Genesis, Supertramp, Dire Straits y otras bandas de rock que podrían volver a unirse

Oasis y Black Sabbath vuelven a reunirse después de años sin conciertos ni contacto con su público. Lo hacen por diferentes motivos, algunos sin aclarar del todo. Los hermanos Gallagher acaban de iniciar una gira de 41 conciertos, y Black Sabbath ha decidido hacer una actuación de despedida este 5 de julio por la marcha definitiva (parece que ahora sí) de Ozzy Osbourne, que será transmitida en línea para todo el mundo.

Los integrantes de Black Sabbath son considerados los “padres del heavy metal”. Se creó en Birmingham en 1968 con el guitarrista Tony Iommi, el batería Bill Ward, el bajista Geezer Butler y el vocalista Ozzy Osbourne. Inicialmente se llamaron Polka Tulk Blues Band, y después Earth, hasta que adoptaron el nombre de Black Sabbath, en 1969. El nombre lo tomaron de una película de Boris Karloff. La música de Black Sabbath se caracterizaba por la existencia de unos riffs repetitivos, con guitarras afinadas en tonos graves, ritmos lentos e hipnóticos y una voz dramática (Ozzy). La letra de algunas canciones versaba sobre temas oscuros, como la guerra (War Pigs), las apariciones demoniacas (Black Sabbath ó N.I.B.), las enfermedades mentales (Paranoid), el diablo (Lord of this World), la muerte (Electric Funeral), el suicidio (Killing Yourself to Live)...

Geezer Butler, bajista y principal letrista, tenía interés en el ocultismo y la filosofía, lo que influyó en las letras. Incluso llegó a contar anécdotas de haber experimentado fenómenos extraños tras leer libros esotéricos como la presencia de una sombra a los pies de su cama. Finalmente, en su música era frecuente la utilización de los llamados tritonos que son llamados por algunos músicos como el intervalo del diablo. Es en los tres primeros álbumes, Black Sabbath, Paranoid (ambos de 1970) y Master of Reality (1971) donde más inciden en esta temática.

Ozzy Osbourne fue despedido en 1979 y desde entonces, el grupo experimentó un buen número de cambios, no solo en el cantante, sino también en el bajista y el batería. Hasta un total de 33 músicos han formado parte en algún momento de Black Sabbath, sin contar los que les acompañaban en las giras o participaban en la grabación de un disco de manera esporádica en alguna canción. El único miembro de la formación original que ha estado presente en todas las formaciones, giras y grabaciones de Black Sabbath ha sido el guitarrista, Tommy Iommi.

Así, han pasado cantantes como Ronnie James Dio (Rainbow), Ian Gillian (Deep Purple), Glenn Hughes (Deep Purple, Black Country Communion), Tony Martín; baterías como Vinnie Appice, Eric Singer, Cozy Powell o Bobby Rondinelli y bajistas como Neil Murray, Bob Daisley, el mismo Glenn Hughes o Dave Splitz. También han colaborado en la grabación de sus discos y participado en las giras, músicos contratados, que no constaban como miembros del grupo, como los teclistas Rick Wakeman, su hijo Adam y Don Airey (Deep Purple). Incluso Brian May colaboró en la grabación de algún disco. A destacar la estrecha relación entre miembros de Deep Purple y Black Sabbath, pues Ian Gillian, Don Airey y Glenn Hughes fueron miembros de ambas bandas.

Las idas y venidas de Butler, Ward y Ozzy han sido constantes. Así, en 1997 se reunieron de nuevo y sacaron un nuevo álbum llamado así: Reunion. Hicieron alguna que otra gira hasta 2006 en que Iommi reunió a Butler, Dio y Appice y con el nombre de Heaven & Hell y grabaron un nuevo disco de estudio, The Devil You Know (2009). En 2010, tras fallecer Ronnie James Dio, volvieron a separarse.

En 2011 se reunieron los cuatro miembros originales y comenzaron a grabar un nuevo álbum, llamado 13. Bill Ward se marchó antes de completarlo y no estuvo en la gira que siguió para su presentación que en teoría iba a ser la despedida del grupo.

Black Sabbath fue considerado por MTV como la “mejor banda de metal de todos los tiempos” y ocupó el segundo lugar en la lista de VH1 de los “100 mejores artistas de hard rock”. La revista Rolling Stone los clasificó en el puesto 85 de su lista de los “100 mejores artistas de todos los tiempos”. El reconocimiento a su música ha sido unánime. En Spotify, Paranoid tiene casi 1.400 millones de reproducciones (y eso es en la actualidad, un tema que se publicó en 1970).

Como curiosidad te comento que Toni Iommi, el único miembro constante en todas las formaciones de Black Sabbath, abandonó el grupo en diciembre de 1968, cuando todavía eran Earth, para irse a Jethro Tull. No le gustó la orientación musical que Ian Anderson le daba a la banda por lo que se marchó ese mismo mes. Eso no le impidió aparecer con ellos en la película de los Rolling Stones Rock and Roll Circus.

Curiosamente, Iommi toca con una Fender Stratocaster, cuando toda la vida ha tocado con una Gibson SG. Tanto es así que Gibson desarrolló con Iommi una guitarra custom con su nombre siguiendo las indicaciones del guitarrista. Si te animas, la edición de 2020 tiene un precio de solo 20.000 euros. Pese a mis ruegos, la dirección del periódico no tiene previsto regalármela.

Iommi volvió a Black Sabbath y en Jethro Tull ingresó como guitarrista Martín Barre. Ambos grupos salieron ganando en mi opinión. ¿Iommi y Anderson juntos? Ya conoces aquello de que en un gallinero solo cabe un gallo.

Otra curiosidad, en el tema Sweet Leaf del disco Master of Reality la canción empieza con un golpe de tos, de Iommi, que se le produjo mientras fumaba un porro de marihuana. Les gustó la toma y así la dejaron.

No ha sido este concierto de este 5 de julio, titulado The End, la única vez que Black Sabbath se junta. Ya lo hizo en 2011 antes de la espantada de Bill Ward. Ha decidido hacer su último concierto en su ciudad natal Birmingham.

Es muy difícil que un grupo de rock mantenga una formación estable durante mucho tiempo. Los cambios son frecuentes. La mayor parte de las ocasiones por diferencias, unas veces musicales, otras personales. Otras posibles causas son la aparición de una enfermedad en familiares directos o en los propios músicos y por último el fallecimiento de alguno de ellos.

Entre los grupos que han mantenido una formación estable desde su comienzo se me ocurren muy pocos. Uno de ellos es U2, cuyos componentes Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. siguen estando juntos desde su formación en el año 1976. Otros son Radiohead, y podríamos añadir a Blur, que aunque sus miembros han estado separados durante varios años, han anunciado que vuelven de gira este año, con los mismos componentes originales.

Hay otros grupos que han sufrido cambios. Unas veces para mejor, otras no tanto. Te comento en el episodio de hoy algunas bandas, que aún habiéndose separado sus componentes originales, están todos vivos y por lo tanto podrían volver a juntarse si quisieran. También incluyo a otros grupos cuya formación, la que te comento, puede que no sea la original, pero que fue la más conocida y famosa.

The Guess Who

Grupo canadiense formado a finales de los años 60, en Winnipeg, Manitoba en el año 1965. Previamente se llamaron Chad Allan and the Reflections, hasta que se añadió al grupo a Burton Cummings. Su gran primer éxito mundial fue el famoso American Woman publicado en 1970 que alcanzó el número uno en las listas de Canadá y el número nueve en las estadounidenses.

