El cantante canadiense Justin Bieber se sumará a Shakira, Madonna y el grupo de K-Pop BTS en el espectáculo de medio tiempo de la final del Mundial de fútbol 2026, que se celebrará el próximo 19 de julio en el estadio MetLife de Nueva Jersey.

En el show, que durará once minutos a imitación del que la Super Bowl celebra tradicionalmente en sus intermedios, contará igualmente con Gustavo Dudamel, Burna Boy, el coro PS22 y Coldplay, según informaron este miércoles en un comunicado la FIFA y la plataforma Global Citizen. La incorporación de este espectáculo de medio tiempo hará que el descanso de la final dure más de los 15 minutos reglamentarios.

El espectáculo de la final del Mundial apoyará el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a una educación de calidad y al fútbol para niños en todo el mundo. Un dólar de cada entrada vendida para los partidos del Mundial irá destinado a este fondo, que ya ha recaudado más de 50 millones de dólares.

Apoyo al acceso a la educación para los niños

“El Mundial de la FIFA une al mundo como nada más puede hacerlo. Estoy agradecido de formar parte de este ‘show’, aun más sabiendo que ya está ayudando a ampliar el acceso a la educación para los niños”, apuntó Bieber en la nota.

Por su parte, el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, subrayó que “no hay nada más importante que la educación”: “Estamos orgullosos de que Justin Bieber se una a Madonna, Shakira y el grupo surcoreano BTS para encabezar este espectáculo en apoyo del fondo educativo”.

El show inlcuirá a los personajes de Barrio Sésamo, entre ellos Kermit y Miss Piggy del show de los Muppets, “reforzando el enfoque educativo del evento”, destacaron la FIFA y Global Citizen.

La del Bilbao BBK Live, a mediados de julio, es una cita ineludible en el calendario del rock. Kobetamendi, desde donde se puede otear toda la capital vizcaína, se convierte durante unas jornadas en el epicentro de un género de música muy variado, con sonidos que abarcan un espectro tan amplio en el que caben desde subgéneros como el hard-rock hasta el post-punk, pasando por el dark wave y el indie. En algunas ediciones, ha llegado a superar la barrera de los 100.000 asistentes. A lo largo de los años, el festival internacional, que este 2026 cumple dos décadas, ha dejado un reguero de artistas de renombre, entre los que se cuentan Guns N' Roses, Metallica, The Police, Coldplay, Radiohead, Green Day, Muse, Depeche Mode y Kylie Minogue.

En una entrevista con este periódico, Yurdana Burgoa, la directora general de Last Tour, la promotora del festival, reflexionaba sobre el equilibrio de género, a la vista de que los grupos y artistas masculinos han copado los carteles a lo largo de las dos décadas. “Es un reto para la sociedad, porque en esta industria pasa exactamente lo mismo que en todas las industrias y que en todos los sectores económicos”, argumentaba. Para hacer frente a la disparidad, señalaba, el festival se ha integrado en un programa con la organización Más Músicas, que promueve el talento musical de las mujeres.

Reflexionando sobre el recorrido del festival, Burgoa se negaba a usar el prefijo “macro” para definir el BBK Live, que ha recibido también críticas de precariedad laboral. “Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfruntado de la experiencia. No es un macrofestival en el que estamos todos apiñados”, describía. “Este festival al final es el único festival que se desarrolla en una montaña y eso le da un plus muy importante para la gente que viene porque al final la experiencia no es solo la música, sino vivir la música en el entorno que es Kobetamendi”, decía sobre el entorno.

Sigue a continuación una lista con 18 cabezas de cartel —y una edición diferente, con mascarillas entre el público por la pandemia de COVID-19— que representa la variedad que ha caracterizado al festival. Se quedan fuera de esta recopilación otras grandes estrellas que también han pasado por Bilbao en estos veinte años de festival, como R.E.M., Red Hot Chili Peppers, Keane, Iron Maiden... Mientras tanto, la edición de este año 2026, que comienza el jueves e irá hasta el sábado, tendrá como cabezas de cartel a Calvin Harris, Robbie Williams y Dellafuente. Otros grandes nombres de los que se podrá disfrutar en Kobetamendi durante estos días son David Byrne, fundador de Talking Heads, Lily Allen y Belle and Sebastian.

En 1991, en plena explosión del grunge, el mismo año en que Nirvana lanzaba ‘Nevermind’, tres jóvenes afincados en Los Angeles con aspiraciones artísticas decidieron encerrarse en un garaje, colgarse los instrumentos y hacer ruido. La historia de Dogstar podría confundirse con la de cientos de bandas nacidas al calor de esa nueva subcultura musical y juvenil que abrazaba las guitarras distorsionadas, una estética descuidada y unas letras cargadas de melancolía y desencanto social. Sin embargo, había algo extramusical que diferenciaba a aquella banda del resto. En sus filas, uno de sus miembros estaba destinado a triunfar lejos de los focos del rock alternativo.

Keanu Reeves, bajista de la banda, ya apuntaba maneras en la gran pantalla. Ese mismo año el actor nacido en Líbano y criado en Canadá protagonizó la película de acción ‘Point Break’ (aquí traducida como ‘Le llaman Bodhi’), dirigida por Kathryn Bigelow, en la que encarna a un agente novato del FBI infiltrado en una banda de surfistas, y un drama sobre dos gays que ejercen la prostitución callejera titulado ‘My Own Private Idaho’, de Gus Van Sant, junto al malogrado River Phoenix.

Según la versión más extendida, Reeves y el futuro batería de su banda se conocieron en un supermercado ese mismo año. Robert Mailhouse también era actor, principalmente de televisión. Ya había dado el salto a la pequeña pantalla con un papel en una de las series más populares del momento, ‘Days of Our Lives’. Su rostro era familiar para millones de estadounidenses, pero no tanto como el de Reeves, un ídolo juvenil para la llamada generación X cuya trayectoria cinematográfica apenas estaba despegando. Estaban por llegar papeles como el de Jonathan Harker en ‘Drácula, de Bram Stoker’; Neo en la taquillera ‘Matrix’ o, más recientemente, John Wick en la entretenida saga de acción y mamporros del mismo nombre.

La banda que completa el cantante y guitarra Brett Domrose permaneció siempre a la sombra del icono cultural en el que se ha convertido Keanu Reeves, protagonista de incontables memes (¿recuerdan ‘Sad Keanu’?) y, sobre todo, una de las estrellas de cine en activo más carismáticas y queridas.

El propio actor ha expresado en algunas entrevistas que nunca se tomaron demasiado en serio la banda, que si no triunfaron en la música fue porque, sencillamente, no son buenos. Sea como sea, estamos hablando de Dogstar porque siguen en activo —se reunieron en 2023, después de un largo parón de más de 20 años— y han salido de gira por el mundo para presentar un muy meritorio cuarto elepé, ‘All In Now’, publicado a través de su propio sello discográfico, Dillon Street Records.

Entradas agotadas

Desconozco cómo está funcionando la gira, pero en Barcelona colgaron el cartel de ‘no hay entradas’ en una sala con capacidad para más de un millar de personas. Una hora antes del concierto, la Paral·lel 62 ya estaba medio llena. Encontrar un hueco a menos de treinta metros del escenario era misión imposible. La expectación por ver al bajista era máxima. ¿Habían ido para ver a su actor favorito interpretando a rockero o realmente admiraban a Dogstar? En el ambiente flotaba una excitación mitómana que estalló en cuanto el trío apareció sobre el escenario y empezó a sonar el punteo bañado en eco de ‘Siren’, uno de los cortes de su último disco.

Que buena parte de los presentes había comprado la entrada por el popular actor quedó claro desde el primer momento. Un mar de móviles en vertical emergió del público para seguir cada movimiento del bajista. Todos querían llevarse un pedazo de Keanu a casa, aunque fuera en forma de vídeo pixelado. Su primera y última visita a la capital catalana había sido en junio de 2024, formando parte del cartel del Primavera Sound. Verlos ahora en una sala como la antigua Barts era otra historia.

El mérito de Domrose

Reeves desprendía carisma en cada golpe de cuerda. Sin alardes y con mucha actitud, sudó la camiseta y saludó varias veces a un público que celebraba cualquier gesto, por pequeño que fuera, del protagonista de ‘Speed’ y ‘Matrix’. Sus compañeros, especialmente Domrose, fueron mucho más que actores secundarios en esta función. El cantante y guitarra, inevitablemente a la sombra del ídolo, sostuvo el peso del concierto con mucha profesionalidad y naturalidad, bordando un repertorio de AOR (Adult Oriented Rock) musculoso y melancólico a partes iguales deudor de bandas como U2, Echo & The Bunnymen y Simple Minds.

Con sobriedad y, sobre todo, solidez estos tres amigos de mediana edad interpretaron en su totalidad ‘All In Now’, un disco notable con canciones certeras como ‘Joy’, ‘Wing’, ‘Shards of Rain’, ‘What Is’ y ‘Exale’. Para el bis reservaron la pegada noventera de ‘Punch the Sky’, con ecos a Pearl Jam; un medio tiempo efectista como ‘Shallow Easy’; y la potente ‘Breach’, perteneciente a su anterior disco, ‘Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees’ (2023). Próxima parada: el Mad Cool de Madrid, donde este miércoles compartirán cartel con Foo Fighters, Wolf Alice y The War on Drugs.

Nunca sabremos realmente qué habría sido de Dogstar sin Keanu. En cambio, sí parece evidente que Keanu necesita a Dogstar: girar por todo el mundo con dos viejos amigos y sentir la energía del público desde el escenario. Tocar el bajo en una banda de rock es, probablemente, su papel favorito.

La artista barcelonesa Lia Kali actuará este viernes 10 de julio en la Plaza de Toros de Toledo y el horario del concierto se verá modificado, comenzando a continuación de la finalización del partido de España, una vez se haya realizado el desalojo del recinto y las labores de limpieza necesarias para garantizar el correcto desarrollo del evento.

El partido España-Bélgica comenzará a las 21 horas y no terminará hasta que uno de los dos equipos sea eliminado de la convocatoria, con prórroga o sin ella. Después, comenzará el concierto previsto de la artista catalana.

El concierto forma parte de la gira 2025/2026 de la cantante, tras dos años de giras internacionales y el éxito de su álbum 'Contra todo pronóstico'.

El acceso al concierto seguirá el mismo procedimiento de siempre

Desde la organización, se informa de que el acceso al concierto se realizará con normalidad y que todos los asistentes deberán hacer la cola de entrada correspondiente, siguiendo el procedimiento habitual.

SYS Producciones, agradece “la comprensión y colaboración del público” y subraya que se está trabajando para que ambos eventos se desarrollen con todas las garantías y para que los asistentes puedan disfrutar de la mejor experiencia posible.

