Enclave Pronillo acogerá este sábado 24 un taller de danza palestina impartido por el bailarín Ihab Sabbah, dentro del proyecto solidario Sumud, impulsado por un grupo de jóvenes cántabros que desde 2025 desarrollan acciones de solidaridad con Palestina.

Con el objetivo de mantener viva la causa a través del arte y la cultura, han invitado a Ihab Sabbah, artista y bailarín palestino residente en Alemania, a impartir este taller de dabke en la sede de la Fundación Santander Creativa.

La actividad, con una duración aproximada de dos horas, contará con el acompañamiento musical de Sara Puaj, joven DJ cántabra, quien amenizará el encuentro con una selección de música palestina y árabe pensada para hacer del baile una experiencia más cercana.

El aforo es limitado, por lo que es necesario inscribirse a través de este formulario.

Dabke, la danza grupal palestina

El dabke es una danza de grupo en Palestina que se acompaña de instrumentos de viento tradicionales y cantos populares. Fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2023. Se baila con once bailarines en festivales, celebraciones y eventos como bodas y graduaciones. Los bailarines se colocan en línea recta o en semicírculo, tomándose de las manos y los hombros para mostrar su cohesión. Los movimientos implican saltar y golpear el suelo con los pies.

Más allá de su valor festivo, en Palestina se ha convertido en un potente símbolo de identidad, resistencia y arraigo a la tierra, practicado tanto en el territorio como en la diáspora árabe alrededor del mundo.

Ihab Sabbah es uno de los fundadores de YallaDabka, un colectivo que mantiene viva la práctica del dabke a través de la cultura, la conexión y el movimiento, y dirige talleres de esta modalidad como instructor y facilitador.

YallaDabka promueve el dabke no solo como entretenimiento, sino como un símbolo de identidad y un puente para fomentar el diálogo intercultural y combatir el racismo.

Sara Puaj estudió en el Conservatorio de Música de Torrelavega. Cuenta con un amplio bagaje musical, con influencias de todos los continentes y adaptado a cada momento. Su apuesta predominante son los ritmos provenientes de países como Angola, Nigeria, Sudáfrica, Cabo Verde o Brasil, buscando siempre su fusión con sonidos electrónicos para llegar a estilos como el afrobass o los afrobeats, ya rebautizados en su entorno como 'afromandangas'.

El bailarín y coreógrafo Xián Martínez (Vigo, 1996), fundador en 2020 de la compañía iXa y considerado una de las grandes promesas de la danza, falleció el jueves en Barcelona a los 30 años de edad. A lo largo de su carrera recibió una quincena de galardones y reconocimientos, entre los que destaca el premio al intérprete sobresaliente con Perfil de Creador del Certamen Coreográfico de Madrid en 2023. Fue su pareja, Alex Marteen, participante en el programa Drag Race, quien informó en redes de su fallecimiento. Martínez fue despedido este domingo en el tanatorio Sàncho de Ávila de Barcelona.

Formado en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma y, posteriormente, titulado en Coreografía e Interpretación en el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, la web de iXa recoge que trabajó como intérprete para compañías e instituciones como Dantzaz, la Ópera de Lille o laStaatsoper de Berlín. También, para creadoras y creadores de referencia como Sol Picó, Marta Pazos,Toni Mira, Martin Harriague o Àlex Ollé. Fue profesor invitado en entidades de referencia como el American Dance Festival,el Institut del Teatre o el Conservatorio Superior de Madrid.

Entre sus producciones propias destacan Pioneras/Aitzindariak, Ollos Cara Adentro, NIK·EU 2.0, 52-BLAU y TACTO, mientras que ha desarrollado creaciones por encargo para otras entidades internacionales como The Other Half of Love (Black Leaves Dance Company,EE.UU.), Yellow Lemon (École de Danse Contemporaine de Montréal, Canadá / EBB Junior Company, Madrid) o Xeración Z (CDAN,Galicia).

En la actualidad, estaba desarrollando dos nuevas creaciones: Lurrik Gabe, producción propia con estreno previsto para abril de 2027 y A Espera do Baleiro, un espectáculo parala Companhia de Dança de Almada (Portugal).

Diversos colectivos en defensa del pueblo palestino llaman a una concentración este jueves 15 de octubre a las 19.00 frente a la sede de los Teatros del Canal, en el número 1 de la calle Cea Bermúdez, contra la llegada de una compañía de danza auspiciada por Israel.

BDS Madrid, grupo local de la campaña internacional Boicot, Desinversiones y Sanciones contra el Estado de Israel, impulsa una protesta que también secundan la Red Solidaria Contra la Ocupación en Palestina, la iniciativa Desarma Madrid o las agrupaciones Danza por Gaza y Artistas con Palestina.

La compañía Batsheva Dance presenta ese mismo día la coreografía Sadeh21, que será interpretada durante tres jornadas consecutivos. La entidad se creó en Israel en 1966 por Martha Graham, una de las figuras fundamentales de la danza del siglo XX. A partir de los noventa, el coreógrafo Ohad Naharin la impulsó como embajadora por el mundo de su país, que financia un tercio del presupuesto de sus producciones, así como los costes de desplazamiento para las giras internacionales.

El estreno lleva semanas convulsionando la escena madrileña. A finales de septiembre, Nacho Duato compartió varios vídeos en redes sociales pidiendo la cancelación de las actuaciones: “La Comunidad de Madrid invita a una compañía subvencionada por el Estado Genocida de Israel. En Francia lo han conseguido, Batsheva no va a bailar en París. ¿Qué pasa en Madrid, vamos a dejar que esto suceda?”.

El que fuera durante 20 años director artístico de la Compañía Nacional de Danza y actualmente director del ballet del Teatro Mijáilovski en San Petesburgo reforzó así una contestación social que este jueves se manifestará en Chamberí, pero que por el momento no ha replanteado la posición del equipo de Isabel Díaz Ayuso (su Ejecutivo gestiona este espacio escénico a través de la Consejería de Cultura).

El director de los Teatros del Canal apela a “lo artístico”

Las manifestaciones contra Batsheva son anteriores a la etapa más cruenta del genocidio promovido por el Gobierno de Benjamin Netanyahu en Gaza. En 2012, su gira por Reino Unido estuvo repleta de incidentes: protestas en todas las ciudades, interrupciones de su espectáculo, cacheos al público para poder entrar a la sala y una tensión que nunca ha abandonado desde entonces a esta compañía. Asociaciones civiles alrededor del mundo han protestado por la presencia de esta compañía en México, Estados Unidos, Canadá, Francia, Italia o Nueva Zelanda.

Ruperto Merino, director de los Teatros del Canal, exponía en declaraciones a elDiario.es que “las razones de la programación tan solo son artísticas”. “Tenía muy claro que esta temporada quería tener a las grandes compañías del mundo, Batsheva está en la programación por la misma razón que la Sydney Dance Company. La mayoría de los elencos de compañías internacionales tienen pasaportes de distintas nacionalidades. No puedes estar censurando compañías en función del país de origen. El arte tiene que estar por encima de todo eso”, afirmaba.

“Mi programación está basada en criterios estrictamente artísticos. Para mí, sus trabajos están por encima de cualquier otra consideración”, añadía Merino, al tiempo que optaba por “no entrar” a valorar si hay que mantener o no los criterios artísticos en relación a un Estado que comete un genocidio. “Aquí se tiene en cuenta lo artístico. Punto”, sostenía.

No es la primera controversia en este sentido en los Teatros del Canal, aunque sí la que más ha escalado. Miembros de BDS se quejaron en abril de 2025 con motivo de las representaciones de House, obra dirigida por el cineasta y dramaturgo Amos Gitai. “Financiada por Israel, formaba parte de una clara estrategia de lavado cultural en pleno genocidio y con órdenes de arresto de la Corte Penal Internacional contra Netanyahu y otros altos cargos israelíes”, explicaba la actriz Elisa Gelabert, portavoz de este movimiento.

Galabert afirma que pidió sin éxito una reunión con Ruperto Merino y que solo obtuvo una respuesta “telegráfica”: “Ignoró todo el contexto de la petición y se escudó en el prestigio del teatro que producía la obra, el Théâtre National de la Colline”. La intérprete cree que es un “grave error” que los Teatros del Canal y la Comunidad de Madrid no escuchen a los artistas que muestran su “rechazo al blanqueamiento cultural mediante cartas, comunicados y acciones”. “Actúan como si el genocidio no existiese. Programar a Batsheva es una forma de legitimación indirecta de un Estado que está siendo investigado por genocidio y crímenes contra la humanidad”, concluía Gelabert. 

Los andaluces Amalia Fernández, en la modalidad de Creación, y Marco Flores, en la de Interpretación, han obtenido este miércoles los Premios Nacionales de Danza correspondientes a 2026. Estos galardones, que concede anualmente el Ministerio de Cultura, están dotados con 30.000 euros cada uno.

Los Premios Nacionales de Danza se conceden como recompensa y reconocimiento a la labor de personas o entidades de este ámbito cultural, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el 2025, aunque también pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha otorgado el galardón a Amalia Fernández por la “singularidad” de Familia, una pieza que demuestra una mirada “personal como creadora, definida por una capacidad única para innovar en la composición coreográfica y para explorar nuevos lenguajes escénicos, que se reflejan en creaciones con una enorme delicadeza expresiva y un profundo conocimiento de la relación entre el cuerpo, el espacio y la musicalidad”. Asimismo, ha destacado que en su amplia carrera, además, han sido siempre esenciales su apoyo y su colaboración a nuevos artistas de la escena contemporánea, así como una destacada trayectoria como docente.

“Adelantado a su tiempo”

Por su parte, de Marco Flores el jurado ha subrayado la “fascinante” interpretación en sus creaciones Tierra virgen (2025) y la gira de Rayuela, en las que ha demostrado una “técnica excepcional, con un dominio del compás y un virtuosismo que transforman el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica”.

“Bailaor en un momento de enorme madurez profesional e incuestionable trayectoria, ha demostrado siempre estar adelantado a su tiempo, creando desde un discurso propio y sin dejar de indagar, convirtiéndose en un referente y un ejemplo de generosidad en el apoyo a generaciones de creadores y creadoras más jóvenes, y abordando temas complejos y socialmente comprometidos”, concluye el jurado.

Amalia Fernández, de lo convencional a lo expositivo

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina y coreógrafa. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el Real Conservatorio de Sevilla y en la Escuela de Teatro de la Danza de Madrid. Completó su formación con coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta 2005 en la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional hasta el formato expositivo. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos Matrioshka (2005), Maya (2006), Shichimi Togarashi (2007), Las Perras (2008), Kratimosha (2009), Souvenir (2010) y En Construcción versión 1 (2010) y En Construcción versión 2 (2013), Perrita China (2014) y Expografía (2017).