La formación de gala, la del disco American Woman, estaba formada por Randy Bachman (guitarra y voz), Burton Cummings (teclados y voz), Garry Peterson (batería y voz) y Jim Kale (bajo y voz). A este primer éxito le siguieron otros como No Sugar Tonight, del mismo disco, These Eyes, “Share the Land ”y “No Time” (una de mis canciones favoritas de este grupo).

No tardaron mucho en comenzar los cambios. Ese mismo año, en 1970, Randy Bachman dejó el grupo para formar Bachman-Turner Overdrive en 1973, con sus hermanos Robbie y Tim Bachman y un amigo, el bajista Fred Turner, con la que llegó a tener un cierto éxito y que permaneció en activo hasta comienzos de este siglo, grabando algunos discos. Sin embargo, no llegó a alcanzar el nivel de éxito que tuvo con The Guess Who. Es posible que recuerdes esta canción que en nuestro país sonaba en las emisoras de radio en el año 1974, que alcanzó el número uno en la lista Billboard y el número dos en el Reino Unido.

En 1975 se produjo la “ruptura oficial” del grupo. Burton Cummings desarrolló una carrera en solitario publicando un total de 13 discos (incluyendo un “lo mejor de”), el último en 2024, llamado A Few Moments, que tuvieron cierto éxito, sobre todo en Canadá. Peterson y Kale continuaron con el nombre de la banda, de la que fueron entrando y saliendo varios músicos.

En 1978, Jim Kale formó una banda a la que llamó con el mismo nombre The Guess Who en la que no constaba ninguno de los miembros originales con la que estuvo de gira, tanto en los Estados Unidos como en Canadá. Kale descubrió que el nombre de la banda no estaba registrado y procedió a hacerlo, conjuntamente con el batería Garry Peterson, quien no formó parte de la alineación de los nuevos Guess Who, salvo en ocasionales apariciones en conciertos. Kale siguió contratando músicos para las giras, los cuales no tenían ninguna conexión histórica con la banda. Bachman y Cummings denostaban a este grupo al que llamaron The Fake Guess Who (los falsos Guess Who) o Kale’s Klones (Los clones de Kale). Bachman y Cummings demandaron a Kale y a la banda exigiendo que no tocaran los temas escritos por ellos. En abril de 2024, los tribunales fallaron a su favor y la gira de los Nuevos Guess Who fue inmediatamente cancelada, pues prácticamente todos los temas famosos del grupo habían sido escritos o co-escritos por Bachman y Cummings. Como continuación de la demanda, en septiembre de 2024, Bachman y Cummings anunciaron que habían recuperado el nombre de The Guess Who.

Como curiosidad, en 1998, Lenny Kravitz hizo una versión de American Woman para la banda sonora de la película Austin Powers 2, que tuvo bastante éxito.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. La formación clásica, con Bachman y Cummings, Peterson y Kale se reunió en 1999 para actuar en la ceremonia de clausura de los Juegos Panamericanos en el estadio de Winnipeg, sin Kale, con otros dos músicos, los tres originales estuvieron de gira desde 2000 hasta 2003 y el 30 de julio de 2003 dieron un concierto en el Moison Canadiam Rocks for Toronto Benefit Concert que reunió a una audiencia de 450.000 personas la más grande jamás registrada en Canadá.

Sin embargo, no lo creo. Bachman y Cummings que son las almas del grupo, tienen un nombre propio que atrae por sí mismo. Y quizá estén dolidos con el listillo de Kale ante quien se enfrentaron en los tribunales.

Grand Funk Railroad

Mítico grupo americano, original de Detroit, alrededor del cual se unieron en el año 1969 Terry Knight en un principio, quien posteriormente pasó a dedicarse a labores de manager. Convertidos en un trío, formado por Mark Farner, guitarra, teclados y voz; Don Brewer, batería, y Mel Schacher, bajo. Farner era el compositor de la mayor parte de los temas. Su primer album Closer to Home fue certificado como multiplatino en número de ventas. En 1971, llenaron el Shea Stadium (famoso por el concierto que allí dieron los Beatles) vendiendo todo el aforo en 72 horas.

En 1972 añadieron a la formación al teclista Craig Frost, después de haber intentado, sin éxito, fichar a Peter Frampton. También incluyeron a Todd Rundgren como productor. Ese mismo año tuvieron un “doloroso divorcio” con Terry Knight, quien se quedó con los derechos de los álbumes grabados por el grupo hasta 1972, conservando los miembros el nombre, que posteriormente se acortó a Grand Funk.

Publicaron varios discos y tuvieron un enorme éxito con la canción We’re an American Band, escrita y cantada por su batería Don Brewer en 1973 que alcanzó el número uno en las lista Billboard y que fue incluida en la lista de la cadena de televisión americana VH1 entre las 100 canciones más grandes del Rock duro (100 Greatest Hard Rock Songs). Las tensiones generadas en el grupo sobre la orientación musical a seguir generó su primera ruptura en 1976.

Se reunieron en 1981, sin Schacter ni Frost, grabando dos discos, uno de ellos en directo Grand Funk Lives (1981) y haciendo varias giras. En 1983 volvieron a separarse para reunirse de nuevo en 1995 y estuvieron de gira hasta 1998. En este intervalo grabaron una joya de disco, Bosnia. Doble CD grabado en directo con una orquesta sinfónica y con Peter Frampton, quien esta vez sí pudo unirse a ellos. Aquí tienes un tema de ese concierto.

De nuevo se separaron y, desde entonces, Mark Farner se ha dedicado a la llamada “música cristiana” . Los intentos de continuar juntos se estrellaron con la pretensión de Farner de que se le pagase el 50% de las ganancias, “por su mayor dedicación en la composición y una mayor dedicación sobre el escenario”, pretensión que fue rechazada por los otros dos miembros que querían dividir en tres partes iguales. Farner decidió continuar en solitario y creó un grupo llamado Mark Farner´s American Band, nombre que fue inmediatamente denunciado por Brewer and Schacher. En el cruce de demandas que se realizaron en los años siguientes, una de ellas la recibió Farner dos días después del fallecimiento de su hijo Jessie, lo cual le afectó muchísimo.

Brewer y Schacher continuaron con el nombre de Grand Funk incluyendo como guitarrista a Bruce Kulick, el que fue guitarrista de Kiss, y el teclista Tim Cashion, que había formado parte de las bandas de Bob Seger y Robert Palmer. En enero de 2024, Kullick se marchó del grupo siendo sustituido por Mark Chatfield que formó parte de la Silver Bullet Band de Bob Seger.

Como curiosidad te comento que en un momento de rebote, el bajista Mel Schacher dejó la banda en 2018 y fue sustituido durante un corto período de tiempo por Stanley Sheldon, que fue miembro de la banda de Peter Frampton. De nuevo conexiones múltiples.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. En la práctica creo que no, a menos que Farner rebaje sus condiciones. Por otra parte, ha habido muchas demandas de por medio. Por si fuera poco, Farner acaba de publicar un disco en solitario llamado Closer to my Home (2024), recordando uno de sus temas más emblemáticos: I'm your Captain (Closer to Home). En el disco hace una versión de este tema donde puedes comprobar que conserva la misma voz que hace 50 años. Grand Funk no ha grabado material nuevo desde hace más de medio siglo. Sacan recopilaciones, hacen nuevas mezclas de discos antiguos y viejos conciertos en directo. Cada uno está de gira por su cuenta. Así que me aventuro a pronosticar que no volverán a tocar juntos, aunque… ¿quién sabe? Cosas más difíciles se han visto. Ya viste lo que dijo Don Henley cuando los Eagles se separaron por primera vez: “Nos reuniremos cuando el infierno se congele”. Y 14 años después, en 1994 se reunieron y sacaron su disco llamado Hell Freezes Over (El infierno se congela). ¡Ay, Señor!

