Laura Sánchez será la madrina de la Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ 2026. La modelo presentadora, actriz y directora de la Pasarela de moda flamenca ‘We Love Flamenco’, Laura Sánchez, amadrinará el único desfile del mundo, que fusiona moda, arte y gastronomía, ya que todos los diseños están confeccionados y decorados con verduras.

La cita será el 24 de abril a las 20:00 horas en la carpa del parque de la Era Alta, dentro de la trigésima edición de las Jornadas Gastronómicas de la Verdura. Una cita que tal y como ha explicado la concejala de Festejos, Reyes Zapata, tiene novedades. Y es que en la edición de este año se presentará una colección de bolsos confeccionados con verduras y legumbres. Además, se exhibirán vestidos, joyas, tocados y zapatillas confeccionadas con los productos que se cultivan en la huerta calagurritana. Participarán la joyería Ruiz Domínguez, el Centro de Formación Profesional ‘La Planilla’ y la marca de calzado Star Love, entre otras empresas.

El maquillador oficial de Lancôme en España, Roberto Siguero, volverá a dirigir la Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ y estará acompañado en la presentación de la misma de la periodista calagurritana, Isabel Álvarez. A esta quinta edición del concurso se han presentado 17 diseños aunque solo12 se exhibirán el 24 de abrirl en la Pasarela 'Ciudad de la Verdura'. Se han establecido tres premios: El mejor ‘Diseño Original’ dotado con 3.000 euros; el premio 'Inspiración', dotado con 2.500 euros y un tercer premio que ortorga el Consejo Regulador por valor de 1.500 euros. Y este año como novedad se ha creado la categoría Enogastronómica que premiará el diseño que maride verduras y productos vinculados al mundo del vino.

Laura Sánchez

La madrina del desfile de este año ha combinado con éxito su faceta de modelo, actriz y empresaria. Sus inicios se remontan a finales de los años 90 cuando ganó el prestigioso certamen Look of the Year de la agencia Elite Model Management. Este reconocimiento supuso el impulso definitivo para su carrera internacional como modelo, permitiéndole incorporarse rápidamente al circuito de la alta moda.

Durante los primeros años de su carrera, trabajó en importantes capitales de la moda como París, Milán y Nueva York. Desfiló para diseñadores de renombre y protagonizó campañas publicitarias y editoriales para revistas de primer nivel como Vogue y Elle, consolidándose como una de las modelos españolas más reconocidas de su generación. Su imagen elegante y versátil le permitió adaptarse tanto a la alta costura como a la moda comercial.

 Después, decidió ampliar su carrera profesional hacia el ámbito audiovisual. Saltó a la interpretación con su participación en la popular serie de televisión ‘Los hombres de Paco’, en la que logró gran visibilidad mediática y conectó con un público más amplio. Este paso marcó una transición importante, demostrando su capacidad para reinventarse profesionalmente.

 Paralelamente, ha participado en diversos programas de televisión, como MasterChef Celebrity y Maestros de la Costura.

En los últimos años, Laura Sánchez ha orientado parte de su carrera hacia el emprendimiento en el sector de la moda. Ha desarrollado proyectos propios, especialmente vinculados a la moda de baño, mostrando una evolución natural desde su experiencia como modelo hacia la creación y gestión de marca. Hace 14 años creó junto a Javi Villa, ‘We Love Flamenco’, la pasarela de moda flamenca y andaluza más influyente e internacional que se celebra cada año en Sevilla. En conjunto, su trayectoria refleja una carrera sólida y versátil, caracterizada por la adaptación a distintos ámbitos profesionales y una constante evolución dentro del mundo de la moda y del entretenimiento.

El ágora del Centro de la Cultura del Rioja acogerá el próximo 11 de abril, a las 19:00 horas, la II Gala de la moda riojana 2026, una cita que consolida la apuesta de Logroño por la moda como expresión cultural y que, en esta segunda edición, se suma a la conmemoración del Año Azcona.

Así lo ha explicado el concejal de Promoción de la Ciudad, Miguel Sainz, en la rueda de prensa en la que ha estado acompañado por Eduardo Viladés encargado de la organización y presentación de la gala, así como los diseñadores Esther Aramendía, José Manuel Peña y Bruno Langarica que participarán en el evento.

En su intervención, Sainz ha destacado que “esta gala sirve como homenaje a nuestro guionista más universal, Rafael Azcona, a través de un diálogo creativo entre moda, cine y vino. Es una forma de celebrar nuestra cultura desde distintas disciplinas y acercarla a toda la ciudadanía”.

El evento tendrá lugar el sábado 11 de abril, a las 19:00 horas, en el ágora del Centro de la Cultura del Rioja. Las entradas se podrán adquirir desde hoy al precio de 5 euros en sacatuentrada.centrodelaculturadelrioja.es. Tal como ha recordado el edil “en la primera edición de esta gala que se celebró en mayo del año pasado en este mismo escenario, las localidades se agotaron en menos de 24 horas, lo que demuestra el creciente interés que despierta la moda como expresión artística y cultual en nuestra ciudad”.

Por último, Sainz ha señalado que el desfile concluirá “de la mejor manera posible, con una degustación de vinos ofrecida por la bodega Sáenz Yustes de Tudelilla, poniendo así el broche final a una velada que promete ser una experiencia única para todos los asistentes”.

Cuatro diseñadores riojanos y 48 creaciones inspiradas en Azcona

La gala, organizada y presentada por Eduardo Viladés, contará con cuatro desfiles de diseñadores riojanos: Rene Esteya, Esther Aramendía, José Manuel Peña y Bruno Langarica. “Se trata de diseñadores de primer nivel, con una sólida trayectoria y un futuro prometedor”, ha subrayado Sainz.

Cada diseñador presentará 12 estilismos inéditos, inspirados en una variedad de uva y en el universo cinematográfico de Azcona, sumando un total de 48 modelos. Las colecciones combinan referencias al vino, las uvas y las bodegas riojanas, con los temas característicos del universo Azcona: ironía, humor negro y crítica social.

El evento incluirá además entrevistas con los diseñadores y proyecciones audiovisuales con mensajes de personalidades del mundo de la cultura, la moda y el vino. “Todo ello enmarcado en un merecido homenaje al legado de Rafael Azcona, figura clave del cine español” ha concluido el concejal de Promoción de la Ciudad.

Diseñadores participantes

Rene Esteya: diseñadora polaca de nacimiento y riojana de corazón, especializada en alta costura con una sólida trayectoria internacional entre Logroño y Barcelona. Para esta gala presenta ‘Espíritu’, una colección inspirada en la uva tempranillo y en la película ‘La corte del faraón’, una parodia de la sociedad española de la postguerra.

Esther Aramendía: diseñadora riojana formada en la ESDIR, con experiencia en firmas nacionales y reconocimientos en certámenes de moda. Destaca por el uso del volumen y la arquitectura en sus diseños. Su propuesta que lleva el nombre de ‘Origen’, está ligada a la uva graciano y a la película ‘Plácido’, dirigida por Berlanga y escrita junto a Rafael Azcona, una crítica mordaz a la falsa caridad y a las desigualdades sociales.

José Manuel Peña, diseñador de origen venezolano afincado en Logroño, conocido por convertir sus trajes de alta costura en miniaturas para muñecas Barbie. Su colección para este desfile ‘Esencia’, establece un diálogo con la uva garnacha y la película ‘Belle Époque’, una deliciosa comedia coral de Fernando Trueba.

Bruno Langarica, joven diseñador logroñés licenciado en Diseño de Moda por la ESDIR, fundador de su propia marca “Langarica”. Ha vestido a artistas como Álvaro Mayo y destaca por la innovación, la libertad estética y la reinterpretación de la masculinidad. Para esta gala presenta ‘Blanco travestí’, una colección inspirada en la uva mazuelo y en ‘Un hombre llamado Flor de otoño’, una película pionera en abordar la homosexualidad en la España de la Transición.

Los aficionados del fútbol han incorporado un nuevo término a su vocabulario y nada tiene que ver con cuestiones tácticas ni reglamento. Desde hace meses, muchos se refieren al blokecore, una tendencia de moda urbana en la que la camiseta de juego se convierte en la prenda central del look. Pero las elásticas nada tienen que ver con las oficiales de la temporada actual, sino que las marcas se inspiran en la estética de hace décadas.  

A esa tendencia se une ahora LaLiga EA Sports, que celebrará la primera Jornada Retro de su historia, una acción inédita en el fútbol profesional europeo y para la que contará con la complicidad de la mayoría de clubes de la máxima categoría, excepto del Real Madrid, que no participará. 

La Jornada Retro también se vivirá en LaLiga Hypermotion, con sus jugadores saltando al terreno de juego con nuevas equipaciones inspiradas en ediciones icónicas de su pasado, según ha anunciado el campeonato nacional en un comunicado. 

Además, los árbitros estarán equipados para la ocasión. Lucirán una equipación inspirada en el Mundial de Estados Unidos 1994, rompiendo con el tradicional negro para adoptar los colores vibrantes que marcaron aquella cita. El esférico que rodará por el verde será de la marca Puma, pero también cambiará y recuperará la estética geométrica en blanco y negro propia de los años 90.

En LaLiga EA Sports, las camisetas retro se lucirán durante la jornada 31 de competición. Entre los partidos que se disputarán, un derbi catalán entre Barcelona y Espanyol o un Sevilla - Atlético de Madrid. También medirán sus fuerzas Athletic y Villarreal. En el caso de segunda división, la acción se desarrollará durante la jornada 35. 

El fútbol se sube a la pasarela

Las camisetas retro de los diferentes partidos se han presentado este jueves en los jardines del Palacio de Fernán Núñez, en un desfile realizado en el marco de la MBFWMadrid. El Atlético de Madrid regresa a sus orígenes blanquiazules de 1903. Por su parte, el Real Betis ha optado por un homenaje transversal que evoca elementos de cuatro décadas de historia verdiblanca. 

En el caso del Sevilla FC, rescata su escudo histórico de principios del siglo XX con una estética minimalista inspirada en los años 80. La Real Sociedad incorpora a su diseño el perfil del desaparecido estadio de Atotxa. La camiseta del RC Deportivo recupera uno de los diseños más representativos de finales de los años 80, cuando se consolidó una estética de franjas azules y blancas estrechas. 

El Cadiz FC se ha inspirado en una camiseta histórica utilizada por el club durante las temporadas 1996-1997 y 1997-1998, con predominio del azul en el cuerpo principal de la camiseta y detalles en amarillo como contraste. En el caso del Valencia CF, que vuelve al naranja de principios de los noventa que vistieron leyendas como Penev o Fernando Gómez. Y Espanyol lo apuesta todo al amarillo. 

Por su parte, el Real Madrid ha rechazado participar en esta Jornada Retro, mientras que Getafe, Rayo Vallecano y Barcelona tampoco lo harán, alegando estos tres últimos problemas técnicos. 

“Códigos clásicos” para el Mundial

También veremos diseños con historia en el próximo Mundial que se celebrará este verano en Estados Unidos, México y Canadá. Adidas ha presentado la nueva colección completa de sus 25 federaciones, camisetas con unos diseños en los que se reinterpretan “códigos clásicos” de la marca ligados a la cita mundialista. 

En el caso de la selección española, la segunda equipación “toma como referencia la rica tradición literaria” de nuestro país. Según explica la Real Federación Española de Fútbol (RFEF) en un comunicado, la elástica se ha construido sobre una base de blanco roto, que evoca el color de una página. 

Además, el diseño incorpora un patrón integral en tono pirita inspirado en los dibujos y grafismos de los libros y manuscritos clásicos. Por último, las mangas y el cuello incorporan detalles en dorado y burdeos. Y se ven detalles como la inscripción “España” en la parte posterior del cuello. 

El Tribunal de Apelación de París ha rechazado este jueves la demanda del Gobierno francés para suspender las ventas de Shein en el país. La Corte confirma así el fallo de primera instancia tras el escándalo por la detección de muñecas sexuales con apariencia infantil y otros productos prohibidos ofrecidos por vendedores asociados a la plataforma china.

Los jueces consideran que “ya no se está produciendo el daño” que justificó la intervención del Estado en otoño de 2025, cuando el Ejecutivo galo llegó a amenazar con paralizar la actividad del gigante chino.

En un comunicado, el tribunal añade que tampoco puede acreditarse “un daño futuro cierto”, en contra de lo sostenido por el Gobierno francés en su recurso. La razón es que la empresa china reaccionó rápidamente para retirar los productos prohibidos y estableció “medidas de control” para sus propios productos y para los de los vendedores externos, informa la Agencia EFE.

El intento fallido de cierre de la plataforma

Tras la denuncia, en noviembre de 2025, de la venta de muñecas sexuales con rasgos infantiles, así como de armas ilegales y medicamentos, el Ejecutivo francés planteó el cierre de la plataforma. Shein respondió retirando esos artículos y suspendiendo temporalmente las ventas de terceros y de cualquier producto que no fuera ropa.

El Ejecutivo, no obstante, intentó en un primer momento que la Justicia diera su visto bueno a un cierre durante tres meses de la plataforma, pero, después de que el Tribunal Judicial de París lo descartase en diciembre, se limitó a reclamar la suspensión del mercado con comerciantes exteriores.

Además, la Comisión Europea anunció también en febrero la apertura de una investigación sobre Shein por incumplimiento de la Ley de Servicios Digitales (DSA), por su diseño adictivo, la falta de transparencia de sus sistemas de recomendación y la venta de productos ilegales, por la venta de muñecas sexuales con aspecto de niña que se podrían considerar material de abuso sexual infantil.

Se busca a una mujer para probarse trajes de flamenca durante un día completo en una tienda de Sevilla. Se le pagará mil euros por esa jornada de trabajo. Es el resumen de la oferta laboral que ha lanzado una empresa textil de Sevilla, Aurora Gaviño, que ha visto cómo se desbordaban todas las previsiones que manejaban a la hora de informar sobre una idea que lanzaron en su perfil de Instagram el pasado lunes.

Ya son más de 7.500 las personas inscritas y la cifra sigue subiendo, para una idea que se entiende que está orientada a mujeres, pero que no se cierra a que la persona que consiga el trabajo sea finalmente un hombre.

