MURCIA ON recobraba, en la noche de este jueves, los ambientes de rock y blues que aglutinan a un público muy adicto a estos géneros. Se vieron peñas moteras, público de mediana edad, pero, sobre todo, aficionados y seguidores que pasaban de los 60 tacos. La razón principal eran los protagonistas de esa llamada urgente y con garra cuyo nombre es ZZ TOP. Uno de los grupos más longevos de esta música, que se formaron en Houston, Texas, en 1969 pero que comenzaron a despuntar con la nueva década de los años 70 del pasado siglo XX. Desde entonces, ZZ TOP han conformado toda una vida alrededor del rock tejano que mezclan con el blues con un estilo muy personal y que, durante todas estas décadas, ha hecho crecer esas legiones de seguidores en todo el mundo.

Para calentar el ambiente antes de su concierto, la organización contó con el concurso de uno de los grupos murcianos con más prestigio dentro de este campo, como son Los Marañones. Miguel Bañón y sus compañeros de viaje dejaron sobre el recinto de la plaza de toros, uno de sus ya míticos conciertos que supo ganarse, una vez más, el reconocimiento de sus seguidores. Pero vayamos por partes.

Aún con la luz solar, Los Marañones aparecieron en el escenario del MURCIA ON para regalarnos una actuación que para mí fue mucho más que un concierto al uso de teloneros. La formación murciana tiene, igualmente, muchos seguidores a los que han conquistado desde que comenzaron a caminar por la música allá por 1987. Desde aquellos primeros momentos, el grupo estuvo conformado por Miguel Bañón, voz y guitarras; Ricardo Perpén, guitarra: Román García, bajo y Pedro Sánchez “Pedrín”, batería (que también lo fue de otra destacada formación murciana en estos apartados musicales, como es ACEQUIA, entre otras). Durante los primeros meses también participaron Fredy Valera, teclista y guitarrista y la voz de Tere Luengo. Estos dos últimos solamente estuvieron en 1987 y dejaron el grupo. Otros que llegaron después y tampoco están actualmente son Joaquín Talismán, guitarrista, miembro entre 1996 y 2000; Javi Toral, bajista y técnico de sonido, activo en 1989. También dejó el grupo Ricardo Perpén, en 1989. En la actualidad, Los Marañones siguen con Miguel Bañón, voz principal y guitarras; Carlos Campoy, teclados (desde 1992); el bajista original Román García, así como el también fundador en la batería, Pedrín Sánchez.

Durante una hora, Los Marañones nos volvieron a atrapar con una selección muy acertada (es muy cercana a la que tienen siempre dispuesta, para conciertos cortos y con intención de captar desde el minuto uno), en la que hubo piezas de su primera etapa -tal vez, la más cañera-, con temas como ‘Boogie Blue’, ‘El baile’ o ‘Sexy Dream’. Lejos de que los presentes anduvieran despistados, Marañones había logrado captar la atención de una mayoría ya presente en la arena del recinto taurino.

Con esa atención centrada, el grupo murciano echó mano de piezas conformadas entre el 92 y 1999 (etapa en la que entró el teclista de Ferroblues, Carlos Campoy), que impregnó las composiciones de más brillo y riqueza musical derivando hacia un pop con temas más tranquilos, pero sin perder energía. Piezas como ‘A miles de años luz’ o ‘Mi gato se llama Persona’. Entre 2000 y 2007, Los Marañones consolidaron su sonido y estilo pasando a ser más profesionales y cuidando mucho más las letras de sus canciones. Ejemplos como ‘Atrapado’ o ‘Fuera de límite’. Sobre todo, escogieron temas de sus primeros discos, pero ahora ya con su sonido limpio e identificado donde Bañón mantenía su personalidad interpretativa que sus compañeros arropaban como un guante encaja en la mano. Magníficos los murcianos de Los Marañones, que finalizaron sus 60 minutos de concierto con ‘Voy loco, mamá’.

Estábamos a 15 minutos de las diez de la noche, pero mientras se retiraban los amplis e instrumentos de los murcianos y se recolocaba el backline de los norteamericanos pasaron 30 minutos. Mientras tanto, el ruedo de la plaza murciana se había llenado de tal manera, que no cabía ni una cabeza de alfiler. El calor reinante en la capital del Segura era enorme e incluso, desde mi posición tras las mesas de sonido y luces, pude presenciar la asistencia de los Servicios Sanitarios de Urgencia -presentes en cada concierto-, cómo atendían a un aficionado de, seguramente, un golpe de calor. Bueno, pues el momento esperado llegó. Los tres músicos que están ofreciendo esta gira por España de ZZ TOP aparecieron en el escenario y el estruendo vocal se debió escuchar hasta cerca del hospital ‘Reina Sofía’. Allí estaban Billy Gibbons, voz y guitarra (y el único fundador de la formación en esta gira); Elwood Francis, bajo desde la muerte del fundador del grupo, Dusty Hill; y John Douglas, en la batería (sustituyendo temporalmente a Frank Beard por enfermedad). Los brazos se elevaron, las voces aclamaron y la música de ZZ TOP comenzó a sonar con ‘Got Me Under Pressure’, publicado en 1983. Los temas se iban sucediendo, sin mediar apenas palabras o tan sólo un grito no muy elevado, una especie de aullido fino. En esta primera pieza, Elwood Francis exhibió un bajo eléctrico de 15 cuerdas que parecía más un laboratorio experimental de los sonidos, que una guitarra de bajo al uso y de color gris, lo cual ya nos puede dar una idea, como apreciarán en la foto de Goio Villanuea.

Como indicaba, los temas se fueron sucediendo uno tras otro sin mediar muchas palabras o ninguna. Así, fueron sonando piezas de su amplia discografía como ‘I Thank You’, ‘Waitin’ for the Bus’ y ‘Jesus Just Left Chicago’, ambas de su álbum de 1973 titulado Tres hombres. Después llegaron ‘Gimme All Your Lovin’, ‘Pearl Necklace’ y‘I’m Bad’, ‘I’m Nationwide’, que dibujaban un trazado en zigzag, de los 70 a los 80, donde concentraron buena parte de su producción discográfica y en la que sus éxitos más sonados se lograron por aquellos años.

Sí cambiaron de guitarras, tanto Gibbons como Francis, según las piezas como ‘I Gotsta Get Paid’ y continuaron con ‘My Head’s in Mississippi’ y ‘Brown Sugar’. El público se lo pasaba bien con los tres músicos tejanos y eran absolutamente conocedores de su repertorio, pero personalmente su concierto me resultó falto de movimiento escénico que, en otros tiempos, fue más movido. Ya sabemos que los años no perdonan y tampoco los excesos. Algunas piezas tuvieron una especie de danza acompasada de Francis y Gibbons, pero poco más. Al batería John Douglas apenas se le veía, porque estaba casi sepultado por un set de platos y toms que casi no te dejaban ver su rostro.

Pero como sus fans se mostraban tan entusiasmados, ZZ TOP continuó desarrollando su música y temas escogidos para esta gira por España, como ‘Cheap Sunglasses’, ‘Just Got Paid’, ‘Sharp Dressed Man’ y finalizar el concierto oficial con ‘Legs’. A su término, saludaron los tres y se retiraron. El respetable no se movía y reclamaba con sonoridad muy apreciable un rato más de rock y blues al estilo tejano, al estilo de ZZ TOP. Y lo hicieron. Cambio de chaquetas por unas rojas y brillantes, en lugar de las negras anteriores, y una primera canción que continuó efervescendo a los miles de fans que se agrupaban, muy juntos, en el ruedo de la plaza: ‘Tube Snake Boogie’. Tras ella, de nuevo se alinearon en batería en el frontal del escenario como para despedirse, mientras los aficionados silbaban y pedían más. Entonces, Francis señaló con su dedo índice una más y dejaron sonar ‘Thunderbird’. Y vuelta a empezar, como si ya se marcharan. Pero no. Todavía quedaba el gran himno del trío de Houston, que fue el que les catapultó en 1973 y formaba parte de su tercer disco en Estudio: Tres Hombres. La pieza, ese himno, no es otro que ‘La Grange’ en un riff que está claramente influido por el estilo de John Lee Hooker, e inspirado en el famoso burdel The Chicken Ranch, en Texas.

En suma, una noche de mucho rock y blues con una primera parte a cargo de los murcianos Los Marañones que supieron recoger la atención de todos los presentes (es una de las formaciones locales más prestigiosas y profesionales de estas fronteras), preparando lo que iba a determinar el reventón (vocablo muy de actualidad estos días en lo meteorológico) de rock y blues tejano a cargo de los ZZ TOP de Houston, Texas. Y el calor que no mitigaba, con termómetros marcando 30º centígrados, a las 23:35 horas. Un auténtico disparate.

La película ‘La vida después’, ópera prima de Clara Santaolaya, culmina su rodaje en la Región de Murcia entre esta semana y la próxima gracias a una ayuda de atracción de rodajes de la Consejería de Turismo, Cultura y Deportes y al trabajo desarrollado por la Región de Murcia Film Commission, en colaboración con las film offices de Abanilla y Murcia.

Se trata de un drama familiar de la productora Capitán Araña en coproducción con Guion Alto, Batiak Films, Palco Films AIE, (España) y La soga producciones y Suena Perú (Perú), que está protagonizado por Mireia Oriol y Ramón Barea, junto a Luisa Gavasa, Norma Martínez, Miguel Garcés y Martina Cariddi.

La consejera de Turismo, Cultura y Deportes, Carmen Conesa, indicó que “durante estos días se multiplican los rodajes en la Región de Murcia. Estamos haciendo un importante trabajo desde el Gobierno regional con nuestros profesionales en el despliegue de la estrategia de la Región de Murcia Film Commission, lo que lleva a que cada vez sean más las películas que recalan en nuestro territorio para impulsar nuestro sector audiovisual”.

El largometraje narra el regreso de Lena - Mireia Oriol- a casa de sus padres en medio de una profunda crisis emocional, tras un intento de suicidio. Allí, encontrará refugio en su abuelo Juan -Ramon Barea-, quien también se enfrenta a la incomprensión y el aislamiento, aunque por motivos diferentes a los que vive su nieta. La película aborda la salud mental y es un canto a la aceptación que busca mostrar la alegría y el optimismo en los detalles cotidianos.

El rodaje de ‘La vida después’ ya ha pasado por las Islas Canarias, Andalucía y culmina en Murcia y Abanilla. La película cuenta con el apoyo de RTVE y con ayudas de la Junta de Andalucía, la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de Madrid y la Región de Murcia a través del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes.

Los macro festivales se han convertido en un reclamo de primer orden para todos aquellos amantes de la música que desean ver en directo a sus ídolos en la materia. Pero para precisar más ese concepto de macro festival habrá que determinar que, por lo general, se circunscriben a determinados géneros o estrellas que triunfan en cada momento. Por lo general también, esos estilos se mueven entre los cantantes o grupos románticos, el rock, blues, ritmos latinos y en casos concretos, el jazz. Pero verdaderamente, dentro de esta amalgama de estilos y en estos denominados macro festivales, en qué escasas o nulas ocasiones se ha podido ver programado un concierto del denominado bel canto.

Pues el ciclo MURCIA ON lo ha hecho y con nota alta. El pasado martes fue el momento para los aficionados a este género, que nos acerca a la ópera italiana de los siglos XVIII y XIX, centrándose en una línea vocal muy fluida con un control absoluto del aire, legato impecable con ornamentación elegante y un timbre homogéneo y bello.

Sus protagonistas han sido tres tenores jóvenes, por supuesto que italianos, que se unieron hace casi 18 años (cuando ellos apenas contaban con 16, 15 y 14 años), tras participar en un concurso de talentos que llevó a cabo la televisión pública italiana RAI. Coincidieron para interpretar ‘O sole mío’ y tanto impresionaron en esa actuación, que de inmediato los llamaron I tre tenorini. Tras ese éxito televisivo decidieron formar un grupo inicialmente llamado Tryo, luego Il Tryo, y finalmente Il Volo (El vuelo). Y desde entonces ya han transcurrido casi 18 años. Pues bien. Hecha ya la referencia de su nacimiento como trío, Il Volo se presentaba por primera vez en Murcia, acompañado por la Orquesta de Mérida, conformada por 37 jóvenes músicos, dirigidos por Pilar Vizcaíno. El repertorio presentado -una vez escuchado- creo que ha sido muy acertado, sobre todo para un marco como el MURCIA ON, sin perder su concepto de bel canto pero introduciendo piezas adaptadas a esta propuesta pertenecientes a otros géneros, como detallaremos a continuación.

El comienzo de la gala estuvo a cargo de la Orquesta de Mérida que, bajo la dirección acertadísima de Pilar Vizcaíno, interpretó ‘El toreador’ de la ópera Carmen, de Bizet. Magnífica acogida del público a esta joven orquesta que acompaña en esta gira por España a Il Volo. Tras los aplausos, los tres tenores aparecieron en el escenario acogidos con gran calor meteorológico y humano. De inmediato, sin mediar palabras, ‘O sole mío’, pieza inequívocamente italiana y con la que el trío compitió en aquel programa de la RAI en 2009. Más aplausos y un tema de la película Gladiador, para continuar con ‘Granada’, de Agustín Lara.

Los aplausos y vítores, que fueron una constante durante todo el concierto, se convirtieron desde el principio en el premio de esos dos mil aficionados que se citaron en la plaza de toros murciana para presenciar este magnífico recital de los tres jóvenes tenores italianos. Fue el momento en el que Piero Barone (Naro, Sicilia, 24 junio 1993), el de más edad de los tres, se dirigió a los presentes en español para explicar que era un enorme placer el poder cantar, por primera vez, en Murcia. “Estamos realizando esta gira 2026 que tiene un gran significado para nosotros ya que, subrayó, hace casi 18 años que nos unimos para interpretar las diferentes piezas de la ópera o las escritas para el llamado bel canto. Nuestro objetivo principal es llevar a las nuevas generaciones este género, para que el bel canto no muera y nunca va a morir. Estamos, pues, muy contentos de estar por primera vez en Murcia, con un concierto para todos. Gracias”.

Los aplausos y vítores, insisto, mostraban el calor humano a estos magníficos tres jóvenes tenores italianos, que de inmediato continuaron con la ya popularísima ‘Mattinata’, escrita para ser grabada en 1904 y registrada por primera vez por Caruso, con el propio compositor al piano. Le siguió una de las arias más populares escrita por Verdi para su ópera Rigoletto: ‘La donna e mobile’.

El público aplaudía cada interpretación de Il Volo con el acompañamiento de la orquesta de Mérida y en esta parte del concierto y dando continuidad a piezas del gran Verdi, las primeras notas de la orquesta anunciaban el brindis de la ópera La Traviata, que se interpreta en el Acto I bajo el título de ‘Libiamo ne’ lieti calici’, que estos tres jóvenes tenores elevaron al cielo de la noche murciana. Y como no podía haber dos sin una tercera, una de las arias preferidas por muchos tenores: ‘Di quella pira’. Otra pieza del maestro Verdi, que corresponde a su ópera Il Trovatore.

Desconozco cuántos de los que lean esta crónica hayan podido asistir, alguna vez, a un concierto de este tipo que entremezcla la lírica con otras piezas que no lo son, pero encajan perfectamente en ese marco. Sí les indicaré que merece la pena y además de disfrutar de ello, se divertirán. Llegados a este momento del concierto, Gianluca Ginoble (Roseto degli Abruzzi, 11 febrero 1995) preguntó a los asistentes cuántos de ellos venían, por primera vez, a un concierto de Il Volo. Algunas manos se elevaron, aunque la mayoría eran fervientes seguidores del trío de tenores. Tras esa comprobación, Gianluca recordó que desde 2009 siempre han cantado juntos por todo el mundo y ello, destacó, hizo que naciera la necesidad de mostrar la individualidad del trío.

Así que los siguientes temas iban a ser interpretaciones individuales de cada uno de ellos. Ignazio Boschetto (Bolonia, 4 octubre 1994) fue el primero en romper esa barrera, con una de las más bellas canciones del amplio repertorio del recordado grupo sueco Abba: ‘The winner takes it all’, con la que dejaba cristalina las inmensas cualidades de este joven tenor que ha sido padre no hace mucho. Le siguió la composición del Maestro Rodrigo ‘En Aranjuez con tu amor’, cantada por Gianluca Ginoble. Y el siciliano Piero Barone defendió, y de qué manera tan magistral, la romanza de una de las zarzuelas más bellas creadas por Pablo Sorozábal titulada La Tabernera del Puerto. La romanza se titula ‘No puede ser’.

El público hervía, literalmente, no solamente por el calor reinante en la noche sino por el elevado nivel interpretativo, tanto como trío como individual, de Il Volo. Poseen -y lo demuestran sobre el escenario- una técnica muy depurada del instrumento vocal. Lo siguieron haciendo, ya en formato trío de nuevo, con un tiempo dedicado a la música que escribió Ennio Morricone para el cine. Primero fue un número que aparece casi al final de la película dirigida por Sergio Leone en 1966 titulada El bueno, el Feo y el Malo. La pieza aparece cuando Truco está buscando la tumba en la que está enterrado el oro y Morricone la tituló ‘The Ecstasy of Gold’. Y Morricone continuó presente en este momento del concierto de Il Volo, con la canción ‘Se’.

Hay que explicar algo, para que cuando vuelvan a ver la película, no se despisten con esta pieza. La música que escribió el compositor es el ‘Tema de Amor’ de Cinema Paradiso, pero después de estrenarse la cinta, los Morricone (Ennio y su hijo Andrea) adaptaron la parte que más se adapta a una canción, ajustaron tempo y compás para dar espacio a la voz humana y un señor llamado Giancarlo Bigazzi escribió el texto que encajaba con la nostalgia del tema, la melancolía amorosa de la película y el carácter íntimo de la melodía. La letra no describe la trama de Cinema Paradiso, pero sí captura su atmósfera emocional, que Il Volo supo plasmar a la perfección. Ya metidos en creadores italianos, esta parte del espectáculo finalizaba con una de las más bellas canciones que escribió -y personalmente más me gustan de su amplio repertorio- el recordado Luccio Dalla: ‘Caruso’. En ella, Dalla hizo en pocas horas esta bella canción, inspirada en los últimos días del gran tenor. La historia es un poco larga, pero llegado el momento o la ocasión se la relato en otra crónica al efecto.