Asimismo, ha participado en proyectos de otros artistas como Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore, Cuqui Jerez o Sonia Gómez, como interprete, coach, coreógrafa, y colaboradora puntual. Como docente, colabora en el Máster de Práctica Escénicas y Cultura Visual de la UCM y también ha participado como artista-docente de profesores de primaria en el marco del proyecto LOVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje). En la actualidad está desarrollando la segunda fase del proyecto Ser o no ser un cuerpo con la colaboración de Santiago Alba Rico, un proyecto de investigación artística y corporal nacido en 2014.

Marco Flores, del flamenco a la creación coreográfica

Por su parte, Marco Flores (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1981) es bailaor y coreógrafo. Tras unos años de aprendizaje autodidactas, se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. Posteriormente entró a formar parte de compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.

Desde el año 2004 trabaja como codirector y coproductor de sus propios espectáculos como Dos en Compañía junto a Manuel Liñán; En sus 13 y En clave junto a Manuel y Orlga Pericet; y Chanta la mui, Complot y Recital junto a Olga y Daniel Doña.

En 2010, formó su propia compañía, Cia Marco Flores, con la que estrenó su primer espectáculo DeFlamencas, Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. Otras producciones de la compañía son Tránsito (2012), Laberínticas (2014), Paso a Dos (2015), Entrar al Juego (2016) y Fase Alterna (2016). En 2018, la compañía estrenó su primera pieza para espacios no convencionales, Extracto Abierto. Además, recientemente estrenó su primer solo, Extrema.

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios como El Ojo Crítico de Danza de Radio Nacional de España (2019), y los Premios Carmen Amaya, Antonio Gades, Mario Maya y el Premio Especial del Baile en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba en el año 2007, entre otros.

El cuerpo como territorio y la memoria como huella. Sobre estas coordenadas se construye Atlas de Anatomía, la aclamada creación de la bailarina y coreógrafa tinerfeña Paula Quintana que llegará el próximo viernes, 25 de septiembre, a las 20:00 horas, al Centro Cultural de Santa Brígida, dependiente de la Concejalía de Cultura que dirige Avelina Fernández Manrique de Lara. El acceso será libre.

La obra, reconocida con el Premio Réplica 2025 al Mejor Espectáculo de Danza y al Mejor Espacio Sonoro (creado por Miguel Marín), forma parte además del Catálogo nacional Danza Escena 2026.

Hurgarse en la identidad – Flamenco bastardo – Latino impuro es el subtítulo que acompaña a esta pieza de 55 minutos en la que danza, canto en directo y espacio sonoro se entrelazan para construir un lenguaje escénico tan físico como personal. Quintana comparte el escenario con la agrupación vocal Proyecto eLe, cuyas voces se convierten también en un cuerpo colectivo, un coro y un testigo que forma parte de la coreografía.

En Atlas de Anatomía, el cuerpo femenino e isleño se convierte en materia de exploración. Un cuerpo atravesado por la herencia andaluza, las influencias afrolatinas y el presente europeo; un territorio en el que conviven identidad, mestizaje y deseo de libertad.

La propuesta cuenta con el respaldo del programa MARES del Instituto Canario de Desarrollo Cultural del Gobierno de Canarias, el Cabildo de Tenerife, el INAEM y Auditorio de Tenerife.

Paula Quintana

Nacida en Tenerife, Paula Quintana se forma en teatro, danza clásica, contemporánea y flamenco. Con una amplia trayectoria nacional e internacional, ha trabajado en cine y artes escénicas y ha sido artista residente en los Teatros del Canal, el Teatro de la Abadía, la Cité Internationale des Arts de París y otros centros de creación.

Con más de una década de trayectoria y una decena de obras propias, su trayectoria ha sido reconocida con el Premio Réplica a Mejor Interpretación por Las Alegrías, el Premio Umore Azoka a Mejor Artista/Creadora Emergente por Latente y otros galardones y candidaturas a los Premios Max. Su obra ha recorrido teatros, festivales y circuitos internacionales de Europa, Asia y América.

Es fascinante ver a Juan Berlanga bailar rodeado de guardias civiles en un escenario a ras de suelo en la plaza del pueblo. Atención a la escena. El bailarín lleva el torso desnudo y pantalones blancos. Hay en él una representación de la fuerza, la pureza, el animal, la entereza pero también la desprotección.

Berlanga se arrastra de rodillas mientras la música infiere un ritmo trepidante y aventurero que no invita a detenerse. Y, ante la situación, Berlanga no quiere detenerse.

Gira sobre sí mismo y mientras mantiene el equilibrio mira de frente. ¿Qué ve? Banderas que se agitan frente a él. Dos hombres muy parecidos con sendas camisetas rosas, bermudas vaqueras y riñonera al hombro, uno en cada lado del cuadrilátero (desconcierto, ¿quiénes son?). Parte de su público que sigue sentado en las sillas blancas de plástico en primera fila. Policías. Un chaval con la bandera de España anudada al cuello como una capa.

Se da la vuelta a todo eso, abre las rodillas, baja la pelvis y apoya las manos sobre los muslos. Su espectáculo se llama Juancaballo y le hizo merecedor de un premio Max, pero ahora está en la plaza de Manzanares (Ciudad Real) y no le quieren allí. Juan parece mirar hacia la cámara que le graba, solo un instante. Piensa si debe retirarse, pero se dice a sí mismo que no, que debe seguir bailando. Le lanzan una silla. Le llaman “maricón”.

¿Hace cuánto tiempo que estas escenas dejaron de suceder? ¿Hace cuánto tiempo que han regresado?

Aquel día, cuando el PP había convocado múltiples concentraciones en teoría, según ellos, en apoyo a Ceuta, llamó a su gente a que saliera a las plazas. Pero en las plazas ya pasaban cosas. Pasaba Juancaballo. Y, para ellos, el bailarín era el invasor.

Nos preguntamos si todo este odio, este acoso a la cultura que estorba, es solo el principio. Juan Berlanga dijo: "Este país está yendo hacia un lugar muy feo (...). Hay que posicionarse"

A 400 kilómetros de allí, el mismo día, Aida Tarrío, Olaia y Sabela Maneiro salieron a otro escenario. Es la plaza Mayor de Palencia y allí no está solo su público, allí sigue una parte de los manifestantes convocados por el PP con el apoyo de Vox. Insultan al presidente del Gobierno y dicen “Hoy no se canta, hoy se defiende”. Si hoy no se canta, es porque quieren suspender el concierto de Tanxugueiras, el trío gallego que no puede salir a tocar en esas condiciones. En lugar de ellas, sale el concejal de Cultura, Fran Fernández: “La cultura es lo que nos diferencia de las bestias”, advierte, pero su voz deja de escucharse porque “Pedro Sánchez dimisión” suena mucho más alto. Ondean múltiples banderas de España. Cuando al fin sale el grupo gallego, según las crónicas, apenas se las escuchaba, el boicot de los manifestantes gritaba más alto. Pero ellas decidieron seguir bailando, seguir cantando. Más cultura, más amor y más respeto, piden.

Nos preguntamos si todo este odio, este acoso a la cultura que estorba, es solo el principio. Juan Berlanga, a quien llamamos para que nos contara cómo lo vivió y qué le pasó por la cabeza, nos dijo: “Este país está yendo hacia un lugar muy feo (...). Hay que posicionarse”. Tanxugueiras grabó un vídeo para su Instagram: “Nós non tiraremos abaixo todo o que conseguiron os nosos antergos, nin renunciaremos ao que conseguimos como pobo”, escribieron. 

Aquel día, los artistas pudieron ofrecer sus obras, poniendo sus cuerpos en el centro, pese a las interrupciones y los retrasos. Pero, ¿y el día en que alguien no se vea capaz de seguir bailando?

La delegada de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz, ha presentado hoy, junto al director artístico de Contemporánea Condeduque, Jorge Volpi, la programación de la nueva temporada 2026-27 de este espacio municipal, que ofrecerá un centenar de actividades hasta el próximo mes de junio. La programación incorpora nuevas propuestas en sus distintas áreas (artes escénicas, música, artes visuales, Pensamiento + Literatura, Ciencia + Arte, Pantallas + Cultura Expandida y mediación) y contará con artistas, pensadores y científicos de distintas procedencias.

Durante la presentación, Rivera de la Cruz ha destacado que Contemporánea Condeduque es “uno de los grandes espacios de la ciudad para pensar el presente a través de la cultura” y ha subrayado que esta temporada vuelve a demostrarlo con “una programación valiente, abierta y multidisciplinar”. La delegada ha señalado además que situar el amor y su ausencia como hilo conductor permite abordar, “desde lenguajes muy diferentes”, algunas de las grandes preguntas que atraviesan la sociedad, desde un espacio público que apuesta por “la creación contemporánea, el diálogo y la libertad de pensamiento”.

A lo largo de la temporada participarán un centenar de artistas. Como ha explicado Jorge Volpi, “tal vez el amor sea nuestra experiencia más humana”, desde el amor filial al erótico o el fraterno hasta el que se siente hacia una comunidad o una patria. Todas estas formas, ha señalado, buscan “arrancarnos de nuestro aislamiento y abismarnos en otros cuerpos y en otras conciencias”. Sin embargo, Volpi ha advertido de que el amor también puede convertirse en “una tecnología utilizada por el poder para domesticarnos y controlarnos” y ha recordado que, a lo largo de la historia, cada sociedad lo ha convertido “en el escenario ficcional de sus más encarnizadas batallas”.

Entre los nombres más relevantes de la temporada destacan Rodrigo García, Andrea Jiménez, Jan Martens, Romeo Castellucci, La Veronal, Clara Furey, Milo Rau, Israel Galván, Mohamed El Khatib, Daria Deflorian, Poliana Lima, Yinka Esi Graves, Chano Domínguez, Niño Josele, Pablo Martín Caminero, Moisés P. Sánchez, Alberto Cortés, Cecilia Suárez, Piedad Bonnett, Kate Zambreno, Leila Guerriero, Siri Hustvedt o Rita Segato.

Una temporada en torno al amor y su ausencia

Bajo la pregunta “¿Aún podemos amar?”, Contemporánea Condeduque asume el amor y su ausencia “como la lente idónea para examinar el mundo que nos rodea”. Volpi lo define como un “campo de fuerzas en el que se juegan la identidad y la libertad”, pero también como vehículo de transformación y, en ocasiones, como una prisión asumida o voluntaria, en palabras de Octavio Paz en La llama doble.

