En el mundo de la guitarra, la rapidez en tocar las notas podría ser un valor añadido. Los solos ejecutados con una velocidad vertiginosa en ocasiones podrían ser considerados, para muchos, como una medida del talento. ¿Quién no recuerda a Alvin Lee, quien antes de fallecer en 2013 se proclamaba a sí mismo como el “guitarrista vivo más rápido”? Sin embargo, existe otra forma de hablar con la guitarra: una más pausada, más contemplativa, donde cada nota se disfruta y cada silencio tiene su peso. Esta forma de tocar es la que utilizan los que vamos a llamar “guitarristas lentos”, no como una etiqueta peyorativa, sino como una manera distinta y profundamente válida de entender la música.

Lejos de la urgencia de la velocidad, estos músicos construyen paisajes sonoros donde el tiempo parece dilatarse. A menudo recurren a efectos como el delay o el reverb para expandir el espacio de sus composiciones, creando atmósferas etéreas que invitan a la introspección. En sus manos, la guitarra deja de ser un vehículo de exhibición técnica para convertirse en una herramienta expresiva, capaz de transmitir emociones sutiles y complejas.

Ser “lento”, en este contexto, no implica una carencia, sino una elección estética. No se trata de ser mejor o peor que los guitarristas rápidos, sino de explorar un lenguaje distinto, donde la intensidad no proviene de la cantidad de notas, sino de su significado. En esa aparente sencillez reside, muchas veces, una profundidad que desafía las convenciones y redefine lo que entendemos por virtuosismo. Hoy hablaremos de algunos de estos guitarristas, entre los que te confieso que están casi todos mis preferidos.

Steve Rothery

Steve Rothery nació el 25 de noviembre de 1959 en Inglaterra. Es conocido principalmente por ser el guitarrista fundador de Marillion, una de las bandas clave del llamado rock progresivo moderno (neoprog). Entró en este grupo en 1979 tras responder a un anuncio en un periódico musical, y desde entonces ha sido una pieza constante en el grupo. De hecho, es el único miembro presente en todos los álbumes del grupo.

Marillion es una banda británica cuya evolución es curiosa. Se creó en el año 1979 en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra. Al principio su formación fue bastante inestable, participando músicos como Mick Pointer, Brian Jelliman, William Minnitt, Doug Rastus Irvin, Andy Ward, Jonathan Mover y John Martyn Mater. El grupo tiene dos etapas claramente distinguibles y que han sido marcadas por su vocalista. En la primera etapa, que podríamos llamar la “era Fish”, su cantante era precisamente Fish, que es el apodo de Derek William Dick, un escocés nacido en 1958 que mide casi dos metros. Ingresó en Marillion en 1981 y además de cantar escribía las letras de las composiciones. Su peculiar voz se ha descrito como “diferente” como una “confusión entre Roger Daltrey y Peter Gabriel”. Sus letras son profundas, introspectivas, llenas de simbolismo y matices, a menudo autobiográficas que invitan al oyente a reflexionar. Así, Clutching at Straws es un disco conceptual, en donde Fish relataba sus experiencias relacionadas con el alcoholismo que sufría entonces. Aquí lo tienes completo. En 1989 se marcha Fish y entra como vocalista Steve Hogarth, conocido en el grupo como H pues había otro Steve, Rothery, el guitarrista. A partir de ese momento, empieza la “era Hogarth” que se caracteriza por su estabilidad. Desde 1989 hasta la actualidad, Marillion mantiene a los mismos miembros ¡37 años! Cuando entre 1979 y 1982 pasaron por sus filas casi una docena de músicos.

Centrándonos en Steve Rothery, es el único miembro que permanece en Marillion desde el principio y el único que ha participado en la grabación de todos los discos del grupo. Podemos considerarlo como la “referencia” del guitarrista “lento”, pues su sello está en la expresividad y el tono. Desarrolla melodías largas y emotivas y sus solos cuentan historias, no buscan lucirse técnicamente. Utiliza muchos efectos: delay, reverb y chorus con los que crea atmósferas envolventes, etéreas, muy sugerentes. Rothery tiene, en mi opinión, el don del equilibrio entre técnica y sentimiento, sabiendo cuándo tocar, habitualmente poco, cuando estar en silencio e incluso cuándo explotar emocionalmente. Aquí tienes algunas canciones donde podrás apreciar la belleza de su técnica: Fantastic Place, Kayleigh, ó Easter son obras maestras del minimalismo guitarrístico y, sobre todo, Neverland, cuya versión en directo en el Royal Albert Hall con una orquesta de cámara es verdaderamente fascinante. De esta última joya busca su primer solo, en el minuto 2:19 y sobre el segundo, en el minuto 4:09 si no quieres oír todo el tema (cosa que te desaconsejo pues es una canción fascinante). Rothery toca sobre todo con una guitarra Blade que lleva su firma y una gran cantidad de efectos.

David Gilmour

Fue el legendario guitarrista de Pink Floyd y probablemente el más famoso de los guitarristas que hemos clasificado como “lentos”. David Gilmour nació el 6 de marzo de 1946 en Cambridge (Inglaterra) y se unió a Pink Floyd en 1968, inicialmente para apoyar a Syd Barrett, cuya salud mental se deterioraba. Hablamos de ello en otro capítulo de El Camarote. Poco después, Gilmour pasó a ser guitarrista principal y con el tiempo, se convirtió en una de las fuerzas creadoras de Pink Floyd, junto a Roger Waters, con quien a menudo esa fuerza colisionaba. Tras la marcha de Roger Waters, Gilmour se convirtió en el principal motor musical del grupo. 

Gilmour es uno de los guitarristas más reconocibles de la historia, no por velocidad sino por expresión pura. Fraseo emocional: cada nota está medida, nada sobra. Él mismo ha reconocido que “nunca le darán un premio o reconocimiento por su velocidad”. Es también uno de los guitarristas que mas ha influido en el desarrollo musical de otros guitarristas. Así, han admitido su influencia o su admiración por su forma de tocar muchos músicos. Seguro que los conoces a todos. Mira lo que dicen ellos de Gilmour:

Steve Rothery, de quien acabamos de hablar, ha declarado en múltiples entrevistas que Gilmour es una de sus tres influencias fundamentales (junto a Andrew Latimer y Jeff Beck). Rothery suele destacar la capacidad de Gilmour para decir más con una sola nota que otros con cien. Aquí lo puedes oír a los 27 segundos.

Mark Knopfler ha elogiado públicamente la técnica de Gilmour. Ha mencionado que admira cómo David “merodea” alrededor de la melodía central en lugar de abordarla de forma frontal, algo que considera la marca de un “gran guitarrista”. En esta entrevista podrás comprobar que la admiración es mutua.

Roy Buchanan el guitarrista de blues y maestro de la Telecaster en una entrevista con Steve Newton, el legendario guitarrista de blues reconoció haber sido influenciado por Gilmour. Curiosamente, fue una influencia mutua, ya que Gilmour también le admiraba. Buchanan llegó a decir de él: “Creo que es genial, un músico increíble”.

John Petrucci (guitarrista de Dream Theater), en diversas clínicas de guitarra y entrevistas para revistas como Guitar World, ha citado a Gilmour como su principal influencia en lo que respecta al “fraseo expresivo” y al vibrato. Ha mencionado que de él aprendió la importancia de la selección de notas y el control del tono por encima de la velocidad.

Joe Bonamassa, el virtuoso del blues moderno, ha declarado que Gilmour es uno de sus héroes por su capacidad para crear paisajes sonoros. Bonamassa suele destacar que el tono de Gilmour es “el estándar de oro” para cualquier guitarrista que busque un sonido estratosférico y melódico.

The Edge (U2) ha reconocido que la experimentación de Pink Floyd con los efectos de sonido y los ecos fue una de las bases que le permitieron desarrollar su propio estilo. Ha citado a Gilmour como un pionero en el uso de la guitarra como una “textura” dentro de la composición. 

David Gilmour ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996 con Pink Floyd. Su álbum On a Island publicado en 2006 alcanzó el número uno en el Reino Unido. Por otra parte, en 2003, el gobierno del Reino Unido le otorgó el título de Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) por su contribución a la música. En el último listado de los 100 mejores guitarristas publicado por la revista Rolling Stone, el músico está posicionado en el decimocuarto lugar (entre Albert King y Freddy King), y en la octava posición de la lista Los 100 mejores guitarristas de la revista Total Guitar. En 2006 la revista estadounidense Guitar World incluyó tres de sus canciones entre Los 100 mejores solos de todos los tiempos. Por último, en agosto de 2006, su solo en Comfortably Numb fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor solo de guitarra de la historia jamás grabado. Aquí lo tienes en directo de Live 8, un concierto benéfico celebrado en Londres, en el Hyde Park en 2005. Fue la última vez que los miembros de Pink Floyd tocaron juntos. Rick Wright ha fallecido y Roger Waters y David Gilmour han decidido seguir caminos diferentes, por decirlo de una manera elegante, por lo que no volveremos a verlos juntos nunca más. 

En este tema, Gilmour utiliza su famosa Stratocaster negra, numerada #001, sobre la que existe una leyenda urbana pues al parecer no es la primera Stratocaster fabricada, pero sí que es la guitarra más cara del mundo, pues recientemente se subastó y alcanzó el valor de más de 14 millones de euros en Christie´s. Una copia de ésta se vende en las tiendas de instrumentos musicales al módico precio de 5.333 €.

Andy Latimer 

Guitarrista, flautista y cantante del grupo británico Camel, nos hemos referido a él en otros capítulos de El Camarote, concretamente en el anterior donde hablábamos de los flautistas en el rock y hace algún tiempo en el capítulo de grupos y músicos infravalorados. Por ello, te remito a estos capítulos si quieres recordar cosas de Camel. Hoy nos centraremos en el estilo musical de Latimer, que sigue el mismo patrón de los dos guitarristas anteriores: utilización de pocas notas, largas, sostenidas, combinándolas con los silencios y procurando crear cierta atmósfera. Su forma de tocar la guitarra puede definirse como que tiene un fraseo expresivo, priorizando la emoción sobre la velocidad. Utiliza mucho el sustain, manteniendo notas largas y limpias que crean una sensación envolvente, todo lo cual genera un tono cálido y limpio, con poca distorsión y dándole preferencia a los sonidos suaves y definidos. Es un estilo que a mi particularmente me encanta. 

En este concierto, en la primera parte del mismo interpretaron su álbum Moonmadness completo, celebrando el 50 aniversario de su publicación. En la segunda parte, que empieza en el minuto 45, tocaron una selección de sus mejores temas que, a mí, me parece fantástica. Aquí tienes el enlace al concierto completo. 

Los solos de Andrew Latimer suelen ser muy melódicos y fáciles de recordar, casi como si fueran una voz humana. Un buen ejemplo es Lady Fantasy, así, al terminar el concierto, se puede escuchar al público salir del teatro cantando su riff principal. Esto ocurre al final, aproximadamente a las dos horas y 18 minutos, justo después de que la banda la interpretara como cierre del show.

Aun siendo considerado un guitarrista que ha influido a muchos otros no suele aparecer en listas comerciales o generalistas tipo Top 100 guitarristas de grandes revistas o cadenas de radio. Aquí tienes un par de canciones como muestra de su estilo y calidad, la mencionada Lady Fantasy, un tema clásico en todas sus actuaciones (el solo de guitarra empieza en el minuto cinco) o Sneak Preview cuyo solo, limpio, económico y precioso, empieza en el minuto 5:20. 

Robert Fripp

Robert Fripp nació el 16 de mayo de 1946 en Wimborne Minster, Inglaterra por lo que en unos días cumplirá 80 años. A pesar de no haber estudiado en un Conservatorio siempre ha sido un hombre muy disciplinado en su formación autodidacta. Desarrolló un estilo muy personal en la guitarra, en el que sus solos comparten algunos detalles con los guitarristas que hemos mencionado anteriormente: lentos en cuanto a la velocidad, llenos de sensibilidad, con notas largas, sostenidas y con muchos efectos como el sustain, distorsión, reverb, compresor y chorus que unifica en una torre que es más un “laboratorio sonoro” que una simple pedalera. 

Fripp fue un pionero y un innovador en todo lo que es la modulación del sonido de la guitarra. Uno de los pilares de su sonido es el sistema llamado Frippertronics, que desarrolló junto a Brian Eno en los años 70. Usaba dos grabadoras de cinta conectadas en bucle de manera que lo que tocaba se grababa y se repetía con un pequeño retraso. Cada repetición se iba acumulando, creando capas y texturas. Este sistema fue precursor de los loopers modernos. 

En 1968 fundó King Crimson, grupo clave del rock progresivo. Su álbum de debut, In the Court of the Crimson King, es un referente en este estilo de música. Aquí lo tienes completo. En el minuto 13 podrás escuchar el riff de comienzo de la canción Epitaph que define su sonido. Por cierto, es mi canción preferida de este disco.

Musicalmente, Fripp es todo menos sencillo, sus obras tienen una notable complejidad estructural: son composiciones largas, con frecuentes cambios de ritmo y armonías sofisticadas. En su estilo ha fusionado rock, con música clásica, contemporánea, jazz e incluso música ambiental. A la hora de interpretar es minimalista: emplea patrones repetitivos que evolucionan lentamente. También utiliza escalas poco convencionales y ha creado una afinación alternativa (New Standard Tuning) que es una afinación propia. Aquí puedes ver de qué se trata. Yo no la entiendo. Quizá algún día se la pregunte a mi profesor de guitarra…

En Fripp nada es improvisado ni dejado al azar. Tiene una técnica precisa y disciplinada, evitando la improvisación caótica; todo está cuidadosamente pensado. Rígido, exigente con sus músicos y con él mismo. Bill Bruford, batería que fue de King Crimson, en su autobiografía publicada en 2009 definió a Fripp como “una amalgama con una parte de Stalin, otra de Gandhi y una tercera del Marqués de Sade”. Está todo dicho.

Paul Kossoff

Paul Kossoff fue fundador y guitarrista de Free, un grupo que con toda seguridad recordarás por su canción All Right Now. Nació el 14 de septiembre de 1950 en Hampstead, Londres. Desde pequeño, a los 9 años, empezó a tocar la guitarra clásica y recibió formación durante unos seis años, pero todo cambió cuando en 1965, vio a Eric Clapton tocando con los Bluesbreakers de John Mayall en un pequeño club de Londres (The Refectory). Ese concierto le cambió la vida. Abandonó la guitarra clásica, se compró una Gibson Les Paul Custom Black Beauty y se metió de lleno en la música rock y blues.

En 1968 formó Free, con Paul Rodgers, de quien hemos hablado en otro capítulo de El Camarote, Simon Kirke y Andy Fraser. Un grupo que tuvo una vida bastante corta pero una enorme influencia en el mundo del Rock. Kossoff tenía solo 18 años cuando grabaron su primer disco Tons of Sobs.

El solo de la canción All Right Now antes mencionada, puede servirnos como ejemplo del estilo de Kossoff, sencillo, claro y con pocos efectos (en los años 70 apenas se habían desarrollado los multiefectos para guitarra). Su estilo como músico era similar al de otros guitarristas comentados en este capítulo: “menos es más”: solos melódicos, económicos y extremadamente expresivos. Poseía unos de los vibratos más intensos y reconocibles de la historia del rock. Muchos lo consideran insuperable. Mucho uso de bends y sustain. Aquí tienes un tema poco conocido de Free, una versión en directo de la canción Be my Friend. Escucha el trabajo sencillo pero envolvente y completo que Kossoff hace con la guitarra a lo largo de todo el tema y sobre todo el solo que empieza en el minuto 3:40. Para mí es uno de los mejores solos en la historia del rock (opinión que probablemente nadie más comparta).

Kossoff luchó durante años contra la adicción a las drogas (principalmente heroína y otras sustancias), que comenzó tras el éxito y las tensiones de Free. Esto afectó gravemente a su salud y ya en 1975 sufrió un paro cardíaco que lo tuvo clínicamente muerto durante varios minutos. Afortunadamente fue reanimado. En 1973, Free grabó Heartbreaker, un álbum que contenía un tema titulado Wishing Well, que fue inspirado por el delicado estado de salud de Kossoff. Esta canción se convirtió en un homenaje a su talento y a sus problemas personales, una referencia clara a la lucha interna que estaba atravesando el guitarrista. Lamentablemente, el 19 de marzo de 1976, mientras volaba de Los Ángeles a Nueva York, sufrió una embolia pulmonar y murió con solo 25 años. Su cuerpo fue encontrado en el baño del avión.

Como anécdota te contaré que Kos (como se le conocía familiarmente) trabajó durante un tiempo como dependiente en la tienda de música Selmer’s en Londres, donde incluso conoció, entre otros, a Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page, Ritchie Blackmore y Andy Summers.

Mark Knopfler

Mark Knopfler nació en Glasgow en 1949 y creció en Newcastle Upon Tyne y antes de dedicarse profesionalmente a la música trabajó como periodista en un periódico local y estudió literatura inglesa. De ahí la belleza de una gran parte de la letra de sus canciones.

En 1977 formó Dire Straits junto a su hermano David Knopfler. Hicieron una demo casera de Sultans of Swing que fue un éxito y ahí comenzó su carrera musical, primero en Dire Straits y posteriormente una larga y exitosa carrera en solitario, grabando discos de muy diferentes estilos, desde el rock al country pasando por la banda sonora de varias películas. Ha grabado con Emmilou Harris, Chet Atkins, los Notting Hill Billies etcétera. De Knopfler hemos hablado en otro capítulo de El Camarote por lo que hoy voy a centrarme en su estilo como guitarrista.

El sonido en la guitarra de Mark Knopfler es inconfundible. Toca sin púa y sus solos son pausados, lentos, emotivos. Utiliza el pulgar junto a los otros dedos y eso le permite tocar las cuerdas más bajas y la melodía a la vez. Tiene un sonido limpio, con poca distorsión. No busca velocidad, sino expresión y claridad. Como modelo de su sonido te propongo que escuches Sultan of Swings, probablemente su canción más famosa y reproducida. En Spotify cuenta a día de hoy con más de 1.700 millones de reproducciones. El solo, que empieza en el minuto 3:30 define el sonido de Knopfler. También querría que escucharas el sonido diferente que obtiene con una Gibson Les Paul y con distorsión entre otros efectos en Brothers of Arms. Canción completamente diferente a Sultan of Swing es otra cara más de la técnica preciosa e inconfundible de este genio.

Miscelánea. Otros guitarristas ‘lentos’

Podríamos hablar de varios guitarristas más que encajarían dentro de la categoría que hoy hemos creado. Leslie West, el guitarrista de Mountain, podría ser otro más, con un estilo muy propio que desarrolló después en solitario. Solos lentos, con pocas notas pero con mucha sensibilidad y en el caso de West, por lo general también con bastante distorsión entre otros efectos. Aquí lo tienes en una versión de “Red House”, un blues escrito por Jimi Hendríx que apareció en la edición británica del álbum “Are You Experienced?” en 1967. La versión de West no desmerece en absoluto, en mi opinión. 

Como anécdota te nombraré a Eric Clapton, probablemente uno de los guitarristas más famosos e influyentes en la historia del Rock. No creo que a Clapton deba incluírsele como “guitarrista lento” y como muestra de ello te traigo dos temas de su etapa con Cream, ambos grabados en directo en San Francisco en 1968. Uno es Crossroads una versión acelerada del tema clásico de Robert Johnston. Escucha el segundo solo, que empieza en el minuto 2:32. El otro tema es Sleepy Time Time, otro blues, cuyo solo comienza en el minuto 2:37 y quizá estés de acuerdo conmigo en que Clapton “de lento nada”. Sin embargo, se le conoce con el apodo Slowhand (mano lenta) e incluso su disco más vendido, publicado en 1977, se llama así también. Pero la razón de este apodo es muy diferente y se debe a la forma “lenta” de aplaudir del público que asistía a sus conciertos con los Yardbirds, mientras esperaba a que Clapton repusiera las cuerdas de la guitarra, que por aquel entonces rompía bastante a menudo por la forma apasionada con que tocaba.

Despedida. Final de la primera temporada

Queridos lectores, hoy llegamos al último capítulo de esta primera temporada en El Camarote. Hoy atracamos el barco al muelle con una mezcla de gratitud y cierta nostalgia. Han sido varios meses de asomarnos juntos a historias, ideas y divagaciones que, como toda travesía, han tenido algo de rumbo y también bastante de deriva.

Quiero dar las gracias de corazón a todos ustedes por haber acompañado “El Camarote” por leer y compartir los artículos, por esa fidelidad silenciosa pero valiosa que tanto significa para mí. Gracias también a todo el equipo de Canarias Ahora, especialmente a su director, Carlos Sosa, de quien fue la idea del nombre de la columna. Gracias por abrirme las puertas del periódico y por confiar en este disparatado proyecto desde el primer día, sin reparos, concediéndome libertad absoluta para escribir lo que quisiera y poder cumplir así una de las grandes ilusiones en mi vida, que era la de escribir sobre música.

Durante estos meses he tenido el enorme privilegio de compartir con todos ustedes mi visión más personal y sincera sobre la música que me emociona, la que me ha acompañado toda la vida y la que sigo escuchando cada día. Cada capítulo ha sido como abrir un poco más las ventanas de mi propio camarote para pedirles que entren y así poder contarles directamente qué canciones, qué discos y qué artistas han marcado mi forma de sentir y entender la vida a través de la música.

Ustedes han estado ahí, leyendo, comentando y acompañándome en este viaje íntimo. Su presencia ha convertido este espacio en algo mucho más especial de lo que imaginé cuando empecé. Por eso, hoy quiero darles las gracias de corazón. Gracias por leer, por conectar con mis palabras, por compartirlas con sus amigos y por permitirme que compartiera con ustedes esta parte tan mía. En definitiva, gracias por hacer que este rincón tuviera sentido.

Al igual que sucede con las series de televisión. Esta primera temporada de El Camarote llega ahora a su fin. Quizá más adelante haya una segunda temporada. Y mientras tanto, si les apetece compartir conmigo sus impresiones, opiniones, recomendaciones musicales o simplemente permanecer en contacto, pueden escribirme a este correo: elcamarotesosa@gmail.com.

No les digo adiós sino hasta la vista. Gracias.

El violín y la flauta no son instrumentos habituales en las formaciones de los grupos de rock. Más bien son instrumentos que se relacionan con otro tipo de música como la country o la folk. Sin embargo, algunos flautistas y violinistas han pasado a ser referentes en el mundo de la música rock, imprimiendo al sonido de sus bandas un toque personal, diferenciador e inconfundible. Hoy hablaremos de algunos de ellos. 

El violín

1.Jerry Goodman (The Flock)

No conocía a este grupo hasta el año 1970 cuando cayó en mis manos un doble LP llamado Llena tu cabeza de rock que era un recopilatorio de diferentes grupos y músicos que habían fichado por la CBS. Creo que me lo prestó Pablo Romero Mur para grabarlo en cassette. Curiosamente, en la portada de dicho disco aparecía Goodman con su violín, algo que me sorprendió, acostumbrado a las formaciones de entonces que estaban constituidas por bajo, batería, guitarra/as y a veces teclados. Por cierto, este disco no está disponible ni en Spotify ni en YouTube.

Jerry Goodman, tenía una formación musical muy sólida, de conservatorio, en violín. Sus padres tocaban en la sección de cuerdas de la Chicago Symphony Orchestra, pero como no le motivaba la carrera clásica tradicional comenzó a trabajar como roadie para The Flock, un grupo que se formó en Chicago a finales de los años sesenta. Pasó a ser miembro del grupo y probablemente sea el más conocido del mismo. Por esa época aparecieron en los Estados Unidos otros dos grupos, Chicago y Blood Sweat and Tears, que tenían en común hacer una música con orientación al jazz-rock y una fuerte presencia de los metales en ella, lo que a algunos les dio por llamar Horn-Rock. Los otros grupos tuvieron más éxito, sobre todo Chicago, que cambió su nombre inicial de Chicago Transit Authority debido a problemas legales con la compañía de transportes de la ciudad, acortándolo simplemente a Chicago. Este grupo se trasladó a Los Ángeles, donde continuó su carrera musical, que tuvo mucho éxito al principio pero que se fue diluyendo con el paso de los años, tras la muerte de su fantástico guitarrista Terry Kath y la marcha de Peter Cetera, bajista y compositor de sus temas más famosos. Hoy en día, Chicago está de gira durante casi todo el año a lo largo y ancho de los Estados Unidos, permaneciendo mucho tiempo en Las Vegas. No me resisto a recomendarte que escuches este tema que abrió en su momento su primer disco, conocido con Chicago Transit Authority, Questions 67 and 68 en donde podrás apreciar la originalidad y fuerza de su música. 

Blood Sweat and Tears, grupo fundado por el genial Al Kooper. Ya su nombre es curioso para una banda, pues la frase es famosa dado que formó parte del primer discurso pronunciado en el Parlamento británico por Winston Churchill al comienzo de la II Guerra Mundial. “Solo puedo ofrecerles sangre, esfuerzo, sudor y lágrimas” decía: (Blood, Toil, Sweat and Tears). El grupo, sin embargo, nos ofrecía una música maravillosa que tomó su forma definitiva con la llegada del vocalista canadiense David Clayton-Thomas y la publicación de su segundo álbum homónimo Blood, Sweat & Tears (1968). Este alcanzó el número uno en EE.UU. durante siete semanas, ganó el Grammy al Álbum del Año en 1970 y vendió millones de copias. El siguiente Blood, Sweat & Tears 3 (1970) también llegó al número uno. Desgraciadamente, en su carrera se cruzó la política, así tras un tour patrocinado por el Departamento de Estado de EE.UU. en Europa del Este en 1970, fueron criticados y considerados una “herramienta del gobierno Nixon”, lo que dañó terriblemente su imagen. Clayton-Thomas se marchó del grupo en 1972 y a día de hoy, la banda sigue en activo, pero con constantes cambios entre sus miembros. Con decirte que han pasado por ella más de 175 músicos te lo digo todo.

Volviendo a Goodman y The Flock, alguien le oyó tocar el violín en algún ensayo, invitándole a formar parte del grupo, algo a lo que Goodman se resistía. Finalmente aceptó y su violín y composiciones cambiaron por completo la orientación de la banda. 

En su primer disco había una fusión de rock, jazz, blues, metales y un violín prominente que les dio un estilo propio e inconfundible. Sin embargo, no tuvieron mucho éxito. Grabaron dos álbumes con Columbia Records (por eso estaban en la recopilación que te mencioné antes), The Flock (1969) y Dinosaur Swamps (1970) y se separaron. De su primer disco te traigo su versión de Tired of Waiting, una canción original de los Kinks, que el violín de Goodman, ya desde el principio, la transforma por completo y que a mí me fascina. Goodman adquirió posteriormente cierta fama pues, tras colaborar con John McLaughlin en su álbum My Goals Beyond, en 1971, entró a formar parte de su grupo, la Mahavisnhu Orchestra, tocando con otros genios como Jan Hammer y Billy Cobham. Con ellos estuvo hasta 1973, cuando tras la disolución de esta banda, comenzó a colaborar con Jan Hammer y muchos otros músicos, llegando a publicar algunos discos en solitario, como On the Future of Aviation, un disco que después de escuchar varias veces todavía no se si me gusta o no. 

A mediados de los 70 desapareció del circuito musical y se fue a vivir al campo, a un Wisconsin rural, regresando a mediados de los 80 y colaborando entre otros con Steve Morse, el que fue guitarrista de Deep Purple, con su banda Dixie Dregs. Desde entonces ha desarrollado su carrera profesional intermitente, dedicada sobre todo a escribir música para bandas sonoras de películas, que alterna, ocasionalmente, con alguna gira con su grupo, como la que te traigo de una actuación en Chile en los años 90. Goodman es en mi opinión, el referente y el pionero de lo que es el violín en la música rock.

2. Jean Luc Ponty

Descubrí a este fabuloso músico en 1972 con el álbum Honky Château, de Elton John. Grabado en el Château d'Hérouville (Francia), Elton se rebeló contra su discográfica y decidió crear su propia banda y darle estabilidad con Nigel Olsson (batería), Davey Johnstone (guitarra) y Dee Murray (bajo), ya que en sus discos anteriores (Empty Sky, Elton John, Tumbleweed Connection y Madman Across the Water) habían intervenido más de cuarenta músicos de sesión. Honky Château fue el primer álbum grabado casi íntegramente por este cuarteto, logrando un sonido más sólido y cohesionado, alcanzó el número uno en EE.UU. gracias a éxitos como Rocket Man, Honky Cat y Mona Lisas and Mad Hatters y marcó el inicio del sonido clásico de Elton John en los 70. Querría comentarte que en este disco hay dos joyas infravaloradas, que Elton John no las toca nunca en directo y que no aparecen en ninguna de las múltiples recopilaciones de grandes éxitos o “lo mejor de” y que tampoco fueron publicadas en discos sencillos. Se trata de Mellow, una canción en la que Jean Luc Ponty hace un solo precioso de violín y de Salvation, en la que las voces de nada menos que de ¡ocho músicos! hacen unos coros maravillosos. Ambas canciones han sido, en mi opinión, injustamente olvidadas, lo cual tampoco es extraño si tenemos en cuenta que Elton John tiene publicados más de 50 discos y al menos 500 canciones.

Pues bien, Jean-Luc Ponty fue invitado a colaborar en este disco. Ponty, es un violinista francés que nació en 1942 en Avranches y que tiene en la actualidad 83 años. Creció en el seno de una familia de músicos clásicos (su padre era violinista y su madre, pianista), e ingresó a los 16 años en el Conservatorio Nacional Superior de París donde se graduó en 1960 obteniendo el Premier Prix (máximo galardón). Aunque comenzó su carrera en orquestas sinfónicas, descubrió el jazz gracias a Miles Davis y John Coltrane y se dedicó a este género musical grabando en 1964 su primer disco, llamado precisamente Jazz Long Playing, al cual siguieron otros con el mismo estilo hasta que en 1969, Frank Zappa compuso la música para su álbum King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa, lo que le abrió el mercado americano, trasladándose a vivir a Los Ángeles en 1970 para unirse temporalmente a la banda de Zappa, The Mothers of Invention, y para colaborar posteriormente en varios de sus álbumes.

En 1973 se unió a la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, sustituyendo precisamente a Jerry Goodman, grabando con ellos dos discos fantásticos: Apocalypse (1974) y Visions of the Emerald Beyond (1975). Posteriormente se independizó y con su propio contrato discográfico comenzó una dilatada carrera musical en la que ha publicado más de 30 discos, unas veces con su propia banda, otras siendo acompañado por otros grandes músicos como pueden ser el violinista Stephane Grapelli, Jon Anderson (Yes), George Duke, Alan Holdsworth o el grupo de Chick Corea, Return to Forever, entre muchos otros.

Quizá su tema más conocido como músico en solitario sea Mirage, de su álbum Enigmatic Ocean, de 1977. Aunque no me resisto a ponerte también una canción con Jon Anderson, con quien formó la Anderson Ponty Band y grabó un disco titulado Better late than never (más vale tarde que nunca diríamos nosotros en una traducción libre), lo cual es muy cierto pues lo grabaron en 2015, cuando ambos tenían más de 70 años. Aquí tienes el enlace al disco completo. Disfrútalo, que vale la pena. Quizá Jean Luc Ponty sea el referente europeo del violín eléctrico, como Goodman podría serlo en América.

3. David LaFlamme. It´s a Beautiful Day

David LaFlamme (1941–2023) fue un violinista, cantante y compositor estadounidense, considerado uno de los pioneros en introducir el violín eléctrico dentro del rock psicodélico. Creció también en el seno de una familia de músicos y comenzó a estudiar violín a los cinco años, llegando a ser solista de la Utah Symphony Orchestra. Se trasladó a San Francisco, donde quedó impresionado por la ola psicodélica que allí empezaba a desarrollarse y comenzó a participar en jams con músicos como Jerry Garcia y Janis Joplin. Allí, en 1967, en pleno verano del amor fundó la banda It's a Beautiful Day junto a su esposa Linda LaFlamme. Una de las características de la música de este grupo fue la inclusión del violín eléctrico, mezclando influencias del naciente rock psicodélico con el folk, jazz e incluso de música clásica. Su álbum de debut, It’s a Beautiful Day (1969), es una verdadera joya desde el primer tema al último y en el mismo se incluía la famosa canción White Bird, que permaneció más de un año en listas estadounidense y se convirtió en un clásico del sonido de San Francisco siendo ampliamente reproducida por las emisoras de radio durante los 70 y los 80. Esta canción, compuesta por su esposa y él mismo en tan solo dos horas, relata las dificultades que tenían al principio de su carrera con la banda, aún sin éxito y con dificultades incluso para comer. La canción fue posteriormente publicada como sencillo y ha aparecido en la banda sonora de al menos media docena de películas, además de haber sido versioneada por un gran número de músicos, entre ellos Judy Collins. It´s a Beautiful Day publicó una versión extensa de más de nueve minutos en directo, que podrás disfrutar en este enlace.

El grupo se separó por primera vez en 1973, por problemas legales con su manager y esto, junto al divorcio de su esposa, hizo que la carrera de LaFlamme fuese, posteriormente, un tanto errática. Durante estos años ha formado su propio grupo, el David LaFlamme Band, y grabado algunos discos que no han tenido éxito, pero que están ahí por si te apetece escuchar alguno de ellos.

LaFlamme fue un auténtico innovador porque introdujo el violín eléctrico de cinco cuerdas en el rock y creó un sonido muy melódico, etéreo y atmosférico, aportando una sensibilidad clásica a la música psicodélica ayudando a definir el llamado sonido de San Francisco de finales de los 60.

Déjame que termine de hablar de It´s a Beautiful Day con una curiosidad. Su tema Bombay Calling fue descaradamente copiado por Deep Purple, en la canción Child in Time, al menos en el inicio de la canción. Escucha ambos y decide tú. Pero lejos de comenzar demandas y largos litigios judiciales, Goodman y su banda decidieron “inspirar” su canción Don and Dewey en otra de Deep Purple, llamada Wring that Neck. ¡Entre nosotros nos copiamos y arreglamos! 

4. Robby Steinhardt (Kansas)

Kansas es un grupo americano formado a principios de los años 70 que ya desde el comienzo ha mantenido una constante, que es la de cambiar tanto de miembros como de nombre, pudiendo generar así alguna confusión. Sin embargo, ha creado una música muy personal y reconocible en la que combina un rock potente con armonías vocales muy bonitas y la presencia de elementos clásicos, tanto en la estructura musical de sus canciones como con el sonido de un violín que le ha dado una seña de identidad al grupo. Su primer violinista y probablemente el más conocido fue Robby Steinhardt, quien falleció en julio de 2021 a los 71 años de un cáncer de páncreas. 

Al igual que ocurría con los otros violinistas de los que hemos hablado en este capítulo, Steinhardt creció en una familia muy ligada a la música (su padre era profesor universitario de historia musical). Empezó a tocar el violín a los 8 años, recibiendo una formación clásica y llegando a tocar con orquestas en Europa siendo joven.

A finales de los años 60, Kerry Livgren y otros músicos comenzaron tocando en bandas locales en Topeka. Tras varios cambios de formación y nombres (como Saratoga y White Clover), los músicos fueron mezclándose y reorganizándose en diferentes grupos. En 1970 adoptaron por primera vez el nombre de Kansas, aunque la banda pasó por múltiples versiones y cambios de integrantes durante los años siguientes. En 1972, varios miembros clave —entre ellos Phil Ehart, Dave Hope, Robby Steinhardt, Steve Walsh y Rich Williams— se reunieron nuevamente y consolidaron la formación.

En 1973 se unió de nuevo Livgren, se disolvió la formación anterior y el grupo consiguió su primer contrato discográfico. Fue entonces cuando adoptaron definitivamente el nombre Kansas. Hasta la fecha han formado parte del grupo ¡29 miembros! En 1974 publicaron su primer disco, homónimo, que tuvo una acogida desigual. Su consolidación musical se produjo con sus siguientes álbumes, siendo el tercero, Masque, publicado en 1976, el que se convirtió en disco de oro tras haber vendido 500.000 copias al poco tiempo de su publicación.

Centrándonos en el violín, Steinhardt fue miembro fundador de Kansas y uno de los responsables de su sonido característico. No solo tocaba el violín, también era co-vocalista principal. Su violín se convirtió en una marca distintiva del grupo. Escúchalo en uno de sus temas más famosos, Point of No Return, donde podrás ver a Steinhardt, con su inconfundible melena pelirroja, no solo tocar el violín sino hacer voces. Una preciosidad de canción. En 1982 dejó el grupo, al que volvió 15 años después, en 1997, para marcharse definitivamente en 2006. Fue sustituido por otro violinista llamado David Ragsdale, que formó parte de Kansas desde 1991-1997, y desde 2006 hasta 2018 en que dejó el grupo siendo a su vez reemplazado por Joe Deninzon quien es su miembro actual habiendo participado en lo que constituye la última grabación del grupo The Absense of Presence, en 2020. Como curiosidad podría comentarte que Deninzon utiliza un violín de siete cuerdas, algo que es poco común.

Por último, la canción más famosa de Kansas probablemente sea Dust in the Wind, que tiene en Spotify casi mil millones de reproducciones. Esta canción surgió de un ejercicio de guitarra acústica que estaba realizando Kerry Livgren, el guitarrista, principal compositor y alma del grupo. Su esposa le sugirió que la desarrollara y se convirtió en el tema más conocido de Kansas. Tiene una letra muy bonita. Aquí la tienes con subtítulos en español. Vale la pena que la escuches.

Hasta el momento, Kansas no ha sido incluido en el Rock and Roll Hall of Fame y ¡llevan más de 50 años en la brecha!

Hay más violinistas famosos como Eddie Jobson, que fue miembro de Roxy Music, o Darryl Way, que merecen ser nombrados, pero ya sabes estos capítulos no son exhaustivos ya que tenemos una cierta limitación de espacio.

La flauta

Ian Anderson. (Jethro Tull)

Ian Scott Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Escocia) es el fundador, líder y único miembro original de Jethro Tull, la icónica banda británica de rock progresivo, folk y blues formada en 1968. Ha sido el vocalista principal, flautista y guitarrista acústico durante más de 55 años, además de componer prácticamente todo el repertorio de la banda después de su álbum debut This Was (1968). Es indudablemente reconocido como el músico que popularizó la flauta en el rock, llevando el instrumento a un nivel expresivo y técnico único en géneros como el progresivo y el folk-rock. 

A diferencia de lo que hemos visto anteriormente con los violinistas, Anderson no empezó a tocar la flauta de niño de forma clásica. En su adolescencia tocaba la guitarra, la armónica y cantaba en bandas escolares como The Blades. Una anécdota curiosa es la razón por la qué dejó de tocar la guitarra como instrumento principal y escoger la flauta. Según puedes leer en esta entrevista, la razón fue Eric Clapton. Anderson dijo: “A Eric Clapton no se le conoce precisamente por tocar la flauta, y esa fue precisamente la razón por la que empecé a tocarla. Pensé que nunca llegaría a ser tan buen guitarrista como él, así que mejor aprendía a hacer algo que él no pudiera hacer”. 

También es muy reconocida su postura en el escenario apoyado en una sola pierna mientras toca. Surgió por accidente, ya que en un concierto, al tocar la armónica se apoyó en una pierna para sujetar el micrófono. Un periodista describió erróneamente que así tocaba la flauta. Anderson, que es un músico con una personalidad muy marcada, con un humor directo y sarcástico, adoptó esa posición desde entonces “para estar a la altura de la reputación”. También dijo que asumió ser la voz principal de Jethro Tull “porque nadie más podía cantar decentemente”.

Anderson es el autor de prácticamente toda la música y letras de la banda desde 1969. Creó obras maestras conceptuales como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y su secuela Thick as a Brick 2 (2012, bajo su nombre). También Homo Erraticus (2014) y el regreso The Zealot Gene (2022). Su estilo mezcla folk inglés, blues, rock progresivo y toques metal en etapas posteriores. Ha editado siete álbumes solistas (desde Walk into Light en 1983 hasta The String Quartets en 2017 con cuarteto de cuerdas) Y sigue en activo. De entre toda su ingente obra te traigo Living in the Past, un tema precioso y también el álbum completo Thick as a Brick. Ambos valen la pena.

Por último, déjame contarte una anécdota sobre su técnica: en 1991, ayudando a su hija pequeña con clases de flauta y un libro básico, descubrió que llevaba décadas tocando con digitación incorrecta (había inventado su propio sistema sin clases formales). Su hija le corrigió la posición del meñique y él tuvo que reaprender todo su repertorio. 

Hay otros flautistas en el mundo del rock, como pueden Andy Latimer, guitarrista de Camel o Peter Gabriel que fue miembro de Genesis y que después desarrolló una magnífica y dilatada carrera en solitario. Latimer toca la flauta en algún tema aislado, como puedes ver en este enlace y además es la voz principal y guitarrista de Camel. Peter Gabriel tocó la flauta en algunos temas de Genesis pero en su carrera en solitario, si no estoy equivocado, prácticamente no la toca ni en los estudios de grabación ni en los directos. Aquí lo tienes en una recopilación de temas con Genesis en los que toca este instrumento.

Mick Jagger y Keith Richards

Mick Jagger y Keith Richards no necesitan presentación. Ellos son el alma de los Rolling Stones y los únicos miembros originales que permanecen en el grupo, mas de 60 años después de su inicio como banda. Como seguro que ya sabes, Brian Jones y Charlie Watts, otros miembros originales, han fallecido y Bill Wyman, que cumplirá 90 años el próximo mes de octubre, está retirado de la música tras dejar a los Stones en el año 1993. 

Mick Jagger y Keith Richards, ambos nacidos en 1943, se conocieron en la infancia en Dartford, Inglaterra y fueron compañeros de clase con 7 años. En 1950, la familia Jagger se mudó a Willmington, a 8 kilómetros de Dartford, perdiendo ambos el contacto. En 1961, lo retomaron, cuando casualmente se encontraron en una estación de tren. Richards se quedó admirado por los discos que Jagger llevaba bajo el brazo y, al coincidir en el interés por el blues y el rhythm and blues estadounidense, comenzaron a verse de nuevo. Ambos formaron varios grupos con un amigo común, Dick Taylor, cuya casa era el lugar de ensayo hasta que, en 1962 con Brian Jones, Ian Stewart y Charlie Watts formaron el núcleo de lo que serían los Rolling Stones. Al principio y bajo la influencia de Brian Jones, quien se había erigido como el “líder” de la banda, se dedicaban a tocar canciones de Chuck Berry, Muddy Waters y Howlin' Wolf para ganar popularidad en la escena londinense.

Un año después, su manager, Andrew Loog Oldham, les instó a que compusieran sus propias canciones y dejasen de interpretar las de otros, tomando como modelo a los Beatles, que comenzaban a destacar en esos años en la escena musical de Londres. En su libro autobiográfico, Richards cuenta que Oldham los encerró en una cocina con guitarras y comida, exigiendo que no salieran hasta que tuviesen una canción. Sin embargo, Mick Jagger no lo recuerda así, refiriendo que, si bien es verdad que Oldham les “empujó” a que se sentaran a escribir juntos, en realidad no hubo un encierro literal, sino que Oldham les dijo que “tendrían que sentarse a escribir juntos y que si fuera necesario, él los encerraría”. La catálisis para que ambos escribieran juntos, además de por la presión de Oldham, se produjo cuando John Lennon y Paul McCartney les regalaron una canción, I Wanna Be Your Man, que los Stones publicaron como single en 1964 como cara B de Not Fade Away una canción de Buddy Holly.

Hay un debate sobre cuál fue exactamente la primera canción escrita por Jagger y Richards juntos, ya que sus recuerdos difieren y las primeras composiciones fueron para otros artistas, no para los Stones. Según Jagger, una de las primeras fue It Should Be You, un tema pop que escribieron en 1963 y que fue grabado por el cantante británico George Bean en 1964. Richards, en cambio, cita As Tears Go By (originalmente titulada As Time Goes By) como su primer esfuerzo conjunto significativo. Esta balada melancólica, con letras de Jagger y melodía de Richards, fue escrita en 1963 o principios de 1964 durante el supuesto encierro en la cocina. No fue destinada para los Stones, ya que su estilo pop no encajaba con el blues de la banda y por ello se la regalaron a Marianne Faithfull, quien la lanzó en junio de 1964 y alcanzó el top 10 en el Reino Unido. Los Stones la grabaron más tarde en 1965 para su álbum December's Children (And Everybody's). 

Otras composiciones tempranas para terceros incluyen Will You Be My Lover Tonight? (también para George Bean, 1964) y That Girl Belongs to Yesterday (para Gene Pitney, que alcanzó el número siete en el Reino Unido en 1964). Estas canciones iniciales eran baladas pop, alejadas del rock rebelde de los Stones, y sirvieron más bien como práctica. Richards ha admitido que les tomó “ocho o nueve meses” sentirse confiados para presentar material a la banda. 

La primera canción original de Jagger/Richards grabada por los Stones fue Tell Me (You're Coming Back), una balada pop incluida en su álbum debut homónimo de 1964. Lanzada como sencillo en Estados Unidos en junio de 1964, alcanzó el número 24 en las listas. Antes de eso, Good Times, Bad Times fue usada como lado B del sencillo It's All Over Now en 1964.

Sin embargo, la primera canción original de Jagger/Richards lanzada como cara A de un sencillo en el Reino Unido fue The Last Time en febrero de 1965, del álbum Out of Our Heads. Inspirada en This May Be the Last Time de The Staple Singers, esta canción alcanzó el número uno en el Reino Unido y el nueve en Estados Unidos. 

