival desde el público, pero que tienen una importancia considerable cuando se trata de conseguir que cientos de personas puedan moverse por un espacio histórico con comodidad.

La organización también iluminó en azul una de las torres del entorno, incorporó una pantalla gigante al escenario y cuidó especialmente la estética de esta edición. Se mantuvo la identidad gráfica del festival y se reforzó la decoración con fotografías de la propia asociación, distribuidas por las barras y las zonas de merchandising.

Había, además, una dificultad evidente: estaban trabajando en un espacio monumental en el que no se podían pegar carteles ni colocar elementos de cualquier manera sobre las paredes. La solución fue tan sencilla como visual: utilizar cuerdas, como si se tratara de un tendedero, para colgar la información. Allí aparecieron los carteles de las barras, las indicaciones sobre la prohibición de servir alcohol a menores y las fotografías, entre otros contenidos. El mismo criterio se mantuvo en las distintas zonas del festival, incluida la de merchandising y la zona de los puestos de comida.

La idea era que el espacio se reconociera como festival sin que el festival terminara imponiéndose sobre el patrimonio.

Ocho horas después, todo vuelve a estar limpio

Hay otra cifra que los organizadores consideran especialmente importante, aunque no sea una de las que suelen aparecer en los carteles de un festival. Ocho o diez horas después de terminar la actividad, el espacio estaba de nuevo completamente limpio. Incluso, sostiene, “igual o mejor” de lo que la organización se lo había encontrado.

La cuestión no es menor cuando el escenario está instalado en el entorno monumental de Cáceres. La posibilidad de seguir celebrando actividades culturales en estos espacios depende también de que quienes los utilizan sean capaces de respetarlos. Para la organización, dejar el espacio en buenas condiciones forma parte del propio festival.

Y también lo ha hecho el sonido. Durante toda la actividad se realizó un control monitorizado del volumen. Según los datos facilitados por la organización, los niveles se mantuvieron entre seis y ocho decibelios por debajo del límite legal durante todo el festival. La intención era doble: cumplir con los límites establecidos y conseguir que eso no significara renunciar a la calidad sonora.

Quesada atribuye buena parte del resultado al trabajo de Juan Carlos Barragán, responsable del sonido, a quien define como “el mejor técnico de Santa María” y, con una sonrisa, quizá también “de Extremadura”.

Un festival lleno, pero sin efecto lata de sardinas

El público respondió. Una de las características más destacable es que el festival estuvo muy lleno, pero sin que esa afluencia se tradujera en una sensación de agobio. Había espacio para bailar y para desplazarse. No era, explica, esa imagen habitual de algunos grandes conciertos en los que el público intenta colocarse lo más cerca posible del escenario y termina comprimido, “como una sardina en lata”. Aquí la experiencia era otra. La gente podía disfrutar de la música, moverse y mantener una cierta comodidad incluso con el espacio lleno.

Ese equilibrio entre afluencia y comodidad también estaba detrás de algunas de las decisiones organizativas de esta edición. Una de ellas fue la incorporación de los llamados “pistoleros de cerveza”: personas con mochilas que recorren el recinto repartiendo cerveza, una fórmula que ya se utiliza en otros festivales y que la organización decidió probar en Cáceres. “El viernes funcionó especialmente bien”.

Más socios pese a subir la cuota

Otra de las buenas noticias para el festival ha llegado por el lado de la asociación. El número de socios se ha duplicado respecto al año anterior, pese a que la cuota ha pasado de 15 a 25 euros.

La organización quiso compensar ese esfuerzo haciendo que quienes sostienen el festival durante el resto del año tuvieran una experiencia especialmente cuidada durante los días del evento. Los socios contaron con descuentos en las barras y en el merchandising y tuvieron acceso a una comida en el Corral de las Cigüeñas que este año se reservó exclusivamente para ellos. En torno a 150 personas participaron en esa comida. También tuvieron un aseo privado. Puede parecer un detalle pequeño, pero la organización lo planteó desde una idea muy sencilla: cuando estás viendo a un grupo que te gusta, no quieres perderte parte del concierto porque tienes que hacer cola para utilizar un servicio. “Queríamos hacerles sentir especiales”, explica la dirección de esta última edición. Al fin y al cabo, son quienes ayudan a que el festival pueda continuar. Y la respuesta de este año ha sido contundente.

Camisetas, fotografías y una ciudad que vuelve a sorprender

El merchandising también ha funcionado por encima de las previsiones. La organización había preparado camisetas para esta edición y prácticamente ha agotado las existencias. Pero uno de los efectos que más satisfacción ha producido entre quienes organizan el festival no tiene que ver con las ventas. Tiene que ver con los músicos. Buena parte de los artistas que llegaron desde fuera de Extremadura no conocían Cáceres de primera mano. Y, según explica Quesada, muchos se han marchado sorprendidos por la ciudad.

La experiencia de llegar a la parte antigua, recorrerla y tocar en un espacio como el entorno de Santa María termina siendo también una forma de promoción de la propia ciudad. “Se han ido todos enamorados de Cáceres”, resume. El festival, en ese sentido, funciona también como una pequeña embajada cultural. Los músicos llegan para tocar y terminan descubriendo una ciudad que después pueden contar en otros lugares.

El Hotel Alfonso IX y un escenario más pequeño

La programación no se limitó al escenario principal. El Hotel Alfonso IX volvió a acoger actividades y organizó una comida con su tradicional arroz, además de una sesión vinculada al festival. También se inauguró allí una exposición de acuarelas de José Luis Naranjo. Según la organización, todas las obras expuestas fueron vendidas.

Y esta edición incorporó además un nuevo espacio: el escenario de Los Siete Jardines. Allí se planteó un concierto más íntimo, con Lino Vishnudatt, Troy Nahumko y otros invitados vinculados al circuito de festivales. El formato era diferente al del escenario principal. Menos público, mayor cercanía y una relación distinta entre los músicos y quienes estaban escuchando. También se llenó. Y también dejó la sensación de que el festival puede crecer sin necesidad de hacerlo siempre hacia escenarios más grandes.

Una noche sin teléfono

Y, por supuesto, están las cosas que no aparecen en ningún programa. El viernes, después de una jornada especialmente intensa porque es el día en que se concentra buena parte del montaje, Quesada terminó cerca de las dos de la madrugada. Entonces descubrió que no tenía su teléfono.

No sabe con certeza si lo perdió o si alguien se lo llevó. Lo que sí sabe es que durante aproximadamente una hora la situación se convirtió en una auténtica pesadilla. El móvil no era un objeto cualquiera. Era el contacto con los grupos, con el hotel, con proveedores y con buena parte de las personas que tenían que estar coordinadas al día siguiente. Y el festival no podía esperar. El teléfono acabó apareciendo en el Corral de las Cigüeñas, y ha extraído una conclusión práctica para próximas ediciones: encontrar alguna manera de llevar el teléfono perfectamente localizado cuando se está en medio de una organización de este tamaño. Una cinta, un cordón, un lacito. Lo que sea.

La organización desde alguien que no viene del blues

Hay otra particularidad en la persona que este año ha estado al frente de la organización. Quesada no procede específicamente del mundo del blues. Él mismo se define, con humor, como una especie de “tecnócrata del blues”. Pero cuenta con una junta directiva en la que sí hay personas que conocen profundamente el género y su circuito.

Entre ellas está Troy, al que señala como una referencia y como alguien que lleva toda la vida vinculado al blues. Y está también Roser, presidenta de la Asociación de Blues de España, una de las grandes conocedoras del género y una persona que, por su presencia habitual en festivales, conoce de primera mano cómo funcionan estos acontecimientos.

Para Quesada, contar con ese conocimiento dentro de la asociación ha permitido que su papel no consistiera en tener que saberlo todo sobre el blues, sino en conseguir que todas las piezas necesarias para que el festival funcione estuvieran en su sitio. La música necesita músicos. Pero un festival necesita mucho más.

La memoria, las facturas y la lista de cosas que mejorar

Al final, cuando todo se recoge y la ciudad vuelve a su ritmo, queda esa certeza íntima que no aparece en ninguna memoria ni en ninguna factura: que durante tres días un grupo de personas consiguió que Cáceres respirara de otra manera. Que hubo quien descubrió el blues por primera vez, quien volvió a enamorarse de una plaza que creía conocer, quien sintió que la música también podía llegar a un patio de COCEMFE o a un escenario pequeño en Los Siete Jardines. Que la lluvia decidió esperar, que las mujeres ocuparon el lugar que tantas veces se les negó en la historia del género y que un festival gratuito, sostenido por una asociación y por una ciudad, volvió a demostrar que la cultura no es un lujo, sino una forma de estar juntos. Así que cuando se apagan las luces y solo queda el cansancio, lo que permanece es una emoción sencilla y difícil de explicar: la de saber que, contra todos los pronósticos, Cáceres tuvo su fin de semana de blues y lo hizo suyo. Hasta el año que viene.

La Catedral de Toledo ofrecerá este sábado 10 de octurbe un recorrido por la música que se creó e interpretó para este templo a lo largo de los cincuenta años que transcurren entre 1746 y 1795.

Nereydas, con las voces de Margarita Rodríguez y Alexandra Tarniceru, bajo la dirección de Ulises Illán, interpretarán Arias y motetes para las fiestas de la Catedral de Toledo en el siglo XVIII: Cristalina fuente. Una selección de piezas musicales vinculadas a las principales festividades de la catedral, a sus momentos de mayor esplendor ceremonial y sonoro: los maitines de Navidad, la Semana Santa, el Corpus Christi y las fiestas marianas, entre las que destaca, por su arraigo local, la de la patrona de Toledo, la Virgen del Sagrario.

Este concierto contará con la participación de Juan José Montero, director artístico del Festival de Música El Greco en Toledo, quien acompañará a la orquesta con el sonido de la Lira del Cielo o lira celi, singular instrumento recuperado en esta decimotercera edición del Festival, reconstruido de forma exacta a partir del original de la Catedral de Toledo de 1625, que se conserva hoy en el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas.

Las entradas para los conciertos del XIII Festival de Música El Greco en Toledo, programa musical del VIII Centenario de la Catedral Primada, pueden adquirirse a través de esta página web o en las oficinas de la Real Fundación de Toledo.

Wes Leavins mira al escenario, situado a tan solo unos metros de distancia, como si fuese un refugio al que siempre tiene la necesidad de volver. El músico acaba de terminar la prueba de sonido para el concierto que tiene esa noche en Madrid y se encuentra, además de satisfecho, emocionado. No es para menos: fuera, cuando todavía falta una hora para que abran las puertas, decenas de personas ya hacen cola para entrar a la sala Galileo Galilei. Se trata del primer espectáculo en España de Brigitte Calls Me Baby, una de las bandas estadounidenses más prometedoras del rock alternativo, y su vocalista se aferra a la cita con el mismo ímpetu con el que se aferra a la música.

En un momento en el que muchos son los motivos que hacen a las jóvenes generaciones sentirse más tristes y desanimadas que las anteriores, Leavins reconoce que las canciones le han otorgado la vitamina perfecta para desconectar. Es algo que también ha conectado con sus oyentes, quienes han encontrado en la banda un abrazo. “En esta sociedad algo no está funcionando. En mi caso, es el exceso de estimulación, así que busco una vía de escape, que es lo que me ha ayudado a sentirme menos deprimido”, cuenta el cantante a elDiario.es. “Pero, al final del día, solo puedes huir hasta cierto punto. Por la noche te quedas solo contigo mismo, con tus pensamientos y con tu cama”, añade el músico, cuyo nuevo disco, Irreversible, parte precisamente de ese lugar incómodo.

Leavins creció en Port Arthur, un lugar pequeño de Texas del que quería marcharse y donde encontró en las canciones una posibilidad de imaginar una vida más grande. “Fue lo único que encontré que me permitía evadirme”, recuerda. La idea de salir de allí sigue presente en su forma de entender el arte, que no contempla solo como una profesión. “Estoy aquí, de Texas a Madrid, gracias a ello, así que sin duda la música es un catalizador perfecto para escapar, pero también para cambiar tu vida y la de los demás”, explica el intérprete, que ha logrado que Brigitte Calls Me Baby, una banda formada en Chicago en 2021, haya emergido hasta poder permitirse girar por toda Europa este otoño.

“El lugar del que vienes acaba reflejándose en la música, y el lugar del que vengo es un poco deprimente, aunque me dio mucha esperanza porque estaba decidido a salir de allí”, indica Leavins respecto al municipio petrolero en el que se crio, donde había pocas alternativas de futuro para los jóvenes y cuyo entorno estaba caracterizado por la pobreza. Esta es una de las razones por las que el álbum está atravesado por la salud mental, pues abordar estos problemas resulta “terapéutico” para el grupo. “Si no puedes cambiarlos, más vale hablar de ellos, reírse de ellos o, al menos, comentarlos. Es una de las mejores formas de afrontarlos”, declara el artista.

El artista, además, ha sacado adelante este proyecto haciendo frente al Trastorno Obsesivo-Compulsivo (TOC) y al Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad (TDAH). “Tienes unos estándares muy, muy específicos y, cuando estás de gira, todos ellos se van al traste”, afirma Leavins, que enfatiza que “vives situaciones en las que tienes que adaptarte”. “La terapia de exposición ha sido básicamente lo que me ha ayudado. Hemos vivido tantas situaciones impredecibles que tienes que aprender a aguantarlas”, asegura.