La programación abordará también cómo las redes sociales han reconfigurado los territorios del deseo, reduciendo a las personas a perfiles diseñados para el consumo y permitiendo que los algoritmos aprendan y exploten nuestros patrones afectivos. Para Volpi, la época del match y el ghosting plantea “una violenta paradoja”: nunca habían existido tantos instrumentos para conectar con los demás y, al mismo tiempo, “jamás nos habíamos sentido tan solos”. A ello se suma la inteligencia artificial, capaz ya de generar compañeros sentimentales y terapeutas artificiales, lo que abre preguntas como “¿es posible amar a una máquina sin rostro ni cuerpo?”.

La temporada arrancará con la participación de la poeta colombiana Piedad Bonnett, Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 2024, que presentará su recital No es más que la vida. En artes escénicas, la programación explorará los cuerpos que se desean, se rechazan o se destruyen. El invencible verano de Liliana y Contra Antígona abordarán el amor interrumpido por la violencia, mientras que La Clausura del Amor, Dyptik, The Seer y el estreno absoluto de Belvedere analizarán los vínculos amorosos desde la extrañeza, la violencia, el dolor o el miedo. También destaca la reelaboración de la figura de Roberto Bolaño en Desierto y el regreso a Contemporánea Condeduque de Rodrigo García y La Veronal, junto a nombres como Clara Furey, Andrea Jiménez, Jan Martens, Romeo Castellucci, Milo Rau, Israel Galván, Mohamed El Khatib o Daria Deflorian.

La música recorrerá propuestas como Amor Brujo, de Chano Domínguez; La Misa Flamenca, de Niño Josele; el jazz mestizo de Erik Truffaz con Antonio Lizana o los Fragmentos de un cancionero amoroso que clausurarán la temporada. También estarán presentes Pablo Martín Caminero, Moisés P. Sánchez, Musgö y La Tremendita. Por su parte, Ibermúsica, a través del ciclo Km. 0, reunirá a jóvenes intérpretes en torno a la pérdida y la ternura desde el repertorio clásico y contemporáneo.

En artes visuales, bajo el epígrafe Desdobles artísticos, hablas amorosas, se podrán visitar la exposición de Juan López Shree, centrada en aquellas experiencias afectivas que el lenguaje apenas puede nombrar, y Descender, con obras de Carmen de Ayora y Toni Hervás, Ludovica Carbotta, Elán d’Orphium, Jorge Eduardo Eielson, Jimena Kato, Ángeles Marco, Ana Mazzei, Sofía Montenegro y Eulàlia Valldosera.

El apartado de Pensamiento + Literatura contará con Siri Hustvedt, Rita Segato y Rosi Braidotti, que reflexionarán sobre el amor, la vulnerabilidad, la intimidad, los vínculos, el poder y la violencia. La programación ampliará además la mirada hacia otras formas de compañía y afecto, desde los animales que viven en nuestros hogares hasta chatbots, avatares u hologramas. Marie Bardet, Juan Cárdenas, Berta García Faet, Pedro G. Romero, Estela de Castro, Alicia Ramis o Toni Navarro serán otros de los participantes.

Por su parte, Pantallas + Cultura Expandida reunirá a creadores, escritores y periodistas para abordar las tendencias en redes sociales, museos y librerías, la ‘escucha profunda’, la monstruosidad en el amor, los lenguajes del videojuego y el cómic, el nuevo periodismo y el cine sensorial. Entre los participantes estarán Kate Zambreno, Leila Guerriero, Cristina Alarcón, Suzanne Triester, Véréna Paravel o Xavier Nueno.

La programación incluirá además Ciencia + Arte, que pondrá en diálogo las investigaciones sobre los mecanismos cerebrales del amor y la empatía con las propuestas de artistas que trabajan sobre este mismo territorio. En este ámbito participarán científicos como Antonio Lazcano, José Edelstein o Lluís Montoliu. Asimismo, se mantendrán el programa de residencias, los programas públicos asociados a las exposiciones, la mediación a cargo de Espacio POM y los nuevos clubes de lectura.

La nueva temporada contará, además, con colaboraciones con el Festival de Otoño, JazzMadrid, Inverfest, Teatralia, Eñe, Km. 0, el Certamen Coreográfico y Mi Primer Festival. Además, regresarán el festival Cúbit y ‘Soundset Series’, ciclo dedicado a la música electrónica y centrado en la innovación y la escucha. Contemporánea Condeduque se sumará asimismo al programa Madrid en la Generación del 27 con Ramón y Lorca / Lorca y Ramón. Un posible centenario de la performance literaria y Réquiem por la Generación del 27. Música, poesía y performance.

El bailarín jiennense Juan Berlanga dice tener mal cuerpo todavía, no entender nada. Han pasado cinco días desde que en la inauguración del ciclo CallejeArtes en Manzanares (Ciudad Real) sufrió una agresión mientras bailaba en la plaza de la Constitución: recibió insultos, le arrojaron una silla e intentaron detener la representación haciendo sonar bocinas. Los ataques vinieron por parte de algunas de las personas que se habían congregado en esa misma plaza como parte de las concentraciones convocadas por el PP, con el apoyo de Vox, con motivo del Día de Ceuta.

Berlanga no es alguien nuevo en la profesión, es bailarín del Ballet Nacional, desde hace tres años dirige su propia compañía y justo con la pieza que estaba mostrando en el municipio de Ciudad Real, Juancaballo, recibió este año el Premio Max al mejor intérprete masculino. Estas tablas le dieron la fortaleza para tomar una determinación: no dejar de bailar a pesar de los ataques.

Juan Berlanga atiende a elDiario.es desde Tenerife, donde está bailando con el Ballet Nacional. Con Juancaballo continua una larga gira que en los próximos meses le llevará a Dinamarca y Perú. Y ya está preparando una gran pieza para diciembre que estrenará en el Centro de Danza Matadero (Madrid), El salto de Bultes, en la que contará con la dirección musical de Niño de Elche y la dramaturgia de Alberto Conejero, con quien también colaboró para Juancaballo.

¿Podría contar qué pasó exactamente?

El Ayuntamiento nos informó que esa noche había una manifestación por Ceuta, pacífica en todo momento, nos dijeron, a la misma hora en el lado opuesto de la misma plaza. Llegamos antes para preparar todo, la plaza estaba de bote en bote. Ellos en un lado y nosotros con sillas para que el público pudiese ver, en el otro. Y cuando comenzó el espectáculo a las ocho de la tarde y se empezó a oír la música, empezaron a acercarse y a pitar.

¿Con qué intención se acercaban?

Querían parar la pieza. En los primeros cuatro minutos empezaron a gritar, a no dejar escuchar con las bocinas… Se fueron calentando y comenzaron los insultos. Yo decidí no parar, en el comienzo estoy yo solo en el espacio, en un linóleo de ocho por 10 metros que estaba a ras de suelo. Podían haber entrado sin dificultad, pero me sentí con fuerza, estaba haciendo mi trabajo y decidí seguir y hasta que el Ayuntamiento no decidiera pararlo, continuar. Seguí bailando, no iba a dejarles salirse con la suya.

¿Qué clase de insultos escuchó?

Al principio eran más generales, parecía que les daba igual si fuese una pieza de danza o cualquier otra manifestación artística, pero la cosa se fue complicando y comenzaron a ir contra la pieza, contra mí directamente. Eran insultos a nivel personal, incluso de naturaleza homófoba. Querían parar la obra e incluso llegaron a desenchufar uno de los altavoces y amenazaron al técnico. Hubo un momento complicado, la verdad, que empeoró cuando alguien tiró una silla al escenario.

En ese momento, ¿decidió parar?

No, seguí bailando, en ningún momento paré. Fue cuando entró mi compañero Arthur Bernard a escena que el Ayuntamiento decidió parar la pieza. La Guardia Civil y la Policía intentaron acordonar la zona y alejar a los manifestantes porque la situación se estaba yendo de madre, pero yo nunca paré, hice mi trabajo.

¿Qué pasó luego?

Nos quedamos atrás y luego la Policía nos llevó a camerinos. Una hora más tarde pudimos recomenzar cuando buena parte de los manifestantes ya se habían dispersado. Volvimos a hacerla entera, mucho público decidió quedarse, se aplaudió y salió una función especialmente emotiva. Quería aprovechar para agradecer a ese público que se quedó y nos defendió.

Cuándo estaba bailando, ¿era consciente de lo que pasaba, oía los insultos?

Sí, era plenamente consciente. Me gritaban que no era español, perroflauta…

También hubo insultos homófobos, ¿no?

Sí, maricón, que es el insulto básico de este tipo de personas.

Este país está yendo hacia un lugar muy feo, por eso he decidido hablar y dar a conocer lo que pasó. Hay que posicionarse. Entiendo que se manifiesten, lo respeto, incluso lo apoyo, yo me he manifestado en otras ocasiones, pero lo que pasó fue otra cosa

¿Le había pasado algo parecido alguna vez?

Nunca, fue muy desagradable. Este país está yendo hacia un lugar muy feo, por eso he decidido hablar y dar a conocer lo que pasó. Hay que posicionarse. Entiendo que se manifiesten, lo respeto, incluso lo apoyo, yo me he manifestado en otras ocasiones, pero lo que pasó fue otra cosa.

¿Cómo se le ha quedado el cuerpo?

Por suerte a nivel físico estamos bien, no nos ocurrió nada, pero a nivel emocional te deja tocado, no entiendes muy bien el porqué. Es verdad que yo me mantuve firme y fuerte, pero con los días lo vas viendo con cierta perspectiva… En estos días me ha ayudado sentir el apoyo de mucha gente, de las instituciones...

La SGAE, la Red Nacional de Teatros Públicos y el Ballet Nacional donde usted es bailarín, ya han condenado estos hechos…

Es importante ese apoyo, pero también el de toda la profesión, el de amigos e incluso gente desconocida que me han escrito y me alaban el no haber parado, creo que hice bien, que no parar fue ya un posicionamiento, defendí algo que siento que es mío. En vez de avanzar estamos retrocediendo y pienso que es más importante que nunca posicionarse y defenderse.

El grupo de música Tanxugueiras sufrió un episodio similar en Palencia. Las integrantes han realizado un comunicado donde piden visibilizar este tipo de actos y abrir un debate donde predomine el respeto, el cariño y el amor, ¿está de acuerdo?

Totalmente de acuerdo, transmití también el mismo mensaje. Hay que visibilizarlo y denunciarlo, no nos podemos quedar callados.

Estamos en una sociedad que por suerte ha ido avanzando, pero últimamente hay un claro retroceso. No se trata solo de la danza, los ataques homófobos están aumentando en todos los sectores de la sociedad

Hace unos meses, el bailaor Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza) sufrió una oleada de ataques homófobos en las redes por presentar una pieza donde bailaba con falda. La danza es un arte que muchas veces es diana de la homofobia, ¿está de acuerdo?