La actuación de Lia Kali se enmarca en el ciclo Toledo en Concierto 2026, organizado por el Ayuntamiento de Toledo y SYS Producciones, que cuenta con una capacidad aproximada para unas 6.000 personas y ha incluido nombres como Viva Suecia, Álex Ubago, Ana Torroja, Sergio Dalma, Rosario, Vanesa Martín, Fernandocosta, Celtas Cortos y JC Reyes, entre otros.

Logroño volverá a convertirse este verano en uno de los epicentros musicales del país con la llegada de ‘LOS40 Summer Live 2026’, la gira musical gratuita más multitudinaria de España. La cita tendrá lugar el próximo jueves 30 de julio, a partir de las 22:00 horas, en la Plaza del Ayuntamiento, donde miles de personas podrán disfrutar de una noche de música en directo con algunos de los artistas más destacados del panorama nacional.

La concejala de Festejos, Laura Rivas, acompañada por el director de LOS40 Rioja, Alberto Aparicio, y el artista local Ayvan Romero, ha presentado esta mañana un evento que, por tercer año consecutivo, hará parada en Logroño.

Durante la presentación, Rivas ha destacado que “es un lujo que, por tercer año consecutivo, Logroño vuelva a formar parte de una de las giras musicales más importantes del verano, siendo una de las 22 ciudades españolas que acogerán este gran espectáculo. Se trata de una cita plenamente consolidada que en las dos ediciones anteriores reunió en nuestra ciudad a cerca de 22.000 y 30.000 personas, respectivamente, y que vuelve a situar a Logroño dentro del circuito nacional de los grandes conciertos estivales”.

La edil de Festejos ha añadido que “LOS40 Summer Live se ha convertido en una de las grandes citas del verano en nuestra ciudad. Volvemos a ofrecer un evento gratuito y de primer nivel que dinamiza la actividad cultural de nuestra ciudad y en el que participan miles de logroñeses y logroñesas, pero también visitantes que no quieren perderse la oportunidad de disfrutar de estos grandes artistas”.

Por su parte, el director de LOS40 Rioja, Alberto Aparicio, ha comenzado su intervención agradeciendo al Ayuntamiento de Logroño su apoyo, que ha hecho posible que La Rioja sea una de las 13 comunidades autónomas que van a acoger una nueva edición de LOS40 Summer Live.

Asimismo, ha destacado que “entre todos hemos conseguido un gran cartel que combina artistas consagrados, ya convertidos en números uno de LOS40, con jóvenes promesas que afrontan esta oportunidad con una enorme ilusión, como el riojano Ayvan Romero”. En este sentido, ha subrayado que “desde LOS40 Rioja, de la mano del Ayuntamiento de Logroño, apostamos por apoyar e impulsar el talento local”.

Por último, Aparicio ha concluido señalando que «además del espectáculo en sí y de la posibilidad de disfrutar en directo de algunos de los artistas más destacados del panorama musical, LOS40 Summer Live supone también una excelente oportunidad para promocionar la ciudad, ya que el impacto mediático del evento es de ámbito nacional y refuerza la imagen de Logroño como destino cultural y musical“.

Un cartel con algunos de los artistas más destacados del momento

El cartel de esta edición combina artistas plenamente consolidados con algunas de las voces emergentes con mayor proyección del panorama nacional. Encabezando la cita estarán DePol, uno de los artistas pop más destacados de los últimos años; Bombai, referente del pop más optimista y festivo; Ruslana, una de las revelaciones surgidas de Operación Triunfo; Samuraï, una de las propuestas más personales del pop-rock español; Chema Rivas, habitual de las bandas sonoras del verano; Pikete, una de las nuevas figuras de la música urbana; Lola Tuduri, que continúa consolidando su crecimiento artístico; y Michael Foster, una de las grandes apuestas del pop nacional.

Además, el concierto contará con la participación del artista afincado en Logroño Ayvan Romero, una apuesta por el talento local que ya ha formado parte de festivales impulsados por el Ayuntamiento, a través de la Gota de Leche, como ‘Barrullo Fest’, ‘Parrilla’ o incluso ‘Desenchufados’ que se va a celebrar este mismo mes.

En este sentido, Laura Rivas ha señalado que “queremos seguir dando visibilidad al talento local. Ayvan Romero representa esa nueva generación de artistas vinculados a Logroño que merecen contar con un escaparate de este nivel”.

Al frente del espectáculo estará, un año más, David Álvarez, una de las voces más reconocidas de LOS40, que ejercerá como maestro de ceremonias y pondrá ritmo a la noche desde la cabina de DJ antes, durante y después de las actuaciones.

Una gira que recorrerá 22 ciudades

LOS40 Summer Live recorrerá España entre el 9 de julio y el 7 de agosto con un escenario móvil que visitará 22 municipios, llevando la mejor música pop de forma totalmente gratuita y consolidándose como uno de los mayores despliegues musicales del verano.

Además de la música, la gira volverá a impulsar la iniciativa El Eco de LOS40, con la que la cadena promueve hábitos responsables y acciones de sensibilización medioambiental entre el público asistente.

La edición de 2026 cuenta también con el respaldo de importantes patrocinadores nacionales, entre los que destaca la empresa riojana Tortilla Palacios, que acompañará a la gira durante todo su recorrido por España.

La concejala de Juventud, Laura Lázaro, ha presentado hoy una nueva edición de ‘Desenchufados’, el ciclo de conciertos organizado por La Gota de Leche que regresa este verano con seis actuaciones gratuitas los días 9, 16 y 23 de julio en la Plaza Diversidad.

Durante la presentación, Lázaro ha destacado que “Desenchufados es una muestra más del compromiso del Ayuntamiento de Logroño con el talento joven y con el acceso a la música en directo a todos los ciudadanos”. La edil de Juventud ha añadido que “un año más apostamos por un formato que favorece la visibilidad de artistas emergentes y promueve el encuentro entre diferentes generaciones en torno a la música”.

Cada una de las jornadas comenzará a las 19:30 horas con la actuación de un joven solista o grupo local como telonero, mientras que a las 20:30 horas será el turno del artista principal, con una trayectoria ya consolidada y, en muchos casos, vinculado a La Rioja. Los conciertos finalizarán a las 21:30 horas.

Programación de ‘Desenchufados’ 2026

Jueves, 9 de julio

19:30 horas | LeJaynd

Joven artista riojano que debuta en el escenario de ‘Desenchufados’ con un repertorio que combina composiciones propias y versiones. Será su primera actuación fuera del entorno del instituto y de su círculo más cercano.

20:30 horas | The Supreme

Formación integrada por siete jóvenes músicos procedentes de la cantera de la Escuela de Música Piccolo y Saxo, dirigida por el violinista y compositor Andrés Díez. Su propuesta combina soul, funk y una cuidada selección de temas propios y versiones de grandes éxitos, en un directo lleno de energía y buen ambiente.

Jueves, 16 de julio

19:30 horas | Ayvan Romero

Con el corazón dividido entre su Sevilla natal y Logroño, ciudad en la que desarrolla su carrera musical, Ayvan Romero crea un puente emocional y sonoro que da forma a un repertorio íntimo, profundo y cargado de identidad.

20:30 horas | Proud Owners of Nothing

Proud Owners of Nothing propone un recorrido personal por clásicos y canciones menos conocidas, reinterpretadas desde una perspectiva propia. Su repertorio viaja del tango al jazz y de Sting a Eric Satie, ofreciendo versiones sorprendentes y nuevos descubrimientos musicales.

La formación está integrada por Miguel (voz y pequeña percusión), Juan (guitarra y coros) y Manuel (contrabajo).

Jueves, 23 de julio

19:30 horas | Los Bokeles

Los Bokeles nacen de la amistad y de la pasión compartida por la música. Sus integrantes se conocieron mientras estudiaban Trabajo Social y comenzaron a reunirse para tocar durante los descansos de clase. De aquellas sesiones surgió este proyecto, que ahora presentan sobre el escenario de ‘Desenchufados’.

20:30 horas | Whitecartes

Impulsados por el sonido del funk contemporáneo, Whitecartes llega con una propuesta que combina funk, R&B y soul a través de composiciones originales. La banda busca trasladar al público la esencia y el ritmo característicos de estos géneros, aportando una personalidad propia que les ha permitido abrirse camino en la escena musical vasca y riojana.

En Madrid los planes nunca se acaban. Por eso, en Hoy Se Sale, tu agenda de ocio y cultura en la ciudad, te traemos como cada siete días las propuestas destacadas que ofrece la capital desde el jueves.

Puedes consultar los planes más sugerentes de Madrid estos días en el siguiente listado, por jornadas, o pinchando en las fotos que se muestran a continuación.

Entre el adiós de Love of Lesbians, que se despedía en Aragón de los escenarios, al ímpetu arrollador de Ultraligera, el PolifoniK Sound de Barbastro ha renovado su esencia de festival que combina una acertada elección de grupos emergentes –como muestra destacada, El diablo de Shanghai– con grupos consolidados en el panorama nacional. Todo ello, desde un atractivo enclave que ha vuelto a reunir a miles de personas sin renegar de su perfil de certamen tranquilo.

La primera jornada, el viernes, arrancó en el escenario Laus con Error 97 y su rabia juvenil en forma de ritmos de alto voltaje. Tras ellos, la mencionada banda barcelonesa siguió elevando la temperatura con el punk descarado y poético de su nuevo y segundo disco 'Testamento', mientras que The Slates mantuvo el nivel del escenario más emergente con su indie-rock de influencias clásicas.

A continuación, Delafé y Las Flores Azules estrenó el escenario principal Estrella Damm volviendo a PolifoniK para presentar su disco de reencuentro 'AMOR' –todo un viaje sonoro y emocional–, y sus grandes éxitos como 'La primavera' o 'Enero en la playa'.

La jornada acabó con uno de los conciertos más esperados del festival: el de Love of Lesbian, que eligió Barbastro como el único festival de Aragón antes de despedirse de los escenarios de forma indefinida. La banda llevó al escenario su último disco, 'Ejército de salvación', junto con un recorrido por las canciones más especiales de su carrera.

El sábado llegó la segunda jornada, en la que volvió a reinar el buen ambiente y la asistencia de numeroso público tanto en el PolifoniK de día en el centro de la ciudad como en el recinto ferial de Barbastro.

La programación comenzó a media mañana en el escenario 'Barbastro, Ciudad del vino' del paseo del Coso, en el que hasta la tarde se fueron sucediendo las actuaciones de las bandas Arrecí0, Muñeca Rusa, Lady Banana, Hostia Pedagógica y de los Djs The Cigarettes, Second Djs y Fantasmas amarillos. A pesar del calor presente en el escenario, esta cita gratuita y abierta a todo el público sin necesidad de abono ya se ha convertido en un clásico del festival y una de las fiestas más memorables para los polifónikos.

De vuelta al recinto ferial, el primer concierto del escenario LAUS fue el del grupo valenciano de pop-rock Volavent, que presentó su disco 'Caída libre', seguido de la segunda incorporación internacional del festival de este año, Eighty Eight Miles. Los británicos destacaron por una propuesta que mezcla el folk-rock de los años 70 con la frescura del indie contemporáneo.

