“A reinar, fortuna, vamos; no me despiertes si duermo, y si es verdad, no me duermas. Mas, sea verdad o sueño, obrar bien es lo que importa”. La vida es sueño, de Calderón de la Barca, fue la obra que prendió en Raphael la pulsión del arte. Era prácticamente un niño cuando, de regreso a casa, se topó en las calles del barrio madrileño de Cuatro Caminos en el que entonces vivía con un teatro ambulante en el que se representaba la citada joya literaria del genio del Siglo de Oro. Ese día, Falín -así le llamaban- sintió la llamada y supo que su lugar estaría siempre encima de los escenarios.

“Para poder encontrarme, sueño camino; para saber perdonarme, sueño destino; para olvidarme de mí, yo sueño desde el principio”, cantaba hace unos años Raphael en la canción que abre su disco Victoria, un álbum compuesto y producido por Pablo López con el que el de Linares (Jaén) se celebraba a sí mismo, consciente del privilegio de su exitosa andadura vital y profesional. Unos versos con los que el mito parecía cerrar el círculo, aludiendo a la temprana proyección de un 'alter ego' al que distanció de su ser definiéndolo con ese 'ph' que lo acabó identificando como un icono universal.

Una figura con una voz única, una imagen inconfundible y una propuesta interpretativa dramática e hiperbólica que otrora causó filias y fobias pero que siempre provocó en todos un magnetismo incontrolable y, sobre todo, perenne hasta nuestros días. Un cantante de discografía inagotable, de premios y reconocimientos irrepetibles, y de impacto intergeneracional. Un ídolo de masas que comenzó como baladista clásico actuando en los teatros más selectos del planeta y que hace varios veranos hacía vibrar al joven público del festival Sonorama Ribera.

Una carrera desacomplejada y arriesgada, con muchas luces y muy pocas sombras, que lo convierte en uno de lo estandartes vivos más admirados de la música española, dentro y fuera de nuestras fronteras. Con todo, tras más de 60 años de trayectoria, el legado del 'raphaelismo' encuentra testimonio en un extenso archivo que cuenta con libros de memorias; publicaciones biográficas; especiales, galas y entrevistas filmadas; documentales; películas autoparódicas incluso; y, desde este pasado viernes, con su propia serie de televisión. Su título es Aquel y de la mano de Netflix ya está disponible en las pantallas de uno y otro lado del charco.

A cargo de DLO Producciones en colaboración con Caracol Televisión, y con la supervisión de la familia y el equipo del protagonista -su hijo Jacobo Martos ejerce de productor asociado-, la plataforma roja se lanza a relatar la historia de Miguel Rafael Martos Sánchez y su desempeño para construir y perpetuar su leyenda como Raphael. La ficción, en la que Javier Morgade y Carlos Santos encarnan al artista en diferentes etapas vitales, se encomienda en su primer capítulo a esas líneas de Calderón de la Barca con las que arranca este artículo para convertir La vida es sueño en un espejo en el que mirarse. Así, igual que Segismundo, en Aquel Raphael parece querer plantear desde la 'torre' de su fama una reflexión sobre la libertad, el destino y la capacidad de cada persona para decidir quién quiere ser. Con todas las contradicciones.

Antes, mucho antes de enamorarte, mucho antes de encadenarte, te voy a contar mi vida

Raphael — Te voy a contar mi vida (1962)

Una foto poliédrica que pasa de puntillas por sus hitos y polémicas

Por tranquilizar a las masas, quede claro de antemano que nadie verá en Aquel una introspección tan explícita y profunda sobre el artista. Pero sí que es esta una de las claras lecturas que subyacen en una ficción que realmente transita de forma ligera y amena a lo largo de los ocho capítulos que la componen. La serie se presenta como un entretenido biopic en el que Raphael toma la palabra para contarnos su vida y ayudarnos a entender a través de otra piel todas las aristas de su expansivo devenir.

De esta manera, Aquel se convierte en un retrato poliédrico del cantante, que aborda su periplo personal y artístico de forma global y tratando en cada episodio diferentes aspectos, temáticas y vivencias que han marcado su camino. Esto proporciona al título un cariz interesante: se dinamiza mucho su visionado con un conglomerado de géneros narrativos -desde el relato histórico y costumbrista a la comedia romántica, pasando incluso por el thriller de espionaje o el musical- que sorprendentemente no se perciben como un batiburrillo. Todos estos recursos estilísticos, respaldados por el montaje y la banda sonora, encuentran por los hechos que se cuentan una inesperada cohesión.

La ficción repasa al detalle la biografía de Raphael, tomando como detonante su humilde infancia en el Madrid de la posguerra -ciudad a la que su familia se mudó desde Linares cuando él tan solo tenía nueve meses- y en el prematuro alumbramiento de que con su talento y su instinto artístico podía ayudar a los suyos a salir adelante. La estricta y autoritaria educación que recibió por parte de sus padres, tentados a cortar su vocación por el marco de la dictadura y los prejuicios de la época; y el compromiso férreo con su oficio, sabedor de que su don era un salvavidas económico en casa, se presentan en el biopic como algunos de los hechos fundamentales que moldearon para siempre su carácter.

Como desenlace, sin destripar detalles precisos de la trama, la serie de Netflix llega hasta aquel 1 de abril de 2003 en el que el cantante 'volvió a nacer'. Una fecha en la que Raphael todavía hoy celebra su 'otro cumpleaños', pues es el día en el que el andaluz se sometió a un trasplante de hígado que le salvó vida y cambió su destino. Un revés consecuencia del alcoholismo en el que acabó atrapado el artista y que Aquel, como lo ha hecho abiertamente el propio Raphael en numerosas entrevistas, aborda de frente y sin evasivas.

Qué sabe nadie por lo que vibra de emoción mi corazón, de mis placeres y mis íntimos deseos qué sabe nadie

Rafael — Qué sabe nadie (1981)

En ese sentido, es de agradecer que la ficción -y su protagonista real- no pongan cortapisas a la hora de afrontar esta y otras de las 'polémicas' que le han perseguido voluntaria o involuntariamente a lo largo de su prolífica trayectoria. Netflix y Raphael no esconden, entre otros asuntos, cómo su carrera se vio marcada en sus inicios por los rumores sobre su orientación sexual; la posición 'apolítica' del personaje y las vinculaciones que se le otorgaron con el régimen de Franco o el de la URSS; sus problemas de salud mental durante su estancia en Las Vegas o su mediática rivalidad con Julio Iglesias en una lucha de egos por ser reconocidos como el cantante español más universal.

Sin embargo, la voluntad de abarcar tantos acontecimientos en el limitado metraje de sus capítulos -y probablemente la poca intención de mojarse en exceso con según qué cosas- hacen que la ficción pase de puntillas por algunos temas que requerían (por aportar valor a la obra) de una mayor profundidad. Esto ocurre no solo con las controversias sino que también se siente con algunos eventos señalados en la vida de Raphael. Así pues, en algunos momentos da la sensación de que estamos ante una retahíla de hitos que son arrastrados por los siguientes en la cronología.

Y, encabezando todo este proyecto, dos actores: Javier Morgade y Carlos Santos, quienes logran ante la cámara un resultado dispar. Morgade, encargado de retratar el pasado más lejano de Raphael, se echa a la espalda el peso de Aquel -protagoniza seis de sus ocho entregas- y se percibe en él una mayor naturalidad a la hora de representar al cantante durante su juventud. El segundo, con un reto mucho mayor que el de su compañero al representar una etapa más reciente y una imagen del artista más presente en el imaginario colectivo, transmite a pesar de su digno desempeño una mayor preocupación por replicar los manerismos que lo hacen reconocible. Y en esa intentona, que lleva fácilmente a la parodia, muy pocos pueden salir indemnes.

Los dos actores encabezan un reparto coral, con multitud de 'cameos' -ficticios, no reales- de rostros populares de la época relacionados con Raphael, destacando el trabajo de nombres como Francesco Carril (Paco Gordillo), Pepa Aniorte (Rafaela Sánchez) o Natalia Varela (Natalia Figueroa). El primero de ellos, que da vida al histórico mánager del andaluz, brilla en su papel de 'fiel escudero' en la piel de uno de los personajes más interesantes de la serie.