Con todo, Aurora Gaviño busca a una modelo para probarse trajes un día completo y cobrar mil euros por la jornada de trabajo, en una idea que, avanzada por la Cadena SER, fue publicada el pasado lunes por la empresa en la plataforma InfoJobs. Para conseguir el trabajo especifica que no requiere estudios, ni experiencia en el sector, además de que, aunque la empresa esté en Sevilla, la seleccionada puede vivir en cualquier lugar de España, porque les pagarán el viaje y el alojamiento.

Las condiciones

“Buscamos a una persona apasionada por la moda, la tradición y la alegría del sur para unirse a nosotros como probador/a oficial de vestidos de Aurora Gaviño”, indica la misma firma, que señala que no se trata solo de probarse vestidos, sino de “sentir el alma de la Feria de Abril de la mano de una de las diseñadoras más icónicas del mundo flamenco”.

Aclara también que no es necesario ser modelo profesional, porque se busca “actitud, carisma y amor por los vestidos flamencos”, con el citado sueldo de 1.0000 euros por un día de trabajo, y un vestido de la diseñadora que se llevará la persona ganadora.

Una vez que se cierre la oferta, InfoJobs llevará a cabo el proceso de selección y cederá los datos de la persona seleccionada a una Empresa de Trabajo Temporal, que será la encargada de formalizar el contrato de trabajo.

Una idea internacional creada en 1985

Aurora Gaviño fundada en Sevilla en 1985 por la mujer que le da nombre, que procedía de una familia de expertos en textil, tras fundar Tejidos León, un referente para las flamencas en la temporada de feria.

Ha llevado su moda hasta Nueva York, y su creatividad ha sido reconocida por el Museo del Traje de Madrid con un diseño especial para una Barbie flamenca, además de estar galardonada con el Dedal de Oro y el Premio Mujer Innovadora.

Sus diseños se distribuyen por América Latina, especialmente en México y Chile, y en Asia, con una fiel clientela en Japón.

La nueva adaptación de 2026 de Cumbres Borrascosas llega con la promesa de “modernizar” el clásico: una versión más sensorial, más estética, más de atmósfera que de documentación. Y ojo, eso puede funcionar como cine, porque el cine no es un examen de historia.

El problema aparece cuando esa ensoñación ecléctica se vende como “así era la época”, porque entonces el vestuario deja de ser una elección artística y se convierte en una idea falsa que se te queda pegada como chicle. En el caso de Cumbres Borrascosas, esa confusión es especialmente delicada: la novela vive del choque entre clase social, violencia emocional y un paisaje que no perdona. La ropa, en esa Inglaterra del XIX, no era solo “look”: era jerarquía, moral y dinero.

La obra de Emily Brontë se publica en 1847, en plena primera mitad del siglo XIX, y ahí está la clave. Para vestir a sus personajes con honestidad, hay que entender qué llevaba una mujer (y un hombre) en esos años, qué silueta se consideraba decente y qué piezas marcaban el estatus sin necesidad de decir una palabra.

La adaptación de 2026 y el vestuario como fantasía

En entrevistas, la directora de la película ha defendido abiertamente que su adaptación de 2026 no pretende ser “fiel” en el sentido académico, sino una “versión” guiada por la sensación de leer el libro por primera vez. Eso explica por qué el vestuario tiende a lo estilizado: tejidos que parecen más ligeros de lo que eran, siluetas que priorizan la belleza contemporánea, y una especie de romanticismo visual que suaviza el peso real de la indumentaria histórica.

Pero Cumbres Borrascosas no es un romance bonito. Es un texto áspero. Y, si lo piensas, la ropa del periodo también lo era en lo estructural: capas, sujeciones, normas sociales cosidas a la tela. La estética actual suele “limpiar” lo incómodo. La moda del XIX, en cambio, está llena de incomodidades con significado. Ahí es donde el vestuario fiel cuenta cosas sin subrayarlas.

Y sí: esto no va de pedir una recreación museística plano a plano. Va de no confundir “fantasía elegante” con “realidad histórica”.

La moda del siglo XIX que sí encaja con la novela

Para aterrizar el armario real de la época, conviene mirar el recorrido que describes en tu texto base: del rococó tardío al giro neoclásico y, finalmente, a la llamada moda romántica (1820–1850). En términos simples: se pasa de la arquitectura exagerada del XVIII (panniers, exceso cortesano) a una etapa neoclásica más ligera y luego a un regreso progresivo de volumen, estructura y cintura natural.

En la primera mitad del XIX, la moda del siglo XIX ya no es la de María Antonieta, pero tampoco es ese “vestido vaporoso eterno” que a veces nos cuela el imaginario popular. El corte Imperio (bajo pecho) va bajando con los años, y las faldas empiezan a crecer gracias a enaguas y capas internas. Los peinados y los tocados también importan: bonetes, cintas, guantes, chales. Y algo que se nos olvida: el color y la calidad del tejido hablan de tu lugar en el mundo.

En una historia como Cumbres Borrascosas, ese código social es oro. Catherine puede moverse entre mundos, pero no los atraviesa indemne. El vestuario no solo debería “hacerla guapa”: debería delatar cuándo está en un entorno más rural y cuándo entra en un espacio más refinado. En ese sentido, vestirla como si fuera una musa atemporal rompe el conflicto, porque el conflicto es precisamente que no existe lo atemporal.

Y con Heathcliff pasa igual: la ropa masculina del periodo tiende a la sobriedad, sí, pero dentro de esa sobriedad hay diferencias enormes entre alguien humilde y alguien que ya tiene dinero. La forma del abrigo, el estado del tejido, el corte, el chaleco, el sombrero: todo cuenta.

La época victoriana no era “romántica”: era estructura y clase social

Cuando hablamos de época victoriana, la tentación es imaginar encajes delicados y melancolía. En realidad, en el vestir cotidiano manda la estructura. Un elemento muy característico de la moda romántica son las mangas gigot o leg-of-mutton, con volumen arriba y estrechándose hacia la muñeca, especialmente asociadas a las décadas centrales del primer XIX. No es un detalle menor: esa silueta crea presencia, impone una “forma correcta” del cuerpo y, a la vez, limita.

Eso encaja mucho con el universo de Emily Brontë, donde la moral social no es un decorado: es una fuerza que aplasta. La ropa, igual. No se trata solo de si Catherine llevaría corsé (probablemente sí, en algún grado), sino de lo que significa: disciplina corporal, decencia, clase. Tampoco se trata solo de si la falda tiene volumen, sino de cómo ese volumen es una declaración de posición social y de acceso a materiales y tiempo.

Por eso, si queremos “ropa original” y no reinterpretación, la brújula es clara: menos vestido etéreo de anuncio y más piezas que construyen silueta. Menos modernización complaciente y más tensión entre cuerpo y norma.

Al final, lo más interesante es que la fidelidad histórica no mata la emoción: la amplifica. Porque en Cumbres Borrascosas la gente no sufre en abstracto. Sufre en un mundo concreto, con reglas concretas. Y la ropa, en la época victoriana, era una de esas reglas: se llevaba puesta, pero también te llevaba a ti.

Las perchas de muchas tiendas pequeñas se han llenado de prendas sacadas de otra época: cazadoras vaqueras desgastadas, camisas estampadas de los noventa o jerséis con etiquetas que ya no existen. Lo que durante décadas fue territorio de un nicho alternativo, se ha convertido en una escena habitual en barrios de Madrid o Barcelona, entre otras grandes ciudades, donde cada vez más jóvenes entran en tiendas de segunda mano en busca de algo que no encontrarán en un centro comercial.

El crecimiento del consumo de ropa vintage entre la Generación Z no es solo una cuestión estética. Detrás conviven factores económicos, inquietudes ambientales y una cierta fatiga frente al modelo de consumo acelerado de la moda rápida. En paralelo, pequeñas tiendas y proyectos locales encuentran en este cambio una oportunidad —y también nuevos desafíos— en un mercado cada vez más competitivo que, tal y como señala el informe de Oxford Economics, en 2023 generó más de 9.200 empleos.

Un público joven que compra menos… y busca más

Pablo, empleado de una tienda de chaquetas de segunda mano en la calle Corredera Baja de San Pablo, en el barrio madrileño de Malasaña, observa un cambio en el consumidor. “Quienes entran en estos comercios son cada vez más jóvenes y lo hacen con una actitud distinta. No buscan hacer la compra del mes, sino explorar: miran, rebuscan, prueban y vuelven a mirar”, afirma.

Buscan precios accesibles, pero también la autenticidad de prendas que consideran únicas y a las que atribuyen una segunda vida. Parte del auge lo interpretan como reacción al encarecimiento percibido en cadenas del grupo Inditex —propietario de enseñas como Zara— y al modelo de producción intensiva popularizado por compañías como Shein. Al mismo tiempo, advierten de que el vintage ya no es necesariamente barato: la demanda creciente ha dado lugar a un mercado con lógica propia.

Desde la cadena de moda sostenible Humana observan el mismo fenómeno. Su director de Proyectos y Relaciones Externas, Rafael Mas, explica que si antes de 2020 los menores de 25 años representaban alrededor del 10% de su clientela, hoy alcanzan el 20%. A su juicio, la segunda mano se percibe cada vez más como “una alternativa sostenible y asequible”, pero también como una forma de expresar identidad, ya que vestir prendas reutilizadas puede transmitir “cierta rebeldía e individualidad”.

Vestir como forma de identidad

La expansión de la ropa vintage refleja una manera de entender la moda menos centrada en la novedad constante y más en la durabilidad, la singularidad o la coherencia personal. Desde la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) subrayan que el atractivo de este mercado combina ahorro económico y menor impacto ambiental, mientras que en Humana constatan que cada vez más clientes —especialmente jóvenes— buscan prendas singulares y se acercan a la moda desde una dimensión emocional, en parte como reacción a la uniformidad de la moda rápida.

Marta Biech, estudiante de Comunicación de las Organizaciones en la Universidad Autónoma de Barcelona, explica que empezó a comprar ropa de segunda mano porque sentía que “la ropa de antes tenía mucha más personalidad”, algo que —dice— le ha ayudado a encontrar un estilo propio.

Para Iakes Pérez de Lazarraga, estudiante de Administración y Dirección de Empresas en Mondragon Unibertsitatea, el cambio ha sido progresivo: reducir compras en grandes cadenas y construir una relación más consciente con la ropa. Hoy, asegura, el 90% de su armario procede de plataformas o tiendas de segunda mano. “Prefiero comprarme cuatro camisetas de segunda mano por el precio que me compraría una nueva”, resume.

El valor de lo local y la experiencia de compra

Más allá del producto, quienes frecuentan estas tiendas destacan el trato directo, la conversación con quienes gestionan el negocio y la sensación de apoyar proyectos independientes. “El trato es más personal y siento que apoyo a un negocio local”, dice Marta. “Pagas un poco por la experiencia y están mucho más comprometidos con el proyecto”, añade Iakes.

El auge del vintage también puede leerse como una búsqueda de comunidad frente a un consumo cada vez más digitalizado. Algunos consumidores describen estos espacios como lugares donde comprar se desacelera. “Es casi un arte encontrar algo”, comenta una clienta habitual. “Hay días que encuentras una joya y otros no, esa es precisamente la gracia” aclara.

En Humana reconocen que las redes sociales actúan como amplificador. TikTok, Instagram o Pinterest funcionan como escaparates donde descubrir tiendas y combinaciones que luego se trasladan a la búsqueda física. Marta reconoce que encuentra inspiración online, mientras que Iakes explica que sigue perfiles especializados y adapta las ideas a su presupuesto.

La segunda mano se consolida en los datos

Las percepciones del sector coinciden con las cifras. Una encuesta reciente de la OCU indica que el 75% de los españoles entre 18 y 64 años compró al menos un producto de segunda mano en el último año, con un gasto medio de 167 euros. La ropa y el calzado lideran las búsquedas, muchas de ellas a través de plataformas digitales como Vinted o Wallapop.

Según explica Mas, las motivaciones suelen combinar factores económicos y valores ambientales: en un contexto de inflación, el acceso a prendas de calidad a menor precio convive con el deseo de reducir el impacto ambiental y alejarse del consumo acelerado. Además, recuerda que en organizaciones como la suya existe un componente social, ya que los ingresos financian proyectos de cooperación y acción social.

Desde el análisis de mercado, Jaime Diez, de Worldpanel by Numerator, para los consumidores importan las variables “precio, sostenibilidad y tendencias”. Según explica, los datos muestran que casi la mitad de los consumidores lo percibe como una forma de ahorrar y más de seis de cada diez como una manera de cuidar el medio ambiente, especialmente entre los jóvenes.

Además, matiza que aunque la preocupación climática está presente en el discurso juvenil, “cuando se pregunta si están dispuestos a pagar más por prendas sostenibles no son el grupo que más destaca”. Iakes reconoce esa ambivalencia: “A veces me siento un poco culpable cuando compro en ese tipo de tiendas, aunque intento compensarlo comprando menos y eligiendo mejor”.

Entre tendencia y cambio cultural

El debate sobre si el fenómeno es pasajero o estructural sigue abierto. “Creo que empezó como una moda, pero poco a poco se está convirtiendo en un cambio real”, reflexiona Marta. El crecimiento también trae tensiones: subida de precios, profesionalización de la reventa o riesgo de perder el carácter alternativo. “Ahora hay muchas más tiendas, pero esto siempre ha existido y siempre existirá”, apunta Iakes.

De cara al futuro, el analista de Worldpanel considera que más que competencia directa, se debería hablar de convivencia. “Los consumidores alternamos entre comprar segunda mano y otros segmentos” añade. También explica que la tendencia parece consolidarse a medida que más consumidores incorporan la segunda mano como una opción habitual —no solo por precio, sino como parte de una manera distinta de relacionarse con la ropa— en un escenario donde comprar menos, elegir mejor y alargar la vida útil de las prendas empieza a formar parte de la conversación cotidiana.

“Cumbres borrascosas” de Emerald Fennell se ha convertido en la película del momento, con un éxito en su primer fin de semana en los cines españoles después de su estreno el pasado viernes 13 de febrero, con más de 230.000 espectadores y una recaudación mayor de 1.800.000 euros, según los datos de ComScore.