La memoria a través de la música

Así finalizaba esta parte que Il Volo dedicó a los compositores de su país, Italia. Un ‘Intermezzo’, de Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni, una de las piezas más bellas de la música clásica por su intensidad dramática concentrada en un solo acto, sirvió para un breve descanso de las voces de Il Volo y un vestuario un poco más ligero, que se imponía para la noche tan calurosa. Esta cuarta parte del concierto lírico del trío de tenores italianos Il Volo, iba a iniciarse con una versión de ‘My Way’ (‘A mi manera’); probablemente, una de las piezas vocales que más se han versionado a lo largo de los años y que recreó Paul Anka (la canción era de unos franceses y Paul Anka compró los derechos, para reescribirla) en 1967. Luego, Gianluca explicó que esta recta final se iba a dedicar a canciones que han ido conformando la memoria de muchos, como el éxito que obtuvo Leonard Cohen con ‘Hallelujah’ que, según Gianluca, es una especie de himno a aquellos que ya nos dejaron, a sus recuerdos. Continuaron con música de Hispanoamérica que se ha convertido en universal, como el bolero del panameño Carlos Eleta Almarán ‘Historia de un amor’.

Piero indicó que había entre el público una buena amiga que había venido al concierto y que esa noche cumplía años. Para ella fue dedicada el coqueteo musical mejicano ‘Cielito lindo’. Y retomando clásicos populares italianos, nos regalaron ‘Torna a Surriento’, ‘Funiculì Fuinculà’, la pieza de pop-lírico escrita para el trío titulada ‘Çapolavoro’, hasta llegar a una canción que es parte de su seña de identidad: ‘Grande amore’. Llegados a este momento, un grupo numeroso de seguidoras del trío distribuido entre las butacas, exhibieron carteles en los que se podía leer: “Gianluca, tu sei il mío Grande Amore”. Bueno unos indicaban Gianluca y algunos otros el nombre propio de sus dos compañeros. Fue una culminación triunfal, que completaron con su versión de ‘Il mundo’, la canción que escribió y grabó Jimmy Fontana en 1965 y que arregló para orquesta (tal vez esto, no lo conocen muchos) Ennio Morricone, de ahí su extensión y grandeza.

Todos los asistentes puestos en pie desde las butacas o desde las gradas, aplaudían y vitoreaban al trío de jóvenes tenores italianos que viajan por el mundo ofreciendo conciertos del ‘bel canto’. Tras saludar, el trío se retiraba del escenario, pero al quedar la orquesta inmóvil en sus asientos y con sus instrumentos, todos pensaron acertadamente que había un extra. Y así fue. ‘Nessun dorma’ es el aria por excelencia. Una de esas piezas que incluso quien no escucha ópera reconoce al instante. Pertenece a la ópera Turandot, escrita por el gran Giacomo Puccini, que fue estrenada en 1926. Pero, sin lugar a duda, se ha convertido con el paso de los años en una pieza que todo el mundo reconoce, cuando suenan sus primeras notas y una prueba, como insistieron Il Volo al comienzo de su concierto, de que el canto lírico no ha muerto ni morirá jamás.

Bella melodía para colocar un broche de diamantes a este enorme y popular concierto del trío italiano de tenores Il Volo, que repartió rosas rojas al finalizar esta interpretación y como premio a la asistencia y fidelidad del público murciano. En suma, una noche de lírica y pop sin perder el conducto del bel canto, que desmontó cualquier atisbo en contra sobre que este género puede competir limpiamente con esos otros géneros que se dan cita en los grandes festivales o ciclos como es el MURCIA ON.

‘Cine bajo las estrellas’, la iniciativa conjunta de la Consejería de Turismo, Cultura y Deportes con el Ayuntamiento de Murcia que traslada la programación de la Filmoteca de la Región de Murcia ‘Francisco Rabal’ al Auditorio del Parque de Fofó, contará esta semana con cuatro nuevos títulos, entre los que destacan películas clásicas de los directores Steven Spielberg y Alfred Hitchcock.

La actividad de este cine de verano gratuito esta semana comienza mañana, miércoles, con ‘Tiburón’, de Steven Spielberg, a las 21:45 horas. El jueves serán las sesiones más familiares, con ‘La familia Addams’, de Barry Sonnenfeld, a las 21:45 horas, y, a las 23:15 horas, ‘Casper’, de Brad Silberling.

Será el viernes cuando se celebre una sesión doble de ‘La noche de Alfred Hitchcock’, con dos clásicos de este director: ‘Con la muerte en los talones’ y ‘Los pájaros’, a las 21:45 y las 00:00 horas, respectivamente.

El director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, Manuel Cebrián, indicó que “el traslado durante el verano de la Filmoteca regional al Auditorio del Parque de Fofó nos permite llegar a nuevos públicos y contribuir a la alfabetización audiovisual de la sociedad: esta semana contamos con cine familiar y con películas de dos de los directores más influyentes del séptimo arte: Spielberg y Hitchcock”.

La programación de ‘Cine bajo las estrellas’ se puede consultar en la página web de la Filmoteca de la Región de Murcia ‘Francisco Rabal’.

Las décadas de los años 70, 80 y 90 del pasado siglo XX tuvieron muchísimas facetas musicales. Fueron 30 años de grandes producciones, grupos que tuvieron una mayor o menor inclusión entre los aficionados y, sobre todo, cifras abultadas de ventas de discos que llegaron a los primeros puestos de las listas de éxitos. Dentro de ese enorme círculo musical, se encuadraban lo que muchos dieron en llamar la música disco (música de baile que se escuchaba, sobre todo, en las discotecas), pero no solamente en ellas. También las emisoras de Radio y los programas concretos dedicados a la música, se hicieron casi indispensables para captar la atención de los aficionados a todo aquello que se publicaba por aquellos tiempos.

El primero de los grupos que visitó el pasado miércoles la noche el MURCIA ON fue Boney M. Bueno, tan sólo el único miembro original de aquella formación en cuarteto, creado por el productor alemán Frank Farian en 1973. Al principio, la idea era la de un experimento para grabar en estudio, pero el arrollador éxito que obtuvieron con su primer disco en los Países Bajos con ‘Baby, ¿Do You Wanna Bump?’ llevó a Farian a diseñar el grupo físico para ofrecer conciertos en discotecas y programas de TV. Así nació, oficialmente, en 1975 con las voces de cantantes y bailarinas como Liz Mitchell (que sustituyó a Claudia Barry que no quedó convencida con el proyecto), Marcia Barrett, Maizie Williams y el muy original bailarín y cantante Bobby Farrell (aunque la voz masculina que se escuchaba en los discos era la del propio productor Frank Farian) fallecido en diciembre de 2010 a los 61 años.

Con estas voces, Farian extendió su proyecto al comprobar la gran aceptación que tenían aquellas primeras canciones e hizo visible el grupo Boney M. Ya en el 75, los éxitos aparecían casi inmediatamente después de publicarse y la presencia en el MURCIA ON fue, precisamente, ese homenaje a todos aquellos éxitos de ventas millonarias. Comenzaron con su versión de “Sunny”, que sirvió para que entrara en escena el cantante y bailarín Maizie Williams, el único miembro original del grupo para mantener esta especie de homenaje del que formó parte. Le siguió ‘Daddy cool’. Explosivo y con mucha energía, pero obviamente no tenía ese magnetismo del recordado Bobby Farrell. Con esa selección realizada en Murcia, se recordaban también los éxitos indiscutibles que cosecharon Boney M, vendiendo casi 150 millones de discos, en el plazo de diez años. Todo un récord.

Maizie Williams hacía de Maestro de Ceremonias y en un español muy entendible fue presentando el repertorio que conformó este homenaje, por espacio de una hora. Y fue corto porque debido a las altas temperaturas que se registran estos últimos días en Murcia, la organización decidió atrasar los conciertos de ambas formaciones a las 22 horas, lo que motivó que se redujeran a 60 minutos cada grupo. Una vez los cuatro en escena, la selección comenzó a desarrollarse con títulos que muchos aún guardamos en nuestra memoria colectiva, como ‘Ma baker’, ¡‘Hooray! Hooray! It’s a Holy-Holiday’, ‘Brown girl in the ring’, un reggae que triunfó también con Bob Marley ‘No woman no cry’ o ‘Belfast’ y ‘Painter man’.

El público se lo pasaba en grande recordando tiempos más jóvenes, cuando bailaban todas estas canciones en discotecas, las escuchaban por las emisoras de radio o veían en la televisión. Para ese momento del concierto llegó la gloria escénica para el cantante, interpretando una versión del éxito de James Brown ‘I feel good’. El sonido era todo pregrabado pero las voces sí eran en directo. Probablemente esta circunstancia abarate los costes de poder ofrecer un espectáculo más económico, pero, obviamente, no es lo mismo que músicos en directo. Aún así, el personal se divirtió y cantó con el grupo esos éxitos de antaño.

Este concierto-homenaje a la música que llevó al éxito al grupo Boney M dentro de la también denominada eurodance, culminó con ‘Ríos de Babilonia’, ‘Gotta go home’ y ‘Rasputín’ dejando un inequívoco buen sabor de nostalgia entre los asistentes. Maizie Williams finalizó afirmando que “sabemos que ustedes hoy han venido, sobre todo, por ver a los Jackson. Pues nosotras, como también queremos verlos, nos vamos a quedar entre bastidores para poder hacerlo más de cerca. Muchas gracias por venir y buenas noches”. La respuesta fue apoteósica y bien sonora, para esta mujer de 73 años (ella misma lo confesó) y sus compañeras de escenario incluido el bailarín y cantante masculino.

En efecto. El público había acudido a La Noche Más Disco programada por MURCIA ON, básicamente, por ver en acción a The Jackson o lo que queda de ellos sobre los escenarios. Su salida fue apoteósica. Tras de mí, pero no solamente en ese lugar del recinto, tenía a un grupo de mujeres enfebrecidas y gritando a pleno pulmón, a la formación que aparecía en el escenario con una introducción musical. Aquí sí había músicos en directo y qué banda tan buena. Creo recordar que todos ellos (teclista, bajista, guitarra y batería) venían del Reino Unido y tocaban sus instrumentos como los ángeles de bien.

Pero el sumun fue cuando aparecieron los dos únicos hermanos Jackson, Jackie y Marlon, en el escenario al tiempo que éste se iluminaba por completo y sonando, ya, el primer impacto musical de estos hermanos que conquistaron la gloria entre finales de la década de los 60 hasta 1975 y 1976, que fue cuando cambiaron de la Tamla -su sello discográfico hasta entonces- a Epic Records que en España se distribuía por la CBS. Ese primer impacto fue ‘Can You Feel It’ que abría el concierto, como también lo hizo en 1980 su álbum Triumph.

El recinto era un hervidero humano. Jóvenes, edad mediana y ya pasando los 60 años o más. Pero todos juntos, al unísono, cantando aquellas canciones que un día fueron como una especie de himnos, para la mayoría con el recuerdo y el espíritu de Michael Jackson flotando en el ambiente y en los diferentes vídeos que se proyectaron, a modo de recuerdo para esta familia de músicos que surgieron en el área metropolitana de Detroit y presentados en 1969 por una enorme estrella de la canción como es Diana Ross.

Recuerdo de sus años dorados

El concierto continuó desarrollándose con éxitos aplastantes en su momento como ‘Blame it on the boogie’, que desató al respetable poniéndose de pie en sus asientos y bailando sin cesar. Ya lo reza su letra “No culpes al Sol / No culpes a la luz de la luna / No lo culpes a los buenos momentos / Echa la culpa al boogie”. Fue uno de los trallazos musicales de los Jackson en aquellos años dorados para ellos que en agosto de 1978, una de las canciones que más se bailaban ese verano era, precisamente, esta que no era original de The Jackson, pero sí una versión muy acertada de los hermanos de esta composición de Mick Jackson, un músico inglés que no logró tanta repercusión como los cinco de Detroit.

Uno de los momentos especiales de este concierto de hora y cinco minutos llegó con “Rock with you”, una preciosa canción que grabó Michael Jackson en uno de sus primeros álbumes y que los Jackson interpretaron con absoluto respeto y la proyección de imágenes de Michael. De nuevo, el regreso a éxitos del grupo ya en la etapa con el nuevo sello Epic. La canción ‘Enjoy Yourself’ fue el primer sencillo con la nueva marca discográfica lanzada en 1976. A ella le siguieron ‘Show you the way’, ‘Lovely One’, publicada en 1980 y vuelta a un vídeo que resumía momentos de la historia de los Jackson, con la madre como primera narradora, continuando con Berry Grody el dueño de la Tamla Motown y narraciones del padre del clan.

El espectáculo que ofrecen los Jackson, a pesar de los años acumulados en sus cuerpos, reproduce exactamente las mismas coreografías de entonces; esto suponía un esfuerzo increíble y una demostración de mantenerse, más o menos, en forma para aguantar ese tren durante sesenta minutos. Tras el vídeo, una medley de más éxitos conformado por ‘The Love You Save’ y ‘ABC’, ambas de ese segundo disco grande de estudio, ‘Dancing Machine’, ‘Never Can Say Goodbye’ lanzada originalmente en 1971. Hay una curiosidad sobre esta canción; fue creada para The Supremes de Diana Ross, pero finalmente se pensó que era más adecuada para The Jackson Five (estaban en Motown) y así fue. Luego vendrían varias versiones, pero tal vez, la que más triunfó en la disco fue la de Gloria Gaynor. El medley se cerraba con la pieza ‘I'll Be There’, compuesta, entre otros, por el dueño de la Tamla Berry Gordy, que ha sido número uno en los USA en dos ocasiones: Con The Jackson Five en 1971 y con María Carey en 1992.

De nuevo la proyección de otro vídeo homenaje a los Jackson, destacando Michael, y enfilando el final de este concierto vibrante, de auténtico show como sólo los norteamericanos saben hacer, con canciones de su historia tales como ‘Can't Let Her Get Away’, publicada en el álbum Dangerous de Michael Jackson e interpretada en homenaje a su recuerdo, ‘Heartbreak Hotel’, de 1980, y la que alargaron para presentar a la magnífica banda de músicos que les acompañaron y, posteriormente, hacer una repetición final con salida a escena de un chaval (creo que podía ser nieto de Jackie) con la camiseta del Barça de Lamine Yamal y su 10 a la espalda, paseo por el foso de Malcon Jackson ondeando una bandera española, que muchos entendimos como que deseaban el triunfo de España en el Mundial de Fútbol organizado por la FIFA y, en definitiva, un broche brillante para culminar un repaso por la historia de toda una familia de músicos que han marcado un hito en el libro norteamericano y mundial, mientras se proyectaba en el fondo de escenario, la imagen y recuerdo para John McClain, uno de los albaceas del legado de Michael Jackson, fallecido en Los Ángeles el pasado mes de mayo, a los 71 años de edad. El tema era ‘Shake your body’.

En resumen, una noche muy redonda para bailar y pasarlo fenomenal con la música para el recuerdo de Boney M y, posteriormente, el grupo The Jackson que todavía mantienen vivo el recuerdo de tantos éxitos y, especialmente, del que fuera nombrado Rey del Pop, Michael. Siempre en nuestras memorias.

María Arnal (Badalona, 1986) atiende la llamada telefónica de elDiario.es en plena vorágine: ensaya, prepara un nuevo single para este viernes y hace las maletas para pasar un mes en Japón, donde el 29 de agosto estrenará en el Teatro Bunkamura de Tokio un espectáculo sobre El pabellón de oro, de Yukio Mishima, dirigido por el coreógrafo Marcos Morau. “Este verano todo es muy intenso, pero muy guay a la vez”, resume.

El sábado, antes de ese salto a Japón, sube al escenario de La Mar de Músicas en Cartagena, festival al que ya vino a tocar en 2021, con Marcel Bagés, y donde ahora presentará canciones de su primer disco en solitario, 'AMA'.

Este sábado toca en Cartagena. ¿Va a interpretar ya el tema que estrena el viernes?

Sí, exacto. En el directo nuevo hay un montón de temas inéditos, la única manera de escucharlos es viniendo a los conciertos. El disco tiene una dimensión muy digital, así que para mí era importante que hubiera también una parte de cuerpo a cuerpo, de recordar cómo es escuchar la música por primera vez junto a la gente. Por eso he ido sacando muchas de estas canciones antes que el disco, para vivir esa primera escucha frente a frente con el público.

La última vez que actuó en La Mar de Músicas fue hace cinco años. ¿Cómo ha cambiado su manera de subirse a un escenario desde entonces?

Paré del ciclo disco-gira unos tres años buenos, porque me dediqué sobre todo a hacer música para danza, cine, instalaciones e investigación. Fue el fin del proyecto con Marcel [Bagés], que ya estaba en un momento poco creativo. Me di el permiso de salir de ese ciclo y hacer solo lo que me apeteciera, sin urgencia ni vértigo. De ahí salieron cosas que me han alimentado muchísimo: gané la beca de la Comisión Europea, trabajé con el Barcelona Supercomputing Center, hice instalaciones con recorrido internacional. Este disco es la confluencia de todas esas facetas.

Se le nota el poso escénico en el directo.

Claramente, hay algo indudable: mi corazón es folk. Nunca me he ido del folk, lo que pasa es que ya no voy con guitarras. Me acompaño de mis propias voces, de mis voces clonadas, de instrumentos antiguos como órganos, de sonidos de la realidad, como puertas. Es como abrir una puerta y encontrarte con hectáreas de posibilidad.

No empezó a tomarse la música en serio hasta que sufrió un accidente, se rompió el fémur y descubrió el archivo de Alan Lomax. Antes pensaba que la música no era para usted.

Como mis padres son profesores, tenía metida la idea de que si desde muy pequeña no seguías el camino que tocaba —conservatorio, superior— esa posibilidad ya no era para ti. Era un pensamiento súperlimitante. Cuando me rompí la pierna volví a casa de mi madre y recuperé la guitarra de mi adolescencia. Cantar me sentaba mejor que el Nolotil, y pensé que eso tenía que ser más central en mi vida. No tenía más ambición que dedicarle más tiempo, y de ahí, poco a poco, empecé a crear mi equipo, hasta que se convirtió en mi camino.

Esa historia me recuerda a la de Mari Trini, que también sufrió una enfermedad y descubrió la guitarra en la cama.

No la conocía, ¡qué fuerte! Hay bastantes artistas a los que les pasó algo parecido, Frida Kahlo por ejemplo, gracias a tener tanto tiempo de rehabilitación. Es una manera de salirse del cuerpo. Cuando haces hiperfoco en algo tienes la sensación de que el cuerpo ya no pesa. Te juro que en ese momento sentía que la música me sentaba mejor que cualquier medicación.

En 'AMA' ha clonado su voz con modelos de inteligencia artificial desarrollados en el Barcelona Supercomputing Center. ¿Qué ha aprendido de su propia voz al escucharla reproducida por una máquina?

Que lo precioso es justo todo lo que no es reproducible: el error, el detalle único. Hoy podemos clonar dimensiones de la voz —tímbrica, rítmica, melódica, fonética—, pero todas a la vez, de forma perfecta y humana, no se consigue. Clonar persigue una idea de ideal que en realidad te devuelve el error, la rugosidad, el fallo, y me parece precioso como aprendizaje. Mi manera de usar las voces digitales es extremadamente artesanal: modelos que hay que editar y mimar mucho, entrenados solo con datos de mi propio cuerpo.