No me importa que murmuren y que mi nombre censuren por todita la ciudad. Ahora no hay quien me detenga, aunque no pare la lengua de la alta sociedad

Rafael — Escándalo (1992)

Una obra de 'artesanía' para encontrar 'la voz' de Raphael

Pero, sin duda, el gran talismán de Aquel es, como no podía ser de otra forma al tratarse del biopic de una leyenda de la música, su banda sonora. Las canciones de Raphael, como lo hacen a lo largo del presente artículo que espero que usted todavía siga leyendo, acompañan y son parte fundamental de la historia ficcionada del artista. El de la música, a cargo de Lucas Vidal -dos veces ganador del Goya por Palmeras en la nieve y Nadie quiere la noche-, se presume como uno de los aspectos a los que Netflix y DLO Producciones pusieron más mimo. Todo ello, con una gran duda al comienzo del proyecto: ¿utilizar las grabaciones originales de Raphael o recrearlas de nuevo con ayuda de un imitador?

Pues bien, los responsables de la serie acertaron de lleno al apostar por lo segundo. Y es que colocar a los actores la voz original de Raphael -como hizo en su día la TV movie homónima de Antena 3- sacaría al espectador de sus interpretaciones, que logran un resultado más orgánico con el playback con una nueva voz. Además, con las grabaciones originales de Raphael -algunas realizadas hace más de medio siglo- se produciría una discordancia en los estándares de calidad actuales de la imagen y los del sonido de aquel entonces.

Netflix solucionó el entuerto fichando a Sergio Romero, cantante y actor de doblaje musical al que el equipo descubrió por su trabajo en el pasado interpretando las canciones de Raphael. “Desde el primer momento fui consciente de la dimensión del encargo”, cuenta a verTele Romero, reconociendo la “responsabilidad” que tuvo que asumir. Su elección pasó por las valoraciones de DLO, Netflix y los principales responsables artísticos, directores y productores de la ficción, además de recibir la aprobación del mismísimo cantante y su entorno.

“Saber que Raphael había escuchado mi trabajo y había dado el visto bueno a mi elección fue algo muy difícil de explicar emocionalmente”, afirma el artista, para quien la decisión tenía un significado que trascendía lo estrictamente profesional, pues fue el andaluz el responsable de que él se animara a dedicarse a la música.

El trabajo de Romero consistió en regrabar aproximadamente una veintena de canciones de Raphael pertenecientes a distintas épocas de su carrera. Para cada una de ellas, la 'imitación' requería, tal y como él mismo relata, de diferentes ajustes en las frases, las respiraciones, matices o intenciones sobre lo que sucedía en pantalla. El mayor reto era plasmar en la voz de Raphael su transformación artística y personal: “Raphael no ha cantado igual durante toda su vida. Su voz ha evolucionado con él. Cambian el color, la madurez, determinados recursos, la manera de atacar una frase y también la forma de interpretar. Por eso no podía afrontar de la misma manera al Raphael joven que las etapas posteriores que afronta Carlos Santos”, destaca, describiendo un trabajo de pura artesanía audiovisual que traspasa la televisión.

“Durante las grabaciones pude aportar todo ese conocimiento que llevaba acumulando durante tantos años. Había cosas que tenía profundamente interiorizadas: determinadas formas de decir una palabra, de respirar, de atacar una nota o de resolver una frase. Pero había algo que para mí era fundamental: no hacer una caricatura. No quería que el espectador escuchara a alguien intentando demostrar cuánto se parecía a Raphael”. De esta manera, asegura que su máxima preocupación era que “se escuchara una interpretación real, con emoción, y que esos rasgos que hacen reconocible a Raphael aparecieran de manera natural”.

El resultado final, por tanto, reúne la entrega de tres profesionales para dar vida a un único Raphael: Javier Morgade y Carlos Santos aportan su encarnación física y emocional, mientras Romero se convierte en la voz del mito cuando canta. “Todo ese trabajo realizado en diferentes momentos termina unificándose hasta convertirse en una única canción y una única interpretación. Cuando ves finalmente la escena terminada, ya no percibes todas esas piezas por separado. Ves al personaje”, valora el joven de 32 años, natural de Ciudad Real, desvelando ser conocedor de que Raphael y su entorno han quedado encandilados con su desempeño. Y no es para menos, pues hay muchos momentos en los que el espectador no sabrá diferenciar si escucha una recreación o la voz original del protagonista.

“Creo que resulta imposible separar la vida de Raphael de sus canciones. Estamos hablando de uno de los artistas de habla hispana más importantes de todos los tiempos, con una carrera que ha atravesado generaciones, países y épocas. Sus canciones no son únicamente parte de su historia personal; muchas forman parte también de la memoria colectiva de varias generaciones. Por eso en Aquel la música no funciona simplemente como banda sonora. Las canciones también cuentan su vida”, reflexiona finalmente el manchego.

Vivir y hacer vivir, soñar y hacer soñar, cantar amándote y amado por cantar. Ni tú ni yo volamos solos. Yo sé que soy de tanta gente

Raphael — De tanta gente (2022)

Las canciones también cuentan su vida y Raphael, consciente de ello, siempre las ha colocado en el centro de su proyecto. Por encima de cualquier preocupación por mantener una coherencia estética o una línea artística entre los títulos de su discografía, Raphael no ha parado de poner el foco en las canciones. Porque serán esas canciones, y no otra cosa, lo que permanezca en el tiempo cuando él ya no esté. Cuando ninguno de nosotros ya no estemos. Mientras tanto, con su inseparable tenacidad, con esa pasión, con ese incorformismo y con su capacidad para seguir soñando, Raphael sigue zafándose una y otra vez de esa retirada de los escenarios que en alguna ocasión le ha pisado los talones.

En una larga entrevista con Joaquín Soler Serrano en el programa A fondo de RTVE, realizada en 1977 cuando aún tenía 34 años, Raphael concluía la charla expresando un deseo: “He hablado mucho. Pero ojalá no haya dicho todo, yo no puedo haber dicho todo todavía”. El cantante dejaba claro entonces que aún tenía mucho que decir. Hace unas semanas, con 83 otoños a sus espaldas, Raphael dejaba clara durante la premiere de Aquel su intención de que aún le quede mucho por hacer. “He tenido y tengo una vida maravillosa, haciendo lo que me gusta hacer todos los días, o casi todos los días. Y sigo, sigo, y sigo, y no voy a parar nunca. Hasta donde sea. Lo único que pido es estar muy bien”. Que así sea.

Netflix estrena este viernes 19 de septiembre El refugio atómico, su nueva serie española con Álex Pina y Esther Martínez Lobato, creadores de La casa de papel y Vis a vis. Parecía, así de entrada, una apuesta bastante sugerente dados los antecedentes de este imponente dúo, pero su nueva producción es difícil de digerir.

Es un disparate en el que lo único que está bien construido es el búnker donde se refugia un grupo de millonarios que huye de la Tercera Guerra Mundial y del bombazo nuclear que se producirá en cualquier momento. Han pagado millones de euros -en realidad, una parte ínfima de sus fortunas- para sobrevivir al apocalípsis. Pero son pijos y antojados, así que bajo tierra, a 300 metros de profundidad, tendrán los mismos caprichos que tenían en sus lujosas mansiones.

En El refugio atómico todo ocurre demasiado rápido, y esto es, quizá, su principal problema y su principal virtud. Quienes esperen una historia profunda y bien trabada se llevarán una absoluta decepción desde el primer episodio; quienes busquen un simple pasatiempo sin exigencia alguna, encontrarán aquí una serie ágil y entretenida.

Pero hay que poner muy bajo el listón para terminar con gusto los ocho capítulos que componen esta ficción, porque los giros de guion, incluso cuando son risibles o rocambolescos, causan efecto solo si el público empatiza con los personajes, y aquí es difícil empatizar con cualquiera de ellos.

No es que el elenco sea malo. Miren Ibarguren, Pau Simon, Alicia Falcó, Joaquín Furriel, Natalia Verbeke, Carlos Santos, Montse Guallar y Agustina Bisio hacen lo que buenamente pueden, pero es extremadamente complejo enfrentarse a un guion que prioriza el impacto y los volantazos para pasar del drama a lo banal en cuestión de segundos.

