Era la primera vez que los Premios Max aterrizaban en Extremadura y no podía ser en otro lugar que el gran Teatro Romano de Mérida. Allí donde triunfó con 24 años Núria Espert con su Medea, volvió Catalunya a imponerse con esta fábula de la argentina Victoria Szpunberg en la que narra su historia familiar durante tres generaciones en las que la acción viaja de Ucrania a Buenos Aires y finalmente a Barcelona. La alegría no fue total porque el gran premio, Mejor espectáculo de teatro, recayó en 1936, la obra dirigida por Andrés Lima. Además, en danza, la joven compañía La Venidera se hizo con tres galardones por su personal y poética pieza, No.

La gala, dirigida por la directora cacereña Cristina D. Silveira, que además celebraba aniversario de su compañía Karlik Danza, comenzó con una danza de ecos grecolatinos en la imagen y fusión musical con el medievo español. Una tónica que hilvanó esta correcta gala que quizá se agarró en demasía a los grandes textos del teatro grecolatino (Medea, Prometeo, Antígona o Sócrates) textos de gran fondo y enjundia, pero que tampoco son el alma de la fiesta.

La verdad es que han sido unos premios salomónicos. En danza un galardón para la danza española y flamenca de Juan Berlanga, Mejor intérprete masculino por Juancaballo, su recreación escénica del mito ubetense. Otro para la danza contemporánea y colectiva del Mercat de les Flors de Faula. Y tres premios, para la sensación de la temporada, La Venidera. Una compañía que ha sabido renovar con espíritu y estética nueva la danza española. Su espectáculo No se llevó el reconocimiento a la Mejor intérprete femenina, a Irene Tena, Mejor coreografía y el premio gordo, Mejor espectáculo de danza.

Este año había dos nuevos galardones, el Mejor elenco de danza antes mencionado y el Mejor elenco de teatro. Fue cuando llegó este segundo, que se otorgó a La tercera fuga, cuando se vio hacia donde iban a girar los premios. La producción catalana competía con dos elencos irrepetibles, la producción del Centro Dramático Nacional 1936 y la producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Fuenteovejuna. Finalmente, se lo llevó la catalana, una producción con actores de la talla de Emma Arquillué, Anna Castells, Carles Pedragosa, Clara Segura Crespo, Sergi Torrecilla y Ton Vieira.

Este último, Ton Vieira, se alzó además con el premio al Mejor Actor, un premio merecido a este joven actor que canaliza toda la historia de Szpunberg. Pero el momento emotivo fue el premio a la Mejor actriz que recayó en la veterana Mona Martínez por su papel en Los nuestros. Sus ojos al recibir la noticia revelaban la sorpresa al conseguir este premio ante otras dos grandes candidatas, Lidia Otón por su trabajo en Los cuernos de Doña Friolera e Irene Escolar por Personas, lugares y cosas.

Mucha emoción en esta gran actriz que comenzó como bailarina, supo reconvertirse y lleva años mostrando que es una de las grandes. Su papel en Los nuestros es claramente una de las interpretaciones más solventes y mágicas del teatro en español de los últimos años.

Fuenteovejuna, que optaba a cinco premios, tuvo que conformarse con el premio a Mejor composición musical. No es un premio menor. Raquel Molano y los dos genios sevillanos de Pony Bravo han dado a luz una creación musical, tan primitiva como popular que ha sabido recoger los ecos de un pueblo en una soberbia mezcla de chalapartas, jotas y verdiales, “queríamos que fuese la música de todos los pueblos”, dijo Pablo Peña al recoger la manzana. Una pena que este gran montaje, que será recordado durante años, no tuviera mejor suerte.

Fue la gran Anza Zamora quien recogió el otro premio musical, el de Mejor espectáculo musical o lírico, para esa rareza estupenda que es Hacia Ecos de lo sagrado. La gran Ana Zamora quiso recordar a su compañera desaparecida Alicia Lázaro, pero también no dejar de señalar donde estamos: “La realidad sigue superando la ficción. Ahí, a la vuelta de la esquina se sigue masacrando al pueblo de Palestina, ¡Viva Palestina libre!”, afirmó.

Hubo también premios cantados que se confirmaron como la iluminación a Pedro Yagüe por Blaubeeren o los dos que se llevó la producción para el CDN de Marta Pazos sobre la novela de Virginia Woolf, Orlando, que recogió el de Mejor vestuario para Agustín Petronio y el de Mejor diseño de espacio escénico para Blanca Añón que ya recogió hace unas semanas similar galardón en los Premios Talía.

Fue la noche también de Jesús Cimarro, productor vizcaíno que ha consolidado su emporio en Madrid y ahora también en Mérida donde precisamente dirige el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Consiguió Cimarro el Premio Max de honor, un premio a su labor durante más de treinta años que desde 1988 se focalizó con la empresa que fundara junto a El Brujo, Jose Luis Alonso de Santos y Gerardo Malla: Pentación

No es Cimarro un gran orador, pero dio un discurso sólido sobre la importancia de la industria cultural teatral “como motor económico y social”. Un premio, este de honor, que si en otras ediciones generó emoción y grandes aplausos en el público, en esta ocasión pasó sin pena ni gloria. Es lo que tienen los técnicos frente a los artistas.

Lucia Carballal y Victoria Szpunberg acaban en tablas

Entre los mal llamados premios menores estuvieron, sin embargo, las grandes revelaciones de este año. Elisa Forcano se hizo con el Mejor espectáculo revelación por esa pieza conmovedora llamada Zorra Dorada. Forcano que fue contundente al recoger el premio pidiendo que “cese el abuso y la violencia a otros cuerpos”, se hizo con este galardón sobre otro de los grandes trabajos de este año, el de las navarras Las Nenas Theatre, Torcidxs; y sobre una de las sensaciones de la cartelera madrileña, Taxidermia de una alondra, de Iván López-Ortega, espectáculo este último que sí se llevó el de Mejor autoría revelación.

Muy emocionante fue también ver cómo recibía el premio a la Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreografía el espectáculo independiente, pequeño pero poderoso, de Xavo Rodríguez y su compañía la Teta Calva por esa maravilla llamada Yo soy 451 en la que este valenciano hace una adaptación tan escénica como literaria del clásico de Raya Bradbury Fahrenheit 451. Además, Xavo Jiménez no quiso dar las gracias a la SGAE ni a los jurados, sino que quiso dedicar su premio “a los más importantes, a los maestros que se han levantado en pie de paz para pedir una escuela pública laica de calidad”.

El “combate” de galardones que se estableció entre dos de las mujeres que de manera más pujante están sobresaliendo en la escena se resolvió en tablas. Victoria Szpunberg de Tercera Fuga y Lucia Carballal competían por dos galardones importantes. Szpunberg se hizo con el de Mejor autoría teatral, pero fue Lucía Carballal quien se llevó el de Mejor dirección de escena por Los nuestros. Al recoger el premio dio las gracias al Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya por su apuesta por la dramaturgia contemporánea y “la posibilidad de que las mujeres estemos dirigiendo en las salas grandes con naturalidad”.

La noche acabó en algarabía con el gran premio, el de Mejor espectáculo de teatro, que recayó en 1936, una de las obras más relevantes del último decenio, tanto teatral como socialmente. Esta obra, que ha girado por toda España con más de 100 funciones, ha conseguido que esa otra historia, tan escondida para el gran público, del auge del fascismo y la brutal represión durante y tras la Guerra Civil, fuera escuchada por miles de ciudadanos de todas las edades.

Alfredo Sanzol, director del CDN, dedicó el espectáculo “a todas aquellas personas que siguen enterradas en lugares desconocidos”. Andrés Lima, director del espectáculo, recordando aquella gala de 2003 acabó su discurso con un contundente: “No a la guerra, viva Palestina libre”.

La jornada era histórica y eso se palpaba en las butacas a rebosar del Centro de Danza Matadero. La nueva directora de la Compañía, Muriel Romero, cumplía con el proyecto por el que fue elegida: “Aquí se va a bailar de todo”, decía Romero a este periódico justo hace un año al presentar su programa. Y así fue. Los bailarines de la CND presentaron un programa doble titulado Struere en el que demostraron que también pueden adentrarse más allá del repertorio y los cánones de belleza imperantes en el ballet. Histórica jornada en la que destacó el trabajo de encarnación de Luz Arcas.

El comienzo de la pieza de Arcas, Masa, es toda una declaración de principios. Los bailarines extendidos en el suelo unos sobre otros, como si formaran un tejido celular, comenzaron a vibrar, a moverse, a cobrar vida. Una vida nueva que se desplegaría durante cuarenta minutos y que llevó a esta compañía formada para la representación y la destilación bella, a un universo paralelo.

Arcas despliega en esta pieza una concepción de la belleza y el movimiento disímil, casi contraria, a la de la danza tradicional con la que la CND se identifica. Y es que la danza de esta malagueña nace de otro manantial. Frente a la técnica, la necesidad. Frente al movimiento definido, la estela tras su desaparición. Frente al canon de belleza estilizado, la contemplación del temblor. Frente a la representación del movimiento, la encarnación.

Rebotes en el suelo. Nunca una pierna en alto. Nunca un brazo extendido componiendo figura. Y siempre una energía que surge de la entraña, del interior de los cuerpos, como la constatación de que el ser humano, allí donde esté, siempre tendrá la necesidad de trascender.

Desaprender como fórmula de éxito

Es tal la distancia de la danza de Arcas respecto a la tradición de esta compañía creada en 1978 que no es difícil imaginar el esfuerzo de desaprendizaje que han llevado a cabo sus intérpretes. Por eso, es de alabar la entrega de los quince bailarines que eran los que más arriesgaban al exponerse a modos, maneras y movimientos que no dominaban y que los trasladaba a un territorio mucho más vulnerable.

En la pieza los bailarines se entregan a los movimientos característicos de La Pharmaco, la compañía de Arcas, donde la pelvis y el rostro se descompasan y se vuelven parte de un cuerpo roto que siempre busca un centro sin encontrarlo. Movimientos rotos, pero de gran pertinencia, que el bailarín debe encontrar, no ejecutar. Esa es quizá la gran diferencia entre la danza codificada y la de Arcas.

Además, la coreógrafa se ha hecho acompañar para la ocasión por su equipo habitual. La dramaturgia de Rafael Paniagua, la exquisita rítmica del sonido envolvente de Xabier Erquizia, la escenografía escueta y vacía de Victoria Aimé y Natividad Martín; y las potentes luces de claroscuro de Jorge Colomer ayudaron para que la propuesta adquiriese el tono tenso de ritual atávico que Arcas ha querido darle a la pieza.

La multitud como pequeña revolución

Es curioso que Arcas haya elegido el concepto de multitud, de masa, para esta pequeña revolución. Un concepto a través del cual llegó la modernidad al arte. En la pintura, Goya encontró un nuevo trazo en esas aglomeraciones de pueblo ante un aquelarre o una plaza de toros. En literatura fue a través de ese concepto que Edgar Allan Poe primero y Baudelaire después instauraron la figura del hombre moderno.

Sin embargo, Arcas se basa en el libro de Elias Canetti, Masa y poder, de raigambre más antropológica y contexto más político. Canetti escribió durante años este libro mientras vio Europa sucumbir ante el fascismo. La masa manipulada por un líder, llevada al matadero o inducida a ejercer la violencia más irracional. Arcas entiende el libro del búlgaro como un texto casi coreográfico en el que Caneti va describiendo esa aglomeración de individuos que unas veces será abierta, otras cerrada, otras rítmica, otras más retenida.

La pieza es un estudio de ese ente de cuerpos donde el movimiento se contagia y la energía se transmite y se transforma. Pero Arcas anda oscura, con ojos que tienden a lo negro. Esta masa que nos presenta, no será festiva, no estará conformada de individualidades en torbellino. No tendrá la atracción del pogo o la rave, por ejemplo. En ella, el individuo tenderá a la uniformidad de tono marcial e incluso religioso donde reinará la atracción por la pertenencia.