Dire Straits

Este grupo tuvo un enorme éxito en los años 80 y 90. Fue fundado en 1977 por Mark Knopfler, su líder, compositor de prácticamente todas las canciones, guitarrista y voz y en su primera formación, que incluía a su hermano David (guitarra), John Illsey (bajo) y Pick Whiters (batería). Su disco de debut, homónimo, fue publicado en 1978 y en el mismo se incluía Sultan of Swing que es probablemente la canción más conocida de la banda y que en Spotify a día de hoy tiene casi 1.500 millones de reproducciones. Escrita por Mark Knopfler, su inspiración le vino escuchando a un grupo modesto de jazz a los que escuchó en un pub en Londres. Le llamó la atención el nombre tan “pomposo”: “los sultanes del swing” para un grupo verdaderamente desconocido. La letra empieza así:

You get a shiver in the dark

It's raining in the park but meantime

South of the river you stop and you hold everything

A band is blowing Dixie, double four time

You feel alright when you hear the music rings

Traducido sería:

Sientes un escalofrío en la oscuridad.

Llueve en el parque, pero mientras tanto,

al sur del río te detienes y lo detienes todo.

Una banda toca Dixie, doble compás de cuatro tiempos.

Te sientes bien cuando oyes sonar la música.

Al principio no tuvieron mucho éxito pero el disco tampoco pasó desapercibido. Su segundo álbum, Communiqué, en 1979, ya fue un éxito, alcanzando el número uno en las listas de álbumes de Alemania, España, Nueva Zelanda y Suecia; el número 11 en Estados Unidos y el número cinco en Reino Unido. Communiqué fue posteriormente certificado como disco de oro en Estados Unidos, disco de platino en Reino Unido y doble disco de platino en Francia. En este disco se incluye una canción, que sin ser la más conocida, es mi preferida del álbum: Where do you think your going?

Mientras grababan su tercer disco, Making Movies, comenzaron los cambios. David Knopfler se marcha tras una discusión con su hermano para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituido por Hal Lindes, e incorporándose como teclado Allan Clark. Continúan los cambios y Terry Williams sustituye a Pick Whiters en la batería y Guy Flechter, (un colaborador habitual de Mark Knopfler en sus discos en solitario), en los teclados.

Con muchos músicos invitados en sus siguientes álbumes, Dire Straits publica tres discos de estudio más: Love Over Gold, Brothers in Arms y On Every Street, éste último en 1991 y que constituye su despedida ya que desde entonces no han vuelto a tocar juntos. Oficialmente se separaron en 1995. En su conjunto, Dire Straits ha publicado seis álbumes de estudio, cinco álbumes en directo, tres álbumes recopilatorios, cuatro EP, 31 sencillos y 15 vídeos musicales y han vendido unos 120 millones de discos.

Mark Knopfler comenzó a desarrollar su carrera en solitario ya antes de romper con Dire Straits, publicando en el año 1983 la banda sonora de la película Local Hero, que no se por qué en España en vez de llamarla Un héroe local la bautizaron como Un tipo genial. Después de 1995, Knopfler ha tenido una dilatada y exitosa carrera en solitario, con diez discos, la banda sonora de al menos nueve películas, además de colaborar con Chet Atkins y Emmilou Harris y de formar parte de una banda llamada The Notting Hillbillies con su ya inseparable Guy Fletcher y otros músicos, con canciones tradicionales, blues y alguna composición de Knopfler.

Aquí uno de sus temas, Your Own Sweet Way. Compáralo con cualquiera de Dire Straits o incluso con cualquiera de sus discos con Emmilou Harris o Chet Atkins y podrás comprobar la variedad de estilos musicales que domina Knopfler.

David Knopfler, tres años menor que su hermano Mark, también ha seguido su carrera musical y publicado un total de ¡22 discos! Incluyendo algunas recopilaciones y directos, pero con escaso éxito. Ha estado de gira pasando por España, Bilbao, en 2017.

No me resisto a terminar este apartado sin comentarte algo sobre Telegraph Road, de su disco Love Over Gold, es una maravilla de canción que dura 14 minutos y que es mi canción preferida de Mark Knopfler / Dire Straits. Aquí la tienes en su versión más larga, pues se publicó una corta para que apareciera en la cara B del sencillo Twisting by the Pool en 1983.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos y en activo. Sin embargo, estoy seguro de que no lo harán, sencillamente porque Dire Straits es Mark Knopfler. Con los primeros músicos o con otros con los que ha tocado a lo largo de su dilatada carrera en solitario, cuando interpreta temas de su época de Dire Straits suena a eso, a Dire Straits. Por otra parte, en su concierto de Milán en 2019, en el minuto 40 verás como se despide de las giras. Te traduzco lo que dice: “Muchas gracias. Un millón de gracias. Son muy muy dulces. Siempre es un placer venir a Milán y decirles ‘hola Milán’. Siempre ha sido un placer, desde que era joven. Hace mucho tiempo. Antes era un muchacho joven. Ahora soy un viejo. Es la vida. Y así como siempre ha sido un placer decir muchas veces ‘hola Milán’, ha llegado el momento de decir ‘arrivederci Milán’. Pero no se preocupen que de alguna manera estaré por ahí, grabando discos y escribiendo”.

Es una despedida en toda regla de las giras. Aunque quién sabe. Igual es como Miguel Ríos y se despide muchas veces…

Aquí tienes el concierto completo. Aún grabado con un móvil, la calidad del sonido es bastante buena. Knopfler es uno de los maestros que con pocas notas transmite en sus solos de guitarra un sentimiento que a mi, particularmente, me fascina. En la canción que le sigue, Bacon Roll, tocada con su guitarra, diseñada para él por Rudy Pensa, con dos pastillas P-90, obtiene ese sonido Knopfler, tan inconfundible como maravilloso.

Creo, sinceramente, que con lo que he escrito se aprecia mi debilidad por este músico. Pronto volveré a referirme a él junto a Peter Green, David Gilmour y Steve Rothery (Marillion) en un capítulo dedicado a los “guitarristas lentos”, aquellos que no destacan por su velocidad tocando notas, sino por todo lo contrario: pocas notas pero con una sensibilidad insuperable.

Wishbone Ash

Es, en mi opinión, uno de los grupos de rock de los años 70 más infravalorados hoy en día. Oriundos de Torquay, un pueblo costero del condado británico de Devon, sus componentes comenzaron a tocar juntos en 1966. Wishbone Ash ha sido famoso por las armonías que creaban sus dos guitarristas, tan bonitas que sus dos guitarristas originales, Andy Powell y Ted Turner fueron reconocidos por la revista Traffic como “dos de los diez guitarristas más importantes de la historia del rock” y el Melody Maker, en 1972 describió a Powell y Turner como “el dúo de guitarristas más interesante desde los días en que Beck y Page formaban parte de The Yardbirds”.