Así, además de que se ha comentado la adaptación por su diferencia con la novela clásica de Emily Brontë en la que se inspira, está teniendo una recaudación global que llega a los 82 millones de dólares mundiales.

Una parte de su éxito responde a la química de sus protagonistas Jacob Elordi y Margot Robbie, siendo además destacado el vestuario que viste esta última como Catherine Earnshaw y que tiene detrás a la galardonada diseñadora Jacqueline Durran, que ha hecho un peculiar homenaje a la historia de la moda y del cine.

Durran tiene una dilatada trayectoria, con dos premios Óscar a Mejor Diseño de Vestuario en 2013 y 2020 por Anna Karenina y Mujercitas, dos películas de época, que se unen también a los dos BAFT que atesora también por su trabajo en otra adaptación de renombre como es Orgullo y Prejuicio (el otro es ganado también por Anna Karenina).

El trabajo de vestuario de Jacqueline Durran en “Cumbres Borrascosas” ha incluido alrededor de 50 trajes diseñados que tienen diferencias influencias, entre ellos diseños reales de la década de 1950, así como a Mugles o Alexander McQueen y del siglo XIX, con detalles contemporáneos. Todo ello con referencias a personajes históricos, proyectos del cine clásico, así como cuadros.

Los guiños a Maria Antonieta y Sissi en el vestuario de “Cumbres Borrascosas”

Dos de los vestidos que viste Margot Robbie en la película nos recuerdan a trajes reales que vistieron dos miembros icónicos de la realeza europea como son la emperatriz de Austria Sissi y la reina consorte de Francia, Maria Antonieta, dos figuras que, además, han contado con representaciones conocidas en el cine. En concreto, son el vestido de boda que viste Catherine Earnshaw al casarse con Edgar Linton, que se ha inspirado en el que vistió la propia Sissi y cuenta también con elementos de la moda de los años 50.

En cuanto a las referencias a Maria Antonieta, las tenemos en un vestido ligero de gasa con mangas abullonadas que es similar al que porta la reina consorte durante su momento más bucólico y rural, que recibía el nombre de chemise à la reine. Pero no se queda solo aquí, porque a nivel fotografía y utilización de colores es evidente la inspiración en la película que dirigió Sofia Coppola sobre la vida de este personaje histórico, en el que también se permitió licencias que fueron comentadas en su día.

El arte también ha servido para dar vida al contexto y el vestuario de “Cumbres Borrascosas”, con referencia clara al cuadro ‘Una joven suiza de Interlaken“ de Franz Xaver Winterhalter en un vestido blanco que va acompañado de un chaleco negro que hace recordar a una armadura, para mostrar también el lado más hostil de Catherine. El pintor romántico alemán Caspar David Friedrich ha sido también una clara inspiración para la fotografía de la película, con escenas que recuerdan a obras como ”El caminante sobre el mar de nubes“, ”Abadía en el Robledal“ o ”Un paseo al atardecer“.

Los vestidos basados en el cine clásico y la moda real

Durrran se ha basado también en colecciones reales que hemos visto sobre la pasarela, como la de Primavera-Verano 1996 de Thierry Mugler, que se ha representado en capas plásticas para crear el vestido de la noche de bodas de Cathy.

El cine clásico tiene también su aportación en el vestuario e imagen de “Cumbres Borrascosas”, con un look rojo que porta Margot Robbie que recuerda al de Scarlett O’Hara en Lo que el viento se llevó (1939), así como viste también un diseño que recuerda al de Michèle Mercier como Angélique Sancé de Monteloup en la película Angélique, marquesa de los ángeles (1964).

En un mercado de moda saturado de conceptos como ‘eco’, ‘orgánico’ o ‘consciente’, es fácil olvidar que la industria textil es responsable del 10% de las emisiones globales de carbono, según datos de Naciones Unidas. “Los consumidores confiamos en que las marcas se ocupen de hacer las cosas bien (...) Olvidamos esa herramienta diabólica de marketing llamada ‘greenwashing’: una empresa anuncia su compromiso medioambiental pero no lleva a cabo ningún gran cambio significativo, solo busca blanquear su imagen”, recoge en ‘La moda justa’ Marta D. Riezu. 

“Para mí, ser respetuosos con el medio ambiente en temas de moda no significa comprar ropa con etiquetas que utilizan palabras que al consumidor le cuesta descifrar su significado real y que solo sirven para limpiar nuestra conciencia consumista”, afirma Asun Domínguez, patronista y directora de Asun Domínguez Escuela de Moda. “Lo verdaderamente importante es que el consumidor asuma la responsabilidad de qué y cómo consume”, añade.

Reducir el consumo

La sostenibilidad no solo reside en el tejido, sino en qué y cómo se consume. “Lo único consciente que podemos hacer como consumidores es comprar con responsabilidad y evitar la compra impulsiva”, admite Domínguez, que asegura que el primero que nos lo agradecerá será nuestro bolsillo. 

La mayoría de artículos y expertos sobre el tema coinciden en que no comprar y utilizar lo que ya se tiene es siempre la opción más sostenible. “Pero esto no interesa, porque las industrias necesitan ese consumismo impulsivo y si para ello necesitan sacar una etiqueta ‘green’, la sacan”, opina la experta, que recomienda pensar varios días si realmente necesitamos una prenda antes de comprarla. 

Domínguez también subraya la importancia de tomarse el tiempo para pensar cómo combinar las prendas con el objetivo de reutilizarlas: “Invirtiendo un poco de tiempo en ver cómo introducirlas en nuevos ‘looks’, podamos darles una nueva vida”. Así como de “donar, regalar o vender lo que definitivamente no te vas a poner”.

Evitar el ‘fast fashion’

“No nos engañemos: el ‘fast fashion’ barato y la sostenibilidad no son compatibles”, zanja Domínguez, que defiende que no hay opciones verdaderamente ecológicas y baratas. “Es un tema demasiado amplio y las redes están llenas de artículos sobre el tema, pero la realidad es que lo realmente ecológico es costoso”, resume.

La importancia de los materiales

Cada material tiene sus ventajas dependiendo de las prioridades ambientales de cada uno, advierte la experta. “Todos tienen sus pros y contras: el algodón es mejor si te preocupa la contaminación de los océanos y los residuos; mientras que el poliéster es mejor si te preocupa la huella de carbono y la durabilidad”, explica Domínguez. “El poliéster es casi indestructible, una camiseta te puede durar 10 años sin deformarse, mientras que la de algodón se suele gastar antes”, aclara.

En su caso, explica, “más que evitar uno concreto, busco calidad, me fijo en los acabados, que no destiñan ni se deformen y que se puedan lavar y planchar en casa”.

Su infancia transcurrió entre los colores de La Palma, entre belleza verde, turquesa y toda la gama de colores de la tierra, distinguidos todos ellos del mismo modo en que los inuits nombran con siete palabras el blanco. En aquel entonces, una pequeña Paola se sentía más amante del arte en general que de la rama de la moda en particular, pero todo cambió cuando su madre le regaló una máquina de coser.

Estudió Bellas Artes en Tenerife y se formó en Diseño de Moda en la Universidad de Nebrija, Madrid, donde presentó su Trabajo de Fin de Grado 'Preservación del Patrimonio Cultural de La Palma a través de la moda’, perdió entonces el mar de vista, pero jamás del horizonte interior. Su carrera destaca por diseños inspirados en la isla, como el uso de ceniza volcánica y seda y técnicas locales, y ha ganado visibilidad en redes sociales y premios como los ‘Green Walk Awards 2024’. Su trayectoria confirma que nunca hay que subestimar los sueños de una niña de La Palma.

¿Qué recuerdas de tu infancia en Tijarafe?

De mi infancia en Tijarafe recuerdo un poco lo que es vivir con calma. Es verdad que es muy diferente la vida cuando tienes, por ejemplo, 10 años a cuando tienes 23. Y si a eso también le sumas un cambio de una isla a una ciudad tan grande como Madrid, pues sí que extraño muchísimo esa calma. El despertar y mirar por la ventana, que justamente daba al mar, era un paisaje totalmente distinto al que tengo hoy. En Tijarafe vivía en una casa donde todo era naturaleza. Un sitio muy familiar donde estaba toda mi familia junta. Recuerdo la vida en familia, mi niñez y sinceramente también la vida con los animales. Me encantan los animales, al igual que a mi madre, siempre hemos tenido perros o gatitos.

¿Cuándo te marchas de la isla?

Antes de irme a Madrid, me fui a Tenerife porque yo hice primero de Bellas Artes en La Laguna. Estuve un año viviendo en Tenerife, que fue justo el año del Covid. Soy una persona muy familiar, pero a la vez llevo muy bien el estar lejos o en otra ciudad. No me costó acostumbrarme a Madrid, quizá Tenerife no me gustó tanto, no sé si fue por el Covid o porque no estaba estudiando lo que realmente me gustaba. En Madrid sí sentí desde el día uno una gran acogida. He hablado con muchísima gente que no se ha sentido así, que le costó muchísimo y que le cuesta acostumbrarse a Madrid o que ya se ha ido, pero para mí ha sido como una segunda casa. Madrid para mí es un sitio, dentro de lo que cabe por el caos que tiene, de tranquilidad y de trabajo. 

Y es verdad que se extrañan muchas cosas de la isla como el mar. La verdad es que yo las primeras veces que estuve aquí en Madrid me agobiaba al mirar el horizonte y no ver el mar cuando te has criado toda tu vida en una isla. Pero vamos, al final los cambios son acostumbrarse y yo, por suerte, lo vuelvo a decir, estoy muy cómoda aquí. 

¿Tu Trabajo de Fin de Grado (TFG) ha sido una declaración de intenciones de lo que quieres plasmar en tus creaciones?

Mi trabajo de fin de grado, que lo presenté en julio del año pasado, se llama ‘Preservación del Patrimonio Cultural de La Palma a través de la moda’. Más que una declaración de intenciones, fue como un poco la creación de mi personalidad como diseñadora. Yo hice ese trabajo inspirado en los trajes típicos de La Palma. Desde una manera, entre comillas, desinteresada. Sin querer que mi estética fuera eso. Sin saber que iba a llegar a tanta gente. Fue como algo que a mí me tocaba muchísimo de cerca. Y, sobre todo, que me llamaba muchísimo la atención y quería que el mundo lo conociera. Prácticamente todas mis colecciones de la carrera las he inspirado en la isla de La Palma. En mi cabeza hay muchas ideas y al fin y al cabo tiras como de lo que tienes dentro, de lo que te apasiona; un flujo de pensamientos desde mi interior. Y que poco a poco, en base a ir trabajando y a ir adentrándome más en todo este tema de mi TFG, en conocer las técnicas, en crearlas y en valorarlas aún más y en mostrarlas fue que nació, por así decirlo, como mi intención de querer que mi estética como diseñadora esté ligada a eso.

¿Qué tiene la seda de El Paso o la técnica del sisnado, que te la llevas contigo al presente y al futuro?

La seda de El Paso o la técnica del sisnado son otros aspectos más que se suman a lo que viene siendo las técnicas que se utilizan para confeccionar los trajes típicos de La Palma. Es cuando tú ves las cosas de cerca, como cuando estaba creando mi TFG, que fui al museo de la seda de El Paso y pude ver cómo se hacía todo. Hablar con las artesanas, ver los telares, ver todo el trabajo que llevan, no es lo mismo leerlo en un libro, que también sorprende, a estar ahí y ver todo el proceso, que es sorprendente, que la gente te lo cuente y encima darse cuenta de que en Europa es el único taller de seda que hay que todavía utiliza los telares reales. Todo eso te toca muy adentro y te sientes muy afortunada, o yo por lo menos, y me enorgullezco de todo lo que tiene mi isla, todo el arte que tiene la gente de mi isla y lo quiero mostrar a la gente que aún no lo conoce.

Y lo mismo pasa con el sisnado, yo soy muy curiosa, a mí me encanta ver cómo se hacen las cosas, más si son relacionadas con la moda, el arte, y cuando yo llevo a sisnar mis prendas, yo subí dos o tres veces al pequeño cuartito donde lo hacía Lourdes, que es la mujer que me lo hizo, porque me daba mucha curiosidad saber cómo se hacía, ella me explicó todo el proceso, y el cariño de verlo, de valorarlo y de querer que la gente lo vea. Lo del sisnado me costó mucho, siempre lo he dicho, encontrar a alguien que me sisnara. Son técnicas tan antiguas y que se hacen de manera tan manual y cómo con tanto cuidado y tanta paciencia que al fin y al cabo las cosas se pierden, porque hoy en día siempre queremos más rapidez, las cosas más efectivas en cuanto a tiempo, entonces vamos dejando de lado estos trabajos.

¿Cómo viviste la erupción del Tajogaite y cómo quedó plasmado en tu arte?

El volcán de Tajogaite se activó justamente el año que yo me vine a vivir a Madrid, entonces yo la verdad que el volcán no lo vi nunca, no estuve en La Palma, yo hablaba con mi familia y con mis amigos, que se estaba viviendo una situación horrible, ya no por todo lo que se llevó y la catástrofe, sino por las cenizas llegaron hasta el otro lado de la isla, no se podía respirar bien, entonces fue un ambiente tan malo desde mi perspectiva, a ver, lo fue, pero hay gente que al fin y al cabo lo mira como un fenómeno natural, que también es lo que es, pero los palmeros en sí lo vivimos de otra manera. Se estaba pasando tan mal en la isla, que yo nunca fui en ese momento, estaba estudiando, estaba con mi carrera, estaba con mis exámenes y por así decirlo nunca lo viví cara a cara, porque yo no estuve en la isla, así que lo viví con un montón de incertidumbre, con un montón de miedo, con 20.000 pensamientos de que mi familia estuviera bien.

Y después de todo, siempre hay cosas buenas, como toda la unión de la gente, el apoyo que se vivió en la isla también, y yo quise hacer también un diseño inspirado en el volcán, también representando el resurgir de las cenizas, que todo lo malo no es tan malo, ni todo lo bueno es tan bueno, entonces esta catástrofe que tuvimos tan mala también tuvo sus cosas un poco más positivas, lo digo entre comillas, porque la isla está otra vez fuerte, floreciendo, representando también un poco el paisaje que nos dejó, entonces yo hice un diseño inspirado en este fenómeno, hice un corsé con resina y una falda que hacía referencia a los caminitos de lava. Gracias a ese diseño y a esa inspiración por primera vez una influencer que fue Sofía Surfer, una de las más conocidas en España, lució un diseño mío en el Festival de Cannes.