A continuación, llegó el gran momento de los zaragozanos Modelo, por primera vez en el escenario principal de PolifoniK Sound tras haber pasado por otros espacios como el del paseo del Coso en ediciones anteriores del festival.

El plato fuerte, por supuesto, hacia el final: el huracán Ultraligera, uno de los grupos más esperados para los polifónikos y que desplegó su habitual arrolladora puesta en escena de rock alternativo. Junto a los madrileños, Los Invaders, Mujeres y los Djs penguinsandcat, JotaPop, Chelis y un clásico, el barbastrense Alex Curreya, que cerró el escenario principal.

Las dos jornadas –tres si sumamos la fiesta de bienvenida– en Barbastro han confirmado que, tras XVII ediciones, el PolifoniK Sound sigue en muy buena forma.

No ha pasado ni un año desde que la cantante chilena Mon Laferte publicara su último disco, Femme Fatale, y de la necesidad de dar salida a las más de cincuenta canciones que escribió, acaba de publicar una segunda parte, Femme Fatale Vol. 2. El álbum arranca con el tema For Your Consideration, en el que critica que la culpa, el neoliberalismo, el capitalismo y el optimismo no le dejan descansar. También canta al amor, al paso del tiempo, al genocidio y hasta al bótox.

“Crear es mi manera de vivir, pero un día me di cuenta de que soy un producto, un negocio para mucha gente”, reflexiona la artista en su visita a Madrid para actuar en el Orgullo, sobre el que afirma que “no solo es la celebración del amor y la diversidad, también un recordatorio”, frente a la “ola de conservadurismo” que impera en el mundo.

Mon Laferte suma con este diez discos de estudio desde que en 2003 grabara su primero, La chica de Rojo, todavía como Montserrat Bustamante, antes de que modificara su nombre artístico. Más adelante serían éxitos como Tu Falta de Querer, Amárrame y Mi Buen Amor los temas que la consolidaron como una de las voces latinas más distintivas. Ganadora de cinco Latin Grammy, la chilena ha desarrollado su carrera también a través de la moda y la pintura.

¿Cómo combate ese no poder descansar por la culpa, el neoliberalismo y el optimismo?

Creo que todas y todos tenemos nuestros demonios y luchamos por ser personas dignas, y que la vida nos sea leve. Una de las temáticas que atraviesa mi vida y me quita el sueño es justo eso, el que trabajo demasiado. Un día en terapia con mi psicóloga hablamos de que creía que estaba confundiendo el ser admirada con ser querida, que es algo que menciono en la canción.

Y lo del capitalismo es que es muy fuerte. Me cuesta sentarme a ver una serie y no sentirme culpable porque no estoy haciendo nada productivo, y es algo que le pasa a todo el mundo. La canción la escribí justamente después de unos Grammy, y también es una sátira de lo que es la industria a la cual pertenezco.

También dice que no le gusta sentir que se convirtió en una mercancía, ¿siente que los artistas lo son?

Pienso que lo que hago es superhonesto, genuino. Hago música, he amado el arte toda la vida. Crear es la manera que tengo de comunicarme y vivir, pero de repente un día me di cuenta de que soy un producto, básicamente. Yo, mi personaje, Mon, mi música y todo mi universo es un negocio para mucha gente. Tengo que tomar las cosas buenas y las malas. Puedo darle trabajo a muchas personas, pero también es fuerte darte cuenta de eso.

¿Cómo lo interiorizó?

Justo para eso están para mí las canciones, desde muy pequeña. Me gusta hablar de Violeta Parra, que es una de mis artistas favoritas y ella siempre, a través de sus canciones, contaba su vida, como en El gavilán. Escribir canciones es para mí la forma de expresar, de contar, de procesar, de vivir. Ahora, soy un ser humano, estoy llena de contradicciones. Soy cero consecuente y coherente, pero así somos todas y todos.

En Hola Montserrat menciona el bótox y reflexiona sobre el hecho de ser joven; acaba diciéndose “debo aprender a quererme”. ¿Por qué parece que hay un momento en la vida en el que nos damos cuenta de que tenemos que querernos mejor?

Es muy fuerte porque he hablado con muchas amigas sobre esto, y siempre la conversación llega a “cuando yo era más joven me sentía mal” y ahora veo mis fotografías de aquella época y digo “era hermosa”, “superinteligente” y yo en ese momento no me amaba, no me quería. Con los años sí he ido queriéndome y aceptándome cada vez más, con todo lo que soy, pero siento que todavía a veces soy un poco dura conmigo misma. Y está bueno ponerlo en una canción y repetir que debo aprender a quererme sin condicionantes. Con todos mis errores, mis luces, mi oscuridad. Soy muy exigente.

La canción dice que “pienso en el bótox, en la música experimental, en mi madre, en la soledad de la gira mundial, tal vez esté mejor cuando no intente ser ni joven ni normal”. Y claro, es que todo el tiempo pienso sobre eso. Hay una sobreexposición hoy por redes sociales y una superexigencia de todo. De lo que dices, de que tienes que ser correcta, que si dices algo o no te vamos a funar, de si tienes o no arrugas. Si te pones o no te pones bótox. Que da igual, pero a la vez lo pienso todo el tiempo, ¿tendré que ponerme bótox?

Ahora, en especial las mujeres, se exige que tengan que hacer de todo encima del escenario.

Hace poco fue Coachella y Sabrina Carpenter dio un megaespectáculo, y luego Justin que es increíble y todo fue supersencillo, y te das cuenta de que el estándar para las mujeres está muy alto. En la imagen también. Es cierto que antes, y un poco ahora también, se tiene esta idea de que las mujeres tienen una fecha de caducidad en la música porque no se ven jovencitas, guapas de veinte años.

Ahí es donde muchas comienzan o comenzamos a querer estirar un poco más eso, y empieza el bótox. Y claro, no lo culpo. Es muy fuerte realmente. Vi un TikTok que decía “se puso bótox, es falsa. No se puso, uy se dejó, está vieja. Que trabaja y es mamá, pobrecito su hijo. Que no trabaja, oye se quedó en la casa”. No le puedes dar el gusto a nadie, siempre te van a criticar por algo.

¿Le preocupa que por el hecho de cumplir años, por ser mujer, pueda quedarse sin hueco en la industria?

No, honestamente nunca me ha hecho ruido. Tengo ya 43 años, tampoco soy una jovencita, soy una mujer. Pero no me preocupa. Siento que también lo mío ha ido por la música. Mi personaje es superteatral. Nunca he intentado estar buena. Sé que no soy supercurvilínea ni nada por el estilo. Sí me siento guapa pero mi carrera no está tampoco ahí, entonces puedo jugar mucho con mi personaje. En mi próximo álbum puedo ser quién sabe qué cosa.

En Por la gracia de Dios comenta que con la excusa de “por la gracia de Dios”, se han cometido atrocidades. ¿Cuánto daño ha hecho esta impunidad? Menciona en una lista criptomoneda, aborto, cárceles, genocidio y un largo etcétera.

Yo amo escribir y escribo muchas cosas en mi teléfono. Y un día pensé en hacer un inventario del mundo por el placer de hacerlo. De pronto me di cuenta de que tenía potencial de canción. En un avión tuve una revelación en cuanto a que al mismo tiempo están pasando todas estas cosas a la vez. No eres consciente de que yo estoy aquí hablando de mi música y en otra parte del mundo hay un genocidio, y en otro lugar está naciendo un bebé.

Me gusta dejarlo como este inventario, como una fotografía del tiempo presente. La otra vez meditaba con una amiga sobre cómo dejamos que sucediera en la humanidad lo que pasó en la II Guerra Mundial, ¿qué pasó en el mundo? Y siento que hoy estamos un poco en lo mismo y dejamos que suceda. Es como una fotografía del presente.

En 2019 acudió a los Grammy mostrando sus pechos con el mensaje “en Chile torturan, violan y matan”, y llevaba un pañuelo verde en el cuello. ¿Ha cambiado mucho la situación desde entonces? ¿Volvería a hacerlo?

No sé si lo volvería a hacer porque en ese momento estaba muerta de miedo. No fue algo fácil. Lo ves con distancia y dices “bueno, mostró las tetas”, pero estar ahí fue fuerte. Lo hice por lo que sucedía en ese momento en mi país, en Chile. Iba con el pañuelo verde pero siento que en algún momento se desvirtuó un poco el tema del feminismo. Se le hizo mucha mala fama también. Hoy decir feminismo como que causa un poco de roncha, de alergia. Todos dicen “uy, no, es feminista”, y le huyen. Y creo que es importante recordarnos que el feminismo es buscar la igualdad y es importante seguir mencionándolo. Yo amo a los hombres, jamás quiero ponerles el pie encima, no, yo les quiero besar. Solo quiero que tengamos las mismas oportunidades todos. Les conviene a ellos también.

En No le regales tu corazón incluye directamente en la letra los votos de su boda, deja mucho de sí misma en sus canciones.

Es una carta de amor, literalmente una declaración. Se la escribí a mi pareja actual, al padre de mi hijo. Su padre se suicidó cuando él tenía tres años. Él se deprimió hace un tiempo y yo tenía mucho miedo de que él repitiera la historia. Nuestro hijo estaba cerca de los tres años también. Por eso en la canción le digo “tú no eres como él” y lo repito una y otra vez. Cuando la escribí se la mostré en una madrugada y lloramos juntos. Afortunadamente, él ahora está bien, está tranquilo. Es una carta de amor. Poner al final los votos de la boda es recordarle que aquí estoy para él y recordarme a mí también que tengo la capacidad de amar.

Vídeo completo de la entrevista

Contempopránea regresa a sus orígenes para celebrar sus 30 años con una fiesta pequeña en Alburquerque (Badajoz), justo donde empezó todo, y lo hace con la vuelta de Nosoträsh a los escenarios. El que es uno de los festivales de música independiente y pop más veteranos de España organizará un evento llamado CPOP los próximos 21 y 22 de agosto para celebrar su aniversario, que no ha querido perderse una de las bandas que lideró en la escena indie en los años 90 y que fue pionera del Xixón Sound.

El evento, fuera del marco de la edición del festival de este año, tendrá lugar en el Paseo de las Laderas, que se prepara para acoger un pequeño concierto único y exclusivo de la banda. Es el lugar donde el grupo actuó por última vez en el festival en su edición de 2015, e interpretará entre cuatro y cinco canciones, pero no será un regreso al uso o el inicio de una gira. La organización ha destacado que “es una reunión puntual para celebrar los 30 años de un festival con el que siempre han compartido una historia y una forma de entender la música”.

Fundado en Gijón en 1993, Nosoträsh irrumpió con fuerza en la escena nacional tras ganar en 1995 el prestigioso concurso de maquetas de la revista Rockdelux, donde ya aparecía uno de sus primeros himnos, Voy a aterrizar. Su debut discográfico, Nadie hablará de... Nosoträsh (1998), fue reconocido como uno de los discos más importantes del pop independiente español y consolidó al grupo como uno de los nombres de referencia de su generación.