Esta masa de Arcas es quizá el final de aquella que abrió el concepto de la modernidad a mediados del XIX. Una masa donde aparece un espacio que mira a este presente virtual sin cuerpos donde las multitudes chillan pero nada cambia.

La renovación de 'Tablero'

La otra pieza, Tablero, de KOR’SIA, si bien es ecléctica en los estilos de baile, donde se yuxtaponen movimientos de danza neoclásica con una danza más urbana o incluso con técnicas cercanas al contact, no supuso una ruptura con el universo del movimiento de esta compañía. Russo y De Rosa fueron bailarines de la CND y su visión de la danza emparenta sin dificultad con la concepción y la técnica de los bailarines de la Compañía.

Tablero, sin embargo, sí supuso una renovación estética a través de la entrega de estos dos creadores a una imaginación desbordante. En ella, los dos creadores italianos despliegan un crisol de imágenes donde se juntan diferentes épocas históricas. Una más urbana y otra que evocaba el siglo por excelencia español, el XVI. Aire fresco para esta nueva CND lleno de eclecticismo y libertad visual que, sin embargo, no llegó a materializarse del todo. Una posible explicación de ello fue la creación de ciertas imágenes, como esa princesa de Éboli comiéndose una barra de pan, o ese Felipe II a caballo expuesto espectacularmente, quizá demasiado, a contraluz. Imágenes impactantes que buscaban una destilación sofisticada que sintetizase la mezcla de tradición y modernidad, pero que no cogieron sitio, unas veces por el tratamiento de luz y espacio, otras por ciertas coreografías planas y poco limpias.

Uno de los momentos más emocionantes de la pieza fue cuando la voz de Niño de Elche cantó la Nana del caballo grande que Federico García Lorca escribiera para su Bodas de sangre siguiendo la musicalización que hiciera el gran Camarón. La pieza acabó en una coreografía energética, llena de plenitud vital que levantó el ánimo de la platea.

Bienvenida a la danza contemporánea

Acabó así una jornada memorable, quizá no tanto en resultados, pero sí en arrojo hacia el futuro y valentía. Los amantes del ballet nada tienen que temer. La CND seguirá haciendo repertorio, así lo ha demostrado Muriel Romero con programas como NumEros (con coreografías de Balanchine, Godani y Forsythe) o con su última propuesta en torno al coreógrafo del siglo XIX Marius Petipa donde la compañía bailó las piezas de Paquita y Raymonda Divertimento. Ambas piezas que la CND sigue bailando.

Pero este programa doble, en que entraba por primera vez la danza contemporánea en la casa de todos, era un primer paso necesario. Ahora, están por llegar los siguientes, que se adivinan tan irrenunciables como delicados. Habrá resistencias, habrá debate y será esencial ya no solo los nombres de los creadores a quienes se invite, sino también cómo se cuide cada proyecto, el tiempo y el mimo que se les otorgue para que realmente permee en esta compañía la necesidad de otros lenguajes.

El bailarín y coreógrafo Alberto Velasco detectó hace tiempo una necesidad que partía de numerosas experiencias con las que, como persona gorda, ha tenido que lidiar a lo largo de su vida: ver un escenario lleno de cuerpos gordos. El performer ha elaborado su propia respuesta a estas heridas culturales y sociales, que van desde ser considerado “un animal mitológico” en las compañías de danza normativas, o solamente poder participar en obras si era en solitario. Además de por supuesto, ni por asomo aspirar a formar parte de una compañía como la Nacional.

El resultado es su espectáculo Sacresize, que llega este miércoles a los Teatros del Canal de Madrid, donde recodifica los signos del ballet clásico y contemporáneo glorificando la sensibilidad y belleza de la gorditud. Lo hace al ritmo de La Consagración de la Primavera de Stravinski, en una rabiosa celebración.

¿Qué es un cuerpo gordo?

Cuando lanzamos la convocatoria dijimos que era para personas que se identificaran como gordas y que hubieran tenido algíun tipo de relación con la danza, ya fuera amateur o profesional. Hubo quienes mandaron vídeos que desde mi lectura no entendía que fueran gordas, pero ellas se percibían como tal.

Un cuerpo es gordo siempre en comparación a algo. Es un constructo, que está barnizado por el sistema, el capitalismo y todos los que les conviene mantener esta narrativa de que los cuerpos gordos son enfermos, y poner un cuerpo gordo siempre en continua evolución de ser otro que nunca alcanzará. Ese deseo de ser otro constante hace que nunca estés a gusto en tu cuerpo y que hagas lo que sea, desde Ozempic, operaciones.

Que me parece bien también, porque estar ahí fuera es dificilísimo. Vive sin caber en los autobuses, en los tornos del metro, que la gente no se siente a tu lado en el avión, las tiendas de ropa, la publicidad. Es una violencia constante.

Se acaba interiorizando que hay espacios que no puedes ocupar, y cosas que no puedes hacer. Si se mantiene así es porque está ganando con ello pero, ¿no es muy cruel?

Absolutamente, pero a la vez qué inteligente, porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Cambiarlo no es del día a la noche, ni de la noche a la mañana. Y el proceso de aceptación es muy difícil. Como el sistema es tan cabrón, porque no es un conjunto de constructos, es dificilísimo desaprenderlo. Y luego está lo que la sociedad permite que haga un cuerpo gordo. Cuando un cuerpo gordo se desarrolla en algo que la sociedad no está acostumbrada a ver, hay una extrañeza y rechazo absoluto.

En las compañías normativas el bailarín gordi es un animal mitológico

Alberto Velasco — Coreógrafo y bailarín

Añadido a la percepción de que estar gordo está ligado a no estar sano.

Y es que no lo está. A los humanos se nos dice que todos tenemos que ser de una determinada manera. En las redes sociales es muy perverso cómo el algoritmo favorece, además de al fascismo, a una hegemonía corporal que direcciona el deseo, la sensualidad, todo. Me asusta también por cómo se sobreentiende que estar delgado signifique per se algo mejor, como si garantizase estar sano.

Va a llenar un escenario de cuerpos gordos, algo que tampoco es habitual en pantalla, ni mucho menos.

Es demoledor. El Observatorio de la Diversidad de Medios Audiovisuales refleja cada año la falta de inclusión de personajes gordos. Siempre son secundarios, hay muy pocos protagonistas, y menos en los que su existencia no tenga que ver con su cuerpo, asociado a lo negativo siempre. Las personas gordas somos personas felices, completas, sanas, deportistas.

El algoritmo favorece una hegemonía corporal que direcciona el deseo

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

Esta exclusión afecta igualmente a lo sexual y sentimental. Como si las personas gordas ni se enamoraran, mantuvieran relaciones sexuales ni se masturbaran.

Sí. En la gorditud hay una experiencia compartida de ser el amante, para cumplir las fantasías, pero no ser pareja. Sucede muchísimo. O estar con personas que tienen obsesión por los cuerpos gordos, un fetiche y ya está, lo único que le interesa de ti es tu cuerpo, la masa. Luego hay frases como “yo te quiero a pesar de tu cuerpo”, que ojo a lo que se esconde ahí. Como que él entiende que ese cuerpo no es deseable, pero te quiere tanto que hasta lo desea.

Si el constructo social estuviera más relajado, la seducción también iría hacia otro lado. Y no solo entendida como ganas de follarse a alguien, lleva a otros sitios, como a un espectáculo. El arte es muy seductor, una conversación puede serlo. Se ensancharía mucho más el mundo. Las redes sociales han hecho mucho daño en el consumo de cuerpos y hay mucho ratio de cuerpos desnudos.

En la obra aborda lo que califica como 'terrorismo corporal', ¿qué es?

Empecé a caer en la cuenta de que podía catalogarlo como tal al leer a muchos activistas y filósofos gordis, que suelen ser siempre latinoamericanes, no binaries y queer, que hablan de terrorismo corporal porque es un estado de sitio. Todo el sistema está permeado interseccionalmente de violencias para que las personas vivamos aterradas, frustradas y avergonzadas de nuestros cuerpos desde todos los estratos sociales. En el colegio, la familia, la sociedad, el amor e incluso la intimidad de nuestra pareja.

Por eso es un estado de sitio, no hay descanso. Es violencia constante aunque estés solo. Está en nuestro ADN. No se puede escapar. Yo entiendo que esto es una convivencia hasta el final de mis días. Hemos asumido estas violencias, que también cuentan con el cuerpo es íntimo y vulnerable. Hay días en los que estás menos fuerte que otros, en los que te bajas de la burra y dices “hoy me tapo”, incluso “hoy no salgo de casa”, “hoy no me enamoro”. Nos cerramos a vivir experiencias.

El rechazo es continuo y lo digo sin victimismo, son cosas que suceden. Y las violencias no son solo contra los gordos. Las personas delgadas también escapan de los cuerpos gordos. Tengo amigas actrices que no pueden engordar, que si tienen un hijo los productores les dejan en barbecho dos años hasta que vuelvan a sus cuerpos originales. Y hemos asumido que esto es normal. Igual que la gente que solo cogen para puestos que no estén de cara al público. Hay mucha violencia laboral.

Empezando por los programas de televisión, ahí está Supervivientes, que muchos califican como la mejor forma de hacer dieta porque todos los concursantes adelgazan.

Incluso los gordos hemos dicho alguna vez “ojalá pillara una gastroenteritis”. Está a la orden del día queremos enfermar para perder unos kilos. Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados. Por eso me parece importante ocupar el espacio. Somos cuerpos grandes y nos invisibilizamos nosotros mismos. No. Ocupemos nuestro espacio. Debería haber 18 Lalachus.

Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

¿Cómo trabajó su propia aceptación? ¿Estaría bien que se nos hablara de esto desde el colegio?

Es importante tratarse bien y ser amable con el cuerpo. Entender que si hoy es un día de mierda se pasará y habrá uno que será maravilloso. Ya está. Sin machacarse. Nos ha tocado vivir en una sociedad muy machacona con nosotros mismos. Con el cuerpo, con tu oficio.

Por el contrario, existe a su vez mucho paternalismo e infantilización sobre las personas gordas.

Hemos vivido con eso. ¿Cómo es el tratamiento de la gordura en Friends? Hay que tener un pelín más de cuidado con el discurso. También vienen a decirnos esto de que ahora no se puede reír uno de nada. No, hay que tener otra mirada, entrenarse hacia otro sitio. Se puede hacer humor de muchas maneras, sin reírte de los gordos, de los maricas y de las trans. Relájense, señores, que se van a seguir riendo. No os vamos a quitar la alegría de vivir.

Hay mucho interiorizado de lo que no nos hemos dado cuenta.

Porque está instalado ahí. Tengo la sensación de que hemos vivido en una burbuja, del 'body neutral', del 'body positive', ¿eso dónde está? Estamos en 'heroin chic' otra vez y es peligrosísimo. Luego nos sorprende que haya anorexias, bulimias de todo tipo, ¿pero cómo te va a sorprender? Si es que nos empujamos a eso, a tener trastornos alimenticios. ¿No te parece que es suficiente como para relajar la marcha al respecto y ser un poquito más amable?

Claro, porque mientras piensas en la dieta que vas a hacer ejercicio, no piensas en la precariedad o la crisis de la vivienda.

Absolutamente, es la domesticación. Nos necesitan así de alienados. Y es una fórmula magistral porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Nos tienen agarrados por los huevos. Pidiendo perdón por existir. Siempre queremos ocupar muy poco espacio en los espacios públicos. Tendemos a comer siempre de cara a la pared. Tenemos cosas aprendidas como sentarnos en los asientos individuales del autobús. Nos quedamos de pie en el metro porque nadie se sienta a nuestro lado o si lo hace resopla. Te llaman gordo desde un coche. No nos sentamos en terrazas porque las sillas no aguantan con nosotros.