En ese afán por captar la atención del espectador, la nueva serie de Netflix con Vancuver Media (la productora fundada por Álex Pina) abusa de los géneros para tensar y destensar la historia a conveniencia. Acción, drama, comedia y romance se dan cita en este relato disparatado en el que hay algunas consideraciones políticas que quedan totalmente aplastadas por los salseos más jugosos de la jet set. Porque El refugio atómico es, ante todo, un verdadero culebrón, una telenovela de alto presupuesto cuya trama se desvía constantemente hacia las rencillas de dos familias unidas y enfrentadas por un trágico suceso del pasado. Por eso y por mucho más.

Un culebrón a 300 metros de profundidad

El culebrón acapara demasiada atención en la serie. Es evidente que los creadores han preferido darle este tono en vez de recurrir a los habituales temas de las ficciones apocalípticas que transcurren en espacios reducidos. Pero se podría haber trabajado mejor ese aspecto novelesco con relaciones más creíbles, con expresiones más humanas, sin que todo resulte tan plástico y forzado.

También se podría haber explotado más y mejor el verdadero trauma de la serie, el horror de estos afortunados supervivientes que han presenciado en riguroso directo la detonación nuclear que les impedirá volver al exterior. Pasar de puntillas por este aspecto no hace sino quitarle realismo al guion. Y, puestos a pedir, se le tendría que haber dado más protagonismo -sin necesidad de ponerse 'intensito'- a la lucha de clases que aflora muy puntualmente -y a base de clichés- en esa olla a presión subterránea.

“No ha habido una serie tan ambiciosa en la historia de España como El refugio atómico”, destacaba hace unos meses Diego Ávalos, vicepresidente de Contenidos de Netflix, en una entrevista con El País . Aunque el resultado deja mucho que desear -al menos en el plano argumental-, da la impresión de que no le han faltado recursos a la nueva creación de Álex Pina y Esther Martínez Lobato. En ese sentido cumple con creces.

Ávalos también expresaba un deseo en dicha entrevista: “Que El refugio atómico sea la serie de Netflix más vista de la historia en España”. Quizá haya pecado de ambición con esto último, dados los precedentes, pero los espectadores no dejan de sorprender. En los próximos días veremos cuál ha sido su recepción entre la audiencia y qué reacciones provoca. Esta que acaban de leer no es más que una simple crítica y, como suele decirse, la última palabra la tiene el público.

Netflix ha iniciado oficialmente el rodaje de Aquel, la serie biográfica que abordará la vida y carrera de Miguel Rafael Martos Sánchez, más conocido en todo el mundo como Raphael, y lo hará desde una perspectiva íntima y sin filtros. Este miércoles, la plataforma ha desvelado el reparto completo del proyecto, en el que Javier Morgade y Carlos Santos darán vida al icónico cantante en distintas etapas de su vida.

En total serán ocho episodios en los que se narrará la vida del artista nacido en Linares (Jaén), desde sus humildes orígenes en la España de posguerra hasta la conquista de los grandes escenarios internacionales. “Las grabaciones comenzaron por fin en junio y no puedo estar más contento con los primeros resultados. Este 'biopic' no solo cuenta mi historia, también refleja una historia compartida: más de seis décadas de carrera marcadas por momentos inolvidables -unos muy conocidos, otros más íntimos; algunos luminosos, otros más duros-, pero todos profundamente significativos”, ha destacado el propio Raphael a través del comunicado de la plataforma.

La ficción, producida por Netflix junto a Caracol Televisión y DLO Producciones, contará desde las pasiones más íntimas del cantante hasta sus grandes éxitos, pasando por sus conflictos personales y los fantasmas que le han acompañado a lo largo de toda su vida. Con escenarios que van de Madrid a Las Vegas, pasando por Moscú, París o Acapulco, Aquel es un viaje emocional a través de cinco décadas llenas de luces y sombras.

En declaraciones recogidas por la plataforma, el artista afirma haber contado su vida “sin filtros”, interpretada luego “con total libertad” por los guionistas para trazar “un retrato honesto, sin adornos, que no rehúye ningún aspecto, por complicado que haya sido”. A los actores protagonistas, les acompañarán nombres como Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y el también director Manolo Caro.

La ficción está siendo dirigida por Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís, y cuenta con José Manuel Lorenzo como productor y con Jacobo Martos como productor asociado. El guion ha sido escrito por Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó. Como productores ejecutivos participan Nacho Bolonio, Dago García, Lisette Osorio y José Manuel Lorenzo.

Netflix ha lanzado un avance de El refugio atómico, la nueva serie creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato para la plataforma. El tándem creativo detrás de La casa de papel pretende recrear con esta ficción distópica de ocho episodios el imaginario de un nuevo apocalipsis. La ficción, inicialmente conocida como El búnker, llegará el próximo 19 de septiembre.

La ficción imagina que la Tercera Guerra Mundial está a punto de estallar y un grupo de multimillonarios se refugia en un búnker de lujo: Kimera Underground Park. Este búnker diseñado para resistir cualquier catástrofe imaginable se convertirá así en un escenario claustrofóbico para dos familias marcadas por una herida del pasado. Aislados bajo tierra y sin posibilidad de escapar, dan rienda suelta a unas personalidades cargadas de ácido sulfúrico, destapando sus secretos más inconfesables. Pero también surgen las alianzas más inesperadas. Una radiografía emocional excesiva y sorprendente de unos multimillonarios viviendo en un agujero de oro.

Los habitantes de este refugio están interpretados por Miren Ibarguren, Natalia Verbeke, Carlos Santos, Joaquín Furriel, Montse Guallar, Pau Simón, Alicia Falcó, Agustina Bisio y Álex Villazán, entre otros.

Jesús Colmenar, David Barrocal y Jose Manuel Cravioto son los directores de la primera temporada de la ficción, compuesta por 8 episodios. Estos están escritos por los propios Pina y Martínez Lobato junto a Barrocal, David Oliva, Lorena G. Maldonado y Humberto Ortega. Por su lado, Migue Amoedo se encarga de la factura visual de la producción.

A falta de pocos días para que 2024 llegue a su fin, Netflix nos trae este viernes 13 de diciembre uno de los productos más esperados del año. De la mano de Álex de la Iglesia, la plataforma de pago nos traslada hasta ese 1992 que da título a su primera serie con el cineasta bilbaíno, que vuelve a apostar por la ficción televisiva tras su interrumpida 30 monedas en Max. Y lo hace para reescribir la Expo de Sevilla a través de un thriller de seis episodios que tenía todos los ingredientes para trascender pero que se ha terminado quedando en una idea a medio gas por la falta de mimo que destila el proyecto, en fondo y forma.

Éramos muchos los que, al anunciarse la premisa de esta serie, y saber que su artífice era Álex de la Iglesia, teníamos demasiadas esperanzas depositadas en ella. Pocos mejor que el director de clásicos como La comunidad o El día de la bestia para retratar aquel hito que marcó un antes y un después en la historia de España, y del que podía descubrirnos una 'cara B' en forma de 'fábula' costumbrista que combinara, como habitúa en su filmografía, el terror y la comedia de la mejor de las maneras para contar un relato atractivo que mezclase fantasía y realidad.

Y es que De la Iglesia, y su inseparable Jorge Guerricaechevarría, toman como punto de partida la muerte de un hombre en una misteriosa explosión y la investigación que decide emprender su mujer, Amparo (Marián Álvarez), al descubrir junto al cadáver del empresario que falleció junto a su esposo un muñeco de Curro, la mítica mascota de la Expo del 92. Una figura que vuelve a aparecer en crímenes posteriores que son perpetrados de forma similar, lo que convence a la protagonista a ahondar en lo ocurrido con ayuda de Richi (Fernando Valdivielso), un expolicía alcohólico que trabaja ahora como vigilante de seguridad de un centro comercial.

A partir de ahí, con los mimbres del slasher tradicional, 1992 toma a la pareja protagonista como vehículo conductor para descubrir junto al espectador el motivo por el que alguien se ha apoderado de la imagen de un icono tan emblemático y entrañable como Curro para acometer varios asesinatos con el fuego siempre como protagonista. Un planteamiento interesante, con el contexto nostálgico de la Expo de Sevilla como su mayor aliciente, que invita al público a ir uniendo junto a los personajes todas las piezas del puzzle.