Su regreso a los escenarios supone la guinda del pastel para una fiesta que pretende mirar la música más allá del mainstream. Agustín Fuentes, director de Contempopránea, explica a elDiario.es que el propósito de la fiesta es “recuperar la esencia del festival”: “Vamos a volver a los orígenes y a celebrarlo de manera muy alternativa. Lo típico hubiese sido llevar a las bandas que están en todos los festivales, pero me apetecía más buscar el lado más esencial del indie de la actualidad, con pinceladas de bandas que ya no están y que significaron mucho para el festival”.

Asimismo, destaca que “CPOP 30 no es un festival más de los más de 1.200 festivales que existen en España”, puesto que “será una celebración íntima, con aforo reducido y un cartel acorde al espacio y a la población que lo acoge”. “Volvemos al formato que definió la identidad de Contempopránea en 1996. Una apuesta por la escala humana, por la cercanía y por un encuentro donde el patrimonio histórico y la música dialogan sin interferencias”, señala la organización.

Un festival que siempre buscó ser la alternativa

A la fiesta también se sumará Meteosat, una banda fundamental en la música española a finales de los años 90 porque impulsó la popularización del indie pop. El grupo rompió con la hegemonía de las bandas que cantaban en inglés y creó un estilo desenfadado que fusionaba el tecno-pop, la electrónica y el pop-punk. Pero el aniversario cuenta con más invitados, como Miguel Rivera (Maga), Julien Elsie, Apartamentos Acapulco y La Habitación Roja.

“Otra vez, 30 años después, tenemos que volver a hacer la alternativa, porque hace 30 años, cuando nosotros irrumpimos en la escena musical con ese tipo de bandas que no tenían visibilidad, ayudamos a darles exposición en un momento en el que ya existía el mainstream”, señala Agustín Fuentes a este periódico. Para la fiesta habrá camping y zona de autocaravanas gratis junto a la piscina del pueblo, y las entradas ya están a la venta.

Además, habrá descuento para quienes también vayan a la presente edición de Contempopránea Don Benito, puesto que esta fiesta no es la edición que el festival tiene preparada para este año. El festival como tal se celebrará los días 16 y 17 de octubre con artistas como La M.O.D.A., Nena Daconte, Carlos Ares, Sexy Zebras, Veintiuno, Barry B, Depedro, Elyella o Ultraligera, entre otros.

Un total de once municipios de Cantabria acogen este fin de semana las actuaciones del circuito cultural 'Territorio'. La programación promovida por la Consejería de Cultura arrancará este viernes con seis propuestas repartidas por la región. A las 18.00 horas, los jardines del Ayuntamiento de Gama, en Bárcena de Cicero, acogerán el espectáculo 'Moon Boom Magic' de Asier Moon. Una hora más tarde, a las 19.00 horas, la Plaza de la Rueda de Cieza recibirá a Mariu Torre con 'Orquestuca La Runfona'.

La jornada continuará a las 20.00 horas con tres citas simultáneas: Esfera presentará 'Lost in Covers' en La Granja de Polanco; Nach Viking ofrecerá su espectáculo 'Atardecer musical' en la Plaza de la Bodega de Cabezón de la Sal, y After Perdices llevará 'Cuentos desde abajo' al Parque de Sansis de Ajo, en Bareyo.

Los actos previstos para este viernes concluirán a las 21.00 horas en Colindres, donde Casapalma actuará en la Plaza de la Constitución.

El sábado 4 la programación comenzará con una actividad formativa en Reinosa. A las 12.00 horas, el Impluvium albergará el Taller DJ impartido por Gou Music. Posteriormente, a las 13.30 horas, la Plaza del Ayuntamiento de Ampuero será escenario de la actuación de 14 Cuerdas con su propuesta 'Jazz & Funky Band'.

Ya por la tarde, a las 20.30 horas, el Centro Cultural de San Miguel de Aguayo recibirá a Dani Peña con 'The Gypsis'. La jornada se cerrará en Noja, donde 14 Cuerdas volverá a interpretar 'Jazz & Funky Band' a las 22.00 horas en el Palacio del Marqués de Albaicín.

El circuito concluirá el domingo 5 con una propuesta teatral en Comillas. A las 21.00 horas, el Centro Cultural El Espolón acogerá la representación de 'Mamá', a cargo de La Machina Teatro.

El Atlético de Madrid ha anunciado un acuerdo con la promotora Live Nation España para albergar conciertos y eventos en directo en el estadio Metropolitano y otros espacios de la Ciudad del Deporte, durante los próximos diez años con opciones de prórroga.

La promotora para a ser socia estratégica prioritario de este entorno para la explotación musical y de entretenimiento del recinto, a cambio de ser “plaza preferente” para traer a Madrid “las giras y producciones de mayor relevancia internacional” de manera estable y continuada.

La relación del club con la promotora se ensancha, ya que Live Nation España es socio del club rojiblanco y de la empresa estadounidense Oak View Grupo (OVG) en Barsento, cuya sociedad construirá una arena de música cubierta con capacidad para más de 20.000 personas junto al Estadio Metropolitano, en suelos cedidos por el Ayuntamiento de Madrid.

El perímetro de la colaboración incluye tanto el interior del estadio como la Fan Zone exterior, así como el nuevo miniestadio de la Ciudad del Deporte, y contempla la incorporación futura de otros espacios del complejo deportivo.

El director general de Ingresos y Operaciones del Atlético de Madrid, Óscar Mayo, afirma que esta firma le “enorgullece e ilusiona” al club, al formar parte de “un gran proyecto junto al mayor promotor del mundo”, para “ayudar a que Madrid siga posicionándose como un destino cultural de referencia, generando un impacto positivo” para la ciudad y del distrito.

Otra de las novedades de esta alianza es que las entradas a estos eventos musicales también se podrán comprar en la página web del estadio Riyadh Air Metropolitano con las mismas condiciones que el resto de canales oficiales.

JUEVES 2 DE JULIO

Concierto - Actuación de fin de curso de la Asociación Caleidos

Teatro Unión Tejina - 19:30 H

Diferentes alumnos y alumnas de los talleres de técnica vocal y canto de la Asociación Artístico-musical Caleidos harán una demostración de canto con amplio repertorio de estilos musicales.

Concierto - Olga Cerpa y Mestisay La costa de los cantares

Teatro Leal - 20:30 H

Olga Cerpa y Mestisay presentan su más reciente trabajo discográfico: La costa de los cantares. Este álbum marca el fin de un silencio de cuatro años en el estudio y representa uno de los proyectos más ambiciosos y antropológicos de su dilatada carrera.

El disco nace de una profunda reflexión sobre la identidad geográfica y humana de las Islas Canarias. Musicalmente, este nuevo álbum es una explosión cromática, que en directo promete ser una experiencia sensorial única que trasladará al público a orillas del Atlántico.

JUEVES 2 DE JULIO

Humor - Omayra Cazorla Disparate

Teatro Leal - 18:00 H y 21:00 H

El show rompe las normas sociales llevando situaciones cotidianas y temas tabú al límite y utilizando la exageración, la ironía y el absurdo como herramientas principales para hacer reír a la audiencia.

VIERNES 3 DE JULIO

Concierto - Música al fresco

Salón de actos del Instituto de Estudios Canarios Casa de Ossuna - 18:45 H

Este ciclo de conciertos de cámara ofrece actuaciones musicales en un ambiente íntimo. Para la ocasión contarán con Coro de Cámara Eunoia acompañado por Saúl González al piano

Concierto - Sara Ibala, Kali Ninmah y Lily Galiano desde 7.70

Teatro Leal - 20:00 H

Las artistas canarias Kali Ninmah, Sara Ibala y Lily Galiano invitan al público a adentrarse en un universo íntimo, dulce, amargo e hipnótico donde la música urbana y la tradición se entrelazan para acercar a la audiencia a sus recuerdos y sus formas de mirar el mundo.

SÁBADO 4 DE JULIO

Actividades familiares - Cultura en juego Piratas

Guamasa - 10:00 H

Puente entre tres continentes, Canarias fue entre los siglos XVI y XIX un lugar propicio para piratas y corsarios. Esto marcó el desarrollo de muchas ciudades costeras y también la vida de algunos canarios que cambiaron sus oficios por el de la piratería. Esta actividad enmarcada en el ciclo Mi barrio es Cultura propone un recorrido por algunos de estos relatos.

SÁBADO 4 DE JULIO - DOMINGO 26 DE JULIO

Concierto - IV Festival de Música Internacional de Aguere

Convento de Santo Domingo, Teatro Leal, Casino de La Laguna, sede de la Agrupación Cultural San Sebastián de Tejina, iglesia del Santísimo Redentor (Las Chumberas) e iglesia de San Bartolomé (Tejina) - 19:00 H

Esta cuarta edición recorrerá distintos puntos de San Cristóbal de La Laguna fusionando la excelencia de grandes solistas de prestigio internacional con el impulso a jóvenes talentos. Además de la música en directo, el festival sirve como punto de encuentro formativo, incluyendo clases magistrales e instancias de concurso para estudiantes y profesionales.

SÁBADO 4 DE JULIO - DOMINGO 5 DE JULIO

Festival Internacional Canarias Jazz & Más

Plaza del Adelantado - 19:30 H

El Festival Internacional Canarias Jazz & Más celebra su 35.ª edición con una nueva parada en La Laguna los días 4 y 5 de julio. La plaza del Adelantado volverá a convertirse en un gran escenario al aire libre para acoger dos veladas dedicadas al jazz y a las músicas contemporáneas, con artistas de reconocido prestigio internacional. El viernes 4 actuarán Yellowjackets y Moisés P. Sánchez, mientras que el sábado 5 será el turno de Sylwester Ostrowski, Freddie Hendrix y Powafunk, en una cita imprescindible para los amantes de este género.

DOMINGO 5 DE JULIO

Taller - Composición de coplas

Teatro Unión Tejina- 11:00 H

El Teatro Unión Tejina acoge la última sesión del taller de composición de coplas impartido por José Félix Álvarez, una oportunidad para acercarse al proceso de creación de una de las expresiones más representativas de la música popular.

Festival - International Ocean Film Tour

Paraninfo de la Universidad de La Laguna- 18:00 H

Tras el éxito en las anteriores proyecciones a la isla, donde ha logrado colgar el cartel de lleno edición tras edición, el festival vuelve con una selección de producciones internacionales que invitan a la reflexión, y sobre todo a viajar por algunos de los rincones más fascinantes y los océanos más radicales del mundo. Historias reales, contadas en primera persona y sin actores, con el mar como escenario común para conectar aventura, emoción, superación personal y conciencia ambiental.

MIÉRCOLES 8 DE JULIO

Humor - Abubukaka Otto Stragman

Teatro Leal - 20:30 H

Con el clásico formato de sketches ágiles y sin filtros que caracteriza los espectáculos de Abubukaka, Otto Stragman presenta a cuatro actores que emplean la sátira y el humor absurdo para abordar temas la situación política actual, el postureo, las relaciones, el trabajo y la cultura.