En directo, esa voz sintética cobra cuerpo a través de las bailarinas.

Llevan unos brazaletes que desarrollamos con el Intelligent Instruments Lab, un laboratorio de instrumentos digitales de Islandia donde hice una residencia. Con ellos accionan mis voces sintéticas con sus coreografías: en realidad son un coro de baile que suena con mi voz. El directo es para mí un lugar de experimentación; creo que me viene de mi madre, profesora de ciencias, que siempre me transmitió esa curiosidad, esa idea de que todo en la realidad puede intervenirse con otra cosa.

El tema 'Que me quiten' recorre siglos de castigo y violencia hacia las mujeres. ¿Cómo se construye una canción a partir de una genealogía tan larga sin caer en la denuncia panfletaria?

Era importante que interpelase, pero mantuviera un tono poético, no panfletario: cuando las palabras están tan manidas ya no puedes vivir en ellas, las rechazas y dejan de decir nada. Empecé buscando imágenes muy literales, pero muy poéticas a la vez, casi como una enumeración, y luego fui viendo qué versos eran más musicales, jugando con recursos fonéticos como la repetición de consonantes.

La necesitaba escribir por lo que ha vivido mi cuerpo: por mucho que me clone, siempre habrá algo que mi cuerpo tiene y esas voces sintéticas no tendrán. Me interesaba hablar del feminismo desde esa consciencia corporal. Es una canción que solo podía escribir ahora, no hace diez años ni cinco: tenía que vivir todo lo que he vivido para poder escribirla. Ahora soy millones de veces más feminista que a los veinte años, cada vez más consciente de lo injusto de este sistema, de lo aprendido que está el patriarcado. Y esta canción me reafirma, me pone en un lugar de fuerza: no es tanto rabia como la voluntad de seguir estando aquí, diciendo estas cosas.

El disco nace también como una carta a su prima, fallecida tras perder a sus padres por el sida, en un contexto marcado por el silencio.

Sí, toda la familia murió de sida. Ella falleció cuando yo tenía trece años y ese secreto estuvo guardado mucho tiempo. 'AMA' son sus iniciales, pero también quería que mi primer disco en solitario, el primero en el que hablo desde mí misma y no en representación de nadie más, naciera de la fuerza de amor más grande que he sentido, de la primera herida real de mi corazón. Los trece años fueron además un momento clave en mi desarrollo, en el cambio de mi voz y de mi cuerpo. Por eso este disco ha sido también el ejercicio de aprender a ser el ama de mi propio proyecto, de mi voz y de todas mis voces sintéticas.

Y esa historia está muy teñida de patriarcado: la voz femenina es una extensión del cuerpo femenino, y la voluntad de imitarla fuera del cuerpo es antiquísima. El órgano imita la voz humana, pero como voz de Dios, no de un cuerpo femenino; por eso está en el disco. A finales del siglo XIX hubo un boom de máquinas parlantes que reproducían la mecánica de la laringe y los pulmones y luego les ponían una máscara de mujer, inventada por señores. Es la misma idea que hay detrás de Siri. Yo, en cambio, soy el ama de mi propia voz sintética, y no he usado más datos que los de mi propio cuerpo. Además, la A y la M son los dos primeros fonemas que aprende a reproducir la voz humana, algo fisiológico y no cultural: por eso la palabra madre lleva la M y la A en casi todos los idiomas, ya que la M la entrenamos mamando del pecho de nuestra madre.

Es un disco compuesto a partir de improvisaciones vocales, y la letra llega al final. ¿Cómo cambia el proceso creativo cuando la palabra llega la última?

Ha sido muy divertido porque normalmente lo hacía al revés. Aquí la letra llega cuando la música ya está clarísima, y eso ha liberado mucho la composición: las canciones no están tan cuadriculadas ni limitadas por la rima, y son muy distintas entre sí porque nacen de la voz cantada y no de la voz escrita.

El disco incluye un madrigal en pleno álbum digital.

Musicalmente, la polifonía es algo muy central porque estoy yo con todas mis voces. A nivel compositivo me encanta el Renacimiento, ese momento en que la polifonía deja de hablar de Dios y empieza a hablar del estado interno de quien canta. Como el disco tiene esa mirada interior, me parecía interesante dialogar con ese tipo de composición.

¿Y después de Cartagena, hacia dónde va su voz? ¿Japón marcará también el sonido?

La música que estoy haciendo para Japón es lo más folk que he hecho en muchos años: cuerdas mediterráneas y japonesas, shamisen, tambores, laúd, bandurria, viola de rueda, todo menos guitarras, y taiko, los tambores japoneses. No va a ser un disco, sino un espectáculo: habrá que ir a Tokio a escucharlo.

Curiosamente, empecé estudiando traducción de japonés y lo dejé a los dos años porque me pareció un mundo demasiado difícil; me pasé a las lenguas románicas —italiano, francés, portugués, catalán, castellano—. Ahora vuelvo a Japón, esta vez a trabajar por primera vez. Estoy tan hiperfocalizada en la música que casi todo lo que leo tiene que ver con ella: ando con El pabellón de oro, de Mishima, entre manos, para entender bien lo que ha hecho Marcos Morau con el espectáculo.

El Tribunal Superior de Justicia de Murcia ha admitido a trámite el recurso contencioso-administrativo interpuesto por la plataforma 'Cine Rex Vivo' contra el plan municipal que permitía ampliar los usos del espacio. La asociación ha iniciado un conjunto de iniciativas para que la sala siga funcionando exclusivamente como un cine, lo que les ha motivado a iniciar esta batalla judicial.

Desde 'Cine Rex Vivo' han lanzado una campaña de micromecenazgo a través de Bizum (al número 630 913 041) con el fin de poder costear los gastos relativos al proceso judicial. Levantado en el primer tercio del siglo XX en el barrio de Santa Eulalia, el Cine Rex se mantuvo operativo hasta agosto de 2019, y continúa cerrado a día de hoy.

El pasado marzo, el Grupo Orenes, una de las grandes empresas dedicadas al juego en España, anunció que reabriría la emblemática sala: “Hemos adquirido el cine para conservar el inmueble y darle una nueva vida, y aunque es pronto para avanzar detalles, queremos que el proyecto sea algo cultural, artístico y social”, aseguraron a este periódico fuentes de la compañía.

Las mismas fuentes descartaron que se vaya a habilitar ningún local de juego en el Cine Rex, como figura en una de las alegaciones presentadas por la asociación conservacionista Huermur, aprobadas en un pleno en febrero en el Ayuntamiento de Murcia.

Desde el Grupo apuntaron a que buscaban un proyecto “que se adapte al edificio, lo más abierto y plural posible”. El Ayuntamiento de Murcia impulsó el pasado 26 de febrero la modificación del Plan Especial del Conjunto Histórico-Artístico del Centro de Murcia, con el fin de reconocer el valor histórico, arquitectónico y sentimental del inmueble y abrir la puerta a su protección formal dentro del catálogo municipal. El problema es que, en el proceso, se abrió la puerta al cambio de usos del edificio para que este pudiera destinarse a diferentes actividades más allá de la cultural.

La nueva redacción descarta los usos que supongan la alteración de la espacialidad de la sala cinematográfica, la incorporación de forjados intermedios o cualquier elemento que haga ilegible la tipología original del cine histórico. En términos prácticos, esto impide la fragmentación interior del edificio o su transformación estructural, reforzando jurídicamente la conservación de su configuración como gran sala histórica de proyección.

El ciclo ‘MURCIA ON’ está teniendo una buena acogida por parte de los aficionados a la música y, sobre todo, la que se hace en directo. Aunque el cartel de este 2026 no se parezca al de la pasada edición (hay que tener en cuenta que siempre se juega con los calendarios de cantantes y grupos en cada gira y no siempre cuadran las fechas), sí es lo suficientemente atractivo para todos aquellos amantes de la música y de los conciertos. Lo están demostrando los registros que cada actuación recibe y que, en esta edición, ya ha provocado que tres de ellos -Alejandro Sanz, Dani Martín y Melendi, hasta el momento- hayan tenido que programar dos conciertos seguidos en el ciclo. Ese dato, nos indica mucho sobre la aceptación del público sobre ciertos nombres que conforman la presente edición 2026 del MURCIA ON.

Les voy a contar algo que algunos temíamos. No pensábamos que el cartel de OBK más, después, Rick Astley nos iba a deparar mucha expectación. Y no por la calidad de los músicos, sino porque son nombres que provienen de la década de los 90 del pasado siglo XX y ambos, aunque han continuado actuando por diversos escenarios, ya no tenían sobre el papel el tirón de entonces. Pues nos equivocamos bastante. Porque no se registró un llenazo de nueve mil personas (entre otras cuestiones, porque el ruedo fue ordenado por sillas y deja el aforo más corto, que si el personal está de pie), pero entre seis mil y seis mil quinientas sí se encontraban en el foro taurino de La Condomina, animando tanto a OBK como a la gran estrella del pop británico que llegó a continuación. Por partes.

OBK es aquel dúo español que surgieron en Cataluña en los años 90 -más concretamente, en 1991- y que con su primer disco sencillo y la elección por parte de los disc jokey radiofónicos de la cara B de aquel primer disco, el tema titulado ‘Oculta realidad’, el dúo comenzó a tener repercusión entre los aficionados a la música electrónica que crea este grupo. Sus creadores fueron Jordi Sánchez, voz y letrista de los temas que interpretan y el teclista y programador de los sintetizadores, Miguel Ángel Arjona. El programador y teclista que forma parte de este ‘Vampiro Tour 2026’ de OBK es Sergi Pérez que junto al guitarrista de sesión habitual del grupo, David Amat, conforman toda la formación

Piezas como ‘Historias de amor’, ‘La princesa de mis sueños’, ‘Llámalo sueño’, ‘Dicen’ este ya en 1993, como también ‘Robarle al tiempo’, ‘Todavía’ o ‘Lágrimas de soledad’. Como ese disco del 93 tuvo algunas críticas, OBK publicaron en 1995 ‘Mi razón de ser’, que les devolvió el éxito de sus primeras canciones y les alejaba un poco de lo que habían hecho hasta entonces. En 2012, Arjona decidió bajarse del proyecto OBK pero según Jordi Sánchez, lo hizo como un caballero y le permitió continuar usando el nombre y los temas anteriores como los que surgieran a partir de entonces. En el concierto del MURCIA ON, Miguel Ángel Arjona (no el cofundador, sino el teclista que hace este tour 2026) estuvo junto a Jordi Sánchez y el guitarrista de sesión (y habitual en OBK) David Amat disfrutando y haciendo disfrutar a los seguidores que acudieron a esta cita. Una actuación que, sin duda, predispuso la buena onda del ambiente de los presentes para recibir, tras los 30 minutos posteriores, a uno de los nombres importantes del pop británico de la década de los 90 del siglo XX: Rick Astley.

Richard Paul Astley, más conocido en el mundo del pop como Rick Astley, fue uno de los nombres que cobraron un excelente protagonismo allá por la década de los 90 del pasado siglo XX. Su pop fresco lo convirtió en un icono o referente inequívoco de ese movimiento en el Reino Unido. Posee un historial que comienza en 1985 como cantante de una formación de rock, FBI, que abandonó cuando un productor se fijó en él y le propuso grabar en solitario. Astley es un poli faceta y no sólo canta, sino que toca varios instrumentos, es actor, ha sido locutor de radio y, además, aprendió todo el proceso de grabación en estudios musicales, hasta llevar a cabo su primera publicación en 1987, ‘Never Gonna Give You Up’, que se convirtió rápidamente en un éxito arrollador y con el que cerraba, en la noche del pasado sábado 11 de julio, su concierto en el MURCIA ON.

A pesar de haber cumplido los 60 años en febrero pasado, Rick Astley se muestra ágil sobre el escenario y derrocha simpatía hacia el público con el que conecta inmediatamente de aparecer en escenario, además de bromear con su banda durante todo el concierto. Un espectáculo que se iniciaba con un sencillo que, como de costumbre, se convirtió en éxito en 2010: ‘Lights out’, para continuar con otro de sus impactos musicales en los mercados europeos: ‘Together Forever’, su segundo número 1 en las listas norteamericanas en 1988.

Tras esta canción, la primera pausa para dar las buenas noches y dirigirse al público. Lo primero de todo fue expresar el inmenso calor reinante en la noche del sábado en Murcia, para continuar dando las gracias por la acogida tan humanamente calurosa que había recibido. La presencia británica se hizo de notar a lo largo del concierto, con la que Astley intercambiaba bromas y guiños. Pero no solamente con ellos (lógico ya que son compatriotas) sino también con el público español que conformaban, juntos, ese enorme batallón de fans del británico y que, sin duda y por el aspecto veterano de un gran número de ellos, seguidores de Rick Astley desde aquellos primeros impactos de éxito en los mercados musicales de unas décadas atrás.

Así que una vez bien definida la línea argumental y la conexión músicos-público, el espectáculo continuó con una lista que resultaba muy agradable y adecuada. Sonaron ‘Dippin’ my feet’, ‘Waiting on you’, ‘‘She wants to hus band’ en la que se subió a la batería por primera vez, para continuar preparándose un cocktail tras agitar la coctelera y servirlo en una perfecta copa que dio a probar al vocalista Jermain Jackman, mientras sonaban los primeros compases de ‘Hold me in your arms’; la canción que dio título a su segundo álbum lanzado en 1988 y que alcanzó otro de sus éxitos discográficos entonces.

El público disfrutaba del concierto como enanos y la noche, aunque muy tórrida, se presentaba muy apropiada para dar rienda suelta a las emociones y sensaciones de cada cual. Rick Astley lo veía y acompañaba muy bien lo que, desde el escenario, captaba en cada minuto del concierto. Las bromas y diálogos con el público continuaron durante todo el espectáculo y el británico se hacía de querer, sin ningún género de duda. Así que desplegó otra parte de su repertorio sobre el coso taurino como ‘Dance’, ‘Cry for help’, hizo un mínimo alto para explicar que la siguiente pieza fue llevada por Hollywood al cine, pero que ellos iban a recordar a su autor, Roy Orbison, con ‘Pretty woman’ (uno de los momentos más nostálgicos de la noche) y finalizó con el pegadizo y muy británico ‘Raindrops’.

Y cómo se mostraban y movían en sus asientos y puestas en pie aquellas seis mil quinientas almas. Si te fijabas en sus rostros comprobabas la felicidad y alegría inmensa, el disfrute sin fronteras que reflejaban con la música que Rick Astley les estaba proporcionando. Y en el escenario, los diez músicos que desde allí lanzaban su buen hacer musical también dejaban ver su disfrute y alegría. Para calmar un poco el sofocante calor húmedo murciano, Astley cantó ‘Never gonna stop’ que fusionó con ‘Keep singing’, que abre su octavo disco grande del británico grabado y lanzado en 2016.

Calmados ya un poquito los cuerpos, Rick Astley volvió a la carga rítmica con ‘Whenever you need somebody’ llevándonos, de nuevo, a su pop de 1987 en cuyo primer LP se ubicaba esta pegadiza y rítmica canción inequívocamente británica. ¡Qué maravilla de banda y de música! El personal estaba disfrutando a tope. Se les veía y no se ocultaban de ello. Había un aura de buen rollo y vibraciones, que te animaban si es que todavía no lo estabas del todo. Para que el momento no decayera, Astley optó por otra pieza, pero ahora, de su segundo álbum de 1988 titulada ‘Take me to your hearth’.

Era un buen momento, para marcarse otro ratito en la batería. Así que su baterista saltó del set percusivo y tomó una guitarra ocupando Astley su lugar. La pieza, en cuanto su guitarrista dejó sonar las primeras notas, nos enervó a todos. ‘Highway to hell’, el exitazo que en 1979 llevó a sus protagonistas, AC/DC, al estrellato absoluto y el último que pudo grabar su malogrado cantante Bob Scott que fallecería un año después, puso a todo el aforo de pie para cantar con Astley y bailar al ritmo que desde la batería marcaba el británico. Una especial mención al solo limpio e impecable del guitarrista de su banda Adam Evans, que cuenta entre los músicos británicos con una más que sobrada solvencia y seguridad.

El final se acercaba con ‘Angels on my side’, tras la que Rick Astley se dirigió al público indicando “¿Uno más?”, mientras el público le respondía “Nooo”. Bueno tenía varios temas más preparados, pero el ambiente meteorológico era tan asfixiante, que comenzó a sonar ‘Never Gonna Give You Up’ y el público cantaba con toda la banda este éxito de Rick Astley, que aprovechó para llevar a cabo una original presentación de sus nueve músicos en el escenario. En los coros, el vocalista Jermain Jackman, quien también acompañó en algunas canciones a la guitarra. Con él, las magníficas voces femeninas de Dawn Joseph y Andrea Grant. El sólido guitarrista británico Adam Evans. Dos mujeres más en la sección de vientos. Sarah “Sazz” Watts, saxo, flauta y Emma Bassett, trompetista y percusión. La sección rítmica estaba a cargo de Julian Cox, bajo y teclados, junto a Simon Merry, batería, quien le mostró a Astley que tenía puesto en el móvil el partido del mundial que, en esos momentos del concierto, disputaban Noruega e Inglaterra que ganó ésta última por 1 a 2 goles. Imagínense la alegría posterior. Y finalmente, el teclista Rob Taggart, que era otra de las bases sobre la que descansa esta banda.

En resumen, una noche dedicada al tecno pop / synth-pop del grupo español OBK, que supo caldear el ambiente humano y predisponerlo para, posteriormente, recibir a uno de los iconos del pop británico de finales de los 80 y protagonismo más destacado con la década de los años 90 del pasado siglo XX: Rick Astley. Con él, el público disfrutó a tope de su música que no ha perdido vigencia y que, tras quince años de silencio y retiro, regresó en 2008 para continuar creciendo como artista. Noche muy sofocante en lo meteorológico y de gran calor humano muy a lo british.

La gira internacional que protagoniza Alejandro Sanz, ‘¿Y ahora qué?’ por tierras hispanoamericanas, estadounidenses y españolas llegó a Murcia. Una tournée que comenzó en 2025 por Hispanoamérica, continuó por Estados Unidos y ahora, en el tiempo estival, llega a diversas ciudades españolas ya entrado 2026. En Murcia ha parado dos días dentro del ciclo MURCIA ON. El primer concierto se celebraba este pasado miércoles día 8, con un aforo de cerca de 8.000 seguidores del cantautor, de los que daremos detalles más adelante, y un segundo que colgó hace tiempo el cartel de ‘agotadas las entradas’ el jueves 9.