A partir de 1965, Jagger y Richards se convirtieron en el motor creativo de los Stones. Su proceso de composición era colaborativo. Típicamente, Jagger se centra en las letras y Richards en la música y riffs de guitarra. Sin embargo, no es una división estricta: Richards ha escrito letras (Happy) y Jagger melodías (Brown Sugar). Adoptaron el modelo de Lennon/McCartney, firmando todas sus canciones conjuntamente para evitar disputas. A este respecto Jagger ha dicho, “Al final, todo se equilibra”.

Desde 1974, Jagger y Richards usan el seudónimo The Glimmer Twins (Los Gemelos Resplandecientes) para producir álbumes de los Rolling Stones y han escrito juntos más de 200 canciones para el grupo. Algunas como Angie, (I can´t get no) Satisfaction, Wild Horses, Brown Sugar o Paint it Black, forman parte de la banda sonora de nuestras vidas. Jagger y Richards fueron incluidos en el Songwriters Hall of Fame en 1993.

John Lennon y Paul McCartney

Los conoces sobradamente. John Lennon y Paul McCartney fueron dos miembros de Los Beatles y sus principales compositores. La inmensa mayoría de éxitos y canciones más conocidas de este grupo, unas 180, fueron escritas por ellos dos. A George Harrison lo tuvieron en un segundo plano, infravalorado, tanto por ellos como por George Martin, el productor de Los Beatles. Ringo no componía, salvo alguna canción anecdótica, como Octupus Garden.

John y Paul se conocieron el 6 de julio de 1957, cuando Paul asistió a una actuación del grupo que había formado John, llamado The Quarrymen, en Liverpool. Poco después, Paul se unió al grupo y ya ese mismo año comenzaron a escribir canciones juntos. Su alianza creativa se formalizó muy temprano: acordaron que todas las canciones que compusieran serían firmadas conjuntamente como “Lennon–McCartney”, sin importar quién aportara más. Fue un pacto juvenil del que ambos se arrepintieron, posteriormente, sobre todo cuando los Beatles ya se habían separado. Desde 1957 hasta aproximadamente 1963 las canciones eran compuestas conjuntamente. Se sentaban frente a frente, con sus guitarras e iban completando y modificando cada párrafo esforzándose e incluso picándose para mejorar la canción. Uno podía traer la idea base, pero al final, la canción tenía amplias aportaciones de los dos músicos, tanto en la letra como en la música, a diferencia de otros dúos en los cuales cada uno de los componentes se centraba en uno solo de los aspectos. Lennon dijo en 1980, “Paul proporcionaba una ligereza, un optimismo, mientras que yo siempre iba por la tristeza, las discordias, las notas bluesy”. De esta primera etapa de trabajo conjunto surgieron She loves you o I want to hold your hand. Love me do fue la primera canción que publicaron como sencillo en 1963. La melodía la compuso Paul pero ambos trabajaron las letras, las armonías vocales. John aportó también la armónica. 

Posteriormente, a partir de mediados de los 60, las canciones se volvieron más individuales: uno escribía la mayor parte y el otro aportaba sugerencias mínimas, como una palabra o un acorde alternativo. Esto se debía a la presión de giras y grabaciones, pero mantenían una “rivalidad amistosa” que elevaba la calidad, según el productor George Martin. Lennon comentó en 1969: “Escribimos como escribimos ahora gracias al otro”. En los últimos años, muchas canciones fueron compuestas principalmente por uno de ellos pero se siguieron acreditando como “Lennon-McCartney” por aquel acuerdo informal de juventud. Como ejemplos de canciones escritas por McCartney tienes Yesterday, Blackbird o Let it Be y de Lennon Julia, Come Together o Ticket to Ride. Tras la separación de los Beatles en 1970, cada uno firmó sus canciones por separado y nunca más volvieron a escribir nada juntos.

Déjame que te cuente algunas curiosidades sobre los Beatles: de su primera canción publicada, Love me do, existen tres versiones, cada una de ellas con un batería diferente. La primera grabación, realizada en junio de 1962, contaba con Pete Best a la batería, pero no se publicó oficialmente hasta la recopilación Anthology 1 en 1995. Tres meses más tarde se grabó una segunda versión con el sustituto de Best, Ringo Starr, que se utilizó para la primera edición del sencillo original de Parlophone. Una tercera versión, con el batería de sesión Andy White (lo has adivinado, el que después fue batería de Yes) en lugar de Starr, se utilizó para la segunda edición del disco y también se incluyó en el álbum Please Please Me de la banda. 

Otra curiosidad sobre ellos es que la canción Let it be, también tiene tres versiones, con tres solos de guitarra diferentes, de George Harrison. Aquí tienes una de estas versiones (el solo que a mi particularmente menos me gusta), la segunda, con el vídeo oficial de la canción (mi solo preferido, con la preciosa Telecaster marrón de quien mi amigo Juan Torres, de la Sugar Hill Band, tiene una copia) y una tercera versión más… Elige la que más te guste. Para que no tengas que escuchar la misma canción una y otra vez, el solo de guitarra empieza sobre el minuto dos.

Por último, la canción más reproducida de los Beatles en Spotify no es ninguna de Lennon-McCartney, sino Here comes the sun, de George Harrison, con más de 1.700 millones de reproducciones… La venganza del “Beatle tranquilo e ignorado”.

Por último, hace unos años, McCartney le pidió a Yoko Ono, la viuda de John Lennon, que le permitiese cambiar el orden de los compositores solamente en la canción Yesterday, compuesta exclusivamente por Paul y probablemente la canción más famosa de todo su repertorio. Le solicitó que apareciese como McCartney-Lennon, a lo que Ono se negó….

Jimmy Page y Robert Plant

Robert Plant (vocalista) y Jimmy Page (guitarrista) formaron una de las parejas de compositores más icónicas del rock como parte de Led Zeppelin. Su colaboración comenzó en 1968 combinando el talento musical de Page con la poesía y la voz única de Plant. A lo largo de su carrera en la banda (1968-1980) y en proyectos posteriores como Page and Plant (1994-1998), escribieron decenas de canciones que fusionaban blues, folk y rock. 

Plant y Page se conocieron en julio de 1968, cuando Page, tras la disolución de The Yardbirds, buscaba formar una nueva banda. Page asistió a un concierto de Plant con su grupo Obs-Tweedle en Walsall, Inglaterra, y quedó impresionado por su voz. Poco después, se reunieron en la casa de Page en Pangbourne, donde compartieron discos y descubrieron afinidades musicales, como su amor por el folk y el blues (por ejemplo, canciones como Babe, I'm Gonna Leave You). Esta reunión marcó el inicio de su colaboración. Inicialmente, trabajaron en versiones de temas estándares de blues para The New Yardbirds, que pronto se convirtió en Led Zeppelin. Su primer álbum, Led Zeppelin (1969), ya incluía créditos compartidos en varias pistas, estableciéndose una colaboración que duró muchos años y que generó un gran número de obras maestras. Así, la primera canción en la que colaboraron de manera significativa fue Babe, I'm Gonna Leave You, incluida en el álbum debut de Led Zeppelin (1969). En otro capítulo de El Camarote hemos hablado de los presuntos plagios que pudo cometer Led Zeppelin y esta canción, escrita originalmente por Anne Bredon, fue una de ellas. Robert Plant colaboró en otras canciones del primer álbum del grupo, como Good Times Bad Times pero por problemas de contratos entre las casas discográficas su nombre no apareció en los créditos, aunque ahora se reconoce su autoría, como puedes ver, por ejemplo, en Wikipedia.

Para componer, Page traía la melodía y los riffs de guitarra y sobre ellos, Plant escribía la letra. Es conocido el retiro que ambos hicieron con sus familias para componer. En la primavera de 1970, tras una larga gira por Norteamérica con Led Zeppelin, Robert Plant y Jimmy Page decidieron retirarse a un lugar remoto para descansar y componer música. El destino elegido fue Bron-Yr-Aur, una cabaña del siglo XVIII en Snowdonia, Gales, que era una casa rural en un entorno campestre aislado, rodeada de colinas y valles. Este retiro marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda, influenciando un giro hacia una música más acústica y folk en su tercer álbum, Led Zeppelin III. La cara B de éste disco fue completamente diferente a los discos anteriores, con temas acústicos, que también debemos reconocer que fueron criticados y denostados por muchos de sus seguidores. Del mismo te traigo este tema, That´s the way. Acústico. Tranquilo. Sencillo y precioso. 

De todas las composiciones de Page y Plant, sin duda, Stairway to Heaven (del álbum Led Zeppelin IV, 1971) es su tema más famoso y una de las canciones de rock más icónicas de todos los tiempos. Escrita por Page (música) y Plant (letra), ha sido votada repetidamente como la mejor canción de rock en las encuestas y su solo de guitarra también es votado como uno de los mejores de la historia. Con más de ocho minutos, combina elementos acústicos y eléctricos con unas letras místicas. En Spotify supera a día de hoy los 1.200 millones de reproducciones. Sin embargo, esta canción también fue denunciada por posible plagio. Por otra parte, Plant no la considera la canción “definitiva” de Led Zeppelin (prefiere Kashmir), pero Page la ve como una obra maestra. Opiniones para todos los gustos.

Tras la separación de Led Zeppelin en 1980, Page y Plant siguieron caminos separados hasta que se reunieron en 1994. El proyecto se llamó Unledded (un juego de palabras con “unplugged” y “Led Zeppelin”, es decir, “sin Led”. Fue un proyecto curioso pues incluyó elementos eléctricos y orquestas con fusiones culturales. La idea central fue explorar las influencias orientales que siempre habían estado en Zeppelin (especialmente en canciones como Kashmir), pero llevándolas mucho más lejos. El disco fue grabado en Gales, Londres y en Marrakesh, en Marruecos, invitando a participar a músicos callejeros. Fruto de todo ello fue el disco No Quarter grabado en directo y publicado ese mismo año. Para este proyecto no contaron con el bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones, algo que a éste le molestó mucho, porque la inmensa mayoría de los temas eran de este grupo. Así lo manifestó cuando Led Zeppelin fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Allí dijo en el minuto 6:30: “gracias a mis compañeros que finalmente han recordado mi número de teléfono”. 

Sin embargo, para este disco, Page y Plant compusieron dos temas nuevos, Yallah y Wonderful One, después de estar separados catorce años, Plant recordaba: “En un minuto y medio, ya estábamos en marcha”. Posteriormente, en 1998, ambos músicos volvieron a reunirse para grabar un nuevo disco llamado Walking into Clarksdale, con doce temas nuevos, coescritos por ambos y añadiendo en los créditos al bajista Charlie Jones y al batería Michael Lee. Es un disco que no tiene nada que ver con Led Zeppelin, y que tiene como mérito el hecho de no querer estancarse y explorar nuevas opciones, pero que a mi particularmente todavía no me convence. El álbum recibió críticas mixtas. Mientras que algunos alabaron su honestidad y regreso al rock directo (Uncut le dio 7/10), otros lo encontraron seco, sombrío o sobrecomprimido (Spin le dio solo 3/10). Comercialmente tuvo un éxito moderado, siendo certificado oro en EE.UU. (más de 500.000 copias), pero sin alcanzar el éxito masivo de No Quarter (platino). Aquí lo tienes completo a ver qué te parece.

Glenn Frey y Don Henley

Glenn Frey y Don Henley fueron dos de los miembros fundadores de la banda The Eagles, y su asociación como compositores marcó un hito en la historia del rock. Los Eagles han sido una de las bandas de rock con mayor éxito a todos los niveles, cosechando cinco sencillos número uno, seis álbumes número uno, seis premios Grammy y cinco American Music Awards. Además, son uno de los artistas musicales más vendidos del mundo, con más de 200 millones de discos vendidos en todo el mundo y fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998.

Frey y Henley se conocieron en 1970 en el famoso club The Troubadour, de Los Ángeles, California. En ese momento, ambos eran músicos emergentes: Henley había llegado de Texas con su banda Shiloh, y Frey provenía de Michigan, donde había formado el dúo Longbranch Pennywhistle. Por aquel entonces, Linda Ronstadt estaba buscando un grupo para la gira de promoción de su segundo álbum, Silk Purse. Henley y Frey formaron parte de ese grupo y mientras estaban de gira, Frey comentó a Ronstandt que estaban pensando en formar su propio grupo. Ella les sugirió que añadieran a Bernie Leadon, siendo Randy Meisner el último en entrar en la formación. Su primer disco, publicado en 1972, fue un éxito y contenía canciones de Meisner y Frey en solitario, de Henley con Leadon y de Frey con Jackson Browne. Henley y Frey ya comenzaron a escribir canciones juntos durante la grabación de dicho álbum. Su primer trabajo conjunto significativo llegó con el segundo álbum de la banda, Desperado (1973). Desperado fue la primera canción que escribieron juntos y en la misma semana acabaron Tequila Sunrise, Ambas aparecieron en su segundo álbum, llamado Desperado que, para mí, es el mejor de todos ellos, aunque esta opinión sé que no es compartida. 

Su forma de componer era similar a la de Page y Plant. Frey traía la melodía y la estructura de la canción. Henley escribía las letras. A Glenn Frey le apodaron el “arreglador solitario” (The Loner Arranger) por su meticulosidad y laboriosidad en arreglar las canciones, cuidando las armonías vocales, la estructura, los riffs, etcétera. Esta forma de colaboración y composición conjunta se mantuvo en todos los siguientes álbumes de Los Eagles. Sin duda, su canción más icónica es Hotel California, del álbum homónimo de 1976. Esta canción fue co-escrita por Henley, Frey y el guitarrista Don Felder (quien aportó la melodía inicial) y es una de las más reproducidas. El significado de su letra, desarrollada principalmente por Henley, ha sido motivo de muchos debates. Inspirada en imágenes de un hotel misterioso en el desierto. La canción ha sido interpretada como una metáfora de la adicción o la industria musical, y sigue siendo una de las más escuchadas y versionadas en la historia. Sólo en Spotify, supera los 2.000 millones de reproducciones a día de hoy.

Los Eagles fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998 y Don Henley y Glen Frey fueron inducidos al Songwriters Hall of Fame en el año 2000. Frey falleció en 2016, pero Henley continúa reconociendo su influencia mutua.

Jack Bruce y Brown

Jack Bruce fue el bajista del mítico grupo Cream en los años 60, con Eric Clapton y Ginger Baker. Un músico fantástico que además del bajo tocaba el piano, cello, armónica y guitarra. Además de su trabajo con Cream, que con mucho fue el más reconocido, Bruce formó parte de varios grupos como Manfred´s Mann, los Bluesbreakers de John Mayall, Soft Machine, The Graham Bond Organisation además de una dilatada carrera en solitario, grabando más de 20 álbumes. Falleció en 2014 a causa de un cáncer de hígado.

Bruce era compositor sobre todo de la música. La letras no eran su fuerte y por ello, ya desde la época de Cream, en el año 1966 comenzó a colaborar con Pete Brown, un poeta y letrista inglés con quien compuso la mayor parte de las canciones originales de este supergrupo.

El proceso de composición era muy flexible según las propias declaraciones de ambos en entrevistas. A veces Jack Bruce componía primero la música (melodía, riff, estructura) y luego Pete Brown escribía o adaptaba letras que encajaran en la métrica y la atmósfera. Ejemplos claros: White Room (la música estaba casi lista y Brown adaptó un poema previo suyo) o I Feel Free (música primero, letra después). Otras veces Pete Brown llegaba con poemas o textos ya escritos y Jack los ponía en música. En ocasiones escribían muy rápido, en sesiones intensas (a veces hasta la madrugada), con una especie de telepatía creativa que ellos mismos mencionaban. Bruce era extremadamente versátil y rápido componiendo, y Brown muy ágil adaptando palabras. En varios casos las letras y la música se retroalimentaban mutuamente hasta encontrar el equilibrio perfecto. Esta colaboración no se limitó solo a Cream, continuando después de la disolución del grupo en 1968, en varios álbumes en solitario de Jack Bruce como Songs for a Tailor (1969), Harmony Row (1971) y otros posteriores. Hemos hablado de Pete Brown en otro capítulo de El Camarote, dedicado a la letra de las canciones.

Roger Hodgson y Rick Davies

Roger Hodgson y Rick Davies fueron los principales compositores de Supertramp, un grupo que tuvo un enorme éxito en los años 70 y 80 y del que hablamos también en otro capítulo de El Camarote hace algún tiempo. Entonces, sus miembros originales aún podrían reunirse, pero a día de hoy, tras el fallecimiento de Rick Davies en septiembre de 2025, esto ya no es posible.

En prácticamente todos los discos clásicos de Supertramp (desde el tercero en adelante), todas las canciones se acreditaban como “Davies/Hodgson” o “Hodgson/Davies” (el orden variaba ligeramente según el álbum, pero siempre ambos nombres). Esto se produjo como consecuencia de un acuerdo entre ambos músicos, porque en realidad ambos escribían por separado. La razón para ello era la de fomentar un sentido de unidad en la banda y evitar divisiones. Hodgson lo describió como un “vínculo psicológico” para mantener al grupo cohesionado, especialmente en los primeros años. Sin embargo, Hodgson más tarde lamentó esta decisión, ya que muchas de sus canciones fueron los mayores hits, y el crédito compartido diluía su autoría individual.

El estilo de ambos músicos era completamente diferente. Hodgson componía canciones más alegres, pegadizas y optimistas, mientras que las de Davies eran más oscuras, tristes, con letras a menudo ácidas y cínicas. Sin embargo, esto hacía los discos de Supertramp muy variados. Además, cada uno cantaba sus propios temas y sus voces eran claramente identificables. Tan solo en una canción, School, de su LP, Crime of the Century (para mí el mejor álbum del grupo) ambos participaron en su composición.

Algunas canciones de Hodgson fueron Give a tittle bit, it´s raining again, Breakfast in America o the Logical Song, mientras que de Davies podríamos nombrar a Rudy, Goodbye Stranger“, Bloody Well Right, My Kind of Lady ó Cannonball. Comercialmente, las canciones de Hodgson tuvieron mucho más éxito que las de Davies, lo que comenzó a crear tensiones en el grupo, que culminó con la marcha de Roger Hodgson en 1983.

Elton John y Bernie Taupin

Hemos hablado de esta pareja de compositores, Elton John y Bernie Taupin extensamente en el capítulo de El Camarote dedicado a los letristas (la letra también importa). Te remito allí para, por una parte, no repetirnos y por otra, para no hacer muy largo este capítulo.

Es frecuente que en el mundo del rock muchos hijos quieran seguir el camino profesional de sus padres y dedicarse a la música. Al fin y al cabo es lo que vivieron desde pequeños y encuentran esa forma de vida de lo más normal. Por otra parte, generalmente, los músicos de los años 60 y 70 no tenían estudios musicales y tocaban de oído, pero conscientes de la importancia de la formación musical, muchos de ellos estimularon a sus hijos para que se formaran en conservatorios y escuelas de música, abriéndoles técnicamente unas posibilidades que no tuvieron sus padres. Otra cosa es la creatividad y la genialidad, que eso es innato en las personas y no se estudia, aunque pueda modularse.

También es conocido el refrán “Árbol grande no deja crecer a uno chico”. Los hijos de grandes músicos sufren, inevitablemente, la comparación con sus padres, lo cual no ayuda mucho, sobre todo al comienzo de sus carreras. Hablaremos en el capítulo de hoy de algunos hijos de músicos brillantes que se adentraron en el campo de la música con resultados dispares. 

1.Oliver y Adam Wakeman

Rick Wakeman fue el teclista más conocido y emblemático de Yes, uno de mis grupos preferidos y de quienes hemos hablado en otros capítulos. Wakeman no fue el teclista fundador del grupo, fue Tony Kaye, que, además, es quien más tiempo ha estado tocando en el grupo debido a las continuas entradas y salidas de Wakeman, pero éste, es el que popularmente más se asocia con el grupo.

Rick Wakeman, nacido en mayo de 1949, tenía una formación musical clásica. Quizá no sepas que es el pianista que hizo los arreglos musicales y tocó el piano en la canción de Cat Stevens Morning has Broken. Entró a formar parte de Yes en 1971, tras el primer despido de Tony Kaye y con ellos grabó Fragile, en el que colaboró como coautor en varias canciones, como Roundabout y Heart of the Sunrise, lo cual no se le reconoció. En este disco, Wakeman aportó Cans and Brahms una versión libre del tercer movimiento de la Sinfonía número 4 de Brahms. Además de tocar en Yes, Wakeman tiene una larga y prolífica carrera en solitario con más de 25 discos publicados, entre los que probablemente los más conocidos sean Las Seis Esposas de Enrique VIII (una maravilla) y Viaje al Centro de la Tierra, del cual publicó una segunda parte en 1999. Wakeman se ha casado en cuatro ocasiones y tiene seis hijos. De ellos, han seguido la carrera musical Adam y Oliver Wakeman. 

Oliver es el primer hijo de Wakeman, nacido en 1972, toca los teclados y ha formado parte de Yes, sustituyendo a su padre en la gira que empezaron en el otoño de 2009 hasta 2011. En 2011 publicaron el disco In the Present- Live from Lyon, en el que Oliver Wakeman toca los teclados, pero ese mismo año es sustituido por Geoff Downes para la grabación del primer álbum de Yes sin Jon Anderson con Benoit David en las voces, llamado Fly from Here. En 2019 se editó From a Page, un miniálbum con cuatro canciones grabadas por Yes en estudio con Wakeman, quien también fue el principal compositor de las mismas y produjo el disco, durante las sesiones de finales de 2010. Oliver también ha colaborado con Steve Howe, (el guitarrista que más tiempo ha permanecido en Yes) en su álbum de 2005 Spectrum y también ha formado parte de grupos menos conocidos, como Arena, Ayreon y Starcastle, además de Straws (con su padre Rick Wakeman). También ha publicado varios discos en solitario y tiene su grupo The Oliver Wakeman Band. Aquí tienes un tema con Anam Cara que es un pop melódico que nada tiene que ver con Yes, pero que igual te gusta (a mí no). Vete directamente al minuto 4:00 si quieres escuchar el trabajo de Oliver con el teclado.

Adam Wakeman es otro hijo de Rick, nacido en 1974, que además del teclado toca la guitarra, y que goza de un cierto reconocimiento en los circuitos musicales, pues no en vano fue el teclista de Ozzy Osbourne, con quien grabó el disco Scream en 2010. También colaboró con Black Sabbath en el disco en directo: The End: Live in Birmingham.

Adam ha colaborado con un buen número de músicos y grupos famosos, entre ellos Annie Lennox, Travis, the Company of Snakes, Strawbs (con su padre Rick), Will Young, Victoria Beckham (de las Spice Girls), Atomic Kitten, Martin Barre (que fue guitarrista de Jethro Tull), Uriah Heep y Deep Purple. También ha publicado un buen número de discos en solitario o con su padre, aparte de The Straws, como Wakeman and Wakeman. Te traigo aquí una canción de Yes, Starship Trooper en la versión en directo que en 1993 hicieron padre e hijo. Adam toca muy bien los teclados, pero la sombra del árbol que da su padre es muy grande.

2.Zak Starkey

Es el primer hijo de Ringo Starr, el legendario batería de los Beatles cuyo nombre real era Richard Starkey. Nació en Londres en septiembre de 1965. Siendo su padre Ringo no es de extrañar que se dedicara a la batería. Zak estudió en la Highgate School, un prestigioso colegio privado fundado en 1565 y en el que estudió, por ejemplo, T.S. Eliot, Premio Nobel de Literatura entre otros famosos. Starkey abandonó el colegio en 1981, a los 16 años.

Comenzó a tocar la batería a los 10 años, pues su primer instrumento se lo regaló a esa edad Keith Moon, el mítico batería de los Who. Moon, fue el padrino de Zak, pero no le enseñó a tocar el instrumento, en contra de lo que generalmente se cree. Tampoco le enseñó Ringo, quien solo le dio una única lección porque pretendía que su hijo no se dedicara a la música y que estudiase Medicina o Derecho. Así que Zak Starkey fue en realidad, autodidacta aunque Kenney Jones, batería que sustituyó a Keith Moon en los Who cuando éste falleció, ha comentado que “virtualmente” fue él quien enseñó a tocar la batería a Zak. Así lo reconoce este.

De una manera u otra, Starkey tiene un estilo musical propio, bien definido y valorado. Por ello, en 1980 formó parte de la Spencer Davis Group y participó en la grabación de su disco Powerbill, que no se publicó hasta 1996. En 1985, John Entwistle, bajista de los Who, le invitó a tocar en su álbum The Rock y ese mismo año, Ringo invitó a su hijo a formar parte de la All-Starr Band donde permaneció unos años, hasta que en 1994 fue llamado por John Entwistle y Roger Daltrey (ambos de los Who) para tocar en unos conciertos llamados Daltrey Sings Townshend, en el Carnegie Hall de Nueva York con los que celebraron el 50 cumpleaños de Roger Daltrey y en los que, curiosamente no estuvo Pete Townshend. 

En 1996 comenzó a tocar con los Who y con ellos permaneció casi 30 años, hasta 2025. Fue Roger Daltrey quien le invitó a tocar con ellos y posteriormente en 2007, Pete Townshend le invitó a formar parte permanente del grupo, como miembro de pleno derecho, pero Starkey no aceptó. Tocaba como músico contratado ya que quería ser un “espíritu libre” según sus propias palabras. No cabe duda de que su forma de tocar, más cercana a la de Keith Moon que a la de Kenney Jones, (quien fue el otro batería de los Who) motivó que tanto Daltrey como Townshend afirmaran que Starkey es el batería que mejor ha encajado en los Who desde la muerte de Keith Moon que ocurrió en 1978. Aquí lo tienes en la Overture de Tommy, la que fue llamada la primera “ópera rock” en el concierto dado por los Who, en el Royal Albert Hall en 2017. Verás a Zak con una batería de doble bombo, como la de su padrino. Starkey estuvo con los Who desde 1996 hasta 2025 en todas sus giras, pero curiosamente no participó en la grabación del último disco de los Who con material original, que se publicó en 2006, llamado Endless Wire, porque estaba entonces contratado y de gira con Oasis. No obstante, participó en la gira de promoción del disco y ha seguido tocando con el grupo hasta 2025, año en el que se produjo su despido de los Who.

Al parecer en un concierto dado en el Royal Albert Hall, Roger Daltrey se quejó del sonido, diciendo que la batería estaba a un volumen excesivo lo que le impidió cantar correctamente. Starkey respondió que no era así y ambos empezaron a publicar en la prensa réplicas y contraréplicas, con Pete Townshend tratando de mediar entre ellos. Finalmente Daltrey despidió a Starkey. Unos días después fue readmitido para ser definitivamente despedido tres semanas más tarde. Un asunto muy triste, después de estar juntos casi 30 años, y todo por un malentendido.

De una manera u otra, Zak Starkey se ha labrado un nombre propio como batería. Aquí lo tienes en un concierto organizado por otro batería, Mick Fleetwood, como homenaje a Peter Green. Puedes ver a Billy Gibbons, de ZZ Top; a Kirk Hammett, de Metálica; a Jonny Lang, además de Mick Fleetwood y Zak Starkey. Kirk Hammett es el actual dueño de Greeny la que fue guitarra de Peter Green, la cual compró en 2014 por dos millones de dólares a la que nos referimos en otro capítulo del Camarote, sobre guitarras con nombre propio. El solo de Hammett empieza en el minuto 3:00 (por si no quieres ver todo el video) y durante el mismo, se puede ver a Starkey en varias ocasiones. 

3.Devon Allman, Duane Betts y Berry Duane Oakley

También hemos hablado extensamente de Los Allman Brothers, en el capítulo del Camarote sobre “grupos formados por hermanos bien y mal avenidos”. La prematura muerte de Duane Allman, creador, motor y líder del grupo, motivó que otros músicos de la banda pusieran su nombre a sus hijos. Así, el segundo guitarrista, Dickey Betts, llamó a su hijo Duane Betts, el bajista, Berry Okaley puso a su hijo el nombre de Berry Duane Oakley y finalmente el batería, Butch Trucks, también llamó Duane a su hijo. Todos ellos se dedicaron al mundo de la música con diferente suerte.

Devon Allman, es el hijo mayor de Gregg Allman, compositor, teclista y vocalista de los Allman Brothers, quien falleció en mayo de 2017. Nacido en 1972, cantante, guitarrista y compositor, creó en 1999 su primer grupo, llamado Honeytribe con quien grabó dos discos: Torch, en 2006, y Space Age Blues, en 2010. Posteriormente formó su segundo grupo, Royal Southern Brotherhood, con el que llegó a publicar cinco discos entre 2012 y 2016. Devon abandonó la banda en 2014 para formar la Allman Betts Band y adivina quien ocupó su lugar: Tyrone Vaughan, hijo de Jimmie Vaughan y sobrino de Steve Ray Vaughan. 

Aquí tienes a Devon Allman en solitario cantando y tocando un blues llamado Salvation del disco Space Age Blues con Honeytribe.

Duane Betts es hijo de Dickey Betts, el segundo guitarrista de los Allman Brothers, quien fue despedido de la banda y que desarrolló una dilatada carrera en solitario hasta su fallecimiento en abril de 2024. Su hijo Duane, nacido en 1978, formó parte de varios grupos, hasta su unión con Devon Allman formando la Allman Betts Band.

Berry Duane Oakley, bajo y voces es hijo de Berry Oakley el primer bajista de los Allman Brothers.

La Allman Betts Band se formó en noviembre de 2018 y toca fundamentalmente material compuesto por sus integrantes, si bien en los conciertos en directo incluyen algunas versiones de la banda de sus padres. Han grabado tres discos: Down to the River, en 2019; Bless your Heart, un doble álbum en 2020, y en 2024 un directo, Live at the 2024 New Orleans Jazz & Heritage Festival, publicado en 2025. En 2026 estarán de gira por Japón y Hawai.

Te propongo algunos temas a ver qué te parecen: en primer lugar Long Gone, una preciosa canción de casi siete minutos original de ellos, donde Devon y Duane comparten las partes cantadas y donde podrás apreciar que Betts ha heredado la habilidad de su padre para tocar la guitarra slide. También el tema Jessica, un instrumental de los Allman Brothers compuesto por Dickey Betts, tocado en un concierto en directo en 2019. Verás lo parecido que suenan al grupo de sus padres. Por último, tras el fallecimiento de Dickey Betts, se celebró un concierto homenaje en Macon, Georgia, la casa de los Allman Brothers. El parecido físico de Betts con su padre es enorme lo que él potencia usando la misma vestimenta, el mismo corte de pelo, bigote, sombrero y hasta la guitarra de su progenitor (probablemente sea la misma). Aquí tienes el concierto completo. Es una verdadera delicia. En el minuto 30, verás la entrada en el escenario de Devon Allman, a quien Duane Betts presenta como “su hermano”.

4.Wilson Phillips

Wilson Phillips fue un trío vocal femenino estadounidense formado a finales de los años 80 por Carnie y Wendy Wilson y Chynna Phillips. Carnie y Wendy son hijas de Brian Wilson, fundador y principal compositor de The Beach Boys, una de las bandas más influyentes de la historia del pop y el rock y un referente en lo que se dio por llamar el surf rock. De Brian Wilson hablamos en un capítulo anterior del Camarote, cuando la locura acaba con la carrera de un músico (y con su vida).

Haciendo una música alegre, divertida, con unas fantásticas armonías vocales, los Beach Boys fueron toda una referencia en la música americana. Con toda seguridad recuerdas Good Vibrations o Surfin´ USA.

Chynna Phillips es hija de John y Michelle Phillips, integrantes de los legendarios The Mamas & the Papas junto con Cass Elliot y Denny Doherty. Aunque ligado a la música de california de los años 60, el grupo se formó en Nueva York en 1965 y además, Doherty era canadiense. The Mamas & the Papas grabaron cinco álbumes de estudio y 17 singles que han generado unas ventas de más de 40 millones de discos en todo el mundo. ¿Quién no recuerda Monday Monday o California Dreamin?

Wilson Phillips alcanzó un enorme éxito comercial a comienzos de los años 90. Su álbum debut Wilson Phillips,  publicado en 1990, fue un éxito mundial y vendió más de 10 millones de copias. Incluyó varios sencillos que llegaron al número uno en Estados Unidos como Hold On, probablemente su canción más famosa, además de Release Me ó You’re in Love.

En sus canciones se aprecian unas armonías vocales preciosas, impecables, heredadas de sus padres. Publicaron un segundo álbum llamado Shadows and Light en 1992, que aunque tuvo buena recepción, no alcanzó el impacto del primero. Un año después se separaron, reuniéndose ocasionalmente en 2004 y 2012. Fueron una estrella fugaz.

5.Lukas Nelson. 

Es el hijo de Willie Nelson y líder del grupo Promise of the Real. El grupo incluye también a Anthony Logerto (batería), Corey McCormick (bajo) y Tato Melgar (percusión). Asimismo, ha formado parte del grupo, en varios proyectos, Micah Nelson, hijo también de Willie Nelson.

Promise of the Real dieron sus primeros conciertos en 2008 y publicaron un EP titulado Live Beginnings, saliendo a continuación de gira, como teloneros de Willie Nelson. En 2010 sacaron a la luz su primer LP titulado Promise od the Real y en 2012 publicaron su segundo álbum de estudio, llamado Wasted y el tercero y último hasta la fecha fue Turn off the News, publicado en 2019. Todos ellos pasaron sin pena ni gloria.

Saltaron a la fama cuando Neil Young se fijó en ellos en 2014. Willie Nelson tenía una larga relación de amistad con Neil Young que empezó en el año 1985 cuando ambos coincidieron en el Festival Farm Aid. En la edición de 2014, Young invitó a Promise of the Real a tocar juntos en una jam de su canción Rockin´in the Free World. Aquí la tienes. Es asombrosa la energía que despliega en el escenario “tío Neil”. Con los primeros acordes de su Old Black pone a saltar (brincar, en canario) a todo el mundo. Quedó tan satisfecho del sonido que obtuvieron juntos que les llamó para la grabación del que iba a ser su siguiente álbum, The Monsanto Years, publicado en 2016. Conjuntamente, Neil Young y Promise of the Real publicaron varios álbumes más: Earth (grabado en directo durante una gira), The Visitor en 2017 participando en la película musical Paradox, dirigida por Daryl Hannah, (¡si, la actriz que hizo la sirenita!) actual pareja de Neil Young. En 2022 publicaron otro disco en directo con canciones de la gira de 2019. 

Su actividad ha sido incesante y así, Lukas colaboró con Bradley Cooper y Lady Gaga en la banda sonora de la película Ha nacido una estrella, coescribiendo con ellos ocho canciones. Con Promise of the Real ha publicado un total de ocho álbumes de estudio, siendo el último Sticks and Stones en 2023. Aquí lo tienes completo.

6.Nicholas Collins. Melanie Gabriel.

Nicholas (Nic) Collins, nacido en 2001, es el hijo menor de Phil Collins y ha destacado profesionalmente como batería, siguiendo los pasos de su padre. Desde muy joven mostró interés por la música y la batería, instrumento que comenzó a tocar en la infancia.

Su mayor reconocimiento llegó al integrarse como batería de Genesis durante la gira The Last Domino Tour? (2021–2022). En estos conciertos, Nic asumió el papel de batería principal debido a los problemas de salud de Phil Collins, trabajo que desarrolló muy bien, según las críticas musicales. También ha colaborado con Mike and the Mechanics, el grupo de Mike Rutherford y tiene su propio grupo llamado Better Strangers. Aquí puedes comprobar cómo toca. Es francamente bueno.

Melanie Gabriel, nacida en 1976, es hija de Peter Gabriel, el famoso músico, compositor y fundador del grupo Genesis, y de su primera esposa, Jill Georgina Gabriel.

Ganó reconocimiento internacional al trabajar con su padre en los coros de sus giras (Growing Up Tour 2002–2004, Still Growing Up Tour 2005 y Warm-Up Tour 2007, Latin-American Tour 2009), apareciendo en las grabaciones y filmes en directo.

En solitario ha publicado un disco homónimo, Melanie Gabriel, en 2002. Aquí tienes un tema con su padre. Peter Gabriel, Come Talk to Me, de su gira Still Growing Up en 2005.

En definitiva, la historia del rock está llena de apellidos ilustres que se repiten de generación en generación. En algunos casos, el talento parece heredarse de forma natural. Lo que queda claro es que ninguno de estos músicos lo ha tenido fácil: triunfar con un apellido famoso exige algo más que buenas canciones o una técnica impecable. Al final, cada uno de ellos ha tenido que recorrer su propio camino. Algunos lo consiguieron con éxito, otros se quedaron a medio camino, pero todos forman parte de esta fascinante genealogía del rock.

Una forma muy peculiar de tocar la guitarra, tanto eléctrica como acústica es con un tubo de cristal, cerámica o metal que se desliza sobre el diapasón. De ahí el término slide (deslizar) aunque también se ha llamado bottleneck (cuello de botella), ya que algunos guitarristas de blues, a principios del siglo pasado utilizaban precisamente el cuello de una botella para obtener ese sonido característico que puede ser dulce, melódico, o en el otro extremo, agresivo o chillón. Variantes de esta manera de tocar la guitarra con un tubo son el pedal steel guitar o la lap steel guitar muy utilizadas sobre todo en la música country. 

Nos centraremos en algunos guitarristas de blues y rock que han destacado utilizando esta técnica. La lista no es exhaustiva y estoy seguro de que quedarán fuera de ella algunos guitarristas que te gusten mucho. 

Algunos ‘bluesmen’ clásicos: Elmore James.

No cabe duda de que es en el blues en el que probablemente la guitarra slide tiene una mayor presencia y donde probablemente se inició. Hay algunos bluesmen que podemos considerar clásicos que tocaban de maravilla la guitarra slide. Posiblemente el más conocido e influyente haya sido Elmore James, nacido el 27 de enero de 1918 en Mississippi y fallecido el 24 de mayo de 1963 en Chicago. James es considerado uno de los grandes pioneros del blues eléctrico y, especialmente, el Rey de la Guitarra Slide. Tenía un estilo propio, bien definido con una amplificación potente y un tono distorsionado que marcó la transición del blues acústico del Delta del Mississippi al blues eléctrico de Chicago. 

Durante sus primeros años se unió al grupo de Sonny Boy Williamson, otro bluesman famoso, que entonces presentaba un programa de radio llamado King Biscuit Time que emitía la emisora KFFA de Arkansas a partir de 1941, durante 15 minutos a la hora del mediodía, cuando los trabajadores hacían su descanso para almorzar. El éxito fue total y el programa se mantuvo en el aire durante muchos años, permitiendo a Williamson contratar un grupo para tocar en el estudio, al que se incorporó Elmore James entre otros músicos. Eso le permitió a James conocer a los bluesmen más famosos y aprender directamente de ellos. Posteriormente se trasladó a Chicago donde formó su grupo con los que grabó un tema de Robert Johnson llamado Dust my Broom que se convirtió en un enorme e inesperado éxito en 1951 (y llegó a las listas en 1952), eclipsando a la versión de Robert Johnson grabada en 1937 y que aquí te traigo. Con todo el respeto a Robert Johnson, que fue el compositor, me gusta mucho más la versión de Elmore James.

El grupo que acompañó a James se llamó a partir de entonces The Broomdusters. Esta canción es una referente para todos los guitarristas que empiezan a tocar la guitarra slide y es una de las más versionadas. Aquí tienes un álbum recopilatorio de Elmore James, que reúne sus canciones más icónicas. No hay músico que se inicie en la guitarra slide que no haya intentado tocar Dust my Broom o It Hurts me Too en la versión de Elmore James.

Sin tener ninguna relación con Elmore James, querría también compartir contigo esta canción llamada dark was the night, cold was the ground de Blind Willie Johnson otro bluesman de referencia que la grabó en 1927. De ella me gusta mucho la sencillez tanto del acompañamiento de la guitarra slide como de la parte cantada. No cabe duda de que este es otro tema donde “menos es más”.

Chris Rea

Es posible que a algunos lectores les pueda sorprender que incluya a este músico británico como un “genio de la guitarra slide” y piensen en él más como un cantante y guitarrista de baladas, como por ejemplo su canción más conocida, Driving Home for Christmas, que en Spotify tiene más de 600 millones de reproducciones.

Chris nació el 4 de marzo de 1951 en Middlesbrough, Inglaterra. Es un cantante, compositor y guitarrista conocido por su voz áspera, rasgada y su maestría con la guitarra slide. Comenzó su carrera musical en la década de 1970 y ha desarrollado una trayectoria de casi cinco décadas con más de 25 álbumes de estudio publicados entre 1978 y 2019. Su álbum de debut fue Whatever Happened to Benny Santini? (1978) y con el sencillo Fool (If You Think It’s Over) llegó al Top 20 de Estados Unidos ganándose una nominación al Grammy como Mejor Artista Nuevo. Su mayor logro comercial vino con The Road to Hell (1989), que vendió más de tres millones de copias en varios países y se convirtió en uno de sus discos más vendidos. Aquí lo tienes entero. 

Rea es un autor prolífico y versátil, que compone e interpreta tanto temas del estilo de lo que se ha dado por llamar AOR (Adult Oriented Rock) baladas, como villancicos o blues. Es un músico sorprendente, pues en el año 2005 publicó de golpe (en canario diríamos “del macanazo”) una caja de 11 CDs más un DVD llamado Blue Guitars en el que se recogían 130 canciones. Cada disco enfocó un estilo o subgénero distinto del blues, desde sus raíces africanas hasta blues modernos y regionales como country, Chicago, Texas, gospel, celta, latino, etcétera. Un proyecto verdaderamente sorprendente. 

Con anterioridad había sido diagnosticado de un cáncer de páncreas del que fue operado en 2001 sobreviviendo al mismo aunque quedó con una diabetes. En 2016 sufrió un derrame cerebral. Entonces dejó de fumar. Ingresó en un Hospital y falleció el 22 de diciembre “tras una corta enfermedad” de la que no se ofrecieron más detalles. Tan sólo un día después de la publicación de este capítulo de El Camarote, el 22 de diciembre de 2025 fallecía Chris Rea. Descanse en paz.

Aquí tienes un concierto completo, que tuvo lugar en Baloise en 2017 en el que desde el primer tema podrás escuchar cómo domina la técnica del slide y, si no te apetece escuchar el concierto completo, puedes ir directamente al minuto 17:20 donde comienza el solo de Easy Rider. Extraordinario.

Como curiosidad, te traigo un blues, publicado en esa megaobra de 11 cds, llamado Head Out on the Highway, un tema en el que podrás escuchar en esta versión en directo una mandolina haciendo la base rítmica con el bajo mientras Rea toca el solo de guitarra con slide. Una verdadera y extraña delicia. 

Johnny Winter

Johnny Winter (1944-2014) fue uno de los guitarristas de blues más influyentes del siglo XX. Nacido en Beaumont, Texas, y reconocido por su albinismo, desarrolló un estilo feroz, crudo y profundamente enraizado en el blues eléctrico, en el que combinaba la guitarra slide con el fingerpicking (una técnica de guitarra en la que se toca a la vez ritmo y melodía). Sin embargo, fue la forma en que tocaba la guitarra slide uno de los sellos más reconocibles de Winter quien usaba, principalmente, un tubo de metal y afinaciones abiertas, logrando un sonido muy agresivo y cortante, de gran velocidad, algo que es poco habitual en el slide tradicional y que tiene una fuerte influencia de Elmore James, pero llevada a un terreno más moderno y explosivo. A diferencia de otros guitarristas de slide, Winter tocaba frases rápidas, intensas y con gran ataque, todo lo contrario al estilo de Chris Rea, más suave, lento, melódico y dulce.

Winter tocaba con una Gibson Firebird V, de la que hizo su estandarte y referencia. Gibson ha puesto a la venta un modelo signature Johnny Winter. En ediciones limitados del Custom Shop. Aquí lo tienes en una canción de Bob Dylan, Highway 61 Revisited, tal y como la tocó en el concierto de celebración del 30 aniversario de la carrera de ese genio celebrado en el Madison Square Garden en 1992. Aquí tienes el concierto completo. Si no quieres verlo todo, Johnny Winter empieza en el minuto 55:46. Fíjate en la cara de admiración de Steve Cropper y G.E. Smith los dos guitarristas que le acompañaron en el tema. Aún Winter no había empezado a tocar y a estos dos se les caía la baba solo con la introducción.

Podríamos haber incluido a Johnny Winter entre los músicos infravalorados que publicamos en El Camarote no hace mucho, pues pese a haber publicado un buen número de discos de calidad, el único álbum certificado por la RIAA fue Live Johnny Winter And, que alcanzó disco de oro en los EE.UU. con más de 500.000 copias vendidas. A diferencia de muchos compañeros de su generación, no hay constancia pública de que ninguno de sus discos haya alcanzado certificación de platino, a pesar de su enorme calidad. Winter no fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Eso sí, en 1988 fue inducido en el Blues Hall of Fame y su último disco, Step Back (2014) publicado poco antes de su muerte, ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues en 2015, pero ya con Winter fallecido. Una pena.

Bonnie Raitt

Una de mis guitarristas favoritas, Bonnie Raitt nació el 8 de noviembre de 1949 en Burbank, California. Creció en un ambiente artístico: su padre fue el actor de Broadway John Raitt. Inició su carrera discográfica a comienzos de los años 70, destacando desde el inicio por su virtuosismo guitarrístico y una voz preciosa, al menos para mí. Sin embargo, el éxito comercial masivo tardó en llegar.

Tras una etapa de culto y reconocimiento crítico, su fama llegó a finales de los 80 con el álbum Nick of Time (1989), que la convirtió en una superestrella internacional a los 40 años. Este disco ganó varios Premios Grammy, fue multiplatino y encabezó las listas en EE.UU. Otros discos que fueron platino en ventas en ese país fueron Luck of the Draw (1991) –y Longing in Their Hearts (1994)-, mi disco preferido de su discografía. A lo largo de su carrera ha vendido más de 20 millones de discos en todo el mundo, una cifra notable dada su fidelidad al blues y a la música de raíces.