Aquello fue tremendo, intolerable. Estamos en una sociedad que por suerte ha ido avanzando, pero últimamente hay un claro retroceso. No se trata solo de la danza, los ataques homófobos están aumentando en todos los sectores de la sociedad.

Liñán contaba que empezó a bailar a los cinco años y que de niño, por miedo a que lo insultasen, se encerraba en su cuarto a bailar… Quiero decir, estos ataques no son algo nuevo…

En absoluto, yo también sufrí acoso y bullying por ser diferente. Era una sociedad, la de los noventa, que simplemente no permitía una realidad. Eras el maricón de la clase. Sigo preguntándome por qué, cómo a un niño que está creciendo, formándose, se le puede señalar de ese modo. Sigo sin entender por qué hay que atacar a alguien por su condición sexual.

No sé si ha sacado alguna conclusión de todo lo que ha pasado…

Que hay que defender lo que uno es y su trabajo, siempre. Esa es la conclusión. Y no estoy en contra de nadie, incluso podría llegar a manifestarme por lo que está pasando en Ceuta, lo que no me voy a unir es a ese grupo de individuos que venden una manifestación pacífica cuando no es así. Su actitud es otra, son como unos gremlins a los que se les echa agua.

Cáceres volverá a transformarse en septiembre en un punto de encuentro para los amantes de la música y la cultura irlandesas. El Cáceres Irish Fleadh, único festival de estas características en España y referencia dentro del circuito europeo de música tradicional, celebrará su edición de 2026 del 17 al 20 de septiembre, ampliando su duración y reforzando su vocación internacional. La ciudad se prepara para recibir a músicos y músicas, bailarinas y visitantes que encuentran en este encuentro un modo de vivir la tradición irlandesa desde un territorio que ha sabido hacerla propia sin perder su identidad.

La tarde del 4 de septiembre dejó una imagen que resume dos décadas de trabajo cultural sostenido: la música irlandesa sonando en un salón diplomático madrileño mientras Extremadura reafirmaba su lugar en el mapa cultural europeo. La residencia del Embajador de Irlanda acogió la presentación oficial de la 22ª edición del festival, un acto que confirmó al Fleadh como uno de los grandes puentes culturales entre España e Irlanda.

Durante la presentación, Patricia Bravo, directora del festival, evocó la reciente visita a Dublín, donde el Fleadh fue presentado ante la prensa irlandesa con una acogida excepcional. Más de una decena de medios de la capital se hicieron eco del evento cacereño, consolidando una proyección que sitúa a Cáceres en el circuito internacional de la excelencia cultural. Bravo defendió que esta visibilidad no es un gesto simbólico, sino una estrategia que atrae turismo cultural de calidad y refuerza la imagen de la ciudad como escenario patrimonial vivo. También reivindicó el espíritu democrático del festival, ese modo de ocupar las calles con música, convivencia y respeto, donde las sesiones improvisadas y el tránsito de músicos entre palacios se convierten en la esencia del Fleadh.

La edición de 2026 llega marcada por una ampliación que refuerza su dimensión territorial y educativa. El festival suma un día más de programación y comenzará el jueves 17 de septiembre, extendiendo su presencia en la ciudad y en la provincia. La jornada del sábado 19 crecerá en número de conciertos, con actuaciones en la Plaza de Santa María y la participación de grupos procedentes de Irlanda, Reino Unido y Bélgica. Además, gracias al apoyo de la Diputación Provincial de Cáceres y MÁS MEDIO, el Fleadh desplegará talleres bilingües sobre el cuidado del agua y la naturaleza en cuatro municipios —Malpartida de Plasencia, Cadalso, Rosalejo y Arroyo de la Luz— los días 15 y 16 de septiembre. Estas actividades, impartidas por el grupo irlandés The Armagh Rhymers, buscan conectar la tradición musical con la educación ambiental y el vínculo entre territorio y cultura.

La presentación en Madrid estuvo arropada por más de treinta músicos y bailarines llegados de distintos puntos del país, que quisieron acompañar este arranque institucional. Uno de los momentos más emotivos lo protagonizó Sergio Gómez, El Gato con Jotas, quien interpretó música tradicional extremeña junto a varios integrantes del colectivo, marcando un hito histórico: nunca antes la flauta y el tamboril extremeños habían sonado en la residencia del Embajador de Irlanda. Ese gesto simbolizó la esencia del festival: un intercambio cultural que no diluye identidades, sino que las fortalece. Bravo lo expresó con claridad al reivindicar la importancia de conocer y valorar el propio legado para comprender la riqueza musical de otras culturas.

Con miles de visitantes cada año y más de un centenar de músicos y bailarinas, el Cáceres Irish Fleadh vuelve a convertir la Ciudad Monumental en un escenario abierto donde conviven conciertos, pasacalles, talleres y las célebres sessions en tabernas y plazas. La nueva edición, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, confirma que el festival ya no es solo una cita musical: es un puente cultural que une dos países a través de la tradición, la hospitalidad y la música que se comparte sin fronteras.

La edición de 2026, con su expansión territorial y su creciente proyección internacional, llega además en un momento decisivo para Cáceres, que avanza en su candidatura a Capital Europea de la Cultura en 2031. La presentación en Madrid, arropada por la diputada provincial Elisabeth Martín y el alcalde de Cáceres, Rafael Mateos, evidenció, sin embargo, la ausencia de representantes políticos de la Junta de Extremadura, un “vacío llamativo” en un acto que reforzaba precisamente la dimensión europea del festival, según la queja de la propia organización. Sí participó Amparo Jiménez Rubio, directora del CEMART, el Centro de las Artes Escénicas y de la Música de Extremadura, dependiente de la Junta.

Más llamativo aún resulta que, pese a todo lo demostrado, el proyecto de capitalidad haya dejado fuera al Irish Fleadh. La organización recibió una comunicación en la que se insistía en que la programación para 2031 debía ser muy limitada y estrictamente alineada con los criterios de la Comisión Europea, y que solo más adelante se valorarían iniciativas con una dimensión europea nítida y con presencia de artistas internacionales. La contradicción es difícil de obviar: mientras el Fleadh acredita cada año su capacidad para tejer vínculos culturales entre países, activar patrimonio y proyectar a Cáceres en el mapa europeo, su exclusión en la capitalidad y la ausencia política autonómica en la presentación abren una duda legítima sobre la coherencia institucional en un momento en que cada gesto pesa en la ambición cultural de la ciudad.

Para Álvaro Payo, ser admitido con 17 años entre los 30 mejores aspirantes del mundo en la prestigiosa English National Ballet School de Londres era solo la mitad de la ecuación. La otra mitad se decidía a más de 2.000 kilómetros, en Aldea Moret, el barrio humilde de Cáceres donde el sueldo de su madre, trabajadora de la limpieza, marcaba el ritmo de una realidad insalvable: el dinero. Su plaza en la élite de la danza internacional no era solo un triunfo artístico: era una grieta en el techo de cristal que parece que ha vuelto a cerrarse.

Su familia comenzó entonces una carrera contrarreloj para conseguir financiación. Según explica su madre, se llegó a plantear un escenario en el que distintas administraciones y entidades aportarían ayudas que, sumadas, permitirían afrontar los gastos de la estancia en Londres. La familia sostiene que se manejó una posible aportación de 15.000 euros por parte de Cáceres 2031, pero la Junta de Extremadura le informó de que apenas serían 2.000 euros más los 5.000 euros de la Diputación Provincial, y 10.000 del consistorio, además de la cantidad que ellos, sus familiares, asumirían personalmente.

El Ayuntamiento, según la familia, mantuvo desde un principio su apoyo económico y su responsable de Cultura acompañó la tramitación de la documentación ya presentada. El problema llegó con Cáceres 2031. La candidatura había mostrado disposición inicial a respaldar el proceso, pero la solicitud, según el propio Consorcio, no llegó a formalizarse y por tanto no pudo ser tramitada. La familia del bailarín no comparte esta versión: sostiene que en un primer momento se les habló de una ayuda de 15.000 euros que después, siempre según su relato, se redujo a 2.000. En ese cruce de versiones y expectativas frustradas, la consecuencia fue la más dolorosa: Álvaro tuvo que renunciar a la plaza que Londres le había concedido y que él estaba preparado para aprovechar.

Promesas de papel

La familia tomó la decisión con “mucha rabia”, no por motivos académicos o artísticos, sino porque, después de superar la selección, no encontró el respaldo económico suficiente para aprovechar la oportunidad aunque en los primeros compases parecía que iba a ser posible. Se conservan correos electrónicos y documentación del proceso y sostienen que existió una expectativa real de que las administraciones, todas juntas, contribuirían a hacer posible el viaje y la estancia de Álvaro en Londres.

Para su madre Laura, el caso adquiere una dimensión especial porque Cáceres 2031 no es una entidad privada. El Consorcio está integrado por la Junta de Extremadura, el Ayuntamiento de Cáceres y las diputaciones de Cáceres y Badajoz. Su convenio de creación establece como objetivos hacer de la cultura un eje estratégico del desarrollo social y económico, potenciar la ciudad como factoría de producción cultural y proyectar internacionalmente las manifestaciones culturales extremeñas. La candidatura reivindica además una dimensión territorial y participativa que pretende extenderse al conjunto de Extremadura. Para la familia, ahí reside la contradicción: un joven que ya ha sido seleccionado por una institución internacional de referencia no pide una oportunidad, pide poder aprovecharse de ella. Y no ha podido ser.

La English National Ballet School representa, en palabras de su entorno, una oportunidad comparable a entrar en la cantera de un gran equipo deportivo antes de llegar a la primera división. La escuela señala que su alumnado termina incorporándose a compañías profesionales, entre ellas la English National Ballet y otras de prestigio internacional, y que aproximadamente un tercio de los bailarines de la compañía procede de su propio alumnado. Contempla becas y ayudas, aunque advierte de que son limitadas. Álvaro consiguió ser admitido, pero el apoyo obtenido no cubría los gastos de vivir y estudiar en una de las ciudades más caras de Europa. Una beca de matrícula no resuelve necesariamente el alojamiento, la manutención, el transporte y otros costes derivados de la estancia.

La renuncia a Londres no significa que Álvaro haya renunciado a la danza. Durante el verano ha conseguido nuevos reconocimientos y mantiene abiertas varias posibilidades de formación en España. Ha ganado un concurso celebrado en Calamonte y continuará preparándose durante el próximo curso. También tiene las puertas abiertas en Madrid: invitaciones de centros especializados como la Escuela de Nacho Duato, el Centro Coreográfico Carmen Amaya y el Conservatorio Profesional de Danza Mariemma.