Desde entonces, un gran número de grupos que tienen más de un guitarrista en su formación, han citado a Wishbone Ash entre sus influencias. Por sólo nombrar a algunos tenemos a The Eagles, Metallica y Lynyrd Skynyrd.

El fundador del grupo fue el bajista y cantante Martin Turner, quien se unió al batería Steve Upton en 1963. Estuvieron haciendo pruebas a diferentes guitarristas y en 1966 admitieron a Ted Turner (sin relación familiar con Martin) y Andy Powell. Decidieron incluir a los dos porque “se sentían incapaces de elegir solo a uno”. En 1970 actuaron de teloneros de Deep Purple y su guitarrista, Ritchie Blackmore, recomendó a Wishbone Ash al productor Derek Lawrence. Estuvieron juntos hasta 1974, cuando Ted Turner dejó el grupo “quemado de tanta gira” y fue sustituido por otro gran guitarrista, Laurie Wisefield, trasladándose a Estados Unidos donde grabaron sus siguientes discos y donde estuvieron girando. Antes de su separación Ted Turner grabó con la formación original, un disco doble en directo llamado Live Dates, para mí su mejor disco.

Tanto es así que posteriormente sacaron un Live Dates dos, Live Dates tres y recientemente han vuelto a tocar el Live Dates original, con las mismas canciones y el mismo orden, en directo obviamente, pero con los músicos que forman parte del grupo ahora llamándolo Live Dates Live. En mi opinión, Wishbone Ash, al igual que otros tantos grupos como Cream en su momento, ganan mucho con el directo. Aquí tienes un tema precioso del Live Dates original de 1973, Throw Down the Sword, donde los solos de guitarra de Ted Turner y Andy Powell son preciosos, por su claridad, armonía y diría que hasta dulzura.

Como ha ocurrido con otros tantos grupos, los cambios han sido frecuentes. Después de Laurie Wisefield han pasado por el grupo un buen número de guitarristas (un total de nueve) así como bajistas y baterías. He contado un total de 22 músicos, mientras que de la formación original tan solo queda Andy Powell.

Martin Turner, el bajista y fundador del grupo, comenzó a realizar giras en 2004 con el nombre de Martin Turner's Wishbone Ash, interpretando temas de las formaciones clásicas de la banda. En algunas ocasiones, Ted Turner y Laurie Wisefield tocaron con él como invitados en algún tema. Sin embargo, Andy Powell emprendió acciones legales para proteger la marca registrada Wishbone Ash e impedir que Martin Turner utilizara el nombre elegido para su grupo. El tribunal falló a su favor y se rechazó la solicitud de apelación de Martin Turner. Desde entonces, éste ha realizado giras y grabado con su banda con el nombre Martin Turner ex-Wishbone Ash.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Ya lo hicieron en 1987 cuando la formación original se reunió para grabar un disco instrumental llamado Noveau Calls. Poco duraron juntos porque su batería Steve Upton se retiró del mundo de la música en 1990 trasladándose a Francia donde comenzó a trabajar en una inmobiliaria. Después de haberse enfrentado en los tribunales, Andy Powell y Martin Turner probablemente no tengan muchas ganas de estar juntos. Nunca se sabe, pero mi opinión es que tampoco volverán a reunirse.

Anderson, Bruford, Wakeman y Howe (ABWH)

Como habrás deducido inmediatamente, estamos hablando de una de las versiones de Yes, uno de los grandes grupos más representativos del llamado rock sinfónico.

Yes se formó en el año 1968 con Jon Anderson (voz), Cris Squire (bajo), Bill Bruford (batería), Peter Banks (guitarra) y Tony Kaye (teclados). A lo largo de su vida musical los cambios han sido frecuentes de tal manera que en la formación actual no queda ninguno de los miembros iniciales. Hubo un momento, en el año 1991 en que se habían formado dos bandas paralelas con músicos que habían formado parte de Yes.

Hasta el momento han formado parte de Yes un total de veinte músicos a los que hay que añadir otros 25 que han colaborado en giras o en algunas grabaciones puntuales sobre todo en el álbum Union de 1991.

De la formación inicial de Yes han fallecido Chris Squier, en 2015, y Peter Banks, en 2013. Por lo tanto, de las diferentes formaciones que han tenido cierto éxito y de las que sobreviven todos sus componentes solo tenemos a Anderson, Bruford, Howe y Wakeman a la que nos referiremos aquí. Chris Squier estuvo en todas las demás formaciones, con excepción de la que actualmente está de gira, tras su fallecimiento.

Te confieso que nunca creí posible ver a Yes sin Jon Anderson. Para mí era el alma de este grupo. Pero al igual que ha pasado con Journey y Steve Perry, los demás miembros han buscado una voz muy parecida y seguido adelante. Como es bien conocido en el mundo artístico, The Show Must Go On (el espectáculo debe seguir). Ya lo cantaba Queen.

A lo que vamos, ABWH (Anderson, Bruford, Wakeman y Howe) se formó en 1988, cuando Jon Anderson, cansado de las tensiones internas, especialmente entre Chris Squire y Trevor Rabin, tras la grabación de su álbum Big Generator, dejó el grupo y se fue a la isla de Montserrat a grabar un disco en solitario. En él comenzaron a colaborar otros miembros del grupo, precisamente Bruford, Howe y Wakeman, lo cual alimentó la idea de formar un grupo sin Chris Squier, pero evitando utilizar el nombre Yes para evitar acciones legales. El bajista elegido fue Tony Levin, un gran músico que entre otros ha formado parte de King Crimson y de la banda de acompañamiento de Peter Gabriel.

Grabaron un disco con su mismo nombre que fue un fracaso comercial, pues en todo el mundo vendió solamente medio millón de copias. En los Estados Unidos alcanzó el número 30 en la listas de álbumes. Sin embargo, su sonido era claramente el de Yes. Escucha por ejemplo este Themes para ratificarlo. ¿No te suena a Tales of the Topographic Ocean?

ABWH inició una gira de promoción del álbum grabando un disco y un DVD, que posteriormente se publicó en 1993 con el nombre de An Evening of Yes Music Plus y que puedes encontrar en Spotify.

Los cuatro miembros de Yes que quedaron tras marcharse Jon Anderson, Chris Squiere, Alan White, Trevor Rabin y Tony Kaye (que había vuelto al grupo después de 20 años) comenzaron a escribir material para su siguiente disco. ABWH trabajaba en New York, con el productor Jonathan Elias y Yes estaba grabando en Los Ángeles. En un viaje de Jon Anderson a esta ciudad, contactó con Trevor Rabin quien quiso que Anderson pusiera su voz a sus canciones, mientras que Anderson le mostró algunos temas que estaba trabajando con ABWH. Al final decidieron unir las dos bandas en una sola, bajo el nombre de Yes, que se transformó en un grupo de ocho miembros con dos guitarristas, dos teclados, dos baterías y un bajo, Chris Squier (Tony Levin no formó parte del proyecto) y una voz principal, Jon Anderson. En la práctica, estas dos bandas nunca llegaron a reunirse o a tocar juntas en un estudio. Cada una de ellas grababa su parte de manera totalmente independiente, así Jonathan Elias y ABWH lo hacían en Nueva York y Rabin y compañía en Los Ángeles, con la inclusión posterior de la voz de Jon Anderson por medio de la posproducción en estudio.

