Bailarines y bailarinas de todas las edades actuarán este sábado 11 de julio en la nueva iniciativa Escenario Berceo destinada a ofrecer alternativas de ocio para toda la familia con una programación en la que participarán diferentes colectivos artísticos de Logroño. Una propuesta de la galería comercial, propiedad de Castellana Properties y gestionada por Cushman & Wakefield, que permite además promocionar el talento local y ofrece la posibilidad de disfrutar en sus instalaciones de una tarde familiar diferente con los más pequeños.

Escenario Berceo arranca este sábado a partir de las 17.00 horas en la zona de eventos del centro comercial con una exhibición de hip hop y baile urbano llena de ritmo y energía a cargo de la Escuela de Danza Rocío Martínez de Quel de Logroño. La propuesta se volverá a desarrollar el sábado 25 de julio con una exhibición de ballet y baile contemporáneo. Además, al finalizar el evento las familias podrán disfrutar de dos clases de prueba gratuitas para que mayores y pequeños descubran el baile de una manera cercana y divertida. Para participar en esta actividad es necesario estar registrado en la app de Berceo.

Escenario Berceo nace del compromiso del centro comercial con una programación diversa y accesible para todos los públicos destinada a dar visibilidad al talento local al tiempo que amplía la oferta de ocio de la capital riojana. La iniciativa incluirá experiencias complementarias que contribuirán a dinamizar la visita a Berceo con la creación de experiencias de ocio atractivas y de calidad para sus visitantes.

Las organizaciones sindicales CCOO, UGT y CSIF han convocado una serie de paros que afectarán al personal artístico de la Compañía Nacional de Danza y del Ballet Nacional, ambas agrupaciones dependientes del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM). Se trata de una decisión que se ha tomado como respuesta directa al “incumplimiento de los principales compromisos adquiridos por el Ministerio de Cultura tras la desconvocatoria de los paros de diciembre de 2025”, lo que ha reactivado el conflicto laboral entre los trabajadores de estas instituciones.

La convocatoria de huelga tiene un impacto directo sobre la programación estival de la danza nacional, ya que los paros coincidirán con las funciones que ambas formaciones tienen previstas en el Teatro de la Zarzuela. El calendario de movilizaciones fija los paros para el próximo 11 de julio, en un horario que comprenderá desde las 19:00 hasta las 22:00 horas, mientras que durante las jornadas del 17 y del 22 de julio las interrupciones se realizarán entre las 19:00 y las 21:00 horas. Según detallan los representantes sindicales, la medida de fuerza afecta a la totalidad de las plantillas de ambas compañías, lo que se traduce en un total de 131 trabajadores y trabajadoras llamados a secundar la protesta.

El origen de la disputa se sitúa a finales del año pasado, cuando los sindicatos acordaron suspender de forma temporal las movilizaciones ante los compromisos asumidos por el Ministerio para avanzar en la mejora de las condiciones laborales y retributivas del sector. Sin embargo, tras el transcurso de varios meses de espera, las negociaciones se han encallado en su punto fundamental, dado que “la principal reivindicación, consistente en la equiparación salarial con el personal artístico de la Orquesta Nacional de España, ha sido finalmente descartada” por parte de la Administración.

Como alternativa, la Administración ha planteado la creación de un “complemento de productividad” para este colectivo. Sin embargo, las organizaciones sindicales denuncian que, “hasta la fecha no se ha concretado su cuantía económica ni se han adquirido compromisos firmes sobre su aprobación, financiación e implantación”. Asimismo, los representantes de los trabajadores critican que también “continúa sin materializarse el compromiso de impulsar la mejora del sistema de clasificación profesional del personal artístico de ambas compañías”.

Ante lo que consideran una notable ausencia de medidas concretas que puedan garantizar una mejora real de las condiciones profesionales y retributivas, CCOO, UGT y CSIF han determinado que es indispensable retomar las acciones de protesta. Las centrales sindicales advierten que mantendrán las movilizaciones hasta que la Administración ponga sobre la mesa una “propuesta definitiva, dotada presupuestariamente y acompañada de un calendario cierto para su ejecución”. A pesar del empeoramiento del conflicto, las tres organizaciones reiteran su disposición al diálogo y confían en que el Secretario de Estado de Cultura, la Subsecretaria de Cultura y el INAEM adopten medidas con celeridad para cumplir los compromisos previos y evitar la prolongación de la huelga.

Unas mecedoras con altavoces instaladas en el Parque de Doña Casilda hacen que quien se siente viaje en el tiempo hasta su infancia a través de 2.700 nanas recopiladas en la última década. Se trata de Bercer le temps (o Acunar el tiempo) es una instalación sonora participativa del colectivo canadiense Berceurs du temps. Y una de las 54 obras teatrales y artísticas que inundarán las calles de Bilbao desde este lunes y hasta el próximo sábado 4 de julio en el festival Bilboko Kalealdia, que celebra este año su 27.ª edición. “Este festival nació con el objetivo de acercar la cultura a diferentes espacios de la villa y ofrecer un festival accesible para toda la ciudadanía”, ha explicado el alcalde de Bilbao, Juan Maria Aburto este lunes durante la presentación del evento, que ha contado con la presencia de Iñaki López de Aguileta, director de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao y Pedro Ormazabal, director del festival.

Por ello, más allá de meros espectadores, muchas de las actuaciones están creadas para que los propios ciudadanos participen y, al menos por un día, sepan lo que es calzar los zapatos de un artista. “Cada año ponemos nuestro esfuerzo en conseguir la participación de vecinos y vecinas. Queremos que no sean meros espectadores, sino que disfruten plenamente de los espectáculos que forman una completa y siempre interesante agenda con el teatro y artes de calle como protagonistas”, ha informado Iñaki López de Aguileta.

Además del Parque de Doña Casilda los escenarios callejeros estarán ubicados en los alrededores del Museo de Bellas Artes, cerca del Estanque de los Patos -donde habrá cinco zonas- y otro escenario en la Pérgola. Asimismo, los espectáculos de Bilboko Kalealdia estarán también en la Plaza Arriaga, en la Plaza Circular, en el Arenal, en la Plaza de la Convivencia (entre las torres Isozaki), en el Huerto Urbano de San Francisco (situado en la Plaza Corazón de María) y en el Bizkaia Aretoa de la Euskal Herriko Ubiertsitatea (EHU). “Se trata de un festival en el que tenemos muy presentes a nuestras compañías, tanto veteranas como las que comienzan, y también a las que invitamos a participar a compañías y solistas del Estado y de diferenes países. En la variedad está el gusto, dicen, y aquí se hace realidad para conseguir un BIilboko Kalealdia abierto y plural en formatos, temática y públicos”, ha insistido López de Aguileta.

En este sentido, por las calles de la ciudad actuarán nueve compañías extranjeras, como los canadienses Berceur du temps que han inaugurado este lunes por la tarde el festival y los franceses Ea Eo (Cie), Furinkaï (Compagnie) & L'entrouvert (Théâtre De), Keep Company, Le Polpesse y Retouramont; desde Iparralde llega Rouge Elea; de Irlanda Hippana Maleta y por último, de origen portugués la compañia Margarida Montenÿ. En cuanto a las compañías estatales se encuentran Insectotròpics, Los Galindos, Pere Hosta, Sol Picó y Txema Muñoz de Cataluña; Capicua Cía. y Sweet Chilli Circus Company desde Aragón; De Vacas desde Galicia; La Venidera proviene de Madrid; Factoría Norte y El Encuentro Teatro de Asturias y La Trapecionista, de Navarra. Y, por último, la compañía catalana Sol Picó será la encargada de cerrar la programación del Festival con el espectáculo 'Carrer 024'.

Las compañías vascas también tendrán un papel protagonista en el festival teatral con la presencia de Bitsa Konpainia, Deabru Beltzak, Hika Teatro & Oinkari Dantza Taldea, Hortzmuga Teatroa, Kankarro Cía., Koilara Teatro, Lasala, Leire Mesa, Trapu Zaharra y Zirkozaurre. Además, una de las figuras más relevantes de Bilbao y otros lugares de Euskadi, sobre todo en sus fiestas, la figura caricaturesca de un gigante enorme conocida como Gargantúa, se “comerá” a los niños cada tarde a partir de las 17.00 horas en el estanque de Doña Casilda, donde también habrá puestos de comida y bebida instalados para los visitantes.

Whitney Houston y Beyoncé en el Arriaga

Los espectáculos disponibles para el público, en su gran mayoría gratuitos salvo en dos casos, además del puro teatro, se componen de circo, danza, clown, danza virtual, títeres y música. Esta última, de la mano de la compañía 'De vacas' llevarán a la Plaza del Arriaga los grandes éxitos de divas del pop de los 90 como Whitney Houston, Céline Dion, Mónica Naranjo o Beyoncé a través de su obra 'Rebovina Divas Live' el próximo miércoles 1 de julio a las 22.00 horas. Los dos espectáculos que no son de libre acceso son 'La Conferencia de los Pájaros', de la compañía catalana Insectotròpics, y 'MDR – Muerte de risa', de la también compañía catalana Los Galindos, para las que será necesario reservar una invitación en la página web del festival. El primer espectáculo se desarrollará en el Bizkaia Aretoa (EHU) el viernes 3 de julio a las 22:30 horas, y el segundo, el viernes 3 y sábado 4 a las 19:00 horas en el Huerto Urbano de San Francisco.

Con el objetivo de facilitar la accesibilidad a la programación cultural a todos los públicos las personas sordas o con problemas auditivos podrán disfrutar de varios espectáculos, habrá espacios y asientos reservados para las personas con necesidades especiales hasta 15 minutos antes del comienzo de cada obra y se han elaborado programas de mano adaptados mediante pictogramas, letra de mayor tamaño, mapa con indicaciones de accesibilidad y ubicaciones para aquellos que lo necesiten.

El circo quiere seguir siendo el mayor espectáculo del mundo. En el caso vasco, tras la nominación a los premios Talía 2026, la productora donostiarra ZirkuSS, liderada por Lander Briones, presenta ahora una nueva propuesta. Mientras que su éxito previo, ‘Sustrai’, exploraba la degradación de la materia y la entropía a través de la danza y la escayola, ‘K.OS’ se sumerge en una narración histórica y poética basada en la obra cumbre de Pablo Picasso, el ‘Guernica’. A pesar de los riesgos económicos y la complejidad logística, Briones ha decidido repetir la fórmula de “gran formato” con nueve artistas en escena para mantener la espectacularidad que define su sello.

El espectáculo ha tenido un pase en la Itsas Etxea de Hondarribia. La pieza abre con una joven, interpretada por la bailarina Maialen Alberro, que descubre una caja de cartas que su abuelo, antiguamente cartero, no pudo entregar durante aquel fatídico 26 de abril de 1937, el día del bombardeo nazi de Gernika. Entre compases de un reloj y movimientos secos de Alberro, se viaja en el tiempo para adentrarse en el contenido de las misivas de hace 89 años.

La propuesta no busca una comprensión literal de los textos, sino utilizar esas historias de amor, pérdida y resistencia como “punto de partida”. Para Briones, según lo que le comenta a este medio, el mayor reto ha sido la traducción kinésica, sin recurrir a la palabra. “Es muy complicado realmente”, confiesa el director al explicar cómo un mortal o un giro podría estar evocando la caída de una bomba, el destrozo de una vida o el amor que no se llegó a expresar. Sin embargo, asegura que es lo que hará que el público sientan su mensaje y la belleza de la danza.

La dirección artística ha apostado por una estética monocromática, limitando la paleta a los blancos, negros y grises del ‘Guernica’ de Picasso como guiño a la desvirtuación de la vida debido a la guerra. La experiencia se vuelve aún más sensorial mientras los bailarines le dan vida a los símbolos del cuadro: la madre con el niño, el soldado caído, el toro o el caballo agónico. La técnica circense se despliega en disciplinas de cuerda, 'pole dance', bloques y cintas aéreas, donde cada movimiento desborda brutalidad o luto, pero siempre, espectáculo.

A los movimientos asombrosos les acompaña la música original de Borja Antón, que le da el toque que necesitan las acrobacias y la interpretación para conmover al público. Pero es el arreglo de ‘Baga Biga’ la que ha erizado la piel de los asistentes. Bailada con una intención clara, el cierre de 'K.OS' solo provoca unos aplausos que crecen en intensidad conforme las emociones afloran.