Un 'Billy Elliot' en Aldea Moret

Pero Londres era otra historia. Era la entrada directa en uno de los circuitos internacionales de formación profesional de la danza clásica. La escuela británica le ha invitado de nuevo a presentarse para el curso 2026-2027 y abrirá próximamente el proceso para 2027-2028. La familia vive ahora en la incertidumbre: volver a intentarlo y confiar en que, llegado el momento, existan, ahora sí, apoyos suficientes para que la historia no se repita.

Álvaro vive en Aldea Moret, una de las zonas históricamente más vulnerables de Cáceres. Su madre trabaja como limpiadora y la familia sostiene que asumir durante un año los gastos de Londres está fuera de sus posibilidades económicas. Ese dato es central en esta historia: ¿qué ocurre cuando el talento aparece lejos de los circuitos sociales que tradicionalmente facilitan el acceso a determinadas oportunidades? Álvaro no ha llegado hasta Londres por recomendación familiar ni por disponer de recursos. Ha llegado después de años de formación y esfuerzo. Empezó a bailar con diez años, fascinado por Billy Elliot. Actualmente estudia en el Conservatorio Profesional de Danza de Cáceres y, según la información publicada tras su admisión, fue promocionado directamente de tercero a quinto por su nivel. Ahora afrontará el último tramo de su formación profesional y el Bachillerato mientras continúa entrenando.

El caso es que esta biografía trasciende al nombre de Álvaro Payo: ¿qué sucede con los jóvenes extremeños que llegan a las puertas de grandes instituciones culturales pero necesitan apoyo económico para atravesarlas? ¿Qué significa hablar de cultura como motor de desarrollo, igualdad de oportunidades y proyección internacional cuando una familia no puede convertir una plaza conseguida por méritos propios en una carrera profesional?

Cáceres 2031 sostiene que la cultura debe actuar como un motor capaz de transformar el territorio, fortalecer la cohesión social y abrir espacios de innovación. La historia de Álvaro obliga a mirar ese discurso desde su reverso: un joven de 17 años que obtuvo una plaza en Londres, una oportunidad que él no rechazó, una puerta que permanecía abierta y que, sin embargo, tuvo que dejar atrás. No por falta de talento, ni por ausencia de recursos familiares suficientes, sino por la ausencia de una apuesta institucional clara, sostenida y decidida. Su caso convierte en materia concreta lo que tantas veces se formula en abstracto: de qué sirve hablar de cultura como palanca de futuro si, cuando ese futuro aparece en forma de un adolescente extremeño admitido en una de las escuelas más exigentes del mundo, las instituciones no son capaces de acompañarlo hasta el final del camino.

Álvaro conserva la esperanza de que el próximo año pueda volver a intentarlo. Pero queda una pregunta pendiente para las instituciones extremeñas: qué debe ocurrir para que un joven que ha demostrado su talento no tenga que renunciar a una oportunidad internacional simplemente porque su familia no puede pagarla al completo.

La imposibilidad de salir de la propia clase social no suele manifestarse como un muro visible, sino como una suma silenciosa de límites que se heredan sin haberlos elegido. No es solo la falta de recursos materiales, sino la ausencia de redes, de contactos, de capital cultural y de margen para asumir riesgos. Quien nace en un entorno determinado aprende pronto que cada avance exige un esfuerzo desproporcionado y que cualquier oportunidad depende de factores externos que rara vez están a su alcance. La movilidad social, presentada como una promesa democrática, se convierte así en un relato aspiracional que no siempre coincide con la experiencia real: hay trayectorias que, por mucho talento o disciplina que acumulen, chocan una y otra vez contra estructuras que reproducen la desigualdad y que condicionan de forma decisiva el destino de quienes intentan romperlas.

La imagen que suele venir a la cabeza a la mayoría de gente cuando se habla de pole dance es la de una mujer, en ropa interior brillante, bailando al rededor de una barra de metal en un club de striptease de mala muerte. Como el personaje interpretado por Rosalía en la tercera temporada de Euphoria. Pero hace años que el pole dance dejó de ser patrimonio exclusivo del mundo de la noche y se ha convertido en un deporte que cuenta con sus propias academias, muestras y competiciones.

España acoge uno de esos certámenes. Se trata de uno de los más prestigiosos a nivel internacional, el Pole Spain, en el que se han descubierto estrellas que han llegado, incluso, a incorporarse al Cirque du Soleil. Este año la sorpresa vino de la mano de un grupo catalán, pero no tanto por su ejecución de la coreografía, sino por la decisión del jurado de descalificarlas debido a la temática escogida para su número.

El conjunto diseñó una coreografía crítica con el Holocausto y el auge del fascismo durante la segunda Guerra Mundial. Las artistas -que representaban a los pueblos exterminados por el Tercer Reich- realizaban sus piruetas y acrobacias frente a proyecciones de esvásticas y militares realizando el saludo romano. En un momento, llegan a ser ellas mismas las que forman una cruz gamada con sus cuerpos, obligadas por soldados nazis, como una metáfora de que el régimen de Hitler se erigió gracias al trabajo obligado de los pueblos perseguidos.

Pero el jurado no lo vio así y tomó una decisión inaudita en la historia de este campeonato: descalificarlas por haber mostrado “un contenido inapropiado”. La organización de Pole Spain publicó un comunicado justificando una decisión que indignó tanto a las afectadas como a otros participantes. Pese a que no ven un problema en que las actuaciones aborden momentos complejos y difíciles de la historia, añaden que “el uso de un gran símbolo nazi como elemento principal en el escenario, junto a la realización de saludos nazis durante la actuación, se consideró inapropiado”.

La organización optó por separar la crítica histórica de la pieza sentenciando que, “independientemente de la intención artística, este tipo de imágenes pueden resultar profundamente ofensivas y perturbadoras para muchas personas”. Además, añadieron que creían que la imagen iba más allá de lo necesario para transmitir la idea o narrativa.

La decisión sorprendió y enfadó a las afectadas, que fueron a pedir explicaciones al jurado. Jordana de Haro, coreógrafa del número retirado y responsable de la academia InGravity Studio, lamenta que la organización le afeara que su número había sido políticamente incorrecto. “Yo les respondí que el arte no estaba para ser políticamente correcto”, explica. Preguntados por este medio, desde Pole Spain ha declinado hacer declaraciones y se han remitido al comunicado publicado.

De Haro lleva varios años coreografiando para competiciones y asegura que la normativa no contempla nada relacionado con cuestiones políticas. De hecho, la única limitación impuesta es en cuanto a vestimenta, contenido sexual y erotismo.

La entrenadora defiende que el Holocausto es parte de la historia de la humanidad y desmiente la premisa principal del jurado, asegurando que ha sido felicitada por descendientes de supervivientes de la segunda Guerra Mundial que se enteraron de lo sucedido. “Una chica polaca cuyos familiares habían sido víctimas del holocausto me escribió para decirme que creía que era una pieza muy necesaria”, ejemplifica de Haro. “Y una persona de Ucrania me dio las gracias por mostrar los horrores de la guerra”.

La falta de unas “normativas claras”

David Lacagnina, presidente de Pole Sports & Arts World Federation (POSA), la única federación internacional de esta disciplina artístico-deportiva, mostró su descontento con la decisión de descalificar el número. “Fue una decisión inapropiada y pasó por una falta de normativas claras”, tal como expuso en el podcast Pole Obssession.

Al ser un deporte que está creciendo a una gran velocidad, muchas competiciones que ya se han ganado un prestigio, como es el caso del Pole Spain, todavía se disputan fuera del abrazo de la federación. Esto provoca que tengan normas más laxas a la hora de valorar la puntuación, pero también causan más “inseguridad” a los artistas ante ciertas decisiones. Aunque “no es algo que suele pasar”, asegura Lacagnina.

A pesar de lo excepcional de la decisión, la descalificación ha llegado a oídos de diversas asociaciones por la defensa de expresión como la plataforma de defensa de artistas No Callarem. “Vivimos en un mundo de ofendiditos”, asegura Fernando Paniagua. “Aprovechamos las ofensas individuales para crear un sistema de censura y autocensura en el que parece que no se puede decir nada”.

Desde esta entidad coinciden en lo absurdo de descalificar una actuación que hable de la segunda Guerra Mundial, pero recuerdan que el PP y Vox llegaron a censurar clásicos del teatro como La villana de Getafe, de Lope de Vega, por “perversión” y “insinuaciones sexuales”. También cancelaron una representación de Orlando, de Virgina Woolf por tratar la homosexualidad y la transexualidad.

Paniagua lamenta que se estén usando “herramientas políticas para reprimir y para censurar. Y lo más terrorífico de todo es que la autocensura funciona, lamenta el activista, que alienta a artistas y deportistas a no dejar de lado la política en sus actuaciones.

María Pagés protagonizará, con 'Paraíso de los negros', el primer programa de danza del 75 Festival Internacional de Santander (FIS), que tendrá lugar este viernes, a las 20.00 horas, en el Palacio de Festivales de Cantabria.

En un comunicado, la organización ha subrayado que esta coreografía flamenca, que tiene a Pagés como bailaora absoluta, toma la esencia de 'Poeta en Nueva York' de Federico García Lorca y de la novela de Carl Van Vechten homónima al espectáculo para abordar la búsqueda humana de felicidad.

La bailaora, directora y coreógrafa firma la dirección y la escenografía de este espectáculo junto al poeta, filólogo, dramaturgo y director artístico del Centro Coreográfico María Pagés de Fuenlabrada (Madrid), El Arbi El Harti.

La dirección musical y el diseño de vestuario también es de Pagés, mientras que Ana Ramón y Cristina Pedrosa estarán al cante, con la guitarra de Rubén Levaniegos; la violonchelista Alicia Avilés, la violinista Graci del Saz y Txema Uriarte en la percusión.

Las localidades de venta anticipada para este espectáculo están agotadas, aunque a las 11.00 del viernes saldrán a la venta las entradas que, conforme a la normativa de espectáculos de Cantabria, han de reservarse para el día del concierto

Por otra parte, el FIS ha subrayado que el jueves Pagés protagonizará un encuentro en el Centro Botín que incluirá la proyección del documental 'Las tribulaciones de María', en el que se muestra el proceso creativo de la obra coreográfica 'Paraíso de los negros', una actividad que costará 4 euros.

El Teatro Guiniguada acogerá este domingo, a partir de las 20.00 horas, el programa MasDanza Canarias, una propuesta del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias que reunirá cuatro trabajos de creadores y compañías del Archipiélago.

El espectáculo incluye Ápeiron, de Daniel Navarro; BULLnerable, de Andrea Pérez Bueno y Abián Hernández Herrera; Bruno, de Daniel Fernández para la compañía Wettribute; y Ojos del océano, con dramaturgia y dirección de Rocío Erpel y Adrián Martínez, de la compañía Eszer.

