¿Qué hace un violín o una flauta en una banda de rock?

El violín y la flauta no son instrumentos habituales en las formaciones de los grupos de rock. Más bien son instrumentos que se relacionan con otro tipo de música como la country o la folk. Sin embargo, algunos flautistas y violinistas han pasado a ser referentes en el mundo de la música rock, imprimiendo al sonido de sus bandas un toque personal, diferenciador e inconfundible. Hoy hablaremos de algunos de ellos.

I. El violín

Jerry Goodman (The Flock)

No conocía a este grupo hasta el año 1970 cuando cayó en mis manos un doble LP llamado Llena tu cabeza de rock que era un recopilatorio de diferentes grupos y músicos que habían fichado por la CBS. Creo que me lo prestó Pablo Romero Mur para grabarlo en cassette. Curiosamente, en la portada de dicho disco aparecía Goodman con su violín, algo que me sorprendió, acostumbrado a las formaciones de entonces que estaban constituidas por bajo, batería, guitarra/as y a veces teclados. Por cierto, este disco no está disponible ni en Spotify ni en YouTube.

Jerry Goodman, tenía una formación musical muy sólida, de conservatorio, en violín. Sus padres tocaban en la sección de cuerdas de la Chicago Symphony Orchestra, pero como no le motivaba la carrera clásica tradicional comenzó a trabajar como roadie para The Flock, un grupo que se formó en Chicago a finales de los años sesenta. Pasó a ser miembro del grupo y probablemente sea el más conocido del mismo. Por esa época aparecieron en los Estados Unidos otros dos grupos, Chicago y Blood Sweat and Tears, que tenían en común hacer una música con orientación al jazz-rock y una fuerte presencia de los metales en ella, lo que a algunos les dio por llamar Horn-Rock. Los otros grupos tuvieron más éxito, sobre todo Chicago, que cambió su nombre inicial de Chicago Transit Authority debido a problemas legales con la compañía de transportes de la ciudad, acortándolo simplemente a Chicago. Este grupo se trasladó a Los Ángeles, donde continuó su carrera musical, que tuvo mucho éxito al principio pero que se fue diluyendo con el paso de los años, tras la muerte de su fantástico guitarrista Terry Kath y la marcha de Peter Cetera, bajista y compositor de sus temas más famosos. Hoy en día, Chicago está de gira durante casi todo el año a lo largo y ancho de los Estados Unidos, permaneciendo mucho tiempo en Las Vegas. No me resisto a recomendarte que escuches este tema que abrió en su momento su primer disco, conocido con Chicago Transit Authority, Questions 67 and 68 en donde podrás apreciar la originalidad y fuerza de su música.

Blood Sweat and Tears, grupo fundado por el genial Al Kooper. Ya su nombre es curioso para una banda, pues la frase es famosa dado que formó parte del primer discurso pronunciado en el Parlamento británico por Winston Churchill al comienzo de la II Guerra Mundial. “Solo puedo ofrecerles sangre, esfuerzo, sudor y lágrimas” decía: (Blood, Toil, Sweat and Tears). El grupo, sin embargo, nos ofrecía una música maravillosa que tomó su forma definitiva con la llegada del vocalista canadiense David Clayton-Thomas y la publicación de su segundo álbum homónimo Blood, Sweat & Tears (1968). Este alcanzó el número uno en EE.UU. durante siete semanas, ganó el Grammy al Álbum del Año en 1970 y vendió millones de copias. El siguiente Blood, Sweat & Tears 3 (1970) también llegó al número uno. Desgraciadamente, en su carrera se cruzó la política, así tras un tour patrocinado por el Departamento de Estado de EE.UU. en Europa del Este en 1970, fueron criticados y considerados una “herramienta del gobierno Nixon”, lo que dañó terriblemente su imagen. Clayton-Thomas se marchó del grupo en 1972 y a día de hoy, la banda sigue en activo, pero con constantes cambios entre sus miembros. Con decirte que han pasado por ella más de 175 músicos te lo digo todo.