En 2000, Bonnie Raitt fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame, en reconocimiento a su influencia artística, su excelencia como guitarrista y su papel clave en la difusión del blues en el rock contemporáneo. Pese a que tiene 76 años, sigue en activo, haciendo giras y publicando nuevos discos. Así su sencillo de 2023, Just Like That, ganó el premio Grammy a mejor canción del año.

Hasta 2025, Raitt ha recibido 13 premios Grammy y nada menos que 31 nominaciones. También recibió un Grammy Lifetime Achievement Award. La revista Rolling Stone la incluyó en el puesto número 50 en la lista de “los 100 mejores cantantes de todos los tiempos” y en el número 89 de la lista de “los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos”. Todo un reconocimiento.

Raitt siempre tocó con una Fender Stratocaster a la que llama Charlie de la que Fender puso a la venta una versión en su tienda custom llamándola Bonnie Raitt Stratocaster. De Bonnie Raitt te traigo un tema tocado y cantado a dúo con el mítico John Lee Hooker llamado I’m in the Mood donde podrás apreciar tanto su calidad tocando la guitarra slide como cantando. En el minuto 1:15 comienza el solo de slide dándole paso a la guitarra: “Right Charlie” dice.

Derek Trucks

Derek Trucks, nació el 8 de junio de 1979 en Jacksonville, Florida, EE.UU., es un guitarrista y compositor que es reconocido sobre todo por su virtuosismo con la guitarra slide y su mezcla de blues, rock, jazz y música del mundo. Es sobrino de Butch Trucks, el mítico batería de los Allman Brothers Band. Comenzó a tocar la guitarra a una edad muy temprana y compró su primera guitarra en un mercadillo por 5 dólares cuando solo tenía nueve años. Al parecer se convirtió en un niño prodigio y dio su primer concierto remunerado a los 11 años. 

Trucks comenzó a tocar la guitarra utilizando un tubo para slide porque dada su edad, tenía los dedos muy pequeños. Cuando cumplió 13 años, tocó con Buddy Guy una leyenda del blues y también con esa edad, aquí lo tienes tocando con los Allman Brothers. Las ironías de la vida. Quien le da la bienvenida en el escenario y le guía al comienzo de la actuación es Dickey Betts, uno de los miembros originales de los Allman que fue despedido por los restantes miembros del grupo unos años después y a quien Derek Trucks sustituyó. De ello hablamos en un capítulo anterior de El Camarote.

Trucks ha aparecido dos veces en la lista de Rolling Stone de “Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos”. En 2003 ocupó el puesto 81 y en 2011, el 16. 

Además de los Allman, Trucks tiene su propio grupo con el que ha publicado varios discos y también forma parte de la Tedeschi-Trucks Band, grupo que colidera con su esposa, Susan Tedeschi. formado en 2010 en Jacksonville, Florida. La banda combina influencias del blues tradicional con rock, soul y jam band, presentando un sonido potente y rico en improvisaciones.

Pese al relativo poco tiempo que llevan activos, (¿qué son 15 años comparados con los 40 de los Allman Brothers?) han publicado varios álbumes, alguno de ellos muy bien valorados, como ocurrió con Revelator (2012) con el que ganaron el Grammy al Mejor Álbum de Blues. También fueron nominados por otros álbumes como Live from the Fox Oakland en la categoría de Mejor Álbum de Blues Contemporáneo y recibido del Blues Music Awards el reconocimiento como “Band of the Year” (grupo del año). Por último, su álbum Layla Revisited (Live at LOCKN’) alcanzó el número 1 en el Billboard Blues Albums Chart, el número 2 en el chart de Americana/Folk y el top 50 en el Billboard 200.

Te traigo dos temas de Derek Trucks. Uno con su banda, la Derek Trucks Band. Es un blues clásico que seguramente habrás escuchado a Ray Charles, Drowned In My Own Tears, pero que en esta ocasión lo canta Gregg Allman. La voz de éste y la slide de Trucks consiguen una combinación maravillosa. Disfrútala. El otro tema es de la Tedeschi-Trucks Band, Anyday, una canción escrita por Eric Clapton y Bobby Whitlock, cuando formaron parte del grupo Derek and the Dominos. Es mi canción preferida de este álbum. Quizá te apetezca escuchar también la versión original, tocada por Clapton y Duane Allman en la slide que para mí es muy superior. Pero ya sabes aquello de los gustos, como los colores…..

Para acabar con Derek Trucks, él mismo dice en la wikipedia que el hecho de llamarse Derek, probablemente tenga algo que ver con Derek and the Dominos. Ya comentamos la forma de vida de los miembros de la Allman Brothers en el Camarote y por ello no es raro que su hermano se llame Duane Trucks, quien forma parte del grupo Widespread Panic. Derek toca siempre con una Gibson SG roja y un slide de cristal. Gibson ha editado su Gibson Dekre Trucks Signature SG.

Miscelánea

De Duane Allman hemos hablado bastante en otro capítulo de El Camarote dedicado a los hermanos bien y mal avenidos. Es uno de los músicos americanos referentes tocando la guitarra slide. 

George Harrison también dominaba esta técnica. Te traigo de su segundo disco en solitario tras la separación de los Beatles, este tema, en el que la guitarra slide brilla especialmente, Give me love, (give me peace on Earth). Jeff Lynne, el alma de la Electric Light Orchestra comentó a la revista Guitar Player: “George es el mejor guitarrista slide que conozco: ”la hace cantar, la hace llorar, la hace todo“ (refiriéndose obviamente a la guitarra). La fama de guitarrista slide de Harrison trascendió durante una cierta época y así, Belinda Carlisle le pidió que tocara en una canción Leave a Light On y el solo de slide que toca ahí y que comienza en el minuto 3.00 lo consideraba George Harrison su mejor trabajo con la slide. A mi particularmente no me lo parece y me gusta más su trabajo en Give me Love Give me Peace on Earth), pero volvamos a lo de los gustos…

Ry Cooder, Sonny Landreth son grandes guitarristas de slide a los que me dejo atrás, básicamente porque no los he seguido mucho. Como sabes, en esta columna te comento la música que me gusta y que he estado escuchando y aprendiendo de ella toda mi vida, pero no oculto que puedo tener grandes lagunas, como el hecho de haber escuchado tan poco a estos dos músicos y a muchos otros. Confío en tu indulgencia.

Aquí van algunos de esos ejemplos de bandas legendarias y cómo se desarrolló en su seno la relación fraternal. Comenzaremos con aquellos grupos en los que los hermanos tuvieron una relación cordial.

The Allman Brothers Band (Duane y Gregg Allman)

Grupo de referencia del género musical que se ha dado en llamar rock sureño, aunque Gregg Allman detestara esta etiqueta, pues él consideraba a los Allman un grupo de blues progresivo). The Allman Brothers Band se constituyó en los Estados Unidos en 1969, en Jacksonville, Florida, aunque pronto se trasladaron todos sus miembros a Macon, una ciudad del estado de Georgia, donde se enraizaron y de donde llegaron a considerarse naturales. Su música era una mezcla de jazz, blues y elementos country, incluyendo a menudo largas improvisaciones de sus temas. Fue una banda perseguida por las desgracias, pues varios de sus miembros fallecieron siendo jóvenes. 

El creador del grupo y su motor fue Duane Allman, un guitarrista que ya por entonces tenía un enorme prestigio, pues había participado como músico de sesión en los estudios Muscle Shoals en Alabama grabando temas con Aretha Franklin y Wilson Pickett, entre otros. Duane “animó” a Wilson Pickett a que grabara una versión del Hey Jude de Los Beatles. El solo de Duane al final de la canción, que comienza en el minuto 2:53 es tan bueno que le hizo famoso. 

Entre otros, llamó la atención de Eric Clapton quien posteriormente le invitó a tocar en su álbum Layla and other assorted love songs, con Derek and the Dominos. A partir de ese momento, Duane firmó un contrato con Atlantic Records y se convirtió en su guitarrista de sesión. No obstante, el verdadero sueño de Duane era crear su propia banda. Para lograrlo, comenzó a reunir a varios músicos con los que ya había tocado anteriormente. De este modo incorporó a Jay Johanson (Jaimoe) y a Butch Trucks como baterías, Berry Oakley en el bajo y a un segundo guitarrista, Dickey Betts. El último componente en sumarse fue su hermano Greg, quien en aquel momento se encontraba en California.

Una vez que estuvieron todos juntos e hicieron su primera jam se dieron cuenta de la química que existía entre ellos y comenzaron a preparar su primer álbum. Duane era la locomotora del grupo, mientras que su hermano menor, Greg, que tocaba el órgano y cantaba, era el que componía la mayor parte de las canciones. Dickey Betts también compuso algunos temas muy buenos y es un gran guitarrista muy infravalorado, en mi opinión. Si quieres escuchar un tema suyo que me fascina aquí tienes Jessica, una preciosa y alegre canción inspirada en como bailaba su hija pequeña mientras la componía y que además está escrita como un homenaje a Django Reinhardt, el mítico guitarrista de jazz, para ser tocada con solo dos dedos, que es como Reinhardt lo hacía debido a las secuelas de unas quemaduras. 

Formado el grupo, The Allman Brothers Band publicaron dos discos The Allman Brothers Band en 1969 e Ildewild South en 1970. Posteriormente en 1971 publicaron un álbum doble en directo, Live at Fillmore East, que se convirtió en un clásico del grupo y donde se podía escuchar la fuerza y calidad de su música en directo. Aquí lo tienes completo.

La química entre los dos hermanos no podía ser mejor. Duane animaba a Gregg a componer y cantar, algo a lo que en principio, éste era bastante reacio. Duane, asimismo, potenciaba a todos sus compañeros de grupo. Así, dijo de Dickey Betts en una ocasión: “Yo soy el famoso, pero él es el bueno”. La mujer del primer bajista del grupo, Berry Oakley, alquiló una casa en Macon, a la que llamaron The Big House a la que se fueron a vivir todos los miembros del grupo además de otros amigos durante unos años, una especie de comuna hippie donde la fraternidad y la camaradería entre todos era una forma de vida. De aquí que Dickey Betts tuviera un hijo al que llamó Duane, lo mismo que ocurrió con Butck Trucks, el batería, que también llamó Duane a su hijo. Hoy en día, The Big House se ha convertido en el museo de los Allman Brothers. 

La tragedia comenzó a golpear al grupo. En octubre de 1971, poco tiempo después de haberse publicado el doble Live al Fillmore East Duane Allman falleció en un accidente de moto a los 24 años. Un año después, el bajista Berry Oakley falleció en otro accidente de moto que se produjo a tres manzanas escasas del lugar donde murió Duane. También tenía 24 años. El grupo trató de continuar sin ellos dos y trajo como bajista a Lamar Williams, quien murió como consecuencia de un cáncer de pulmón diez años después. Desde la muerte de Duane, el grupo se las vio y deseó para cubrir el enorme hueco dejado por éste. Al principio optaron por seguir con un solo guitarrista, Betts, e incorporar a un teclista, Chuck Leavell, alternando solos de guitarra con los de piano, fórmula que pudiste escuchar en Jessica y a lo largo del tercer álbum de estudio Brothers and Sisters. Pero esto no funcionó empezando entonces la decadencia en la calidad de los álbumes del grupo, que se unió a la dificultad de encontrar a un segundo guitarrista que supliera a Duane. Así, pasaron por los Allmans varios guitarristas como Dan Toler, Jack Pearson, Jimmy Herring, que no cuajaron. La banda se separó para volver a reunirse en 1989 con motivo del vigésimo aniversario de la publicación de su primer disco. En esta ocasión, el guitarrista incluido fue Warren Haynes, que había formado parte de la banda de Dickey Betts y como bajista Allen Woody. Con esta formación publicaron dos nuevos álbumes muy buenos: Seven Turns, en 1990, y Shades of Two Worlds, en 1991. Con ellos, la banda pareció estabilizarse y continuaron de gira durante varios años, publicando un tercer álbum con la nueva formación llamado Where it All Begins en 1994. De este disco te traigo Soulshine un precioso tema de Warren Haynes, quien poco a poco empezó a adquirir peso específico en el grupo, componiendo, compartiendo tareas vocales con Gregg y tocando la guitarra con un estilo propio, pero en el que se nota la influencia de Duane. Parecía que el grupo se comenzaba a estabilizar, pero para continuar con las desgracias, el bajista, Allen Woody, falleció en agosto de 2000. Ese mismo año, Betts es despedido por los restantes miembros del grupo debido a las malas relaciones que se desarrollaron como consecuencia de su excesivo consumo de alcohol. Fue sustituido por Derek Trucks, sobrino del batería Butch Trucks. Un magnífico guitarrista que toca la slide maravillosamente y que se compenetró muy bien desde el primer momento con Warren Haynes. Su último concierto fue el 26 de octubre de 2014 y del mismo te traigo este tema The High Cost of Living, donde puedes escuchar como las dos guitarras se entrelazan entre sí (Warren Haynes y Derek Trucks como al principio hacían Duane Allman y Dickey Betts) con un colchón rítmico de ensueño: los dos baterías (Trucks y Jaimoe), Marc Quiñones en la percusión, añadido al grupo en los últimos años del mismo, además del bajo de Burbridge y el órgano de Gregg Allman.

Finalmente, en enero de 2017 se suicidó Butch Trucks, uno de los baterías y en mayo de ese mismo año murió Gregg Allman como consecuencia de un cáncer de hígado. Dickey Betts falleció en abril de 2024, por lo que en la actualidad, el único superviviente de la formación original es Jaimoe.

Te comento algunas curiosidades de este grupo, que fue un modelo de unión entre los hermanos Allman y de éstos con los demás miembros, constituyendo una familia. Duane sigue siendo una referencia entre los guitarristas slide. Escogió para tocar de esta manera un envase de cristal de un fármaco antigripal llamado Coricidin con el que obtuvo su sonido tan característico. El Coricidin ya no se vende en envases de cristal pero ahora puede encontrarse entre los distribuidores de complementos para guitarra (eso sí vacíos, sin fármaco).

Al comienzo de su carrera y hasta que comenzaron a tener éxito no tenían “ni para comer” (literalmente). Por ello, una noche fueron a cenar a un restaurante llamado H&H en Macon y pidieron dos menús para repartirlo entre los seis miembros de la banda. Viéndolos hambrientos, la dueña del restaurante comenzó a darles de comer gratis hasta que comenzaron a tener éxito. “Páguenme cuando puedan, decía”. Entre ellos se estableció un vínculo de amistad muy fuerte. La llamaban Mama Louise y, cuando el éxito les llegó, se la llevaron de gira en una ocasión, para que les cocinara (cosa que en realidad no llegó a ser necesario). Su restaurante se hizo famoso y se convirtió en lugar de referencia para todos los seguidores de los Allman Brothers. Mama Louise Hudson falleció en 2022 a los 93 años. 

Por último, en cuanto a anécdotas, los Allman Brothers también son recordados porque en el último concierto que dieron en el Fillmore East de Nueva York, comenzaron a tocar a las 2:30 de la mañana y no acabaron hasta las 7.00, dada la unión que tuvieron con el público, que no les dejaba marcharse, ni ellos querían irse, algo que, hasta donde he podido buscar, no ha ocurrido nunca con ningún otro grupo.

Toto

Toto es una banda de rock estadounidense de Los Ángeles, California. La historia de Toto no puede entenderse sin los hermanos Jeff, Steve y Mike Porcaro, tres músicos excepcionales cuya participación marcó profundamente el sonido y la trayectoria de la banda. Aunque no siempre coincidieron todos a la vez dentro del grupo, los Porcaro fueron una pieza central de la identidad musical de Toto desde su formación hasta bien entrados los años 2000.

Formado en 1977, los miembros originales del grupo fueron el vocalista Bobby Kimball, el guitarrista y vocalista Steve Lukather, el teclista y vocalista David Paich, el bajista David Hungate, el teclista Steve Porcaro y el batería Jeff Porcaro. Unos años después, en 1983, Hungate abandona el grupo y es sustituido por Mike, el tercer Porcaro en integrarse en Toto. 

Jeff Porcaro, batería y miembro fundador de Toto, fue uno de los músicos de sesión más respetados de su generación. Grabó todos los discos desde Toto (1978) hasta Kingdom of Desire (1992) y se mantuvo como batería principal de la banda hasta su fallecimiento en agosto de 1992. 

Steve Porcaro, teclista y sobre todo especialista en programación de sintetizadores, también fue miembro fundador de Toto. Su enfoque innovador contribuyó de forma fundamental al sonido que la banda tuvo en los años 80. Fue miembro de Toto desde 1977 a 1988 y aunque dejó de ser miembro oficial en 1988, continuó colaborando como músico de sesión y programador en álbumes posteriores, e incluso volvió como miembro de gira entre 2010 y 2019. Steve decidió retirarse como miembro oficial para centrarse en la composición para cine y televisión y para continuar como programador y creador de sonidos para otros artistas. No se marchó de Toto por conflictos con los demás miembros del grupo, sino debido a un cambio en sus prioridades musicales. De hecho ha participado en todos los álbumes de estudio del grupo, aunque oficialmente no formara parte del mismo.

Mike Porcaro se unió oficialmente a Toto en 1982, reemplazando al bajista original David Hungate tras el álbum Toto IV y fue miembro oficial del grupo desde 1982 a 2007, grabando los discos desde Isolation en 1984 hasta Falling in Between en 2006.

En 2007 fue diagnosticado de esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una terrible enfermedad que le imposibilitó continuar tocando. Aunque nunca se retiró de manera oficial, la enfermedad le obligó a apartarse definitivamente de la banda, falleciendo en 2015.

Los tres Porcaro estuvieron juntos entre 1982 y 1988, siendo Jeff el batería, Steve el teclista y Mike el bajista. Fue la era clásica de Toto, con discos como Toto IV (aunque Mike no tocó en el disco, se unió inmediatamente después), Isolation (1984), Fahrenheit (1986) y The Seventh One (1988). Este periodo es considerado por muchos fans como la alineación más emblemática de la banda. De esta etapa te traigo un clásico Rosanna, un tema compuesto por David Paich de Toto IV (para mí su mejor álbum, siempre me encantó) y que en su momento llegó a alcanzar el número uno en el Billboard americano.

Toto es uno de los grupos en los que ha habido más cambios de miembros de todo el espectro actual musical del rock. De la formación inicial, solo queda Steve Lukather que es el único que ha participado en todos los discos y todas las giras del grupo. Toto es, a efectos prácticos, su grupo. El otro miembro emblemático es el teclista David Paich, también miembro fundador y que ha participado en todas las grabaciones con la excepción de Falling in Between Live, publicado en 2007. Está semi-retirado de las giras por problemas de salud, pero continúa colaborando con el grupo. Los músicos que han formado parte en la grabación de sus discos o salido de gira ¡son más de 50! Los miembros más estables son Steve Lukather, David Paich y el cantante Joseph Williams.

Los Porcaro siempre se llevaron bien entre ellos y colaboraron con Toto, grabando y girando mientras su salud se lo permitió. Dos de ellos han fallecido y el tercero se dedica a otros menesteres dentro de la música. Toto es ahora Steve Lukather que es quien mantiene su llama vida. Cuando estaba escribiendo este capítulo comprobé en su página Web que en diciembre estarán de gira por Méjico.

II. Hermanos “no tan bien avenidos”

Creedence Clearwater Revival

Una banda de referencia a finales de los años 60 y principios de los 70. Formado por los hermanos Tom y John Fogerty, acompañados por Stu Cook (bajo) y Doug Clifford (batería). De estos dos últimos hablamos hace poco en otro capítulo del Camarote sobre bases rítmicas de ensueño.

Originarios de El Cerrito, en California, comenzaron a tocar juntos en 1959. Al principio, se reunieron John, Stu y Doug quienes, bajo el nombre de Blue Velvets, tocaban temas instrumentales. Después comenzaron a tocar con Tom Fogerty, que era el hermano mayor y que estaba por aquel entonces grabando y dando algunos conciertos. Decidieron unirse y cambiar su nombre a Golliwogs antes de cambiar al nombre definitivo de Creedence Clearwater Revival (CCR) adoptado en 1968. Tras la entrada de Tom, hubo un cambio de instrumentos y roles en el grupo. Cook pasó del piano al bajo, Tom Fogerty pasó a la guitarra rítmica y John, el hermano menor, fue la voz principal y la guitarra solista, además de tocar otros instrumentos como el saxo y la armónica. 

Tom al principio reconocía la valía de su hermano: “Yo podía cantar pero John tenía el sonido”. John Fogerty comenzó a destacar como compositor, guitarrista y cantante, de tal manera que pronto se convirtió en el líder del grupo, lo que empezó a generar tensiones no solo entre los dos hermanos, sino entre John y el resto del grupo, ya que ejercía este liderazgo de una manera casi dictatorial. Traía los temas al estudio ya escritos y solo dejaba tocarlos a los demás miembros del grupo, sin permitirles arreglos, sugerencias ni que incluyeran en el álbum temas propios. Sin embargo, también es justo reconocer que bajo el liderazgo de John, CCR tuvo su época más prolífica, brillante y exitosa. Entre 1969 y 1971, ¡en tan sólo dos años! publicaron 14 sencillos consecutivos que llegaron todos al TOP 10 de las listas de éxitos, siendo muchos de estos sencillos dobles lados A, así como cinco álbumes consecutivos que tuvieron un enorme éxito, al menos en los Estados Unidos, donde dos de los cuales Green River (1969) y Cosmo's Factory (1970) alcanzaron el número uno en el Billboard, siendo casi inmediatamente discos platino en ventas.

En el grupo se fue generando una sensación de descontento entre sus miembros con John que motivó que en enero de 1971, tras la publicación del álbum Pendulum (para mí el mejor de CCR), Tom Fogerty abandonara el grupo y comenzara una carrera musical en solitario, que pasó más bien desapercibida, con alguna que otra canción que se escuchó un tanto, pero que ni de lejos alcanzó los niveles de audiencia, popularidad y éxito que tuvieron los CCR. Del álbum Pendulum, te traigo esta canción, (wish I could), hideaway, en la que John canta de una manera que me fascina.

Después de separarse del grupo, Tom se unió a la banda de Jerry García, mítico guitarrista de los Grateful Dead durante un par de años, en la llamada Saunders-García Band y posteriormente, entre 1972 y 1981, publicó cinco discos, que la verdad, pasaron sin pena ni gloria. En algunos de ellos colaboraron músicos de prestigio como el mencionado Jerry García, la base rítmica de CCR, Stu Cook y Doug Clifford y Mark Isham entre otros. Su hermano John llegó a participar en una canción tocando la guitarra solista, en un tema llamado Mystic Isle Avalon. Te traigo un tema de su primer álbum en solitario publicado en 1972, que se llamó Tom Fogerty, titulada Lady of Fatima. No sé por qué razón recuerdo haber escuchado esta canción en el Valle de Agaete. Las extrañas conexiones que hace la mente…

Tras su marcha de CCR las relaciones entre los hermanos se deterioraron hasta el extremo en que prácticamente no se hablaban. Una razón por la que los tres miembros restantes del grupo se distanciaron de John Fogerty fue el problema que tuvieron con la casa discográfica Fantasy Records, propiedad del ejecutivo Saul Kantz. El acuerdo los vinculaba a la empresa durante años y otorgaba a Fantasy el control sobre sus derechos de publicación. Comenzaron una larga batalla judicial en la que Stu Cook, Doug Clifford y el mismo Tom Fogerty tomaron partido por la casa discográfica, quizá debido al resentimiento que los tres tenían hacia John por la manera dictatorial con la que había llevado la dirección del grupo, tomando él solo, sin contar con los demás, todas las decisiones, entre ellas la negativa a que CCR aparecieran en la película del festival de Woodstock, pese a que tocaron allí y muy bien, por cierto. Aquí tienes su actuación completa. Es fantástica. 

Tom llegó a decir que Saul Kantz era su mejor amigo. Lo cual aumentó aún más la separación entre John y su hermano. Unos años después, Tom enfermó de SIDA contagiándose del virus VIH al parecer tras recibir una transfusión de sangre en una intervención quirúrgica de la espalda. Falleció de tuberculosis en 1990. John acudió al funeral de su hermano donde leyó un discurso fúnebre que incluía la conmovedora frase: “Queríamos crecer y ser músicos. Supongo que logramos la mitad de eso. Nos convertimos en estrellas del rock 'n roll. Pero no necesariamente crecimos”. CCR fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1993 acudiendo un hijo de Tom en su representación. Aquí tienes su emocionada aceptación, en el minuto 8:29. En otro capítulo de El Camarote comentamos con más detalle cómo fue el tormentoso desarrollo de esa ceremonia en la que, John prohibió tocar con él a Stu Cook y Doug Clifford, pese a formar parte del grupo que estaba siendo homenajeado.

Oasis (Noel y Liam Gallagher)

Probablemente son la referencia en cuanto a hermanos músicos, miembros de una misma banda que se quieren y odian en la misma medida. Oasis es una banda del llamado britpop, movimiento musical que se desarrolló en los años 90 en el Reino Unido, probablemente la más famosa en este género, en la que sus miembros fundamentales son los hermanos Noel y Liam Gallagher. Seguramente recordarás la rivalidad que se desarrolló cuando Oasis comenzó, pues al mismo tiempo apareció otro grupo, llamado Blur. La juventud británica se dividía entonces entre los partidarios de Oasis y los de Blur como en su momento lo hicieron entre los Beatles y los Rolling Stones.

Formado en Manchester en 1991, el grupo estaba compuesto inicialmente por Liam Gallagher (voz principal), Paul Bonehead Arthurs (guitarra), Paul Guigsy McGuigan (bajo) y Tony McCarroll (batería). Unos meses más tarde, Liam pidió a su hermano mayor Noel Gallagher (guitarra solista y voz) que se uniera al grupo. Una vez dentro, Noel se convirtió en el líder de facto de la banda ya que fue el compositor de la totalidad de las canciones de sus cuatro primeros álbumes con la excepción de un tema en el álbum Standing in the Shoulder of Giants, compuesto por su hermano Liam.

Oasis ha tenido un éxito enorme ya desde la publicación de su primer disco, Definitely Maybe, en 1994, álbum que arrasó en ventas y que se convirtió en disco multiplatino tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos y en el resto del mundo, con unas ventas de más de 15 millones de discos. Los restantes álbumes publicados (What's the Story) Morning Glory? (1995), Be Here Now (1997), Standing on the Shoulder of Giants (2000), Heathen Chemistry (2002), Don't Believe the Truth (2005), Dig Out Your Soul (2008) han sido todos ellos éxitos comerciales y de crítica. 

La trayectoria de Oasis ha estado siempre marcada tanto por su éxito musical como por la incesante rivalidad entre los hermanos Gallagher. Su relación ha sido una mezcla explosiva de amor fraternal, admiración mutua, odio visceral, competencia enfermiza y un sinfín de peleas públicas que han alimentado la leyenda del grupo casi tanto como su música.

El inicio de la rivalidad entre ambos hermanos se remonta a su infancia, pues los Gallagher crecieron en un entorno obrero y disfuncional en Burnage, Manchester. Su padre, Tommy Gallagher, era un hombre violento y alcohólico que maltrataba físicamente a su esposa, Peggy, y a los hijos. Noel, el mayor, se llevó la peor parte de los golpes y desarrolló un carácter impulsivo, provocador, amante del caos, mientras que Liam, más pequeño, se refugiaba en su habitación tocando la guitarra. Ya de adolescentes, en el momento en que Noel se marchó de casa a los 19 años, apenas hablaba con Liam. Cuando volvió a Manchester en 1991 se unió a la banda de Liam (que entonces se llamaba The Rain), exigió tomar el control total de la composición y la dirección, lo que desde el principio generó tensiones dentro del grupo que se añadieron a las ya existentes en el entorno familiar.

La rivalidad entre los Gallagher ha hecho correr ríos de tinta y ha generado tantas expectativas y comentarios en la prensa como su música. Incluso hay páginas web donde se hace una recopilación de sus peleas, clasificándolas como una relación de sus grandes éxitos. Nombraremos solo algunas de ellas, cronológicamente aunque de hecho, la colección de sus hazañas es mucho mayor:

La primera, en el estudio (1994). Durante la grabación del debut Definitely Maybe, Liam molestaba deliberadamente a Noel en el estudio, imitando su voz o desafinando a propósito. Durante la grabación del primer single Supersonic, Liam cambió la letra de la canción de Noel en el estudio para molestarlo. Liam entró al estudio con una pandereta para golpear a su hermano, quien cogió una guitarra para contrarrestar el ataque. Volaron los objetos de grabación, botellas y micrófonos. Un magnífico comienzo.

Gira en Los Ángeles, en el Whisky a Go Go, (1994). Liam estaba tan borracho que cantó mal todas las canciones en un concierto que dieron en este templo musical de referencia. Noel, furioso, le golpeó con un bate de críquet en la cabeza en el camerino y abandonó temporalmente la banda marchándose a San Francisco. De ahí nació la canción Talk Tonight . Aquí la tienes con la letra subtitulada en español.

Grabación de (What’s the Story) Morning Glory? en los en Rockfield Studios (Gales) (1995). La pelea que tuvo más repercusión mediática. Liam trajo a un grupo de borrachos del pub donde estaba bebiendo, al estudio a las 4 de la madrugada. Noel, que intentaba dormir, salió con un bate de críquet y persiguió a Liam por todo el estudio. Terminó rompiéndole el bate en la cabeza a su hermano. Noel se fue otra vez del grupo durante varios días. 

El concierto de la pala (1995). En un concierto en Múnich, Liam escupió a Noel en la parte de atrás del escenario, zona conocida como backstage. Noel, furioso, amenazó con golpearlo con una pala que había encontrado entre el material que había en el escenario. Desde entonces, el incidente ha sido recordado humorísticamente como the shovel fight.

Agresión con un panecillo (1996). En una sesión fotográfica en los Estados Unidos, Liam comenzó a acariciarle la cabeza a Noel en plan de burla. Noel lo ignoró hasta que Liam le lanzó un panecillo en la cabeza. Comenzaron, como siempre con gritos, insultos y amenazas, y la sesión se terminó. La banda comenzó a ser conocida en la prensa por sus rock & roll food fights. Eso me recordó cuando al principio de los Rolling Stones, Mick Jagger tiró un trozo de tarta a la cara de Brian Jones, en la época en la que éste último estaba ya a punto de dejar (o mejor ser expulsado) del grupo que había creado.

MTV Unplugged (agosto 1996). Liam se negó a cantar alegando “dolor de garganta”, pero posteriormente se situó en la grada bebiendo cerveza y gritando burlas mientras Noel cantaba solo. Noel nunca se lo perdonó. 

La pelea final del camerino (2009). La última pelea se produjo en París durante su última gira. Al parecer, Liam rompió una guitarra valorada en miles de libras y Noel lo acusó de amenazarlo físicamente. El altercado fue tan serio que Noel anunció su salida definitiva de Oasis, declarando que “ya no soportaba estar un día más en la misma banda que su hermano”. 

Después de la separación, las peleas continuaron. Ambos se insultaron públicamente: Noel llamo a Liam “idiota con dinero” y Liam se refiere a Noel como “papá control” o “la zanahoria”. En 2017 Liam lanzó una campaña irónica llamada #ComeOnNoel para pedir una reunión, burlándose de él.

Permanecieron separados desde 2009 hasta agosto de 2024 en que, coincidiendo con el trigésimo aniversario de la publicación de su álbum Definitely Maybe, anunciaron su vuelta: Oasis Live '25 Tour una gira que comenzó en el Millenium Stadium de Cardiff el 4 de julio de 2025 y concluiría en estos días en Sao Paulo, Brasil, el 23 de noviembre de 2025. Solo en Wembley, Londres, en los cinco conciertos que allí dieron, se congregaron 405.000 personas. En Manchester, su ciudad natal, otras 370.000. La gira fue muy criticada por el elevado precio de las entradas, por las maniobras de la reventa y de algunos empresarios de la hostelería, quienes cancelaban las reservas hechas con anterioridad en los días en los que coincidían los conciertos en sus ciudades para ponerlas a la venta posteriormente a un precio muy superior. 

Liam Gallagher ya ha anunciado que el Oasis Live '25 Tour no se prolongará durante 2026. Afortunadamente los dos hermanos concluyeron la gira vivos y no se mataron durante ella. Aquí tienes un vídeo de uno de sus conciertos, el celebrado en New Jersey, en Estados Unidos el pasado 1 de septiembre de 2025. La calidad no es muy buena pero de momento no tenemos otra cosa. Seguramente publicarán un disco con DVD, bluray y toda la parafernalia al acabar la gira. Observarás, por una parte, que al comienzo del concierto los dos hermanos se han dado un abrazo ante el público y, por otra, que han cambiado sus guitarras Epiphone por Gibson. Pueden permitírselo.

A veces me pregunto cuánto hay de realidad en las peleas entre los dos hermanos y cuánto de interés en mantenerlas vivas porque generan titulares, expectación y audiencia, lo cual al final se traduce en dinero. Recuerdo que en una ocasión Juan Manuel Auyanet, que conocía muy bien el mundo del ajedrez por dentro, me contó que la rivalidad entre Karpov y Kaspárov (una historia de amor y odio similar a la de los hermanos Gallagher) era puro teatro y que en realidad se llevaban de maravilla. Y que, como prueba de ello, estaba una vez con Kasparov cuando éste recibió una llamada telefónica de su rival y comprobó la excelente relación entre ambos. A lo mejor estamos en un escenario similar. ¿Quién lo sabe?

Hay algunos otros grupos con estas historias de amor y odio. Recordemos a los Beach Boys, los Bee Gees, Dire Straits y, en nuestro país, a los hermanos Cano, de Mecano. Pero tampoco quiero hacer excesivamente largo este capítulo. Lo dejamos aquí.

Hay un buen número de músicos de rock que no han tenido el reconocimiento popular y el éxito que por su calidad quizá debieran haber recibido. Partimos de la base de que es muy difícil definir qué es el éxito y establecer quién está adecuadamente valorado y quién no. Por ello, como ya te he comentado en alguna ocasión, me guío por lo que son, únicamente, mi opinión y mis gustos, que de antemano acepto que puede que no coincidan con los tuyos.

Rory Gallagher

Guitarrista irlandés, que nació en Ballyshanon, Irlanda, en 1948 y falleció en Londres en 1995 después de habérsele realizado un trasplante de hígado. Él, sin embargo, pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de Cork, de donde se consideraba a sí mismo y donde fue enterrado.

La música de Gallagher era una mezcla de blues, rock y folk y tocaba la guitarra eléctrica, acústica, la armónica y el saxo. A los nueve años su madre le regaló un ukelele, el cual aprendió pronto a tocar, lo que motivó que unos años después le regalara una guitarra acústica. Ahí comenzó la carrera imparable de Rory. 

Su primer grupo fue The Fontana Showband, un grupo local formado por los hermanos Oliver y Bernie Tobin, que se dedicaba a tocar los éxitos del momento en fiestas, reuniones y similares. Estuvo con ellos unos dos años y en 1966 formó su primer y único grupo, Taste. Posteriormente, a partir de 1972, siguió su carrera en solitario.

Taste fue un power-trío, un formato musical de bajo, batería y guitarra en el que uno o varios miembros también cantaban y en los que predominaba el desarrollo instrumental de los temas. Se creó en 1966, cuando este formato de grupo estaba de moda. Fue el mismo año en que se formó Cream, (uno de mis grupos de referencia y del cual hablamos en el episodio pasado del camarote de bases rítmicas de ensueño), Blue Cheer y, un año después, la Jimi Hendrix Experience. Taste empezó en Cork, Irlanda y varios músicos han sido parte de su formación, siendo la más conocida la constituída por Richard McCracken en el bajo y John Wilson en la batería con Rory Gallagher en la guitarra y voz. Llegaron a actuar como teloneros en el concierto de despedida de Cream en el Royal Albert Hall de Londres en 1968 y también tuvieron una actuación memorable en el concierto de la Isla de Wight en el año 1970. Aquí puedes apreciar su calidad en un tema de este concierto y, por si te gustó, aquí tienes el álbum completo de dicha actuación. Si te gusta el blues, escúchalo completo.

En 1972 Gallagher se separó de Taste y en adelante desarrolló su carrera musical con su propio nombre. Grabó un total de 14 álbumes hasta su fallecimiento en 1995. La mayor parte de los temas que tocaba estaban escritos por él mismo o eran versiones de blues o canciones de folk clásicas. Rara vez interpretó temas de otros músicos ni coescribió canciones con nadie.

Se rodeó de un buen número de músicos de acompañamiento habiendo creado hasta un total de cinco formaciones diferentes en los 23 años en que estuvo activo. De todos ellos, la colaboración más duradera fue con el bajista Gerry McAvoy, con el que estuvo tocando desde 1971 a 1991.

Gallagher desarrolló una enfermedad hepática debida al excesivo consumo durante muchos años de fármacos a dosis elevadas. Necesitó que se le realizara un trasplante de hígado, lo cual se hizo en el King´s College Hospital en marzo de 1995. Tras salir de la intervención estuvo 13 semanas en cuidados intensivos y, cuando fue trasladado a planta, sufrió una infección por un Staphilococus Aureus Meticilin-Resistente que le produjo la muerte.

Rory Gallagher fue un músico de músicos. Una vez le preguntaron a Jimi Hendrix qué sentía al ser el mejor guitarrista del mundo. Su respuesta fue: “No lo sé. Pregúntale a Rory Gallagher”. Entre los guitarristas actuales que nombran a Gallagher como un referente están Joe Bonamassa, Brian May (Queen), Slash (Guns n´Roses), The Edge (U2), Alex Lifeson (Rush), Gary Moore, entre muchos otros. Los Rolling Stones lo llamaron en el año 1974 cuando bruscamente uno de sus guitarristas, Mick Taylor, decidió abandonar la banda. Estuvieron tocando una “jam” en Holanda y Gallagher estuvo a punto de formar parte de los Rolling. A Mick Jagger le gustó mucho su forma de tocar, pero finalmente no se concretó el ingreso y, al día siguiente, Rory se marchó de gira al Japón. Aquí puedes leer los detalles de esta historia. 

Pese a la calidad de su música y del reconocimiento que tuvo entre los grandes guitarristas y músicos de entonces, comercialmente no tuvo mucho éxito. Nunca tuvo un número uno en las listas de éxitos (su música no era adecuada para ello). En Spotify tiene, en el día en que escribo este artículo, octubre de 2025, más de 700.000 oyentes mensuales, pero su canción más conocida, Bad Penny, “solo” tiene 37 millones de reproducciones. 

Para mí el mejor disco de estudio de Rory Gallagher es Tattoo, y en directo, Irish Tour. Escúchalos si te apetece y si solo quieres una canción de muestra, tienes A million miles away, un temazo de siete minutos de su álbum Tattoo.

Por último, me gustaría comentarte algo sobre su guitarra. Aunque tuvo varias, su guitarra principal fue una Stratocaster de 1961, machacada por su continuo uso. Fue subastada por 889.400 libras esterlinas (aproximadamente 1.069.000 euros) en octubre de 2024 y comprada por la compañía Live Nation Gaiety Ltd., quien posteriormente la donó al Museo Nacional de Irlanda. Rory Gallagher la había comprado, a crédito, por 100 libras esterlinas en 1963. Como no podía ser de otra manera, Fender ha puesto a la venta la Rory Gallagher signature una copia exacta que se vende al “módico” precio de 5.700 euros.

Bernie Leadon

Es uno de los cuatro miembros originales de The Eagles, un grupo norteamericano del que te comenté algo sobre la maravillosa conjunción y armonía de sus voces. De ellos, en la actualidad solo queda el batería y principal cantante, Don Henley, ya que tanto Glenn Frey como Randy Meisner han fallecido. 

Bernie es un músico multiinstrumentista, pues toca la guitarra eléctrica, acústica, el bajo, la mandolina, el dobro y la guitarra pedal steel. Su música estaba orientada hacia el country y el bluegrass y en sus canciones se nota esta influencia. En los Eagles se produjo la mezcla perfecta pues a esta influencia de Leadon se unieron la más rockera de Glenn Frey, la melódica de Meisner y las maravillosas letras que escribía Don Henley y sobre lo que ya hablamos en El Camarote no hace mucho tiempo.

Bernie Leadon ha tocado algunos solos de guitarra que me parecen excepcionales, por su belleza y sencillez. Quizá sea precisamente su sencillez lo que le da su belleza. Te traigo solamente uno, el de Take it Easy que es una canción que me transmite alegría y que, inevitablemente, cada vez que la escucho me recuerda los años que estudié en La Laguna donde descubrí esta canción con mi querido amigo Víctor Vega. El solo de guitarra empieza en el minuto 1:42. Fíjate también al final como a las guitarras añaden un banjo. El sello de Leadon. Una preciosidad.

Leadon es un hombre más bien modesto al que no le gustaban los grandes escenarios y prefería la orientación musical que adoptó el grupo en su segundo álbum Desperado hacia el country-rock. Desperado (forajido) fue un disco de los llamados conceptuales en este caso con el tema del antiguo Oeste. Los restantes miembros del grupo preferirían una orientación más “rockera”, con más guitarras eléctricas y menos acústicas y llenando grandes estadios, lo que llevó al distanciamiento entre Leadon y los demás miembros del grupo. En una ocasión, en medio de una de las frecuentes trifulcas que tenían entre ellos, Leadon vertió por encima de la cabeza de Glenn Frey una cerveza mientras le decía: “Deberías enfriarte tío” (You´d better cool down man). Poco tiempo después, Leadon abandonó el grupo y años después se disculpó ante Frey y también públicamente, pero curiosamente, esta es una de las anécdotas que se recordarán siempre y que en cada entrevista que Bernie concedía, el tema siempre salía una y otra vez.

Tras dejar The Eagles, Leadon publicó en 1977 un disco en solitario llamado Natural Progressions, colaborando con un guitarrista desconocido llamado Michael Georgiades, que compuso seis de las diez canciones y Leadon las cuatro restantes. Aun siendo un disco interesante, no fue bien acogido por la crítica y no se vendió bien. Posteriormente colaboró con Chris Hillman en la Nitty Gritty Dirt Band grabando tres discos, Hold on en 1987, Workin´Band en 1988 y Will the Circle be Unbroken, vol 2 en 1989. Desde entonces se ha dedicado a producir discos de otros músicos o tocar en ellos, sobre todo en Nashville, y tardó 27 años, en 2024, en publicar su segundo disco en solitario, llamado Mirrors, del cual no hizo promoción alguna. No salió de gira. Si buscas en internet datos sobre este disco apenas encuentras nada. En Youtube hay algunas canciones sueltas. De entre estas te presento Backup Plan en la que le acompaña Emmilou Harris. El disco no está en Spotify ni en Apple Music. En Amazon puedes conseguirlo por 36 euros.

Veintiún años después, acaba de publicar, en julio de 2025, su tercer álbum en solitario, llamado Too late to be Cool. Quizá sea un mal pensado, pero para mí, que el título es una forma de recordar subliminalmente al episodio de la cerveza con Glenn Frey. Este disco sí está en Spotify y Apple Music y muchas canciones en Youtube. Aquí tienes un tema precioso, llamado Too many memories, que te recomiendo escuches activando la configuración de subtítulos ya que letra habla de sus recuerdos durante toda una vida en la que ha tenido que hacer muchos cambios y verás con que frecuencia aparecen los Eagles. Te confieso que le veo un semblante muy serio durante todo el vídeo y que echo de menos una sonrisa a lo largo del mismo. Hasta cuando se refiere a cambiar el pelo en el minuto 1:16 lo hace como forzado aunque hace años que está completamente calvo. Todo ello, en mi opinión. En fin, cada uno es como es. 

En la que parece ser la página web oficial de Bernie Leadon no hay información sobre él, sus posibles conciertos ni si va a salir de gira, como comprar su tres discos en solitario ni nada de nada. Tan solo te ofrece que compres el disco de un concierto celebrado el pasado mes de septiembre en Nashville llamado Americanafest donde aparece junto a un buen número de músicos. Cuando clicas en su nombre al final no se produce nada. No conozco a ningún otro músico que cuide menos su imagen en lo referente a su relación con sus fans o con el público en general. Todo lo contrario a Marillion, de quienes pasamos a hablar a continuación.

Marillion

Marillion es una banda británica formada en 1979 en Aylesbury, Inglaterra. Su estilo podríamos considerarlo como de “rock progresivo” y en su música hay dos períodos diferentes, claramente identificables, dependiendo del cantante. El primero fue el escocés Fish (que se llamaba en realidad Derek William Dick) y el segundo, Steve Hogarth, que dentro del grupo se le conoce como “H” ya que existe otro Steve, Rothery, (guitarra) que fue miembro fundador de la banda, junto a Doug Irvine (bajo), Brian Jelliman (teclados) y Mick Pointer (batería). 

Adoptaron el nombre de Silmarillion, en referencia a la obra de J. R. R. Tolkien, pero posteriormente, por problemas legales, lo acortaron a Marillion. Su primer disco, Script for a Jester's Tear, fue publicado en el año 1983 y tuvo una crítica muy favorable, alcanzando el número siete en las listas de álbumes británicos y en 1997 fue certificado “disco de platino” por haber alcanzado la venta de 300.000 copias. Todo un éxito para ser un álbum de debut. Curiosamente, Steve Rothery ha comentado, posteriormente, que no está satisfecho de su sonido en el disco, que atribuye al haber utilizado una guitarra Yamaha SG 2000 junto a un amplificador Orange, que no contribuyeron a conseguir su sonido actual que ha conseguido con una guitarra Blade y un amplificador Marshall, eso sí, ¡con una montaña de multiefectos de por medio! En un próximo capítulo de El Camarote sobre “guitarristas lentos” hablaremos con más detalle de Rothery, un guitarrista que me fascina.