Esta producción es, en esencia, un acto de “resistencia poética” que busca entregar, aunque sea con décadas de retraso, aquellos mensajes que quedaron suspendidos, explica el director. El objetivo de Briones es que la pieza madure durante este año para realizar una gira conmemorativa en 2027, coincidiendo con el nonagésimo aniversario del bombardeo. No se trata “solo de mirar al pasado” de Euskadi o España, sino de “humanizar las tragedias actuales en lugares como Gaza o Ucrania”, recordando que “la violencia es una tragedia constante”.

'K.OS' consigue que las figuras de Picasso dejen de ser imágenes congeladas en el dolor. Los bailarines devuelven la humanidad a las víctimas y las retratan como personas con rutinas y esperanzas antes de la masacre. Al encenderse las luces tras la obra, el mensaje de Briones no puede sentirse más: “activación de la memoria para que el olvido no se convierta en la norma”.

Zaragoza volverá a mirar la ciudad desde la danza contemporánea esta semana con la celebración de la XXIII edición del Festival Trayectos, que tendrá lugar del jueves 25 al domingo 28 de junio en distintos espacios no convencionales de la capital aragonesa.

Coorganizado por la Asociación Voces Humanas y el Ayuntamiento de Zaragoza, a través de la sociedad municipal Zaragoza Cultural, el festival reunirá este año a 14 compañías y artistas procedentes de Aragón, Galicia, Canarias, Cataluña, Comunidad Valenciana, Andalucía, Madrid y Extremadura, además de propuestas internacionales llegadas desde Francia y Alemania.

Durante cuatro jornadas, Trayectos desplegará una programación que convertirá Harinera ZGZ, Azucarera, el Centro de Historias, el Patio Norte del Palacio de la Aljafería y el Patio Xior en escenarios abiertos al diálogo entre cuerpo, arquitectura, ciudadanía y espacio público. Todas las actividades serán de acceso libre.

Trayectos volverá a situar esta semana a Zaragoza en el epicentro de la creación contemporánea en espacios urbanos y patrimoniales, reuniendo piezas de compañías de referencia, propuestas emergentes, procesos experimentales, laboratorios de creación y varios estrenos absolutos.

Premios Nacionales de Danza y sello europeo

La XXIII edición de Trayectos contará con la presencia de varias figuras reconocidas con el Premio Nacional de Danza, lo que refuerza el nivel artístico de la programación de este año. Entre ellas se encuentran Dácil González, Premio Nacional de Danza 2019; Melania Olcina, Premio Nacional de Danza 2023 en la categoría de interpretación, que participará en la parte formativa; y Janet Novás, Premio Nacional de Danza 2025, Goya a la Mejor Actriz Revelación 2024 y Premio Ojo Crítico de Danza.

Además, el propio festival mantiene de forma ininterrumpida desde 2015 el Sello EFFE, Europe for Festivals, Festivals for Europe, otorgado por la Asociación Europea de Festivales como reconocimiento a la excelencia artística, la dimensión internacional y la implicación con la comunidad.

Cuatro días de programación

La programación comenzará el jueves 25 de junio en Harinera ZGZ con “Corea. Máquina de escribir danza”, un proyecto de creación digital impulsado por Alex Pachón que conecta escritura y movimiento a través de un alfabeto coreográfico interactivo. La instalación permitirá transformar palabras y frases en secuencias coreográficas en tiempo real, convirtiendo el lenguaje escrito en danza viva. Durante la misma jornada también se celebrarán talleres participativos con Carla Sisteré para experimentar con este dispositivo.

El viernes 26 de junio, la actividad se trasladará a Azucarera con la muestra del Laboratorio de Creación Coreográfica dirigido por Iker Karrera, coreógrafo y director creativo con una amplia trayectoria vinculada a grandes producciones internacionales, musicales, cine y televisión. La jornada continuará con “Lola y los Lamentos”, de Andrea Castro; “Ojos del océano”, de la compañía canaria Eszer; y “Manifesto”, de Àngel Durán.

Esta segunda jornada tendrá una especial conexión con la creación joven, tanto por la trayectoria de algunos de sus protagonistas como por los temas que atraviesan las piezas, vinculados a la identidad, la rebeldía, la búsqueda personal y las nuevas formas de expresión escénica.

El sábado 27 de junio, el Centro de Historias acogerá una de las jornadas centrales del festival. La compañía aragonesa Peace of Mind estrenará “Huésped”, mientras que el grupo Ayara, del Conservatorio Municipal Profesional de Danza de Zaragoza, presentará también en estreno “Piel a Piel”, una pieza centrada en la proximidad, la vulnerabilidad y los vínculos humanos.

La programación de esta jornada incorporará además la mirada internacional de Jack Bannerman, procedente de Alemania, con “Soft Animals”, y de la compañía francesa Oups Dance Company, que presentará “Adsurbe”, una creación que dialoga con el espacio urbano desde el humor y la fisicalidad. La noche finalizará con la tradicional Verbena Contemporánea “Bailando se entiende la gente”, una invitación abierta a bailar y compartir la danza desde la participación ciudadana.

La clausura llegará el domingo 28 de junio con una doble programación. La jornada comenzará en el Patio Norte de la Aljafería con “A Ojo”, de Carmen Fumero y Dácil González, dos creadoras canarias con una amplia trayectoria en danza contemporánea y artes del movimiento. A continuación, Janet Novás presentará “Feelings”, una propuesta de una de las figuras más destacadas de la danza contemporánea española y referente de la creación gallega actual.

El cierre del festival se trasladará al Patio Xior, donde convivirán propuestas emergentes y consolidadas. El grupo Hécate, del Conservatorio Municipal Profesional de Danza de Zaragoza, estrenará “Haetges”; Kiko López presentará “Honest”; La maestra de Niablas estrenará “Doble doble”; Ana F. Melero y Luna Sánchez llevarán a escena “Pies de gallina”; y Los que Faltaban / La compañía joven de 180 presentarán “Pulsaciones X minuto”, una propuesta vinculada a las nuevas generaciones de creadores.

Formación, participación y apoyo al talento emergente

Más allá de la exhibición artística, Trayectos mantendrá esta semana su apuesta por la formación, la mediación y la participación comunitaria. En esta edición destacará el Laboratorio de Creación Contemporánea, dirigido por Iker Karrera y desarrollado junto a El Túnel, Centro de Arte para Jóvenes, en el que participantes de entre 18 y 30 años compartirán un proceso de investigación coreográfica integrado en la programación del festival.

El festival reforzará también su colaboración con el Conservatorio Municipal Profesional de Danza de Zaragoza, cuyos grupos Ayara y Hécate, formados por estudiantes de 5.º y 6.º curso, presentarán piezas de creación colectiva dentro del programa oficial. Esta línea de trabajo subraya el compromiso de Trayectos con el talento emergente, los jóvenes artistas y las nuevas generaciones de la danza.

Referente en danza contemporánea en espacio público

Trayectos llegará a su XXIII edición como uno de los festivales de referencia de la danza contemporánea en espacio público en España, con una propuesta que combina exhibición artística, innovación escénica, formación, mediación y participación desde una mirada abierta y conectada con la ciudad. Su pertenencia a la Red Acieloabierto refuerza además la circulación de compañías, la cooperación entre festivales y la creación de oportunidades formativas y profesionales.

El festival mantendrá también su compromiso con la sostenibilidad, la accesibilidad y la responsabilidad social, mediante acciones orientadas a calcular, reducir y compensar la huella de carbono, así como a favorecer la participación de todas las personas. Con acceso libre a toda su programación, Trayectos volverá a integrar esta semana la danza contemporánea en la vida cotidiana de Zaragoza, proponiendo nuevas formas de mirar, recorrer y habitar sus espacios.

Son las doce de la mañana y la gente de Cádiz, que sabe la perla que tiene, forma una cola larguísima para ver la nueva creación de Rosa Romero. Con paciencia, los espectadores van llenando la sala de La Merced. Con todos ya sentados sale a escena un bicho rojo en traje de seda, un glóbulo sanguíneo que es todo cuerpo, gesto y presencia. Es la propia Romero transformada en un bicho que es, al mismo tiempo, pura destilación de la mujer gaditana e icono bufo de la performer moderna. Romero todavía no es conocida por el gran público, pero lleva tiempo avisando. Esta artista lo tiene todo: cabeza, presencia, guasa, cuerpo y, sobre todo, compás.

La pieza se llama El discurso y no está acabada. Tan solo mostró 30 minutos dentro del programa del Festival Cádiz en Danza. El estreno será en el Festival TNT de Terrasa en septiembre. Los espectadores del festival ya saben de la potencia de la artista que tienen en frente. Pero da igual: cualquiera, avezado o no en esto de la danza y las artes vivas, puede darse cuenta de la fuerza insólita de este bicho. De que pisa como nadie el escenario, de la extraña mezcla entre tradición y moderneo y de su dominio del tempo escénico.

Romero en Debut es capaz de mezclar el Macbeth de Shakespeare con un discurso feminista y hacerlo mofándose de sí misma y de toda la escena contemporánea al mismo tiempo. “En las tragedias griegas los personajes femeninos mueren justo después de discursar, alertando del peligro al que se expone una mujer al hablar”, explica Romero en conversación con elDiario.es. “De un modo similar, las contemporáneas estamos siempre dándolo todo en escena, hasta reventar, entregadas como la Liddell, venga a cortarnos las venas”, añade con ojos de pícara.

Romero siempre se agarra al humor y, sin romper ese código, poco a poco la guasa va cogiendo un sabor agridulce. Poco a poco, ese ser rojo va mostrando otro lado que recoge la esencia de esas mujeres andaluzas que arrastran por las calles sus vidas colgadas de bolsas, hijos y hombres inútiles. La pérdida, la vida como un calvario, todo un sentir jondo se va dejando entrever en esa supuesta puesta en escena tan moderna y contemporánea. Pero, ¿quién es esta gaditana que parece un Ignatius Farray reencarnado en una mujer que canta mientras fríe tortillitas de camarones? ¿Quién es Rosa Romero?

Cinco años de locura eremita

Rosa Romero tiene ojos de niña, pero ya peina los cuarenta. Comenzó joven, hace ya 20 años, con esa generación a la que hoy se conoce bajo el nombre de “Málaga power”. Allí estudió e hizo sus primeras obras junto a nombres como Alberto Cortés, la Chachi, Alessandra García, Violeta Niebla o Luz Prado. Años de experimentación y “háztelo tú mismo” que fueron desgastando a esta joven, que veía que aquello no daba para vivir: “Hacía títeres para cumpleaños infantiles o me vestía de conejo gigante, y acabé cansada de ganar 50 euros por función, así que decidí irme”.

Después de un paso efímero por Madrid, Rosa volvió a su San Fernando y decidió alquilarse un local antes que un piso donde vivir: “Me pasaba la vida allí, currando, tirada en un sofá”. Aquel encierro fue un volver en sí, a su origen: “Ya había recorrido mucho, conocido otras gentes y pude comenzar a valorar lo que había aprendido en casa, que tiene que ver con el compás y el flamenco. Comencé a investigar sobre cosas que eran mías, que me salían natural”. Romero recuerda que comenzó a bailar todos los días, como hacía de pequeña en su habitación. Pero se fue quedando sola: ninguno de sus compañeros podía seguirle el ritmo.

Romero no salía de aquel local donde estuvo encerrada cinco años; poco a poco fue pasando gente que la fue ayudando. Entre ellos, el propio Alberto Cortés —con quien montó varias piezas—, pero también la coreógrafa Patricia Caballero, que supo ver su esencia. “Un día Patricia, viéndome bailar, me dijo: 'Quieta, ahí, sigue con eso, sigue'”, rememora. Romero señala uno de los momentos de giro en su carrera en el que se dio cuenta de que aquellas improvisaciones podían tener un valor artístico, que eran la piedra sobre la que fundar su teatro. Empecé a descubrir la necesidad de poner el cuerpo en el centro, de trabajar con la voz y con el compás, descubrí cuál podía ser mi lenguaje“, resume la artista.

De esa vida de eremita salió con una pieza, Esta no es la vida privada de Rosa Romero, que estrenó en Sevilla, ciudad en la que decidió comenzar una nueva vida de la que surgiría una de las piezas fundamentales de su carrera: Debut. En ese trabajo nace su movimiento ya consolidado, un movimiento flamenco que reta, que expulsa algo del cuerpo y que Romero convierte en espasmo, en breve momento donde su cuerpo es poseído por un bicho que tiene más de gremlin macarra y juguetón que de pesadilla negra o afectación flamenca.