La expectación que desde siempre ha despertado el cantante volvió a repetirse en este primer concierto, de las dos fechas reservadas para Murcia; una tierra muy querida por Alejandro Sanz, donde tiene muchísimos seguidores como quedó patente a lo largo de las poco más de dos horas de actuación. Dejó muestra de su liderazgo musical una vez más, en un concierto que se iniciaba con una introducción musical y visual pregrabada y apareciendo, tanto banda como el propio Alejandro Sanz, con las primeras notas de ‘Desde cuando’.

El público estalló en una enorme exclamación de alegría y vítores a su ídolo, que mostraba inequívocamente la fidelidad que ha guardado al músico durante tantas décadas. Sin mediar palabra (tan sólo mientras interpretaba estos dos primeros temas lanzaba un “Dímelo, Murcia”) arrancó otro de sus éxitos coreados todos ellos a lo largo de la noche, por esas casi ocho mil personas que se habían citado en la plaza de toros murciana, para disfrutar sin frontera o muro alguno con piezas de su trayectoria como ‘Capitán tapón’.

Una primera parada para preguntar “¿Cómo están”, respondiendo el respetable “Bien” y replicando él “Yo también”. Acto seguido destacó que la siguiente canción la escribió ocho años atrás y aunque parezca mentira, aún tiene vigencia como reza la letra de ‘Por bandera’: “Por bandera, esa persona que te espera / por bandera, las cosas que dejaste a medias / por bandera, las tardes de risas y sin problemas / por bandera, ver atardecer desde mi ventana”.

La noche del pasado miércoles 8 de julio, en Murcia, fue muy tórrida tanto en lo meteorológico como en lo humano. Y así lo destacó el cantante con un “Bueno, qué calor hace ¿no?”, para continuar con ‘Bésame’. Prácticamente estábamos al comienzo de este primer concierto de los dos programados por Alejandro Sanz en Murcia y el coso taurino hervía por ese calor humano. Así que el trombón de la benjamina del grupo musical, la cubana Judith, protagonizó la introducción de ‘A la primera persona’. Continuó una larga introducción de piano, con la que el cantautor madrileño confesó que “entonces la música se metió en mi corazón, me lo espachurró como si fuera un bocadillo envuelto en un papel de plata y me dijo: ¿Sabes qué? A partir de ahora eres mío. Y le dije: Vale. Tenía siete años y hoy, a los (aquí hizo como la recordada Lina Morgan) taintantos (risas francas del público) estoy en Murcia, para cantarles”. Y dejó sonar ‘Mi soledad y yo’, que habla de ese novieta que se nos marcha a la costa de vacaciones con su familia y él, el novio, se queda en la gran ciudad esperando su regreso porque “Por favor / Cuando puedas llámame / Que mi soledad y yo / Sin ti no nos llevamos bien”.

Ya les había adelantado que el público coreaba; bueno, más que corear cantaba con Alejandro Sanz las letras de sus canciones como ‘El vino de tu boca’, al que Alejandro le puso un preámbulo de humor expresando “Qué de abanicos. A ver si pueden hacer una gran ola que llegue hasta el escenario. Tampoco ha hecho tanto calor. La gente es que es muy exagerá. La gente no sabe lo que dice, contestando los asistentes, No. La gente es muy exagerá, respondiendo, Sííí. ¡Qué calor ha hecho hoy! Pero aquí están. ¿Por qué? Porque nosotros somos más fuertes que todo eso. No hay nada que una canción no pueda solucionar. La siguiente canción no es lo que pega ahora mismo; lo que pega ahora mismo, a lo mejor, es una sangría o parecido como ‘El vino de tu boca’.

La banda que acompaña a Alejandro Sanz en esta gira de dos años es muy internacional, con preferencias sobre los músicos latinos. Hay cuatro mujeres procedentes de Cuba, Perú y Canarias. Luego están Bosnia, Barcelona, Nueva York (más adelante les contaré la anécdota sobre esto) y un director del grupo de Sicilia pero hecho en el Bronx, que es uno de los cinco distritos de la ciudad de Nueva York, conocido por su rica historia, diversidad cultural y ser la cuna del hip hop entre otros diversos atractivos. Con ellos los dejó -no sin antes advertirles que llevaran, el público, cuidado con las carteras-, para que sonara una pieza fusionada entre el hip-hop, funky y ritmo latino que puso más calor musical sobre el aforo murciano. Uuff, qué ritmazo. Sonando todavía los aplausos a esta banda, se escuchó la voz de Sanz preguntando “Murcia ¿estás ahí?, a lo que respondió un unánime Sííí”. Y anunció ‘Quisiera ser’. Luego, de nuevo, un breve monólogo del cantautor con su público para indicar que “la música tiene un poder increíble; hijo mío, desde que nos despertamos por la mañana erre que erre, erre que erre. Todo son malas noticias, todo es política, todo es y tú más, todo son peleas… Déjame escuchar una cancioncita tranquilo. De eso se trata en la música. ¿Qué llevamos aquí unas cinco horas, más o menos no?” Como pueden apreciar, los toques de humor en un madrileño que siempre ha bebido el sentir andaluz de sus padres están siempre al quite. “Que por nuestro corazón y cabeza sólo pase lo bello de la música; lo bonito de estar vivos, de querer, de compartir. Qué maravilla. Viva la música y la gente a la que le gusta la música. En esta gira, proseguía Alejandro Sanz, estoy recordando mucho a un amigo mío que ya nos dejó, Jesús Quintero ‘El loco de la colina’, que decía muchas cosas acertadas y otras con las que discutíamos, pero una de las que estábamos de acuerdo era que una canción no puede parar un tanque, pero le puede partir el corazón al guerrero que lo conduce. Así que, si podemos, esta noche parar un tanque lo vamos a hacer o por lo menos, le vamos a partir el corazón a algún guerrero”. Y finalizó anunciando el título de su siguiente canción: ‘Hoy, no me siento bien’.

Luego, el concierto continuó con un medley conformado por ‘Regálame la silla’, ‘Amiga mía’ y ‘Déjame que te bese’ que provocó uno de los momentos rítmicos del concierto, aunque el personal no cesaba de bailar y ello provocaba, cómo no con ese calor meteorológico, que le pidieran botellines de agua a cada momento; sobre todo, aquellos que se ubicaban en las primeras filas de pie junto al escenario. En ese momento sonaron las notas de ‘Las guapas’, canción de su último álbum de estudio y el que protagoniza esta gira internacional, que no daba respiro al público en el baile.

El regreso a las canciones más románticas fue protagonizado por una de las más intimistas de su repertorio titulada ‘Cuando nadie me ve’, que tuvo una introducción notable de la bajista canaria Brigitte Sosa. A ella le siguió ‘El alma al aire’ y ‘Mi marcianica’. Después otro momento para la guasa andaluza que Sanz domina como pocos (es Hijo Predilecto de la provincia de Cádiz), con estas expresiones: “Estamos llegando al final. He traído una rebeca por si refrescaba (nótese la ironía de la noche calurosa). Estoy llorando por dentro; acabamos aquí o hacemos 250 canciones más” Obviamente, el público contestó al unísono que 250 canciones más. Y la réplica del cantante fue “es que ‘No es lo mismo’. Así que sonaron las notas de uno de sus exitazos, dentro de su extensa trayectoria que, creo, no hubo nadie que no la cantara en todo el aforo y que Alejandro Sanz dejó, como en otras canciones del concierto, que los fans interpretaran estribillo o trozos de la canción.

El programa oficial del concierto finalizaba con ‘Aquello que me diste’. Saludo de despedida de toda la banda desde el escenario, apagado de luces, pero no de los amplis y demás artilugios de sonido necesarios. Lo que, naturalmente, llevaba a los asistentes a saber que habría un poco más, aunque insistieran en ello. Tras un par de minutos, Alejandro Sanz y sus músicos regresaron al escenario, formaron un semicírculo pequeñito y comenzaron a tocar. Con ese fondo, Sanz fue presentando uno a uno a todos sus músicos no sin antes indicar que había sido todo un reto. En la guitarra y trompeta, desde Bosnia, el señor Miron Rafajlovic. Continuó con la benjamina del grupo procedente desde Cuba, que interpreta con el trombón de varas, percusión y voces: Judith. Y desde Barcelona, el piano y la voz de Alfonso Pérez. El bajo eléctrico y el contrabajo son los dominios de la canaria Brigitte Sosa. De vuelta a Cuba, Sanz presentaba a Karina Pasian, que le acompaña en los coros y voces. Llegados a este momento, se dio un momentico simpático (de los varios que hubo) porque el personal gritaba “Nueva York” y Alejandro les decía que no lo pronunciaban bien. Que lo dijeran con él “Nueva Yol”. Es cierto. De todos los años que llevo escuchando música, entrevistas, películas en original o en doblajes al español y para hacerlo absolutamente original a cómo se pronuncia por los hispanos en la ciudad de los rascacielos, les he de asegurar que es así, exactamente así, cómo lo pronuncian. Pues desde allí, llegaba Chris Hierro en los teclados. En la batería, una mujer que ponía el metrónomo de la banda, además de tocar a la perfección el cajón; y no era de extrañar, porque es uno de los instrumentos autóctonos de su país, Perú: El cajón, que Paco de Lucía incorporó al flamenco hace décadas. De todo ello se encargaba la señora Gisella Giurfa. Y por último y no menos importante, un músico que unía el Bronx neoyorkino y su país de procedencia, Sicilia, por lo que nada podía salir mal, según destacaba Alejandro Sanz. El guitarrista y director musical Mike Ciro.

Y con ese fondo musical que le sirvió para esta detenida presentación, también le sirvió para solicitar un enorme aplauso para todo el personal que trabaja en esta gira y en el MURCIA ON. El fondo musical acompañó a ‘Y si fuera ella’. Con posterioridad, la banda se recolocó cada cual en su lugar y dejaron sonar ‘Lo ves’, con la que el público continuaba disfrutando de un concierto que fue, decididamente, caluroso en todos los sentidos. El broche a dos horas y diez minutos, al borde mismo de la medianoche, no podía ser otro que ‘Corazón partío’. Como destacó Alejandro Sanz, “entonces, cuando parece que ya todo se ha dicho, se dice una última cosa y así nos despedimos. Os quiero dar las gracias por haber venido. Ámense sin miedo, hagan lo que quieran, viva la vida y la música. No pierdan el tiempo, porque es lo más valioso que tenemos y si lo perdemos que sea escuchando una canción. Que Dios me los bendiga. Mira, ésta la escribí ayer” y sonó el estribillo con tal fuerza vocal, que hasta una manzana más allá de donde su ubica la plaza de toros murciana se escuchaba ese ‘Corazón partío’.

En definitiva, una noche de intenso calor meteorológico y humano para envolver con muchísimo cariño a este intérprete de la música universal, ganador de 22 Grammy Latinos y cuatro Premios Grammy. El cantante español que ha vendido más de 25 millones de discos a lo largo de su trayectoria y persona muy comprometida con iniciativas sociales como ‘Salvar el Ártico’ o promotor incansable de Médicos sin Fronteras. En definitiva, una persona cercana y sencilla que le canta al amor y a la vida, sin despreciar las denuncias cuando hay que hacerlas. Ese es Alejandro Sanz.

AADK Spain, plataforma de artistas que desde 2012 desarrolla un programa de residencias situadas, ha invitado a Marco Ranieri e Irene Trapote a crear un bosque comestible en el entorno urbano de Blanca, un proyecto que propone repensar la relación entre arte, agricultura y comunidad. Además, cuenta con el asesoramiento de Felix Soriano, ingeniero medioambiental, y Paloma Zamora, facilitadora y mediadora experta en procesos participativos y cogobernanza. El próximo sábado 20 de junio, en el corazón del Valle de Ricote, se dará la bienvenida al verano en un huerto urbano ecológico que nace como “un espacio de encuentro entre comunidades humanas y más-que-humanas”.

Este lugar surge de la necesidad de generar “nuevos vínculos con nuestro entorno a través del arte”: vínculos con los vecinos y vecinas, con la memoria del territorio, con las plantas, con los ciclos naturales y con los saberes que durante generaciones han construido la identidad de este paisaje.

“Al adentrarnos en la historia y el presente del Valle de Ricote surge una pregunta: ¿qué sentido puede tener un huerto urbano en un entorno tradicionalmente rural? Las respuestas son múltiples”, se plantean desde AADK en una nota de prensa.

Por un lado, la agricultura tradicional ha experimentado una “profunda transformación” durante las últimas décadas. Los métodos industriales han sustituido progresivamente muchas prácticas vinculadas al cuidado del suelo y al equilibrio de los ecosistemas, mientras que “la lógica de un mercado globalizado ha debilitado los modelos de producción y consumo de proximidad, afectando especialmente a los pequeños agricultores”. Paralelamente, las nuevas generaciones se han ido alejando de los conocimientos vinculados a la tierra, hasta el punto de que algunos saberes cotidianos del mundo rural comienzan a desaparecer.

“Nuevas formas de imaginar futuros posibles”

Frente a estas transformaciones, muchas prácticas artísticas contemporáneas han encontrado en las preocupaciones ecológicas y sociales de nuestro tiempo un espacio de investigación y creación. El arte medioambiental, relacional y comunitario plantea “nuevas formas de estar juntos y de imaginar futuros posibles”.

El Bosque de Saberes responde a esta inquietud. “No se trata únicamente de crear un huerto para producir alimentos, sino de generar un espacio de relación con la vida. Un lugar de convivencia entre generaciones donde intercambiar conocimientos y perspectivas; un ecosistema compartido con plantas espontáneas que atraen polinizadores, árboles que ofrecen fruto y sombra, y espacios donde reunirse, conversar y aprender”.

Este bosque funciona como un lugar para recuperar “saberes, patrimonio inmaterial y memoria paisajística; un espacio donde reflexionar sobre soberanía alimentaria, colaboración entre especies y otras formas de entender nuestra relación con el entorno, más allá de la lógica de explotación y competencia”.

Aquí el arte trasciende el objeto como producto para convertirse en “un activador de conciencias y un generador de experiencias compartidas”. Un arte que sitúa “los cuidados, la belleza y las relaciones en el centro de nuestra manera de habitar el mundo”. La celebración culminará con la puesta de sol y la degustación comunitaria de los primeros frutos de este bosque.

Desde AADK reivindican “una cultura contemporánea situada en los entornos rurales: espacios de transformación, aprendizaje e intercambio donde los saberes campesinos y las prácticas artísticas de vanguardia puedan encontrarse y retroalimentarse. Lugares desde los que imaginar un futuro esperanzador y construir un presente basado en una mayor sensibilidad hacia todo aquello que nos rodea”. 

La asistencia a los conciertos que ha programado para este año el ciclo MURCIA ON, que organiza Ibolele Producciones, nos está proporcionando el ser testigos directos no de fenómenos extraños (por cierto, el famoso y recordado grupo murciano que apareció a finales de 1989 en el Instituto Infante y se hizo muy popular rápidamente y que continúan haciendo de las suyas; ya me comprenden), sino de cómo todo un aforo de algo más de nueve mil personas -la mayoría de ellas, mujeres- estallan de manera unánime cuando aparece La Oreja de Van Gogh en el escenario. Y ese estallido es aún mayor, cuando emerge en el centro de ese escenario Amaia Montero. Ahí no existen consignas, ni adiestramiento previo. Ahí lo que se aprecia y se comprueba son las ganas de volver a contemplar a una de las bandas españolas más escuchadas desde los años 90 del pasado siglo XX hasta nuestros días.

Como le ocurriera al pintor que, en cierta manera da nombre a este grupo, su trayectoria ha sido exitosa pero no exenta de etapas polémicas y preocupantes. Y aún así continúan moviendo grandes aforos de fans, como el que se vio en su primer concierto, de los dos programados, en el MURCIA ON. En el ruedo de la plaza de toros murciana no cabía ni un alma más. Si hubiera sido el caso, me habría sentido agobiado al estar muy pegado a mi vecino o vecina en la arena, de pie y con el calorcito que este sábado 13 de junio nos dejó el termómetro a las diez menos cuarto de la noche. La escasa diferencia que se daba el estar en la grada era que, al menos allí, las distancias están más acotadas por las butacas.

Con 17 minutos de retraso sobre el horario fijado por la organización (a mi alrededor había comentarios para todos los gustos y mejor no los relato), los cuatro músicos que conforman actualmente esta formación de San Sebastián en el País Vasco aparecieron en escena. Podías contemplar, de izquierda a derecha según mirabas al amplísimo escenario y, por cierto, muy bien diseñado a modo de pantalla panorámica modular móvil de fondo blanco, sobre el que se proyectaban diferentes fondos de vídeo pregrabados o la imagen en directo del grupo con detalles o primeros planos. Pues como señalaba podías contemplar por este orden, a Xabi San Martín (teclados); Haritz Garde (batería); Imanol Goikoetxea, guitarra contratado para esta gira 2026 ‘Tantas cosas que contar’ que consta de 35 conciertos (los de Murcia son el 7º y 8º), que se inició en mayo en Bilbao finalizando el próximo 30 de diciembre en Madrid. Y finalmente, a la derecha de ese escenario, el bajista Álvaro Fuentes. Cada uno de ellos se ubicaba sobre una plataforma redonda dibujando ese semicírculo y en el centro más adelantada desde la que emergió la mítica voz de La Oreja de Van Gogh, Amaia Montero, que provocó ese mayor estallido del público asistente. 

Tras una breve introducción musical, Amaia apareció con las primeras estrofas de ’20 de enero’, de su tercer disco grande ‘Lo que te conté mientras te hacías la dormida’ publicado en 2003, que desató un coro de voces unánime sin equivocaciones en la letra. Fue algo parecido a lo ocurrido ocho días atrás con Pablo Alborán (en el comportamiento del público, cantando de principio a fin del concierto sin descanso). Tras ello, otro aldabonazo musical de LODVG con ‘Deseos de cosas imposibles’ y ‘El último vals’; la primera de ese mismo álbum y la segunda del publicado en 2008 ‘A las cinco en el Astoria’.

¡Qué efervescencia humana! En ese momento, Amaia Montero se dirigió a ese enorme aforo dando las gracias a Murcia, con el brevísimo relato de algunas de sus poblaciones visitadas en otros tiempos pasados y constatando que esta tierra siempre los ha acogido con este calor humano. Tras ello, sus compañeros atacaron las primeras notas de ‘Nadie como tú’ (muy adecuado para poner un brillante broche a su alocución), para continuar con una primera selección conformada por canciones que el respetable se sabía de ‘pe a pa’ sin pestañear. Títulos como ‘Dicen que dicen’, ‘La chica del gorro azul’, ‘Dulce locura’ o ‘Todos están bailando’, añadiría y de qué manera porque casi todo el concierto el personal no podía estar quieto en sus butacas; se ponían de pie y bailaban y agitaban sus brazos, de un lado hacia el otro. Una demostración inequívoca de energía y alegría que se comprobaba desde cualquier espacio del coso taurino. 