Desde el principio tuvieron que soportar la comparación que se les hacía en la prensa con Genesis. Eran llamados a veces, peyorativamente, unos “Genesis-Light”. Y si bien es cierto que pudieran tener cierta similitud (en la estructura de la banda: cantante, guitarrista, bajo, teclados y batería) como en algunos aspectos de su música: temas largos, con largas atmósferas instrumentales, etéreas, lo cierto es que estas comparaciones a mí, particularmente, me parecieron injustas. Y aún hoy en día, el grupo tiene que seguir defendiéndose de las mismas.

Marillion sufrió varios cambios en su alineación hasta que se produjo la estabilización definitiva con Steve Rothery, (guitarra), el único miembro que queda de la formación inicial, Pat Trewavas (bajo), Mark Kelly (teclados), Ian Mosley (batería) y el último en llegar, Steve Hogarth (voz y a veces teclados o guitarra) quien lo hizo en el año 1989 para grabar el álbum Season´s End. Con esta formación, Marillion se ha estabilizado y de hecho llevan juntos ¡36 años! sin nuevos cambios. Desde 1983, fecha de la publicación de su primer disco hasta 1989, año en que entró Steve Hogarth, además de Fish y Mick Pointer formaron parte de Marillion Brian Jelliman, Doug Irvine, Diz Minnitt, Jonathan Mover, John 'Martyr' Marter, David Lloyd y Andy Ward, de quien hablaremos más tarde en este mismo capítulo, pues fue miembro fundador de otro grupo infravalorado, Camel. Las etapas musicales de Marillion han sido tan diferentes dependiendo de que tuvieran como cantante a Fish o a Steve Hogarth, que este comentó en una entrevista al London Evening Standard en noviembre de 2000 que quizá Marillion debería haber cambiado su nombre cuando él entró.

Te traigo de la etapa con Fish dos temas, preciosos, Kayleigh y Lavender, y de la etapa actual, con Hogarth, del álbum Marbles, Neverland, un temazo de 12 minutos, en el que crean una atmósfera ascendente, con un comienzo lento, suave, introspectivo en el que la voz de “H” te dice: “Quédate junto a mi lado, susurrándome ”aquí estoy, hasta que la soledad se desvanezca“ dando paso a breves solos de guitarra de Rothery, preciosos, hasta un final que me parece de los mejores de este grupo. Aunque la canción sea larga, vale la pena que la escuches completa. 

Marillion sigue en activo en la actualidad, habiendo publicado más de 20 discos de estudio, unos mejores que otros, pero yo creo que desencantados con las compañías discográficas han creado su propio estudio de grabación, llamado The Racket´s Club (que no está disponible para otras bandas), tiene su propio sello discográfico llamado Intact Records y vende sus discos por internet, por medio de su propia página Web, llamada Racket Records, además de camisetas, entradas para sus conciertos, etc.. Han establecido una nueva forma de relacionarse con sus fans. Así, por ejemplo, en 2001 lanzaron el álbum Anoraknophobia, el cual había sido pagado “por adelantado” por ellos mediante un sistema de pre–pedido, anticipándose a lo que hoy se conoce como crowdfunding. Mantiene el contacto, directamente con sus seguidores organizando anualmente un crucero que dura cinco días en el que varios grupos y músicos conviven con los asistentes y tocan por las noches. Esta iniciativa comenzó en 2016 y ya lleva diez años. Si quieres apuntarte al próximo que se llama Cruise to the Edge, aquí tienes el enlace. Sale el 3 de marzo desde Miami. La lista de músicos que participa es impresionante. 

Camel

Otro grupo tan bueno como infravalorado. Se formó en el año 1971 en Guilford, Inglaterra por Andrew Latimer, (guitarra) Andy Ward (batería) Doug Ferguson (bajo) y Peter Bardens (teclados). Los tres primeros músicos comenzaron a tocar juntos bajo el nombre de Brew, pero decidieron incluir a un teclista y como ha ocurrido en tantas otras ocasiones, pusieron un anuncio en el Melody Maker. Bardens pasó la audición y se incorporó como cuarto miembro y se renombraron Camel. Curiosamente, su primera actuación fue de teloneros de otro grupo al que nos referiremos en este mismo capítulo: Wishbone Ash. Fue en Londres en diciembre de 1971.

Su período más prolífico y relativamente exitoso fue en los años 70, cuando publicaron sus cuatro primeros álbumes, que para mí reúnen lo que es la esencia de este grupo. El primero, homónimo, se publicó en 1973 y pasó completamente desapercibido para el público y la crítica musical. Siguieron adelante y un año después publicaron Mirage su segundo álbum que tampoco tuvo éxito en el Reino Unido, pero que en cambio tuvo cierto éxito en los Estados Unidos. De esta manera hicieron su primera gira de tres meses por este país. En este segundo disco Andrew Latimer, además de la guitarra, comenzó a tocar la flauta. 

Su tercer disco se llamó Snow Goose y fue un álbum conceptual, basado en una novela breve publicada por el escritor Paul Gallico en el periódico The Saturday Evening Post. Gallico les demandó porque en su opinión Camel era una banda relacionada con una marca de cigarrillos y él detestaba fumar. Tras llegar a un acuerdo y ya en 1976, Camel publica Moonmadness, el último que conservó la alineación original. Un buen disco que una vez más tuvo un éxito relativo. Para la gira que siguió a la publicación del disco se incorporó al grupo Mel Collins, aunque no por mucho tiempo. Collins es un músico muy conocido y valorado que además de con Camel ha tocado con King Crimson, Alan Parson, Dire Straits y Roger Waters. Al finalizar la gira comienzaron los abandonos en el grupo. El primero en marcharse fue Doug Ferguson, el bajista, quien poco después abandonó la música y se dedicó al mundo de las inmobiliarias. Fue sustituido por Richard Sinclair, que había estado en otro grupo también infravalorado (Caravan). La interacción entre Camel y Caravan continuó después, porque en 1978, Pete Bardens, (el otro miembro del grupo que junto con Latimer escribía la mayor parte de las canciones) abandonó Camel cansado de tantas disputas con Latimer sobre la orientación musical a seguir. Fue sustituido por dos teclistas: Dave Sinclair (primo del batería) y Jan Schelhaas. A partir de entonces, el número de miembros que han formado parte de Camel aumentó, contabilizando un total de 14 músicos. 

En 2001, Latimer, único miembro original que quedaba, reunió a Colin Bass, que había ingresado en el grupo en 1978, con otros dos músicos, el batería Denis Clement y el teclista Guy Leblanc y con ellos consiguió una formación estable publicando en 2002 un nuevo álbum, bastante decente musicalmente, llamado A Nod and a Brink y que siguió la misma estela de pocas ventas y escasa valoración por la crítica. Desde entonces no han publicado ningún disco con material nuevo, eso sí, haciendo lo que se ha convertido en una moda con la “reedición”, remasterización aumentada y expandida, con dos discos en directo de regalo“, moda que siguen en la actualidad casi todos los grupos y músicos.

Guy Leblanc falleció en 2015 y en 2016 ingresó en el grupo un músico muy interesante llamado Peter Jones. Nacido en 1980, Jones perdió la visión a los 15 meses de edad debido a un tumor llamado retinoblastoma. Pese a ello toca maravillosamente teclados, piano, guitarra, bajo, flauta, clarinete, saxo y varios instrumentos de percusión además de cantar. 

En 2018 Camel dio un concierto en el Royal Albert Hall con su actual formación, en el que tocaron en la primera parte del mismo, el álbum Moonmadness completo. Tras el descanso escogieron una selección de sus temas más famosos, de entre los que te traigo Lady Fantasy, una canción de más de nueve minutos de duración de su álbum Mirage, coescrita por los cuatro miembros originales del grupo. El tema tiene una marcada complejidad en su estructura y su riff, que podrás escuchar en el minuto 5:54, es precioso. En este tema podrás ver la armonía de las tres voces: Latimer, Bass y Jones, en el minuto 14:20, algo que en las formaciones anteriores de Camel era una asignatura pendiente. El sonido de la Gibson Les Paul de Latimer en todo el concierto me fascina. Escucha el solo de Chord Change, un tema de Moonmadness a partir del minuto 12. Es de lo más bonito que he escuchado y uno de mis solos de guitarra preferidos. 

Latimer, único miembro fundador del grupo y propietario de los derechos del nombre, tiene 76 años. Sufrió una mielofibrosis para cuyo tratamiento recibió un trasplante de médula ósea. Aunque recuperado, a su edad y sin material nuevo grabado desde hace más de 20 años, me parece un tanto difícil verles de gira y mucho menos en el Gran Canaria Arena. Aunque nunca se sabe….

Otros grupos o músicos infravalorados

Podríamos también incluir a Peter Green y a Wishbone Ash. Hemos hablado de ellos en otros capítulos de El Camarote; de Peter Green en Cuando la locura acaba con la carrera de un músico (y su vida) y de Wishbone Ash en Bandas que aún podrían reunirse. Tanto uno como los otros son músicos que han sido infravalorados, al menos por la crítica y que han tenido ventas más bien pobres de sus discos, pese a su enorme calidad que suele ser reconocida por otros músicos.

En los grupos de rock, el bajo y la batería constituyen su base rítmica. Su trabajo es fundamental, pues forman el engranaje, el colchón, sobre el que se desarrolla la canción. A lo largo de los años, ha habido algunos tándems que han pasado a la historia por su calidad, estabilidad, coordinación y buen hacer musical. Todos ellos tienen en común que han estado tocando juntos más de 30 años y que han constituido la base rítmica del grupo al que han pertenecido. Hablaremos hoy de algunos de ellos. 

1.MICK FLEETWOOD Y JOHN MCVIE

Fueron la base rítmica del grupo Fleetwood Mac, cuyo nombre, que es la combinación de sus apellidos, fue sugerido por Peter Green cuando se estaba creando el grupo. Ambos habían formado parte de los Buesbreakers, de John Mayall, y llegaron a tocar juntos, con la alineación: Peter Green, guitarra; John McVie, bajo; Mick Fleetwood, batería, y John Mayall. Puedes escucharlos en una reedición de tres discos en directo llamado Live in 1967 – John Mayall & the Bluesbreakers“. Aquí tienes una canción de esa época llamada Tears in my Eyes.

No duraron mucho con John Mayall porque Fleetwood fue despedido, pero Peter Green ya había decidido formar su propio grupo con éste y rescataron a McVie un poco después. El mismo Green fue el que bautizó a la banda con el nombre Fleetwood Mac. 

Mick Fleetwood y John McVie han sido los únicos que han permanecido en el grupo, que ha cambiado tanto de integrantes como de estilo. Inicialmente, con Peter Green, tocaban sobre todo blues. Green añadió a la banda otros dos guitarristas, Jeremy Spencer y Danny Kirwan. Con ellos había tres guitarras solistas que se alternaban en los solos. Jeremy Spencer tocaba predominantemente la guitarra slide mientras que Kirwan y Green armonizaban entre ellos. Aquí tienes una preciosa canción, Albatross, escrita por Peter Green donde puedes escuchar la magia de los tres guitarristas.

Peter Green abandonó el grupo en 1970 y los restantes miembros invitaron a integrarse en el mismo a Christine McVie, entonces esposa del bajista, como teclista y cantante. No tardaron en marcharse los otros guitarristas y en 1974 entraron Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, constituyéndose esta como la formación más famosa y estable, con la que consiguieron varios números uno en las listas de éxitos y unas ventas de más de 120 millones de discos. Aquí tienes uno de sus éxitos más conocidos: Dreams.

Posteriormente se produjeron cambios y más cambios. Prácticamente todos los miembros de Fleetwood Mac han estado entrando y saliendo…, con la excepción de la base rítmica que es la única que ha permanecido estable, con todas y cada una de las formaciones e independientemente de la orientación musical que hayan adoptado en un momento u otro. A día de hoy, excluyendo a Fleetwood y McVie, han formado parte del grupo un total de 16 miembros. Por cierto, tras el fallecimiento de Christine McVie y las trifulcas entre Stevie Nicks y Lindsay Buckingham, es difícil que vuelvan a reunirse.

2.RALPH MOLINA Y BILLY TALBOT

Constituyen la base rítmica de Crazy Horse, uno de los grupos con los que ha grabado y girado Neil Young. Durante la gira con éste, llamada In A Rusted Out Garage, de 1986, en las entradas se recogía: “Crazy Horse: la tercera mejor banda de garaje del mundo”. Así lo comentaba el fallecido Bill Graham, organizador de conciertos y colaborador de Neil Young durante muchos años, en la página Web de éste. Una prueba de la modestia de este magnífico grupo.

La base rítmica está formada por Ralph Molina en la batería y Billy Talbot en el bajo. Ambos armonizan voces con Neil Young. Han formado parte del grupo Danny Whitten (fallecido), Frank Poncho SanPedro (guitarra rítmica y voces), que se retiró hace unos años siendo sustituido por Nils Lofgren, (guitarra y voces) que compaginó este trabajo con el que tiene como miembro de la E Street Band, de Bruce Springsteen hasta 2024, en que fue sustituido por Micah Nelson, hijo de Willy Nelson.

Ralph Molina y Billy Talbot han permanecido juntos como Crazy Horse desde el año 1968 cuando grabaron con Neil Young el segundo álbum en solitario de éste, titulado Everybody Knows This is Nowhere, publicado en 1969. Siguieron colaborando desde entonces hasta la actualidad, intermitentemente, pues Neil Young suele cambiar de grupo y unas veces toca con los Stray Gators, otras con The Promise of the Real, The Shocking Pins, The Bluenotes o con Pearl Jam.

Talbot y Molina como Crazy Horse grabaron un primer disco en solitario con Jack Nitzche de productor y Nils Lofgren como guitarrista, llamado como ellos: Crazy Horse. No tuvo mucho éxito. Han pasado largas etapas sin Neil Young, cuando éste ha decidido tocar con otros grupos y han vuelto con él cada vez que éste les llamaba. 

En total han publicado seis discos como Crazy Horse, el último Trick Horse en 2009, sin mucho éxito, la verdad. Con Neil Young, su último disco grabado fue World Record, en 2022. En 2024 se publicó, también con Young, Early Daze, pero éste contiene material grabado en 1969.

De Crazy Horse con Neil Young, me gustaría que escucharas Winterlong una preciosa canción donde sus voces armonizan con la de Neil Young añadiendo un plus de calidad a la guitarra etérea de éste. 

También Billy Talbot, el bajista, ha publicado algunas cosas en solitario con la Billy Talbot Band. Para finalizar con ellos, te traigo esta canción, The Rain, escrita, cantada y producida por él mismo, incluida en un álbum extraño de 2023, titulado All Roads Lead Home y que no se publicó como Crazy Horse sino como Molina, Talbot, Lofgren & Young. En este disco, cada músico aportó y cantó temas escritos por cada uno de ellos. Una especie de democratización de Crazy Horse. Me recuerda a lo que pasó con los Creedence y Mardi Gras (lo verás más adelante) pero con buen rollo. Una joya.

3.DOUBLE TROUBLE

La mítica base rítmica del tristemente fallecido guitarrista de blues Steve Ray Vaughan se llama Double Trouble y son Chris Layton (batería) y Tommy Shannon (bajo). Este grupo se formó en Austin, Texas, y al principio hubo varios cambios hasta que se estabilizaron en el año 1982, cuando actuaron en el Festival de Jazz de Montreux con Steve Ray Vaughan. La actuación fue tan buena que Jackson Browne les invitó a que fueran a Los Ángeles, donde tenía su propio estudio de grabación. Allí comenzaron a grabar lo que sería su disco de debut llamado Texas Flood que fue un enorme éxito, alcanzando el número 38 en la lista Billboard 200, vendiendo más de medio millón de discos y generando una gira por todos los Estados Unidos y Europa. En 1984 publicaron su segundo disco llamado Couldn't Stand the Weather cuyas ventas no fueron tan buenas como el anterior aunque tuvo en general buenas críticas. En 1985 se añadió al grupo Reese Wynams como teclista a quien recordarás porque fue uno de los que estuvo a punto de entrar en los Allman Brothers Band como segundo teclista y que finalmente no lo fue porque Duane Allman no quería tener todo por duplicado: dos baterías, dos guitarras y dos teclados. 

Double Trouble continuaron con Steve Ray grabando otros discos como Soul to Soul, un disco en directo llamado Live Alive! que recogía las actuaciones en Austin y Montreux y su disco final In Step publicado en 1989 y que es probablemente su disco más conocido y vendido, pues solo en los Estados Unidos vendió más de dos millones de copias. Aquí tienes el álbum completo. Es lo último que grabó Stevie Ray.

En agosto de 1990 estaban de gira con Eric Clapton y al finalizar el concierto, Vaughan cogió un helicóptero para trasladarse a Chicago, el cual compartió con tres miembros del equipo de Clapton. Las condiciones meteorológicas eran muy malas y el helicóptero se estrelló al poco tiempo de despegar falleciendo todos sus ocupantes.

Double Trouble continuó sin Steve Ray, permaneciendo como base rítmica que acompañaba circunstancial y temporalmente a otros músicos. Así, ayudaron a formar dos semi-supergrupos en Austin: Arc Angels y Storyville, en la década de 1990, y trabajaron con músicos de renombre como Kenny Wayne Shepherd y Doyle Bramhall. 

En 2001, lanzaron un nuevo álbum de estudio como Double Trouble, titulado Been a Long Time y para esta ocasión contaron con la colaboración de músicos como Doyle Bramhall II, Lou Ann Barton, Reese Wynans, Jonny Lang, Willie Nelson, Dr. John y Jimmie Vaughan. El álbum alcanzó el número uno en las listas de blues de Estados Unidos y el número 126 en la lista Billboard 200.

Se convirtieron posteriormente en músicos de sesión, colaborando con infinidad de intérpretes, unos más famosos que otros. No cabe duda del enorme atractivo, por no decir morbo, que producía tocar con la base rítmica de Stevie Ray Vaughan en los guitarristas de blues. Entre ellos figuraban Joe Bonamassa, Jimmy Lane y nuestro compatriota Javier Vargas, quien grabó con ellos, en 1995, su disco Texas Tango.

En 2015, Double Trouble con Vaughan (póstumamente) fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame. Tocaron con ellos su hermano Jimmy Vaughan, Reese Wynans, Doyle Bramhall II, John Mayer y Gary Clark Jr. La canción escogida fue Pride and Joy. Toda un gozada.

En 2019, Double Trouble, junto con Reese Wynans, Kenny Wayne Shepherd y otros, grabaron el álbum Sweet Release, que incluye muchas canciones de la carrera principal de Double Trouble. El álbum se lanzó el 1 de marzo de 2019 y hasta la fecha es lo último que han publicado.

4.DOUG CLIFFORD Y STU COOK

Doug Clifford, batería y Stu Cook, bajo, fueron la base rítmica de los Creedence Clearwater Revival (CCR) junto a los hermanos John y Tom Fogerty. Este grupo tuvo un enorme éxito a finales de los años 60 y comienzo de los 70. El período más prolífico y con más éxito de la banda fue entre 1969 y 1971, cuando publicaron 14 sencillos consecutivos que llegaron al top 10 de las listas de éxito. Muchos de estos discos no tenían cara B, sino dos caras A. Cinco álbumes consecutivos encabezaron la lista Billboard 200 entre ellos Green River (1969) y Cosmo's Factory (1970), que alcanzaron el número uno, permaneciendo en este lugar varias semanas. También actuaron en Woodstock en 1969 y cuando estaban en la cima, se separaron de una manera dolorosa en 1972. De ellos te traigo (Wish I Could) Hideaway, de su álbum Pendulum, uno de los temas menos conocidos, donde podrás apreciar la calidad de la base rítmica del grupo en el que John canta con una potencia que me fascina.

John Fogerty era el compositor, productor y líder del grupo y ejercía este papel de una manera férrea y dictatorial. Las tensiones internas desembocaron en 1971 en la marcha de Tom, su hermano mayor, descontento con la manera en que éste conducía el grupo. Cansado de tanta crítica que los restantes miembros hacían continuamente sobre la “escasa democracia” existente en el grupo y la dificultad para desarrollarse profesionalmente, John accedió a que continuaran juntos, pero con la condición de que los otros dos miembros restantes, la base rítmica, escribieran y cantaran sus canciones para el siguiente álbum. Este fue último disco del grupo, ya en formato trío, que se llamó Mardi Gras e incluía canciones escritas y cantadas, tanto por Clifford como Cook, además de las de Fogerty. 

Admito que puedo estar equivocado pero creo que John les hizo un regalo envenenado. Lo que quiso hacer, en realidad, fue humillarles: ¿no se quejaban ustedes de que no les dejaba participar en nada? Pues venga, ¡a ver que saben hacer!. El disco fue un fracaso comercial y fue destrozado por la crítica. La única canción que subió en las listas de singles fue Sweet Hitch-Hiker, una de las escritas precisamente por John Fogerty. “Y ahora que ya he demostrado lo que son ustedes, nos separamos”. Reconozco que es un pensamiento con muy mala idea y puedo estar equivocado. Juzga por tí mismo, pero, por favor, previamente lee lo que al respecto publicó el crítico musical Jon Landau en la revista Rolling Stone en mayo de 1976. 

Entre otras cosas dice: “En el futuro, Mardi Gras podría conocerse como «La venganza de Fogerty». Después de todas las críticas sobre su egocentrismo y de las quejas publicadas por sus compañeros de trabajo sobre su acaparamiento del espectáculo, ha hecho lo que nunca pensé que haría: permitir que sus compañeros se expusieran en público. Ceder seis de las diez selecciones del nuevo álbum al baterista Doug Clifford y al bajista Stu Cook puede haber sido una invitación al suicidio artístico para ellos, pero sin duda demuestra que John tenía la razón todo este tiempo”.

John Fogerty ha seguido su carrera en solitario y nunca ha querido reunirse con su base rítmica. En 1993, Creedence Clearwater Revival fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame. Aunque los tres miembros sobrevivientes aceptaron la invitación juntos y se dieron las gracias unos a otros en el escenario, John no quiso tocar con Cook y Clifford, haciéndolo con Bruce Springsteen y Robbie Robertson en varios temas, de los que te traigo Born on the Bayou. Stu y Doug se sintieron heridos e insultados y abandonaron la sala antes de la actuación de John y posteriormente se quejaron por escrito ante el Rock and Roll Hall of Fame publicando la carta en Los Angeles Times, lo que llamaron “el show de Fogerty”. 

Después de todo esto, Cook y Clifford formaron un grupo llamado Creedence Clearwater Revisited en 1995, completándolo con otros músicos con voz y forma de tocar la guitarra similares a John Fogerty. Comenzaron con unas giras locales que después se fueron ampliando a otros países. Fogerty no tardó en presentar una demanda aduciendo que “con ese nombre se podría hacer creer al público que él formaba parte del proyecto”. La demanda se aceptó y mientras se celebraba el juicio, cautelarmente tuvieron que cambiar el nombre a Cosmo´s Factory, que como sabes, es el nombre de uno de los álbumes más famosos de la Creedence Clearwater Revival. Nueva demanda de Fogerty y nueva suspensión cautelar de las actividades también con este nombre, hasta que la sentencia definitiva dio la razón a la base rítmica, quienes pudieron, a partir de 1997, utilizar el nombre Creedence Clearwater Revisited. 

En 1998, la banda lanzó Recollection, un álbum compuesto por versiones en vivo de canciones de Creedence Clearwater Revival. Estuvieron girando por todo el mundo y tras la epidemia de COVID-19 dieron unos pocos conciertos más y se acabó. En su página Web no dice nada de nuevos conciertos. El último tiene fecha de 2019 y tampoco se indica nada en Spotify por lo que asumo que ya se han retirado definitivamente.

Si te soy sincero, Creedence Clearwater Revisited me parece un grupo de tributo, de esos de los que hoy abundan tanto y que, quitando la cuestión sentimental de escuchar a los que fueron miembros originales de la Creedence Clearwater Revival, no creo que musicalmente aporten mucho. Aquí puedes comprobarlo. 

5.TIM BOGERT Y CARMINE APPICE

Tim Bogert (bajo) y Carmine Appice (batería) fueron la base rítmica de varios grupos famosos y también participaron, juntos y por separado, con muchos otros artistas. Fueron una referencia en los años 60 y 70. Bogert falleció el 13 de enero de 2021 a los 76 años. Appice con 78 años, continúa en activo en el que fue su primer grupo, Vanilla Fudge.

Ambos fundaron este grupo a finales de los años 60. La formación original incluía a Bogert, Appice, Mark Stein (voz) y Vince Martel (guitarra). Publicaron cinco álbumes entre 1967 y 1969, incluido su álbum debut homónimo, que incluía el mayor éxito de la banda, una versión de You Keep Me Hanging On que fue inicialmente grabada por The Supremes, pero a las que Vanilla Fudge les robó la gloria. Aunque el grupo se disolvió en 1970, se reformó a lo largo de las siguientes cinco décadas, con Bogert y Appice participando en las reuniones, incluido su álbum de 2007 Out Through the in Door, una recopilación de versiones de Led Zeppelin, hasta su retirada de las giras en 2009. Appice continúa en la actualidad en el grupo con otros dos miembros originales. Mark Stein y Vince Martel (¡58 años después!).

En 1969 se separaron por primera vez. Appice y Bogert formaron un nuevo grupo con el guitarrista Jim McCarty y el cantante Rusty Day, llamado Cactus. Estuvieron juntos poco tiempo, sólo dos años por problemas entre ellos dentro de la banda que llevó a que en 1972 McCarty abandonase el grupo y poco después lo hizo Day. Acabaron con otros músicos el álbum ¡Ot ¡n¡ Sweaty y ese mismo año se separaron. En tres años publicaron cuatro discos, alguno de ellos muy bueno. Te traigo como muestra Evil, una canción de su álbum Restrictions de 1971. Como curiosidad te comento que Eric Clapton después de publicar Layla and Other Assorted Love Song con Derek and the Dominos, grabó unos pocos temas para el que iba a ser su segundo álbum, que no se acabó. Evil era una de las canciones del mismo que apareció después en una antología de Clapton y sinceramente, creo que mejor fue así porque en mi opinión, la versión de Eric no aporta nada. 

Ya en 1973, Bogert y Appice se unen a Jeff Beck y forman Beck, Bogert y Appice. En realidad ya planeaban reunirse desde 1969 y Peter Grant, mánager que fue de Jeff Beck y de Led Zeppelin. Tenía los contratos firmados, incluyendo a Max Middleton en los teclados y a Kim Milford como cantante. Llegaron incluso a ensayar, pero entonces Beck tuvo un accidente de tráfico y el proyecto se pospuso. Finalmente se reúnen Beck, Bogert y Appice en formato power-trío, grabando su primer disco homónimo, producido por el famoso Don Nix. Salieron de gira y sin acabar la misma se publica en 1973 un álbum en directo llamado Live in Japan. Continuaron en 1974, llegando a tocar en el Rainbow Theatre, concierto que fue emitido por televisión en Estados Unidos con el nombre Rock Around the World. A mediados de 1974 decidieron separarse dejando a medias el que iba a ser su segundo álbum. En esta formación, las voces las hacían tanto Bogert como Appice. Sweet Sweet Surrender es un tema de ese disco, que en su momento me gustó.

Posteriormente han seguido trabajando en diferentes proyectos, casi siempre juntos y en ocasiones por separado. Así, ha habido varias reuniones de Vanilla Fudge en 1982, 1987-8, 1991, 1999 y 2003, siempre con Bogert y Appice y unas veces con Stein, otras con Martel, que iban siendo reemplazados por otros músicos. En 2005 los cuatro miembros originales volvieron a reunirse para hacer una gira nostálgica con miembros de The Doors y de Steppenwolf. La última vez que los miembros originales de Vanilla Fudge estuvieron juntos fue en 2008 pues en 2010, Tim Bogert, anunció su retirada de las giras para fallecer en 2021 de un cáncer, a los 76 años. 

Bogert y Appice periódicamente alternaron su participación en Vanilla Fudge con Cactus. En 2006 se reunieron con Jim McCarty y llegaron a publicar un disco con nuevo material, llamado Cactus V. Aquí tienes el álbum completo.

Como curiosidad te comentaré que nuestro paisano Javier Vargas también grabó en 2011 un disco como Vargas, Bogert & Appice, con Paul Shortino como cantante. Es un disco con versiones de otros temas, algunos de los cuales fueron grabados por Beck, Bogert y Appice. A mí particularmente este disco no me dice nada, salvo que me ratifica en lo que, con todo respeto, creo que es sabido: que Javier Vargas, siendo un magnífico guitarrista, no es ni Jeff Beck ni Steve Ray, Puedes escucharlo en Spotify.

6.JACK BRUCE Y GINGER BAKER

Estrictamente, no cumplen el requisito enunciado al principio: haber estado tocando juntos muchos años, pero me vas a permitir esta licencia, porque es mi base rítmica preferida. No creo que haya habido nunca un bajo y un batería que fueran tan buenos tocando juntos y que se llevaran tan mal fuera del escenario.

Fueron la base rítmica de Cream, el primer power-trio y el primer supergrupo de la historia del rock. Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería) tenían una personalidad llamémosla “peculiar” y un carácter muy especial. Tan buenos músicos, como personas con las que era difícil congeniar.

Jack Bruce, fallecido en 2014, fue un músico escocés que estudió en el Conservatorio de Escocia y que tocaba el bajo, el cello, la guitarra, la armónica y el piano, además de componer y cantar. Ginger Baker fue un batería que se formó con Phil Seamen, un referente entre los baterías de jazz británicos de la postguerra y era de los pocos baterías de esa época que leían y escribían música. Como indicaba Clapton cuando fue entrevistado en la película sobre Ginger Baker Beware of Mr. Baker: “Ginger no tenía nada que ver con Keith Moon (The Who) o John Bonham (Led Zeppelin), por su preparación musical. Ginger era capaz de escribir y leer música, de componer y de armonizar... estaba a otro nivel”. 

Bruce y Baker coincidieron a principios de los años 60, en la Blues Incorporated, la banda de Alexis Korner por la que pasaron músicos como Charlie Watts, Long John Baldry, Graham Bond y muchos otros referentes del blues británico. Jack y Ginger tocaron juntos por primera vez en ese grupo y volvieron a coincidir poco después en la Graham Bond Organisation. La armonización o coordinación de ambos en estos grupos fue tan buena como difícil. Tenían una relación “amor (musical)-odio (personal)”. Bruce comentaba que gracias a Baker fue expulsado de la Graham Bond Organisation, Baker hablaba de Bruce como “el Dr. Jeckyll y Mr. Hide” y así se pasaron la vida. Se buscaban musicalmente, se odiaban a título personal. Así, son famosas algunas anécdotas como la que tras un concierto, Baker amenazó con un cuchillo a Bruce o bien que en su lecho de muerte, con respiración dificultosa, Jack Bruce llamó a Ginger Baker por teléfono y le dijo: “Ginger, me estoy muriendo, que te j…n” y colgó. Eso no impidió que Baker asistiera con Clapton al entierro de Bruce.

En 1966, Baker estaba formando un grupo y así lo habló con Clapton cuando iban en el coche del batería desde Oxford a Londres, después de haber ido juntos a un concierto. Clapton se apuntó enseguida, pero éste quería a Bruce en el bajo. A regañadientes, Ginger aceptó porque admiraba y quería tocar con Eric. Así surgió Cream, como se llamó el grupo (un nombre pedante y presuntuoso sin duda) que no obstante, reflejaba lo que eran esos músicos en ese momento: los mejores.

Tienes muchos temas para escoger. Voy a sugerirte, en primer lugar: White Room un tema de Jack Bruce coescrito con el letrista Pete Brown. La guitarra (doblada muchas veces) tiene un sonido mágico y los redobles de Ginger en el paso de las cuatro primeras estrofas al puente, (en el minuto 0.58) son únicos. Es una canción por la que no pasa el tiempo. Cuando tocaban en directo, eran muy frecuentes las improvisaciones que duraban 10 y 15 minutos. Puedes escucharlo en I´m so Glad un blues clásico de Skip James que fue la canción con la que abrieron el concierto del Royal Albert Hall en Londres, 47 años después de haberse separado. Te adjunto un enlace a la película completa Beware of Mr. Baker con subtítulos en español. En el minuto 27:16, Ginger habla de White Room y se queja de que Jack Bruce, pese a haber escrito la canción, no sabe que está en un compás 5/4 y que se empeñaba en que era un 4/4 para después aceptarlo.

Los integrantes de Cream estuvieron juntos tan sólo dos años, desde 1966 a 1968 y aún así, la influencia que han ejercido en la música rock fue inmensa. Tras su separación, cada uno de sus miembros siguió una carrera musical diferente. Clapton y Baker estuvieron un corto período de tiempo en otro supergrupo, Blind Faith, con Steve Winwood y Rick Grech, y después no volvieron a encontrarse hasta el año 1993 cuando fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame.

Jack Bruce grabó un buen número de discos, acompañándose de músicos de gran calidad como Clem Clemson, Dick Heckstall-Smith, Bernie Worrell, Simon Phillips, Steve Hunter, Jim Gordon y Chrid Speeding entre muchos otros. También en 1993, cuando cumplió 50 años quiso hacer un concierto y reunir a músicos con los que había tocado durante toda su carrera y así se grabó en directo en el Rockpalast de Alemania el disco, que se llamó Cities of the Hearts y más tarde publicado en DVD como The 50th Birthday Concerts. Y, ¿adivina a quién se le ocurrió invitar?: a Ginger Baker. La magia musical seguía existiendo entre ellos. En ese concierto, Baker, Bruce y Gary Moore tocaron juntos, como trío, cuatro canciones de Cream. De este concierto, me gustaría que escucharas la versión de Sitting on the Top pf the World, un blues clásico que en su momento grabaron Cream, tanto en estudio como en directo. La versión que hacen Baker y Bruce con Gary Moore es magnífica.

Pues bien, llegados a este punto, Ginger Baker y Jack Bruce deciden emprender un nuevo proyecto juntos, al que llamaron BBM (sus iniciales). Juntos grabaron un disco muy bueno, que pasó desapercibido llamado Around the Next Dream, publicado en mayo de 1994, en el que había un total de diez canciones, la mayor parte de ella compuestas por Gary Moore con la colaboración de Jack Bruce e incluso de Baker en un tema, precisamente el que me gustaría que escuchases atentamente: Why does love (has to go wrong)?, compuesta por los tres y que dura casi nueve minutos. Es una pequeña maravilla. Fíjate en los solos de Moore, tocados con Greeny, la guitarra de la que hablamos en el número anterior del camarote o la manera en que se exhibe Ginger Baker y canta Jack Bruce. Una joya.

No duraron mucho juntos. La crítica musical inmediatamente comenzó a compararlos con Cream, al fin y al cabo dos tercios del grupo formaron parte de Cream. Aunque ellos trataron de mantener su propio estilo y música, se separaron después de una gira europea.

Bruce y Baker vuelven a separarse y se reúnen por última vez en mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres, donde dieron cuatro conciertos, seguidos de una segunda tanda de tres más en el Madison Square Garden de Nueva York, en octubre de ese mismo año. Aunque hubo posteriores intentos de una nueva reunión, todos los miembros lo rechazaron. Finalmente Jack Bruce falleció en 2014 y Ginger Baker en 2019.

Son protagonistas de muchos de los éxitos de quienes las tocaron y acabaron popularizándolas. Las guitarras de figuras inolvidables de la música pasarán con ellas a la historia, y con ellas, cada una con su propio nombre y con sus propias peculiaridades, desde el diseño o el color, a las pastillas que emplean para su sonido más peculiar. Aquí van media docena de guitarras inolvidables.

Blackie

Se trata de una Fender Stratocaster que perteneció a Eric Clapton y fue su principal guitarra en los años 70.

Clapton había estado tocando con guitarras Gibson desde la época en que formó parte de los Bluesbreakers de John Mayall en los años 60. Allí tocaba con una Gibson Les Paul. Cuando en 1966 formó Cream, con Jack Bruce y Ginger Baker siguió tocando con varias Gibsons, una SG de la que hablaremos más tarde llamada The Fool, otra, una Firebird que tenía una sola pastilla y finalmente una 335 de color rojo, con la que tocó en el concierto de despedida en el Royal Albert Hall en 1968. Aquí puedes oírla en un tema mítico de Cream: Sunshine of your Love. Puedes ver la guitarra y el solo a partir del minuto 3:30 

Cuando acabó Cream, Clapton formó con Steve Winwood, Rick Grech y Ginger Baker otro supergrupo, Blind Faith, que tuvo una vida muy corta, dejando un único disco, tan bueno musicalmente como polémico por su portada. Aquí puedes escuchar el disco completo y aquí puedes ver la portada, que fue un escándalo en su momento en la puritana América de los años 70, donde fue prohibida. En Blind Faith, por la influencia de Winwood, empezó a ver con simpatía las Stratocaster. Por ello, en un viaje a Estados Unidos, en Nashville compró seis Stratocasters que le costaron entre 200-300 dólares cada una, que equivaldrían a 1.500-2.300€ de hoy. Regaló una guitarra a Pete Townshend otra a George Harrison y la tercera a Steve Winwood. Seleccionó lo que consideró que era la mejor parte de las otras tres guitarras fabricadas entre 1956 y 1957, y de esta manera nació Blackie, llamada así por su acabado en negro. Su debut fue en el Concierto del Rainbow en enero de 1973 que, como recordarás, fue el concierto que organizó su amigo Pete Townshend para ayudar a Clapton en su regreso tras un periodo de rehabilitación de las drogas. Aquí tienes el concierto completo. 

Podrás ver a Blackie en las fotos que aparecen en el minuto 42, acompañando a una canción inolvidable de Jimi Hendrix, Little Wing. 

Desde 1973 hasta 1985, Blackie fue la guitarra de Clapton. Con ella tocó con The Band en el “último vals” la canción Further on Up the Road, donde se luce como muchas otras veces.

Verás en este tema algo curioso: en el minuto 1, mientras tocaba la introducción del tema, a Clapton se le suelta la correa que sostiene a Blackie y tiene que dejar de tocar. Robbie Robertson, el guitarrista de The Band, atento, acude en su ayuda y retoma la introducción. Probablemente ese momento iluminó a algún avispado inventor que diseñó un sistema para asegurar la correa a la guitarra. Hoy en día hay un buen número de ellas, cada una con sus ventajas e inconvenientes. Otro tema muy conocido de JJ Cale, interpretado por Clapton, es Cocaine de su álbum Slowhand uno de los más vendidos de este artista y en cuya portada aparece Blackie, como también lo hace en el álbum Just One Night, grabado en directo en Japón en 1980.

En 1985 y tras la publicación del álbum Behind the Sun (para mí uno de los peores de Clapton, y que me disculpen sus incondicionales, entre los que me tengo) Blackie fue retirada. En 1988, Fender fabricó y puso a la venta su primera guitarra con nombre propio, la Eric Clapton Fender Stratocaster, siguiendo las indicaciones del músico, que si bien compartía muchas partes con Blackie, no era exactamente igual a esta. Más tarde, en 2006, Fender anunció la puesta a la venta de sólo 275 copias idénticas de Blackie, que se vendieron en pocas horas. No debe confundirse la “Eric Clapton” en color negro con las copias de Blackie. No son idénticas.

Blackie fue subastada en Christie´s en el año 2004 y se vendió por casi un millón de dólares (concretamente 959.500 dólares). La compró la cadena Guitar Center y el dinero de la venta fue destinado al centro de rehabilitación para las adicciones, llamado Crossroads Center que Clapton tiene en la isla de Antigua. La guitarra se encuentra expuesta en la central de Guitar Center en Nueva York en la calle West 44th, Times Square. 

Greeny

Esta guitarra perteneció al tristemente fallecido Peter Green y fue llamada así en su honor. Se trata de una Gibson Les Paul Standard fabricada en 1959 y que Green en realidad usó durante unos pocos años, básicamente entre 1966 y 1968 cuando formó parte de los Bluesbreakers de John Mayall.

Peter Green compró la guitarra en la famosa tienda de guitarras Selmer en Londres. En esta tienda trabajaron algunos músicos famosos como John McLaughlin y Paul Kosoff y era la tienda donde compraban sus instrumentos Jimmy Page, Steve Howe y donde Eric Clapton compró su Gibson 335 roja a la que antes nos referimos. Se cuenta que la compró por 60 guineas, una moneda existente en el Reino Unido y la CommonWealth hasta principios de los años 70 y que equivalía a 1,05 libras esterlinas. 

Con ella, grabó el disco A Hard Road con John Mayall donde puedes escucharle con Greeny en el tema instrumental The Supernatural, que fue compuesto por Green. Esta misma canción, con letra, se convirtió en Black Magic Woman, una canción grabada ya con Fleetwood Mac y que es más conocida por la versión que en su momento hizo Carlos Santana. Un día hablaremos con más detalle de esta canción.

En enero de 1970, Peter Green conoció a Gary Moore, guitarrista de Skid Row, grupo telonero de Fleetwood Mac. Se hicieron amigos, y tras prestarle su guitarra unos días, Green le ofreció vendérsela. Moore dijo no poder pagarla, pero Green le sugirió vender su Gibson SG y darle ese dinero. Moore lo hizo y obtuvo 160 libras, pero Green solo aceptó 120, lo que Moore había pagado originalmente por la SG. Gary le indicó que podría recuperarla siempre que quisiera, pero Green le respondió: “No, nunca te pediré que me la devuelvas”, como así fue.

Moore utilizó a Greeny durante muchos años, no solo en Thin Lizzy sino más tarde grabando con ella algunos de los álbumes que a mí particularmente más me gustan que fue en la época en la que se pasó al blues con una triada de discos maravillosa: Still Got the Blues (1990), After Hours (1992) y finalmente Blues for Greeny (1995). En este último disco, Moore grabó once temas de Peter Green, tanto de su época con los Bluesbreakers como con Fleetwood Mac, utilizando en todos ellos a Greeny. 

Querría llamar tu atención sobre una de las canciones, Need your love so bad, un blues clásico, escrito originalmente por Little Willie John y cuyas versiones, tanto de Peter Green como de Gary Moore, ambas tocadas con Greeny, me fascinan. Y te voy a comentar algo que para los puristas del blues me hará merecedor de arder eternamente en la hoguera del infierno y es que la versión de Peter Green me gusta más que la original de Little Willie John. Confío en tu indulgencia.

Greeny tiene un sonido característico, único y esta es la historia del porqué: la guitarra está equipada con pastillas PAF. Al principio de su carrera, Green intentó emular el tono de Eric Clapton quitando la pastilla del mástil, pero después se arrepintió y la volvió a colocar, pero por error la puso al revés. Esto le dio a la guitarra su tono “distintivamente nasal” y desfasado respecto a cuando el selector de pastillas está en la posición central. La pastilla del mástil también cuenta con un imán de alnico invertido, lo que se cree que es un error de fábrica o una modificación posterior. 

En 1994, Gary Moore se puso en contacto con Jol Dantzig, de Hamer Guitars, para encargarle la fabricación de una guitarra personalizada con doble humbucker inspirada en Greeny. Mientras inspeccionaba las pastillas, Dantzig utilizó un compás para medir su polaridad magnética. Descubrió que las pastillas estaban desfasadas magnéticamente, con un imán orientado de norte a sur y el otro de sur a norte. El cambio de fase generado magnéticamente responde a los cambios de tono, lo que da a las notas agudas un “sonido hueco pronunciado”. Sin embargo, en su momento, Peter Green comentó a la revista Guitar Player que no sabía qué era eso de las pastillas “desfasadas” (out of phase) y que “out of phase” le parecía un buen nombre para un grupo“.

Debido a apuros económicos, en 2006 Gary Moore vendió la guitarra por un precio estimado entre 750.000 y 1,2 millones de dólares, según fuentes no oficiales. Posteriormente, varios coleccionistas privados la tuvieron en su poder, entre ellos Phil Winfield quien la vendió por dos millones de dólares a Kirk Hammett, guitarrista de Metallica, en 2014. Gary Moore falleció en España el 6 de febrero de 2011 en Estepona, Málaga, de un infarto de miocardio a los 58 años.

Gibson y Epiphone han puesto en venta diversas copias de Greeny. Existe una versión que es una copia exacta del original llamada Collector's Edition Kirk Hammett Greeny 1959 Les Paul Standard y realizada por Gibson Custom Shop. De ella se hicieron solamente 50 copias que se vendieron al módico precio de 50.000 dólares cada una. En 2023, pusieron a la venta otras versiones tanto de la Custom Shop como de Gibson USA, a precios más asequibles. También en esta línea, Epiphone ha puesto a la venta “Greenys” más económicas que cuestan alrededor de 1.200-1.300 euros.

Por último, la Greeny-manía se ha extendido al mundo de las pastillas y así tanto Gibson como Seymour Duncan y otras marcas como Etsy venden copias de las pastillas “fuera de fase” con precios que oscilan entre los 379 y 268 euros el par. Todo un negocio paralelo como ves.

Brownie

Esta es otra Fender Stratocaster que también perteneció a Eric Clapton. Con ella grabó el que a mí particularmente me parece el mejor disco de su carrera, que es Layla and other assorted love song, en 1970.

Clapton acababa de dejar Blind Faith y por aquella época estaba colaborando con George Harrison en lo que sería su disco de debut, nada menos que un triple LP llamado All Thing Must Pass. En su grabación participaron un buen número de músicos, entre ellos Bobby Whitlock (teclados), Carl Radle (bajo) y Jim Gordon (batería). De este último hemos hablado en un número anterior de El Camarote, concretamente cuando la locura acaba con la carrera de un músico (y con su vida) .