En un momento en el que todo el mundo se ve forzado a aparentar a través de las redes sociales, y en el que los artistas construyen (o destruyen) su imperio a través de la imagen que proyectan, Brigitte Calls Me Baby opta por abrazar la vulnerabilidad, desafiando el rock más tradicional en el que prevalece la apariencia del 'tío duro'. “Me encanta la música rock, pero también tengo mucho que decir, y el rock como medio de expresión tiene todo el espíritu que se necesita para comunicar la vulnerabilidad de forma realmente eficaz”, sostiene Wes Leavins. “En realidad van de la mano porque el rock es visceral, enérgico y expresivo. Cuando a eso le añades vulnerabilidad, pasión y convicción, es una receta fantástica”, celebra.

Aun así, la banda no es ajena a que cada vez sea más difícil encontrar la verdad en la cultura. “Todo el mundo quiere ser famoso”, sentencia Leavins. “Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo. Por eso la mayoría de los artistas que tenemos hoy en día son menos interesantes, porque hay gente que ni siquiera se conoce a sí misma”, reflexiona el cantante. “Se supone que los artistas deben decir: 'No todo el mundo entiende lo que hago, pero lo hago igualmente porque esto es preciso, es auténtico y soy yo'. En cambio, ahora la gente dice: 'Oh, no les gusta, pues voy a cambiarlo'. Eso mata el arte, y sin duda puedes sentir si algo es auténtico o no”, argumenta.

Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo

Wes Leavins — cantante de Brigitte Calls Me Baby

Entre los temas que los hacen más auténticos como banda se encuentra Slumber Party, una canción que pone el foco en personas que están desgastadas hasta el punto de que salir de casa se convierte en algo pesado, ahondando en la soledad. Leavins reconoce que nunca ha ido una fiesta de pijamas y que, pese a que el título nació de esa imagen, llevó la situación al presente. “En la actualidad no hay misterio. Si vas a quedar con alguien en algún sitio, puedes enviarle un mensaje y decirle: 'Oye, ¿a qué hora vas a estar allí?'. Ahora todo está muy organizado”, dice el compositor, que agrega que “en el pasado las cosas eran distintas, podía pasar cualquier cosa, podías conocer a cualquiera”.

“No quiero decir que la tecnología haya hecho que todo el mundo se sienta solo, pero, en cierto modo, sí lo creo”, apunta el vocalista de Brigitte Calls Me Baby. Frente a esa vida perfectamente coordinada, sin embargo, Leavins reivindica los conciertos como una experiencia difícil de sustituir. La música en directo, señala, puede llegar a ser “una experiencia espiritual” y también “muy sanadora”, tanto para el grupo como para la gente que disfruta escuchándoles. “No podemos hacerlo sin ellos y ellos tampoco pueden hacerlo sin nosotros, así que es como cerrar el círculo”, alega Leavins, que insiste en que vivimos una época en la que “nos necesitamos los unos a los otros”.

La música como vía empática

Las emociones son las protagonistas de su propuesta. Las canciones hablan de sentimientos privados, pero se nutren cuando otras personas se reconocen en ellas y el escenario se convierte, así, en un lugar donde una experiencia individual se transforma en algo colectivo. “Siento mucha empatía por la gente, y desde que era niño ya era muy sensible. Personificaba a los objetos inanimados y me daba pena por ellos. Incluso cuidaba de los bichos para que no les pasara nada. Ahora siento que mucha gente está sufriendo, así que, ¿por qué no íbamos a ser empáticos?”, inquiere el cantante ante este periódico.

La esperanza, de hecho, no desaparece en las canciones más oscuras. Un ejemplo es The Future Is Our Way Out, que da título al disco con el que la banda debutó. “Cuando mi vida termine / Oh, toda la gente me amará / Oh, si la vida fuera tan amable / Entonces no me importaría estar vivo”, canta el músico en un tema sobre la crueldad de esta sociedad. Este aboga por un halo de luz en el futuro: “La esperanza es más profunda en los momentos más devastadores, es lo único que te queda cuando estás destrozado. De eso trata la canción: de mi lucha contra la depresión, contra la vida, y contra el hecho de, aunque no creo realmente en una vida después de la muerte, tengo mucha esperanza”.

Asimismo, el deseo de querer escapar de la realidad convive con la sensación de echar de menos lo que se deja atrás. La banda lo trata en el tema I Wanna Die In The Suburbs, pues Leavins, pese a querer salir de su pequeño entorno, descubrió con el tiempo que incluso los lugares que uno sueña con abandonar terminan formando parte de su identidad. “Vayas donde vayas en el mundo, seas de donde seas, siempre hay una parte de ti que solo quiere volver”, subraya. “Soy alguien que no puede dejar atrás el pasado. Todo lo que me ha pasado en la vida es probablemente demasiado especial para mí, le doy mucha importancia, aunque es doloroso cargar con tanta nostalgia”, reconoce.

Esa nostalgia la transmiten en cada uno de sus conciertos, defendiendo sobre el escenario una discografía centrada en lo emocional. “Nos moríamos de ganas de tocar aquí y nos han invitado un montón de veces. Por fin tocamos por primera vez en España y el concierto tiene las entradas agotadas”, celebra Leavins sobre su espectáculo en la capital, pero no es la única cita, pues Brigitte Calls Me Baby también ha actuado en Barcelona y promete volver a visitar esa ciudad el año que viene. De momento, frenar no está en sus planes: “Siempre quiero más, sentir más, hacer más, ver más. Quiero experimentarlo todo y sacarle todo a la vida antes de que la vida me lo quite todo a mí”.

“Tía, que lo ha subido A24, ¿pero esto qué es?”. Así reacciona Cecilia Soto cuando su amiga Elsa Moreno le enseña un vídeo que acaba de recibir por Instagram. Las dos están a punto de entrar a una reunión en La Casa Encendida cuando un fan les manda unas imágenes a las que ninguna de las dos dan crédito: Robert Pattinson, uno de los actores más reconocidos de Hollywood, lleva una camiseta tematizada de Las Petunias, el grupo de punk-pop que ambas conforman junto a Natalia Montes desde 2020. Ambas se ponen a dar “botes de alegría”, recuerda Moreno, y tienen que aguantar toda la reunión hasta que finalmente salen del edificio, se reúnen con su equipo e investigan la historia detrás de la camiseta.

Aunque al principio dudaban de si era real o no, porque “obviamente no te puedes fiar de nada”, según explica la artista a elDiario.es, no tardan demasiado en descubrir que el vídeo es auténtico. Sin embargo, aquella camiseta no forma parte del merchandising oficial de Las Petunias, ni siquiera el color o el diseño había sido utilizado por el grupo. Durante días barajan las posibilidades que podían haberse dado para que Robert Pattinson esté haciendo promo de su nueva película con la productora A24, Primetime, con una prenda tematizada de la banda. Pese a que no consiguen ponerse en contacto con el equipo del actor, acaban descubriendo que la camiseta se vende desde una marca extranjera.

El precio de la prenda es de 80 euros y al principio contemplan la opción de denunciar, pero sucede algo que las lleva a cambiar de opinión. “Fue el día en el que desahuciaron a Maricarmen, así que se nos hacía bastante distópico que muchísimos medios nos estuviesen dando voz por esta tontería”, reconoce Elsa Moreno. “Pensamos: 'Mira, si se le está dando voz a la camiseta por ese diseño, lo mínimo que podemos hacer es fabricar nuestras camisetas y donar el dinero recaudado al Sindicato de Inquilinas”, cuenta. La propuesta, ya cerrada, ha tenido un éxito descomunal: la camiseta inspirada en la que llevó Robert Pattinson costaba 14,99 euros y ha vendido más de 4.000 unidades.

El grupo, además, acudió a la acampada de la Puerta del Sol de Madrid, donde la gente lleva días manifestándose por el derecho a la vivienda, después de que el Sindicato de Inquilinas organizara una convocatoria cultural para que actuaran cantantes en lo que se acabó denominando Fuck Rent Fest. “Fue algo superimprovisado”, cuenta Moreno sobre su concierto, una experiencia que describe como “bonita y agridulce”. “Al final estás ahí por el sufrimiento de Maricarmen y de toda la gente que tiene problemas similares y sin medios para quejarse de que les hayan desahuciado, ya que hay un problema muy gordo que afecta a derechos fundamentales y básicos de las personas”, reflexiona la artista.

Aun así, declara que “es muy emotivo ver cómo hay una concentración grande de personas que están unidas por la causa, que están creando revolución, que están literalmente haciendo historia de España”. “Fue un momento especial al sentir que puedes aportar algo a un movimiento tan importante”, señala la guitarrista. “Empatizamos con todo el mundo, dos de nosotras seguimos en casa de nuestros padres, que también es por el problema de la vivienda, aunque tenemos la suerte de tener un respaldo. Es algo tan universal que no puedes ni pensar en no hacerlo. Como artistas valoramos un montón el tener un altavoz y medios de convocatoria para reunir a gente y magnificar el movimiento”, agrega.

La actuación de Las Petunias en la Puerta del Sol tuvo un cambio que no estaba previsto. Durante la canción Marcelo Criminal, una versión del rapero Jarfaiter a la que le cambiaron la letra cuando la grabaron, modificaron también el nombre del estribillo para cantar Ayuso Criminal en lugar de Marcelo Criminal. Cecilia Soto confiesa que incluso la regañaron en casa por esa decisión, pero no se arrepiente. “Si me acarrea consecuencias es una barbaridad”, asegura. Además, subraya que “la libertad de expresión es igual tanto para artistas como para todo el mundo”: “Nuestra libertad de expresión como banda va mucho más allá de que nos ofrezcan un bolo o no nos lo ofrezcan”.

“Si el Ayuntamiento de Madrid nos quiere ofrecer unas fiestas, lo haremos con gusto. Si no, pues no pasará nada y seguiremos diciendo lo que nosotras creamos que tenemos que decir”, comenta Soto, que asegura que prefieren asumir el coste antes que comportarse como “una marioneta” que se calla para mantener contratos. “¿Qué sentido tendría formar parte de un movimiento y no mojarte?”, plantea. Aun así, apunta que no son “nadie” para decirle a otros artistas si deben posicionarse: “Cada uno que se vaya a dormir por la noche sabiendo lo que ha hecho y con su conciencia. Cada uno sabrá dónde estuvo en los momentos históricos y si estuvo donde había que estar”.

La relación entre música y política no es algo que hayan incorporado ahora. Cecilia Soto cuenta que, para ellas, ambas cosas siempre han ido juntas porque su propia vida está atravesada por decisiones y problemas colectivos. “Nunca hemos entendido el arte sin la política”, afirma, detallando que han sido estudiantes en la universidad pública, han acudido a manifestaciones desde adolescentes y entienden las canciones como una extensión de lo que les sucede fuera del escenario. “Nuestra música es un reflejo supertransparente de nosotras mismas”, resume la artista, que enfatiza que la “mera existencia es política”.

De hecho, Las Petunias reivindican la necesidad de dar visibilidad a espacios culturales, sociales y vecinales en los que no hay que gastar dinero para participar en la vida de la ciudad, como el Eko de Carabanchel o La Enredadera. “La mejor manera en la que sobrellevamos la gentrificación es manteniéndonos cerca de la gente que está en el lado bueno de la historia y, sobre todo, buscando esos planes, esos sitios alternativos”, explica Soto, que sostiene que buscar lugares gratuitos o colectivos sirve como una “especie de respiro frente al turbocapitalismo”. “Hay miles de sitios que ofrecen fiesta, reflexión, tarde de juegos de mesa y muchas alternativas al capitalismo”, indica.

La velocidad que exige actualmente la industria musical tampoco va con la banda. Publicó su disco debut Creo que soy de porcelana a finales de 2024, y desde que lanzara su EP Ahí te pudras, maldita el año pasado no ha vuelto a sacar ninguna nueva canción. Elsa Moreno explica que dentro de su sello conocen las reglas que pueden ayudar a que una canción funcione, pero valoran poder decidir cuándo publicar cada cosa. “El arte es muy orgánico y una canción sale cuando sale”, apunta. En una industria que describen como “una fábrica y una máquina de sobreproducción”, prefieren esperar a sentirse preparadas antes que lanzar canciones “como churros”. Para ellas, esa lentitud también forma parte de proteger la música de las presiones externas.

La camiseta de Robert Pattinson ha colocado a Las Petunias ante un escaparate enorme, pero Moreno insiste en que el éxito del grupo no se entiende en términos de oyentes o conciertos, sino en la creación de “vínculos con gente” y en comprobar que las canciones sirven para conectar con personas que comparten preocupaciones. “Hemos crecido con conciencia social y vamos a seguir viviendo con conciencia social”, afirma la artista. El próximo paso será un disco previsto para principios de febrero de 2027 que, según adelantan, llevará todavía más lejos ese cruce entre experiencias personales y posicionamiento político: “Trata sobre las cartas que nos escribiríamos a nosotras mismas en el fin del mundo, porque el fin del mundo está muy cerca, al menos el fin de las sociedades buenas”.

Ya está aquí octubre y te traemos una selección de planes culturales para el primer finde del mes, desde libros, películas y documentales hasta festivales de música o exposiciones.