El disco resultante Union, publicado en 1991, obtuvo una tibia respuesta, llegando a vender sólo medio millón de copias en todo el mundo (cifras similares a las del disco de ABWH). En él participaron Roger Dean (creador las portadas de los discos tanto de Yes como de ABWH o de Asia) y Eddie Offord como ingeniero. Aquí tienes una canción de muestra: I Would Have Waited Forever.

En mi opinión, con la que quizá no estés de acuerdo, hay dos Yes, el sinfónico de Tales of Topographic Ocean, y el más rockero de 90215, donde se nota la influencia del sudafricano Trevor Rabin. Aquí tienes un ejemplo con dos de sus canciones: primero de Tales of the Topographic Ocean, The Revealing Science of God , un tema de 22 minutos que podríamos haber incluido en el capítulo de canciones largas, y a continuación Owner of a Lonely Heart del disco 90215, con el extraño vídeo oficial promocional que incluye la pausa de la música en el minuto 1:15 y las transformaciones o correlaciones entre animales y los miembros del grupo, cuyo mensaje, si lo había, nunca entendí y sigo sin entender.

Sigamos. Después de Union, Jon Anderson continuó en el grupo que de nuevo experimentó nuevos cambios, marchándose Wakeman, y grabando Talk en 1994, la que fue la primera colaboración en estudio de Anderson y Rabin. El disco fue un fracaso comercial y motivó la salida de Yes, sin retorno, de Trevor Rabin.

Diversas formaciones continuaron a lo largo de los 90 reuniéndose en 1996 la alineación quizá clásica constituida por Anderson, Wakeman, Squire, Howe y Alan White, con Wakeman entrando y saliendo, siendo sustituido por Billy Sherwood.

En 2008 se produce un hecho para mi fundamental en la historia musical de Yes y fue que, al estar Jon Anderson gravemente enfermo de una insuficiencia respiratoria que casi le produce la muerte, los restantes miembros de la banda deciden seguir las giras contratadas sin él, sustituyéndolo por un clon de su voz, un cantante llamado Benoit David, quien formaba parte de un grupo de tributo de Yes llamado Close to the Edge. A Anderson esto le afectó mucho y públicamente comentó que se sintió traicionado. Se marcha otra vez Rick Wakeman, entra Geoff Downes de Asia, entra el hijo de Wakeman, Oliver, sale Benoit David y se contrata a Jon Davison, fallece Chris Squier… En fin, todo un folletín.

En 2017, Yes entró en el Rock and Roll Hall of Fame. En el acto de celebración estuvieron Alan White, Steve Howe, Jon Anderson, Bill Bruford, Tony Kaye, Rick Wakeman y Trevor Rabin. Quedaron sin premiar Peter Banks, Patrick Moraz, Trevor Horn, Geoff Downes y los músicos que entraron en Yes después de Rabin. De los premiados faltaron a la gala Kaye (por motivos de salud) y el fallecido Squire. Como curiosidad, en las mesas se sentaron, por una parte, los integrantes de ABWH, y en la otra los restantes miembros de Yes, sin dirigirse la palabra entre ellos. Interpretaron dos temas, uno de su época sinfónica, Roundabout y otra de la rockera, Owner of a Lonely Heart, ¡cómo no!, su tema más reproducido en Spotify. En esa ocasión, al haber fallecido Squire, Geddy Lee de Rush tocó el bajo. Bill Bruford, aunque asistió al acto, ni habló ni tocó la batería porque ya estaba retirado de la música. La formación “sinfónica” comienza a tocar, después de los discursos, en el minuto 11:30, y la rockera en el minuto 20:11, por si no deseas ver o escuchar toda la ceremonia.

También en 2017, Jon Anderson se unió a Trevor Rabin y a Rick Wakeman con el nombre ARW, e hicieron una gira mundial obviamente tocando temas de Yes y del disco ABWH. Posteriormente se separaron definitivamente.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos pero solo la formación ABWH, dado que Chris Squier ha fallecido, añadiendo a Tony Levin al bajo. ¿Lo harán? Con toda seguridad que no. Howe es incompatible con Rabin y con Anderson. Bill Bruford está retirado. Lo más parecido fue la reunión de ARW en 2017. Por lo tanto, disfrutemos de los más de 50 discos que nos han legado, juntos, con otros artistas o en solitario.

Supertramp

Una de las bandas que ha tenido más números uno en las listas y ha vendido más discos en el mundo del rock. Británicos, formados en Londres en 1970, la formación original estaba formada por Rick Davies (teclados y voz), Roger Hodgson (bajo y voz), Richard Palmer (guitarra y voz) y Keith Baker (batería). Las fuerzas vivas del grupo eran Richard Davies y Roger Hodgson, con estilos musicales y personales radicalmente distintos. A Davies le gustaba el jazz y el blues, mientras que a Hodgson le gustaba un rock más melódico, lo que luego se ha dado por llamar soft-rock. Ellos dos comenzaron a escribir las canciones conjuntamente, dedicándose Palmer a las letras.

Publicaron dos álbumes, el primero en 1970, homónimo y el segundo Indelibly Stampted en 1971, que pasaron sin pena ni gloria. Durante esta época se sucedieron los cambios y entraron y salieron de la formación diferentes músicos: Robert Millar, Dave Winthrop, David O´List, Dickie Thomas, Kevin Currie, Frank Farrell, Nick South, hasta que en 1973 el grupo se estabiliza con la entrada de John Anthony Helliwell (saxo, clarinete), Dougie Thomson, en el bajo, y Bob Sienberger, en la batería. Para entonces, Roger Hodgson había dejado el bajo, pasando a la guitarra y a los teclados en algunos temas. Hodgson y Davies seguían componiendo, pero cada uno por su lado aunque seguían firmando todas las canciones como Davies/Hodgson.

Su tercer disco, Crime of the Century, publicado en 1974 fue un inesperado éxito comercial tanto en el Reino Unido, como en Alemania, Francia, Australia y Canadá vendiendo en este último país más de un millón de copias y siendo certificado como platino. La revista Rolling Stone lo incluyó entre los 50 álbumes más grandes del rock progresivo de todos los tiempos.

Aquí tienes una de las canciones de este disco, escrita por Roger Hodgson. Quizá no sea tan famosa como School ó Dreamer, pero es mi preferida de este álbum: una joya oculta que raramente han tocado en directo, ni Supertramp primero ni Roger Hodgson después en solitario.

Varios miembros del grupo han comentado en algún momento que Crime of the Century muestra el mejor momento del grupo, en cuanto a comunicación y relación entre ellos. Su batería, Bob Sienberger, comentó que “con este habíamos alcanzado nuestro pico artístico”. Por mi parte, es mi preferido de todos los de Supertramp e incluso de Roger Hodgson en solitario. Tuvo un reconocimiento generalizado de la crítica, que fue incrementándose a medida que pasaba el tiempo. Por ello, se incluyó en el libro de 2005 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir y en 2015 fue elegido como el 27º mejor álbum de rock progresivo por la revista Rolling Stone. Por mi parte, cada vez que escucho este disco viene a mi recuerdo las largas noches de estudio en 1975, durante toda la noche, con Pipo Hidalgo, preparando los exámenes finales de primero de carrera. Estábamos los dos enganchados al disco.