Clapton estaba en esa época muy influenciado, por una parte, a nivel personal por Delaney & Bonnie Bramlett, su estilo de vida “comunal” y el sentirse parte de un grupo más que una estrella. Por otra parte, musicalmente estaba influido por The Band y su primer disco en solitario llamado Music From Big Pink. Por ello, abandonó las Gibson (la 335 había sido empleada en la grabación del disco Blind Faith) y comenzó a utilizar a Brownie, una Fender Stratocaster que compró por 400 dólares en mayo de 1967 en London´s Sound City, mientras aún estaba con Cream. Con esta guitarra grabó su primer disco en solitario, llamado Eric Clapton en cuya portada aparece sentado acompañado de ella.

En ese mismo disco colaboraron los músicos que posteriormente formaron el grupo de acompañamiento con el que grabó Layla and Other Assorted Love Songs. Huyendo de la fama y de ser una superestrella, Clapton bautizó al grupo Derek and the Dominos y Brownie fue la guitarra utilizada en la grabación del disco sonando maravillosamente bien. Escucha estas dos canciones, como referencia I Looked Away, canción que recordarás de la película El Cazador ,de Robert de Niro, y Keep on Growing, donde Clapton graba 3-4 solos con Brownie, superponiéndolos y sin la ayuda aún de Duanne Allman, quien todavía no había comenzado a colaborar en la grabación del disco. El sonido de Brownie es en este álbum limpio y claro, nada que ver con el que ofreció en el posterior álbum en directo, llamado Derek and the Dominos in Concert. No sé por qué razón, la guitarra suena en todos los cortes oscura, sin brillo alguno, casi irreconocible, probablemente debido a los efectos que le aplicó, sobre todo el Wah. Escúchala en Let it Rain, una canción escrita por Clapton y Delaney Bramlett y publicada en su primer disco en solitario. Compara las dos versiones y te que quedarás asombrado.

Brownie no duró mucho tiempo activa. Clapton prefería a Blackie y por ello, el 24 de junio de 1999, fue subastada a través de Christie's en Nueva York para recaudar fondos para su centro de tratamiento de alcoholismo y drogadicción, el Crossroads Centre. Se vendió por 497.500 dólares. Brownie puede verse ahora en el Experience Music Project de Seattle, Washington.

Old Black

Es la guitarra por excelencia de Neil Young, quien no necesita presentación. Neil es probablemente el único músico de rock que continúa componiendo nuevas canciones, grabando discos y saliendo de gira desde los años 60, sin descanso. Raro es el año que no publica un nuevo disco, con diferentes formaciones e incluso estilos, pasando del folk, al rock, del grunge a lo que ahora se ha dado por denominar “americana” y en todos los estilos es brillante y controvertido.

Old Black es una Gibson Les Paul Goldtop de 1953, que fue pintada de color negro antes de que perteneciese a Young. Este la obtuvo por un intercambio de guitarras que hizo en 1968 con el que era entonces su compañero en Buffalo Springfield, Jim Messina (bajo y voz), quien recibió a cambio una Gretsch 6120. Desde entonces, ha estado presente en prácticamente todos sus discos y en todos sus conciertos. Aunque en ocasiones se le puede ver con otras guitarras, Old Black es SU guitarra.

El color no es el único cambio que ha tenido el instrumento. Así, El vibrato Bigsby B-3, posteriormente reemplazado por un B-7 y también se le cambió el puente. Ahora tiene un Tune-o-Matic (ABR-1) que está instalado sobre el puente original de los años 50. El clavijero que era originalmente Grover C‑102, fue reemplazado por Schaller M‑6. La pastilla del mástil es una P‑90 original con tapa de aluminio, mientras que la del puente ha pasado por varias etapas: primero fue una DeArmond M5‑A (o Dynasonic), luego una Gretsch Filter‑Tron; y finalmente desde 1973 fue reemplazada por una mini‑humbucker de Gibson Firebird. Como ves, Old Black es un verdadero Frankenstein, pero así es cómo ha conseguido ese sonido único.

Aquí tienes una de las muchas canciones de Neil Young que me encanta: Powderfinger, tocada con su Old Black en directo, de su álbum Weld. Escucha los dos solos que son verdaderamente fascinantes. El primero empieza en el minuto 1:57 y el segundo en el minuto 3:48. No te los pierdas.

Old Black sigue en activo. Tiene “múltiples heridas de guerra” como mi amigo y magnífico guitarrista Daniel Alcaraz llama a las marcas, rasguños, escoriaciones, etcétera, que se producen inevitablemente en los instrumentos por su uso. Como no podía ser de otra manera, la casa Lollar, famosa por sus pastillas, puso a la venta un par de pastillas Neil Young´s Old Black. Por su parte, Gibson Custom Shop no ha fabricado una copia autorizada y firmada de esta guitarra, aunque varias tiendas de instrumentos musicales, como Max Guitar presentan copias, la verdad, muy bien hechas y a un precio…

The Fool

Otra guitarra de Eric Clapton, The Fool, es una Gibson SG Standard de 1964 que Clapton entregó a principios de 1967 (con la finalidad de que la personalizaran) a The Fool, un grupo de artistas holandeses entre los que estaban Marijke Koger y Simon Posthuma. Ellos pintaron la guitarra dándole un acabado psicodélico y en la gira norteamericana de Cream, la guitarra fue utilizada por primera vez el 25 de marzo de 1967. Con ella, Clapton obtenía su famoso Woman Tone (tono de mujer) lo que lograba seleccionando la pastilla del mástil, bajando el control de tono de la guitarra casi al mínimo, poniendo el volumen de la guitarra normalmente al máximo y utilizando un amplificador Marshall Bluesbreaker combo a un volumen muy alto, para de esta manera obtener una saturación importante. En esta entrevista explicaba con detalle cómo obtiene este sonido a partir del minuto 1:57.

Entre las canciones famosas de Clapton con Cream, tocadas con The Fool destacaría Sunshine of your Love, en la que puedes escuchar el solo con este característico sonido a partir del minuto 2:04. Por cierto, esta es la única canción de Cream en la que figuran como compositores Clapton y Jack Bruce, junto con Pete Brown como letrista. La leyenda sobre la canción es que llevaban toda la noche ensayando y buscando la inspiración y Clapton le dijo a Jack Bruce que lo dejaran porque “ya casi estaba amaneciendo” (“It´s getting near dawn”). A partir de esa frase, la canción salió sola. Clapton compuso el puente que empieza en el minuto 0:54 y se alternan cantando cada uno una frase.

The Fool ha sido muy modificada. Así, el cordal original de tipo trapeze fue sustituido por un stop-tailpiece fijo. Las clavijas Kluson originales fueron sustituidas por unas Grover y algunos controles de volumen y tono fueron cambiados. Por último se repintó parte del acabado en el mástil. Otra Frankestein.

La guitarra pasó a George Harrison a principios de los años 70 quien se la vendió a Jackie Lomax y este a Todd Rundgren quien le cambió el nombre a Sunny, utilizándola ampliamente durante varios años. Finalmente, en el año 2000, Todd la subastó, pagándose por ella 150.000 dólares de los cuales Rundgren donó el 10% a la Crossroads Centrer de Clapton. Poco después volvió a venderse por 500.000 dólares y por último el 17 de noviembre de 2023 volvió a subastarse siendo el comprador Jim Irsay, quien pagaría 1,27 millones de dólares, más de lo que en su momento se pagó por Blackie. Es la cifra récord para una guitarra de Clapton en subasta, hasta el momento…

Es curiosa la colección de Jim Irsay. Puedes echar un vistazo a su página web y te asombrarás de la cantidad de guitarras que posee que pertenecieron a famosos: Bob Dylan, Jerry García, David Gilmour… algo impresionante. Por ello la revista Guitar Magazine la nombró “la mayor colección de guitarras de La Tierra”.

Lucille

La famosa guitarra de B.B. King, uno de los tres reyes del blues, junto con Albert y Freddie King. También Gibson, esta guitarra se basaba en la 335, que es una guitarra semihueca, coloquialmente denominada “de caja”, pero con la particularidad de que no tiene los llamados “agujeros en F”. Por lo tanto, se trata de una guitarra sólida, no de una semihueca. 

Aunque se habla de Lucille como una única guitarra, lo cierto es que a lo largo de su dilatada carrera musical, BB King llamaba Lucille a todas sus guitarras. Sin embargo, con el paso del tiempo y al decantarse por el modelo 335 sólido, se ha asociado dicho nombre a esa guitarra concreta. En sus primeras grabaciones en los años 50, para la compañía discográfica RPM Records, BB tocaba con una Telecaster.

La razón de llamarla Lucille proviene de una historia que el mismo King ha contado una y otra vez y que sucedió en enero de 1949, cuando el músico, tocaba en un salón de baile en Arkansas. El salón se calentaba con un barril medio lleno de queroseno, colocado en medio de la pista de baile, una práctica bastante común en aquella época. Durante su actuación, dos hombres comenzaron a pelear, volcaron el barril y el salón se incendió y fue evacuado. Una vez fuera, King se dio cuenta de que había dejado su guitarra dentro por lo que volvió a entrar, en medio de las llamas, para recuperar su querida guitarra Gibson que le había costado nada menos que 30 dólares de entonces que equivaldrían a 403 dólares de hoy. Al día siguiente, King se enteró de que los dos hombres que habían provocado el incendio se habían peleado por una mujer llamada Lucille que trabajaba en el salón. Aunque King no la conocía, le puso este nombre tanto a esa guitarra, como a todas las que tuvo después, para recordar dos cosas que no debería hacer nunca más: entrar en un edificio en llamas o pelearse por una mujer.

Aunque ha habido varias Lucille, casi siempre Gibson modelos como la ES-330, ES-335 o ES-3, en 1980 Gibson Custom Shop puso a la venta el modelo oficial B.B. King Lucille, basado en la ES-355, con los siguientes detalles: mástil de arce sin agujeros-F (fholes), por lo que se trataba de una guitarra sólida, selector Varitone para modificar el tono y puente Tune-O-Matic. 

Gibson también produjo varias versiones y ediciones especiales como la Little Lucille (1999–2004), tipo Blueshawk con pastillas P-90, cuerpo más pequeño y algunos f-holes, la serie Gem, en 2010, con varios colores llamativos como esmeralda, amatista, rubí, diamante y zafiro, en lugar del color negro tradicional en las Lucille, con ediciones limitadas de 25 unidades cada una.

En 2005 Gibson fabricó la Lucille 80 aniversario de la que se pusieron a la venta solo 80 unidades. El prototipo fue un regalo de cumpleaños y la misma fue su guitarra principal hasta el verano de 2009 en que fue robada, apareciendo posteriormente en una casa de empeños en Las Vegas, donde BB King la desempeñó.

Como curiosidad te comentaré que una Lucille fue subastada por BB King en julio de 1993 tras un concierto benéfico en Santiago de Compostela. Fue comprada por un gallego, de La Coruña, por 400.000 pesetas.

Aquí puedes verla y escucharla en un concierto en Montreux hace unos años en el que, como hacía habitualmente, compartió el escenario con otros músicos, entre ellos el tristemente desaparecido Jeff Healey, un guitarrista canadiense invidente, que tocaba con la guitarra apoyada sobre sus piernas, lo que le permitía utilizar los cinco dedos, incluyendo el pulgar. Ello, le otorgaba un sonido muy particular, único.

Otras

Hay muchas otras guitarras con nombre propio y con una historia que contar. Por sólo nombrar a algunas, la Red Special. de Brian May, fabricada por él mismo con la ayuda de su padre; la Fender Stratocaster negra, de Dave Gilmour, llamada 0001; la The Beast, de Bernie Marsden; Lucy, de George Harrison, la Prince Cloud, del artista llamado Prince… y muchas otras, pero el espacio es limitado. Quizá en otro momento hagamos una segunda parte.

Oasis y Black Sabbath vuelven a reunirse después de años sin conciertos ni contacto con su público. Lo hacen por diferentes motivos, algunos sin aclarar del todo. Los hermanos Gallagher acaban de iniciar una gira de 41 conciertos, y Black Sabbath ha decidido hacer una actuación de despedida este 5 de julio por la marcha definitiva (parece que ahora sí) de Ozzy Osbourne, que será transmitida en línea para todo el mundo.

Los integrantes de Black Sabbath son considerados los “padres del heavy metal”. Se creó en Birmingham en 1968 con el guitarrista Tony Iommi, el batería Bill Ward, el bajista Geezer Butler y el vocalista Ozzy Osbourne. Inicialmente se llamaron Polka Tulk Blues Band, y después Earth, hasta que adoptaron el nombre de Black Sabbath, en 1969. El nombre lo tomaron de una película de Boris Karloff. La música de Black Sabbath se caracterizaba por la existencia de unos riffs repetitivos, con guitarras afinadas en tonos graves, ritmos lentos e hipnóticos y una voz dramática (Ozzy). La letra de algunas canciones versaba sobre temas oscuros, como la guerra (War Pigs), las apariciones demoniacas (Black Sabbath ó N.I.B.), las enfermedades mentales (Paranoid), el diablo (Lord of this World), la muerte (Electric Funeral), el suicidio (Killing Yourself to Live)...

Geezer Butler, bajista y principal letrista, tenía interés en el ocultismo y la filosofía, lo que influyó en las letras. Incluso llegó a contar anécdotas de haber experimentado fenómenos extraños tras leer libros esotéricos como la presencia de una sombra a los pies de su cama. Finalmente, en su música era frecuente la utilización de los llamados tritonos que son llamados por algunos músicos como el intervalo del diablo. Es en los tres primeros álbumes, Black Sabbath, Paranoid (ambos de 1970) y Master of Reality (1971) donde más inciden en esta temática.

Ozzy Osbourne fue despedido en 1979 y desde entonces, el grupo experimentó un buen número de cambios, no solo en el cantante, sino también en el bajista y el batería. Hasta un total de 33 músicos han formado parte en algún momento de Black Sabbath, sin contar los que les acompañaban en las giras o participaban en la grabación de un disco de manera esporádica en alguna canción. El único miembro de la formación original que ha estado presente en todas las formaciones, giras y grabaciones de Black Sabbath ha sido el guitarrista, Tommy Iommi.

Así, han pasado cantantes como Ronnie James Dio (Rainbow), Ian Gillian (Deep Purple), Glenn Hughes (Deep Purple, Black Country Communion), Tony Martín; baterías como Vinnie Appice, Eric Singer, Cozy Powell o Bobby Rondinelli y bajistas como Neil Murray, Bob Daisley, el mismo Glenn Hughes o Dave Splitz. También han colaborado en la grabación de sus discos y participado en las giras, músicos contratados, que no constaban como miembros del grupo, como los teclistas Rick Wakeman, su hijo Adam y Don Airey (Deep Purple). Incluso Brian May colaboró en la grabación de algún disco. A destacar la estrecha relación entre miembros de Deep Purple y Black Sabbath, pues Ian Gillian, Don Airey y Glenn Hughes fueron miembros de ambas bandas.

Las idas y venidas de Butler, Ward y Ozzy han sido constantes. Así, en 1997 se reunieron de nuevo y sacaron un nuevo álbum llamado así: Reunion. Hicieron alguna que otra gira hasta 2006 en que Iommi reunió a Butler, Dio y Appice y con el nombre de Heaven & Hell y grabaron un nuevo disco de estudio, The Devil You Know (2009). En 2010, tras fallecer Ronnie James Dio, volvieron a separarse.

En 2011 se reunieron los cuatro miembros originales y comenzaron a grabar un nuevo álbum, llamado 13. Bill Ward se marchó antes de completarlo y no estuvo en la gira que siguió para su presentación que en teoría iba a ser la despedida del grupo.

Black Sabbath fue considerado por MTV como la “mejor banda de metal de todos los tiempos” y ocupó el segundo lugar en la lista de VH1 de los “100 mejores artistas de hard rock”. La revista Rolling Stone los clasificó en el puesto 85 de su lista de los “100 mejores artistas de todos los tiempos”. El reconocimiento a su música ha sido unánime. En Spotify, Paranoid tiene casi 1.400 millones de reproducciones (y eso es en la actualidad, un tema que se publicó en 1970).

Como curiosidad te comento que Toni Iommi, el único miembro constante en todas las formaciones de Black Sabbath, abandonó el grupo en diciembre de 1968, cuando todavía eran Earth, para irse a Jethro Tull. No le gustó la orientación musical que Ian Anderson le daba a la banda por lo que se marchó ese mismo mes. Eso no le impidió aparecer con ellos en la película de los Rolling Stones Rock and Roll Circus.

Curiosamente, Iommi toca con una Fender Stratocaster, cuando toda la vida ha tocado con una Gibson SG. Tanto es así que Gibson desarrolló con Iommi una guitarra custom con su nombre siguiendo las indicaciones del guitarrista. Si te animas, la edición de 2020 tiene un precio de solo 20.000 euros. Pese a mis ruegos, la dirección del periódico no tiene previsto regalármela.

Iommi volvió a Black Sabbath y en Jethro Tull ingresó como guitarrista Martín Barre. Ambos grupos salieron ganando en mi opinión. ¿Iommi y Anderson juntos? Ya conoces aquello de que en un gallinero solo cabe un gallo.

Otra curiosidad, en el tema Sweet Leaf del disco Master of Reality la canción empieza con un golpe de tos, de Iommi, que se le produjo mientras fumaba un porro de marihuana. Les gustó la toma y así la dejaron.

No ha sido este concierto de este 5 de julio, titulado The End, la única vez que Black Sabbath se junta. Ya lo hizo en 2011 antes de la espantada de Bill Ward. Ha decidido hacer su último concierto en su ciudad natal Birmingham.

Es muy difícil que un grupo de rock mantenga una formación estable durante mucho tiempo. Los cambios son frecuentes. La mayor parte de las ocasiones por diferencias, unas veces musicales, otras personales. Otras posibles causas son la aparición de una enfermedad en familiares directos o en los propios músicos y por último el fallecimiento de alguno de ellos.

Entre los grupos que han mantenido una formación estable desde su comienzo se me ocurren muy pocos. Uno de ellos es U2, cuyos componentes Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. siguen estando juntos desde su formación en el año 1976. Otros son Radiohead, y podríamos añadir a Blur, que aunque sus miembros han estado separados durante varios años, han anunciado que vuelven de gira este año, con los mismos componentes originales.

Hay otros grupos que han sufrido cambios. Unas veces para mejor, otras no tanto. Te comento en el episodio de hoy algunas bandas, que aún habiéndose separado sus componentes originales, están todos vivos y por lo tanto podrían volver a juntarse si quisieran. También incluyo a otros grupos cuya formación, la que te comento, puede que no sea la original, pero que fue la más conocida y famosa.

The Guess Who

Grupo canadiense formado a finales de los años 60, en Winnipeg, Manitoba en el año 1965. Previamente se llamaron Chad Allan and the Reflections, hasta que se añadió al grupo a Burton Cummings. Su gran primer éxito mundial fue el famoso American Woman publicado en 1970 que alcanzó el número uno en las listas de Canadá y el número nueve en las estadounidenses.

La formación de gala, la del disco American Woman, estaba formada por Randy Bachman (guitarra y voz), Burton Cummings (teclados y voz), Garry Peterson (batería y voz) y Jim Kale (bajo y voz). A este primer éxito le siguieron otros como No Sugar Tonight, del mismo disco, These Eyes, “Share the Land ”y “No Time” (una de mis canciones favoritas de este grupo).

No tardaron mucho en comenzar los cambios. Ese mismo año, en 1970, Randy Bachman dejó el grupo para formar Bachman-Turner Overdrive en 1973, con sus hermanos Robbie y Tim Bachman y un amigo, el bajista Fred Turner, con la que llegó a tener un cierto éxito y que permaneció en activo hasta comienzos de este siglo, grabando algunos discos. Sin embargo, no llegó a alcanzar el nivel de éxito que tuvo con The Guess Who. Es posible que recuerdes esta canción que en nuestro país sonaba en las emisoras de radio en el año 1974, que alcanzó el número uno en la lista Billboard y el número dos en el Reino Unido.

En 1975 se produjo la “ruptura oficial” del grupo. Burton Cummings desarrolló una carrera en solitario publicando un total de 13 discos (incluyendo un “lo mejor de”), el último en 2024, llamado A Few Moments, que tuvieron cierto éxito, sobre todo en Canadá. Peterson y Kale continuaron con el nombre de la banda, de la que fueron entrando y saliendo varios músicos.

En 1978, Jim Kale formó una banda a la que llamó con el mismo nombre The Guess Who en la que no constaba ninguno de los miembros originales con la que estuvo de gira, tanto en los Estados Unidos como en Canadá. Kale descubrió que el nombre de la banda no estaba registrado y procedió a hacerlo, conjuntamente con el batería Garry Peterson, quien no formó parte de la alineación de los nuevos Guess Who, salvo en ocasionales apariciones en conciertos. Kale siguió contratando músicos para las giras, los cuales no tenían ninguna conexión histórica con la banda. Bachman y Cummings denostaban a este grupo al que llamaron The Fake Guess Who (los falsos Guess Who) o Kale’s Klones (Los clones de Kale). Bachman y Cummings demandaron a Kale y a la banda exigiendo que no tocaran los temas escritos por ellos. En abril de 2024, los tribunales fallaron a su favor y la gira de los Nuevos Guess Who fue inmediatamente cancelada, pues prácticamente todos los temas famosos del grupo habían sido escritos o co-escritos por Bachman y Cummings. Como continuación de la demanda, en septiembre de 2024, Bachman y Cummings anunciaron que habían recuperado el nombre de The Guess Who.

Como curiosidad, en 1998, Lenny Kravitz hizo una versión de American Woman para la banda sonora de la película Austin Powers 2, que tuvo bastante éxito.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. La formación clásica, con Bachman y Cummings, Peterson y Kale se reunió en 1999 para actuar en la ceremonia de clausura de los Juegos Panamericanos en el estadio de Winnipeg, sin Kale, con otros dos músicos, los tres originales estuvieron de gira desde 2000 hasta 2003 y el 30 de julio de 2003 dieron un concierto en el Moison Canadiam Rocks for Toronto Benefit Concert que reunió a una audiencia de 450.000 personas la más grande jamás registrada en Canadá.

Sin embargo, no lo creo. Bachman y Cummings que son las almas del grupo, tienen un nombre propio que atrae por sí mismo. Y quizá estén dolidos con el listillo de Kale ante quien se enfrentaron en los tribunales.

Grand Funk Railroad

Mítico grupo americano, original de Detroit, alrededor del cual se unieron en el año 1969 Terry Knight en un principio, quien posteriormente pasó a dedicarse a labores de manager. Convertidos en un trío, formado por Mark Farner, guitarra, teclados y voz; Don Brewer, batería, y Mel Schacher, bajo. Farner era el compositor de la mayor parte de los temas. Su primer album Closer to Home fue certificado como multiplatino en número de ventas. En 1971, llenaron el Shea Stadium (famoso por el concierto que allí dieron los Beatles) vendiendo todo el aforo en 72 horas.

En 1972 añadieron a la formación al teclista Craig Frost, después de haber intentado, sin éxito, fichar a Peter Frampton. También incluyeron a Todd Rundgren como productor. Ese mismo año tuvieron un “doloroso divorcio” con Terry Knight, quien se quedó con los derechos de los álbumes grabados por el grupo hasta 1972, conservando los miembros el nombre, que posteriormente se acortó a Grand Funk.

Publicaron varios discos y tuvieron un enorme éxito con la canción We’re an American Band, escrita y cantada por su batería Don Brewer en 1973 que alcanzó el número uno en las lista Billboard y que fue incluida en la lista de la cadena de televisión americana VH1 entre las 100 canciones más grandes del Rock duro (100 Greatest Hard Rock Songs). Las tensiones generadas en el grupo sobre la orientación musical a seguir generó su primera ruptura en 1976.

Se reunieron en 1981, sin Schacter ni Frost, grabando dos discos, uno de ellos en directo Grand Funk Lives (1981) y haciendo varias giras. En 1983 volvieron a separarse para reunirse de nuevo en 1995 y estuvieron de gira hasta 1998. En este intervalo grabaron una joya de disco, Bosnia. Doble CD grabado en directo con una orquesta sinfónica y con Peter Frampton, quien esta vez sí pudo unirse a ellos. Aquí tienes un tema de ese concierto.

De nuevo se separaron y, desde entonces, Mark Farner se ha dedicado a la llamada “música cristiana” . Los intentos de continuar juntos se estrellaron con la pretensión de Farner de que se le pagase el 50% de las ganancias, “por su mayor dedicación en la composición y una mayor dedicación sobre el escenario”, pretensión que fue rechazada por los otros dos miembros que querían dividir en tres partes iguales. Farner decidió continuar en solitario y creó un grupo llamado Mark Farner´s American Band, nombre que fue inmediatamente denunciado por Brewer and Schacher. En el cruce de demandas que se realizaron en los años siguientes, una de ellas la recibió Farner dos días después del fallecimiento de su hijo Jessie, lo cual le afectó muchísimo.

Brewer y Schacher continuaron con el nombre de Grand Funk incluyendo como guitarrista a Bruce Kulick, el que fue guitarrista de Kiss, y el teclista Tim Cashion, que había formado parte de las bandas de Bob Seger y Robert Palmer. En enero de 2024, Kullick se marchó del grupo siendo sustituido por Mark Chatfield que formó parte de la Silver Bullet Band de Bob Seger.

Como curiosidad te comento que en un momento de rebote, el bajista Mel Schacher dejó la banda en 2018 y fue sustituido durante un corto período de tiempo por Stanley Sheldon, que fue miembro de la banda de Peter Frampton. De nuevo conexiones múltiples.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. En la práctica creo que no, a menos que Farner rebaje sus condiciones. Por otra parte, ha habido muchas demandas de por medio. Por si fuera poco, Farner acaba de publicar un disco en solitario llamado Closer to my Home (2024), recordando uno de sus temas más emblemáticos: I'm your Captain (Closer to Home). En el disco hace una versión de este tema donde puedes comprobar que conserva la misma voz que hace 50 años. Grand Funk no ha grabado material nuevo desde hace más de medio siglo. Sacan recopilaciones, hacen nuevas mezclas de discos antiguos y viejos conciertos en directo. Cada uno está de gira por su cuenta. Así que me aventuro a pronosticar que no volverán a tocar juntos, aunque… ¿quién sabe? Cosas más difíciles se han visto. Ya viste lo que dijo Don Henley cuando los Eagles se separaron por primera vez: “Nos reuniremos cuando el infierno se congele”. Y 14 años después, en 1994 se reunieron y sacaron su disco llamado Hell Freezes Over (El infierno se congela). ¡Ay, Señor!

Dire Straits

Este grupo tuvo un enorme éxito en los años 80 y 90. Fue fundado en 1977 por Mark Knopfler, su líder, compositor de prácticamente todas las canciones, guitarrista y voz y en su primera formación, que incluía a su hermano David (guitarra), John Illsey (bajo) y Pick Whiters (batería). Su disco de debut, homónimo, fue publicado en 1978 y en el mismo se incluía Sultan of Swing que es probablemente la canción más conocida de la banda y que en Spotify a día de hoy tiene casi 1.500 millones de reproducciones. Escrita por Mark Knopfler, su inspiración le vino escuchando a un grupo modesto de jazz a los que escuchó en un pub en Londres. Le llamó la atención el nombre tan “pomposo”: “los sultanes del swing” para un grupo verdaderamente desconocido. La letra empieza así:

You get a shiver in the dark

It's raining in the park but meantime

South of the river you stop and you hold everything

A band is blowing Dixie, double four time

You feel alright when you hear the music rings

Traducido sería:

Sientes un escalofrío en la oscuridad.

Llueve en el parque, pero mientras tanto,

al sur del río te detienes y lo detienes todo.

Una banda toca Dixie, doble compás de cuatro tiempos.

Te sientes bien cuando oyes sonar la música.

Al principio no tuvieron mucho éxito pero el disco tampoco pasó desapercibido. Su segundo álbum, Communiqué, en 1979, ya fue un éxito, alcanzando el número uno en las listas de álbumes de Alemania, España, Nueva Zelanda y Suecia; el número 11 en Estados Unidos y el número cinco en Reino Unido. Communiqué fue posteriormente certificado como disco de oro en Estados Unidos, disco de platino en Reino Unido y doble disco de platino en Francia. En este disco se incluye una canción, que sin ser la más conocida, es mi preferida del álbum: Where do you think your going?

Mientras grababan su tercer disco, Making Movies, comenzaron los cambios. David Knopfler se marcha tras una discusión con su hermano para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituido por Hal Lindes, e incorporándose como teclado Allan Clark. Continúan los cambios y Terry Williams sustituye a Pick Whiters en la batería y Guy Flechter, (un colaborador habitual de Mark Knopfler en sus discos en solitario), en los teclados.

Con muchos músicos invitados en sus siguientes álbumes, Dire Straits publica tres discos de estudio más: Love Over Gold, Brothers in Arms y On Every Street, éste último en 1991 y que constituye su despedida ya que desde entonces no han vuelto a tocar juntos. Oficialmente se separaron en 1995. En su conjunto, Dire Straits ha publicado seis álbumes de estudio, cinco álbumes en directo, tres álbumes recopilatorios, cuatro EP, 31 sencillos y 15 vídeos musicales y han vendido unos 120 millones de discos.

Mark Knopfler comenzó a desarrollar su carrera en solitario ya antes de romper con Dire Straits, publicando en el año 1983 la banda sonora de la película Local Hero, que no se por qué en España en vez de llamarla Un héroe local la bautizaron como Un tipo genial. Después de 1995, Knopfler ha tenido una dilatada y exitosa carrera en solitario, con diez discos, la banda sonora de al menos nueve películas, además de colaborar con Chet Atkins y Emmilou Harris y de formar parte de una banda llamada The Notting Hillbillies con su ya inseparable Guy Fletcher y otros músicos, con canciones tradicionales, blues y alguna composición de Knopfler.

Aquí uno de sus temas, Your Own Sweet Way. Compáralo con cualquiera de Dire Straits o incluso con cualquiera de sus discos con Emmilou Harris o Chet Atkins y podrás comprobar la variedad de estilos musicales que domina Knopfler.

David Knopfler, tres años menor que su hermano Mark, también ha seguido su carrera musical y publicado un total de ¡22 discos! Incluyendo algunas recopilaciones y directos, pero con escaso éxito. Ha estado de gira pasando por España, Bilbao, en 2017.

No me resisto a terminar este apartado sin comentarte algo sobre Telegraph Road, de su disco Love Over Gold, es una maravilla de canción que dura 14 minutos y que es mi canción preferida de Mark Knopfler / Dire Straits. Aquí la tienes en su versión más larga, pues se publicó una corta para que apareciera en la cara B del sencillo Twisting by the Pool en 1983.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. Sin embargo, estoy seguro de que no lo harán, sencillamente porque Dire Straits es Mark Knopfler. Con los primeros músicos o con otros con los que ha tocado a lo largo de su dilatada carrera en solitario, cuando interpreta temas de su época de Dire Straits suena a eso, a Dire Straits. Por otra parte, en su concierto de Milán en 2019, en el minuto 40 verás como se despide de las giras. Te traduzco lo que dice: “Muchas gracias. Un millón de gracias. Son muy muy dulces. Siempre es un placer venir a Milán y decirles ‘hola Milán’. Siempre ha sido un placer, desde que era joven. Hace mucho tiempo. Antes era un muchacho joven. Ahora soy un viejo. Es la vida. Y así como siempre ha sido un placer decir muchas veces ‘hola Milán’, ha llegado el momento de decir ‘arrivederci Milán’. Pero no se preocupen que de alguna manera estaré por ahí, grabando discos y escribiendo”.

Es una despedida en toda regla de las giras. Aunque quién sabe. Igual es como Miguel Ríos y se despide muchas veces…

Aquí tienes el concierto completo. Aún grabado con un móvil, la calidad del sonido es bastante buena. Knopfler es uno de los maestros que con pocas notas transmite en sus solos de guitarra un sentimiento que a mi, particularmente, me fascina. En la canción que le sigue, Bacon Roll, tocada con su guitarra, diseñada para él por Rudy Pensa, con dos pastillas P-90, obtiene ese sonido Knopfler, tan inconfundible como maravilloso.

Creo, sinceramente, que con lo que he escrito se aprecia mi debilidad por este músico. Pronto volveré a referirme a él junto a Peter Green, David Gilmour y Steve Rothery (Marillion) en un capítulo dedicado a los “guitarristas lentos”, aquellos que no destacan por su velocidad tocando notas, sino por todo lo contrario: pocas notas pero con una sensibilidad insuperable.

Wishbone Ash

Es, en mi opinión, uno de los grupos de rock de los años 70 más infravalorados hoy en día. Oriundos de Torquay, un pueblo costero del condado británico de Devon, sus componentes comenzaron a tocar juntos en 1966. Wishbone Ash ha sido famoso por las armonías que creaban sus dos guitarristas, tan bonitas que sus dos guitarristas originales, Andy Powell y Ted Turner fueron reconocidos por la revista Traffic como “dos de los diez guitarristas más importantes de la historia del rock” y el Melody Maker, en 1972 describió a Powell y Turner como “el dúo de guitarristas más interesante desde los días en que Beck y Page formaban parte de The Yardbirds”.

Desde entonces, un gran número de grupos que tienen más de un guitarrista en su formación, han citado a Wishbone Ash entre sus influencias. Por sólo nombrar a algunos tenemos a The Eagles, Metallica y Lynyrd Skynyrd.

El fundador del grupo fue el bajista y cantante Martin Turner, quien se unió al batería Steve Upton en 1963. Estuvieron haciendo pruebas a diferentes guitarristas y en 1966 admitieron a Ted Turner (sin relación familiar con Martin) y Andy Powell. Decidieron incluir a los dos porque “se sentían incapaces de elegir solo a uno”. En 1970 actuaron de teloneros de Deep Purple y su guitarrista, Ritchie Blackmore, recomendó a Wishbone Ash al productor Derek Lawrence. Estuvieron juntos hasta 1974, cuando Ted Turner dejó el grupo “quemado de tanta gira” y fue sustituido por otro gran guitarrista, Laurie Wisefield, trasladándose a Estados Unidos donde grabaron sus siguientes discos y donde estuvieron girando. Antes de su separación Ted Turner grabó con la formación original, un disco doble en directo llamado Live Dates, para mí su mejor disco.

Tanto es así que posteriormente sacaron un Live Dates dos, Live Dates tres y recientemente han vuelto a tocar el Live Dates original, con las mismas canciones y el mismo orden, en directo obviamente, pero con los músicos que forman parte del grupo ahora llamándolo Live Dates Live. En mi opinión, Wishbone Ash, al igual que otros tantos grupos como Cream en su momento, ganan mucho con el directo. Aquí tienes un tema precioso del Live Dates original de 1973, Throw Down the Sword, donde los solos de guitarra de Ted Turner y Andy Powell son preciosos, por su claridad, armonía y diría que hasta dulzura.

Como ha ocurrido con otros tantos grupos, los cambios han sido frecuentes. Después de Laurie Wisefield han pasado por el grupo un buen número de guitarristas (un total de nueve) así como bajistas y baterías. He contado un total de 22 músicos, mientras que de la formación original tan solo queda Andy Powell.

Martin Turner, el bajista y fundador del grupo, comenzó a realizar giras en 2004 con el nombre de Martin Turner's Wishbone Ash, interpretando temas de las formaciones clásicas de la banda. En algunas ocasiones, Ted Turner y Laurie Wisefield tocaron con él como invitados en algún tema. Sin embargo, Andy Powell emprendió acciones legales para proteger la marca registrada Wishbone Ash e impedir que Martin Turner utilizara el nombre elegido para su grupo. El tribunal falló a su favor y se rechazó la solicitud de apelación de Martin Turner. Desde entonces, éste ha realizado giras y grabado con su banda con el nombre Martin Turner ex-Wishbone Ash.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Ya lo hicieron en 1987 cuando la formación original se reunió para grabar un disco instrumental llamado Noveau Calls. Poco duraron juntos porque su batería Steve Upton se retiró del mundo de la música en 1990 trasladándose a Francia donde comenzó a trabajar en una inmobiliaria. Después de haberse enfrentado en los tribunales, Andy Powell y Martin Turner probablemente no tengan muchas ganas de estar juntos. Nunca se sabe, pero mi opinión es que tampoco volverán a reunirse.

Anderson, Bruford, Wakeman y Howe (ABWH)

Como habrás deducido inmediatamente, estamos hablando de una de las versiones de Yes, uno de los grandes grupos más representativos del llamado rock sinfónico.

Yes se formó en el año 1968 con Jon Anderson (voz), Cris Squire (bajo), Bill Bruford (batería), Peter Banks (guitarra) y Tony Kaye (teclados). A lo largo de su vida musical los cambios han sido frecuentes de tal manera que en la formación actual no queda ninguno de los miembros iniciales. Hubo un momento, en el año 1991 en que se habían formado dos bandas paralelas con músicos que habían formado parte de Yes.

Hasta el momento han formado parte de Yes un total de veinte músicos a los que hay que añadir otros 25 que han colaborado en giras o en algunas grabaciones puntuales sobre todo en el álbum Union de 1991.

De la formación inicial de Yes han fallecido Chris Squier, en 2015, y Peter Banks, en 2013. Por lo tanto, de las diferentes formaciones que han tenido cierto éxito y de las que sobreviven todos sus componentes solo tenemos a Anderson, Bruford, Howe y Wakeman a la que nos referiremos aquí. Chris Squier estuvo en todas las demás formaciones, con excepción de la que actualmente está de gira, tras su fallecimiento.

Te confieso que nunca creí posible ver a Yes sin Jon Anderson. Para mí era el alma de este grupo. Pero al igual que ha pasado con Journey y Steve Perry, los demás miembros han buscado una voz muy parecida y seguido adelante. Como es bien conocido en el mundo artístico, The Show Must Go On (el espectáculo debe seguir). Ya lo cantaba Queen.

A lo que vamos, ABWH (Anderson, Bruford, Wakeman y Howe) se formó en 1988, cuando Jon Anderson, cansado de las tensiones internas, especialmente entre Chris Squire y Trevor Rabin, tras la grabación de su álbum Big Generator, dejó el grupo y se fue a la isla de Montserrat a grabar un disco en solitario. En él comenzaron a colaborar otros miembros del grupo, precisamente Bruford, Howe y Wakeman, lo cual alimentó la idea de formar un grupo sin Chris Squier, pero evitando utilizar el nombre Yes para evitar acciones legales. El bajista elegido fue Tony Levin, un gran músico que entre otros ha formado parte de King Crimson y de la banda de acompañamiento de Peter Gabriel.

Grabaron un disco con su mismo nombre que fue un fracaso comercial, pues en todo el mundo vendió solamente medio millón de copias. En los Estados Unidos alcanzó el número 30 en la listas de álbumes. Sin embargo, su sonido era claramente el de Yes. Escucha por ejemplo este Themes para ratificarlo. ¿No te suena a Tales of the Topographic Ocean?

ABWH inició una gira de promoción del álbum grabando un disco y un DVD, que posteriormente se publicó en 1993 con el nombre de An Evening of Yes Music Plus y que puedes encontrar en Spotify.

Los cuatro miembros de Yes que quedaron tras marcharse Jon Anderson, Chris Squiere, Alan White, Trevor Rabin y Tony Kaye (que había vuelto al grupo después de 20 años) comenzaron a escribir material para su siguiente disco. ABWH trabajaba en New York, con el productor Jonathan Elias y Yes estaba grabando en Los Ángeles. En un viaje de Jon Anderson a esta ciudad, contactó con Trevor Rabin quien quiso que Anderson pusiera su voz a sus canciones, mientras que Anderson le mostró algunos temas que estaba trabajando con ABWH. Al final decidieron unir las dos bandas en una sola, bajo el nombre de Yes, que se transformó en un grupo de ocho miembros con dos guitarristas, dos teclados, dos baterías y un bajo, Chris Squier (Tony Levin no formó parte del proyecto) y una voz principal, Jon Anderson. En la práctica, estas dos bandas nunca llegaron a reunirse o a tocar juntas en un estudio. Cada una de ellas grababa su parte de manera totalmente independiente, así Jonathan Elias y ABWH lo hacían en Nueva York y Rabin y compañía en Los Ángeles, con la inclusión posterior de la voz de Jon Anderson por medio de la posproducción en estudio.

El disco resultante Union, publicado en 1991, obtuvo una tibia respuesta, llegando a vender sólo medio millón de copias en todo el mundo (cifras similares a las del disco de ABWH). En él participaron Roger Dean (creador las portadas de los discos tanto de Yes como de ABWH o de Asia) y Eddie Offord como ingeniero. Aquí tienes una canción de muestra: I Would Have Waited Forever.

En mi opinión, con la que quizá no estés de acuerdo, hay dos Yes, el sinfónico de Tales of Topographic Ocean, y el más rockero de 90215, donde se nota la influencia del sudafricano Trevor Rabin. Aquí tienes un ejemplo con dos de sus canciones: primero de Tales of the Topographic Ocean, The Revealing Science of God , un tema de 22 minutos que podríamos haber incluido en el capítulo de canciones largas, y a continuación Owner of a Lonely Heart del disco 90215, con el extraño vídeo oficial promocional que incluye la pausa de la música en el minuto 1:15 y las transformaciones o correlaciones entre animales y los miembros del grupo, cuyo mensaje, si lo había, nunca entendí y sigo sin entender.

Sigamos. Después de Union, Jon Anderson continuó en el grupo que de nuevo experimentó nuevos cambios, marchándose Wakeman, y grabando Talk en 1994, la que fue la primera colaboración en estudio de Anderson y Rabin. El disco fue un fracaso comercial y motivó la salida de Yes, sin retorno, de Trevor Rabin.

Diversas formaciones continuaron a lo largo de los 90 reuniéndose en 1996 la alineación quizá clásica constituida por Anderson, Wakeman, Squire, Howe y Alan White, con Wakeman entrando y saliendo, siendo sustituido por Billy Sherwood.

En 2008 se produce un hecho para mi fundamental en la historia musical de Yes y fue que, al estar Jon Anderson gravemente enfermo de una insuficiencia respiratoria que casi le produce la muerte, los restantes miembros de la banda deciden seguir las giras contratadas sin él, sustituyéndolo por un clon de su voz, un cantante llamado Benoit David, quien formaba parte de un grupo de tributo de Yes llamado Close to the Edge. A Anderson esto le afectó mucho y públicamente comentó que se sintió traicionado. Se marcha otra vez Rick Wakeman, entra Geoff Downes de Asia, entra el hijo de Wakeman, Oliver, sale Benoit David y se contrata a Jon Davison, fallece Chris Squier… En fin, todo un folletín.

En 2017, Yes entró en el Rock and Roll Hall of Fame. En el acto de celebración estuvieron Alan White, Steve Howe, Jon Anderson, Bill Bruford, Tony Kaye, Rick Wakeman y Trevor Rabin. Quedaron sin premiar Peter Banks, Patrick Moraz, Trevor Horn, Geoff Downes y los músicos que entraron en Yes después de Rabin. De los premiados faltaron a la gala Kaye (por motivos de salud) y el fallecido Squire. Como curiosidad, en las mesas se sentaron, por una parte, los integrantes de ABWH, y en la otra los restantes miembros de Yes, sin dirigirse la palabra entre ellos. Interpretaron dos temas, uno de su época sinfónica, Roundabout y otra de la rockera, Owner of a Lonely Heart, ¡cómo no!, su tema más reproducido en Spotify. En esa ocasión, al haber fallecido Squire, Geddy Lee de Rush tocó el bajo. Bill Bruford, aunque asistió al acto, ni habló ni tocó la batería porque ya estaba retirado de la música. La formación “sinfónica” comienza a tocar, después de los discursos, en el minuto 11:30, y la rockera en el minuto 20:11, por si no deseas ver o escuchar toda la ceremonia.

También en 2017, Jon Anderson se unió a Trevor Rabin y a Rick Wakeman con el nombre ARW, e hicieron una gira mundial obviamente tocando temas de Yes y del disco ABWH. Posteriormente se separaron definitivamente.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos pero solo la formación ABWH, dado que Chris Squier ha fallecido, añadiendo a Tony Levin al bajo. ¿Lo harán? Con toda seguridad que no. Howe es incompatible con Rabin y con Anderson. Bill Bruford está retirado. Lo más parecido fue la reunión de ARW en 2017. Por lo tanto, disfrutemos de los más de 50 discos que nos han legado, juntos, con otros artistas o en solitario.

Supertramp

Una de las bandas que ha tenido más números uno en las listas y ha vendido más discos en el mundo del rock. Británicos, formados en Londres en 1970, la formación original estaba formada por Rick Davies (teclados y voz), Roger Hodgson (bajo y voz), Richard Palmer (guitarra y voz) y Keith Baker (batería). Las fuerzas vivas del grupo eran Richard Davies y Roger Hodgson, con estilos musicales y personales radicalmente distintos. A Davies le gustaba el jazz y el blues, mientras que a Hodgson le gustaba un rock más melódico, lo que luego se ha dado por llamar soft-rock. Ellos dos comenzaron a escribir las canciones conjuntamente, dedicándose Palmer a las letras.

Publicaron dos álbumes, el primero en 1970, homónimo y el segundo Indelibly Stampted en 1971, que pasaron sin pena ni gloria. Durante esta época se sucedieron los cambios y entraron y salieron de la formación diferentes músicos: Robert Millar, Dave Winthrop, David O´List, Dickie Thomas, Kevin Currie, Frank Farrell, Nick South, hasta que en 1973 el grupo se estabiliza con la entrada de John Anthony Helliwell (saxo, clarinete), Dougie Thomson, en el bajo, y Bob Sienberger, en la batería. Para entonces, Roger Hodgson había dejado el bajo, pasando a la guitarra y a los teclados en algunos temas. Hodgson y Davies seguían componiendo, pero cada uno por su lado aunque seguían firmando todas las canciones como Davies/Hodgson.