Doce planes, por Elena Cabrera

Poesía o Barbarie (Madrid). El festival de la palabra, la poética y la imaginación tiene lugar entre el 1 y el 4 de octubre, con la presencia escénica de Lachrétienne, Lu Millet, Mentah, la dibujante Angie de la Lama, Plinio (Pablo Eguía), Juanpe Sánchez López y Nadia Risueño. Luego está la parte de conversación, denominada La Hoguera, con las mesas redondas “Hacer con las otras: Estéticas del Afecto y proyectos compartidos”, “Derecho al disfrute: Políticas del cuerpo, la cultura y la fiesta” y “Comunidades de la escucha: El libro como espacio de encuentro”, así como la performance participativa de Eva Outeiro sobre la música tradicional gallega. También hay conciertos como los de Eddie Circa. Consulta aquí toda la programación.

Festival de Música El Alternador (Montellano). La sierra sur sevillana acoge la XVIII edición de este festival independiente con actuaciones gratuitas de Hermana Furia, Salvar Doñana, Corea, Masa, Gastmans, Mosqueta y Magnetismo Sonoro Excéntrico y Pony Pool Club. Una cita de entrada libre repartida por varios escenarios locales que incluye sesiones de DJ.

Jornada escénica en Lavapiés (Madrid). Un recorrido cultural y por la memoria inspirado en Castañuela 70 de Petra Martínez y Juan Margallo (con el objetivo de conectar las vanguardias de los setenta con la de los dos miles) por el barrio que reúne a poetas libaneses desde los balcones, El Conde de Torrefiel haciendo una performance en una cancha de baloncesto o el concierto de Las Putanescas en la plaza de Lavapiés. Habrá también un coloquio y limonada junto a la fuente histórica de Cabestreros, un vestigio de la República.

Exposición de Rafael Azcona (Madrid). La sede de la SGAE acoge la inauguración de Vidas de Rafael Azcona, una muestra comisariada por David Trueba. A través de un audiovisual, la exposición profundiza en la singular filosofía de vida e itinerario vital del célebre guionista español.

Festival Música Antigua (Aranjuez). El Palacio Real y sus jardines acogen este festival histórico con conciertos de intérpretes como Richard Egarr y Lina Tur Bonet. Destaca la recuperación de la Trisonata de Charles Burney y los homenajes a Arriaga, Corelli y Haendel en marcos monumentales únicos.

Exposición de Dana Lixenberg (Barcelona). El Centro de Fotografía KBr presenta American Images, un retrato de la sociedad estadounidense a través de la mirada honesta de la fotógrafa neerlandesa. La muestra reúne célebres retratos de íconos culturales y proyectos sobre comunidades marginadas.

Fotografía en el KBr (Barcelona). La neerlandesa Dana Lixenberg exhibe sus proyectos fotográficos dedicados a la cara B de Estados Unidos desde los disturbios de 1992. La selección incluye sus icónicos retratos de figuras como Tupac Shakur, Toni Morrison, Jay Z, Leonard Cohen y Donald Trump.

Encuentros de Pamplona 2026. Esta bienal internacional de cultura y pensamiento reúne a grandes figuras como Mircea Cărtărescu, Hito Steyerl, Víctor Erice y Adanía Shibli. Un espacio para el diálogo contemporáneo con intervenciones de arte, filosofía y creación en la capital navarra.

Muestra MICE de Cine Educativo (Madrid). Festival audiovisual dirigido a niños y jóvenes que proyecta cortometrajes internacionales realizados en escuelas sobre temas actuales como la IA o el duelo. Incluye actividades que potencian el aprendizaje audiovisual entre estudiantes, familias y educadores.

Cine Realizado por Mujeres (Huesca). La muestra arranca en el Teatro Olimpia proyectando Tres adioses, el más reciente largometraje de la cineasta Isabel Coixet. El certamen reafirma su compromiso con el cine femenino plural, crítico y abierto a distintas realidades sociales.

Presentación de documental y novela (Torrelavega). Lorenzo Morales, exvocalista de Los Muertos de Cristo, presenta su libro y documental La noche que salió el Sol en la Asociación Octubre. Una obra histórica ambientada en la Guerra Civil basada en el diario íntimo de un miliciano de la CNT.

Electrónica emergente asiática en She Makes Noise (Madrid y Barcelona). La Casa Encendida y Réplika albergan en Madrid los conciertos de artistas como Sabiwa, scintii y Sonia Calico en esta edición especial de música electrónica hecha por mujeres comisariada por Natalia Piñuel. Una ventana a la vanguardia musical y al arte sonoro emergente del panorama electrónico del este asiático. She Makes Noise x Taiwán llega también en Barcelona a la sala Paral·lel62.

Tres libros, por Laura G. Higueras

'En lengua privada', de Emiliano Monge (Penguin Random House). El politólogo y escritor mexicano publica este particular libro de relatos, en el que, a través de diálogos y arcos de tensión dramática, expone los secretos íntimos de la escritura y de los momentos que hacen de su vida algo particular. La creatividad del recuerdo y del olvido, las razones para rastrear nuestra propia experiencia en la poesía y la naturaleza múltiple de las voces que nos habitan y con las que nos cruzamos son algunos de los temas que se entrelazan en sus textos. Un formato ideal para dosificarse los relatos en una lectura estimulante y evocadora, con las que culminar las jornadas antes de irse a dormir.

'Rasca y gana', de Violeta Niebla (Comisura). La editorial Comisura vuelve con una sorprendente y curiosísima propuesta. Esta vez, a través de este libro-objeto que hay que, literalmente, rascar para poder leer. En él, algunos secretos permanecen ocultos bajo una capa de tinta plateada y exigen que quien lo lea intervenga físicamente en el ejemplar para descubrirlos. Es decir, que los rasque con una moneda, una llave, una uña o lo que tenga encima. El tamaño ha sido diseñado para que ocupe el espacio entre una boca y un oído. Dentro hay secretos de todo tipo que la autora ha recogido durante más de diez años, junto a conversaciones con quienes llama 'los profesionales del silencio': una procuradora, un policía de paisano, un médico de emergencias, una psicóloga, un sacerdote y un inspector de Hacienda.

'La ruina', de Lizzy Stewart (trad. Regina López Muñoz, Lumen). Vamos con una novela gráfica que desmenuza la amistad a través de la historia de Charlotte y Francesca, dos chicas que eran inseparables en la universidad. Años más tarde, la segunda le propone a la primera vivir con ella y su marido en la casa que han comprado en el campo. Charlotte, aunque en un inicio sorprendida, decide convencer a su pareja para que acepte emprender esta forma alternativa de vida en comunidad. Eso sí, pronto descubren que la libertad también puede ser claustrofóbica. Un libro que rompe todas las barreras de la intimidad, aderezadas con inteligencia, amor, envidia y deseo.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Los VMA no han muerto del todo. Al menos, eso es lo que parece cuando uno mira las audiencias de la última edición, que se ha celebrado en Los Ángeles este domingo con su mejor dato de audiencia en 11 años. Hasta 8,4 millones de espectadores vieron en EEUU los premios que otorga MTV, que se han considerado durante mucho tiempo una de las noches más importantes de la cultura pop. Sin embargo, con cada vez menos estrellas en el escenario —que no en su lista de invitados—, cabe preguntarse cuánto podrán aguantar en antena los galardones que celebran los mejores videoclips, con uno de ellos en nuestra playlist de recomendaciones. Este año, Taylor Swift y Madonna eran el principal y único reclamo, pero ¿qué pasará cuando ellas también se queden en casa?

'Patient Zero' de Taylor Swift. La superestrella no actuó en los VMA como sí hizo Madonna, que además abrió la ceremonia, pero sí que se reservó un incentivo para la gala: el estreno de vídeo de su adictiva nueva canción, que ha publicado dentro de la edición deluxe de The Life of a Showgirl. En un momento en el que cada vez menos artistas dan importancia a los videoclips, Swift ha reunido a Colin Farrell y Dakota Johnson, con un cameo de Cara Delevingne, para dirigir una historia de sororidad femenina en la que una mujer tiende la mano a otra que sufre las consecuencias de un mismo novio tóxico. El tema, además, supone una narrativa diferente dentro del universo swiftiano.

'Canto' de Affra. La compositora de Badalona firma una declaración de intenciones con el primer adelanto de su álbum de debut, Al trenzar mis penas, que saldrá el 9 de noviembre. Se trata de una canción que nace del impulso de la intérprete de cantar frente a la adversidad. Esta es, de hecho, una de las temáticas de su nuevo disco, en la que Affra expresa “la necesidad de romper con el ruido interno y lo sanador que resulta encontrar en la voz un refugio”. “El álbum se inspira en la tradición de algunas mujeres indígenas que se trenzaban el pelo para dejar allí sus penas y evitar que echaran raíces en sus corazones”, ha explicado la artista. Presentará el disco el 28 de noviembre en la sala Tradicionàrius de Barcelona con entradas ya agotadas.

'Você e o Mar' de Alper Tuzcu. El guitarrista y compositor originario de Turquía nos sumerge en una travesía poética dentro de su último EP, Por un momento. El proyecto otorga la mirada a esos breves instantes en los que perdemos la noción del tiempo haciendo algo que nos gusta. La más destacada es la última de ellas, interpretada en portugués y con una clara influencia latinoamericana. La canción reflexiona sobre la necesidad de bajar el ritmo y reencontrar la paz interior frente a las turbulencias del día a día.

Tres películas, por Francisco Gámiz

'Verity: la sombra de un engaño' de Michael Showalter. Mucho ojo porque Dakota Johnson no solo protagoniza esta semana el nuevo videoclip dirigido por Taylor Swift. La actriz también se ha puesto a disposición de Michael Showalter en su nueva película, en la que interpreta a una escritora fantasma contratada para escribir las novelas de una autora de bestsellers impedida tras un accidente. Se trata de la adaptación a la gran pantalla del exitoso thriller literario de Colleen Hoover, en la que también participa Anne Hathaway.

'XY9' de David Huergo. El realizador gijonés debuta en el largometraje con un drama protagonizado por Silvia Acosta y Gonzalo Trujillo. Este pone el foco en la crisis que experimenta una pareja que intenta llenar su vacío vital teniendo un hijo, pues se acaban topando con sucesivos abortos y complicaciones genéticas que van dinamitando su estabilidad emocional. La cinta aborda los tabúes que rodean al duelo gestacional y la infertilidad, explorando culpa y el peso de las expectativas sociales.

'Las mujeres de negro' de Rober Astorgano. Este documental recupera la historia de las viudas, madres e hijas que sufrieron la violencia de la retaguardia durante el inicio de la Guerra Civil. La cinta relata cómo este grupo de mujeres, vestidas rigurosamente de luto, desafiaron la censura de la dictadura reuniéndose durante décadas en el lugar donde reposaban los cuerpos de sus seres queridos fusilados en fosas comunes. El largometraje se apoya en testimonios de sus descendientes y rinde homenaje a la memoria democrática y la importancia del duelo.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

‘La bola negra’ en boca de todos. Lorca (y su último amor) y la película de los Javis es uno de los grandes temas de la semana y del año. La taquilla les da la razón. Hemos hablado con ellos, no te pierdas el vídeo.

Piperrak pelea por sus derechos. Que sean punkis no quiere decir que no les importe recibir lo que es de ellos. La justicia da la razón al grupo en su reclamación contra su sello Discos Suicidas por no pagarles las ganancias de Spotify y otras.

Las prerrafaelitas. Se puede ver en Madrid una exposición imprescindible para descubrir que en la rupturista Hermandad Prerrafaelita las mujeres no solo eran modelos sino también artistas como Emma Sandys, Evelyn De Morgan o Marie Spartali.

Antes de que comenzara el concierto de Placebo, la advertencia de las pantallas parecía solo una petición amable. Luego, bajo la amenaza de los lacerantes focos en la cara del personalidad de seguridad, se vio que era obligatorio: móviles no.

“Recordarás el momento, no la grabación. Mejor sin tu móvil. Placebo. Compartamos esto juntos”. Ese era el mensaje que el grupo de Brian Molko y Stefan Olsdal proyectaron a sendos lados del escenario antes de dar inicio a su actuación en el Palacio de los Deportes - Movistar Arena de Madrid este jueves.

Un gran telón blanco cubría el escenario. Sobre él, se proyectaron las imágenes que, como palabras de un hechizo, abrían una puerta mágica a 1996, año en el que se publicó el primer disco homónimo del grupo formado en Londres dos años antes, en plena explosión mundial del indie y el rock alternativo. “El presente es pasado”, se lee en inglés con letras arrugadas sobre los pliegues de la tela blanca. Y se funden los números 1996 con 2026, al igual que a lo largo de la noche se fundirían los Brian Molko y Stefan Olsdal de entonces con los de ahora.

Deformado por las ondulaciones de la tela aparece David Bowie, lo cual desata un estallido de reconocimiento entre el público. Bowie es Dios prácticamente en todos los foros y en todas las religiones. Una de las virtudes de Brian Molko a lo largo de su carrera ha sido la de arrimarse a las personas adecuadas, quizás en busca de cierta bendición. Molko ha sido de los que han dicho: si se va a reconocer a quién copio, al menos que se entienda como homenaje.