La industria de la moda interpela a la sociedad a grandes debates contemporáneos; la relación con el cuerpo, la moda rápida o el cuidado del planeta. ¿Cómo lo ves desde dentro?

Es verdad que cuando entras en este ámbito descubres muchas cosas. En cuanto a la relación con el cuerpo, siento que estamos mejorando mucho. Cada vez hay más diversidad, más visibilidad para cuerpos distintos, no solo los de modelo a los que estábamos acostumbradas. En ese aspecto, sí percibo un gran avance. Otro tema importante es la moda rápida y su impacto ambiental. Hoy, la gente tiene menos tiempo y la tecnología acelera todo, lo que agrava el problema. La moda es una de las industrias que más contamina, y muchas personas no son conscientes de ello. La sobreproducción afecta directamente al planeta. En mi opinión, la responsabilidad recae tanto en las grandes marcas que generan este modelo como en quien consume, aunque creo que la mayor parte es de quien produce. Si las empresas ofrecen sin parar, la gente seguirá comprando. Pero si limitan la oferta, el consumo se regula. Por eso pienso que deberían establecerse normas, como limitar las colecciones a dos o tres por año. Sería una manera de frenar este ritmo tan acelerado que no nos deja disfrutar ni apreciar las prendas ni las tendencias. No soy partidaria de que todo vaya tan rápido.

¿A quién admira Paola o en quién se referencia?

En cuanto a referencias, creo que están en todas partes: desde un paseo por Madrid o La Palma hasta una imagen en Pinterest o un paisaje que me inspire. Todo lo que puedo observar y transformar en algo propio se convierte en una referencia. Tengo muchos referentes. Mi marca de alta costura favorita es Schiaparelli, porque sus diseños son auténticas obras de arte. Pero si tuviera que elegir un referente máximo, sería Cristóbal Balenciaga: un verdadero arquitecto de la costura, detallista, innovador y contrario a la producción en masa. Además, siendo español, me inspira especialmente. También admiro el trabajo de Lorenzo Caprile, que mantiene vivo ese espíritu artesanal de la alta costura.

¿Qué nos puedes contar de tus próximos proyectos?

Justamente ayer saqué a la luz lo último en lo que estoy trabajando que es un diseño inspirado en el universo de ‘Los Bridgerton’, la serie de Netflix, después de que la plataforma me contactara. Yo no me lo podía creer, que Netflix estuviera contactando conmigo para crear un diseño de una serie tan importante que me encanta, estoy muy agradecida. Se trata de un proyecto donde únicamente hay nueve diseñadores que trabajan con nueve influencers para hacer un diseño inspirado en el universo Bridgerton, para un baile de máscaras que se celebrará en Madrid el 17 de febrero por primera vez y la verdad que ahora mismo estoy de lleno en ese trabajo. Tengo proyectos bastante grandes en mi mente en los que estoy trabajando desde ya que espero en un futuro poder dar la noticia y contar un poco más sobre ellos, pero de momento estoy con este y muy feliz cosiendo y diseñando.

El diseñador Valentino Garavani ha muerto a los 93 años de edad en Roma, según ha confirmado su fundación en una publicación de Instagram. El genio de la costura, que estaba retirado desde 2008, se había convertido en una de las grandes figuras del mundo de la moda desde que se iniciara en el oficio a mediados del siglo pasado.

“Valentino Garavani ha fallecido hoy en su residencia romana, rodeado de sus seres queridos”, ha informado la fundación a través de redes sociales. “El velatorio se celebrará en PM23, en Piazza Mignanelli 23, el miércoles 21 de enero y el jueves 22 de enero, de 11:00 a 18:00 horas. El funeral tendrá lugar el viernes 23 de enero en la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, en Piazza della Repubblica 8, en Roma, a las 11:00 horas”, ha añadido.

Nacido el 11 de mayo de 1932 en la localidad italiana de Voghera, en Lombardía, recibió su nombre en honor al actor de cine mudo Rodolfo Valentino. El modisto siempre había sentido un interés enorme por la industria de la moda. Tanto es así que, a los 17 años, sorprendió a sus padres al mudarse a París para estudiar en École des Beaux-Arts y en la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Fue entonces cuando comenzó como aprendiz de Cristóbal Balenciaga, Jean Dèsses y Guy Laroche. Más adelante, en 1959, regresaría a Roma para abrir su propio estudio con ayuda de sus padres.

Nombres reconocidos como Elizabeth Taylor, la princesa Diana de Gales o Audrey Hepburn llegarían a pasar por las manos de Valentino Garavani a lo largo de su aclamada trayectoria. Sin embargo, no es la única figura que quedaría asocieda a él. En 1960, Valentino conocería a Giancarlo Giammetti, quien acabaría siendo tanto su socio como su pareja. Junto a él fundó la Maison Valentino ese mismo año.

Con tan solo 26 años, el diseñador lanzaría su primera colección, que se estrenó el 28 de febrero de 1959 en sus salones de la Via Condotti de Roma. Asimismo, en julio de 1962, Valentino fue uno de los diseñadores que desfilaron en la Sala Bianca del Palacio Pitti, una plataforma que contribuyó al lanzamiento internacional de la marca, que Giancarlo Giammetti contribuiría a expandir hasta llegar a transformarla en un imperio global.

Desde aquel momento, el modisto se haría cargo de una de las marcas más respetadas de la moda, que redefinió por completo el arte contemporáneo. Fue apodado el “último emperador” en un documental sobre su vida dirigido por Matt Tyrnauer y estrenado en 2008, donde aparecen los muchos jets privados, vestidos y galas que acabarían dando forma al reconocimiento de Valentino en todo el mundo.

Italia siempre ha considerado a Valentino como una de las figuras más importantes del país. “En Italia, está el Papa y está Valentino”, llegaría a afirmar Walter Veltroni, entonces alcalde de Roma, en un perfil del modista publicado en 2005 en The New Yorker. Unos años después, el modisto confesaría el secreto de su éxito al periódico estadounidense The New York Times: “Es muy, muy sencillo. Intento que mis chicas luzcan sensacionales”.

El Ayuntamiento de Calahorra ha aprobado las bases del V Concurso de diseño de trajes para la Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’. Un desfile único, que se celebrará el 24 de abril dentro de las XXX Jornadas Gastronómicas de la Verdura, declaradas Fiesta de Interés Turístico Regional.

La Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ es uno de los actos centrales de estas jornadas y ofrece una visión innovadora de la moda a través de diseños de verduras, poniendo en valor los productos que se cultivan en la huerta calagurritana y que han convertido a Calahorra en la ‘Ciudad de la Verdura’.

Este desfile fusiona moda, arte y gastronomía, ya que todos los trajes presentados deberán estar confeccionados y decorados con verduras, ya sean frescas, deshidratadas u otras formas trabajadas, manteniendo siempre su aspecto natural.

Este año el concurso establece una nueva categoría ‘Enograstronómica’, en el que los diseños podrán estar realizados con verduras y productos relacionados con el mundo del vino. El Consejo Regulador Denominación de Origen Calificada Rioja patrocina este premio, dotado con 1.500 euros.

Además, se otorgarán dos premios: al mejor traje de la categoría ‘Diseño original’, cuyo importe asciende a 3.000 euros, y al mejor diseño de la categoría ‘Inspiración’ por valor de 2.500 euros.  

Participantes y categorías

El concurso está abierto a modistas, diseñadores y diseñadoras, estudiantes de moda, patronaje y personas aficionadas al mundo del diseño, tanto profesionales como amateurs. Podrán participar también menores de edad, siempre que la inscripción sea presentada por su tutor o tutora legal.

Se establecen tres categorías:

El número máximo de trajes seleccionados para desfilar será de 12, femeninos y/o masculinos, que deberán ser desfilados por modelos mayores de edad.

Los vestidos que opten al concurso serán trajes femeninos y masculinos de edades adultas y deberán estar decorados y/o estampados con vegetales, bien sean frescos y/o deshidratados o en cualquier otra forma que se trabajen.

Su confección se realizará a mano o a máquina con un acabado exquisito y uso de entretela y sus fornituras.

Las bases del concurso permiten el empleo de ciertos productos cuya única finalidad sea dar brillo a la verdura, pero no se podrá cambiar el color de las hortalizas.

Inscripción y fases del concurso

El plazo de inscripción para la participación en el concurso permanecerá abierto hasta el 23 de febrero de 2026. Las inscripciones deberán formalizarse a través del formulario disponible en la web municipal (www.calahorra.es), solicitándolo en el correo electrónico pasarelaverdura@calahorra.es o a través de correo certificado entregado en la Oficina de Turismo.

El concurso se desarrollará en dos fases:

Los diseños seleccionados participarán en el desfile y concurso final, que será el viernes 24 de abril de 2026, con un pase previo ante el jurado.

Premios y ayudas

El concurso contempla los siguientes premios en metálico:

Además, todos los trajes que desfilen y no resulten premiados recibirán una ayuda de 300 euros en concepto de gastos de participación, salvo los descalificados.

Los trajes premiados pasarán a formar parte del patrimonio de la organización y podrán ser exhibidos en el Museo de la Verdura u otros espacios expositivos, reconociéndose siempre la autoría del diseño.

Las bases completas del V Concurso Pasarela ‘Ciudad de la Verdura’ están publicadas en la web municipal, en el Boletín Oficial de La Rioja y en la Base Nacional de Subvenciones.

Encontrar ropa que siente bien se convierte a veces en una misión imposible, en una aventura de profunda búsqueda entre tallas que varían de una marca a otra, prendas que no se ajustan a los pliegues del cuerpo y los maniquíes que solo existen en las fotos de las páginas web de moda. Vestirnos se ha convertido en un acto de fe y de paciencia. En redes, el debate sobre el mid size (sea lo que sea ese término) y sobre lo curvy ha destapado un malestar compartido: la sensación de que la moda se diseña para unos pocos cuerpos proporcionados y deja fuera a la mayoría.

En ese terreno se mueve Cristina Real, diseñadora y doctoranda en BAU Centro Universitario de Artes y Diseño, ubicado en Barcelona y adscrito a la Universitat de Vic–Universitat Central de Catalunya. Su investigación se centra, precisamente, en el papel de la talla M como dispositivo que normaliza los cuerpos y que marca la forma del resto de tallas: la XS será una M pequeña y la XL será una M grande. Desde su tesis, analiza cómo esa medida aparentemente neutra define quién entra y quién queda fuera del sistema de la moda. Su trabajo propone repensar el patronaje, las tallas y la forma misma de producir ropa, para que vestirnos deje de ser una batalla contra el espejo y vuelva a ser, simplemente, una forma de expresión. 

Empezó a interesarse por el patronaje a los 10 años cuando al ponerse un pantalón se dio cuenta de que la zona de la entrepierna no se amoldaba a su cuerpo, y desmontó la prenda para entender su configuración. ¿De qué se percató?

El conocimiento que yo tenía en ese momento era el de los cuerpos de las muñecas, que tienen una parte plana que se corresponde con toda la zona genital. En mi cabeza, esa zona tenía que funcionar en una prenda, como lo hacen unas bragas, siendo plana y acompañando toda la zona. Cuando abrí el pantalón y vi que la entrepierna no se parecía en nada a esa zona plana que yo tenía en mi cabeza, no entendí qué estaba pasando y, no sólo desmonté unos pantalones, sino que destrocé otros intentando convertirlos en faldas, y siempre había un pico que sobraba. Desde entonces, me di cuenta de que lo que yo pensaba que era y lo que era en realidad no casaban.

Lo mismo me pasó con las mangas, con los cuellos, con las zonas más complejas que tienen que ver con la construcción de la ropa. Hasta que no fui bastante más mayor, no entendí realmente cómo funcionaban los pantalones y empecé a interesarme por el porqué de ese tipo de construcciones.

La pregunta es amplia, pero necesaria: ¿por qué decidió interesarse específicamente en la talla M?

Me interesa el patronaje porque es muy afín al dibujo técnico, a la definición formal de objetos, a la volumetría, a la definición geométrica de las cosas. Y la talla M, porque es una cosa que aprendemos todas desde bastante jóvenes. Cuando empezamos a sentir curiosidad por la ropa, vamos a las tiendas, empezamos a comprar prendas y nos meten en la cabeza que nuestra talla está en la S y la M. Rondamos y habitamos ese lugar de la talla M, pero, cuando se empiezan a ver los cuerpos desde otra perspectiva, se trabaja con otras tallas, con otras formas, una se da cuenta de que lo que significa realmente esa definición de la talla M y quién encaja en ella y quién no, así como de todo lo que la envuelve, vemos que no estamos hablando únicamente de ropa cuando hablamos de la talla M, sino de disciplina corporal, vigilancia del cuerpo, dietas, un montón de industrias que se despliegan a partir de ahí; alimentación, bienestar, salud, medicina, cirugía. 

No hablamos únicamente de ropa cuando hablamos de la talla M, sino de disciplina corporal, vigilancia del cuerpo, dietas, un montón de industrias que se despliegan a partir de ahí; alimentación, bienestar, salud, medicina, cirugía

Todo esto deriva de esta semilla que se siembra en nosotros con la talla M y de todo lo que hay que hacer para encontrar ropa para nuestro cuerpo. La talla M tiene poder e influencia no sólo en la ropa que compramos, sino en cómo nos vemos a nosotros mismos y a las personas que nos rodean. Ese elemento que parece formar parte de algo industrial y productivo, de alguna manera, articula nuestras vidas.

La norma se establece a partir de la muestra de la ciudadanía, no del total. ¿Cómo está sesgado este proceso y por qué genera una relación ideal de medidas que excluye a gran parte de la población?

Cada empresa o cada marca elabora sus tallas y lo hace de la manera que cree conveniente en función de sus necesidades productivas o del público al que se dirige. Hay muchas empresas que elaboran las tablas industriales estandarizadas en función de su experiencia, de su clientela particular, y hay otras que trabajan directamente con estudios antropométricos. Lo que produce eso en el mercado es una desconexión muy grande entre diferentes tamaños. Hay muchas prendas que se llaman M que no son iguales: no son las mismas medidas, no son las mismas proporciones, pero todas se llaman M.