Siempre agarrada al humor, a lo no hecho, al fragmento roto, su baile es como la anagnórisis de un personaje que de repente se da cuenta de quién es realmente. Debut es una obra que sigue viva y que se podrá ver el 29 de junio en la sala Reina Victoria de Palma del Río. Quien quiera ver el nacimiento de una artista no tiene nada más que ir a verla. La pieza llegará también a Madrid, al espacio de Infinito Delicias, el 17 de octubre.

Tras aquella, realizó otra gran pieza, Soy un baile (2023), que creó con apoyo de más gente: la Aceitera de Rocío Molina (que la adora), la Caldera en Barcelona o el TNT de Terrasa. Llegaron los premios y el reconocimiento de la escena contemporánea en esta pieza en la que Romero hacía desaparecer un cuerpo que buscaba ser validado para hacer nacer otro bien distinto, libre. Eso sí, vestida en un pijama imposible, tan ridícula como punki.

La transformación y el círculo flamenco

Hablando con ella, poco a poco, va dejando mostrar de dónde surge todo. Romero es animal contemporáneo, se lo ha visto todo, algo que se nota en cómo cuida cada aspecto de sus trabajos. Los vestuarios con Gloria Trenado, la inserción de la música, el tratamiento del cuerpo en escena… Pero en sus piezas también hay guiños hacia lo flamenco que no son meros resabios andaluces, sino que tras ellos se esconde la fuerza medular de esta creadora.

Romero creció en el Barrio de las Callejuelas de San Fernando, el mismo que Camarón de la Isla. Su abuela vivía en un patio de vecinos donde todos compartían cocina y baño, y se crio con su madre y su tía, Lela Fontao, que regentó durante años la Venta de Vargas, templo del flamenco donde con ocho años Camarón cantó por primera vez. Romero creció en torno a la asociación de mujeres salineras del barrio, donde su madre y su tía, con otras mujeres, vendían tortillitas de camarón para pagar la factura de la luz de alguna asociada o solucionar los miles de problemas de aquellas mujeres que vivían en un barrio obrero y necesitado.

“Me acuerdo cuando Antonia estaba con la espumadera y se ponía a cantar. Se transformaba, parecía otra persona. O cuando pasaba el Nazareno, la procesión, que salían fuera y le cantaban, me cogían de la mano y las miraba mientras notaba cómo vibraban… Aquello, aunque lo viviera con normalidad, me impactaba mucho”, evoca Romero.

Eso mismo busca Rosa Romero en sus piezas, esa transformación, ese convertirse en otro en escena. Lo hace con mesura, casi sin que se note, con cierto decoro de mostrar sus raíces. Algo que, sin embargo, ha explotado en su colaboración con una de las flamencas con más power del panorama, María Moreno. En su última obra, Magnificat, que llegará al Albéniz de Madrid el 19 de julio dentro del festival Villanos del flamenco, Romero se suelta el pelo hasta el descoloque.

Esa infancia también le ha dado el otro vértice sobre el que estructura sus piezas: el corro, el círculo flamenco al que la empujaban de pequeña a bailar, donde se convocaba para que algo pasase. “Cada día me importa más el público, estar lúcida para darme cuenta de qué pasa en ese círculo y encontrar cómo retroalimentarnos para que algo pueda ocurrir”, explica Romero. “En esas ando ahora con la nueva pieza, veremos”, concluye.

Las calles, plazas y hasta la iglesia de la localidad de Villamalea, en Albacete, volverán a llenarse los próximos días 25, 26 y 27 de junio del arte de las danzas y bailes que conforman el Festival Paisaje, que este año celebra su sexta edición de fusión de este arte con el folclore manchego con las artes escénicas y la música en directo, como “patrimonio inmaterial”.

Su director, Joaquín Collado, es originario del municipio, pero actualmente reside en Barcelona, después de haber viajado a varios países y de formarse en el arte de la danza y las artes escénicas, una vocación que descubrió a los 18 años tras estudiar Bellas Artes.

En su localidad natal, con la que mantiene un “vínculo muy fuerte”, es donde lleva seis años dando forma a un festival cuyo nombre bebe de “la necesidad de potenciar nuestro paisaje”. “No ese paisaje que todos asociamos al verde o a la playa, sino nuestro paisaje ancho, llano, horizontal, amarillo y de secano, pero igualmente bello”, argumenta.

El nombre también está relacionado con la esencia del Festival porque, a nivel poético, durante esos tres días, su objetivo es “generar nuevos paisajes, múltiples, plurales”, cuando la danza y el arte “vienen a contactar con un territorio específico.

Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura

Durante tres días, Villamalea se llena de artistas, de cultura, de baile y mucha música en directo. Para ello, aunque el evento es independiente, cuenta con el apoyo del Ayuntamiento y diversas cooperativas locales privadas, y destaca por su carácter participativo. “Ponemos a la gente en el centro, promoviendo el derecho y la accesibilidad a la cultura”, destaca Collado, remarcando que el Festival llegue a espacios como la cooperativa de vino o la piscina y este año, por primera vez, la iglesia del pueblo.

Su director también precisa que el Festival Paisaje no solo consiste en espectáculos, sino que también se llevan a cabo varios talleres, algunos sobre danzas, pero también otros de carácter artístico o de canto coral y movimiento, fusionando letras del cancionero popular con estilos contemporáneos.

De esta forma, los objetivos del Festival son fortalecer el tejido sociocultural del medio rural, reivindicar el patrimonio cultural inmaterial manchego, acercar propuestas artísticas contemporáneas de calidad a la ciudadanía, generar oportunidades de acceso y participación a la cultura en el contexto rural, y proyectar la provincia de Albacete como un territorio de referencia para la creación contemporánea.

A lo largo de sus seis ediciones, Paisaje ha acogido a 37 artistas y compañías nacionales e internacionales y ha reunido una audiencia superior a las 2.000 personas por edición. Actualmente, es el único festival especializado en danzas y bailes de Castilla-La Mancha.

El evento articula una programación multidisciplinar centrada en “el diálogo entre folclore, la danza contemporánea, los bailes populares, la música de raíz”, y todo el espectro de prácticas contemporáneas participativas, desarrolladas por artistas procedentes de seis comunidades autónomas y la propuesta internacional del artista libanés Charlie Khalil Prince, invitado gracias al importante premio otorgado por las plataformas Aerowaves Dance Across Europe y Europa Creativa.

Este año, además, Festival Paisaje representó a Castilla-La Mancha en el foco español de festivales de artes escénicas llamado 'Territorio' y celebrado en el marco del festival Europalia, en Bruselas.

Los artistas invitados a esta sexta edición son el artista conquense Miguel Olmeda con su performance participativa 'Unsuitable', en la que pide la colaboración de la gente para descoser su traje de vestir, a la vez que cuenta una historia sobre masculinidad, poder, cuidados y la relación con su pueblo. También realizará un taller de babis y mandiles.

Los artistas valencianos Mar García y Javi Soler, con su propuesta 'Villamalea's Cora', un taller de canto coral y movimiento de tres días, abierto a la participación ciudadana. Por su parte, el artista extremeño, Juan Carlos Panduro, con su espectáculo de circo y poesía 'Anoche el cielo se puso bocabajo', que será presentado dentro de la Iglesia de Villamalea. Panduro también dinamizará un taller de circo para el público infantil.

Por su parte, la Asociación de Mujeres de Villamalea preparará una cena popular abierta a todo el mundo el primer día del evento, seguida de un taller de folclore y un concierto, de la mano de Kantata La Raíz, agrupación conquense dedicada a la recuperación y actualización de las músicas tradicionales.

De Charli Khalil Prince a Delameseta

El sábado, al artista libanés Charli Khalil Prince, junto con el músico berlinés Joss Robert, presentarán su espectáculo 'The Body Symphonicp, en la Cooperativa del Vino San Antonio Abad, sobre la estigmatización del cuerpo arábe y la crisis geopolítica en Oriente. También realizarán un taller de música experimental con la banda de música juvenil.

La bailaora malagueña La Chachi, junto a la cantaora Lola Dolores, presentarán su obra de flamenco contemporáneo 'Taranto Aleatorio', espectáculo destacado por su amplia trayectoria en festivales nacionales e internacionales.

Finalmente, el Festival se cerrará con el grupo vallisoletano Delameseta y su concierto 'Al baile por ver amores', proyecto de referencia en la renovación de las músicas tradicionales castellanas mediante el diálogo entre folclore, electrónica y cultura de club.

Después del concierto, se celebrará 'Fiestaca de Clausura' de Paisaje, en colaboración con la Asociación por el Autismo 'Caminos Azules', que se encargará de la barra de bebidas, y con el DJ invitado Robin Tooth, referente por las fiestas de Orgullo. P

Además, por primera vez en Villamalea, se aprovechará el contexto del Festival Paisaje para lanzar un manifiesto en representación de las personas LGTBIQ+: “Sí a la diversidad, sí a la pluralidad, no discriminación, no a la violenta, sí a una cultura libre por la vida”.

La cultura se ha convertido en una de las protagonistas absoluta en la provincia de Badajoz durante 2026. Y es que la Diputación ha impulsado una red de actividades que dinamiza municipios de todos los tamaños y consolida un modelo que destaca con una red de eventos que recorre la provincia de punta a punta, demostrando que la cultura no es un lujo urbano, sino el oxígeno que mantiene vivos los corazones rurales. A través de programas como D’rule, Danzaria o PueblArte, la institución ha convertido cada plaza, convento y ruina romana en un escenario donde la identidad extremeña baila, canta y se reinventa ante los ojos de sus vecinas y vecinos.

La pacense es una provincia que no se resigna a lo cotidiano, una tierra de horizontes infinitos donde la cultura ha decidido brotar con la misma fuerza que la encina en la dehesa. La Delegación de Cultura, Deporte y Juventud de la Diputación de Badajoz ha trazado en los últimos años una cartografía de la belleza y la diversión que este año está alcanzando su cénit. Lo hace bajo una premisa tan sencilla como revolucionaria: que el arte debe ser un patrimonio compartido como un hilo invisible que una la localidad más pequeña con las vanguardias más audaces. Esta estrategia no es fruto del azar, sino de un Plan de Dinamización Cultural que camina sobre dos pies firmes. Por un lado, la generosidad de las subvenciones que riegan el tejido asociativo y las entidades locales, permitiendo que la iniciativa ciudadana respire; y por otro, una constelación de programas propios que son, en sí mismos, una declaración de amor al territorio y a las creadoras y creadores que lo habitan.

Teatro profesional

El teatro profesional, ese espejo donde la humanidad se reconoce, ha encontrado su hogar en los rincones más insospechados gracias al programa D’rule: Artistas en el Territorio. Desde que naciera en 2016, este circuito ha logrado que la palabra de los actores y actrices deje de ser un eco lejano para convertirse en una realidad sonora y visible en las plazas pacenses. D’rule es más que una cartelera; es un motor que impulsa a las compañías locales, dándoles la oportunidad de mostrar su oficio ante un público que, a menudo, descubre por primera vez la magia del directo. Este éxito rotundo ha posicionado a la provincia como un referente nacional en la gestión cultural rural, demostrando que el talento profesional no teme a los kilómetros cuando hay una mirada y un oido atentos esperando al final del camino. Es una simbiosis perfecta donde el artista crece y el vecindario se enriquece, tejiendo una red de experiencias que fortalece el alma de los pueblos.

Pero la creatividad en Badajoz también sabe mancharse las manos de color y salir al encuentro del paseante a plena luz del día. PueblArte ha roto los marcos de las galerías convencionales para llevar el proceso vivo de la creación artística a pie de calle. En este programa, las artes plásticas se despojan de su habitual hermetismo para mostrarse desnudas: el olor del aerosol, la precisión de la acuarela y la paciencia del óleo se mezclan con música en directo bajo el cielo de Extremadura. Es un espectáculo en sí mismo ver cómo un lienzo en blanco se transforma en patrimonio mientras vecinas y vecinos conversan con el artista. Al finalizar el evento, esas obras se quedan en las localidades, pasando a formar parte de su historia visual y recordando que el arte es un proceso democrático que sucede aquí y ahora, transformando plazas cotidianas en museos efímeros de una potencia estética abrumadora.

Circo contemporáneo

El asombro se eleva unos metros sobre el suelo cuando llega a un pueblo pacense Badecirco, el festival que reivindica el circo contemporáneo como una de las disciplinas más exigentes y hermosas de nuestro tiempo. En su octava edición, este programa ha logrado involucrar a quince compañías y veinticinco actuaciones que desafían las leyes de la física y la lógica en veinticinco municipios distintos. Badecirco no se limita al entretenimiento; es un ejercicio de equilibrio preciso entre el cuerpo y la mente, una amalgama de acrobacias, humor y malabarismos que consigue borrar las fronteras generacionales. Aquí, infancia y mayores comparten la misma boca abierta de sorpresa, mitigando la brecha de acceso a la cultura y demostrando que un espectáculo de altura puede ocurrir en cualquier rincón si existe la voluntad política de hacerlo posible.