Su tercer disco, Crime of the Century, publicado en 1974 fue un inesperado éxito comercial tanto en el Reino Unido, como en Alemania, Francia, Australia y Canadá vendiendo en este último país más de un millón de copias y siendo certificado como platino. La revista Rolling Stone lo incluyó entre los 50 álbumes más grandes del rock progresivo de todos los tiempos.

Aquí tienes una de las canciones de este disco, escrita por Roger Hodgson. Quizá no sea tan famosa como School ó Dreamer, pero es mi preferida de este álbum: una joya oculta que raramente han tocado en directo, ni Supertramp primero ni Roger Hodgson después en solitario.

Varios miembros del grupo han comentado en algún momento que Crime of the Century muestra el mejor momento del grupo, en cuanto a comunicación y relación entre ellos. Su batería, Bob Sienberger, comentó que “con este habíamos alcanzado nuestro pico artístico”. Por mi parte, es mi preferido de todos los de Supertramp e incluso de Roger Hodgson en solitario. Tuvo un reconocimiento generalizado de la crítica, que fue incrementándose a medida que pasaba el tiempo. Por ello, se incluyó en el libro de 2005 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir y en 2015 fue elegido como el 27º mejor álbum de rock progresivo por la revista Rolling Stone. Por mi parte, cada vez que escucho este disco viene a mi recuerdo las largas noches de estudio en 1975, durante toda la noche, con Pipo Hidalgo, preparando los exámenes finales de primero de carrera. Estábamos los dos enganchados al disco.

Después de un éxito tan grande, el siguiente disco era un reto, por las expectativas creadas. En 1975 publicaron su cuarto trabajo, Crisis, What Crisis? sobre el que existe diversidad de opiniones. Miembros del grupo comentaron que fue un disco publicado bajo las presiones de la compañía discográfica, incluyendo canciones que habían sido descartadas del álbum anterior. Sin embargo, las ventas fueron un éxito y el disco se situó bastante bien en las listas americanas y británicas sin alcanzar el número uno. Roger Hodgson, en una entrevista en 2015, comentó que era su álbum favorito. En abril de 1977 publicaron su quinto disco, Even in the Quietest Moment que conocíamos en nuestro entorno como “el disco del piano en la nieve”. Una joya de álbum con canciones como Give a Little Bit, escrita por Roger Hodgson y que cuenta con más de 500 millones de reproducciones en Spotify a día de hoy. Pero en este disco hay otras canciones, como Fool’s Overture, que es una auténtica maravilla. Cuando Hodgson la tocó la última vez que estuvo en Gran Canaria comentó que le había llevado diez años componerla. Aquí tienes una versión de esta canción tocada y cantada por Roger Hodgson con una orquesta.

Supertramp siguió componiendo y publicando discos así como realizando giras por todo el mundo. Los siguientes álbumes Breakfast in America y Famous Last Words confirmaron que las canciones de Hodgson eran mucho más populares, más solicitadas y que alcanzaban lugares más altos en las listas de éxitos que las de Davies. Así, de estos discos cabe destacar The Logical Song, una canción con una letra muy profunda que se utiliza a menudo en entornos educativos, especialmente para debates sobre el crecimiento personal, las expectativas sociales y el impacto de la educación. La letra de la canción, que me parece de las mejores que he oído nunca, detalla un viaje desde la inocencia infantil hasta las complejidades de la edad adulta y el cuestionamiento de las normas sociales, unos elementos muy válidos para organizar debates entre los alumnos. Aquí tienes la letra traducida al español.

En el siguiente disco, Famous Last Word brilla sobre todas las demás It´s raining again también de Hodgson, con la que cerró el concierto en Gran Canaria. El single, que para compensar se publicó con una canción de Davies My Kind of Lady, alcanzó el número cinco en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

La distancia entre Hodgson y Davies era cada vez mayor, la orientación musical de Supertramp la marcaba Roger Hodgson y las fricciones entre ambos músicos desencadenaron la salida del grupo de Hodgson en 1983. Al respecto declaró: “Hodgson ha declarado que su marcha estuvo motivada por el deseo de pasar más tiempo con su familia y grabar discos en solitario, y que nunca hubo problemas personales o profesionales entre él y Davies, como algunos pensaban”. Muy políticamente correcto.

Supertramp continuó, aunque reemplazar a Hodgson requirió un buen número de músicos. Por sólo nombrar a algunos: Marty Walsh, Carl Verheyen, Brad Cole, Scott Page, Steve Reid, Mark Hart, Cliff Hugo y Lee Thornburg, entre otros. Publicó varios discos: Brother Were Are You Bound, Free as a Bird, Some Things Never Change y Slow Motion que, siendo buenos discos, no tuvieron el éxito esperado, sin alcanzar ningún sencillo puestos tan altos como los que conseguía con las canciones de Hodgson. En sus primeras giras, sus componentes decidieron no tocar temas de Roger Hodgson, pero esto desencadenó las protestas del público que las reclamaba y no les quedó más remedio que incluir algunas de ellas en las siguientes giras. Su última actuación en directo fue en Madrid, en noviembre de 2012 en el Ifema.

Por su parte, Roger Hodgson ha publicado tan solo tres discos en solitario, grabados en el estudio que construyó en su casa de Los Ángeles donde se mudó después de la separación de Supertramp, y uno más en directo, con sus temas de siempre. Sin embargo, en una entrevista al periódico La Opinión de Málaga en 2015 dijo: “Debo de tener entre 60 ó 70 canciones compuestas pero que aún no he grabado”. Y algunas de ellas podrían ser éxitos.

Para no ser menos que los otros grupos de los que hemos comentado en este mismo capítulo, los miembros de Supertramp también pasaron por los tribunales. Aquí tienes con detalle todas las vicisitudes del juicio. Vale la pena que lo leas, porque podrás ver que Hodgson no se fue “amigablemente”, como indicó en su momento. El juicio lo ganó Hodgson. Si quieres una síntesis, te comento que cuando Hodgson se separó de Supertramp en 1983, acordaron que los royalties generados por sus canciones se repartirían con los restantes miembros del grupo. Y así se hizo hasta 2021 cuando Hodgson dejó de pagarles argumentando que después de 38 años ya había pagado bastante, que el acuerdo no era a perpetuidad y que los demás no habían contribuido en nada en la composición de esos temas, ni letra ni música, ni arreglos ni producción. Los restantes miembros de Supertramp (Dougie Thomson, John Anhony Helliwell y Bob Sienberger) presentaron una demanda contra Roger Hodgson. Previamente habían llegado a un acuerdo con Rick Davies. El juicio se celebró en 2024 y el jurado, unánimemente le dio la razón a Hodgson.

Como curiosidad y ya que antes hablamos de Yes, en 1990, Hodgson rechazó una oferta de dicho grupo para unirse a ellos como vocalista principal. Una de las canciones que entonces coescribió con Trevor Rabin, Walls, aparece en el álbum Talk de Yes de 1994, con la letra revisada por Jon Anderson. Otra versión de esta misma canción con solo Hodgson y Rabin a la voz se publicó en el álbum recopilatorio de Rabin 90214, publicado en 2014. Hodgson ha hecho varias giras, cada vez más espaciadas, y ha pasado dos veces por Gran Canaria, una primera en el Auditorio Alfredo Kraus en noviembre de 2007 con el único acompañamiento de Aaron McDonald, que tocaba varios instrumentos de viento (saxo, clarinete, flauta además de los teclados) y el mismo Hodgson con los teclados y la guitarra. La segunda ocasión actuó en las afueras del Estadio de Gran Canaria en julio de 2019 en el contexto de la gira 40 Aniversario de Breakfast in America, pero en esa ocasión trajo a una banda muy compacta. Sonó de maravilla.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Pero no lo creo. Bob Sienberger se ha retirado de la música. Durante mucho tiempo estuvo su hijo en el grupo: Jesse Sienberger. Dougie Thomson también ha dejado de tocar. Trabaja como editor de una revista dedicada a la música: Trinity Publishing. Pero, quizá lo más importante, ¿Hodgson tocando con el resto de la banda que le llevó a juicio? ¿Hodgson y Davies otra vez juntos? ¿Reunirse para qué?, se preguntaría Roger. Él solo llenaría estadios si mañana saliera de gira. Lleva una vida familiar cómoda en Los Ángeles … Definitivamente, creo que no los veremos juntos nunca más.

The Firm. Coverdale-Page

Aunque son dos grupos distintos tienen en común varias cosas y por ello voy a comentarlos juntos. Ambos tienen a Jimmy Page como motor, ambos se crearon en la década de los 80, ambos se basaron en la unión de Page con un vocalista conocido, y por último, ambas bandas tuvieron una duración muy corta.

The Firm fue un grupo británico formado en 1984 por Jimmy Page (anteriormente guitarrista de Led Zeppelin, cuyos miembros se habían separado en 1980 tras la muerte de John Bonham) junto a Paul Rodgers, (previamente miembro de Free y Bad Company) y una de las mejores voces del Rock.

Separados de sus respectivos grupos, se unieron con la intención de explorar nuevas ideas, sin presiones externas, escribiendo nuevo material y tratando también de evitar las influencias de sus grupos anteriores. De hecho, en las giras que realizaron, evitaron tocar temas tanto de Led Zeppelin como de Free o Bad Company.

Completaron el grupo el bajista Tony Franklin, que tocaba un bajo sin trastes (fretless), un músico de sesión muy valorado en el Reino Unido y Chris Slade en la batería, que venía del grupo Manfred Mann y que posteriormente recaló en AC/DC. Inicialmente, ambos músicos pretendían incluir en el grupo como batería a Bill Bruford de Yes (¡que pequeño es el mundo!) Y a Pino Palladino como bajista, pero ambos tenían contratos en vigor con otras compañías discográficas y no pudieron incorporarse al grupo.

Cinco de las nueve canciones de su primer disco The Firm, publicado en 1985, fueron escritas por ambos y tres temas fueron compuestas por Paul Rodgers. Incluyeron también una versión de la canción You’ve Lost that Loving Feeling, que francamente me sorprendió en su momento, pues no me encajaba con el estilo de Jimmy Page.

El disco The Firm (1985) tuvo bastante éxito. Alcanzó el número 17 de la lista Billboard 200 en el Reino Unido y el single Radiactive llegó al número uno. Claramente se nota que no suena ni a Led Zeppelin ni a Free. Quizá por eso es una canción que nunca me ha gustado.

Como curiosidad te comento que en este disco se incluyó una canción llamada Midnight Moonlight, un tema de más de nueve minutos, basado en una composición no publicada de Led Zeppelin que entonces se llamaba Swan Song. Page fue muy criticado por ello. Aquí tienes una versión en directo, en Londres, durante la gira en el Reino Unido, una versión un tanto más larga, de 10:34 minutos, donde Jimmy Page toca con una guitarra Danelectro que siempre le ha acompañado. Fíjate que en los créditos del vídeo indica que la canción fue grabada el 9 de diciembre de 1984 y el disco salió a la venta en febrero de 1985. Quizá giraron antes de publicar el disco. No lo sé.

Después de la gira correspondiente, en Reino Unido y Estados Unidos publicaron un segundo disco llamado Mean Business (1986). En esta ocasión el disco tenía ocho cortes de los cuales, tres fueron compuestos por Paul Rodgers, otros tres por Page y Rodgers, una por Tony Franklin y por último, una canción en la que participó Chris Squier, bajista de Yes, pero cuya colaboración no fue reconocida.

Este segundo y último disco del grupo tuvo menos éxito que el anterior. El álbum alcanzó el número 22 en la lista de álbumes Billboard 200 y el número 46 en la lista UK Album Chart. El sencillo All the Kings Horses tuvo un éxito también moderado.

No hicieron gira tras la publicación del disco. La separación fue amistosa. En posteriores entrevistas ambos coincidieron en que The Firm era solo un proyecto de trabajo conjunto, aislado y que desde el principio no pretendía durar más allá de dos discos, que es lo que hicieron.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Pero no lo creo. Fue un experimento. Un proyecto aislado que permitió a estos dos monstruos de la música seguir en activo tras la disolución de sus bandas previas que les habían dado la fama. Les sirvió para reconfirmarse ante ellos mismos. Como viste en el enlace anterior, el periodista titula el artículo como “el proyecto que salvo la vida a Jimmy Page”. Después siguieron los dos por separado. No han vuelto a tocar juntos. Con toda seguridad, no volverán.

Coverdale-Page

Coverdale-Page fue otro proyecto de colaboración musical de Jimmy Page que se desarrolló en 1991. De Jimmy Page ya hemos hablado. David Coverdale es un vocalista que había sido miembro primero de Deep Purple, cuando él y Glenn Hugher sustituyeron a Ian Gillian y Roger Glover, constituyendo lo que se dio por llamar el Mar III del grupo. grabando dos discos bastante buenos: Burn, Stormbridger y posteriormente de Whitesnake, su grupo, al que dirigió con mano férrea y por el que pasaron una infinidad de músicos, y que grabaron algunos temas muy buenos los cuales llegaron a alcanzar el número uno en las listas, como ocurrió con Here I go again. Coverdale acababa de culminar una exitosa pero también desgastante etapa con Whitesnake (sobre todo tras el éxito de Whitesnake (1987) y Slip of the Tongue (1989) y decidió tomarse un descanso y “dejar descansar al grupo”.

En 1991, ambos fueron presentados por el productor John Kalodner, quien creía que la voz poderosa de Coverdale y el virtuosismo de Page podrían dar lugar a una colaboración interesante. Se conocieron en una reunión convocada ad hoc en New York. Los dos congeniaron y se “pusieron a prueba” para ver si eran capaces de componer juntos. Así fue y en los meses siguientes completaron su álbum homónimo que fue publicado en marzo de 1993, incorporando como base rítmica a Denny Carmassi en la batería y a Ricky Phillips en el bajo. Aquí tienes el álbum completo por si te apetece escucharlo. A mi particularmente me gusta el tema Don´t leave me this way, un blues de casi ocho minutos y donde Page se suelta la melena en un solo impactante.

La recepción del disco y del proyecto fue de todo tipo. Fue un cierto éxito comercial pues el álbum alcanzó el puesto número cuatro en Reino Unido y el cinco en el Billboard 200 (EEUU), con buenas ventas iniciales pues fue certificado disco de pro en Los Estados Unidos. Algunos alabaron la química existente entre ambos músicos exhibida en los once temas que completaron el disco. Otros quisieron ver una versión de Led Zeppelin con otra voz. El proyecto tuvo la mala suerte de que por esa época se estaba rumoreando acerca de una reunión de Led Zeppelin con Jason Bonham (el hijo de John Bonham) en la batería. Por entonces, Jimmy Page estaba trabajando con los discos ya publicados del grupo, remasterizándolos recopilándolos en dos cajas que se publicaron por esas fechas. Finalmente la reunión no se produjo, por la negativa de Robert Plant, quien incluso hizo algunos comentarios despectivos al respecto, llamando a Coverdale “David Cover-version” sugiriendo que éste le copiaba. Poco después, Plant y Page se reunirían como Page and Plant (1994), que se reunieron para un concierto de MTV, llamando al disco Unledded. Curiosamente, no contaron con John Paul Jones para el proyecto, cuando la mayor parte de las canciones que componían el disco eran de Led Zeppelin. Posteriormente, Page y Plant siguieron juntos y publicaron en 1998 un nuevo disco llamado Walking into Clarksdale, también sin John Paul Jones. Ante estas perspectivas, que ya estaban siendo preparadas en 1993, hizo que el proyecto con Coverdale acabase el mismo año en que se publicó el disco ya que no hicieron la habitual gira de promoción y solamente actuaron durante unas fechas en Japón en diciembre de 1993 donde, tras completar la interpretación del disco, remataron el concierto con temas de Led Zeppelin y de Whitesnake. Aquí tienes el concierto entero que ofrecieron en Osaka en diciembre de 1993. Está grabado por un aficionado con un smartphone por lo que ni la imagen ni el sonido son de calidad, pero como documento histórico quizá te apetezca echarle un vistazo.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí, pues están todos vivos. Y aparentemente no les faltan ganas a ninguno de los dos. Así, en 2004, Page comentó: “Fue muy agradable trabajar con David. Fue algo muy breve, pero disfruté trabajando con él, aunque parezca increíble”. Por su parte, Coverdale comentó más tarde, en 2011: “Si Page me llamara para preguntarme si querría trabajar con él en un álbum en solitario o cualquier otra cosa, acudiría sin dudarlo”. En 2021, Coverdale reveló sus planes de reeditar el álbum en 2023 para celebrar su 30 aniversario. Tras adquirir los derechos del disco a Universal, Coverdale le dijo a Eddie Trunk, de SiriusXM, que la reedición podría incluir versiones remasterizadas y remezcladas de Coverdale-Page, cuatro temas inéditos, material en directo y otros contenidos extra. También afirmó que él y Page habían hablado de la posibilidad de volver a componer y grabar juntos, aunque sus planes se retrasaron debido a la pandemia de COVID-19. En noviembre de 2023, el álbum se reeditó en Japón en vinilo analógico por primera vez.

¿Quién sabe? Cosas más difíciles se han visto.

Genesis

Genesis fue uno de los máximos exponentes del llamado rock sinfónico junto a Yes y Emerson, Lake and Palmer. Británicos, el grupo se formó en 1967 en Charterhouse, Surrey, un colegio privado situado en el sur de Inglaterra. Los miembros fundadores fueron Peter Gabriel (voz, flauta),Tony Banks (teclados), Mike Rutherford (bajo y guitarra), Anthony Phillips (guitarra) y Chris Stewart (batería). El grupo fue inicialmente impulsado por Jonathan King, productor musical y exalumno del mismo colegio, quien les consiguió su primer contrato discográfico.

Pronto comenzaron los cambios. Phil Collins entró como batería en 1970, y Steve Hackett en 1971 como guitarrista, sustituyendo a Antthony Phillips y a Chris Stewart. Esta primera formación estable, es la que podríamos considerar como clásica, si bien como veremos a continuación duró muy poco.

Su primer disco fue From Genesis to Revelation publicado en el año 1969. Durante su grabación, Chris Stewart dejó el grupo. El disco consta de once canciones y en los créditos se recoge que fueron escritas por todos los miembros. Quizá la canción más conocida de esta época es The Silent Sun. Si ves sus caras en la fotografía que acompaña al disco, te costará reconocerlos. La música y la voz de Peter Gabriel no tienen nada que ver con lo que posteriormente desarrollaron. Pero no está mal como debut.

Siguieron Nursery Crime, Foxtrot, Selling England by The Pound y The Lambs Lies Down on Broadway, en 1974, que fue el último en el que participó Peter Gabriel. Todos ellos auténticas joyas. Durante esta etapa, los temas eran largos, complejos, con unas letras a menudo difíciles de entender. En los conciertos, además de la música había un importante componente teatral, apareciendo Peter Gabriel en ocasiones con disfraces y efectos visuales de todo tipo. De esta época te he traído Firth of Fifth, un tema de más de nueve minutos, maravilloso.

Quizá sea injusto considerar a esta la formación de “clásica” pues duró sólo cuatro años, desde 1971 a 1975 y posteriormente, Rutherford, Collins y Banks permanecieron juntos más de 20 años, pero qué quieres que te diga… es la que más me gusta.

Peter Gabriel dejó al grupo en 1975 para emprender su muy exitosa carrera en solitario. Hemos hablado de él en el capítulo de Voces (El camarote 3). Los restantes miembros del grupo comenzaron a hacer audiciones para buscar un sustituto durante varios meses, sin encontrar a ninguno que les gustara. Al parecer, llegaron a escuchar a casi 400 candidatos. Lo cierto es que al final, ya desesperados, Phil Collins comenzó a cantar y a los demás les pareció que sonaba bien… y así lo dejaron.

Poco duró Steve Hackett. Después del álbum A Trick of the Tail (1976), abandonó el grupo para iniciar su carrera en solitario habiendo publicado un gran número de discos, unos mejores que otros. Sin embargo, en los últimos años ha decidido incluir temas de esta primera etapa de Genesis y es habitual escucharle interpretar Firth of Fifth o Carpet Crawl en sus conciertos. Llegó incluso a publicar dos discos llamados Genesis Revisited I y II. Digamos que ha suplido con los temas de Genesis el éxito que no le han dado sus discos en solitario.

Y quedaron tres: Collins, Rutherford y Banks. Así se llamo uno de sus discos. Llegado este momento se produjeron dos hechos. Primero: cada uno de ellos compaginó su trabajo en Genesis con otros proyectos en solitario, y segundo: incluyeron a dos grandes músicos: Daryl Strummer (guitarra o bajo, alternándose con Rutherford) y Chester Thompson, un gran batería. Esta formación se convirtió en estable, como te decía, durante más de 20 años. Aquí tienes uno de sus temas: Abacab tocado en directo en Wimblemdon con el estadio lleno hasta la bandera. El tempo es un poco más rápido que en el disco. Les acompañan Chester Thompson en la batería y Dary Struemer en esta ocasión en el bajo.

En solitario, Phil Collins fue el que tuvo más éxito, en cuanto a popularidad y ventas. Así, su tema Against al Odds alcanzó el número uno en la lista Billboard en 1984. Asimismo, compuso música para películas, como la canción You´re In my Heart de la película de Disney Tarzán que obtuvo el Óscar a la mejor canción en 1999. Publicó un buen número de discos, casi todos con éxito, y se retiró tras una gira en el año 2017 que se repitió hasta 2019, llamada Not Dead Yet Tour y Still Not Dead Yet Tour, respectivamente, en la cual, ya enfermo, su hijo Nic le reemplazó a la batería. Aquí tienes un tema de esa gira donde podrás comprobar que de tal palo, tal astilla.

Tony Banks también publicó varios discos en solitario y finalmente, Mike Rutherford formó Mike and the Mechanics, con Paul Carrack, habiendo obtenido un éxito notable. Aquí tienes uno de los temas de Mike and The Mechanics, uno de mis preferidos, donde la letra y la maravillosa voz de Paul Carrach son auténticas joyas.

En 1991 graban su último disco juntos, y en 1996 Collins deja el grupo para centrarse en su carrera en solitario. Banks y Rutherford intentaron continuar con un nuevo cantante, Ray Wilson, y con él grabaron en 1997 Calling All Stations, que fue un fracaso comercial, por lo que a continuación se separaron… temporalmente, hasta 2007, cuando Collins vuelve al grupo para hacer una gira de reunión. Volvieron a seguir cada uno por su lado hasta que entre 2021 y 2022 realizaron su gira de despedida, llamada The Last Domino? Tour en la cual Phil Collins ya cantaba sentado por su enfermedad y su hijo Nic le reemplazó en la batería.

Por su parte, Steve Hackett sigue publicando discos (tiene más de 20 en solitario) y dando giras donde no faltan los temas de Genesis. Peter Gabriel, en 2023, publicó lo que hasta el momento en su último disco I/O que a mi, particularmente me gusta mucho (pero ya sabes el sesgo que tengo con Peter Gabriel). Aquí tienes una canción de este disco.

¿Volverán a reunirse? Lo hicieron para grabar un documental de la BBC en 2014 en el que hablaban de sus inicios, sus relaciones personales, muy interesante. S

¿Volver a reunirse para tocar? No lo creo. Phil Collins ya no puede. Peter Gabriel ha estado desarrollando una carrera en solitario durante 50 años, desde 1975 hasta hoy, ¿para que? Él solo se basta para llenar estadios. Rotundamente no lo harán.

El del rock ha sido tradicionalmente un mundo dominado por los hombres. La presencia de mujeres músicas ha sido bastante escasa y, aún hoy en día, la proporción de ellas continúa siendo más baja de lo que cabría esperar.

Con escasas excepciones, en los años 60, 70 y 80, el papel de las mujeres en los grupos era el de vocalista, cuando no formando parte de los coros, con un rol muy secundario. Otra cosa eran las cantantes que tenían sus grupos que le acompañaban en las grabaciones o en las giras, como Tina Turner, Linda Ronstadt, Emmilou Harris o Beth Hart.

Mujeres músicas que a la vez tocaran un instrumento eran pocas: Jennifer Batten y Bonnie Raitt (ambas guitarristas), Christine McVie (teclados), o las musas de Prince (Wendy Melvoin, guitarrista; Lisa Coleman, teclista; o Sheila Escovedo, batería). En cuanto a la existencia de mujeres bajistas, ésta siempre ha sido y sigue siendo muy escasa. Hoy hablaremos de algunas de ellas.

Suzy Quattro

Suzi Quatro nació el 3 de junio de 1950 en Detroit, Michigan, Estados Unidos. Suzi es una pionera en la escena del rock como bajista. Su carrera musical comenzó en la década de 1970, cuando se trasladó a vivir a Inglaterra donde formó su banda, The Pleasure Seekers, junto a sus hermanas. Sin embargo, fue en 1973 cuando alcanzó la fama internacional con su sencillo Can the Can , que se convirtió en un éxito y alcanzó el número uno en varios países.

Su estilo distintivo, con su bajo eléctrico y su actitud rebelde, la convirtió en un icono del rock femenino. En esa época estaba empezando a despuntar un estilo musical que se llamó glam rock, que te confieso que nunca me gustó mucho, pero tengo que reconocer la enorme influencia que tuvo en la música de los años 70.

El glam rock se caracterizaba por su teatralidad, vestimenta llamativa y maquillaje extravagante, con artistas masculinos que adoptaban aspectos femeninos. En este estilo musical, que se puede traducir como “rock glamouroso”, destacaba la sensualidad a través de la puesta en escena y la iconografía. Así, los espectáculos eran elaborados y excéntricos, explotando la androginia y la sensualidad y desafiando las normas de género, frecuentemente, mediante el uso de prendas femeninas y maquillajes audaces.

Su estética se percibía, a menudo, como provocadora. Sus canciones eran habitualmente pegadizas, con melodías fáciles de recordar. Algunos artistas glamourosos fueron David Bowie, Marc Bolan (T.Rex), Gary Glitter, The Sweet, Slade y la protagonista de hoy, Suzy Quattro.

A lo largo de los años 70, Suzi lanzó varios éxitos como Can the Can, 48 Crash y Devil Gate Drive, entre otros. Quizá la canción suya más conocida sea Stumblin´in, junto a Chris Norman, el que fue cantante de Smokie y con quien la grabó en 1978, un tema mucho más pop y algo alejado del glam rock, pero con el que consiguió un número uno en sencillos en Canadá y el número uno en la lista Billboard en 1979.

Su estilo musical combinaba rock, glam y punk, y su presencia en el escenario siempre transmitía energía y vitalidad. Además de tocar el bajo, era la principal vocalista y también compuso muchas de sus canciones. Aquí puedes verla en directo.

Ha mantenido una cierta actividad, publicando un disco cada diez años, más o menos, y ha combinado la música con el cine, la televisión y la radio.

Tal Wilkenfeld

Australiana, nació en Sidney en 1986. Comenzó tocando la guitarra, pero a los 17 años se pasó al bajo eléctrico, que constituye su principal instrumento y con el que se ha hecho famosa.

A los 16 años se trasladó a los Estados Unidos para proseguir su carrera musical en el llamado entonces Los Angeles Music Academy (ahora se llama Los Angeles College of Music (LACM).

En 2006, a los 20 años graba su primer álbum instrumental como líder: Transformation, que destaca por su virtuosismo al bajo y su capacidad como compositora de jazz fusión. Esto atrajo la atención de la comunidad musical internacional, entre ellos del maravilloso Jeff Beck, quien la recluta para formar parte del grupo que tocó en el Crossroads Guitar Festival 2007, el evento que regularmente organiza Eric Clapton para recaudar fondos para su fundación de lucha contra la drogadicción. Fue viendo a Jeff Beck cuando conocí a Tal Wilkenfeld y su dominio del bajo me dejó impresionado. Al año siguiente grabó otro disco también publicado en DVD en el legendario Ronnie Scott´s Jazz Club en Londres, donde subió al escenario “de sorpresa” Eric Clapton.

Aquí tienes dos intervenciones suyas. En la primera está Wilkenfeld con Jeff Beck acompañados de la batería de Vinnie Colaiuta y de Jason Rebello en los teclados en uno de los temas clásicos de Jeff Beck Cause We´ve Ended as Lovers que en realidad es una canción original de Stevie Wonder pero que Beck “se la ha robado”. En el minuto 1:56, Wilkenfeld toca un solo de bajo memorable que despejó todas las dudas sobre su cualificación, si es que alguien las tenía por ser hasta entonces una desconocida.

En este segundo vídeo la vemos en el Ronnie Scouts Club , también con Jeff Beck y con Eric Clapton.

Posteriormente ha colaborado con un gran número de músicos como Eric Clapton, Herbie Hancock, Chick Corea, Prince, Mick Jagger, Roger Waters, Carlos Santana, Ringo Starr, Trevor Rabin y Rod Stewart entre otros. Tiene una enorme capacidad para adaptarse a diversos géneros musicales, desde el jazz hasta el rock y funk.

Fue telonera de los Who en la gira que éstos hicieron en 2016 celebrando su 50 aniversario.

En 2019 publicó su segundo álbum Love Remains donde además de tocar el bajo y componer todas las canciones del disco, toca la guitarra acústica de 6 y 12 cuerdas, produce y además canta. Sin duda, un trabajo muy personal. De él te presento esta canción suya, Killing Me, tocada en directo durante la gira con los Who. Seguramente, ya la había compuesto pero sin publicar en disco.

Rhonda Smith

Canadiense, nació el 3 de diciembre de 1965 en Halifax, Nueva Escocia, Canadá. Criada en Montreal, comenzó su formación musical estudiando violín y guitarra antes de centrarse en el bajo eléctrico. Estudió música en la McGill University en Montreal, donde se especializó en interpretación de jazz y música clásica, lo que le dio una sólida base técnica y teórica.

La gran oportunidad de Rhonda llegó cuando Prince escuchó una grabación suya gracias al saxofonista canadiense Kelly Dean. Impresionado, Prince la convocó a una audición en Paisley Park, y la contrató. Rhonda formó parte de la New Power Generation (NPG) y tocó junto a Prince durante trece años, desde 1996 a 2009, participando en giras mundiales y en álbumes como Emancipation (1996), The Rainbow Children (2001), One Nite Alone… Live! (2002) y Musicology (2004).

Rhonda mantuvo una relación artística continúa con Prince durante diferentes etapas de su carrera, hecho muy poco frecuente pues era bien conocida la tendencia de éste a hacer cambios entre los músicos que le acompañaban.

Tras su etapa con Prince, Rhonda pasó a trabajar con el guitarrista Jeff Beck, quien falleció en 2024, siendo una pieza fundamental en sus giras y grabaciones al igual que ocurrió con Tal Wilkenfeld. Fue parte de la banda de Beck desde 2010 hasta 2023, participando con él en eventos especiales como el Crossroads Guitar Festival en 2010. Aquí puedes verla tocando un cello eléctrico con Jeff Beck haciendo una versión instrumental de Nessun Dorma, el aria de Puccini de su ópera Turandot.

Además, Smith ha trabajado con Chaka Khan, Beyoncé, Little Richard, George Clinton, Lee Ritenour y Victor Wooten y ha publicado los siguientes álbumes Intellipop (2000), RS2 (2006) y Won’t Come Back (2021). En sus trabajos solistas destaca no solo como bajista, sino también como vocalista, productora y compositora.

Esperanza Spalding

Esperanza Spalding, norteamericana nacida en Portland, Oregón, en 1984, es además de bajista, cantante y compositora. En su estilo musical combina géneros musicales diversos como la música clásica, el jazz, la bossa nova, el rock progresivo, el funk, ritmos afro-latinos o el rhythm and blues (R&B). Spalding es una virtuosa del contrabajo y del bajo eléctrico que tiene una voz peculiar que utiliza tanto en sus canciones como en vocalizaciones sin palabras.

En el año 2006 publicó su álbum de debut llamado Junjo, que fue lanzado por el sello español Ayva Music. Grabado con el pianista Aruán Ortiz y el batería Francisco Mela, mezcla jazz con influencias latinoamericanas. Tiene publicados otros álbumes en los que combina distintos tipos de música con diferentes músicos y lenguas como Esperanza, publicado en 2008. Este es un trabajo multilingüe que incluye canciones en inglés, español y portugués, fusionando jazz con otros tipos de música.

En 2010 publicó Chamber Music Society, álbum que combina jazz con música de cámara, y que le valió el Grammy a la Mejor Artista Nueva, siendo la primera artista de jazz en recibir este galardón. En 2012 publicó Radio Music Society que incluye la canción City of Roses, ganadora del Grammy al Mejor Arreglo, Instrumento y Voz. Un álbum curioso es 12 Little Spells, publicado en 2018, en el que cada canción está inspirada en una parte del cuerpo humano, combinando música y concepto de sanación. Desde luego, original. Durante su carrera, Esperanza Spalding ha trabajado con numerosos artistas de renombre, incluyendo Milton Nascimento, Herbie Hancock, Prince, Dianne Reeves, Wayne Shorter. Aquí la tienes interpretando City of Roses.

Otras mujeres bajistas

Hay algunas bajistas más, quizá no tan conocidas. Kim Gordon es la bajista del grupo de rock alternativo Sonic Youth, que se separó en 2011. Un grupo llamado Vixen, formado exclusivamente por mujeres, tuvo un éxito en 1990, con su álbum de debut homónimo. Llegaron a ser teloneras de Scorpions, Bon Jovi y Deep Purple. En esta banda, la bajista era Share June Howe, quien tras casarse cambió su nombre a Share Ross. Después de muchos cambios en su formación, siguen en activo, actuando sobre todo en circuitos locales de Los Ángeles.

Por último y como curiosidad, aún existe una banda californiana, del área de San Francisco, que se llama Ace of Cups, formada en San Francisco en 1967. Ha sido descrita como una de las primeras bandas de rock integradas exclusivamente por mujeres. Las integrantes de Ace of Cups eran Mary Gannon (bajo), Marla Hunt (órgano, piano), Denise Kaufman (guitarra, armónica), Mary Ellen Simpson (guitarra solista) y Diane Vitalich (batería). Todas las integrantes de la banda, excepto Vitalich, cantaban como vocalistas principales, y las cinco hacían coros. La composición de las canciones también se repartía entre las integrantes de la banda. En 1972 se separaron para volver a unirse en 2018, nada menos que 43 años después, conservando a cuatro de sus miembros originales, entre ellos la bajista. Grabaron un nuevo disco homónimo.

Aquí tienes una canción suya, donde demuestran que el rock, además de no tener género, no tiene edad. Sin embargo, en el campo de las bajistas, el equilibrio hombre/mujer aún no ha llegado….

Las enfermedades mentales pueden afectar a los músicos como a cualquier otra persona. Hoy comentaremos algunos casos conocidos en los que estas patologías acabaron o afectaron seriamente a sus carreras musicales.

Introducción

Utilizo el término locura y enfermedad mental en sus acepciones más amplias y conocidas popularmente, pues existe un enorme número de enfermedades mentales, diferentes entre sí. La palabra locura, según el diccionario de la RAE, es: “Privación del juicio o del uso de la razón”. No albergo la más mínima intención peyorativa al utilizar esta palabra.

Es bien conocido que entre algunos músicos era relativamente frecuente el consumo de sustancias alucinógenas, sobre todo LSD, al menos a finales de los años 60, en la entonces llamada “era de la psicodelia”. Algunos defendían la idea de que la utilización de alucinógenos estimulaba su creatividad y, aunque no discuto que así pudiera ser, lo cierto es que, en ocasiones, el consumo de estas sustancias conllevó la aparición de enfermedades mentales. Comentaremos varios casos, algunos bien conocidos.

Syd Barrett, inspiración de ‘Wish You Were Here’, de Pink Floyd

Músico británico, nacido en 1946 y fallecido en 2006 a los 60 años. Fue el fundador de Pink Floyd y alma máter del primer disco del grupo, The Piper at the Gates of Dawn. Participó también, aunque no lo completó, en el segundo disco del grupo, A Saucerful of Secrets. Compositor, guitarrista y experimentador con diversos instrumentos como el ukelele, la mandolina, el banjo y el piano.

Era también conocido por su experimentación con drogas alucinógenas como el LSD. Algunos de sus temas transmitían el caos mental que sufría. Por ejemplo, en la canción Crazy as Hell decía:

I'm not sure where I'm going

I feel so lost and alone

The world is changing, it's getting crazy

I'm looking for something, something real

Que traducido sería:

No estoy seguro de adónde voy

Me siento tan perdido y solo

El mundo está cambiando, se está volviendo loco

Estoy buscando algo, algo real

Fue diagnosticado con esquizofrenia y, aunque recibió diversos tratamientos, el deterioro provocado por la enfermedad obligó a que fuera sustituido en el grupo por David Gilmour, amigo de la infancia. Inicialmente se pensó que su reemplazo sería temporal, pero finalmente fue definitivo. 

Tras ser apartado de Pink Floyd —o, si se prefiere, tras verse obligado a dejar el grupo—, publicó dos discos en solitario: The Madcap Laughs y Barrett, ambos en 1970 (enero y noviembre, respectivamente). En ellos colaboraron David Gilmour, Robert Wyatt, Mike Ratledge y Hugh Hopper (todos miembros de The Soft Machine), así como Roger Waters como productor de algunos temas. Ambos discos son un tanto extraños; confieso que no los termino de entender, pero creo que vale la pena que les des por lo menos una oportunidad.

En 1975, Pink Floyd publicó uno de sus discos más famosos e icónicos, Wish You Were Here. Prácticamente todas las canciones del álbum están dedicadas a su antiguo compañero. Destacan especialmente dos temas: Shine On You Crazy Diamond, una canción en nueve partes, que en conjunto dura 25:13 minutos. En ella, Roger Waters, autor de la letra, dice:

Remember when you were young

You shone like the sun

Shine on, you crazy diamond

Now there's a look in your eyes

Like black holes in the sky

Shine on, you crazy diamond

Que traducido sería:

Recuerda cuando eras joven

Brillabas como el sol

Brilla, diamante loco

Ahora hay una mirada en tus ojos

Como agujeros negros en el cielo

Brilla, diamante loco

Es una preciosa canción, una elegía a su amigo, definitivamente perdido. Syd Barrett acudió a la grabación del disco en Abbey Road con un marcado sobrepeso y cabello y cejas afeitados. Cuando, después de escuchar la canción que sus compañeros habían grabado para él, le preguntaron qué le parecía, respondió: “Suena un poco vieja”.

Aquí la tienes con subtítulos en español e inglés. Vale la pena escucharla completa.

Maravillosa es también otra canción del mismo disco, igualmente dedicada a Barrett: Wish You Were Here, en la que le dicen:

How I wish you were here

Cuánto echo de menos que estuvieras aquí

Aquí tienes la versión original de Pink Floyd. David Gilmour la toca prácticamente en todos sus conciertos, tanto en su etapa con Pink Floyd completo, como después sin Roger Waters y finalmente en solitario.

Syd Barrett falleció en julio de 2006 en Cambridge, Reino Unido, como consecuencia de un cáncer de páncreas. En los últimos años de su vida permaneció recluido en su casa, al cuidado de su familia. Aunque tuvo varias parejas, nunca se casó ni tuvo hijos.

Jim Gordon, de esquizofrenia a cadena perpetua

Fue un músico menos conocido, pero en su época fue toda una referencia. Americano, natural de Los Ángeles, California, donde nació en el año 1945, tocaba la batería y comenzó a ser conocido cuando tocaba en 1963, a los 17 años, con los Every Brothers. Se convirtió en el protegido del mítico batería Hal Blaine, quien, como sabes, fue un batería de estudio que participó en más de 35.000 grabaciones. En el momento más álgido de su carrera, Gordon grababa por la mañana en Los Ángeles, cogía un avión e iba a Las Vegas, donde tocaba cada noche en el Caesar’s Palace, y volvía a Los Ángeles la mañana siguiente.

A finales de los años 60, Jim Gordon se trasladó a Londres y allí, entre 1969 y 1970, formó parte del grupo que creó Delaney Bramlett con su esposa Bonnie. Delaney and Bonnie actuaban de teloneros en la gira que Eric Clapton hizo con Blind Faith, el grupo que se formó tras la separación de Cream. Clapton hizo amistad con varios miembros de sus teloneros, especialmente con Delaney, y al acabar la gira, Clapton se integró en su grupo y se marchó de gira con ellos, grabando un disco en directo llamado Delaney & Bonnie and Friends. En este grupo, además de Jim Gordon, estaban Carl Radle, Bobby Whitlock, Dave Mason y George Harrison. Aquí tienes uno de sus temas tocados en directo. En el primer fotograma aparece Jim Gordon y, a su izquierda, George Harrison:

Al terminar la gira, Clapton decidió publicar su primer disco en solitario, donde colaboraron Delaney & Bonnie, así como Carl Radle, Dave Mason, Bobby Whitlock, Rita Coolidge y muchos otros músicos, que también participaron en la grabación del disco All Things Must Pass, el triple álbum publicado por George Harrison cuando se separaron los Beatles.

Al acabar el disco, Clapton decidió hacer una música diametralmente opuesta a la que hasta entonces había hecho con Cream y formar “su grupo”, en el que pretendía ser “uno más” y no la estrella, huyendo del arquetipo de “héroe de la guitarra” que se había formado en Cream. El nombre que escogió para el grupo fue Derek and the Dominos, y contó con Jim Gordon, Carl Radle y Bobby Whitlock. Con ellos grabó su maravilloso disco doble, Layla and Other Assorted Love Songs, donde, en mi opinión, Clapton alcanzó su cenit como guitarrista. Cuando salieron de gira, en ocasiones les acompañaba como segundo guitarrista Dave Mason. En la grabación de este disco participó también el guitarrista Duane Allman, uno de los miembros fundadores de The Allman Brothers Band y, todavía hoy en día, un referente en la guitarra slide. La química existente entre Clapton y Allman, guitarristas que se admiraban mutuamente, generó un maravilloso disco. Duane no quiso salir de gira ni integrarse en Derek & the Dominos porque en ese momento estaba volcado con su hermano Gregg en The Allman Brothers, grabando su primer disco, The Allman Brothers Band, otra joya.

Hay una leyenda urbana sobre la canción Layla, una de las más famosas de Clapton. En los créditos figuran como autores Clapton y Gordon. La “aportación” de Gordon sería la parte final, cuando termina la canción en el minuto 3:08 y comienza un piano con una melodía sobre la que suena la guitarra slide de Duane Allman durante otros cuatro minutos adicionales, lo que cambia por completo la canción. Una preciosidad. Unos dicen que Jim Gordon apareció por el estudio con esa melodía que tocó al piano y que decidieron añadir. En otras fuentes he leído que la melodía fue en realidad creada por Rita Coolidge, cantante que participó en el disco de Clapton en solitario y en el de George Harrison. Por aquella época, Gordon y Coolidge eran pareja, y éste le “robó la idea”. Apoyan esta versión tanto Bobby Whitlock como Graham Nash en sus respectivos libros autobiográficos. Aquí tienes más información por si quieres profundizar en esta cuestión.

La hermana de Rita Coolidge, Priscilla, tomó los acordes del tema y escribió una canción llamada Time, que grabó con los Booker T. and the M.G.’s. Aquí la tienes.

No he podido averiguar si Clapton o Gordon, o alguien, la demandó.

Como curiosidad te comentaré que Layla fue incluida en 2004 por la revista Rolling Stone en el número 27 entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Jim Gordon tenía un comportamiento a menudo errático, y se ha publicado que con frecuencia dejaba de tocar a mitad de la grabación de un tema o que, sin motivo, golpeaba a su pareja de entonces, Rita Coolidge. Este comportamiento fue inicialmente catalogado como consecuencia de su alcoholismo y retrasó el diagnóstico de esquizofrenia, que se realizó unos años después, cuando, en un brote psicótico, mató a su madre golpeándola primero con un martillo y después apuñalándola con un cuchillo de cocina, “pues oía una voz que le ordenaba hacerlo”. 

Condenado en 1984 de 16 años a cadena perpetua, estuvo ingresado en la California Medical Facility, una prisión para enfermos mentales, donde falleció en 2023 a los 77 años. Se le negó la libertad condicional al menos en cinco ocasiones, pues los informes psiquiátricos indicaban que podría volver a reincidir si dejaba de tomar la medicación.

Peter Green: un LSD “muy malo” que lo cambió para siempre

Magnífico guitarrista, compositor y cantante, fue el creador del grupo Fleetwood Mac, de quien hablamos en el episodio anterior de El Camarote. Enamorado del blues, tenía una técnica tan sencilla como limpia y elegante que a mí, particularmente, me fascina. Peter Green provenía de los Bluesbreakers de John Mayall, con quien grabó un disco muy bueno, A Hard Road, donde tocó John McVie como bajista.

En el año 1967 creó, con John McVie (que también estaba con Mayall tocando el bajo) y Mick Fleetwood, batería, la primera formación de Fleetwood Mac (uniendo los apellidos del bajista y el batería, y curiosamente no utilizando el suyo propio). En 1968 se añadieron otros dos guitarristas: Jeremy Spencer y Danny Kirwan, quedando un grupo de cinco componentes con tres guitarristas, algo bastante inusual por entonces.

Green comenzó a experimentar con las drogas, y una de ellas fue el LSD. Clifford Davis, por entonces mánager de la banda, señaló este incidente como el punto crucial en el declive mental del guitarrista: “La verdad sobre Peter Green y cómo acabó es muy simple. Estábamos de gira por Europa a finales de 1969. Cuando estábamos en Alemania, Peter me dijo que le habían invitado a una fiesta. Yo sabía que iba a haber muchas drogas y le sugerí que no fuera. Pero lo hizo de todos modos y tengo entendido por él que tomó lo que resultó ser un LSD muy malo e impuro. Nunca volvió a ser el mismo”.