E inesperadamente, Amaia Montero desapareció del escenario. El momento tenía su explicación poco después. Sonaron los acordes de ‘Mariposa’ y volvió a emerger en la plataforma central, pero en esta ocasión para cantarnos a unos seis metros de altura sobre el escenario esta pieza del segundo álbum de su discografía titulado ‘El viaje de Copperpot’. Resultó algo espectacular ver a Amaia sobre elevada a todos y cantándonos cosas como ‘Cada fallo / Cada imprecisión / Cada detalle / Todo bajo control / La casualidad se puso el disfraz de una mariposa / … Si hubiera esperado un segundo más el amor / Ni mis gestos ni mi propia voz / Ni mis besos serían hoy de los dos’. Toda una descripción de una relación que tiene una fragilidad emocional. Años más tarde de esta canción, Amaia (es bien conocido porque se publicó en casi todos los medios informativos) sufrió de una terrible depresión y ansiedad de la que salió felizmente.

Sinceramente les diré que, observando detalles del concierto de La Oreja de Van Gogh en Murcia, me pregunté en varios momentos quién necesitaba más a quien; si Amaia al grupo o el grupo a Amaia. Si el público a la banda original (en esta gira, no están los cinco originales porque el guitarrista y compositor de muchos de aquellos primeros éxitos, Pablo Benegas, cuando a finales de 2024 se habló del regreso de Amaia confirmándose a principios de 2025, Benegas decidió hacer un alto en el camino y no aparecer en los conciertos ni grabaciones. No se ha marchado, pero no participa en estos momentos de gira y grabaciones). Es todo muy curioso porque precisamente ambos, Pablo y Amaia, siempre se han mostrado muy unidos dentro del grupo como si fueran el gran pilar de la banda. Pero también se especuló en su momento, que debido a diferencias insalvables entre ambos Amaia decidió dejar el grupo. Hay para diversos gustos y versiones.

Bueno, elucubraciones aparte que el tiempo hará ciertas o no, La Oreja de Van Gogh había logrado acaparar la atención de un público que le sigue siendo fiel a pesar de sus idas y venidas. Estábamos casi a mitad de concierto y la banda lanzó otra serie de éxitos por todos los presentes recordados y coreados como ‘Vestido azul’, ‘Tan guapa’, -que interpretó junto al teclista Xavi San Martín con el que se fundió en un largo abrazo, a su término, y selló con un beso entre ambos-,‘Paris’, ‘Cuéntame al oído’ (de los más potentes para sus fans), ‘Pop’ o ‘La playa’. Amaia dejaba, en muchas de estas canciones, que fuera el público el que cantara estribillo o estrofas y la verdad, el resultado era asombroso porque parecía que habían estado ensayando previamente. Pero no era así quedaba cristalino. 

La mayoría del repertorio elegido para esta gira 2026 de La Oreja de Van Gogh pertenece a los discos grabados del periodo de Amaia Montero, antes de su marcha del grupo para hacer carrera en solitario. Una separación que fue dura para todos, pero la comprendieron y los cuatro músicos fundadores desearon suerte a su amiga de tantos momentos vividos. Uno de ellos fue el primer impacto discográfico que la banda logró en 1998, ‘El 28’, en clara alusión al número de autobús urbano de San Sebastián que los trasladaba al barrio donde tenían su local de ensayo. Fue otro de los momentos cumbre de esta gira en el MURCIA ON, donde el personal cantaba y bailaba como si no hubiera un mañana.

Con ‘Soledad’ y ‘Rosas’ (en uno de los planos del público, se podía leer una pancarta que rezaba: “Soy tan feliz”) finalizaba, oficialmente, la actuación de esta formación donostiarra que ha rescatado, en 2025, a su cantante fundacional Amaia Montero. Pero no acabaría ahí su presencia en el escenario porque para sus fans, La Oreja de Van Gogh tenía preparado un largo bis de cuatro canciones más. Así que regresaron al escenario al poco de marcharse, cambio de camisetas de algunos de ellos y a continuar con ‘Perdida’, ‘Cuídate’, ‘Muñeca de trapo’ para culminar con toda una declaración de intenciones: ‘Puedes contar conmigo’.

En suma, otra noche exitosa para el ciclo MURCIA ON con el lleno logrado por La Oreja de Van Gogh que sigue gozando, de manera inequívoca, de un enorme seguimiento de sus fans recogidos en el tiempo. Tal vez, el regreso de Amaia Montero haya incentivado tanta expectación por esos fans, pero si realmente no ofreces buena música y canciones que te pellizcan, como indican los flamencos, el panorama no sería tan demoledor. Resultó como un deseo hecho realidad. Felicidades.

Resulta difícil imaginar que uno de los barrios más importantes de la Murcia andalusí naciera, literalmente, sobre un vertedero. En el mismo lugar donde, hoy, miles de personas pasean cada día entre el Palacio de San Esteban —sede de la Presidencia y del Consejo de Gobierno de la región—, la avenida de la Libertad y El Corte Inglés, el subsuelo guarda la historia de un espacio que durante décadas sirvió para acumular cenizas, escombros y residuos domésticos antes de transformarse en el gran arrabal medieval de la Arrixaca, el principal barrio extramuros de la ciudad de Mursiya.

Es el gran giro de guion que están revelando las últimas excavaciones del yacimiento de San Esteban, un conjunto arqueológico de aproximadamente 10.000 metros cuadrados situado en pleno corazón de la Murcia actual. No se trata únicamente de un hallazgo excepcional por la calidad de sus restos, sino de una auténtica cápsula del tiempo que está obligando a revisar el relato sobre cuándo —parece que a principios del siglo XII— y cómo nació un enclave cuya relevancia trasciende el ámbito científico.

Cuando en 2009 comenzaron las obras para construir un aparcamiento subterráneo bajo los jardines de San Esteban, las excavaciones sacaron a la luz un barrio islámico prácticamente intacto. Lo que iba a ser una actuación urbanística terminó convirtiéndose en uno de los mayores conflictos patrimoniales de la historia reciente de la Región de Murcia. Arqueólogos, historiadores, asociaciones vecinales, colectivos sociales, diversas organizaciones y los partidos políticos PSOE e Izquierda Unida (IU), impulsaron una plataforma ciudadana que promovió movilización sin precedentes para reclamar la conservación íntegra del yacimiento, convencidos de que el valor histórico del conjunto era incompatible con la construcción del estacionamiento.

La dimensión del hallazgo fue resumida por el arqueólogo y exdirector del Museo Arqueológico Nacional, José María Luzón Nogué, con una frase que todavía hoy sirve para medir su importancia: “No hay una ciudad que pueda mostrar la historia de una época en esta extensión en ningún otro lugar”. No era una exageración. El arrabal de la Arrixaca constituye uno de los conjuntos urbanos andalusíes mejor conservados de Europa y permite estudiar, casi casa por casa y calle por calle, la evolución de una ciudad medieval.

Jorge Eiroa Rodríguez, arqueólogo y profesor de la Universidad de Murcia (UMU), es el director de la investigación arqueológica y miembro clave del Comité de Expertos encargados de garantizar el rigor científico y la adecuada musealización. Este reputado especialista resalta el gran valor de este patrimonio que “sin necesidad de ser monumental, es extraordinariamente representativo de lo que era la realidad en el pasado”. Para Eiroa, es una cuestión “de justicia” que la ciudad “recupere un conjunto patrimonial que pueda mostrar la historia islámica de Murcia en su momento de mayor esplendor”.

Una victoria ciudadana

La presión social e institucional para salvar el yacimiento resultó decisiva. Tras años de controversias, recursos judiciales, cambios de criterio administrativo y una indemnización de 6,4 millones de euros a las empresas adjudicatarias del aparcamiento, el proyecto fue definitivamente descartado y San Esteban pasó de ser un solar destinado a un parking a convertirse en una prioridad patrimonial. Quince años después, las excavaciones no solo continúan: están reescribiendo los orígenes de la Murcia que hoy se levanta sobre ellas.

Una de las voces más combativas en la defensa del yacimiento fue la del profesor de Arqueología de la Universidad de Murcia Javier García del Toro, fallecido en 2023. En esos días de movilización social, García del Toro contaba emocionado que, tras 35 años de profesor, “nunca había visto nada parecido para salvar un trozo de historia”.

Una financiación decisiva para desbloquear el proyecto

Salvar el yacimiento fue solo el primer paso. Durante más de una década, San Esteban permaneció condicionado por la falta de financiación suficiente y por la enorme complejidad técnica que supone intervenir sobre un barrio medieval de estas dimensiones.

El impulso definitivo ha llegado gracias a la colaboración entre administraciones y, especialmente, a la aportación económica del Estado, cuya financiación ha permitido afrontar las labores de excavación, conservación y la futura musealización del enclave. Sin esa inversión pública —más de 33 millones de euros, la mitad aportada por el Gobierno de España, otro 25% por la comunidad autónoma y un 25% más por el Ayuntamiento de Murcia— habría sido muy difícil desarrollar un proyecto de esta envergadura, llamado a convertirse en uno de los grandes referentes arqueológicos del sureste peninsular.

Mientras avanzan los trabajos, los investigadores continúan obteniendo datos que responden a preguntas planteadas desde el descubrimiento del yacimiento. Una de las más importantes era determinar cuándo comenzó realmente a poblarse este sector de la antigua Arrixaca Vieja.

Del vertedero al barrio

Las conclusiones preliminares de los arqueólogos apuntan a que la zona situada junto a la medina islámica no estuvo urbanizada desde los primeros momentos de la historia de Murcia. Antes de convertirse en un barrio densamente habitado, aquel espacio funcionó durante décadas como una amplia área periurbana utilizada para depositar residuos, escombros y restos de actividades domésticas.

El director de la intervención arqueológica, Clemente López Sánchez, ha explicado que los investigadores han documentado grandes depósitos de cenizas, carbón y materiales de desecho que evidencian ese uso inicial del terreno. Lejos de ser una información secundaria, esos estratos constituyen una fuente extraordinaria para reconstruir la evolución del barrio.

Los restos de cerámica, huesos de animales y otros materiales recuperados han permitido fechar con mayor precisión las distintas fases de ocupación. Gracias a ellos, los arqueólogos sitúan el inicio de una urbanización estable a finales del siglo XI o comienzos del XII, una cronología más tardía de lo que se había planteado hasta ahora. “Todos lo que estamos encontrando es un reflejo fiel de la vida cotidiana de los primeros murcianos que habitaron el arrabal”, explica López.

Este proceso coincide con una etapa de gran dinamismo para la Mursiya andalusí. Tras el declive del Califato y durante el periodo de las segundas taifas, especialmente bajo el gobierno de Ibn Mardanis, conocido como el Rey Lobo, la ciudad experimentó un importante crecimiento económico y demográfico que habría favorecido la expansión urbana hacia zonas periféricas hasta entonces escasamente ocupadas.

La cerámica que permite fechar una ciudad

Si existe un material capaz de contar la historia de una ciudad medieval, ese es la cerámica. Entre los objetos recuperados en San Esteban aparecen recipientes de almacenamiento, utensilios de cocina, platos y vasijas de uso cotidiano que, para los especialistas, funcionan como un auténtico calendario arqueológico.

La abundancia de determinadas producciones, como la denominada cuerda seca parcial, junto con la ausencia de otras tipologías posteriores, ha resultado fundamental para situar cronológicamente el inicio de la urbanización del sector excavado.

Además, algunas piezas muestran influencias de importantes centros productivos de Al-Ándalus, reflejando las conexiones comerciales y culturales que mantenía Murcia con otros territorios peninsulares.

Una ciudad más avanzada de lo que se imaginaba

Los nuevos trabajos también están sacando a la luz una faceta menos conocida de la Murcia medieval: su sofisticada gestión del agua y de los residuos.

La excavación ha permitido identificar complejos sistemas hidráulicos domésticos integrados en las viviendas. Canalizaciones, conducciones de agua, estructuras de evacuación y letrinas forman parte de una red que demuestra un grado de planificación urbana mucho más avanzado de lo que tradicionalmente se ha atribuido a las ciudades medievales.

En algunos casos, las estructuras conservan fosas sépticas y depósitos prácticamente intactos desde hace siglos. Estos elementos no solo hablan de ingeniería doméstica, sino también de hábitos de higiene, organización del espacio y formas de convivencia vecinal.

Para los especialistas, este conjunto refuerza la consideración de San Esteban como uno de los ejemplos más relevantes del urbanismo andalusí conservado en Europa.

La historia cotidiana escrita en huesos

Entre los restos recuperados durante la excavación también figuran numerosos huesos de animales que permiten acercarse a la vida diaria del arrabal. Uno de los hallazgos más llamativos ha sido el esqueleto de un perro localizado en un contexto arqueológico todavía objeto de estudio. También han aparecido restos de otros animales, entre ellos una yegua equipada con herraduras.

Para la arqueología actual, estos vestigios constituyen una fuente de información tan valiosa como la arquitectura. A través de ellos es posible conocer aspectos relacionados con la alimentación, el transporte, la actividad económica e incluso determinadas prácticas culturales de la sociedad medieval.

Otro descubrimiento singular es una estructura que algunos investigadores comparan con una especie de “caja fuerte” doméstica, destinada probablemente a custodiar bienes de valor dentro de la vivienda. A ello se suma la documentación de hasta cinco niveles superpuestos de pavimento en algunas casas, una circunstancia que demuestra que las viviendas fueron reformándose continuamente para adaptarse a las necesidades de sus habitantes.

Un proyecto para integrar el pasado en la ciudad del futuro

La importancia de San Esteban trasciende el ámbito científico. El objetivo de las administraciones es transformar el yacimiento en un gran espacio cultural abierto a la ciudadanía, capaz de combinar investigación, conservación y divulgación.

El proyecto ganador —la propuesta realizada por los estudios madrileños Burgos y Garrido Arquitectos y Ayllón Paradela de Andrés Arquitectos— plantea la creación de una gran plaza pública en superficie bajo la cual se desarrollará un espacio visitable sostenido por un “bosque de columnas” que permitirá recorrer los restos arqueológicos mediante un centro de interpretación integrado en el propio yacimiento. La propuesta busca compatibilizar la vida urbana con la protección del patrimonio y convertir el enclave en un nuevo referente cultural para Murcia. Además, recuperará el viejo Jardín de San Esteban haciéndolo “flotar” sobre el yacimiento, aseguran los arquitectos implicados.

No obstante, como ha ocurrido desde el descubrimiento del conjunto, el proyecto también ha suscitado debate. Algunos especialistas y colectivos patrimonialistas consideran que cualquier intervención debe extremar las precauciones para que las soluciones arquitectónicas contemporáneas no resten protagonismo a los restos originales y garanticen que la conservación prevalezca sobre cualquier criterio urbanístico. Otros han mostrado preocupación por la complejidad técnica de la actuación, su coste y los plazos de ejecución.

Según ha anunciado la alcaldesa de Murcia, Rebeca Pérez, la licitación de la última fase no llegará, como mínimo, hasta el verano de 2027.

Mucho más que una excavación arqueológica

Cada nuevo estrato excavado sigue aportando información sobre cómo se organizaba la ciudad, cómo vivían sus habitantes y cómo evolucionó uno de los espacios urbanos medievales más excepcionales conservados en Europa.

Pero San Esteban también simboliza otra historia: la de un patrimonio cuya supervivencia fue posible gracias a años de reivindicación ciudadana, al compromiso institucional y a una financiación pública que permitió desbloquear un proyecto largamente esperado.

En ese sentido, el verdadero hallazgo de San Esteban no es una pieza concreta, sino la posibilidad de comprender con una precisión cada vez mayor los orígenes de la Murcia que habitamos hoy y de demostrar que conservar el pasado también es una forma de construir el futuro.

La editorial Cátedra ha publicado Cómo se pone en pie una obra de teatro. Manual para ayudantes de dirección en la Colección de Teatro y Artes Escénicas, dirigida por Julio Vélez. Es una obra coordinada por la directora y dramaturga Natalia Menéndez que aborda de forma sistemática uno de los oficios más esenciales y menos visibilizados del ámbito teatral: la ayudantía de dirección.

El volumen reúne las aportaciones de profesionales de la escena como Natalia Menéndez, Pilar Valenciano, Ana Barceló, Valle del Saz, Cristina Hermida y Ainhoa Amestoy, quienes analizan las funciones, responsabilidades y retos de una figura clave para la puesta en marcha de cualquier producción teatral.

La publicación llega con el objetivo de cubrir un vacío en la bibliografía especializada en español y ofrecer una herramienta de referencia tanto para estudiantes como para profesionales de las artes escénicas, apuntan en una nota de prensa. A través de una combinación de reflexión teórica, experiencia práctica y testimonios profesionales, el libro explora el papel de quien actúa como nexo entre dirección, intérpretes, producción, equipos técnicos y departamentos creativos.

Desde la primera lectura del texto hasta el estreno y la posterior gira, la obra detalla los procesos de trabajo de la ayudantía de dirección, proporcionando protocolos, herramientas organizativas y recursos para afrontar las distintas fases de una producción escénica.

Más allá de su dimensión técnica, el manual reivindica la importancia artística, humana y emocional de un oficio que requiere capacidad de organización, precisión, inteligencia emocional y una profunda comprensión del proceso creativo. Una figura que, en palabras de las autoras, vive “entre el director y todo lo demás”, garantizando la cohesión de todos los elementos que intervienen en la creación teatral.

Con vocación pedagógica y profesional, ‘Cómo se pone en pie una obra de teatro. Manual para ayudantes de dirección’ aspira a convertirse en una obra de referencia para compañías, centros de formación, instituciones culturales y lectores interesados en conocer los mecanismos que hacen posible la creación escénica contemporánea.

Ana Barceló, vinculada a la escena teatral murciana

Formada en Dirección Escénica y Dramaturgia por la Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia y en Filosofía por la Universidad de Murcia, completó posteriormente un Máster en Creación Teatral en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha desarrollado parte de su trayectoria en el Teatro Español y las Naves del Español en Matadero, fue becaria artística de la Residencia de Estudiantes de Madrid con su proyecto El último traductor -distinguido también con la Beca Toji Cultural Foundation de Corea del Sur- y recientemente obtuvo el II Torneo de Dramaturgia de la Región de Murcia con su obra El okupa.

La coordinación, a cargo de una referente de la escena teatral española

Por otra parte, Natalia Menéndez (Madrid, 1967) es actriz, directora de escena, dramaturga, pedagoga y gestora cultural. Licenciada y Máster en Dirección Escénica, además de diplomada en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), inició su trayectoria profesional como actriz en 1987 y ha desarrollado una extensa carrera en teatro, televisión y cine. Como directora ha firmado más de cuarenta montajes de teatro, música, danza, zarzuela y ópera de cámara en España, Rusia y América Latina.