Esa misma voluntad es la que dio vida a Danzaria en 2021, un festival que este año celebra su sexta edición con una salud envidiable. Lo que empezó como una propuesta piloto para llevar la danza a municipios de menos de quinientos habitantes es hoy un gigante que ha recorrido más de sesenta localidades. Danzaria ha sabido habitar espacios que son joyas del patrimonio, como una corrala en Montemolín, un antiguo convento en Llerena o el imponente Templo de Diana en Mérida, convirtiéndolos en templos del movimiento contemporáneo. Pero su mayor logro no se limita a la exhibición, sino que se abre a la participación. A través de sus talleres y workshops, el festival ha logrado que asociaciones de mujeres y escolares exploren su propio lenguaje corporal, perdiendo el miedo a una disciplina que antes sentían ajena. Bailarines de la talla de Juan Carlos Guajardo o Ana Baigorri han regresado a sus raíces para demostrar que la danza es un derecho fundamental, una forma de libertad que no entiende de códigos postales.

El pulso sonoro de la provincia lo marca Músicos en Movimiento, una gira itinerante que funciona como el gran altavoz del talento local. Este festival no se limita a programar conciertos; crea un entramado de relaciones donde las bandas emergentes conviven con los sonidos de vanguardia, conectando a los municipios con la identidad creativa propia de Badajoz. Es una invitación a desplegar la agenda y dejarse llevar por el ritmo de una tierra que suena a futuro, a ilusión y a trabajo bien dirigido y ejecutado.

Identidad

Pero el sentir cultural de la provincia no se entiende sin su raíz más profunda: el flamenco. El proyecto Pasión por el Flamenco Sin Frontera ha trascendido los límites geográficos, revolucionando recientemente el prestigioso Festival de Arte Flamenco de Mont de Marsan, donde siete excelsos artistas demostraron que el arte pacense es una referencia mundial. Esta proyección internacional es el fruto de un trabajo constante que se cultiva día a día en el territorio a través de las Aulas de Flamenco y de festivales como el Festival de Copla Rosa Morena, el Festival Porrina de Badajoz y el Festival Pasión por el Flamenco, de donde han surgigo las actuaciones en el extranjero y la presencia en citas como el Flamenco Festival Londres.

Bajo este paraguas de diversidad artística, la Diputación de Badajoz ha ido tejiendo una programación que no deja ningún rincón del alma humana sin explorar. El compromiso con la esencia se manifiesta también en iniciativas de memoria histórica y democrática, el fomento de la Literatura en mi pueblo y la necesaria tarea de Recuperando la lengua extremeña y Nubeteca, que articula la lectura y el libro en el entorno digital. Pero la cultura es también celebración y alivio; por ello, la provincia se llena de risas con Cómicos en carretera a carcajadas y se rinde al talento melódico en el Festival Jazz o desde la solemnidad con los Villancicos hasta la vanguardia de nuevos programas de creación escénica, la oferta cultural se convierte en un derecho accesible que desafía la distancia y el olvido en la provincia más extensa de España.

Este trabajo concienzudo ha encontrado su máxima validación en el prestigioso informe ‘Lo mejor de la cultura 2025’ del Observatorio de la Cultura donde la Diputación de Badajoz se ha consolidado como la única institución pública extremeña con tres reconocimientos en este ranking nacional, destacando la meteórica ascensión de El Hospital Centro Vivo, que ya se sitúa en el pódium de la oferta regional junto a gigantes como el Museo Helga de Alvear. Este éxito, sumado a la excelente valoración de programas como D’Rule y Badecirco en el entorno rural, confirma que el modelo pacense es una referencia de gestión en España. En 2026, Badajoz no se limita a consumir cultura: la exporta, la protege y la vive como el motor imparable de su desarrollo y dignidad.

En definitiva, bajo el lema Pasión por la Cultura, la Diputación de Badajoz ha construido un refugio contra el aburrimiento. En cada función de teatro, en cada salto acrobático y en cada trazo de pincel, se escribe la crónica de una provincia que ha decidido que su mejor defensa es la capacidad de creación y su mayor orgullo es la cultura compartida.

La literatura, la danza y el humor más mordaz se darán la mano en el Festival de las Ideas y la Cultura de elDiario.es en Rivas-Vaciamadrid el próximo sábado 27 de junio. El escritor y comunicador Bob Pop desembarca en el FIC con 'De cuerpo presente', un aclamado monólogo que promete convertirse en uno de los momentos imprescindibles del fin de semana.

El espectáculo que el público podrá disfrutar en Rivas nace de las páginas de su libro homónimo, De cuerpo presente, una conmovedora revisita al pasado publicado por la editorial La Uña Rota. La obra se construye como un diálogo íntimo y fascinante a través del tiempo y la enfermedad. El origen se remonta a 1998, cuando un joven Bob Pop escribió un conjunto de poemas desde la plenitud antes de ser diagnosticado de esclerosis múltiple. Veintisiete años después, el autor retomó aquellos textos para responderse a sí mismo desde su realidad actual: la de un cuerpo marcado por el dolor y las limitaciones físicas, pero impulsado por una lucidez excepcional. Esa poderosa conversación entre su yo del pasado y su yo del presente es la que cobrará vida sobre el escenario.

A través de una aplastante sinceridad, repasará su propia vida y nos invitará a reír y reflexionar a partes iguales sobre la vulnerabilidad, los cuidados y la condición humana con un monólogo brillante, tierno y mordaz.

Para esta ocasión tan especial, el comunicador no estará solo: construirá esta puesta en escena acompañado por el talento del bailarín Miquel Barcelona y los acordes a la guitarra de Salvador Blanch.

Como el resto de las actividades del FIC, el espectáculo de Bob Pop será de acceso totalmente gratuito.

Cuándo — Sábado, 27 de junio. A partir de las 20:40 h

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Dónde — Plaza de la Constitución (Rivas-Vaciamadrid)

Acceso gratuito. No hace falta entrada.

Un cartel de lujo 

'De cuerpo presente' se suma a un diverso cartel con el que elDiario.es sacará el periodismo a la calle para unirlo con la cultura, la música y el debate en Rivas-Vaciamadrid en colaboración con la iniciativa del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid Ágora Rivas. 

Con Marc Giró como maestro de ceremonias, la plaza vibrará también con los conciertos gratuitos de artistas como Ariel Rot, La Bien Querida o Jordi Évole y Los Niños Jesús. Además, por los escenarios del FIC pasarán personalidades de la talla de Silvia Intxaurrondo, Marta Flich, Andrea Ropero, Ignacio Escolar y Lucía Solla Sobral. 

El Festival de las Ideas y la Cultura 2026 cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Rivas-Vaciamadrid, España en Libertad 50 años y el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030.

Era la primera vez que los Premios Max aterrizaban en Extremadura y no podía ser en otro lugar que el gran Teatro Romano de Mérida. Allí donde triunfó con 24 años Núria Espert con su Medea, volvió Catalunya a imponerse con esta fábula de la argentina Victoria Szpunberg en la que narra su historia familiar durante tres generaciones en las que la acción viaja de Ucrania a Buenos Aires y finalmente a Barcelona. La alegría no fue total porque el gran premio, Mejor espectáculo de teatro, recayó en 1936, la obra dirigida por Andrés Lima. Además, en danza, la joven compañía La Venidera se hizo con tres galardones por su personal y poética pieza, No.

La gala, dirigida por la directora cacereña Cristina D. Silveira, que además celebraba aniversario de su compañía Karlik Danza, comenzó con una danza de ecos grecolatinos en la imagen y fusión musical con el medievo español. Una tónica que hilvanó esta correcta gala que quizá se agarró en demasía a los grandes textos del teatro grecolatino (Medea, Prometeo, Antígona o Sócrates) textos de gran fondo y enjundia, pero que tampoco son el alma de la fiesta.

La verdad es que han sido unos premios salomónicos. En danza un galardón para la danza española y flamenca de Juan Berlanga, Mejor intérprete masculino por Juancaballo, su recreación escénica del mito ubetense. Otro para la danza contemporánea y colectiva del Mercat de les Flors de Faula. Y tres premios, para la sensación de la temporada, La Venidera. Una compañía que ha sabido renovar con espíritu y estética nueva la danza española. Su espectáculo No se llevó el reconocimiento a la Mejor intérprete femenina, a Irene Tena, Mejor coreografía y el premio gordo, Mejor espectáculo de danza.

Este año había dos nuevos galardones, el Mejor elenco de danza antes mencionado y el Mejor elenco de teatro. Fue cuando llegó este segundo, que se otorgó a La tercera fuga, cuando se vio hacia donde iban a girar los premios. La producción catalana competía con dos elencos irrepetibles, la producción del Centro Dramático Nacional 1936 y la producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Fuenteovejuna. Finalmente, se lo llevó la catalana, una producción con actores de la talla de Emma Arquillué, Anna Castells, Carles Pedragosa, Clara Segura Crespo, Sergi Torrecilla y Ton Vieira.

Este último, Ton Vieira, se alzó además con el premio al Mejor Actor, un premio merecido a este joven actor que canaliza toda la historia de Szpunberg. Pero el momento emotivo fue el premio a la Mejor actriz que recayó en la veterana Mona Martínez por su papel en Los nuestros. Sus ojos al recibir la noticia revelaban la sorpresa al conseguir este premio ante otras dos grandes candidatas, Lidia Otón por su trabajo en Los cuernos de Doña Friolera e Irene Escolar por Personas, lugares y cosas.

Mucha emoción en esta gran actriz que comenzó como bailarina, supo reconvertirse y lleva años mostrando que es una de las grandes. Su papel en Los nuestros es claramente una de las interpretaciones más solventes y mágicas del teatro en español de los últimos años.

Fuenteovejuna, que optaba a cinco premios, tuvo que conformarse con el premio a Mejor composición musical. No es un premio menor. Raquel Molano y los dos genios sevillanos de Pony Bravo han dado a luz una creación musical, tan primitiva como popular que ha sabido recoger los ecos de un pueblo en una soberbia mezcla de chalapartas, jotas y verdiales, “queríamos que fuese la música de todos los pueblos”, dijo Pablo Peña al recoger la manzana. Una pena que este gran montaje, que será recordado durante años, no tuviera mejor suerte.

Fue la gran Anza Zamora quien recogió el otro premio musical, el de Mejor espectáculo musical o lírico, para esa rareza estupenda que es Hacia Ecos de lo sagrado. La gran Ana Zamora quiso recordar a su compañera desaparecida Alicia Lázaro, pero también no dejar de señalar donde estamos: “La realidad sigue superando la ficción. Ahí, a la vuelta de la esquina se sigue masacrando al pueblo de Palestina, ¡Viva Palestina libre!”, afirmó.

Hubo también premios cantados que se confirmaron como la iluminación a Pedro Yagüe por Blaubeeren o los dos que se llevó la producción para el CDN de Marta Pazos sobre la novela de Virginia Woolf, Orlando, que recogió el de Mejor vestuario para Agustín Petronio y el de Mejor diseño de espacio escénico para Blanca Añón que ya recogió hace unas semanas similar galardón en los Premios Talía.

Fue la noche también de Jesús Cimarro, productor vizcaíno que ha consolidado su emporio en Madrid y ahora también en Mérida donde precisamente dirige el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Consiguió Cimarro el Premio Max de honor, un premio a su labor durante más de treinta años que desde 1988 se focalizó con la empresa que fundara junto a El Brujo, Jose Luis Alonso de Santos y Gerardo Malla: Pentación

No es Cimarro un gran orador, pero dio un discurso sólido sobre la importancia de la industria cultural teatral “como motor económico y social”. Un premio, este de honor, que si en otras ediciones generó emoción y grandes aplausos en el público, en esta ocasión pasó sin pena ni gloria. Es lo que tienen los técnicos frente a los artistas.

Lucia Carballal y Victoria Szpunberg acaban en tablas

Entre los mal llamados premios menores estuvieron, sin embargo, las grandes revelaciones de este año. Elisa Forcano se hizo con el Mejor espectáculo revelación por esa pieza conmovedora llamada Zorra Dorada. Forcano que fue contundente al recoger el premio pidiendo que “cese el abuso y la violencia a otros cuerpos”, se hizo con este galardón sobre otro de los grandes trabajos de este año, el de las navarras Las Nenas Theatre, Torcidxs; y sobre una de las sensaciones de la cartelera madrileña, Taxidermia de una alondra, de Iván López-Ortega, espectáculo este último que sí se llevó el de Mejor autoría revelación.