A la hora de generar las tallas, se hacen estudios de población, que están sesgados directamente por la muestra. En esos estudios hay “cuerpos residuo” que se excluyen y discriminan directamente porque, en teoría, sus cualidades formales, su silueta, sus medidas, no encajan con el patrón general. Por lo tanto, los estudios de población se dirigen a lo común y todo lo que queda fuera no tiene representación ni en las tallas, ni en las tablas de medida, ni en la ropa ni en ninguna parte. Las tallas responden a cuerpos homogéneos, a lo común, y quienes pueden vestir esas prendas son cuerpos homogéneos y comunes. Todo lo demás, todo lo que es particular o específico, es un problema, se excluye y queda penalizado. La talla que más se vende en España es la 46. Y cualquiera diría: “¿La 46? ¿En serio?”. Sí, porque nuestro país está envejecido, pero hay una distorsión de la realidad de los cuerpos, de las tallas y de las medidas que lleva a pensar que sería otra talla.

¿Considera que existe una 'tasa curvy' para la ropa de tallas grandes que perpetúa una discriminación económica y estética a quienes se salen de la norma corporal establecida?

Evidentemente. Yo he trabajado mucho tiempo con tallas grandes, así que entiendo lo que se sale de la norma, pero yo creo que lo que mejor puede ejemplificar lo que pasa con las tallas, ya no solo las curvy, sino las curvy en adelante, es lo que pasó con Violeta, la marca de tallas grandes de Mango. Violeta estaba fabricando la misma ropa que Mango hacía para cuerpos normativos para cuerpos no normativos, pero la vendía en un espacio físico diferente. Las clientas de Mango de toda la vida no querían sentir que la ropa que ellas vestían la llevaban también mujeres gordas. ¿Qué pasó? Que a esas mujeres gordas se les buscó un espacio propio, en el que podían encontrar cosas para ellas, diseños específicos para ellas, pero también muchos diseños clásicos de la colección normativa de Mango. Y ellas reflexionaban: “¿Por qué estoy siendo discriminada en un espacio físico? ¿Por qué tengo que ir a otro sitio a comprar el mismo producto?”. Empezaron a darse cuenta de que estaban siendo discriminadas, se quejaron y Violeta desapareció.

Si alguien quiere comprar una talla más grande que una XL, no la va a encontrar en la tienda, sólo online. Y ahí radica la otra parte del problema: los cuerpos de talla grande necesitan poder probarse la ropa, porque sus cuerpos no son normativos. Vivimos en una sociedad totalmente gordofóbica. La talla 46 es la más vendida, pero ¿dónde encuentra una mujer ropa de la talla 46? ¿Dónde compran nuestras madres y nuestras abuelas la ropa?

Vivimos en una sociedad totalmente gordofóbica. La talla 46 es la más vendida, pero ¿dónde encuentra una mujer ropa de la talla 46?

Toda la industria de la moda está enfocada de una manera totalmente excluyente: una mujer joven con una talla 46, la va a comprar en ASOS Curvy o Shein Curvy, porque hay muchísima oferta y se puede sentir como esa adolescente que va a una tienda y tiene todo, no tendrá que ir a El Corte Inglés a probarse ropa de mami. Hay un problema, ya no solo económico, sino de discriminación corporal, de acceso a cierto tipo de prendas.

Partiendo de la idea de que el patronaje no es una herramienta pasiva, ¿de qué manera configura y normaliza los cuerpos a nivel industrial?

El inicio de cualquier prenda es una tabla de medidas. Imaginemos que la talla M corresponde a un 90-60-90, por poner un ejemplo. A partir de ahí, se escalan las prendas con base a matemáticas estadísticas y cifras abstractas y proporcionales a esa talla M.

Hablamos de proporciones hacia arriba y proporciones hacia abajo. Los cuerpos de una talla XL son una talla M más grande y los de una XS son una talla M más pequeña, pero esto en la vida real no funciona así, porque el cuerpo crece de manera distinta.

Todas las técnicas que se han desarrollado a lo largo de la historia para evolucionar el patronaje han tendido a ese cuerpo común, homogéneo y a esa normatividad como ejemplo

Sin embargo, el patronaje industrial funciona de esta manera, guarda siempre la misma proporción y está creando de esta manera normatividad. Todas las técnicas que se han desarrollado a lo largo de la historia para evolucionar el patronaje han tendido a ese cuerpo común, homogéneo y a esa normatividad como ejemplo.

El concepto de mid size se ha popularizado en redes, pero en ocasiones, los cuerpos que se abanderan como tal son mucho más normativos y delgados o proporcionados. Cuando una persona que no encaja en esa categoría mid size se apropia de ella, ¿cree que lo hace desde la inconsciencia o existe un discurso más peligroso detrás que busca diluir la lucha por la diversidad corporal?

Sí. El tema de la diversidad corporal es algo que hace unos 10 años tuvo mucha fuerza y mucha repercusión. Hubo en redes sociales un movimiento muy fuerte, ya no sólo de los cuerpos curvy, sino del “quererse a una misma”, pero ha ido desapareciendo y no ha sido porque las marcas hayan asumido la diversidad corporal. El cuerpo delgado sigue siendo el imperante, el cuerpo gordo sigue siendo el discriminado y las marcas tampoco han hecho nada más por ampliar o por mejorar su tallaje, más allá de soluciones que pasan por avatares digitales que tampoco tienen una repercusión real en el mercado. 

Cuando alguien está en el círculo de la moda, la diversidad corporal se acaba cuestionando un poco porque, de alguna manera, todos los gordos quieren ser delgados, porque la vida es mucho más fácil siendo delgado. Se verá mejor siendo delgado, es más fácil comprar ropa y sienta mejor, porque la ropa está diseñada para cuerpos delgados. El diseñador Alejandro Palomo, la estilista Alba Melendo y la periodista Raquel Fernández Sobrín en un episodio del pódcast Fashion Sucks empiezan hablando de diversidad y terminan mencionando dietas y balones gástricos, porque, de alguna manera, siempre se acaba volviendo a ese punto en el que estar delgado es mejor.

Las marcas tampoco han hecho nada más por ampliar o por mejorar su tallaje, más allá de soluciones que pasan por avatares digitales que tampoco tienen una repercusión real en el mercado

¿Qué consecuencias directas, a nivel social y de salud, trae consigo ver esta normalización de cuerpos por parte de la industria de la moda?

Realmente, no se ve, ya está en nosotros. Si una chica se pone unas bragas de la talla M y le aprietan va a pensar automáticamente que tiene que perder un kilito. Es automático, como el “mete barriga para la foto”, “tienes que hacer un poco más de ejercicio” o el reproche de “hoy no te has movido”. Todo el mundo ha sentido de alguna manera esa vigilancia corporal, pero es que nos están induciendo a estar delgado, y nos castigamos constantemente con el hecho de que tenemos que caber en la talla M para que nuestra vida sea más fácil. Y, desde el enfoque productivo, producir menos tallas es más barato. 

¿Cómo se pueden mejorar los sistemas de tallaje, hacen falta más tallas o tallas diferentes? 

Con eso pasaría lo mismo que con las tallas de sujetadores. ¿Qué mujer de este mundo las entiende? Ninguna. Además, la talla 110 con una copa B no existe, porque se entiende que eso no es posible. En la realidad, evidentemente, sí que lo es. La mejora en los sistemas de tallas pasa por la honestidad y la transparencia con qué cuerpos quedan fuera y cuáles no. Una tabla de medidas de pecho, cintura y cadera es incompleta. Las investigaciones indican que una mejoría en las tallas pasa por un mejor estudio de la población, por más antropometría, pero ese estudio no pasa por estudiar mejor el cuerpo, sino por estudiar más cuerpos. 

¿Qué implica que las marcas se apropien de la estética queer y de la cultura body positive si no hay un cambio de fondo en la industria para adaptarse a cuerpos y estéticas diferentes?

La moda se apropia de todo cuando y como quiere, y lo diluye. Pero ¿cuál ha sido la repercusión de que las marcas se apropien del body positive? Ninguna. La primera parte de mi tesis se titula '¿Por qué todos los pantalones me sientan mal?'. Yo toda mi vida he llevado vestidos porque es que no me sientan bien los pantalones. Cuando lo empiezo a analizar, me doy cuenta de que mi pelvis está rotada hacia delante una cantidad de grados que no son los normales y, en la zona de la cremallera, me sale una cosa horrible imposible de llevar. Y a cualquier persona le pasa algo con los pantalones: o tiene muslos de atleta, o cuando le entra de cadera no le entra de pierna, o le aprieta la cintura. 

¿Están las empresas de moda haciendo deliberadamente mal la ropa?

Sí, porque el modelo de ajuste no es válido para todos y está mal hecha para la gran mayoría de la población. Hay empresas de moda que están haciendo lo que les da la gana para tener beneficios, pero hay otras personas que lo están haciendo bien. 

Encastada entre botigues de souvenirs, pisos turístics i franquícies que se succeeixen amb rapidesa, Ca Donya Àngela celebra a la seva façana la data fundacional de la seva trajectòria: 1685. Des de llavors, onze generacions han treballat rere els seus mostradors. Amb més de tres segles a les seves espatlles, és la merceria més antiga de Mallorca i presumiblement també d'Espanya, com l'han definit els estudis històrics i ho acredita l'ingent documentació sobre la seva activitat. El local ha sobreviscut a transformacions urbanes, canvis polítics i fins i tot a la Inquisició, que es va acarnissar amb el seu primer propietari -d'origen xueta- i li va confiscar el negoci. Des de llavors l'ha regit la mateixa família. Fins ara: la jubilació del seu actual propietari, Miquel Aguiló, ha posat fi a 340 anys de rutines compartides amb els veïns i a una manera d'entendre la ciutat pràcticament desapareguda.

“Aquí, al centre de Palma, moure's ja no pinta res. Tot són guiris i lloguer turístic. No compren coses de merceria. La gent de Palma ja no arriba fins aquí i, si hi arriba, és per passejar”, comenta Miquel, qui, al costat de la seva germana, Angèlica, atén elDiario.es entre milers de botons ordenats per mides, colors i èpoques, fulards, calces i calaixeres plenes de fils, últim rastre tangible d'una economia de proximitat que avui resulta difícil de mantenir. Darrere el gest íntim d'un comerciant que es jubila hi ha factors estructurals que expliquen per què cada vegada costa més mantenir el petit comerç tradicional a Palma: la desaparició del veïnat de tota la vida –ara substituït per turistes– i la irrupció de les grans superfícies i del comerç a gran escala han anat arraconant la botiga fins a deixar-la sense el teixit humà que durant segles l'ha mantingut viva. Per a Aguiló, el final de Ca Donya Àngela és també el retrat d'una ciutat que ha deixat de ser-ho per als seus habitants.

Als voltants, l'entorn s'ha tornat volàtil: els rètols canvien, els usos es dilueixen i el comerç deixa de tenir arrels, convertint el carrer Jaume II, en ple casc històric, en un corredor de consum passatger en què ja gairebé res no està pensat per a qui viu, sinó per a qui passa. No només això. Miquel assenyala que les històriques façanes d'aquesta cèntrica via s'han transformat en els últims anys en un reclam per a fotos. Ho delata una petita caixa que espera rere el taulell: és una guardiola simbòlica que resa “Foto 1 euro”. I és que la merceria, com altres comerços tradicionals de la zona que antany eren espais d'intercanvi quotidià, s'ha convertit en un lloc per a visitants que no compren. “A nosaltres no ens molesta que entri algú, saludi, et compri alguna cosa i et pregunti: 'Puc fer una foto?'. El que molesta és que entrin, no et mirin a la cara, facin dues fotos i se'n vagin sense dir ni hola ni adéu”, assevera Miquel. Tot i la presència de la guardiola, assenyala, “ningú no ha tirat ni un euro”.

A nosaltres no ens molesta que entri algú, saludi, et compri alguna cosa i et pregunti: 'Puc fer una foto?'. El que molesta és que entrin, no et mirin a la cara, facin dues fotos i se'n vagin sense dir ni hola ni adéu', assevera el propietari. La merceria té una guardiola simbòlica que resa 'Foto 1 euro'. 'Ningú no ha tirat ni un euro mai', lamenta el propietari

“Cada vegada hi ha menys població local”

La desaparició del veïnat és una constant en el seu relat. “Molt poca, molt poca. Cada vegada hi ha menys”, diu sobre la població local: “Està tot molt car. Les finques antigues les compren, les reformen i les destinen al lloguer turístic. O algú que té molts diners es fa una casa unifamiliar on abans hi havia tres o quatre pisos”. Per al petit comerç, el resultat és demolidor: “Amb prou feines quedam comerços tradicionals. Tot es fa de cara al turisme”.

Aguiló situa un altre punt d'inflexió a l'arribada de les grans superfícies. “Es va començar a notar quan va obrir El Corte Inglés de les Avingudes”, recorda. La irrupció el 1995 d'aquest gran magatzem va simbolitzar modernitat, però també va alterar els hàbits de consum: moltes compres que abans es repartien entre merceries, sabateries, ferreteries o botigues de teixits van passar a concentrar-se en un únic espai. Amb el temps, aquesta lògica es va intensificar amb l'arribada de noves cadenes i superfícies com Carrefour, Alcampo i altres grans centres comercials dels afores, que van acabar de consolidar un model basat en el volum, el preu i l'estandardització, engolint desenes de petits comerços especialitzats. “La facilitat d'anar amb el cotxe, aparcar gratis i trobar-ho tot es nota molt”, apunta Miquel.

L'últim propietari de la merceria més antiga de Mallorca recorda que “abans la gent s'ho feia tot: els pantalons, les camises, els jerseis... fins que va començar a sortir més barat comprar-ho fet que fer-ho”. No debades, més enrere en el temps, l'establiment enviava les teles a la seva clientela i “tenia absolutament de tot, fins i tot colònies i perfums”, comenta Miquel, qui es gira un instant per dirigir la seva mirada a un antic anunci publicat a premsa sobre els productes de la botiga: “Articles d'or xapat, ventalls, corbates...”. L'establiment va anar reduint la seva oferta a mesura que el consum s'industrialitzava, deixant enrere aquell model gairebé total de 'botiga-món' que abastia la vida quotidiana d'un barri sencer. Més endavant, el comerç del centre va començar a quedar atrapat entre la falta de residents i la pèrdua d'hàbits.