Por eso en la danza es tan difícil ver a cuerpos gordos, porque estás expuesto todo el rato. El escenario es ese lugar que no puedes habitar no porque no puedas bailar, sino porque, ¿quiénes han estado ahí antes? Por eso es importante que estemos en los Teatros del Canal. Quiero llegar con esto a los mejores teatros institucionales del mundo para reventarlo desde dentro con amor. Con algo sublime y popular a la vez.

Muchos críticos miran mi trabajo y dicen que es performático, porque soy gordo y para ellos es que la técnica no está tan depurada ni sublime, porque la danza es clasista. Quiero descimentar el clasismo de la danza y rebajarlo a lo popular. Me haría muy feliz que el estandarte de mi país tuviera una diversidad corporal mayor. Hay mucha gente muy preparada, con un cuerpo que hace puntas perfectamente, lo que pasa es que tiene un cuerpo gordo. Hay unos estándares que me encantaría que algún día se fueran a tomar por saco.

La Diputación de Badajoz reforzó en 2025 su apuesta por una cultura cercana, diversa y accesible, consolidando un modelo que entiende la actividad cultural como motor de cohesión social, desarrollo territorial y democratización del acceso al conocimiento en la provincia más extensa de España. Así lo refleja el Informe de Seguimiento y Evaluación del I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027, que evidencia el alcance de una programación diseñada para llegar a todos los rincones del territorio.

Durante el pasado año, el Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional realizó un esfuerzo inversor de 20,2 millones de euros, de los cuales más de 10,7 millones se destinaron directamente a políticas culturales. Este modelo se sustenta en la colaboración con ayuntamientos, asociaciones y agentes culturales, que también han aportado sus valoraciones y experiencias al informe.

La programación cultural impulsada por la Diputación alcanzó el 100 % de los municipios, con una media de 13,3 actividades por localidad y un incremento del 9,73 % respecto al año anterior, superando las 2.200 actividades. El informe subraya la amplitud del concepto de cultura que guía la acción provincial: un espacio abierto, plural y participativo que integra todas las sensibilidades, edades y formas de expresión. La oferta abarca artes escénicas, música, cine, literatura, artes plásticas, patrimonio cultural, archivos históricos, investigación, lectura pública, ocio creativo y actividades científicas.

Esta diversidad se materializa en iniciativas como BadeCirco, Danzaria, Badakadabra, D’Rule, DiJazz, Pasión por el flamenco, el Festival Porrina de Badajoz, el Festival de Copla “Rosa Morena” o Músicos en Movimiento, además de los circuitos de bandas, corales y grupos folklóricos. A ello se suman proyectos de animación lectora como Nubeteca, las actividades del Museo de Bellas Artes de Badajoz y de la Sala Vaquero Poblador, la recuperación del patrimonio documental, los programas de promoción del extremeño como ASSINA, las actividades de los conservatorios provinciales y la programación de su sede cultural de referencia, El Hospital Centro Vivo. En total, 45 programas propios o coordinados con otros organismos.

A este despliegue se añaden 7 convocatorias periódicas de subvenciones dirigidas a entidades locales y al tejido asociativo: ayudas para asociaciones culturales, ayuntamientos, cooperación cultural, escuelas de música, proyectos cinematográficos y audiovisuales o universidades populares, entre otras. La Diputación organiza además dos premios literarios de referencia: el Premio Arturo Barea de Investigación Cultural y el Premio Dulce Chacón de Narrativa Española.

Una cultura construida entre todos

La Institución mantiene una estrecha colaboración con el tejido asociativo y las entidades locales para adaptar la programación a las necesidades de cada territorio. En 2025 se trabajó con 240 entidades sin ánimo de lucro y se celebraron 162 reuniones con agentes culturales y responsables municipales, consolidando una red de escucha activa y participación continua.

El modelo de gestión cultural se basa en esta gobernanza compartida: el 82 % de las actuaciones se desarrollan en colaboración con ayuntamientos, asociaciones y otros agentes, lo que permite ajustar la oferta a la singularidad de cada municipio y garantizar el acceso igualitario a servicios culturales de calidad, independientemente del lugar de residencia.

El informe también destaca el impacto social y económico de estas políticas. Más de 10.100 profesionales participaron en las actividades programadas, y la red cultural provincial continúa generando empleo, dinamización económica y fortalecimiento del tejido social en todo el territorio.

Con ello, la Diputación de Badajoz reafirma su compromiso con una cultura descentralizada, accesible y transformadora, capaz de conectar tradición y modernidad, preservar las señas de identidad de los pueblos y abrir nuevas oportunidades de creación, participación y encuentro para toda la ciudadanía.

La temporada 45 que se celebrará entre el 27 de junio y el 17 de enero de 2027 en el Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja, Riojaforum. Una propuesta integrada por ocho citas musicales y escénicas que abarcan sinfónica, ópera, danza contemporánea, gospel, repertorio vienés, recital virtuoso y espectáculo familiar, manteniendo además el compromiso social del Gobierno de La Rioja al destinar el 10 % de la recaudación de entradas y abonos a la iniciativa ‘Riojaforum Solidario’.

Durante su intervención, el diector general de Cultura, Roberto Iturriaga, ha subrayado que “esta temporada consolida un modelo que combina excelencia artística, diversidad de públicos y compromiso social”, y ha añadido que “acercar a La Rioja grandes formaciones sinfónicas, producciones operísticas internacionales y propuestas familiares de calidad es una apuesta estratégica por el acceso a la cultura en condiciones de primer nivel”. Asimismo, ha destacado que “‘Riojaforum Solidario’ convierte cada entrada en un gesto de apoyo real a quienes más lo necesitan”.

El director general ha incidido también en que “equilibramos tradición y contemporaneidad, repertorio clásico y nuevas lecturas escénicas, con una programación coherente y cuidada en todos sus detalles artísticos”.

Grandes nombres y diversidad de géneros en ocho citas

La programación se abrirá el 27 de junio, a las 20 horas, con la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, bajo la dirección musical de Marc Korovitch, presentando ‘Fuego y Duende’. El concierto reunirá, entre otros, el Capricho español de Rimski-Kórsakov, La Traviata de Verdi o la Ópera de Carmen de Bizet, que permitirá escuchar en La Rioja a una de las principales formaciones públicas del país en un programa de gran exigencia artística que contará además con la participación del bailarín Antonio Najarro.

El 3 de octubre, a las 18:30 horas, llegará la propuesta familiar ‘Operación Halloween’, del grupo Pica Pica, un espectáculo de 75 minutos pensado para público infantil y familiar que combina canciones originales y coreografías participativas como ‘Los Esqueletos’ o ‘El Vampiro Negro’, integrando música, humor y dinamización escénica.

El 25 de octubre, a las 20:00 horas, actuará el Janoska Ensemble con ‘Vivaldi: The Four Seasons in Janoska Style’, una revisión virtuosa y libre de ‘Las cuatro estaciones’ que fusiona el lenguaje barroco con improvisación, jazz y músicas centroeuropeas. El concierto estará precedido, a las 19 horas, por una charla en la sala de conferencias a cargo de Pablo Muro Calvo, profesor de piano y jefe de estudios del Conservatorio de Calahorra.

La lírica ocupará un lugar central el 21 de noviembre, a las 19:00 horas, con la representación de ‘Madame Butterfly’ de Puccini, en una producción de Leonor Gago Artist Management en colaboración con la Ópera Nacional de Moldavia, bajo la dirección musical de Nicolae Dohotaru y dirección escénica de Rodica Picireanu. La obra, una de las más representadas del repertorio verista, aborda el drama de Cio-Cio San con una partitura de gran intensidad emocional y hasta 70 artistas en escena. La charla previa tendrá lugar a las 18 horas y correrá a cargo de Jesús Murillo.

El 28 de noviembre, a las 20:00 horas, será el turno de la danza contemporánea con ‘Dancing Beethoven’, de Factoría de Danza de LaFACT, una propuesta coreográfica construida sobre la Quinta y la Séptima sinfonías de Beethoven que combina precisión técnica y lectura contemporánea del repertorio clásico. La charla previa se celebrará a las 19 horas y estará impartida por Perfecto Uriel, director de La Casa de la Danza de Logroño.

El 19 de diciembre, a las 20:00 horas, The New Orleans Gospel Choir ofrecerá ‘Mardi Jass Party’, un recorrido por la tradición musical de Nueva Orleans que integra gospel, jazz tradicional y ritmos festivos vinculados al Mardi Gras, con una puesta en escena dinámica y participativa.

La Orquesta Filarmonía de Madrid protagonizará el 27 de diciembre, a las 20:00 horas, y durante 80 minutos, ‘Viena en La Rioja’, bajo la dirección musical de Rafael Albiñana y la dirección artística de Pascual Osa, con un programa inspirado en los conciertos vieneses de Año Nuevo y centrado en valses y polcas de la familia Strauss.

La temporada concluirá el 17 de enero de 2027, a las 20:00 horas, con ‘Homenaje a Sarasate’, recital ofrecido conjuntamente por la violinista Tianwa Yang y el pianista Nicholas Rimmer, con un programa que incluye ‘Aires gitanos’, ‘Fantasía Carmen’ y otras páginas virtuosas del compositor navarro. La charla previa, a las 19 horas, será impartida por Eduardo Chávarri Alonso, doctor en Musicología y presidente de Rioja Filarmonía.

Abonos, precios y compromiso social a través de ‘Riojaforum Solidario’

La temporada 45 articula dos modalidades principales de abono. El Abono A, en formato 6+1, incluye seis espectáculos —Janoska Ensemble, ‘Madame Butterfly’, ‘Dancing Beethoven’, The New Orleans Gospel Choir, ‘Viena en La Rioja’ y ‘Homenaje a Sarasate’ con Tianwa Yang y Nicholas Rimmer— e incorpora como ventaja adicional una entrada gratuita para el concierto inaugural de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

Por su parte, el Abono C, en modalidad 4+1, integra el Janoska Ensemble, ‘Madame Butterfly’, ‘Viena en La Rioja’ y ‘Homenaje a Sarasate’, sumando igualmente una entrada gratuita para la actuación de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

Todos los espectáculos cuentan además con venta de entradas individuales a partir del 25 de mayo. La adquisición de abonos y localidades puede realizarse a través de la web oficial www.riojaforum.com y en los canales habituales del Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja, donde se detalla la información completa sobre precios, descuentos y condiciones.

El 10 % de la recaudación total de entradas y abonos se destinará a ‘Riojaforum Solidario’. En temporadas anteriores, las aportaciones han permitido apoyar al Banco de Alimentos de La Rioja y a la Cocina Económica de Logroño, superando en cada caso los 12.000 euros. Además, la recaudación de la temporada 43 y de las dos que se desarrollan durante 2026 se dedicará a la Asociación Riojana de Esclerosis Múltiple (ARDEM) para la adquisición de un exoesqueleto robótico destinado a mejorar la rehabilitación y la calidad de vida de las personas afectadas.

Con esta nueva programación, el Gobierno de La Rioja reafirma su apuesta por una oferta cultural de calidad, accesible y con impacto social, consolidando el Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja como uno de los principales referentes culturales del norte de España.

La danza como refugio, como memoria y también como abrazo colectivo. Eso es lo que propone ‘ALMA’, la creación escénica impulsada por la directora Laura Tello que llegará el próximo 26 de mayo al Gran Teatro de Cáceres con una gala que promete emocionar al público a través de un recorrido por las distintas etapas de la vida de las mujeres.

Lejos de plantearse como un simple espectáculo de danza, ‘ALMA’ nace como una experiencia emocional y sensorial donde el movimiento sirve para contar aquello que muchas veces resulta difícil explicar con palabras: la infancia, el descubrimiento de una misma, el amor, las pérdidas, la maternidad, las heridas y la reconstrucción personal.

Sobre el escenario se reunirán más de 80 bailarinas de distintas edades, creando un espacio intergeneracional en el que varias generaciones de mujeres compartirán relato, emociones y experiencias a través del cuerpo y la música. El proyecto, además, pone el foco en el propio proceso creativo y educativo, convirtiendo la danza FEMAE en una herramienta de expresión, identidad y crecimiento personal para quienes participan.