Volviendo a Goodman y The Flock, alguien le oyó tocar el violín en algún ensayo, invitándole a formar parte del grupo, algo a lo que Goodman se resistía. Finalmente aceptó y su violín y composiciones cambiaron por completo la orientación de la banda.

En su primer disco había una fusión de rock, jazz, blues, metales y un violín prominente que les dio un estilo propio e inconfundible. Sin embargo, no tuvieron mucho éxito. Grabaron dos álbumes con Columbia Records (por eso estaban en la recopilación que te mencioné antes), The Flock (1969) y Dinosaur Swamps (1970) y se separaron. De su primer disco te traigo su versión de Tired of Waiting, una canción original de los Kinks, que el violín de Goodman, ya desde el principio, la transforma por completo y que a mí me fascina. Goodman adquirió posteriormente cierta fama pues, tras colaborar con John McLaughlin en su álbum My Goals Beyond, en 1971, entró a formar parte de su grupo, la Mahavisnhu Orchestra, tocando con otros genios como Jan Hammer y Billy Cobham. Con ellos estuvo hasta 1973, cuando tras la disolución de esta banda, comenzó a colaborar con Jan Hammer y muchos otros músicos, llegando a publicar algunos discos en solitario, como On the Future of Aviation, un disco que después de escuchar varias veces todavía no se si me gusta o no.

A mediados de los 70 desapareció del circuito musical y se fue a vivir al campo, a un Wisconsin rural, regresando a mediados de los 80 y colaborando entre otros con Steve Morse, el que fue guitarrista de Deep Purple, con su banda Dixie Dregs. Desde entonces ha desarrollado su carrera profesional intermitente, dedicada sobre todo a escribir música para bandas sonoras de películas, que alterna, ocasionalmente, con alguna gira con su grupo, como la que te traigo de una actuación en Chile en los años 90. Goodman es en mi opinión, el referente y el pionero de lo que es el violín en la música rock.

Déjame que termine de hablar de It´s a Beautiful Day con una curiosidad. Su tema Bombay Calling fue descaradamente copiado por Deep Purple, en la canción Child in Time, al menos en el inicio de la canción. Escucha ambos y decide tú. Pero lejos de comenzar demandas y largos litigios judiciales, Goodman y su banda decidieron “inspirar” su canción Don and Dewey en otra de Deep Purple, llamada Wring that Neck. ¡Entre nosotros nos copiamos y arreglamos!

Jean Luc Ponty

Descubrí a este fabuloso músico en 1972 con el álbum Honky Château, de Elton John. Grabado en el Château d'Hérouville (Francia), Elton se rebeló contra su discográfica y decidió crear su propia banda y darle estabilidad con Nigel Olsson (batería), Davey Johnstone (guitarra) y Dee Murray (bajo), ya que en sus discos anteriores (Empty Sky, Elton John, Tumbleweed Connection y Madman Across the Water) habían intervenido más de cuarenta músicos de sesión. Honky Château fue el primer álbum grabado casi íntegramente por este cuarteto, logrando un sonido más sólido y cohesionado, alcanzó el número uno en EE.UU. gracias a éxitos como Rocket Man, Honky Cat y Mona Lisas and Mad Hatters y marcó el inicio del sonido clásico de Elton John en los 70. Querría comentarte que en este disco hay dos joyas infravaloradas, que Elton John no las toca nunca en directo y que no aparecen en ninguna de las múltiples recopilaciones de grandes éxitos o “lo mejor de” y que tampoco fueron publicadas en discos sencillos. Se trata de Mellow, una canción en la que Jean Luc Ponty hace un solo precioso de violín y de Salvation, en la que las voces de nada menos que de ¡ocho músicos! hacen unos coros maravillosos. Ambas canciones han sido, en mi opinión, injustamente olvidadas, lo cual tampoco es extraño si tenemos en cuenta que Elton John tiene publicados más de 50 discos y al menos 500 canciones.