Una idea brillante y con vocación de trascender...

Como decíamos, Álex de la Iglesia ha sido inteligente a la hora de subirse al tren de la nostalgia y ambientar su nueva serie en el contexto de un evento que nos marcó a todos, tanto en lo personal como en lo colectivo como país. Y es que aquella Expo de Sevilla de 1992 supuso, junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona de ese mismo año, la apertura definitiva de España al mundo, dejando atrás la Transición y los tiempos de oscuridad para emprender al fin un camino hacia la modernidad y el desarrollo. La ficción refleja atinadamente la ambición de aquella España que intentaba (a su modo) madurar política, económica y socialmente. Y nada mejor que dos acontecimientos internacionales de ese calibre para demostrar al resto del planeta que estábamos a la altura de las circunstancias.

La Expo propició una faraónica inversión en infraestructuras, empezando por la histórica creación del AVE, con una primera línea que unía la capital del país con Sevilla en apenas un par de horas. También se amplió el aeropuerto de San Pablo, se construyeron carreteras que hicieron ganar a Andalucía 1.000 kilómetros de vías de alta capacidad y se instalaron varios puentes por Sevilla que articularon la movilidad en la ciudad. Además, se recuperó la hasta entonces abandonada isla de la Cartuja, reaprovechando unas 250 hectáreas para construir allí los diferentes pabellones en los que se celebraría la muestra.

Álex de la Iglesia coloca en esos terrenos el epicentro de su nuevo thriller y confronta el esplendor del actual Parque Científico y Tecnológico de Sevilla -que acoge hoy en día a unas 550 empresas- con la decadencia (exagerada para la ficción) de lo que queda de aquellas instalaciones de la Expo, convertida en la serie en una especie de esperpéntico parque de atracciones en ruinas en el que su principal villano tiene su 'centro de operaciones'. El cineasta desarrolla así un contraste entre pasado y presente (plasmado también en la fotografía de ambos tiempos narrativos) para hacer de esta una de sus obras con una crítica social más explícita y realista.

Así pues, poniendo el foco en la corrupción empresarial y política, el director se encomienda al viejo refrán “de aquellos polvos, estos lodos” para dar explicación a ciertas conductas, dinámicas y malas artes que arrastramos desde aquel tiempo de bonanza en el que algunos empezaron a perderse en sus delirios de grandeza. Sólo así se explica, por tanto, la decisión del creador de traer al presente la principal línea argumental de una historia que, probablemente, hubiese tenido un mayor impacto llevándola directamente a aquel 1992 que desafortunadamente sólo se deja ver en forma de contados flashbacks.

Otro aspecto con el que el proyecto de Netflix contaba a favor es con la potentísima iconografía del evento, como sucedía también en la mítica Nadie conoce a nadie de Mateo Gil, el recordado thriller de Eduardo Noriega y Jordi Mollá en medio de la Semana Santa sevillana, marcada esta vez por esa figura de Curro tan presente aún hoy en el imaginario colectivo. Cuenta De la Iglesia a verTele que, precisamente, el germen de la serie se remonta a la viralización hace unos años en Twitter de la imagen de un grupo de Curros “comidos por el tiempo” que aparecían apilados en un almacén. “Esa especie de contradicción me hizo tomar conciencia de que había pasado tanto tiempo”, declara el vasco a la hora de explicar el alumbramiento en su cabeza de esta ficción.

El director se refiere así, muy probablemente, a una de las fotografías del maravilloso reportaje que en 2017 publicó la ya extinta revista Vice y que causó una gran fascinación entre los internautas al adentrarse en lo que llamaron un “cementerio de Curros”. Realmente se trataba de una tienda de antigüedades sevillana que, tras rescatarlos del abandono, decidió conservarlos al aire libre hasta que algún coleccionista quisiera llevárselos. Aquellas instantáneas, aterradoras por sí mismas, dieron la idea a De la Iglesia de recuperar a la querida mascota diseñada por Heinz Edelmann -ilustrador también del Yellow Submarine de Los Beatles- para resignificarla y convertirla en una especie de psycho killer que cambiará de algún modo para los espectadores, en un ejercicio de lo más divertido, el concepto que tenían del carismático pájaro de pico y cresta multicolor.

Esta maniobra, sumada a la de intentar dar explicación a dos misteriosos sucesos -reales aunque muchos no lo recuerden- que ocurrieron meses antes de la inauguración de la Expo y que llegaron a hacer planear la sombra del gafe sobre la muestra -el del incomprensible hundimiento en noviembre de 1991 de una réplica de la histórica Nao Victoria a los 20 minutos de ser botado en el pueblo onubense de Isla Cristina y el del incendio en extrañas circunstancias en febrero de 1992 que destruyó el Pabellón de los Descubrimientos, el edificio más esperado de la exposición- se erigen como principales bondades de la serie. Porque la ficción, para bien, encuentra su mayor virtud en una brillante idea que, para mal, acaba convirtiéndose lamentablemente en una gran oportunidad perdida. Lo explicamos.

La oportunidad perdida de hacer una serie memorable 

Todas estas grandes expectativas que comentábamos empiezan a desinflarse según avanzan los primeros capítulos y uno empieza a darse cuenta de que se encuentra ante un producto audiovisual que destila cierta desgana en su desarrollo. En el apartado técnico, llama la atención, para empezar, la extraña fotografía que la ficción plantea en su línea temporal del presente, especialmente en un Madrid constantemente lluvioso que choca a los conocedores del seco clima de la capital y que molesta por su aparente intento de proporcionar un golpe de efecto visual a esas escenas que se torna de algún modo gratuito.

Sorprende además el abuso de efectos especiales para recrear esas llamaradas que consumen a las víctimas del Curro asesino de este 1992 y que se perciben en varias ocasiones como demasiado inverosímiles. También el empleo de un montaje apresurado que, si bien dota a los seis episodios de la serie de un gran ritmo y, por tanto, de un fácil consumo, propicia una ristra de errores inexplicables para una producción de este presupuesto y calibre. En concreto, fallos de sincronía en secuencias de diálogos en los que la imagen plano-contraplano de sus interlocutores no casa con el sonido de sus voces.

Por otro lado, esa genial premisa embrionaria del proyecto se derrumba en el desarrollo de un guion que termina siendo previsible y con detalles del todo incoherentes. Porque ese 'más es más' por el que suele apostar De la Iglesia, esa predilección desprejuiciada del cineasta por los excesos, no ampara esta vez ciertas decisiones que provocan, por lo absurdo, escenas involuntariamente cómicas o sonrojantes. Tampoco el texto ayuda en muchos momentos a los actores, con un Fernando Valdivielso y Marian Álvarez correctos, a sacar todo su potencial interpretativo ante las cámaras.

En definitiva, 1992 llega a Netflix al menos como una ficción de disfrute ligero, oportuna para nostálgicos sin demasiadas exigencias dispuestos a darse un paseo por algunos escenarios de aquella Sevilla de la Expo. Sin embargo, será decepcionante para aquellos que la esperaban con entusiasmo, conscientes de que tenía todos los ingredientes para convertirse en una ficción trascendental y memorable.

Netflix ha anunciado este jueves la fecha de estreno de 1992, la primera miniserie para la plataforma con la firma de Álex de la Iglesia, y del creador y guionista, ganador de dos premios Goya, Jorge Guerricaechevarría (Celda 211, Las leyes de la frontera, Hermana muerte). La ficción, que llegará a el próximo 13 de diciembre, ha desvelado también sus primeras imágenes.

El nuevo thriller del director de El día de la bestia girará, tal y como recogimos, en torno a unos misteriosos asesinatos en los que siempre se repite el mismo patrón: todas las víctimas han sido quemadas y junto a los cuerpos aparece un muñeco de Curro, la icónica mascota de la Expo '92 de Sevilla. 