'ALMA no se observa. ALMA se atraviesa', recoge el dossier del espectáculo, que define esta propuesta también como “un homenaje a todas las mujeres que bailan en nosotras”.

La gala contará además con las voces invitadas de Raquel Palma y Ana Carretero, sumando música en directo a una puesta en escena que combinará danza, interpretación y una cuidada propuesta visual.

Pero ‘ALMA’ no solo quiere emocionar desde el arte. El espectáculo tiene también carácter benéfico y destinará su recaudación a un proyecto de la Fundación Santa María la Real que trabaja con mujeres que, después de dedicar gran parte de su vida al cuidado de otras personas, buscan ahora una nueva oportunidad laboral y vital.

“ALMA nace también como una forma de devolver, porque ayudar a una mujer a volver a empezar es, muchas veces, ayudar a sostener una vida e impulsar familias enteras”, destaca el proyecto en su presentación.

En tiempos marcados por la rapidez y el ruido, la propuesta que llegará al teatro cacereño apuesta precisamente por lo contrario: detenerse, sentir y reconocerse en las historias de otras mujeres. Porque quizá ahí, en ese gesto compartido, también haya una forma de sanar.

El comienzo de la gala de los premios Talía 2026, con el contralto Christian Gil-Borrelli cantando ópera, fue definitorio. Era la velada de la creación musical. El gran ganador fue el musical de ATG Entertainment España, Los miserables con cuatro estatuillas. La gran reina de la noche fue Rocío Molina con tres Talías. Pero el ganador espiritual no fue otro que Eduardo Vasco y la apuesta por el teatro de repertorio y corte tradicional que está realizando como director del Teatro Español, institución que se llevó tres premios y entre ellos el gordo, al Mejor espectáculo de Teatro de Texto que fue para Esencia, de Ignacio García May.

Pero no todo fue alfombra roja en esta gala organizada por la Academia de las Artes Escénicas de España en los Teatros del Canal (Madrid) que dirigía por primera vez la nueva directora Magüi Mira y que creó su anterior presidenta Cayetana Guillén Cuervo. Aunque es verdad que la Academia tiene la difícil tarea de entregar 26 premios, la gala se hizo larga, casi tres horas que fueron retransmitidas en directo por la plataforma de streaming RTVE Play. Además, la noche no estuvo falta de tropiezos y fallos de organización que en ciertos momentos sembraron el desconcierto.

El primero llegó a la media hora cuando Lydia Bosch anunciaba el premio al Mejor teatro musical, que se llevó la gran ganadora, Los miserables que ya había recibido el premio a la Mejor dirección y a los mejores intérpretes femenino y masculino. En un fallo de coordinación, la pantalla que tenía que enumerar a los nominados anunció, sin embargo, el Premio al Mejor espectáculo de lírica provocando lo que más se teme en una retransmisión: un silencio profundo con el escenario vacío, seguido del corte de emisión durante unos segundos.

Pero no fue el único traspié. La otra gran triunfadora de la velada fue Rocío Molina, por esa burrada escénica llamada Calentamiento. Molina se llevó los tres galardones de danza: Mejor interpretación femenina, Mejor coreografía y Mejor espectáculo de danza. Tan solo Israel Galván consiguió el mejor intérprete masculino por su espectáculo El dorado. El problema fue que Molina solo recogió el primer premio, ya que los otros dos se dieron de manera seguida y la organización no supo o no pudo rescatarla del backstage. Algo que deslució la presencia de la que era la gran reina de la velada.

La gala estuvo dirigida por el dramaturgo Juan Luis Iborra. Un espectáculo que giró en torno al agua como fuente de vida y que presentaron la actriz Carmen Conesa y el mago Jorge Blass. Una conducción correcta que tuvo como punto fuerte el momento en el que el ilusionista, en un emocionante truco de magia de cartas, presentó a la otra reina de la noche, la gran María Galiana que recibió el premio Talía de honor.

Le entregó el premio Miguel Rellán, visiblemente emocionado. Galiana, a sus noventa años, estuvo cariñosa y comenzó citando a Albert Camus: “Si te dedicas a una actividad artística más tarde o temprano te dan un premio, pero lo importante no es que te lo den sino que te lo merezcas. No estoy seguro de ello, de lo que sí estoy seguro es que en el poco tiempo que me queda de vida voy a intentar seguir disfrutando de esta profesión”. Y terminó breve, sobria, perfecta, citando al poeta uruguayo Mario Benedetti con esta palabras: “No te rindas, que la vida es eso, continuar el viaje, perseguir tus sueños”.

La gala también tuvo el momento político, solitario, pero contundente. Blanca Añón al recibir el Premio a la Mejor escenografía recordó que había que seguir hablando de Palestina, no olvidar el genocidio y “seguir presionando al Gobierno para que cese todo tipo de relaciones con Israel”. En la sala estaba presente el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, pero la realización no optó por enfocarle en ese momento. También estaban presentes las autoridades políticas madrileñas Mariano de Paco, Consejero de Cultura, Turismo y Deporte; y Marta Rivera de la Cruz Delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte.

Pero Blanca Añón no quiso quedarse ahí y dijo que tampoco había que olvidar “lo que tenemos en casa, ese fango verde que sigue avanzando y arrasa con todo lo que queremos y defendemos”, en clara referencia al partido de ultraderecha Vox. Después habló de su tierra, Valencia: “Nosotras ya no podemos seguir trabajando [allí] y nos tenemos que ir fuera para poder seguir creando. Valencia debería volver a ser un centro de creación y dejar de serlo solo de exhibición”, concluyó. Cierto es que los directores Carolina África y Andrés Lima si enunciaron un escueto y pertinaz “Palestina libre” cuando fueron invitados a entregar premios a sus compañeros.

Siguió la gala con la frenética entrega de reconocimientos que eran amenizados con una cortinilla musical que parecía evocar al circo, pero que acabó más cercana al Día de la marmota. Tampoco pareció convencer la nueva estatuilla de la escultora Esperanza D’ors. La anterior, ciertamente es mejor olvidarla. La estatuilla es uno de los cambios que la nueva dirección de la Academia quiso implementar para testimoniar su voluntad de transformación.

Magüi Mira ha afirmado en declaraciones públicas ciertos aires renovadores con respecto a la anterior dirección. Ha prometido una mayor transparencia y se ha atrevido a nombrar al elefante en la cacharrería, ese premio llamado: Mejor espectáculo de Artes Escénicas de autoría hispana en Nueva York, que tantos siguen sin entender. En esta ocasión ha sido para Los soles truncos, de Repertorio Español. Pero este año no es el año para evaluar la nueva dirección que esta actriz valenciana quiere dar a la Academia. Es demasiado pronto.

Los momentos finales fueron para las obras de teatro de texto. El primero fue para Ignacio García May por Esencia, uno de los mejores textos de los últimos años de este veterano autor que sigue en gira, protagonizado por Juan Echanove y Joaquín Climent.

La Mejor actriz de reparto recayó en Mamen García, una de las grandes, muchas veces en papeles secundarios, pero que en esta ocasión interpretó a la Miss Lunatic, esa neoyorquina medio bruja medio vagabunda de la obra de Carmen Martín Gaite Caperucita en Manhattan. Un secundario enorme, casi principal, corazón de la pieza. La actriz, todo arte, acabó gritando “viva la peña, porque sin ella no haríamos teatro”, para concluir con una preciosa dedicatoria a todas las jóvenes dramaturgas diciendo: “Ellas nos guían”.

El premio al Mejor actor de teatro fue para Luis Bermejo por la obra de Juan Mayorga por Los yugoslavos. Un premio que venía reñido, ahí estaban Joaquín Climent que está enorme en Esencia y Raúl Prieto que no lo está menos en El entusiasmo.

El premio al Mejor actor de teatro de texto fue para Ángel Ruiz por El rey de la farándula. Premio sorpresa ya que tenía al lado a dos pesos pesados, Lluis Homar y Pablo Derquí. Ruiz agradeció al Festival de Almagro y a la Compañía Nacional de Teatro Clásico por apoyar esta obra en la que en tono de cabaré se retrata la vida de Felipe IV. Una obra que el propio Ruiz ha escrito y dirigido.

La Mejor actriz este año recayó en Nathalie Poza por Un tranvía llamado deseo, la archiconocida y mil veces montada obra de Tennesse Williams dirigida por David Serrano. Otro montaje, al igual que Esencia, que pasó por el Teatro Español dirigido por Eduardo Vasco y colgó el cartel de agotadas las localidades.

El premio a la Mejor dirección de escena también venía reñido. En liza competían la danza de Rocío Molina codirigida con Pablo Messiez, la fuerza del teatro de Lucía Carballal y un veterano como Juan Carlos Rubio. Al final, se lo llevó este último, demostrando de nuevo la inclinación hacia el teatro más tradicional de esta Academia. Rubio fue premiado por la obra Música para Hitler, sólido montaje que tiene como protagonista a Carlos Hipólito y que cuenta la historia de Pau Casals exiliado en Francia cuando es invitado para tocar en una velada para el propio Hitler.

El último premio, el más relevante, es el del Mejor espectáculo de teatro de texto que fue para Esencia, dirigida por Eduardo Vasco, premio que significó el tercer galardón que recibía una producción estrenada en el Teatro Español, porque si bien Un tranvía llamado deseo se estrenó en Avilés tuvo se temporada, apoyo y despegue en el Teatro Español.. Quedaba así claro el meridiano apoyo de los académicos a la apuesta de Eduardo Vasco por un teatro tradicional y de repertorio que además está teniendo una respuesta de público enorme. Ganó, en definitiva, la taquilla en estos premios: los musicales que son la locomotora de ingresos de la industria cultural escénica y la apuesta por la recuperación de un gran público para el teatro tradicional.

El grupo de danzas Aires de La Rioja ha creado el galardón, 'Raíces Riojanas, un nuevo reconocimiento con el que se pretende destacar la labor de quienes trabajan por la cultura riojana en colaboración con el Gobierno de La Rioja. Esta es la primera edición de este premio, que tendrá carácter anual, al que pueden optar personas, entidades, proyectos o asociaciones que contribuyan a preservar y enriquecer la cultura, las tradiciones y el patrimonio inmaterial de La Rioja.

Según explican desde el grupo de danza, este galardón “no establece restricciones por origen ni trayectoria: cualquier candidatura que refleje un compromiso genuino con la identidad cultural riojana puede ser optar a este reconocimiento porque 'Raíces Riojanas nace con la vocación de hacer visible el trabajo de quienes sostienen y proyectan la memoria y la identidad de nuestra tierra”. Y es que añaden que “este galardón entiende la cultura en un sentido amplio: la historia, la lengua, las artes, las tradiciones, la gastronomía, el patrimonio material e inmaterial…”. Así, y según las bases, podrán optar a este galardón personas, entidades, proyectos o asociaciones (con o sin personalidad jurídica) que desarrollen su actividad en La Rioja o estén significativamente vinculados a su cultura, independientemente de su lugar de origen.

El jurado estará formado por personas del ámbito cultural riojano y designadas por la organización, “serán quienes valoren las candidaturas y tomen la decisión por consenso”. La propuesta ganadora recibirá un trofeo conmemorativo que se entregará el 11 de junio, Día de San Bernabé, durante el Acto de Exaltación a las Raíces Riojanas que se celebrará a las 19:00 horas en el Paseo de El Espolón: “una celebración anual organizada por Aires de La Rioja en la que la danza, música e indumentaria tradicional riojana son protagonistas”.

Las personas interesadas pueden presentar sus candidaturas antes del 31 de mayo al correo electrónico airesdelarioja@hotmail.com. A través de este correo y del código QR de los carteles del evento se puede solicitar el documento de inscripción. Se han establecido tres modalidades de propuesta. Autocandidatura, la persona interesada o entidad presenta su candidatura: propuesta por terceros, cualquier persona, asociación o institución puede proponer a un candidato (con o sin conocimiento de este) y de oficio, la organización podrá proponer candidaturas que considere de especial relevancia.