Muy emocionante fue también ver cómo recibía el premio a la Mejor adaptación o versión de obra teatral o coreografía el espectáculo independiente, pequeño pero poderoso, de Xavo Rodríguez y su compañía la Teta Calva por esa maravilla llamada Yo soy 451 en la que este valenciano hace una adaptación tan escénica como literaria del clásico de Raya Bradbury Fahrenheit 451. Además, Xavo Jiménez no quiso dar las gracias a la SGAE ni a los jurados, sino que quiso dedicar su premio “a los más importantes, a los maestros que se han levantado en pie de paz para pedir una escuela pública laica de calidad”.

El “combate” de galardones que se estableció entre dos de las mujeres que de manera más pujante están sobresaliendo en la escena se resolvió en tablas. Victoria Szpunberg de Tercera Fuga y Lucia Carballal competían por dos galardones importantes. Szpunberg se hizo con el de Mejor autoría teatral, pero fue Lucía Carballal quien se llevó el de Mejor dirección de escena por Los nuestros. Al recoger el premio dio las gracias al Centro Dramático Nacional y el Teatre Nacional de Catalunya por su apuesta por la dramaturgia contemporánea y “la posibilidad de que las mujeres estemos dirigiendo en las salas grandes con naturalidad”.

La noche acabó en algarabía con el gran premio, el de Mejor espectáculo de teatro, que recayó en 1936, una de las obras más relevantes del último decenio, tanto teatral como socialmente. Esta obra, que ha girado por toda España con más de 100 funciones, ha conseguido que esa otra historia, tan escondida para el gran público, del auge del fascismo y la brutal represión durante y tras la Guerra Civil, fuera escuchada por miles de ciudadanos de todas las edades.

Alfredo Sanzol, director del CDN, dedicó el espectáculo “a todas aquellas personas que siguen enterradas en lugares desconocidos”. Andrés Lima, director del espectáculo, recordando aquella gala de 2003 acabó su discurso con un contundente: “No a la guerra, viva Palestina libre”.

La jornada era histórica y eso se palpaba en las butacas a rebosar del Centro de Danza Matadero. La nueva directora de la Compañía, Muriel Romero, cumplía con el proyecto por el que fue elegida: “Aquí se va a bailar de todo”, decía Romero a este periódico justo hace un año al presentar su programa. Y así fue. Los bailarines de la CND presentaron un programa doble titulado Struere en el que demostraron que también pueden adentrarse más allá del repertorio y los cánones de belleza imperantes en el ballet. Histórica jornada en la que destacó el trabajo de encarnación de Luz Arcas.

El comienzo de la pieza de Arcas, Masa, es toda una declaración de principios. Los bailarines extendidos en el suelo unos sobre otros, como si formaran un tejido celular, comenzaron a vibrar, a moverse, a cobrar vida. Una vida nueva que se desplegaría durante cuarenta minutos y que llevó a esta compañía formada para la representación y la destilación bella, a un universo paralelo.

Arcas despliega en esta pieza una concepción de la belleza y el movimiento disímil, casi contraria, a la de la danza tradicional con la que la CND se identifica. Y es que la danza de esta malagueña nace de otro manantial. Frente a la técnica, la necesidad. Frente al movimiento definido, la estela tras su desaparición. Frente al canon de belleza estilizado, la contemplación del temblor. Frente a la representación del movimiento, la encarnación.

Rebotes en el suelo. Nunca una pierna en alto. Nunca un brazo extendido componiendo figura. Y siempre una energía que surge de la entraña, del interior de los cuerpos, como la constatación de que el ser humano, allí donde esté, siempre tendrá la necesidad de trascender.

Desaprender como fórmula de éxito

Es tal la distancia de la danza de Arcas respecto a la tradición de esta compañía creada en 1978 que no es difícil imaginar el esfuerzo de desaprendizaje que han llevado a cabo sus intérpretes. Por eso, es de alabar la entrega de los quince bailarines que eran los que más arriesgaban al exponerse a modos, maneras y movimientos que no dominaban y que los trasladaba a un territorio mucho más vulnerable.

En la pieza los bailarines se entregan a los movimientos característicos de La Pharmaco, la compañía de Arcas, donde la pelvis y el rostro se descompasan y se vuelven parte de un cuerpo roto que siempre busca un centro sin encontrarlo. Movimientos rotos, pero de gran pertinencia, que el bailarín debe encontrar, no ejecutar. Esa es quizá la gran diferencia entre la danza codificada y la de Arcas.

Además, la coreógrafa se ha hecho acompañar para la ocasión por su equipo habitual. La dramaturgia de Rafael Paniagua, la exquisita rítmica del sonido envolvente de Xabier Erquizia, la escenografía escueta y vacía de Victoria Aimé y Natividad Martín; y las potentes luces de claroscuro de Jorge Colomer ayudaron para que la propuesta adquiriese el tono tenso de ritual atávico que Arcas ha querido darle a la pieza.

La multitud como pequeña revolución

Es curioso que Arcas haya elegido el concepto de multitud, de masa, para esta pequeña revolución. Un concepto a través del cual llegó la modernidad al arte. En la pintura, Goya encontró un nuevo trazo en esas aglomeraciones de pueblo ante un aquelarre o una plaza de toros. En literatura fue a través de ese concepto que Edgar Allan Poe primero y Baudelaire después instauraron la figura del hombre moderno.

Sin embargo, Arcas se basa en el libro de Elias Canetti, Masa y poder, de raigambre más antropológica y contexto más político. Canetti escribió durante años este libro mientras vio Europa sucumbir ante el fascismo. La masa manipulada por un líder, llevada al matadero o inducida a ejercer la violencia más irracional. Arcas entiende el libro del búlgaro como un texto casi coreográfico en el que Caneti va describiendo esa aglomeración de individuos que unas veces será abierta, otras cerrada, otras rítmica, otras más retenida.

La pieza es un estudio de ese ente de cuerpos donde el movimiento se contagia y la energía se transmite y se transforma. Pero Arcas anda oscura, con ojos que tienden a lo negro. Esta masa que nos presenta, no será festiva, no estará conformada de individualidades en torbellino. No tendrá la atracción del pogo o la rave, por ejemplo. En ella, el individuo tenderá a la uniformidad de tono marcial e incluso religioso donde reinará la atracción por la pertenencia.

Esta masa de Arcas es quizá el final de aquella que abrió el concepto de la modernidad a mediados del XIX. Una masa donde aparece un espacio que mira a este presente virtual sin cuerpos donde las multitudes chillan pero nada cambia.

La renovación de 'Tablero'

La otra pieza, Tablero, de KOR’SIA, si bien es ecléctica en los estilos de baile, donde se yuxtaponen movimientos de danza neoclásica con una danza más urbana o incluso con técnicas cercanas al contact, no supuso una ruptura con el universo del movimiento de esta compañía. Russo y De Rosa fueron bailarines de la CND y su visión de la danza emparenta sin dificultad con la concepción y la técnica de los bailarines de la Compañía.

Tablero, sin embargo, sí supuso una renovación estética a través de la entrega de estos dos creadores a una imaginación desbordante. En ella, los dos creadores italianos despliegan un crisol de imágenes donde se juntan diferentes épocas históricas. Una más urbana y otra que evocaba el siglo por excelencia español, el XVI. Aire fresco para esta nueva CND lleno de eclecticismo y libertad visual que, sin embargo, no llegó a materializarse del todo. Una posible explicación de ello fue la creación de ciertas imágenes, como esa princesa de Éboli comiéndose una barra de pan, o ese Felipe II a caballo expuesto espectacularmente, quizá demasiado, a contraluz. Imágenes impactantes que buscaban una destilación sofisticada que sintetizase la mezcla de tradición y modernidad, pero que no cogieron sitio, unas veces por el tratamiento de luz y espacio, otras por ciertas coreografías planas y poco limpias.

Uno de los momentos más emocionantes de la pieza fue cuando la voz de Niño de Elche cantó la Nana del caballo grande que Federico García Lorca escribiera para su Bodas de sangre siguiendo la musicalización que hiciera el gran Camarón. La pieza acabó en una coreografía energética, llena de plenitud vital que levantó el ánimo de la platea.

Bienvenida a la danza contemporánea

Acabó así una jornada memorable, quizá no tanto en resultados, pero sí en arrojo hacia el futuro y valentía. Los amantes del ballet nada tienen que temer. La CND seguirá haciendo repertorio, así lo ha demostrado Muriel Romero con programas como NumEros (con coreografías de Balanchine, Godani y Forsythe) o con su última propuesta en torno al coreógrafo del siglo XIX Marius Petipa donde la compañía bailó las piezas de Paquita y Raymonda Divertimento. Ambas piezas que la CND sigue bailando.

Pero este programa doble, en que entraba por primera vez la danza contemporánea en la casa de todos, era un primer paso necesario. Ahora, están por llegar los siguientes, que se adivinan tan irrenunciables como delicados. Habrá resistencias, habrá debate y será esencial ya no solo los nombres de los creadores a quienes se invite, sino también cómo se cuide cada proyecto, el tiempo y el mimo que se les otorgue para que realmente permee en esta compañía la necesidad de otros lenguajes.

El bailarín y coreógrafo Alberto Velasco detectó hace tiempo una necesidad que partía de numerosas experiencias con las que, como persona gorda, ha tenido que lidiar a lo largo de su vida: ver un escenario lleno de cuerpos gordos. El performer ha elaborado su propia respuesta a estas heridas culturales y sociales, que van desde ser considerado “un animal mitológico” en las compañías de danza normativas, o solamente poder participar en obras si era en solitario. Además de por supuesto, ni por asomo aspirar a formar parte de una compañía como la Nacional.

El resultado es su espectáculo Sacresize, que llega este miércoles a los Teatros del Canal de Madrid, donde recodifica los signos del ballet clásico y contemporáneo glorificando la sensibilidad y belleza de la gorditud. Lo hace al ritmo de La Consagración de la Primavera de Stravinski, en una rabiosa celebración.

¿Qué es un cuerpo gordo?

Cuando lanzamos la convocatoria dijimos que era para personas que se identificaran como gordas y que hubieran tenido algíun tipo de relación con la danza, ya fuera amateur o profesional. Hubo quienes mandaron vídeos que desde mi lectura no entendía que fueran gordas, pero ellas se percibían como tal.

Un cuerpo es gordo siempre en comparación a algo. Es un constructo, que está barnizado por el sistema, el capitalismo y todos los que les conviene mantener esta narrativa de que los cuerpos gordos son enfermos, y poner un cuerpo gordo siempre en continua evolución de ser otro que nunca alcanzará. Ese deseo de ser otro constante hace que nunca estés a gusto en tu cuerpo y que hagas lo que sea, desde Ozempic, operaciones.

Que me parece bien también, porque estar ahí fuera es dificilísimo. Vive sin caber en los autobuses, en los tornos del metro, que la gente no se siente a tu lado en el avión, las tiendas de ropa, la publicidad. Es una violencia constante.

Se acaba interiorizando que hay espacios que no puedes ocupar, y cosas que no puedes hacer. Si se mantiene así es porque está ganando con ello pero, ¿no es muy cruel?

Absolutamente, pero a la vez qué inteligente, porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Cambiarlo no es del día a la noche, ni de la noche a la mañana. Y el proceso de aceptación es muy difícil. Como el sistema es tan cabrón, porque no es un conjunto de constructos, es dificilísimo desaprenderlo. Y luego está lo que la sociedad permite que haga un cuerpo gordo. Cuando un cuerpo gordo se desarrolla en algo que la sociedad no está acostumbrada a ver, hay una extrañeza y rechazo absoluto.

En las compañías normativas el bailarín gordi es un animal mitológico

Alberto Velasco — Coreógrafo y bailarín

Añadido a la percepción de que estar gordo está ligado a no estar sano.

Y es que no lo está. A los humanos se nos dice que todos tenemos que ser de una determinada manera. En las redes sociales es muy perverso cómo el algoritmo favorece, además de al fascismo, a una hegemonía corporal que direcciona el deseo, la sensualidad, todo. Me asusta también por cómo se sobreentiende que estar delgado signifique per se algo mejor, como si garantizase estar sano.

Va a llenar un escenario de cuerpos gordos, algo que tampoco es habitual en pantalla, ni mucho menos.