La història de Ca Donya Àngela està travessada també per un dels episodis més foscos de Mallorca: la Inquisició. Aguiló conserva documentació que situa el local al centre de les persecucions contra els xuetes: revela que un noble, Baltasar Contestí, va vendre el local a un xueta i, al cap de d'uns anys, se'l va quedar la Inquisició. “Sabem que el propietari va haver de fugir de Mallorca pels autos de fe de 1692”, afegeix

La documentació que tenim diu que un noble, Baltasar Contestí, va vendre el local a un xueta i, al cap d'uns anys, se'l va quedar la Inquisició. Sabem que el propietari va haver de fugir de Mallorca pels autos de fe de 1692

Miquel Aguiló — Propietari de Ca Donya Àngela

La merceria, una antiga oficina de Dret del Segell

Però abans de la irrupció del Sant Ofici i de la fundació de la merceria, els documents assenyalen que el local va acollir una oficina del Dret del Segell, un impost sobre els teixits i altres mercaderies instaurat el 1376 per Pere IV d'Aragó en un context de forta pressió fiscal derivada de les guerres i de les necessitats de la Hisenda reial, i ratificat posteriorment per Ferran el Catòlic el 1499 per reforçar-ne el control i la recaptació. El gravamen obligava a marcar –segellar– els draps per certificar que havien pagat el tribut i la seva gestió es duia a terme a través d'oficines específiques. Que el local de Ca Donya Àngela contingués l'oficina del Dret del Segell confirma la seva vinculació primerenca al comerç tèxtil i situa l'edifici dins dels circuits econòmics i administratius que regulaven la producció i venda de teles a la Mallorca baixmedieval, molt abans de convertir-se en merceria.

Els antics noms del carrer Jaume II feien al·lusió, de fet, a les activitats que centralitzava: a més de denominar-se carrer del Segell per la presència de l'oficina, es va anomenar carrer dels Bastaixos en al·lusió als carregadors i transportistes que treballaven a la zona, remetent al seu paper com a eix econòmic i administratiu de Palma, principalment en relació amb el comerç tèxtil, el trànsit de mercaderies i la fiscalitat. Així mateix, la via formava part d'un dels calls de Palma, l'entramat urbà on residia la comunitat jueva mallorquina, la tasca mercantil de la qual va ser clau a l'economia de la ciutat fins a finals del segle XV.

La ruptura va arribar amb la persecució inquisitorial i les conversions forçoses dels jueus, que van culminar en els autos de fe de 1691 i 1692 i en la violenta dissolució del món hebreu mallorquí, acompanyat de la confiscació dels seus béns i propietats. “La Inquisició es finançava així: denunciaves un veí i et quedaves amb el seu negoci”, resumeix, assenyalant una pràctica que va convertir la delació en un mecanisme habitual per redistribuir –per la força– la riquesa urbana a la Mallorca de l'Edat Moderna. Després d'aquell procés, la merceria va canviar de mans fins a tornar, paradoxalment, a propietaris descendents dels jueus conversos que durant segles van estar marcats per l'estigma social. El 1685 va ser l'any en què, després de pagar 1.160 lliures, el primer membre de la saga familiar es va fer amb les regnes de la botiga: Pere Fortessa, sobrenomenat 'el botiguer'.

El 1685 va ser l'any en què, després de pagar 1.160 lliures, el primer membre de la saga familiar es va fer amb les regnes de la botiga: Pere Fortessa, sobrenomenat 'el botiguer'

L'obertura de la tenda va coincidir amb la incipient diversificació econòmica que viuria l'illa al llarg del segle XVIII, en la qual el sector tèxtil i les manufactures domèstiques van jugar un paper clau, desenvolupant-se una indústria que combinava les labors agrícoles amb el filat, el teixit i la confecció de peces de llana, lli i, més endavant, mescles amb cotó. A la fi del segle, Mallorca comptava amb entre 650 i 870 telers i produïa anualment unes 9.000 mantes, destinades gairebé íntegrament a l'exportació. Com apunta el catedràtic d'Història i Institucions Econòmiques Carles Manera a les seves investigacions al respecte, la major de les Balears portava segles especialitzada en la intermediació comercial entre la península, el nord d'Àfrica i l'arc Marsella–Sicília, una vocació exterior que s'havia reforçat després de la seva incorporació definitiva a la Corona d'Aragó en 1343 i que va continuar marcant la seva estructura econòmica durant l'Edat Moderna.

A diferència d'altres regions peninsulars on la industrialització es va concentrar en grans nuclis urbans, Mallorca va desenvolupar un model híbrid, similar al d'algunes àrees de Flandes o el nord d'Itàlia: una economia de proximitat, sostinguda per petits comerciants, mercaders i tallers familiars, que permetia absorbir mà d'obra pagesa, femenina i artesanal. En aquest ecosistema, les merceries no eren comerços marginals, sinó peces centrals del proveïment quotidià, essencials per a una societat que encara confeccionava, reparava i reutilitzava la roba com a part de la seva vida diària.

“En nom de Deu nostre Senyor y de la sua Divina gracia...”

Des de 1685, la història de Ca Donya Àngela no s'entén sense la de la família que l'ha sostingut durant més de tres segles. Miquel pertany a l'onzena generació que ha treballat rere els mostradors, però abans que ell hi van treballar el seu pare, el seu avi, el seu besavi i una llarga cadena de noms que apareixen a documents, fotografies i escriptures acuradament conservats i que permeten reconstruir com el negoci va anar canviant de mans dins del mateix cercle familiar. Alguns estan exposats a la botiga, entre ells la fotocòpia d'una acceptació d'herència de 1770, un document que Miquel considera “clau” per conèixer com diversos germans van heretar la merceria de part del seu oncle.

Miquel pertany a l'onzena generació que ha treballat rere els mostradors, però abans que ell hi van treballar el seu pare, el seu avi, el seu besavi i una llarga cadena de noms que apareixen en documents, fotografies i escriptures acuradament conservats

“En nom de Deu nostre Senyor y de la sua Divina gracia Amen. Sia cosa manifesta y not(ori)a que nosaltres Domingo, Guillem, y Rosa Tarongi germans, fills de Guillem, y de Francina Aguilo conyuges ja Diffunts, naturals y moradors de la present Ciutat de Palma [...] firmarem y convinquerem la divisio de la heretat, y bens immobles de Rafel Joseph Aguilo alias Variada fill de Honofre qm (difunt) nostron onclo juntament ab Maria Ignacia Aguilo, y Maria Anna Aguilo germanas, que fonch apreciada y convinguda nostre de nosaltre dits pars...”, resa part del document amb el llenguatge típic de les escriptures i divisions d'herència que es feien a la Mallorca de l'Antic Règim. L'escrit combina català jurídic mallorquí amb fórmules notarials en castellà, cosa molt habitual al segle XVIII.

El futur de Ca Donya Àngela

Les fotografies penjades a la botiga completen el relat escrit. En una d'elles apareix el besavi de Miquel i Angèlica al costat de la seva àvia, el seu pare i el seu oncle. En una altra, el seu avi Nicolàs, marit d'Àngela Bonnin, la dona que acabaria donant nom popular a la merceria. Miquel confessa que, fins al tancament de la botiga, hi havia clients que recordaven el seu progenitor: “Molts d'ells em deien: 'Cada dia t'assembles més al teu pare'”. El propietari va començar a treballar a la merceria sent tot just un adolescent. “Fa 48 anys”, precisa. Altres germans van prendre camins diferents. A ell li va tocar continuar, gairebé com una decisió presa en família, amb una condició clara: no reproduir la vida sense descans del seu pare, que “no tenia vacances ni dies lliures quan hi havia feina”. Durant dècades, la botiga va funcionar amb dependentes, amb l'ajuda de la seva dona i amb una clientela fidel que encara avui el recorda pel seu nom.

Ara, amb la persiana abaixada, el futur del local és incert. “Som sis germans i cal decidir-ho”, diu. L'únic clar és que ell es jubila. Amb aquest gest s'interromp una cadena que ha sobreviscut a la Inquisició, a les desamortitzacions, a la industrialització, al turisme i a la desaparició del veïnat. No hi ha èpica en el seu comiat, però sí una certesa: Palma no només perd una merceria, sinó un taller d'habilitats i sabers quotidians.

Encajada entre tiendas de souvenirs, pisos turísticos y franquicias que se suceden con rapidez, Ca Donya Àngela celebra en su fachada la fecha fundacional de su andadura: 1685. Desde entonces, once generaciones han trabajado tras sus mostradores. Con más de tres siglos a sus espaldas, es la mercería más antigua de Mallorca y presumiblemente también de España, como la han definido los estudios históricos y lo acredita la ingente documentación sobre su actividad. El local ha sobrevivido a transformaciones urbanas, cambios políticos e incluso a la Inquisición, que se ensañó con su primer propietario –de origen chueta, es decir, descendiente de los judíos sefardíes que se establecieron en la isla– y confiscó el negocio. Desde entonces lo ha regentado la misma familia. Hasta ahora: la jubilación de su actual propietario, Miquel Aguiló, ha puesto fin a 340 años de rutinas compartidas con los vecinos y a una manera de entender la ciudad prácticamente desaparecida.

“Aquí, en el centro de Palma, moverse ya no pinta nada. Todo son guiris y alquiler turístico. No compran cosas de mercería. La gente de Palma ya no llega hasta aquí y, si llega, es para pasear”, comenta Miquel, quien, junto a su hermana, Angèlica, atiende a elDiario.es entre miles de botones ordenados por tamaños, colores y épocas, fulares, medias y cajoneras repletas de hilos, último rastro tangible de una economía de proximidad que hoy resulta difícil de mantener. Detrás del gesto íntimo de un comerciante que se jubila hay factores estructurales que explican por qué cada vez cuesta más mantener el pequeño comercio tradicional en Palma: la desaparición del vecindario de toda la vida –ahora sustituido por turistas– y la irrupción de las grandes superficies y del comercio a gran escala han ido arrinconando la botica hasta dejarla sin el tejido humano que durante siglos la ha mantenido viva. Para Aguiló, el final de Ca Donya Àngela es también el retrato de una ciudad que ha dejado de serlo para sus habitantes.

En los alrededores, el entorno se ha vuelto volátil: los rótulos cambian, los usos se diluyen y el comercio deja de tener raíces, convirtiendo la calle Jaume II, en pleno casco histórico, en un corredor de consumo pasajero en el que ya casi nada está pensado para quien vive, sino para quien pasa. No solo eso. Miquel señala que las históricas fachadas de esta céntrica vía se han transformado en los últimos años en un reclamo para fotos. Lo delata una pequeña caja que aguarda tras el mostrador: es una hucha simbólica que reza “Foto 1 euro”. Y es que la mercería, como otros comercios tradicionales de la zona que antaño eran espacios de intercambio cotidiano, se ha convertido en un lugar para visitantes que no compran. “A nosotros no nos molesta que entre alguien, salude, te compre algo y te pregunte: ‘¿Puedo hacer una foto?’. Lo que molesta es que entren, no te miren a la cara, hagan dos fotos y se vayan sin decir ni hola ni adiós”, asevera Miquel. Pese a la presencia de la hucha, señala, “nadie ha echado ni un euro”.

A nosotros no nos molesta que entre alguien, salude, te compre algo y te pregunte: '¿Puedo hacer una foto?'. Lo que molesta es que entren, no te miren a la cara, hagan dos fotos y se vayan sin decir ni hola ni adiós', asevera el propietario. La mercería tiene una hucha simbólica que reza 'Foto 1 euro'. 'Nadie ha echado ni un euro nunca', lamenta el dueño

“Cada vez hay menos población local”

La desaparición del vecindario es una constante en su relato. “Muy poca, muy poca. Cada vez hay menos”, dice sobre la población local: “Está todo muy caro. Las fincas antiguas las compran, las reforman y las destinan al alquiler turístico. O alguien que tiene mucho dinero se hace una casa unifamiliar donde antes había tres o cuatro pisos”. Para el pequeño comercio, el resultado es demoledor: “Apenas quedamos comercios tradicionales. Todo se hace de cara al turismo”.

Aguiló sitúa otro punto de inflexión en la llegada de las grandes superficies. “Se empezó a notar cuando abrió El Corte Inglés de las Avenidas”, recuerda. La irrupción en 1995 de este gran almacén simbolizó modernidad, pero también alteró los hábitos de consumo: muchas compras que antes se repartían entre mercerías, zapaterías, ferreterías o tiendas de tejidos pasaron a concentrarse en un único espacio. Con el tiempo, esa lógica se intensificó con la llegada de nuevas cadenas y superficies como Carrefour, Alcampo y otros grandes centros comerciales de las afueras, que terminaron de consolidar un modelo basado en el volumen, el precio y la estandarización, engullendo a decenas de pequeños comercios especializados. “La facilidad de ir con el coche, aparcar gratis y encontrar de todo se nota mucho”, apunta Miquel.

El último propietario de la mercería más antigua de Mallorca recuerda que “antes la gente se lo hacía todo: los pantalones, las camisas, los jerséis... hasta que empezó a salir más barato comprarlo hecho que hacerlo”. No en vano, más atrás en el tiempo, el establecimiento enviaba las telas a su clientela y “tenía absolutamente de todo, incluso colonias y perfumes”, comenta Miquel, quien se gira un instante para dirigir su mirada a un antiguo anuncio publicado en prensa sobre los productos de la tienda: “Artículos de oro chapeado, abanicos, corbatas...”. El establecimiento fue reduciendo su oferta a medida que el consumo se industrializaba, dejando atrás aquel modelo casi total de 'tienda-mundo' que abastecía la vida cotidiana de un barrio entero. Más adelante, el comercio del centro comenzó a quedarse atrapado entre la falta de residentes y la pérdida de hábitos.