Cuatro piezas exploran distintos lenguajes de la danza contemporánea

La propuesta de Daniel Navarro, Ápeiron, parte del mito de un ser capaz de transformar su entorno a través del movimiento. La pieza plantea un viaje físico en el que el cuerpo se convierte en una forma de resistencia y explora la posibilidad de permanecer abierto ante un mundo que se endurece.

Por su parte, BULLnerable aborda la sensibilidad y la conexión con uno mismo y con los demás. Andrea Pérez Bueno y Abián Hernández Herrera exploran en esta pieza la incertidumbre, el riesgo y la exposición emocional, así como la influencia de los afectos en la construcción de la personalidad.

El programa se completa con Bruno, de Daniel Fernández para Wettribute, y Ojos del océano, de la compañía Eszer. Esta última pieza, dirigida por Rocío Erpel y Adrián Martínez, plantea las decisiones y posibilidades que atraviesan la existencia humana y la tensión entre observar lo que sucede o dejarse llevar por el vértigo de lo posible.

A través de estas cuatro propuestas, el programa reúne distintos lenguajes y formas de abordar la danza contemporánea, con trabajos que combinan investigación escénica, movimiento y reflexión sobre la realidad actual.

El programa MasDanza Canarias forma parte de la apuesta del festival por dar visibilidad a los creadores del Archipiélago y favorecer su proyección más allá de las islas. La iniciativa reúne en un mismo escenario a artistas procedentes de Gran Canaria, Tenerife y Lanzarote, facilitando el intercambio entre profesionales y el conocimiento de nuevas propuestas de danza contemporánea.

El Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias celebra así una nueva edición de este programa dedicado a mostrar el trabajo de los creadores de las islas y a acercar al público propuestas que exploran nuevos lenguajes corporales y escénicos.

La historia está llena de farsantes, personas que dijeron ser una cosa o tener una identidad y luego ser otras, y eso es precisamente lo que pasó con “la bailarina española” que se hizo famosa a mediados del siglo XIX por su danza sensual en la que alardeaba de sus orígenes españoles bajo el nombre de Lola Montez.

Su ambición la llevó a ascender y caer de forma rápida, siendo amante de un rey y diversas personalidades, pero cuya arma también le hizo morir sola y pobre a los 39 años lejos de la ciudad que le vio nacer. Todo ello después de casi hacer caer el reino de Baviera y mentir sobre su identidad española.

Lola Montez: la creación del mito falso de la bailarina española

Nacida como Elizabeth Rosanna Gilbert en la localidad de Grange, en el condado de Sligo, en el noroeste de Irlanda, un 17 de febrero de 1821, la joven pasó gran parte de su infancia en Calcuta porque su padre estaba destinado allí como oficial. Sin embargo, al morir prematuramente de cólera, la niña fue enviada a Escocia donde ya dio signos de su actitud altiva, rebelde y temperamental. A los 16 años se fue del hogar familiar cuando se casó con un amigo de la familia, el teniente Thomas James, después de que se enterara de que su madre quería casarla con un juez mucho mayor que ella.

Con su marido se fugó a la India, pero el matrimonio solo duró cinco años, pues la joven se aburría en su vida conyugal y sentía que tenía que descubrir mundo. Se marchó así a Londres y fue donde comenzó a formarse como bailarina y para pasar desapercibida se creó una nueva identidad, primero como María Dolores de Porris y Montez, que luego se acortó como Lola Montez.

Fue entonces cuando elaboró su plan de ‘marketing’ y se anunciaba como bailarina española, aprovechando su físico impactante con grandes ojos azules y labios escarlata que contrastaban con su piel oscura y su pelo negro azabache, lo que le daba un toque exótico que se alejaba de los patrones del Reino unido. Esto le potenciaba ante la falta de una gran voz o de un gran talento para el baile.

Pero pronto acaudalados admiradores la auparon en teatros, especialmente por el baile de la tarántula, en el que enfatizaba su furor sensual más que en la calidad artística y la bailarina se iba desnudando al mismo tiempo que simulaba que tenía una araña escondida entre su ropa y que la quiere picar. Aunque cuando el espectáculo llegó al Covent Garden fue un escándalo porque una persona la reconoció como divorciada de un teniente y fue insultada, obligada a bajar del escenario.

Casi destruye el reinado de Baviera y su muerte en pobreza

Debido a esto, Lola Montez se lanzó a la conquista de Europa y primero se fue a París, donde solo duró dos años al generar un nuevo escándalo al actuar sin maillot, pero antes había tenido tiempo para ser amante del escritor Alexandre Dumas, del pianista y músico Franz Liszt o el periodista Alexandre Henri Dujarier. Aunque sería en Múnich donde alcanzaría su punto álgido. Al llegar al entonces reino de Baviera, se convirtió en amante del rey Luis I, que quedó hechizado con su baile y le dio un gran contrato en el mejor teatro de la capital, a la vez que le dio un palacio y la nombró condesa de Landsfeld.

Sin embargo, el despotismo de Lola Montez y el abuso de su privilegio fueron el principio de su fin. Al entrometerse en la política de Baviera fue expulsada del país y fue uno de los hechos por los que el rey Luis I abdicó en su hijo Maximiliano II. De aquí acabó en Estados Unidos tras dos fugaces matrimonios, buscando la fortuna, pero siguió viviendo de su espectáculo. Acabaría, sin embargo, por fundar su propia compañía de teatro, pero no se asentaría y con un nuevo amante se trasladó a Australia, donde no encajó en una sociedad muy conservadora y volvió a Nueva York arruinada.

Moriría, de hecho, sola y sin dinero, tan solo a los 39 años por una neumonía, el 17 de enero de 1861. Actualmente en su tumba en el cementerio de Green-Wood, no hay rastro de Lola Montez y sus supuestos orígenes españoles, sino que se lee “Mrs. Eliza Gilbert”, su nombre real.

Clavijo reforzará este sábado, 25 de julio, sus vínculos culturales con México con la inauguración de un obelisco conmemorativo de su hermanamiento con Tepetlaoxtoc, en el Estado de México, y con la primera representación en el municipio riojano de la Danza de Batalla de Clavijo.

El acto de inauguración del monumento tendrá lugar a las 14:00 horas, después de la tradicional misa y procesión en honor al Apóstol Santiago. El obelisco es una réplica del monumento descubierto el pasado 25 de enero en Tepetlaoxtoc, obra del escultor mexicano Víctor Calderón Vite, y simboliza el vínculo creado entre ambas localidades.

La jornada tendrá además un carácter histórico para Clavijo. A las 20:00 horas, una representación formada por 13 integrantes del grupo de danzantes de los Santiagos de Tepetlaoxtoc interpretará por primera vez en el municipio riojano la conocida como Danza de la Batalla de Clavijo.

La elección de la fecha coincide con una de las dos únicas jornadas del año, junto al 20 de enero, en las que la comunidad de San Pablo Jolalpan, en Tepetlaoxtoc, representa su centenaria Danza de los Santiagos. La escenificación, de raíz charra y con una duración aproximada de ocho horas, recrea la legendaria Batalla de Clavijo y el episodio del denominado “tributo de las cien doncellas”.

Un hermanamiento nacido en el Camino de Santiago

El origen de este vínculo entre La Rioja y México se remonta a septiembre de 2024, cuando el vecino de Tepetlaoxtoc Francisco Cristóbal Sánchez visitó Clavijo durante su peregrinación por el Camino de Santiago. Su objetivo era conocer el lugar de origen de la batalla que su comunidad lleva representando desde el siglo XVI.

Aquel encuentro propició el inicio de los contactos entre ambos ayuntamientos, que culminaron con la firma del acuerdo de hermanamiento el 12 de diciembre de 2024 en Clavijo y su posterior ratificación en Tepetlaoxtoc el pasado mes de enero.

Desde entonces, las dos localidades han impulsado diferentes iniciativas de intercambio cultural, como el concurso fotográfico “Clavijo-Tepetlaoxtoc, una mira desde el corazón” y una doble exposición fotográfica que, desde febrero, puede visitarse de forma simultánea en el Centro Social de Clavijo y en el eremitorio de Tepetlaoxtoc.

El alcalde de Clavijo, Pedro Muro, ha destacado que el hermanamiento convierte a ambos municipios en “referentes de la proyección cultural de la relación histórica entre España y México”. Asimismo, ha puesto en valor que la danza que durante cuatro siglos ha mantenido viva en México la memoria de la Batalla de Clavijo regrese ahora, por primera vez, al municipio riojano al que hace referencia.

La oferta festivalera de cada verano sigue siendo abrumadora. Y, a menudo, sospechosamente parecida. No solo por el perfil de artistas sino por el planteamiento formal: terreno cercado, varios escenarios, maratón de actuaciones, abrevaderos en los laterales y sálvese quien pueda. Hay excepciones honrosas, sí. Pero algunas hay que buscarlas en los confines del país. Por ejemplo, en el Pirineo de Lleida, a apenas veinte kilómetros de la frontera con Francia. Allí se inicia este fin de semana la 35ª edición del festival Dansàneu. Casualmente, en el mismo lugar donde nació hace tres décadas la madre de todos los macrofestivales: el Doctor Music Festival.

La música es solo uno de los ingredientes de este certamen que también programa danza y teatro, conferencias y exposiciones. Sus ejes son el territorio, la tradición, la memoria histórica y la experimentación. Todo, en diálogo con el territorio. Quienes se acerquen a Esterri d’Àneu, población de mil habitantes y campo base del festival, verán la calle mayor cubierta por un cielo de cencerros. Buena parte de la oferta se diseña pensando en el lugar donde será exhibida. A partir de este jueves, actúan referentes del teatro, la literatura, la danza y la música catalana como La Veronal, El Petit de Cal Eril, Magalí Sare, Àngels Gonyalons, la Dharma Pol Guasch y Obeses.

Al lado de Lou Reed, David Bowie, Portishead y demás ídolos programados en el Doctor Music Festival, lo del Dansàneu suena poco llamativo. Sin embargo, el festival de la vaca solo duró tres años: 30.000 personas aún eran pocas para hacer viable aquel proyecto y el macrofestival se esfumó en busca de pastos más lucrativos y mejor comunicados. El Dansàneu, en cambio, sigue allí. Ajeno a lógicas resultadistas, buscando un diálogo con el entorno, garantizando los derechos culturales de sus habitantes.