JUEVES 9 DE JULIO

Humor - Noche de comedia de Cruz Roja

Teatro Leal - 20:00 H

Con motivo del Sorteo de Oro de Cruz Roja, David García del Castillo, Exhuberancia Carey, Jéssika Rojano y Gerson Ramos se suben al escenario para prenderle fuego al humor desde cuatro estilos muy distintos, pero con una misma promesa: que la noche no sea correcta, plana ni previsible.

El resultado será una velada viva, canalla y muy divertida, pensada para quienes no buscan una gala formal, sino una descarga de carcajadas con personalidad propia.

JUEVES 9 DE JULIO - LUNES 31 DE AGOSTO

Literatura - Zambúllete en los libros

Zambúllete en los Libros celebra una nueva edición con una programación gratuita que convierte distintos puntos de la costa de La Laguna en un espacio de encuentro entre la literatura, el ocio y la naturaleza. La iniciativa propone actividades para todos los públicos con el objetivo de fomentar el hábito lector durante el verano.

LUNES 15 DE JUNIO - VIERNES 3 DE JULIO

Exposición Luis Rodríguez Figueroa: 150 años de su nacimiento

Centro Ciudadano Valle Jiménez

Esta edición de Mi barrio es cultura cuenta con una exposición itinerante dedicada a la vida y obra del escritor y político Luis Rodríguez Figueroa.

MIÉRCOLES 1 DE JULIO - SÁBADO 4 DE JULIO

Concierto - Curso de perfeccionamiento instrumental

Sede de la Agrupación Cultural San Sebastián de Tejina - 19:00 H

Dentro de las actividades de celebración del centenario del teatro, la Agrupación Cultural San Sebastián de Tejina realiza el concierto de finalización del I curso de perfeccionamiento instrumental que se realiza del 1 al 4 de julio. Contarán con la participación de Adán Delgado, Javier Llopis, Eloisa González Francisco García y Orestes de Armas.

MIÉRCOLES 1 DE JULIO - MIÉRCOLES 8 DE JULIO

Festival - Festival Internacional de Cuerda Pulsada Ciudad de La Laguna (FICUP)

Casa Anchieta, Casa-Museo de Los Sabandeños, Teatro Leal, Fundación Cristino de Vera y Convento de Santo Domingo de Guzmán

El festival regresa con una programación que combina conciertos, clases magistrales, talleres, concursos y actividades formativas en torno a los instrumentos de cuerda pulsada, como la guitarra, el timple y la tiorba. La cita reúne a destacados intérpretes y docentes nacionales e internacionales, consolidándose como un espacio de encuentro para profesionales, estudiantes y público general, con el objetivo de difundir y poner en valor este patrimonio musical desde una perspectiva artística y pedagógica.

JUEVES 25 DE JUNIO - VIERNES 17 DE JULIO

Exposición - El mar como punto de encuentro

Convento de Santo Domingo

La exposición reúne más de cincuenta obras pictóricas creadas por alumnos de diez centros ciudadanos y asociaciones de mayores de San Cristóbal de La Laguna. La muestra es el resultado de los talleres de pintura organizados por la Concejalía de Cultura.

Hasta cuatro conciertos durante el mes de julio llenarán de música el Museo del Greco de Toledo para descubrir sonidos operísticos, instrumentos como la vihuela y la guitarra barroca o 'el tono humano'. Se trata de la quinta edición de 'Los veranos del Greco'.

Este ciclo musical comenzará con 'Semper Dowland, semper dolens' el jueves 2 de julio a las 20.30 horas.

La propuesta de Collegium Musicum Madrid para celebrar a John Dowland en el 400.º aniversario de su muerte es un espectáculo novedoso en que se narrará la apasionante vida del genial compositor británico, desde su compleja y depresiva personalidad, pasando por sus dificultades para obtener un puesto en la corte, debido entre otras razones a su origen católico, su faceta menos conocida como espía al servicio de la corte de Cristian IV de Dinamarca o sus viajes por Europa incluido el de Italia para estudiar con Luca Marenzio.

La parte musical también será interpretada de una manera novedosa, si bien las canciones de Dowland son bien conocidas hoy día, siempre se interpretan con voz solista y un laúd. “Para esta ocasión las interpretaremos como fueron concebidas, con cuarteto vocal (soprano, alto, tenor y bajo)”, explican desde la organización. Será interpretado el laúd por Manuel Minguillón, la parte vocal con la soprano Marion Chauvin y el tenor Víctor Sordo.

Sonidos renacentistas

Por otro lado, el jueves 9 de julio a las 20.30 horas tendrá lugar 'Iberia XVI', que sigue la estela de la vihuela, un instrumento emblemático del Renacimiento español ligado a la corte de Carlos V. Este concierto será llevado a cabo por el músico Eduardo Égüez.

El jueves 16 de julio, a las 20.30 horas, le llegará el turno a 'Una playlist para Doménikos', que rinde homenaje al pintor El Greco.

Este programa imagina, de algún modo, una posible playlist del propio Doménikos: músicas que pudo escuchar, o al menos reconocer, en sus viajes entre Italia y España, ecos sonoros del universo artístico y espiritual en que desarrolló su obra. La romanesca, presente en Ortiz, Quagliati o Marini, sirve aquí como hilo conductor entre improvisación, virtuosismo y fantasía.

Junto a la profundidad instrumental de Diego Ortiz o Bartolomé de Selma y Salaverde aparecen las nuevas formas del primer barroco italiano, llenas de contrastes y afectos, en Frescobaldi, Marini o Falconieri. Frente a ellas, las canciones de José Marín y Juan Hidalgo muestran cómo ese lenguaje terminó arraigando también en la España del Siglo de Oro, con una mezcla única de refinamiento, melancolía y cercanía popular.

Desde la organización del evento consideran que “como en los lienzos del Greco, esta música oscila constantemente entre lo terrenal y lo visionario: luces, sombras y pasiones suspendidas en el tiempo”. Estará interpretado por el tenor Ariel Hernández, Juan Carlos de Mulder a la guitarra barroca y el archilaúd, así como Alejandro Maris que tocará la viola da gamba.

El tono humano y la guitarra barroca

Por último, 'De amores y tesoros' cerrará este ciclo de conciertos el jueves 23 de julio a las 20.30 horas. Llevado a cabo por Armonica Stanza, aborda en este programa la música del barroco español del Siglo de Oro, tomando como representativo de la música vocal de esta época, su pieza por excelencia: el tono Humano.

El denominado tono humano del barroco español es cualquier pieza musical con un texto profano para una o varias voces, que se diferencia del tono divino en que éste presenta una letra de contenido religioso.

El tono humano, solía tener como tema principal el amor, generalmente no correspondido o caído en desgracia y estaba ilustrado con aires populares lo que le daba una frescura y un ritmo muy atractivo que hechizaba al público de entonces, así como al de ahora, dentro y fuera de España.

Será llevado a cabo por la soprano Mariví Blasco, Florent Marie que tocará la guitarra renacentista, la tiorba, la guitarra barroca y la vihuela; y el músico Álvaro Garrido que se encargará de la percusión.

Todos los conciertos, a pesar de su gratuidad, necesitan inscripción previa en el correo electrónico difusion.mgreco@cultura.gob.es

Llevas meses ahorrando, pagas los más de 150 euros que cuesta el abono de ese festival de verano al que tantas ganas tenías de ir y por fin sostienes la entrada en tu mano. El cartel promete a varios de tus artistas preferidos en un solo fin de semana y todo parece idílico. Sin embargo, unas semanas después, llega el jarrón de agua fría: la organización publica los horarios y las dos bandas por las que decidiste gastar el dinero tocan exactamente a la misma hora en dos escenarios situados en puntas opuestas del recinto. Se trata del temido solapamiento de conciertos, un drama frecuente en eventos de gran envergadura.

La música en directo ha pasado a encontrar su principal plataforma en los macrofestivales. Los más importantes de nuestro país llegan a incluir a más de 100 cantantes en su cartel, una cifra astronómica para únicamente tres o cuatro días de actuaciones que solo se logra llevar a cabo con la incorporación de varios escenarios, donde los intérpretes actúan a la vez. No obstante, hay quien lo considera incluso una “publicidad engañosa”. Entre ellos, Fran Checa, investigador de la Universidad de Almería, quien ha investigado el fenómeno de los festivales como reflejo de los nuevos paradigmas de ocio: “Te hacen la promesa de que podrás ver a tus 20 artistas favoritos y luego es imposible materializarla”.

“Es como si te vendiesen una entrada para un partido de fútbol en el que solo puedes ver una portería”, alega el experto a elDiario.es, declarando que un cartel de nombres infinitos supone que no exista la “posibilidad real” de que puedas disfrutar de todos ellos. Aun así, el comprador solo tendría derecho a reclamar la devolución del dinero en el caso de que el festival no hubiese informado de que ofrece shows simultáneos. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, advierte que “lo que ocurre es que, muy habitualmente, no te aclaran desde el principio quién va a actuar un día o quién va a actuar el siguiente”, siendo esta la clave del descontento.

De hecho, muchos festivales utilizan la táctica de poner a la venta las entradas sin anunciar a todos los artistas, empleando la supuesta baza de que quedan nombres fuertes por anunciar. “Crean hype y provocan que la gente compre con la expectativa de que puede que venga gente muy potente, pero igual no la acaba habiendo y se han gastado una pasta en una entrada”, dice Sánchez. “No han sido objeto de ningún fraude porque no les han dicho quiénes iban a ser los artistas, por lo que no están incumpliendo ninguna promesa, pero el consumidor tiene que poner pie en pared y frenar tomaduras de pelo de este tipo”, añade el principal responsable de Facua a este periódico.

El solapamiento en los conciertos se ha normalizado tanto que ha pasado a ser “parte de la experiencia”, como indica David Saavedra, periodista musical y escritor del libro Festivales de España (2022). Y no es reciente: ya en 1998, recuerda que le coincidieron la banda James y Sinead O'Connor en el Guinness Fleadh, que fue un importante festival de música irlandesa. “Ves el cartel con un mogollón de letras y te vuelves loco asimilando todo lo que hay. Es evidente que sabes que no lo vas a poder ver todo”, comenta. “Cuando iba al Primavera Sound, parte de la experiencia previa sucedía cuando se publicaban los horarios y alguien hacía un excel en el que se veía quién coincidía con quién”, afirma, reconociendo que ver los solapamientos que iba a haber ese año era casi como algo consustancial al festival.

Sin embargo, detalla que ese ritual era algo propio de los “frikis de la música”, que han pasado a ser una minoría en estos eventos. Ahora, los macrofestivales también triunfan por la experiencia que venden y no solo por los cantantes que componen su programación. No todo el público decide estar atento a los conciertos, ya que hay gente que se monta en las atracciones, se toma algún cóctel en las numerosas casetas del recinto u opta por disfrutar del ambiente. “Ha cambiado la mentalidad del público en ese sentido”, apunta Saavedra, pues hay quien “ya no se deprime tanto por el hecho de que coincidan dos de sus artistas favoritos”.