La historia de Ca Donya Àngela está atravesada también por uno de los episodios más oscuros de Mallorca: la Inquisición. Aguiló conserva documentación que sitúa el local en el centro de las persecuciones contra los judíos conversos: revela que un noble, Baltasar Contestí, vendió el local a un chueta, Rafel Martí 'Barbassa' y, al cabo de varios años, se lo quedó la Inquisición“, explica. ”Sabemos que el propietario tuvo que huir de Mallorca por los autos de fe de 1692“, señala.

La documentación que tenemos dice que un noble, Baltasar Contestí, vendió el local a un chueta –descendiente de judíos conversos– y, al cabo de varios años, se lo quedó la Inquisición. Sabemos que el propietario tuvo que huir de Mallorca por los autos de fe de 1692

Miquel Aguiló — Propietario de Ca Donya Àngela

La mercería, una antigua oficina de Derecho del Sello

Pero antes de la irrupción del Santo Oficio y de la fundación de la mercería, los documentos señalan que el local acogió una oficina del Derecho del Sello, un impuesto sobre los tejidos y otras mercancías instaurado en 1376 por Pedro IV de Aragón en un contexto de fuerte presión fiscal derivada de las guerras y de las necesidades de la Hacienda real, y ratificado posteriormente por Fernando el Católico en 1499 para reforzar su control y recaudación. El gravamen obligaba a marcar –sellar– los paños para certificar que habían pagado el tributo y su gestión se llevaba a cabo a través de oficinas específicas. Que el local de Ca Donya Àngela albergara la oficina del Derecho del Sello confirma su vinculación temprana al comercio textil y sitúa el edificio dentro de los circuitos económicos y administrativos que regulaban la producción y venta de telas en la Mallorca bajomedieval, mucho antes de convertirse en mercería.

Los antiguos nombres de la calle Jaume II hacían alusión, de hecho, a las actividades que centralizaba: además de denominarse calle del Segell por la presencia de la oficina, se llamó calle dels Bastaixos en alusión a los cargadores y transportistas que trabajaban en la zona, remitiendo a su papel como eje económico y administrativo de Palma, principalmente en relación con el comercio textil, el tránsito de mercancías y la fiscalidad. Asimismo, la vía formaba parte de uno de los calls de Palma, el entramado urbano donde residía la comunidad judía mallorquina, cuya labor mercantil fue clave en la economía de la ciudad hasta finales del siglo XV.

La ruptura llegó con la persecución inquisitorial y las conversiones forzosas de los judíos, que culminaron en los autos de fe de 1691 y 1692 y en la violenta disolución del mundo hebreo mallorquín, acompañado de la confiscación de sus bienes y propiedades. “La Inquisición se financiaba así: denunciabas a un vecino y te quedabas con su negocio”, resume, señalando una práctica que convirtió la delación en un mecanismo habitual para redistribuir –por la fuerza– la riqueza urbana en la Mallorca de la Edad Moderna. Tras aquel proceso, la mercería cambió de manos hasta volver, paradójicamente, a propietarios descendientes de los judíos conversos que durante siglos estuvieron marcados por el estigma social. 1685 fue el año en que, tras pagar 1.160 libras, el primer miembro de la saga familiar se hizo con las riendas de la tienda: Pere Joan Bernat Fortesa, apodado 'el botiguer'.

1685 fue el año en que, tras pagar 1.160 libras, el primer miembro de la saga familiar se hizo con las riendas de la tienda: Pere Fortessa, apodado 'el botiguer'

La apertura de la tienda coincidió con la incipiente diversificación económica que viviría la isla a lo largo del siglo XVIII, en la que el sector textil y las manufacturas domésticas jugaron un papel clave, desarrollándose una industria que combinaba las labores agrícolas con el hilado, el tejido y la confección de piezas de lana, lino y, más adelante, mezclas con algodón. A finales del siglo, Mallorca contaba con entre 650 y 870 telares y producía anualmente unas 9.000 mantas, destinadas casi en su totalidad a la exportación. Como apunta el catedrático de Historia e Instituciones Económicas Carles Manera en varias de sus investigaciones, la mayor de las Balears llevaba siglos especializada en la intermediación comercial entre la península, el norte de África y el arco Marsella–Sicilia, una vocación exterior que se había reforzado tras su incorporación definitiva a la Corona de Aragón en 1343 y que siguió marcando su estructura económica durante la Edad Moderna.

A diferencia de otras regiones peninsulares donde la industrialización se concentró en grandes núcleos urbanos, Mallorca desarrolló un modelo híbrido, similar al de algunas áreas de Flandes o el norte de Italia: una economía de proximidad, sostenida por pequeños comerciantes, mercaderes y talleres familiares, que permitía absorber mano de obra campesina, femenina y artesanal. En ese ecosistema, las mercerías no eran comercios marginales, sino piezas centrales del abastecimiento cotidiano, esenciales para una sociedad que aún confeccionaba, reparaba y reutilizaba la ropa como parte de su vida diaria.

“En nom de Deu nostre Señor y de la sua Divina gracia...”

Desde 1685, la historia de Ca Donya Àngela no se entiende sin la de la familia que la ha sostenido durante más de tres siglos. Miquel pertenece a la undécima generación que ha trabajado tras los mostradores, pero antes que él estuvieron su padre, su abuelo, su bisabuelo y una larga cadena de nombres que aparecen en documentos, fotografías y escrituras cuidadosamente conservados y que permiten reconstruir cómo el negocio fue cambiando de manos dentro del mismo círculo familiar. Varios están expuestos en la tienda, entre ellos la fotocopia de una aceptación de herencia de 1770, un documento que Miquel considera “clave” para conocer cómo varios hermanos heredaron la mercería de parte de su tío.

Miquel pertenece a la undécima generación que ha trabajado tras los mostradores, pero antes que él estuvieron su padre, su abuelo, su bisabuelo y una larga cadena de nombres que aparecen en documentos, fotografías y escrituras cuidadosamente conservados

“En nom de Deu nostre Señor y de la sua Divina gracia Amen. Sia cosa manifesta y not(ori)a que nosaltres Domingo, Guillem, y Rosa Tarongi germans, fills de Guillem, y de Francina Aguilo conyuges ya Diffunts, naturals y moradors de la present Ciutat de Palma [...] firmarem y convinquerem la divisio de la heretat, y bens immobles de Rafel Joseph Aguilo alias Variada fill de Honofre qm (difunt) nostron onclo juntament ab Maria Ignacia Aguilo, y Maria Anna Aguilo germanas, que fonch apreciada y convinguda nostre de nosaltre dits pars...” (“En nombre de Dios nuestro Señor y de su Divina gracia. Amén. Sea cosa manifiesta y notoria que nosotros Domingo, Guillem y Rosa Tarongi, hermanos, hijos de Guillem y de Francina Aguiló, cónyuges ya difuntos, naturales y moradores de la presente ciudad de Palma [...] firmamos y convinimos la división de la herencia y bienes inmuebles de Rafel Joseph Aguiló, alias Variada, hijo de Honofre, ya difunto, nuestro tío, juntamente con Maria Ignacia Aguiló y Maria Anna Aguiló, hermanas, la cual fue tasada y convenida por todos nosotros...”), reza parte del documento con el lenguaje típico de las escrituras y divisiones de herencia que se realizaban en la Mallorca del Antiguo Régimen. El escrito combina catalán jurídico mallorquín con fórmulas notariales en castellano, algo muy habitual en el siglo XVIII.

El futuro de Ca Donya Àngela

Las fotografías colgadas en la tienda completan el relato escrito. En una de ellas aparece el bisabuelo de Miquel y Angèlica junto a su abuela, su padre y su tío. En otra, su abuelo Nicolás, marido de Àngela Bonnin, la mujer que acabaría dando nombre popular a la mercería. Miquel confiesa que, hasta el cierre de la tienda, había clientes que recordaban a su progenitor: “Muchos de ellos me decían: 'Cada día te pareces más a tu padre'”. El propietario empezó a trabajar en la mercería siendo apenas un adolescente. “Hace 48 años”, precisa. Otros hermanos tomaron caminos distintos. A él le tocó continuar, casi como una decisión tomada en familia, con una condición clara: no reproducir la vida sin descanso de su padre, que “no tenía vacaciones ni días libres cuando había trabajo”. Durante décadas, la tienda funcionó con dependientas, con la ayuda de su mujer y con una clientela fiel que aún hoy lo recuerda por su nombre.

Ahora, con la persiana bajada, el futuro del local es incierto. “Somos seis hermanos y hay que decidirlo”, dice. Lo único claro es que él se jubila. Con ese gesto se interrumpe una cadena que ha sobrevivido a la Inquisición, a las desamortizaciones, a la industrialización, al turismo y a la desaparición del vecindario. No hay épica en su despedida, pero sí una certeza: Palma no solo pierde una mercería, sino un taller de habilidades y saberes cotidianos.

La han abrazado desde la generación Z, con la que conecta en estética en pleno auge de la nostalgia y que se ha trasladado en una relación entre moda y futbol que rescata las camisetas más icónicas de los 80 y los 90. A ella ayuda que se ha hecho viral al haberla abrazado tanto deportistas como Alexia Putellas o celebrities como Rosalía, Kendall Jenner o Dua Lipa.

Qué es el ‘blokecore’ y por qué es tendencia de moda

La tendencia de moda urbana que combina trajes o pantalones vaqueros con camisetas de fútbol o zapatillas deportivas, sobre todo si son ‘vintage’, es lo que recibe el nombre de ‘blokecore’, que aporta la esencia de la pasión futbolista y la estética de hace décadas, que ha vuelto con fuerza también en otros aspectos.

La estética ‘blokecore’ tiene dos elementos principales dentro de la tendencia que son clave: las camisetas y las zapatillas que se combinan con piezas como pantalones vaqueros, faldas o trajes sastre, lo que ha creado además una microtendencia llamada ‘blokettecore’ que mezclan accesorios de fútbol con prendas tradicionalmente femeninas como zapatos de tacón o faldas plisadas.

La tendencia, en un contexto de predominio de la nostalgia en diferentes industrias, es una página más de los libros de historia en la que moda y fútbol se han retroalimentado, con estilistas tomando influencia del mundo del deporte, algo que también ha hecho que algunas camisetas de futbol se hayan convertido en piezas codiciadas y ha creado un mercado de segunda mano en auge.

De hecho, el precio de algunas camisetas ‘vintage’ icónicas han alcanzado hasta las cuatro cifras, como recoge un reportaje de EFE, donde el responsable de la tienda CamiClásica, Gonzalo Pérez, afirma que se puede comprar “una del Real Madrid de la temporada 1989/90 por 725 euros”.

A la vez, la tendencia ‘blokecore’ también ha propiciado colaboraciones entre marcas de deporte o equipos de fútbol con marcas de moda y de lujo como es el caso de Balenciaga o Gucci, algo que todavía puede ir a más teniendo en cuenta que este 2026 es año de Mundial.

El origen del ‘blokecore’: de las gradas inglesas a Oasis

Para escarbar en el origen de esta tendencia de moda tenemos que ir hacia las gradas de los estadios de fútbol inglés durante la década de los 80 y los 90, cuando nació un estilo asociado a la pasión por el fútbol y con la idea de generar unión entre los aficionados, sentirse parte de un grupo.

Fue ya a mediados de los 90 cuando ya ganó popularidad por el estilo de los grupos de britpop, Oasis o ‘The Stone Roses’, que hizo que fuera imitado por sus aficionados, aunque sería con la generación Z cuando ha vuelto a revivir, junto a la nostalgia.

Así, la palabra ‘blokecore’ fue acuñado por Brandor Huntley, tiktoker americano, en 2021, procedente de la jerga callejera de Inglaterra, donde ‘bloke’ significa “compañero” al mismo estilo que se usan ‘bro’ o ‘dude’. A su vez, en el verano de 2022, a raíz de vestirlo personalidades como Bella Hadid o el futbolista Héctor Bellerín alcanzó uno de sus mejores momentos, que volvió durante las celebraciones del Mundial que ganó Argentina en Qatar.

El comienzo de enero marca uno de los momentos más importantes del año para el consumo en España. Tras varias semanas de gasto concentrado durante la Navidad, muchas personas esperan la llegada de las rebajas de invierno para realizar compras pendientes o acceder a productos de temporada a precios más bajos. Este periodo se ha consolidado como una referencia en el calendario comercial y continúa generando un elevado interés entre los consumidores.

Aunque desde hace años no existe una fecha única obligatoria para el inicio de las rebajas, la práctica ha establecido un marco común que se repite ejercicio tras ejercicio. Las principales tiendas de moda y grandes cadenas aprovechan los primeros días de enero para poner sus ofertas. Esta coincidencia facilita la planificación de las compras y mantiene una cierta estabilidad en las expectativas del público.

En 2026, el arranque de las rebajas vuelve a situarse en torno a esas mismas fechas, con un papel destacado del comercio electrónico y con diferencias entre el inicio online y la apertura de descuentos en tiendas físicas. Marcas como Zara, Mango o El Corte Inglés encabezan una campaña que, aunque mantiene esquemas conocidos, sigue evolucionando en función de los hábitos de compra y del peso creciente de los canales digitales.

Cuándo empiezan las rebajas de enero de 2026

Las rebajas de invierno de 2026 comenzarán de forma generalizada en la noche del 6 de enero, una vez finalizada la celebración del Día de Reyes. Ese día, la mayoría de las grandes cadenas activarán los descuentos en sus plataformas digitales, mientras que las tiendas físicas lo harán a partir del 7 de enero. Esta diferencia entre canales se ha convertido en una constante en los últimos años y responde a la estrategia de priorizar el acceso online a las ofertas.

Zara, como principal marca del grupo Inditex, iniciará las rebajas primero en su aplicación móvil y en su página web durante la tarde del 6 de enero. Al día siguiente, el 7 de enero, los descuentos llegarán a sus tiendas físicas en toda España. Este mismo calendario se aplicará al resto de marcas del grupo, entre ellas Pull&Bear, Bershka, Stradivarius, Massimo Dutti, Oysho, Zara Home y Lefties, que suelen coordinar el inicio de sus campañas de rebajas.