En 1997, Placebo fue uno de los grupos tocados de la mano de Dios, es decir, de los amigos invitados al 50 cumpleaños de David Bowie en el Madison Square Garden. La línea de sucesión se reafirmó con la ceremonia de confirmación, cuando salieron juntos cantando en los Brit Awards la canción de T-Rex 20th Century Boy. Una vez más, y como veremos esta noche, se trata de reafirmar la genealogía y rendir un tributo al lugar y al tiempo del que venimos.

Cuando cae la sábana blanca, comienza Pure Morning, el single de su segundo disco. En esta gira se celebran los 30 años de la banda británica, que pasó de trío a dúo, tocando solo canciones de los dos primeros discos (Placebo de 1996 y Without You I'm Nothing de 1998), además de un par de versiones y una canción nueva que en cierta forma es vieja.

“Os queremos mucho, Madrid”. Así, en castellano, se dirige Stefan Olsdal a la audiencia que abarrota el Palacio. A Stefan le hemos enseñado a hablar español en las noches de Madrid. Al principio, su presencia era algo excepcional: “¡Está el bajista de Placebo!”, decía alguien al verle aparecer en cualquiera de los clubes habituales de la escena indie y dark de la ciudad. Después, Stefan era uno más. Y cuando formó el grupo con músicos españoles Hotel Persona y colaboró con Digital 21, ya fue totalmente uno de los nuestros. “Gracias por vuestro apoyo en estos 30 años. Hagamos un poco de ruido, ¿no?”, dijo justo antes de interpretar Bionic.

Y sí, lo que parecía una recomendación se evidenció como una obligación: los móviles estaban prohibidos. Personal de seguridad armado con potentes linternas iluminaba la cara del que veían enfocando al escenario. Incluso penetraban entre la masa del público de la pista para acercarse a cualquier luz que asomara entre la masa. Poco a poco, todo el mundo obedeció. Antes de acometer Whitout You I'm Nothing, Brian Molko comenzó a explicar, primero en español y luego pasándose al inglés, por qué no quería ver móviles entre el público: “No teníamos putos móviles en 1996”, dijo. Por ser polite, añadió: “Agradezco tu comprensión” y “gracias por tu cooperación”, pero luego, un mucho más tajante: “Guarda tu móvil o vete”. Y, por si no había quedado del todo claro: “Yo lo veo todo desde aquí, así que recibiréis una advertencia de mi parte”. Y efectivamente, Molko no se cortó en señalar con su dedo índice estirado, sin dejar de cantar, cuando veía un móvil entre el público.

La lucha de Placebo contra los móviles no es nueva. En la gira de 2022, teléfonos, relojes, cámaras y cualquier otro cacharro grabador se metía dentro de una bolsa que no podía abrirse hasta la salida. Según ellos, el objetivo era “vivir el momento”. Ahora, parece que el público no necesitaba medidas tan coercitivas, y lo cierto es que, mientras transcurría el concierto, comenzaban a verse las diferencias.

Primero: es verdad que parecía 1996. Sin los móviles, vuelve a haber brazos arriba, cabezas moviéndose, cuerpos bailando y sin duda una mejor visibilidad del escenario. Segundo, vuelven los aplausos. De unos años para acá, es evidente que cada vez se aplaude menos en los conciertos. No se puede saber si este fenómeno se da porque el gesto está dejando de significar como reacción sonora de agradecimiento hacia el artista, o porque el público tiene una mano ocupada sujetando el móvil. Sin datos científicos con los que llegar a una conclusión, lo cierto es que bajo el estricto régimen de Placebo, volvieron a sonar los aplausos con volumen.

Además de momentos de éxtasis como los vividos con una inmensa interpretación de Lady of Flowers y, por supuesto, Nancy Boy (aunque más controvertida fue una nueva versión ralentizada de 36 Degrees), como novedad no estrictamente de este regreso al pasado se encuentra una canción nueva, HELEN KELLER, que en realidad tiene algo de vieja. Titulada como una activista sordociega estadounidense (“una de mis personas favoritas de la historia”, dijo Molko en una ocasión), no es una canción que pase a la historia, pero su curiosidad reside en estar inspirado en el instrumental oculto del primer disco, H.K. Farewell.

Tras la despedida para el bis, el concierto culmina con un final apoteósico gracias a un hit que siempre hará enloquecer a sus fans —o a cualquiera que haya salido, bebido o amado a finales de los 90— Every You Every Me, seguido de dos versiones, que nos llevan al tema del principio de esta cróncia: reconocer el homenaje, de donde viene uno, a quien admira, hacia donde se quiere dirigir.

Para esta misión, Placebo ha elegido su versión de Depeche Mode I Feel You, del disco que más cercano les resulta en la carrera de los de Basildon (Songs Of Faith And Devotion, de 1993), durante la que Molko pretende bailar como Dave Gahan pero no le acaba de salir de todo, y una Running Up The Hill (A Deal With God) de Kate Bush (1985) ejecutada con menos suerte. Quizás ahora resulta más obvia, pero Placebo lleva versionando esta canción desde 2003 y es probable que después de Stranger Things este tema tenga ya otros matices, pero no pierde nunca esa inmensa carga de melancolía que tan bien le viene al grupo para despedir un concierto que es, sobre todo, un viaje al pasado, un broche, un ouroboros, una forma de decir que, porque fuimos somos, y porque somos, seremos.

La asociación Aragón en Vivo, que reúne a las principales salas de música en directo de la comunidad, ha preparado una programación especial con motivo de las Fiestas del Pilar. Entre el 8 y el 18 de octubre, once espacios zaragozanos acogerán 57 citas musicales protagonizadas por artistas locales, nacionales e internacionales.

Sala Creedence, La Ley Seca, Rock & Blues, Sala Z, La Lata de Bombillas, Sala López, La Casa de Loco, Moliner 7, La Campana Underground, Utopía y Oasis integran una programación que refleja la diversidad de la música en directo en Zaragoza. Rock, pop, punk, rap, rumba, swing, propuestas acústicas, sesiones de DJs y bandas tributo convivirán durante once días en escenarios de diferentes formatos y aforos. Entre los nombres que pasarán por las salas se encuentran Hard GZ, The New Raemon, Aviador Dro, Javi Medina, Track Dogs, The Darts, The Vee Bees, The Prize, Matt Woods, Galvanizer, The Bons Vivants o Lidia Aguilar, junto a numerosas bandas y artistas de la escena aragonesa.

La programación también incluye celebraciones especiales, como el 15.º aniversario de Sala Creedence, que contará con las actuaciones de The Sleeveens y The Darts, además de sesiones de DJs y diferentes propuestas a lo largo de las fiestas. A ellas se suman homenajes a grupos y artistas como Thin Lizzy, Extremoduro, Radio Futura, Hombres G, La Polla Records o Joaquín Sabina.

Música en directo durante todo el año

Más allá de reforzar la oferta cultural durante las Fiestas del Pilar, Aragón en Vivo quiere visibilizar el papel que desempeñan las salas como espacios culturales activos y como soporte esencial del sector musical. Su actividad facilita que artistas emergentes y consolidados dispongan de escenarios en los que presentar sus proyectos y conectar con nuevos públicos.

“Estas fechas exigen un esfuerzo especial por parte de las salas para ofrecer una cartelera diversa y de calidad. Sin embargo, nuestra labor no comienza ni termina con las fiestas: trabajamos cada semana para que la música en directo siga formando parte de la vida cultural de Zaragoza”, destaca Pablo Cano, ‘Patxi’, presidente de Aragón en Vivo. “Cada concierto requiere dedicación, recursos y la implicación de muchos profesionales. Mantener abiertos estos escenarios supone respaldar el talento, generar oportunidades y contribuir a que exista una escena musical sólida”, añade.

La programación preparada para las Fiestas del Pilar refleja ese compromiso y pone de manifiesto la capacidad de las salas para completar la oferta de los grandes conciertos con propuestas plurales, cercanas y de diferentes formatos. Una labor que se prolonga durante todos los meses del año y que favorece la creación de nuevos públicos, la profesionalización del sector y el desarrollo de una agenda cultural viva y diversa.

Espacios seguros

Aragón en Vivo también mantiene durante todo el año su compromiso de ser un espacio libre de agresiones sexistas, trabajando para que la música en directo sea un lugar seguro e inclusivo para todas las personas. Como fruto de este compromiso, las salas también se adhieren a la campaña 'No es no' del Ayuntamiento de Zaragoza, reforzando así su papel como agentes culturales responsables y comprometidos con la igualdad.

Se trata de la asociación que agrupa cerca de una veintena de salas de conciertos de las tres provincias aragonesas, con el objetivo de defender y promover la música en directo como parte esencial de la vida cultural de la comunidad. A través de proyectos colectivos, colaboraciones e iniciativas como esta, las salas reafirman su compromiso con el tejido cultural aragonés. En 2024, Aragón en Vivo organizó más de 1500 conciertos que atrajeron a 170.000 espectadores. Además, la asociación trabaja por apoyar y dar visibilidad al talento local, es por ello que el 60% de su programación anual está protagonizada por propuestas de grupos y artistas aragoneses.

Programación completa

Sala Creedence

La Ley Seca

Rock & Blues

Sala Z

La Lata de Bombillas

Sala López

La Casa de Loco

Moliner 7

La Campana Underground

Utopía

Oasis

El Ayuntamiento de Toledo ha informado de que, con motivo de las lluvias previstas para este viernes, queda suspendida la actividad de 'Pianos en la Calle' y pasará a celebrarse el próximo viernes, 9 de octubre, con los mismos horarios y espacios.

La IX edición de 'Pianos en la Calle', que volverá a llenar de música distintos espacios de la ciudad, este año incorpora como principal novedad su apuesta por la descentralización de las actividades culturales y su llegada a los barrios. La actividad, organizada por el Ayuntamiento de Toledo en colaboración con Momentum, Juventudes Musicales de Toledo, se celebrará el próximo viernes, 9 de octubre, en horario de 10.00 a 19.30 horas.

La concejala de Cultura, Ana Pérez, ha explicado que el objetivo de esta edición es “sacar la música a la calle y llevarla a espacios públicos y espacios cotidianos que visitamos habitualmente”, además de “descentralizar y llevar las actuaciones hacia los barrios para equilibrar la balanza cultural dentro de la ciudad”.

Cinco pianos en cinco puntos de la ciudad

“Es muy bonito salir a la calle, a cualquier plaza que no sea solamente el Casco y encontrarse con un piano”, ha señalado la concejala, quien ha destacado que cada uno de los instrumentos contará con un dinamizador encargado de animar a los ciudadanos a participar, independientemente de su experiencia musical.

Los cinco pianos estarán ubicados en distintos puntos de Toledo, concretamente en la plaza de Filipinas, en la plaza de los Vecinos, en la Ronda del Granadal, en el Parque de la Vega y el entorno del Mirador de la entrada del Palacio de Congresos.

Durante la mañana, además, la iniciativa contará con la participación de alrededor de 500 escolares de distintos centros educativos de la ciudad. Entre los colegios que ya han confirmado su participación se encuentran San Lucas y María, Santiago el Mayor, Alfonso VI y Virgen del Carmen.

“Alquilaré una limusina y allí pondré canciones tristes”, avisa la banda Arde Bogotá en Antifiesta, una de las canciones de su nuevo disco, Manufacturas del club de la gente sola, que verá la luz este viernes. El mismo día que los decretos de vivienda propuestos por el Gobierno para ofrecer más protección a los inquilinos tras las protestas por el desahucio de Maricarmen, pasará por el Congreso. “Necesitamos que la clase política de un paso adelante y resuelva el problema del derecho a una vivienda justa”, reclaman al respecto.

El nuevo disco de Antonio García (voz y guitarra), Dani Sánchez (guitarra), Pepe Esteban (bajo) y Jota Mercader (batería) les ha quedado “más triste y más profundo”, fruto de la mirada “hacia dentro” con la que han compuesto las canciones. Temas que, a su vez, han bebido de todo lo que viene de “fuera”; de asuntos como la precariedad, el desamor y la desesperanza en el futuro que también han impregnado sus letras. “Ha sido sin querer, estamos bien”, bromean.

¿La música puede ser un remedio para la soledad del club que da título a su disco?

Antonio García: Vivimos en una realidad hiperconectada y, sin embargo, este un momento humano de mucha soledad, de mucha soledad indeseada, y de mucha gente que se siente muy desconectada del resto a pesar de que las herramientas para la conexión son mejores que nunca.

Jota: La música puede ser remedio y puede ser acompañante. A todos nos gusta cuando estamos tristes ponernos una canción en el coche que nos haga estar más tristes, o envuelva nuestra tristeza. Eso mismo también puede ser un remedio.

Van a presentar el disco en una gira de salas, sus 'Hervideros', en la que la compra de entradas en exclusivamente en taquilla. ¿Por qué decidieron hacerlo así? ¿Qué expectativa tienen?

Dani Sánchez: Queríamos presentar el álbum en salas. Analizando lo que habíamos anteriormente y la cantidad de gente que viene a los conciertos, pensamos que vender las entradas iba a ser una locura, y bastante injusto. El peor procedimiento es sacarlas online y que la gente se mate, creíamos que lo más justo era poner las entradas en taquilla y que quien de verdad quisiera ir, hiciera ese esfuerzo.

Sabemos que es muy difícil porque mucha gente trabaja, pero la que más anhelaba estar en ese concierto iba a ser la que se pusiera a la cola y apreciara el momento de estar con más fans y comprar ese ticket físico.