Después de un éxito tan grande, el siguiente disco era un reto, por las expectativas creadas. En 1975 publicaron su cuarto trabajo, Crisis, What Crisis? sobre el que existe diversidad de opiniones. Miembros del grupo comentaron que fue un disco publicado bajo las presiones de la compañía discográfica, incluyendo canciones que habían sido descartadas del álbum anterior. Sin embargo, las ventas fueron un éxito y el disco se situó bastante bien en las listas americanas y británicas sin alcanzar el número uno. Roger Hodgson, en una entrevista en 2015, comentó que era su álbum favorito. En abril de 1977 publicaron su quinto disco, Even in the Quietest Moment que conocíamos en nuestro entorno como “el disco del piano en la nieve”. Una joya de álbum con canciones como Give a Little Bit, escrita por Roger Hodgson y que cuenta con más de 500 millones de reproducciones en Spotify a día de hoy. Pero en este disco hay otras canciones, como Fool’s Overture, que es una auténtica maravilla. Cuando Hodgson la tocó la última vez que estuvo en Gran Canaria comentó que le había llevado diez años componerla. Aquí tienes una versión de esta canción tocada y cantada por Roger Hodgson con una orquesta.

Supertramp siguió componiendo y publicando discos así como realizando giras por todo el mundo. Los siguientes álbumes Breakfast in America y Famous Last Words confirmaron que las canciones de Hodgson eran mucho más populares, más solicitadas y que alcanzaban lugares más altos en las listas de éxitos que las de Davies. Así, de estos discos cabe destacar The Logical Song, una canción con una letra muy profunda que se utiliza a menudo en entornos educativos, especialmente para debates sobre el crecimiento personal, las expectativas sociales y el impacto de la educación. La letra de la canción, que me parece de las mejores que he oído nunca, detalla un viaje desde la inocencia infantil hasta las complejidades de la edad adulta y el cuestionamiento de las normas sociales, unos elementos muy válidos para organizar debates entre los alumnos. Aquí tienes la letra traducida al español.

En el siguiente disco, Famous Last Word brilla sobre todas las demás It´s raining again también de Hodgson, con la que cerró el concierto en Gran Canaria. El single, que para compensar se publicó con una canción de Davies My Kind of Lady, alcanzó el número cinco en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

La distancia entre Hodgson y Davies era cada vez mayor, la orientación musical de Supertramp la marcaba Roger Hodgson y las fricciones entre ambos músicos desencadenaron la salida del grupo de Hodgson en 1983. Al respecto declaró: “Hodgson ha declarado que su marcha estuvo motivada por el deseo de pasar más tiempo con su familia y grabar discos en solitario, y que nunca hubo problemas personales o profesionales entre él y Davies, como algunos pensaban”. Muy políticamente correcto.

Supertramp continuó, aunque reemplazar a Hodgson requirió un buen número de músicos. Por sólo nombrar a algunos: Marty Walsh, Carl Verheyen, Brad Cole, Scott Page, Steve Reid, Mark Hart, Cliff Hugo y Lee Thornburg, entre otros. Publicó varios discos: Brother Were Are You Bound, Free as a Bird, Some Things Never Change y Slow Motion que, siendo buenos discos, no tuvieron el éxito esperado, sin alcanzar ningún sencillo puestos tan altos como los que conseguía con las canciones de Hodgson. En sus primeras giras, sus componentes decidieron no tocar temas de Roger Hodgson, pero esto desencadenó las protestas del público que las reclamaba y no les quedó más remedio que incluir algunas de ellas en las siguientes giras. Su última actuación en directo fue en Madrid, en noviembre de 2012 en el Ifema.

Por su parte, Roger Hodgson ha publicado tan solo tres discos en solitario, grabados en el estudio que construyó en su casa de Los Ángeles donde se mudó después de la separación de Supertramp, y uno más en directo, con sus temas de siempre. Sin embargo, en una entrevista al periódico La Opinión de Málaga en 2015 dijo: “Debo de tener entre 60 ó 70 canciones compuestas pero que aún no he grabado”. Y algunas de ellas podrían ser éxitos.

Para no ser menos que los otros grupos de los que hemos comentado en este mismo capítulo, los miembros de Supertramp también pasaron por los tribunales. Aquí tienes con detalle todas las vicisitudes del juicio. Vale la pena que lo leas, porque podrás ver que Hodgson no se fue “amigablemente”, como indicó en su momento. El juicio lo ganó Hodgson. Si quieres una síntesis, te comento que cuando Hodgson se separó de Supertramp en 1983, acordaron que los royalties generados por sus canciones se repartirían con los restantes miembros del grupo. Y así se hizo hasta 2021 cuando Hodgson dejó de pagarles argumentando que después de 38 años ya había pagado bastante, que el acuerdo no era a perpetuidad y que los demás no habían contribuido en nada en la composición de esos temas, ni letra ni música, ni arreglos ni producción. Los restantes miembros de Supertramp (Dougie Thomson, John Anhony Helliwell y Bob Sienberger) presentaron una demanda contra Roger Hodgson. Previamente habían llegado a un acuerdo con Rick Davies. El juicio se celebró en 2024 y el jurado, unánimemente le dio la razón a Hodgson.

Como curiosidad y ya que antes hablamos de Yes, en 1990, Hodgson rechazó una oferta de dicho grupo para unirse a ellos como vocalista principal. Una de las canciones que entonces coescribió con Trevor Rabin, Walls, aparece en el álbum Talk de Yes de 1994, con la letra revisada por Jon Anderson. Otra versión de esta misma canción con solo Hodgson y Rabin a la voz se publicó en el álbum recopilatorio de Rabin 90214, publicado en 2014. Hodgson ha hecho varias giras, cada vez más espaciadas, y ha pasado dos veces por Gran Canaria, una primera en el Auditorio Alfredo Kraus en noviembre de 2007 con el único acompañamiento de Aaron McDonald, que tocaba varios instrumentos de viento (saxo, clarinete, flauta además de los teclados) y el mismo Hodgson con los teclados y la guitarra. La segunda ocasión actuó en las afueras del Estadio de Gran Canaria en julio de 2019 en el contexto de la gira 40 Aniversario de Breakfast in America, pero en esa ocasión trajo a una banda muy compacta. Sonó de maravilla.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Pero no lo creo. Bob Sienberger se ha retirado de la música. Durante mucho tiempo estuvo su hijo en el grupo: Jesse Sienberger. Dougie Thomson también ha dejado de tocar. Trabaja como editor de una revista dedicada a la música: Trinity Publishing. Pero, quizá lo más importante, ¿Hodgson tocando con el resto de la banda que le llevó a juicio? ¿Hodgson y Davies otra vez juntos? ¿Reunirse para qué?, se preguntaría Roger. Él solo llenaría estadios si mañana saliera de gira. Lleva una vida familiar cómoda en Los Ángeles … Definitivamente, creo que no los veremos juntos nunca más.

The Firm. Coverdale-Page

Aunque son dos grupos distintos tienen en común varias cosas y por ello voy a comentarlos juntos. Ambos tienen a Jimmy Page como motor, ambos se crearon en la década de los 80, ambos se basaron en la unión de Page con un vocalista conocido, y por último, ambas bandas tuvieron una duración muy corta.

The Firm fue un grupo británico formado en 1984 por Jimmy Page (anteriormente guitarrista de Led Zeppelin, cuyos miembros se habían separado en 1980 tras la muerte de John Bonham) junto a Paul Rodgers, (previamente miembro de Free y Bad Company) y una de las mejores voces del Rock.