Es demoledor. El Observatorio de la Diversidad de Medios Audiovisuales refleja cada año la falta de inclusión de personajes gordos. Siempre son secundarios, hay muy pocos protagonistas, y menos en los que su existencia no tenga que ver con su cuerpo, asociado a lo negativo siempre. Las personas gordas somos personas felices, completas, sanas, deportistas.

El algoritmo favorece una hegemonía corporal que direcciona el deseo

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

Esta exclusión afecta igualmente a lo sexual y sentimental. Como si las personas gordas ni se enamoraran, mantuvieran relaciones sexuales ni se masturbaran.

Sí. En la gorditud hay una experiencia compartida de ser el amante, para cumplir las fantasías, pero no ser pareja. Sucede muchísimo. O estar con personas que tienen obsesión por los cuerpos gordos, un fetiche y ya está, lo único que le interesa de ti es tu cuerpo, la masa. Luego hay frases como “yo te quiero a pesar de tu cuerpo”, que ojo a lo que se esconde ahí. Como que él entiende que ese cuerpo no es deseable, pero te quiere tanto que hasta lo desea.

Si el constructo social estuviera más relajado, la seducción también iría hacia otro lado. Y no solo entendida como ganas de follarse a alguien, lleva a otros sitios, como a un espectáculo. El arte es muy seductor, una conversación puede serlo. Se ensancharía mucho más el mundo. Las redes sociales han hecho mucho daño en el consumo de cuerpos y hay mucho ratio de cuerpos desnudos.

En la obra aborda lo que califica como 'terrorismo corporal', ¿qué es?

Empecé a caer en la cuenta de que podía catalogarlo como tal al leer a muchos activistas y filósofos gordis, que suelen ser siempre latinoamericanes, no binaries y queer, que hablan de terrorismo corporal porque es un estado de sitio. Todo el sistema está permeado interseccionalmente de violencias para que las personas vivamos aterradas, frustradas y avergonzadas de nuestros cuerpos desde todos los estratos sociales. En el colegio, la familia, la sociedad, el amor e incluso la intimidad de nuestra pareja.

Por eso es un estado de sitio, no hay descanso. Es violencia constante aunque estés solo. Está en nuestro ADN. No se puede escapar. Yo entiendo que esto es una convivencia hasta el final de mis días. Hemos asumido estas violencias, que también cuentan con el cuerpo es íntimo y vulnerable. Hay días en los que estás menos fuerte que otros, en los que te bajas de la burra y dices “hoy me tapo”, incluso “hoy no salgo de casa”, “hoy no me enamoro”. Nos cerramos a vivir experiencias.

El rechazo es continuo y lo digo sin victimismo, son cosas que suceden. Y las violencias no son solo contra los gordos. Las personas delgadas también escapan de los cuerpos gordos. Tengo amigas actrices que no pueden engordar, que si tienen un hijo los productores les dejan en barbecho dos años hasta que vuelvan a sus cuerpos originales. Y hemos asumido que esto es normal. Igual que la gente que solo cogen para puestos que no estén de cara al público. Hay mucha violencia laboral.

Empezando por los programas de televisión, ahí está Supervivientes, que muchos califican como la mejor forma de hacer dieta porque todos los concursantes adelgazan.

Incluso los gordos hemos dicho alguna vez “ojalá pillara una gastroenteritis”. Está a la orden del día queremos enfermar para perder unos kilos. Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados. Por eso me parece importante ocupar el espacio. Somos cuerpos grandes y nos invisibilizamos nosotros mismos. No. Ocupemos nuestro espacio. Debería haber 18 Lalachus.

Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

¿Cómo trabajó su propia aceptación? ¿Estaría bien que se nos hablara de esto desde el colegio?

Es importante tratarse bien y ser amable con el cuerpo. Entender que si hoy es un día de mierda se pasará y habrá uno que será maravilloso. Ya está. Sin machacarse. Nos ha tocado vivir en una sociedad muy machacona con nosotros mismos. Con el cuerpo, con tu oficio.

Por el contrario, existe a su vez mucho paternalismo e infantilización sobre las personas gordas.

Hemos vivido con eso. ¿Cómo es el tratamiento de la gordura en Friends? Hay que tener un pelín más de cuidado con el discurso. También vienen a decirnos esto de que ahora no se puede reír uno de nada. No, hay que tener otra mirada, entrenarse hacia otro sitio. Se puede hacer humor de muchas maneras, sin reírte de los gordos, de los maricas y de las trans. Relájense, señores, que se van a seguir riendo. No os vamos a quitar la alegría de vivir.

Hay mucho interiorizado de lo que no nos hemos dado cuenta.

Porque está instalado ahí. Tengo la sensación de que hemos vivido en una burbuja, del 'body neutral', del 'body positive', ¿eso dónde está? Estamos en 'heroin chic' otra vez y es peligrosísimo. Luego nos sorprende que haya anorexias, bulimias de todo tipo, ¿pero cómo te va a sorprender? Si es que nos empujamos a eso, a tener trastornos alimenticios. ¿No te parece que es suficiente como para relajar la marcha al respecto y ser un poquito más amable?

Claro, porque mientras piensas en la dieta que vas a hacer ejercicio, no piensas en la precariedad o la crisis de la vivienda.

Absolutamente, es la domesticación. Nos necesitan así de alienados. Y es una fórmula magistral porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Nos tienen agarrados por los huevos. Pidiendo perdón por existir. Siempre queremos ocupar muy poco espacio en los espacios públicos. Tendemos a comer siempre de cara a la pared. Tenemos cosas aprendidas como sentarnos en los asientos individuales del autobús. Nos quedamos de pie en el metro porque nadie se sienta a nuestro lado o si lo hace resopla. Te llaman gordo desde un coche. No nos sentamos en terrazas porque las sillas no aguantan con nosotros.

Por eso en la danza es tan difícil ver a cuerpos gordos, porque estás expuesto todo el rato. El escenario es ese lugar que no puedes habitar no porque no puedas bailar, sino porque, ¿quiénes han estado ahí antes? Por eso es importante que estemos en los Teatros del Canal. Quiero llegar con esto a los mejores teatros institucionales del mundo para reventarlo desde dentro con amor. Con algo sublime y popular a la vez.

Muchos críticos miran mi trabajo y dicen que es performático, porque soy gordo y para ellos es que la técnica no está tan depurada ni sublime, porque la danza es clasista. Quiero descimentar el clasismo de la danza y rebajarlo a lo popular. Me haría muy feliz que el estandarte de mi país tuviera una diversidad corporal mayor. Hay mucha gente muy preparada, con un cuerpo que hace puntas perfectamente, lo que pasa es que tiene un cuerpo gordo. Hay unos estándares que me encantaría que algún día se fueran a tomar por saco.

La Diputación de Badajoz reforzó en 2025 su apuesta por una cultura cercana, diversa y accesible, consolidando un modelo que entiende la actividad cultural como motor de cohesión social, desarrollo territorial y democratización del acceso al conocimiento en la provincia más extensa de España. Así lo refleja el Informe de Seguimiento y Evaluación del I Plan Estratégico Provincial de Dinamización Cultural 2023‑2027, que evidencia el alcance de una programación diseñada para llegar a todos los rincones del territorio.

Durante el pasado año, el Área de Identidad Cultural, Deporte y Juventud, Bienestar Social y Cooperación Internacional realizó un esfuerzo inversor de 20,2 millones de euros, de los cuales más de 10,7 millones se destinaron directamente a políticas culturales. Este modelo se sustenta en la colaboración con ayuntamientos, asociaciones y agentes culturales, que también han aportado sus valoraciones y experiencias al informe.

La programación cultural impulsada por la Diputación alcanzó el 100 % de los municipios, con una media de 13,3 actividades por localidad y un incremento del 9,73 % respecto al año anterior, superando las 2.200 actividades. El informe subraya la amplitud del concepto de cultura que guía la acción provincial: un espacio abierto, plural y participativo que integra todas las sensibilidades, edades y formas de expresión. La oferta abarca artes escénicas, música, cine, literatura, artes plásticas, patrimonio cultural, archivos históricos, investigación, lectura pública, ocio creativo y actividades científicas.

Esta diversidad se materializa en iniciativas como BadeCirco, Danzaria, Badakadabra, D’Rule, DiJazz, Pasión por el flamenco, el Festival Porrina de Badajoz, el Festival de Copla “Rosa Morena” o Músicos en Movimiento, además de los circuitos de bandas, corales y grupos folklóricos. A ello se suman proyectos de animación lectora como Nubeteca, las actividades del Museo de Bellas Artes de Badajoz y de la Sala Vaquero Poblador, la recuperación del patrimonio documental, los programas de promoción del extremeño como ASSINA, las actividades de los conservatorios provinciales y la programación de su sede cultural de referencia, El Hospital Centro Vivo. En total, 45 programas propios o coordinados con otros organismos.

A este despliegue se añaden 7 convocatorias periódicas de subvenciones dirigidas a entidades locales y al tejido asociativo: ayudas para asociaciones culturales, ayuntamientos, cooperación cultural, escuelas de música, proyectos cinematográficos y audiovisuales o universidades populares, entre otras. La Diputación organiza además dos premios literarios de referencia: el Premio Arturo Barea de Investigación Cultural y el Premio Dulce Chacón de Narrativa Española.

Una cultura construida entre todos

La Institución mantiene una estrecha colaboración con el tejido asociativo y las entidades locales para adaptar la programación a las necesidades de cada territorio. En 2025 se trabajó con 240 entidades sin ánimo de lucro y se celebraron 162 reuniones con agentes culturales y responsables municipales, consolidando una red de escucha activa y participación continua.

El modelo de gestión cultural se basa en esta gobernanza compartida: el 82 % de las actuaciones se desarrollan en colaboración con ayuntamientos, asociaciones y otros agentes, lo que permite ajustar la oferta a la singularidad de cada municipio y garantizar el acceso igualitario a servicios culturales de calidad, independientemente del lugar de residencia.

El informe también destaca el impacto social y económico de estas políticas. Más de 10.100 profesionales participaron en las actividades programadas, y la red cultural provincial continúa generando empleo, dinamización económica y fortalecimiento del tejido social en todo el territorio.

Con ello, la Diputación de Badajoz reafirma su compromiso con una cultura descentralizada, accesible y transformadora, capaz de conectar tradición y modernidad, preservar las señas de identidad de los pueblos y abrir nuevas oportunidades de creación, participación y encuentro para toda la ciudadanía.

La temporada 45 que se celebrará entre el 27 de junio y el 17 de enero de 2027 en el Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja, Riojaforum. Una propuesta integrada por ocho citas musicales y escénicas que abarcan sinfónica, ópera, danza contemporánea, gospel, repertorio vienés, recital virtuoso y espectáculo familiar, manteniendo además el compromiso social del Gobierno de La Rioja al destinar el 10 % de la recaudación de entradas y abonos a la iniciativa ‘Riojaforum Solidario’.

Durante su intervención, el diector general de Cultura, Roberto Iturriaga, ha subrayado que “esta temporada consolida un modelo que combina excelencia artística, diversidad de públicos y compromiso social”, y ha añadido que “acercar a La Rioja grandes formaciones sinfónicas, producciones operísticas internacionales y propuestas familiares de calidad es una apuesta estratégica por el acceso a la cultura en condiciones de primer nivel”. Asimismo, ha destacado que “‘Riojaforum Solidario’ convierte cada entrada en un gesto de apoyo real a quienes más lo necesitan”.

El director general ha incidido también en que “equilibramos tradición y contemporaneidad, repertorio clásico y nuevas lecturas escénicas, con una programación coherente y cuidada en todos sus detalles artísticos”.

Grandes nombres y diversidad de géneros en ocho citas

La programación se abrirá el 27 de junio, a las 20 horas, con la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE, bajo la dirección musical de Marc Korovitch, presentando ‘Fuego y Duende’. El concierto reunirá, entre otros, el Capricho español de Rimski-Kórsakov, La Traviata de Verdi o la Ópera de Carmen de Bizet, que permitirá escuchar en La Rioja a una de las principales formaciones públicas del país en un programa de gran exigencia artística que contará además con la participación del bailarín Antonio Najarro.

El 3 de octubre, a las 18:30 horas, llegará la propuesta familiar ‘Operación Halloween’, del grupo Pica Pica, un espectáculo de 75 minutos pensado para público infantil y familiar que combina canciones originales y coreografías participativas como ‘Los Esqueletos’ o ‘El Vampiro Negro’, integrando música, humor y dinamización escénica.