AG: Una de las mejores cosas que nos llevamos de esto es haber generado algo de comunidad. Nos han contado que la gente que estuvo se puso cara, se hicieron amigos y quedaron para ir juntos.

Añadían la limitación de dos entradas por persona, entiendo que para evitar la reventa, algo que el público sufrimos desde fuera. ¿Cuánto les preocupa desde dentro?

DG: También somos consumidores de música y de conciertos, y hemos estado en ese otro lugar. Seguramente esto no sea la solución de nada, y no sabemos quién tiene la llave para solucionarlo. Tampoco sé si somos los máximos responsables de solucionar el problema, pero cada artista que ponga un grano de arena o intente girar el volante hacia una dirección que no sea la que ya conocemos y que es injusta; aporta algo nuevo, descubre algo nuevo y agita el avispero para que todos seamos conscientes de que hay que cambiar la reventa de bots.

¿Lo hablan mucho entre compañeros de otras bandas y artistas?

AG: Sí que hemos recibido palabras de aliento de otros compañeros. Supongo que a alguno no le habrá parecido nada bien y nos lo dirá cuando nos vea. Tampoco existe una organización tan clara de los músicos, aunque podría.

Depende de que lo pongan en marcha, ¿no?

J: Sí. Sería interesante tener una organización del mundo de la música que pudiera hacer frente a tiqueteras, a lugares de reventas donde las prácticas son abusivas en cuanto a poner el precio de la reventa, verificar que esas entradas sean reales o cuánto antes puedes poner unas entradas en reventa.

No es lo mismo hacerlo al día siguiente de comprarlas que un mes o una semana antes, que de ser así sabes que es porque esa persona no va a poder ir. Es unirse y establecer una serie de estamentos que puedan regular, y sobre todo que llegue al público y puedan tener una guía de las prácticas que se llevan a cabo, de lo que ocurre en la reventa. Decir qué es lo que hay que evitar y cuáles son las red flags. Todo es empezarlo.

Los músicos deberíamos estar organizados para poder hacer frente a tiqueteras y lugares de reventa

Jota — Batería de Arde Bogotá

¿Y por qué querían hacer la gira en salas?

Pepe Esteban: Es volver un poco a ese momento cercano con la gente que pasas como banda antes de llegar a un escenario muy grande. Ese estar en una sala, ver a una persona delante de tí y ser capaz de reconocer el espacio en su totalidad. También, dentro de la sala, hay algo vibrando distinto a un festival. La gente que va a una sala va a verte a tí. En un festival también puede ver a otras personas, puede ser un recinto grande que tú haces y todo el mundo vaya a verte a ti, pero es distinto. Está todo mucho más condensado y es una energía distinta. Se palpa un calor diferente.

Hablan en otra de sus nuevas canciones sobre el consumismo. Pipiolas, que estuvieron en elDiario.es en verano, comentaban que tenían un debate entre concebir una canción como una obra de arte, pero que también puede ser un producto, porque en cierto modo la música la escuchamos, pero también la consumimos. ¿Ustedes qué opinan?

AG: Hay una parte de lo que hacemos que inevitablemente entra dentro del juego de un mercado, y por eso le llamamos industria. Pero concretamente la canción, no, porque yo cuando escucho una no siento que la consuma, siento que la escucho. La disfruto como cuando miras un cuadro.

Evidentemente, cuando pagas un dinero por escucharla, porque compras un álbum o pagas una suscripción, entras en el juego de un mercado, pero si el álbum es tuyo, ya lo pagaste y estás rompiéndolo en la minicadena de tu casa, yo creo que ahí aparece una experiencia que está casi desligada de lo que se consume y está todo en lo que se experimenta, lo que se siente o se disfruta. Ese es el último reducto que queda de la experiencia artística que hay en la música. El disfrute que tú tienes cuando ya no hay mercado alrededor.

J: Es verdad que si le das vuelta, hay que pasar obligatoriamente por el paso del consumismo antes de que pierda esa etiqueta y pase a ser un ente exclusivamente artístico, lo cual puede generar un debate ideológico.

AG: También creo que la mayoría de las canciones, al menos las nuestras, no las creas como un producto, sino como experiencia creativa, un gesto de comunicación. Luego sí que tiene que pasar por el yugo de convertirse en un producto y algo que puedas publicar, envolver en una campaña de marketing, etc. Pero el origen de eso no estaba destinado a venderlo. Solo era algo que querías compartir, que querías sacar de ti. De hecho, creo que si hiciéramos las canciones pensando en que nos dieran mucho dinero, nos saldrían fatal, rarísimas.

El disco sale en la misma semana en la que se va a llevar al Congreso el decreto de vivienda, con cientos de acampados en Sol, en la que hemos visto a mucha gente joven protestando. Como músicos y ciudadanos, ¿cómo se sienten respecto a lo que está sucediendo?

AG: Absolutamente interpelados como generación, como chavales de treinta años. Es la realidad de la mayoría de nuestros amigos. Tenemos el deseo absoluto de que cambie la sociedad y de que esto sirva para que la clase política dé un paso adelante y resuelva un problema estructural y terrible de nuestro país, que es el acceso a la vivienda, el derecho a una vivienda, y una vivienda justa. A ver si es posible y el viernes celebramos dos cosas.

J: No solo hay que sentirse orgulloso de la ciudadanía que ha salido a expresarlo con tanto ahínco, unidad y colaboración en Madrid. Ha habido manifestaciones en casi todas las ciudades de España. Se nos olvida que la presión también viene de la periferia, no solo de aquí.

¿Han notado muchos cambios dentro de la industria desde que empezaron? En cuanto a la presión por sacar canciones cada vez más rápido o tener que estar en todos los festivales posibles.

DG: La tuvimos. Sí que recuerdo la época en la que estábamos en los carteles de todos los festivales y había que tomar una decisión sobre si seguir estando o no, o tomarnos nuestro tiempo para hacer las cosas que queríamos hacer, tanto discos como conciertos propios. Quizás ahora la presión es más esperar a ver cómo recibe la gente el álbum.

¿Se sienten en una posición privilegiada en la que se han podido librar de situaciones que otros compañeros no?

Jota: Sí. Es un privilegio porque hemos pasado por todos los pasos, muy rápido. Al haber ido tan bien el disco anterior y haberlo girado tanto, llega un punto en el que en realidad ya no te queda más por girar en el circuito. Ahí empezamos a crear nuestro propio show para pasearlo, y que sea un sitio grande, que venga mucha gente. Eso nos pone en una situación muy privilegiada porque podemos hacer esos shows, nos puede ver mucha gente en muchos sitios del país, incluso llevarlo fuera; y nos permite no estar sujetos a tener una ansiedad por el número y cuáles festivales estamos. Eso es un privilegio.

Poder hacer tus propios shows y no depender de un festival te quita de preocupaciones y te otorga más tiempo para poder hacer las cosas con calma y tranquilidad. Lo que pasa es que hay un proceso en el cual muchas bandas se ven con mucha cantidad de las dos cosas. De sus propios conciertos, la posibilidad de perder pasta, el ver cómo lo haces con las salas, lo que te cobran las salas, con qué otras bandas te vas a juntar para que salga más o menos rentable. Que es lo que nosotros hemos hecho toda la vida, tanto en Cartagena como en Madrid. Ver en cuántos festivales tenemos que meternos, no solo para llegar a más gente, sino también para aguantar económicamente el proyecto. Nosotros en ese aspecto somos privilegiados.

Vídeo de la entrevista completa

El Azkena Rock Festival de Vitoria cumplirá en junio de 2027 un cuarto de siglo de conciertos. Este miércoles ha presentado el plantel de la vigesimoquinta edición, que contará como cabezas de cartel con Patti Smith, Bad Religion, Marilyn Manson, Slash y Wilco. Otros artistas destacados cuya música inundará la ciudad los días 17, 18 y 19 son The Waterboys, 16 Horsepower, Dave Alvin, Michael Monroe y Rival Sons.

“Mendizabala volverá a reunir a varias generaciones alrededor de un cartel donde de nuevo confluyen variedad de géneros, y el rock'n'roll clásico, el hard rock y el punk conviven con el grunge, el stoner o el heavy metal, entrelazándose también con la crudeza del garage rock, la distorsión del noise, las melodías del indie rock y la nostalgia del glam, reservando un espacio para la sensibilidad del country, el blues, el folk y la música americana”, explica la organización.

Para celebrar un cuarto de siglo de recorrido, el festival presenta Strawhouse, un nuevo escenario “rústico e íntimo inspirado en los antiguos graneros comunitarios y que nace como tributo a la música acústica y de raíces folk, country y blues”. Allí se podrá oír la música de Peter Bruntnell, Deke Dickerson, Dave Hause, Lilly Hiatt y Nick Lowe, entre otros. En Trashville, por otra parte, estará “el lado más salvaje e impredecible del festival”, con una larga lista de artistas que incluye a The Bank Robbers, The Cyborgs y The Urban Voodoo Machine.

Ya está abierta la venta de abonos al público general, mientras que aquellas personas que hayan asistido a anteriores ediciones pueden adquirir las entradas por un precio reducido. Existe, además, un bono reducido para menores de 24 años y un bono cuadrilla para grupos. Los menores de 14 años pueden acceder de forma gratuita.

El inicio del curso 2026-27 está constatando la imparable expansión de la música mexicana. La gira española de pabellones del Grupo Firme ha coincidido estos días con la primera visita del cantante Luis R. Conríquez, autoproclamado rey de los corridos bélicos. Y semanas atrás anduvo también por España Natanael Cano, pionero de los corridos tumbados que en breve anunciará gira para 2027. Lo que hace cuatro años parecía una moda pasajera se confirma como la mayor eclosión de un estilo musical de raíz latinoamericana desde el reguetón.

A Luis R. Conríquez se le conoce como Conríquez, como Luis R, como L R y, sobre todo, por haber bautizado un subgénero, el de los corridos bélicos, que consagra la inmensa mayoría de sus versos a relatar las aventuras y desventuras de los capos de la droga en México. Sus composiciones son la versión siglo XXI de aquellos narcocorridos que popularizaron en los años 70 del siglo pasado grupos como Los Tigres del Norte. En su primera gira española, el 24 de septiembre en La Sala de Movistar Arena y al día siguiente en La (2) del Apolo, sobrevolaba la duda de si interpretaría sus canciones más controvertidas y explícitas, las que le han reportado más fama y problemas. La respuesta es un sí rotundo.

El ambiente en La (2) de Apolo era el de las grandes ocasiones. Sala prácticamente llena de espectadores de origen latinoamericano y dificultades para ver al cantante de Sonora entre el mar de móviles que filmaban todos sus movimientos y la abundancia de sombreros vaqueros. “Hoy ando belicón”, cantó en los primeros compases de Martes 13. Pronto llegaron las primeras canciones en las que L R se postula como narrador de las correrías del Chapo Guzmán y el cártel de Sinaloa. Primero fue Siempre pendientes, cuyo protagonista es un vigilante que cuida “la plaza del señor Guzmán”. Poco después, Sin tanto royo, cuya letra habla del Piyi, alto mando de la facción del cártel de Sinaloa Los Chapitos.

Un siglo de corridos sobre el narco

Hace ya un siglo que el corrido se asentó en la cultura popular mexicana como género de estructura narrativa que relata hechos reales. Y si durante la Revolución Mexicana inmortalizaban las batallas más célebres, en los años 30 ya había corridos sobre narcotraficantes como El Pablote. Los narcocorridos vivieron su época dorada en los años 70, pero nada hacía sospechar que en pleno siglo XXI los corridos tumbados, reformulados en parte gracias al rap y el trap estadounidense, serían tan populares entre la juventud. Y no solo la mexicana.

De los diez artistas más escuchados en México el año pasado, solo Bad Bunny no interpreta corridos tumbados

El éxito de los corridos tumbados es tal que el 77% de reproducciones en Spotify México en 2023 correspondió a canciones de este género. De los diez artistas más escuchados en México el año pasado, solo Bad Bunny no interpreta corridos tumbados. Y entre los diez artistas más escuchados en toda Latinoamérica en 2025, hay hasta seis mexicanos: Fuerza Régida, Peso Pluma, Junior H, Natanael Cano, Tito Double P y Neton Vega. Ocho años después de su nacimiento, nadie osa intuir el techo de un subgénero tan popular y controvertido.

La mayoría de canciones narran el peligroso día a día de los carteles de la droga. Muchas rebasan el ámbito de la ficción para relatar proezas de narcos con nombre y apellido. Y esa romantización de una delincuencia real que marca el día a día del país ha hecho saltar las alarmas del gobierno mexicano, que ya considera la apología de la violencia un problema nacional. Más de una decena de estados han establecido sanciones para quienes interpreten canciones de esta índole; por lo menos, en eventos promovidos por la administración o en el espacio público. Natanael Cano fue multado con un millón de pesos en 2023. A Los Ángeles del Barranco les retiraron el visado para viajar a Estados Unidos.

Libertad de expresión y homicidios

Este verano, la presidenta de México, Claudia Sheinbaum, insistió de nuevo en que los corridos tumbados no están censurados en México. Pero aunque celebró la innovación que suponen, mostró su deseo de que haya “más corridos tumbados que tengan otras letras para promover otros valores”. Censurar canciones atentaría contra la libertad de expresión, pero, además, tampoco atacarían la raíz del problema. El problema no es que los jóvenes, a través de esas canciones, empaticen con el narcotráfico y lo consideren un modo de ganarse la vida, sino que varias generaciones de jóvenes no encuentran un modo de ganarse la vida. Y que el Gobierno tampoco encuentra la manera de acabar con el narcotráfico.