El próximo domingo, día 17 de mayo, se celebra en Toledo el XXVI Festival de Grupos de Baile, una cita ya consolidada en la provincia que, un año más, une danza, convivencia y solidaridad. En esta edición, los beneficios irán destinados a la asociación 'ELA CLM-AdELAnte', dedicada a la atención y apoyo de personas afectadas por la ELA y sus familias.

Con motivo de su vigésimosexto aniversario, el festival reunirá, en el Pabellón Javier Lozano Cid, a cerca de 300 participantes, con edades comprendidas entre los 4 y los 50 años, procedentes de distintos municipios de la provincia de Toledo. Sobre el escenario se presentarán un total de 25 coreografías de estilos muy diversos, reflejando la riqueza y variedad de la danza colectiva.

El público podrá disfrutar, desde las 16.30 hasta las 19.00 horas, de disciplinas como funky, hip hop, danza urbana, flamenco, baile moderno, lírico, aerobic o gimnasia expresiva, entre otras, en una muestra que “combina talento, esfuerzo y trabajo en equipo”, según indica la organización.

Esta edición contará con la participación de grupos y centros de referencia como la Asociación Duende Toledano, el Club de Gimnasia Rítmica Nuestra Señora de los Infantes, la Escuela Merevel, Gimnasia Artístico-Expresiva Yébenes, el Colegio Mayol y el Gimnasio Dojo-Kan Bargas, entre otros.

Los participantes proceden de diversas localidades de la provincia, entre ellas Cuerva, Nambroca, Totanés, Gálvez, Retuerta del Bullaque, Navahermosa, Layos, San Martín de Montalbán, Los Yébenes, Bargas y Toledo.

Recaudación y colaboraciones

Como en años anteriores, el festival mantiene su carácter solidario. La recaudación se destinará íntegramente a 'ELA CLM-AdELAnte', contribuyendo a financiar servicios de atención sociosanitaria para personas afectadas por la ELA.

La entrada tendrá una aportación simbólica de un euro. Además, se ha habilitado una fila 0 para todas aquellas personas que deseen colaborar sin asistir, mediante transferencia al número ES04 3190 0059 97 4614 9623 16 o a través de Bizum 03578, indicando el concepto 'Festival Toledo'.

Esta edición cuenta con la colaboración de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y del Ayuntamiento de Toledo, un apoyo fundamental como el de todas las personas participantes, docentes, voluntariado de 'ELA CLM-AdELAnte' y entidades colaboradoras que hacen posible este evento solidario.

El Teatro Bretón de Logroño vive esta semana la última jornada del Ciclo Jueves Flamencos de esta edición, con ‘Muerta de amor’ y comienza el mes de mayo con el espectáculo ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’.

Tras cuatro meses sobre las tablas, el ciclo Jueves Flamencos pone punto y final a una edición en la que se reafirma la gran acogida por parte del público de este tipo de eventos. Para cerrar la temporada, este jueves 30 de abril, a las 20:00 horas, llega ‘Muerta de amor’, un espectáculo en el que una docena de artistas guían al espectador por un pasaje coreográfico, con carácter de copla, que apunta al deseo, la fantasía y la provocación. Lo hacen a través del cante de Juan de la María, acompañado por la artista invitada Mara Rey, y el baile coreografiado de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017).

El espectáculo recibió en el Premio Talía 2025 varios galardones, en la categoría ‘Mejor labor de producción’ (Peineta Producciones) y en la mención ‘Mejor Intérprete masculino de danza’, entre otros premios.

El sábado 2 de mayo, a las 20:00 horas, se inaugura el mes con la obra ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’ de Henri Roorda, un alegato vitalista disfrazado de despedida. Se trata de texto sincero, divertido y conmovedor que celebra la belleza de vivir incluso en el umbral de la muerte. Con Mario Gas en escena y la dirección de Fernando Bernués, esta obra es una experiencia teatral que emociona y hace pensar sin perder de vista el humor.

El espectáculo tiene una duración de una hora aproximada y un precio único de 14 euros, ya que se trata de un espectáculo de aforo reducido. Las entradas están disponibles para su adquisición en la web del Teatro Bretón, la taquilla y a través del teléfono habitual.

El Festival Internacional de Danza Contemporánea Trayectos, regresa a Zaragoza para celebrar su XXIII edición, que se llevará a cabo del 25 al 28 de junio de 2026. Este evento cultural, organizado por el Ayuntamiento de Zaragoza y la Asociación Cultural Las Voces Humanas, es un referente en la ciudad y a nivel nacional que demuestra, año tras año, su capacidad para transformar los espacios urbanos de la ciudad en escenarios a través de la danza contemporánea, reuniendo a una interesante selección de artistas y compañías locales, nacionales e internacionales.

En esta nueva edición, el festival experimenta un avance cualitativo por la participación de tres Premios Nacionales de Danza, figuras destacadas por su innovador trabajo en el ámbito de la danza contemporánea y su capacidad para emocionar al público con su visión artística única.

Por un lado, Dácil González, galardonada con el Premio Nacional de Danza 2019, es una de las intérpretes más influyentes en el campo de la danza contemporánea española. Además de formar parte de compañías como 10&10, La Piel o Larumbe, también ha participado a nivel internacional en diferentes proyectos coreográficos en Alemania, así como en proyectos cinematográficos, siendo colaboradora asidua de Daniel Abreu. Por otro, Melania Olcina, Premio Nacional de Danza en 2023 en la categoría de interpretación, compartirá en un taller sus conocimientos y su elegancia sobre el escenario.

Finalmente, Janet Novás, una de las artistas más destacadas de la escena contemporánea, ha sido reconocida por su labor artística con el Premio Nacional de Danza 2025 y el Premio Ojo Crítico 2021. Además, su aclamada interpretación como protagonista de la película O Corno le valió el Goya como Actriz Revelación en 2024. Janet estará presente durante el festival interpretando una de sus piezas más icónicas.

La programación completa se desvelará en los próximos meses, siempre bajo la premisa de ir más allá de las representaciones de danza, ofreciendo actividades paralelas y talleres abiertos a la participación del público en esta cita con el arte en movimiento que se extenderá por varios espacios emblemáticos de Zaragoza.

Trayectos forma parte de la Red Acieloabierto, una Red de Festivales de Danza Contemporánea en Espacios No Convencionales que tiene como objetivos ser una fuente de sostenimiento para los festivales de danza contemporánea, servir de plataforma para la construcción de proyectos de colaboración, transmitir información, conocimiento relevante y buenas prácticas entre festivales socios y colaboradores, y contribuir a la prosperidad compartida del tejido de la danza contemporánea en España. Su reconocimiento con el sello EFFE lo ratifica como un evento de referencia en la escena europea.

La consejera de Cultura, Educación y Turismo, Sara Fernández, ha celebrado que “Trayectos siga demostrando un enorme vigor y que referentes como Dácil González, Melania Olcina y Janet Novás vengan a apoyar a la danza zaragozana. Nos alegra que fuera de la ciudad sean conscientes de la importancia y la confianza que depositamos desde el Ayuntamiento de Zaragoza en respaldar este festival y que se une a la labor municipal de impulso de una programación continuada de eventos, con la presencia en los teatros y escenarios del consistorio, así como la habitual colaboración que mantienen con las iniciativas privadas de la danza”.

A finales de junio, Trayectos seguirá ejerciendo como espacio de visibilidad, impulso y conexión para la danza contemporánea, contribuyendo a mantener vivo un ecosistema creativo diverso, dinámico y en constante transformación.

Logroño se prepara para celebrar el Día Internacional de la Danza 2026 con una iniciativa que busca sacar el arte de las academias y llevarlo al corazón de la capital riojana. El próximo domingo, 26 de abril, la Plaza del Ayuntamiento se transformará en un gran estudio al aire libre donde una barra de ballet de dimensiones extraordinarias servirá de eje para una jornada que aúna celebración, disciplina y reivindicación del sector.

La concejala de Cultura, Rosa Fernández, el director de la Casa de la Danza, Perfecto Uriel, y la secretaria de la Asociación de Profesionales de Danza de La Rioja (APDR), Andrea Fraga, han presentado esta mañana el acto organizado con motivo de la celebración del Día Internacional de la Danza 2026, que tendrá lugar el próximo domingo 26 de abril, a las 12:00 horas, en la Plaza del Ayuntamiento de Logroño.

La actividad, organizada por la Casa de la Danza en colaboración con el Ayuntamiento de Logroño y la Asociación de Profesionales de Danza de La Rioja (APDR), consistirá en la ubicación de una gran barra de ballet al aire libre y que contará con la participación de diez escuelas de danza de la ciudad, reuniendo a cerca de 150 estudiantes.

De esta forma, y tal como ha explicado la concejala de Cultura “la Plaza del Ayuntamiento se convertirá así en un gran escenario al aire libre donde la danza será la protagonista, en una jornada festiva que promete ser un punto de encuentro para profesionales, estudiantes y público general”.

Asimismo, Fernández ha destacado que “esta actividad no solo busca acercar la danza a la ciudadanía, sino también consolidar el tejido profesional del sector y dar visibilidad al talento de muchos de los estudiantes que forman parte de las distintas escuelas de nuestra ciudad, todo ello en un espacio abierto y accesible para todos”.

Por primera vez, esta iniciativa alcanza una dimensión tan destacada, reflejo de la unión del sector de la danza en La Rioja bajo la APDR, una asociación impulsada desde el ámbito institucional y artístico para fortalecer y visibilizar esta disciplina en toda la comunidad autónoma.

La clase estará dirigida por la ex primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba y maestra internacional, Anael Martín, quien conducirá la sesión desde un estrado para facilitar el seguimiento conjunto de todos los participantes. Esta barra representa el ejercicio fundamental diario de cualquier bailarín, tanto en formación como profesional, siendo la base técnica del ballet clásico.

Gran barra de ballet: un recorrido histórico

La iniciativa que se celebrará este fin de semana tiene sus raíces en el año 2000, cuando la Asociación Cultural ‘En Escena’ organizó una primera y modesta barra de ballet en la calle Calvo Sotelo, frente a la Sala Gonzalo de Berceo, inspirada en la emblemática barra de la barandilla de la Playa de La Concha en San Sebastián.

El origen de esta tradición se remonta a 1997, cuando la profesora Coral López-Castellanos reunió a 150 estudiantes en la barandilla de la Playa de La Concha para compartir con la ciudadanía el trabajo diario de las escuelas de ballet. Desde entonces, esta propuesta ha crecido hasta reunir a miles de participantes y ha sido replicada en numerosas ciudades como Zaragoza, Bilbao, Ibiza, Sitges, Fuenterrabía, Pasajes, Málaga o incluso Biarritz.

En este contexto, Logroño se suma con fuerza a esta celebración colectiva, transformando aquella primera experiencia local en una gran cita cultural y participativa que pone en valor el trabajo, la disciplina y la belleza de la danza.

Dansa Valencia es la gran cita de la danza en España. Cuenta con un presupuesto de más de cuatrocientos mil euros, 37 espectáculos, más de cien programadores nacionales e internacionales, talleres, proyectos de mediación y extensiones del programa en las localidades afectadas por la DANA como Aldaia y Alfafar. Una actividad frenética durante toda una semana. Es, sin duda, uno de los festivales más veteranos del país y vuelve a estar bien vivo. 

Pero aparte de encuentros profesionales, programadores, plataformas y estrategias de comunicación, un festival es, ante todo, lo que se baila. Y al festival le ha costado arrancar. Se esperaba como agua de mayo el estreno de la compañía Led Silhouette que inauguraba el festival.  