La miniserie, dirigida por Álex de la Iglesia, es una creación de él mismo junto con Jorge Guerricaechevarría, a partir del guion de Pablo Tébar (Bandidos) y Jorge Valdano (Pollos sin cabeza), y está protagonizada por Fernando Valdivielso (Fanático) y Marian Álvarez (La herida, La unidad).

Completan el reparto Paz Vega (Lucía y el sexo), Carlos Santos (El hombre de las mil caras), y, tal y como se ha desvelado a través de las primeas imágenes avanzadas por la compañía, otros actores como Pablo Puyol, Darío Frías, María Lanau, Guillermo Barrientos, Gorka Lasaosa y Jaime Ordóñez.

Rodada en Sevilla y Madrid, 1992 es una producción de Pokeepsie Films para Netflix.

Sinopsis de '1992', la serie de Álex de la Iglesia en Netflix

Tras la muerte de su marido en una extraña explosión, Amparo (Marian Álvarez) comienza a buscar respuestas con la única ayuda de Richi (Fernando Valdivielso), un guardia de seguridad, ex policía y alcohólico. Mientras, los asesinatos se suceden siempre con un mismo patrón: junto al cuerpo quemado de las víctimas aparece un muñeco de Curro, la icónica mascota de la Expo'92 de Sevilla.

En palabras de Álex de la Iglesia, es un thriller que mezcla suspense e intriga política y “que nos retrotrae a un momento clave de la historia reciente de nuestro país que muchos guardamos en la memoria”. Netflix ha lanzado ya las primeras imágenes dela serie.

El capítulo 388 de Cuéntame cómo pasó, con el que la mítica producción de La 1 de TVE cerró este jueves su temporada 21 (a la espera del especial sobre Carlos y Karina de la próxima semana) concluyó con un momento histórico para la serie y para toda la ficción española.

La cadena ya había anunciado “el adiós a uno de los grandes personajes que ha creado la televisión española en las últimas décadas”. Y cumplió con creces, para sorpresa de todos (vean o no la serie) porque aprovechó el 2020 para enseñar la muerte de uno de sus protagonistas.

[En adelante, esta noticia contiene spoilers sobre el último capítulo 388 de 'Cuéntame']

Aunque ya es vox pópuli, y de hecho en cuanto se emitió el final del capítulo las cuentas oficiales de Cuéntame, de la cadena La 1 y de la Corporación TVE rindieron tributo al personaje sin cuidarse de spoilers, Antonio Alcántara murió en el 2020 de la serie. Un final muy alegórico que ha explicado a verTele Joaquín Oristrell, el coordinador de guion de la ficción.

El adiós definitivo del personaje que ha marcado la serie más histórica de España (que seguirá vivo en los noventa, eso sí) llegó en una escena en la que se le veía en paz, disfrutando de su tierra, de sus viñedos y sobre todo junto a su familia. En ese momento, exhausto y solo a sus 94 años, aparece un niño que se identifica como bisnieto de un antiguo amigo de Antonio Alcántara. Y éste le envía recuerdos, pero el niño le dice que no puede dárselos porque ya no está, porque “se ha ido parriba”, vocablo que da título al último episodio.

Su presencia sirve para que Antonio Alcántara reflexione y aconseje al pequeño sobre la importancia de la familia, usando como metáfora las uvas: “¿Tú sabes por qué las uvas crecen en racimos? Porque son como una familia. Crecen juntas, se necesitan, porque son como una familia. Y se ayudan a madurar. A veces una se pone pocha, pero no dejan que se caiga. ¿Sabes por qué? Porque son una familia”.

La escena, de evidente carga dramática y alegórica para hacer historia de la ficción española, tiene también una curiosidad. Y es que el niño que acompaña en su final a Antonio Alcántara es en la vida real el sobrino del actor Carlos Santos, que en la actualidad vuelve a dar vida a Povedilla en Los hombres de Paco.

“Mi sobrino Mario formando ya parte de la historia de la televisión de este país”, compartió orgulloso en Twitter poco después de acabarse la emisión del capítulo, mostrando una foto de su sobrino Mario:

Los hombres de Paco volvieron -por fin- a principios de esta semana a Antena 3 y Atresplayer Premium, que acoge este domingo el estreno de su tercer episodio. Metraje que ha dado tiempo para volver a reencontrarse con Povedilla (Carlos Santos), uno de los personajes más queridos y al que los guionistas de la serie más metieron en situaciones escabrosas. Circunstancia que su intérprete agradece, porque le obligaron a “ahondar en cuáles eran mis límites como actor, ver hasta dónde podía llegar”.

Entre ambas etapas de la mítica ficción, le ha dado tiempo hasta a ganar el Goya al Mejor actor revelación en 2016 por su papel de Luis Roldán en El Hombre de las mil caras (Alberto Rodríguez). También ha aparecido en otros títulos como El crack cero (2019), y en televisión le hemos visto en El tiempo entre costuras, Bienvenidos al Lolita, Ella es tu padre y como Pedro Almodóvar en El Ministerio del tiempo.

Hablamos con él tras la presentación de los nuevos 'Pacos', en una conversación telefónica que incluyó trayecto en taxi y entrada en 'procesos' para el último día de su siguiente proyecto, Historias para no dormir. Los últimos compases de la entrevista transcurrieron mientras le ponían la barba de Chicho Ibáñez Serrador, a quien encarna en la tercera entrega del remake.

Has comentado en numerosas ocasiones que Povedilla es el personaje con el que más has aprendido en tu carrera, ¿por qué?

Para empezar, porque fue el primer personaje fijo que hice en televisión. Había aparecido como capitular en Siete vidas, Policías, Periodistas, Un paso adelante, El comisario... pero este fue el primero que pude hacer durante mucho tiempo, cinco años ni más ni menos, al que ahora sumamos otro más. Esto se añade a que a los guionistas les gustaba mucho el personaje y me hicieron pasar por todo tipo de situaciones. Había secuencias que decía: “Madre mía, ¿pero esto que me han puesto aquí? ¿Cómo lo hago desde este personaje?”.

Me obligó a ahondar un poco en cuáles eran mis límites como actor, hasta dónde podía llegar, hasta dónde no, y siempre era ir un poquito más allá. Se lo debo a la imaginación de los guionistas. Ellos mismos lo dicen: “A Povedilla le cabe todo”. Me pusieron tetas, me enterraron vivo, me encerraron en la cárcel, me hicieron padre, me casaron, me pusieron un hermano gemelo. Fue una cantidad de situaciones, y muchas más que no me acuerdo ahora, que me hicieron crecer muchísimo, me dieron confianza para luego enfrentarme a otros personajes con la seguridad suficiente como para que ninguno me diera, sí respeto, pero no miedo. Eso lo consiguieron Los hombres de Paco, José Povedilla, los guionistas y los directores.

De hecho Povedilla fue uno de los personajes más queridos y que más conectó con la audiencia, ¿por qué piensas que fue así?

Es una mezcla perfecta en cuanto a alquimia. Entre el me río de él porque es tonto perdido, le pasa de todo, le putean... pero al mismo tiempo sufro muchísimo con el. Lo que le ocurre hace reír tanto, que cuando lo pasa mal el espectador empatiza a un nivel muy alto. En general, pasaba con casi todos los personajes, pero como al mío las putadas que le hacían estaban un poco más subrayadas y acentuadas; el público se reía conmigo y de las putadas, pero cuando me veía sufrir también empatizaba.

Esa es la clave del humor. No hay nada más divertido que ver sufrir a otro. Fíjate la cantidad de vídeos que hay de tortas. Como persona me sale preguntar si “estás bien” pero para la inmensa mayoría de la gente es “uy, vaya ostia se ha dado”. Es algo que está en el ser humano. Esa alquimia hizo que el público, y lo he notado a lo largo de los años, cogiera mucho cariño a Povedilla.

¿Algún momento habías imaginado qué podría haber sido de Povedilla? ¿Tenía que ver con lo que te has acabado encontrando en los nuevos guiones?

Lo curioso es que llegamos a rodar en Atreseries un proyecto que se llamaba Secuelas, hace tres años. Consistía en fantasear sobre qué fue de Povedilla, y querían hacerlo con más personajes míticos de las series de Antena 3, como Un paso adelante o Compañeros. Al final solo se hizo el mío, que no tiene nada que ver con lo que hemos rodado ahora. Allí, después de la última temporada satánica, me había hecho investigador de lo paranormal.