El Corte Inglés seguirá un esquema similar. Aunque la compañía mantiene promociones previas en algunas categorías antes del inicio oficial de las rebajas, la campaña de invierno comenzará de forma general en la noche del 6 de enero en su canal online. Las tiendas físicas aplicarán los precios rebajados a partir del 7 de enero, dando inicio a una de las campañas más importantes del año.

Mango también situará el comienzo de sus rebajas de invierno en torno al 7 de enero. No obstante, la marca ofrece en algunos casos acceso anticipado a determinados clientes registrados, que pueden beneficiarse de los descuentos antes de la fecha general. Esta fórmula se enmarca en las estrategias de fidelización que muchas empresas han incorporado en los últimos años, especialmente en el entorno digital.

Otras cadenas con presencia destacada en el mercado español, como H&M, Sfera o las marcas del grupo Tendam, también iniciarán sus rebajas en fechas similares, aunque algunas han activado promociones o ventas privadas con anterioridad. Estas acciones no sustituyen a la campaña oficial de rebajas, pero permiten adelantar parte de las ventas y escalonar la demanda durante los primeros días de enero.

En cuanto a los precios, las rebajas suelen empezar con primeros descuentos que, en la mayoría de los casos, rondan entre el 20% y el 30%. A medida que avanza el mes, muchas marcas incrementan los porcentajes para dar salida al stock restante, lo que prolonga la campaña durante varias semanas. Este sistema escalonado hace que las rebajas no se concentren en un único momento, sino que se desarrollen de forma progresiva a lo largo de enero.

En 2026, las rebajas siguen un patrón conocido: empiezan después de Reyes, se adelantan primero en internet y continúan varias semanas más. Cada empresa puede decidir su calendario, pero la mayoría coincide en fechas que ya forman parte del hábito de consumo en España, convirtiendo los primeros días del año en uno de los periodos preferidos por los consumidores para comprar.

Cada diciembre llega puntual la misma pregunta: ¿quién decidió que los jerséis navideños son “feos”? La respuesta, como casi todo en la cultura pop estadounidense, mezcla nostalgia doméstica, televisión de los 80, una buena dosis de ironía y un giro final que convierte algo kitsch en un fenómeno millonario. Hoy, el Ugly Christmas Sweater Day —el tercer viernes de diciembre— mueve campañas enteras en redes, llena oficinas de renos bordados y luces LED, y ha cruzado el Atlántico para instalarse sin complejos en España. Pero esta historia, como tantas otras, empezó en un salón familiar y no en un catálogo de moda.

De las abuelas al escaparate: los primeros jerséis navideños

Antes de ser una prenda viral, el jersey navideño fue simplemente un gesto cariñoso. A comienzos del siglo XX, muchas abuelas estadounidenses pasaban el año tejiendo jerséis para hijos y nietos. En algún momento —no hay consenso histórico sobre el cuándo exacto— alguien decidió que podía ser divertido incluir motivos invernales o directamente navideños. Copos, renos, flores, campanas… patrones sencillos que buscaban abrigar y alegrar el invierno, no provocar risas nerviosas en una cena de empresa.

La moda se disparó en los años 50, cuando los catálogos empezaron a ofrecer los llamados Jingle Bell Sweaters: piezas que recordaban a los jerséis de après-ski, pero teñidas de rojo, verde y blanco. Lejos de ser extravagantes, eran acogedores, tradicionales y alegres. Y, como siempre, el mercado hizo el resto.

La televisión, culpable de su salto a la cultura pop

El verdadero punto de inflexión llegó en los años 80. Bill Cosby, en The Cosby Show, convirtió el jersey recargado en sello personal. Aquello abrió la puerta a una tendencia que la televisión abrazó sin pudor: cada capítulo navideño de cada sitcom incluía al menos un personaje con un jersey chillón.

Y entonces llegó el cine. El diario de Bridget Jones (2001) hizo más por la fama del jersey navideño feo que cualquier campaña publicitaria. El suéter verde con un reno bordado que llevaba Colin Firth marcó un antes y un después: de prenda anticuada pasó a icono cultural. Si salía en una comedia romántica que iba a verse repetida cada Navidad, el jersey ya estaba oficialmente bendecido por la cultura pop.

Poco después, la tradición norteamericana se consolidó con un evento propio.

En 2002, dos jóvenes canadienses —Chris Boyd y Jordan Birch— organizaron en Vancouver la primera Ugly Christmas Sweater Party. El objetivo era recaudar fondos para la lucha contra el cáncer, y el único requisito era asistir con un jersey navideño “feo”. El éxito fue inmediato. Se repitió al año siguiente, y al siguiente… y las empresas empezaron a copiar la idea para sus propias fiestas.

De ahí surgió un negocio que hoy se mueve entre la moda, el humor y el coleccionismo. En 2012, tres hermanos de Detroit compraron el dominio UglyChristmasSweater.com y lo convirtieron en un imperio: jerséis en 3D, modelos con luces incorporadas, parejas coordinadas y líneas infantiles para que toda la familia vaya a juego. Las ventas alcanzan cifras millonarias cada temporada.

Hollywood, por supuesto, no se quedó atrás: El Grinch, Sólo en casa, Cómo conocí a vuestra madre, Step Brothers, Fiesta de Empresa, Modern Family… cada aparición reforzaba la tradición.

Del folclore estadounidense al cajón de casa en España

Hace una década, en España esta costumbre era apenas una anécdota que veíamos en películas. Hoy forma parte de celebraciones en escuelas, oficinas y hasta fiestas locales que organizan concursos: “el más feo”, “el más original”, “el mejor hecho a mano”.

Y, curiosamente, la estética ha evolucionado tanto que ya no todos son feos. Muchos diseñadores los reinterpretan con patrones cuidados, guiños irónicos o versiones minimalistas. Ya no sirven solo para bromear: se han convertido en una alternativa real para cenas, fiestas familiares o reuniones informales de diciembre.

El sector de la moda y la industria textil se encuentra ante un reto complejo, pero cargado de ilusión para los profesionales del sector, que está centrado en lograr la sostenibilidad y la circularidad completa del ciclo de vida de cada prenda. Este desafío exige asumir una producción, distribución, venta y tratamiento de los residuos que sea verdaderamente responsable con el medio ambiente. Y precisamente es este el contexto al que llega “Circular III: Encuentros de Moda Circular y Sostenible”, foro fundamental que se consolida tras el éxito de sus dos ediciones anteriores y que se celebra mañana viernes y el sábado en el Museo del Traje de Madrid.

El evento está coorganizado por el Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico (MITECO), el Ministerio de Cultura, el Museo del Traje y Moda re-, una cooperativa de iniciativa social de Cáritas y referente nacional en economía circular textil. El encuentro reunirá a más de 200 personas tanto para asistir a las ponencias en el salón de actos como para participar en los talleres didácticos. La asistencia, además, es gratuita previa reserva. La jornada del viernes arrancará a las diez de la mañana con la inauguración a cargo de Miguel González Suela, subsecretario para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico del MITECO, además de la directora del Museo del Traje, Helena López del Hierro. El programa del evento quiere poner el foco en el liderazgo de España en este ámbito, siendo el primer debate la mesa redonda titulada “España, epicentro en gestión circular de moda”.

En este primer espacio participarán ponentes clave en innovación y buenas prácticas, incluyendo a Alejandro Dorado, Comisionado para la Economía Circular del MITECO, y Noema Paniagua, directora general de Moda re-. También participarán Juan Ramón Meléndez de Re-viste, la Asociación para la Gestión del Residuo Textil y del Calzado, y Ramón Ríos de Textil Santanderina, empresa referente en la aplicación de políticas de sostenibilidad. El debate sobre el papel pionero de España en la circularidad textil será moderado por la periodista Laura Pintos.

El papel de las mujeres en la economía circular será el tema central de la segunda mesa de debate, moderada por Pilar Prior, consultora experta en sostenibilidad y cadena de valor textil. Esta conversación abordará la dimensión social de la circularidad, con la participación de Marina Arnau (Fundació Formació i Treball), que promueve el acceso laboral a personas en riesgo de exclusión, María Luz Ferro (red Koopera), que impulsa la inserción mediante el reciclaje textil, y Mariola Marcet (Upcyclick), junto a la diseñadora de moda sostenible y referente internacional María Lafuente. Posteriormente el sector del calzado será protagonista con el bloque “Shoestainability”, que centrará las reflexiones sobre la evolución y la innovación del sector. La mesa la compondrán Patricia González Aldea, periodista y autora del libro Historia del calzado. Emblema del poder y la seducción, quien conversará con Borja Mateu Romero (Inescop) y Pilar Diéguez (Flabelus).

El ciclo de conferencias acabará con la charla “Circularidad con alma rural: la lana”, con la que se quiere destacar la recuperación de la lana de ovino como una oportunidad de desarrollo sostenible y reactivación del medio rural. La mesa que buscará la conexión de la recuperación de oficios tradicionales con las nuevas cadenas de valor, será moderada por Mercedes Rodríguez, subdirectora del Centro Superior de Diseño de Moda de Madrid - Universidad Politécnica de Madrid e intervendrán Adriana Cagigas (Wool4Life), Camila Lanzas (Ábbatte), Fernando García Dory (Campo Adentro) y Luis A. Calderón, alcalde de Paredes de Nava (Palencia), municipio que ha constituido la Mesa de la Lana. 

Otro de los momentos destacados por los organizadores de “Circular III: Encuentros de Moda Circular y Sostenible” será la constitución y presentación de la nueva Alianza Moda re(d). Esta iniciativa busca agrupar a empresas, entidades e instituciones con el fin de construir una moda más justa, circular y sostenible. Su objetivo es generar nuevas vías de colaboración que fortalezcan el ecosistema de la moda de impacto ecosocial. Además, el encuentro pondrá en valor el lado más creativo de la moda sostenible utilizando la danza como hilo conductor. De ahí que jóvenes bailarines de la compañía Escuela de Danza Smile, de Palencia, protagonizarán diversas coreografías inspiradas en la circularidad y la reutilización textil.

La parte práctica

Como parte de las actividades complementarias, la artesana Raquel Atienza impartirá tres talleres creativos de moda sostenible a lo largo de los dos días del encuentro. Habrá dos talleres vespertinos durante el viernes, dirigidos a profesionales y personas interesadas en la moda circular mayores de 18 años, incluyendo la sesión “Convierte una camiseta vieja en charms únicos” , que pretende enseñar a crear accesorios con trapillo y macramé, y “Convierte tus vaqueros usados en una tote bag”, que busca darle una segunda y original vida unos viejos pantalones.

Durante la jornada del sábado tendrá lugar en este caso un taller familiar titulado “Convierte una camiseta vieja en un duende navideño”, dirigido a los más pequeños de la casa. Estos encuentros prácticos y formativos se enmarcan en la urgencia identificada por el MITECO, ya que el sector textil es clave en la transición a la economía circular debido a su alto consumo de recursos y a su preocupante impacto ambiental. La meta establecida por la Unión Europea es clara, estableciendo la meta de 2030, año en el que los productos textiles deberían ser duraderos, reciclables y fabricados con un alto contenido de fibras recicladas, un objetivo que “Circular III: Encuentros de Moda Circular y Sostenible” busca impulsar mediante el debate para consolidar el liderazgo y la competitividad española en sostenibilidad textil.

Una colección de trajes elaborados por mujeres supervivientes de trata que participan en los programas de formación de APRAMP forma la exposión ‘Puntadas de dignidad', que ha impulsado el Gobierno de La Rioja ha impulsado la exposición ‘Puntadas de dignidad' en el marco del 25N, que este año pone el foco en la trata de mujeres y la prostitución. Cada pieza va acompañada de testimonios en primera persona que narran su proceso de recuperación, el descubrimiento de nuevas vocaciones y la reconstrucción de una vida autónoma lejos de la explotación. Se puede visitar hasta el 20 de diciembre en la sala de exposiciones del Instituto Riojano de la Juventud (IRJ), en la calle Muro de la Mata.

La consejera de Salud y Políticas Sociales del Gobierno de La Rioja, María Martín, acompañada por la directora ejecutiva de la Asociación para la Prevención, Reinserción y Atención a la Mujer Prostituida (APRAMP), Rocío Mora, la subdirectora general de Igualdad, Begoña Marañón y el director del IRJ, Juan Diego Alcaide, ha participado hoy, día 26, en la inauguración de la exposición ‘Puntadas de dignidad’, organizada por APRAMP.

Durante el acto, la consejera ha subrayado el compromiso del Gobierno de La Rioja en la lucha contra la explotación sexual y la trata de mujeres y niñas. “La trata no es una elección, sino una de las formas más extremas de violencia y esclavitud contemporánea. Una de las violaciones más graves de los derechos y una de las expresiones más crueles de la desigualdad entre hombres y mujeres”, ha dicho.

La consejera ha puesto en valor el trabajo desarrollado por APRAMP y ha destacado que “a través de la formación, del acompañamiento integral y de oportunidades reales de empleo, cualquier mujer víctima de trata puede reconstruir su proyecto de vida y salir de ese infierno”. En este sentido, apelando al lema institucional de este año: ‘No es elección, es explotación’. ha insistido en que “el Gobierno de La Rioja y toda la sociedad riojana estamos del lado de estas mujeres, dispuestos a acompañarlas y a combatir esta lacra con todos los medios disponibles”.

La directora ejecutiva de APRAMP, Rocío Mora, ha señalado que este 25N es “un día emocional y duro”, pero también necesario para explicar “qué estamos haciendo, qué retos tenemos y qué queremos conseguir”. Mora ha agradecido el apoyo del Gobierno de La Rioja, “una comunidad que ha decidido mirar de frente y actuar”, y ha recordado que, si ya es difícil salir de la violencia de género en la pareja, “mucho más lo es cuando detrás hay redes criminales organizadas”.

Asimismo, ha recalcado que la mayoría de las mujeres atendidas —procedentes de 49 nacionalidades— “no quieren estar ahí, no es una decisión libre”, y ha insistido en la necesidad de alzar la voz ante una realidad que también afecta a mujeres españolas captadas a través de las redes sociales. Mora ha puesto en valor el trabajo integral de APRAMP, que atiende cada año a más de 5.550 mujeres, forma a más de 650 y acompaña a unas 150 en procesos penales, y ha destacado el papel de la formación y el empleo como herramientas de recuperación, así como la colaboración de empresas y administraciones.