Es autora de textos teatrales, novelas y libros de relatos, además de adaptadora y versionadora de obras de autores como Molière, Shakespeare, Tennessee Williams, Marguerite Duras, Sergio Blanco o Eugène Ionesco. Ha impartido cursos y conferencias en Europa, América, África y Asia, y ha desempeñado destacados cargos de gestión cultural, entre ellos la dirección artística del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro (2010-2017) y del Teatro Español y Naves del Español en Matadero Madrid (2019-2023). Entre sus reconocimientos figuran la distinción francesa de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (2020) y su ingreso en la Orden Civil de Alfonso X el Sabio, en la categoría de Encomienda (2017).

Claves del libro

Durante siglos, el teatro ha iluminado a dramaturgos, actores y directores de escena, pero ha dejado en segundo plano una de las figuras fundamentales para que una producción llegue verdaderamente a existir: la ayudantía de dirección. El libro nace para responder a preguntas que rara vez aparecen en los manuales teatrales: ¿quién sostiene el proceso creativo cuando todo parece desbordarse? ¿Quién traduce el lenguaje artístico entre actores, diseñadores, producción y técnica? ¿Quién conserva la mirada del director cuando la maquinaria escénica entra en funcionamiento?

Lejos de ser únicamente un manual técnico, la obra se adentra en la dimensión artística, humana y emocional de la ayudantía de dirección. A través de la experiencia de profesionales en activo, analiza las relaciones con intérpretes, dirección, producción, equipos técnicos y departamentos creativos, al tiempo que ofrece herramientas prácticas, protocolos de trabajo y testimonios procedentes de la escena contemporánea. La publicación reivindica una profesión que exige precisión técnica, inteligencia emocional, capacidad organizativa y una profunda comprensión artística, y abre una reflexión más amplia sobre todos aquellos trabajos invisibles que sostienen la creación cultural contemporánea.

Los tiempos tan difíciles y abruptos que vivimos las personas, nos llevan a aquella necesidad que las sociedades de los siglos X y XI tenían, de buscar iconos a los que seguir para mitigar esos sinsabores de tiempos convulsos. Por entonces, esos iconos eran personajes como Carlomagno o El Cid Campeador, que se convirtieron en leyendas de esa mezcla que surgió entre la historia y el mito. Ahora, en las primeras décadas del siglo XXI, se viven en casi todo el Planeta situaciones muy parecidas; hechos que convulsionan a las sociedades y estas andan como sin rumbo o fehacientemente perdidas. En esos momentos es cuando tienen más vigencia que nunca esos iconos, mitos o leyendas. Personajes, que no por ello dejan de ser personas de carne y hueso como todos nosotros, que sin embargo poseen esa luz que nos ilumina el camino; que hacen realidad aquello de que mientras hay vida hay esperanza. Son los guías que nos sacan de la oscuridad o las tinieblas que azotan esta sociedad, para recuperar la luz y sensatez tapadas por el enorme ruido abrumador de conflictos e intereses destructores.

El lector se preguntará a qué viene tanta literatura fantástica. Pues tras presenciar lo que Pablo Alborán hizo en la plaza de toros murciana dentro del ciclo MURCIA ON en la noche del pasado viernes, 5 de junio, y tras comprobar la reacción de más de nueve mil personas que llenaron el aforo disponible del recinto, les puedo asegurar que tiene sentido esta liturgia a caballo entre la Alta Edad Media y la Plena Edad Media europea. Porque artistas como el cantante nacido en Málaga, se han convertido en los iconos sociales que las personas necesitamos para salir del bombardeo continuo y diario del excesivo ruido mediático provocado por políticos, guerras y desastres naturales o no que atormentan nuestros espíritus. Ya se sabe ese refrán de que “la música amansa las fieras”, al que habría que añadirle “y el espíritu y alma de las personas”.

Con una sensacional banda de siete músicos, Pablo Alborán apareció en un soberbio escenario (lo he descrito en más de una ocasión) espectacular para una actuación en directo, que desde el primer minuto supo acaparar y abrazar al tiempo, a todo ese público que animaba al unísono a su ídolo. Tras la introducción con referencia a Murcia, Alborán inició el despliegue de su ya extenso repertorio de canciones que lideraba Tabú, ante la que el aforo quedaba entregado sin discusión. 

Tras este primer obús de ritmo y alegría, Pablo Alborán daba las gracias a las gentes de Murcia por lograr su regreso a una tierra, indicó el artista, “que siempre me hace sentir de una manera especial, que provoca el que siempre desee regresar. Esta tierra me inspira, siento todo el cariño que emanáis y espero que esta noche, de corazón os lo digo, encontréis el refugio, consuelo y la alegría que nos merecemos todos. Estamos vivos y hay que disfrutarlo”. La plaza se venía abajo. Naturalmente, después de escuchar a tu ídolo lanzar este tipo de halagos, no es para menos. Así que continuó desplegando sus canciones (la mayoría son piezas románticas) como ‘Quien’, ‘Me quedo’ el primer tema de su último disco ‘KM0 (Kilómetro Cero)’, ‘Vámonos de aquí’, para continuar con una pieza en la que Alborán solicitó que todos se pusieran de pie y bailaran con ‘No vaya a ser’. Como anécdota quiero contarles que durante esta pieza, el micrófono inalámbrico del cantante se quedó sin batería y tuvo que acudir rápidamente a los técnicos para cambiarlo por otro. 

La música de Pablo Alborán pretende caminar por el pop y mezclar con otras tendencias de la denominada música latina (ritmos hispanoamericanos), pero en todo lo que escribe e interpreta siempre está el flamenco, la raíz musical de Andalucía y sobre todo de su Málaga natal. En su niñez estudió piano y canto, pero también tuvo tiempo para la guitarra clásica, flamenca y acústica. De los profesionales malagueños de la música aprendió los giros flamencos que siempre incluye en sus interpretaciones (en su concierto de Murcia hizo varias demostraciones) y domina muy bien el fiato para alargar su voz o cantar muy bajito sin desafinar (que no es fácil). En suma, la música es su vida y ha aprendido a base de trabajo y estudio, como bien recordó en un momento de su actuación en MURCIA ON.

 Pablo Alborán anunció su siguiente canción. “Es una historia que no es de amor, pero viene a ser como un exorcismo al pasado porque su historia es la de algo que acaba y hay que desechar definitivamente. Por eso indico que es como un exorcismo. Pero ese final tiene que hacerse con un buen recuerdo de lo que ha sido esa historia y para eso sirve esta canción. Porque la música tiene que servirnos, también, para quitarnos mochilas”, matizó. La pieza era ‘¿Qué tal te va?’. Y en ese terreno de historias acabadas e introspección continuó el concierto, con otra de las canciones que describen esas y otras sensaciones que tan bien, según señalan sus seguidores y la crítica, sabe describir Pablo Alborán en sus letras. El tema era ‘Tanto’.

El cantautor de Málaga sabe perfectamente cómo mantener a sus seguidores muy activos en sus conciertos. Y también saber ser agradecido, como lo demostró dando las gracias a todos los que habían hecho una larguísima cola para acceder a la plaza de toros, a pesar de contar con sus entradas. Con una absoluta sencillez dijo: “La carrera de un artista no es absolutamente nada, sin vosotros. Gracias. Mi vida entera os la debo”; todo ello, mientras sonaban los primeros compases de ‘Mis 36’ incluida en el álbum que da título a esta gira internacional, KM0, que finalizará en mayo de 2027 y que además de España y algunos países de Europa, también llegará a Hispanoamérica y nueve grandes ciudades de Estados Unidos. Obviamente, Pablo Alborán habla de él mismo en esta canción en la que describe el momento de la vida en la que la madurez y reflexión, te llevan a tomar las decisiones con mayor conciencia de sus consecuencias.

Cuando se asiste a un concierto de este cantante y se comprueba que sus muchísimos seguidores -en una amplia horquilla de edades- corean durante dos horas sus letras completas, te reafirmas en lo que les señalaba al comienzo de esta crónica. Pablo Alborán es un icono inequívoco para muchas personas, porque es cercano, sencillo y sabe conectar desde el primer momento con la gente, a través no solo de su humanidad sino de sus letras y música. Sus canciones hablan de historias que nos suceden a todos cada día y son, al tiempo, sus propias historias.

Otro momento destacado fue cuando el cantante indicó que la canción que iba a continuación estaba hecha por y para los luceros de nuestra Sanidad pública; para todas esas personas que han salido adelante gracias a esa mirada que, sin poder tocarte, te abraza y se dejan la vida para salvar de la otros. Una descripción del peligro inminente que pende sobre este bien social tan preciado. Luego cambió de tercio (término muy taurino que viene bien, a propósito de celebrarse el concierto en la plaza de toros), para mantener bien atento al público. Se hizo una ronda de derecha a izquierda del escenario leyendo los muchos cartelones (algunos incluso con orna de lucecitas, muy trabajados), en los que se podían leer diversos mensajes. Uno de ellos indicaba: “Pablo, nuestros bebés quieren escucharte de cerca”. A lo que preguntó si estaba embarazada de dos y contestaron que no, que eran dos mamás que eran amigas. Las hizo subir al escenario con otra selección de mujeres de diversas edades y un niño, Raúl. Otro de los cartelones rezaba “Acho Pablo, déjame subir al escenario”, muy murciano como se puede apreciar. Mientras un encargado de Organización las recogía y hacía llegar hasta el escenario, Pablo Alborán cantó ‘Algo de mi’. 

Y llegó el gran momento soñado por todos los que se arremolinaban junto al escenario. La primera chica estaba tan emocionada y no cesaba de llorar, que apenas pudo pronunciar su nombre. Le siguió Silvia, María, el pequeño Raúl al que pidió a sus músicos que lo dejaran en la zona media de las escaleras en el escenario, Sonia que venía desde Almería. Una vez todos colocados sobre los tres anchos escalones, el cantante se situó en medio de este y les dijo: “Vamos a llorar un poquito”, en referencia a la canción ‘Perfectos imperfectos’ que fue fusionando con ‘Que siempre sea verano’ y ‘Tu refugio’. Un auténtico disfrute y logro de los que, junto a él, cantaron estas piezas de Pablo Alborán. Para terminar bien el momento, un ‘selfi’ con todo el público de fondo. 

Ya se había llegado a la primera hora de concierto y el público se mantenía fresco y dispuesto a continuar todo el tiempo que fuese necesario. Así que Alborán, mientras no acababa de despedir a sus seguidoras en el escenario y expresando que tendría que venirse una semanita entera a Murcia, sus músicos ya dejaban sonar los primeros compases de ‘Perdóname’, durante la que pidió al público que volviera a bailar moviendo la caderita. Pues para continuar moviendo la cadera ‘Pasos de cero’, mientras más de nueve mil voces cantaban al unísono con Pablo Alborán. Increíble, si no se está presente. Y esta parte finalizaba con una canción que, según su autor, todavía no ha estrenado y se titula ‘Tiempos bonitos’; una clara muestra de esas fusiones con ritmos latinos que Alborán utiliza en sus creaciones.

Con ‘Saturno’, Pablo Alborán volvía a abordar el amor (prácticamente en todas sus canciones, sus letras abordan esta temática desde diversas perspectivas o experiencias vividas). A esta pieza le siguieron gritos de “¡Pablo, Pablo!” y una confesión del artista, en la que confirmó que “la música sigue siendo un instrumento muy potente para combatir situaciones difíciles. Para mí, para mi burbuja es una inmensa satisfacción comprobar que cabe tanta gente”. Bueno, bueno. Hasta se emocionó y el público era el borde de esa enorme burbuja. Las canciones continuaron sonando con ‘Solamente tú’ que, según confesaba Pablo Alborán, “siempre que la canto me tiembla la voz, porque me recuerda mis primeras actuaciones de garito en garito; de sala en sala con mi guitarra a cuestas y el trabajo que, gracias a vosotros y a otras muchas personas en otros lugares, me han traído hasta aquí. Gracias a mi equipo, me puedo subir cada día a un escenario y regalaros mi música. Gracias a todos los que trabajan hoy y siempre, para hacer posible estos conciertos y, por supuesto, a todo el público sin cuyo apoyo esto no sería así”. 

Canciones con mucho sabor flamenco como ‘Por fin’, se pudo presenciar imágenes de un Pablo niño, de cuando le gustaba cantar rock o participaba en mini conciertos de piano. En suma, un compendio de su trayectoria musical y estudiantil hasta que triunfó con su primer disco. Un preludio, para que sonara el tema que titula su séptimo álbum de estudio: ‘Kilómetro Cero’. Su letra, al comienzo, ya indica que tras un tiempo de descanso se vuelve a retomar el trabajo. Una serie conformada por ‘Prometo’, ‘Copiloto’, ‘Vívela’, ‘La fiesta’ otra pieza con tintes latinos o ‘La vida que nos espera’ conformaron la recta final de su concierto, que culminó con ‘Si quisieras’.

En definitiva, una noche mágica para las algo más de nueve mil personas que asistieron, bailaron y cantaron todas las creaciones con Pablo Alborán, en su Gira Internacional ‘KM0 (Kilómetro Cero)’, que arrancó el pasado 2 de marzo en Santiago de Chile, y que durante los próximos meses del verano se desarrollará por diversas ciudades españolas y de Portugal. Sin duda, Pablo Alborán es uno de nuestros mejores y más destacados cantantes de las últimas generaciones españolas que puede ser -y es una opinión personal- el relevo de otra primerísima figura que nos visitó no hace muchas fechas, Raphael, cuando éste decida finalizar su presencia escénica. De momento, ambos colocan a España en unos muy altos niveles de los denominados cantantes románticos. El mundo, ahora, es de Pablo Alborán.

Cervezas Alhambra celebra el próximo 3 de junio una nueva edición de ‘UNIVerso Murcia’, el encuentro poético impulsado junto a Poetry Slam Cartagena que convertirá Café Zalacaín en un espacio para la palabra, la escucha y la creación compartida. Una cita que invita a descubrir la cultura y el talento de la Región sin prisa, poniendo el foco en el proceso creativo y en las historias que nacen desde el origen.

El encuentro comenzará a las 20:00 horas y contará con una apertura muy especial a cargo del poeta, rapero y filólogo Bartolomé Sánchez Estrella (@toloortografo), que compartirá algunos de sus textos antes de dar paso al formato participativo de la jornada.

Sobre el escenario se reunirán seis poetas seleccionados previamente mediante una convocatoria abierta en redes sociales. La propuesta pondrá el foco en aquellas piezas inspiradas en la Región, sus paisajes, sus códigos culturales y las historias que forman parte de su identidad.

Fiel a la dinámica habitual de ‘UNIVerso Murcia’, el público volverá a desempeñar un papel protagonista. Durante una primera ronda, los asistentes puntuarán cada intervención y decidirán qué dos participantes pasan a la final, donde el ganador se escogerá en directo a través de los aplausos del público.

El acceso será gratuito hasta completar aforo. Las invitaciones podrán descargarse a través de los canales oficiales de @murciaorigen, donde también se encuentra disponible toda la información sobre esta nueva cita.

Con encuentros como ‘UNIVerso Murcia’, Cervezas Alhambra continúa consolidando Murcia Origen como un espacio de encuentro para la creación contemporánea y el talento local, impulsando propuestas que invitan a detenerse en el proceso creativo y descubrir nuevas formas de expresión desde una perspectiva más cercana y personal.

La noche resultó veraniega en cuanto a temperatura y muy tórrida en el calor humano, que recibió a Raphael nada más aparecer en el escenario. Impecable como siempre lo ha hecho, con su chaqueta oscura de brillos, camisa y pantalón negros y los brazos abiertos en señal de agradecimiento por la asistencia y, sobre todo, por esa acogida. Uno supone que no es fácil volver a los escenarios que tuvo que abandonar durante el pasado verano, para regresar a los cuidados médicos y pasar por otro periodo de recuperación con absoluta paciencia y tranquilidad.

Raphae tuvo que volver a parar, a ponerse en manos de los médicos y reflexionar de nuevo sobre su actual momento y su futuro. Y lo ha hecho con absoluta disciplina, como todo en su dilatada vida musical. Así que cuando ya le han indicado que podía reanudar su actividad, no lo ha pensado; o sí, desde el mismo momento que recibió las pautas para su recuperación. La gira que se suspendió a mitad del pasado año, se ha reanudado y llegaba a Murcia, en la noche del pasado sábado, 23 de mayo.

Unas 6.100 personas del aforo posible en el Coso taurino de La Condomina se dispusieron a abrazar al cantante que, ya emocionado (se apreciaba en las imágenes de las pantallas del escenario) recibía ese enorme calor humano que, como la música, le da vida y fuerzas como demostró durante las dos horas de concierto. ‘La noche’ era su tema de comienzo y, ciertamente, ese título iba a ser premonitorio del enorme espectáculo que Raphael dejó a su gente en Murcia.

Con el aplauso unánime de toda la plaza taurina, el cantante se despojó de su chaqueta que depositó sobre el piano, agarró una silla que desplazó hasta el micrófono y allí la situó, mientras comenzó a desplegar su amplio repertorio de canciones, que han perfilado sus casi 70 años en la música. ‘Yo sigo siendo aquel’ fue interpretada a modo de certificación sin dudas de que continuaba siendo el Raphael de siempre. Y en efecto, lo es y de qué manera tan rotunda lo demostró.

Tomó asiento en esa silla que antes les indicaba y nos cantó otras dos canciones de su amplio repertorio: ‘Cierro mis ojos’ y ‘Digan lo que digan’. El público lo arropaba sin descanso; coreaba sus canciones y él los dejaba y sonreía en un gesto de total complicidad. Se puso de pie nuevamente y cantó ‘Mi gran noche’. Bueno, bueno. Sus seguidores gozaban y se mostraban inequívocamente raphaelistas. Uno, que ya tiene sus años, desde siempre ha escuchado aquello de “A Raphael, lo quieres o lo odias. Pero no puedes negar su profesionalidad y popularidad”. Siempre ha sido y continúa siendo así. No he sido nunca raphaelista, pero tampoco lo he odiado; simplemente me ha parecido un gran profesional de la música que ha sabido, con absoluta entrega, cuidar todo su entorno. Sus canciones, su imagen, las condiciones para actuar, sus músicos, su staff, en definitiva. Y todo ese mimo y cuidado lo ha mantenido en todas estas décadas que ha transcurrido por los escenarios del mundo. Porque a Raphael lo conocen en todos los continentes de nuestro Planeta.

Bueno, de nuevo se sentaba en la silla para cantarnos ‘Amo’ y ‘Si no estuvieras tú’, en la que gesticulaba y hablaba parte de la letra o el estribillo, como de costumbre. Es su estilo, su personalidad sobre un escenario. Luego llegarían ‘Tema de amor’ y ‘Los hombres lloran también’ (él lo hizo en diversos momentos de su concierto emocionado tal vez no ya por ese calor humano, sino por comprobar que todavía puede subirse a un escenario y emocionar y emocionarse con la música).