Sin embargo, en el regreso de la serie he dejado la Policía y he montado una autoescuela, algo que también el va muy bien al personaje. Le pega mucho el manual de circulación y enseñar a otros a ser respetuosos con la ordenanza de circulación. Esto es el arranque, pero luego llegan Paco y Mariano y le lían, como siempre.

Con lo que sí que había fantaseado es con la idea de retomar Los hombres de Paco. Lo comenté con uno de los productores ejecutivos hace unos años, cuando en Estados Unidos se puso de moda retomar series. Aunque no fuera una temporada completa, pero sí a lo mejor una miniserie de seis capítulos sobre un caso en concreto. Al final ha sido mucho más grande, con dieciséis episodios y con vistas a seguir encarnando a estos personajes, porque los amamos. Para todos los que hicimos la serie está en un lugar muy muy especial.

¿Cómo ha sido reencontrarse con ellos, diez años después, teniendo en cuenta lo que han cambiado tantos ellos como la sociedad? También a la hora de abordar según qué casos y el tono.

Ahora, sobre todo en lo que se refiere al humor, tenemos la piel muy fina. Parece que hay ciertos temas de los que no se puede hablar, ciertas cosas que no se pueden decir. El humor está continuamente puesto a prueba sobre con qué se puede hacer comedia y con qué no. Pero nosotros contamos con que Los hombres de Paco ya existíamos, ya hicimos humor de todo lo habido y por haber, incluido el terrorismo de ETA, el Golpe de Estado y el rey. Nadie nos podrá decir “qué irreverentes” porque no lo somos más que antes. Somos los mismos.

A pesar de que la cosa esté muy desquiciada en ese sentido en la sociedad actual, y solo han pasado once años, que parece mentira; nos han dado manga ancha a la hora de retomar ese tipo de humor. La gente ya sabe qué puede esperar de nosotros. Espero que nadie se ofenda, aunque siempre habrá alguien; pero tampoco vamos a dejarnos tiranizar por la opinión de uno o dos. La mayoría del público es adulto y tiene capacidad como para poder reírse de la independencia de Cataluña o la reina Letizia. Seguimos en nuestra línea, no se nos resiste nada.

La serie es un policíaco, ¿es este un buen género para hablar de cosas sin “molestar” o “molestando” menos que con otros?

Exacto. El dónde se enmarca la serie, como ficción policíaca de investigación de casos, nos da un poquito de libertad. Pero sobre todo, porque es una serie de comedia en la que unos señores muy torpes tienen en sus manos el destino de la humanidad en algunos momentos. Si te crees y te tomas a coña ciertas cosas, pues tómate también a coña cuando se nombra aquello que te molesta un poquito más. Hay que saber reírse de todo.

Recientemente se ha visto Antidisturbios con un tono y una visión completamente diferente de la Policía, mientras que a los Pacos era imposible no quereros. ¿Ayudó la serie a mejorar su imagen en su momento?

Sin duda. Recuerdo que al inicio de la emisión había que poner un cartel diciendo que la serie se hacía con todo el respeto a las fuerzas y cuerpos de seguridad del estado. Aclarar que no pretendíamos reírnos de ellos, sino que era una manera simpática de acercarse a ellos. Duró los ocho primeros capítulos, luego lo pudimos quitar y nadie se sintió ofendido.

De hecho, la inmensa mayoría de policías que nos hemos encontrado a lo largo de los años nos ha dado las gracias y nos ha dicho que nos quedamos cortísimos. Pasan más cosas, que a la vez es normal, ¿no te pasa a ti como periodista que dices en algún momento madre mía que cagada la que acabamos de liar? Pues en este trabajo también.

Y por supuesto, todos los que van a la academia de Ávila me dicen “yo era el Povedilla de la Academia”. Es inevitable. Me lo han dicho infinidad de veces. Ayudamos a que la gente entendiera que la policía puede llevar pistola, puede ponerte multas; pero tienen familia, hijos, hijas, novios, maridos, mujer, suegros... Se dedican a algo en la que se juegan la vida, pero son exactamente como nosotros, y servidores públicos.

Más allá de Los hombres de Paco, ¿qué tal va Freddy, capítulo del remake de Historias para no dormir en el que apareces?

Ahora mismo me están afeitando y me van a poner la barba de Chico Ibáñez Serrador, hoy es el último día de rodaje. Estoy en el capítulo que dirige Paco Plaza con Miki Esparbé, Adriana Torrebejano y Enrique Villén. Está siendo magnífico. Son nuevos acercamientos a cuatro historias en concreto de la mítica serie.

En el que estoy yo, contamos qué ocurrió en el rodaje de la que en el 82 se llamó Freddy. Interpreto a Ibáñez Serrador y me han puesto de ayudante de dirección e este rodaje ficticio al hijo de Chicho, Alejandro Ibáñez, que es productor ejecutivo de la serie. Es decir, tengo que hacer de Chicho delante de su propio hijo. Esto, que podría parecer bastante tenso, gracias a que este señor es un encanto, está siendo muy divertido. No creo que tarde mucho en estrenarse porque en breve empiezan a rodar el último capítulo [grabación que ha comenzado esta misma semana a las órdenes de Paula Ortiz].

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El tercer capítulo del remake de Historias para no dormir ya está en marcha. Miki Esparbé, Adriana Torrebejano y Carlos Santos protagonizan el episodio dirigido por Paco Plaza, cuyo rodaje ya ha comenzado. El autor de Verónica y Quien a hierro mata ha tomado ya el testigo de Rodrigo Cortés y Rodrigo Sorogoyen, realizadores de las dos primeras entregas de la nueva versión de la icónica serie.

Con título Freddy, trasladará a los espectadores al rodaje de la serie original cuarenta años atrás, donde el ventrílocuo protagonista establece una inquietante relación con su muñeco. André (Esparbé) es un pésimo actor a punto de perder su trabajo, incapaz de declararse a la mujer de sus sueños (Torrebejano) que, por consejo del director Chicho Ibáñez Serrador (Santos), comienza a trabajar con un misterioso muñeco de ventrílocuo que le ayuda a deshacerse de sus inseguridades y a tomar las riendas de su destino, desencadenando una serie de macabros sucesos que llevan al rodaje a un punto sin retorno.

Es el tercero de los cuatro relatos auto conclusivos que devolverá al mundo de los vivos las pesadillas de Historias para no dormir, la ficción de Chicho Ibáñez Serrador que revolucionó el panorama televisivo de los años 60. VIS, una división de ViacomCBS Networks International, produce junto con Prointel e Isla Audiovisual esta adaptación para Amazon Prime Video y RTVE. Su reparto lo completan Enrique Villén, Ismael Martínez y Maru Valdivielso.

Freddy completa la tercera de las reelaboraciones libres de cincuenta minutos de duración que conforman la serie de formato de terror. El último capítulo será El Asfalto, bajo la dirección de Paula Ortiz.

Lo que sabemos de los dos primeros episodios, ya rodados

La Broma es el título del primer capítulo de la nueva versión de Historias para no dormir. Rodrigo Cortés fue su director, que contó como protagonistas con Eduard Fernández (30 monedas), Nathalie Poza (La Unidad) y Raúl Arévalo (Antidisturbios). Encarnan a un triángulo de personajes poco edificantes dispuestos a traicionarse entre sí en cuanto su interés personal así lo aconseje.

Su sinopsis reza: “La Broma es tanto un divertimento cinematográfico como una historia de diálogos, personajes y atmósfera que provocará en el espectador más de una risa culpable, mostrando que la codicia -como cualquier otra pulsión humana- puede ser terrible y cómica a la vez”.

El doble, por su parte, fue dirigido por Rodrigo Sorogoyen y liderado por Vicky Luengo y David Verdaguer. Daniel Remón firmó el guion junto al propio Sorogoyen, de este perturbador relato que traslada a los espectadores a un futuro no muy lejano. A un mundo cada vez más deshumanizado, en el que la inteligencia artificial y las máquinas ocupan un enorme y creciente espacio en las relaciones humanas.