Un festival sin solapamientos

El problema se agrava porque la oferta de grandes artistas nacionales e internacionales se ha concentrado en estos eventos, por lo que los fans se ven obligados a asistir a los festivales para verlos y a compartir espacio con personas que no están realmente interesadas en muchas de las actuaciones, algo que antaño era lo fundamental de la cita. David Saavedra apunta que, en la actualidad, “a la mayoría de los grupos importantes solo los puedes ver en un festival”: “No vienen a España a tocar en salas o pabellones porque, desde hace muchos años, los festivales los contratan en exclusiva y la única opción es verlos allí”.

Aunque los solapamientos se han convertido en la base de los grandes festivales, lo cierto es que sí podría ser posible un evento de esta índole sin que haya diversas actuaciones a la vez. El quid del asunto reside en que no siempre existe interés comercial en llevarlo a cabo, ya que la burbuja de eventos obliga a las promotoras a competir mediante la acumulación masiva de artistas. En las dos primeras ediciones del Festival Internacional de Benicàssim (FIB), por ejemplo, no hubo coincidencias porque solo se montó un escenario. Por su parte, el Visor Fest, un festival de música de los años 80 y 90, está diseñado para quienes desean disfrutar sin solapamientos y sin correr de un escenario a otro.

Asimismo, hay otros modelos que demuestran que es perfectamente viable programar sin coincidencias con dos escenarios. Así lo ha hecho el Vodafone Paredes de Coura, en Portugal, desde su edición de 2024. El festival ha alternado el escenario principal y el secundario de manera que, cuando un concierto termina, el del otro escenario empieza de inmediato. Esto no solo permite al espectador ver todo el cartel sin perderse nada, sino que da a los técnicos el tiempo necesario para montar y probar los instrumentos de la siguiente banda mientras la otra está tocando.

En el caso de que sí se quieran utilizar más de dos escenarios, lo ideal sería que el festival mostrase la programación en el momento en que los abonos se ponen a la venta. Pese a que a nivel de producción sea difícil saber los nombres y fechas completas demasiado tiempo antes, David Saavedra valora que, “por contrato, es factible que se pueda saber con muchos meses de antelación la hora en la que va a tocar cada grupo”. No obstante, el experto alega que “probablemente se guarde el secreto para que no haya quejas y la gente no quiera devolver las entradas”.

Los nuevos “consumidores de bufé”

La masificación de los festivales ha transformado radicalmente el consumo cultural, haciendo que se asemeje al estilo de un bufé: estás 15 minutos en un concierto y corres al siguiente para no perderte nada. “Tener más posibilidades de elección genera la paradoja del consumidor de no saber si has elegido la mejor o la peor opción, ocasionando más estrés y ansiedad y quedando siempre insatisfecho”, cuenta Checa, que sostiene que esto se debe a la “factorización de la cultura”. “Habla muy mal de los tiempos en los que vivimos y de cómo consumimos cultura de forma voraz. Es como pasar de un reel a otro y otro. He visto a gente ir a un festival, grabar un vídeo e irse”, dice.

El público que huye de la masificación puede buscar refugio en el circuito de las salas de conciertos, que son las que realmente han sostenido a los artistas locales, pero estos recintos viven una situación de extrema debilidad económica. Saavedra explica que “las salas están en una situación de tal precariedad que no pueden competir con los festivales”, en tanto que “los costes de una gira de este tipo son tan grandes que van a salir perdiendo porque no dan los números”. Esto desencadena que los promotores tampoco se atrevan a llevar a sus cantantes de gira por salas, apostando en su lugar por los macrofestivales.

La verdadera salida, según comenta Fran Checa, está en la resistencia del público exigiendo “espacios más amables”. “La solución es intentar ser lo más sostenible posible y generar espacios verdaderamente respetuosos para todos: para los trabajadores, para los artistas y para nosotros como público”, afirma el experto, que recalca que se debe seguir apostando por “espacios en los que no prime la lógica capitalista y mercantilista”. Para él, “la esperanza es generar iniciativas interesantes que, aparte de cuidar el medio ambiente, cuiden también los espacios comunitarios y tengan transparencia económica”.

A punto de cumplir cinco décadas sobre los escenarios, Ana Torroja sigue demostrando que hay canciones capaces de atravesar generaciones. La artista madrileña recala el próximo 4 de julio en Toledo dentro de una gira de más de una veintena de conciertos con la que presenta un espectáculo completamente renovado, en el que conviven los himnos de Mecano con las canciones de su última etapa en solitario.

Tras varios años instalada en México, la cantante confiesa que volver a actuar en España tiene un significado especial. Habla de la emoción de regresar “a casa”, del cariño que recibe del público y de unos conciertos concebidos para que varias generaciones compartan un mismo repertorio. No es casualidad que entre los asistentes convivan quienes crecieron con Mecano y niños que descubren ahora unas canciones que parecen resistirse al paso del tiempo.

En esta conversación, Torroja también abre una ventana a su lado más personal. Recuerda el momento de crisis que inspiró su último disco, Se acabó el show, admite que llegó a plantearse abandonar la música y explica cómo la composición terminó convirtiéndose en una forma de reconciliarse consigo misma. También habla de su vida en México, de la presión que viven los artistas en la actualidad y de la necesidad de detenerse para no perder el equilibrio.

Con la cercanía que la caracteriza, Ana Torroja repasa además las pequeñas costumbres que la acompañan en cada gira, recomienda la música que escucha en sus viajes y reivindica el vínculo entre España y México, dos países que, asegura, seguirán siendo “hermanos” por encima de cualquier desencuentro político.

Pregunta: Hace unos días que has comenzado tu nueva gira en España, que incluye más de veinte conciertos. ¿Qué sensaciones has tenido en tus primeras actuaciones?

Respuesta: Pues la verdad es que, siempre que arrancas algo con un show nuevo, tienes los nervios del principio, pero la gente estuvo increíble, supercariñosa y entregadísima desde el segundo uno cantándoselo todo. Fue una energía muy bonita y me ha dejado un poco más tranquila, aunque realmente siempre me pongo nerviosa antes de empezar un show. Son “nervios alegres”, de emoción, de ilusión y también un poquitito de responsabilidad para que salga todo bien. En los conciertos la gente se deja llevar y eso se palpa desde arriba del escenario; necesitan ese momento de dejar la cabeza en blanco y solamente sentir y cantar.

Llevas unos años viviendo en México y ahora regresas para este verano. ¿Qué significa para ti sentirte en casa?

Echo mucho de menos estar aquí. Aunque México también es mi casa, cuando llego a España me da una emoción especial; es una sensación de respirar, suspirar y decir “ya estoy en casa”. El otro día en Caravaca, mi maquillador me decía que le había hecho llorar porque se notaba lo especial que era estar en casa y cómo la gente me quiere.

¿Qué lleva Ana Torroja en la maleta? He visto que te acompaña un peluche, Marbello.

Sí, Marbello vino en la gira pasada española; nos lo regalaron unos fans por la zona de Málaga o Marbella y por eso le llamamos así. Se viene en esta gira también, es nuestra mascota. También llevo una vaquita de goma que me regaló mi hija cuando tenía 4 años; esa sí que no puede faltar y me acompaña en todos los viajes. Este año he decidido llevarla yo en mi maleta y la tengo en la cama.

Viendo un vídeo de vuestro primer concierto de Mecano en Madrid, mi hija (de 5 años), me dijo que si estaba viendo 'Las guerreras K-pop'. ¿No se pasan de moda los 80?

Fíjate, al final nada está inventado, aunque es verdad que en los años 80 se crearon muchas cosas. Todo se vuelve a poner de moda; los años 80 nunca han pasado de moda y se van heredando de generación en generación. A mí siempre me han dicho que tengo una cara un poco “manga”, de dibujo, y quizá en eso se fijó tu hija. Me encanta porque mis conciertos son muy familiares: vienen niños, padres, abuelos... son para toda la familia. Cuando veo niños me convierto en madre de todos ellos.

¿Qué destacarías de la puesta en escena de esta gira?

Lo hemos renovado todo: he renovado la banda y el equipo, que son principalmente mexicanos porque vivo allí y allí ensayamos. Toda la parte escenográfica, visual y de luces está hecha por gente muy joven y talentosa. Me motiva mucho trabajar con la juventud porque tienen otra visión y aprendo mucho de ellos. Es un show muy actual y los arreglos los he traído al “hoy”. Me gusta mucho que las canciones de Mecano encajen a la perfección con mis canciones nuevas y mis clásicos; la gente las canta y las aplaude igual.

Cuentas que este nuevo disco, 'Se acabó el show', nació en un momento de crisis donde tenías dudas de continuar con la música. ¿Qué te hizo sentir que el espectáculo no había terminado

Sí, a veces hay que tocar fondo para impulsarse de nuevo hacia arriba y hay que cerrar capítulos para abrir otros. Esa falta de motivación y el sentir que estaba haciendo las cosas “por hacer” me generó dudas de si ya no había nada más. Pero la vida me deparó la sorpresa de escribir sobre eso que me machacaba la cabeza y fue como dar un empujón fuerte a una puerta atascada para que entre el aire. El disco lo podría haber llamado “Conversaciones conmigo misma”.

¿Cuál fue la primera canción que salió o la que te dio más impulso para embarcarte en este nuevo proyecto?

Te diría que “Se acabó el show” y “Cuánto me falta”, porque hablan de si tenía algo más que contar o si ya tenía que callarme. El papel es maravilloso para sacar las cosas de dentro cuando uno pasa mucho tiempo solo en esta profesión. El proceso con los diferentes autores fue casi como sesiones terapéuticas donde surgían cosas que necesitaba contar y cantar. Luego te das cuenta de que lo que te ocurre a ti no está lejos de lo que les ocurre a los demás.

Es curioso escuchar esto de una artista consagrada, especialmente viendo ahora la intensidad de las nuevas generaciones con éxitos tan fugaces en redes sociales.

Es una profesión muy exigente porque te debes al público. Cuando pensé en dejarlo, me dolía pensar que iba a dejar huérfana a mucha gente. Ahora la intensidad y la exigencia son tremendas; lo veo en gente joven como Aitana, Amaia o Lola Índigo, que a veces necesitan parar y reencontrarse consigo mismas para volver a coger energía, porque en esta entrega uno se vacía.

¿Qué escucha Ana Torroja en sus viajes?

Escucho un poco de todo dependiendo del momento. Me gusta Senra, Samuraï, Belén Aguilera -que es espectacular al piano- y nuestra Rosalía, que creo que está a otro nivel. También escucho a Catriel y Paco Amoroso. A veces me pongo a Maria Callas en el tren, música electrónica para el gimnasio, Olivia Dean, Harry Styles o mis clásicos de siempre: los Rolling Stones, Springsteen o Amy Winehouse.