Les señalaba al comienzo de esta crónica, que el cantante nacido en Linares (Jaén) y trasladado a Madrid con apenas unos meses de vida, ha tenido dos momentos sumamente delicados en su salud. El primero fue en 2003, cuando los problemas hepáticos que arrastraba desde 1985 culminaron con un trasplante de hígado, del que se recuperó satisfactoriamente. Tras aquel episodio, Raphael manifestó que iniciaba su segunda vida y se hizo un promotor destacado de la donación de órganos. El segundo momento delicado fue cerca de las Navidades de 2024, mientras grababa en el programa de David Broncano ‘La Revuelta’, que tuvo que ser conducido rápidamente a un hospital donde se le diagnosticó de un linfoma cerebral del que, como todos conocen ya, también pudo recuperarse. Lo de su indisposición por una gripe veraniega surgió durante el pasado verano de 2025, en pleno desarrollo de su gira ‘Raphaelísimo’. De nuevo una parada para descansar y recuperar fuerzas. Una gira que, precisamente tras ese último episodio, se ha reiniciado y que tiene puesto su punto final en abril de 2027, unos días antes de que el cantante cumpla 85 años de su primera vida, 24 de su segunda vida.

Pero olvidemos esos momentos tan delicados por los que ha pasado Raphael, para regresar a lo que fue su concierto de Murcia. ‘Somos’ es una de las canciones que aparecieron en los años 70 y que perdura en el tiempo, como muchas otras, marcando uno de los momentos más románticos del concierto con este precioso bolero compuesto en su momento por el cantautor argentino Manuel Clavell. Le siguió un vals, ‘Padam, padam’, que mantenía la atención y el regusto de un público que había acudido, precisamente, a eso a disfrutar de las canciones de su ídolo, de RAPHAEL.

Canciones que se sucedían una a otra, sin que el cantante se dirigiera al público (sólo lo hizo brevemente, para expresar la inmortalidad de estas canciones). Agradecía con sus gestos y reverencias, eso sí, ese calor y entrega de sus fans incondicionales. Y prosiguió con ‘La vie en rose’ cantada en español, ‘Himno al amor’ y ‘Malena’, esta última un tango precioso.

Naturalmente, Raphael sabe dosificar como pocos los momentos alegres con los más románticos. Y la banda -por cierto, de primera, con pianista y teclista; batería y percusionista; chelo y violín además de coros femeninos; saxofonista y clarinetista, acordeonista y dos guitarristas además del bajista- atacó el comienzo de una pieza de The Beatles, ‘Day tripper’ para introducir una versión del famoso ‘Estuve enamorado’; compases ‘beatles’ que retomaron para finalizar esta canción. Bueno, la respuesta de los asistentes fue apoteósica.

Vale. Tras el momento más festivo vuelta al romanticismo con ‘Amor mío, ‘Cuando tú no estás’ o ’Que nadie sepa mi sufrir’. Como pueden comprobar, el repertorio es un compendio de su extensísima lista de canciones que durante estas décadas ha grabado y llevado al éxito el cantante de Linares. Continuó con una pieza más intimista como ‘Llorona’, en la que fue acompañado por el piano y la guitarra española. Siguió con ‘Estar enamorado’ (de nuevo, los coros del público), ‘Ámame’ y ‘En carne viva’, que podía haber sido el final del concierto o, digamos, como el final de una primera parte.

Tras una larga y encendida ovación de esas algo más de seis mil almas que se citaron para ver y disfrutar de su ídolo, Raphael retomaba esta especie de segunda parte de su concierto para continuar con ‘Se nos rompió el amor’, ese precioso tema de Manuel Alejandro que han cantado, además de él, tantas otras voces como la recordada Rocío Jurado, José Mercé, Rosalía o David Bisbal entre otros muchos. Y continuó con ‘Qué sabe nadie’, en la que como siempre ha hecho el cantante, puso énfasis en la escasa o nula importancia que ha puesto siempre en las habladurías sin que, en efecto, nadie sepa la certeza de esos comentarios. No hay que olvidar que además de cantante, Raphael ha sido actor ya que ha protagonizado diez películas, unas cuantas series en Hispanoamérica y varios documentales, amén de colocar su voz en una producción de animación. Es decir, que también posee dotes interpretativas que desde siempre ha utilizado en sus conciertos.

Poco a poco, el final se iba acercando. Tras la breve salida de escenario coincidiendo con el final de ‘Qué sabe nadie’, el cantante regresaba a escena para recoger, de nuevo, otra muestra más del cariño y aprecio inequívoco de su público al que quiso mantener con él durante un rato más. Así que pidió a su orquesta que continuara el concierto con ‘Yo soy aquél’, ‘Escándalo’, donde el público se desató por completo, para culminar dando las gracias más grandes que un artista pueda dar a un público que lo quiere y lo atesora desde hace muchos años, con un título que para el cantante lo dice todo hacia sus seguidores: ‘Como yo te amo’.

En suma, noche con una temperatura ideal para disfrutar de un espectáculo total a cargo de una de las voces más internacionales que España ha dado al mundo, como es la de RAPHAEL. Una ocasión en la que la conexión entre músicos y público ya estaba asegurada desde el comienzo y con la que ambos disfrutaron y, por qué no, celebraron la vida. Gracias, Raphael. Y salud, mucha salud.

Las fundadoras de Demoleer ya no tienen nada que demostrar. Tres años consecutivos de crecimiento exponencial hablan por sí solos. Este sábado se celebró la tercera edición del festival feminista de literatura de referencia en la Región y, como en la edición anterior, la primera planta de la Biblioteca regional (BRMU) se convirtió en una fiesta de más de 300 personas convocadas en torno a la celebración y reivindicación feminista de la cultura.

Si el año pasado hablábamos de “consolidación”, este año la palabra es “identidad”. Tras tres ediciones, el festival ha conseguido construir, definir, delimitar —podemos llamarlo de muchas formas— una identidad que ya sabíamos que existía en gran parte de la sociedad murciana, pero no sabíamos cómo nombrar, cómo imaginar, cómo condensar. No tenía forma.

Lo que la izquierda institucional no ha conseguido en décadas —un relato común, una fuerza cohesionada— lo ha construido Demoleer en tres ediciones, reuniendo a esa Murcia que vive al margen de los actos oficiales y que, habitualmente, no encuentra su lugar en la agenda cultural pública. Desde la poesía de la murciana Lola Tórtola, pasando por las reivindicaciones migratorias de Brigitte Vasallo, hasta la presencia de discursos contra el genocidio israelí desde el movimiento internacional BDS (Boikot, Desinversiones y Sanciones). La primera edición fue una sorpresa. La segunda, un orgullo. Esta tercera ha sido una toma de posición.

¿Poetas o poetisas?: “Que ellos se llamen poetos”

Pasadas las 10:00 de la mañana arrancó la primera mesa. Lo que en entrevistas anteriores sus fundadoras definían como el buque insignia del festival: la mesa ‘¡Literatura, murciana!’. Un espacio dedicado al talento de las escritoras de la Región.

Las poetas -o poetisas, si se prefiere- María Sánchez-Saorín (Ricote), Lola Tórtola (Murcia), e Inma Pelegrín (Lorca), en una mesa moderada por la artista Marta Gómez de la Vega, conversaron sobre la verdad poética, el debate en torno los términos ‘poeta’ o ‘poetisa’, y sobre una idea compartida por todas: la abundancia de poetas y el movimiento literario que existe en la Región de Murcia destaca a nivel nacional y, sin embargo, no hay un “ni gran ni pequeño apoyo por parte de las instituciones”.

Inma Pelegrín defendió la poesía que incomoda: “Los poemas que me gusta leer son los que me hacen pensar, los que me hacen preguntarme cosas”. También reivindicó el término ‘poeta’ para las mujeres que escriben poesía: “Si a ellos no les gusta que nos llamemos poetas, que se llamen ellos poetos”, un comentario cargado de ironía que arrancó las risas y aplausos del público.

Lola Tórtola habló del mayor reconocimiento de las autoras en los últimos años: “Si las mujeres poetas tienen éxito es porque están encontrando nuevas formas para hablar de los temas de siempre”. Cirujana de profesión, diseccionó el ejercicio poético hasta llegar al núcleo que le da sentido: “La poesía tiene que ser verdad, que no realidad. Sin referentes femeninos, si nosotras nos hemos sentido identificadas con poemas escritos por hombres es porque hemos sentido esa verdad”.

La autora recordó que el término ‘poetisa’ ha sido históricamente utilizado para minimizar a las mujeres que escriben poesía: “Suele ser un hombre mayor quien te llama poetisa”, y que en ese motivo está el origen del rechazo actual al término.

María Sánchez-Saorín, por su parte, defendió la posibilidad de resignificar el término y devolverle el sentido literal: mujer que escribe poesía. También puso el foco en el tratamiento que los medios de comunicación hacen de las autoras: “Se publican titulares como ‘La poesía de la mujer triunfa’, cuando en todo caso lo correcto sería decir que lo que triunfa es la poesía escrita por mujeres”

Durante toda la mesa la conversación se desplazó entre lo poético, lo político y lo colectivo. Vistiendo una kufiya, Sánchez-Saorín recordó que ese 16 de mayo se cumplían 75 años de la primera expulsión del pueblo palestino, e interpeló a sus compañeras: “¿Cómo las poetas nos damos el derecho de buscar la belleza en la poesía mientras tanta gente en el mundo la tiene prohibida?”. Pelegrín respondió parafraseando a la poeta polaca Wisława Szymborska: “Es horrible leer y escribir cuando el mundo se deshace en guerra, pero peor sería no estar leyendo y escribiendo”.

“Hay tanta cultura en el trabajo de una ganadera como en Brigitte Vasallo escribiendo en su libreta”

A las 11:45 arrancó la segunda mesa, 'Diásporas', presentada por la socióloga Isabel Cutillas. Un espacio para situar los procesos migratorios en el centro del debate y explorar cómo son narrados, vividos o silenciados desde la literatura. Brigitte Vasallo, María Sánchez y Margarita Yakovenko articularon una conversación atravesada por identidad, clase, memoria y territorio.

Antes de empezar, Cutillas quiso recordar a la recientemente fallecida profesora de la UMU Elena Gadea, especializada en estudios migratorios: “Ella estaría aquí ahora mismo”, dijo emocionada.

Ya en el debate, la presentadora señaló un tema común en la obra de las tres autoras: “La construcción social del lenguaje como una forma de poder”. María Sánchez dirigió parte de su intervención al reconocimiento de su clase: “Soy la primera mujer de mi familia en ir a la universidad, y también la primera con las condiciones materiales para escribir. Hay que usar este privilegio para contar de dónde venimos”, explicó.

Sánchez defendió la necesidad de “bajar la cultura” y repensar aquello que entendemos como cultura legítima: “Parece que cultura es solo lo que hace la academia, y la realidad es que hay tanta cultura en el trabajo de una ganadera como en Brigitte Vasallo escribiendo en su libreta”.

Por su lado, Brigitte Vasallo celebró la existencia de Demoleer al margen de las lógicas del mercado y centró su intervención en la identidad charnega y las migraciones internas: “Si supiéramos las discriminaciones que han sufrido los migrantes internos nos reiríamos de los fachas cuando nos hablan de la prioridad nacional. Somos la sociedad que somos gracias a las migraciones internas”.

Margaryta Yakovenko llevó la conversación hacia la experiencia personal de la migración y la guerra. “Lo que muestran las diásporas es que el hogar es algo que puedes perder de un día para otro”, explicó.

Yakovenko señaló también que si todavía no existe un debate profundo sobre las causas de las migraciones es porque “los hijos de migrantes no están en los espacios de poder”. Y habló de la sensación de pérdida cultural que acompaña a cualquier proceso migratorio: “Puedes interactuar con el nuevo entorno, pero nunca vas a integrarte del todo. Siempre habrá alguien que te pregunte de dónde eres”.

“¿De qué sirve la cultura cuando la vida está siendo arrasada?”

Tras la pausa del mediodía en la que el público pudo disfrutar del mercadillo situado en el patio de la BRMU, pasadas las 16:30 llegó ‘¡Atiende!’, el espacio de micropresentación de proyectos presentado por la periodista Ana Arce. Un formato rápido donde distintos colectivos y creadoras explicaron los trabajos y proyectos que construyen desde fuera de los circuitos culturales tradicionales.

Nuna Ninguna presentó el fanzine Amor no romántico y otros relatos; Abbey C Díaz, ganadora del Poetry Slam Cartagena, recordó que la ciudad acogerá el campeonato nacional los días 17, 18 y 19 de septiembre; Belén, integrante del movimiento internacional BDS (Boicot, Desinversiones y Sanciones) leyó un manifiesto haciendo una llamada a la acción frente al genocidio de Israel y reivindicó la necesidad de seguir hablando de Palestina desde los espacios culturales: “Para nosotros hablar hoy de Palestina no es introducir otro tema más, es preguntarnos de qué sirve la cultura cuando la vida está siendo arrasada”.

La mesa la cerró Lola López Abellán con la presentación del fanzine Poétika Ciudad, una propuesta para “mirar de manera poética una ciudad que no siempre ofrece una imagen así”.

Y, por último, ¡las zagalas solo quieren divertirse!

La última mesa, presentada por la doctora en Estudios de Género María Ponce, reunió a María Bastarós, Mónica Ojeda y Sara Barquinero bajo el título 'Las zagalas solo quieren divertirse'. Un debate en torno a la escritura de la violencia y la mirada social sobre las autoras.

Bastarós defendió que escribir sobre violencia no implica legitimarla, sino que puede abrir procesos de reparación. “Cuando escribía de pequeña era para inventar finales alternativos a cosas que habían pasado en mi vida y no me gustaban. Siempre he creído en la reparación”, afirmó.

Ojeda definió la escritura como una forma privilegiada de pensamiento: “La literatura más interesante es la que te incomoda”. Señaló además que en su país de origen, Ecuador, el juicio hacia las mujeres escritoras sigue siendo especialmente duro. Coincidió con Bastarós en el placer de escribir sin saber hacia dónde conduce el texto: “Pierdo el interés si ya sé lo que va a pasar”.

Una de las preguntas que la presentadora lanzó a las autoras es cómo el éxito de sus obras ha condicionado el proceso creativo. Bastarós reconoció que, más que las expectativas, lo que le incomoda es “la urgencia de saber que hay lectoras esperando algo suyo”, lo que en ocasiones puede “acelerar la escritura de algo que quizá necesita más tiempo”.

Ojeda vive ese éxito desde la nostalgia: “Cuando empecé a escribir nunca imaginé que tendría lectores, echo de menos ese desparpajo de escribir sin sospechar que alguien me leería”. Un desparpajo que -confiesa- le gustaría recuperar.

Por su parte, Barquinero, puso el contrapunto y admitió que esa exposición estimula su proceso creativo: “Cuando escribes una novela de 900 páginas y en la 600 te atrancas, pensar en seguir es duro porque no sabes si alguien valorará todo eso algún día”, comentó sobre sus primeras experiencias como escritora. Sin embargo, ahora y tras el éxito editorial, considera que “es bonito saber que alguien está esperando a leerte. Esa expectativa genera presión pero también me anima a seguir”.

La celebración de la literatura

Tras la última mesa, el festival se trasladó al Patio del Archivo. Al aire libre, la jornada se disolvió en conversaciones, reencuentros y una continuidad natural de lo que había comenzado horas antes: la literatura como espacio compartido.

La actuación de la poeta Laura Sam puso el broche con una interpretación y presencia escénicas que absorbieron todo el bullicio del patio hasta convertirlo en un silencio que la convirtió en protagonista indiscutible del espacio. El broche final -para las demoleerdoras más duras- tuvo lugar en el bar de ocio Plan 9.

Se cierra así la culminación de una tercera edición del festival que ya no irrumpe, se asienta. Que ya no sorprende, se espera. Y que lejos de ser solo un evento cultural se convierte en una forma de reivindicación y celebración de la literatura feminista en la Región. Un festival que, tras esta tercera edición, representa ya una identidad murciana.

El duelo, el arte y la sangre son las tres sustancias que confluyen en esta materia vibrante que es Arterial (Ed Candaya, 2025), la primera y ya magistral novela de María José Galé Moyano, zaragozana de Hospitalet, escritora en la que cabe una poeta, una narradora, una artista, una ensayista, una científica, una psicóloga, y no sabemos cuántas cosas más. Lo descubriremos en el futuro brillante que le espera. De momento, aquí tenemos esta novela que es la transfusión en vena, o en arteria, de una literatura exquisita, sugerente y abismada, que en dos tardes de absorbente lectura (no se puede parar de leerla) nos cura de la anemia que veníamos arrastrando desde hace meses o años, producida por tantas formas de inanición, vitales y culturales, que nos irradian.

Novela de personajes tan divergentes como paralelos, mágicamente enlazados por algo que no es exactamente el argumento, sino lo que este acierta a revelar: los inesperados y no newtonianos fluidos que contienen nuestros afectos y que a veces se adensan, a veces se desparraman; que hacen familia de los extraños, y viceversa. María José Galé, inmersa en su ruta Candaya, hace parada en Murcia y aprovecho para entrevistarla. 

Arterial es tu primera novela, aunque no tu primer libro. Has publicado Mujeres Barbudas. Cuerpos Singulares (Ed Bellaterra, 2016) un ensayo proveniente de tu tesis doctoral, así como numerosos ensayos académicos. Si bien toda forma de escritura entraña un potencial literario, ¿cómo valoras este cambio de piel? ¿Qué nuevas perspectivas o sensaciones ha abierto para ti el empleo de la ficción? 

No sé si hay tanto un mudar de piel como un explorar las formas de poner palabras a la realidad. Quizá mi discurso más académico, si puede considerarse así, ya era crítico con el encorsetamiento de algunas formas discursivas y hacía una búsqueda de las grietas de ese tipo de lenguaje. Desde lo literario no hay del todo un abandono ni de lo académico ni de las grietas, al punto de que he insertado la forma del ensayo en algunos capítulos, pero es una suerte de falso ensayo, con una cierta ironía para hacer pasar por el tamiz de la academia lo que no suele formar parte de ella.

En todo caso, la ficción permite establecer un pacto distinto con lo que leemos, no se espera encontrar respuestas verdaderas o únicas, es importante el tránsito, tiene más posibilidades de ser un artefacto en el que nos adentramos para desarrollar una vivencia. Con algunos textos literarios sucede que no somos las mismas personas al entrar y al salir, tras su lectura. Y en esa experiencia de vida que es la literatura transformamos nuestras lógicas, las suspendemos aunque sea durante el tiempo que dura el trayecto a lo largo del libro.