Dani (Verdaguer), un tipo común de mediana edad atraviesa un mal momento con su pareja (Luengo). En un intento de salvar su relación, toma una decisión que les obligará a replantear la esencia de su identidad como pareja.

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Los hombres de Paco continúan el rodaje de su esperado regreso y, dentro del goteo de píldoras de información que sus protagonistas van desvelando, el último en pronunciarse ha sido Carlos Santos, intérprete de Povedilla.

“Están siendo unas semanas intensas por todo”, ha reconocido el actor, tanto por el retorno “diez años después a estos personajes que tanto nos dieron tanto a todos los que participamos en la serie en su génesis”; como “por la situación que estamos viviendo”, haciendo referencia al coronavirus y las medidas sanitarias que están teniendo que tomar en cada jornada de grabación.

Además, ha destacado “la ilusión que se nota en el equipo, tanto en la gente que no participó y ha venido nueva, como en los antiguos compañeros que ya estuvieron. Hay una energía muy chula”. Sobre las tramas y lo que los seguidores de Los Pacos se van a encontrar, anticipa que “la esencia de todos los personajes está ahí”, aunque “en la serie han pasado unos años que también han pasado para ellos, y eso está en su carácter. Ya no somos los que éramos hace diez años”.

Sobre Povedilla, ha comentado que “no le vamos a encontrar como la gente se espera, enfundado en un uniforme”, debido a “cositas” que le han pasado “y que descubriremos”. Aun así, “seguiremos viendo al Povedilla torpe, un poquito naif, noble... el que todos recuerdan y yo también recordaba”.

El actor ha asegurado igualmente que “ha sido muy fácil volver a sentirte como te sentías hace diez años cuando acabó la primera etapa”. “Son personajes que no nos han abandonado nunca desde que empezamos la serie hace quince. Están muy dentro de nosotros”. Por ello, ha compartido que “para todos los que hemos formado parte de esa aventura, ha sido volver a casa”.

Carlos Santos, mítico Povedilla de la serie Los Hombres de Paco, intervino este martes en 'La Ventana' de la Cadena SER para recordar lo que supuso la serie en su momento, y dar algunos detalles del regreso que ya prepara Atresmedia.

El actor comenzó precisamente por señalar que por la calle para mucha gente sigue siendo Povedilla, pese a haber pasado tanto tiempo: “Desde hace casi 15 años soy Povedilla y lo sigo siendo con 43 años que tengo, y no solo para la gente que vio la serie”.

Al valorar la definición de “costumbrista” con el que se identificaba a Los Hombres de Paco y a otras series como Los Serrano, Santos quiso puntualizar: “El término 'costumbrista', a Los hombres de Paco, se quedaba un pelín escaso. Era una serie que abarcó muchos géneros, realmente era una comedia de acción. Nunca se perdió el sentido del humor con el que se fraguó”, explicando que sí sabía aprovechar el costumbrismo para presentar a sus personajes de forma cercana y que fuesen creíbles.

Su propia definición le hizo pensar sobre lo vivido en la serie, hasta el punto de acotar también su concepción como comedia, porque como aseguró “en Los hombres de Paco se ha reído tanto como se ha llorado. Nos tirábamos llorando muchos capítulos”.

“Va a haber un giro de las reglas del juego”

Al ser cuestionado sobre lo que está por llegar, con el regreso de la serie, Carlos Santos explicó que no podía explicar mucho, aunque sí quiso aclarar que “no le podemos dar a la gente la misma sopa que le dábamos hace 10 años. Va a haber un giro de las reglas del juego, en el escenario donde van a desarrollarse los capítulos”.

También habló sobre el elenco de actores que ya están en el proyecto: “Hay incorporaciones. Va a estar Amparo Larrañaga, que se incorpora a estos hombres y mujeres de Paco. Está Juan Grandinetti, el hijo de Darío Grandinetti, que también se incorpora. Y dos o tres incorporaciones más. Hay una sobrina de Paco Tous también”, recordando también los ya sabidos de Adriana Ozores, Hugo Silva y Michelle Jenner, Neus Sanz, Pepón Nieto, y por supuesto Paco Tous.

Cuestionado sobre si su personaje seguirá siendo igual de tierno, el actor ha afirmado: “Sí, Povedilla sigue en su línea”.

Así será el regreso de 'Los hombres de Paco'

Esta nueva temporada mantiene el espíritu que hizo grande a Los hombres de Paco, su humor, su forma de entender la amistad, el amor, la vida y la justicia, pero adaptados a los nuevos tiempos, porque han pasado unos cuantos años y muchas cosas han cambiado, pero no su esencia. Eso nunca. Según apunta la cadena, la vuelta no va a defraudar a los viejos seguidores de la serie, pero también va a conseguir enganchar a nuevos espectadores.

Paco es más viejo, más sabio y aún más testarudo. Ha crecido como persona y a su alrededor todo está cambiando. Pero si algo tiene Paco es que es un superviviente nato y siempre va a saber adaptarse a cualquier reto. Eso sí, siempre con la ayuda de sus amigos.

En definitiva, Los hombres de Paco vuelven distintos, renovados, modernos, pero conservando su espíritu y su forma de ser, lo que les funciona y lo que se les da mejor. Se van a adaptar a los nuevos tiempos, aunque sea a cabezazos.

Los hombres de Paco continían la recomposición para su secuela con la incorporación de Carlos Santos. El ganador de un Goya, al que podemos ver en la cuarta temporada de El Ministerio del Tiempo haciendo de Pedro Almodóvar, retomará su papel de Povedilla en la nueva etapa de la comedia policíaca, informa El Televisero.

Se suma así a Paco Tous, que volverá a ponerse al frente del equipo de disfuncionales policías creados por Daniel Écija (Estoy vivo, El accidente) y Álex Pina (La casa de papel). No han trascendido, por el momento, los guionistas que se encargan de continuar las tramas cerradas en 2010.

Santos, a quien hemos visto en los últimos años en filmes como El hombre de las mil caras y Lo dejo cuando quiera, y en series como El tiempo entre costuras, Lo que escondían sus ojos y Ella es tu padre, ya había retomado su recordado papel, el que le serviría para hacerse un nombre en el panorama. Fue en 2018, en un simpático vídeo de Instagram donde recuperaba los dejes del inefable Povedilla.

Se espera que como ellos, también retornen otros miembros del reparto original que sobrevivió al desenlace de la ficción. A ese respecto, conviene indicar que Hugo Silva ya insinuó su participación en el proyecto durante una entrevista en Instagram con Elena S. Sánchez, sin dar más información o confirmarlo. Este mismo martes, volvían a preguntarle por ello en Vodafone Yu de Europa FM (donde por cierto, también intervenía Santos): “No puedo decir nada. Lo único que puedo decir es que no puedo decir nada”, respondía.

Se pretende rodar en verano, si el coronavirus lo permite

Globomedia (The Mediapro Studio) trabaja en la resurrección de la serie, uno de los títulos más populares de Atresmedia en la década de los dosmil. La producción atraviesa la fase de casting con la intención de comenzar a rodar este mismo verano, siempre y cuando siga la desescalada de la crisis del coronavirus que ha paralizado los rodajes durante los últimos dos meses.

Precisamente, entre las series afectadas se encontraba El Internado: Las cumbres, que recuperaba otra exitosa marca de Antena 3 y Globomedia en forma de remake para Amazon Prime Video, y cuya grabación había arrancado pocos días antes en el Monasterio de Iratxe (Navarra).

Una de las series de más éxito de Antena 3 en lo que va de siglo

Emitida por Antena 3 entre 2005 y 2010, Los hombres de Paco comenzó siendo una comedia sobre el día a día en la comisaría del barrio madrileño de San Antonio, centrada en el inspector Miranda (Tous) y en los subinspectores Lucas y Mariano (Hugo Silva y Pepón Nieto).

Con nueve temporadas en su haber, la serie fue virando hacia el thriller a lo largo de su andadura televisiva. Aunque experimentó un inevitable desgaste en su último año de emisión, la ficción se habituó a unos registros por encima de los tres millones de espectadores y con medias en torno al 20% de cuota de pantalla.