Viviendo en México, ¿has descubierto alguna faceta de tu personalidad o algo que hayas rescatado allí?

He descubierto la generosidad en letras mayúsculas del mexicano; es una persona que te abre sus puertas sin pedir nada a cambio y te hace sentir en casa. Realmente soy la misma aquí y allá, pero en México la gente es muy respetuosa: a veces no te piden una foto, sino que te cuentan por qué eres importante en su vida o te piden un abrazo. He descubierto que me gusta mucho más el saludo con abrazo que los dos besos de rigor de España; los abrazos son muy regeneradores y bonitos.

¿Cómo ves la relación actual entre España y México ante los acontecimientos institucionales recientes como el encuentro entre el rey Felipe VI y la presidenta Claudia Sheinbaum, así como también la polémica visita de la presidenta de la Comunidad de Madrid y su alusión a Hernán Cortés?

Creo que son cosas puntuales que, gracias a Dios, no van a trascender tanto. Yo me siento en casa en México y muchos mexicanos vienen aquí a vivir porque también se sienten en casa. Somos dos países hermanos y así debería seguir siendo; no entiendo ese resquemor. Viviendo allí, te digo que para nada es algo general; al contrario, siempre reciben a los españoles con muchísimo cariño, respeto y agradecimiento.

Al final, el fundador de Rage Against The Machine (RATM) Tom Morello no pudo desenfundar su afilada guitarra antifascista en el BBK Music Legends y la superbanda Beat tuvo que emplearse a fondo con su rock progresivo (y más) de los trabajos de King Crimson de los años 80 para llenar un hueco que, por momentos, llegó a parecer un auténtico agujero negro. Y junto con las contundentes guitarras de los suecos Graveyard lograron sostener el cartel de este sábado entre el rock progresivo de la etapa ochentera de King Crimson y los trallazos de rock pesado de la banda comandada desde Suecia por Nilsson y Larocca-Ramm.

Esta crónica del segundo y último día del Music Legends, con Tom Morello al mando, bien podía haberse titulado: “Cuidado Trump, Morello acecha con su ejército de rebeldes”. Pero no ha podido ser. La razón es de todos conocida: el BBK Legends Bilbao entró en la UCI el jueves a partir de las 16:21 cuando la Organización del festival remitió a los periodistas acreditados una nota en la que se anunciaba que Morello, el cabeza de cartel más esperado de la X edición, se caía definitivamente del cartel. La razón: la nueva hospitalización de su madre. El propio guitarrista envió un mensaje con esta leyenda: “Mi querida madre, Mary Morello, ha vuelto a ser ingresada en el hospital y regreso a casa para ayudar a cuidarla”.

¿Y ahora qué? No había tiempo material para sustituir a un artista de ese nivel que, además, ofrecía en la capital vizcaína el único concierto español de su gira europea. Junto a los problemas añadidos por las decisiones sobre el reembolso solo parcial del dinero para las personas que habían adquirido un bono para los dos días -ya se han presentado quejas ante Kontsumobide por público del Legends que considera que “la política cicatera de devoluciones” para los que habían adquirido el bono no tiene un pase- la organización del festival encaraba un reto de difícil solución.

La respuesta fue que Beat ampliara su repertorio hasta las dos horas, un set-list en el que rememoran la etapa en la que Belew y Levin militaron en la banda de Robert Fripp cuando entraron en los estudios para grabar el Discipline (1981), Beat (al año siguiente) y Three Of A Perfect Pair (1984).

La nueva superbanda integrada por el guitarrista Adrian Belew (en formaciones como la de Talking Heads, Frank Zappa o David Bowie), el bajista Toni Levin (Peter Gabriel), el virtuoso del hacha Steve Vai y el baterista Danny Carey (Tool) ha tenido que echarse el festival a la espalda este sábado y sacar al Music Legends de la parada cardiorrespiratoria en la que había entrado el jueves, y con él todo el público que soñaba con la guitarra cuchilla andante de Morello.

Un respetable que sobre todo quería volver a saltar con un clásico como el Killing in the Name y gritar aquello de “Now you do what they told ya” (ahora haces lo que te dijeron), para pasar después al “Fuck you I don’t do what you told me” (Que te jodan, no haré lo que me dices) Motherfickerrrrrrrsssssss!, mientras los pogos se multiplicaban por todos los recintos musicales del mundo. El sueño se volatilizó. RATM no pudo tocar en España en 2022 -tras el accidente de su cantante, Zack de la Rocha- y finalmente Morello se dejó ver (con su hijo Roman) en el Madcool de hace dos años. Es como si el mal fario de Morello y compañía no hubiera terminado aún.

Beat desgranó este sábado 17 temas sobre el escenario presidido por la imagen de un Elefante gigante y regaló dos más -Red y Thela Hun Ginjeet- en los bises. En total, dos horas de música muy variada, con un descanso de unos 20 minutos. Beat cabalgó por la sinuosa propuesta del rock progresivo parido por el alma mater de la banda formada por Robert Fripp a finales de los años 60, King Crimson. Propuesta aderezada con toques de música étnica, ritmos desenfrenados y una potencia rítmica con un baterista como Danny Carey que brilló por derecho propio durante toda la noche y la sabiduría del bajista Toni Levin.

La verdad es que Steve Vai volvió a pasear su conocido virtuosismo a la guitarra, vestido para la ocasión con unos pantalones (primero grises y luego negros) no de pata ancha, sino anchísima. El segundo set fue literalmente colonizado por su especial forma de rasgar las seis cuerdas. A ratos virtuoso, a ratos teatrero con sus conocidas posturitas, Vai hizo magia con su instrumento. Junto a esa revolucionaria forma de expresarse con la guitarra, la voz de Adrian Belew -que conectó con el público desde que sonó el primer tema, Neurotica- llenó todo el Bilbao Arena de unos registros, a veces tan altos que, en ocasiones, sonaron un tanto estridentes. En el segundo bloque, Belew también se cambió de ropa y se puso un traje blanco coronado por un sombrero negro.

Durante dos horas, desgranaron clásicos del repertorio de los Crimson como Frame by Frame -aclamado por el público desde los primeros compases ya en el segundo bloque- y Elephant Talk -en este tema, se iluminaron los ojos del enorme paquidermo que presidía la parte de atrás del escenario-. En el primer set del concierto destacaron temas como Neal and Jack and Me o el más tranquilo Heartbeat.

A sus 76 años, Adrian Belew se presentó como lo que es, una leyenda digna del BBK Legends. Al final del concierto, agradeció a Robert Fripp su generosidad por permitir que de nuevo sonara su música de los 80 en los escenarios, aunque él no participa en este proyecto de superbanda en la que los egos no chocaron en ningún momento.

Rock pesado de Graveyard

Graveyard, la banda sueca de hard rock comandada por los guitarristas Joakim Nilsson y Jonatan Larocca-Ramm abrieron boca entre el personal con su particular manera de entender el contundente sonido de las hachas. La guitarra de Morello llama a la acción. A repartir armas en forma de canciones para los sintecho, los rebeldes y desheredados del mundo. Las de los Graveyard han sonado este sábado especialmente contundentes, pesadas, aunque sus letras estén más centradas en la existencia y la mortalidad o la inadaptación en las sociedades modernas. Con un volumen escaso comparado con el sonido que posteriormente desplegaría Beat, la banda sueca demostró solvencia a raudales.

Con los habituales cambios de ritmo, los punteos doblados y ese fraseo arrastrado del líder de la banda, Joakim Nilsson, pudimos disfrutar de un repertorio contundente en el que los Graveyard navegaron entre el rock, el blues y toques de psicodelia con un guitarra solista (Jonatan Larocca-Ramm) que recorría todo el mástil de su instrumento sin despeinarse. Alejado completamente de las alharacas y la teatralización que luego mostraría Steve Vai con Beat. Brilló también el bajista Truls Mörck, con su rickenbacker, su voz, sus signos de la paz al término de las canciones y sus continuados agradecimientos a un público que lleva muchos años apoyando a los suecos en todas sus visitas a Euskadi (han tocado varias veces en el Azkena Rock Festival).

A las 23:23, después de que los ojos del enorme elefante de Beat volvieran a iluminarse por última vez en los bises, se encendieron las luces del Bilbao arena. Esta edición, con muchos menos grupos, con el sobresalto de Tom Morello, la repetición de cabezas de cartel en apenas tres años (Chis Isaak), sin los escenarios en el exterior del Arena donde las bandas locales hacían las delicias del público, los problemas con la devolución parcial del dinero… han dejado un tanto tocado un festival que debe reinventarse y darle a la tecla F5. Ojalá se volviera al bello escenario de la Ola, en el municipio vizcaíno de Sondika, algo que en todo caso no parece estar sobre la mesa de la organización.

Unos palillos se deslizan entre los dedos de un músico en un rincón del escenario. Durante muchísimos años, esas manos han sostenido herramientas manuales y equipos mecánicos en un taller de coches. Esta noche, en cambio, Jesús Salas se aferra a sus dos palillos y hace de estos la chispa que desencadena la tormenta. El artista, que acabó dando nombre a Los Niños Jesús, forma parte de un grupo que cree con convicción que la música es capaz de coexistir junto a otras profesiones. Para prueba, su líder, Jordi Évole, que demuestra en Rivas que es posible cambiar las preguntas difíciles por las canciones de toda la vida.

“Estoy probando en esto de la música porque con un cambio de Gobierno me podría ir a la mierda”, dice entre risas el periodista. Junto a Salas y Évole se encuentran Jacob Carrasco, Juan Carlos Patrón, Javi López y Óscar Huertas, quienes forman una banda de amigos que parece saber mejor que nadie los principales requisitos para divertirse. Hacen gala de estos nada más sonar el primero de los acordes, puesto que logran que personas de todas las edades se agolpen en la Plaza de la Constitución en un ambiente que recuerda a las mejores fiestas de barrio. Desde familias con niños pequeños hasta grupos de jóvenes con sus refrescos, toda la zona está abarrotada para despedir el FIC.

El nostálgico y divertido repertorio de Los Niños Jesús devuelve el brillo a himnos como Pacto entre caballeros de Joaquín Sabina, Escuela de Calor de Radio Futura o Marta, Sebas, Guille y los demás de Amaral, canciones que demuestran su poder atemporal al ser coreadas a todo pulmón por los espectadores. Évole lo pone todavía más fácil, puesto que es muy difícil no querer sumarse a su celebración cuando parece que incluso el escenario se le queda pequeño. Ya sea dando palmadas que el público no tarda en replicar o apostando por hits más reconocibles por los adolescentes como El Fin del Mundo de La La Love You, el grupo se propone con éxito que nadie se quede sin bailar.