El 25 de octubre, a las 20:00 horas, actuará el Janoska Ensemble con ‘Vivaldi: The Four Seasons in Janoska Style’, una revisión virtuosa y libre de ‘Las cuatro estaciones’ que fusiona el lenguaje barroco con improvisación, jazz y músicas centroeuropeas. El concierto estará precedido, a las 19 horas, por una charla en la sala de conferencias a cargo de Pablo Muro Calvo, profesor de piano y jefe de estudios del Conservatorio de Calahorra.

La lírica ocupará un lugar central el 21 de noviembre, a las 19:00 horas, con la representación de ‘Madame Butterfly’ de Puccini, en una producción de Leonor Gago Artist Management en colaboración con la Ópera Nacional de Moldavia, bajo la dirección musical de Nicolae Dohotaru y dirección escénica de Rodica Picireanu. La obra, una de las más representadas del repertorio verista, aborda el drama de Cio-Cio San con una partitura de gran intensidad emocional y hasta 70 artistas en escena. La charla previa tendrá lugar a las 18 horas y correrá a cargo de Jesús Murillo.

El 28 de noviembre, a las 20:00 horas, será el turno de la danza contemporánea con ‘Dancing Beethoven’, de Factoría de Danza de LaFACT, una propuesta coreográfica construida sobre la Quinta y la Séptima sinfonías de Beethoven que combina precisión técnica y lectura contemporánea del repertorio clásico. La charla previa se celebrará a las 19 horas y estará impartida por Perfecto Uriel, director de La Casa de la Danza de Logroño.

El 19 de diciembre, a las 20:00 horas, The New Orleans Gospel Choir ofrecerá ‘Mardi Jass Party’, un recorrido por la tradición musical de Nueva Orleans que integra gospel, jazz tradicional y ritmos festivos vinculados al Mardi Gras, con una puesta en escena dinámica y participativa.

La Orquesta Filarmonía de Madrid protagonizará el 27 de diciembre, a las 20:00 horas, y durante 80 minutos, ‘Viena en La Rioja’, bajo la dirección musical de Rafael Albiñana y la dirección artística de Pascual Osa, con un programa inspirado en los conciertos vieneses de Año Nuevo y centrado en valses y polcas de la familia Strauss.

La temporada concluirá el 17 de enero de 2027, a las 20:00 horas, con ‘Homenaje a Sarasate’, recital ofrecido conjuntamente por la violinista Tianwa Yang y el pianista Nicholas Rimmer, con un programa que incluye ‘Aires gitanos’, ‘Fantasía Carmen’ y otras páginas virtuosas del compositor navarro. La charla previa, a las 19 horas, será impartida por Eduardo Chávarri Alonso, doctor en Musicología y presidente de Rioja Filarmonía.

Abonos, precios y compromiso social a través de ‘Riojaforum Solidario’

La temporada 45 articula dos modalidades principales de abono. El Abono A, en formato 6+1, incluye seis espectáculos —Janoska Ensemble, ‘Madame Butterfly’, ‘Dancing Beethoven’, The New Orleans Gospel Choir, ‘Viena en La Rioja’ y ‘Homenaje a Sarasate’ con Tianwa Yang y Nicholas Rimmer— e incorpora como ventaja adicional una entrada gratuita para el concierto inaugural de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

Por su parte, el Abono C, en modalidad 4+1, integra el Janoska Ensemble, ‘Madame Butterfly’, ‘Viena en La Rioja’ y ‘Homenaje a Sarasate’, sumando igualmente una entrada gratuita para la actuación de la Orquesta Sinfónica y Coro RTVE.

Todos los espectáculos cuentan además con venta de entradas individuales a partir del 25 de mayo. La adquisición de abonos y localidades puede realizarse a través de la web oficial www.riojaforum.com y en los canales habituales del Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja, donde se detalla la información completa sobre precios, descuentos y condiciones.

El 10 % de la recaudación total de entradas y abonos se destinará a ‘Riojaforum Solidario’. En temporadas anteriores, las aportaciones han permitido apoyar al Banco de Alimentos de La Rioja y a la Cocina Económica de Logroño, superando en cada caso los 12.000 euros. Además, la recaudación de la temporada 43 y de las dos que se desarrollan durante 2026 se dedicará a la Asociación Riojana de Esclerosis Múltiple (ARDEM) para la adquisición de un exoesqueleto robótico destinado a mejorar la rehabilitación y la calidad de vida de las personas afectadas.

Con esta nueva programación, el Gobierno de La Rioja reafirma su apuesta por una oferta cultural de calidad, accesible y con impacto social, consolidando el Palacio de Congresos y Auditorio de La Rioja como uno de los principales referentes culturales del norte de España.

La danza como refugio, como memoria y también como abrazo colectivo. Eso es lo que propone ‘ALMA’, la creación escénica impulsada por la directora Laura Tello que llegará el próximo 26 de mayo al Gran Teatro de Cáceres con una gala que promete emocionar al público a través de un recorrido por las distintas etapas de la vida de las mujeres.

Lejos de plantearse como un simple espectáculo de danza, ‘ALMA’ nace como una experiencia emocional y sensorial donde el movimiento sirve para contar aquello que muchas veces resulta difícil explicar con palabras: la infancia, el descubrimiento de una misma, el amor, las pérdidas, la maternidad, las heridas y la reconstrucción personal.

Sobre el escenario se reunirán más de 80 bailarinas de distintas edades, creando un espacio intergeneracional en el que varias generaciones de mujeres compartirán relato, emociones y experiencias a través del cuerpo y la música. El proyecto, además, pone el foco en el propio proceso creativo y educativo, convirtiendo la danza FEMAE en una herramienta de expresión, identidad y crecimiento personal para quienes participan.

'ALMA no se observa. ALMA se atraviesa', recoge el dossier del espectáculo, que define esta propuesta también como “un homenaje a todas las mujeres que bailan en nosotras”.

La gala contará además con las voces invitadas de Raquel Palma y Ana Carretero, sumando música en directo a una puesta en escena que combinará danza, interpretación y una cuidada propuesta visual.

Pero ‘ALMA’ no solo quiere emocionar desde el arte. El espectáculo tiene también carácter benéfico y destinará su recaudación a un proyecto de la Fundación Santa María la Real que trabaja con mujeres que, después de dedicar gran parte de su vida al cuidado de otras personas, buscan ahora una nueva oportunidad laboral y vital.

“ALMA nace también como una forma de devolver, porque ayudar a una mujer a volver a empezar es, muchas veces, ayudar a sostener una vida e impulsar familias enteras”, destaca el proyecto en su presentación.

En tiempos marcados por la rapidez y el ruido, la propuesta que llegará al teatro cacereño apuesta precisamente por lo contrario: detenerse, sentir y reconocerse en las historias de otras mujeres. Porque quizá ahí, en ese gesto compartido, también haya una forma de sanar.

El comienzo de la gala de los premios Talía 2026, con el contralto Christian Gil-Borrelli cantando ópera, fue definitorio. Era la velada de la creación musical. El gran ganador fue el musical de ATG Entertainment España, Los miserables con cuatro estatuillas. La gran reina de la noche fue Rocío Molina con tres Talías. Pero el ganador espiritual no fue otro que Eduardo Vasco y la apuesta por el teatro de repertorio y corte tradicional que está realizando como director del Teatro Español, institución que se llevó tres premios y entre ellos el gordo, al Mejor espectáculo de Teatro de Texto que fue para Esencia, de Ignacio García May.

Pero no todo fue alfombra roja en esta gala organizada por la Academia de las Artes Escénicas de España en los Teatros del Canal (Madrid) que dirigía por primera vez la nueva directora Magüi Mira y que creó su anterior presidenta Cayetana Guillén Cuervo. Aunque es verdad que la Academia tiene la difícil tarea de entregar 26 premios, la gala se hizo larga, casi tres horas que fueron retransmitidas en directo por la plataforma de streaming RTVE Play. Además, la noche no estuvo falta de tropiezos y fallos de organización que en ciertos momentos sembraron el desconcierto.

El primero llegó a la media hora cuando Lydia Bosch anunciaba el premio al Mejor teatro musical, que se llevó la gran ganadora, Los miserables que ya había recibido el premio a la Mejor dirección y a los mejores intérpretes femenino y masculino. En un fallo de coordinación, la pantalla que tenía que enumerar a los nominados anunció, sin embargo, el Premio al Mejor espectáculo de lírica provocando lo que más se teme en una retransmisión: un silencio profundo con el escenario vacío, seguido del corte de emisión durante unos segundos.

Pero no fue el único traspié. La otra gran triunfadora de la velada fue Rocío Molina, por esa burrada escénica llamada Calentamiento. Molina se llevó los tres galardones de danza: Mejor interpretación femenina, Mejor coreografía y Mejor espectáculo de danza. Tan solo Israel Galván consiguió el mejor intérprete masculino por su espectáculo El dorado. El problema fue que Molina solo recogió el primer premio, ya que los otros dos se dieron de manera seguida y la organización no supo o no pudo rescatarla del backstage. Algo que deslució la presencia de la que era la gran reina de la velada.

La gala estuvo dirigida por el dramaturgo Juan Luis Iborra. Un espectáculo que giró en torno al agua como fuente de vida y que presentaron la actriz Carmen Conesa y el mago Jorge Blass. Una conducción correcta que tuvo como punto fuerte el momento en el que el ilusionista, en un emocionante truco de magia de cartas, presentó a la otra reina de la noche, la gran María Galiana que recibió el premio Talía de honor.

Le entregó el premio Miguel Rellán, visiblemente emocionado. Galiana, a sus noventa años, estuvo cariñosa y comenzó citando a Albert Camus: “Si te dedicas a una actividad artística más tarde o temprano te dan un premio, pero lo importante no es que te lo den sino que te lo merezcas. No estoy seguro de ello, de lo que sí estoy seguro es que en el poco tiempo que me queda de vida voy a intentar seguir disfrutando de esta profesión”. Y terminó breve, sobria, perfecta, citando al poeta uruguayo Mario Benedetti con esta palabras: “No te rindas, que la vida es eso, continuar el viaje, perseguir tus sueños”.

La gala también tuvo el momento político, solitario, pero contundente. Blanca Añón al recibir el Premio a la Mejor escenografía recordó que había que seguir hablando de Palestina, no olvidar el genocidio y “seguir presionando al Gobierno para que cese todo tipo de relaciones con Israel”. En la sala estaba presente el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, pero la realización no optó por enfocarle en ese momento. También estaban presentes las autoridades políticas madrileñas Mariano de Paco, Consejero de Cultura, Turismo y Deporte; y Marta Rivera de la Cruz Delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte.

Pero Blanca Añón no quiso quedarse ahí y dijo que tampoco había que olvidar “lo que tenemos en casa, ese fango verde que sigue avanzando y arrasa con todo lo que queremos y defendemos”, en clara referencia al partido de ultraderecha Vox. Después habló de su tierra, Valencia: “Nosotras ya no podemos seguir trabajando [allí] y nos tenemos que ir fuera para poder seguir creando. Valencia debería volver a ser un centro de creación y dejar de serlo solo de exhibición”, concluyó. Cierto es que los directores Carolina África y Andrés Lima si enunciaron un escueto y pertinaz “Palestina libre” cuando fueron invitados a entregar premios a sus compañeros.

Siguió la gala con la frenética entrega de reconocimientos que eran amenizados con una cortinilla musical que parecía evocar al circo, pero que acabó más cercana al Día de la marmota. Tampoco pareció convencer la nueva estatuilla de la escultora Esperanza D’ors. La anterior, ciertamente es mejor olvidarla. La estatuilla es uno de los cambios que la nueva dirección de la Academia quiso implementar para testimoniar su voluntad de transformación.

Magüi Mira ha afirmado en declaraciones públicas ciertos aires renovadores con respecto a la anterior dirección. Ha prometido una mayor transparencia y se ha atrevido a nombrar al elefante en la cacharrería, ese premio llamado: Mejor espectáculo de Artes Escénicas de autoría hispana en Nueva York, que tantos siguen sin entender. En esta ocasión ha sido para Los soles truncos, de Repertorio Español. Pero este año no es el año para evaluar la nueva dirección que esta actriz valenciana quiere dar a la Academia. Es demasiado pronto.

Los momentos finales fueron para las obras de teatro de texto. El primero fue para Ignacio García May por Esencia, uno de los mejores textos de los últimos años de este veterano autor que sigue en gira, protagonizado por Juan Echanove y Joaquín Climent.