Los corridos tumbados y bélicos retratan y romantizan una realidad dramática, pero censurarlos no cambia esa realidad. En 2024 se contaron en México más de 33.500 homicidios. Es una media de 92 asesinatos diarios. Hace dos décadas, esa cifra rondaba los diez mil. En ese dramático contexto, las miradas han apuntado a una música que, puntualmente, ha tenido vínculos demostrables con el crimen organizado. En 2025, la justicia condenó al sello DEL Records por blanquear dinero del narcotráfico. En ocasiones, esa violencia sistémica ha rozado los escenarios cuando artistas significados con cárteles concretos han sido amenazados de muerte por cárteles rivales. Peso Pluma, Grupo Firme, Natanael Cano y Fuerza Régida se han visto obligados a cancelar algún concierto.

La popularidad del género y la cantidad de dinero que mueve lo hacen imparable. Y las maniobras para reducir su impacto social son de escasa eficacia. Así lo pudo comprobar hace un año el propio Luis R. El cantante iba a actuar en la Feria Internacional del Caballo de Texcoco. Al ser un evento programado por la administración local, fue advertido de las sanciones a las que se exponía si interpretaba letras que glorificasen la violencia. Cuando salió a escena y anunció que no cantaría sus mayores éxitos, sus seguidores tomaron el escenario y destrozaron todos los instrumentos. Horas después, L R emitió un comunicado en el que explicó que su obligación como artista era obedecer “las nuevas normas” y anunció su intención de hacer “cambios significativos en las letras”.

Un escuadrón de instrumentistas

La escena de Texcoco no se repitió en Barcelona. De entrada, porque L R no esquivó ninguno de sus títulos más esperados y controvertidos. Pero, además, destrozar todos los instrumentos hubiera sido agotador. El mexicano apareció con una banda que parecía un escuadrón: dos guitarras de 12 cuerdas y una de seis, un contrabajo y un bajo eléctrico, un baterista y un teclista, un acordeonista y un violinista, un trombón de pistones, una tuba y dos charchetas. Y a esos trece había que sumar dos o tres tipos apostados en el escenario con atribuciones inciertas (¿amigos?, ¿representantes?, ¿seguridad?) y otro más que ejercía de camarero, pues se pasó la noche con un combinado en la mano por si L R tenía sed.

El de Sonora siguió el recital con clásicos como Me metí en el ruedo y El búho. La primera es una historia de superación a través de generar “billete verde” referida a un personaje anónimo apodado El Y. La segunda, su primer gran éxito, pudiera referirse a un cabecilla del cártel Jalisco Nueva Generación. La violencia latente en los relatos no se trasladó de ningún modo a la platea. Lo más violento de la noche quizá fue aquel espectador al fondo de la sala que, en los momentos de mayor excitación, exclamaba: “¡Préñame la mujer, maldito!”.

Los aullidos de placer eran constantes. Sobre todo, cuando Luis R encaraba títulos como El gavilán (canción publicada con Peso Pluma y cuyo protagonista se autodefine como “de la gente del Chapo Guzmán”), El del palenque (un original de Los Alegres del Barranco protagonizado por “el señor de los gallos, el del cártel jalisciense”) y La 701, cuyo título hace referencia a una pistola bañada en oro y con incrustaciones de diamantes propiedad de El Chapo.

Más allá de la controvertida temática de las canciones, el repertorio amasado por Luis R Conríquez en estos años es abrumador. Ni siquiera es necesario saber qué es un lanzapapas, un filete, un escar, una Duracell, 'meter jale', 'traer de oquis' o 'ser pura chapiza' para disfrutarlo. Cuando cantó seguidas Si no quieres no y No son Doritos quedó claro que estamos ante uno de los artistas más inspirados del género. Esta última aclara ya en el título que esos que escoltan con rifles largos no son un cargamento de nachos. Ingenio y humor, que no falten.

Dembow mexicano y canción romántica

Para oxigenar un cancionero que formalmente puede pecar de repetitivo, y para abrir mercado más allá del corrido bélico, Conríquez está tanteando géneros urbanos como el dembow. En Barcelona interpretó tres títulos sobre bases y voz pregrabadas. Cambió el patrón rítmico, pero no el temático. No se mostró especialmente hábil o cómodo en ese campo, así que, para retomar el pulso de la velada, volvió a su verdadero perfil con JGL, la canción cuyas siglas apuntan, de nuevo, a Joaquín Guzmán Loera (el Chapo) y cuya letra sugiere cierta permisividad de la policía de carretera con los que apoyan al cártel de Sinaloa.

Aún habría otro bloque de descompresión narco con clásicos del cancionero mexicano: Así fue, de Juan Gabriel, El rey, de José Alfredo Jiménez, y Acá entre nosotros, de Vicente Fernández. Nada del otro mundo, pese al altísimo octanaje de las partituras y al refuerzo instrumental del batallón de instrumentistas. Eso sí, fue el momento ideal para ondear banderas mexicanas y para apurar las existencias de alcohol de una barra que funcionó a pleno rendimiento.

El concierto culminó en brusca apoteosis. Pese a tener aún más de treinta canciones en la recámara, Conríquez quiso repetir El búho. El público coreó de nuevo eso de: “Y pa’ presentarme tengo que contarles / Que hace mucho tiempo también sufrí hambre / Preferí las calles en vez de estudiarle”. Y él insistió en aquello de: “La necesidad fue más grande que el miedo / Nunca me ha importado meterme en enredos / Por clave soy el Búho de Tijuana / Pendiente de mi terreno”. El debut barcelonés de L R acabó tan puntual como empezó. Hora y media sin apenas tregua. Arrollador e imponente. Un bis no tenía cabida.

Shakira se encuentra en plena residencia en Madrid con ‘Las mujeres ya no lloran’, que tiene lugar en el llamado ‘Estadio Shakira’ en el Iberdrola music de la capital. Una serie de conciertos con los que la cantante colombiana ha vuelto a actuar para el público español, y dejando claro desde el primer momento sus sentimientos al respecto:

“Estar aquí en Madrid es un regalo, más que un regalo. La vida no ha sido fácil, de las caídas no se salva nadie, pero nosotras con cada una nos levantamos un poquito más sabias, más resilientes y fuertes. Las mujeres ya no lloran. Las mujeres solas somos vulnerables, pero juntas somos invencibles”, aseguraba ante el público.

Unos espectadores madrileños que, además, tuvieron como regalo el hecho de que la propia Shakira confirmara el origen de una de sus canciones más conocidas y que la he vinculado siempre a la capital española, ‘Te dejo Madrid’.

Shakira revela la historia de ‘Te dejo Madrid’ más de 20 años después

Cuando Shakira lanzó en 2002 la canción ‘Te dejo Madrid’ como parte del disco ‘Laundry Service’ o ‘Servicio de lavandería’, la colombiana quedó vinculada para siempre a la ciudad, a la que ha vuelto casi 25 años después con una residencia de 12 conciertos, en la que finalmente ha desvelado la historia detrás del tema.

La cantante contó como la escribió después de que su primer amor, quien fuera natural de Madrid, le rompiera el corazón siendo muy joven: “Érase una vez una chica de 19 años con su pelo negro y sus pantalones de cuero que se ilusionó con un madrileño”, confesó antes de cantar la canción en uno de los conciertos en la capital.

“Y el madrileño era un verdadero ejemplar ibérico. Pero ese madrileño le rompió un poquito el corazón a la chica de los pantalones de cuero. No fue la primera ni la última, ya lo saben. Pero en vez de hablar creo que mejor les canto este cuento”, compartió la artista, compartiendo detalles hasta ahora desconocidos sobre la canción.

Y es que durante el verano de 2002 no dejó de sonar, y desde entonces se especuló mucho sobre las diferentes posibles teorías que se escondían detrás de ella, un hecho que casi cuando se cumplen 25 años de su publicación se ha puesto fin.

‘Te dejó Madrid’ resultó ser todo un éxito, de hecho, formó parte de un disco que superó las 13 millones de copias vendidas. Fue número uno en más de 10 países en América Latina, entre ellos Argentina, México y Colombia, haciendo que fuera la quinta canción más exitosa de todo el año 2002 en la región según MTV Latinoamérica. En España llegó hasta el puesto número 7.

La decimotercera edición del Festival de Música El Greco en Toledo, organizada por la Real Fundación de Toledo y la Fundación Primatialis Sedes Toletana para conmemorar el VIII Centenario de la Catedral de la ciudad, continúa su programación tras el verano con dos Batallas de Órganos.

La primera batalla de órganos, el próximo sábado, 3 de octubre, a las 20.00 horas en la catedral de Toledo, lleva por título 'San Ildefonso: el milagro de la Virgen'.

A través de la interpretación de los organistas en sus improvisaciones, se abordarán diferentes momentos de la vida del Santo, arzobispo y defensor ardiente de la pureza de María, que permanece como uno de los grandes referentes espirituales de Toledo. Su milagro --la aparición de la Virgen para imponerle la casulla celestial-- resuena como uno de los relatos más prodigiosos de la cristiandad.

Un reto musical que asumirán Baptiste-Florian Marle-Ouvrard, Rui Soares, Samuel Liégeon y Juan José Montero con un programa que incluye, además de las improvisaciones, obras de Juan Cabanilles, Léon Boëllman, Georg Friedrich Haendel, Joan Sebastian Bach y Pedro de Araújo, ha informado el Festival.

Ejecutarán estas piezas en el gran órgano del Emperador que corona la puerta de los Leones, los de Berdalonga y Echevarría situados en el Coro, el órgano del Sagrario, un clave, los tres realejos, pequeños órganos que se usaban en la procesión del Corpus toledano, y en la Lira del cielo, incorporada en esta edición.

La Lira del cielo o Lira Celi es un instrumento de teclado que produce un sonido de cuerda frotada especialmente suave y celestial, que fue construida en 1625 por el fraile Raymundo Truchado y adquirida por la Catedral de Toledo en 1628, donde permaneció en uso hasta 1803.

Su diseño tiene antecedentes en ideas de Leonardo da Vinci y en el Geigenwerk ('viola organista') desarrollado en el siglo XVI por Hans Hayden. El instrumento original se conserva hoy en el Museo de Instrumentos Musicales de Bruselas, el polaco Slawomir Zubrzycki ha realizado una copia exacta del ejemplar histórico que ha permitido recuperar el sonido de la lira en Toledo.

Una hora antes del concierto, se puede participar en una actividad divulgativa

A las 19.00 horas una hora antes del concierto, en la Sala Capitular de Verano de la catedral tendrá lugar una sesión de 'Hablamos del concierto' a cargo del presidente de la Real Fundación de Toledo, Jesús Carrobles. Esta actividad didáctica pretende facilitar un mayor conocimiento del programa musical que se ofrecerá a continuación, para lograr un pleno disfrute del concierto.

La entrada del concierto incluye el acceso gratuito a esta charla hasta completar el aforo. Las entradas pueden adquirirse en la web www.musicagreco.com, en las oficinas de la Real Fundación de Toledo y el mismo día del concierto en la Sala Capitular de Verano de la Catedral desde las 18.30 horas. Aún hay entradas disponibles de 20 y 30 euros.

El Festival de Música El Greco en Toledo está organizado por la Real Fundación de Toledo con la participación del Ayuntamiento de Toledo, la Diputación Provincial de Toledo, el Gobierno de Castilla-La Mancha y la Catedral Primada.

En Madrid los planes nunca se acaban. Por eso, en Hoy Se Sale, tu agenda de ocio y cultura en la ciudad, te traemos como cada siete días las propuestas destacadas que ofrece la capital desde el jueves.

Puedes consultar los planes más sugerentes de Madrid estos días en el siguiente listado, por jornadas, o pinchando en las fotos que se muestran a continuación.

El anuncio, a finales de 2024, del regreso a los escenarios de Dani Martín por el propio cantante y compositor provocó, de inmediato, el que sus miles de seguidores recobraran el aliento y las esperanzas de recuperar esos momentos vibrantes y de auténtico disfrute en sus conciertos. Sí, Dani Martín ha regresado a las giras, los escenarios, pero habiendo hecho una travesía del desierto que para él, y según confesó abiertamente en las redes sociales y medios de información, era muy necesaria. Su mente estaba trastocada y precisaba urgentemente ayuda. Todos suponemos que el viaje ha merecido la pena; mucho más, cuando en la noche del pasado viernes, 25 de septiembre, fuimos testigos de lo sucedido en el coso taurino murciano dentro del ciclo MURCIA ON.

El propio Dani Martín expresó que nunca antes había visto la plaza de toros al completo en uno de sus conciertos. Y este del viernes solo era el primero de los dos programados en Murcia. No es de extrañar: hay hambre de Dani Martín entre los seguidores del cantante madrileño. Pero la hay en todas las ciudades que ha visitado, visita y visitará esta gira titulada '25 Putos Años' que son los que lleva en este show business de la música.