Fue diagnosticado de esquizofrenia y pasó un tiempo en hospitales psiquiátricos, sometiéndose a terapia electroconvulsiva a mediados de la década de 1970. En 1979 aparece de nuevo con su primer disco en solitario, In the Skies. Después se sumerge en la oscuridad musical hasta 1997, en que reaparece con su nuevo grupo, Peter Green Splinter Group, con el que publicó nueve discos de blues y en el que destacaba su amigo Nigel Watson, guitarrista. En este grupo, Green adoptó el papel de un miembro más, no el líder, dedicándose a veces, en los directos, a tocar simplemente la armónica y dejando a Watson el papel de principal guitarrista.

Aquí tienes su composición más famosa, Man of the World, y una versión del blues Need Your Love So Bad, canción escrita por Little Willie John en 1955, pero cuya versión por Fleetwood Mac, no siendo la original, es sencillamente maravillosa.

Peter Green falleció el 25 de julio de 2020, a los 73 años. Su muerte ocurrió en Londres mientras dormía. 

Brian Wilson: voces de héroes y villanos que le generaban “una vida de terror”

Brian Wilson, norteamericano nacido en junio de 1942 en California y cofundador de los Beach Boys, ha sido considerado un genio por sus novedosos enfoques, tanto en la composición como en la producción y grabación de sus discos. Comenzó su carrera musical en 1961 como miembro de los Beach Boys, donde además de componer era uno de los vocalistas, bajista, teclista y, en la práctica, el líder de la banda. Se convirtió en el primer músico pop al que se le atribuyó la autoría, los arreglos, la producción y la interpretación de su propio material.

Muchas de sus canciones con los Beach Boys son mundialmente conocidas: Good Vibrations, Surfin' USA o God Only Knows son canciones que, además de formar parte del acervo cultural americano, me atrevería a asegurar que también del mundo occidental. Son la referencia de una época, en los años 60, con la costa californiana, el surf, la diversión, las chicas y hasta una forma de vestir y de vivir…

Aquí tienes Good Vibrations. Seguro que la reconoces.

En el año 1964, durante un vuelo en avión desde Los Ángeles a Houston, tuvo una crisis que fue llamada por la prensa como el Houston Flight Incident. Aunque se recuperó y esa noche tocó con el grupo, el resto de la gira fue reemplazado por Glen Campbell y decidió no salir de gira nunca más. En 1965 empezó a consumir LSD y, aunque posteriormente reconoció que su uso le ayudó a componer California Girls —canción que él considera su favorita, llamándola “la mejor pieza de música que he escrito”—, también admitió que el uso del LSD contribuyó a la persistencia de la paranoia que sufría.

Diagnosticado de esquizofrenia y un trastorno bipolar, durante toda su vida ha experimentado regularmente alucinaciones auditivas en forma de voces. Él mismo se refería a las voces como “héroes y villanos”, que contribuían a generarle “una vida de terror”.

Durante su vida tuvo largos periodos de reclusión, alternados con otros donde volvía a la actividad musical. Además del LSD, Wilson abusaba del alcohol y también consumió cocaína, barbitúricos y prácticamente todo lo que podía conseguir. Fue hospitalizado en varias ocasiones por ello y también fue conocida su relación con un psicoterapeuta llamado Eugene Landy, que tenía un método muy particular para el tratamiento de las enfermedades mentales. Sus métodos fueron tan discutidos que en 1989 el estado de California revocó su licencia profesional. Eso no impidió que Wilson y Landy llegaran a constituir una sociedad profesional en la que Landy colaboró componiendo y produciendo dos álbumes del músico: Brian Wilson, en 1988, y Sweet Insanity, en 1990, álbum no publicado.

En los años 90, Wilson estuvo continuamente en medio de demandas judiciales, llegando a tener a la vez hasta nueve en curso: unas veces demandaba él, otras veces era el demandado. En 1999 empezó su primera gira en solitario y en 2004 presentó su proyecto Smile, que había empezado a componer en los años 60. Primero lo hizo en directo en el Royal Festival Hall, y posteriormente grabó un disco, a lo que siguió una gira. No volvió a grabar con los Beach Boys hasta 2012, en que publicaron su último disco, That's Why God Made the Radio. En 2021 publicó At My Piano, una reinterpretación solo con su piano de algunas de sus canciones más conocidas desde la época de los Beach Boys.

Aquí tienes una de estas canciones interpretadas solo con su piano.

En fin, un genio al que el LSD le destrozó la mente y le condujo a una vida muy difícil. En la actualidad ha sido diagnosticado de demencia y está internado en un centro institucional.

Hay muchísimas motivaciones para escribir una canción: transmitir sentimientos como tristeza, alegría, nostalgia, miedo, esperanza… Quizá el amor sea el sentimiento más habitualmente utilizado. También se pueden contar historias, compartir experiencias: rupturas, pérdidas, alegrías, denunciar injusticias sociales, políticas…

Algunas canciones nacen del deseo de levantar el ánimo, dar esperanza o motivar a quien escucha a no rendirse o a escapar de la realidad, creando mundos imaginarios, sueños o paisajes sonoros para desconectarse de lo cotidiano… Prácticamente cualquier cosa o hecho puede motivar escribir una canción.

En ocasiones, sin embargo, las canciones son reproches que unos músicos lanzan a otros. No es muy habitual, pero son ampliamente conocidas, quizá por el morbo que generan, más que por su valor musical que no niego que tengan. Vamos a comentar algunas de ellas. 

Alabama (Neil Young). Sweet Home Alabama (Lynyrd Skynyrd)

Neil Young es un músico muy especial desde todos los puntos de vista. Algún día nos referiremos con más detalle a él, pues es de los pocos músicos que han estado en activo durante más de 50 años. Y digo en activo, en el sentido más amplio de la palabra, pues, hasta donde he podido buscar, es el único artista que publica un disco nuevo, cuando no dos, casi cada año. Young no se ha limitado a estar de gira o a publicar un disco recopilatorio cada cinco años como han hecho algunos otros grupos y “monstruos sagrados” del rock.

Su debut en solitario se produjo en el año 1968 con su álbum homónimo en el que destacaba la canción The Loner, una de sus más conocidas. En su tercer disco, After the Gold Rush, publicado en 1970, Young incluyó una canción titulada Southern Man (sureño u hombre del sur) en el que abiertamente atacaba el racismo hacia la población negra en el Sur de los Estados Unidos. En esta canción, Young narra la historia de un hombre blanco, con el que pretende simbolizar a todo el sur blanco norteamericano, haciendo referencia a cómo maltrataba a sus esclavos. Young pregunta: ¿cuándo reparará el Sur las fortunas construidas gracias a la esclavitud? 

“I saw cotton and I saw black, tall white mansions and little shacks.

Southern Man, when will you pay them back?“

que se traduciría como: 

“Vi algodón y vi negro (s), altas mansiones blancas y pequeñas chozas”.

Pues no acabó aquí la crítica hacia el sur racista. En su siguiente disco, Harvest, publicado en 1972 (y te confieso que mi preferido de todos los que ha publicado este artista), se despachó con otra canción llamada Alabama. En la que Young señalaba directamente a ese Estado como símbolo de la persistencia del racismo. La canción está cargada de imágenes que describen a Alabama como un lugar atrapado en el pasado, incapaz de evolucionar moral y socialmente. Mira estas frases como ejemplo:

“I'm from a new land, I come to you and see all this ruin, What are you doing Alabama?

You got the rest of the union to help you along. What's going wrong?“

Traducido:

“Soy de una nueva tierra, vengo a ti y veo toda esta ruina, ¿qué estás haciendo Alabama?

Tienes al resto de la Unión para ayudarte ¿Qué está yendo mal?“

Neil Young, canadiense de nacimiento, no sólo apuntaba al racismo, sino también a la pasividad y la hipocresía que él percibía en la sociedad sureña, algo que fue recibido por muchos como un ataque generalizado al Sur, no solo a sus instituciones.

La respuesta vino de un grupo sureño, llamado Lynyrd Skynyrd, originales de Jacksonville, Florida, quienes en su segundo disco Second Helping publicado en 1974 incluyeron una canción titulada Sweet Home Alabama. En ella, este grupo defendía el orgullo sureño:

“Well, I hope Neil Young will remember

A Southern man don't need him around anyhow“

Traducido literalmente como:

“Bueno, espero que Neil Young recuerde que un sureño no lo necesita por aquí de ninguna manera” 

y libremente como “Neil Young no vengas por aquí”.

Además de demostrar su disconformidad con la canción de Young, el grupo también apelaba al orgullo de la identidad del sur. La canción celebraba las cosas buenas de Alabama, su gente, su cultura y su música, especialmente el estudio Muscle Shoals. 

Seguramente sabrás que se creó una banda para servir de apoyo a los músicos llamada la Muscle Shoals Rhythm Section quien desarrolló un sonido propio, mezcla de Jazz, Blues, Soul que se denominó Muscle Shoals Studio Sound. Entre los grupos y artistas que fueron a grabar a este estudio, buscando el apoyo de su sección rítmica están: Rolling Stones, Bob Dylan, Duane Allman, Traffic, Bob Seger, Glenn Frey, Elton John, Paul Simon, Boz Scaggs, Willie Nelson, Dr. Hook, Elkie Brooks, Waren Haynes y muchísimos más.

En contra de lo que se pueda pensar, la relación entre Young y Lynyrd Skynyrd fue buena. Se respetaban mutuamente. Lejos de molestarse, Neil Young admitió su error. Reconoció públicamente que quizás su enfoque en Alabama fue demasiado simplista y generalizador. En entrevistas posteriores, admitió que la canción “no tenía toda la razón del mundo”. Incluso llegó a decir que le gustaba Sweet Home Alabama, e incluso la interpretó en directo, sobre todo después del accidente aéreo que sufrió Lynyrd Skynyrd. 

En su autobiografía, publicada en el año 2012, Waging Heavy Peace, reconoció que “merecía con creces el cogotazo que Lynyrd Skynyrd le dio con su gran disco. ”No me gustan mis palabras cuando las escucho. Son acusatorias y condescendientes, no del todo meditadas y demasiado fáciles de malinterpretar...“. Por su parte, Van Zandt solía llevar una camiseta con la leyenda Tonight´s the Night un disco de Neil Young publicado en 1975. 

Vamos con las curiosidades. Ninguno de los tres autores de la canción era de Alabama; Ronnie Van Zant y Gary Rossington nacieron en Jacksonville, Florida, mientras que Ed King era de Glendale, California. Todos ellos han fallecido. Ronnie Van Zant, el cantante y autor de la letra (los otros dos guitarristas compusieron la música), falleció en un accidente de avión que sufrió el grupo en el año 1977 junto con otros dos miembros de la banda, que fue reformada en 1987 hasta la fecha.

Al comenzar la canción, a los siete segundos, Van Zandt, creyendo que su micrófono estaba apagado dijo: “Turn it up” (sube el volumen). Al gustarles como quedó esa toma, así la dejaron. 

Sweet Home Alabama es la canción más escuchada en Spotify de este grupo con casi 1.500 millones de reproducciones y la más conocida y referente de esta banda, cuyos miembros han cambiado mucho. Así, han formado parte del grupo un total de 31 músicos y para dar apoyo en las giras han colaborado otros 12 más. A día de hoy, todos los miembros originales del grupo han fallecido pero continúan dando conciertos no solo por Estados Unidos, sino por todo el mundo. El 27 de junio (el mes próximo) tocarán en Barcelona.

En 1969, cuando Los Beatles comenzaron a trabajar en el proyecto Get Back, que más tarde se convertiría en el álbum Let It Be, el grupo estaba atravesando su peor momento tanto a nivel musical como sobre todo personal. Había conflictos personales prácticamente entre todos ellos, hasta el punto de que los meses previos se había producido la marcha y posterior regreso tanto de Ringo Starr como de George Harrison. Ambos se sentían infravalorados. En algunos temas de los Beatles del doble álbum blanco, McCartney había tocado la batería, para molestia de Ringo, en la canción Back to USSR, y John Lennon, con su acidez característica, llegó a decir que Ringo “ni siquiera era el mejor batería de los Beatles”.

Después de la muerte en 1967 de Brian Epstein, su manager, y sobre todo durante la grabación del álbum Let it Be, McCartney había asumido un papel cada vez más dominante y controlador dentro del grupo. Ello comenzó a generar tensiones entre sus compañeros por la manera autoritaria en que Paul se comportaba con ellos. Así, George Harrison se sentía profundamente frustrado. Veía que sus canciones no eran valoradas ni tenidas en cuenta y eran sistemáticamente rechazadas por Lennon y McCartney, quienes estaban centrados en sus propias composiciones. Más bien Paul, porque John Lennon, en esa época vivía solo para Yoko Ono, sentados juntos todo el tiempo incluso durante la grabación de las canciones y sin participar prácticamente en el disco. Solo aportó las canciones Don´t let me down, bastante buena, y Dig a Pony, algo más discutible en cuanto a calidad. Pues bien, George, cada vez más frustrado, molesto e ignorado, llegó a decirle a McCartney, tal y como se recoge fielmente en una conversación de la película Get Back: “Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré”. Eso sí, dicho con tranquilidad, sorna y bastante ironía. 

Tras consumarse la separación de Los Beatles, cada uno de ellos publicó su primer disco en solitario. Harrison publicó una obra maestra All Things Must Pass, un álbum triple, en el que colaboró un enorme número de músicos que en aquella época se encontraban entre los mejores: Ringo, Eric Clapton, Stephen Stills, Klaus Voorman, Billy Preston, Badfinger, entre muchos otros, bajo la producción de Phil Spector. En este álbum hay una canción que se llama Wah Wah. Harrison no se está refiriendo al pedal de efectos (que en esa canción maneja magníficamente Eric Clapton), sino que con ese nombre indica que la relación con Paul McCartney es un “dolor de cabeza”, al que llama “wah wah”. Fíjate en algunos apartados de la letra para que veas el “recadito” que le deja:

“Wah-wah, You've given me a wah-wah

And I'm thinking of you

And all the things that we used to do“

Traducido

“Dolor de cabeza, me has dado un dolor de cabeza

Y estoy pensando en ti y en todas las cosas que solíamos hacer“

“I don't need no wah-wah

And I know how sweet life can be

If I keep myself free, wah-wah

I don't need no wah-wah“

Traducido:

“No necesito un dolor de cabeza

Y se cuan dulce puede ser la vida

Si me mantengo libre

No necesito un dolor de cabeza“

Paul McCartney estaba también a disgusto con la relación con sus compañeros de grupo, especialmente con John Lennon, de quien pensaba que estaba “absorto” por Yoko Ono y ausente de la grabación del disco. La presencia en todo momento de Yoko en el estudio y la idea de que ella no debería estar ahí la plasmó en su canción Too Many People, que fue publicada en el segundo disco en solitario de McCartney, llamado RAM. En la canción McCartney decía que había “mucha gente por allí”, predicando y diciendo lo que había que hacer, cosa que a Paul le molestaba mucho:

“Too many people going underground

Too many reaching for a piece of cake

Too many people pulled and pushed around

Too many waiting for that lucky break“

Traducido:

“Demasiada gente pasando a la clandestinidad

Demasiados alcanzando un trozo de pastel

Demasiada gente tironeada y empujada

Demasiados esperando ese golpe de suerte“

Y el siguiendo párrafo no tiene desperdicio:

“That was your first mistake

You took your lucky break

And broke it in two

Now what can be done for you?

You broke it in two“

“Ese fue tu primer error

Tomaste tu golpe de suerte

Y lo rompiste en dos

¿Ahora qué se puede hacer por ti?

Lo rompiste en dos“

La línea “You took your lucky break and broke it in two” era originalmente “Yoko took your lucky break and broke it in two”, aunque McCartney la revisó antes de grabar la canción y quitó a Yoko…. Ya era demasiado evidente.

La respuesta de Lennon no se hizo esperar. Y conociendo su sarcasmo y acidez escribió una canción que se llamó: How do you sleep? (¿Cómo duermes?) publicada en 1971 en su álbum Imagine.

En ella, John escribe:

The only thing you done was yesterday

and since you've gone you're just another day

Le dice a McCartney: “Lo único que has hecho es Yesterday y lo que has hecho ahora es Another Day”, un single de McCartney publicado en febrero de 1971. A lo largo de la canción le deja otros “recados”. Ya sabes que Paul era el “guapo” de los Beatles:

“A pretty face may last a year or two

But pretty soon they'll see what you can do

The sound you make is muzak to my ears

You must have learned something in all those years“

“Una cara bonita puede durar un año o dos

Pero muy pronto verán lo que puedes hacer

El sonido que haces es muzak para mis oídos

Deberías haber aprendido algo durante todos estos años“

Como curiosidad te comento que George Harrison tocó la guitarra slide en esta canción y se comenta que Ringo pasó una noche por el estudio donde se estaba grabando Imagine y, viendo la actitud de Lennon, quien al parecer iba a continuar el ataque con otros párrafos en esa canción, le dijo visiblemente molesto: “Ya es suficiente”.

Aquí los tienes en el estudio de grabación con la letra en subtítulos. El grupo de acompañamiento es de lujo: Alan White (Yes) en la batería, Nicky Hopkins (Eric Clapton) en los teclados, Klaus Voorman en el bajo, además de John Lennon y George Harrison.

3. Fleetwood Mac. Steve Nicks y Lindsey Buckingham

Fleetwood Mac fue un grupo cuyos miembros y su estilo musical cambiaron notablemente a lo largo de los años. Creado en 1967 por Peter Green, gran guitarrista de blues, tomó el nombre de los apellidos de la base rítmica: Mick Fleetwood (batería) y John McVie (bajo). En la formación inicial había nada menos que tres guitarristas: Jeremy Spencer y Danny Kirwan, además de Peter Green. Y su orientación musical era claramente hacia el blues, aunque Peter Green compuso algunos temas, algo diferentes, pero preciosos. Aquí tienes un ejemplo: Albatross

Green dejó el grupo en 1970 y fue sustituido por Christine McVie, entonces esposa del bajista John McVie. Además de cantar, componía y tocaba los teclados, pero con estos cambios, la orientación musical del grupo varió. 

Los otros guitarristas también se marcharon y por ello, los miembros que quedaban se trasladaron a los Estados Unidos y allí, sin guitarrista ni una voz masculina, Mick Fleetwood invitó a ingresar a Lindsey Buckingham, cantante y guitarrista al que conoció en el circuito de Los Ángeles en donde se movía por aquel entonces. Buckingham aceptó, con la condición de que también entrara en el grupo la que era en aquel momento su pareja, Stevie Nicks. La nueva formación dio a Fleetwood Mac una orientación musical diferente, hacia el pop-rock. Su homónimo álbum de debut cosechó un importante éxito con canciones como Rhiannon o Say you love me.

Las relaciones personales dentro de Fleetwood Mac son casi tan famosas como su música. A lo largo de los años, el grupo se convirtió en una tormenta emocional constante, marcada por amores, rupturas, traiciones y una tensión perpetua que, paradójicamente, generó algunas de sus canciones. En el centro del drama estaban Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, una pareja que rompió justo antes de que el grupo grabara su segundo álbum y para mí su obra maestra Rumours, en 1977. Aunque ya no estaban juntos sentimentalmente, siguieron trabajando codo a codo, canalizando el dolor y resentimiento de su ruptura en canciones punzantes como Go Your Own Way (de Buckingham, dirigida Nicks) y Dreams (la respuesta de Nicks, más elegante pero no menos crítica). Por otra parte, Christine y John McVie también estaban en proceso de divorcio durante la grabación de Rumours. Christine escribió You Make Loving Fun como una celebración de su nueva relación con otra persona… mientras su exmarido tocaba el bajo en la pista. Pese al clima emocional cargado, el profesionalismo (y quizás la necesidad económica) los mantuvo unidos en el estudio, creando una alquimia artística que nunca habría sido posible sin ese mismo caos.

Mick Fleetwood, el batería del grupo, no se quedó atrás en los enredos. Además de su matrimonio fallido, tuvo una relación amorosa con Stevie Nicks en uno de los períodos más turbulentos del grupo. Estas conexiones cruzadas, con lealtades cambiantes y heridas abiertas, hicieron que cada sesión de grabación fuese una especie de campo de batalla emocional. Rumours no solo fue un éxito comercial colosal; fue también un documento de guerra sentimental, donde cada pista es una especie de carta abierta, un reproche musical entre ex amantes obligados a convivir creativamente. 

Lo más impactante es cómo estos conflictos personales no destruyeron al grupo, sino que alimentaron su música. Christine McVie se marchó y volvió. Lo mismo hizo Stevie Nicks. Posteriormente, Lindsey Buckingham fue expulsado del grupo. Después comenzaron a entrar un gran número de músicos: Neil Finn (Crowded House), Dave Mason (Traffic), Rick Vito, Mike Campbell (Tom Petty y los Heartbrakers), Billy Burnette… entre otros hasta que ya se han separado definitivamente… de momento.

Aquí tienes dos canciones de reproches (en ese disco, Rumours, hay unas cuantas). En la primera, Go your own way (que podríamos traducir como “sigue tu camino”), Buckingham le dice a Nicks:

Loving you

Isn't the right thing to do

How can I ever change things

That I feel?

“You can go your own way

Go your own way

You can call it

Another lonely day“

“Amarte

No es lo correcto ¿Cómo puedo cambiar las cosas que siento?

Puedes seguir tu propio camino

Sigue tu propio camino

Puedes llamarlo

Otro día solitario“

Nicks le respondía en dos canciones: Dreams y Silver Springs. Cualquiera de las dos nos valdría para comentar el tema que hoy nos ocupa. 

Silver Springs:

“So I'll begin not to love you

Turn around, see me runnin'

I'll say I loved you years ago

Tell myself you never loved me, no“

“Así que empezaré a no quererte

Date la vuelta, mírame corriendo

Diré que te quise hace años

Me diré a mí misma que nunca me quisiste, no“

He escogido las versiones en directo que a mí particularmente me parecen mejores que las del disco. El solo de guitarra de Buckingham en Silver Springs, que comienza a los 2:54 minutos, me parece precioso por su sencillez.

Como curiosidad, estas dos canciones fueron las elegidas para ser publicadas en un sencillo en 1976, que fue un éxito, alcanzando el número uno en el Billboard. Los dos reproches en un único sencillo. Uno contra el otro…. 

Posteriormente, la revista Rolling Stone incluyó en 2010 Go Your Own Way en el número 120 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Como ves, el reproche y el resentimiento también ha producido buenas canciones aunque particularmente sigo prefiriendo las que transmiten un sentimiento positivo.

La tiranía de los tres minutos de duración de las canciones

Durante los años 60 y 70, la mayor parte de las canciones que se difundían en la radio y que se podían reproducir, en las “máquinas tocadiscos o gramolas”, (denominadas jukebox y desconocidas para los lectores más jóvenes) duraban menos de tres minutos. Estas canciones solían presentarse en un formato de discos de vinilo, pequeños que se reproducían a 45 revoluciones por minuto (r.p.m.). Eran los sencillos, a los que también se llamaban singles.

No he podido confirmar el motivo real de la limitación a los tres minutos de duración. Si bien, la opinión más aceptada defiende la existencia de un impedimento tecnológico de los sencillos al no tener capacidad para almacenar canciones de más duración, existen otras posibles razones tales como que hasta los tres minutos, los músicos no cobraban derechos por la difusión de sus canciones, ya que se consideraba una publicidad beneficiosa para sus discos. Otra posible razón esgrimida es que canciones más largas restringirían el tiempo disponible para insertar publicidad entre ellas. Aquí tienes un debate muy interesante sobre el tema. 

Bien sea por una u otra razón, lo cierto es que durante muchísimos años la música escuchada en la radio era a base de sencillos. Incluso, semanalmente se publicaban en todos los periódicos, musicales y no musicales, una lista con la clasificación de las canciones y como iban subiendo o bajando en el hit parade. Puede que algún lector recuerde la página de música del desaparecido periódico local El Eco de Canarias, donde Jorge Alemán y Miguel Magrans publicaban semanalmente su página Disco-express, en la que entre otras noticias estaba la lista de los sencillos. Aquí puedes verlo.

Las canciones de más duración. Los LPs.

Te confieso que nunca compré un sencillo o un single, como quieras llamarlo. Siempre fui de LPs (elepés o long plays). Mi primer LP fue Abbey Road, de Los Beatles, que se publicó en 1969, tenía entonces 12 años. Por aquel entonces había dos tipos de LPs: los que recopilaban una serie de sencillos previamente publicados añadiendo algún que otro tema adicional, o los grupos que publicaban los LPs como tales, con canciones nuevas y en los que el fenómeno era a la inversa: después de publicado el LP, del mismo se extraía uno incluso varios sencillos. 

La Creedence Clearwater Revival era uno de estos últimos. Sin embargo, en los LPs existía una ventaja adicional y era que, además de poder escuchar los mismos sencillos que se oían en la radio, tenías a tu disposición temas más largos, más desarrollados que no sé por qué razón me gustaban más. Así, empecé a escuchar canciones que superaban los quince minutos y la verdad es que no se me hacían largos. Al contrario. Recuerdo que en el colegio, un compañero llevaba su tocadiscos y sus LPs que escuchábamos en la media hora de recreo que teníamos. De esta manera disfruté por primera vez In a Gada da Vida, Get Ready y muchas otras canciones que te comentaré a continuación.

Arbitrariamente he puesto el límite de quince minutos para considerar largas las canciones. Podía ser cualquier otro. Permíteme esta licencia. Al comienzo de cada apartado verás el título de la canción, el grupo, el álbum donde se publicó y su duración. Vamos a comentar algunas de ellas.

‘The Gates of Delirium’. Yes. 'Relayer'. 21:52 minutos.

Yes, uno de los grupos que mejor podrían representar el llamado “rock sinfónico”, tiene varios temas inusualmente largos. Recuerda el disco Tales from the Topograph Ocean, un doble LP publicado en el año 1973 que constaba solo de cuatro temas, cada uno ocupando una cara del vinilo. Podríamos haber incluido a cualquiera de ellos en esta lista u otros como The Solution, que dura 22 minutos, o Awaken. En otro momento hablaremos de Tales from the Topograph Ocean dentro de los que se podrían denominar “discos conceptuales”.

The Gates of Delirium, con una duración de 21:50 minutos, se publicó en el año 1974, curiosamente como la cara A de Relayer, su séptimo disco de estudio. En la grabación de este LP se produjo un cambio en la formación de la banda, pues su icónico teclista, Rick Wakeman, dejó el grupo, siendo sustituido por un hasta entonces desconocido (al menos en el mundillo del rock) Patrick Moraz. Este músico suizo, que curiosamente nació en un avión, tenía una formación musical muy sólida, de conservatorio, pues, de hecho, estudió en el de Laussane desde pequeño y recibió clases de profesores tan conocidos como Clara Haskil, Nadia Boulanger o de músicos como Stephan Grappelli. Antes de entrar en Yes, formó un conjunto llamado Mainhorse, que grabó en 1971 un único disco que pasó totalmente desapercibido. Moraz formó parte de Yes durante poco tiempo, grabando un único disco de estudio, Relayer, para después formar parte de los Moody Blues desde 1978 hasta 1991 y desde entonces continuó con sus proyectos en solitario y colaborando con muchos músicos como Steve Howe, Bill Bruford o Chris Squier entre otros.

La idea de The Gates of Delirium surgió de Jon Anderson basándose en el libro de León Tolstoy Guerra y Paz. La letra del tema es suya y los demás miembros del grupo participaron en la composición de la música. Es un tema poco habitual en el repertorio de Yes. Una versión en directo apareció en el disco Yesshows, publicado en 1980. Después ha aparecido poco en los repertorios en directo.

Aquí tienes la versión original de Relayer (solo audio). 

Como curiosidad, Jon Anderson, que considera a esta canción como muy suya, publicó recientemente con un grupo llamado The Band Geek una versión que puedes escuchar aquí.

‘Echoes’. Pink Floyd. 'Meddle'. 23:30 minutos

Pink Floyd es otro de los grupos sinfónicos que ha publicado temas de larga duración. Tiene varios que superan los quince minutos, como por ejemplo Shine on your Crazy Diamond del disco Wish you Were Here en el que, uniendo sus nueve partes el tema, dura más de 26 minutos, o Atom Heart Mother, del disco con el mismo nombre, que dura 23:44 minutos.

He escogido comentarte el tema Echoes, de su disco Meddle, por varias razones. Una es que fue escrito fundamentalmente por Dave Gilmour y Richard Wright, con letra de Roger Waters. Otra es que apareció en el famoso concierto en directo Live in Pompeii (en directo en Pompeya), concierto que fue publicado no solo como disco, sino del que también se hizo una película y que ha sido recientemente remezclado y publicado en Spotify hace unos pocos días. Echoes era el tema con el que inauguraban los conciertos durante la gira de Pink Floyd A Momentary Lapse of Reason, ya después de la separación de Roger Waters. La última razón es que es un tema que, en mi opinión, simboliza la unión existente entre Dave Gilmour y Richard Wright, pues, además de haberlo compuesto, lo cantaban a dúo. En la gira que hizo Dave Gilmour en solitario en el año 2006, presentando su disco On a Island, Wright formó parte del grupo que le acompañó. Precisamente, aquí tienes una versión de Echoes de esa gira que recoge la última vez que la tocaron juntos. Cuando Wright falleció en 2008, Gilmour decidió no volver a tocarla.

La respuesta del público en todos los conciertos, al escuchar el ping inicial y reconocer la canción, es ya una referencia clásica en el mundo de Pink Floyd. El solo de guitarra que empieza a los 4:35 minutos es para mí de los más bonitos de Gilmour. A su lado está Phil Manzanera, quien produjo el álbum que dio lugar a la gira. El diálogo entre guitarra y teclado que empieza a los 6:34 minutos es también una preciosidad, aunque vale la pena que escuches el tema completo.

‘Whipping Post’. The Allman Brothers Band. 22:54 minutos.

Esta canción, escrita por Gregg Allman cuando tenía solo 21 años, fue  publicada en el primer LP del grupo y duraba 5:17 minutos. Sin embargo, en la versión en directo publicada en su clásico Live at Fillmore East se prolongó durante 22:54 minutos a base de largos solos de guitarra que iban alternando Duane Allman y Dicky Betts. El comienzo del ritmo marcado por el bajista Berry Oakley es inconfundible y curiosamente ha generado una cierta polémica entre los profesionales de la música sobre qué tipo de compás realmente es: 11/4, 12/8, 3/4 o incluso 11/8. Si estás interesado en este debate aquí tienes una discusión. 

La revista Rolling Stone incluyó a Whipping Post entre “las 500 mejores canciones de todos los tiempos», indicando que «la canción se aprecia mejor en la encarnación de veintitrés minutos del Live At Fillmore East”.

Whipping Post fue un clásico de la banda con la que solían acabar los conciertos y existen varias versiones dependiendo de la formación del momento de los Allman Brothers. Aquí tienes la versión original del Fillmore East y otra de solo audio con otra formación completamente distinta, del año 2009, con Warren Haynes y Derek Trucks en las guitarras y con una duración de 20:06 minutos. Ambas valen la pena.

'Thick as a Brick'. Jethro Tull. 'Thick a Brick'. 43:50 minutos

Ian Anderson es Jethro Tull y viceversa. Este controvertido músico comenzó tocando la guitarra, pero según el mismo dijo, se pasó a la flauta después de escuchar a otros grandes guitarristas británicos como Eric Clapton, Jimmy Page o Ritchie Blackmore y darse cuenta de que no podría estar a su altura. Puedes escucharlo en sus propias palabras en esta entrevista:

Compositor de todos los temas de Jethro Tull, cantante, flautista, guitarrista (acústico), Anderson es una persona muy peculiar, con un sentido del humor muy suyo. Así, en el año 1972, compuso Thick as a Brick, una canción que duraba casi 44 minutos en total y que se publicó en un álbum con el mismo nombre dividido en dos partes, obviamente I y II, división forzada por la limitación tecnológica de los discos de vinilo de entonces, como comentábamos al principio. De haberse publicado hoy, habría sido como una sola canción con toda seguridad.

Anderson quiso hacer una parodia de los llamados “álbumes conceptuales” que por aquel entonces estaban apareciendo. Tomó como modelo a “Tommy” de los Who, la denominada primera “ópera rock” de la música. A Anderson le pareció que aquello era una cosa muy pesada, “muy plasta”, y para parodiarla escribió una sola canción llamada así: Thick as a Brick, literalmente “grueso como un ladrillo”, pero coloquialmente “más pesado que un plomo” que diríamos por aquí“. Para continuar con la broma, en los créditos del disco Anderson indicaba que el álbum era una adaptación musical de un poema épico de un genio de ocho años llamado Gerald Bostock, quien, como habrás imaginado, es un personaje ficticio. 

En definitiva, lo que quería ser una burla o una parodia se convirtió en una canción maravillosa, que pese a su duración no resulta en absoluto pesada y que a mí, particularmente, me parece la mejor obra de Jethro Tull. El álbum tuvo una acogida muy buena que se ha ido acrecentando con el paso del tiempo. Ha tenido varias reediciones y mezclas, siendo la última la realizada por el genio Steven Wilson, que me parece espléndida. 

En 2014, la revista Prog incluyó Thick as a Brick en el número 5 de la lista The 100 Greatest Prog Albums of All Time, por votación realizada por sus lectores y la revista Rolling Stone incluyó el álbum en el número 7 de su Top 50 Prog Albums of All Time. No está nada mal, para lo que se concibió como una parodia.

En 2012, Anderson publicó una segunda parte, llamada Thick as a Brick 2 para la que creó el acrónimo TAAB 2. En esta secuela, comentaba lo que Gerald Bostock estaría haciendo 40 años después… En mi opinión, con la que quizá no estés de acuerdo, este disco confirmó el dicho: “Segundas partes nunca fueron buenas”, pero si te apetece escucharlo entero, aquí tienes el enlace:

Hay muchos otros temas largos. Para no extenderme demasiado y no cansarte, déjame incluirte un par de enlaces con una muy breve referencia

'In a Gadda da Vida'. Iron Butterfly. 'In a Gadda da Vida'. 17:02 minutos

Publicado en el año 1968 fue uno de los primeros temas “largos” que ocupaba la cara B del LP de Iron Butterfly con el mismo nombre que la canción. Con un “riff” que se repite a lo largo de toda la canción, se alternan la parte cantada, con solos de guitarra, teclado y batería. Este último constituye uno de los primeros grabados en la historia del rock, por Ron Bushy.

Como anécdota te comentaré que tuve la ocasión de verles tocar en nuestra ciudad en el año 2012 en el Teatro Felo Monzón en Tafira Baja. De la formación original solo quedaba la base rítmica, batería: Ron Bushy y el bajista Lee Dorman, que era invidente en ese momento lo que me impresionó. Fue un concierto memorable. Unos meses después, fallecía Dorman. 

Aquí tienes el tema original (solo audio):

En la música rock no es habitual que los baterías sean los cantantes principales del grupo. Un gran número de formaciones tienen la figura del cantante, que muchas veces actúa también como presentador o animador o como quieras llamarlo, y que ocasionalmente toca algún otro instrumento, como la armónica. Así tenemos a Ian Gillian, en Deep Purple; Robert Plant, en Led Zeppelin; Mick Jagger, en los Rolling Stones; Roger Daltrey, en los Who; David Coverdale, en Whitesnake, o Roger Chapman, en Family, entre muchos otros. 

Otras formaciones prescinden de la figura del cantante y es otro miembro del grupo el que, además de tocar un instrumento, canta. Así, además de cantar, tocan los teclados Steve Winwood, en Traffic, y Greg Allman, en los Allman Brothers. 

Cuando se trata del bajo, tenemos a Sting, en The Police, a Paul McCartney, en los Beatles; a Geddy Lee, en Rush; a Glenn Hughes, en Black Country Communion, y a mi muy admirado Jack Bruce, en Cream. 

La figura del cantante guitarrista es también muy frecuente: George Harrison y John Lennon, en los Beatles; Glenn Frey o Bernie Leadon, en los Eagles; Adrian Belew, en King Crimson, y Eric Clapton, en Derek and the Dominos, entre muchos otros.

Sin embargo, la figura del cantante-batería es menos común, por no decir que bastante rara. Y muchos de ellos tienen una voces muy buenas. Comentaremos algunos de ellos.

1.Don Henley

El cantante y batería de los Eagles es a día de hoy el único miembro de los cuatro que constituyeron el grupo original, dado que Bernie Leadon se marchó en 1976, y tanto Randy Meissner como Glenn Frey han fallecido. Dotado de una voz magnífica, Henley es el principal cantante de los Eagles y toca a la vez la batería en algunas canciones, si bien es cierto que en los últimos años, en los conciertos deja la batería y se adelanta al frente para cantar o incluso tocar la guitarra rítmica. Por cierto, tiene una preciosa Telecaster.

Gran letrista, como ya comentamos en otro capítulo anterior de El Camarote, Henley ha publicado cinco discos en solitario y también ha colaborado con otros músicos.

Curiosamente, Henley canta en falsete. Su voz normal para hablar es mucho más grave. En 2008, fue clasificado como el 87º mejor cantante de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

Aquí lo tienes cantando Hotel California, con Los Eagles, su grupo. 

Y aquí en una entrevista en televisión donde podrás apreciar el tono de su voz cuando habla.

2.Levon Helm

El que fue batería y cantante de The Band, el mítico grupo que colaboró con Bob Dylan en su disco The basement tapes, estaba dotado de una voz rasposa y característica. Helm fue el cantante de muchas canciones escritas, por ejemplo, por Robbie Robertson, el guitarrista del grupo. Una de ellas es The Weight, y Robertson consideró que la voz de Helm era la más adecuada para ese tema que se ha convertido en un clásico y en una de las canciones no solo más reproducidas en la radio y en las plataformas musicales, sino también una de las más versionadas por artistas de todo tipo, como, por ejemplo, Aretha Frannklin. En The Band, además de Levon Helm, cantaban Rick Danko, Richard Manuel y Robbie Robertson, haciendo también unas armonías muy bonitas.

Además de la batería y cantar, Helm tocaba la mandolina y algún otro instrumento, cosa común entre los miembros de ese maravilloso grupo. Así, una ocasión, sorprendieron al auditorio al sentarse Richard Manuel a la batería, coger Levon Helm la mandolina y cambiar Rick Danko el bajo por el violín. También  compaginó su carrera como músico con la de actor y actuó en varias películas como Coal Miner's Daughter (1980) en español, Quiero ser libre, en el papel de Ted Webb; en The Right Stuff (1983), titulada en español Elegidos para la gloria donde interpretó el papel de Jack Ridley; en Los tres entierros de Melquiades Estrada (2005), donde hacía de invidente, y finalmente en In the Electric Mist (2009) titulada en español En el centro de la tormenta, en el papel de un general confederado. Quizá te preguntes, como yo, por qué a veces le ponen a algunas películas nombres que no tienen nada que ver con el título original. Por ejemplo Coal Miner's Daughter, que literalmente se debe traducir como La hija del minero de carbón fue titulada en el circuito cinematográfico español como Quiero ser libre. A saber por qué razón.

Fumador de tres paquetes de cigarrillos diarios, no es de extrañar que falleciera por un cáncer de garganta en abril de 2012. Fue sometido a un intenso tratamiento con radioterapia para no extirparle la laringe dada su profesión. Se recuperó e incluso volvió a cantar, aunque, por el daño que sufrieron las cuerdas vocales, su voz cambió. En noviembre de 2008 la revista Rolling Stone lo clasificó en el número 91 de su lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos

Como curiosidad déjame contarte que una de mis canciones preferidas de Elton John, Levon, de su álbum Madman Across the Water, se llama así debido a la admiración que ambos, Elton John y Bernie Taupin, tenían hacia The Band, cuando iban juntos a comprar en su tienda de discos favoritas los primeros discos de este grupo.

Disfrútalo en la canción The Weight, quizá la más emblemática de The Band.

3.Roger Taylor

El cantante, compositor y batería de Queen es el autor de algunas de sus canciones más famosas, como Radio Gaga,  A Kind of Magic o I want to Break Free, llegó a cantar algunas canciones en su grupo, pese a tener a un portento vocal como Freddie Mercury a su lado. En vida de éste, puedes escuchar la voz de Taylor en canciones como I´m in love with my car o Fight From the Inside, además de hacer coros en muchas otras canciones con los otros miembros del grupo: Brian May, John Deacon y el propio Freddie Mercury.

Entre 1987 y 1993 Roger Taylor formó un grupo llamado The Cross con una orientación musical diferente, quizá una música más disco. Curiosamente, en este grupo, Taylor abandonó la batería y pasó a cantar y a tocar la guitarra rítmica, algo similar a lo que hizo Dave Grohl cuando dejó Nirvana.

Taylor ha publicado seis discos en solitario y continúa tocando con Brian May y otros músicos canciones de Queen. Hizo una gira con Paul Rodgers, incluso llegaron a grabar un disco con material nuevo escrito por los tres, llamado The Cosmos Rocks. Posteriormente, tras la marcha de Rodgers, Brian May y Roger Taylor comenzaron a trabajar con otro cantante, Adam Lambert, con quien continúan de gira. Al menos hasta hace poco. 

Fue elegido “el octavo batería más grande de la historia de la música rock” en una votación realizada por la estación de radio Planet Rock en 2005. Aquí lo tienes en un tema de la gira de Queen con Paul Rodgers, en un concierto en Ucrania, precisamente de su disco The Cosmos Rocks.

Como curiosidad, parece ser que Roger Taylor rechazó la oferta de trabajo que le hizo Peter Gabriel para que se uniese a Genesis, haciéndose con el puesto de batería Phil Collins. Pero sobre esto hay alguna controversia que puedes leer en este artículo.

Por último, escucha esta preciosidad de canción, publicada en el álbum Innuendo y cantada por Freddie Mercury en su versión original. Esta es una versión en directo, durante la gira de Queen con Paul Rodgers, cantada por Roger Taylor con un solo de guitarra de Brian May de los que no se te olvidarán.

4.Karen Carpenter

Los Carpenters fueron un dúo formado por los hermanos Karen y Richard Carpenter. Hacían una música rock-suave, llamada también easy listening en la que combinaban la voz de contralto de Karen con las armonías vocales que le hacía su hermano. Grabaron diez discos en los catorce años que duró su carrera.

Richard tocaba el piano y Karen la batería. Durante un tiempo formaron un trío, el Richard Carpenter Trio (año 1965), con Wes Jacobs tocando el contrabajo, haciendo una música más orientada hacia el jazz. En 1967 Jacobs dejó el grupo y durante un corto período de tiempo Karen y Richard formaron un grupo llamado Spectrum, que tuvo un cierto éxito local en los circuitos de Los Ángeles llegando a actuar como teloneros de Steppenwolf al comienzo de su carrera.

Ya en 1969, los Carpenters comenzaron su carrera como dúo, en el que, Richard era el compositor y arreglista de la mayor parte de los temas y Karen tocaba la batería a la vez que poco a poco iba cogiendo confianza en su voz. Una voz muy peculiar y dulce, con un registro que llegaba a alcanzar tres octavas.

Grabaron un total de trece álbumes de estudio, dos en directo así como un total de cuarenta y nueve sencillos. Su segundo álbum, Close to You, alcanzó el número dos en las listas de Estados Unidos, el número uno en las canadienses siendo galardonado como platino al poco tiempo de salir a la venta. El single Close to you, publicado en el año 1969, fue número uno en prácticamente todo el mundo.

Estoy seguro de que recuerdas esta canción y que, posiblemente, te traerá recuerdos de tu juventud.

Karen medía 1,63m y a veces le costaba “aparecer” detrás de su batería Ludwig. Pese a ser una excelente baterista, a medida que ganaba confianza en su voz, fue abandonando el instrumento de tal manera que al final de su carrera musical prácticamente no lo tocaba o lo hacía muy poco. Enfermó de anorexia nerviosa y falleció el 3 de febrero de 1983 por una insuficiencia cardíaca, consecuencia de la anorexia.

Aquí puedes verla tocando y cantando como Richard Carpenter Trio en la televisión. La canción es Dancing in the Streets, escrita por Marvin Gaye, William Stevenson e Ivy Jo Hunter y que la popularizó en el año 1964 Martha and the Vandellas. Hay muchas versiones de esta canción, como la que en su momento hicieron Grateful Dead, The Kinks y la de David Bowie y Mick Jagger, quizá la más conocida.

5.Phil Collins

El batería de Genesis, el fantástico grupo británico, nunca pensó en ser cantante, como el mismo decía, pero en el año 1975 Peter Gabriel abandonó el grupo. Tras hacer un enorme número de audiciones sin encontrar un reemplazo adecuado, Collins decidió probar a cantar y de esta manera grabaron el disco A Trick of the Tail. Cuando llegó el momento de salir de gira para promocionar el disco, Collins no quería ser el cantante, pero como aún no habían encontrado a ningún otro que les gustase, decidió aceptar este rol, pero con la condición de que su amigo Bill Bruford, que había sido batería con Yes, se uniera a Genesis durante la gira, como así fue.

Así consolidó su papel como cantante. En los primeros conciertos, tan pronto como podía, Collins se refugiaba en su batería. Aquí puedes verlo en el concierto de inicio de la gira en el año 1976 en Canadá. En el minuto 3:50 lo verás, tocando junto con Bill Bruford quien pasa a dedicarse a la percusión.