Separados de sus respectivos grupos, se unieron con la intención de explorar nuevas ideas, sin presiones externas, escribiendo nuevo material y tratando también de evitar las influencias de sus grupos anteriores. De hecho, en las giras que realizaron, evitaron tocar temas tanto de Led Zeppelin como de Free o Bad Company.

Completaron el grupo el bajista Tony Franklin, que tocaba un bajo sin trastes (fretless), un músico de sesión muy valorado en el Reino Unido y Chris Slade en la batería, que venía del grupo Manfred Mann y que posteriormente recaló en AC/DC. Inicialmente, ambos músicos pretendían incluir en el grupo como batería a Bill Bruford de Yes (¡que pequeño es el mundo!) Y a Pino Palladino como bajista, pero ambos tenían contratos en vigor con otras compañías discográficas y no pudieron incorporarse al grupo.

Cinco de las nueve canciones de su primer disco The Firm, publicado en 1985, fueron escritas por ambos y tres temas fueron compuestas por Paul Rodgers. Incluyeron también una versión de la canción You’ve Lost that Loving Feeling, que francamente me sorprendió en su momento, pues no me encajaba con el estilo de Jimmy Page.

El disco The Firm (1985) tuvo bastante éxito. Alcanzó el número 17 de la lista Billboard 200 en el Reino Unido y el single Radiactive llegó al número uno. Claramente se nota que no suena ni a Led Zeppelin ni a Free. Quizá por eso es una canción que nunca me ha gustado.

Como curiosidad te comento que en este disco se incluyó una canción llamada Midnight Moonlight, un tema de más de nueve minutos, basado en una composición no publicada de Led Zeppelin que entonces se llamaba Swan Song. Page fue muy criticado por ello. Aquí tienes una versión en directo, en Londres, durante la gira en el Reino Unido, una versión un tanto más larga, de 10:34 minutos, donde Jimmy Page toca con una guitarra Danelectro que siempre le ha acompañado. Fíjate que en los créditos del vídeo indica que la canción fue grabada el 9 de diciembre de 1984 y el disco salió a la venta en febrero de 1985. Quizá giraron antes de publicar el disco. No lo sé.

Después de la gira correspondiente, en Reino Unido y Estados Unidos publicaron un segundo disco llamado Mean Business (1986). En esta ocasión el disco tenía ocho cortes de los cuales, tres fueron compuestos por Paul Rodgers, otros tres por Page y Rodgers, una por Tony Franklin y por último, una canción en la que participó Chris Squier, bajista de Yes, pero cuya colaboración no fue reconocida.

Este segundo y último disco del grupo tuvo menos éxito que el anterior. El álbum alcanzó el número 22 en la lista de álbumes Billboard 200 y el número 46 en la lista UK Album Chart. El sencillo All the Kings Horses tuvo un éxito también moderado.

No hicieron gira tras la publicación del disco. La separación fue amistosa. En posteriores entrevistas ambos coincidieron en que The Firm era solo un proyecto de trabajo conjunto, aislado y que desde el principio no pretendía durar más allá de dos discos, que es lo que hicieron.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí pues están todos vivos. Pero no lo creo. Fue un experimento. Un proyecto aislado que permitió a estos dos monstruos de la música seguir en activo tras la disolución de sus bandas previas que les habían dado la fama. Les sirvió para reconfirmarse ante ellos mismos. Como viste en el enlace anterior, el periodista titula el artículo como “el proyecto que salvo la vida a Jimmy Page”. Después siguieron los dos por separado. No han vuelto a tocar juntos. Con toda seguridad, no volverán.

Coverdale-Page

Coverdale-Page fue otro proyecto de colaboración musical de Jimmy Page que se desarrolló en 1991. De Jimmy Page ya hemos hablado. David Coverdale es un vocalista que había sido miembro primero de Deep Purple, cuando él y Glenn Hugher sustituyeron a Ian Gillian y Roger Glover, constituyendo lo que se dio por llamar el Mar III del grupo. grabando dos discos bastante buenos: Burn, Stormbridger y posteriormente de Whitesnake, su grupo, al que dirigió con mano férrea y por el que pasaron una infinidad de músicos, y que grabaron algunos temas muy buenos los cuales llegaron a alcanzar el número uno en las listas, como ocurrió con Here I go again. Coverdale acababa de culminar una exitosa pero también desgastante etapa con Whitesnake (sobre todo tras el éxito de Whitesnake (1987) y Slip of the Tongue (1989) y decidió tomarse un descanso y “dejar descansar al grupo”.

En 1991, ambos fueron presentados por el productor John Kalodner, quien creía que la voz poderosa de Coverdale y el virtuosismo de Page podrían dar lugar a una colaboración interesante. Se conocieron en una reunión convocada ad hoc en New York. Los dos congeniaron y se “pusieron a prueba” para ver si eran capaces de componer juntos. Así fue y en los meses siguientes completaron su álbum homónimo que fue publicado en marzo de 1993, incorporando como base rítmica a Denny Carmassi en la batería y a Ricky Phillips en el bajo. Aquí tienes el álbum completo por si te apetece escucharlo. A mi particularmente me gusta el tema Don´t leave me this way, un blues de casi ocho minutos y donde Page se suelta la melena en un solo impactante.

La recepción del disco y del proyecto fue de todo tipo. Fue un cierto éxito comercial pues el álbum alcanzó el puesto número cuatro en Reino Unido y el cinco en el Billboard 200 (EEUU), con buenas ventas iniciales pues fue certificado disco de pro en Los Estados Unidos. Algunos alabaron la química existente entre ambos músicos exhibida en los once temas que completaron el disco. Otros quisieron ver una versión de Led Zeppelin con otra voz. El proyecto tuvo la mala suerte de que por esa época se estaba rumoreando acerca de una reunión de Led Zeppelin con Jason Bonham (el hijo de John Bonham) en la batería. Por entonces, Jimmy Page estaba trabajando con los discos ya publicados del grupo, remasterizándolos recopilándolos en dos cajas que se publicaron por esas fechas. Finalmente la reunión no se produjo, por la negativa de Robert Plant, quien incluso hizo algunos comentarios despectivos al respecto, llamando a Coverdale “David Cover-version” sugiriendo que éste le copiaba. Poco después, Plant y Page se reunirían como Page and Plant (1994), que se reunieron para un concierto de MTV, llamando al disco Unledded. Curiosamente, no contaron con John Paul Jones para el proyecto, cuando la mayor parte de las canciones que componían el disco eran de Led Zeppelin. Posteriormente, Page y Plant siguieron juntos y publicaron en 1998 un nuevo disco llamado Walking into Clarksdale, también sin John Paul Jones. Ante estas perspectivas, que ya estaban siendo preparadas en 1993, hizo que el proyecto con Coverdale acabase el mismo año en que se publicó el disco ya que no hicieron la habitual gira de promoción y solamente actuaron durante unas fechas en Japón en diciembre de 1993 donde, tras completar la interpretación del disco, remataron el concierto con temas de Led Zeppelin y de Whitesnake. Aquí tienes el concierto entero que ofrecieron en Osaka en diciembre de 1993. Está grabado por un aficionado con un smartphone por lo que ni la imagen ni el sonido son de calidad, pero como documento histórico quizá te apetezca echarle un vistazo.