Juan Diego, como el comisario Lorenzo, y Michelle Jenner, como la hija de Miranda, enamorada de Lucas, destacaban en un amplio reparto donde figuraban también Adriana Ozores, Aitor Luna, Marián Aguilera, Neus Sanz, Carlos Santos, Fede Celada y Enrique Martínez y Mario Casas.

Mientras esperamos a ver los últimos episodios de Ella es tu padre, Carlos Santos ya ha asumido nuevo reto. Uno “inmenso”, tal y como reconoce: doblar a James Franco en The Disaster Artist, el filme sobre el rodaje de la considerada “el Ciudadano Kane de las malas películas”.

Franco, que dirige el filme, se pone en la piel del estrafalario Tommy Wiseau, un hombre misterioso, acaudalado y con un acento indescifrable que en 2003 estrenó esta inenarrable cinta, ahora convertida en fenómeno de culto con proyecciones mensuales y que goza desde entonces de proyecciones mensuales en Estados Unidos. Lo hizo junto a su amigo Greg Sestero, compañero de la escuela de arte dramático y escritor del libro The Disaster Artist. Mi life inside The Room, que adapta la película.

Santos, que ya dobló a uno de los personajes de La LEGO Ninjago película, ha reconocido que “poner voz a James Franco y su peculiar acento no ha sido tarea fácil”. El intérprete, ganador del Goya por El hombre de las mil caras, aconseja en cualquier caso ver The Disaster Artist en versión original, “sin duda”.

El filme se estrena el 29 de diciembre en España y, tras ganar la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, se postula como una de las favoritas del público para los Oscar 2018.

Toda la información de Ella es tu padre, AQUÍ.

Ella es tu padre está resultando uno de los primeros éxitos de la temporada televisiva que acaba de comenzar. Por ello, no es de extrañar que Carlos Santos se muestre feliz por el recibimiento que en sus tres primeras entregas ha tenido Avelina. Así lo cuenta al micrófono de VERTELE.

“Esta señora ha salido de un lugar muy extraño que no sabía que estaba ahí”, ríe el actor, ganador del Goya a mejor actor revelación en 2017.

Con el cuarto capítulo a punto de emitirse, nos promete que será “tremendo”: “Ver a Avelina haciendo gimnasia es muy heavy”, asegura.

El equipo de maquillaje y caracterización de Tu cara me suena sorprende en cada edición por lograr trabajos realmente conseguidos. Tanto que el parecido entre imitador e imitado puede llevar a confusión.

Esto es lo que le ha ocurrido al equipo multimedia de Atresmedia con Bono de U2 y uno de sus imitadores en el talent show, Carlos Santos. La web de laSexta amanecía este lunes con una imagen del actor de Ella es tu padre ilustrando una noticia sobre U2.

“U2 cancela un concierto en Saint Luis por las protestas contra la absolución del policía blanco que mató a un hombre negro” reza el titular, que aparece acompañado por una fotografía de la actuación de Carlos Santos en Tu cara me suena.

U2 cancela su concierto en San Luis para garantizar la protección del público

La banda de rock irlandesa U2 canceló el concierto de este domingo en San Luis (Misuri, EEUU) ante las crecientes protestas que están teniendo lugar en esa ciudad, alegando que no pueden poner en peligro la seguridad de sus seguidores.

“El Departamento de Policía de San Luis nos ha informado de que no están en condiciones de proporcionar la protección estándar para nuestro público como se esperaría para un evento de este tamaño”, expresó la banda en un comunicado.

“A la luz de esta información, no podemos, en buena conciencia, arriesgar la seguridad de nuestros fans y continuar con el concierto, por mucho que lamentamos tener que cancelar, sentimos que es la única vía de acción aceptable en el entorno actual” añadió.

Quienes compraron entradas para el concierto por Internet recibirán un reembolso de las mismas,mientras que los que lo hicieron en persona podrán reclamar su dinero en los lugares donde las adquirieron.

El actor Carlos Santos acudió este domingo al plató de Viva la Vida para promocionar el estreno de la nueva serie de Telecinco que él protagoniza, Ella es tu padre.

“En la comedia faltaba ese pequeño salto en la producción, y creo que en esta serie se va a ver”. Toñi Moreno quiso saber si es verdad que le levantaban a las 4 de la mañana e incluso le recogían a las 3:30, y el actor contestó rápidamente: “¡Y antes!”.

“Es verdad, te lo puedo asegurar”, respondió para confirmar que su trabajo de caracterización eran 4 horas diarias, por lo que su jornada empezaba tan pronto: “Son 4 horas para ponerlo y una para quitarlo, más las 10, 11, 12 ó 13 horas de grabación”.

El oscarizado equipo tras la caracterización

El actor también explicó que su personaje verdaderamente no surgió hasta que no se vio caracterizado por primera vez: “Antes es muy difícil, no puedes imaginarte nada ni de forma de andar, ni de hablar...”.

También explicó que toda la caracterización, combinada con que “hemos rodado en unos meses un poquito duros, con muchos días de calor”, hicieron que estuviera cerca del desmayo: “No me he llegado a desmayar, pero he estado a punto”.

Pese a las dificultades, Carlos Santos también quiso presumir del equipo que le permite “convertirse” en una persona completamente distinta, la mujer que protagoniza la serie. El actor explicó que el equipo de caracterización, encabezado por Montse Ribé y David Martí (Estudio DDT SFX), son ganadores de un Oscar por “El laberinto del fauno” y cuatro Goya por “El laberinto del fauno”, “La piel que habito”, “El orfanato” y “Frágiles”). Además, también fueron responsables de los efectos especiales de “Hellboy”.

Cumplir con el calendario de rodaje siempre es un reto para cualquier producción. A los múltiples factores a controlar hay que sumar aquellos imprevistos que alteran por completo el ritmo de grabación.

Contratiempos de toda clase y condición que pueden ir desde lo climatológico hasta lo material y lo personal. Y un caso de esto último lo encontramos en 'Ella es tu padre', la nueva comedia que prepara Telecinco.

El percance de Carlos Santos que retrasó 'Ella es tu padre'

Su protagonista, Carlos Santos, se rompió la nariz con los capítulos aún en pleno rodaje. Un percance que obligó a detener la producción hasta que el actor se recuperara, tal y como ha contado a Vertele la directora de Ficción de Mediaset, Arantxa Écija. “Hace tres semanas retomamos el rodaje porque Carlos Santos se rompió la nariz y se retrasó la grabación unos días”.

Santos, Goya a Mejor actor revelación por 'El hombre de las mil caras', no pudo continuar con la grabación, pero sí con la gira de 'Un tonto en una caja', la obra de teatro que dirige.

En cuanto a su participación en 'Ella es tu padre', Arantxa Écija asegura que él y su compañero en la ficción, Rubén Cortada, forman “una pareja mítica” dentro de una serie que promete ser “una bomba”.

Así es 'Ella es tu padre'

Esta ficción, que la cadena producirá con La Competencia Producciones ('Gym Tony', 'Levántate', 'Pequeños gigantes'), abordará la historia de Sergio (Santos) y Tomi (Cortada), dos hermanos músicos en horas bajas que deciden vivir juntos para ayudarse mutuamente.

Sergio lucha por recuperar a sus hijos y a su exmujer que, al igual que el juez que se encarga de su caso, le ve como un mal padre. Ante esta situación, Tomi le convencerá de que se convierta en Avelina, la profesora de música del colegio de sus hijos y que dirige Carmen (María Castro), para poder así compartir más tiempo con ellos y formar parte de sus vidas aunque sea de esa forma tan peculiar.

Sin embargo, el reto será mucho más difícil de lo que Sergio pensaba, ya que nunca ha tenido ni jefes, ni compañeros, ni horarios fijos de trabajo; y tendrá que ganarse la confianza de los alumnos, que no se parecerán en nada al público entregado que le jaleaba en sus conciertos. Y todo esto entre rulos, pantis y una faja incómoda.

Inspirada en 'Mrs. Doubtire' y el clásico 'Tootsie'

'Ella es tu padre' es una idea original de La Competencia, con un argumento que recuerda a un género clásico del cine, el de un hombre fingiendo ser una mujer por una buena causa, como vimos en 'Tootsie' (Dustin Hoffman) y 'Mrs. Doubtfire' (Robin Williams).