Collins consolidó su puesto como cantante, pero en lo sucesivo Chester Thompson ocupó el puesto de batería, volviendo Collins a “reforzar” la percusión como hico con Bruford en los conciertos en directo. Sin embargo, en sentido estricto, Phil Collins no fue cantante y batería al mismo tiempo (como todos los anteriormente citados en el artículo) sino cantante o batería, desempeñando uno u otro papel pero no los dos a la vez al menos en Genesis. Ya en su etapa en solitario, en ocasiones, hacía las dos cosas a la vez, pero en contadas canciones, como en una de las más conocidas suyas In the Air Tonight, tema famoso por la entrada de la batería. Aquí puedes verlo. La famosa entrada está en el minuto 4:01. 

Magnífico batería, cantante, compositor, productor, Collins ha tenido una dilatada vida de éxitos y se ha retirado recientemente, enfermo. Su hijo Nic también toca la batería, enseñado por su padre y le acompañó en la gira de despedida Phil Collins not Dead Yet Tour. En este video del año 2023, tocando con Mike and the Mechanics puedes ver como lo hace.

6.Otros

Ringo Starr nunca cantó detrás de una batería cuando estaba con Los Beatles, pero después desarrolló una carrera en solitario como cantante, grabando un buen número de discos y creando su grupo All Stars, por el que han pasado un sinfín de buenos músicos, donde principalmente canta o toca la batería, cada vez menos. No obstante, hay una canción en la que podrás verle haciendo ambas cosas: en el concierto por Bangladesh, organizado por George Harrison y en el que cantó y tocó su tema: It don´t come easy. Una joya.

Dave Grohl fue batería en Nirvana con Kurt Cobain. Tras la muerte de éste en 1994, Grohl formó Foo Fighters y aquí pasó a adoptar el rol de guitarrista y cantante. En Nirvana, nunca cantó estando detrás de la batería.

Y quedan algunos más como Carmine Appice, Nigel Olsson, Don Brewer, Micky Dolenz… quizá en otra ocasión hablemos de ellos.

Por último, querría comentarte que sentí curiosidad por saber cuál es el término correcto para denominar a los músicos que tocan la batería ¿batería o bateristas?. Pues bien, la RAE acepta ambos.

No incluyo en esta entrega canciones que en realidad son plagios (ya hemos hablado de ellas en el capítulo de Led Zeppelin, por ejemplo); ni canciones que fueron escritas por unos compositores para otros cantantes o grupos. Con el término “robadas” quiero referirme a canciones que, siendo escritas, grabadas y publicadas por determinados autores (cantantes o grupos), obtuvieron su mayor éxito con las versiones llevadas a cabo por otros, aunque muchos de nosotros desconozcamos la existencia de la versión original. 

Veamos unos cuantos ejemplos a ver qué te parecen. El primer nombre es el del autor o autora y el segundo, el del artista que tuvo el éxito.

“I will always love you”. Dolly Parton / Whitney Houston

Esta canción, incluida en la banda sonora de la película El guardaespaldas es una de las más conocidas y reproducidas en las emisoras de radio. En Spotify a día de hoy cuenta con casi 800 millones de accesos. Es la canción por excelencia que eligen aquellas mujeres que tienen buena voz y acuden a cantar a un karaoke. Esta canción, publicada en el año 1992, ha vendido más de 24 millones de discos a nivel mundial, convirtiéndose en el sencillo más vendido de todos los tiempos por una artista femenina. Gracias a ella, Whitney Houston ganó dos premios Grammy.

Pues resulta que la canción fue escrita por Dolly Parton, a quien no hay que presentar, y fue publicada como sencillo en 1974. Fue compuesta como una despedida a su compañero y mentor Porter Wagoner, después de que Parton decidiera emprender una carrera como solista. Y realmente tuvo bastante éxito, pues llegó a  alcanzar el primer lugar en la lista Billboard Hot Country Songs en dos ocasiones: primero en junio de 1974 y nuevamente en octubre de 1982, tras una nueva grabación de la canción. Con este logro, Parton se convirtió en la primera artista en alcanzar el número uno dos veces con la misma canción. En Spotify, este tema hoy cuenta con más de 142 millones de reproducciones, lo cual tampoco está nada mal. 

La canción se interpretó en el funeral de Whitney Houston mientras sacaban su ataúd de la iglesia. El título de la canción también se grabó como epitafio en su lápida. A Dolly Parton, además del reconocimiento, le queda el consuelo de que los derechos de autor son suyos.

Aquí tienes las dos versiones:

Primero la de Dolly Parton, y, aquí la de Whitney Houston con la letra.

Te confieso que no sabría con cuál quedarme. Ambas versiones son preciosas.

Hey Joe. Billy Roberts /Jimi Hendrix

Esta canción es mundialmente conocida por la versión que hizo el gran guitarrista Jimi Hendrix y publicada con la Jimi Hendrix Experience como sencillo en el año 1966. Es una de sus canciones más paradigmáticas, y además de ser conocida por su calidad, lo es asimismo porque en directo a menudo tocaba el solo con los dientes o con la guitarra a su espalda. Lo podrás ver en este video a partir del minuto 1:40 (tocando con los dientes) y con la guitarra a su espalda en el minuto 3:16, aunque te recomiendo que escuches la canción entera, pues vale la pena.

Sin embargo, la autoría de la canción tiene su historia. Está registrada por un tal Billy Roberts, en el año 1962. Roberts era un cantante folk americano, que la cantaba en los conciertos que daba en cafés y pequeños recintos en San Francisco, pero nunca llegó a publicarla como disco. 

Sobre su autoría hay una leyenda pues un amigo suyo llamado Dino Valenti también registró la canción a su nombre. Al parecer, Billy Roberts le cedió de palabra los derechos de autor para ayudarle a salir de la prisión estatal de San Quintín (la cual te sonará porque Johnny Cash dio en ella un concierto que fue publicado en un disco) donde Valenti cumplía una sentencia por tráfico de drogas. 

Otra versión sobre esto refiere que en el Año Nuevo de 1965 varios músicos como Johnny Cash, Sara Vaughan y el propio Billy Roberts ofrecieron en un concierto a los internos de la prisión y es posible que allí Valenti escuchara la canción. Lo cierto es que, en 1965 Valenti publica Hey Joe en un disco sencillo con su grupo The Leaves en donde firma la autoría de la canción. Se produce entonces la demanda judicial por parte de Roberts y al serle la sentencia favorable, los derechos de autor están registrados definitivamente a su nombre. 

Aquí tienes la versión de Billy Roberts, la cual copió literalmente Jimi, sin muchas modificaciones. Compárala, si quieres, con la versión de The Leaves.

Es bastante más rápida, pero la letra y acordes son los mismos.

Dino Valenti fue un personaje curioso. En realidad se llamaba Chester William Powers, Jr, pero utilizó profesionalmente varios nombres: Dino Valenti, Dino Valente, Jesse Orris Farrow y Jesse Oris Farrow. Fue el fundador, junto aJohn Cipollina, de un grupo que quizá recuerdes: Quicksilver Messenger Service, una banda relacionada con el rock psicodélico de San Francisco. Encarcelado de nuevo por posesión de drogas, el grupo le cedió los derechos de la autoría de una canción Dino´s song para que pudiera obtener royalties dentro de la prisión. Debió ser una persona muy especial y querida como para que tanto Roberts como Quicksilver Messenger Service le cedieran los derechos de autor de sus canciones para ayudarle a salir de la cárcel. 

La historia de la canción todavía da para más: resulta que David Crosby la escuchó a The Leaves cuando la cantaban en los cafés de San Francisco y se quedó prendado. Por aquel entonces, Crosby militaba en The Byrds y quiso grabarla con ellos, pero contó con la feroz oposición de los demás, especialmente de Roger McGuinn, permitiéndole cantarla tan solo en directo. Tras años de insistencia, por fin Crosby pudo incluir la canción en el álbum Fifth Dimension, publicado en 1967. Aquí la tienes.

Fue su canto de sirena, pues poco después, en el mes de octubre de 1967, Crosby fue despedido de The Byrds por discrepancias musicales, según dijeron.

Pues bien, pese a todo lo que has leído, cuando se habla de Hey Joe todo el mundo piensa en “la canción de Jimi Hendrix”. Ya ves como son las cosas.

Torn. Ednaswap / Natalie Imbruglia

Torn es la canción por excelencia de Natalie Imbruglia, una cantante australiana, con una voz muy bonita, pero que, desafortunadamente para ella, ésta ha sido su único éxito importante, porque si preguntas a cualquier aficionado a la música que te diga el nombre de cualquier otra canción de su repertorio, probablemente no recuerde ninguna. 

Torn tuvo un éxito tal que fue nominada al Premio Grammy a la mejor interpretación femenina vocal de pop en 1999. Fue número 1 en la lista de éxitos en varios países, entre ellos España, y curiosamente se quedó en el número 2 en su Australia natal. Fue incluida por la revista Rolling Stone como una de las 50 mejores canciones de los años 90. Si miras en Spotify, a día de hoy, su versión alcanza casi los mil millones de reproducciones.

Pues bien, Torn fue compuesta por Scott Cutler, Anne Preven y Phil Thornalley cuando formaban parte de una banda americana de rock alternativo que se llamaba Ednaswap. Dicho grupo tuvo una vida relativamente corta en los años 90. La canción fue compuesta en 1991 pero no la grabaron hasta unos años después, cuando la incluyeron en su álbum de debut autotitulado Ednaswap y que fue publicado en 1995. La canción pasó sin pena ni gloria y el grupo se disolvió en 1999.

Sin embargo, el tema llegó desde Estados Unidos a Dinamarca, fue traducido del inglés al danés como Brændt (Quemado) y allí una cantante danesa llamada Lis Sørensen, lo publicó en el año 1993, dos años antes de que Ednaswap sacara su primer disco. La canción fue incluida en su álbum Under stjernerne et sted (Algún sitio bajo de las estrellas), y se convirtió en un éxito de difusión en la radio en Dinamarca. Por cierto, no te creas que hablo danés. El programa DeepL es maravilloso.

Aquí tienes la versión de Lis Sørensen.

Es prácticamente igual a la versión de Natalie Imbruglia, pero tiene un solo de guitarra acústica muy bonito a los 2:30 minutos. Escúchalo.

La canción siguió por Escandinavia y así, en 1996, un año después de que, por fin,  Ednaswap publicara su álbum, la cantante noruega Trine Rein hizo una versión de Torn que publicó en su álbum Beneath My Skin. Es una versión también muy similar a la de Natalie Imbruglia y también cantada en inglés. Fue un relativo éxito en Noruega. Ya por fin en 1997, Natalie Imbruglia publicó su versión y aquí se acabó el carbón. Desde entonces es SU CANCIÓN.

Como curiosidad te comento que Natalie Imbruglia ha desarrollado una carrera paralela como modelo de algunas marcas cosméticas. 

Rockin´ all over the world. John Fogerty /Status Quo

Quizá con esta canción ocurra lo mismo que pasaba con Hey Joe, que pienses que es una canción original del grupo británico Status Quo. Pues no es así, su compositor es John Fogerty el que fue líder del grupo Creedence Clearwater Revival, al que con toda seguridad recordarás.

Fogerty publicó la canción en el año 1975 en su segundo disco en solitario tras la disolución de la Creedence Clearwater Revival, llamado John Fogerty y la verdad es que no tuvo éxito, ni el álbum en su conjunto, ni el sencillo que se extrajo del mismo, con la canción que nos ocupa y con The Wall en su cara B. En Estados Unidos alcanzó el puesto 27 de 40. Si vas a Spotify (no dispongo de otras fuentes donde ver las reproducciones de las canciones) la canción ni siquiera aparece entre las más reproducidas de John Fogerty.

El grupo británico Status Quo, un claro exponente de lo que podríamos llamar rock alegre, sin muchas pretensiones pero que llega a mucho público, publicó la canción como parte de un LP con el mismo nombre: Rockin´ all over the World, publicando la canción también como sencillo. Fue un éxito inmediato. Alcanzó el número 3 en las listas británicas detrás de Queen con su We are the Champions y se mantuvo en las listas de ventas durante muchísimas semanas, siendo certificado como disco platino en cuanto a ventas. 

Por otra parte, sin duda recordarás el evento Live Aid, dos conciertos organizados por Bob Geldof y Midge Ure, celebrados el 13 de julio de 1985 de forma simultánea en el Estadio Wembley de Londres (Reino Unido) y en el John F. Kennedy Stadium de Filadelfia (Estados Unidos), para recaudar fondos en beneficio de Etiopía y Somalia. Pues bien, los Status Quo fueron los primeros en actuar en ese concierto y abrieron con Rockin´ all over the World. La canción fue utilizada después por la BBC para anunciar cualquier noticia relacionada con Live Aid por lo que su difusión aumentó muchísimo. Hasta tal punto la versión de Status Quo se popularizó que varios equipos de fútbol como el Bayer Leverkusen, el Manchester United o el Arsenal utilizan la canción, algunas veces modificando la letra, para animar a su afición cantándola cuando se marca algún gol.

Aquí tienes la versión del Bayer. Y aquí la del Arsenal.

Lejos de molestarse, John Fogerty quedó encantado de la aceptación de la canción, sobre todo en el Reino Unido, donde la utilizaba para abrir sus conciertos y de paso recordarles que la canción fue escrita por él. En una entrevista a la revista Uncut comentaba que era maravilloso que la versión de una canción fuera más conocida que la original. No me extraña, si tienes en cuenta que, de nuevo, los derechos de autor son suyos.

Aquí tienes las dos versiones:

La original de John Fogerty.

La de Status Quo.

Y la apertura de Live Aid por Status Quo.

¡Parece que fue ayer y ocurrió hace casi 40 años!

The air that I breathe.  Albert Hammond, Mike Hazlewood/ The Hollies

Esta preciosa balada, una de mis preferidas, fue coescrita por Albert Hammond y Mike Hazlewood. Ambos han creado un enorme número de canciones de éxito para cantantes como Willie Nelson, Aretha Franklin, Celine Dion, Julio Iglesias, Chris de Burgh y Diane Warren, entre muchos otros.

Albert Hammond nació en Londres y se trasladó con su familia a Gibraltar donde vivió su juventud. Posteriormente continuó su carrera en los Estados Unidos. En el año 1972 publicó su álbum de debut, llamado It never rains in Southern California que incluía la canción de mismo nombre y que fue un gran éxito en todo el mundo consagrándole tanto como cantante como compositor. En este mismo álbum estaba también otra joya, The air that I breathe, coescrita por los dos autores, Hammond y Hazlewood. 

Eclipsada por la canción estrella del álbum, It never rains in Southern California,  The air that I breathe pasó casi desapercibida. No obstante, llamó la atención de Phil Everly, de los Everly Brothers, quien hizo una versión de esta canción, publicándola como sencillo, y en su álbum Star Spangled Springer. Ni el sencillo ni el álbum tuvieron mucho éxito.

Sin embargo, en 1974, un grupo británico llamado The Hollies, en el que estuvo Graham Nash, entre otros músicos de élite, grabó una nueva versión de la canción, con algunos arreglos entre los que se incluía una sección orquestal. El ingeniero de sonido de la grabación fue Alan Parsons a quien Eric Clapton le dijo que “la nota inicial de la canción (tocada en una guitarra) tenía más alma que cualquier otra cosa que hubiera oído jamás”. 

La versión de The Hollies alcanzó un enorme éxito tanto en el Reino Unido como en Los Estados Unidos y otras partes del mundo. En países como Nueva Zelanda, Holanda y Sudáfrica fue número uno de las listas durante varias semanas. En Los Estados Unidos se vendieron más de un millón de discos y fue certificado como platino. En Spotify, la versión de The Hollies tiene casi 190 millones de reproducciones. La versión de Albert Hammond no aparece. Su mayor número de reproducciones la tiene It never rains in Southern California, como seguramente suponías.

Aquí tienes las dos versiones:

La original: Albert Hammond y la versión de The Hollies.

Definitivamente, me quedo con la de The Hollies.

Un par de curiosidades para terminar: Albert Hammond habla un español perfecto por la etapa en la que vivió en Gibraltar, pero si me apuras, me atrevería a decir que su acento, con el “seseo”, parece canario.

Otra curiosidad es que su hijo Albert Hammond Jr. forma parte del grupo The Strokes y por último, que Hammond y Hazlewood demandaron al grupo Radiohead porque opinaron que su canción Creed era un plagio de The air that I breathe. Juzga por ti mismo el parecido entre ambas canciones.

Llegaron a un acuerdo extrajudicial por el que Hammond y Hazlewood fueron reconocidos como coautores de dicha canción, recibiendo un porcentaje de las regalías.

Aunque algunos grupos han hecho una música exclusivamente instrumental, lo cierto es que la música rock consta de letra y música. Y la letra también es importante.

Actualmente, en el primer cuarto del siglo XXI el conocimiento del idioma inglés en nuestro medio ha aumentado notablemente, especialmente entre los más jóvenes. Recuerdo en mi época de docente que al preguntar a mis alumnos de Medicina de la ULPGC cuántos eran capaces de seguir la clase en inglés, aproximadamente la mitad respondía afirmativamente. Sin embargo, en los años 60 y 70, cuando comenzábamos a oír música rock, la proporción de aquellos que podía entender la letra de la canción era muy baja. No nos enterábamos de qué iba el tema. Por aquel entonces no había internet y la única forma de obtener la letra era cuando el disco la traía impresa en una hoja adicional. Posteriormente, cuando comenzaron a aparecer los CDs, a finales de los años 80, muchos incluían un libreto que siempre se agradecía mucho, ya que a través del mismo, no solo podías acceder a las letras de las canciones, sino a los nombres de los músicos que participaban en cada tema, los compositores y mucha otra información. 

También recuerdo que en los años 80 había un programa de radio, para aprender inglés, en el que se escogían letras de canciones para, a partir de las mismas, desarrollar el tema que ese día se estudiaba. Así, por ejemplo, entendí que el tema de los Creedence Clearwater Revival, I Heard it trough the grapevine de su disco Cosmo´s Factory no quiere decir “lo escuché a través de la vid” sino que te enteraste de algo por un chisme. De pequeño decíamos “me lo dijo un pajarito”.

Muchos músicos componían la canción entera ellos solos, letra y música. Por solo nombrar a algunos: Paul McCartney, George Harrison, John Lennon, Sting, Mark Knopfler, Roger Hogdson, Pete Townshend, Greg Allman, Peter Gabriel, Phil Collins… 

Es cierto que Paul McCartney y John Lennon a veces coescribían las canciones, participando algo más que en los créditos, pero llegaron al acuerdo de firmarlas todas como “Lennon y McCartney”. No ocurrió lo mismo con Supertramp: Roger Hodgson y Rick Davies escribían cada uno por su parte, (con la excepción de School del disco Crime of the Century) y las canciones de cada uno son claramente identificables, aunque todas estén firmadas por los dos.

Curiosamente en el primer disco de Supertramp llamado simplemente así pero conocido como “el de la rosa”, todas las letras las escribió el entonces guitarrista del grupo Richard Palmer.

En algunos casos, la calidad de la letra y su contenido daba a la canción un valor añadido. Es lo que ocurre con las canciones de Leonard Cohen o Bob Dylan. Este último fue galardonado con el premio Nobel de Literatura en el año 2016 por estas razones que esgrimió la Academia Sueca para concedérselo: “Haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la tradición de la gran canción americana”. Ha habido defensores y detractores de este premio, pero no cabe duda de que, al concedérselo, se otorgó oficialmente a la letra de las canciones una importancia que quizá hasta entonces no había sido tan reconocida.

La polémica fue ampliamente contada, tanto sobre el merecimiento para que se le concediera el Nobel, como la decisión de Dylan de no acudir a recoger el premio aduciendo que tenía otros compromisos. Además de la ceremonia privada el 1 de abril de 2017 para recoger el galardón: su discurso fue acusado de ser un plagio. Más polémica, imposible.

Ha habido algunas “asociaciones” entre músicos y letristas muy conocidas durante la historia de la música rock. Una, muy reconocida fue la de Elton John con Bernie Taupin. Es curiosa la manera en que trabajaban, pues no se sentaban juntos ni escribían las canciones a medias. Bernie Taupin enviaba por correo sus letras y Elton John les añadía la música. Esto quedó bien documentado en la película Rocket Man biográfica sobre Elton John.

Una forma muy extraña de componer era la que tenía Carole King, quien estaba casada con Gerry Goffin, acudían juntos a un edificio muy conocido en Nueva York, llamado Brill Building. Allí se sentaban a componer “en horario de oficina”. Sin embargo, no eran los únicos, pues en el edificio coincidían otros músicos y letristas que acudían allí para eso: componer canciones. Una revisión más detallada de los músicos y letristas que trabajaron en el Brill Building puedes obtenerla aquí.

En muchos grupos anglosajones de los años 60 y 70 era habitual que un miembro del grupo se dedicara predominantemente a las letras. Así, en Traffic, Steve Winwood componía la música y Jim Capaldi la letra, si bien Winwood ha trabajado durante mucho tiempo con Will Jennings, un letrista muy conocido y valorado, pues coescribió con Eric Clapton la letra de uno de sus temas más emblemáticos, Tears in Heaven, dedicada a su hijo Connor quien falleció en 1991 al precipitarse al vacío desde un edificio. desde un edificio. Will Jennigs, que falleció el pasado mes de septiembre de 2024 a los 80 años, también fue el letrista de otras canciones que seguro que recordarás: Up where we belong de la película Oficial y Caballero, cantada por Joe Cocker y Jennifer Warnes, o My Heart Will go on de la película Titanic, cantada por Celine Dion.

En los Rolling Stones, Mick Jagger es el autor principal de las letras, lo mismo que sucedía en Led Zeppelin, labor que desarrolló magníficamente Robert Plant, con algunas letras épicas, como la de Stairway to Heaven que te transportan a un mundo esotérico y fantasioso. En los Eagles, Glenn Frey y Don Henley compartían labores de composición, si bien es cierto que las letras eran sobre todo fruto del trabajo de Henley. La letra de Hotel California todavía genera opiniones y polémicas sobre su verdadero significado.

Un caso interesante fue el del grupo canadiense Rush. Cuando se unieron, ni Alex Lifeson ni Geddy Lee disfrutaban especialmente escribiendo letras, por lo que le encargaron el trabajo al batería, Neal Peart. La idea tuvo éxito y como prueba de ello es que compusieron el disco Fly by Night en tan solo diez días, siendo el primer tema al que Peart aportó la letra By-Tor and the Snow Dog.

Finalmente, Pete Sinfield comenzó escribiendo la letra para los primeros álbumes de King Crimson. Tras ser despedido por Robert Fripp, continuó escribiendo letras para otros músicos, por ejemplo, la letra de todas las canciones del primer disco de un grupo italiano, de Milán, llamado Premiata Forneria Marconi, así como algunas canciones con Emerson Lake y Palmer, sobre todo el disco Love Beach (uno de los mas flojos de éstos, en mi opinión) o con Gary Brooker, de Procol Harum. Después, llegó incluso a producir y publicar en 1973 un disco con sus canciones, llamado Still, disco en el que, como cabría esperar, escribió todas las letras y participó también en la música, colaborando en el mismo, músicos de la talla de Greg Lake, John Wetton, Mel Collins o Ian Wallace, por solo nombrar a algunos.

Still, la canción que le da el título a dicho álbum es un tema, como el resto del disco, en mi opinión un tanto extraño. Quizá te guste. Aquí lo podrás escuchar cantando en directo. La verdad es que no lo hacía nada mal.

Alguien dijo que la voz humana es el instrumento más maravilloso, algo con lo que estoy completamente de acuerdo. La voz y la combinación de las voces constituyen una de las bases de toda la música y entre ellas el rock. Hoy hablaremos de ello.

Existen grupos o músicos que desarrollan una música fundamentalmente instrumental, como pudieran ser Spyrogyra, Joe Satriani o Steve Vai. En determinados temas pueden tener a un vocalista invitado, pero su música es básicamente instrumental. Los primeros discos del recientemente fallecido Jeff Beck eran así, aunque en los últimos había preferido invitar a cantantes en sus temas, sobre todo en directo, como Beth Hart, Joss Stone o Rod Stewart y, particularmente, creo que su música ganó con ello.

Tenemos vocalistas que han desarrollado una carrera por sí mismos, sin necesidad de ser parte de un grupo, aunque al principio pudieron ser parte de alguno. Ellos graban sus discos y salen de gira con sus músicos, por lo general contratados, a los que a menudo cambian. Es el caso de Joe Cocker, quien nunca se integró en un grupo. Dotado de una voz rota, inconfundible, desarrolló una larga carrera con éxito hasta su prematura muerte en 2014. Ganador de un Grammy por la canción Up where we belong con Jennifer Warnes, que recordarás de la película Oficial y Caballero. Sus gritos atronadores y roncos en la parte final de With a little help from my friends en el festival de Woodstock, juntos con los movimientos “epileptoides” de sus manos forman parte de nuestro patrimonio musical y serán siempre recordados.

Otro cantante con una voz personalísima es Rod Stewart. Formó parte del grupo de Jeff Beck al principio y con él grabó un disco fantástico en 1967 donde estaba Ronnie Wood tocando el bajo. Ambos se embarcaron después en la aventura de Faces, un grupo espléndido que tuvo su mejor momento a principios de los años 70 con una formación de lujo en la que figuraba Ronnie Lane, Kenney Jones e Ian McLagan. Rod abandonó el grupo a principios de los 70, cuando tuvo el que ha sido su gran éxito por encima de todos, Maggie May, y desde entonces ha hecho discos irregulares, dando tumbos del rock al pop, pasando por la música popular americana y de ahí a hacer versiones de casi todo el mundo, eso sí, dándole a las canciones su particular acento con esa voz única e inconfundible.

Paul Rodgers es otro vocalista con una gran voz, que empezó formando parte de varios grupos, como Free, Bad Company o The Firm con nada más y nada menos que Jimmy Page, el guitarrista de Led Zeppelin. A partir de los años 80, comenzó su carrera en solitario, con algunos discos muy buenos, como el de Muddy Waters Blues y otros para olvidar como puede ser Now. Hace unos años se unió a dos miembros de Queen, Brian May y Roger Taylor y grabaron un disco con canciones nuevas The Cosmos Rocks en el año 2008, así como un disco en directo: Queen con Paul Rodgers, the Return of the Champions en el que combinaron canciones de unos y otros con un resultado más que interesante. Hace ya algunos años que no graba aunque conserva esa voz privilegiada. Últimamente estuvo de gira con Jeff Beck.

De todos los cantantes en solitario tengo que confesarte mi debilidad por Peter Gabriel. Inicialmente formó parte de un grupo mítico, Génesis, con Phil Collins, Steve Hackett, Mike Rutherford y Peter Banks. En el año 1975, tras el disco doble The Law Lies Down on Broadway, se separó para comenzar una larga carrera en solitario que aún continúa habiendo publicado algunas obras maestras, como puede ser el album So, en mi opinión, su mejor disco y su cenit musical.

Otro vocalista excepcional es Robert Plant, el mítico cantante de Led Zeppelin, dotado de una voz potente, aguda y muy personal. Tras la separación de Led Zeppelin en 1980 después de la muerte de su batería John Bonham, Robert Plant ha desarrollado una larga carrera, grabando en ocasiones discos en solitario, reuniendo a su primer grupo Band of Joy o cantando a dúo con Allison Krauss, una cantante americana de folk, con quien sorprendentemente, (al menos para mí, porque esa “mezcla” no la hubiera imaginado nunca), ha grabado dos discos muy buenos: Raising Sand en 2007 y, por último, Raise the Roof en el año 2021. Según el mismo ha confesado en varias ocasiones, no está por la labor de volver a reunir a Led Zeppelin con el hijo de John Bonham, Jason, en la batería. Otro día hablaremos de Led Zeppelin.

Hay también grandes vocalistas que han permanecido dentro de un grupo formando parte inseparable del mismo, como Roger Daltrey en los Who o Mick Jagger en los Rolling Stones. Aunque hayan publicado algún que otro disco en solitario, por lo general sin mucho éxito, ambos son miembros natos de sus respectivos grupos y la verdad, a estas alturas, ya no me los imagino sin ellos. Y aquí no sabría donde encajar a Jon Anderson, la voz de Yes, de quien prescindieron sus compañeros de grupo cuando enfermó en el año 2008 y no pudo salir de gira. Buscaron a un “clon de su voz”, un desconocido Benoit David, que cantaba en un grupo de tributo de canciones de Yes llamado “Close to the Edge. Jon, decepcionado y molesto se unió a otros miembros antiguos de Yes, como Rick Wakeman y Trevor Rabin, grabando un disco en directo Live at the Apollo en 2018, tocando muchas de las canciones de Yes. Finalmente, en 2020 se separaron definitivamente. 

Y no quiero dejar de mencionar a Roger Chapman, el cantante de Family, un grupo inglés de los años 60 - 70, tan bueno como desconocido. Chapman ha continuado con una carrera en solitario, la verdad, con poco éxito. Y déjame decirte algo con lo que quizá no estés de acuerdo, su voz se me parece muchísimo a la de Teddy Bautista, nuestro paisano canario, que tiene una voz portentosa, única, que a mí, particularmente, me fascina y a la que me gustaría escuchar más a menudo. Lamentablemente, ya no canta, aunque sigue en activo con otros interesantes proyectos, como el compartido con Olga Cerpa, e incluso acaba de publicar un nuevo disco, llamado Ciclos 5.0, el periplo de las heroínas, un disco fantástico en el que demuestra que pese a los años transcurridos desde su último disco su genialidad sigue vigente… tan sólo echo de menos… su voz, porque es instrumental.

En todos los cantantes mencionados hasta ahora, existe un denominador común y es que ellos son la voz. No hay por lo general armonías vocales en sus temas y los coros que complementan algunas de sus canciones tienen un papel claramente secundario. No es raro que en sus conciertos haya un grupo de cantantes, “el coro” tan buenos como poco conocidos, que le dan soporte sin más. Es lo que ocurre con los Who, Génesis, Rolling Stones...

Distinto es cuando existen dos voces en un grupo o en un dúo, como quieras llamarlo. Es el caso de los Everly Brothers, Simon y Garfunkel o Crosby y Nash. Aquí existe una armonización de las dos voces que llevan la música a otro nivel. Escucha cualquier tema de Simon y Garfunkel (Cecilia, por ejemplo) y verás que la suma de ambas voces, son mucho más que dos (como decía Víctor Jara). David Crosby falleció el pasado mes de enero de 2023 a los 81 años.

Cuando en vez de dos son tres las voces que armonizan ahí me rindo ante Crosby, Stills y Nash. Con ellos, las armonías alcanzan un nivel extraordinario y todavía soy incapaz de escuchar Helplessly Hoping sin que se me pongan los pelos de punta. CSN, como son conocidos tienen dos discos que son dos obras maestras, los dos con su nombre, uno en el debut, en el año 1969, Crosby, Stills & Nash y otro tras su reunión en 1977 llamado CSN. Escucha por favor Shadow Captain de este último disco. Después, publicaron algunos otros, con y sin Neil Young, muchos de ellos para olvidar, como puede ser Live it up, un disco publicado en 1990 y que para mí es francamente malo. Lamentablemente, tras el fallecimiento de Crosby ya no podrán volver a tocar o grabar juntos.

Curiosamente, cuando pasaron de tres a cuatro, Crosby, Stills y Nash añadieron a Neil Young, en mi opinión la combinación de sus voces fue peor. Creo que no ganaron nada sino todo lo contrario. Y eso lo he escuchado recientemente en una entrevista realizada a Nash, publicada en You Tube, por lo que al menos somos dos los que así pensamos.

También me resulta interesante la combinación de tres voces que tenía Chicago en sus primeros discos, Peter Cetera, Terry Kath y Robert Lamm armonizaban de una manera muy bonita, aunque a un nivel mucho más rudimentario y, en mi opinión, menos logrado. En Chicago V tienen un excelente tema de Robert Lamm, llamado Dialogue que cantaban Terry Kath con Peter Cetera y las voces de todos al final. Otro tema con admirables armonías vocales es Wishing you were here de su álbum Chicago VII de 1974. A ver que te parecen:

Cuando las voces combinadas son cuatro, espero que estés de acuerdo conmigo en que los únicos e irrepetibles son los primeros Eagles, con Bernie Leadon, Don Henley, Glenn Frey y Randy Meisner. Sus dos primeros discos son testigo de esas armonías únicas, que te transportan a otro nivel. Take it easy, el tema con el que ahora suelen terminar sus conciertos es una de esas joyas, pero puedes escucharlas también en Peaceful easy feeling o Desperado (reprise). Tras la marcha de Randy Meisner y de Bernie Leadon y la muerte de Glenn Frey las voces de los Eagles no son lo mismo. Joe Walsh es un gran guitarrista, pero su voz deja mucho que desear, en mi opinión. La voz de Timothy Schmidt remeda mucho a la de Randy Meisner, pero… no es lo mismo. Randy Meisner falleció en julio de 2023.

Se que no he incluido a algunos grupos, muy buenos, que basaban su música en las armonías vocales, como pueden ser Peter Paul and Mary, Los Platters, Manhattan Transfer e incluso los Beach Boys. Pero, ya sabes, que lo que te comento es lo que forma parte de mi música, la que me gusta, con la que podrás coincidir o no, aunque es innecesario decir que respeto enormemente y valoro a todos aquellos a los que no he mencionado.

Aproximadamente el 10% de la población es zurda, lo cual implica que su cerebro les ordena el uso preferente de los miembros izquierdos sobre los derechos. No es un capricho. También es cierto que utilizar predominantemente un miembro no implica exclusividad, de hecho, no es raro que muchos zurdos “de mano” sean “diestros de pie” y que empleen la mano izquierda para determinadas acciones y la derecha para otras.

Al tocar la guitarra, una mano se sitúa en el mástil, tocando los acordes, los arpegios, etc. y la otra, se coloca en el cuerpo, muchas veces solo rasgueando y otras pulsando las cuerdas. En la forma “habitual” de usar la guitarra, la de los diestros, la mano izquierda se coloca en el mástil y la derecha se pone en el cuerpo. 

Podríamos discutir dicha disposición de las manos. Así, si la mano dominante es la más adecuada para los movimientos “finos y rápidos” quizá debería emplearse al revés de lo que habitualmente se hace. Lo mismo podría ocurrir con otros instrumentos de cuerda, como el violín, el cello o el contrabajo. No obstante, este es otro tema en el que no vamos a entrar hoy.

Cuando un guitarrista, o bajista zurdo va a tocar su instrumento, tiene cuatro opciones diferentes:

1. Utilizar una guitarra de diestro, dejando las cuerdas como están colocadas, “dándole la vuelta” y “cogiéndola al revés”.

Esta es con toda seguridad la forma más incómoda para tocar. La primera cuerda quedaría en la parte superior del mástil y la sexta en la parte inferior. Los acordes se harían de una manera forzada. Por otra parte, en las guitarras que son simétricas, habría menos problema, como ocurre con las guitarras españolas y algunas acústicas, pero en la mayor parte de las eléctricas, que suelen ser asimétricas, el cable donde se enchufa la guitarra molestaría a la mano izquierda y los restantes controles estarían “a desmano”. No es la mejor manera de tocar la guitarra, pero la razón fundamental por la que se produce esto es porque no tienes otra forma de hacerlo cuando empiezas a tocar el instrumento, bien sea, porque no dispones de una guitarra para zurdos o porque no sabes cambiar las cuerdas, ni tienes quien te lo haga. Después, una vez que ya has empezado y te acostumbras, pues… a seguir adelante.

Ni que decir tiene que tocar de esta manera es tremendamente complicado cuando estás recibiendo clases de guitarra. El profesor se las ve y desea para entender lo que el alumno está haciendo y poderle corregir.

Entre los guitarristas que tocaban la guitarra de esta manera destacan, Albert King, uno de los reyes del blues. Puedes verlo en este enlace:

Y aquí tienes un enlace donde él mismo, hace referencia a este tema, aunque debido a su cerrado acento y a que habla con su clásica pipa en la boca, resulta difícil entenderlo. Prueba a activar los subtítulos generados automáticamente:

Otros guitarristas zurdos que también tocaban simplemente girando la guitarra fueron Otis Rush y Bobby Womack. 

2. Utilizar una guitarra de diestro, cambiando las cuerdas.

La referencia, sin duda, fue el gran Jimi Hendrix, con su famosa Fender Stratocaster blanca, diseñada para diestros a quien le cambió las cuerdas correctamente, por lo que la 6ª quedaba en la parte superior.

No cabe duda de que tocaría más cómodamente, pero los controles quedan situados en un sitio poco apropiado, aunque supongo que todo es cuestión de acostumbrarse.

3. Utilizar guitarras diseñadas para zurdos con las cuerdas correctamente colocadas.

Estos guitarristas son más habituales en las últimas décadas, pues ahora es más fácil conseguir guitarras para zurdos, cosa que antes no ocurría. Como curiosidad te comento que no es raro que estas guitarras sean un poco más caras, pues el número que se produce es bastante menor y tampoco es raro que tengas que encargarlas y esperar un cierto tiempo a que te la entreguen.

Es la forma natural, más cómoda y posiblemente correcta de que los zurdos toquen la guitarra. Ente ellos tenemos a Paul McCartney, Toni Iommi (Black Sabbath), Kurt Cobain (Nirvana).

4. Tocar como diestro pese a ser zurdo.

Aquí el número de guitarristas es más amplio. Se acostumbraron a coger la guitarra como lo hacen los diestros y así continúan. Algunos incluso comentan que eso les beneficia, pues tienen la mano izquierda, la más hábil en los zurdos, para la digitación mientras que la derecha habitualmente tiene menos funciones, sobre todo en los guitarristas rítmicos. Opiniones para todos los gustos.

Aquí tienes unos cuantos nombres y también algunos enlaces donde podrás ver que firman con la izquierda, pero tocan como diestros:

Mark Knopfler:

Firmando.

Tocando:

Robert Fripp (King Crimson)

Firmando:

Tocando:

Chris Rea

Firmando:

Tocando:

Tabla 1. Algunos guitarristas zurdos que tocan como diestros.

Duanne Allman

Mike Bloomfield

Robert Fripp

Mark Knopfler

Gary Moore

Joe Perry

Chris Rea

Paul Simon

Johnny Winter

Guitarristas diestros que tocan como zurdos (Curiosidad)

Estos sí que son raros. No he encontrado nada más que un solo ejemplo. Doyle Bramhall II, norteamericano, de Texas. Conocido por haber trabajado con Roger Waters, Sheryl Crow y Eric Clapton entre otros. Su padre, Doyle Bramhall, fue un batería famoso, que tocó con Freddie King, Lightin´ Hopkins y los hermanos Steve y Jimmy Vaughan.

Lógicamente, por la influencia de su padre, Doyle Bramhall II comenzó tocando la batería a los 6 años, después se pasó al bajo y a los 11 años a la guitarra. Su primera guitarra fue una Harmony Rocket 63, un regalo de Lightin´ Hopkins a su padre. Aunque es diestro, se sentía más cómodo tocando como un zurdo sin cambiarle las cuerdas a la guitarra. Cuando más adelante, comenzó a recibir clases de guitarra, su profesor le aconsejó que cambiara las cuerdas, poniendo la sexta arriba, como hacen los guitarristas zurdos. Doyle dejó de ir a clase y siguió tocando como lo hacía.

En este enlace, habla de todo ello y en el minuto 3:55, indica que él es diestro. En este otro enlace, podrás verle firmando autógrafos, con su mano derecha.

Entrevista a Doyle Bramhall II. En el minuto 3:55 dice que es diestro (right handed)

Fotografía de Doyle Bramhall II firmando con la mano derecha.

Led Zeppelin ha sido uno de los más grandes grupos del rock, creadores de algunos de los temas más icónicos y conocidos de la música de los 60 y 70. Su influencia ha sido también enorme en muchos otros grupos, no solo de su época, sino incluso actuales. Solo tienes que escuchar a Greta van Fleet para comprobarlo. Led Zeppelin, considerado como una referencia del heavy-rock, vendió millones de discos y llenó estadios durante los 12 años que estuvieron juntos.

Jimmy Page, su guitarrista, fue el alma de Led Zeppelin. Él fue quien creó el grupo, quien produjo todos los álbumes y compuso como coautor todas las canciones de Led Zeppelin, con la excepción de All my love que apareció en el álbum In through the outdoor y que fue coescrita por Robert Plant y John Paul Jones. No cabe duda de que Page ha sido uno de los guitarristas más valorados del rock, cuya carrera comenzó en los años 60, primero como músico de estudio, pasando posteriormente a formar parte de los Yardbirds para finalmente crear Led Zeppelin en 1968.

Sin quitarle mérito alguno a su labor como guitarrista y productor del grupo, en lo que respecta a la composición existen algunos puntos oscuros en la discografía de Led Zeppelin. Para algunos, Jimmy Page ha sido una persona con tendencia a apoderase de temas ajenos,

Su primer LP, Led Zeppelin I que se publicó en diciembre de 1968 dio pie a varias demandas por plagio. Para empezar, Baby I ́ m gonna leave you fue acreditada como “tradicional arreglos Page”. Sin embargo, era, realmente, un tema de 1959 de una autora llamada Anne Bredon, una cantante folk de los 50 también conocida como Annie Briggs o Anne Johanssen. Joan Báez hizo una versión de esta canción en el año 1962 en su disco: Joan Báez in Concert, Part 1. Tras la demanda presentada por el hijo de Annie Bredon, esta fue recompensada económicamente y su autoría reconocida, eso sí, como coautora.

Aquí tienes los enlaces por si quieres escuchar las dos versiones: 

Baby I ́m gonna leave you. Joan Báez 1962 

Baby I ́m gonna leave you: Led Zeppelin I. 1968 

En ese mismo disco, había otra canción llamada Dazed and Confused. Dicha canción constituía uno de los temas estrella de Led Zeppelin en sus conciertos en directo, en el que Jimmy Page sacaba su arco de violín y prolongaba la canción con largos solos de guitarra, a menudo durante más de 20 minutos. Pues bien, Dazed and Confused fue originalmente escrita por un autor desconocido, un norteamericano llamado Jake Holmes en el año 1967, para su primer LP titulado The Above Ground Sound.

Curiosamente, Jake Holmes tardó en presentar la demanda por plagio nada menos que 31 años, pues Led Zeppelin I fue publicado en enero de 1969 y la demanda puesta en junio de 2010. Llegaron a un acuerdo extrajudicial y desde entonces, en los créditos de la canción figura “inspirada por Jake Holmes”.

Aquí tienes ambas versiones: juzga por ti mismo.

Jake Holmes:

Led Zeppelin:

Continuando con Led Zeppelin I, hay otra canción llamada You shook me. En los créditos se reconoce la coautoría de Willie Dixon y JB Lenoir, ambos bluesmen del siglo pasado. Este no es el problema, sino que Jeff Beck, un gran guitarrista, compañero de Jimmy Page en The Yardbirds, había hecho una versión de este blues clásico para su LP Truth, con Rod Stewart en la voz y, ¡curiosamente!, John Paul Jones, bajista de Led Zeppelin en el teclado. Jimmy Page y Jeff Beck eran amigos y habían coincidido y tocado juntos en los Yardbirds. La versión de Led Zeppelin es tan parecida, que cuando la escuchó Jeff Beck, rompió a llorar además de cogerse un monumental enfado con su, hasta entonces, amigo.

Aquí tienes las dos versiones:

Jeff Beck:

Led Zeppelin:

En el disco Led Zeppelin II, de 1969, aparecía una canción llamada Whole Lotta Love, que abría el disco y que fue un importante éxito comercial. Así, por ejemplo, en 2004 la canción fue elegida en el puesto número 75 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos por la revista Rolling Stone. Pues bien, esta canción tenía un enorme parecido con una canción de Willie Dixon publicada en el año 1962. Aquí tienes ambas versiones. De nuevo, juzga por ti mismo.

Willie Dixon:

Led Zeppelin:

La lista es enorme y no pretendo que sea exhaustiva. Una canción más podría ser este blues Bringing on Home publicado en el Led Zeppelin II en 1970. Su parecido con la canción de igual nombre de Sonny Boy Williamson, publicada por este autor en 1963, se puede apreciar aquí:

Sonny Boy Williamson:

Led Zeppelin

Pero de todos los posibles plagios, quizá el más famoso ha sido el litigio que Led Zeppelin mantuvo con un grupo norteamericano de Los Ángeles llamado Spirit por la canción Stairway to Heaven, del disco Led Zeppelin IV. Esta es la canción más famosa del grupo y como ejemplo te comento que, en Spotify, hoy tenía casi 1.100 millones de reproducciones. Spirit, realmente, fue un grupo que no gozó de mucha fama aunque contara con un gran guitarrista como era Randy California. Tuvieron un único éxito llamado I got a line on you. Yo los recuerdo por un disco allá por el año 1970 que se llamaba Llena tu cabeza de rock, disco con el que, por cierto, descubrí a Flock y a David LaFlamme y su violín. Algún día hablaremos de violinistas en el mundo del rock. En este disco, Spirit aparecía con un tema que se llamaba: Give a life, take a life. 

En el año 1968 publicaron su primer disco, llamado Spirit, en el que había un tema llamado Taurus, precisamente compuesto por Randy California. Por otra parte, Led Zeppelin conocía el tema, porque en la gira americana de 1968 actuaron precisamente de teloneros de Spirit. Aquí tienes los enlaces de ambas canciones:

Spirit. Taurus

Led Zeppelin. Stairway to Heaven.

Aunque Randy California falleció en 1997, se presentó una demanda por plagio en 2014 y desde entonces se han sucedido los juicios, las apelaciones, etc.. El último juicio, celebrado en octubre de 2020, otorgó definitivamente la razón a Led Zeppelin.

Hay una frase que dice algo así como: “Los buenos compositores copian; los grandes compositores roban”. Se ha atribuido a Mahler y a Stravinsky, pero no he podido confirmarlo. Sea de uno u otro, por lo que hemos comentado, parece cierto que Jimmy Page es un gran compositor.