¿Podrían reunirse a día de hoy? En teoría sí, pues están todos vivos. Y aparentemente no les faltan ganas a ninguno de los dos. Así, en 2004, Page comentó: “Fue muy agradable trabajar con David. Fue algo muy breve, pero disfruté trabajando con él, aunque parezca increíble”. Por su parte, Coverdale comentó más tarde, en 2011: “Si Page me llamara para preguntarme si querría trabajar con él en un álbum en solitario o cualquier otra cosa, acudiría sin dudarlo”. En 2021, Coverdale reveló sus planes de reeditar el álbum en 2023 para celebrar su 30 aniversario. Tras adquirir los derechos del disco a Universal, Coverdale le dijo a Eddie Trunk, de SiriusXM, que la reedición podría incluir versiones remasterizadas y remezcladas de Coverdale-Page, cuatro temas inéditos, material en directo y otros contenidos extra. También afirmó que él y Page habían hablado de la posibilidad de volver a componer y grabar juntos, aunque sus planes se retrasaron debido a la pandemia de COVID-19. En noviembre de 2023, el álbum se reeditó en Japón en vinilo analógico por primera vez.

¿Quién sabe? Cosas más difíciles se han visto.

Genesis

Genesis fue uno de los máximos exponentes del llamado rock sinfónico junto a Yes y Emerson, Lake and Palmer. Británicos, el grupo se formó en 1967 en Charterhouse, Surrey, un colegio privado situado en el sur de Inglaterra. Los miembros fundadores fueron Peter Gabriel (voz, flauta),Tony Banks (teclados), Mike Rutherford (bajo y guitarra), Anthony Phillips (guitarra) y Chris Stewart (batería). El grupo fue inicialmente impulsado por Jonathan King, productor musical y exalumno del mismo colegio, quien les consiguió su primer contrato discográfico.

Pronto comenzaron los cambios. Phil Collins entró como batería en 1970, y Steve Hackett en 1971 como guitarrista, sustituyendo a Antthony Phillips y a Chris Stewart. Esta primera formación estable, es la que podríamos considerar como clásica, si bien como veremos a continuación duró muy poco.

Su primer disco fue From Genesis to Revelation publicado en el año 1969. Durante su grabación, Chris Stewart dejó el grupo. El disco consta de once canciones y en los créditos se recoge que fueron escritas por todos los miembros. Quizá la canción más conocida de esta época es The Silent Sun. Si ves sus caras en la fotografía que acompaña al disco, te costará reconocerlos. La música y la voz de Peter Gabriel no tienen nada que ver con lo que posteriormente desarrollaron. Pero no está mal como debut.

Siguieron Nursery Crime, Foxtrot, Selling England by The Pound y The Lambs Lies Down on Broadway, en 1974, que fue el último en el que participó Peter Gabriel. Todos ellos auténticas joyas. Durante esta etapa, los temas eran largos, complejos, con unas letras a menudo difíciles de entender. En los conciertos, además de la música había un importante componente teatral, apareciendo Peter Gabriel en ocasiones con disfraces y efectos visuales de todo tipo. De esta época te he traído Firth of Fifth, un tema de más de nueve minutos, maravilloso.

Quizá sea injusto considerar a esta la formación de “clásica” pues duró sólo cuatro años, desde 1971 a 1975 y posteriormente, Rutherford, Collins y Banks permanecieron juntos más de 20 años, pero qué quieres que te diga… es la que más me gusta.

Peter Gabriel dejó al grupo en 1975 para emprender su muy exitosa carrera en solitario. Hemos hablado de él en el capítulo de Voces (El camarote 3). Los restantes miembros del grupo comenzaron a hacer audiciones para buscar un sustituto durante varios meses, sin encontrar a ninguno que les gustara. Al parecer, llegaron a escuchar a casi 400 candidatos. Lo cierto es que al final, ya desesperados, Phil Collins comenzó a cantar y a los demás les pareció que sonaba bien… y así lo dejaron.

Poco duró Steve Hackett. Después del álbum A Trick of the Tail (1976), abandonó el grupo para iniciar su carrera en solitario habiendo publicado un gran número de discos, unos mejores que otros. Sin embargo, en los últimos años ha decidido incluir temas de esta primera etapa de Genesis y es habitual escucharle interpretar Firth of Fifth o Carpet Crawl en sus conciertos. Llegó incluso a publicar dos discos llamados Genesis Revisited I y II. Digamos que ha suplido con los temas de Genesis el éxito que no le han dado sus discos en solitario.

Y quedaron tres: Collins, Rutherford y Banks. Así se llamo uno de sus discos. Llegado este momento se produjeron dos hechos. Primero: cada uno de ellos compaginó su trabajo en Genesis con otros proyectos en solitario, y segundo: incluyeron a dos grandes músicos: Daryl Strummer (guitarra o bajo, alternándose con Rutherford) y Chester Thompson, un gran batería. Esta formación se convirtió en estable, como te decía, durante más de 20 años. Aquí tienes uno de sus temas: Abacab tocado en directo en Wimblemdon con el estadio lleno hasta la bandera. El tempo es un poco más rápido que en el disco. Les acompañan Chester Thompson en la batería y Dary Struemer en esta ocasión en el bajo.

En solitario, Phil Collins fue el que tuvo más éxito, en cuanto a popularidad y ventas. Así, su tema Against al Odds alcanzó el número uno en la lista Billboard en 1984. Asimismo, compuso música para películas, como la canción You´re In my Heart de la película de Disney Tarzán que obtuvo el Óscar a la mejor canción en 1999. Publicó un buen número de discos, casi todos con éxito, y se retiró tras una gira en el año 2017 que se repitió hasta 2019, llamada Not Dead Yet Tour y Still Not Dead Yet Tour, respectivamente, en la cual, ya enfermo, su hijo Nic le reemplazó a la batería. Aquí tienes un tema de esa gira donde podrás comprobar que de tal palo, tal astilla.

Tony Banks también publicó varios discos en solitario y finalmente, Mike Rutherford formó Mike and the Mechanics, con Paul Carrack, habiendo obtenido un éxito notable. Aquí tienes uno de los temas de Mike and The Mechanics, uno de mis preferidos, donde la letra y la maravillosa voz de Paul Carrach son auténticas joyas.

En 1991 graban su último disco juntos, y en 1996 Collins deja el grupo para centrarse en su carrera en solitario. Banks y Rutherford intentaron continuar con un nuevo cantante, Ray Wilson, y con él grabaron en 1997 Calling All Stations, que fue un fracaso comercial, por lo que a continuación se separaron… temporalmente, hasta 2007, cuando Collins vuelve al grupo para hacer una gira de reunión. Volvieron a seguir cada uno por su lado hasta que entre 2021 y 2022 realizaron su gira de despedida, llamada The Last Domino? Tour en la cual Phil Collins ya cantaba sentado por su enfermedad y su hijo Nic le reemplazó en la batería.

Por su parte, Steve Hackett sigue publicando discos (tiene más de 20 en solitario) y dando giras donde no faltan los temas de Genesis. Peter Gabriel, en 2023, publicó lo que hasta el momento en su último disco I/O que a mi, particularmente me gusta mucho (pero ya sabes el sesgo que tengo con Peter Gabriel). Aquí tienes una canción de este disco.

¿Volverán a reunirse? Lo hicieron para grabar un documental de la BBC en 2014 en el que hablaban de sus inicios, sus relaciones personales, muy interesante. S

¿Volver a reunirse para tocar? No lo creo. Phil Collins ya no puede. Peter Gabriel ha estado desarrollando una carrera en solitario durante 50 años, desde 1975 hasta hoy, ¿para que? Él solo se basta para llenar estadios. Rotundamente no lo harán.