Antes de entrar en materia, les contaré lo que pude presenciar en la taquilla de venta de entradas (quedaban muy pocas, que se agotaron rápidamente) de algunos aficionados que obtuvieron su tique en portales de internet. Al llegar al acceso, el lector les indicaba no apto o error. Les remitieron a taquilla, para comprobar ese error. Y, sorpresa, eran entradas fallidas. Esto es, una estafa, de las muchas que existen en internet (ese campo sin puertas) por estos días. Resulta que la entrada o entradas en cuestión, se habían revendido (copiado de las originales) varias veces en diferentes portales. Otras, adquiridas a través de la web de unos grandes almacenes, daban error porque en lugar del 25 saltaban al concierto del día siguiente y no era así. Alguna de ellas costaban un poco más de 140 euros y, naturalmente, el mosqueo del adquiriente no era para menos, teniendo en cuenta que algunos de estos compradores venían desde otros puntos lejanos y hacían noche en hoteles de la capital murciana. No pude quedarme hasta el final porque aquello iba a comenzar, pero supongo que todo se arreglaría. No obstante, siempre aconsejo adquirir estas entradas en las webs oficiales de quienes organizan cada concierto. Es lo más sensato, a tenor de las muchas falsificaciones o timos anteriores. En fin, fue la anécdota previa de un espectáculo musical de primer orden como pudimos corroborar después.

Con tan solo 15 minutos de retraso sobre el horario anunciado, la música comenzó a sonar y la voz de Dani Martín se escuchó antes de iluminar todo el escenario cantando ‘Zapatillas’, que abría casi dos horas de concierto. Gritando “¿Cómo estáis, Murcia?” la banda, de la que hablaremos más adelante, inició los primeros acordes de ‘Volverá’, pieza en la que un chaval de unos 10-12 años, rubio y con su guitarra colgada se sumaba a esta banda para tocar este tema de El Canto del Loco que nos recordaba Dani Martín.

Se trataba de Oliver Gutiérrez Amado, ahijado del cantante, que mostró carácter y muy buenas maneras a pesar de su juventud. Una ovación enorme despedía a Oliver. Pero aquello acababa de iniciarse y los músicos abordaron ‘Canciones’ cuya letra ya es otra confesión abierta del músico de Madrid que reza: Aquí estoy, otra vez / Y vuelvo para darte lo que me hace estar bien / Todas esas palabras que tú sientes / Y sé, que muchas forman parte de tu vida también / Por eso te las canto. Esto es, nos declara que ha regresado para que sigamos sintiendo y disfrutando con Dani Martín. Que su parón ha tenido muy buenos resultados y que una vez sanado y aprendida la lección, su regreso era necesario; tanto para él, como para todos sus seguidores que son miles. 

El público que llenaba el recinto hervía. Las gargantas no cesaban de cantar todas las letras de las canciones que Dani Martín iba interpretando desde el escenario. Por cierto, la puesta en escena distribuía adecuadamente a toda la banda que se encuadraba perfectamente en la caja escénica. En el fondo, con el batería en el centro y los dos teclados a cada uno de los lados, una enorme pantalla de lado a lado que nos iba mostrando diferentes motivos como unas zapatillas sobre un césped, un dibujo a plumilla de un amplio grupo de personas o una peineta de una mano perfectamente tatuada. Y sobre esos fondos y otros, el repertorio del cantante madrileño iba sonando y esparciéndose por toda la plaza taurina. Otra declaración de su travesía, la expresaba con la canción ‘Besos’, para continuar con ‘Tal como eres’, de su etapa como solista en El Canto del Loco, que Dani nunca ha olvidado porque ahí comenzó todo, aunque después continuara en solitario. Pero es también otra declaración de intenciones; de cómo está contemplando la vida, su vida, en 2026 tras ese parón. 

La temperatura meteorológica acompañaba y la humana hacía que el ambiente fuese intensísimo. Es curioso observar el repertorio que nos iba dejando Dani Martín. Hay temas de sus comienzos, de esos diez primeros años con El Canto del Loco. Sin duda hicieron mella en su trayectoria, en su mente por la que paró para pedir ayuda y repararla. No soy especialista en lo mental, pero he sido testigo de contemplar a artistas que surgen y triunfan desde el comienzo y rápidamente. Es un cambio tan brusco, que siempre dejan huella como le ha sucedido a Dani. Una huella profunda que, además, ha trastocado su humildad como persona. Hay estados o cosas que no entendía muy bien, como señala ‘A contracorriente’. Continuó con ‘Son sueños’, ‘Puede ser’, ‘Cero’, donde apareció un quinteto de cuerda conformado por tres violines y dos chelos, ‘Emocional’ o ‘Qué bonita la vida’, una balada compuesta junto al pianista de la banda (llevan juntos 24 años) Iñaki García. Su letra resume casi una moraleja: Qué bonita la vida / Que te mece con arte / Que te trata de usted / Para luego arroparte. / Te hace sentir valiente / Otras tantas don nadie / Qué bonita la vida.

Me dio la sensación (puedo estar equivocado) de que Dani Martín se encontraba un poco incrédulo todavía porque no paraba de observarnos, con una mirada entre imponente y a la vez receptora, como pensando (bueno, más tarde, casi al final, lo dijo): “¿Cómo es posible que después de tantos años, de haber parado para curar mi mente y regresar, todavía haya tantas personas que me arropan y me hacen sentir tan bien?”. A mí, al menos, me daba esa percepción cada vez que la cámara reflejaba esas miradas en las pantallas del escenario. 

Y es que debe dar escalofríos, el contemplar toda una plaza de toros a reventar de gente que canta contigo, que disfruta con lo tuyo y que muestra su cercanía y empatía, como demostraron con ‘Me vuelves puto loco’, ‘Carpe Diem’, una pieza en la que dibuja lo que le pasaba en 2022 harto de tanta mentira descrita en ‘Novedades viernes’. Madre mía, cómo andaba ese personal. Baile y movimiento sin parar en el ruedo, todos bien apiñados; en las gradas, tanto en la zona de barrera como en los tendidos. Y en los palcos, arriba del todo, la fiesta era total.

Por eso, Dani Martín y su sensacional banda pisaron el acelerador de la música trasladándonos, una vez más, a un universo repleto de sensaciones y locuras con piezas como ‘Burning man’, en la que pisa tierra criticando la superficialidad y mentiras de las redes sociales, ‘La madre de José’, una historia que le puede haber pasado a muchos, ‘Volver a disfrutar’, ‘Una foto en blanco y negro’ (temas, como relata esta letra, que hacen mezclar el pasado con la realidad). Dani paró la música, para anunciarnos que “la abuela Isabel, que cumple 93 años hoy, está aquí con nosotros. Quien pudiera firmar cumplir esa edad”. Estos detalles son los que humanizan y normalizan al cantante madrileño. ‘Ya nada volverá a ser como antes’ describe, creo que muy fielmente, lo que provocó el parón de Dani Martín en 2022.

Y continuó preguntando “¿queréis más cosicas?”, a lo que el aforo al unísono contestó afirmativamente. Otro detalle fue bajar al ruedo junto a las mesas de sonido, y cantar rodeado de sus fans ‘La suerte de mi vida’ y ‘Peter Pan’, acompañado en ambas por el quinteto de cuerda y el piano. Tal vez fue el momento más íntimo de este concierto de Dani Martín en el MURCIA ON, que viaja por España con su gira '25 Putos Años'. El final se acercaba. Pidió a los asistentes que con la misma normalidad que le habían dejado entrar, le dejaran salir y así fue. De vuelta en el escenario, ‘El último día de nuestras vidas’, antes de pedir aplausos para todo el equipo de 176 personas que mueven esta gira. Y, en especial, para la banda que le acompaña como Lily Martin, en el mellotron y voces; Carlos Bueno, bajo eléctrico; Jairo Uraño, batería. La señora Wendel, guitarra acústica y voces; atención especial para el guitarrista murciano Roberto Lavella, que lleva con él 13 años. Como también lleva un porrón de tiempo el también guitarrista y director musical de la gira, Paco Salazar. Con el pianista, organista y todo aquello que lleve teclado, Iñaki García, ha compuesto canciones, arreglado otras y han convivido durante 24 años en los que se lo han pasado muy bien. Y para finalizar esta presentación, qué humildad, “Yo me llamo Dani y a veces soy un poquito insoportable”. Menuda ovación que le brindó el respetable. La fiesta finalizaba con ‘Insoportable’, como comenzó este concierto, con canciones de sus comienzos con El Canto del Loco. 

En resumen, Dani Martín se ha reencontrado a sí mismo tras dos años de paro para sanar su mente y ordenar ideas. Y el regreso ha sido espectacular, a lo grande, pero sin hacer alardes de nada. Todo lo contrario; se muestra como siempre ha sido, una persona sensible y cercana, amante de la cotidianidad de la vida. Tal vez su empeño de hacer bien las cosas esté aún ahí, pero creo que esa persistencia no es tan mala como pueda parecer. Felicidades, Dani. Y gracias por todo lo que das a tus amigos y seguidores.

El Gillete Stadium (Foxborough, Massachusetts) ha anunciado que cancela los conciertos de Ed Sheeran programados en el recinto para este viernes 25 y sábado 26 de septiembre por las “alertas meteorológicas severas vigentes en Boston y en toda Nueva Inglaterra durante todo el fin de semana”.

Según el comunicado compartido en Instagram por la cuenta oficial del estadio, la promotora Messina Touring ha “tomado la difícil decisión” de que el cantante no realice los shows de su Loop Tour que tenía previsto en la ciudad. “La decisión se tomó priorizando la seguridad de los fans, el personal y todos los involucrados en los conciertos”, han asegurado en la nota.

Según las previsiones meteorológicas para esa zona de los Estados Unidos, los vientos podrían alcanzar velocidades de entre 64 y 88 km/h, con el pico de máxima intensidad entre la noche del viernes y del sábado.

Sin embargo, ya antes de conocer estas condiciones adversas, el concierto estaba envuelto en la polémica. El propietario del Gillete Stadium es Robert Kraft, que también posee el equipo de fútbol americano New England Patriots, responsable de las presiones para que Sheeran expulsara a Macklemore de la gira tras sus alegatos a favor de Palestina. Además, el rapero acusó a Kraft de instar a otros propietarios de recintos a boicotearle.

Por la expulsión de Macklemore estaba convocada una protesta previa al concierto de este sábado organizada por la red Peace Action contra Kraft. De acuerdo con ellos, la manifestación también rechazaría el creciente poder de los multimillonarios y de las instituciones poderosas para influir tanto en la política como en los límites del debate público.

Macklemore, inicialmente, debía ser el telonero de ambos conciertos en el Gillete Stadium, pero Kraft llamó a Sheeran previamente para hacerle saber que el rapero no debía participar por su “extenso historial de retórica antisemita”. Después de que Macklemore fuera expulsado, otros artistas que acompañaban al británico en la gira como Finneas, Lukas Graham, Aaron Rowe, y la banda Beoga, decidieron abandonarle en señal de protesta por lo sucedido.

A raíz de todo esto, el propio rapero anunció este jueves que realizaría una gira contra el genocidio en Gaza con conciertos conciertos en Dublín, París y Londres. Las actuaciones se prevén para octubre bajo el título 'Free Palestine', precisamente la frase que le hizo ser expulsado de la gira, y su recaudación será destinada a organizaciones propalestinas. Igualmente, Macklemore anunció que donará el millón de dólares que ha ganado durante la gira con Sheeran a Palestina.

Los conciertos del Gillete Stadium no son los primeros después de la polémica. Este pasado fin de semana, Sheeran ya actuó en Filadelfia sin telonero. En ese show, el cantante habló sobre lo sucedido y defendió que no es un “músico activista”. Pese a ello, sí admitió haber “cometido errores” y pidió disculpas, además de calificar de “injustificable” lo sucedido en Palestina.

Las celebraciones al cumplir los 50 suelen ser gloriosas. The Damned, para muchos el mejor grupo del punk británico, están de jarana este año celebrando su medio siglo en la música.

Mientras el mundo se prepara para los grandes fastos de celebración en 2027 de los 50 años del punk, que The Damned se adelanten un año, quiere decir que fueron unos adelantados en su momento. No se encasillaron, y cuando unos venían, ellos ya volvían, saltando frenéticamente de un estilo a otro, sin hacer un disco igual a otro. Pronto ya no eran el mejor grupo punk, sino el mejor grupo gótico, el mejor grupo new wave o el mejor grupo psicodélico. Dave Vanian, Captain Sensible y su banda, siempre por delante.

Estas bodas de oro del grupo se festejan con múltiples conciertos, como los que tendrán lugar en Valencia, Barcelona y Madrid entre el 25 y el 27 de septiembre. Y con Not Like Everybody Else, un disco de versiones que es más bien un homenaje al fundador de la banda y guitarrista de The Lords Of The New Church Barry James, fallecido el año pasado.

En una entrevista con elDiario.es el también guitarrista y fundador de The Damned Raymond Burns, comúnmente conocido como Captain Sensible —por su falta de sensibilidad, cuenta la leyenda— recuerda a Barry James como una persona llena de ideas “radicales e innovadoras”. En 1975, la escena musical estaba dominada por el plomizo stadium rock, caracterizado por solos de batería de 20 minutos y canciones sobre duendes y magos de bandas como Yes, Genesis o Emerson, Lake & Palmer. “Esa música no me decía nada y sus letras me parecían un sinsentido. Yo buscaba algo que me sacudiera y me entusiasmara, pero no había nada parecido en ese momento”, recuerda el capitán. 