Toda la plana mayor de la danza se dio cita en el Teatro Principal, incluidos los nuevos responsables del Ministerio de Cultura. Acudió el director general de Artes Escénicas del Ministerio de Cultura, Javier Monsalve Iglesias y el recién nombrado subdirector general de Danza, Franciso Villar. 

La compañía dirigida por Jon López y Martxel Rodríguez estrenaba Utimatum, una propuesta distópica, de estética cercana a La Veronal y que suponía un paso grande para esta compañía que pasaba a un formato más grande. Pero no se dio. La conjunción de un texto postapocalíptico con unas coreografías circulares y grupales no llegó a fusionarse en el lenguaje que esta compañía anda buscando. 

En los próximos días llegarán más propuestas, sobre todo ese obrón de Rocío Molina, Calentamiento, que seguro que hará temblar los cimientos del Principal. Las entradas para este espectáculo se agotaron al instante. Y el domingo retornará a Valencia María Muñoz con su compañía Malpelo, la valenciana junto a Pep Ramis presentan We, nosoltres i els temps, uno de los mejores espectáculos de los últimos años de esta compañía. Las entradas también se han agotado.

De temazo en temazo

Pero fue en la sala La Mutant donde el presente entró en el festival como un vendaval. Una jovencísima coreógrafa valenciana, Nuria Crespo, junto con 5 bailarinas de su generación —Marta Fernández, Esther Solé, Emma Romeu, Carlota Malo y María Gómez— fueron las artífices de un verdadero akelarre llamado Morphopop. 

Con una actitud pop engañosa, hijas de una cultura foránea, americana y mercantilizada, y de una época tecnologizada e intelectualmente despreciada, estas cinco jóvenes fueron atacando los conceptos de la composición y la coreografía tradicional. A ritmo del Shut up de los Black Eyed Peas, primero, y a lomos de Oops!... I Did it Again de Britney Spear después, sus cuerpos retaban al público con caras seductoras, con bailes expositivos, centrípetos. El espacio vacío, el público bien cerca, incluso pisando el mismo tapiz de danza. Y ellas desafiantes, hijas de su época, buscando con cada movimiento en sus cuerpos. 

Los hits caían uno detrás de otro, Bad Gyal, Rihanna, Destiny’s Child, Lady Gaga. Las letras repetían palabras como 'love', 'need', 'crazy', 'hit me' o 'hell' y las bailarinas, sin nunca componer, sin entrar en ningún estilo de danza, seguían en un baile extenuado buscando en sus cuerpos el amor, el fracaso, el dolor, la seducción y su vacío. Una búsqueda presente en cada mirada, en cada torsión de cadera con actitud. Una vorágine que se fue convirtiendo en pura investigación en vivo. 

Tenía que pasar. Valencia llevaba avisando tiempo. Antes fueron Sandra Gómez o Norberto Llopis. Nada surge de la nada. Pero desde hace unos años, a través de espacios como La Granja o La Mutant y de relaciones fructíferas con espacios de creación en Barcelona como La Caldera o El Graner, toda una generación de creadores de danza, muy jóvenes, de menos de treinta años venía empujando. Dando señales de que la cosa ha cambiado, de que están en otra. 

Los ejemplos valencianos son ya muchos. Julia Zac, Lucía Jaen, la gran mamarracha Julia Irango, Inca Romani, Javier Hedrosa, toda una generación que transita sin dificultad entre las danzas y las artes vivas, entre los visuales y la música experimental. Son lenguajes que llevan ya incorporados. Algo que se pudo constatar en Morphopop. El uso de la cámara en vivo a través del portátil, el musicón diseñado por el DJ Manel Ferrándiz o el sampleo de imágenes en directo realizado por Raúl León no arropaban la pieza, sino que era parte consustancial de la propuesta. 

En el proceso ha acompañado a la coreógrafa Nuria Crespo un veterano, Juan Carlos Lérida. También se nota su mano, su ojo externo que ha sabido comprender y aquilatar esos seis cuerpos tan disímiles, la disidencia de Esther Solé, la locura desenfrenada de Emma Romeu, la propia capacidad inusitada de Crespo. Lerida no pone focos, deja ser a cada una en su autonomía y su libertad, y eso es una maravilla. 

No hay narración alguna, no hay composición ni desarrollo, tan solo unos cuerpos despegando, arrancando, escrutándose. En un momento de la pieza se accionan unos ventiladores, el público nota el aire que desprende el espacio, comienza a sonar Daddy Yankee, “zúmbale mambo pa que mi gata prenda los motores”, los cuerpos siguen dándole, retando, torsionándose, pasando por encima de los espectadores. Unos están dentro, otros tuercen el gesto. Yankee grita “tú me debes algo y lo sabes” y ellas miran fijo al mismo tiempo que se interrogan hacia dentro. Un momento espectacular. Pero sin descanso sueña Pump it, otra vez los Black Eyes Peas con ese riff tarantiniano de Dick Dale. Pura vida sin inicio, sin pausa, en deriva. 

Al comienzo de la pieza hay una dedicatoria a la coreógrafa y pedagoga Amparo Ferrer, creadora del espacio Botanic Espai de Dansa, espacio donde se han formado la mayoría de las bailarinas en Valencia. Falleció hace dos años. Porque, aunque uno pueda pensar que este trabajo que emerge como referente de toda una generación levantina nace de la nada, todo tiene una historia. Esta otra danza también la tiene y, gracias a Dios, sigue viva.

El Ballet de l’Opéra National du Capitole llegará este viernes al Palacio de Festivales de Cantabria para recrear 'Sémiramis' y 'Don Juan', de Christoph Willibald von Gluck, con una inmersión única en el repertorio del compositor alemán.

El espectáculo, a partir las 19.30 horas en la Sala Argenta, es una coproducción entre el Théâtre de l’Opéra National du Capitole de Toulouse, el Théâtre National de l’OpéraComique de París y el Liceu de Barcelona.

Jordi Savall, prestigioso violagambista y uno de los directores que ha revolucionado la interpretación de la música, ha deseado durante mucho tiempo hacer una incursión en el mundo de la danza a partir de la música que Gluck escribió para su 'Don Juan', señala el Palacio de Festivales en un comunicado.

Esta obra fue escrita un año antes de 'Orfeo et Eurídice'; el compositor renovaba el ballet adaptando en 1761 una obra de Molière para el público vienés. Al año siguiente seguiría 'Sémiramis'.

Estas dos obras son innovadoras porque ofrecen, por primera vez, una narración coherente donde todos los recursos de la orquesta se ponen al servicio de la expresividad.

Jordi Savall y Le Concert des Nations, Ángel Rodríguez, Edward Clug y el Ballet du Capitole de Toulouse suman sus energías para recuperar todos los colores de estas partituras y recuerdan que, un cuarto de siglo antes de Mozart, otra destacada personalidad pasaba por los escenarios de Europa con todo el poder evocador de la música de C.W. Gluck.

“Cuando alguien baila tú no ves a una persona con discapacidad, ves a alguien que está bailando, y que lo está haciendo muy bien. Las personas somos diferentes, no todos somos igual de guapos y estupendos, pero formamos parte de la sociedad y tenemos un gran potencial”. Estas son las palabras de Mariángeles García, portavoz de Castilla-La Mancha Activa, una organización sin ánimo de lucro que desarrolla diferentes proyectos en defensa de los colectivos vulnerables.

Uno de estos proyectos es 'Danza Inclusiva', una iniciativa que quiere lanzar un claro mensaje: “Todos podemos”. Este proyecto surge a partir “de la demanda que existía en Ciudad Real por hacer alguna actividad de danza, sobre todo inclusiva, porque había varias personas que lo practicaban y quería ampliar”.

Nació en Ciudad Real y después llegó a Daimiel. Apenas cuenta “con un pequeño presupuesto”, pero ha logrado la participación de personas de todas las edades, “desde los veintipocos hasta los setenta y muchos años”, con más alumnas que alumnos. “Por el momento contamos con 10 alumnos, que son los mismos que teníamos el año pasado en la segunda edición, ocho mujeres y dos varones”, explica. Mariángeles señala que “el año pasado fue un éxito y culminó con una actuación superemocionante en un instituto de Daimiel”.

Ese proyecto, como su propio nombre indica sigue diferentes líneas de inclusión. Primeramente, por la movilidad, el local en el que se realizan los bailes es “totalmente accesible”, donde cuentan con la colaboración de la Academia Amanecer: “Las coreografías también se adaptan a las personas que tienen diferentes posibilidades de movilidad, ya sea que vayan en silla de ruedas, que tienen más o menos movilidad en los brazos”, pero también “adaptadas para chicos que no tienen dificultad de movilidad, pero sí una discapacidad de tipo intelectual”. Mariángeles asegura que “tocan un poco de todo en cuanto a estilos de baile”, desde bachata, rock and roll o música contemporánea, entre otros.

Fortalecer la amistad y sentir que son capaces

La portavoz de Castilla-La Mancha Activa asegura que a los participantes “les ha cambiado bastante la vida”, sobre todo en una lucha contra el capacitismo: “Una persona que vive y se mueve en silla de ruedas, pensar que podría bailar cuando a lo mejor había sido su sueño era casi impensable, y ahora lo están consiguiendo. Tienen una gran satisfacción cuando te lo cuentan, cómo se sienten maravillosamente bien pudiendo bailar”.

Mariángeles expone que para los alumnos y alumnas de Danza Inclusiva, “al final es como una necesidad, están esperando a que llegue el día de la clase porque se sienten muy bien y les gusta mucho” y que “están enganchados al baile”.

Las clases no son solo un espacio en el que desarrollan habilidades de danza, sino también un lugar de escucha, en el que construir relaciones de amistad y también fortalecer las de familia. “Hay dos chicos que su pareja de baile una es su hermana y la de otro es su madre, y es impactante ver también como la familia forma parte del ocio, que es algo que hace que conozcan mucho mejor la realidad de esa persona. Es fundamental que la familia nos acompañe y en este caso lo hemos conseguido”, explica Mariángeles.

Danza Inclusiva pretende que adquieran hábitos, rutinas, tomar partido de un pasatiempo como la danza, pero también de formar parte de un grupo y sellar el sentimiento de compañerismo: “Al final generan comunidad entre ellos. Son un grupo, un equipo, donde trabajan las habilidades sociales, el autoliderazgo. Por ejemplo en personas con discapacidad de tipo intelectual refuerzan determinadas habilidades que luego se van notando en su vida diaria”, señala la portavoz. Además, Mariángeles García apunta que de esta manera “trabajan la autoestima, el respeto, el sentirse realizados, en definitiva sentir que son capaces”.

Un proyecto con matrícula abierta permanente

Durante el desarrollo del proyecto participan en diferentes exhibiciones donde muestran todo lo que van aprendiendo. “El año pasado estuvimos en Fuente el Fresno, y luego tuvimos una actuación final ante 400 chavales de instituto, donde nos preguntaban cómo bailaban, donde de una de las coreografías el grupo levantaba a una de las chicas que va en silla de ruedas, y al final se van con la idea de que todos podemos”, recuerda Mariángeles.

Un proyecto que, en definitiva, quiere dar un claro mensaje: “El hecho de tener una discapacidad nos supone que no seamos capaces. Creo que el efecto transformador es importante en este tipo de proyectos”.

Las clases de Danza Inclusiva se celebran una vez a la semana, “debido a que tenemos poquito presupuesto” ya han comenzado en Damiel. Mariángeles García señala que la matrícula se mantiene abierta durante todo el proyecto: “Cualquiera que desee apuntarse puede hacerlo, ya sea en abril, mayo o en agosto”.

Como novedad, esta edición en 2026 van a dedicar una pequeña partida económica para “colaborar con algún gasto de desplazamiento, por si a alguien de alguna localidad cercana a Daimiel le interesa venir”. Mariángeles García anima a todas las personas que estén interesadas a que den un paso adelante y se apunten, y que si les gusta bailar “no dejen de intentarlo”, ya que “hay que tener en cuenta que no son profesionales, y es un grupo muy majo, que le van a acoger muy bien y a ayudar”.