Pues bien, Jean-Luc Ponty fue invitado a colaborar en este disco. Ponty, es un violinista francés que nació en 1942 en Avranches y que tiene en la actualidad 83 años. Creció en el seno de una familia de músicos clásicos (su padre era violinista y su madre, pianista), e ingresó a los 16 años en el Conservatorio Nacional Superior de París donde se graduó en 1960 obteniendo el Premier Prix (máximo galardón). Aunque comenzó su carrera en orquestas sinfónicas, descubrió el jazz gracias a Miles Davis y John Coltrane y se dedicó a este género musical grabando en 1964 su primer disco, llamado precisamente Jazz Long Playing, al cual siguieron otros con el mismo estilo hasta que en 1969, Frank Zappa compuso la música para su álbum King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa, lo que le abrió el mercado americano, trasladándose a vivir a Los Ángeles en 1970 para unirse temporalmente a la banda de Zappa, The Mothers of Invention, y para colaborar posteriormente en varios de sus álbumes.

En 1973 se unió a la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, sustituyendo precisamente a Jerry Goodman, grabando con ellos dos discos fantásticos: Apocalypse (1974) y Visions of the Emerald Beyond (1975). Posteriormente se independizó y con su propio contrato discográfico comenzó una dilatada carrera musical en la que ha publicado más de 30 discos, unas veces con su propia banda, otras siendo acompañado por otros grandes músicos como pueden ser el violinista Stephane Grapelli, Jon Anderson (Yes), George Duke, Alan Holdsworth o el grupo de Chick Corea, Return to Forever, entre muchos otros.

Quizá su tema más conocido como músico en solitario sea Mirage, de su álbum Enigmatic Ocean, de 1977. Aunque no me resisto a ponerte también una canción con Jon Anderson, con quien formó la Anderson Ponty Band y grabó un disco titulado Better late than never (más vale tarde que nunca diríamos nosotros en una traducción libre), lo cual es muy cierto pues lo grabaron en 2015, cuando ambos tenían más de 70 años. Aquí tienes el enlace al disco completo. Disfrútalo, que vale la pena. Quizá Jean Luc Ponty sea el referente europeo del violín eléctrico, como Goodman podría serlo en América.

David LaFlamme. It´s a Beautiful Day

David LaFlamme (1941–2023) fue un violinista, cantante y compositor estadounidense, considerado uno de los pioneros en introducir el violín eléctrico dentro del rock psicodélico. Creció también en el seno de una familia de músicos y comenzó a estudiar violín a los cinco años, llegando a ser solista de la Utah Symphony Orchestra. Se trasladó a San Francisco, donde quedó impresionado por la ola psicodélica que allí empezaba a desarrollarse y comenzó a participar en jams con músicos como Jerry Garcia y Janis Joplin. Allí, en 1967, en pleno verano del amor fundó la banda It's a Beautiful Day junto a su esposa Linda LaFlamme. Una de las características de la música de este grupo fue la inclusión del violín eléctrico, mezclando influencias del naciente rock psicodélico con el folk, jazz e incluso de música clásica. Su álbum de debut, It’s a Beautiful Day (1969), es una verdadera joya desde el primer tema al último y en el mismo se incluía la famosa canción White Bird, que permaneció más de un año en listas estadounidense y se convirtió en un clásico del sonido de San Francisco siendo ampliamente reproducida por las emisoras de radio durante los 70 y los 80. Esta canción, compuesta por su esposa y él mismo en tan solo dos horas, relata las dificultades que tenían al principio de su carrera con la banda, aún sin éxito y con dificultades incluso para comer. La canción fue posteriormente publicada como sencillo y ha aparecido en la banda sonora de al menos media docena de películas, además de haber sido versioneada por un gran número de músicos, entre ellos Judy Collins. It´s a Beautiful Day publicó una versión extensa de más de nueve minutos en directo, que podrás disfrutar en este enlace.