Todo está permitido en la verbena de Évole y sus amigos. Todo, que hasta el periodista comienza su espectáculo con la equipación de La Roja. “¿Qué pasa? ¿Que los de izquierdas no podemos ir con España o qué?”, declara para despertar el clamor de la plaza de Rivas, a la que se mete en el bolsillo bastante rápido. El músico, que reconoce que llevaba mucho tiempo queriendo formar una banda de rock, puede darse por satisfecho tras un espectáculo al que todo el mundo está entregado. “Si yo lo he podido hacer y cumplir así mi sueño, vosotros lo podéis hacer también”, apunta Évole, que transmite a la perfección su unión con Jesús Salas y el resto de amigos.

Los palillos de Salas, de hecho, recuerdan también a los pinceles de La Bien Querida. Antes de convertirse en un referente en el pop independiente español, la cantante era Ana Fernández-Villaverde y se dedicaba a la pintura. Cualquiera podría pensar que poco queda de ese talento en la intérprete que toma el relevo de Jordi Évole y su grupo para ofrecer a Rivas un espectáculo más minimalista, pero lo cierto es que es algo que queda intrínseco en ella. “Todas las artes sirven para sacar lo que uno tiene dentro y, a mí parecer, tienen un punto de conexión. El creador saca sus miedos, sus frustraciones, sus deseos...”, contó a elDiario.es en 2022.

Y todos sus miedos, frustraciones y deseos inundan la Plaza de la Constitución de Rivas en el que es un precioso homenaje a la verdad. Tanta verdad que, si por algo consigue brillar la artista, es precisamente por la honestidad de sus letras. “Todo el mundo tiene restos de sueños / Y regiones de la vida devastadas / Todo el mundo tiene una infancia / Que resuena en las esquinas de su casa”, canta la artista en su presentación de Los jardines de marzo, uno de los temas más emotivos sobre el escenario y un punto de inflexión para el resto del concierto, que va metiendo a más y más gente dentro de su particular narrativa.

El fervor de la actuación de La Bien Querida llega con la interpretación de algunos de sus clásicos, como De momento abril o Dinamita. Sin embargo, la gente se conoce también las canciones de su último disco, LBQ. El mejor ejemplo es el de Bar Dixie, con su ya icónico “No sé cómo decirte lo mucho que me gustas tú”. Aun así, la artista tenía guardada para el final una de las grandes sorpresas, que es su atractiva versión de Porque te vas de Jeanette. Probablemente porque no hay persona que no se sepa esa canción y porque la gente está absorta en el espectáculo y no quiere que La Bien Querida abandone el escenario, la cantante regala así una despedida por todo lo alto.

La segunda jornada del FIC finaliza con el DJ set de Hinds. Carlotta Cosials y Ana Perrote, las almas detrás del dúo, han conquistado la escena musical global llevando su inconfundible garage rock a escenarios tan imponentes como los de Glastonbury o Coachella. Aunque Perrote no acompaña en esta ocasión a su compañera, su sonido también hace mella bajo la luna casi llena de Rivas, derrochando energía y actitud con su destreza en la mesa de mezclas. Un éxito tremendo pese a que el PP intentara cancelar el festival a tan solo unos días de la inauguración del mismo.

Una jornada de reflexiones y canciones

El ambiente festivo y cercano que se respira en los conciertos no contrasta con los debates profundos que se han desarrollado en ese mismo espacio pocas horas antes, puesto que la música no deja de ser otra forma de reivindicación. El propio Évole, que pone el broche de oro con su show, se subía a ese mismo escenario por la mañana acompañado por la periodista Silvia Intxaurrondo y el director de este medio, Ignacio Escolar, para analizar los grandes retos a los que se enfrenta la sociedad actual y, en particular, el mundo de la comunicación.

En ese encuentro se ha debatido sobre la enorme saturación de información que sufren los ciudadanos en su día a día. Ante semejante avalancha de datos y ruido en las redes, la tarea principal del periodismo riguroso es pararse a explicar qué es verdad y qué no lo es. “No es normal que el señor que nos explicaba de dónde venían los ovnis ahora nos esté explicando la corrupción del país”, ha ironizado Évole en alusión al espacio de Iker Jiménez. Asimismo, también ha alegado que, en el ejercicio del periodismo, “es muy importante la resistencia a las grandes corporaciones”. “No dejar amedrentarnos por los que quieren que estemos callados, nosotros y vosotros”, ha declarado.

Ir a un concierto es ya casi un privilegio. No solo porque una entrada a más de 100 euros sea algo habitual de ver, sino porque a la experiencia completa se añaden los elevados precios dentro del recinto, el billete de tren (o avión) en caso de no vivir en una gran ciudad y otra suma por el alojamiento, si no se conoce a nadie con tiempo y ganas para hacer de anfitrión. Pero, sobre todo durante la última década, a este voluminoso gasto se le suma un nuevo desembolso: bienvenidos a la era de los pop-up, productos efímeros a precio de oro.

No importa que sea entre semana, ni a horas irregulares. Un lunes a última hora de la tarde o un miércoles por la mañana, las colas para acceder a estas tiendas exclusivas son monumentales. Con la capital repleta de una alta tasa de eventos de gran impacto –además de varios macroconciertos, la ciudad acaba de despedir a Tom Holland y Zendaya o al papa León XIV–, las marcas, ticketeras y promotoras han aprovechado para exprimir al máximo la experiencia.

Solo en este mes de junio, Madrid se ha prestado a al menos tres grandes pop-up, coincidiendo con tres conciertos internacionales muy esperados: Bad Bunny, BTS y Linkin Park. El primero en instalar su tienda fue el cantante puertorriqueño, que llegó a España por todo lo alto con nada menos que diez fechas en Madrid. Durante dos semanas, una casita ocupó media plaza de Callao con largas colas a su alrededor. Algunos esperaron hasta dos horas para acceder unos minutos a aquel cubículo blanco, que en su interior guardaba una colección especial diseñada para una colaboración entre Zara y Bad Bunny.

La estructura se extendía por casi 400 metros cuadrados y las piezas exclusivas, según fueran accesorios o prendas más elaboradas, podían costar entre 20 y más de 100 euros. Para mantenerla perenne en un lugar predilecto para influencers y tiktokers, y por el que cada año transitan unas 123 millones de personas, la empresa fundada por Amancio Ortega tuvo que pagar unos 10.000 euros diarios en concepto de tasas, lo que supondrían alrededor de 150.000 a lo largo de dos semanas. El sello textil aprovechó este boom para derivarlo a su tienda habitual en Plaza España, colocando un mostrador específico para adquirir productos de la colección.

Así que algunos fans, que ya habían pagado entre 80 y hasta 500 euros para asistir al concierto, en caso de ir a la zona VIP, terminaron dando la vuelta al cubículo haciendo cola con tal de entrar. Poco después, desde el viernes día 12 y hasta el 5 de julio, otra tienda temporal comenzaba a causar furor. El grupo de k-pop surcoreano BTS, con 37 millones y medio de oyentes mensuales en la plataforma Spotify, también arrasa en su visita a Madrid con merchandising exclusivo, e incluso productos promocionados para usarse en el concierto.

En la histórica Plaza de Alhajas, uno de los edificios más visibles de la Plaza de San Martín, las filas llegan hasta donde no alcanza la vista. Es miércoles, la mayoría de la gente trabaja o pasa esas horas en algún centro de estudios. Pero algunas han podido escaparse antes de que se agoten los Army Bombs, un bastón que emite luces led de distintos colores. El aparato mide unos 10 centímetros de longitud, cuesta 70 euros y las fans pueden agitarlo durante los dos conciertos de la banda, que no había tocado en la ciudad hasta el pasado 26 de junio.

A las diez de la mañana, Sofía y Lidia se plantaron en la cola del pop-up dispuestas a conseguir el suyo. “Estoy nerviosa, ¡se acaban muy pronto!”, confiesa una de ellas cuando ya empieza a pegar el sol. Entre las dos amigas, de 16 años y que se conocen del instituto, han pagado 300 euros (150 cada una) para tener su asiento en el estadio del Atlético. Como en las redes han seguido el minuto a minuto de este fenómeno comercial, saben que solo en las primeras horas del día es más probable que aún queden bastones de luz. Para acceder a la tienda, antes han debido descargar un código con un QR por Internet, que asignaba una fecha y hora a cada fan.

En ese tiempo, y durante un máximo de media hora, pueden visitar tanto una exposición efímera de BTS como adquirir productos de la gira. Además de los Army Bomb, apilados en cajas negras sobre uno de los mostradores, en el habitáculo hay muchos otros productos exclusivos: faldas por 75 euros, cojines por el mismo precio, sudaderas que superan los 160 o, entre lo más barato, una taza con los siete integrantes del grupo simulando cruzar un paso de peatones, como en Abbey Road y los Beatles. Al final, Sofía y Lidia volvieron contentas a casa, después de hacerse con su lightstick de colores.

Mientras aún dura este pop-up, entre el 22 y el 24 de junio, se habilitó otro espacio en Malasaña para mantener la fiebre del consumo. Esa semana, el martes y el miércoles, la banda de nu metal Linkin Park ofreció dos conciertos en Rivas Vaciamadrid después de siete años sin actividad. Así que la expectación era total. En una colaboración con la marca de ropa Deux Ex Machina, los autores de In The End abrieron un pequeño local en plena calle Velarde con artículos especiales de su última gira, el From Zero World Tour.

Una vez más, los precios distan de ser baratos: aunque el equipo de Linkin Park repartió 200 pinchos de tortilla a los primeros en llegar, el resto del stock se adquiría previo pago. Algunas de las camisetas más baratas, con el logo del último disco, costaban 55 euros; mientras que había sudaderas tasadas en casi 100 euros o más. “Una mujer acaba de llevarse 1.700 euros en ropa”, confesaba a Somos Madrid un vigilante de seguridad, que controla los accesos a la tienda. Fuera, en la cola, una pareja aguanta a última hora de la tarde a ver si queda algo todavía.

El estand cierra a las ocho y llevan una hora esperando a sus puertas. Se enteraron de la apertura exclusiva en sus redes sociales, concretamente en X, el antiguo Twitter. Habían visto fotos de alguna gorra que les ha gustado, y pusieron rumbo hasta allí nada más salir de trabajar. En su caso, tienen 29 y 32 años. No han conseguido entradas para el concierto, aunque querían “acercarse un poco” a la experiencia y por eso acudieron en busca de algún producto especial. Rafa, uno de ellos, asume que los precios “llegan a ser disparatados”, y más aún teniendo en cuenta que el pase del espectáculo no es barato de por sí. No obstante, lo tienen claro: “Habrá que pagarlo”.

Restan ya pocos días para que Pamplona vuelva a teñirse de blanco y rojo y la ciudad calienta motores con los últimos preparativos para nueve días de las fiestas más populares del mundo. Entre el 6 y el 14 de julio la capital navarra volverá a ser escenario de conciertos, comparsas de gigantes y cabezudos, fuegos artificiales y, como no, los encierros.

6 de julio

7 de julio

8 de julio

9 de julio

10 de julio

11 de julio

12 de julio

13 de julio

14 de julio

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