El Teatro Bretón rinde homenaje a la música este fin de semana con un espectáculo de danza el sábado 21 y una ópera clásica el domingo 22 de marzo. El sábado 21, a las 20:00 horas, llega al teatro municipal la danza ‘Ce que le jour doit à la nuit (Lo que el día debe a la noche)’. Un espectáculo magnético cuya fuerza, virtuosismo y sensualidad cautivan y transportan a lugares lejanos.

Un total de 12 bailarines argelinos y burkineses, provenientes del street dance y del hip-hop ofrecen una exhibición artística intercultural con mucha fuerza y carácter. El espectáculo tiene una duración de 70 minutos aproximadamente y el precio de las entradas varía entre los 8 y los 23 euros.

El domingo, 22 de marzo, a las 19:30 horas, llega la ópera al Teatro bretón. ‘La Bohème’ es una de las piezas más queridas y representadas del repertorio lírico mundial, que consagró a su compositor, Giacomo Puccini, como uno de los más grandes compositores de su época. La música de ‘La Bohème’ combina ternura y pasión, con melodías memorables como el “aria Che gelida manina” y el “dúo de amor O soave fanciulla”.

Esta ópera fue estrenada en 1853 y narra una colección de historias de Henri Murger, que retrata las vicisitudes de jóvenes artistas y soñadores en el París del siglo XIX. La obra consta de 4 actos y tiene una duración de 2 horas y 50 minutos, con dos pausas y un intermedio. El precio de las butacas va de los 19 a los 39 euros.

La Casa de la Danza de Logroño ha obtenido un nuevo reconocimiento a nivel nacional al ser nominada al ‘Premio Adolfo Marsillach’ a una labor teatral significativa 2025, por preservar, difundir, apoyar y desarrollar patrimonio e iniciativas de y para la danza, articuladas en un espacio único en España que, desde hace 23 años, ejerce como centro de acogida, conservación, visibilidad, desarrollo y difusión de esta disciplina y sus profesionales.

La candidatura se enmarca en los galardones que otorga la Asociación de Directoras y Directores de Escena (ADE) y que alcanzan su 39ª edición. La candidatura de la Casa de la Danza de Logroño fue presentada por un miembro de la ADE, cuya junta directiva se reunió la semana pasada y, tras revisar las propuestas, mantuvo a la Casa de la Danza como una de las finalistas.

El próximo 23 de marzo tendrá lugar el acto de entrega de la 39ª edición de los Premios ADE en el Teatro de la Comedia de Madrid, sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. 

Marina Abramović siempre será la reina de la performance extrema del siglo XX. Gran diva de las formas más radicales de resistencia física y mental, siempre cuidando al máximo la vertiente estética de sus espectáculos, su impecable puesta en escena fotográfica combina con maestría el efecto que provocan las imágenes más impactantes y provocadoras. Hace dos años, en la exposición Veneradas y temidas de CaixaForum, una de las piezas de mayor valor que acogía la muestra era una foto de su cabeza totalmente rodeada por una serpiente pitón, emulando tal vez la Medusa esculpida por Bernini en 1630.

Es esta capacidad de sorprender, e incluso asustar o repeler, sin renunciar a la belleza de lo visual lo que ha caracterizado la mayor parte de su carrera, tanto en sus proyectos en centros de arte y museos como en puestas en escena en recintos más formales, como teatros líricos. En este sentido, no es la primera vez que Abramović estrena obra en el Liceu, pues en 2023 llevó al escenario del teatro The 7 deaths of Maria Callas, donde recreaba a la diva de la ópera en siete de sus representaciones.

Ahora ha vuelto durante unas semanas del mes de enero con Balkan Erotic Epic, que ella definió durante la presentación del espectáculo como una suerte de retorno después de una vida en el extranjero –con sumo éxito, cabe decir– a sus raíces balcánicas, a la tierra que la vio nacer y crecer hasta que en 1976 abandonara la antigua Yugoslavia, país extinto pero que ella reconoce como única patria.

De todas formas, en el concepto de tierra balcánica, la serbia incluye, además de los antiguos estados yugoslavos, a Bulgaria, Rumanía, Albania y partes de Grecia y Turquía. Esto es la unidad cultural que forma esta montañosa y convulsa zona del sur de Europa, de la que Winston Churchill dijo que genera más historia de la que es capaz de digerir.

Obsesión genial

El regreso a estos orígenes, a sus ochenta años, pasa en el caso de Balkan Erotic Epic por la figura de la madre de la artista, el recuerdo del funeral del mariscal Tito como la muerte anunciada de Yugoslavia o el repaso de las ancestrales tradiciones rurales de los pueblos balcánicos, relacionadas con la agricultura y la ganadería –también con el amor conyugal– que se vinculaban con prácticas genitales.

Precisamente estas prácticas, que implicaban el uso del pene o la vagina para conseguir beneficios agrícolas, climáticos o maritales, guía una parte importante de la obra, al menos en sus inicios, en los que por el escenario circulan falos gigantescos o bailarinas aireando sus velludas vaginas ante el público para espantar a los dioses de la lluvia con supuestas danzas ancestrales y, a su vez, evocar el cuadro El origen del mundo de Gustave Courbet.

La escena, una de las varias que componen Balkan Erotic Epic, resulta cuanto menos desconcertante si no grotesca e incoherente, ya que se alarga durante unos buenos veinte minutos de exhibicionismo innecesario. Este acto presagia a espectadoras y espectadores una noche decepcionante. De hecho, el personaje que dirige este tramo de la obra encarna a una antropóloga flamenca que estudia las tradiciones balcánicas relacionadas con los genitales.

Resulta más cómico que empático o conmovedor, en especial cuando pide un hombre voluntario entre el público para representar uno de estos ritos. Logra así que el desarrollo de la obra se parezca más a uno de los nefastos programas televisivos de sábado noche que poblaron la televisión pública hace décadas, que a una obra de arte.

Resurrección en torno a la muerte

Pero tras el bochorno, de un modo casi milagroso, la obra remonta el vuelo y alcanza los niveles esperados en las siguientes escenas-actos. Lo hace con la representación de la muerte, encarnada por un bailarín desnudo, inerte y llorado por su amada, rodeados ambos por otras parejas en la misma circunstancia. Se desarrolla entonces una danza que evoca La pietà de Miguel Ángel y, seguidamente, el entierro de los restos de un eccehomo de gran belleza estética. La escena prosigue con una convulsa coreografía de lucha contra la idea de la muerte.

Tras este acto, sin solución de continuidad, pues el evento no tiene pausas ni descanso, regresa –por fortuna por poco tiempo– la infame antropóloga flamenca y nos presenta una escena de taberna balcánica donde una sobria funcionaria comunista se deja llevar por los instintos y se entrega a la lujuria con dos hombres en una danza frenética. Se trata de una suerte de venganza de Abramović hacia su madre, partisana y heroína nacional yugoslava, comunista estricta que jamás se permitió el cariño con la artista.

Superadas las escenas de taverna, que también caben en lo más prescidible de la obra, esta regresa a los planos más altos con las imágenes de un cementerio donde los danzantes bailan y hacen el amor con los esqueletos

Superadas las escenas de taberna, que también caben en lo más prescindible de la obra, esta regresa a los planos más altos con las imágenes de un cementerio donde los danzantes, ahora de nuevo desnudos pero provistos de la dignidad de sus sugerentes y ralentizadas danzas, casi reptilianas, bailan y hacen el amor con los esqueletos del camposanto: Abramović en estado puro. Se trata de una escena fascinante, hipnótica que pone en relieve el gran trabajo del coreógrafo albanés Blenard Azizaj.

También destaca el trabajo de Azizaj –junto con el del director de performance duracional inglés Billy Zaho y la directora asociada de la obra Georgine Maria-Magdalena Balk– en la que será casi la última escena de la obra, con danzantes vestidos con curiosos trajes blancos con una suerte de melenas nivales, capaces de danzar sobre la música que produce su propio zapateo en el escenario. Finalmente, cerrarán Balkan Erotic Epic unos enormes espantajos, a medio camino entre tótems mitológicos y personajes de entroido.

Al final, tras tres horas –orginalmente el espectáculo duraba cuatro horas pero ha sido cercenado sin que se dé explicación alguna– de abstracción en las fascinantes danzas que diseñan Balk, Zaho y Azizaj, la propuesta se hace corta y deja con ganas de más. Tal es el poder de Marina Abamović, que todavía, a sus 80 años, sigue siendo una fuente de energía e inspiración.

Durante dos semanas la Fundación Joan Brossa se convertirá en centro neurálgico de la escena experimental. Nueve artistas de las artes vivas y visuales trabajarán en torno a la figura y el trabajo del poeta, mago y artista catalán Segundo año que en este espacio del Borne se dedica a la conjura y la invocación del artista a través de propuestas que recorrerán desde la performatividad pura, la instalación, hasta el concierto o la danza. 

El ciclo se llama Exorcismes, patrimoni y peformativitat. El año pasado fue una de las citas más sorprendentes de la temporada en un panorama, el barcelonés, donde la conjunción de las artes vivas, las plásticas, la performance y el teatro es cada vez más inusual. Artistas como Juana Dolores, Las Huecas, Marta Pazos, Raül Refree o Los Detectives (en la imagen) abordaron la figura y el trabajo del creador. 

Este año el programa es también bien atractivo. Nombres del under sónico como Ivan Telefunken, artistas objetuales como Mercè Soler, performers del nivel de Juan Navarro o Pere Faura y coreógrafos como Nazario Diaz hablan de un programa cuidado y bien pensado las diferentes líneas de trabajo de la Fundación. “Es verdad que es un proyecto que nace del departamento de escénicas, pero ya en la génesis estaba trabajar con la línea de visuales que lleva la casa, lo interesante es que desde las escénicas se aborde el trabajo de Brossa no solo desde lo teatral y que en el ciclo se junten artista de muy distinta procedencia”, explica Georgina Oliva, programadora del Centro.

Del ready made a la gran llagosta

En 1943 asistieron 14.000 personas a una manifestación del Frente de Juventudes al Estadio de Montjüic, ese mismo año el Barça perdía en la Copa del Generalísimo frente al Real Madrid por 11 a 1, Barcelona vivía a base de las cartillas de racionamiento y Brossa (1919-1998) pululaba por una Ciudad Condal gris y asfixiante. Las trincheras de la Batalla del Segre de la Guerra Civil se alojaban todavía recientes en su memoria y andaba escribiendo sus primeros poemas hipnagógicos. 

Ese mismo año, Brossa recoge un cartón arrugado y lo coloca en un soporte de madera. Es su primera obra, Escorça, pieza que hoy está en el MACBA. Es desde ese gesto a la Duchamp, desde ese ready made surgido de la Barcelona más triste, que nace una de las piezas de este ciclo: La caja es gris, una encuentro performativo que supone el tercer trabajo de una pareja bien inusual formada por uno los grandes creadores y performers catalanes (La Fura del Baus, Rodrigo García, Jan Lawers) y uno de los académicos más disruptivos y heterodoxos dedicados a la teoría escénica, Óscar Cornago.

“Nos interesaba ese gesto como acto de imaginación y supervivencia poética”, explica Cornago, que cuenta a este periódico cómo la pieza surge de bucear en miles de cajas grises llenas de documentos e incluso piezas todavía no catalogadas en el archivo de la Fundación. Apropiándose de ese gesto, ambos creadores trabajarán sobre los residuos, Cornago explica que llevan tiempo recogiendo residuos, basura, que luego llevarán a la propia pieza, “son cosas que sobran, que ya no tienen utilidad y son apartadas, un poco como nosotros que ya tenemos más de 56 años y temenos un poco la sensación de que ya no valemos, de que no te enteras de nada”, dice con sinceridad. 