Territorio, memoria y experimentación

Dansàneu nació en 1992 como una escuela de verano de danza tradicional impulsado por el Consell Cultural de les Valls d’Àneu, entidad sin ánimo de lucro que aglutina cuatro ayuntamientos de este valle. En 2015 la muestra adquirió su formato actual de festival incorporando música y teatro, realzando el patrimonio arquitectónico y paisajístico y trazando ejes ecologistas, feministas y de memoria. En cada decisión ha primado la mirada a largo plazo, el deseo de fertilizar el territorio y ser campo de experimentación artística y preservación de tradiciones. El impacto turístico y económico es la consecuencia; no, el objetivo. El objetivo siempre es cultural.

Durante diez días, el festival programa tres actividades por jornada. El 50% son gratuitas. Solo un espectáculo cuesta más de 20 euros. Muchos incluyen cata de productos de la zona. Los aforos oscilan entre los cien espectadores de la iglesia románica de Sant Joan d’Isil y los 350 del lago de la Torrassa. Las 38 actividades de este año están repartidas en 27 enclaves de 13 pueblos. El propósito es claro: interpelar a los habitantes de todo el valle e invitar al visitante a diseminarse por la zona. Lo contrario es hacinar a la gente en único espacio, lo más grande posible, y que pase todo allí.

El Dansàneu ha renunciado a su espacio de mayor aforo: el recinto ferial. Demasiado grande y difícil de adaptar. Además, el río baja muy cerca y caudaloso y alteraba las actuaciones silenciosas. Otra decisión que no antepone el lucro económico, sino garantizar las condiciones para que artistas y asistentes conecten. Tal vez por ello el público responde masivamente. Dos semanas atrás ya se habían vendido el 90% de las entradas.

Una inspiración para el sector

No son estas las medallas que busca el Dansàneu. Ni siquiera el Premi Nacional de Cultura que obtuvo en 2021. En el sector musical, este festival se ha ganado una merecida fama. Agencias y artistas lo resaltan entre los que ofrece tratos económicos más dignos. “El artista tiene que cobrar bien. ¡Y el técnico! Tenemos un sector totalmente precarizado”, denuncia su directora Rut Martínez. “Yo no quiero contribuir a precarizarlo más. Los festivales tienen que ser espacios seguros para los profesionales”, reinvidica.

En Dansàneu no hay voluntarios. “No estamos contra el voluntariado, pero hay que dar trabajo a la gente de aquí”, añade. Los jóvenes que montan la fiesta mayor son parte del equipo. La empresa de sonido es del valle. La copistería de Esterri imprime programas, carteles y lonas. Del diseño escénico se encargan estudiantes de un postgrado de escultura aplicada al espectáculo de la escuela de arte de Tàrrega que reciben mil euros y diez días de alojamiento. Ni siquiera los quesos y embutidos de las catas son aportación a fondo perdido de productores locales; el festival los paga.

A diferencia de tanto festival depredador, Dansàneu busca una redistribución real de los recursos que nutra al sector cultural y al territorio. Tal vez por ello, cuando en junio presentó su cartel en Barcelona la asistencia fue masiva. ¡Casi trescientas personas en la presentación de un festival que se celebra a 250 kilómetros de Barcelona! ¡El auditorio quedó desbordado y hubo que habilitar otra sala con pantalla! A diferencia de tanta rueda de prensa de festival llena de periodistas y políticos, allí quien no faltó fue su mejor aliado: su público. Buena parte eran habitantes del valle que condujeron tres horas y media y barceloneses que cada verano asisten al festival.

Recital de cencerros, recitar en el bosque

En la presentación, Ferran Rella, presidente del Consell Cultural de les Valls d’Àneu, rescató un proverbio catalán del siglo XIV: “De poca brasa se enciende un gran fuego”. Qué mejor forma de resumir el quehacer discreto y constante del Dansàneu. Al extremo cuidado a la hora de seleccionar los espectáculos, varios de ellos producciones especiales o coproducciones con festivales aliados, se suma una obsesión por encontrar el lugar adecuado donde exhibirlos. Para ello hay que recorrer los valles, conversar con lugareños e imaginar cómo sonaría aquel monólogo en este prado o qué tal luciría esa coreografía en la plaza de aquel pueblo de apenas 25 habitantes.

Dansàneu es una pieza artística en sí misma que encaja piezas de un puzzle infinito. En la iglesia de Santa Maria d’Àneu ha cantado Maria del Mar Bonet. La compañía de Berta Baliu ha presentado su espectáculo de danza vertical en la pared de la central hidroeléctrica. En la plaza de Sorpe recitó sus versos reptiles el poeta Enric Casasses. En la iglesia de Gavàs, la percusionista Núria Andorrà ofreció un conmovedor recital con vasijas de cerámica y cencerros. Música contemporánea experimental, de riesgo pero arraigada a una geografía, la del Pirineo de Lérida, de sólida tradición ganadera. Varias personas salieron de esa actuación con lágrimas en los ojos.

Para ilustrar el cariño con que se programa todo, no hay mejor ejemplo que la actuación del actor Carlos Cuevas de 2025. El Parque Nacional de Aiguestortes cumplía medio siglo y el festival se adentró en ese espacio natural. Se fletó un autocar. Quien no reservase plaza tendría que subir en coche y caminar dos kilómetros. En un claro del bosque, junto a una cabaña de troncos, Cuevas brindó una lectura dramatizada de ‘Walden’, obra de Henry David Thoreau que narra su vivencia lejos de la civilización. El público hipnotizado, escuchaba sentado en el suelo sobre cojines de goma reciclada con forma de hoja diseñados por los estudiantes. El 9 de agosto se reprogramará la lectura para clausurar del festival. En el mismo bosque.

“Estamos fundidos. No podemos más”

A pesar de todo, este pudiera ser el último Dansàneu. “Estamos fundidos”, resume la directora, ampliando el sentimiento al Consell Comarcal. “Esta es una edición de fin de etapa. Seremos los aliados más fieles para que continúe, pero ya no podemos más”, avanza. Los motivos de esta inesperada renuncia vienen de lejos. Gestionar un festival que se sostiene en buena medida con subvenciones implica depender de los tiempos de la administración y eso les sitúa económicamente contra las cuerdas. Año tras año.

“Cuando acabe el festival, en mi correo electrónico tendré facturas por valor de 400.000 euros”, desvela Martínez. Y menos de la mitad de dinero para pagar. “Las líneas de subvención se convocan tarde, se resuelven muy tarde y se pagan exageradamente tarde. Eso nos ahoga, nos obliga a endeudarnos y nos angustia muchísimo. No podemos soportar más la presión de pagar tarde”, ilustra Rut. Al no disponer de un convenio que garantice aportación fija, cada año hay que volver a partir de cero, visitando despachos y portales digitales para intuir dónde conviene más aplicar. Este año, con los presupuestos generales paralizados, las líneas acordes se convocaron a finales de junio. El Dansàneu y otros festivales están rellenando formularios y redactando justificaciones mientras ultiman sus preparativos.

El festival es viable, pero solo si la entidad que lo impulsa acepta endeudarse. Y solicitar un préstamo genera intereses que adelgazan el presupuesto (Este año, por primera vez, esos intereses bancarios son subvencionables). Si todo va bien, la mayoría de proveedores y trabajadores cobrarán en octubre. O casi todos. “Los que estamos al frente, al cabo de año y medio, y según cómo haya ido, cobramos algo”, desvela Martínez. Pero si fallase una línea de subvención, el festival quebraría y los organizadores deberían responder con su patrimonio. “Hemos trampeado así doce años y no podemos más. Celebremos que hemos llegado hasta aquí”, concluye Rut.

Un futuro muy incierto

El tiempo dirá si el público reclama el festival, si los ayuntamientos lo rescatan, si una empresa toma el relevo o si en 2027 se abre un inmenso cráter donde durante décadas hubo un cultivo cultural persistente y respetuoso. Si muere el Dansàneu, no solo queda huérfano de oferta artística un territorio: muere también un ejemplo de cómo hacer bien las cosas y un punto de apoyo para creadores que exploran sendas poco transitadas. Todo el entramado cultural del país será más frágil. Y aun así, otra duda de mayor calado resuena más allá del valle: ¿cuántos pequeños festivales de esos que cada verano salen adelante gracias a asociaciones y entidades sin ánimo de lucro que regalan su tiempo y dinero, están estos días a punto de rendirse?

Bailarines y bailarinas de todas las edades actuarán este sábado 11 de julio en la nueva iniciativa Escenario Berceo destinada a ofrecer alternativas de ocio para toda la familia con una programación en la que participarán diferentes colectivos artísticos de Logroño. Una propuesta de la galería comercial, propiedad de Castellana Properties y gestionada por Cushman & Wakefield, que permite además promocionar el talento local y ofrece la posibilidad de disfrutar en sus instalaciones de una tarde familiar diferente con los más pequeños.

Escenario Berceo arranca este sábado a partir de las 17.00 horas en la zona de eventos del centro comercial con una exhibición de hip hop y baile urbano llena de ritmo y energía a cargo de la Escuela de Danza Rocío Martínez de Quel de Logroño. La propuesta se volverá a desarrollar el sábado 25 de julio con una exhibición de ballet y baile contemporáneo. Además, al finalizar el evento las familias podrán disfrutar de dos clases de prueba gratuitas para que mayores y pequeños descubran el baile de una manera cercana y divertida. Para participar en esta actividad es necesario estar registrado en la app de Berceo.

Escenario Berceo nace del compromiso del centro comercial con una programación diversa y accesible para todos los públicos destinada a dar visibilidad al talento local al tiempo que amplía la oferta de ocio de la capital riojana. La iniciativa incluirá experiencias complementarias que contribuirán a dinamizar la visita a Berceo con la creación de experiencias de ocio atractivas y de calidad para sus visitantes.

Las organizaciones sindicales CCOO, UGT y CSIF han convocado una serie de paros que afectarán al personal artístico de la Compañía Nacional de Danza y del Ballet Nacional, ambas agrupaciones dependientes del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Se trata de una decisión que se ha tomado como respuesta directa al “incumplimiento de los principales compromisos adquiridos por el Ministerio de Cultura tras la desconvocatoria de los paros de diciembre de 2025”, lo que ha reactivado el conflicto laboral entre los trabajadores de estas instituciones.

La convocatoria de huelga tiene un impacto directo sobre la programación estival de la danza nacional, ya que los paros coincidirán con las funciones que ambas formaciones tienen previstas en el Teatro de la Zarzuela. El calendario de movilizaciones fija los paros para el próximo 11 de julio, en un horario que comprenderá desde las 19:00 hasta las 22:00 horas, mientras que durante las jornadas del 17 y del 22 de julio las interrupciones se realizarán entre las 19:00 y las 21:00 horas. Según detallan los representantes sindicales, la medida de fuerza afecta a la totalidad de las plantillas de ambas compañías, lo que se traduce en un total de 131 trabajadores y trabajadoras llamados a secundar la protesta.