La Mejor actriz de reparto recayó en Mamen García, una de las grandes, muchas veces en papeles secundarios, pero que en esta ocasión interpretó a la Miss Lunatic, esa neoyorquina medio bruja medio vagabunda de la obra de Carmen Martín Gaite Caperucita en Manhattan. Un secundario enorme, casi principal, corazón de la pieza. La actriz, todo arte, acabó gritando “viva la peña, porque sin ella no haríamos teatro”, para concluir con una preciosa dedicatoria a todas las jóvenes dramaturgas diciendo: “Ellas nos guían”.

El premio al Mejor actor de teatro fue para Luis Bermejo por la obra de Juan Mayorga por Los yugoslavos. Un premio que venía reñido, ahí estaban Joaquín Climent que está enorme en Esencia y Raúl Prieto que no lo está menos en El entusiasmo.

El premio al Mejor actor de teatro de texto fue para Ángel Ruiz por El rey de la farándula. Premio sorpresa ya que tenía al lado a dos pesos pesados, Lluis Homar y Pablo Derquí. Ruiz agradeció al Festival de Almagro y a la Compañía Nacional de Teatro Clásico por apoyar esta obra en la que en tono de cabaré se retrata la vida de Felipe IV. Una obra que el propio Ruiz ha escrito y dirigido.

La Mejor actriz este año recayó en Nathalie Poza por Un tranvía llamado deseo, la archiconocida y mil veces montada obra de Tennesse Williams dirigida por David Serrano. Otro montaje, al igual que Esencia, que pasó por el Teatro Español dirigido por Eduardo Vasco y colgó el cartel de agotadas las localidades.

El premio a la Mejor dirección de escena también venía reñido. En liza competían la danza de Rocío Molina codirigida con Pablo Messiez, la fuerza del teatro de Lucía Carballal y un veterano como Juan Carlos Rubio. Al final, se lo llevó este último, demostrando de nuevo la inclinación hacia el teatro más tradicional de esta Academia. Rubio fue premiado por la obra Música para Hitler, sólido montaje que tiene como protagonista a Carlos Hipólito y que cuenta la historia de Pau Casals exiliado en Francia cuando es invitado para tocar en una velada para el propio Hitler.

El último premio, el más relevante, es el del Mejor espectáculo de teatro de texto que fue para Esencia, dirigida por Eduardo Vasco, premio que significó el tercer galardón que recibía una producción estrenada en el Teatro Español, porque si bien Un tranvía llamado deseo se estrenó en Avilés tuvo se temporada, apoyo y despegue en el Teatro Español.. Quedaba así claro el meridiano apoyo de los académicos a la apuesta de Eduardo Vasco por un teatro tradicional y de repertorio que además está teniendo una respuesta de público enorme. Ganó, en definitiva, la taquilla en estos premios: los musicales que son la locomotora de ingresos de la industria cultural escénica y la apuesta por la recuperación de un gran público para el teatro tradicional.

El grupo de danzas Aires de La Rioja ha creado el galardón, 'Raíces Riojanas, un nuevo reconocimiento con el que se pretende destacar la labor de quienes trabajan por la cultura riojana en colaboración con el Gobierno de La Rioja. Esta es la primera edición de este premio, que tendrá carácter anual, al que pueden optar personas, entidades, proyectos o asociaciones que contribuyan a preservar y enriquecer la cultura, las tradiciones y el patrimonio inmaterial de La Rioja.

Según explican desde el grupo de danza, este galardón “no establece restricciones por origen ni trayectoria: cualquier candidatura que refleje un compromiso genuino con la identidad cultural riojana puede ser optar a este reconocimiento porque 'Raíces Riojanas nace con la vocación de hacer visible el trabajo de quienes sostienen y proyectan la memoria y la identidad de nuestra tierra”. Y es que añaden que “este galardón entiende la cultura en un sentido amplio: la historia, la lengua, las artes, las tradiciones, la gastronomía, el patrimonio material e inmaterial…”. Así, y según las bases, podrán optar a este galardón personas, entidades, proyectos o asociaciones (con o sin personalidad jurídica) que desarrollen su actividad en La Rioja o estén significativamente vinculados a su cultura, independientemente de su lugar de origen.

El jurado estará formado por personas del ámbito cultural riojano y designadas por la organización, “serán quienes valoren las candidaturas y tomen la decisión por consenso”. La propuesta ganadora recibirá un trofeo conmemorativo que se entregará el 11 de junio, Día de San Bernabé, durante el Acto de Exaltación a las Raíces Riojanas que se celebrará a las 19:00 horas en el Paseo de El Espolón: “una celebración anual organizada por Aires de La Rioja en la que la danza, música e indumentaria tradicional riojana son protagonistas”.

Las personas interesadas pueden presentar sus candidaturas antes del 31 de mayo al correo electrónico airesdelarioja@hotmail.com. A través de este correo y del código QR de los carteles del evento se puede solicitar el documento de inscripción. Se han establecido tres modalidades de propuesta. Autocandidatura, la persona interesada o entidad presenta su candidatura: propuesta por terceros, cualquier persona, asociación o institución puede proponer a un candidato (con o sin conocimiento de este) y de oficio, la organización podrá proponer candidaturas que considere de especial relevancia.

El próximo domingo, día 17 de mayo, se celebra en Toledo el XXVI Festival de Grupos de Baile, una cita ya consolidada en la provincia que, un año más, une danza, convivencia y solidaridad. En esta edición, los beneficios irán destinados a la asociación 'ELA CLM-AdELAnte', dedicada a la atención y apoyo de personas afectadas por la ELA y sus familias.

Con motivo de su vigésimosexto aniversario, el festival reunirá, en el Pabellón Javier Lozano Cid, a cerca de 300 participantes, con edades comprendidas entre los 4 y los 50 años, procedentes de distintos municipios de la provincia de Toledo. Sobre el escenario se presentarán un total de 25 coreografías de estilos muy diversos, reflejando la riqueza y variedad de la danza colectiva.

El público podrá disfrutar, desde las 16.30 hasta las 19.00 horas, de disciplinas como funky, hip hop, danza urbana, flamenco, baile moderno, lírico, aerobic o gimnasia expresiva, entre otras, en una muestra que “combina talento, esfuerzo y trabajo en equipo”, según indica la organización.

Esta edición contará con la participación de grupos y centros de referencia como la Asociación Duende Toledano, el Club de Gimnasia Rítmica Nuestra Señora de los Infantes, la Escuela Merevel, Gimnasia Artístico-Expresiva Yébenes, el Colegio Mayol y el Gimnasio Dojo-Kan Bargas, entre otros.

Los participantes proceden de diversas localidades de la provincia, entre ellas Cuerva, Nambroca, Totanés, Gálvez, Retuerta del Bullaque, Navahermosa, Layos, San Martín de Montalbán, Los Yébenes, Bargas y Toledo.

Recaudación y colaboraciones

Como en años anteriores, el festival mantiene su carácter solidario. La recaudación se destinará íntegramente a 'ELA CLM-AdELAnte', contribuyendo a financiar servicios de atención sociosanitaria para personas afectadas por la ELA.

La entrada tendrá una aportación simbólica de un euro. Además, se ha habilitado una fila 0 para todas aquellas personas que deseen colaborar sin asistir, mediante transferencia al número ES04 3190 0059 97 4614 9623 16 o a través de Bizum 03578, indicando el concepto 'Festival Toledo'.

Esta edición cuenta con la colaboración de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y del Ayuntamiento de Toledo, un apoyo fundamental como el de todas las personas participantes, docentes, voluntariado de 'ELA CLM-AdELAnte' y entidades colaboradoras que hacen posible este evento solidario.

El Teatro Bretón de Logroño vive esta semana la última jornada del Ciclo Jueves Flamencos de esta edición, con ‘Muerta de amor’ y comienza el mes de mayo con el espectáculo ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’.

Tras cuatro meses sobre las tablas, el ciclo Jueves Flamencos pone punto y final a una edición en la que se reafirma la gran acogida por parte del público de este tipo de eventos. Para cerrar la temporada, este jueves 30 de abril, a las 20:00 horas, llega ‘Muerta de amor’, un espectáculo en el que una docena de artistas guían al espectador por un pasaje coreográfico, con carácter de copla, que apunta al deseo, la fantasía y la provocación. Lo hacen a través del cante de Juan de la María, acompañado por la artista invitada Mara Rey, y el baile coreografiado de Manuel Liñán (Premio Nacional de Danza 2017).

El espectáculo recibió en el Premio Talía 2025 varios galardones, en la categoría ‘Mejor labor de producción’ (Peineta Producciones) y en la mención ‘Mejor Intérprete masculino de danza’, entre otros premios.

El sábado 2 de mayo, a las 20:00 horas, se inaugura el mes con la obra ‘Mi suicidio o el pesimismo alegre’ de Henri Roorda, un alegato vitalista disfrazado de despedida. Se trata de texto sincero, divertido y conmovedor que celebra la belleza de vivir incluso en el umbral de la muerte. Con Mario Gas en escena y la dirección de Fernando Bernués, esta obra es una experiencia teatral que emociona y hace pensar sin perder de vista el humor.

El espectáculo tiene una duración de una hora aproximada y un precio único de 14 euros, ya que se trata de un espectáculo de aforo reducido. Las entradas están disponibles para su adquisición en la web del Teatro Bretón, la taquilla y a través del teléfono habitual.

El Festival Internacional de Danza Contemporánea Trayectos, regresa a Zaragoza para celebrar su XXIII edición, que se llevará a cabo del 25 al 28 de junio de 2026. Este evento cultural, organizado por el Ayuntamiento de Zaragoza y la Asociación Cultural Las Voces Humanas, es un referente en la ciudad y a nivel nacional que demuestra, año tras año, su capacidad para transformar los espacios urbanos de la ciudad en escenarios a través de la danza contemporánea, reuniendo a una interesante selección de artistas y compañías locales, nacionales e internacionales.

En esta nueva edición, el festival experimenta un avance cualitativo por la participación de tres Premios Nacionales de Danza, figuras destacadas por su innovador trabajo en el ámbito de la danza contemporánea y su capacidad para emocionar al público con su visión artística única.

Por un lado, Dácil González, galardonada con el Premio Nacional de Danza 2019, es una de las intérpretes más influyentes en el campo de la danza contemporánea española. Además de formar parte de compañías como 10&10, La Piel o Larumbe, también ha participado a nivel internacional en diferentes proyectos coreográficos en Alemania, así como en proyectos cinematográficos, siendo colaboradora asidua de Daniel Abreu. Por otro, Melania Olcina, Premio Nacional de Danza en 2023 en la categoría de interpretación, compartirá en un taller sus conocimientos y su elegancia sobre el escenario.

Finalmente, Janet Novás, una de las artistas más destacadas de la escena contemporánea, ha sido reconocida por su labor artística con el Premio Nacional de Danza 2025 y el Premio Ojo Crítico 2021. Además, su aclamada interpretación como protagonista de la película O Corno le valió el Goya como Actriz Revelación en 2024. Janet estará presente durante el festival interpretando una de sus piezas más icónicas.

La programación completa se desvelará en los próximos meses, siempre bajo la premisa de ir más allá de las representaciones de danza, ofreciendo actividades paralelas y talleres abiertos a la participación del público en esta cita con el arte en movimiento que se extenderá por varios espacios emblemáticos de Zaragoza.

Trayectos forma parte de la Red Acieloabierto, una Red de Festivales de Danza Contemporánea en Espacios No Convencionales que tiene como objetivos ser una fuente de sostenimiento para los festivales de danza contemporánea, servir de plataforma para la construcción de proyectos de colaboración, transmitir información, conocimiento relevante y buenas prácticas entre festivales socios y colaboradores, y contribuir a la prosperidad compartida del tejido de la danza contemporánea en España. Su reconocimiento con el sello EFFE lo ratifica como un evento de referencia en la escena europea.

La consejera de Cultura, Educación y Turismo, Sara Fernández, ha celebrado que “Trayectos siga demostrando un enorme vigor y que referentes como Dácil González, Melania Olcina y Janet Novás vengan a apoyar a la danza zaragozana. Nos alegra que fuera de la ciudad sean conscientes de la importancia y la confianza que depositamos desde el Ayuntamiento de Zaragoza en respaldar este festival y que se une a la labor municipal de impulso de una programación continuada de eventos, con la presencia en los teatros y escenarios del consistorio, así como la habitual colaboración que mantienen con las iniciativas privadas de la danza”.

A finales de junio, Trayectos seguirá ejerciendo como espacio de visibilidad, impulso y conexión para la danza contemporánea, contribuyendo a mantener vivo un ecosistema creativo diverso, dinámico y en constante transformación.