El grupo se separó por primera vez en 1973, por problemas legales con su manager y esto, junto al divorcio de su esposa, hizo que la carrera de LaFlamme fuese, posteriormente, un tanto errática. Durante estos años ha formado su propio grupo, el David LaFlamme Band, y grabado algunos discos que no han tenido éxito, pero que están ahí por si te apetece escuchar alguno de ellos.

LaFlamme fue un auténtico innovador porque introdujo el violín eléctrico de cinco cuerdas en el rock y creó un sonido muy melódico, etéreo y atmosférico, aportando una sensibilidad clásica a la música psicodélica ayudando a definir el llamado sonido de San Francisco de finales de los 60.

Robby Steinhardt (Kansas)

Kansas es un grupo americano formado a principios de los años 70 que ya desde el comienzo ha mantenido una constante, que es la de cambiar tanto de miembros como de nombre, pudiendo generar así alguna confusión. Sin embargo, ha creado una música muy personal y reconocible en la que combina un rock potente con armonías vocales muy bonitas y la presencia de elementos clásicos, tanto en la estructura musical de sus canciones como con el sonido de un violín que le ha dado una seña de identidad al grupo. Su primer violinista y probablemente el más conocido fue Robby Steinhardt, quien falleció en julio de 2021 a los 71 años de un cáncer de páncreas.

Al igual que ocurría con los otros violinistas de los que hemos hablado en este capítulo, Steinhardt creció en una familia muy ligada a la música (su padre era profesor universitario de historia musical). Empezó a tocar el violín a los 8 años, recibiendo una formación clásica y llegando a tocar con orquestas en Europa siendo joven.

A finales de los años 60, Kerry Livgren y otros músicos comenzaron tocando en bandas locales en Topeka. Tras varios cambios de formación y nombres (como Saratoga y White Clover), los músicos fueron mezclándose y reorganizándose en diferentes grupos. En 1970 adoptaron por primera vez el nombre de Kansas, aunque la banda pasó por múltiples versiones y cambios de integrantes durante los años siguientes. En 1972, varios miembros clave —entre ellos Phil Ehart, Dave Hope, Robby Steinhardt, Steve Walsh y Rich Williams— se reunieron nuevamente y consolidaron la formación.

En 1973 se unió de nuevo Livgren, se disolvió la formación anterior y el grupo consiguió su primer contrato discográfico. Fue entonces cuando adoptaron definitivamente el nombre Kansas. Hasta la fecha han formado parte del grupo ¡29 miembros! En 1974 publicaron su primer disco, homónimo, que tuvo una acogida desigual. Su consolidación musical se produjo con sus siguientes álbumes, siendo el tercero, Masque, publicado en 1976, el que se convirtió en disco de oro tras haber vendido 500.000 copias al poco tiempo de su publicación.

Centrándonos en el violín, Steinhardt fue miembro fundador de Kansas y uno de los responsables de su sonido característico. No solo tocaba el violín, también era co-vocalista principal. Su violín se convirtió en una marca distintiva del grupo. Escúchalo en uno de sus temas más famosos, Point of No Return, donde podrás ver a Steinhardt, con su inconfundible melena pelirroja, no solo tocar el violín sino hacer voces. Una preciosidad de canción. En 1982 dejó el grupo, al que volvió 15 años después, en 1997, para marcharse definitivamente en 2006. Fue sustituido por otro violinista llamado David Ragsdale, que formó parte de Kansas desde 1991-1997, y desde 2006 hasta 2018 en que dejó el grupo siendo a su vez reemplazado por Joe Deninzon quien es su miembro actual habiendo participado en lo que constituye la última grabación del grupo The Absense of Presence, en 2020. Como curiosidad podría comentarte que Deninzon utiliza un violín de siete cuerdas, algo que es poco común.

Por último, la canción más famosa de Kansas probablemente sea Dust in the Wind, que tiene en Spotify casi mil millones de reproducciones. Esta canción surgió de un ejercicio de guitarra acústica que estaba realizando Kerry Livgren, el guitarrista, principal compositor y alma del grupo. Su esposa le sugirió que la desarrollara y se convirtió en el tema más conocido de Kansas. Tiene una letra muy bonita. Aquí la tienes con subtítulos en español. Vale la pena que la escuches.