El origen de la disputa se sitúa a finales del año pasado, cuando los sindicatos acordaron suspender de forma temporal las movilizaciones ante los compromisos asumidos por el Ministerio para avanzar en la mejora de las condiciones laborales y retributivas del sector. Sin embargo, tras el transcurso de varios meses de espera, las negociaciones se han encallado en su punto fundamental, dado que “la principal reivindicación, consistente en la equiparación salarial con el personal artístico de la Orquesta Nacional de España, ha sido finalmente descartada” por parte de la Administración.

Como alternativa, la Administración ha planteado la creación de un “complemento de productividad” para este colectivo. Sin embargo, las organizaciones sindicales denuncian que, “hasta la fecha no se ha concretado su cuantía económica ni se han adquirido compromisos firmes sobre su aprobación, financiación e implantación”. Asimismo, los representantes de los trabajadores critican que también “continúa sin materializarse el compromiso de impulsar la mejora del sistema de clasificación profesional del personal artístico de ambas compañías”.

Ante lo que consideran una notable ausencia de medidas concretas que puedan garantizar una mejora real de las condiciones profesionales y retributivas, CCOO, UGT y CSIF han determinado que es indispensable retomar las acciones de protesta. Las centrales sindicales advierten que mantendrán las movilizaciones hasta que la Administración ponga sobre la mesa una “propuesta definitiva, dotada presupuestariamente y acompañada de un calendario cierto para su ejecución”. A pesar del empeoramiento del conflicto, las tres organizaciones reiteran su disposición al diálogo y confían en que el Secretario de Estado de Cultura, la Subsecretaria de Cultura y el INAEM adopten medidas con celeridad para cumplir los compromisos previos y evitar la prolongación de la huelga.

Unas mecedoras con altavoces instaladas en el Parque de Doña Casilda hacen que quien se siente viaje en el tiempo hasta su infancia a través de 2.700 nanas recopiladas en la última década. Se trata de Bercer le temps (o Acunar el tiempo) es una instalación sonora participativa del colectivo canadiense Berceurs du temps. Y una de las 54 obras teatrales y artísticas que inundarán las calles de Bilbao desde este lunes y hasta el próximo sábado 4 de julio en el festival Bilboko Kalealdia, que celebra este año su 27.ª edición. “Este festival nació con el objetivo de acercar la cultura a diferentes espacios de la villa y ofrecer un festival accesible para toda la ciudadanía”, ha explicado el alcalde de Bilbao, Juan Maria Aburto este lunes durante la presentación del evento, que ha contado con la presencia de Iñaki López de Aguileta, director de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao y Pedro Ormazabal, director del festival.

Por ello, más allá de meros espectadores, muchas de las actuaciones están creadas para que los propios ciudadanos participen y, al menos por un día, sepan lo que es calzar los zapatos de un artista. “Cada año ponemos nuestro esfuerzo en conseguir la participación de vecinos y vecinas. Queremos que no sean meros espectadores, sino que disfruten plenamente de los espectáculos que forman una completa y siempre interesante agenda con el teatro y artes de calle como protagonistas”, ha informado Iñaki López de Aguileta.

Además del Parque de Doña Casilda los escenarios callejeros estarán ubicados en los alrededores del Museo de Bellas Artes, cerca del Estanque de los Patos -donde habrá cinco zonas- y otro escenario en la Pérgola. Asimismo, los espectáculos de Bilboko Kalealdia estarán también en la Plaza Arriaga, en la Plaza Circular, en el Arenal, en la Plaza de la Convivencia (entre las torres Isozaki), en el Huerto Urbano de San Francisco (situado en la Plaza Corazón de María) y en el Bizkaia Aretoa de la Euskal Herriko Ubiertsitatea (EHU). “Se trata de un festival en el que tenemos muy presentes a nuestras compañías, tanto veteranas como las que comienzan, y también a las que invitamos a participar a compañías y solistas del Estado y de diferenes países. En la variedad está el gusto, dicen, y aquí se hace realidad para conseguir un BIilboko Kalealdia abierto y plural en formatos, temática y públicos”, ha insistido López de Aguileta.

En este sentido, por las calles de la ciudad actuarán nueve compañías extranjeras, como los canadienses Berceur du temps que han inaugurado este lunes por la tarde el festival y los franceses Ea Eo (Cie), Furinkaï (Compagnie) & L'entrouvert (Théâtre De), Keep Company, Le Polpesse y Retouramont; desde Iparralde llega Rouge Elea; de Irlanda Hippana Maleta y por último, de origen portugués la compañia Margarida Montenÿ. En cuanto a las compañías estatales se encuentran Insectotròpics, Los Galindos, Pere Hosta, Sol Picó y Txema Muñoz de Cataluña; Capicua Cía. y Sweet Chilli Circus Company desde Aragón; De Vacas desde Galicia; La Venidera proviene de Madrid; Factoría Norte y El Encuentro Teatro de Asturias y La Trapecionista, de Navarra. Y, por último, la compañía catalana Sol Picó será la encargada de cerrar la programación del Festival con el espectáculo 'Carrer 024'.

Las compañías vascas también tendrán un papel protagonista en el festival teatral con la presencia de Bitsa Konpainia, Deabru Beltzak, Hika Teatro & Oinkari Dantza Taldea, Hortzmuga Teatroa, Kankarro Cía., Koilara Teatro, Lasala, Leire Mesa, Trapu Zaharra y Zirkozaurre. Además, una de las figuras más relevantes de Bilbao y otros lugares de Euskadi, sobre todo en sus fiestas, la figura caricaturesca de un gigante enorme conocida como Gargantúa, se “comerá” a los niños cada tarde a partir de las 17.00 horas en el estanque de Doña Casilda, donde también habrá puestos de comida y bebida instalados para los visitantes.

Whitney Houston y Beyoncé en el Arriaga

Los espectáculos disponibles para el público, en su gran mayoría gratuitos salvo en dos casos, además del puro teatro, se componen de circo, danza, clown, danza virtual, títeres y música. Esta última, de la mano de la compañía 'De vacas' llevarán a la Plaza del Arriaga los grandes éxitos de divas del pop de los 90 como Whitney Houston, Céline Dion, Mónica Naranjo o Beyoncé a través de su obra 'Rebovina Divas Live' el próximo miércoles 1 de julio a las 22.00 horas. Los dos espectáculos que no son de libre acceso son 'La Conferencia de los Pájaros', de la compañía catalana Insectotròpics, y 'MDR – Muerte de risa', de la también compañía catalana Los Galindos, para las que será necesario reservar una invitación en la página web del festival. El primer espectáculo se desarrollará en el Bizkaia Aretoa (EHU) el viernes 3 de julio a las 22:30 horas, y el segundo, el viernes 3 y sábado 4 a las 19:00 horas en el Huerto Urbano de San Francisco.

Con el objetivo de facilitar la accesibilidad a la programación cultural a todos los públicos las personas sordas o con problemas auditivos podrán disfrutar de varios espectáculos, habrá espacios y asientos reservados para las personas con necesidades especiales hasta 15 minutos antes del comienzo de cada obra y se han elaborado programas de mano adaptados mediante pictogramas, letra de mayor tamaño, mapa con indicaciones de accesibilidad y ubicaciones para aquellos que lo necesiten.

El circo quiere seguir siendo el mayor espectáculo del mundo. En el caso vasco, tras la nominación a los premios Talía 2026, la productora donostiarra ZirkuSS, liderada por Lander Briones, presenta ahora una nueva propuesta. Mientras que su éxito previo, ‘Sustrai’, exploraba la degradación de la materia y la entropía a través de la danza y la escayola, ‘K.OS’ se sumerge en una narración histórica y poética basada en la obra cumbre de Pablo Picasso, el ‘Guernica’. A pesar de los riesgos económicos y la complejidad logística, Briones ha decidido repetir la fórmula de “gran formato” con nueve artistas en escena para mantener la espectacularidad que define su sello.

El espectáculo ha tenido un pase en la Itsas Etxea de Hondarribia. La pieza abre con una joven, interpretada por la bailarina Maialen Alberro, que descubre una caja de cartas que su abuelo, antiguamente cartero, no pudo entregar durante aquel fatídico 26 de abril de 1937, el día del bombardeo nazi de Gernika. Entre compases de un reloj y movimientos secos de Alberro, se viaja en el tiempo para adentrarse en el contenido de las misivas de hace 89 años.

La propuesta no busca una comprensión literal de los textos, sino utilizar esas historias de amor, pérdida y resistencia como “punto de partida”. Para Briones, según lo que le comenta a este medio, el mayor reto ha sido la traducción kinésica, sin recurrir a la palabra. “Es muy complicado realmente”, confiesa el director al explicar cómo un mortal o un giro podría estar evocando la caída de una bomba, el destrozo de una vida o el amor que no se llegó a expresar. Sin embargo, asegura que es lo que hará que el público sientan su mensaje y la belleza de la danza.

La dirección artística ha apostado por una estética monocromática, limitando la paleta a los blancos, negros y grises del ‘Guernica’ de Picasso como guiño a la desvirtuación de la vida debido a la guerra. La experiencia se vuelve aún más sensorial mientras los bailarines le dan vida a los símbolos del cuadro: la madre con el niño, el soldado caído, el toro o el caballo agónico. La técnica circense se despliega en disciplinas de cuerda, 'pole dance', bloques y cintas aéreas, donde cada movimiento desborda brutalidad o luto, pero siempre, espectáculo.

A los movimientos asombrosos les acompaña la música original de Borja Antón, que le da el toque que necesitan las acrobacias y la interpretación para conmover al público. Pero es el arreglo de ‘Baga Biga’ la que ha erizado la piel de los asistentes. Bailada con una intención clara, el cierre de 'K.OS' solo provoca unos aplausos que crecen en intensidad conforme las emociones afloran.

Esta producción es, en esencia, un acto de “resistencia poética” que busca entregar, aunque sea con décadas de retraso, aquellos mensajes que quedaron suspendidos, explica el director. El objetivo de Briones es que la pieza madure durante este año para realizar una gira conmemorativa en 2027, coincidiendo con el nonagésimo aniversario del bombardeo. No se trata “solo de mirar al pasado” de Euskadi o España, sino de “humanizar las tragedias actuales en lugares como Gaza o Ucrania”, recordando que “la violencia es una tragedia constante”.

'K.OS' consigue que las figuras de Picasso dejen de ser imágenes congeladas en el dolor. Los bailarines devuelven la humanidad a las víctimas y las retratan como personas con rutinas y esperanzas antes de la masacre. Al encenderse las luces tras la obra, el mensaje de Briones no puede sentirse más: “activación de la memoria para que el olvido no se convierta en la norma”.