Hay un momento muy conmovedor al inicio de la novela, cuando Django, un joven que acaba de perder a su madre, observa que en el puesto de helados de su barrio el recipiente del helado de limón está intacto, porque, al parecer, solo su madre lo tomaba. Entonces pide un helado de limón, aunque no le gusta, solo para restaurar la presencia de su madre, para mantener vigente su huella en el mundo. Esta escena me ha hecho preguntarme si es el duelo una forma de transmisión de gustos, comportamientos, actitudes, equivalente a la herencia y el aprendizaje. ¿Cómo y cuánto crees que inciden los ausentes en la formación de nuestra personalidad?

Nos constituimos en la ausencia, devenimos quienes somos también por todo lo que nos falta y por todo lo que existió que ha dejado el rastro de esa falta. En este caso Django, y toda la novela, son como un compendio de ausencias, de silencios, de elementos que faltan que se completan al leer. No sé si hay una forma de escribir el duelo o la ausencia o cuál es esa manera en realidad. En Arterial las ausencias se condensan de diversos modos y todos son muy situados, se centran en detalles muy pequeños, el helado de limón, como dices, las zapatillas de andar por casa, las uñas pintadas, los tatuajes, pero también están en las palabras que heredamos y que suponen una forma de aproximarnos al mundo, a lo que nos rodea. En la novela también se atiende a esos momentos de encuentro entre las ausencias que habitan al resto de personajes y que precisamente al unirse encuentran pequeñas luces, habla de la vulnerabilidad, de la herida y del cómo nos sostenemos desde lo que nos vincula. 

Quienes ya no están nos dejan muchas cosas, algunas materiales y otras no. Se puede pensar en los legados y las lealtades hacia quienes no están de diversas formas. Ese legado puede consistir en objetos, pero también en el lenguaje, en las palabras. Y así hay fórmulas, como esa que inicia los capítulos titulados “Sangre”, que dice que la sangre es más densa que el agua. A través de esas palabras que funcionan como herramientas conceptuales para enfrentarnos a lo que nos rodea no percibimos a veces cómo se llevan a cabo ejercicios de exclusión, se ordenan y se jerarquizan los afectos. Hay una reflexión importante en todo el texto sobre la pérdida, la soledad, el vínculo, los afectos y los cuidados.

La otra protagonista de la novela, Florencia, es una artista que fotografía la interioridad de los cuerpos: huesos y vísceras. Un día, encuentra una mancha de sangre en el portal de su casa. Este hallazgo, que podría ser el punto de partida de una novela policiaca, le produce lo que llamas un síndrome de Florencia…

En el texto hay un juego con distintos elementos y uno de ellos es ese que vincula el nombre de la protagonista y aquello que determina esa noción diagnóstica que sería el síndrome de Florencia o síndrome de Stendhal. El síndrome sería ese vértigo, ese desmayo, esas palpitaciones que el autor sintió al contemplar la Santa Croce en su viaje a Florencia. En este caso, la protagonista, que comparte nombre y síndrome, lo siente ante una mancha de sangre que encuentra en su portal. Habría un cuestionamiento aquí de la noción de lo bello y de lo terrible, de la idea de ante qué sufrimos una experiencia estética, qué significa lo que es bello y quién lo decide. Hay también un mirar hacia esa transformación que supone convertir el arrebato ante una manifestación de la belleza en un síndrome, como si hubiese una posibilidad de hacer una descripción exacta de ese estado, de delimitarlo. Se trataría de hacer una lectura crítica de esa idea de transformar una experiencia estética o una acción que es difícil de comprender en un síndrome, de una sensación corporal ante lo inaudito a un estado alterado, una enfermedad.

Florencia limpia la mancha después de retratarla, pensando que la copia es copia respecto a un original. “Sólo haciendo desaparecer la mancha la obra será tal. Un testimonio de lo que ya no está. No un testimonio. La única realidad”. ¿Estás defendiendo una apuesta por la imagen dominable frente a la realidad que tiende al desborde, a lo monstruoso? ¿Es el ideal del arte el dominio de la realidad a través de la imagen?

Más bien sería una apuesta por el exceso, por lo inabarcable, por la experiencia corporal de ella ante lo que no puede acotar. Es una reflexión sobre lo que nos desborda. La mancha de sangre desborda el discurso artístico y estético a través del cual ella pretende representarla. Ella encuentra que la única manera de que su propuesta ocupe todo el lugar es hacerla desaparecer. Pero esa mancha de sangre se sitúa en ese lugar porque responde a algo que ha permanecido en silencio durante mucho tiempo en su vida y que de repente toma un lugar preferente.

Delante de la mancha derramada, Florencia, que se define a sí misma como insider, encuentra el interior desvelado, a la vista de cualquiera y eso la impele a tomar una decisión que la hace cruzar límites. Es una apuesta por vislumbrar esos límites y por reflexionar sobre cómo se establecen y a qué responden. 

Lo que siente Florencia ante la mancha de sangre lo resumes en tres sensaciones: “El asco. La fascinación. El miedo”. En su libro El sexo y el espanto, Pascal Quignard habla de la relación entre fascinación y miedo, que están presentes también en la categoría de lo sublime según Edmund Burke, y que indudablemente conforman el síndrome de Florencia. Sin embargo, tú añades el asco, y eso es lo novedoso, lo que no estaba en Stendhal. El asco como experiencia estética está muy presente en la obra de Florencia, ¿no te parece?

El asco de Florencia forma parte de todo el compendio de respuestas que su cuerpo va performando ante la mancha, que no son aisladas, son una respuesta compleja ante lo que se le presenta sin esperarlo. En este caso, el asco en particular sería algo así como un despertar, una vulneración de lo que se espera y que se transforma al ser contemplado con otro lenguaje o desde otro lugar. El arte contemporáneo ha trabajado con ello de manera contundente.

De algún modo, aprendemos lo que nos debe fascinar y lo que nos debe causar rechazo, hay reacciones muy físicas que no dejan de estar atravesadas de elementos simbólicos, aprendemos a gustar de, a amar, a desear. Ese despertar, ese reconfigurar su primera respuesta, supone una modificación del yo y una vulneración de la norma. Lo que hace Florencia es transformar desde ese lugar. Su vinculación con esa obra es corporal y al relacionarse con ella, en el proceso artístico que lleva a cabo, se transforma a sí misma, adquiere otra entidad. Esto tiene un sentido importante en la novela, que se irá desvelando.  

Florencia se pasa toda la noche trabajando en su nuevo proyecto basado en la mancha de sangre. Estamos acostumbrados a encontrar en las biografías de los artistas el relato de estos brotes de creatividad obsesiva, que forman parte de la mitología del genio. ¿Por qué crees que es tan atractiva la imagen de alguien que se abisma en su trabajo hasta perder la noción del tiempo y de sus propias necesidades básicas?

En general, lo que el texto transmite no es tanto —o no solo— el proceso creativo de ella, sino más bien el dolor y la contundencia de lo que ese proceso supone cuando le resulta inevitable, cuando no puede dejar esa obra. La mancha se incorpora, se hace cuerpo, en Florencia porque esa obsesión suya responde a algo para lo que no ha tenido lenguaje hasta ahora. Ella ha buscado en el interior, a través de sus obras, algo así como lo profundo, como una verdad última que le ayude a entender su propia vida. Con esa experiencia estética de transformación que es el encuentro y la acción sobre la mancha, logra hacer algo con lo que la rodea, da algunas respuestas a su propia herida, vuelve a leer su existencia con otras claves. Hasta entonces el arte le había servido para mantener en suspenso a los fantasmas, para detener la vida. 

Sospecho que no muchos de tus lectores conocerían el concepto de fluido no newtoniano antes de leer Arterial. ¿Qué es un fluido no newtoniano y por qué te sirve como metáfora para hablar de los afectos? 

Las propuestas científicas están plagadas de metáforas. Ya estaba dando vueltas a esa idea de la sangre como más o menos espesa que el agua y de todos los significados que eso arrastra y encuentro que como fluido, sin que yo sea en absoluto experta en ello, se comporta de tal manera que su viscosidad es distinta según la temperatura y según la tensión que se le aplica. Esto supone que nuestras metáforas afectivas que pretenden ser constantes, se encuentran armadas en un fluido que no lo es, que es inconstante.

Y esto me hizo pensar en los afectos y en la sangre, en todos los significados que arrastra. Y se convirtió para mí en uno de esos elementos que me interesan de forma particular porque contienen en sí mismos la manera de desarticularse. La sangre que se usa como elemento para describir vínculos fuertes es a veces tan inconstante como el propio afecto. Me pareció una forma estética y metafórica de reflexionar sobre la idea de que hay vínculos más válidos que otros, o más autorizados.

Hay una interioridad que nadie ve de sí mismo, y es la del propio cuerpo. Escribes: “de algún modo no llegamos nunca a saber quiénes somos”. Y, sin embargo, dos aparatos digestivos son más parecidos entre sí que dos rostros. Lo mismo pasa con la sangre: queremos distinguirnos por nuestra sangre (raza, familia), pero no podemos distinguir la sangre de una persona de la sangre de otra. Pienso que estas reflexiones atraviesan la novela al modo de un alegato antirracista que no llega a formularse como tal, pero que es el más elegante, arrollador y visceral que pueda imaginarse. ¿Has llegado tú a alguna conclusión con la escritura de este libro? 

Quizá más que llegar a una conclusión a través de la escritura, la crítica contra el racismo, el clasismo, el machismo o la lgtbiq+fobia estaban ya en el tejido con el que se arma la novela. Son indisolubles del proceso de escritura. Son mis herramientas conceptuales. El libro es una entidad con circulación sanguínea, un organismo, lo que subyace a este proceso de su escritura quizá es un intento de responder sin poder responder del todo a algunas preguntas: ¿cómo impregnar un objeto a través del cual estamos entrando en la ficción para constituir la realidad de otra manera? ¿Cómo proponer un artefacto que suponga una experiencia performativa con una lógica de un mundo otro o con una desarticulación de este?

El proceso entonces sería algo así como suspender la lógica hegemónica por un rato, durante una noche literaria que es un camino de sangre, que pone atención sobre nuestra vulnerabilidad constitutiva y sobre los vínculos que nos ayudan a permanecer en la vida. 

Marta Hernández Cano (Hellín, 1994) confiesa que casi no publica su poemario ‘Es lo que hay’. Al leerlo y ver la honestidad de sus versos, esto no sorprende. En él narra su última década: cómo ha sido el paso de los veinte a los treinta años.

‘Es lo que hay’ es un poemario directo, que interpela al joven, a la mujer y a la clase obrera con una sinceridad desgarradora, con la franqueza y vulnerabilidad de las tripas expuestas a cielo abierto. 

Periodista de profesión, Hernández Cano colabora con este medio, El Salto o CTXT. Presenta su poemario este viernes 15 de mayo a las 19 h en Libros Traperos (Murcia).

Cuando decimos “es lo que hay”, especialmente los jóvenes, ¿estamos siendo conformistas o simplemente somos conscientes de la situación en la que vivimos?

En mi caso no es resignación. Escribo mucho desde el inconformismo, desde la rabia. Mi escritura es muy visceral. Para mí “es lo que hay” supone pensar: estas son las condiciones que tenemos, estas son nuestras cartas y con esto vamos a hacer lo que podamos.

Tengo unas ambiciones que, por mi clase social, a lo mejor son inalcanzables. Pero no me voy a resignar, voy a tener los pies en la tierra y a ver qué pasa. Es lo que hay.

En uno de tus poemas dices: “Yo no busco el Louis Vuitton, / yo quiero todas las posibilidades que significa / poder tener un Louis Vuitton”, ¿en qué crees que se diferencian los deseos aspiracionales de los 'millenials' frente a las generaciones pasadas?

Por desgracia, en nuestra generación sentimos que cada derecho básico es un privilegio. Da mucha pena pensar que a lo que aspira mi generación y a lo que mi generación está llamando privilegio es a tener una casa y una plaza en el empleo público.

Tampoco quiero entrar en una batalla generacional, diría que cada generación ha tenido lo suyo. Nuestros padres no tenían dificultad para encontrar una casa, pero se han matado a trabajar, tampoco tenían medios para mejorar su salud mental.

Tu poemario tiene una marcada conciencia de clase, interseccional, ¿echas esto en falta en los espacios culturales? ¿Se interpela con sinceridad a la clase trabajadora?

El mundo cultural no puedo vivirlo, ni percibirlo, ni construirlo desde otra perspectiva que no sea la conciencia de clase. Intento hacer literatura y periodismo desde una perspectiva crítica. Como dice el poema de Gloria Fuertes: “Mi sitio es estar en medio del pueblo / y ser un medio del pueblo”.

Yo no podría haber leído a quien he leído y, por tanto, escribir lo que he escrito si no fuera porque mi madre se ha matado a trabajar en la fábrica para que yo tenga las condiciones materiales para poder leer y escribir. Me parece importante dejar testimonio de mi clase, de lo que vive una obrera en la fábrica o un campesino en el campo, como lo fue mi abuelo.

Eres periodista de carrera, ¿qué te hizo animarte a escribir poesía? 

La poesía vino mucho antes que el periodismo. Empecé a escuchar y escribir canciones de rap con 11 años. Me llamaba un montón la atención las letras, se salía de lo que yo escuchaba normalmente en la radio o en la tele. Eso derivó en escribir de una forma más poética, por así decirlo.

¿Qué diferencias dirías que hay entre escribir en un medio de comunicación frente a la poesía?

Son dos canales totalmente distintos. Con el periodismo, cuando escribo algún artículo o hago alguna entrevista o reportaje, siento que tengo una responsabilidad muy grande. Una de las cosas que más valoro del periodismo es poder dar voz a quien no la tiene o poner el foco en realidades que normalmente se pasan de largo.

La poesía es algo totalmente distinto. El periodismo es algo muy externo, es una escritura mirando hacia afuera; y la poesía es algo mucho más interno.

Cuando te lanzaste a escribir este poemario, lo hiciste para ti, sin pretensiones de que fuera publicado, ¿cómo ha determinado esto el proceso creativo y el acabado final?

Hay poemas que he escrito a lo largo de más de diez años. El primero lo escribí con 21, el último hace seis meses.

Me da algo de ansiedad ver la exposición de lo que he escrito, de cosas tan íntimas. Creo que en unos años lo voy a leer y me voy a sentir orgullosa. Este poemario no se trata solo de lo que me pasaba a nivel personal en mi década de los 20, también es testimonio de cómo viví el 15M, la llegada de Podemos, la crisis de la vivienda.

En el prólogo, Aldo Conway sostiene que: “No acudimos a la literatura para buscar innovación, acudimos a ella para entendernos”. ¿Qué has aprendido de tí misma escribiendo ‘Es lo que hay’?

Me ha permitido ver a la chica que he sido durante estos años. Escribía mucho desde la rabia, la impotencia, para entender qué me pasaba. Por ejemplo, el capítulo de ‘Los poemas que escribí en una relación de maltrato’ está en orden cronológico. Fue una época en la que escribí mucho. 

Yo me veía muy enamorada, a la vez que era una relación con muchas broncas, muchas peleas. Me sentía muy confusa. A veces, no entendía qué estaba haciendo mal. En uno de esos poemas que había empezado a escribir de amor, acabé escribiendo en una frase “tengo miedo”. Me chocó, fue una señal de que algo no iba bien.

¿Te costó volver a leer estos poemas?

Fue un capítulo difícil, dudé si incluirlos o no. Las relaciones de maltrato psicológico son súperconfusas. A mí me costó tanto darme cuenta de lo que me pasaba, teniendo ya 27 años, siendo súperfeminista. Y una vez lo supe, me vi unos meses incapaz de salir. 

Decidí incluir este capítulo porque siento un poco de responsabilidad hacia otras chicas o mujeres. A lo mejor, alguien lo puede leer y se puede sentir identificada.

No es habitual leer sobre sexo, feminidad o relaciones afectivas desde la perspectiva de una mujer. ¿Sientes que has crecido con referentes femeninos que han explorado estos temas?

Por suerte, sí. Me he nutrido bastante de autoras. Cuando era adolescente el rap era un mundo profundamente masculino, pero sobresalía Mala Rodríguez, que hablaba de feminidad de sexo, para mí fue un referente de empoderamiento de la mujer. También me gusta Gata Cattana, que suele hablar de su experiencia como mujer frente a la sociedad. En literatura, tengo a Aixa de la Cruz, a Angélica Liddell o a la actriz Ana Rujas.

Vivimos unos tiempos en los que la producción cultural (incluido este poemario) interpela constantemente a Dios. ¿Por qué te has decantado por el imaginero católico en tus poemas?

Le hablaba a Dios porque no sabía a quién coño dirigirme. No me considero una persona creyente, pero en estos años siempre ha habido algún momento en el que he sentido que todo lo que me rodea no es suficiente, que todo es una mierda, pero hay que seguir adelante. Pero, ¿con quién me enfado? No puedo culpar a nadie de problemas que son estructurales, así que dirijo mi rabia a Dios.

¿Qué es la fe para ti?

Es esa cabezonería que me permite creer que algo es posible, aunque lo tenga todo en contra. Los recursos en casa eran limitados, fui la primera de la familia en ir a la universidad, pero tengo esa ambición, una vocación que me sale de dentro, una fe.

El Centro Párraga, adscrito al Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, abre hoy al público la exposición ‘Trust’, del artista alemán Roman Schramm, que recoge una serie de obras de gran formato que son fotografías de acuarelas y óleos del creador a las que superpone imágenes y detalles fotográficos en forma de tramas. 

Comisariada por Mariano Mayer, la exposición es resultado de la línea de investigación en la vertiente visual de Schramm en la que la fusiona pintura, fotografía y composición algorítmica para crear superficies que mutan según la percepción del espectador, dependiendo de desde dónde y cómo sean observadas.

De hecho, las piezas son fruto del trabajo de colaboración entre el artista alemán y el algoritmo de las herramientas de Photoshop y, en ellas, paisajes, ríos, cadenas montañosas, escenas callejeras, vistas urbanas cenitales, animales, autorretratos, flores y citas de series fotográficas emergen sobre fondos pictóricos. La suma de elementos y de técnicas de construcción y obtención de las imágenes, lejos de proporcionar imágenes reconocibles, invita al espectador a presenciar su transformación y posibles abstracciones.

El director general del Instituto de las Industrias Culturales y las Artes, Manuel Cebrián, indicó que “desde el ICA hacemos un importante trabajo de mediación cultural y de apertura a la ciudadanía de las manifestaciones artísticas más experimentales e interesantes. En el Centro Párraga acogemos a artistas plásticos que están despuntando a nivel nacional e internacional con proyectos que permiten reconocer las distintas tendencias de la creación contemporánea”.

La exposición ‘Trust’, de Roman Schramm, comisariada por Mariano Mayer, se inaugura esta tarde en el Espacio 2 y se podrá disfrutar hasta el 18 de junio, de lunes a viernes, en horario de 9:00 a 21:00 horas.