El cuaderno gris es el tercero de unos trabajos que los artistas recogen bajo el nombre de Curación infinita. Antes fueron Ensayos sobre el aburrimiento, que presentaron en La Infinita de Hospitalet y De la nada a la nada, que presentaron en el MACBA junto a Jordi Colomer y en la que, entre otras acciones, hicieron desaparecer el edificio del MACBA en un acto de psicomagia colectiva. En esta ocasión, una de las acciones centrales que acompañará a la “conferencia” será la de envolver esa basura, “el acto de envolver está cargado de significados, desde los rituales funerarios a los mismos regalos, al envolver el objeto y la relación que tenemos con él cambia”, explica Cornago en guiño claro al ready made brossiano. 

La caja negra tendrá lugar este primer fin de semana en el que también se podrá visitar la exposición de Mercè Soler, conocida y fina interventora poética de libros, que en esta ocasión presenta una muestra conformada por una serie de instalaciones. Baldosas que son sobres que esconden poemas, gotelés que son cohetes de Apollinaire, tejados de uralita transparente que esconden lluvias… La exposición de Soler, que se titula Un sorollet (un ruidito), trabaja con aguda delicadeza una voluntad clara de habitar los poemas de Brossa. 

Además, el sábado y domingo la música también estará presente. Nuria Andorra, música y percusionista de vanguardia, presentará, junto a Roc Mateu, Reflectir a Brossa. Y El pèsol feréstec (El guisante gigante), con la poeta María Callís como rapsoda, estrenan Pèl moixí, herba màgica del rostre!, donde esta atípica banda de pop refrescante y lírico trabajará el tempo y las costuras de los poemas del catalán. 

Pero, el hallazgo programático ha sido convocar a este ciclo al músico más “brossiano” del firmamento, que no es otro que el gran Iván Telefunken. Este músico peformer es capaz de encontrar sonidos en cualquier objeto, ollas, sartenes, juguetes, etc.;. transformarlos, en acto mágico y brossiano, en verdaderos instrumentos de, como él los denomina, “vanguarderia”. Telefunken tiene algo de mago, de niño abierto a la curiosidad total y el descubrimiento.

La segunda semana continuará con estrenos de nuevas piezas. Destacan Altera pluvvia, una instalación sonora de Marc Verdaguer (músico de Albert Serra) y Pedro Vian; y el nuevo trabajo del coreógrafo Nazario Diaz, Cascadas de melismas, junto a la artista gallega Noela Covela. 

Todas la piezas son estrenos, pero se intuye que uno de los platos fuertes de ese segundo fin de semana será el nuevo trabajo del bailarín y performer Pere Faura, A de llagost. Faura propone seis pequeñas piezas en itinerancia por todo el espacio de la Fundación Brossa, donde el artista combinará “la poesía oral y escrita, original y referida, improvisada y de memoria”, bailará al son de archivos sonoros con entrevistas a Brossa y promete “que habrá transformismo”. 

Este bailarín iconoclasta e irreverente también se centrará en la obra que Brossa creó en 1993 para el Colegio de Aparejadores de Barcelona, una inmensa langosta de tres toneladas que vigila desde el techo del edificio del Carrer de Buenos Aires en el Eixample barcelonés. Su padre estuvo trabajando junto a Brossa en aquella pieza y Faura quiere tirar de ese hilo, de las relaciones paterno filiales del él mismo y del poeta catalán. 

Los trabajos de Faura son irreverentes, de una energía centrípeta y contagiosa, y muchas veces con una carga política nada desdeñable. Algo, esto último, que Brossa tenía también a raudales. En muchas ocasiones se ha intentado reducir su figura a ese poeta juguetón, como si fuera el Gómez de la Serna catalán, o a ese artista visual un tanto surrealista que provocaba un asombro mágico en el espectador. 

La figura de Brossa, es mucho más poliédrica. Muchas veces se olvida su faceta más política, Brossa fue militante comunista y consciente agitador. Sirva una pequeña muestra. El 20 de diciembre de 1973, el día de atentado a Carrero Blanco, Brossa escribió el poema Alabanza, que decía: “En España ha sido creada este invierno / una obra maestra del arte conceptual: / hacer volar el coche del jefe del gobierno / con él dentro……………………………….”. Hoy a Brossa, lo meterían en la cárcel. 

La Veronal, capitaneada por la hirviente cabeza de Marcos Morau, ha presentado su visión surrealista y gótica del gran libro de Mercè Rodoreda, La muerte y la primavera. Ese pueblo fuera del tiempo de la novela toma cuerpo en los bailarines, el espacio y el imaginario de esta compañía de danza contemporánea que hoy es, sin duda, la más relevante del panorama nacional. El surrealismo noir de La Veronal entra en comunión con el universo de la obra más íntima e inclasificable de la gran autora catalana. El resultado es apabullante.

Mercè Rodoreda dijo a su editor sobre La muerte y la primavera, allá por los sesenta, cuando también estaba escribiendo La plaza del Diamante, “estoy convencida de que no gustará a nadie”. A los escritores, casi siempre, hay que hacerles caso. Rodoreda sabía lo que estaba haciendo. La autora estaba poniendo boca abajo buena parte de nuestra tradición literaria. Rodoreda no la publicaría en vida, hubo que esperar hasta 1986 para que viese la luz.

La muerte y la primavera es antinarrativa, es una cascada de palabras que suenan y resuenan. En teoría hay una historia, pero no importa. Dice su protagonista al final del libro: “No, no hay palabras… se tendrían que hacer”. Eso mismo le pasa a la novela. Cada vez que parece que la autora aclara el hilo narrativo de esta imposible historia, en realidad todo se oscurece más. Las palabras de Rodoreda son como el viento y el agua de la novela: un fluir en cascada, un silbido dentro de nuestros cerebros.

Es increíble el grado experimental de esta cumbre de la literatura catalana. Rodoreda es capaz de crear un vómito incesante de imágenes, símbolos y signos que tienen la potencia semántica del miedo y lo onírico. El realismo y la lógica revientan hasta desaparecer a medida que vas pasando páginas. Reina un surrealismo pero no de vanguardia, sino mucho más terrenal, que surge de las partes más recónditas y profundas de la cabeza de la autora.

Surrealismo, 'kova' y muerte

Por todo esto, la idea de encargar a Morau, coreógrafo de La Veronal, un trabajo sobre este libro es todo un acierto. Morau lleva años, desde 2005 cuando creó la compañía, en busca de una danza telúrica, nada narrativa pero bien teatral y que no duda en beber del imaginario del arte o el cine.

Una danza que ha ido tomando cuerpo, pero que quizá tras Sonoma (2020) se ha corporeizado en un lenguaje tanto dancístico como estético. Sonoma bebía del universo de Buñuel. El surrealismo siempre ha formado parte del lenguaje formal de esta compañía. Incluso en Firmamento (2023), una estupenda pieza donde La Veronal se introducía en el mundo adolescente del anime y la tecnología del metaverso, la composición era fragmentaria, relacional pero bien alegada de la deducción, el símil u otras herramientas de la lógica.

En todas las piezas de la compañía predomina un movimiento sincopado, fragmentario, como si faltaran varios fotogramas a la secuencia de cada movimiento. Ese movimiento estará también presente en La muerte y la primavera. Un movimiento incluso al que la compañía le ha puesto nombre: 'kova', lo llaman. Pero es el universo estético de Sonoma, destilado en Totentanz – Morgen ist die Frage (2024), su anterior pieza, el que baña esta creación en torno a la novela de Rodoreda.

Una estética un tanto gótica, andrógina, donde la falda es una extensión telúrica del cuerpo y el movimiento establece una conexión con aquello que no está, con lo no visible. Una danza de la muerte que pareciera surgida del inframundo. Un universo, surrealista siempre, más negro últimamente, que encaja como anillo al dedo a la novela de Rodoreda.

Rodoreda, Panero y Enriquez

En la segunda mitad del siglo XX hay dos cumbres del “fantasy oscuro” en la literatura española. Uno es El libro del hijo (1976) de Leopoldo María Panero. El otro, La muerte y la primavera. Pero mientras Panero elabora su universo a través de una revisitación, llena de citas e intertextualidad deformada, de los mitos de Occidente, la catalana decide tirar por otros lares.

Lo alucinante de Rodoreda es que el mundo que emerge de su novela no se agarra a figuras o mitos previos. La liturgia de enterrar a los muertos dentro de árboles y llenarles de cemento la garganta para que no se escape su alma, el que las embarazadas tengan que ir con los ojos tapados para que sus hijos no se parezcan a los varones que las rodean, el rito por el cual los jóvenes han de lanzarse a un río subterráneo que les puede arrancar la cara… Todo ese universo surge de la portentosa imaginación de Rodoreda.

Marcos Morau acoge ese motor de imaginación surreal de Rodoreda y lo lleva a escena con libertad. Pero en su obra no habrá referencias explícitas a la novela. Tan solo esos árboles donde acaban los muertos. Lo demás es un trabajo a partir de, nada ilustrativo. Morau trabaja sobre todo a partir de tres conceptos bien presentes en la novela: la muerte, la soledad y el viento. Los seres de la novela de Rodoreda han sido expulsados al mundo, no saben por qué, no lo han pedido y no hay finalidad en una vida que más que absurda es de pesadilla.

Así será el baile de la pieza, los bailarines pululan solos por el espacio, se retuercen, obedecen un sistema impuesto donde han de recoger muertos, apilarlos… Y en ese mundo percutirá un sonido apabullante que surge de una vieja máquina de viento, de tambores y campanas, un sonido en el que, poco a poco, irá reinando la voz humana, folk y desgarrada de una enorme María Arnal. Arnal es la voz y el alma de esta pieza. Entre medias, el espacio se llenará de imágenes: un ataúd de nácar y alabastro, una cabeza nido humeante, un hombre boca abajo cociéndose en una enorme olla.

Al igual que en la novela la palabra no se sustenta en una narración, sino que es un fluir, un sonido interno, un canto; la pieza de Morau no se asienta en la coreografía o el movimiento. La simbiosis de sonido, espacio, signo y movimiento del trabajo de la compañía consigue transformar la pieza y convertirla en viento, en ese viento tan presente en la novela que proviene de la Maraldina, la montaña que rodea al pueblo: un viento ancestral y metálico, que viene de otro tiempo y va a ningún lado.

Mariana Enríquez, en su posfacio a la reciente edición de la novela en Club Editor, relaciona muy acertadamente el libro con el mito de Perséfone. Hija de Deméter que es raptada por Hades, señor del inframundo. El mito explica la génesis de las estaciones: el invierno yerto donde Perséfone ha de estar en el Hades, la primavera en que Perséfone puede cada año volver durante un tiempo a la tierra y con la alegría de Deméter todo renace. La vida surge de la muerte, está insoldablemente unida a ella.

Esto está muy presente en el libro. La muerte convive con una exuberante naturaleza, de abejas, flores y serpientes, de ríos que fluyen y aguas donde sumergirse. Hay tanta muerte en una mariposa hermosa como vida en una piedra yerma. No se entiende una cosa sin la otra. Y esa es la tragedia. Sin embargo, en la pieza de La Veronal tan solo se muestra la parte oscura, yerta, el territorio de muerte. Algo que hace un tanto más plana la propuesta… Es quizá lo único que se pueda objetar a este trabajo hipnótico y libre de La Veronal.

Y es de alabar el pequeño gran gesto de tratar el texto de Rodoreda desde un plano atemporal. No sé cuántos estudios hay de la novela de la catalana en los que se relaciona el libro con el gótico de posguerra, donde los sin cara, esos jóvenes deformados en el ritual del río, son los mutilados de la Primera y Segunda Guera Mundial, donde el sistema opresivo se relaciona con el franquismo o las relaciones paternofiliales con la propia vida de la autora. Cosas que quizá son ciertas, pero que no explican y sí constriñen el significado y alcance de la novela.

Algo que demuestra que muchas veces para poner en su sitio ciertas obras es necesario salir de la Academia, la historiografía y el análisis literario. La Veronal sitúa esta inclasificable creación donde siempre debió estar: en la trastienda de los cerebros.