Hasta el momento, Kansas no ha sido incluido en el Rock and Roll Hall of Fame y ¡llevan más de 50 años en la brecha!

Hay más violinistas famosos como Eddie Jobson, que fue miembro de Roxy Music, o Darryl Way, que merecen ser nombrados, pero ya sabes estos capítulos no son exhaustivos ya que tenemos una cierta limitación de espacio.

II. La flauta

Ian Anderson. (Jethro Tull)

Ian Scott Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Escocia) es el fundador, líder y único miembro original de Jethro Tull, la icónica banda británica de rock progresivo, folk y blues formada en 1968. Ha sido el vocalista principal, flautista y guitarrista acústico durante más de 55 años, además de componer prácticamente todo el repertorio de la banda después de su álbum debut This Was (1968). Es indudablemente reconocido como el músico que popularizó la flauta en el rock, llevando el instrumento a un nivel expresivo y técnico único en géneros como el progresivo y el folk-rock.

A diferencia de lo que hemos visto anteriormente con los violinistas, Anderson no empezó a tocar la flauta de niño de forma clásica. En su adolescencia tocaba la guitarra, la armónica y cantaba en bandas escolares como The Blades. Una anécdota curiosa es la razón por la qué dejó de tocar la guitarra como instrumento principal y escoger la flauta. Según puedes leer en esta entrevista, la razón fue Eric Clapton. Anderson dijo: “A Eric Clapton no se le conoce precisamente por tocar la flauta, y esa fue precisamente la razón por la que empecé a tocarla. Pensé que nunca llegaría a ser tan buen guitarrista como él, así que mejor aprendía a hacer algo que él no pudiera hacer”.

También es muy reconocida su postura en el escenario apoyado en una sola pierna mientras toca. Surgió por accidente, ya que en un concierto, al tocar la armónica se apoyó en una pierna para sujetar el micrófono. Un periodista describió erróneamente que así tocaba la flauta. Anderson, que es un músico con una personalidad muy marcada, con un humor directo y sarcástico, adoptó esa posición desde entonces “para estar a la altura de la reputación”. También dijo que asumió ser la voz principal de Jethro Tull “porque nadie más podía cantar decentemente”.

Anderson es el autor de prácticamente toda la música y letras de la banda desde 1969. Creó obras maestras conceptuales como Aqualung (1971), Thick as a Brick (1972) y su secuela Thick as a Brick 2 (2012, bajo su nombre). También Homo Erraticus (2014) y el regreso The Zealot Gene (2022). Su estilo mezcla folk inglés, blues, rock progresivo y toques metal en etapas posteriores. Ha editado siete álbumes solistas (desde Walk into Light en 1983 hasta The String Quartets en 2017 con cuarteto de cuerdas) Y sigue en activo. De entre toda su ingente obra te traigo Living in the Past, un tema precioso y también el álbum completo Thick as a Brick. Ambos valen la pena.

Por último, déjame contarte una anécdota sobre su técnica: en 1991, ayudando a su hija pequeña con clases de flauta y un libro básico, descubrió que llevaba décadas tocando con digitación incorrecta (había inventado su propio sistema sin clases formales). Su hija le corrigió la posición del meñique y él tuvo que reaprender todo su repertorio.

Hay otros flautistas en el mundo del rock, como pueden Andy Latimer, guitarrista de Camel o Peter Gabriel que fue miembro de Genesis y que después desarrolló una magnífica y dilatada carrera en solitario. Latimer toca la flauta en algún tema aislado, como puedes ver en este enlace y además es la voz principal y guitarrista de Camel. Peter Gabriel tocó la flauta en algunos temas de Genesis pero en su carrera en solitario, si no estoy equivocado, prácticamente no la toca ni en los estudios de grabación ni en los directos. Aquí lo tienes en una recopilación de temas con Genesis en los que toca este instrumento.