Barry James formaba parte de las alrededor de 25 personas que se inventaron el punk en Londres, y buscaban a otros a los que contagiar esa actitud agresiva e intransigente. “Afortunadamente, vio algo en mí y me metió en la banda”, recuerda el músico en una videollamada, que responde desde su casa en el Algarve de Portugal, donde tiene un estudio.

¿Qué cree que diría Brian James si escuchara el disco que le han dedicado?

Creo que le habría gustado la selección de temas y el hecho de que los grabáramos siguiendo el mismo proceso que en Damned Damned Damned, allá por 1976: todos juntos en una sala pequeña, viéndonos las caras entre el ruido y la adrenalina. Fue un método de trabajo muy tradicional, prácticamente en directo y con el mínimo de retoques posteriores. Improvisamos todo en cuestión de pocos días y el proyecto salió adelante con rapidez. No es una producción pulida ni perfecta; me gusta mantener la aspereza del rock and roll. Las producciones de estudio actuales suelen pecar de un exceso de perfección que mata la esencia.

¿Podría contarme la intrahistoria de cómo se pusieron de acuerdo para hacer la lista de versiones?

Sabíamos parte del repertorio porque eran canciones que a Brian le gustaban y solía tocar. Las demás las sugirió su mujer; eran temas que escuchaba en casa, principalmente de los años 60, los mismos que escuchaba de joven y que lo impulsaron a coger una guitarra por primera vez. Son composiciones oscuras y provocadoras. Por ejemplo, el tema de The Animals, When I Was Young, es profundamente melancólico, mientras que I'm Not Like Everybody Else, de The Kinks, retrata a alguien luchando contra sus demonios internos. Resultaban perfectas para que Dave las interpretara con su característico estilo oscuro y gótico.

Si no me equivoco, todas las canciones de Not Like Everybody Else pertenecen al periodo comprendido entre 1964 y 1973. Además, dos versiones muy importantes en la carrera de Damned como son Eloise es de 1968 y Alone Again Or de 1967. Parece haber un patrón claro. ¿Qué tiene de especial aquella música de entre mediados de los 60 y principios de los 70?

Fue una época mágica. Muchas de esas bandas —The Kinks, The Move, The Who, Small Faces, The Animals— eran casi grupos de garaje. Ninguno venía del conservatorio ni eran virtuosos, simplemente tocaban al máximo de sus capacidades con un sonido crudo y emocionante. A partir de 1973 la escena cambió. Las grandes bandas de estadio eran técnicamente impecables, pero para mí la emoción se había esfumado. Tuvimos la suerte de atrapar el final de esa época dorada en la que las discográficas aún te permitían entrar a un estudio y hacer el disco que quisieras. A veces entregábamos trabajos que no eran del todo de su agrado, pero siempre estuvimos en constante evolución. Habría sido aburrido repetir la fórmula de Damned Damned Damned durante 50 años. Cada álbum que lanzamos fue distinto al anterior: The Black Album, por ejemplo, suena como si fuera de un grupo completamente diferente. Así es como entiendo que debe progresar una banda, al estilo de la evolución que tuvieron The Beatles en su corta carrera. Algunos grupos de punk prefieren mantenerse estáticos, lo cual es respetable, pero a nosotros nos estimula buscar siempre algo nuevo.

Me parece que la definición de lo que representa The Damned varía mucho según el fan con el que hables.

Podríamos diseñar tres repertorios radicalmente distintos: uno gótico, uno punk y otro de psicodelia garajera. A veces nos resulta difícil prever qué prefiere escuchar el público. En ocasiones hemos repartido hojas de papel a la gente que hacía cola fuera del recinto para que escribieran su repertorio ideal. Luego leíamos las sugerencias en el camerino y nos encontrábamos con opciones de todo tipo. Resulta complejo condensar 50 años de trayectoria en hora y media, pero intentamos complacer a la mayoría el mayor tiempo posible, aun sabiendo que es imposible satisfacer a todos.

¿Qué consejo le daría a una banda joven que busque sonar potente, fuerte y con la textura propia de los discos de los 70?

Les sugeriría que, al grabar en el estudio, eviten el uso excesivo de compresión y de los plugins tan habituales hoy en día, los cuales, en mi opinión, hacen que la música resulte difícil de escuchar. Les aconsejaría acudir al estudio con discos de los 60 y 70, ponérselos al ingeniero y al productor, y pedirles un sonido de rock and roll honesto en lugar de una producción pulida y clínica. Para el directo, les diría que mantengan la frescura y no ensayen en exceso. Es preferible subir al escenario sin tener todo calculado ni coreografiado. El directo debe contener un elemento de peligro e incertidumbre, tanto para la banda como para el público. Esa era la esencia del punk: grupos que actuaban al día siguiente de formarse e improvisaban. A veces salía mal, pero otras resultaba mágico. Frank Zappa hacía algo similar. Con Rat Scabies en la batería nunca tocamos un tema como New Rose de la misma manera; siempre introduce variaciones para obligarme a estar atento en lugar de repetir lo mismo cada noche. Eso mantiene la frescura.

Esas guitarras que se ven detrás de usted, colgadas en la pared, ¿son suyas?, ¿qué tipo de guitarras son?

Suelo usar un bajo Fender Mustang y unas cinco guitarras, principalmente modelos Gibson SG, pero no los de gama alta. No me interesan las guitarras caras. Utilizo una Gibson SG Standard 60s Tribute, que es un modelo accesible. No tiene el acabado en laca brillante habitual, por lo que no está protegida contra los golpes. Cada vez que se golpea en la carretera o en el escenario, le queda una marca o una hendidura visible. Me gusta que la guitarra muestre ese desgaste y conserve un aspecto rudo. 

¿Cree que el paso de los años lo ha vuelto más sensible?

Con la edad el cuerpo empieza a enviar señales. La mente sigue siendo la misma, pero el físico te pide reducir el ritmo: no beber en exceso ni pasar noches enteras de fiesta. Antes podía estar tres o cuatro días seguidos despierto de marcha —solía coincidir con [el fallecido cantante de Motörhead] Lemmy, quien tampoco dormía mucho—, pero ahora los viajes resultan más agotadores. Sin embargo, los conciertos siguen siendo igual de estimulantes. En cuanto empiezas a tocar los primeros acordes de Neat Neat Neat, te vuelves a sentir joven.

¿Sigue siendo vegetariano y defensor de los derechos de los animales?

Sí, he participado en diversas campañas. Me parece lamentable el trato que reciben los animales en las explotaciones ganaderas industriales, donde muchos ni siquiera llegan a ver la luz del sol. Intento darle a mi perro la mejor vida posible como una pequeña forma de compensación hacia el mundo animal. Incluso en Portugal es habitual ver perros confinados en terrazas o jardines actuando únicamente como guardianes, lo cual no es forma de tratar a un animal.

Creó un partido político en 2006, ¿mantiene algún tipo de vinculación con la política hoy en día?

Con el tiempo te das cuenta de que, cuando los gobiernos cambian de signo en Gran Bretaña —y supongo que en otros lugares ocurre lo mismo—, las políticas de fondo permanecen bastante similares y la brecha social se mantiene. Tras desencantarme, creé mi propio partido político, el Blah! Party, basándome en la expresión “bla, bla, bla” para reflejar la desconfianza hacia el discurso político. La intención inicial era promover el voto nulo como protesta, pero cuando empecé a recibir apoyos reales me di cuenta de la responsabilidad que conllevaba. Pensé que la gente no debía confiar su voto a un guitarrista de punk al que le gustaba empinar el codo, al igual que tampoco debía confiar en los políticos profesionales. Al analizar el panorama político y percibir la falta de una democracia real, preferí dar un paso al lado. Ahora estoy completamente al margen de la política y centrado exclusivamente en tocar la guitarra.

¿Tiene alguna opinión sobre el nuevo primer ministro, Andy Burnham?

La misma mierda de siempre.

Después de haber sido expulsado del tour de Ed Sheeran por defender a Palestina sobre el escenario, el rapero Macklemore ha anunciado una gira contra el genocidio en Gaza cuyas ganancias irán destinadas a organizaciones propalestinas. El cantante actuará en Dublín, París y Londres el 26, 29 y 30 de octubre respectivamente, siendo acompañado por artistas que todavía no ha desvelado. Macklemore también tiene pensado dar conciertos en EEUU, aunque dará a conocer las fechas más adelante.

“Si algo nos han enseñado estas últimas semanas, es que algo ha cambiado en los últimos tres años. Ha habido un despertar colectivo en torno a la liberación palestina, el poder de los multimillonarios que intentan censurar ese clamor y lo que esperamos de los artistas ahora mismo”, ha escrito el rapero en redes sociales para presentar el tour Free Palestine. “Estamos en 2026. Ser apolítico durante un genocidio ya no funciona. Se les pide a los artistas que se involucren, se informen y participen en la comunidad”, ha añadido.

Macklemore ha declarado que los artistas deben usar el escenario “para algo más que entretenimiento”, y que la gente pide a los cantantes “que se opongan cuando el clamor por una Palestina libre se tope con intentos de silenciarlo”. Es por ello que ha reconocido que lo que le sucedió fue “más grande que un artista o un escenario”: “Cuando la clase multimillonaria puede decidir qué voces se permiten en el escenario y cuáles son demasiado peligrosas para escuchar, todos deberíamos estar atentos. Así que, como ya saben, mi agenda se liberó un poco”.

“He dedicado la última semana a contactar con artistas que se han manifestado y han usado sus escenarios para solidarizarse con el pueblo palestino, sin importar las consecuencias. Artistas que entienden que nuestras plataformas significan muy poco si solo estamos dispuestos a usarlas cuando es seguro”, ha explicado el rapero. “Debido a la rapidez con la que todo se ha organizado, aún se están definiendo muchos detalles, horarios y conversaciones. Pero este es un momento clave y hay mucho trabajo por hacer”, ha agregado.

Para acceder a la venta de entradas y recibir actualizaciones al respecto de la gira es necesario registrarse en macklemore.com. La preventa comienza el próximo lunes a las 10:00 horas y la venta general el próximo miércoles a las 10:00 horas. El concierto de Dublín tendrá lugar en el 3Arena, el de París será en el Accor Arena y el de Londres en el Wembley Arena. Todos los beneficios se destinarán a organizaciones que apoyan al pueblo y al movimiento palestino.

Ginetarock, el festival de heavy metal de La Gineta (Albacete) se suma a las Fiestas de Interés Turístico Regional de la provincia. El anuncio, publicado en el Diario Oficial de Castilla-La Mancha, reconoce la relevancia turística y el impacto de este evento musica.

Así lo han valorado el delegado del Gobierno regional en la provincia de Albacete, Pedro Antonio Ruiz Santos; el delegado de Economía, Empresas y Empleo, Nicolás Merino; el alcalde del municipio, José Sánchez; el concejal de Festejos del municipio, Fernando Rodríguez; y el presidente de la asociación Corazón de Metal, Demetrio Ortiz.

Durante su intervención, Ruiz Santos ha felicitado al Ayuntamiento por el trabajo realizado y ha destacado el impacto económico que esta celebración tiene tanto para el municipio como para las localidades más cercanas.

Además, ha explicado que con esta nueva incorporación, la provincia suma ya 38 Fiestas de Interés Turístico Regional habiéndose incrementado la cifra de manera notable en la última década. “Desde 2015 hemos pasado de 19 a 38 reconocimientos regionales y ese no es un reconocimiento normal, es el doble”, comentaba explicando que a estas distinciones se suman otras dos que han pasado de 'Regional' a Fiesta de Interés Turístico Nacional (en el caso de la Semana Santa de Albacete), y de 'Nacional' a Fiesta de Interés Turístico Internacional (con las Fiestas Mayores de Almansa).

“Como el mejor de los regalos”

Desde La Gineta, su alcalde, José Sánchez, se ha mostrado muy agradecido con un reconocimiento que llega “como el mejor de los regalos”, justo unos días antes de que el festival celebre su 18º aniversario.

Ha subrayado la importancia que tiene para un municipio de alrededor de 3.000 habitantes acoger un evento que cada año atrae a miles de personas y que ha convertido al festival en una cita de referencia para los aficionados al heavy metal.

Por parte de la Asociación Corazón de Metal, su presidente, Demetrio Ortiz, ha destacado la programación de esta XVIII edición, que reunirá a once bandas y más de diez horas de música ininterrumpida.

El Ginetarock arrancará a primera hora de la tarde y contará con dos escenarios, uno cubierto y otro al aire libre. Entre los nombres destacados de esta edición se encuentra Dirkschneider, junto a diferentes bandas nacionales que completan un cartel que combina grupos consolidados con nuevos proyectos.

La organización espera repetir el respaldo de años anteriores y consolidar una cita que ha ido creciendo edición tras edición hasta convertirse en uno de los principales acontecimientos musicales de La Gineta y su entorno.

Durante la presentación también se ha puesto de relieve la oferta hostelera y gastronómica de La Gineta como complemento a la celebración del festival. En este sentido, Ruiz Santos ha felicitado al restaurante Los Chopos, establecimiento de la localidad que recientemente ha recibido el distintivo Travellers' Choice 2026 de TripAdvisor, un reconocimiento que se suma a los atractivos turísticos y gastronómicos de La Gineta.